Dossier del Festival Internacional de las

Transcripción

DOSSIER DE PRENSA
La mujer es musa y eterna fuente de inspiración, pero también está provista de una sensibilidad
que le capacita para componer y crear.
Alguna vez creí que tenía talento creativo, pero he renunciado a esta idea; una mujer no debe desear componer, ninguna
ha sido capaz de hacerlo, así que ¿por qué podría esperarlo yo?
Clara Schumann
Creo que para componer música las mujeres somos más emocionales.
Julieta Venegas
ÍNDICE
Presentación
3
Gromic
30
Femenino y plural
5
Imelda May
31
Patrocinadores
7
Jawga Music (Noche Casa África)
32
Programación musical
8
La Corcoles
33
Días de Sur
10
La Chaminera Encantada
34
Venta de Entradas
14
La Yegros
35
Talleres
56
Las Hermanas Caronni
36
Títeres
59
Mala Rodríguez
37
Exposiciones
60
Márcia
38
Cine
61
Marinha
39
Martirio y Raúl Rodríguez
40
Mélissa Laveaux
41
Olga y Los Ministriles
42
OY (Noche Casa África)
43
Pascuala Ilabaca y Fauna
44
Sofía Viola
45
Soleá Morente y Los Evangelistas
46
Soom T & Knochis
47
Susheela Raman
48
Suzanne Vega
49
The Magnolia Sisters
50
Titiriteros de Binéfar
51
Tornabis Prod. y Habana Teatro
52
Wunmi
53
Yimawa
54
Zebda
55
Biografías
14 KM
15
Alejandra Robles
17
Alfane Árabe Mogador
18
Amaral
19
Buika
20
Capicúa Circo
21
Carmen París
22
Circle Of Trust & Friends
23
Click Here
24
Cuca Roseta
25
Esperanza Fernández
26
Ester Rada
27
Femenino y Singular
28
Gato Preto
29
DOSSIER DE PRENSA PIRINEOS SUR 2014 - 2
PRESENTACIÓN
El corazón de Pirineos Sur va a latir en clave de mujer. En esta edición quienes le darán ritmo serán
intérpretes y formaciones de más de veinte nacionalidades diferentes que, entre el 11 y el 27 de julio,
compartirán en la provincia de Huesca esa necesidad de llegar al fondo de las cosas, de buscar la propia
esencia, como lo intenta -una edición sí y otra también- este Festival de la Diputación de Huesca.
No es habitual que un Festival de estas características y auspiciado por una administración pública
permanezca a lo largo de más de dos décadas. Fiel a la mayor cita musical del Pirineo, el XXIII Festival
Internacional de las Culturas vuelve a transformar varias localizaciones naturales en uno de los mejores
escenarios que se pone al servicio de la diversidad y variedad cultural del planeta. Serán 16 noches de una
travesía musical por cuatro continentes que comenzará el día 11 de julio en el auditorio de Lanuza con fusión,
la que ofrecerá la aragonesa Carmen París y una de las mejores voces de Irlanda: Imelda May.
En sus diversos espacios, hasta el 27 de julio Pirineos Sur presentará con la temática Femenino plural a más
de medio centenar de artistas y formaciones, entre las que se puede citar a la reconocible voz de origen
californiano, Suzanne Vega, que se sube por primera vez al escenario flotante del Festival, en el mismo que
se darán cita dos jóvenes intérpretes que han revolucionado la escena musical en sus países, como Melissa
Laveaux (Canadá) y Márcia (Portugal), o La Yegros (Argentina) en el espacio de Sallent, donde cada año se
siguen dando a conocer las propuestas menos conocidas, a la par que sorprendentes.
También da cabida el programa de esta edición a algunos
de los mejores proyectos musicales de la escena nacional
en sus diversos géneros, con nombres como Amaral, Mala
Rodríguez, Buika y el encuentro artístico entre Los
Evangelistas y Soleá Morente, la hija del cantaor que en el
año 97 deleitó por primera vez al público de Pirineos Sur y
al que rendirán homenaje. Solo en la última jornada musical
las voces femeninas dejan paso a uno de los regresos más
esperados, los franco-argelinos Zebda, que compartirán
escenario con 14 KM, el proyecto musical que se estrenará
en esta edición integrado por los músicos aragoneses
Momo, Moncher y Gordo del Funk y los marroquíes Khalid
Moukdar, Anas Chlih y Hassan Krifa y con el que la
Diputación Provincial no olvida, un año más, sus proyectos
de cooperación cultural.
En esta misma dirección se ofrece la denominada Noche
Casa África, dedicada a descubrir nuevas propuestas de la
escena africana y que en esta ocasión reúne las propuestas
musicales de Gjagwa Music (Tanzania) y de Oy (Ghana),
ganadores de la última edición del Vis a Vis de Zanzíbar. Se
parte de la premisa de que hoy es más necesario que
nunca apostar por la diversidad cultural como antídoto de
procesos tan destructivos como la intolerancia y la
xenofobia, y para ello la mejor manera que encontramos
para conciliar terrenos comunes es convertir el espacio público en un escenario para músicos y artistas.
El año pasado también pensamos que iba siendo hora de reconocer el talento y esfuerzo en la difusión de
valores como el diálogo intercultural y la cooperación, y la apuesta por la cultura como instrumento educativo
y de solidaridad también. De ahí también la idea de continuar con los Premios Pirineos Sur que el año
pasado, sin saberlo, acabaron convirtiéndose en uno de los últimos reconocimientos que recibió el artista
Francisco Sánchez Gómez, Paco de Lucía, mientras que en el apartado de Integración y Cultura el premio
recayó en el Coro Atades Huesca.
Pirineos Sur ha crecido con su público y con los años también ha desarrollado una de las programaciones de
día más extensas en el panorama nacional de festivales. Lo que ahora se conoce como Días de Sur es la
forma de hacer accesible la cultura a cualquier generación con un programa gratuito donde encontrar circo,
títeres, danza, conciertos familiares, talleres, exposiciones, cine, pasacalles, acciones solidarias y todo el
espíritu de los Mercados del Mundo.
Esta edición no podía ser diferente. Ni en filosofía ni en los planteamientos, y un nuevo creador ha sido
invitado por la Diputación Provincial para dar forma al símbolo e imagen del Festival. Este año lleva el sello de
Mikel Urmeneta, fundador y director creativo de Kukuxumusu que, en su particular reinterpretación del
camello de tres jorobas, ha plasmado la cara de una mujer en movimiento.
Por muchos de estos motivos este rincón del Valle de Tena, en el Pirineo aragonés, ya es conocido como el
lugar de la universalidad de la música. En 1992, y sobre las aguas del embalse de Lanuza, se iniciaba este
diálogo entre culturas que, en forma de sonidos, dio lugar a un acontecimiento único, un pequeño milagro
como lo definen algunos, que se repite cada año en el mes de julio.
Pasen; adelante, adelante… Esto es Pirineos Sur.
FEMENINO y PLURAL
(Por Luis Calvo)
Ya saben todos ustedes que, año tras año, nos gusta trabajar con un concepto, idea o leitmotiv, que marca y
define la programación. Lo que, a primera vista, puede entenderse como un hándicap, se convierte en una
labor apasionante de encaje y estudio. Durante todos estos años hemos detenido nuestra mirada en
realidades geográficas, en conceptos y en culturas determinadas. Este año es, en cierto modo especial, pues
encontraremos músicas de cuatro continentes, de
culturas dispares y tendencias artísticas distintas.
¿El sexo, digo, el nexo? Todas las músicas que
escucharemos en esta edición son compuestas e
interpretadas por mujeres, y por ello y lo anterior,
el título de la edición de este año no puede ser
otro que Femenino Plural.
No les ocultaré que era un tema que estaba en el
cajón, que nos apetecía pero que se iba
postergando. Finalmente ha visto la luz. Y ha
resultado tan interesante y gratificante como
suponíamos, de tal forma que no es exagerado
pensar que el tema merecería más de una edición
de nuestro festival. Se quedaron algunas por el camino por falta de disponibilidad a la par que, en la labor de
acercamiento al tema, han ido apareciendo verdaderas joyas musicales. Aunque, a nuestro entender, lo lógico
es que siga habiendo muchas mujeres programadas en nuestro festival independientemente de temáticas.
Con normalidad, como hemos intentado hasta la fecha. Y se preguntarán entonces, ¿y por qué un especial?
Pues simplemente para dar un toque, para advertir que, a veces, las cosas se podrían hacer mejor.
Dice Cristina Rosenvinge que “cuando un hombre escucha la palabra feminismo oye el siseo de las tijeras
acercándose al escroto”. Pero como ella misma nos aclara –y sin más, compartimos– feminista es aquel “que
aspire a una sociedad en la que el sexo no predetermine cuál es el lugar que uno ocupa en ella”. Y por ello,
en esta selección ha primado la calidad artística y no otras consideraciones. Bien es cierto que, en ocasiones,
y sobre todo dependiendo de los lugares de procedencia, no resulta nada sencillo ser mujer y emprender una
carrera musical de éxito más allá de las agrupaciones pseudofolclóricas de turno. Sin quererlo, ha resultado
que las africanas programadas en esta edición, nacidas y criadas en África, han decido instalarse en Europa
o EE.UU. para consolidar sus carreras musicales.
Pero volvamos al concepto. La presente edición se denomina “Femenino Plural”. Y plural, no solamente por la
procedencia de las intérpretes, que también, sino porque, como podremos comprobar, las mujeres
programadas abarcan todo tipo de géneros y subgéneros: pop, raíz, fusión, jazz, rock, tradicional, cumbia,
electrónica, canción, afrobeat, blues, flamenco, hip hop… En fin, nada que ver con estereotipos al uso que
encasillan a la mujer como cantante de baladas insustanciales o como corista.
Como es tradicional en nuestro festival, encontrarán valores consagrados con artistas emergentes o
desconocidos por estas latitudes, aunque de larga experiencia en las suyas. Es, como ya saben, uno de
nuestros intereses: presentar a artistas desconocidos pero de gran nivel artístico, a nuestro entender.
Pero, como también ya conocen, el festival es mucho más que una sucesión de conciertos vespertinos y
durante toda la jornada podrán disfrutar de Días de Sur. Muchas de estas actividades también –cómo no–
cuentan a la mujer como protagonista. Me detendré solamente en dos actividades que creo deben resaltarse.
En primer lugar en la exposición presentada por la fotógrafa y creadora marroquí Lamia Naji, que con el título
Yes, we are ! Moroccans intenta acabar con los tópicos sobre Marruecos, sobre sus jóvenes y sus músicas.
Por otro lado, un ciclo de cine titulado Ellas son cine. Siete directoras africanas en pantalla, en colaboración
con la fundación Mujeres por África y Canal Plus. Como ven, seguimos poniendo en valor la creatividad de la
mujer aunque en otros campos artísticos diferentes al musical.
Y finalmente recordarles que, como ya viene siendo habitual, mantenemos nuestras relaciones con el festival
marroquí L’Boulevard, con el que, entre otras cosas, coproduciremos un espectáculo titulado “14 Km”, con el
rapero zaragozano Momo a la cabeza.
UN PROYECTO DE LA DIPUTACIÓN PROVINCIAL DE HUESCA COORGANIZADO POR:
Diputación de Huesca y Ayuntamiento de Sallent de Gállego
FESTIVAL MIEMBRO DE:
EFWMF (European Forum of Worldwide Music Festivals)
PATROCINADOR OFICIAL:
Cervezas Ámbar
PATROCINAN:
Ministerio de Educación, Cultura y Deporte
Casa África
África Vive
Ayuntamiento de Zaragoza
Coca Cola
Nordic
Ron Barceló
Jack Daniels
Movistar
Teatro Arbolé
COLABORAN:
Comarca del Alto Gállego
Tu Huesca / Huesca La Magia
Confederación Hidrográfica del Ebro
Acciona Energía
Aramón Formigal
Asociación de Vecinos de Lanuza
CRDO Somontano
Festival L’Boulevard
Pyrenées Atlantiques. Conseil Général
Gam Pau
Pyrénées por favor
Fundación Mujeres por África
Canal+
PROGRAMACIÓN MUSICAL
Horarios:
Espacio Auditorio Natural de Lanuza:
Espacio Escenario Sallent de Gállego:
Día 11 (V)
22.00 h.
22.30 h. excepto día 13, a las 20.00 h.
Auditorio Natural de Lanuza
CARMEN PARÍS (ARAGÓN)
IMELDA MAY (IRLANDA)
DJ Javimar y Lola Von Disko (ARAGÓN)
Día 12 (S)
MELISSA LAVEAUX (CANADÁ / HAITÍ)
SUZANNE VEGA (EE.UU.)
DJ Javi Der y DJ Panoja (ARAGÓN)
Día 13 (D)
Escenario Sallent de Gállego
ESTER RADA (ISRAEL / ETIOPÍA)
DJ La Morocha (CATALUÑA)
Día 14 (L)
SOOM T & KONCHIS (ESCOCIA)
Día 15 (M)
Noche Casa África
JAGWA MUSIC (TANZANIA)
OY (GHANA / SUIZA)
Día 16 (X)
CUCA ROSETA (PORTUGAL)
Día 17 (J)
SUSHEELA RAMAN (REINO UNIDO / INDIA)
Día 18 (V)
ESPERANZA FERNÁNDEZ (ANDALUCÍA)
BUIKA (ISLAS BALEARES)
DJ Javimar y DJ De Canela (ARAGÓN)
Día 19 (S)
SOLEÁ MORENTE Y LOS EVANGELISTAS (ANDALUCÍA)
MALA RODRÍGUEZ (ANDALUCÍA)
DJ Click (FRANCIA) y DJ Reyes La Queen (ARAGÓN)
Día 20 (D)
ALEJANDRA ROBLES (MÉXICO)
Día 21 (L)
MARTIRIO Y RAÚL RODRÍGUEZ (ANDALUCÍA)
Día 22 (M)
GATO PRETO (MOZAMBIQUE / GHANA / PORTUGAL / ALEMANIA)
Día 23 (X)
LA YEGROS (ARGENTINA)
Día 24 (J)
MÁRCIA (PORTUGAL)
AMARAL (ARAGÓN)
DJ Javimar (ARAGÓN)
Día 25 (V)
WUNMI (NIGERIA / EE.UU.)
MARINAH, La voz de Ojos de Brujo (CATALUÑA)
DJ Lord Sassafras (ARAGÓN) y La Kali (CANARIAS)
Día 26 (S)
“14 KM”
PROYECTO DE COOPERACIÓN PIRINEOS SUR – L'BOULEVARD
Con la participación de Momo, Gordo del Funk, Moncher, Hassan Krifa, Khalid Moukdar
y Anas Chlih (ARAGÓN / MARRUECOS)
ZEBDA (FRANCIA)
DJ Lord Sassafras (ARAGÓN) y La Kali (CANARIAS)
DÍAS DE SUR
CONCIERTOS:
Espacio:
Horario:
19:30 h.
Día 12 (S)
LAS HERMANAS CARONNI (ARGENTINA)
Día 16 (X)
TORNABÍS PRODUCCIONES Y HABANA TEATRO (ARAGÓN)
CARINGA COSONGO
Día 17 (J)
LA CHAMINERA EN-CANTADA (ARAGÓN)
MUJERES EN SOLFA
Día 18 (V)
SOFIA VIOLA (ARGENTINA)
Día 19 (S)
CLICK HERE (FRANCIA)
Día 24 (J)
THE MAGNOLIA SISTERS (EE.UU.)
Día 26 (S)
PASCUALA ILABACA Y FAUNA (CHILE)
Día 27 (D)
OLGA Y LOS MINISTRILES (ARAGÓN)
TALLERES:
Espacio:
Horario:
Polideportivo Sallent de Gállego
12:00 h.
Días 12 y 13
TALLER DANZA DE BOLLYWOOD
Salomé Masala
Día 15 y 16
TALLER DANZA DE TANZANIA
Jawga Music
Días 19, 20 y 21 TALLER DE GAMELAN DE JAVA
Gam Pau
Días 23 y 24
TALLER DE MÚSICA CAJÚN
The Magnolia Sisters
Días 25, 26 y 27 TALLER BAILES Y RITMOS POPULARES AFROBRASILEÑOS
Odé Amorim
CIRCO:
Espacio:
Horario:
Patio Escuelas Sallent de Gállego
Día 13:
12.00 h.
Días 15 y 21:
19.30 h.
Día 13
CAPICÚA CIRCO
Entredos
Día 15
TRINI-TY
Trifásica
ZAGREB: TORPEZA RÍTMIKA y ERIC TARANTOLA
Miss Crazy Braids
Día 21
LA CORCOLES
Gris
GROMIC
The magomic show
PASACALLES:
Espacio:
Horario:
Calles Sallent de Gállego
Días 11 y 25:
19.30 h.
Día 27:
12.00 h.
Día 11
YIMAWA MUJERES DEL MUNDO
Día 25
TITIRITEROS DE BINÉFAR
Babios
Día 27
ALFANE ÁRABE MOGADOR
Henna
DANZA:
Espacio:
Horario:
Calles Sallent de Gállego
19.30 h.
Día 14
FEMENINO Y SINGULAR (Un diálogo entre música y danza)
Ana Continente, Ingrid Magrinyà, Elia Lozano
Comisariado por Esencia Producciones
Día 23
THE CIRCLE OF TRUST & FRIENDS
Al ritmo de la calle
CINE:
Espacio:
Horario:
Salón de actos del Ayuntamiento de Sallent de Gállego.
18.00 h.
ELLAS SON CINE. Siete directoras africanas en pantalla.
En colaboración con la Fundación Mujeres por África y Canal+
Comisariado por Guadalupe Arensburg
Día 20
Rock the Casbah (Marruecos, Francia). Dirigida por Laïla Marrakchi.
Día 21
Yema (Argelia, Francia). Dirigida por Djamila Sahraoui.
Día 22
Des étoiles (Senegal, Francia). Dirigida por Dyana Gaye.
Día 23
Aya de Yopougon (Francia). Dirigida por: Marguerite Abouet, Clément Oubrerie.
Día 24
Por aquí tudo bem (Angola, Portugal). Dirigida por Pocas Pascoal.
Día 25
Imani (Uganda, Suecia). Dirigida por Caroline Kamya.
Día 26
The Square ( Egipto, EE.UU.). Dirigida por Jehane Nouyaim.
Días 12 y 23
Presentación del documental Versos viajeros (Zaragoza / Casablanca) 2014.
Dirigido por Ignacio Garralaga y Manuel Avellanas.
ACTIVIDADES INFANTILES:
Días 17 y 18
Espacio: Plaza Oficina de Turismo Sallent de Gállego.
Horario: 18.00, 19.00 y 20.00 h.
TEATRO ARBOLÉ. Títeres de cachiporra
Días 25 y 26
Espacio: Polideportivo Sallent de Gállego.
Horario: 12.00 h.
TALLER LUMEN KIDS. Sfhir
Día 26
Espacio: Plaza Oficina de Turismo Sallent de Gállego.
Horario: 17.00 h.
GRAFITI SOBRE ORIGAMI GIGANTE. Sfhir
27 julio
Espacio: Carpa Sallent de Gállego.
Horario: 17:00 h.
DIOSAS Y GUERRERAS. Sesión de narración oral.
Ode Amorim
EXPOSICIONES:
Espacio:
Carpas Sallent de Gállego
LAMI NAJI
“Yes, we are ! Moroccans”
Una visión muy particular de nuestro festival hermano de Marruecos L’Boulevard de
Casablanca.
RED ESPAÑOLA DE RESERVAS DE LA BIOSFERA
Producida por la Oficina MAB y el Centro Nacional de Educación Ambiental (CENEAM),
dependiente del Organismo Autónomo de Parques Nacionales del Ministerio de Agricultura,
Alimentación y Medio Ambiente.
MERCADOS DEL MUNDO:
Del 11 al 27 de julio
Espacio:
Aparcamiento Sallent de Gállego
Comidas y artesanías del mundo.
VENTA DE ENTRADAS
PUNTOS DE VENTA ANTICIPADA
(*)
Venta directa desde la web del Festival:
www.pirineos-sur.es
CAI: Venta de entradas en Cajeros CAI
www.cai.es
TICKETMASTER:
FRANCIA:
Fnac, Carrefour, Géant, Système U, Intermarché
www.fnac.com – www.carrefour.fr - www.francebillet.com
Tel.: 0 892 68 36 22 (0,34 € TTC/ min)
* En toda la venta anticipada se aplicará una comisión.
PRECIOS:
Conciertos Sallent de Gállego: Gratuitos
Conciertos Auditorio Natural de Lanuza:
Días 11, 12, 18, 19, 25 y 26:
Reducido**
Anticipada
Taquilla
20 €
22 €
25 €
Día 24
Reducido**
Anticipada
Taquilla
18 €
20 €
22 €
**Reducido (con carné joven, tarjeta RAEE y compra de entradas para días consecutivos, exclusivamente en
taquilla de Lanuza y Sallent de Gállego. Reservando alojamiento con la Asociación Turística Valle de Tena
www.valledetena.com)
Abono general: 89 €
(Abono general para los 7 conciertos del Auditorio Natural de Lanuza).
14 KM (Marruecos / Aragón)
Un proyecto de cooperación cultural
14 KM está formado por los músicos aragoneses Momo, Moncher y Gordo del Funk y los marroquíes Khalid
Moukdar, Anas Chlih y Hassan Krifa, dando forma a un nuevo proyecto de cooperación cultural entre los
festivales Pirineos Sur y L’Boulevard de Casablanca.
Destaca la diversidad instrumental de la formación, ya que combina el trabajo de producción, las bases
electrónicas de Gordo del Funk, elementos acústicos como el trombón y la guitarra e instrumentos
tradicionales marroquíes como el laúd, el guembri y la percusión.
Los líderes vocales de 14 KM son Momo y Khalid, dos voces versátiles que fusionan el rap con otros estilos
como el rock, el reggae y el punk.
En sus temas, la fuerza radica en la fusión musical de dos estilos muy diferentes y unos textos con un alto
contenido social: explotación, sociedad actual, cambio individual y colectivo, la locura, el amor.
Un viaje musical constante de uno y otro lado del estrecho en un proyecto común.
MOMO, Mario Gutiérrez “Momo”. MC Zaragozano,
comenzó su andadura en el rap hace diez años. A
pesar de su juventud, ha destacado desde sus
comienzos en la escena underground de Zaragoza.
Se caracteriza por un rap versátil, directo, cercano y
original, respetando el sonido clásico del rap pero
siempre abierto a nuevos estilos.
Sus textos destacan por su frescura y cercanía con el
público, desde un prisma distinto al rap de cánones
establecidos, cubriendo un amplio espectro que va del
amor a la política sin caer en los tópicos violentos de
ciertas formas del hip hop. Momo tiene flow y también
punch, y destaca por su energía, fuerza y
contundencia a la hora de expresarse.
MONCHER, Alex García. Músico zaragozano con más de 15 años de carrera musical. En su faceta como
músico hay que mencionar su participación en bandas como Skabeche Riber Band, Mallacán o Maut. Como
productor musical ha realizado trabajos con Rebel Spell, GEN o The Magnetophones. En ambas facetas se
caracteriza tanto por sus inquietudes musicales como por su habilidad para mezclar diferentes estilos,
destacando el rock, el ska, el reggae, el punk, la electrónica o la música tradicional. Un sonido contundente
que entremezcla el trombón con la guitarra eléctrica.
En la actualidad trabaja en diferentes proyectos y prepara su proyecto personal bajo la denominación de
Moncher.
GORDO DEL FUNK. Adrián Arnas. Prolífico DJ y productor zaragozano de hip hop. Destaca por su amplio
espectro y gusto musical, capaz de moverse como pez en el agua en el terreno del scratch, en su faceta de
corista o sampleando y componiendo instrumentales. Su extensa trayectoria es suficientemente conocida, ya
que ha hecho sesiones por todo tipo de escenarios a lo largo del país. Desde el año 2013 acompaña a Momo
como DJ en el proyecto “Viento”.
KHALID MOUKDAR. Cantante, autor y compositor, es un músico
inclasificable. Su conocimiento del árabe y del francés, su amor por las
palabras y su maestría en la poesía popular y urbana de Marruecos
hacen de él un parolier singular. Cofundador del grupo Haoussa, ha
participado en numerosos festivales nacionales e internacionales y en
diversas residencias artísticas con músicos como Amazigh Kateb,
Cheick Sidi Bémol, Deep Culcha o Andy Hamler.
HASSAN KRIFA. Músico multiinstrumentista, pintor y artista plástico,
Hassan Krifa juega con ritmos y percusiones africanas, latinas y
particularmente marroquíes. Después de graduarse en artes plásticas,
obtuvo el diploma de diseño publicitario en la Escuela Superior de
Bellas Artes de Casablanca en el año 2000. Fue uno de los fundadores
de Darga, grupo esencial de la nueva escena marroquí a principios de
los 2000.
ANAS CHLIH. Es un multiinstrumentista especializado en cuerdas
pinzadas y en las músicas tradicionales marroquíes. Desde muy joven
se interesó por las percusiones, antes de manifestar su pasión por los
instrumentos de cuerda tradicionales como el laúd, el banjo, el outar o la mandolina. Ha concebido también el
quintar, un instrumento musical derivado del outar. Ha participado en residencias musicales como Bob
Maghrib y ha colaborado con artistas y grupos como Barry, Ganga Vibes o Karim Soussan Quintet.
FORMACIÓN: Mario Gutiérrez “Momo” (voz), Khalid Moukdar (canto y percusiones), Hassan Krifa
(percusiones), Anas Chlih (laúd, mandolina, banjo, outar), Moncher (trombón, guitarra eléctrica) y Gordo del
Funk (DJ).
ALEJANDRA ROBLES (México)
Originaria de Puerto Escondido (Oaxaca), esta
cantante y bailarina destaca por una música
donde pone de manifiesto la diversidad de sus
influencias
musicales,
fusionando
el
sentimiento.
En el año 2000 viajó a Francia para estudiar
en el Conservatorio de París. A su regreso a
México, ingresó en la Escuela de Música de la
Universidad Veracruzana en la licenciatura de
ópera. Aunque sus estudios formales fueron
de música clásica, siempre tuvo la seguridad de que su vocación se encontraba en la música tradicional, la
caribeña y la tropical. De este modo, poco a poco comenzó a involucrarse en la música de raíz,
fundamentalmente la raíz negra, que ha sido completamente negada en su país. Ha cantando en algunos de
los festivales culturales más importantes de América Latina y Europa.
En sus discos ha participado uno de los compositores vivos más importantes de Latinoamérica, el maestro
Armando Manzanero, y también Eugenia León, Alex Lora, de “El Tri”, Regina Orozco, Iraida Noriega o Ramón
Gutiérrez, del grupo de son jarocho “Son de Madera". Con ellos ha grabado duetos que han ensalzado el
potencial, la versatilidad y la gracia de esta joven artista de voz operística, dolorosa, fuerte, rural... y dulce.
www.alejandrarobles.com
ALFANE ÁRABE MOGADOR (Aragón / Marruecos)
La compañía pretende concienciar, a través de un
espectáculo contemporáneo, sobre el problema ambiental
que supone la generación de residuos en nuestra
sociedad y entorno, haciendo hincapié en la conocida
regla de las 3R: reducir, reutilizar y reciclar.
El pasacalles Henna cuenta como elemento principal con
un camello manipulado por zanquistas acompañados por
chicas tuareg que mezclan partes del atuendo del desierto
con pintura corporal desenfadada, bailarinas y música en
directo.
Un espectáculo concebido para la integración de otras
culturas, de una manera divertida, desenfadada y con un mensaje de fondo: la importancia de los valores
humanos (respeto, tolerancia, comprensión y desarrollo sostenible).
www.facebook.com/alfanarabema
AMARAL (Aragón)
El grupo formado por Eva Amaral y Juan Aguirre ha vendido
alrededor de cuatro millones de copias de su discografía,
compuesta por seis discos de estudio, una edición especial
y dos DVD’s en directo desde 1998. Juan Aguirre define el
sonido del grupo comentando que está "en algún punto
entre el punk-rock y el folk-rock”.
Estrella de mar, su álbum más vendido, ocupa el vigésimo
cuarto puesto en la lista de “Los 50 mejores discos del rock
español”, confeccionada por la revista Rolling Stone. En otra
lista de la misma publicación, titulada “Las 200 mejores
canciones del pop-rock español”, que engloba canciones de
géneros muy dispares, aparecen “Sin ti no soy nada” en el
puesto 67 y “Cómo hablar” en el puesto 128. Eva Amaral está considerada una de las mejores vocalistas de
rock española. A lo largo de su trayectoria el grupo ha cosechado numerosos premios, entre los que destacan
tres Premios Ondas de la Música, diez Premios de la Música, dos MTV Europe Music Awards y el Premio
Nacional de las Músicas Actuales.
En la actualidad, el grupo está preparando su último disco, que verá la luz el próximo mes de septiembre y del
que ya han adelantado algún tema como “Ratonera”, acompañado de un videoclip que ha dado mucho que
hablar. En Pirineos Sur podremos escuchar ésta y alguna otra canción que todavía no ha sido grabada.
www.amaral.es
BUIKA (Islas Baleares)
María Concepción Balboa, de nombre artístico Buika,
nació en Palma de Mallorca, hija de padres africanos,
pero reside en la actualidad en Miami (EE.UU.).
Autodidacta por naturaleza y convencimiento,
superviviente creativa, poeta compositora, productora
musical y, como actividad principal, según ella misma
declara, “Madre”. De ella han dicho: “Buika combina
todos los estilos, lo que junto a sus sorprendentes
letras y la sensualidad rota de su voz hace de ella
una artista sin igual en el panorama mundial”.
En el año 2001 realizó su primer lanzamiento,
Mestizüo (Produccions Blau), carta de presentación
sonora a modo de piano y voz, y diez años después
cerró una etapa con la publicación de En mi piel (2011 Warner). Su noveno álbum, La noche más larga
(2013), significa el inicio de una nueva etapa en su carrera.
Carece de limitaciones a la hora de afrontar los diferentes géneros plasmados en su discografía, hecho
también reflejado en las diversas colaboraciones con músicos e intérpretes de lo más diversos: Anoushka
Shankar, Chick Korea, Niño Josele, Maritza, Bebo & Chucho Valdés, Armando Manzanero o Javier Limón. Su
última experiencia llegó cuando Pedro Almodóvar decidió incluir dos temas interpretados por ella en la banda
sonora de la película La piel que habito (2011). Buika reúne a lo largo y ancho del planeta un público
conocedor de su originalidad artística. En 2010 realizó 95 conciertos, destacando especialmente la acogida
recibida en Francia, Turquía, Argentina y México... entre otros lugares.
www.conchabuikamusic.com
FORMACIÓN: Buika (voz), Yadam (bajo, voces), Ramón Porrina (cajón, percusión, voces) y Vahagni
Turgutyan (guitarra).
CAPICÚA CIRCO (Aragón)
Capicúa es una compañía de circo-teatro creada en 2006 que combina
acrobacias aéreas (trapecio, tela y cuerda) con recursos escénicos y
dosis de humor. La compañía fue formada por Rebeca Gutiérrez,
Yolanda Gutiérrez e Iris Mu.
En 2006 deciden unirse para crear su primer espectáculo, Recuerdos de
Paquita, y otras piezas de pequeño formato, pero es en 2009 cuando la
compañía se consolida con el espectáculo Cabaret, y gana el Premio
del Jurado Off de Calle Fiestas del Pilar 2009.
En octubre de 2010, Cabaret es redirigido por Oscar Valsecchi y es
entonces cuando gana el Premio del Público en el V Encuentro de
Teatro de Calle y Artes Circenses de Ávila 2011. Actualmente Oscar
Valsecchi y Sira Bover son miembros de la compañía y trabajan junto a
Yolanda y Rebeca Gutiérrez con el espectáculo Entredos, ganador del
Premio del Público al Mejor Espectáculo de Teatro de la Feria
Internacional de Teatro y Danza de Huesca 2013.
Entredos será el espectáculo que presentarán en Pirineos Sur, fusionando el teatro gestual, el circo, la danza
y la manipulación de objetos con la finalidad de narrar la historia de un personaje atormentado que despierta
en un mundo fantástico. Un espectáculo visual, fresco e innovador y a la vez con cierta estética
contemporánea, que acerca al espectador a la realidad del mundo de los sueños y lo imaginario.
http://capicuacircus.blogspot.com.es
FICHA TÉCNICA:
Artistas circenses: Oscar Valsecchi, Yolanda Gutiérrez, Rebeca Gutiérrez y Sira Bover (artistas circenses),
Oscar Valsecchi (dirección artística), Francisco Torrejón, Fred Labbe y Capicúa (escenografía), Capicúa
(vestuario), Joan Lavandeira (diseño gráfico, técnico sonido, iluminación) y Marc Canal (edición vídeo).
CARMEN PARÍS (Aragón)
Es una de las máximas exponentes de la música popular española.
Artista, compositora, pianista y excepcional cantante, ha sabido
encontrar un camino propio dentro de la música. Sus raíces se hunden
en el folclore aragonés, tierra donde creció, del que es gran conocedora
y que ha servido de base para crear su música. Ha sabido hermanar la
jota tanto con el jazz como con el tango, el bolero, la ranchera, la
música andina, la cubana, la andalusí, la oriental, los ritmos afro o los
flamencos, que arropan de manera inmejorable su poesía personal y
comprometida.
Ha publicado cuatro discos, con los que ha obtenido diversos Premios
de la Música, así como el reconocimiento del Gobierno de Aragón por
su aportación a la actualización y difusión de la cultura aragonesa. Ha
colaborado con artistas como Armando Manzanero, Mª Dolores
Pradera, Ana Belén, Lucrecia o Pastora Soler, entre otros. Ha
participado en un disco internacional de varios artistas mediterráneos,
musicando y cantando en inglés un poema del turco Fetullah Gülen.
Una Obertura Gigante y once canciones conforman Ejazz Con Jota, su
cuarto trabajo discográfico, un disco grabado en Boston con la Concert Jazz Orchestra de Greg Hopkins.
www.carmenparis.net
FORMACIÓN: Carmen París (voz), Pepe Rivero (piano, director musical), José San Martín (batería), Antonio
de Miguel (contrabajo), Fernando Hurtado y Manuel Machado (trompetas), Ariel Bringuez Ruiz (saxo), Bobby
Martínez (saxo tenor) y Tony Molina y Joulien Ferrer (trombones).
CIRCLE OF TRUST & FRIENDS (Aragón)
Compañía de breakdance creada en junio de 2001, con sede en Zaragoza. Es la unión de diferentes
miembros que provienen de diversos grupos de renombre en el panorama nacional. La unión de diferentes
maneras de interpretar el estilo es lo que nos ofrece esta propuesta aragonesa ya acreditada en todo el país y
a nivel internacional.
Giras nacionales promocionales para Nike o Red Bull, Sony Playstation, Fnac, gala Premios Max 2004, varias
giras con Violadores del Verso, la gira nacional 2006-2007 con el espectáculo Klonk y un sinfín de
participaciones en festivales por Europa, Asia y EE.UU. les avalan.
En nuestra Comunidad Autónoma han participado en diversas ediciones de Periferias, Trayectos, Zaragoza
Ciudad o la Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca con sus espectáculos Klonk, Papiroflexia y
Divenire.
Están considerados como unas las de las formaciones de break más reconocidas de nuestro país. Su nombre
es sinónimo de confianza, son buenos amigos y profesionales desde hace años. Esa unión les hace
compenetrarse en el escenario y llevar sus shows y coreografías hasta el límite en sus propias actuaciones
pero también en proyectos de colaboración como la propuesta Circle of Trust & Friends: Al ritmo de la calle.
En este espectáculo se acompañan de otros profesionales de la acrobacia, quienes enriquecen y dinamizan
el espectáculo con propuestas de freedance (Freedance Zgz) y malabares (Malabaraudales).
www.circleoftrustcrew.com
FORMACIÓN: CIRCLE OF TRUST: Extro, Marcos, Put-1, Phase y Milki; FREEDANCE ZARAGOZA: Maku,
Sheila y Sonia; MALABARAUDALES: Chechare y Eduardo Manazas; DJ LADY FUNK
CLICK HERE (Francia)
Apodado DJ “todo terreno” o “general”, artista polimórfico, ha sido por largo tiempo cómplice de los más
bullentes proyectos: con su grupo Click Here o la extravagante Rona Hartner con las tradiciones gitanas, con
los Gnawas de Essaouira o Hamadcha de Fés, DJ Dolores, Zuco 103 brasileño o mixes africanos con Issa
Bagayogo, y colaboraciones ya en escenario, ya en estudio, con Dulsori (Vinari show), DJ Panko, Transglobal
Underground, Smadj, Va Fan fahre, Parno Graszt…
Su especialidad es llenar las pistas de baile, donde sus mezclas marcan el pulso ardiente de los estilos
musicales mediterráneos. Incorporando ritmos gitanos, orientales, klezmer, flamenco o gnawi, DJ Click
entrega electro de otro modo y en otra zona horaria... ¡Para los futuristas! Ha producido una docena de cds
en su estudio, numerosos remixes de Manu Chao, Warsaw Village Band, Mahala Rai Banda, Nicolette,
Burhan Öçal, Watcha Clan o Rachid Taha, y su “no visa music” ha sido reproducida en numerosas
compilaciones. DJ Click es un aventurero alquimista que fusiona lo rural con lo urbano y extrae música vital
de mecanismos electrónicos.
Él inventa un nuevo tipo de ethno digital folk, estimulando a los músicos que ha ido conociendo a tocar en sus
máquinas. Reclamado en numerosos festivales, clubs y ferias internacionales (Womex Seville 2006, Babel
Med Marseille 2009, AWME Melbourne 2011, ApaMM Ulsan 2012, Medimex Bari 2012, Porto Musical Recife
2013, Music Week Berlin 2013), de Corea del Sur a Brasil, de los Balcanes a África del Norte, ha desplegado
su estilo por todo el mundo.
En Pirineos Sur DJ Click invita a una serie de músicos con los que se ha ido encontrando a participar en una
odisea electrogipsy que va desde los confines del Rajastán hasta los tablaos sevillanos.
www.djclick.fr
FORMACIÓN: DJ Click (programación, platos, teremín, guimbarda), Nadia Potinga (voz), Serioja Mihai
(violón), Tudorel Mihai (saxo, flauta, voz) y Karine González (baile, palmas, voz).
CUCA ROSETA (Portugal)
No hay nada en la vida de Cuca Roseta que pudiera predecirlo,
simplemente un día el fado la escogió. Ningún antecedente familiar,
aunque sí creció escuchando música. Con 18 años acudió por vez
primera a una Casa de Fado. Aunque aún no la sedujera
completamente, es allí donde siente la primera punzada en el alma, y
comienza a ser parte necesaria en su vida. “Fui a casas de fado sobre
todo para sentir la emoción de su intensidad”, recuerda. Ya era tarde y
sin ella saberlo, el fado la había escogido.
Comenzó a cantar tímidamente hasta que en una ocasión tuvo la suerte
de que entre su auditorio se encontrara un oyente muy especial, Carlos
Zel. Le aconsejó aprender más sobre el fado, ella prometió hacerlo.
Pasó un año cantando y aprendiendo en Lisboa y sus alrededores,
conociendo a otros músicos y cantantes. Tuvo la suerte de ser
escuchada por el productor Gustavo Santaolalla. Comenzó su brillante
carrera con el álbum Cuca Roseta, producido por el músico argentino, y
colocándose entre las mejores referencias del género.
Raiz, el nombre de su segundo álbum, es otra muestra evidente de su estilo, de su talento. Respeta la
tradición pero quiere ir más lejos. Busca, y “se encuentra”, lo que supone una aventura solitaria que seduce y
cautiva, escuchar su voz es un regalo para todos. La carrera de Cuca Roseta continúa con más pujanza que
nunca, formando tándem con su creatividad, unas veces más lejos, otras más intensa.
www.cucaroseta.com
ESPERANZA FERNÁNDEZ (Andalucía)
Es una de las voces más importantes del flamenco. A sus inmejorables
facultades, ya demostradas en innumerables conciertos, hay que sumar
su extenso repertorio –desde la seguiriya más dramática a los tangos
más canasteros–, así como su versatilidad a la hora de prestar su voz a
estéticas musicales bien diversas.
Nombres como Yehudi Menuhin, Rafael Frühbeck de Burgos, Mauricio
Sotelo, Edmon Colomer, Rosa Torres Pardo, Ángel Gil Ordoñez, Myrian
Makeba, Enrique Morente, Noa, Edward Simmons, Juan de Udaeta,
Rafael Riqueni, Kiko Veneno, José Miguel Evora y formaciones como
Trío Accanto, Perpectives Ensemble (Nyc), Lim (Madrid), Orquesta
Nacional de España, Orquesta de Barcelona i Nacional de Catalunya,
Orquesta Filarmónica de Málaga, Orquesta Joven de Andalucía o The
Wesleyan Ensemble Of The Américas jalonan su carrera.
Su versatilidad artística la ha llevado a realizar conciertos en
formaciones tan dispares como dúos, tríos, cuartetos, banda, jazz, bigband, orquesta de cámara y sinfónica, etcétera. Su proyección
internacional la ha llevado a Nueva York, París, Bergen, Lisboa,
Tampere, Brasilia, Marrakech, Colonia, Bruselas, Roma, Toulouse,
Connecticut, Tesalónica, Atenas, etcétera.
Gitana, natural del sevillano barrio de Triana, ha recibido la herencia flamenca en una familia de importantes
cantaores, guitarristas y bailaores. Lleva el flamenco en sus venas y todo un futuro por delante. Dotada de
unas privilegiadas condiciones para el cante, de su garganta sale una delicada y preciosa voz que pone al
servicio de su talento, que le permite interpretar distintos y variados estilos.
Desde muy joven inició la búsqueda de un lugar propio en el panorama del arte flamenco. A los 16 años se
presentó como primera cantaora de un importante espectáculo, Amargo, de Mario Maya, y desde entonces ha
protagonizado un continuo progreso, compartiendo escenario con artistas de la talla de Paco de Lucía,
Camarón de la Isla, Rafael Riqueni, Enrique Morente...
En el festival realizará un concierto denominado Mi voz en tu palabra, poniendo voz y música a los poemas
de José Saramago.
FORMACIÓN: Esperanza Fernández (voz), Miguel Ángel Cortés y Eduardo Trassierra (guitarras), Jorge
Pérez “El Cubano” (palmas, coros) y José Fernández (percusión, palmas, coros).
ESTER RADA (Israel / Etiopía)
Su sonido es intercultural, una reflexión sobre el papel de los israelíes
de origen etíope. Educada en una familia muy religiosa, en uno de los
barrios más duros de Israel, consiguió dar un giro a su vida y cumplir su
sueño de hacer música. Los críticos describen su género como una
mezcla de ethio-jazz, funk, soul and R&B con sonoridades negras.
Está terminando su álbum debut después de publicar un EP en solitario,
Life Happens, producido por Kuti (Kutiman/Thru-You) y Sabbo (Soulico).
Tras su publicación, el mundo descubrió el potencial de la cantante, la
compositora, la performer y la persona. Su popularidad va en aumento,
como se manifestó en su gira por EE.UU., Canadá y Europa, y en su
más reciente actuación en el respetado Festival de Glastonbury o junto
a Alicia Keys en su concierto en Israel frente a 8.500 personas,
recibiendo las mejores críticas por parte de esta artista.
Con influencias del soul como Nina Simone y Ella Fitzgerald, un rango
vocal como el de Aretha Franklin y un reconocimiento por algunas divas
negras como Eryka Badu, Lauryn Hill y Jill Scott, Rada constituye una
nueva voz para el soul que se está extendiendo a escala mundial.
http://esterrada.com
FORMACIÓN: Ester Rada (voz), Maayan Milo (trombón), Gal Dahan (saxo), Michael Guy (bajo), Lior Romano
(teclado), Dan Mayo (percusiones), Ben Hoze (guitarra) y Inon Peretz (trompeta).
FEMENINO Y SINGULAR: Un diálogo entre música y danza (Aragón)
Podríamos haberlo llamado Mujer contra mujer, por aprovechar la estela de la célebre canción de Mecano, o
Une femme avec un femme, como un guiño al cercano y fiel público francés. Porque realmente se trata de
una conversación entre mujeres, entre artistas.
También barajamos la posibilidad de algo más descriptivo, como Danza, Música y Arquitectura en el Valle de
Tena, pues de un diálogo entre las artes más efímeras y las más sólidas se trata. Pero este último parecía
anunciar un denso congreso de ponencias sin fin.
Los tres títulos hubieran sido apropiados, porque con su inclusión en Días de Sur se incorporan nuevas
disciplinas que enriquecen la ya variada oferta del Festival.
Y porque entendemos que la danza y la música se necesitan la una a la otra.
Y porque nadie mejor que una mujer -creadora y bailarina- para entender a otra mujer -creadora musical- e
interpretarla.
Y porque Sallent de Gállego ofrece los mejores espacios para confrontar el movimiento contemporáneo con la
pirenaica quietud atemporal de sus casas y espacios tradicionales.
… pero hemos preferido ironizar con nuestro lema de este año.
Porque el humor es una sana terapia.
Y porque, además de femenina, esta propuesta tiene la singularidad de que solamente se puede ver aquí y
ahora.
Cuatro bailarinas interpretarán las composiciones de algunas de las artistas participantes en la XXIII edición
del Festival Pirineos Sur y lo harán en las calles y plazas de la localidad de Sallent de Gállego.
FORMACIÓN: Ana Continente, Elia Lozano e Ingrid Magrinyà.
GATO PRETO (Mozambique / Portugal / Ghana / Alemania)
Gato Preto (Gato negro en portugués) es un proyecto musical formado
por la rapera Gata Misteriosa (Mozambique / Portugal) y el DJ y
productor Lee Bass (Ghana / Alemania). Ambos artistas tienen raíces
africanas y su música está muy influenciada por una amplia paleta de
estilos musicales del continente negro. El misterioso felino es una
criatura de Europa pero también de África y se deleita en la
combinación de elementos del Kuduro, Moombahton, breakbeat y baile
funk. Esta mezcla está cosechando el entusiasta apoyo del global bass
sound.
James Hurrel, del Club londinense Popozuda, denominó su música
como “una gozosa experiencia”, afirmando que al grupo le esperaban
grandes cosas. Palabras proféticas pero razonables dada la reciente
historia de Gato Preto. Han llegado con su irresistible show al Lovebox
Festival de Reino Unido, Oslo World Music Festival y el Beats y el
Fusion Festival en Alemania, además de múltiples conciertos por toda
Europa.
Después de lanzar varios singles en el último año, además de su EP Era De Gato Preto, estos gatos se
preparan para lanzar su primer disco de larga duración, en el que participarán artistas internacionales de
enorme talento como Angola MC Diamondog, el rapero MC Zulú, Francés B’Crazy de Suiza y las
protuberancias del productor Flore, de Reino Unido. Plan para viajar a Brasil, Estados Unidos y Europa.
www.gato-preto.net
GROMIC (Bélgica)
Michael Gueulette es Gromic cuando está actuando.
Usted no oirá muchas palabras del adorable clown,
no. En cambio, Gromic deja hablar su personalidad
encantadora y a la tierna variedad de su comedia
visual. Si tiene la oportunidad de hablar con el actor y
creador del personaje le dirá que Gromic el cómico “se
inspiró en la larga tradición de clown y magia
europea”.
Fluido en el lenguaje universal de la risa, Gromic fue
creado para traer la felicidad a un público internacional
de todas las edades y culturas. Dada su larga lista de
representaciones maravillosamente recibidas en toda Europa, está claro que Michael tuvo éxito en su
apuesta. El actor ha creado un personaje conmovedor y un one-man-show profesional inolvidables.
Originario de Bruselas (Bélgica), Michaël Gueulette comenzó su carrera como actor en el reino de la magia y
el teatro de improvisación antes de explorar el mundo del clown. Ha entretenido y deleitado a públicos de todo
el mundo en lugares que van desde festivales a hoteles, cruceros, hospitales, eventos corporativos y teatros.
Con más de diez años de experiencia de entretenimiento bajo su sombrero divertido, ha perfeccionado su
arte en espectáculos que transcurren entre el desternillamiento de risa y la completa fascinación. Michaël
Gueulette está considerado como un profesional consumado dentro de la industria del entretenimiento. En la
actualidad reside en Barcelona, viajando sin descanso para llevar a todas partes su variedad única de magia
y alegría.
http://www.gromic.eu
IMELDA MAY (Irlanda)
Natural de Dublín, creció junto a cuatro hermanos de los que recibió
muchas influencias musicales que ahora son signo de su originalidad.
Inconfundible tanto por su música (fusión de surf, blues y rockabilly)
como por su apariencia y aspecto llamativo.
En Irlanda, su álbum debut, Love Tattoo, la elevó rápidamente a la
categoría de referente musical. Ha compartido escenario con Eric
Clapton, Chuck Berry, David Gilmour, Sharon Shannon, Jeff Beck,
Shane MacGowan, Van Morrison, Lionel Richie, Wanda Jackson…
Comenzó su carrera a los 16 años tocando con varias bandas y
músicos locales. Así empezó la joven que ahora posee una de las voces
más ricas, sensuales y singulares del momento. Su primer trabajo llegó
bajo el nombre de Imelda Clabby en 2005, No turning back (reeditado
en 2009). Ese mismo año pone voz a los temas de Blue Harlem para
Talk To Me, y para Jump Jack Jump al año siguiente. En 2008 publica
Love Tattoo. En 2010 presentó junto a Jeff Beck los Premios Grammy y
en abril de ese mismo año celebró dos conciertos conjuntos en Londres
con la que hasta entonces solo era su ídolo, Wanda Jackson. Ese
mismo año publica Mayhem, que le sirve para seguir desarrollando su
moderna fusión de los géneros musicales más clásicos. Canciones
excepcionales con influencias de lo más dispares, desde PJ Harvey a Chrissie Hynde, que vienen a la mente
al escuchar algunos de sus temas.
En Pirineos Sur presenta su último trabajo lanzado en abril de 2014 y que lleva por título Tribal.
http://imeldamay.co.uk
JAWGA MUSIC (Tanzania)
Noche Casa África
Jagwa Music surgió en 1992 como una spin-off de un
grupo anterior que tocaba chakacha en bodas y otras
celebraciones familiares. Su nombre Jagwa (viene de
un avión de combate francés) surgió en oposición a
sus rivales, a los que ellos mismos habían llamado
Scud. Ellos representan la evolución del estilo
Mchiriku, un sonido basado en la percusión que nació
hace 20 años en los barrios pobres de Dar es Salaam.
Actualmente son su máximo exponente.
Son músicos callejeros, sin apenas más medios que
un teclado “Casio” e instrumentos de fabricación
propia, que han logrado una notable fama en los
escasos circuitos culturales tanzanos.
Los temas de sus canciones hablan de lo que le pasa a la gente de la calle, sobre la vida cotidiana y lo hacen
con un vigor interminable. Una apuesta intelectual muy bailable, con bases y melodías que apuntan a lo más
alto del “retromodernismo”, hacia grupos como los neoyorquinos MGMT o los franceses M83.
www.jagwamusic.net
FORMACIÓN: Jackson Aluta Kazimoto “Jackie (voz), Shukuru Ponza “Daliki” y Saleh Hija “Diploma” (kinanda,
vijiti), Abdalla Said “Mazinge” (msondo), Abdalla Mohamed “TP” (dumbaki) y Mzee Rashid “Show” (rika,
chekeche).
LA CORCOLES (Cataluña)
Tras años de trayectoria por separado, Mariona Moya
y Andrés Melero se encuentran y deciden compartir en
2010 el proyecto artístico de la compañía La Corcoles.
Gris es un espectáculo creado en el año 2011 que
camina entre la danza, el teatro gestual y el circo.
Funambulismo sobre cable, una contundente
estructura como contraste de la fragilidad que
transmiten los delicados movimientos de la única
artista en escena, Mariona Moya, o algunos elementos
escenográficos sugerentes, como una pecera de
cristal, siempre al límite.
Gris es, según sus creadores, un cuento íntimo y delicado para todos los públicos, que cuenta con la
inmensidad de matices entre los extremos, los constantes desajustes hasta conseguir el equilibrio: “Gris es el
intervalo, el punto de suspensión. La llegada, una incógnita”.
www.lacorcoles.com
FICHA TÉCNICA:
Andrés Melero (creación y dirección), Mariona Moya (interpretación), Joseph Sebastiá y Taller Lagarto
(estructura), Andrés Melero y Mariona Moya (escenografía), Pau Moya (foto, vídeo y web), Gerard Sánchez
Baus (arreglos musicales), Andrés Melero (técnico-maquinista) y Mariona Moya (vestuario).
LA CHAMINERA EN-CANTADA (Aragón)
MUJERES EN SOLFA
Para presentar esta propuesta musical, se
suman a La Chaminera (Mª José Menal y
Ángel Vergara) cuatro mujeres con amplia
trayectoria en músicas y bailes de tradición
popular en Aragón y que forman parte de
diversas agrupaciones folk. Seis músicos en
escena, nuevas voces, bailes y más de una
veintena de instrumentos aparecen en este
espectáculo, hilvanados por un texto creado
para la ocasión, que junto a las imágenes
antiguas que se proyectan, tejen los
mimbres que sostienen la dramaturgia.
No se trata de idolatrar tiempos pasados, en que los valores femeninos eran despreciados: mujeres con difícil
acceso a la enseñanza, trabajando como mulas sin el menor reconocimiento y sólo preocupadas por
encontrar marido y tener hijos que dieran razón a su existencia. Pero sí quieren rendir un pequeño homenaje
a las mujeres de la sociedad tradicional, que fueron depositarias y trasmisoras de un enorme saber popular,
que forma parte de nuestro patrimonio cultural y que si no fuera por ellas habría desaparecido para siempre.
A través del canto, la ejecución instrumental, el juego, la danza y la narración se recorren las distintas edades
de las mujeres, desde la forma diferente de sonar las campanas según el recién nacido fuera niño o niña, al
resto del discurso vital: canciones de cuna, juegos y retahílas infantiles, romances, cuentos, canciones de
amoríos, bailes, mujeres para vestir santos o ancianidad.
El espectáculo reivindica con hermosos textos todo el legado cultural de las mujeres de ayer, así como el
esfuerzo imparable por la consecución de relaciones igualitarias para hoy y el futuro.
www.chaminera.com/mujeres
LA YEGROS (Argentina)
Ritmos frenéticos y acordeón se mezclan con
electrónica para caracterizar el nuevo sonido de la
cumbia. Nacida en Colombia pero ahora infiltrada en
algunos de los boliches más importantes de Buenos
Aires, La Yegros ha sido reconocida por aportar un
toque femenino a la escena nueva cumbia de
Argentina.
Con tonos altos de cantos indígenas del Amazonas y
una onda relajada de una rapera chic, La Yegros salió
como la reina de la escena. Su primer disco, Viene de
mí, destaca por una variedad de influencias que
combinan la música tropical, el folclore, el reggae, el
dancehall, el soul y la música árabe.
Su música ya captó la atención de NPR y The Fader en los EE.UU. y de EMI/Parlophone en Francia, que
firmó su primer disco impulsado por un sonido local y global a la vez.
La Yegros consigue que la gente baile desde la primera canción hasta la última en sus presentaciones en
directo. La primera dama de la cumbia y su banda ha recorrido el mundo, tocando en festivales como el
Summerstage de Central Park, Roskilde Festival en Dinamarca o Transmusicales de Rennes, celebrando su
groove contagioso con el público.
www.layegros.com
LAS HERMANAS CARONNI (Argentina)
Laura y Gianna Caronni llegan a Europa a finales de los
años noventa para continuar sus estudios musicales en
su ciudad natal de Rosario (Argentina). Fueron
integrantes de la Orquesta Académica del Teatro Colón de
Buenos Aires y participaron en diferentes formaciones,
interpretando desde música del Renacimiento hasta
repertorio contemporáneo, de la música clásica a la
tradicional y folclórica.
Realizan centenares de conciertos desde los 12 años en
Argentina. En Francia participan separadamente
componiendo música para teatro y danza (Compañía
Talipot de la Isla Reunión, Compañía Tangible, etcétera).
Han realizado giras por Francia, África, América Latina,
islas del Océano Índico y Europa. Paralelamente tocan con Juan Carlos Cáceres y Laura lo hace con la
Orquesta La Típica de Juan Cedrón.
En el año 2006 comienzan a crear e interpretar sus propias composiciones. Su primer álbum, Baguala de la
Siesta, aparece en 2011 y es descrito como “El descubrimiento de la temporada” por Didier Varrod en France
Inter. Con su nuevo álbum, Vuela, lanzado en 2013, las Hermanas Caronni marcan su camino alejándose de
los preconceptos sobre la música argentina. El dúo ya se ha presentado en conciertos en Francia, Suiza,
Bélgica, Alemania, Austria, Suecia, Noruega y España.
En este último álbum han querido rendir homenaje a los compositores que les han inspirado, particularmente
el cantante francés Georges Brassens, Lhasa, la familia Carabajal, Rimsky-Korsakov y Ravel.
www.lashermanascaronni.com
FORMACIÓN: Gianna Caronni (clarinete, voz) y Laura Caronni (violonchelo, voz).
MALA RODRÍGUEZ (Andalucía)
De Mala Rodríguez hemos oído cosas como que es un
huracán, una cantante irreverente, una provocadora,
una artista difícil, complicada pero muy personal. Que
intimida con sus rimas alborotadoras, con su pose a
veces insolente, siempre contestataria. Se ha dicho
que va siempre a contracorriente. Que no tiene pudor
ni es políticamente correcta. Ni con el mundo musical
en el que es ya una figura internacional. Controvertida
y apasionada, explosiva y siempre carismática. Esto y
mucho más sobre La Mala. Y eso que a este su nuevo
álbum lo ha titulado Bruja.
Mala Rodríguez es aquella rapera que llegó de Sevilla
(nació en Jerez) e irrumpió en la escena del hip hop
como un torbellino indomable y arrebatador. La que dio personalidad al género mezclándolo con un toque
propio de flamenco y una poderosa fuerza escénica. Desde entonces, 1999, ha ido grabando canciones
brillantes y personales. Moldeando su carrera al compás de su vida, recorriendo escenarios marcando cada
minuto. Con una intensidad a veces desbocada y siempre magnetizante. Porque ella es mucho más que su
imagen. Una creadora sensible, tenaz e imperturbable.
Para grabar Bruja, el quinto disco en su biografía, se ha tomado tres años desde su anterior, Dirty Bailarina.
El resultado es una vibrante colección de canciones con productores distintos y perspectivas múltiples de su
talento. Mala ha vuelto. Por fin. En estado puro.
www.malarodriguez.com
MÁRCIA (Portugal)
Nació en Lisboa el 19 de febrero de 1982. Coincidencia de los
mercados, también en ese entonces las cosas no iban muy bien y el
Fondo Monetario Internacional ya andaba por Portugal. En ese mismo
año José Mario Branco (Oporto, 1942), famoso músico y compositor
portugués, se rebela contra el FMI. Con la entrada en la Unión Europea
la vida se vuelve más fácil y fue durante ese período de esperanza
ilusionada de los 90 que Márcia, a los 12 años, empieza en la música.
En secreto tocaba y probaba sonidos en la guitarra de 12 cuerdas de su
hermano. En ese lugar mágico los dramas de la adolescencia perdían
sentido.
Años más tarde, después de sus estudios en Bellas Artes y una breve
aventura en el mundo del cine documental, se dedica 100% a la música.
Después de varios espectáculos en Portugal, Márcia presentará su
disco Casulo en Pirineos Sur. Editado en mayo de 2013, recibió el
aplauso de la crítica y una excelente recepción por parte del público,
que pone el disco directamente en el sexto lugar del top de ventas en
Portugal, siendo escogido como el tercer mejor disco nacional por la
revista Blitz.
Casulo llega después de su primera grabación, Dá, que incluye un dueto con JP Simões “A pele que há em
mim (quando o dia entardeceu)”.
https://es-es.facebook.com/marciaOficial
MARINAH (Cataluña)
“Vengo de una familia especialmente musical, pero según me contaban,
desde pequeña era una de mis pasiones. A los 8 o 9 años, cuando me
bajaba la musa, en cualquier bar o restaurante, me ponía de pie y cantaba.
También recuerdo los playbacks en el espejo, a veces sola y otras con
amigas.
El flamenco llegó a mí por mi madre. En casa se ponía un casete de Manolo
Caracol, Lole y Manuel y después uno de Los Beatles, de Lou Reed o de
Jimi Hendrix. En el coche solía poner a Camarón, Triana, Peret, Los
Chunguitos, Los Chichos... En casa de mi padre me encantaba escuchar el
vinilo de Bola de Nieve, el de Pablo Milanés y el de Fania All-Star, y así
crecí. A los 17 empecé a combinar el estudio de mis mayores pasiones: la
música, la moda y las artes gráficas y visuales. Me volqué de lleno en el
flamenco, me apasionaba. Tomé clases de cajón y de historia del cante. Me
dediqué a escuchar cante viejo. Recuerdo con especial agradecimiento a un
cantaor mayor, que durante los siete días que duraba el seminario de
percusión y cante flamenco al que me apunté, cada día me traía tres o
cuatro casetes de su colección para que me los grabase.
Empecé a componer canciones y a cantarlas por ahí. Estudié percusión
latina. Comencé a hacer radio. También entró en mi vida el punk, el rock & roll y el hardcore más alternativo. Desde
ese contexto de movimientos sociales, disfruté maquetando fanzines, carteles, portadas, montando exposiciones.
También trabajé durante unos años en una cooperativa de mujeres donde reciclábamos, transformábamos y
serigrafiábamos ropa. Y todos los veranos iba a Formentera a buscarme la vida, de camarera, vendiendo la ropa
que habíamos hecho o cantando por las terrazas de turistas. Allí en Formentera fue donde conocí a Max, a Juanlu y
a Dani, con los que después comenzaría la aventura de Ojos de Brujo.
Era el año 1998 cuando fui a Barcelona con la compañía “Agüita Troupe”, un espectáculo multidisciplinar de teatro,
música y danza hecho por mujeres. Volví a encontrarme con Juanlu y en nada estábamos grabando el primer disco
de Ojos de Brujo. Desde ese momento hasta ahora todo ha sido vertiginoso, 13 años de no parar con el grupo,
viajes por todos los continentes, premios BBC Award en 2004, Premios de la Música 2006, Latin Grammy en 2008 y
nominación en 2011. Lugares como la plaza del Zócalo repleta de gente en México DF, Central Park en N.Y.,
Barbican en Londres, Opera House en Sydney, L'Ancienne Belquique en Bruselas, Carlos Marx en la Habana,
Festival de Flamenco de Nueva York, Womex Glastonbury, Pink Popoen Holanda, Roskilde en Dinamarca, Szigeten
Hungría, Pirineos Sur, La Mar de Músicas... y tantos lugares!!! y tanto amor que nos hemos llevado, gracias!! He
tenido la suerte de cantar con gran cantidad de artistas que admiro: Peret, Martirio, Pepe Habichuela, Belén Maya,
Asian Dub Foundation, Daara J, Nitin Sawhney, Los Van Van, Orishas, Miguel Campello, Bebe, Manolo García,
Muchachito, Vinicio Capossela... gracias!! Si me tengo que quedar con alguna anécdota que me hiciera ilusión,
antes de pasar página, sin lugar a dudas, el día que Tom Waits en una entrevista le preguntaron por su disco de
cabecera en ese momento y dijo Barí de Ojos de Brujo... yuhuuuuuuuu!
Y pasemos página, este es un resumen a vista de pájaro de mi vida hasta 2013, en que como Marinah comienza
viaje en solitario con el disco El Baile de las horas.”
http://www.marinah.es
MARTIRIO Y RAÚL RODRÍGUEZ (Andalucía)
Maribel Quiñones Gutiérrez (Huelva, 1954). Tras
formar parte del grupo Jarcha en la década de los 80 y
luego junto a Kiko Veneno y Pata Negra de Veneno,
en 1986 publicó su primer disco, Estoy mala. A partir
de ahí comienza la carrera de una artista en constante
evolución, pionera en la recuperación y actualización
de joyas de la música popular española y
sudamericana. Su imagen enigmática y sofisticada es
la tarjeta de presentación de una artista viva, siempre
curiosa, moderna y vanguardista.
Durante tres décadas de carrera, Martirio ha renovado
la copla española dotándola de la universalidad que merece y liberándola de las ataduras del pasado. Se ha
sumergido en el flamenco, en el jazz, la bossa nova, el tango, el bolero, el pop, el rock e incluso las
sevillanas, nadando muy adentro para regalarnos su esencia.
Raúl Rodríguez, hijo de la cantante, aprendió a amar la música en casa, en el entorno de la contracultura
sevillana de los 70 y 80. Comenzó como batería y guitarrista eléctrico de blues y rock. Se formó como
guitarrista flamenco estudiando el toque de Morón. Se licenció en Historia y Antropología Cultural para
comprender mejor la naturaleza de nuestras músicas populares y, a través de los viajes y contactos con las
músicas latinoamericanas, realizó la primera incorporación del tres cubano al flamenco hasta diseñar un
nuevo instrumento, el “tres flamenco”. Desde 1996 es guitarrista flamenco de la banda de Kiko Veneno.
Guitarrista y productor de Martirio desde 1998, realiza la dirección musical y los arreglos de su banda en
directo, así como de los espectáculos Locuras (2004), con Susana Rinaldi, y Romance de valentía, con
Miguel Poveda (2006). Produjo el segundo disco de Las Migas y ha colaborado en grabaciones de discos de
Peret, María Jiménez, Luis Pastor u Ojos de Brujo, entre muchos otros.
En Pirineos Sur nos presentarán su trabajo De un mundo raro. Cantes por Chavela. La admiración que
ambos sienten por la figura de Chavela Vargas viene de lejos y es de sobra conocida. Esa admiración y
respeto les ha permitido compartir encuentros y vivencias con La Chamana a un lado y otro del océano. El
año pasado, la propia Chavela les pedía que la acompañaran en las presentaciones de su disco La luna
grande en México y Madrid.
Ahora, un año después de la marcha de Chavela, Martirio y Raúl Rodríguez nos entregan su sentido y sincero
homenaje a un repertorio universal, el de Chavela Vargas, adaptándolo al compás flamenco e imprimiéndole
una lectura tan personal como la que siempre aportan a sus respectivos trabajos. Ellos dos solos,
acompañados del recuerdo de la maestra y mecidos por el amor hacia ella.
https://www.facebook.com/MartirioOficial
www.youtube.com/watch?v=4SImZzynQuI
FORMACIÓN: Martirio (voz) y Raúl Rodríguez (guitarra flamenca, percusión).
MÉLISSA LAVEAUX (Canadá / Haití)
Mélissa Laveaux nació en Montreal en 1985, de padres haitianos.
Creció en Ottawa (Ontario) en un universo mayoritariamente anglófono
y tuvo que integrarse a este nuevo entorno, aunque no se olvidó de sus
orígenes criollos y francófonos.
El destino de la joven Mélissa se forjó cuando perdió el cheque para
pagarse las clases de piano, y tuvo que aprender música de forma
autodidacta. Afortunadamente, su madre escuchaba canciones de autor
y jazz haitiano, y su padre, músico en su tiempo libre, tuvo la buena idea
de regalarle una guitarra cuando cumplió 13 años.
Con la salida de su primer álbum, Camphor & Copper, en 2009, Mélissa
se instala en Francia, una etapa delicada que alimentó los textos de su
nuevo trabajo, Dying is a wild night (2013), inspirándose en las
dificultades de sus primeros años en Europa. El verso completo que
inspira el título del álbum es “Dying is a wild night and a new road”, que
tomó prestado de la poetisa Emily Dickinson.
La belleza y la energía de Dying is a wild night mantienen una tensión
entre una escritura tan personal y un trabajo profundamente colectivo. La grabación de las maquetas se hizo
en principio con la percusionista de jazz Anne Paceo, indicio determinante sobre las canciones de una base
rítmica asombrosa (Mélissa profesa una admiración sin límites por el dúo Wildbirds & Peacedrums, que
trabaja sobre las combinaciones de percusión/voz). La consecuencia es un apasionado trabajo de estudio y
producción con tres experimentados músicos, The Jazz Bastards: Ludovic Bruni (guitarra), Vincent Taeger
(batería y percusión integrante de Poni Hoax) y Vincent Taurelle (teclados de Air), que han remodelado
algunos títulos aportando mucho a la textura sonora de las canciones.
Mélissa Laveaux lo admite sin problemas: escucha mucha más música que la que escribe. Esto dota a sus
canciones de miles de matices e influencias perfectamente asimiladas. Imágenes potentes en un álbum
ambicioso: orquestaciones modernas, melodías imparables y textos personales llenos de interrogaciones
sobre la fe, Dying is a wild night penetra como un gran disco pop, aquellos que tocan a la vez la médula, la
mente y el corazón.
www.facebook.com/melissalaveauxoff
https://myspace.com/melissalaveaux
FORMACIÓN: Mélissa Laveaux (guitarra eléctrica, voz), Gautier Vizioz (guitarra eléctrica, coros), Elise
Blanchard (bajo eléctrico, coros), Nicolas Liesnard (teclados, coros) y Anne Paceo (percusión, coros).
OLGA Y LOS MINISTRILES (Aragón)
La voz de Olga Orús, considerada como una de
las mejores voces del folk español, aderezada
con la buena música de los Ministriles, ha
provocado el nacimiento de uno de los grupos
más relevantes dentro del panorama actual de la
música popular, que se caracteriza por su fuerza
en el escenario, que se llena de aires y sonidos
pirenaicos, donde lo antiguo se mezcla con lo
nuevo en una apuesta renovadora por la
actualización de la música tradicional, lo que le
ha llevado a ganarse el aplauso del público y de
la crítica española más especializada.
Desde que surgieron hace cinco años, han actuado en los mejores festivales que se programan en España y
han editado tres discos, que serán la base sonora de su espectáculo. Además, estarán acompañados por una
pareja de bailarines que han coreografiado sus canciones con un estilo propio, elegante y contemporáneo,
que produce un perfecto ensamblaje con el grupo.
No faltará dentro de su espectáculo un pequeño homenaje a la figura de José Antonio Labordeta, que tanto
inspiró a algunos de los componentes de Olga y los Ministriles a adentrarse en el mundo de la música popular
aragonesa.
www.olgaylosministriles.es
https://myspace.com/olgaylosministriles
FORMACIÓN: Olga Orús (voz, guitarra, percusiones), Salvador Cored (gaita de boto aragonesa, flautas
traveseras de madera y metal, chiflo, salterio, mandolina, guitarras, etc.), Josu Ubierna (acordeón), Antonio
Orús (guitarra acústica, bouzuki), Daniel Escolano (bajo eléctrico), José López (batería). Silvia Cored y Jorge
García (coros) y Jairo Periz Vicarra y Virginia Costea Garcí (bailarines).
OY (Ghana / Suiza)
Noche Casa África
Basada en Berlín, esta banda está compuesta por Joy
Frempong, una ghanesa-suiza, y por Lleluja-ha, batería y
productor. OY combina electrónica y baterías en vivo con la
capacidad de su cantante de cantar y contar cuentos, con
humor e inteligencia, enlazados siempre con elementos
líricos y musicales africanos. Sus conciertos son también
espectáculos visuales y una demostración de un profundo
dominio de la electrónica, de la que se sirve, a través de
samplers, loops y teclados, para crear atmósferas muy
personales.
Gran parte de los sonidos que “loopea” y dispara Joy en sus
directos fueron grabados en Malí, Burkina Faso, Ghana y
Sudáfrica. Allí grabó y escuchó proverbios, viejas historias
que ahora nutren sus canciones.
La puesta en escena ha ido mutando con la práctica hasta disponer de un show que impresiona, envuelve,
divierte y fascina. OY firmó recientemente con la discográfica Crammed para la edición de un disco, llamado
No Problem Saloon.
OY girará este verano por diversos festivales españoles tras ser uno de los dos vencedores del Zanzíbar Vis
a Vis de Casa África, proyecto que fomenta el acercamiento de las músicas de África en España a través del
contacto directo entre músicos africanos y promotores españoles.
http://oy-music.com
FORMACIÓN: Joy Frempong (voz, samplers, efectos) y Lleluja-ha (batería, producción).
PASCUALA ILABACA Y FAUNA (Chile)
Pascuala Ilabaca es una de las máximas exponentes
de la prolífica nueva escena de cantautores chilenos
jóvenes. Su música es de raíz tradicional pero tiene la
habilidad de incorporar matices más propios del jazz,
el pop y el rock e influencias recogidas a lo largo de su
vida en lugares tan distantes como la India o México.
Tiene una gran presencia escénica encima del
escenario, casi siempre armada con su acordeón, y
tiene la virtud de endulzar con la voz los ritmos y
melodías de la banda que le acompaña: Fauna.
Pascuala Ilabaca se interesó por la música desde muy
pequeña. Estudió en la Universidad Pontificia de su ciudad natal, pero enseguida entendió que debía
desligarse de las reglas excesivamente estrictas que le imponían sus profesores. Ya en su debut discográfico,
Pascuala canta a Violeta (2008), lleno de canciones basadas en el folclore chileno, se incorporó una tabla
hindú y guitarras eléctricas. Convencida de la necesidad de romper con los esquemas musicales que le
habían transmitido, se instaló nuevamente en la India durante un año para profundizar en los sonidos y ritmos
del país asiático. De aquella experiencia nacieron dos discos, ambos publicados en 2010. El primero,
Perfume o Veneno, lo grabó con su proyecto paralelo Samadi y estaba fuertemente influenciado por la música
hindú. El segundo, ya grabado junto a su Fauna, se titulaba Diablo Rojo, Diablo Verde y se adentraba en
sonidos más puramente chilenos como la cumbia, el trote o la cueca. Sin embargo, no renunció a añadir
ingredientes propios de recetas más actuales, algunas tan alejadas del folclore como el drum’n’bass.
En 2011 realizó su primera gira europea. También actuó invitada en el Festival Cantar Opinando de Argentina
y participó en el Concierto Aniversario de Violeta Parra que se celebró en el Teatro Municipal de Valparaíso.
En 2013 emprende una nueva gira europea, participa en el Festival Lollapalooza Chile, viaja a Perú y
Colombia, presenta en el Bafim de Buenos Aires y es invitada en el Festival de San Juan de Argentina, entre
muchos otros lugares.
Busco Paraíso, su tercer trabajo, es un paso más en su fusión de la música tradicional chilena con otros
ritmos. En este caso, la cantautora se ha dejado influenciar por la música indie, llegando a incorporar arreglos
propios del noise y cajas de ritmos. También abundan elementos del jazz y del rock. Todo ello sin renunciar a
su voz dulce, a su acordeón y a la raíz folclórica de su música. El disco ha tenido una muy buena acogida en
Chile, donde ha sido ensalzado por la crítica y ha llegado a situarse en el número uno de descargas por
Internet. También ha ganado el premio “Vox Populi” al mejor disco de World Beat del Independent Music
Awards de Estados Unidos.
www.pascualailabaca.com
http://pascualailabaca.blogspot.com.es
www.facebook.com/pages/Pascuala-Ilabaca-A
FORMACIÓN: Pascuala Ilabaca (voz, acordeón, piano), Jaime Frez (batería, voz), Christian Chiang (bajo,
flauta, voz), Miguel Razzouk (saxo alto, clarinete, voz) y Juan Núñez (guitarras, voz).
SOFÍA VIOLA (Argentina)
Por Sofía Viola
En una sala del Hospital Evita en Lanus, provincia de Buenos Aires, a
las 7.30 am, nace Sofía Soledad Viola Echeverria, hija de un
trompetista barato y una bailarina compulsiva.
En una Casa en Remedios de Escalada creció la niña junto a sus
hermanos León (pianista y cantante lírico en Italia) y Víctor (electricista
ferroviario, metalero y racingista). Una casa chorizo donde sonaba y
suena música las 24 horas del día y de la noche, música de jazz, salsa,
rock, pop, tango, flamenco, bossa, cumbia, etc.
Influenciada por Shakira y Tita Merello descubrió el cantar, intentó
estudiar música en varias oportunidades (conservatorio, academia,
escuela de música popular), pero nada pudo más que su rebeldía por
querer crear un estilo propio que luego se fue pasando por todas las
etapas de la adolescencia, más tarde incorporó Bandana, Nirvana, Los Beatles, Abba, Aqua, Little Richard,
Chuck Berry, Carlos Vives, El Portón, Liliana Felipe, Charly, Celia Cruz, Sumo, Queen, Supertramp, el vino
tinto, la ginebra, el gintonic, wiscola, la conifera, la cerveza negra, los porotos negros.
Su primera aparición con un espectáculo montado en un poni con un guitarrista y un chabón que tocaba la
armónica (muy bien), fue en Ludoviko, el 20 de agosto, en el año 2006, a partir de este momento la dicha
Sofía comienza su carrera artística profesional de la mano de un cuaderno que la acompañaba día a día,
llena de inspiración por sus nuevos amigos de Ludoviko, entre ellos un peronista, un payaso, un malabarista,
y muchos más...
La inspiración apareció y no podía parar de escribir, todas las semanas componía temas nuevos hasta que se
cortó y después siguió y después se cortó y después siguió, todos los años siguientes hasta hoy que sigue.
Después de conocer el arte en el bajo mundo de temperley salió a explorar El Cabo Polonio junto con sus
amigos payasos y ahí conoció gente que luego le cambió la vida, luego se fue a Punta del Diablo, La Paloma,
La Pedrera y por último San Marcos Sierras en Córdoba (Argentina), donde se instaló definitivamente y grabó
su disco en cinco días con los empujones reiterativos de su padre del corazón, José Luis D’Amato (periodista,
ecologista y arquitecto). Hoy Sofía está grabando ya su tercer disco antes de que salga el segundo y el
cuarto.
Vive en paz y armonía con los hippies y la peperina del monte. Le agrada cocinar y dibujar... vio un ovni y lo
saludó con la mano cerrada, aprendió a atar palitos con hilos y emprolijar saquitos de té artesanales, también
corta cabitos de la rama del cedrón.
https://es-es.facebook.com/sofia.viola
https://myspace.com/sofiaviola
http://sofiaviola.bandcamp.com
SOLEÁ MORENTE Y LOS EVANGELISTAS (Andalucía)
Homenaje a Enrique Morente, uno de los
discos más celebrados por la crítica musical
en 2012, supuso el primer encuentro
artístico entre Soleá Morente y Los
Evangelistas. Un proyecto en el que Los
Evangelistas, un grupo formado por
miembros de Los Planetas y Lagartija Nick,
interpretaban canciones de Morente en clave
de rock psicodélico.
Después de colaborar en ese rendido
homenaje al genio del Albaicín, Soleá se
volvió a juntar a finales del año pasado con
J. Antonio Arias, Eric y Florent, para meterse
en el estudio El Refugio Antiaéreo de Granada y dar a luz Encuentro. Un nuevo mini-LP de cinco canciones
que –como si de un apéndice de Homenaje a Enrique Morente se tratara– explora los puntos de conexión
entre el flamenco, el pop y el rock, consiguiendo ensanchar los límites de los géneros citados.
Todas las canciones han sido escritas mano a mano entre J. Antonio Arias y Soleá Morente. En la producción
ha colaborado Martin Glover “Youth”, ex-miembro de la banda británica de post-punk Killing Joke y productor
de Homenaje a Enrique Morente. Youth también ha sido el responsable de las mezclas finales y de unas
remezclas electrónicas de tres de los temas incluidos en el mini-LP.
https://es-es.facebook.com/SoleaMorente
SOOM T & KONCHIS (Escocia)
Artista hindú nacida y educada en Glasgow (Escocia), creadora de
canciones reggae, hip hop, folk, electronic dub, utiliza la manipulación
de la voz, el poder de la palabra, el ritmo y la melodía como un aliciente
interior de temblor cósmico.
Es conocida por sus eclécticas colaboraciones vocales con artistas
como The Orb, T. Raumschmiere, King Creosote, Miss Kittin, Mungos
Hifi, Bus, Asian Dub Foundation, DJ Yoda y muchos otros. La
personalidad de Soom T se ha ganado una reputación en la industria
por su excepcional capacidad y virtuosismo, produciendo sonidos
inimitables y diversos con un toque espiritual que impregna su
poderosa poesía, ganándose poco a poco un culto floreciente. Ha
actuado en grandes festivales europeos como el Roskilde o el Sonar y
también en Japón, China, EE.UU., Canadá, México, India, Brasil y
Argentina, siendo premiada con los BBC Fame Academy Bursary
Award (2005), PRS Fopp Award (2005) y PRS Atom Award (2006).
Sus influencias van desde Hindi Ghazals de los 50, Punjabi Bhangra, el
hip hop y el electro de los 80, el rave y punk de los 90, pasando por
Rage Against The Machine, Pink Floyd, Tasmin Archer y hasta la banda
sonora de los juegos de Commodore 64. Sus proyectos más recientes incluyen grabaciones con Mungos Hifi,
Scotch Bonnet y Burns Unit, que popularizaron su canción “Send Them Kids to War”. En 2011 se estrenó
como compositora para la obra de teatro musical The Glasgow Girls.
https://soundcloud.com/soom-t
SUSHEELA RAMAN (Reino Unido / India)
Susheela Raman nació en Londres en 1973, hija de emigrantes indios
tamil. Se trasladaron a Australia, donde se inició en la música clásica del
sur de India y comenzó a cantar a los diez años. Más adelante se
interesó por el blues y el funk que se hacía en aquellos momentos en
Sidney. Su fuerza como intérprete está enraizada en estas dos
escuelas.
De regreso a Inglaterra en 1997 trajo consigo la idea de unir estas dos
corrientes musicales, irrumpiendo con su álbum de debut, Salt Rain
(2001), que vendió más de 150.000 copias y fue nominado a los
Mercury Prize. Ganó el premio a la Mejor Promesa de los “BBC World
Music Awards 2002” y desde entonces investiga el crisol de culturas que
es la música de la India para renovarla y presentarla acompañada de su
gran voz y su energía en el escenario. Sentimiento en estado puro.
Susheela se vale de su voz musculosa y su música mística para
canalizar sus vivencias personales. En el año 2007 grabó su cuarto
disco, 33 1/3, en el que revisita clásicos de Can, Velvet Underground o
Jimi Hendrix. La idea de hacer un disco redescubriendo canciones de
otros grupos surgió de forma espontánea y las canciones de este disco tienen un toque de magia, de ritual y
de rapto.
En 2011 editó Vel, un trabajo que documenta el viaje de una europea que se adentra en el sur de la India, en
el corazón de la música Tamil. Su nuevo álbum de estudio, Queen Between, muestra la impresionante
colaboración con varios músicos del Rajastán y los Qawali de Pakistán.
http://susheelaraman.com
SUZANNE VEGA (EE.UU.)
Nació el 11 de julio de 1959 en Santa Mónica, California, pero se
trasladó a la ciudad de Nueva York con tan sólo dos años. Cursó
estudios en la High School The Performing Arts (famosa por la película
Fama).
Comenzó a llamar la atención en los clubes folk de Greenwich Village y
figuró en varias ediciones de la revista/disco de compositores The
CooP. Firmó en 1984 con A&M Records, con quienes editó su primer
álbum, Suzanne Vega (1985). Su segundo álbum, Solitude standing,
incluía “Luka”, una canción sobre el abuso infantil que fue un hit y se
convirtió en disco de oro.
Tres años después graba Days of open hand, un álbum en el que
prioriza las letras de las nuevas composiciones. En su siguiente álbum,
99.9°F, grabado en 1992, experimentó con los ritmos dance e incluyó uno de sus temas más conocidos,
“Tom’s dine”. La trayectoria de Suzanne Vega se caracteriza por la inquietud y lo poco prolífico de su
producción, ya que en 22 años de carrera ha publicado siete álbumes de estudio, más dos recopilatorios.
En 2003 se editó Retrospective: The best of Suzanne Vega, un recopilatorio con canciones de toda su
carrera. En los años siguientes se dedicó a ofrecer conciertos y se involucró como locutora en una serie de
programas radiofónicos (American Mavericks), acerca de los mejores compositores estadounidenses del siglo
XX, por el que recibió, como parte del equipo, el prestigioso premio Peabody Award. En 2007 publica su más
reciente álbum de estudio Beauty & Crime, en el que disecciona la vida de su ciudad, Nueva York.
www.suzannevega.com
THE MAGNOLIA SISTERS (EE.UU.)
The Magnolia Sisters es una banda de mujeres que puede tocar la
gama completa de estilos musicales del sudeste de Louisiana: cajún,
creole, dancehall favorites y porch ballads. Es a causa de sus variados
estilos rítmicos que los bailarines las adoran y se maravillan con la
variedad de divertidos ritmos que ejecutan. Todas ellas son
multiinstrumentistas y cambian de un instrumento a otro durante sus
conciertos. Es una banda ideal para conciertos más tranquilos, dado
que además de su repertorio de música de baile sus letras cuentan
historias, acompañadas de baladas, ricas melodías tocando piezas de
cuerda que se remontan a los años 30.
Gran parte de su música ha sido recopilada de su extenso archivo,
joyas musicales enterradas hace mucho tiempo. Estas piezas
recuperadas son el aspecto más inusual de su sonido, que combina
estas canciones con la energía de la música de baile cajún y criolla y
hace bailar a todo el público.
Un encuentro musical con The Magnolia Sisters es una divertida y
enriquecedora experiencia, a través del significado de las canciones, los
sonidos del acordeón, los violines y el bajo, las melodías criollas y las piezas de baile.
Su álbum Stripped Down (Arhoolie Records) fue nominado al Grammy en 2010. Han actuado en Canadá,
Francia, Inglaterra, Escocia, Suiza y a lo largo de los Estados Unidos.
www.magnoliasisters.com
www.youtube.com/user/TheMusicVoyager#p/search/0/rP_5amwzd9U
FORMACIÓN: Ann Savoy (acordeón cajún, guitarra, banjo uke, voz), Jane Vidrine (guitarra, violín “fiddle”,
voz), Lisa Trahan (bajo, guitarra, rubboard, triangulo, voz) y Anya Burgess (violín fiddle, voz).
TITIRITEROS DE BINÉFAR (Aragón)
Llevan más de treinta años recorriendo caminos con
sus moñacos, haciendo títeres y música por las calles,
plazas, teatros y carpas. Su teatro es siempre para
todos: para los niños, tratados como personas
sensibles e inteligentes, y para los adultos que aún
guardan un hueco para la ternura y el juego.
Han editado seis discos, tres libros y han creado una
treintena larga de espectáculos que han llevado por
treinta y tres países de todo el mundo cosechando
premios y reconocimientos, aunque siempre piensan
que su mejor actuación será la próxima. Han recibido
muchísimos premios, entre ellos en 2009 el Premio
Nacional de Teatro para la Infancia y la Juventud, del Ministerio de Cultura de España.
Babios es un pasacalles musical, dramático y festivo, una fiesta estrambótica cuyos oficiantes están a medio
camino entre agitadores surrealistas y grotescos arlequines. Recorren las calles, juegan con el público y
crean situaciones disparatadas, con la intención de alcanzar ese país llamado Babia, pues saben que “estar
en Babia” es una actitud despreocupada, contemplativa y gozosa, que sólo tienen los niños, una destreza que
perdemos los adultos.
www.titiriteros.com
FICHA TÉCNICA:
Paco Paricio (autor, director), Matías de Arriba (escenografía), Merce Viladrosa, Ederlinda Toyas y Soivi
(sastras), Ana Tere Pedrós y Luis Cutand (secretarias), Pilar Amorós y Eva Paricio (producción) y Marta
Paricio (gerencia).
En escena: Roberto Aquilué (titiritero, percusión), Pablo Borderías (titiritero, clarinete), Josu Ubierna (titiritero,
acordeón), Eva Paricio (tiritera, voz) y Nacho Pijuán (titiritero, zancos).
TORNABIS PRODUCCIONES Y HABANA TEATRO (Aragón)
CARINGA COSONGO
Caringa Cosongo es un espectáculo musical de
animación teatral. Una verbena para toda la familia
donde se hace alusión a las músicas más
representativas del Caribe, desde la caringa y el tingo
talango, pasando por el reggae, el cha cha chá y, por
supuesto, la reina de las mezclas: el son cubano.
Con su anterior espectáculo, Ay tequeté, se quedaron
muchas canciones en el cajón que quieren salir a la
luz, para lo cual han diseñado el espectáculo que
muestra a una banda de ladrones de música liderada
por Martirio, la jefa de la banda.
El espectáculo persigue la participación del espectador, sin olvidar los valores universales que encierran sus
canciones. Diversión y aprendizaje no están separados en Caringa Cosongo.
Una producción músico-teatral de Habana Teatro en colaboración con Tornabis Producciones.
FICHA TÉCNICA:
Dramaturgia y dirección: Javier Trillo (dramaturgia, dirección), Teresa Pérez Bambó (escenografía), Yeimy
Cruz (atrezzo), Misael Hernández y Kike Lera (dirección musical), Habana Teatro (producción).
Músicos-actores: Yeimy Cruz (maestra de ceremonias), Misael Hernández (guitarra, voces), Kike Lera (laúd,
voces), Carlos Mored (batería, percusión) y Serghy Polyvka (teclado).
WUNMI (Nigeria / EE.UU.)
Los rayos y truenos de una tormenta no podrían competir con el raudal
que transmite una actuación en directo de esta polifacética artista.
Wunmi ha mantenido con regularidad la escena de la música dance
underground viva con su talento repleto de aire londinense, sutileza
africana (Lagos) y exuberancia neoyorquina. Este incipiente icono de la
música universal dota a cada lugar donde actúa de un fervor innegable
que se reconoce por sus apasionados toques de música house, africana
y soul.
Wunmi nació en Londres, y a los cuatro años se trasladó a Lagos
(Nigeria), donde pasó su infancia y donde por primera vez se sintió
inspirada por la música. Nombra a Fela Kuti, Roy Ayers, James Brown
Kate Bush y Sade como sus principales influencias. Tras regresar a
Londres como adolescente, pronto encontró su camino hacia el
estrellato en Europa.
Se dio a conocer primero como la sinuosa bailarina de Soul II Soul, con
aquellas trenzas ondulantes en el vídeo del gran hit de los 80 Keep on Moving. Con una vibración sin
precedentes ella continuó brillando en la escena underground de la música londinense. Sus actuaciones en
clubes como Fridge y Ministry of Sound pronto la llevaron a aparecer en la campaña inaugural de promoción
de la emisora de radio Kiss FM de Londres, lo que significó su consagración como icono de la cultura
underground.
Después de provocar ese fuerte impacto en la cultura del baile y los clubes en Reino Unido, Wunmi se fijó
otras aspiraciones. Marchó a Nueva York buscando una carrera musical internacional con todas las de la ley.
Ha sido adjetivada como La Grace Jones, la Madonna africana o la Fela Kuti femenina.
No sólo es una artista total en el escenario, también es una gran trabajadora en la grabación en estudio, lo
que le ha dado la oportunidad de colaborar con el fundador de Black Rock Coalition Vernon Reid, con DJ
Logic, con el vibrafonista de jazz y leyenda del R&B Roy Ayers o con el productor techno A Guy Called
Gerald. El dúo de producción y remix Masters at Work ha producido tres clásicos hits de baile para ella: MAW
Expensive, Ekabo y Time is Now. Su colaboración con Osunlade en Rader Du fue un éxito total en las pistas
de baile en 2001.
Recientemente ha lanzado al mercado un álbum en solitario presentando canciones nuevas producidas por
Kenny Dope, Louis Vega, Funa Flash, DJ Spina, Randy Muller, Pasta Boys, DJ Seiji...
www.wunmi.com
www.wunmi.bandcamp.com
YIMAWA MUJERES DEL MUNDO (España / Francia / Cuba)
Yimawa es una banda formada por diez
mujeres, entre las cuales hay percusionistas,
bailarinas y cantantes, procedentes de España,
Francia y Cuba, artistas reconocidas y con una
larga trayectoria musical.
Nace con la finalidad de expresar, por medio de
la música, la danza y el canto, la poderosa
energía creativa que toda persona lleva dentro.
Una de las principales raíces de Yimawa surge
a partir del espectáculo Oshun, la mujer que
gira el mundo, gracias al cual muchas de ellas
experimentan la originalidad y la fuerza de un proyecto exclusivamente femenino.
ZEBDA (Francia)
Uno de los regresos más esperados de los últimos tiempos.
Tras varios años de separación, la legendaria banda de
Toulouse se ha reunido de nuevo para grabar un nuevo
disco, Second Tour (Universal, 2012), y presentarlo en una
ambiciosa gira internacional. Con un estilo renovado, pero
con un espíritu que permanece: la música como activismo.
Activismo entendido como celebración, con la mirada
puesta siempre en el ritmo.
Afilados y comprometidos, creadores de un estilo único, en
el que se destilan sabiamente pop, reggae, ska, rap, rock e
incluso chanson, Zebda regresan a primera línea con toda
la fuerza y energías, para alegría de sus muchos
seguidores. Siete años sin ellos, un descanso de mutuo acuerdo, sin fricciones. Un período en el que sus
miembros, Magyd, Mustapha, Hakim, Joel y Remi, se han dedicado a sus respectivas carreras paralelas,
como la de Mouss & Hakim, que han cosechado un notable éxito.
Fue en 2004 cuando Magyd Cherfi explicaba: “Después de 15 años a fondo, queríamos hacer una pausa.
Zebda está durmiendo de momento, pero no sabemos lo que el futuro nos depara”. Habían vuelto muy
cansados de su gira “Utopie d’Occase”, y necesitaban un descanso, hacer un break largo y silencioso que
dejó como epitafio su disco en directo La Tawa. En primavera de 2008 aceptaron la propuesta de un festival, y
Mouss, Hakim, Magyd, Remi y Joel compartieron de nuevo un escenario. Mouss recuerda: “Instintivamente,
cada uno sentía que teníamos que volver, que Zebda tenía un futuro. Pero reconstruir un grupo no se hace de
cualquier manera. Con los años hemos aprendido que el tiempo es un buen consejero. Así que tomamos los
dos años necesarios para acabar lo que estábamos haciendo, terminar los proyectos y por fin podernos reunir
para trabajar”. Mouss, Remi y Hakim tenían que acabar la gira de su segundo disco, Origines Controlées, y
Magyd hacía lo mismo con su Pas en vivant avec son chien.
En el verano de 2010, con la mente ya liberada, se sentaron alrededor de una mesa y expresaron sus deseos
de ponerse a trabajar y plantear desde el principio que su retorno no sería algo banal o precipitado. Querían
grabar y presentar un nuevo disco. En septiembre de 2010 comenzaron las primeras sesiones de
composición, con el mismo entusiasmo de sus primeros años.
También hay espacio para los nuevos colaboradores y músicos que han trabajado con ellos, como en Nueva
York en el estudio del productor Nick Sansano (Essence Ordinaire, Noir Désir, I Am...). Estos espacios cobran
una importancia primordial cuando Zebda integra el soul del New York de los 70 y el sonido “Shaft” en los
temas J’suis pas y Le Talent.
Los Zebda de 2014 también están ahí, una apertura hacia sonidos inéditos, hacia una nueva energía. Con
Second Tour alcanzan toda la dimensión de su poder comunicativo. Transmitir, compartir, dar esperanza. Las
palabras y melodías de Zebda son un antídoto para el abandono o la resignación, y sus canciones nos guían
de la indignación a la acción, con un único dogma: la fiesta es parte de la reflexión.
TALLERES
TALLER DE BAILES Y RITMOS POPULARES AFROBRASILEÑOS por ODE AMORIM
Ode Amorim es un brasileño descendiente de África que trata de comprender, aprender la esencia ecológica
coherente de vivir y seguir practicando su activismo social a través de las artes y las culturas, en un proceso
infinito de la autoeducación: educar a los demás educándose.
Es también artista, educador, tecnólogo en edificaciones, investigador independiente, productor cultural y
algunas cosas más en esta vida.
El taller: De las tradiciones africanas que llegaron a Brasil a partir del siglo XVI, principalmente las religiosas
y sus posteriores fusiones, se han desarrollado numerosas manifestaciones regionales en las cuales el baile,
el canto y la rítmica se mezclan y promueven el entretenimiento, el mantenimiento de las conexiones con lo
sagrado y la comunicación de las realidades comunitarias. En esta actividad se va a experimentar el Coco,
Jongo, la Samba de Roda, el Afoxé o la Batuque de Umbigada, entre otras.
TALLER DE DANZA DE BOLLYWOOD por SALOMÉ MASALA
Taller que pretende realizar una introducción a la coreografía de la
danza de Bollywood: técnica, pasos básicos y coreografía completa.
Salomé Masala es pionera en impartir clases de Bollywood en Madrid,
donde es directora y fundadora del Centro Masala, primer y único
centro especializado en esta actividad en toda España.
Se ha formado en el Shiamak Davar Institute Of The performings Arts
en Bombay, donde ha recibido clases de Bhangra, Bollywood fusión,
Indojazz, etcétera. Ha sido directora y coreógrafa de los musicales
Sucedió en India y Aladino en Bollywood.
Promotora y organizadora de las principales fiestas indias (Holi, Diwali)
en ámbitos abiertos y públicos en la capital, ha acercado la cultura india
y sus danzas a todo el público de manera gratuita.
El primer día de taller estará dedicado a la coreografía Bollywood clásica y el segundo día, al Bollywood
moderno.
TALLER DE GAMELÁN DE JAVA por GAM PAU
El gamelán proviene de Indonesia (Bali, Java, Sunda). Es
un conjunto formado fundamentalmente por instrumentos
de percusión de bronce (gongs de distintos tamaños),
metalófonos y tambores, permite a cada uno de descubrir
una práctica musical colectiva, sin necesitar
conocimientos musicales previos. Privilegia las cualidades
de escucha, respeto y atención a los otros.
Tocando el gamelán, el espíritu colectivo prevalece sobre
el individuo. Ninguna parte esta puesta por delante, la
armonía del grupo es lo más importante.
El gamelán está abierto a todos, y la experiencia es
enriquecedora tanto para niños a partir de los diez años
como para adolescentes y adultos.
Permite reunir y federar familias, colectivos, habitantes y barrios, sean cuales sean sus culturas y
generaciones.
Los talleres, de dos horas y para 14 personas, permitirán entrar en nuevas sonoridades y nuevas culturas
musicales, construir una obra musical alrededor del repertorio indonesio… Y quizás soñar y viajar
mentalmente.
TALLER DE LUMEN KIDS por SFHIR
“Desde los primeros pasos de su educación el niño debe
experimentar el placer del descubrimiento”.
Alfred North Whitehead.
Lumen Kids es un taller de iniciación a la técnica Lumen. Está
dirigido a niños de entre 6 y 12 años. El objetivo es que los
participantes desarrollen su creatividad a través un espacio
que les permita experimentar y expresarse dibujando con
luces sobre pantallas fotoluminiscentes. Así, de una manera
lúdica y didáctica, los niños se convierten en creadores del
proyecto Lumen más allá de permanecer como meros
espectadores.
Para completar el taller se realiza una performance Lumen en la que los niños se ven transportados a través
de la luz y el sonido, en un espectáculo creado especialmente para ellos.
TALLER DE MÚSICA CAJÚN por THE MAGNOLIA SISTERS
En la segunda mitad del siglo XVIII los colonizadores británicos
expulsaron a los franceses que habían llegado a colonizar antes las
tierras de lo que hoy es Nova Scotia, New Brunswick y Prince Edward
Island, en Canadá. Estos pobladores expulsados marcharon hacia el
sur y se establecieron en lo que hoy es el Estado de Luisiana, en el sur
de los Estados Unidos. Llevaron consigo toda su cultura francesa y
esto incluyó su cocina, su dialecto y su música.
Esta última se mezcló con el blues, la música de los pobladores de raza
negra del lugar, y dio origen a la llamada música zydeco, mientras que
al mezclarse con el sonido country de los blancos originó un country
híbrido, y así apareció la música cajún.
Esta música importada del norte estaba principalmente basada en la
música folclórica francesa interpretada en violín, a la que se agregó el
sonido del acordeón francés o concertina, del triángulo y del
washboard. Este último instrumento no es ni más ni menos que la tabla
de lavar de madera, que entonces se rasgaba con cucharas y que hoy
en día ha derivado en un instrumento de metal que se rasga con algo similar a dedales en los dígitos.
TÍTERES
TEATRO ARBOLÉ (Aragón)
Teatro Arbolé nació en Zaragoza en 1979 como una pequeña compañía de títeres. Hoy, tres décadas
después, han afianzado un proyecto empresarial que no sólo genera cultura e ilusión, sino también puestos
de trabajo, y que ha trascendido el maravilloso mundo del títere para consolidarse como empresa productora,
programadora, exhibidora, formadora y editora.
Como compañía, son ya más de 9.000 las representaciones realizadas y de ello dan cuenta las 770
localidades que ha visitado en estos años. Aragón y todo el territorio nacional, América Latina, Europa,
además del desierto Saharaui (Argelia) y Corea del Sur, en Asia. Con sus espectáculos, Arbolé siempre ha
buscado divertir, encantar, hacer que el teatro sea algo fabuloso para todos los públicos y perdure en el
recuerdo.
Los Títeres de Cachiporra:
A través de Federico García Lorca ha llegado hasta nosotros la vieja tradición del teatro de Cachiporra. Don
Cristóbal en España, Puch de Inglaterra, Guiñol de Francia, Don Roberto en Portugal, Polichinela en Italia, no
son sino distintas caras de un mismo personaje, que en cada lugar ha tomado las peculiaridades locales, pero
con un innegable tronco común.
Lamentablemente en nuestro país se perdió esa tradición entre el olvido de los duros años de posguerra y la
utilización maniquea e interesada de la cachiporra. El género se fue degradando hasta su práctica
desaparición. Recientemente distintos titiriteros están rescatando este clásico teatro de participación de su
injusto olvido, tratando de devolverle su verdadero sentido y su justa dimensión.
Son varias las claves del género: la participación y el diálogo con los espectadores, el ritmo trepidante, a
veces frenético, de los muñecos, el efecto catártico de la cachiporra y un contenido netamente subversivo de
la realidad y la cotidianidad.
La cachiporra vuelve a ser un elemento del juego, una manera de entrar en un juego escénico, que nada
tiene que ver ni con un sentido justiciero ni con un ánimo moralista ni con una apología de la solución de los
problemas con la violencia, sino con una recreación tan grotesca y distorsionada que es imposible
extrapolarla a la realidad, y que por un momento nos libera de ella.
www.teatroarbole.com
EXPOSICIONES
EXPOSICIÓN “Yes, we are ! Moroccans” de LAMIA NAJI (Marruecos)
Lamia Naji es una romántica. Quiere creer que la paz, la libertad, la fraternidad, la igualdad o el amor no son
cosas inaccesibles. Quiere creer que el ser humano es realmente capaz de amar al prójimo y de aceptar y
respetar su diferencia, sea cual sea. “Peace, love and difference”. Lamia lo cree. Persiste y afirma: “Se trata
de superar el etnocentrismo, ya sea racial, religioso, social o sexista; se trata de abrirse a una conciencia
universal, fraternal y globalizada”.
Es por medio de sus montajes fotográficos y de sus vídeos (I love cats, 2000, y Coulerus primaires, 2005)
como se atreve a revelar y a compartir esta visión tan universal de la identidad. Utilizando más de 1.300
imágenes tomadas en el marco del Festival L’Boulevard de Casablanca en su sede de Les Abattoris, Yes, we
are ! Moroccans suena como el grito de la esperanza de una juventud marroquí que de una manera muy clara
y determinada quiere vivir feliz y en la diferencia pero fundamentalmente unida.
El vídeo que acompaña la exposición Yes, we are ! Moroccans acaba de ser adquirido por Jean-Luc
Monterosso, Director de la Maison Européenne de la Photographie de París.
EXPOSICIÓN: RED ESPAÑOLA DE RESERVAS DE LA BIOSFERA
Producida por la Oficina MAB y el Centro Nacional de Educación Ambiental (CENEAM), dependiente
del Organismo Autónomo de Parques Nacionales del Ministerio de Agricultura, Alimentación y Medio
Ambiente.
Esta exposición surge como colaboración entre la Oficina del Programa MAB en España y el CENEAM en el
año 2011, con motivo de la celebración del 40 aniversario del Programa, y se acaba de renovar hace un mes.
Desde los inicios, el Programa MAB ha pretendido conservar especies y ecosistemas a través de la
convivencia respetuosa entre el ser humano y su medio, diferenciándose de otras figuras de protección. Esta
visión, que en la actualidad no suena extraña, fue innovadora hace 40 años, concretamente en 1971, donde
el Programa MAB propuso una visión inédita de la relación entre la sociedad y naturaleza que dos décadas
después se denominó “DESARROLLO SOSTENIBLE”.
La exposición pretende dar una visión global pero exacta de lo que es una Reserva de la Biosfera. Para ello,
a través de una serie de paneles dobles y otros materiales podremos aprender cómo se gestionan, donde
están situadas, similitudes entre ellas... para hacernos una idea de estos lugares donde naturaleza y sociedad
van de la mano.
En la actualidad la Red cuenta con 45 reservas, y existen nuevas propuestas de declaración españolas y
mundiales.
CINE
CICLO DE CINE: ELLAS SON CINE
La Fundación Mujeres por África, en colaboración con CANAL+, nos trae al Festival la muestra de películas
dirigidas por mujeres africanas Ellas son cine.
Mujeres por África es una entidad de carácter privado creada en febrero de 2012 cuyo objetivo es promover el
desarrollo del continente africano a través de sus mujeres. Presidida por María Teresa Fernández de la Vega,
conceden vital importancia al apoyo del cine africano, especialmente el dirigido por mujeres, como una
manera eficaz de conocer la realidad de ese continente.
En 2012, en el marco del Festival de Cine Africano de Córdoba, la Fundación Mujeres por África entrega el
Premio a la Mejor Interpretación Femenina para la actriz marroquí Soufia Issami, por su papel en la película
Sur la Planche, de Leila Kilani.
En 2013 se otorga en el Festival Panafricain du Cinéma de Ouagadougou (FESPACO) el Premio Mujeres por
África a la Mejor Directora de Cine Africano al largometraje documental Même pas mal, de la directora
tunecina Nadia el Fani.
En junio de 2013, con el objetivo de dar a conocer en España el trabajo de las cineastas africanas, se realiza
la primera muestra de cine de directoras africanas Ellas son cine, con siete largometrajes de África
Subsahariana y el Magreb.
Entre el 15 y el 19 de junio de 2014 la Sala Berlanga de Madrid acogerá la segunda edición de la muestra
Ellas son cine, en la que se proyectarán cinco largometrajes.
Algunas de estas películas llegarán a Pirineos Sur en una muestra comisariada por Guadalupe Arensburg.
Películas que reflejan que en la historia del cine africano la presencia de las mujeres ha constituido un
marcado signo de identidad, de resistencia, de reivindicación de derechos a partir de la urgencia por expresar
su propio pensamiento en cinematografías y sociedades dominadas por la mirada y el poder de los hombres.
Como veremos reflejado en las películas que conforman el ciclo, no se trata sólo de utilizar el cine par
afrontar cuestiones sociales de dramática actualidad, sino también de crear un lenguaje personal y original a
través del cual arrojar luz sobre los argumentos, liberándolos de este modo de estereotipos.
Rock the Casbah, de la marroquí Laïla Marrakchi, es una lúcida observación del rol de la mujer en la
sociedad de Marruecos, que se debate entre la tradición musulmana y la influencia occidental.
Yema, de la argelina Djamila Sahraoui, cuenta la historia de una madre que se debate entre el amor por sus
dos hijos: uno militar y otro islamista. Dos extremos en los que se ha movido y se mueve el drama de Argelia.
La marfileña Marguerite Abouet nos muestra en Aya de Yopougon el día a día de la gente de África, donde
no todo es guerra y violencia, donde también hay un espacio para divertirse y vivir en paz.
Des étoiles, de la franco-senegalesa Dyana Gaye, es un viaje por las realidades, esperanzas y sueños de
tres emigrantes africanos.
Por aqui tudo bem, dirigida por la angoleña Pocas Pascoal, aborda uno de los principales problemas que la
guerra civil impuso en el país: el exilio.
Imani, realizada por Caroline Kamya, de Uganda, retrata las duras condiciones de vida de tres personajes: un
niño soldado, una trabajadora doméstica y un cantante de hip hop, lo que le permite examinar la sociedad
ugandesa contemporánea.
El documental The Square, de la egipcia Jehane Noujaim, nominado al Oscar en 2014, sigue la vida de tres
personajes que han pasado los dos últimos años acudiendo a la Plaza Tahrir de El Cairo para protestar contra
el régimen y la dictadura.
Siete películas realizadas por mujeres durante los últimos años que exponen la manera en que estas
africanas han emprendido, gracias al cine, su propio itinerario.
DOCUMENTAL
Versos Viajeros
Dirección: Ignacio Garralaga y Manuel Avellanas.
Producción: JuanRa Decanela
Duración: 29 minutos
Grabado en Zaragoza y Casablanca entre los meses de mayo y diciembre de 2013, el documental refleja el
desarrollo socio-histórico del rap en Zaragoza (España) y Casablanca (Marruecos), la situación actual del
movimiento y los valores e inquietudes de sus protagonistas.

Dossier del Festival Internacional de las

Transcripción

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