1_open studio 10.0_la singularidad

Transcripción

CARLOS GARAICOA
OPEN STUDIO 10.0
UNA SINGULARIDAD DESNUDA
A NAKED SINGULARITY
“El artista que crea silencio o vacío debe producir algo dialéctico:
un vacío lleno, una vaciedad enriquecedora, un silencio resonante o elocuente”.
Susan Sontag, The Esthetics of Silence.
La irrupción del sonido en el cubo blanco durante el siglo XX planteó en el ambiente aséptico de la sala de
exposiciones, la galería o el museo, la necesidad de una investigación sobre las convenciones del tiempo, el
espacio y el silencio en las formas tradicionales de percepción del arte y la experiencia de los sentidos de
los públicos del arte. Desde entonces el sonido ha devenido un recurrente y paradójico estado de excepción
en los discursos del arte contemporáneo, una singularidad que escapa a la definición o la etiqueta
historiográfica.
Esta no es una exposición de arte sonoro, o tal vez sí. ¿Cuándo el sonido es visible? ¿Qué relaciones
pueden existir entre el silencio y el vacío, si pactamos que el vacío es ausencia de imagen? Dónde
aparecen esos límites en los que la imagen necesita ser acompañada o sustituida en el proceso de
traducción estética. Qué formas promiscuas se suceden entre lo que vemos y la escucha. Hasta qué punto
esa relación es un elemento de fricción o un tránsito orgánico entre medios. Bajo qué circunstancias sonido
e imagen compiten o devienen complementarios. ¿Existe un préstamo de recursos estéticos en el proceso
de conocimiento o en la construcción de la experiencia sensorial que constituyen la mirada y la escucha?
El Open Studio 10.0 Una singularidad desnuda / A Naked Singularity, amplía hacia el sonido la investigación
que se ha venido realizando con estas exposiciones en años precedentes en torno a diferentes formatos,
lenguajes, conceptos visuales y relaciones estéticas. Esta propuesta continúa con su voluntad de
convertirse en un foro y lugar de encuentro que pone en diálogo a artistas emergentes y creadores con una
amplia trayectoria profesional. En esta ocasión contamos con la participación de artistas que han explorado
la singularidad del sonido en tanto elemento de investigación en su obra desde registros muy diversos:
instalaciones, vídeos, performances, documentos, archivos, composiciones...
El título de la exposición se apropia del lenguaje de la ciencia y toma como metáfora el concepto de
singularidad desnuda utilizado en física y astronomía dentro de las teorías sobre los agujeros negros;
tomando en cuenta que en las obras de esta exposición el sonido se percibe de diferentes formas,
perdiendo el horizonte del formato.
The artist who creates silence or emptiness must produce something dialectical:
a full void, an enriching emptiness, a resonating or eloquent silence.
Susan Sontag, The Aesthetics of Silence.
Sound incursion in the white cube during the XX century established in the aseptic environment of the
exhibition room, gallery or museum, the need of an investigation about time conventions, space and silence
in the traditional ways of art perception and the sensorial experience of art audiences. Since then, sound has
become a recurrent and paradoxical state of exception in contemporary art discourses; a singularity that
escapes the historiographical definition or label.
This is not an exhibition of sound art, or maybe it is. When is sound visible? Which relations could exist
between sound and emptiness, if we agree that emptiness is the absence of image? Where do those limits
appear, where the image needs to be accompanied or substituted in the process of aesthetic translation?
Which promiscuous forms happen between what we see and what is heard? To what point is this relation an
element of friction or an organic transit between means? Under which circumstances sound and image
compete or complement each other? Is there a borrowing of aesthetic resources in the process of knowledge
or in the construction of the sensorial experience that constitute looking and hearing?
Open Studio 10.0 Una singularidad desnuda / A Naked Singularity, extends towards sound the research that
has been carried out with these exhibitions in previous years, around different formats, languages, visual
concepts and aesthetic relations. This proposal continues with its intention to become a forum and a space
to meet that fosters a dialogue between emerging artists and creators with a long-standing professional
career. On this occasion we count with the participation of artists that have explored the singularity of sound
as an element of research in their work from diverse approaches: installations, videos, performances,
documents, archives, compositions….
Artistas / Artists: Juan Carlos Alom, Miguel Álvarez-Fernández, Balada Tropical, Massimo Bartolini, John
Cage, Tania Candiani, Mircea Cantor, Amir Fattal, Carlos Garaicoa, Shilpa Gupta, Yonel Hidalgo, Vasili
Kandinski, Archivo ChakraRPM, Jorge Macchi, Elena Mazzi en colaboración con Elisa Strinna.
1 MASSIMO BARTOLINI
HUM (According to Charles Verne Edquist) / Tarareo (Según Charles Verne Edquist), 2015
Grabación, única toma, imagen sobre disco de vinilo de 12 pulgadas
Producido por la Fondazione Musica per Roma / Editado y publicado por Radical Matters Editions / Label
Voz: Nicholas Isherwood
Pintura mural, tocadiscos, amplificador, altavoces
Recording, one-off, on 12-inch vinyl record picture disk format
Produced by Fondazione Musica per Roma / Edited and published by Radical Matters Editions/Label
Voice: Nicholas Isherwood
Mural painting, record player, amplifier, speakers
Este trabajo es una variación de Hum, una obra previa sobre las Variaciones Goldberg de Glenn Gould y la
historia del color relacionado con la nota dominante de las Variaciones, un SOL. Recientemente encontré un
libro: “Un romance sobre tres piernas: La búsqueda obsesiva de Glenn Gould del Piano Perfecto”. En el libro
se cita cuando el afinador de piano y colaborador de Gould, Charles Verne Edquist, casi totalmente ciego,
dijo que cada nota tiene un color propio y que Sol es naranja; a lo que Glenn Gould respondió: “lo sé”.
(Massimo Bartolini)
El sonido siempre ha jugado un papel importante en la obra de Massimo Bartolini. Tarareo rinde homenaje a
una de las personalidades más brillantes y visionarias del siglo 20: el pianista canadiense Glenn Gould.
Gould el músico no interesa tanto a Bartolini como el Gould inconformista, un hombre que abandonó una
carrera deslumbrante en su apogeo, encerrándose completamente fuera del mundo para comunicarse con
el público solo a través del estudio de grabación. Esa fue la manera de Gould de seguir un trayecto teórico y
especulativo centrado en una no presencia, en la transmisión del pensamiento como una voz pura,
experimentando con las posibilidades ofrecidas por los nuevos medios electrónicos y la técnica de montaje
para la grabación de programas de radio.
Tarareo evoca un escenario sin cuerpo, un sonido puro: el espacio vacío, transformado en un ambiente
sinestésico pintado con colores que se corresponden con las tonalidades de Sol Mayor -el tema dominante
en las Variaciones Goldberg-, que sólo cobra vida a través del tarareo, de los fonemas sin sentido que
marcan el ritmo del fraseo. Tomando como punto de partida el famoso tararear del pianista Glenn Gould en
una grabación de 1981, el Tarareo es transformado en una partitura vocal autónoma por el barítono
Nicholas Isherwood que, viendo la película de Bruno Monsaigion, lee los labios de Gould como una partitura
para volver a cantar el tarareo que el intérprete realiza con la boca mientras toca las Variaciones Goldberg.
Poderosamente evocadores, los sonidos puros animan el espacio, se rompen y recomponen en la memoria,
en la percepción del oyente. Mientras tanto, la sonrisa extática de Jagannãth -la forma de Krishna asociada
con el sueño y la noche-, con los ojos muy abiertos, continúa girando hipnóticamente en la imagen sobre el
disco de vinilo, creando el mismo efecto que las variaciones interpretadas por el clavicordista Johann
Gottlieb Goldberg deben haber tenido en el conde insomne para quien Bach compuso la pieza
originalmente.
(Anna Cestelli Guidi)
This work is a variation of the previous work Hum on Gould's the Goldberg Variations and the history of the
color related to the dominant note of the Variations a SOL. Just recently i met that book: a romance on three
legs where the piano Tuner Charles Verne Edquist, almost totally Blind said that each notes as a he's own
color and that the SOL was Orange, he said that to Glenn Gould and he answered: “I know”.
(Massimo Bartolini)
It is not so much Gould the musician that interests Bartolini, as the non-conformist Gould, a man who
abandoned a dazzling career at its peak, shutting himself off completely from the world in the great North to
communicate only through the recording studio. It was Gould’s way of pursuing a theoretical and speculative
course centered on a non-presence, on the transmission of thought as pure voice, by experimenting with the
potentialities offered by the new electronic media, from the technique of montage to the recording of radio
broadcasts.
What Massimo stages in HUM is a bodiless presence, pure sound: the empty space, transformed into a
synesthetic ambience painted with colors corresponding to the G Major tonalities, the dominant theme in the
Goldberg Variations, only comes alive through the murmuring, the senseless phonemes marking the rhythm
of the musical phrasing. Gould’s famous humming from the 1981 recording, the HUM, is transformed into an
autonomous vocal score by the baritone Nicholas Isherwood who, by watching the Film of Bruno
Monsaigion, read the Gould lips as a music score to re-sings the Humming of Gould while play the Variation.
Powerfully evocative pure sounds animate the space, break up and are recomposed in memory, in the
perception of the listener. Meanwhile the ecstatic smile of Jagannath – the form of Krishna associated with
sleep and the night – with wide-open eyes, continues to turn hypnotically on the vinyl of the picture disk,
creating the same effect that the Variations played by Goldberg must have had on the sleepless count for
whom Bach composed them.
(Anna Cestelli Guidi)
Massimo Bartolini nació en 1962 en Cecina, Italia, donde vive y trabaja. Estudió en el Instituto Técnico
para Topógrafos y posteriormente en la Academia de Bellas Artes en Florencia. Participó en numerosos
talleres de teatro y trabajó en el Estudio de Vittorio Corsini y junto a Mario Merz. Ha realizado exhibiciones
personales en instituciones como PS1, Nueva York, EEUU; Museo Abteiberg-Moenchengladbach,
Alemania; GAM, Turin, Italia; Museo Serralves, Oporto, Portugal; Galería Ikon, Birmingham, Reino Unido;
Nuovi Committenti, Mirafiori, Turin, I; Galería Fruitmarket , Edimburgo, Escocia; SMAK, Ghent, Bélgica.
Entre la muestras colectivas en las que ha participado se encuentran: Ediciones 49, 53 y 55 Bienal de
Venecia, Italia; 6ta Bienal de Shangai, China; 28 Bienal de Sao Paolo, Brasil; Manifesta 4, Frankfurt,
Alemania; 28 Bienal de Pontevedera, España; Documenta 13, Kassel, Alemania; Ecstasy in and About
altered states, MOCA Los Angeles, EEUU; Perception of space, Museo Boijmans Von Beuningen,
Rotterdam, Holanda; The Moderns Castello di Rivoli, Turin, Italia.
Massimo Bartolini born in 1962 in Cecina (LI) where he lives and works. He studied at Technical institute
for surveyors, and after ti the Academy of fine arts in Florence, attended numerous workshops in theater and
then worked in the studio of Vittorio Corsini and for a short time with Mario Merz. He participated to solo and
group shows among others: Solo Shows and Projects PS1, New York, NY USA; at Abteiberg Museum
Moenchengladbach,D; GAM, Turin,I; Museu Serralves,Porto,P; Ikon Gallery Birmingham, UK ;Nuovi
Committenti, Mirafiori, Turin, I; Fruitmarket Gallery Edimburgh,Scotland; SMAK Gent, B. Among the group
show: 49th, 53rd,55th Venice Biennale, I; 6th Shangai Biennale, CHN; 28 th Sao Paolo Biennale, BR;
Manifesta 4, Frankfurt,D; 28th Biennale of Pontevedera, E. ; Documenta 13, Kassel, D; Ecstasy in and About
altered states, MOCA Los Angeles, USA; Perception of space, Museum Boijmans Von Beuningen,
Rotterdam, NL; The Moderns Castello di Rivoli Turin, I.
2 JORGE MACCHI
La Ascensión / The Ascension, 2005
Libro de artista, edición limitada de 300 ejemplares / Artist Book, limited edition of 300 books
Edición / Edition 155
Con la música tengo una relación de admiración absoluta. Me parece que logra lo que es casi imposible en
las artes visuales: ser absolutamente abstracta y alcanzar el máximo de sensación. La música no se puede
explicar, es sensación pura y abstracción al mismo tiempo. Lo que pasa es que la abstracción musical no es
la abstracción en las artes plásticas, no tiene nada que ver. Generalmente a mí el trabajo abstracto en las
artes visuales me da la sensación de un trabajo excesivamente formal y eso no me interesa en lo más
mínimo. Lo que yo más ansiaría es hacer una “obra” que tenga la potencia sensorial que tiene la música
pero por otro lado ir más allá de la forma.
Cita del artista tomada del texto: Violeta Weinschelbaum, “El movimiento mínimo”, revista Teatro Colón,
Buenos Aires, 2001.
I have with music a relation of complete admiration. It seems to me that achieves what is almost impossible
in visual arts: to be completely abstract reaching the maximum of sensation. Music cannot be explained, is
pure sensation and abstraction at the same time. What happens is that musical abstraction is not the same
as abstraction in plastic arts, there’s no relation. Usually, to me, abstract work in visual arts gives me the
feeling of an excessively formal work, and doesn’t interest me at all. What I would totally look forward will be
doing a work with the sensorial potency of music, and on the other hand, to go beyond the form.
Quote from the artist in the book: Violeta Weinschelbaum, “El movimiento mínimo”, Magazine Teatro Colon,
Buenos Aires, 2001.
Jorge Macchi nació en 1963, en Buenos Aires, Argentina. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes
de esa ciudad y en 1987 obtuvo el título de Profesor Nacional de Pintura. Es uno de los más importantes
artistas plásticos consagrados de su país. De la extensa lista de muestras individuales en que ha sido
exhibida su obra, se pueden mencionar: S.M.A.K. (Gent, Bélgica, 2011); Crónicas Eventuales (Galería Ruth
Benzacar, Buenos Aires, Argentina, 2010); Block (Fundación Proa, Buenos Aires, Argentina, 2009); Videos
(Museo Pedro de Osma, Lima, Perú, 2009); The Singers Room (Galleria Continua, San Gimigniano, Italia,
2008); Art Unlimited (ART BASEL, Basilea, Suiza, 2008); Jorge Macchi (Exposición monográfica en
Santander Cultural, Bienal del Mercosur, Porto Alegre, 2007); Jorge Macchi (Galeria Ruth Benzacar, Buenos
Aires, Argentina, 2007); Time Machine (Galería Kilchmann Martin, México DF, México, 2006); Still Song
(Peter Kilchmann Gallery, Zurich, Alemania, 2005); Buenos Aires Tour (Galería Distrito 4, Madrid, España,
2003); Fuegos de artificio (Galería Mirta Demare, Rotterdam, Holanda, 2002); Le 10Neuf (Centre Regional
d’Art Contemporain, Monbéliard, Francia, 2001), entre muchas otras realizadas en esos años, así como
también a lo largo de la década del 90. Entre las numerosas muestras colectivas que ha integrado, se
cuentan: Deux Pieces (Peter Kilchmann Gallery, Zurich, Suiza, 2009); Extranjerías (Espacio Fundación
Telefónica, Buenos Aires, Argentina, 2009); Moby-Dick (CCA Wattis Institute for Contemporary Arts, San
Francisco, Estados Unidos, 2009); Yokohama Triennal (Yokohama, Japón, 2008); Bienal New Orleans
(Nueva Orleans, Estados Unidos, 2008); Order, Light, Desire, An Exhibition of Contemporary Drawings
(IMMA – Irish Museum of Modern Art, Dublín, Irlanda, 2008); Signes d’existence (MAC, Santiago de Chile,
Chile, 2007); Bienal de São Paulo (San Pablo, Brasil, 2006); 51° Bienal de Venecia (Venecia, Italia, 2005);
Bienal de Praga (Praga, República Checa, 2005); Bienal de Estambul (Estambul, Turquía, 2003); Premio
Banco de la Nación Argentina a las Artes Visuales (Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina,
2000); Bienal de La Habana (La Habana, Cuba, 2000); 70, 80, 90 (Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos
Aires, Argentina, 1995); Envío a la Bienal del Cairo (CAyC, Buenos Aires, Argentina, 1994), además de una
innumerable lista de exposiciones rastreables hasta 1986. Algunos de los premios otorgados al artista en su
ciudad son: Premio Aldo Pellegrini al artista del año, Asociación Argentina de Críticos de Arte, 2006; Premio
Konex, 2002; primer Premio Banco de la Nación Argentina, entro Cultural Recoleta, 2000; Premio Leonardo,
Museo Nacional de Bellas Artes, 1999; Premio Ignacio Pirovano al Artista Joven del año, Asociación
Argentina de Críticos, 1998; primer Premio Braque, Fundación Banco Patricios, 1993. Becas obtenidas:
John Simon Guggenheim Memorial Foundation Fellowship, Nueva York, Estados Unidos, 2001; Beca del
Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires, Argentina, y Subsidio a la creación artística, Fundación
Antorchas, Buenos Aires, Argentina, 2000; Beca del Gobierno Francés, 1993-94; Subsidio a la Creación
artística, Fundación Antorchas, Buenos Aires, Argentina, 1991. Las residencias concedidas: Artpace, Texas,
Estados Unidos, 2005; Civitella Ranieri, Italia, 2002; Schloss Pluschow, Alemania, 1998; Delfina Studios
Trust, Londres, Inglaterra, 1996-97; Duende Artists Initiative, Beca del Rotterdam Arts Council, Rotterdam,
Holanda, 1996; Cité des Arts, París, Francia, 1993-94. Su obra integra colecciones públicas y privadas en
distintos países del mundo, de las cuales una breve selección son: Tate Modern, Londres, Inglaterra;
Fundación Banco de la Nación Argentina, Buenos Aires, Argentina; Museo de Arte Moderno de Buenos
Aires, Argentina; Museo de Arte Contemporáneo de Rosario, Argentina; Museo de Arte Contemporáneo de
Amberes (MUHKA), Bélgica; Fundación Arco, Madrid, España; Collection de la Province de Hainaut,
Bélgica; Museo de Arte Contemporáneo de Vigo, España. El artista vive y trabaja en Buenos Aires.
Jorge Macchi was born in 1963 in Buenos Aires, Argentina where he continues to live and work. Since the
mid-1980s, his work has been shown throughout the Americas and Europe. In 2001, he was the recipient of
the John Simon Guggenheim Memorial Foundation Fellowship. In 2003, Macchi’s work was included in both
the 4ª Bienal do Mercosul in Porto Alegre, Brazil and the 8th Istanbul Biennial. He has been included in
numerous museum exhibitions such as “Brave New Worlds,” the Walker Art Center, Minneapolis (2007); “It’s
the End of the World as We Know it,” Kunsthalle Mulhouse Centre d’Art Contemporain, Mulhouse (2010) and
“All of this and nothing.” Hammer Museum, Los Angeles (2010). In 2011, Macchi’s work was included in the
11th Biennale de Lyon and the 12th Istanbul Biennial. Solo exhibitions include: “The Anatomy of
Melancholy,” 6ª Bienal do Mercosul, Porto Alegre and Blanton Museum of Art, Austin (2007); “Piscina,”
Inhotim Centro de Arte Contemporânea, Brumadinho (2009); “Crónicas Eventuales,” Galería Ruth Benzacar,
Buenos Aires (2010). In 2011 Macchi was the subject of a survey exhibition “Music Stands Still” at S.M.A.K,
Ghent. In 2005, Jorge Macchi, in collaboration with Edgardo Rudnitzky, represented Argentina at the Venice
Biennale. His installation for the 2012 Liverpool Biennial, Refraction ,will be exhibited in June in the Art
Unlimited section of Art Basel.
3 CARLOS GARAICOA
Latin Kings Music Vol. I – V, 2007
Instalación. 5 CD’s, lector de CD, auriculares / Installation. 5 CD’s, CD player, headphones
Dimensiones variables / Variable dimensions
Latin King’s Music (2007) es una obra que toma como pretexto acontecimientos reseñados por la prensa
sensacionalista en Madrid en el año 2007. Concretamente la referencia es la tensión social generada por los
enfrentamientos en Alcorcón entre jóvenes españoles e inmigrantes suramericanos. Los titulares de los
periódicos y los medios de comunicación polarizaron los disturbios y estigmatizaron a bandas latinas, como
la de los Latin Kings, como causantes de las reyertas y la incomodidad vecinal en el municipio. El clima de
violencia física y mediática retrataba un paisaje de xenofobia y racismo en el que emergían los estereotipos
y clichés sobre ese otro que en España han representado las plurales subjetividades migrantes durante las
últimas décadas.
Esa identificación radical de la cultura popular y las tribus urbanas latinas con imágenes de violencia,
marginalidad, kitsch, responde a esquemas coloniales en los que la diferencia se percibe como potencial
peligro y barbarie. Paradójicamente, al mismo tiempo, la construcción histórica de “lo latino” ha sido formada
en un imaginario europeo sobre el viaje, lo exótico, el mito erótico, la fiesta. Se mezclan en esa imagen de lo
latino las históricas relaciones de poder que han permeado el trato entre Europa y América Latina. Al hilo de
estas ideas edité esta compilación musical, emulando las típicas listas de éxito al estilo de “la canción del
verano” -esta especie de boom bailable mediático que todos los años suena en todos los bares, discotecas
y emisoras de radio españolas, y que por lo general incluye algún hit latino-. La obra comprende 5 CDs
(música para amar, para bailar, para emborracharse, para odiar, para matar) con grandes éxitos de música
popular latina de todos los tiempos.
Latin Kings Music (2007) is a work that takes as reference events reviewed by gutter press in Madrid on
2007, related to the social tension generated by the confrontation between young Spanish and SouthAmerican immigrants in Alcorcon. Headlines in newspapers and media polarized the disturbances and
stigmatized Latin bands, such as Latin Kings, naming them the cause of quarrels and neighborhood
discomfort in the municipality. The climate of physical and media violence portrayed and xenophobic and
racist landscape where clichés and stereotypes emerged around that other one represented in Spain by
plural migration subjectivities during the last decades.
That radical identification of popular culture and Latin urban tribes with images of violence, marginality,
kitsch, answers to colonial schemes where difference is perceived as potential danger and barbarism.
Paradoxically, at the same time, historical construction of what is “Latin” in the European imaginary has been
formed around traveling, exotic, erotic myth, partying. In that image of Latin are mixed the historical power
relations that have permeated the dealings between Europe and Latin America. Keeping that in mind, I
edited this musical compilation, citing the typical hit lists in the style of “summer song” –this kind of media
dancing boom that every year sounds in every bar, disco and radio station in Spain and that usually includes
some Latin hit. The work includes 5 CDs (music to live, to dance, to get drunk, to hate, to kill) with great hits
of Latin popular music of all times.
Carlos Garaicoa (Cuba, 1967; vive y trabaja entre La Habana y Madrid) emplea en su trabajo artístico un
acercamiento multidisciplinar para referirse a cuestiones sociales, económicas y políticas que afectan la
construcción de las subjetividades y el conocimiento en la situación global del mundo contemporáneo. A
través del estudio de la arquitectura, el urbanismo, la escritura de la Historia y la tradición de las formas
estéticas en tanto lenguaje, su obra articula proposiciones de crítica cultural en las que emerge un debate
sobre las funciones del gesto artístico y de la figura de intelectuales y artistas como agentes sociales en la
esfera pública. Los medios que utiliza incluyen instalación, vídeo, fotografía, escultura, libros pop-up y
dibujos, entre otros.
Entre sus exposiciones personales más recientes se encuentran Reflexión Refracción. Arquitectura del
desarraigo. Episodio #3, en Saludarte Foundation, Ideobox Artspace, Miami; Orden Inconcluso (PolíticoPoético), en el CA2M, Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid; Orden Aparente (Poético-Político), en la
Fundación Botín, Santander; L’ Optimiste, Galleria Continua Le Moulin, Boissy-le-Châtel (Seine-et-Marne);
Carlos Garaicoa: la fotografía como intervención, Museo Colecciones ICO-MUICO (PHE 12), Madrid; Fin de
Silencio, Matadero de Madrid; y Overlapping, IMMA, Dublín. Otras muestras han tenido lugar en Inhotim
Instituto de Arte Contemporáneo, Brumadinho y Caixa Cultural, Río de Janeiro; Museo ICO y Matadero de
Madrid; IMMA, Dublín; Palau de la Virreina, Barcelona; Museum of Contemporary Art (MOCA), Los Ángeles;
Biblioteca Luis Ángel Arango, Banco de La República, Bogotá; Bronx Museum of the Arts, Nueva York;
Museo Alejandro Otero, Caracas, y Palazzo delle Papesse, Siena.
Ha participado en eventos como: VIII Bienal de Shanghái; Bienal de São Paulo; Bienal de La Habana; Bienal
de Venecia; Bienal de Moscú; Trienal de Yokohama y Trienal Echigo-Tsumari, en Japón; Bienal de
Johannesburgo; Bienal de Liverpool; Documenta 11, Kassel y Trienal de Auckland. En 2007 recibió el
premio de adquisición de Video Loop, Barcelona, por la obra Yo no quiero ver más a mis vecinos. En 2005
recibió el XXXIX International Contemporary Art Prize Foundation “Pierre de Monaco” en Montecarlo, y el
Katherine S. Marmor Award en Los Ángeles. Sus obras forman parte de las colecciones de museos tales
como: Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana, Cuba; The Museum of Fine Arts, Houston, Texas, EUA;
Southeast Museum of Photography, Daytona Beach, Florida, EUA; Los Ángeles County Museum (LACMA),
Los Ángeles, EUA; Centre PasquArt, Biel-Bienne, Suiza; Musée Européen de la Photographie, París,
Francia; Museo Nacional de Arte Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, España; Tate Modern, Londres, Reino
Unido; Museum of Contemporary Art (MOCA), Los Ángeles, EUA; Museum of Modern Art (MoMA), Nueva
York, EUA; The Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, EUA; Art Gallery of Ontario (AGO),
Toronto, Canadá; Dallas Museum of Art, Texas, EUA; Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León
(MUSAC), España; The Bronx Museum of Art, Nueva York, EUA; Museo del Barrio, Nueva York, EUA; La
Collection Du Musée National d’art Moderne, París, Francia; Museum of Latin American Art (MOLAA),
California, EUA; Musée de Beaux Arts de Montréal, Canadá; Fundació La Caixa, Barcelona, España; Centro
de Arte Caja de Burgos (CAB), España.
Carlos Garaicoa (Cuba, 1967; lives and works in Havana and Madrid) employs in his artistic work a
multidisciplinary approach to address social, economic, and political issues that affect the construction of
subjectivities and our knowledge of the global situation of the contemporary world. Through the study of
architecture, city planning, the writing of history, and the tradition of aesthetic forms as a language, his work
articulates propositions of cultural criticism in which a debate emerges about the functions of the artistic
gesture and of the figure of intellectuals and artists as social agents in the public sphere. The media he uses
include installations, video, photography, sculpture, pop-up books and drawings, among others.
His most recent individual shows include Reflexión Refracción. Arquitectura del desarraigo. Episodio #3, at
Saludarte Foundation, Ideobox Artspace, Miami; Orden Inconcluso (Político-Poético) at the Centro de Arte
Dos de Mayo, Madrid; Orden Aparente (Poético-Político) at Fundación Botín, Santander; L' Optimiste,
Galleria Continua Le Moulin, Boissy-le-Châtel (Seine-et-Marne), France; Carlos Garaicoa: la fotografía como
intervención. Museo Colecciones ICO- MUICO, Madrid (PHE 12), Madrid; Fin de Silencio, Matadero, Madrid;
and Overlapping, IMMA, Dublin. Other exhibitions of his work have been held at Inhotim Instituto de Arte
Contemporáneo, Brumadinho and Caixa Cultural, Río de Janeiro; Museo ICO and Matadero, Madrid; IMMA,
Dublin; Palau de la Virreina, Barcelona; Museum of Contemporary Art (M.O.C.A) Los Angeles; Biblioteca
Luis Ángel Arango, Banco de La República, Bogotá; Bronx Museum of the Arts, New York; Museo Alejandro
Otero, Caracas, and Palazzo delle Papesse, Siena.
He has taken part in art events such as: VIII Biennale of Shanghai; São Paulo Biennale; Havana Biennale;
Venice Biennale; Moscow Biennale; Triennial of Yokohama, and Triennial Echigo-Tsumari in Japan;
Johannesburg Biennale; Liverpool Biennale; Documenta 11, Kassel, and the Auckland Triennial.
In 2007 he was awarded the acquisition prize from Video Loop, Barcelona, for the work Yo no quiero ver
más a mis vecinos. In 2005 he received the XXXIX International Contemporary Art Prize from the “Pierre de
Monaco” Foundation in Monte Carlo, and the Katherine S. Marmor Award in Los Angeles.
4 MIRCEA CANTOR
If I Could Hear that Sound. Now, 2015
Cuatro fotografías en color sobre papel / Four color photographs on paper
29,7 x 42 cm
El punto de partida de la instalación que documentan estas fotografías es la historia bíblica de las Murallas
de Jericó, que fueron destruidas por el sonido de los shofars. Shofar: tradicional trompeta judía que se sigue
utilizando hoy en día para celebrar el Rosh Hashaná o Año Nuveo Judío, fabricada con el cuerno de un
carnero o antílope kosher. En mi trabajo aparece un muro de hormigón que se coloca justo encima de los
shofares generando una tensión, como una contradicción que llama la atención sobre lo que la poesía no
debe ser.
The departure point is the Biblical story of Wall of Jerico, that were destroyed by the sound of shofars.
Shofar -the traditional jewish 'trompet that they are still using today for Roshashana for example, and that is
ram horn or antilope in fact. In my work you have the concrete wall that are placed just on the shofars, as a
tension, as contradiction of what poetry shouldn't be.
Mircea Cantor, nació en 1977 en Rumanía. Es co-editor de VERSION, artista run magazine. Divide su
tiempo entre París y su Cluj nativo. Su trabajo se centra en temas de historia cultural, la memoria, y el
desplazamiento, haciéndose eco de su crianza en Rumania durante la tumultuosa transición de un estado
socialista a la democracia liberal. Con ironía, humor y sofisticado conceptualismo, su trabajo se compara
con frecuencia al de Marcel Duchamp. Cantor obtuvo el Premio Marcel Duchamp en 2011, otorgado a un
artista francés o residente en Francia considerado a la vanguardia de las prácticas artísticas
contemporáneas. Con exposiciones en todo el mudo, el trabajo de Cantor ha sido presentado en
exposiciones individuales en el Museo de la Imagen en Movimiento, el Salzburger Kunstverein, el Museo
Rodin, Kunsthaus Zürich, Arte Moderno de Oxford, el Arnolfini de Bristol, Mucasmok en Budapest, el Centro
de Artes de Camden en Londres, el Pompidou, el Museo de Arte de Filadelfia y el Museo de Arte de Tel
Aviv, entre otros. También ha sido incluido en numerosas exposiciones colectivas, tales como I Decided Not
to Save the World en la Tate Modern (2011), de The Workers en MASS MoCA (2011), A Shot in the Dark en
el Walker Art Center (2010), Les Promesses du passé en el Pompidou (2010), y Here Is Every: Forty
Decades of Contemporary Art en el Museo de Arte Moderno (2008), así como la 28 Bienal de São Paulo en
2008, la Bienal de Berlín cuarto en 2006, y la Trienal de Yokohama en 2011.
Mircea Cantor, Born in 1977 in Romania. He is Co-editor of VERSION, artist run magazine.Splitting his time
between Paris and his native Cluj, Mircea Cantor makes work that centers around themes of cultural history,
memory, and displacement, echoing his upbringing in Romania during its tumultuous transition from state
socialism to liberal democracy. Wryly humorous and conceptually oriented, his work is frequently compared
to that of Marcel Duchamp—an apt designation considering that Cantor won the Marcel Duchamp Prize in
2011, awarded to a France-based artist considered to be at the vanguard of contemporary art practice.
Exhibited worldwide, Cantor's work has been featured in solo shows at the Museum of the Moving Image,
the Salzburger Kunstverein, the Musée Rodin, Kunsthaus Zürich, Modern Art Oxford, the Arnolfini in Bristol,
Mucasmok in Budapest, the Camden Arts Centre in London, the Pompidou, the Philadelphia Museum of Art,
and the Tel Aviv Museum of Art, among others. He has also been included in such notable group exhibitions
as I Decided Not to Save the World at the Tate Modern (2011), The Workers at MASS MoCA (2011), A Shot
in the Dark at the Walker Art Center (2010), Les Promesses du passé at the Pompidou (2010), and Here Is
Every: Forty Decades of Contemporary Art at the Museum of Modern Art (2008), as well as the 28th São
Paulo Biennial in 2008, the 4th Berlin Biennial in 2006, and the Yokohama Triennial in 2011.
5 CARLOS GARAICOA
De la serie: El dibujo, la escritura, la abstracción (La Abstracción III, verde) /
From the series The Drawing, the Writing, the Abstraction (The Abstraction III, Green), 1997-2012
Fotografía en color, impresión Ilfordjet laminada en plexiglás y montada en aluminio
Ilfordjet print color photographs mounted and laminated on plexiglas and aluminium
188 x 155 cm
Edición de 3 y 2 PA / Edition of 3 and 2 AP
Esta obra pertenece a una serie fotográfica realizada y nunca exhibida en 1997 en Caracas, Venezuela,
para el Museo de Bellas Artes. Las fotografías de este conjunto retratan el antiguo mercado de La Hoyada,
y no fueron impresas hasta hace pocos años. Estas obras, que he dado en llamar Abstracciones, son
simples huellas de un pasado que nunca pude conocer pero que quise imaginar feliz y próspero. En el
contexto de esta exposición la fotografía evoca esa experiencia de recorrer un lugar abandonado, mientras
buscamos con la lente y exploramos un mundo deshabitado, mientras nos llegan los ecos imaginarios de lo
que fue la vida, el ruido cotidiano, en el espacio. Algo que en esta serie en particular es potenciado por el
elemento sinestésico que el vibrante cromatismo de la foto contiene.
This work is part of a photographic series made in Caracas, Venezuela in 1997, for the National Fine Arts
Museum and never exhibited. This set of photos portrays the ancient market La Hoyada, and weren’t printed
until e few years ago. This works, that I decided to call Abstractions, are simple remains of a past I was
never able to know, but I wanted to imagine as a happy and prosperous one. In the context of this exhibition,
photography evokes the experience of going through an abandoned place, while searching through the
lens and exploring an uninhabited world, and receiving the imaginary echoes of what it was in life, everyday
noise, in the space. Something on this particular series is amplified by the synaesthesic element that
contains the vibrant chromatics in the photo.
6 CARLOS GARAICOA
Acerca de la caja del reloj y del tiempo que se ha ido /
About the Grandfather Clock and the Time that Has Gone, 1995
Instalación. Cuatro fotografías Cibachrome, 80 x 80 cm. Una fotografía Cibachrome, 125 x 125 cm. Atril,
violín, seis partituras escritas a mano, 47 x 34 cm, texto en vinilo
Installation. Four Cibachrome photographs, 80 x 80 cm. One photograph Cibachrome, 125 x 125 cm. Stand,
violin, six handwritten scores, 47 x 34 cm, vinyl text
Esta obra fue producida en 1995 a propósito de la primera Bienal de Johannesburgo y es probablemente la
primera pieza donde me propuse crear una ficción y donde me convierto en un narrador de historias,
enfrentándome a la obra casi desde la perspectiva de la escritura. Esto es algo diferente de lo que había
sido mi obra hasta ese momento, pues si antes era un reciclaje de objetos y fragmentos de la ciudad
tratados desde la perspectiva de la fotografía documental, con esta pieza intento transgredir la propia idea
de documento y proponer un espacio de ficción.
La obra parte de una historia acontecida supuestamente en los años ’50, la de un músico que decide no
hacer otro concierto en los espacios tradicionales y que decide deambular por la ciudad con un objeto
fetiche a cuestas: la caja de un reloj del siglo XIX. La pieza va acompañada de un diario de este músico,
donde se hace referencia a su relación con la ciudad, en este caso La Habana. Este diario está escrito en
papel pautado y refleja en sus páginas el estado alucinatorio del personaje en relación con la realidad.
This work was created in 1995 for the first Johannesburg Biennale. It is probably the first work in which I try
to create a fiction; I become a story teller, and produce a work almost from the writing perspective. This is
something that differs of my work untill that time; if before it was related to recicling objects and city
fragments, treated from the perspective of documentary photography, with this specific work I try to
transgress the idea of document and propose a fiction space.
The work comes mainly from a story that’s supposely from the 50s, where a musician decides he won’t do
again another concert in the traditional spaces and simply opts for wandering around the city with a fetish
object on his back: a XIX century grandfather clock case. The piece is completed with a diary from this
musician, where there is reference to his relation to the city, in this case, Havana. This diary is written in
ruled paper, and reflects in its pages a halucinatory state in his relations with reality.
7 MIGUEL ÁLVAREZ
Doce composiciones para bolígrafo / Twelve compositions for pen, 2012
Múltiple escultórico. Bolígrafos, caja de madera y cristal / Pens, wood box and glass
Serie limitada de doce ediciones / Limited series of twelve editions
Con la colaboración de Twin Gallery / In collaboration with Twin Gallery
No está claro si nos encontramos ante una partitura -o una colección de ellas, como el título de la obra
podría sugerir-, ante una serie de instrumentos musicales destinados a ejecutar esa partitura, ante un
listado de acciones o performances, ante una curiosa caja de música, ante una suerte de poemario, ante un
conjunto de pequeñas esculturas… O ante una docena de bolígrafos, custodiados en una silenciosa caja de
madera y cristal.
¿Qué importa?, cabría añadir. El cuestionamiento de la propia materialidad de la pieza forma parte de una
tradición que estas “Doce composiciones” homenajean (o plagian, o simplemente rememoran). Nombres
como los de La Monte Young o, más veladamente, Fernando Millán evocan unas prácticas que quizás hoy
nos resulten tan idealistas como la propuesta de John Lennon y Yoko Ono recordada en otra de las
composiciones. El pop, con sus materiales baratos -tanto, al menos, como sus referencias-, es también
objeto de apropiación. Todo el conjunto podría, pues, concebirse como un acto de nostalgia (Fluxus,
Conceptual…). Pero otros índices apuntan hacia un presente inscrito de futuro, igual que cada elemento
luce su flamante origen en China (la caja también podría portar la firma). No está claro hasta dónde llega la
broma. Nunca lo estuvo, al menos desde Duchamp -el abuelo, si antes nos apropiábamos de los padres-.
Y, pese a no dejar nada claro el alcance de la broma, ni tampoco el del arte -o precisamente por ello-, sus
obras nos siguen inspirando. Nos invitan a hacer. A pensar, a imaginar. O a repensar, a preguntarnos, a
olvidar. Por lo que falta, por lo tachado, por lo que aún no está escrito (también por los [im]posibles errores,
por las faltas -de ortografía o de cualquier otro tipo-), por el idioma, por la (siempre imperfecta) traducción.
Por la música y, sobre todo, por lo que (aún) no es música.
Doce invitaciones a la escucha, que es siempre apertura al otro, a lo otro. A lo que quizá nos parece viejo,
conocido de oídas, pero que -como todo sonido- es en realidad nuevo, está sucediendo ahora. Una escucha
que es también -y siempre- mirada, espejismo, cuerpo, tacto, peso, espacio…
La caja se cierra, pero nuestros oídos siguen sin tener párpados. La escucha es acción, pero tampoco está
claro dónde puede transcurrir todo lo que aquí se indica. ¿Auditorios, galerías, librerías, hogares? ¿El papel
en blanco de nuestra mente? Si cuando empuñemos un bolígrafo -cualquiera- algo de todo esto resuena
allí, la caja volverá a abrirse.
Composición nº 1 para bolígrafo
Aprieta el botón de la parte superior y, sobre una superficie de papel o un material similar, escribe o dibuja
algo que te parezca musical. Táchalo y canta.
Úsalo, durante varios minutos, como un micrófono. Hazlo en voz muy baja, o en silencio.
Imagina que las notas musicales de al lado, así como todas estas letras, son sólo pequeñas manchas de
tinta. Pinta algunas más, de ambos tipos.
(en tres movimientos): I.- Lanzamiento
II.- Golpe
III.- Caída.
Pulsa el botón de la parte superior tantas veces como puedas durante uno, dos o tres minutos. Lleva la
cuenta mentalmente.
Sopla a través del agujero de la punta (separa tus labios unos milímetros). Hazlo cada vez más sutilmente,
hasta que no te quede aire.
Presta atención al sonido producido por tus dedos y tus ojos mientras intentas llegar al final de este texto.
Sin apretar el botón de la parte superior, marca sobre una superficie, varias veces, tu nombre. Intenta
memorizar el ritmo y la melodía que corresponden a cada letra.
¿En qué difiere este objeto, musicalmente hablando, de todos los demás que lo rodean?
(a LMY). Dibuja una línea recta, hacia arriba, y síguela.
GIVE PEACE A CHANCE.
Coloca todos los objetos similares a éste que tengas cerca como si fueran las teclas de un piano, y toca un
rápido glissando.
It’s not clear if we are in the presence of a score –or a collection of scores, as the work title might suggest-, a
series of musical instruments destined to execute that score, a list of actions or performances, a curious
music box, a sort of poem book, an assembly of small sculptures…Or in the presence of a dozen of ballpoint pens, guarded by a silent case of wood and glass. Twelve invitations to listening, that is always
opening to the other. To what maybe seem us old, known by hearing, but –as every sound- is actually new,
it’s happening now. A hearing that’s also –and always- glance, mirage, body, touch, weight, space… The
box closes, but our ears remain without eyelids. Listening is action, but neither is clear where can happen
what’s indicated here. Auditoriums, galleries, bookshops, homes? The white paper of our mind? If when we
seize a ballpoint pen –anyone- some of all that resounds there, the box will open again.
Composition No 1 for a ballpoint pen
Squeeze the button from the top area and in a paper surface or a similar material, write or draw something
that looks musical to you. Cross it out and sing.
Use it, for a few minutes, as a microphone. Do it in very low voice, or in silence.
Imagine the musical notes from beside and these entire letters as well, are just little spots of ink. Paint some
more of both types.
(In three movements): I. - Throw
II. - Hit
III. - Fall
Press the button from the top area as many times as you can during one, two or three minutes. Keep the
counting in your mind.
Blow through the hole in the tip (separate your lips a few millimeters). Do it more subtle every time, until
you’re out of air.
Pay attention to the sound made by your fingers and your eyes while you try to reach the end of this text.
Without squeezing the button from the top area, mark on a surface, several times, your name. try to
memorize the rhythm and melody corresponding to each letter.
¿musically speaking, what’s the difference of this object with the rest of the ones surrounding it?
Compositions No 10 for a ballpoint pen
(To LMY) Draw a straight line, upwards, and follow it.
GIVE PEACE A CHANCE
Place every close object similar to this one as if it were piano keys, and play a quick glissando.
Miguel Álvarez (Madrid, 1979). Combina su actividad como artista sonoro con la investigación teórica
acerca de este ámbito creativo y el trabajo como productor y comisario. Realizó estudios de Composición en
el conservatorio de San Lorenzo de El Escorial, que después continuó en Alemania (Darmstadt, Kürten,
Berlín), y en diferentes centros españoles (LIEM/CDMC, Gabinete de Música Electroacústica de Cuenca,
Aula de Música de Alcalá de Henares). Entre 2002 y 2005 disfrutó de una beca como compositor en la
Residencia de Estudiantes de Madrid. Entre 2005 y 2008 trabajó en Estudio de Música Electrónica de la
Universidad Técnica de Berlín, como compositor invitado, investigador y profesor. Desde 2008 dirige y
presenta el programa semanal Ars Sonora en Radio Clásica, de Radio Nacional de España. Sus
composiciones, performances e instalaciones sonoras se han presentado en ciudades como Madrid,
Barcelona, Valencia, Sevilla, Palma de Mallorca, Berlín, Colonia, Copenhague, Estocolmo, Moscú, Ohrid,
Novi Sad, Vilna, Nueva York, México D. F., etc. En 2011 recibió, de manos de Llorenç Barber, el IV Premio
"Cura Castillejo".
Miguel Álvarez (Madrid, 1979). He combines his activity as a sound artist with theory research about this
creative ambit and his work as a producer and commissary. He studied composition in San Lorenzo
Conservatory at The Escorial; and later continued those in Germany (Darmstadt, Kürten, Berlin) and different
Spanish centers (LIEM/CDMC, Electro-acoustic music Study in Cuenca, Music Classroom at Alcalá de
Henares). Between 2002 and 2005 achieved a scholarship as a composer in Madrid Students Residency.
Between 2005 and 2008 he worked in the Electro-acoustic Music Study in Berlin Technical University as
guest composer, investigator and professor. Since 2008 he directs and presents the weekly program Ars
Sonora in Radio Clasica, from Spain National Radio. His compositions, performances and sound
installations have been presented in cities such as: Madrid, Barcelona, Valencia, Seville, Palma de Mallorca,
Berlin, Colonia, Copenhagen, Stockholm, Moscow, Ohrid, Novi Sad, Vilna, New York, México D. F., etc. In
2011 received the IV award "Cura Castillejo”, by the hands of Llorenç Barber.
www.rtve.es/alacarta/audios/ars-sonora
www.miguelalvarezfernandez.wordpress.com
www.twingallery.es
8 MOUSSORGSKI - KANDINSKY
Tableaux d’une Exposition, 1928-2010
Filme de animación/ Animation Film, 36 min
Un filme de animación sobre una idea de Mikhail Rudy basado en el espectáculo diseñado por Vassili
Kandinski en 1928 en el Friedrich-Theater de Dessau
An animation film base on the idea of Mikhail Rudi inspired by the Performance with design of Vassili
Kandinski in 1928 to the Friedrich-Theater at Dessau
Animación / Animation: L’E.S.T.
Diseño de animaciones / Animations Design: Mathilde Germi
Producción de animaciones / Animations Production: Christian Guillon / Audrey Kleinclaus
En 1928 Vasily Kandinsky crea un espectáculo extraordinario inspirado en una de las obras más famosas
de Mussorgsky: Cuadros de una exposición. Moussorgski compuso esta obra inspirado por la exposición
póstuma de diez pinturas y escritos de su amigo, el artista y arquitecto Viktor Hartmann (1834-1873). A
manera de homenaje, el compositor quiso «dibujar en música» algunos de los cuadros expuestos.
Las pinturas están basadas en formas geométricas, colores, líneas y luces de colores, presentadas en
series que siguen el ritmo de la partitura, un ensamblaje considerado hoy una obra maestra de “arte total”.
Este espectáculo finalmente ha sido recuperado a través de una película de animación diseñada por Mikhail
Rudy, a partir de los apuntes y bocetos en acuarela de Kandinsky que se han conservado en el Centro
Pompidou. El famoso pianista -que aquí interpreta una de sus obras favoritas- permite una experiencia que
nos sitúa en la intersección entre música y pintura. La película fue presentada por primera vez en un
concierto en la Ciudad de la Música, París, 2010, acompañada por una actuación en directo de Mikhail
Rudy.
In 1928 Vasily Kandinsky at the Bauhaus creates an extraordinary sight on one of the most famous works of
Mussorgsky: Pictures at an Exhibition.
Based on geometric shapes, colors, lines and colored lights, tables follow each other to the rhythm of the
score, a set today considered a masterpiece of the Art Total. This show finally revived as an animated film
designed by Mikhail Rudy, from the stage directions and preparatory watercolors of Kandinsky kept at the
Centre Pompidou. The famous pianist -who here interprets one of his favorite works- we thus allows a great
experience at the intersection of music and painting. Presented in concert for the first time at the 2010 Music
City, the film accompanied by live interpretation of Mikhail Rudy, is now screened in many countries.
9 ELENA MAZZI EN COLABORACIÓN CON / IN COLLABORATION WITH ELISA STRINNA
Articolazioni Oltre il Linguaggio / Articulaciones más allá del lenguaje, 2013-2014
Instalación sonora / Sound installation
Dos canales: vídeo 3 min 34 s y gráfico / Two Channels: video 3 min 34 s and graphic
En Articolazioni Oltre il Linguaggio hay un diálogo complejo entre lo histórico, lo natural y la idea humana de
la crisis, expresado en un dueto de voces. El diálogo tiene lugar a partir de una reflexión sobre las teorías
del físico danés Per Bak en el libro How Nature Works: The Science of Self-Organized Criticality. La primera
voz viene de una roca sedimentaria, un depósito simbólico de la historia ancestral de la Tierra, cuyo
vocabulario, agravado con el tiempo por la acumulación de material, es descifrado por un instrumento capaz
de traducir los ritmos de los estratos. La segunda voz es de una cantante que interpreta un gráfico que
representa las tendencias en la economía occidental. La obra pone al espectador en la posición de
escuchar un discurso sobre la historia del mundo en su esencia material, cara a cara con un elemento
artificial, dominante en la realidad contemporánea. La relación entre estos dos factores da lugar a una
composición "oral", una nueva letra para interpretar que tiene como objetivo poner de relieve cómo se
entrelazan dos aspectos aparentemente distantes de la vida humana.
In Articolazioni Oltre il Linguaggio there is a complex dialogue between the historical, the natural and the
human idea of crisis expressed in a duet of voices. The dialogue takes place from a reflection on the theories
of the Danish physics Per Bak, in the book ‘ How nature works’. The first voice comes from a sedimentary
rock, a symbolic repository of the ancestral history of Earth, whose vocabulary, compounded over time by
the accumulation of material, is deciphered by an instrument capable of translating the rhythms of the strata.
The second voice is a singer who interprets a graphic representing trends in the Western economy. The
work therefore puts the viewer in the position of listening to a discourse on the history of the world in its
material essence, face to face with an artificial element, dominant in contemporary reality. The relationship
between these two factors gives rise to an “oral” component, a new lyric that aims to highlight how the two
aspects on which human life balances are interwoven, yet distant.
Elena Mazzi nació en 1984 en Reggio Emilia. Actualmente vive y trabaja en Venecia. Estudió Historia del
Arte en la Universidad de Siena. En 2011 se graduó en Artes Visuales en la Universidad IUAV de Venecia.
Pasó un periodo de estudios en el extranjero en la Academia Real de Arte (KONSTHÖGSKOLAN) en
Estocolmo. Ha participado en varias exposiciones individuales y colectivas, incluyendo la muestra Collective
memory and social space en la Galería Botkyrka Konsthall en Estocolmo, Letters from the sky en el festival
de videoarte COP17 de Durban (África), el IUAV Pabellón XIV Exposición de Patrimonio Cultural de
Venecia, COMMON GROUND, proyectos para la Laguna de Venecia Palazzetto Tito (Fondazione Bevilaqua
Lamasa), TRA/ARADA/ INBETWEEN en Estambul. En 2011 ganó la beca Movin'up para un proyecto de
residencia en San Francisco, en colaboración con el colectivo Future Farmers. En 2012 participó en la
exposición Volumi contrastanti / Kontrasterande volymer en el Instituto Italiano de Cultura en Estocolmo y en
el Art Stays_Festival of Contemporary Art, Ptuj, Eslovenia. En el mismo año fue seleccionada para participar
en el taller anual de la Fondazione Spinola Banna en Turín. En 2013 participó en el proyecto
Contemporanee Dolomiti y obtuvo una residencia para un espacio de trabajo en Bevilacqua Fundación La
Masa en Venecia. Fue finalista del Premio Celeste. En 2014 fue seleccionada para la Copa EGE-Europea
Experience, una exposición itinerante por Europa en los mejores museos europeos dedicados al cristal, y
participó en la muestra colateral de la 14° Bienal de Arquitectura de Venecia y en la Primera Bienal de Fittja
(Estocolmo). Participó en el Taller de Carlos Garaicoa en la Fundación Botín (España), y en el programa de
residencia en DOCVA-Via Farini, Milán.
Elena Mazzi was born in 1984 in Reggio Emilia (Italy). She received her BFA in 2007 in History of Art from
Siena University, and her MFA in 2011 in Visual Art from IUAV, Venice University. She was selected for an
exchange program at Royal Academy of Art (Konsthogskolan) of Stockholm. Elena Mazzi has been included
in various exhibitions including the solo exhibition Collective memory and social space at Botkyrka Konsthall
in Stockholm, after a three months residency, Letters from the sky video art festival at COP17 in Durban,
IUAV Pavillion at XIV BBCC Expo in Venice, COMMON GROUND, projects for the Lagoon in Venice,
TRA/ARADA/INBETWEEN in Istanbul. This year she has attended Future Farmers A.I.R., supported by
G.A.I. Italian prize for young Italian artists. In 2012 she participated in the exhibition Volumi
contrastanti/Kontrasterande volymer at Italian Institute of Culture in Stockholm and in Art Stays_Festival of
Contemporary Art, Ptuj, Slovenia. In the same year she has been selected for the annual workshop at
Fondazione Spinola Banna in Turin. In 2013 she has been invited to participate in Dolomiti contemporanee
project and is the winner of one-year studio space at Bevilacqua La Masa Foundation in Venice. She is one
of the finalists at Celeste Prize. In 2014 she has been selected for EGE-European Glass Experience, a
travelling exhibition around Europe in the best European glass' museums, and she is participating collaterally
in the 14° Venice Architecture Biennale and the first Fittja Biennal (Stockholm). She is selected to participate
at Carlos Garaicoa's workshop at Fundacion Botin (Spain), and to the residency program at DOCVA-Via
Farini, Milan. Elena Mazzi currently lives and works in Venice.
10 Archivo ChakraRPM
El archivo ChakraRPM presenta tres ramas específicas de la genealogía del hardcore punk; algunas bandas
claves de América del Sur de los 80´s y 90´s (Olho Seco, Attaque frontales, Kaos, Hog), otro grupo de
bandas influyentes de Europa y Estados Unidos de los años 90 que reconfiguraron la intensidad de esta
música (Los Crudos, His Hero is Gone, E150, Opstand, Dir Yassin) y discos de otras bandas provenientes
de países como Kazajstán, Tailandia, Cuba, Turquía, por nombrar algunos. El archivo reúne solo discos de
7 "pulgadas, el popular y comercial "formato single" recuperado por la comunidad de hardcore punk
underground, pero con la diferencia de que en vez de grabar solo una canción se grababan entre 7 y 8 (o
hasta 48 canciones en algunos casos), convirtiéndolo así en un formato asequible y de fácil
distribución. Una de las principales particularidades de este archivo es mostrar la fuerza del lenguaje visual
que acompañó a estas bandas.
Estas grabaciones se realizaron en el momento en que se comenzaba a crear una situación global y
muestran una forma de comunicación previa a la cultura digital. La herencia del anarcopunk y las prácticas
Do It Yourself de estas bandas establecieron redes independientes de producción discográfica, distribución
y performance. Más que una música nihilista y ruidosa, los sonidos que emanan de esta comunidad
libertaria generaron espacios independientes donde se trataron temas como las dinámicas laborales, las
políticas de género, identidad sexual, derechos de inmigración, alimentación y ecología, así como relaciones
de barrio y la crítica de su propia existencia. En el contexto neoliberal de la sociedad de consumo y de la
industria cultural, estas grabaciones han abierto espacios independientes donde se siguen provocando
pequeñas revoluciones (por minuto).
El archivo ChakraRPM forma parte de la colección del LiMac, ha sido comisariado por el Director del LiMac,
Antoine Henry-Jonquères.
The ChakraRPM archive focuses on three specific branches from the hardcore punk genealogy; a few key
bands from south America (Olho Seco, Attaque Frontal, Kaos, Hog), some of the most influential bands from
the 90´s that reshaped tthe intensity of this music (Los Crudos, His Hero is Gone, E150, Opstand, Dir
Yassin) and the records of many other bands from far off countries such as Kazakhstan, Thailand, Cuba,
Turkey to name a few. This archive solely shows 7”inch records, the popular and commercial “single” format
recuperated by the underground punk community in order to record a good amount of songs on an
affordable and easily distributed format. One of the main particularities of this archive is to show the direct
visual aesthetic that goes along with its music.
These recording were made at the dawn of globalization and show a mode of communication before digital
culture. The heritage of anarchopunk and Do It Yourself practices allowed these bands to establish
independent networks of record production, distribution and live performance. More than music or gratuitous
nihilist noises, the sounds that emanate from this libertarian community generated independent spaces
where issues such as labor dynamics, gender politics, sexual identity, immigration rights, nutritional and
ecological life style as well as neighborhood relations and self criticism took place. Within the neo-liberal
context of consumer society and the cultural industry, these recordings opened independent spaces where
small revolutions (per minute) still are being provoked.
The ChakraRPM Archive is part of the LiMac collection
El LiMac es un verdadero falso museo iniciado en el año 2002 por la artista peruana Sandra Gamarra en
respuesta al vacío institucional al nivel cultural de la ciudad de Lima. El museo comenzó a aparecer como
un logotipo en suvenires como lápices, borradores, bolsos, etc. Desde entonces, se han desarrollado
colecciones, exposiciones, archivos y un proyecto arquitectónico. LiMAC no tiene sede permanente en
Lima, sino que el museo aparece en distintas ciudades de manera itinerante e intenta establecer fricciones
entre la ficción y los hechos. Entre los fondos del LIMAC que pueden ser consultados online, hay una
variedad de archivos entre los que se pueden destacar: Restos impresos, un archivo cronológico sobre el
uso y la apariencia de la prensa cotidiana en el arte. Afiche activo, un archivo que conserva carteles del
activismo de izquierda y antifascista y que tiene por objetivo el estudio estético y el contenido del activismo
como práctica y agencia política. Partituras D.I.Y., un acervo que reúne la vitalidad estética de flyers de
conciertos DIY (Hazlo tu mismo) producidos en diferentes partes del mundo. Paredes Okupas, un archivo
que recopila imágenes de casas okupas en diversos lugares del mundo, como testimonio de la expresión de
los movimientos antisistema en la vida urbana contemporánea.
LiMac is a real false museum started in 2002 by Peruvian artist Sandra Gamarra in response to the
institutional void in a cultural level at Lima city. The museum stated to appear as a logotype in souvenirs
such as pencils, erasers, bags, etc. Since then, there have been developed collections, exhibitions,
archives and an architectonic project. LiMac doesn’t have a permanent head office at Lima, but the Museum
appears in different cities in an itinerant way and tries to establish frictions between fiction and facts. Among
the LiMAC funds available to be checked online, there is a variety of archives such as: Printed remains, a
chronological archive about the use and appearance of daily press in art; Active Poster, and archive that
preserves posters from leftwing and antifascist activism, that aims to the static study and the content of
activism as a practice and political agency; Scores D.I.Y., gathering the aesthetic vitality of DIY (do it
yourself) concert flyers, produced in different places around the world; Okupa walls, that compiles images of
squatter houses from all around the world, as a testimony of anti system movements in urban contemporary
life.
www.li-mac.org
11 BALADA TROPICAL
El síndrome de Estocolmo / The Stockholm Syndrome, 2014
Vídeo, 1 h 41 min
Documentación de la performance realizada en el Pabellón Cuba, La Habana
Documentation of the performance at Pabellón Cuba, Havana
(Ariel Arjona)
If willpower is understood as the own limit of willpower, one participates of a concept platform where that
which is assumed as liberty is nothing but autonomy. Individual then becomes, in itself, as an autonomous
being and not as a free one, able to represent itself in specific space and time through its best tool:
conscience. However, the act itself of deciding assumes the apparent condition that every cause implies an
effect, since the individual builds associations between all those phenomenon that appear to conscience, its
conscience; all related by means of what experience, habit and custom have legitimated. But this kind of
reasoning excludes fate as a possibility, since fate’s own representation is the prognosis of something that is
not necessary but it could be. Assuming that an X cause is followed by an effect is anticipating to time and
space, trying to transcend the rules of being and to build an ultraist extension. Balada Tropical is not a
theoretical exercise and it is one; to not legitimize through prefabricated equations is another equation’s
prefabrication. The empirical horizon where the harmonic discourse is structured is the result of a referent:
reason. Since the moment when Balada Tropical pretends to emancipate from all rules –without declaring
about any moral proposal because of this- it starts the rehearsal on autonomy as premise of the individual
existence. There are no causes or effects in the act’s execution; spontaneity and improvisation contaminate
the scene, leaving no trace but what it stopped being, to transmute into new representations. Is a way for
what’s popular and vernacular to appear, without, necessarily, representation being part of vernacular and
popular because of this. Forcing direction to Balada Tropical is modifying its own direction; it’s not possible to
impose sense on the event if one wants to discourse on the event: if one can’t talk about it, is better to shut
up.
Ariel Arjona
Balada Tropical: Víctor Piverno, Jorge Pablo Lima, Leonardo Luis Roque, Amanda Alonso y Nelson Barrera.
12 YONEL HIDALGO
Brother cuéntame / Tell Me Brother, 2014
Archivo de audio, audio wave (.wav, 316 MB), estéreo
Audio file, audio wave (.wav, 316 MB), stereo
28 min 50 s
A los 44 años de edad mi hermano viaja por primera vez fuera de Cuba, viene a Italia donde yo vivo desde
hace doce años. Hablamos fundamentalmente de objetos, desde la publicidad hasta el desecho. Su tono de
voz es obviamente auténtico y mientras habla manifiesta su interés por extender la vida de las cosas y a
prolongar la convivencia con ellas. Nuestra conversación evoluciona desde el embarazo provocado por
estar en una sala de grabaciones, que es un contexto inusual para un diálogo familiar, hasta los evidentes
contrastes provocados por mi acento italiano cuando hablo en español.
Un diálogo simple que más allá de la fascinación por el nuevo mundo y la nostalgia de nuestro pasado,
muestra temas contemporáneos de interés. Por una parte el hecho de que convivimos con objetos
altamente tecnológicos que están creando nuevas costumbres y nuevas formas de libertad. Si en el pasado
asimilábamos el ritmo de las cosas, que pasaban de una generación a otra sin perder su valor y su utilidad,
hoy por el contrario son esos objetos los que imponen su paso discontinuo, pues primero existen con
prepotencia, para luego romperse velozmente obligándonos a sustituirlos. Este tipo de relación fugaz con lo
que nos rodea muchas veces se refleja en nuestra forma de convivir con las personas.
Esta pieza sonora me permite mostrar la dominación del objeto sobre nosotros, pues incluso cuando este se
deshace de sus funciones, nos ofrece otra posibilidad de intuir una nueva utilidad mental, sin límites.
At 44 years old my brother traveled for the first time outside of Cuba, come to Italy where I live for twelve
years. We speak mainly of objects, from advertising to waste. His tone is obviously true and while talking
expresses interest in extending the life of things and prolong living with them. Our conversation evolves from
pregnancy caused by being in a recording room, which is an unusual backdrop for a family dialogue, to the
obvious contrasts caused by my Italian accent when I speak Spanish.
A simple dialogue beyond the fascination with the new world and the nostalgia of our past shows
contemporary topics. On the one hand the fact that we live with highly technological objects that are creating
new customs and new forms of freedom. If in the past asimilábamos the swing of things, passing from one
generation to another without losing its value and usefulness today by contrast are those objects which
impose their discontinuous step, because first there with arrogance, then break fast forcing us to replace
them. This kind of fleeting connection with what surrounds us is often reflected in the way we live with
people.
This sound piece allows me to show dominance order on us, because even when this gets rid of its
functions, offers us another opportunity to intuit a new mental utility, without limits.
Yonel Hidalgo nace en Las Tunas, Cuba, en el 1970. Graduado como profesor de pintura y dibujo en el año
1989 en la Academia de Arte “Vicentina De La Torre” de Camagüey. En 1994 expone por primera vez en
una muestra colateral organizada por la Galería Domingo Ravenet a la IV edición de la Bienal de La Habana
y más tarde en su VII edición en la muestra “El Último Dibujo del Siglo”, cien dibujos de artistas
internacionales, organizada por la Asociación Cultural Zerynthia de Roma. En 1998 realizó su primera
exposición personal “Utopías de la comodidad”, presentada en la sede de la Galería Juan David en La
Habana y también en el Museo Ignacio Agramonte de Camagüey. Desde el 2003 vive en Italia donde
prioriza su participación en proyectos no convencionales como: “Nonsono quello chesono” -Istituto
Superiore Antincendi de Roma, curado por Gianluca Marziani; “Stazione Livorno”, guía artistica de la ciudad
de Livorno curada por Alessandra Poggianti, Katia Anguelova y Stefano Boccalini; “Cognizioni Utili”Biblioteca Labronica- Villa Fabbricotti, Livorno o para fundaciones y museos: “Camouflage” - Palazzo
Lucarini Contemporary en Trevi (Perugia). En ocasión de la personal “El deseo no tiene limites” curada por
Enzo De Leonibus para el Museo Laboratorio-Ex Manifattura Tabacchi de Città Sant'Angelo (Pescara),
presenta su obra permanente A mitad camino, realizada con la contribución del Istituto d'Arte de Castelli
(Teramo) después de una residencia artística en tal institución. Desde el 2009 hasta hoy ha participado en
exposiciones como: “Padiglione Toscana. 54ª Biennale di Venezia”, curada por Vittorio Sgarbi, Centro per
l'Arte Contemporanea Luigi Pecci, Prato; “Born again. Memorie del contemporaneo”, curada por Mara
Predicatori, XII edición de In Chartis Mevaniae organizada por el Ayuntamiento de Bevagna (Perugia); “I'll
never give up smoking”, curada por Alba Braza Boïls para la Officina Giovani, Cantieri Culturali-Ex Macelli
de Prato. A partir del 2004 comienza su colaboración con la Asociación Cultural Artwo de Roma en la
creación de objetos de diseño en ediciones limitadas producidos por la Casa Circondariale di Rebibbia (una
de las cárceles de Roma), recientemente exhibidos en el Triennale Design Museum de Milano. Hace cuatro
años es docente de pintura y dibujo en la Fondazione Culturale d'Arte Trossi Uberti de Livorno.
Yonel Hidalgo was born in Las Tunas, Cuba, in 1970. Graduated as professor of painting and drawing in
1989 at the Academy of Arts "Vicentina De La Torre" in Camagüey. In 1994 he exhibited for the first time in a
collateral exhibition organized by the Gallery Domingo Ravenet en la IV Biennial of Havana and later in its
VII edition in the exhibition "The Last Drawing of the Century", a hundred drawings by international artists,
organized by Zerynthia Cultural Association of Rome. In 1998 he made his first personal exhibition "Comfort
Utopias", presented at Juan David Gallery in Havana and in the Ignacio Agramonte Museum of Camagüey.
Since 2003 lives in Italy where prioritizes its participation in unconventional projects like "Nonsono quello
chesono" -Istituto Superiore Antincendi in Rome, curated by Gianluca Marziani; "Stazione Livorno" artistic
guide to the city of Livorno curated by Alessandra Poggianti, Katia Angelova and Stefano Boccalini;
"Cognizioni Utili" -Library Labronica- Villa Fabbricotti, Livorno or foundations and museums: "Camouflage" –
Palazzo Contemporary Lucarini in Trevi (Perugia). On the occasion of personal "Desire has no limits"
curated by Enzo De Leonibus for Lab-Ex Manifattura Tabacchi of Città Sant'Angelo (Pescara) Museum
presents its permanent work, made with the support of the Istituto d' Castelli Art (Teramo) after an artistic
residence in that institution. From 2009 until today he has participated in exhibitions such as "Padiglione
Toscana. 54th Biennale di Venezia", curated by Vittorio Sgarbi, Centro per l'Arte Contemporanea Luigi
Pecci, Prato; "Born again. Memorie of contemporary", curated by Mara Predicatori, XII edition of In Chartis
Mevaniae organized by the City of Bevagna (Perugia); "I'll never give up smoking", curated by Alba Braza
boils for Officina Giovani, Cantieri Culturali-Ex Macelli in Prato. From 2004 he began his collaboration with
Artwo Cultural Association of Roma in the creation of design objects in limited editions produced by the
House Circondariale Rebibbia (one of the prisons of Rome), recently exhibited at the Triennale Design
Museum in Milan. Four years ago he teaches painting and drawing at the Fondazione Culturale d'Art Trossi
Uberti Livorno.
13 JUAN CARLOS ALOM
Habana Solo / Havana Solo, 2000.
Película 16mm transferida a DVD, B/N / 16 mm film transfered to DVD, B/W
14 min 46 s
Habana Solo, de Juan Carlos Alom, resulta un homenaje a una ciudad que persiste en ser encantadora en
medio de la destrucción y de una memoria socavada por la miseria. La película rinde tributo a un espacio
que debe gran parte de su historia a la conformación radical de subjetividades marginadas por los relatos
históricos; y donde el negro ocupa un lugar primordial en la narración urbana, aún desde el repliegue
silencioso al que ha sido confinado por la construcción de estereotipos raciales y las vejaciones históricas
que han supuesto para determinadas subjetividades las representaciones en los márgenes de la
ciudadanía. Este solo que recorre la grafía de la música popular cubana sitúa al hombre frente al espacio
que le rodea para que improvise sus peculiares modos de habitar un tiempo en la ciudad marcado por el
olvido. La textura musical penetra el grano de la imagen creando un ritmo de luces y sombras, una relación
jazzística en la que la cámara improvisa sus movimientos al mismo tiempo que los ejecutantes gozan su
virtuosismo aislados, ensimismados. Tal es así que aun cuando la música deja de escucharse, un hombre
sigue bailando en silencio en el escenario que constituye La Habana.
(Suset Sánchez)
In Havana Solo some of the most important Cuban musicians from the most diverse musical tendencies of
today, showing us the city in them and the city they inhabit with no other words than the music solos they
improvise -in solitary space and without restrictions, and we can see through the free lens of the camera,
freedom based on undertaking the translation of the sounds of their music and the city’s, into an
uninterrupted visual solo in which images concatenate each other, in the same way the musicians are
composing in the real instant their improvised pieces, with the rhythmical and harmonical intensity of the
music that happens, and with the same dose of abstraction-, making palpable the spirit of the city possessed
by its musical sounds in the same proportion they sound, beat and visualize, with a texture that doesn’t
betray its reality, possessed by her.
(Franklin J. Díaz)
Juan Carlos Alom nació en la Habana, en 1964. Desarrolla su trabajo en fotografía. Alcanza su
preparación profesional cursando varios talleres en la Fototeca de Cuba. En 1989 cursó el Taller en
Restauración y Conservación del material fotográfico y en el mismo año el Taller en Técnicas fotográficas
con Gerardo Sutter; en 1990 matriculó en el Taller en Semióticas del Urbanismo, en el Instituto Internacional
de Periodismo de La Habana. Su desempeño como periodista entre 1985-1989 en la Editoral Abril, Habana,
facilita su consolidación como fotógrafo así como el período en que se desempeñó como técnico de
restauración y conservación entre 1989-1990 de la Fototeca de Cuba. Actualmente desarrolla su carrera de
manera independiente y fundamentalmente en el campo de la fotografía artística. Entre sus exposiciones
individuales se encuentran: en 1990 "Laura" en la Fototeca de Cuba, en 1995 "Arenas Movedizas" Luis
Gómez/Juan Carlos Alom. "Una de Cada Clase". Fundación Ludwig de Cuba y "Pictures for a Dark Book.
Photographs by Juan Carlos Alom" en Schneider Gallery, Chicago, Illinois, U.S.A. En 1996 se presentó en
"Siete Fotógrafos Cubanos. El voluble rostro de la realidad" muestra personal en el Centro de Desarrollo de
las Artes Visuales(CDAV), Habana, y "The Dark Book/El Libro Oscuro. Juan Carlos Alom" en Throckmorton
Fine Art, Inc., New York, que tuvo su segunda edición en 1998. Entre las numerosas exposiciones
colectivas en que ha participado podemos mencionar "Latinoamérica 92", Kuntbysningen, Dinamarca, en
1999, "Queloides" en el Centro de Desarrollo de las Artes Visuales, La Habana. En el 2004 sus imágenes
estuvieron presentes en "Mapas abiertos,100 años de la fotografía latinoamericana" en el Palacio de la
Virreina, Barcelona / Fundación Telefonica, Madrid. Su obra forma parte de distintas colecciones: Ludwig
Forum for International Art, Alemania, Fototeca de Cuba, IF Milán, The Bronx Museum, N.Y.,FOTOFEST,
Houston, TX., Southeast Museum of Photography, Daytona Beach, FL., Lehigh University Art Gallery,
Bethelem, PA., Art Institut of Chicago, Walker Art Center, Minneapolis, Los Angeles County Museum of Art,
CA., y Museum of Fine Art Houston.
Juan Carlos Alom was born in Havana in 1964. He studied photography at the Semiotica del entorno
Cubano, Institute of International Journalism, in Havana. In 1985 Alom started working as a photojournalist
for the Cuban Press. In 1989 Alom started experimenting with the photographic medium while studying
photo restoration and conservation with the photographer, Gerardo Suter at the Fototeca de Cuba. This
experimentation led Alom to create a body of work that marks his personal style. Alom's photographs have
been visibly manipulated by his hand and are recognizable for its' dark backgrounds which act as metaphors
for the mythical themes of his images.
Exhibitions: 2009 The Boston Printmakers Presents: Making Connections: Contemporary Cuban
Printmakers - Laconia Gallery, Chicago, IL. 2008 Terapia de grupo (Arte Cubano actual) - Galeria Fernando
Pradilla, Madrid, Spain. 2007 Puntos de vista, Zeitgenössische Kunst aus der Daros-Latinamerica Collection
- Kunstmuseum Bochum, Bochum, Germany. 2006 Juan Carlos Alom, Metrònom, Barcelona, Spain (solo).
2001 Evidencia, Iturralde Gallery, Los Angeles, CA (solo). Shifting Tides: Cuban Photography after the
Revolution, Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles, CA. 2000 Artcologne, Gallery "La Casona",
Germany Secret Shadow, Throckmorton Fine Art New York, NY. 1997 El Libro Oscuro, Iturralde Gallery Los
Angeles, CA, Fundación Ludwig de Cuba Havana, Cuba, Throckmartin Fine Art New York, NY, Schneider
Gallery Chicago, IL. Utopian Territories: New Art from Cuba, Morris and Helen Belkins Gallery Vancouver
1995 Pictures of Dark Book, Schneider Gallery Chigago, IL. Natural Myth: A Bestiari, Throckmorton Fine Arts
New York, NY. The Photography Show 95, The New York Hilton New York, NY. Quicksands, Fundación
Ludwig de Cuba Havana, Cuba. Traces, The Bronx Museum of Fine Arts New York, NY. 1994
Contemporary photography from Cuba, Richmond Hall, the Menil Collection Houston, TX. 1992 Latin
Amerika 92, Kuntbysningen Denmark. La tama, el olordumare y la sagrada familia, Galería "Tina Modotti"
Havana, Cuba. 1991 Laura, Fototeca de Cuba, Havana.
Collections: colecciones: Ludwig Forum for International Art, Alemania, Fototeca de Cuba, IF Milán, The
Bronx Museum, N.Y.,FOTOFEST, Houston, TX., Southeast Museum of Photography, Daytona Beach, FL.,
Lehigh University Art Gallery, Bethelem, PA., Art Institut of Chicago, Walker Art Center, Minneapolis, Los
Angeles County Museum of Art, CA., y Museum of Fine Art Houston.
14 CARLOS GARAICOA
Proyecto “Un minuto oriental en la música occidental” / Project: “An Oriental Minute in Occidental
Music”, 2009
Cinta adhesiva cortada a mano sobre manta de corte / Hand cut adhesive tapes on cutting mats
90 x 60 cm
Este proyecto fue comisionado por el Museo Guggenheim de Nueva York y tiene relación con la instalación
homónima a escala real que se presentara en la exposición ¿Revolución o Rizoma?, Galería Continua,
Beijing. Una gran columna de instrumentos musicales que da la idea de la acumulación y de la formulación
matemática que hay en la música. En la instalación el sonido que se escucha es el momento de afinación
de una orquesta, un momento caótico por sí mismo.
This project was commissioned by The Guggenheim Museum of New York and is related to the eponymous
real-scale installation shown in my personal exhibition Revolution or Rizoma?, Continua Gallery, Beijing. A
large plume of musical instruments gives the idea of accumulation and the mathematical formulation in the
music. The sound you hear on the installation is the time of tuning an orchestra, a chaotic time.
15 SHILPA GUPTA
Speaking Wall / Hablando con la pared, 2009-2010
Instalación interactiva con sensores de sonido / Interactive Sensor Based Sound Installation
Pantalla LCD, ladrillos, auriculares / LCD screen, bricks, headphone
8 min en loop / interaction loop
300x300x300 cm
Cortesía / Courtesy Caldic Collectie Wassenaar (The Netherlands)
El espectador sube a una estrecha fila de ladrillos, camina hacia la pared y se pone los auriculares. La
pared tiene un sensor de distancia encajado en él, que es capaz de detectar cuán lejos o cerca está el
espectador de la pared. El panel LCD muestra un texto electrónico que también se escucha a través de los
auriculares. En 8 minutos de conversación / interacción, la pared le dice al espectador a veces que dé un
paso adelante, un poco más, o a veces hacia atrás, ya que ella (la pared) es incapaz de ver el borde que
marcó previamente, ya que llovió anoche.
The viewer climbs on to a row of narrow bricks, walks towards the wall and puts on the head phones. The
wall has an embedded distance sensor into it which is able to detect how far or how close the viewer is from
the wall. The LCD panel mounted which displays electronic text as heard via the headphones. In the 8
minutes conversation/interaction that begins, the wall that tells the viewer to sometimes step forward, a little
more, or sometimes back, as it (the wall) is unable to see the border, as it rained last night.
Shilpa Gupta (Bombay, India, 1976) estudió escultura en la Sir J.J. School of Art de esa ciudad. Esta artista
ha creado su obra mediante websites interactivos, videos, entornos galerísticos y performances, con el
objetivo de ensayar y analizar en forma subversiva problemáticas como la cultura del consumo, la
explotación laboral, el militarismo y las violaciones de los derechos humanos. Posee una amplia trayectoria
expositiva que incluye muestras recientes, como Indian Summer en la École Nationale Supérieure des
Beaux-Arts de París, Edge of Desire en la Asia Society de Nueva York y Blessed Bandwidth.net, un encargo
de net art para la Tate Online de Londres. Este ultimo trabajo habla de política, intimidad, diferencias
culturales, amor, tradición, políticas de género, ideologías, capitalismo global y el impacto que todo esto
tiene sobre el propio individuo como extensión natural del mundo de la artista. Así es como Gupta explora
religión, globalización y las dinámicas políticas y culturales complejas de Internet. Xeno-bio-lab.com, 2003,
es un trabajo sobre las similitudes en vez de las diferencias que existen entre las diferentes religiones,
incluyendo el islamismo, el sikhismo, el budismo, el cristianismo y el hinduísmo. Al interactuar, los usuarios
de este sitio deben conectarse con una secta religiosa en particular y luego elegir un templo para rezar, para
esto la artista ha fotografiado los templos y lugares sagrados mas importantes de Mumbai. Entre sus últimos
proyectos están los presentados en la Bienal de Sydney 2006 y en la Bienal de Liverpool 2006.
Shilpa Gupta (b.1976) lives and works in Mumbai, India where she has studied sculpture at the Sir J. J.
School of Fine Arts from 1992 to 1997. She has had solo shows at Contemporary Art Center in Cincinnati,
Museum voor Moderne Kunst in Arnhem, Arnolfini in Bristol, Castle Blandy in France, OK Center for
Contemporary Art in Linz amongst other institutions. She has had gallery solos with Gallerie Yvon Lambert in
Paris, Chemould Prescott Road in Mumbai, Galleria Continua in San Gimignano, and at the public gallery,
Lalit Kala Akademie hosted Vadehra Gallery, New Delhi. Shilpa has been invited to the Younger Than Jesus
Triennale at New Museum, New York; Lyon Biennale ‘09 curated by Hou Hanru; Gwangju Biennale ‘08
directed by Okwui Enwezor and curated by Ranjit Hoskote; Yokohama Triennale ‘08 curated by Hans Ulrich
Obrist; Liverpool Biennale ‘06 curated by Gerardo Mosquera and biennales at Auckland, Seoul, Havana,
Sydney and Shanghai. Gupta's work has been shown in leading international institutions and museums such
as the Tate Modern, Serpentine Gallery, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Daimler Chrysler
Contemporary, Mori Museum, Solomon R. Guggenheim Museum, New Museum, Chicago Cultural Center,
Louisiana Museum and Devi Art Foundation in Gurgaon amongst others. In 2012 she designed the book
‘dates.sites: Project Cinema City Bombay/Mumbai’, edited by Madhusree Dutta. She has co-facilitated
‘Crossovers & Rewrites: Borders over Asia Museum of Contemporary Art, World Social Forum, Porto Alegre’
in 2005 and ‘Aar Paar, a public art exchange project between India and Pakistan alongwith Huma Mulji from
2002 – 2006. In 2013 she will have solo shows at the MAAP Space in Brisbane, Australia and Galerie im
TaxisPalais in Innsburg, Austria and will participate in Sharjah Biennale curated by Yuko Hasegawa and No
Country at Solomon R. Guggenheim Museum.
16 AMIR FATTAL
From the End to the Beginning / Del fin al principio, 2014
HD video, 14 min 22 s
Interpretación musical basada en “Tristán e Isolda” de Richard Wagner
Interpretada por Zaafran Ensemble. Soprano: Denise Beck, Director de orquesta: Holly Mathieson
Music performance based on 'Vorspiel und Liebestod' by Richard Wagner
Performed by Zaafran Ensemble. Soprano: Denise Beck, Conductor: Holly Mathieson
La obra está basada en una actuación en directo de la ópera de Richard Wagner “Tristán e Isolda”
interpretada al revés. Al copiar la última nota como la primera y ejecutar la pieza en ese orden, una nueva
obra musical "espejo" fue creada con un arreglo para nueve instrumentos y una soprano. Isolda es el aria
del dramático final de “Tristán e Isolda”, cantada por Isolda tras la muerte de Tristán. La interpretación de
esta pieza específica desde atrás es, pues, un intento de resurrección. Se reflexiona sobre el poder de la
música para trascender una situación de la vida real o la posibilidad de revertir un final irreversible -la
muerte misma-. El vídeo de la actuación fue filmado en la gran sala del Berlín Funkhaus, construido a
finales de 1950 como nueva estación de radio de Berlín Oriental, después de eso los músicos ya no
pudieron viajar libremente entre las dos áreas de la ciudad. En definitiva la obra describe un viaje al mundo
interior de la soprano durante la grabación de la pieza, mientras ella permanece en el rol de Isolda.
The work is based on a live performance of Richard Wagner's 'Vorspiel und Liebestod' sequence played in
reversed order. By copying the last note as the first and proceeding in this order, a new “mirrored” musical
piece was form as arrangement for nine instruments and a soprano. Liebestod is the final dramatic aria from
Tristan und Isolde, sung by Isolde after the death of Tristan. Performing this specific piece backwards is thus
an attempt at resurrection. It reflects on the power of music to transcend a real-life situation or the possibility
of reversing the ultimate irreversible -death itself-. The video of the performance was filmed in the big hall of
the Berlin Funkhaus, build in late 1950s as East Berlin's new radio station, after musicians could no longer
travel freely between the two sections of the city. It depicts a journey into the soprano's inner worls during
the recording of the piece, as she remains in the role of Isolde.
Amir Fattal (Nacido en 1978 en Tel Aviv, Israel) Llegó a Berlín desde Israel pasando por Nueva York. Fue
galardonado con la bBca de Trabajo del Senado de Berlín en 2010. Fue distinguido con el Premio de Arte
GASAG en 2008 y obtuvo su diploma en la Universität der Künste, Berlín, bajo la tutela de Katharina
Sieverding en 2009. Es un artista conceptual cuya práctica es una reflexión histórica basada en la historia
de la estética y los cismas culturales. Las preocupaciones generales de Fattal son las conexiones culturales
entre Alemania e Israel -países inexorablemente vinculados a través de su historia, la memoria, la cultura, la
arquitectura y la diáspora geográfica que dio lugar a migraciones masivas, la transposición de culturas a
nuevas y diferentes naciones.
Amir Fattal (Born in 1978 in Tel Aviv, Israel) He came to Berlin from Israel via New York. Was awarded the
Working Stipend of the Berlin Senate in 2010. He was distinguished with the GASAG Art Prize in 2008 and
gained his diploma at the UdK Berlin under the tuition of Katharina Sieverding in 2009. He is a conceptual
artist whose practice is one of historical reflection grounded in the history of aesthetics and cultural schisms.
Fattal’s overarching concerns are the cultural connections between Germany and Israel – countries
inexorably linked through their history, memory, culture, architecture, and the geographical diaspora which
resulted in mass migrations, transposing cultures to new and different nations.
17 TANIA CANDIANI
Wooden Trumpets / Trompetas de madera, 2014
Instalación. Cinco esculturas de madera, amplificador, reproductor de MP3
Installation. Five wood sculptures, sound amplifier system, MP3 player
Cortesía / Courtesy Katha Barón
Trabajé por tres meses con un maestro ebanista escocés, Alan Morrison, retirado después de cuarenta
años de trabajo y a cargo de un taller en la parte trasera de su casa. Partiendo de la reinterpretación de un
patrón encontrado en una página de constructores DIY, construimos una serie de trompetas de madera,
cada una de ellas con diferentes características de forma y por tanto de acústica. La exploración de la forma
y el material, y su inmediata traducción a sonido, trastocó la manera en que Mr. Morrison había entendido y
ejecutado su oficio.
I worked for three months with a Scottish master cabinetmaker, Alan Morrison, retired after forty years of
work and in charge of a workshop in the back of his house. We based on the reinterpretation of a pattern
found in a DIY site builders, built a series of wooden trumpets, each with different characteristics of form and
sound. The exploration of form and material, and its immediate translation into sound, how upset Mr.
Morrison had understood and executed their craft.
Tania Candiani nació en la ciudad de México en 1974. Hace estudios de Literatura y, posteriormente, vive
un periodo largo en Tijuana. Actualmente vive en la ciudad de México. Su trabajo se centra en producir
imágenes, objetos, intervenciones o piezas participativas que hablen sobre la percepción de los espacios
urbanos, la cultura popular contemporánea, los patrones estéticos y los rituales de distinta índole.
Los lenguajes o soportes que utiliza para su obra distan de los medios tradicionales del arte, no sólo porque
se alejan de la pintura y la escultura, sino porque se introduce en los nuevos medios, en un mundo donde la
tecnología se despliega como lenguaje autónomo. La obra de Tania Candiani es parte de colecciones
privadas y públicas, como la del MCA (Museum of Contemporary Art, San Diego), SDMA (San Diego
Museum of Art), Mexican Museum (San Francisco), Deutche Bank, entre otras. Su trabajo ha sido exhibido
de forma individual y colectiva en museos de Estados Unidos, Europa y México. Recibió la Beca
Guggenheim en la categoría Creative Arts, para desarrollar un proyecto relacionado con la “arquitectura
doméstica”.
Tania Candiani (Mexico City, 1974). In late 2011 she received a three-year grant from Mexico’s Sistema
Nacional de Creadores de Arte to support her work on Fragmentos de un discurso domestico, which will
build on many of the same concerns as her Guggenheim Fellowship project, namely Modernism in Mexico
and the failure of “modernity” and domestic space as revelatory of both personal identity and of the wider
culture. Mexico’s Fondo Estatal para la Cultura y las Artes and Fondo Nacional para la Cultura y las Artes
have also supported her work, and she has held artist residencies at the Bemis Center for Contemporary Art
in Nebraska and at the International Studio and Curatorial Program (ISCP) in New York. Ms. Candiani’s work
has been included in scores of group shows around the world, from Mexico City, to Los Angeles, Madrid,
and Warsaw, to name but a few sites. The Museum of Contemporary Art in San Diego, California; the Ruben
Center at the University of El Paso, Texas; Meno Parkas Galerija in Lithuania; Kunsthaus Miami in Florida;
and the Abrons Art Center in New York City are among the venues that have mounted her solo exhibitions.
From March through August 2012, Laboratorio de Arte Alameda in Mexico City will host her solo exhibition
entitled Cinco variaciones sobre circunstancias fónicas y una pausa, which explores the relationship
between machines and language, and the potential of sound, speaker/listener, and writing/coding as
materials for art.

1_open studio 10.0_la singularidad

Transcripción

Documentos relacionados

Museo Varsovia_MaquetaciÛn 1

Statement - Galleria Monteoliveto

museological language

19 Anual Dr. Martin Luther King, Jr. Su Legado De Justicia