Revista Ecos de Asia / Nº 9
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Revista Ecos de Asia / Nº 9
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Presentación ÍNDICE DE CONTENIDOS Especial Aragón y Asia: encuentros pasados, presentes y futuros. Por Marisa Peiró 4 La devoción a la Virgen del Pilar en Filipinas. Por Marisa Peiró 8 Vida y legado de Enrique de Otal y Ric. Por Carolina Plou 11 China en el arcón: el mantón de Manila en eI traje regional aragonés. Por María Galindo 17 Raku VS Abadía el del Arrabal. Jujutsu contra “tozudez baturra” en la Zaragoza de hace un siglo. Por Ramón Vega 21 Lazos de unión entre Japón y Aragón: la historia de Masako Kimura y el cartero de Alpartir. Por Ana Asión 25 Un paseo por “La fascinación por el arte del País del Sol Naciente. El encuentro entre Japón y Occidente en la Era Meiji (1868-1912)”. Por David Lacasta 28 Asia-Pacífico en la Exposición Internacional de Zaragoza de 2008. Por Marisa Peiró 34 La cultura popular japonesa y su influencia en Aragón. Por María Gutiérrez 40 La Asociación Aragón-Japón. Por Carolina Plou 43 Studio Ghibli en Zaragoza. Por Julio A. Gracia 45 “Noh Kabuki, escenas del Japón”, ya en el Paraninfo de la Universidad de Zaragoza. Por Marisa Peiró 47 Crítica de las XVIII Jornaicas del manga y el anime. Por María Gutiérrez 49 Historia y Pensamiento Castillos japoneses II: construcción y mantenimiento de los castillos. Por David Lacasta 53 Jiang shi, los muertos vivientes de China. Por Marisa Peiró 55 Rangda y el terror en Bali. Por Marisa Peiró 60 Como cada mes, y resguardados para la ocasión bajo un espléndido mantón de Manila, desde Ecos de Asia llegamos a sus pantallas. En este mes de octubre hemos querido ofrecerles unos contenidos un tanto especiales, pues las fechas así lo merecían. En primer lugar, hemos dedicado un especial a las relaciones mantenidas entre Asia y Aragón, pues como muchos de ustedes sabrán, Ecos de Asia nació en el seno de la Universidad de Zaragoza. Por ello hemos querido celebrar los días grandes de nuestra ciudad, las Fiestas del Pilar, dedicando una serie de artículos que pusieran de manifiesto las muy diferentes y curiosas relaciones que Aragón ha mantenido con el continente asiático a lo largo de la Historia. Coordinado e introducido por M. Peiró, hemos repasado estos lazos de unión desde la Antigüedad a los últimos días, reseñando también los eventos y exposiciones relacionados con Asia más recientes de la capital aragonesa. Las relaciones entre Asia y Aragón han tenido manera de formas más que diferentes: personajes ilustres de Aragón que visitaron Asia (como el que relata C. Plou) y asiáticos que visitaron nuestras tierras (como leerán en los textos de A. Asión y R. Vega), costumbres que viajaron de Occidente a Oriente (el culto a la Virgen del Pilar, como nos cuenta M. Peiró) y viceversa (como el mantón de Manila, que analiza M. Galindo), y que en definitiva se han implantado de una manera definitiva en nuestra sociedad, tanto a nivel popular (como relata M. Gutiérrez) como de manera institucional (C. Plou se ocupa del caso particular de la labor de a Fundación Aragón-Japón). A la normalización de lo asiático dentro del universo aragonés contribuyen, por supuesto, la realización de grandes eventos tanto presentes (caso de la exposición japonesa permanente en el Museo de Zaragoza, de la que D. Lacasta nos ofrece una guía) como recientes (M. Peiró analiza la presencia de Asia en la Exposición Internacional de Zaragoza). A modo de colofón, hemos querido incluir tres reseñas de eventos y exposiciones recientes que sobre Japón han tenido lugar en la capital aragonesa, Y es que el contacto entre Aragón y Asia está más vivo que nunca. Además de nuestro especial hemos mantenido nuestro contenido habitual: M. Gutiérrez continúa su serie sobre muñecas japonesas, J. Gracia vuelve a presentarnos a ilustradores asiáticos y prosigue recordando la presencia japonesa en la televisón española, M. Fajardo analiza el impacto del célebre tsunami en el cine de catástrofes y L. Martínez se ocupa de tanto del metacine más actual de Japón Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 1 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 como de la imagen que de Tailandia se ha transmitido en el cine occidental; de la parte más histórica se ocupan D. Lacasta, que sigue contándonos acerca de los castillos japoneses, y C. Plou, que nos introduce en la China Han a partir de la exposición Señores del Tiempo. Y todo ello, aderezado con nuestras habituales críticas y agenda. Pero no hemos querido despedir octubre sin unirnos al espíritu que, cada vez de manera más global, impregna los últimos días del mes. Y es que Halloween se ha convertido ya en una fiesta prácticamente universal, celebrada prácticamente en todas partes. A esta celebración de lo terrorífico hemos querido sumarnos ofreciendo una serie de artículos temáticos, a cargo de E. Bravo y M. Peiró: cine de terror y mitología de China, Japón, Indonesia y Singapur se dan la mano para despedir el mes con susto en el cuerpo (y con muchas ideas para los pertinentes disfraces). Ahora, solo nos queda desear que disfruten con la lectura. Fdo. La Dirección. ÍNDICE DE CONTENIDOS (cont.) Arte Introducción a la muñeca tradicional japonesa VI: Ningyô en movimiento. Por María Gutiérrez 64 La China de los Han a través de la exposición Señores del Tiempo. Por Carolina Plou 67 Cultura Visual Ilustraciones con alma. Victo Ngai. Por Julio A. Gracia 72 Cine y Televisión Why don’t you play in hell?, el último triple mortal de Sion Sono. Por Laura Martínez 75 Turismo y drogas: las cárceles tailandesas a través del cine. Por Laura Martínez 79 Ecos de Asia somos: Dirección y coordinación: Marisa Peiró, Carolina Plou. Tesorería: Marisa Peiró. Secretaría: Carolina Plou. Responsable edición web: Carolina Plou. Responsable edición en pdf: Marisa Peiró (variaciones y maquetación) y Alberto Clavería (diseño de portada). Series animadas en España en los años ochenta y noventa III. Por Julio A. Gracia 84 Cine de catástrofes II: Del paraíso vacacional al infierno terrenal. Por Miriam Fajardo 87 De Oiwa a Kayako Saeki: Un repaso a la saga Ju-on. (II). Por Elísabet Bravo 90 Robots vs. zombies: La batalla de los malditos. Por Elísabet Bravo 95 Comité de redacción: Ana Asión, María Galindo, Julio A. Gracia, Marisa Peiró, Carolina Plou. Comité científico: Ana Asión, María Galindo, Julio A. Gracia, David Lacasta, Marisa Peiró, Carolina Plou, Claudia Sanjuán. Colaboradores en materia web: Verónica Blázquez, Alberto Clavería y Fernando Sánchez. Crítica VIKINGDOM. Porque los vikingos en moreno ganan mucho. Por María Galindo 98 Crítica: Lifi, una gallina tocada del ala (2011). Por Ana Asión 99 Breves Los amantes de la cultura coreana están de enhorabuena… 101 ISSN 2341-0817 Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 2 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 3 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Aragón y Asia: encuentros pasados, presentes y futuros. Por Marisa Peiró Aunque a muchos les cueste creerlo, Aragón y Asia han estado mucho más unidas a lo largo de la Historia de lo que solemos pararnos a pensar. Si bien durante las edades antigua y media el intercambio era reducido, no podemos olvidarnos de cómo la antigua Zaragoza, la Caesaragusta romana, era un importante puerto fluvial además de capital de convento jurídico, por lo que recibía productos, y ocasionalmente, personas, de toda la extensión del Imperio Romano, que abarcaba la parte más cercana del continente asiático. O tampoco podemos olvidarnos de cómo, si bien los contactos con Oriente era mucho más reducidos, la Corona de Aragón y sus posesiones, quedaron al frente del mismo con los ducados de Atenas y Neopatria. Pero no nos vayamos tan lejos. Durante la Edad Moderna, esa era de los descubrimientos que llevó a la exploración y la colonización de las Américas y de muchos puntos de África y Asia, la Corona de Aragón fue perdiendo importancia geopolítica, y fue la Corona de Castilla la que, por lo general, se encargó de explorar, de describir, estos lejanos territorios. Zaragoza, como capital del Reino de Aragón y una de las sedes reales de los diferentes monarcas de la Corona de Aragón, mantuvo sin embargo su importancia dentro de lo que sería el futuro reino de España, y como tal mereció algunas egregias visitas, como la de los cuatro jóvenes japoneses (aquella embajada Tenshô, de la que ya nos ocupamos) que en su periplo europeo de 1582 – cuando en sol no se ponía en nuestro Imperio – incluyeron Zaragoza en su lista de ciudades visitadas. En el siglo siguiente, el célebre padre y misionero Pedro Cubero Los cuatro muchachos japoneses que viajaron a Europa en la embajada Sebastián, de origen y formación aragonesa, Tenshô, y que también pasaron por Zaragoza. marcharía a su famosa Peregrinación del mundo – título del libro que en 1682 publicó con sus aventuras -, visitando lugares tan alejados como Armenia, Persia, Arabia, India, Ceilán, Bengala, Malaca, las Filipinas o las Molucas. A pesar de que en este periodo los intercambios personales con Oriente eran bastante escasos, no eran los intercambios de ideas, llegando muchas de ellas a convertirse en elementos bien afianzados de nuestra tradición: por ejemplo, en la comparsa zaragozana de gigantes y cabezudos hubo desde época barroca un engalanado gigante turco, que en el siglo XIX se convirtió en chino. Pero el intercambio era recíproco, pues fue también en época barroca cuando en la sureña ciudad filipina ciudad de Zamboanga, se instauró el culto la Virgen del Pilar, desde aquel Retrato de Pedro Cubero Sebastián, publicado en su obra magna. entonces patrona de la misma y protagonista indiscutible de la lucha contra los moros filipinos. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 4 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 El intercambio con Asia y con Oriente fue poco a poco instaurándose en la vida diaria de los aragoneses; por ejemplo, en la alimentación, todos recordamos como la pasta o el helado – alimentos primero aristócratas y luego burgueses que acabaron abarcando al final todos los segmentos de la población – son en realidad algunos de los elementos que Marco Polo trajo de sus viajes, pero pocos conocerán que la tradicional morcilla de arroz – en Aragón y en Castilla – fue en realidad una invención realizada en la isla filipina de Mindoro. En el campo del vestido, también de Filipinas, de Manila, vinieron aquellos célebres mantones que se volvieron una buscada prenda de moda, en un primer lugar por la clase más alta y que Capilla de la Virgen en el Fuerte Pilar de Zamboanga (Filipinas). actualmente perviven en nuestros trajes regionales. El siglo XIX fue el de la definitiva entrada del lejano Oriente en los tejemanejes de los poderes europeos, y gracias también a la mejora de los medios de transporte, sería igualmente el siglo de los grandes viajeros, militares y diplomáticos, de los que Aragón también participaría: el aragonés Enrique de Otal y Ric sería durante la segunda mitad del siglo nuestro representante más importante, formando parte de la legación española en China, Annam y Siam, y reuniendo al mismo tiempo una curiosa colección artística. Pero mientras que Aragón iba a la China, el Japón venía hacia nosotros. Ya hemos hablado en numerosas ocasiones de cómo el final del siglo XIX y los principios del XX fueron el momento del japonismo, esa “atracción de la En el siglo XIX y XX, los mantones dejaron de ser Manila para ser de toda la época, furia incontrolada que lo ha invadido Hispanidad, como se aprecia en esta obra del argentino Fernando Fader. todo” – en palabras de Adrian Debouché – y que, por supuesto, también invadió la capital aragonesa: entonces se podría leer Le Japon Artistique en su casino y algunas tiendas del centro – tal y como recordaba don Federico Torralba, el futuro abanderado del arte oriental en Aragón – ya vendían objetos chinos y japoneses. Pero el Japón nos llegaba también de maneras mucho más curiosas, tal y como sucede con la presencia de Raku, un japonés que viajó por España demostrando la superioridad de las artes marciales niponas Unos cien brigadistas chinos llegaron a España para luchar en la Guerra Civil. ante cualquiera que dudase de ellas y que tuvo en Zaragoza una peculiar experiencia. No fueron estos los únicos motivos por los que los asiáticos llegaron a Aragón, pues ya en 1930 contamos con un japonés inscrito en los cursos de verano de Jaca – de los más antiguos que se realizaron en España-, iniciando una larga sucesión de asiáticos que desde aquel momento han llegado a la pirenaica ciudad con educativas intenciones; sin embargo, otros muchos llegaron a España lo por motivos mucho más Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 5 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 desafortunados aunque idealistas, como los casi cien brigadistas chinos que desde varias partes mundo llegaron a luchar contra las tropas franquistas durante la Guerra Civil, combatiendo algunos de ellos en la Batalla del Ebro. Afortunadamente, durante el resto del siglo XX se viviría una relación mucho más estrecha entre Aragón y Asia, tanto en la vida diaria como mediante la (re) valorización diplomática e institucional la que ha impregnado las relaciones entre Oriente y Aragón durante la segunda mitad del siglo XX. Si bien el gobierno franquista mostró, hasta los años finales de la Segunda Mundial, una curiosa afinidad al igualmente parafascista gobierno japonés, esta se disipó definitivamente una vez España entró en el Plan Marshall. El japonismo –el orientalismo por excelencia en España– burgués y decadentista, una vez que Japón se había convertido en más en un enemigo para los líderes de la sociedad de consumo (los Estados Unidos), pasó poco a poco de moda, y la idea general sobre el Japón volvió a ser la de un país con algunas – loables– costumbres medievales sobre el honor; geishas, samuráis, y poco más pervivían como un concepto lejano y exótico en las mentes de los españoles. Algo parecido sucedía con el resto de Asia, cuyos habitantes eran vistos con miedo –bien como bárbaros o como enemigos políticos (para el Régimen, cuanto menos se hablase de gobiernos comunistas, mejor)- o completamente ignorados. Si esto sucedía en general a nivel español, el desconocimiento se acentuaba en el medio aragonés, y muy especialmente en el ambiente rural. Pero a pesar de la censura y del control ideológico que Aragón, como el resto de las regiones españolas, sufrieron durante el franquismo, los delicados hilos que unían esta comunidad con el continente asiático nunca llegaron a romperse del todo. Fue Aragón precisamente la protagonista de una de las excepciones más curiosas de la Historia común de España y Japón, la del cartero de Alpartir y Kimura, aquella joven japonesa que gracias a una multitudinaria colaboración entre ambos países logró su sueño, venir a la Península Ibérica a hacerse monja. Será precisamente en este periodo del tardofranquismo cuando Asia vuelva a interesar con fuerza a los aragoneses, tanto por motivos políticos – será la época de llegada clandestina del maoísmo a España – como culturales. La Transición y los primeros años de la democracia vivieron otro tipo de integración entre el mundo asiático y el aragonés. Por una parte, comenzó una integración a nivel demográfico en el momento en el que Aragón – especialmente, Zaragoza – comenzó a recibir inmigración asiática. Los chinos son hoy los más numerosos y visibles, pero no fueron ni los primeros ni los únicos: filipinos, libaneses, sirios, e incluso iraníes huidos de la Revolución cultural,1 – entre muchos otros-, comenzaron a llegar en la década de los 80 y su número es cada vez mayor. Algunos, los más pudientes, venían para estudiar o trabajar en profesiones liberales, pero la mayoría vinieron a empezar desde cero. Poco a poco, pero muy intensamente a partir de finales de la década de los 90 –y siempre exponencialmente–, la ciudad comenzó a llenarse de establecimientos regentados por extranjeros: los más vistosos, antes de la llegada de ese fast-food de Oriente que es el kebab –palabra y alimento de origen turco, pero que en Zaragoza casi siempre nos llega de la mano de paquistaníes y bangladesíes–, fueron los restaurantes chinos, acompañados de algún japonés, indio, y libanés, los que permitían a los aragoneses conocer Oriente no solo mediante los libros, sino esa actividad tan integradora que es la gastronomía. Hoy día, hay zonas en las que los establecimientos regentados por personas de origen asiático superan en número a los españoles, y hace mucho que ya no están relacionados únicamente con la alimentación. Pero mientras Asia llegaba a nuestras casas, también lo hacía poco a poco a nuestros hogares: niños y adultos – pero especialmente, los primeros – veían en la televisión películas y series de y sobre Asia –como hemos tenido ocasión de comentar en varias ocasiones- cada vez más a menudo, y las artes marciales de origen extremo-oriental se convertían en una realidad diaria: para mediados de los 90, la mayoría de los colegios estaban tan familiarizados con las regionales jotas, la gimnasia rítmica o el futbol como con el karate o el judo; más tarde llegarían el taekwondo, kendo, el aikido y un incesante etc. Al mismo tiempo, los adultos se irían acostumbrando a que prácticas como el yoga o el taichi se generalizasen en todo tipo de ambientes y que dejasen de “sonar a chino”. Otros elementos de las diferentes sociedades asiáticas, como la fe, eran menos perceptibles por la sociedad, pero no por ello menos fuertes: Aragón cuenta, por ejemplo con varios círculos budistas – el más célebre es 1 Este caso tuvo un desgraciado desenlace, como puede leerse en El País. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 6 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 el monasterio budista tibetano de Panillo, en pleno Pirineo oscense–, 2 además de con una pequeña pero consistente comunidad Ba’hai. Tal globalización requería una respuesta institucional y académica que, aunque tardía, tuvo en Zaragoza una fuerte y siempre creciente representación. 3 Por una parte, comenzaba el estudio de lenguas asiáticas –japonés y chino-, tanto de manera privada como en instituciones como el Centro Universitario de Lenguas Modernas –que ofrece árabe, chino y japonéscomo en la Escuela Oficial de Idiomas (solo chino y muy recientemente, únicamente en la EOI2 Fernando Lázaro Carreter); 4 por otra, Panillo, entre el Tibet y el Pirineo. como ya hemos comentado en numerosas ocasiones, comenzó también el estudio del arte asiático dentro de la carrera de Geografía e Historia (después, en la Licenciatura en Historia del Arte, y actualmente en el Grado)por parte don Federico Torralba, que continuó –y continúa– con una difusión todavía más grande durante los magisterios de los doctores Elena Barlés y David Almazán, que además dejan tras de una larga y creciente estela de investigadores.5 Aunque todavía queda mucho por hacer, los últimos años han visto también la aparición de una serie de actuaciones que han servido para el acercamiento entre las culturas asiáticas a la aragonesa: en ámbitos muy distintos encontramos por ejemplo la labor de la Asociación Aragón-Japón o la función de la pasada Exposición Internacional de Zaragoza en 2008, aunque tampoco podemos olvidarnos de las numerosas ocasiones en las que se manifiesta también la cultura japonesa más actual: nos referimos, por supuesto, a jornadas, Jornaícas, Salones… y otras actividades relacionadas con el mundo del cómic, la animación y los videojuegos que tienen ya una larga tradición y que conviven pacíficamente con las habituales exposiciones sobre arte y cultura japonesa que se realizan en la capital aragonesa – y que en Ecos de Asia intentamos reseñar regularmente. Por supuesto, todavía queda mucho por hacer, aunque ya se están dando pasos cada vez más importantes en la buena dirección. Parece que llega al fin el momento de China: hace varios meses se firmó un convenio entre el Ayuntamiento de Zaragoza y el gobierno chino para establecer en la capital aragonesa una sede del Instituto Confucio –que se inaugurará en un futuro no muy lejano-, mientras se están firmando más y más convenios con diferentes universidades chinas; no solo del gigante asiático se reciben cada vez más estudiantes – también aumenta el número de los que vienen de Corea del Sur y Japón-, y en 2013, fue precisamente China el país que mayores turistas extranjeros aportó a Aragón, superando por primera vez a Francia. No sabemos que deparará el futuro pero definitivamente parecen buenos tiempos para una normalización y apreciación de la cultura asiática en el mundo aragonés; una cultura que salta incesantemente de las pizarras a las calles, de las tiendas a nuestrosmuseos y salas de exposiciones, siempre en continua expansión y retroalimentación. Asia ha dejado de ser una pasión minoritaria para convertirse en una realidad cada vez más afianzada. En Aragón, Asia está día a día más presente: en nuestra ropa, en nuestra dieta, en nuestras calles, nuestras aulas… y por supuesto, en nuestro corazones. 2 Los otros círculos budistas registrados en Aragón son la Comunidad Budista Soto Zen (Zaragoza), Comunidad Religiosa de Budismo Shambhala (Zaragoza), Círculo Niguma (Graus) y el centro Kagyü Dag Shang Künchab (Zaragoza), ligado al monasterio de Panillo. 3 Desgraciadamente, no se ha producido todavía un acercamiento real a nivel diplomático, pues de los dieciséis consulados honorarios activos en Zaragoza únicamente uno, el correspondiente a Bangladesh, pertenece a un país asiático. 4 Dentro de las enseñanzas universitarias de grados y licenciaturas, algunas carreras daban la oportunidad de elegir árabe como idioma, aunque esta ha sido una opción muy minoritaria. Ocasionalmente, el grupo Sylex de la Universidad de Zaragoza ha ofrecido talleres sobre la lingüística de algunas lenguas asiáticas como el japonés o el georgiano. 5 No sería justo no dedicar una mención a los varios proyectos y grupos de investigación sobre Japón a los que los incansables doctores se han dedicado durante los últimos años. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 7 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 La devoción a la Virgen del Pilar en Filipinas. Por Marisa Peiró En Ecos de Asia no solemos hablar demasiado de Filipinas, pero no debemos olvidar que durante más de tres siglos estas islas fueron colonia española y que precisamente por este motivo muchas de nuestras tradiciones llegaron allá. En un día como hoy queremos acordarnos de una muy concreta, pues la zaragozana Virgen del Pilar es, además de Patrona de la Hispanidad al completo, una figura muy importante y celebrada en algunos de los lugares de Filipinas, que con unos ochenta millones de personas formadas en la tradición católica, constituye el mayor bastión católico de Oriente. A pesar de que no fue declarada Patrona de la Hispanidad hasta el pontificado de Clemente XII en el s. XVIII, la veneración de la Virgen del Pilar comienza en las Filipinas desde los primeros momentos de la evangelización y la conquista, recibiendo La Virgen del Pilar y Oriente: más unidas de lo que parece. En la imagen vemos la imagen zaragozana portando un manto en origami donado por la nombres como Nana Pilar (“madre pilar”) o EMOZ. Apo Pillar. Según consta en los archivos de los Agustinos Recoletos, la devoción a la patrona de la Hispanidad llegó al archipiélago en 1623, de la mano de fray Martín Lumbreras Sanches Pérez Peralta –que luego se convertiría en uno de los mártires de Nagasaki-, que se la trajo, literalmente, desde su Zaragoza natal; el padre Lumbreras llegó a Filipinas con una imagen de la Virgen del Pilar, que primero donó a la iglesia de San Nicolás de Tolentino en Intramuros (Manila), en donde esta se instaló en un altar creado ex profeso. En 1694, los Agustinos Recoletos decidieron Trasladar la imagen devocional a la Casa Hacienda de Imús (en la provincia de Cavite, cercana a la actual Área Metropolitana de Manila), colocándola en la enfermería. Después, la imagen La Diócesis de Imús utiliza el Pilar se colocaría en las como símbolo. sucesivas iglesias de la hacienda, datando la actual de 1823 – que desde 1961 es la Catedral de Nuesta Señora de Imús-. La iglesia, realizada en piedra y ladrillo, se construyó imitando la fachada que en aquellos momentos tenía la Catedral de Manila (diseñada por Juan de Uguccioni), siguiendo las características principales del Barroco hispánico colonial: diseñada con materiales resistentes, y a prueba de los abundantes terremotos que asolaban la región, no arriesgaba tanto en las estructuras como se hacía en Europa, y aunque era muy decorativo, no se prodigaba en materiales nobles como el oro. Catedral de Nuestra Señora de Imús. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 8 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 A lo largo de los siglos, la Virgen del Pilar de Imús ha estado relacionada con varios milagros: por ejemplo, durante la ocupación japonesa en la Segunda Guerra Mundial, estando el ejército invasor destruyendo la ciudad, y a punto de hacer lo propio con la iglesia, recibieron la visita de una mujer de pelo largo con un niño en los brazos, que les habló en japonés y les dijo que se marcharan a casa puesto que ya habían hecho suficiente. Sorprendidos, preguntaron por la identidad de la mujer, descubriendo al entrar en la iglesia que esta no era otra que la imagen que se veneraba. Asustados, abandonaron la ciudad. Igualmente, toda una serie de milagros ocurridos en época recentísima 6 han reavivado la devoción a la Virgen del Pilar en Imús, que es la protagonista de las fiestas locales: todos los 12 de octubre se celebra en Imús una procesión bailada llamada Karakol.7 También en Manila se venera a la Virgen del Pilar. Fueron los jesuitas quienes, en 1643, colocaron una imagen de la misma en la popular iglesia de la Santa Cruz (actualmente, Santa Cruz es un distrito de la colosal Manila), aunque no sería hasta la expulsión de los jesuitas de Filipinas, en 1768, cuando esta fue declarada Iglesia de Santa Cruz en Manila, con la patrona en la fachada. patrona del distrito. La norteña ciudad de Cauayán (en la provincia de Isabela, en el norte de Luzón) tiene su iglesia principal dedicada a “Our Lady of the Pillar”. La misión de Cauayán, fundada en 1739 y declarada parroquia en dos años más tarde, dedicó a la Virgen del Pilar su iglesia principal, realizada en ladrillo por Fray Juan Prieto. A causa de varios terremotos, la iglesia sufrió numerosos daños, perdiendo por ejemplo su torre original. En 1956, Fray Roque Fidel fundó una escuela católica, que en 1979 se convertiría en el actual Our Lady of the Pillar Iglesia dedicada a la Virgen del Pilar en Cauayán. College, une las universidades más importantes de la región. Pero es que la Virgen del Pilar es patrona de muchos otros lugares de Filipinas,8 habiendo además varios que han recibido el nombre de “Pilar” en honor su patrona.9 Uno de los más curiosos es el actual pueblo de San Isidro (en la provincia de Adra, en la isla de Luzón), que durante mucho tiempo se llamó Pilar o Villa-Pilar. Creada en 1885, casi al borde de la Revolución Filipina, su iglesia y su imagen de la Virgen –presumiblemente de origen anterior, traída a la nueva población por los misioneros- tuvieron una vida ajetreada: en 1889 los soldados americanos ocuparon la villa e hicieron de la iglesia sus cuarteles generales; pero la imagen se salvó gracias a que un aldeano corrió a esconderla en el bosque, pues las guerrillas posteriores acabarían quemando 6 [1] Entre ellos, destacan las milagrosas recuperaciones de Bobit Merdeguía en 2001 y de Vida Ramírez Corral y su madre en 2002 y 2003. 7 Una muestra del mismo puede verse aquí: https://www.youtube.com/watch?v=CRPb9zItBCA. 8 Nuestra Señora del Pilar es también patrona de Morong (Bataan), San Simón (Pampanga), Alaminos (Laguna), Mamburao (Mindoro Occidental), Limbanam (Camarines Sur), y de diferentes barrios de Silang (Cavite), Danao City (Cebu) y Taytay (Palawan). 9 Además del que aquí nos dedicamos, hay lugares con este nombre en las provincias de Bataan, Bohol, Capiz, Cebú, Surigao del Norte y Sorsogon. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 9 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 la iglesia. Cuando llegó la paz, se construyó una nueva capilla, y se devolvió la imagen al culto. Pero en 1943, la imagen se salvaría de la destrucción japonesa (cuyos soldados destruyeron casi por completo la localidad) en un verdadero milagro mariano similar al ocurrido en Imús; dos lugareñas corrieron de nuevo a esconderla en el bosque, pero lo mejor todavía estaba por llegar: habiendo ya ardido casi la totalidad de edificios, y con la pira preparada para quemar la iglesia, una bella mujer con un niño en los brazos apareció ante los soldados, y hablándoles en japonés les dijo que tenían que abandonar el lugar puesto que ya había logrado su cometido; sea como fuere, los soldados recogieron sus cosas y, para gran sorpresa del párroco, reconocieron a la mujer del niño en la imagen mariana, antes de salir huyendo hasta el cercano pueblo Pidigan. Pero es en la sureña ciudad de Zamboanga, de la que también es patrona, donde la veneración a la Virgen del Pilar reviste un mayor interés histórico. Fundada en 1635 por misioneros La Virgen del Pilar de San Isidro. jesuitas sobre una población anterior, Zamboanga nacía como una base de resistencia contra los piratas provenientes de China y de los sultanes de Mindanao y Jolo. Por ello, la nueva ciudad se organizó en torno a un fuerte defensivo que recibió el nombre de Real Fuerza de San José y que fue diseñado por Melchor de Vera. Construido con grandes dificultades durante las décadas siguientes, fue abandonado y reconstruido varias veces a lo largo del siglo XVII, adoptando su forma definitiva en 1719, de la mano del ingeniero español Juan Sicarra. Es entonces cuando, por mandato del Gobernador General Fernando Manuel Bustillo Bustamante y Rueda, se encomienda el fuerte a la Virgen y se le cambia el nombre a Real Fuerza de Nuestra Señora del Pilar de Zaragoza, colocándole una peculiar capilla externa que causó una gran devoción. A partir de entonces, se sucedieron tanto los milagros marianos10 como los sucesivos ataques y tomas del fuerte –por su importancia táctica, ha sido importante en casi todas las guerras de la región-.11 Aunque mantiene su curiosa capilla al aire libre, actualmente el Fort Pillar forma parte del Museo Nacional de Filipinas, estando completamente restaurado – declarado Tesoro Nacional en 1973- y albergando contenidos sobre la vida marina de la región. Para saber más: Capilla externa del Fort Pillar. Sobre la Virgen del Pilar de San Isidro: http://www.svdphn.org/aboutus/ourladyof thepillar 10 La tradición cuenta que cuando en 1734 se construyó la capilla exterior del fuerte, la Virgen María se apareció a uno soldado en las puertas de la ciudad. Al no reconocerla, le pidió que se detuviera; cuando lo hizo se postró ante ella. El 21 de septiembre de 1897, cuando un fuerte terremoto azotó el Mindanao occidental, la tradición cuenta que la Virgen María apareció sobre el mar, levantó su mano ordenando a las olas parar, y así salvó a la ciudad de un tsunami. 11 Fue atacado durante la ocupación británica de filipinas, por el Gobierno Revolucionario de Zamboanga durante la Revolución Filipina, por los norteamericanos durante la guerra hispano-estadounidense y por los japoneses durante la Segunda Guerra Mundial. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 10 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Vida y legado de Enrique de Otal y Ric. Por Carolina Plou Estos días estamos descubriendo que los vínculos de Aragón con Asia son más estrechos de lo que podría parecer a simple vista. Y para ello, estamos tratando de sacar a la luz lazos que pueden resultar más desconocidos al público general. Hoy nos trasladamos a la provincia de Huesca, concretamente a una localidad del prepirineo oriental. Viajamos hasta Fonz para conocer a uno de sus ilustres ciudadanos, Enrique de Otal y Ric, un diplomático de alto rango que recibió durante su carrera los más variados destinos, a lo largo y ancho del globo. Enrique de Otal y Ric nació en Fonz en 1844. Era el segundo hijo de la cuarta baronesa de Valdeolivos, María de los Dolores Pilar Ric y de Azlor, y nieto de dos héroes de los Sitios de Zaragoza: María de la Consolación Azlor y Villavicencio, condesa de Bureta, y su esposo Pedro María Ric, tercer barón de Valdeolivos. Ya desde muy joven manifestó sus variadas inquietudes culturales, obteniendo el título de Bachiller en Artes en 1861. Tras estos estudios, cursados en Zaragoza, se trasladó a Madrid para ingresar en la carrera de Derecho, una de las formaciones más prestigiosas de la época, ya que eran unos estudios destinados a los hijos de una clase alta y pudiente, otorgándoles las herramientas para capacitarlos en el ejercicio de puestos políticos. En un momento temprano de su vida, antes de iniciar su carrera diplomática, Enrique de Otal y Ric coqueteó con la posibilidad de entrar Fotografía de Enrique de Otal y Ric. en política, preparando una candidatura para formar parte de las Cortes como diputado. Respaldado por su hermano mayor, V barón de Valdeolivos, que se encargó de recabar apoyos por la región, Enrique se presentó a las elecciones en 1871, obteniendo un resultado desfavorable que terminaría de dirigir su vida, definitivamente, a la diplomacia internacional. Su afán por recorrer mundo le llevó a solicitar un permiso especial al ministerio para poder realizar en 1872 los exámenes para el cargo de secretario de tercera clase que iban a tener lugar antes de que Otal y Ric hubiese podido cumplir los requisitos que se necesitaban para presentarse a la prueba. Su petición fue atendida, y Enrique pasó el examen con éxito. Dos años después recibió su primer destino, al que se incorporaría en 1875: China. Las relaciones diplomáticas de España con el país oriental eran relativamente recientes. Desde el siglo XVI, con la llegada de Magallanes a Filipinas en 1521 y la anexión de la isla en 1565, España había tenido una base de operaciones desde la que iniciar tímidos contactos con el imperio chino, generalmente de la mano de misioneros, así como relaciones comerciales a través de Filipinas. Estos contactos estimularon tanto la ambición de algunos gobernadores que durante el último cuarto del siglo XVI trataron infructuosamente de convencer a Felipe II para conquistar China. Sin embargo, el monarca desestimó esta posibilidad, y el único avance a este respecto fue la ocupación de Taiwán (por aquel entonces conocido como Isla Hermosa) en las primeras décadas del siglo XVII, como enclave estratégico para mantener el comercio que se llevaba a cabo con el Galeón de Enrique de Otal y Ric con algunos amigos y compañeros de la legación Manila. A lo largo de los siglos XVII y XVIII, la española en China.* Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 11 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 situación se mantuvo relativamente estable, con conflictos puntuales, pero con un asentamiento de las tendencias comerciales. La inestabilidad llegó a comienzos del siglo XIX, cuando la expansión de las potencias occidentales convirtió a China en un jugoso objetivo. La tensión generada desembocó en la sucesión de sendas Guerras del Opio (entre 1839 y 1842 la primera, y entre 1856 y 1860 la segunda). Ambas dieron la victoria a las potencias occidentales (Reino Unido en la primera, Reino Unido y Francia en la segunda) y alisaron el terreno para la firma de tratados que estableciesen relaciones entre China y el resto de naciones. 12 Entre estos tratados, España tuvo oportunidad de firmar el suyo en 1864, impulsado por Sinibaldo de Mas. Este texto, que dejaba atisbar unas condiciones menos desiguales que sus predecesores, inauguró además las relaciones diplomáticas entre ambos países, estableciéndose así una embajada, y posteriormente también consulados españoles en China. Una década después, Enrique de Otal y Ric llegó a Pekín para desempeñar las labores de secretario de tercera clase para la legación de España en China, Siam y Anam. Durante los tres años que duró su destino, tuvo oportunidad de conocer tanto las grandes ciudades, Pekín y Shanghái (manifestando en su correspondencia el tedio que esta última le causaba), como también localidades de menor importancia, como Chefoo (actual Yantai). En 1878, abandonó China, y recibió una nueva misión, a la que se incorporó en 1879. En este caso, ejerció como secretario de la representación de España en Turquía, asentado en Constantinopla, la ciudad que es puente entre dos continentes. Allí permaneció dos años, en un momento en el que las habitualmente Tableau vivant en un baile de disfraces celebrado en Shanghai el 11 fluidas relaciones hispano-turcas se habían tornado de febrero de 1876. Enrique de Otal y Ric aparece en primer lugar desde la izquierda.* ligeramente tensas.13 En 1881, Enrique de Otal y Ric recibió un ascenso a secretario de segunda clase, con destino en Montevideo (Uruguay). Este destino no llegó a hacerse efectivo, asignándose meses después a la legación española en Buenos Aires (Argentina), ostentando el mismo cargo de secretario de segunda clase y ascendiendo, en cuestión de dos meses, a ministro plenipotenciario. De nuevo Otal y Ric hacía frente a una misión de importancia y no exenta de dificultades. Allí recibió el encargo de la corona de ratificar el Tratado de Extradición entre ambos países, que había sido firmado por Francisco de Otín y Mesía desde la parte española. Su siguiente destino sería Grecia, entre finales de 1883 y 1885. Antes de dirigirse al destino, en su paso por Madrid, contrajo matrimonio con María Luisa Serrano y Cistué, una ilustre aragonesa descendiente de Luis María de Cistué, también héroe de los Sitios de Zaragoza. Juntos emprendieron un viaje de novios en el que recorrieron parte de la Península y del Mediterráneo, para terminar instalándose en Atenas. Allí su esposa quedó embarazada y decidió volver a España para dar a luz con mayores comodidades que las que contaban en Grecia (estaban instalados en un hotel), acompañada de su marido solo en una parte del viaje. Poco después de su llegada a España, María Luisa falleció por complicaciones en el embarazo. Después, Enrique no volvería a casarse. Tras el triste acontecimiento, Otal y Ric pidió una licencia para volver a España, que le fue concedida, al igual que un permiso de descanso durante una temporada. Su reincorporación a la vida diplomática fue al Ministerio de Estado de Madrid, donde permaneció una década, con algunos meses de destino en La Haya entre 1889 y 1890. 12 El grueso de estos tratados se conoce como Tratados Desiguales. Bajo esta designación pueden enmarcarse, además de los firmados por China tras las Guerras del Opio y hasta los primeros años del siglo XX, los firmados por Japón en los últimos años del Shogunato Tokugawa y los impuestos a Corea por parte de Japón y Estados Unidos. 13 En parte por los intereses españoles en el recién abierto canal de Suez, para lo que se necesitaba una base en el Mediterráneo oriental que amenazaba la hegemonía de Turquía en la zona. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 12 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 A finales de 1894 fue nombrado ministro residente y cónsul de España en Egipto. Resultaba fundamental mantener una estrecha relación con el país, entonces protectorado británico, ya que las buenas relaciones resultaban imprescindibles para poder tener un tráfico fluido por el canal de Suez, agilizando el contacto de España con Filipinas. Su adaptación al nuevo cargo le supuso enormes complicaciones, a diferencia de lo que había ocurrido en el resto de lugares que había visitado a lo largo de su vida. Abrumado por los problemas económicos, sintiendo que el cargo y el destino le venían grandes y aquejado de una profunda melancolía, finalmente decidió poner fin a su vida el 19 de enero de 1895, en la que iba a haber sido su pequeña residencia cairota. Junto al cuerpo se halló una escueta nota, escrita en francés: “L’on ne culpe personne c’est moi” (“no se culpa a nadie, he sido yo”). Sus amigos y compañeros en Egipto lograron que se aceptase un acervo de locura como causa de la muerte, permitiendo así que se le celebrase un funeral católico y que recibiese cristiana sepultura. Durante toda su vida, Enrique de Otal y Ric cultivó su amor por la cultura y las artes, en las más diversas facetas. Atesoró una vasta biblioteca, con títulos dedicados a los más variados campos, desde la historia hasta la economía. Además, era muy aficionado tanto al dibujo como a la composición de versos, letras y cantares, contándose la música entre sus actividades predilectas. Para que el lector se haga una idea, rescatamos aquí un cantar compuesto en honor al monarca y a la reina regente, bajo el título Cantares de un aragonés á S.M. la Reina Regente en el cumpleaños de su Augusto hijo Don Alfonso 13.14 Canté más que una cigarra y lloré luego otro tanto, pero hoy olvido mi llanto y descuelgo mi guitarra. Señora, aquí ley ninguna domina como el cariño y pues al mecer su cuna nada temáis por el niño. A la Virgen del Pilar voy a rezar una salve, porque le enseñe a reinar como gobierna su madre. Y después le pediré que tantos años le guarde como lágrimas vertieron vuestros ojos por un padre. Retrato fotográfico coloreado de María Toda esta inquietud se manifestó a lo largo de sus viajes, especialmente Luisa Serrano y Cistué, esposa de Enrique de a través de la adquisición de los más diversos objetos, que tras su muerte Otal y Ric.* pasaron a formar parte del patrimonio familiar.15 Otal y Ric formó una colección muy variopinta, debido a sus eclécticos intereses, que motivaban las adquisiciones en función de su propio gusto. A diferencia de otros coleccionistas de la época (y posteriores), que ejercían una labor metódica especializándose en algún objeto de su preferencia o con algún interés económico y especulativo, Enrique de Otal y Ric compraba lo que le gustaba, con la única intención de disfrutar de ello o, en algunos casos, de obsequiar y agasajar a su hermana, con la que mantenía una estrecha relación.16 Sin duda alguna, fue China el país que más le marcó en su andadura. Aunque sus últimos años en Egipto evidenciaron también un gran interés por la cultura local, de ningún otro lugar adquirió tantos recuerdos como lo hizo de China. 14 VV.AA., Imágenes del mundo. Enrique de Otal y Ric, diplomático y viajero, Zaragoza, Departamento de Educación, Cultura y Deportes, 2009, p. 24. 15 El patrimonio familiar fue custodiado por los barones de Valdeolivos hasta 1984, momento en el que se realizó una donación de dicho patrimonio al Gobierno de Aragón. Hace cuatro años, esta institución realizó una exposición en el Paraninfo de la Universidad de Zaragoza recuperando la olvidada figura de Enrique de Otal y Ric a través de estos objetos. 16 A diferencia de su hermano mayor y heredero del título familiar, con el que siempre existieron tensiones, de las que Enrique se quejaba ocasionalmente en su correspondencia. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 13 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Estos objetos permiten realizar un retrato del país que Otal y Ric conoció y del contexto en el que se desenvolvió. Prueba de ello son algunas piezas, que suponen a día de hoy meras curiosidades, como por ejemplo los herbarios Fragmento del vendaje de una momia, recuerdo o su sello de diplomático. En el primer caso, obtenido en Egipto.* no son piezas (pues la colección consta de dos) que tengan un especial valor per se, sino que nos hablan de las costumbres de la época en las que ociosos visitantes recogían hojas, ramitas y pequeñas plantas de lugares emblemáticos, para luego rememorar la visita en casa creando estos herbarios a base de pegar las distintas plantas (previamente desecadas) en un papel. El caso del sello, por el contrario, es un recuerdo de su faceta profesional, una forma de identificación que recibían todos los diplomáticos occidentales, un objeto que evocaba la nostalgia de sus jornadas de trabajo. Las piezas adquiridas son muy variadas: desde pinturas sobre papel o sobre seda procedentes de China, pasando por tapices y bordados de Siam, hasta vestidos Sello de Enrique de tradicionales chinos o calzado femenino, Otal y Ric en China.* una pieza que sin duda despertaba enorme curiosidad entre los extranjeros, ya que eran unos zapatos característicos como los llevados por una mujer con pies de loto.17 Mención aparte merece la Zapatos para pies de loto.* porcelana. Las adquisiciones de Otal y Ric abarcan una gran cantidad de platos, jarrones y juegos de café, de muy diversos estilos. Destacan las piezas de cerámica de estilo imari chino, datadas en el siglo XVIII y XIX, que suponen una mayoría cuantitativa en la colección conservada, de lo que se deduce un gusto particular por este estilo cerámico chino caracterizado por unos colores muy vivos (azul cobalto y rojo de hierro como tonos principales), así como el abundante empleo de dorados, en busca de un gran decorativismo. 18 Sin embargo, también se pueden encontrar piezas características de la dinastía Qing, como un jarrón del estilo denominado famille jaune, numerosas piezas esmaltadas en tonos verdes siguiendo una moda para la exportación, e incluso alguna pieza inglesa imitando los gustos orientales que caracterizaron la segunda mitad del siglo XIX. También tienen un lugar especial en la colección las fotografías. Fotografías personales, de amigos y del propio Enrique, algunas verdaderamente curiosas, como las de un baile de disfraces, retratados o formando un tableau vivant, junto a souvenirs de algunos de los lugares visitados: los Países Bajos, Italia y, cómo no, China. Las fotografías de China poseen una calidad Uno de los jarrones de la colección.* 17 Pies de loto es la denominación literal proveniente del chino tradicional que hace referencia al vendado de pies, una costumbre muy extendida algunas regiones chinas, por la cual se vendaban los pies a las mujeres, desde aproximadamente los seis años, para modificar su desarrollo natural, adaptándolo a un tamaño muy reducido y deformado, cuya forma resultaba muy atractiva e incluso erótica. La clave de este erotismo pasaba por no verse nunca los pies sin vendas y descalzos, pues la deformidad física que se causaba rompía la ilusión de gracilidad que estos delicados calzados otorgaban. 18 El estilo cerámico imari chino surgió durante el reinado de Kangxi (o K’ang Hsi, 1662-1722), cuando los alfareros chinos se vieron en la necesidad de imitar el estilo japonés para recuperar su presencia en los mercados extranjeros, una presencia que se había visto interrumpida por la enorme crisis en la que se sumió el imperio chino con la caída de la dinastía Ming (1368-1644) y el ascenso de la dinastía Qing (1644-1911). Esta crisis había favorecido el fortalecimiento de Japón como exportador de cerámicas orientales, forjando un gusto determinado al que China se vio obligada a adaptarse para recuperar su posición, y que después protagonizó una paulatina decadencia. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 14 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 excepcional, teniendo en cuenta su antigüedad, y permiten apreciar, con una nitidez sorprendente, lugares emblemáticos de Pekín, Shanghái y Hong-Kong, también algunos ejemplos de tipos sociales. Destaca además la imagen de la tumba de Tiburcio Falardo, ministro plenipotenciario en el momento de incorporarse Otal a la legación, y que falleció en tierras chinas poco después. La colección se completa con las medallas y condecoraciones que le fueron otorgadas a Enrique de Otal y Ric a lo largo de su vida, en reconocimiento por las labores realizadas en sus destinos. Entre ellas, destaca la Orden Imperial del Doble Dragón, concedida en 1891. Esta orden había sido creada en 1886 a imagen y Fotografía de la tumba de Tiburcio Faraldo, perteneciente a la colección semejanza de las condecoraciones occidentales, fotográfica de Enrique de Otal y Ric.** precisamente para distinguir a extranjeros. La consecución de esta distinción tanto para Otal y Ric como para algunos de sus compañeros de legación que también la recibieron, en distintos grados, no estuvo exenta de complicaciones, puesto que la corte china aducía que estos diplomáticos habían ejercido en el país antes de la creación de la distinción, aunque finalmente, gracias a la mediación del representante español en Pekín, les fue concedida. En definitiva, la colección de objetos que Enrique de Otal y Ric atesoró, de una manera u otra, a lo largo de su vida por los más diversos puntos del globo supone un legado patrimonial de gran valor, más allá de por el valor intrínseco de sus piezas, por su significado. Su vida y su legado constituyeron un ejemplo del viajero decimonónico, con un cierto espíritu romántico y una sensibilidad especial frente a las artes, propia de un hombre cultivado que contribuyó a estrechar los lazos de España con los más Para saber más: diversos países y - Sobre Enrique de Otal y Ric: VV.AA., culturas, y que Imágenes del mundo. Enrique de Otal y acercó a su Ric, diplomático y viajero, Zaragoza, tierra, Departamento de Educación, Cultura y Aragón, un Deportes, 2009. Disponible online aquí. trocito de - Sobre la colección de fotografía oriental aquella China, de Enrique de Otal y Ric: PLOU ANADÓN, todavía Carolina, “Fotografía antigua de Asia plagada de Oriental en Aragón. Una aproximación a magia y la colección de Enrique de Otal y Ric” en misterio, que las Actas de las I Jornadas de desaparecería Investigadores Predoctorales: La Historia a comienzos del Arte desde Aragón, Daroca, 2014 del siglo XX. (pendiente de publicación en los próximos meses). Medalla del Orden Imperial del Doble Dragón.* - Sobre el tratado sino-español de 1864: MARTÍNEZ-ROBLES, Daniel, “Más allá de Notas: los tratados desiguales: concesiones * Las fotografías pertenecen al catálogo Imágenes del mutuas en el tratado sino-español de mundo. Enrique de Otal y Ric, diplomático y viajero, 1864” en III Foro Español de páginas 65, 76, 239, 350, 307, 441, 379 y 278 Investigación sobre Asia Pacífico, respectivamente. Granada, Universidad de Granada, 2010. **Imagen obtenida del servicio de Documentos y Archivos Disponible aquí. de Aragón gestionado por el Gobierno de Aragón, DARA. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 15 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 China en el arcón: el mantón de Manila en eI traje regional aragonés. Por María Galindo Este artículo no habría sido posible sin la ayuda de Jorge Lanzuela Paricio, a quien pertenecen los mantones aquí fotografiados. La indumentaria regional de casi cualquier lugar busca en los antiguos modos de vestir extintos, o a punto de extinguirse, una riqueza cultural que ayude a definir la identidad de una tierra. La conciencia de la posible existencia de unas ropas regionales, o nacionales, llega a las mentes europeas con los últimos estertores del Antiguo Régimen a lo largo del siglo XIX.19 En el caso aragonés para hallar el “unifome regional” que hoy en día se luce tanto en fiestas patronales como en rondallas joteras, hemos de retrotraernos hasta la segunda mitad del siglo XIX cuando, conscientes de los cambios de nuestra sociedad que poco a poco abandona las formas de vida tradicionales rurales, algunos buscan, como ya había ocurrido en toda Europa, Mujeres en la Plaza del Torico de Teruel en 1915 ataviadas con sus ropas de la esencia de Aragón en los ropajes que se diario mezcla del corte oficial de la época y el propio uso de la misma entre colocan como puntales para definir esta el pueblo llano. identidad aragonesa. Este es el momento de regeneracionistas y regionalistas que, poniendo los ojos en el pueblo llano, buscan en diferentes manifestaciones culturales lo auténticamente aragonés o lo auténticamente español, catalán, gallego… según se tercie. Aragón a finales del siglo XIX y principios del XX seguía siendo una sociedad rural cuya mayor parte de la población no había abandonado sus tradiciones, por ello cuando en otros lugares se recuperaba el vestir tradicional aquí aún existían pueblos que no habían cesado de usarlo, ya que nunca se habían integrado completamente en la moda internacional. Cuando plenamente entrados en el siglo XX llega la modernidad a todos los pueblos de España, se propicia el surgimiento de los “trajes regionales” como tal, unos estereotipos inspirados en prendas auténticas que se fijan a partir de la década de 1940 gracias, en gran parte, a la acción de la Sección Femenina y otros organismos afines al régimen franquista que, en medio del proceso de reconstrucción de la nación española y lo que significaba pertenecer a ella, reconocen la regionalidad como algo Ropa de diario según la moda oficial en 1915 en: La Moda valido pero que necesita de control y definición. Elegante, 1915, Cádiz. En Aragón aparecen en este momento dos versiones: el traje de dama y el de labradora, siguiendo el modelo de las jóvenes que se presentaban en Zaragoza a los concursos de Reinas de las Fiestas del Pilar. Los trajes de dama fueron inspirados en los burgueses de los siglos XVIII y XIX. Mientras que los de labradora, estaban basados en la ropa diaria del siglo anterior con la falda acortada y acompañados de mandiles y mantones de Manila. Es necesario recalcar, pese a su nombre, que no 19 O ya en el siglo XX, esto depende del desarrollo industrial de cada zona. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 16 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 estaríamos ante un traje de faena sería, más bien, uno de diario que puede engalanarse y que se ha transformado en el actual traje de baturra. Pero la tipificación no los convierte en algo estático, ni mucho menos, y van cambiando según el interés de la propia poblaciónles haga abandonar el estereotipo y avance el trabajo de diversos investigadores y asociaciones que recuperan no sólo la autenticidad de los conjuntos sino también la popularidad de estos. Entre otras numerosas prendas pertenecientes a la moda decimonónica, el mantón de Manila se incluye y luce con orgullo en el traje aragonés desde su primera definición, y es que Aragón y esta prenda tienen una larga historia en común. Los mantones de Sesión de jotas en el Casino de Teruel organizada por la Sección Manila son una Femenina que promulgaba este tipo de eventos en los cuales ya se prenda realmente puede ver un traje de baturra tipificado con mantones de Manila. imprescindible en todo el contexto hispano del siglo XIX. Pueden encontrarse estos mantones en muchas de las casas de nuestra comunidad desde finales del siglo XIX hasta nuestros días. Se trata de una prenda que aparece en los pueblos de casi todas las latitudes de Aragón como la lógica continuación del uso de pañuelos, pañoletas, mantillas y mantos diversos que se usaban con frecuencia desde el siglo XVIII, cuando, además, podemos empezar a ver datos fiables que señalan el uso de mantones bordados en seda. Pero no es hasta 1821 cuando ya se describe como tal el mantón de Manila en la Casa de Contratación de Sevilla. El éxito de estos en la moda española fue, para Galdós, fuerte pero efímero ya que según este escritor el mantón de Manila, y en general el tejido de seda chino, Cartel de las Fiestas de San Fernando en decayó hacia 1845-1850 en las ciudades, Teruel de 1936, apenas un mes antes de y señala que en 1885 es una pieza casi que estalle la Guerra Civil, en el que la perdida para la generalidad de la mujer luce un mantón de Manila. población que sólo el pueblo conserva. Y es este pueblo el que lo ha guardado hasta la actualidad integrándose en prácticamente todos los trajes regionales de España y muchos de Sudamérica. Aunque vemos que para la moda hispana el mantón nace en el siglo XIX, sus orígenes los podríamos situar en el siglo XVI cuando Filipinas es conquistada por los españoles convirtiéndose Manila en la capital de la colonia y en un centro económico muy importante para el Imperio Español. En esta ciudad, numerosos productos de lujo como la porcelana y las sedas de China eran importados para llevarse después a México y/o España. Entre estos productos se traen los que podríamos considerar como los antecedentes de nuestros mantones: telas de seda bordadas en las ciudades chinas del sudeste del país – principalmente Macao o Cantón- desde donde se exportaban junto con abanicos, sedas y especias a Manila. Estas sedas bordadas eran usadas de las más diversas maneras: para tapices, sobremesas, colchas de cama (los motivos chinescos se conservaron hasta la mitad de siglo XX en Aragón como algo frecuente en estas), etc. Las telas bordadas se embarcarían desde Filipinas hasta enlazar con el comercio español por la ruta ManilaAcapulco-Veracruz- Sevilla. Su paso por México las deja allí como un Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Mantón de Manila de bordado monocromo en celeste sobre amarillo. Mediados del siglo XIX. Página 17 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 símbolo regional equiparable al español. 20 Una vez llegados a España sería donde se le adherirían los característicos flecos de macramé que todos relacionamos con esta prenda (por ello, los mantones de la primera mitad del siglo XIX tienen un color diferente que sus flecos). Rápidamente en China, con vistas a ampliar el negocio, empezaron a crear mantones al gusto occidental con flecos y usando los colores de moda del momento (un ejemplo de esto sería la abundancia de amarillo en los mantones entre 1850-1880). Dado el gran éxito de estas prendas, se empezaron a copiar en México y en España. Cuando este país pierda definitivamente las colonias se iniciará en Sevilla el desarrollo de una industria de mantones de elaboración autóctona – los llamados mantones de cigarreras- con grandes bordados florales de hilos más gruesos y resistentes que los anteriores chinos de bordado más delicado y frágil. Además, a finales del XIX aparecen los bordados mecánicos que abaratan el coste y aumentan la producción. Y no sólo en Sevilla se elaboran estas piezas, también en Zaragoza veremos como gracias a los sederos de la zona se crean mantones de seda con motivos tomados de los de Manila. Dado el clima frío de Aragón, aparecieron también mantones de lana merina con bordados chinescos o indios (estos últimos eran más frecuentes en las prendas de algodón llamadas indianas). La aceptación no fue el fin de esta historia, que siguió en las múltiples adaptaciones de esta prenda y su evolución en el vestir tradicional y la moda contemporánea. Gran peonía bordada en China a la que posteriormente imitaron las rosas que se bordaron en los mantones españoles. Sin duda alguna, una de las esencias de esta prenda es su material: la seda, invento chino por excelencia, es un caro y delicado tejido que se usaba tanto en la base como en el bordado de los mantones. Para su fabricación se ejecutaban los dibujos con hilos de seda mediante un largo proceso, que comenzaba con el bocetado de los diseños sobre un papel que se perforaba, luego se pasaban tizas sobre estas plantillas perforadas dejando así la impronta del dibujo en la seda, que, tras ser colocada en un bastidor, se bordaría según la técnica de pintura de aguja (o acu pictae) con los puntos de bordado plano, puntos de matiz chino, pasado plano y cordoncillo. A estas técnicas de bordado añadimos que, entre los años 1870-1890, a veces se incluían las caras Cortesana china bordada cuya cara ha sido resuelta de los personajes chinos en marfil, con sus rasgos pintados incluyendo una pieza de marfil en la que los rasgos han sido con gran delicadeza. Llama la atención que debajo de pintados con los llamados “pinceles de un solo pelo”. La este rostro de marfil iba otro bordado, previendo la caída de dama aparece ataviada con un vestido de corte changyi, la pieza. Estas caras de marfil van sumando una tocado y abanico plegable, por lo que podemos suponerle suntuosidad y barroquismo que a finales de siglo llegan a su una alta posición social. culmen, alcanzando las piezas su mayor tamaño (el mantón de boda podía llegar a medir 160x160 cm) y exuberancia gracias a una decoración abigarrada, tanto por el número de motivos dispuestos como por el uso de vivos colores. Pero ésta debió de ser una moda pasajera, ya que los mantones más comunes generalmente tienen el bordado monocromo, en un contraste sin estridencias con el fondo, y los motivos son generalmente más escasos y dejan libres, o con pequeñas decoraciones, las dos esquinas laterales. Por otra parte, dependiendo de los motivos usados, se clasifican en Aragón los mantones de Manila en tres tipologías principales: mantón de chinos (con escenas de personajes chinos al aire libre rodeados de jardines, pagodas, animales y flores), mantón de pavas (con aves que en origen serían chinas y que una vez se elaboran aquí se cambian por pajarillos y gallos), y mantón de coles (decorados con grandes flores). Pero la importancia de estos motivos va mucho más allá de su clasificación temática: en ellos se guardan significados obvios para el espectador chino, pero desconocidos para el consumidor occidental. Lo cierto es 20 Muchos estudiosos señalan que, seguramente, el primer uso de estas telas como mantón se encontraría en Sudamérica, desde donde se extendería a la metrópoli. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 18 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 que, si bien todas las culturas tienen sus propios símbolos, con sus significados más o menos positivos,21 en China los significados simbólicos juegan un gran papel en la vida cotidiana. El lenguaje chino, lleno de homófonos y de palabras-signo, está impregnado de significados cosmológicos y míticos 22 que dan a todo un segundo sentido. Así, cuando estamos ante un verdadero mantón de Manila, éste nos habla en su propio lenguaje: los animales, flores, frutas y elementos del paisaje bordados tienen una carga simbólica que puede pasar desapercibida, pero que es una parte importante de la pieza. Uno de los signos más comunes en los mantones es el de la flor, y la más común es la peonía. Ésta es conocida en China (y en Japón) como la reina de las flores, un símbolo de la Cuatro fénix o feng-hua emprenden el vuelo en las cuatro emperatriz que se identifica con la salud y el honor; otra flor direcciones cardinales, símbolos de la emperatriz y del que aparece con cierta frecuencia es el clavel, símbolo del elemento yin. amor maternal. Junto con las flores también aparecen otros vegetales, como diversos árboles, o el bambú, que se identifica con la longevidad, la vitalidad y la adaptabilidad a los avatares vitales, ya que permanece siempre verde. Acompañando a las plantas vemos también animales de la más diversa índole: mariposas, símbolos de la longevidad y la felicidad; Peces que representan la abundancia y, si van en pareja, significan también un matrimonio fructífero con gran descendencia; elefantes que se relacionan con la alta moral y simbolizan la fuerza y la astucia; ciervos que, según la tradición china, son el único animal que sabe dónde se esconde un sagrado hongo que da la inmortalidad y por ello nos hablan de longevidad y salud. Los insectos en general, y la mariposa en particular, son motivos frecuentes en el arte extremo oriental. Quizás los animales más habituales en los mantones sean las aves: el pavo real (símbolo de belleza y dignidad); el gallo, que es un animal protector que guarda del mal; el ave fénix, rey de Los gallos según la tradición china son los pájaros y símbolo de buenos guardianes contra el fuego. la emperatriz y los valores asociados a ésta, es decir, prosperidad y feminidad, es el equivalente femenino al dragón imperial (si aparece con el dragón son símbolo de la pareja imperial que El pavo real es considerado un animal de elevada estirpe y gobierna sobre un mundo en equilibrio). A él se le atribuyen gran belleza. nociones de bondad, sinceridad, buen hacer y conocimiento; etro ave destacada por su relación con la casa imperial es el faisán, en relación del emperador y la belleza; las parejas de ocas que podemos ver apaciblemente en el río son símbolo del matrimonio y su buen funcionamiento; las grullas nos vuelven a hablan de longevidad y de alto estatus en la escala social; las garzas de los caminos a seguir… 21 En el caso concreto de la cultura china son símbolos muchos más positivos que los occidentales, pues generalmente nos hablan de longevidad, prosperidad, felicidad… 22 Estos significados y símbolos que pueblan los mantones provienen de, al menos, tres cosmologías diferentes: el confucionismo, el budismo y el taoísmo. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 19 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Un animal volador que aparece frecuentemente, sin ser un ave, es el dragón imperial. Símbolo del emperador, la autoridad y la protección divina, de la energía vital qi, y el más poderoso imán para la buena fortuna, su sola presencia atrae la abundancia (muchas veces en forma de lluvia, por lo que es acompañado por Escena de agricultores que cumplen con sus obligaciones en un mundo armonioso. nubes). Junto con los diversos animales y plantas, en los mantones se representan también diversos objetos que a primera vista pueden parecer intranscendentes o meramente decorativos, pero que esconden sus propios significados, como un juego de ajedrez, símbolo del pensamiento académico, pagodas hablándonos de la religión budista, sombrillas que remarcan el estatus social del que descansa bajo ellas… Vemos a un noble llevado en un palanquín junto a dos grullas, símbolos del camino. Otro motivo que a veces hace aparición enmarcando las escenas son las grecas o esvásticas, un antiguo símbolo indoeuropeo que, en Asia, nos habla del corazón de Buda y del funcionamiento del universo. También en algunos casos vemos dioses portando diversos atributos, como la espada que corta la ignorancia y la maldad, o cuencos de prosperidad. Y junto a los dioses vemos escenas cortesanas, con hombres de corte vestidos con ch´i-fu, y Para saber más: mujeres - AA.VV., Indumentaria tradicional Una deidad en su templo. aragonesa. Apuntes para una historia, en changyi o chenyi, ropas semiformales de corte, PRAMES, Zaragoza, 2012. acordes con el aire desenfadado pero noble de las escenas. También es posible encontrar representaciones de las - AA.VV., La indumentaria tradicional en el labores del campo, pesca, o trabajos manuales. Con estas Bajo Aragón y Matarraña, PRAMES, escenas y símbolos Zaragoza, 2010. vemos cómo muchos - Hann, M.A., Dragons, Unicorns and mantones tienen Phoenixes-Origin and continuity of representados los tres technique and motif., University of Leeds, niveles de la sociedad 2004. china: el religioso, el cortesano y el - Hernández Galicia, R. Fraga, rica en productor. indumentaria tradicional, Amics de Fraga, Fraga, 2008. Mantón en el que transcurre una escena con dioses, una pagoda, relacionada con lo divino, y un tridente, símbolo de la trinidad taoísta. - Rodríguez Collado, M. La pieza del mes…Mantón de Manila, 1850-1860. Sala XX (Gabinete), Museo del Romanticismo, 2012. - http://www.pacificasiamuseum.org/ran kandstyle/ Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 20 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Raku VS Abadía el del Arrabal. Jujutsu contra “tozudez baturra” en la Zaragoza de hace un siglo. Por Ramón Vega A caballo entre los siglos XIX y XX, el japonismo en todas sus vertientes hacía furor en Occidente. Esto englobaba muy diferentes facetas culturales, y el deporte no fue una excepción.Hemos de tener en cuenta dos puntos importantes para valorar este hecho: el exotismo y la superioridad. Exotismo debido a la distancia entre culturas, la aparente carencia de fuerza de los practicantes de estas artes y el sempiterno referente del samurái. La superioridad proviene de las victorias militares japonesas sobre sus vecinos; China es derrotada en 1894-95, mientras que Rusia sufrió decisivas derrotas una década después. Evidentemente, cuando los estrategas occidentales repasan las causas de estas victorias, encuentran en la formación de los militares japoneses un gran peso de la disciplina y las artes marciales. De la sorpresa se pasa a la admiración y de la admiración a la imitación. Pero para ello, se necesitaban maestros. Y Raku sería un pionero. Había sido formado en kenjutsu y posteriormente jujutsu, destacándose por ello en el servicio militar de Japón. Al concluir su periplo en las fuerzas armadas del país, es llamado por el Reino Unido para la entrenar a sus policías y militares. Corría por entonces el año 1903. SadakazuUeneshi contaba con veintidós años cuando desembarcó en Londres. Pronto, sus alumnos decidieron bautizarlo comoRaku, nombre que adapta con evidentes muestras de visión comercial de su propia figura. Su fama va en aumento, llegando a ayudar en la configuración de nuevas e interesantes artes marciales nuevas como el bartitsu, del que el insigne Scherlock Holmes haría uso en su último enfrentamiento con el pérfido Moriarti. Hasta ahí llegaron las influencias de Raku en la literatura. Saltará a la fama, fundando nuevas escuelas por Europa, haciendo innumerables demostraciones e incluso escribiendo un libro sobre el jujutsu, el primero en Occidente. En España Como era de prever, España también se interesa por las artes del japonés, más aún después de que fundara una escuela de artes marciales en Lisboa. Así que a finales de 1907 Raku hizo las maletas y llegó a España. En esta primera gira de demostración visita numerosas ciudades y villas, no únicamente grandes capitales. La respuesta por parte del público es verdaderamente positiva; sólo en Barcelona, Carlos Gutiérrez García atestigua más de cincuenta funciones. Durante esos días, los periódicos dejan constancia de los llenos en el aforo, mientras que el resto de espectáculos de las largas jornadas nocturnas quedan relegados por la habilidad del japonés. Y es que Raku, competía con sus artes con innumerables Raku, en Bilbao (centro) y Deko, sentado, 1908. espectáculos. Era el mundo de las varietés. El show Raku tenía que hacerse un nombre en ese mundo del espectáculo. Las compañías de teatro pugnaban por encontrar un espectáculo que les hiciera triunfar sobre el resto, con los consabidos beneficios económicos. Así que nuestro protagonista compartía aplausos, telones y camerinos con jóvenes prodigios del violín, chimpancés amaestrados, virtuosos del diávolo, tunos y bailes de jota. Por no hablar de las incipientes sesiones de cine. No obstante, mediante una publicidad astuta y el incentivar los puntos fuertes del show, especialmente los combates con los voluntarios, Raku se hizo un lugar en el mundo del espectáculo. Así, logró serla función estrella allí donde pisara las tablas, siendo su llegada anunciada con máxima expectación y levantando pasiones, hasta el punto de codearse con la flor ynata de la sociedad española del momento, como Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 21 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 veremos. A pesar de ello, son múltiples las muestras de humildad del japonés. Ya sea en entrevistas, o trabajando como el que más entre bambalinas, se hizo con el corazón de los españoles, marcando durante décadas la idea de muchos de ellos sobre los japoneses. Pero Raku también contaba con detractores. Estos venían de dos fuentes y en ocasiones imbricaban sus quejas en una sola. Por un lado, estaban los defensores de los deportes occidentales, que sentían en la superioridad física del nipón un ataque contra lo que ellos veían como tradiciones de origen en las culturas clásicas mediterráneas. Por otro lado, más insidiosas fueron las voces que, sobre todo a partir de la segunda visita de Raku a España, en 1909, se desataron. Estos denunciaban el espectáculo cómo una farsa. Unos por referencias a ciertas oscuras figuras que surgían entre el público para retar al japonés.; otros, los más, se quejaban, incrédulos ante la potencia física demostrada por el japonés mediante movimientos suaves y fluidos que, a su parecer, poco podían hacer contra 110 kilos de puro músculo de los locales. Sea como fuere, Raku entró y salió invicto del territorio español, lo que no hizo sino incrementar su leyenda. Existían dos tipos de sesiones, las normales, en las que Raku resultaba el colofón final a espectáculos más habituales sobre el escenario, y “extraordinarias”, en los cuales era protagonista indiscutible de principio a fin. Estas segundas fueron las más habituales con llenos absolutos y el público aguardando en pie, generalmente alentados por el bullir de la prensa en las semanas previas. Una vez se levantaba el telón, el director de escena daba unas ligeras indicaciones sobre el espectáculo, donde se adelantaban Raku en sus lides con la cupletista Chelito en las tres partes de las que constaba: el aspecto defensivo Barcelona, 1908. del jujutsu, el gimnástico y, finalmente, el deportivo, con el colofón del reto al público. La tónica en esta primera parte del programa, el aspecto defensivo, era sencilla. Raku recurría a su ayudante Etaro Deguchi, más conocido como Deko, uno de sus alumnos. Este aparecía en escena vestido a la manera de un apache, que no era un nativo americano sino un asaltante corriente en la jerga urbana del momento. De esta guisa, Raku de traje y Deko de apache, simulaban típicos asaltos a mano armada, en los que nuestro protagonista reducía sin problemas al pérfido malhechor. A estos se añadían ciertas lecciones específicamente indicadas para las damas, a fin de que éstas tuvieran a su disposición un amplio repertorio de respuestas ante quienes hacían oídos sordos a rechazos de sus encantos. El aspecto gimnástico requería un nuevo cambio de indumentaria. Raku aparecía entonces con su Gif animado recompuesto mediante las imágenes que ilustraban el “pijama” o “traje de lucha” característico. Al inicio manual de Raku. 1905. de su gira, esto llegó a suscitar mofa del público en los primeros compases del evento, hasta que los movimientos del personaje daban paso a la admiración. Y por qué no decirlo, al respeto, ya que poco a poco se veía que los grandes logros del nipón, voceados por la prensa, tenían visos de ser muy reales. No era precisamente la parte que más atraía del espectáculo, por lo que Raku fue incrementando otras demostraciones de fuerza y resistencia. Se pueden resumir, a manera de tópico, en romper cosas para el deleite del público. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 22 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 La tercera parte, el aspecto deportivo, comenzaba con una serie de llaves detenidamente explicadas, con buena didáctica y conocimientos de anatomía, a las que se añadían las reglas del combate. En algunas regiones, los sportmen locales, deportistas por lo general de las élites burguesas, salían a la palestra para recibir indicaciones de cómo llevar a cabo tales abatimientos sobre el desdichado Deko. Finalmente, llegaba el momento más esperado de la tarde-noche: los combates. Si bien es cierto que el resto de demostraciones tenía su público, esta parte desataba pasiones. Se recurría entonces a una lista de voluntarios, con inscripciones abiertas desde los días previos. Las motivaciones eran múltiples: desde buscar el respeto de los conciudadanos, demostración de las capacidades de lucha grecorromana, desterrar la leyenda de Raku, o simplemente ganarse unos buenos sueldos. Porque sí, había recompensa por vencer al imbatible Raku: nada más y nada menos que 500 pesetas del momento, que bien daban para vivir un año. A esta emoción se añadía la que motivaban los corredores de apuestas avispados, quienes hacían su agosto, azuzando al pundonor patrio de los Caricatura de Edith Margaret Garrud como una de las primeras interesados para que apostaran por “su” luchador occidentales que fueron aleccionadas en las escuelas de Raku. local. Los términos de la victoria se fueron haciendo cada vez más variopintos, ya que pocos podían competir con el representante de Japón. Evidentemente, esto animó a otros muchos y fomentó las críticas de otros, por considerar trucos en estas nuevas modalidades de combate. En Zaragoza Ya en 1909, finalizando su tournée por España en Gijón, a Raku se le pregunta por el mayor problema acontecido en sus lides; no duda un instante, en parte azuzado por el entrevistador. Los mayores problemas los había tenido en Zaragoza. Y por partida doble. Este es su relato, traducido de primera instancia por su intérprete Alberto Entrialgo para el periódico “El Noroeste”: Luchaba con un aldeano corpulento. Algo así como un oso con camisa. Las manos de aquel aragonés parecían zarpas de tigre. Al primer intento agarró al muñeco de Raku y quiso despedirlo violentamente, pero el muñeco había hecho presa a su vez y ambos rodaron por el escenario. Raku quedó debajo, porque, dice, la posición en que quede no importa para sus fines. Aquel oso no se conformaba con que sus cien kilos de peso amagaran aplastar al japonés. Para algo tenías las manazas; y con la diestra quería achatar aún más el rostro de Raku. Este tornaba primero los golpes, pero ante la tozudez del baturro y cuando el auditorio creía vencedor a su paisano, Raku apeló a una de sus llaves, y dos de sus pequeños dedos oprimieron al cuello miureño. El aragonés cesó en sus golpes, y medio asfixiado soltó la presa. Le habían echado la llave shime. Y es que lo acontecido en Zaragoza trajo ríos de tinta. El combate fue especialmente duro. Abadía el del Arrabal, que fue el “oso con camisa… y manos de tigre” era un corpulento lugareño. Nada que ver con el 1,65 y 58 kilogramos del maestro del jujutsu. Pero pese a no estar formado en las artes de la lucha como otros contendientes de Raku, hizo pasar un mal rato al japonés. El asiático estaba más habituado a que algún contendiente se le resistiera a base de presas, o con conocimientos de otras artes marciales asiáticas, como aconteció en Bélgica o contra el inglés Hackenshmitz, que ya había sido aleccionado por otros maestros. Incluso, como sucedería a otros japoneses del mundo de las varietés, a que se le enfrentara a un púgil americano de ganchos devastadores. De entre los más fuertes, en Tolosa encontró al oponente más fornido que se había encontrado hasta la fecha, un aldeano llamado Segundo. Al parecer hacía demostraciones levantando 128 kilos con un solo brazo. Si el aragonés era un “oso”, Segundo era un “camello”, según el propio Raku. Pero de los más de tres mil contendientes de Raku a lo largo y ancho de sus giras por Europa, sólo uno le hizo frente a “guantazo limpio”. Y ese fue Abadía. También había otro tipo de contendientes, mucho más llevaderos: políticos, toreros e incluso coristas se enfrentaron al japonés, y atendieron a las lecciones de jujutsu. Uno de los casos más recordados fue el de la Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 23 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 cupletista Chelito, una de las máximas bellezas del momento, quién aceptó encantada las clases de Raku. Sólo la idea de verla preparada para el combate avivó hasta a la prensa del ejército tratando el tema como espectáculo “muy culto”, aunque dejan el siguiente comentario: “Ya entre dos varones es algo repugnante ese frotamiento de músculos desnudos y revolcarse por el suelo; ¡Qué no será cuando uno de los luchadores pertenezca al bello sexo!“. De las conexiones del luchador con el mundo del espectáculo surgen innumerables incertidumbres y rumores, aunque posiblemente el más llamativo surgiera a finales de 1908, cuando surge la idea de que Raku podría dedicarse al mundo del toreo por ser una carrera “más lucrativa y duradera”. El segundo problema de Raku en Zaragoza fue el público. Y es que, los maños habían visto tan próxima la victoria de su paisano, que no comprendieron la victoria final del nipón. Un shime-waza, asfixiando al contendiente, no es una cosa que se viera todos los días en Zaragoza. Así que el público, envalentonado por la bravura de Abadía, comenzó a gritar. De los gritos pasaron a los insultos y de los insultos, varios intentaron subir a la palestra sin otra intención que dar un buen escarmiento al maestro. Obligó esto a dar conclusión al espectáculo, hasta que, finalmente, las fuerzas del orden tuvieron que intervenir para la salvaguarda de Raku. El caso es que el Día de Reyes de 1909 el contrato de Raku en España rescindía, faltándole aún unas cuantas regiones por visitar. Evidentemente era un negocio redondo contratar al “invencible”. Pero para endulzar aún más el contrato, retaba a dos contendientes de toda su gira por España: uno, Eltzekondo, pulsolari vasco originario de Hernani que, gracias a su fuerza y formación en la lucha, siguió durante un tiempo la estela de Raku; el otro, Abadía. No obstante, había una cláusula en ambos casos: no combatirían en sus respectivas regiones de origen. El motivo de esto es evidente: evitar que el público participe de manera demasiado activa en las contiendas. O mejor dicho, después de que estas tengan lugar. Vemos pues cuales son los peligros de las varietés: la cercanía al público reporta más entradas, pero también puede ocasionar más de un altercado. Acontecimientos semejantes sólo se dieron en Bilbao. Era el final del espectáculo cuando un nuevo retador surgió del público. ¡Nada más y nada menos que otro japonés! La polémica estaba servida, ya que Raku se negaba a combatir con sus conciudadanos, alegando diversos motivos, por mucho que insistieran Tanto Tano Matsuo o Tarro Miyake, que vivían del mismo tipo de demostraciones. El caso es que en ese momento denegó el reto. Las gradas enfurecieron entonces. Y con motivos. El precio de una localidad podía llegar a alcanzar cinco pesetas, siendo dos pesetas un jornal habitual, y todo el mundo se olió que la intención del luchador era vender más entradas al día siguiente. En este caso, silbidos y puyas llovieron por el escenario, seguidos de alguna que otra silla. Pero ninguno subió a la palestra tratando de ajustar cuentas con nuestro protagonista como en Zaragoza. Conclusión: Raku fue un elemento paradigmático dentro del japonismo, especialmente dentro del japonismo deportivo. Y, como no, Zaragoza estaba en medio de este “tsunami” de admiración del Japón durante la tardía recepción de este fenómeno en España. Si bien es cierto que las artes también reflejaron el gusto por esta estética, pocos eventos fomentaron tanto el interés de la opinión pública sobre Japón como el caso de este maestro del jujutsu. Así, Japón y su influencia llegaban indiferentemente a todas las clases sociales: desde los criados a los señores burgueses. A día de hoy, no tenemos ninguna duda de las pasiones que desató en la Zaragoza de principios del s. XX esta figura, que, en mayor o menor medida, estrechó lazos entre Japón y la capital aragonesa. Para saber más: - Gutierrez García, Carlos, “Soldados, samuráis y sportmen: el Japonismo Deportivo llega a Europa”, en Aquesolo Vega, José Antonio. (Ed.), Sport and Violence. Sevilla, Universidad Pablo de Olavide, 2006, pp. 115-123. - Gutierrez García, Carlos, y Perez Gutierrez, Miguel. “Jujutsu: Japonismo deportivo en España”, en Cid Lucas, Fernando. (coord.), Japón y la Península Ibérica. Cinco siglos de encuentros, Gijón, Satori, 2011, pp. 281-294. - Vega Piniella, Ramón, “Un maestro del jujutsu en Asturias. Raku en la prensa periódica de su tiempo (19091910)”, RIDEA, nº117, 2012, pp. 103118. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 24 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Lazos de unión entre Japón y Aragón: la historia de Masako Kimura y el cartero de Alpartir. Por Ana Asión En 1963, la pequeña localidad zaragozana de Alpartir protagonizó uno de los episodios más importantes del contacto entre Asia y España durante el franquismo. Desde esta población surgió y se organizó todo un movimiento popular que tenía como única finalidad permitir el viaje de una joven japonesa cuyo sueño era ingresar en un convento de clausura español. Con motivo de este especial que resalta los vínculos entre Asia y Aragón, queremos dar a conocer esta curiosa historia que ha caído en el olvido. Con este afán, también verá la luz en los próximos meses un artículo dentro de las actas del XI Congreso Nacional y II Internacional de la Asociación de Estudios Japoneses en España (celebrado en la Universidad de Sevilla), dedicado a profundizar en el estudio de la película. La historia de la monja japonesa Masako Kimura (1938, prefectura de Saitama), hija de un sacerdote sintoísta, fue en su momento un auténtico cuento de hadas en la sociedad española tardofranquista. La idea de que una muchacha oriental deseara venir España a profesar la fe católica, fue recibida con los brazos abiertos ya no solo por los ciudadanos españoles, sino por los propios cargos institucionales. Éstos vieron en la historia de la joven japonesa la excusa perfecta para convertir el acontecimiento de su viaje en todo un sello de identidad de la marca España. Desde el momento en el que Kimura expresó su deseo de ingresar en el convento de las Hermanas Clarisas de Arnedo,los vecinos de Alpartir se esforzaron por reunir el dinero necesario para el viaje, no dudando en recurrir para ello a medios nacionales como Radio Madrid o Radio Zaragoza. Enseguida empezaron a llegar cartas desde todos los puntos de la geografía española mostrando su apoyo ante tal iniciativa.La aventura de la joven japonesatuvo un final feliz, llegando ésta a España el 7 de mayo de 1963. Al conocer la desazón experimentada por los padres de Masako tras la marcha de su hija, se animó a que la población enviase postales que indicasen que Kimura sería feliz en España. La acogida de la petición fue masiva, por lo que el cartero de Alpartir partió hacia el país del Sol Naciente para hacer llegar al matrimonio Llegada de Masako Kimura al aeropuerto de Madrid (ABC, 8 de mayo de 1963). algunas de las misivas. La repercusión de la historia fue tal que tanto el gobierno español como el japonés supieron sacar partido de la misma. Entre ambos países realizaron una película en relación con la monja japonesa, que llevó por título El Santo llega al Japón (1963) en su versión nipona y El cartero de Alpartir (1967) en España. En el caso español la noticia quedó recogida en diversos periódicos y revistas como Heraldo de Aragón,23 El Noticiero 23 “Kimura irá a Alpartir”, Heraldo de Aragón, Zaragoza, 9 de mayo de 1963. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 25 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 de Zaragoza, el Diario Vasco, Imperio,24 YA, Pueblo, ABC,25 Amanecer, La Vanguardia26 o La Actualidad Española. Sin embargo, a pesar de que en su momento la repercusión de la aventura española de la japonesa Masako Kimura fue masiva, lo cierto es que posteriormente se ha prestado poca atención a la misma. Hay que esperar al año 2005 para que por fin se publique un libro dedicado exclusivamente a la historia de la monja japonesa. Éste lleva por título Kimura y el cartero de Alpartir.27 En él se recogen entre otros los testimonios directos de los protagonistas, así como de los habitantes de Alpartir que vivieron en primera persona el desarrollo del suceso. Para comprender mejor esta peculiar historia, debemos atender también al contexto en el que se desarrolló. Los años 60 en España estuvieron marcados por un claro desarrollo económico, el cual continuó durante toda la década siguiente. Sin embargo en estos mismos años lo que más afectó a España fue la política. Con la llegada en 1957 de los tecnócratas del Opus Dei al gobierno de Franco la dictadura tomó un nuevo rumbo. Además, en diciembre de 1963, se llevó a cabo el Plan de Desarrollo Económico y Social, lo que conllevó un crecimiento económico entre 1963 y 1973 sin precedentes (el llamado “milagro español”).28 Las consecuencias sociales y culturales de los planes de desarrollo fueron probablemente tan importantes como las económicas. Surgió ya no solo una clase de “nuevos ricos”, sino lo que es más importante, una nueva clase media, hasta el momento inexistente. El establecimiento de ésta vino ocasionado sobre todo por el fenómeno del consumismo y la transformación de las costumbres.29 De forma paralela se experimentó un evidente desarrollo cultural. La sociedad paulatinamente fue adoptando una nueva mentalidad. La televisión fue, como ya había ocurrido en otros lugares, un formidable instrumento socializador de efectos determinantes para la homogeneización social y para la creación de lazos comunitarios. No obstante, y a pesar de los cambios económicos y sociales, el inmovilismo y las manifestaciones siguieron caracterizando la política de este periodo.30 Por su parte en los años 60 Japón experimenta un desarrollo económico similar a España, llevando a muchos a hablar de nuevo de un milagro, esta vez un “milagro japonés”. Los inicios de esta pujanza económica derivaron de la situación internacional que emergió de la Guerra de Corea. A pesar de que la guerra había dejado a Japón con graves problemas económicos no todas las consecuencias fueron adversas. Además de hacer uso de las ventajas de las que disponían, Japón contó con la ayuda de los Estados Unidos. En Japón la economía estaba dominada por un pequeño número de fabricantes a gran escala (Mitsubishi, Fuji). Además había empresas que ofrecían productos relativamente nuevos, relacionados con la electrónica o los automóviles, como Toyota o Nissan. 31 El desarrollo a su vez tanto de los medios de transporte como del teléfono o el correo hicieron que el nivel de vida fuera más homogéneo entre todos los ciudadanos.En el ámbito político, en 1965 se restablecieron relaciones diplomáticas con Corea, aunque solo con Corea del Sur. Respecto a China, los primeros acuerdos no llegarán hasta 1972, culminando en agosto de 1978 con la firma de un Tratado de Paz y amistad. En este panorama se enmarca la historia de la joven japonesa Masako Kimura, una aventura que comienza en 1963. Este año Francisco Zendóquiz envió desde Japón una carta que cambiaría el destino del pequeño pueblo de Alpartir. Zendóquiz era un misionero vasco que mantenía correspondencia con Doña Mari, maestra de Alpartir. En la carta se decía que una joven llamada Masako Kimura, hija de un sacerdote sintoísta, se había convertido al catolicismo y que quería ingresar en el convento de las Hermanas Clarisas de Arnedo, donde la hermana del misionero ejercía de abadesa. 24 Lillo, Juan de, “Los padres de Kimura, nunca habían oído hablar de España”, Imperio: Diario de Zamora de Falange Española de las J.O.N.S, nº 8.382, Zamora, FET, JONS, Año XXVIII, 18 de mayo de 1963, p. 5. 25 “A un convento de España”, ABC, Madrid, 8 de mayo de 1963, p. 9. 26 “Una película que será rodada en España y el Japón”, La Vanguardia Española, nº 30.251, Barcelona, Año LXXIX – 8 de septiembre de 1963, p. 24. 27 Arenales Ruiz, Félix (coord.) (2005). 28 Comellas, José Luis (1989), pp. 323-324. 29 Sánchez Jiménez, José (1991), p. 345. 30 Soto Carmona, Álvaro (2006), pp.15-44. 31 Seco Serra, Irene (2010), pp. 197-198. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 26 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Sin embargo el cometido no iba a ser para nada fácil. Para hacer realidad el sueño de la joven japonesa era necesario reunir 40.000 pesetas, en concepto de gastos del viaje. De inmediato la profesora hizo pública la noticia. El pueblo entero se interesó por la joven Kimura, y enseguida se dispusieron a recoger el dinero señalado. Se realizó una rifa, se enviaron cartas a los periódicos y se puso en conocimiento la noticia a las emisoras de radio. El locutor Alberto Oliveras lanzó la idea de que se mandase ayuda para poder seguir adelante con la iniciativa, y de inmediato comenzaron a llegar fondos de todos los lugares de España para poder hacer realidad el viaje de Masako Kimura. Como no fueron suficientes, en el mismo programa se subastó un Fiat 500 (“Topolino”) propiedad del párroco de Alpartir. Con todo el dinero ya recaudado Masako Kimura salió de Tokio el 7 de mayo de 1963, llegando al aeropuerto de Madrid el día 8 de mayo. Cuando finalmente llegó al pequeño pueblo zaragozano de Alpartir se la recibió con una gran Llegada de Masako Kimura a Alpartir. alegría y alboroto. La comunidad religiosa deseaba que permaneciese en algún convento de Zaragoza con el objetivo de dar clases o ingresar en una orden religiosa para cuidar enfermos. Sin embargo el misionero Zendóquiz mandó una carta al arzobispado de Zaragoza pidiendo que la joven japonesa ingresara en el Convento de clausura de las Clarisas de Arnedo, puesto que ese era el expreso deseo que había motivado la salida de Japón de la muchacha. Posteriormente, en otro programa de Alberto Oliveras, éste explicó el éxito del viaje, así como la preocupación de los padres de Masako por el viaje emprendido por su hija. Por ello animó a sus oyentes a que enviasen cartas que indicasen que “Masako Kimura será feliz en España”, para poder llevárselas a los padres de la joven. De nuevo la respuesta de los oyentes fue masiva. Las cartas fueron llevadas en mano a Japón por Rafael Barranco, el cartero de la localidad de Alpartir. De nuevo la respuesta de los oyentes fue masiva. Una vez asentado en Japón, Rafael Barranco acudió a entregar las postales a la prefectura de Saitama, a unos 50 kilómetros de Tokio. Allí fue amablemente recibido, y finalmente entregó las misivas al padre de Masako, el sacerdote sintoísta Kaizen Kimura, quien las recibió con una gran alegría. Como hemos avanzado anteriormente, ambos gobiernos aprovecharon la popularidad de este episodio para realizar una singular colaboración: una coproducción cinematográfica que mostrase los dos lados de la historia. La película, titulada El cartero de Alpartir, actúa, más que como documento del cine desarrollado en esos momentos, como testigo del modo de vida de la época. Está claro que, al tratarse de una cinta biográfica, cercana al documental, no refleja las tendencias que en esos momentos se estaban desarrollando en el terreno cinematográfico tanto en España como en Japón (Nuevo Cine Español, Nûberu Bagû). En ambos países se Rafael Barranco, cartero de Alpartir, y Kaizen Kimura, padre de Masako. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 27 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 trata de un cine más bien urbano, puesto que las nuevas corrientes se generan principalmente en las capitales, algo que también difiere del carácter rural de esta producción. Sin embargo, si no podemos ligarlo con el cine de la época, sí con el contexto social de esos momentos. Está claro que el desarrollo económico tanto de España como de Japón elevó en cierta medida el nivel de vida de la población. Gran parte de la misma emigró a las ciudades ante el desplazamiento de los principales motores de desarrollo económico. Se pasó del sector agrícola al industrial, del trabajo en el campo al trabajo en la fábrica. No obstante hubo personas que permanecieron en los pueblos, y una visión de la vida en éstos nos la da perfectamente la película El cartero de Alpartir. En la misma se han podido apreciar elementos propios de estas pequeñas localidades, los cuales se reflejan muy bien en el modo de celebrar la llegada de la joven japonesa. Las fiestas en Alpartir, igual que en otros pueblos españoles, estaban amenizadas siempre con la banda de música del pueblo, las bailadoras de jota, la rondalla y las carrozas. Es por ello por lo que, ante la llegada de Masako Kimura, Alpartir sacó sus mejores galas, se revistió de fiesta del mismo modo que hacía en sus mejores festejos. Todo ello demuestra la importancia del evento, y más para este pequeño pueblo zaragozano, que quizá jamásen su historia había visto un acontecimiento de semejantes características (ni probablemente volvió a ver después). El periplo de Masako Kimura demuestra cómo Aragón ha estado y está mucho más cerca de Japón de lo que podemos imaginarnos. Un intercambio de culturas que sin duda debemos de luchar por seguir manteniendo. Para saber más: - Arenales Ruiz, Félix (coord.), Kimura y el cartero de Alpartir. Zaragoza, Diputación Provincial de Zaragoza, 2005. - Asión Suñer, Ana, “El cartero de Alpartir: La entrañable historia de un encuentro”, Actas XI Congreso Nacional y II Internacional de la Asociación de Estudios Japoneses en España, Universidad de Sevilla, Sevilla, 2014. (PENDIENTE DE PUBLICACIÓN) - Sánchez Jiménez, José, La España contemporánea III de 1931 a nuestros días. Madrid, Ediciones Istmo, 1991. - Seco Serra, Irene, Historia breve de Japón. Madrid, Sílex ediciones, 2010. - Soto Carmona, Álvaro, “No todo fue igual. Cambios en las relaciones laborales, trabajo y nivel de vida de los españoles: 1958-1975”, Pasado y memoria: Revista de historia contemporánea, nº5, 2006, pp. 15-44. Un paseo por “La fascinación por el arte del País del Sol Naciente. El encuentro entre Japón y Occidente en la Era Meiji (1868-1912)”. Por David Lacasta La exposición que se encuentra en el Museo de Zaragoza y que lleva por título “La fascinación por el arte del País del Sol Naciente. El encuentro entre Japón y Occidente en la Era Meiji (1868-1912)”, intenta reflejar el fenómeno que tuvo lugar en este especial momento de encuentro de culturas. La era Meiji (1868-1912) constituye una de las más importantes y atractivas etapas de la Historia de Japón. En este periodo, época del reinado del emperador Mutsuhito (conocido oficialmente como Meiji), el archipiélago nipón, tras siglos de aislamiento, fue obligado a abrir sus fronteras para establecer relaciones diplomáticas y comerciales con distintas naciones de Europa y América y emprendió un acelerado proceso de modernización. Siguiendo modelos occidentales, la nación japonesa experimentó una profunda renovación política, legislativa, Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 28 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 económica, social, artística y cultural que, en breve periodo de tiempo, le llevó a convertirse en una gran potencia mundial. La mayoría de las piezas y libros que se exhiben en la misma pertenecen a la colección que Federico Torralba Soriano donó al Museo de Zaragoza. En la actualidad se muestran algunas piezas que tienen relación con la era Meiji, pero no hay que olvidar que la Colección Torralba de Arte Oriental está compuesta por más de un millar de obras,entre las que se encuentran esculturas, pinturas, estampas, grabados, objetos lacados, cerámicas y porcelanas de China y Japón principalmente, además de piezas de Corea, Tailandia, Tíbet, Nepal y otros países, y que constituye, junto con la biblioteca especializada, una de las colecciones de arte oriental más importantes de nuestro país. A continuación, pasaremos a realizar una breve visita por la exposición, destinada a todas aquellas personas que estos días de fiesta o en cualquier otro momento se quieran acercar al museo. Nada más iniciar la visita, encontramos la sección “La modernización de Japón y la apertura a Occidente”, en la que a través de una serie de grabados ukiyo-e se describen las transformaciones que se llevaron a cabo en Japón en la Era Meiji, así como al principal responsable de ellas, el emperador Mutsuhito. La modernización del nuevo Japón estuvo personificada en la figura del emperador, que reinó entre 1868 y 1912, y quese presentaba públicamente con uniforme de tipo occidental. Su esposa, la emperatriz Shôken también exhibió la adaptación a los nuevos tiempos mediantevestidos de alta costura importados desde París. El polifacético artista Chikanobu realizó propagandísticas escenas sobre la familia imperial que mostraban los nuevos códigos de la elegancia y la distinción. Ejemplo de ello son los Contemplación de las peonías, Yôshû Chikanobu (1838-1912), 1888. grabados que podemos encontrar en el museo, Dos estampas ukiyo-e, técnica nishiki-e. como Contemplación de las peonías Shôken, de Colección particular. Yôshû Chikanobu, y Descripción precisa del jardín del santuario Yasukuni en lo alto de la pendiente de Kudanzaka, de Yasuji Inoue, ambas obras de 1888. Los restantes grabados de este primer apartado de la exposición nos ilustran acerca de las transformaciones que se llevaron a cabo. Siguiendo modelos occidentales, la nación japonesa experimentó una renovación política, legislativa, económica, social y cultural, que afectó a múltiples aspectos de su vida cotidiana. Las calles de las ciudades se transformaron. Aparecieron nuevos tipos de edificios, como podemos ver en el grabado Vista de los doce pisos Ryôunkaku,32 en Asakusa, de 1891, los nuevos medios de transporte en Vistas famosas de Tokio. El ferrocarril en Shimabashi, de Utagawa Kunitoshi de 1879, o Vistas famosas de Tokio. El parque público de Ueno,33 de Watanabe Nobukazu, de 1899, en la que se puede observar la estatua de Saigo Takamori (1828-1877), líder militar que comenzó apoyando al emperador, pero que después intentó que Japón abandonara el proceso de modernización y retomara los valores éticos del código samurái. 32 Ryôunkaku es el nombre del primer rascacielos de Tokio. Fue construido por en ingeniero británico William K. Burton (18561899) en 1890 en el barrio de Asakusa. Era una torre octogonal de ladrillo, de doce pisos, que alcanzaba casi los 70 metros de altura. Gracias a su ascensor eléctrico, el primero de Japón, el público podía disfrutar cómodamente de la vista panorámica más espectacular de Tokio. El rascacielos disponía de numerosas tiendas e incluso salas de exposiciones y salones para conciertos. El Gran Terremoto de 1923 que arrasó esta zona de Japón, supuso el derrumbamiento de este icono de la nueva arquitectura de Tokio en la era Meiji. 33 El Parque Ueno es un parque público localizado en el distrito de Ueno, en la ciudad de Tokio. El parque fue establecido en 1873 en tierras que habían pertenecido al templo de Kan’ei-ji, vinculado a la familia Tokugawa. Se encuentra entre los primeros parques públicos del país.Se diseñó siguiendo modelos europeos y americanos como parte de la “modernización” emprendida por el gobierno Meiji. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 29 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 En la segunda sección de la exposición se aborda el tema de “El descubrimiento del arte japonés y la fascinación por lo exótico”. Una de la claves de la fascinación que suscitó el País del Sol Naciente fue el descubrimiento y difusión de su arte, generando un importante fenómeno que se conoció como japonismo. En la segundamitad del siglo XIX y primeras décadas del XX se forjaron algunas de las grandes colecciones de arte japonés, muchas de las cualescon el tiempo fueron parar a nuestros museos y que hoy podemos contemplar. Asimismo, coincidiendo con esta época, fue cuando Occidente comenzó recibir noticias sobre Japón sobre su cultura y su arte a través de libros, periódicos y revistas, y cuando se inició el análisis de estas singulares manifestaciones artísticas que dieron lugar a enjundiosos estudios sobre el tema en monografías, ensayos y catálogos. En la exposición podemos observar un amplio repertorio de esos tratados, pertenecientes al legado que Federico Torralba donó a la Biblioteca del Museo de Zaragoza. Entre los libros que encontramos de autores extranjeros destacan: L´art en Chine et au Japon de Ernest Fenollosa, de 1913, L´Art Japonais de Louis Gonse de 1883, Japanese Wood engravings: their history, technique and characteristics de William Anderson de 1895, Japanese Lacqueur de James Orange, del año 1910 y Promenades japonaises: TokioNikko de Émile Guimet de 1880, así como El Japón de Pierre Loti, de 1931.También encontramos obras de autores españoles que trataron diversos aspectos de la cultura japonesa, como Estudios sobre el Japón de Enrique Dupuy de Lôme de 1895, Japón Heroico y Galante, de Enrique Gómez Carrillo, de 1912, o Dai Nipon (El Japón) de Antonio García Llansó de 1905. Resulta de especial interés la colección de ejemplares que podemos observar de la obra de Samuel Bing, Le Japon Artistique. Documents d’Art et d’industries réunis par Bing, editados entre los años 1888 y 1891. Samuel Bing (1838-1905) fue un marchante de arte alemán que en 1854 se trasladó a Francia, donde desarrolló su trayectoria profesional. Fundamentalmente, se dedicó a la importación y venta de objetos y obras de arte de países asiáticos, especialmente de Japón. La publicación surgió en el momento de máximo esplendor de la moda por lo japonés y fue fruto de la cada vez mayor demanda de información específica y veraz sobre el tema. La revista recogía numerosos artículos, redactados por los mejores expertos, y estaba ilustrada con espléndidas reproducciones de piezas representativas y originales, tal como podemos observar en la selección de portadas expuestas. Posteriormente en la tercera sección, “La elegancia y sofisticación del arte japonés de la era Meiji”, se dispone de una gran variedad de obras del período, que van desde pinturas (en biombos y en alargados kakejiku), a grabados ukiyo-e (estampas y libros ilustrados), lacas urushi, cerámicas y marfiles, reflejo de la continuidad de la rica tradición cultural japonesa y, a la par, adaptación a los gustos occidentales que exigían los nuevos BING, SAMUEL (ED.), Le Japon Artistique. Documents d’Art et d’industrie tiempos. réunis par Bing Paris, Marpon et Flammarion, 1888-1891. Podemos contemplar una serie de libros ilustrados (e-hon) de Biblioteca Museo de Zaragoza (legado Federico Katsushika Hokusai y de Kawanabe Kyôsai, obras que fueron muy Torralba), sign. 3-259 . admiradas en Occidente. La palabra japonesamanga, que hoy utilizamos para referirnos a los comics o tebeos japoneses, antes significaba simplemente bosquejo o apuntes de dibujo. Varios artistas recopilaron estos bosquejos en libros, en los que se reúne una gran variedad de dibujos pero sin seguir una historia o trama argumental. El manga más famoso e influyente fue el del gran maestro Hokusai, publicado en quince volúmenes entre 1814 y 1877, siendo los últimos obras póstumas. Tal como podemos observar, todo lo imaginable fue dibujado por Hokusai: paisajes, animales, rocas, olas, divinidades, personas en cualquier actividad, apareciendo incluso representaciones de fantasmas. El pintor Kawanabe Kyôsai es considerado como el sucesor de Hokusai. Al igual que éste, también publicó libros ilustrados para enseñar su arte. Los cuatro libros que completan la obra Kyôsai Gaden conforman un Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 30 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 extenso manual de pintura ilustrado y editado en 1887, en el que el artista explica tanto su propia forma de pintar como también la de otros maestros antiguos. A continuación se expone una selección de grabados xilográficos japoneses. Estas obras captaban fundamental escenas de la vida cotidiana, de las diversiones mundanas y de los entretenimientos de las clases populares, temas característicos del género conocido como ukiyoe (literalmente, pintura del “mundo flotante” o del “mundo efímero”). El género de los grabados teatrales es conocido como yakusa-e. Los actores de kabuki eran tan populares como lo son hoy las grandes estrellas de cine y las estampas con sus retratos estaban orientadas a aumentar su fama. Las representaciones generalmente mostraban las escenas teatrales más celebres, pero también era muy habitual representar a los actores en situaciones de la vida cotidiana caracterizados comolos papeles recientemente interpretados. En la exposición podemos encontrar algunas de estas estampas de los más celebres maestros, entre ellas El actor Kataoka Gadô III en el papel de Kiyomoto Matsudayû de 1884, dos estampas de Nueva obra en el teatro de Ichimura de Kôchôrô Hôsai del año 1892, o el tríptico de la obra Ono no Tôfūaoyagisuzuri de Toyohara Kunichika de 1869. Manga, Katsushika HOKUSAI (1760-1849) 1877. Libro ilustrado e-hon (15 volúmenes). Colección Federico Torrralba, Museo de Zaragoza no 49741 – 49755. Ono no Tôfūaoyagisuzuri, Toyohara Kunichika (1835-1900), 1869. Tríptico ukiyo-e, técnica nishiki-e. Colección Federico Torrralba, Museo de Zaragoza, nº 49108. Toyohara Kunichika, además de en el género de los grabados teatrales, fue un artista que también destacó en el género de las mujeres hermosas (bijin), que solía consistir en representaciones tradicionalistas que se agrupaban en series de treinta y seis. En ocasiones, la interpretación de estas estampas se complica por la presencia de juegos de palabras y parodias (mitate-e). En la exposición podemos apreciar varios grabados de mujeres hermosas, entre losque destaca uno de Toyohara Kunichika, Selección de treinta y seis bordados: Kiyohara no Motosuke, de 1881, y Modelos de flores: Belleza de la era Meiji, de Kobayashi Kiyochika, de 1896. Posteriormente encontramos una amplia representación de lacas, netsukes y cerámicas japonesas, acompañados de otros objetos muestra del comercio y coleccionismo que se desarrolló orientado a los gustos de occidente. Encontramos una variada muestra de objetos lacados para la exportación, como cajas para instrumentos de escritura (suzuribako), cajas con distintas utilidades, pitilleras, cajas para tabaco (tonkotsu), pipas, pequeños muebles o armarios con llaves, que fueron elaborados para la exportación ante el éxito de las delicadas manufacturas japonesas en los mercados internacionales. El gobierno japonés estableció una empresa llamada Kiritsukôshô, que estuvo en funcionamiento entre los años 1873 y 1891, para promover estas actividades artesanales de altísimo nivel. La mayoría de las obras de laca urushi que se exhibieron en las exposiciones Universales fueron elaboradas por Kiritsukôshô. En la sala pueden verse varias piezas que probablemente llegaron por esta vía. Muchas de las obras para el consumo foráneo se ornaban con decoraciones que representaban los rasgos más típicos del País del Sol Naciente, como son paisajes con el Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 31 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 monte Fuji, cerezos en flor, grullas, pagodas y templos sintoístas, así como con la imagen tradicional de la mujer japonesa. Los netsuke son esculturas en miniatura, de escasos centímetros, realizadas generalmente en marfil, que, en origen, tenían una función práctica. Constituían una suerte de contrapeso para mantener colgados, mediante un cordón, aquellos objetos, sobre todo cajitas, que era costumbre llevar en el obi o cinturón del quimono. Su uso se hizo extensivo a partir del siglo XVII y su producción se mantuvo en la era Meiji, cuando en el propio Japón cayeron en desuso, para responder a las exigencias del mercado extranjero, sensible a la belleza de estas exóticas miniaturas. Su temática predilecta la componen animales, criaturas mitológicas, plantas y flores, pero sobre todo, variados tipos de personajes (históricos, legendarios, religiosos, filosóficos o populares) en imaginativas composiciones. Estantería kazaridana. Empresa estatal Kiritsukôshô (atribución) Laca japonesa urushi, con decoración nashiji, maki-e, takamaki-e, shishiai-maki-e, kinfundame, kirigane, tsukegaki, sobre madera. 1873-1891. Colección Federico Torralba Museo de Zaragoza, nº49310. Colección de Netsuke. Ultimo cuarto del siglo XIX- primer cuarto del siglo XX. Marfil de elefante tallado y tinta, con decoración incisa. Colección Federico Torralba. La cerámica de Satsuma es un tipo de cerámica fina japonesa que se produce en la meridional isla de Kyûshû desde el siglo XVI. Se caracteriza por su superficie esmaltada, de color crema o marfil, finamente craquelada, sobre la cual se extiende una elaborada decoración polícroma en tonos cálidos y oro. La decoración de esta cerámica presentaba idealizadas escenas cotidianas con hermosas mujeres inmersas en la exuberante naturaleza japonesa. También tenían un gran éxito las dinámicas escenas de samuráis en episodios históricos o legendarios. En una clave más espiritual, también aparecían representaciones vinculadas con el Budismo (Buda y sus discípulos) y el Taoísmo (historia de los Ocho Inmortales). Asimismo fueron muy frecuentes otros diseños propios de la ornamentación oriental, como los animales mitológicos, las flores y los motivos geométricos. La familia Shimazu, que desde sus inicios había dirigido la producción de Satsuma, aprovechó la Exposición Internacional de Paris de 1867 para promocionar su cerámica. Por su delicada factura y magníficos diseños, tuvo un éxito instantáneo y desde entonces también desde Tokio, Kioto, Nagoya y Yokohama se comenzaron a producir piezas de este estilo para Jarrón de estilo Satsuma la exportación. En la sala podemos encontrar una serie de magníficos Primera mitad del siglo XX ejemplos de estas piezas realizadas para la exportación. Cerámica / Esmaltes Colección Federico Torralba Museo de Zaragoza, nº 49051. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 32 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 A continuación se dispone una magnífica colección de inrô y otras cajitas colgantes. Dado que el atavío tradicional japonés, el quimono, no tenía bolsillos, era costumbre portar los pequeños objetos en cajitas que se colgaban del obi o cinturón mediante un cordón. Entre estas cajitas se encontraban los portamonedas (kinchaku), esencieros (niobin), tabaqueras (tonkotsu), estuches para la pipa (kiseutsu) y sobre todo los inrô. Este tipo de objeto consta de varios compartimentos o diminutos cajetines de sección ovalada, unidos por un cordón y perfectamente encajados, que se cierran con una tapa, dando la apariencia de una única caja. Tenía la función de guardar las distintas medicinas que se organizaban en los departamentos. En la era Meiji decayó el uso de este tipo de objetos (igual que sucedió con los netsuke), ya que se empezó a generalizar la ropa occidental con bolsillos, sin Colección de inrô y lacas. embargo este tipo de objetos se Laca japonesa urushi, con decoración maki-e, taka-maki-e, kin- fundame, zôgan. siguieron fabricando para el Finales del siglo XIX mercado exterior ya que los Colección Federico Torralba extranjeros los apreciaban por su Museo de Zaragoza. belleza y detallada técnica. Las delicadas lacas japonesas fueron una de las manufacturas más apreciadas por los coleccionistas del siglo XIX, que descubrieron la belleza que envolvía los objetos de la vida cotidiana de Japón. Durante la era Meiji llegaron objetos lacados que ya estaban en desuso para satisfacer la demanda que tenían de estas exquisitas piezas. Por otra parte la apertura comercial de Japón impulsó también la aparición de obras elaboradas para la exportación, que adaptaban sus diseños a los gustos de los occidentales, amantes del exotismo. En la sala se exhiben piezas representativas de ambos tipos. La diversidad de tipologías de objetos lacados en Japón es extraordinaria: cajas lacadas para guardar cartas, útiles para fumar o instrumentos de escritura, cajas con el set para ir de picnic, cajas para almacenar papeles, cajitas Para saber más: para guardar incienso, bandejas, cuencos, platos, - Catálogo de la exposición delicadas copas para beber sake, y muchos objetos más. disponible aquí. La temática de las bellas decoraciones son también muy variados, temas figurativos procedentes tanto de las - Página web de la Colección Torralba del leyendas como de la vida cotidiana, pero sobre todo temas Museo de Zaragoza. extraídos de la naturaleza como flores, frutos, plantas, árboles, peces, pájaros, insectos y paisajes, que captan el encanto de cada una de las estaciones. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 33 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Asia-Pacífico en la Exposición Internacional de Zaragoza de 2008. Por Marisa Peiró Entre el 14 de junio y el 14 de septiembre del año 2008 se celebró en Zaragoza, a la orilla del Ebro, una Exposición Internacional que tuvo como lema “Agua y Desarrollo sostenible”, y que reunió en la capital aragonesa a participantes de más de cien países, de los cuales veintiséis eran estados de Asia y del Pacífico. 34 Aunque la presencia de Oceanía se limitó a un pequeño pabellón compartido por cinco países, Asia sí estuvo muy bien representada, especialmente en lo que concierne a los países del Próximo y Medio Oriente –muchos de sus gobiernos invirtieron un gran capital en unos pabellones que resultaron muy exitosos-, aunque no faltaron multitud de países del centro y el sudeste asiáticos, ni por supuesto los grandes gigantes tecnológicos de Asia Oriental (China, Japón y Corea del Sur). 35 Precisamente, algunos de los pabellones más exitosos y visitados pertenecían a países asiáticos, caso de Qatar o Japón, que triunfaron gracias a sus cuidados audiovisuales. No es de estos de los que vamos a ocuparnos, Segmento del pasillo central del la Expo, en el que vemos los pabellones sino que vamos a intentar sintetizar las de Japón, Tailandia, Indonesia, Vietnam, Malasia y Corea del Sur. diferentes maneras en las que Asia estuvo presente en este gran evento, que para bien o para mal, conmocionó el panorama cultural y económico aragonés.36 Al no tratarse de una Exposición Universal, los países participantes (con la excepción del organizador) no construían sus propios edificios exentos, sino que alquilaban su espacio dentro de unos edificios generales, que en este caso recibieron nombres como “Sol”, “Oasis”, “Montaña” o “Lluvia”; Asia y el Pacífico estuvieron presentes en todos ellos. Esta particularidad privaba a los países de ofrecer una arquitectura diferenciada, ya fuera vernácula o no, lo que sin duda hubiera resultado muy interesante, pero suponía a su vez un reto: el sacar el mejor aprovechamiento Vista interior del pabellón puente. 34 Los países en cuestión eran China, Kazajistán, Nepal, Turquía, Afganistán, Pakistán, Corea, Emiratos Árabes Unidos, Filipinas, Indonesia, Islas Salomón, Japón, Kuwait, Malasia, Mongolia, Palaos, Tailandia, Timor Oriental, Tonga, Vanuatu, Vietnam, Yemen, Arabia Saudí, Jordania, Omán y Qatar. 35 Las ausencias asiáticas más significativas fueron las de aquellos países en guerra –más que lógicas- como Irak y Afganistán, y las de los países de la sempiterna discordia, como Corea del Norte o Israel. 36 Por este motivo, no vamos a entrar en juicios de valor acerca de ese tema sobre el que han corrido ríos de tinta: la sostenibilidad, rentabilidad, y en definitiva, propio carácter ético de la Expo Zaragoza 2008. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 34 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 del espacio disponible, por los que algunos países diseñaron impresionantes fachadas, como la de Kazajistán o Corea del Sur. Sí que hubo, sin embargo, algunos edificios exentos emblemáticos, de entre los que debemos destacar el polémico Pabellón Puente, que fue obra de la que posiblemente es la arquitecta más reconocida y premiada del Mundo; primera mujer en recibir el Premio Prizker, y que justamente, es de origen asiático: la iraquí Zaha Hadid. En curiosa sintonía con muchos de sus trabajos, la iraquí diseñó en esta ocasión un hipotético gladiolo –que para muchos otros se asemejaba a un tiburón–que unía las dos orillas del Ebro, y que además de servir como entrada y como estandarte mismo de la propia Expo, albergaba en una estructura zigzagueante una de las muchas muestras globales sobre el agua que formaba parte de la organización, llamada “Agua, recurso único”. Yo fui una de las muchas personas encargada de hacer visitas guiadas al mismo –además de a muchos otros edificios del recinto – por lo que mi experiencia sobre la Expo, y en definitiva, sobre la participación de Asia en la misma, es ante todo personal, y quizás difiera sobremanera de la del ocasional visitante que apenas pasó unas horas en la misma. Por lo general, podemos decir que había tres tipos de pabellones de países, y tanto Asia como el Pacífico estaban presentes en ellos: los “pabellones-tienda” (teóricamente inaceptables), los “pabellones turísticos” (empeñados en narrar las bondades de la cultura y la geografía de su país) y los “pabellones modelo” (los que hacían lo que, en teoría, se tenía que hacer: hablar sobre el agua y el desarrollo sostenible relacionándolo con la temática nacional); por supuesto, existían muchas posibles variantes, y era habitual que un “pabellón modelo” incluyese también una tienda al final de su recorrido. Algunos pabellones, los pertenecientes a países considerados en desarrollo, estaban financiados por entidades externas como la AECID, con mejores o peores resultados. Por ejemplo, el dedicado conjuntamente a las “Islas del Pacífico” era un “pabellón turístico” pequeño pero adecuado y básicamente informativo, coordinado por Casa Asia, que narraba a los visitantes las bondades de la geografía y la cultura de las Islas Salomón, Palaos, Tonga, Vanuatu y Timor Oriental –el más joven de los países participantes-, y que a veces incluía cuentacuentos para los más pequeños. Otros de peor resultado eran los llamados “pabellones tienda”, a los que se excusaba por su esfuerzo representativo en pobres condiciones económicas; en el caso de Asia destacaba entre Fachada del modesto pabellón nepalí. los visitantes el pabellón de Nepal, gracias tanto a los más que económicos precios de su tienda, como a las demostraciones de los artesanos invitados, y, a mi justo parecer, su pequeño e interesante restaurante, sin duda el más barato y el de personal más amable de toda la Expo, que sin embargo pasó desapercibido para muchos visitantes; muy parecido aunque más transitado y caro era el de la India. Otro del estilo, que en esta ocasión remitía en estructura a un tradicional bazar árabe, era el pabellón de Yemen, que en ocasiones ofrecía también demostraciones de música y artesanía. Como historiadora del Arte –entonces todavía en potencia– mis favoritos eran los “pabellones turísticos”, puesto que muchos de ellos se escudaban en el arte y etnografía, más que en su Indonesia, un país de islas, es por supuesto un país de agua. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 35 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 geografía, de los países para llamar nuestra atención. A nivel artístico, creo que el mejor y más variado de ellos era el de Indonesia, que nos trajo decenas de obras de arte – antiguas y modernas – de muchas culturas que, bajo la actual nación indonesia, tenían en el agua y en su carácter insular su mayor punto en común. Estatuas budistas e hinduistas en piedra convivían con marionetas javanesas de wayang kulit –su teatro de sombras-, mientras que tallas en madera de Borneo, Sumatra, Célebes o Papúa convivían con las abarrotadas pinturas balinesas. Todo ello, siempre enmarcado dentro de la obligada temática del agua, que en este caso se centraba también en las tipologías de embarcaciones. El pabellón nos habló del agua y la navegación en Indonesia, siempre a través de su arte… Otros pabellones no podían permitirse traer las obras originales: hubiera sido un verdadero crimen que el gobierno de Jordania hubiera permitido sacar el célebre mosaico de Madaba, para hacerlo la pieza central del mismo, así que los jordanos lo organizaron en torno a una reproducción a tamaño real y a unas ficticias arenas del desierto sobre las cuales se dispusieron diferentes objetos, más o menos artísticos, de la vida cotidiana en el país. Algo parecido, aunque Ejemplo de lo que podía verse en el pabellón de con menor afán Jordania. reproductivo y mucha más variedad y riqueza etnográfica, se hacía en el pabellón de Mongolia –para mí una de las mayores sorpresas de la exposición- que a lo largo de un arroyo nos enseñaba cómo era la vida en el país, gracias a los innumerables objetos que atesoraban sus vitrinas (desde piezas de la vestimenta tradicional Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 36 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 a juegos de mesa, pasando por toda clase de expresiones artísticas de ayer y de hoy), combinados con la ocasional reproducción básica de una yurta o de la fauna local. El pabellón de Mongolia nos trasladaba a diferentes ambientes: en sus vitrinas podíamos conocer tanto el arte popular como la forma en el que este guarda relación con la vida diaria. Pero en la inmersión en una cultura desconocida, sin duda el más celebrado fue el pabellón de Kazajistán, al principio poco o nada transitado y que acabó recibiendo hordas de turistas. El mismo consistía en un recorrido acompañado por encantadores guías, por las diferentes regiones geográficas del país que tan desconocido resultaba para los visitantes. Repartido entre lo etnográfico – podía tomarse té en una yurtamientras se escuchaba hablar sobre las tradiciones del país – y lo infográfico – al fin y al cabo, la única manera de transmitir al visitante algo sobre la variada geografía de la nación-, era desde luego tremendamente efectista, con el aire acondicionado al máximo para simular el invierno kazajo y cantos de pájaros y temperatura media al llegar la primera. Sin duda alguna, cumplió su objetivo: todavía no sabemos si fueron muchos los El pabellón de Kazajistán pasó de estar vacío a ser uno de los más visitados. visitantes que se atrevieron a viajar a las estepas gracias a este pabellón, pero desde luego fueron muchos los que gracias a él supieron completar un par de líneas sobre el mismo, e incluso situarlo en el mapa. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 37 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Otros países, caso de Malasia o las ya mencionadas Islas del Pacífico, preferían centrarse en su exuberante naturaleza (ya fuera con ejemplares reales o de plástico), aunque también había lugar para los modos de vida -podíamos entrar a una casa malaya, o subir a una embarcación tradicional- y las artesanías locales (aunque la única forma de apreciarla fuera en la omnipresente tienda). Dentro de los “pabellones modelo”, esta aproximación a la temática hídrica podría hacerse en tonos y con intenciones más que diferentes, y a tal efecto deberíamos destacar dos curiosos ejemplos -China y Tailandia- impregnados de grandilocuentes, aunque siempre estéticos, discursos propagandísticos. El primero, que aprovechaba además para vendernos la publicidad sobre su próxima exposición (la Exposición Universal de Shanghái de 2010, que repetiría el tema del agua), y ya que estaba, merchandising de sus Juegos Olímpicos (los de Pekín de 2008), se trataba de un pabellón El variado pabellón de Malasia. altamente tecnológico –con curiosidades interactivas que gustaron mucho a los visitantes- a la par que tremendamente polémico, pues centraba su discurso hídrico en el agua (con sus bondades y sus calamidades) como elemento de cohesión de la Historia y la Cultura chinas. Esto hubiese resultado perfectamente esperable y razonable de no ser porque servía de excusa a una gigantesca y carísima justificación de la colosal obra de la Presa de las Tres Gargantas en el Río YangTsé –que desplazó de sus hogares a casi dos millones de personas-, que simultáneamente era El pabellón de China, moderno pero polémico. criticada en otros edificios de la Expo como el Faro, algo completamente lógico en una exposición dedicada al desarrollo sostenible y a un hipotético respeto por la naturaleza. Pero el colmo de la pompa y la circunstancia era el extremadamente bien traído tema del Pabellón de Tailandia, una loa constante a la gestión de sus recursos hídricos gracias a su la increíble capacidad y dedicación de su soberano, el “todopoderoso” rey Bhumibol Adulyadej -nada menos que monarca, artista e inventor, que incluso puede hacer que llueva-, quizá el mejor ejemplo de déspota ilustrado del Mundo actual, siempre en rigurosa clave de I+D. El pabellón nos hablaba de los logros de los tailandeses, y especialmente de los del cabeza del estado, en materia de ahorro y depuración de agua, y de cómo se empleaban tecnologías tradicionales – como la reforestación mediante la planta vetiver – y actuales – la lluvia artificial patentada por Su Majestad – para proteger el rico patrimonio natural y poder seguir explotando la agricultura. Sin embargo, en el pabellón todo esto se hacía enmarcado “El árbol del agua”, obra invitada del pabellón tailandés. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 38 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 por unas pintorescas y agradables obras de arte (como “el árbol del agua”), bellísimas fotografías del país y sus habitantes y ocasionales bailes tradicionales, consiguiendo, que con mayor o menor acierto, quedásemos al menos informados y sorprendidos de todos aquellos milagros que se estaban llevando a cabo en un país que suele aparecer en las noticias por los contratiempos de sus visitantes con las drogas y la prostitución. Sin embargo, muy diferente fue el caso del pabellón de Corea del Sur, en mi opinión uno de los que supo llevar con mayor dignidad y acierto el tema asignado. Corea supo conseguir mediante un lenguaje sencillo, sintético, y ciertamente elegante –próximo a una tecnológica estética pseudo-zen- un pabellón construido en torno a la idea de la sensibilización sobre el uso del agua. La mayoría de la información se disponía en unas curiosas tinajaspantalla, que proyectaban mensajes sobre la importancia del agua en la cultura coreana, pero además un Tradición y modernidad en el pabellón pequeño bosque de Corea. de pequeñas pantallas de alta definición nos enseñaba imágenes del paisaje coreano. Junto a la zona de bienvenida, la obligada tienda y una zona promocional de la que sería siguiente Exposición Internacional –la de Yeosu 2012-, contaban con otro punto fuerte: un anfiteatro relativamente grande en el que se proyectaba de manera casi continua una bonita película de animación en 3D –en unos momentos en los que este no estaba tan generalizado- llamada “El día del gigante de Agua”, que en ocasiones se combinaba con unos espectáculos fusión que mezclaban la danza y música tradicional con –cómo no- el agua. Fachada del pabellón de Corea. Por desgracia, Asia y el Pacífico estuvieron particularmente ausentes de la programación de la riquísima y variadísima programación de espectáculos de la Expo, casi con las únicas excepciones de las actuaciones de los diferentes días nacionales dedicados a los diferentes países o los espectáculos que algunos países ofrecían ocasionalmente dentro de sus pabellones. Sin embargo, no se perdió la ocasión de apelar al factor orientalista en algunos de los actos más consolidados, como el Cabaret Líquido, que en ocasiones intentaba trasladar al público a lugares como Japón, Bali y la India. Aunque en esta ocasión no podemos detenernos en un recuerdo pormenorizado de todos los pabellones, hemos visto de manera somera como la Exposición Internacional de Zaragoza de 2008 fue la primera toma de contacto para muchísimas personas con ciertos países de Asia y del Pacífico, o al menos, con ciertos aspectos de su geografía y vida cotidiana. A nivel personal, quizás lo que más lamento es que el contacto con los trabajadores extranjeros era no ya complicado sino imposible: en ocasiones, por diferencia idiomática, pero muchas otras por barreras culturales que resultaban ciertamente infranqueables (diferentes usos y horarios, entre otras cuestiones), al contrario de lo que sucedía con los empleados americanos, africanos y – no siempre- europeos. A pesar de todo esto, tanto trabajadores como espectadores recibimos con sorpresa llamativas visitas desde Asia, desde las institucionales a otras más curiosas, como cuando un grupo de monjes tibetanos decidieron instalarse durante cuatro días a realizar un mandala, que para horror de muchos desconocedores de su función, luego desharían. Quizás la reacción popular ante este hecho fue la prueba más palpable de que, a pesar de los miles de euros gastados en folletos y propaganda, tés y pai-pais publicitarios y en agrupaciones musicales, o de los cientos de pollos tikkamasala que los turistas pudieran engullir, Asia continuaba siendo una completa desconocida para aquellos que acudieron a la Expo buscando únicamente un entretenimiento fácil o esperando un parque de atracciones. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 39 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 La cultura popular japonesa y su influencia en Aragón. Por María Gutiérrez Las relaciones entre Aragón (y más concretamente Zaragoza) y el archipiélago nipón son cada día tanto más evidentes como más amplias. Por un lado tenemos todas aquellas manifestaciones de carácter tradicional que han conquistado a más de uno, partiendo de los cursos de caligrafía y pintura a la tinta negra hasta llegar a los intensos conciertos detaiko (tambor japonés). Igualmente, los sectores de la población más jóvenes nos acercan la cultura japonesa de corte popular, partiendo de manifestaciones como el manga y el anime, los diferentes movimientos de la propia juventud japonesa, música o personajes pertenecientes a la estética kawaii. El cómic japonés o manga ha pasado a convertirse en una afición como otra cualquiera (a pesar de que en algunos casos existen todavía ciertos prejuicios en nuestra sociedad), al igual que ocurre con las series de animación niponas o anime. Partiendo de un contexto general, en toda España podemos encontrar diferentes eventos dedicados a los amantes de estas manifestaciones, conocidos como otaku. No debemos dejar de lado el caso aragonés, que igualmente cuenta con una serie de acontecimientos como las ya mencionadasJornaicas del manga y el anime, o la Nippon-ku, entre otros. Evidentemente, detrás de estos acontecimientos hay una serie de asociaciones que en Zaragoza destacan por su variedad y amplitud. En primer lugar podemos nombrar Aragón-Japón, que a pesar de difundir campos más tradicionales dentro de la cultura nipona, colabora en este tipo de eventos a través de conferencias o stands informativos. La Asociación Daruma y laAsociación Mangaku son dos ejemplos más a considerar dado que son las encargadas de a organización de Jornaicas y de Nippon-ku, respectivamente. Podemos destacar la gran afluencia de estos eventos, que ya no sólo proporcionan un espacio en el que seguidores del manga/anime y cosplayers puedan reunirse y mostrar sus preciosas creaciones, sino que también cuentan con una serie de concursos, actividades varias, charlas y stands comerciales. El cosplay en Aragón es un fenómeno de importancia, dado que podemos encontrar brillantes creadores y artesanos, que lucen trajes emulando con exactitud sus personajes favoritos. En la Nippon-ku se ha celebrado con anterioridad un concurso para seleccionar a nuestro representante en otros concursos a nivel español. En relación con estos temas, queremos hacer una breve mención, aunque ya no nos refiramos concretamente a Japón, a la creciente presencia de Corea del Sur en Aragón. En estos eventos mencionados podemos encontrar Cartel de la Nippon-ku, celebrada durante el mes de septiembre de exhibiciones de bailes que emulan los grandes idols del K-Pop o pop coreano; 2014. igualmente, la cosmética coreana, bastante apreciada por su calidad, se ha hecho un hueco en nuestra ciudad gracias a la tienda Korean&Beauty, poniendo al alcance de las zaragozanas productos de grandes marcas como Tony Moly o Etude House. Para introducir el tema de los movimientos y subculturas japonesas, vamos a referirnos a un evento organizado por una asociación más de Zaragoza relacionada con la cultura popular, es el caso de Brovrasħgĸa, que el pasado mes de julio convocó a la juventud zaragozana para participar en la I Harajuku Fashion Walk37 de Zaragoza. La cantidad de jóvenes que su unieron a la marcha destaca por su abundancia, 37 Este es un evento creado por jóvenes japoneses buscando una mayor libertad y aceptación en la manera de vestir entendida como forma de expresión. Consiste en una marcha, un recorrido prefijado, que llevan a cabo jóvenes ataviados según el movimiento al que pertenecen o siguiendo su propio estilo. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 40 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 si bien, el objetivo de este evento quedó un tanto de lado dada la poca seriedad de algunos de sus participantes. Uno de los movimientos al que ya nos hemos referido con anterioridad y que también está presente en las ciudades aragonesas es el Lolita. Hemos de destacar que su presencia no es tan palpable como puede ser en otras ciudades españolas, sin embargo, bastantes chicas y chicos visten y viven según el Lolita. Fue en la edición de Jornaicasde 2013, momento en el que se organizó un vistoso desfile de lolitas mostrando los diferentes estilos y la belleza de cada uno de ellos, cuando quedó patente la interés del público y de algunas chicas por este movimiento, lo que llevó a la creación de una sede de Lolita in Wonderland en Aragón, con el Parada en la Plaza España durante la I Harajuku Fashion objetivo de reunir una modesta comunidad en la que chicos Walk en Zaragoza. y chicas con un interés común pudieran conocerse. Hasta la fecha se han llevado a cabo algunas quedadas o Tea Party, a la par que colaboraciones con otros eventos relacionados con el manga y el anime.38 Podemos mencionar otros movimientos como el Gyaru39 o el Visual kei,40 quizás no tan visibles en nuestra ciudad. Sin embargo, por ejemplo, en el caso Gyaru si que podemos destacar el movimiento en otras ciudades españolas como es el caso de Barcelona, que con anterioridad ha organizado eventos para las gyaru de toda España. Igualmente hemos de referirnos a la impronta cada día más presente de la estética kawaii41 en Aragón. Como punto de partida, vamos a referirnos a todos esos personajes de Sanrio sobradamente conocidos, como puede ser el caso de Hello Kitty, My Melody o la rana Keropi. Zaragoza llegó a contar con una tienda oficial de Sanrio en el centro comercial Grancasa que a día de hoy permanece cerrada y ha sido sustituida por otro establecimiento. La famosa gata blanca ocupa un lugar protagonista entre los materiales de papelería, ropa de corte infantil o incluso juguetes. Igualmente, cada día es más común encontrar en diferentes tiendas, artículos que presentan caricaturas de objetos o alimentos con ojitos brillantes y una espléndida sonrisa. Resulta curioso que este tipo de productos en ocasiones gusten más a jóvenes y adultos que al público infantil propiamente dicho. En relación con esta rareza, podemos introducir el tema del coleccionismo de objetos de importación japonesa en Aragón. En primer lugar, ya hemos mencionado algunos personajes considerados como kawaii, pero no podemos dejar de lado otros nombres propios que se han hecho un hueco en las estanterías de los seguidores de la cultura nipona de corte más popular, es el caso del oso Rilakkuma o las creaciones de Murakami. Otros coleccionistas se decantan por figuras y muñecas de importación oriental. Nos resulta curiosa la cantidad de personas en Zaragoza que gustan de atesorar a los pequeños Sonny Angel, traídos desde Japón 38 Llegados a este punto, cabe hacer una breve aclaración. A pesar de la participación y la asistencia de lolitas a este tipo de eventos, no debemos tomar su indumentaria como un disfraz que emule a personajes de diferentes series y cómics, bien es verdad que no todas las lolitas gustan del manga y el anime. La participación en este tipo de eventos viene dada por una misma pertenencia a lo que consideramos como cultura popular japonesa. 39 El Gyaru es un movimiento que surge en Japón en torno a la década de los 90 del siglo XX. Al igual que ocurre con el Lolita, se caracteriza por su rebeldía, que deja de lado tanto los cánones estéticos como referentes al comportamiento propio de una mujer japonesa para dar lugar a jóvenes libres e independientes. Algunos de los aspectos más llamativos de este movimiento son, por un lado el maquillaje caracterizado por la búsqueda de una mirada llamativa de grades ojos (este efecto se consigue mediante lentillas llamadas circle lenses con un diámetro mayor al del propio iris) y un atuendo atrevido y original. 40 En este caso, el Visual kei se encuentra estrechamente ligado a la música. Se caracteriza por atuendos, maquillajes y peinados extremadamente llamativos (como indica su propia denominación, este es un estilo que destaca por lo visual). Uno de los rasgos que se atribuyen a este movimiento es la apariencia andrógina de chicos y chicas. 41 Kawaii es un término japonés que significa mono o adorable. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 41 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 y que podemos encontrar en una tienda local llamada The Craftcake Mama, cuya propietaria también es coleccionista de muñecas. Estas figuras representan a niños a modo de ángel con pequeñas alas a su espalda, cada uno de ellos representa un animal diferente según la serie a la que pertenezca, aunque también se dan ejemplos temáticos relacionados con festividades como la Navidad o la Pascua. Si algo llama la atención de estos pequeños muñecos es su ternura y simplicidad, que ha conquistado a más de un comprador por ser graciosos y entrañables. Por otro lado, el coleccionismo de muñecas actuales es otro campo que nos interesa tratar. Pullip, 42 Blythe, 43 BJD, 44 son algunos de los ejemplos de este tipo de muñecas, y en Algunos ejemplares de Sonny Angel de diferentes series. Aragón habitan bastantes coleccionistas que gustan de compartir los ejemplares que poseen. Realmente, se podría decir que este es un ámbito que se encuentra más soterrado, no es tan llamativo y realmente, a menos que se indague acerca de este amplio mundo mediante redes sociales o foros, no llega a ser algo conocido públicamente. A pesar de este, no podemos dejar de destacar tanto nombres propios dentro de la “customización” y creación de estas muñecas, como exposiciones que se han llevado a cabo en Zaragoza. Ya nos hemos referido a la pasada edición de Jornaicas en el año 2013 con anterioridad, pero hemos de volver a ella dada la mesa redonda que tuvo lugar una mañana en la que participaron algunas “customizadoras” de Blythes dando algunos consejos y explicando su trabajo, es el caso de Honeymoon o Erica Fustero, a la que luego nos referiremos de nuevo, para después incorporarse el resto de coleccionistas asistentes dando sus propios puntos de vista y mostrando sus propias muñecas. Después de este breve repaso de aquellas manifestaciones de carácter popular que se han hecho un hueco en Aragón, queremos finalizar el siguiente artículo con una breve reflexión que quiere poner de relieve el hecho de que algunas personas siguen considerando estas Mesa redonda acerca del coleccionismo de muñecas en las Jornaicas de 2013. manifestaciones como algo extraño, o incluso negativo. Por lo que queda esperar que sea cuestión de tiempo que una afición como puede ser el manga y el anime o una forma de expresión como es el caso del Lolita terminen por ser conocidos 42 Un tipo de muñeca que ve la luz en el año 2003 gracias a la compañía coreana Cheonsang Cheonha, distribuidas por la compañía japonesa Jun Planning, aunque a día de hoy la distribución corre a cargo de Groove INC. Estas son un tipo de muñecas de unos 31 centímetros de cuerpo articulado y una ligera macrocefalia. Aproximadamente cada mes salen al mercado distintos modelos con temáticas diferente. Esta empresa ha colaborado con grandes nombres como Disney o marcas de ropa japonesas para crear diferentes modelos. La Pullip cuenta con una serie de compañeros, como es el caso de Taeyang, Dal, Byul y el reciente Isul, que varían de sexo y tamaño. Medina, Guillem, Simón. Núria, Toyland. Made in Asia, Bilbao, Astiberri Ediciones, 2013. 43 A pesar de sus orígenes americanos (1972), fue en Japón donde esta muñeca tuvo un importante éxito gracias a la empresa Takara, que en 2000 produjo las “Neo-Blythe” siguiendo el modelo de sus predecesoras orientadas tanto a coleccionistas como niños. Estas muñecas miden unos 30 centímetros, también son macrocéfalas y destacan por su rostro y ojos redondeados, normalmente están hechas de plástico bastante brillante. Ibidem. 44 BJD son las siglas de Ball Jointed Doll, son muñecas que cuentan con un sistema de articulaciones en forma de bolas unidas al cuerpo mediante cuerdas tensadas. Normalmente son de resina y están orientados a coleccionistas adultos. Destacan por su realismo y están mucho más proporcionadas que los modelos citados anteriormente. Su tamaño puede variar según el modelo, llegando a alcanzar los 60 centímetros en algunos casos. Ibidem. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 42 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 y aceptados en su totalidad, al igual que se mira con interés y admiración un quimono o un plato especialmente virtuoso desushi.En los últimos años han tenido lugar en Zaragoza algunas exposiciones por parte de coleccionistas de muñecas. Partiendo de 2010, en el mes de Octubre podemos destacar la muestra en la tienda de Kanpekisetto (a día de hoy cerrada) por parte del coleccionista Fernando Lafuente, que en varias vitrinas dispuso algunos ejemplares de Pullip, Dal, Taeyang y Byul de diferentes temáticas, algunos modificados mientras que otros conservaban su apariencia de stock; Cartel de la exposición que se llevó a cabo igualmente, colaboró en en Kanpekisetto realizado por Fernando Lafuente, mostrando los diferentes tipos la EuroSteamCon de 2013 con otra de muñecas. exposición de diversos ejemplares de Cartel de la exposición de Erica Fustero, Best Friends Forever, temática steampunk tanto originales como “customizados”. en el Armadillo Ilustrado. En 2012, Erica Fustero expuso algunos de sus ejemplares en la librería El armadillo ilustrado bajo el título Best Friends Forever. La Asociación Aragón-Japón. Por Carolina Plou A lo largo de estos días hemos estado conociendo un poco más en detalle algunos episodios de la relación entre Asia y Aragón, una relación que puede parecer escasa, a simple vista, pero en la que, deteniéndonos, podemos encontrar acontecimientos tan curiosos y variados como los que nos han ido presentando. En esta última ocasión, antes de la clausura del especial en la que se reflexionará sobre las relaciones presentes y futuras y el potencial de las mismas, queremos centrarnos en un caso particular que por su gran actividad merece una mención aparte. Nos referimos a la Asociación Cultural Aragón Japón, y a su presidenta, Kumiko Fujimura. Kumiko Fujimura, presidenta de la Asociación Aragón-Japón, en la Ofrenda de Flores de 2012, un evento que la asociación tampoco quiere perderse, saliendo como grupo oferente y combinando los trajes regionales aragoneses con el quimono tradicional japonés. (fuente: El periódico de Aragón) Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 43 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 La Asociación Cultural Aragón Japón se constituyó en 2004 con el objetivo de servir de puente entre culturas, acercando Japón a los zaragozanos mediante la organización de todo tipo de eventos culturales, abarcando en la medida de lo posible las áreas de interés más variadas para una aproximación lo más amplia posible, que pueda alcanzar los intereses más diversos. La divulgación de la cultura japonesa, llevada a cabo a través de cursos, conferencias, demostraciones y actividades varias, es uno de los pilares fundamentales de esta asociación, aunque no es el único foco en el que se centra su trabajo. También es un importante punto de encuentro y fomento del aprendizaje lingüístico, en ambas direcciones. Del mismo modo, facilitan información tanto de tipo cultural (historia, rutas, visitas) como práctica a los viajeros, tanto españoles que deseen visitar Japón, como japoneses que se desplacen a la comunidad aragonesa. Entre otras muchas actividades puntuales, destacan los cursos que anualmente organiza la asociación. Aunque cada año la oferta varía en función de la demanda y de las posibilidades organizativas, nunca faltan los clásicos cursos de sumi-e y de caligrafía japonesa. Las artes del pincel niponas, pintura y caligrafía, fuertemente vinculadas con la poesía (y Una de las obras de Kumiko Fujimura, realizadas con la técnica sumi-e. generalmente unidas: un poema plasmado en una bella caligrafía acompañada de una ilustración) son una de las manifestaciones artísticas tradicionales más valoradas de Japón. El caso de la caligrafía concebida como arte puede resultar un concepto muy extraño en Occidente. Aunque en la tradición artística occidental pueden encontrarse ejemplos que podrían facilitar la asimilación de esta consideración (por ejemplo, las letras capitales de los manuscritos medievales, profusamente decoradas), lo cierto es que la espiritualidad y la importancia que se otorga a la caligrafía es algo totalmente ajeno a la mentalidad occidental. La caligrafía es el arte de configurar de forma bella, expresiva y elegante los caracteres de la escritura, cuya belleza radica en el personal y espontáneo trazo del pincel (la manera de trazar los caracteres, el grosor de la línea, si la tinta cubre o no la totalidad del trazo…), en las proporciones de los trazos y los caracteres y la relación entre los caracteres y el espacio vacío del papel. Por su parte, el sumi-e es una manifestación pictórica consistente en el uso de tinta negra (sumi, de origen chino) sobre washi o papel japonés, un papel relativamente económico y con unas propiedades plásticas y técnicas que contribuyen a otorgar una mayor belleza a las pinturas. Tradicionalmente se aplicaba en los formatos más diversos: desde kakemono o pinturas colgantes verticales, hasta emakimono o rollos de papel horizontal concebidos para una contemplación individual, pasando por el formato libro, el abanico, el biombo e incluso los paneles correderos interiores (fusuma) de la casa tradicional. Las obras se ejecutan empleando pinceles, fude, con una amplia variedad de grosores y de pelos. La tinta (que tradicionalmente se presentaba en formato sólido, barritas que se rascaban en el tintero y se disolvían con agua) es opaca, y pueden obtenerse diversas tonalidades de intensidad variable. Esta pintura, muy ligera para las transparencias, tiene la particularidad de que no permite las rectificaciones, por lo que hay que realizar aplicaciones espontáneas y rápidas. Tradicionalmente esta pintura se ha asociado con el budismo zen, ya que remite a la estética sabi y wabi, de aspecto inacabado, simplicidad, ausencia de color, grandes espacios vacíos… El tema por Acrílico de Kumiko Fujimura. excelencia de la pintura a la tinta en su momento de esplendor (entre los siglos XIV y XVI, durante el periodo Muromachi) fue el paisaje, pero no representaciones miméticas, sino la recreación de paisajes ficticios, muchas veces tendentes a la abstracción y a la inconcreción, en un ejercicio artístico muy vinculado con la meditación zen. El curso anual de sumi-e es impartido por Kumiko Fujimura, presidenta de la asociación, quien también merece una mención destacada. Nació en Osaka, Japón, en 1958, y en 1990 se trasladó a España para Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 44 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 continuar su formación en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid. Siete años después se instaló en Zaragoza, ciudad donde reside desde entonces. Compaginando su trabajo como artista con la presidencia de la asociación, en Zaragoza ha llevado a cabo numerosas exposiciones, aunque esta solo es la primera de una larga lista de ciudades en las que ha podido verse su obra: Barcelona, Madrid, Huesca, Teruel, Valladolid, Lérida o Marbella han acogido eventos artísticos en los que Kumiko Fujimura ha participado, bien en concursos en los que ha obtenido menciones y galardones, o bien en exposiciones, tanto de manera individual como formando parte de muestras colectivas. Su obra, tanto en sumi-e como en acrílico, ha recibido gran acogida no solo en España, también en su país natal, Japón (donde ha expuesto en Osaka, Tokio, Kioto y Kobe), y a nivel internacional, estando presente en muestras colectivas en La Habana, París, Perugia y Roma. Hace unos meses se estrenó KUMIKO, un documental basado en su labor artística, dirigido por Alberto Pérez Espuña. Kumiko Fujimura es, sin lugar a dudas, una figura clave para el conocimiento y acercamiento a Japón en Zaragoza. Además de estos cursos anuales, la Asociación Aragón Japón es muy activa, participando conjuntamente con otras asociaciones e instituciones, para ofrecer talleres en contexto de otros eventos, buscando a través de la diversificación llegar al mayor público posible y tratando de acercar Japón a personas con muy diversos intereses. Como ejemplos de esta actividad colaborativa, podemos recordar la participación de Kumiko Fujimura impartiendo un taller de sumi-e en el festival benéfico celebrado en 2011 para recaudar fondos tras el terremoto de Tôhoku; el curso celebrado en 2013 sobre cocina japonesa dentro del ciclo Cocinas del Mundo organizado por Distintos en la igualdad, cursos de iniciación al kyudo o tiro con arco japonés o talleres de decoración de abanicos o de aproximación al zen. En todos estos eventos se ve una apuesta por la profundización en el mundo nipón, mostrando y Para saber más: transmitiendo las artes tradicionales, pero también Página web de la Asociación Aragón evidenciando el fuerte interés mutuo entre ambas Japón. culturas, de la mano de cursos tan llamativos como el curso de baile flamenco, realizado en los primeros meses Página web oficial de Kumiko Fujimura. de 2014, impartido por un profesor japonés, el bailaor Ryo Matsumoto. Studio Ghibli en Zaragoza. Por Julio A. Gracia “Studio Ghibli a través de sus historias” Asociación Mangaku. Dentro del evento Nippon-ku. Centro Cívico Universidad (C / Violante de Hungría, 2) Entrada gratuita. En Ecos de Asia hemos hablado en más de una ocasión acerca de Hayao Miyazaki y Studio Ghibli, o de alguna de sus películas, pero esta es la primera vez que tenemos la posibilidad de comentar una exposición sobre el estudio y, además, en Zaragoza, a cargo de la Asociación Mangaku. El evento Nippon-ku (Distrito Japón) se organiza periódicamente y reúne a una gran cantidad de aficionados en torno a actividades diversas sobre el país asiático, desde competiciones de videojuegos hasta algún pequeño musical. En esta ocasión, entre las distintas propuestas y eventos, se encontraba una exposición sobre el estudio nipón en un largo pasillo del Centro Cívico Universidad. Studio Ghibli es una de las empresas de animación más emblemáticas a nivel mundial y, sin duda alguna, la de mayor éxito de origen japonés, tanto dentro como fuera de sus fronteras. El óscar ganado por El viaje de Chihiro en el año 2001 fue un premio extensible a todo el estudio animado y Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 45 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 consolidó a Hayao Miyazaki como uno de los grandes maestros de este arte. Aunque en los últimos tiempos los seguidores de Ghibli han tenido que sufrir primero la retirada de Miyazaki y más tarde la anunciada restructuración del estudio, la obra de Ghibli ha calado en muchas generaciones, tanto estética como narrativamente, constituyendo un hito. En la nota de prensa, la Asociación Mangaku destaca que con esta exposición se busca: “divulgar acerca de Ghibli a personas que puedan no conocerlo. Y, desde otro punto de vista, (…) [intentar] que los más expertos puedan aprender y descubrir nuevas curiosidades y anécdotas que rodean a las producciones del estudio” Para ello se concibe una exposición estructurada de forma sencilla, con distintas cartelas que explican la creación del Studio Ghibli, algunos de sus principales componentes (Hayao Miyazaki e Isao Takahata), películas, una breve referencia al merchandising y distintos videojuegos basados en la franquicia. Esta última parte resulta interesante y aporta un toque original al tema. Es el caso de Ni no Kuni, videojuego desarrollado por Ghibli junto a la empresa japonesa Level 5. La historia se desarrolla en torno a un niño de trece años que tiene la oportunidad de viajar a una realidad paralela a la nuestra (al estilo de Las crónicas de Narnia de C. S. Lewis). La aventura de rol mantiene en todo momento el ambiente estético propio de Studio Ghibli y, aunque el desarrollo Imagen del formato de la exposición. resulta un tanto lento, la animación incluida en el mismo y, sobre todo, la historia creada, otorgan un aire especial a la experiencia de juego. Algo más naíf resulta Magic Pengel: The Quest for Color, concebido para PlayStation 2, también con una estructura de juego de rol basada en una historia pensada de una forma algo más lineal, pero también con el reconocible toque Ghibli. Junto a los videojuegos, la referencia al Museo Ghibli (donde se encuentran muchos cortos creados exprofeso por Hayao Miyazaki para el espacio expositivo) en la exposición resulta también acertada. Es verdad, sin embargo, que la muestra podría ser acusada de ser un tanto sencilla y que, además, los últimos días muchos carteles (sostenidos con cinta adhesiva), se encontraban por el suelo, apoyados en la pared o contra las cristaleras. Pero, ante estas críticas, lógicamente, no tenemos que entender esta exposición en sí misma, sino dentro de todo el conjunto de Captura de pantalla del videojuego Ni no Kuni. actividades del Nippon-ku, como un complemento divulgativo a una labor amplia – y difícil de realizar – de extensión de la cultura japonesa en nuestra ciudad, reuniendo a muchos aficionados y acercando a otros a la cultura nipona, algo por lo que hay que dar la enhorabuena a la Asociación Mangaku. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 46 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 “Noh Kabuki, escenas del Japón”, ya en el Paraninfo de la Universidad de Zaragoza. Por Marisa Peiró El pasado 7 de octubre tuvo lugar la multitudinaria inauguración de la exposición “NOH KABUKI, escenas del Japón” en el Paraninfo de la Universidad de Zaragoza. La muestra, de carácter gratuito, está comisionada por los doctores Elena Barlés y David Almazán y contiene varias decenas de piezas de origen japonés, procedentes de colecciones tanto privadas45 como institucionales de diferentes lugares de la geografía española. La exposición se centra en los dos tipos más conocidos del teatro japonés, el kabuki y elnôh, y precisamente en torno a esta división está estructurada: se compone de dos salas de análogo tamaño y distribución, cada una dedicada a una de estas clases de teatro. Aunque en la actualidad son las dos formas de teatro más conocidas y estudiadas, en Japón existieron muchas otras formas muy populares como el bunraku –teatro de marionetas-. A través de un vestíbulo y mediante unos textos no demasiado largos – echamos de menos una mayor explicación textual- se introduce al visitante en los dos tipos de teatro de los que se ocupa: el aristocrático y codificadísimo nôh –del que hablamos hace poco en Ecos de Asia- y el colorido y popular kabuki. En vez de optar por exponer el aparato teatral, la muestra se organiza en torno a Los comisarios Elena Barlés y David Almazán posan a manifestaciones muy la entrada de la exposición. apreciadas de diferentes artes japonesas, que en todo momento guardan gran relación con el teatro: así, encontramos un gran corpus de ukiyo-e de reputados autores, pues las representaciones de actores y de obras de teatro fueron uno de los géneros más populares del grabado japonés, ya que debido a la enorme fama que alcanzaban los actores –que contaban con auténticas legiones de fans- resultaban tremendamente comerciales; igualmente, otros grabados nos permiten conocer cómo eran los entresijos de una representación teatral, pues reproducen con gran detalle escenarios y teatros. Además, la exposición cuenta con bellísimos kakemonos –esto es, pinturas verticales realizadas para ser colgadas– que o bien comparten su temática con las obras teatrales o que, en sintonía con la esencia del teatro nôh, recogen unas formas mucho más sintéticas y espirituales. Estas piezas se complementan con toda una serie de elementos que guardan gran relación con el mundo teatral: libros y rollos de diversos tipos, armas y cascos de diferentes clases –en consonancia con las historias de guerreros del pasado que tanto Las máscaras causaron gran impresión entre los asistentes. 45 Destaca especialmente la colección “Pájaro Profeta” de José Antonio Giménez Mas, algunas de cuyas obras ya han sido expuestas en otras ocasiones. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 47 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 éxito argumental tenían-, cajas lacadas con forma de máscaras de teatro, estas mismas e incluso un abanico.46 Es por tanto una exposición variada tanto en formatos como en cronologías,47 además de en especificidad: frente a los grabados de los grandes maestros del ukiyo-e del periodo Meiji como Utagawa Kunisada, cuya obra abunda no solo en la muestra sino en importantes museos de todo el Mundo, encontramos en la exposición grandes rarezas, desde las singularísimas obras de Kôgyo Tsuikoka –ya ubicadas en el periodo Taisho (1912-1926), a una pieza que no solo no es de origen japonés sino que supone el verdadero vínculo de la exposición con las tierras aragonesas: el libro Teatro y Danza en el Japón, 48 escrito en 1953 por la zaragozana Jenara Vicenta Arnal Yarza (1902-1960), que aunque química y maestra de profesión también tuvo su particular encuentro con Japón. En definitiva, se trata de una exposición que, aunque pueda parecer pequeña o rápida de visitar, deleitará a todos aquellos que se interesen por los entresijos del teatro y de la dramaturgia japonesa, que disfrutarán tanto de los cuidados detalles tanto de pinturas y grabados como de las cartelas explicativas; quizás satisfaga igualmente a los no pocos amantes de las armas orientales o incluso a todos aquellos curiosos que dado el precio –gratuito- o la inmejorable situación de la exposición –en pleno centro de la ciudad- quieran acercarse a conocerla. La exposición, organizada por Actividades Culturales de la Universidad de Zaragoza, permanecerá abierta hasta el 10 de enero de 2015, en el Paraninfo de la Universidad. Abajo a la izquierda, fotografía de alguno de los cascos y espadas que Excelentes la kakemonos contemplarse exposición. acompañan muestra; pueden a la derecha, una obraendela Kôgyo Tsuikoka, cuyas piezas destacan frente los más habituales grabados de los periodos Edo y Meiji. 46 Tal como nos relató hace poco María Galindo, los abanicos tienen una gran importancia en el teatro nôh. En este caso, el expuesto se trata de un tessen perteneciente a la Colección Torralba-Fortún. 47 Aunque la mayoría de obras pertenecen al final del periodo Edo (1603-1868) y al periodo Meiji (1868-1912), existen otras piezas que abarcan desde el periodo Muromachi (1336-1573) al periodo Showa (1926-1989). 48 Arnal, J. Vicenta. Teatro Y Danza En El Japón. Madrid, Consejo Superior de Investigaciones Científicas, Instituto “San José de Calasanz” de Pedagogía, 1953. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 48 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Crítica de las XVIII Jornaicas del manga y el anime. Por María Gutiérrez Como suele ocurrir cada año durante el mes de septiembre en Zaragoza, se celebran las Jornaicas del manga y el anime. El 2014 no ha sido una excepción, por lo que mediante el siguiente artículo vamos a expresar nuestra opinión sobre la edición de este año. Como introducción decir que este es un evento organizado por la asociación Daruma en colaboración con otras entidades. Durante el fin de semana se ofrecen una serie de actividades que comprenden conferencias, conciertos o exhibiciones de bailes, venta en stands e incluso alguna exposición. Uno de los aspectos más originales e interesantes ha sido la exposición concerniente a la obra de Naoko Takeuchi, Sailor Moon, dado que este año se celebra su vigésimo aniversario. Bajo el título ¡Por el poder de la luna!49 se dispusieron una serie de fanarts a manos de varios dibujantes de cierto renombre que dan su propia visión de Guerrero Luna y sus compañeras. Igualmente, las láminas se acompañaban de una vitrina con merchandising variado (peluches, muñecas, maquetas, revistas). A pesar de tratarse de una buena ubicación en un lugar de paso, la zona resultaba poco iluminada a la hora de sacar fotografías o poder apreciar todos los detalles. Sin embargo, queremos destacar la originalidad de la misma, una interesante iniciativa que denota el alcance de la obra de Takeuchi. Sailor Moon también ha sido la protagonista del precioso cartel de esta edición, a manos de la dibujante Frannerd, cuya ilustración forma parte de la muestra mencionada dando lugar a una nueva visión dada por su original estilo. Otra pequeña exposición se encontraba en el piso superior del Centro de Historias mediante una serie de vitrinas en las que se disponían algunos ejemplos de Ukiyoe de gran belleza que, sin embargo, pasaban bastante desapercibidos dada la escasa Cartel de la XVIII edición de las Jornaicas del manga y el anime en Zaragoza a manos de señalización. Frannerd, A pesar de las carencias en el ámbito comercial, estas se han visto compensadas por las charlas y mesas redondas presentes este año. Partiendo de la presencia de Andrés Aral (Autor de Sailor Moon. La Biblia) el sábado por la mañana, David Almazán que nos acercó el mundo del Ukiyo-e en relación con el manga o incluso una breve mesa redonda por mi parte junto con Pablo Begué acerca del movimiento Steampunk. La música siempre es un elemento constante: desde exhibiciones de baile, un concierto de las grandes canciones presentes en las películas del Estudio Ghibli y una pequeña muestra de danza Bon Cartel de la exposición ¡Por el poder de la Odori. luna! 49 En la siguiente dirección aparecen las ilustraciones que componen esta exposición y los autores participantes: http://poderlunaexpo.tumblr.com/ Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 49 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 En el patio exterior, como cada año, se disponen los stands comerciales y el escenario. Respecto a los primeros, tanto la cantidad como los productos ofrecidos resultan más escasos cada año. Sin embargo, el ambiente exterior se mantiene, al igual que la importante afluencia de público, que parece haber aumentado respecto al año pasado. Bien es verdad que en ocasiones la tranquilidad e integridad de los asistentes se veía afectada por comportamientos fuera de lugar un tanto molestos para algunas personas. En resumidas cuentas, como cada año, estas son unas fechas de reunión para los amantes del anime y del manga, incluso de la cultura japonesa de carácter popular en general, inclinándose este año hacia una vertiente más cultural y variada. Muestra de la exposición ¡Por el poder de la luna! A la izquierda, charla impartida por el profesor David Almazán; a la derecha, mesa redonda acerca del movimiento Steampunk. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 50 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 51 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 52 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Castillos japoneses II: construcción y mantenimiento de los castillos. Por David Lacasta Anteriormente desde Ecos de Asia comenzamos a realizar una aproximación a los castillos japoneses. En la entrega previa nos centramosen la principal fortificación de la familia Hôjô, el castillo de Odawara, pero éste no fue el único bastión de la familia ni el único castillo de Japón que merezca nuestra atención. A continuación nos centraremosen las labores de construcción y mantenimientoque se llevaban a cabo en estos edificios. El castillo de Sakasai, situado en un área rural al norte de Tokio, fue otra de las fortificaciones de la familia Hôjô. El área que formaba parte de la construcción fue excavada y una sección se ha reconstruido por las autoridades japonesas para ilustrar sobre el aspecto de una fortificación de madera típica del período Sengoku (1467-1568).50 Un simple vistazo nos muestra las diferencias que existen entre estos edificios y sus equivalentes europeos. Por ejemplo: la torre principal, construida enteramente de madera, apenas cuenta con piedra en su cimentación, recuerda más a un templo budista que a la imagen de una fortificación. A intervalos regulares se disponía de unas pasarelas, denominadas en japonés ishiuchi tano (saliente que se utiliza para arrojar piedras), desde las Reconstrucción de los muros y torreones del castillo de Sakasai, perteneciente a la cuales los arqueros y posteriormente los familia Hôjô. Se observa con claridad el uso abundante de la madera y la casi arcabuceros se encontraban en posición inexistencia de piedra en su estructura. Representa con claridad como era el aspecto de ventaja para descargar sus armas por de estas fortificaciones a mediados del período Sengoku. encima de los muros o a través de aberturas realizadas para la función. Un talud de tierra se extiende hasta el foso y elevaba la construcción sobre el terreno circundante. También se reconstruyó una atalaya de madera en su emplazamiento original. Esta se trata de una sencilla construcción abierta, destinada a la vigilancia del perímetro. En estos castillos, la piedra se empleaba para la realización de las bases de las torres y puertas, así como para los cimientos de las construcciones del interior de la fortaleza. Con el tiempo, el diseño de los castillos se fue adaptando a las nuevas exigencias de la guerra, así como a la introducción de las armas de fuego por parte de portugueses y españoles, por lo que el empleo de la piedra empezó a ser la nota predominante de estas construcciones. La técnica consistía en construir un gran núcleo central de tierra que se extraía de las colinas de los alrededores y que posteriormente se revestía de grandes bloques de piedra que descendían hacia el exterior de forma muy pronunciada. Los bloques de piedra se incrustaban profundamente, lo que permitía configurar unos cimientos sólidos para soportar el peso de las torres y de las demás construcciones. Matsuaga Hisahide fue el primer daimio que construyó una torre del homenaje en su castillo de Tamon en 1567, pero muy pocos ejemplos del siglo XVI han llegado hasta nuestros días. El castillo de Maruoka fue construido en 1567 y se vino abajo durante un terremoto en 1948, sin embargo fue reconstruido, empleando los materiales originales, tal como puede verse en la actualidad. Matsuoto fue construido en 1597 y ha 50 El período Sengoku es uno de los periodos más convulsos de la historia de Japón. El inicio tuvo lugar el 1477, con el fin del gobierno los shogunes Ashikaga. Fue una época de agitación social, intrigas políticas, y con conflictos militares casi constantes. El fin de este periodo tuvo lugar en 1573, con la llegada al poder del Shogunato Tokugawa. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 53 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 sobrevivido prácticamente intacto. Inayama data de 1600, y durante mucho tiempo se creyó que su torre principal se trasladó desde un emplazamiento original en Kanayama, donde se había construido en 1537, pero las últimas restauraciones y estudios no avalan esta teoría. El torreón de Hikone se empezó a construir en Ôtsuen 1575, y se trasladó a su emplazamiento actual en 1611, manteniendo todavía su aspecto original, mientras que Himeji refleja su reconstrucción de entren los años 1601 y 1612. Los principales constructores de castillos fueron los maestros de Anou, los cuales desempeñaron un papel relevante en la realización de dos docenas de importantes Torreón principal del castillo de Matsumoto, construido en 1597 en el lugar castillos, incluyendo el castillo de Edo, en el que se levantaba la fortaleza de Fukashi, perteneciente a Takeda encargado por orden de Tokugawa Ieyasu. Shingen. Matsumoto es la más antigua fortaleza original de cuantas Estos maestros de la provincia de Ônise habían sobreviven en la actualidad. especializado durante mucho tiempo en la realización de cimentaciones para templos budistas y, hacia el final del siglo XVI alcanzaron la fama por su método de construcción de muros de piedra con una inclinación de cuarenta y cinco grados, en los que empleaban la forma y la textura natural de las piedras. Las atalayas, torres y esquinas de las construcciones se realizaban sobre una base de piedra, y gradualmente los ejemplos de torres con la estructura al descubierto, como la de Sakai, se convirtieron en construcciones más fuertes y con varias dependencias, con tejados curvos de tejas cerámicas, como las que se aprecian en los ejemplos supervivientes de estas construcciones. La base pétrea tenía además la ventaja de proveer una mayor resistencia frente a los terremotos, los cuales han sido siempre un problema que ha asolado Japón a lo largo de su historia. La gran desventaja que presentaban era, por supuesto, que una inclinación tan pronunciada de los muros hacia el exterior resultaba perfecta para que los atacantes pudieran escalarlo, pero es aquí donde los japoneses demostraron una vez más su ingenio y dispusieron unas trampillas similares a las de los matacanes europeos, que con el tiempo se hicieron sobresalir sobre la base pétrea, permitiendo a los defensores una gran ventaja en los asaltos. El castillo de Kumamoto en Kyûshûre presenta el mejor ejemplo. Esto permitía el disparo de proyectiles sobre las cabezas de los atacantes, además del Castillo de Kumamoto en la isla sur de Kyûshû, en el que se observan la lanzamiento de rocas o el derramamiento de estructura defensiva de madera a modo de matacanes y trampillas que otorgaba a los defensores una clara ventaja sobre los asaltantes que calderos de agua hirviendo. Un ejemplo de la escalaran sus muros. defensa de estos castillos en los asedios lo podemos observar en los grabados xilográficos en los que se muestra el simple uso de rocas como proyectiles, las cuales rebotaban contra los muros y causaban verdaderos estragos. Para esta tarea se empleaban además grandes maderos sostenidos por sogas, que se arrojaban para impedir a los atacantes escalar las defensas. Ya fueran grandes o pequeños, todos los castillos requerían de un mantenimiento, y sabemos, por las fuentes del período, como se llevaban a cabo esos procedimientos. En 1587, Hôjô Ujikuni ordenó al comandante de una compañía en Hachigata, Chichibu Magojiro a restaurar un tramo de la empalizada, una torre y tres puertas de acceso. Las órdenes sobre las tareas a realizar están en un marcado contraste con el usualmente aceptado papel de la mujer samurái: Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 54 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Si las puertas, torres o taludes se encuentran dañadas, debes de acometer su reparación antes incluso que si tus propias casas han sufrido daños. Si existen desperfectos causados por los tifones, debes emprender de inmediato sus reparaciones. Si te encuentras con tus hombres fuera durante una campaña, serán tus mujeres y criadas las que deban llevar a cabo las reparaciones. Se debe de inspeccionar toda la fortificación una vez al mes, las juntas deben de ser arregladas, las cuerdas en las que haya desperfectos deben de ser reparadas y sustituidas durante los últimos cuatro días del mes. Cuando las tareas se hayan llevado a cabo, se debe de informar a Ujikuni, y en el caso de que este se encuentre fuera del castillo, debe de ser informado el oficial al mando. Si una sola persona falla en la realización de sus obligaciones, se le impondrá el correspondiente castigo. Se debe de tener cuidado con los materiales empleados. Los miembros de la compañía deben de supervisar a los trabajadores que tengan a su cargo, así como que el uso de los materiales sea el adecuado.51 Los aldeanos que residían en las inmediaciones del castillo tenían la obligación de trabajar en las tareas de reconstrucción. Los muros debían de repararse cada cinco años y siempre que los tifones o cualquier otra catástrofe natural causaran daños. Los campesinos debían de llevar consigo los materiales que emplearían en las reparaciones y entre estos se encontraban postes de madera, varas de bambú, bobinas de cuerda y fajos de cañas. Los muros de los castillos se encontraban recubiertos de una mezcla de arcilla roja y rocas. Algunos muros estaban coronados por pequeños tejadillos de paja o de tejas cerámicas, y el recubrimiento de yeso blanco le daba a los castillos japoneses su característico y majestuoso aspecto. Tras este breve recorrido por algunos de los aspectos más destacables de la construcción y mantenimiento de estos edificios, en la tercera entrega abordaremos como era el día a día de sus guarniciones, así como los preparativos que se llevaban a cabo para resistir los frecuentes asedios. Para saber más: - García Gutiérrez, F., Arquitectura Japonesa vista desde Occidente, Japón y Occidente II, Sevilla, Guadalquivir Ediciones, 2001. - Turnbull, S., The samurái sourcebook, Londres, Cassell& Co, 1998. Jiang shi, los muertos vivientes de China. Por Marisa Peiró A pesar de que durante los últimos siglos el planeta ha tendido hacia una globalización cada vez más convergente, el mundo de lo terrorífico y lo sobrenatural siempre ha tendido a explotar sus argumentos más locales, porque posiblemente eran estos los que condicionaban psicológicamente a la gente de una manera más impactante. Así, frente al imaginario-bestiario popular de Occidente –protagonizado por personajes como vampiros, hombres lobo o todo tipo de muertos vivientes-, nos encontramos conque en el resto del planeta existe la conciencia de una larga serie de criaturas que, aunque comparten muchos rasgos con sus homólogos occidentales, no se corresponden exactamente con ninguno. Tal es el caso del jiang shi,52 un no-muerto de origen chino a medio camino entre el vampiro y el zombie. Como veremos más adelante, los jiang shi son personajes populares en la literatura de a partir del periodo Qing, y actualmente se recurre a ellos con frecuencia en películas y videojuegos. El jiang shi se trata de un muerto que ha vuelto a la vida, bien porque ha sido inducido a ello por un sacerdote taoísta o porque su 51 Ordenanzas recogidas por Stephen Turnbull en: Turnbull, S., The samurai source book, Londres, Cassell& Co, 1998, pp. 163-164. Esta es la transliteración de 僵 屍 , que en cantonés corresponde a Geung Shi, y que en otros idiomas se conoce como kyonshii (japonés), cương thi (vietnamita) o gangshi (coreano). 52 Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 55 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 cuerpo no se ha terminado de descomponer. 53 Son muchos los motivos que pueden llevar –según la literatura, cinematografía y cultura popular- a una persona a convertirse en esta criatura, que van desde el uso de poderes sobrenaturales para devolver a alguien a la vida, hasta la posesión por parte de otro espíritu, fallecer con asuntos pendientes, ser víctima de un entierro prematuro o de un funeral mal realizado 54 o varios asuntos relacionados con la religión taoísta; más recientemente también se ha mencionado que un jiang Jiang shi en El señor de los Vampiros. shi puede infectar a una persona sana y convertirle en uno. Los jiang shi van vestidos como funcionarios de la dinastía Qing –lo que ofrece un interesante comentario antropológico-,55 pero dado que se trata de cadáveres que no se han descompuesto, tienen el cabello –que habitualmente se ha vuelto blanco- y uñas más largos de lo habitual, mientras que su piel se ha vuelto más pálida y fotosensible, y suele presentar o rígor mortis o un avanzado estado de descomposición, con un color que va del blanco al verdoso. Pero una característica principal del jiang shi es que esta criatura debe desplazarse a saltitos, puesto que el rígor mortis hace que estén tan rígidos que no puedan estirar ni alargar sus extremidades, por lo que únicamente pueden desplazarse de esta manera, con sus brazos extendidos; de hecho, el ideograma para “jiang” (僵) alude a esta rigidez. El jiang shi se mueve de noche –durante el día se oculta en sitios oscuros como ataúdes o cuevas- y se dedica a matar a criaturas vivas para absorber su qí o fuerza vital, comportándose a veces como animales; por influencia occidental, en algunos casos recientes se les ha representado también como chupasangres y portando capa sobre el qipao. Según la tradición, existen numerosas formas de detener a un jiang shi, Fotografía de un funcionario de la aunque suele coincidirse en que únicamente un monje taoísta puede dinastía Qing. llevarlas a cabo. Entre ellas, encontramos el uso de elementos cotidianos como espejos –se asustan de su propio reflejo-, escobas o cualquier objeto realizado con la madera de un melocotonero –el melocotón puede subyugar las auras demoniacas-; alimentos como vinagre, arroz glutinoso –únicamente si está sin cocinar- o judías azuki, semillas de azofaifa, armas más tradicionales como un hacha, un punzón de cantero o el propio 53 Estos son los dos motivos que describió el sabio y ministro Ji Xiaolan (1724-1805). Por ejemplo, un cadáver podría convertirse en jiang shi si no se entierra el cuerpo tras el funeral y ante él pasa una gata embarazada, o sí es golpeado por un rayo. También puede suceder que el cuerpo se entierre en un lugar que sea inadecuado para la proliferación de bacterias que descompongan el cuerpo; si sucede esto, tras un tiempo de letargo, la persona se despertaría convertida en jiang shi. 55 Esta vestimenta obedece en primer lugar a una razón práctica: al haber tardado el cadáver un largo tiempo en descomponerse, es lógico que aparezcan enterrados con vestimentas pertenecientes al pasado, y en las representaciones del siglo XX, el periodo anterior más fácilmente reconocible y representable era la dinastía Qing, que duró hasta 1911. Sin embargo, es muy posible que esta representación derive de los fuertes sentimientos anti-imperiales y anti-manchúes que profesó y manifestó el pueblo chino – de mayoría han – durante las últimas décadas del siglo XIX y principios del XX, en la que los funcionarios eran a menudo descritos como impasibles y despiadados. Además, desde otro punto de vista, era imagen garantizaba en cierta medida una respuesta comercial en Occidente, pues la representación de los jiang shi no quedaba demasiado alejada de la de la china tradicional y peyorativa que, siguiendo los códigos del llamado “peligro amarillo”, inundó la iconosfera durante esta misma época. 54 Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 56 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 fuego, el sonido de una campanilla o el canto de un gallo y también elementos que parecen ciertamente más esotéricos: pezuñas de un burro negro, setas venenosas crecidas sobre una tumba, la sangre de un perro negro o un hilo manchado con tinta negra. Además, existen toda una serie de símbolos y hechizos de corte religioso que pueden usarse para detener a los jiang shi; las películas de la década de los 80 popularizaron la idea de que se puede detener al monstruo colocándole en la frente un papel amarillo con un hechizo escrito: se trata realmente de un talismán taoísta o fú. 56 Igualmente, pueden usarse otros símbolos como el Pa kua,57 o libros como el I Ching58 o el Tong Shu59 para detener a la criatura. Posiblemente, el origen de las historias sobre los jiang shiproviene de la costumbre china de enterrar a los fallecidos en su lugar de origen, pues la tradición dice que de otra manera no Diagrama explicativo del Pa kua. pueden descansar en paz. Sin embargo, eran muchos los que morían lejos de sus hogares, especialmente en regiones como la de Xiangxi –de la cual fluía una importante cantidad de mano de obra-, por lo que los familiares pagaban por el traslado del cuerpo; en el caso de las familias más humildes, únicamente podían permitirse el traslado realizado por monjes taoístas, que viajaban a pie. Para trasladar el cadáver rígido, lo ataban a unas varas de bambú y lo cargaban en sus hombros, pero la flexibilidad del bambú hacía que este se curvase al caminar y, para los que lo veían de lejos, daba la sensación de que el cuerpo pegaba saltos arriba y abajo constantemente; por si fuera poco, estos viajes se realizaban casi siempre de manera nocturna, pues daba mala suerte ver un cadáver, lo que no hizo sino aumentar las historias sobre no-muertos; sin embargo, hay una teoría que dice que fueron ladrones y contrabandistas los que inventaron las historias de jiang shi, ya que al hacerse pasar por monjes trasladando cadáveres tenían una genial coartada para poder operar con libertad y asustar a los aldeanos y autoridades. Debido a sus particularidades sobrenaturales, los jiang shi han aparecido frecuentemente en la ficción china –y más tarde, internacional-. Protagonistas en un primer momento de historias de terror literarias, ya desde la dinastía Qing, 60 la llegada del cine y la relativa apertura al mercado occidental favorecieron su aparición en producciones cinematográficas.61 Tanto es así, que a partir de la década Cartel de la película Kung-fu contra los 7 de los 70 surgió en la cinematografía hongkonesa, más enfocada a la vampiros de oro. 56 Los talismanes escritos son una parte importante y habitual en la religión taoísta; solo un monje puede escribirlos y dotarlos de valor. 57 Este es el nombre que recibe el símbolo taoísta compuesto por los ocho trigramas colocados alrededor del ying-yang. Su nombre quiere decir “los ocho estados del cambio”. Estos trigramas rigen el orden del mundo, los fenómenos de la naturaleza, y al ser humano, y cada uno de ellos está en relación con uno de los ocho puntos cardinales. 58 El I Ching o “Libro de las mutaciones” es un libro oracular de origen taoísta, aunque fue reconocido y utilizado por las diferentes escuelas confucianas, cuyo origen se encuentra en los antiguos sistemas de adivinación y cuyas partes más antiguas data del primer milenio antes de Cristo. 59 El Tong Shu es un libro de Zhou Dunyi (1017-1073), considerado una profundización en las doctrinas del I Ching, una reinterpretación de los principios confucianos y por tanto, el que sentó las bases del neo-confucianismo, aunando principios de las tres religiones dominantes en China: el taoísmo, el budismo y el confucianismo. 60 Varios escritores importantes de la dinastía Qing, como Yuan Mei o Ji Xiaolan, recogieron historias sobre jiang shi, que también aparecen en compilaciones celebres como Liaozhai Zhiyi (“Historias extrañas de un estudio chino”) o el Shi Yi Ji, muy anterior. 61 La primera película china en incluir vampiros, todavía durante la época del cine mudo, fue Vampiro de Medianoche (1936), dirigida por Yeung Kung-Leung. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 57 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 exportación que la china y la taiwanesa, todo un género propio, el jiangshipian, que mezclaba hábilmente las particularidades del cine de terror con el de kung-fu, que unidas a unas abundantes dosis de humor produjeron toda una serie de películas muy exitosas nacionalmente, pero cuya peculiar mezcla suele resultar desconcertante para el espectador occidental –no lo serán, desde luego, para los amantes o del cine de Sammo Hung contra un jiang shi en Encuentros en el más allá. artes marciales o de serie b-. Si el kung-fu dominó las películas del género en los 70 –con obras como Kung-Fu contra los siete vampiros de oro (1974), 62 coproducida por la Hammer Films-, en los 80 los no-muertos chinos se encontrarían con vampiros y otras criaturas occidentales. Es en este periodo cuando se realizan las dos películas de jiang shi más importantes –basadas en las exitosas novelas de Huang Ming-, de la mano del director, productor, actor y guionista Sammo Hung, que consiguió codificar el género creando una exitosa fórmula que Jiang shi durmientes arquetípicos, con su traje de oficial, y el fú (talismán) en la cara. mezclaba el terror, la comedia y las sempiternas artes marciales. El hongkonés escribió, dirigió y protagonizó Encuentros en el más allá (1980), verdadera película pionera en la que interpreta a un esposo cornudo que tiene que escapar de las trampas, hechizos y maldiciones que le lanza un monje taoísta contratado por su mujer. Pero los verdaderos protagonistas de la película son los jiang shi, que aparecen una y otra vez para hacer la vida imposible, de mil y una maneras, al pobre Cheung (Hung). Todo tipo de sustos se combinan con constantes artes marciales, y el uso desfasado de los efectos provoca precisamente el humor buscado. Gracias al exitoso film, Hung comenzó a consagrarse dentro de las élites del cine hongkonés. Sobre el mismo tema, ahora con mayor seriedad y centrándose en el papel de los jiang shi, produjo en 1985 El señor de los vampiros (1985), dirigido por Ricky Lau, primera de una larga saga y que lanzó a la fama a su protagonista, Lam Ching Ying, que después apareció en las innumerables secuelas.63 62 Uno de los ejemplos más destacados de este género es Kung-Fu contra los siete vampiros de oro (1974), una histórica coproducción ente la inglesa Hammer Films –especializada en el terror clásico – y la hongkonesa Shaw Brothers. La película reunía lo mejor de ambos mundos, en la el sacerdote de una secta de jiangh shi, los siete Vampiros de Oro, requiere la ayuda del legendario Conde Drácula, que viaja hasta china y adopta apariencia oriental. Poco después, entre el auditorio del profesor Van Helsing se encuentra un joven chino cuya aldea fue asolada por los Siete Vampiros de Oro, que le convence para realizar una expedición en la que dar caza a la secta de jiang shimediante, entre otras cosas, artes marciales, en las que son expertos el joven chino y sus hermanos. Dirigida por Roy Ward-Baker y protagonizada por los veteranos Peter Cushing y David Chiang, la película mezclaba terror, humor y kung fu, y se esperaba que complaciese a los espectadores de estos géneros; sin embargo, fue un fracaso en taquilla que hizo abortar la que podría haber sido una más que fructífera colaboración entre ambas productoras. Otro ejemplo más temprano, aunque en el que los jiang shi no juegan un papel protagonista es The Brave and The Evil (1971), verdadera película de culto del Kung-Fu clásico de la que han bebido numerosos directores de Oriente y Occidente, como Quentin Tarantino; también en la célebre película histórica de Kung-Fu clásico, Kid From Kwangtung (1982), de los Shaw Brothers, aparecen los jiang shi. 63 A El señor de los vampiros le seguirían cuatro películas más (de 1986, 1987, 1988, 1990, siendo las tres primeras igualmente dirigidas por Ricky Lau, que respondió a la última creando su propio Mr Vampire 1992 (1992). Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 58 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 El señor de los vampiros cuenta la historia de un monje taoísta que se dirige al hogar de la familia Yam para acabar con su buena suerte, solo para descubrir que ésta es provocada por el cadáver retornado del difunto abuelo, que se dedica a atormentar a sus descendientes y a su familia política. Lo importante del film es que estaba realizado con gran mimo y dedicación, tanto en la ambientación y el vestuario como en las cuidadas escenas de lucha, y está narrado de forma loable; gracias a ello, consiguió codificar con seriedad algunos de los elementos de jiangshipian que desde entonces se han considerado arquetípicos, como el personaje del monje taoísta ducho tanto en magia como en artes marciales y que, aun asistido por ayudantes incompetentes, es capaz de usar las fuerzas sobrenaturales para combatir a fantasmas y jiang shis. Otro de los tópicos recurrentes, el del niño jiangh shi, llegaría con Vampire vs. Vampire (1989), dirigida por Lam Chim-ying, que habla precisamente El niño jiang shi de Vampire vs. Vampire. de la lucha entre un niño jiang shi y un vampiro británico. La popularidad de los jiang shi en el cine de los 80 fue tal que llegaron a aparecer en películas orientales del mejor y del peor calibre –especialmente de este último-, como El Retorno del Dragón (1982) –talón de Aquiles de Jackie Chan- o Ninja Hunter (1984), e incluso en producciones norteamericanas, como The Jitters (1989); también desde entonces son personajes frecuentes en mangas/animes,64 series de televisión 65 y en una pléyade de videojuegos, 66 además de en toda una serie de novelas y novelas gráficas contemporáneas.67 Aunque desde finales de los 90 su protagonismo cinematográfico ha decaído, los jiang shi siguen dando argumento a películas orientales como Los cazavampiros de Tsui Hark (2002), The Twins Effect (2003), Dragon Reloaded (2005) o Vampire Warriors (2010) –esta última en una clave adolescente y occidentalizante bastante en la línea de la saga Crepúsculo. Los jiang shi han dado lugar a personajes de videjuegos como Kingdom Hearts, Touhou Project, Counter Strike online o Super Mario Land. 64 Algunas sagas tienen personajes más o menos basados en jiang shi, como Shaman King, Dragon Ball, Rosario + Vampire, o Yugi-oh!. 65 Los jiang shi han aparecido en series de televisión como Super Sentai (Japón), Mi cita con un vampiro (Hong Kong) o Las aventuras de Jackie Chan (Estados Unidos). 66 Existen múltiples videojuegos que contienen a personajes jiang shi (Darkstalkers, Castlevania: Order of Ecclesia, Touhou Project XIII, Ragnarok Online) o basados en ellos (los pionpi de Super Mario Land, Alex Kid in the Enchanted Castle, King’s Quest VII, Kindom Hearts); también son enemigos comunes en algunos niveles de juegos como Spelunky, Phatom Fighter, Sleeping Dogs, SOMA, Counter Strike Online o Zombies Run!. 67 Por ejemplo, aparecen en el Kabukimonogatari de Nisio Isin, en Anno Dracula de Kim Newman o en la novela gráfica The New Brighton Archeological Society. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 59 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Fue precisamente esta tónica, la del acercamiento a los modelos occidentales, la que convertiría a la mayoría de películas de jiang shi de los últimos tiempos en “serias” y exentas del humor que caracterizaba a las obras canónicas del género, la que conllevó un montón de críticas por parte de sus consumidores habituales; se dijo que con ello se estaba apelando a un público más hollywoodiense y perdiendo su esencia. Precisamente, en la línea contraria, apareció recientemente Rigor Mortis (2013), de Juno Mak, un tributo a la saga El señor de los vampiros, que contó con muchos de los actores de la saga y con un tono y argumento mucho más fiel a las películas primigenias. En definitiva, el mundo de los jiang shi resulta atractivo tanto para el universo oriental, en el que ¿Es este el futuro de las películas de jiang shi? Foto vía 9gag. forma una parte activa de su cultura, como para el occidental, al que atrae tanto por la diferencia exótica y legendaria como por sus similitudes con su propio imaginario sobrenatural. Rangda y el terror en Bali. Por Marisa Peiró Bali es una tierra de contrastes, hogar de una cultura sumamente sincrética que atrae a la par que asombra por ser el resultado de la suma de varias religiones y tradiciones. En el límite natural entre Asia y Oceanía, en ella se dan cita toda una serie de particularidades naturales y culturales que, desde las primeras décadas del siglo XX, la convirtieron en un celebrado paraíso turístico. En los primeros momentos del pasado siglo, Bali se hizo popular como un lugar de misterio, magia y romance, y de entre sus numerosas y peculiares leyendas, hay una que perdura con fuerza en el folclore actual, y que da lugar a una de las más célebres e icónicas muestras de música y danza regional, que no falta en el haber de ningún turista o nativo: la de Rangda y Barong. Ella, Rangda, es un demonio, una bruja, que gobierna sobre un ejército de leyaks,68 y simboliza las fuerzas del mal; él, Barong, es un león mitológico, un protector, líder de las fuerzas del bien. Pero en esta ocasión vamos a ocuparnos únicamente de ella, pues “Rangda, reina de los leyaks, sanguinaria y devoradora de niños, la viuda bruja ama y señora de la magia negra, es sin lugar a dudas el personaje más interesante de toda la isla.”69 68 Los leyaks son un tipo de demonio balinés, que tienen la forma de cabezas flotantes de las que cuelgan las entrañas; la tradición dice que antiguamente eran humanos que fueron transformados en este tipo de seres por practicar magia negra y tener un comportamiento caníbal. Durante el día, parecen humanos corrientes –lo que hace que tradicionalmente se hayan llevado a cabo exorcismos en personas cuyo comportamiento se consideraba extraño-, o también pueden adoptar formas animales, pero durante la noche, la cabeza se desprende del cuerpo, comienza a flotar y adoptan su forma sobrenatural –con lengua y dientes extraordinariamente largos-.- Entonces, se dedican a rondar buscando sangre humana de la que alimentarse; sus favoritos son los recién nacidos y las mujeres embarazadas, pero también son carroñeros y rondan los cementerios si no consiguen encontrar sangre fresca. 69 [2] Covarrubias, Miguel. La isla de Bali. Palma de Mallorca, José J. de Olañeta, 2012. p. 342. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 60 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Visualmente, se trata de una de las imágenes más impactantes e icónicas de la tradición balinesa y, aunque esta puede variar, Covarrubias 70 ofreció una descripción bastante canónica de la Rangda pre-turística: Era caracterizada invariablemente como una anciana monstruosa, con rayas negras pintadas sobre su cuerpo blanco y desnudo. Anillos de pelambre negro rodeaban sus largos senos colgantes, hechos en forma realista con bolsas de tela rellenas de aserrín. Estaba completamente cubierta por su cabellera blanca, que le llegaba hasta los pies, y sólo asomaban los ojos saltones y los colmillos torcidos de su máscara. Su lengua colgaba de fuera; la representaba una tira de cuero de 60 centímetros de largo pintada de rojo que terminaba en llamas dorada. Otro chorro de llamas le salía de la parte superior de la cabeza. Llevaba guantes blancos con inmensas garras y en la mano derecha sostenía la tela blanca detrás de la que escondía su horrible rostro para poder acercarse a sus víctimas sin que estas sospecharan.71 “Rangda” en javanés antiguo –que es el idioma culto y litúrgico en Bali– significa “viuda”, y es que esta terrible condición –casi Ragnda en una pintura comercial turística actual un tabú en Bali y Java durante siglos- recaía sobre este personaje. Sobre su origen hay dos versiones, igual de legendarias, que nos hacen retroceder hasta el siglo XI, cuando Bali era todavía dependiente legal y culturalmente de Java, y cuando justamente reinó en parte de la isla Airlangga, uno de los fundadores de su épica nacional y que mucho que ver tiene en esta historia. La primera de las versiones, nos presenta a Rangda, la bruja “comeniños”, como la madre del rey Arilangga, Mahendradatta. La reina, de origen javanés –como buena parte de la corte entonces-, trajo a Bali la devoción a la diosa Durga, pero también fue conocida como bruja; su propio marido, el rey Udayna, la repudió por practicar magia negra, fue desterrada de la corte y humillada juró vengarse. Al morir el rey, comenzó a tomar represalias contra aquella sociedad que tan mal la había tratado y adentrándose en la jungla, convocó a los espíritus y demonios –entre ellos los leyaks- para que causasen plagas, muerte y devastación en el reino de Airlangga; llegaría a morir la mitad de la población. La otra historia nos habla de Calon Arang, una poderosa bruja viuda que solía llevarse bastante mal con los aldeanos, dañando sus cosechas y causando enfermedades. Por culpa del carácter de su madre, su bella hija Ratna no conseguía un marido, por lo que furiosa y vengativa, Calon Arang secuestró a una joven del pueblo y la sacrificó en un templo dedicado a la diosa Durga. Al día siguiente, comenzaría una inundación a la que se sumaría una mortífera epidemia. Al conocer la causa de la misma, el rey Airlangga ordenó a sus soldados matar a la bruja, quienes la apuñalaron mientras dormía, pero “se levantó “Rangda y Barong” (1950’s), por Ida Bagus Madé Poleng. ilesa y consumió con su propio fuego a los valientes soldados. La bruja entró una vez más al cementerio y bailó con sus aprendices, desenterraron los cadáveres [de los 70 Miguel Covarrubias fue un artista y antropólogo mexicano que durante la década de los 30 viajó dos veces a Bali, pasando un largo tiempo en la isla, resultado de lo cual escribió unos de los libros que aún a día de hoy se consideran como esenciales sobre la cultura balinesa. 71 Ibíd. p. 343. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 61 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 fallecidos por la epidemia], los cortaron en pedazos, devoraron sus extremidades, bebieron la sangre y se pusieron las entrañas como collares.”72 El rey, desesperado, mandó traer a Empu Bharada, un hombre santo y el único ser capaz de detener a la bruja. Este comenzó por apaciguarla mandando a su discípulo, Empu Bahula, a pedir la mano de la joven Ratna, hija de la bruja. Solo una vez casados conseguiría Bahula enterarse del secreto de su suegra: la posesión de un libro de hechizos, que copió para su maestro. Gracias a él, Bharada consiguió retar a la bruja en numerosas ocasiones, hasta que logró vencerla y darle muerte, aunque después regresaría a la vida bajo su monstruosa forma. Sea como sea, la historia de Rangda es una de las más conocidas de Bali, tanto entre nativos como entre turistas, pues además de ser protagonista de los miedos y temores de muchos, es el argumento principal de una de las obras de teatro (que combina actuación, música, baile y trance) más conocidas y repetidas de la isla, llamada precisamente Calon Arang, cuya representación ha estado tradicionalmente rodeada de un gran misticismo, y que representa la lucha de Rangda contra Barong, acompañados de sus respectivos súbditos. De la pieza, una lucha literal entre opuestos –entre lo masculino y lo femenino, entre el día y la noche, y en definitiva, entre el bien y el Rangda amenazando a los soldados, en el Calon Arang. Foto del Troppenmuseum de mal- nos ocuparemos en otra ocasión, Amsterdam. pues se trata de uno de los elementos más importante de la cultura balinesa. Sin embargo, no podemos concluir sin hacer hincapié en cómo esta misma dualidad está presente en el culto y el recuerdo de Rangda. Temida y a la vez venerada, recibe culto como fuerza protectora en algunas partes de Bali, y las representaciones de Calon Arang se hacen, según los propios balineses, para recordar su poder y sus triunfos. Es, por tanto, muy interesante hacer notar las similitudes tanto iconográficas como conceptuales con las de algunas de las diosas más importantes del panteón hinduista –no olvidemos que esta es la religión predominante en la isla– como Durga, Kali o Chamunda, deidades femeninas tremendamente poderosas; Durga es la guerrera, la invencible (y, como Rangda, mora en la montaña), y aunque Kali y Chamunda son diosas asociadas con la sangre y con la muerte en algunos lugares, también son veneradas como fieras diosas protectoras. Y es que estos son, en definitiva, gran parte de los argumentos en torno a los que giran las historias de brujas de Oriente y Occidente: el temor a lo Pintura india que representa a la diosa desconocido, especialmente cuando se relaciona con el mundo femenino, las Kali, que como se observa tiene historias de venganza, la asociados los mismos colores temática de la creación y simbólicos que Rangda. destrucción asociadas al Para saber más: nacimiento y a la muerte, las madres -diosas o humanascomo ejecutoras de los designios humanos… toda una Fragmento de Legong (1935), película serie de elementos que nos demuestran que a pesar de rodada en Bali en la que se incluye, con estar a muchos miles de kilómetros, nuestros temores y subtítulos, la representación del baile acusaciones no quedan, ni mucho menos, tan alejados. tradicional del Calon Arang. Disponible en: https://www.youtube.com/watch?v=u60qx yVKIWs 72 Ibíd. p. 345. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 62 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 63 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Introducción a la muñeca tradicional japonesa VI: Ningyô en movimiento. Por María Gutiérrez Hasta ahora hemos hablado sobre todo de muñecas estáticas, relacionadas con festividades y tradiciones cumpliendo una función como talismanes o simplemente admiradas por la belleza de sus atuendos. En el siguiente artículo vamos a ver las ningyô creadas para moverse, ya sea gracias a la ayuda de una serie de mecanismo o a las manos de los titiriteros, y deleitar al público mediante sus acciones. Por otro lado, también vamos a comentar algunos ejemplos de muñecas estáticas relacionadas con las artes escénicas. Comenzaremos con las ningyô presentes en el teatro de muñecas o bunraku, una manifestación que se inicia en el Período Edo (1603-1868) y que en su momento cosechó tal éxito que llegó a hacerle sombra al teatro kabuki73 dada la gran cantidad de obras de teatro creadas para ser representadas mediante muñecas (esas mismas obras se adaptarán también al teatro kabuki dado su éxito). Cabe destacar que ya desde el Período Heian (7941185) aparece un precedente de este teatro dada la presencia de una serie de hombres que iban de puerta en puerta mostrando sus habilidades moviendo unas muñecas a modo de títere con el objetivo de recaudar limosna. Será Uemura Bunrakuken quien fundará y dará nombre a este género, creando un teatro de muñecas en Osaka durante el siglo XVIII. En un primer momento era un único titiritero el encargado de mover la muñeca, representándose historias muy simples con escasos personajes (únicamente un hombre, una mujer y sus interacciones). Sin embargo, con la evolución de este género se introducirán novedades e hitos importantes, por Escena de bunraku donde se pueden ver dos títeres interactuando ejemplo, en 1733 se articularon los dedos, o un año además de los titiriteros encargados de manejarlos. después, se instauró el hecho de que fueran tres los titiriteros encargados de cada una de las figuras: el principal que se encarga de la expresividad del rostro y de la mano derecha, un segundo que mueve la mano izquierda y el último que se encarga de los pies. El cargo de titiritero principal supone un entrenamiento previo que se inicia a los 12 o 13 años llegando a extenderse una sécada. Se dan diferentes tratados que vienen a dar una serie de códigos y pautas respecto a las expresiones y gestos de las muñecas y lo que estos significan. Respecto a los títeres, realmente no son creaciones de demasiada calidad y complejidad, no tienen un cuerpo como tal sino que el apresto del mismo viene dado por Rostros de algunos de los personajes, en la parte inferior de la cabeza las manos de los titiriteros, por lo que no pueden el mecanismo de palancas que permite la gesticulación. mantenerse en pie por sí mismas, incluso las figuras femeninas no tienen pies y son las manos del tercer 73 Como se menciona posteriormente, el teatro kabuki fue el entretenimiento preferido por gran parte de las clases sociales durante el Período Edo. En este caso, los protagonistas eran actores de carne y hueso, maquillados y ataviados como determinados personajes, junto con el correspondiente acompañamiento musical. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 64 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 titiritero las que emulan la presencia de estos. El movimiento se ejecuta mediante complejos mecanismos de hilos y palancas que los titiriteros manejan mediante sus manos. La galería de personajes es bastante amplia y variada, destacando sobre todo la expresividad de los rostros masculinos, ya que pueden mover los ojos, cejas y boca (en el caso de las figuras femeninas la expresión es más rígida por lo que han de transmitir sus emociones mediante los gestos de las manos y diferentes posturas). Como algunos ejemplos de estos personajes encontramos a Bunshichi, un hombre fuerte y aguerrido, un guerrero o samurái; destaca el hecho de que puede mover los ojos y el rostro consiguiendo una expresión bizca que nos recuerda al momento culmen de su fuerza en el teatro kabuki. Otro ejemplos sería Yaegaki Hime: cuyo caso nos sirve para hablar de los personajes femeninos, ya sean princesas o cortesanas van a ser un ingrediente importante dentro de las representaciones teatrales. Por último mencionaremos a Otsuru, es el nombre que se refiere a las niñas, que también pueden aparecer en estas obras; al igual que las mujeres, sus rostros no tienen tanta expresividad, pero muestran los pies. A pesar de su éxito en el Período Edo, este tipo de representaciones han perdido importancia, aunque prevalecen algunos focos de importancia como es el caso de Osaka, incorporando en sus actuaciones novedades como diferentes modelos de muñecas. Igualmente, hemos de destacar la llegada de los títeres y la música occidentales a Japón en torno a 1890 y que igualmente pasaron a incorporarse a las representaciones de bunraku. Dejando de lado el bunraku también destacan aquellas muñecas que están igualmente relacionadas con los géneros teatrales, aunque en estos casos no tienen la capacidad de representar las obras sino que mayoritariamente son figuras estáticas: En primer lugar, las Iki-ningyô relacionadas con las representaciones de kaichô, exhibiciones y muestras de figuras ocultas en diferentes templos, lo que suponía todo un atractivo para el público. Se trataban de muñecas totalmente realistas centradas en la representación de expresiones o rasgos corporales de la forma más parecida a la realidad posible. Igualmente, este tipo de muñecas llamarán la atención de los extranjeros a partir de la apertura a Occidente, por lo que encontraremos algunos ejemplos de las mismas en las Exposiciones Universales. Las Takeda-ningyô son un segundo ejemplo, y en este caso, estarían relacionadas con el teatro kabuki, el entretenimiento preferido por gran parte Iki-ningyô. de las clases sociales en el Período Edo. Los actores contaban con sus propias legiones de fans y eran representados en los grabados japoneses, tal éxito va a influir en el mundo de las muñecas, de modo que estos afamados artistas tendrán su propia versión en tres dimensiones. El nombre de Takeda-ningyô procede de un actor muy admirado en su momento, hasta tal punto que cuando se realizó su muñeca, supuso todo un hito de modo que finalmente se le otorgó su nombre a esta tipología (como ocurre a día de hoy con determinados actores o personajes pertenecientes a series de animación). Takeda-ningyô. En este caso, los personajes representados han de ser conocidos, ataviados con los atuendos de su personaje más característico y adoptando la postura y expresión que lo caracteriza. En ocasiones pueden aparecer también comoMusha-ningyô, aunque se pueden diferenciar del resto de muñecas por su dinamismo y tensión. 74 El nombre de Takeda-ningyô procede de un actor muy admirado en su momento, hasta tal punto que cuando se realizó su muñeca, supuso todo 74 Las Musha-ningyô suelen representar momentos como el descanso después de la batalla o los momentos que la preceden, por lo que sus protagonistas aparecen en posturas mucho más estáticas y descansadas. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 65 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 un hito de modo que finalmente se le otorgó su nombre a esta tipología (como ocurre a día de hoy con determinados actores o personajes pertenecientes a series de animación). También podemos encontrar representaciones femeninas dentro de esta categoría, por ejemplo, la hija del Dios dragón, Otohime, con una postura, aunque dinámica, mucho más delicada. En un primer momento, esta tipología no tuvo demasiado éxito ya que mayoritariamente se producía con materiales baratos y se tomaba como un objeto de carácter popular, sin embargo, con el paso del tiempo esto cambió, llegando hasta nuestros días ejemplos de gran calidad. Por último, las Uizan-ningyô, que están relacionadas con el teatro Nô. Vienen a englobar tanto representaciones de actores afamados como aquellas muñecas que se regalaban a los mismos. Sobre todo son figuras masculinas arrodilladas, de postura relajada y rasgos delicados. Se dan muy pocos ejemplos. Alejándonos del mundo del teatro, otra categoría que destaca por su dinamismo son las Karakuri-ningyô, una especie de autómatas que cuentan con una serie de mecanismos que les permiten moverse. El término “karakuri” significa “engañar”, dado que se pretende que los espectadores piensen que la muñeca es capaz de moverse por sí misma. A la hora se situarlas, nos remontaremos al Período Kamakura, donde podemos encontrar ejemplos muy primitivos que se regalaban al emperador por parte de los monjes de Nara; aunque su momento de auge lo podemos situar en el Período Edo gracias a Takeda Ômi, que exhibía sus muñecas mecánicas en un pequeño teatrillo, movidas en este Chahakobi ningyô. caso, gracias al agua o a la arena. Se pueden distinguir varios tipos de muñecas: las Zashiki creadas en el siglo XIX que se colocan sobre una base que esconde el mecanismo interior que funciona mediante arena, mercurio o vapor, son muñecas de pequeño tamaño destinadas al disfrute privado de las clases más altas durante el Período Edo, una de las más destacadas es la Chahakobi encargada de servir el té a los invitados esperando hasta que se terminen la taza para retirarse con ella, o el caso de las Yumihiki Doji o muñecas arqueras que cada vez que se accionan ejecutan unos 4 disparos programadas para fallar un tiro de cada 10. Las últimas Karakuri-ningyô que mencionaremos son las Dashi y las Kobe. Las primeras serían manipuladas por un hombre escondido dentro de un carruaje que se dedica a recorrer las calles durante determinados festivales llamando la atención de sus paseantes, estas carrozas tienen tres pisos75 y se mueven gracias a la colaboración de unos 20 hombres, cada carroza tiene un estilo particular reflejo de la zona donde se crearon, normalmente se da una rivalidad entre las distintas zonas por ver quien tiene las carrozas más bellas. Finalmente, las Kobe, que se mueven al accionar una palanca ejecutando acciones muy simples. Para saber más: - http://www.karakuri.info/index.html - Scott Pate, Alan, Ningyô. The art of the japanese doll, Singapur, Tuttle Publishing, 2005. Dashi ningyô que representa la leyenda de Momotarô. 75 Un primer piso donde encontramos los títeres que suelen representar personajes de cuentos y mitos, un segundo nivel donde se colocan los titiriteros encargados de accionar los correspondientes mecanismos y un nivel más bajo donde aguardan los músicos que acompañan las escenas. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 66 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 La China de los Han a través de la exposición Señores del Tiempo. Por Carolina Plou Desde hace ya varios años, el MARQ acostumbra a ofrecer al menos una propuesta cultural de visita obligada. En los últimos años, ha presentado muestras tan variopintas como interesantes, creadas con mimo, acercando piezas y obras de museos de primera categoría articulados en discursos concebidos con originalidad y, ante todo, un fuerte componente didáctico, más allá de la mera exhibición de obras de arte y objetos del pasado. El señor de Sipán, misterio y esplendor de una cultura pre-inca (2006), Arte e Imperio. Tesoros asirios del British Museum (2007), La belleza del cuerpo (2009, con piezas procedentes del Museo Británico, entre ellas el célebre Discóbolo), El enigma de la momia (2010) o Ermitage. Tesoros de la arqueología rusa (2011), son algunos de los ejemplos más destacados de esta cuidada programación expositiva, que en la mayoría de los casos se plantea coincidiendo con las fechas veraniegas, para facilitar el flujo de público. La muestra de este año, además de ser, como siempre, del máximo interés y calidad, ha sido concebida no sólo como un evento estival, sino como una de las exposiciones del año. Hasta el 14 de enero pueden disfrutar de Señores del Cielo y de la Tierra. China en la dinastía Han (206 a.C. – 220 d.C.). China viene consolidándose desde hace años como la nueva potencia económica mundial, creando cierta incertidumbre en Occidente, que todavía mira receloso a ese dragón que despierta cada día más rápido. Sin embargo, aunque haya recelo, la clave está en el gesto. Occidente mira, Flautista. pone voluntad en conocer a este país que comienza a tener un mayor peso Terracota. en la configuración del mundo globalizado. El primer acercamiento se ha Altura: 58 cm.* producido en términos económicos y sociopolíticos, con mayor presencia en la prensa diaria de noticias relacionadas con el gigante asiático. El segundo paso ha sido el acercamiento idiomático: ver a China como el futuro económico mundial ha favorecido el incremento del aprendizaje del idioma chino, y si bien hasta hace unos años ésta era una enseñanza minoritaria, en la última década se ha convertido en una de las opciones más demandadas en escuelas y academias de idiomas. El siguiente paso necesario era el conocimiento de la cultura china. El conocimiento medio sobre China consistía (y todavía, lamentablemente, persiste en una buena parte de la sociedad) en una serie de vagos conceptos: comunismo, Mao, los guerreros de terracota, la Gran Muralla, Bruce Lee y Jackie Chan, amén de una visión un tanto borrosa de la gastronomía. Dragones, barrios chinos infestados de mafiosos y fiestas de año nuevo en febrero. Sin embargo, al igual que ha ido pasando con el idioma, el interés por la cultura china ha ido creciendo, en base a una demanda por parte del público en general, que ha encontrado respuesta en la oferta de productos culturales de lo más diverso: espiritualidad, cine, literatura, exposiciones… Frecuentemente éstas tienen relación con el arte contemporáneo, atendiendo a artistas contestatarios con el Gobierno Bailarina. chino. Pero también las hay que dirigen la mirada a la tradición china, Terracota. Altura: 60 cm. para ayudarnos a una comprensión más profunda de esta rica, compleja y Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 67 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 milenaria cultura. Tal es el caso de la exposición que nos ocupa, organizada por el MARQ. Gracias a la colaboración de dos importantes colecciones particulares se ha construido una muestra que, a través de diversos objetos artísticos y cotidianos, pretende acercar al espectador a uno de los momentos de esplendor de la historia china. Señores del Cielo y de la Tierra nos traslada a la dinastía Han (206 a.C. – 220 d.C.), un periodo de esplendor dentro de la historia del país. Este periodo se divide tradicionalmente en dos partes: la Dinastía Han Occidental, desde el 206 a.C. hasta el año 9 d.C., y la Dinastía Han del Este, entre los años 23 y 220 d.C. El interludio responde a un momento de crisis en el que el poder estuvo en manos de la efímera dinastía Xin, fundada por el usurpador Wang Mang. La caída de la efímera dinastía Qin (221-207 a.C.), que había unificado y sentado las bases del Imperio Chino,76 se prolongó a lo largo de tres años de agonía desde la muerte de Qin Shi Huang, acaecida en 210 a.C. Qin Shi Huang, autoproclamado Primer Emperador, había sido rey de Qin Sirvienta. desde 247 a.C., y en 221 a.C. logró Terracota policromada. poner fin a los Reinos Combatientes77 Altura: 49 cm. y unirlos a todos bajo su hegemonía. Desde entonces, gobernó sobre toda China, implantando un modelo imperial basado en la filosofía del legalismo y una centralización absoluta, con un especial afán en la estandarización de prácticamente todos los aspectos de la vida china, 78 abordando a su vez enormes proyectos de realización de infraestructuras: un amurallamiento de la frontera norte del Imperio Chino (una de las más tempranas fases de la Gran Muralla), carreteras, canales, puentes y un gran mausoleo para el Primer Emperador.79 Guerrero. Terracota policromada. Altura: 44 cm. Ya durante los últimos años de la vida de Qin Shi Huang comenzó a extenderse el descontento entre la población. Sin embargo, no fue hasta su muerte y la manipulación testamentaria llevada a cabo por sus ministros, en connivencia con uno de los hijos del emperador, cuando este descontento estalló en una revuelta y un periodo de conflictos, que concluiría con la victoria de Liu Bang80 y el establecimiento de la dinastía Han. El principal cambio que llevaron a cabo los Han respecto a la dinastía Qin fue el abandono del legalismo a favor de la doctrina de 76 Aunque fue efímera como dinastía, la familia Qin había reinado en uno de los territorios que finalmente se unificaron bajo el Imperio Chino con anterioridad al 221 a.C., fecha en la que, al constituirse como un único núcleo administrativo centralizado en la figura del emperador, comienza a considerarse como dinastía, perdurando para la posteridad no tanto en sentido de linaje, sino como división cronológica de la historia del Imperio Chino. 77 Un periodo de la historia china, comprendido entre el siglo V a.C. y el año 221 a.C., en el que el territorio chino estaba dividido en siete grandes reinos en conflicto: Qin, Zhao, Wei, Han, Chu, Yan y Qi. 78 Desde cuestiones tan obvias como la legislación, la burocracia o la moneda, pasando por otras como el sistema de escritura o la educación, hasta cosas a priori tan extravagantes como la longitud del eje de las ruedas de los carros, la estandarización (tomando como modelo el reino de Qin o los designios del propio emperador) trataba de homogeneizar los más diversos aspectos de los otrora rivales reinos conquistados. 79 El Mausoleo de Qin Shi Huang fue uno de los magnos proyectos del emperador, tal y como corroboran las cifras: su construcción se prolongó durante 38 años, abarca una superficie de más de dos kilómetros cuadrados (que ascienden a sesenta si se cuenta todo el complejo funerario, compuesto de más de ciento ochenta enterramientos), alberga más de ocho mil estatuas de guerreros realizadas en terracota y correspondientemente armados (aunque muchas armas fueron saqueadas tiempo después de la caída de la dinastía Qin), caballos de terracota y carros realizados en metales preciosos y profusamente ornamentados. 80 Liu Bang fue, junto con Zhu Yuanzhang en el siglo XIV, el único fundador de una dinastía china que tenía orígenes humildes. Liu Bang consiguió en primer lugar los títulos de Duque de Pei (en referencia a su lugar natal) y Príncipe de Han, título con el que alcanzaría el poder absoluto sobre toda China y que daría nombre a su dinastía. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 68 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Confucio, aunque las estructuras políticas se mantuvieron con ligeros cambios. En el Gobierno central, bajo el emperador, se situaban las Tres Excelencias: el Gran Consejero, que desempeñaba el papel de Primer Ministro, el Gran Condestable y el Gran Oficial de la Censura, eran consejeros del soberano, y tenían la tarea de centralizar y controlar toda la maquinaria administrativa. Junto a ellos se encontraban los Nueve Ministros, 81 a un nivel inferior en el escalafón. Tras este núcleo que constituía la cabeza de la jerarquía imperial, se hallaba una vasta administración local, dividida, de mayor a menor, en provincias, comanderías y condados. 82 Para mantener toda esta estructura, era necesario un importante despliegue militar, que fue posible gracias a la obligación de los pueblos conquistados de integrarse en el ejército estatal. El periodo de la dinastía Han trajo consigo un gran desarrollo de la cultura, el comercio, la ciencia y la tecnología. La adopción del confucianismo a nivel estatal propició que el concepto de individuo cobrase gran importancia, al tiempo que Recipiente con tapa (hu). socialmente se implantaba un Bronce con decoración incrustada. estricto respeto por las jerarquías, Altura: 55 cm. tanto públicas (la organización política) como a nivel privado (la familia, en la que existía una veneración de los antepasados, por un lado, y un respeto al patriarca y a los miembros superiores, así como la supeditación de la mujer al varón principal, fuera padre, esposo o hijo mayor). La corte se convirtió en el centro de actividades literarias, filosóficas y científicas, y las artes vivieron un desarrollo sin parangón. La poesía y la escritura vivieron también un periodo de esplendor, con el nacimiento de un nuevo género poético, el fu o prosa rimada, y de una nueva clase social, los letrados. 83 También vivieron un momento dorado las artes escénicas, así como las artesanías. 84 Del mismo modo, todos aquellos objetos cotidianos de las clases altas adquirieron un lujo inusitado.85 Disco Bi. Jade tallado y calado. Altura: 26 cm. El confucianismo también se deja sentir en la articulación de la exposición, que ha tomado dos preceptos del maestro chino para 81 El Gran Rector, encargado de la astrología, la medicina y las escuelas; el Gran Maestro de Ceremonias, del que dependían los rituales religiosos, el mantenimiento de los templos y las relaciones con los príncipes feudales; el Condestable de la Corte, a cargo de la justicia y las prisiones; el Gran Director de la Agricultura, responsable del presupuesto, la gestión de los registros provinciales de la tierra y de la población; el Pequeño Tesorero, encargado de las finanzas privadas y de la correspondencia del soberano, del personal de palacio, la biblioteca y los talleres imperiales; el Condestable de la Guardia, encargado de la seguridad del palacio y de las patrullas de las murallas; el Guanglujun, responsable de la guardia personal del emperador y de los nobles; el Ministro de Carruajes, que dirigía las yeguadas y carruajes de palacio y, por último, el Director del Clan Imperial, que supervisaba las relaciones de la corte y administraba su patrimonio. 82 Divididos a su vez en distritos, aldeas y familias. 83 Los letrados tenían un conocimiento muy avanzado de los caracteres chinos, tanto de las grafías y los significados, como respecto a la capacidad de escribirlos en los diversos estilos existentes. De esta forma, los eruditos adquirieron un gran reconocimiento y prestigio social. 84 Se perfeccionaron las técnicas de fabricación de cerámica; surgieron los primeros artesanos especializados, tanto alfareros como dedicados a la laca o a la producción de sedas. Tal fue el dominio que se alcanzó en esta última técnica que se han llegado a encontrar ejemplos de piezas como la de las tumbas de Mawangdui, una tela de seda ricamente decorada, que medía 160 cm de largo y sólo pesaba 49 gramos. 85 Aunque en muchos casos no se han conservado ejemplos, por diversos factores, el mundo de los ajuares funerarios ha permitido conocer la vida cotidiana y el gusto por el lujo de estas clases altas. A través de pinturas funerarias y réplicas en barro cocido, podemos conocer las edificaciones (no conservadas, ya que se construía en madera) y saber que poseían gran superficie, repartida en varios pisos y varias dependencias, y que algunas de ellas contaban incluso con terrazas. También nos dan testimonio de ese lujo los múltiples objetos de seda, laca, jade y bronce, particularmente los espejos, profusamente decorados. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 69 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 desarrollar la exhibición: por un lado, “Estudia el pasado si quieres pronosticar el futuro”, el análisis directo del legado material con la finalidad no de comprender el propio pasado, sino de entender a través de él el presente y por tanto, el futuro; por otro lado, la recreación virtual que sumerge al espectador en el contexto de la dinastía Han permite aprehender con mayor facilidad conceptos extraños o ajenos: “Me lo contaron y lo olvidé; lo vi y lo entendí; lo hice y lo aprendí”. Buena parte del conocimiento que tenemos sobre el periodo de la dinastía Han ha partido de los ajuares funerarios, y estos suponen la base material para la exposición. Las distintas piezas se disponen por las salas buscando, ante todo, causar un impacto visual al espectador, y evocar un traslado a la época en que fueron realizadas. Para ello, se ha empleado un diseño minimalista, sencillo y limpio, y una cuidadísima iluminación, que convierten a las obras en las únicas protagonistas de este viaje temporal. De manera complementaria, los dispositivos museográficos asépticos, con líneas puras y sencillas, las cartelas ilustrativas y los montajes audiovisuales facilitan el acercamiento a la cultura inmaterial y la mayor comprensión de las piezas exhibidas. El recorrido plantea una inmersión cultural muy completa en el mundo de la dinastía Han, a través de cuatro bloques. En primer lugar, una instalación didáctica en la que el visitante recibe las primeras nociones del periodo histórico que protagoniza la muestra: cronología, política, geografía y un apartado dedicado a la importancia de la escritura china y sus diferentes estilos. Una vez que el espectador está familiarizado con los conceptos básicos del contexto histórico, puede adentrarse en la segunda sección, Señores del Cielo, donde se explican aspectos fundamentales de la cultura inmaterial: espiritualidad, filosofía, música, danza, poesía y mitología tienen cabida, a través de objetos de jade, piezas rituales, piezas ligadas a la inmortalidad (incensarios, zun),86 figurillas de terracota de músicos y bailarinas y un largo etcétera de las más variadas piezas, que arrojan luz sobre conceptos abstractos, coronadas con una curiosa vídeo-instalación con imágenes cenitales del Imperio Chino Han. Si Señores del Cielo habla de la cultura inmaterial y más elevada, Señores de la Tierra acerca diversas facetas de la vida cotidiana: el ejército, sirvientes, el mundo femenino, caballos y otros animales domésticos, objetos cotidianos, dinero, máscaras… De nuevo se construye un muestrario de la sociedad, los distintos ámbitos y las variadas costumbres de la época Han a través de figuras de terracota, vasijas, monedas, armas y otras muchas piezas extraídas de ajuares funerarios. Este espacio finaliza con un audiovisual en el que se proyectan narraciones de cuentos e historias Han de tradición popular. El último de los apartados de la muestra es El ingenio Han, quizás el más curioso o llamativo, y en el que se recogen algunos de los inventos y avances científicos llevados a cabo durante este periodo. Algunos de ellos están tan asimilados en la vida moderna que resulta sorprendente verlos recogidos como inventos; por ejemplo, la manivela para accionar tornos, molinos y demás utensilios, el papel o la brújula; mientras que otros Para saber más: resultan sorprendentes por la aparente modernidad de los inventos, como puede ser el caso del sismógrafo, la - Sitio web del MARQ. linterna mágica o el paracaídas. Tanto por la variedad y calidad de las piezas, como por el cuidado discurso y el notable afán didáctico, Señores del Cielo y de la Tierra. China en la dinastía Han (206 a.C. – 220 d.C.) supone, sin duda alguna, una de las exposiciones del año en lo que a cultura asiática se refiere. Si a ello unimos su temática, que rehúye de las modas imperantes respecto al arte asiático para adentrarse en el milenario pasado de China, no podemos sino concluir recomendando encarecidamente que busquen un hueco en sus agendas y se desplacen hasta Alicante, puesto que será verdaderamente difícil que salgan decepcionados. *Imágenes cedidas por el MARQ y el servicio de prensa de la Diputación de Alicante. 86 - Sitio web de Señores del Cielo y de la Tierra. China en la dinastía Han (206 a.C. – 220 d.C.). - VV.AA., La construcción del poder en la China antigua. Granada, Universidad de Granada, 2009. - VV.AA., Imágenes para la inmortalidad en la dinastía Han: 206 a.C. 220 d.C.. Valencia, Museo de Prehistoria de Valencia, Diputación de Valencia, Área de cultura, 2010. - Recipientes que evocan la montaña mágica donde habitan los inmortales. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 70 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 71 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Ilustraciones con alma. Victo Ngai. Por Julio A. Gracia De origen hongkonés, aunque radicada en Nueva York, Victo (apócope de Victoria) Ngai es una ilustradora muy reconocida. Como destaca en su Tumblr, entre sus clientes se encuentran: “The New Yorker, The New York Times, McDonald’s, TigerBeer, MTA NY Art For Transit, E&J Gallo Winery, Folio Society, Sundance Film Festival, Leo Burnett, ROTHCO, Ogilvy & Mather Johannesburg, Wired, Scientific American and many more.” Y, además, destaca que ha formado parte de la lista Forbes de 2014 “30 under 30” en la categoría de Art & Culture. Ha recibido numerosos premios entre los que se incluyen dos medallas de oro de la Society of Illustrator NY, una de ellas por “Best use of Illustration”, es decir, por haber adaptado perfectamente la ilustración al encargo. Cuenta con un Folio 2012 OzzieAwards y un Judge’s Pick Award. Ha recibido clase, entre otros, del ilustrador Chris Buzelli, radicado también en Nueva York y habitual colaborador de numerosos y prestigiosos medios. Su primera exposición individual está prevista para el ZhiMuseum, en Cheng Du Ilustración de Victo Ngai para el artículo Too Big To (Not) Fail. El vínculo perfecto entre (China), magnífico edificio de espacio disponible y texto en la mayor parte de sus obras le ha valido al ilustrador el premio KengoKuma&Associates en el que “Best use of Illustration”. volúmenes interiores y exteriores se dan la mano. Dada la calidad de su obra, su currículum no nos extraña. Victo Ngai utiliza una combinación entre técnica tradicional y digital (algo común en muchos ilustradores y diseñadores actuales), utilizando diferentes medios, desde el grafito hasta el óleo, pasando por el acrílico. The Hot Race, ilustración para Planadviser Magazine, un niño juega con un ave en un De esta forma consigue distintas contexto que tiene a la línea curva –como acrecentadora del movimiento- como principal texturas y gamas cromáticas que protagonista. luego son tratadas desde el ordenador (principalmente, con Adobe Photoshop) para lograr nuevos efectos. Y, como ocurre también con muchos artistas del lápiz, todo su trabajo comienza con una idea concreta. El contenido antecede a la imagen y se concibe siempre al servicio del arte, en base a la capacidad de éste para: “transmitir emociones, comunicar ideas y despertar empatía más allá de la barrera del idioma”.87 Para ello, la ilustradora se nutre de numerosos grabados japoneses (como los famosos ukiyo-e) y obras procedentes de China (como la pintura a tinta), pero lo hace de una forma en concreto. Reconoce que todo 87 Entrevista a Victo Ngai en Yuxtapoz. Una entrevista graciosa en la que se le pregunta acerca de su comida favorita o su mejor época de inspiración y en la que, entre otras cosas, destaca que a veces encuentra su inspiración mientras se encuentra en el baño (como, por otro parte, una buena porción de los mortales). [03/10/2014] Otra entrevista entre la que habla sobre su filiación estética es la realizada por Old Book Illustrations [03/10/2014] Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 72 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 ese universo visual se encuentra en su propia formación, pero que es necesario aportarle un plus extra. Podemos en este sentido aplicar a sus ilustraciones el término “glocal”. Portada de la obra Vicious. Victo Ngaiuna gran ciudad a los pies de una figura que destaca sobre el fondo rojo. Recuerda a obras steampunk o influenciadas por el cine de animación. encuentre en las palabras que tomó de Chris Buzelli, para el que el estilo:“está sobrevalorado. Es simplemente un hábito de dibujo. Todo el mundo tiene un estilo único, porque todo el mundo tiene una vida única.”88 La única vía, para ella, es ser honesto con su obra, con aquello que concibe, buscando simplemente transmitir. En este sentido, su forma de hacer parece recordar más a la de un artesano89 chino, trabajando su producto con las manos, poco a poco y sin prisa, dejando que la idea emerja con tranquilidad. El hecho de que a posteriori sus obras pasen por el tamiz del Photoshop, refuerza la idea del carácter “glocal” de su obra: antiguo pero adaptado también a los tiempos en los que nos encontramos. Por un lado, la artista crea imágenes que pertenecen a su propio corpus íntimo y personal y que se encuentran relacionadas con el ambiente en el que ha vivido y –en parte– se ha formado, puramente oriental. Este aporte de su trabajo podría recibir el término “local”, ya que muchos de los contenidos solo serían entendidos por aquellos que hayan vivido o estudiado estas manifestaciones, vinculadas a una sociedad en concreto. Sin embargo, por otro lado, Ngai suma a su obra las distintas influencias – muy diversas – que ha recibido durante su amplia estancia neoyorkina –entre los artistas universales que encuentran acomodo en su obra se encuentran el propio Gaudí, William Turner, EgonSchiele o Gustav Klimt – y les aporta un toque único, al que podemos etiquetar como “global”. La suma de ambos términos (local y global), da como resultado un neologismo, “glocal”, que podemos fácilmente aplicar a su obra: despierta en el espectador la idea de un mundo, de un universo totalmente propio y que remite a códigos de la parte más oriental del planeta, pero, al mismo tiempo, trasciende los mismos y es capaz de llegar a numerosos espectadores no familiarizados con estos. La esencia de muchas obras posmodernas y transnacionales se encuentra en este tono “glocal” que sus creadores son capaces de imprimirles. Quizás, la clave de las ilustraciones de Victo Ngai se Para saber más: La autora ha sido entrevistada en multitud de ocasiones para distintos magazines especializados en ilustración o diseño gráfico pero, como solemos recomendar desde Ecos de Asia, no hay mejor forma de acercarse a su obra que a través de las ilustraciones que realiza y que se pueden contemplar en Behance, Tumblr o en su página web, donde podemos encontrar obras verdaderamente personales. 88 Entrevista a Victo Ngai en WeDesignStudios. [03/10/2014] Como también hemos comentado en otros artículos de Ecos de Asia, este hecho recuerda profundamente a la forma de hacer de artistas españoles como Chema Madoz. 89 Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 73 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 74 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Why don’t you play in hell?, el último triple mortal de Sion Sono. Por Laura Martínez El director de cine japonés Sion Sono, siempre acostumbrado a las acrobacias fílmicas, se recrea en su último largometraje con este complicado salto mortal hacia adentro que es Why don’t you play in hell? (Jigoku de naze warui?, 2013), y que recuperamos ahora paraEcos de Asia con motivo de su reciente lanzamiento en DVD. Podemos calificar esta producción de “triple mortal” ya que el tono principal redunda en la violencia, la yakuza90 y la muerte (sangrienta a la vez que poética); y el giro hacia el interior que conlleva este tipo de ejercicios se lo da el tema de la película: la realización de un film por parte de unos cineastas amateurs cuyo título coincide con el de la película que nosotros estamos viendo, esto es, “cine dentro del cine”, también llamado metacine. El género del metacine se caracteriza por reflexionar sobre el propio cine, sobre sus modos de producción y la relación entre realidad y ficción. Podemos rastrear ejemplos metacinematográficos a lo largo de toda la historia de este medio y por todo el globo. El caso japonés no es diferente, y encontramos en la cinematografía nipona algunos ejemplos interesantes de metacine, entre los que cabe destacar las producciones de Takeshi Kitano Takeshis’ (2005) o Glory to the Filmmaker! (2007). Cartel de Why don’t you play in hell? Así pues, Why don’t you play in hell? es solo un eslabón más de una larga cadena de películas y directores que tratan el tema del cine en sus películas. Este hecho queda ya patente en los carteles publicitarios del film, en los que un brazo que sujeta una cámara cinematográfica emerge de entre una masa de cadáveres, bajo un cielo tormentoso. El principal responsable de dicha “hecatombe fílmica” no es otro que Sion Sono. Este director japonés (nacido en Aichi en 1961), polifacético y siempre polémico, se dio a conocer a nivel internacional con el controvertido film Love Exposure (Ai no mukidashi, 2008) donde, a lo largo de sus más de cuatro horas de metraje, trata temas como el voyeurismo, la religión y el pecado.91 Así mismo, con esta película inicia lo que se ha dado en denominar su “Saga del odio”, una trilogía que se completaría con Cold fish (Tsumetai nettaigyo, 2010) y Guilty of Romance (Koi no tsumi, 2011). La mayoría de sus películas están protagonizadas por adolescentes o jóvenes socialmente inadaptados, que normalmente acaban inmersos en una atmósfera de sexo y violencia desmedida, que en algunos momentos roza lo gore, y que puede entenderse como heredera del pinku eiga.92 El argumento de la película que ahora nos ocupa, se centra en un grupo de jóvenes cineastas que se autodenominan los “Fuck Bombers”. Éstos se encuentran liderados por Hirata, un director amateur, al que acompañan dos cámaras y un muchacho “peleón” llamado Sasaki, quien pasará a convertirse en su nuevo actor fetiche, denominándolo “el Bruce Lee japonés” y vistiéndolo incluso con ropa deportiva amarilla (de claras reminiscencias tarantinianas). Estos jóvenes se reúnen habitualmente en un cine donde charlan sobre sus aspiraciones fílmicas con el anciano operario de la sala de proyección. 90 Yakuza es el nombre con el que se conoce a la mafia japonesa que, siguiendo un estricto código derivado de los samuráis, controlaba el contrabando, las apuestas, la extorsión o el tráfico de drogas y armas. Podemos rastrear su origen hasta el Japón feudal, y su característica primordial son los tatuajes que cubren gran parte de su cuerpo. 91 Por esta película Sion Sono consiguió el premio Caligari Film y el FIPRESCI en el Festival Internacional de Cine de Berlín. 92 El pinku eiga es un género cinematográfico japonés inserto dentro del cine erótico. Debido a las peculiaridades de la censura nipona, estas películas tuvieron un enorme auge en los años sesenta, y se caracterizaban por emplear un formato en 35 mm, disponer de bajo presupuesto, y normalmente eran producidas de manera independiente. Para más información, consultar http://conoce-japon.com/cultura-popular-2/pinku-eiga/ Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 75 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 El otro hilo argumental de esta película está constituido por los avatares de un jefe de la yakuza: Taizo Muto, cuya enemistad con el clan Kitagawa desencadenará una espiral de violencia y venganza, en la que se verán inmersos todos los personajes del film. La hija de Muto, una niña llamada Mitsuko, llega a casa y encuentra a los enemigos de su padre en un auténtico baño de sangre: su Imagen del anciano proyeccionista, que nos recuerda al entrañable Alfredo de Cinema madre, Shizue, ha acabado con Paradiso. todos ellos y se ha entregado a la policía. Uno de estos asesinos a sueldo, llamado Ikegami, consigue escapar y se erige en jefe de la yakuza Kitagawa, estableciendo una tregua con Muto, y opta por “japonizar” su yakuza, dejando de lado las “modas extranjeras” para vestir quimonos y vivir en un castillo, al estilo tradicional. Tras este largo prólogo y con la consiguiente elipsis temporal, nos Mitsuko se desliza por el salón de su casa, convertido en una piscina de sangre. Imagen encontramos diez años después con obtenida aquí. que los “Fuck Bombers” aún no han realizado ninguna película, el cine en el que solían refugiarse ha cerrado, el medio digital ha sustituido al celuloide, y sus viejas cámaras de super 8 son desterradas por el vídeo. Mientras tanto, la pequeña Mitsuko se ha convertido en una bella joven que intenta triunfar como actriz. Tras escaparse del rodaje de una película bastante mediocre, paga a un joven que se encuentra por la Imagen del rodaje durante la batalla final. calle, llamado Koji, para que finja ser un talentoso director de cine y contentar así a su padre, realizando una película en la que ella sea la protagonista. Con la ayuda de los “Fuck Bombers” llevarán a cabo dicho proyecto pero, ante la premura que exigen las circunstancias, optan por rodar un ataque a la yakuza de Ikegami y conseguir así un éxito de taquilla a la vez que la tan ansiada venganza. Este ataque final y el consiguiente rodaje de la película, es el centro argumental del film, así como el punto álgido de violencia y sangre, entre lo gore y lo preciosista, y cuyo previsible desenlace (más que evidente desde la imagen del cartel publicitario) no resta méritos a este derroche de humor surrealista y sangriento. La película está plagada de toques metacinematográficos, desde el argumento, que a grandes rasgos podríamos resumir como el rodaje de un film sobre la yakuza, hasta el amor por el cine y la nostalgia que transmite el personaje del viejo proyeccionista, que indudablemente nos remite a otra película clave del género del metacine como es Cinema Paradiso (1988), de Giuseppe Tornatore. También hemos mencionado el evidente homenaje intertextual a Tarantino, recuperando el mono amarillo de Kill Bill (2003 y 2004) y que a su vez se inspiraba en Juego de la muerte (1978), la última película de Bruce Lee, aunque toda la película Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 76 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 podría considerarse así mismo como una parodia del género de artes marciales y de las películas sobre la yakuza. Además de este amor por el cine, el otro gran tema que vemos en la película (y que también está presente en obras anteriores de Sion Sono) es el de la violencia, pero en este caso se trata de una violencia estilizada. El uso desmedido de la sangre (que de nuevo podemos Sasaki, a la derecha, enfundado en su mono amarillo y armado con los nunchaku es el heredero de una larga tradición fílmica. vincular a la filmografía de Tarantino) no resulta desagradable o hiriente, tal exhibición de violencia no agrede al espectador, sino que queda deslavazada por el humor con que nos es presentada. Sin embargo, para el espectador avezado, no debe pasar desapercibida la fuerte crítica que subyace en la comedia, y que redunda en que la juventud actual japonesa está sometida a situaciones tan extremas que su única vía de escape es la violencia. El argumento que aquí hemos apenas esbozado es mucho más complejo, pues las innumerables interrelaciones entre personajes y acciones pueblan de detalles este marco general. El principio general empleado en el guión de este film para conseguir asociar las distintas situaciones, es el que se viene denominando plant/pay off. Esta técnica tan común en el cine y la literatura, se basa en incluir al principio detalles, en apariencia irrelevantes, que se retoman más tarde, configurando un juego de recuerdo y reconocimiento en el espectador.93 Este concepto tan relacionado con el suspense, puede asociarse con el llamado “Arma de Chéjov”, un principio dramático que postula que cada elemento en la narración debe ser necesario e irremplazable, o de lo contrario debe ser eliminado Este recurso literario y fílmico hace referencia a una frase pronunciada por Chéjov, quien dijo: Si en el primer acto tienes una pistola colgada de la pared, entonces en el siguiente capítulo debe ser disparada. Si no, no la pongas ahí.94 En la película que ahora nos ocupa, el ejemplo tal vez más evidente es aquel que vincula al director amateur, Hirata, con el falso director, Koji. En un momento temprano de la trama, casi por azar, Hirata y el resto de los “Fuck Bombers” que deambulan por la ciudad, se encuentran ante un templo sintoísta. Hirata escribe entonces una plegaria (realizar una gran película aunque muera por ello) y la deposita en el buzón. Más adelante, Koji huye de Muto y sus secuaces ante la ansiedad que le produce asumir la tarea de director. Cuando se detiene para vomitar, anega el buzón del templo acertando a leer la petición de Hirata, y de esta manera ambos muchachos verán sus vidas conectadas. Tras esta ejemplificación, conviene puntualizar que esta técnica del plant/pay off en ocasiones aparece vinculada al tan conocido mcguffin95 aunque podemos establecer una diferencia evidente entre ambas: si, como hemos visto, el plant/pay off implica una correlación posterior, el mcguffin es un detalle que nos parece sumamente sustancial aunque, si bien rige el argumento, da pie al desarrollo de la acción y sirve de hilo conductor de la trama, no vuelve a aparecer explícitamente al final (como ocurre con el misterioso maletín de Pulp Fiction, 1994, cuyo contenido desconocemos), y muchas veces es totalmente irrelevante (por ejemplo las pesquisas para conocer el significado de “Rosebud” en Ciudadano Kane, 1941). En cualquier caso, ambos recursos son tremendamente habituales, para nada restrictivos de estos ejemplos excepcionales de guión. En nuestras ficciones más cotidianas, como puede ser por ejemplo Los Simpson, 93 Un ejemplo sencillo de plant/pay off es el incluido en el film En busca del Arca Perdida (1981), pues al principio del mismo Indiana Jones comenta su fobia a las serpientes, lo que resulta especialmente esclarecedor cuando, más adelante, deba hacer frente a una gran cantidad de estos reptiles, en algo que, como dice la leyenda de Hollywood, no es sino una transferencia de los propios miedos de Spielberg. 94 “If in Act I you have a pistol hanging on the wall, then it must fire in the last act. There’s nothing harder than to write a good farce”. Rayfield, Donald, Anton Chekhov: A Life, Nueva York, Henry Holt and Company, 1997, p. 203. 95 A este respecto, resulta especialmente interesante este artículo de El País sobre Los Mcguffin. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 77 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 encontramos una reiteración de estos: cada capítulo comienza con una circunstancia anecdótica, que desencadena la acción central del episodio, y que resulta en muchas ocasiones totalmente irrelevante. Otro aspecto que conviene destacar en Why don’t you play in hell? es el de la puesta en escena, que combina con gran acierto la expresiva hilaridad de las interpretaciones (entre las que sobresale la de Shin’ichi Tsutsumi, que interpreta a Ikegami, y cuya expresividad gestual provoca las más sonoras carcajadas) y unos cuidados decorados (el giro estilístico que toma uno de los clanes yakuza, sirve como pretexto para mostrar los interiores de una casa tradicional japonesa). En cuanto a los detalles más técnicos, tan solo reseñar que el uso del montaje contribuye a fomentar la continuidad entre las escenas, favoreciendo así las interrelaciones argumentales, por ejemplo mediante el uso de planos secuencia que conectan dos realidades diferentes. En lo referente a la fotografía, está sumamente cuidada, alcanzando un auténtico clímax lírico en las escenas de lucha, donde el color rojo lo inunda todo y Impresionante plano cenital en el que Mitsuko da muerte a sus enemigos con gran cuya plasticidad gestual es destreza y elegancia. indescriptible, gracias al efecto de la sinestesia. Precisamente estos momentos de combate, katana en mano, son los que aprovecha el realizador nipón para explorar recursos fílmicos más arriesgados, como los planos cenitales o los encuadres asimétricos, por ejemplo. Como puntos a favor, podemos destacar el alarde de escritura de guión que supone compaginar historias y personajes tan dispares, en apariencia muy distantes, pero que acaban encajando en un magnífico puzle de violencia y amor al cine. Asimismo, los toques de humor, tan absurdo que en ocasiones roza el Mitsuko mira a cámara mientras juega con una claqueta. surrealismo, contribuyen a relajar una atmósfera de otra forma sanguinaria, hasta el punto de que lo gore despierta la risa. De esta forma, se consigue aligerar la potencia visual de las imágenes, de estudiados encuadres y elegantes movimientos de cámara, hasta sumirnos en un estado de felicidad indiferente: ya no nos importa el mensaje profundo (que la única salida aparente para la juventud japonesa es la violencia), lo importante es que hemos disfrutado de un embriagador espectáculo de dimensiones colosales. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 78 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Turismo y drogas: las cárceles tailandesas a través del cine. Por Laura Martínez Tailandia, a ojos del espectador occidental, es un país lleno de contradicciones, y es que en nuestras ficciones audiovisuales abundan imágenes de sus maravillosas playas de arena blanca, su rica cultura espiritual o su exuberante naturaleza, pero también acostumbran a plasmar la sordidez de sus barrios rojos y las míseras condiciones de sus cárceles. Entre las películas más famosas cuyo tema o localización geográfica se encuentra en este país, podemos citar las diversas versiones de Ana y el rey de Siam (destacando el musical clásico El rey y yo, de 1956), la obligada visita del internacional Agente Secreto 007 en El hombre de la pistola de oro (1974), o el garbeo turístico de Leonardo DiCaprio en La Playa (2000), así como la más reciente saga de Ong-Bak (iniciada en 2003). A la izquierda, vemos cómo la riqueza y el colorido propios de Siam compiten en grandilocuencia con los ampulosos vestidos de Deborah Kerr en El rey y yo (1956). Al la derecha, aguas cristalinas y un joven Leonardo DiCaprio fueron sin duda dos grandes alicientes para el turismo tailandés gracias a La Playa (2000). En lo referente al tema carcelario y su plasmación en el audiovisual contemporáneo, cabría decir que cualquier personaje de ficción que se precie ha estado alguna vez encarcelado en Asia, aunque con diversa fortuna: desde las torturas sufridas por James Bond en una cárcel de Corea del Norte en Muere otro día (2002), hasta las clases deorigami con que obsequian unas amables carceleras niponas a Homer Simpson (The Simpsons, “Treinta minutos sobre Tokio”, temporada 10, capítulo 23, 1999). Las Bart y Homer Simpson disfrutando de su cárceles estancia en una prisión japonesa. orientales, como paradigma del maltrato y el hacinamiento, tan alejadas de los derechos humanos, han sido objeto de numerosos films, entre los que podemos destacar El expreso de medianoche (1978), que tiene lugar en Turquía, o El laberinto rojo (1997), que nos relata las Imagen publicitaria con los protagonistas de la serie Orange is the new Black. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 79 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 desventuras de Richard Gere al ser encarcelado en China. Cabe contraponer esta visión tan dramática de las cárceles orientales con sus homónimas occidentales, tal y como las hemos podido ver en series de moda como Prison Break (2005-2009) y Orange is the new Black (2013). El principal motivo por el que los occidentales suelen acabar con sus huesos en una de estas prisiones orientales es la droga, pues el tráfico de estupefacientes es un hecho tan real como cotidiano. Sin ir más lejos, este año nuestras redes sociales y noticiarios se vieron inundados con el caso de Yuyee, exmujer de un conocido personaje televisivo del que ya habló anteriormente en esta revista Carolina Plou. Para el caso tailandés, que es el que aquí nos ocupa, la imagen de sus prisiones queda perfectamente retratada en tres ficciones que ahora pasaremos a comentar: la miniserie australiana Bangkok Hilton (1989), la película Sueños Rotos (1999), y la secuela Bridget Jones: Sobreviviré (2001). Pese a su diferente nacionalidad, duración, género y medio de difusión, estas tres producciones siguen un mismo esquema argumental, basado en una o varias jóvenes occidentales, que son engañadas por un joven encantador, el cual las utiliza como correo, transportando droga sin que ellas lo sepan. Esto lleva a la injusta encarcelación de las muchachas, las cuales sufren diversas penurias y juicios hasta su final liberación. Aunque estas tres ficciones sigan un mismo desarrollo, vamos ahora a comentar ciertas especificidades de cada una de ellas. BANGKOK HILTON (1989) Título original: Bangkok Hilton. Duración: 270 min. País: Australia. Director: Ken Cameron. Guión: Terry Hayes, Tony Morphett. Música: Graeme Revell. Fotografía: Geoff Burton. Reparto: Nicole Kidman, Denholm Elliott, Hugo Weaving, Joy Smithers, Norman Kaye, Jerome Ehlers, Noah Taylor, Deborah Kara Unger. Productora: Kennedy Miller Productions. Género: Drama. Esta miniserie australiana de 6 episodios, que tan mal ha envejecido, comienza con el relato en primera persona de un hombre ya anciano: Harold Stanton (al que da vida el actor Denholm Elliott, más conocido como el Marcus Brody de Indiana Jones), en cuya historia se centra el primero de estos episodios. Durante la Segunda Guerra Mundial, el Capitán Stanton fue hecho prisionero en Tailandia y encarcelado durante tres años junto a sus hombres. Cuando éstos intentaron escapar, el capitán impidió su huida, con lo que fueron ejecutados. Al acabar la guerra, Stanton regresó a Inglaterra y hubo de hacer frente a un Consejo de Guerra, tras lo cual se dedicó a vagar por el mundo con distintas identidades hasta llegar a Australia, donde trabajará como abogado bajo el nombre de Graham Greene. En esta situación, conoce a la heredera de Carátula de la miniserie Bangkok Hilton. una importante propiedad, Catherine Faulkner, y la seduce (aunque al interés económico poco a poco se van uniendo otros sentimientos). Cuando los amantes son descubiertos, la familia Faulkner hace lo posible por separarlos, descubriendo la verdadera identidad de Stanton y forzando su despido. Sin embargo, de su unión nacerá Katrina (interpretada por Nicole Kidman), una niña asmática, que crece aislada en su enorme propiedad, a salvo del mundo. 20 años después, cuando la madre de Katrina muere, ésta emprende la búsqueda de su padre, para lo cual viaja a Londres. Allí, desanimada ante la negativa de sus familiares a proporcionarle ninguna indicación, decide cambiar su billete de avión para regresar cuanto antes a casa. Es así como conoce a Arkie Ragan, un guapo foto-reporterofreelance, que la ayuda en sus investigaciones, descubriendo que el posible paradero de su padre es Tailandia. Arkie, con el que entabla una relación sentimental, se propone acompañarla hasta Bangkok. Sin embargo cuando realizan una escala en Goa, éste aprovecha para, sin que ella lo sepa, introducirle droga en un maletín que acaba de regalarle. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 80 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Una vez en Tailandia, Katrina se reúne con uno de los abogados de Stanton: Richard Carlisle (interpretado por el actor Hugo Weaving, famoso por El señor de los anillos o El atlas de las nubes). Ante la negativa de su padre a verla, la muchacha embarca de nuevo rumbo a Australia, pero entonces descubren la heroína de su maletín y la detienen. Tras la vista preliminar, Katrina es enviada a la prisión de máxima seguridad Lum Jau, conocida con el irónico nombre de “Bangkok Hilton”, que da título a esta teleserie, 96 mientras que Carlisle y su padre (que ahora se hace llamar Mr. Worthington para ocultarle su identidad) hacen todo lo posible por liberarla. El telefilm nos describe aquí las horribles condiciones de la prisión, la falta de higiene, así como las trágicas historias de otras presas, como Mandy Engels, encerrada por tráfico de drogas junto a su hermano, que sufre un retraso mental, y cómo ambos serán condenados a muerte y ejecutados en la prisión. Stanton prosigue sus investigaciones en busca de Arkie (que en realidad se llama Ahmed Nicole Kidman en el papel de Katrina. Vincent Regard), viajando a Londres y Goa, pero cuando Katrina es condenada a la pena de muerte, la única opción para salvarla es ayudarla a escapar de prisión. Cuando se fuga de la cárcel (siguiendo la misma ruta que planeaban emplear los hombres de Stanton durante la guerra), viajan a Goa y en el aeropuerto Katrina se entera del parentesco que le une con su liberador. Finalmente, consiguen identificar a Arkie, que es arrestado por la policía. SUEÑOS ROTOS (1999) Título original: Brokedown Palace. Duración: 100 min. País: Estados Unidos. Director: Jonathan Kaplan. Guión: David Arata. Música: David Newman. Fotografía: Newton Thomas Sigel. Reparto: Claire Danes, Kate Beckinsale, Bill Pullman, Lou Diamond Phillips, Jacqueline Kim, Daniel Lapaine, Tom Amandes, Aimee Graham, John Doe. Productora: Fox 2000 Pictures. Género: Drama. Sueños Rotos es un clásico drama de los noventa, una oda a la amistad y uno de tantos films que relatan ese gap year que separa el instituto de la universidad y que supone un rito de paso “a la occidental” entre la adolescencia y la edad adulta. La película comienza con un abogado que recibe una cinta de casete en la que una joven relata la historia de su encarcelamiento en una prisión tailandesa. Vemos entonces a las vivarachas Darlene Davis (Kate Beckinsale, la enfermera Evelyn Johnson de Pearl Harbour, 2001) y Alice Marano (Claire Danes, quien interpreta a Carrie Mathison en Homeland), que cambian sus planes de ir a Hawái por una excitante Cartel de Sueños Rotos. aventura en Tailandia cuyo nombre, tal y como explican, significa “Libertad” (agudizando más aún el contraste entre lo que buscan en ese lugar y lo que en realidad encontrarán, que es la cárcel). 96 En la vida real, es la prisión de Lard Yao (también citada en la serie) la que recibe el nombre de “Bangkok Hilton”, siendo la división femenina de la prisión prisión de Klong Prem. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 81 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Una vez allí, mientras realizan visitas turísticas, deciden colarse en la piscina de un hotel e intentan cargar las bebidas a la cuenta de una de las habitaciones. Cuando son descubiertas, el joven australiano Nick Parks las ayuda, e inician entonces una relación de amistad que derivará en historia de amor para Darlene. Nick las convence para hacer una excursión de fin de semana a Hong Kong, introduciéndoles droga en una mochila sin que ellas lo sepan. En el aeropuerto las detienen por contrabando y, tras el juicio, acaban en una prisión que las propias internas denominan “Los sueños rotos” (que corresponde con el título del film). Allí sufrirán las consecuencias de la falta de higiene (Darlene desarrollará una infección a causa de que una cucaracha se le introduzca en el oído) y la brutalidad de sus guardianas (que apalean repetidamente a Alice). Algunas de las internas les cuentan historias sobre huídas y les dicen que hay un abogado que puede ayudarlas si tienen dinero, de manera que, movidas por la desesperación, contactan con este letrado conocido como Yanqui Hank. Este Hank Greene (Bill Pullman), que ha escuchado su historia a través del casete, es un abogado americano establecido en Tailandia, y será el encargado de investigar el paradero del supuesto Escena del film Sueños Rotos. traficante australiano al que las chicas culpan de su encarcelamiento. Hank descubrirá que este hombre tiene importantes contactos en la jefatura de justicia, y que en realidad fue él mismo quien dio el chivatazo sobre las muchachas para distraer la atención de los otros seis camellos que llevaba en el mismo vuelo a Hong Kong. Tras presionar a diversos cargos corruptos, Hank consigue un trato para sus protegidas, que conseguirán el perdón real a cambio de declararse culpables, pero cuando ya han firmado su declaración, el emisario de la corona se echa atrás y son de nuevo condenadas. Sin embargo, haciendo uso de sus conocimientos del idioma local, Alice suplicará el perdón para su amiga, ofreciéndose a cumplir la condena de ambas y librando a Darlene de volver a prisión, confiando en que su amiga peleará para, algún día, sacarla a ella también de la cárcel. BRIDGET JONES: SOBREVIVIRÉ (2001). Título original: Bridget Jones: The Edge of Reason. Duración: 108 min. País: Reino Unido. Director: Beeban Kidron. Guión: Andrew Davies, Richard Curtis, Adam Brooks, Helen Fielding (basado en la novella de Helen Fielding). Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía: Adrian Biddle. Reparto: Renée Zellweger, Hugh Grant, Colin Firth, Jim Broadbent, Jacinda Barrett, Sally Philips, Gemma Jones, James Callis, Shirley Henderson, Mark Tandy, James Faulkner, Celia Imrie, Simón Andreu, Hon Ping Tang. Productora: Universal Pictures/Miramax Films/Working Title. Género: Comedia romántica. En esta segunda entrega del Diario de Bridget Jones (interpretada por Renée Zellweger), la adorable treintañera londinense debe embarcarse en un viaje de trabajo con su anterior jefe y ex-novio: Daniel Cleaver (Hugh Grant) para rodar un programa televisivo llamado “La guía sencilla”, cuyo primer destino es Tailandia. Para no sucumbir nuevamente a los encantos de Daniel, Bridget viaja junto a su amiga Shazza, quien en el avión conoce al joven y atractivo Jed. Mientras Bridget realiza su trabajo, Shazza y Jed tienen un idilio amoroso, que acabará súbitamente con la precipitada marcha de ambas amigas al descubrir que Daniel sigue siendo un mentiroso adicto al sexo. Mientras Carátula de Bridget Jones: Sobreviviré. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 82 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 hacen las maletas apresuradamente, Shazza le pide a Bridget que le guarde un cuenco de la fertilidad (regalo de Jed) ya que a ella no le cabe en su equipaje, y de esta manera llegan al aeropuerto de Bangkok. Allí, los perros policía cortan el paso a Bridget y se descubre que el cuenco contenía un alijo de cocaína, por lo que es detenida y encerrada en prisión, donde se enfrenta a una pena de 15 a 20 años de cárcel. Durante su estancia en prisión (que apenas dura 10 minutos del metraje total de la película), vemos las condiciones de insalubridad y hacinamiento en las que viven las reclusas, aunque todo ello aderezado por el humor que exige el personaje, como el momento en el que la propia Bridget coreografía a sus compañeras de celda mientras cantan “Like a virgin” de Madonna. La intercesión de Mark Darcy Fotograma de la película en el que vemos a Bridget (en el centro) rodeada de sus (Colin Firth), que consigue localizar compañeras de celda. y extraditar a Jed, hará que Bridget pueda finalmente salir de la cárcel, aunque no sin antes repartir entre sus compañeras divertidos regalos como chocolatinas, wonderbras o varios volúmenes del libro Los hombres son de Marte, las mujeres de Venus. Nuestra heroína regresará triunfante al aeropuerto de Heathrow donde un periodista le pregunta: “¿Cómo son las cárceles tailandesas?”, a lo que Bridget responde: “Cualquier chica que haya sido soltera en Londres sabe cómo salirse con la suya cuando la cosa se pone fea.”. Como hemos ido viendo en estos ejemplos, las cárceles tailandesas en la ficción cumplen con una serie de elementos comunes, como son la violencia ejercida por los carceleros, el hacinamiento en las celdas (y las consiguientes disputas con otras internas), y la ausencia casi total de higiene o medidas sanitarias. Es precisamente este último aspecto el que más llama la atención, y sobre el cual la mayoría de películas ponen el A la izquierda, los baños en Bangkok Hilton (arriba) y en Sueños Rotos (abajo); a la derecha las duchas foco con clara intención en Bangkok Hilton (arriba) y en Sueños Rotos (abajo). de denuncia, pues podemos ver la proliferación de insectos y cucarachas, la insalubridad de los retretes, que suelen ser poco más que un agujero excavado en el suelo, en el que acuclillarse sin ningún tipo de intimidad, o también las duchas, que son siempre comunales, al aire libre, y en ocasiones se componen de un simple canalón que desemboca en una pila más o menos grande. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 83 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Al margen de estos temas principales, podemos encontrar otros aspectos presentes en las ficciones comentadas, como puede ser el de la corrupción, que abunda en los diversos niveles de la administración tailandesa, o el de la pena de muerte que, al margen de ser una espada de Damocles que pende sobre todas las protagonistas como una amenaza silenciosa, llega a hacerse real en Bangkok Hilton, que incluye una escena en la que vemos el fusilamiento de una de las compañeras de Katrina: Mandy Engels, y su hermano. Esta es la imagen (desde la óptica occidental) que se nos muestra de las cárceles tailandesas, un verdadero infierno que aparece retratado a veces con afán documentalista o de denuncia, y en otras ocasiones en un tono de comedia (no por ello menos crítico, Mandy y Billy Engels preparados ante el pelotón de fusilamiento, en pero sí más amable). En cualquier caso, la prisión un fotograma de Bangkok Hilton. aparece como fondo de la acción, pues esta suele focalizarse en el pobre personaje occidental atrapado allí por error, un preso nunca culpable que lucha por una liberación catártica: física, mental y, por qué no, también geográfica, ya que volver a casa se convierte en el fin de casi todas estas producciones. Al margen de este happy ending inherente a la lógica de Hollywood,97 la principal finalidad de estas ficciones es adoctrinar, creando así una campaña de concienciación de lo más efectiva para alejar a crédulas muchachitas de los peligros que a veces entraña este exótico país que es Tailandia. Pero ¿qué ocurre con aquellas mujeres que sí son culpables del delito que se les imputa? Ellas comparten el mismo aciago destino que las inocentes, y tenemos como ejemplo el caso de la británica Sandra Gregory, que fue encarcelada por tráfico de drogas en la famosa prisión “Bangkok Hilton” (que da nombre a la teleserie australiana que aquí hemos analizado), obtuvo el perdón real (algo que, como hemos visto, está a punto de sucederles a las protagonistas de Sueños Rotos) y que, por la proximidad de su familia con Helen Fielding, la creadora de Bridget Jones, considera que la secuela de esta novela (y posterior película) se inspiraron en su historia real. El diario británico The Telegraph recogió su testimonio al ver la película:98 Suddenly I was 27 again, surrounded by hostile airport guards. I could smell Lard Yao again. I could see the prison loos, where you had to squat in full view of everyone, and the 26ft square room I slept in with more than 190 women. At one point, I was in tears. 99 Como hemos podido ver aquí, a veces realidad y ficción se compenetran para crear la desoladora imagen de una prisión y transportarnos a lugares donde la violencia, la inmundicia y la muerte son compañeros de celda. Series animadas en España en los años ochenta y noventa III. Por Julio A. Gracia El regreso nostálgico a distintas series de animación que fueron emitidas en España entre la segunda mitad de los años setenta y comienzos de los noventa nos ha ocupado varios artículos en Ecos de Asia, 97 Aún así, es necesario recordar que el final más abierto y realista es precisamente el de la producción americana, Sueños Rotos. Sandra Gregory, “Bridget Jones stole my story”, en The Telegraph, 10 de noviembre de 2004. 99 “De repente tenía 27 años otra vez, rodeada de hostiles policías del aeropuerto. Podía oler Lard Yao otra vez. Podía ver los retretes de la prisión, donde tenías que acuclillarte delante de todo el mundo, y la habitación de 26 pies cuadrados en la que dormía con más de 190 mujeres. Llegado un punto, me puse a llorar.” (Traducción propia). 98 Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 84 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 desde Mazinger Z hasta Heidi, pasando por un repaso a otras series importadas desde Japón y realizadas por Nippon Animation. La compañía inundó el mercado europeo con productos creados exprofeso para un espacio concreto de la televisión japonesa, basados en la adaptación de clásicos de la literatura infantil y juvenil al anime. Llegó incluso a realizar una serie de interesantes codirecciones con BRB Internacional. Aunque hoy proseguimos este repaso, recomendamos una vez más al lector el libro de Guillem Medina, Abuelito dime tú. Los dibujos animados de nuestra niñez, donde establece un recorrido nostálgico por varias series de televisión emitidas en España en los años setenta, ochenta o noventa, muchas de ellas de origen nipón. Candy Candy Toei Animation fue otra de las encargadas de ello, y uno de sus mayores éxitos en España vino de la mano de Candy Candy. El manga homónimo había sido publicado en la segunda mutad de los años setenta en Japón por la editorial Kôdansha, contribuyendo a la fama de sus dos autoras, la escritora Kyôko Mizuki y la mangaka (autor de manga) Yumiko Igarashi (que acabaron enfrentadas por la administración de los derechos de autor de guión e ilustraciones). Tras su primer año de andadura, la empresa trató de revalidar su éxito trasladando la serie al terreno del anime y convirtiéndola en un producto capaz de exportarse a nivel internacional. Las líneas del manganime de género shôjo se cumplen a la perfección en Candy Candy: melodrama difícil de creer que comienza con una protagonista huérfana y culmina (en el anime) conun enrevesadogiro familiar. Los sentimientos y romances de unos y otros son el verdadero motor de la trama y calaron con fuerza en el público infantil y adolescente de la España del momento –a pesar de la desilusión que provocó en muchos su comparación con el manga homónimo–. Fue un buen éxito de la productora japonesa surgida desde Toei Doga, la compañía de la que había surgido La serpiente blanca, el film dirigido por Taiji Yabushita y Kazuhiko Okabe, que tanta influencia tendría en la generación de animadores posteriores (incluyendo a Hayao Miyazaki), esta fue precisamente la creadora de Mazinger Z y de un anime basado en una creación italiana: Calimero. Calimero Un pollo antropomorfo de plumaje negro, cubierto durante toda su vida con Captura de imagen de la serie Candy los restos del cascarón del que había nacido. El personaje había surgido en Candy en su emisión en Telecinco. Italia de la pluma de Ignazio Colnaghi y los hermanos Toni y Nino Pagot, originalmente como protagonista de una serie de spots publicitarios (especialmente del detergente Ava – Mira Lanza). El éxito del pequeño polluelo le hizo protagonizar años después varios capítulos animados que fueron distribuidos internacionalmente con mucho éxito a países tan distintos como España o Japón, en éste último Toei Animation compró los derechos y realizó dos series de animación que, a su vez, fueron exportadas a Europa. Y es que la industria del anime japonesa reaprovechaba todo aquel producto que podía tener éxito, y ayudaba a su universalización. Publicidad italiana con Calimero como protagonista. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 85 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 La aldea del arce Un especial éxito parecía tener la sustitución de personajes humanos por animales con apariencia antropomorfa, algo que durante alguna década pareció convertirse en tendencia y que también supo aprovechar Toei Animation con la creación de productos como La aldea del arce, que alcanzó un éxito impensable en muchos países y consolidó definitivamente a la compañía japonesa a nivel internacional. La historia era sencilla: simplemente, se narraba la convivencia en un pequeño pueblo situado en medio del bosque. Tenía como protagonistas principales a Bobby, un osezno marrón, y Patty, una simpática conejita de color café que, para colmo de estereotipos, solía llevar una diadema y un vestido rosa cosido a mano por su madre. Ambos solían salir juntos a vivir aventuras un Imagen de la serie La aldea del arce. tanto naífs, como observar insectos o jugar entre los troncos. El componente pedagógico y moralizante, ligado también al respeto a la naturaleza, se encontraba en la línea de otras series emitidas en España en la década de los ochenta, como David el Gnomo oD`Artacán y los tres Mosqueperros. Dr. Slump Pero no todo eran discursos moralizantes entre los éxitos de Toei Animation en los años ochenta. La década supuso también el inicio de la alianza entre la compañía y el exitoso mangaka Akira Toriyama, creador del famoso shônen Dragon Ball, del que hemos hablado profusamente en Ecos de Asia y también de la divertida Dr. Slump, que hizo conocido a su autor y le permitió preparar el éxito posterior del manga protagonizado por Gokû. La principal protagonista de la trama es Arale, una androide creada por el científico Sembei Norimaki, que posee una fuerza extraordinaria que contrasta con su carácter despreocupado e inocente. No es la única creación del profesor-genio-científico: una de las más bizarras es Gatchan Norimaki, un bebé con antenas traído a través del tiempo, que contrasta sus superpoderes incomprensibles con un interés insano (y divertido) por comer metal siempre que tiene oportunidad. Igualmente estrambótica resulta la adaptación al estilo manga de las Super Nenas, conocido como Las Super nenas Z, obra también de Toei Animation que, aunque se aleja de los límites cronológicos de nuestro artículo, nos sirve para cerrar nuestra serie-homenaje a los dibujos animados que ocuparon el imaginario de varias generaciones. La serie muestra además la fuerza de la compañía que ha ocupado la tercera parte de este homenaje: Toei Animation sigue muy activa, y se atreve con clásicos de la cultura Para saber más: popular como Las Como recomendación final a este ciclo sobre Supernenas o series de animación en España con productos originales recomendamos, como muchas otras veces, como Pretty ver alguna de las obras comentadas. Todas Cure. ellas son fáciles de encontrar, muchas veces en ediciones remasterizadas y con material extra no emitido nunca por televisión. Imagen de Arale, protagonista de Dr. Slump. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 86 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Cine de catástrofes II: Del vacacional al infierno terrenal. paraíso Por Miriam Fajardo Hace unas semanas recordábamos el terrible ataque terrorista que sufrió Estados Unidos en 2001 a través de la visión del cine. Hoy vamos a seguir hablando de grandes catástrofes llevadas a la gran pantalla, pero esta vez no serán causadas por el hombre (aunque hay teorías conspiracionistas que dudan de ello y eso es algo que veremos más adelante) sino por la propia naturaleza. Las fuerzas naturales pueden llegar a ser más peligrosas que las acciones del hombre, acarreando muerte y devastación. Lluvias torrenciales, inundaciones, desbordamientos fluviales, olas de calor, tormentas eléctricas, fuertes vientos, granizo, huracanes… todas ellas catástrofes naturales que han sido llevadas a la gran pantalla como escenario de historias, tanto ficticias como reales. Pero en este caso vamos a centrar nuestra atención en una de las más Mapa de las costas asiáticas donde tuvo lugar el epicentro del aparatosas y mortales: los tsunamis. terremoto que provocó el tsunami en 2004. El continente asiático ha sufrido a lo largo de su historia en varias ocasiones estos accidentes marítimos. Uno de los más importantes de los últimos años fue el que tuvo lugar el mes de diciembre de 2004, en plena época navideña (día 25 o 26, dependiendo de la franja horaria que se tenga en cuenta), considerado el noveno desastre más mortal de la historia moderna con casi 300.000 pérdidas humanas. La gran ola se originó por un terremoto submarino con epicentro en la costa oeste de Indonesia, a 120 km al oeste de Sumatra y a 30 km por debajo del nivel del mar. El movimiento tectónico fue bautizado por la comunidad científica como “Sumatra- Andamán” por su origen, aunque en algunos lugares como Reino Unido, Canadá, o Nueva Zelanda lo denominaron “Boxing tsunami” porque tuvo lugar el 26 de diciembre, el día de la festividad que lleva por nombre Boxing day.100 El terremoto llegó a alcanzar una magnitud del 9.3 en la escala de Magnitud de Momento,101 siendo por ello el tercero en la lista de los terremotos más grandes de la historia, teniendo en cuenta que no es hasta 1875 cuando se comienza a registrar la magnitud de los movimientos tectónicos gracias a la invención del sismógrafo. Sólo es superado por el que tuvo lugar en Valdivia en 1960 y el terremoto de 1964 en Alaska. No sólo destaca por su fuerza sino por ser, también, la segunda duración más larga registrada en lo que a fallas geológicas se refiere, durando entre 500 y 600 segundos (8.3-10 minutos aproximadamente). Fue lo suficientemente duradero e intenso como para hacer que el planeta vibrara un centímetro aproximadamente, repercutiendo en lugares tan alejados geográficamente como Alaska. La gran masa de agua que asoló las costas asiáticas llegó a alcanzar los 30 metros de altura arrasando con casas, calles y poblaciones enteras. La tierra se vio sumida en el agua, trayendo consigo el caos, la destrucción y la muerte. Fue necesaria mucha ayuda humanitaria y la colaboración de los gobiernos de países de todo el 100 El Boxing day o “día de las cajas” es una de las festividades que se celebran en todas aquellos países que en algún momento pertenecieron, de un modo u otro, al imperio británico. De origen antiguo, está relacionado con las donaciones que las clases altas realizaban a los pobres el día después de navidad. En la actualidad se siguen promoviendo las donaciones y las ayudas a los menos favorecidos, además de aprovechar esta fecha para realizar diversas competiciones deportivas, festivales… 101 La escala sismológica de Ritcher es la más conocida y usada al establecer la magnitud de un terremoto,pero esta escala se usa solamente para aquellos movimientos sísmicos que se encuentran entre la magnitud 2.0 y 6.9; para movimientos de escala mayor se usa la Escala de Magnitud de Momento como en este caso. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 87 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 mundo para intentar ayudar a los afectados e identificar a las víctimas (en la mayoría de los casos fue imposible), así como poder restablecer un mínimo de “normalidad” en esa zona. Toda esta tragedia prontamente fue llevada a la gran pantalla, tanto dentro del género del documental como del de la ficción o un mix de ambos; pero siempre intentando mostrar tanto las causas como las consecuencias de esta catástrofe. Uno de los documentales más importantes es el realizado por National Geographic con el título Tsunami, ola asesina. Este documental es anterior al accidente acaecido en 2004, pero refleja tan bien el panorama previo y posterior a este tipo de situaciones que fue de gran ayuda para aquellas personas que lo vieron y se enfrentaron a este desastre. Esto se refleja en la historia de Abdul Razzak, un empleado del puerto indio de Teresa Island que identificó lo que estaba ocurriendo en el puerto aquella mañana de diciembre gracias a la visión de dicho documental, por lo que supo reaccionar consiguiendo que evacuaran la zona cerca de 1500 personas y salvaran sus vidas. Abdul supo ver indicios de lo que iba a ocurrir, y es que los tsunamis pueden resumirse en tres fases, a grosso modo: la fase de temblores, a continuación se puede observar como la marea llega a alcanzar unos niveles excepcionalmente bajos y por Carátula del DVD del documental de National último vuelve la corriente marítima a la costa con gran velocidad Geopgraphic sobre los tsunamis. creándose olas de gran altura. La primera no es la única ni la más grande de las olas, por lo que hay que estar prevenido y no confiarse en que todo ha pasado y ser precavido, algo que supo hacer muy bien este joven portuario. Un testimonio real del poder educativo y el gran potencial del documental, convirtiendo a éste en una de las joyas de este género cinematográfico. Si nos centramos en los hechos acaecidos, y en especial en sus consecuencias, la nómina de documentos existente es colosal. Estamos en plena época digital, donde todo el planeta está conectado gracias a Internet, donde todos podemos mostrar nuestras vivencias cotidianas, nuestros sentimientos y experiencias en las redes sociales, y donde todos podemos ser partícipes, en cierto modo, en ellas. Gracias a esto, en canales como youtube tenemos ingentes cantidades de vídeos e imágenes captadas por los propios supervivientes, en la mayoría de los casos, o por aquellas personas que dedicaron su tiempo a ayudar e intentar restituir la normalidad en las costas. Estos testimonios tienen una fuerza y una verdadad muy difíciles de superar, porque nos muestran la realidad vivida tal cual es, sincera, con el mero objetivo de presentarla al resto del mundo. Dentro del campo de la ficción las historias suelen ser completamente distintas. La mayoría de los filmes que abordan estos temas, especialmente los americanos, caen en estereotipos y se centran más en las causas del accidente que en sus consecuencias. Unas causas que, por lo general, se asocian a malas prácticas del hombre. Es en este momento donde entran las teorías conspiracionistas de las que hemos hablado al principio, llegando a hablar del concepto de “eco-terrorismo”. Según estas teorías, con un fuerte componente de paranoia, los terremotos en alta mar estarían producidos por armas nucleares, bombas detonadas en las profundidades del océano cuyo fin último sería el de crear tsunamis que actuaran como armas de destrucción masiva produciendo un extraordinario genocidio. En otras películas también se plantean las dudas acerca de si estos accidentes son predecibles y, por ende, evitables. Uno de los filmes que plantea esto es la coproducción de 2006 realizada por las cadenas de televisión HBO y BBC: Tsunami, el día después. Aquí se especula acerca de si se podía haber evitado la catástrofe si se hubiera atendido con la suficiente diligencia a la advertencia realizada años atrás por un prestigioso meteorólogo. Parten de personajes ficticios para contar una serie de historias que se esfuerzan por huir de estereotipos preestablecidos y por evitar sensiblerías fáciles. Son seis relatos, de muy diferente índole, los que nos muestran las consecuencias del tsunami: la historia de cómo un matrimonio busca desesperadamente a su hija desaparecida, las vivencias de Than, un camarero que se ha quedado completamente solo, sin familia, tras haber sido asolado su pequeño pueblo de pescadores, las dificultades Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 88 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 de evacuación que sufre la familia Peabody, y la reacción de la propietaria de un hotel afectado por el incidente que solo piensa en el aspecto económico y en volver a recuperar su estatus económico; además refleja las labores de las distintas ONG, así como las distintas actuaciones y actitudes de la prensa. Unas historias ficticias que toman como marco una situación real y que se inspiran en los acontecimientos acaecidos para mostrar una realidad que se vivió en las costas asiáticas, cuyas consecuencias aún hoy en día, en cierto modo, se siguen arrastrando. Hemos visto ya varios ejemplos, testimonios de este fatídico tsunami, sin embargo la película que muestra a la perfección el caos en el que se sume la población, la desesperación de sus víctimas y las dificultades ante las que se tienen que enfrentar para sobrevivir, es la producción española dirigida por Juan Antonio Bayona Lo imposible. La historia está basada en hechos reales: un joven matrimonio con sus tres hijos pequeños van a pasar las vacaciones de navidad a las costas de Tailandia. El tsunami les sorprende en la piscina del complejo hotelero situada justo al lado del mar. El resto del filme cuenta la historia de la encarnizada lucha por sobrevivir de los protagonistas así como del difícil camino que tienen que recorrer para volver a reunirse la familia al completo. Cartel de la producción angloamericana de Una película con unos efectos especiales espectaculares que 2006: Tsunami, el día después. transportan al espectador a ese lugar, a esa terrible situación, que le hacen sentir la misma agonía y sufrimiento que las víctimas. Se huye completamente, y se logra de manera soberbia, de cualquier estereotipo existente en este tipo de películas. No nos habla de causas, de teorías conspiracionistas, ni siquiera de todas las consecuencias sufridas; no hay una sucesión de hechos evolutivos acerca de la catástrofe y lo que ello conlleva en todas las zonas afectadas, únicamente nos encontramos con la historia de una familia, cómo viven ellos la catástrofe y cómo para ellos se van dando diversas situaciones que escapan a su decisión y a su voluntad. El director español se ha centrado en los sentimientos, en las sensaciones, en las emociones de personas concretas, de supervivientes, siguiendo la estela de otras grandes películas como Titanic (James Cameron, 1997) o Poseidón (Wolfgang Petersen, 2006), en las cuales también los supervivientes son los protagonistas de sendas catástrofes. Lo primero de lo que somos testigos es del viaje en avión de la familia y de la preocupación del padre (interpretado por Ewan McGregor) acerca de si han puesto o no la alarma al salir de casa. Resulta irónico que su mayor preocupación sea esa teniendo en cuenta todo lo que les deparará su viaje, del paraíso vacacional al infierno terrenal Cartel del estreno de la película de 2012 de J.A, Bayona: Lo imposible. donde todo será caos, muerte y desolación. El film logra ser terrorífico en imágenes, psicológicamente sobrecogedor… un sufrimiento continuo unido al desasosiego de la pérdida son el hilo conductor de la historia, conseguido gracias al hiperrealismo de los espacios, ambientes y sobre todo por la sobrecogedora actuación de los actores. Un testimonio de cómo se amontonaban los cadáveres, del desconocimiento, del desbordamiento humano, del “no saber” en general. Por todo lo dicho, los premios que obtuvo la producción española fueron numerosos, destacándose entre ellos nominaciones a los Oscars, Globos de Oro o los Critics Choice Awards, entre otros; y en su propio país consiguió 5 Goyas y 6 premios Gaudí. Además, la crítica en general la considera una de las películas de desastres más realista a nivel emocional y más aterradora de las últimas décadas por la recreación del tsunami y de sus efectos. Como vemos, cualquier tema es susceptible de ser llevado a la gran pantalla. Los Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 89 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 desastres naturales, las grandes catástrofes y las historias que se dan en torno a estas circunstancias no van a ser menos. Tras el tsunami todo el planeta dirigió su mirada hacia las regiones afectadas de Asia, muchas de las cuales hasta ese momento se encontraban en el olvido. Una mirada que como hemos visto se reflejó en el cine y en las grandes superproducciones, siempre desde una óptica occidental, centrándose más en los propios ciudadanos occidentales, que por una causa o por otra sufrieron el incidente, o en Fotograma del film donde podemos ver a dos de los protagonistas ante el devastador los que fueron allí a ofrecer su panorama dejado por el tsunami. ayuda; y no tanto en la población autóctona ni en las consecuencias que padeció el continente asiático. El escenario, el incidente, los hechos… son los mismos para todos pero los protagonistas de las historias, los puntos de vista y las realidades pueden llegar a ser completamente distintas. Sea como fuere, nos encontramos con una serie de películas que sirven para mostrar una realidad, ya sea desde el documental o desde la ficción, desde el punto de vista de las causas o las consecuencias, de los afectados, de los culpables o los supervivientes; y que nos hacen ser más conscientes del mundo en el que vivimos y de su realidad, nuestra realidad. De Oiwa a Kayako Saeki: Un repaso a la saga Ju-on. (II). Por Elísabet Bravo Desde Ecos de Asia proponemos a nuestros lectores un interesante menú fantástico para pasar una noche de Halloween de miedo, de la mano del director japonés Takashi Shimizu y la terrorífica saga Ju-on. En la primera parte de este reportaje hicimos una introducción a esta saga cinematográfica, explicando brevemente algunos aspectos generales de la misma. En esta segunda parte nos disponemos a adentrarnos en las precuelas, es decir, en los dos cortometrajes y en las dos películas anteriores a La maldición o Ju-on: The Grudge (Ju-on, Takashi Shimizu, 2002), conocidas como Ju-on: The curse (Ju-on, Takashi Shimizu, 2000) y Ju-on: The curse 2 (Ju-on 2, Takashi Shimizu, 2000). Halloween es el momento perfecto para contar historias de fantasmas, adentrémonos en la trágica historia de la familia Saeki y su casa maldita. 1.- Cortometrajes: Como comentábamos en el número anterior, Ju-on comenzó su andadura en dos cortometrajes titulados Katasumi (o In a corner) y 4444444444, incluidos en la películaGakkô no Kaidan G (Kiyoshi Kurosawa, Tetsu Maeda y Takashi Shimizu, 1998). En ellos ya hay una aparición de los fantasmas principales que nos van a acompañar a partir de ahora, pero ninguna explicación de los sucesos que estamos presenciando. A pesar de la pobreza de medios técnicos, estos cortos consiguen resultar inquietantes, especialmente Katasumi, donde la actriz japonesa Takako Fuji interpreta a Kayako Saeki en el papel que le hará famosa posteriormente. Ambos pueden visionarse en youtube. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 90 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Katasumi comienza con dos colegialas japonesas que están cuidando a los conejos de su escuela. Mientras están inmersas en la tarea, una de ellas se hace un corte y la otra chica se marcha dentro del colegio en busca de algo para curarla. Sabemos que están siendo espiadas por alguien porque se utiliza el recurso de la cámara subjetiva. Cuando la chica vuelve para curar a su amiga Kanna, se encuentra con un escenario terrorífico: Kanna ha desaparecido, pero una de sus zapatillas está tirada en el suelo, las jaulas de los conejos están abiertas y sólo hay sangre y pelaje de los animales por todas partes. Temiéndose lo peor, la muchacha llama a su amiga mientras es observada desde los arbustos. Tira lo que lleva en las manos para coger una pala de jardinería como arma, dispuesta a usarla en caso de necesidad. En ese momento una silueta aparece al fondo del patio: es una mujer, Kanna acecha a su compañera. vestida de blanco, que se arrastra por el suelo haciendo un extraño e inquietante sonido. Tiene el pelo largo y negro y la piel extremadamente pálida. Gatea con dificultad hasta llegar a nuestra protagonista, que ha caído al suelo, justo en unos cubos y bolsas de basura, y sostiene la pala en las manos con el filo en dirección a la extraña mujer. En ese momento, de los cubos y las bolsas surge Kanna, ensangrentada y con la ropa rasgada, con el mismo aspecto pálido que la mujer. Ambas hacen ese sonido extraño, estertoroso, como si se ahogasen. El cortometraje acaba con un fundido en negro. 4444444444 tiene como protagonista a un chico joven que pedalea en su bicicleta. No sabemos a dónde se dirige, pues el sonido de un teléfono móvil le hace detenerse. El silencio, sólo interrumpido por el timbre del teléfono proporciona una atmósfera El niño fantasma. muy sugerente. El chico encuentra el móvil abandonado entre unas cajas, pero el número que está llamando (el mismo que da el título a este corto) no podría ser más desconcertante. El 4 es el número de la mala suerte en Japón (se pronuncia como el kanji que significa “muerte”), así que el espectador sabe que la llamada no puede augurar nada bueno. Cuando el joven descuelga el teléfono, sólo oye un maullido de gato y decide colgar, pero el móvil vuelve a sonar. Cansado, nuestro protagonista se sienta en unos escalones y vuelve a descolgar. Piensa que es una broma, porque al otro lado del teléfono vuelve a escuchar el mismo maullido lastimero. La tensión va en aumento, pero sin efectos musicales como en el cine americano de terror, simplemente se utiliza la confusión del muchacho y el extraño maullido en una escena en la que predomina el silencio, sólo roto por el sonido del viento, y el contraste entre planos generales que nos indican que el chico está completamente solo en la calle y primeros planos en contrapicado que producen angustia al espectador, incluso se realizan planos en el interior del edificio delante del cual está el protagonista sentado. La aparente soledad del muchacho y el sonido del viento que mueve las hojas al que luego se suma el goteo de agua de un grifo generan tensión al personaje, transmitida también al espectador. Los segundos se hacen eternos, pero por fin el chico hace la pregunta que todos nos estamos temiendo “¿Me estás observando?”. La voz de un niño responde afirmativamente, pero no al otro lado del teléfono. Aparece a su lado, desnudo y exageradamente pálido. El espectador sabe perfectamente que junto a este personaje no había nadie pero, sin embargo, ahí está el niño, tocándose las rodillas. El cortometraje termina con un primer plano del niño, maullando con la boca abierta, de la que gotea una sustancia negra y viscosa. Estos cortometrajes pueden parecer un poco ingenuos hoy en día, pero resultaron terroríficos y muy sugerentes en su momento, sirviendo así de precuelas para el resto de la saga, que aún estaba por llegar. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 91 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 2.- V-Cinema: Las dos primeras entregas de la saga fueron estrenadas directamente para video. En ellas se retoman las historias contadas en los cortometrajes, que se dan por sabidas por el espectador, mientras se desarrolla la historia de estos dos fantasmas. Desde la primera película, el director muestra los rasgos que caracterizarán toda la saga: Narración seriada: el estilo narrativo elegido por el director se efectúa por capítulos titulados por el nombre de un personaje. Caos temporal: los capítulos no se desarrollan por orden cronológico, lo cual puede resultar muy confuso para el espectador, pero también acrecienta la sensación de desconcierto y terror. Ausencia de un único protagonista: el estilo narrativo por capítulos implica que no haya un solo protagonista en la historia. De hecho, el protagonista de la saga es en realidad la casa maldita en la que vivieron los Saeki. Es el vínculo que une a todos los personajes que aparecen en el film entre sí y lo que todos ellos tienen en común. Sugerencia: ya hemos visto en los cortometrajes este elemento. Todo se sugiere y se deja a interpretación del espectador, en ningún momento en Ju-on se nos dará el argumento masticado, pues la película nos exige una participación activa en este sentido. Este elemento puede resultar también desconcertante para un espectador occidental, más acostumbrado a otro tipo de narración más ágil, puesto que Ju-onpuede llegar en ocasiones a tener un ritmo lento. Cierto esteticismo: las películas son de bajo presupuesto, pero, a pesar de ello, la aparición de los fantasmas se hace con un cierto cuidado estético. Con muy pocos medios consiguieron ser aterradores. Terror psicológico: como decimos, se tiene un cuidado muy especial en la aparición de los fantasmas, tanto que cada vez que aparecen se indaga en los miedos comunes y se explotan al máximo en la película. Ya iremos viendo en cada caso a qué nos estamos refiriendo, pero vamos a adelantar una secuencia ya aludida en la primera parte de este reportaje en la que Kayako Saeki aparece dentro de una cama, encima de su víctima. Quién no ha hecho de niño lo de taparse hasta arriba con las mantas, pensando inocentemente que los monstruos no pueden acceder a nosotros. Kayako demostró a toda una generación que no hay escapatoria posible. Aunque se prefiere este terror psicológico con las muertes fuera de campo, la violencia descarnada también aparece en momentos puntuales de la saga, consiguiéndose un equilibrio perfecto entre estas dos maneras de producir miedo o inquietud al espectador. Ju-on: The curse La película se divide en seis capítulos titulados “Toshio”, “Yuki”, “Mizuho”, “Kanna”, “Kayako” y “Kyoko”. Cuenta la historia del asesinato sucedido en casa de los Saeki y el hallazgo de los cuerpos por el profesor Kobayashi, luego prosigue con la historia de los nuevos inquilinos, la familia de los Murakami, y culmina con una especie de epílogo en el que una mujer, Kyoko, con una sensibilidad especial para los fenómenos paranormales, aconseja a su hermano Tatsuya que no venda la casa de los Saeki a quien pueda perjudicarle la maldición que ha caído en el lugar. Sin embargo, al acudir a la casa, ve a los nuevos inquilinos, los Kitada. Por los gestos de Kyoko y la imagen de la esposa del matrimonio en una ventana con un vestido blanco podemos deducir que Kayako ha podido poseer a esta mujer y, por tanto, la maldición Toshio sorprende a Mizuho. volverá a repetirse. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 92 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 En esta película, los diálogos apenas son importantes. Se sugiere más con un gesto o con una mirada que con la palabra. Se retoman las historias contadas en los cortometrajes y descubrimos quiénes son las chicas de los conejos de Katasumi. Una de ellas es Kanna Murakami, por eso las jóvenes son asaltadas por Kayako en el colegio. El chico de 4444444444 es Tsuyoshi Murakami, el hermano de Kanna, que había quedado con su novia Mizuho pero, como sabemos, es atacado por Toshio en el cortometraje. Como vemos en el capítulo titulado “Mizuho”, encuentran su bici en el colegio, pero no hay ni rastro de Tsuyoshi. Su novia recibirá la misma llamada, un número de teléfono compuesto sólo por cuatros. En ningún momento se explican las muertes de Kanna o de Tsuyoshi, así que si el espectador no conoce los cortometrajes encontrará confusa la desaparición de ambos Kanna fantasmal, sin mandíbula. personajes. Se exploran los miedos comunes del ser humano, fundamentalmente el terror a la oscuridad, aunque, como bien sabemos, los fantasmas también pueden atacar a la luz del día. Se hace incluso una alusión a las fobias particulares, como al número 4 o el miedo irracional de Yuki a los gatos, lo que la lleva a ser conducida irremediablemente por un gato negro al armario que comunica con el ático en el que está Kayako esperándola. Esto no excluye una violencia desmedida en dos momentos especialmente desagradables. En uno, Kanna aparece subiendo las escaleras de su casa, ensangrentada y con la mandíbula arrancada, un motivo que aparecerá en La maldición. Por otro lado, en el capítulo titulado “Kayako”, Takeo Saeki llama a Kobayashi mientras el profesor está en su casa para decirle que puede quedarse con su hijo Toshio porque ahora la hija de Kayako se arrastra hasta Kobayashi por las escaleras. Kobayashi le pertenece. El espectador puede deducir que Manami, la esposa del profesor, ha sido brutalmente asesinada y que el feto de la niña está en la bolsa de basura que Takeo golpea y arrastra por el suelo, poco antes de que el fantasma de Kayako le atacase. Kobayashi tampoco saldrá bien parado, pues el amor obsesivo que Kayako sentía por él no impide que después de su muerte él también sea consumido por la maldición de la casa. Ju-on: The curse 2 La segunda parte de las precuelas no aporta en realidad demasiada novedad. Se repite gran parte del metraje de la primera película: la visita de Kobayashi a su alumno Toshio, la muerte de este profesor a manos de Kayako, el violento asesinato de Manami y su hija no nata por Takeo Saeki y su castigo posterior, y la historia de Kyoko. Es decir, básicamente, son los capítulos que en la primera película se titulaban “Toshio”, “Kayako” y “Kyoko”. Sin embargo, esta nueva entrega nos sirve para profundizar en ciertos aspectos que en la primera parte quedaban confusos, especialmente en lo que al personaje de Kyoko se refiere. En Ju-on: The curse, Tatsuya, el hermano de Kyoko, le pedía que visitase a su hijo, quien, al parecer, estaba actuando de forma extraña, pero del que no se vuelve a comentar nada. Kyoko, al final de la película, también visitaba la casa de los Saeki para ver a los nuevos inquilinos, los Kitada, pero nos quedamos sin comprender por qué razón Kyoko parece aterrorizada al mirar a la mujer del matrimonio Kitada en la ventana. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 93 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Ju-on: The curse 2 está dividida en seis capítulos: “Kayako”, “Kyoko”, “Tatsuya”, “Kamio”, “Nobuyuki” y “Saori”. Los dos primeros son los que introducirían metraje ya visto anteriormente, mientras que los otros profundizan en la historia de los nuevos inquilinos (los Kitada), en el personaje de Kyoko y en el hijo de Tatsuya (Nobuyuki). Ninguno de ellos se salva de la ira de los fantasmas, pues todos los que han entrado en contacto con la casa de alguna manera morirán, incluso los detectives que investigan el caso. La película resulta, sin embargo, más confusa que la anterior, pues no sólo “Kobayashi-kun” muchas de las muertes suceden fuera de campo, sino que directamente tenemos que suponer lo que ha sucedido con algunos personajes, como con Kyoko. El capítulo más llamativo podría ser el de “Nobuyuki”, el hijo de Tatsuya, y la escena en la que Kayako le persigue por el colegio gateando rápidamente por el suelo. Las secuencias de mayor tensión psicológica (sin incluir el metraje de la primera parte) son las protagonizadas por Yoshimi Kitada, la mujer que es poseída por el espíritu de Kayako. Si el capítulo titulado “Kayako” funcionaba a modo de prólogo, el final, “Saori”, sería el epílogo. En él unas colegialas entran a hurtadillas en la casa maldita, tiempo después de todo lo sucedido con los Kitada, puesto que la casa está deshabitada y vuelve a tener el cartel de “Se vende”. Ellas beben sake que encuentran en la casa, bebida que el espectador puede fácilmente deducir que es el mismo que Kyoko dejó tiempo atrás en la casa bajo la advertencia de que el sake que ha entrado en contacto con los espíritus tendrá mal sabor si la persona que lo prueba Para saber más: Cuando Yoshimi encuentra un dibujo de Toshio y el diario de Kayako, la maldición cae sobre ella. puede sufrir algún daño por esa presencia sobrenatural en el entorno. Precisamente, las chicas protestan por el sabor de la bebida y dicen haber oído ruidos extraños en la casa. Esta breve secuencia tiene lugar fuera de campo, sólo vemos un plano general de la casa durante el día y oímos las voces de las jóvenes. Probablemente, este capítulo remite a las colegialas de la siguiente película de la saga que sí fue estrenada en cines (La maldición), concretamente al capítulo titulado “Izumi”, pero de ellas hablaremos en la tercera parte del reportaje. Ficha de Gakkô no Kaidan G en Imdb. Ficha de Ju-on: The curse en Imdb. Ficha de Ju-on: The curse en Filmaffinity. Ficha de Ju-on: The curse 2 en Imdb. Ficha de Ju-on: The curse 2 en Filmaffinity. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 94 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Robots vs. zombies: La batalla de los malditos. Por Elísabet Bravo En La batalla de los malditos (Battle of the damned, Christopher Hatton, 2013) nos encontramos en un futuro postapocalíptico en el que un fallo de seguridad ha provocado que un peligroso virus infecte a la población. La zona infectada se encuentra vigilada y controlada y es allí donde nuestro protagonista, un tipo duro de armas tomar, debe infiltrarse con un grupo de hombres para buscar a la hija del supuesto responsable del cataclismo a cambio de una importante suma de dinero. En la ciudad, sin embargo, siguen quedando zombies hambrientos a los que un pequeño grupo de supervivientes intenta combatir. El fallo de seguridad que había desencadenado la infección parece haber liberado a un grupo de robots armados y peligrosos, una nueva amenaza a combatir o quizá el arma definitiva contra los infectados. A pesar del tono de la película, siempre es una sorpresa agradable contar con la presencia de Dolph Lundgren interpretando al tipo duro y protagonista de la película: el mayor Max Gatling. El lector lo recordará probablemente por Rocky IV (Sylvester Stallone, 1985), donde interpretaba a Ivan Drago, y por Soldado universal (Universal soldier, Roland Emmerich, 1992). Dolph Lundgren suele interpretar al Cartel de La batalla de los malditos. típico héroe de acción y aquí no iba a ser menos: un mercenario, solo ante el peligro, que va en busca de una chica desaparecida en la zona infectada. Valiente, fuerte, tenaz y poco expresivo, no tiene problemas en enfrentarse contra un montón de infectados a la vez que consigue tener a su servicio a un pequeño ejército de robots guardaespaldas. La misión es lo único que importa, aparte de un buen puñado de dólares. En realidad, quizá sea sólo eso lo que merece la pena de esta película: Dolph Lundgren peleando mientras un montón de robots (atención al perro robot, no tiene desperdicio) tirotean zombies. El resto de los personajes resultan terriblemente insufribles: Duke (David Field), el egocéntrico líder de los supervivientes, Anna (Oda Maria), la que sabemos que va a ser carne de cañón de un momento a otro, Elvis (Jen Sung), el guerrero sanguinario que parece estar muy cómodo en el apocalipsis, Lynn (Lydia Look), cuya forma de correr saca de quicio, Reese (Matt Doran), que nos va a dar alguna que otra sorpresita, y Jude (Melanie Zanetti), la niña mimada que hay que salvar. A pesar de todo, Jude, Nuestro héroe de acción con los zombies a la espalda. quien, por alguna razón, está siempre enfadada con todo el mundo, se las apaña muy bien sola en el cataclismo y no necesita ser salvada por nadie, pero su intento de ser Milla Jovovich se queda corto. Aunque pretende ser una mujer independiente, fuerte y solitaria, es inevitable no cogerle una manía irresistible desde el primer momento en que aparece en pantalla (es el fin del mundo, ¿quién se pinta los ojos de negro como si el rimmel se le hubiera corrido por la cara cuando has huido del refugio y tienes que enfrentarte sola a hordas de zombies?). Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 95 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Los zombies de esta película son ágiles, al estilo de 28 días después (28 days later, Danny Boyle, 2003), y no necesariamente se les tiene que destruir el cerebro para acabar con ellos. Sus mordiscos, como es habitual, son extremadamente contagiosos. Pero a Max nada de eso le importa. Nuestro héroe manda a todo su equipo a casa para quedarse solo ante el peligro. Cuando se topa casualmente con Jude, se encontrará con una chica muy distinta a la que fue antes de la infección, con un pequeño problemilla al que enfrentarse que nada tiene que ver con los infectados. Los robots no entran en escena El mayor Max Gatling y los robots. hasta más de la mitad de la película y resultan una agradable sorpresa. Armados hasta los dientes y sin muchas explicaciones, se abren paso entre los zombies. Max, como un buen héroe de acción, no sólo sabe disparar o pegar golpes, también parece saber de ingeniería robótica. Curiosamente, los robots también pueden convertirse en “zombies”, por así decirlo, pudiendo ser una terrible amenaza para nuestros protagonistas. Siendo un film de bajo presupuesto, la película cumple lo que promete y en ese La secuencia del poste, con un suspense bien conseguido. sentido es correcta y más o menos entretenida, aportando la novedad de los robots a un apocalipsis zombie. El presupuesto controlado hace que las carencias de la película queden más expuestas que en otros casos y, por esa razón, para ser de un género que suele aportar grandes dosis de sangre y tripas, es bastante comedida en ese sentido y el abuso de la sangre digital (entre otros efectos mal logrados) me disgustó. Quizá las pretensiones de La batalla de los malditos fueran demasiado ambiciosas. Uno espera encontrarse escenas de acción bien rodadas con tensión y suspense y lo que se encuentra es una intención constante de disimular las carencias presupuestarias que afectan al resultado final del film. Eso perjudica a los personajes, con lo que no sólo son insufribles, sino que están además psicológicamente poco desarrollados. Anna, por ejemplo, daba la sensación de ser un personaje que iba a tener un pequeño romance con Max y, sin embargo, la actriz queda completamente desaprovechada. A pesar de eso, Dolph Lundgren es ya un veterano en las películas de acción de bajo presupuesto y sabe desenvolverse bien con pocos recursos, así que hay que destacar la secuencia en la que aparece esposado a un poste y enfrentándose a los zombies hambrientos como de lo mejor de la película. Resulta curioso que La batalla de los malditos sea una coproducción entre Estados Unidos y Singapur porque la influencia asiática es nula. Resulta una película realizada conscientemente a imitación de las películas de acción estadounidenses con el típico héroe americano al estilo Jean-Claude Van Damme, Arnold Schwarzenegger o Sylvester Stallone, así que, salvo por la novedad de presentar a robots contra zombies, no Para saber más: notaríamos demasiado la diferencia. Dolph Lundgren, zombies y robots son una interesante y curiosa Ficha en Imdb. combinación, a pesar del uso excesivo de la sangre digital y de todos los clichés del género, a cada cual más obvio. Ficha en Filmaffinity. Dentro del cine zombie hay películas que merecen más la pena que La batalla de los malditos, pero no está mal, Tráiler: en YouTube. dentro de lo que cabe. Quizá la aprecien algunos amantes del cine de serie B y, por supuesto, los fans de Lundgren. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 96 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 97 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 VIKINGDOM. Porque los vikingos en moreno ganan mucho. Por María Galindo Cuando te propones ver un blockbuster malayo sobre vikingos no sabes muy bien a qué te enfrentas. Antes de empezar con su visionado, uno sospecha que podría parecer tanto una gran producción americana con un ligero toque “exótico”, como una película similar a las del spiderman turco. Tras verla os digo que quizás lo justo sería llamarla una superproducción de serie B, eso sí, en 3D, donde se pretende jugar -y digo jugar en el sentido más naif de la palabra – con los clichés de la propia industria hollywoodiense. Dirigida por Yusry Abdul Halim, integrante del grupo pop KRU y cofundador de unos estudios con el mismo nombre, y grabada en inglés, “Vikingdom” cuenta con un elenco de actores occidentales de pequeño calibre que interpretan a personajes muy poco cercanos tanto física como mentalmente a la cultura nórdica medieval. No hace falta ser doctor en Historia medieval para darse cuenta de que no se trata precisamente de un film histórico, apenas podríamos llamarlo historicista, se acerca más a un pastiche del género de fantasía. Si, pese a lo dicho, sigues sopesando la idea de verla te recomiendo que desistas si en tu corazón no hay espacio para títulos como Iron Sky, Sharknado y otras delicias del peor cine, porque, créeme, no conseguirás pasar ni de los títulos de crédito. Ya desde los primeros segundos te sumerges en lo que parece ser un videoclip heavy metal bajo la banda sonora del grupo de rock malayo MOJO. Esta producción trata de construir un telón de fondo con leyendas nórdicas y mitología vikinga entre las que transcurren luchas Imagen promocional del film extraída del Facebook del mismo. inspiradas en parte en los films de “300”, y en parte en las grandes batallas de la trilogía de ”El Señor de los Anillos”. Todo aderezado con un más que dudoso kung fu de manos de un supuesto chino interpretado por el actor británico Jon Foo, compañero de fatigas del héroe principal interpretado por Dominic Purcell (conocido gracias a la serie “Prison Break”) y de una mujer, a la que da vida Natassie Malthe. La inclusión de una heroína añade a este fenómeno de película el toque romántico que todos estábamos deseando. Además, su presencia es muy práctica, ya que el exceso de pectorales masculinos y los locos vestuarios podrían confundir seriamente al espectador respecto a la “hombría” de los protagonistas que fácilmente podrían malinterpretar sus intenciones entre tanto compañerismo, lealtad, testosterona y la purpurina del traje de algún dios. Por ello es fácil creer hallarse en medio de una inintencionada epopeya homoerótica al puro estilo del ludus de la serie “Spartacus”, producción con la que además comparte una gran filiación estilística. Quizás, los adjetivos que mejor definen a esta realización son el de épico y ridículo. Épico por la temática y ridículo por el tratamiento que ésta recibe, desde los planos a lo Frank Miller en barato, la presencia de nada discretos cromas, un attrezzo de cartón piedra, efectos especiales que alcanzan su clímax paródico en su aplicación al escuetísimo vestuario (especialmente en la sección capilar, donde podréis observar nada discretas pelucas), etc. Todos estos elementos se reúnen para citar con mejor o peor fortuna a los clásicos films posmodernos de la épica a los que ya me he referido. Sin embargo, no por esto hemos de dejar de apreciar los frutos del visionado de este film en el que podemos encontrar toda una lección de estereotipos malayos sobre la esencia de Europa e incluso vemos alguna sorprendente y, no del todo mal traída, cita a Dante y a Homero que, junto con el ambiente general de la producción, harán las delicias de cualquier amante de la cultura kitsch. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 98 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Crítica: Lifi, una gallina tocada del ala (2011). Por Ana Asión Desde Corea del Sur llega, quizás un poco tarde puesto que su estreno en dicho país tuvo lugar en 2011, un largometraje de animación que sin duda fue profeta en su tierra, ya que se convirtió en la película de animación más taquillera del cine surcoreano. En España tampoco entró con mal pie, puesto que logró en el Festival de Sitges de 2011 el premio al mejor largometraje de animación para niños. Ahora en cartelera, sin duda se espera que siga por este buen camino, aunque lo cierto es que en la actualidad tiene alguna que otra competidora. Lifi, una gallina ponedora que vive atrapada en una granja, consigue por fin su sueño de escapar de la misma. Sin embargo lo que desconoce es que el mundo que hay más allá de ésta no es tal y como se lo esperaba. Emprende un viaje que le llevará a sortear diversos problemas por la naturaleza salvaje, donde encontrará amigos como el pato Viajante, pero también algún que otro enemigo, como la comadreja. Cuando el primero de ellos y su mujer sucumben a la maldad del terrible roedor, Lifi se ve obligada a cuidar del hijo de ambos, Perejil, con el que vivirá trepidantes aventuras. Basada en el bestseller The hen who dreamed she could fly, de la escritora Seonmi Hwang, lo cierto es que se trata de una película de animación amable, en ciertos momentos incluso excesivamente edulcorada, algo que se compensa con escenas de terrible violencia. El argumento de la misma carece de interés, convirtiéndose en una mera sucesión de situaciones predecibles y facilonas. Sin duda se encuentra muy alejada de una cinta de similares características, Chicken Run: Evasión en la granja (2000), la cual puede resultar más atractiva no solo a un público infantil, sino también adulto. Este largometraje se sitúa en la línea de la fábula de El patito feo, intentando mostrar a los niños alguna que otra moraleja dentro de, en la mayoría de las ocasiones, triste vida de la gallina Lifi. Por esta razón se puede afirmar que Lifi, una gallina tocada del ala sigue la estela de algunas de las películas más famosas de la factoría Disney que ya trataron las relaciones materno/paterno-filiales, como Bambi(1942) o El rey león (1994). De lo que no cabe la menor duda es de la maestría técnica con la que está dotada la película. El baile de colores y formas que se sucede durante la misma muestran como no tiene nada que envidiar a otras cintas coetáneas. Algo Para saber más: similar ocurre con el aspecto musical, sin duda sobresaliente para un largometraje que, en numerosas - Lifi, una gallina tocada del ala. En ocasiones, se apoya en éste para dar mayor calidad a las filmaffinity. escenas. Lifi, una gallina tocada del ala seguramente no va a pasar a la historia del cine occidental (algo que quizás sí ocurra en Corea del Sur), sin embargo se trata de una película correcta y perfectamente indicada para el público infantil. Partiendo de una historia ciertamente simplona, la calidad audiovisual demuestra cómo se pueden realizar productos donde la forma dote de una gran dignidad al contenido. - Lifi, una gallina tocada del ala. En OjoCrítico.com - Tráiler: https://www.youtube.com/watch?v=eO 7FhM4-5Io Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 99 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 100 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Los amantes de la cultura coreana están de enhorabuena… Y tienen a partir de este fin de semana dos citas ineludibles en Madrid. La primera de estas citas es la VII Muestra de Cine Coreano comenzó el pasado día 23 de octubre, con la proyección de la cinta Mother, de Bong Joon Ho, un film que reflexiona sobre el sentimiento maternal y hasta qué punto puede llegar a distorsionar la moral de una persona. Bong Joon Ho, que vive un momento dorado por el abrumador éxito internacional de su última obra, Snowpiercer, protagonizará también un coloquio mañana, día 26 de octubre, a las 12 horas, en el Centro Cultural Coreano (Paseo de la Castellana, 15, Madrid). Además de Mother, de Bong Joon Ho podrán verse Memories of Murder (una película basada en hechos reales, que cuenta la historia de un asesino en serie que entre 1986 y 1991 acabó con la vida de diez mujeres entre los 13 y los 71 años) y Barking dogs never bite, una tragicomedia sobre la mediocridad del ser humano que constituye la ópera prima de su filmografía. Sin embargo, no es Bong Joon Ho el único protagonista de la VII Muestra de Cine Coreano, ya que también se proyectarán obras de otros dos directores: Jang Joon Hwan y Kim Tae Yong. Del primero de ellos se proyectará también su película debut, Save the green planet, una cinta que rápidamente se convirtió en película de culto del cine coreano; y Hwayi: a monster boy (que Cartel de la VII Muestra de Cine Coreano. ya pudo verse en el Festival de Sitges, donde figuró como película invitada). De Kim Tae Yong, los tres títulos escogidos son If you were me 4, Mad, sad, bad y Late autumn. Con esta selección, se ponen en evidencia los diferentes estilos y trayectorias del cine surcoreano, mostrando las obras más representativas de tres cineastas que comparten generación y formación (en la prestigiosa KAFA, Korean Academy of Film Arts) y que a pesar de estos paralelismos, desarrollan un cine completamente diferente entre sí. Las proyecciones se llevarán a cabo en el Cine Doré (Filmoteca Española), calle Santa Isabel, 3, en versión original subtitulada al español. Posteriormente, se trasladará a Valencia, entre noviembre de 2014 y enero de 2015, donde tendrá lugar en la Filmoteca CulturArts-IVAC. De todas las películas se realizarán dos pases, con excepción de Snowpiercer, que solamente se proyectará en una ocasión. Pueden consultar el calendario completo aquí. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 101 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 Por otro lado, el día 30 de octubre tendrá lugar el III Foro Literario: Coloquio con dos escritoras coreanas. La mesa redonda, que contará con la presencia de Mayte F. Troitiño (actriz y dramaturga), Antonio Colinas (poeta, novelista, ensayista, traductor y periodista) y Clara Janés (poeta y traductora) como moderadores, estará centrada en las novelistas Ha Sung-ran y Jo Kyung-ran. El coloquio, que será presentado por la profesora Hye-Jeoung Kim de la Universidad de Salamanca e introducido por Chae Su-Hee, directora del Centro Cultural Coreano, se centrará en la presentación de algunos cuentos representativos de las autoras invitadas, utilizados como mecanismo para aproximarse al estilo narrativo de cada una. En el caso de Ha Sung-ran, ella misma explica su forma de entender la creación literaria comparándola con una caja de mandarinas que contiene cien frutas. En esa analogía, ella plantea “Mi deseo es llenarla exactamente con 100, ni con 99 ni con 101”. Esa meticulosa obcecación se ha convertido en una cualidad única y muy valorada en la narrativa de Ha. La concepción literaria de Jo Kyung-ran se aproxima mucho más a una vía de escape, y se aprecia una evolución clara en su trayectoria: de un mundo violento, se ha llegado a través del diálogo a una visión mucho más positiva, Cartel del III Foro literario: Coloquio con dos escritoras coreanas. aunque manteniendo siempre un componente reflexivo, particularmente sobre el tema de la soledad. El III Foro Literario: Coloquio con dos escritoras coreanas concluirá con un turno de preguntas abiertas, una oportunidad excepcional para establecer un diálogo con estos dos relevantes nombres de la literatura coreana. El evento tendrá lugar el día 30 de octubre a las 19:30 horas en la Sala Multiusos del Centro Cultural Coreano. Desde Ecos de Asia les invitamos a acercarse y participar en ambos eventos, oportunidades únicas para aproximarse a la cultura coreana de la mano de algunos de sus principales protagonistas. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Página 102 [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 9] Octubre de 2014 ¿Quiénes somos? Conoce a nuestros colaboradores En este número colaboran: Ana Asión ([email protected]). Licenciada en Historia del Arte y Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte. Actualmente realizan el Máster en Gestión del Patrimonio Cultural, así como el Doctorado en Historia del Arte, con una tesis sobre cine español del tardofranquismo. Elísabet Bravo ([email protected]). Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza. Actualmente cursa el Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte con especialidad en Lenguaje y Cultura audiovisual. Está interesada e investiga cine fantástico y de terror. Miriam Fajardo ([email protected]). Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza, actualmente sigue estudiando en esa misma universidad un Máster de Estudios Avanzados en la Historia del Arte, especializándose en Cine. María Galindo ([email protected]). Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza, y actualmente cursa el Máster de Estudios Avanzados en Historia del Arte de la misma, especializándose en Arte Extremo Oriental. María Gutiérrez ([email protected]). Graduada en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza, cursando el máster de Estudios Avanzados con el objetivo de especializarse en arte asiático. Actualmente forma parte de la delegación de Lolita in Wonderland Zaragoza. Julio A. Gracia ([email protected]). Licenciado en Historia del Arte y Máster en Arte Contemporáneo por el Museo Reina Sofía. Actualmente, cursa el doctorado entre la Universidad Complutense y la de Zaragoza, con una tesis sobre narrativa gráfica española. David Lacasta ([email protected]). Licenciado en Historia del Arte, actualmente cursa el Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte (siempre por la Universidad de Zaragoza), en la modalidad de Asia Oriental. Trabaja en la cerámica Satsuma y el fenómeno de su coleccionismo en Occidente. Laura Martínez ([email protected]). Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza, actualmente cursa el Máster de Estudios Avanzados en Historia del Arte de la misma, especializándose en Cine. Marisa Peiró ([email protected]) es Licenciada en Historia del Arte y Máster en Estudios Avanzados de Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza. Se especializa en el Arte y la Cultura Audiovisual de la primera mitad del s. XX, y en las relaciones artísticas interculturales. Actualmente, está realizando su tesis doctoral. Carolina Plou ([email protected]). Historiadora del Arte, japonóloga, prepara una tesis doctoral sobre fotografía japonesa. Ramón Vega es Licenciado y Graduado en Historia del Arte por la Universidad de Oviedo y Máster en Estudios del Arco Atlántico. En la actualidad desarrolla su tesis doctoral en el ámbito del comercio y coleccionismo de arte asiático entre los siglos XIX y XX. Para la realización de este número, agradecemos además a Claudia Sanjuán y muy especialmente, a los doctores Elena Barlés y David Almazán. GRACIAS A TODOS LOS COLABORADORES POR SU TRABAJO Y ENTUSIASMO, Y GRACIAS A USTED, LECTOR POR SU TIEMPO E INTERÉS. NOS LEEMOS EN EL PRÓXIMO NÚMERO. Revista Ecos de Asia / REVISTACULTURAL.ECOSDEASIA.COM / Octubre de 2014 Los textos y opiniones contenidos en la revista Ecos de Asia son propiedad, así como responsabilidad de sus autores. Queda terminantemente prohibida la reproducción comercial de parte o la totalidad de la revista sin la autorización expresa del autor y los responsables. Son ustedes libres de citarnos, siempre cuando reconozcan la autoría. 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