ECOS DE ASIA / Nº 22] Diciembre de 2015

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 22] Diciembre de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / DICIEMBRE 2015
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Presentación
ÍNDICE DE CONTENIDOS
Especial Asia – América (EE.UU.)
Dadme a los cansados, a los pobres… y a los asiáticos.
Estados Unidos y la inmigración oriental Por Laura
Martínez.
4
Infancia y vejez, amores y desamores edulcorados a la
sombra de la Historia. Isabel Allende y El amante
japonés. Por Carolina Plou.
13
Aprendiendo Asia III: de dragones y mitologías
compartidas. Por Carolina Plou.
16
Jenny Han y la presencia de lo coreano en la literatura
juvenil. Por María Gutiérrez.
22
Sexo tras unos días sin vernos: los relatos completos
de Tao Lin. Por Laura Martínez.
25
Fresh off the boat (2015): entre la ficción y la fricción.
Por Marisa Peiró.
29
Reseña literaria: Muñecas chinas (2015). Por Laura
Martínez.
36
Historia y Pensamiento
Contra el Tigre de Papel. Mao Zedong y el maoísmo I.
Por Pablo M. Somoano.
41
La Orden del Sol Naciente. Por Carolina Plou.
50
La visión de China de Ibn Battuta. Por Esther Lupón.
54
Arte
El neosurrealismo en el Sudeste Asiático: Vida y obra
de Nguyen Dinh Dang I (Vietnam: censura y polémica).
Por Andrea García Casal.
61
La producción cerámica de Jingdezhen. Por David
Lacasta.
72
Literatura
Grotesco y el cruel drama de la prostitución en Japón.
Por Mario Malo.
78
Se nos acaba el año y Ecos de Asia quiere ponerle
su cierre de oro con un mes de diciembre cargado
de novedades e ilusión. Iniciamos el mes
continuando con nuestro Especial Asia-América,
centrado en esta ocasión en los Estados Unidos,
para analizar la presencia de distintas culturas
orientales en el país más poderoso del mundo. De
esta forma, se iniciaba el mes con una sucinta
introducción general relativa a la inmigración
desde distintos países asiáticos a los Estados
Unidos, en un recorrido histórico a cargo de
Laura Martínez. Entre las sugerencias literarias
encontramos bestsellers como El amante japonés,
analizado por Carolina Plou Anadón, Muñecas
Chinas, de Laura Martínez o la literatura juvenil
de Jenny Han, por María Gutiérrez, así como
otras obras más personales como los relatos
completos de Tao Lin que nos trae Laura
Martínez. En lo referente al mundo audiovisual,
Carolina Plou profundiza en el estudio de la serie
de animación American Dragon: Jake Long,
dentro de su serie Aprendiendo Asia, mientras
que Marisa Peiró Márquez nos descubre la serie
de televisión Fresh off the boat, que relata los
avatares de una familia sinoamericana.
Continuamos con nuestro viaje por Oriente,
visitando países como China, Japón, Vietnam o
Mongolia, para analizar aspectos políticos,
culturales o sociales de los mismos. Especial
atención merece la entrevista que ofrecemos este
mes, a través de la cual, podrán acercarse al
género musical folk metal mongol, conociendo de
primera mano las impresiones del líder del grupo
Tengger Cavalry.
Otro regalo navideño que nos trajo este mes, es la
condecoración de la Orden del Sol Naciente,
otorgada por el gobierno japonés a la Dra. Elena
Barlés, profesora de la Universidad de Zaragoza y
parte indispensable del proyecto. Para honrar este
hecho, Carolina Plou Anadón nos desgrana los
orígenes y detalles de este galardón en un
interesante artículo.
Algunos de nuestros colaboradores continúan con
sus longevas series, como es el caso de Pablo
Begué y Lo sobrenatural en la imagen dibujada
del Japón, o María Gutiérrez en El reflejo del
otro, alcanzando ambas su cuarta entrega. Por
contrapartida, el fin de año nos trae la
participación de una nueva colaboradora, Andrea
García Casal, con su artículo sobre el artista
vietnamita Nguyen Dinh Dang.
Página 1
El influjo del gran gigante chino se deja ver en
artículos de diversa índole, como en el que Pablo
M. Somoano analiza el maoísmo, el análisis de la
cerámica de Jingdezhen por David Lacasta, o la
visión de China de Ibn Battuta que nos trae
Esther Lupón González. Finalmente, en fechas tan
emotivas, Carolina Plou Anadón despierta nuestra
nostalgia hablando en un artículo sobre la
trascendencia del mundo Digimon en la cultura
española y el fenómeno otaku.
A todo ello, debemos añadir las críticas y reseñas
literarias, incluyendo además de algún artículo
breve relativo al manga y otras sugerencias
editoriales, que nos traen nuestros colaboradores
Ana Asión, Mario Malo Sanz, Marina Royo,
Carolina Plou Anadón y Marisa Peiró Márquez.
ÍNDICE DE CONTENIDOS
Cine y Televisión
Viaje al Mundo Digital. Reflexiones sobre la
trascendencia de Digimon en la cultura otaku
española. Por Carolina Plou.
82
Música y Escenarios
Acercándonos al folk metal mongol: entrevista a
Tengger Cavalry. Por Staff de Ecos de Asia.
90
Fdo. La Dirección.
Ecos de Asia somos:
Dirección y coordinación: Marisa Peiró, Carolina Plou.
Tesorería: Marisa Peiró.
Cultura visual
De Sekien a Studio Ghibli: Lo sobrenatural en la
imagen dibujada del Japón (IV) Los tanuki, los kitsune
y el miedo a lo indefinido. Por Pablo Begué.
96
Varia
El reflejo del otro IV: Y llegaron las Bratz. Por María
Gutiérrez.
102
Secretaría: Carolina Plou.
Crítica
Responsable edición web: María Gutiérrez, Marisa
Peiró, Carolina Plou.
Crítica: Monkey Kingdom (2015). Por Ana Asión. 110
Responsable edición en pdf: Carolina Plou.
EVEREST de Baltasar Kormakur (2015): haciendo fila
en la cima del mundo. Por Marina Royo.
112
Comité de redacción: María Gutiérrez, David Lacasta,
Laura Martínez, Marisa Peiró, Carolina Plou.
Crítica: Camino a la escuela (2015). Por Ana Asión.
115
Comité científico: Ana Asión, Elísabet Bravo, María
Galindo, María Gutiérrez, David Lacasta, Laura
Martínez, Marisa Peiró, Carolina Plou, Claudia Sanjuán.
Reseña manga: El hombre sin talento. Por Carolina
Plou.
117
Colaboradores en materia web: Alberto Clavería y
Fernando Sánchez.
Las palomas mensajeras, un cuento japonés de Javi
Pessoa. Por Marisa Peiró.
119
Editorial Imagion amplía su espectro con una
propuesta para los más pequeños. Por Carolina Plou.
123
ISSN 2341-0817
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Dadme a los cansados, a los
pobres… y a los asiáticos: Estados
Unidos y la inmigración oriental
Por Laura Martínez
A lo largo de varias semanas, gracias al
Especial Asia y América de Ecos de Asia,
hemos ido recorriendo distintos países de la
geografía centro y suramericana como
México, Brasil o Argentina, analizando las
diversas
relaciones
socioculturales
establecidas con Oriente. Sin embargo, los
siguientes artículos se centrarán en exclusiva
en las interrelaciones existentes entre Asia y
los Estados Unidos de América.
Si hay un país cuyos mismos cimientos se
basen en conceptos como la inmigración, la
diversidad y la multiculturalidad, este es sin
duda Estados Unidos: una nación surgida
como colonia disidente, en un territorio
“adquirido” a las diversas tribus de indios
nativos,1 y que, a lo largo de los siglos, ha ido
amalgamando todo tipo de etnias y culturas
hasta
alcanzar
la
pluralidad
hoy
predominante en el país más poderoso del
mundo.
Este concepto de la multiculturalidad
estadounidense suscita cierta controversia, ya
que los estudiosos del tema no acaban de
llegar a un acuerdo sobre la naturaleza de
dicho fenómeno. Así, algunos defienden que
No corresponde ahora entrar a debatir el proceso de
ocupación del territorio americano por parte de los
europeos, fundamentado en la expropiación y la
aniquilación de poblados de nativos americanos, los
cuales viven hoy en día en las denominadas Reservas
Indias, con una legislación propia, en lo que supone el
eslabón último de una larga lucha por el derecho a la
autodeterminación de estos pueblos.
1
Estados Unidos sería una especie de mosaico
cultural, usándose también en ocasiones
como símil un bol de ensalada (Salad Bowl),
entendiendo
que
las
diferentes
nacionalidades y culturas que conviven en
dicho país se han unido sin llegar a mezclarse,
manteniendo sus propias peculiaridades
(como ocurre con los ingredientes de una
ensalada). Por el contrario, otros defienden
que el producto resultante de la interacción
cultural en EE.UU. ha hecho de esta nación
un crisol de razas (o Melting Pot), de forma
que los americanos serían el resultado de esta
mezcla cultural y racial.
Sea cual sea la terminología que empleemos
para definir la sociedad americana actual, el
hecho es que en ella encontramos una gran
diversidad de razas, procedentes de sucesivas
olas migratorias, que podemos remontar
hasta el siglo XVI, y que se deben a diversas
circunstancias sociopolíticas, económicas y
religiosas.
Precisamente, a la coyuntura económica y
comercial de Castilla y Aragón podemos
achacar
las
primeras
incursiones
colonizadoras en Norteamérica, a cargo de los
españoles que ocuparon el territorio de
Florida y fundaron ciudades como San
Agustín. Por su parte, los británicos se
asentaron más al norte, en el territorio de
Virginia, buscando explotar cultivos como el
tabaco.
Página 4
Sin embargo, fueron fundamentalmente las
circunstancias religiosas las que provocaron
la mayor llegada de colonos ingleses a
territorio americano: en Nueva Inglaterra.
Allí se asentaron grupos de puritanos que
huían de la persecución sufrida en la
metrópolis y que son conocidos con el
nombre de peregrinos (pilgrims), fundando
colonias como Plymouth o Boston. A ellos
debemos unir aquellos colonos de otros
credos, como católicos o cuáqueros, que
también encontraron refugio en el Nuevo
Mundo.
Además, no podemos olvidar la presencia de
otros inmigrantes de diversos orígenes como
alemanes, suecos u holandeses (estos últimos
a cargo de la fundación de Nueva Ámsterdam,
la actual Nueva York), así como la
colonización francesa de Luisiana.
Esta complicada mixtura vino a superponerse
al ya diverso panorama de etnias amerindias
que poblaban el este de Norteamérica, entre
las que podríamos destacar a los indios
cherokee, mohawk o wampanoag (estos
últimos protagonizaron el intercambio de
bienes con los peregrinos, durante la
celebración del festival de la cosecha, que dio
lugar al posteriormente conocido como día de
Acción de Gracias o Thanksgiving).
Todo ello es anterior a la conformación de las
Trece Colonias, cuyos enfrentamientos con el
Imperio Británico desencadenarían en la
Guerra de Independencia Americana (1775 –
1783), y el subsiguiente documento de
secesión que supone la Declaración de
Independencia (1776). Al término del
enfrentamiento armado, el Congreso de
Filadelfia se reunió en 1787 para asentar las
bases de la nación estadounidense:
redactando la constitución, convocando
elecciones presidenciales y dando así inicio a
la que luego sería una superpotencia mundial.
Los siglos siguientes fueron testigos de
distintas olas migratorias hacia Estados
Unidos con motivaciones y orígenes diversos:
como los africanos llegados a través del
tráfico esclavista, o los irlandeses que
huyeron de la Gran Hambruna en la década
de 1840; así como los judíos que, desde los
años treinta del siglo XX, optaron por el viaje
transoceánico como única salida al creciente
auge del nazismo en Europa. En fechas más
recientes, la mayor parte de inmigrantes que
llegan a EE.UU. proceden de distintos países
de
Latinoamérica,
fundamentalmente
México, Puerto Rico, Cuba o Colombia,
asentándose en estados del sur (como Texas,
California o Florida) y dejando una
importante impronta cultural en todo el país.
De todo este sustrato multicultural, de largo
recorrido histórico, vamos a centrarnos en el
estudio de la inmigración asiática a los
Estados Unidos, analizando su evolución a lo
largo del tiempo, la procedencia y causas de
esta inmigración, los estados con mayor
presencia de comunidades orientales, así
como el impacto cultural de Asia en
Norteamérica.
En primer lugar, es conveniente aclarar que el
término asiático-americano se emplea para
referirse a inmigrantes llegados a Estados
Unidos procedentes de Asia, pero también a
aquellas personas que, habiendo nacido en
Norteamérica, tienen al menos un padre, un
abuelo o un bisabuelo originario de Asia. Este
(ya de por sí diverso) grupo demográfico,
incluye individuos procedentes de lugares
muy diversos, llegados al país de las
oportunidades por motivos igualmente
distintos. Es por ello que algunos
estadounidenses
reniegan
de
esta
denominación
generalista
y
prefieren
términos que hace referencia directa a su país
de
origen,
como
puede
ser
el
de sinoamericano, o incluso el uso de las
Página 5
Este mapa muestra, en un color azul más oscuro, las áreas con un mayor porcentaje de asiático-americanos.
siglas AAPI (Asian Americans and Pacific
Islanders), que resulta más amplio.
Actualmente, la mayor parte de los asiáticoamericanos asentados en Estados Unidos
proceden de China y Corea, y se concentran
en estados de la Costa Oeste como California,
Hawái o Alaska, aunque su presencia es más
que destacada en todo el país. Si bien los
primeros inmigrantes asiáticos se remontan
al siglo XVIII (siendo estos de origen
filipino,2 llegados a través de galeones
Debido a las restricciones de espacio de este artículo,
no entraremos a profundizar en la comunidad de
filipinos americanos. Tan solo conviene destacar que
tras la guerra de 1898 entre España y Estados Unidos,
que supuso la pérdida de gran parte del imperio
colonial español, Filipinas pasó a considerarse
territorio americano, por lo que sus habitantes estaban
exentos de las restricciones migratorias impuestas a
otros grupos asiáticos. Así pues, cuando fue prohibida
la entrada al país de chinos y japoneses, los filipinos
ocuparon sus puestos de trabajo vacantes. La mayor
comunidad de filipinos de Norteamérica se encuentra
2
españoles), lo cierto es que hubo un mayor
auge a partir del año 1965, con la abolición de
las cuotas de inmigración basadas en el país
de origen.
En cualquier caso, la mayoría de inmigrantes
asiáticos llegaban a Estados Unidos a través
del océano Pacífico, por vía marítima, y su
primer contacto con América era la Isla de los
Ángeles. Este enclave, situado en la ciudad de
San Francisco, California, consistía en un
centro de procesamiento de inmigrantes
asiáticos, similar al ubicado en la Este en la
Isla de Ellis de Nueva York. En estas
instalaciones, que estuvieron operativas entre
1910 y 1940, los recién llegados eran
en la denominada “Little Manila” en Stockton,
California, aunque este foco cultural empezó a decaer
en la década de los setenta. Actualmente, los filipinos
son el segundo grupo asiático más amplio de los
Estados Unidos, después de los chinos.
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retenidos
durante
largos periodos de
tiempo antes de serles
garantizado el acceso
al país.
Entre los primeros
inmigrantes asiáticos
llegados a Estados
Unidos se encuentran
los
sinoamericanos
Estos primeros inmigrantes chinos trabajaron también en la construcción del ferrocarril, con la pugna
o sinoestadounidenses, entre la Central Pacific Railroad y la Union Pacific. Los avatares de estos trabajadores aparecen relatados
(dentro de un marco ficticio) en la quinta temporada de la teleserie Infierno sobre ruedas (2011-).
cuya
presencia
podemos rastrear hasta
primeros los de San Francisco y Sacramento,
el siglo XIX. Los primeros inmigrantes chinos
a los que luego se unirían otras ciudades
llegaron como mano de obra barata, para
americanas como Nueva York, Boston o
trabajar en las minas de California durante la
Chicago. En estos barrios chinos, conocidos
llamada “fiebre del oro”. Otros se dedicaron a
como Chinatown, los sinoamericanos
la agricultura, implantando sistemas de
concentran sus negocios y restaurantes, y
irrigación traídos desde China a estos
mantienen
su
lenguaje,
cultura
y
terrenos e introdujeron algunos cultivos como
celebraciones más importantes, como el Año
el arroz en Hawái. Los principales motivos
Nuevo Chino.
que llevaron a emigrar a esta masa
A la izquierda, inmigrantes chinos trabajando
poblacional fueron las guerras y hambrunas
en el ferrocarril en el siglo XIX; a la derecha,
de su país natal, así como el aumento de los
el actor Tzi Ma interpretando a Tao en un
impuestos sobre las cosechas. Con el tiempo,
fotograma de Infierno sobre ruedas.
los trabajadores chinos se fueron agrupando
en ciudades mineras con unas condiciones de
Para superar los prejuicios raciales y sus
vida pésimas que, con el tiempo, darían lugar
consecuencias
(bajos
salarios,
a los hoy turísticos barrios chinos, siendo los
discriminación…), los inmigrantes chinos
optaron
por
emprender
sus
propios
negocios,
entre
los
que
destacaron
las
lavanderías, puesto
que
exigían
una
inversión económica
pequeña
y
les
permitían una total
independencia
laboral. Sin embargo,
las crisis económicas
Izquierda, barrio de Chinatown en Nueva York, situado en la isla de Manhattan; derecha, barrio chino de
provocaron
un
Boston con su imponente arco de entrada.
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sentimiento de repulsa hacia los inmigrantes
asiáticos, extendiéndose la opinión de que
quitaban el trabajo a los ciudadanos
americanos. En la década de 1870 se extendió
el eslogan político “Los chinos deben irse”
(The Chinese must go!), que acabó
plasmándose en una legislación sumamente
racista como fue la Ley de Exclusión China de
1882, que impedía a los chinos entrar en
Norteamérica.
Viñeta cómica con el eslogan The Chinese must go.
Sin embargo, el terremoto de San Francisco
de 1906 destruyó los registros de inmigración
existentes, lo que permitió que muchos
chinos fingieran haber nacido en territorio
americano, falsificando sus papeles, por lo
que fueron conocidos como “hijos de papel”
(o paper sons).
Las leyes contra la inmigración asiática se
fueron sucediendo en las décadas siguientes,
hasta que en 1943 Estados Unidos abrió de
nuevo sus puertas a la inmigración china. A
pesar de ello, la entrada de asiáticos estuvo
muy restringida hasta la aplicación de la Ley
de Inmigración de 1965.
Por lo que respecta a la inmigración japonesa
en los Estados Unidos, conviene recordar que
durante el Periodo Meiji (1868-1912) se
produce la definitiva apertura de Japón al
mundo (forzada por los estadounidenses, al
mando del Comodoro Perry, con la intención
de lograr una base estratégica en el Pacífico),
y es precisamente a finales del siglo XIX
cuando encontramos la llegada de los
primeros japoneses a territorio americano.
Favorecidos por la Ley de Exclusión China,
los nipones vinieron a suplir el trabajo de los
chinos
en
las
plantaciones de arroz
y piña de Hawái.
Otros trabajadores,
pescadores
y
agricultores,
se
asentaron en estados
como
California,
Oregón
o
Washington.
Como había ocurrido
anteriormente
con
los inmigrantes de
origen chino, cuando
los
japoneses
americanos
empezaron
a
prosperar, fueron acusados de robar el
trabajo a los americanos, iniciándose así un
proceso para limitar su presencia en los
Estados Unidos. Con estas reformas, tan solo
se permitía el acceso a aquellas personas que
ya habían residido allí anteriormente, a
trabajadores especializados, y a familiares de
otros residentes. Por este motivo, muchas
mujeres
japonesas
llegaron
entonces,
amparadas por la ley, para reunirse con sus
esposos, a los que solo conocían a través de
fotografías, y cuyo enlace se había concertado
a través de la familia o de una casamentera.
Es por ello que estas mujeres son conocidas
como picture brides.
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Miembros del comité del Congreso examinando los pasaportes de mujeres japonesas en la Isla de los Ángeles, en 1920.
La Ley de Inmigración de 1924 prohibía la
entrada a todos los asiáticos, y no volvería a
permitirse la entrada a los japoneses hasta
1952. Cada generación de inmigrantes
japoneses recibió un nombre: Issei, para los
llegados en el siglo XIX; la siguiente recibió el
nombre de Nisei; la tercera, Sansei, etc.,
mientras que los llegados después de la
Segunda Guerra Mundial llevan el nombre de
Shin Issei, que significa “nueva primera
generación”.
Paulatinamente, se fueron creando barrios
japoneses dentro de las
ciudades,
denominados Japantowns,
en las zonas de California y
Hawái. La mayoría de estos
barrios
desaparecieron
durante la Segunda Guerra
Mundial, pero hoy en día
se conservan en algunas
ciudades
como
San
Francisco, San José o el
denominado Little
Tokyo de Los Ángeles.
A raíz del ataque japonés a
Pearl
Harbor,
que
desencadenó
la
participación
estadounidense
en
la
Segunda Guerra Mundial, la vida de los
japoneses residentes en Norteamérica cambió
para siempre. La paranoia, las crecientes
sospechas, el miedo a los espías y a posibles
sabotajes internos, provocó que los japoneses
americanos fueran llevados a campos de
internamiento.
Estos campos estaban
situados en zonas desérticas al oeste del país,
en California, Arizona, Wyoming, Idaho, Utah
y Arkansas, y los japoneses estadounidenses
fueron obligados a recluirse en ellos, dejando
atrás todas sus posesiones.
Cartel que avisaba a todos los ciudadanos de ascendencia japonesa para que voluntariamente se
inscribieran en los campos de internamiento.
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A la izquierda, mujeres coreanas, con vestimenta tradicional, delante de una reserva militar estadounidense en California, en los años 40. A
la derecha, tres hermanos coreano-americanos (Ralph, Philip y Susan Ahn), que en 1942 se alistaron en el ejército americano.
Respecto a los primeros inmigrantes coreanos
llegados a América, estos lo hicieron a
principios del siglo XX cuando Corea, tras
años de aislacionismo, se vio obligada a abrir
sus puertas al mundo tras la invasión
japonesa en 1904. A la situación de
ocupación, se unió la sequía y las hambrunas,
motivando que muchos coreanos emigraran a
Estados Unidos.
Los
coreanos
sufrieron
la
misma
discriminación que antes habían sufrido
chinos y japoneses, y se les aplicaron las
mismas restricciones para impedir el flujo
migratorio. Sin embargo, la invasión japonesa
de Corea hizo que la inmigración coreana
tuviera un cariz diferente del de otras culturas
asiáticas. Así, los coreanos americanos se
sentían en la obligación de mantener su
cultura originaria, por el peligro de que esta
fuera destruida en su país natal.
Durante la Segunda Guerra Mundial, la
discriminación contra los coreanos aumento
puesto que, al estar su país bajo dominio
japonés, eran considerados súbditos del
Imperio de Japón y, por tanto, enemigos de
los estadounidenses. A pesar de ello, muchos
coreanos americanos se alistaron en el
ejército de los Estados Unidos para luchar por
su país de adopción.
Con el final de la guerra, Corea fue liberada
de la ocupación japonesa por fuerzas
americanas y soviéticas, lo que provocó la
división del país en dos: los actuales Corea del
Norte y Corea del Sur; una división que se
hizo permanente tras la Guerra de Corea y el
armisticio de 1953.
Tras la aprobación de la Ley de Inmigración
de 1965, la inmigración coreana aumentó
enormemente, asentándose en su mayoría en
la Costa Oeste, especialmente en el área de
Los Ángeles. En las décadas de los sesenta y
los setenta, con la llegada masiva de
inmigrantes
coreanos,
empezaron
a
surgir Koreatowns o barrios coreanos en
distintas ciudades americanas, como Chicago,
Los Ángeles, Manhattan, San Diego, Atlanta,
Dallas u Oakland.
Por lo que respecta a la inmigración
procedente de la India, esta suele proceder de
la región del Punjab. En 1923 el gobierno
estadounidense decidió que, aunque los
indios eran caucásicos, no eran blancos, y por
lo tanto no podían ser ciudadanos americanos
ni poseer tierra, lo que provocó que muchos
tuvieran que regresar a la India. Tampoco se
les permitía contraer matrimonio con
mujeres blancas, por lo que se produjeron
muchos
matrimonios
entre
hombres
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procedentes de la India y mujeres mexicanas
que vivían en Estados Unidos.
A partir de 1965 el flujo migratorio desde la
India se amplió, conformándose barrios
indios que reciben el nombre de Little India,
en grandes ciudades como Los Ángeles,
Nueva York o Chicago.
hasta que Ho Chi Minh declaró la
independencia de Vietnam, que quedó
dividida en Vietnam norte (bajo dominio
comunista) y Vietnam sur. La participación
de Estados Unidos en la Guerra de Vietnam,
durante los años sesenta y setenta, supuso un
enorme desastre militar. En 1975, con el fin
de la guerra y la victoria del norte, la
población de Vietnam
y Laos fue enviada en
masa a campos de
reeducación, viviendo
una dura represión. A
esto, debemos unir la
dictadura de Pol Pot
en Camboya.
Esta
situación
provocó un éxodo de
refugiados
del
sudeste asiático que,
huyendo de la guerra,
llegaron (entre otros
lugares) a los Estados
Unidos.
Allí
se
organizaron centros
de recepción de los
refugiados
vietnamitas,
Tienda del barrio indio de Nueva York, en Jackson Heights, situado en el distrito de Queens.
diseñados a modo de
Todos los grupos poblacionales que hemos
transición, fomentando la adaptación a la
ido analizando hasta el momento suelen
cultura americana. Estos centros se
responder a un patrón más o menos común
encontraban en los estados de California,
dentro de la inevitable variedad que produce
Pennsylvania, Arkansas y Florida, desde
un país de origen diferente. Sin embargo,
donde más tarde eran distribuidos por todo el
como colofón, pasaremos a comentar el caso
país. Hoy en día, podemos encontrar barrios
tan diferente que supuso la inmigración a
vietnamitas en distintas ciudades americanas
Estados Unidos de gentes procedentes del
denominados Little Saigon, en los estados de
Sureste Asiático.
California, Texas o Florida.
Los países de Vietnam, Camboya y Laos
fueron colonias francesas hasta 1945,
conocidos bajo la común denominación de
Indochina. Durante la Segunda Guerra
Mundial, la región fue ocupada por Japón,
Página 11
A lo largo de este breve recorrido por las
distintas nacionalidades de toda Asia que han
convivido en los Estados Unidos, hemos
podido comprobar su diversidad, las distintas
circunstancias de su llegada a América, y la
importancia que, aún hoy en día, tienen en
esta superpotencia mundial. Las tradiciones,
peculiaridades e incluso la gastronomía de
estos pueblos contribuye a la predominante
multiculturalidad de los Estados Unidos,
hasta el punto de que, actualmente, Asia (con
China e India a la cabeza) es la mayor fuente
de inmigrantes en busca del “sueño
americano”.
Para saber más:

La colonización de Estados
Unidos.

Inmigración
china
Estados Unidos.
en
Dos imágenes de los refugiados vietnamitas abandonando Saigón.
Página 12
Infancia
y
vejez,
amores
y
desamores edulcorados a la sombra
de la Historia. Isabel Allende y El
amante japonés
Por Carolina Plou
La pasada campaña veraniega llegó al
mostrador de las principales librerías una
novedad, firmada por Isabel Allende, con un
título tan genérico como seductor: El amante
japonés.
«A los veintidós años, sospechando que
tenían el tiempo contado, Ichimei y Alma
se atragantaron de amor para consumirlo
entero, pero mientras más intentaban
agotarlo, más imprudente era el deseo, y
quien diga que todo fuego se apaga solo
tarde o temprano, se equivoca: hay
pasiones que son incendios hasta que las
ahoga el destino de un zarpazo y aun así
quedan brasas calientes listas para arder
apenas se les da oxígeno».
Ese título y el breve aperitivo cuidadosamente
seleccionado ofrecían a los potenciales
clientes una abstracción necesaria para
estimular su curiosidad y dar el paso de
escogerlo ante la necesidad de llenar el ocioso
rato de lectura vacacional, una oportunidad
que se repite de cara a las fechas navideñas.
Una vez sumergidos entre sus páginas,
encontramos una historia de protagonismo
compartido planteada por una escritora
veterana, que a sus 73 años manifiesta a
través de la literatura sus preocupaciones
sobre el mundo de la vejez y la ancianidad.
Combina, de manera un tanto forzada, dos
tramas principales: la de Alma Belasco, una
Portada de la edición española.
mujer de la alta sociedad de San Francisco
entrada en años, y la de Irina Bazili, una
joven con un oscuro pasado que lastra su
vida, y que, tal vez, logre superar gracias al
contacto con la anciana. El personaje de Irina
sirve para introducir la historia que será
principal en esta novela, ya que a pesar de
que se articula en dos tramas que intentan
tener una importancia similar, una de ellas
Página 13
destaca sobremanera frente a la otra. A través
de la protagonista, Alma Belasco, Isabel
Allende pone sobre la mesa los temores ante
la pérdida de independencia e identidad
personal de las personas mayores, y el papel
de la nostalgia y la necesidad de rememorar el
pasado.
La historia comienza cuando Irina Bazili, una
joven inmigrante de Europa del Este, entra a
trabajar en Lark House, una sofisticada
residencia de ancianos. Los primeros
capítulos giran en torno a su adaptación al
centro, un lugar exclusivo y muy demandado,
presentando a la primera tanda de
secundarios, los que acompañarán a las
protagonistas durante sus andanzas en el
presente. Pero en el momento en el que los
caminos de Irina y Alma se crucen,
comenzará una serie de saltos temporales
para conocer el pasado de Alma, desde su
infancia durante la Segunda Guerra Mundial
hasta un pasado reciente que se descubrirá de
manera más difusa, centrándose en lo
relevante y dejando de lado los hechos. Irina y
el nieto de Alma, Seth, la empujarán a escribir
unas memorias, para poder indagar en el
pasado de la anciana, buscando encajar las
piezas de un puzle que no se verá completo
hasta el final.
La historia de Alma comienza en Danzig
(Polonia) en 1939. La creciente judeofobia y la
amenaza de guerra convencieron a los padres
de la joven Alma a enviarla a Estados Unidos
con unos tíos suyos, para ponerla a salvo.
Tras un viaje no exento de complicaciones, la
niña por fin se instala en San Francisco,
donde comienza a establecer las redes y los
lazos afectivos de su nueva vida, naciendo en
este momento dos amistades que marcarán su
vida: con su primo Nathaniel Belasco, y con el
joven Ichimei Fukuda, hijo menor del
jardinero de la familia.
Estos tres personajes conectan muy
rápidamente, pero con la entrada de Estados
Unidos en la II Guerra Mundial, su amistad
debe superar una dura prueba, en una serie
de pasajes que suponen un testimonio muy
interesante de los campos de concentración
que se crearon en Estados Unidos para reunir
a la población japonesa. Durante estos
pasajes, el eje de la narración se traslada de
las mujeres protagonistas (Alma en el pasado
y en el presente, Irina en el presente) a
Ichimei, convirtiendo al personaje, de manera
indirecta, en cronista del episodio. A través de
Ichimei, se da a conocer al lector una vida
austera en los campos, sufriendo las
penalidades de climas extremos, la cautividad
y la escasez, donde, sin embargo, puede
nacer el amor, incluso entre enemigos.
Más allá del protagonismo narrativo que
adquiere en estos pasajes, el personaje de
Ichimei en sí mismo es una representación
alegórica de Japón y del pueblo japonés: un
profundo amor hacia la naturaleza, que le
permite moldearla y hacerla crecer de la
manera más hermosa; callado, silencioso y
discreto en sus emociones y en su hacer,
reflexivo y pragmático. Conforme avanza la
novela, el personaje de Ichimei se perfila a
través del amor que se profesan él y Alma, no
obstante, esto no hace sino incrementar el
aura misteriosa en torno a Ichimei. Mientras,
por parte de Alma, el lector tiene un acceso
cada vez mayor a sus inquietudes, a sus
pensamientos y a su historia (todo ello
reforzado por los momentos en los que se
convierte
en
narradora,
directa
o
indirectamente, del relato), por parte de
Ichimei cada nueva información crea nuevas
incógnitas, en una tendencia que se mantiene
hasta el final mismo, donde este personaje
resulta, en cierto modo (y en diversos niveles
de lectura) fundamental, e incluso el aire de
misterio que le envuelve perdura más allá del
momento álgido del desenlace.
Página 14
A consecuencia de todo esto, lo acertado del
título, El amante japonés, que pone todo su
acento en el personaje de Ichimei Fukuda,
queda en evidencia una vez reposada la
lectura, si bien durante la misma es fácil
poner en tela de juicio el sentido velado de
esta elección.
Isabel Allende crea una más que solvente
novela en torno a la ancianidad, con
reflexiones muy interesantes sobre la soledad
experimentada en los años crepusculares,
quizá canalizando en parte sus propias
preocupaciones. No obstante, la narración se
ve
ensombrecida,
y
en
ocasiones
obstaculizada, por la historia de otro de los
personajes principales, el de la joven Irina
Bazili. Si bien al comienzo de la novela y
durante buena parte de ella este personaje
sirve para introducir la trama de Alma
Belasco, y hace de hilo conductor para darle
coherencia, justificación y avance, en la parte
final absorbe en buena medida todo el peso
de la obra, a través de una historia creada
como trasfondo que, además de suponer un
añadido excesivo, resulta una digresión
considerable, que crea al lector una sensación
de ruptura al tiempo que pretende aludir a
otro tipo de problemáticas que sobrecargan el
transcurso de la novela. Con ello, se percibe
un intento de hacer que la acción y el
protagonismo basculen de uno de los pilares
narrativos (Alma) al que se pretende que sea
el otro (Irina), quizás para subrayar un relevo
generacional en el que Irina y Seth ocupen,
metafóricamente, el lugar de Alma y su
marido. Si bien este gesto resulta
relativamente fallido, y en la práctica termina
sobrecargando innecesariamente de tramas la
narración, responde a un funcionamiento
lógico y encaja de manera coherente en la
historia.
demasiado intenso como para dejarlo pasar, y
se perfila de cara a las navidades como una
interesante propuesta para un regalo literario.
Isabel Allende sostiene la versión española del libro (fuente: blog
de Isabel Allende).
A pesar de todo, el misterio construido en
torno a la figura del amante japonés es
Página 15
Aprendiendo Asia III: de dragones y
mitologías compartidas
Por Carolina Plou
Con motivo del Especial Asia-América, en el
que este mes Estados Unidos posee un
protagonismo especial, presentamos una
nueva entrega de nuestra serie Aprendiendo
Asia, que dedicaremos a una producción de
Disney centrada en las comunidades de
inmigrantes chinos en Norteamérica.
En 2005, Disney Channel estrenó American
Dragon: Jake Long, la historia de un
preadolescente proveniente de una familia
sinoamericana
que
poseía
poderes
ancestrales: la capacidad de transformarse en
dragones protectores. En pleno siglo XXI, la
misión de estos dragones consiste en velar
por la seguridad de la comunidad mágica, un
rico submundo que se esconde entre las
sombras de la gran ciudad de Nueva York.
La historia, contada con cierta irreverencia, se
centra en Jake, que compagina los
entrenamientos para convertirse en el dragón
occidental bajo las órdenes de su abuelo
Logotipo y cabecera de la serie.
materno (y del perro de este, un Shar Pei3 con
capacidades humanas) con la vida propia de
un chico de su edad: el instituto, los amigos
(con los que comparte aficiones, como
el skate), los primeros romances… Además,
su situación es todavía más complicada de lo
que parece a simple vista. El secretismo de su
identidad alcanza su propio hogar: su propio
padre,
norteamericano,
desconoce
la
capacidad mágica de su familia.
Así, a escondidas de su padre (que exhibe una
cómica ingenuidad al respecto), Jake se
dedica a proteger al mundo mágico con un
éxito que se compagina con la relativa torpeza
de un joven en proceso de formación, cuya
rebeldía adolescente le hace cometer
numerosos errores, tanto por la inexperiencia
inherente a su edad, como por la actitud de
falsa seguridad que le da su entrenamiento,
El Shar Pei es una raza de perro procedente de China,
de la cual se tiene constancia desde aproximadamente
el siglo II a.C., y posee un importante carácter
simbólico vinculado a la Dinastía Han (206 a.C. – 220
d.C.).
3
Aspecto de Jake transformado en dragón.
Página 16
haciéndole creer que es capaz de resolver sin
ayuda cualquier problema. De este modo, la
serie
desarrolla
numerosos
enredos
episódicos, entre los cuales va tomando forma
una trama principal que enfrentará a Jake y a
todas las criaturas mágicas contra una
organización enemiga, el Clan de los
Cazadores.
Jake en forma dragón, capturado por los Cazadores.
Más allá de esta estructura básica, que sigue
los mismos patrones de otras series
producidas más o menos en los mismos años,
tanto de la propia Disney (por ejemplo, Kim
Possible) como de otras productoras,
American Dragon: Jake Long plantea una
serie de cuestiones interesantes tanto a un
nivel
representativo
de
la
cultura
sinoamericana como, en una lectura más
profunda, una definición idiosincrática de la
mitología estadounidense.
Sobre el primer nivel y la representación de la
cultura tradicional china y su integración en
Occidente, American
Dragon se
inserta
dentro de una larga representación de los
chinatowns en los dibujos animados y en la
cultura pop a lo largo del siglo XX. En este
sentido, se trata de una imagen apoyada en
estereotipos que reproduce algunos tópicos
procedentes del ámbito cinematográfico. A
este respecto, destaca
por
ejemplo
la
relación entre Jake y
su abuelo. Más allá del
parentesco, la relación
de aprendizaje que se
establece entre ambos
es muy similar a la que
tiene
lugar
en
películas como Karate
Kid o Kill Bill (por
citar dos ejemplos
paradigmáticos4):
maestro
en
artes
orientales de carácter
estricto transmite su
sabiduría ancestral a
un joven que, aunque
ocasionalmente
no
entiende la forma en la
que se desarrolla el
entrenamiento,
termina
creciendo
y
madurando, adquiriendo los conocimientos
del maestro y convirtiéndose en un héroe
solvente. Aunque la relación maestro–
discípulo no es exclusiva del ámbito oriental,
y existen numerosas producciones de carácter
puramente occidental que la tratan, lo cierto
es que la orientalización de los personajes da
El caso de Karate Kid (1984) sería paradigmático por
tratarse de una película juvenil, dirigida a un público
similar. El de Kill Bill (2003 y 2004) es relevante
porque se trata de un homenaje al género
cinematográfico de artes marciales, y en cierto modo
inició unrevival del mismo.
4
Página 17
lugar a unos rasgos característicos que
condicionan el tipo de relación entre ambos.
Jake, su abuelo y Perro Fu contemplan la ciudad.
que representativo: la pegadiza canción
inicial, marcada por ritmos melódicos
occidentales, termina
bruscamente con un
toque de gong, cuyas
vibraciones
acompañan al título.
Por el contrario,
aunque numerosos
objetos
adquieren
estéticas que evocan
a la cultura china, la
caracterización de los
personajes es más
difusa, y aunque
estilísticamente
existen
diferencias
entre los rasgos de
personajes occidentales y
asiáticos dentro de la serie,
el
diseño
de
los
protagonistas no incurre de
manera exagerada en tópicos
sobre la fisionomía. El más
orientalizado
de
los
personajes principales es el
abuelo,
apoyándose
en
detalles como la vestimenta
(una suerte de túnica que
recuerda vagamente prendas
tradicionales) y el vello
facial, un bigote largo
acompañado de una perilla
también alargada.5
Jake con su abuelo y maestro.
Si bien es habitual en muchas culturas la asociación
del vello facial (especialmente, aquel de gran longitud)
con la sabiduría y la figura del maestro (véase los
casos, por ejemplo, de los magos Gandalf y Saruman
en El Señor de los Anillos, Obi Wan Kenobi enStar
Wars: Una nueva esperanza, Albus Dumbledore en la
saga Harry Potter o Panoramix en Astérix), el
estilismo que adopta, en mechones alargados, entronca
con la representación asiática que durante el
llamado peligro amarillo fue codificada a través de
personajes como Fu Manchú, aunque con el paso de las
5
Estéticamente, también constituye una
repetición de lugares comunes asociados a la
cultura china, haciendo especial hincapié en
aquellos aspectos que marcan una diferencia
cultural entre la china y la norteamericana.
En este sentido, el gong que aparece al final
de los créditos de apertura es un ejemplo más
Página 18
El submundo mágico oculto en Nueva York va más allá de los dragones y posee una gran variedad de criaturas que conviven,
formando su propia sociedad jerarquizada.
Mucho más interesante resulta hacer una
lectura a un mayor nivel de profundidad,
contemplando el valor simbólico otorgado a
la comunidad de criaturas mágicas. La
jerarquía del universo mágico, dentro y fuera
de Estados Unidos, plantea varias cuestiones
interesantes que pueden pasar más o menos
desapercibidas dentro de la acción y el humor
de la serie, así como para el público objetivo
al que se dirige.
En el escalafón más alto de esta jerarquía se
encuentran los dragones, que adoptan forma
humana para integrarse entre la población.
Los dragones pertenecen a distintas
tradiciones
culturales,
son
criaturas
poderosas que, pese a que presentan rasgos
similares, han evolucionado de distintas
décadas esta iconografía
connotaciones negativas.
perdió
parte
de
formas en las distintas culturas occidentales y
orientales, pero en todas ellas comparten una
posición relevante. Tanto Jake como su
familia, al transformarse, adoptan un aspecto
cercano al de los dragones occidentales, a
pesar de su ascendencia asiática, lo cual
contribuye
a
unificar
el
mito,
y
narrativamente, a afianzar la posición de Jake
como el Dragón Occidental.
Así, a través de la figura del dragón, que aúna
la estética occidental de estas criaturas con su
concepción oriental (es en Asia –
especialmente, en China– donde estas
criaturas adquieren un valor protector,
mientras que en Occidente es más habitual
presentarlas como enemigos) esta serie
elabora una mitología propia, de carácter
plenamente integrador.
sus
Página 19
Algunas de las criaturas mágicas que aparecen en la serie: Medusa, una familia de strigoi (vampiros de la tradición rumana), un kelpie
(espíritu del agua escocés) y una quimera.
Jake, como máximo exponente de la cultura
china, tiene el deber de proteger a todas las
criaturas mágicas que viven en la ciudad.
Nueva York, tradicionalmente, ha ofrecido
una imagen paradigmática de crisol de
culturas, construida en torno a la inmigración
procedente de Europa y de otros lugares. A
este respecto, funciona metafóricamente
como representación del país, puesto que los
Estados Unidos crecieron gracias a las
comunidades de inmigrantes que buscaban
“el sueño americano”. Dentro de estas
comunidades, la china ha tenido un papel
relevante, especialmente en la Costa Oeste
(debido a la proximidad geográfica, a tan solo
un océano de distancia de China, de ahí
deriva la importancia de los barrios chinos de
Los Ángeles y, sobre todo, de San Francisco),
aunque también se ha asentado formando
comunidades en otras ciudades, siendo Nueva
York una de ellas.
De este modo, se establece una lectura
sinocentrista, por la cual se adopta la cultura
china tradicional (y su evolución en territorio
americano) y se emplea como cohesionadora
de las múltiples criaturas que viven en Nueva
York (y por lo tanto, en Estados Unidos),
procedentes de las distintas comunidades de
inmigrantes. Algunas de estas criaturas, como
los leprechauns, las gárgolas, las sirenas, los
duendes, las hadas o los centauros evocan,
con mayor o menor claridad, a distintas
tradiciones culturales europeas, integrándolas
en un imaginario legendario común.
En definitiva, American Dragon: Jake
Long trata de unificar en una misma
tradición las distintas mitologías que Estados
Unidos entiende como propias gracias a su
sustrato cultural. Este intento no es único ni
exclusivo, sino que ha habido otras creaciones
dirigidas en este sentido,6 la principal
Entre las que destacan, por citar alguna, la
novela American Gods de Neil Gaiman, o la serie de
6
Página 20
relevancia radica en que el caso que nos ha
ocupado está dirigido a un público infantil, es
decir, buscaba transmitir esta noción de un
pasado y un corpus legendario común de
manera intuitiva a una nueva generación,
agrupando en un mismo nivel de realidad a
las distintas mitologías que resultan
familiares en la ingente producción de ficción
americana, pero que generalmente se mueven
en universos aislados o no mantienen
contacto directo unas con otras. A través de la
comunidad mágica de American Dragon,
quedaba establecido un marco común en el
que estas manifestaciones convivían, y
además permitía asumir que todas las
diferentes historias protagonizadas por los
distintos tipos de criaturas compartían una
misma realidad, y si estas historias se
centraban en una única criatura no es porque
el resto no existiera, sino por necesidades
narrativas.
No debe olvidarse que esta serie fue realizada
por la productora Disney, lo cual explica (al
menos
parcialmente)
esta
voluntad
cohesionadora.
Más
allá
de
una
enriquecedora intención de aplicación
universal, mediante este recurso Disney
construía además su propio universo, dando
cabida a sus grandes clásicos, adaptaciones de
cuentos, dentro de un mismo plano de
realidad. Una buena parte de las criaturas que
aparecen en American Dragon: Jake
Long puede relacionarse con algún clásico
Disney: las gárgolas en El Jorobado de Notre
Dame,7 las hadas con la figura de Campanilla,
cómics Fábulas (que, con un concepto un tanto
diferente, aúna a buena parte de los personajes de
cuentos populares dentro de una misma tradición,
aunque este ejemplo se centra mucho más en la
tradición estrictamente occidental).
7 Citamos El Jorobado de Notre Dame porque es
donde las gárgolas comparten tanto la estética como la
idea básica: elementos arquitectónicos de rasgos
monstruosos que cobran vida, no necesariamente con
maldad (sino más bien con cierta simpatía), vinculados
al edificio en el que se encuentran. No obstante, a este
de Peter Pan,8 las sirenas, etc. Igualmente,
hacía relativamente poco tiempo que Disney
había producido su primer gran clásico de
influencia oriental, Mulán (1998), del cual se
lanzó una secuela en 2004, lo que evidenciaba
un interés de la compañía por acercarse al
mercado
asiático.
En
este
sentido,
aunque American Dragon: Jake Long era un
producto
principalmente
local
(y
posteriormente, explotado en las filiales de
Disney Channel), pone de manifiesto una
apertura hacia la diversidad cultural de AsiaPacífico
que
Disney
recupera
esporádicamente.
A modo de conclusión, podemos establecer
que la apropiación de la cultura china como
cohesionadora
del
universo
mágico
de American Dragon: Jake Long responde a
un proyecto más ambicioso que el de otras
series de Disney creadas para televisión. A
diferencia de Phineas y Ferb, en la que la
presencia de comunidades inmigrantes era
anecdótica incluso en el episodio doble en el
que los protagonistas conocen a familiares de
sus amigos de origen extranjero (capítulo que
ya analizamos aquí), en este caso el carácter
migratorio y el diálogo intercultural entre la
tradición familiar y la pluralidad social son
aspectos fundamentales que se tratan
abiertamente,
aunque
sea
desde
la
perspectiva de un audiovisual infantil y
juvenil.
respecto no debe olvidarse la serie Gárgolas (1997),
también de Disney, que se centraba en estos mismos
seres, concebidos como monstruos que se convertían
en piedra durante el día. En la serie, las gárgolas
protagonistas habían sido víctimas de una maldición,
que las obligaba a dormir hasta que el castillo en el que
habitaban “se elevase sobre las nubes”. En los años
noventa, un excéntrico multimillonario compró ese
castillo y lo hizo trasladar, piedra a piedra, desde su
emplazamiento original en Escocia hasta la ciudad de
Nueva York, donde las gárgolas vuelven a la vida.
8 Destacando, de nuevo, el ejemplo más evidente por
similitud estilística y de concepción, pero no la única
hada de la tradición de Disney.
Página 21
Jenny Han y la presencia de lo
coreano en la literatura juvenil
Por María Gutiérrez
Las
relaciones
entre
Norteamérica y Asia pueden
remitirnos a todo tipo de
momentos y muy amplios
campos, entre los que
queremos
destacar
la
literatura,
y
más
concretamente el género
juvenil, que en ocasiones
puede resultar frívolo o
excesivamente simple, y a la
par,
supone
una
aproximación sencilla a
culturas tan lejanas como
puede ser la japonesa, china
desapercibida
en
9
nuestras librerías. Sin
embargo,
con
la
pasada publicación por
parte de la editorial
Planeta en el año 2014
de A todos los chicos
de
los
que
me
enamoré,
Han
se
empezó a hacer un
hueco
entre
los
lectores
españoles,
cosechando
un
importante éxito. Pero
un año después, no se
o coreana. En este artículo
perciben
nuevos
Jenny Han, autora de las novelas que comentamos.
nos vamos a centrar en la
avances, ya que la
bilogía creada por la autora Jenny Han, que
segunda parte de esta bilogía que
nos adentra en el discurrir de una familia de
comentamos, titulada P.S. I still love
descendencia coreana y los problemas a los
you (2015), no se ha traducido, ni
que se enfrentan en la cotidianeidad.
posiblemente llegue a publicarse por el
momento (si bien, es una lectura bastante
En primer lugar, queremos dar unas breves
sencilla que no podemos dejar de
pinceladas acerca de la autora de estas obras,
recomendarles).
Jenny Han, nacida en Richmond y licenciada
en escritura creativa, centrándose en un
A todos los chicos de los que enamoré (To all
público infantil y juvenil. Han es una mujer
the boys I loved before, como título original)
de ascendencia coreana, y eso se nota
y P.S. I still love you, nos narran las aventuras
bastante, como ya comentaremos, en el
de Lara Jean y su peculiar familia. La
tratamiento de esta cultura, sus costumbres, o
protagonista tiene dos hermanas: Margot, la
incluso su cocina a lo largo de las novelas que
mayor de las tres, que en breves va a irse a
nos ocupan. Entre sus obras, que superan la
estudiar a Irlanda, dejando atrás a su actual
decena, han llegado hasta nosotros pocas
pareja; y Kitty, la entrañable hermana
traducciones, de modo que se podría decir
pequeña que se pasa el tiempo haciendo
que esta autora ha pasado un tanto
Para acceder a un listado de sus obras, véase la
página web de la autora. Disponible aquí.
9
Página 22
travesuras y que quizás sea uno de los
serie de sutiles referencias a esta cultura y sus
personajes más carismáticos de la saga. Por
costumbres, como ya hemos comentado. En
otro lado, cuenta con el apoyo de su padre,
primer
lugar,
centrándonos
en
la
que tras la muerte de su madre tuvo una serie
protagonista, se podría decir que Lara Jean es
de problemas, si bien, en las novelas se
una especie de prototipo de joven coreana
muestra como alguien recuperado que ejerce
que parece sacada de un videoclip deK-pop o
como médico. La trama se desata cuando
pop coreano con su estilo aniñado y dulce
Lara Jean pierde sus
caracterizado por faldas de
antiguas
cartas
de
vuelo y calcetines por la
amor,10
que,
rodilla. Sin embargo, esta
misteriosamente,
han
apariencia
conjuga
sido enviadas a sus
bastante tanto con su
destinatarios, entre los
personalidad, con la forma
que se encuentran el
de expresarse o incluso
novio de su hermana,
con la forma en la que se
Josh; y el chico más
narra la novela, sencilla y
popular del instituto,
bastante dulce.
Peter. A partir de este
Por otro lado, hay un
momento, Lara Jean se
momento en la novela
va
a
ver
relacionado
con
la
irremediablemente
protagonista y su actitud,
sumida en una relación
que queremos poner de
ficticia, mentiras, líos y
relieve por tener un matiz
un inminente cariño que
quizás sarcástico. En un
surgirá con el paso de las
momento
determinado,
páginas. En realidad
llega el día de Halloween,
estamos ante una novela
por lo que los personajes
romántica
bastante
van a disfrazarse. Lara
sencilla y fresca, cuya
historia de amor continúa Portada de la edición en castellano publicada por uno de los Jean se queja de la poca
sellos de Planeta, Destino.
empatía
de
sus
en una segunda parte
compañeros, que nunca
convulsa donde entra en
entienden sus disfraces, considerando
juego un triángulo amoroso que confundirá a
siempre que va vestida como un personaje
Lara Jean.
de anime o de manga. Por este motivo,
Sin embargo, dejando de lado la trama, que
nuestra protagonista toma la decisión de
poco tiene que ver con nuestro objeto de
disfrazarse siempre de personajes asiáticos,
interés, queremos centrarnos en Lara Jean y
como es el caso, entre los mencionados, de
su familia, cuya rama materna es de origen
Chiaki Kuriyama (Kill Bill) o Cho Chang
coreano, por lo que a lo largo de las dos
(Harry Potter y el cáliz de fuego), de la que
novelas vamos a encontrarnos con toda una
se disfraza en la novela. Por este mismo
motivo, como son sus rasgos asiáticos,
10 La protagonista se dedica a escribir cartas en las que
muchas veces se la relaciona con las artes
plasma todos sus sentimientos como una especie de
marciales, considerando que tiene grandes
desahogo con el fin de desenamorarse del destinatario
habilidades para las mismas.
de la misiva.
Página 23
Un elemento que nos parece curioso es la
constante aparición de platos coreanos a lo
largo de la novela, en ocasiones como meras
menciones,
pero
también
con
su
correspondiente descripción. Lara Jean es
una amante de la cocina a la que le gusta
tener presentes sus raíces, por lo que
ocasionalmente prepara
cenas y comidas típicas
que incluso da a probar a
su vecino Josh o al ya
mencionado Peter. Estos
personajes
parecen
bastante interesados, y
constantemente se alaba
el sabor de la comida, sin
mostrar
actitudes
recelosas, sino más bien,
tratándolo como algo
interesante o incluso
exótico.
Este íntimo ritual se narra entero en la
novela, así como la posterior comida y los
platos que toman en familia.
En resumidas cuentas, hemos podido ver, a
pesar de su sutileza y de que realmente
pueden pasar completamente desapercibidas,
varios aspectos tanto de la
tradición coreana, como
de la integración de la
familia en plena sociedad
norteamericana.
Cabe
destacar, como ya hemos
comentado, que este es un
relato bastante edulcorado
centrado en la historia de
amor
entre
dos
personajes, por lo que
tampoco podemos esperar
una visión completamente
realista así como una
especial
atención
a
Una de las escenas más
costumbres y tradiciones
importantes de la novela
que interrumpan el ritmo
en cuando al reflejo de la
de la lectura. Sin embargo,
cultura coreana tiene
estas
pinceladas
que
lugar al principio de la
hemos comentado, están
segunda
novela,
perfectamente integradas
momento en el que se
en la narración, de modo
celebra el Año Nuevo en Portada original de la segunda entrega de esta bilogía.
que el lector apenas es
casa de los abuelos
consciente, y sin querer,
maternos de la protagonista. En primer lugar,
está entrando en contacto con una cultura
las tres hermanas han de ponerse el traje
diferente a la suya, de forma amable y
típico coreano, llamado hanbok, hablando
positiva.
brevemente de las piezas del mismo y como, a
lo largo de la comida, cada una de las
hermanas se va desprendiendo de diferentes
piezas para estar más cómodas. Igualmente,
se habla de una práctica en la que se
Para saber más:
presentan sus respetos a los miembros más
ancianos de la familia, recibiendo una
Página web de Jenny Han.
pequeña propina de cada uno de ellos (ese es
Disponible aquí.
uno de los fines, según cuenta Kitty, de
ponerse el hanbok, recibir una mayor
cantidad de dinero por parte de sus abuelos).
Página 24
Sexo tras unos días sin vernos: los
relatos completos de Tao Lin
Por Laura Martínez
Tao Lin es un escritor estadounidense, hijo de
inmigrantes taiwaneses, cuya obra es más
bien desconocida entre el gran público. Su
estilo, personal y desgarrado, lo ha
encumbrado, sin embargo, a los laureles de la
postmodernidad más hipster a ese lado del
Atlántico. Ahora, dicha tendencia llega a
España impulsada por la publicación de sus
relatos completos bajo el sugerente
título Sexo tras unos días sin vernos
(Barcelona, Alpha Decay. Héroes Modernos,
2015), tomado de uno de los relatos que
conforman el volumen (sin duda, fruto del
marketing y buscando provocar al posible
lector, puesto que esa narración no es ni la
más relevante, ni la de mayor calidad).
En cualquier caso, el volumen que ahora os
presentamos ofrece una perspectiva completa
sobre el autor, desde sus orígenes hasta la
actualidad, a través del género que le vio
despuntar: el cuento. En 2007, Tao Lin
publicaba su primera colección con el título
de Bed, y después han visto la luz distintas
novelas, de mayor extensión, como Robar en
American
Apparel
(2009),
Richard
Yates (2010) o Taipéi (2013). En esta ocasión,
además de esa primera recopilación de nueve
relatos que componía Bed, se incluyen otros
trece cuentos escritos entre 2006 y 2014
para Vice, Hazlitt, Nerve o inDigest.
El estilo de este escritor -a veces destructivo,
otras onírico- se caracteriza por su peculiar
modo de plasmar la forma que tiene de ver el
mundo y que, en muchos aspectos, es común
a toda una generación. Su escritura,
Portada del libro que reúne los relatos completos de Tao Lin.
existencialista y a veces surrealista, destila un
aire autobiográfico inherente a cada una de
sus historias, combinado con una vocación
universalista y profunda, como queriendo
desvelar los más profundos arcanos de la
existencia humana a través de su propia
experiencia vital. Podríamos compararlo tal
vez con el artista Jean-Michel Basquiat
(1960-1988), siendo ambos jóvenes creadores
influidos por la metrópolis neoyorquina y con
Página 25
un estilo violento y primitivo, colorista al
tiempo que autodestructivo.
La práctica totalidad de estos relatos tiene
una clara raíz autobiográfica, focalizando
muchos de ellos en un protagonista joven, en
la veintena, universitario, solitario, que
además es escritor o vinculado a la literatura
(como empleado en una biblioteca, por
ejemplo). Algo sumamente habitual y natural,
ya que, en el fondo, todo literato escribe de lo
que sabe, de lo que es o de lo que quiere ser.
Pero no debemos olvidar que la construcción
de la propia personalidad de Tao Lin bebe
mucho de sus orígenes taiwaneses, y en
muchos de sus escritos vemos los
complicados sentimientos enfrentados que
provoca ser inmigrante de segunda
generación en los Estados Unidos. En
concreto, su ascendencia taiwanesa se deja
entrever en alusiones específicas, como
cuando cita la película Yi Yi de Edward Yang
(2000), una cinta de casi tres horas que trata
sobre las dificultades emocionales de un
padre y sus hijos en Taipéi.
Las referencias a la cultura oriental en el libro
son muy numerosas, haciendo hincapié en el
choque cultural que se produce con la
idiosincrasia norteamericana. Uno de esos
momentos se produce cuando el protagonista
y su novia comen con los padres de él, que
Tao Lin describe de la siguiente manera: “Al
principio hablaron en inglés, para que Alicia
lo entendiese, pero al cabo de una hora o así
les entró pereza y pasaron a utilizar solo el
mandarín”.11
Este tema, el de la pereza, resulta clave y casi
consustancial a la obra de Tao Lin, quien
describe esa apatía, esa falta de ilusión y de
motivación,
prácticamente
como
una
enfermedad, como una plaga a nivel global:
Lin, Tao. “Sinceridad”, Sexo tras unos días sin
vernos, Barcelona, Alpha Decay. Héroes Modernos,
2015. Pp. 67-90 (p. 83).
11
Porque uno debía esperar muy poco,
casi nada, de la vida, eso Aaron lo sabía.
Uno debía sentir gratitud, no estar
siempre con ganas de beberse la vida a
tragos, no ser como una especie de
obseso del vivir, como abandonarse,
dejar que fuera la vida quien se lo
bebiera a uno, a sorbos y a grandes
tragos, dejarse arrastrar por una
espuma de sol y luna, por un río nuboso,
pálido y batido, de vida.12
Esta sociedad –según el autor- insensible a
todo, está, además, recluida en sí misma,
siendo la introspección y la dificultad en las
relaciones interpersonales una característica
definitoria de todos los protagonistas de Tao
Lin. Esto, sin duda, se suma a la nota
autobiográfica de sus cuentos, en los que el
autor deja entrever su lado más oscuro, con
jóvenes
inadaptados,
de
familias
desestructuradas (que son, a la vez, origen y
seno de muchas de las dolencias de sus
personajes), corazones rotos, crisis amorosas
y un completo “bloqueo social”, en un
espectro que va de la timidez al Asperger.
Pese a la ficción de sus relatos, la inspiración
realista es evidente, y no solo por su crítica
social que raya el estudio antropológico, sino
por la multitud de detalles de la actualidad
internacional que se cuelan en la urdimbre de
sus historias: desde las guerras en Oriente
Próximo o los atentados del 11 de septiembre,
hasta la influencia de la televisión en la
sociedad actual o el impacto de la carrera
espacial y su fracaso. La inmediatez y
cercanía de algunas de estas narraciones
contrasta con otros relatos donde lo absurdo
toma el mando y en los que Lin lleva al lector
a la deriva, entre imágenes oníricas y
surrealistas, sin solución de continuidad.
Lin, Tao. “Sinceridad”, Sexo tras unos días sin
vernos, Barcelona, Alpha Decay. Héroes Modernos,
2015. Pp. 67-90 (p. 88).
12
Página 26
Otros temas recurrentes que parecen
obsesionarle
son,
por
ejemplo,
las
enfermedades (como los tumores, el
Alzheimer…), que aparecen con cierta
profusión en aquellos primeros relatos
compilados originalmente en Bed. Pero, sin
duda, lo más interesante es su peculiar visión
sobre temas tan universales como la vida, el
amor o la muerte, que a veces se confunden
dando lugar a elucubraciones profundas y
desesperanzadas, que dejan en el lector un
vacío existencial difícil de llenar. Sirva como
ejemplo uno de sus párrafos más elaborados:
La culpabilidad, el miedo, el significado,
el amor, la soledad, la muerte. Te dabas
cuenta de que todas estas palabras era
la misma. Todo era lo mismo. Estaba lo
que estaba, y lo que había era todo lo
que había; estabas tú, y tú lo eras todo.
Esos momentos duraban segundos,
minutos, o quizá una hora, y estaban
llenos de euforia. Podían surgir a partir
de una lectura, al contemplar un
cuadro, gracias a la música; en realidad
los
causaba
cualquier
tipo
de
manifestación artística, o también se
daban al presenciar o experimentar
algo sorprendente o extraño; pero
nunca los suscitaban otras personas. En
esos momentos te faltaba poco para
echarte a llorar. La vida carecía de
sentido de forma sencilla, evidente,
bella.13
Además del contenido existencialista y de las
cavilaciones atolondradas que transmiten,
estas líneas permiten apreciar también el
estilo algo osco e inconexo de Tao Lin, con
una prosa árida y aséptica; en cierto modo,
muy semejante a esa sociedad que describe.
Este tono abrupto, de frases cortas y
Lin, Tao. “Insomnio por un mañana mejor”, Sexo
tras unos días sin vernos, Barcelona, Alpha Decay.
Héroes Modernos, 2015. Pp. 165-178 (p. 178).
13
aseveraciones francas, funciona a la
perfección con el formato breve y conciso de
los cuentos, pero adolece de cierta falta de
técnica literaria a medida que la extensión de
sus escritos aumenta. Así, muchos de sus
detractores dicen que, en sus novelas, resulta
aburrido, pero en Sexo tras unos días sin
vernos no se aprecian tales carencias. Muy al
contrario, sus frases breves nos dejan
pequeñas perlas dignas de reflexión,
merecedoras de ser coleccionadas por el
lector; así por ejemplo, todas aquellas
meditaciones románticas como: “El amor es
algo que se vende por más dinero del que
existe”,14 o “El amor, al fin y al cabo, no lo
vendían en lotes, al peso. El amor no era un
espárrago
de Chinatown mal iluminado,
15
enervado”.
En cualquier caso, Tao Lin es siempre motivo
de opiniones encontradas entre sus críticos,
desde aquellos que lo ensalzan como la voz de
su generación, hasta los que tan solo ven en él
a un hipster pretencioso y disfuncional, un
lastre de decadente postmodernidad. Nuestro
protagonista no deja de echar leña al fuego
embarcándose en proyectos extravagantes,
como la productora de cine que creó con su
exmujer, la también escritora Megan Boyle:
MDMAfilms, y cuyas películas sube a su canal
de Youtube. El último de sus excéntricos
caprichos, ha sido la publicación de un libro
junto a Mira González titulado Selected
Tweets (2015), elevando una red social como
Twitter a la categoría de arte literario.
Lin, Tao. “El amor es algo que se vende por más
dinero del que existe”, Sexo tras unos días sin vernos,
Barcelona, Alpha Decay. Héroes Modernos, 2015. Pp.
13-28 (p. 20).
15 Lin, Tao. “El amor es algo que se vende por más
dinero del que existe”, Sexo tras unos días sin vernos,
Barcelona, Alpha Decay. Héroes Modernos, 2015. Pp.
13-28 (p. 22).
14
Página 27
Imagen del escritor Tao Lin (fuente: Jotdown).
Pretencioso o visionario (cosa que tendrán
que decidir sus lectores de forma personal), lo
cierto es que las interioridades de Tao Lin,
diseccionadas en forma de breves relatos,
llegan a una generación de veinteañeros
urbanitas ávidos de identificarse con algo más
grande que ellos mismos. Estas páginas
pueden servir como un espejo de las
preocupaciones de muchos jóvenes, que tal
vez compartan una visión común sobre la
vida y sus vericuetos. La compilación de sus
relatos completos es una obra especial, que
debe saborearse despacio, tomando cada
cuento como si de un sorbo se tratara, como
un veneno que apurarán hasta el fondo.
Para saber más:
-
Libros del autor publicados
en Alpha Decay.
-
Lin, Tao. Sasquatch. Relato
corto (en inglés) recogido
en Bed.
-
Mumblecore (2011).
Película
dirigida y protagonizada por
Tao Lin y Megan Boyle.
Disponible en Youtube.
Página 28
Fresh off the boat (2015): entre la
ficción y la fricción
Por Marisa Peiró
Promo de la segunda temporada, a la manera de cuadro de Edward Hopper, jugando con los clichés americanos.
A comienzos de 2015, ocho millones de
personas vieron el estreno de Fresh off the
boat, la nueva comedia familiar a ritmo de
hip hop de ABC y primera serie
norteamericana destinada a narrar las
andanzas de una familia sino-americana.
Basada en las exitosas memorias del chef
y celebrity Eddie Huang,16 narra el traslado y
adaptación de la familia Huang desde
el chinatown de Washington D.C. a un
suburbio residencial de Orlando, en donde se
convertirán en la única familia asiática, en
una odisea que daría comienzo en en 1994. Y
como buen hito de la televisión, ha abierto la
caja de pandora en cuanto a la visibilidad de
los asiáticos en la televisión norteamericana.
A punto de terminar su segunda temporada
en Estados Unidos, acaba de ser estrenada en
español por Fox Life.
Quizás la asiática sea la barrera más difícil de
derribar dentro de la televisión americana.
Tal y como señalan tanto teóricos como
numerosos portavoces de diversas ligas por la
diversidad
y
la
integración
racial,
habitualmente los personajes asiáticos se
limitan a secundarios insípidos y/o ridículos,
villanos o -durante estos últimos años- algún
tipo de nerd o geek. Este hecho resulta
especialmente sangrante teniendo en cuenta
lo influyente y numeroso de las comunidades
asiáticas, y que contrasta fuertemente con la
representación de otras grandes minorías
como la afroamericana -que desde mediados
de los setenta cuenta con todo un nicho
televisivo de series con all-colored cast-, o la
hispana, cada vez más presente mediante la
adaptación de telenovelas.
En 1994, la serie All-American Girl,
protagonizada
por
la
humorista
de
ascendencia coreana Margaret Cho, abrió la
brecha del “full Asian cast”,17 pero fue
No obstante, el primer show relevante con un
protagonista asiático fue The Gallery of Madame LiuTsong (1951), una serie detectivesca protagonizada por
17
Huang, Eddie. Fresh Off the Boat: A Memoir. Nueva
York, Spiegel & Grau, 2013.
16
Página 29
rápidamente cancelada y produjo críticas
controvertidas; paradójicamente, se la acusó
tanto de ser “demasiado asiática” como de no
serlo lo suficiente. Veintiún años después, su
misma cadena creadora, ABC, estrenaba una
nueva serie centrada en una familia
asiática, Fresh out the Boat, con una
acogedora recepción tanto en términos
críticos como de share que, en estos
momentos, a punto de terminar su segunda
temporada, se perfila como la más exitosa del
género en la televisión americana.18
esto es precisamente lo que le sucede a la
familia Huang, para los que el salto cultural
se
produce
desde
el chinatown de
Washington a un barrio de mayoría blanca de
Orlando, al que llegarán, de manera literal, en
busca del sueño americano.
Elenco principal de All American girl.
Traducida al español como “Recién llegados”,
la expresión “fresh off the boat” (literalmente,
“recién
salidos
del
barco”)
es
un slang habitual para designar a un
inmigrante recién llegado que tiene
problemas de integración debido a que
todavía sigue a rajatabla las costumbres y
normas culturales de su lugar de origen. Y
Anna May Wong. A pesar de su éxito, nunca se grabó
una segunda temporada.
18 Estando ya escrito este artículo, ABC estrenó otra
serie protagonizada por un elenco de ascendencia
asiática, Dr. Ken (creada y protagonizada por Ken
Jeong), que se estrenó el 20 de octubre y cuya primera
temporada se encuentra actualmente en emisión.
Tal y como se desprende tanto de su nombre
como de su planteamiento, el objetivo de la
serie
es
plantear
las
fricciones
y
contradicciones de una familia asiática en
América fuera de su zona de confort.
Concebida como una serie para todos los
públicos, esta es obra de la productora y
guionista Nahnatchka Khan, quien encuentra
en la misma una fórmula bastante balanceada
como resultado de sus experiencias previas en
el humor televisivo, a medio camino entre el
Página 30
tópico del pre-adolescente inadaptado
de Malcolm in the Middley el humor
políticamente incorrecto de Padre made in
USA o Apartamento 23. En palabras del
verdadero Eddie Huang, Khan afronta los
temas raciales subrayándolos y “riéndose de
todo el mundo”;19 evitando el tan de
moda colorblind
cast,
Khan
y
su
equipo20 llevan a la pantalla toda una serie de
estereotipos sobre asiáticos, afroamericanos
y, muy especialmente, americanos blancos, de
los que ningún colectivo sale completamente
bien parado.
La familia Huang en el interior del Cattleman’s Ranch (“El rancho
del vaquero”).
Ayers, Mike. “Eddie Huang on „Fresh Off the Boat‟: „I
Was Never Worried About This Show Doing
Well‟”, The Wall Street Journal, 10 de febrero de 2015,
edición digital, disponible online aquí.
20 Véase, por ejemplo, la interpretación de Park como
el dictador norcoreano en La Entrevista –y los
diferentes asuntos raciales que ya tratamos-, su
“americano” personaje del gobernador Chung en la
serie Veep, o monólogos previos al estrellato sobre raza
y estereotipo como este.
19
Louis se muda con su familia a Orlando para cumplir su sueño de
montar un restaurante “puramente americano”.
Por
ejemplo,
el
patriarca
de
la
familia, Louis Huang
(Randall Park), hace
mudarse a su familia
desde
Washington
para poder llevar a
cabo
su
“sueño
americano”, que no
consiste en gozar de
libertades o hacerse
rico, sino en abrir
un grill de
estilo
vaquero en Orlando.
Lamentablemente,
pronto
se
dará
cuenta de que el
público potencial se
su restaurante no
tiene expectativas de
encontrar personal
asiático y decide que este jamás funcionará si
no contrata a personal caucásico, por
incompetente que este sea. Precisamente por
el mismo motivo, buscando la aceptación
entre la comunidad blanca que beneficie a su
restaurante, aspirará a entrar a toda costa en
el mismo Club de Campo que sus ricos
vecinos -en un momento no precisamente
boyante para su propia familia-.
Página 31
Mientras que parece que
Louis Huang, sueña con
unas
navidades
blancas, el joven Eddie
Huang (Hudson Yang)
encuentra su forma de
evasión
(pre)adolescente
rechazando (aunque de
manera moderada y de
cara al exterior) la
cultura china tradicional
en favor del hip hop y
diversos
modismos
afroamericanos.
Para
desagrado de su madre, utiliza la aparente
dureza de este estilo de música como coraza
sobre su propio origen y tradiciones y, a su
vez, como manera de integración, asumiendo
la otredad. Por ejemplo, consigue hacer
amigos presumiendo de haber robado un CD
-algo que en realidad no ha hecho-, pero los
pierde de inmediato al abrir un tupper con
sus adorados fideos chinos, viéndose en
necesidad de conseguir “comida blanca”. No
obstante, Eddie Huang mantiene esta
“marginalidad”
en
una
mera
pose,
compaginándola
plenamente
con
las
expectativas paternas (excelentes resultados
“Nadie parece apreciar lo buena que soy en todo lo que hago"
en el instituto, devoción paterno-filial y otros
tópicos de los asiáticos como “minoría
modelo”).
Jessica Huang (Constance Wu) es, a pesar de
estar
brillantemente
interpretada,
probablemente el personaje más arquetípico
de la serie. Implacable “madre tigre”,
sobresale igualmente en todos los ámbitos
que se propone, aunque a veces ella y su
marido son los únicos conscientes de ello.
Obcecada en la excelente educación de sus
familia, considera inviable el que no se
aplique un sistema de calificación real con sus
hijos menores, o
que la educación
americana
es
demasiado
fácil
pues
Eddie
obtiene
sobresalientes sin
demasiado fuerzo.
Esto le lleva al
punto
de
organizar
su
propio
Chinese
Learning Center,
que
pronto
traslada
al
restaurante de su
Escena
en laECOS
que Eddie
pide un
“almuerzo de blancos” para poder /integrarse.
REVISTA
DE ASIA
/ revistacultural.ecosdeasia.com
DICIEMBRE 2015
Página 32
marido,
para
poder
simultáneamente
controlar que no haya ningún tipo de
despilfarro (como encender la jukebox o
poner demasiadas servilletas).
recomienda a Eddie quedarse con una familia
blanca si se pierde en el supermercado,
diciéndole que con ellos estará a salvo. Jessica
incluso llega a definir el éxito como que una
Jessica también mantiene del cliché de ser una negociante implacable.
El histrionismo del personaje de Jessica es
probablemente la mayor baza cómica del
show. Obsesionada con mantener sus raíces
chinas, se ve obligada a ser una madre e hija
modélica, a pesar de mantener una enorme
rivalidad con se hermana, lo que la lleva a
manifestar toda una serie de actitudes
plenamente chauvinistas y que la sitúan, a
pesar del cariño maternal que en algunas
ocasiones es capaz de expresar, como el
personaje más racista e intolerante de la serie.
Por ejemplo, desaprueba el gusto de su hijo
por el hip hop y le prohíbe ir a conciertos
(ante lo cual él protesta diciendo que los
Beastie Boys son raperos blancos, o que Wu
Tang Clang son medio asiáticos), o
mujer blanca le haga una pedicura y se alegra
de la intolerancia a la lactosa de su hijo pues
su cuerpo “está rechazando la cultura blanca”.
Completan la familia los dos modélicos hijos
menores Evan (Ian Chen) y Emery (Forrest
Wheeler) -cuyas personalidades están todavía
poco diferenciadas, pero que siempre se ven
envueltos en historias de increíble madurez
para su edad- y la madre de Eddie (Lucille
Soong), muy activa a pesar de estar postrada
en una silla de ruedas, y que habla a su
familia únicamente en mandarín. Como
personajes
secundarios
recurrentes
aparencen también los vecinos de los Huang,
los empleados de Eddie y los compañeros de
instituto de Eddie.
Página 33
xenófobas de muchos
de los que les rodean.
Así, en un episodio
se observa cómo, en
contra de sus deseos,
intentará integrarse
con sus vecinas (un
grupo de ociosas
amas de casa de
manual, de nombres
y apariencia casi
idénticos), a pesar de
que estas rechazan
su
comida
tradicional, o que
esperaban de Jessica
un nombre y un
origen más exótico, o
que explican el hecho
de que esta corte un
pastel en partes iguales “por culpa del
comunismo” (obviando además, que la
República China de Taiwán, de la que
provienen los Huang, es precisamente el
sistema enemigo a la China comunista). Pero
no será este tipo de actitudes las que le
llevaran a distanciarse de sus vecinas, sino el
acoso que estas mantienen hacia Honey, la
joven y explosiva segunda esposa de la casa
de al lado, y la única que parece aceptar a
Jessica tal como es.
Evan y Emery, comiendo Nutella directamente del bote y siendo así todo lo rebeldes que les permite su
educación.
Jessica, en un episodio en el que ve cómo la familia está perdiendo
sus raíces.
Muy interesante resulta la manera que la
serie tiene de tratar con el racismo, que se
manifiesta en niveles muy diferentes. Por
ejemplo, a pesar de lo mencionado sobre
Jessica, su racismo en contra de los blancos
funciona para ella, no solo como una forma
de no perder sus costumbres, sino de
vengarse de las actitudes condescendientes y
Así pues, la serie hace mofa tanto de los
tópicos chinos como de los blancos
(especialmente en cuanto a su ignorancia
sobre las culturas asiáticas, que llevan al
americano medio a decir verdaderas
barbaridades sobre gente con la conviven a
diario).21 Y es que, aunque algunos de los
Aunque de manera minoritaria, también han
aparecido en la serie ciertos arquetipos sobre otras
minorías como la hispana y la judía, esta última
justamente representada mediante un niño asiático
adoptado por un matrimonio judío y que, precisamente
21
Página 34
tópicos sobre los chinos que aparecen están
ciertamente manidos
-como la fama de
usureros o el amor
por las apariencias-,
otras ideas -como la
de la “permanente
del éxito” o el que el
baloncesto en Taiwán
sea una especie de
demostración aérea
de artes marcialesson novedosas en
televisión,
y
seguramente
provoquen muchas
más carcajadas que
las
vivencias
de
Eddie en el instituto,
estas sí, tan absurdas
como predecibles.
Por supuesto, en la serie hay también espacio
Las vecinas de los Huang, mientras que Jessica les corta “trozos iguales por culpa del comunismo”.
No obstante, la pasión por el hip hop del
protagonista servirá para incluir, con tanto
dinamismo como hilaridad, algunos de los
hitos más célebres de la cultura afro-asiática,
desde las menciones a Wu Tang Clan o ese
bizarro experimento que fue el videojuego
Shaq-fu22 y que inspira la trama de uno de los
episodios.
por su origen étnico, es obligado a juntarse con Eddie a
pesar de no tener nada en común.
22 Shaq-fu (1994) fue un videojuego -diseñado para
plataformas como Sega Mega Drive y Supernintendo-
para el comentario y la autocrítica, como
cuando en un episodio Jessica dice a sus hijos
que no pueden ser actores, ya que no es una
profesión de éxito pues no hay actores
asiáticos en la televisión (algo que se
desmiente cuando, a final del episodio, la
familia ve un episodio de The All-American
Girl); en la segunda temporada, Jessica
reprocha a Louis el haberse hecho el gracioso
en una aparición televisiva, acusándole de
estar siendo un personaje estúpido tópico
como
Long
Duk
Dong
de Dieciseis
velas (1984). De hecho, este último episodio
sirve (no desvelaremos más detalles), además
de como una metarreflexión sobre el show y
protagonizado con la superestrella del baloncesto
Shaquille O‟Neal. Considerado como uno de los peores
videojuegos de la Historia, su argumento principal
consistía en que el célebre jugador entraba por
casualidad en un dojo de kung-fu en Tokio y, tras
hablar con su maestro, es trasladado accidentalmente a
otra dimensión, en la que tendrá que combatir a una
malvada momia. En la segunda temporada de Fresh off
the boat, el propio Shaquille O‟Neal aparecerá como
estrella
invitada,
aunque
en
un
contexto
completamente diferente.
Página 35
la presencia y expectativas de los asiáticoamericanos
en
la
televisión,
como
autodefensa contra los que han criticado la
serie por no representar con suficiente
complejidad a los asiáticos -entre los que
destaca el verdadero Eddie Huang-.
Decididamente, el ácido humor familiar,
aunque no descafeinado, de la serie unido a
las brillantes interpretaciones protagónicas y
a muchas de sus incisivas puntualizaciones en
cuanto a las expectativas sobre las minorías,
han hecho que Fresh off the boat, se haya
convertido en uno de los éxitos del año en
Estados Unidos, pues además presenta un
tipo de historia con la que muchas personas
de diferentes orígenes se han sentido
identificadas. Y es que, si ya es complicado
integrarse en el instituto, seguramente lo sea
mucho más perteneciendo a una minoría,
máxime si uno no está en plena consonancia
con lo que el resto del mundo espera de él.
No obstante, al Eddie Huang real no le ha ido
mal en la vida. Sacó una carrera, un
postgrado, ganó numerosos premios y trabajó
un tiempo como abogado. Obligado a
reinventarse con la crisis, montó una línea de
ropa, un restaurante coreano y después
escribió las memorias que han dado pie a la
serie. ¿Pero qué aventuras le esperan al joven
Eddie
en
los
próximos
episodios?
¿Disfrutaremos de una tercera temporada?
Habrá que esperar para saberlo…
De acuerdo a la serie, en 1994 los asiáticos exitosos se hacían la permanente para demostrar sus triunfos de cara a la galería.
Página 36
Reseña literaria: Muñecas chinas
(2015)
Por Laura Martínez
Dentro del Especial AsiaAmérica de Ecos de Asia, os
traemos hoy una novedad
literaria sumamente interesante
que nos traslada al mundo de
los clubes nocturnos de San
Francisco en los años cuarenta:
Muñecas Chinas, de Lisa See
(Ediciones B, 2015).
la amenaza de los campos
de
internamiento
está
siempre presente entre los
círculos asiáticos de la
Costa Oeste.
Con una prosa sencilla pero
adictiva, Lisa See nos
cautiva con una historia de
amistad y amor, cuyo
El argumento del libro nos guía
principal triunfo resulta ser
a través de los avatares de tres
una atractiva ambientación
muchachas
asiáticas,
histórica
perfectamente
inmigrantes
de
segunda
documentada. El barrio
generación, que luchan por
chino de San Francisco y su
triunfar en el mundo del
animada vida nocturna son
espectáculo
durante
los
descritos en todo su
complicados años previos a la
esplendor, así como el local
entrada de Estados Unidos en la
donde triunfarán nuestras
Portada del libro.
Segunda Guerra Mundial.
protagonistas, el Forbidden
City,
que
existió
en
En 1938, Ruby, Helen y Grace se conocen en
realidad. Sobre este cabaret ya escribió la
una audición para el cabaret Forbidden City
misma autora un libro titulado Forbidden
y, aunque proceden de ambientes muy
City, USA: Chinese American Nightclubs,
diversos, sus destinos se verán unidos para
1936-1970 (2014) y, sin duda, la labor de
siempre. Grace Lee es una chica
investigación previa se deja entrever en cada
sinoamericana del Medio Oeste que
detalle de su última novela.
desconoce la cultura china y llega a la gran
ciudad huyendo de un padre maltratador.
Lisa See, aclamada autora de numerosos
Helen Fong procede de una importante
bestsellers, es una escritora estadounidense
familia de Chinatown, y vive sobreprotegida
de origen chino, bisnieta de Fong See,
en un ambiente fuertemente patriarcal. Por
patriarca del Chinatown de Los Ángeles, cuya
su parte, Ruby Tom, originaria de Hawái, es
historia ya relató en su novela On Gold
extrovertida y exuberante, pero esconde un
Mountain: The One-Hundred-Year Odyssey
secreto que resultará dramático: es japonesa.
of My Chinese-American Family (1995). Sus
El ambiente de sospechas e histeria colectiva
historias más exitosas, como El abanico de
que suscitará el ataque japonés a Pearl
seda (2005) o El pabellón de las peonías
Harbor, hará peligrar el futuro de Ruby, pues
(2008), retratan la vida y costumbres de
Página 37
China, lo que le valió el premio a Mujer
Nacional del Año en 2001, un galardón
otorgado por la Organización de Chinos
Estadounidenses. En Dos chicas de Shanghái
(2010) y su continuación, Sueños de felicidad
(2012), se centra ya en las vivencias de
mujeres sinoestadounidenses de la Costa
Este, y esta es la estela que sigue en su más
reciente novela.
Muy interesante es la caleidoscópica visión
que nos ofrece Muñecas Chinas sobre la
inmigración asiática en los Estados Unidos,
así como la situación general de racismo e
intolerancia del contexto histórico en el que
sitúa la acción. Por un lado, encontramos
familias como la de Grace, totalmente
desarraigada de su herencia cultural china, y
cuyos padres son dueños de una lavandería,
uno de los oficios más típicos entre los
inmigrantes chinos desde el siglo XIX. Por
otro lado, Helen personifica el lado más
tradicional de aquel Chinatown que trataba
de conservar sus costumbres milenarias,
desde la estructura familiar (conviviendo
todos en una misma casa), hasta los pies de
loto.
Si alguna pega cabe ponerle a esta obra, sería
tal vez una cierta simplicidad argumental que
puede hacer de su final algo sumamente
predecible. Asimismo, la construcción de los
personajes resulta muy sencilla, basada en
estereotipos
y
clichés,
sin
la
tridimensionalidad
necesaria
para
convertirlos en algo redondo. Aunque cada
capítulo esté narrado en primera persona por
una de las protagonistas, sus voces no llegan a
diferenciarse lo suficiente, y el tono general
melodramático no gustará a todos los
lectores. Sin embargo, estos inconvenientes
juegan en favor de una lectura dinámica, que
captura al lector en cada página, con el brillo
nostálgico de unos cabarets cuyas “chicas
Tres artistas en el camerino del Forbidden City (que bien
podrían ser las protagonistas del relato), en 1942 (fuente: San
Francisco Historical Photograph Collection).
orientales” seguirán bailando en nuestra
imaginación para siempre.
Para saber más:
-
Página oficial de la autora.
Página 38
Imagen nocturna del barrio chino de San Francisco en los años cincuenta (fuente:Vintag.es).
Página 39
Página 40
Contra el Tigre de Papel. Mao
Zedong y el maoísmo I* Por Pablo M. Somoano
*El título del artículo hace referencia a una expresión
utilizada por Mao Zedong para referirse al capitalismo
e imperialismo estadounidense.
República Popular
China,
9
de
septiembre de 1976.
Todo el país se
paralizó.
La
población
se
agrupaba en torno a
los
altavoces
y
aparatos de radio.
Escuchaban
en
silencio, con caras
ensombrecidas. El
tráfico por las calles
de la capital se
paralizó
prácticamente,
reduciéndose
a
algunos automóviles
y
bicicletas.
El
mensaje, dirigido a
«todo el partido, el
ejército
y
la
población de todas
las nacionalidades
del
país»
decía
textualmente «Mao
Zedong falleció a las
00.10 horas en Pekín, al agravarse su
enfermedad, pese a todos los tratamientos
recibidos y los meticulosos cuidados médicos
que se le han aplicado desde el comienzo de
su dolencia.»
Fue Napoleón quien dijo «China es un
gigante dormido, y el mundo cambiará
cuando llegue alguien a despertarla.» Y ese
Mao Zedong visto por Warhol.
alguien llegó. Mao Zedong fue el padre de la
nueva China, el creador de la misma. Desde
1949 dirigió el Partido Comunista de China
(PCCh), que se hizo con el control del país
tras veintidós años de guerra civil. Además de
jefe de Estado, fue un político, un
revolucionario, un poeta, un maestro y un
Página 41
octubre de 1964, o al
lanzamiento
del
primer
satélite
artificial chino el 26
de abril de 1970.23
Aquel día, desde el
espacio exterior se
transmitió un himno
para
alabanza
y
gloria
del
líder
comunista:
Oriente es rojo. El
sol se eleva. Mao
Zedong aparece en
Mao embalsamado ―aunque él quería ser cremado―, siguiendo el precedente de Lenin. A día de hoy
todavía puede visitarse su cuerpo en el Mausoleo del Presidente Mao, en Pekín.
Oriente. Trabaja
por el bienestar del
militar… Y un hombre que padecía del
pueblo. El presidente Mao ama al
corazón y sufría el mal de Parkinson.
pueblo. Es el hombre que abre nuestro
Finalmente, a la edad de 82 años sucumbió y
camino. Nos conduce hacia adelante.
cruzó las fronteras de este mundo.
Sin Mao, China quedaba desamparada,
huérfana. Las multitudes se agruparon en las
plazas, muchos con brazaletes negros. Los
altavoces en las calles y en las fábricas, en las
ciudades y en las aldeas, empezaron pronto a
recitar esa especie de catecismo comunista
que es el Libro Rojo. Durante una semana
entera, del 11 al 17 de septiembre, reinó un
riguroso luto oficial, prohibiéndose toda clase
de espectáculos y entretenimientos, con el
cadáver de «quien brillará sobre Oriente»
―pues eso significa Zedong― expuesto en la
Gran Sala del Pueblo de la capital.
Mao Zedong dejaba una China unida e
introducida de pleno en el siglo XX. Tras
Estados Unidos y la Unión Soviética, el
gigante asiático se enseñoreaba como
superpotencia mundial. Con puño de hierro,
puño marxista, puso fin a las vetustas formas
feudales que aún regían el país. Bajo su
mandato se produjo ese brutal contraste que
va desde el paupérrimo campesinado a la
primera prueba de arma nuclear el 16 de
Dong Fang Hong 1, el primer satélite enviado al espacio.
Una teoría política: el Pensamiento Mao
La figura de Mao Zedong, casi deificada,
dejaba a su muerte una nueva China, pero
también una nueva doctrina política: el
maoísmo o marxismo-leninismo-maoísmo;
aunque en la República Popular nunca lo
Caben matizaciones, ya que, al contrario que la
Unión Soviética, la China de Mao no experimentó un
proceso de urbanización masiva. No fue hasta los años
1980 cuando la población rural china bajó del 80%.
23
Página 42
llamaron así, sino Pensamiento Mao Zedong.
Como su propio nombre indica, se trata de
una corriente del marxismo-leninismo
reinterpretada por el líder chino. En otras
palabras, en el principio estaba Marx,
después Lenin interpretó la filosofía del
intelectual alemán, y Mao hizo lo propio en su
tiempo. Aunque en verdad el líder chino no
modificó sustancialmente los planteamientos
de Lenin, sino que los desarrolló y adaptó a la
realidad que le rodeaba.
¿Cuál fue la importancia de Mao como teórico
del marxismo? La opinión casi unánime de
los filósofos marxistas o especialistas en
marxismo es que Mao no hizo ninguna
aportación de relieve en el plano teórico. De
hecho, a diferencia del comunismo ruso, el
comunismo chino prácticamente no tenía
relación directa con Marx ni con el marxismo,
aunque sí con Lenin y su teoría política. En
este sentido, Mao Zedong no modificó ni
alteró fundamentalmente el pensamiento de
Lenin y de Stalin, a quienes citó con
frecuencia, más bien al contrario: el líder
chino fue el gran pedagogo de un marxismo-
leninismo readaptado para el pueblo más
numeroso del mundo. De hecho, Mao se
caracterizó por su exposición relativamente
divulgadora y por saber aplicar las teorías de
Lenin a la situación concreta de China.24
La novedad del maoísmo no hay que buscarla
en el terreno de la teoría comunista, sino en la
inculcación, por parte del régimen de Mao, de
una serie de principios y normas de conducta
al pueblo chino con el fin exclusivo de
garantizar resultados concretos en la vida
social, económica y política.
Una de las principales diferencias entre el
marxismo-leninismo y el maoísmo radica en
que el primero tiene como epicentro al
proletariado, mientras que el Pensamiento
Mao Zedong defendió la idea de que era el
campesinado
la
verdadera
fuerza
revolucionaria que podría ser movilizada bajo
la dirección del PCCh. El maoísmo partía del
hecho de que China era un país inmerso en el
feudalismo, con una innumerable masa
campesina oprimida por los terratenientes
latifundistas; y precisamente, este amplísimo
Mao, la sonrisa del pueblo. Propaganda al más puro estilo soviético.
24
La Vanguardia, 10/09/1976, p. 16. Disponible aquí.
Página 43
estrato social fue el motor de la revolución
que habría de venir. Por eso la Revolución
China fue del campo a la ciudad, con un
modelo de lucha armada con bases agrarias,
el cual llevó al PCCh al poder.
Pero el tema de la clase social protagonista no
fue la única divergencia chino-soviética. La
cuestión de la inevitabilidad de la Guerra
Fría, el desarme, las
comunas populares y el
método
revolucionario
fueron otros de los focos
de discusión entre Moscú
y Pekín. Son temas, como
puede verse, que giran en
torno a la táctica, a la
estrategia; no son, por
tanto,
cuestiones
de
ideología estrictamente
hablando. Pero esto no
quita para que, como
describió
el
líder
comunista
español
Santiago Carrillo «al
movimiento comunista le
habían
salidos
dos
cabezas, los rusos y los
chinos.»25
Esto
se
percibía, como se ha
dicho, en cuestiones de importancia como la
Guerra Fría, ante la que «había dos actitudes:
la de que se podía evitar y había que evitarla,
expuesta por Jruschev y la de que con guerra
o sin guerra, derrotaríamos al capitalismo,
que era un “tigre de papel”.»26
Otra de las ideas fundamentales que
distinguen al maoísmo del marxismoleninismo es la afirmación de que tras la toma
del poder ―dictadura del proletariado― la
lucha de clases continúa. Por su parte, el
Carrillo, Santiago, Memorias, Planeta, Barcelona,
2008, p. 572.
26 Ibídem, pp. 572-573.
25
comunismo internacional con sede en Moscú
afirmaba que, una vez conquistado el poder,
las otras clases sociales desaparecen y sólo
existe la clase obrera, cuya vanguardia es el
Partido Comunista. Frente a esta idea, Mao
Zedong pensaba que, incluso cuando el
proletariado y el campesinado han alcanzado
el control del Estado mediante la revolución,
Mao proclama la República Popular China el 1 de octubre de 1949.
la burguesía puede seguir en pie y en
condiciones de restaurar el capitalismo, lo
que justifica la tesis de la revolución
permanente.
El best-seller de Oriente
El régimen de Mao Zedong tuvo el honor de
poner en marcha el segundo libro más
vendido de la historia, sólo superado por
la Biblia. Salió a la luz en 1964 y es conocido
en Occidente como Libro Rojo; aunque su
verdadero título reza: Citas del presidente
Mao.
Página 44
Este texto fue publicado
por el gobierno de la
República Popular China.
Como su propio nombre
indica, recoge citas y
discursos pronunciados
por el líder de la nación.
Desde su aparición se han
imprimido
más
de
novecientos millones de
ejemplares. No en vano
todos los miembros del
PCCh
debían
llevar
siempre un ejemplar y su
lectura era obligatoria en
los colegios y en los
lugares de trabajo.
Obrero y campesino muestran alegres sendos ejemplares del Libro Rojo. Otra muestra más de
propaganda política.
El Libro Rojo no sólo fue un éxito
―ineludible― en China. Durante los años
sesenta, al calor de la eclosión de los nuevos
movimientos sociales y de liberación, la obra
maoísta por excelencia se vendió, en muchas
ocasiones clandestinamente, en las librerías
de todo el mundo: Reino Unido, Francia,
España, Japón, Unión Soviética, las dos
Alemanias,
Italia,
Nepal,
Indonesia,
Birmania, Irán… En el caso español, por
ejemplo, la lectura del Libro Rojo se convirtió
en un lugar común entre la juventud
antifranquista que se situaba a la izquierda
del PCE, aunque el simple hecho de poseer
este manual revolucionario era causa segura
de encarcelamiento.
El famoso Libro Rojo de Mao, el catecismo del régimen.
La obra consta de 33 capítulos que recogen
427 citas del presidente Mao. Entre los temas
tratados figuran el Partido Comunista y la
lucha de clases; pero también hay lugar para
la educación y el adiestramiento militar, los
jóvenes, las mujeres y la cultura y el arte.
Página 45
Un absurdo
Cultural
cataclismo:
la
Revolución
Según el Pensamiento Mao, lo que estaba
sucediendo en la Unión Soviética era que el
aparato del PCUS había dado lugar a una
burocracia estatal que corría el riesgo de
convertirse en una nueva burguesía que
trajera de vuelta el sistema capitalista. Fue
para evitar que esto sucediese en China por lo
que se orquestó la llamada Gran Revolución
Cultural Proletaria (1966-1976), con el
objetivo de profundizar en el socialismo y
desenmascarar a aquellos aburguesados o
revisionistas dentro del Partido. Así, durante
diez años el Estado persiguió a altos cargos e
intelectuales a los que Mao acusó de
traicionar los ideales revolucionarios por ser
«partidarios del camino capitalista.» Lo que a
la larga sucedió fue que cualquiera que
hubiera expresado en su vida pública un
Un «enemigo de clase» humillado física y psicológicamente en los años
de la Revolución Cultural, el capítulo más oscuro del mandato de Mao
Zedong.
interés cultural o artístico hacia asuntos que
no fueran la exaltación de la figura de Mao
corría peligro de ser acusado de reaccionario.
No es de extrañar, pues, que muchos
intelectuales chinos fueran perseguidos,
detenidos y ejecutados, mientras otros tantos
vieron su salvación en el suicidio.
Miles de guardias rojos en la Plaza de Tiananmén, Pekín, 1966. Los guardias rojos fueron un movimiento de masas, compuesto
mayoritariamente por estudiantes, que fueron movilizados por Mao en contra de los elementos elitistas de la sociedad.
Página 46
No es casualidad
que el mundo de la
cultura fuera el
mayor damnificado
de la Revolución
Cultural. De hecho,
numerosas obras de
arte
fueron
destruidas y hasta la
religión tradicional
china y al sistema de
escritura sufrieron
modificaciones. En
lo que respecta a la
religión, la mayor
parte de los templos
budistas y taoístas
Tropas chinas comunistas marchan por Manchuria durante la Revolución de 1949.
fueron cerrados y
muchos monjes fueron obligados a seguir
programas de reeducación. El pensamiento
Estrategia militar
confuciano también sufrió el tsunami de la
Revolución Cultural, se le identificaba con la
La cuestión de la lucha armada ocupa un
sociedad feudal antigua. En cuanto a la
lugar central dentro del maoísmo. No hay
escritura china, se simplificaron los
más que atender a la frase de Mao: «el poder
caracteres como consecuencia de ese espíritu
nace del fusil.» Su estrategia principal fue la
de ruptura con el pasado impulsado por el
guerra de guerrillas, que se desarrollaba en
gobierno. En este sentido, muchas de las
tres fases: a) movilización y organización del
diferencias culturales que se perciben en la
campesinado, b) establecimiento de bases
actualidad entre la China continental y las
rurales y el incremento de la coordinación
sociedades chinas de Taiwán, Hong Kong y
entre las guerrillas y c) transición a una
Macao tienen sus raíces precisamente en la
guerra convencional ―que fue la Guerra Civil
Revolución Cultural, cuyos efectos se han
china (1927-1949)―.
prolongado hasta nuestros días. Y no es para
El propio Mao fue un brillante estratega
menos, puesto que «el Gran Timonel [Mao]
militar. Sus escritos sobre la guerra de
suprimió la práctica totalidad de la enseñanza
27
guerrillas y la noción de guerra popular son
superior durante la Revolución Cultural.»
considerados clave a la hora de comprender
Si atendemos a las vidas humanas, esta
estas metodologías bélicas. No obstante, no
campaña de masas organizada por el PCCh de
fue hasta después de la revolución cubana
Mao dejó un balance de miles intelectuales
cuando Mao fue considerado el «astro guía de
fallecidos y de tres millones de militantes del
los revolucionarios.»28 A día de hoy, en pleno
partido desaparecidos.
siglo XXI, las ideas militares maoístas han
adquirido más relevancia en los países
Hobsbawm, Eric, Historia del siglo XX, Crítica,
Barcelona, 1995, p. 299.
27
28
Hobsbawm, Eric, op. cit., p. 86.
Página 47
circundantes de China que dentro de la
propia República Popular, la cual cuenta con
una situación política e incluso ideológica
radicalmente distinta a la de la primera mitad
del siglo XX.
Un legado marcado por el delirio de un líder
Tres son las estaciones del vía crucis del
pueblo chino durante el período maoísta: la
fulminante colectivización de la agricultura
campesina entre 1955 y 1957, el Gran Salto
Adelante de la industria en 1958 ―seguido
por la terrible hambruna de 1959-1961,
probablemente la mayor del siglo XX― y los
diez años de Revolución Cultural.
Hay quórum entre los historiadores y
orientalistas al declarar que estos cataclismos
se debieron en buena medida al propio Mao,
cuyas directrices políticas solían ser recibidas
con aprensión por la cúpula del partido, y a
veces ―especialmente en el caso del Gran
Salto Adelante― con una franca oposición,
que el amo de China sólo superó con la puesta
en marcha de la Revolución Cultural.
Inhumanidad, oscurantismo y absurdos
surrealistas. Esa puede ser una tríada útil a la
hora de describir las décadas de gobierno de
Mao Zedong. No obstante, no pueden dejarse
a un lado los logros alcanzados en la
República Popular China de aquellos años.
Por ejemplo, el consumo medio de alimentos
estaba por encima de muchos países
sudamericanos y africanos, la esperanza de
vida subió de 35 años en 1949 a 68 en 1982 y
la población creció de unos 540 millones de
chinos en 1949 a 950 en el momento de la
muerte de Mao. En cuanto a la educación, es
cierto que se vio muy castigada debido a la
Revolución Cultural, pero no se puede negar
que en 1976 el número de niños que acudían a
la escuela primaria era seis veces mayor que
en el momento en que Mao llegó al poder:
hablamos de un 96 % de niños escolarizados
en comparación con el 50 % en los años
cincuenta.
En resumen, aunque los logros del período
maoísta no puedan haber impresionado a los
observadores occidentales contemporáneos,
sí podrían sorprendido a los observadores de
buena parte de lo que conocemos como
Tercer Mundo. Sea como fuere, Mao Zedong
es una de las figuras clave del siglo XX y su
etapa al frente del gigante asiático es el
período central de la historia reciente del
país, matriz de todo lo que vino después. Mao
refundó una nación, creó una nueva China a
partir del marxismo-leninismo y fue fuente de
inspiración en todo el globo. Pero por encima
de todo ello se alzan las sombras de un
régimen todavía desconocido, en buena
medida, en Occidente.
Página 48
Para saber más:
-
Ebrey, Patricia Buckley, Historia de
China Cambridge, La Esfera de los
Libros, Madrid, 2009.
-
García, Silvia, Mao Tse-Tung: una
vida en imágenes, Libsa, Madrid,
2008.
-
MacFarquhar, Roderick y
Schoenhals, Michael, La revolución
cultural china, Crítica, Barcelona,
2009.
-
Mao, Zedong, El libro rojo, Espuela
de Plata, Sevilla, 2014.
-
Payne, Robert, Mao TseTung. Biografía, Torres de papel,
Barcelona, 2015.
Página 49
La Orden del Sol Naciente
Por Carolina Plou
Estos días nos sentimos especialmente orgullosos
por la condecoración con la que el gobierno
japonés reconocía la labor de la Dra. Elena Barlés,
maestra y mentora de muchos de los
colaboradores de los que integramos Ecos de
Asia y apoyo fundamental a la hora de iniciar este
proyecto. Tendremos ocasión de hablar con ella y
de felicitarla debidamente, si bien en este artículo
nos centraremos en explicar brevemente en qué
consiste este reconocimiento.
La Orden del Sol Naciente es una distinción
con más de un siglo de vida, fue creada en
1875 por el gobierno japonés para reconocer a
todos aquellos, tanto japoneses como
extranjeros, que de una manera u otra
contribuyesen a la preservación y difusión de
la cultura nipona. Aunque esta iniciativa
resulta, desde la perspectiva actual, muy
moderna e innovadora, en realidad no
respondía
tanto
a
la
mentalidad
contemporánea con la que podemos
relacionarlo sino más bien a una situación
compleja por la que estaba pasando Japón y,
por ende, su cultura.
Para comprender el contexto de esta creación,
debemos retrotraernos a 1868. En este año
culminaba el proceso de decadencia del
shogunato Tokugawa (que había ocupado el
poder político durante dos siglos y medio,
desde 1603, el denominado Periodo Edo) con
una guerra civil en la que resultó victorioso el
bando que defendía que el poder real volviese
a manos del Emperador. De este modo,
Mutsuhito, el Emperador Meiji, quedó al
frente de Japón con tan solo quince años y
una difícil situación por delante: hacer frente
al contacto occidental, que había forzado la
ruptura de la política de sakoku establecida
durante el Periodo Edo,29 y con ello a la
Se conoce con el nombre de sakoku el conjunto de
normativas legales por las cuales el gobierno
del shogunato Tokugawa
prohibía
prácticamente
cualquier relación de Japón con el exterior: el comercio
quedaba restringido a un pequeño comercio con China
a través de puertos menores, y el único contacto con
Occidente se limitaba a la Compañía Holandesa de las
Indias Orientales, con un permiso de comercio a través
de la isla artificial de Deshima, en la bahía de
Nagasaki. En 1856, el comodoro Mathew Perry llegó a
costas japonesas con el objetivo de establecer una
misión diplomática estadounidense, a fin de que éstos
tuvieran acceso a puertos estratégicos dentro de la
travesía transpacífica y poder así consolidar su
influencia en Asia. Todo ello agravó la crisis interna
por la que estaba pasando el shogunato y contribuyó a
precipitar su caída.
29
El emperador Mutsuhito, en una de las primeras fotografías
oficiales.
Página 50
amenaza de invasión extranjera que planeaba
sobre el país.30
A pesar de su temprana edad, la actitud del
emperador resultó políticamente muy
solvente, y el gobierno Meiji adoptó una
postura de modernización para situar a Japón
dentro del panorama político internacional.
Se establecieron y reforzaron las relaciones
diplomáticas con las principales potencias
occidentales, al tiempo que se realizaron una
serie de reformas en todos los ámbitos de la
vida nipona para lograr que Japón se
percibiese como un igual entre dichas
potencias. Con esto se buscaba la protección
del país: al adoptar los modos, usos y
costumbres de las potencias que suponían
una amenaza, erigirse como nación fuerte
dentro del panorama internacional y
estrechar lazos diplomáticos con países
respetados, Japón se aseguraba no ser
colonizado.
Así pues, Japón comenzó a desarrollar un
intenso proceso de modernización, lo cual, en
este contexto, significaba romper con la
evolución natural del país (que había quedado
estancada durante el inmovilismo del Periodo
Edo) para asumir y asimilar lo que en
Occidente se entendía como modernización, a
fin de integrarse dentro del panorama
internacional. Por ello, el gobierno Meiji
comenzó a tomar una serie de medidas en las
que tomaban como referentes a los países
más desarrollados en cada ámbito para
alcanzar el estadio más desarrollado posible.
Si bien una de las reformas más destacadas es
la del ejército,31 que siempre se utiliza como
ejemplo al hablar de este proceso, lo cierto es
que la implantación de las costumbres
occidentales alcanzó a todos los aspectos,
también a los más cotidianos, como la
vestimenta (especialmente, en los varones,
que rápidamente adoptaron el uso de trajes y
zapatos, mientras que en el ámbito femenino,
aunque se introdujeron las corrientes de la
moda occidental –sobre todo, entre las clases
pudientes– el kimono se mantuvo como
prenda preferida), los hábitos alimenticios, el
ocio o las artes.
La fijación de Occidente como modelo
favoreció que surgiesen corrientes culturales
que, en el propio Japón, renegasen de la
cultura y la tradición niponas, defendiendo
posturas de asimilación total del modelo.
Estas corrientes tuvieron manifestaciones en
distintos grados, había desde las que
abogaban por una modernización similar a la
que se llevó a cabo, hasta las que abogaban
por una mayor radicalidad. El conflicto llegó a
polarizarse hasta el punto de aparecer
algunas vertientes que defendían la extinción
de la raza japonesa a través de matrimonios
mixtos. Si bien estos eran casos extremos
dentro de posturas minoritarias, dejan
entrever la tensión que causaba, dentro de la
sociedad, el proceso modernizador propuesto
por el gobierno Meiji.
Por tanto, como respuesta a estas posturas
más radicales, comenzaron a surgir otras
corrientes culturales que defendían la
La reforma del ejército comenzó en 1868, con la
abolición de la clase samurái, y continuó con el
establecimiento de un ejército de reemplazo, la
realización de un servicio militar, la adopción de
uniformes y armas occidentales y, sobre todo, de
nuevas tácticas militares, adecuadas a los recursos
introducidos, pero también destacadas a nivel
internacional, lo que permitiría su consolidación como
potencia a través de las victorias en la Primera Guerra
Sino-Japonesa (1894-1895) y la Guerra Ruso-Japonesa
(1904-1905).
31
Esta amenaza fue más un sentimiento o percepción
del gobierno y del pueblo japonés que una evidencia
real, si bien estaba plenamente justificado por el
desarrollo del colonialismo de las potencias
occidentales, así como el conflicto abierto que esto
estaba ocasionando en China, materializado en las dos
Guerras del Opio (la primera entre 1839 y 1842 y la
segunda entre 1856 y 1860).
30
Página 51
tradición nipona y ponían en valor aspectos a
los que se había dado la espalda o atacado
dentro del proceso modernizador. Dentro de
estas corrientes también había posturas
extremas, que defendían el inmovilismo
cultural y el rechazo absoluto de cualquier
reforma, si bien la tónica general consistía en
la puesta en valor y conservación del acervo
cultural, sin renegar de la tradición propia
dentro de la construcción de la nueva
idiosincrasia nipona que se estaba llevando a
cabo. Curiosamente, esta defensa de la
cultura japonesa venía generalmente de la
mano de occidentales, influenciados por el
fenómeno del japonismo, que veían peligrar
el Japón idílico y exótico de las ensoñaciones
occidentales y que eran conscientes de la
necesidad de preservar y conocer el pasado
para entenderse como sociedad.
En cualquier caso, el gobierno Meiji fue
consciente de esta dicotomía, y aunque
persistió en la defensa de políticas
modernizadoras, mostró su responsabilidad
para con su propio pasado, a través de la
creación de un reconocimiento para todos
aquellos que realizasen una labor destacada
en la defensa y difusión de la cultura japonesa
así como en el entendimiento entre culturas.
De este modo surgió la Orden del Sol
Naciente, la segunda de las consideraciones
con mayor prestigio de Japón, sólo detrás de
la Orden del Crisantemo, fundada de manera
paralela y reservada a grandes personalidades
políticas y militares, con un carácter mucho
más exclusivo.
La primera distinción de las varias que recoge
la Orden del Sol Naciente fue creada en 1875.
En años posteriores, se establecieron los
distintos grados de esta condecoración, hasta
llegar a las nueve clases que se otorgaron
durante el siglo XX. Aunque en un primer
momento se otorgó este reconocimiento a
extranjeros de manera excepcional, desde la
Condecoración de la Orden del Sol Naciente.
Segunda Guerra Mundial quedó reservado a
japoneses, una norma que desapareció
definitivamente en 1981. En 2003 se produjo
la última reforma de esta condecoración, por
la cual el que tradicionalmente había sido el
grado más destacado, la Orden del Sol
Naciente con Flores de Paulonia, adquirió la
categoría de reconocimiento autónomo. Del
mismo modo, se suprimieron los dos niveles
más bajos, de forma que la condecoración
quedó estructurada en seis clases:

Primera Clase, Gran Cordón.

Segunda Clase, Estrella de Oro y Plata.

Tercera Clase, Rayos Dorados con
Cinta Colgante.

Cuarta Clase, Rayos Dorados con
Rosetón.
Página 52

Quinta Clase, Rayos de Oro y Plata.

Sexta Clase, Rayos Plateados.32
También en 2003 se estableció la posibilidad
de condecorar con este reconocimiento a
mujeres, que hasta ese momento habían
recibido una medalla equivalente, la Orden de
la Corona Preciosa.33
La nómina de condecorados con las distintas
clases es muy extensa, y en muchos casos se
trata de personalidades que ejercen una
influencia cultural alejada de la vida pública,
y que por tanto resultan desconocidos para el
gran público, no obstante, también se ha
reconocido con esta distinción a personajes
famosos o populares que han conseguido
méritos de acercamiento de la cultura nipona
al resto del mundo. Sirve de ejemplo el
impacto mediático del nombramiento de las
condecoraciones de este año, encabezado por
el cocinero Ferrán Adrià, que ha eclipsado en
la prensa generalista tanto a la Dra. Barlés
como a la catedrática de Estudios de Asia
Oriental y directora del Centro de Estudios de
Asia Oriental de Universidad Autónoma de
Madrid Taciana Fisac; pero no ha sido el
único caso.
A nuestros lectores probablemente les
resulten
familiares
algunos
de
los
34
condecorados, a los cuales en algunos casos
Las clases abolidas fueron la séptima (Medalla de
Hojas de Paulonia Verdes) y la octava (Medalla de
Hojas de Paulonia Blancas).
33 La Orden de la Corona Preciosa fue establecida en
1888, también por el Emperador Meiji, como un
reconocimiento exclusivamente femenino. Con la
reforma de 2003, ésta ha quedado reservada a las
figuras femeninas de más alto rango, especialmente,
entre las distintas casas de la realeza (resultando, en
este sentido, equivalente o paralela al más alto rango
de la Orden del Sol Naciente, reservado para dirigentes
y altos cargos).
34 No podemos dejar de destacar a Fernando García
Gutiérrez, quien ha sido reconocido con la Orden del
Tesoro Sagrado, una condecoración similar a la Orden
del Sol Naciente aunque de rango ligeramente inferior,
32
hemos tenido ocasión de acercarnos: Federico
Torralba, Shinichi Suzuki y Akira Yoshizawa.
Otros que pueden resultar conocidos son el
diseñador
industrial
Kenji
Ekuan
(responsable, entre otras muchas obras, de la
icónica botella de salsa de soja Kikkoman), el
actor George Takei,35 el mangaka Leiji
Matsumoto36 o el veterano actor y director
Clint Eastwood.37 A través de nombres como
estos, podemos hacernos una idea de la
trascendencia y valor que esta condecoración
posee.38 Que en el año 2015 hayan sido tres
los galardonados españoles nos habla de la
estrecha relación y la gran afinidad existente
entre la cultura española y la japonesa, así
como del interés que despierta el País del Sol
Naciente y de la buena salud de la que goza su
estudio en muy diversos ámbitos y en el
sentido más amplio.
que reconoce los mismos méritos de trabajo por la
cultura y la sociedad niponas.
35 Célebre por su participación en la serie de culto Star
Trek, en el papel de Hikaru Sulu; así como por su
activismo en favor del colectivo LGTB, en la línea de
otros como Ian Mckellen o John Barrowman (de quien
ya hablamos, brevemente, aquí).
36 Leiji (o Reiji) Matsumoto es autor de algunos de los
títulos manga más conocidos internacionalmente,
como puedan ser Space Battleship Yamato o Capitán
Harlock (de la cual tuvimos ocasión de hablar, a raíz
del estreno de su adaptación más reciente, aquí). Una
de las claves de su éxito internacional estriba en el
atractivo del que ha logrado dotar a su universo
ficticio, así como a la facilidad de que historias
espaciales (y por tanto, en cierto modo,
“descontextualizadas”) encajen en otros contextos
socioculturales.
37 Clint Eastwood recibió esta condecoración por su
labor en el entendimiento mutuo a través de sus
creaciones cinematográficas, particularmente, por la
doble reflexión que realizó sobre la Segunda Guerra
Mundial y el enfrentamiento entre Estados Unidos y
Japón a través de dos películas: Banderas de nuestros
padres y, muy especialmente,Cartas desde Iwo Jima,
ambas de 2006, en las que se reflejaban los distintos
puntos de vista de los dos bandos, en el episodio
concreto de la batalla de Iwo Jima (1945).
38 La lista más completa de galardonados que hemos
podido encontrar es la elaborada en la Wikipedia
inglesa (disponible aquí).
Página 53
La visión de China de Ibn Battuta
Por Esther Lupón
Ibn Battuta ha sido denominado “el viajero
del Islam”, ya que realizó un increíble viaje
durante el siglo XIV, en el que recorrió todo el
mundo islámico conocido. Llevó a cabo su
aventura a lo largo de veintiocho años, en los
que llegó hasta China. Su trayecto fue incluso
de mayor distancia que el de Marco Polo,
quien le precedió, por lo que nos ofrece
visiones comparables.
Conocemos este periplo gracias a que Ibn
Battuta dejó constancia de su aventura a
través de un libro: Regalo de curiosos sobre
peregrinas cosas de ciudades y viajes
maravillosos. La
obra
pertenece
al
género rihla o “literatura de viajes”, que
surgió en el siglo XII a raíz de las travesías
emprendidas por los jóvenes andalusíes y
magrebíes, que marchaban en peregrinación
a La Meca y a formarse en grandes ciudades
como Damasco, Bagdad o El Cairo. Algún
intrépido incluso continuaba su camino por
exóticos lugares de Asia.
Mapa que compara los trayectos realizados por Marco Polo y por Ibn Battuta (fuente: roebuckclasses).
Página 54
Este tangerino nació en el año 1304, y lo poco
que de él se sabe es lo que menciona en el
relato de su andanza, donde proporciona
escasos datos personales. Su historia
comienza cuando, a la edad de veintidós años,
decidió cumplir con uno de los pilares de la
religión
musulmana,
partiendo
en
peregrinación a La Meca desde Marruecos,
recorriendo el norte de África, pasando por
Egipto, Siria y Palestina. Tras su primera
peregrinación, atravesó Iraq y Persia para
volver a peregrinar a La Meca, donde pasó
una larga estancia. Luego, se dirigió hacia
África Oriental y el Golfo Pérsico, para
realizar después una tercera peregrinación a
la ciudad natal del Profeta. Por Egipto llegó al
Asia
Menor,
Rusia
meridional
y
Constantinopla. Posteriormente cruzó Asia y
viajó a la India, allí residió siete años en
Delhi, y recorrió las costas e islas asiáticas
para llegar hasta China. Tras visitar ese lugar,
retornó a Marruecos por Indonesia,
realizando su cuarta peregrinación al lugar
santo, y finalmente, viajó a al-Ándalus y a
Mali. Falleció en su tierra, en algún momento
entre 1368 y 1377, posiblemente tras ser
nombrado cadí.
Hoy resulta curioso que un joven que marchó
solo y sin riquezas pudiera llegar a realizar
tan tremendo viaje. Estos peregrinos, que
partían inicialmente sin grandes posesiones
ni fortuna, llegaban a acumular en algunas
fases del recorrido una gran cantidad de
efectivo, objetos y ganado, gracias a la suerte.
Uno de los aspectos principales que le
permitieron un viaje así, fue la hospitalidad
característica de aquellos pueblos que se
encuentran en un medio hostil. Además, hay
que tener en cuenta la postura que adopta el
Corán ante el viajero: en varias ocasiones
menciona que se le debe dar limosna y ofrecer
alimento, y que debe recibir buen trato.
Igualmente, la limosna es otro de los pilares
del Islam, y con ella se financiaban algunas
instituciones de caridad, donde en ocasiones
se hospedaba este viajero. Ibn Battuta
frecuentaba las zagüías, y fue acogido por
gentes
acomodadas
o
ayudado
por
personalidades que le proporcionaban
provisiones
o
le
facilitaban
los
desplazamientos.
Esta situación no cambiaba cuando se
encontraba en zonas en las que la comunidad
islámica era minoritaria, como en China. Sin
embargo, en su historia declara que no le
gustaba este país por esa razón, y manifiesta
que apenas salía de su alojamiento por no
presenciar impiedades, de manera que le
alegraba
mucho
encontrarse
con
correligionarios. En su viaje todo le era
revelador y novedoso, pero especialmente en
los países en los que no reinaba el Islam, lo
que presenciaba le era extraño y le producía
cierto rechazo.
La rihla de Ibn Battuta constituye una
importante fuente de información ya que nos
ofrece una visión del mundo musulmán del
siglo XIV. Treinta años después de iniciar su
aventura, el viajero dictó sus vivencias al
poeta granadino Ibn Yuzayy, que redactó la
obra durante tres meses, ordenando datos y
reconstruyendo los itinerarios. Su finalidad
era proporcionar información de interés al
sultán meriní de Fez, Abu Inan (1329-1358), y
darle a conocer la agricultura de otros
lugares, la economía o la administración de
los gobiernos. Asimismo, en el relato también
quedan reflejados importantes aspectos
sociales como las costumbres y tradiciones, la
religión o los castigos.
En ocasiones se ha puesto en duda la
credibilidad de la obra, especialmente en
algunos capítulos. Por un lado, el escrito
pretende aportar datos útiles, pero sin dejar
de entretener al lector incluyendo sucesos
extraordinarios
y
descripciones
de
maravillosos lugares, que son fruto de
Página 55
observaciones personales, así como de
tradiciones locales e información de otras
manos. Debido a que Ibn Battuta perdió su
cuaderno de notas durante el viaje, tuvo que
dictar su aventura de memoria treinta años
después, por lo que sus recuerdos pudieron
distorsionarse, modificarse u omitirse en
situaciones en las que se veía implicado de
manera más personal. Sin embargo, aunque
en la obra se adviertan imposibilidades o
contradicciones, su testimonio coincide con el
de otros viajeros, menciona acontecimientos
reales (como la peste negra, guerras civiles o
revueltas), y nos ofrece un testimonio que se
ajusta a la situación del mundo islámico del
siglo XIV.
A pesar de los problemas cronológicos que
presenta el relato del viajero, su viaje a Asia
Oriental se fecha en torno a 1346. Dos hechos
le impulsaron a visitar ese lugar: poco
después de iniciar su travesía se hospedó en
Alejandría con un imán que le auguró un
encuentro con tres ascetas, nada más y nada
menos que en la India, en el Sind39 y en
China, siendo ese el germen de su aventura.
Por otro lado, años más tarde, tras haber
servido durante mucho tiempo al sultán de
Delhi, renunció a su servicio y se retiró con
otro imán. Pronto el sultán envió a alguien en
su busca, ya que había recibido una embajada
desde China, y ordenó al tangerino que
partiese como embajador a ese lugar para
corresponder con un presente al soberano.
Sin embargo, la misión fracasó.
El Islam había llegado a China de forma
temprana, en el siglo VII, a través de las rutas
comerciales. El gran Imperio mongol fundado
por Gengis Kan, que alcanzó su máxima
extensión bajo el gobierno de su hijo, el Gran
Kan Ogodei, fue divido a la muerte de este.
El Sind es una región del sur de Pakistán que hace
frontera con la India. Por ella transcurre el río Indo,
que cruza todo el país.
39
Una de las partes, que actualmente abarcaría
la zona de China y Mongolia, quedó bajo el
mando de Kublai Kan, nieto de Gengis Kan,
que instauró la dinastía Yuan40 en 1271. Él
instaló la nueva capital en la actual Pekín y
emprendió la conquista del sur del país,
donde
subsistía
la
dinastía
Song,41
completando su empresa en 1279. La
tolerancia de la dinastía Yuan propició que
esta religión y otros grupos minoritarios se
instalasen bajo el Imperio. La población
musulmana creció considerablemente, de
manera que el Islam se convirtió en una de las
principales religiones del país.
Tiempo después tuvo lugar la visita de Ibn
Battuta, concretamente bajo el mandato de
Toghon-Temur
(1333-1370),
último
emperador de la dinastía Yuan. En su obra, el
trotamundos describe cada una de las
ciudades por donde pasa, nos habla de su
recibimiento,
y
de
los
principales
musulmanes que ahí residían. Alude a cinco
ciudades, sin embargo, su propio testimonio
hace suponer que sólo debió visitar dos de
ellas.
Llegó a hasta esas tierras navegando desde la
actual Vietnam y desembarcó en la costa de
Quanzhou, donde describe su gran puerto, tal
y como hace Marco Polo. Nos habla de una
importante industria textil en la localidad y
La dinastía Yuan (1279-1368) tiene un origen
mongol, ya que fue el instaurada por el emperador
Kublai Kan (1271-1294). Bajo este periodo se vivieron
momentos de estabilidad y prosperidad, hasta que la
llegada de una crisis económica y el malestar de la
población ante las medidas del gobierno, propiciaron
una serie de revueltas que derivaron en la marcha del
emperador Yuan y la fundación de la dinastía Ming.
41 La dinastía Song (960-1279) sucedió a un periodo de
inestabilidad política conocido como las Cinco
Dinastías, al que puso fin el emperador Taizu (960976), unificando China. En este momento, la capital
del imperio se encontraba en Kaifeng, pero luego se
estableció en Hangzhou tras la retirada de la corte
hacia el sur tras perder el control del norte del país,
hecho que divide en dos periodos la historia de la
dinastía Song.
40
Página 56
de la amplia extensión de las ciudades, al
incluir las viviendas un huerto en su recinto.
Desde ahí visitó Cantón, donde dice que
existía una morería dotada de mezquita
aljama, zagüía y zoco. Tras regresar a
Quanzhou, se dirigió a Pekín para
entrevistarse con el emperador, haciendo un
alto en Qanyanfu, una ciudad dividida por
cuatro murallas concéntricas. Después llegó a
Hangzhou, formada por seis ciudades, de las
que una incluía zagüía y mezquita aljama,
donde dice que residían un gran número de
musulmanes.
Finalmente llegó a
Pekín, que describe
como una de las urbes
más grandes que ha
visto, aun situándose
en ella los huertos tras
las murallas; ahí se
encuentra el palacio
imperial, construido
esencialmente
en
madera.
En cuanto a la
geografía
china,
dedica unas frases al
río
Amarillo que,
según cuenta, nace en
unos montes cercanos a Pekín y desemboca
en Cantón, mientras que realmente nace al
oeste del país en las montañas Bayan Har y
fluye hasta el mar de Bohai, en la costa
nororiental. Lo compara con el Nilo, al haber
en sus riberas numerosas poblaciones y
huertas. Comenta muy brevemente la
existencia de uvas, peras y magníficos
melones, pero curiosamente pasa por alto
cualquier fruto característico de la zona.
También menciona el cultivo del trigo, las
lentejas y los garbanzos, pero no del arroz.
Incluso llama su atención el enorme tamaño
de las gallinas y de los gallos chinos, que
ponen huevos de mayor tamaño que los de las
ocas, y cuya carne se debe cocinar en dos
ollas.
Sus palabras indican que no siente simpatía
por la mayoría de la población local, pues de
los chinos dice que “son paganos, idólatras y
queman a sus muertos”, y además “comen
carne de cerdo y de perro”. Les considera
gentes acomodadas, pero que no se interesan
por comer bien o por vestir buenas ropas.
Nos cuenta que en el país se trata de evitar
Centro comercial Ibn Battuta en Dubái, espacio de China
(fuente: Alberto-g-rovi/Wikimedia Commons).
que los mercaderes extranjeros derrochen sus
riquezas, por lo que se alojan en las viviendas
de mercaderes locales o en fondas, de manera
que sus bienes son administrados durante ese
tiempo por los comerciantes o los regentes de
los establecimientos. Sí se les permite casarse
con esclavas nativas pero, por el contrario, no
se las obliga a viajar con ellos.
De su relato se desprende la tolerancia
religiosa disfrutada bajo la dinastía Yuan, al
mencionar que los musulmanes son
respetados y que habitan en aljamas. De igual
manera se deduce la estabilidad del Imperio,
Página 57
al afirmar que la seguridad reina en los
caminos, propiciada por la existencia de
fondas en las que cada noche los viajeros son
registrados. También se controla la
tripulación y la mercancía de los barcos,
inspeccionando toda la carga al zarpar y al
regresar al puerto. De las embarcaciones
chinas habla previamente en su relato,
explicando los diferentes tipos de juncos y su
construcción, cuando se encuentra en Calicut.
El capítulo de China incluye algunos
elementos novelescos o fantasiosos, pero cabe
mencionar el episodio del entierro del kan
que dice presenciar. El viajero afirma que a su
llegada a Pekín el emperador no se
encontraba en la capital, ya que estaba tres
meses de marcha, en guerra contra su primo,
que se ha había levantado en armas. Al tercer
día de su estancia en la ciudad llegó la noticia
de la muerte del kan, según narra Ibn Battuta,
y a continuación se engalanó la ciudad, se
tocó música y se celebraron juegos en su
honor. Indica además que su cuerpo llegó
acompañado de un centenar más, y que se le
enterró en una estancia subterránea cubierta
de alfombras, donde se depositaron sus
armas, vajilla de oro y plata, y se introdujeron
seis siervos y cuatro esclavas. Finalmente, se
cubrió el lugar con tierra creando una colina
sobre él, y después se hizo a cuatro caballos
galopar sobre el túmulo hasta quedar
exhaustos, siendo empalados sobre la tumba
después. Todos los habitantes de la ciudad
acudieron a la ceremonia con vestimenta de
color blanco, y durante cuarenta días, o
incluso más, las esposas y familiares del
monarca habitaron junto al lugar en tiendas.
Cuenta que tras la muerte del soberano la
capital se trasladó, y se sucedieron revueltas y
sublevaciones, que le obligaron a salir del
país.
Hoy sabemos que la dinastía Yuan fue
expulsada de China por los Ming en 1368 y
que el emperador no murió hasta 1370, por lo
que probablemente la obra nos habla del
funeral de un jefe mongol que quizá le fue
transmitido por otra persona. Una leyenda
dice que cuando falleció Gengis Kan, se
introdujeron doncellas en su tumba, y
posteriormente la tierra que la cubría fue
compactada por caballos galopando, que
luego fueron sacrificados, por lo que el ritual
descrito no se alejaría demasiado de las
prácticas mongolas.
A pesar de esa credibilidad general que se
otorga al relato del viajero, lamentablemente
la situación cambia al hablar de China, y su
estancia en el país se pone en duda, al menos
parcialmente, ya que en ocasiones parece que
transmite información de segunda mano. Las
descripciones de Pekín y Qanyanfu (ciudad
que no se ha identificado) son realmente
someras. Además, frente al interés que
muestra por los productos agrícolas en el
resto del relato, aquí se limita a elogiar
brevemente los frutos. La descripción de
Hangzhou y el puerto de Quanzhou parecen
más detalladas, coincidiendo algunos datos
con el testimonio de Marco Polo. Por esto se
opina que al menos visitó los puertos de
Hangzhou y Quanzhou.
Ibn Battuta describe detalladamente el
proceso de fabricación de la porcelana.
También habla del uso del papel moneda en
el país, así como de la posibilidad de cambiar
los billetes deteriorados, sin coste, en cecas o
casas de la moneda. Estos detalles coinciden
con las palabras de Marco Polo. De la misma
manera, nos concede una serie de datos
valiosos, ya que nos informa del cargamento
de los barcos, de la jubilación, de la
protección de los comerciantes y de la
seguridad en los caminos. No hay que olvidar
que cuenta con todo detalle el proceso de
construcción de los juncos y los tipos de
navíos chinos.
Página 58
Tumba de Ibn Battuta, Tánger.
En la actualidad puede visitarse la tumba de
este viajero, pues sus restos descansan en
Tánger, en un pequeño oratorio cubierto por
una cúpula. Para comprender la importancia
de su aventura, queda decir que su obra ha
sido traducida a varios idiomas, ha sido
adaptada como literatura infantil, se ha
llevado al cine y al teatro, y también ha
inspirado videojuegos. En su honor, un cráter
lunar lleva su nombre desde 1976, al igual que
fue bautizado el aeropuerto de Tánger. Pero
quizá sea en Dubái donde encontramos los
homenajes más monumentales, ya que en la
ciudad se construyó el gran hotel de lujo Ibn
Battuta Gate, así como un inmenso centro
comercial, inspirado en sus viajes.
Para saber más:
-
Ibn Battuta, M. Ibn. Abd À.
(ed. y trad. Fanjul, S. y Arbós,
F.). A través del Islam. Madrid,
Editora Nacional, 1981.
-
Polo, Marco. (ed. y trad.
Carrera Díaz, M.). Libro de las
maravillas del mundo. Madrid,
Cátedra, 2008.
Página 59
Página 60
El neosurrealismo en el sudeste
asiático: Vida y obra de Nguyen
Dinh Dang I (Vietnam: censura y
polémica)
Por Andrea García Casal
La biografía del artista.
Nguyen Dinh Dang (Hanói, 1958) es un
pintor neosurrealista42 de origen vietnamita.
Se trasladó a Rusia para estudiar en la
Universidad Estatal de Moscú, por la que
obtuvo dos doctorados (en Teoría Nuclear y
en Ciencias Físicas y Matemáticas). Su
destacada aptitud para el trabajo académico
le permitió, junto a otros pocos estudiantes,
emigrar a Europa, desarrollándose en su
profesión pero también en su vocación como
pintor. Tras la guerra de Vietnam (19551975), los medios artísticos estaban
supeditados al Estado de este país como
instrumentos de propaganda política, algo
que Dinh Dang despreciaba, pues anulaba su
visión del arte como un hecho libre.
A pesar de conocer a maestros tales como
Leonardo da Vinci desde antaño, fue en Rusia
donde se aproximó a los grandes museos de
Bellas Artes, asumiendo el mundo artístico de
otros tiempos. Este periodo se caracteriza por
el nacimiento de sus primeros bocetos, que le
servirán para madurar la técnica dibujística
que utilizará hasta la década de los 80. A
Mediante el prefijo „‟neo-„‟ se asimila este concepto
(neosurrealismo),
equivalente
a
un
„‟nuevo
surrealismo‟‟ que queda escindido del contexto
histórico, social y cultural que vio nacer a la
vanguardia surrealista del siglo XX.
Nota aclaratoria: Las imágenes aquí utilizadas son
propiedad de Nguyen Dinh Dang, obtenidas mediante
la web, donde publica todas sus obras artísticas.
42
posteriori, durante su estancia en Vietnam
antes de lograr su segundo doctorado, creará
retratos de personajes que guardan relación
con él mediante el arte del dibujo.
En 1986 se celebra la Exposición
Internacional de Pintura y Artes Gráficas. Se
convierte en una fecha clave para Dinh Dang
porque en ella presentará dos obras que le
marcarán por diversos motivos. En primer
lugar, harán que su producción sea
identificable hasta hoy día por el empleo de la
pintura al óleo (aunque nunca abandona el
dibujo) y la creación dentro del estudio,
ubicado en su morada. Dinh Dang emplea la
imaginación para configurar un universo
propio y se escinde de cualquier referencia
directa a la realidad. En segundo lugar, se le
conocerá como pintor controvertido al
mostrar cuerpos de mujeres desnudas, algo
mal considerado en aquellos años. No
obstante, en Vietnam participó en otras
exhibiciones, ejerciendo tanto de artista como
de jurado, atestiguando reiteradamente su
capacidad crítica en el ámbito artístico.
El momento culminante se produce cuando le
confieren su primera muestra individual en el
año 1991, aparte de ser reconocido como
miembro de la Asociación de Bellas Artes de
Vietnam. A pesar de su triunfo relativo en
Vietnam, en el año 1994 se traslada a Japón
hasta la actualidad por cuestiones laborales.
Su establecimiento en este país le ha
Página 61
permitido pintar de la forma que siempre ha
deseado. Su mérito como físico de renombre
le acompañó, obviamente, en el campo del
arte. Desde 1997 hasta 1999 perteneció a la
Asociación
Internacional
de
Artes,
organización de la UNESCO. Desde 2005 es
miembro de la Asociación de Artistas
Individuales de Japón. Sin embargo, ya en
2001 comienza a exponer en el país del Sol
Naciente. De forma individual realiza un total
de siete exposiciones. Igualmente, participa
junto a otros artistas en más de veinte
muestras, siendo la última celebrada
recientemente, en septiembre de 2015.
La obra de Dinh Dang.
El estudio pertinente dividirá la obra del
pintor Nguyen Dinh Dang en dos grandes
bloques, que son el origen de las obras de los
dos países en los que reside a lo largo de su
vida: Vietnam y Japón. De este modo, se
articulará su producción artística teniendo en
cuenta qué obras realiza en un país y otro, y la
manera en que su arte evoluciona desde sus
comienzos controvertidos en Vietnam hasta
alcanzar la libertad de expresión absoluta en
Japón.
Para Dinh Dang el dibujo es una de las partes
más importantes dentro de la pintura.
Adquirió la técnica de manera autodidacta,
empeñándose en utilizar como modelos de
aprendizaje
a
los
grandes
artistas
renacentistas y barrocos: Sandro Botticelli,
Leonardo da Vinci, Miguel Ángel o Johannes
Vermeer. Debe destacarse que estos pintores
otorgaban prioridad al dibujo sobre el color,
algo que Dinh Dang valorará en su
trayectoria. De ellos contempló sus obras y
además leyó escritos que aclaraban su
particular forma de trazar.
Este autor considera que el talento para
dibujar correctamente es innato, y que
después debe perfeccionarse mediante un
trabajo constante. Siendo, según esta teoría,
poseedor de dicha cualidad, y también
teniendo en cuenta que para él no se puede
El primer bloque, Vietnam: censura y
polémica, se tratará en el artículo I, mientras
que en el II ya se hablará de su obra japonesa.
Los dos adjetivos que acompañan a la
nación,censura y polémica, serán útiles para
reflejar, en primer término, cómo afecta a la
pintura temprana de Dinh Dang la fuerte
prohibición que existe en el arte vietnamita,
al igual que su arte produce un choque entre
los jurados al ser más liberal que lo permitido
–y que lo normalmente visto–. También se
analizarán, al comienzo, los precedentes de
los óleos de Dinh Dang, que son sus dibujos.
Primera etapa. Vietnam: censura y polémica.

Dinh Dang como dibujante:
Estudio de su mano izquierda (1980).
Página 62
empezar a pintar una
obra al óleo si no se
goza de una buena
base dibujística, el
primer arte en el que
se instruye es en el
del dibujo.
Sin pretensión de
analizar cada uno de
los bocetos o dibujos
de Dinh Dang desde
sus inicios hasta
estos años, no está de
más
contemplar
algunas obras de esta
etapa que servirán
como precedente a
los
óleos
que
realizará
con
posterioridad.
El Estudio de su
mano
izquierda
(1980) es uno de los
dibujos
más
tempranos del autor,
donde se observa la
gran habilidad que
detenta
en
este
ámbito. Rememora a
los
estudios
anatómicos
de
Leonardo da Vinci, a
quien considera un
genio autodidacta.
Aunque muy preocupado por las cuestiones
de anatomía, ciertamente Dinh Dang busca la
precisión dibujística y el detallismo en
cualquiera de los motivos a representar. Por
otro lado, en el momento de prepararse para
crear un óleo, siempre se guiará dibujando un
boceto que después pulirá en la obra final,
como ocurre en La quinta trompeta (The
Estudios para La quinta trompeta (The Fifth Trumpet, 1990).
Comparación con el lienzo.
Fifth Trumpet, 1990). La moto es sinónimo
de un estudio minucioso, y el rostro de la
chica destaca por el cambio gestual entre el
boceto y la pintura.
Página 63
Mai con un sombrero (Mai with a hat, 1985). A la derecha, Dong durmiendo (Dong sleeping, 1990)
No obstante, es importante mencionar que el
artista no sólo utiliza el dibujo para este tipo
de estudio, sino que normalmente lo asocia al
retrato, como puede verse en la mayoría de su
creación. Reproducía, en primer lugar, a sus
familiares, después a sus amigos y finalmente
a aquellas personas que consideraba dignas
de admiración. El tema de la representación
de la familia como protagonista en sus obras
tanto dibujísticas como pictóricas se deja
claro en Mai con un sombrero (Mai with a
hat,
1985)
o Dong
durmiendo (Dong
sleeping, 1990); su esposa y su hijo.
Numerosos ejemplos aparecerán cuando se
analicen otras obras del autor.
E igualmente, el retrato de colegas y
personajes inauditos (artistas, escritores, etc)
está muy presente desde sus primeros
dibujos,
algunos
con
una
marcada
instantaneidad, como la representación de la
joven Tania en el Restaurante “Hanoi”,
Restaurante Hanói, Moscú (Restaurant “Hanoi” in Moscow, 1984).
Página 64
Moscú (Restaurant
1984).

“Hanoi”
in Moscow,
Dinh Dang como pintor:
Las primeras obras al óleo de Dinh Dang,
realizadas en la década de los 80, se
clasificaron por los jurados vietnamitas como
material inadecuado debido a su contenido
”sensible”. Así ocurrió con Inspiración
primaveral (Spring
Inspiration,
1986),
presentada junto a Aparición de una imagen
en el desierto (Apparition of Image in the
Desert, 1986) en la Exposición Internacional
de Pintura y Artes gráficas celebrada en
Hanói
(1987). Inspiración
primaveral (Spring Inspiration, 1986) será la
primera que, en este estudio, ayudará a
comprender la censura vietnamita de la
época. Aparición de una imagen en el
desierto (Apparition of Image in the Desert,
1986) se explicará al final del artículo.
La
iconografía
de Inspiración
primaveral (Spring Inspiration, 1986) es
sencilla: una modelo desnuda, en actitud de
Venus púdica similar a la de Sandro Botticelli
en El nacimiento de Venus (1485), contempla
junto al autorretrato de Dinh Dang la materia
artística primaria; el lienzo. Aunque pudo
gozar de un cierto éxito, resultó controvertida
por el hecho de que mostraba una imagen del
político soviético Lenin entre libros
desperdigados por el suelo de la obra. Un
detalle en apariencia inocente fue eliminado
por petición de la organización de la
exposición, la cual consideró que la Embajada
de la URRS (Unión de Repúblicas Socialistas
Soviéticas) se ensañaría con la muestra al
figurarse un retrato del gobernador por
debajo de la muchacha desvestida.
Detalle de Inspiración primaveral (Spring
Inspiration, 1986).
Página 65
Inspiración
primaveral
(Spring
Inspiration,
1986)
Página 66
obra lo antes posible
para
evitar
que
alguien cayera en la
contemplación de la
violencia
explícita
que enseña. En 1990,
durante
la
Exposición Nacional
de Bellas Artes se
tildó al lienzo de
„‟problemático‟‟
y
acabó
siendo
expuesto en una
zona poco visible
dentro de la muestra.
Esto
provocó
la
cólera de uno de los
críticos
de
arte,
quien manifestó su
enfado
ante
tal
desprecio
durante
una
reunión
posterior.
Un destino similar
a La muerte del
artista (The death of
artist,
1987)
lo
tuvo La
quinta
trompeta (The Fifth
Trumpet, 1990),
aunque por suerte
sólo al comienzo. En
la
siguiente
exposición en la que
participó la obra, que
fue la individual de
Dinh Dang (1991)
concedida por la
Arriba: La muerte del artista (The death of artist, 1987). Abajo: La quinta trompeta (The Fifth Trumpet,
1990).
Asociación de Bellas
Otra obra que también se aceptó, pese a
Artes de Vietnam a su nuevo miembro, tuvo
tolerar una severa denigración, fue La muerte
un éxito mayor. El consejero holandés en
del artista (The death of artist, 1987). En la
Bangkok de aquella época, Johannes Jansing,
exposición anual de Bellas Artes en Hanói, el
adquirió el lienzo, así como otros tantos del
comisario le pidió a Dinh Dang que retirara la
Página 67
mismo
autor,
produciéndose además
las primeras ventas del
artista.
El
óleo
resulta
complejo
de
interpretar sin un
análisis exhaustivo de
cada uno de sus
elementos,
algo
habitual en el autor Detalles de La quinta trompeta (The Fifth Trumpet, 1990).
por
el
fuerte
mismo Diablo. La manzana roja flotante
simbolismo que utiliza. Se inspiró en la
reafirma el carácter desdichado de la unión
quinta trompeta del Apocalipsis de San Juan,
de ambos personajes, pues se la atribuye al
tal y como lo desvela el título. Sin embargo,
fruto prohibido que tomó Eva del Jardín del
hace referencia a las trompetas anteriores
Edén. Su gesto es tan maligno como el del
representando la tierra ardiendo, el mar de
demonio; resulta desafiante y decidido. Este
sangre, las aguas de ajenjo y la noche
rasgo fue el determinante para que Jansing
perpetua; sucesos que se corresponden con la
adquiriera la obra.
primera, segunda, tercera y cuarta trompeta
respectivamente. Así, de derecha a izquierda
Las escenas del entierro y el incendio del
se pueden leer estos acontecimientos. El
poblado son las únicas que atestiguan la
primero se figura como un pueblo ardiendo al
presencia del científico dentro de un asunto
fondo de la composición. Encima se ve el mar
tan general como es el del Apocalipsis. Se
ensangrentado y con un oleaje feroz. La
convierten en un tema secundario, oculto tras
tercera trompeta es claramente evidente, pues
el primero, mucho más sencillo de entender.
el cadáver de un hombre que se ha intoxicado
El entierro se ubica en la niñez del pintor,
al beber el agua convertida en ajenjo líquido
cuando su abuela fallece durante la Guerra de
se muestra al espectador en primer plano. La
Vietnam y aparecen, entre los asistentes al
última trompeta es el nublado cielo que
funeral, tanto sus progenitores como su
domina el paisaje. La quinta trompeta nace
hermano y él mismo.
cuando el ángel sopla el instrumento
Entretanto la trompeta inicial, que hizo
iniciando un nuevo episodio del Apocalipsis,
prender la vegetación del mundo, como se
situado en el extremo superior siniestro del
dijo antes es un poblado en llamas que
óleo. Cuando brota el abismo emana de su
retoma nuevamente la ambientación en la
interior la plaga de langostas, una metáfora
citada guerra. Al parecer, se trataría en origen
de la destrucción que posteriormente se verá
de un depósito de combustible masacrado por
con asiduidad en la obra de Dinh Dang. Una
las bombas estadounidenses que empezó a
mujer desnuda, símbolo de la perdición,
arder en Duc Giang, un barrio de Hanói, bajo
avanza entre el caos de imágenes múltiples.
la presencia de Dinh Dang. Una imagen que
Subida en una motocicleta de marca Honda,
el autor asegura nunca olvidar.
seña japonesa, lleva como acompañante al
Página 68
embargo, no fue
fruto
de
la
prohibición
este
hecho. La supresión
del nombre completo
fue idea de Dinh
Dang,
aconsejado
por otros artistas
contemporáneos a él,
antes de mostrar la
obra en la exposición
individual
organizada por la
Asociación de Bellas
Artes de Vietnam
(1991), en la que
también
se
expuso La
quinta
trompeta (The Fifth
El sueño del artista, retrato del escritor Nguyen Huy Thiep (The dream of artist, portrait of writer Nguyen
Trumpet, 1990), tal y
Huy Thiep, 1990).
como se comentaba
Por último, el evento de la boda, no ha sido
en párrafos anteriores. Consideraron que su
explicado con detalle porque tiene un
obra podía acabar desprestigiada si se la
significado confuso. Sin embargo, el artista
presentaba como el retrato del polémico
asegura que sólo se trataría del reflejo de un
Nguyen Huy Thiep, un literato que Dinh
casamiento tradicional vietnamita, lo que
Dang conoció durante su estancia en Rusia,
sirve al público para situarse en ese tema
mediante revistas de su nación que le
secundario que enlaza con la vida de Dinh
proporcionó un compatriota. La literatura de
Dang.
Huy Thiep en aquellos años resultaba
mediática en Vietnam, pese a que su buena
Si se había hablado de que todas las telas
acogida en el extranjero le sirvió incluso para
hasta ahora comentadas fueron rechazadas
ganar el Premio Nonino italiano en 2008.
por un motivo u otro, falta comentar una muy
Tras omitir el título entero, Dinh Dang
vinculada a la realidad de Dinh Dang. En esta,
enseñó al público El sueño del artista (The
lo que se hizo fue suprimir parte del título: El
dream of artist, 1990) sin inconveniente
sueño del artista, retrato del escritor Nguyen
alguno.
Huy Thiep (The dream of artist, portrait of
writer Nguyen Huy Thiep, 1990). Sin
Detalle de El sueño del artista (The dream of artist, 1990), en el que aparecen, de izquierda a derecha, los literatos que se mencionan en el
texto.
Página 69
Bocetos para la elaboración de El sueño del artista (The dream of artist, 1990).
Este retrato goza de una gran veracidad, pues
el novelista, a quien conoció en persona, le
permitió tomar bocetos de su rostro y cuerpo.
El pintor muestra un Huy Thiep apoteósico,
casi divinizado, sentado en una silla del
propio Dinh Dang que le sirve de trono.
Sugiere incluso que las escaleras son las que
dan acceso al Monte Parnaso; lugar donde
habitaba el dios Apolo y las Nueve Musas de
la inspiración, según la mitología griega. De
esta manera reafirma el carácter divino de
Huy Thiep. Dinh Dang retrataba, en un tercer
lugar, a personas para él fascinantes, tal y
Detalle de El sueño del artista (The dream of artist, 1990),
donde se muestra a Quang Trung.
como se dijo anteriormente. De este modo se
comprende la manera que tenía de concebir el
artista el género del retrato en sus dibujos,
pinturas y la enorme estima que le guardaba a
Huy Thiep.
Alrededor del escritor pulula una forma
gaseosa en la que se insertan figuras
enredadas pero más o menos reconocibles.
Un ejemplo es el emperador de Vietnam,
Quang Trung, del siglo XVIII. Son figuras, en
definitiva, que aparecían en sus novelas.
Las nubes en el extremo superior izquierdo de
la
obra
reflejan
personalidades
trascendentales de los siglos XIX y XX,
principalmente escritores como Víctor Hugo,
Sigmund Freud, Anatole France, Guy de
Maupassant o los rusos Fiódor Dostoyevski,
Alexandr Solzhenitsyn y Boris Pasternak,
debido a la fuerte influencia cultural que
percibe el artista durante su estancia en la
URRS. Algunos de los otros autores los
conoció Dinh Dang durante su infancia. Se
toma como ejemplo el hecho de que a edad
temprana había saboreado Los Miserables de
Víctor
Hugo
(1862),
destacándose
nuevamente su amplia cultura. Sin embargo,
Página 70
figura a estas eminencias sobre todo porque
Huy Thiep se basa en ellos para inspirar
varios de sus cuentos.
Por último, debe aclararse que hubo otros
lienzos del autor que no corrieron ni siquiera
la fortuna de ser censurados –lo que
significaría que al menos habrían sido
estudiados-. Por ejemplo, Aparición de una
imagen en el desierto (Apparition of Image
in the Desert, 1986) fue rechazada desde un
primer
momento
en
la
Exposición
Internacional de Pintura y Artes Gráficas. La
figuración de un lienzo roto, por el que se
asoma confiada una muchacha desnuda,
suscitó desagrado entre el jurado; tal vez por
la posible insinuación que se hace al
presentar a la Inspiración como un personaje
femenino sin atuendo alguno.
Para saber más:
-
„Nguyen Dinh Dang‟s Blog”.
-
”Nguyen Dinh Dang”.
Aparición de una
imagen en el desierto
(Apparition of Image in
the Desert, 1986)
Página 71
La
producción
Jingdezhen
Desde Ecos de Asia nos hemos acercado en
distintos artículos a temas relacionados con la
cerámica o porcelana producida en la antigua
China, en los que se nombraba y hacía alusión
a los hornos de la localidad china de
Jingdezhen. En esta ocasión pasaremos a
comentar brevemente la importancia que esta
ciudad ha tenido para el desarrollo de la
producción cerámica del gigante asiático y
cómo en la actualidad sigue siendo uno de los
principales puntos de producción de
porcelana a escala mundial.
Jingdezhen se encuentra situada en el sur del
país, en la provincia de Jiangxi. La ciudad
aparece en los registros de la dinastía Han
con el nombre de Xinping, distinguiéndose ya
en la época como uno de los principales
cerámica
de
Por David Lacasta
centros de realización de porcelana, pasando
a recibir su actual denominación durante la
dinastía Song del Norte, en la que tomó en
nombre del emperador Jingde (1004-1007).
Con el transcurrir del tiempo, Jingdezhen fue
adquiriendo una importancia cada vez más
destacada gracias a la realización de
porcelana, ya que durante las dinastías Yuan,
Ming y Qing fue el principal centro dedicado a
la producción de este tipo de piezas. El éxito
de la ciudad se debe a un cúmulo de
circunstancias entre las que podríamos
destacar su posición geográfica, el sistema de
organización laboral, y el patronazgo y apoyo
del que gozó por parte de las distintas
dinastías imperiales.
Vista de la ciudad de Jingdezhen en la actualidad.
Página 72
El
emplazamiento
privilegiado
de
Jingdezhen hizo que
este fuera un lugar
ideal
para
la
producción
de
cerámica y porcelana.
Cerca de la ciudad se
encuentran
grandes
depósitos de caolín43
de la más alta pureza,
y que fue en primera
instancia
lo
que
permitió la realización
de
piezas
de
porcelana. Las colinas
que rodean la ciudad
se encuentran además
cubiertas
de
abundantes bosques,
necesarios
para
proveer
de
combustible
a
la
ingente cantidad de
Plato de porcelana azul y blanco con decoración floral. Dinastía Yuan (1271-1368), Shanghai Museum.
hornos dedicados a la
cocción de cerámicas.
realización de las piezas de porcelana, así
Asimismo, a través del lago Poyang se
como un exhaustivo control de la calidad de
estableció una red de transporte fluvial que
los productos. Así, en los distintos talleres
facilitaba en gran medida la distribución y
trabajaban
operarios
encargados
del
comercio de las piezas acabadas que se
aprovisionamiento de materias primas, del
enviaban hacia la capital o la costa,
modelado, torneado y decoración de las
principalmente hacia el importante puerto de
piezas, de los trabajos de cocción, así como
Cantón, en donde eran embarcadas hacia
del embalaje y transporte final.
Japón, Corea, el Sudeste Asiático, Oriente
Por último no debemos olvidar que en gran
Medio y Europa.
medida el éxito de Jingdezhen se debió a la
La división del trabajo fue la base de su
protección por parte de los dirigentes chinos
método productivo, permitiendo una alta
que, independientemente de las dinastías
especialización en los diferentes estadios de la
gobernantes supieron ver el potencial de estos
hornos y de la importante fuente de ingresos
43 El caolín es el principal material empleado en la
que suponían para el país.
realización de porcelana. Se trata de una arcilla blanca
muy pura compuesta de aluminio, silicato y agua,
siendo el responsable de las características plasticidad,
sonoridad, brillo y transparencia de la porcelana. El
nombre de caolín proviene de un emplazamiento
cercano a Jingdezhen, la montaña Kao-Ling shan.
Página 73
Durante la dinastía
Yuan44 se produjo el
inicio
del
control
estatal
sobre
los
hornos, si bien éste no
se llevó a cabo de
manera directa. Con
los nuevos dirigentes
mongoles, la cerámica
sufrió un proceso de
industrialización,
ya
que los sucesores de
Kublai Khan, viendo el
enorme
potencial
económico
que
suponía la exportación
de porcelana para el
comercio
con
los
distintos
pueblos
turco-mongoles
del
resto de Asia, hicieron
que
los
alfareros
chinos
comenzaran
decorar las piezas de
porcelana con el “azul
mahometano”
de
Plato con decoración azul bajo cubierta en esmalte amarillo. Dinastía Ming dynasty, 1522-1566. British
procedencia persa y
Museum.
que poseía un valor
45
Durante la dinastía Ming, autóctona y
igual al del oro, adoptando como
nacionalista, coexistieron en Jingdezhen
decoraciones arabescos y motivos islámicos
hornos imperiales y privados, lo que hizo que
ajenos a la tradición china, dando así inicio a
la cerámica se convirtiera en la industria con
una de las tipologías de porcelanas más
mayor volumen de negocio en el interior y
características de Jingdezhen.
exterior del país. La producción se
diferenciaba según estuviera orientada al
Palacio Imperial o para su exportación al
resto de Asia o Europa, ya que no debemos
La dinastía Yuan (1279-1368) fundada por Kublai
Khan, nieto de Genghis Khan fue el resultado de la
expansión mongola por todo el territorio asiático.
Kublai completó la conquista de China tras la derrota
de los Song del Sur, trasladó la capital a Pekín y reforzó
el poder militar en detrimento de la clase funcionarial
china, en la cual los chinos ocuparon un papel
secundario. Tras consolidar el territorio chino, se
aventuró a la conquista de Corea y Japón, enviando en
dos ocasiones su flota a la conquista del archipiélago,
siendo rechazada por grandes vientos.
44
La dinastía Ming (1368-1644) fue fundada por Zhu
Yuangzhang, líder campesino que destronó al último
emperador Yuan. Se caracterizó por ser un periodo de
estabilidad política y reconstrucción económica, en el
que
los
sucesivos
emperadores
se
fueron
desentendiendo de las labores de gobierno delegando
estas en eunucos. Se llevaron a cabo reformas
administrativas y económicas, así como la construcción
de la Ciudad Prohibida en Pekín y la restauración y
refuerzo de la Gran Muralla.
45
Página 74
olvidar que fue durante este periodo cuando
China entró en contacto directo con el Viejo
Continente, primero a través de los marinos
portugueses y con posterioridad por
holandeses, dando lugar a un comercio cada
vez más importante en cantidad y menos en
calidad, de porcelanas que por su novedad
causaron un gran impacto en la alta sociedad
europea.
La dinastía Qing46 fue instaurada por los
manchúes, un pueblo extranjero que habitaba
en las fronteras septentrionales de China. La
implantación de la nueva dinastía supuso un
cambio en el gusto de las piezas, ya que se
favoreció en extremo el gusto por las
decoraciones elaboradas, en busca cada vez
más de un virtuosismo técnico y formal. En
Jingdezhen se acabó de implantar el
patronazgo imperial, ya que en la época se
designaban desde Pekín a altos funcionarios
responsables directos de la producción ante el
emperador.
Los modos de producción tradicionales se
siguieron practicando en Jingdezhen tras la
caída de la dinastía Qing y la proclamación de
la República de China, perviviendo hasta
mediados del siglo XX, momento en el que
gradualmente fueron suplantados por
técnicas más modernas, pese a lo cual en la
Los orígenes de la dinastía Qing (1644-1911) se
encuentran en los manchúes, pueblos nómadas de las
estepas de Manchuria. Durante el mandato de los dos
primeros emperadores manchúes, Knagxi y Qianlong,
se afianzaron los contactos con Europa, aceptando en
la corte como consejeros en materia cultural y
científica a misioneros cristianos, especialmente
jesuitas y monjes budistas procedentes de Tíbet. Bajo
el gobierno de los Qing la economía estuvo basada en
el comercio, estimulada por grandes cantidades de
plata proveniente del comercio con Europa. El siglo
XIX estuvo marcado por el declive político, social y
económico,
marcado
por
revueltas
internas,
enfrentamientos con las potencias occidentales, y la
firma de tratados extremadamente desfavorables para
los intereses chinos, que en última instancia
conllevaron en 1912 a la proclamación de la República
de China.
46
actualidad todavía es posible contemplar
demostraciones en talleres donde los
ceramistas todavía mantienen vivas las
técnicas tradicionales. Las modernas factorías
de Jingdezhen producen en la actualidad
grandes cantidades de piezas de porcelana, lo
que sumadas a las de los distintos talleres del
resto de China, hace que en la actualidad
resulte más barata la adquisición de piezas
realizadas en China que en el Viejo
Continente.
Para saber más:
-
Beurdeley,
Cecile. La
céramique chinoise: le guide
du connaiseur. Friburgo, Office
du libre, 1982.
-
García Ormaechea
Quero,
Carmen. “El coleccionismo de
arte extremo oriental en
España:
porcelana
china”
en Artigrama, n. 18, Zaragoza,
Universidad
de
Zaragoza,
2003, pp. 231-252.
Página 75
Plato con decoración en azul y rojo con diseños de dragones, olas y nubes. Dinastía Qing (reinado de Yongzheng, 1723-1735), Shanghai
Museum.
Página 76
Página 77
Grotesco y el cruel drama de la
prostitución en Japón
Por Mario Malo
De la pluma de la galardonada escritora
japonesa de novelas policíacas, Natsuo
Kirino, y siguiendo la exitosa estela de su obra
magna Out, llegó traducida al castellano en
2011 la obra conocida como Grotesco.
Inicialmente se publicó en japonés en el año
2003
bajo
el
título
de グロテスク,
traduciéndose posteriormente al inglés en
2004 después con el nombre de Grotesque.
Así pues, siete años más tarde, se presenta en
el mundo hispanohablante, la oportunidad de
disfrutar de esta curiosa obra en nuestro
idioma materno.
El punto de inicio de este libro se sitúa en un
macabro y misterioso asesinato de las
prostitutas, Yuriko Hirata y Kazue Satô. La
hermana mayor de la primera (cuyo nombre
no es desvelado a lo largo de la obra) decide
contar la historia, en forma de autobiografía,
de cómo ambas chicas conocieron el final de
sus vidas comerciando con su cuerpo. A lo
largo de la historia, la narradora nos cuenta
primero su situación actual (a sus treinta y
nueve años), para posteriormente aludir a su
infancia y a la relación con su hermana y sus
padres, continuando con su juventud y los
problemas acaecidos en el instituto (donde
conoce a Kazue). Finalmente muestra los
diarios de su hermana, la confesión del
supuesto autor de los crímenes, y los diarios
de Kazue, concluyendo con sus reflexiones
personales de vuelta en el presente.
Yuriko y su hermana son mestizas, hijas de
padre suizo y madre japonesa, pero mientras
que la mayor no posee unos rasgos
destacables, la pequeña es “bendecida” con
una belleza sobrehumana que causa
fascinación y terror a los demás (en palabras
de la narradora, si tuviera que elegir un
adjetivo para describir la fisionomía de
Yuriko, sería la de “monstruo”, porque es
escalofriantemente bella). Las dos hermanas,
por diferencias físicas y personales, siguen
caminos completamente distintos. Mientras
la vida de la hermana mayor es perfectamente
normal, la de la hermana pequeña está
estigmatizada por su diferencia de los demás:
“puede que la fortuna resplandezca
brillantemente para una mujer así, pero la
sombra que proyecta es larga y oscura. Era
inevitable que al final llegara la desgracia.”47
Durante toda su vida, la hermana mayor de
Yuriko ha sentido cierto complejo de
inferioridad por la fascinante belleza de la
pequeña. A pesar de la permanente negación
de dicha actitud a lo largo de toda la novela,
se encargará de hacerle la vida más
complicada, especialmente durante su
infancia, por el mero hecho de ser diferente.
Una vez que sus padres y Yuriko deciden irse
de vuelta a Suiza, la narradora se queda en
Tokio viviendo con su abuelo, feliz de haberse
deshecho por fin de su hermana, pero, tras el
suicidio de su madre, Yuriko decide volver a
Japón a vivir con unos viejos amigos de la
familia e ingresar en el mismo instituto que
su hermana, suponiendo ello un gran
problema. Ambas chicas se vuelven
populares: la una por su fascinante belleza, la
otra por ser la hermana mayor fea con la que
47
Kirino, Natsuo. Grotesco, p.43.
Página 78
parece imposible que comparta genes. Las
dos están en el punto de mira de todos en esa
época tan complicada de la vida que es la
adolescencia. Según las propias reflexiones de
la autora, a esas edades, es necesario hacer
todo
lo
posible
por
no
destacar
individualmente, ni para mal ni para bien.48
Lo ideal es estar en el grupo de la gente de
mayor prestigio social, pero sin hacerles
sombra. Yuriko queda marginada por sus
rasgos occidentales y su cuerpo de modelo, y
su hermana tampoco consigue integrarse por
el mero hecho de ser su hermana. Yuriko
descubre el sexo a los quince años en brazos
de su tío carnal, el hermano de su padre, y es
en ese momento en el que se da cuenta de que
está destinada a vivir de su cuerpo y del deseo
que provoca en los hombres. Ella disfruta con
el sexo y es la única forma que tiene de
sentirse realizada, así que al poco tiempo de
entrar en el instituto conoce aun joven
proxeneta que hará de “manager” durante la
mayor parte de su vida. Por su parte, la forma
que su hermana tiene de soportar el odio, la
rabia y la frustración que siente en su fuero
interno es estudiando y dejando salir los
demonios, siendo cruel con ella y con su
compañera Kazue Satô, que la irrita con su
inocencia y forma irreal de ver la vida. Kazue
es posiblemente la que peor parada sale de
todas, porque, mientras que Yuriko y su
hermana aceptan la vida que les ha tocado
vivir y se resignan a llevarla cada cual a su
manera, Satô ha sido educada en la idea de
que si uno se esfuerza puede conseguir lo que
quiera. Así, esta chica se pasa los días
estudiando, cosiéndose logotipos de Ralph
Lauren en los calcetines, maquillándose de
Convencionalmente en el ámbito estudiantil en
Japón se siguen ciertas convenciones entre las que
destacar demasiado en el ámbito escolar es causa de
estigmatización social. No hablamos tan solo de una
cuestión meramente intelectual, a niveles estéticos
ocurre lo mismo. “Si un clavo sobresale por encima de
los demás, hay que darle con el martillo hasta dejarlo
al mismo nivel”.
48
forma
extravagante
y
desarrollando
trastornos alimenticios. De mayor tendrá
serios problemas psicológicos, porque por
una lado está orgullosa de pertenecer a la
dirección de una importante empresa, pero
por otro no se siente completamente realizada
hasta que llega la noche y con ella el momento
de ejercer la prostitución. La narradora nos
cuenta que, justo después de la muerte de
Yuriko, Kazue la llama y le dice que ella se
dedica a lo mismo que su difunta hermana, y
que, ante la sorpresa de su interlocutora, le
dice con claro tono de orgullo “soy puta”.
Como prolegómenos conclusivos cabe decir
que la elección del título del libro resulta
altamente acertada, pues refleja a la
perfección la esencia de la obra: tres jóvenes
que se consideran incomprendidas, cada una
a su manera, y que tienen que escoger tres
métodos distintos, a cada cual más grotesco,
para salir adelante por sí mismas en una
sociedad que ejerce presiones sobre los
individuos hasta límites insospechados. Y no
debemos olvidar tampoco la figura de
Mitsuru, amiga del instituto de la narradora,
cuya madre tiene alquilado un apartamento
en la zona centro de Tokio para aparentar un
nivel social mucho más alto de al que
realmente pertenecen, y que terminará
encarcelada de mayor con su marido tras
cometer atentados terroristas durante su
pertenencia a una secta religiosa.
El libro aporta, además de una visión
panorámica sobre la presión social y el ijimê,
una interesante visión de la situación de la
mujer en Japón, la importancia de la
educación y el prestigio que estudiar en un
buen instituto o una buena universidad
otorgan, la posición social de los ancianos
japoneses (claramente reflejada en el
personaje del abuelo de las protagonistas), o
la relación que la sociedad japonesa tiene con
la prostitución (mucho más relajada que en
Página 79
occidente), etc.49 Dado que no es el objetivo
de la reseña y debido a las más que necesarias
limitaciones espaciales, nos es imposible
desarrollar aquí todos los temas que
plantea Grotesco, por ello solo cabe que
sociológicamente,
dicha
obra,
posee
numerosas reflexiones de gran interés sobre
el mundo nipón.
Altamente recomendable para cualquier
persona poco aprensiva, ya que en algunas
ocasiones se puede llegar a sentir náuseas
debido a la crudeza narrativa que podemos
vislumbrar en algunas escenas. Escenas que
por otro lado son comunes en la
cotidianeidad de las grandes urbes japonesas.
Portada de la versión castellana de la novela.
En alusión al tema de la prostitución estaríamos
hablando de un proceso de desenvolvimiento histórico
no ligado a los tabúes y valores cristianos, que
permitiría en la actualidad ver este tipo de actividades
como algo perfectamente integrado en la sociedad y no
tan denigrante como en los países de moral cristiana.
49
Página 80
Página 81
Viaje al Mundo Digital. Reflexiones
sobre la trascendencia de Digimon
en la cultura otaku española
Por Carolina Plou
En marzo de 1999 se
estrenaba en Japón una
producción que llegaría a
convertirse en una de las
series más queridas para
el
público
español:
Digimon Adventure.50 A
lo largo de cincuenta y
cuatro
capítulos,
desarrollaba una historia
en la que un grupo de
niños
eran
teletransportados de un
campamento de verano a
un mundo de fantasía,
plagado
de
criaturas
extrañas (dotadas de la
capacidad de hablar), para
Una de las imágenes promocionales más difundidas de Digimon Adventure.
salvar a este mundo y al
suyo propio de las terribles
series,51 así como una treintena de
amenazas que lo acechaban. Estos monstruos,
videojuegos
y
una
gran
variedad
denominados digital monsters o, de manera
de merchandising asociado:
desde
los
abreviada,
digimons, podían adquirir
artículos más habituales (figuras y peluches),
temporalmente mayores capacidades para
pasando por productos inspirados en la serie
hacer frente a sus enemigos más poderosos, a
(los dispositivos digitales que portaban los
través
de
un
proceso
denominado
protagonistas y que se convirtieron en
“digievolución”.
símbolos de la serie, en algunos casos
La buena recepción de esta serie en su país de
origen dio lugar a la elaboración de varias
secuelas, tanto en forma de películas como de
llegaron al mercado convertidos en
videojuegos portátiles o mascotas virtuales)
Entre 1999 y 2013, hubo un total de siete
temporadas: Digimon Adventure, DigimonAdventure
2, Digimon
Tamers, Digimon
Frontier, Digimon
Savers, Digimon Xros Warsy Digimon Xros Wars
Hunters, así como una docena de películas.
51
Digimon Adventure tenía su origen en un juguete
que había sido comercializado poco antes por
Bandai, Digimon Virtual Pet, que pretendía seguir la
estela de los Tamagotchi.
50
Página 82
hasta objetos cotidianos
motivos de la serie.52
decorados
con
Aunque en España fue la primera serie la que
tuvo un mayor éxito y el interés por las
siguientes fue progresivamente decayendo, se
ha mantenido en cierto modo presente dentro
del imaginario colectivo de las generaciones
más jóvenes que crecieron consumiendo sus
capítulos en televisión. Este cariño nostálgico
hizo que las noticias de una nueva
producción,
conmemorativa
del
decimoquinto aniversario de la serie
original,53 fuesen recibidas con gran
curiosidad y regocijo tanto de los fans como
de aquellos que un día lo fueron.
Imagen de los trend topics o tendencias españolas de Twitter el 6
de mayo de 2015, cuando fueron anunciados datos concretos
sobre la producción conmemorativa.
Para poner un ejemplo de su magnitud, se pusieron a
la venta incluso cepillos de dientes eléctricos
de Digimon, no con decoraciones o pegatinas alusivas,
sino yendo un paso más y dando al soporte la forma de
algunos de los digimons más populares.
53 Esta nueva producción, titulada Digimon Adventure
Tri, ha terminado cristalizando en un conjunto de seis
películas (la primera de las cuales, Reunión, fue
estrenada en cines el 21 de noviembre de 2015 y puesta
a la venta el 18 de diciembre). El evento de celebración
del 15 aniversario se inició en primavera de 2014,
comenzando una campaña publicitaria en la que
progresivamente se desvelaban datos sobre esta
(entonces) misteriosa producción. Esta acción
promocional vivió un punto álgido el día 6 de mayo de
2015, cuando se anunciaron los primeros datos
concretos y se dieron fechas de estreno y lanzamiento.
52
Tanto es así que el pasado 6 de mayo, en
Twitter la palabra “Digimon” alcanzaba
los trend
topics,
compitiendo
con
acontecimientos
culturales
como
el
centenario del nacimiento de Orson Welles o
la concesión del Premio Princesa de Asturias
a Francis Ford Coppola, con iniciativas de
programas de radio y televisión, mensajes
promocionados y hashtags de corte político
con un marcado carácter preelectoral. Entre
todo este batiburrillo de conversaciones, y
destacando por encima de muchas otras que
se quedaron a las puertas, las noticias
oficiales sobre la nueva serie de Digimon, de
la que en aquel momento todavía no se
conocían apenas datos, fueron uno de los
temas más comentados del día.
Si bien Twitter, y las redes en general, no son
por sí mismas fuentes fiables para medir la
relevancia o el impacto social de
determinados temas de interés general, en
este caso su mención sí resulta significativa,
dado que en la actualidad Digimon podría
considerarse como una serie de nicho,
dirigida a un público muy concreto, y su
consumo potencial en España se dirige a un
sector muy definido, principalmente, al
denominado otaku.
No
obstante,
el
componente nostálgico que esta serie posee,
al que aludiremos a continuación, explica que
su impacto en las redes sociales se
incrementase por encima de lo que sería
esperable.
Digimon llegó a España a comienzos del año
2000. Tras un primer estreno en Antena 3, en
el contenedor matinal Club Megatrix, en el
que apenas duró una semana (del 28 de
febrero al 3 de marzo), el 3 de abril
desembarcaba en La 2 de TVE, en el
programa TPH Club, con un horario de
mediodía que propició su éxito. Este estreno
llegaba al hilo del de la serie Pokemon, que
había desembarcado en la televisión en
Página 83
abierto en diciembre de
1999.54 Ambas series
supusieron
una
revolución
en
el
audiovisual
español,
aunque
en
aquel
momento su verdadera
trascendencia era apenas
perceptible, y durante los
primeros años fueron tan
solo
dos
bombazos
televisivos que generaban
grandes beneficios en
forma
de merchandising,55
desde
cromos
hasta
juguetes o videojuegos.56
No obstante, con el paso
del tiempo se han ido
descubriendo, cada una
por distintos motivos,
como
series
fundacionales de la que
puede considerarse como
segunda
generación otaku en España.
Pokemon se estrenó en Telecinco, en horario de
tardes, el 20 de diciembre de 1999, aunque ya estaba
siendo emitida en el canal de pago FOX Kids. Puede
consultarse una breve noticia sobre la llegada
de Pokemon a Telecinco aquí (sirva de ejemplo para
intuir el impacto mediático del estreno).
55
En
este
caso,
nos
referimos
al merchandising comercializado en España que,
aunque numeroso, fue mucho menor que el
desarrollado en Japón.
56 Aunque en este aspecto, la competición entre ambas
series fue indiscutiblemente ganada por Pokemon, una
producción prácticamente diseñada para ello (su
propio argumento estaba concebido como un
coleccionable); lo cierto es que las dos contaron en su
momento con un amplio catálogo de productos
relacionados o con imagen de marca. Además,
amparada por una de las industrias de videojuegos más
poderosas
del
mercado,
como
es
Nintendo, Pokemon ha conseguido consolidarse en el
tiempo como sello comercial durante tres lustros,
poniendo a la venta un mayor número de productos
que en España han conseguido un mayor calado,
mientras que en este aspecto el éxito de Digimon fue
más limitado en el tiempo.
54
Collage con diversos ejemplos de merchandising de la
franquicia Digimon, desde los más habituales (los dispositivos
digitales de las temporadas 1 y 4, arriba al centro y a la derecha; y
figuras o videojuegos, abajo) hasta los españoles (cartas o, más
específicamente, tazos), pasando por kigurumis (disfraces, en el
centro a la izquierda) o cepillos de dientes comercializados en
Japón.
Definir
hitos
generacionales
en
el
mundo otaku en España es complicado,
puesto que las series57 que se han descubierto
como fundamentales para su configuración
han vivido numerosas vidas en forma de
reposiciones televisivas y diversas oleadas de
popularidad en función de los nuevos
espectadores a los que llegaban. No obstante,
puede trazarse una panorámica aproximada
Nos referimos, fundamentalmente, a series
de anime porque fueron el canal introductorio de la
cultura audiovisual animada japonesa en España. De
este modo, a través de la emisión de Bola de Drac en
TV3 surgiría el interés por su versión manga.
57
Página 84
en la que se contabilizarían, hasta la
actualidad, tres generaciones: la primera
surgida a raíz de la llegada a España
de Dragon Ball, la segunda en el cambio de
siglo, con el estreno de estas series (cuyo
papel sería germinal), y una tercera, en torno
a 2006, donde se consolidaría su fuerza y
popularidad.58 Paralelamente a este proceso,
que se centraría de manera aproximada en
unas franjas de edad que contemplan desde la
preadolescencia hasta la juventud temprana
(más o menos, entre los 10 y los 20 años), se
ha desarrollado también una diversificación
de públicos, especialmente debido al
crecimiento y madurez de los participantes de
las primeras generaciones, dando lugar a un
paso adelante en la mejora de la percepción
social del cómic como entretenimiento.59
Así pues, estas “generaciones”, entendidas
más como oleadas que como hitos aislados en
una evolución lineal, han marcado el
desarrollo de una subcultura que en los
últimos 15 años ha pasado de tener
numerosas connotaciones negativas
y
marginales (los términos friki y otaku han
sido –y en la actualidad todavía lo son, en
parte– percibidos como insultos hasta fecha
reciente, cuando el grupo se ha apropiado de
la denominación y ha comenzado a lucirla con
Esta última estaría marcada por el comienzo del
auge de series de larga duración como One Piece (que,
pese a que comenzó a emitirse en España en 2001, no
trascendió
hasta
una
fecha
más
avanzada), Bleach o Naruto.
59 Aunque todavía queda un largo camino a este
respecto, y a pesar de que a nivel general todavía sigue
considerándose el cómic únicamente como un
“entretenimiento” dirigido a un público “adolescente”,
es innegable que se ha producido una mejoría en la
percepción social, materializada en un incremento del
consumo que ha propiciado la apertura de numerosas
librerías especializadas. También, en cierto modo, esta
reivindicación del cómic lo ha convertido en un medio
de moda en los últimos años, de forma que todavía está
por ver si a largo plazo esta tendencia se mantendrá o,
por el contrario, se trata de una burbuja que en algún
momento estallará o perderá fuerza y se volverá a los
términos y valores anteriores.
58
Imágenes promocionales de Bleach, Naruto y One Piece, que
constituyen los pilares básicos del inicio de la tercera generación.
Prueba de ello es que, a pesar de la década que nos separa
actualmente de su pico de popularidad, todavía tienen una
presencia muy importante en todos los grandes salones
celebrados en España, tanto en forma de merchandising como en
presencia de cosplayers.
orgullo, al tiempo que se han instalado una
serie de modas60 –pasajeras o no, el tiempo lo
dirá– que propician la “dignificación” de estos
conceptos)
a
formar
parte
de
lo
considerado trendy (dentro de un público
El ejemplo más evidente de este tipo de modas (sin
que, por ello, sea necesariamente positivo o aplaudible)
se encuentra en la sitcom norteamericana The Big
Bang Theory, donde los personajes hacen gala de
aficiones y referencias hacia toda esta “subcultura”, si
bien por su procedencia se centra mayoritariamente en
temas occidentales (desde los cómics de superhéroes
hasta obras de culto de la ciencia ficción), permite
fácilmente
descubrir
cómo
estas
aficiones,
anteriormente consideradas marginales, se han
convertido en verdaderas tendencias cool.
60
Página 85
joven-adulto) y a ser una afición integradora y
de acogida entre los adolescentes.
Cabe destacar, del mismo modo, que el
funcionamiento y desarrollo de estas oleadas
ha sido desigual, siguiendo un proceso de
fructificación
paulatino.
La
primera
pues, la importancia de la segunda oleada
(cuyas
series
bandera
son Pokemon y Digimon, aunque no son los
únicos
títulos)
estriba
en
que,
fundamentalmente, llegó a un público infantil
de manera generalizada y despertó una
afición por el consumo específico de
producciones
audiovisuales
animadas de origen nipón. En
este sentido, la tercera oleada
coincidió con la adolescencia del
público de la segunda, que había
crecido
asentando
y
61
enriqueciendo sus gustos.
De esta forma, aunque el auge
del manga y el anime en España
llegaría a mediados de la
primera década del siglo XXI, su
origen se encuentra en la
educación visual que realizaron
estas producciones estrenadas
en el cambio de siglo. Además,
aunque el éxito de Pokemon se
ha mantenido de manera
constante
en
el
tiempo,
Digimon presenta una serie de
características
que
han
favorecido su pervivencia en el
imaginario colectivo, al tiempo
que se han mostrado como
relevantes para el desarrollo de
Vista parcial de la exposición de fanarts (ilustraciones creadas
por aficionados) de Digimon. La muestra fue concebida para
las XIX Jornaícas del Manga y el Anime de Zaragoza, pero se
repitió durante el XIV Salón del Cómic de la misma ciudad, los
pasados 18, 19 y 20 de diciembre (las fotografías pertenecen a
esta última muestra y son propiedad de la autora).
generación fue introductoria, suponiendo una
primera toma de contacto realizada por fases
(cuyo punto de partida se encuentra en los
estrenos
de Dragon
Ball en
distintas
comunidades autónomas); la segunda tuvo un
carácter más germinal y la tercera
corresponde con el pleno asentamiento. Así
A ello contribuirían, además de la generalización del
consumo a través de internet, la programación de las
cadenas de televisión que habían surgido en 2005. Por
un lado, en Cuatro se emitió, en diversos
horarios, Cuatrosfera, un programa contenedor
dedicado a ficción infantil y juvenil. Por otro lado, La
Sexta contaba con un varios bloques horarios
dedicados al anime, en los que se emitieron
producciones de muy distintos tipos (incluyendo, en
horario de madrugada, series hentai o eróticas, que
generaron unaconsiderable polémica). Además, existía
una oferta de canales de pago (entre los que destacan,
por ejemplo, Buzz, Jetix o Cartoon Network) que
emitían diversos títulos deanime, tanto en
contenedores específicos como formando parte
integrada de su programación.
61
Página 86
esta segunda etapa de penetración.
Si bien ambas series compartían rasgos
principales (estaban protagonizadas por
niños, de una edad aproximadamente similar
–en torno a los diez años–, acompañados por
unos
monstruos
amigables
que
protagonizaban peleas con otros monstruos),
la capacidad de Digimon para despertar
empatía entre el público infantil fue mayor,
debido a su tratamiento.
En
primer
lugar,
Digimon
estaba
parcialmente ambientada en el mundo real.
Los protagonistas, en el primer episodio, eran
trasladados a un mundo exótico habitado por
estas criaturas denominadas digimons. Es
decir, ya desde el primer episodio, los
espectadores empatizaban con aquellos niños,
puesto que ese “secuestro” del mundo real a
uno de fantasía podía sucederles a ellos
mismos. En este sentido, por el contrario,
en Pokemon se integraba a los espectadores
en un universo ficticio en el que las criaturas
y los humanos convivían con naturalidad, de
modo que los niños debían “aclimatarse” a
este cambio de paradigma y, si bien en ambos
casos se estimulaban las fantasías infantiles,
era más sencillo experimentar el traslado
de Digimon que la alteración de la realidad
que ofrecía Pokemon.
Por otro lado, los niños protagonistas eran un
grupo relativamente numeroso (pese a la
existencia de protagonistas claros, incluso
dentro del grupo, puede hablarse más
fácilmente de una historia coral, en la que
todos los Niños Elegidos tenían un papel
fundamental
en
la
historia),
con
personalidades diferenciadas que facilitaban
la identificación directa de los niños con uno
de los personajes. A este respecto, destaca un
detalle que en este tipo de shônens no suele
ser habitual: tanto en el grupo inicial
(formado por siete niños) como en el
definitivo (ocho), hay varias edades
representadas. La principal horquilla, entre
los 10 y los 12 años, agrupa a la mayoría de
los personajes, sin embargo, ya desde la
configuración inicial, uno de los personajes
tiene 8 años (y, conforme avance la trama,
serán dos los personajes de esta edad).62 Esta
cuestión, que puede parecer intrascendente,
tenía una gran utilidad a la hora de conectar
con el público objetivo de la serie, ya que
permitía que se integrasen en la ficción niños
en distintas etapas de desarrollo, y que todos
ellos tuvieran su representación en la
pantalla.
Estos rasgos explican, al menos en parte, el
éxito de la serie entre los más pequeños, así
como
el
recuerdo
nostálgico
que
desencadena. Sin embargo, muchas otras
producciones pudieron compartir un impacto
similar pero no trascender de la forma en
que Digimonlo
hizo.
Esto
se
debe,
principalmente, a un aspecto que ya
adelantábamos, y es su ambientación parcial
en el mundo real, donde se desarrollaba un
importante arco argumental.
Entre los episodios 28 y 40, los –todavía
siete– Niños Elegidos volvían del mundo
digital a sus casas, en la ciudad de Tokio, con
la importante misión de encontrar al octavo y
hacer frente a Myotismon, el villano que
ponía en peligro ambos mundos. La principal
diferencia respecto a otras series, incluso a
otras ambientadas en la capital o en otras
ciudades japonesas concretas, es que
en Digimon tuvieron
una
presencia
considerable lugares icónicos y muy
representativos de la ciudad, como pueden
Joe, el mayor, tiene 12 años, y una personalidad más
madura; el trío con mayor protagonismo (Tai, Mat y
Sora) tiene 11 años, y Mimi e Izzy tienen 10. Los
pequeños, T.K. y Kari, son hermanos de Mat y Tai,
respectivamente, de modo que estos lazos familiares
los integran en un grupo en el que, de otro modo, no
hubieran encajado bien por la diferencia de edad.
62
Página 87
ser la Torre de Tokio, la isla de Odaiba63 o el
bullicioso barrio de Shibuya. Además, incluso
lugares menos conocidos, como Hikarigaoka
(el barrio residencial donde los niños habían
vivido tiempo atrás) eran representados
cuidadosamente y de manera inequívoca.64
De este modo, muchos niños españoles
adquirieron, sin saberlo, una serie de
conocimientos sobre la ciudad de Tokio y
algunos de sus lugares emblemáticos,
estimulándose una curiosidad por la
Y uno de sus edificios más interesantes, la sede de
Fuji TV (cadena de televisión en la que se emitió la
serie), diseñado por el célebre arquitecto nipón Kenzô
Tange e inaugurado en 1997, tan solo dos años antes
del estreno de Digimon en Japón.
64
Si bien referencias como esta, a barrios
residenciales, podían resultar extrañas a los
espectadores españoles, presumiblemente el público
nipón tendría mayor facilidad para reconocer estos
lugares.
63
megalópolis que, con el paso de los años, se
traduciría en una afinidad por la cultura
japonesa. Obviamente, esto no supuso un
proceso aislado a raíz de la serie Digimon,
sino que esta fue uno de los factores en un
entramado de desarrollo intercultural
complejo. No obstante, a través de estos
breves
apuntes,
queda
probada
su
trascendencia y su papel principal sentando
las bases para el desarrollo posterior de la
cultura otaku española.
A la izquierda, uno de los enclaves más famosos del barrio de
Shibuya, arriba representado en la serie Digimon, y abajo una foto
real. A la derecha, edificio de Fuji TV en Odaiba, Tokio. Arriba,
escena de la serie Digimon, abajo, fotografía de la fachada contraria
del edificio (fotografía propiedad de la autora del artículo).
Página 88
Página 89
Aproximándonos al
mongol: entrevista
Cavalry
folk metal
a Tengger
Por STAFF de EdA
Tengger Cavalry es,
probablemente,
la
banda
mongola
emergente
más
importante
del
momento. Con su
particular mezcla de
metal
y
música
tradicional
de
Mongolia,
han
despertado en el
público un mayor
interés
de
lo
esperado. El grupo es
el
proyecto
más
conocido de su líder,
Nature
Ganganbaigal.
Foto promocional con los actuales miembros del grupo (de izquierda a derecha): Alex Abayev, Robert
McLaughlin, Nature Ganganbaigal y Yuri Liak.
Nacido en China
(aunque de origen
El grupo toma su nombre de Tengri, dios del
mongol), reside actualmente en Nueva York,
cielo y principal deidad de la antigua religión
donde combina una carrera en solitario como
turca y mongola.66 Su folk metal de las
compositor para películas y videojuegos, con
la banda.65
66 Tengri o Tengger es el dios del cielo y la principal
Tianran Zhang (nombre real) se trasladó en 2014 de
Pekín a Nueva York para realizar un Máster en
composición musical para cine y videojuegos. Además
del grupo Tengger Cavalry, ha grabado, como solista,
un álbum de música mongola New Age titulado To
Where Tengger Leads Me (2014), que ganó la medalla
de bronce en los premios Global Music. Ha compuesto
bandas
sonoras
para
videojuegos
como Wormarium, Rising Sunsy Asura: Rise of the
Demon King y películas como A Map of My
Heart, Rootless, Flying Steed y Araginee, proyectadas
en importantes festivales independientes de Europa y
Norteamérica.
65
deidad de los primitivos pueblos túrquicos (incluyendo
a los xiongnu, hunos, protobúlgaros y xianbei). La
religión de dichos pueblos recibe precisamente el
nombre de tengrismo o tengrianismo, siendo sus
principales divinidades el Padre Cielo y la Madre
Tierra, y su práctica implica ciertos elementos de
chamanismo, animismo, totemismo y el culto a los
antepasados. Considerado Tengri como el antiguo dios
de los turcos, su culto fue la religión oficial de varios
importantes estados (como el Kaganato Ávaro, el
Kaganato Kökturk, el primer Imperio Búlgaro o la
Primitiva Gran Bulgaria), y co-oficial en diversos
mandatos mongoles y turco-mongoles. Por su dualidad
– a pesar de ser una religión enoteísta-, en ocasiones
fue interpretado como una forma de primitiva de
cristianismo por algunos historiadores y cronistas
Página 90
estepas, en plena concordancia con su épica
nómada de tonos nostálgicos, les ha merecido
una importante exposición mediática67 a lo
largo de su carrera:68 ahora es nuestro turno.
Hoy, en Ecos de Asia, tenemos la oportunidad
de hablar con su líder y fundador, Nature
Ganganbaigal, sobre música, tradición y
cultura mongolas.
Ecos de Asia: Nos dirigimos a ti como
consecuencia del éxito de Tengger Cavalry.
Por ello, nuestra primera pregunta es ¿cómo
definirías el trabajo del grupo?
Nature Ganganbaigal: Combinamos la música
tradicional mongola con heavy metal y heavy,
creando un nuevo género de folk rock/metal
mongol.
EdA: Sabemos que usáis instrumentos
tradicionales como el morin juur69 y el igil,70
europeos. Reprimido durante época zarista y soviética,
en la actualidad, se practica en regiones como
Mongolia y las Repúblicas rusas de Sajá, Tuvá y
Buriatia, en combinación con elementos del budismo
tibetano y del burjanismo; en Turquía se conservan
algunas de sus tradiciones culturales.
67 Entre los medios musicales que se han hecho eco del
grupo, encontramos MTV, CNN, WeRock, Huffington
Post, The Guardian, The Chicago Reader, Metal
Hammer, Noisey, TeamRock, Sputnik Music, Metal
Injection, Terrorizer.
68 Hasta el momento han grabado dos demos (Tengger
Cavalry, 2009 y Blood Sacrifice Shaman, 2010) y
cuatro
álbumes
(Sunesu
Cavalry,
2012, The
Expedition, 2013, Ancient Call, 2014 y Blood Sacrifice
Shaman, 2015): el último de ellos es una edición de su
última demo.
69 El morin juur (en mongol морин хуур) es un
instrumento musical de cuerda frotada tradicional de
Mongolia. Se compone de una caja de resonancia de
madera, de forma trapezoidal, con dos cuerdas
(fabricadas con hebras de nailon o pelo de cola de
caballo) y una empuñadura que suele estar tallada con
forma de cabeza de caballo (aspecto del cual recibe su
nombre en varios idiomas). Se toca mediante un arco,
sujetándose el instrumento entre las piernas. El morin
juur está ligado a numerosos aspectos de la vida
tradicional en Mongolia.
70 El igil o ikili (en tuvano, игил) es un instrumento
musical de cuerda frotada originario del pueblo tuvano
(nativo de la República constituyente rusa de Tuvá, en
el centro de Asia). Se compone de una caja de
resonancia pequeña, cubierta de piel o madera, dos
además de algunas formas tradicionales de
canto.71 ¿Puedes explicar a nuestros lectores
qué hay de tradicional y qué de occidental,
qué es rock/metal, en vuestra música?
NG: Bueno, la manera de tocar es diferente.
La música mongola tiene muchas escalas
pentatónicas, mientras que la occidental tiene
semitonos. También la armonía es diferente.
La música oriental tiene más notas
ornamentales al tocarla, y la occidental es
más estandarizada.
EdA: No conocemos nada acerca del rock en
Mongolia. ¿Qué deberíamos saber sobre la
llegada del pop, rock, punk y metal occidental
a este país? Sabemos que naciste y creciste en
China, así que permítenos una pregunta:
¿existe algo así como un panorama
internacional de música mongola?
NG: No lo creo. Los grupos de música
mongola son algo bastante regional. Hay
grupos mongoles modernos tanto de China
como de Mongolia, y también de Rusia, pero
nunca se convierte en un fenómeno
internacional.72 Por eso lo hacemos [nuestra
música], para hacerlo internacional.
largas cuerdas, y un largo mástil coronado, como
el morin juur, por una cabeza de un caballo tallada.
Como este, también se toca mediante un arco y
apoyado entre las piernas.
71 Una forma tradicional de canto en Asia Central (en
lugares como Mongolia, Tíbet, Tuvá, Usbekistán y
Kazajstán) es el conocido como el Khoomii, canto
difónico o gutural: una técnica vocal consistente en
una reverberación sonora que produce dos o más
sonidos simultáneos con una ligera variación.
72 Entre estos grupos musicales podemos destacar las
formaciones originarias de Mongolia, como Altan
Urag, con su música folk rock, o Nisvanis, que tiende
más hacia elgrunge, mientras que Hanggai es una
banda formada en China cuyo estilo punk rock tiende
hacia la tradición mongola, incluyendo instrumentos
de esta cultura.
Página 91
EdA: Por
favor,
háblanos
ahora
sobre tu carrera en
solitario.
Como
hemos podido ver,
tus
composiciones
han recibido muchos
premios…
NG: Sí,
soy
compositor
de
bandas sonoras para
películas
y
videojuegos.
Mi
trabajo ha recibido
premios musicales a
nivel mundial en los
Estados Unidos y mi
música
para
Foto del grupo en plena actuación.
películas ha sido
proyectada
en
múltiples
festivales
cinematográficos
internacionales.
EdA: ¿Cómo ha evolucionado el proyecto
desde sus principios?
NG: Es una larga historia. Empecé la banda
como un proyecto en solitario y después,
progresivamente, fui incorporando nuevos
miembros a lo largo de los años. Ahora va
bien.
EdA: ¿Cuáles son tus principales referencias
musicales? ¿Con qué trasfondo musical
creciste y te formaste?
EdA: En 2014 te trasladaste a Nueva York y
recompusiste la banda con miembros nuevos.
Hemos comprobado que dos de ellos tienen
nombres rusos y en tu cuenta deTwitter dices
que tu bajista, Abayeb, es “centroasiático”.
¿Tiene esto algo que ver con el bagaje cultural
de vuestra música, o es pura coincidencia?
¿Qué puedes contarnos de los actuales
miembros del grupo?
NG: Música de todo el mundo, música folk,
música cinematográfica… Muchas cosas al
margen del rock y el metal.
NG: Me mudé a Nueva York para proseguir
mi carrera musical y encontré a todos los
miembros en la zona de dicha ciudad. La cosa
Imagen del líder de la banda, Nature Ganganbaigal, ataviado con
vestimenta tradicional mongola y portando el morin juur.
Página 92
va muy bien. Somos gente muy
internacional
porque
todos
tenemos
diferentes
orígenes
culturales pero, de algún modo,
todos estamos conectados por la
música que tocamos.
EdA: ¿Cuáles son los temas
principales de vuestra música?
Identificamos
claramente
las
referencias al chamanismo y
el tengrismo, junto al imaginario
de los caballos, los lobos, los
guerreros y las hordas pero, ¿qué
puedes contar a nuestros lectores?
NG: Se trata de letras con una
temática tradicional mongola.
Sobre sobrevivir en las praderas,
ser independiente y proteger a
aquellos a los que amas y nunca
rendirse. También sobre la
conexión
humana
con
la
naturaleza.
EdA: Los oyentes occidentales pueden no
estar familiarizados con la cultura mongola.73
Aunque más adelante vuelve a hacer referencia a
ella, el artista evitó responder una de nuestras
curiosidades, en la le preguntábamos sobre qué había
de cierto y de falso en los estereotipos mongoles más
famosos de las últimas décadas. Así pues,
comentábamos como los mongoles (históricos) no
había tenido una tener representación muy limitada en
la cultura audiovisual occidental y que, mientras que la
generación de nuestros padres probablemente se
formó con imágenes de pseudo-mongoles como el
Genghis Khan de John Wayne, o una de las muchas
versiones de Kublai Khan en el cine (siendo la más
notable la interpretada por Anthony Quinn), la
generación de los entrevistadores creció con otros
personajes pseudo- mongoles, como el antagonista de
la película de Disney,Mulan, o el Khal Drogo de George
R. R. Martin. No obstante, producciones recientes
como Mongol (2007) de Sergei Brodrov y la serie de
Netflix, Marco Polo (2014), han utilizado, al menos,
actores “étnicos” para estos papeles (a pesar de que su
protagonistas no sean mongoles) y parecen ofrecer una
descripción más veraz de su bagaje cultural e
histórico. Sin duda, la representación de los mongoles
73
Portadas de los Lp de Tenger Cavalry.
La primera idea que nos viene a la cabeza
cuando pensamos en los mongoles sería,
probablemente, la de fieras hordas de
guerreros cabalgando por las estepas, guiados
por un despiadado líder, al estilo de Gengis
Khan, tal vez saqueando algún pueblo o
durmiendo en yurtas. ¿Qué hay de cierto y
qué de imaginario en esta suposición tópica?
¿Cómo explicarías las bases de la cultura
mongola a esa audiencia?
NG: Los mongoles son nómadas que viajan a
través de los prados en diferentes estaciones.
Se preocupan por los seres vivos de las
estepas y su modo de vida es muy natural y
orientado hacia la protección de la naturaleza.
EdA: En relación con lo anterior, ¿has
encontrado una respuesta diferente de la
crítica hacia tu trabajo en los medios chinos y
en el cine merece sus propios artículos que tendremos
a bien dedicar en un futuro.
Página 93
en los internacionales? ¿Y qué hay de los
propios medios mongoles y centroasiáticos?
buena oportunidad para conseguir una mayor
repercusión.
NG: Sí, hay gente con una mente cerrada
respecto al lugar del que vengo y se enfadan
porque están confundidos por los múltiples
significados culturales de nuestra música. No
somos nacionalistas y algunos no lo
entienden. Pero, en general, a la gente le
encanta. También tenemos muchos fans en
Mongolia.
EdA: ¿Cuáles son tus objetivos profesionales
a corto plazo?
EdA: ¿La gente que acude a vuestras
actuaciones está familiarizada con la cultura y
la historia mongolas? ¿Qué diferencias
encuentras a este respecto entre chinos y
occidentales? ¿Vuestros instrumentos, las
melodías folk, vuestros cantos difónicos o
incluso vuestras ropas, les sorprenden o
asombran? ¿Es eso una ventaja o un
inconveniente?
NG: La
mayoría
lo
entiende.
Sorprendentemente,
muchos
estadounidenses conocen la cultura muy bien,
gracias a la serie de Marco Polo, y entienden
que es un arte serio.
EdA: ¿Qué diferencias encuentras entre la
recepción de vuestra música en China y en los
Estados Unidos? ¿Piensas que vuestra música
podría triunfar en Europa? Personalmente,
vemos un interesante nicho de mercado entre
los oyentes de black metal, pagan metal,
viking metal o incluso dark folk. Ni vuestra
forma de cantar ni vuestras principales
temáticas parecen demasiado alejados de
estos estilos… incluso la escritura túrquica
antigua tiene un aspecto muy similar a las
runas…
NG: Hacer más actuaciones y esperemos que
iniciar una gira por Estados Unidos y Europa.
EdA: Desde la revista, os deseamos lo mejor.
Gracias por tus amables palabras y tu buena
disposición. Esperamos haber despertado en
nuestros lectores, al menos, una pizca de la
curiosidad y el asombro que nos habéis
causado a nosotros.
NG: Gracias a vosotros por dedicar vuestro
tiempo a hacernos estas preguntas.
Para saber más:
-
Página oficial del grupo.
-
Canal de Tengger
en Youtube.
-
Vídeo musical de la canción
War Horse.
-
Vídeo musical de la canción
The Wolf Ritual.
Cavalry
NG: Recibimos montones de mensajes desde
Europa y el próximo año compartiremos
cabeza de cartel en el festival francés de
metal Ragnarock Festival, lo que será una
Página 94
Página 95
De Sekien a Studio Ghibli: Lo
sobrenatural en la imagen dibujada
del Japón (IV) Los tanuki, los
kitsune y el miedo a lo indefinido
Por Pablo Begué
Cuenta
una
historia
acudió a sus puertas una
popular japonesa que,
gran cantidad de gente
hace mucho tiempo, el
preguntando
por
señor de una de las islas
Osagitsune, mensajero
de Shikoku encontró dos
de Inari, dios del arroz y
mujeres idénticas que
rey de los zorros de
esperaban sentadas en su
Japón, y amenazando
casa, cada una de ellas
con atacar si le hacía
alegando que era su
cualquier tipo de daño.
esposa.
Un
médico
Tras
aceptar
su
especuló sobre la causa de
liberación, impuso la
la separación, diciendo
condición de que todos
que algún alimento había
los zorros abandonaran
causado que el espíritu de
Shikoku para siempre,
su mujer hubiera formado
motivo que aceptaron y
un ente independiente. A
por
el
cual
desde
pesar de los cánticos
entonces no hay zorros
budistas y los rezos el
en esta región.
problema no se resolvió,
por lo que el gobernante
Los kitsune y los tanuki forman parte del imaginario
Éste es un relato del siglo
colectivo nipón, tanto en lo cotidiano como en lo
decidió meter en prisión a
XVIII que recoge muchos
sobrenatural.
las mujeres durante algún
aspectos
clave
del
tiempo. El señor de Shikoku se dio cuenta de
extenso
folclore
japonés,
rodeado
que una de ellas no disfrutaba con la comida
principalmente de espíritus zoomorfos, como
ordinaria, por lo que la sometió a tortura para
los kitsune o
los tanuki, cuyo atributo
darse cuenta así de que, en realidad, no era
principal es la capacidad de transformarse en
una mujer, sino un kitsune.74 Cuando se
humanos para realizar travesuras o añadir
encontraba a punto de matar al animal,
dificultades en sus labores. Los humanos, por
lo general, tienden a sentir rechazo o miedo
74 Espíritu con forma de zorro cuya principal función es
sobre este tipo de espectáculo sobrenatural,
la protección de bosques y aldeas.
Página 96
siendo una de las primeras reacciones la de
intentar destruir a los impostores. Por otro
lado, encontramos el deseo de estos seres por
vivir próximos al ámbito humano, por lo que,
en ocasiones, adoptan posiciones o actitudes
similares, como buscando esa similitud
cultural y autonomía física respecto a su
especie original.
Sin embargo, al final de la historia, tanto en
ésta como en muchas otras, lo sobrenatural
termina por manifestarse como un engaño
animal de intenciones malévolas, lo que nos
permite encontrar relatos como el de
Shikoku, donde suele aludirse a rituales de
purificación donde los humanos eliminan esta
confusión entre lo humano y lo animal de
manera exitosa, hablando también de los
conflictos entre el habla y las costumbres de
estos personajes y el mundo humano, en
parte como medio de proyección de los
propios
miedos,
deseos y dudas en el
otro “cosificado”, en
este
caso
como
animal, ya que, a
pesar
de
estas
diferencias
que
caracterizan
la
literatura imperial y
postcolonial,
no
retratan
la
combinación de las
figuras
del
colonizador
y
el
colonizado, sino que
sirve como espejo
para el “yo”.
Así encontramos la
obra de Takahata
Isao Heisei
tanuki
gassen
Ponpoko (1994), que
hace
accesible
la
figura de los tanuki en una relectura
actualizada y extrapola su carácter tradicional
a la crisis inherente a la sociedad japonesa
moderna respecto a temas como el medio
ambiente o la noción de la propia identidad.
Pompoko es la historia de una banda
de tanuki que, a finales de la década de 1960,
busca detener la construcción de una zona
suburbana en lo que antes era su hogar: la
colina
de
Tama-kyûryô.
En
esta
desesperación por la pérdida del territorio y
de sus medios de subsistencia, los poco
habitualmente encantadores tanuki deciden
organizarse para planificar el ataque. Su líder
invita a los grandes maestros de otros clanes
del país para perfeccionar sus habilidades de
transformación, que usan para engañar y
aterrorizar a los humanos, y convencerles así
de que abandonen la construcción del
proyecto. Sin embargo, a pesar de su empeño,
no logran su objetivo, lo
que lleva a su mayor
esfuerzo:
la
operación
Yôkai.
Con Heisei tanuki gassen Ponpoko se nos presenta un tema
generalmente olvidado: cómo el ritmo de vida del hombre
contemporáneo afecta al ámbito tradicional y a la vida rural.
Esta maniobra es un
despliegue de pacíficos
pero
impresionantes
efectos sobrenaturales, algo
que
los
humanos
interpretan
como
un
espectáculo
de
divertimento que lleva a
los tanuki a admitir su
derrota. Esto les hace
consultar a un grupo de
zorros que han abandonado
el bosque de manera
exitosa y viven integrados
por completo entre los
humanos, algo que les
convence para comenzar a
utilizar sus capacidades de
transformación,
dejando
Página 97
atrás a aquellos que no pueden usarlas para
combatir contra los humanos.
Esta opinión cuenta con parte de razón, ya
que Pompoko es una más de las muchas
películas que, desde los años sesenta, han
utilizado a los yôkai como representación de
héroes nativos del pasado capaces de
rectificar los errores de la historia
contemporánea. Sin embargo, los yôkai
mantienen un estatus ambiguo entre
el uchi (lo interno y familiar) y el soto (lo
externo y extraño) de las narrativas visuales
japonesas, permitiéndoles ser símbolos de
gran profundidad visual.
Esta película producida por el Studio Ghibli
fue tan popular como criticada en Japón,
compitiendo con éxitos de otras productoras
como El rey león de los Disney Studios,
llegando a ser nominada para los Oscar de ese
mismo año. La crítica japonesa opinó que el
largometraje no tuvo una buena recepción de
cara al mercado internacional, posiblemente
debido a las diferencias culturales del folclore,
que tendían más hacia el
localismo nipón que hacia
Además, la flexibilidad a la
la preocupación por la
hora de adaptarse a nuevas
comprensión fuera de sus
ideologías
y
fronteras. Sin embargo, la
preocupaciones hace que
crítica extranjera señalaba
películas
como
ésta
especialmente su carácter
muestren una cara oculta
moralizante en cuestiones
de seres, como los tanuki o
ecológicas, así como una
los kitsune, que les permite
suerte
de
nostalgia
ser también personajes con
romántica por el pasado
un
trasfondo
propio,
de un Japón rural, por lo
pudiendo explotar de otra
que este homenaje de
manera
los
mitos
Takahata a los cuentos
convencionales
de
la
tradicionales
en
el
narrativa
nacional,
contexto
de
las
sirviendo también para la
preocupaciones
reafirmación cultural de un
contemporáneas
sirvió
pueblo. En este sentido,
para dibujar cualquier
encontramos
que
Igual
que
sucedía
con
la
obra
de
Mizuki,
Pompoko
recoge
tema salvo un retrato de la
los tanuki colaboran con
los conocimientos transmitidos por autores como Sekien
identidad
del
Japón
sus compañeros de otros
para conformar su imaginario.
postmoderno.
clanes, algunos de los
cuales actúan a modo de antecesor y, aunque
Este argumento funcional, y no meramente
estos animales no tienen una autoridad
decorativo, adscribe al largometraje en un
cultural para negociar directamente con los
éxito doméstico a nivel mundial de los
humanos, tal y como hacían generalmente en
patrones narrativos tradicionales, al contrario
el folclore tradicional, su habilidad para
de lo asumido por la crítica nipona, cuya
transformarse confirma esta nostalgia por
opinión sobre la recepción del largometraje
pertenecer a un colectivo, siendo la
fuera de sus fronteras, tal y como se ha visto,
inestabilidad de esta conversión física un
auguraba un simple refuerzo de lo exótico de
símbolo de ansiedad ante ello.
su país, olvidándose de cualquier trasfondo.
Página 98
La mutabilidad es usada en el largometraje
para romper también la distinción entre
especies que intentan mantener los cuentos
populares ya que, al contrario de lo que
sucedía con el kitsune de la historia inicial de
este apartado, los tanuki de Pompoko pueden
escoger, en cierta medida, si continuar con su
vida como animal o si cohabitar en el mundo
de los humanos, siendo
aquellos incapaces de
adaptarse los que se ven
obligados a continuar
luchando, marginados,
en cierta medida, por su
pueblo.
representada a través de la palabra. Así,
artistas del grabado como Utagawa Kuniyoshi
(1797 – 1861) crearon algunas imágenes
cómicas donde se representaba algún tanuki
realizando tareas diarias, generalmente a
través del uso variado de sus testículos, como
sugiriendo la doble vida secreta de estos
personajes. Así, con un estilo propio,
Kuniyoshi personifica
algunos animales sin
obviar sus habilidades
sobrenaturales.
De la misma manera,
el ya mencionado
Toriyama
Sekien
Esta línea tan difusa
captura
momentos
entre lo animal y lo
ambiguos
de
la
humano permite que, a
transformación
de
través del medio de la
un tanuki en algunas
animación, se haga
imágenes, donde lo
visible
lo
que
la
representa a medio
narrativa popular y las
camino
entre
lo
anteriores artes visuales
humano y lo animal,
no podían representar,
aunque de manera
ya que tendían a
todavía muy vaga, ya
centrarse en las escenas
que da la sensación de
de confusión, sorpresa,
que el espectador, casi
ira o miedo por parte de
como un voyeur, ha
los humanos. Vemos así
cogido al animal bajo
el
proceso
de
de guardia. Estos gags
transformación
de
visuales buscan un
un tanuki, algo que, en Grabadores como Sekien o Kuniyoshi ayudaron a mostrar también efecto cómico en su
casos como el del relato
actitud,
aunque
lo cotidiano en lo sobrenatural.
del señor de Shikoku, vemos omitido por
reflejan momentos de desconcierto y sorpresa
completo, favoreciendo así la conclusión de
que resultan en una especie de desafío de la
clemencia y autoridad de los personajes,
autoridad de la entidad humana.
aunque en el caso de Pompoko carecemos de
Siguiendo estas primeras líneas de lo cómico
testigos ante dicho proceso.
y lo grotesco, Takahata retoma una línea de
Gracias a estos avances técnicos en los
dibujo que anima y dota de dinamismo a las
medios audiovisuales, las imágenes del
propuestas de sus predecesores, formando así
Período Edo (1603 – 1868) han permitido
escenas mucho más fluidas que hacen ver de
elucubrar sobre la transformación de unos
manera explícita lo que antes únicamente se
seres que previamente sólo había sido
podía intuir. Esto supone una evolución
Página 99
estética y narrativa de lo que antes eran dos
realidades casi contradictorias y que apenas
se habían representado en algunos musicales
a mediados del siglo XX con humanos
disfrazados de tanuki, donde los espectadores
asumen esta distanciamiento de la realidad
durante el tiempo de la proyección,
utilizándose incluso en ocasiones con un
matiz cómico que se entremezclaba con
canciones y bailes, aunque con la
imposibilidad de la propia flexibilidad de la
transformación animada, que permite a estos
seres convertirse en cualquiera, retomando
parte del factor sorpresa de su papel en la
cultura popular, pero sin abandonar algunas
facetas humorísticas, como la aparición
inicial de estos personajes rebuscando para
conseguir comida, abstrayéndolos en parte de
su
sentido
más
fantástico
para
entremezclarlos con los animales cotidianos,
algo que remite también a su naturaleza
como asobigokoro75 y de la cual son
conscientes, ya que juegan con la concepción
sobre ellos del humano como voyeur cuando
creen ser vistos y su propia independencia de
interacción cuando dejan de serlo.
Con todo ello, en un momento de
autorreflexión, los tanuki en Pompoko se dan
cuenta del papel que está jugando también la
cultura de masas en la visión de los humanos,
y utilizan ésta como un último intento de
enviar un mensaje a través de una entrevista
televisiva para poder contar su historia. Así,
un canal aparece con cámaras y micrófonos
en su antiguo hogar, donde uno de ellos habla
con voz humana tras unos arbustos, algo que
no parece satisfacer las necesidades del
cámara, que intenta atraer al tanuki mediante
una canción tradicional infantil con el fin de
que realice su transformación ante el público
para evitar que la emisión quede como una
simple broma, convirtiéndose así en la única
75
escena en que humanos y tanuki mantienen
una conversación siendo conscientes de sus
diferencias.
Pese al intento de comprensión por parte del
personal de televisión, la sorpresa y la
excitación ante los animales que se
transforman dominan el contexto, dejando
ver claramente cómo, a pesar del interés en
mostrarlo, el humano siente el mismo miedo
que los protagonistas de los relatos populares,
incapaces de asimilar o aceptar la amenaza
que representa esta imagen tan poderosa,
manifestando así los fenómenos psicológicos
que estos zorrillos causarían en el Japón
postmoderno y es que, a pesar de los siglos de
diferencia, el ser humano poco o nada ha
cambiado en cuanto a sus principales miedos
y preocupaciones, siendo únicamente una
mirada hacia el pasado de lo que en la ciencia
ficción, tan popular en el último cuarto del
siglo XX, representan los mechas o
los cyborgs.
Para saber más:
-
Hadland,
Frederick. Mitos
y
leyendas de Japón. Gijón, Satori,
2008.
-
Ortabasi, Melek. “(Re)animating
Folklore: Raccoon Dogs, Foxes,
and Other Supernatural Japanese
Citizens in Takahata Isao‟s Heisei
tanuki gassen pompoko”, en
Marvels & Tales, nº 2, vol. 27,
2013, pp. 254 – 275.
-
Ficha de la película Pompoko
(Isao
Takahata,
1994)
disponible aquí.
Espíritu de naturaleza traviesa.
Página 100
Página 101
El reflejo del otro IV: Y llegaron las
Bratz
Por María Gutiérrez
Como ya hemos comentado en entregas
anteriores (El reflejo del otro I, II y III), el fin
de esta serie de artículos es aproximarnos y
definir la imagen de Asia que se proyecta a
través de algo tan cotidiano como son las
muñecas producidas en Occidente. Quizás no
seamos conscientes de ello, si tenemos en
cuenta la escasa valoración de estos juguetes que, principalmente, se orientan al consumo
infantil y la atracción de este espectro de
público-, pero estas pequeñas figuras nos
permiten viajar desde el Japón más
tradicional hasta las concurridas calles del
Tokio actual, ejemplo que podemos ver en los
modelos que nos ocupan en este texto:
las Bratz.76
Estas son unas muñecas que salieron al
mercado en el año 2001 gracias a la empresa
MGA (Micro-Games America) -en España
fueron comercializadas por la firma Bandai-,
a pesar de unas primeras reticencias por parte
de los altos cargos, considerando el diseño
arriesgado y completamente diferente de los
prototipos presentados por Carter Bryant,
responsable del desarrollo de esta línea de
juguetes. Un primer lanzamiento de cuatro
modelos de muñeca (Cloe, Yasmin, Sasha y
Jade) demostró que la continuidad de la
líneaBratz era una apuesta segura, ya que las
ventas se habían disparado nada más estar
disponibles en las tiendas.
Al igual que ha ocurrido en el resto de entregas, nos
centraremos en aquellos modelos y colecciones más
llamativos e interesantes con el fin de hacer un análisis
lo más completo posible.
76
Primera edición del personaje de Jade (2001). Como podemos
apreciar, salvando el cabello negro, no se recurren a otros rasgos
que puedan identificar esta muñeca como asiática.
Si nos paramos a analizar brevemente estos
primeros
cuatro
ejemplares
podemos
destacar, en primer lugar, que cada una de
ellas representaba una raza distinta (a pesar
de la similitud evidente entre sus rasgos, se
pretendía que el público fuera capaz de
diferenciarlas a través del tono de su piel, así
como por otros rasgos, como puede ser el
color del cabello), entre las que destaca el
personaje de Jade, de origen asiático,
caracterizada por una melena negra y lacia y
ojos marrones ligeramente más rasgados (que
cambiarán de color según las ediciones), sin
embargo, y como ya hemos comentado, no
Página 102
podemos señalar algún otro rasgo que la
diferencie de las demás, ni siquiera en su
atuendo. Las Bratz son unas muñecas de 24
centímetros de altura, con cuerpo y cabeza de
plástico, y destacan por una evidente
macrocefalia, así como por un cuerpo
desproporcionadamente pequeño y bastante
simple en su concepción. Como un elemento
novedoso en comparación con su eterna rival
rubia, Barbie, destaca la inexistencia de pies
en estas muñecas, sustituidos por un
enganche que se encaja en los enormes
zapatos que lucen las Bratz, facilitando la
conservación de los mismos y ofreciendo
mayores posibilidades a la hora de
modelarlos. Si algo podemos decir de estas
figuras es que fueron rompedoras,
cambiando completamente la imagen que se
tenía de las muñecas -mucho más femenina
y “políticamente correcta”- para representar
a chicas de grandes ojos excesivamente
maquillados, con una nariz prácticamente
inexistente y gruesos labios.77
dejar de mencionar una nueva línea de
juguetes estrechamente relacionada tanto
con Bratz como con Monster High, ya que se
conserva la estética de las primeras
ambientada en un mundo similar a las
segundas: nos referimos a las Bratzillaz, unas
jóvenes
brujas
que
comentaremos
posteriormente.
A pesar de su éxito inicial, llegando a
superar en ventas a la muñeca de Mattel, en
el año 2013, la línea Bratz fue retirada del
mercado, con el fin de renovar su imagen y
adaptarla a las nuevas muñecas de moda,
las Monster High. De este modo, los cuerpos
pasaron a estar articulados y se incluyeron
rasgos más suaves y dulces a la hora de
configurar el rostro, si bien, no podemos
A pesar de las más que evidentes distancias, también
podemos relacionar los rasgos de estas muñecas con la
estética del manga y el anime, si bien, con un matiz
occidentalizado si atendemos al diseño y al estilo de
dibujo. A rasgos generales, presentan unas
características similares: ojos grandes, nariz pequeña y
una boca igualmente pequeña. Por otro lado, hemos de
tener en cuenta su lanzamiento en el año 2001,
momento en el que series como Digimon o
Pokémon estaban en pleno auge entre los niños, al
igual que el hecho de que fuera Bandai la empresa
responsable de su comercialización, además de otros
muchos juguetes relacionados con las series
mencionadas, motivo que nos lleva a incidir en estas
relaciones.
77
Uno de los ejemplos pertenecientes a la línea Tokyo a Go-go en su caja
original. Podemos apreciar como estos modelos se inspiran en el Japón
actual, incidiendo en aspectos como la tecnología o la estética kawaii.
Sin embargo, a la hora de emular la moda popular y rompedora que se
puede ver en el Tokio moderno, el estilismo cojea bastante, así como la
elección de colores o el corte de las prendas.
Página 103
Abordando
colecciones y modelos
concretos, vamos a
comenzar por dos
líneas inspiradas en la
cultura japonesa que
salieron al mercado
en torno al año 2004.
La primera de ellas, y
quizás
la
menos
interesante, es la
conocida como Bratz
Tokyo a Go-go, una
colección
supuestamente
basada
en
los
llamativos
estilos
presentes en las calles
del Tokio más actual,
de modo que las
muñecas
presentan
cabellos de colores, en
Uno de los accesorios que acompaña a esta línea es un pequeño sushi-bar en el que disponer a las
muñecas. Igualmente, también se lanzó un coche y una especie de pista de patinaje que a su vez ejercía
ocasiones trenzado o
como discoteca.
con
peinados
torno a una cinta transportadora por la que
imposibles, así como ropas urbanas donde
viajan pequeñas piezas de sushi.
prima la superposición. Podemos calificarlo
de un intento poco acertado, ya que
La segunda línea, mucho más interesante y
únicamente se trata de un estilo extraño y
conseguida, fue lanzada al mercado
diferente que nada tiene que ver con ningún
comoBratz World! Collector’s Edition. Si
movimiento o subcultura japonesa. Sin
atendemos al título, nos damos cuenta de que
embargo, se hace un especial hincapié en el
MGA intenta hacer lo mismo que otras tantas
uso de la tecnología, de modo que las
compañías: satisfacer el gusto de un público
muñecas se acompañan de ordenadores
más adulto, orientado al coleccionismo, con
portátiles, mascotas robots, teléfonos de
una actitud mucho más exigente en cuanto a
última generación, así como algunos motivos
la calidad y detalle de las muñecas. En este
que podemos relacionar con Japón:
caso, la colección está compuesta por tres
caracteres medio camino entre la escritura
personajes (Kumi, May Lin y Tiana), cado
china y japonesa, el monte Fuji o dibujitos
uno de los cuales porta un precioso quimono
que se aproximan a la estética kawaii. Esta
y se acompaña por una serie de accesorios. Lo
línea salió acompañada de toda una serie de
primero que llama la atención es el embalaje
packs y accesorios entre los que nos interesa
de las figuras, dispuestas en cajas que emulan
destacar la presencia de un sushi bar futurista
los torii -estructuras en forma de arco, con la
que permite disponer a varias muñecas en
parte superior curva, que se relacionan con el
sintoísmo-, una de las imágenes icónicas de
Página 104
Japón, que además cuenta en la parte trasera
con un trazado como si se tratara de
un shôji o puerta de papel o madera.
Centrándonos en la muñeca, ambas
presentan un molde similar, donde
únicamente varían los colores del maquillaje
así como el peinado correspondiente, si bien,
se mantiene la melena negra y lacia. Con el
quimono de manga larga ocurre lo mismo,
donde podemos ver, a modo de estampado,
pequeñas pagodas y flores de cerezo. Destaca
que se ha puesto una especial atención en el
reflejo de las diferentes piezas que componen
el atuendo tradicional japonés, así como la
inclusión de distintas capas; detalles que se
ven completados con el calzado de la Bratz,
que lleva unos tabi o calcetines blancos
con geta negros de plataforma, decorados con
flores de cerezo. Además, como vemos en la
imagen, se acompaña de accesorios, como son
el ya frecuente abanico, una sombrilla, y, para
nuestra sorpresa, un samisén.
Por otro lado, alejándonos del archipiélago
nipón, Bratz hace su incursión en India
durante el año 2006 mediante la línea Bratz
Genie Magic, en relación con la película de
título homónimo. En este caso, la línea de
muñecas nos ofrece una visión que podríamos
tildar de abstracta y confusa: se mantienen
algunos de los elementos que comentamos en
el artículo anterior, como son la presencia de
un supuesto sari y el colgante que pende de la
raíz del pelo como sustituto del bindi. Los
colores que se han escogido son brillantes y, a
modo de adorno, se incluyen monedas
doradas que podemos relacionar con la
imagen prototípica de la bailarina de danza
oriental; igualmente, se incluyen patrones de
henna sobre los brazos de las muñecas con
diseños mucho más sencillos. Dejando de
lado las figuras, casi resulta de mayor interés
Los tres ejemplares que comprenden la colección Bratz World!, como podemos ver, las tres muñecas presentan un aspecto similar (hasta tal
punto que el dibujo presente en el lado izquierdo de la caja es el mismo en los tres casos), de modo que lo único que cambia son los colores
de la caja, maquillaje, atuendo y peinado.
Página 105
el mobiliario que acompaña a la colección,
con piezas como una alfombra mágica o un
íntimo asiento que simula la forma de una
vasija con sus correspondientes cortinajes.
Atendiendo a la imagen y a lo que hemos
comentado con anterioridad, no podemos
sino concluir, respecto a esta línea concreta,
que la temática predominante es la fantasía,
tomando las Mil y una noches, el exotismo y
los colores brillantes para dar lugar a una
representación mixta entre la India y Arabia,
buscando un resultado simplemente exótico.
lo que ocurre en el caso comentado de
Barbie, Bratz opta por lo poco instructivo, por
la imagen diferente que llame la atención del
público infantil, reservando el cuidado y
detallismo para las versiones de coleccionista.
Por otro lado, y como ya hemos comentado
con anterioridad, estrechamente relacionada
con
las
muñecas
Bratz
está
la
78
línea Bratzillaz , que vendrían a ser las
primas de las primeras, a pesar de que
presentan nombres similares. Esta colección
fue lanzada al mercado en el año 2012 por
parte de la compañía
MGA, durante un
momento en el que,
como
ya
hemos
remarcado,
las Monster High se
erigían como líderes
en cuanto a ventas y
primaba el ofrecer
una imagen que de
nuevo rompiera con
la imagen típica de
lasfashion dolls o
muñecas de vestir.
En este caso, si las
comparamos con las
anteriores, presentan
algunas novedades,
como es el caso de la
Imagen promocional de la línea Genie Magic donde podemos ver un ambiente exótico a medio camino
inclusión de ojos de
entre lo árabe y lo indio.
cristal con el fin de
En resumidas cuentas, y atendiendo a los
ofrecer un aspecto más original, así como
ejemplos que hemos tratado en la primera
maquillajes más arriesgados (que incluso, en
parte de este artículo, podemos afirmar que
algunos casos, introducen tatuajes faciales) a
mediante las muñecas Bratz se pretende
modo de reflejo de la personalidad de cada
recurrir a los tópicos de cada una de las
uno de los personajes que conforman esta
culturas mencionadas, si bien, salvando la
línea, si bien, el molde del rostro sigue
excepción de la segunda línea comentada, las
presentando un aspecto similar. A pesar de
decisiones que se toman no son las más
adecuadas, dando lugar a una imagen
78 Actualmente, parece que la denominación de estas
confusa, mezcla de diversos tópicos con un
muñecas ha cambiado para pasar a ser conocidas
enfoque que no es el correcto. Al contrario de
como House of Witchez, remarcando así su supuesta
naturaleza mágica.
Página 106
este intento de modernización, no podemos
dejar de destacar algunas carencias en la
configuración de estas nuevas figuras, pues
las articulaciones del cuerpo son bastante
limitadas (y más si las comparamos con las de
la línea Monster High) y mezclan distintas
durezas de plástico, lo que dificulta el hecho
de ponerlas sobre su peana; igualmente, los
materiales empleados en la confección de los
atuendos son de peor calidad.
Dentro de la línea Bratzillaz, podemos
encontrar personajes de lo más curiosos que
toman referencias de diferentes criaturas, ya
sea mitológicas o realistas, que podemos ver
reflejadas en la configuración de los ojos o
incluso en el estilo de sus ropas. En este caso,
nos vamos a centrar en una serie concreta,
fechada en el año 2013, con el títuloBack to
magic, que simula la vuelta a la escuela por
parte de los estudiantes de siempre además
de alumnas nuevas de intercambio llegadas
desde la lejana India y China.
El primer ejemplo nos remite al personaje de
Illiana Honesty, que se define como una
gitana procedente de la India capaz de leer la
fortuna a sus compañeros. Esta muñeca viste
lo que podemos identificar como un intento
de sari bastante simplificado, que rompe con
su forma tradicional mediante la introducción
de unos pantalones bombachos; igualmente,
los zapatos de este personaje intentan emular
la forma de unas babuchas. Al igual que
ocurría en el caso de Barbie, el atuendo se
completa con accesorios dorados de gran
tamaño, así como un peinado que consiste en
una gran trenza alta y tirante. No podemos
evitar establecer una breve comparación con
otro personaje procedente de la India que
pertenece a la serie Monster High, como es el
caso de Gigi Grant (2013), con una
apariencia, a grandes rasgos, muy similar. En
resumidas
cuentas,
este
ejemplo
de Bratzillaz nos muestra, de nuevo, una
Illiana Honesty en su caja original, acompañada de su
mascota que, como no podría ser de otra manera, es un
pequeño elefante.
imagen tipificada con toda una serie de
motivos
recurrentes
que
asociamos
intrínsecamente con India, como queda
patente en el hecho de que una línea diferente
por completo acuda a los mismos rasgos para
identificar el lugar de procedencia de su
personaje.
Otro de los personajes pertenecientes a esta
línea que nos llama la atención es Victoria
Antique, una bruja-serpiente llegada desde
China. Comentar esta muñeca resulta más
complejo, ya que nos vamos a encontrar un
atuendo que bebe de influencias japonesas,
como es el caso del quimono presente en tres
partes: en la manga derecha del traje, en esa
especie de obi o corsé de la cintura y en la
cuerda con la que se decora esta pieza, similar
al obijime del atuendo tradicional japonés.
Considerando el hecho de que nos
encontramos en un universo ficticio a modo
de ambientación, quizás podríamos suponer
Página 107
que tanto el cuello de su vestido como las
altas calzas podrían simular algunas piezas
del atuendo de un ninja, al igual que el
trazado de las cejas, como si de una pincelada
de tinta se trataran; si bien, como hemos
mencionado, se trata de una comparación
bastante ligera. Realmente, estamos ante un
hecho que se repite en muchos modelos,
como es el caso de la mixtura entre lo chino y
lo japonés para dar lugar a una imagen que
podemos tildar de oriental, es decir, que
presenta un aspecto lo suficientemente
diferente con algunos elementos prototípicos
para que el espectador pueda asociar la
muñeca con China o Japón según le parezca.
Al igual que en el caso anterior, podemos
establecer una vinculación -menos evidente
en este caso- con el personaje de Jinafire
Long, de Monster High, la hija de los
dragones, con la que esta muñeca comparte la
presencia de elementos orientales, utilizados,
en nuestra opinión, de manera más adecuada
y elegante.
A modo de conclusión, refiriéndonos a las
muñecas pertenecientes a la firma MGA,
podemos afirmar, atendiendo a todo lo
expuesto a lo largo de este artículo, que
quizás sean los peores ejemplos a la hora de
transmitir una imagen correcta de Asia. A
pesar de que se recurre a elementos de lo más
tópico, la unión con el resto de las partes
resulta en una imagen confusa, a medio
camino entre lo detallista y lo meramente
comercial. Esto queda bastante claro en los
primeros ejemplos que hemos mencionado: si
el coste es más alto y la muñeca se dirige a un
público adulto y exigente, se cuidan los
detalles; si se trata de un ejemplar para el
consumo del público infantil, se recurre a lo
visible y sencillo, que no siempre es lo
adecuado y está bien escogido. De nuevo, al
igual que ocurría con Barbie, nos centramos
en personajes femeninos con los que se
construye una imagen típica de otros países,
en este caso, una imagen abstracta y, como ya
hemos insistido, muchas veces incorrecta.
Victoria Antique.
Para saber más:
-
Página de Bratz en castellano.
Disponible aquí.
Página 108
Página 109
Crítica: Monkey Kingdom (2015)
Por Ana Asión
La cartelera francesa puede
presumir
actualmente
de
proyectar
uno
de
los
documentales que, bajo la marca
Disney, gozan estos días de
mayor calidad, tanto desde el
punto de vista técnico como
humano. Monkey Kingdom (El
reino
de los monos
en
Latinoamérica) es un documental
dirigido por Mark Linkfield
(Tierra, la película de nuestro
planeta,
2007; Chimpancé,
2012) y Alastair Fothergill (Deep
Blue (La película de Planeta
Azul), 2003; Grandes felinos africanos: el
reino del coraje, 2011), cuya narración corre a
cargo de Tina Fey. Esta última, actriz,
guionista y productora estadounidense,
adquirió gran fama en Estados Unidos por
formar parte de Saturday Night Live. Un
equipo, por tanto, de lujo para esta gran
apuesta cinematográfica.
Fue estrenada el 17 de abril de 2015 en
Disneynature (marca de cine independiente
deThe Walt Disney Company), cuya sede se
encuentra en París, razón por la cual dicho
documental en la actualidad se encuentra
disponible para su visionado en el país galo.
Dicha filial cuenta a su vez con otras películas
ligadas también con la naturaleza, como El
misterio de los flamencos (2009) o Alas de la
vida (2011).
Monkey Kingdom cuenta la historia de una
familia de monos de Sri Lanka que, tras ser
invadidos por una tribu vecina de simios, se
ven obligados a abandonar el que desde
siempre había sido su hogar: unas antiguas
ruinas situadas en la jungla de Asia del Sur.
Más concretamente, narra las vicisitudes de
una madre mona, Maya, cuyo mundo cambia
por completo cuando tiene a su hijo Kip. La
misma quiere que éste se encuentre en las
mejores condiciones para que vaya avanzando
dentro de los estratos sociales de la familia.
Las críticas recibidas por el largometraje
fueron muy positivas, alabando todas ellas la
calidad técnica de la misma, así como el tono
divertido y a su vez didáctico que se
desarrolla durante todo el metraje. “Si no
adoras a los monos ya –y todos deberíamos
hacerloentonces, Monkey
Kingdom te
llevará en la dirección adecuada” (Joe
Neumaier,New York Daily News), “La
entrega más sugestiva, divertida y puramente
entretenida
de
la
serie Disneynature”
(Andrew Barker, Variety) o “No se podría
hacer mucho mejor que enMonkey
Kingdompara involucrar a los niños en
aprender y proteger el mundo animal” (Sara
Página 110
Stewart, New York Post), son algunas de las
amables palabras dedicadas por críticos
estadounidenses de las principales revistas
del país.79
Tras el visionado de la película se descubre
que todos estos apelativos son ciertos, puesto
que
se
logra
apreciar
que Monkey
Kingdom es algo más que un documental. Es
evidente el carácter educativo de este tipo de
género, pero, sin embargo, en éste se va más
allá. La manera con la que se trata la trama,
llena de simpáticos momentos que consiguen
dibujar una sonrisa en el espectador, hace
despertar en el mismo una empatía inusual
hacia
el
mundo
animal
(y
más
específicamente hacia los monos). El hecho
de humanizar a los simios (al dotarles de un
nombre se les está tratando en el
largometraje prácticamente en la misma
categoría que a los seres humanos) consigue
despertar una serie de sentimientos que,
quizás, tratándolos como meros animales,
muchas personas no lograrían sentir.
79
Sin duda, lo que se encuentra en Monkey
Kingdom es un impecable (y necesario)
ejercicio fílmico, puesto que se apuesta por
retratar la naturaleza tal y como se merece. Es
decir, no solo se pretende que ésta resulte
cercana a toda la sociedad, sino que además
se la trata con el máximo cuidado y respeto.
Para saber más:
-
Tráiler de la película.
-
Web oficial.
-
Ficha en IMDb.
-
Ficha en Filmaffinity.
Críticas extraídas de Filmaffinity.
Fotograma de Monkey Kingdom.
Página 111
EVEREST de Baltasar Kormakur (2015):
haciendo fila en la cima del mundo
Por Marina Royo
El cine está plagado de
películas sobre todo tipo
de hazañas y desgracias
alpinas que son, en su
mayor
parte,
documentales
que
retratan
lo
más
fielmente posible los
hechos acontecidos en la
montaña.
Un
buen
ejemplo podría ser The
Summit (2012),
cuya
acción tiene lugar en el
K2. Pero también nos
encontramos numerosos
films de ficción que, a
modo de cine de
aventuras o de acción,
según como se mire, nos
Rob Hall (Jason Clarke) hablando por un teléfono satélite en el campamento base.
cuentan una historia.
precio. Su mujer (Keira Knightley) solía
Límite vertical se ha convertido en una de las
escalar con él, pero en esta ocasión se queda
más conocidas dentro del género del
en casa, pues está embarazada. Junto a él está
alpinismo, aunque en ocasiones parezca más
Scott Fischer (Jake Gyllenhaal), otro
de ciencia ficción. Everest, por el contrario, es
montañero que rápidamente formó su propia
más lógica y creíble, pues está basada en
empresa con el mismo propósito. Entre sus
hechos reales, concretamente en los
clientes están estrellas como el actor Josh
acontecimientos que tuvieron lugar el 10 de
Brolin, que hace del típico ricachón que cree
mayo de 1996 en dicha montaña.
que el dinero lo compra todo. Ambos van a
llevar a la cima a dos grupos, pero debido a
La película nos va introduciendo poco a poco
ciertos problemas acaban teniendo que
en el clima que reinaba entonces en el techo
colaborar para poder subir. El clima parece
del mundo. Rob Hall (Jason Clark) era uno de
que acompaña, hasta que una tormenta se
los líderes de una empresa australiana de
acerca.
alpinismo dedicada a subir a otros
montañeros al Everest por un “módico”
Página 112
muy evidente y ya se
encontraba en la
principal fuente para
la película: el libro de
Jon Krakauer, un
periodista que estuvo
allí aquel fatídico día.
También
podemos
ver las consecuencias
de
las
aglomeraciones que
había y que sigue
habiendo para subir a
la montaña. Este
acervo
de
montañeros, fruto de
Fotografía del equipo original de Rob Hall (sentado en primer plano, el tercero por la derecha) tomada
antes de iniciar la subida al Everest en mayo de 1996.
la sobreexplotación
de ese negocio, es la
El film muestra la preparación que requiere
principal razón que causa las negligencias que
semejante hazaña, el largo camino que hay
después terminan en desastre. Que haya que
que recorrer hasta llegar al campo base del
hacer cola para subir a la cima del Everest
Everest y las pequeñas subidas que hay que
parece de risa, ¡como si estuvieran esperando
hacer para aclimatarse a estar a tanta altura.
para subirse al Dragon Khan en Port
Vemos también cómo cada empresa tiene una
Aventura!
política diferente a la hora de elegir a sus
clientes y cómoeste pequeño detalle puede
suponer una gran diferencia a la hora de la
verdad. Algunas de estas empresas aceptaban
(y puede que hoy esto siga sucediendo) a
cualquier cliente con tal de que tuviera el
dinero para pagar la
expedición,
sin
embargo podían no
estar preparados para
subir un 8000.
Otro tema que en ocasiones parece ser dejado
de lado es la representación de la cultura
local. En Everest vemos cómo los montañeros
forman parte del ritual para bendecirlos antes
El grupo de escalada
de Rob Hall estaba
formado por personas
con
mucha
experiencia
en
la
montaña,
pero
también por otras que
no tenían tanta. La
crítica a este hecho es
La tormenta se avecina durante el inicio de la ascensión.
Página 113
de iniciar el ascenso. Pero también vemos
cómo son los sherpas los que mejor conocen
la montaña, cómo son ellos quienes abren
camino en los lugares más peligrosos y cómo
llevan los materiales más pesados. Pero no
solo eso, además es a ellos a quienes se envía
a hacer un rescate cuando las condiciones son
desfavorables,y ellos suben, pues es su trabajo
y les pagan para ello, sin embargo sus vidas
son puestas en peligro. Quizás sean los
grandes olvidados cuando una tragedia
acontece en las montañas, y a este respecto,
es interesante el documental Sherpa (2015),
de Jennifer Peedom, sobre la avalancha que
tuvo lugar en el Everest en 2014, en la que
murieron dieciséis sherpas.
No puede decirse que Everest sea una
película perfecta, pero es sumamente
entretenida e interesante en la que, lejos de
primar lo sentimental, se muestra con la
mayor verosimilitud posible una historia que
vale la pena ser contada. Una de sus mayores
virtudes es la fotografía, aunque con ese
espectacular paisaje malo sería que no lo
hubieran conseguido. La película avanza con
pies de plomo, sin arriesgar, pero cuando
empieza el caos el film adquiere buen ritmo y
la tensión hace que se nos pongan los pelos de
punta.
Para saber más:
-
Ficha de Everest en Filmaffinity.
-
Ficha de The
Filmaffinity.
Summit
en
-
Ficha de Límite vertical
Filmaffinity.
en
-
Ficha de Sherpa en IMDb.
-
Ficha de la
Krakauer Mal
Goodreads.
novela de Jon
de altura
en
Imagen de la ascensión al pico más alto del mundo.
Página 114
Crítica: Camino a la escuela (2015)
Por Ana Asión
Recientemente, se han conocido
las nominaciones a los premios
Goya 2016, entre los que cabe
destacar, dentro de la categoría
a mejor película europea, el
documental Camino a la
escuela (Sur le chemin de
l’école), un fantástico ejemplo
de
proyecto
audiovisual
comprometido con uno de los
principales problemas actuales:
el acceso a la educación en todo
el mundo. En venta en DVD
desde el 13 de noviembre, lo
cierto es que este largometraje
surge en 2013, año en el que ya consigue el
premio César al mejor documental. Desde
entonces, la película no ha dejado de crecer,
expandiendo su éxito más allá de Francia, su
país de origen.
Dirigida por Pascal Plisson (Massai: Los
Guerreros de la Lluvia, 2004; El gran día,
2015), se encuentra además patrocinada por
la Organización de Naciones Unidas para la
Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO),
siendo éste el nivel más exclusivo de apoyo
que otorga dicha institución. UNICEF Comité
Español también se encuentra vinculada con
el largometraje y, de hecho, la distribuidora
del mismo (ABORDAR) acordó donar a la
asociación un euro por cada DVD / Blu-ray
vendido. Dichos fondos van destinados a la
campaña “Gotas para Níger”de apoyo a los
derechos al agua, la educación y la salud en
dicho país.80
80
Web oficial Camino a la escuela. UNICEF.
Camino a la escuela cuenta la historia real de
cuatro niños, Jackson (Kenia), Carlitos
(Argentina), Zahira (Marruecos) y Samuel
(India), que deben enfrentarse a multitud de
peligros para conseguir llegar a la escuela.
Aunque residen en lugares muy distintos del
mundo, todos ellos comparten el deseo por
aprender, ya que son conscientes de que sólo
la enseñanza les dará la oportunidad de
luchar por un futuro mejor. La aventura que
emprenden para lograrlo es difícil y
arriesgada, pero están dispuestos a asumir los
riesgos.
En estos instantes, y dado el carácter de la
publicación donde se inserta la crítica, es
interesante detenerse en el caso de Samuel,
un niño indio de 13 años cuya minusvalía
física hace que tenga que trasladarse a la
escuela en silla de ruedas. Para ello, cuenta
con la ayuda de sus dos hermanos menores,
que le acompañan durante todo el trayecto
(de cuatro kilómetros, que supone una hora
de duración) empujando la silla. El camino no
Página 115
es fácil, ya que deben sortear ríos, senderos
de tierra y otra serie de obstáculos (de hecho,
en el documental se aprecia como tienen que
hacer frente a la rotura de una de las ruedas).
imágenes como la banda sonora son
correctas, contextualizando adecuadamente
las historias de cada uno de estos cuatro
jóvenes.
El carácter humanista y comprometido del
que goza la película, permite al espectador
adentrarse en sociedades completamente
dispares, conociendo de este modo su día a
día, con las dificultades que éste implica pero
también los anhelos que les hacen seguir
luchando. En el caso concreto de Samuel, se
realiza un retrato cercano y sincero de la
sociedad india, mostrando sus diversos
aspectos (la rutina del aseo personal, las
comidas, los juegos infantiles,…) a través del
viaje que debe realizar el susodicho con sus
hermanos. El hándicap, en este caso, reside
en la propia enfermedad del protagonista (la
distancia entre la vivienda familiar y la
escuela es mayor en las otras historias), algo
que sin duda sirve para mostrar una
circunstancia que, a pesar de su importancia,
en numerosas ocasiones permanece ajena al
público occidental.
Para concluir, simplemente señalar que,
coincidiendo con el estreno del documental,
se publicó el libro homónimo, que cuenta la
historia de siete niños y sus dificultades para
poder acudir a la escuela. Tanto uno como
otro son proyectos necesarios e ineludibles
dentro de la sociedad actual, puesto que
permiten tener, no solo una mayor amplitud
de miras, sino también una mayor empatía
con otras culturas.
Para saber más:
-
Tráiler Camino a la escuela.
Web oficial.
Ficha en IMDb.
Ficha en Filmaffinity.
Ficha en Sensacine.
Desde un punto de vista técnico, tanto las
Página 116
Reseña
talento
manga:
El
hombre
sin
Por Carolina Plou
De la mano de la editorial
autobiográfico. Al igual
Gallo Nero, llega a las
que el protagonista, Tsuge
librerías la obra de una de
también
abriría
una
las grandes figuras del
tienda
de
cámaras
manga olvidadas por el
fotográficas, un negocio
mercado editorial español:
que tendría que cerrar al
Yoshiharu
Tsuge.
cabo de dos años.
Considerado en Japón (y,
El
apartado
gráfico
en menor medida, también
resulta muy interesante,
en Occidente) un autor de
alejándose
de
culto,
equiparado
en
convencionalismos, con
importancia al historietista
un dibujo que logra
Robert Crumb,81 la historia
transmitir de manera
de Tsuge evoca el arquetipo
magistral
el
aire
del genio creador torturado.
melancólico que envuelve
De personalidad tendente a
al protagonista, a la par
la depresión, su trayectoria
que se permite ciertas
se ha caracterizado por la
licencias
humorísticas
frustración de no lograr un
que aligeran el ambiente,
éxito
(sobre
todo,
Portada de la cuidada edición que presenta Gallo Nero.
generalmente cargado y
económico) que estimulase
opresivo. A pesar de estos intentos, el poso
su motivación. A pesar de todo ello, se da la
que deja la obra es amargo, ya que el
paradoja de haber conseguido una serie de
sentimiento de derrota del protagonista
logros, como trabajar como asistente del
trasciende las páginas.
recientemente fallecido Shigeru Mizuki o la
adaptación cinematográfica de varias de sus
El ritmo narrativo es pausado, sin caer en una
obras.
lentitud exasperante. La vida pasa ante el
Gallo Nero nos permite disfrutar, en
castellano, de una de ellas: El hombre sin
talento, publicado originalmente en 1985. La
premisa, un mangaka que, al no conseguir
reconocimiento, trata de reconducir su vida
dedicándose a distintos negocios, siempre sin
éxito,
tiene
un
gran
componente
Uno de los miembros fundadores y más destacado
autor del cómic underground.
81
protagonista, sin que este sea capaz de sacar
de ella ningún logro que le satisfaga. No por
ello deja de intentarlo, aunque reflexionando
con una intensidad cada vez mayor sobre
cuestiones fundamentales acerca del propio
significado del medio comicológico y de él
mismo, como artista y creador. ¿Es realmente
un artista, un intermediario industrial, o por
el contrario no es nada de eso, puesto que sus
fracasos únicamente le comunican que no
Página 117
pertenece a ese mundo? A través del
personaje de Sukezo Sukegawa, Tsuge
reflexiona sobre sí mismo y, lo que hace que
la obra trascienda y adquiera la categoría de
magistral, plantea una reflexión sobre la
propia esencia de la creación de cómics,
disfrazada
hábilmente
de
historia
metacomicológica.
La edición de la obra, además, resulta de un
cuidado exquisito, y es evidente que se ha
hecho con cariño y con el afán de dar a
conocer una obra maestra (valoración
realizada por Álvaro Pons en el epílogo, que
nosotros
compartimos)
y
un
autor
prácticamente desconocido. Se ha editado
respetando el sentido de lectura oriental, de
derecha a izquierda, y se ha aprovechado la
circunstancia para incluir, al final de la
historia, un pequeño dossier con material
extra: el epílogo anteriormente mencionado,
una extensa y cuidada cronología vital de
Tsuge, atendiendo a los momentos clave tanto
a nivel profesional como a nivel personal,
para tratar de conseguir (con bastante éxito)
que el lector pueda aproximarse a una figura
compleja; y finalmente dos listados, uno con
las principales obras de Tsuge y otro con las
fechas de publicación original de El hombre
sin talento (tanto de su primera publicación
por capítulos como de las principales
recopilaciones).
Indudablemente, se trata de un volumen
preparado con mimo, que responde a la
perfección a las pretensiones de Gallo Nero y
constituye un gran acierto por su parte y una
magnífica contribución a la cultura del manga
en castellano, que no puede faltar en ninguna
biblioteca que se precie.
Una de las primeras viñetas de la obra.
Página 118
Las palomas pasajeras, un cuento
japonés de Javi Pessoa
Por Marisa Peiró
Si hace un año la
joven
editorial
Chidori Books se
iniciaba en el campo
de
la
literatura
infantil
editando
Kai-no-hi,
una
fábula animal del
afamado
Kenji
Miyazawa, este año
vuelve a acercarse al
público
infantil
dando el salto al
papel
con Las
palomas pasajeras,
un
cuento
de
inspiración japonesa
que firma e ilustra el
sevillano
Javi
Pessoa.
En apenas treinta y
seis
páginas,
de
escaso texto pero de
singulares
y
cuidadas
ilustraciones, se nos
relata la historia de Shimo, una niña que
todas las primaveras prepara con ternura la
bienvenida a las palomas migratorias, que
regresan al pueblo tras su ausencia invernal.
Sin embargo, este año la espera se hará más
larga que nunca.
Al contrario de lo que cabría esperar en un
cuento infantil, Pessoa no terminará su libro
Portada del libro.
con un final el feliz.82 En este sentido, su obra
entronca -y no solo estéticamente,83 como
Las palomas pasajeras no regresarán ese año al
pueblo de Shimo. Cabe suponer que, tal y como
sucedió con las palomas pasajeras norteamericanas
(Ectopistes migratorius), las aves no regresen junto a
Shimo como consecuencia de la actividad humana.
Como curiosidad, cabe mencionar que esta especie de
paloma migratoria -que guarda mayor similitud física
con las representadas en el cuento que la variedad
japonesa- pasó de ser el ave más común de
Norteamérica a extinguirse en menos de dos siglos.
83 Hace unos días el autor recordaba, celebrándolo con
una ilustración, el nacimiento de Chihiro Iwasaki,
82
Página 119
detallaremos a continuación-, con una larga
saga de obras japonesas, tanto centenarias
como más recientes, en las que el amor y la
relación con la naturaleza, así como las
consecuencias negativas de los excesos de la
actividad humana, son un tema principal.
Cada año planifico el verano con la
ilusión de ir a la casa familiar de mi
mujer, en el norte de Japón, -nos cuentaa reencontrarme con los vecinos y hacer
como que vivo como si fuera un
miembro más de aquella comunidad,
aunque sólo sea
por tres o cuatro
semanas.
(…)
Koide es un valle
hundido
entre
montañas, que se
divide en dos por
el paso del río
Uono. La ribera
filtra el agua, de
manera que a los
márgenes del río
Uono
surgen
numerosos
humedales.
Muchas
aves
migratorias, como
el milano o la
garza, aprovechan
estos lugares para
anidar,
o
simplemente para
pasar
las
estaciones cálidas.
La historia de Las
palomas
Vista general de libro, en el que se aprecian las palomas pasajeras que le dan nombre.
pasajeras surge de
este contexto (…)
Intuyendo que tras su brevedad y parquedad
había mucho de real, nos dirigimos a su
Licenciado en Bellas Artes por la Universidad
autor. Javi Pessoa es ilustrador, investigador
de Sevilla, continuó sus estudios en Japón y
y docente84 y su vinculación con Japón es
se doctoró en Dibujo con una tesis sobre las
tanto académica como personal desde hace
flores
y
los
pájaros
en
la
más de diez años.
85
pintura nihonga, que recientemente publicó
La nihonga (“pinturas de estilo japonés”) es la
corriente tradicionalista de la pintura japonesa
contemporánea, en la que prevalecen las temáticas,
materiales y valores estéticos de las representaciones
plásticas del país previas a la irrupción de la pintura
occidental durante el periodo Meiji.
85
ilustradora japonesa muy conocida por sus obras
infantiles y conciliadoras.
84 Además de ser profesor de grabado, Pessoa también
trabaja realizando contenidos docentes para idiomas
en las universidades de Sevilla y Pablo de Olavide.
Página 120
la editorial Comares. La estética y la
temática nihongaprevalece -de manera más
que intencionada- en las ilustraciones del
libro, pues domina en
ellas
el
elemento
natural
sobre
el
humano/artificial:
comprender mejor la cultura nipona. Y hace
ya más de diez años, comenzó a abrirse paso
en el dedicado mundo de la docencia, como
Todos los planos
están formados por
texturas
sacadas
de tejidos y de
papeles de fibras
naturales. De una
manera u otra, he
intentado evitar los
elementos
artificiales,
también
en
lo
representado,
porque pienso que
puede
ser
un
obstáculo
a
la
lectura del cuento.
Simplemente, creo
que el lector (…)
percibirá mejor el
cariño
que
la
protagonista dirige
al mundo natural a
través
de
los
materiales
más
nobles y sencillos.
En las ilustraciones de Pessoa se aprecia la preferencia por los elementos y formas naturales y
tradicionales.
Nos aclara también que aunque las
ilustraciones contienen retoque y algunos
trazos digitales, todas tienen una base
de collage con varias capas de papeles y tela,
para mantener un resultado lo más parecido
posible al de la pintura nihonga.
Como en muchos otros casos, la afición de
Pessoa por Japón surgió en su adolescencia y
ligada a los videojuegos, lo que le empujó a
estudiar japonés como método para
profesor interino de
Universidad de Sevilla.
japonés
en
la
Fue entonces cuando me dí cuenta de
que a veces es necesario explicar
algunas singularidades del japonés con
dibujos. -explica- En el proceso de
memorización de los kanji, diría que es
casi imposible fijar en tu cabeza tanta
cantidad de información abstracta sin
un dibujo que ayude a visualizar una
imagen figurativa. Gracias a la ayuda
de los alumnos de japonés estamos
Página 121
engrosando un banco de imágenes
de kanjis ilustrados.
Como adelanto, Pessoa ha compartido las
representaciones
gráficas
de
algunas
expresiones idiomáticas japonesas en su
perfil de Facebook. Vistos los resultados, no
podemos sino felicitarles por la iniciativa, que
sin duda ayudará al aprendizaje del japonés
por parte de muchos hispanohablantes.
En definitiva, Las palomas pasajeras es un
cuento tierno aunque no “pasteloso”, sencillo
pero delicado, que trasmite de una forma
sintética y con un formato adecuado -la
edición en papel es especialmente útil al estar
dirigida a niños de tan corta edad- muchos
años de fascinación e investigación teórica en
la cultura y la lengua japonesa. Su lenguaje
sincrético, moderno pero tradicional, la
convierte en una obra perfecta para iniciar a
los más pequeños, de manera ligera y sin
producir extrañamiento, en los valores
culturales del País del Sol Naciente.
Ilustraciones para los idioms 猫の額(neko no hitai, “la frente de un gato”), “comerse las hierbas del camino” y 猫の手も借りたい (“tomar
prestadas las patas de un gato”).
Página 122
Editorial
Imagion
amplía
su
espectro con una propuesta para los
más pequeños
Por Carolina Plou
Hoy nos salimos de la tónica habitual de
reseñas para recomendar, a modo de
propuesta navideña, no una obra sino una
editorial, pequeña todavía pero que lleva a
sus espaldas un trabajo encomiable
apostando por dar visibilidad a autores y
productos locales estrechamente relacionados
con la cultura friki en su sentido más amplio.
Nos referimos a Ediciones Imagion, una joven
pero ambiciosa editorial que apunta maneras,
aspirando a ser “la mejor editorial de cómics
del universo”, como ellos mismos publicitan
con humor en sus redes sociales. Aunque su
catálogo es todavía muy reducido, en él da
muy buena muestra del espíritu que poseen
como empresa, buscando diferenciarse de
otras editoriales del sector. Es por ello que
una de sus cualidades más llamativas es que
se ofrecen como intermediarios, en lugar de
imponerse como editorial (y, por tanto, como
sacrosanto trámite para el autor que quiera
ver que su obra, publicada y distribuida, llega
a sus potenciales lectores). Así, se percibe que
en Imagion disfrutan de los cómics tanto
como sus lectores, lo cual facilita un buen
ambiente y una predisposición favorable a
interesarse por su catálogo.
Su estreno en el mundo editorial vino de la
mano de Ugnis, un webcómic publicado en la
plataforma Subcultura, que ha recibido en
dos ocasiones el galardón al Mejor Webcómic
en los premios otorgados por Expomanga, en
los años 2013 y 2015.
Portada del primer volumen de Ugnis, publicado por Imagion.
Tuvimos ocasión, en Ecos de Asia, de
presentar brevemente en un artículo una
tendencia del mercado editorial español en la
que se daba cabida a autores de origen
español que realizaban sus obras con una
fuerte influencia del cómic japonés. Ugnis es
un caso similar, aunque con algunas
particularidades.
Bajo
el
pseudónimo
de Kaoru Okino, la autora de Ugnis se dio a
conocer en 2010 con la publicación deJoker, y
un año después sacó al mercado Hell’s
Página 123
Heaven, ambas con un marcado influjo
japonés que bebía de fuentes muy diferentes
(en el caso de la primera, obras de fantasía y
aventuras, mientras que la segunda posee una
clara influencia del manga –y anime– Death
Note, que alcanzó gran popularidad en
España). Posteriormente, en 2012, comenzó
la realización de Ugnis en Subcultura, donde
va ofreciendo gratuitamente las páginas de la
historia con una periodicidad aproximada de
2-3 veces a la semana. La buena acogida de
esta obra (está en la segunda posición en
el ranking de la plataforma) facilitó que sea
recopilada en tomos, de manera similar –
salvando las distancias– a la forma de
trabajar en Japón, donde las series de manga
suelen publicarse primero por capítulos en
revistas especializadas, y de ahí pasan a
recopilarse en tomos.
refrescante y al mismo tiempo elogiable que
se haya optado por plantearlo en un producto
infantil, contribuyendo así a crear, ya desde
edades tempranas, un público educado en la
afición a las viñetas.
A pesar de lo reducido de su catálogo por el
momento, nos queda más que claro que
Ediciones Imagion es una marca comercial a
la que seguir la pista, gracias a la cual
podremos continuar haciendo interesantes
descubrimientos en el futuro.
Vinculados a esta marca han sido la mayoría
de sus lanzamientos (consistentes, hasta la
fecha, en dos tomos recopilatorios y un juego
de rol inspirado en el mundo Ugnis, este
último ofrecido tanto en papel como en
formato digital), asentando sus primeros
pasos sobre una franquicia con respaldo y
gran éxito, lo cual les ha permitido tener una
muy buena acogida entre el público, y ahora
dan
sus
primeros
pasos
hacia
la
diversificación de su catálogo.
Su lanzamiento más reciente es El Acertijo,
de Toni Fernández, una propuesta que en
estas fechas encandilará a los más pequeños
de la casa. Se trata de un cómic
principalmente infantil (a partir de seis años),
con una concepción muy original y atrevida:
cada página plantea un acertijo que se
resuelve al volver la hoja. Más que un
pasatiempo, alcanza un nuevo nivel narrativo
al convertir al lector en parte activa del
desarrollo del relato. Si bien este tipo de
experimentos narrativos puede ser más
habitual en los cómics para adultos, es
Portada de El Acertijo.
Página 124
¿Quiénes somos? Conoce a nuestros colaboradores
En este número colaboran:
Ana Asión. Licenciada en Historia del Arte, Máster en Estudios Avanzados en Historia del
Arte, Máster en Gestión del Patrimonio Cultural y Máster en Profesorado por la Universidad de
Zaragoza, en la actualidad me encuentro realizando el doctorado en Historia del Arte cuya tesis
lleva por título La Tercera Vía: revisión, actualización y debate historiográfico en el cine
español del tardofranquismo. Para el mismo soy beneficiaria de un contrato predoctoral por
parte de la Diputación General de Aragón.
Pablo Begué. Graduado en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza y estudiante
del Máster de Estudios Avanzados en Historia del Arte por la misma universidad. Sus intereses
giran alrededor de los cuentos de hadas clásicos, su ilustración en el siglo XIX y la influencia de
estas imágenes en la cultura popular y de masas, especialmente en la creación audiovisual.
Andrea García Casal. Estudiante de Historia del Arte en la Universidad de Oviedo y
bloguera. Tiene un interés singular por las artes plásticas de Asia y las Islas del Pacífico,
además de la influencia que estas ejercen en cultura occidental.
María Gutiérrez. Graduada en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza, cursando
el máster de Estudios Avanzados con el objetivo de especializarse en arte asiático.
David Lacasta. Licenciado en Historia del Arte y actualmente estoy cursando el máster en
estudios avanzados, en la modalidad de Asia Oriental. Estoy trabajando en la cerámica
Satsuma, y el fenómeno de su coleccionismo en occidente. También me interesa mucho todo lo
relacionado con las armas y armaduras de los samurai, así como la historia militar de Japón.
Esther Lupón. Graduada en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza, cursando el
Máster de Estudios Avanzados en Historia del Arte.
Pablo M. Somoano. Licenciado en Historia (2013), máster en Historia Contemporánea
(2014) y máster en Profesorado de ESO y Bachillerato (2015) por la Universidad de Zaragoza.
Iniciando una tesis doctoral de sobre el aragonesismo de izquierdas y la transición a la
democracia en Aragón.
Mario Malo Sanz. Licenciado en Historia por la Universidad de Zaragoza, máster en Asia
Oriental especialidad Japón por la Universidad de Salamanca, Máster en Asia Oriental,
especialidad Corea, Universidad de Salamanca y Máster de estudios de Lengua y Cultura
japonesa en la Universidad de Takushoku (Tokio). Actualmente cursando el doctorado entre la
UAB y la USAL sobre Génesis, desarrollo y características del civismo fraguado en la
Restauración Meiji.
Laura Martínez Rodríguez. Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de
Zaragoza, actualmente cursa el Máster de Estudios Avanzados en Historia del Arte de la
misma, especializándose en Cine.
Marisa Peiró. Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza y Máster en
Estudios Avanzados de Historia del Arte por esta misma universidad. Se especializa en el Arte
y la Cultura Audiovisual de la primera mitad del s. XX, y en las relaciones artísticas
interculturales. Actualmente, está realizando su tesis doctoral.
Carolina Plou. Historiadora del Arte, japonóloga, prepara una tesis doctoral sobre
fotografía japonesa.
Marina Royo. Licenciada en Historia del Arte y Máster de Estudios Avanzados en Historia
del Arte por la Universidad de Zaragoza. Se especializa en Cine, y particularmente en
adaptaciones literarias británicas del siglo XX. Actualmente, participa en el curso-taller
"Hablando de cine".
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Para la realización de este número, agradecemos
además a Elísabet Bravo, María Galindo, Claudia
Sanjuán y
muy especialmente, a los doctores Elena Barlés y
David Almazán.
GRACIAS A TODOS LOS COLABORADORES
POR SU TRABAJO Y ENTUSIASMO, Y A GRACIAS A
USTED, LECTOR POR SU TIEMPO
E INTERÉS. NOS LEEMOS EN EL PRÓXIMO
NÚMERO.
Revista Ecos de Asia
ISSN 2341-0817
revistacultural.ecosdea
sia.com
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Zaragoza
Diciembre de 2015
Página 125
Página 126

ECOS DE ASIA / Nº 22] Diciembre de 2015

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