Tema 10 ARTE BARROCO El Barroco es un movimiento artístico y

Tema 10 ARTE BARROCO El Barroco es un movimiento artístico y

Tema 10
ARTE BARROCO
El Barroco es un movimiento artístico y cultural que nace en Italia y que se extiende por Europa
durante el siglo XVII .Surge en una Roma con ansias artísticas novedosas.
El nombre Barroco en portugués significa perla imperfecta o perla irregular. Este término fue
utilizado por los neoclásicos (s XIX) para referirse a este arte de manera despectiva.
Hoy día se reivindica el Barroco como un estilo artístico que surge cuando las posibilidades
expresivas del Renacimiento se agotan y se buscan nuevas formas de expresión artística que ya
se habrían iniciado en el Manierismo.
Contexto histórico
Históricamente el Barroco se desarrolla en una Europa regida por los papas y por las
monarquías absolutas. En contraste con esos polos de poder, la historia europea presenta una
época en pleno retroceso económico, de conflictos sociales, hambre, enfermedades,
devastadoras guerras entre países y guerras de religión entre católicos y protestantes
En este ambiente surge el arte Barroco en un principio como instrumento artístico de una
iglesia católica frente al protestantismo, y como instrumento de poder al servicio del
absolutismo (Monarquías)para evidenciar el poder y gloria de los monarcas.
El mundo católico descubrió que el arte podía servir a la religión de un modo que iba más allá de
la tarea didáctica de la Edad Media. Los artistas están ahora llamados a transformar las iglesias
en grandes representaciones cuyo esplendor y aspecto arrebatara los sentidos. Si los
protestantes predicaban contra el lujo y ostentación de la iglesia, más afanosa se volvía la iglesia
romana en poner a su servicio las facultades de los artistas.
Características generales
Frente al equilibrio, serenidad y sobriedad del Renacimiento clásico, el Barroco defiende el
dinamismo, el movimiento y los contrastes de luces y sombras que realzan los efectos
escenográficos de obras arquitectónicas, esculturas y pinturas. Se crea un arte, en arquitectura,
pintura y escultura, que llama a los sentidos del espectador. Es el arte de lo teatral y de lo
fastuoso.
En la evolución del Barroco se pueden distinguir dos etapas:
Barroco pleno o época de madurez (s XVII hasta 1680)(El que estudiamos)
Barroco tardío o Rococó (Hasta 1750) que culmina en las cortes de Viena y Praga caracterizado
por el lujo y ornamentación interior. Ver libro
EL ARTE BARROCO
1.- Marco histórico
Características generales
Italia
Arquitectura
Bernini
Borromini
Francia: Versalles
2.-Europa
Escultura
Bernini
Italia
Los Hermanos Carracci
Caravaggio
Pintura
Países Bajos
Escuela Flamenca : Rubens
Escuela Holandesa: Rembrandt
3.- ARTE BARROCO ESPAÑOL
1ª mitad XVII:Juan de Mora, Crescensi,
Castilla:Churriguera
Narciso Tomé
Pedro Rivera
Arquitectura
Andalucía: Sevilla Figueroa
Granada: Alonso
Cano
2ªmitad XVII,
Hurtado
principios XVIII:
Izquierdo
Murcia: Jaime Bort
Galicia:Casas
y Novoa
Características
Castellana.Valladolid:Gregorio Fdez
Escultura Imagenería Escuelas
Andaluza Granada:Alonso Cano
Juan de Mesa
Murcia:Salzillo
Característicass
Valenciana: Ribalta y Ribera
Pintura
Escuelas
Andaluza: Zurbarán
VELAZQUEZ
Murillo
Otros: Alonso Cano, Valdés Leal
ARQUITECTURA BARROCA
Características
La arquitectura barroca deja de lado las formas clásicas. Se caracteriza por:
La búsqueda de movimiento y dinamismo mediante el predominio de líneas curvas,
superficies onduladas y líneas que se quiebran produciendo contrastes de luces y sombras en
fachadas .
- Se utilizan a veces plantas movidas que contraen y dilatan el espacio mediante paredes
.cóncavas y convexas que dan sensación de movimiento y abundantes efectos de luz.
- Riqueza decorativa en fachadas donde se emplean los elementos constructivos como
decorativos: frontones partidos, columnas que se retuercen, arquitrabes que se curvan o
se parten- Preocupación por los recintos públicos urbanos
Se realizan principalmente edificios religiosos: iglesias, que representan el poder y el triunfo de la
iglesia que descubrió en el Barroco el poder del arte para impresionar y atraer a los fieles.
También se realizan edificios civiles: palacios, que representan el poder real
Estas características las podemos ver en el barroco italiano y español, no así en Francia donde
se impone una dictadura arquitectónica controlada desde la Academia y sometida al buen gusto.
Allí predominarán las fachadas rectas y los volúmenes nítidos que tratan de no transgredir las
normas renacentistas.
Elementos arquitectónicos empleados con afán decorativo
Se utilizan:
Órdenes clásicos de proporciones muy grandes: sobre todo corintio y compuesto.
Columnas salomónicas
Frontones partidos
Cúpulas de base elíptica o mixtilínea.
En cuanto a las plantas presentan dos modelos:
- Planta rectangular con una sola nave , capillas laterales y cúpula sobre el crucero por
influencia del Gesú de Vignola. Muchas iglesias barrocas seguirán este modelo
- Planta centralizada elíptica o mixtilínea.
ARQUITECTURA BARROCA ITALIANA: BERNINI Y BORROMINI
Los antecedentes de la arquitectura barroca italiana los podemos encontrar en la iglesia del
Gesú de Vignola
Los arquitectos indiscutibles del Barroco son Bernini y Borromini.
Podemos establecer semejanzas entre ellos ya que ambos presentan características
barrocas de dinamismo y movimiento en sus edificios, pero se diferencian en los elementos
constructivos, los materiales, el uso del espacio y de la luz:
Bernini respetó las normas clásicas y la proporción de los órdenes. Borromini rompió las normas
e inventó nuevos elementos.
Bernini utilizó preferentemente el mármol. Borromini utilizó más el ladrillo y el estuco
Bernini trabajó en espacios abiertos. Borromini trabajó en espacios reducidos.
Bernini deja sus fachadas e interiores pulidos para que la luz y las sombras resbalen y los bañen
por igual. Borromini diseña revueltas, aristas para que la luz se quiebre y de efectos de
claroscuro.
Bernini trabajó para los papas y la aristocracia. Borromini trabajó para las órdenes religiosas
BERNINI
Fue un genio: arquitecto, escultor y pintor. Trabajó al servicio de los papas y de la aristocracia.
Dedicó gran parte de su vida a la Basílica de San Pedro del Vaticano.
*Baldaquino de San Pedro
Fue su primera obra. Cubre el altar Mayor y es una obra que participa de la arquitectura y la
escultura con todos los elementos del barroco: dinamismo y decoración.
Es un templete sostenido por cuatro columnas salomónicas (29m) en bronce inspiradas en
columnas que se creían procedentes del templo de Salomón. Los fustes se dividen en anillos
horizontales y se cubren de decoración escultórica de tallos y hojas de acanto. Acaban en un
capitel compuesto y sostienen un dosel, o especie de cortinaje en bronce. Se remata el conjunto
con unas volutas que sostienen el globo terráqueo y una cruz, símbolo de la salvación . La
decoración la completan unos ángeles en los vértices.
Cátedra de San Pedro
Está detrás del baldaquino. Representa el trono de San Pedro sostenido por los apóstoles.
Juega con la decoración y la luz.
*Plaza de San Pedro
Es su obra más grandiosa. La constituyen dos brazos que salen de la fachada de San Pedro (de
Maderna) formando una gran plaza elíptica que comunica con la ciudad a través de la avenida
de la Conciliación. Bernini pretendía comunicar el Vaticano con la ciudad de Roma y al mismo
tiempo dar relevancia a la cúpula de Miguel Angel, símbolo de la cabeza de la iglesia .Se
consigue amplitud visual y gran capacidad espacial que permite la congregación de muchos
fieles.
Cada uno de los brazos de la elipse forma una columnata de cuatro hileras de columnas dóricas
que sostienen un entablamento que se remata con una balaustrada con 140 mártires y santos de
la Iglesia. Esa un espacio típicamente barroco con un juego de líneas en contraste: forma
ovalada de la columnata, verticalidad de las columnas y línea horizontal del arquitrabe.
En los lados de la elipse hay dos fuentes y en el centro un obelisco (romano, del Circo Máximo
donde murió San Pedro). Con esta forma elíptica Bernini consigue un efecto de profundidad (
desde la plaza el templo parece estar más alejado) También el diseño de la plaza tiene un valor
simbólico: representa la acogida de la iglesia a los fieles del mundo.
San Andrés del Quirinal
Es una pequeña iglesia. La fachada queda enmarcada por dos pilastras adosadas que soportan
un entablamento y un gran frontón. El centro de la fachada es un templete circular que cubre la
puerta principal , sobre una escalinata también de forma circular.
La combinación de partes rectas y curvas , así como de pilastras y columnas da un gran
dinamismo a la fachada.
La planta del templo es elíptica con capillas laterales con zonas que se adelantan a otras en un
movimiento típico del barroco. Cuenta con una gran cúpula, símbolo del universo y del poder
divino.
BORROMINI
Fue primero colaborador y luego competidor de Bernini. De temperamento inquieto y de carácter
violento. La insatisfacción de su propia obra le llevó al suicidio. No le resultó tan fácil que su arte
le fuera reconocido. Su clientela fueron las órdenes religiosas.
Borromini realiza edificios pequeños de planta central. Sabe dar mucha movilidad a las
superficies. Su obra se caracteriza por el juego de curvas, contracurvas, espacios cóncavos y
convexos al servicio del movimiento.
*San Carlos de las Cuatro fuentes (Roma)
Su obra más representativa es San Carlos de las cuatro fuentes de fachada alabeada
(ondulada) de gran dinamismo. Está dividida en dos cuerpos separados por un
entablamento curvo y tres calles separadas por columnas adosadas de orden compuesto
y proporciones gigantescas. En medio, hornacinas rectangulares y ovaladas. El remate
superior es una cornisa que forma una línea de curvas y contracurvas y que se corta en el
centro por un medallón circular que interrumpe el movimiento de la cornisa, aumentando la
inestabilidad del conjunto. Remata la fachada una balaustrada.
La planta elíptica da lugar en el interior a unas paredes de superficies onduladas que culminan
en una cúpula ovalada con una linterna en el centro también elíptica. La decoración interior
muestra el lujo y ostentación del barroco.
Los tramos rectos, curvos y contracurvos del las paredes dan sensación de movimiento y
abundantes efectos de luz
*San Ivo de la Sapienza (Roma)
La planta es centralizada formada por la intersección de dos triángulos. Toda la iglesia en su
interior es un conjunto de rectas y curvas cóncavas y convexas. Termina en una cúpula
mixtilínea que termina en una linterna que al exterior es helicoidal. La fachada cóncava (en el
interior de un patio) contrasta con la forma convexa del exterior de la cúpula.
(Otras obras ,llenas de esplendor y movimiento son El colegio de la Propaganda Fide y El
Oratorio de los Filipenses.)
LA ARQUITECTURA BARROCA FRANCESA
La arquitectura francesa es de carácter cortesano. El palacio se convirtió en el símbolo del poder
absoluto de la monarquía francesa.
El arte francés se diferenció del arte barroco italiano y español por el clasicismo. Se impuso
una dictadura arquitectónica controlada desde la Academia y sometida al buen gusto. Allí
predominarán las fachadas rectas y los volúmenes nítidos que tratan de no transgredir las
normas renacentistas.
Luis XIV convirtió a su palacio en Versalles en símbolo de la ostentación y el poder y será el
modelo de residencia de las monarquías absolutas.
El Palacio de Versalles
Está situado a las afueras de París .Destacan la suntuosidad de los interiores y la armonía de los
exteriores.
El principal arquitecto fue Louis Mansart.( Junto a él colaboraron el pintor y decorador Le Brune
y el paisajista y decorador de jardines Le Notre.)
Fue residencia de la corte de Luis XIV . Tenía capacidad para 200.000 personas. Planteada
como ciudad con mansiones para la corte, zonas administrativas, cuarteles del ejército,
todo ello articulado en torno a la residencia real y la capilla.
Tiene dos fachadas, una da al centro urbano y otra a los jardines. La fachada que da al
centro urbano tiene tres niveles. En el segundo , una combinación de columnas y pilastras
separan los espacios ocupados por grandes ventanales. El tercer nivel se remata con una
balaustrada con símbolos de los Borbones. La horizontalidad de la fachada se rompe con una
serie de planos entrantes y salientes que dan cierto movimiento a la construcción.
El edificio se integra en la naturaleza. El jardín cercano al palacio es de diseño geométrico
con setos recortados que simulan muros y forman tres avenidas que confluyen en el palacio.
Tiene terrazas, estanques, fuentes . Al final hay una zona abierta donde la naturaleza se
incorpora en total libertad.
La armonía y el clasicismo interior contrasta con la riqueza decorativa interior, donde se
suceden una serie interminable de salones ricamente decorados con tapices, cuadros,
espejos, bronces y mármoles de colores. Destaca el salón de los Espejos de 75 m de largo,
con 16 largos ventanales abiertos al jardín y espejos en el otro lado, produciendo extraordinarios
efectos de luz. Le Brune decoró sus espacios con mármoles policromados y trofeos dorados.
Este palacio sirvió de modelo para los palacios de las cortes europeas. Así por ejemplo y el
Palacio de la Granja en Aranjuez el Palacio Real de Madrid.
ESCULTURA BARROCA
Características generales
La escultura experimentó como la arquitectura transformaciones importantes respecto al
Renacimiento. Algunos antecedentes los encontramos en el manierismo.
- Predominan las escenas en movimiento captado en un instante de máxima acción Las
figuras aparecen en actitudes desequilibradas El movimiento también se aprecia en las
telas: los paños se agitan y los plegados se multiplican como impulsados por un vendaval.
- Las superficies presentan entrantes y salientes que producen contrastes de luces y
sombras que acentúan el dramatismo.
- Los gestos y actitudes son teatrales
- El objetivo es conmover emocionalmente al espectador.
Los temas son religiosos, al servicio de la Iglesia como propaganda. También hay temas
mitológicos y se cultiva el retrato
BERNINI
El mayor representante de la escultura barroca es Lorenzo Bernini, que dominó todas las facetas
artísticas. Si como arquitecto fue una figura clave del Barroco, como escultor es el máximo
representante de Europa de esta época (como arquitecto recordamos que realizó la columnata
de San Pedro o el Baldaquino entre otras obras)
Se formó en Roma donde fue influido por la escultura de Miguel Ángel. Fue un artista de gran
éxito y trabajó al servicio de los papas y la nobleza italiana.
Características (Las indicadas más arriba)
Exalta en su obra el movimiento captado en un instante fugaz
Composiciones en diagonal o en aspa
Busca efectos teatrales
Obtiene del mármol diferentes texturas y calidades
Trabajó el mármol de Carrara.
En su éoca juvenil realizó obras mitológicas par la familia Borguese de la nobleza italiana:
Apolo y Dafne
Grupo escultórico en mármol basado en el mito de Apolo y Dafne extraído de las Metamorfosis
de Ovidio(s.I). Bernini elige el momento final de la persecución , (Dafne huye porque no quiere
ser seducida por el dios) cuando al abrazar el dios Apolo a la ninfa Dafne sus brazos se
convierten en laurel y se transforma en árbol.
La composición muestra una diagonal muy pronunciada desde la mano derecha de Dafne
hasta el pie izquierdo de Apolo .La posición de las piernas de Apolo, el ropaje y el cabello indican
la captación de un momento fugaz en movimiento.
Contrasta la idealización de los cuerpos clásicos, con la captación del movimiento y el
realismo en la expresión de los rostros: Dafne se vuelve asustada al notar la presión de la
mano de Apolo pero aún no se ha dado cuenta de que se está transformando en laurel. En
cambio el rostro de Apolo sí muestra asombro porque él sí está viendo la transformación. La
emoción del rostro de Dafne se subraya con recursos como la boca entreabierta y los ojos
ligeramente hundidos.
Hay distinto tratamiento de las calidades como el pulido de la piel que permite que la luz
resbale dando sensación de suavidad y la forma más rugosa del árbol y las ramas que provoca
efectos de claroscuro.
El David
Bernini repitió el tema del personaje bíblico que ya habían representado Donatello y Miguel
Ángel.
Frente al David de Donatello, adolescente, orgulloso tras la victoria, y a la escultura de Miguel
Ángel, como un atleta clásico inmóvil, concentrado y con la mirada fija, antes del lanzamiento,
Bernini lo representa en el momento mismo en que va a lanzar la piedra, el momento
fugaz. Abre las piernas para mantener el equilibrio y gira el cuerpo para tener más fuerza en el
lanzamiento. Sus músculos están en tensión , la mirada tensa y el ceño fruncido, que dan gran
expresividad al personaje.
La composición sigue la línea diagonal( cabeza, pie izquierdo). Recuerda en el giro al
Laoconte. La obra ofrece diversos puntos de vista
En la época de madurez realiza San Longinos, el retrato del cardenal Borguese y sobre todo el
Extasis de Santa Teresa.
El Éxtasis de Santa Teresa
Representa una fusión entre escultura y arquitectura para lograr un efecto teatral.
El cardenal Cornaro le encargó esta obra que es una de las esculturas fundamentales de la
Historia del Arte.
Este grupo escultórico representa un momento de la vida de la santa contado en su biografía: el
momento de éxtasis de la santa cuando un ángel le traspasa con un dardo el corazón mientras
ella se eleva traspasada de amor por las nubes.
La composición es en aspa. Presenta a la santa suspendida en el espacio sobre un trono de
nubes horizontales y superficies rugosas. El hábito de la santa con sus grandes plegados no
acusa las formas del cuerpo. Sólo podemos ver un pequeño pie, una mano y el rostro con los
ojos cerrados y la boca entreabierta.
En contraste con la santa desfallecida la fina túnica del ángel se ciñe al cuerpo. La calidad de su
túnica es diferente a los amplios pliegues de la santa. Su rostro está lleno de vida y de
alegría. Tiene en la mano un dardo y las alas desplegadas.
Las dos figuras parecen volar bajo las nubes y están iluminadas por los rayos del sol de bronce
que caen desde una ventana por donde entra la luz
Hay un fuerte contraste entre la zona superior iluminada y la inferior en oscuridad que
aumenta la sensación de que las figuras están suspendidas en el aire.
El efecto teatral de la escena se acentúa porque la capilla se convierte en escenario de esta
obra decorada con bronces, mármoles e incluso Bernini representó ala familia Cornaro
contemplando el milagro desde los palcos laterales.
Técnicamente destaca la captación momento del éxtasis, el diferente tratamiento de los
cuerpos, las telas y el acabado rugoso de las nubes. Los fuertes contrastes de luces y
sombras que se consiguen al incidir la luz en los entrantes y salientes de la escultura.
El monumento funerario del papa Urbano VIII
San Longinos
Los ángeles del puente de Santángelo
Hace la Fuente de los Cuatro ríos con elementos paisajísticos
En la última etapa de su vida sufrió una crisis similar a la de Donatello o Miguel Ángel ante la
desesperanza de la cercanía de la muerte. Es una época de fuerte expresividad . A esta época
pertenecen La Beata Albertoni donde repite el desmayo místico, y la tumba de Alejandro VII.
LA PINTURA BARROCA EN EUROPA
Recordamos el contexto histórico en el que se desarrolla la pintura barroca
Características de la pintura barroca son:
-
-
Afán de movimiento que se consigue con una serie de recursos: diagonales,
posiciones en escorzo, formas inestables, retorcidas.
Responde a un nuevo concepto estético. Frente al idealismo renacentista se
caracteriza por su realismo.
Predominio del color sobre el dibujo: las formas se obtienen con manchas de colores.
Papel fundamental de la luz a base de contrastes violentos de luces y sombras. La
luz destaca los elementos más importantes y deja otros en la oscuridad. Tiene su origen
en el “tenebrismo” de Caravaggio.
Composiciones asimétricas, complicadas.
Gusto por lo efectista y teatral.
En cuanto a los temas:
- Se acerca a la vida en todos sus aspectos: dolor, fealdad, vejez, totalmente diferente al
idealismo renacentista (dioses, Venus, rostros bellos etc)
- Continúa la temática religiosa al servicio de la iglesia y la Contrarreforma en los países
católicos.
- Se desarrolla la pintura de género aproximada a la vida cotidiana (escenas sencillas de
interiores), sobre todo en la Europa protestante.
- El paisaje adquiere cada vez más importancia.
- Adquiere mucha importancia el retrato.
Se pintan bodegones ( aparecen flores, cacharros, animales muertos, también se
llaman .naturalezas muertas)
ITALIA
En Italia la pintura presenta una doble vertiente: el clasicismo de los Hermanos Carraci y el
naturalismo tenebrista de Caravaggio, que marcan la pintura barroca europea.
Los Hermanos Caracci
Son tres hermanos que crean una escuela de pintura en Bolonia. Consideraban el dibujo
elemento prioritario. Su método era adoptar de cada uno de los artistas algunas de sus
cualidades más representativas, así se inspiran en el dibujo de Miguel Ángel y en el color
de los pintores venecianos.
Pintaron grandes frescos y bóvedas inspiradas en temas clásicos cuidando el equilibrio
compositivo, la claridad del dibujo, y el uso del color.
De la familia, el más conocido es Aníbal Carracci que trabajó en Roma en la Villa Farnesio,
cuyas galerías decoró con una serie de frescos inspirados en la mitología grecolatina .
Inspirado en la Capilla Sixtina divide el espacio en elementos arquitectónicos. Desarrolla
escenas del triunfo del amor entre dioses y héroes. La escena más importante es la que
representa a Baco y Ariadna, dos personajes mitológicos, subidos en un carro tirados por
leopardos y otros animales. Están rodeados por un cortejo nupcial.
Resume las claves del clasicismo: estilo solemne, inspirado en modelos antiguos, canon de
belleza, dibujo apretado, colores brillantes, luz potente, movimiento inspirado en Miguel Ángel.
Estos frescos tuvieron gran influencia en la pintura decorativa del siglo XVII e influyeron
en pintores europeos como por ejemplo Rubens.
.
Caravaggio
Es el máximo representante de la pintura barroca italiana .Es el creador del tenebrismo,
técnica que va a influir en toda la pintura del barroco.
Sus dos características fundamentales son el tenebrismo y el naturalismo.
Fue el mayor maestro del Tenebrismo: ciertas partes o motivos de sus cuadros son
iluminados por una intensa luz, mientras que los fondos y otras partes quedan sumidos
en una profunda oscuridad. A veces la luz crea un foco luminoso que viene desde arriba y
cruza la escena en diagonal.
Naturalismo: su pintura representa la máxima expresión del realismo en los personajes. Se
acerca a la realidad de forma casi brutal. Los modelos de sus cuadros son tipos vulgares de
la calle: mendigos, hombres y mujeres de origen humilde, lo que era difícil de admitir por los
partidarios del clasicismo.
Otras características: Emplea composiciones en diagonal, escorzos. Introduce en sus
cuadros bodegones (se consideraba una curiosidad venida de los pintores del
Norte europeo)
Colores cálidos
Dejó huella evidente en los principales pintores de la época: Rembrandt, Velázquez o
Ribera.
.De la época juvenil en Roma nos quedan cuadros pequeños en los que refleja el ambiente de
los bajos fondos (vendía los cuadros en mercadillos ambulantes).Pinta pintura mitológica y
bodegones de flores y frutas
La Buenaventura
Baco, dios del vino con la apariencia de un joven lánguido de formas blandas y
afeminadas. En actitud típica del barroco trata de implicar al espectador ofreciéndole una copa
de vino.
Los personajes, de medio cuerpo sobre nítidos fondos sin perspectiva. La luz crea los
volúmenes pero todavía no aparece el tenebrismo.
En la cesta de frutas se trata de un bodegón que él cultiva solo o que forma parte del cuadro.
En la época de madurez aparece el tenebrismo. Realiza obras de tipo religioso.
En La cena de Emaús aparece Jesús acompañado de sus discípulos en torno a una mesa.
Incorpora el bodegón. Ilumina la escena con una especie de luz de sótano. La composición
es en diagonal. Muestra los gestos y la teatralidad característicos del barroco. Jesús levanta
la mano mientras los otros están sorprendidos. Los colores son cálidos. Contrasta el color de la
túnica de Jesús con el blanco del mantel.
La Crucifixión de San Pedro. Presenta una composición en aspa. Una diagonal va desde la
mano del sayón y la cuerda y la otra desde el sayón que sujeta la cruz hasta el extremo del
madero. Los cuerpos están en escorzo y una luz tenebrista ilumina el cuerpo de San
Pedro. Los personajes son muy reales. Hay naturalismo en el rostro, las canas, las arrugas del
vientre de San Pedro.Los pies sucios del sayon. El cuadro transmite la tensión del momento.
La conversión de San Pablo. (Recoge el pasaje de los Hechos de los Apóstoles que relata
como San Pablo enemigo de los cristianos iba a caballo hasta que un rayo divino le tiró al suelo y
lo hizo cambiar)
Aparece San Pablo tumbado en el suelo en escorzo al igual que el caballo. Hay líneas
diagonales marcadas. Una luz muy intensa destaca las figuras y hay un personaje que se abre
paso en la penumbra. Hay un predominio de colores cálidos que contrastan con el blanco del
caballo.
*El cuadro más importante de esta época es la Vocación de San Mateo. La escena se
desarrolla en una especie de taberna: Cristo y San Pedro entran en la oficina de recaudación
de impuestos vestidos con túnicas.
El tema principal no es Cristo, que queda desplazado, sino una mesa de juego alrededor de la
cual se amontonan cinco personajes vestidos como pajes de época barroca y un anciano
usurero contando monedas.
Un plano de luz oblicua corta la oscuridad y recae en el apóstol San Mateo. Jesús alarga
su mano señalando a San Mateo como si fuera la voz que lo llama. El apóstol se interroga con
el dedo en el pecho ante la inesperada llamada como diciendo: ¿soy yo?
El cuadro religioso abandona lo sagrado y aparece una representación vulgar. El papel
preponderante lo tiene la luz con un papel simbólico como significando que con Jesús entra la
luz. Hay gran realismo en los rostros, vestiduras, monedas, etc.
La muerte de la Virgen o el Tránsito de la Virgen. Representa a la Virgen tumbada en el
lecho, muerta y rodeada de los apóstoles. La representación carece por completo de toda
idealización religiosa. La propia Virgen es una mujer vulgar, pálida, con el vientre y los pies
hinchados. Se ha visto como símbolo de la maternidad universal pero también circuló la leyenda
de que había tomado como modelo a una mujer ahogada en el río Tíber.
La luz penetra por la ventana de la izquierda y sigue una línea diagonal hasta iluminar el
cuerpo de la Virgen y de una mujer que llora inclinada hacia ella. Los tonos son cálidos:
rojos, ocres. El cuadro creó una profunda polémica. Los frailes que lo encargaron no lo
quisieron y al final lo compró Rubens.
LA PINTURA EN LOS PAÍSES BAJOS: BÉLGICA Y HOLANDA
Contexto histórico
Los Países Bajos, que habían pertenecido al imperio de Carlos V quedaron divididos en dos
entidades políticas:
Las provincias del norte (actual Holanda), de población protestante se sublevaron contra Felipe II
y se independizaron de la monarquía española.
Los territorios del sur:Flandes (actual Bélgica) católica, permaneció unido a la corona española y
a la iglesia católica.
Así se establecieron dos estados opuestos: uno republicano, burgués y democrático, en
Holanda, y otro monárquico, aristocrático y católico en Flandes.
Diferencias en la pintura de Flandes y Holanda
Las fuertes diferencias políticas, sociales, económicas y religiosas se reflejaron en la pintura:
En Flandes, de población católica, se hacen cuadros religiosos de gran tamaño que sirven de
propaganda de la Contrarreforma. También se hacen cuadros mitológicos.
En Holanda, protestantes, son escasos los cuadros religiosos, (la doctrina protestante prohíbe
imágenes en las iglesias) y se hacen cuadros de pequeño tamaño para decorar las viviendas
y para ser contemplados en la intimidad del hogar: escenas costumbristas, caseras, paisajes,
bodegones ,retratos de grupo.
Dentro del retrato también hay diferencias: en Flandes predomina el retrato individual que
resalta el rango social de la persona propio de una sociedad aristocrática. En Holanda se
prefieren retratos de grupo de carácter corporativo en plano de igualdad propio de una
sociedad no aristocrática y burguesa.
En el bodegón, los flamencos presentan ricas vajillas, mesas repletas de comida, mientras que
los bodegones holandeses son más austeros respondiendo a criterios puritanos más sencillos.
ESCUELA FLAMENCA
La máxima figura de la Escuela Flamenca es Pedro Pablo Rubens.(1567-1640) Es creador de
una pintura llena de alegría y optimismo que se aleja del naturalismo de
Caravaggio. Creó un estilo personal, lleno de vida, de formas desbordantes, exageradas y
de brillante colorido.
Su obra refleja una sociedad acostumbrada a los placeres como era la sociedad de Amberes,
donde vivió.
Fue un hombre de mucho éxito: apuesto, inteligente, culto, católico. Se casó dos veces y le
sirven de modelos sus esposas: Isabel Brant y Elena Fourment
Su obra fue muy fecunda. Creó un taller de más de 100 discípulos y abordó todas las técnicas:
oleos, frescos, cartones, ilustraciones para libros.
Recibió influencias: De Leonardoy Rafael en la composición de sus obras
De los venecianos tomó el color
De Miguel Ängel, la grandiosidad
De la tradición flamenca, el realismo
Destacamos en su estilo:
- Escenas llenas de movimiento y dinamismo
- Composiciones abiertas con predominio de diagonales
- Primacía del color: colores cálidos, brillantes, con pinceladas sueltas
- Luz difusa que envuelve sus escenas
- Predilección por el desnudo femenino y formas gruesas, blandas en sus
mujeres inspiradas en Tiziano.
- En sus personajes no ahondó en los estudios psicológicos de las figuras.
Sus obras podemos dividirlas según su temática en:
Retratos:
Retrato del Duque de Lerma: un retrato ecuestre en un escenario de nubes tormentosas que
muestra la influencia de Tiziano, si bien presenta más dinamismo (escorzo, movimiento de la
cola del caballo)
Retrato de María de Medicis, reina de Francia, casada con Enrique VIII. Es una figura elegante
de carnes nacaradas que contrastan con sus negras vestiduras. La luz destaca rostro y manos.
Refleja la transparencia de los puños con sus pinceladas.
Mujer con sombrero: Aparece sedente y mira la frente, con pelo rizado y adornos de plumas en
el pelo. Aplica el color creando transparencias
Autorretrato con su segunda esposa: Isabel Brant
Obras mitológicas:
Siempre incluyen desnudos femeninos que están tratados con profundo realismo y según el ideal
femenino de la época muy alejado del gusto actual.
*Las Tres Gracias. Repite el tema de Botticelli y Rafael. Son tres figuras enérgicas de carnes
blandas, nacaradas, que, enlazadas, inician un paso de baile. La luz es intensa e ilumina la
escena desde la izquierda y acentúa la sensualidad de los cuerpos, de formas gruesas y líneas
onduladas. Una de ellas parece ser su mujer: Elena Fourment. Al fondo hay un paisaje idílico
quedando enmarcada la escena por una guirnalda de flores y la rama de un árbol.
El rapto de las hijas de Leucipo: movimiento, sensualidad, diagonales, colorido, contraste entre
la piel nacarada característica de las mujeres y el color más tostado de los hombres
*La Venus del Espejo, donde la Venus se mira en el espejo sostenido por Cupido.Velazquez
repetirá este tema
Temas costumbristas:
El jardín del amor. Representa una fiesta que es una alegoría del amor llana de vida y colorido.
Aparecen parejas de gente elegante, frívolas. A la derecha la diosa Juno, protectora del
matrimonio. Por todas partes revolotean amorcillos. Recuerda las composiciones venecianas.
Obras religiosas:
Trípticos de la Elevación de la cruz y del Descendimiento. Están entendidas como obras
cortesanas con vestiduras de la época. Aparecen Muchos personajes. Siguen una composición
diagonal barroca con influencia de Caravaggio, también en la luz, los colores cálidos.
La adoración de los reyes destaca por su riqueza y colorido .La composición forma una gran
diagonal desde el niño a la parte superior derecha. La Virgen y el niño aparecen muy iluminados
lo que nos atrae la atención. El colorido y la grandiosidad recuerdan la pintura italiana de
Veronés pero el dinamismo que tiene la obra es propio de Rubens.
Temas históricos:
Glorificación de María de Médicis, grandes lienzos dedicados da glorificar a María de Médicis
como el Desembarco en Marsella donde incorpora la mitología y el desnudo.
Otros miembros de la escuela flamenca, contemporáneos de Rubens son:
Jordaens y Van Dyck.
Van Dyck
Fue un retratista muy elegante que trabajó en la corte inglesa.
Retrato ecuestre de de Carlos I de Inglaterra que recuerda a Tiziano .Contraste de fondo: a la
izquierda un paisaje cubierto de árboles y a la derecha horizontes y paisajes lejanos. Detalles,
colorido, luminosidad.
ESCUELA HOLANDESA
Holanda vivió en esta época, en contraste con la mayoría de Europa, un periodo de gran
prosperidad económica basada en el comercio que dio lugar a una burguesía, de religión
protestante, cliente del mercado artístico.(ver introducción)
El mayor representante es Rembrandt,(1606-1669) uno de los mayores pintores de todos los
tiempos. Perteneció a una familia burguesa. Vivió en Amsterdam que era una ciudad próspera
cuyos habitantes s sentían orgullosos de su poderío comercial, de su religión protestante y de su
carácter republicano.
Rembrandt vivió como un gran señor en Amsterdam. Se casó con Saskia y a la muerte de su
primera mujer tuvo una relación con la niñera Handrikje que fue su compañera el resto de su
vida. La relación con una mujer de categoría inferior le supuso el aislamiento de la
sociedad puritana en la que vivía.
Es uno de los grandes creadores del claroscuro con influencia de Caravaggio pero se diferencia
de él porque no tiene contrastes violentos sino sombras graduadas, penumbras que crean
ambientes llenos de misterio. La luz parece irradiar de los personajes.
El color es aplicado en gruesas manchas y pinceladas sueltas.
Es uno de los grandes retratistas de todos los tiempos. Sus retratos se caracterizan por la
profunda penetración psicológica de los personajes
Realiza retratos individuales y en grupo.
Retratos individuales:
Autorretrato: resume sus características: penetración psicológica, pinceladas sueltas, luces y
sombras graduadas que crean un ambiente de penumbra.(mas de cuarenta)
Retrato de Saskia con sombrero donde la luz parece emanar de la propia figura.
Retratos de grupo
Los pinta por encargo de los diferentes gremios para decorar sus sedes.
**Lección de anatomía del Dr.Tulp
(Comentario de la obra).
Cuadro, pintado al óleo sobre lienzo. Pertenece a la pintura holandesa, Época barroca siglo XVII.
Es el primer retrato de grupo que realiza Rembrandt por encargo del gremio de cirujanos de
Amsterdam. Recoge el momento en que el doctor Tulp ante un cadáver diseccionado sobre una
mesa, explica a siete estudiantes el funcionamiento de los tendones del brazo.
La composición es piramidal en torno al cadáver que está en posición de escorzo sobre una
mesa.
El doctor explica mientras los estudiantes presentan diversas actitudes, unos siguen la lección
con atención y otros están más distantes. Hay una captación psicológica individual de los
retratados. Uno de los alumnos sostiene un folio con el nombre de todos.
El color dominante es el negro que contrasta con el blanco de las golas o cuellos que
enmarcan los rostros de los personajes. Aparece una mancha de rojo: la sangre del brazo que
está siendo diseccionado.
Es importante el claroscuro que se crea con la luz que entra por la izquierda e ilumina los
rostros y la que parece emitir el cuerpo del cadáver, y la penumbra en la que se recortan los
personajes.
Si tuviera que analizar esta obra, después del análisis formal (arriba) hablaría de las
características de la pintura de Rembrandt: creador del claroscuro, con influencia de
Caravaggio pero sin sus violentos contrastes…, la luz parece irradiar de los personajes y
crea ambientes de penumbra. Aplica el color con pinceladas sueltas, magnífico retratista, que
capta la psicología de los representados…(ver apuntes)
A continuación diría que esta obra pertenece a la serie de retratos de grupo que realizó
Rembrandt y nombraría otros retratos de grupo que realizó como Los síndicos del gremio de los
Pañeros y la Ronda de Noche.
Nombraría algunas de las características de la pintura barroca europea en general (ver
introducción a la pintura barroca): Naturalismo, afán de movimiento, papel fundamental de la
luz, predominio del color, composiciones complicadas…, para centrarme luego en las
características de la pintura holandesa
Pasaría a hablar del marco histórico: El Barroco nace en Italia, en parte como expresión del
espíritu de la Contrarreforma, como instrumento de propaganda ,pero rápidamente se
extendió por toda Europa, incluyendo los Países Bajos.
La división de los países Bajos en dos zonas diferenciadas desde el punto de vista político y
religioso en esta época que dará lugar a dos concepciones diferentes del arte: Flandes católico
y aristocrático desarrolla una pintura religiosa, mitológica, y retratos individuales.
Holanda, protestante, republicana, burguesa, desarrolla una pintura de pequeño tamaño,
y retratos de grupo de carácter corporativo, como es La lección de anatomía.
Terminaría nombrando a otros pintores de la escuela holandesa como Frans Hals y Vermeer.
Los Síndicos del Gremio de los Pañeros. Representan un grupo de contables que entorno a
una mesa examinan los libros de cuentas. Presenta las mismas características que el cuadro
anterior con unos retratos bien diferenciados.
La Ronda de Noche. Una de sus obras maestras. Recibe este nombre ya que para algunos
representa un retrato de grupo en el momento de vigilancia por las murallas de
Amsterdam. Para otros representa el momento en que se ponen en marcha las tropas para
defender la independencia de Holanda.
Aparece en el centro el Capitán Cou, vestido de negro y con banda roja que da la orden de
ponerse en marcha a a su lugarteniente. Están rodeados por el resto de la guardia y los
espectadores que contemplan la escena.
La acción principal se descompone en múltiples acciones aisladas, como si fuera una
impresión fotográfica.
Destaca el tratamiento de la luz que emana de los cuerpos y los resalta y los envuelve en
una atmósfera misteriosa.
Hay una figura de una niña que aparece de pronto y tiene un aspecto fantasmal.(Sus rasgos
recuerdan los de su mujer, Saskia, muerta ese año) Lleva un gallo, símbolo de la Compañía.
Predominan los tonos ocres, los brillos de las armaduras, blancos, brillos de la niña.
El color se aplica con pinceladas sueltas.
El efecto del movimiento del grupo se ha conseguido mediante las actitudes y gestos de los
personajes.
Este cuadro fue un encargo para decorar la sede de la compañía. Al principio no fue del agrado
de los clientes, pero después se ha convertido en la obra más representativa de Rembrandt.
Obras religiosas
La Cena de Emaús. Penumbras, sombras y luces que invaden la escena.
El descendimiento
Al final de su vida tiene una crisis personal que derivó hacia una pintura de fuerte realismo y
fuerza expresiva.
Otras obras
El buey abierto en canal. Ya al final de su vida. Pincelada suelta , fuerte realismo
Otros autores de la escuela holandesa son:
Frans Hals, el pintor “de la sonrisa” de la alegría: el alegre bebedor, la gitanilla
Vermeer
Es un maravilloso pintor de interiores. Refleja en su obra la vida cotidiana de la sociedad
holandesa, con cuadros llenos de intimidad. Luz clara, gama cromática rica,
BARROCO ESPAÑOL
Contexto histórico del barroco
El Barroco es un movimiento artístico y cultural que nace en Italia y que se extiende por Europa
durante el siglo XVII.
El nombre Barroco en portugués significa perla imperfecta o perla irregular. Este término fue
utilizado por los neoclásicos (s XIX) para referirse a este arte de manera despectiva.
Hoy día se reivindica el Barroco como un estilo artístico que surge cuando las posibilidades
expresivas del Renacimiento se agotan y se buscan nuevas formas de expresión artística que ya
se habrían iniciado en el Manierismo.
.
Contexto histórico del barroco español
En el siglo XVII la monarquía hispana pasó de de un inmenso imperio territorial a una situación
de decadencia y ruina. La crisis de la economía, el descenso de la población y las derrotas
militares pusieron fin a la hegemonía española en Europa.
Sin embargo, el periodo del Barroco en España se considera el “siglo de Oro de las letras y
las artes” por la gran cantidad de artistas y escritores de talla universal que coinciden en
una España en plena decadencia.(Velázquez, Zurbarán, Murillo)
La España del siglo XVII está fuertemente influenciada por la Contrarreforma..
Esto va a determinar un arte predominantemente religioso que se va a utilizar como propaganda
de la nueva Iglesia renovada tras el Concilio de Trento y al servicio de la monarquía.
Se quieren mostrar con el lujo y la decoración el poder de la iglesia católica triunfante…
Frente al equilibrio, serenidad y sobriedad del Renacimiento clásico, el Barroco defiende
el dinamismo, el movimiento, los contrastes. Se crea un arte, en arquitectura, pintura y
escultura, que llama a los sentidos del espectador.
En arquitectura se utilizan materiales pobres debido a la realidad histórica de España si bien
se enmascaran bajo la decoración desbordante
Los temas religiosos en pintura y escultura son tratados con acentuado realismo para
fomentar la devoción popular .
El barroco español presenta gran variedad: cada autor presenta su propio estilo y cada
región sus rasgos.
ARQUITECTURA
La escasez de medios económicos de España hace que los materiales utilizados sean
materiales pobres como el ladrillo o la piedra, y sobre ellos se pone una decoración desbordante.
Influyen las ideas religiosas que quieren mostrar con el lujo y la decoración el poder de la iglesia
católica triunfante…
La planta de las iglesias siguen el esquema de la planta diseñada por Vignola en la Iglesia del
Jesús de Roma (planta rectangular, una sola nave , capillas laterales, gran cúpula sobre el
crucero). Esta estructura se aleja de los modelos italianos, de los edificios llenos de movimiento
de Bernini y Borromini, de los muros alabeados y del predominio de las plantas centrales, que
sólo aparecen en determinadas ocasiones.
En esta etapa las ciudades españolas comienzan a urbanizar un espacio muy importante en las
ciudades: la plaza mayor, centro de las actividades cívicas: fiestas populares, corridas, autos de
fe, etc.
Evolución:
Primera mitad del siglo XVII: sobriedad de influencia escurialense. Principalmente en Castilla.
Convento de la Encarnación en Madrid de José de Mora, se subraya mucho la verticalidad:
en la parte inferior hay tres arcos y Lugo se suceden dos ventanas adinteladas y finalmente una
que dan este sentido ascendente Pilastras, frontón.
(Crescenci, autor del Panteón del Escorial de planta central con decoración en bronce y
mármoles de colores.
Carbonell, realiza el Palacio de Santa Cruz, actual Ministerio de Asuntos Exteriores donde utiliza
ladrillos y pináculos.)
la Plaza Mayor de Madrid realizada por Gómez de Mora,
2ª mitad del siglo XVII, primera mitad del siglo XVIII. Es la época de plenitud del barroco. La
sencillez anterior deja paso a una decoración exuberante(deslumbrante) tanto en el interior como
en el exterior. En el interior las iglesias se cubren de yeserías, retablos dorados, espejos, un
auténtico horror vacui. En el exterior las portadas exageran la decoración..
El panorama general tiene tres focos:
Castilla: familia Churriguera en Salamanca
Narciso Tomé en Toledo
Pedro Ribera en Madrid
Andalucía: Familia Figueroa en Sevilla
Alonso Cano en Granada.
Murcia: Jaime Bort
Galicia: Casas Novoa.
Castilla
Destaca la Familia Churriguera, madrileños que trabajaron mucho en Salamanca. Crearon un
estilo de desbordante decoración llamado el estilo “Churrigueresco”, donde se emplean los
elementos arquitectónicos con extraordinaria libertad. Se exalta el movimiento y la decoración
“horror vacui”
*Benito Churriguera es el autor del retablo de San Esteban en Salamanca. Marca el modelo
de retablo barroco donde establece una síntesis entre elementos arquitectónicos, escultura y
pintura. Realizado en madera tallada y dorada.
El conjunto está dividido en tres cuerpos divididos por cornisas que le dan gran sensación de
inestabilidad y movimiento.
El cuerpo central tiene en el centro un tabernáculo muy barroco (exaltación de la Eucaristía (
tema muy barroco siguiendo las instrucciones el Concilio e Trento) con una pintura en su interior.
Está flanqueado por columnas salomónicas. Entre las columnas a ambos lados hay hornacinas
que albergan esculturas. La decoración vegetal envuelve los fustes.
El cuerpo superior llamado también ático termina en un gran arco de medio punto adaptado a la
bóveda. Este tipo de retablo se extenderá por muchas iglesias españolas y latinoaméricanas
De esta época es la Plaza Mayor e Salamanca. (En el cuerpo inferior hay soportales de arcos
de medio punto con medallones a los lados. Quedan separadas tres plantas subrayando la
horizontalidad. Hay una balaustrada con pináculos. La decoración aumenta en la fachada
principal.)
NarcisoTomé. Creador del Transparente de la catedral de Toledo, combinación de elementos
.arquitectónicos con escultura y pintura. Creando un extraordinario efecto escenográfico. Situado
detrás del altar mayor, rompe la bóveda y deja penetrar la luz que ilumina el conjunto. Es una
exaltación de la Eucaristía.
*Pedro Ribera sigue a Churriguera . Realiza la Fachada del Hospicio de Madrid que forma un
auténtico retablo pétreo. Es un ejemplo de decoración barroca llena de movimiento.
(La fachada está dividida por dos cuerpos, separados por una cornisa que sigue una línea
quebrada que imprime movimiento.
El cuerpo inferior presenta en el centro una puerta con un arco rebajado decorado con filigrana,
encaje de piedra que cubre el arco y los lados. Aparecen los estípites barrocos que dan gran
sensación de inestabilidad, óculos en las enjutas del arco y abundante decoración.
En el cuerpo superior, una gran hornacina central y dos ventanas laterales a modo de
medallones con un marco muy decorado.
El conjunto está rematado por un gran frontón con ventana en forma de óculo que se apoya
sobre otro frontón partido que sobresale de la cornisa del edificio.)
Andalucía
Sevilla
La Familia Figueroa son los autores del Palacio de San Telmo, en que se combina ladrillo con
la piedra en la gran portada. Combina arquitectura y escultura.
*Granada
Alonso Cano. Realiza la fachada de la catedral de Granada. Es una fachada bastante clásica
que recuerda un arco de triunfo romano. Está dividida en tres calles y en dos niveles en sentido
horizontal , separados por una cornisa en movimiento. Hay pilastras, óculos, combinación de
escultura y arquitectura, claroscuro
A Hurtado Izquierdo se debe la sacristía de la Cartuja de Granada, cubierta de yeserías con
una cúpula en el centro y un retablo barroco con columnas salomónicas.
Otras importantes iglesias barrocas son el Sagrario de la Catedral de Granada o San Juan de
Dios.
En Andalucía hay que destacar la Catedral de Cádiz que en su fachada tiene influencia de las
iglesias en movimiento de Borromini.
Murcia
*Catedral de Jaime Bort
Presenta una fachada de gran riqueza decorativa. El movimiento lo imprimen los salientes
y entrantes del conjunto.
Presenta dos cuerpos separados por un entablamento con líneas rectas y cóncavas y
balaustradas a los lados. La parte central de la portada tiene una puerta ricamente
decorada y un vano en el 2º cuerpo, también muy decorado. Ambos vanos se inscriben en
una exedra flanqueada por columnas pareadas salientes en cuyo interior hay esculturas.
Dos pequeños aletones dan paso a una especie de frontón con partes cóncavas y
convexas que contribuyen al sentido ascendente y al movimiento del conjunto
.
Galicia
*Destaca la fachada del Obradoiro de la catedral de Santiago de Casas y Novoa que cubre
el pórtico de Santiago e integra el edificio en la estructura urbanística de la ciudad mediante una
escalinata barroca que da entrada desde la plaza del Obradoiro a la catedral.
Es el ejemplo más significativo del barroco español. Decoración y movimiento El diseño de la
fachada es piramidal y enmarcado por dos torres. Está dividida en dos cuerpos, separados por
una línea quebrada y articulados los dos pisos por columnas adosadas que se prolongan en dos
niveles. El sentido ascendente nos recuerda el gótico. Presenta columnas adosadas, pilastras,
hornacinas. línea quebrada , balaustradas,
En la primera mitad del siglo XVIII, con la llegada de los Borbones se construyen grandes
palacios inspirados en el estilo de Versalles. Son palacios transición del barroco al clasicismo y
que realizan arquitectos italianos traídos por los Borbones:
El Palacio de la Granja en Aranjuez de Juvara y el Palacio Real de Madrid de Juvara y
Sachetti.
ESCULTURA BARROCA EN ESPAÑA: LA IMAGINERÍA
La escultura barroca española se desmarca de la italiana y se desarrollará en torno a las
imágenes de madera policromada.
Es un arte fuertemente influenciado por la Contrarreforma, predominantemente religioso que
se va a utilizar como propaganda de la iglesia y con la intención de conmover el espíritu de los
fieles.
En el siglo XVII, mientras el Estado, nobleza y alto clero viven una etapa de decadencia, los
monasterios, las parroquias y las cofradías gozan de buena situación económica y se
convierten en los principales clientes de la escultura .La piedad popular y las cofradías
potenciaron los retablos y adquieren gran importancia las procesiones de Semana Santa con
las imágenes como protagonistas.
Los rasgos más significativos de la escultura son:
- La casi exclusividad de la temática religiosa
- Objetivo didáctico, lo que lleva a un realismo que trata de convencer a través de los
sentidos: la escultura trata de sobrecoger, de conmover, narrando los principales
acontecimientos del evangelio y creando temas impactantes: sufrimiento de Cristo en la
cruz, Virgen dolorosa, escenas de la pasión.
Utilización de la madera policromada como material fundamental.
Esta escultura tiene su forma de expresión en los retablos, donde generalmente aparece
exenta, acompañado al elemento arquitectónico, y en las imágenes de carácter
procesional.
- Se potencia la expresión y el realismo con efectos teatrales: conjuntos
escenográficos, gestos, incluso se recurre a elementos postizos como añadir pelo
natural, ojos de cristal, lágrimas de cristal.
- En muchas obras se utiliza el estofado
-
Escuelas:
Las más importantes son la escuela castellana con foco en Valladolid y la escuela andaluza
con foco en Sevilla y Granada.
Ambas escuelas tiene en común el realismo,
- Mientras en la escultura castellana el realismo es violento, estremecedor.
- La escultura andaluza busca más los ideales de belleza clásica: Vírgenes adolescentes
de gran belleza (Inmaculadas), Cristos de perfectas proporciones donde se evita la
sangre. Hay un gusto por los adornos y lo aparente. Esto explica que haya imágenes de
vestir en las que sólo se ha tallado el rostro y las manos y se cubren de mantos y túnicas
muy adornados.
Escuela castellana
Principal foco Valladolid
Gregorio Fernández (o Hernández)
En su obra refleja el fervor religioso de la sociedad. Interpreta la realidad de manera muy
directa sin detenerse ante el dolor y la muerte. Realiza desnudos y los paños de pureza que
los cubren tienen grandes pliegues que crean efectos de claroscuro que recuerdan a Bernini o
sus antecesores, Berruguete y Juan de Juni. Sus rostros tienen una profunda expresividad.
Realizó una amplia serie de Cristos yacentes como tema único con un modelado y estudio
anatómico perfectos. En sus rostros de ojos y bocas entreabiertos se ven los signos
externos del sufrimiento, en el cuerpo las heridas sangrantes en manos, llaga del costado
,rodillas amoratadas, lividez cadavérica, que nos lleva al patetismo de la escuela
castellana
Serie de Cristos crucificados, ya muertos de tres clavos que llaman la atención del espectador
moviéndolos al dolor sobre la muerte de Cristo.
Cristo atado a la columna, viva expresión del dolor.
Crea grupos escultóricos que son pasos de Semana Santa como La Piedad o el
Descendimiento
La Piedad. Presenta una composición en diagonal. El cuerpo de Cristo resbala por el sudario.
Utiliza la policromía y potencia todos los signos de la muerte.
Escuela andaluza
Sevilla
En este tiempo Sevilla es una ciudad próspera, con el monopolio del comercio con América.
Gran actividad económica en torno al puerto que potencia una burguesía rica de comerciantes.
Hay una gran actividad económica y artística
Martínez Montañéz
Fue un gran imaginero que gozó de gran prestigio. Combina en su obra el idealismo clásico
con el realismo barroco. Su modelado es perfecto. Trata de llegar al alma del espectador. Los
paños rodean los cuerpos transmitiéndoles grandiosidad.
Realizó retablos e imágenes de gran divulgación en España y América. Es creador de modelos:
Niño Jesús, Inmaculadas.
Entre sus obras hay una serie de crucificados, entre ellos:
*El Cristo de la Clemencia que marca el modelo andaluz: Cristo de cuatro clavos, poco
dramático, casi sin sangre y a punto de morir. Inclina la cabeza buscando comunicación con el
fiel que se aproxima a sus pies. El paño de pureza presenta los pliegues muy amplios y
marcados.
*Inmaculada de la Catedral de Sevilla. Representa a una Virgen adolescente que une las manos
en actitud de oración e inclina el rostro. Está envuelta en un gran manto. Sigue una linea
trapezoidal y se apoya sobre una peana de ángeles. Se utiliza la policromía y el estofado. Es uno
de los temas preferidos en la escultura y también en la pintura.
Niños Jesús, tiernos, muy cercanos.
(Juan de Mesa
Fue discípulo de Martínez Montañés, pero mucho más dramático. Se aproxima al dramatismo de
Castilla. Lo llamaban el imaginero del dolor.
Cristo de la Agonía
Cristo del Gran Poder, donde crea la imagen de Jesús Nazareno con la cruz a cuestas. Cristo
está dando un paso. Hay gran realismo en el rostro y las manos. Es un imagen de candelero,
solo talla la cabeza y manos y se cubre de una rica túnica.)
Granada
*Alonso Cano (1601-1667)
Fue un hombre polifacético, más hombre del Renacimiento que del barroco en ese sentido. Fue
escultor, pintor y arquitecto. Se formó en Sevilla donde estudió en el taller de Pacheco con
Velázquez, estudió escultura con Martínez Montañés. Pasó una época en Madrid donde vivió
bajo la protección del Conde Duque de Olivares…
Su carácter violento le llevó a mezclarse con una serie de situaciones comprometidas y para huir
de la justicia llegó a Granada donde entró a formar parte del Cabildo de la Catedral.
Su obra contrasta con su carácter ya que se haya más cerca del idealismo renacentista que del
realismo barroco. En sus figuras no utiliza el estofado y manejó con gran maestría el color.
*La Virgen de la Oliva: pertenece a un retablo de Lebrija (Sevilla).Talla en madera policromada.
Esta Virgen aparece como una Madonna con el niño en brazos. Tiene un esquema oval. La
Vírgen tiene un rostro dulce y se recoge el manto a los pies.
*La Inmaculada. Es una imagen de pequeño tamaño policromada que representa una Virgen
adolescente, con el rostro en forma oval e inclinado y de una gran belleza. Su rostro mira hacia
la izquierda mientras las manos juntas miran hacia la derecha. Su expresión es de un ángel. El
manto es de un azul intenso, recogido a los pies y descansa sobre una peana de ángeles. Su
composición oval, como una llama contribuye a crear la sensación de espiritualidad que
transmite. Actualmente se expone en la sacristía de la Catedral de Granada.
Bustos de Adan y Eva. Son dos tondos en el presbiterio al lado del altar mayor que muestran
gran serenidad y dulzura.
*La Virgen de Belén, muy pequeña, sedente, con el Niño en brazos. Tiene un rostro ovalado,
dulce. Se recoge el mantote azul intenso en los pies.
Niño Jesús de la Pasión
Tiene otras imágenes de gran tamaño como San José o San Diego de Alcalá
*Pedro de Mena.
Fue discípulo de Alonso Cano. Trabajó en Granada y en la catedral Málaga. Es autor de *La
Magdalena Penitente que presenta a María Magdalena envuelta en una túnica de palma para
no distraer la atención. El rostro está contraído por el dolor y el arrepentimiento. La expresión de
dolor está potenciada por el gesto de la mano derecha sobre el pecho y la mirada fija en el
crucifijo que sostiene en la mano izquierda. Tiene los pies desnudos símbolo de penitencia.
San Francisco de Asís responde a los mismos criterios. Trata de centrar la atención en el rostro
y la mirada dirigida al cielo lleno de misticismo. El cuerpo se reduce a formas geométricas con
una túnica que evita señalar las formas.
*José de Mora Cristo del Silencio
*José Risueño: Cristo de los Gitanos
La escuela murciana.
En la primera mitad del siglo XVIII destaca un imaginero:* Salzillo, de origen italiano que
presenta unos rasgos muy diferentes a los que hemos visto en las otras escuelas, que serían:
Une la sensibilidad italiana: el idealismo, al naturalismo andaluz
El acabado pulido de las pieles que parecen de porcelana.
Decora los mantos con brillantes estofados
Sus imágenes son movidas y expresivas.
Realizó pasos de Semana Santa y figuras de Belén. Entre las primeras destaca la Oración del
huerto. Destaca el ángel con una belleza idealizada, clásica que dirige su mirada al cielo
mientras extiende su brazo.
PINTURA BARROCA ESPAÑOLA
El siglo XVII es considerado el Siglo de Oro de la pintura española , lo que contrasta con una
España decadente que va perdiendo prestigio en el contexto histórico de la época. La más
poderosa monarquía del siglo anterior queda relegada a un segundo plano en el escenario
internacional. Por el contrario, es el siglo de pintores de talla universal como Ribera, Zurbarán,
Velazquez y Murillo, que aunque presentan estilos individuales muy distintos, se pueden señalar
algunas características generales:
- El profundo realismo.
- El tenebrismo heredado de Caravaggio, cuya técnica incorporan todos los pintores españoles
de forma más o menos permanente.
- Continúa la temática religiosa. El principal cliente es la Iglesia ya que los conventos y órdenes
religiosas tienen una floreciente situación económica debido a los ingresos de América. Se
hacen encargos para decorar iglesias y sacristías.
- A los temas religiosos sigue en importancia: el retrato que destaca la dignidad de los
personajes, la mitología, el bodegón y el paisaje. Hay poca pintura de carácter histórico.
Escuelas
Valenciana. Ribalta
Ribera
Andaluza. Zurbarán
Murillo
Alonso cano
Valdés Leal…
Madrileña. Velázquez
Pintores de corte. Juan Carreño, Claudio Coello…
Durante la primera mitad del siglo triunfa el naturalismo tenebrista y durante la segunda mitad la
influencia de Tiziano y Rubens llevan a un Barroco más colorista y lleno de vida.
La técnica empleada es óleo sobre lienzo.
JOSÉ RIBERA (finales del s.XVI, primera mitad del siglo XVII)
Nació en Játiva, Valencia, e inició su formación con el pintor Ribalta quien despertó su interés
por el naturalismo y los pintores italianos, especialmente Caravaggio.
A los 24 años se trasladó a Italia donde lo llamaban el “españoleto”. Allí llevó una vida bohemia
y pendenciera que le obligó a abandonar Roma y a acogerse al virrey de Nápoles. Allí triunfa y
tiene un gran éxito.
Características:
- Naturalismo que le lleva a un realismo brutal. Busca sus modelos entre los marineros del
Nápoles y los barrios bajos y los reproduce con fidelidad
- Al principio recurre al tenebrismo. Ennegrece sus obras con alquitrán para obtener fondos
oscuros. Golpes de luz.
En su segunda etapa abandona el tenebrismo y crea fondos paisajísticos con luces menos
contrastadas.
-
gran colorista y dibujante
composiciones en diagonal
figuras corpulentas
capta el carácter de sus personajes y siente predilección por reflejar la vejez y sus
estragos en el cuerpo.
Obras:
Obras que expresan un profundo realismo:
*El patizambo o el niño cojo. Muestra un profundo realismo Es de su segunda etapa. Sobre un
paisaje de horizontes bajos y un cielo de nubes, un mendigo sujeta una muleta que lleva al
hombro y con la otra mano Un papel en el que pide limosna. El niño mira al espectador con una
sonrisa abierta que demuestra su felicidad a pesar de su pobreza y deformidad.
La mujer barbuda. La realiza en Nápoles, por encargo del virrey. Un tema que impresiona. Una
mujer con un trastorno endocrino amamanta a su hijo .Se recorta sobre un fondo oscuro con un
golpe de luz que entra por la izquierda. En segundo plano en la izquierda aparece el marido.
Arquímides. Grupo de filósofos y sabios griegos tratados como personajes populares. Son
figuras de medio cuerpo que se recortan sobre un fondo oscuro con un golpe de luz que ilumina
frente, escote, manos y el papel blanco en el que escribe.
.
Obras religiosas
*Apóstoles: San Andrés. Golpe de luz sobre fondo oscuro. La luz entra por la izquierda e
ilumina parte del cuerpo. Sostiene en la mano izquierda el madero de la cruz. Hay realismo en
las arrugas, el pelo canoso, órbitas hundidas, piel pegada a los huesos que deja ver las costillas.
Hay tenebrismo, contraste violento de luces y sombras.
*El Martirio de San Bartolomé. Forma parte de la iconografía que dicta la Contrarreforma
Muestra el momento en que los verdugos lo alzan para ponerlo en la cruz.
La composición está marcada por la diagonal del cuerpo del santo, donde incide la luz que
divide las figuras en dos grupos agrupadas triangularmente. Destaca la musculatura del
mártir. Hay tensión en los hombres que levantan el cuerpo. Contraste entre el sufrimiento del
santo y la indiferencia de los personajes pasivos que están en la escena. Fondo sin paisaje
ni tenebrismo Empleo de colores cálidos. Destaca el rojo de la túnica del hombre, los ocres y el
azul del cielo.
Ermitaños
(Temas inspirados en el Antiguo Testamento: el Sueño de Jacob, de gran sencillez. Es un cruce
de dos diagonales: el cuerpo de Jacob y el árbol. La figura de Jacob es monumental. Descansa
la cabeza en el brazo. No hay tenebrismo: la luz marca la escalera que lo conduce al cielo)
Magdalena Penitente: se encuentra ante una cueva, arrodillada, en actitud orante. La
composición es en diagonal subrayada por la roca de la entrada de la cueva.
La luz es contrastada, a la izquierda una zona con un paisaje lejano; un cielo de nubes cuya luz
ilumina la parte izquierda del rostro, el escote y la mano. Emplea un tenebrismo no muy acusado.
Emplea tonalidades cálidas: el rojo del manto, ocres. Destacan las calidades verdes y azuladas
del paisaje.
No hay realismo, es una visión idealizada de la santa.
La Inmaculada: responde a la descripción de San Juan. Es una visión completamente
apoteósica, barroca, de La Inmaculada, lleno de colorido y de luz. Es una virgen adolescente con
las manos cruzadas. La cubre un manto azul y está sobre una media luna, nubes y ángeles y
envuelta en una luz dorada.
ZURBARÁN:
(Primera mitad S XVII. Pertenece a la escuela sevillana)
Extremeño de nacimiento, se formó en Sevilla y sus clientes fueron conventos extremeños y
sevillanos.
Es de la misma generación de Velazquez. Por mediación de éste, pasó un tiempo en la corte,
colaborando en la decoración del Palacio Real del Buen Retiro, para el que realizó obras de
tema histórico, (como El Socorro de Cádiz, y Los Trabajo de Hércules), pero no consiguió
destacar. Regresó a Sevilla. Durante muchos años recibió constantes encargos de diferentes
órdenes monásticas y gozó de fama y éxito como pintor de los apacibles ambientes
conventuales, pero al final de su vida vio como declinaba su carrera artística frente al
empuje de Murillo. Buscó fortuna en Madrid donde murió olvidado y pobre.
Características:
Pinta casi exclusivamente cuadros encargados por las órdenes religiosas .
Su obra es realista.
La composición es simple y sin movimiento. Las figuras aparecen estáticas y
yuxtapuestas. Las expresiones son serenas. Transmiten espiritualidad.
Hay fuertes contrastes de luces y sombras.
Es pintor de bodegones
Bodegón: su interés por lo cotidiano y humilde le llevó a pintar bodegones. Estos encierran un
mensaje de carácter religioso, alusivo a la humildad o a la presencia de Dios en las cosas
sencillas. Este bodegón presenta pocos elementos, yuxtapuestos y alineados en paralelo, con un
dibujo preciso y resaltado sobre un fondo oscuro. Se aprecian las cualidades materiales de los
diferentes objetos ya sean de cerámica o de metal.
*Una de sus obras más famosas es San Hugo en el Refectorio de los Cartujos, que decoraba
la Cartuja de Sevilla. Representa la visita de San Hugo a refectorio de los cartujos.
Esta obra reúne todas las características generales de su pintura: realismo, composición simple
y sin movimiento, figuras estáticas y yuxtapuestas. La composición presenta tres planos: el
primero San Hugo y el paje. En segundo plano la mesa, sobre la que se dispone un
bodegón muy simple. En tercer plano, los frailes detrás de la mesa, con la cabeza
inclinada; no parecen prestar atención a los recién llegados. Destaca el blanco de las túnicas y
los pliegues del mantel.
La estancia es austera, con paredes lisas, con un cuadro de la Virgen, San Juan y el niño. A la
derecha, una puerta deja ver un edificio. Es el único elemento que crea perspectiva, junto con el
paisaje del cuadro.
Predominan los matices del blanco que destacan sobre el ocre uniforme de la pared.
El dibujo es firme: delimita los contornos y crea sensación d volumen.
Destacan las expresiones de los frailes y el bodegón de la mesa.
La luz ilumina toda la estancia.
El cuadro transmite una inmensa serenidad, espiritualidad y sencillez.
Para el Convento de la Merced pintó La Aparición de San Pedro a San Pedro Nolasco
Virgen de las Cuevas: tiene un manto sujeto por los ángeles que guarda a los frailes. Hay una
luz dorada y los colores rojos blancos y azules.
*Santa Casilda: la representa como una mujer joven, ataviada según la época. La santa
aparece idealizada. Cuida las calidades de la tela y utiliza colores como el amarillo, azul,
rojo…Pertenece as una serie de santas ricamente ataviadas
MURILLO (1618- 1682)
Sevillano de una generación posterior. Coincidió y compitió con Zurbarán, quitándole
popularidad. Su vida artística se desarrolló en Sevilla dedicado al arte con gran popularidad. Sus
obras se difundieron por España y América.
Rasgos como la belleza de sus inmaculadas, la ternura de sus niños, la delicadeza de sus
maternidades… le proporcionaron un éxito sin precedentes. Creó un estilo propio, personal e
inconfundible, tierno y delicado que anticipa la pintura del S XVIII. (Rococó)
Características
Fue pintor del candor, la ingenuidad y la picardía infantil.
Supo acercar la religión a la vida cotidiana, humanizándola.
Su mayor preocupación es el color; al principio fue tenebrista: contrastes de luces, pero a medida
que evoluciona, el tenebrismo desaparece, la pincelada es más suelta y el color se hace más
brillante hasta convertirse en transparente y vaporosa, con tonalidades doradas.
Su temática es sobre todo religiosa y picaresca. Predominan los temas relativos a la Virgen y los
niños Jesús y San Juan a los que trata con una gracia y delicadeza característicos.
La Sagrada Familia del Pajarito: es una escena de interior, absolutamente cercana. Elimina
connotaciones sobrenaturales; es un grupo familiar corriente. En primer plano está Niño con el
pajarillo en la mano, detrás San José como artesano con sus herramientas (banco de carpintero)
y la Virgen con una cesta de labores, dirigen sus miradas atentas a Jesús.
Hay que destacar la relevancia de la figura de José, hasta ahora relegado en un segundo plano.
La luz es tenebrista, destaca la figura de Jesús, rostro, mano de la Virgen y rostro de San José.
Las figuras son corpulentas y el colorido no es muy rico todavía: predominan los ocres y el
contraste del blanco.
Virgen con el Niño: es una mujer cercana muy andaluza. El niño está lleno de candor, recuerda
a la pintura de Rafael. El dibujo es difuminado, la pincelada suelta, y emplea colores como el rojo
o el azul sobre un fondo uniforme. El ambiente está en penumbra excepto el Niño y el rostro de
la Virgen.
Comienza a percibirse el estilo vaporoso.
Pinta escenas picarescas con niños que son mendigos de las calles de Sevilla, pero reflejan
alegría, picardía. Nunca se desprende tristeza ni amargura.
Niños comiendo fruta: Luz tenebrista que modela las figuras y les da forma.
*Muchacho Mendigo del Louvre: aparece sentado, un poco triste y junto a él, elementos
cotidianos. Hay tenebrismo y línea diagonal.
Inmaculadas: uno de los temas que le da más popularidad. La más famosa es la Imaculada del
Escorial. Responde a la visión de San Juan. Aparece sobre una peana de ángeles, con la luna a
sus pies, el paño azul flotante, luz dorada del sol, azucenas, movimiento ascendente.,
El Buen Pastor: aparece Jesús con un cordero en un escenario clásico con luz dorada. Emplea
el mismo modelo que usa para sus niños. Perfil andaluz.
Los Niños de la Concha: Su predilección por los temas infantiles se ve en esta obra. El niño
Jesús le da de beber a San Juan. La pincelada está diluida y las tonalidades cálidas.
VELÁZQUEZ
Nace en Sevilla en 1599 y muere en Madrid en 1660.
.
Es el pintor más universal de la pintura española: Es considerado uno de los más grandes de
la pintura española. y figura indiscutible de la pintura universal.
Fue, sobre todo, un gran retratista pero abarcó todos los géneros de la pintura: la fábula
mitológica, el bodegón .el paisaje, la pintura histórica, la religiosa…
Al final de su vida le llegó el mayor reconocimiento que podía tener como pintor, al serle
concedida la cruz de la orden de Santiago
Distinguimos en su pintura dos etapas esenciales: la sevillana, hasta 1623 de la que
analizaremos varias obras representativas, y la madrileña como pintor de corte, desde 1623
hasta su muerte. Entre una y otra se produjo una evolución clara en su estilo:
.
. Con 24 años marchó a Madrid donde entró a trabajar en el círculo de la corte y se convirtió en
retratista de la familia real de Felipe IVSu estilo evolucionó dentro de un profundo realismo:
- desde el tenebrismo sevillano hacia una pintura de gran luminosidad y el dominio de la
perspectiva aérea (captación del aire interpuesto entre los objetos)
-desde un dibujo más detallado y lineal con colores oscuros de la etapa sevillana, hacia
un dibujo de escasos elementos lineales, con colores más fríos y pinceladas rápidas y
sueltas.
Sus composiciones son muy elaboradas y complejas
En la evolución de su estilo influyeron sus viajes a Italia donde estudió artistas anteriores a él y
contemporáneos
ETAPA SEVILLANA (1599-1623)
En esta época Sevilla tiene una economía floreciente con una gran actividad portuaria que
controlaba el comercio con América.
En Sevilla inició Velázquez su formación. Aprende en el taller del pintor Pacheco, donde
coincide con algunos contemporáneos como Martínez Montañéz o Alonso Cano.
Se casó con la hija de Pacheco
Aquí desarrolló un estilo naturalista influenciado por el tenebrismo de Caravaggio y
también se caracteriza por profundo realismo: contempla la naturaleza y copia la realidad
con exactitud. Para estas pinturas utilizó modelos extraídos de las calles de Sevilla.
Predominan los tonos ocres, terrosos y oscuros. El dibujo es firme, detallado . Domina el
volumen que crea mediante la luz y el color.
A esta primera época corresponden obras costumbristas de interiores que recogen el ambiente
y retratan personajes populares de la Sevilla de la época:
- Vieja friendo huevos
- Adoración de los Magos
- Aguador de Sevilla
- Cristo en casa de Marta
*Vieja friendo huevos
Escena de interior de cocina con una composición complicada.
En un primer plano vemos los objetos que constituyen el bodegón: objetos de cerámica y
metálicos, almirez, plato con cuchillo.
En un segundo plano aparece una mujer con una cuchara de madera en la mano, friendo
huevos. Junto a ella un chico joven que sostiene una calabaza en la mano derecha y en la
otra un cazo. Domina una línea diagonal marcada por una luz tenebrista iniciada en la
cabeza del chico y que ilumina el rostro del joven, de la anciana, los huevos acaba en el almirez
(composición típica barroca)
En el tercer plano hay un fondo de pared con un cesto y un paño colgado.
Dibujo firme, de contornos precisos. Predominan los colores ocres, contrastados con el
blanco del pañuelo, del cuello del joven, de los huevos, de los brillos metálicos.
La luz tenebrista que entra por la izquierda produce sombras que transmiten un gran realismo
como el cuchillo sobre el plato.
Hay un profundo realismo en los personajes populares y en los objetos.
*Adoración de los Magos
Gran realismo . Se cree que pinta su autorretrato, a su mujer y que el Niño Jesús era una
de sus hijos. Ausencia de idealización absolutas. Composición diagonal, colores
terrosos, tenebrismo.
*Aguador de Sevilla
Es la obra cumbre del periodo sevillano. Refleja el mundo de la picaresca, tan presente en la
literatura y pintura del siglo XVII.
Aparece un hombre mayor (aguador) junto a un cántaro de agua en primer plano que ofrece
una copa de agua a un joven en segundo plano. En tercer plano, entre las sombras se adivina un
tercer personaje de mediana edad.
Según los analistas parece ser que en esta obra recoge las tres edades de la vida: vejez,
edad madura y juventud.
El agua es símbolo del traspaso de la sabiduría y la experiencia que el hombre mayor traspasa
al joven, en presencia de una persona de edad madura que apura con avidez la copa de la vida.
En el vaso hay un higo, símbolo de la sexualidad.
El dibujo es firme. Los tonos son ocres. Hay un contraste con el blanco de la camisa del
hombre que se deja ver entre los agujeros del manto.
La luz tenebrista entra por la izquierda en medio de la penumbra: destaca el rostro del
niño.
Hay un gran realismo en el rostro de los personajes y en los objetos: copa de cristal, vasijas
de cerámica, gotas de agua del cántaro que parece que las podemos tocar.
La luz entra por la izquierda en medio de la penumbra; destaca el rostro y el pelo del niño.
Cristo en casa de Marta
Muestra la capacidad de convertir las escenas religiosas en algo cercano y realista .
Composición interesante, aparecen dos escenas.
Primer plano: escena secundaria, Escena de interior donde se representa una cocina
donde una joven maneja un almirez y escucha los consejos de la anciana. Aparece en
primer término un bodegón: huevos, pescados, cebolla.
La escena principal se representa a través de un segundo plano: Cristo sentado
acompañado de Marta y María.
Este recurso lo usa en las “Hilanderas”.
Contraste del blanco, luz tenebrista que entra por la izquierda en diagonal. Fondo uniforme:
la ventana contribuye a crear profundidad espacial.
ETAPA MADRILEÑA (1623- final de su vida)
Estas obras(las anteriores) de un estilo muy distinto del de su madurez, le valieron cierta
reputación que llegó hasta la corte, por lo que fue llamado por el conde duque de Olivare,
valido de Felipe IV para que pintara un retrato del rey que gustó tanto que fue nombrado
pintor de corte donde figuraban pintores italianos, flamencos…Como consecuencia de estas
influencias empieza a alejarse del tenebrismo y a ampliar la gama de colores.
Inicia la fábula mitológica.
En esta etapa madrileña habrá tres momentos muy importantes:
- El contacto con Rubens, durante un viaje que el pintor flamenco hizo en Madrid
En 1628.
- Los dos viajes a Italia 1º 1629-31
2º 1649-51
Estos dos viajes los realiza por encargo de Felipe IV para comprar obras de arte para las
colecciones reales, lo que le permitió un conocimiento profundo de la pintura italiana que fue
decisivo en su trayectoria pictórica.
*Los borrachos
En esta pintura interpreta la fábula pagana de un modo muy especial en clave cotidiana
Velazquez interpreta la mitología ironizando sobre ella, casi a modo de parodia y tratada de un
modo muy humano. Representa al dios Baco rodeado de una corte de pícaros que le rinden
homenaje. Podemos decir que combina mitología y realismo: es una forma de desmitificar a
los dioses.
Representa al dios Baco semidesnudo, de formas blandas, que recuerda a los Bacos de
Caravaggio.
Está coronando a un campesino que se arrodilla ante él; y él, a su vez, está siendo coronado.
A la derecha un grupo de campesinos de formas rudas. Se les nota el efecto del vino. Hay
uno con una gran sonrisa. A la izquierda, personajes de características más mitológicas
Primer plano: la naturaleza y un bodegón.
Magnifico tratamiento de las calidades. La luz no es tenebrista. Entra por la izquierda y destaca
la piel nacarada de Baco. Mantiene restos de la etapa sevillana: dibujo preciso, colores terrosos,
claroscuro…pero evoluciona hacia mayor luminosidad, gama cromática, manchas de color.
Predominan los tonos marrones, ocres… y contrasta el blanco, el tono azulado y rosáceo del
manto de Baco. Marca la corpulencia de los personajes.
PRIMER VIAJE A ITALIA:( 1629-1631)
Por encargo del Rey y del Conde Duque de Olivares, viaja a Italia para comprar obras de arte
para las colecciones reales.
Supone una revolución personal: le influye el contacto con la obra de Masaccio, Miguel Angel.
*La fragua de Vulcano
Velazquez vuelve a tratar la fábula mitológica de manera cotidiana. Representa el momento
en que el dios Apolo a la izquierda, a medio cubrir, semidesnudo coronado con rayos de luz
divina, se presenta en la fragua de Vulcano de improviso para comunicarle que su mujer le
engaña con el dios Marte cuya armadura está fraguando.
Destaca la expresión de asombro de Vulcano y de todos los presentes. Al fondo, otro
personaje parece salir de entre las sombras.
Hay una composición casi oval en torno al yunque. A la izquierda Apolo, a la derecha una
figura en escorzo.
Técnicamente se puede destacar el dibujo detallado y la composición clásica Tiene influencia
de Miguel Ángel en la musculatura de los personajes a los que la luz da un sentido casi
escultórico.
Colores: ocres, terrosos, cálidos, blanco, brillo del metal. Contraste de luces y sombras.
La luz no es tenebrista, hay varios focos: luz que emana de Apolo, del yunque, del fuego…
SEGUNDA ETAPA EN ESPAÑA (MADRID) LA CORTE
Es un periodo de plena madurez:
Capta con la luz el aire interpuesto entre los objetos. Luz más matizada.
Los objetos pierden nitidez, se pierden los contornos.
Los colores adquieren intensidad y nuevos tonos: azules, plateados
La pincelada es suelta, rápida: consigue las formas con manchas de color (preludia el
impresionismo)
La túnica de José
Comienza a captar el aire impuesto entre las figuras: perspectiva aérea. Se amplían los colores,
se hacen más intensos. Adquieren protagonismo los tonos plateados, grises… el dibujo empieza
a perder valor. Influencia de Masaccio, Miguel Angel
Cristo en la Cruz
La luz modela el cuerpo de Cristo sobre un fondo oscuro, técnica tenebrista. Transmite soledad.
Deja a un lado el dolor físico para centrarse en el espiritual.
*Rendición de Breda
Lo hizo por encargo del Conde Duque de Olivares para la decoración del Salón de Reinos de
Palacio del Buen Retiro. Es una obra histórica. Recoge uno de los pocos momentos de
gloria de la historia de aquella época: la rendición de la plaza holandesa de Breda y la
entrega de las llaves de la ciudad al general Ambrosio de Espínola por parte del
gobernador holandés Justino Nassau. Estos dos personajes centran la composición
Aunque él no presenció el hecho, lo inmortalizó. Es una obra de gran tamaño
Velazquez representa la caballerosidad española en un gesto en que Ambrosio trata de
suavizar la humillación echando el brazo por encima del enemigo.
La composición es en aspa, con centro en la llave que se recorta sobre el segundo plano muy
luminoso.
A la derecha, los militares españoles. Algunos de sus personajes dirigen su mirada al
espectador, como en los “Borrachos” o en las “Meninas”, en una puesta en escena
típicamente barroca. Sus lanzas muestran el espíritu de la victoria. A la izquierda, los vencidos.
La disposición de los grupos crea sensación de profundidad, contribuyen a ella sobre todo el
caballo en escorzo y la figura de espaldas de la izquierda
Al fondo un paisaje, uno de los mas bellos de la historia de la pintura pre impresionista:
donde la luz diluye las formas Predomina la mancha de color frente a la línea.
Tonos ocres en vestimentas, el caballo que contrastan con el blanco en cuellos, puños.
Aparecen nuevos tonos verdosos y azulados, grises del paisaje.
Retrato de Conde Duque de Olivares
Realiza Velázquez retratos de carácter ecuestre.
Vemos al Conde Duque con un caballo en posición de salto, en actitud guerrera (posición de
corveta que demuestra capacidad de mando) Lleva un bastón de mando y se recorta sobre un
fondo de paisaje: Sierra de Guadarrama.
La luz se hace paso entre las nubes
Refleja el poder y carácter soberbio del personaje
*Retrato del príncipe Baltasar Carlos
También el caballo da un salto. Los caballos son importantes en la pintura de Velázquez.
En este cuadro se critica la panza del caballo. El cuadro tiene todas las características
mencionadas: luminosidad, primacía del color sobre el dibujo, Espléndidos paisajes
*Velázquez realizó una serie de retratos de bufones de la corte
Son una muestra del naturalismo propio del Barroco. Son personajes enanos, disminuidos
psíquicos, deformes… pero Velazquez se acerca a ellos con un enorme respeto, resaltando
su dignidad y evitando resaltar sus defectos. En todos la pincelada es suelta y el dibujo se
diluye (nombrar alguno)
Don Sebastián de Mora
Luz que destaca sobre un fondo uniforme.
Expresión digna, inteligente.
Calidades; importancia de la pincelada; colores transparentes.
El color se aplica en forma de manchas, se diluye el dibujo.
Calabacillas
Personaje en medio de la penumbra.
Luz ilumina el rostro, frente ancha, mirada estática, manos deformes…
La luz penetra por la izquierda destacando el rostro y manos.
Pincelada suelta, cuello blanco, puños.
Se van perdiendo los perfiles.
El niño de Vallecas
Personaje sentado con un rostro satisfecho, ojos entornados, boca entreabierta.
Paisaje de fondo a la derecha.
Predominan los tonos ocres, destaca el blanco de la camisa.
SEGUNDO VIAJE A ITALIA: (49-51)
*Retrato de Inocencio X
Es uno de los retratos de mayor calidad de Velázquez dotado de gran vivacidad e
intensidad en el color
Papa sentado en su sillón papal; mira al espectador y demuestra la gran penetración
psicológica de Velázquez.
Al Papa le impresionó al verlo por el gran realismo, exclamando “demasiado real” (troppo vero).
Refleja a la perfección su carácter duro.
El dibujo pierde fuerza. Pincelada rápida; disminuye la línea a favor del color en forma de
manchas que sugieren formas.
Paisajes
Pequeño formato. Dos paisajes:
El pabellón de Ariadna
Paisaje en torno a una estructura arquitectónica..
La luz se abre paso entre las hojas de los árboles e inunda la escena haciendo que las formas se
diluyan.
Predominan las tonalidades verdosas de la vegetación.
Pincelada suelta. Paisaje de fondo. Perspectiva aérea.
Este paisaje se anticipa al impresionismo.
Entrada a la gruta
Arco de medio punto enmarcado por columnas, una hornacina con figura escultórica.
Cipreses en sentido ascendente crean un telón de fondo.
Pincelada, manchas de color. Luz que diluye las formas.
*Venus en el espejo
Es uno de los pocos desnudos de la pintura española, pero también uno de los más bellos
de la historia del arte. Representa al amor encadenado a la belleza, que ensimismada se
contempla en el espejo.
Influencia de Tiziano y Rubens.
Mujer desnuda, de espaldas al espectador, tendida sobre un diván, cuyo rostro se refleja
en un espejo sostenido por Cupido. Líneas onduladas.
Transmiten una sensualidad llena de poesía y armonía, absolutamente alejada del erotismo de
Tiziano y Rubens.
Por los cortinajes nos recuerda un ambiente algo veneciano
El tono nacarado de la piel contrasta con el azul grisáceo del paño.
Velázquez emplea pocos colores, cada uno con gran variedad de matices: azul grisáceo,
blanco, rojo y tonos nacarados.
El dibujo ha perdido nitidez. La pincelada es muy suelta, aplica el color en forma de
manchas que diluyen las formas. Por ejemplo, el rostro lo adivinamos, sugiere formas. Los
contornos se han perdido, se difuminan.
-CULMINACIÓN DE SU VIDA ( 51-60)
*Las Meninas
También se llama la familia de Felipe IV
Se trata de un retrato de grupo realizado en 1656 con la infanta Margarita (hija de Felipe IV)
en el centro rodeada de sus meninas (damas de honor). Velázquez simula estar retratando
a los reyes, supuestamente situados en nuestro lugar y reflejados en el espejo del
fondo.(influencia del Matrimonio Arnolfini) Por tanto el tema del cuadro se encuentra fuera
del mismo. Algún estudioso del arte dice que Velázquez incluyó a los reyes en esta obra con un
retrato disimulado porque Felipe IV era mayor y no quería ser retratado.
Es también un autorretrato. Velázquez quiere dejar patente su categoría en la corte, donde era
reconocido y condecorado con la orden de Santiago.
La composición
Primer plano: los personajes se distribuyen en grupos de tres. Primero la infanta
Margarita entre sus dos damas: Agustina Sarmiento con una jarrita de agua a la izquierda y a
la derecha: Isabel Velasco, que se inclina hacia ella, la enana Maribárbola y Nicolás
Pertusato, con el pie sobre un mastín, indiferente a la provocación.Algunos personajes nos
observan a nosotros. Al ocupar el lugar de los reyes parecemos nosotros los retratados.(el
mundo ficticio del cuadro y el real se funden en un solo mundo imaginario.)
En un segundo plano una dama de la corte: doña Marcela de Ulloa y un mayordomo. A la
izquierda aparece el propio Velázquez con un pincel, delante de un enorme lienzo,
pintando y mirando al espectador, pero en realidad miraría a los Reyes.
En un tercer plano, a la derecha, en la puerta abierta, el aposentador real, que aparece con
la mano recogiendo la cortina o indicando que miremos al espejo donde se reflejan los
Reyes.
Obra de gran realismo. El magistral empleo de la luz sitúa los cuerpos en el espacio y una
atmósfera real los envuelve
Consigue una distribución magistral de los personajes y una representación plena de la
perspectiva aérea, de modo que parece que podamos pasar entre los personajes.
.
Se desarrolla en una habitación amplia, de techos elevados y paredes recubiertas de cuadros
con escenas mitológicas.
Destaca la luz que ilumina las figuras del primer plano y la luz que entra por al fondo
Crea un juego de luces y sombras que contribuye a la ilusión de espacio interpuesto: perspectiva
aérea.
Potencia la perspectiva la luz del fondo y los planos convergentes de la pared y el techo.
Los colores son claros, luminosos con gran variedad de matices. Predominan los blancos, rosas,
verdosos, ocres… la pincelada es rápida y suelta: difumina los contornos y sugiere las
formas. Lo vemos en las figuras del espejo, los cuadros de las paredes…(anticipa el
impresionismo)
Ha tenido mucha repercusión. Sirvió de inspiración a Goya y ha sido reinterpretada por Picasso.
*Las Hilanderas
Representa la fábula de Aracne, que retó a la diosa Minerva, diosa de la sabiduría y las artes,
a tejer un tapiz para ver quien era más rápida. Minerva transformada en anciana, trató de
disuadirle y de infundirle modestia. Para ello elaboró un tapiz representando los castigos de los
dioses a los mortales que los desafiaban, a lo que Aracne respondió realizando otro, con los
amores escandalosos de los dioses. Minerva finalmente la castigó convirtiéndola en araña y la
obligó a tejer el resto de su vida.
Emplea un recurso usado en Cristo en casa de Marta:
La escena principal aparece en segundo plano; juega con la contraposición entre el
mundo mitológico y la realidad: es una forma de humanizar la mitología.
En el primer plano mas definido y oscuro aparecen 5 hilanderas. A la derecha, Aracne,
sentada en posición de escorzo, en el centro Minerva, con la pierna descubierta hilando
junto a la rueca, y en un segundo plano, otra mujer sentada recoge la lana. Las figuras de
Aracne y Minerva perecen estar inspiradas en figuras de la Capilla Sixtina de Miguel
Ängel.
En el fondo, muy iluminado y con menor nitidez, Minerva con casco guerrero, se dirige a
Aracne en presencia de tres mujeres ante un tapiz que representa los amores adúlteros de
Júpiter: el rapto de Europa.(copia un tapiz de Tiziano)
La pincelada es rápida, suelta ,el dibujo se difumina. Hay manchas de colores ocres,
blancos, rojizos, azulados…
Capta la perspectiva aérea y la luz crea zonas iluminadas y en penumbra.
Llama la atención como representa el movimiento de la rueca con un suave difuminado.
VELÁZQUEZ (Más resumido)
Nace en Sevilla en 1599 y muere en Madrid en 1660.
.
Es el pintor más universal de la pintura española. Fue ,sobre todo, un gran retratista pero
abarcó todos los géneros de la pintura: la fábula mitológica, el bodegón .el paisaje, la
pintura histórica, la religiosa…
Al final de su vida le llegó el mayor reconocimiento que podía tener como pintor, al
serle concedida la cruz de la orden de Santiago
Distinguimos en su pintura dos etapas esenciales: la sevillana y la madrileña como
pintor de corte, hasta su muerte.
Su estilo evolucionó dentro de un profundo realismo:
- desde el tenebrismo sevillano hacia una pintura de gran luminosidad y el dominio de
la perspectiva aérea (captación del aire interpuesto entre los objetos)
-desde un dibujo más detallado y lineal con colores oscuros de la etapa sevillana, hacia
un dibujo de escasos elementos lineales, con colores más fríos y pinceladas rápidas y
sueltas.
Sus composiciones a veces son complejas y muy trabajadas
ETAPA SEVILLANA (1599-1623)
Aquí desarrolló un estilo naturalista influenciado por el tenebrismo de Caravaggio y
también se caracteriza por profundo realismo: contempla la naturaleza y copia la
realidad con exactitud. Para estas pinturas utilizó modelos extraídos de las calles de
Sevilla.
Predominan los tonos ocres, terrosos y oscuros. El dibujo es firme, detallado..
A esta primera época corresponden obras costumbristas de interiores que recogen el
ambiente y retratan personajes populares de la Sevilla de la época:
- Vieja friendo huevos
- Adoración de los Magos
- Aguador de Sevilla
- Cristo en casa de Marta
*Vieja friendo huevos
Escena de interior de cocina con una composición complicada.
En un primer plano vemos los objetos que constituyen un bodegón.
En un segundo plano aparece una mujer con una cuchara de madera en la mano, friendo
huevos. Junto a ella un chico joven . Domina una línea diagonal marcada por una luz
tenebrista.
Dibujo firme, de contornos precisos. Predominan los colores ocres, contrastados con el
blanco del pañuelo, del cuello del joven, de los huevos, de los brillos metálicos.
La luz tenebrista que entra por la izquierda produce sombras que transmiten un gran
realismo como el cuchillo sobre el plato.
Hay un profundo realismo en los personajes populares y en los objetos.
*Adoración de los Magos
Gran realismo . Se cree que pinta su autorretrato, a su mujer y que el Niño Jesús era
una de sus hijos. Ausencia de idealización absolutas. Composición diagonal, colores
terrosos, tenebrismo.
*Aguador de Sevilla
Aparece un hombre mayor (aguador) junto a un cántaro de agua en primer plano que
ofrece una copa de agua a un joven en segundo plano. En tercer plano, entre las sombras
se adivina un tercer personaje de mediana edad.
Según los analistas parece ser que en esta obra recoge las tres edades de la vida: vejez,
edad madura y juventud.
El dibujo es firme. Los tonos son ocres. Hay un contraste con el blanco de la camisa.
La luz tenebrista entra por la izquierda en medio de la penumbra: destaca el rostro del
niño.
Hay un gran realismo en el rostro de los personajes y en los objetos.
Cristo en casa de Marta
Muestra la capacidad de convertir las escenas religiosas en algo cercano y realista .
Composición interesante, aparecen dos escenas.
Primer plano: escena secundaria, Escena de interior donde se representa una cocina
donde una joven maneja un almirez y escucha los consejos de la anciana. Aparece en
primer término un bodegón.
La escena principal se representa a través de un segundo plano: Cristo sentado
acompañado de Marta y María.
Este recurso lo usa en las “Hilanderas”.
Contraste del blanco, luz tenebrista que entra por la izquierda en diagonal.
ETAPA MADRILEÑA (1623- final de su vida)
Estas obras, de un estilo muy distinto del de su madurez, le valieron cierta reputación
que llegó hasta la corte, por lo que fue llamado por el conde duque de Olivare, valido de
Felipe IV para que pintara un retrato del rey que gustó tanto que fue nombrado pintor de
corte . Empieza a alejarse del tenebrismo y a ampliar la gama de colores.
Inicia la fábula mitológica.
En esta etapa madrileña habrá tres momentos muy importantes:
- El contacto con Rubens, durante un viaje que el pintor flamenco hizo en Madrid
- Los dos viajes a Italia
*Los borrachos
En esta pintura interpreta la fábula pagana de un modo muy especial en clave cotidiana .
Representa al dios Baco rodeado de una corte de pícaros que le rinden homenaje.
Podemos decir que combina mitología y realismo.
Representa al dios Baco semidesnudo, de formas blandas..Está coronando a un
campesino que se arrodilla ante él; y él, a su vez, está siendo coronado.
A la derecha un grupo de campesinos de formas rudas. Se les nota el efecto del vino.
Hay uno con una gran sonrisa.
Primer plano: un bodegón.
La luz no es tenebrista. Evoluciona hacia mayor luminosidad, gama cromática, manchas
de color.
Predominan los tonos marrones, ocres… y contrasta el blanco, el tono azulado y rosáceo
del manto de Baco. Marca la corpulencia de los personajes.
PRIMER VIAJE A ITALIA:( 1629-1631)
Supone una revolución personal: le influye el contacto con la obra de Masaccio, Miguel
Angel.
*La fragua de Vulcano
Vuelve a tratar la fábula mitológica de manera cotidiana. Representa el momento en que
el dios Apolo a la izquierda, a medio cubrir, semidesnudo coronado con rayos de luz
divina, se presenta en la fragua de Vulcano de improviso para comunicarle que su mujer
le engaña con el dios Marte cuya armadura está fraguando.
Destaca la expresión de asombro de Vulcano y de todos los presentes.
Hay una composición casi oval en torno al yunque. .
Dibujo detallado y la composición clásica Tiene influencia de Miguel Ángel en la
musculatura de los personajes.
Colores: ocres, terrosos, cálidos, blanco, brillo del metal. Contraste de luces y sombras.
La luz no es tenebrista, hay varios focos: luz que emana de Apolo, del yunque, del
fuego…
SEGUNDA ESTAPA EN ESPAÑA (MADRID) LA CORTE
Es un periodo de plena madurez:
Capta con la luz el aire interpuesto entre los objetos. Luz más matizada.
Los objetos pierden nitidez, se pierden los contornos.
Los colores adquieren intensidad y nuevos tonos: azules, plateados
La pincelada es suelta, rápida: consigue las formas con manchas de color (preludia el
impresionismo)
*Rendición de Breda
Es una obra histórica. Recoge uno de los pocos momentos de gloria de la historia de
aquella época: la rendición de la plaza holandesa de Breda y la entrega de las llaves de
la ciudad al general Ambrosio de Espínola por parte del gobernador holandés Justino
Nassau. Estos dos personajes centran la composición
Es una obra de gran tamaño
Velazquez representa la caballerosidad española en un gesto en que el vencedor trata de
suavizar la humillación echando el brazo por encima del enemigo.
La composición es en aspa A la derecha, los militares españoles. Algunos de sus
personajes dirigen su mirada al espectador, como en los “Borrachos” o en las
“Meninas”, en una puesta en escena típicamente barroca. Sus lanzas muestran el espíritu
de la victoria. A la izquierda, los vencidos. La disposición de los grupos crea sensación
de profundidad, contribuyen a ella sobre todo el caballo en escorzo y la figura de
espaldas de la izquierda
Al fondo un paisaje, uno de los mas bellos de la historia de la pintura pre impresionista:
donde la luz diluye las formas Predomina la mancha de color frente a la línea.
Tonos ocres en vestimentas, el caballo que contrastan con el blanco en cuellos, puños.
Aparecen nuevos tonos verdosos y azulados, grises del paisaje.
*Retrato del príncipe Baltasar Carlos
El caballo da un salto. Los caballos son importantes en la pintura de Velázquez. En este
cuadro se critica la panza del caballo. El cuadro tiene todas las características
mencionadas: luminosidad, primacía del color sobre el dibujo, Espléndidos paisajes
*Velázquez realizó una serie de retratos de bufones de la corte
Son una muestra del naturalismo propio del Barroco. Son personajes enanos,
disminuidos psíquicos, deformes… pero Velazquez se acerca a ellos con un enorme
respeto, resaltando su dignidad y evitando resaltar sus defectos. En todos la pincelada
es suelta y el dibujo se diluye: Don Sebastián de Mora, Calabacuillas, el Niño de
Vallecas
SEGUNDO VIAJE A ITALIA: (49-51)
*Retrato de Inocencio X
Es uno de los retratos de mayor calidad de Velázquez dotado de gran vivacidad e
intensidad en el color
Papa sentado en su sillón papal; mira al espectador y demuestra la gran penetración
psicológica de Velázquez.
Al Papa le impresionó al verlo por el gran realismo, exclamando “demasiado real”
(troppo vero). Refleja a la perfección su carácter duro.
El dibujo pierde fuerza. Pincelada rápida; disminuye la línea a favor del color en forma
de manchas que sugieren formas.
Paisajes
El pabellón de Ariadna , Entrada a la gruta Preludia el impresionismo
*Venus en el espejo
Es uno de los pocos desnudos de la pintura española, pero también uno de los más
bellos de la historia del arte. Representa al amor encadenado a la belleza, que
ensimismada se contempla en el espejo.
Influencia de Tiziano y Rubens.
Mujer desnuda, de espaldas al espectador, tendida sobre un diván, cuyo rostro se refleja
en un espejo sostenido por Cupido. Líneas onduladas.
Transmite sensualidad llena de poesía y armonía,
Velázquez emplea pocos colores, cada uno con gran variedad de matices: azul grisáceo,
blanco, rojo y tonos nacarados.
El dibujo ha perdido nitidez. La pincelada es muy suelta, aplica el color en forma de
manchas que diluyen las formas. Por ejemplo, el rostro lo adivinamos.
-CULMINACIÓN DE SU VIDA ( 51-60)
*Las Meninas
Se trata de un retrato de grupo realizado en 1656 con la infanta Margarita (hija de Felipe
IV) en el centro rodeada de sus meninas (damas de honor). Velázquez simula estar
retratando a los reyes, supuestamente situados en nuestro lugar y reflejados en el espejo
del fondo.(influencia del Matrimonio Arnolfini) Por tanto el tema del cuadro se
encuentra fuera del mismo. Algún estudioso del arte dice que La composición
Primer plano: los personajes se distribuyen en grupos de tres. Primero la infanta
Margarita entre sus dos damas: Agustina Sarmiento con una jarrita de agua a la
izquierda y a la derecha: Isabel Velasco, que se inclina hacia ella, la enana Maribárbola
y Nicolás Pertusato, con el pie sobre un mastín, .Algunos personajes nos observan a
nosotros. Al ocupar el lugar de los reyes parecemos nosotros los retratados.(el mundo
ficticio del cuadro y el real se funden en un solo mundo imaginario.)
En un segundo plano una dama de la corte: y un mayordomo. A la izquierda aparece el
propio Velázquez con un pincel, delante de un enorme lienzo, pintando y mirando al
espectador, pero en realidad miraría a los Reyes.
En un tercer plano, a la derecha, en la puerta abierta, el aposentador real, indicando que
miremos al espejo donde se reflejan los Reyes.
Obra de gran realismo. El magistral empleo de la luz sitúa los cuerpos en el espacio y
una atmósfera real los envuelve
Consigue una distribución magistral de los personajes y una representación plena de la
perspectiva aérea, de modo que parece que podamos pasar entre los personajes.
.
Se desarrolla en una habitación amplia, de techos elevados y paredes recubiertas de
cuadros con escenas mitológicas.
Destaca la luz que ilumina las figuras del primer plano y la luz que entra por al fondo
Crea un juego de luces y sombras que contribuye a la ilusión de espacio interpuesto:
perspectiva aérea.
Potencia la perspectiva la luz del fondo y los planos convergentes de la pared y el techo.
Los colores son claros, luminosos con gran variedad de matices. la pincelada es rápida
y suelta: difumina los contornos y sugiere las formas. Ha tenido mucha repercusión
*Las Hilanderas
Representa la fábula de Aracne, que retó a la diosa Minerva, diosa de la sabiduría y las
artes, a tejer un tapiz para ver quien era más rápida. Minerva transformada en anciana,
trató de disuadirle y de infundirle modestia. Para ello elaboró un tapiz representando los
castigos de los dioses a los mortales que los desafiaban, a lo que Aracne respondió
realizando otro, con los amores escandalosos de los dioses. Minerva finalmente la
castigó convirtiéndola en araña y la obligó a tejer el resto de su vida.
Emplea un recurso usado en Cristo en casa de Marta:
La escena principal aparece en segundo plano; juega con la contraposición entre el
mundo mitológico y la realidad.
En el primer plano mas definido y oscuro aparecen 5 hilanderas. A la derecha, Aracne,
sentada en posición de escorzo, en el centro Minerva, con la pierna descubierta hilando
junto a la rueca, Las figuras de Aracne y Minerva perecen estar inspiradas figuras de la
Capilla Sixtina de Miguel Ängel.
n el fondo, muy iluminado y con menor nitidez, Minerva con casco guerrero, se dirige a
Aracne en presencia de tres mujeres ante un tapiz que representa los amores adúlteros
de Júpiter: el rapto de Europa.(copia un tapiz de Tiziano)
La pincelada es rápida, suelta ,el dibujo se difumina. Hay manchas de colores ocres,
blancos, rojizos, azulados…
Capta la perspectiva aérea y la luz crea zonas iluminadas y en penumbra.
Llama la atención como representa el movimiento de la rueca con un suave difuminado.