1 miami 2015

Transcripción

1 miami 2015

MIAMI 2015
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ANÓNIMO
MIAMI 2015
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ANÓNIMO
MIAMI 2015
Colectivo México es un estudio creativo
que tiene como objetivo desarrollar
plataformas
culturales
con
formatos
alternos que rescatan valores de la cultura
mexicana. Colectivo México busca fomentar
una reinterpretación del estilo de vida
contemporáneo a través de acercamientos
poco explorados hacia el arte, gastronomía,
arquitectura, patrimonio, música y cine.
Colectivo México is a creative studio focused
on the design of cultural platforms using
non-conventional formats and alternative
business models. Colectivo México aims to
promote a lifestyle based on a reappraisal
of Mexico’s cultural, artistic, culinary and
architectural heritage.
www.colectivomexico.com
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7
Omega SpeedmaSter 50,
FrOm a Spacewalk tO tOday
christies.com
MIAMI 2015
NEW YORK · December 15
VIEWING · December 11–15 · 20 Rockefeller Plaza · New York, NY 10020
CONTACT · Rebecca Ross · [email protected] · +1 212 636 2323
Omega.
Stainless Steel Chronograph
Wristwatch with Tropical Dial
and Bracelet, Speedmaster
‘Broad Arrow’ Model, Ref. 2915-1
Manufactured in 1957
ABOUT
ANÓNIMO es una plataforma cultural que acerca a jóvenes
colecccionistas con el arte contemporáneo mexicano y
latinoaméricano, mediante una exhibición y subasta que busca
reunir fondos para apoyar a causas sociales.
Una iniciativa sin fines de lucro que promueve la adquisición
de arte como un proceso libre de ideas preconcebidas,
motivadas sólo por la conexión que genera una pieza anónima.
ANÓNIMO is a cultural platform that seeks to support
social causes by generating ties between Mexican and
Latin-American contemporary art with young collectors,
through an exhibition and mystery auction.
A Non Profit initiative whose main purpose is to encourage
the purchase of art as a process free of preconceived
ideas, motivated only by the connection that an anonymous
piece can generate.
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A SPECIAL THANKS TO OUR
HONORABLE CHAIRS:
AUCTION IN BENEFIT OF:
HOGAR CABAÑAS
Eugenio Lopez
Chairman Fundación Jumex Arte
Contemporáneo
Jorge Pérez
Chairman of Related Group
Patrick Charpenel
Curator
And to our Auctioneer:
Brook Hazelton
President of Christie´s America
Hogar Cabañas es un albergue con más de 200 años de historia,
que brinda asistencia integral a las niñas, niños y adolescentes
que se encuentran en situación de vulnerabilidad que pone en
riesgo su integridad física o mental, generalmente derivados
por autoridades competentes, con el objetivo de formarlos e
integrarlos a la sociedad.
Hogar Cabañas is a shelter children's home with more than
200 years of history, that gives integral assistance to children
and teenagers that are in a vulnerable situation which puts
their physical and mental integrity at risk, generally derived by
competent authorities, with the goal of form and involve them
into society.
THE ART NEXUS FOUNDATION
La Fundación ArtNexus para la promoción y divulgación del arte es una
organización sin ánimo de lucro que realiza actividades encaminadas a:
Conservar y enriquecer el centro de documentación especializado en arte
con sede en la ciudad de Bogotá.Promover todas las actividades conducentes
al desarrollo y conocimiento de las artes visuales y de la arquitectura en el
ámbito nacional e internacional. Realizar una labor de divulgación mediante la
publicación física o electrónica de catálogos, libros, revistas y folletos. Organizar
foros, conferencias, congresos o eventos similares, para beneficio del desarrollo
de las artes visuales y de la arquitectura.
The Fundación ArtNexus is a non-for-profit organization focused on:
Thank your for supporting young and
independent non profit initiatives.
The promotion of the arts through activities intended to enrich and preserve
its specialized Documentation Center, located in Bogotá, Colombia. To
promote activities towards the development and diffusion of the visual arts and
architecture at the national and international levels. To carry forward educational
efforts through the physical or electronic publication of catalogs, magazines,
and booklets. To organize forums, conferences, congresses, or similar events, in
support of the development of the visual arts and architecture.
ANÓNIMO
MIAMI 2015
Lot 1
LOTES ANÓNIMOS
ANONYMOUS LOTS
PRECIO ÚNICO DE SALIDA: $3,000 USD
ALL BIDS STARTING AT: $3,000 USD
ONLINE AUCTION STARTING NOVEMBER 23RD AT:
WWW.PADDLE8.COM/AUCTION/ANONIMO
LIVE AUCTION ON DECEMBER 3RD AT:
THE M BUILDING. MIAMI WYNWOOD ART DISTRICT
Anonymous Author / Autor Anónimo
Black Glass, Bicycle Frame, Angle Aluminum
Section, Flat Iron Section
121 x 139 x 158 cm
All bids starting at: $3,000 USD /
Precio único de salida: $3,000 USD
Online bidding at:
www.paddle8.com/auction/anonimo
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ANÓNIMO
MIAMI 2015
Lot 2
Lot 3
Acrylic on paper
80 x 96 cm
Online bidding at:
Graphite on cotton paper
154.5 x 100 x 2.5 cm
Online bidding at:
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ANÓNIMO
MIAMI 2015
Lot 4
Lot 5
Collage digital print on cotton paper, vellum
paper, tissue paper, acrylic paint
130 x 156 cm
Online bidding at:
16
Acrylic on Tyvek
90 x 72 cm
Online bidding at:
17
ANÓNIMO
MIAMI 2015
Lot 6
Lot 7
Lot 8
Materials are Black Silica, Sand and Salt
121.92 cm in diameterr
Online bidding at:
Archival pigment print
65 x 100 cm
Ed. 1/1 + 1 AP
Online bidding at:
Inkjet print on cotton paper
62.3 x 71.6 x 4 cm each (framed)
Edition 1 of 3
Precio único de salida: $3,000 USDOnline
bidding at:
18
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ANÓNIMO
MIAMI 2015
Lot 9
Lot 10
Inkjet print, watercolor and pencil on paper
20.96 x 29.53 cm
Online bidding at:
20
Inkjet print on cotton paper
123x100 cm (each)
Online bidding at:
21
ANÓNIMO
MIAMI 2015
Lot 11
Lot 12
Diptych.
Crayon, charcoal, watercolor, ink on paper.
48.26 x 62.23 cm.
Online bidding at:
22
Acrylic and oil on canvas
88.9 x 146.05 cm
Online bidding at:
23
ANÓNIMO
MIAMI 2015
Lot 13
Lot 14
Paper and acrylic paint on MDF board
50 x 70 x 2.5 cm.
Online bidding at:
Aerosol, paper
100 x 100 cms
Online bidding at:
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ANÓNIMO
MIAMI 2015
Lot 15
Lot 16
Concrete base with mineral coal, circular
polished brass mirror cover and brilliant
faceted diamond
60 cm diameter x 12 cm
Online bidding at:
8mm film Negative on cardboard
130 x 100 cm
Online bidding at:
26
27
ANÓNIMO
MIAMI 2015
Lot 18
Lot 17
Archival print
79 x 118.26 cm
Online bidding at:
Graphite over found paper.
20 x 35 cm each one
Online bidding at:
28
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ANÓNIMO
Lot 19
Lot 20
Acrylic on canvas
80 x 120 cm
All bids starting at: $3,000
USD / Precio único de salida: $3,000 USD
Online bidding at:
30
Piezography
30 x 40 cm
Online bidding at:
ANÓNIMO
MIAMI 2015
Lot 21
Lot 22
Ink, paper
Polyptich of 9 drawings.
23.5 x 30 cm each one
Final dimensions variable
Online bidding at:
Fine Art print on cotton paper
90 x 67.5 cm
Edition of 3 + 1AP
Online bidding at:
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ANÓNIMO
MIAMI 2015
Lot 23
Lot 24
C print
67 x 52 cm (each)
Online bidding at:
Photo collage
Edition 1/3
27 1/2 x 39 1/4 inches
Online bidding at:
34
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ANÓNIMO
MIAMI 2015
Lot 25
Lot 26
Oil on canvas
99.06 x 99.06 cm
Online bidding at:
Acrylic on serviette, polyptych
12 x 13cm (each)
Online bidding at:
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ANÓNIMO
MIAMI 2015
Lot 27
Lot 28
Watercolor on paper
15 x 15 cms
Online bidding at:
Full HD video
19;55 min.
Edition of 3
Online bidding at:
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ANÓNIMO
MIAMI 2015
Lot 31
Lot 29
Ink, acrylic, screenprint, faux gold leaf on wood
90 x 120 cm
Online bidding at:
Lot 30
PVC glue
14 x 21 x 23 cm
Online bidding at:
40
Archival inkjet print. Face mounted on
plexiglas (Diptych)
0.40 x 2.10 cm y 0.80 x 2.10 cm
Online bidding at:
41
ANÓNIMO
MIAMI 2015
Lot 32
Lot 33
Acrylic on canvas.
80 X 80 cm
Online bidding at:
42
Pencil / paper
70 x 50 cm
Online bidding at:
43
ANÓNIMO
MIAMI 2015
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ANÓNIMO
PARTICIPATING ARTISTS
ARTISTAS PARTICIPANTES
Adrián S. Bará
Vive y trabaja en Guadalajara
Lives and works in Guadalajara
La práctica artística de Adrián S. Bará conjuga su
formación y ejercicio como cineasta, su interés por
la narrativa visual y sus aproximaciones empíricas
a situaciones cotidianas. Su trabajo se genera a
través de la apropiación de elementos visuales y
materiales extraídos de su entorno inmediato, que se
presentan como los rastros de un relato de la realidad
contemporánea y están dispuestos como fragmentos
para componer nuevas narrativas.
Adrián S. Bará’s art practice combines his education
and exercise as a filmmaker, his interest for visual
narratives and his empirical approaches to everyday
situations. His work is generated through the
appropriation of visual elements and materials taken
from his immediate environment, which are presented
as the traces of a story of contemporary reality and are
arranged as fragments to compose new narratives.
Interesado en los procesos de la cotidianidad, se
introduce en ambientes específicos para generar
su obra a partir de la experiencia, ocupándose de
las imágenes y los componentes que sirven como
referentes al contexto y dinámicas de las que es
testigo. Es el dinamismo de estos encuentros lo que
detona el trabajo de recomposición de narrativas y
permite que trabaje con procesos hermenéuticos. De
esta manera, Bará ha experimentado con distintas
prácticas artísticas formales dentro de un lenguaje
fuertemente influenciado por la cinematografía,
formado un cuerpo de obra que se compone de
acciones, imagen fija y en movimiento, reproducción
de iconografía e intervención de objetos.
Interested in the processes of everyday life, the artist
inserts himself in specific scenarios in order to produce
his work from experience, dealing with the images and
components that serve as reference to the context
and the events he witnesses. It is the dynamism
of these encounters what triggers the exercise of
narrative re-composition and allows the artist to work
with hermeneutical processes. Therefore, Bará has
experimented with different formal disciplines within
a language strongly influenced by cinematography,
configuring a body of work that consist of actions, still
and moving images, iconography reproduction, and
object intervention.
Adrián Villar Rojas
Las exhibiciones recientes de Adrián Villar Rojas
incluyen su exhibición en solitario en la Galería
Marian Goodman, New York Moderna Museet en
Estocolmo, ambas en 2015. En 2013, su exhibición
en solitario inauguró la nueva Serpentine Sackler
Gallery en Londres, y en el mismo año, presentó en
el Museum Haus Konstructiv en Zurich. En el último
año, Villar Rojas ha participado en la 14ava Bienal de
Estambul, la 12ava Bienal de la Habana y la Sharjah
Biennial 12. En el 2013 formó parte de la 5ª Biennal
de Arte Contemporaneo en Moscú, y en el 2012, su
instalación Return the World se exhibió en Documenta
XIII en Kasel y Kabul. Villar Rojas representó a
Argentina en la 54 Biennal de Venecia en 2011.
Están programafas varias exhibiciones en solitario
para la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Turin
(2015), y el Museum of Contemporary Art en Los
Angeles (2017). Villar Rojas ha recibido números
reconocimientos, incluidos el Prix Canson (2015),
el Zurich Art Prize at the Museum Haus Konstruktiv
(2013) y la 9º premio Benesse dentro de la 54 Biennal
de Venecia (2011).
Adrián Villar Rojas’s recent exhibitions include his
solo presentation at Marian Goodman Gallery, New
York and Moderna Museet, Stockholm (both 2015).
In 2013, his solo show opened the new Serpentine
Sackler Gallery, London and in the same year, he had
a solo show at the Museum Haus Konstructiv, Zurich.
Over the past year, Villar Rojas has also participated
in the 14th Istanbul Biennial, the 12th Havana
Biennial, and the Sharjah Biennial 12. In 2013,
he took part in A2012, his installation Return the
World was shown at documenta XIII in both Kassel
and Kabul. Villar Rojas represented Argentina at
the 54th Venice Biennial in 2011. Upcoming solo
exhibitions are planned for the Fondazione Sandretto
Re Rebaudengo, Turin (2015), and the Museum
of Contemporary Art in Los Angeles (2017). Villar
Rojas has been the recipient of numerous awards
including the Prix Canson (2015), the Zurich Art Prize
at the Museum Haus Konstruktiv (2013) and the 9th
Benesse Prize at the 54th Venice Biennial (2011).
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MIAMI 2015
Aldo Chaparro
Gran parte del trabajo de Aldo Chaparro esta
basado en procesos rápidos que implican una
interacción bastante estrecha con el material usado.
Chaparro considera a los objetos resultantes de este
enfrentamiento con el material un documento que
evidencia (de la misma forma que lo haría, en el
caso de un crimen, la reconstrucción de el mismo)
los procesos que transformaron el material en un
objeto artístico.
Much of the work by Aldo Chaparro is based in
quick physical processes that involve a rather close
interaction with the material at hand.
Aldo considers the objects resulting from this
confrontation with the material a document of
evidence (in the same way it would in the case of
a crime, a recreation of it) that transformed the
material into an art object.
En sus piezas de texto en donde recurre como fuente
a información mediática, letras de canciones u obra
pre existente, Chaparro trabaja con la paranoia
que la copia y los asuntos relacionados a autoría y
autenticidad generan en el espectador.
Approaching Silence strips all of the luster and
varnish from his work developed in the last years
and finds Chaparro returning to his roots as a
formal scultuptor doing a revision of his previous
work from a more meditative standpoint where the
gleaming surfaces have disappeared giving way to
an introspective interpretation of his last decade as
an artist.
En su trabajo reciente desarrollado para la
exposición Approaching Silence, el artista regresa
a sus raíces escultóricas formales explorando
la minimización de su dialogo y manteniendo
solamente las características mas esenciales de su
estructura interviniendo el material en blanco por
medio de gestos físicos inmediatos.
Alvaro Verduzco
Es licenciado en Artes Visuales por la Escuela
Nacional de Artes Plásticas de la UNAM (hoy F.A.D)
y Posgrado en Goldsmiths College, Universidad de
Londres.
Born Mexico City April 17 1977. Using drawing as
the main medium for his work, Verduzco´s practice
deals with the notion and concept of memory and
how it creates thought in a world where the over
saturation of information stops the urgency for
change. Avoiding autobiographical or personal
memories and experiences the practice is overtly
open to interpretations, visions and critical thought.
Verduzco´s work also encompasses a wide range of
mediums including sound, video and site specific,
always using drawing as the basis of it.
Ha participado en diversas exposiciones colectivas
a nivel internacional tanto individuales como
colectivas. Ha sido seleccionado para participar
en diversas residencias artísticas alrededor del
mundo (Sandarbh Residency Prgromme, Rajastan
India- 2009). Ha sido seleccionado para la beca de
jóvenes creadores del fondo nacional para la cultura
y las artes (FONCA- 2005- 2006.) Ha sido acreedor
a varios premios de adquisición en concursos de
dibujo (Las Lunas del Auditorio- 2008).
Verduzco studied the Bachelors degree at the National
University of Fine arts in Mexico City (1997- 2001) in
Fine Arts and Postgraduate diploma in Fine arts at
Goldsmith´s College London University (2003- 2004.)
La obra trata acerca de la conceptualización de
la práctica del arte en todas sus facetas para
cuestionar la validez de la misma como actividad
cultural y estética bajo un marco social, científico,
narrativo desde un punto de vista lúdico y personal,
para cuestionar nociones aparentemente dadas
tales como la memoria y su mecanismo de función.
His work has been shown an several groups and solo
exhibits both in Mexico and abroad (USA, India, UK,
Spain, El Salvador, Rumania to name a few) and has
been awarded drawing awards (Lunas del Auditorio
award 2008) and grants from the Mexican government
(Young creators grant award 2006-2007) as well
as being part of the Sala de Arte Público Siqueiros
permanent collection. He lives in Mexico City.
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ANÓNIMO
MIAMI 2015
Andrés Carretero
Daniel Guzmán
Andrés Carretero (1981) actualmente vive y trabaja en
la Cd de México, estudio fotografía en ICP (International
Center of Photography, NY) , alumno de Mary Ellen
Mark, Mike Sieff, Karen Marshall entre otros.
Andrés Carretero (1981) lives and works in México City.
He studied photography at the Internacional Center of
Photography in New York. Student of Mary Ellen Mark,
Mike Sieff, Karen Marshall and many others.
Su obra fue ganadora de la XVIII Bienal de Fotografía por
el Centro de la Imagen (2009) con la serie FENOTIPOS,
una serie de retratos que explora la identidad de
un grupo de Mexicanos que padecen albinismo. Su
trabajo es principalmente fotográfico aunque explora
continuamente otros medios.
His work -FENOTIPOS- make him accomplish the XVIII
Photography Bienal acquisition prize in Mexico City
(2009). Carretero´s work is primarily photography but
also like to explore other visual media.
His work has been shown in several solo and group
shows both national and international. Among the
most important exhibitions –Destellos- from Cuban
curator Osvaldo Sanchez at the Jumex Museum in
Mexico City. Develar y Detonar from curator Gerardo
Montiel Klint shown at the CNART in London.
Ha sido expuesto en distintas exposiciones individuales
y colectivas tanto en México como en el extranjero de las
que destacan -Destello- del curador Cubano Osvaldo
Sánchez en el Museo Jumex asi como -Develar y
Detonar- del curador Gerardo Montiel Klint misma que
se expone actualmente en CNART, Londres, Inglaterra
y que ha viajado por varios recintos en Europa.
His work has been published in several publications
among the most important –Historia del Retrato en
Mexico, from Televisa Collection. Develar y Detonar,
EXIT magazine, and many others.
Su trabajo ha sido impreso en varias publicaciones
en las que destacan, Historia del retrato en México
(Colección TELEVISA), Develar y Detonar, revista EXIT,
TAXI, ANIMAL, CELESTE, 192, PICNIC entre otras.
Su obra es parte de varias colecciones nacionales
e internacionales como la colección JUMEX, CIFO y
otras más.
Cynthia Gutiérrez
El trabajo de Cynthia Gutiérrez denota una búsqueda
constante por analizar la memoria en distintos niveles,
generando tensiones o fisuras en los esquemas
preestablecidos. Sus reflexiones y procesos parten de
situaciones de conflicto; de terrenos inestables, indefinidos,
cuya vulnerabilidad permite el desplazamiento en múltiples
direcciones. A partir de fragmentos, reconfigura imágenes
que alteran trayectos habituales y desestabilizan estructuras
ofreciendo alternativas que operan simultáneamente entre
realidad y ficción. Articula elementos históricos desde
una nueva postura con cronologías distorsionadas que
evidencian la imposibilidad de generar recuerdos precisos
y revelan la fugacidad de la historia.
The work of Cynthia Gutierrez denotes a constant search to
analyze memory at different levels, generating tensions or
fissures in pre-established schemes. Her reflections and
processes part from situations of conflict; from indefinite,
unstable terrains, which vulnerability allows movement
in multiple directions. From fragments, she reconfigures
images that alter habitual trajectories and destabilize
structures offering alternatives that simultaneously operate
between reality and fiction. She articulates historical
elements from a new posture with distorted chronologies
that evidence the impossibility of generating accurate
memories and reveal the transience of history.
Con formación en Artes Visuales en la Universidad de
Guadalajara ha realizado diversas exposiciones individuales
como Coreografía del colapso, Proyecto Paralelo (2014,
D.F.), Notas de Carnaval, MAZ (2011, México) y participado
en muestras colectivas como Celemania, Frac des Pays de
la Loire (2014, Francia), la Bienal de Berlín 8, KW Institute
for Contemporary Art (2014, Alemania); Algunas Lagunas,
Proyecto Paralelo (2013, D.F.) y Crossing Boundaries, II
Bienal Internacional de Arte Joven de Moscú (2010, Rusia).
Fue invitada a la residencia en el Frac des Pays de la Loire
(2014, Francia) y becaria del programa Jóvenes Creadores
del FONCA (2013-2014).
Guzmán se recibió en 1993 de la Escuela Nacional
de Artes Plásticas, en la Universidad Nacional
Autónoma de México UNAM. En 2000, ganó la
residencia en el International Studio & Curatorial
Program ISCP, de Nueva York. Ha recibido varios
reconocimientos, incluyendo el Sistema Nacional
de Creadores FONCA (2005); la beca de Medios
Alternativos FONCA (1997); y el primer lugar en el
Segundo Concurso de Instalación del ExTeresaEspacio Alternativo (1996).
Guzmán earned his BFA in 1993 from the Escuela
Nacional de Artes Plásticas at UNAM. In 2000,
he was a resident at the International Studio &
Curatorial Program ISCP, in New York. He has been
the recipient of various grants and awards, including
the Sistema Nacional de Creadores (2005, FONCA);
the Grant in Alternative Media (1997, FONCA); and
the First Place Installation Prize (1996, ExTeresaEspacio Alternativo).
Entre sus exposiciones más importantes se
encuentran Daniel Guzmán: Chromosome Damage,
Drawing Room, en Londres, Reino Unido (2015);
Daniel Guzmán: Materia Oscura, Museo de Arte de
Zapopan MAZ, Zapopan, Jalisco, México y Museo de
Arte Contemporáneo de Oaxaca MACO, en Oaxaca,
México (2011); Double Album: Daniel Guzmán and
Steven Shearer, New Museum, en Nueva York,
Estados Unidos y Museo Universitario de Ciencias y
Arte MUCA-UNAM, en la Ciudad de México, México
(2008). Ha participado en la 55ª Bienal Internacional
Carnegie, en Pittsburgh, Estados Unidos (2009); la
5ª Bienal de Berlín, en Berlín, Alemania (2008); la
35º Festival Internacional de Cine de Rotterdam,
en Rotterdam, Países Bajos (2006); la 9ª Bienal
Internacional de Estambul, en Estambul, Turquía
(2005); ya la 4ª Bienal de Gwangju, en Gwangju,
Corea (2002).
His most important solo exhibitions include: Daniel
Guzmán: Chromosome Damage, Drawing Room,
London, United Kingdom (2015); Daniel Guzmán:
Materia Oscura, Museo de Arte de Zapopan MAZ,
Zapopan and Museo de Arte Contemporáneo de
Oaxaca MACO, Oaxaca, Mexico (2011); Double Album:
Daniel Guzmán and Steven Shearer, New Museum,
New York, United States and Museo Universitario de
Ciencias y Arte MUCA-UNAM, Mexico City, Mexico
(2008). He has participated in the 55th Carnegie
International in Pittsburgh, United States (2009); the
5th Berlin Biennial, Berlin, Germany (2008); the 35th
International Film Festival Rotterdam, Rotterdam,
The Netherlands (2006); the 9th International
Istanbul Biennial in Istanbul, Turkey (2005); The
50th Venice Biennale, Venice, Italy (2003); and The
4th Gwangju Biennale, Gwangju, South Korea (2002).
His work has been included in group exhibitions
at the following institutions: Museo Nacional de
Arte, Guadalajara (2014); Modern Art Museum
of Fort Worth, Fort Worth (2013); San Francisco
State University, San Francisco, (2011); Museo de
la Ciudad de México, Mexico and the Seattle Art
Museum, Seattle, (2010); Museum of Contemporary
Art, Chicago (2007); Musée d’art moderne de la Ville
de Paris, Paris (2007); Modern Art Oxford, Oxford
(2006).
Su obra ha sido incluida en exposiciones colectivas
en instituciones como Museo Nacional de Arte,
Guadalajara, México (2014); Modern Art Museum
of Fort Worth, Fort Worth, Estados Unidos (2013);
San Francisco State University, en San Francisco,
Estados Unidos (2011); Museo de la Ciudad de
México, en Ciudad de México, México y Seattle
Art Museum, en Seattle, Estados Unidos (2010);
Museum of Contemporary Art, en Chicago, Estados
Unidos(2007); Musée d’art Moderne de la Ville de
Paris, en París, Francia (2007); Modern Art Oxford,
en Oxford, Reino Unido (2006).
Daniel Guzmán currently lives and works in Mexico
City, Mexico.
Daniel Guzmán vive y trabaja en la Ciudad de México.
With a background in Visual Arts at the University of
Guadalajara she has presented several solo exhibitions
such as Coreografía del colapso, Proyecto Paralelo (2014,
Mexico City), Notas de Carnaval, MAZ (2011, Mexico) and has
participated in group exhibitions such as Celemania, Frac
des Pays de la Loire (2014, France); the Berlin Biennale 8,
KW Institute for Contemporary Art (2014, Germany); Algunas
Lagunas, Proyecto Paralelo (2013, Mexico City) and Crossing
Boundaries, II Moscow International Biennale For Young Art
(2010, Russia). She was invited to the residency program at
the Frac des Pays de la Loire (2014, France), and received the
Jóvenes Creadores FONCA grant (2013-2014).
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ANÓNIMO
Eduardo Sarabia
Eduardo Sarabia (n. 1976, Los Ángeles, CA) recibió
su grado en artes en el Otis College of Art and
Design en Los Ángeles. Su trabajo ha sido expuesto
en diversas exhibiciones individuales en sitios tales
como el Museo de Arte Contemporáneo en Denver,
Colorado; Tokyo Wonder Site en Tokio, Japón; LA
Louver Gallery en Los Ángeles, California; el Museo
de Arte de Santa Mónica en Santa Mónica, California;
Instituto Cultural Cabañas, Guadalajara y el Museo
de Arte Contemporáneo de Oaxaca, entre muchas
sedes más. El trabajo de Sarabia también ha sido
incluido en varias exhibiciones de grupo, tales como
New Blue and White en el Museo de Bellas Artes
de Boston, Massachusetts (2013); Turn Off the Sun:
Selectiosn from La Colección Fundación Jumex en
el Museo de la Universidad de Arizona en Tempe,
Arizona (2013); Fuerzas básicas, formas del dibujo
reciente en Jalisco en el Museo de la Ciudad de
México, Distrito Federal (2011); An Expanded Field
of Possibilities en el Foro de Arte Contemporánea
de Santa Bárbara (2009); y Phantom Sightings: Art
After The Chicano Movement en el Museo de Arte
del Condado de Los Ángeles, entre muchas otras. En
2008 el trabajo de Sarabia fue incluído en el Whitney
Biennial en el Whitney Museum of American Art
de Nueva York. Asimismo, ha producido diversos
proyectos públicos e intervenciones en recintos
como el New Museum en Nueva York, NY; Art
Public, Art Basel Miami Beach en Miami, Florida; y
en Unitednationsplaza en Berlín, Alemania.
Eduardo Sarabia (b. 1976, Los Angeles, CA) received
his BFA from Otis College of Art and Design, Los
Angeles. His work has been the subject of various
solo exhibitions at venues including The Museum of
Contemporary Art, Denver, Colorado; Tokyo Wonder
Site, Tokyo, Japan; LA Louver Gallery, Los Angeles,
CA; the Santa Monica Museum of Art, Santa Monica,
CA, Instituto Cultural Cabañas, Guadalajara and
Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, amongst
others. His work has also been included in various
group exhibitions including New Blue and White,
Museum of Fine Art Boston, Boston, MA (2013); Turn
Off the Sun: Selectiosn from La Coleccion Fundacion
Jumex, Arizona State University Museum, Tempe, AZ
(2013); Fuerzas basicas, formas del dibujo reciente
en Jalisco, Museo de la Ciudad de Mexico, Mexico
DF (2011); An Expanded Field of Possibilities,
Santa Barbara Contemporary Arts Forum (2009);
and Phantom Sightings: Art After The Chicano
Movement, Los Angeles County Museum of Art, Los
Angeles, CA (2008) amongst others. Sarabia's work
was also included in the 2008 Whitney Biennial at
the Whitney Museum of American Art, New York,
NY. He has produced various public projects and
interventions at venues such as the New Museum,
New York, NY; Art Public, Art Basel Miami Beach,
Miami, FL; and unitednationsplaza, Berlin, Germany.
Emanuel Tovar
Tovar analiza las contradicciones que se derivan de la
imposición del poder en distintos niveles y escenarios.
Sensible a las implicaciones de su espacio y de su
circunstancia, en su obra se reflejan los cambios y las
antitesis del instante, una visión particular que tiene
como centro la observación y el registro atento de los
procesos y las acciones cotidianas de los sujetos.
Tovar analyzes the contradictions derived from
power imposition at different levels and scenarios.
Sensible to the implications of circumstance and
space, his work reflects the changes and antithesis
of the instant, a particular vision that is centered
in observation and careful registration of everyday
processes and actions of individuals.
Con formación en Escultura en la Universidad de
Guadalajara, entre sus muestras individuales se
encuentran: La Conspiración de las Bestias, El trabajo
te hará libre, Gloria Desierta. Ha participado en
muestras colectivas como: Babylon, CCB, Barcelona,
España, (2007); Distort, MACG, D.F, México, (2006);
Declaraciones, MNCARS, Madrid, España, (2006);
Sólo los Personajes Cambian, Marco, Monterrey,
México, (2004). Fue cofundador de Clemente Jacqs,
y Cerro Quemado. Desarrolló el proyecto curatorial
Trinchera, MURA, (2007). Ha contado con las becas:
PECDA, (2013-2014), del FECA (2005-2006 y 20022003). Actualmente es becario del Sistema Nacional
de Creadores (2015-2017).
With a formation in sculpture at the University
of Guadalajara, he has presented several solo
exhibitions such as: La Conspiración de las Bestias,
El trabajo te hará libre, Gloria Desierta, and group
shows: Babylon, CCB, Barcelona, Spain, (2007);
Distort, MACG, Mexico City, (2006); Declaraciones,
MNCARS, Madrid, Spain, (2006); Sólo los Personajes
Cambian, Marco, Monterrey, Mexico, (2004). He was
cofounder of Clemente Jacqs and Cerro Quemado.
He curated the group exhibition Trinchera at MURA
(2007). He has received the following grants: PECDA,
(2013-2014), del FECA (2005-2006 y 2002-2003).
He is currently a fellow of the National System of
Creators (2015-2017).
50
MIAMI 2015
Enoc Pérez
Enoc Pérez nació en San Juan, Puerto Rico en 1967.
Actualmente vive y trabaja en Nueva York. Primordialmente
reconocido por sus pinturas en capas de edificios
modernistas, en sus veinte años de carrera, el artista, se ha
relacionado con distintos temas, que van desde voluptuosos
desnudos a “naturaleza muerta” de botellas de ron Don Q.
Enoc Perez was born in San Juan, Puerto Rico in 1967. He
currently lives and works in New York. Known primarily
for his multi-layered paintings of modernist buildings,
throughout his twenty year career the artist has nevertheless
engaged with a variety of subjects that appeal to him from
voluptuous nudes to still lives of Don Q rum bottles.
El Nuevo trabajo fotografico de Enoc Pérez está relacionado
con las redes sociales, apropiación y la consistente e inventiva
búsqueda del artista por nuevas formas. Abasteciéndose
de imágenes de mujeres semi desnudas o desnudas
encontradas en la web, que van desde selfies amateur hasta
fotografías profesionales, Pérez agrega trazos y piezas al
collage, para así obsurecerlo y resaltar la imagen.
Enoc Perez’s new photo collages engage with social media,
appropriation, and the artist’s consistent and inventive
search for new forms. Sourcing images from the internet
of minimally dressed or nude women, from amateur selfies
to more professional photos, Perez adds hand painted and
cut collaged forms to both obscure and enhance the picture.
The cutout shapes function as censor's marks - thwarting
our ability to see the original image in its entirety while
making it all the more attention-grabbing and voyeuristic.
At the same time the collaged bits make it into a happy
game, playful colors and forms replacing a need for more
visual information and reminding the audience of the artist’s
role in directing and delivering fresh ways of seeing.
Los recortes funcionan como una marca que censura,
frustrando nuestra habilidad para apreciar la imagen
original por completo, al mismo tiempo que atrae aún más
atención apelando al voyerismo de la audiencia. A su vez las
pequeñas piezas del collage forman un juego de divertidos
colores y formas, remplazando esa necesidad visual de
información y recordando al observador el trabajo del artista
al redirigir y mostrar nuevas formas de percepción.
Enoc Perez’s work belongs to the collections of the Whitney
Museum of American Art, the Metropolitan Museum of Art,
the San Francisco Museum of Modern Art, the Corcoran
Art Gallery, and the Museum of Contemporary Art North
Miami, among other significant institutions throughout the
United States. The first complete monograph on his work
was published by Assouline in 2013.
El trabajo de Enoc Perez forma parte de las colecciones del
Whitney Museum of American Art, el Metropolitan Museum
of Art, el San Francisco Museum of Modern Art, el Corcoran
Art Gallery, y el Museum of Contemporary Art North Miami,
entre otras importantes instituciones en los Estados Unidos.
La primera monografía del trabajo del artista fue publicado
por Assouline en 2013
Fernando Marroquin
Nacido en 1976 en Saltillo, en la parte norte de
México, dentro del núcleo de una familia de cineastas
y fotógrafos reconocidos del país, Fernando Marroquin,
con más de quince años de trayectoria, explora con su
cámara técnicas que incluyen el retrato, naturaleza
muerta y fine art
Born in Saltillo, on the north side of Mexico, he
grew up in a family of well known film makers and
photographers. With over fifteen years of career,
Fernando explores all kinds of different techniques
that go from portraits, still life and fine art.
Su trabajo también incluye obras realizadas para
el ámbito publicitario y ha trabajado para las
marcas y agencias de publicidad más importantes
de Latinoamérica, Pepsi Co., Mc Donalds, Casa
José Cuervo, Berger Joyeros, Live Aqua Hotels &
Resorts, entre otras Colabora con regularidad con
publicaciones como Harpers Bazaar y Marie Claire
además de participar en exposiciones colectivas con
diferentes galerías en México y el extranjero
His work also include pieces specially made for
advertisement and he has work for the main
brands and agencies in Latinamerica, Pepsi Co.,
McDonalds, Casa José Cuervo, Berger Joyeros,
Aquea Hotels & Resorts, among others. He
frequently gets published in magazines as Harpers
Bazaar and Marie Claire, in addition to taking part in
group exhibitions with different galleries in Mexico
and abroad.
Fernando vive en la ciudad de México con su esposa
y su 2 hijos .
Fernando lives in Mexico city with his wife and 2
children.
51
ANÓNIMO
MIAMI 2015
Fernando Mastrangelo
Francisco Ugarte
Fernando Mastrangelo (n. 1978) vive y trabaja en
Brooklyn. El artista ha exhibido numerosas veces
a lko largo d elos Estados Unidos y el mundo, en
exposiciones colectivas y en solitario. Previo a su
incursión en las artes y el diseño, trabajó como
asistente de Matthew Barney. En 2008 el Brooklyn
Museum adquirió una pieza de Mastrangelo, para
después incluirla en la exhibición Connecting
Cultures en 2012, la cual fue sumamente alcamada
por la crítica. Recientemente ha aparecido en
publicaciones como Architectural Digest, World
of Interiors, Forbes, Financial Times, Cultured
Magazine, Interview Magazine, Wall Street Journal,
Whitewall Magazine, Flaunt Magazine, and the
Miami Herald entre otras. En 2014 Mastrangelo
fundó AMMA Studio, donde creó una innovadora
linea de muebles, usando su reconocida técnica de
uso de materiales naturales. Después de un exitoso
primer año, Mastrangelo lanzó MMATERIAL, su más
nueva línea de esculturas funcionales, la cual debutó
en el Collective Design Fair en mayo de 2015.
Vive y trabaja en Guadalajara.
Fernando Mastrangelo (b. 1978) lives and works in
Brooklyn. He has exhibited extensively throughout
the US and internationally in both group and solo
shows. Prior to pursuing his career in the arts
& design, he worked as an assistant to Matthew
Barney. In 2008 the Brooklyn Museum acquired
Mastrangelo’s work, then included it in the criticallyaccalaimed exhibition Connecting Cultures in 2012.
He has recently been featured in publications such
as the Architectural Digest, World of Interiors,
Forbes, Financial Times, Cultured Magazine,
Interview Magazine, Wall Street Journal, Whitewall
Magazine, Flaunt Magazine, and the Miami Herald
among many others. In 2014 Mastrangelo founded
AMMA Studio, where he created a groundbreaking
line of furniture using his signature technique of
casting natural materials. After a successful first
year, Mastrangelo launched MMATERIAL, his newest
line of functional sculptures, which made its debut at
Collective Design Fair in May of 2015.
Special thanks to Satu Greenberg and M-Material
Florence Drake del Castillo
Ohne Titel (Florence Drake del Castillo) was born in 1976 in
Paris, France and now lives and works between Paris and
Buenos Aires. Her work approaches themes like identity
and its transformations, cities idiosyncrasy and urban
contexts, emotional subjectivity, general and personal
memories. All of this within a great variety of means
and styles: painting, drawings, photography, video and
installations, in an expression where one also comes close
to a critical view of the art system and the market itself.
Ohne Titel (Florence Drake del Castillo) was born in 1976 in
Paris, France and now lives and works between Paris and
Buenos Aires. Her work approaches themes like identity
and its transformations, cities idiosyncrasy and urban
contexts, emotional subjectivity, general and personal
memories. All of this within a great variety of means
and styles: painting, drawings, photography, video and
installations, in an expression where one also comes close
to a critical view of the art system and the market itself.
At a young age Ohne Titel started to experiment with the
visual arts. She assisted painting and modeling courses
at the Atelier du Carrousel du Louvre, Paris, among
others. Her academic and professional background is very
diverse, it includes advertising, multimedia programming,
visual effects, neurolinguistics programming and
business administration studies. She has participated
in two distinguished art residencies at the Atelier Los
Carpinteros in La Habana, Cuba, 2009 and Demian Flores’
La Curtiduria in Oaxaca, Mexico, 2007. After more than
a decade of hard work, the artist has developed various
stages and fundamental interest and an almost obsessive
determination for achieving and fragmenting everything
that surrounds her, to question, re-build and deploy once
again, new and inspiring visions.
At a young age Ohne Titel started to experiment with the
visual arts. She assisted painting and modeling courses
at the Atelier du Carrousel du Louvre, Paris, among
others. Her academic and professional background is very
diverse, it includes advertising, multimedia programming,
visual effects, neurolinguistics programming and
business administration studies. She has participated
in two distinguished art residencies at the Atelier Los
Carpinteros in La Habana, Cuba, 2009 and Demian Flores’
La Curtiduria in Oaxaca, Mexico, 2007. After more than
a decade of hard work, the artist has developed various
stages and fundamental interest and an almost obsessive
determination for achieving and fragmenting everything
that surrounds her, to question, re-build and deploy once
again, new and inspiring visions.
52
Francisco Ugarte´s work is based on the grounds of
architecture, mainly during the creative process: the
proposal is generated from a deep focus in the enviroment,
and it´s a response to it.
El trabajo de Francisco Ugarte se apoya en los terrenos de
la arquitectura, sobre todo durante el proceso creativo: la
propuesta se genera a partir de una atención profunda en el
entorno, y es una respuesta a éste.
Francisco Ugarte studied Architecture in the ITESO (Western
Institute of Superior and Technological Studies) where he
was a faculty member from 2007 to 2012. In 2010 he studied
a Postgraduate in sustainable housing design and in 2011
participated in the architecture fórum 50 Arquitectos por
Mostrar with the theme Experiencing Architecture. He has
atended to art residences and workshops such as Braziers
in Braziers Park, England, Arte Careyes in Careyes, Mexico,
and Casa Wabi in Oaxaca.
Francisco Ugarte estudió la carrera de Arquitectura en el
ITESO (Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de
Occidente) en donde, del año 2007 al 2012 fue profesor,
en 2010 estudió el diplomado Vivienda Sustentable, y en
2011 participó en el foro de arquitectura 50 arquitectos por
mostrar con el tema “Experimentar la Arquitectura”. Ha
participado en las residencias para Artistas, Braziers en
Braziers Park Inglaterra, Arte Careyes en Careyes Méx., y
Casa Wabi, en Oaxaca Méx.
His work has been shown nationaly and internationaly
throughinstitutions,galleries,publicspaces,andpublications
since 1997, and is part of art collections such as Coppel
(Mexico); Jorge M. Pérez (Miami); Orange County Museum
of Art (California); Mattatuck Museum (Connecticut); Jumex
(Mexico); Petitgas (Londres) among others.
Su trabajo ha sido expuesto nacional e internacionalmente
en instituciones, galerías, espacios públicos, y publicaciones
desde 1997, y es parte de colecciones tales como Coppel
(México); Jorge M. Pérez (Miami); Orange County Museum
of Art (California); Mattatuck Museum (Connecticut); Jumex
(México); Petitgas (Londres) entre otras.
Gonzalo Lebrija
Gonzalo Lebrija (México D.F., 1972) Formed in Communication
at the Instituto Tecnológico de Estudios Superiores de
Occidente (Guadalajara, Mexico). He uses the mediums
of photography, video, sound and sculpture to capture the
aesthetic experience of time. With an almost humorous
nihilism, he explores the passage and futility of life, often
focusing on the vertiginous possibilities of frozen moments.
Gonzalo Lebrija (México D.F., 1972) Formado en Ciencias
de la comunicación en el Instituto Tecnológico de Estudios
Superiores de Occidente (Guadalajara, México). Su trabajo se
centra en la fotografía, el video, la instalación y la escultura. Su
obra explora la fragilidad del tiempo suspendido a través de
desplazamientos y registros de instrumentos de dominación.
Con un nihilismo casi humorístico, explora el pasaje y la
futilidad de la vida, a menudo centradas en las posibilidades
vertiginosos de momentos congelados.
He has participated in numerous group exhibitions:, among
which exude: "Motopoétique", curated by Paul Ardenne, Lyon
Contemporary Art Museum (Lyon, France, 2014); "Habitar
el tiempo", curated by Michel Blacsubé, Jumex Museum
(Mexico City, 2014); The House, Faggionato (London, England,
2014); GRIT: Contemporary Mexican Video Art – An arbitrary
selection 1996 – 2012, Goleb (Amsterdam, Holland, 2013);
Under the Mexican Sky: Gabriel Figueroa – Art and Film,
LACMA (LA, US, 2013); Resisting the Present, Mexico 20002012, ARC – Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris (Paris,
France, 2012); Energy Effects, MCA Denver (Denver, US, 2010);
Les enfants terribles, Jumex Collection (México City, 2009);
Eco. Arte mexicano Museo de Arte Reina Sofía (Madrid, Spain,
2005).
A participado en numerosas exposiciones colectivas:, entre
las que destacan: "Motopoétique", comisariada por Paul
Ardenne, Museo de Arte Contemporáneo de Lyon (Lyon,
Francia, 2014); "Habitar el tiempo", comisariada por Michel
Blacsubé, Museo Jumex (Ciudad de México, 2014); The House,
Faggionato (Londres, Inglaterra, 2014); GRIT: Contemporary
Mexican Video Art – An arbitrary selection 1996 – 2012, Goleb
(Amsterdam, Holanda, 2013); Under the Mexican Sky: Gabriel
Figueroa – Art and Film, LACMA (Los Ángeles, EU, 2013);
Resisting the Present, Mexico 2000-2012, ARC – Musée
d’Art Moderne de la Ville de Paris (París, Francia, 2012);
Energy Effects, MCA Denver (Denver, EU, 2010); Les enfants
terribles, Colección Jumex (Ciudad de México, 2009); Eco. Arte
mexicano Museo de Arte Reina Sofía (Madrid, España, 2005).
Among his individual exhibitions stand out: “Who knows
where the time goes”, Faggionato (London, England, 2014);
“Possibility of Disaster” curated by Humberto Moro, Centro
de las Artes de Monterrey (Parque Fundidora, Monterrey,
NL, 2014); R75/ Toaster, Moscow Photobienniale, - Le Grand
Manège, Multimedia Art Museum (Moscou, Russia, 2013);
Trou noir, Galerie Laurent Godin, (París, France, 2012); “Deriva
Especular”, Museo de Arte Moderno (Mexico City, 2011); The
Distance Between You and Me, I-20 Gallery (NY, US, 2010).
Lebrija is also cofounder of Oficina para Proyectos de Arte
(OPA). He lives and works in Guadalajara.
Entre sus exposiciones individuales destacan: “Who knows
where the time goes”, Faggionato (Londres, Inglaterra, 2014);
“Possibility of Disaster” Curada por Humberto Moro, Centro
de las Artes de Monterrey (Parque Fundidora, Monterrey,
NL, 2014); R75/ Toaster, Moscow Photobienniale, - Le Grand
Manège, Multimedia Art Museum (Moscou, Rusia, 2013); Trou
noir, Galerie Laurent Godin, (París, Francia, 2012); “Deriva
Especular”, Museo de Arte Moderno (Ciudad de México,
2011); The Distance Between You and Me, I-20 Gallery (NY,
EU, 2010). Lebrija también es co-fundador de de la Oficina
para Proyectos de Arte (OPA). Vive y trabaja en Guadalajara.
53
ANÓNIMO
MIAMI 2015
Isa Carrillo
Javier M. Rodríguez
Considering order as an illusion and the measurable
as a fiction has allowed Javier M. Rodríguez to
question the way the world is understood based on the
construction of limits. In this scenario, he highlights
the blurred areas within edges and obliterates the
frontiers between the disciplinary approaches of his
work, including sculpture, photography, drawing and
installation. His practice has recently extended to the
production of multichannel video-installations.
Considerar el orden como una ilusión y lo medible
como una ficción ha permitido que Javier M.
Rodríguez cuestione la forma en que el mundo es
entendido en base a la construcción de límites.
A partir de este escenario, el artista resalta las
zonas borrosas entre estos lindes y desdibuja
fronteras entre las diferentes disciplinas con las
que se compone su obra, que incluyen escultura,
fotografía, dibujo e instalación. Más recientemente,
su práctica se ha extendido hacia la producción de
video-instalación.
His solo shows include: La terquedad de las
cosas, Museo Experimental El Eco, México DF
(2015); Nada más que las horas, MAZ Museo
de arte de Zapopan (2013); [AGOSTO,10.2013 OCTUBRE,04.2013],Galería Curro y poncho (2013).
Exposiciones colectivas: Tinitus y Fosfenos, De los
sonoro a lo visual, Museo de Arte de Zapopan (2014);
One Shot! Football et art contemporain, B. P. S. 22
(Province de Hainaut, Belgium, 2010). He has held
the fellowship for Mexican Young Creators (FONCA)
twice, in 2009-2010 and 2012-2013.
Sus exhibiciones individuales incluyen: La terquedad
de las cosas, Museo Experimental El Eco, México
DF (2015); Nada más que las horas, Museo de
arte de Zapopan (2013); [AGOSTO,10.2013 OCTUBRE,04.2013], Galería Curro y Poncho (2013).
Exposiciones colectivas: Tinnitus y Fosfenos, De
lo sonoro a lo visual, Museo de Arte de Zapopan
(2013); One Shot! Football et art contemporain,
B.P.S.22 (Province de Hainaut, Belgium, 2010). En
dos ocasiones ha sido acreedor a la beca FONCA Jóvenes Creadores en 2009-2010 Y 2012-2013.
Guadalajara, México | 1982
Guadalajara, Mexico | 1982
Es egresada de la Licenciatura en Artes Visuales por
parte de la Universidad de Guadalajara. Su producción
artística está profundamente influida por nociones de
misticismo. A partir de la recolección de memorias de
otros es que construye nuevos relatos.
Isa Carrillo studied at the University of Guadalajara.
Her artistic production is profoundly influenced by
mysticism notions. In her artistic work she builts
new stories from collecting other people memories.
Ha cursado talleres y seminarios en torno a teoría
del arte contemporáneo y corrientes filosóficas
relacionadas con este medio. Ha expuesto individual y
colectivamente en recintos como Museo Diego Rivera
Anahuacalli, México, DF., Museo de Pintores, Oaxaca,
Museo de Arte de Zapopan, Museo de la Ciudad de
Guadalajara, Foro de Arte y Cultura, Ex Convento
del Carmen, Centro Cultural de Arte Moderno, Sala
Juárez, TRAMA Centro, Museo Taller Clemente Orozco,
entre otros.
She has attended workshops and seminars on
Contemporary Art Theory and Philosophical studies
related to this medium. Exhibited individually and
collectively in Diego Rivera Anahuacalli Museum
in Mexico City, Museum of Painters in Oaxaca,
Zapopan Art Museum (MAZ), Museum of the City
of Guadalajara, Forum for Art and Culture, Ex
Convento del Carmen, Cultural Modern Art Center,
Sala Juarez, TRAMA Center, Museum-Studio
Clemente Orozco, among others.
Fue becaria del programa Jóvenes Creadores emisión
2009-2010, por parte del Fondo Nacional para la
Cultura y las Artes (FONCA), por el Consejo Estatal para
la Cultura y las Artes (CECA) 2013-2014 y actualmente
es becaria del Programa de Estímulos a la Creación y
Desarrollo Artístico (PECDA) 2015-2016
She was a fellow of the Young Artists Program
2009-2010 issued by the National Fund for Culture
and the Arts (FONCA), by the National Council for
Culture and the Arts (CECA) 2013-2014 and recently
won a grant of the Incentives Program to Creation
and Artistic Developmet (PECDA) 2015-2016.
Javier Barrios
Su trabajo se compone por señalamientos y apuntes
críticos acerca de las estrategias a través de las
cuales operan las estructuras de poder y las formas
de resistencia que se generan como respuesta o como
derivado. Sus dibujos, esculturas e instalaciones
analizan las interacciones entre los centros y márgenes
de diversos sistemas sociales y modelos económicos.
Frecuentemente hace uso de referencias a la historia
de México, así como su cultura y tradiciones. Además
tiene un proyecto editorial independiente llamado
“Ediciones Barrio Boy´z” con el que publica trabajo
propio y colaboraciones con otros autores.
His work is composed by remarks and critique
about the strategies and modus operandi of the
power structures and the forms of ‘Resistance’
generated after these. His drawings, sculptures and
installations analyze the interactions between the
core and boundaries of social and economic topics.
Often he makes reference to Mexico’s history as well
as its culture and traditions. Additionally, he founded
an independent Editorial project called “Ediciones
Barrio Boy’z” in which he publishes his own work and
collaborations with other authors.
Cuenta con dos exposiciones individuales, “Habitación
de oro” (Galería Páramo, 2014) y “Améxica: Ciudad
amurallada” (Alianza Francesa de Guadalajara, 2013).
Su trabajo se ha mostrado de forma colectiva en
“Testigo del siglo” Curada por Viviana Kuri y Humberto
Moro (MAZ 2014-2015), “Delirios de Declive” Curada por
Paulina Ascencio (Galería Curro y Poncho 2014), “El no
hacer” (Museo MAC8 2014) entre otras participaciones.
También ha sido invitado a presentar su trabajo en
eventos como el "Maratón de las Américas 89Plus:
Autoconstrucción", curado por Hans Ulrich Obrist y
Simon Castets (Museo Jumex, Ciudad de México, 2014)
y en el Programa Campus Expandido (MUAC Ciudad
de México, 2013). Tiene estudios en restauración de
bienes muebles (ECRO 2009-2010) y en artes visuales
(Licenciatura en Artes SCJ 2010-2014). Desde 2015 es
integrante del programa educativo SOMA.
He has two solo shows, “Habitación de oro” (Páramo
Gallery, 2014) and “Améxica: Ciudad amurallada”
(Alianza Francesa de Guadalajara, 2013). His work
has been shown collectively in “Under-Construction”
curated by Meaghan Kent (Páramo Gallery) “Witness
of the century” curated by Viviana Kuri and Humberto
Moro (MAZ 2014-2015), “Delusions of decay” Curated
by Paulina Ascencio (Curro y Poncho Gallery 2014)
among others. He has also been invited to present his
work at events such as “89Plus Americas Marathon:
Autoconstrucción", curated by Hans Ulrich Obrist and
Simon Castets (Museo Jumex, Mexico City, 2014) and
at Programa Campus Expandido (MUAC Mexico City,
2013). He has studied restoration (ECRO 2009-2010) and
visual arts (Bachelor’s Degree in Art SCJ 2010-2014).
Since 2015 he is part of the regular programm at SOMA.
54
Jorge Méndez Blake
Su obra ha sido expuesta individualmente en diversos
museos como en la Kunsthalle Mulhouse, Francia; en
el Museum of Contemporary Art Denver y el Museum of
Latinamerican Art, Los Angeles en EEUU; en el Museo
D'Arte Contemporanea Villa Croce, Geneva, Italia; en
el Museo Universitario Arte Contemporáneo, el Museo
Tamayo, la Sala de Arte Público Siqueiros y el Museo de
Arte Moderno en la ciudad de México. Colectivamente
su obra ha estado expuesta en el Museé d’Art Moderne,
la Maison Rouge y el Museo Mac/Val en Paris, Francia;
el Bass Museum en Miami, el Aspen Museum of Art, en
Artspace, New Haven y en el Museum of Contemporary
Art Santa Barbara en EEUU; la Fundación PROA en
Buenos Aires, Argentina; la Fundación Marcelino Botin
en Santander, la Casa Encendida en Madrid, España; la
Queensland Art Gallery, Australia; el Stedelijk Museum
Schiedam y la Frankendael Foundation en Amsterdam,
Holanda; la Zacheta National Gallery of Art, Warsow,
Polonia; el BOZAR, en Bruselas, Bélgica. En México en el
Museo de Arte Carrillo Gil, en el Museo Nacional de Arte,
en el Museo del Palacio de Bellas Artes y en la Fundación
JUMEX, en la ciudad de México, en MARCO, Monterrey,
el Instituto Cultural Cabañas, Guadalajara y el Museo
Amparo en Puebla, entre otros.
His work has been the object of solo exhibitions in diverse
museums as La Kunsthalle Mulhouse, France; the
Museum of Contemporary Art Denver and the Museum of
Latinamerican Art, Los Angeles, in the USA; at the Museo
D'Arte Contemporanea Villa Croce, Geneva, Italy; at the
Museo Universitario Arte Contemporáneo, Museo Tamayo,
Sala de Arte Público Siqueiros and Museo de Arte Moderno
in Mexico City.
Also his work has been shown in group shows at the
Museé d’Art Moderne, the Maison Rouge and the Museé
Mac/Val in Paris, France; the Bass Museum, Miami,
the Aspen Museum of Art, Artspace, New Haven and
the Museum of Contemporary Art Santa Barbara in the
USA; at the Fundación PROA in Buenos Aires, Argentina;
at the Fundación Marcelino Botin, Santander and Casa
Encendida, Madrid, in Spain; at the Stedelijk Museum
Schiedam and Frankendael Foundation in Amsterdam, in
the Netherlands; the Queensland Art Gallery, Australia;
in BOZAR, Brussels, in Belgium; the Zacheta National
Gallery of Art, Warsow, Poland. In Mexico at the Foundación
JUMEX, the Museo de Arte Carrillo Gil, the Museo Nacional
de Arte and the Museo del Palacio de Bellas Artes in Mexico
City, in MARCO, Monterrey, Instituto Cultural Cabañas,
Guadalajara and Museo Amparo in Puebla, among others.
Ha participado en la 13va. Bienal de Estambul, en SABER
DESCONOCER, 43 Salón (Inter) Nacional de Artistas,
Medellín, Colombia y obtuvo la beca del programa Cisneros
Fontanals Art Foundation, Miami, EEUU. Actualmente es
miembro en México del Sistema Nacional de Creadores
de Arte.
He also participated at 13th Istanbul Biennial (2013); SABER
DESCONOCER, 43 Salón (Inter) Nacional de Artistas,
Museo de Antioquia, Medellín, Colombia (2013) and was a
recipient of the Cisneros Fontanals Art Foundation, Grant
Program Miami, USA (2012). Currently he is a member of
the Sistema Nacional de Creadores in Mexico.
55
ANÓNIMO
MIAMI 2015
Leslie Sardinias
Nacida en 1974, Leslie Sardinias se graduó de la Escuela
Nacional de Bellas Artes en La Habana (1994), y de Parsons
The New School for Design en Nueva York (2000) con una
maestría en Diseño y Animación. Después de vivir en Europa
por algunos años, Sardinias regresó a Nueva York, donde
continua su trabajo de investigación en pintura, animación
y diseño. Ha participado en exposiciones individuales y
colectivas, entre las más notables se encuentran la VII Bienal
de Venecia en 2001, donde recibió el premio Lorenzo de
Medici. En 2012, el video animado Watching You se presentó
en las marquesinas de Times Square en Nueva York. Ha
tenido exhibiciones en solitario, como Aguas Malas, su
proyecto de pintura y dibujo en el 8TH Floor Museum en
Nueva York en 2014 y La Comunidad en El Museo de Arte
Colonial en La Habana, Cuba dentro del marco de la Bienal
de la Habana en 2015. Su trabajo forma parte de numerosas
colecciones a nivel internacional, incluyendo la Colección Real
Española, Alex Rosenberg Private Collection, y la colección
Arte Viva Foundation. Su trabajo se ha exhibido en el Museo de
Bellas Artes en La Habana, Cuba; el Museo Ángel en Segovia,
España; la colección Casa Lamm en Ciudad de México,
México; el Deposito Bagabli Musei VAticani en Roma, Italia; y
en la Shelley and Donald Rubin Private Collection.
Marco Rountree
Vive y trabaja en Ciudad de México.
Born in 1974, Leslie Sardinias graduated from the National
School of Fine Arts in Havana (1994), and from Parsons The
New School for Design in New York (2000) with a Master’s
degree in Design and Animation. After living in Europe for
several years, Sardinias returned to New York, where he
continues his investigative work in painting, animation, and
design. He has participated extensively in both solo and group
exhibitions, among the most notable being the VII Florence
Biennial in 2001, where he received the Lorenzo de Medici
Award. In 2012, Sardinias’ animated video Watching You
was displayed on billboards in New York’s Times Square.
The artist has been exhibited solo Aguas Malas his project
focusing on painting and drawing at the 8TH Floor Museum
in New York un 2014 and La Comunidad at El Museo de Arte
Colonial in avana, Cuba, in the occasion of the Havana Biennial
2015. His works are part of numerous important collections
internationally, including the Spanish Royal Collection, the Alex
Rosenberg Private Collection, and the collection of the Arte
Viva Foundation. His work has been exhibited at the National
Museum of Fine Arts in Havana, Cuba; the Angel Museum
in Segovia, Spain; the Casa Lamm Collection in Mexico City,
Mexico; the Deposito Bagagli Musei Vaticani in Rome, Italy;
and the Shelley and Donald Rubin Private Collection.
Luis Alfonso Villalobos
El trabajo de Luis Alfonso Villalobos denuncia la
vulnerabilidad de la memoria colectiva a través de
estampas que se sitúan entre el registro documental
y la predicción profética. Por medio del collage y la
yuxtaposición de imágenes, ha logrado establecer
un imaginario distópico que cuestiona la firmeza de
la narrativa histórica moderna. Más que ilustrar un
estado de devastación, el artista deconstruye tanto
la iconografía que permea la tradición del arte y la
arquitectura, como las estelas del mexicanismo que
establecen la identidad nacional actual.
The work of Luis Alfonso Villalobos denounces the
vulnerability of collective memory through pictures
that sit between documentary records and prophetic
predictions. Through collage and the juxtaposition of
images, he has set a dystopian imagery that questions
the steadiness of the modern historical narrative.
Beyond illustrating a state of devastation, the artist
deconstructs both the iconography that permeates the
tradition of Art and Architecture, and the trails of today’s
Mexican identity.
La pintura y el dibujo son centrales para la práctica
de Luis Alfonso Villalobos. Estudió diseño industrial
en la Universidad Autónoma de Guadalajara (México).
Seleccionado en la XVI Bienal de Pintura Rufino Tamayo.
Ha recibido de manera individual el apoyo del programa
de estímulos a la creación y desarrollo artístico (PECDA)
Jalisco en 2011 y 2015. Realizó una residencia, en 2013,
en Fountainhead Residency (Miami). Es miembro del
Artist Pension Trust “APT” desde el 2012. Forma parte
del proyecto LIGA del cual fue co-director de 2005 a 2010.
Recibió el apoyo del FONCA a proyectos en modalidad
de Coinversión para la edición del catálogo recopilatorio
“2005-2008”, además de dos premios del Patronato
de Arte Cotemporáneo PAC, para el desarrollo de
proyectos expositivos y curadurías independientes.
Sus exposiciones más recientes son: Echar perlas a
los cerdos en la Galería Curro y Poncho de Guadalajara
(2015); En hombros de gigantes, exposición colectiva en
el Museo Experimental El Eco de México, D.F. (2014).
Drawing and painting are central part of his practice.
He studied Industrial Design at Universidad Autonoma
de Guadalajara.
Selected for XVI painting biennial Rufino Tamayo.
Has been recipient of the following individual grants
and awards: PECDA Jalisco (State grant for artistic
development) in 2011 and 2015, Fountainhead
Residency Miami Fl 2013. Has been member of Artist
Pension Trust APT since 2012.
Lives and works in México city.
Toda la carrera de Marco Rountree Cruz ha sido
construida como una respuesta a la pregunta: ¿Quién
es un artista? ¿Qué hace un artista? En el caso
particular de Marco es fundamental para entender la
idea de la vocación del artista su ser autodidacta. Su
atención se dirige a todo tipo de cosas: lo pequeño y
lo grande, lo importante y lo trivial. Es a través de la
mezcla y transformación de estos conceptos que su
práctica como artista visual gana su significado.
Marco Rountree Cruz’s entire career has been
built as a practical answer to the question: Who
is an artist? What does an artist do? In Marco’s
particular case his being self-taught is fundamental
to understanding the idea of the artist’s calling. His
attention is directed to all kinds of things: small and
big, important and trivial, and it is through the mixing
and transformation of these things that his practice
as a visual artist earns its meaning.
En su uso de las cosas y los materiales cotidianos
que intencionalmente "descontextualiza" para
transformarlos en objetos decorativos. Para Rountree
es de hecho el concepto de ornamentación lo que
convierte a un objeto común o un material trivial
en algo especial, lo que lo lleva fuera de su entorno
natural y lo inserta en el campo del arte.
In his use of everyday things and materials he
intentionally “upgrades” them to transform them
into decorative objects. For Rountreee it is indeed
the concept of ornamentation what turns a common
object or a trivial material into a special one, what
brings it out of its natural environment and inserts
it into the art field.
Marcos Castro
El dibujo ha sido una necesidad humana desde
la edad de pintura rupestre. Hay una conexión
ancestral y romanticismo en el medio. Papel y
pigmentos se han utilizado durante cientos de años.
Hay algo orgánico sobre el dibujo, que te hace sentir
parte del proceso. Hay un puente de su mente a
sus brazos a los materiales que le permiten crear
algo más grande que uno mismo. Es mi forma de
búsqueda de lo sublime.
Drawing has been a human necessity since the age
of cave painting. There’s an ancestral connection and
romanticism in the middle. Paper and pigments have
been used for hundreds of years. There is something
organic about drawing, which makes you feel part
of the process. There’s a bridge from your mind to
your arms to the materials that enable you to create
something bigger than yourself. It’s my way of
searching for the sublime.
En la forma de pintar de Marcos castro, todo
comienza con la creación de su propia mitología,
que proviene de las experiencias y conexión con
la naturaleza que ha tenido a través de toda su
vida. Esta influenciado por el contexto cultural y la
importancia de los rituales en su país. Además de su
punto de vista personal, todos los animales salvajes
ya tienen sus propios roles universales, arquetipos y
simbología. Para el, todo es parte de un todo: todos
los animales, paisaje o fenómeno natural.
In his way of painting, it all starts with the creation
of his own mythology, which comes from the
experiences and connection to nature that he's
had through his life. Castro is influenced by the
cultural context and the importance of rituals in his
country. Besides a personal point of view, all wild
animals already have their own universal roles,
archetypes and semiology. For Castro, everything is
part of a whole: every animal, landscape or natural
phenomenon.
Was co-founder and co-director of Liga project, which
ran from 2005 to 2010. Received several awards through
this project such as: FONCA in its coinversion mode for
the printing.
Vive y trabaja en Guadalajara.
56
57
ANÓNIMO
MIAMI 2015
Marepe
Pablo Dávila
El trabajo Marepe adquiere una compleja
superposición de referencias y significados en el uso
de materiales listos y objetos cotidianos.
As Marepe often uses readymade materials and
everyday objects or activities, his work has acquired
a complex layering of references and meanings.
Recientes exposiciones individuales incluyen:
Galerie Max Hetzler, Berlín (2014); Anton Kern
Gallery, Nueva York (2013); Los últimos verdes,
Galeria Luisa Strina, São Paulo (2010). El artista ha
realizado exposiciones individuales en el MAM-SP,
en el Centro Georges Pompidou de París y la Tate
Modern, Inglaterra. Su trabajo también se presentó
en la Bienal de São Paulo (2004), la Bienal de
Venecia (2003), Bienal del Mercosur (1999), así como
exposiciones colectivas en importantes museos
como el Museo Reina Sofía, Madrid, España. Su
obra forma parte de, entre otras, las siguientes
colecciones: Tate Collection, de Londres; Fundación
Ellipse, Portugal; CACI - Inhotim, Brasil; MAM Museo de Arte Moderno de São Paulo, Brasil; MOMA
El Museo de Arte Moderno, EE.UU..
Recent solo shows include: Galerie Max Hetzler,
Berlin (2014); Anton Kern Gallery, New York (2013);
Os Últimos Verdes, Galeria Luisa Strina, São Paulo
(2010). The artist has had individual exhibitions at
MAM-SP (São Paulo Museum of Modern Art), at
the Centre Georges Pompidou, Paris and at the
Tate Modern, England. His works have also been
present at the Sao Paulo Biennial (2004), Venice
Biennial (2003), Mercosul Biennial (1999), as well
as group shows in important museums such as the
Reina Sofia Museum, Spain.
His works are included, among others, in the
following collections: Tate Collection, London;
Ellipse Foundation, Portugal; CACI - Centro de Arte
Contemporânea Inhotim, Brazil; MAM – Museu
de Arte Moderna de São Paulo, Brazil; MOMA The
Museum of Modern Art, USA.
Mario Navarro
La sintaxis y estética formal de la obra de Mario
Navarro sobresale como una referencia alternativa
a ciertas clases de objetos como podrían ser las
palabras, en donde no expresan necesariamente su
significado. A través de su obra crea un lenguaje que
cuestiona temas como la arquitectura y las diferentes
maneras de verla, en donde la arquitectura es
recontextualizada.
The formal aesthetics and syntax of Mario Navarro
stand as an alternative reference to certain classes
of objects just as words do not « refer » to things
themselves in Saussure’s theory of linguistics.
Objects and architectures have meanings as points
and conceptual significations within an entire system
of relations as each and every element evokes an
idea different, let’s say, than that of another class of
objects in virtue of their literal properties. Navarro
also creates a meta-class of language that questions
both architecture and the way we look at it but in
different terms. Architecture is re-contextualized.
Las relaciones entre formas y arquitectura,
específicamente la descomposición de paradigmas
arquitectónicos, son intereses constantes en la
exploración de su trabajo.
Su trabajo pertenece a colecciones como la Petitgas
Collection (Londres), Frances R. Dittmer Collection
(Chicago), Sayago & Pardon (Los Angeles), ArtNexus
(Bogota) y la Fundación Colección Jumex (Cd. de
México).
The relations between architectures and forms, and
more specifically, the decomposition of architectural
paradigms (balance, symetry, organization of units
and the figure of the architect) are constant interest
and exploration in Navarro's ongoing and never final
propositions.
Actualmente vive y trabaja en Nueva York.
El trabajo de Pablo Dávila explora las fronteras entre
el arte, la experiencia y la percepción. "Dibujos en
Dos Direcciones" trata de una línea recta de luz
vertical que se proyecta en la esquina de dos muros
y que se refleja en un espejo colocado sobre el piso.
El espejo, elemento estratégico de la pieza, genera
un espacio de profundidad y una nueva línea de luz
brillante que se proyecta hacia el infinito.
Pablo Davila's work explores the boundaries
between art, experience and perception. "Two-way
Drawings" is a straight vertical light projected on
the corner of two walls and is reflected in a mirror
placed on the floor. The mirror, strategic element of
the piece, generates a deep space and a new line of
bright light projected into infinity.
Al asombro inicial -luego de un breve momento de
desorientación- le sigue un efecto de provocación
en donde el observador intenta descifrar lo que
mira. El recorrido alrededor de la pieza logra
que la experiencia visual sea cada vez distinta.
La obra se relaciona con el espacio creando
diversas sensaciones y efectos que cambian en
función del punto de vista del observador, siempre
en movimiento. El recorrido concluye con el
descubrimiento del único ángulo en donde las dos
líneas se convergen en una sola. Lo que finalmente
queda en todo este proceso es la experiencia
misma, la manera en que nuestra percepción es
continuamente amplificada a través de la calidad y
sutileza de la luz y sus reflejos.
The initial amazement -after a brief moment of
disorientation- is followed by a provocative effect in
which the observer tries to decipher what he sees.
The tour around the piece achieves a different visual
experience every time. The work is related to the
space, creating different sensations and effects
that change depending on the observer's point of
view, always in motion. The tour concludes with
the discovery of a unique angle where the two
lines converge into one. What finally remains in
this process is the experience itself, the way our
perception is continuously amplified through the
quality and subtlety of light and reflections.
The work poses phenomenological questions that
deal mainly with visual perception; as the American
artist Robert Irwin described in the sense that the
observer "look at yourself looking" ("Perceiving
Yourself Perceiving"). Thus, the work expands our
understanding of what we see and can be visual
experiences themselves by opening new mental
spaces for the observer
La obra plantea cuestiones fenomenológicas que
tienen que ver sobre todo con la percepción visual;
con lo que el artista norteamericano Robert Irwin ha
descrito en el sentido de que el observador "se vea a
sí mismo viendo" (“perceiving yourself perceiving”).
Así, la obra amplía nuestro entendimiento de lo que
son y pueden ser las experiencias visuales en sí
mismas al abrir nuevos espacios mentales para el
observador.
Paula Matos Gil
Paula Matos Gil, Guimaraẽ s, Portugal (1964). Vive y trabaja en
Costa Careyes, Mexico. Graduada en Negocios y Finanzas de
la Universidad New Hamshire, Londres, Inglaterra.
Lives and works in Costa Careyes, Mexico
Graduated on Business and Finance - New Hampshire
University - London, England
Sus fotografías se encuentran en las siguientes colecciones:
Colección Jumex, Colección François Pinault
Her work are in the following collections; Colección Jumex,
François Pinault Collection
His work belongs to collections such as The Petitgas
Collection (London), Frances R. Dittmer Collection
(Chicago), Sayago & Pardon (Los Angeles), ArtNexus
(Bogota), Dieresis Collection (Guadalajara) and
Fundacion Coleccion Jumex (Mexico City).
He currently lives and works in New York City.
58
59
ANÓNIMO
MIAMI 2015
Pedro Reyes
Richard Garret
Pedro Reyes (México D.F., 1972) es un escultor cuya
formación académica es en la arquitectura. Su
trabajo, que integra elementos de teatro, psicología y
activismo, toma formas tan diversas como esculturas
habitables (Capulas, 2002-08) o marionetas (Baby
Marx, 2008), (La Revolución Permanente, 2014). En
2008, Reyes comenzó el proyecto Palas por Pistolas,
en el cual 1,527 armas de fuego fueron donadas para
ser convertidas en palas con las que se plantaron
1,527 árboles. Este proyecto llevó a Disarm (2012), en
el cual 6,700 armas destruidas han sido convertidas
en diversos instrumentos musicales. En 2011,
inició Sanatorium, una clínica temporal que ofrece
tratamientos cortos y heterodoxos que combinan el
arte y la psicología. Originalmente comisionado por
el Guggenheim Museum en Nueva York, Sanatorium
se ha llevado a cabo en Documenta 13, Kassel (2012),
Whitechapel Gallery, Londres (2013), The Power
Plant, Toronto (2014), the Institute of Contemporary
Art (ICA) Miami (2014-2015), y OCA, Sao Paulo (2015).
En 2013, Reyes presentó la primera edición de pUN:
The People’s United Nations en el Queens Museum
de Nueva York. pUN es un congreso experimental en
el que ciudadanos comunes fungen como delegados
de cada uno de los países en las Naciones Unidas,
buscando aplicar técnicas y recursos de la psicología
social, el teatro, las artes, y resolución de conflictos
a la geopolítica. La segunda edición de pUN se llevó a
cabo en el Hammer Museum en Los Ángeles (2015).
La tercera Asamblea General de pUN tendrá lugar
en Diciembre del 2015 en el Museum of the 21st
century en Kanazawa, Japón. Reyes vive y trabaja en
la Ciudad de México.
Pedro Reyes (Mexico City, 1972) studied
architecture but considers himself a sculptor,
although his works integrate elements of theater,
psychology and activism. His work takes on a
great variety of forms, from penetrable sculptures
(Capulas, 2002-08) to puppet productions (Baby
Marx, 2008), (The Permanent Revolution, 2014).
In 2008, Reyes initiated the ongoing Palas por
Pistolas where 1,527 guns were collected in Mexico
through a voluntary donation campaign to produce
the same number of shovels to plant 1,527 trees.
This led to Disarm (2012), where 6,700 destroyed
weapons were transformed into a series of musical
instruments. In 2011, Reyes initiated Sanatorium,
a transient clinic that provides short unexpected
treatments mixing art and psychology. Originally
commissioned by the Guggenheim Museum in New
York City, Sanatorium has been in operation at
Documenta 13, Kassel (2012); Whitechapel Gallery,
London (2013); The Power Plant, Toronto (2014),
the Institute of Contemporary Art (ICA) Miami
(2014-2015), and OCA, Sao Paulo (2015). In 2013,
he presented the first edition of pUN: The People’s
United Nations at Queens Museum in New York City.
pUN is an experimental conference in which regular
citizens act as delegates for each of the countries in
the UN and seek to apply techniques and resources
from social psychology, theater, art, and conflict
resolution to geopolitics. pUN’s second edition
took place at the Hammer Museum in Los Angeles
(2015). The third General Assembly of pUN will take
place in December 2015 at the Museum of the 21st
century in Kanazawa, Japan. Reyes lives and works
in Mexico City.
Raúl Rebolledo
Vive y trabaja en Guadalajara, México Inicia su carrera
como artista plástico en el año 2003 de manera
paralela a la carrera de arquitectura, participando
en exposiciones colectivas e individuales en galerías
como, LAJM Laboratorio de arte Jorge Martínez,
FEMACO (ahora Zona Maco), Sala Juárez, Arte
Careyes, Salón ACME, Palazzo Bembo en Venecia,
Art at Tell en Suiza.
Ha sido acreedor a premios de adquisición en ferias
como UnM2 y Perrier zona MACO. Algunas de sus
obras forman parte de colecciones privadas.
60
El trabajo de Richard Garet en los últimos años se ha
centrado en la investigación de los fenómenos auditivos
y entornos de escucha espacial utilizando la estructura
de interpretación; tanto natural como artificial enfocada
en la evolución, procesos, funciones, posibilidades, y la
materialidad.
Richard Garet's work over the last several years has focused
on the investigation of aural phenomena, environments,
spatial listening using and interpreting structure; both
natural and artificially evolving processes, functions,
possibilities, and materiality.
Esto ha llevado a exploraciones en la acústica, psicoacústica,
binaural beats, y diversos métodos de grabación de sonido
a través de la aplicación de sistemas y estrategias, que
han servido de punto de partida partida fundamental en la
consecución de su sonido y piezas visuales.
This has lead to explorations in acoustics, psychoacoustics,
binaural beats, and diverse methods of recording sound
through the application of systems and strategies, which
have served as the fundamental departure towards
achieving his sound and visual pieces.
Ronald Moran
Nació en Chalchuapa, departamento de Santa Ana en
1972. De 1988 a 1990 estudió en el Centro Nacional de
Artes –CENAR- y en los siguientes tres años realizó
estudios de diseño gráfico en la Universidad Dr. José
Matías Delgado. En el año 2000 se desplazó a México en
donde estudió obra gráfica en el Taller Soruco, Oaxaca.
Born in Chalchuapa, Santa Ana in 1972. From 1988
to 1990 he studied on the Centro Nacional de Artes
– CENAR -, and for the next three years he studied
graphic design on the University Dr. José Matías
Delgado. In 2000 he moved to México where he
studied the VISUAL ARTS on Taller Soruco, Oaxaca.
La obra de Morán se ha desarrollado a través del dibujo,
la pintura, la fotografía, el video, la instalación y la
intervención. La problemática social ha sido uno de los
temas abordados por Morán dentro de su producción
artística, interpretando situaciones conflictivas como
la violencia, la migración y otros problemas actuales,
reflejando éstos en propuestas estéticas destinadas
a llamar la atención y propiciar la reflexión acerca de
realidades no solo del ámbito salvadoreño, sino del
contexto latinoamericano.
The work of Morán has developed through drawing,
painting, photography, video, installation and
intervention. The social dilemma has been one of
the subjects treated by Morán in his artistic work:
violence, migration and other current problematic
had been reflected in his pieces, in order to
propitiate a critical reflection about the reality of El
Salvador and Latinamerica.
He has participated in over a 100 group exhibition
and 15 solo exhibitions, in which we can count
the biennales of Ecuador, Dominican Republic,
Nicaragua, Czech Republic and Prague, always
representing his country of origin El Salvador.
Lives and works in Guadalajara, Mexico. Began
his career as an artist in 2003 in parallel to his
architectural career, participating in group and solo
exhibitions in art galleries as, LAJM laboratorio de
arte Jorge Martínez, FEMACO (now Zona Maco),Sala
Juárez, Art Careyes, Salon ACME, Palazzo Bembo in
Venice, Art at Tell in Switzerland.
Among the awards he had recivied is the Young
Talent Award (1994) by the Consejo Nacional para
la Cultura y el Arte, first place on the Certamen
Nacional de Pintura Joven “Palmarés-Diplomat”
(1998), bronze medal at the salon of the Societé des
Artistes Francais (2003), “El premio public” by the
project HABITART promoted by KENT in El Salvador
(2003) and his participation in the Latin-American
pavilion in the Venice Biennal (2007).
He has received acquisition awards in shows such
as UnM2 and Perrier Zona MACO area. Some of his
works are in private collections.
In 2006 he was selected by Exit magazine (Spain) as
one of the 100 best Latin-American artists.
Ha participado en más de 100 exhibiciones colectivas y
en 15 exhibiciones individuales, así como en las Bienales
de Arte de Cuenca (Ecuador), del Caribe (República
Dominicana), de Managua (Nicaragua) y en la de Praga
(República Checa), representando a El Salvador.
Entre los reconocimientos que ha recibido se
mencionan: Talento joven del año 1994 otorgado por el
Consejo Nacional para la Cultura y el Arte, Primer lugar
en el Certamen Nacional de Pintura Joven “PalmarésDiplomat” (1998), Medalla de bronce en el salón de la
Sociedad de Artistas Franceses, París, Francia (2003),
“El premio público” por el proyecto HABITART promovido
por KENT en San Salvador (2003) y participación en el
pabellón latinoamericano de la Bienal de Venecia (2007).
En el 2006 fue seleccionado por la revista Exit
(España) como uno de los 100 principales artistas
latinoamericanos.
61
ANÓNIMO
MIAMI 2015
Sofía Echeverri
Stefan Brüggemann
Sofia Echeverri nace en la Ciudad de Guadalajara,
Jalisco el 25 de sept. 1971. Es Lic. En Artes Visuales
por la Universidad de Guadalajara. Estudia dibujo
con el Maestro José Fors y pintura con el Maestro
David Birks. Realiza estudios de técnicas antiguas y
modernas del dibujo en la ciudad de Paris, Francia
(2000) taller de litografía en Leonard Codex,
Brooklyn, New York (2011). Su principal influencia en
pintura actualmente son los artistas Alex Kanevsky
y Alex Tinei. Ha sido becaria en dos ocasiones por el
FONCA (2004-05 y 2006-07) en Jóvenes Creadores y
dos más por el Programa de Estimulo a la Creación
Artística del Estado de Jalisco (2004 y 2008). Ha sido
seleccionada para participar en varias Bienales
Nacionales (Yucatán 2009, 2006 y 2004, ) mención
honorífica en la Bienal Nacional Diego Rivera de
la Estampa (2004) y el primer premio en pintura
del Salón de Octubre (1995) y primero también
en estampa en el mismo Salón (1992).Mención
honorífica de parte de Mex-Am Foudation del
Vermont Studio Center (2008). Residencia artística
en Bannf Center, Alberta, Canadá invitada por el
FONCA (2013).
Sofia Echeverri was born in Guadalajara, Jalisco on
Sept. 1971. She has a BA in Visual Art (Painting) at
the Guadalajara University. Drawing with José Fors
and painting with David Birks. Ancient and modern
drawing techniques in Paris, France. Lithography
workshop in Leonard Codex, Brooklyn, New York
(2011). Her principal influences in painting are Alex
Kanevsky and Alex Tinei. She received the Jovenes
Creadores Grant from FONCA two times (2004-05 y
2006-07) and two more by the Jalisco State Program
for Creation and Development of Arts (2004 y 2008).
Selected to participated in several National Biennales
in painting (Yucatán 2009, 2006 y 2004, The José
Guadalupe Posada National Drawing Salon, 1992).
Honorable mention at The Diego Rivera´s National
Biennale for graving and stamp (2004) and the first
place in painting in the October Salon (1995) And
also in stamp (1992). Honorable mention by Mex-Am
Foundation Vermont Studio Center (2008). Some solo
shows:
Some solo shows: Dolorosa belleza, Teatro María
Grever, León Gto. (2015), Dolorosa belleza, Ex
Convento del Carmen (2014) Pistas para errar, Galería
Yam, San Miguel de Allende, Gto. (2014), inner voice,
Leonard Codex Art Assamblege, Brooklyn, Nueva
York, (2012), Células, Haus der Kunst, San Pancho,
Nayarit (2011), sospechosavisión/falsaceguera,
Museo Raúl Anguiano Guad., Jal. (2010), Paperwork,
Trager & Pinto Arte Contemporáneo, México, D.F.
(2010)
Algunas exposiciones individuales son: Dolorosa
belleza, Teatro María Grever, León Gto. (2015),
Dolorosa belleza, Ex Convento del Carmen (2014)
Pistas para errar, Galería Yam, San Miguel de
Allende, Gto. (2014), inner voice, Leonard Codex
Art Assamblege, Brooklyn, Nueva York, (2012),
Células, Haus der Kunst, San Pancho, Nayarit
(2011), sospechosavisión/falsaceguera, Museo Raúl
Anguiano Guad., Jal. (2010), Paperwork, Trager &
Pinto Arte Contemporáneo, México, D.F. (2010)
Some group shows: Referencias Cruzadas, MUMART
Museo Municipal de Arte, La Planta, Argentina (2015)
SALON ACME, PUM, Brooklyn, N.Y. ( 2015) Iª BIENAL
NAL. DEL PAISAJE, Museo Carrillo Gil,(2015)
HORROR EN EL TROPICO, Museo Universitario del
Chopo.
Algunas exposiciones colectivas son: Referencias
Cruzadas, MUMART Museo Municipal de Arte,
La Planta, Argentina (2015) SALON ACME, PUM,
Brooklyn, N.Y. ( 2015) Iª BIENAL NAL. DEL PAISAJE,
Museo Carrillo Gil,(2015) HORROR EN EL TROPICO,
Museo Universitario del Chopo.
Some publications and reviews: La valiente
búsqueda interior, por Fernanda Reyes Retana
ARTEALIMITE, arte global, sept. 2012, Ninguno
de nosotros (Moctezuma´s revange) por Gerardo
Lammers en REPLICANTE, Febrero 2011 , Erik
Castillo sospechosavisión/falsaceguera, en LA
PALANCA, Número 18, Oct, 2011).
Algunas publicaciones son: La valiente búsqueda
interior, por Fernanda Reyes Retana ARTEALIMITE,
arte global, sept. 2012, Ninguno de nosotros
(Moctezuma´s revange) por Gerardo Lammers
en REPLICANTE, Febrero 2011 , Erik Castillo
sospechosavisión/falsaceguera, en LA PALANCA,
Número 18, Oct, 2011).
62
El trabajo de Stefan Bruggemann esta ligado a practicas
post-conceptuales que combinan diferentes medios
con características del arte de los 60s y principio de los
70s impregnados con valores orientados al mercado y
una amarga respuesta hacia la categorización de los
valores estéticos.
Stefan Brüggemann’s work is driven by post-conceptual
practices that combine the media techniques
characteristic of the late 60s and early 70s with a bitter
response towards the categorisation of aesthetic values.
While market-oriented, the artist touches various
philosophical discourses (namely post-structuralism and
deconstruction) that places his work away from a specific
category. The use of text is essential for Brüggemann
as he maintains a relationship to counter-cultural
tendencies (e.g. the punk ideologies of the 80s) and other
forms of international cultural representations.
Basado en la aplicación de conceptos filosóficos
(principalmente aterrizados en post-estructuralismo
y deconstruccionismo), su trabajo asimila el rango
de preocupaciones que enfatizan el rol de las ideas y
significados a través de textos y acomodos visuales.
En trabajos recientes, una nueva serie de lienzos
se separan de las practicas conceptuales mas
tradicionales y se acercan a un área mas ambigua y
seductora. Manteniendo características de trabajos
anteriores como el uso de palabras escritas, se
combinan con la aplicación ruda de pintura de aluminio,
haciendo referencia al expresionismo abstracto y
automatismo. Solo pequeñas fracciones del texto
permanecen visibles y los elementos rudos de la
pintura monocromática quedan evidentes. Mientras el
trabajo anterior de Bruggemann retaba directamente
la definición de la practica artística como objeto visual,
esta serie se aprovecha de la experiencia espacial. Los
lienzos tienen mas estructura en su lógica abstracta;
su énfasis no solo yace en su superficie, sino en
la subordinación de sus partes y requieren que el
espectador se mueva fácilmente entre leer y observar.
Puddle Paintings is a series of medium-sized canvases
(presented in a larger format for this exhibition) that
take advantage of the spatial experience and modernist
techniques. Distinguishing elements of previous work,
such as the use of handwritten words, are combined with
the raw application of heavy aluminium paint. Only small
bits of the text remain visible while the elements of the
rough monochromatic painting are undisguised While
it makes a direct reference to abstract expressionism
in the application of materials, it challenges the notion
of “expression” given by the gesture of the artist’
brushstroke on the canvas. The subordination of each of
their parts define an “anti-painting” or “anti-expressive”
claim that takes advantage of the same features that have
made an expressionistic painting. In other words, as the
“New York School” use of abstraction to deliver a specific
emotion, Brüggemann uses it to claim the contrary, to
criticize painting and to avoid a personal prerogative. As
the cliché turns into a trap, the artist’s personality seems
more distant in the composition. The purely perceptual
discipline awarded by the modernist aesthetics, is put into
question by the use of the artistic work as a visual object
or more broadly as a spatial experience.
Estas pinturas transmiten la impresión de
estancamiento,
demostrando
las
varias
contradicciones acerca del uso y representación del
tiempo en la sociedad contemporánea. Los lienzos
fluctúan entre lógicas conceptuales y de percepción,
retando nuestra definición del trabajo artístico como
objeto visual y experiencia de espacio.
With these canvases, the work requires the viewer to
go from reading to looking. Their structures become an
exploration of the continuities and tradeoffs between
conceptual and perceptual logics. Puddle Paintings call
for a different kind of visual attention, where the “rematerialization” of the artistic expression challenges the
definition of modernist painting.
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ANÓNIMO
MIAMI 2015
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S P O N S O R D O N AT I O N S
D O N AT I V O S PAT R O C I N I O S
THE MASTERS OF
P H OT O G R A P H Y S E R I E S
CITLI SCULPTURE
The Macallan presents the fifth installment of The Masters of
Photography series, a collaboration that highlights the creative
genius of master whisky craftsmanship and the master photographer,
Mario Testino. The whisky is one of rare and stunning complexity. The
Macallan’s Master Whisky Maker has achieved this by selecting six
casks from the many residing at The Macallan distillery. When the
whiskies from these six casks are combined, they give life to a single
malt with depth, darkness and uncommon diversity. The photographs
are equally stunning. The master photographer has captured the
spirit of each character and, employing his genius for composition,
made the group even more intriguing than the sum of its parts.
Starting bid: $3,000 USD
Precio de salida: $3,000 USD
Escultura que revela el sentido de la perfección de los orfebres
de TANE. Sus líneas sólidas y formas curvas altamente pulidas,
expresan un estilo propio que juega con los reflejos de luz.
Medidas: 34.5 x 10.5 x 10.5 cm
Plata .925
A sculpture that reveals the TANE´s silversmiths sense of
perfection. Its highly polished solid lines and curved forms
express an unique style that plays with lights reflections.
Measurements: 34.5 x 10.5 x 10.5 cm
Sterling Silver
Starting bid: $3,000 USD
Precio de salida: $3,000 USD
ANÓNIMO
PROGRAMA
ANÓNIMO
MIAMI 2015
ANÓNIMO
PROGRAM
Lunes 16 de Noviembre
Preview Catálogo– Paddle 8
Monday November 16th
Catalog Preview – Paddle 8
Lunes 23 de Noviembre
Inauguración Subasta Digital – Paddle 8
Monday November 23rd
Online Auction Opening – Paddle 8
Martes 1 de Diciembre
Inauguración oficial de The M Building
ANÓNIMO – Paddle 8 – Subasta digital
abierta– Cocteles
Tuesday December 1st
Opening The M Building
ANÓNIMO- Paddle 8 - Online Bids and
Registration - Cocktails
Miércoles 2 de Diciembre
ANÓNIMO – Paddle 8 - Subasta digital abierta
- Cocteles
Wednesday December 2nd
ANÓNIMO- Paddle 8 - Online Bids and
Registration - Cocktails
Jueves 3 de Diciembre
ANÓNIMO – SALÓN TROPICAL
18.00 hrs – Cierre de subasta digital
19.00 hrs – Coctél de registro– Estación de
Ceviche y crudos
20.00 hrs – Anfitriones presentan Casa Hogar
Cabañas y The Art Nexus Foundation
20.30 hrs – Subasta en vivo
Martillero: Brook Hazelton – Presidente de
Christie´s Americas
22.00 hrs – Pachanga post-subasta
Wapo Taco - Los Master Plus en Vivo - DJ
Telésforo
**Riguroso RSVP
Thursday December 3rd
ANÓNIMO - SALÓN TROPICAL
18.00 hrs – Online bidding closing
19.00 hrs – Cocktail registration – Ceviche and
raw food station
20.00 hrs – Chairs present: Casa Hogar
Cabañas and The Art Nexus Foundation
20.30 hrs – Live Auction - Closing Bids
Live Auctioneer: Brook Hazelton – President
of Christie´s Americas
22.00 hrs – After Auction Party
Wapo Taco - Los Master Plus Live Act - DJ
Telésforo
**RSVP required
Viernes 4, Sábado 5 y Domingo 6 de
Diciembre
Anónimo: Exhibición abierta - Cocteles
Friday 4th, Saturday 5th and Sunday 6th
ANÓNIMO – Open for exhibition- Cocktails
THE MACALLAN ART
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ANÓNIMO
DIRECTORIO / DIRECTORY
DIRECCIÓN GENERAL / GENERAL MANAGEMENT
Alejandra Martínez – Colectivo México
Alejandro Serratos – Colectivo México
COMITÉ DE CONTENIDO / CONTENT COMMITTEE
Alejandra Martínez
Alejandro Serratos
Eduardo López
Leeza Chebotarev
Miriam Villaseñor
DIRECCIÓN COMERCIAL / SPONSORSHIP MANAGEMENT
Susanne Birbragher - Liaisions
COORDINACIÓN DE CONTENIDO / CONTENT COORDINATION
Miriam Villaseñor – Colectivo México
COORDINACION DE INVITADOS / GUEST SERVICES
Selene Rojas – Colectivo México
DISEÑO Y CREATIVIDAD / CREATIVE DESIGN
Arturo Trujillo – Taller México
Vianey Velarde – Taller México
PRODUCCIÓN GENERAL / EVENT COORDINATION
Alejandra Esayeg – Liaisions
Maria Antonia Dolman – Liaisions
Susanne Birbragher - Liasions
LOGÍSTICA DE ARTE / ART LOGISTICS
Alejandra Esayeg – Liaisions
Leeza Chebotarev
Miriam Villaseñor – Colectivo México
Selene Rojas – Colectivo México
MUSEOGRAFÍA / ART INSTALATION
Eduardo López – Fifi Projects
MOBILIARIO Y DECORACIÓN DE EVENTO / FURNISHING AND
EVENT DECORATION
Mauricio Rivera Kirschner – MRK
This event is done thanks to all the artists and galleries that
support young non profit initiatives such as this:
Arredondo / Arozarena, Curro y Poncho, Fifi Projects,
Kurimanzutto, Labor, Lisson Gallery, Luisa Strina
Marian Goodman Gallery, OMR, Páramo, Proyecto Cobra,
Proyecto Paralelo, Travesía Cuatro
A special thanks to: Camila Sol de Pool, Cathy Vedovi, Geovanna
Ibarra, José Noe Suro, Lizeth Galván, Los Master Plus, María
García-Lubén Ibán, M-Material, Patrick Charpenel, Vanessa
Fernandez, Verónica Anaya, Viviana Kuri, and Satu Greenberg, for
taking the time to help us build this platform.
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ANÓNIMO
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1 miami 2015

Transcripción

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