the black keys . the rapture . david cronenberg

Transcripción

THE BLACK KEYS . THE RAPTURE . DAVID CRONENBERG . DORIAN . PETER HOOK . THE DRESDEN DOLLS
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EN PORTADA
32 Bajo el sombrero de TOM WAITS
/FILTERMexico
@FILTERMexico
PRINCIPALES
22 THE BLACK KEYS: Una breve historia de cómo lo lograron
26 DAVID CRONENBERG: Explotando el ego
28 THE RAPTURE: El renacimiento
ARTISTA DEL MES
20 THE DRESDEN DOLLS
TRUBUTO
44 PETER HOOK: Lo que no sabías del Unknown Pleasures de Joy Division
PAISAJES SONOROS
12 SUECIA: Way Out West Festival de Suecia
LES PRESENTAMOS A…
14 REAL ESTATE
15 GOTYE
16 LINDSTRØM
YA DEBERÍAS CONOCER A…
18 DORIAN
ENDNOTE
46 CAMERON CROWE y su fijación por los setlists
1.FILTER
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Publisher
Breakfast Media
Director Editorial
Milton Barboza
[email protected]
Editor en Jefe
Andrés Díaz
Traducción y Redacción
Mara Vargas, Anna Stephens,
Paulina García, Paola del Castillo
Corrección de Estilo
Berenice Andrade
Coordinador de Arte
Oliver Barrón
Fotografía
Rodrigo Jardón
Gerente de Producción & Operación
Paola Palazón Seguel
[email protected]
Editora Web
Paulina García
Ventas
Miguel Ángel Gómez
[email protected]
FILTER México, Año 1, No. 2, (15 de diciembre 2011 a 31 de enero 2012), es una publicación de una periodicidad de cada 6 semanas editada y
publicada por Breakfast Media, S.A. de C.V. Mariano Escobedo 498, Piso 1, Colonia Anzures. CP 11590. México. Teléfonos 62650339 / 62650366 /
62650367 / 62650368. Editor responsable: Carlos Alberto Miguel Hernández Verástegui. Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título No. 04-2011083012492100-102, ISSN en trámite. Certificado de Licitud de Título y Contenido No. 15399, otorgado por la Comisión Calificadora de Publicaciones
y Revistas Ilustradas de la Secretaría de Gobernación. Registro de Padrón Nacional de Medios Impresos en trámite. Impresa por Milenio Diario
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número se terminó de imprimir el 13 de diciembre de 2011 con un tiraje de 25,000 ejemplares.
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SCRIBES
Ethan Alley, A.D. Amorosi, Jeffrey Brown, Kendah El-Ali, Jon Falcone, Kevin Friedman, Erin Hall, Lauren Harris, Albert Herter, Mike Hilleary, Patrick James, Jessica Jardine, Taleen Kalenderian, Daniel Kohn, John Laurie,
Kyle Lemmon, Clare R. Lopez, Kyle Mackinnel, Nevin Martell, Cass McCombs, Marissa R. Moss, Kurt Orzeck,
Loren Auda Poin, Adam Pollock, Jon Pruett, Ken Scrudato, Dom Sinacola, Zachary Sniderman, Laura Studarus,
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MARKETING
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FILTER MAGAZINE IS PUBLISHED QUARTERLY BY FILTER MAGAZINE LLC, 5908 BARTON AVE., LOS ANGELES, CA 90038.
VOL. 1, NO. 46, HOLIDAY 2011.
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©2011 FILTER MAGAZINE LLC. ALL RIGHTS RESERVED. FILTER IS PRINTED IN THE USA.
FILTERmagazine.com
2.FILTER
3.FILTER
Usa, juega y disfruta
Yo regalo, tú regalas, todos regalamos, a todos nos regalan. FILTER México
te ayuda a que sorprendas a tus amigos, chica, chico, familiares o que te
des un gusto a ti mismo. ¡Felices fiestas!
Por PAOLPS
Remeritas x Eduardo Caudillo x FILTER México
“Noise sounds better with you” fue el mensaje que colocó Eduardo Caudillo en el brazo de la chica
que ilustró la última página de nuestra edición anterior. Luego, la marca mexicana Remeritas la
convirtió en una de las prendas de su nueva colección. Y es así como FILTER México tiene su
propia playera.
Esta edición limitada de tan sólo 30 piezas está disponible desde finales de noviembre en Remeritas Store (Durango 151-A. Roma Norte). Cada una tiene un costo de $300.
El clásico pantalón Original 874 de
Dickies para chicos es uno de los
favoritos de FILTER México. Sin pinzas,
ni pliegues y de bota recta. Su corte y
estilo nunca pierden la esencia de la
marca, manteniendo a la vez un tono
moderno. Además, no se arruga y es
fácil de desmanchar: es perfecto para
guerrear en festivales, conciertos y
demás encuentros fiesteros y musicales.
Espéralos próximamente en México.
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Torreblanca
4.FILTER
¡Chicas, a morir de ternura! Este año Hello Kitty se ha
aliado con marcas como Vans, Friends With You, Forever
21 y Sephora, para lanzar productos muy divertidos. Aquí
los dos destacados de FILTER México.
La edición limitada de Vans x Hello Kitty que fue lanzada
a mitad de año en otros países, y está desde noviembre
en México. Los modelos están disponibles en las tiendas
de la marca, en las grandes departamentales.
www.vans.com.mx
Las fanáticas de Malfi y de los productos de Friends With
You amarán esta nueva colección. El case para la compu
es nuestro favorito. Sólo es cuestión de tener un P.O. Box y
picarle al add to bag.
www.friendswithyou.com
Usa, juega y disfruta
Vestir al Iphone es tan divertido
como descargar aplicaciones o
jugar Angry Birds, y este case
bigotón es un hit. Lo mejor de todo:
desde que NORDSTROM anunció
su nuevo servicio de envío a México,
se pone más interesante el asunto.
Se puede ordenar y en pocos días
está el pedido en puerta. Este case
cuesta $570 y se consigue en su
página oficial.
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La onda Quadrophenia está de regreso: italian look, cascos,
música y la elegancia mod de los 60 en nuestras calles. Una
moto puede ser además del juguete de navidad que siempre
quisiste, una salida al tráfico del que tanto nos quejamos.
Desde 2008, la empresa india LML tiene la patente para fabricar
motos scooter con el mismo diseño de las clásicas PX de Vespa, obvio con un costo para el consumidor más bajo. La LML
Star 4 de 150 cc ronda por los $36 mil 990. Desde la segunda
semana de diciembre está disponible en azul, marfil y negro en
Moto Altavista (Palmas 530, Lomas de Chapultepec).
www.motoaltavista.com.mx
de colección
Uno de los mejores discos de este año
puede ser un grato regalo. Urban Outfitters
está promocionando una edición exclusiva
del LP Hurry up, We’re Dreaming de M83
con dos discos: uno rosa y uno azul. El
precio es $24.98 dólares y, por supuesto,
UO ofrece envíos a México. Para aprovechar y sacarle jugo al shopping, vale
la pena encargar de una vez el vinyl de
Torches de Foster de People ($23.80 dólares). Sería una buena forma de empezar a
calentar motores para su visita en México.
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59 FIFTY… AMERICAN ICON
Hablar de New Era y en particular de su modelo 59Fifty,
es hacer referencia a una emblemática gorra que además
es símbolo de uno de los deportes más reconocidos y
queridos de Norteamérica, el Béisbol. La 59Fifty se ha
convertido en parte fundamental de la moda de generaciones, ya que New Era tiene 90 años en el mercado gracias a
su calidad y diseño que ya es un clásico. Nos enorgullece
darles a conocer que New Era llega a nuestro país y en
FILTER México les tenemos unos pequeños regalitos, así
que ingresen a FilterMexico.com y ganen una de estas
maravillosas gorras.
http://neweracap.com
5.FILTER
Does It Offend You, Yeah?
12
& Super MASH Bros
Noviembre
Por PAOLA DEL CASTILLO
Fotos RODRIGO JARDÓN
Después de mucha expectativa, el mundo se
unió con motivo del Smirnoff Nightlife Exchange Project en una noche por medio de una
serie de fiestas y eventos simultáneos. Con
una mezcla de ansiedad, emoción y ganas de
divertirse, los invitados llegaron listos para viajar
a Dubai y disfrutar lo mejor de su vida nocturna:
desde una impresionante decoración estilo
árabe, cocteles inspirados en ese país, kebabs,
belly dancers entre otros detalles alusivos a
una de las ciudades más importantes del Medio
Oriente en la actualidad.
Después de un DJ set de Anna Stephens,
llegó el turno de Does It Offend You, Yeah?
de subir al escenario para ofrecer su primera
presentación en México. Los originarios de
Reading, Inglaterra, iniciaron un explosivo set
con “Wrestler”, preparando a los asistentes para
temas de la misma intensidad como “Yeah!”,
“The monkeys are coming”, “Dawn of the dead”
y, probablemente la más bailada de la noche,
“We are rockstars”, canción que los hiciera
mundialmente famosos con su disco You Have
No Idea What You’re Getting Yourself Into.
Sin embargo, el ambiente fiestero no impidió
que sonaran también algunas de las piezas
correspondientes a la faceta más tranquila y
melosa de los liderados por James Rushent,
como “Epic last song” y “Pull out my insides”.
Entre las sorpresas del concierto se encontraron un cover de “Aneurysm” de Nirvana y
“Survival of the thickest”, bonus track de la
edición británica de su último disco Don’t Say
6.FILTER
We Didn’t Warn You. Tras un set de aproximadamente 75 minutos, los ingleses se despidieron del público mexicano envuelto en una ola
de euforia a la cual su frontman se dejó llevar,
rompiendo un teclado que lo acompañó durante
el concierto. La noche continuó con mash-ups
a cargo de Super Mash Bros, quienes dieron
una cátedra de cómo fiestear tal y como se
hace en su natal Los Ángeles. Los californianos
no dejaron de agradecer al público por la oportunidad de estar ahí mientras que mezclaban
canciones de todos los géneros y para todos
los gustos resultando en una de las noches más
extraordinarias del año.
Entrevista
Por ANDRÉS DÍAZ
Un fenómeno interesante que ha pasado con las
nuevas bandas inglesas es que, a pesar de la
sobrepoblación que hay, muchas insisten en ser
la próxima portada de las revistas musicales para
ampliar su tiempo de vida en conciertos y medios de
comunicación. Los integrantes de la banda originaria
de Reading, Inglaterra, opinan lo contrario, ya que con
sólo dos materiales – Don’t Say We Didn’t Warn You el
más reciente– han logrado presentarse en gran parte
del planeta sin necesidad de tener un sencillo número
uno en las listas de popularidad.
Platicamos con James Rushent, Dan Coop y Rob
Bloomfield antes de que subieran al escenario del
Smirnoff Nightlife Exchange Project.
Ustedes se han mantenido con un bajo perfil a
diferencia de otras bandas que buscan salir a
como dé lugar en las portadas de las revistas.
¿Se consideran parte de la nueva generación de
bandas inglesas?
Dan Coop: Nunca hemos sido parte de la escena
londinense. Estamos viviendo épocas oscuras
porque no nos conectamos tanto a internet, sólo nos
enteramos de qué está pasando al ver bandas nuevas
en conciertos. Sentimos que por el fácil acceso de
información se ha fragmentado la música demasiado.
James Rushent: Cuando era chico, durante los
noventa, seguir a una banda o un movimiento musical
era como seguir una religión, había un sentido colectivo de que estaba sucediendo algo. Ahora no puedes
estar al tanto de todo lo que pasa, incluso muchos
dudan de “el sabor del mes” que nos dan publicaciones como NME. Mucha gente no experimentó
movimientos como el grunge o trip hop, es por eso
que el dubstep se ha vuelto algo tan grande porque
la gente se ha identificado con él. Antes la gente
se formaba afuera de la tienda de discos a media
noche para tener el disco de su artista favorito,
¡ahora lo puedes tener dos semanas antes de que
salga! Para mí los discos están muertos, es una
lástima pero es así. A nosotros nunca nos interesó
vivir de los discos, sino de tocar en vivo.
Considerando la situación actual de la
industria musical, ¿qué es lo que hacen para
ser felices?
Rob Bloomfield: Nos encanta poner a la gente
loca en cada concierto. Es como South Park,
ellos pueden hablar o hacer lo que quieran
porque son South Park. Nosotros podemos hacer
lo que queramos siempre y cuando no nos lleve a
un lugar incómodo.
James Rushent: Muchos creen que tocar en
Inglaterra es lo mejor, en nuestro caso hemos
dado nuestros mejores conciertos en países
como China o Australia. Hay muchas bandas inglesas que llenan estadios o arenas en Inglaterra,
pero en cuanto salen de la isla no son conocidos.
Nosotros somos afortunados porque no somos
tan famosos, pero somos lo suficientemente
conocidos para tocar en cualquier lado.
Checa el resto de la entrevista en filtermexico.com
7.FILTER
KINGS OF
5 DE NOVIEMBRE / UNIVERSIDAD IBEROAMERICANA
Por ESAMIPAU!
NOVIEMBRE 1 Y 2 JOSÉ CUERVO SALÓN
Por MARA VARGAS
Son pocos los conciertos en los que el público
realmente se conecta con el artista o la banda, no
como ídolo/fan, sino en una intimidad casi de cómplices. Así fue el concierto de Kings of Convenience, quienes alcanzaron la máxima capacidad del
José Cuervo Salón por dos ocasiones. Erlend Øye
mantuvo un diálogo constante con la audiencia, no
como el semi dios parado en el altar idolatrado por
cientos de fanáticos, sino como una persona que
simplemente quería tocar.
Kings of Convenience es un dueto noruego conformado por Erlend Øye y Erik Glambek, conocido
por hacer música acústica con voces suaves y
melodías dulces, quienes tocan el género que
algunos llaman twee. El setlist de los conciertos fue
un perfecto ensamblaje de canciones extraídas de
sus tres discos: Quiet is the New Loud, Riot on an
Empty Street y Declaration of Dependence. Los
mejores momentos de la noche fueron cuando el
público se unió al dúo para interpretar algunas de
las canciones como “Know how” y “Boat behind”.
Otro momento memorable fue cuando salieron dos
mariachis junto con Bosco y Luis Fara de Quiero
Club a tocar con Erlend y Erik, cuando la euforia
y el baile finalmente explotaron en una especie de
catarsis, sobre todo en “I’d rather dance with you”.
Es un hecho que la música de Kings of Convenience es para escucharse en la tranquilidad de
un cuarto, en silencio, dejando que la música nos
envuelva. Lo mismo aplica en un concierto, el volumen del audio no es alto para enmudecer los gritos
de los eufóricos fans, es bajo al igual que las voces
y se puede perder el detalle de las notas con el
simple murmullo del público. Ese fue el conflicto en
ambos conciertos, los fans pasionales externando su emoción con gritos y chiflidos y un músico
buscando el silencio para poderse concentrar en
dar un buen concierto para ellos. A pesar de los
constantes “shhhh’s”, fue un concierto memorable
en el cual los músicos junto con el público dieron
lo mejor de sí.
8.FILTER
La parte del estacionamiento de la Universidad
Iberoamericana conocido como “La pirámide” fue
el espacio designado para que se presentaran
bandas mexicanas que han mostrado tener muy
buena recepción por parte del público como
Vicente Gayo, Dapuntobeat, Los Daniels, She’s A
Tease, La Gusana Ciega y el Instituto Mexicano
del Sonido.
Uno de los momentos más entrañables de cada
set de las bandas de la tarde fue ver cómo estas
agrupaciones han logrado crecer en el escenario
y cómo logran dominarlo en cada presentación
con todo y público. She’s A Tease, Vicente Gayo,
Dapuntobeat y el Instituto Mexicano del Sonido
fueron capaces de hacer que cualquiera que
bailara a su ritmo se olvidara del cortante frío de
Santa Fe.
La noche cayó y los miembros de Black Rebel
Motorcycle Club se presentaron ante una multitud
algo escasa pero completamente fiel. Las densas
atmósferas de las canciones hicieron buena
mancuerna con el clima y para la hora en la que
se presentaron. Éxitos de todos sus discos como
“Spread your love”, “Stop”, “Beat the devil’s tattoo”
y “Love burns” fueron coreados por los asistentes
hasta culminar con un emotivo cierre cortesía de
“Open invitation”.
El Ibero Fest concluyó como un evento tal vez
no tan afortunado para los organizadores; sin
embargo, aquellos que tuvieron la oportunidad
de ver a todas estas bandas como lo hicieron el
pasado sábado 5 de noviembre gozaron de una
grata experiencia y, sobre todo, de un día lleno de
música.
9.FILTER
>>>
PEARL JAM
NOVIEMBRE 24 EN EL FORO SOL
Por PAOLA DEL CASTILLO
Fotos CORTESÍA OCESA (SALVADOR BONILLA)
Ya con las luces prendidas del foro tuvo lugar el mejor momento de todo
el concierto: “Rockin’ in the free world”, canción original de Neil Young
Seis años pasaron desde la última vez que Eddie
Vedder, Stone Gossard, Jeff Ament, Matt Cameron
y Mike McCready trajeran su contribución al sonido
de Seattle de los noventa a México. Seis años en
los que la emoción de los fans de la banda pareció
incrementar con cada año transcurrido hasta lo vivido en el Foro Sol el 24 de noviembre de 2011, con la
tercera visita de Pearl Jam a la ciudad de México.
.
Primero fue el turno en el escenario de los
californianos X, legendaria banda de punk
rock formada a finales de los setenta, quienes
ofrecieron un breve pero sólido set, el cual
concluyó con una participación especial de
Eddie Vedder como invitado en las voces.
Cuando las luces volvieran apagarse, la agrupación que celebró 20 años de trayectoria con
esta gira hizo su aparición inicial con “Release”,
tema al que le siguieron otros éxitos como “Given
to fly”, “Elderly woman behind the counter in a
small town”, “Even flow”, “Daughter”, “Better
man”, “Porch”, entre otras. Como es usual en los
conciertos de los de Seattle, se vivió una total y
emotiva entrega tanto de parte de los asistentes,
quienes coreaban cada una de las canciones
entre saltos y hasta lágrimas, como de la agrupación, quienes no dejaron de agradecer a nuestro
país por su calidez, asegurando que si en la visita
de 2003 no hubieran tenido el recibimiento que
tuvieron de parte de sus fans mexicanos no hubieran hecho giras por el resto de Latinoamérica.
Pero lo mejor llegó en la segunda mitad de la
presentación que en total duró aproximadamente
2 horas 40 minutos. El primer encore comenzó con
“Just breathe”, la cual Vedder dedicó a amigos del
10 . F I L T E R
staff de la banda que pronto se casarán, así como
para “todas las personas que están enamoradas,
Los afortunados”. Los mejores momentos de este
primer encore llegaron con “Black”, con una entrega
vocal de Vedder casi tan poderosa como la de
aquella interpretación del tema en el MTV Unplugged de 1992, mientras que los presentes encendían
y apagaban sus encendedores al ritmo de la música,
a lo que el cantante comentó “ahora sí sabemos que
estamos en la ciudad de México”, y con “Spin the
Black Circle” en la cual Vedder tomó una bandera de
México con la que “toreó” a McCready.
Después de “The fixer”, “Jeremy” y “Why go”, el
frontman presentó a la banda, incluyendo a Boom
Gaspar, quien toca con ellos en vivo desde hace ya
unos años y comentó que aún tenían que tocar mucho más por ser una noche especial: la última fecha
de este año de su gira Pearl Jam Twenty.
En este segundo encore se hicieron presentes uno
de sus cóvers más famosos, “Last kiss”, una de las
sorpresas de la noche, “Leash”, seguida de “Alive”.
Ya con las luces prendidas del foro tuvo lugar el
mejor momento de todo el concierto: “Rockin’ in
the free world”, canción original de Neil Young a la
cual invitaron a X para tocar con ellos mientras que
el público llegó a una comunión máxima, lanzando
hacia arriba vasos vacíos de cerveza, resultando en
una imagen impresionante e inolvidable para todos
los que lo vivieron.
Finalmente, con “Indifference” y “Yellow ledbetter” la
banda se despidió de las 55 mil personas que asistieron con un sentimiento compartido de gratitud y
admiración, como aquellas despedidas de grandes
amigos, en las que duele la partida pero todo vale la
pena por el próximo reencuentro.
11 . F I L T E R
Paisajes Sonoros
Way Out West
de Suecia
Por ETHAN ALLEY
Fotos MICKE SANDSTRIM
No estaba seguro de lo que pasaría en mi primera visita a Suecia. Si los rumores y los estereotipos eran ciertos, comería albóndigas y dulces en forma de pescados o visitaría el Ikea local
o rockearía en un Volvo al ritmo de ABBA. La realidad se alejó mucho de mi fantasía. Cuando
llegué a Estocolmo fui recibido por cinco filas de taxis. El primer chofer de cada fila levantaba
la mano saludando muy entusiasta. Algunos más animados que otros. Esta situación resultó
muy confusa después de un viaje de 18 horas. Finalmente me decidí por el tipo guapo del
Volvo blanco (palomita al primer estereotipo sueco), echó mi maleta a la cajuela y nos fuimos.
La razón de este viaje de verano sueco fue para asistir a uno de los festivales más hablados
de Escandinavia: Way Out West. Este año, el festival de tres días contaba con una de las
alineaciones más increíbles y eclécticas de Europa: Prince, Kanye West, Fleet Foxes y Pulp
encabezando los escenarios donde también tocaron muchos nombres más. Esto en Gotemburgo, un pueblo universitario situado en el suroeste del país.
Con tan sólo 48 horas para llegar al lado opuesto de Suecia decidí conocer la cultura pasando
la noche tomando todo el whiskey posible en todos los lugares que Estocolmo tenía que ofrecer para luego llegar en tren bala a Gotemburgo.
Pronto me enteré que la vida nocturna de Estocolmo no es la más prendida en un miércoles
por la noche, como yo esperaba, y al mismo tiempo me informaron que al no haber comprado
mi boleto de tren con antelación me vería obligado a encontrar otra manera de llegar a mi
destino.
El viaje de seis horas en un coche rentado no me ofreció muchas atracciones –sólo un buffet
de pescado en la carretera–, pues resulta que el 90 por ciento de Suecia es el bosque, que
fue precioso aunque un poco monótono. Me tomé el tiempo para fotografiar algunas señalizaciones de cruces de alces y buscar una buena cena de mariscos.
12 . F I L T E R
Paisajes Sonoros
para oficiar el juego. Se me explicó en más de
una ocasión que cuando uno tiene nueve meses de oscuridad casi interminable, como en
Suecia, cada vez que sale el sol, hay que salir
a disfrutarlo.
En su quinto año, Way Out West ahora consiste
en shows nocturnos en antros (conocidos como
“Stay Out West”) y el festival como tal. Eran más
de diez lugares en toda la ciudad que contrataron a la mayor cantidad de talento durante el
fin de semana, para tratar de superarse unos a
otros con las filas más largas y las formas más
escandalosas para ganar dinero extra: en un
lugar había guardarropa obligatorio, mientras
que en otro había mesas de blackjack.
Con ese cartel, los organizadores podrían
vender 60 mil entradas, pero se han negado
a hacerlo. ¿El resultado? No hay colas para
comprar cerveza o en los baños; siempre hay
salchichas y alcohol; y lo mejor de todo, se ve
perfecto en todos los escenarios. Qué buen
concepto. Después de experimentar el placer
de Way Out West, me di cuenta de que los festivales también han sucumbido a la teoría de
“más es mejor.” Contrata bandas más grandes,
vende más entradas y más cerveza y la gente
es feliz, ¿verdad? No siempre.
Si existe un punto medio en la estructura del
festival, los suecos parecen haberlo descifrado con exactitud. El confort y la camaradería
no excluyen a bandas grandes (o viceversa), y
¿qué más podría pedir un extraño en una tierra
extraña?
Gotemburgo es una ciudad universitaria, así
que no hay escasez de jóvenes aficionados a la
música listos y dispuestos a hacer fila durante
horas para ver a sus bandas favoritas, y este
año, los tesoros nacionales de Suecia, Little
Dragon y Those Dancing Days, se encontraban
entre los que jugaron conciertos del club para
el deleite de los lugareños.
Los suecos se vuelven locos en el verano.
Ejemplo de esto, un día saliendo de un antro
a la una de la mañana vi que había un partido de fútbol en pleno clímax: el estadio estaba
iluminado; los aficionados golpeaban tambores
y hasta había un equipo completo de árbitros
13 . F I L T E R
Fotos MICKE SANDSTRIM excepto esquina inferiro derecha
Ese puede ser uno de los secretos del éxito
de Way Out West, la gente realmente aprovecha la oportunidad para absorberlo todo. Cada
año, 30 mil llegan a Slottsskogen Park con toda
la emoción y el entusiasmo como si fuera Navidad. Pero al final, están ahí por una razón:
sus bandas favoritas. Siempre es fascinante ver
cómo a una banda por quien no dabas un varo
en el disco puede tener un sonido increíble en
un gran escenario, alimentándose de una multitud de miles de personas emocionadísimas.
Janelle Monáe, quien venía de una gran gira
por Norteamérica con Bruno Mars, fue una de
las que probaron que siguen siendo un éxito,
junto con los nacionales Robyn y The Hives.
Les presentamos a...
Por KYLE MACKINNEL
Foto SANDY KIM
“Brooklyn está saturado de bandas, pero
parece que hay una razón para eso”, dice Martin
Courtney, guitarrista de Real Estate, “si quisieras
hacerlo, podrías tocar varias veces a la semana,
lo que hemos estado haciendo por un rato”.
En efecto, la mayor parte del año después de la
universidad, Courtney, el guitarrista Matt Mondanile, el bajista Alex Bleeker y el ex baterista
Etienne Duguay, hacían su viaje semanal desde
su base suburbana en Ridgewood, Nueva Jersey, a la ciudad para tocar. Esta perseverancia y
dedicación dieron frutos cuando debutaron con
su álbum homónimo en 2009 con la disquera
Woodsist. Para cuando sacaron su segundo
álbum para Domino, Days, los chicos de Real
Estate ya habían trasplantado sus raíces y se
hicieron regulares en Brooklyn.
En ninguna parte se puede ver mejor el vínculo
entre ellos más que en el resplandor de humo
en su after show. La banda acaba de tocar un
set como parte de la serie de conciertos que
ofrecen como teloneros de Bright Eyes para su
gira de verano en el Williamsburg Waterfront.
Canciones destacadas del Days, incluyendo
“Green aisles” e “It’s real”, fueron bien recibidas
por el público. Este lugar al aire libre ofrece una
vista espectacular del horizonte de Nueva York y
los ánimos están, por ende, hasta arriba.
En su presente alineación Courtney hace la
mayor parte de las letras, puliendo nostalgia
suburbana y las progresiones sutiles de la vida.
Mondanile también escribe y toca solo como
Ducktails, también junto con Duguay en Predator
Vision. Maureen toca el teclado en Family Portrait y trabaja con Michael McGregor (también
conocido como Chocolate Bobka) cuando
14 . F I L T E R
quiere. Bleeker tiene su propio escaparate en
Alex Bleeker And The Freaks, con Courtney en
el bajo, Mondanile en la batería y el alquimista
avant garde Julian Lynch (también nativo de
Ridgewood) en la guitarra principal.
Todos ellos pueden cantar. Todos saben cómo
grabar. Con ese talento tan versátil, las permutaciones para el éxito son innumerables. No es de
extrañar que cuando estos amigos tocan juntos,
suena como si todos compartieran el mismo
cerebro de una forma tranquila y empapada de
reverberación. Courtney considera que esto es
resultado de un solo factor: tiempo bien invertido.
“Personalmente, siento que funciona muy bien
porque Matt, Alex y yo, nos conocemos desde
hace mucho tiempo”, dice Courtney. “Nos hemos escuchado y hemos tocado lo que los otros
hacen por años. Yo creo que eso ha ayudado a
que seamos una banda cohesiva. Puedo traer
una canción y la mayor parte del tiempo ellos
ya saben la vibra que tengo en mente antes de
articularla”.
3 DISCOS QUE INFLUENCIARON
A MARTIN COURTNEY
The Microphones - The Glow Pt. 2
Paul McCartney - McCartney II
Yo La Tengo - Painful
Ya deberías conocer a...
Por KENDAH EL-ALI
Foto KANYE HIBBARD
Nacido en Brujas y criado en Australia, la carrera
musical de De Backer –mejor conocido como Gotye– cuenta con diez años de solidez, pero no fue
el prestigiado premio ARIA (el equivalente australiano al Grammy) que ganó en el 2007 el que impulsó
su música más allá del continente en el que nació.
“Después de 10 años de trabajo independiente,
me llevé una gran sorpresa en YouTube con una
canción pop que logró hacer el crossover”. La canción a la que se refiere es “Somebody that I used
to know”, una colaboración con su amiga y estrella
australiana, Kimbra. Muchos músicos estarían embelesados con obtener cinco discos de platino y
más de 11 millones de reproducciones en YouTube,
pero a De Backer le gusta ver de reojo los fuegos
artificiales.
Comenzó a tocar la batería con bandas de la secundaria, pero fue una cotidiana crisis adolescente la
que probablemente salvó el futuro de su carrera musical. “Pasé tres años decidiendo que no quería convertirme en un baterista encerrado en su habitación,”
confiesa con una amplia sonrisa. “Me enamoré del
sampleo, y escuché mucha música que no había escuchado antes, me sorprendió la sensación de tener
acceso a un enorme mundo de sonidos y cambiar la
dirección de las canciones”.
Fue ese desencanto de la batería que llevó a De
Backer al salvaje mundo de la experimentación con
una caja de ritmos. De hecho, el álbum del 2006,
Like Drawing Blood, fue creado exclusivamente con
sampleos provenientes de su colección de acetatos
viejos. Su más reciente álbum, Making Mirrors, es
un audaz intento de impulsar construcciones digitales a territorios humanos. El resultado es un exitoso
matrimonio que va del dub al sonido Motown, una
grabación de una instalación de arte de Outback
llamado Winton Musical Fence y sonidos robados
de una grabación promocional del año 1970 de
Cathay Pacific Airways. “Me toma tiempo hacer
canciones y hay muchos elementos sueltos que voy
reuniendo poco a poco,” explica. “Hay sampleos de
instrumentos acústicos y lugares de los que puedo
sacar mis sonidos.”
“Pasé tres años
decidiendo que no
quería convertirme en
un baterista encerrado
en su habitación”
Con la ayuda de la estación de radio australiana Triple J (reconocida por abrirle la puerta al éxito desde
Nick Cave and the Bad Seeds a The Bumblebeez),
pudo emerger de ser alguien que grababa sus discos en la casa de campo de sus padres a actuar
en vivo en la Sydney Opera House. En cuanto a su
capacidad de reunir una mezcla de estilos que no
suene como un mash up, él simplemente dice: “es
en parte el aburrimiento y en parte el interés. Estoy
eternamente fascinado por la música. Lidio mucho
con la toma de decisiones, así que quiero tratar de
incluir todas las ocurrencias e ideas que tengo”.
3 DISCOS QUE INSPIRARON A WALLY DE BACKER A HACER MÚSICA
The KLF - The White Room
TOMITA - The Planets
LES BAXTER - Tamboo!
15 . F I L T E R
Ya deberías conocer a...
Por KENDAH EL-ALI
Fotos LIN STENSRUD
inyectar una sensación de cantante-compositor
en lo que normalmente sería un affair solitario y
creativo (aparte de los remixes). De hecho, en la
pasada edición de Culture Collide fue la primera
vez en su carrera en la que ha compartido el
escenario con alguien.“Como DJ, realmente no
tocas con otras personas o compartes crédito,
así que fue divertido estar con bandas ahí”,
comentó.
¿Cuál es el resultado de todos estos datos
inusuales? Algo que nunca deja de quitar el
aliento. Tal vez el secreto del éxito de Lindstrøm es la magia que se ha originado de tantas
fuentes musicales extrañas. Tal vez tiene algo
que ver con la música country noruega. De
cualquier forma, su sonido mantiene a la gente
queriendo más.
Inusual es lo primero que viene a la mente al hablar
acerca de Hans-Peter Lindstrøm. Originario de un
pequeño pueblo productor de aceite en la costa
oeste de Noruega, fue criado con una dosis de
música country y western. Comenzó en un coro
góspel y después terminó en bandas rock y country. Antes de hacer lo que parecía ser una movida
inteligente al mudarse a Oslo y empezar a producir
música electrónica, no tenía conocimiento previo
sobre la música dance.
El multi instrumentalista ha lanzado sus inigualables
éxitos de space disco por casi una década, pero
fue “I feel space” de 2005 y la compilación que lo
siguió, It’s a Feedelity Affair, los que aseguraron al
guapo y sencillo escandinavo un lugar cálido en los
corazones de escuchas de este lado del planeta.
Prepararse para la música disco puede sonar dramático, pero hay mucho más detrás de este artista,
tanto musicalmente como en referencia a su lugar
en la escena dance internacional. Después de
todo, saltar de música country noruega a música
dance no es un proceso sencillo. A diferencia de
muchos DJ/productores, Lindstrøm toca batería,
teclados, bajo y guitarra en muchos de sus temas.
También se hace cargo de su propia disquera Feedelity en Oslo. Conocido por sus colaboraciones
frecuentes con Prins Thomas y Christabelle, nuevamente añade un giro inusual a la música disco al
16 . F I L T E R
Después de haber pasado la mayor parte de
2010 en el estudio, Lindstrøm terminó recientemente de grabar su nuevo LP, el cual verá la luz
en febrero de 2012. “Ya terminé mi parte”, dijo.
“Así que el resto ya depende de los demás”.
El nuevo álbum será lanzado en conjunto por
Feedelity y Smalltown Supersound, otro sello
de Oslo cercano a pequeños pueblos productores de aceite, el cual es dirigido por Joakim
Haugland, con quien Lindstrøm ha colaborado
muchas veces en el pasado.
17 . F I L T E R
DORIAN
La gente jamás tendrá suficientes
canciones que por inercia hagan
bailar, y aparentemente los barceloneses de Dorian tienen esto muy en claro.
Por ESAMIPAU! Fotos RODRIGO JARDÓN
A pesar de que Dorian es una banda nueva para
los oídos mexicanos, la agrupación catalana tiene
tres discos de estudio: 10,000 Metrópolis, El Futuro
No Es De Nadie y La Ciudad Subterránea. Con esta
última producción lograron no sólo consolidarse
como una banda importante en su natal España,
sino también encontrar la entrada al gusto del público mexicano, uno de los más fieles en el mundo.
La primera experiencia de Dorian en un escenario
de México fue al lado de dos de las bandas más
significativas de este país: Zoé y Café Tacvba,
quienes fungieron casi como sus padrinos. Gracias a esta presentación, se dio el contrato con la
disquera Terrícolas Imbéciles que se ha encargado
de presentarlos en distintas ciudades de México. Y
aunque afirman que todas han sido grandes experiencias, aseguran que la más importante ha sido
la del Vive Latino. “Tuvimos la oportunidad de enfrentarnos a un público muy abierto a la banda ya
que el disco de Ciudad Subterránea llevaba varios
meses en la calle y la gente conocía las canciones.
También ya estaban familiarizados con la liturgia de
nuestros conciertos, que es convertir cada concierto en una fiesta colectiva y eso se materializó en el
Vive Latino”. Por otro lado, afirman que el público
de Barcelona, de donde son originarios, es probablemente el más difiícil y a la vez el más culto. Sin
18 . F I L T E R
embargo, enfrentarse a públicos nuevos no es un
impedimento para ellos, al contrario, lo toman como
una invitación para volverse a ver con ojos críticos y
los anima a ser cada vez mejores.
Uno más de sus aciertos fue lanzar una versión
de “Simulacro de emergencia” con León Larregui,
con quien tienen una gran relación de amistad y
que además le aporta un color muy particular a la
canción pues como comenta el vocalista Marc, “es
nuestra canción favorita, entonces sabíamos que
no le iba a costar nada entender la esencia de la
canción ya que es una canción obscura y hay que
entenderla para saber interpretarla. Habla de una
ruptura entre dos amigos que dejan de hablarse, y
León y yo jugamos un poquito a eso, así que quedó
muy bien.”
La gente jamás tendrá suficientes canciones que
por inercia hagan bailar, y aparentemente los barceloneces de Dorian tienen esto muy en claro. Ya sean
cortes con tintes obscuros o aquellos cuya ligereza
te obligan a emprender un simulacro de vuelo mental, Dorian tiene lo que necesitan para sentir la música hasta en el último zurco de sus huellas digitales.
Sean nuevos o ya estén familiarizados con Dorian,
ellos siempre recibirán a todos aquellos quienes
quieran dejarse ver amanecer con sus canciones.
19 . F I L T E R
ARTISTA DEL MES
THE
DR E SDEN D OLLS
“Tocábamos todos
los días, dormíamos
poco, viajábamos a
ciudades diferentes y sabíamos que
teníamos que parar,
sin embargo en el
fondo no queríamos
Por ESAMIPAU! Foto Cortesía de ACHE PRODUCCIONES
Ellos no son sólo un dúo originario de Boston,
integrado por Amanda Palmer y Brian Viglione;
The Dresden Dolls es un estado mental donde
ambos se pintan la cara de blanco, toman sus
instrumentos y dejan salir aquellas composiciones esquizofrénicas que van desde un murmullo
inocente hasta el alarido de una criatura maligna
en menos de un parpadeo.
The Dresden Dolls son parte de un pequeño
sector de músicos que retoman la estética del
cabaret, escriben letras sombrías, fuera de lo
común y llenas de humor negro, y ponen especial
atención a sus puestas en escena, como lo hace
el trío The Tiger Lilies, cuyo cantante vivió durante su infancia arriba de un burdel. Ahora, con su
rostro maquillado de mimo maligno, canta temas
cuyos personajes principales son prostitutas o
pervertidos blasfemos que buscan satisfacción
sexual a como dé lugar.
La idea generalizada es que la “vida de maleta”
es el indicador de que una banda es exitosa.
Pero son muy pocos los que ven los choques de
carácter que las extensas giras crean en los músicos. Amanda Palmer recuerda que éste fue uno
de los motivos que los obligó a cesar actividades
durante muchos años: “Tocábamos todos los
días, dormíamos poco, viajábamos a ciudades
diferentes y sabíamos que teníamos que parar,
sin embargo en el fondo no queríamos. Fue
entonces que me agoté física y emocionalmente
y colapsé. Llegó un punto en el que nos estábamos haciendo mucho daño y se volvió necesario
parar y tomarnos un descanso”.
A pesar de sonar como una ruptura trágica,
lo que en realidad pasó fue que la atención
de Amanda y Brian para el proyecto se fue
dispersando: mientras Brian colaboraba con The
Human Line, Amanda se enfocó en su material
como solista con la ayuda de Ben Folds. Con el
acuerdo en mente de reunirse cuando surgieran
ofertas que les parecieran atractivas, regresaron
a presentarse en vivo en 2010.
Con ánimos de hacer un regreso divertido,
buscaron reintegrar los performances a sus
presentaciones en vivo: “Por lo general alguien
se me acerca y me pregunta si podemos incluirlo
en el show. Si nadie se ofrece, entonces busco
talentos para incluir artistas cuyo concepto vaya
con nuestra música. Me gusta la propiedad
espontánea y experimental de estos performances pues nos permiten reaccionar ante lo que
encontramos”, cuenta Amanda.
Siempre es bueno salir de la zona de confort para ir
encontrando pequeñas joyitas en el camino. Permitir
que The Dresden Dolls entren a sus oídos es una
experiencia que sin duda ampliará su espectro musical y visual al grado de querer pintarse el rostro de
blanco y vivir por siempre en el imaginario de Brian
Viglione y Amanda Palmer.
20 . F I L T E R
UNA BREVE
HISTORIA
DE DICKIES
Han pasado casi 90 años desde que en la localidad de
Fort Worth en Dallas, Texas, se formó lo que a la larga
se convertiría en una importante marca de ropa que hoy
está entre las más codiciadas.
Nos referimos a Dickies, esta línea de ropa que se caracteriza por su gran calidad y durabilidad, precisamente el
valor agregado a todo lo que esta empresa ha producido
desde que nació en 1922, con tan sólo 35 empleados
y de la mano de Nathan y Don Williamson, así como el
Coronel E.E. Dickie.
Esta fórmula resultó la más acertada para comenzar con
la producción de nuevos modelos de ropa ideal para diferentes actividades, como la labor de las fuerzas armadas
de los Estados Unidos, a las cuales Dickies proveyó más
de nueve millones de uniformes en la Segunda Guerra
Mundial.
De igual forma, Dickies ha tenido apariciones en la cinematografía al ser utilizados algunos de sus clásicos jeans
por legendarias personalidades del cine como Humphrey Bogart, Frank Sinatra, Henry Fonda, Tom Hanks,
Harrison Ford, Morgan Freeman y John Cusak, quien usó
una t-shirt de la marca en el filme clásico y referente para
cualquier melómano, High Fidelity.
Además de todo esto, Dickies es parte fundamental en
la actualidad para la gente que gusta de los deportes extremos como el skateboarding, ya que para las
innumerables caídas que tienen, resulta lo mejor por la
durabilidad.
Los mismos jóvenes han buscado estar a la moda con la
ropa de Dickies, toda vez que han encontrado una nueva
estética bajo la marca, que no se limita a realizar ropa
de temporada, sino que produce su línea según vayan
creando lo que se cree conveniente en el momento; eso
la diferencia de otras marcas, haciéndola parte fundamental en esta etapa de la industria.
Dickies ha logrado a lo largo de su historia ser parte de
la cultura popular y ahora llega a México refrendando
que además de grandes diseños, es de las marcas con
mayor calidad en su manufactura, ideal para cualquier
deporte extremo como ser “rockstar”.
21 . F I L T E R
Principales
“Ésta es la primera vez que
hemos hecho un disco
en un estudio que no fuese
en los alrededores
de la ciudad o en un sótano”
22 . F I L T E R
Principales
EL TRABAJO DE
UNA BREVE HISTORIA DE CÓMO LO LOGRARON
Por BREANNA MURPHY Fotos DANNY CLINCH
“El año pasado fue un año en el que nos dimos a conocer masivamente, que es casi lo contrario
de lo que le ha sucedido normalmente a las bandas. Normalmente, irrumpen en el primer par
de años y luego se trata de un lento declive. Nuestra historia ha sido un poco diferente.”
Pat Carney ya nos contó el final de la historia, pero tienes que conocer cómo llegaron ahí.
Y así comienza: toma una banda y colócala en un sótano repugnante en West Akron y los
dejas allí sin nada más que una batería, unas cuantas guitarras, una grabadora prestada de
la década de los ochenta y una ridícula Tascam.
Thickfreakness, segundo disco de The Black Keys, inicia con una extensa nota de guitarra eléctrica que puede recordarte a Jimi Hendrix o tal vez a Eddie Van Halen. La nota colapsa bajo su
propio peso en un riff de blues junto a la batería de Pat Carney mientras la voz de Dan Auerbach
simula gemidos maravillosamente ininteligibles.
En los créditos de Thickfreakness hay una mención curiosa sobre la historia de la grabación del
álbum: “todas las canciones grabadas y mezcladas en diciembre de 2002 por Patrick Carney en
Akron, Ohio, en el Studio 45, bajo su técnica de grabación patentada llamada ‘fidelidad media’.
“Eso es debido a que éramos estúpidos”, dice Carney. “Yo tenía como 22 años y no sabía nada.
No había manera de aprender a hacer cosas a menos de que seas autodidacta.” Las grabaciones
hablan por sí solas, la banda no tenía dinero ni conocimientos, pero sí tenían fuerza.
“Lo que es peor en el buen sentido” nunca fue promocionado como “lo-fi” o “hágalo usted mismo”
a pesar de que es exactamente el entorno con el que Auerbach y Carney lidiaron durante la
grabación de sus primeros dos discos. Rubber Factory del 2004 fue nombrado así por el lugar de
grabación. Era una planta de energía en donde quemaban carbón.
Con el poco dinero que recibieron por adelantado por parte de su sello independiente, Fat
Possum, Auerbach y Carney compraron equipos de segunda mano para grabar y se embarcaron
en un recorrido por todo Estados Unidos, en una camioneta destartalada.
La mentalidad de la banda es siempre hacer lo mejor con lo que tenemos”, dijo Carney.
23 . F I L T E R
Principales
SIGUIENTE: dale a una banda una estructura, que aprendan de sus seres queridos. Pero que no confundan admiración con lealtad. Dale a una banda una estructura, y déjalos que la ignoren completamente.
“Cuando empezamos estábamos totalmente desorientados y no sabíamos qué putas hacíamos”, dice Auerbach con franqueza. “No sabía cómo escribir una canción, ni siquiera había pensado en ello.”
Entre Rubber Factory y el siguiente LP Magic Potion de 2006, The Black Keys editaron el EP Chulahoma:
The Songs Of Junior Kimbrough. Los cóvers no eran nada nuevo para la banda, ya contaban en su catálogo
con canciones como “She said, she said” de The Beatles en The Big Come Up, “Everywhere I go” de Kimbrough en Thickfreakness, así como “Actnice and gentle “ de The Kinks en Rubber Factory.
“Muchas personas sólo copian nota por nota. Para los cóvers, eso es muy extraño. Hemos hecho cóvers
de un montón de canciones en las que ni siquiera tocamos los acordes correctamente. Ni siquiera estamos
cerca de lograrlo”, Auerbach ríe.
Para Auerbach y Carney, tocar las canciones que les gustan, no se tratan tanto de un tributo, sino de tomar
las composiciones y destruirlas; improvisación completa. Y los covers de The Black Keys son algunas de
las canciones más reconocidas. Auerbach no pudo haber escrito la letra de “Have love will travel,” pero la
canción se convirtió en suya tan pronto como apretaron el botón para grabarla.
Magic Potion sería el primer álbum de la banda para una nueva disquera: Nonesuch, subsidiaria de Warner.
Lo grabaron y auto-produjeron en un estudio perteneciente a Carney llamado Audio Eagle en Akron. Ningún
cóver apareció en el álbum, lo que significó composiciones en su mayoría sin estructura. Un puñado de
sencillos con un éxito mediano irrumpieron en el colectivo imaginario, con “Your touch” y “You’re the one”.
ENTONCES: saque a la banda de Akron y póngala de gira. Que se hagan de algunos amigos y
conspiradores. Los talentosos. Invítelos al estudio. A uno bueno, se lo merecen. No cambie nada,
pero deles todo…
The Black Keys fueron abordados por Brian Burton (mejor conocido como Danger Mouse) para trabajar en una
colaboración con Ike Turner. Burton ya tenía fama de ser un maestro de resultados exitosos (con Cee Lo Green
en Gnarls Barkley y MF DOOM en Danger Doom), así como en la producción (Beck, Gorillaz, The Rapture). Al
momento de la prematura muerte de Turner en 2007, el proyecto con Auerbach y Carney se dejó de lado, pero
para entonces, Burton había establecido una relación con The Black Keys tan buena, que aceptó el papel como
productor de su quinto álbum.
“Queríamos trabajar con la persona adecuada que pudiera integrarse a la banda de una manera no tan intrusiva”,
dice Carney. “Nos convertimos en amigos al instante, nos llevamos bien y confiamos en el instinto del otro.”
“Dijimos, ‘¿Por qué no? Hemos hecho suficientes discos por nuestra cuenta’”, añade Auerbach. “También
fue la primera vez que fuimos a un estudio real. Y era enorme. De repente, parecía que podríamos tener
canciones que sonaran en la radio.”
24 . F I L T E R
Principales
“Para Brothers, fue la primera vez que realmente compusimos canciones, mas allá de la improvisación. A decir verdad, el 90% de las veces
cuando hacemos música, no hay estructura. No hay nada”
Attack & Release fue entonces el disco más
grande de The Black Keys.¿Pulido? Sí, ésa es
una palabra para describirlo. Habían perdido
toda la improvisación y fueron capaces de aplicar
todo lo que habían aprendido a través de la
autosuficiencia junto con un productor de culto y
experiencia. Aunque, en verdad, no mucho había
cambiado en absoluto.
Como Auerbach dice bruscamente: “somos lo
que somos, eso no va cambiar con el formato o
la forma en la que grabemos. Hemos llegado a
la conclusión de que cuando Pat y yo tocamos
juntos tenemos un sonido y la certeza de lo que
éste es.”
Attack & Release fue aclamado por la crítica y
llegó a la lista Billboard. Fuera del sótano, de
hecho.
En este punto, debe tenerse en cuenta que The Black
Keys no pierden el tiempo: ni el suyo, ni el nuestro, ni
el de nadie. Después de una gira de promoción del
disco, y los proyectos paralelos de los dos miembros
(Carney integró Drummer y Auerbach lanzó su primer
álbum en solitario, KeepIt Hid), la banda pasó el 2009
preparándose para Brothers. Volvieron a grabar en un
estudio solos, aun que Burton prestó su talento para el
sencillo “Tighten up”.
“Nos gusta trabajar de la manera en la que Brian lo
hace, pero también nos gusta trabajar por nuestra
cuenta”, dice Carney. “Nuestro ritmo es más rápido
y mucho más casual”.
Auerbach, por su parte, cavó profundamente para
dar un nuevo sentido de la composición a las
canciones de Brothers. “Antes era una especie de,
no sé, dejarse llevar. Crear sonidos en el estudio
más que en realidad crear canciones”, dice.” Para
Brothers, fue la primera vez que recuerdo que The
Black Keys realmente compusimos canciones, mas
allá de la improvisación. A decir verdad, el 90 por
ciento de las veces cuando hacemos música, no
hay estructura. No hay nada”, dice Carney.
Para todo lo que le había ocurrido antes a una banda
que tituló su debut The Big Come Up, Brothers significó estar en las nubes. El disco debutó en el número
tres en el Billboard 200, fue certificado oro y ganó un
par de Grammys al Mejor Álbum Alternativo. Burton
ganó en la misma ceremonia como Productor del Año.
The Black Keys, aquellos niños ruidosos con el kit de
batería de hojalata, guitarras de segunda mano y una
grabadora de los ochenta, encerrados en las profundidades de un sótano, se habían encontrado seis discos
más tarde en la más prestigiosa ceremonia de premios
musicales del planeta, recibiendo un trofeo en el escenario. Sin tener que sacrificar una sola cosa.
¿Y ahora qué sigue?
Auerbach simplemente dice ”realmente me gusta
hacer discos. No sé lo que me gusta más: dar conciertos o grabar discos. Si tuviéramos más tiempo
libre, probablemente haría dos álbumes al año. Las
bandas solían hacer dos discos al año. No sé cuando cambió todo a hacer solamente uno cada tres o
cuatro años. Es una estupidez para mí.”
Poco más de un año ha pasado desde el éxito entre la
crítica y el público de Brothers, el mayor reconocimiento y atención que se les ha prestado a The Black Keys,
y hasta el momento no buscan descanso. Ha habido,
sin embargo, más cambios en sus métodos imperfectos pero, naturalmente, no demasiados. Se mudaron a
Nashville, donde ningún sótano o una fábrica de goma
los ha solicitado para la realización de su siguiente
álbum. Auerbach tiene su propio estudio, Easy Eye
Sound, donde Burton se reunió con la banda tiempo
completo para las grabaciones de El Camino.
“Pasamos 38 días en el estudio, que es el doble de lo
que hemos pasado. Dicho esto, ésta es la primera vez
que hemos hecho un disco en un estudio que no fuese
en los alrededores de la ciudad o en un sótano”, dijo
Carney. “Pero cuando estás trabajando en un sótano,
deseas largarte de ahí lo más pronto posible, así que
creo que eso tendió a acelerar el proceso. En este
caso había mucha más comodidad, porque es en la
misma calle de mi casa y es también la casa de Dan.”
Para una banda que previamente grababa tan pronto
como les fuese posible, el tiempo extra y los recursos
para El Camino están bien invertidos. Las canciones
del nuevo disco son rápidas y melódicas y sin aparente
estructura, como siempre lo han sido. Para todo lo que
han ganado The Black Keys en sus más de diez años
de carrera, se han mantenido igualmente agradecidos,
sólo que heredando nuevas herramientas para el
mismo trabajo. La banda aún se basa sobre todo en la
química y no la tecnología, para entrar en el estudio (o
en el sótano) con nada más que un sentimiento.
“Es muy importante conseguir todo en la primera o
segunda toma y no tratar de perfeccionarlo porque
puede arruinar el alma de la canción o la intención original”, dice Auerbach, en un momento de
profundidad. “Cuando estás cómodo, se traslada
ese sentimiento a la grabación. Como si no tomaras
tus riesgos. Nunca ensayamos, nunca practicamos.
Hacemos un disco, y va a ser lo que va a ser. Siempre hemos hecho eso.”
25 . F I L T E R
EXPLOTANDO
EGO
LAS PELÍCULAS DE
DAVID CRONENBERG
THE FLY: ATTILA DORY/20TH CENTURY FOX; VIDEODROME: UNIVERSAL STUDIOS
Por JESSICA JARDINE
David Cronenberg es responsable de algunas de las escenas más escalofriantes en la historia del cine. El
escritor y director residente de Toronto, ha creado un canon profundamente reverenciado en la industria. Sus
primeras películas trataban de cómo los humanos interactuaban con la tecnología. Lo más reciente ha explorado el vasto terreno de la manera en que los humanos interactuamos unos con otros. Proyectos aclamados
por la crítica como A History Of Violence no sólo le han dado a Cronenberg su musa, el actor Viggo Mortensen,
sino que también lo han ayudado a trasladar su temática de los chips de computadora a los rincones más
extremos de la mente humana.
Su película más reciente, A Dangerous Method, narra la historia real del joven psicoanalista Carl Jung, interpretado por Michael Fassbender, y su mentor, Sigmund Freud, interpretado por Mortensen, mientras transitan
por una relación turbia y sexualmente cargada con un paciente que se convirtió en psicoanalista, Sabina
Spielrein, interpretada por Keira Knightley. Basada en la puesta en escena del 2002, TheTalking Cure, escrita
por el guionista ganador al Oscar, Christopher Hampton, la película se ubica en la víspera de la Primera Guerra
Mundial y la conformación del campo de estudio del psicoanálisis. Aunque obviamente, carece de los insectos
encarnados, la película conserva la oscuridad desafiante y la actitud que caracteriza a los mejores trabajos de
este director.
La historia de A Dangerous Method se basó en el acceso de Christopher Hampton a las cartas
escritas entre Jung, Freud y Sabina Spielrein. Eso debió ofrecer mucha información al proceso de
filmación.
Todo el proyecto fue para mí lo que me gusta llamar como la resurrección artística y quería que [los personajes]
fuesen tan exactos y tan fieles a sí mismos como fuese posible. La única manera de hacer eso, además de fotografías, es a través de sus cartas. Eran personas muy obsesivas, su atención al detalle sobre quién dijo qué,
dónde estaban, lo que llevaba puesto y lo que comían era increíble, incluso con lo que soñaban.Tenemos grabaciones muy íntimas y exactas de lo que realmente dijeron y de cómo fueron sus relaciones, así que tratamos
de mantenernos fieles a eso.Todo el mundo cree saber que dirigir una película es decir “acción” y “corte”, pero,
en realidad, la dirección comienza mucho antes que eso. Es cuando estás teniendo tu primer debate con los
actores. Incluso en un drama de época como el que estamos tratando con personajes históricos, todavía hay
26 . F I L T E R
DAVID CRONENBERG
mucho margen de maniobra: ¿Qué tipo de zapatos?
¿Cuál será el peinado? ¿Qué gafas? Hablar con los
actores de esas cosas es acercarlos cada vez más al
personaje que traerá a la serie.
¿Cómo desarrollas la colaboración con Howard
Shore?
Howard es de Toronto y nos conocemos desde niños.
Hice mis dos primeras películas con música pregrabada, no compuesta especialmente para los filmes.
Es realmente difícil describir y tener una conversación
sobre la música porque es algo muy emocional. Además, cada persona tiene asociaciones diferentes. Con
el compositor tienes que confiar en su comprensión
de la película y lo que ésta necesita. Con Howard llego
a un entendimiento de que la música puede ser algo
diferente, la música puede ser casi un personaje más
de la película.
La tecnología sin duda ha hecho más fácil para
los cineastas crear y distribuir sus propios
trabajos e ideas.
En otras palabras no sólo el acceso a las herramientas
es suficiente. Todo el mundo tiene acceso a estas
herramientas, pero no todo el mundo puede ser un director y filmar en alta definición con su iPhone y editarlo
en iMovie. Eso está increíble, pero hacer una película
es cada vez más difícil. Realmente lo es.
Has hablado antes sobre internet y tu percepción
sobre cómo acerca el arte a todos. ¿Eres alguien
que usa internet para investigar respecto a ideas
y cuestiones artísticas que te interesan?
Esas discusiones tuvieron mucho que ver con la idea
de la lucha entre los fabricantes de computadoras, ya
que muchos de ellos quieren que uses internet en tu
televisor mientras estás sentado en la sala de tu casa.
Ciertamente lo uso cada vez más. Es interesante ver
cómo la industria del cine se ha vuelto más orientada
hacia él. Por ejemplo, yo hago todos mis castings a
través de internet y hemos tenido grandes resultados
al igual que los efectos visuales. Puedes estar en cualquier lugar. Ahí es donde las películas se encuentran
actualmente: orientadas a internet.
FOTO INFERIOR DERECHA SCANNERS: AVCO EMBASSY PICTURES
FOTO SUPERIOR DERECHA EASTERN PROMISES: PETER MOUNTAIN/FOCUS FEATURES.
FOTO SUPERIOR IZQUIERDA A DANGEROUS METHOD: LIAM DANIEL/SONY PICTURES CLASSICS; SPIDER: TAKASHI SEIDA/SONY PICTURES CLASSICS
Tú y Viggo Mortensen tiene una historia muy
impresionante de colaboración juntos.
Hacemos un montón de investigación en conjunto y
luego él hace un gran trabajo de investigación por su
cuenta y me trae los resultados. Por ejemplo, yo diría
que hemos intercambiado unos 20 correos electrónicos respecto a los puros de Freud. ¿Cuántos fumaba
al día? ¿De qué tipo eran? ¿Eran siempre los mismos
o variaba?
talentoso. Creo que la gente tiene que ser honesta, ya
que sé que muchos jóvenes quieren ser directores o
guionistas sin saber realmente en qué consiste o si están
realmente dispuestos a hacer el trabajo. Ellos sólo quieren ser una estrella de rock inmediatamente. Y creo que
necesitan una buena dosis de realidad y de entendimiento del trabajo duro que se requiere hacer.
Debes ser abordado por jóvenes directores y
guionistas constantemente, ¿qué tipo de consejo
les das?
Los tiempos y las cosas son muy diferentes ahora que
cuando empecé. En realidad ayuda si eres realmente
27 . F I L T E R
PRINCIPALES
Por ANDRÉS DÍAZ
Fotos cortesía UNIVERSAL MUSIC
¿Qué pasa cuando el crecimiento orgánico de una banda se ve interrumpido estrepitosamente? The Rapture podría ser el mejor caso clínico que
explique el resultado de varios factores negativos del destino, como el choque de egos derivado de no encontrar un enfoque en común hacia dónde ir,
un proyecto solista fallido y el reencontrarse con una vida familiar después
de la pérdida de seres queridos –y que por ende provoque un cuestionamiento más profundo sobre su función en la banda.
Alguien que tuvo que ver con que In The Grace Of Your Love pudiera ver la
luz (a pesar de que no estuvo creativamente envuelto) fue James Murphy
del recién fallecido LCD Soundsystem, ya que cuando Luke Jenner (ahora
personaje principal de la banda) decidió dejar a sus compañeros para empezar un proyecto solista, le pidió consejo a James para emprender este
viaje solitario. Éste lo terapeó para que se diera cuenta de que eso no era
necesariamente la mejor opción. Por otro lado, Matty Safer, quien le diera
un toque más lúdico a la banda, dejó de sentir esa hermandad que alguna
vez lo unía a The Rapture y decidió abandonarlos.
Para tener un testimonio de todos estos movimientos que dieron como
resultado uno de los discos más importantes de este año, platicamos con
Vito Roccoforte, que luego de tener una exitosa presentación en México ve
todas estas dificultades con la distancia necesaria como un aprendizaje y
encuentra el lado positivo de las adversidades.
28 . F I L T E R
Principales
"EL RENACIMIENTO ES
JUSTAMENTE LO QUE
BUSCÁBAMOS CON ESTE DISCO"
29 . F I L T E R
PRINCIPALES
Este disco es un renacimiento en muchos sentidos, desde el tener
una nueva alineación a incorporar nuevos aspectos a su música.
El renacimiento es justamente lo que buscábamos con este disco.
Dicen que cuando uno está por perder todo, valora lo que tiene…
Sí, nos dimos cuenta de que al tener a tus amigos cerca y hacer lo que más
te gusta puedes llevar aun más lejos tu música. Nos encanta estar en la
banda ya que es uno de los mejores trabajos que uno podría tener.
Uno podría pensar que después de tener tantos problemas la banda
tendría un sonido más oscuro, pero In The Grace Of Your Love es
bastante optimista el disco
Estábamos muy conscientes de eso. Para llegar al sonido final del disco
tuvimos que atravesar por caminos tortuosos o negativos, y llegamos a
la conclusión de que eso no se debía reflejar en las canciones, sino que
debía reflejar el optimismo por haber superado esas barreras de una forma
artística, como lo han hecho artistas como Stevie Wonder.
Para lograr esto tuvieron a un buen padrino como Philippe Zdar de
Cassius. Muchos podrían pensar que no tiene mucho que ver con su
sonido, pero la lógica musical es casi la misma.
Él es muy bueno en ver lo mejor de las bandas y lo explota. Él nos hizo ver
ese amor que estaba escondido en las nuevas canciones. Escogió 20 canciones de todos los demos que preparamos, los cuales, según nosotros,
estaban bastante avanzados y completos, pero él tenía el sentimiento de
que se podían hacer mucho mejores. A nivel producción logró amplificar la
emoción de cada una de ellas. Técnicamente es brillante, pero lo que logró
emocionalmente con el disco nos encantó porque se mantuvo muy positivo
durante todo el proceso.
30 . F I L T E R
PARA LLEGAR AL SONIDO
FINAL DEL DISCO TUVIMOS
QUE ATRAVESAR POR
CAMINOS TORTUOSOS O
NEGATIVOS, Y
LLEGAMOS A LA
CONCLUSIÓN QUE ESO NO
SE DEBÍA REFLEJAR EN LAS
CANCIONES
PRINCIPALES
“DURANTE LA
GRABACIÓN DE
ESTA CANCIÓN
ESTUVIMOS
ESCUCHANDO
MUCHOS
VINILES DE
MÚSICA QUE NO
NECESARIAMENTE TE
HACEN BAILAR,
SINO SENTIRTE
BIEN AL
ESCUCHARLO”
En este disco trasladaron su forma de hacer música bailable a otros terrenos, un buen ejemplo de esto es “Never die again” en donde se nota esa
influencia de Stevie Wonder que comentabas.
Nos encanta la música bailable. Cuando empezamos a tocar era como conquistar
terrenos musicales que nos gustaban. El primero que logramos dominar fue el bailable. Con el tiempo hemos explorado otros lugares, por lo que hemos encontrado
otras formas de llegar a lo bailable. Durante la grabación de esta canción estuvimos
escuchando muchos viniles de música que no necesariamente te hacen bailar, sino
sentirte bien al escucharlo.
Desde una perspectiva latinoamericana podría decirte que la canción
“Come back to me” tiene un sampleo de música folclórica colombiana,
pero al checar los créditos del disco me di cuenta que proviene de África…
Es de Likambo Ya Ngana, artista del oeste de África; y sí coincido contigo en que
puede llegar a confundirse con sonido latino. Ha sido curioso que dependiendo del
país en el que estemos, piensan que este sampleo es de su país; por ejemplo, en
Francia pensaron que por el acordeón era francés. Nos gustó usarlo porque nos
llevó a un lugar muy diferente del que estábamos acostumbrados. Gabriel encontró
este sampleo porque siempre ha sido un fan de la música africana, fue interesante
llevarla a terrenos más bailables.
Empezaron con DFA y luego fueron a una trasnacional pero ahora volvieron
a sus orígenes “indie” con DFA, ¿qué aprendieron al estar en una trasnacional?
Tuvo que ver con nosotros y el ambiente por el que está pasando la música hoy en
día. Para muchos músicos llegar a firmar con una trasnacional es toda una meta
para darse a conocer en el mundo y así alcanzar a millones de personas. Nos dimos
cuenta de que a pesar de que te conozcan en todos lados no vale la pena si no eres
feliz. Regresamos a DFA porque queríamos ser más independientes porque empezamos siendo unos artistas DIY como todas las bandas punk solían serlo, pero
sentimos que esas ideas de tener una banda y salir de gira lo habíamos perdido y
queríamos recuperarlo. Creo que lo logramos.
31 . F I L T E R
32 . F I L T E R
Por pat m c guire • FOTOS danny clinch
33 . F I L T E R
“Éste es el Oeste, señor. Cuando la leyenda se convierte en hecho, la imprimes.”
- de El hombre que mató a Liberty Valance de John Ford
¿Qué pasaría si todo fuera cierto? ¿Qué pasaría
si todas las historias sobre el capitán enano de un
brazo, la encarcelación de prostitutas de Minnesota o los piromaniacos que odian a los perros, fueran reales? ¿Qué pasaría si alguien llamado Sergio
compartiera tu cama y tuviera una mala tos? ¿Si
las trampas suicidas, gitanos altos y delgados,
bailadores fuera de horario de trabajo, tíos transexuales, presentadores de circo omnipresentes,
huérfanos, carniceros, albañiles y ladrones, todo
eso fuera real? ¿Qué hay sobre un tipo en un bar
sentado sobre una periquera a tu lado, con una
voz de lija, con sombrero de bombín, que sorbe un
elixir secreto de una bolsa de papel, hilando estos
estambres?... ¿Crees que sepa karate o vudú? ¿Qué
pasaría si fuera cierto?
Pero, a pesar de todo, ¿si no fuera cierto?
De acuerdo con Tom Waits, no importaría si fuera
cierto. Imprime el mito, respeta el misterio, protege la inocencia –éstas son las verdades con las
que él vive. Como él dirá más de una vez en este
día, los ingredientes de las canciones son códigos.
Además, de acuerdo con él, las canciones son sólo
tributos –son prestados, robados, canibalizados,
olvidados, hechos, dejados, soñados y armados a
la medida. ¿Y? No parece estar dentro de nuestra
diversión.
La leyenda Waits es bien sabida ahora: sus primeros días en el sur de California, perfeccionó
lo imperfecto, el acto de un cantante de bares con
desagradables personajes de Los Ángeles en los
años setenta; conoció a su esposa escritora y productora Kathleen Brennan mientras trabajaba algunas canciones para la película One from the Heart
de Francis Ford Coppola; su inminente unión y
cómo cambió de ser un actor lounge a un conquistador sónico; los nacimientos de sus tres hijos y su
retiro hacia una vida familiar; sus poco frecuentes
pero iluminadoras incursiones en presentaciones
de sus propias canciones alrededor del mundo; su
insistente impulso de hacer las cosas a su manera.
Como artista, y también como un hombre de negocios, actor y –su mejor habilidad– como ciudadano, Waits mantiene un control completo de su
imagen y vestimenta; sea con un sello discográfico
o manteniéndose independiente, él decide cuándo
y dónde hará una presentación en vivo. No es muy
común que en estos días escoja salir de las sombras, salir de las metafóricas montañas del sur de
California en el condado de Sonoma para adentrar-
34 . F I L T E R
se de nuevo a la luz. Cuando lo hace su presencia
es notoria, dejando una marca de creatividad en su
despertar.
Para Waits, hasta un lugar en donde uno desnuda
su alma como el escenario puede ser un feudo. En
el mundo de Waits un escudo traslúcido se extiende del escenario hacia la gente. Su línea telefónica
contiene un filtro, sus músicos de estudio firman
un acuerdo de no divulgación, por lo que los magos enmudecen. Para él, vivimos en un tiempo
–desafortunadamente– donde las cámaras espías
vuelan siempre alrededor nuestro, donde la información permeada son trofeos por ganar. Para
anunciar su nuevo disco, Bad As Me, el primero
luego de siete años, Waits dio una fiesta privada
en línea para escucharlo, la cual fue frustrada por
una llamada de su sello discográfico: “Tenemos
un problema”, le dice a la cámara mientras apaga
la música. “Aparentemente ya no existe la privacidad como antes. Es un tema de internet”. Es una
súplica para el resto de nosotros que no estropeemos la sorpresa, al no traicionar la maravilla del
cuestionarse; la ironía es que el video en sí mismo
daba mucha información en internet con toda la
intención. ¿Es paranoico o simplemente prudente?
En el clip la solución que Waits tomó fue, naturalmente, un timo; una sesión uno a uno en un viejo
automóvil con la inscripción “BAD AS ME OCT.
25 ’11” en el espejo retrovisor, mientras el cantante
maneja como un vigilante. Su satisfecha sonrisa y
el guiño hacia la cámara lo dice todo: su camino,
o autopista, es siempre el único y el mismo. Como
dice en “Pay me” de Bad As Me: “El siguiente paso
es en el que estoy / Tendrá ruedas”.
La búsqueda del compositor es ser recordado en
una veloz vida que nunca termina, pero para Waits
todo es solamente dibujos hechos con los dedos en
un coche sucio. “¿No sientes eso de repente?”, se
pregunta. “¿No has pensado en que escribir sobre
el clima es como escribir en la tierra con un palo?”
De un lado tienes a una persona de 61 años que ha
estado cantando, escribiendo y actuando por más
de 40 años –y todavía se atreve a lanzar la mejor
música de su carrera–. Por otro lado, está todavía
el hombre de 61 años tratando de terminar con la
idea de que todo lo que ha hecho hasta ahora puede
estar en la sombra de la caducidad. En el tema de
edad se revela con un nuevo estrés por cada década: “Los 29 fueron duros. Los 39 fueron duros. Los
49 fueron duros. ¡Los 59 fueron duros! Los pueblos
fronterizos son duros”. Es reflexivo, nadie lo duda,
pero también hay un aire triunfante; sigue ahí,
malo como siempre. Hay canciones sobre la mortalidad en Bad As Me –“Soy la última hoja del árbol”,
declara en “Las leaf”– él sabe a dónde va, algún día,
pero no piensa irse silenciosamente.
Si Swordfishtrombones y Rain Dogs señalaban una
magnífica nueva dirección de Waits en los ochenta, en los noventa Mule Variations y Real Gone de
2004 probaron que no ha colgado el sombrero, sino
que apenas estaba empezando a cocinar realmente. Bad As Me es un trabajo supremo de un artista
lo suficientemente sabio para señalar exactamente
lo que hace mejor a la par del gran talento que ha
recolectado a lo largo de los años de sus amigos y
familia, todo esto condensado en tres minutos concisos de belleza y delirio. Ellos evocan la atracción
de un Corvette con la eficiencia de un Corolla. El
cuerno y bajo que aparecen en la apertura de “Chicago” ponen un ritmo frenético que regresa pocas
veces a lo largo del álbum, incluyendo las muestras
blues en “Satisfied” y “Raised right men” y el gritón punto decisivo del track que le da nombre al
disco; otras canciones como “Pay me”, “Back in the
crowd” y “New year’s eve” suenan con una dulce,
triste y lenta sinceridad gracias al increíble trabajo
en la guitarra. Pero la verdadera estrella del show
es, como siempre, la voz de Waits; entre todos sus
talentos incomparables, la maestría de ese instrumento interior sigue siendo el mejor. Simplemen-
te no hay nada en la Tierra que se le parezca; las
metáforas que uno podría utilizar para describir
las variadas encarnaciones de Bad As Me podrían
sobrepasar todas aquellas escritas por una clase de
estudiantes de poesía en la universidad.
En “Hell broke Luce”, el vértice del álbum, escuchamos un furioso y cacofónico lamento de guerra
donde Waits –en medio de riffs explosivos– anuncia triunfalmente junto a una metralleta: “Escucha
al general, cada maldita palabra”, es un malicioso
ataque para aquellos que dan órdenes políticas,
seguramente, pero también refleja la forma en que
hace sus canciones. “Un disco no es una democracia”, dice. “No en mi libro”. Aun así, sigue estando
relajado al momento de trabajar con Brennan y con
aquellos de suficiente confianza que ha invitado a
su sagrado estudio a grabar: Keith Richards, Flea,
Marc Ribot (un colaborador de mucho tiempo), David Hidalgo de Los Lobos, Les Claypool, el maestro
en la armónica Charlie Musselwhite, su hijo Casey
en la batería, así como unos seleccionados más.
“Pones demasiado de ti en un cuarto con personas
que pueden curarte”, nos dice. “Trabajo con grandes personas, sé que lo hago”.
Al referirse a sí mismo como un conjurador, él destapa verdades sobre el origen del porqué usamos la
palabra “hombre” al referirnos sobre otra persona
y su propia “falsa” historia familiar, también nos
da trivias cinematográficas e inventa escandalo-
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35 . F I L T E R
sos nombres de bandas sacados de su sombrero. Tom Waits existe para entretener. A lo largo de nuestra
llamada telefónica, él cambia de personajes sin ningún esfuerzo y sin cuidado, manteniendo una comunicación con él mismo, riendo ruidosamente, desafiándome como si fuera una cacería. Las luces pueden
apagarse, pero él siempre estará en el escenario.
Cuando me asegura en nuestra conversación que “la verdad está sobrevalorada”, lo dice tan serio advirtiéndome: “Voy a tolerar tus preguntas, pero no voy a seguir tu juego. Confía en mí, es lo mejor para ambos
de esta forma”. Siguiendo las reglas de Waits al decirnos “ésta es la verdad”, ¿seremos lo suficientemente
tontos para creerle? ¿Importa realmente? A veces, para entender a un artista, lo mejor que uno debe hacer
es pararse y tomar un boleto para el viaje.
¿Tuviste tiempo de hacer algo emocionante hoy en la mañana antes de que te ataran a la línea telefónica?
Me bañé en esperma de ballena y pipí de camello. Así me relajo.
Ah, lo normal.
¡Sí! Lo normal.
Estoy sentado en Los Ángeles, tu vieja tierra, pensando en tu disco y me pregunto, ¿qué quiere
decir “malo” para ti, conceptualmente?
Mmm… no he pensado en eso realmente.
¿Te siguen atrayendo los personajes malos?
Mala comida, mal camino, sí. Malos personajes… esos ya no me los llevo a casa. Ya no tengo 23. No se
permite. Solía serlo sólo por ser cabrón. Pero bueno, en cualquier caso, malo es bueno, sabes. Hoy en día,
el caló cambia constantemente, pero “malo” siempre se ha mantenido constante. Las canciones suceden
rápido, en algunos casos no son necesariamente las más elaboradas, sobre todo una canción como ésa.
Pues así le pusiste al disco, así que me preguntaba si había un significado más profundo.
Originalmente le íbamos a poner Satisfied (Satisfecho) pero sonaba demasiado suave. “¿Satisfecho? ¿Qué
quiere decir que está satisfecho? No quiero oír eso. ¿Significa que ya todo está hecho?”. Si eres malo, eres
malo. No creo que la gente quiera que yo esté satisfecho. Para entender una canción, tienes que empezar a
pensar como canción. Ellos quieren creer que todavía estás un poco crudo, un poco contrariado, un poco
insatisfecho, que tienes los nudillos lastimados, el sombrero puesto al revés, buscando algo que encerrar
para entregarlo a todos a tu alrededor. De la misma manera que quieres que el consultorio de un doctor
parezca el consultorio de un doctor, quieres que el artista se vea, suene, se sienta y viva de cierta forma,
porque la verdad siempre es otra cosa. Decimos que queremos saber el fondo de las cosas, pero en realidad
no. Es como preguntarle a un mago: “¿Cómo hiciste ese truco?” Y entonces te enseña cómo lo hizo, y deseas
nunca haberle preguntado eso. Me gustaría volver para quedarme con la duda. Una vez que te han dicho la
verdad sobre algo, no puedes seguir preguntándote.
Considerando que eres una persona famosa que protege celosamente su vida privada, los fans
siguen pidiéndote información porque eres alguien que quieren conocer. Tú eres un fan de la
música, se supone que has tenido músicos favoritos. ¿Alguna vez quisiste saber cosas personales de tus héroes o siempre has respetado ese elemento de misterio?
Creo que siempre he respetado el misterio. La gente trata de decir cosas sobre ciertas personas, y dices:
“¡Ah, no me digas!”. Había un libro que se llamaba When I Was Cool y era sobre la generación Beat; mi
esposa estaba fascinada leyendo acerca del chico que andaba en Naropa con Ginsberg y Corso y todos esos
tipos, y reveló –filtró– todas estas cosas acerca de ellos. Solía leérmelas en voz alta en el coche –”No, no lo
hagas!”– Ginsberg solía enviarle su ropa por correo a su mamá, que estaba a 3 mil kilómetros de distancia,
para que se la lavara y se la mandara de regreso. ¡No me digas eso! Quiero saber que usaba la misma ropa
durante tres meses. Como yo lo hago. No, es broma.
¿Qué es lo que realmente importa, excepto que te gusta imaginar cosas para luego tejerlas cuando estás
escuchando? A veces la experiencia es mucho más satisfactoria cuando no sabes. Yo prefiero preguntarme. Porque una vez que sabes, no podrás no-saberlo. Por eso creo que es muy importante inventar cosas.
La mayoría de los ingredientes de las canciones son códigos. Estás protegiendo a los inocentes, de verdad.
Muchas canciones no se pueden cantar hasta envolverlas en algún tipo de misterio o hasta cambiarles los
nombres. Las familias son muy protectoras de la información dentro de la familia. No se puede decir eso
del tío Bill. Por un lado, ya no es el tío Bill; ¡es la tía Sheila! Y no es Miami; ¡es Bangor, Maine! Y él no se cayó
de la parte trasera de un camión; le dispararon en la cabeza durante la guerra mientras trataba de quitarle
la pistola a un soldado alemán. Siempre estamos tratando de ocultar las cosas, ¿no crees?
36 . F I L T E R
Habiendo dicho eso, crees que compartir –una parte esencial de lo que te ganas la vida– es una
parte del proceso que disfrutas?
Compartir qué. ¿Agujas?
Compartir agujas o cucharas. Si hubiera una manera de sobrevivir en un mundo sin esa interacción
pública compartida –desde hablar con la gente como yo en el teléfono, o salir de tour, o incluso lanzar
la música que haces– ¿lo harías o te gusta que tus canciones estén fuera en el mundo?
Bueno, eso es más como mi esposa, a ella le gusta el manto del misterio. A ella le gusta el backstage, no le
gusta la atención. Yo soy diferente. Soy perverso en el sentido de que me gusta lo burlesco y me gustan
todas esas cosas. El escenario está lleno de asombro también porque todo está realmente sucediendo detrás de él escenario. Es sólo otra manera de construir un muro más alto que te rodea. El público cree que
estás explorando algo, realmente sintiendo y exponiéndote, pero es posible que sólo te estés escondiendo más.
Una gran cantidad de canciones se inspiran en otras canciones, pero siguen siendo la mierda que queda fuera:
inventadas, robadas, prestadas, canibalizadas, mal recordadas, soñadas o que cambió de forma.
¿Confías en la gente?
No. Sí. Siempre [ríe]. ¿En quién?
37 . F I L T E R
Gente que está en el cuarto contigo cuando estás haciendo música, gente que conoces en la calle,
el Tío Bill…
Que se alejen. Porque yo tampoco soy digno de confianza. Entonces asumo que todos son como yo. Cuando
estás haciendo un disco debes tener cuidado. Hoy en día todo el mundo tiene una cámara espía, que son
fáciles de ocultar, te toman fotos sin que lo sepas... ¿Cuál era la palabra “confianza”? ¿Confío en la gente?
No. Hay un aviario en Arizona, donde tienen a unos pequeños robots asesinos del tamaño de insectos,
unos toman fotos, unos emiten gases tóxicos, y los controlan con un control remoto a distancia y son del
tamaño de una mosca, entonces los mandan a una habitación, como en Goldfinger, y todo el mundo piensa
que es una mosca mientras hablan de la guerra. Entonces, toda la tecnología que creemos que está aquí
para nosotros, para que hables con tu novia y le enseñes tus partes en la computadora, tu piensas que está
ahí para ti? ¡No! Es para que te observen, y sepan lo que estás haciendo.
¿Qué opinión te interesa cuando estás trabajando?
La de mi esposa.
¿Porque es tu esposa o porque es tu compañera de escritura?
[Ríe] Eres bueno. ¿Estás casado?
No, no lo estoy.
Pues por eso no sabes. Mira, si los dos saben lo mismo, entonces uno no es necesario, ¿verdad? Pero hay
que tener a alguien en cuyas opiniones confíes, de lo contrario es como El traje nuevo del emperador todos
los días. Mi esposa es más como una escritora de opio: tiene libros y libros llenos de sueños. Yo soy básico,
supongo. Ella tiene que esperar a que el sueño llegue. Yo salgo y lo busco. Tienes que confiar en la persona
con la que escribes, de lo contrario, no puedes escribir con ellos. Es por eso que es muy difícil encontrar a
alguien con quien escribir.
¿Cómo comparten opiniones tu y Kathleen cuando trabajan? ¿Es natural como una conversación durante la cena o se preparan emocionalmente, en especial si se van a decir cosas que se
pueden tomar como negativas?
Creo que esas son estupideces. Todos son familia, ¿sabes?: “Ay no, no uno de esos otra vez!”. Todos tienen influencias diferentes y por lo tanto todos tienen perspectivas diferentes. “Creo que has estado escuchando mucho a Peggy Lee. No has escuchado suficiente Mancini, tienes que sentarte y escuchar más
Morricone o un poco de Miriam Makeba. Es más, escoge diez personas que su nombre empieza con ‘M’ y
escúchalos, luego ven y platicamos”.
¿Kathleen va a tus conciertos?
Claro, si salimos de tour vamos juntos. No creas que le emociona ver cada concierto. Es crítica de muchas
cosas y siempre da su opinión. Es brillante. Confío en ella.
¿Cómo aprendiste a trabajar con otra gente?
¡No he aprendido!
No has aprendido. ¿Entonces si le pregunto a Flea, Mark, David y a todos esos tipos dirían lo
mismo?
[Ríe] Bueno, eso no es del todo cierto, sí he aprendido a trabajar con otra gente. Siempre hay comodidad
o confianza con ciertas personas, pasa en todos los negocios: desde limpiadores de chimeneas, gente que
pone azulejos o gente que arregla relojes. Hay gente con la que puedes trabajar y gente con la que no. “No
puedo volver a trabajar con él, nunca se cambia los shorts, discute todo lo que le pido, no tiene idea de cómo
tomar órdenes.” Un disco no es una democracia, al menos no para mí.
“Escucha al General, cada maldita palabra,” ¿correcto?
Correcto, así es.
¿Siempre estás trabajando o escribiendo? ¿Puedes desconectarte cuando lo necesitas?
Claro que puedo. Tengo que hacerlo. Sí tengo un estado en el que vivo. Es por eso que nadie sabe nada de
mí. [Ríe] Pero este negocio que llamamos espectáculo es bastante absurdo a veces cuando realmente lo
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piensas; piensas que estás haciendo cosas que van a estar ahí siempre, pero en realidad estás haciendo
paletas de hielo que se quedan en los asientos de autobús en Florida en el verano y se derriten. Eso es lo que
estamos haciendo. Nada de esto está diseñado para permanecer salvo lo que recuerdes de él. La primera
vez que escuché “Papa’s got a brand new bag” ¡hombre! Sí se te queda algo de esta música que te exprimen
en el oído. Algunos se quedan, otros no. O crecen o no.¿Y qué me dices de esos nombres? ¿The Slacks? Al
momento que oigo una banda llamada así, pienso que probablemente se irán al olvido con The Bras, The
Slippers, The Buttons, The Underwear y The Collars. Chance sea un festival o nombres de bandas.
No te involucraste con ninguna de ésas.
No tuve por qué. Ojalá me hubiera cambiado el nombre cuando entré al negocio. Te hace más limpio. Este
soy “yo”, ése es el ventrílocuo y éste es el muñeco. Ojalá y me hubiera puesto otro nombre. Bill Brassiere
and the Sleepwalking Assassins, Beaumont Zipperhorn and the Canadian Ankle Fans, Jihad Gingerpoodle and the Shoehorn Orchestra. Para que veas la diferencia entre tú y el verdadero tú. Alvin Trickleshirt
and the Belvedere Shinolas. Sólo una noche. Estoy imparable.
La gente habla de los cambios en el sonido de tus discos: cuando cambiaste de disquera cambió
el sonido, cuando conociste a Kathleen cambió el sonido, ¿qué te llevó de Real Gone a Bad As Me?
No lo sé. Hay cien cosas. ¿Quién sabe cuáles son los ingredientes para las melodías cuando todo empieza a
tomar forma y se convierte en un disco? De nuevo, quieres saber pero realmente no quieres saber, porque
si te digo y no es interesante vas a decir: “Ah, Jesús”. En otras palabras, cuando tienes la verdad y tienes el
mito, imprime el mito. “Chicago” tenía el número de sílabas correcto para esa canción. Inténtalo con Reno
o Miami. Bern, Switsgerland. No sirvió. O hay muchas o pocas. Ésta fue justo lo correcto, como los Tres
Ositos. Chicago. Chicago. Cuando lo dices deja de sonar como una ciudad y empieza a sonar como una
palabra de conjuro, como abracadabra.
Fue la solución mágica…
Fue para ese momento. Es sólo música viajera para los inmigrantes. Mira, la verdad es ésta: definitivamente queríamos hacer 12 canciones de tres minutos. No es broma. Pensé que era una buena idea. Ahora
que existen los CDs, puedes poner 19 de ellas, me encanta. Eso no siempre es la mejor idea. Así que 13 no
está mal. Me presionaron para una más. Algunas de esas canciones eran realmente largas y tuvimos que
cortarlas. “New year’s eve” era muy larga. Es una canción que se trata de una noche en la que todo sale
mal. Así que piensas: “Bueno, ¿cuánto contamos?”. Fuimos a comer, Marge se intoxicó, Stan incendió el
sillón, el perro se escapó, el coche se lo llevó la grúa, los vecinos llamaron a la policía... ésa es una canción.
Tienes que sacar las malas hierbas y lavar los platos.
¿Conoces a las personas de estas canciones?
No, es un código ¿recuerdas? Proteger a los inocentes. Te lo dejo a ti el decidir si es un “Sergio” de verdad o
no, porque en realidad no importa. Sólo es una canción, es la lógica de las canciones. Es la ley.
¿Me podrías decir qué quiere decir ser un “raised right man” (un hombre bien criado)?
Lo sabrás cuando te cases. Sabrás que no eres uno, y que necesitas serlo pero no estás listo. Y sabrás por
qué hay un sillón en la sala. No te has tenido que parar frente a Dios para justificarte.
Cuando trabajas con otros músicos, ¿te ves como un conductor o como un facilitador?
Tal vez un poco más de un conjurador. Es como llevar a tu serpiente mascota al veterinario: “No sé, doctor,
ha estado ahí echada semanas. Ni siquiera puedo lograr que me muerda. ¿Qué cree usted que tenga?” [Ríe]
Y todo el mundo tiene derecho a dar su opinión sobre lo que está mal: “No sé, Tom, hay demasiado bajo”.
“Creo que le falta bajo”. “Bueno, ¿qué es?” “Vamos a volver empezar”. “La canción es una mierda”. “No, no
lo es”. Tienes grandes canciones mediocres. La radio está llena de ellas y viceversa. Las malas ejecuciones
de las buenas canciones nadie las llegará a escuchar. Tiene que tenerlo todo.
Algunas ideas tienen orígenes humildes: me dejaron plantado en una cita, mi perro se murió, mataron a
mi papá en la guerra... Te pones en un cuarto con curanderos y entidades. A veces, si vas ahí con alguien
con quien nunca has trabajado antes, pasa algo sorprendente. Si todos ya han trabajado juntos antes, muchas veces sólo van a perseguir a la gallina por la playa todo el día y terminarán cansados y con hambre.
A veces se necesita a alguien que piense diferente. Y tienes que confiar en la gente con la que entres, al
igual que un reparto en una obra de teatro o una película. He trabajado con gente increíble, lo sé porque
tengo un instinto que me lo dice. Les Claypool, grande. Ribot, grande. Flea, grande. Dave, grande. Keith,
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grande. Casey Waits, grande. Charlie Musselwhite, indispensable. Charlie lleva como 600 armónicas a
un concierto. “Jesús, Charlie, no podemos usar todas ésas!” Pero él sabe que si no las trae, seguro las vas a
necesitar. Eso pasa en cada sesión.
No sé cuánta gente quiera saber lo que sucede en el estudio. Yo no sé hasta qué punto estos chicos quieren
ser conocidos. Algunos de ellos les encantaría contarte, inventar cosas, o decirte lo que realmente pasó. El
hecho es que yo hago que firmen un... ¿cómo se llama?
¿Un acuerdo de confidencialidad?
¡Eso! Esto era un asunto privado, lo que pasa aquí se queda aquí. Claro que no pasa, pero fingimos que sí.
Ésa es la parte divertida de la música, si realmente te dejes ir, encuentras algo. “El bajista se tenía que ir a
las nueve, entonces no hay bajo en esta canción.” Y bueno, ¡salió mejor! Una vez más, sigo pensando que
estamos dibujando en la tierra con un palo, que es parte de la emoción; además hay cierta energía en la
habitación cuando estás haciendo eso. No estamos encontrando el hilo negro, hay un montón de ellos, sólo
estamos beneficiándonos de ella. Tienes que sentir que lo que estás haciendo es algo único, a pesar de que
no hay nada nuevo bajo el sol. Lee Eclesiastés y aprenderás todo acerca de eso. Todo se presta, se olvida,
se inventa, se deja de lado, se canibaliza, todo el mundo lo hace, así es este trabajo. En la canción “Bad as
me”, cuando me pongo a hacer esa cosa de hablar... “¡Eso es de Screamin’ Jay Hawkins!” ¿Y qué? Es un
homenaje a Screamin’ Jay. Se murió, me quito el sombrero. A veces es sólo eso.
Con o sin código, parecen haber pistas sobre el reconocer la mortalidad o a lo mejor la inmortalidad
como en “Last leaf”. ¿Es un tema que te acecha cada vez más?
A veces un cigarro sólo es un cigarro. A veces la última hoja es sólo la última hoja. Es otoño. Y queda una hoja
en ese árbol y no se va a ir.
¿Ves algún punto en tu carrera donde ya no quieras hacer esto?
Pues, no sé, sí, seguro, probablemente. Necesito hacer cosas diferentes. Quién sabe a dónde te lleve. Si supieras
exactamente a donde vas no sería divertido, ¿o no? Acabas dibujando jirafas con salsa Tabasco en la parte de
atrás de los portavasos con la uña. Podría venderlos por una buena lana.
Estoy seguro que sí, Tom. Aquí está mi última pregunta: ¿a qué suena tu casa cuando eres el único
despierto?
Es raro que este lugar esté vacío o en silencio y yo esté despierto. Pero sí creo que es fascinante las cosas de las que
te das cuenta cuando tratas de estar en silencio –si estás tratando de hacer huevos a las tres de la mañana y abres
el cajón donde están las ollas y cacerolas y sólo escuchas a qué suena. Trato de pensar en eso cuando estoy en el
estudio porque es así, estás aislando sonidos, los estás tomando y los estás poniendo en un lugar donde sólo son
sonidos y de la nada son incorpóreos, y es interesante lo que puede hacer un micrófono –las cosas que pasan sólo
porque hay tanto silencio que las notas y te las quieres quedar.
Muchas veces el momento más interesante del concierto es cuando la orquesta está afinando. No tenían ni idea
que iba a ser tan emocionante, ni siquiera sabían que estaban haciendo música. Así que si traes a los músicos y
ellos están jugando un poco antes de tocar, muchas veces tienes que poner atención a lo que están haciendo antes
de empezar a tocar con una “T” mayúscula. No tienen idea de lo interesante que era lo que estaban haciendo
antes de que supieran que estaban haciendo algo. La actuación es lo mismo, estás atrapando a la fauna silvestre.
Necesitas uno de esos robotcitos que parecen mosca para captarlo todo.
Cada día los hacen más chiquitos. Tengo parientes en la CIA, por eso tengo esa información. El tío Bill. Arriesga
su vida cada vez que me habla.
Y se lo acabas de decir a un hombre con una grabadora
¡Oh por Dios! Ahora me vas a tener que prometer que nunca vas a publicar esto.
Está bien. Ésta es la última pregunta que te tengo: hay una línea que se ha dicho más que cualquier
otra línea en la historia del cine ¿sabes cuál es?
Me voy a ir por: “¿Qué va a ser?”
“¿Qué va a ser?” No, no. Pero es muy buena, la verdad. Te refieres a cuando un hombre entra a un bar
y el mesero le pregunta: “¿Qué va a ser?” ¡Muy bien! Probablemente esté en el top, pero no es ésa. No
te puedo dar el premio.
Entonces ¿cuál es la línea número uno más dicha en el cine?
Ahí va, ¿estás listo? “Vámonos de aquí”. Es ésa. Vámonos de aquí.
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43 . F I L T E R
TRIBUTO
PETER
HOOK
Durante el soundcheck de su pasada presentación en el DF, Hookie mostraba una personalidad fuerte y exigente con las solicitudes que
pedía, pero a final de cuentas era lo mejor para
dar una presentación memorable –la cual fue
así– en donde el fantasma de Ian Curtis poseyó
a Hook para deleitarnos con la breve pero muy
concisa historia de Joy Division.
Si a esta fuerte personalidad le sumamos que
algunos lo consideran oportunista al sacar
ventaja de la historia de Joy Division al salir
de gira por su parte, la plática con uno de los
mejores bajistas del rock británico pintaba por
ser breve y monosilábica; afortunadamente fue
todo lo contrario, incluso aun mejor de lo que
pensábamos.
Hookie se mostró muy accesible y amable al
volverse un confidente y fiel fuente de algunos
de los secretos que están detrás de Unknown
Pleasures de Joy Division las cuales compartirá
44 . F I L T E R
Lo que no sabías del
Unknown Pleasures de
Joy Division
Por ANDRÉS DÍAZ
en un libro que tiene planeado publicar, en donde hablará más detalladamente de Joy Division.
“El álbum fue grabado en cinco días a diferencia
de Waiting For The Sirens’ Song de New Order,
que tomó tres años. Lo hicimos muy rápido y
me sentía muy feliz cuando lo hice y muy infeliz
cuando lo escuché porque sentía que sonaba
a Sex Pistols o The Clash. Martin Hannett nos
dio un magnífico trabajo, pero en ese entonces
era muy joven para valorarlo. Eso es parte de la
magia del disco, ya que lo escuché año y medio
después y me dije: ‘Qué mal estaba cuando
pensé que era malo’; eso es parte de ser joven
el pensar que tú estás bien y todos están mal”,
nos confiesa Peter Hook.
Una de las partes más impactantes del magnífico documental Joy Division de Grant Gee es
cuando el resto de la banda afirma que no se
dieron cuenta de que Ian Curtis estaba dando
avisos de su muerte en las letras de sus cancio-
TRIBUTO
“ESCUCHAR
CANCIONES DE AMOR
ES NECESARIO PARA
LOS SERES HUMANOS PORQUE TE DAN
ESPERANZA. APARTE
SUENAN MUCHO MEJOR CUANDO DICES
‘TE AMO’ EN VES DE
‘TE QUIERO COGER’”
nes, a lo que Hook contesta: “No fue tan impresionante darse cuenta de eso porque fue todo
un proceso”. En ese momento saca una libreta
con las letras de las canciones corregidas por
él mismo y basadas en los escritos originales de
Ian. “Es maravilloso adentrase en las letras de
sus canciones, Ian era un gran compositor porque sabía usar las palabras y hacer trucos con
ellas, por ejemplo en “Insight” dice: “Reflects
a moment in time / A special moment in time
/ Yeah, we wasted our time / We didn’t really
have time”, él usa la misma palabra pero con un
sentido totalmente diferente y no te das cuenta
porque está escrito en rima para una canción.
En “Digital” comienza con dos “Feel it closing
in”, en la segunda estrofa dice “I feel it closing
in” y desaparece la frase en la tercera; es un
truco sencillo y muy inteligente. También le gustaba poner los coros al final en vez de ponerlos
en medio y le gustaba economizar las palabras.
Era un bastardo muy listo”.
La grabación de Unknown Pleasures fue
grabado a la DIY (do it yourself ), es decir, por
ellos mismos, porque no tenían una presión
por comerse al mundo ya que querían crecer
orgánicamente. Hoy en día muchas bandas
hacen lo mismo con la finalidad de buscar un
éxito más rápido. Al respecto Hook nos dice:
“La diferencia es que cuando yo lo hice, mis
padres pensaban que era un idiota, que estaba
desperdiciando mi vida y que debería parar. En
mis épocas los músicos eran como leprosos,
todos los odiaban. Ahora los padres se emocionan por ello. Ya no es una rebelión, es una parte
aceptada de la cultura. Ahora hacer música es
más fácil por las computadoras, pero qué me
dices de las letras de las canciones, es un arte
como el escribir un libro o una obra de teatro,
por lo que no todos lo pueden hacer bien. Es
interesante que ahora la música se enseñe en
las escuelas de Inglaterra, pero no se enseña
cómo escribir canciones, el cual es el aspecto
más importante en la música”.
En este punto de la conversación era inevitable
preguntarle sobre el abuso de la palabra amor
en las canciones pop de hoy en día, a lo que él
defendió: “Todos se enamoran y es muy importante hacerlo, desde las niñas de 16 años hasta
las parejas de edad avanzada. Es la única emoción que se necesita tener en la vida porque nadie quisiera no ser amado en la vida. Escuchar
canciones de amor es necesario para los seres
humanos porque te dan esperanza. Aparte las
canciones suenan mucho mejor cuando dices
‘te amo’ en ves de ‘te quiero coger’”.
Recientemente se publicó la recopilación FAC.
DANCE con las primeras grabaciones del
legendario sello discográfico inglés, Factory
Records. Aquí encontramos a bandas como
Shark Vegas que tiene una innegable influencia
de New Order. Hookie ha tenido una cercana
relación con la disquera en últimos años por lo
que su opinión de este acoplado es de mucho
peso: “Me hubiera gustado que incluyeran más
lados B y rarezas en vez de incluir otro remix
de “Transmission” o “Blue Monday”, faltó poner
a bandas como Stockholm Monsters, quienes
traían un sonido muy diferente a las bandas de
ese entonces”.
Antes de despedirnos tuvimos que preguntarle sobre el reencuentro de New Order sin él,
lo único que nos pudo dar a entender es que
no estaba muy contento y que necesitaba
sentarse con el resto de la banda para discutir si estará en la gira que tienen planeada
para el próximo año.
45 . F I L T E R
ciones de los conciertos.
Amo las listas de las can
me encanta, generalmenSi un concierto realmente
te del escenario y busco
te me cuelo hasta enfren
pegada en el piso del escualquier cosa que esté
e
tour manager, quien deb
cenario. Si fallo, busco al
r
ene
obt
a
. He aprendido
tener la lista de canciones
con
es
o
pas
nte
El siguie
estas listas a hur tadillas.
una
go
ten
que
por
en
firm
seguir que los artistas la
arto
mi casa. Se llama el “Cu
colección en el baño de
l.
en españo
de Baño del Set List”, así
Este se encuentra en el
The Wiltern, L.A ., 200 8.
toda mi vida. Un show
top tres de conciertos en
o, lleno de gracia y
rad
spe
ine
e
completament
mis canciones favode
con una gran selección
ocidas. El público
con
nos
me
s
una
alg
ritas y de
n familiar. Le di un
nió
reu
una
se sentía como en
kstage y le dije:
bac
el
en
plumón a Eddie Vedder
tó: “lo haré”.
tes
con
me
y
”,
erlo
“tengo que hac
Hice el booklet de
su disco de grand
es éxitos.
Ella hace muchos
de sus escritos en
cuadernos
de papel amarillo
con su inconfundib
le letra.
Me preguntó que si
quería que me paga
ra por
el trabajo, y le dije:
“Nunca, pero me en
cantaría
que escribieras un
set list de cancion
es y lo
firmaras”. Lo hizo.
Éste tiene un lugar
de honor.
46 . F I L T E R
Esto es de un impo
nente concier to de
My Morning
Jacket en The Roxy
de Los Ángeles en
el 20 03. Gran
show, lleno de espa
cios y crescendo,
y una hoja de
set list con una for
ma única también.
Consejo para
coleccionistas pri
ncipiantes: los set
lists de MMJ
o de Pearl Jam a me
nudo tienen las ca
nciones que
no se tocaron. Las
dos bandas cambian
a veces
el rumbo del conc
ier to, sacan y meten
canciones
conforme van tocan
do, haciendo del se
t list original
una especie de bo
rrador fascinante.
Pero estoy
divagando en detal
les. Continuemos…
Este fue el concierto que probablemente le dio la temática centrada en
los fans de nuestra película, PJ20. No
había visto a la banda en varios años,
y en el 2006 los vi en el Forum. Fue una
revelación. El público cantó con ellos
cada canción; la banda estaba más
entusiasmada que nunca. Su segunda
vida había empezado. Un show muy
emotivo. ¡Plumón! La nota de Eddie
Vedder respondía a las elecciones
que se acercaban: “Dame un poco de
verdad… ¡Por favor!”
47 . F I L T E R
Uno de mis favoritos. Simon
y Garfunkel se
reunieron en la Beneficencia
de Neil Young
para la Bridge School. Los dos
se encontraban en diferentes áreas del
backstage,
hablando con los peces gord
os. Pensé
que en vez de molestar al deli
cado recién
reunido dúo, les pasaría una
pluma discretamente junto con la lista
para dejarlos
seguir platicando. Lo cual hice
. Y funcionó,
aunque Paul Simon me echó
una mirada
de: “¿quién eres y por qué esto
y firmando
esto?”. Garfunkel se tomó un
momento,
vio el set list y dijo: “Lo hicimos
bien esta
noche”, y así fue.
su
Después de Almost Famous, U2 y
ron
invita
nos
iness
McGu
manager Paul
en
a Nancy y a mí para ver su concierto
uis,
Arizona. Nos vimos en el Sunset Marq
nos
y
uerto
aerop
al
ón
cami
tomamos un
fuimos a Phoenix. Cuando íbamos de
el
regreso, Bono secretamente pidió que
s.
Vega
Las
en
da
para
avión hiciera una
alay
Estando en el Red Square del Mand
ra.
firma
lo
que
para
list
set
el
di
le
Bay,
a
Le hablé como Elvis y le dije: “Rey, voy
antes
necesitar que me firmes este set list
y lo
de que te vayas al Strip”. Bono se rió
plo.
firmó, y los demás siguieron su ejem
Viva U2… y los set lists en general.
itor
Cameron Crowe, cineasta y escr
o de
ganador de un Óscar y un Glob
son
Oro. Algunas de sus películas
MaSay Anything…, Singles, Jerr y
Sky y
lla
Vani
ous,
Fam
ost
Alm
e,
guir
el documental Pearl Jam Twenty.
48 . F I L T E R

the black keys . the rapture . david cronenberg

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