CAPPUCCINO GRAND PAPIER Vol.7

Transcripción

THE BOOK OF BEAUTY
VOLUMEN 7
Todo sucede en la felicidad
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La experiencia se mide
en horas de vuelo.
¿Y la pasión?
Cada detalle cuenta.
La experiencia genera confianza. La pasión
es más difícil de medir. Pero es la que nos
mueve para hacer todo lo posible para que
usted, cuando vuela con nosotros, tenga
una experiencia perfecta.
La música de Cappuccino Grand Café
en todos los vuelos de Air Europa
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Music director / Grupo Cappuccino
Detrás de un buen café
restaurante siempre hay
un espíritu. Y detrás de
Cappuccino está la ambición
de crear nuestra propia historia.
Déjate seducir por la mezcla.
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there is always a spirit. And
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CAPPUCCINO GRAND CAFÉ está en Madrid, Mallorca, Ibiza, Marbella, Valencia
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Construyendo historia desde 1890
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EDITOR’S PAGE
Desde que era niño, muy pequeño, tuve claro que quería abrir un bar y cómo quería que
fuera. Siempre quise abrir “Cappuccino”.
I always knew I wanted to open a bar and how
I wanted it to be. I always wanted to open
“Cappuccino”.
Al principio, cuando la gente me preguntaba cómo iba a llamarse mi nuevo bar, me
daba vergüenza decir el nombre. Era 1991 y
en aquella época si no habías viajado a Italia
eran muy pocos los que sabían exactamente
lo que era un cappuccino, podían confundirlo con un café con nata, un café con leche
hervida con burbujas. Era como abrir un bar
y llamarlo “Cortado”.
At first, when people asked what I was going
to call my new bar, I was embarrassed to say it.
It was 1991 and at that time very few people,
save for those who had travelled to Italy, knew
precisely what a cappuccino was. They would
confuse it with a coffee with cream, a coffee
with steamed milk and bubbles. It was like
opening a bar and calling it “Cortado”!
Y así es como surgió el nombre de Cappuccino.
And that’s how the name Cappuccino came
about.
Hoy, la marca Cappuccino Grand Café ® está
registrada mundialmente.
Today, the Cappuccino Grand Café® brand is
a registered trademark worldwide.
18
CONTENTS
23 AISHWARYA RAI
31 DAVID HOCKNEY
for David
38 CHARLOTTE PERRIAND
“Aquí no se bordan cojines”
45 THE SARTORIALIST
Scott Schuman
55 WELLIES OUR NEW
RESTAURANT
Nuestro nuevo restaurante
66 LUCIANO GIUBBILEI
The Art of Making Gardens
77 ELSA SCHIAPARELLI
La diseñadora surrealista
86 WHAT MAKES YOU FEEL
BEAUTIFUL
91 GRACE JONES
Slave to the rhythm
60 CECIL BEATON
A life in fashion
20
Space, grace and pace.
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CONTENTS
23
98
151
66
38
98 STYLE ICONS
Five men whose dress sense
we admire
136 NICK DRAKE
Un discreto enigma
141DANSAEKHWA
The first Korean artistic movement
to be recognised internationally
104 GET THE LOOK
109 JUAN VIDAL
Lo que está por venir
146 3 VINOS/WINES
114 BAE BIEN-U
151 RUDOLF NUREYEV
Dance to freedom
122 RENZO MONGIARDINO
Adoration of an Italian Master
128 MONICA BELLUCCI
22
"Mallorca es el paraíso, si puedes resistirlo".
(Gertrude Stein, escritora e influencer estadounidense)
www.nosquedalapalabra.es
Palma de Mallorca
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Aishwarya Rai
L
B
a belleza es el concepto clave que viene de
manera inmediata a la mente al hablar de
la actriz y modelo Aishwarya Rai (1973,
India). Fue precisamente su belleza la que
le llevó a la fama tras ganar el certamen de Miss
Mundo de 1994, concurso que impulsó su carrera
como modelo, debutando más tarde como actriz en
Bollywood, el “Hollywood hindú”.
Rai, quien además de actriz ejerce como embajadora de la prestigiosa firma de relojería suiza Longines,
nos deslumbra con sus rasgos exóticos y su cautivadora mirada de tonos verdes que no deja a nadie
indiferente. Hasta un tulipán ostenta el preciado
nombre de la actriz, “Aishwarya”, proclamado en su
honor, como muestra honorífica de su gran belleza.
La actriz se ganó su puesto en el reconocimiento internacional como protagonista de la película Devdas,
en el 2002 tras la proyección del film en el Festival
de Cannes. Gracias a este proyecto la actriz ha ocupado en diversas ocasiones un lugar entre el jurado
del mismo festival. Su fama ha sido tal que en 2005
se puso a la venta una muñeca Barbie-Aishwarya Rai.
La modelo/acrtiz ha sido galardonada con numerosos premios y ha sido referida como la mujer más
bella del mundo en muchas ocasiones y nombrada
numero uno en la lista de mujeres más atractivas de
India según la revista Maxim. Además, la revista Time
la seleccionó en el año 2004 como “una de las 100
personas más influyentes de Asia”.
Ashwarya Rai ha demostrado ser también una mujer
con devoción por su familia. Tras el nacimiento de su
única hija Aaradhya, en 2011, fruto del matrimonio
que forma con el célebre actor Abhisek Bachchan,
sus apariciones públicas se han visto mermadas. Su
aclamado regreso a la gran pantalla se hizo esperar
hasta 2015, año en el que protagonizó el thriller hindú, Jazbaa, de la mano del director Sanjay Gupta.
eauty is the first word that comes to mind
at any mention of the actress and model
Aishwarya Rai (1973, India). After all, it
was her ravishing appearance which first
catapulted Rai to fame when she won the 1994 Miss
World competition and began her notable modelling career. But a mere three years later, she made
her acting debut in the colourful world of Bollywood, the Hindu Hollywood, and has since become
one of its most beloved stars.
Rai, who besides acting is an ambassador for the
prestigious Swiss watchmaker Longines, and has
even had a tulip, the Aishwarya, named after her,
dazzles us with her elegance and sense of presence
every time she appears in public. Her exotic features, her perfectly coiffured hair and her spectacular green-blue eyes turn heads everywhere she goes.
Her image is so strong that in 2005, an Aishwarya
Rai Barbie doll was released. After starring in the
2002 film Devdas, she earned international recognition when it was screened at the Cannes Festival.
Since then, her notable prowess as an actress has
even earned her a place on the Cannes jury on a
number of occasions.
Rai has been the recipient of a panoply of awards
and plaudits. She has frequently been cited as the
most beautiful woman in the world, was first on
Maxim’s “Hottest Women of India” list, and Time
magazine named her as one of the 100 most influential Asians in 2004. Despite her escalating fame,
she is a family woman at heart. When her only child,
Aaradhya, was born in 2011 following her celebrated marriage to Abhisek Bachchan, also an actor, her
public appearances decreased. However, her many
fans were treated to her long anticipated return to
the screen when, in 2015, she starred in Jazbaa, an
Indian crime thriller, directed by Sanjay Gupta.
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No es oro todo lo que reluce en la vida de Rai, la actriz más reconocida
de Bollywood, pues fueron precisamente sus orígenes hindús los cuales le han jugado alguna mala pasada. Según su horóscopo la actriz
es una “maldita” como cónyuge, creencia que puso varias trabas a su
matrimonio con Bachchan. El oráculo es de tal relevancia en la India,
que este puede arruinar pactos entre negocios, familias e incluso matrimonios. La suerte no estuvo de su parte el 1 de noviembre de 1973,
cuando la actriz vio el mundo por primera vez, los astros le otorgaron
un mal presagio en cuestiones nupciales, siendo parte de lo que los
hindús llaman “manglik”, aquellas personas destinadas a ser infelices
en sus matrimonios, lo cual en la India se toma muy enserio.
Al fin y al cabo la belleza no lo es todo en la vida. Las hipnóticas cualidades de Aishwarya Rai le han permitido burlar su cruel destino convirtiendo a su talento, su cultura, su país y la industria cinematográfica
de Bollywood en el centro de todas las miradas a nivel internacional.
Sin duda la actriz a usado muy bien sus armas de seducción.
But not everything sparkles in Rai’s life. The Hindu origins of the bestknown Bollywood actress have played a dirty trick on her since, according
to her horoscope, she is “cursed” as a wife, a prophecy which cast several
shadows over her wedding with Bachchan. The oracle is so significant in
India that it can ruin agreements between businesses, families and even
the bride and groom. Luck was not on Rai’s side when she opened her
eyes on the world for the first time on 1 November 1973. The stars foretold a bad omen in nuptial affairs and she numbers among the people
Hindus term manglik who are destined to be unhappy in their marriages,
and this is taken extremely seriously in India.
To release herself from this bad omen, the former model travelled to Varanasi to make a great offering in one of the most important temples in the
city, on the advice of a Bangalore “guru”, before standing before the altar.
And it seems to have worked as her marriage is still happy and stable nine
years later and now they have a little girl in tow.
Beauty, after all, is not everything in life, but in further shifting the world’s
focus onto the brilliance of Bollywood and the cultural richness of her Indian heritage, and with millions of fans across the globe desperate to gaze
upon her wherever she goes, it is clear that Aishwarya Rai has used the
looks nature gave her to the benefit of all.
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DAVID HOCKNEY
32
D
for David
eslumbrantes e intensos tonos de azul,
profundos y estimulantes rojos y terracotas, verdes brillantes, ocres dorados; esta es
la rica e inspiradora paleta de colores que
abunda en las obras de David Hockney, uno de los artistas vivos más dinámicos e influyentes del momento. Hockney adquirió relevancia en los años 60 como parte del
movimiento Pop Art –conocido coloquialmente como el
“Warhol británico”– su salto a la fama fue evidente con
cuadros tan fascinantes como Bigger Splash (1967), una
utopía modernista al borde de una piscina en el soleado
Los Angeles o We Two Boys Together Clinging (1961), una
atrevida (para su época) alusión expresionista a su famoso estilo de vida homosexual. Pero su éxito no se limitó
33
R
avishing vivid LA swimming pool blues, deep
and invigorating russets and reds, bright
green cacti, golden ochre and olive landscapes; this is the rich and energising palette of
colour which has helped to make David Hockney one of
the most exciting and influential artists alive today. Rising to prominence in the 1960s as part of the Pop Art
movement, and often referred to as the “British Warhol”,
Hockney catapulted to fame and artistic success with
enlivening paintings such as Bigger Splash (1967) depicting a poolside modernist utopia in sunny Los Angeles,
or We Two Boys Together Clinging (1961) a daring (for its
times) expressionist allusion to his famously free-living
gay lifestyle. But his success is by no means limited to the
34
en absoluto a los años 60. Su exposición,
“A Bigger Picture”, celebrada en 2012 en
la Royal Academy of Arts de Londres fue
uno de los mayores éxitos de la historia
de esta ilustre galería. Aún a día de hoy,
prácticamente todos las obras que salen
de sus estudios de Bridlington (Reino
Unido) y Los Ángeles siguen causando
sensación, ya sean obras fotográficas, litográficas, pictóricas o digitales.
La importancia de Hockney como creador ha sido, sin duda, el factor dominante de su fama, (en una encuesta realizada
en 2011 entre más de 1000 artistas británicos fue nombrado “el artista británico
más influyente de todos los tiempos”),
el pintor es además tan cool e inspirador
en su estilo personal como en su trabajo.
Aunque su carácter reservado, típicamente inglés, le impida reconocerlo, Hockney
ha sido desde sus comienzos un “King of
cool”, un verdadero icono de estilo.
Al igual que los colores vivos han caracterizado sus obras, también ha aplicado
esa paleta, casi sin querer (o, al menos, así
lo parece) a su estilo personal. Sombreros de colores, corbatas con estampados
60s. His 2012 exhibition, A Bigger Picture,
at the Royal Academy of Arts in London
was one of the biggest sell-out blockbusters of the illustrious gallery’s history,
while practically every work coming out
of his Bridlington (UK) and Los Angeles
studios continues to cause a sensation,
whether they be photographic, lithograph, painted, or digital works.
However, while Hockney’s prominence
as an artist, which in a 2011 poll of more
than 1,000 British artists led him to be
named “the most influential British artist of all time”, has been by far the dominating factor of his celebrity, the artist is also as cool, and as influential in
his personal style as he is in his artwork.
Though his typically English sense of reserve may prevent him from willingly admitting it, Hockney has been a “King of
Cool”, a true style icon, from the outset.
Just as his vivid colours have characterised his artworks, so too has that palette
been applied, almost without thought
(or so it would appear), in the style he
has personally adopted. Coloured caps,
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geométricas, pajaritas de lunares, complementos originales y, por supuesto, sus emblemáticos
tirantes son las claves que definen el carismático
look de Hockney. El artista es célebre por llevar
prendas poco combinadas, ha sido fotografiado en numerosas ocasiones con una admirable
variedad de accesorios discordantes: un calcetín
rojo y otro verde, gafas con una lente enmarcada en negro y la otra en dorado, pantalones con
vuelta y playeras, todo ello rematado con su pelo
revuelto como “recién salido de la cama”, hoy ya
de color gris, rasgo que se ha convertido en uno
de sus más distinguidos.
A pesar de todo ello, su aspecto nunca es estridente. Hay algo en su estilo que sigue siendo
esencialmente inglés; ni recargado ni excéntrico, visitiendo de “tweed”con corbatas, pajaritas
y de otras prendas refinadas, indiscutiblemente
de sastrería. No sorprende pues, que la imagen
de Hockney haya sido la fuerza inspiradora de
más de una línea de moda, como la colección
primavera-verano 2005 de Chistopher Bailey’s
para Burberry o el desfile de primavera de John
Galliano en 2012.
36
geometric ties, polka dot bow-ties, breast
pocket décor and of course those iconic braces are all integral to the Hockney aesthetic.
Famous for mismatching, he has been photographed in a wonderful array of uncoordinated accessories, wearing one red sock and
one green, glasses with one lens framed in
black and the other in gold, striped trousers
with turn-ups and trainers, all topped by the
“just out of bed” messy mop of once peroxide
blonde, now grey, hair which likewise became
his trademark.
Yet above all things, Hockney’s look never
appears gaudy. There is something about his
style which remains quintessentially English;
neither overly-styled nor contrived, but centred around tweeds and formal neckwear and
other garments which are relentlessly sartorial, and forever stylish. No wonder then that
Hockney’s look has been the inspiring force
behind many a fashion collection, such as
Christopher Bailey’s spring/summer collection for Burberry in 2005 or John Galliano’s
2012 spring show.
37
CAPPUCCINO GRAND PAPIER
Lo que sí resulta evidente es que David Hockney
es un creador de tendencias. Su arte, ya sea de
los 60 o de 2015, se percibe fresco e interesante
pese a su predisposición por pintar de manera realista y figurativa en un mundo inundado
de impactantes instalaciones contemporáneas
y austeras expresiones abstractas. Su avanzada
edad (cumplirá 80 años el año que viene)no ha
significado ningún impedimento a las hora de
adoptar las nuevas tecnologías y aplicar todas
sus ventajas en la creación de sus obras de arte
digitales que puedan ser reproducidas a través de una pantalla o impresas en una panoplia de colores extraordinarios. Su declarada y
abierta homosexualidad le convirtieron en un
precursor de los derechos homosexuales, movimiento que llegaría al Reino Unido años más
tarde. Hockney siempre se ha mostrado como
un inglés de emblemática excentricidad y permanente distinción cuya imagen y joie de vivre
seguirán siendo durante muchos años tan legendarios como su obra.
What is truly evident then is that David Hockney is a trendsetter in every sense of the word.
His art, whether it be from the 60s or from
2015, feels fresh and relevant, despite his propensity to paint realistically and figuratively
in a world awash with mind-boggling contemporary art installations and austerely abstract
expressions. Despite his advancing age (he will
be 80 next year), he is still as active artistically, and as innovative creatively as he ever was,
adopting new technologies available via iPhones and iPads, for example, to create digital
artwork displayable either on screen or printed in a panoply of glorious colours. By openly
referencing his gay lifestyle in the 60s, he was
a forerunner of a gay rights movement which
wouldn’t be openly advocated in the UK for
years afterwards. And in his style, he has always
demonstrated himself to be an iconically eccentric, consistently-stylish Englishman whose
look, and joie de vivre, will remain as legendary
as his artwork for many years to come.
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CHARLOTTE PERRIAND
“Aquí no se bordan cojines”
“Aquí no se bordan cojines”. Esta fue la respuesta que dio Le Corbusier a la joven Charlotte
Perriand (Francia 1903 – 1999) cuando se presentó en su estudio de Rue de Sèvres en búsqueda de trabajo. Poco tiempo después Pierre Jeanneret, familiar y socio de Le Corbusier,
llevo a éste a ver la instalación “Bar sobre el tejado”, creación de Charlotte Perriand en
su propio apartamento en Saint-Sulpice. Le Corbusier apreció la ingeniosa forma en que
había sido diseñado el espacio y los innovadores conceptos con los que se había creado
el mobiliario, por lo que no dudó en invitar a Perriand a incorporarse a su estudio como
responsable del diseño de mobiliario y de los espacios interiores. Junto con él y Pierre Jeanneret crearon varios muebles que hoy son iconos en la historia del diseño.
Hija de un sastre y una costurera estudió diseño en la escuela de la Unión Central de Artes
Decorativas. Desde el principio mostró su divergencia respecto a la tendencia de la escuela,
más basada en el estilo Beaux-Arts y la artesanía. Ella entendía que la tecnología y la producción debían aplicarse al diseño. Después de leer Hacia una arquitectura, de Le Corbusier, lo
vio claro. Cuando pasó a formar parte del estudio de Le Corbusier, quien hasta el momento había amueblado sus espacios con piezas que no eran de su autoría, aplicó estos conceptos al interiorismo: las piezas debían basarse en su tiempo, tomando como referencia ideas
de la industria automovilística y aeronáutica, utilizando nuevos materiales y explorando el
concepto de modulación. A partir de ese momento los espacios interiores de las obras del
estudio de Le Corbusier empezaron a hablar el mismo lenguaje que la arquitectura que los
contenía, respondían a la misma idea creativa y conceptual y aportaban el punto de calidez
que las convertía en hogares. Los muebles, pensados desde un punto de vista ergonómico
y funcional, pasaron a ocupar el lugar que les correspondía. Son de esta época algunas de
las obras más relevantes de Le Corbusier: La Ville Savoie en Poissy, La Roche-Jeanneret y el
Pabellón Suizo en la Ciudad Universitaria de París.
Perriand was a
woman of many
talents; an excellent
photographer, a
passionate traveller, a
modern, disciplined,
hard working, yet free
individual who up
until her 96th year
dedicated her life to
the art of design.
“We don’t embroider cushions here”. Such was the famous answer Charlotte Perriand (France 1903-1999) received from Le
Corbusier, the celebrated French architect and designer, when
she showed up at his studio in Rue de Sèvres hoping for a job.
Soon after receiving this harsh rejection, Charlotte Perriand
came to the attention of Le Corbusier’s partner, Pierre Jeanneret, due to an installation she had created in her apartment
in Saint-Sulpice using aluminium glass and chrome. Jeanneret managed to convince Le Corbusier to visit the installation
with him. The clever, creative use of space as well as Perriand’s
innovative take on furniture and design caught Le Corbusier’s
interest and essentially got Perriand the job she was looking
for at his studio. Together with Le Corbusier and Jeanneret,
Perriand created various pieces of furniture that are still regarded today as iconic in the history of design.
Daughter to a tailor and a seamstress, Perriand studied furniture design in the School of the Central Union of Decorative
Arts in Paris from 1920 to 1925. From the beginning, she very
much liked how the school tended to lean more towards an artesanal/beaux-arts aesthetic. However, Perriand also believed
that new elements of technology and production couldn’t be
ignored within the design world, especially during the time
she was living in. After reading Le Corbusier’s tome, “Towards
a new Architecture”, her thoughts on incorporating technolo-
41
Excelente
fotógrafa,
excursionista
experimentada,
viajera y amante
de la naturaleza,
que fue siempre
su principal
fuente de
inspiración.
A finales de la década de los años 30, tras diez años de fructífera colaboración con
Le Corbusier y Jeanneret, Charlotte Perriand abandonó el estudio de Rue de Sèvres
para establecer el suyo propio. Era el momento de explorar nuevos horizontes: formas
orgánicas y una vuelta a los materiales más tradicionales. Muebles sencillos en su apariencia pero estudiados hasta el milímetro tanto desde el punto de vista del confort
y ergonomía como de la posibilidad de fabricación en serie. Es en esta época donde
empieza su colaboración con Jean Prouvé, otro de los grandes de la historia del diseño.
En los años 40 se trasladó a Japón para trabajar en el Ministerio de Comercio e Industria. Durante su estancia allí ahondó en la cultura del país, en el concepto de la
vivienda japonesa y visitó talleres donde se trabajaban técnicas tradicionales. Esto supuso una fuerte influencia en su proceso creativo posterior fusionando conceptos occidentales con orientales e introduciendo el uso de nuevos materiales, como el bambú.
Excelente fotógrafa, excursionista experimentada, viajera y amante de la naturaleza,
que fue siempre su principal fuente de inspiración. Una mujer que consiguió trabajar
codo con codo con los mejores en un mundo de hombres. De fuertes convicciones,
moderna y libre se dedicó a su pasión, el diseño, hasta los 96 años.
42
gy and functionality in design became even
clearer. She was inspired by the emerging car
and aerospace industry, during which she explored new materials and experimented with
new concepts of modulation.
From that moment onwards, the spaces and
interior works emerging from Le Corbusier’s
studio began to speak the same language as
the studio´s architectural projects, responding
to the same creative and conceptual ideas, and
whose combination enabled the studio to create spaces which were as much homes, as they
were masterpieces of design. The furniture they
were making was created from an ergonomic,
functional point of view, without losing its
tender quality. This is what made it so perfect
for homes. It was during this time that Le Corbusier created many of his most famous pieces that are still relevant today, such as La Ville
Savoie en Poissy, La Roche-Jeanneret and the Swiss
Pavilion in the University City of Paris.
In the late 1930s, after ten years of fragile collaboration with Le Corbusier and Jeanneret,
Perriand left the studio at Rue de Sèvres in
order to establish one of her own. This was a
turning point for Perriand, in which she felt
drawn to explore new horizons, and return
43
to more traditional materials and organic
shapes. She began to design pieces that were
very simple in appearance yet extremely complex in terms of their design. It was during
this time that Perriand began to collaborate
with Jean Prouvé, who later became another
master within the design world.
Later on in the 1940s, Perriand moved to Japan
to work for the Ministry of Commerce and Industry. During her time in Japan she fell in love
with the culture of the country and its peaceful
way of living. Perriand began to familiarize herself with Japanese techniques, which became a
huge influence in her later work as she began to
fuse occidental and oriental concepts together
as well as incorporating new Japanese materials, such as Bambu, into her work.
Perriand was a woman of many talents; an
excellent photographer, a passionate traveller,
but most of all, a lover of nature. She was a
woman who was not only able to work closely
with the greatest artists and designers of the
20th century, but also a woman who made it
in an industry largely dominated by men. A
modern, disciplined, hard working, yet free individual who up until her 96th year dedicated
her life to the art of design.
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46
THE SARTORIALIST
Scott Schuman
E
T
The Sartorialist nació en 2005, año en el que Schuman comenzó a recorrer las calles de “la gran
manzana” acompañado de una sencilla cámara
digital fotografiando personas en prendas cautivadoras. Tras publicar aquellas primeras imágenes el blog se convirtió rápidamente en una
plataforma de gran éxito entre los “fashionistas”.
The Sartorialist began in 2005, the year when
Schuman began to explore the streets of the
Big Apple with a simple digital camera, photographing people wearing captivating clothing.
After publishing those first images, his blog rapidly became an extremely successful platform
among fashionistas.
n los carismáticos retratos del fotógrafo Scott Schuman se revela la verdadera intención humana que hay
detrás de su conocido blog, The Sartorialist. Desde las caóticas calles de Nueva York,
Schuman refleja en sus fotografías la esencia de
ciudadanos anónimos que hablan a través de sus
miradas y vestimenta.
47
he charismatic portraits by photographer Scott Schuman reveal
the real human intention behind
his well-known blog The Sartorialist. Schuman’s photographs taken in New
York’s chaotic streets portray the essence of
anonymous people that speak to you through
their gaze and with their eclectic clothing. CAPPUCCINO GRAND PAPIER
48
49
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51
52
Su larga y prestigiosa trayectoria en el mundo de la
moda se aprecia en cada detalle de sus publicaciones.
A través de su blog, el artista crea un vínculo entre la
moda de pasarela aparentemente inalcanzable y las
prendas que usamos a diario.
Hoy, Schuman es considerado uno de los fotógrafos más
cotizados del mundo, sus fotografías son alabadas por
iconos mediáticos como Vogue o Interview y su colección
fotográfica luce de forma permanente en museos como
Victoria & Albert Museum y el Metropolitan Museum of
Photography de Tokyo.
A lo largo de su carrera, Schuman ha protaginizado campañas publicitarias para marcas tan conocidas como
GAP o Verizon y realizado colaboraciones artísticas para
Nespresso, DKNY Jeans, Tod’s, etc. Entre sus proyectos
más recientes destaca “Art of the Trench” para Burberry.
Schuman también ha logrado darse a conocer como diseñador con el lanzamiento de su propia colección de
zapatillas en colaboración con el diseñador italiano Sutton Mantellassi. Sus zapatos lucen en los escaparates de
firmas “top” como Colette y la misma Mantellassi.
The Sartorialist cuenta con tres libros publicados por la
editorial Penguin, en los que el fotógrafo ofrece una
recopilación de sus obras procedentes de todos los
rincones del mundo. Cada página es una invitación a
conocer la persona retratada y al mismo tiempo la peculiar perspectiva de Schuman como artista.
Schuman dice “I don’t often think of “fashion” when I look
at my photos...I have begun to see my images more as a social
document” (“No suelo pensar en la moda cuando pienso en
mis fotografías, he empezado a ver las mas como un documento social”) Con esta frase Schuman resume su objetivo
como artista; más allá de captar las últimas tendencias
en moda, Scott Schuman muestra también las diferentes personalidades de aquellos que retrata. Su blog no
solo le ha permitido convertirse en un símbolo de la
moda, si no también en un reflejo de la cultura contemporánea y expresión personal.
His long, prestigious career in the fashion world
stands out in each of the carefully captured details of
his publications. Through his blog, the artist creates
a link between seemingly unattainable catwalk fashion and the garments we wear every day. Today, Schuman is considered one of the most
sought-after photographers worldwide. His photographs are praised by media icons such as Vogue and
Interview, and collections of his works hang permanently on the walls of the Victoria and Albert Museum in London and the Tokyo Metropolitan Museum of Photography, among others. Throughout his career, Schuman has been involved
in advertising campaigns for brands as well known
as GAP and Verizon and he has collaborated in the
creation of artwork for Nespresso, DKNY Jeans and
Tod’s. One of his most recent projects was “Art of
the Trench” for Burberry. Schuman has also made a
name for himself as a designer, launching his own collection of sneakers in collaboration with the Italian
designer Sutor Mantellassi. His shoes are on display
in the windows of top firms such as Colette and, of
course, Mantellassi.
The Sartorialist has led to the publication of three
books by the publishing house Penguin, which comprise compilations of work shot all over the world.
Every page is an invitation to discover the person behind the portrait and Schuman’s particular perspective as an artist. As Schuman said: “I don’t often think of ‘fashion’ when I
look at my photos... I have begun to see my images more as
a social document.” This sums up his objective as an artist, because rather than capturing the latest fashion
trends, Scott Schuman also illustrates the differing
personalities of the people he photographs. Not only
has his blog turned him into a fashion symbol, it also
provides a window on contemporary culture and personal expression. 53
El aguacate es algo sorprendente. En primer lugar no
es una hortaliza como muchos podrían pensar, sino
un fruto nacido de una flor que abunda en árboles que
crecen frondosos en los climas más tropicales. También
llama la atención su delicioso y cremoso interior, cuya
pulpa, suave y pálida, se dispone alrededor de un hueso
duro, todo escondido bajo la áspera y oscura piel exterior, que otorga a esta fruta el apodo de “pera de cocodrilo”. Pero lo más sorprendente de todo son los múltiples
beneficios para la salud que abundan en un humilde
aguacate, ya que en lo que a propiedades nutritivas se
refiere, el aguacate vale su peso en oro.
El aguacate contiene altas dosis de potasio y proteínas, las
grasas que nos aporta este fruto milagroso son necesarias
y favorables para nuestro cuerpo. Comer aguacate junto
con otras verduras aumenta notablemente la cantidad de
antioxidantes que ingerimos. Por otro lado, extendiendo
la pulpa sobre la piel o el cabello puede hidratar y reparar
los daños ocasionados por el sol y el envejecimiento. El
aguacate también es muy ventajoso de cara a las futuras
generaciones, ya que muchos expertos afirman que aumenta la fertilidad y la virilidad. Es por ello que podemos
afirmar que el aguacate es el fruto del hombre.
EL AGUACATE
The avocado is a surprising thing. First it’s not a vegetable, as many would have it, but a fruit born of a
flower and abundant on trees growing verdantly in
the most tropical climes. Surprising too is its creamy,
delicious interior, with flesh so soft and pale around a
hard and stealthy stone, all hidden beneath the tough
dark outer skin which gives the fruit its nickname,
the “alligator pear”. But most surprising of all are the
multiple health qualities which a single humble avocado can boast. For the avocado packs its weight in gold
when it comes to the nutritious qualities it offers.
High in potassium and proteins too, it contains fats,
but of a healthy kind. Eating avocado with other vegetables dramatically increases the amount of antioxidants you take in, and smearing its flesh on your skin
or hair can moisturise and repair sun damage and aging. And the avocado is integral too for future generations, for as many experts would have it, the avocado is
key to increased fertility and virility. That’s why above
all things, the avocado is truly the fruit of man.
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CORPOREOS
BACK LIGHT
BLOCK OUT
FLOOR GRAPHICS
MICROPERFORADOS
LONA MESH
VINILO ESMERILADO
VINILO FUNDICIÓN
VINILO TRANSPARENTE
EXPOSITORES
C/ Gremi de Ferrer, 27 · 07009 Palma de Mallorca · Teléfono: 971 90 66 80 · www.rotula2.es
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OUR NEW RESTAURANT
Nuestro nuevo restaurante
Cappuccino Grand Café, junto con su vecino, el restaurante japonés Tahini Sushi Bar and Restaurant, son lugares destacados en Puerto Portals,
Mallorca, desde hace ya 15 años. Con su amplia terraza en el corazón del
puerto, nuestro café de Portals es sin duda uno de los más populares del
grupo Cappuccino. Sin embargo, de los numerosos restaurantes cercanos
que han hecho de Puerto Portals un fantástico destino gastronómico, Wellies, el primer restaurante que se encuentra al acceder al puerto en coche,
siempre ha sido uno de los mejores. Emblemática en el Puerto desde sus
primeros años, la famosa Wellies Burger siempre fue un placer del que disfrutar en la gran terraza soleada. Pero cuando lamentablemente el restaurante cerró sus puertas el año pasado, muchos comentaron que Portals
había perdido su espíritu.
Cappuccino Grand Café, together with its sister Japanese eatery, Tahini Sushi Bar and Restaurant, has been a prominent feature of the
Puerto Portals in Mallorca for some 15 years now. With its expansive
terrace at the heart of the Port, our Portals café is without a doubt
one of the most popular of the Cappuccino group. However, of the
many neighbouring restaurants which have made Puerto Portals such
a fantastic gastronomic destination, Wellies, the first restaurant you
come across upon entering the Port by car, was always one of the best.
Iconic in the Port from the early years, the famous Wellies Burger was
always a treat to be enjoyed on a large corner terrace flooded with
sunlight. But when the restaurant sadly closed last year, many commented that Portals had lost its heart.
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Por ello, en Cappuccino estuvimos encantados cuando
nos ofrecieron la oportunidad de incorporar esta prestigiosa y apreciada firma a nuestro grupo, y reabrir el
restaurante este verano con el mismo nombre, el mismo
encanto, pero un aspecto totalmente nuevo. Después de
trabajar sin descanso durante la primavera con el objetivo
de rediseñar, redistribuir y aumentar el espacio, siempre
respetando el concepto original, Cappuccino se complace
en reabrir un Wellies renacido donde los clientes podrán
degustar y disfrutar de lo mejor de la cocina europea, incluida, por supuesto, la famosa Wellies Burger junto con
una copa de vino suave o una cerveza bien fría. Con una
carta moderna estilo cafetería, entre nuestros platos destaca el delicioso entrecot Café de París, un suculento salmón blackened, una calzone de pepperoni picante y un increíble pato confitado. Para terminar, nuestros exquisitos
postres incluyen una deliciosa y refinada tarta Tatín y una
cremosa Pavlova de fruta fresca con nata y frutos rojos.
Cappuccino was therefore delighted when we were
awarded the opportunity to welcome this prestigious
and beloved brand into our group, reopening the restaurant this Summer with the same name, same charm
but a brand new look. Working tirelessly throughout
the Spring to redesign, improve and augment the
space, all the while respecting the original concept,
Cappuccino is now proud to be opening a revived Wellies, where customers will be able to taste and enjoy the
very best of European dishes, including of course the
famous Wellies Burger, along with a glass of smooth
wine or an ice cold beer. Presenting a modern, taverna-style menu, our dishes will include a delicious Entrecote Café de Paris, succulent Blackened Salmon, a
spicy Pepperoni Calzone and an incredible Duck Confit. To follow, desserts will include a deliciously refined
Tarte Tatin, and a creamy fresh fruit pavlova piled with
cream and berries.
Con un increíble jardín nuevo, presidido por una relajante fuente, tres soleadas terrazas, dos barras de bar y un
amplio espacio de comedor interior distribuido en dos
plantas, Wellies es un restaurante con capacidad para
más de 400 personas. Así pues, esperamos poder darles la
bienvenida a todos en nuestro nuevo restaurante Wellies,
abierto todos los días en el corazón de Puerto Portals.
With an amazing new garden, whose centre is crowned
by a trickling fountain, three sun-filled terraces, two
bars and ample inside dining space spread across two
f loors, Wellies is a restaurant with a capacity for over
400. We therefore look forward to welcoming everyone to enjoy our new Wellies Restaurant – open now,
every day, in the heart of the Puerto Portals.
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Cecil
Beaton
A life in fashion
S
us retratos fotográficos
quizás estén entre las imágenes más emblemáticas
del siglo XX, pero Cecil
Beaton fue mucho más que un fotógrafo. Esteta, pintor, diseñador de
vestuario, escenógrafo y miembro
del famoso grupo de la alta sociedad
londinense de los años 20 conocido
como “Bright Young Things”, Beaton
ganó tres premios Óscar, creó los
trajes de rayas blancas y negras de
estilo eduardiano de Ascot para My
Fair Lady y publicó numerosas guías
de estilo. Sin duda la fotografía fue
su mayor éxito, detrás del objetivo,
Cecil demostró tener una extraordinaria habilidad que superaba los
limites de la fotografía conocida durante la época. Sus famosos retratos
capturaban toda la esencia personal de sus modelos en una sencilla
y elegante imagen estática. A través
de sus composiciones transmitía
historias únicas utilizando como telón de fondo los impresionantes decorados teatrales que caracterizaron
su trabajo.
H
is photographic portraits may be amongst
the most iconic images
ever to have come out
of England in the 20th Century, but
Cecil Beaton was far more than just a
photographer. Aesthete, painter, costume and set designer and one of the
famous group of 1920s London socialites, the “Bright Young Things”, Beaton won himself three Oscars, created the celebrated black and white
striped Edwardian Ascot costumes
in My Fair Lady, and published numerous style guides and aesthetic bibles, all in addition to the photography which made him famous. But
even when he was behind the lens,
he had an extraordinary skill which
went beyond the normal boundaries of photography. For he did not
just capture his sitters in a pose,
but through the intense honesty of
his composition told much of their
personal history in a single still image, all created against the dramatic,
theatrical back drops which came to
characterise his work.
Beaton, nacido en Hampstead, Londres,
en 1904, sintió gran fascinación por la
fotografía desde una edad temprana.
Mostrando gran entusiasmo por las
postales de damas de la alta sociedad
que se distribuían gratuitamente con el
periódico Sunday, solía persuadir a sus
hermanas pequeñas para que posaran
de la misma forma cuando, a la edad de
11 años, recibió su primera cámara.
Su pasión por la imagen fija creció cada
vez más y, rechazando el mundo académico para adoptar una línea más creativa, su talento pronto atrajo la atención
de la revista Vanity Fair en la que trabajó como fotógrafo. Fue así como Beaton entró en contacto con los iconos de
la época y logró retratar a la crème de la
crème de las estrellas más populares. En
cada toma, el artista aplicaba técnicas
innovadoras propias cuyos resultados
derivaban en curiosas puestas de escena. Sus protagonistas fueron fotografiados, por ejemplo, con la cabeza bajo
una campana de cristal, rodeados de
animales salvajes o envueltos en tela
plateada. Por extrañas que parecieran
sus estrategias, Beaton siempre lograba que sus modelos parecieran estar
cómodos y resaltar sus mejores rasgos
eliminando cualquier defecto mediante
la luz e ingeniosas perspectivas.
Al marcharse de Vanity Fair a Vogue,
donde trabajó durante seis décadas,
rápidamente pasaron a ser las estrellas las que hacían cola para ser fotografiadas por el célebre fotógrafo.
Entre los rostros inmortalizados que
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Born in Hampstead, London, in
1904, Beaton was inspired by photography from an early age, pouring enthusiastically over the picture
postcards of society ladies that came
free with the Sunday papers, and
pressing his younger sisters to adopt
the same poses for photos when, at
the age of 11, he received his first
camera. His passion for the still image grew only stronger, and rejecting
academia for a creative line, his talents soon attracted the attention of
Vanity Fair magazine, where he was
employed as a Staff Photographer.
It was against this platform that Beaton started to come into contact
with the icons of the day, producing
from amidst this crème de la crème
of popular stars stunningly original
portraits, each with their own innovative staging techniques. His subjects were for example photographed
with their heads under glass cloches, surrounded by wild animals or
wrapped in silver cloth, but in each
case he had the ability to make people look comfortable in their space,
carefully observing their faults in
order to eliminate them with clever
angles and light.
Moving from Vanity Fair to Vogue,
with whom he worked for some six
decades, soon enough it was the
stars who were queuing up to be
photographed by this most celebrated photographer. Those undergoing
the Beaton treatment included some
conforman la selecta colección de Beaton se encuentran algunas de las más
grandes personalidades dede todos los
tiempos: Actores del prestigio de Marilyn Monroe, Audrey Hepburn, Elizabeth Taylor, Grace Kelly, Frank Sinatra; Artistas que marcaron un antes y
un después en la historia como Picasso, Francis Bacon, David Hockney, Rudolf Nureyev, Lucian Freud y músico
tan grandes como Sammy Davis Junior, Dean Martin o Mick Jagger. Los
miembros de la realeza eran grandes
admiradores de su obra. Cuando el duque de Windsor le llamó para realizar
unos favorecedores retratos de Wallis
Simpson, Beaton se convirtió en algo
así como un fotógrafo real extraoficial.
Posteriormente la mismísima reina
Isabel II se convertiría en objeto de sus
fotografías dejando como legado algunas de las imágenes más relajadas de
su majestad.
Los retratos de Marilyn o Grace Kelly
puede que sean recordadas por la belleza de sus modelos, sin embargo, es la
estética de Beaton la verdadera protagonista de todas estas instantáneas tan
admiradas. Es la suavidad en la forma,
el dramatismo de la composición y
la intensidad de la caracterización lo
que hace que las obras de Beaton sean
reconocibles al instante. Hoy, nos enorgullece contar con una colección de
sus mejores y más emblemáticas obras
en el nuevo Cocktail Bar ubicado en la
segunda planta de nuestro Restaurante Wellies, en Puerto Portals, Mallorca.
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of the greatest personalities of our
time: Marilyn Monroe, Audrey Hepburn, Elizabeth Taylor, Grace Kelly and Frank Sinatra from the big
screen; Picasso, Francis Bacon, David
Hockney, Rudolf Nureyev and Lucian Freud from the arts; and from
the music scene jazz greats such
as Sammy Davis Junior and Dean
Martin and rock icons such as Mick
Jagger. However Beaton’s fans came
from royalty too, and when the photographer was called in by the Duke
of Windsor on a PR exercise to create
flattering portraits of Wallis Simpson, he became something of an
unofficial royal photographer, later
creating some of the most stunningly relaxed images of Queen Elizabeth
II ever seen.
Today, the emblematic photos taken
by Cecil Beaton are amongst some of
the most celebrated portraits of the
individuals they contain. But while
his images of Marilyn, or Grace Kelly
may be remembered for the beauty of
their sitters, it is the Beaton Look which
is the true protagonist of all of these
much-admired photographs. It is the
softness of form, the drama of composition and the intensity of characterisation which makes Beaton’s works instantly recognisable. And today, we are
proud to have a collection of some of
his best and most iconic works hanging in the brand new Cocktail Bar
upstairs in our Wellies Restaurant in
Puerto Portals, Mallorca.
Luciano Giubbilei
The Art of Making Gardens
Luciano Giubbilei is one of the foremost and
most celebrated garden designers of our times.
With three Cheslea Flower Show gold medals
under his belt, and the prestigious accolade
“Best in Show” for his sensitively crafted 2014
Laurent Perrier Garden, Giubbilei has quickly
made a name for himself on the international
gardening stage. Yet for the Italian designer,
who hails from Tuscany but now works globally out of a small studio based in London,
his work is much more than just Chelsea.
The Chelsea Flower Show, he tells me, is “like
a catwalk, a fashion show – its provides an incredible platform to show and talk about the work of
my studio”, but which remains what he calls
“an artificial environment”, something which lamentably lasts only the duration of the show.
Rather, Giubbilei’s true satisfaction is secured
in the considerable garden projects which are
quickly making him one of the most sought
after garden designers in the world, and whose
continuous shifting challenges allow him to
grow and develop as a truly informed horticulturalist, and as an artist.
Luciano Giubbilei es uno de los diseñadores de
jardines más destacados y célebres de nuestro
tiempo. Galardonado con tres medallas de oro
y el premio “Best in Show” en el Chelsea Flower
Show 2014 por su Jardín Laurent Perrier creado
con gran sensibilidad, Giubbilei se ha forjado
rápidamente un nombre en el escenario internacional del paisajismo. Para el diseñador italiano,
procedente de la Toscana, su trabajo es mucho
más que el concurso Chelsea, su pequeño estudio
en Londres es sencillamente la base que sostiene
una gran carrera internacional. El Chelsea Flower
Show, comenta, es “como una pasarela, un desfile de
moda; proporciona una plataforma increíble para mostrar y hablar sobre el trabajo de mi estudio”, pero sigue
siendo lo que él denomina “un entorno artificial”,
algo que lamentablemente sólo perdura mientras
dura el show. La verdadera satisfacción de Giubbilei radica en los importantes proyectos de jardinería, retos que le permiten crecer y desarrollarse
como verdadero conocedor de plantas y como artista. Los impresionantes resultados de estos trabajos de diseño han convertido a Luciano en uno
de los paisajistas más solicitados del mundo.
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racterising his home city of Siena in Italy. “When I was
little”, he tells me, “I was always struck by the narrow streets
of Siena, and how the light fell into those streets, moving from
one side to another, creating a powerful chiaroscuro effect. This
dramatic falling of light was a very important reference when I
started designing, and underlay my choice of green layering as
a repetitive architectural construct, using repetition of the same
material to create a different dynamic space.”
For an artist he truly is. There is a sensitivity and unique
creative depth to both Luciano’s ambition, and in the
manifestation of his work. Famous for creating gardens
whose space is reimagined with a series of multi-layered
green hedgerows, Giubbilei invents works which are as
engaging as an abstract painting, with plenty of leeway
left for the garden visitor to enter into his own psychological interaction with the space. But in creating these verdant landscapes, he is like an architect too, for in
the geometry of his plant lines, and the dramatic sculpting of narrow avenues made from green, Giubbilei has
channelled what he explains was the predominant inspiration for his early work: the iconic architecture cha-
The sensitivity which has enabled Giubbilei to create a
panoply of stunningly aesthetic garden spaces has also
formed the bedrock of his important relationships with
fellow artists and designers. “I’ve always had a natural affi-
70
Siena, en Italia. “Cuando era pequeño”, cuenta, “siempre me
fascinaron las estrechas calles de Siena, y cómo la luz las atravesaba moviéndose de un lado a otro y creando un poderoso
efecto de claroscuro. Este impactante descenso de la luz fue una
referencia muy importante cuando empecé a diseñar y subyace
en mi elección de la superposición de plantas como elemento
arquitectónico repetitivo, empleando la repetición del mismo
material se crea un espacio dinámico diferente”.
Como el verdadero artista que es, Luciano demuestra
una gran sensibilidad y una profundidad creatividad
única tanto en su ambición como en la manifestación
de su obra. Giubbilei inventa jardines que son tan atractivos como una pintura abstracta, estos originales espacios permiten al visitantes una curiosa reflexión, invitándole a interaccionar psicológicamente con su alrededor.
En la creación de estos frondosos paisajes el artista se
comporta como un arquitecto ya que en la geometría de
sus diseños y en las esculpidas y estrechas líneas de plantas, Giubbilei ha logrado canalizar lo que él denomina
la ‘inspiración predominante’ en sus primeros trabajos:
la icónica arquitectura que caracteriza su ciudad natal,
La sensibilidad que ha permitido a Giubbilei crear una
colección de jardines increíblemente elegantes también
ha sido la base de sus importantes relaciones con otros
artistas y diseñadores. “Siempre he sentido una afinidad na-
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Giubbilei’s gardens
are infused with
the light and the
serenity which
typically pervades
his work, enchanting
the eye with careful
layers of texture and
plant surfaces.
Los jardines de
Giubbilei impreganados de luz y serenidad, siempre presente
en su obra, cautivan
la vista a través de
cuidadosas capas de
texturas y superficies
de plantas.
tural por el arte. Me encantan los intercambios que mantengo con
los artistas y la belleza de sus creaciones. Me fascina observar la
fuerza que los impulsa y la forma en que se dedican a su trabajo.
Me encanta la manera en que ven los espacios y me encanta sentir
que interrogo a sus obras para ver si tienen un lugar en mis jardines”. De hecho, uno de los secretos del éxito de Giubbilei es
sin lugar a dudas, la forma en la que ha trabajado junto a
artistas y diseñadores para crear jardines libres de productos externos que no armonizan con el conjunto, y en su lugar instalar tanto obras de arte como mobiliario creado especialmente para ese espacio. El éxito rotundo del Chelsea
Garden 2011, fue, sin duda, otro fruto de sus colaboraciones artísticas con Kengo Kuma responsable de un impresionante pabellón japonés diseñado para dicho proyecto,
y de la presencia de las esculturas de piedra tipo puzzle
exquisitamente creadas por el escultor Peter Randall-Page.
También ha sido brillante su trabajo junto a la diseñadora
de mobiliario danesa Nathalie de Laval, con quien ha diseñado muebles de jardín limpios y contemporáneos combinados a la perfección con sus frondosos diseños con el fin
de crear un espacio habitacional natural y acogedor .
nity with art. I love the exchanges I have with artists and the beauty
of what they create. I love seeing what drives them and the way
they stay dedicated to their work. I love the way they see spaces,
and I love to interrogate their work to see whether it has a place
in my gardens.” And indeed one of the secrets of Giubbilei’s
success is clearly the way in which he has worked alongside
artists and designers to create designs free from ill-fitting
outside products, and instead installed both art and furnishings created especially for the space. Such were the seeds
of success underpining his 2011 Chelsea Garden, whose
tranquillity was undoubtedly the by-product of his installation of a stunning Japanese pavilion designed for the
space by Kengo Kuma, and the presence of the extremely
tactile, exquisitely crafted puzzle-like stone constructs created by sculptor Peter Randall-Page. Brilliant too has been
his work alongside Danish furniture designer Nathalie de
Laval, with whom he has fashioned clean, contemporary
garden furniture, which combines so perfectly with his garden designs as to create a natural, inviting living space.
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Pero a pesar de su éxito Giubbilei no es un diseñador dispuesto a dormirse en los laureles. Le
gusta superarse cada día, encontrar nuevos desafíos que lo lleven más allá de los límites, como
en el caso de su proyecto personal en Gran Dixter, el famoso jardín inglés donde ha situado su
propia parterre con el fin de desarrollar y mejorar
su comprensión natural de cómo las comunidades de plantas se relacionan entre sí y con su entorno. Lo mismo ocurrió en su proyecto para el
Yorkshire Sculpture Park, que formó parte de la
Bienal de Venecia de 2015, para la que Giubbilei
superó el reto de diseñar un sencillo jardín de esculturas junto con un camino serpenteante desde el que podían admirarse las obras de la escultora estadounidense, Ursula von Rydeinsgvard.
Siempre hacia adelante, Giubbilei se estira para
llevar los límites al siguiente nivel. Desde su
magnífico jardín instalado en 2015 en Marruecos, un trabajo enclavado en lo más profundo de
las montañas del Atlas es un paisaje repleto de
olivos, fragantes jazmines y un moderno parterre de hierbas Pennisetum. Ahora está trabajando en un innovador jardín de cactus en la idílica
isla de Formentera, un proyecto lleno de nuevas
texturas que provoca una forma de pensar y percebir completamente diferente. Emocionado por
su futuro, Luciano cuenta como el trabajo de su
pequeño estudio crece cada vez más con proyectos en San Francisco, Ginebra, Londres, Sicilia
y Madrid. Cada proyecto representa una nueva
etapa en su trabajo. “La etapa Chelsea Flower Show
probablemente ha pasado ya”, me comenta”, aunque
nunca digas nunca. Con ella hice lo que quería hacer.
Ahora mi objetivo es invertir mi tiempo y energía en la
creación de nuevos jardines increíbles “.
Y con toda seguridad serán increíbles. Pasar unas
horas hojeando las páginas de su magnífico nuevo libro, The Art of Making Gardens (Merrell, 2016)
es casi tan placentero como visitar los propios
jardines. Un paseo que permite al lector apreciar
el impresionante diseñador y jardinero que es
Giubbilei. Infundida de la luz y la serenidad que
normalmente impregnan su obra, cautivando la
vista a través de cuidadosas capas de texturas y superficies de plantas, e impactando en los sentidos
con notas florales y líneas contemplativas, la obra
de Luciano Giubbilei es un catálogo realmente
extraordinario de obras maestras de las que cualquier artista estaría verdaderamente orgulloso. Esperamos, con auténtica emoción, ver hacia dónde
le llevará próximamente su genio creativo.
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But despite his success, Giubbilei is not a designer who is content to rest on his laurels. He likes
to stretch himself every day, and find new challenges which take him beyond the boundaries
with which he has been previously comfortable.
Such was the effect of his very personal project
in Great Dixter, the famous English country
garden, where he was allocated his own Dixter
Border in order to develop and enhance his natural understanding of how plant communities
relate to one another and to their surroundings.
Likewise in his project for the Yorkshire Sculpture Park, part of the 2015 Venice Biennale, for
which Giubbilei aptly met the challenge of designing a simple sculpture garden, together with a
twisting serpentine path, from which the works
of American sculptor, Ursula von Rydeinsgvard,
could be admired.
Moving forwards Giubbilei is pushing at the
boundaries even further. From his magnificent
garden installed in 2015 in Morocco, a work set
deep within the Atlas mountains and filled with
ancient olive groves, fragrant jasmine and a modern parterre of Penniseteum grasses, he is now
working on an innovative cactus garden on the
idyllic island of Formentera, a project full of new
textures and a whole new way of thinking. Visibly excited by his future, Luciano told me how
the work of his small studio is being stretched to
its limits by projects in San Francisco, Geneva,
London, Sicily and Madrid to name but a few,
but that each project represents a new phase in
their work. “The Chelsea Flower Show phase is probably over now”, he tells me, “although never say never.
I did with it what I wanted to do. Now my aim is to
spend my time and energy making amazing gardens.”
And amazing those gardens will surely be. For a
few hours spent flicking through the pages of his
magnificent new book, The Art of Making Gardens
(Merrell, 2016) is almost as much of a treat as
walking through the gardens themselves, a stroll
which enables the reader a full appreciation of
just what a stunning designer and gardener Guibillei is. Infused with the light and the serenity
which typically pervades his work, enchanting
the eye with careful layers of texture and plant
surfaces, and arresting the senses with floral notes and contemplative lines, Luciano Giubbilei’s
portfolio is a truly impressive catalogue of masterpieces which any artist would truly be proud
of. We await, with true excitement, to see where
his creative genius will lead next.
75
THE MUG
10€
T HE BO O K
35€
ELSA
SCHIAPARELLI
La diseñadora surrealista
Elsa Schiaparelli once said of her career: “Poverty
forced me to work, and Paris gave me a liking for
it”. However, her sentiment was modest indeed, for
Schiaparelli is known, alongside Coco Chanel, as
being one of the two most prominent fashion designers of Paris in the 1920s and 1930s. Known for
creating shockingly innovative designs with Surrealist influences, one could call her both a couturier
and an artist, and it is clear that the combination
of both facets is what helped her to become an icon
of her times.
Elsa Schiaparelli dijo una vez: “La pobreza me obligó
a trabajar pero París hizo que me gustara mi trabajo”.
No obstante, su opinión era realmente modesta, ya que
hoy Schiaparelli, junto con Coco Chanel es considerada una de las más importantes diseñadoras de moda
del París de los años 20 y 30. Conocida por sus diseños
tremendamente innovadores con influencias surrealistas, podría decirse que fue tanto couturier como artista,
y está claro que la combinación de ambas facetas fue
lo que le llevó a convertirse en un icono de su época.
Schiaparelli no procedía de lo que podríamos denominar orígenes “modestos” dado que nació en
un palazzo romano y su madre era aristócrata. Sin
embargo, su inconformismo, su actitud rebelde y su
profundo interés por lo espiritual y oculto chocaron
con su estricta educación católica. Cuando el intento
de sus padres de “enderezarla” enviándola a un internado en Suiza terminó con una huelga de hambre
Schiaparelli did not come from what you could
call “modest” beginnings, being born in a Roman
Palazzo to an aristocratic mother. Nonetheless,
it was her nonconformist, rebellious attitude, as
well as her deep interest in the spiritual and the
occult which sat so uncomfortably with her strict
Catholic upbringing. When her parents’ attempt to
79
80
que provocó su expulsión, la única salida de aquella joven
rebelde fue abandonar Italia y embarcarse en la búsqueda
de su expresión personal. Fue en esta época de emigración
autoimpuesta cuando Schiaparelli sufrió la “pobreza” a la
que alude pero, afortunadamente, el ventajoso matrimonio
en Londres con un conde polaco y su posterior traslado a
Nueva York, colocaron a Schiaparelli en la situación idónea para acceder a las influencias creativas que pondrían en
marcha su exitosa carrera en el mundo de la moda.
El interés de Schiaparelli por la espiritualidad se tradujo en
una afinidad natural por el arte de los movimientos dadaísta
y surrealista, y su amistad con Gaby Picabia, esposa del artista
surrealista, a quien había conocido en un viaje transatlántico a América en 1916, le valió la entrada en un grupo de influyentes artistas que incluía a Marcel Duchamp y Man Ray.
Cuando Picabia y Man Ray abandonaron Nueva York para
instalarse en París, Schiaparelli, ya divorciada, se fue con ellos.
No hay duda de que fue en París donde Schiaparelli forjó su
nombré. Como Yves Saint Laurent, su compañero y protegido
afirmó una vez: “(Ella) abofeteó París. Lo sacudió, lo torturó
y lo cautivó. París se enamoró locamente de ella”. Pues fue en
París donde Schiaparelli dio sus primeros pasos en la moda.
Aunque no poseía formación como modista, su afinidad natural con las prendas de vestir y su habilidad para crear dise“straighten her out” via a boarding school in Switzerland
ended in Elsa’s hunger-strike and forced exit, all that was
left for the radical youngster was to flee Italy and embark
on her own search for personal expression. It was during
this period of self-imposed emigration that Schiaparelli suffered from the “poverty” to which she alludes, but
happily a fortunate marriage in London to a Polish Count
and their subsequent move to New York, saw Schiaparelli
perfectly situated to access the creative influences which
would set her immensely successful fashion career rolling.
Schiaparelli’s interest in spiritualism translated into a
natural affinity for the art of the Dada and the Surrealist
movements, and an initial friendship with Gaby Picabia,
wife of the Surrealist artist who she had first met on board
a ship during a transatlantic cross to America in 1916,
gained her entry into a group of influential artists who
included Marcel Duchamp and Man Ray. When Picabia
and Man Ray left New York for Paris, Schiaparelli, now
divorced, went with them.
There is no doubt that it was in Paris that Schiaparelli made
her name. As Yves Saint Laurent, her colleague and protégé
once commented: “She slapped Paris. She smacked it. She
tortured it. She bewitched it. And it fell madly in love with
her”. For it was in Paris that Schiaparelli first broke into
fashion. Although she had no training in dress-making,
8181
ños basándose únicamente en rápidos bosquejos y el drapeado
del tejido sobre su propio cuerpo dio lugar a una colección
fresca y ponible. Además, debido a su constante relación con
los surrealistas, reforzada ahora con la grata incorporación de
Jean Cocteau y Salvador Dalí, su moda se distinguió del trabajo de modistas como Chanel por la creación de prendas con toques surrealistas y, a menudo, extraordinariamente avant garde.
her natural affinity with clothes and her ability to produce
designs based solely on rough sketches and the drapery of
fabrics over her body resulted in a collection which appeared
both uncontrived and wearable. What’s more, owing to her
continued relationship with the Surrealists, now strengthened to include the welcome addition of Jean Cocteau and
Salvador Dalí, she distinguished her fashion from the likes
of Chanel by creating garments characterised by surreal and
often shockingly avant garde touches.
Así, partiendo de un primer jersey con el motivo de una gran
lazada, evolucionó hasta la creación, mano a mano con sus
amigos artistas, de algunas de las prendas más emblemáticas
de la época. Con Dalí, creó el famoso sombrero con forma
de zapato y los vestidos Langosta, Lágrimas y Esqueleto. La
influencia de Dalí produjo también el sombrero con forma
de chuleta de cordero y un traje de día con bolsillos que simulaban los cajones de una cómoda. Además, sus creaciones fueron únicas por la visibilidad de sus elementos de
sujeción; Schiaparelli fue la primera diseñadora en utilizar
cremalleras de plástico de colores vivos a la vista y botones
de formas distintas. Elaboró también una serie de singulares
perfumes y piezas de bisutería como el collar salpicado de
insectos metálicos de colores, realizado en colaboración con
Clèment, que recuerda también sus influencias surrealistas.
So from an initial black sweater carrying a large white bow
motif, she went on to create, hand in hand with her artist
friends, some of the most iconic fashion of the age. With
Dalí, she created the famous shoe hat, and the Lobster,
Tears and Skeleton dresses. Dalí’s influence also resulted in
a Schiaparelli lamb-cutlet hat and a 1936 day suit with pockets simulating a chest of drawers. Her clothes were likewise
distinctive because of the visibility of fastenings; Schiaparelli was the first designer to actively use visible and brightly
coloured plastic zippers and variously shaped buttons. She
likewise made a range of distinctive perfumes and costume
jewellery such as the necklace studded with coloured metallic insects made in conjunction with Clément, likewise recalling her Surrealist influences.
Pronto llegó el éxito y la fama entre la alta sociedad artística
del París de los años 20 y al poco tiempo Schiaparelli contaba ya con una emblemática boutique en la Place Vendôme. Allí pudo mostrar su tremendamente exitosa colección
“pour le Sport” con atrevidos trajes de baño, ropa de esquí
y vestidos de lino, así como su colección de trajes de noche
confeccionados con las lujosas sedas de Robert Perrier, que
lucieron personajes como la Duquesa de Windsor o Marlene
Dietrich. Sin embargo, el éxito de Schiaparelli no iba a durar.
Abandonó París durante la Segunda Guerra Mundial y se
negó a diseñar mientras continuaba el conflicto. A su vuelta
a París, no supo adaptarse a la austeridad de los años de la
postguerra y en 1945 se vio obligada a cerrar su negocio.
Success and fame amongst the artistic jet set of 1920s Paris followed fast and before long Schiaparelli had opened
an iconic boutique on the Place de Vendôme. There, she
was able to showcase her phenomenally successful “pour
le Sport” collection of daring bathing suits, ski-wear and
linen dresses, as well as her evening wear collection featuring the luxury silks of Robert Perrier and worn by the likes
of the Duchess of Winsor and Marlene Dietrich. However
Schiaparelli’s success was not to last. Leaving Paris during
the Second World War and refusing to design while the
conflict rumbled on, her return to Paris saw a failure to
adapt to the austerity of post-war years, and by 1954, she
was forced to close down her couture house.
Naturalmente, nada es eterno, y está claro que este extravagante personaje, con sus diseños tan vivos y originales perteneció a la edad de oro parisina, en la que la ciudad vivió el
esplendor de su creatividad y la expresión alcanzó niveles sin
precedentes. Al igual que nunca podrá recrearse esa época,
los diseños de Schiaparelli siguen siendo creaciones únicas
de su tiempo, verdaderos iconos de una italiana que se encontró a sí misma en París.
Of course nothing lasts forever, and it is clear that this
flamboyant character, with her vivid and brilliantly original designs belonged to a Parisian golden age, when the
city was at its creative best, and expression was at an all
time high. Just as that era can never be recreated, so too
will Schiaparelli’s designs remain unique and of their time,
true icons of an Italian who found herself in Paris.
82
I wish i was there...
WIMBLEDON MEN’S SINGLES FINAL 2008
M R R A FA E L N A D A L V S M R R O G E R F E D E R E R
6 julio de 2008. En un día gris de verano, típicamente inglés,
la pista central de Wimbledon estaba llena a rebosar en previsión de la que sería una de las finales más emocionantes de
la historia del tenis. Para los jugadores, Rafael Nadal y Roger
Federer, había mucho que perder y mucho más que ganar:
una victoria para Nadal significaría ser el primero en ganar
el Abierto de Francia y el Torneo de Wimbledon en el mismo
año desde que Björn Borg lo lograra en 1980; una victoria
para Federer lo convertiría en el primer hombre en ganar seis
finales individuales masculinas de Wimbledon consecutivas.
6 July 2008. On a typical grey English summer’s day, the Centre Court at Wimbledon was packed to the rafters in anticipation of what would turn out to be one of the most nail-biting
championship finals in tennis history. For the players, Rafael Nadal and Roger Federer, there was so much to lose and
even more to gain: A win for Nadal would mean being the
first since Björn Borg in 1980 to win both the French Open
and the Wimbledon Championship back to back; a win for
Federer would make him the first man to win six consecutive
Wimbledon men’s singles titles.
Nadal, que había sido derrotado por Federer en las dos finales de Wimbledon anteriores, tuvo un comienzo increíble,
ganando los dos primeros sets antes de que la lluvia estival
interrumpiese el tercero. Pero cuando el cielo se despejó y
se reanudó el juego, el tiempo parecía haber revitalizado al
suizo. Ganado el tercer set en el tie-break y repitiendo la táctica en el cuarto, Federer empató a dos sets con Nadal. Todo
dependía del quinto set, el más tenso y dramático vivido
hasta el momento. Finalmente, rompiendo el servicio y haciéndose con el set con el resultado de 9-7, fue el mallorquín
Nadal, quien triunfó, terminando así con la racha ganadora
de 5 años de Federer y pasando él y el partido a la historia del
tenis, dado que con cuatro horas y 48 minutos, fue la final
más larga jamás disputada en Wimbledon.
Nadal, who had been defeated by Federer in the previous
two Wimbledon finals, got off to an incredible start, taking the first two sets before summer rain interrupted the
third. But when the skies cleared, and play resumed, the
weather seemed to refuel the Swiss. Taking the third set on
a tie breaker, and repeating the tactic in the fourth, Federer
made it evens with Nadal at two sets a piece. Everything
rested on the fifth set, the most tense and dramatic anyone
had ever seen. Finally breaking serve and nailing the set 9-7,
it was the Mallorcan Nadal who finally came up trumps,
breaking Federer’s 5 year winning streak and catapulting
both himself, and the match into tennis history – for at
four hours and 48 minutes, it had been the longest Wimbledon final ever played.
Chinese Caipirinha
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What makes you
feel beautiful.
Una sonrisa siempre es el elemento clave de un perfecto look, otorgando frescura, naturalidad y sencillez a tu conjunto. Un toque de
gloss, un vestido boho y unas sandalias con pedrería harán el resto.
Colores neutros y vivos para tu
outfit de verano/otoño serán una
apuesta segura para deslumbrar
en cualquier ocasión, pero recuerda, siempre con un arco en la expresión de tu rostro.
A smile is the accessory you’re looking
for to finish a perfect look this summer. It’s the key to convey that natural,
fresh yet simple touch to your outfit,
making it all come together smoothly. A touch of lip gloss, a boho dress
and some rhinestone sandals will do
the rest. This summer/fall, you can be
sure that neutral and vivid colors will
make you stand out no matter what,
but don’t forget to always have that
smile on your face!
88
Bolso Opium 2 de piel negro
con tachuelas, Yves Saint Lauren.
Sleek Black studded tote
by Yves Saint Lauren.
Conjunto lencero de encaje estilo minimalista,
colección otoño/invierno 2016/17 de La Perla.
Minimalist lace lingerie by La Perla, Autumn/
Winter collection 2016.
Anillo de diamantes colección
“Sous le signe du lion”, Chanel.
Blossom Collection, polvos iluminadores que transforman las perlas de color
en luminosidad facial, los Météorites de la maison Guerlain.
Guerlain Météorites pearls of powder to delicately correct and illuminate
skin complexion.
89
Falda A-line denim
de Yves Saint Laurent
A-line denim skirt by Yves Saint Lauren.
Conjunto de chaqueta y falda de la colección
crucero 2016 de Emporio Armani en colores crudos
acompañado de complementos marrones.
Nude colored jacket and skirt by Emporio Armani
Cruise Collection 2016.
Peep toes J String Patent de charol
de Christian Louboutan.
“J String” patent leather shoes
by Christian Louboutin.
90
Pendientes en oro amarillo, aguamarina y cuarzo rosa, de Tous.
Yellow gold earrings with aquamarine and rose quartz by Tous.
Chaqueta plateada de ganchillo, Uterqüe.
Crochet silver jaket by Uterqüe.
Rolesor Everose, versión femenina de la
colección Oyster Perpetual Datejust, una
combinación de acero y oro o Everose de
dieciocho quilates de Rolex.
This Rolex Everose Rolesor made of a
combination of steel, yellow and everose gold,
is the feminine version of the Oyster Perpetual
Datejust collection.
Carolina, gafas de sol de estilo boho, Chloé.
Carolina chic boho sunglasses by Chloé.
91
Grace Jones
Slave to the rhythm
R
esulta curioso y revelador que todavía
perviva el rumor, falso, de que Grace
Jones era en realidad un hombre transexual. Basta darse un paseo superficial por internet para comprobar que Jones ha
sido madre y que nació mujer, aunque otros
dirían que nació diosa: la naturaleza, caprichosa, la dotó tanto de una personalidad como de
un cuerpo con el que romper todos los moldes y presupuestos de su tiempo, poniendo patas arriba las convenciones sexuales y raciales,
convirtiéndola en uno de los iconos más importantes de los 80.
Modelos, actriz, cantante. La Santa Trinidad de la
fama. Jones triunfó, a su manera siempre, en todos
los campos. Como modelo, primero. Huyendo a
París a la busca de un mercado en el que sus facciones fueran todavía más exóticas. Allí compartió
piso con Jessica Lange y fiesta con el ilustrador Antonio López, quien la ayudó a conseguir sus primeras portadas para Vogue y Elle, para volver con un
nombre ya hecho a Nueva York, a donde se había
mudado tras abandonar sus estudios y su religiosa
familia, con la que llegó a Estados Unidos desde su
Jamaica natal.
En Manhattan se convirtió rápidamente en el epicentro de una nueva escena, la disco, que la convirtió en su nueva diva. Del brazo de Andy Warhol
y con Tom Moulton y Richard Bernstein encargándose de la música e imagen, respectivamente, de sus
primeros singles, Jones no tardó en convertirse en
la mujer más deseada de la escena gay neoyorquina. Madonna antes de Madonna. Sonadas eran sus
entradas/performance en Studio 54 y otros clubs
nocturnos, donde acudía con cualquier intención
menos la de pasar desapercibida (semidesnuda, en
patinetes, sobre una motocicleta y rodeada de hombres en bañador, lo que fuera necesario).
Pero la época dorada de la música disco tenía fecha de caducidad y ella supo verlo y reciclarse, convertirse en una artista pop, además una con una
imagen y discurso estético increíblemente cautivadores. “Warm Leatherette” en 1980 y “Nightclubbing” en 1981 (el responsable de sus icónicas portadas fue el artista Jean-Paul Gaude, padre de su
hijo Paulo) dejaron claro que era algo más que una
simple maniquí nubia y la convirtieron en una de
las figuras esenciales para comprender la transición
post-disco.
Personalidad no le faltaba. Arnold Schwarzenegger
se quejaba de su rudeza en las escenas que compartieron en “Conan el Destructor”. Y aunque fuera
algo más que la dureza lo que la llevó a ganar un
premio Saturno y ser nominada a los Grammy, no
faltan anécdotas sobre su indomable carácter, como
cuando abofeteó a un presentador de la televisión
británica en directo por darle la espalda o cuando
la expulsaron de una actuación en Disneylandia por
enseñar un pecho.
Cabe preguntarse qué esperaban en Disney de una
mujer que se hizo un hueco entre la fauna más
selecta de los ochenta a base de dentelladas, un
hambre de fama insaciable y una personalidad arrolladora, una diosa de ébano que parecía capaz de
triturar a cualquier machito con ínfulas, una escultura viviente, hecha de cartílagos y arte.
93
Fue el mismísimo Andy Warhol quien le presentó la bella Grace Jones a Keith
Haring. Pensó que su cuerpo femenino era el ‘no va más’ para ser pintado.Grace luciendo pintadas de estilo primitivo y pop, ambos obsesiones de
Haring. Warhol organizó una sesión fotográfica del bodypainting a cargo de
Robert Mapplethorpe. Durante la sesión, Jones quedó semidesnuda decorada
con complementos de goma diseñados por David Spada.
Andy Warhol introduced Keith Harings to Grace Jones. He thought that hers
was the ultimate body to paint — Grace embodying both primitive and pop,
Harings obsessions. Warhol arranged for Robert Mapplethorpe to photograph
the finished body painting. At the session, Jones stripped to her underwear,
and donned a huge crown and rubber jewelry designed by David Spada.
I
anything but to go unnoticed. She would turn up semi-naked, on skates, riding a motorbike and surrounded by men in
bathing costumes. Anything that took her fancy.
Although the golden age of disco music had an expiry date, she
foresaw its climax and recycled herself to become a pop artist,
and one with an incredibly captivating aesthetic image. ‘Warm
Leatherette’ (1980) and ‘Nightclubbing’ (1981) (the man responsible for her iconic album covers was the artist Jean-Paul
Goude, the father of her son Paulo) were clear evidence that
she was more than a simple Nubian mannequin, transforming
her into one of the essential figures of a post-disco transition.
She was never short on personality, either as a model, singer,
or in her new guise as actress. Arnold Schwarzenegger even
complained about her being too tough in the scenes they
shared in the 1984 film Conan the Destroyer. And although
it was more than toughness that earned her a Saturn Award
and a Grammy nomination, there are a number of anecdotes about her indomitable character: on one occasion she
slapped a presenter live on British television for turning his
back on her, and on another she was removed from a performance in Disneyland for showing a breast.
You can’t help wondering what Disney was expecting from
a woman that fought tooth and nail to outshine the domineering personalities of the 1980s, driven by her insatiable
hunger for fame and her overpowering personality; an ebony
goddess who seemed capable of crushing any man with her
vanity, a living sculpture, made of body and of art.
t’s both curious and revealing that the false rumour
still persists that Grace Jones is actually a transsexual
man. A quick online search is enough to discover that
Jones is a mother and was born a woman, although
others would say she was born a goddess. A capricious nature gave her a personality and a body that broke all the
moulds and assumptions of her time. Turning sexual and racial conventions on their head, she became one of the most
important icons of the 1980s.
Model, actress, singer. a holy trinity of fame. Jones was successful in all three roles, but always in her own very individual way. She was foremost a model, heading to Paris in
search of a market where her features would be found even
more exotic. There, she shared an apartment with Jessica
Lange, and soon fell in with illustrator Antonio López, who
helped her to obtain her first covers for Vogue and Elle. Having made a name for herself, she returned to New York,
the city she had first made her home, after abandoning her
strictly religious Jamaican family and her studies.
In Manhattan she rapidly became the epicentre of a new scene
- disco music - which turned her into its latest diva. Helped by
Andy Warhol, and with Tom Moulton and Richard Bernstein
responsible for the music and artwork on her first singles, it
didn’t take Jones long for her to become one of the most desired women on the New York gay scene. She was Madonna
before Madonna. Her visits and performances in Studio 54
and other nightclubs were notorious, and her intention was
96
What
to wear
by the
sea
Por fin ha llegado ese momento que hemos estado esperando todo el año; el momento para desconectar, pedir un
gin and tonic y no moverse de la playa. Lo único que vas a
necesitar son algunos sencillos de accesorios de verano,
unos shorts que te queden bien, unas gafas de sol bonitas
y de buena calidad… Pero no te preocupes, nosotros te
ahorraremos el trabajo.
Lying back on the beach to enjoy those longed-for moments in the sun is the perfect time to switch off, to disconnect, to pour yourself a gin and tonic, and to set your
sunbed to horizontal. When it comes to deciding what
clothes to wear, you will want to invest in a decent pair of
swim shorts that fit you well, a fine pair of sunglasses, and
all of the necessary accessories before you decide to parade
yourself by the water’s edge. We’ve done the work for you.
98
THE
SWIM
SHORTS
Hay muchas marcas de bañadores, pero pocas
destacan tanto como Frescobol Carioca. Seguro
que te sientan genial sus modelos con colores
llamativos. Estos bañadores no solo son cómodos dentro del agua, sino también muy
practicos a la hora de secar. Combinado con
una camisa informal como la ‘towelling-tee’
de Orlebar Brown, se completa un look elegante y ‘casual’, que nos recuerda un poco al
famoso Sean Connery en Goldfinger.
THE
PROTECTION
There are many brands, but few specialise in
this department as well as Frescobol Carioca.
Apart from their interesting designs and vibrant colours, they have a sexy fit as well. This
orange short-length pair is not only great in
water but also appropriate on dry land, especially when teamed with this cotton towelling
tee from Orlebar Brown – which reminds us
of Mr Sean Connery’s casual wardrobe in
Goldfinger.
THE
NECESSITIES
Como ya sabemos, el sol tiene muchos
beneficios, pero eso no quiere decir que no
nos tengamos que proteger. A nosotros nos
gusta Hampton Sun Lotion, que además de
protegerte de los rayos de sol, también evita
el envejecimiento prematuro. Las gafas de
Cutler and Gross, no solo mejoraran tu look,
sino también les permitirá ojear discretamente a las personalidades variopintas que
encontrarás por la playa…
Otro accesorio esencial para
este verano es una de las preciosas toallas de Frescobol Carioca.
Inspirados en Rio De Janeiro,
los estilosos diseños de estos
productos son elaborados con
lino puro. Además, la toalla
es suficientemente grande
para dos, perfecto para los
que les gusta tomar el sol en
compañía. Y si te decides a ir
a tomar un G&T a algún bar
cercano, no te olvides de ponerte unas alpargatas de Castañer
para completar el ‘look’.
The sun has many benefits, but it’s crucial
to remain protected, and wearing sunglasses – especially those from Cutler and Gross
– will not only make you look cool(er), they
also allow you to discretely people-watch,
which is always useful when you’re at the
beach. Now, about that skin of yours, take
good care of it. We like Hampton Sun lotion, as it not only looks after the basics
(most importantly UV protection), it also
helps prevent premature aging.
Courtesy of Mr Porter, all items available at www.mrporter.com
99
Other must-haves are a handsome beach towel by Frescobol
Carioca, the Rio de Janeiro-inspired brand, with its stylish
diamond design woven on
pure linen. What’s more, it’s
big enough for two if you like
to sunbathe with company.
And if you decide to go to a
nearby bar, for some more
G&T’s, make sure to wear
some espadrilles by Castañer to
make the journey.
STYLE ICONS
FIVE MEN WHOSE DRESS
SENSE WE ADMIRE
MR. NICKELSON “NICK” WOOSTER
Nacido en Kansas, pero a día de hoy residente en Nueva York, Nickelson Wooster ha trabajado con unas de las mejores marcas en el mundo de la moda. A lo largo de sus 30 años
en la industria de la moda, Nickelson ha trabajado con Calvin Klein, Barneys New York,
Ralph Lauren, Bergdorf Goodman y Neiman Marcus. Entre sus proyectos mas recientes ha
sido consultante para varias marcas globales. Sin duda un verdadera leyenda de la moda,
Nickelson continua superando los limites en su trabajo y su estilo personal inconfundible.
Kansas born, New York based Nickelson Wooster has worked with some of America’s top
fashion brands. His tenure in the menswear space has spanned over 30 years with stints at
Calvin Klein, Barneys New York, Ralph Lauren, Bergdorf Goodman and Neiman Marcus.
Most recently Nick has been consulting for a handful of global fashion brands. A true fashion authority, he continues to push boundaries through his work and distinctive unique
personal style of elegant imperfection.
100
MR. JOHANNES HUEBL
Aparte de ser modelo y estar casado con la top modelo Olivia Palermo, Huebl también es
un apasionado de la fotografía y trabaja como consultor estilista. Al no llevar corbata sus
conjuntos siempre tienen un toque informal pero, gracias a sus selectas camisas y trajes su
apariencia nunca pierde elegancia.
Married to it-girl Olivia Palermo, beside being a good-looking model, he is also a keen photographer and style consultant. For him, going tie-less is a small alteration that can make a
huge difference to a traditionally smart aesthetic. Instantly bringing the formality down a
notch and when combined with a beautifully cut suit and shirt, his look oozes laid-back chic
without ever appearing too casual.
101
MR. LAPO ELKANN
Como gerente de promoción de la marca Fiat, Elkann se sigue los pasos de su reputado abuelo, el señor Gianni Agnelli, quien dirigió la misma compañia durante muchos años. Pero, en
ningún aspecto es Elkann el típico mimado heredero. Su vida social es tan animada y versátil
como su manera de vestir. Lo que nos inspira de él, no es que sea un invitado habitual en las
mejores fiestas, o que conste en las listas de ‘mejor vestidos’ de Vanity Fair, lo que nos encanta
de Elkann es como juega con tanta confianza e elegancia con las últimas tendencias logrando
lucir siempre un estilo muy personal.
The manager of brand promotion at Fiat - a company once led by his highly stylish grandfather,
Mr Gianni Agnelli - is by no means your typical Italian scion. His personal life has been as playful
as his dress sense. A regular at all the best parties - as well as on Vanity Fair’s annual Best-Dressed
List - we love the way he takes all the menswear rules and throws them artfully into the air.
102
MR. MICHAEL BASTIAN
Después de diez años trabajando para otras empresas de moda, el célebre diseñador Michael Bastian ha creado su propia marca de moda. Su firma está especializada en ropa de
hombre de alta calidad diseñada en Nueva York y elaborada en Italia. El estilo de Michael
es, sin duda, la voz americana en el mundo de el diseño: algo moderno y lujoso, pero a la
vez familiar con un toque informal.
Award-winning fashion designer Michael Bastian was the fashion director of a luxury
retailer before launching his own label ten years ago, specializing in high-quality, impeccably crafted menswear pieces. Without a doubt, Michael is the American voice in the
men’s designer world – something modern and luxurious, but also a little broken down
and familiar. Designed in New York and made entirely in Italy.
103
MR. ALESSANDRO SQUARZI
Empresario y coleccionista, Alessandro es uno de los hombres mas admirados por todos los
‘street style bloggers’ del el mundo. Ha sido retratado por fotógrafos como Scott Schuman,
el famoso autor del libro The Satorialist entre otros muchos. Como fan de lo vintage, es uno
de los coleccionistas más importantes en Italia, no solo de ropa sino también de coches y
motocicletas. Sus estilismos, creativos, interesantes y sobre todo clásicos, le han convertido
en un verdadero símbolo de la moda italiana.
An Italian entrepreneur in the fashion industry and one of the most photographed men by
street style bloggers around the world. As a big fan of vintage, he is one of the largest collectors in Italy, not only of clothes but of a fine assembly of vintage cars and motorcycles. His
portraits, a signature of friend Scott Schuman, the famous street style photographer and
author of the book The Sartorialist, have made him a well-known face, and his looks are often
inspirational for the fashion industry as a genuine interpreter of the true Italian style.
104
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from a selection of fine materials by skilled
craftspeople who employ only traditional
techniques to carefully create each piece.
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juan vidal
lo que está por venir
Tras haber ganado la segunda edición
del prestigioso premio de moda WHO’S
NEXT otorgado por Vogue, Juan Vidal
es oficialmente la nueva sensación en el
mundo de alta costura.
After winning the second prestigious
WHO’S NEXT fashion award presented
by Vogue, Juan Vidal is officially the newest sensation in the haute couture world.
111
El joven diseñador creció rodeado de grandes firmas
que albergaba la tienda de sus padres en la ciudad
de Elda. Desde su niñez fue definiendo sus fuentes
de inspiración y estilo propio jugando entre telas y
complementos.
Al terminar el instituto, Juan Vidal se trasladó a Barcelona para iniciar sus estudios en Bellas Artes, carrera
que pronto dejó de lado para continuar con su pasión
por el diseño de moda. Fue sin duda un paso atrevido
pero, de no ser por este cambio Vidal no sería hoy
uno de los nombres más aclamados de la industria de
la moda, galardonado con los premios MODAFAD,
Revlon, Tendencias de la Moda, la mejor colección de
primavera-verano y otoño-invierno en la Pasarela de
Valencia o L’Oréal París a la Mejor Colección.
Siguiendo un estilo femenino, los diseños de Juan
Vidal lucen cortes rectos, estampados llamativos,
colores pastel y texturas ligeras. Sus vestidos juegan
con la figura de la mujer, algunos más atrevidos son
una elegante combinación de modelos clásico con un
divertido toque moderno. Claro está en el mundo de
la moda que Vidal es el centro de todas las miradas, y
‘fashionistas’ al rededor del mundo esperan con ansias sus futuros proyectos.
112
The young designer grew up surrounded by major
brands sold in the shop his parents ran in the city of Elda
(Spain). It was there that the seeds of his inspiration were
sewn, where the opportunity to play as a boy surrounded
by fabrics and accessories instigated his first foray into
fashion and design. Although his post-school studies led
the designer to Barcelona to undertake a course in fine
art, he soon dropped the programme when his passion
for fashion became all-consuming.
It was a wise move. Were it not for this change, he may not
have become one of the most recognised fashion names
of the moment. Nor would he have received the countless
panoply of awards which he has now received—MODAFAD, Revlon, Fashion Trends, the best spring-summer and
autumn-winter collection at the Valencia Catwalk and a
gong from L’Oréal Paris for the Best Collection.
Opting for a feminine style, Juan Vidal’s designs favour
straight cuts, striking patterns, pastel colours and
light textures. His dresses play with the female figure;
some of his more daring examples are an elegant combination of classical models with a fun modern element. It is clear to everyone in the fashion world that
Vidal is one to watch. And fashionistas everywhere
cannot wait to see what comes next.
113
The FILM
THE REVENANT
Una historia de venganza absorbida por la brutal fuerza de la naturaleza invernal. El director mexicano Alejandro González Iñárritu plasma en su último éxito
la apasionante historia de supervivencia del protagonista Hugh Glass, (Leonardo
DiCaprio) cuya sed de venganza le lleva a superar las crueles adversidades de los
paraísos más salvajes.
Galardonado con nada menos que tres Premios Oscar y tres Globos e Oro, El Renacido es un largometraje que pasará a la historia por su determinante proceso de
producción y resultados brillantes de extrema belleza natural en la gran pantalla.
Rodada mayormente en la inmensidad de Kananskis, un área de parques nacionales situada en las Montañas Rocosas canadienses, los actores y demás miembros del
equipo trabajaron en condiciones extremas de frio y altitud. La dificultosa voluntad del director por llevar a cabo el rodaje con luz natural es una de las numerosas
causas por las que la producción de esta película fue tremendamente longeva ya
que las horas de sol son muy limitadas en este lugar durante ciertas estaciones.
Los contrastes de profundo verde, ríos enfurecidos, y horizontes blancos e infinitos
son una laboriosa combinación de imágenes capturadas por el norte de EE.UU.,
Argentina y Canadá que, sin duda conforman una obra maestra del séptimo arte.
A story of vengeance immersed in the brutal force of nature’s harshest winter.
In his latest hit, the Mexican director Alejandro González Iñárritu tells the
thrilling story of survival of the protagonist, Hugh Glass (played by Leonardo
DiCaprio), whose thirst for vengeance leads him to overcome cruel adversities
in the wildest landscapes.
Awarded with no less than three Oscars and three Golden Globes, The Revenant
is a film that will go down in history for its unique production process and brilliantly evocative cinematographic scenes of extreme natural beauty.
Shot mostly in the immensity of Kananskis Country, an area of national parks in
the Canadian Rockies, the actors and other members of the crew worked in punishing conditions of cold and altitude. The director’s challenging requirement
to shoot with natural light is one of the many reasons why this film took such a
tremendously long time to produce, since sunlight hours are inherently limited
in some seasons. The contrasts of deep green, raging rivers and white, infinite
horizons resulted from a laborious combination of images captured in the north
of the United States, Argentina and Canada, undoubtedly creating a masterpiece
of the silver screen.
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bae bien-u
Troncos largos y retorcidos con cortezas devastadas y rotas por los años, cuyas formas curvadas
y castigadas crecen hacia la luz o en busca de un
objetivo oculto. Envueltos en la niebla y extendiéndose a lo lejos hasta perderse en la distancia,
los pinos fotografiados de manera obsesiva durante más de 30 años por el fotógrafo surcoreano,
Bae Bien-U, parecen casi moverse y contonearse
ante nuestros ojos o estar sumidos en una conversación codificada.
Long, twisting trunks, their bark ravaged and
broken by age, their forms bent and crippled
towards the light or in pursuit of a hidden objective of their own. Shrouded in mist, and vast
in their numbers, stretching off into the barely
seen distance, the pine trees obsessively photographed over 30 years by South Korean photographer Bae Bien-U look almost as though
they are moving and swaying before our very
eyes, or engaged in a coded conversation.
Estas exquisitas imágenes fantasmales de bosques
de pinos son el hilo conductor de la obra de Bae
Bien-U. Nacido en Corea del Sur en 1950 y formado como pintor, Bae Bien-U desarrolló rápidamente un estilo fotográfico que destacaría la calidad
pictórica de las superficies naturales, desde los
exquisitos patrones formados en la corteza de los
árboles a los peñascos rotos y el burbujeo espumoso del agua alrededor de piedras dispersas. A pesar
de ser conocido por sus fotografías de ondulantes
paisajes costeros y de extensiones de hierba barrida
y esculpida por el viento, han sido las imágenes de
los bosques de pinos de Corea del Sur y, en particular los que se hallan junto al Santuario de los Reyes
en Gyeongju, las que más han cautivado al público.
Este tema fotográfico es el que ha catapultado a
Bae Bien-U hacia la fama y le ha convertido en uno
de los artistas más exitosos de origen surcoreano.
These exquisitely ghostly images of pine forests are the leitmotif of Bae Bien-U’s work.
Born in South Korea in 1950, the trained
painter quickly developed a style of photography which emphasise the painterly quality of
natural surfaces, from the exquisite patterns
formed in the bark of trees, to the broken
crags of rocks and the foamy bubbling of water around scattered stones. Known for his
photographs of undulating seaside landscapes and grassy verges swept and sculpted by
the wind, it is nevertheless the recurring theme of South Korea’s pine forests, particularly
those near the Shrine of the Kings at Gyeongju, which have most captivated audiences,
catapulting the photographer’s fame and making him one of the most successful artists
ever to come out of South Korea.
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Para Bae Bien-U, el constante regreso a este lugar
de inspiración es parte de su objetivo como artista: capturar los sentimientos característicos de
Corea. El pino, nos comenta, tiene un significado
especial en la sociedad coreana y en el transcurso
de la vida humana en general. Ese mismo árbol
retorcido proporciona materiales para construir
tanto refugios como ataúdes, convirtiéndose un
símbolo que acompaña a las personas hasta la
muerte. En las fotografías de Bae Bien-U, estos
árboles mágicos parecen cobrar vida propia, curvándose, inclinándose, retorciéndose y forjando
un misterioso camino en nuestra imaginación.
121
For Bae Bien-U, his constant return to this place
of inspiration is part of his ultimate objective to
capture the characteristic sentiments of Korea.
The pine tree, he tells us, have a special significance in Korean society and in shared human
experience. That same twisting tree is a place of
shelter, as well as the material from which coffins are made. As such they are refuges in both
life and death. However, it is clear that in the
photography of Bae Bien-U, these magical trees
also take on a life of their own, curving, bowing,
twisting and criss-crossing their way into our
imaginations in turn.
THE SMITH HOUSE
Connecticut, US
Famoso por diseñar algunas de las casas residenciales más emblemáticas de la costa de Estados
Unidos, el arquitecto Richard Meier creó una de
sus primeras casas, y quizás una de las más bellas,
cuando tenía tan solo 31 años. La Casa Smith cuya
construcción se prolongó durante dos años y finalizó en 1967, fue construida en el tramo de Connecticut del estrecho de Long Island. Situada en la
posición más idílica posible junto a una playa privada a la que se accede a través de una pequeña escalera desde sus frondosos jardines, la Casa Smith
es una obra maestra de modernismo blanco, con
una clara influencia de Le Corbusier. Con estancias divididas en tres alturas y enormes ventanales,
disfruta de las mejores vistas de la costa y en sus
interiores predomina la sencillez y la luz.
Famed for designing some of the most iconic residential homes alongside America’s multi-state
coastline, architect Richard Meier created one
of his first, and arguably most beautiful houses
when he was only 31. Built over two years and
completed in 1967, the Smith House was constructed on the Connecticut stretch of Long Island Sound. Located in the most idyllic position
directly alongside a private beach accessed via
a small staircase from the house’s verdant gardens, the Smith House is a masterpiece of white
modernism, clearly influenced by Le Corbusier.
Containing triple-height living spaces and vast
sweeps of glass windows, the house benefits from
the very best coastal views and interiors flooded
with simplicity and light.
122
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Renzo
Mongiardino
Adoration of an Italian Master
Creador de algunos de los interiores de mayor teatralidad barroca del siglo XX, el diseñador italiano Renzo Mongiardino
no fue tan solo un verdadero artista, sino un auténtico mago
de su profesión. A pesar de ser reconocido por algunos de los
mejores trabajos de decoración interior de su época, odiaba
el término “decorador” y prefería ser denominado como un
“creador de ambientes”. Y realmente lo fue, empleando no sólo
sus innatas habilidades como diseñador de interiores en cada
uno de sus suntuosos proyectos, sino también su experiencia
como aclamado escenógrafo, introduciendo en sus creaciones
una teatralidad que se ha convertido en el sello de su obra.
Creator of some of the most sensationally theatrical baroque interiors of the 20th century, Italian designer Renzo Mongiardino, was not just a true artist, but a magician
of his trade. Despite being renowned for some of the best
interior decoration of his time, he hated the term “decorator” preferring to be called instead a “creator of ambience”.
And that he truly was, employing not only his innate skills
as an interior designer in each of his lavishly executed projects, but also his experience as an acclaimed set designer,
injecting into his work a theatricality which has become
the trademark of his oeuvre.
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Nacido en Génova en 1916, su padre fue un millonario hecho a sí mismo y su madre procedía de una de las familias
más venerables de Génova. Creció en un palazzo barroco cuyas románticas sombras y brillantes lámparas de araña influyeron claramente en la nostalgia proustiana que imprimiría
a su trabajo. Es evidente también que a esa misma educación
se debe la fascinación innata de Mongiardino por el pasado.
Mientras los artistas de su época, en los años 40 y 50 intentaban resolver cómo debía plasmarse el diseño italiano
minimalista en el diseño de interiores, Mongiardino creaba
obras maestras anticuadas sin ningún tipo de remordimiento, basándose en las inspiraciones imperiales de la antigua
Grecia y Roma, el barroco y el renacimiento italianos y la
extravagancia de los imperios bizantino y otomano.
Born in Genoa in 1916 to a self-made millionaire father
and a mother from the most venerable of Genoese families,
he grew up in a Baroque palazzo whose romantic shadows
and sparkling chandeliers clearly underpinned the Proustian nostalgia in his work. It is likewise clear that that same
upbringing was integral to Mongiardino’s innate fascination with the past. While his contemporaries of the 40s
and 50s were grappling with how stripped-back sparse Italian modernity should be translated into interior design,
Mongiardino was creating masterpieces which were unapologetically antiquated, looking to the imperial inspirations of ancient Rome and Greece, the Italian Renaissance
and Baroque and the extravagant age of the Byzantine and
Ottoman empires.
A través de sus interiores repletos de capas de telas, tonos
dorados, alfombras persas y una fusión de superficies de
mármol y mosaico, creó diseños deslumbrantes en conexión directa con un opulento pasado. Fue una suntuosidad
que se adaptaba perfectamente al carácter de sus clientes,
ya que entre las personas que solicitaban los diseños de
Mongiardino se incluían algunos de los personajes más
ilustres de la época como Marella Agnelli, la princesa Firyal
de Jordania, Jackie Onassis, Marie-Hélène de Rothschild,
Gianni Versace y Valentino.
Through interiors brimming with layers of pattern, jewelled tones, Persian rugs and a surfeit of marbled and mosaic surfaces, the designer created dazzling designs with a
direct communication to the opulent past. It was a lavishness happily befitting the character of his clients, since
those people eagerly commissioning a Mongiardino design
included some of the most illustrious personages of the
age, including Marella Agnelli, Princess Firyal of Jordan,
Jackie Onassis, Marie-Hélène Rothschild, Gianni Versace
and Valentino.
125
Sin embargo los diseños de Mongiardino no eran solo teatrales en su resultado sino también por la forma en que se elaboraban. Ya que, utilizando las habilidades aprendidas a través
de la escenografía para la ópera y películas de éxito como La
fierecilla domada (1967) de Franco Zeffirelli, Mongiardino creaba una apariencia de opulencia utilizando frecuentemente los
materiales más básicos. Pintaba madera contrachapada para
imitar azulejos marroquíes y taracea renacentista; formaba
elaboradas cornisas, capiteles y repisas de chimenea a partir
de plástico moldeado de una forma exquisita; y en su famoso diseño para Lee Radziwell en Londres, rescató y reutilizó
paneles de cuero cordobés utilizados para el rodaje de La fierecilla domada que en realidad habían sido elaborados a partir de
cartón prensado, pintado y dorado. Así era la magia que utilizaba Mongiardino para transformar las casas de sus clientes.
En palabras de Valentino: “Mongiardino no era solo un arquitecto
o un decorador, era un mago. Podía transformar una estancia banal
en un castillo de cuento de hadas gracias a su maravilloso dominio del
dramatismo y las proporciones”.
However Mongiardino’s designs were not just theatrical
in the way they presented, but likewise in the method of
their making. For in employing his skills learnt through
stage and set design for the opera and blockbuster films
such as Franco Zeffirelli’s The Taming of the Shrew (1967),
Mongiardino created an appearance of opulence while frequently using the most basic materials. Plywood would be
exactingly painted to mimic Moroccan tilework and Renaissance intarsia; elaborate cornices, capitals and chimneypieces were fashioned from exquisitely moulded plastic;
and in his renowned design for Lee Radziwell in London,
he salvaged and reused panels of Cordovan leather from
the film set of The Taming of the Shrew which were acually
created from pressed, painted and gilded cardboard. Such
was the wizardry with which Mongiardino transformed
the homes of his clients. As Valentino commented: “Mongiardino was a magician, not merely an architect or decorator. He
would transform an empty banal room into a fairy-tale chateau,
thanks to his marvellous mastery of drama and proportion”.
Renzo Mongiardino murió en Italia en 1998 a los 81 años
como uno de los más excepcionales talentos del siglo XX;
un diseñador de diseñadores y creador de algunos de los espacios residenciales más teatrales pero habitables de la historia. Impregnado de historia y empleando un exuberante
romanticismo clásico extraído de su colección mágica de
efectos artificiales, fue un verdadero maestro del ambiente,
creando glamurosas estancias, repletas de emociones que,
como afirmó su amigo Umberto Pasti, siempre estaban envueltas en “el aire corrosivo de la melancolía”.
Renzo Mongiardino died in Italy in 1998 aged 81 as one
of the 20th Century’s most rarefied of talents; a designer’s
designer and creator of some of history’s most theatrical,
but entirely liveable residential spaces. Steeped in history
and employing a lush classical romanticism pulled from
a magic bag of artificial effects, he was a true master of
atmosphere and ambience, creating glamorous rooms,
weeping with emotion which were, as his friend Umberto Pasti wrote, always dusted with “the corrosive breath of
melancholy”.
127
REFLEXIONES
SOBRE EL HOTEL
Reflecting on the hotel
One day recently, I was having lunch
in Cappuccino Puerto Andratx with
Jonathan Bell, the phenomenally
talented garden landscaper. We were
meeting to discuss the construction
of a rooftop swimming pool which
he has designed for the roof of the
new Hotel Cappuccino in Palma de
Mallorca. He had brought a few simple sketches of the idea with him,
which he took out to show me, each
in turn. Then, after he had showed
me his drawings, he suddenly drew
out from his bag the 1965 Miles Davis record E.S.P. (Extra Sensory Perception). “I’m showing you this record”,
he added, “to emphasise the importance of having Miles Davis playing
by the pool in the mornings”.
Hace poco estuve almorzando en
Cappuccino Puerto Andratx con el
magnífico paisajista, Jonathan Bell.
Nos reunimos para hablar sobre la
construcción de la piscina que ha
diseñado para la azotea del nuevo Hotel Cappuccino en Palma de
Mallorca. Había traído unos sencillos bocetos del proyecto que me
fue mostrando uno tras otro. Tras
enseñarme sus dibujos, de repente
sacó de su bolsa el disco de Miles
Davis de 1965 E.S.P. (Percepción
extrasensorial). “Te enseño este disco”, comentó, “para recalcar la importancia de que la música de Miles
Davis suene junto a la piscina por la
mañana”.
La portada del disco E.S.P. es tan
mítica, tan cool... Figura a Miles Davis mirando hacia arriba con gran admiración a su primera esposa Frances Taylor, que posa con una intensa
mirada. Cuenta la leyenda que el día
siguiente de tomar la fotografía de
esta portada, ella lo abandonó.
The cover of the E.S.P. record is just
so iconic, so cool. It depicts Miles Davis looking up, full of admiration, at
his wide-eyed first wife, Frances Taylor. But as legend would have it, the
day after the cover shoot was made,
she left him.
128
E.S.P.
Studio album by Miles Davis
Recorded 20–22 January 1965
Columbia Studios, Hollywood, LA
129
MONICA
BELLUCCI
Monica Bellucci... Pronunciar su nombre resulta casi tan sensual como la imagen de su seductora silueta. Esta modelo italiana convertida en galardonada
actriz ha sido elegida como la mujer
más sexy del mundo tantas veces que ya
hemos perdido la cuenta. Ha sido imagen de Dior y Dolce & Gabbanna, protagonista de las portadas de la edición
francesa de Elle, de Vanity Fair y Esquire,
y en 2015, se convirtió en la chica Bond
de mayor edad en Spectre seduciendo a
Daniel Craig en su papel de James Bond
Monica Bellucci…Her name runs off
the tongue almost as sensuously as her
seductively beautiful silhouette envelopes the eyes. The Italian model-turnedaward-winning actress has been voted
the world’s sexiest woman so many
times she’s lost count. She has been the
face of Dior and Dolce & Gabbanna,
graced the covers of French Elle, Vanity
Fair and Esquire, and in 2015, she became the oldest Bond Girl ever when, in
Spectre, she seduced Daniel Craig’s Bond
with the sexual vitality of a 20-year-old.
130
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con la vitalidad sexual de una chica de 20 años. No es de
extrañar que se haya convertido en el icono que es. Con su
famosa voluptuosidad y su mirada brillante La Bellucci (como
la llaman en Italia) seduce con una potencia mediterránea
solamente comparable a las divinas Sophia Loren y Claudia
Cardinale, transmitiendo una elegancia inherente que trasciende la sexualidad y cautiva a todos los públicos por igual.
And it is no wonder she has become the icon she is. With her
famous voluptuousness and direct glittering gaze, La Bellucci
(as the Italians call her) arrests the eyes with a Mediterranean
potency last seen in the likes of Sophia Loren and Claudia
Cardinale, exuding an inherent elegance which transcends
sexuality and captivates all audiences in equal measure.
133
Pero Monica Bellucci es mucho más que un regalo para
los ojos. Comenzó su carrera como modelo para financiar sus estudios de derecho en la Universidad de Perugia. Cierto es que su éxito frente a la cámara cambió
por completo el rumbo de su carrera, aun así, su inteligencia natural es evidente en la forma en que prepara
los diversos papeles que ha interpretado en el cine, por
ejemplo en la controvertida historia de una víctima de
violación en Irreversible (2002) o adaptándose de forma
sencilla a papeles en diferentes idiomas como el arameo
exigido en su interpretación de María Magdalena en la
épica cinta de Mel Gibson de 2004, La Pasión de Cristo.
Su arrebatadora belleza atraviesa la pantalla en todas
sus interpretaciones, produciendo un magnetismo similar al que transmitía Marilyn Monroe, ya sea vestida de
látex en Matrix o subida a unos tacones de 12 centímetros de Christian Louboutin en Spectre.
But she is much more than eye-candy. She commenced her modelling career in order to fund her
legal studies at the University of Perugia. While her
success in front of the camera led to a complete
change of career direction, her natural intelligence
can be sensed in the way in which she approaches
her varied film roles, for example taking on the
controversial story of a rape victim in Irréversible
(2002) or comfortably adapting to multi-linguistic
roles, such as the Aramaic required of her role as
Mary Magdalene in Mel Gibson’s 2004 epic, The
Passion of Christ. But in all her parts, her arresting
beauty shines through, making her as magnetic
to watch as Marilyn Monroe, whether it be clad
in PVC in The Matrix, or sporting 5 inch Christian
Louboutin heels in Spectre.
Now in her 50s, Monica Bellucci shows no indication that she is slowing down. In fact increasing
her elegance with age, and being a leading proponent of healthy eating, plenty of vitamins, a
good face cream and a hit of acupuncture to help
along the way, she remains a model woman who
sits comfortably within her skin as she enters this
new period of grace. La Bellucci, you are an inspiration to us all.
Ahora, pasados los 50, Monica Bellucci no da muestras de bajar el ritmo. De hecho su elegancia ha ido
en aumento con los años. Firme defensora de una alimentación sana, buenas dosis de vitaminas, una buena
crema facial y un toque de acupuntura, sigue siendo un
modelo de mujer ejemplar que se siente cómoda y segura de si misma con el paso de los años. Bellucci, eres una
inspiración para todos nosotros.
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NICK DRAKE
Un discreto enigma
“Una torpe mezcla de folk y cocktail jazz”. Es la descripción que hizo de “Bryter Layter” la revista Melody
Maker en 1970, año en que se publicó un disco ahora considerado una obra de culto. Y no fue el único
que dio la espalda al segundo trabajo de Nick Drake,
que apenas vendió 3000 copias a pesar del respaldo
de una discográfica relativamente importante como
Island Records y el apoyo de buena parte de la realeza folk del momento, personificada en los miembros
de Fairport Convention. La razón puede que fuera
el mismo Drake: un tipo tímido, frágil y reservado,
que rápidamente descartó la posibilidad de tocar en
directo debido a su incapacidad para conectar con el
público (que cambiara las afinaciones de su guitarra
cada tantas canciones no contribuía precisamente a
mejorar la situación) y que no quería conceder entrevistas. El sueño de cualquier relaciones públicas.
Ni siquiera su muerte, debido a una sobredosis de
antidepresivos, lo que hizo que en primera instancia
se considerara suicidio, levantó demasiado polvo en
su momento. Su fallecimiento fue un fiel reflejo de
su vida: un discreto enigma, como si le diera miedo
ser una molestia. De hecho, cuentan que Drake era
tan celoso de su intimidad que muchos de sus amigos y allegados se conocieron por primera vez en su
funeral, como si hubiera intentado mantenerlos alejados unos de otros y de su familia, una familia que
da para hablar largo y tendido, con una hermana
actriz, Gabrielle Drake, bastante célebre además, y
una madre, Molly Drake, cuya producción musical,
rescatada estos últimos años del olvido, sorprenderá
a más de uno y resulta una pieza reveladora para resolver el acertijo que fue Nick.
Porque eso era. Algo difícil de resumir o encasillar.
Algo líquido, como esa imagen daliniana en la portada de “Pink Moon”, el que sería su último disco,
publicado antes de abandonar la música y el mundo
y refugiarse en casa de sus padres.
Nick Drake compuso algunas de las más preciosas,
delicadas y profundas canciones de aquellos años.
Fue el artista folk más importante de su tiempo y,
sin duda, uno de los más influyentes de su generación a la larga, a pesar de que más de una década
desde su muerte antes de que sus discos recibieran
el reconocimiento que merecían. Fue a mediados de
los 80 y a lo largo de los 90 cuando su fama aumentó. Drake, cantando desde el más allá, iluminando el
cielo del Norte con su insondable melancolía.
Hoy en día los tres discos que grabó en vida (con
las décadas se han ido sucediendo la ediciones de
inéditos con irregular fortuna) se consideran piezas
fundamentales no sólo del folk británico sino de la
música contemporánea. Y a cualquiera le costará
elegir entre el orquestado “Five Leaves Left”, el gancho pop de “Bryter Layter” y la desnudez de “Pink
Moon”, grabado de un tirón en dos sesiones, pasada
la medianoche, pura magia. No está nada mal para
un cantautor que interpretava “una torpe mezcla de
folk y cocktail jazz” y que todo el mundo consideró
un fracaso en vida.
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“An awkward mix of folk and cocktail jazz”.
Such was the somewhat unenthusiastic description ascribed by magazine Melody Maker to the album Bryter Layter (1970), a record
which is now considered almost universally
to be a cult creation. And they were not the
only ones to turn their back on Nick Drake’s
second album, which barely sold 3,000 copies
despite the backing of a relatively important
label, Island Records, not to mention the support of much of folk royalty at that time personified by members of Fairport Convention.
The reason might have been Drake himself: a
shy, fragile, reserved man who rapidly ruled
out the possibility of playing live as he wasn’t
able to connect with his audience (changing the tuning of his guitar every few songs
didn’t exactly help to improve the situation).
He didn’t want to grant interviews either. Any
public relations manager’s dream.
Not even his death from an overdose of antidepressants, which meant that it was at first considered to be a suicide, caused much of a stir.
His death faithfully mirrored his life: a discreet
enigma, as if he was scared of being a bother. In
fact, they say that Drake was so guarded about
his privacy that many of his friends and acquaintances met for the first time at his funeral,
as if he had tried to keep them apart from one
another, not to mention from his family. It was
a family which included his sister, the actress
Gabrielle Drake, and his mother, Molly Drake,
whose own music was recently rescued from
oblivion and which has proved to be a revealing
piece in helping to solve the Nick puzzle.
And what a puzzle he was… a performer
whose work is difficult to summarise or pigeonhole. Liquid-like, as in that Daliesque
image on the cover of Pink Moon, which
turned out to be his last album, released before he abandoned music and the world and
sought refuge in his parents’ home.
Nick Drake composed some of the most
beautiful, delicate and deeply resounding
songs of his time. He was the most important folk artist of his age and undoubtedly
one of the most inf luential musicians of his
generation, even though his work didn’t receive the recognition it deserved until over
a decade after he died. His fame expanded
from the mid-eighties and throughout the
nineties. Drake, singing from the great beyond, lighting up the Northern sky with his
bottomless melancholy.
Today the three albums he recorded during
his lifetime (over the decades previously unknown songs have been released on an irregular basis) are considered to be fundamental
musical highlights, not just of the British
folk scene, but of contemporary music too.
It is difficult to choose between the brilliantly orchestrated Five Leaves Left, the earworm
pop of Bryter Layter and the bareness of Pink
Moon, recorded in just two sessions. However none can deny that all three albums have
become iconic in their own right. Not bad
at all for a singer-songwriter who performed
“an awkward mix of folk and cocktail jazz”
and that everyone thought was a failure
when he was alive.
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142
Hay mucho que descubrir en la más monocromática de las obras. Cuando
la figuración se reduce a un único color, la textura de la pintura y la pasión
con la que fue aplicada cobran vida en el lienzo como un diálogo personal
entre el artista y el espectador. Ahí comienza el hermoso intercambio, las
pinceladas, aparentemente inocuas, empiezan a narrar a una historia a través del propio acto de su creación.
Una sensación transmitida por primera vez a través de la imponente obra
expresionista de Jackson Pollock, y de forma más monocromática en las
obras maestras de Mark Rothko. Durante la misma época en la que las pinturas de Rothko se admiraban con retrospectiva tras la muerte del pintor en
1970, en Corea surgía un grupo de artistas minimalistas.
Denominado colectivamente “Dansaekhwa” (también transcrito como
“Tansaekhwa”), que significa literalmente “pintura monocromática”, el
movimiento incluye a un grupo de artistas coreanos cuyas obras se definen
tanto por la variedad de métodos que emplean como por la estética minimalista resultante. Mientras Chung Sang-hwa creaba cuadrículas a base
de capas de pintura agrietada y descascarillada y Ha Chong-hyun aplicaba
la pintura desde la parte posterior del lienzo de cáñamo, embadurnando
y raspando la superficie, Kwon Young-woo arañaba, perforaba, rasgaba y
hacía tiras de papel hanji y Lee Ulfan deslizaba el pincel una y otra vez hacia
la parte inferior del lienzo hasta que la pintura se desvanecía por completo.
DANS A E K H WA
T H E FI R S T KO RE A N A RT I S T I C M OVEMENT TO B E R ECOG NIS ED INTER NATIONAL LY
There is much to be discovered inside the most monochrome of paintings.
When figuration is reduced to a single colour, suddenly the texture of the paint
and the passion of its application becomes alive on the canvas, like a personal
dialogue between artist and viewer. Therein begins the most beautiful exchange, as the apparently innocuous brushstrokes begin to narrate a story all of
their own, told through the very act of their creation.
It is a sensation first delivered through the powerfully expressionist works of
Jackson Pollock, and more monochromatically through the masterpieces of
Mark Rothko. But at around the same time as the works of Rothko were being
retrospectively admired in the aftermath of the artist’s death in 1970, a new
group of minimalist artists was emerging in Korea.
Collectively known as “Dansaekhwa” (also transliterated as Tansaekhwa),
which literally means “monochrome painting”, the movement comprises
a group of Korean artists whose works are defined as much by the diverse
array of methods employed as they are by the minimal aesthetics which
result. While Chung Sang-hwa created layered grids of cracked and chipped
paint, and Ha Chong-hyun pushed paint through the back of hemp, smearing and scraping the surface, Kwon Young-woo scratched, punctured, tore
and sliced hanji paper, whereas Lee Ulfan steadily and repeatedly pulled his
brush down the canvas until the paint faded to nothing.
143
Juntos, estos artistas comparten el deseo de explorar el
objeto a través de sus propiedades materiales más básicas,
trabajando en las durísimas condiciones, privados de materiales en el austero y asfixiante clima político que dejó la
guerra de Corea. No obstante, superaron esas circunstancias a través del arte, y ya en la década de los 80, Dansaekhwa se había convertido en el primer movimiento artístico coreano en recibir reconocimiento internacional.
144
Together, these artists shared a desire to explore the object
through its most basic material properties, making their
work in the most stark of conditions, when available materials were deprived in the oppressive and austere political
climate following the Korean war. However, through art,
these conditions were overcome, and by the 1980s, Dansaekhwa had become the first Korean artistic movement to be
recognised internationally.
145
The movement
comprises a group
of Korean artists
whose works are
defined as much by
the diverse array of
methods employed
as they are by the
minimal aesthetics
which result
A pesar de los años intermedios de olvido y escasa atención a su trabajo, Dansaekhwa ha disfrutado recientemente de un renovado interés. La venta de una de sus
obras por 55.000 dólares en diciembre de 2014 quedó a la sombra de la más reciente
adquisición de una pintura de proporciones parecidas tan solo un año después por
830.000 dólares. El renovado interés por el atre abstracto es una realidad creciente,
sin embargo en comparación con otras tendencias artística de la misma corriente
como el Gutai japonés o el movimiento Zero en Europa, el especial interés por las
obras Dansaekhwa influyen de una forma más intima en el espectador.
En sus expresiones abstractas, las obras de Dansaekwa se convierten en una
poética fachada de las intensas y duras condiciones que limitan su creación.
Así pues, estas pinturas logran hablar a su público como ninguna otra obra
abstracta lo había hecho antes. Son obras maestras del minimalismo llenas de
pasión; una profunda carga de austeridad en el lienzo con una rica historia
humana y emocional que transmitir.
146
Despite interim years of neglect and reduced interest in their work, the Dansaekhwa has recently enjoyed a resurgence
of interest, to such an extent that a work
selling in December 2014 for $55,000
was overshadowed by the sale of a comparably sized and dated work sold a year
later for $830,000. While the regained
popularity of abstract art has been credited for this surge of interest, as mirrored
by other recent rediscoveries of abstract
art trends including Japanese Gutai and
Europe’s Zero movement, it is clear that
the interest in these works is personal
too. For in their exquisitely austere abstract expressions, underpinned by the
almost impossible conditions under
which they were created, the works of
the Dansaekhwa speak to their audience
in a way that comparable abstracts have
never done before. Minimalist masterpieces packed full of passion; an austerity
on canvas with such a richly human and
emotional story to tell.
Since 1958
INTERIOR DESIGN
KITCHEN
DEFINE
YOUR WAY OF LIFE
Mallorca
C/. Islas Baleares 37 (Son Bugadelles)
07180 Santa Ponsa
Tel.: 971-694 154
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Melanchthonstr. 114
75015 Bretten
Tel.: +49-(0) 7252-91 40
www.stork-die-einrichtung.de
Con la llegada del verano, las oportunidades para disfrutar al aire libre de una copa de vino blanco o un
aterciopelado tinto se multiplican. Para esas noches
estivales, o durante todo el día, hemos seleccionado
tres vinos tentadores de algunas de las mejores bodegas de España.
With the arrival of summer, the opportunities to enjoy
an alfresco glass of fragrant white wine or a rich velvety
glass of red multiply. For those balmy summer evenings,
or sun-drenched lunch times, we have selected three tantalising wines from some of Spain’s best bodegas.
La Sibila es un canto de origen medieval que se mantiene vivo desde entonces siendo una de las tradiciones
más arraigadas de la cultura mallorquina y se interpreta
en la Misa de Gallo en las iglesias de Mallorca
Sibila 2011 es un vino elaborado con la variedad autóctona Gorgollassa, una variedad que estuvo a punto de
desaparecer, perfectamente adaptada al clima de Mallorca (aguanta muy bien el calor y la sequía) y que no
da un excesivo grado alcohólico.
Y ante una variedad en peligro de extinción que poco a
poco los bodegueros mallorquines han ido recuperando con gran esfuerzo, aparece en Mallorca uno de los
enólogos más mediáticos y libres, Raúl Pérez. Un enamorado de las variedades autóctonas que elabora en
muchísimas regiones y países (está involucrado en más
de 80 proyectos muchos de ellos de menos de 1000 bot.)
Raúl Pérez se sumerge en los proyectos arriesgando,
rozando el límite, elaborando vinos muy personales,
diferentes y este Sibila 2011 no es la excepción. Nos
presenta un vino con muy poco color, delicado, suave,
equilibrado, con una nariz especiada (comino, curry),
hierba seca, pinceladas de buena madera (vainilla y ligeros torrefactos). Un vino diferente y muy sutil que nos
emociona tanto como la angelical voz de la Sibila
La Sibila is a medieval chant that still lives today, known
as one of the oldest, most deeply rooted traditions in
Mallorca and sung every Christmas Eve in the “Misa
del Gallo”.
Sibila 2011 wine is produced with Gorgollassa, an autochthonous grape variety perfectly adapted to the
majorcan climate that was once close to extinction.
The well-known oenologist Raúl Pérez is passionate
about native varieties, he produces numerous
local wines in different countries and is currently involved in 80 projects, many of them having a limited
run of less than 1000 bottles.
Raúl Pérez engages in small risky wine productions,
with charismatic and unique stand out results, Sibila
2011 being no exception. This wine presents a soft color, it is delicate, smooth and finely balaced, and carries
a spiced aroma (cumin and curry). A different subtle
wine that fills with as much emotion as the chant of the
angelical voice of the Sibila.
SIBILA 2011
149
Rafael Palacios ha conseguido con la uva
godello en la DO Valdeorras uno de los
mejores vinos blancos de España.
En el año 2004 decide abandonar su amada
Rioja y comprar unos viejos viñedos en el
Valle de Bibei. En estos años se ha convertido en un mago de la variedad godello.
Luis Guitierrez, catador del vino español
para Robert Parker, lo puntuó con 97
puntos y ha definido el Sorte O Soro 2014
como “uno de los mejores vinos blancos
producidos de siempre en España, con la
excepción de los viejos de Jerez y algunos
blancos tradicionales de Rioja
Fermentado y envejecido en barricas nuevas de 500 litros de roble francés durante
7 meses con sus lías finas nos ofrece una
explosión de elegancia, cremosidad, incursión en el granito, frutas en su punto
óptimo de madurez, toque salino, potencia y finura sin estridencias. Puro equilibrio. Un vino para reflexionar.
Rafael Palacios has created one of the best
white wines of Spain elaborated with the
Godello grape.
In 2004 he decided to leave his beloved Rioja and buy some old vineyards in the valley
of Bibei. During these past years he has become a magician of the Godello variety.
Luis Gutierrez, spanish wine-taster for
Robert Parker, awarded this wine with 97
points and described the Sorte O Soro
2014 as “one of the best all-time white wines produced in Spain with the exception
of the old Jerez and a few other traditional
white wines from Rioja”.
Fermented and aged in new 500l french
oak barrels for 7 months with thin lees it
offers an elegant explosion, velvety texture, ripe fruit, a salty touch and a refined
finish. Pure balance. A wine on which one
can reflect.
SORTE O SORO 2014
150
Entre los siglos XIII y XIV existía en Pedrosa de Duero una capellanía y los habitantes del lugar donaban pequeñas parcelas de terreno a los capellanes a cambio
de misas y oraciones por los difuntos.
Con la desamortización de Mendizábal
(1855) las propiedades de la iglesia y el
clero pasaron a manos del ayuntamiento.
A pesar de ello, los habitantes de Pedrosa siguieron llamando al pago, el de los
capellanes.
La parcela El Nogal tiene seis hectáreas
de tinto fino de la que obtienen un rendimiento muy bajo con una gran concentración de color y aromas. Después de
una crianza de 22 meses en cuatro tipos
de barricas nuevas de roble francés se
embotella sin pasar por frío, ni clarificar,
ni filtrar.
El resultado es un vino de color morado
cardenalicio, exultante en nariz (flores,
frutas frescas, vainilla, cacao, torrefacto,
cuero, tabaco y regaliz). Un vino carnoso
e intenso. Un vino para disfrutar ahora y
de largo recorrido.
Between centuries XIII y XIV stood a
small chaplaincy in Pedrosa de Duero,
the locals would offer small pieces of
land to the chaplains in exchange for
mass and prayers for the deceased. With
the confiscation of Mendizábal (1855)
the clergy’s properties passed on to the
town hall.
El Nogal’s Parcel has 6 hectares of fine red
from which they obtain a limited production with intense colour and aroma. After
22 months of crianza in 4 different types
of french oak barrel it is bottled without
cooling, clarifying or filtering. The result
is a pure purple wine with an exultant
bouquet (flowers, fresh fruit, vanilla, coco,
leather, toast, tobacco and liquorice).
PAGO DE LOS CAPELLANES
Parcela EL NOGAL 2011
151
152
RUDOLF NUREYEV
Dance to freedom
No es exagerado afirmar que Rudolf Nureyev (19381993), bailarín, director y coreógrafo, fue uno de los
más grandes y más famosos bailarines rusos del siglo
XX, se podría decir que fue el más grande de todos
los tiempos. Destacó por su prodigioso talento, su
poderosa presencia en el escenario y su extravagante
y sorprendente personalidad ya sea sobre el escenario
o no. Su habilidad fue cultivada desde una temprana
edad, hecho que le llevó a ser aclamado en su debut
con el famoso Ballet Kirov. Sin embargo, su marcada
fama se forjó en la Unión Soviética, donde su talento
fue inevitablemente reprimido tras el implacable telón de acero. Y así se habría mantenido si el bailarín
no hubiese dado un paso decisivo que cambiaría su
destino para siempre.
It is no exaggeration to declare Rudolf Nureyev
(1938-1993), the Russian ballet dancer and latterly director and choreographer, to be one of the
greatest and most celebrated dancers of the 20th
Century, if not of all time. Remarkable for his prodigious talent, his powerful stage presence and his
strikingly flamboyant personality both on and off
the stage, his was a skill nurtured from a young age
and débuted to high acclaim in the famous Kirov
Ballet. However, Nureyev’s early fame was founded
in the Soviet Union, where his talent was inevitably repressed behind the triple-locked doors of the
iron curtain. And so it would have remained were
it not for one decisive action by the dancer that
would change his fate forever.
153
It was a move that is now the stuff of legend. 16 June
1961, and following a Kirov ballet promotional tour
in Paris during which the behaviour of the famously
rebellious Nureyev had given rise to concern, Soviet
KGB agents, who had been hired to relentlessly guard
the dancer, were just about to lead the star onto a plane back to the Soviet Union and to his potential imprisonment. Just at that moment, escaping his bodyguards in a split-second’s hesitation, Nureyev threw
himself into the arms of waiting French Police and
into the custody of the West. This brave act, which
one triumphant headline in the Daily Express described as his “dance to freedom”, saw the ballet dancer
become as much a sensation in the likes of the Grand
Ballet du Marquis de Cuevas, and the Royal Ballet in
London, as he had been in his native Russia.
El 16 de junio de 1961 marcó una fecha decisiva en la
vida de Nureyev, hoy considerado toda una leyenda.
Tras una gira promocional del ballet Kirov en París,
la rebeldía habitual del bailarín incitó su intento de
arresto por parte de los agentes de la KGB. Decididos a mandarle de regreso a la Unión Soviética para
ser encarcelado, los agentes encargados de vigilar a
Nureyev fueron burlados por el hábil bailarín quien
rápidamente se lanzó a los brazos de la policía francesa, quedando así en custodia occidental. Este valiente
acto, que el periódico británico Daily Express describió en su titular como una “danza hacia la libertad”,
permitió al bailarín convertirse en la sensación de
compañías como el Grand Ballet du Marquis de Cuevas y el Royal Ballet de Londres.
Una vez en Occidente, Nureyev pudo desarrollar su talento como nunca antes, revelando una icónica aptitud
para la danza que le convirtió no solo en el favorito del
público, sino también en un pionero del ballet del siglo
XX. Nureyev, por ejemplo, fue el primero en atreverse a
introducir estilos de danza moderna en la esfera del ballet clásico, una disciplina que hoy en día es un elemento
básico en la formación de bailarines de ballet. Su poderosa influencia y espectaculares coreografías marcaron
un antes y un después en la percepción de los papeles
masculinos, hasta entonces secundarios, cambiando así
el trascurso de la historia para los hombres de esta exígete profesión. Quienes le vieron bailar junto con algunas
de las bailarinas más famosas del mundo, entre ellas la
admirada Margot Fonteyn, aseguraban percibir la impactante química que establecía con sus parejas de baile
en casa movimiento.
Once in the West, Nureyev was able to realise his
full potential like never before, to revel in an iconic
aptitude for dance which made him not just the beloved of his audience, but a pioneer of 20th century
ballet. It was Nureyev, for example, who first dared
to mix modern dance styles into the classical ballet
sphere, a dual discipline which is a staple of today’s
modern ballet training. It was also he whose choreography enhanced traditionally more limited male
roles, changing the historical perception of male
dancers and creating some of the best male choreography ever known. Meanwhile, few who ever saw
him dance with some of the world’s most famous
female dancers, key among them the iconic Margot
Fonteyn, could ever deny the arresting magical chemistry which he created with his partners.
154
Singular por su extraordinario talento, su poderosa presencia y su extravagante personalidad, su habilidad como bailarín alcanzó su máxima potencia
cuando logró escapar de la opresión de la Unión Soviética huyendo hacia la
libertad de occidente.
“Remarkable for his prodigious talent, his powerful stage presence and his strikingly
flamboyant personality both on and off the stage, his was a his was a skill which
only realised its full potential when he dramatically escaped from the clutches of
Soviet Russia to the freedoms available in the West.”
155
El cambio de oriente a occidente también le aportó
una gran riqueza a nivel personal. Le concedió libertad
para disfrutar de una intensa relación homosexual de
25 años con el bailarín danés, Erik Bruhn, amorío que
le hubiese supuesto fatales consecuencias en la Unión
Soviética. De la misma forma le permitió poner fin a
su carrera con un sensacional colofón como director
del Ballet de la Ópera de París, marcando uno de los
períodos más innovadores de su historia. En pocas palabras, fue una libertad que permitió a la estrella deslumbrar al mundo sin límites, una luz que brilló hasta su prematura muerte en París a causa del SIDA en
1993. Allí se encuentra ahora, un alma rusa enterrada
en Occidente, con sus zapatillas de ballet y un único
lirio blanco enterrados a su lado para su último baile.
Nureyev’s flight to the West also brought the star satisfaction at a personal level too. It gave him the freedom to pursue a 25-year-long gay relationship with
Danish dancer, Erik Bruhn, something for which
punitive consequences would have been due in the
Soviet Union. Likewise it enabled him to end his career with a sensational spell as Director of the Paris
Opera Ballet, marking one of the most ground-breaking periods of its history. In short, it was a freedom
which enabled the star to dazzle the world without
limit, a brilliance which shone on right up until his
untimely death from AIDS in 1993 in Paris. There
he now lies, a Russian soul interred in the West, his
ballet shoes and a single white lily buried by his side
for his one last dance to freedom.
156
Somos una pequeña empresa de
albañilería en la que confía grupo
Cappuccino para todos sus proyectos.
We are a small construction company,
working with the Cappuccino Group for
a number of their most exciting projects.
construccions & reformes integrals
Calle Pío XII N29. Inca. Baleares
T. 678 436 428
La Gaia Restaurant, Ibiza Gran Hotel
Flotando majestuosamente en el agua con colores fluorescentes que seducen con un increíble brillo que parece
proceder de otro mundo, las medusas son tan hermosas
como peligrosas. La belleza de sus formas frágiles y efímeras se exhibe ahora con un impactante efecto en el
nuevo espacio interior del restaurante La Gaia. Situado
en el Ibiza Gran Hotel, que ha sido maravillosamente
reformado, justo frente al Cappuccino Marina Ibiza,
este restaurante con un concepto único de “Japeruvian
cuisine” prioriza tanto la calidad de sus instalaciones
artísticas como la de su oferta gastronómica.
Titulada sencillamente Life, esta composición de delicadas
medusas es obra de la artista danesa Katrin Kirk. Una creación que refleja en todos los aspectos la belleza sensual de
estas criaturas marinas tan misteriosas. Las piezas han sido
trabajadas de forma tridimensional con una técnica escultórica empleando el uso de malla de alambre galvanizado para
crear formas y transparencias, con estos materiales la artista
la logrado plasmar efectos traslúcidos y jugar con luces y
las sombras. La forma corpórea de las esculturas resulta tan
bella como las alegres sombras que estas proyectan sobre la
pared; una panoplia de formas y tamaños que da una sensación de profundidad y abundancia. El ambiente que surge
de estas obras sumerge al espectador en las profundidades
contemplativas del mar Mediterráneo, siendo a la vez bien
atendido en el restaurante más innovador de Ibiza.
Floating majestically through the water, their neon colouring arresting the eyes with its other-worldly brilliance,
the jelly fish is as beautiful as it is dangerous. But now
the beauty of its transient, fragile form is exhibited to
stunning effect in the magical new interiors of La Gaia
Restaurant. Situated in the ravishingly refurbished Ibiza
Gran Hotel, just over the road from Cappuccino Marina
Ibiza, the restaurant, which serves a unique offering of
“Japeruvian cuisine” is as dedicated to the quality of its
art installations as it is to its food.
Entitled simply “Life”, this installation of ephemeral
jelly fish is the work of Danish artist Katrin Kirk, a creation which in every respect reflects the sensuous beauty of this most delicate of marine creatures. Working
three-dimensionally, with a sculptural technique that
employs the use of galvanised wire mesh to create form
and transparency, enabled the artist both to capture the
innate pellucidity of the jelly fish, but also to play with
light and shadow. For just as beautiful as the corporeal
form of the sculptures are the playful shadows they cast
upon the nearby wall; a panoply of shapes and sizes
which give an impression of both depth and number.
The effect is to submerge the viewer within the contemplative depths of the Mediterranean sea, all the while
remaining dry and well pampered in this most innovative of Ibiza restaurants.
158
GRUPO CAPPUCCINO STORES
MALLORCA
MADRID
CAPPUCCINO BORNE
PZA. JUAN CARLOS I, 9 · T. 971 717 151
CAPPUCCINO MADRID
PLAZA DE LA INDEPENDENCIA, 5
T. 91 545 73 20
CAPPUCCINO SAN MIGUEL
SAN MIGUEL, 53 · T. 971 719 764
CAPPUCCINO LA MORALEJA
C/ ESTAFETA, 2 · T. 91 529 52 54
CAPPUCCINO PALAU MARCH
CONQUISTADOR, 13 · T. 971 717 272
IBIZA
CAPPUCCINO MARINA IBIZA
AVDA. JUAN CARLOS I, SN
T. 971 312 628
CAPPUCCINO PASEO MARÍTIMO
PASEO MARÍTIMO, 1 · T. 971 282 162
ORGANIC MARKET IBIZA
MARINA BOTAFOCH, 316
T. 971 192 726
CAPPUCCINO TAKE AWAY COLÓN
PZA. MARQUÉS DEL PALMER, 1
T. 971 714 309
VALENCIA
CAPPUCCINO VALENCIA
C/ DE LA PAZ, 1 · T. 963 152 143
ESQUINA CON PLAZA DE LA REINA
CAPPUCCINO VALLDEMOSSA
PLAZA RAMON LLULL, 5
VALLDEMOSSA · T. 971 616 059
MARBELLA
CAPPUCCINO PUERTO PORTALS
PUERTO PORTALS, 1 · T. 971 677 293
CAPPUCCINO MARBELLA
C/ DE JOSÉ MELIÁ S/N · T. 952 868 790
(HOTEL GRAN MELIÁ DON PEPE)
CAPPUCCINO PUERTO ANDRATX
AVDA. MATEO BOSCH, 31
PUERTO ANDRATX · T. 971 672 214
TAHINI MARBELLA
C/ JOSÉ MELIÁ S/N · T. 952 902 936
CAPPUCCINO PALMANOVA
PASEO DEL MAR, 18
PALMANOVA · T. 971 681 368
BEIRUT (LEBANON)
CAPPUCCINO PUERTO POLLENSA
ANGLADA CAMARASA, 77
PUERTO POLLENSA · T. 971 865 254
CAPPUCCINO ACHRAFIEH
627 SIOUFI STREET - HAJJ MRAD
CAPPUCCINO ZAITUNAY BAY
BEIRUT MARINA
CAPPUCCINO ANTELIAS
CRESUS STREET - ANTELIAS
TAHINI MALLORCA
PUERTO PORTALS, 2 · T. 971 676 025
JEDDAH (SAUDI ARABIA)
WELLIES RESTAURANT
PUERTO PORTALS · T. 871 902 306
CAPPUCCINO JEDDAH
SARI ROAD
161
Staff
edita
Cappuccino Grand Café
director
Juan Picornell
director de arte y marketing
Nicholas de Lacy-Brown
publicidad
Marina Llull
[email protected]
diseño y maquetación
Ramón Giner
equipo cappuccino
Marina Llull, Elisabet Aisher,
Nicholas de Lacy-Brown, Ramón Giner,
Marta Jiménez, Pepe Link.
han colaborado en este número
Joan Cabot, Isabel Blokker, Juan Luis
Perez de Eulate, Oliver Trusgnach
y Bárbara Vidal.
imprime
C-UNO IMPRESIONES
Depósito Legal PM 354-2015
ISSN: 2340-0498
Grupo Cappuccino
Calle San Miguel 53.
Palma de Mallorca 07002, España.
Tel. 971 72 87 77
© De las fotografías: los fotógrafos
© De los textos: los autores
© De las traducciones: los traductores
162
C/PARAIRES, 10
PALMA DE MALLORCA
w w w.0 0 3 9 i ta l y -s h o p .c om
PARIS
·
FLORENCE
·
BERLIN
·
PALMA ·
MUNICH
·
DÜSSELDORF
·
FRANKFURT ·
HAMBURG
·
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Periodico El Pueblo de Dios Marzo 09