La mirada de Brian de Palma. · Especial Paul Thomas

Transcripción

Nº7
ENE
2015
PUBLICACIÓN GRATUITA
PAUL
THOMAS
ANDERSON
BAJO LA MIRADA
DE BRIAN DE PALMA
El Precio del Poder
Carrie
Vestida para Matar
Los Intocables de Eliot Ness
El Fantasma del Paraiso
En Nombre de Caín
Fascinación
Misión Imposible
Atrapado por su Pasado
Doble Cuerpo
Impacto
Con voz propia:
Boogie Nights
Magnolia
ABYSS
+ ALIEN 3
James Cameron
vs David Fincher
PETER
HYAMS
ATMÓSFERA CERO
+ CAPRICORNIO UNO
MICHAEL MANN: PHENOMENA PREMIERE RESCATA THE KEEP Y MANHUNTER
SUMARIO
EDITORIAL
03 EDITORIAL
Cuatro años, más de doscientas películas programadas
y cerca de 150.000 espectadores… quién lo hubiera
dicho. Lo que empezó siendo un evento aislado ha
derivado en una alternativa a la exhibición convencional.
Sin embargo, Phenomena no ha inventado nada; de
hecho, es una puesta al día de una oferta que ya existía
en los años 60, 70 y 80. Por aquel entonces podíamos
ver una película de los hermanos Marx junto al estreno
del momento; había cines especializados en programas
infantiles, otros de reestreno, incluso algunos que
llamaban “de arte y ensayo”. Era un auténtico festín
para cinéfilos, que, como yo mismo, pudimos disfrutar
de una oferta variada e incluso más arriesgada que la de
hoy. Con los años y la aparición de las multisalas se fue
perdiendo aquel espíritu en favor de centros comerciales
alejados del núcleo urbano. Lo que aglutinaba un público
bajo un mismo techo se fragmentó en miles de espacios
faltos de la personalidad y calidez que caracterizaban al
cine. Las multisalas siempre me han recordado a una
terminal de aeropuerto desangelada donde cada uno
toma un vuelo diferente y en la que, a pesar de una
concentración masiva de gente, nadie se cruza una
palabra. Y por encima de todo, el cine es un acto social.
Tal vez por ello, nos hemos lanzado a una aventura
algo descerebrada pero romántica; la de abrir un cine
propio que recupere aquella experiencia colectiva.
Como espectadores hacía tiempo que deseábamos
disfrutar de algo así en Barcelona y lo hemos construido
gracias a vuestro apoyo y fidelidad durante estos años.
Si hemos de formular un deseo para los años venideros
se podría resumir en esto: que sigamos disfrutando
de esta felicidad cinéfila. Una vez más, mil gracias, y
bienvenidos a nuestra nueva casa, la vuestra.
04 BRIAN DE PALMA
10 PAUL THOMAS ANDERSON
16 PETER HYAMS
26 ABYSS + ALIEN 3
32 MICHAEL MANN
38 PHENOMENA:
MANUAL DE INSTRUCCIONES
40 FIRMAS INVITADAS
41 QUIM CRUSELLAS
43 J.A. BURGOS
45 ARANTXA ACOSTA
47 SERGI SÁNCHEZ
48 PROGRAMACIÓN
Director
Nacho Cerdà
Editora
Sandra S. Lopera
Redacción
Misael Sanroque, Pablo Mérida, Jaume Miranda, Carlos
Fernández Castro, Jose Antonio Pérez Guevara
Nacho Cerdá
Director de Phenomena Experience
Firmas invitadas
Sergi Sánchez, Quim Crusellas, J.A. Burgos, Arantxa Acosta
Diseño y maquetación:
Miki Edge
2
3
La sala Phenomena acoge, del 14 al 30 de enero, un ciclo dedicado
al director Brian de Palma. Once títulos que abarcan desde sus films
de culto, como la gamberra El fantasma del paraíso, hasta la que es
considerada su obra maestra: Fascinación. La programación se completa
con El precio del poder, Carrie, Vestida para matar, Los intocables de
Eliot Ness, Doble cuerpo, Impacto, Misión Imposible, En nombre de
Caín y Atrapado por su pasado.
El Precio del Poder Miércoles 14 - 21h
Carrie Viernes 16 - 20:30h
Vestida para Matar Viernes 16 - 22:30h
Los Intocables de Eliot Ness Domingo 18 - 21h
BRIAN DE PALMA
Un truco de magia desvelado
por Misael Sanroque
Tras co-dirigir la película The Wedding Party (1963) – en cuyo reparto figura “Robert De Nero” – y filmar una performance sobre Las
bacantes de Eurípides en Dionysus ’69 (1969), Brian De Palma dirigió su primer largometraje. Hipnotizado por el brillo de Godard y
Straub, y animado por amigos como Jim McBride o Michael Wadleigh, el realizador se lanzó al ruedo con una especie de trilogía de
sátira política como son Murder à la mod (1968), Greetings (1968) y Hi, Mom! (1970). La primera, un slasher cómico (al que volverá en
Impacto (1981) que se asemejaba más a un ejercicio para ensayar los mejores golpes que usaría en Greetings, una comedia acerca
de unos amigos que intentan zafarse de embarcar hacia la Guerra de Vietnam; ‘Hi, Mom!’, la frase más usada, en cualquier idioma,
ante una intempestiva cámara de televisión, servía como título a una película con tres historias en la que sobresale la protagonizada
por, esta vez bien deletreado, Robert De Niro, un peeping tom que espía a sus vecinos con una cámara. Por si no quedaba claro que,
como decía Freud de los sueños, De Palma es todos los personajes de sus películas: los buenos también, y sobre todos los… menos
buenos. Exactamente igual que Hitchcock.
El Fantasma del Paraiso Miércoles 21 - 21:30h
En Nombre de Caín Viernes 23 - 20:30h
Fascinación Viernes 23 - 22:30h
Misión Imposible Domingo 25 - 21h
Atrapado por su Pasado Miércoles 28 - 21h
Doble Cuerpo Viernes 30 - 20:30h
Impacto Viernes 30 - 22:30
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El joven director destacó en el cine underground neoyorquino
y fijándose más en su buen amigo Scorsese que en Jonas
Mekas, partió rumbo a Hollywood. Al fin y al cabo, De Palma
nunca ha escondido que ‘Yo creo que hay que hacer las cosas
verdaderamente en función del número de espectadores que se
quieren tener’1 y añadía ‘Todavía trato de sacar la gran tajada.
Todavía quiero tener ese gran éxito’2. Pero Hollywood, a primera
vista, resultó un fracaso titulado Get to Know Your Rabbit (1972)
que pese, a tener a Orson Welles interpretando a un mago, quedó
en un experimento que no satisfizo ni al cineasta ni a la Warner
Bros., quienes esperaban, quizás, encontrar a un nuevo Kubrick.
Pero De Palma conocía perfectamente su terreno, sabía dónde
ganarse a su público y estaba decidido a demostrar quién era.
En 1973, con Hermanas, el director empleó su famosa pantalla
partida para contar la historia de una asesina y la periodista (y el
detective) que la vigilan. Ya encontramos en e ste thriller frío y casi
terrorífico al voyeur-testigo de un asesinato, las personalidades
múltiples, las grandes conspiraciones y las trampas, siempre las
trampas, temas todos ellos que aparecerán a lo largo de toda
su carrera. La chica asesina de Hermanas podría parecer un
ensayo para su Carrie (1976) pero, antes de adaptar la novela
de Stephen King, De Palma se divertiría con El fantasma del
paraíso (1974) una ópera-rock glam, anterior a las obras de
Jim Sharman y Ken Russell, que a su vez homenajeaba varios
clásicos de la literatura de terror (El fantasma de la ópera, El
retrato de Dorian Gray, …) y que tampoco fue ningún éxito. Pero
por fin llegó Carrie, una historia atávica sobre la pubertad, donde
De Palma se recreó maliciosamente contra las tiernas y pérfidas
adolescentes norteamericanas, contra esas madres casadas
con su Biblia y los profesores babosos.
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OBRAS MAESTRAS Y EXPERIMENTOS
Al igual que Carrie, el director expulsó toda su furia, en una
película barroca y compleja en su momento (la escena final
en el gimnasio es un prodigio mezcla de pantalla partida y
plano secuencia, marca de la casa) entrando de lleno en
los anales del cine de género. U n paso más. Pero no nos
iba a dejar descansar y junto con Paul Schrader (guionista)
y la música del mítico Bernard Hermann, creó Fascinación
(1976), su primera obra maestra. Una película sobre la
pérdida y la ausencia, repleta de fueras de campo y planos
llenos de ‘aire’ que nos dejan desamparados, como a Cliff
Robertson. Literal y literario. Sin el barroquismo exagerado
de Carrie ni los trucos visuales de Hermanas, De Palma rodó
su película más madura y amarga, incluido ese engañoso
final en el aeropuerto. Pero, ¿qué sería de Brian sin sus setpieces alocadas? No lo sabremos, porque no tardó ni dos
años en rodar La furia (1978), una especie de Carrie donde
las grandes conspiraciones, el terrorismo, las cámaras y la
telepatía confluían en un tíovivo de emociones. También
literalmente, los que hayan visto la película lo entenderán.
Tras el experimento con unos estudiantes, Una casa de locos
(1980), rodó una de sus cumbres: Vestida para matar (1980),
una película sobre un adolescente que intenta desentrañar
el asesinato de su madre mediante grabaciones en radio,
un peeping tom de los oídos, que vigila al psiquiatra travestí
interpretado por Michael Caine.
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SOBREVIVIENDO AL FRACASO
Más allá del homenaje a Psicosis, muy superficial, Vestida
para matar nos daba al mejor De Palma, el que es capaz de
hacer casi un giallo, un slasher elegante, y luego llevarnos
hacia una trama de investigación. De algún modo, nos
conduce por un camino lleno de baches y nos hace sentir
paseando por un camino de seda. Igual que en Impacto, la
que considero su obra maestra. Si Impacto fuera un truco de
magia, empezaría con el mago explicando de la forma más
clara y precisa posible el truco, luego lo haría delante de
tus narices y te lo tragarías… a pesar de saber cómo lo ha
hecho. Y prefiero no decir mucho más de ésta película, un
homenaje ya en el título al Blow Up de Antonioni que, como
en Vestida para matar, tenía a un sonidista en vez de a un
voyeur investigando un asesinato. Y hay conspiraciones
gubernamentales, slasher casposo y sale John Lithgow.
David Mamet escribió el guión de Los intocables de Eliot Ness
Tras otro fracaso, Wise Guys (1986), el realizador volvió a Hollywood por todo lo alto con Los intocables de Eliot Ness (1987). Con
guión de David Mamet, escritor de moda en aquel momento, De Palma rodó una de sus películas más emotivas, más humana, por
así decirlo, en su cruzada contra el crimen organizado. Y sin perder su estilo, como el memorable trávelling durante el asesinato del
personaje de Malone. Y aprovechándose de la cresta de la ola rodó una cruda película sobre la guerra de Vietnam: Corazones de
hierro (1989), uno de sus proyectos más personales, sobre un caso trágico: la violación de una chica vietnamita por parte de soldados
americanos. La mirada de Michael J. Fox al final de la película nos bastaba para comprender el horror, el caos y, especialmente, la
confusión. Sin necesitar explosiones ni batallas, que las hay.
De Palma se fija en los rastros y encuentra al
asesino, al voyeur, al espectador, a la cámara.
A nosotros mismos.
Uno de los temas más habituales en sus
primeros thrillers fue el voyeurismo, una
obsesión que viene de cuando, siendo un niño,
el director espió a su padre para descubrir
porqué se había divorciado de su madre.
En 1983 se estrenó El precio del poder (Scarface), un
remake del clásico de Hawks escrito por Oliver Stone. El
director rodó su película más épica al contar la historia del
gángster Tony Montana y su escalada de poder en una
suerte de biopic correcto, con una de las puestas en escena
más sobria, más académica de lo habitual en un director
de su talla. Por suerte, 10 años después volvió a ser el De
Palma que amamos gracias a Doble cuerpo (1984), donde
retomó el argumento clásico del voyeur que es testigo de un
asesinato y se obsesiona con una mujer muerta (Hermanas,
Fascinación), pero esta vez ambientada en el pegajoso
Hollywood de mediados de los 80. Y con un final que era
una reflexión sobre el cine, sobre la mirada y sobre los
espectadores. ¿Se creían que el que estaba atrapado en el
ataúd era Craig Wasson? Éramos nosotros.
Después del desastre que supuso La hoguera de las vanidades
(1990), el realizador se marcó un “más-imposible-todavía”; como
un motorista acróbata lanzándose al círculo de fuego, rodó En
nombre de Caín (1992). Con ella alcanzó una de las cimas (otra
más) de su carrera, insultando refinadamente a su público y a
los críticos daltónicos que no habían entendido sus anteriores
películas: esta es una película de Brian De Palma acerca de…
las películas de Brian De Palma. La broma final, el chascarrillo
del malo antes de la explosión mortal. Con un John Lithgow en
su salsa, el director creó un thriller sobre las personalidades
múltiples para luego darle la vuelta, retorcerlo, destriparlo,
pegarlo, reventarlo, volverlo a pegar, fotocopiarlo repetidamente
y desdeñar el original. Y salió airoso, coronando una de las
7
DE PALMA Y EL NUEVO CINE DE ESPÍAS
cumbres del cine norteamericano de los noventa. Por supuesto,
nadie la entendió. Pero sospechamos que a Brian le daba igual.
Él ya se había reído bastante. Pero aún le faltaba la explosión
mortal de la que hablábamos antes. La suerte suprema, que
diría un torero: Atrapado por su pasado (1993), esa especie de
espejo oscuro donde se refleja El precio del poder, era una coda,
sentimental y desasosegante, que empezaba con la muerte de
Carlitos en una estación de tren. Y pasara lo que pasara después,
nada tenía remedio. Y De Palma se hacía mayor, y cada vez era
más cascarrabias, o más cabrón, más sádico y nos dejaba a
todos desangrándonos en Grand Central Station. Pero había que
resucitar, volver de entre los muertos, y he ahí que aparece Tom
Cruise con su Misión imposible (1996).
A pesar de ser un cineasta aclamado por público
y crítica, ha sido nominado varias veces al
Razzie al peor director por films como El precio
del poder, Doble cuerpo y Vestida para matar.
Tras su aventura imposible, rodaría Ojos de serpiente (1998),
una interesante revisión del cine gangsteril clásico de la Warner
(detectives, asesinatos, boxeo…) y lo que muchos pedían a gritos,
una película de ciencia-ficción, más próxima a 2001: Una odisea
del espacio que a Star Wars, como cabía espera de este director:
Misión a Marte (2000). En 2002, llegó su última obra maestra:
Femme Fatale3, un catálogo de la lencería fina depalmiana, una
elegía a la memoria (tal vez en la liga de Carretera perdida de
Lynch) y a la imagen no como imagen, sino como fruto de la
mirada. Y, evidentemente, como casi todo su cine, una película
sobre la posesión, en cualquiera de sus formas, y especialmente
de la posesión de la mirada, allí donde los ojos dejan huella, De
Palma se fija en los rastros y encuentra al asesino, al voyeur, al
espectador, a la cámara. A nosotros mismos. Y cuando levanta la
cortina y nos vemos reflejados en un espejo, aún tardamos unos
segundos en recomponernos y pensar: “¡Cómo no nos habíamos
dado cuenta antes!” Pero De Palma ya se ha ido a mirar a través
de otras ventanas por encima del hombro de Grace Kelly.
1 2 Daney, Serge & Rosenbaum, Jonathan. Cahiers du cinema. 1982.
3 Perdonará el lector que, por falta de espacio, me detenga aquí. No sin nombrar sus siguientes
películas: La dalia negra (2006), Redacted (2007) y Passion (2012), ésta dos últimas en la línea
del mejor De Palma desde 2002.
8
¿De Palma rodando un blockbuster? Eso parece. Aunque la saga del agente Ethan Hunt tiene poco de blockbuster
y poco de saga (recordemos las secuelas, dirigidas por John Woo, J. J. Abrams y Brad Bird), fue el mayor éxito
comercial del director, que consiguió una película de espías inusual, hitchcockiana (esa herencia de Psicosis de
asesinar a casi todos los protagonistas en el primer acto), que tomaba de Topkapi (Jules Dassin, 1964), película en
la que se basó Bruce Geller para crear la serie en 1966, su escena más icónica, la de Cruise colgado de un hilo,
a ras de suelo. Y en una época en la que el cine de James Bond estaba demodé, De Palma y Cruise nos trajeron
de nuevo el cine de espías todo terreno en el que desembocaría la saga de Bourne. Y parecía un blockbuster de
verano, ¿eh?
CICLO BAJO LA MIRADA DE BRIAN DE PALMA
El Precio del Poder Miércoles 14 - 21h
Fascinación Viernes 23 - 22:30h
Carrie Viernes 16 - 20:30h
Misión Imposible Domingo 25 - 21h
Vestida para Matar Viernes 16 - 22:30h
Atrapado por su Pasado Miércoles 28 - 21h
Los Intocables de Eliot Ness Domingo 18 - 21h
El Fantasma del Paraiso Miércoles 21 - 21:30h
Doble Cuerpo Viernes 30 - 20:30h
Impacto Viernes 30 - 22:30
En Nombre de Caín Viernes 23 - 20:30h
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El hombre que aguantaba el
peso del cine norteamericano
en sus hombros
por Carlos Fernández Castro (www.bandejadeplata.com)
Ante el inminente estreno de su último trabajo, Puro vicio, es el momento perfecto para recuperar en
Phenomena dos de las películas que mejor plasman el personal estilo narrativo de Paul Thomas Anderson,
un director con voz propia dentro de la industria de Hollywood. El jueves 15 se proyectará Boogie Nights
y el jueves 22 Magnolia.
10
Qué duda cabe que Paul Thomas Anderson es uno de los
cineastas más ambiciosos del cine actual. A excepción de la
película con la que debutó (Hard Eight, Sidney, 1995), su hasta
ahora inmaculada filmografía está repleta de historias más
grandes que la vida. Pero, a diferencia de otros autores, que en
circunstancias similares sucumbieron a la grandilocuencia del
Hollywood más comercial, el realizador californiano (director y
guionista de todas sus películas) siempre ha demostrado una
especial sensibilidad para crear intimidad en los contextos menos
propicios, y de esta manera, abordar sus obsesiones recurrentes:
la familia en general y las relaciones paternofiliales en particular,
el perdón, el rencor, la redención, la exclusión social...
No sería descabellado afirmar que este director es al panorama
cinematográfico del S. XXI lo que Orson Welles fue al del S. XX
en términos de talento, atrevimiento, y personalidad. Incluso
podríamos encontrar algún que otro paralelismo entre las obras
de ambos cineastas. Sin ir las lejos, las similitudes entre el
Charles Foster Kane de Ciudadano Kane y el Daniel Plainview de
Pozos de ambición son más que evidentes: dos claros ejemplos
del “ascenso y caída” que siempre han fascinado al espectador
americano, dos personas que cimentaron su fortuna en torno a
una mina, dos emprendedores solitarios cegados por el poder y
consumidos por el odio...
11
Para Boogie Nights,
Paul Thomas
Anderson se basó
en su cortometraje
The Dirk Diggler
Story
Pero en este ciclo dedicado al responsable
de películas tan inolvidables como la
perturbadora The Master o la inclasificable
Embriagado de amor, hemos decidido
centrar nuestra mirada en las dos
películas que le convirtieron en uno de los
cineastas más interesantes del panorama
cinematográfico mundial: Boogie Nights y
Magnolia. Dos obras de una complejidad
extraordinaria en las que encontramos
influencias de Martín Scorsese, Robert
Altman, o incluso David Mamet, pero en
las que, por encima de todo, el director
exhibe una personalidad propia y un estilo
tan inimitable como arrollador.
Con deslumbrante pericia,
Paul Thomas Anderson
alterna la trama central de la
película con numerosas líneas
argumentales que afectan a
esos magníficos secundarios.
12
Más allá del famoso plano secuencia inicial, en el que Anderson demuestra un dominio fabuloso de la puesta en escena, Boogie Nights
destaca por su fluidez narrativa y por el intenso ritmo que mantiene durante sus 155 minutos de metraje. Una vez entramos en ese
pequeño universo representado por la mansión de Jack Horner, Anderson es poseído por el espíritu de Martín Scorsese, versión Uno
de los nuestros (1990). Al ritmo de una apropiada banda sonora, entramos en contacto con los miembros de esa familia sustitutiva a la
que, en un principio, vamos a conocer en plena armonía, para posteriormente involucrarnos en los problemas que implica pertenecer
a un mundo tan particular y a una profesión tan caduca como la pornografía.
En la película, Eddie Adams (Mark
Wahlberg) es un adolescente que ha
dejado de estudiar. Por las mañanas
trabaja en un lavacoches, y por las noches
es camarero en una discoteca en la que
un buen día conoce a un famoso director
de cine porno (Burt Reynolds). Desde el
principio, las intenciones de Anderson son
evidentes: Su protagonista huye de un
hogar en el que se siente menospreciado,
Todavía recuerdo el revuelo que se organizó y es acogido por una gran familia liderada
cuando Boogie Nights fue estrenada allá por Jack Horner y su habitual equipo de
por 1997. Un póster de lo más llamativo producción, que aparte de valorar su
inundaba las marquesinas del metro y enorme miembro viril y su facilidad para
las paradas de autobús, evocando una mantener relaciones sexuales sin solución
estética setentera, y haciendo gala de un de continuidad, admiran su talento innato
buen número de reseñas en las que los para la interpretación.
medios americanos de turno se deshacían
en elogios hacia esta película enmarcada Boogie Nights destaca por
en el desconocido mundo del cine porno. su fluidez narrativa y por el
Llamaba la atención entonces tanto como intenso ritmo que mantiene
sigue haciéndolo ahora. Pero lo cierto es durante sus 155 minutos de
que este atípico contexto no era más que metraje
una excusa para abordar el concepto de la
familia desde un punto de vista diferente
al habitual.
En este maravilloso viaje, presenciamos el fulgurante ascenso y posterior caída de
Dirk Diggler (nombre artístico que adopta el protagonista en el primer tercio del film),
pero también somos testigos de las ilusiones y decepciones de un buen número
de personajes que viven al margen de la sociedad. Con deslumbrante pericia, Paul
Thomas Anderson alterna la trama central de la película con numerosas líneas
argumentales que afectan a esos magníficos secundarios y refuerzan el tema principal
desde diferentes puntos de vista. Como ocurrirá en su próxima película, el montaje
deviene en una pieza fundamental para el éxito del conjunto.
13
En 1999, con tan sólo veintinueve
años, el nuevo niño prodigio del cine
norteamericano decidió acometer su
proyecto más ambicioso (si cabe) hasta
la fecha. Gracias al éxito cosechado por
Boogie Nights, gozaba de cierta credibilidad
en la industria hollywoodiense, pero no
la suficiente para evitar que su forma de
entender el cine fuera observada con recelo
por parte de los grandes estudios. A pesar
de contar con actores de la reputación de
Philip Seymour Hoffman, Julianne Moore,
William H. Macy, John C.Reilly y Philip
Baker Hall (todos presentes en su anterior
film) las enormes dimensiones de su
nueva producción requerían la presencia
de una súperestrella para convertirla en
una inversión apetitosa. Y así fue como
Anderson diseñó el personaje de Frank
Mackey, uno de los más llamativos de
Magnolia y todo un reto interpretativo, para
el lucimiento personal de Tom Cruise.
del espectador a la hora de interpretar
su mensaje final. Se trata de una jugada
maestra que revela todo su significado a
falta de veinte minutos para los títulos de
crédito. Mientras tanto, somos testigos de
varias relaciones paternofiliales al borde
del abismo, conocemos a un antiguo niño
prodigio que está deseoso de compartir
todo el amor que lleva dentro, a un gurú
del sexo que cosifica a las mujeres como
resultado de sus traumas de infancia, a
una cocainómana que es rescatada de un
final trágico por un policía/ángel redentor...
En definitiva, historias de gran intensidad
emocional que confluyen en un desenlace
tan inesperado y parcialmente optimista
como profundamente coherente con el
resto de la película.
Tal y como sucedía en Boogie Nights,
Paul Thomas Anderson no juzga –casia sus personajes (tal y como confirma
el sensacional monólogo final de un
John C. Reilly más allá del elogio, que
concluye con un plano inolvidable de
Melora Walters) y confía plenamente en
la inteligencia del espectador para sacar
las conclusiones pertinentes. Estamos
ante un cineasta único, que irrumpió en el
panorama cinematográfico para demostrar
que también se puede hacer cine de
autor, rentable, y de calidad a partir de los
engranajes del Hollywood más comercial.
¿Un milagro? No lo creo, en mi opinión
estas cosas simplemente suceden.
Pero la exhibición de Cruise es tan sólo
una pieza más en el milagroso mecanismo
que hace funcionar el tercer trabajo de
Paul Thomas Anderson. Si anteriormente
mencionábamos a Martin Scorsese como
uno de sus ejemplos a seguir a la hora
de construir su estilo propio, no podemos
olvidar la influencia que el Robert Altman
de Nashville (1975) y Vidas cruzadas
(1993) ejerce en la estructura narrativa de
Magnolia. A lo largo de sus tres horas de
duración, Anderson maneja hasta nueve
líneas argumentales que se entrelazan
constantemente con una fluidez insólita;
no en vano, la magnolia es una flor cuyos
pétalos forman parte de un mismo cuerpo.
Merece especial atención la forma en
la que saltamos de una historia a otra, a
través de recursos como el montaje visual,
la intensidad emocional, o sin ir más lejos,
el emocionante momento musical en el que
todos los personajes cantan, de manera
alterna e individual, It’s not going to stop,
de Aimee Mann.
Al igual que Bergman arrancaba Persona
con una serie de imágenes indescifrables
que provocaran el estado de ánimo idóneo
para ver el resto de la película, Anderson
comienza Magnolia con tres sucesos
extraordinarios que orientan la mirada
14
JUEVES 15/1 · 21:00h
BOOGIE NIGHTS Boogie Nights
Paul Thomas Anderson, 1997. Int: Mark
Wahlberg, Julianne Moore, Burt Reynolds. USA
· 156’ · 35 mm · VOSE
Retrato de la industria del cine porno de los años setenta
con el que Burt Reynolds consiguió un Globo de oro y
una nominación al Oscar. Paul Thomas Anderson adaptó
en esta película su primer corto, The Dirk Diggler Story.
JUEVES 22/1 · 21:00h
MAGNOLIA Magnolia
El director visitó el set de rodaje de Eyes Wide Shut para
conocer a Tom Cruise y hablar de su participación en
Magnolia.
Para su primer film, Hard Eight,
Sidney, Anderson fichó a tres
actores que iban a trabajar
en casi todas sus películas:
John C. Reilly, Philip Seymour
Hoffman y Philip Baker Hall.
Paul Thomas Anderson, 1999. Int: Tom Cruise,
Jason Robards, Julianne Moore. USA · 188’ ·
35mm · VOSE
Extraordinario collage de historias cruzadas en el
que Paul Thomas Anderson llegó a crear más de
cien personajes entre protagonistas y secundarios.
Merecidísima nominación a los Oscar para Tom Cruise
por su misógino papel.
15
PETER HYAMS
MUESTRA
LO QUE ESTÁ PASANDO
por Pablo Mérida
Reivindicamos al director Peter Hyams en una sesión especial formada por dos magníficos títulos de
ciencia-ficción: Atmósfera cero y Capricornio Uno. Además, ambas bandas sonoras de este programa
doble corren a cargo del compositor Jerry Goldsmith. En la sala Phenomena, sábado 17 de enero a partir
de las 21 h.
16
17
UNA MIRADA AL ESPACIO
Llevar las cámaras a Marte, Júpiter o más allá es un lujo que
solo se pueden permitir algunos cineastas. Es el caso de Peter
Hyams, un singular artista que ha aportado largometrajes que,
ya hoy, se consideran de culto entre los principales seguidores
de la ciencia-ficción. Y eso que sus primeros pasos no apuntaban
demasiado a la fantasía.
Perfeccionista y obsesionado con la imagen
que debían mostrar sus películas, Peter Hyams
multiplicaba su presencia en los rodajes
encargándose de la fotografía, la producción, los
efectos especiales…
Este neoyorquino, nacido el 26 de julio de 1943, empezó a trabajar
como corresponsal de guerra en Vietnam para la cadena CBS.
Posiblemente, los horrores de aquel conflicto le hicieron llevar su
inquieta mirada a otros ámbitos menos violentos, como la música
o la pintura. Hyams se reveló como un percusionista de primera
y tuvo la oportunidad de compartir veladas con algunos maestros
del jazz, de la categoría de Bill Evans. También desarrolló una
interesante trayectoria como pintor –algunas de sus obras
llegaron a ser expuestas en el Whitney Museum of American Art–
y fotógrafo. Sus inquietudes artísticas le venían de familia. Su
abuelo había trabajado prácticamente toda la vida en el mundo de
la música y la danza, mientras que su padre consagró su carrera
a los escenarios de Broadway.
18
En los años 70, la televisión y el cine le
mostraron nuevos terrenos en los que
experimentar. Llamó la atención con su
primer largometraje, un ácido buddy cop
film protagonizado por Elliot Gould y Robert
Blake: Manos sucias sobre la ciudad
(1974). Pero su gran revelación llegaría
poco después, en su primera incursión en
el terreno de la ciencia-ficción: Capricornio
Uno (1978), un original acercamiento
al tema de los viajes espaciales que se
convirtió en un pequeño clásico del cine
independiente de aquella época. La afición
de Hyams por la literatura y la cienciaficción volvió a quedar patente después
en otras dos desiguales producciones:
Atmósfera cero (1981), una suerte
de western espacial que terminó por
consagrarle como un director con buen
olfato para hacer taquilla, y 2010: Odisea
Dos (1984), un arriesgado intento por
hacer nada menos que una secuela del
mítico film de Stanley Kubrick 2001: una
odisea del espacio.
Perfeccionista y obsesionado con la imagen que debían mostrar sus películas, Peter Hyams multiplicaba su presencia en los rodajes
encargándose de la fotografía, la producción, los efectos especiales… Todo con tal de crear universos muy personales que pretendían
mostrarse ante los espectadores sin demasiados artificios. «Me formé en el mundo de los informativos y los documentales –explica el
director–, un lugar en el que tienes que mostrar lo que está pasando. Agitar una cámara, como se hace ahora, hasta el punto en que
no sabes ni quién es el que está en pantalla, niega un poco esa necesidad. Yo quiero que el espectador sienta los golpes que recibe
el actor, que tema por la persona que está cayendo. Puede que tenga éxito o no, pero esa es mi intención». (1)
Hyams se vio obligado a construir sus fantasías con presupuestos moderados, lo que le obligaba a agudizar el ingenio. Algo que, con
la perspectiva de los años, le parece mucho más interesante para dotar de alma a una producción y alejarse de esos festivales de
pirotecnia digital por los que apuestan una y otra vez los grandes estudios. «Recuerdo que un día estaba charlando con el especialista
en efectos especiales Stan Winston y me dijo algo curioso: “La cosa más grande que le ha pasado a Steven Spielberg y Ridley Scott
fue que, en realidad, tanto el tiburón como el alien, no funcionaban demasiado bien”. Creo que tiene razón. Quizá si trataran de hacer
hoy esas películas, ya no serían tan buenas». (2)
19
Del thriller a los mosqueteros
Además de algún acercamiento al cine romántico, con La calle del adiós (1979), Peter Hyams obtuvo los más grandes éxitos de taquilla
con thrillers del estilo de Los jueces de la ley (1983), Más fuerte que el odio (1988) o Testigo accidental (1990), películas comerciales
de corte clásico que el director nunca volvía a ver una vez finalizado el montaje. «Es una costumbre mía –aclara Hyams–. Traté de
ver una película mía en el cine y me resultó una experiencia muy dolorosa. Supongo que me pasa como a un dermatólogo: todo lo que
veo son manchas, me refiero a las cosas que he hecho mal. Reviso la película mil veces cuando puedo hacer algo con ella. Pero, una
vez que no puedo hacer nada, prefiero no verla más». (3)
En los últimos años, además de convertirse
en uno de los realizadores favoritos del
musculoso Jean-Claude Van Damme, al
que ha dirigido en Timecop, policía en el
tiempo (1994), Sudden Death (Muerte
súbita) (1995) y, más recientemente,
Cerco al enemigo (2013), su carrera
cinematográfica se ha desarrollado con
cierta indefinición, tocando una gran
variedad de registros y dejando de lado
los guiones originales para adentrarse sin
demasiado acierto en el universo de las
adaptaciones literarias. Quizá una de sus
obras más destacables de este periodo
sea The Relic (1997), un film de terror,
según el best seller de Douglas Preston
y Lincoln Child, un trabajo algo más
interesante que El mosquetero (2001), una
versión personal y renovada del clásico de
Alexandre Dumas Los tres mosqueteros,
o la fallida adaptación de un relato breve
de Ray Bradbury en El sonido del trueno
(2005).
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CAPRICORNIO 1 (1978)
Nueve años después de que el hombre pusiera por primera vez el pie en la Luna, ya existían diversas voces que aseguraban que los
alunizajes del Programa Apolo habían sido falsificados por la NASA para demostrar la supremacía de Estados Unidos sobre la Unión
Soviética en la carrera espacial, todo ello en plena Guerra Fría. Algunos argumentos esgrimidos entonces resultaban tan simples
como inquietantes. Un ejemplo: «¿Cómo es posible que la bandera estadounidense ondee en algunas fotografías si en la Luna no
hay viento?»
Tras realizar una serie de documentales
para la CBS sobre el viaje del Apolo 11, el
director Peter Hyams comenzó a trabajar
en un guión sobre estas teorías de la
conspiración. «El viaje del Apolo 11 fue un
evento de gran importancia y, sin embargo,
no tuvimos testigos de lo que ocurrió. La
única verificación nos llegó a través de una
cámara de televisión». (4)
Para evitar polémicas, Hyams se lanzó al
terreno de la ficción e ideó un posible viaje
a Marte programado por la NASA. Un viaje
que, en realidad, se fingiría en un plató.
De este modo surgió Capricornio Uno. El
director enseguida embarcó en el proyecto
a su amigo y productor Paul Lazarus, muy
interesado en el género de la cienciaficción después de los buenos resultados
obtenidos por sus anteriores producciones
Westworld, almas de metal (1973) y
Mundo futuro (1976). Para alcanzar un
presupuesto próximo a los cinco millones
de dólares, Lazarus se alió con una
compañía inglesa que llevaba Lew Grade,
el productor del Jesús de Nazaret (1977),
de Zeffirelli.
Capricornio Uno se rodó en diversos
escenarios de California, como Long
Beach, Imperial Valley o el parque de
Red Rock Canyon, con Elliott Gould y
James Brolin –los dos maridos de Barbra
Streissand– al frente del reparto. Pese a
mostrar a la NASA de forma negativa,
la institución no tuvo inconveniente a la
hora de colaborar con el filme, llegando
incluso a dejar en préstamo un prototipo
de módulo lunar.
Su estreno tuvo lugar en EE UU en
junio de 1978, y llegó a convertirse en la
película independiente más taquillera de
aquel año. Un éxito que provocó incluso la
novelización del guión por parte de un Ken
Follet que preferiría publicar el libro bajo el
seudónimo de Bernard L. Ross.
21
ATMÓSFERA CERO (1981)
A comienzos de mayo de 1980, en los míticos estudios Pinewood, del Reino Unido, comenzaron a rodarse los primeros planos de
Atmósfera Cero: unos modelos en miniatura de una pequeña colonia minera localizada en Júpiter. Posiblemente, al director Peter
Hyams le hubiera gustado más comenzar con unas imágenes del héroe cabalgando por las praderas del lejano Oeste, pero los gustos
del público le habían llevado hasta el espacio exterior. «En realidad –recuerda Hyams–, mi intención era rodar un western. Después
de hacer el drama bélico La calle del adiós con Harrison Ford, me apetecía dar un cambio radical y lanzarme al western. Pero, a
comienzos de los 80, todo el mundo me decía: “No puedes hacer un western; los westerns están muertos; nadie quiere hacer un
western”. Recuerdo que pensé con tristeza cómo era posible que un género que había aguantado tanto se diluyera solo». (5)
En aquellos días, La guerra de las galaxias,
Alien, el octavo pasajero o la adaptación del
cómic de Flash Gordon habían situado a la
ciencia-ficción entre los primeros intereses
de la audiencia. Y a Hyams se le ocurrió
una buena solución: convertir su western
en una aventura galáctica. «Quería hacer
una película sobre la frontera, algo tipo
Dodge City, ciudad sin ley, que mostrara
lo dura que era la vida allí. Escribí el guión
trasladando la acción a una luna de Júpiter
y tuve la suerte de que el gran Sean
Connery quiso hacerlo». (6)
Con-Amalgamate es el nombre
de una compañía que se
menciona tanto en Capricornio
Uno como en Atmósfera Cero.
En la primera, es la empresa
responsable de la fabricación
del equipo salvavidas. En
la segunda, se trata de la
compañía minera.
22
Sin llegar a reconocerlo, Peter Hyams
preparó una historia muy similar a la del
clásico de Fred Zinnemann Solo ante el
peligro. La película narra las aventuras
de un Marshall federal del futuro, William
O’Niel, que recibe el encargo de investigar
unas extrañas muertes que han tenido
lugar en Io, una luna de Júpiter de donde
se extrae titanio. La determinación del
Marshall por esclarecer lo sucedido hace
que cada vez se quede más aislado en
aquella colonia y su vida corra más peligro.
Io, el nombre del planeta donde transcurre
el filme, apareció como el título original
del guión. Sin embargo, el miedo a que
pudiera ser confundido con un «10», llevó
a su director a cambiarlo por Outland,
en Estados Unidos (Atmósfera Cero, en
España).
La película fue pionera en el uso de algunos avances técnicos. Por ejemplo,
fue la primera en usar el sistema «Introvisión», una variante del proceso de
proyección frontal que permitía a los cineastas visualizar el efecto de la acción
en vivo, sin tener que esperar a posteriores montajes de postproducción. Un
sistema algo complejo que no terminaría de triunfar en la industria del cine y
que, durante el rodaje, provocó fuertes tensiones entre Hyams y el director de
fotografía Stephen Goldblatt. La película también se estrenó con un novedoso
sistema de sonido promovido por Warner Bros. llamado «Megasound», que
tampoco logró demasiado éxito.
EL CINE SÍ FUE
A LA LUNA
Las cámaras de cine llegaron a la Luna
mucho antes que el Apolo 11. Ya en 1902, en
su Viaje a la Luna, Georges Méliès logró que
un cohete impactara en la cara de la Luna,
imagen que se convirtió en el primer icono
de la Historia del Cine. Años más tarde, pero
aún en el periodo del cine mudo, sería Fritz
Lang quien se embarcaría en un emocionante
viaje espacial en busca de oro en La mujer
en la Luna (1929). Pero las misiones lunares
más simpáticas nos llegarían en los años 50,
cuando los cineastas aún pensaban que la
Luna estaría poblada por seres inquietantes.
Así al menos lo mostró Richard E. Cunha en
la producción de serie B Invasión a la Luna
(1958) y el maestro Byron Haskin en su
adaptación del clásico de Julio Verne De la
Tierra a la Luna (1958). Algo más moderado
se mostraría Irving Pichel en su propuesta Con
destino a la Luna (1950). Con el paso de los
años, algunos cineastas siguen convencidos
de que en la Luna aún hay muchas sorpresas
por descubrir. ¿Dos ejemplos? Transformers:
El lado oscuro de la Luna (2011) o Apollo 18
(2011).
NOTAS
1.- «Action Filmmakers John and Peter Hyams Talk Enemies Closer», por Simon Abrams. Villagevoice.com
2.- «A Conversation with filmmaking legend Peter Hyams». Fancarpet.com
3.- Idem
4.- «Spacesuit: Fashioning Apollo», de Nicholas de Monchaux. MIT Press, 2011.
5.- «Directors Special: Peter Hyams Goes Film-By-Film». Empireoline.com
6.- Idem.
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PROGRAMA DOBLE
SÁBADO 17/1 · 21:00h
ATMÓSFERA CERO Outland
Peter Hyams, 1981. Int: Sean Connery, Frances
Sternhagen, Peter Boyle.
USA ·112’ · 35 mm · VOSE
SOLOS ANTE
EL PELIGRO
El protagonista de Atmósfera cero es
un claro heredero de Will Kane, ese
sheriff inolvidable al que Gary Cooper
le prestó su imagen en Solo ante
el peligro (1952), western de Fred
Zinnemann. La idea de mostrar a un
héroe solitario que se ha de enfrentar
a una amenaza de muerte sin contar
con la ayuda de nadie entusiasmó
de tal modo a la audiencia que
después se ha repetido en múltiples
ocasiones, tanto en westerns como
en otro tipo de películas de acción.
De hecho, los clásicos duros de
la pantalla, tipo Charles Bronson,
Sylvester Stallone, Chuck Norris
o Jean-Claude Van Damme son
ejemplos inequívocos de tipos que
luchan solos ante el peligro. Sin
embargo, junto al sheriff Will Kane, el
público siempre mostró una especial
predilección por quien quizá sea su
más directo descendiente –incluso
sus apellidos tienen una curiosa
semejanza fonética–. Nos referimos,
por supuesto, al grandísimo John
McClane, protagonista incombustible
de la saga Jungla de cristal.
CAPRICORNIO UNO Capricorn One
Peter Hyams, 1978. Int: Elliott Gould, James
Brolin, Brenda Vaccaro.
USA · 123’ · 35mm · VOSE
Peter Hyams es el protagonista de este
programa doble. Primero Sean Connery
impone el orden en esta versión espacial de
Solo ante el peligro, y después la falsa llegada
a Marte pondrá en peligro la vida de unos
astronautas.
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La sala Phenomena reúne dos de los títulos esenciales de la
ciencia ficción contemporánea: Abyss (James Cameron, 1989) y
Alien 3 (David Fincher, 1992), dos obras que, en su momento,
no gozaron del éxito esperado, pero que, con los años, se han
convertido en auténticas películas de culto. Redescúbrelas el
sábado 24 de enero.
por Jaume Miranda
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siguiendo un poco la estela de sus predecesoras, es una película
de acción física (con persecuciones, sangre y vísceras), en
cambio, Abyss se acerca más al subgénero del terror psicológico:
buscando en todo momento construir una atmósfera espeluznante
y agobiante llena de sombras y formas desconocidas.
Abyss fue una de las primeras
películas en construir un
personaje totalmente por
ordenador
Además de ser dos referentes capitales del género fantástico, Abyss y Alien 3 forman parte de la filmografía inicial y el imaginario
personal de dos de los directores más aclamados de hoy en día: James Cameron, rey de la ciencia ficción con grandes éxitos como
Terminator (1984) o Avatar (2009), y David Fincher, maestro del thriller y aplaudido en Seven (1995) o Zodiac (2007).
Por un lado, Alien 3, la película que abrió las puertas del cine
a Fincher, reanuda las aventuras de la teniente Ripley tras las
propuestas de Ridley Scott y Cameron y, como hecho casi
insólito, confirma a la saga de Alien como una de las pocas series
fílmicas que no decae con el paso de las entregas: Alien 3 es
original y diferente. Esta vez, Ripley (nuevamente interpretada
por Sigourney Weaver) aterriza en una estremecedora cárcel de
la cual no podrá salir hasta que no venga algún equipo de rescate.
En esta prisión, (además de también estar, evidentemente, su
archienemigo espacial) tendrá que compartir el entorno con
unos reclusos que se definen por tener agresividad y fanatismo
religioso a partes iguales: así, al “imaginario Alien” se le suma toda
una simbología cristiana y católica que aporta mayor inquietud al
ambiente. De este modo, la situación de la heroína no hace más
que empeorar: muertos desde el inicio todos sus compañeros de
la anterior entrega, tendrá que enfrentarse prácticamente sola al
xenomorfo y, además, a los perturbados presidiarios. Por si fuera
poco, todo ello tendrá que solucionarlo con ingenio e inteligencia
debido a la falta de recursos armamentísticos.
La entrega de Fincher también cuenta con cambios en relación al
monstruo: al igual que en la de Scott, el alien vuelve a actuar en
solitario; sin embargo esta vez tiene una mayor resistencia al fuego,
una mayor agilidad y condiciones físicas y una mayor estilización
corporal: todo ello gracias, en parte, a unos innovadores efectos
especiales que llegaron a estar nominados a los Oscar.
A pesar de las nuevas aportaciones del director para no aburrir al
público, Alien 3 no defrauda a los más habituales de la saga: la
película sigue regalando grandes escenas de acción, inesperados
sobresaltos, sangrientas muertes y carga sexual contenida de un
modo equiparable a sus valoradas predecesoras del 1979 y del
1986.
El director Walter Hill fue uno de los
guionistas de Alien 3
Echando mano de la historia cinematográfica, también puede
verse que, aparte de estrenarse con pocos años de diferencia,
las dos guardan una misma “relación de sucesión” con Aliens,
el regreso (James Cameron, 1986); otro clásico del género. Por
un lado, Abyss fue la siguiente película que dirigió Cameron tras
haber estrenado ésta primera. En cambio, la ópera prima de
Fincher es su continuación directa dentro de la saga Alien.
Curiosamente, a pesar de narrar historias muy distintas, lo cierto
es que también comparten parecidos en relación al argumento
y a los temas planteados: en esencia, su tema principal común
es, por un lado, la lucha por la supervivencia del ser humano y,
por otra, la eterna batalla entre el bien y el mal. Además, tanto
una como la otra lo hacen presentando a un grupo de personas,
enemistadas entre ellas, que verán forzada su unión si quieren
resistir a una amenaza común; una criatura desconocida y
poderosa procedente del espacio exterior. También, para añadir
más dificultad al asunto, las dos tienen el acierto de encerrar
al rebaño de víctimas (y a su depredador) en aterradoras y
claustrofóbicas cárceles futuristas que les obligarán a enfrentarse
con su enemigo si no desean ser los siguientes en morir.
Sin embargo, a pesar de esta “naturaleza” común, realmente Alien
3 y Abyss son películas muy diferentes: especialmente debido al
enfoque que toma cada una en relación a su argumento. Alien 3,
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Los actores de Abyss
recibieron clases de
submarinismo antes del rodaje
y consiguieron el título para
practicar este deporte
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PROGRAMA DOBLE
SÁBADO 24/1 · 20:30h
ABYSS The Abyss
James Cameron, 1989. Int: Ed Harris, Mary
Elizabeth Mastrantonio, Michael Biehn.
USA · 139’ · 35mm · VOSE
Los constantes cambios de guión de Alien 3 hicieron que incluso se llegaran a
construir carísimos decorados que ni siquiera llegaron a usarse.
Por otro lado, Abyss, a pesar de sus semejanzas con la anterior,
se aleja más del cine de acción para acercarse al género del
terror o del thriller psicológico. Ambientada en los últimos años de
la Guerra Fría, un equipo de científicos estadounidense (liderados
por Ed Harris y Mary Elizabeth Mastrantonio) es enviado cerca de
una profunda fosa oceánica para constatar si hay supervivientes
en un submarino nuclear hundido en extrañas circunstancias.
Pero, a partir de una serie de inexplicables incidentes, el grupo
queda incomunicado y atrapado en las profundidades submarinas
(el “espacio exterior” cercano). Desde ese instante, la situación
empeorará por momentos: poco a poco, nacerán conflictos entre
ellos y sospechas de una posible conspiración soviética. Sin
embargo, se va entreviendo que los ataques no provienen de
manos de alguien del exterior terrestre, sino de alguna criatura
del abismo oceánico que les observa.
Además de ser un film pionero en la experimentación de los
efectos digitales (fue una de las primeras películas en construir
un personaje totalmente por ordenador), Abyss destaca por su
construcción de una atmósfera verdaderamente claustrofóbica
y sobrecogedora a través de los colores fríos y azulados, los
espacios diminutos y herméticos o los juegos de luces y sombras
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30
contrastadas. Siendo de ritmo más pausado que el film de
Fincher, Cameron, con muy mala baba, transmite acertadamente
al espectador la progresiva asfixia (real y metafórica) y delirio que
van sintiendo los personajes del submarino mientras van viendo
como mueren sus compañeros de forma progresiva.
Disfrutar de Abyss y Alien 3 en una sesión doble no sólo es una
oportunidad excepcional para poder comparar y relacionar las dos
obras entre ellas, sino que también es un evento indispensable
para cualquier entusiasta del género que quiera contemplar dos
títulos clave del cine de ciencia ficción.
ALIEN 3 Alien 3
David Fincher, 1992. Int: Sigourney Weaver,
Charles S. Dutton, Charles Dance.
USA · 114’ · 35mm · VOSE
Tras rodar la secuela de Alien, James Cameron
bajó a las profundidades con Abyss, film
pionero en usar avanzadas tecnologías
visuales. Curiosamente, quien le tomó el revelo
en la saga fue David Fincher, responsable
de una tercera entrega que no dejó a nadie
indiferente.
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MICHAEL
Por José Antonio Pérez Guevara
MANN
LOS ORIGENES DE UN CREADOR
Phenomena Premiere descubre uno de los films menos conocidos de Michael Mann.
Antes de darse a conocer con títulos como Heat, El último mohicano, El dilema o
Collateral, el director firmó la primera aparición cinematográfica de Hannibal Lecter en
Hunter y se adentró en el género fantástico con El torreón. Ambas películas forman un
programa doble especial que se podrá ver el jueves 29 de enero.
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En la década de los 70, Mann se introdujo en el medio televisivo,
donde ejerció de guionista en la famosa serie de policías Starsky
y Hutch, entre otras, también dirigió algún episodio, al mismo
tiempo, le surgió la oportunidad de debutar como director con
Hombre libre (1979), una película para televisión con Peter
Strauss, popular por su intervención en la serie Hombre rico,
Hombre pobre. Dos años más tarde, en 1981, le llegó su debut
como director de cine con la película Ladrón, protagonizada por
James Caan, un film con un toque noir, que se convertiría en
una de las características importantes de su cine, un thriller en
la que un delincuente quiere hacer su último gran golpe antes de
retirarse, película en la que aparecen muchas huellas significativas
que más tarde desarrollaría en Heat (1995), una de sus mejores
películas. Las buenas críticas y el éxito de público lo llevaron
a hacer El torreón (1983), producción de género fantástico con
algunos apuntes de terror. La acción se sitúa en 1941, en plena
Segunda Guerra Mundial, cuando un destacamento del ejército
alemán llega a un pequeño pueblo de Rumanía perdido entre Los
Cárpatos, que tienen las órdenes de vigilar un paso estratégico
haciéndose fuertes en el interior de una fortaleza. Pero los
soldados despiertan a una fuerza maligna que vive en las entrañas
del torreón. Muchos elementos puso en liza el señor Mann, en una
película que es brillante en el retrato de los personajes, ambiguos
y complejos, y el plantel de grandes actores que los interpretan
Jürgen Prochnow, Scott Glenn, Ian Mckellen y Gabriel Byrne. Una
atmósfera inquietante y sobrecogedora, así como una música
ambiental del grupo alemán Tangerine Dream –que también
hará la soundtrack de Hunter-, hacen del film una entretenida
mezcla que bebe de muchos géneros: fantástico, bélico, terror,
romántico y drama intimista. Quizás la fusión de tantos elementos
tan alejados no consiguió el resultado esperado y el relato acabó
consiguiendo interés pero sin llegar a los resultados del debut del
realizador. Para resarcirse, Mann volvió al medio que lo vio nacer.
El cineasta Michael Mann emplea como referencia la frase: ¿Qué haces para ganarte la vida?, que usa como premisa para elaborar
la naturaleza de cada uno de sus personajes. Unos individuos de condición solitaria, arrastrados por una gran carga emocional, pero
valerosos y tenaces, que poseen unos valores morales definidos, aunque en ocasiones los traspasan para conseguir sus objetivos. El
realizador estadounidense descubrió el cine en la universidad con la película Bajo la máscara del placer (1925, G. W. Pabst), película
muda de corte realista que testimoniaba los problemas sociales de la Viena de los días posteriores a la Primera Guerra Mundial.
El director cumplió el sueño de
dos buenos amigos que querían
trabajar juntos en una de sus
películas: Robert de Niro y Al
Pacino, a quienes unió en el
reparto de Heat.
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REGRESO
A LA TELE
En 1984, comenzó la serie para televisión
Miami Vice, estrenada en nuestro país como
Corrupción en Miami, sobre las andanzas
de dos polis de la brigada anti vicio, que
debido a su enorme éxito encadenaría
temporadas hasta 1990. Una serie que
el propio Mann convertirá en película en
el 2006. En 1986, el director realizaría
su tercera película Hunter, basada en la
novela Dragón Rojo, de Thomas Harris,
-que tendría una nueva versión en 2002
realizada por Brett Ratner, de la mano
del mismo productor Dino DeLaurentis-.
La cinta fue la primera incursión en el
cine del personaje de Hannibal Lecter,
el famoso doctor psicópata. La trama se
centraba en el personaje de Will Graham,
un experto agente del FBI que vivía junto
a su familia recuperándose del trauma
emocional que le causó Lecter cuando lo
capturó. Convencido por su superior, el
protagonista volvía al ruedo para intentar
capturar a un nuevo asesino en serie
llamado Dragón Rojo. El relato seguía
PROGRAMA DOBLE
JUEVES 29/1 · 20:00h
Mann estuvo a punto de dirigir
El aviador, film que finalmente
dirigió Martin Scorsese
1991 la compañía Orion volvió a rescatar
a Lecter, esta vez con la novata agente del
FBI, Clarice Starling en El silencio de los
corderos, dirigida por Jonathan Demme, su
enorme éxito de público y crítica, además
de 5 Oscar, originaron tres películas más
de éxito desigual.
Michael Mann ha desarrollado un carrera
intensa y brillante con títulos como El
último mohicano (1992), su consagración
como cineasta, El dilema (1999), sobre
el negocio oscuro de las tabacaleras, Ali
(2001), donde abordaba de modo íntimo y
la línea del cine de Mann, personajes emocionante la vida del boxeador Mohamed
de turbio emocional, donde el pasado Alí, con una brillante interpretación de Will
juega un papel importante, atmósfera Smith, Collateral (2004), enorme thriller
perturbadora, localizaciones coloristas con un asesino -Tom Cruise- a bordo de un
y alejadas de lo habitual, un diseño de taxi conducido por Jamie Foxx. Obras de
producción ejemplar, y un ritmo pausado gran calado cinematográfico rodadas con
e intimista que hicieron de la película cámaras de alta definición que exploran la
una joya incuestionable en la filmografía realidad desde múltiples miradas y ámbitos
del cineasta de Illinois. El productor no de un país siniestro, sucio, multirracial y
estuvo de acuerdo con el resultado, y en cosmopolita.
EL TORREÓN The Keep
Michael Mann, 1983. Int: Scott Glenn, Ian
McKellen, Alberta Watson.
USA · 96’ · 35 mm · VOSE
HUNTER Manhunter
Michael Mann 1986. Int: William Petersen, Kim
Greist, Joan Allen.
USA · 119’ · 35 mm · VOSE
Sesión dedicada a dos de los trabajos menos
conocidos de Michael Mann: El Torreón,
inquietante aventura fantástica con música de
Tangerine Dream; y Hunter, primera aparición
en el cine de Hannibal Lecter, según la novela
El dragón rojo.
Prestó su casa de Florida para el rodaje de algunas secuencias de la serie Corrupción en Miami.
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PHENOMENA: MANUAL DE INSTRUCCIONES
por Sandra S. Lopera
01
¿QUÉ ES PHENOMENA EXPERIENCE?
Phenomena Experience nació en diciembre de 2010, con la intención de reivindicar el cine como experiencia. La intención de su
creador, Nacho Cerdá, era la de recuperar títulos emblemáticos del cine y devolverles su esencia en la gran pantalla. La filosofía
Phenomena es la de volver a sentir esa catarsis colectiva que era ir al cine cuando éramos pequeños, una emoción que se había
perdido ante la sobreexplotación de las multisalas. Phenomena revive el cine en mayúsculas.
02
¡YA TENEMOS CASA!
Después de cuatro temporadas combinando sus sesiones en varias salas, Phenomena estrena casa propia. El nuevo cine se encuentra
en Sant Antoni Maria Claret, 168, en el barrio de Sagrada Familia de Barcelona. Una sala única de 450 localidades, con una pantalla
de quince metros, que cuenta con un proyector 4k de última generación, uno de 35 mm y 70 mm y dispone de los mejores sistemas
de sonido: DTS, SDDS y el multidimensional Dolby Atmos.
03
NUESTRO PESCADITO DE LA SUERTE
El 19 de diciembre abrió sus puertas la sala Phenomena. Una fecha muy especial ya que coincide con su cuarto aniversario. Por eso,
la sesión inaugural estuvo formada por Tiburón y Alien, el mismo programa doble con el que arrancaba esta aventura en diciembre
de 2010. Además, la proyección coincidió también con el 39 aniversario del estreno de Tiburón en nuestro país. El animalito se ha
convertido casi en la mascota de Phenomena, y hasta ahora le ha dado buena suerte porque, con más de 100.000 espectadores a lo
largo de cuatro temporadas, han necesitado un barco muy grande.
04
ARQUEÓLOGOS, DESCUBRIDORES Y GAMBERROS
¿Y qué se podrá ver en este nuevo cine? Pues la sala combinará ciclos temáticos, sesiones infantiles y Grindhouse (el sello de
Phenomena dedicado al cine más gamberro), reestrenos (tanto clásicos vintage como títulos contemporáneos), films inéditos en
nuestras carteleras (bajo el sello Phenomena Premiere) y los míticos programas dobles. No sólo de blockbusters vive el cine, y
Phenomena ofrecerá una programación variada en la que tendrán cabida películas de todas las épocas y para todos los gustos.
05
YES, WE SPEAK SPANISH
La programación de la sala ofrecerá sesiones dobladas y VOSE. Por ejemplo, las sesiones pensadas para los peques serán en
castellano, mientras que los ciclos especiales se harán habitualmente en VOSE. También habrá películas que tendrán diversos pases,
algunos doblados y otros en versión original subtitulada.
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GIZMO SE HA COMIDO MIS CEREALES
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ABIERTO HASTA LA MADRUGADA
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UN LOCO CON UN HACHA PASÓ POR AQUÍ
09
POR UN PUÑADO DE EUROS
Los domingos por la mañana se harán sesiones infantiles, a las 11.30 h., dobladas al castellano. Además, muchas tardes, sobre todo
los fines de semana, en las primeras sesiones se podrán ver películas familiares que también podrán disfrutar los peques de la casa,
desde superhéroes hasta comedias de los hermanos Marx o clásicos de aventuras.
Por primera vez, Phenomena podrá programar sesiones de madrugada. Un horario especial para dar rienda suelta al cine más
terrorífico, divertido e incluso polémico. Las sesiones se harán, de forma puntual, diferentes sábado de cada mes.
Además de su programación estable, la sala Phenomena acogerá también eventos especiales. Desde sesiones temáticas en las que
se contará con la presencia de invitados de excepción hasta festivales de cine, presentaciones y coloquios, entre otras sorpresas. La
sala se convertirá en la sede de las sesiones organizadas por el fanzine El buque maldito que, una vez al mes, dedicará una tarde al
cine bizarro con proyecciones y charlas.
¿Tendré que hipotecar mi casa para ver todo lo que me apetece de la programación? No hará falta llegar tan lejos. Las sesiones
individuales costarán 6 €, los programas dobles 9 € y las maratones 12 €. Mayores de 65 años y menores de 12 años tienen entrada
reducida y pagan 5 € por la sesión individual, 8 € por la doble y 10 € por las maratones. También hay disponible el abono P-10, una
tarjeta recargable que cuesta 50 € y vale para 10 sesiones individuales. También es válida para las sesiones dobles añadiendo 3 €, y
5 € en el caso de las maratones. Este abono se vende sólo en taquilla .
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CON LA SUERTE EN LOS TALONES
Han sido cuatro años increíbles, en los que ha habido risas, nervios, lágrimas, sorpresas y, sobre todo, mucha ilusión. Ilusión por
volver a vivir el cine con la misma emoción con la que lo vivimos en nuestra infancia, cuando ir a una sala era entrar en un mundo
lleno de sueños. Ilusión por recuperar el cine como experiencia, por compartirlo, por vivirlo, por redescubrirlo y por no darnos nunca
por vencidos porque, en un momento en el que la cultura sobrevive como puede, Phenomena abre las cortinas de una de las pantallas
más grandes del país. Un lugar para recuperar la fe en el cine. Bienvenidos a casa.
Fotos: Natalia Regas
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CINE CON SABOR A KOJAK
Por Quim Crusellas
FIRMAS INVITADAS
Quim Crusellas
J.A. Burgos
Arantxa Acosta
Sergi Sánchez
Los setenta fueron los años difíciles. En nuestro país
veníamos de unos años aún más difíciles y la transición
nos empezó a zarandear, los chasquidos de dedos a
dos centímetros de la cara por fin nos despertaron y
pudimos empezar a caminar por un paisaje normalizado.
Estados Unidos se tragaba su primera gran derrota
y nacía su trauma eterno: Vietnam. Aún oyen a los
corderos chillar. Como consecuencia, poblaron esos
setenta de cine activista y de películas lacerantes. Las
pesadillas de la sinrazón les produjeron asesinos en
serie capitaneados por el brutal Leatherface. América
no era tan bonita. Pero esa década desgarrada también
parió una generación de cineastas únicos, que vivieron
su infancia en unos años 50 de casas adosadas, cine de
serie B, Drive-in’s, 3D verde y magenta, Cinemascope
y la globalización del hecho de “ir al cine”. Para ellos
fue una década prodigiosa y esos niños apellidados
Spielberg, Lucas, De Palma, Dante y Zemeckis nos
regalaron, sobre todo en los años 80, un cine nacido
de la pasión y el gozo. Ellos se lo pasaban en grande
rodando películas herederas de esa cultura “pulp” de la
que se habían empapado de pequeños, y consiguieron
convertirlo en un espectáculo de masas, de calidad y
comercialidad incuestionables, que ha generado el
mayor fenómeno fan del sector en toda la historia.
En España, y con los viajes voyeurísticos a Perpignan
aún frescos, hubo una lógica eclosión del cine erótico
que, unido a la comedia aspaventera, nos llevó a la
famosa época del destape. También se reafirmaban el
fantasterror hispánico y la acción más quinqui, además
de los moralizantes frescos sobre la Guerra Civil. Estados
Unidos rodaba films sobre la reciente Vietnam y aquí
sobre la “reciente” Guerra Civil.
Después, a finales de los 70 y los 80, abundaron las
películas infantiles decididamente comerciales con
influencias del exitoso cine hollywoodense. De esa etapa
tengo el recuerdo entrañable de Oscar, Kina y el láser,
una película de aventuras con niño, oca y aparato futurista
parlante. Ah, y el imprescindible maestro bondadoso. No
he vuelto a revisar la cinta desde que tenía 8 años, por no
sufrir el conocidísimo y doloroso “mal de la nostalgia infantil
del cine”, que ya provocó evidentes heridas en mi salud
mental después de recuperar recientemente las series
Los 7 de Blake y Dentro del laberinto. Evidentemente,
ese periodo fabuloso fecundó todos los rostros y rastros
de la cultura: la música, la gastronomía de chuchería, los
juguetes y, la más importante, la televisión. Series como
El coche fantástico, El último gran héroe americano, V,
El equipo A, o el éxito autóctono Verano azul rivalizaban
todas las tardes de verano con la piscina o las salidas
en BH. Así que los 80 consiguieron algo inaudito en una
época pretérita sin móviles ni internet: aunar el mismo
consumo cultural en todo el mundo occidental.
Uno, que es de pueblo y con 7 hermanos mayores,
vivió el final de los setenta y principios de los ochenta
apasionadamente. Siete películas para siete hermanos,
cada uno con su tema y sus preferencias de género. Fue
mi primer Phenomena, chispas, y conocí el orgasmo del
programa doble. Cada fin de semana dos o tres sesiones
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41
VOLVER A CASA
Por J.A. Burgos
De niño, crecí rodeado de posters colgados en mi
habitación, que mi hermano compraba por correo,
en los anuncios del Fotogramas. Robocop, Willow,
Indy y la última cruzada, Pesadilla en Elm Street…
presidieron mi habitación durante años, y ayudaron
a que supiera quienes son Rob Bottin, Stan Winston,
John Williams…o que Spielberg casi siempre trabajaba
con Frank Marshall y Kathleen Kennedy.
en cines que crujían y olían a garrapiñada. Ahí, en una versión complaciente del experimento al que es sometido Alex en La
naranja mecánica, descubrí EL CINE. Algunos ejemplos del malabarismo de los programadores de esas sesiones dobles son:
La presa, de Walter Hill + Las hijas de cid, de Miguel Iglesias. Una noche en Casablanca, con los Hermanos Marx + Tiburón
2 (la secuela oficial del film de Spielberg). Una de mis favoritas fue Operación Dragón, de Robert Clouse + Las delicias de los
verdes años, de Antonio Mercero. Sí, Bruce Lee y María José Cantudo juntos. La guerra de papá, de nuevo Mercero, ahora
cambiando la Cantudo por Lolo García + Alien 2, la secuela bastarda italiana. Carretera al infierno, la buena, con Rutger
Hauer y C. Thomas Howell + Al Este del Oeste, de Ozores, con Esteso, Pajares y la lozana África Pratt. Y así podría seguir
hasta que Keanu Reeves se convirtiera en un buen actor. No importaba el género, no importaba la calificación por edades, no
importaba el año de producción. Cartas de diferentes barajas para una misma mano. Esas sesiones vivieron una vida paralela
sin estridencias con los destellantes estrenos de En busca del arca perdida, La cosa, Gremlins, E.T., Aliens, Poltergeist, y
todos los etcéteras que queráis.
Ajena aún al cine en HD, a las multiplataformas (sólo
estaba el video doméstico con sus entrañables Betamax,
V-2000 o VHS) y al valor sin ley de las multisalas, la
generación de los 80 aprendió a querer el cine de una
forma entusiasta, libre y sincera. La autenticidad de esos
tiempos parecía muy, muy lejana hasta que vimos una luz
que nos indicaba dónde continuaba la fiesta.
Así que cada dos por tres, cuando los neones del
Phenomena nos llaman a su puerta, nos ponemos unos
tejanos hasta el ombligo, una camiseta de Los Goonies,
las gafas que caen a media nariz y, en la hora de camino
en coche, escuchamos la discografía de Guido y Maurizio
De Angelis mientras chupamos primero y masticamos
después un Kojak.
Y luego, en la sala, hacemos lo de siempre, porque nos
gusta y porque nos divierte: vivir cine.
42
En mi pueblo, cuando era crío, había un antiguo cine de
reestrenos, donde pasaban programas dobles en sesión
continua. El primer recuerdo que tengo de una sala de
cine es entrar en plena secuencia final de una peli “de
esas aburridas”, que ignoré mientras buscaba hueco en
el suelo de una abarrotada sala. Posteriormente sabría
que “esa peli” era Dirty Dancing, -cuyo VHS casi rompo
por desgaste de uso-. Yo iba a ver Granja maldita, que
por el póster y los fotocromos de la puerta, tenía una
pinta alucinante. Cuando cerró el cine tuve que emigrar
al Pisa, en Cornellà, hoy también desaparecido, pero
que ha dejado su huella imborrable en mi memoria.
Con estos antecedentes, supongo que es comprensible
que hoy día el amor por el cine sea una parte intrínseca
de mí. Vivo y respiro cine, la mayor parte de mi ocio está
ligado directa o indirectamente a él, e incluso dedico
parte de mis vacaciones para trabajar en un festival de
cine fantástico.
Teniendo en cuenta todo lo anterior, no es de extrañar
que estuviera extremadamente feliz y excitado cuando, a
finales del 2010, llegara a mis oídos que se iba a montar
una sesión doble de títulos tan míticos como Tiburón
y Alien, proyectados en 35mm, versión original, y en
una catedral del cine como lo fue el Urgell. Phenomena
nos devolvió a muchos lo que creíamos perdido, fuera
de algunos pases festivaleros. Un ambiente, una
comunión, una catarsis colectiva, que sólo se puede
experimentar con ciertas películas, cierto número y tipo
de público, y cierto entorno. Aquella noche, muchos
de nosotros supimos que habíamos vuelto a casa, a
nuestra habitación llena de posters, al cine de barrio.
Recuperamos antiguas liturgias. El volver a hacer cola
durante horas (que por raro que parezca, para mí, forma
parte de la experiencia), pasearte por el hall del cine
mirando los fotocromos, comprar en el bar, charlar con
los colegas sobre las películas, emocionarte cuando
se abren las cortinas -que, si son dobles, dan doble
calidad- que cubren la pantalla...todo ello nos llevó de
nuevo a nuestra infancia. ¡Y sin DeLorean!
La nostalgia es, sin duda, un elemento clave en el éxito
de Phenomena. Eso, y el amor y dedicación al cine,
y al hacer las cosas bien hechas, que queda patente
a la que uno asiste a una sesión. Era evidente, como
a menudo parecen las cosas vistas con la perspectiva
que da el tiempo, que Phenomena cubría una necesidad
que muchos teníamos. De volver a hacer del acto de ir
al cine una experiencia. Algo que se ansiaba durante
días. De disfrutarlo sin tapujos, en comunidad. Riendo
a carcajada limpia, gritando, aplaudiendo, viviendo
las películas que en muchos casos conocíamos
sobradamente como si las viéramos por primera vez.
Porque el contexto importa.
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Afortunadamente, Phenomena había llegado para quedarse, y Tiburón + Alien fue sólo la primera de muchas sesiones
míticas. Mirando atrás me asusto ligeramente al ver que debo de haber asistido a más del noventa por ciento de las sesiones.
Recuerdo con especial cariño cómo salí a la nube de humo de tabaco que se formaba a la salida del Urgell, con los ojos aún
rojos de la llorera, después de la sesión de Regreso al Futuro + E.T., y cómo le agradecí a Nacho, emocionado, el darnos la
oportunidad de volver a vivir el cine con esa intensidad.
PHENOMENA EXPERIENCE:
DE ILUSIONES Y SUEÑOS…
HECHOS REALIDAD
Por Arantxa Acosta
El descubrimiento
No recuerdo exactamente cómo fue a parar a mi
muro de Facebook la convocatoria al primer pase de
Phenomena. Lo que sí sé es que, al verla, me vino a
la cabeza una imagen, una vivencia, que algunos años
atrás había experimentado con extrañeza, y frustración:
un cine en Chicago proyectaba Taxi Driver. ¿Cómo
podía ser que eso no se hiciese en España – al menos
que yo supiera -, cuando era una de las mejores ideas
para revitalizar el cine y darnos, de paso, una alegría a
los cinéfilos? Recuperar clásicos de culto del séptimo
arte, deleitarnos con buenas copias en 35 mm en la
gran pantalla… Quién iba a decirme que poco después
iba a poder disfrutar de esa obra maestra, también, en
Barcelona. Todo un lujo.
Así llegó Phenomena. Y así entró en mi agenda, y en
mi vida.
Cuando algo es tan especial, trasciende lo físico. Phenomena era una experiencia, y no estaba sujeta a un lugar. Gracias a
ello pudo sobrevivir al cierre del Urgell, y tras su particular periplo por la península con el On Tour, volver a Barcelona, igual
de fuerte, en el Comedia, los Cinemes Girona, y el Palau de Congressos de Catalunya. También tuvieron el valor de hacernos
ver que no todo son blockbusters ochenteros, y que había ahí afuera mucho por descubrir. Musicales, westerns, comedias,
clásicos, Grindhouse, Premiere...
Y ahora estamos en un nuevo inicio. Algo que era necesario y lógico, por lo que el equipo de Phenomena ha estado luchando
y trabajando muchísimo. Como decían en Campo de sueños: “Si lo contruyes, ellos vendrán”. Y vaya si iremos. A nuestra
nueva casa en Barcelona. Nuestro templo de adoración al cine. Allí estaremos entre amigos. No puedo dejar de imaginar
a Nacho como el vecino de Giancaldo al que le toca la lotería y decide financiar y reabrir el Cinema Paradiso después del
incendio. Y como les grita a sus vecinos: “¡Éste cine es para vosotros!”. Yo ya lo siento como mío. Ojalá haya muchos ahí
afuera que sientan lo mismo. Allí nos veremos.
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Los dos primeros años fueron sensacionales.
Redescubrí Tiburón, que por alguna estúpida razón
la tenía catalogada en mi mente como obra menor; el
sonido de los relojes en el laboratorio del Dr. Brown hizo
se me saltaran las lágrimas – quien me conoce sabe
que soy fanática de films de viajes en el tiempo… así
que otra grata sorpresa fue el visionado de El tiempo en
sus manos; el pase de Desafío total, pancarta “Kuato
Lives” incluida – otro momento inolvidable -, también
fue uno de los personalmente más esperado s…
En definitiva, alegría tras alegría es lo que dio (y da)
Phenomena. La oportunidad de ver por primera vez en
un cine, y en las mejores condiciones, películas como
la hilarante Batman: La película o la que sigue siendo
la mejor de la saga, Terminator. O tener la oportunidad
de revisionar films ya vistos en cine (yo llegué a obligar
a mi padre a que me acompañase a ver Muñeco
Diabólico porque no me dejaban entrar sola. Por cierto
Nacho… ¿se proyectará?). Esta experiencia, que aúna
la nostalgia de la ilusión adolescente y la esperanza de
volver a sentirla es, simplemente, impagable.
La consolidación
Como toda gran idea, la voz empezó a correr. Comprar
entradas se hacía cada vez más difícil, aunque
reconozco que esos momentos ‘F5’ a las 17:59 h eran
divertidísimos, y un buen entreno para cuando se piden
los tickets de prensa en el Festival de Sitges a primera
hora de la mañana… Era hora de expandirse y, por
qué no, de diversificar. Más cine, más arriesgado, más
salas. Cada sala ubicaba una cantidad y tipo esperado
de público, cosa que no está mal, claro…es posible
llegar a entender que quien quiere ver Dirty Dancing
no pueda estar del todo motivado para, yo qué sé…
Apocalipsis Caníbal, por ejemplo. Yo soy de las rarunas
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DE PIPAS Y MADALENAS
PROUSTIANAS
Por Sergi Sánchez
que ven todo tipo de cine, pero vale, he de reconocer que hay gustos para todo y que, esto es innegable, por muy buenas
que sean, Lo que el viento se llevó o Lawrence de Arabia precisan para algunos de un ejercicio de autoconvencimiento
a la hora de sentarse en la butaca. Esta es la etapa en la que Phenomena me regaló (sí, lo digo como si hubiese estado
dedicado a mí, ya lo sé, ¡pero así lo siento!) 2001: una odisea del espacio. Y es que se veía espléndida en el cine
Comedia…
Pero quizá es en esta explosión de Phenomena en
todas sus vertientes (Phenomena Experience, Little
Phenomena, Phenomena Grindhouse, Phenomena
Premiere, Summer Nights…) en la que como espectadora
me sentí más perdida, debido sin duda a lo que he dicho
antes: si te gusta todo tipo de cine, intentas no perderte
ninguna oportunidad.
¿Podemos, como espectadores, tildar de error esta
decisión del equipo de Phenomena? Por supuesto que
no. Simplemente, y visto ahora desde la distancia, se
me antoja que se trataba de un preludio para lo que
necesariamente estaba por venir.
Porque toda familia necesita un lugar en el que reunirse.
El reto
Así que tras cuatro años de programación y una
temporada completa sin “cuartel general”, los veteranos
estábamos esperando la gran noticia: Phenomena se
transforma. Deja su etéreo (y errante) estado de evento
para convertirse en algo mucho más palpable: una sala
de cine.
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Mi educación sentimental está ligada a la banda sonora
de los cines de barrio. Al crujido de las pipas antes de caer
al suelo de moqueta roja, al ruido de papel de aluminio
al sacar el bocata de jamón de una bolsa, al crepitar del
cambio de rollo, a la sintonía de Movierecord, a la voz
en off de los anuncios de restaurantes o peluquerías del
Clot, a los gritos entrecortados de una ‘scream queen’ de
timbre patrio, a la voz de Constantino Romero doblando
a Clint Eastwood. Era un tiempo en que lo más habitual
era entrar en la sala a mitad de película, de manera
que, en un programa doble, la deconstrucción de la
experiencia cinematográfica –ver el final antes que el
principio- formaba parte del visionado. Lo importante,
en todo caso, era el proceso: estar ahí, sentado entre
risas, imaginando lo que me había perdido para colocar
todas las piezas en su sitio, y proyectar, en la caverna
de mi cráneo, otra película posible.
Esperanzas para esta nueva temporada, muchas: repetir
las mejores sesiones pero también nuevos films ya de
culto, (re)descubrir rarezas, por fin los 70 mm… Así que
animo a cualquier lector apasionado de Phenomena,
de la antigua o de la nueva – y bienvenida - hornada, a
abrir la mente. A confiar en los títulos que programa el
equipo de Nacho, a acercarse al antiguo cine Nápoles
y descubrir una programación que sin duda se presenta
espectacular.
tragarse al público mientras el Tiburón de Spielberg
los devoraba a dentelladas, y con unos acomodadores
la mar de comprensivos cuando se trataba de dejar
entrar a niños en sesiones para mayores de dieciocho
años. Quizás por eso la primera vez que asistí a una
sesión de Phenomena en la tristemente desaparecida
sala del Ensanche barcelonés, con el cine hasta los
topes jaleando los expeditivos aforismos de Harry el
sucio, experimenté algo parecido –por supuesto, a mi
pequeña y modesta escala- a lo que Proust debió sentir
saboreando su célebre madalena o Anton Ego catando
un sublime ‘ratatouille’. No sólo un súbito regreso a la
infancia sino la felicidad de ver el cine con la emoción
de otra época: una época en la que la interacción
del público con lo que se proyectaba en la pantalla
era real, y se producía a todo volumen; una época
en la que la catarsis colectiva del baño de sangre de
Carrie o del primer vuelo de Superman de Christopher
Reeve significaban la puerta abierta a un universo de
descubrimientos. La posibilidad de redescubrir ese
cine desde otros ojos, con un nuevo público, como
si fuera la primera vez pero sin serlo del todo, eso es
Phenomena para el que esto firma. Cuando el cine en
casa, las descargas legales o ilegales y el Blu-Ray de
todo a cien parecen haber puesto a nuestros pies la
Videoteca de Alejandría, no está nada mal que alguien
nos recuerde nuestras raíces, el lugar donde abrimos
los ojos para no querer cerrarlos jamás.
Sergi Sánchez
Crítico cinematográfico de Fotogramas, Time Out y La
Razón, y crítico literario de El Periódico de Catalunya.
Responsable del Departamento de Estudios fílmicos en
la ESCAC y profesor de Comunicación audiovisual en la
Universitat Pompeu Fabra. Es autor de libros como Tom
DiCillo, el mago de Oz; Las 100 mejores películas de
ciencia-ficción y David Lean, la geografía de la emoción,
entre otros. Fue director de programación del canal de cine
TCM.
Volvemos a tener ilusiones y sueños… Phenomena es
una fiesta.
En salas de mi humilde barrio barcelonés –el Emporium,
el Ducal, el Rívoli y el Martinense, para citar las más
cercanas a mi casa- disfruté de buena parte del cine
de los setenta, desde los subproductos más delirantes
a los últimos suspiros de los films más comerciales. Si
no los había visto, claro está, en las sesiones matinales
de los domingos en los cines del centro, en especial el
Urgel, con unas butacas que parecían diseñadas para
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PROGRAMACIÓN
del 14 al 31 de enero 2015
MIÉRCOLES 14/1
17:00h
REBECA Rebecca
Alfred Hitchcock, 1940. Int: Laurence Olivier, Joan Fontaine, George
Sanders. USA • 130’ • 35 mm • VERSIÓN DOBLADA
El primer film de Alfred Hitchcock en Hollywood fue también su único Oscar
a la mejor película. El director hizo creer a Joan Fontaine que todo el equipo
la odiaba, para ayudar a que su personaje reflejara tanto su timidez como
su malestar.
19:30h
¡BIENVENIDO MR. MARSHALL! ¡Bienvenido Mr. Marshall!
Luis García Berlanga, 1953. Int: Lolita Sevilla, Manolo Morán, José
Isbert. ESPAÑA · 75’ · 35 mm · VERSIÓN ORIGINAL CASTELLANO
VIERNES 16/1
16:45h · PROGRAMA DOBLE ALFRED HITCHCOCK
RECUERDA Spellbound
Alfred Hitchcock, 1945. Int: Ingrid Bergman, Gregory Peck, Leo
G. Carroll. USA · 111’ · 35 mm · VERSIÓN DOBLADA
LA SOGA The Rope
Alfred Hitchcock, 1948. Int: James Stewart, John Dall, Farley
Granger. USA • 80’ • 35 mm • VERSIÓN DOBLADA
Dos rarezas del maestro del suspense. En Recuerda fue uno de los
primeros en tratar el tema del psicoanálisis, sin olvidar la secuencia
onírica diseñada por Dalí, mientras que en La soga intentó rodar sin un
solo corte visible en su montaje.
La obra maestra de Luis García Berlanga, escrita por el propio director con la
ayuda del cineasta Juan Antonio Bardem y la colaboración del dramaturgo
Miguel Mihura. Una comedia que no ha perdido ni un ápice de lucidez tras
más de medio siglo.
20:30h · Ciclo Brian de Palma
CARRIE Carrie
EL PRECIO DEL PODER Scarface
El propio Stephen King siguió de cerca los preparativos de la que sería la
primera adaptación cinematográfica de una de sus novelas. Uno de los
mayores éxitos de Brian de Palma gracias a escenas míticas como la del
baile de graduación .
Brian de Palma, 1983. Int: Al Pacino, Michelle Pfeiffer, Steven Bauer.
USA · 163’ · DCP · VOSE
21:00h · PROGRAMA DOBLE:
PETER HYAMS Y JERRY GOLDSMITH
ATMÓSFERA CERO Outland
Peter Hyams, 1981. Int: Sean Connery, Frances Sternhagen, Peter
Boyle. USA ·112’ · 35 mm · VOSE
CAPRICORNIO UNO Capricorn One
Peter Hyams, 1978. Int: Elliott Gould, James Brolin, Brenda
Vaccaro. USA · 123’ · 35mm · VOSE
Peter Hyams es el protagonista de este programa doble. Primero Sean
Connery impone el orden en esta versión espacial de Solo ante el peligro,
y después la falsa llegada a Marte pondrá en peligro la vida de unos
astronautas.
PROGRAMACIÓN del 14 al 31 de enero 2015
MIÉRCOLES 21/1
16:30h
DOS EN LA CARRETERA Two For The Road
USA · 111’ · 35 mm · VERSIÓN DOBLADA
Ver reseña del día 15/1
18:30h
POR QUIÉN DOBLAN LAS CAMPANAS
For Whom The Bell Tolls
Sam Wood, 1943. Int: Gary Cooper, Ingrid Bergman, Akim Tamiroff.
USA · 14 0’ · 35mm · VERSIÓN DOBLADA
Drama bélico, con un toque romántico, basado en la novela de Ernest
Hemingway, que tiene como trasfondo la Guerra Civil. Ingrid Bergman
y Gary Cooper protagonizaron la película en el mejor momento de sus
carreras.
EL FANTASMA DEL PARAÍSO Phantom of the Paradise
Brian de Palma, 1974. Int: Paul Williams, William Finley, Jessica
Harper. USA · 92’ · 35mm · VOSE
Gamberra adaptación musical de El fantasma de la ópera, ambientada en
el cruel mundo de las discográficas. Puro delirio visual en el que no faltan
guiños cinéfilos a títulos como Psicosis, Sed de mal y Frankenstein. Un film
de culto.
Brian de Palma, 1976. Int: Sissy Spacek, Piper Laurie, Amy Irving.
JUEVES 22/1
16:30h
TIEMPOS MODERNOS Modern Times
Antes de consolidarse como director, Oliver Stone fue guionista de films
como Conan, El expreso de medianoche o El precio del poder. Brian De Palma
confió en él para organizar los negocios del traficante Tony Montana.
Charles Chaplin, 1936. Int: Charles Chaplin, Paulette Goddard,
Henry Bergman. USA • 87’ • 35 mm • VOSE
Aunque iba a ser un film hablado, Chaplin decidió hacerlo mudo para
respetar la esencia del personaje que había creado con tanto cariño: el
entrañable vagabundo que hizo en esta película su última aparición en el
cine.
DOMINGO 18/1
VESTIDA PARA MATAR Dressed to kill
JUEVES 15/1
16:30h
VACACIONES EN ROMA Roman Holiday
William Wyler, 1953. Int: Gregory Peck, Audrey Hepburn, Eddie
Albert. USA · 118’ · 35 mm · VERSIÓN DOBLADA
William Wyler le dio a Audrey Hepburn su primer papel protagonista en esta
glamurosa comedia coescrita por el gran Dalton Trumbo. El film consiguió
tres Oscar: Mejor actriz, guión y vestuario a cargo de la elegante Edith Head.
18:30h
Uno de los proyectos más personales de Brian de Palma, escrito a partir de
una obsesión infantil por espiar a su padre cuando se separó de su madre.
Un oscuro thriller en el que se palpa la huella de su admirado Hitchcock.
SÁBADO 17/1
16:00h
E.T. E.T. The Extraterrestrial
Steven Spielberg, 1982. Int: Drew Barrymore, Peter Coyote, Henry
Thomas. USA · 115’ · Versión restaurada DCP · VOSE
Stanley Donen, 1967. Int: Audrey Hepburn, Albert Finney, Eleanor
Bron. USA · 111’ · 35 mm · VERSIÓN DOBLADA
La amistad entre un niño y un extraterrestre consolidó a Spielberg como
uno de los cineastas más poderosos de la industria. El director trabajó
en E.T. y Poltergeist a la vez, considerando que ambos proyectos se
complementaban el uno del otro.
La música de Henry Mancini acompaña los recuerdos de una pareja, tras casi
diez años de relación, en este drama al que Stanley Donen insistió en dar un
tono realista. Uno de los primeros papeles de una joven Jacqueline Bisset.
18:00h · EL BUQUE MALDITO PRESENTA:
MIL GRITOS TIENE LA NOCHE Mil gritos tiene la noche
21:00h
BOOGIE NIGHTS Boogie Nights
Paul Thomas Anderson, 1997. Int: Mark Wahlberg, Julianne Moore,
Burt Reynolds. USA · 156’ · 35 mm · VOSE
Retrato de la industria del cine porno de los años setenta con el que Burt
Reynolds consiguió un Globo de oro y una nominación al Oscar. Paul Thomas
Anderson adaptó en esta película su primer corto, The Dirk Diggler Story.
48
Brian de Palma, 1980. Int: Michael Caine, Angie Dickinson, Nancy
Allen. USA · 105’ · 35 mm · VOSE
Juan Piquer Simón, 1982. Int: Jack Taylor, Christopher George,
Lynda Day George, Frank Braña. ESPAÑA · 90’ · 35 mm · VERSIÓN
DOBLADA
Uno de los slashers más inquietantes y sangrientos del experto Juan Piquer
Simón, uno de los directores más interesantes del cine de terror español
de los años ochenta. Un asesino en serie se dedica a descuartizar a sus
víctimas.
Con la presencia del actor Jack Taylor y debate posterior.
11:30h
SOLO EN CASA Home Alone
Chris Columbus, 1990. Int: Macaulay Culkin, Joe Pesci, Daniel Stern.
USA • 103’ • 35 mm • VERSIÓN DOBLADA
Tras su famoso grito frente al espejo, Macaulay Culkin fue la estrella infantil
mejor pagada de Hollywood gracias a esta comedia, cuyo éxito en taquilla
entró en el libro Guiness de los récords. Escrita y producida por John Hugues.
17:00h · PROGRAMA DOBLE
LOS HERMANOS MARX EN EL OESTE Go West
Edward Buzzel, 1940. Int: Groucho Marx, Chico Marx, Harpo
Marx. USA · 80’ · 35mm · VERSIÓN DOBLADA
Y SI NO, NOS ENFADAMOS Altrimenti ci arrabbiamo!
Marcello Fondato, 1974. Int: Terence Hill, Bud Spencer, Patty
Shepard. ITALIA · 101’ · 35mm · VERSIÓN DOBLADA
Tarde de humor con los hermanos Marx, en una comedia en cuyo guión
participó el mismísimo Buster Keaton, y de Bud Spencer y Terence Hill,
que entre cervezas y perritos calientes harán lo que sea por conseguir
un buggy.
LOS INTOCABLES DE ELIOT NESS The Untouchables
Brian de Palma, 1987. Int: Kevin Costner, Sean Connery, Robert De
Niro. USA · 119’ · DCP · VOSE
Uno de los mejores films de De Palma, perfecto desde los trajes de Giorgio
Armani hasta la música de Ennio Morricone. Claramente influenciado por el
cine clásico, contó con un impecable reparto donde sobresalió un oscarizado
Sean Connery .
18:00h
LOLITA Lolita
Stanley Kubrick, 1962. Int: James Mason, Shelley Winters, Sue Lyon.
USA · 152’ · 35mm · VERSIÓN DOBLADA
Vladimir Nabokov inventó la palabra nínfula para describir a la protagonista
de su novela. Stanley Kubrick tuvo que lidiar con la censura para poder
adaptar el libro por su polémico tema central: un hombre enamorado de
una adolescente.
21:00h
MAGNOLIA Magnolia
Paul Thomas Anderson, 1999. Int: Tom Cruise, Jason Robards,
Julianne Moore. USA · 188’ · 35mm · VOSE
Extraordinario collage de historias cruzadas en el que Paul Thomas
Anderson llegó a crear más de cien personajes entre protagonistas y
secundarios. Merecidísima nominación a los Oscar para Tom Cruise por su
misógino papel.
VIERNES 23/1
16:45h
ESPAÑA · 75’ · 35 mm · VERSIÓN ORIGINAL CASTELLANO
18:15h
VACACIONES EN ROMA Roman Holiday
20:30h · PROGRAMA DOBLE
ABYSS The Abyss
James Cameron, 1989. Int: Ed Harris, Mary Elizabeth
Mastrantonio, Michael Biehn. USA · 139’ · 35mm · VOSE
ALIEN 3 Alien 3
David Fincher, 1992. Int: Sigourney Weaver, Charles S. Dutton,
Charles Dance. USA · 114’ · 35mm · VOSE
Tras rodar la secuela de Alien, James Cameron bajó a las profundidades
con Abyss, film pionero en usar avanzadas tecnologías visuales.
Curiosamente, quien le tomó el revelo en la saga fue David Fincher,
responsable de una tercera entrega que no dejó a nadie indiferente.
EN NOMBRE DE CAÍN Raising Cain
DOMINGO 25/1
Brian de Palma, 1992. Int: John Lithgow, Lolita Davidovich, Steven
Bauer. USA · 91’ · 35mm · VOSE
Uno de grandes olvidados de la carrera de De Palma es este thriller
donde destaca la magnífica interpretación de John Lithgow, uno de los
actores fetiche del realizador. Uno de sus largometrajes más personales y
complejos.
FASCINACIÓN Obsession
Brian de Palma, 1976. Int: Cliff Robertson, Geneviève Bujold, John
Lithgow. USA · 98’ · 35mm · VOSE
Considerada la obra maestra de Brian De Palma. Fascinación es un
sorprendente thriller que se desmarca de los tópicos del género para
presentar una historia en la que se nota el buen hacer de Paul Schrader y
del propio director.
SÁBADO 24/1
11:30h
LAS AVENTURAS DE TADEO JONES
Las Aventuras de Tadeo Jones
Enrique Gato, 2012. Int: Óscar Barberán, Michelle Jenner, Pep Anton
Muñoz. ESPAÑA · 90’ · DCP · VERSIÓN ORIGINAL CASTELLANO
Tras dos premiados cortometrajes, el aventurero Tadeo Jones debutó en
el largometraje, convirtiéndose en una de las películas de mayor éxito de
nuestro cine. Este obrero con sueños de Indiana Jones prepara ya su secuela
para este año.
16:00h · BALLET EN DIRECTO
EL LAGO DE LOS CISNES
Retransmisión del ballet de Tchaikovsky, en directo desde el Teatro
Bolshoi de Moscú.
16:00h
EL AMO DEL MUNDO Master of the World
William Witney, 1961. Int: Vincent Price, Charles Bronson, Henry
Hull. USA · 102’ · 35mm · VERSIÓN DOBLADA
El escritor Richard Matheson, autor de Soy leyenda, combinó dos relatos de
Julio Verne en esta película de aventuras protagonizada por Vincente Price y
dirigida por William Witney, cineasta admirado por Quentin Tarantino.
18:00h
JUNGLA DE CRISTAL Die Hard
John McTiernan, 1988. Int: Bruce Willis, Bonnie Bedelia, Alan
Rickman. USA · 131’ · 35 mm · VOSE
Pocos títulos de acción pueden superar el ritmo y la eficacia del film con el
que John McTiernan convirtió a Bruce Willis en uno de los héroes del cine
ochentero. El actor dio su toque personal improvisando buena parte de sus
diálogos.
19:15h
ACORRALADO First Blood
Ted Kotcheff, 1982. Int: Sylvester Stallone, Richard Crenna, Brian
Dennehy. USA · 97’ · 35 mm · VOSE
Primera aparición en el cine del veterano de Vietnam John Rambo, surgido
del libro de David Morrell. El propio Sylvester Stallone participó en el guión
para adaptar a su medida a uno de sus personajes más populares.
MISIÓN IMPOSIBLE Mission: Impossible
Brian de Palma, 1996. Int: Tom Cruise, Jon Voight, Emmanuelle
Béart. USA · 110’ · DCP · VOSE
De Palma dio un sorprendente giro a su filmografía para rodar este
blockbuster. El agente Ethan Hunt pasó de la tele a la gran pantalla.
Secuencias como la de Tom Cruise colgando de unos cables, a pocos
centímetros del suelo, son ya míticas.
MIÉRCOLES 28/1
16:30h
MISIÓN DE AUDACES The Horse Soldiers
John Ford, 1959. Int: John Wayne, William Holden, Constance
Towers. USA • 115’ • 35 mm • VERSIÓN DOBLADA
Dos grandes del western, John Ford y John Wayne, se unieron en este film
sobrio y profundamente humano, ambientado en la Guerra de Secesión.
Una buena muestra del trabajo ejemplar de Ford a la hora de planificar sus
imágenes.
49
PROGRAMACIÓN del 14 al 31 de enero 2015
18:30h
REBECA Rebecca
DOBLE CUERPO Body Double
USA • 130’ • 35 mm • VERSIÓN DOBLADA
Brian de Palma, 1984. Int: Craig Wasson, Melanie Griffith, Gregg
Henry. USA · 114’ · Versión restaurada DCP 4K · VOSE
ATRAPADO POR SU PASADO Carlito’s Way
Verdadera declaración de intenciones del cine de Brian de Palma, en la que
el director volcó toda su fascinación por Alfred Hitchcock. Un perverso juego
en el que se cruzan con astucia voyeurismo, asesinato y engaño.
Brian de Palma, 1993. Int: Al Pacino, Sean Penn, Penelope Ann
Miller. USA • 144’ • 35 mm • VOSE
Años después de Scarface, Al Pacino y Brian De Palma se reencontraban de
nuevo gracias a un guión escrito por el director y guionista David Koepp,
colaborador de Spielberg en films como Parque Jurásico o La guerra de los
mundos.
JUEVES 29/1
IMPACTO Blow Out
Brian de Palma 1981. Int: John Travolta, Nancy Allen, John Lithgow.
De Palma se inspiró en Blow-Up. Deseo de una mañana de verano, de
Michelangelo Antonioni, para crear este thriller en el que un sonido,
grabado por casualidad, es la clave para descubrir un asesinato.
16:45h
¿VENCEDORES O VENCIDOS? (EL JUICIO DE NUREMBERG)
Judgment at Nuremberg
Los juicios de Nuremberg convertidos en un épico drama en el que actores
como Marlene Dietrich o Burt Lancaster accedieron a reducir su salario para
sacar adelante el proyecto. Memorable discurso final de Spencer Tracy.
EL TORREÓN The Keep
Michael Mann, 1983. Int: Scott Glenn, Ian McKellen, Alberta
Watson. USA · 96’ · 35 mm · VOSE
HUNTER Manhunter
Michael Mann 1986. Int: William Petersen, Kim Greist, Joan
Allen.
USA · 119’ · 35 mm · VOSE
Sesión dedicada a dos de los trabajos menos conocidos de Michael
Mann: El Torreón, inquietante aventura fantástica con música de
Tangerine Dream; y Hunter, primera aparición en el cine de Hannibal
Lecter, según la novela El dragón rojo.
PRECIOS
Sesión individual 6€ / Sesión doble 9€ Maratones
12€.
DESCUENTOS Y ABONOS
Mayores de 65 años y Menores de 12 años:
Sesión individual 5€ / Sesión doble 8€ Maratones
10€.
Abono P-10: 50€: Tarjeta recargable, personal
e intransferible. Válido para 10 sesiones
individuales. También será válido para las
sesiones dobles abonando 3€, y 5€ en el caso de
las maratones.
Stanley Kramer 1961. Int: Spencer Tracy, Burt Lancaster, Richard
Widmark. USA · 186’ · 35 mm · VERSIÓN DOBLADA
20:00h · PROGRAMA ESPECIAL PREMIERE MICHAEL MANN
HORARIO
Abierto de miércoles a domingo y festivos.
Taquilla abierta de 16:00 a 23:30h.
SÁBADO 31/1
- SUPERHERO DAY 16:30h
SUPERMAN (VERSIÓN EXTENDIDA) Superman
Richard Donner, 1978. Int: Christopher Reeve, Marlon Brando, Gene
Hackman. REINO UNIDO · 151’ · 35 mm · VOSE
Uno de los primeros superhéroes de cómic que saltaron a la gran pantalla.
Superman contó con la admiración de sus creadores, Jerry Siegel y Joe
Shuster, que aplaudieron el resultado conseguido por el director Richard
Donner.
19:30h
SPIDER-MAN 2 Spider-man 2
PHENOMENA
C/ Sant Antoni Maria Claret, 168
08025 Barcelona
Tel. 93 252 77 43
[email protected]
METRO
L5 Sant Pau / Dos de Maig
L2 Sagrada Familia
L4 Alfons X / Joanic
AUTOBUSES
19 / 20 / 45 / 47 / 92 / H8 / V21 / N1
Sam Raimi, 2004. Int: Tobey Maguire, Kirsten Dunst, Alfred Molina.
USA · 127’ · 35 mm · VOSE
Nº7 ENERO 2015
El doctor Octopus hace su aparición en la saga dirigida por Sam Raimi,
que ayudó a poner de moda los superhéroes de cómic en la gran pantalla.
Una superproducción cargada de acción y, por supuesto, con cameo del
dibujante Stan Lee incluido.
22:00h
EL CABALLERO OSCURO The Dark Knight
Christopher Nolan, 2008. Int: Christian Bale, Heath Ledger, Aaron
Eckhart. USA · 152’ · 35 mm · VOSE
Segunda entrega de la trilogía que Nolan dedicó a Batman, y en la que se
rediseñó el traje del protagonista para permitirle rodar más escenas de
acción. El joker interpretado por Heath Ledger le valió al actor un Oscar
póstumo.
VIERNES 30/1
16:30h
18:30h
ESPAÑA · 75’ · 35 mm · VERSIÓN ORIGINAL CASTELLANO
50
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La mirada de Brian de Palma. · Especial Paul Thomas

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