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Transcripción

DE
La Secretaría de Derechos Humanos de la Nación organizó en
2014 la primera edición de Asterisco, Festival Internacional
de Cine lgbtiq . Este Festival es parte de las políticas públicas
sostenidas por el Estado nacional que, desde hace doce años,
tiene como objetivo y premisa constante la recuperación y
ampliación de los derechos de nuestro pueblo.
A través de Asterisco, fomentamos una mirada múltiple,
diversa, ética sobre los cambios culturales necesarios para
que los derechos sean ejercidos plenamente, sobre todo
cuando nos referimos a consagraciones recientes como la
Ley de Identidad de Género y la Ley de Matrimonio Igualitario,
medidas soberanas que ubican a Argentina como un país
pionero en la materia.
La ausencia de estas temáticas en los grandes mercados
cinematográficos y culturales en general, pero también la
decisión firme de defender la diversidad y la igualdad y de
crear espacios de promoción de las mencionadas temáticas
que surgen en la superficie de una sociedad, a más de 30 años
de democracia ininterrumpida, son motivaciones fundantes
para realizar un festival de cine lgbtiq.
Después de la experiencia exitosa de la primera edición,
que convocó a cineastas de todo el mundo y contó con
la participación más de diez mil espectadores, este año
presentamos la segunda edición del Festival. Buscamos
profundizar el trabajo realizado y seguir fortaleciendo con
políticas de gestión el derecho a una cultura para todos y
todas. Definitivamente, Asterisco es mucho más que un
festival internacional de cine: es la manifestación de un Estado
nacional que se muestra presente en la construcción colectiva
de nuestra cultura, porque hay temas que deben seguir
saliendo del silencio o de la invisibilidad.
Invitamos a participar en la segunda edición de Asterisco y
seguir abriendo el debate para la inclusión. Esta propuesta
es una de nuestras herramientas para que las historias sean
contadas y así construyan un relato social de nuestras vidas en
el marco de la ampliación de derechos de los últimos 12 años.
Convocamos a participar de Asterisco, un festival que
promueve el amor y la igualdad.
Carlos Pisoni
Subsecretario de Promoción de Derechos Humanos
Dr. Martín Fresneda
Secretario de Derechos Humanos de la Nación
In 2014, the Nation’s Secretary of Human Rights organized
the first edition of Asterisco, International lgbtiq Film
Festival. This festival is part of public policies promoted
by the State, which for the past twelve years has had the
recovery and extension of our people’s rights as its main
goal and constant premise.
Through Asterisco, we promote a multiple, diverse, ethical
look on the cultural changes that are necessary in order for
those rights to be exercised in full, especially when dealing
with recent recognitions such as the Gender Identity Law
and the Marriage Equality Law, sovereign legislations that
place Argentina as a pioneering country in that area.
The absence of these topics in main cultural and film
markets, but also the firm decision of defending freedom
and creating spaces devoted to the promotion of said
themes that come from the surface of a society, with more
than 30 years of uninterrupted democracy, are the founding
motivations for holding an lgbtiq film festival.
After the successful experience of its first edition, which
gathered filmmakers from around the globe and had the
participation of more than ten thousand viewers, this year we
present the second edition of the festival. We aim to improve
and keep on strengthening the right to a culture for everyone
with management policies. Asterisco is definitely a lot more
than an international film festival: it is the manifestation of
a national State that is constantly present in the collective
building of our culture, because there are issues that should
keep coming out from silence and invisibility.
We invite you to be a part of the second edition of Asterisco
and keep on sparking the debate for inclusion. This proposal
is one of our tools for the stories to be told and, this way,
be able to build up a social narrative of our lives within the
framework of the recovered and extended rights.
We call you to be a part of Asterisco, a festival that
promotes love and equality.
Carlos Pisoni
Undersecretary of Promotion of Human Rights
Secretary of Human Rights of the Nation
Gracias a las políticas impulsadas por el Estado nacional en
materia de inclusión y derechos humanos, podemos decir
con orgullo que nuestro país abrió camino en Latinoamérica,
y este festival es reflejo de que hay convicción y voluntad de
profundizar la construcción colectiva. Creemos que Asterisco,
como expresión artística, es el resultado de estos cambios y de
las certezas que los acompañan: un ámbito donde, mediante
lo cinematográfico, se abre el debate sobre la inclusión, la
diversidad y los derechos humanos. Y, en este contexto,
las producciones de temática lgbtiq vienen a cumplir un rol
fundamental como formadoras de conciencia.
En el marco de numerosos debates de género que tienen
lugar en nuestra sociedad, este festival reivindica la
posibilidad de que seamos quienes queremos ser. De
unirnos a la persona que queramos. De llevar en nuestros
documentos la identidad que sentimos, lejos de los prejuicios
y la violencia, de la discriminación y los estereotipos, cerca
del respeto por las diferencias.
Asterisco se realiza gracias al trabajo articulado y en conjunto
con la Secretaría de Derechos Humanos de la Nación, los
organizadores del Festival y el INCAA. Pero también es posible,
por un lado, porque existen realizadores que forman parte
de la industria audiovisual y producen contenidos que se
ven reflejados en nuestras pantallas; y, por el otro, gracias al
público, que se suma a participar del debate y aporta para que
este intercambio sea enriquecedor.
Un año después de la exitosa primera edición –que convocó
a más de doce mil personas–, para nosotros, como Instituto
Nacional de Cine y Artes Audiovisuales, es una alegría que
Asterisco realice su segunda edición y se sume a los más de
90 festivales y muestras de cine de todo el país que apoyamos.
Porque tenemos la voluntad política de acompañar este
camino, y porque creemos que tenemos que seguir trabajando
por el acceso a la cultura como derecho de todos y todas,
celebramos este encuentro con el cine.
¡Felicitaciones, y que se vengan muchas ediciones más!
María Lucrecia Cardoso
Presidenta del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales
4
Thanks to the policies promoted by the national State in
matters of inclusion and human rights, we can proudly say
that our country cleared a path in Latin America, and this
festival proves that there is a will and conviction to further this
collective construction. We believe that Asterisco, as an artistic
expression, is the result of those changes and the certainties
that come with them: a place where inclusion, diversity, and
human rights are open for debate through film. In this context,
the lgbtiq-themed productions are here to fulfill a fundamental
purpose as promoters of conscience.
Within the framework of many debates on gender that are
taking place in our society, this festival defends the possibility
of being who we want to be. Of having the identity we want in
our IDs, far from prejudice and violence, from discrimination
and stereotypes, and close respecting differences.
Asterisco is possible thanks to the articulate work and joint
effort of the Secretary of Human Rights of the Nation, the
festival’s organizers and the INCAA. But it’s also possible, on
the one hand, because there are filmmakers who are part of
the audiovisual industry and produce content that are reflected
in our screens; and on the other, thanks to the audience, who
joins the debate and contributes in making this exchange
rewarding. A year after the successful first edition –which drew
more than twelve thousand people– it’s a joy for us, as the
National Film and Audiovisual Arts Institute, that Asterisco
is holding its second edition and joining the 90+ film festivals
and exhibits we support across the country. Because we
have the political will to accompany this path, and because
we believe we have to keep promoting the access to culture
as everybody’s right, we celebrate this meeting with film.
Congratulations, and let there be many more editions!
María Lucrecia Cardoso
President of the National Film and Audiovisual Arts Institute
El Inadi celebra la segunda edición de Asterisco, el Festival
Internacional de Cine lgbtiq, en tanto emerge como posibilidad
de pensarnos como una sociedad diversa, primer paso para el
ejercicio de una representatividad inclusiva.
Las identidades son múltiples y dinámicas, no reducibles a una
única categoría, incomprensibles desde una única etiqueta,
inmensamente más ricas cuando se las piensa en movimiento,
contextuadas y relacionales. Quizás sea el arte, como espacio
de libertad, el más potente para representar esa complejidad
e intensidad. Es en el arte donde encontramos líneas de fuga
para volver visible lo invisible y pensado lo impensable. La
invisibilización naturaliza y perpetúa la desigualdad, ya que
difícilmente se pueda modificar aquello que ni siquiera se percibe.
Al referirnos al colectivo de lesbianas, gays, trans, bisexuales
e intersex, damos cuenta de una historia de vulneración de
derechos, de invisibilización y de silenciamiento. El Festival
Asterisco nos invita a ver las actuales producciones de cine
lgbtiq en sus distintas facetas, con orígenes, inquietudes y
perspectivas diversos. Pero también nos acerca películas ya
clásicas para confirmar que el movimiento de la diversidad
sexual nunca estuvo realmente callado, sino que estuvo
enmarcado en una sociedad empecinada en no escucharlo.
De esta forma, el Festival Asterisco es una instancia para
recuperar las trayectorias negadas de un colectivo siempre
pujante, que ha encontrado en el cine una forma de resistir a
los modelos hegemónicos y a las representaciones unívocas.
Se trata de instituir políticas para construir un Estado que
respete y proteja los derechos humanos de las ciudadanas y
los ciudadanos y asuma la responsabilidad de hacer que se
cumplan; un Estado que promueva la libertad y la diversidad
como fundamentos democráticos y el derecho a una
sexualidad libre de coerción, violencia y discriminación.
En la actualidad, Argentina transita un proceso de
reconocimiento y puesta en valor de la diversidad sexual y de
género. Desde el Inadi asumimos que toda acción política de
reconocimiento implica necesariamente políticas concretas de
inclusión, concientización y redistribución que garanticen el
impacto de la nueva normativa en transformaciones sociales
y culturales. A partir de esta sanción, el Estado asume la
tarea de trabajar en políticas reparatorias para desarticular los
mecanismos institucionales de discriminación que legitiman,
a nivel sociocultural, la fobia al lgbtiq en sus distintas
manifestaciones. Propiciar espacios de intercambio, reflexión y
visibilidad como el Festival Asterisco es una de las formas de
avanzar hacia una inclusión real y efectiva.
Pedro Mouratián
Interventor del Instituto Nacional contra la Discriminación,
la Xenofobia y el Racismo (INADI)
Inadi celebrates the second edition of Asterisco, the
International lgbtiq Film Festival, while emerging as a way of
thinking of us as a diverse society, the first step towards the
exercise of an inclusive representation.
Identities are multiple and dynamic; they are not reducible
to one unique category, and they are immensely richer
considered in motion, contextualized and relational.
Perhaps art as a space of freedom is the most potent way
to represent that complexity and intensity. It is in art where
we find vanishing lines in order to make the invisible visible
and the unthinkable thought. Invisibilization naturalizes and
perpetuates inequality, because it’s hard to modify that
which isn’t even perceived.
When referring to the lesbian, gay, trans, bisexual, and
intersex collective, we make short work of a history of rights
violations, invisibilization and silencing. The Asterisco
Festival invites us to see the current lgbtiq film productions
in their different facets, with diverse origins, concerns, and
perspectives. But it also brings us films that are already
classics in order to confirm that sexual diversity movement
was never actually silent, but belonged to a society that
persisted on not listening. This way, the Asterisco Festival is
an instance to recover the denied careers of an ever-thriving
collective, which has found in cinema a way of resisting the
hegemonic models and univocal representations.
It is about introducing policies to build a State that
represents and protects the citizens’ human rights and
accepts the responsibility of enforcing it; a State that
promotes freedom and diversity as democratic foundations
and the right to experience one’s sexuality free of coercion,
violence and discrimination.
Currently, Argentina is going through a process of
acknowledgement and promotion of sexual and gender
diversity. From Inadi, we accept that every political action
of acknowledgement necessarily involves concrete policies
of inclusion, awareness and redistribution to guarantee
the impact of the new regulations in social and cultural
transformations. Through this sanction, the State assumes
the task of working on reparatory policies in order to take
apart the institutional mechanism of discrimination that
legitimize, on a sociocultural level, the phobia to the lgbtiq in
its different manifestations. To promote areas of exchange,
reflection and visibility such as the Asterisco Festival is one
way to move towards real and effective inclusion.
Pedro Mouratián
Interventor of the National Institute against Discrimination,
Xenophobia and Racism (INADI)
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Un instante lleno de cambios
An Instant Full of Changes
Las segundas partes tienen mala fama; se dice por ahí que
nunca son buenas. Podría dar cuenta de muchas segundas
partes mejores que las primeras, tanto en la vida como en el
cine, pero prefiero citar el segundo tomo de La montaña mágica
–que sin dudas es mejor que el primero–, cuando a Castorp
se le anestesian los sentidos y allí el tiempo empieza a ser
un transcurrir subjetivo de aburrimiento, muerte, discusiones
políticas, radiografías y erotismo, cuando lo real y lo imaginario
se convierten en partes indiscernibles. Entonces no hay
segundas partes, hay un devenir obligado de esa metáfora
que es el tiempo de lo narrado, el tiempo (a ser) narrado, no
solo en la pantalla que destella luces y sombras sino también
en la butaca, donde l*s espectador*s a veces concluyen, otras
comienzan, o desentierran algo de su propio tiempo ante ese
relato visto y oído, devorado por el cuerpo; por lo orgánico y lo
inorgánico que habita un cuerpo sentado en una butaca.
Si uno de los rasgos de nuestra época es la democratización
de las imágenes a partir de las nuevas tecnologías y su
consumo masivo a través de Internet, no es escatológico
preguntarse por qué hacer un festival internacional de cine
lgbtiq. La respuesta está más a mano, más en la punta
de una lengua rebasada de saliva que la pregunta en sí
misma. Para vernos, para compartir la experiencia de ver y
oír en comunidad, para volver a ser manada por un tiempo
determinado y que las luces y colores que sueltan las
narraciones expandidas –en géneros, formatos, cuentos y
estados de ánimo– dentro de Asterisco se conviertan en
la imagen-tiempo. “El tiempo es lo lleno, es decir, la forma
inalterable llenada de cambios”, decía Gilles Deleuze en
La imagen-tiempo. Encontrarnos en las salas de cine es el
procedimiento que proponemos como cuerpos parlantes
dispuestos a ser llenados de cambios, de imágenes y de
tiempo, porque solo la otra o el otro pueden modificarnos,
pueden hacernos ser: un instante llenado de cambios.
Honrando las largas luchas del movimiento lgbtiq es que
llegamos a este instante lleno de cambios en que el tiempo real y
el imaginario toman la forma del conocimiento, y lo orgánico y lo
inorgánico toman la forma del acto en el devenir del encuentro.
Asterisco II es un llamado a la acción, a repensar nuestros
cuerpos y nuestras identidades en este tiempo en que la cultura
cis-hétero patriarcal capitalista reacciona con furia porque las
voces disidentes aullamos cada vez más fuerte, cada vez más
llenas de tiempo, imágenes, manada, relatos y cambios.
Sequels have a bad reputation; people say they’re never good.
I could mention many sequels that are better than the first –
both in life and in film– but I rather quote the second volume
of The Magic Mountain –which is undoubtedly better than
the first–, when Castorp’s senses are anesthetized and time
starts to be a subjective passing of boredom, death, political
discussions, X-rays, and eroticism, like when the real and the
imaginary become indiscernible parts. Therefore, there are no
second parts, there’s a mandatory becoming of the storytelling
time as a metaphor, the time (to be) narrated, both on the
screen flashing light and shadows, and in the seat where
viewers sometimes conclude, while others begin, or unearth
something from their own time before that narrative, devoured
by the bod – by the organic and the inorganic that inhabits the
body in a seat.
If one of the characteristics of our time is the
democratization of the images through new technologies
and its massive consumption through the Internet, it is not
scatological to ask oneself why make an international lgbtiq
film festival. The answer is more at hand, more in the tip of
a saliva-filled tongue than the question itself. To see each
other, to share the experience of seeing and hearing in a
community, to become a pack again for a period of time,
and for the lights and colors let loose by those narrations
expanded –in genres, formats, stories, and states of mind–
within Asterisco to become the time-image. “Time is what
is full, that is, the inalterable form filled with changes”, Gilles
Deleuze wrote in The Time-Image. Meeting in the movie
theaters is the procedure we propose as talking bodies
willing to be filled with changes, with images and with time,
because only the other can change us, and make us exist:
an instant filled with changes.
It is by honoring the lengthy struggles of the lgbtiq collective
that we reach this instant full of changes in which real and
imaginary time take the shape of knowledge, and the organic
and the inorganic that the shape of the act in the becoming
of the encounter. Asterisco II is a call to action, to rethink our
bodies and our identities at this time in which the cis-hetero
patriarchal capitalist culture reacts with fury because the
dissident voices howl louder and louder, with more and more
time, images, packs, stories, and changes.
Albertina Carri
Directora Artística
6
Albertina Carri
Artistic Director
Autoridades ∙ Authorities
Presidenta de la Nación
Secretario de Derechos Humanos
Dra. Cristina Fernández de Kirchner
Ministro de Justicia y Derechos Humanos
Subsecretario de Promoción de Derechos Humanos
Dr. Julio Alak
Sr. Carlos Pisoni
INCAA
Presidenta
Gerencia General
Sra. María Lucrecia Cardoso
Sr. Rómulo Pullol
Gerencia de Acción Federal
Vicepresidencia
Sr. Félix Fiore
Lic. Juan Esteban Buono Repetto
Coordinación Festivales Nacionales
Paola Pelzmajer
Staff
Dirección artística
Diseño gráfico
Programación El imperio de los sentidos
Albertina Carri
Alejandro Ros
Leandro Listorti
Programación
Asistencia
Curaduría Muestra Emilie Jouvet
Albertina Carri
Silvia Canosa
Sebastián Freire
Ilustración de convocatoria
Catálogo y guía de programación
Luciano Vecchio
Editores
Diseño y producción de bolsas
Agustín Mango
Fernando Martín Peña
Diego Trerotola
Producción
Violeta Uman
Rita Falcón
Consultora de producción
Laura Citarella
Producción administrativa
Fernanda Giménez
Producción comercial
Mateo Bendesky
Coordinación de programación y
coordinación de salas
Eugenia Campos Guevara
Juan Ignacio Jankowski
Lis Altamirano
Coordinación técnica general
Carolina Rolandi
Jefe técnico
Lucas Iaccarino
Asistencia de sonido
Arián Frank
Asistencia de producción
Julián Tagle
Sol Santoro D’Stefano
Diseño editorial
Alejandro Ros
Cecilia Loidi
Corrección
Micaela Berguer
Traducción
Juan Pablo Martínez
Web
Juan Ignacio Jankowski
Lis Altamirano
Alan Paemaa
Tránsito de copias
Prensa
Luciana Schnir
Cris Zurutuza
Subtitulado
Comunicación digital
Copia Cero
Carla Sanguineti
Santiago Hilara
Supervisión
Corto de apertura
Christian Jankowski
Karen Bennett
Juan Pablo Zaramella
Asistencia de producción
Vic Posse
Lizzania Sánchez
Invitados
7
Agradecimientos ∙ Thanks to
Adolfo Agopian
Francisco Márquez
Matías Bruera
Agustín Masaedo
Fredy Alfaro
Matías Mateo
Agustina Odella Roca
Furio Carri Dillon
Matías Scheinig
Ailén Bressan
Gabi Cabezón Cámara
Matilde Garuti
Alain Maudet
Gabriel Lahaye
Mauro Cabral
Alberto Rojas Apel
Gerjo Pérez Melia
Maximiliano Basso Gold
Alejandro Modarelli
Giselle Tepper
Mónica Roqué
Alejandro Ricagno
Grupo Mondongo
Alejo Mango
Guadalupe Arriague
Nicolás Cuello
Alexis Dos Santos
Guadalupe Treibel
Alexis Whitman
Gustavo Pecoraro
Andy Bydalek
Horacio González
Amy Rice Cabrera
Inés Copertino
Ana Amado
Inge Stache
Ana de Velde Harsenhorst
Isabelle Mauhourat
Analía Couceyro
Javier Wenger
Andrea Farías
Jorgelina de Simone
Andres Mendieta
Juan Ignacio Morelli
Aníbal Y. Jozami
Juan Laxagueborde
Antonio Zucherino
Julia Contreras
Promotores Territoriales
Arturo Martin
Laura Arnés
de Derechos Humanos
Bernardo Bergeret
Laura Ramos
Rafael Sampaio
Bita Rasoulian
Laura Vilariño
Ricardo Forster
Blanche Boorneman
Leandro Listorti
Ricardo Manetti
Camilo Juárez
Leopoldo Dameno
Roger Koza
Carlos Álvarez
Leticia Berguer
Romina Araujo
Carlos Berguer
Liliana Paolinelli
Sabina Conti
Carolina Karagueuzian
Liliana Viola
Sebastián Amaro
Carolina Zarzoso Paoloni
Lisa Kerner
Sebastián Franzolini
Cayetano Vicentini
Lisandro Gabriel De la Torre
Sebastián Freire
Cecilia Fanti
Loes van den Elzen
Sebastián González
Christian Hippacher
Lohana Berkins
Sennaf
Christian Tison
Lucas Lobretzki
Christian Trincado
Lucía Devoto
Silvina Maddaleno
Cora Roca
Lucía Manusovic
Cristina Civale
Magdalena De Santo
Daniel Link
Manuel Pose
Diana Glusberg
María Iribarren
Dinapam
María Martelotti
Emmanuel Theumer
María Pía López
Embajada de la República Federal
Mariana Enriquez
de Alemania
Marina Catalano
Emma Cesari
Marina Yuszczuk
Enrique Carames Del Sel
Mario Santos
Esteban Bitesnik
Milan Frola
Torta La Productora
Estudio Mango
Marta Dillon
Vanina Spadoni
Eugenia Lestard
Martín Kaufmann
Vera Kors
Eugenio Reati
Martín Maisonave
Víctor Bracuto
Federico León
Martín Ortega
Virgina Cano
Fernando Noy
Martín Ramos Mejía
Virginia Tatoian
Florencia Juri
Martina Pagnotta
Werner Borkes
Francisco Lezama
Mateo Renzulli
Wieland Speck
8
Orlando Narváez
Pablo Belardinelli
Pablo Gasol
Pablo Medina
Pablo Schanton
Pablo Zaefferer
Paola Pelzmajer
Paula Donadío
Paulino Estela
Pedro Mouratián
Silvina Messina
Silvio Lang
Socorro Giménez
Sofía Gala
Sol Lopatín
Soledad Laplace
Sonia Serrano
Susana Mango
Tobías De Graaf
Tomás Dotta
Índice ∙ Index
15
COMPETENCIAS / Competitions
16
Jurados / Juries
19
Competencia de largometrajes / Feature Films Competition
33
Competencia de cortometrajes / Short Films Competition
41
WIP
47
LA PIEL QUE HABITO / The Skin I Live In
49
Largometrajes / Feature Films
69
Cortometrajes / Short Films
77
Foco Eloy de la Iglesia / Focus Eloy de la Iglesia
81
Foco Hans Scheugl / Focus Hans Scheugl
85
Foco Holanda / Focus Netherlands
95
Foco Jenni Olson / Focus Jenni Olson
101
Homocore: Downtown New York
107
Intersex
111
Vampiras lesbianas y otros monstruos homoeróticos / Lesbian Vampires and Other Homoerotic Monsters
119
ATRAPADAS / Trapped Women
125
BROMANCE CRIOLLO / Argentine Bromance
131
CUENTA CONMIGO / Stand by Me
139
PIONEROS QUEER / Queer Pioneers
145
Actividades especiales / Special Activities
158
Índice por película / Index by Film
159
Índice por país / Index by Country
160
Índice por director / Index by Director
Abreviaturas ∙ Abbreviations
D: Dirección / Director
G: Guion / Scriptwriter
F: Fotografía / Cinematography
E: Edición / Editing
DA: Dirección de arte / Production Design
S: Sonido / Sound
M: Música / Music
P: Producción / Producer
PE: Producción ejecutiva / Executive Production
CP: Compañía productora / Production Company
I: Intérpretes / Cast
CD: Codirección / Co-Director
HD: Alta Definición / High Definition
DCP: Paquete de Cine Digital / Digital Cinema Package
DM: Archivo Digital / Digital Media
Calificación: Rated
ATP: G Rated
9
Sedes ∙ Venues
Cine Gaumont - Espacio INCAA
Av. Rivadavia 1635
BAMA Cine Arte
Av. Presidente Roque Sáenz Peña 1150/56
Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires
Av. Presidente Figueroa Alcorta 3415
Escuela Nacional de Experimentación y
Realización Cinematográfica
Moreno 1199
Kino Palais - Auditorio del Palais de Glace
Av. del Libertador 1248
Salón Arturo Illia del Palacio del Congreso de la Nación
Hipólito Yrigoyen 1849
Salón Manuel Belgrano del Congreso de la Nación
Hipólito Yrigoyen 1710, Piso 4
Auditorio Leonardo Favio
de la Biblioteca del Congreso de la Nación
Alsina 1835
Casa Brandon
Luis María Drago 236
.org.ar
Million
Paraná 1048
13
Competencias
Competitions
Competitions • Juries
Jurados / Competencia de largometrajes
Dolores Fonzi
Nació en Buenos Aires en 1978, y se formó como actriz con Carlos Gandolfo. Trabaja en cine,
televisión y teatro desde los 17 años. Entre sus trabajos en cine se destacan Plata quemada
(Marcelo Piñeyro, 2000), Caja negra (Luis Ortega, 2002), El fondo del mar (Damián Szifron, 2003),
El aura (Fabián Bielinsky, 2005), Salamandra (Pablo Agüero, 2008) y El campo (Hernán Belón,
2011), entre otras. En 2005, junto a Constanza Novick, desarrolló la miniserie televisiva Soy tu
fan, de la que fue también protagonista. En 2015 estrena las películas Truman, dirigida por Cesc
Gay, y La patota, de Santiago Mitre.
She was born in Buenos Aires in 1978 and trained as an actress with Carlos Gandolfo. She has
been working on film, television and theater since she was 17. Her film work includes Burning
Money (Marcelo Piñeyro, 2000), Black Box (Luis Ortega, 2002), The Bottom of the Sea (Damián
Szifron, 2003), The Aura (Fabián Bielinsky, 2005), Salamander (Pablo Agüero, 2008), and In the
Open (Hernán Belón, 2011). In 2005, she developed with Constanza Novick the TV miniseries
Soy tu fan, in which she also starred. In 2015, she will be seen starring in Cesc Gay’s Truman and
Santiago Mitre’s Paulina.
Emilie Jouvet
Directora de cine y fotógrafa graduada en Bellas Artes y en la Ecole Nationale Supérieure de la
Photographie. Durante quince años exploró la escena queer europea. En 2005 realizó su primer
largometraje porno, queer, lésbico y transgénero, One Night Stand. Su largometraje Too Much
Pussy participó de Asterisco 2014, y en esta edición podrá verse Fucking Different, el cual
codirige con varios directores.
A graduate from Beaux Arts and the Ecole Nationale Supérieure de la Photographie, Émilie Jouvet is a
film director and photographer, and she has been exploring the European queer scene for over fifteen
years. In 2005, she made her first queer, lesbian and transgender porn feature: One Night Stand. Her
film Too Much Pussy was screened at Asterisco 2014, and Fucking Different, which she co-directed
with other filmmakers, is included in the current edition of this Festival.
Hans Scheugl
Nació en 1940 en Viena, donde reside actualmente, y donde estudió cine antes de trabajar como
aprendiz en la Cinemateca Francesa, en 1964. Cineasta desde 1966, también publicó artículos
sobre cine junto a Ernst Schmidt Jr. y Peter Weibel en periódicos como Caligari y Film, entre 1964
y 1969. Fundó la Cooperativa de Cineastas de Austria en 1968 junto con Schmidt Jr., Weibel,
Valie Export, Kurt Kren y Gottfried Schlemmer. Dejó de hacer películas en los setenta, se retiró por
completo de la escena artística y pasó largas temporadas en la India. Refundó la Cooperativa de
Cineastas en 1982 y volvió al cine en 1985 con Der Ort der Zeit. Hasta principios de los noventa
dirigió varios films (seleccionados en festivales en Rotterdam, Berlín, Londres y Nueva York, entre
otros), incluido un documental sobre Kurt Kren para la televisión austríaca. Publicó varios libros y
ensayos, y trabaja en fotografía y video.
Born 1940 in Vienna, where he currently resides, he attended film school in that city and was an
apprentice at the Cinémathèque Française in 1964. A filmmaker since 1966, he also published
articles on film together with Ernst Schmidt Jr. and Peter Weibel in periodicals such as Caligari
and Film between 1964 and 1969. He founded the Austria Filmmakers Cooperative together with
Schmidt Jr., Weibel, Valie Export, Kurt Kren and Gottfried Schlemmer in 1968. He stopped making
films in the Seventies, retreated entirely from the art scene, and spent long periods of time in India.
He re-founded the Filmmakers Coop in 1982 and returned to filmmaking in 1985 with Der Ort der
Zeit. Up until the early 1990s he shot several films (programmed in festivals in Rotterdam, Berlin,
London, and New York, among others), including a documentary for Austrian television about Kurt
Kren. He has published several books and essays and is involved with photography and video.
PREMIO COMPETENCIA DE LARGOMETRAJES
Premio al Mejor Largometraje: Estatuilla Grupo Mondongo + Premio I.Sat por la adquisición para emisión por $50.000 (pesos argentinos).
Best Feature Film Award: Statue by Mondongo Group + I.Sat Award AR$ 50,000 - Acquisition Prize for Broadcast on LatAm Pay TV Network.
16
Jürgen Brüning
Su productora, Jürgen Brüning Filmproduktion, fue fundada en 1987 y produjo más de 25
largometrajes y documentales, como Supernatural (Thunska Pansittavorakul, Festival de
Rotterdam 2014) y The Raspberry Reich (Bruce LaBruce, Sundance, Berlinale y Toronto
2004). Trabajó como curador en varios festivales como Leipzig International Documentary
Film Festival, DokuArt Neubrandenburg y Ljubljana International Film Festival, y desde el año
2000 trabaja en la sección Panorama del Festival de Berlín.
Jürgen Brüning Filmproduktion was founded in 1987 and since then has produced more
than 25 feature films and documentaries, such as Supernatural (Thunska Pansittavorakul,
Rotterdam Film Festival 2014) and The Raspberry Reich (Bruce LaBruce, Sundance, Berlinale
and Toronto 2004). He served as curator for film festivals, including Leipzig International
Documentary Film Festival, DokuArt Neubrandenburg, Ljubljana International Film Festival,
and has been working for the Panorama section of the Berlin International Film Festival since
the year 2000.
Vanessa Ragone
Estudió en el Centro de Experimentación y Realización Cinematográfica del Instituto Nacional
de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA). Es productora y realizadora de cine y TV, y se
desempeña como docente de la materia de Realización Documental en la ENERC. Entre los
largometrajes que produjo se encuentran títulos como Los muertos (Lisandro Alonso, 2004),
Hermanas (Julia Solomonoff, 2005), Si sos brujo (Caroline Neal, 2005), M (Nicolás Prividera,
2007), El secreto de sus ojos (Juan José Campanella, ganadora del Oscar a Mejor Película
Extranjera), Las viudas de los jueves (Marcelo Piñeyro, 2009), Sin retorno (Miguel Cohan,
2010) y Todos tenemos un plan (Ana Piterbarg, 2012). Actualmente es Directora de INCAA TV.
She studied at the Center of Experimentation and Filmmaking of the National Film and
Audiovisual Arts Institute (INCAA). She is a film and TV producer and director, and teaches
Documentary Filmmaking at the ENERC. The features she produced include Los Muertos
(Lisandro Alonso, 2004), Sisters (Julia Solomonoff, 2005), Si sos brujo (Caroline Neal, 2005),
M (Nicolás Prividera, 2007), The Secret in Their Eyes (Juan José Campanella, winner of
the Academy Award for Best Foreign-Language Film), The Widows of Thursdays (Marcelo
Piñeyro, 2009), No Return (Miguel Cohan, 2010), and Everybody Has a Plan (Ana Piterbarg,
2012). She is currently the Director of INCAA TV.
Werner Borkes
Es director de Roze Filmdagen, un festival de cine lgbtq en Ámsterdam que hoy en día es
uno de los eventos culturales más destacados de la capital, y que fue nominado dos veces
a Mejor Festival. En marzo del año que viene celebrará su 19° aniversario. Werner se graduó
como profesor de teatro y luego trabajó como guionista y asistente de dirección en populares
series de televisión.
He is the director of the Roze Filmdagen, the Amsterdam lgbtq Film Festival, one of the
cultural highlights of Holland's capital, which was nominated “Best Film Festival” twice. It will
celebrate its 19th edition on March of next year. Werner graduated as a drama teacher and
worked as a screenwriter and assistant director in several popular TV drama series.
PREMIO COMPETENCIA DE CORTOMETRAJES
Premio al Mejor Cortometraje otorgado por INCAA TV: adquisición para emisión.
Best Short Film Award, granted by INCAA TV: acquisition for broadcast.
17
Competencias • Jurados
Jurados / Competencia de cortometrajes
Competitions • Juries
Jurados / Work In Progress (WIP)
Laerte Coutinho
Nació en San Pablo en 1951. Fue una de las creadoras del cómic Balão y de Oboré, un servicio
de prensa para sindicatos. Publicó sus trabajos en O Pasquim, O Bicho, Estado de São Paulo y
Folha de São Paulo, entre otros. Fue editora de la revista Piratas do Tietê, que también es el título
de su historieta diaria, y guionista de los shows TV Pirata, TV Colosso y Sai de Baixo para Rede
Globo. Protagonizó el cortometraje Vestido de Laerte, de Claudia Priscilla y Pedro Marques, que
abrió el primer Festival Asterisco el año pasado.
She was born in São Paulo in 1951. She is one of the creators of the comic book Balão, and Oboré,
a press services for union trades. Her work has been published on O Pasquim, O Bicho, Estado
de São Paulo, and Folha de São Paulo, among many others. She was the editor of the magazine
Piratas do Tietê, which is also the title of her daily comic strip. She wrote scripts for television shows
TV Pirata, TV Colosso, Sai de Baixo, in Rede Globo. She starred in the short film Legs Out, directed
by Claudia Priscilla and Pedro Marques, which opened the first edition of Asterisco Festival last year.
Marco Berger
Nació en Buenos Aires en 1977 y estudió en la Universidad del Cine. Plan B, su ópera prima,
se estrenó en Bafici en 2009 y luego en el Festival de Cine de Roma. Ausente, su segundo
largometraje, ganó el Teddy Award en el Festival de Cine de Berlín en 2011. Hawaii, su tercera
película, amplió sus fronteras al estrenarse en Corea en 2013 y se proyectó en la primera edición
de Asterisco. Con Mariposa (que se exhibe en esta edición como Función Especial), su último
trabajo, el director volvió este año al Festival de Cine de Berlín. Actualmente se encuentra
rodando de su próxima película, Dos elefantes.
He was born in Buenos Aires in 1977 and studied at Universidad del Cine. Plan B, his first feature,
premiered at Bafici in 2009, and later at the Rome Film Festival. Absent, his second feature, won
the Teddy Award at the Berlinale in 2011. Hawaii, his third film, expanded his range as it was
released in Korea in 2013, and was screened at the first edition of Asterisco. With his last work
Butterfly (programmed in this edition as a Special Screening), the director returned this year to the
Berlin Film Festival. He is currently shooting his next film, Dos elefantes.
Vivi Tellas
Directora de teatro y curadora nacida en Buenos Aires. Sus últimas obras son Mi mamá y mi
tía, Tres filósofos con bigotes, Cozarinsky y su médico, Escuela de conducción, Disc Jockey,
Mujeres guía, Rabbi Rabino (Nueva York), O Rabino e seu filho (San Pablo), La bruja y su hija,
Maruja enamorada y Las personas. Fue distinguida con el Belknap Fellow por la Universidad
de Princeton como artista invitada para el semestre de otoño de 2014. Este año fue nombrada
Personalidad Destacada de la Ciudad de Buenos Aires en el ámbito de la Cultura.
A stage director and curator born in Buenos Aires. Her latest plays are Mi mamá y mi tía, Tres
filósofos con bigotes, Cozarinsky y su médico, Escuela de conducción, Disc Jockey, Mujeres guía,
Rabbi Rabino (New York), O Rabino e seu filho (Sao Paulo), La bruja y su hija, Maruja enamorada,
and Las personas. She was distinguished with the Princeton University’s Belknap Fellow as a
guest artist for the fall 2014 semester. This year, she was named Distinguished Personality of the
City of Buenos Aires in the field of Culture.
PREMIO COMPETENCIA Work in Progress (WIP)
Conforming online de un largometraje; generación de títulos y rodante final; corrección de color completa en scratch –sin colorista–;
masterizado DCP 2k. Otorgado por La Haye Post. Seis jornadas de mezcla 5.1 para DCP, incluyendo utilización del estudio y honorarios
de operador de mezcla. Otorgado por El Cono del Silencio. Traducción y subtitulado al inglés. Otorgado por Copia Cero. Participación en la
sección Films in Progress de Ventana Sur. Otorgado por Ventana Sur.
El Jurado otorgará eventualmente las menciones especiales que considere, e indicará la motivación que los hace merecedores de los galardones.
El premio no podrá ser ex-aequo y se recibirá por mayoría simple del jurado.
Granted by La Haye Post: On line conforming of a feature film, Generation of credits and rolling credits, Full color correction using Scratch
(no colorist), 2k DCP Master. Granted by El Cono de Silencio: Six sessions of 5.1 mix for DCP, including the use of the studio and sound mixer
fees. Granted by Copia Cero: English translation and Subtitles. Granted by Ventana Sur: Participation in Films in Progress of Ventana Sur.
The Jury will make Special Acknowledgements where appropriate, giving the reasons for such mentions. There will only be one winner per prize.
The award will be decided by majority decision by the jury.
18
Competencias
Competitions
Competencia de
largometrajes
Feature Films Competition
Competencias • Competencia de largometrajes
De gravata e unha vermelha
De corbata y uñas pintadas
Brasil - Brazil, 2015
85’ / DCP - DM / Color + b&n
Portugués - Portuguese
D, G: Miriam Chnaiderman
F: Fernanda Riscali
E: Tatiana Lohmann
P: Reinaldo Pinheiro
CP: Sequência1 Ltda
I: Laerte Coutinho,
Ney Matogrosso, Rogéria
Calificación: ATP
Contacto / Contact
Imovision
Ruan Canniza
imovision.com.br
“Ni varón, ni mujer, ni XXY, ni H2O”, canta nuestra poeta Susy Shock, y en esa breve y
lúcida frase se resume el espíritu de De gravata e una vermelha. Chnaiderman construye
este documental a partir de entrevistas a personajes ilustres como Ney Matogrosso,
Laerte Coutinho y la estrella Rogéria, e incluye a jóvenes diseñadores de ropa, cantantes,
performers, maestr*s y fotógraf*s. Transexuales, transgénero, transformistas, cross
dressers, tod*s cuentan parte de su vida y la forma en que llegaron a ser quienes son
atravesando los prejuicios de una sociedad heteronormativa, binaria y patriarcal. Para
cada un* de ell*s el camino fue distinto, pero entre todos estos testimonios se arma
una revelación única y necesaria: no podemos seguir educando a niños y niñas en la
heterosexualidad obligatoria. La identidad de género y la sexualidad son móviles, deben
ser espacios de libertad que se transitan con alegría, nos dice la psicoanalista y realizadora
Miriam Chnaiderman, y apoya esta revelación con un despliegue visual que incluye películas
de Ed Wood, decorados saturados en brillo y tonalidad, vestuarios que parecen de otro
planeta, luces de colores que explotan la pantalla y los sentidos, shows en vivo que llenan
de energía, menciones a Pasolini, Barry Lyndon o Kubrick, y una banda sonora tan queer
como vigorosa.
Albertina Carri
“Neither man nor woman, neither XXY nor H20,” sings our poet Susy Shock. In that brief,
lucid phrase, the spirit of De gravata e una vermelha is summarized. Chnaiderman builds
up this documentary with interviews to such illustrious characters as Ney Matogrosso,
cartoonist Laerte Coutihno and star Rogéria, and also includes young fashion designers,
singers, performers, teachers and photographers. Transsexuals, transgendered, quickchange artists, cross dressers, all of them talk about their lives and the way they got to be
who they are in spite of living in a hetero-normative, binary, patriarchal society. The path
was different for each of them, but from all of these testimonies, a unique, and necessary
revelation emerges: we can’t go on educating boys and girls in a mandatory heterosexuality.
Gender identity and sexuality are mobile, so they must be areas of freedom transited with
joy, says psychoanalyst and filmmaker Miriam Chnaiderman. Her visual display includes
Ed Wood films, sets saturated in brightness and tonality, a wardrobe that seems out of
this world, colored lights that blow up both the screen and the senses, spirited live shows,
references to Pasolini, Barry Lyndon or Kubrick, and a soundtrack as queer as it is vigorous.
AC
Miriam Chnaiderman
Es psicoanalista y doctora en artes
por la Escuela de Comunicaciones y
Artes de la Universidad de San Pablo.
Como ensayista ha publicado en varias
revistas brasileras de psicoanálisis, cine
y teatro. Escribió dos libros sobre la
relación entre el arte y el psicoanálisis:
O hiato convexo: literatura e psicanálise
y Ensaios de psicanálise e semiótica.
Dirigió varios cortometrajes y el
documental Sobreviventes, codirigido
con Reinaldo Pinheiro. En 2009 realizó
el mediometraje M’ Boi Mirim para la
Prefectura Municipal de San Pablo.
She is a psychoanalyst with a
PhD from the University of San
Pablo’s School of Communications
and Arts. As an essayist, she has
been published in many Brazilian
psychoanalysis, film and theater
magazines. She wrote two books
about the connection between art
and psychoanalysis: O hiato convexo:
literatura e psicanálise and Ensaios de
psicanálise e semiótica. She directed
many shorts and the documentary
Sobreviventes, co-directed with
Reinaldo Pinheiro. In 2009, she made
the mid-length M’Boi Mirim for the Sao
Paulo’s Municipal Prefecture.
21
Competitions • Feature Films Competition
Do I Sound Gay?
¿Sueno gay?
Estados Unidos - USA, 2014
77’ / DCP - DM / Color
Inglés / Francés - English / French
D: David Thorpe
F: Matt Bockelman
E: Maeve O’Boyle
S: David Briggs, Eric Hirsch
M: John Turner
P: Howard Gertler, David Thorpe
PE: Dan Cogan
CP: Impact Partners, ThinkThorpe,
Little Punk
Calificación: ATP
¿Existe un tono de voz fuera del closet? ¿La orientación sexual determina una tonada? ¿Hay
un timbre de voz gay? Algunas de estas preguntas suenan en la cabeza de David Thorpe,
quien las pronuncia en voz alta en este documental cuya primera persona del singular se
vuelve plural. Incorrectamente disconforme con su propia voz, Thorpe decide investigar
sobre su tono, en un periplo que le llevó mucho tiempo y en el que reúne a las voces de
amigos, transeúntes, comediantes como Margaret Cho, actores como George Takei y
profesionales lingüistas y fonoaudiólogos, incluyendo a una especialista en entrenar voces
de estrellas de Hollywood como Robert De Niro. A partir de la indagación generacional de
la cultura americana y la influencia de Truman Capote y Liberace o los villanos de Disney,
pero también teniendo en cuenta las particularidades de la propia biografía, el cineasta logra
atravesar distintas capas de la experiencia de un tema paradójicamente silenciado. Estigma
y homofobia, pero también construcción de una identidad: el sonido de la voz está pensado
con la suficiente libertad para asumir y enfrentar los prejuicios propios y ajenos tanto como
para elevar el grado de inteligencia propia y ajena.
Diego Trerotola
Is there an out-of-the-closet tone of voice? Is the way you talk determined by sexual
orientation? Is there a gay intonation? Some of these questions appear in David Thorpe’s
head, and he asks them out loud in this documentary whose first-person singular becomes
plural. Incorrectly dissatisfied with his own voice, Thorpe decides to investigate on his tone
in a journey that takes him long to complete, in which he gathers the voices of friends,
passers-by, comedians like Margaret Cho, actors such as George Takei, and linguists and
speech therapists, including a specialist in training the voices of Hollywood stars such as
Robert De Niro. Through the generational inquiry of American culture and the influence of
Truman Capote, Liberace or Disney villains –but also taking into account the peculiarities of
autobiography– the filmmaker succeeds in going through different layers of experience on
an issue that is, paradoxically, silenced. Stigma and homophobia, but also the construction
of one’s identity –the tone of voice is considered to have enough freedom to assume and
one’s own prejudices as well other people’s, and a also to elevate one’s intelligence as well
as other people’s.
DT
22
Contacto / Contact
Autlook Filmsales GmbH
Youn Ji
+43 720 34 69 34
[email protected]
doisoundgay.com
David Thorpe
Es periodista y se dedica a escribir
sobre sus experiencias como gay
en publicaciones tan diversas como
Jane, OUT y The Forward. También es
director de comunicaciones en Housing
Works, una de las organizaciones para
personas con SIDA más importantes
de Nueva York. Do I Sound Gay? es su
primer largometraje.
He is a journalist who has written about
his own experiences of gay life for
publications as diverse as Jane, OUT
and The Forward. He is also director
of communications for Housing Works,
one of New York City’s largest AIDS
services organizations. Do I Sound
Gay? is his first feature film.
Argentina / México /
República Dominicana - Argentina /
Dominican Republic / Mexico, 2014
Castellano / Inglés / Francés Spanish / English / French
Si hay algo por lo que el film Dólares de arena merece ser visto y agradecido es por la
actuación magistral de Geraldine Chaplin, que acepta con increíble generosidad el papel
de una vieja dama francesa que, en lo que se consideraría el ocaso definitivo de una
vida, decide reencontrar la posibilidad del amor y el deseo en una joven dominicana sin
otro recurso que su belleza, recreando así una historia de intereses cruzados –afectivos
y económicos– en la playa de Santo Domingo donde ella se ha retirado. Los directores
tomaron la decisión de ir lo suficientemente lejos, recorrer la piel gozosa de la anciana,
sus arrugas, sus manchas, sus depresiones, documentar el abrazo contrastante con la
anatomía firme de la mulata Noelí (Yanet Mojica). El cuerpo expuesto de Anne (Chaplin)
opera como discurso sobre la vejez sexuada en detrimento de la “vejez correcta”, aquella
que, si se revela enamorada o apasionada, debe quedar para el ojo discreto de la cámara
en el primer plano de un rostro en el que el deseo es insinuación o sufrimiento.
Alejandro Modarelli
If there’s one reason why Sand Dollars deserves to be seen and appreciated for is a
masterful performance by Geraldine Chaplin, who accepts with incredible generosity the
role of an old French lady who decides –in what is considered the twilight of her life– to find
a new chance for love and desire with a young Dominican girl who has no resource other
than her beauty, recreating a story of crossed interests –of love and finances– in the beach
of Santo Domingo where she has retired. The directors have taken the decision of going
the distance, through the pleasure-filed skin of the old woman, her wrinkles, spots, and
depressions, documenting her contrasting embrace with the firm anatomy of the mulatto
Noelí (Yanet Mojica). The exposed body of Anne (Chaplin) operates as a discourse about
a sexed old age to the detriment of the “proper old age” –one that, if revealed as in love or
passionate, must be visible only to the discreet eye of the camera on the close-up on a face
in which desire is insinuation or suffering.
AM
D, G: Laura Amelia Guzmán,
Israel Cárdenas
F: Israel Cárdenas, Jaime Guerra
E: Andrea Kleinman / DA: Sylvia Conde
S: Alejandro De Icaza, Diego Gat
M: Ramón Cordero, Edilio Paredes
P: Laura Amelia Guzmán,
Israel Cárdenas, Benjamín Domenech,
Santiago Gallelli, Matías Roveda,
Pablo Cruz / PE: Linel Hernández,
Gabriel Tineo, Eddy Guzmán,
Sylvia Conde, José Luis Cárdenas
CP: Aurora Dominicana
I: Geraldine Chaplin, Yanet Mojica,
Ricardo Ariel Toribio
Calificación: +13 (con reservas)
Contacto / Contact
Rei Distribución
Eugenio Fernández Abril
[email protected]
dolaresdearena.com
Laura Amelia Guzmán
& Israel Cárdenas
Laura nació en República Dominicana
en 1980. Se graduó en Altos de Chavón,
donde estudió artes y fotografía, y luego
asistió a la Escuela de Cine y Televisión
de Cuba. Israel nació en México en
1980. Es director autodidacta y comenzó
su carrera como productor de videoclips
y de otros trabajos audiovisuales en
NYFA y EICTV. Juntos llevan adelante
la productora Aurora Dominicana y
filmaron Cochochi (2007), Jean Gentil
(2010) y Carmita (2013), en las que
comparten créditos de dirección y guion.
Laura was born in the Dominican
Republic in 1980. She graduated from
Altos de Chavón, where she studied
Fine Arts and Photography, and then
she attended the International Film and
Television School in Cuba. Israel was
born in Mexico in 1980. He is a selftaught filmmaker who started out his
career in the production of music videos
and some film workshops at NYFA and
EICTV. Together, they run the production
company Aurora Dominicana and shot
Cochochi (2007), Jean Gentil (2010)
and Carmita (2013), where they shared
scriptwriting and directing credits.
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Dólares de arena
Sand Dollars
El hombre nuevo
The New Man
Uruguay / Chile, 2015
Español - Spanish
D, G: Aldo Garay
F: Diego Varela
E: Federico La Rosa
DA: Micaela Solé
S, M: Daniel Yafalian
P: Micaela Solé, Daniel Hendler
PE: Micaela Solé
CP: Cordon Films, Lupe Films
I: Stephania Mirza Curbelo
Calificación: ATP
“Cuando no tenés con qué coser, mejor es sacar”, dice Stephania, y con un cuchillo
acomoda el vestuario que carga en un carro de compras, entre la intemperie y las
pensiones baratas que no siempre quieren abrirle la puerta. Así enuncia la estrategia del
despojo y, a la vez, una ética que sostiene toda la película de Aldo Garay, que sigue a su
protagonista como esperándola, como si quisiera desaparecer detrás de ella. Stephania
fue un niño modelo, alfabetizador de adultos a sus siete años durante la revolución
sandinista, objeto de una adopción –que no termina de explicarse– por parte de una
pareja de militantes tupamaros que lo criaron en Uruguay y lo dejaron sin contacto con
sus siete hermanos, y expulsada de su casa cuando se decidió a encarnar su identidad
de género y quedó abandonada a la marginalidad que puede leerse en la trayectoria vital
de la mayoría de las travestis. Sin énfasis pero con la crudeza de lo que se expone por sí
mismo, aparecen la discriminación, el sexo pago, el trabajo más que informal en la edad
adulta y la añoranza por aquellos sueños revolucionarios de los que Stephania fue parte.
Sin embargo, el supuesto “hombre nuevo” de los ideales de las décadas del sesenta y
setenta se revela con la crueldad que impone ese masculino hegemónico que solo deja
para ella exclusión y desarraigo.
Marta Dillon
“When you have nothing to sew with, it’s better to take it out,” says Stephania, before
using a knife to adjust the wardrobe she carries in a shopping cart she pushes around the
streets and into cheap pensions where she’s not always welcomed. She enunciates this
way both the strategy of residue and an ethics that hold together Aldo Garay’s film, which
follows its main character as if it was waiting for her –as if it wanted to disappear behind
her. Stephania was an exemplary kid, an alphabetizer of adults –at the age of seven–
during the Sandinista revolution, and the object of a never fully explained adoption by
two Tupamaro activists who raised him in Uruguay interrupting all contact with his seven
siblings. She got kicked out when she decided to embody her gender identity, and was
left in the margins –a common experience in the life journey of most transvestites. Without
emphasizing much, but with the material’s own sense of rawness, discrimination appears
together with paid sex, a more-than-informal job at an adult age, and the longing for those
revolutionary dreams Stephania was a part of. However, the supposed “new man” of the
ideals from the 1960s and 1970s is revealed as a cruelty imposed by that hegemonic
masculine discourse that only causes her to feel excluded and uprooted.
MD
24
Contacto / Contact
Cordon Films
Micaela Solé
[email protected]
cordonfilms.com
Aldo Garay
Nació en Montevideo en 1969. Dirigió
los largometrajes Mi gringa, retrato
inconcluso (1998), La espera (2002),
Cerca de la nubes (2006), El círculo
(2008, Mejor Documental en el Festival
de Cine de Málaga) y El casamiento
(2011, seleccionada en más de veinte
festivales). Fue jurado de diferentes
concursos y festivales. El hombre
nuevo fue estrenada en el Festival
Internacional de Cine de Berlín.
He was born in Montevideo in 1969.
He has directed the feature films
My Gringa, an Unfinished Portrait
(1998), The Wait (2002), Near the
Clouds (2006), The Circle (2008,
Best Documentary at the Malaga
Film Festival) and The Wedding
(2011, selected in more than twenty
festivals) He has been part of the jury
of several contests and film festivals.
The New Man was screened at Berlin
International Film Festival.
Heterofobia
Heterophobia
Argentina, 2015
63’ / DCP - DM / Color + b&n
Español - Spanish
D, G, F, E, DA, P, PE: Goyo Anchou
S: Pepo Razzari / M: Varios
I: Marcos Molina, Marcelo Páez,
Ariel Nuñez, Mad Crampi,
Dieguito Mostrix, Luciano Ricio,
Lorena Damonte.
Calificación: +18
Contacto / Contact
The Open Reel
[email protected]
theopenreel.com
La trama podría resumirse así: el joven Mariano sufre un desengaño violento con un amigo
heterosexual, desencadena su odio contra el orden (patriarcal) del mundo y finalmente
encuentra la paz, esperando amorosamente la revolución. Pero lo singular de esta película
no se agota en su tema sino en la forma elegida por Anchou para contarlo: la odisea de
Mariano se despliega en una superposición literalmente infinita de texturas visuales y
sonoras, propias y ajenas, en contrapunto casi permanente con una narración en off que
procura (y logra) transformar todo lo banal en extraordinario. La música acompaña todo ese
recorrido e irrumpe en la imagen de manera recurrente, por lo general en forma de guitarra,
creando el clima necesario para cada fragmento ante nuestra mirada, generalmente atónita.
El resultado tiene algún parentesco con la obra de Ernesto Baca y con algunas experiencias
del Neoexpresionismo Digital, el movimiento instigado por Ricardo Becher. Pero en lo
esencial es felizmente inclasificable, porque Anchou tiene su propia poética, una forma
personalísima de combinar la gravedad con el desparpajo, una ética de la insolencia.
Fernando M. Peña
Goyo Anchou
The plot could be summarized this way: young Mariano suffers a violent rejection with a
heterosexual friend, unleashes his hate against the (patriarchal) order of the world, and
finally finds peace, and fondly awaits for the revolution. But what’s unique about this film is
that it doesn’t rely on its themes as much as it does on the way Anchou chooses to narrate
them: Mariano’s odyssey unfolds in a literally infinite superimposition of both familiar and
unfamiliar visual and sound textures, in an almost permanent counterpoint with a voiceover
that (successfully) ensures a transformation of the banal into something extraordinary. The
music accompanies throughout the entire journey and recurrently invades the image mainly
in the form of a guitar, creating the necessary atmosphere for each fragment right before
our generally stunned eyes. The end result has some kinship with Ernesto Baca’s work and
some experiences from the Digital Neo-expressionism –the movement instigated by Ricardo
Becher. But essential is something joyfully unclassifiable, because Anchou has his own
poetics, a very personal way of combining graveness and ease, and an ethics of insolence.
FMP
A graduate from Universidad del Cine
in Buenos Aires, he co-wrote the books
Industria y clasicismo and Modernidad
y vanguardias. He was a programmer
for the Mar del Plata Film Festival,
worked in the artistic production of the
first edition of Ventana Sur film market,
and designed the exhibition strategy
of state-run Espacio Incaa Km 3 Artecinema. In 2003 he finished Safo,
a feature-length film made with his
students from Universidad del Cine, and
in 2011 he released La peli de Batato
(co-directed with Peter Pank) in Bafici.
Graduado de la Universidad del Cine de
Buenos Aires, es coautor de los libros
Industria y clasicismo y Modernidad
y vanguardias. Fue programador en
el Festival de Cine de Mar del Plata,
participó en la producción artística del
primer mercado Ventana Sur y diseñó
la estrategia de exhibición del cine
estatal Espacio Incaa Km 3 Artecinema.
En 2003 terminó Safo, largometraje
realizado con sus alumnos de la
Universidad del Cine, y en 2011 estrenó
La peli de Batato (codirigido junto a
Peter Pank) en el Bafici.
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Je suis Annemarie Schwarzenbach
My Name is Annemarie Schwarzenbach
Yo soy Annemarie Schwarzenbach
Francia / Suiza - France / Switzerland,
2014 / 86’ / DCP - DM / Color
Francés - French
D: Véronique Aubouy
G: Véronique Aubouy,
Thomas Cheysson, Yves Nilly
F: Hugues Gemignani
E: Colette Beltran / DA: Marie Fages
S: Florent Lavallée
M: François Marcelly-Fernandez,
Lam Son N’Guyen, Timon Koulmasis
P: Nathalie Trafford,
Alive Labbé Le Picard / CP: Outplay
I: Julia Perazzini, Nina Langensand,
Megane Ferrat, Pauline Leprince,
Valentin Jean, Stephen Loye
Calificación: ATP
De belleza andrógina y un charme melancólico que avivaba pasiones (la de Carson
McCullers, por ejemplo), Annemarie Schwarzenbach (1908-1942) fue una escritora de
singular lirismo, fotógrafa, reportera, trotamundos y arqueóloga suiza. Decididamente
antifascista –mal que le haya pesado a su madre, simpatizante nazi–, lesbiana, morfinómana
y amiguísima de los “terribles gemelos” Klaus y Erika Mann, no es de extrañar que su
intensa y breve vida sea recuperada. Empero, a diferencia de documentales como Une
Suisse Rebelle, de Carole Bonstein, o textos como Ella, tan amada, de Melania Mazzucco,
Je suis Annemarie Schwarzenbach suspende la intención meramente biográfica. Aquí, “el
ángel inconsolable”, como la definió Roger Martin du Gard, deviene en evocación celeste
que “guía” excursiones experimentales, alucinados juegos de rol. Apenas un prisma, un
pretexto que sirve a la realizadora francesa Véronique Aubouy para sostener la situación
de casting como género e interrogar –no sin cierta ingenuidad– el eros, las identidades
en tránsito, la utopía de la libertad, basando su búsqueda en las historias de las jóvenes
actrices y los actores convocados. Oscilante entre la memoria íntima y la semblanza, entre
la telerrealidad y la dramatización, entre el voyeurismo y un juego de circo, el ambiguo
resultado intenta la identificación empática con un personaje tan atractivo como complejo.
Y, de contar con la buena voluntad de su audiencia, probablemente lo logre por momentos.
Guadalupe Treibel
With an androgynous beauty and a melancholic charm that triggered inflamed passion
(such as Carson McCullers, for instance) Annemarie Schwarzenbach (1908-1942) was
a Swiss writer of unique lyricism, a photographer, a reporter, a world traveller, and an
archeologist. A strongly anti-fascist –despite of her Nazi-sympathizing mother– lesbian
who was addicted to morphine and a close friend to the “terrible twins” Klaus and Enrika
Mann, it doesn’t come as a surprise that her intense and short life is now recuperated.
However, unlike documentaries such as Carole Bonstein’s Une Suisse Rebelle or texts
like Melania Mazzucco’s Ella, tan amada, Je Suis Annemarie Schwarzenbach suspends
its merely biographical intention. Here, the “inconsolable angel”, as Roger Martin du Gard
once described here, becomes heavenly evocation that “guides” experimental excursions,
hallucinated role-plays. Barely a prism, a pretext for French filmmaker Véronique Aubouy to
hold the casting situation as a genre, and question –not without some ingenuity– the Eros,
the identities in transit, the utopia of freedom, basing her research on the stories of the
young actresses and actors. Oscillating between intimate memory and portrayal, between
tele-reality and dramatization, voyeurism and circus play, the ambiguous result aims for
an empathic identification with an attractive and complex character. And, through the
audience’s good will, it will probably achieve that.
GT
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Contacto / Contact
Outplay - Philippe Tasca-Roochvarg
+ 33 (0)1 48 57 49 97
[email protected]
outplay.fr
Véronique Aubouy
Nació en Francia en 1961, y dirigió
cortometrajes como The Silence of the
Summer (1993), estrenado en Un Certain
Regard, y documentales como I’m Not
an Angry Man (2002), un retrato de
Edward Bond para el canal Arte. Desde
1993 dirige una película maratón, en la
que filma a gente de diversos contextos
leyendo En busca del tiempo perdido,
de Marcel Proust. Presentada como
video-instalación en varios museos,
Proust Lu tiene hoy una duración de
106 horas y casi 1100 lectores. Je suis
Annemarie Schwarzenbach es su primer
largometraje.
She was born in France, and directed
several short films, including The Silence
of the Summer (1993)–premiered in Un
Certain Regard– and documentaries
such as I’m Not an Angry Man (2002), a
portrait of Edward Bond for Arte network.
Since 1993 she’s directing a marathon
film in which she records people from
different backgrounds reading Re-search
of Lost Time by Marcel Proust. Shown as
a video-installation in many museums,
Proust Lu currently lasts 106 hours and
features nearly 1100 readers. Je Suis
Annemarie Schwarzenbach is her first
feature-length film.
Alemania / Hungría Germany / Hungary, 2014
Alemán / Húngaro German / Hungarian
D: Ádam Császi,
G: Ádam Császi, Iván Szabó
F: Marcell Rév
E: Tamás Kollányi
DA: Nóra Takács
S: Gábor Balázs, György Rajna
M: Csaba Kalotás
P: Eszter Gyárfás, Viktória Petrányi
CP: Proton Cinema
I: András Sütő, Ádám Varga,
Sebastian Urzendowsky, Enikő Börcsök
Calificación: +18
En los partidos de fútbol o en los vestuarios alemanes, Szaby soporta las reglas y el acoso
de un entrenador sádico, aunque el clima que encuentra cuando regresa a su rústico
pueblo húngaro no es menos violento. El traslado del protagonista apenas tiene una
mención irrelevante, porque no es este un film de trayectos geográficos, ya sean físicos
o psicológicos. En este sentido, la mención de que la ficción se basa en un hecho real no
apunta al documento sino al dato político que subyace en los acontecimientos que empujan
los sentimientos y la pasión hasta precipitarse. Uno de los méritos de Ádám Császi es
su manejo virtuoso de los espacios por los que mueve a personajes que no terminan de
encontrar un lugar definitivo para vivir con plenitud ya no su identidad, sino su elección
sexual. Los paisajes, climas e interiores tienen aquí la densidad que les otorgan los cuerpos
en su desplazamiento, como en la tradición del mejor cine húngaro. La concentración en
esos cuerpos masculinos no rompe, sin embargo, un tono reflexivo y de intenso erotismo
a la vez. Notable dosificación del tiempo narrativo que finalmente certifica un sutil pasaje,
para los protagonistas y los espectadores: el que va de la incertidumbre a la inquietud, tal
cual sucede con los circuitos de la pasión amorosa.
Ana Amado
Szaby puts up with the rules and the harassment of a sadistic coach in German soccer
matches and dressing rooms, although the atmosphere he finds when he returns to his rustic
Hungarian hometown isn’t less violent. The main character’s journey is barely mentioned,
because this isn’t a film about geographical routes, either physical or psychological. In
this sense, the reference that the fiction is based on an actual event does not intend to
document but to provide a political piece of information lying beneath the events that push
feelings and passion until they precipitate. One of Àdám Császi’s merits is his virtuous
handling of the spaces where his characters move, as they can’t seem to find a definitive
place to fully live not so much their identity as their sexual choice. In the tradition of the
finest Hungarian cinema, here the landscapes, atmospheres and interiors have a density
provided by those moving bodies. Yet the concentration of these male bodies isn’t enough
to break up the tone, which is at once pensive and erotic. A remarkable way of storytelling
pace that ends up certifying a subtle passage, both for the characters and the audience: the
one from uncertainty to restlessness, as it happens with the circuits of loving passion.
AA
Contacto / Contact
m-appeal
Maren Kroymann
+49 (0) 30 61507505
[email protected]
m-appeal.com
Ádam Császi
Nació en Hungría en 1978 y estudió
en la Universidad de Teatro y Cine. En
2003 realizó su primer corto, Seven
Days, y en 2008 presentó su corto
Weak Days en la Semana de Cine
de Hungría, donde ganó el premio a
Mejor Cortometraje. En 2009 filmó
Celebration, presentado en el Festival
de Cine de Varsovia. También dirige
comerciales y videoclips, además de
pintar y escribir poesía.
Born in Hungary in 1978, he studied at
the University of Theatre and Film Arts
and made his first short film Seven Days
in 2003. In 2008 his short film Weak
Days screened at the Hungarian Film
Week, where it won Best Short Film. It
was followed in 2009 with Celebration,
which screened at Warsaw Film
Festival. An artist and a poet, he also
directs commercials and music videos.
27
Land of Storms
Viharsarok / Tierra de tormentas
Night Flight
Yagan bihaeng / Vuelo nocturno
Corea del Sur - South Korea, 2014
134’ / DCP / Color
Coreano - Korean
D, G, E: Hee-il Leesong
F: Ji-woon Yoon
DA: Shin-hye Lee
S: Soundway
P: Il-kwon Kim
CP: Cinema DAL
I: Si-yang Kwak, Jae-joon Lee,
Jun-ha Choi, Chang-hwan Kim,
Hyuk-kwon Park, Mi-hyun Park,
Hyun-sung
Calificación: +13
Night Flight transcurre en ese espacio privilegiado de lo narrativo que es la adolescencia,
ese momento en que la subjetividad se ve trastocada por un deseo desconocido y, por
lo tanto, se devela como incómodo e inconfesable. Aquí dos amigos de la infancia se
enfrentan, entre sí y a ese deseo, de manera descarnada, violenta, desbordada y confusa.
El deseo homoerótico es tan irreverente y demencial como la realidad que padecen ambos
en un vuelo oscuro que no parece tener fin. Hay una desenfrenada presión por parte de los
adultos que los rodean por convertirlos en personas exitosas y, aunque para las familias
de cada uno el concepto de éxito no es el mismo, sí se juega a fondo una necesidad de
convertir a esos adolescentes en líderes de algo. Ser el más fuerte de la pandilla o ser el
que entra a la universidad más prestigiosa de Corea: la presión que se ejerce sobre ambos
protagonistas solo puede derramarse en crueldad y ostracismo. La maniobra épica y visual
a la que nos expone Hee-il Leesong hace referencia a un cine que aquí ha circulado mucho
por festivales pero que en este caso va un paso más allá y despliega en su puesta una
intimidad psicoafectiva muy poco transitada, encarnada por personajes que vacilan entre la
intimidad del deseo y su posición social, entre la subjetividad y una realidad en ruinas, entre
la violencia y lo entrañable.
Albertina Carri
Night Flight takes place in that privileged narrative space that is adolescence, at time when
subjectivity is disrupted by an unknown desire and therefore revealed as uncomfortable
and shameful. Here, two childhood friends face both each other and that desire in a brutal,
violent, excessive and confusing way. Homoerotic desire is so irreverent and demented as
the reality both of them endure in a seemingly endless night flight. The grown-ups around
them apply lots of pressure for them to become successful, and even though each of
their families have different views on success, both of them work hard on turning those
teenagers into leaders of something. Whether it is being the strongest in the pack, or being
the one admitted into the most prestigious university in Korea –the pressure placed on
both protagonists will only turn into cruelty and ostracism. Leesong Hee-il’s epic and visual
maneuvering references a cinema that has had its run at local festivals, but in this case it
goes one step beyond, and deploys in its staging an unusual psycho-affective intimacy,
embodied by characters who are torn between the intimacy of desire and their social
position; between subjectivity and a reality in ruins; between violence and endearment.
AC
28
Contacto / Contact
Finecut
+822 569 8777
[email protected]
finecut.co.kr
Hee-il Leesong
Entre 1999 y 2006 dirigió numerosos
cortometrajes que fueron
seleccionados en los festivales de
Berlín, Pusán y Hong Kong. Su film
No Regret (2006), primer largometraje
del género melodrama queer hecho en
Corea del Sur, fue un inusual récord
de taquilla dentro de las películas
independientes de ese año. En 2012
presentó en los festivales de Vancouver,
OUTFEST, Los Ángeles y Montreal
la trilogía gay conformada por White
Night, Suddenly, Last Summer y Going
South, que puso en foco la esencia del
melodrama queer.
Between 1999 and 2006, he directed
a number of short films that were
selected at the Berlin, Pusan and
Hong Kong film festivals. His film
No Regret (2006), the first queer
melodrama made in South Korea, was
an unusual box-office hit among that
year’s independent films. In 2012, he
presented the gay trilogy made up of
White Night, Suddenly, Last Summer,
and Going South, which focused on
the essence of queer melodrama at the
Vancouver, OUTFEST, Los Angeles and
Montreal film festivals.
The Duke of Burgundy
El duque de Burgundy
Reino Unido - UK, 2014
Inglés - English
D, G: Peter Strickland
G: Peter Strickland
F: Nic Knowland BSC
E: Mátyás Fekete
DA: Rénató Cseh
S: Rob Entwistle
M: Cat's Eyes
P: Andy Starke
PE: Lizzie Francke, Anna Higgs,
Amy Jump, Ildiko Kemeny,
Ildiko Kemeny
I: Sidse Babett Knudsen,
Chiara D'Anna
Calificación: +18
El coleccionismo de insectos como metáfora del sexo parece ajeno, pero si se piensa en
el acecho paciente, en la violencia pequeña y precisa que se requiere para fijar a la presa
con alfileres, en la mezcla de horror y deslumbramiento que hay en el cuerpo peludo de
cada polilla y mariposa, algo hace contacto y saltan chispas. Algo como una perversión
elegante, la misma que reúne a las protagonistas de The Duke of Burgundy en una casa
de ubicación tan imprecisa como los sueños. Cynthia (Sidse Babett Knudsen) es la que
manda, usa tacos altos, medias translúcidas y polleras entalladas, y aunque a veces le toca
castigar a la mucama por no haberle lavado como corresponde las bombachas de encaje,
la vacilación con que obedece los pedidos de Evelyn (Chiara D’Anna) hace tambalear los
roles. Evelyn es la que limpia, llega a la casa de su amante en bicicleta y con una capa que
le da un aire de colegiala sumisa. Le gusta que la patrona la ate y le aplaste la cara entre las
piernas. El movimiento entre las dos, ese aleteo que va y viene del erotismo a la crueldad,
es lo que Peter Strickland –un obsesionado del sonido– trata de capturar con morosidad de
entomólogo en un clima alucinado, pautado por vuelos de polillas y chillidos de insectos.
Marina Yuszczuk
Insect collecting as a metaphor for sex seems strange, bit if you think about the patient
luring, the small and precise violence required to pin down a pray with needles, the mixture
of horror and amazement there is in the hairy body of every moth and butterfly, then
something clicks and sparks fly. It’s something the likes of an elegant perversion, the same
kind that unites the protagonists of The Duke of Burgundy in a house located in a place
as imprecise as dreams are. Cynthia (Sidse Babett Knudsen) is the one in charge: she
uses high heels, see-thru stockings, and tight skirts, and although sometimes she has to
punish the maid for not washing the laced underwear properly, the way she vacillates when
obeying the requests of Evelyn (Chiara D’Anna) makes the roles crumble. Evelyn is the one
who cleans, when she arrives to her boss’ home in a bicycle with a cape that gives her a
schoolgirl look. She likes for her boss to tie her up and shove her face between her legs.
The movement between them, like a flapping that oscillates between erotica and cruelty, is
what Peter Strickland –who is obsessed with sound– tries to capture with an entomologist’s
patience in a hallucinated atmosphere, marked by moths flying and insects squeaking.
MY
Contacto / Contact
IFC Films
Sarah Orazio
+1 646 273 7256
[email protected]
ifcfilms.com
Peter Strickland
Nació en 1973 y se crió en Reading,
Berkshire, donde fue miembro del
Progress Theatre. En 1997, su corto
Bubblegum fue exhibido en el Festival
de Cine de Berlín. Filmó su primer
largometraje, Katalin Varga, en 2006;
su segunda película, Berberian Sound
Studio (2012), obtuvo el premio a
Mejor Película en la Competencia
Internacional de Bafici. The Duke of
Burgundy es su tercer largometraje.
He was born in 1973 and grew up in
Reading, Berkshire, where he was a
member of Progress Theatre. In 1997,
his short film Bubblegum was entered
in the Berlin Film Festival. He filmed his
first feature Katalin Varga in 2006. His
second film, Berberian Sound Studio
(2012), obtained the Best International
Film Award at BAFICI. The Duke of
Burgundy is his third feature film.
29
Competencias
Competitions
Competencia
de cortometrajes
Short Films Competition
Competitions • Short Films Competitions
Afirmar con ello otro mundo
Thus Affirm Another World
Argentina, 2014
3’ / DM / b&n
Español - Spanish
D, G, F, E, DA, S, M, P: Melisa Aller
I: Eleonora Paoletti
Calificación: ATP
Contacto / Contact
Melisa Aller
15 6 8578942
[email protected]
[email protected]
melisaaller.com
been too long at the FAIR
Hace mucho que no vamos
al FAIR
6’ / DM / Color
Inglés - English
D, P, PE: Charles Lum, Todd Verow
G: Charles Lum
F: Charles Lum, Todd Verow, Paul Wirhun
E, S, M: Todd Verow
CP: clublum, Bangorfilms
I: Paul Wirhun, Joe Wakeman, David White
Calificación: +18
Contacto / Contact
clublum - Charles Lum, Todd Verow
+1 917 319 2525 / +1 917 371 8765
[email protected]
[email protected]
clublum.com / bangorfilms.com
34
En blanco y negro, en Super 8 y con orquesta, Afirmar con ello otro mundo
roza la abstracción, hace de la figuración y la referencia formas que se
gozan por eso mismo que son: luces y sombras, movimiento. Un cuerpo
vestido de negro –la única piel a la vista es la de la garganta, el mentón, la
boca y la nariz– lucha con un buzo a rayas horizontales también blancas
y negras. Los cuadros saltan, la imagen tiene las marcas propias de la
película, se escuchan las ruedas del proyector, la música que transmite la
desarmonía de un cuerpo en pugna. La lucha por la Identidad de Género ya
tiene su obra de arte.
Gabi Cabezón Cámara
In black and white, in Super 8 and with an orchestra, Afirmar con ello otro
mundo borders on abstraction, turns the figurative and the referential into
shapes that are enjoyed merely for what they are: lights and shadows.
Movement. A body all dressed in black –the only skin we see is that of its
throat, chin, mouth and nose– struggles with a sweatshirt with horizontal
stripes that are also black and white. The frames are jumpy; the image
features the typical marks of film; we can hear the projector running, the
music that transmits the dissonance of a struggling body. The fight for
Gender Identity now has its work of art.
GCC
Melisa Aller
Nació en Boulogne Sur Mer en 1979. Se graduó como licenciada en ciencias
políticas en la Facultad de Ciencias Sociales de la UBA, y en su afán de
convertirse en cineasta cursó la carrera de Dirección de Cine y Video en el
CIEVYC. También estudió varios años con el director de cine experimental
Claudio Caldini. Sus obras han sido seleccionadas en más de una decena de
festivales de cine en Argentina y en el exterior.
She was born in Boulogne Sur Mer in 1979. She majored in Political Sciences
at the Social Sciences School in the UBA, and enrolled in the Film and
Video Directing program of CIEVYC. She also trained for several years with
experimental filmmaker Claudio Caldini. Her work has been selected by more
than a dozen film festivals, in Argentina and abroad.
Como quien entrega su caja de los recuerdos y a la vez inevitablemente
se confiesa, been too long at the FAIR nos instala desde su título en ese
estado de nostalgia y celebración que es la tarea de recordar. El film es
conducido por una voz en off que nos hace sentir que estamos sentad*s
en la mesa de un bar, fumando y bebiendo, escuchando entre risas alegres
y a veces celosas las peripecias sexo-afectivas de una comunidad que
no ha dejado que su deseo ni su orgullo se vean serrados siquiera por
la acechanza del VIH. Fiel a su histriónica mirada del mundo gay (y en
particular del mundo entero), Charles Lum nos cuenta, en poco menos de
20 minutos, las dos décadas a las que se ha visto gozosamente sometido
el mítico bar Fair de la ciudad de Nueva York.
Albertina Carri
Just like someone who delivers their box of memories and inevitably
confesses at the same time, been too long at the FAIR puts us, right from
its title, in that state of nostalgia and celebration the job of remembering
actually is. The film is driven by a voiceover that makes us feel like we’re
sitting at a bar table, smoking and drinking, listening between joyful,
sometimes jealous laughs, the sexual-affective adventures of a community
that hasn’t let its desire or its pride be sawed off –not even by the dangers
of HIV. Faithful to his histrionic eye on the gay world (and the whole world
in particular), Charles Lum tells us, in less than 20 minutes, about the two
decades New York’s mythical bar Fair has been joyfully submitted to.
AC
Charles Lum & Todd Verow
Charles es actor y director, y realizó los cortos Auto-pilot (2005) y Howie
(2006), entre otros. Todd es director y director de fotografía, y realizó los largos
Vacationland (2006), Little Shots of Happiness (1997) y Once and Future Queen
(2000). Juntos filmaron el corto Tom’s Gift (2012) y los largos The End of Cruising
(2013) y Age of Consent (2014), proyectado en Asterisco en 2014. been too long
at the FAIR es su cuarto trabajo como codirectores.
Charles is an actor and director. He made the short films Auto-pilot (2005) and
Howie (2006), among others. Todd is a director and cinematographer, known for
Vacationland (2006), Little Shots of Happiness (1997) and Once and Future Queen
(2000). Together they directed the short Tom’s Gift (2012) and the feature films
The End of Cruising (2013) and Age of Consent (2014), screened at Asterisco in
2014. been too long at the FAIR is their fourth work as co-directors.
Argentina, 2015 / 10’ / DM / Color
Italiano - Italian
D, E, DA: Fredo Landaveri
G: Fredo Landaveri, Nicolás Araujo
F: Barbu Love / S: Juan Caille
P: Javier Boviez, Nicolás Araujo, Mariano Toledo,
Barbu Love, Juan Caille, Fredo Landaveri
PE: Fredo Landaveri, Barbu Love / I: Pablo Novak,
Nicolás Araujo, Maximiliano Rivera, Cristina Voto
Desde las ruinas de la inundación de Epecuén –un pueblo balneario de la
provincia de Buenos Aires–, un viejo reinventa su historia afectiva como último
habitante, y un chico y su novio experimentan la historia de su amor. Los
amantes como parias, expatriados, repatriados, exiliados, caídos del mapa
de la arquitectura del mundo actual. El viejo espía cómo ellos hacen todo de
a dos, cómo esa necrópolis del amor se recorre y se vive desde el vistaje del
dos. Y será la obsesión personal, la fantasía del uno lo que arruine este amor.
Si en el siglo de los narcisismos, de la autoexplotación y de la ecología del
amor solo es posible cartografiarse en una arquitectura en ruinas, ¿cómo no
hundirnos en el naufragio de un amor sin quedarnos más solos que nunca?
Silvio Lang
Amidst the ruins left by the flood of Epecuén, a tourist town in the
province of Buenos Aires, an old man reinvents his emotional history as
its last inhabitant, and a young man and his boyfriend experience the
story of their love. Lovers as outcasts, expatriates, repatriates, exiles,
fallen from the map of the architecture of today’s world. The old man
spies on the way they do everything together, the way the two travel
around and experience that love necropolis. And that love will be ruined
by an individual obsession, a fantasy of one. If now, in the century of
narcissisms, self-exploitation and the ecology of love we can only be
mapped on buildings in ruins, how can we not sink into the shipwreck of a
love affair without ending up lonelier than ever?
SL
Fredo Landaveri
Calificación: ATP
Realizó videoclips para diversos artistas como Dani Umpi, Wendy Sulca y Los
Sultanes. Junto a Mariano Toledo, codirigió Disco Limbo, que participó del WIP
de Asterisco 2014. El videoclip que dirigió para la canción “Mi novio gremlin”
(2011), de Carmen Sandiego, está programado en la sección Clips Modernos de
esta edición del Festival.
Contacto / Contact
Vaca Ninja - Fredo Landaveri
+54 9 11 5709 4278
[email protected]
[email protected]
He has made music videos for such artists as Dani Umpi, Wendy Sulca and Los
Sultanes. Together with Mariano Toledo, he co-directed Disco Limbo, which was
part of Asterisco 2014’s WIP. The music video he directed for Carmen Sandiego’s
song “Mi novio gremlin” (2011) is programed in the Modern Clics section of the
current edition of the Festival.
Cosmic Anxiety
Ansiedad cósmica
La ansiedad cósmica según Kierkegaard es el resultado de la mente finita
horrorizada por su propia finitud. En Cosmic Anxiety no hay horror sino un
amoroso transcurrir entre dos amig*s; ella y él experimentan el cosmos
con la cadencia infinita que les da a su cuerpo el hecho de sentirse junt*s.
Renato Muro nos entrega un film tan íntimo como ilimitado, con imágenes
que emulan una puesta documental, un ritmo interno que despliega afecto
y planos de cine clásico realizados con recursos modernos y livianos que
les permiten a sus protagonistas (y guionistas) retratar una ansiedad llena
de cosmos, llena de espacio(s) interior(es) y exterior(es).
Albertina Carri
Italia - Italy, 2015
20’ / DM / Color
Italiano - Italian
D: Renato Muro
G: Antea Moro, Renato Muro, Giulio Rizzo
F: Filomena Montesano
E: Artemide Alfieri
DA: Silvia Colafranceschi
S: Emanuele Giunta
M: Treestakelife
PE: Claudia Contento, Zoe Giudice
CP: CSC Production
I: Salvatore de Pompeis, Claudia Festa,
Gabriele Penteriani, Guglielmo Poggi
Calificación: ATP
Contacto / Contact
CSC Production
Carla Manfredonia
[email protected]
According to Kierkegaard, cosmic anxiety is the result of a finite mind
horrified by its own finiteness. Cosmic Anxiety features no horror, but a
loving time spent between two friends; she and him experiment the cosmos
with the infinite cadence they experience in their bodies because of the
fact that they feel together. Renato Muro delivers a film as intimate as it
is unlimited, with images that emulate a documentary, an inner core that
deploys affection, and classic shots with modern and light resources that
allow its characters (and screenwriters) to portray a cosmos filled with
anxiety, and with inner and outer space(s).
AC
Renato Muro
Nació en Italia en 1986. A los 15 años dirigió su primer cortometraje y ganó
varios premios. Se graduó del Instituto de Arte de Nápoles y estudió en la
Academia de Cine y Televisión de Cinecittà, fundada por Michelangelo Antonioni.
Trabajó como cameraman, montajista y asistente de dirección. En 2015 se
graduó de la Escuela Nacional de Cine de Italia en el Centro Sperimentale di
Cinematografia en Roma. Dirigió más de diez cortometrajes y documentales,
incluyendo Il Manichino y Colla.
He was born in Italy in 1986. At the age of 15 he directed his first short film,
which won numerous awards. He graduated in painting at the Art Institute of
Naples, and attended the Academy of Film and Television at Cinecittà, founded
by Michelangelo Antonioni. He worked as a cameraman, editor and assistant
director. In 2015 he graduated at Italian National Film School of the Centro
Sperimentale di Cinematografia in Rome. He has made over 10 short films and
documentaries, including Il Manichino and Colla.
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Competencias • Competencia de cortometrajes
Como pez en el aire
Like a Fish on Air
Come pesce nell’aria
Competitions • Short Films Competitions
El novio actual
The Current Boyfriend
Argentina, 2015
9’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G: Martín Shanly, Jerónimo Quevedo
F: Roman Kasserroler, Joaquín Neira, Victoria Pereda
E: Martín Shanly / DA: Dolores Zulueta, Victoria Marotta
S: Nicolás Payueta, Virginia Scaro / P: Victoria Marotta
PE: Martín Shanly, Jerónimo Quevedo, Victoria Marotta
I: Martín Shanly, Jerónimo Quevedo, Agustina Pulfer,
Leandro Listorti, Francisco Lezama, Renzo Cozza,
Juan Marcos Córdoba, Mauro Duek
Calificación: ATP
Contacto / Contact
Victoria Marotta
+54 20677184
[email protected]
[email protected]
Happy & Gay
Feliz y gay
10’ / DM / b&n
Inglés - English
D, G, F, E, DA, P, PE: Lorelei Pepi
S: John Koczera, Danny Blume
M: Brian Carpenter
I: Leah Callahan, Brian King, Brian
Carpenter, Charlie Miller, Lorelei Pepi
Calificación: ATP
Contacto / Contact
Lorelei Pepi
[email protected]
[email protected]
happyngay.com
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Una cineasta se reencuentra con su ex novio, quien interpreta un papel
en su nueva película, en la que se debate la autenticidad o falsedad de un
beso en una escena gay, con backstage incluido. ¿Metacine o metagay?
El cine gay dentro del cine o el cine dentro del cine gay, variaciones de un
dédalo de representaciones. El novio actual se alimenta de humor lateral,
de lo político del deseo como charla de cocina, de la observación sin
parpadeos de lo que somos y lo que fingimos ser, como un núcleo que se
reinterpreta con gestos siempre distintos, una vez como drama y otra como
comedia, casi sin saber cuál es cuál.
Diego Trerotola
A filmmaker reunites with his ex-boyfriend, who plays a part in his new
film, in which the authenticity or falseness of a kiss featured in a gay
scene is debated, including behind-the-scenes footage. Metacinema or
metagay? Gay-film-within-a-film or film-within-gay-film, variations of a
tangle of representations. The Current Boyfriend feeds on lateral humor,
from the political nature of desire as a colloquial talk, from the unblinking
observation of what we are and what we pretend to be, like a nucleus that
is reinterpreted with gestures that are different every time, once as a drama
and once as a comedy, barely knowing which is which.
DT
Martín Shanly & Jerónimo Quevedo
Martín nació en 1988 en Buenos Aires y estudió dirección cinematográfica en la
Universidad del Cine. Juana a los 12, su primer largometraje, fue estrenado en el
Bafici de 2014. Jerónimo nació en 1986 y estudió cine en la Universidad del Cine
y en la Di Tella. Dirigió los cortometrajes La mujer perseguida (2013) y Enfrentar
animales salvajes (2014) y produjo los largos Errata, Marea baja y Los tentados.
Martín was born in 1988 in Buenos Aires and studied at the Universidad del Cine.
About 12, his first feature, premiered at Bafici 2014. Jerónimo was born in 1986
and studied film at the Universidad del Cine and Di Tella. He directed the shorts
A Woman Being Followed (2013) and To Face Wild Animals (2014) and produced
the features Erratum, Low Tide and Tempted.
La animación de antaño, que genera absurdo de trazo simple, puede
asociarse rápidamente con el Gato Félix o con los primeros cortos
de Mickey: parcelas de ADN del sinsentido idolatradas por los límites
abollados sin reglas y con encanto. Happy & Gay actualiza, enamorada,
ese imaginario visual desde su réplica de aquella animación y sus merry
melodies, pero lo hace de forma juguetona y rabiosa: hay un bar gay
clandestino, dos parejas del mismo sexo, diversión animal y de vodevil, y
un Jesús que muestra su apoyo a quienes se aman (sobre todo los que lo
hacen honesta y absurdamente). Una gema que merece su lugar en una
máquina del tiempo para definir y vencer los límites de aquello que es
considerado sagrado.
Juan Manuel Domínguez
Old-time animation, which generates absurdity from a simple trace, can be
rapidly associated with Felix the Cat or Mickey’s first shorts: plots of DNA
of the senseless worshiped by limits, which get dented with charm and no
rules. Happy & Gay lovingly updates that visual imaginary by replicating
that kind of animation and its merry melodies, but it does so in a playful,
rabid way: there is a clandestine gay bar, two same-sex couples, animal
and vaudeville fun, and a Jesus that shows its support to those who love
each other (especially those who do so honestly and absurdly). A gem that
deserves its place in a time machine, in order to define and defeat the limits
of what is considered to be sacred.
JMD
Lorelei Pepi
Cineasta de animación independiente ganadora de varios premios
internacionales. Vive en Vancouver, Canadá, y trabaja en el departamento de
animación de la Universidad Emily Carr. Sus trabajos se relacionan con temas
políticos e históricos y abarcan cuestiones sexuales y de identidad LGBT.
She is an internationally award-winning independent animation filmmaker living
in Vancouver, and just recently joined the Animation Dept. at Emily Carr. Her work
engages with issues of political and historical representation, the sexual body
and the LGBT identity.
Kumu Hina: A Place in the Middle es un instante en la vida de unx joven
hawaianx. Es, también, un gesto de reclamo –la reapropiación y celebración
del propio cuerpo a partir del retorno a las tradiciones– y un voto de
confianza: otras pedagogías son posibles. A partir de estas certezas, las
ficciones binarias coloniales, occidentales y modernas se presentan como
el espacio simbólico que el cuerpo de Ho’onani Kamai interrumpe. Con
lenguaje sencillo, el corto nos interpela: asi como ‘aloha’ es hola y adiós
pero, sobre todo, amor, también las personas pueden sentir y ser pensadas
en términos inclusivos: no esto o lo otro sino todo.
Laura Arnes
Kumu Hina: A Place in the Middle is an instant in the life of a young
Hawaiian. It is also a gesture of protest –the reappropriation and celebration
of one’s own body through a return to tradition– as well as a vow of trust:
other pedagogies are possible. It is through these certainties that colonial,
Western and modern binary fictions present themselves as the symbolic
space Ho’onani Kami’s body interrupts. With a simple language, the short
film speaks to us: just like ‘aloha’ means ‘hello’ and ‘goodbye’ but, above
all, love, people can also feel and be thought of in inclusive terms: not this
or that, but everything.
LA
Estados Unidos / Fiji - USA / Fiji, 2014
25’ / DM / Color / Inglés - English
D: Dean Hamer, Joe Wilson
G: Hina Wong-Kalu / E: Nesl Bangerter
DA: Jared Greenleaf / M: Makana
P: Dean Hamer, Joe Wilson
I: Hoʻonani kamai, Jozie kamai, Hina Wong-Kalu
Calificación: ATP
Contacto / Contact
Qwaves - Dean Hamer
+1 808 629 9895
[email protected]
AplaceintheMiddle.org / KumuHina.com
O clube
The Club / El club
Dean Hamer & Joe Wilson
Sus trabajos ganaron premios en más de cien festivales en todo el mundo, y
son utilizados como herramientas educacionales en escuelas y organizaciones
comunitarias. Su primer documental, Out in the Silence, fue exhibido en el
Lincoln Center. En 2011 se mudaron al norte de O'ahu, Hawaii, para trabajar con
Kumu Hina.
Their films won awards at over 100 film festivals across the world, and are
used as educational tools by a wide range of community and educational
organizations. Their first documentary feature, Out in the Silence, premiered at
Lincoln Center. In 2011, Hamer and Wilson moved to the north shore of O'ahu,
Hawaii to begin work on Kumu Hina.
Los lugares de encuentro lgbtiq en Latinoamérica fueron una de las formas
de resistencia ante la persecución sistemática de la diversidad sexual
durante décadas, especialmente en las dictaduras. Este corto hace foco
en el Club OK, el más viejo del continente, que celebra sus 53 años. Y en
cada arruga de sus habitués, cada mohín de transformistas, cada voluta de
cigarrillo que corta el aire, cada brillo de la bola de espejos se adivina un
destello de supervivencia, de memoria y de tradiciones que se respiran y se
pueden cantar como himnos comunitarios.
Diego Trerotola
For decades, lgbtiq meeting spots in Latin America were one of the forms of
resistance against the systematic persecution of sexual diversity, especially
during dictatorships. This short focuses on the OK Club, the oldest in the
continent, which celebrates its 53rd anniversary. And in every wrinkle of
its regular costumers, every face made by a quick-change artist, every
cigarette spiral that cuts the air, every sparkle of the disco ball, one can
notice a glimmer of survival, of memory and of traditions that are breathed
and can be sang like anthems of a community.
DT
17’ / DM / Color + b&n
D, E: Allan Ribeiro / G: Douglas Soares,
Allan Ribeiro / F: Lucas Barbi
DA: Douglas Soares, Giovani Barros
S: Thiago Yamachita
M: Jeanne Moreau, Marlene y Glória Lasso
P: Lucas Murari PE: Raquel Rocha
CP: 3 Moinhos Produções
I: Elaine Parker, Sophya Monroe,
Patrícia San Lorran
Calificación: ATP
Allan Ribeiro
Es director, guionista y editor. Filmó los cortometrajes Depois das nove (2008), A
dama do peixoto (2010) y Mais do que eu possa me reconhecer (2015), y el largo
documental Esse amor que nos consomé (2012), codirigido con Douglas Soares.
Su largometraje Ensaio de cinema se exhibe en esta edición de Asterisco.
He is a director, screenwriter and editor. He directed the short films Depois
nas nove (2008), A dama do peixoto (2010), and Mais do que eu possa me
reconhecer (2015), and the documentary feature Esse amor que nos consomé
(2012), co-directed with Douglas Soares. His feature film Ensaio de cinema is
screened in this edition of Asterisco.
Contacto / Contact
3 Moinhos Produções
Allan Ribeiro
+55 21 25492704
+55 21 997029009
[email protected]
37
Competencias • Competencia de cortometrajes
Kumu Hina:
A Place in the Middle
Kumu Hina:
Un lugar en el medio
Competencias
Competitions
Work in Progress
Competitions • WIP
Estero profundo
Swampland
Argentina
D: Jonatan Villar
Contacto / Contact
Binomio
Jonatan Villar
+54 9 11 3092 8558
[email protected]
[email protected]
facebook.com/
Esteroprofundo.lapelicula
Ariel y Emiliano (16) viven en un contexto familiar y social que
tiene relaciones conflictivas con la sexualidad. Mientras los
jóvenes experimentan situaciones que los ponen al límite de su
deseo, conocen manifestaciones violentas en su comunidad e
intentan rescatar otras identificaciones.
Ariel and Emiliano (16) live in a social and family context that
doesn’t get along with sexuality very well. While the young men
experiment situations that put them on the edge of desire, they
run into violent manifestations in their community and try to
retrieve other identifications.
Hoy partido a las 3
Match at 3 PM Today
Argentina
D: Clarisa Navas
Contacto / Contact
Clarisa Navas, María Laura
Buslemen
+54 9 11 6965 1869
+54 9 11 6696 0809
[email protected]
[email protected]
facebook.com/
hoypartidoalas3
En plena siesta litoraleña, el equipo de fútbol femenino Las
Indomables aguarda con ansiedad el comienzo de un torneo
barrial. Durante la espera suceden todo tipo de acontecimientos.
Amor, conflictos, política y hasta una lluvia, todo acecha la razón
por la que están ahí: jugar al fútbol cueste lo que cueste.
During naptime in the Littoral, female soccer team Las
Indomables anxiously awaits the beginning of a neighborhood
tournament. While they wait, all kinds of events take place.
Love, conflicts, politics, and even rain, everything seems to
threaten the very reason why they are there: to play soccer,
whatever it takes.
Karma
Argentina
D: Damián Erviti
Contacto / Contact
Damián Erviti
+54 9 11 4402 9549
[email protected]
En un pequeño pueblo de La Pampa, la familia de Manuela la
espera para festejar su cumpleaños número 22. Manuela llega
con Sofía. El paisaje de la llanura y la presencia de una cámara
nerviosa en la intimidad de los personajes indagarán acerca de
algunas historias del pasado que encontrarán su semejanza
ante un presente por venir.
In a small town in La Pampa, Manuela’s family awaits for her
in order to celebrate her 22nd birthday. Manuela arrives with
Sofía. The plain landscape and the presence of a nervous
camera in the intimate life of the characters will inquire about
some stories from the past, which will find their similarity
before an upcoming present.
Las lindas
The Pretty Ones
Argentina
D: Melisa Liebenthal
Melisa, de 24 años, habla con sus amigas sobre sus
experiencias de la niñez y la adolescencia ahondando en las
distintas implicancias que tuvo el hecho de ser mujer a lo
largo de sus vidas. Estos relatos contados en la intimidad son
contrapuestos alternadamente con la experiencia de Melisa, (re)
construida a partir de imágenes de su archivo personal, fotos
del álbum familiar y videos caseros.
Contacto / Contact
Eugenia Campos Guevara /
Melisa Liebenthal
+54 9 11 6003 0320
+54 9 11 5 3054 9331
Melisa, 24, talks with her friends about their childhood and
[email protected] teenage experiences, delving into the different implications
[email protected] being a woman has had throughout their lives. These intimately
told stories are alternately opposed with Melisa’s experience,
(re)constructed with images from her personal archive, photos
from the family album and home movies.
42
MOCHA - Teaching in Diversity
Argentina
D: Francisco Quiñones
Cuartas, Vida Morant
Contacto / Contact
GRONCHO Películas Bachillerato Trans Mocha
Celis / Rocio Pichirili
+54 9 11 5592 6624
[email protected]
[email protected]
facebook.com/Mochadoc
Documental que emerge desde la escuela en el marco de la
asignatura Metodología de la Investigación, narrado por l*s
estudiantes del bachillerato trans Mocha Celis. Se trata de un
relato vivo y en primera persona sobre el recorrido hacia la
inclusión e integración educativa en Argentina, en el que son l*s
alumn*s l*s que reconstruyen la memoria de su escuela.
Documentary that emerges from the school as part of the
subject Methodology of the Investigation, narrated by the
students from the Mocha Celis Trans School themselves. It is a
lively, first person account of the route to educational inclusion
and integration in Argentina, in which the students are the ones
who reconstruct the memory of their school.
No es de maricas llorar
Crying’s Not for Sissies
Argentina
D: Diego Schipani
Contacto / Contact
Diego Schipani
[email protected]
Durante la dictadura y los primeros años de la democracia,
el movimiento under porteño sufrió burlas y descalificaciones
por una gran parte de la sociedad. En ese submundo alejado
del mainstream se ubicaba el transformismo como forma de
expresión cultural. Esta película reúne a tres grandes actores
nacidos en ese ámbito.
During the dictatorship and the early years of democracy,
Buenos Aires’ underground movement suffered attacks and
disregard by a portion of society. In that subworld far from
local mainstream transvestism stood as a form of cultural
and artistic expression. This movie reunites three great
actors who emerged from there.
Príncipe y Príncipe… y otros cuentos
Prince & Prince… and Other Stories
Argentina
D: Nicolás Sorrivas
Contacto / Contact
Nicolás Sorrivas
+54 11 6961 4415
[email protected]
Valentina escribe una historia de amor entre un joven heredero
a la corona y su príncipe azul. Mientras tanto, su hermano
mayor Sebastián tiene sexo a escondidas con el nuevo mozo
del café donde trabaja, y Pablo, su mejor amigo, no se anima a
confesarle que está perdidamente enamorado de él. Valentina
descubrirá en ellos no solo el final de su cuento, sino también el
comienzo de una nueva historia.
Valentina writes a love story between a young heir to the crown
and his prince charming. Meanwhile, her older brother Sebastián
secretly has sex with the new waiter in the café where he works,
and Pablo, his best friend, does not dare to confess that he is
hopelessly in love with him. Valentina will not only find in them
the ending for her tale, but also the beginning of a new story.
T y El canto de Lilit
T and The Song of Lilith
Argentina
D: Emilia Faur
Contacto / Contact
Emilia Faur
+54 9 11 4825 7339
+54 9 11 5134 8827
[email protected]
Documental basado en una entrevista a Lohana Berkins,
presidenta de la Asociación de Lucha por la Identidad Travesti y
Transexual, responsable del área de Identidad de Género en la
Justicia, y presidenta de la Primera Escuela Cooperativa Nadia
Echazú. Su testimonio abarca desde los años del proceso hasta
sus conquistas en materia de políticas públicas y nuevas leyes
para una sociedad igualitaria.
Documentary based on an interview with Lohana Berkins,
president of the Association for the Fight for Transvestite
and Transexual Identity, head of the Gender Identity area in
the Judicial Power, and president of the Nadia Echazú First
Cooperative School. Her testimony ranges from the years of the
dictatorship to her conquests regarding public policies and new
legislation for an egalitarian society.
43
Competencias • WIP
MOCHA - Nuestra lucha. Su vida. Mi derecho
www.lahayepost.tv
Concurso de Videos en
Toma Única “Mi Aldea Queer”
Single-shot Video Contest
“My Queer Village”
Desde la Subsecretaría de Juventud creemos que es importante respaldar, fomentar y participar en actividades que le brinden a la comunidad la posibilidad de expresarse y tomar parte en los debates
que se dan en la actualidad. El Festival Internacional de Cine lgbtiq
Asterisco, que pone en juego la diversidad y la comunicación, no está
exento de estas actividades.
En ese sentido, el Estado nacional, lejos de estar al margen, garantiza y fomenta estos espacios desde hace doce años al instalar en la
agenda pública dichas temáticas. De esto son un ejemplo leyes como
la de Matrimonio Igualitario, la Ley de Identidad de Género y la Ley de
Servicios de Comunicación Audiovisual.
Entendiendo que la sociedad necesita hacer el ejercicio de repensar
sus propios conceptos, sabemos que es igual de importante que estos debates cuenten con un medio a través del cual hacerse visibles.
En esto los jóvenes cumplen un rol activo, no solo al participar en las
distintas discusiones que se dan actualmente, sino también al dar
cuenta de ellas a partir de producciones propias en las que deciden
contarse a sí mismos y relatar sus propias experiencias.
De esta manera, es de suma importancia el fortalecimiento de los debates que se dan alrededor de cuestiones tales como el derecho a la
identidad de género y a la diversidad sexual como parte de la batalla
cultural. Estamos ante la necesidad de modificar el sentido común en
torno a esos temas, y en favor de producir sentidos desde el relato
de los y las jóvenes. Por eso creemos que es fundamental garantizar
e impulsar la producción en comunicación, de lo cual el Concurso de
Videos en Toma Única “Mi Aldea Queer” es un claro ejemplo.
Subsecretaría de Juventud del Ministerio de
Desarrollo Social de la Nación
At the Undersecretary of Youth, we believe it is important to endorse,
promote and partake in activities that give the community the chance
to express themselves and take part in current debates. The Asterisco
International lgbtiq Film Festival, in which diversity and communication come into play, is not exempt from these activities.
In this sense, the National State, far from being on the margins, has
been guaranteeing and promoting these areas for the last twelve
years, by putting said themes in the public agenda. Examples of this
are the Marriage Equality, Gender Identity and Services of Audiovisual
Communication laws. By understanding that society needs to rethink
their own concepts, we know that it is just as important for these
debates to have a medium that can make them visible. Young people
have an active role in this, not only by taking part in the different discussions today, but also by informing about them through their own
productions, in which they choose to talk about themselves and relate
their own experiences.
This way, it is of utmost importance to strengthen the debate on such
matters as the right for a gender identity, and sexual diversity as part
of a cultural battle. We need to modify common sense around these
subjects, and stand in favor of producing senses from the accounts
by young people. That is why we believe it is fundamental to guarantee and promote production in communication, of which the SingleShot Video Contest “My Queer Village” is a clear example.
Undersecretary of Youth of the Nation’s Ministry of
Social Development
La piel que habito
The Skin I Live In
The Skin I Live In
48
Piel, epidermis, dermis, cutis, cutícula, membrana, película:
mi diccionario me dice que estamos a solo cinco sinónimos
de que esta sección se llame “La película que habito”. Y
tampoco estaría mal, porque esa es la idea que da cuerpo a
la sección: que cada película cumpla la función de alojarnos
con pensión completa, all inclusive. Entrar al cine como a
nuestra propia piel. En la película de Pedro Almodóvar que
homenajeamos en el título, Elena Anaya es vigilada cautiva
en una malla del color de su carne trémula, ceñida al cuerpo, vestido único de su personaje con el que parece estar
siempre desnuda. Vestuario voyeur: el traje se confunde con
la propia piel; lo que nos oculta también nos deja al descubierto en la intemperie que habitamos. Perfecta paradoja
almodovariana de fusión y confusión de máscara y rostro,
porque en nuestra piel también se imprime la mirada ajena
como otra capa más que nos recubre y descubre. El deseo
visto que nos viste. Una película es esa misma epidermis en
la que circulan las miradas en confluencia, cuerpos transformados en visiones del mundo al desnudo.
El cuerpo es la única vía de acceso al conocimiento, escribe
el filósofo hedonista Michel Onfray. Y vale recordar que la
piel es el mayor órgano del cuerpo humano, y que es una
barrera protectora que aísla el organismo del medio que lo
rodea, protegiéndolo y contribuyendo a mantener íntegras
sus estructuras, al tiempo que actúa como sistema de comunicación con el entorno. Esto lo dice más o menos así
Wikipedia, pero no hace falta leerlo para sentirlo a cada rato.
Aislante y permeable, protectora y elástica, la piel es el lugar
en el que empiezan y nunca terminan nuestras identidades,
porque sabemos que allí podemos reescribir lenguajes múltiples con pelos y señales. La piel también es un órgano de
visibilidad, nos muestra al mundo. Esta sección, dividida en
distintas capas como toda piel que se precie de serlo, es el
mayor órgano visible de Asterisco, porque la protección de
cada personalidad y su continua comunicación libre con el
mundo es una doble tarea que hay que celebrar a lo grande,
como la diversidad lo necesita y lo merece.
Skin, epidermis, dermis, complexion, cuticle, membrane,
film: my dictionary tells me we’re about five synonyms away
from naming this section “The film I live in.” And it wouldn’t
be bad, either, because that’s the idea that shapes the section: for each of the films to lodge us, bed and board, all
inclusive. Entering the theater as we would enter our own
skin. In the film by Pedro Almodóvar we pay tribute to in
the title, Elena Anaya is watched captive in some tights the
color of her
live flesh, clung to her body, the only piece of clothing her
character wears and with which she seems to be naked all
the time. A voyeuristic wardrobe: the suit blends with her
own skin, what she conceals also leaves us in the open
we live in. A perfect Almodovarian paradox of fusion and
confusion of mask and face, because someone else’s face
gets imprinted in our skin as one more layer that covers and
discovers us. The desire we watch, dressing us. A film is
that same epidermis where converging gazes travel, bodies transformed into visions of the naked world. The body
is the only means of access to knowledge, hedonistic philosopher Michel Onfray writes. And it must be remembered
that the skin is the largest organ in the human body, and
that it’s a protective barrier that isolates the organism from
the surrounding environment, protecting it and contributing
in keeping its structures complete and, at the same time, it
acts as a system of communication with the environment.
That’s more or less what Wikipedia says, but it’s not necessary to read it in order to feel it all the time. Insulating
and permeable, protective and elastic, the skin is where our
identities begin and never end, because we know that there
we can rewrite multiple languages in great detail. The skin
is also an organ of visibility; it shows us the world. This section, divided into different layers as any skin would be, is the
largest visible organ in Asterisco, because the protection
of every personality and its continuous free communication
with the world is a double task we have to celebrate big
time, as diversity needs and deserves.
Diego Trerotola
DT
La piel que habito
The Skin I Live In
Largometrajes
Feature Films
The Skin I Live In • Feature Films
Largometraje de apertura
opening film
Au nom du fils
In the Name of the Son / En el nombre del hijo
Bélgica - Belgium, 2012
80’ / DCP / Color
Francés - French
D: Vincent Lannoo
G: Vincent Lannoo, Philippe Falardeau,
Albert Charles
F: Vincent Van Gelder
E: Frédérique Broos
DA: Vivian Sassen
S: Guilhem Donzel, Matthieu Michaux,
Philippe Charbonnel
M: Michelino Busceglia
P: Lionel Jadot, Hands Up
I: Astrid Whettnall, Achille Ridolfi,
Philippe Nahon, Zacharie Chasseriaud,
Albert Chassagne
Calificación: +13
Elisabeth es una mujer templada que vive su felicidad de amorosa madre y esposa como
algo natural; del mismo modo vive su fe católica, y así la ejerce en un programa de radio en
el que improvisa diálogos con oyentes angustiados por diversos problemas cotidianos que
encuentran en la disposición de esta mujer una supuesta luz en medio de su desasosiego.
Pero Elisabeth no encontrará el mismo sosiego en sus palabras ni en la iglesia católica al
enterarse, luego de la muerte de su marido en un extraño accidente en un particular coto
de caza, de que su hijo menor de edad está enamorado de un cura al que ella, en su amor
infinito, acogió en su hogar. Con la misma calma con que impartió su fe y el amor por su
familia, Elisabeth tomará un camino inesperado ante el pacto de silencio que los guardianes
de su dios conservan por el bien de otr*s. En la web se encuentra muy poco material sobre
esta película rabiosamente anticlerical; sin embargo, en IMDB se hace una mención sobre
la imposibilidad de estrenarla en su país de origen por el lobby que ejerció la Asociación
Católica Belga. Suena ridículo que el clero belga se haya sentido amenazado por esta ficción
perfectamente construida, con decisiones formales y narrativas muy brillantes e ideas visuales
que aniquilan cualquier intento de crónica o de denuncia. Aunque, si lo pensamos bien, lo
que el film de Lannoo probablemente revele con temeridad y denuedo son dos mil años de
ignominioso silencio y la furia que puede desatar semejante crueldad en sus fieles siervos.
Solo el gesto de abrir Asterisco II con esta gran película vale el festival entero.
Albertina Carri
Elisabeth is a calm woman who lives her happiness as a loving mother and wife as
something natural; the same way she lives her catholic faith. And she practices that faith in
a radio show where she improvises dialogues with her listeners, who are upset by diverse
everyday problems that find in this woman’s willingness a supposed light in the midst of
their unease. But Elisabeth will not find the same ease in her words or those of the Catholic
Church when she finds out, after the death of her husband in a strange accident in a
peculiar hunting ground, that her youngest son is in love with a priest that she, in her infinite
love, welcomed in her home. With the same calmness with which she shared her faith
and love for her family, Elisabeth will take an unexpected path before the pact of silence
the guardians of her god maintain for the sake of others. The hardly any material about
this rabidly anticlerical film on the web; however, there’s a mention on the IMDB about the
impossibility of releasing it in its country of origin due to the lobby by the Belgium’s Catholic
Association. It sounds ridiculous that the clergy could have felt threatened by this perfectly
constructed fiction, with some brilliant formal and narrative decisions and visual ideas
that annihilate any possible attempt at a chronicle or a denunciation. Although, on second
thought, what Lannoo’s film probably exposes, daringly and boldly, are two thousand years
of ignominious silence and the fury such cruelty can trigger on its faithful servants.
The very gesture of opening Asterisco II with this great film justifies the entire festival.
AC
50
Contacto / Contact
Intramovies
Marco Valerio Fusco
+39 06 8077 252
+39 06 8076 157
[email protected]
intramovies.com
Vincent Lannoo
Nació en Bruselas, Bélgica, en 1970.
Estudió cine en el Institut des Arts
de Diffusion, donde realizó su primer
cortometraje, Meilleurs vœux. Entre
sus largometrajes, se encuentran
Strass (2001), Ordinary Man (2005),
Les Apprivoisés (2010) y Les Âmes de
papier (2013).
He was born in Brussels, Belgium, in
1970. He studied film at the Institut des
Arts de Diffusion, where he made his
first short, Meilleurs vœux. His features
include Strass (2001), Ordinary Man
(2005), Les Apprivoisés (2010), and Les
Âmes de papier (2013).
La piel que habito • Largometrajes
Before You Know It
Antes de que te des cuenta
Inglés - English
D: PJ Raval
F: Mike Simpson
E: Kyle Henry
M: Jimmy LaValle
P: Sara Giustini, PJ Raval
CP: Untitled Films
I: Dennis Creamer, Ty Martin,
Robert Mainor
Calificación: ATP
Contacto / Contact
Untitled Films
[email protected]
beforeyouknowitfilm.com
Los personajes de esta película no son jubilados comunes: frecuentan bares nocturnos, son
activistas enamorados, bastoneros provocadores, merodeadores nocturnos de Internet,
renegados maduros y audaces aventureros. También son parte de los 2,4 millones de
americanos gays y bisexuales mayores de 55 que viven en Estados Unidos, muchos de los
cuales sufren altos niveles de discriminación, indiferencia y exclusión. Pero esta no es una
película sobre estadísticas frías y realidades lúgubres, sino sobre pioneros generacionales
que superaron los prejuicios y desafiaron las expectativas formando comunidades de
fuerza, renovación y camaradería. Dennis es un amable viudo de 70 y pico que comienza a
explorar su identidad sexual y su gusto por usar ropa de mujer bajo el nombre de Dee. Ty es
un apasionado activista LGBT que, cuando se aprueba el matrimonio igualitario en Nueva
York, solo escucha campanas de casamiento. Robert “The Mouth” es el aguerrido dueño de
un bar que persevera aun cuando la institución de su barrio se ve amenazada. Before You
Know It es una afirmación de la vida y de la resistencia, relatada con candor y un humor
refrescante, y confirma que nunca se es demasiado viejo para cambiar a una sociedad.
The subjects of this film are no ordinary senior citizens. They are go-go booted bar-hoppers,
love struck activists, troublemaking baton twirlers, late night Internet cruisers, seasoned
renegades and bold adventurers. They are also among the estimated 2.4 million lesbian,
gay and bisexual Americans over the age of 55 in the United States, many of whom face
heightened levels of discrimination, neglect and exclusion. But this is not a film about
cold statistics and gloomy realities, it’s a film about generational trailblazers who have
surmounted prejudice and defied expectation to form communities of strength, renewal
and camaraderie. Dennis is a gentle-hearted widower in his 70s who begins exploring his
sexual identity and fondness for dressing in women’s clothing under the name Dee. Ty is
an impassioned LGBT activist who hears nothing but wedding bells once gay marriage
passes in New York. Robert “The Mouth” is a feisty bar owner who presses on when his
neighborhood institution comes under threat. An affirmation of life and human resilience told
with refreshing humor and candor, Before You Know It confirms that you are never too old to
reshape society.
PJ Raval
Dirigió Trinidad, la colección de
videos The Christeene, un segmento
llamado Rantings en la remake de
Slacker de Richard Linklater de 2011,
y actualmente está desarrollando un
largometraje de ficción. Como director
de fotografía, su obra incluye Trouble
the Water, de 2009 (nominada al Oscar),
y Room (nominada al Independent Spirit
Award). Recientemente completó The
Bounceback, dirigida por Bryan Poyser,
que tendrá su estreno en SXSW.
He directed Trinidad, The Christeene
video collection, a segment called
Rantings in the 2011 remake of Richard
Linklater’s Slacker, and is currently
developing a feature fiction narrative.
Also a cinematographer, Raval’s work
includes the 2009 Academy Awardnominated Trouble the Water as well as
the Independent Spirit Award-nominated
Room, and recently completed The
Bounceback, directed by Bryan Poyser,
which will premiere at SXSW.
51
Children 404
Deti 404 / Niños 404
Rusia - Russia, 2014
76’ / DM / Color
Ruso - Russian
D, G, F, E, A, PE: Askold Kurov,
Pavel Loparev
Calificación: ATP
Contacto / Contact
Rise and Shine
Anja Dziersk
+49 3047372980
[email protected]
riseandshine-berlin.de
Askold Kurov
Children 404 comienza con unos planos realizados con un celular en la mano del
protagonista que muestran la vereda, sus zapatillas, el pasto en barrido electrónico; ruido
visual, ruido sonoro, todo muy experimental, amateur, voyeur y vital. El título de la película
hace referencia a una página de Internet que funciona en Rusia donde niñ*os, adolescentes
y jóvenes, lesbianas, gay, trans e intersex cuentan los problemas que tienen con su
homofóbica comunidad. Es que en Rusia la homofobia está homologada por el Estado;
por eso la periodista Lena Klimova creó está página haciendo alusión al “Error 404. Página
no encontrada”, ya que para la sociedad rusa l*s niñ*s y adolescentes lgbti no existen, son
invisibles dentro de la población. Children 404 acompaña a un joven gay con ansias de exilio
por diversas anécdotas cotidianas que van de reírse con sus abuelos a declarar en una
comisaría por tener actitudes gay en la vía pública, entrevistar activistas y ser expulsado de
un colegio con un montón de niños que le gritan que es gay y le hacen gestos obscenos.
Entonces entendemos que la cámara del comienzo no es amateur o voyeurista: es una
cámara clandestina, porque lo que filma el realizador y protagonista de esta película es ilegal,
como su forma de ser y estar en este mundo, según las criminales leyes de su país.
Albertina Carri
Children 404 starts with footage taken with a cellphone by the main character, featuring
the sidewalk, his shoes, the grass in an electronic wipe –visual noise, sound noise, all very
experimental, amateurish, voyeuristic, and vital. The title of the film refers to a Russian
website where children, teenagers, and young lesbians, gays, trans, and intersex people
talk about the problems they have living in a homophobic community. Because in Russia,
homophobia is state-approved, and that is why journalist Lena Klimova created this site
in allusion to the “Error 404. Page not found” message –because to Russian society, lgbti
children and teenagers do not exist, they are invisible among the population. Children 404
follows a young gay man eager to exile, throughout different everyday anecdotes that range
from laughing with his grandparents to being detained at a police station for having gay
attitudes in public, interviewing activists, and being expelled from a school where many
kids call him gay and make obscene gestures. That’s when we realize the camera at the
beginning of the film isn’t amateurish or voyeuristic: it is a clandestine camera, because
what the director and protagonist of this film shoot is illegal, as it is – according to the
criminal laws in his country – his way of existing in this world.
AC
52
Nacido en Uzbekistán en 1974,
vive en Rusia desde 1991. Estudió
filología, ciencias teatrales y
teológicas y trabajó como diseñador
antes de graduarse de la carrera
de cine documental en 2010. Sus
trabajos incluyen Lenin Land (2013) y
Winter, Go Away! (2012).
Born in 1974 in Uzbekistan, he lives
in Russia since 1991. He studied
Philology, Theatrical and Theological
sciences, and worked as a designer
before graduating in Documentary
Film in 2010. Among his works are
Lenin Land (2013) and Winter, Go
Away! (2012).
Pavel Loparev
Nació en Tyumen, Rusia, en 1980.
Se graduó de la Universidad de
Tyumen y la Escuela de Cine de
Marina Razbezhkina y trabajó como
periodista de noticias en TV durante
nueve años. Actualmente dirige el
estudio de animación CATOUT, que
se especializa en proyectos sociales.
Su película Lenin Live ganó varios
premios en Rusia.
Born 1980 in Tyumen, Russia. He
graduated from Tyumen University
and Moscow’s Marina Razbezhkina
Film School, and worked as a TV
news reporter for 9 years. Currently
he is the leader of the CATOUT
animation studio, which specializes
in social projects. His film Lenin Live
won several awards in Russia.
Drag Becomes Him
El drag le sienta bien
82’ / DM / Color
Inglés - English
D, F: Alex Berry
E: Alex Berry, Basil Shadid
P: Basil Shadid
CP: Dual Power Productions
I: Jerick Hoffer
Calificación: ATP
Contacto / Contact
Dual Power Productions
Basil Shadid
+1 360 250 6723
[email protected]
dualpowerproductions.com
Poder brillar entre tanta bijouterie, lentejuelas y strass tiene su mérito. Y Jinkx Monsoon
no solo brilló, sino que encandiló en el reality de RuPaul en el que se competía por ser
la próxima superestrella entre las drag queens. Pero el mérito de Monsoon no se reduce
a haber ganado un concurso de alto nivel; también creó su propio estilo de vida desde
adolescente, cuando empezó a draguearse, con la complicidad de su abuela. Desde la
clase obrera de Portland, Jerick Hoffer construyó un personaje que le permitió conquistar
un mundo como Jinkx Monsoon, cantante, performer, comediante. Este documental
intimista tiene el mérito de ser un retrato sin pacatería, que expone su universo en todos los
matices de glam y dolor y llega más allá de lo que mostró en TV, como si fuese el backstage
sentimental de un reality show. El talento estético de Monsoon le permite tener un look
sofisticado en cada aparición, así como interpretar con lujo de detalles a Meryl Streep,
dejando atrás el tipo de imitación retro y nostálgica de las divas de antaño. Un retrato
contemporáneo que incluye también hitos de la fama de Monsoon, como cuando pudo
encarnar a la protagonista de una puesta de Hedwig and the Angry Inch.
Diego Trerotola
Being able to shine among so much jewelry, sequins, and rhinestones has its merits.
And Jinkx Monsoon not only shone but also dazzled in RuPaul’s reality show, where she
competed to become the next superstar among drag queens. But Monsoon’s merit isn’t
limited to winning a high-level contest –he has also created his own way of life ever since
his teenage years, when he started dressing in drag with the complicity of his grandmother.
From Portland’s working class, Jerick Hoffer built a character that allowed him to conquer
the world as Jinkx Monsoon: singer, performer, comedienne. This intimate documentary
has the merit of being a portrait made without any prudishness and exposing her universe
in every shade of glam and pain, going beyond what was shown on TV, as though it were
the sentimental behind-the-scenes of a reality show. Monsoon’s aesthetic talent provides
her with a sophisticated look in each of her appearances, and also enables her to do a
perfect impersonation of Meryl Strep, leaving behind the kind of retro-nostalgic imitation
of yesterday’s divas. The film is a contemporary portrait that also includes landmarks from
Monsoon’s fame, such as the time when she was able to play the lead in a staging of
Hedwig and the Angry Inch.
DT
Alex Berry
Vive en Seattle. Además de su miniserie
web original Drag Becomes Him, realizó
varios videoclips y comerciales online
para compañías locales, diseñadores
de moda y clubes de baile. Su obra,
que fue descripta como “atrapante”
y “hermosamente filmada”, apareció
también en el Huffington Post,
NewNowNext y City Arts.
He’s a filmmaker living in Seattle. In
addition to the original Drag Becomes
Him web mini-series, Berry has made
several music videos, as well as online
commercials for local companies,
fashion designers, and dance clubs. His
work, described as “engrossing” and
“beautifully filmed,” has also appeared
on The Huffington Post, NewNowNext,
and City Arts.
53
Eisenstein in Guanajuato
Eisenstein en Guanajuato
Países Bajos / México The Netherlands / Mexico, 2015
Inglés / Español - English / Spanish
D, G: Peter Greenaway
F: Reinier Van Brummelen
E: Elmer Leupen
DA: Ana Solares
S: Raul Locatteli
P: Bruno Felix, Femke Wolting,
San Fu Maltha, Cristina Velasco L.
I: Elmer Bäck, Luis Alberti
Calificación: +18
Algo pasó con Eisenstein durante los largos meses en que vivió en México, a comienzos
de los años treinta, donde llegó para hacer un film que no terminó. La gente informada
suele considerar que lo que pasó fue Stalin, pero Greenaway cree que hubo algo más
y decide hacer un film para intentar definirlo. Ningún otro cineasta se hubiera animado
a emprender tan ambiciosa empresa, pero Greenaway lo hace porque está armado con
una erudición a toda prueba que le sirve para apuntalar las zonas de inevitable ficción.
El “caso Eisenstein” se construye acumulando “pruebas” de manera progresiva y, como
en la ejemplar Rembrandt’s J’accuse (2008), el espectador –incluso el informado– tendrá
problemas para distinguir los límites entre verdad e invención. La buena noticia es que eso
no importa mucho, porque Greenaway trasciende la mera especulación biográfica con
una batería inagotable de recursos formales rigurosamente inspirados en las voluminosas
teorías eisenstenianas sobre el montaje, que incluyen el uso desprejuiciado y sorpresivo de
algunos fragmentos de La huelga, El acorazado Potemkin y Octubre.
Fernando M. Peña
Something happened with Eisenstein in the long months he lived in Mexico back in the
early Thirties, when he travelled to the country to make a film he never finished. Informed
people usually consider that what happened was Stalin, but Greenaway believes there was
something else, and decided to make a film to attempt a definition. No other filmmaker
would have dared to embark in such an ambitious endeavor, but Greenaway does because
he’s armed with a relentless erudition, which he uses to set up areas of inevitable fiction.
The “Eisenstein case” is built by progressively accumulating “evidence” and, like in the
exemplary Rembrandt’s J’accuse (2008), the audience –even the very informed ones– will
have trouble distinguishing the limits between truth and invention. The good news is that
it doesn’t really matter, because Greenaway transcends the mere biographical speculation
with an endless arsenal of formal resources thoroughly inspired in the Eisenstein’s heavy
theories on editing, which include the unprejudiced and surprising use of fragments from
Strike, Battleship Potemkin, and October.
FMP
54
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+49 30 69537850
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filmsboutique.com
Peter Greenaway
Nació en Gales y estudió en Londres.
Estudió pintura durante cuatro años,
y comenzó a realizar sus propias
películas en 1966. Entre otras, dirigió
El vientre de un arquitecto (1987),
El cocinero, el ladrón, su mujer y
su amante (1989) y Goltzius and
the Pelican Company (2012). Sus
películas han estado regularmente en
las competencias de los festivales de
Cannes, Venecia y Berlín. También
publicó libros y escribió óperas
y obras teatrales. Obtuvo títulos
honorarios de las universidades de
Edimburgo, Bucarest y Southampton
y recibió premios CBE y BAFTA por
sus servicios al cine.
He was born in Wales and educated
in London. He trained as a painter
for four years, and started making
his own films in 1966. He directed,
among others, The Belly of an
Architect (1987), The Cook, the Thief,
His Wife & Her Lover (1989), and
Goltzius and the Pelican Company
(2012). His films have regularly taken
part at the Cannes, Venice and Berlin
Film Festival Competitions, published
books, and wrote for the theatre
and opera. Greenaway has honorary
degrees from the Universities of
Edinburgh, Bucharest, Southampton
and Utrecht, and was awarded a CBE
and a BAFTA for services to cinema.
Electroboy
Suiza - Switzerland, 2014
113’ / DM / Color
Suizo / Alemán / Inglés German / Swiss / English
D: Marcel Gisler
G: Jutta Doberstein
F: Peter Indergand
E: Thomas Bachmann
DA: Anne-Catherine Lang,
Daniel Honnegger, Lea Gerber
S: Reto Stamm / M: Barduin
P: Anne-Catherine Lang &
Olivier Zobrist / CP: Langfilm
I: Florian Burkhardt, Hildegard
Burkhardt, Peter J. Burkhardt,
Gregory David Mayo
Calificación: ATP
El personaje del título tiene alguna fama presente como artista multimedia, y este
documental no se propone otra cosa que contar su historia. Pero sucede que esa historia es
casi inverosímil, porque el hombre que ahora se hace llamar Electroboy ha tenido –y quizá
siga teniendo– muchas vidas. El documental mantiene una apariencia muy simple y rara
vez se aparta del método de las “cabezas parlantes”, pero termina por ser extraordinario.
No solo porque su protagonista es extraordinario, sino porque esas cabezas parlantes
son todas las necesarias, porque hacen su aporte con absoluta franqueza, y porque la
información que surge de esos testimonios está administrada con gran inteligencia. Así,
cada una de las (muchas) vueltas de tuerca que se suceden en el relato funcionan como
inesperadas revelaciones de un enigma personal seguramente interminable.
Fernando M. Peña
The character from the title has some fame as a multimedia artist, and this documentary
doesn’t intend to do anything more than telling his story. But so it happens that this story
is almost unbelievable, because the man who now calls himself Electroboy has had –and
probably still has– many lives. The documentary appears to be quite simple, and it rarely
steps away from the typical “talking heads” format, but ends up being extraordinary. Not
only because its main character is extraordinary, but also because those talking heads
are quite enough, as they provide their inputs with absolute honesty, and because the
information their testimonies deliver is administered with great intelligence. Thus, each one
of the film’s (many) twists in the story work as unexpected revelations of a personal enigma
that surely has no end.
FMP
Contacto / Contact
Picture Tree International
+49 30 4208 248 13
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picturetree-international.com
Marcel Gisler
Nacido en 1960 en Altstätten, Suiza,
obtuvo un título en estudios teatrales
y filosofía en la Freie Universität
de Berlín. En 1985 hizo su primer
largometraje, Day Thieves (Leopardo
de Plata en el Festival Internacional de
Cine de Locarno). Todas sus películas
siguientes, Rosie, Fögi Is a Bastard,
The Blue Hour y Sleepless Nights, le
valieron premios y grandes éxitos de
taquilla. Entre 2003 y 2007 escribió
35 episodios de la serie suiza de TV
Lüthi & Blanc. Ha estado enseñando
dirección y guion en Berlín desde 2008.
Born in 1960 in Altstätten, Switzerland,
he completed a degree in Theatre
Studies and Philosophy at Freie
Universität, Berlin. In 1985, he made
his first feature film Day Thieves (Silver
Leopard at Locarno International Film
Festival). All his further films, Rosie,
Fögi Is a Bastard, The Blue Hour, and
Sleepless Nights earned him awards
and remarkable box office successes.
From 2003 to 2007, he wrote
exclusively for the Swiss TV series
Lüthi & Blanc, totaling 35 episodes. He
has been teaching direction and script
development in Berlin since 2008.
55
Fassbinder: To Love Without Demands
Fassbinder - lieben ohne zu fordern
Fassbinder: Amar sin exigencias
Dinamarca - Denmark, 2015
Alemán - German
D, G: Christian Braad Thomsen
E: Grete Moldrup
S: Christian Braad Thomsen,
Dino Raymond Hansen
M: Peer Raben, Joachim Witt
P: Christian Braad Thomsen
CP: Kollektiv Film ApS
I: Rainer Werner Fassbinder,
Irm Hermann, Harry Baer,
Andrea Schober
Calificación: ATP
Pasa el tiempo y se sigue comprobando que la obra de Fassbinder tiene mucho futuro;
tanto que, a 33 años de su muerte, el cineasta vuelve para protagonizar este documental.
Esto es posible porque su amigo, el cineasta danés Christian Braad Thomsen, guardó
unas entrevistas que había filmado durante los setenta, y este año decidió presentarlas
por primera vez, como eje central para esta película que recorre toda la inteligencia
vertiginosamente anarquista y queer de Fassbinder. Aquí se reflexiona sobre muchos
tópicos, como la paternidad y la representación de la homosexualidad en el cine, con
ideas que aún tienen mucho para decirle al presente. Pero, además del testimonio inédito
del cineasta, se suman otras voces, como las de Hanna Schygulla, Irm Hermann, Andrea
Schober y Harry Baer, uno de sus amantes y principal colaborador, quien cuenta detalles
de la última vez que habló por teléfono con él antes de su muerte. Desde las escenas de
un Fassbinder de 24 años abucheado en el Festival de Berlín, cuando presentaba El amor
es más frío que la muerte, hasta su legitimación como cineasta en Cannes, el documental
reivindica a uno de los pocos cineastas que tuvieron la valentía de ponerle el cuerpo al cine
en una épica cinematográfica única.
Diego Trerotola
Time goes by and we can see clearly how Fassbinder’s work has a future, so much so
that, 33 years after his death, the filmmaker is back to star in this documentary. This
became possible because his friend, Danish filmmaker Christian Braad Thomsen, saved
some interviews he had shot in the Sixties, and decided to show them this year for the first
time as the core of this film, which travels through Fassbinder’s vertiginously anarchistic
and queer intelligence. Many topics are covered here with ideas that have much to say
to present day, like parenthood and the representation of homosexuality in film. But apart
from the filmmaker’s never-seen testimony, there are other voices, like Hanna Schygulla,
Irm Hermann, Andrea Schober, and Harry Baer –one of his lovers and main collaborator,
who reveals details about the last time he spoke with him on the phone before his death.
From the scenes of a 24-year-old Fassbinder getting booed at the Berlinale while presenting
Love is Colder than Death, to his legitimization as a filmmaker in Cannes, the documentary
reappraises one of the few filmmakers who was brave enough to devote his body and soul
to cinema in a unique film epic.
DT
56
Contacto / Contact
Kollektiv Film ApS
Christian Braad Thomsen
+45 21780478
[email protected]
kollektivfilm.com
fassbindermovie.com
Christian Braad
Thomsen
Director, escritor, productor y
distribuidor. Nació en 1940 y se graduó
en la Escuela de Cine de Dinamarca
en 1969. Fue el director del Festival de
Cine de Odense entre 1997 y 2005, y
recibió un premio a la trayectoria del
State Artistic Council. Dirigió y produjo
numerosos cortos y largos de ficción
y documentales, incluyendo Dear
Irene (1971), Stab in the Heart (1981),
Flowers of Memory (1991) y Blues for
Montmartre (2011). También escribió
más de veinte libros sobre cine,
música, novelas y biografías.
A writer, director, producer and
distributor, he was born in 1940
and graduated from the National
Film School of Denmark in 1969. He
directed the Odense Film Festival
between 1997 and 2005 and received
a lifetime achievement award from
the State Artistic Council. He directed
and produced many fiction and
documentary shorts and features,
including Dear Irene (1971), Stab in the
Heart (1981), Flowers of Memory (1991),
and Blues for Montmartre (2011). He
also wrote more than twenty books on
film, music, novels and biographies.
82’ / DCP / Color + b&n
Inglés - English
D, G: Jack Walsh
F: Marsha Kahm
E: Laurie Lezin-Schmidt, Bill Weber
PE: Jack Walsh, Christine Murray
Feelings Are Facts: The Life of Yvonne Rainer
Los sentimientos son hechos:
la vida de Yvonne Reiner
Calificación: ATP
Contacto / Contact
Jack Walsh LLC
Jack Walsh
+1 415 206 9596
[email protected]
“La función del arte es sacudirnos y sacarnos de nuestra complacencia y confort”, dice
Yvonne Rainer, autora de performances vanguardistas y films experimentales que han
agitado al público a lo largo de los últimos 55 años. Desde que cofundó el influyente Judson
Dance Theater de Nueva York, su arte ilimitado ha sido catalogado de muchas maneras:
feminista, conceptual, posmoderno, político. Rainer estalló en el mundo de la performance
a principios de los sesenta, como discípula de John Cage y Merce Cunnungham. Colaboró
con aquellos artistas de su generación que rompieron más reglas: Robert Rauschenberg,
Trisha Brown, Steve Paxton, Lucinda Childs, Robert Morris y Carolee Schneemann. Sus
obras fundacionales, como Trio A (1966), alteraron radicalmente el vocabulario de la danza
moderna para siempre. Luego de veinticinco años como cineasta, alentada por Mikhail
Baryshnikov y ya con sesenta y pico de años, Rainer volvió a las coreografías. Feelings Are
Facts: The Life of Yvonne Rainer la presenta desde sus revolucionarias raíces hasta sus
incansables exploraciones actuales, y la muestra rompiendo reglas y desafiando al público
independientemente de la década en la que se encuentre. La película recorre la carrera de
Rainer a través de fotos, danzas recreadas y material de archivo que incluye entrevistas
con luminarias de la danza y la performance como Lucinda Childs, Steve Paxton, Carolee
Schneemann y Simone Forti.
“The function of art is to shake us out of our complacency and comfort,” says Yvonne
Rainer, whose avant-garde performances and experimental films have agitated audiences
for 55 years. Since co-founding New York’s influential Judson Dance Theater, Rainer’s
boundary-crossing art has been labeled in many ways: feminist, conceptual, post-modern,
political. Rainer exploded onto the performance scene in the early 1960’s, a protégé
of John Cage and Merce Cunningham. She collaborated with the rule-breaking artists
of her generation: Robert Rauschenberg, Trisha Brown, Steve Paxton, Lucinda Childs,
Robert Morris, and Carolee Schneemann. Her foundational works, such as Trio A (1966),
radically altered the vocabulary of modern dance forever. After 25 years of filmmaking, and
encouraged by Mikhail Baryshnikov, Rainer, in her 60s, returned to choreography. Feelings
Are Facts: The Life of Yvonne Rainer presents Rainer from her revolutionary roots to her
tireless current explorations, breaking rules and challenging audiences no matter what
decade she finds herself in. The film surveys Rainer’s career through photographs, dance
re-creations, and archival film footage, including interviews with dance and performance art
luminaries such as Lucinda Childs, Steve Paxton, Carolee Schneemann, and Simone Forti.
Jack Walsh
Dirigió, escribió y editó ocho películas
independientes, entre ellas, The Lost
Generation (2004) y The Second
Coming (1995). Sus obras han sido
proyectadas en festivales de cine
de Estados Unidos, Europa, Asia y
Australia. Su película Present Tense
(1987) es parte de la colección
permanente del Museo de Arte
Moderno de Nueva York. Produjo,
entre otras, Hope Along the Wind: The
Life of Harry Hay (2001), una crónica
sobre la fundación, en 1950, de la
primera organización por los derechos
gays en haber tenido éxito.
He directed, wrote and edited eight
independent films, including The Lost
Generation (2004), and The Second
Coming (1995). Walsh’s works have
screened at film festivals throughout
the US, Europe, Asia and Australia.
His film Present Tense (1987) is
part of the permanent collection
of the Museum of Modern Art, NY.
He produced, among others, Hope
along the Wind: The Life of Harry Hay
(2001), which chronicles the founding
of America’s first successful gay
rights organization in 1950.
57
FD XXX
Alemania - Germany, 2011
90’ / DM / Color
Inglés / Alemán - English / German
D, G, F, E, DA, S, M, I: Varios / Various
P: Kristian Petersen
I: Varios
Calificación: +18
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Raspberry&Cream
Torsten Schulze
+49 30 61 50 75 05
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La quinta entrega de Kristian Petersen es un conjunto de exploraciones sexuales en
diferentes recovecos de Berlín, París, Nueva York y San Francisco. El ojo de la cámara no
hurga en busca de algún secreto, cual verdad del sexo revelada por la imagen, sino que
confunde fronteras, conmueve la expectación. Tal es el caso de un fistfuck que nos lleva de
la intimidad del hogar a un romántico picnic rural, o una mirada sigilosa que nos desplaza
de las aventuras lesbianas por el parisino Jardín de las Tullerías al despertar sexual de dos
amantes teen. Se podría decir que este es un docu-lesbi-trans-gay, pero quizás se trate no
tanto de orientaciones como de placeres, no tanto de responder a una identidad como de
poner en escena una economía de lo deseante. A la producción hetero-serializada FD XXX
opone bondage, el plano picado, un descontrolado guante de látex, grilletes, un cunnilingus
casual y piloso, una rosa, cuatro minutos de tormento, la mano masturbadora, los dildos, un
tenis ludo-sexual, privación sensorial, la exaltación testimonial y el bareback, tan incómodo
frente a la frontera cívica instalada por el condón en nuestra historia reciente. Fresca,
humorística, jugosa.
Emmanuel Theumer
Kristian Petersen’s fifth installment is a group of sexual explorations in different corners of
Berlin, Paris, New York and San Francisco. The camera’s eye doesn’t rummage in search
of some secret, as if it were the absolute truth about sex, revealed by the image. Rather, it
blends borders together; it affects expectancy. Such is the case with a fist fuck that takes
us from the intimacy of a home to a romantic rural picnic, or a discreet eye that takes us
from lesbian adventures at the Parisian Tuileries Garden to the sexual awakening of two
teen lovers. One could say that this is a docu-lesbo-trans-gay film, but maybe here it’s
not so much about orientations, but pleasures –it’s not all about responding to an identity,
but to stage an economics of desiring. Faced with hetero-serialized production, FD XXX
opposes bondage, high-angle shots, an out-of-control latex glove, shackles, a casual and
hairy cunnilingus, a rose, four minutes of torment, a masturbating hand, dildos, a playful
and sexual tennis match, sensory deprivation, testimonial exaltation and bareback sex –so
uncommon in the face of the civic limits established by the use of condoms in our recent
history. Fresh Humorous. Juicy.
ET
58
Kristian Petersen
Es fundador y director del cine
experimental Quino im Querhaus en
Berlín. A principios de los noventa
comenzó a trabajar como sonidista
y director de fotografía para diversas
producciones de cine y TV, y desde
2002 enseña antropología visual y cine
documental en Berlín.
He is the founder and director of
the experimental cinema Quino im
Querhaus, in Berlin. In the early
Nineties, he started working as a
sound recordist and cinematographer
for different TV and film productions,
and teaches Visual Anthropology and
Documentary Film in Berlin since 2002.
L*s director*s
The directors
Maria Beatty, Jürgen Brüning,
Emilie Jouvet, Manuela Kay,
Bruce LaBruce, Kristian Petersen,
Courtney Trouble, Todd Verow.
83’ / DCP / Color + b&n
Inglés / Alemán / Hebreo English / German / Hebrew
D, G, F, E, DA, S, M, I: Varios / Various
P: Kristian Petersen
I: Varios
Calificación: +18
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Esta sexta entrega redobla la apuesta, esta vez invitando a siete cineastas trans a
problematizar los placeres sexuales a menudo clausurados como off-scenity. Diversas
intensidades se aggiornan aquí por el abordaje tanto del docu experimental como del
porno. La incitación fílmica es ciertamente espesa; involucra otra economía de lo sensible,
otro registro afirmativo en los que se teje y se deshace el sexo. Aquí la cámara demanda
la carnadura de la experiencia, los saberes colectivos, la autodeterminación corporal. Al
menos este parece ser el caso de Julianna Lev, árabe-israelita-transgénero-pornstar que
cancela sus diferencias para volver a su tierra natal al tiempo que las condensa en un
beso de despedida. O del relieve cutáneo del labio y el glande, asequible mediante un
plano superpuesto a través del cual conocemos los placeres de Jesse. Si las narrativas del
pasado ocupan un lugar privilegiado, se debe a que nos devuelven a un presente cargado
de expectativa social y cierres normativos. Un posible mensaje que transmite la voz en off
de Antoinette Rea, poetisa trans intersex, al perderse por los pasajes urbanos, la penumbra
citadina. La voz por una ciudad hecha en su contra. No se trata de exotizar la diferencia
sino más bien de resistir en los campos de fuerza del género y la sexualidad. Con ustedes,
algunas fisuras fílmicas.
Emmanuel Theumer
This sixth installment ups the ante, this time inviting seven trans filmmakers to problematize
the sexual pleasures that are usually labeled as off-scenity. Diferent intensities are updated
here, by both a docu-experimental approach and the porn genre. Film incitement is certainly
dense –it involves another economy of the sensitive, another affirmative way of capturing
in which sex weaves and unweaves itself. Here, the camera cries out for the ruggedness of
the experience, collective knowledge, and the self-determination of the body. At least that
seems to be the case with Julianna Lev, an Arab-Israeli-transgender-porn star who cancels
her differences in order to return to her hometown and, at the same time, condenses them
in a goodbye kiss. Or the cutaneous surface of a lip and a glans, which can be obtained
by means of a superimposed shot through which we find out about Jesse’s pleasures. If
the narratives from the past hold a prominent place, it’s because they bring us to a present
filled with social expectations and normative closures. A possible message delivered by
the voiceover of Antoinette Rea, a trans intersex poetess, when she gets lost in the urban
landscapes, in the city’s dimness. The voice for a city made against her. It’s not about
turning what is different into exotic, but rather about resisting the force fields of gender and
sexuality. Here are some cinematic fractures for you.
ET
L*s director*s
The directors
Buck Angel, J. Jackie Baier,
Felix Endara & Sasha Wortzel,
Kay Garnellen, Gwen Haworth,
Jasco Viefhues, Mor Vital.
59
FD XXY
How I Learned to Love the Numbers
Wie Ich Lernte, Die Zahlen Zu Lieben
Cómo aprendí a amar los números
88’ / DM / Color
Alemán - German
D, G: Oliver Sechting, Max Taubert
F: Max Taubert, Oliver Sechting,
Wayne Xavier
E: André Krummel
S: Oliver Sechting
M: Andreas Wolter, Maike Rosa Vogel
P: Rosa von Praunheim Filmproduktion
I: Rosa von Praunheim, Joey Arias,
Anna Steegmann, Claudia Steinberg,
Tom Tykwer, Ira Sachs, Yony Leyser
Calificación: +13
El propósito de documentar la movida artística neoyorkina de dos jóvenes alemanes que
se lanzan a la gran ciudad con sus cámaras y equipos de sonido termina dando cuenta del
fascinante trastorno obsesivo-compulsivo que sufre uno de los muchachos. Oliver Sechting
se despide de su tutor/mentor/productor Rosa Von Praunheim con algunos temores
sobre este proyecto, y sus expectativas están condicionadas por su peligrosa tendencia
a relacionar números y colores. Con la exhibición permanente de su fraternal mirada
extranjera, la pareja de directores entrevistan a representantes de la performance y el cine,
de los más under a los más consagrados, y no se olvidan de denunciar la puesta en escena
del material que retratan. En el estilo confesional de la Tarnation de Jonathan Caouette
(quien aparece crecidito diez años después, contando algunos de sus tocs), y mediante un
montaje muy dinámico, la búsqueda va determinando una estructura bipolar. Con humor y
otras emociones, atravesamos el universo íntimo y paranoide alemán y las diversas formas
de la cultura en la Gran Manzana, en este diario de viaje supersticioso que se mueve entre
fobias y temores contemporáneos.
Adolfo Agopian
Two young Germans take the big city’s streets with their cameras and sound equipment with
the purpose of documenting New York’s art scene, and end up capturing the fascinating
obsessive-compulsive disorder one of the boys suffers from. Oliver Sechting says goodbye
to his tutor/mentor/producer Rosa Von Praunheim with some fears about this project, and
his expectations are determined by his dangerous tendency to establish relationships
between numbers and colors. Permanently showing their brotherly foreign eye, the directing
duo interview representatives from the worlds of performance and cinema, from the most
underground to the most established ones, and they never forget to expose the mise en
scène of the material they’re portraying. In the confessional style of Jonathan Caouette’s
Tarnation (Caouette makes an appearance ten years later, all grown up and talking about
some of his OCDs), and through some very dynamic editing, the film’s search establishes a
bipolar structure. With humor and other emotions, we pierce through the intimate, paranoid
German universe as well as the Big Apple’s diverse forms of culture, in this superstitious
travelogue that moves between contemporary phobias and fears.
AA
Contacto / Contact
m-appeal
+49 (0) 30 61507505
[email protected]
m-appeal.com
zahlenliebe.de
Oliver Sechting
Es pedagogo social y pareja de Rosa
von Praunheim, y tiene una productora
desde 2008. Colaboró en varias
películas, entre ellas, el galardonado
documental Rent Boys, sobre la
pobreza y la prostitución masculina. En
esa película fue asistente de dirección
y consultor. También codirigió varios
cortometrajes documentales para TV.
A social pedagogue and longtime
companion of Rosa von Praunheim, he
has been working with his production
company since 2008. He collaborated
on many films, among them the awardwinning documentary Rent Boys, about
poverty and male prostitution. In that
film, he was assistant director and
consultant. He also co-directed several
short documentaries for TV.
Max Taubert
Fue asistente de dirección en el
documental Rosa’s World, proyectada
en Asterisco 2014.
He was an assistant director in the
documentary Rosa’s World, screened at
Asterisco 2014.
60
Alemania / Lituania Germany / Lithuania, 2013
Alemán / Lituano - German / Lithuanian
D, G: J. Jackie Baier
F: Dieter Vervuurt, Th. Schneider
E: Steffen Reck, J.Jackie Baier
S: Lasse Viehöfer, Till Wimmer
M: Christopher Franke, Princessin Hans
P: Gamma Bak, J. Jackie Baier
CP: Gamma Bak Filmproduktion,
J. Jackie Baier Filmproduktion,
Just A Moment
I: Julia Krivickas, W. Lerch,
R. Orzichovskis, Renatė Lūšis
Calificación: +13
Si todo documental escamotea el homenaje y difícilmente escape al tono elegíaco por
aquello que se le ha vuelto objeto y registro, Julia se propone además como un certificado
de muerte y una alerta de extinción. Julia es una estrella cuya fugacidad está inscripta en
la letra chica del juego. En las fotos es Marilyn, oxigenada y fotogénica. Cuando la imagen
se pone en movimiento, descubrimos que el tiempo también ha empezado a correr, y el
de Julia corre para atrás. Ella va como un pez por la marea perversa del mundo civilizado
que le permite ser aquello a lo que ella se refiere como “no una mujer, pero tampoco un
hombre; una criatura retorcida que nació cuando Dios estaba distraído” a cambio de
desintegración. Camina como si fuera una top model en perpetuo backstage de la vida
trans más conocida: la falta de techo, los clientes, los amigos freaks, el submundo de la
pasta base, la heroína y el vodka, los destellos de ingenio, la lengua trava. Desde hace un
tiempo, con más o menos honestidad y recursos, el documental se ha propuesto “darles
voz y cámara a las chicas transexuales”. Así aparece la oportunidad de conocer nombres
y cuerpos propios como el de la fascinante Julia. Dato nada menor: al final no aparece
un cartel que consigne su trágico final. Ella sigue viva en Berlín. Y eso es un golpe a las
inercias y a las oscuras profecías.
Liliana Viola
As all documentaries avoid paying homage and are unlikely to escape the elegiac tone for
something that has become an object and a document, Julia also proposes itself as a death
certificate and an extinction alert. Julia is a star whose fleetingness is written in the fine print
of the game. In still photographs, she is Marilyn, bleached and photogenic. When the image
starts moving, we discover that time has also started to pass –and Julia’s runs backwards.
Like a fish, she crosses the perverse tide of the civilized world that allows her to be what
she refers to as “not a woman, but also not a man; a twisted creature that was born when
God was distracted” in exchange for disintegration. She walks as if she were a top model
in a perpetual behind-the-scenes of the well-known, typical trans life: the lack of a roof, the
customers, the freaky friends, the underworld of coca paste, heroin and vodka, the strokes
of genius, the tranny tongue. Some time ago, with more or less honesty and resources,
documentary cinema decided to “give more voice and more camera to transsexual girls.”
This way, an opportunity arises to get to know unique names and bodies such as those of
the fascinating Julia. An important fact: there’s no title card at the end that confirms her
tragic ending. She is still alive in Berlin. And that is a blow to inertias and dark prophecies.
LV
Contacto / Contact
m-appeal
Maren Kroymann
+49 (0) 30 61507505
[email protected]
julia-der-film.de
m-appeal.com
J. Jackie Baier
Nació en Kiel en 1955 y estudió
en Hamburgo, Bochum y Essen,
donde obtuvo una maestría en
literatura y lingüística. Produjo y
dirigió documentales y cortometrajes
(la mayoría en Super 8) como el
largometraje compilatorio The Mission.
Film of Peace and Its War, estrenado en
la Berlinale de 1983. Se mudó a Berlín
en 1993, y desde 1997 es oficialmente
una mujer. Desde su cambio de sexo,
continuó trabajando como directora
de series de TV y cortometrajes y
documentales independientes.
She was born in Kiel in 1955 and
studied at Hamburg, Bochum
and Essen, where she got an MA
in Literature and Linguistics. She
produced and directed documentaries
and short films (most of them in
Super 8), including the feature-length
compilation film The Mission. Film of
Peace and Its War, which premiered at
the 1983 Berlinale. She moved to Berlin
in 1993 and since 1997, she is officially
a woman. Since her sex change, she
has continued working as a director of
TV series and independent short films
and documentaries.
61
Julia
Nova Dubai
New Dubai / Nueva Dubai
Brasil - Brazil, 2014 / 50’ / DCP / Color
D, G: Gustavo Vinagre / F: Matheus Rocha
E: Rodrigo Carneiro
DA: Fernando Zuccolotto
S: Jonathan Macías / P: Cristina Alves
PE: Max Eluard / CP: Avoa Filmes
I: Gustavo Vinagre, Bruno D’ugo, Hugo
Guimarães, Fernando Maia, Herman
Barck, Caetano Gotardo, Daniel Prates
Calificación: +18
Contacto / Contact
Avoa Filmes - Max Eluard
+55 11 45612492
+55 11 45612493
[email protected]
facebook.com/AvoaFilmes
Gustavo Vinagre
El primer y explicitísimo plano del mediometraje de Gustavo Vinagre difícilmente permita sospechar que
estamos frente a una lúcida reflexión sobre el presente urbanístico y arquitectónico de San Pablo. Vinagre
pone el propio cuerpo y el de sus amigos en juego, mezclando ficción con sexo explícito y documental
en un mundo de fantasía hecho de cemento, hormigón y deptos a estrenar, donde la crítica al desarrollo
inmobiliario puede venir por la vía del sexo duro (un remix anticipado en su corto en Super 8 proyectado
en Asterisco 2014). Una de las voces más originales del cine brasilero actual entrega una película-ovni en
la que los recovecos del deseo (y también el amor) se superponen con la gentrification paulista.
Agustín Mango
The first and very explicit shot of Gustavo Vinagre’s medium-length film hardly suggests that we’re
watching a lucid reflection on Sao Paulo’s urban and architectonic present. Vinagre puts his own body
on the game –together with the ones of his friends– blending fiction, explicit sex, and documentary, in a
sort of fantasy world made of cement, concrete and brand new apartment complexes, where its critique
of the real estate development can come in the form of hard sex –a remix anticipated in his Super 8
short screened at Asterisco 2014. One of the most original voiced of Brazilian cinema today delivers a
UFO-film, in which the meanders of desire (and love) can overlap with Sao Paulo’s gentrification.
AM
Ensaio de cinema
Film Rehearsal / Ensayo de cine
Director y guionista, nació en 1985 y
estudió cine en la EICTV (Cuba) y letras
en la Universidad de San Pablo. Su
corto Filme para poeta ciego participó
del Doculab del Festival de Guadalajara
en 2012, y se estrenó en el Festival de
Rotterdam en 2013. También es director y
guionista del corto documental La llamada.
A director and screenwriter, he was born
in 1985, and studied Filmmaking at EICTV
(Cuba) and Literature at the Universidade
de São Paulo (Brazil). His short film
Filme para poeta ciego participated at
Doculab in Guadalajara Festival 2012,
and premiered at Rotterdam Film Festival
2013. He is also the director/screenwriter
of the short doc La llamada.
De lo pedestre y contemplativo se viaja a lo glam y exaltado, del registro
documental al movimiento de la ficción, del realismo al metacine. En este
recorrido por una casa del barrio Santa Teresa en Río de Janeiro, una pareja
de hombres imagina una pequeña película que traspasa las fronteras de
lo esperable. Entre el crossdressing queer, la danza minimal y el bagaje
cinéfilo volcado explícitamente, Ensaio de cinema tiene la carga emotiva
suficiente para dar vueltas por su amor hacia distintas formas de cine.
Diego Trerotola
Jumping from a pedestrian and contemplative tone to a glam, excited one;
from a documentary record to the motion of fiction; from realism to metacinema, a couple of men imagine a little film that transcends the borders
of what is expectable in this tour through a home in the Rio de Janeiro
neighborhood of Santa Teresa. Somewhere between queer crossdressing,
minimal dance, and a cinephile baggage that is explicitly poured on, Film
Rehearsal finds enough emotional charge to both wander around its love for
different forms of cinema.
DT
Brasil - Brazil, 2009 / 15’ / DM / Color / Portugués - Portuguese
D, PE: Allan Ribeiro / G: Allan Ribeiro, Gatto Larsen / F: Pedro Urano
E: Allan Ribeiro, Douglas Soares / DA: Gatto Larsen, Rubens Barbot
S: Douglas Soares / M: Décio Rocha / P: Ana Alice de Morais
CP: 3 Moinhos Produções / I: Gatto Larsen, Rubens Barbot
Allan Ribeiro
Calificación: ATP
Nacido en 1979, se recibió de cineasta en la Universidade Federal Fluminense
en 2006. Escribió y dirigió dos premiados largometrajes: Esse amor que nos
consome (2012) y Mais do que eu possa me reconhecer (2015). Su cortometraje
O clube está programado en la Competencia de Cortos de Asterisco de este año.
Contacto / Contact
3 Moinhos Produções - Allan Ribeiro
+55 21 25492704 / +55 21 997029009
[email protected]
Born in 1979, he graduated in Cinema from the Universidade Federal Fluminense
in 2006. He scripted and directed two awarded feature films: This Love That
Consumes (2012) and Beyond My Reflection (2015). His short film The Club is
programmed in this year’s Short Film competition in Asterisco.
62
72’ / DM / Color
Inglés - English
D: Michael Stabile
F: Ben Leon
E: Bryan Darling
M: Stephen Vesecky
P: Michael Stabile, Ben Leon,
Jack Shamama
I: Jeff Stryker, Steven Scarboroygh,
Chi Chi LaRue, John Rutherford,
John Waters, Tom Chase, Jim Bentley,
Steve Cruz
Calificación: +18
Alimentados por los fuegos gemelos de la revolución sexual y la liberación gay, los
estudios Falcon de Chuck Holmes reinaron durante treinta años como la más grande
productora de pornografía gay del mundo: a través del cine cambiaron la forma en que una
generación entera de hombres gays se veían a sí mismos y contribuyeron a que asumieran
su sexualidad. Holmes construyó un imperio de carne y fantasía, como un Hugh Hefner
gay. Entre 1972 y 2000 luchó contra el FBI, los escuadrones antivicio y una epidemia para
registrar la emergente cultura gay, y darles a los hombres gays de todo el país una visión
de la vida celebratoria y libre de vergüenza. Los negocios de Chuck le hicieron ganar una
fortuna, pero cuando quiso canalizar esos millones hacia un movimiento por los derechos
de los gays en los noventa descubrió que su dinero a veces era mejor recibido que él
mismo. Seed Money es la historia de uno de los pioneros más impensados del movimiento
por los derechos homosexuales: el Gatsby de la cultura gay. Con un extenso uso de las
películas, material de archivo y entrevistas con los amigos y amantes del protagonista,
activistas y colegas directores, vemos a Chuck en su camino de San Francisco en los
setenta a Capitol Hill en los noventa, en esta fascinante historia de uno de los más
influyentes –y polémicos– cineastas gays que hayan existido.
For nearly thirty years, fueled by the twin fires of the sexual revolution and gay liberation,
Chuck Holmes’s Falcon Studios reigned as the world’s largest producer of gay pornography,
using film to change the way a generation of gay men saw themselves, and helping them
come to terms with sexuality. Holmes built an empire on flesh and fantasy — the gay Hugh
Hefner. From 1972 to 2000, he fought the FBI, vice squads and an epidemic to document
the emerging gay culture, and provide gay men across the country with a vision of life
that was unashamed and celebratory. Chuck’s business brings him fortune, but when he
attempts to channel his millions into a gay rights movement of the 90s, he finds that his
money is sometimes more welcome than he is. Seed Money is the story of one of the gay
rights movement’s most unlikely pioneers: the gay culture’s Gatsby. Through extensive
use of the films themselves, archival material and interviews with Chuck’s friends, lovers,
activists and fellow adult filmmakers, we take Chuck from San Francisco in the 1970s
to Capitol Hill in the 1990s to tell the fascinating story of one of the most influential — if
controversial — filmmakers in gay history.
Contacto / Contact
The Film Collaborative
Jeffrey Winter
1 323 207-8321
[email protected]
chuckholmesdoc.com
Michael Stabile
Ha estado escribiendo sobre
sexualidad y derechos gay desde
hace más de diez años. Sus escritos
sobre sexo y sexualidad fueron
publicados en The Huffington Post,
The Daily Beast, Salin, Playboy, el
New York Times y muchos más. Su
primer cortometraje, Smut Capital
of America, se estrenó en la edición
2011 del Festival de Cine de Tribeca y
ganó el premio a Mejor Cortometraje
Documental en el NewFest. Seed
Money es su primer largometraje.
He has written about the gay rights
and sexuality for over ten years. His
written work on sex and sexuality has
appeared in The Huffington Post, The
Daily Beast, Salon, Playboy, the New
York Times and many others. His first
short film, Smut Capital of America
premiered at the 2011 Tribeca Film
Festival, and won Best Documentary
Short at NewFest. Seed Money is his
first feature.
63
Seed Money: The Chuck Holmes Story
Capital Semilla: la historia de Chuck Holmes
Space Time
Kal Aw-wa-kas / Espacio-tiempo
Tailandia - Thailand, 2015
76’ / DM / Color / Tailandés - Thai
D, F: Thunska Pansittivorakul,
Harit Srikhao, Itdhi Phanmanee
DA: Thunska Pansittivorakul
S: Itdhi Phanmanee
M: Nakarin Rodput, Itdhi Phanmanee
CP: Jürgen Brüning Filmproduktion
I: Thunska Pansittivorakul,
Harit Srikhao, Itdhi Phanmanee,
Nathaphong Kaewprom
Calificación: +13
Contacto / Contact
Jürgen Brüning Filmproducktion
+49 30 69504106
[email protected]
Discurso libre
Thunska Pansittivorakul siempre ha apostado por un cine radicalmente anticomercial
–desde su corto Sight (2001), vetado en Hong Kong, hasta su primer largo de ficción
Supernatural (2014)–, y las dos partes de Space Time son un claro ejemplo de esto.
Se trata, como su nombre lo indica, de indagaciones témporo-espaciales, en las que el
tiempo y el espacio aparecen despojados de todo valor a priori en relación con cualquier
forma de conocimiento. Lo que el título no deja adivinar es la consecuencia de ese
desgarramiento: el habla inconsecuente de unos jóvenes homosexuales que no pueden
cesar de decir trivialidades, mientras la cámara se distrae en rincones del mundo, del
pasado y, probablemente, de un futuro potencial que cualquiera podría vivir.
Se trata de un habla que gira en rueda libre, sin ninguna restricción, y que encuentra en
esa libertad soberana (que no reconoce ninguna sujeción a los imperativos de una trama
o un argumento filosófico) la forma de imponerse a cualquier tipo de censura. Los jóvenes
cuentan sus aventuras adolescentes, su primera relación sexual (¿hay relación sexual?),
y son retratados (con cámara de fotos o de cine) mientras se bañan, mientras conversan
desnudos, mientras se cuentan sus secretos y sus temores, mientras se tatúan o mientras
la noche cae impiadosamente sobre unos cuerpos que no han sido todavía heridos por el
tiempo (porque no hay tiempo) ni por la distancia (porque no hay espacio).
Daniel Link
Free Speech
Thunska Pansittivorakul has always made radically anti-commercial films –ever since his
short Sight (2001), banned in Hong Kong, to his first fiction feature Supernatural (2014)– and
the two segments in Space Time are a clear example of this.
As implied in its title, it’s about space-time inquiries, in which space and time appear stripped
down of any value in terms of any form of knowledge. What the title does not imply is the
consequence of this detachment: the inconsistent jabber of these young homosexual men
who can’t stop talking trivialities while the camera wanders off to different corners of the
world, the past, and, probably, a potential future anyone could experience, at least potentially.
It is a kind of speech that flows freely, with no restrictions whatsoever, and finds in that
enormous freedom –which doesn’t acknowledge any subjection to the imperatives of a plot,
or a philosophical argument– a way of prevailing against any form of censorship. The young
men talk about their teenage adventures, their first sexual encounter (is there any?), and
they are portrayed (with film or photo cameras) while bathing, while chatting naked, while
telling each other their secrets and their fears, getting tattoos, or as night falls impious over
bodies that haven’t yet been wounded by time (because there is no time) or by distance
(because there is no space).
DL
64
Thunska Pansittivorakul
Nació en Bangkok, Tailandia. Se graduó
de la carrera de enseñanza del arte en
la Universidad de Chulalongkorn. Dirigió
varios documentales premiados y también
fue columnista de Bioscope y otras
revistas. Junto a Jürgen Brüning, produjo
The Terrorists (2011) y Supernatural (2014).
He was born in Bangkok, Thailand.
He graduated in Art Education at the
Chulalongkorn University. He directed
several awarded documentaries and also
worked as a columnist for Bioscope and
other magazines. Together with Jürgen
Brüning, they produced The Terrorists
(2011) and Supernatural (2014).
Harit Srikhao
Nació en Bangkok en 1995, y a sus 20
años ya es un veterano de la fotografía.
A los 16 años fue seleccionado para el
Taller de Fotografía Angkor, de Antoine
D’Agata, y su obra se ha exhibido
tanto en su país como en el extranjero.
Suele alternar entre el documental y la
fotografía de ficción, y generalmente
aborda el tema de la niñez rota.
He was born in 1995 in Bangkok. At age
20, he is already a veteran photographer.
He was selected for the Angkor Photo
Workshop by Antoine D’Agata at age 16,
and and his works have been exhibited
both domestically and internationally.
He combines documentary and fiction
photography, often playing on the theme
of broken childhood.
Itdhi Phanmanee
Nació en Bangkok en 1988. Se recibió
de cineasta en la Universidad de
Bangkok, donde enseñaba Thunska
Pansittivorakul. Space Time es su
primera película como codirector.
He was born in 1988 in Bangkok.
He graduated in film from Bangkok
University, where Thunska
Pansittivorakul was teaching. Space
Time is his first film as co-director.
Tab Hunter Confidential
Tab Hunter confidencial
90’ / DM / Color + b&n
Inglés - English
D, E: Jeffrey Schwarz
F: Nancy Schreiber
M: Michael “The Millionaire” Cudahy
P: Allan Glaser, Neil Koenigsberg,
Jeffrey Schwarz
PE: Chad Dreier, Gini Dreier, Sharon
Bradford, Leanne Rees
CP: Allan Glaser Productions
I: Tab Hunter, John Waters,
Clint Eastwood, George Takei,
Debbie Reynolds, Robert Wagner,
Portia de Rossi
Calificación: ATP
Cuerpo de surfista. Pelo rubio. Ojos celestes. Dientes excelentes en una mandíbula
cuadrada. “Nadie podía sacar los ojos de encima de él”. Tab Hunter fue, para millones
de adolescentes en las décadas de los 50 y 60, el ejemplo más perfecto de la belleza
en la pantalla grande. Pero Hunter escondía un secreto. Una “pulsión” peligrosa para
un joven actor con un futuro de estrella de cine, la misma que tenían actores como
Montgomery Clift, Rock Hudson o Anthony Perkins, con quien Hunter mantuvo una
conflictiva relación amorosa.
En un período en que la palabra “gay” no existía y los grandes estudios creaban
mundos imaginarios con sus películas no solo para sus millones de espectadores sino
también para sus estrellas, de quienes eran prácticamente dueños, cualquier desviación
del camino establecido implicaba pérdidas millonarias. Tab Hunter Confidential recorre
en primera persona la vida profesional del actor y la más íntima, a la vez que rescata
sus facetas menos conocidas (como patinador artístico profesional o como apasionado
por los caballos). La clásica estructura de ascenso, estrellato y caída que Hollywood
tanto adora es narrada con cuidado y con regreso triunfal incluido de la mano de
John Waters. El director de Pink Flamingos le dio un revival a la carrera del actor al
convocarlo en 1981 para formar pareja junto a Divine en Polyester y lo convirtió en el
John Travolta de los ochenta.
Leandro Listorti
He had the body of a surfer. Blonde hair. Blue eyes. Excellent teeth in a square jaw.
“Nobody could take their eyes off of him.” Tab Hunter was, to millions of teenagers during
the 1950s and 1960s, the most perfect sample of big screen beauty. But Hunter had a
secret. A “drive” that was dangerous for a young actor with a future as a movie star, and
which he shared with actors like Montgomery Clift, Rock Hudson or Anthony Perkins
–all of whom Hunter had a conflictive relationship with. At a time when the word “gay”
didn’t exist and the big studios created imaginary worlds with their films not only for their
millions of viewers but also for their stars –whom they practically owned–any detour from
the pre-established path meant great financial loss. Tab Hunter Confidential is a firstperson journey through both the professional and intimate life of the actor, and it also
brings up some lesser-known aspects of his life (such as him being a professional figure
skater and a horse enthusiast). The classic “rise-stardom-fall” structure Hollywood is so
fond of is carefully narrated, and includes his triumphal comeback by the hand of John
Waters. The director of Pink Flanmingos revived the actor’s career when he hired him in
1981 to co-star Polyester with Divine, thus turning him into the 1980s’ John Travolta.
LL
Contacto / Contact
Jeffrey Winter
+1 323 207-8321
[email protected]
tabhunterconfidential.com
Jeffrey Schwarz
Realizador ganador del Emmy
que vive en Los Ángeles. Sus
largometrajes documentales
incluyen la película para HBO Vito,
sobre el activista gay autor de The
Celluloid Closet. Entre sus trabajos
anteriores se encuentra I Am Divine
(Asterisco ‘14), un retrato de la
superestrella drag internacional
y protagonista habitual de John
Waters. También es un importante
productor de EPK (kits de prensa
electrónicos) de estudios, contenido
para Blu-ray y DVD y programación
televisiva original a través de su
compañía Automat Pictures.
He is an Emmy Award-winning
filmmaker based in Los Angeles.
His feature documentaries include
the HBO film Vito, about the gay
activist and author of The Celluloid
Closet. His previous work includes I
Am Divine (Asterisco ‘14), a portrait
of the international drag superstar
and John Waters’ leading lady. He
is also a leading producer of studio
EPKs (electronic presskits), Blu-ray &
DVD content, and original television
programming though his company,
Automat Pictures.
65
Une nouvelle amie
The New Girlfriend / La nueva novia
Francia - France, 2014
Francés - French
D, G: François Ozon
F: Pascal Marti
E: Laure Gardette
DA: Michel Barthelemy
S: Guillaume Sciama
M: Philippe Rombi
P: Eric Altmayer, Nicolas Altmayer
PE: Serge Catoire
CP: Mandarin Cinema, Foz
I: Romain Duris, Anaïs Demoustier,
Raphaël Personnaz, Isild Le Besco
Calificación: +13
El mejor Ozon: el que sabe filmar el deseo y el que siempre quiere a sus personajes, el que
sortea lo enrevesado para examinar temas incómodos y el que no renuncia a la elegancia
cuando la ocasión es oportuna, como sucede en los primerísimos planos iniciales sobre un
rostro hermoso femenino y sus manos. Que esa secuencia potencialmente erótica finalice
con un travelling hacia atrás que en su elevación descubre una situación desgraciada poco
tiene de capricho: aquí la muerte y la libido se implican misteriosamente. La gran amiga de
toda la vida de Claire acaba de morir. Ella jura que cuidará de su hija recién nacida y de su
marido. El joven viudo empezará a travestirse y su única confesora será Claire. En estas
coordenadas, Ozon propone un duelo, una reconfiguración libertaria del deseo, un modelo
de identidad sexual maleable y hasta de una familia imposible de concebir una década
atrás. Anaïs Demoustier y Romain Duris están mejor que nunca; la película les pertenece, y
Ozon organiza todo para que así sea.
Roger Koza
The finest Ozon: the one who knows how to film desire and always loves his characters;
the one who avoids confusing elements when he’s examining uncomfortable issues, and
doesn’t resign elegance when the time is right –like in this film’s very first shots of a beautiful
woman’s face and hands. The fact that this potentially erotic sequence ends with a travelling
shot that goes backwards and elevates all the way to discover a disgraceful situation is
hardly a director’s whim: here death and libido mysteriously imply each other. Claire’s long
time friend has just died. She swears to take care of her newborn and husband. The young
widow will start to cross-dress, and Claire will be his only confident. With these coordinates,
Ozon proposes a duel, a libertarian reconfiguration of desire, a shapeable model for sexual
identity, and even a family structure that would have been inconceivable a decade ago.
Anaïs Demoustier and Romain Duris are better than ever –the film belongs to them. And
Ozon organizes everything to keep things just like that.
RK
66
Contacto / Contact
Film Distribution
François Yon
+33 (0) 1 53 10 33 99
[email protected]
filmsdistribution.com
Francois Ozon
Nació en 1967 en París, y es director,
productor, guionista y montajista.
Realizó un doctorado de cine en
París, donde tuvo como profesores a
Eric Rohmer y Joseph Morder, y filmó
decenas de películas en Super 8. En
1996, su película Une robe d’été fue
premiada en Locarno y presentada en
Cannes. Entre sus títulos destacados
se encuentran Los amantes criminales
(1999), 8 mujeres (2002) y Joven y
bella (2014).
A director, producer, screenwriter,
and editor, he was born in Paris in
1967. He got a PhD in Film in Paris,
studying under Eric Rohmer and
Joseph Morder, and shot dozens
of Super 8 films. In 1996, his short
A Summer Dress was awarded at
Locarno and presented at Cannes.
His features include Criminal Lovers
(1999), 8 Women (2002), and Young &
Beautiful (2014).
Benelux / Francia / Grecia Benelux / France / Greece, 2014
Griego - Greek
D: Panos H. Koutras
G: Panos H. Koutras,
Panagiotis Evangelidis
F: Helene Louvart (AFC),
Simos Sarketzis (GSC)
E: Yorgos Lamprinos / DA: Pinelopi Valti
S: Fabrice Osinski / M: Delaney Blue
P: Eleni Kossyfidou, Panos H.Koutras,
Alexandra Boussiou / CP: MPM Film
I: Kostas Nikouli, Nikos Gelia, Anggelos
Papadimitriou, Romanna Lobach,
Marissa Triandafyllidou
Calificación: +13
“Xenia describe con precisión el escenario de una Grecia turbulenta. Fusionando la realidad
con elementos híper reales, la película refleja con maestría el concepto de familia, el lado
salvaje de la adolescencia, y los diversos niveles de prejuicios que sufren dos muchachos”.
Con estas palabras, el jurado compuesto por Malú Martino, Marcos Silva, Wieland Speck y
Albertina Carri otorgó a Xenia el premio Felix a Mejor Largo de Ficción en el festival de Río
de Janeiro. Por estas razones, y por muchas más, merecía llevarse el premio lgbt que el
festival otorgaba por primera vez gracias a la insistencia de Suzy Capó.
Xenia (la película, y también el hotel abandonado que lleva ese nombre) exuda desenfado y
por ende alegría, tanto en sus personajes y en el modo en que enfrentan sus circunstancias
como en su puesta en escena. Cada plano puesto por el ya consagrado director Panos
Koutras nos entrega una nueva razón para mirar, para preguntarnos qué es eso de la
identidad (sexual, racial, nacional), dónde están las fronteras culturales que hacen de la
imaginación de Danny –el personaje que encarna todo lo gay, interpretado magistralmente
por el joven Kostas Nikouli– una materialidad tan contundente que la realidad, a pesar de su
carácter amargo, se vuelve accesible y, por ende, felizmente transitable.
“Xenia paints a detailed background of a troubled Greece. Blending reality and hyper
real elements, the film masterfully reflects on the concept of family, the wild side of
adolescence, and the many different layers of prejudice as experienced by two young
men.” With these words, the jury formed by Malú Martino, Marcos Silva, Wieland Speck
and Albertina Carri gave Xenia the Felix Award for Best Film in the Rio de Janeiro film
festival. These, and many others, were the reasons why the film deserved the festival’s
first lgbt award, pushed forward by Suzy Capó.
Xenia (the film, and also the abandoned hotel of the same name) oozes a certain swag
and, therefore, joy –both in its characters and the way they face the circumstances
around them, and in the film’s mise en scene. Every shot from renowned filmmaker
Panos Koutras delivers us a new reason to watch, to wonder about what identity
(sexual, racial, national) actually is and where are the cultural borders that turn the
imagination of Danny –a character who embodies all that is gay, masterfully played by
young Kostas Nikouli– into such a staggering material that reality becomes accessible
despite its bitter nature, and therefore happily habitable.
Contacto / Contact
Entre Chien et Loup
+32 2 736 48 13
[email protected]
entrechienetloup.be
mpmfilm.com
Panos H. Koutras
Nació en Atenas y estudió cine en la
Film School y en la Sorbona de París.
En 1995 fundó en Atenas su propia
compañía productora, 100% Synthetic
Films, y comenzó a escribir su primera
película, The Attack of the Giant
Moussaka. Se segundo film, Real Life,
se estrenó en el Festival de Toronto, y
el tercero, Strella, fue seleccionado en
la sección Panorama del Festival de
Berlín de 2009.
Born in Athens, he studied filmmaking
at the London Film School and at the
Sorbonne in Paris. In 1995, he founded
in Athens his own production company,
100% Synthetic Films, and started
writing his first feature film, The Attack
of the Giant Moussaka. His second
film, Real Life, premiered at the Toronto
International Film Festival, and his
third film, Strella, was selected in the
Panorama section of the 2009 Berlin
Film Festival.
67
Xenia
La piel que habito
The Skin I Live In
Cortometrajes
Short Films
The Skin I Live In • Short Films
Almanach Lesbien
Lesbian’s Almanac
Almanaque lésbico
El Almanach Lesbien se (des)compone de doce objetos lésbicos que se
presentan como doce estancias por el imaginario tortillero, doce tortilectos del (in)consciente bollero. El ojo lesbiano documenta a través de
ellos el cronotopo que se entreteje en la sucesión y el (des)encuentro de
las camisas de cuello cerrado con los cortes de pelo rapados, los dildos
y las autodefiniciones, la lesbianización de las palabras y otros insumos
técnicos torteriles. Así, la mirada se demora en algunos de los ritos, los
placeres, las fantasías y los códigos de identificación propios de una
singular comunidad tortillera.
Virginia Cano
The Almanach Lesbien is (un)made with twelve lesbian objects that are
presented as twelve stays within the dyke imaginary, twelve dykey-lects
from the sapphic (un)conscious. The lesbian eye documents through them
the chronotope that is interweaved in the string and the (failed) encounter
between the buttoned-neck shirts and the crew cuts, the dildos and the
self-definitions, the lesbianization of words and other dykey technical
supplies. This way, the eye dwells upon some of the rituals, the pleasures,
the fantasies, and the identifying codes of a unique dyke community.
VC
Canadá - Canada, 2013
4’ / DM / Color
D, G, F, E, S, P: Lamathilde
Calificación: ATP
Contacto / Contact
GIV Distributor
+514 271 5506
[email protected]
givideo.org
Control
Kontroll
Suecia - Sweden, 2014
7’ / DM / Color
Sueco - Swedish
D, G, E, P, PE: Elin Övergaard
F: Josua Enblom
S: Hampus Lindén, Staffan Gynnemo
M: Staffan Gynnemo
I: Isabel Juréhn, Elin Övergaard
Calificación: +16
Contacto / Contact
Elin Övergaard
+46 73 512 7282
[email protected]
elinovergaard.tumblr.com
70
Lamathilde
Nacido en Francia, vive y trabaja en Montreal. Es parte del colectivo de
performance de sonido WWKA, condujo un programa de radio durante cinco
años y es miembro activo de la escena de las artes visuales de Montreal.
Su trabajo fue exhibido en varias galerías y festivales de cine alrededor
del mundo, entre ellos Pink Screens (Bruselas), Festival des Films Gais et
Lesbiens (París), el Lesbian & Gay Film Festival de Londres y el Mix Festival
de Nueva York, entre otros.
Born in France, Lamathilde lives and works in Montreal. She is part of the
sound-performance collective WWKA, has hosted a radio show for 5 years
and is an active member of the Montreal visual arts scene. Her work has been
shown in many galleries around the world and international festivals, including
Pink Screens (Brussels), Festival des films gais et lesbiens (Paris), London
Lesbian & Gay Film Festival, and Mix Festival - New York, among others.
Podría tratarse de un corto de Rohmer. No tanto por el procedimiento
verbal, que funda y organiza las peripecias amorosas de los personajes
hasta el punto de gobernar la política más clásica del deseo, sino más bien
porque deviene en un tratado sobre los amargos efectos de la extrema
profesionalización de la seducción, o de eso que los griegos llamaban ὑστέρα
o útero, y que en Control podría ser nombrado como la eterna perversidad y
ambigüedad del amor. Las capas que se enciman en Control muestran –pero
no develan– marcas, cicatrices, rúbricas que cambian con gesto brutal los
hitos del canon: la comedia veraniega rohmeriana muta en un género (¿será
el clima?) que podría citar, equívoco, a un intimismo más propio del también
sueco Ingmar Bergman.
Laura Ramos
It could be a short film by Rohmer. Not so much for the verbal procedure,
which sets up and organizes the characters’ love mishaps to the point of
dominating the most classic politics of desire. But rather because it becomes
a treaty on the bitter effects of an extreme professionalization of seduction
–or what Greeks used to call ὑστέρα or uterus– and that, in Control, could
be referred to as the eternal perversity and ambiguity of love. The layers that
pile up in Control show –without exposing– marks, scars, and signatures that
through a brutal gesture can change the milestones of the canon: a Rohmerian
summer comedy mutates into a genre (could it be the climate?) that could
equivocally quote an intimate feel closer to the also Swedish Ingmar Bergmar.
LR
Elin Övergaard
Nació en Upsala, Suecia, en 1994. Se crió en Utah, EE. UU., y en un pequeño
suburbio de Estocolmo llamado Sigtuna. Su premiada Stockholm Daybreak
(2013) se vio alrededor del mundo y recibió muchos premios. Either/Or (2014) fue
nominado a Mejor Cortometraje Sueco. Ahora trabaja en un nuevo corto que será
completado en 2015 y recorrerá sus temas habituales: la soledad y la necesidad
de ser reconocid*.
She was born in Uppsala, Sweden in 1994. She grew up in Utah, USA and the
small Stockholm suburb of Sigtuna in Sweden. Her award-winning Stockholm
Daybreak (2013) has been shown across the world and received many awards.
Either/Or (2014) was nominated for Best Swedish Short Film. Now she is
working on a new short film that will be completed in 2015, and will develop her
consistent theme: loneliness and the need for acknowledgement.
Rafa vive con sus padres en una pequeña ciudad. Su vida cotidiana
comienza a sofocarlo cuando sus deseos van más allá de los estrechos
límites del pueblo.
Rafa lives with his parents in a small provincial town. His everyday life
starts to feel suffocating when his desire goes beyond the narrow limits
of his hometown.
Gisela Corsello
Es actriz, guionista y directora. Escribió los largometrajes Postales de Las
Vegas (2013) y Clara y Andrés (2014). Participó como ayudante de dirección
en El paso (2014), de Victoria Mammoliti, ganador del concurso Historias
Breves del INCAA. Actualmente se encuentra en la preproducción de su
segundo cortometraje, Ema, y de la serie web Harta.
Argentina, 2014
13’ / DM / Color
Español - Spanish
She’s an actress, screenwriter and director. She wrote the features Postales
de Las Vegas (2013) and Clara y Andrés (2014). She was assistant director in
Victoria Mommoliti’s El paso (2014), winner of the INCAA’s Historias Breves
contest. She is currently pre-producing her second short, Ema, and the web
series Harta.
D, G: Gisela Corsello
F: Florencia Rovlich
E: Ygor Gama / DA: Sol Bodean
S: Francisca Oyaneder
P: Mariana Aramburu
I: Nahuel Cano, Guido Botto Fiora,
Matias Russin, Edgardo Perone,
Graciana Saby, Lucia Amico.
Calificación: ATP
Contacto / Contact
Gisela Corsello, Mariana Aramburu
+54 (9) 11 54103179
[email protected]
[email protected]
Electric Indigo
Índigo eléctrico
A veces es difícil para una niña enfrentarse a la mirada de los demás
y tomar conciencia de su propia identidad, sobre todo cuando nunca
conoció a su madre y su única referencia es el amor de dos padres
heterosexuales unidos por los lazos de un matrimonio “no carnal”. El primer
trabajo en solitario de Jean-Julien Collette marca un cambio de rumbo
hacia un estilo de cámara en mano y una estética más colorida, en una
profunda exploración de sus temas predilectos: la sexualidad y la familia
desestructurada en una sociedad moderna y pluralista.
Sometimes is hard for a little girl to face other people while becoming
aware of her own identity, especially if she has never met her mother and
her only reference is the love of two heterosexual parents united by a noncarnal marriage connection. Jean-Julien Collette’s first solo work is a turn
towards a hand-held camera style and a much colorful look, and a profound
exploration of his favorite topics: unstructured sexuality and family within a
modern and plural society.
Bélgica - Belgium, 2013
24’ / DM / Color
D, G: Jean-Julien Collette
F: Manu Dacosse
E: Bruno Tracq
DA: Florin Dima
S: Thomas Grimm-Landsberg
M: Seabear
P: Laurent Denis
I: Christelle Cornil, Margot, Rubén Tomás,
Tony Denman, Jean Collette, Céline Peret
Jean-Julien Collette
Nació en Bruselas en 1978. Autodidacta, dirigió cinco cortometrajes, incluyendo
Barbara Broadcast (2006) y È finita la commedia (2007), ambos con Olivier Tollet,
y Tabú (2010), junto a Vincent Coen, con los que sumó cien premios en diversos
festivales de cine. En la actualidad prepara su primer largometraje, Rabbits, un
thriller sobrenatural. Electric Indigo es su primer trabajo en solitario.
He was born in Brussels in 1978. A self-taught filmmaker, he directed five short
films, including Barbara Broadcast (2006) and È finita la commedia (2007), both of
them with Olivier Tollet, and Tabú (2010), with Vincent Coen, with which he won
one hundred awards in different film festivals. He is currently preparing his first
feature, Rabbits, a supernatural thriller. Electric Indigo is his first solo work.
Calificación: +16
Contacto / Contact
Cookies Films
Jean-Julien Collette
+32 488 56 06 31
[email protected]
cookiesfilms.com
71
La piel que habito • Cortometrajes
El corral
The Corral
The Skin I Live In • Short Films
Off a Cliff
Desde un risco
Damon es un talentoso director que está teniendo el peor día de su vida:
nada le sale bien, uno de sus bailarines desapareció, y su novio Jhongwei
insiste con que tiene algo importante para decirle, algo que ya no puede
esperar más. Cuando Damon finalmente le da a Jhongwei la oportunidad
de hablar, este le dice que ya no quiere ser su novio. En el peor momento
posible, el bailarín desaparecido reaparece, y Damon tendrá que hacer
malabares con su vida profesional y personal.
Damon, a talented stage director, is having the worst day of his life: nothing
goes well, one of his dancers is missing, and his boyfriend, Jhongwei,
insists that he has something important to say to him that cannot wait any
longer. When Damon finally gives Jhongwei to opportunity to talk, the latter
tells him that he no longer wishes to be his boyfriend. At the worst moment
possible, the missing dancer arrives, then Damon has to juggle with his
personal and professional life simultaneously.
Taiwán - Taiwan, 2014
5’ / DM / Color
Chino / Inglés - Chinese / English
D, F: Cédric Jouarie
G, P: Cédric Jouarie, Dan Kee Chuang
E: Dario Rejeucci / S, M: Jimmy Lin
PE: Johnny Hu / CP: Kamomé International
I: Damon Da, Jhongwei Lee, Amanda McParland,
Joanne Hou, Yulin Huang
Calificación: ATP
Cédric Jouarie
Trabajó como periodista y crítico de cine en la televisión francesa, y dirigió
su primer corto, Fine, en 2007. Un año después, su corto Sans Nicolas fue
seleccionado en festivales de todo el mundo luego de haber sido presentado
en el Festival de Cannes. En 2012 se mudó a Taiwán, donde creó One Minute
Postcard, una web serie experimental y documental.
He has worked as a movie journalist and film critic for television in France. He
directed his first short film, Fine, in 2007. In 2008 his short Sans Nicolas was
selected at international film festivals after being presented at Cannes. In 2012
he moved to Taiwan and created the experimental documentary web series One
Minute Postcard.
Contacto / Contact
Kamomé International
Cédric Jouarie
+886 926 8111 75
[email protected]
[email protected]
cedricjouarie.com
facebook.com/kamomeinternational
San Cristóbal
“Hay que tener más cuidado. Aquí no estamos en Santiago”, le dice la
abuela de Antonio a Lucas, haciendo referencia a la supuesta caída de su
nieto. Y tiene razón. Están en la Región de los Ríos, y la historia de amor
de chico conoce a chico (Antonio conoce a Lucas) en un contexto así de
masculino, agresivo y solitario puede acabar mal. Y quizás ni aun San
Cristóbal, el patrono de los pescadores y de los viajeros, pueda ayudarlos.
La única opción parece estar dada por ese océano, con sus horizontes
continuamente presentes, que prometen una mejor vida en algún otro lugar.
Ganador del Premio Teddy en el último Festival de Berlín.
Leandro Listorti
“You have to be more careful. This isn’t Santiago,” Antonio’s grandmother
tells Lucas, referring to her grandson’s supposed fall. And she’s right. They
are in the Los Ríos Region, and a boy-meets-boy story (Antonio meets Lucas)
in such a masculine, aggressive, solitary context can end badly. And perhaps
not even St. Christopher, the patron saint of fishermen and travelers, will be
able to help them. The only option seems to be the one offered by that ocean,
with their continuously present horizons that promise a better life somewhere
else. Winner of the Teddy Award at the latest edition of the Berlinale.
LL
Chile, 2015
29’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G, E: Omar Zúñiga Hidalgo
F: Nicolás Ibieta
E: Omar Zúñiga Hidalgo
DA: Nicolás Oyarce
S: Roberto Espinoza
P: Amparo Aguirre, Ana Perera
I: Samuel González, Antonio Altamirano
Calificación: +13
Contacto / Contact
Cinestación
Omar Zúñiga Hidalgo
[email protected]
cinestacion.cl
sancristobalfilm.com
72
Omar Zúñiga Hidalgo
Nació en Santiago de Chile. En 2014 recibió su Master in Fine Arts del Graduate
Film Program en New York University. Vive entre Santiago y Brooklyn, realizando
películas que se han mostrado en múltiples festivales alrededor del mundo.
En 2012 dirigió On Learning on a Friend’s Illness, segmento protagonizado por
James Franco y Zach Braff, parte del largo The Color of Time (2012), estrenado
en el Festival de Roma.
He was born in Santiago, Chile. In 2014 he got his MA in Fine Arts at the
Graduate Film Program of the New York University. He lives between Santiago
and Brooklyn, making films that have been screened in multiple festivals around
the world. In 2012 he directed On Learning on a Friend’s Illness, a segment
starred by James Franco and Zach Braff, part of the film The Color of Time
(2012), which premiered in the Rome Film Festival.
En un mundo donde la moda está determinada por género, Vanessa
Sacone, una joven de 16 años, encuentra en el estilo y la fotografía la
singular expresión de su identidad. Nos juntamos con Vanessa a charlar
acerca de su mirada sobre el género y su función en la sociedad moderna,
y caminamos con ella hasta en uno de sus habituales viajes fotográficos a
través de la ciudad de Vancouver.
In a world where gender dictates fashion, sixteen-year-old Vanessa
Saccone finds her own unique expression of identity through style and
photography. We meet with Vanessa to talk about her views on gender and
it’s function in modern society and walk with her on one of her frequent
photography journeys through the city of Vancouver.
Brandy Byhoffer
Canadá - Canada, 2014
3’ / DM / Color
Inglés - English
D, G, E: Brandy Byhoffer
F, S, P, PE: Natasha Wheatley
M: Sky Rockets
CP: Open Coast Media Inc.
I: Vanessa Saccone
Calificación: ATP
Nació en Ventura, California, y se mudó a Vancouver en 2011 para estudiar cine.
En ese momento dirigió dos películas propias e hizo el diseño de producción
de otras tres. Luego de graduarse, se dedicó a su negocio de hacer corbatas
y pañuelos mientras participaba en diversos proyectos cinematográficos. Su
aspiración es normalizar a la comunidad LBTQ dentro del cine mainstream, y
hacer films con personajes queer sin que el foco esté puesto en ello.
She was born in Ventura, California, and moved to Vancouver, BC in 2011 to
enroll in film school. During her time there she made two of her own films and
production designed three others. Since graduation, she has started her own
business making neckties and pocket squares while taking part in multiple film
projects. Her main goal is to help normalize the LBTQ community in mainstream
cinema and to make films featuring queer people without the focus on them
being queer.
Contacto / Contact
Open Coast Media Inc.
Natasha Wheatley
+1 778 861 7149
[email protected]
natashawheatley.com
73
La piel que habito • Cortometrajes
The Color of Our Feathers
El color de nuestras plumas
The Skin I Live In
Clips modernos
Modern Clips
Si hay un territorio de lo diverso, ese es el videoclip: pequeños musicales que, cuando se
toman la libertad de construirse con estéticas desafiantes, potencian las posibilidades de
relación entre música e imagen hasta la sensualidad sin límites. Este programa propone
algunas de las últimas expresiones de este género como garante de la multiplicidad queer,
que pueden ir desde el cover alterado de Creep, de Radiohead –cantado por una mujer
en una cocina–, hasta el tango crossdresser Con tu amigo, de Bife, en el que se disemina
el sentido de pareja monogámica y los roles genéricos. Así desfilan clips que hacen un
homenaje paródico a la canción infantil en Sock Puppet; arman un collage crispado
de pin-up en Mi novio Gremlin, de la banda uruguaya Carmen San Diego; evocan con
animación la desafiante versión del género de Klaus Nomi en You Don’t Own Me; narran
la demencia del bullying en College Boy, de la banda Indochine; y evocan el vaudeville de
los locos años veinte recuperando la tradición de travestismo con drag kings en What’s
What. También, Basura, de Panza, propone una performance extrema de la cantante en su
vértigo destructivo hogareño; se muestra un romance lésbico pop-punk de las Kt Spit en
Dreamworld Waiting; L’Hiver Inconsolable y Twitch apuestan a llevar el videoarte y la música
electrónica a un nivel de sugestivo extrañamiento estilístico; mientras que Hairy hace una
performance facial capilarmente libertina o fetichista, según se quiera mirar o escuchar.
Diego Trerotola
Clips:
If there’s a territory of the diverse, it’s the music video: small musicals that, when taking the
freedom to build themselves up with defying aesthetics, boost the possibilities of bringing
music and image together to the point of limitless sensuality. This program brings some
of this genre’s latest expressions as guarantor of queer multiplicity, which can go from an
altered cover of Radiohead’s Creep sung by a woman in a kitchen-, to Bife’s crossdressing
tango Con tu amigo, in which the meaning of monogamous couples and generic roles is
disseminated. This way, we have videos that pay tribute to children’s songs in the parodic
Sock Puppet; make an irritated pin-up collage in Mi novio Gremlin, by Uruguayan band
Carmen Sandiego; evoke Klaus Nomi’s defying version of gender in the animated You Don’t
Own Me; narrate the insanity that is bullying in College Boy, from the band Indochine; and
evoke the crazy 20s’ vaudeville by bringing back the tradition of transvestism with drag kings
in What’s What. Also, Panza’s Basura proposes an extreme performance of the singer in her
domestic destructive vertigo; a pop-punk lesbian romance is shown in Kt Spin’s Dreamworld
Waiting; L’Hiver Inconsolable and Twitch set out to take videoart and electronica to a level
of suggestive stylistic rareification; while Hairy makes a facial performance that is capillarily
libertine or fetishistic, depending on the way you see it or hear it.
DT
Hairy
(Byol-Nathalie Kimura-Lemoine)
74
L’Hiver Inconsolable
(Shayo Detchema)
Dreamworld Waiting
(Samuel Shanahoy)
Creep
(Dayna McLeod & Jackie Gallant)
Twitch
(Jules de Niverville)
Sock Puppet
(Marc Seestaedt)
Basura
(Diego Stickar)
Con tu amigo
(Marcelo Enríquez)
What’s What
(Charli Brissey & Courtney Harris)
Mi novio Gremlin
(Fredo Landaveri)
You Don’t Own Me
(Kristin Li)
College Boy
(Xavier Dolan)
La piel que habito
The Skin I Live In
Foco Focus
Eloy de la Iglesia
“Nunca me he tomado en serio esa cosa tan solemne que es la propia
seguridad. Yo no me tengo ese respeto a mí mismo. Lamento no haber
cometido más locuras. Pero también es cierto que me jode haber pagado tanto peaje”. Esta frase es del cineasta vasco Eloy de la Iglesia
(1944-2006), quien la dijo cuando volvió al cine en 2003, luego de catorce años de haber estado sin filmar, “perdido en mis propios fantasmas”.
Hay tres elementos que se repiten en su cine: la militancia de izquierda
(y, por lo tanto, una feroz crítica al franquismo y a toda forma de fascismo), la homosexualidad (muchas veces ligada a la prostitución) y la
heroína (generalmente ligada a la delincuencia), tres temas que el director conocía bien ya que era marxista, gay y adicto. Toda su obra es una
extraña mezcla entre cine de explotación y una mirada personal y comprometida; así logró películas que son tan extremas y escandalosas
como reflexivas y, sobre todo, honestas. Su combinación de imágenes
chocantes, lenguaje crudo, música popular y actores no profesionales
recogidos de los bajos fondos (hoy casi todos murieron de sobredosis)
le hicieron ganar el desprecio de la crítica políticamente correcta, que
siempre lo tildó de ordinario.
Hay dos zonas claramente diferenciadas en esa impresionante filmografía: una desarrollada alrededor de las coproducciones internacionales que España realizó en los años 60 y 70, lo que le permitió incorporar sus obsesiones a géneros populares como el policial o la ciencia
ficción, y otra más impredecible y variada, que desarrolló a partir de
la muerte de Franco. Allí, entre otras cosas, prácticamente inventó un
género propio, el llamado “cine quinqui”, que puso en primer plano el
mundo de los pequeños delincuentes con una voluntad de realismo insólita en el cine español. Los dos films que se verán en esta edición de
Asterisco representan esas dos zonas. Una gota de sangre para morir
amando figura entre los más extraños y menos vistos de su primera
etapa, mientras que El diputado fue uno de los mejores de la segunda.
“I have never taken such a solemn thing as one’s own safety seriously. I don’t have that kind of respect for myself. I regret not having
done more crazy things. But it’s also true that it bothers me to have
paid so much toll.” This quote belongs to Basque filmmaker Eloy de
la Iglesia (1944-2006) when he returned to filmmaking in 2003, after
fourteen years.
There are three elements that always appear in his films: left-wing activism (and, therefore, a ferocious criticism to Franco’s regime and any
other kind of fascism), homosexuality (often linked to prostitution), and
heroin (often linked to delinquency), three subjects the director knew
very well, since he was a Marxist, gay and an addict. His entire work is
a strange mix between exploitation cinema and a personal, committed
view; this way, he achieved films that were as extreme and scandalous
as they were thoughtful and, above all, honest. His way of combining
shocking images, crude language, popular music and non-professional
actors he fished from the underworld (most of whom are now dead from
drug overdoses) earned lots of disdain from politically correct film critics who always labeled him as cheap.
There are two clearly differentiated zones in that impressive filmography: one of them is built around the international co-productions Spain
made in the 1960s and 1970s, which allowed him to incorporate his
obsessions to popular genres such as the cop film or science-fiction,
while the other, more unpredictable and varied, started after Franco’s
death. There, among other things, he practically invented his own
genre, the so-called “quinqui cinema,” which captured the world of juvenile delinquents with a realism that was never before seen in Spanish
cinema. The two films that will be shown at this edition of Asterisco
represent those two zones. Murder in a Blue World is one of the strangest and less known films from his first period, while Confessions of a
Congressman was one of finest from his second one.
Fernando M. Peña (a partir de un texto de Fabio Manes)
FMP (from a text by Fabio Manes)
Eloy de la Iglesia
Nació en Zarauz y se crió en Madrid, donde estudió filosofía y letras hasta
que decidió dedicarse al cine, el teatro y la televisión. A los 20 años ya
había escrito, dirigido y producido casi cincuenta títulos para el medio
televisivo. Estudió cine en París en el IDHEC, y fue víctima de la censura
franquista por su militancia en el Partido Comunista. Alcanzó el éxito
comercial con la película Techo de cristal (1971). Cronista de los mundos
marginales de la España de los ochenta, contó con grandes éxitos como
Miedo a salir de noche (1979), Colegas (1982), El pico (1983) y El pico 2
(1984). Después de recuperarse de sus graves problemas con las drogas,
murió en marzo de 2006, a los 62 años.
He was born in Zarazuz and grew up in Madrid, where he studied
Philosophy and Literature until he decided to devote himself to film, theater
and television. At the age of 20, he had already written, directed, and
produced about fifty TV titles. He studied film in Paris at the IDHEC, and
was a victim of Franco’s censorship for his activism in the Communist
Party. He reached commercial success with the film Glass Ceiling (1971).
A documenter of marginal worlds in 1980s’ Spain, he enjoyed great
success with such films as Miedo a salir de noche (1979), Colegas (1972),
El pico (1983), and El pico 2 (1984). After recovering from his serious drug
problems, he died in March, 2006, at 62.
The Skin I Live In • Focus Eloy de la Iglesia
Una gota de sangre para morir amando
Murder in a Blue World
España / Francia - Spain / France, 1973
100’ / 35mm / Color
Español - Spanish
D: Eloy de la Iglesia
G: Eloy de la Iglesia, José Luis Garci,
Antonio Fos, Antonio Artero,
George Lebourg
F: Francisco Fraile
E: José Luis Matesanz
DA: Manuel Rincón, Miguel Gómez,
Eduardo Torre de la Fuente
S: José María San Mateo
M: Georges Garvarentz
P: José Frade
I: Sue Lyon, Christopher Mitchum,
Jean Sorel, Ramón Pons, Charly Bravo
Calificación: +13
Tiene título de giallo pero es otra cosa: una fantasía futurista que, desde el punto de
vista de su producción, intentó colgarse del éxito internacional de La naranja mecánica
(en Estados Unidos circuló como Clockwork Terror). Como Eloy de la Iglesia era un tipo
inteligente, volvió explícita esa y otras referencias a Kubrick y aprovechó el contexto para
formular sus propias ideas sobre una distopía violenta, profetizar con mordacidad algunas
frivolidades que se cumplieron, hablar sobre lo que nadie hablaba y, desde luego, introducir
sus características obsesiones. La representación de la sociedad futura es simple,
ingeniosa y eficaz, en el estilo de Alphaville de Godard o Fahrenheit 451 de Truffaut. Las
ideas, en cambio, son típicamente punzantes, como la terapia eléctrica que transforma a
criminales y asesinos en ciudadanos respetables, o la secreta ocupación de la enfermera
protagonista que interpreta Sue Lyon. Este es uno de los films más raros y menos vistos del
director, y es un privilegio poder exhibirlo en una copia en 35 mm, que durante décadas ha
estado esperando en oscuros depósitos la oportunidad de volver a ver la luz.
Fernando M. Peña
It has the title of a giallo, but it’s something else: a futuristic fantasy that, from the point
of view of its production, tried to capitalize on the international success of A Clockwork
Orange (in the US, it was released with the title Clockwork Terror). Because Eloy de la Iglesia
was smart, he made that and other Kubrick references explicit, and seized the context to
express his own ideas on a violent dystopia, to sharply predict some frivolities that ended
up being fulfilled, to talk about what no one talked about and, of course, to add his own
strange obsessions. The representation of the society of the future is simple, clever and
effective, in the style of Godard’s Alphaville or Truffaut’s Fahrenheit 451. The ideas, however,
are typically sharp, such as the electroshock therapy that turns criminals and murderers into
respectable citizens, or the secret occupation of its main character, a nurse played by Sue
Lyon. This is one of the director’s weirdest, less-seen films, and it’s a privilege to be able to
show it in a 35 mm print, which for decades has been left lying in dark warehouses waiting
for an opportunity to see the light again.
FMP
78
Contacto / Contact
Filmoteca Buenos Aires
[email protected]
España - Spain, 1979
110’ / 16mm / Color + b&n
D: Eloy de la Iglesia
G: Eloy de la Iglesia,
Gonzalo Goicoechea
F: Antonio Cuevas
E: Julio Peña
DA: Pedro Blanco, Lorenzo Collado,
Enrique Díaz
S: Jacinto Cora
P: Carlos Orengo
PE: José Antonio Pérez Giner
I: José Sacristán, María Luisa San José,
José Luis Alonso
Calificación: ATP
Juan Orbea (José Sacristán) es un diputado del recientemente legalizado Partido Comunista
español y está casado con una camarada del partido. Es homosexual, pero lo ha reprimido
tanto que casi lo ha olvidado, hasta que un hecho fortuito lo vincula con un joven que se
prostituye. Orbea se enamora y entonces comprende que, si bien su partido se ha liberado,
él sigue forzado a vivir en la clandestinidad. Lejos de creer que el fascismo ha desaparecido
con la llegada de la democracia, De la Iglesia lo muestra perdurando en las instituciones,
ya sea en la hipocresía de los políticos o sin disimulo en la policía. El drama de Orbea se
desarrolla en una serie de flashbacks, construidos como escenas autónomas que sintetizan,
cada una, ideas fuertes. A veces De La Iglesia borra las fronteras entre la ficción y lo
documental y hace salir a sus personajes a la calle en medio de las manifestaciones de la
transición. Otras veces enrarece el tono naturalista con recursos abstractos que rozan lo
sublime, como cuando sugiere un ménage à trois en el que hay amor además de sexo, o
cuando se vale del zumbido de una mosca para cargar de amenaza una escena de contenida
violencia. El diputado es no solo el más lúcido y ninguneado film sobre la transición
española, sino además uno de los films políticos más importantes de todos los tiempos.
Fernando M. Peña (a partir de un texto de Fabio Manes)
Contacto / Contact
[email protected]
Juan Orbea (José Sacristán) is a congressman for the recently legalized Spanish Communist
Party, and he is married to a comrade from the party. He is a homosexual, but has repressed
it for so long that he has almost forgotten about it –until an unexpected event connects
him with a young male prostitute. Orbea falls in love and understands that while his party is
now free, he is still forced to live in hiding. Far from believing that fascism has disappeared
with the coming of democracy, De la Iglesia shows how it still persists in the country’s
institutions, both in the hypocrisy of the politicians and, in an obvious way, in the police.
Orbea’s drama is developed as a series of flashbacks constructed as autonomous scenes,
and each of them synthesize strong ideas. Sometimes De La Iglesia blurs the borders
between documentary and fiction, and makes his characters take the streets in the midst of
the transition’s demonstrations. Other times, he rarefies the naturalistic tone with abstract
devices that border on the sublime, like when the film features suggests a threesome in
which there’s love as well as sex, or when it uses the buzz of a fly in order to overflow a
scene of restrained violence with a sense of threat. El diputado is not only the most lucid
and overlooked film about the Spanish transition, but also one of the most important
political films of all time.
FMP (from a text by Fabio Manes)
79
La piel que habito • Foco Eloy de la Iglesia
El diputado
Confessions of a Congressman
La piel que habito
The Skin I Live In
Foco Focus
Hans Scheugl
El tratamiento encubierto del tema de la homosexualidad fue algo
paradigmático en Austria. Incluso las acciones materiales y corporales de los Accionistas Vieneses, que en esa época transgredieron los
límites sociales con la forma en que retrataban la sexualidad, eran definidas no solo patriarcalmente sino también hétero-normativamente.
Scheugl fue uno de los directores austríacos que trabajaron con las
formas queer de la sexualidad como temas cinematográficos y los
examinaron históricamente.
“Se supone que yo tengo que explicarles mis películas a ustedes,
pero están perdiendo el tiempo, y yo estoy perdiendo el mío. ¿Cómo
se supone que les voy a explicar algo, si hay un concepto reaccionario del arte que se les impone a los chicos en la escuela y luego a los
adultos a través de las instituciones del Estado? La televisión, la prensa y sus funcionarios de la cultura son tan fascistas y reaccionarios
como esto en que se han convertido ustedes. Ya no dicen “arte degenerado” para que la gente no los llame nazis, pero dicen que el arte
se está degenerando. Pero para nosotros eso es un elogio. Porque en
Austria la gente que “no está bien” está en el camino correcto (…)”*.
The undercover treatment of the theme of homosexuality can be identified as paradigmatic in Austria. Even the material and body actions
of Viennese Actionists, who transgressed social boundaries at the
time with their depictions of sexuality, remained defined not only patriarchally, but also hetero-normatively. Scheugl thus presents one of
the few filmmakers in Austria who dealt with queer forms of sexuality
as a theme cinematically and also examined them historically.
“I’m supposed to explain my films to you, but you’re wasting your
time – and I’m wasting mine. How am I supposed to explain something, if a reactionary concept of art is hammered into kids in school
and again later by the state institutions? Television, the press, and
your culture officials are just about as fascist and reactionary as you
have become. They don’t say “degenerate art” anymore so people
won’t call them Nazis – now they say that art is degenerating. But
for us, that’s a compliment. Because in Austria people who are “not
of its kind” are on the right path (…)”*
DS
Dietmar Schwärzler
*Hans Scheugl gritó este manifiesto artístico parado frente a la municipalidad de Viena, mientras tiraba puñados de tierra en dirección a una cámara
de la televisión austríaca en el programa fílmico Apropos Film, el 19 de septiembre de 1969.
*Hans Scheugl shouted this artistic manifesto while standing in front of
Vienna’s City Hall provocatively throwing clumps of earth in the direction
of the camera on Austrian television on the film program Apropos Film, on
September 19th,1969.
Hans Scheugl
Born 1940 in Vienna, where he currently lives, he attended film school in
that city and was an apprentice at the Cinémathèque Française in 1964. A
filmmaker since 1966, he also published articles on film together with Ernst
Schmidt Jr. and Peter Weibel in periodicals such as Caligari and Film between
1964 and 1969. He founded the Austria Filmmakers Cooperative together
with Schmidt Jr., Weibel, Valie Export, Kurt Kren and Gottfried Schlemmer in
1968. He stopped making films in the seventies, retreated entirely from the art
scene, and spent long periods of time in India. He re-founded the Filmmakers
Coop in 1982 and returned to filmmaking in 1985 with Der Ort der Zeit. Until
the early 1990s he shot several films (programmed in festivals in Rotterdam,
Berlin, London, and New York, among others), including a documentary for
Austrian television about Kurt Kren. He has published several books and
essays and is involved with photography and video.
Nació en 1940 en Viena, donde reside actualmente, y donde estudió cine
antes de trabajar como aprendiz en la Cinemateca Francesa, en 1964.
Cineasta desde 1966, también publicó artículos sobre cine junto a Ernst
Schmidt Jr. y Peter Weibel en periódicos como Caligari y Film, entre 1964
y 1969. Fundó la Cooperativa de Cineastas de Austria en 1968 junto con
Schmidt Jr., Weibel, Valie Export, Kurt Kren y Gottfried Schlemmer. Dejó de
hacer películas en los setenta, se retiró por completo de la escena artística
y pasó largas temporadas en la India. Refundó la Cooperativa de Cineastas
en 1982 y volvió al cine en 1985 con Der Ort der Zeit. Hasta principios de
los noventa dirigió varios films (seleccionados en festivales en Rotterdam,
Berlín, Londres y Nueva York, entre otros), incluido un documental sobre
Kurt Kren para la televisión austríaca. Publicó varios libros y ensayos, y
trabaja en fotografía y video.
The Skin I Live In • Focus Hans Scheugl
Dear John
Querido John
Una A fuera de foco contra un fondo rosa: la primera letra de un viaje que
no termina en Z aunque incluya muchas letras (porque son de naturaleza
postal más que alfabética). Las palabras intercambiadas conectan dos
mundos, una vida en Estados Unidos y otra en Viena. El cartel A marca
una casa en algún lugar de EE. UU. que el cineasta Hans Scheugl ubicó
con el Google Street View, y representa el redescubrimiento inesperado de
un amigo casi olvidado llamado John. Scheugl podría haber comenzado
una nueva vida con él en Estados Unidos, hace 50 años. (…) Dear John es
un convulsionado film de remembranza, una fantasía reflexiva documental
acerca de una existencia imaginaria.
Christoph Huber
Austria, 2015
42’ / DCP / Color
D, P: Hans Scheugl
Calificación: ATP
Contacto / Contact
Six Pack Films
Dietmar Schwärzler
[email protected]
sixpackfilm.com
An ‘A’, out of focus, on a pink background – the first letter of a journey that
does not lead to Z, even if includes many letters: these are of a postal rather
than an alphabetical nature. The letters exchanged connect two worlds:
one lived in the USA and the other in Vienna. The signpost A marks a house
somewhere in America that was located by filmmaker Hans Scheugl using
Google Street View, and it represents the unexpected rediscovery of a nearly
forgotten friend named John. Scheugl could have started a new life with him
in the USA, 50 years ago. (…) Dear John is a convoluted film of remembrance,
a documentary reflection fantasy about an imaginary existence.
CH
Prince of Peace
Príncipe de la paz
La entrada a un baño de hombres en un pasaje peatonal subterráneo en
Viena. Se escuchan campanas de iglesia a lo lejos. Con un despiadado
ritmo de montaje, hombres anónimos se acercan cada vez más a una
puerta de vidrio opaco, en estrofas rítmicas que se traban cada vez más
profundas dentro de la habitación que no podemos ver. En el medio hay
fotos de una revista porno en la que un Salvador tatuado es puesto en
conexión directa con el coito entre dos hombres, todo al son de la música
de una banda de bronces. Debajo de la cara del Redentor está escrito
Príncipe de la Paz.
Claus Philipp
Austria, 1993
8’ / 16mm / b&n
D, P: Hans Scheugl
Calificación: +18
Contacto / Contact
Six Pack Films
Dietmar Schwärzler
[email protected]
sixpackfilm.com
82
The entrance to a men’s toilet in an underground pedestrian passage
in Vienna. Church bells are heard in the distance. In a merciless editing
rhythm, anonymous men are brought ever closer to the opaque glass door;
in rhythmic stanzas they are stuck ever deeper inside the room one can´t
see into. In between there are photos from a pornographic magazine, in
which a tattooed Savior is placed in a direct connection with the sexual
intercourse between two men - all to the sounds of ghastly brass band
music. Prince of Peace is written under the Redeemer’s face.
CP
Sugar Daddies puede verse como la transición de Scheugl del Cine
Expandido a su obra conceptual o estructural. Filmó dibujos sexuales
explícitos, graffitis y muchos avisos de contacto (gay) de un baño de la
Universidad de Viena, que luego proyectó en baños públicos sobre paredes
vacías. Filmó esa situación una vez más y subsecuentemente integró
ese material nuevo a la versión inicial –simple, sucinto y, sin embargo,
espectacular–. La película está dedicada a Stan Laurel y Oliver Hardy, una
pareja que ya había celebrado el burlesque y los intercambios de roles de
género específicos con anterioridad, y cuyas películas siempre presentaron
elementos homoeróticos.
Dietmar Schwärzler
Austria, 1968
9’ / 16mm / b&n
D, P: Hans Scheugl
Calificación: +18
Contacto / Contact
Six Pack Films
Dietmar Schwärzler
[email protected]
sixpackfilm.com
Sugar Daddies can be seen as Scheugl’s transition from Expanded Cinema
to his conceptual or structural work. He filmed sexually explicit drawings,
graffiti, and numerous (mainly gay) contact ads from a toilet in the University
of Vienna, which he then projected in public toilet facilities on empty walls.
He filmed this scenery again and subsequently integrated the new material
into the initial version – simple, succinct, and yet spectacular. The film
is dedicated to Stan Laurel and Oliver Hardy, a couple that had already
celebrated burlesque and gender-specific role changes early on and whose
films had always shown homoerotic components.
DS
Militia Early Morning
Milicia en madrugada
La historia que compone esta película ha descartado la dramaturgia clásica
hace mucho tiempo. Recopila observaciones desde los límites de la ciudad,
muestra curiosidad por los rostros y la vida cotidiana, intercala elementos
de suspenso y de la cultura pop. En esta película, Scheugl no es un
dogmatista noble de la forma y el material, sino más bien alguien que juega
con el tiempo y para quien el cine es un reservorio de yiros y exploración.
Scheugl cambia de registro con habilidad: del descubrimiento tentativo al
shock violento, del espacio abierto a la pose previamente concertada. Para
él, la ficción no es la mirada que infecta los objetos, sino un modelo para la
percepción que revela la realidad.
Elisabeth Büttner (Hans Scheugl. Die Fotografien des Filmemachers.
Katalog, Wien-Museum, 2012)
Austria, 1968
9’ / DCP / Color
D, P: Hans Scheugl
Calificación: +13
Contacto / Contact
Six Pack Films
Dietmar Schwärzler
[email protected]
sixpackfilm.com
The story that composes the film has dismissed classical dramaturgy long
ago. It collects observations from the edges of town, shows curiosity for
faces and everyday life, intersperses plot elements of intrigue and poaches
in pop culture. In this film,Scheugl is not a noble dogmatist of form and
material, butrather, a player of time for whom film is a reservoir of cruises
and reconnaissance. Dexterously,Scheugl changes his style from tentative
discovery to violent shock, from open space to arranged pose. To him,
fiction is not the gaze that infects objects, but rather, a model for the insight
that reveals reality.
EB (Hans Scheugl. Die Fotografien des Filmemachers. Katalog,
Wien-Museum, 2012)
83
La piel que habito • Foco Hans Scheugl
Sugar Daddies
Papis tiernos
con el apoyo del Institut Français d’Argentine
La piel que habito
The Skin I Live In
Foco
Holanda
Focus Netherlands
ÁNGULO HOLANDÉS
DUTCH ANGLE
A pesar de que Holanda es un país muy liberal, en el pasado no hubo
nada parecido a un cine específicamente gay o lésbico. Es claro que la
lucha por la igualdad de derechos no se dio a través del ojo de la cámara. Haber crecido sin referentes o una representación seria en cine
o televisión hizo que la comunidad se sintiera sola en la oscuridad. Si
había algún retrato, este terminaba siendo estereotípico y, en la mayoría de los casos, ofensivo.
Holanda es conocido como un país de mente abierta, pero desafortunadamente la violencia contra gays y lesbianas aumentó, en parte
debido a las creencias de los inmigrantes religiosos. Pero también hay
una falta de tolerancia hacia nuestra comunidad. Una pequeña mayoría
de la población no tiene problemas con nuestro derecho a casarnos,
pero a más de un tercio le parece desagradable que la gente del mismo
sexo camine de la mano o, peor aún, se bese en público. “Homo” es el
término más usado en las escuelas cuando hay abuso.
Hoy la comunidad LGBT es representada de forma frecuente y, la mayoría de las veces, con honestidad. En la última década, los reality shows
y los dramas de ficción incluyeron finalmente personajes LGBT que son
tratados con seriedad, al igual que la comunidad LGBT. Sin embargo, en
el cine siguió siendo poco visible. Por suerte los tiempos cambiaron y la
era digital hizo que los realizadores pudieran contarnos historias con las
cuales relacionarlos de forma más fácil. Es importante ser visible y mostrar cómo nuestra diversidad se expande. Las imágenes en movimiento
pueden provocar un cambio, tanto cuando se usan con fines educacionales como cuando son usadas como entretenimiento con un mensaje
fuerte. Las películas pueden hacer que uno piense sobre temas como la
igualdad de derechos: cambiemos el mundo una película por vez.
Esta selección de films holandeses es tan diversa como nosotros. Pueden encontrar joyas con la L, con la G, con la B, con la T y con la recientemente agregada Q, pero también hay diferentes estilos y géneros; hay
muchas maneras de contar nuestras historias. Es genial que las películas
suelan presentarse solo como “películas” y que no se proyecten únicamente en festivales LGBT. Es importante tener nuestras propias películas,
pero también es necesario que el mensaje de igualdad llegue a todos.
Si bien el programa es variado, se puede notar un ángulo holandés: las
películas son directas en temas cercanos, pero están narradas de forma universal. Y como los holandeses se la pasan explorando el mundo,
también hay algunas observaciones más allá de nuestras fronteras.
Entre otras películas, ofrecemos algunas historias inolvidables de aprendizaje y documentales motivadores y edificantes. Hay una película
educativa moderna que se muestra en las escuelas sin ser prepotente,
temas sociales que necesitan ser tratados, pero también una hermosa
pieza moderna de baile. Y, para los románticos, un fascinante héroe gay
que viene al rescate. Al final, lo que queremos es la libertad de amar y
que nos alcen y nos lleven hacia el horizonte…
Despite being a very liberal country there hasn’t been something like a
specific gay and lesbian cinema in the past. The fight for equal rights
surely has not been fought through the eye of the camera. Growing
up with no role models or serious representation on the big screen or
on television made the community felt left in the dark. If there was any
portrayal, it often turned out to be stereotypical and mostly offensive.
The Netherlands is known as a broad-minded country, but unfortunately there is an increase of violence against gays and lesbians, partly due
to the beliefs from religious immigrants. But there is also a lack of tolerance towards our community. A small majority of the population is okay
with our right to get married, but more than a third finds it disgusting if
people of the same sex walk hand in hand or even worse, kiss in public.
“Homo” is the most used term of abuse in schools.
Nowadays, the LGBT community is represented frequently, and mostly
in an honest way. In the last decade, reality tv and fictional dramas
finally included LGBT characters, and they are treated seriously, as is
the LGBT community. Nevertheless, on the big screen it was still hardly
visible. Fortunately, times have changed and the digital age made it
easier for filmmakers to tell stories we can relate to. It is important to
be visible and to show our expanding diversity. Moving images can
make a change, whether they are used for educational purposes or as
entertainment with a strong message. Films can make you think about
issues like equal rights -let’s change the world one movie at the time.
This selection of Dutch treats is as diverse as we are. You can find gems
with the L, the G, the B, the T and the recently added Q, but there are
also different styles and genres. There are many ways to tell our stories.
It is great that the movies are often presented (in The Netherlands and
abroad) as just “films” and not only screened at LGBT film festivals. It is
important to have “our own” films, but it is also necessary for the message of equality to reach everyone.
Even though the whole program is varied, you can spot a Dutch angle:
every film is straightforward with subjects close to home but with a
universal storytelling. And as the Dutch are always exploring the world,
there are some views beyond our borders as well.
Among other works, we offer you some timeless coming of age dramas
and also empowering and uplifting documentaries. There’s a modern
educational film that is used at schools without being obtrusive, social
issues that need to be addressed, but also a beautiful modern dance
piece. And for the romantics among us: a fascinating gay hero comes
to the rescue. In the end, what we want to achieve is the freedom to
love, but also to be swept off our feet and carried into the sunset...
Werner Borkes
WB
The Skin I Live In • Focus Netherlands
10 Minutes Left
Nog Ten Minuten
Quedan 10 minutos
Rodrigo (Vanja Rukavina) salió del clóset hace muy poco, y es por eso que
se lo ve bastante incómodo en este bar gay. El lugar está por cerrar: la
música está apagada, las luces están encendidas, y dentro de 10 minutos
todos tendrán que estar afuera. Rodrigo entra en pánico: ¡todavía no
encontró su cita para esta noche! A Joris van Berg, director de la serie de
TV Diary of a Callgirl, se le ocurrió la idea de 10 Minutes Left una noche
en la que fue a uno de los bares gay más famosos de Ámsterdam, De Trut
(“La Perra”). El corto ganó el premio al Mejor Corto LGBT en el Festival de
Cortometrajes de Cannes.
Rodrigo (Vanja Rukavina) only recently came out, so that’s why he looks
a bit uncomfortable in this gay bar. The place is about to close: the music
is switched off, the lights are turned on, and within 10 minutes everybody
has to be out. Rodrigo starts to panic; he still hasn’t found his date for
the evening! Joris van den Berg, director of the TV series Diary of a
Callgirl, came to the idea of 10 Minutes Left during a night out in one of
Amsterdam’s most famous gay bars: De Trut (translated: The Bitch). The
short won the Best LGBT Award at the Cannes Shortfilm Festival.
Países Bajos - The Netherlands, 2014
6’ / DM / Color
D: Joris van den Berg / G: Tjeers Posthuma
F: Bas Andries / E: Wietse de Zwart,
Michiel Boesveldt / DA: Florian Legters
S: Oliver Pattinama, Full Crate / M: Full Crate
P: Smarthouse Films, Danielle Guirguis
PE: Danielle Guirguis / CP: Smarthouse Films
I: Vanja Rukavina, Henriette Tol, Martin Terpstra,
Mjad Mardo, Poal Cairo, Boris Schreurs, Beau Schneider
Joris van den Berg
Dirigió numerosas series y miniseries para televisión, como Bonkers (2012), Gek
op Sofie y Start Up (ambas de 2014), y varios cortometrajes, como Gargouille,
Sssshht! (ambos de 2006), Pien (2011), Hoogtepunt y Kansloos (ambos de 2012).
He directed many TV series and mini-series, including Bonkers (2012), Gek op
Sofie and Start Up (both in 2014), and several short films, like Gargouille, Sssshht!
(both in 2006), Pien (2011), Hoogtepunt and Kansloos (both in 2012).
Calificación: ATP
Contacto / Contact
Smarthouse Films / Michelle Huveneers
+31 22337957 / +31 643459884
[email protected]
smarthousefilms.nl
Brick
Steen / Ladrillo
Jeffrey vive en un pueblito cerca de Arnhem junto a su padre y su novia,
y está por convertirse en papá. Pasa sus días trabajando en la fábrica de
ladrillos del lugar y lleva una vida rutinaria, pero todo esto cambia cuando
le toca supervisar a Kevin, su nuevo compañero de trabajo. Cuando
Kevin intenta tener intimidad con él, Jeffrey lo golpea y lo tira al piso. Sin
embargo, no logra sacarlo de su cabeza, y comienza a cuestionar todo
aquello de lo que estuvo tan seguro alguna vez.
Jeffrey, who lives in a small town near Arnhem with his father and his
girlfriend, is about to become a dad. He spends his days working in the
local brick factory and leads a life of routine. But this all changes when
he has to supervise Kevin, a new coworker. When Kevin tries to become
intimate with him, Jeffrey knocks him to the ground. Yet he can’t seem to
get Kevin out of his head and starts to question everything that he was once
so sure of.
Viktor van der Valk
14’ / DM / Color
D: Viktor van der Valk
G: Viktor van der Valk, Kasper van Beek
F: Emo Weemhoff / E: Lot Rossmark
DA: Myrte Beltman / S: Tijn Hazen
M: Eren Önsoy
P: Erik Glijnis, Hanne Sinninghe
CP: Some Shorts
I: Reinout Scholten van Aschat,
Coosje Smid, Lourens van den Akker,
Manou Kersting
Calificación: ATP
Contacto / Contact
Some Shorts
Wouter Jansen
+31 62 20 76 717
[email protected]
someshorts.com
86
Nació en Reikiavik, Islandia, en 1987. Estudió tres años en la Escuela de Artes
de Utrecht y luego en la Academia de Cine Holandesa en Ámsterdam. Escribió
y dirigió cortometrajes como Vegleysa (2011) y The Little Traveler (2012), y el
mediometraje Onno the Oblivious (2014). En 2013, durante su tercer año en la
Academia, escribió y dirigió Brick.
He was born in Reykjavik, Iceland, in 1987. He studied for 3 years at the School
of the Arts Utrecht before he started at the Dutch Film Academy in Amsterdam.
He wrote and directed short films such as Vegleysa (2011) and The Little Traveler
(2012) as well as the medium-length film Onno the Oblivious (2014). In 2013, his
third year at the Film Academy, he wrote and directed Brick.
David queda destrozado al descubrir que su mejor amigo Niels es gay. La
homosexualidad no es tolerada en su grupo de amigos. ¿Se pondrá del
lado de ellos u optará por continuar su relación con Niels?
David is torn when he discovers his best friend Niels is gay. Homosexuality
isn’t tolerated among their friends. Will David side with them or choose for
his friendship with Niels?
Lazlo & Dylan Tonk
Los hermanos gemelos Lazlo y Dylan Tonk viven y trabajan en Utrecht, y eligen
para sus películas asuntos sociales de relevancia tales como derechos humanos,
la igualdad y el desarrollo sustentable. Sus últimos trabajos incluyen una serie de
cortos sobre la construcción de preescolares en las villas de Ciudad del Cabo,
Sudáfrica. Caged es el primer cortometraje de ficción que dirigen juntos.
14’ / DM / Color
Twin brothers Lazlo and Dylan Tonk live and work in Utrecht, and they choose
subjects that focus on social relevant issues such as human rights, equality
and sustainable development. Their recent work includes a series of short films
documenting the build of preschools in the townships of Cape Town, South
Africa. Caged is the first short fiction film they directed together.
D, G, PE: Dylan Tonk, Lazlo Tonk
F: Martijn Cousijn
E: Joël Hielckert
S: Ronnie van der Veer
I: Joël Mellenberg, Josha Stradowski,
Yldau de Boer, Leendert de Ridder
Calificación: ATP
Contacto / Contact
Dyzlo Film
Dylan Tonk
+31 30 75 25 421
[email protected]
Cruise Patrol
Patrulla
En un camino extenso y polvoriento, una patrulla de rutina da un giro
inesperado y pierde totalmente el control en esta película de Bobby de Groot
y Arjan van Meerten, seleccionada en más de una decena de festivales.
On a long and dusty road a routine cruise patrol takes an unexpected turn
and spirals totally out of control, in this film by Bobby de Groot and Arjan
van Meerten, selected in more than a dozen festivals.
Arjan van Meerten
Graduado de la Escuela de Artes de Utrecht en 2003, trabajó como animador 3D
en el estudio de videojuegos Playlogic y fue freelance antes de cofundar House
of Secrets, con la que realizó numerosos cortometrajes.
Graduated from Utrecht School of the Arts in 2003. Before co-founding House
of Secrets he worked as a 3D animator at game studio Playlogic and worked
freelance, before he co-founded House of Secrets, through which they made
many short films.
7’ / DM / Color
D, F, E, DA: Bobby de Groot, Arjan van Meerten
G, P: Bobby de Groot
S: Jeroen Nadorp
M: Troy Torino
PE: House of Secrets
Bobby de Groot
En 2002 se graduó de la Escuela de Artes de Utrecht, donde actualmente
enseña, con un máster en animación digital. Trabajó en cortos y films
comerciales antes de cofundar House of Secrets.
Graduated from Utrecht School of the Arts –where he also currently teaches– in
2002, with a MA in computer animation. Before co-founding House of Secrets he
worked for various clients on commercials shorts and features.
Calificación: +13
Contacto / Contact
House of Secrets
Bobby de Groot
+31 622332041
[email protected]
houseofsecrets.nl
bybob.nl
87
La piel que habito • Foco Holanda
Caged
Uitgesproken / Encerrado
Daniël
Daniel
Realizada con un presupuesto de apenas 3500 euros y con la
contribución voluntaria de profesionales del cine, Daniël cuenta la
historia de iniciación de un adolescente que encuentra su primer amor
durante un día de verano. El chico conoce a una chica, pero quien lo
atrae es el hermano de ella. Así comienza una tierna historia de amor.
Como en un sueño, la realidad de los alrededores desaparece, y queda
así la belleza misteriosa de un dulce recuerdo.
Made with a budget of merely 3500 euros and the voluntary contribution
of film professionals, Daniël tells the coming-of-age story of a teenage
boy who finds first love on a summer day. The boy meets a girl but
finds himself attracted to the girl’s brother. A tender love story evolves.
Like in a dream the reality of the surroundings disappears, leaving the
mysterious beauty of a sweet memory.
Vincent Fitz-Jim
8’ / DM / Color
D: Vincent Fitz-Jim
G, DA, P, PE: Vincent Fitz-Jim,
Martijn Cousijn / F: Martijn Cousijn
E: Joël Hielckert / S: Ruud Bouma
M: The Album Leaf / CP: Popcorn Media
I: Bas de Vries, Frederik Stuut, Eva Oosters
Nació en 1970 y trabajó como montajista y desarrollador de programas de
televisión. Fundó Popcorn Media, una compañía productora de comerciales
y films corporativos. Trabajó con el DF y guionista Martijn Cousijn en una
variedad de proyectos antes de Daniël, la primera ficción que escribieron y
produjeron juntos.
He was born in 1970. He worked as an editor and developer for TV shows. He
founded Popcorn Media, a production company for commercials and corporate
films. He worked together with DP and scriptwriter Martijn Cousijn on a variety
of projects. Daniël is the first fiction film they wrote and produced together.
Calificación: +13
Contacto / Contact
Popcorn Media
Vincent Fitz-Jim
+31 6 547 88 031
[email protected]
popcornmedia.nl
Grey Walls
Grijze muren / Muros grises
Julia vive en un geriátrico cerca de Ámsterdam donde todos los días le
hacen bullying. Julia pasa su tiempo con su café, dos pajaritos y sus
libros, y escribe acerca de sus sueños mientras espera su cita con la
muerte. Pero Anna, una nueva residente, llega en silla de ruedas, y hay
una conexión entre ellas que parecería ir más allá de la amistad. Esto deja
en claro no solo la razón por la cual Julia se aísla, sino también su miedo
a volver a sentir amor. Grey Walls es una película sobre la soledad y sobre
encontrar un nuevo amor; sobre gente que, en el final de sus vidas, se
encuentra gracias a estas paredes grises que las encierran juntas.
Julia lives in a nursing home nearby Amsterdam, where she is bullied
every day. She spends her time with her coffee, two little birds, her
books, and writes down her dreams, waiting for her appointment with
death. But then a new resident, Anna, arrives in a wheelchair. There is a
connection between them that seems to go further than friendship. This
not only makes the reason of Julia’s isolation clear, but also her fear to
feel love again. Grey Walls is a film about loneliness and finding new
love. People at the end of their lives brought together by the grey walls
that confine them to each other.
22’ / DM / Color
D, G, PE: Silvie Konings
F: Dennis Neumann
E: Max Vonk / DA: Else de Bruin
S, M: Jelke Landman
P: Silvie Konings, Else de Bruin
CP: KIP&PAARD Productions
I: Anita Menist, Maroesja Lacunes,
Trudy Lute, Frist Lambrechts
Calificación: ATP
Contacto / Contact
KIP&PAARD Productions
Silvie Konings
+31 624952831
[email protected]
[email protected]
silviekonings.nl
grijzemuren.nl
88
Silvie Konings
Nació en 1983. Cineasta y fotógrafa, estudió diseño audiovisual en la Academia
Willem de Kooning, donde se especializó en dirección. Inspirada en pequeños
elementos de su vida cotidiana, relata historias con imágenes fijas y en
movimiento combinadas con sonido. Su filmografía incluye documentales,
instalaciones y ficciones como Stromen (2013), Blood on the Red Carpet (2012) y
Moving Love (2011), entre otras.
She was born in 1983. A filmmaker and photographer, she studied Audiovisual
Design at the Willem de Kooning Academie, where she specialized in directing.
Inspired by small elements from her everyday life, she tells stories using both
still and moving images combined with sound. Her filmography includes
documentaries, installations and fictions such as Stromen (2013), Blood on the
Red Carpet (2012) and Moving Love (2011), among others.
Intrinsic Moral Evil (“Mal Moral Intrínseco”) parece ser una historia de
identidad y aprendizaje. Pero, más que nada, los tres bailarines juegan
con la percepción y las expectativas del público: ¿es esto un recuerdo,
un sueño, una búsqueda de identidad? ¿La película trata sobre la
pérdida de la amistad o sobre crecer? Esta historia llena de matices se
desarrolla gradualmente y revela sus últimos secretos justo antes de
que comiencen los créditos finales, dejando al público confundido e
invitándolo a que haga su propia interpretación.
Intrinsic Moral Evil seems to be a tale of identity and coming of age. But
above all, the three dancers play a game with the viewer’s perception
and expectations: is it a memory, a dream, a search for identity? Is
it about losing of friendship or about growing up? The layered story
gradually develops; revealing its last secrets just before the end credits
start, thus leaving the audience in confusion, and inviting them to make
their own interpretation.
11’ / DM / Color
D, G, DA, P: Harm Weistra
F: Jorrit Garretsen / E: Michiel Boesveldt
S: Aline Bruijns, Bart Jilesen
M: Ludwig van Beethoven
PE: Jitte Hoekstra / CP: Framelab
I: Joan Ferré Gomez, Jorge Abraham
Guillen Ortiz, Frago Peña Gonzalez,
Hank Botwinik
Calificación: ATP
Harm Weistra
Vive y trabaja en Ámsterdam. Estudió bellas artes en la Academia Gerrit Rietveld
de esa ciudad y la Academia Willem de Kooning en Rotterdam, donde se
graduó en 2011. Tiene un máster en ciencias sociales y es licenciado en bellas
artes. Trabaja en una variedad de disciplinas, incluyendo cine, fotografía, e
instalaciones. Upsetting… (2011), y Damaged Goods I (2011) y II ( 2012) son
algunos de sus trabajos.
He lives and works in Amsterdam. He studied Fine Arts at the Gerrit Rietveld
Academie in Rotterdam, from which he graduated in 2011. He has a master’s
degree in Social Science and a bachelor’s in Fine Arts. He works in a variety of
disciplines, including film, photography and installations. Upsetting… (2011) and
Damaged Goods I (2011) and II (2012) are some of his works.
Contacto / Contact
Framelab
Harm Weistra
+31 65 33 444 88
[email protected]
harmweistra.com
Over the Rainbow
Del otro lado del arco iris
Luego de la muerte de su madre, Leny (82) finalmente tuvo tiempo de llevar
adelante su sueño de recorrer el mundo. Y no llegó más allá de Nueva
Zelanda, donde conoció al amor de su vida: otra mujer. Leny salió del clóset
a los 68 años. Desde entonces se ha metido de lleno en su vida como
lesbiana, recuperando así el tiempo perdido. Esta es una historia única
sobre una mujer que sale del clóset a una edad madura, pero sin ningún
tipo de rencor por el pasado. Leny acepta su nueva sexualidad de forma
más vibrante y enérgica que mucha gente más joven. Sin embargo, hay
algo de lo que se arrepiente.
After her mother passed away, Leny (82) finally had time to follow her dream
of cycling around the world. She didn’t get further than New Zealand, where
she met the love of her life –another woman. Leny came out of the closet
aged 68. Since then, she has thrown herself into lesbian life, making up for
lost time. A uniquely positive story about a woman coming out at a ripe age,
yet without any bitterness about the past. She embraces her new sexuality
with more vibrancy and energy than many younger people might have. She
does, however, have one regret.
39’ / DM / Color
Tara Fallaux
D: Tara Fallaux
F: Nicole Batteké
E: Suzanna Noort
S: Evelien van der Molen
P, PE: Olivia Sophie van Leeuwen
I: Leny Wiggers
Estudió cine y fotografía en escuelas de arte de Ámsterdam y Pittsburgh (EE. UU.).
Luego de concluir sus estudios, se mudó a Nueva York, donde comenzó su carrera
como fotógrafa. Desde 1999 trabaja como freelance y combina su trabajo con fotos
artísticas y proyectos fílmicos. Ha recibido premios nacionales e internacionales por
su reconocido trabajo, y actualmente desarrolla proyectos personales de fotografía
y documentales para la televisión pública.
Calificación: ATP
She studied film and photography at art schools in Amsterdam and Pittsburgh
(USA). After her studies at Carnegie Mellon University she moved to New
York, where she started her career as a photographer. Since 1999 she works
as a freelance combining art photography and film projects. She won national
and international recognition and awards, and she’s currently developing new
personal photography projects as well as documentaries for Public Television.
Contacto / Contact
Olivia Sophie van Leeuwen
+31 641813130
[email protected]
overtherainbow.tv
89
Intrinsic Moral Evil
Mal moral intrínseco
Pablo - Healthy Life with HIV
Pablo - Vida sana con VIH
Pablo es un muchacho mexicano homosexual que vive en Ámsterdam.
Hace siete años se enteró de que es VIH positivo. Para combatir el estigma
que existe alrededor del virus, Pablo está trabajando en el HIV Young
Leaders Fund. Su mensaje: “Romper el círculo vicioso, incluso dentro de la
comunidad gay”.
Pablo is a homosexual Mexican guy who is living in Amsterdam. Seven
years ago he found out he is HIV-positive. In order to fight the stigma
around HIV Pablo is working at the HIV Young Leaders Fund. His message:
“Break the vicious circle, also within the gay community.”
Caroline Keman & Paula Vonhof
3’ / DM / Color
D: Caroline Keman, Paula Vonhof
G, F, E: Paula Vonhof, Caroline Keman
S: Petri van Dijk
M: Petri van Dijk, Indigolab
P, PE: Bertus Tempert - Ethnic Minorities Program
I: Pablo T. Aguilera, Ricardo Gonzalez
Keman nació en Ámsterdam, donde cursó estudios de cine antes de
licenciarse en documental en la Escuela de Cine de Praga en 2011. Varios
de los cortometrajes en los que trabajó como cámara y asistente de cámara
fueron seleccionados en festivales de todo el mundo. Vonhof estudió diseño
gráfico en el Grafisch Lyceum de Utrecht y medios audiovisuales en la
Escuela de Artes de Utrecht.
Keman was born in Amsterdam, and after some film courses in that city she
graduated in Documentary Filmmaking at the Prague Film School in 2001.
Several short films she has worked on as camera operator and assistant have
been selected for film festivals all over the world. Vonhof studied graphic
design at Grafisch Lyceum Utrecht and Audiovisual Media at the Utrecht
School of the Arts.
Calificación: ATP
Contacto / Contact
Soa Aids Nederland
Caroline Keman, Paula Vonhof
+316 40438545
+316 30221613
[email protected]
[email protected]
Ricardo - Healthy Life with HIV
Ricardo - Vida sana con VIH
Ricardo, el primo de Pablo, lo apoya con amor. Lo apoyó desde el primer
momento, lo cual ayudó a Pablo a procesar todo y, eventualmente, le dio
la fuerza que necesitaba para sincerarse con el resto de su familia.
Ricardo, Pablo’s cousin, supports him with love. From the very beginning
he was supportive, which helped Pablo to process everything and
eventually gave him the strength he needed in order to be open about it
to the rest his family.
3’ / DM / Color
D: Caroline Keman, Paula Vonhof
G, F, E: Paula Vonhof, Caroline Keman
S: Petri van Dijk
M: Petri van Dijk, Indigolab
P, PE: Bertus Tempert - Ethnic Minorities Program
I: Pablo T. Aguilera, Ricardo Gonzalez
Calificación: +18
Contacto / Contact
Soa Aids Nederland
Caroline Keman, Paula Vonhof
+316 40438545
+316 30221613
[email protected]
[email protected]
90
Durante una parada en el baño de una estación de servicio, un turista tiene
un encuentro confuso con un extraño. Cuando quiere continuar su viaje de
regreso, descubre algo que hará que vea su vida desde una perspectiva
totalmente distinta.
During a stopover on the toilet at a gas station, a tourist has a confusing
encounter with a stranger. When he wants to continue his journey back, he
discovers something that puts his life under a completely new light.
Jim Süter
Nació en 1986 y comenzó su entrenamiento como actor en 2006 en la Academia
de Teatro y Cabaret de Ámsterdam. También estudió psicología y cine en la
Academia de Cine de esa ciudad. Su cortometraje de tercer año, Panopticum,
fue nominado en el Festival Internacional de Imágenes y Cortometrajes de Seúl, y
continúa siendo seleccionado en distintos festivales.
7’ / DM / Color
D: Jim Süter
G: Ashar Medina
F: Marjoke Haagsma
E: Sabine Maas
DA: Maeve Human
S: Gijs den Hartogh
P: Jim Bresser, Jessie Mentjox
CP: Netherlands Film Academy
I: Bart van der Schaaf, Mike Meijer,
Jet Pagnier
He was born in 1986, and started his training as an actor in 2006 at the Academy
for Theater and Cabaret in Amsterdam. He also studied Psychology, and Film
at that city’s Film Academy. His third year short film Panopticum has been
nominated for the Seoul International Short Image & Film Festival and is still in
the running for different festivals.
Calificación: ATP
Contacto / Contact
Jim Bresser
+31 6 13212429
[email protected]
Sin límites
Limitless
Sin límites es un poético retrato de Pachi, un hombre extravagante que está
por cumplir sesenta años y sufrió por la ruptura con su novio. La historia
está narrada en escenas a pura atmósfera, tanto en la hermosa casa de
Pachi como en las poco iluminadas calles de La Habana y sus montones
de noctámbulos. El título refiere a aspectos de la vida de Pachi, quien
enfrenta los estereotipos sociales sobre la homosexualidad. La película
también hace referencia y homenajea la icónica película de 1994 Fresa y
chocolate, de Tomás Gutiérrez Alea y Juan Carlos Tabío. Su reconocimiento
internacional comenzó el largo y difícil camino hacia la aceptación de la
diversidad sexual en Cuba.
Sin límites is a poetic portrait of Pachi, an extravagant male in his late
fifties, who struggled with love-distress after a break up with his boyfriend.
The story is told in atmospheric scenes in both Pachi’s beautiful home and
dim lit Havana streets, flocked by night people. The title refers to aspects
of Pachi’s life, as he challenges stereotypes regarding homosexuality
in society. It also refers and pays tribute to the 1994 iconic film Fresa y
chocolate by Tomás Gutiérrez Alea and Juan Carlos Tabío. Its international
appraisal started the long and difficult road to the acceptance of sexual
diversity in Cuba.
Cuba, 2014
16’ / DM / Color
D: Sanne Derks, Balasz Rottek,
Alexandra Von Schelling
F: Angel Alexis García
E: Vionicel Peña
S: Efrén Bravo
P: Delia de la Cruz, Arley Perera,
Jorge Nhils
I: Rafael Tamayo
Calificación: ATP
Contacto / Contact
Sanne Derks
+31 648281812
[email protected]
sannederks.com
Sanne Derks, Balazs Rottek & Alexandra von Schelling
Sanne nació en Dinamarca y tiene un máster en psicología de la cultura y las
religiones. Dirigió Mary in Times of Crisis (2012). Balazs nació en Hungría. Tiene
un máster en relaciones internacionales y estudió cine documental en Cuba y
Argentina. Alexandra nació en el Reino Unido, estudió filosofía en Londres y cine
en Cuba. Empezó trabajando como asistente de dirección en un documental
sobre jóvenes artistas en Marruecos.
Sanne was born in Denmark, she has a Master in Psychology of Culture and
Religion and a PhD in Cultural Anthropology. She directed Mary in Times of Crisis
(2012). Balazs was born in Hungary, he has a Master’s in International Relations,
and studied Documentary Filmmaking in Cuba and Argentina. Alexandra was
born in the UK, she studied BA Philosophy in London and Film in Cuba. She
started working as an assistant director in a documentary about upcoming artists
in Morocco.
91
Pitstop
Parada técnica
Soy negra, soy marica
y soy puta
I’m Black, I’m Queer,
and I’m a Whore
En 2012, los viejos amigos Cas van der Pas y Hugo Meijer decidieron viajar
a Colombia para encontrar historias que los inspiraran. Se pusieron en
contacto con Diana, una transexual prostituta, abogada y activista por los
derechos humanos. Desde ahí comenzaron a desarrollar una película que
recorre un año en la vida de esta valiente mujer trans de Colombia que
combina la prostitución, el activismo por los derechos humanos y su carrera
como abogada para convertir el mundo que la rodea en uno mejor.
In 2012, long-time friends Cas van der Pas & Hugo Meijer decided to go
to Colombia to find inspirational stories. They got in touch with Diana, a
transsexual prostitute, lawyer, and human rights activist. From this point
they start working on a yearlong film about this courageous trans woman in
Colombia who combines prostitution, human rights activism and her career
as a lawyer to change the world around her into a better one.
Cas van der Pas & Hugo Meijer
Se hicieron grandes amigos cuando eran adolescentes, y comparten una
gran pasión por el cine y la música. Hacen películas juntos desde hace una
década, y han trabajado con videos musicales, cortometrajes, documentales
y películas experimentales. En 2010 comenzaron a trabajar profesionalmente
como cineastas.
Colombia / Países Bajos - Colombia / The Netherlands, 2014
21’ / DM / Color
D, G, F, E, DA, S, P, PE, I: Hugo Meijer, Cas van der Pas
M: Hugo Meijer / CP: Invisible Doors
They became good friends as teenagers and share a huge passion for film
and music. Cas & Hugo have been making films together for a decade. Over
the years, they’ve been working on music videos, short films, documentaries,
and experimental films. In 2010 both of them started working professionally
as filmmakers.
Calificación: ATP
Contacto / Contact
Invisible Doors
Hugo Meijer & Cas van der Pas
+31 6 42774617 / +45 60 311866
[email protected]
[email protected]
soynegrasoymaricaysoyputa.wordpress.com
hugomeijer.nl
Summer
Zomer / Verano
¿Te animás a ser diferente en un lugar donde nunca nada cambia? El
verano es sofocante y caluroso en un pueblito donde la vida cotidiana
está dominada por el ruido de una usina eléctrica. Anne (16) y sus amigas
pasan sus días recorriendo en bicicleta los sinuosos caminos que llevan a
ningún lugar y a cualquier lugar: es un tiempo de aventuras y de un joven
despertar. Sin embargo, Anne se siente ajena a todo, hasta que conoce
a Lena, una chica recién llegada al pueblo que anda en moto, se viste de
cuero y es diferente de los demás. Rápidamente, las chicas se enamoran y
el amor joven fluye con idénticas dosis de ternura e incomodidad.
Do you dare to be different in a place where everything stays the same? The
summer is sweltering and hot in a village where everyday life is dominated
by a humming power plant. Anne (16) and her friends spend their days
biking through the winding roads that lead nowhere and everywhere – it’s
a time of adventure and youthful awakening. Anne, however, feels like an
outsider, until she meets Lena, a new girl in town who rides a motorbike,
wears leather, and is different from everybody else. The two girls rapidly fall
for one another and young love unfolds in all its tender awkwardness.
D: Colette Bothof / G: Marjolein Bierens
F: Goert Giltay / E: Michiel Reichwein
DA: Vincent de Pater
S: Mark Glynne
M: Jacco Gardner, Fons Merkies
P: René Goossens, Annemiek van Gorp
CP: De Productie
I: Sigrid ten Napel, Jade Olieberg,
Lisa Smit, Ella-June Henrard,
Martjin Lakemeijer, Rik Verheye
Calificación: ATP
Contacto / Contact
m-appeal
+49 (0) 30 61507505
[email protected]
m-appeal.com
92
Colette Bothof
Nació en 1962 en Zimbabwe. Dirigió documentales y estudió psicología y
comunicación antes de cursar en la Academia de Cine y Televisión de los Países
Bajos. Desde 1994 trabaja como guionista y directora de cine y TV. Dirigió, entre
otros, los cortos One Way Ticket to Oblivion (1993) y Le Ciambelle (2004), y los
largos Zwarte Zwanen (2005) y Over en uit (2008).
She was born in 1962 in Zimbabwe. She directed documentaries and studied
psychology and communications before attending the Netherlands Film and
Television Academy. Since 1994, she has worked as a screenwriter and director
for film and television. She directed short films, including One Way Ticket to
Oblivion (1993), and Le Ciambelle (2004), and the feature films Zwarte Zwanen
(2005), and Over en uit (2008).
La piel que habito
The Skin I Live In
Foco Focus
Jenni Olson
Las ciudades íntimas
En su primer largometraje, The Joy of Life (2005), la mirada de Jenni Olson
se pasea por un montaje parsimonioso de planos fijos de la ciudad de
San Francisco, con las calles casi despobladas de cualquier movimiento
que no sea el del viento o el agua corriendo bajo el monstruoso puente de hierro. Si bien aquella película, que introduce el tono de su obra
contemplativa, podía relacionarse con cierta tendencia contemporánea
al documental de observación, y más directamente con ciertas películas de Chantal Akerman, una mirada ensayística y política la convertía en
un trip autobiográfico original. Primero The Joy of Life y luego The Royal
Road (2015) superponen a esas imágenes estáticas una voz propia con la
que la directora jugaba en la encrucijada de narrar sus deseos lésbicos,
las intimidades de su personalidad queer, con todas las complejidades y
laberintos de las relaciones urbanas. Y reconocía, además, la forma en
que ese espacio está atravesado por tensiones socioculturales: la enorme
cantidad de suicidios en el puente Golden Gate, las huellas de la Conquista española, el cine estadounidense que marca cada paisaje con un
sentido de cinefilia sentimental. Siempre con una lúcida dimensión política de la experiencia propia y de la comunitaria, conectaba en su cine el
sexo y la muerte con la arquitectura de las ciudades como un dúo crítico,
y sacaba literalmente a la calle temas que no se discuten como políticas
públicas, como problemas sociales, poniendo en crisis ciertas ideas de la
modernidad. Para Olson el espacio urbano, la polis, es el único escenario
posible desde donde plantear estas discusiones, para salir del clóset apolítico: ese gesto es, en parte, la alegría vital que crea un camino real por
donde circula su mirada. Asterisco realiza esta retrospectiva de la obra
de Olson por primera vez en el mundo para ampliar la mirada dual: tanto cuando miramos nuestro interior, nuestra más intransferible intimidad,
como cuando miramos alrededor, al horizonte social que nos atraviesa.
Diego Trerotola
The Intimate Cities
In her first feature, The Joy of Life (2005), Jenni Olson’s eye strolls through
a parsimonious montage of fixed shots of San Francisco, with streets almost devoid of any movement other than the wind or the water running
under the monstrous iron bridge. Even though that film, which introduces
the tone of her contemplative work, could be related to a kind of contemporary tendency towards the observational documentary and, more
directly, to certain films by Chantal Akerman, there was an essayistic and
political view that turned it into an original autobiographical journey. Both
The Joy of Life and, later, The Royal Road (2015) superimpose a voice
on those static images, as the director played on the crossroads of narrating her lesbian desires and the intimacy of her queer personality, and
the complexities and labyrinths of urban relationships. They also recognized the way in which that space was pierced-through by sociocultural
tensions: the enormous amount of suicides in the Golden Gate bridge,
the tracks of the Spanish Conquest, the American films that mark every
landscape with a sense of sentimental cinephilia. Always displaying a lucid political dimension of her own experience as well as that of the community, she connected sex and death with the architecture of the cities
as a critical duo, and literally took out to the streets themes that weren’t
discussed as public policies or social problems, thus putting into crisis
certain ideas of modernity. To Olson, that urban space, the polis, is the
only possible scenery from which she can establish these discussions in
order to come out from the apolitical closet: that gesture is part of a vital
joy that creates a real path through which her eye moves. Asterisco holds
the world’s very first retrospective of Olson’s work in order to expand
a dual perspective: when we look both inside, into our most absolute
intimacy, and around us, at the social horizon that pierces through us.
DT
Jenni Olson
Es coleccionista, archivista y escritora, y una de las expertas en historia
del cine LGBT más importantes a nivel mundial. Actualmente es la VP de
e-commerce de WolfeVideo.com, y una de las cofundadoras de la primera
plataforma de streaming global de cine lgbt, WolfeOnDemand.com. Su
primer largometraje, The Joy of Life (2005), fue premiado en numerosos
festivales. Forma parte de varios consejos asesores, incluyendo el del
Outfest/UCLA Legacy Project for LGBT Film Preservation y el del Festival
de Cine Judío de San Francisco. Habitualmente trabaja como asesora para
cineastas, y en la actualidad asiste en el nuevo largometraje lésbico de
Deb Shoval, AWOL (en preproducción).
A film collector, archivist, and writer, Jenni Olson is one of the world’s
leading experts on LGBT cinema history. She’s currently the VP of
e-commerce at WolfeVideo.com, and a co-founder of the first global lgbt
streaming movie platform, WolfeOnDemand.com. Her debut feature film,
The Joy of Life (2005) was awarded in several film festivals. She is on many
advisory boards including the Outfest/UCLA Legacy Project for LGBT Film
Preservation and the San Francisco Jewish Film Festival. She frequently
serves as an advisor to filmmakers and is currently a consultant on Deb
Shoval’s new lesbian feature, AWOL (now in pre-production).
The Skin I Live In • Focus Jenni Olson
575 Castro St.
Calle Castro 575
El decorado en el que Gus Van Sant reconstruyó la casa de fotografía y
base de operaciones que había montado el activista gay Harvey Milk en
San Francisco es la locación sobre la que Jenni Olson filma una película
de contemplación hipnótica sobre la ausencia y la muerte. El film crea un
fantasma cuyo brillo no hace sombra ni encandila, sino que es como un
punto de luz y de partida que dinamiza un pensamiento sobre cómo el
presente, el pasado y el futuro construyen los ecos de un legado. Las únicas
palabras que hay en el corto son las de la cinta que grabó Harvey Milk el 18
de noviembre de 1977 para ser escuchadas en caso de ser asesinado –lo
que ocurrió más de un año más tarde–. Estas palabras no están incluidas en
la película de Van Sant.
7’ / DM / Color
D, G: Jenni Olson
F: Sophie Constantinou
E: Marc Henrich
S: Jim Lively
P: Julie Dorf
I: Harvey Milk
The set in which Gus Van Sant recreated gay activist Harvey Milk’s photocamera store & headquarters in San Francisco is the location where Jenni
Olson shoots a hypnotic contemplation on absence and death. The film
creates a ghost that shines without blinding you or casting a shadow –instead,
it is a spot of light as well as a starting point that invigorates thoughts on how
present, past, and future build up the echoes of a legacy. The only words
spoken in the short are from the tape Harvey Milk recorded on November 18th,
1977 to be listened in case he was assassinated –something that happened
more than one year later. These words are not included in Van Sant’s film.
Calificación: ATP
Contacto / Contact
Jeffrey Winter
+1 323 207 8321
[email protected]
575castrostreet.blogspot.com.ar
Blue Diary
Diario azul
Blue Diary es un corto poco convencional filmado en 16mm que describe
un melancólico día en la vida de una torta de San Francisco que se lamenta
por una cita fallida con una chica heterosexual. Rodada en las calles de San
Francisco en color y con sonido asincrónico, la película expone su planteo
mediante la composición de los planos, el uso del sonido ambiente y la
voz en off. Compuesta principalmente por planos abiertos y estáticos del
paisaje de la ciudad, Blue Diary posee un ritmo contemplativo y sensual con
el que transmite y refleja el estado emocional de su protagonista.
6’ / DM / Color
D, G: Jenni Olson
F: William E. Jones
E: Dawn Logsdon
S: Kadet Kuhne
P: Emma Bufton
PE: Anna Vavloukis
I: Lynn Flipper
Calificación: ATP
Contacto / Contact
Frameline Distribution
Alexis Whitham
+1 415 703 8650
[email protected]
frameline.org/distribution
96
Blue Diary is an unconventional 16mm short following a melancholy day
in the life of a San Francisco dyke pining over her one-night stand with a
straight girl. Shot in the streets of San Francisco on color and entirely nonsynch sound, the film’s exposition occurs through shot composition, use of
ambient sound, and voice-over. Composed primarily of wide, static shots
of the city landscape, the film’s pacing is contemplative and sensual as it
conveys and reflects the emotional state of the film’s protagonist.
¿Cómo hacía Hollywood para promover películas con gays y lesbianas
entre 1956 y 1977? Los 27 trailers con los que Jenni Olson armó este
compilado son de films que se estrenaron, en su mayoría, entre 1968 y
1972. Del mainstream al art-house, de los dramas a las comedias, la lista
incluye “clásicos” y “películas aptas para mayores de 18” –como Perdidos
en la noche (1969) o La caída de los dioses (1969), de Luchino Visconti–
hasta anuncios de golosinas y una advertencia contra cualquier muestra de
afecto físico en el cine.
62’ / DM / Color
How did Hollywood pitch movies about gays and lesbians between 1956
and 1977? The 27 theatrical trailers Jenni Olson compiled chronologically
were mostly released between 1968 and 1972. From mainstream to
art-house, from dramas to comedies, the list includes such classics and
X-rated films like Midnight Cowboy (1969) and Luchino Visconti’s The
Damned, and even advertisements for snacks and one warning against
public displays of affection.
D, G: Jenni Olson
Calificación: ATP
Contacto / Contact
Alexis Whitham
+1 415 703 8650
[email protected]
Meep Meep
Puertas dobles, ventanales de galpones y calles vacías arman el escenario
para un breve cuento acerca de una lujuria del pasado y un amor
perdido. Este vistazo al drama de una relación lésbica se revela a través
de elementos visuales escuetos y el mesurado paso de la voz en off,
construyendo un inteligente contraste entre lo que vemos y lo que oímos.
Dutch doors, warehouse windows, and empty streets provide the
background for a short tale about past lust and lost love. This glimpse into
the drama of a lesbian relationship is revealed through stark visuals and the
measured pace of the voice-over, providing a clever contrast between how
we see and what we hear.
1’ / DM / Color
D, G: Jenni Olson
Calificación: ATP
Contacto / Contact
Alexis Whitham
+1 415 703 8650
[email protected]
97
La piel que habito • Foco Jenni Olson
Homo Promo
Promos homo
The Skin I Live In • Focus Jenni Olson
The Joy of Life
La alegría de vivir
The Joy of Life, una película sobre paisajes tanto físicos como emocionales,
es una mezcla poco convencional entre el documental y la narrativa
experimental que combina increíbles imágenes de paisajes en 16 mm con
una voz en off audaz y lírica (a cargo del artista y actor de Los Ángeles
Harriet “Harry” Dodge), y entrega dos historias sobre San Francisco: la del
puente Golden Gate como lugar emblemático para los suicidios y la de una
tortillera butch en busca de amor y autoconocimiento.
A film about landscapes, both physical and emotional, The Joy of Life is
an unconventional blending of documentary and experimental narrative,
combining stunning 16mm landscape cinematography with a bold, lyrical
voiceover (performed by LA-based artist/actor Harriet “Harry” Dodge)
in order to share two San Francisco stories: the history of the Golden
Gate Bridge as a suicide landmark, and the story of a butch dyke in San
Francisco searching for love and self-discovery.
65’ / DM / Color
D, G: Jenni Olson
E: Marc Henrich S: Kadet Kuhne
M: Weldon Kees
P: Julie Dorf, Scott Noble
PE: Tom Rielly / I: Harriet “Harry” Dodge,
Lawrence Ferlinghetti
Calificación: +13
Contacto / Contact
Alexis Whitham
+1 41 5703 8650
[email protected]
joyoflifemovie.com
The Royal Road
El camino real
Como un ensayo cinematográfico en defensa de la memoria, The Royal
Road ofrece una introducción a la colonización de California por parte
de los españoles y a la guerra entre México y Estados Unidos; al mismo
tiempo, expone reflexiones íntimas sobre la nostalgia, la identidad butch
y Vértigo, de Alfred Hitchcock. Todo esto con un fondo contemplativo
de paisajes en 16 mm de la California urbana, y con un cameo de Tony
Kushner en la voz en off.
A cinematic essay in defense of remembering, The Royal Road offers up a
primer on the Spanish colonization of California and the Mexican American
War alongside intimate reflections on nostalgia, butch identity and Alfred
Hitchcock’s Vertigo — all against a contemplative backdrop of 16mm urban
California landscapes, and featuring a voiceover cameo by Tony Kushner.
65’ / DCP / Color
D, G: Jenni Olson
E: Dawn Logsdon
S: Jim Lively
P: Julie Dorf
PE: Paul Marcarelli
I: Jenni Olson, Tony Kushner
Calificación: ATP
Contacto / Contact
Jeffrey Winter
+1 323 207 8321
[email protected]
royalroadmovie.com
98
La piel que habito
The Skin I Live In
Homocore:
Downtown New York
Proto/Para/Post/Punk
Proto/Para/Post/Punk
Si Velvet Underground fue la banda neoyorquina insignia del protopunk, entonces Jack Smith debería ser considerado el pionero del homocore de la manzana podrida. Como cineasta-performer, su impronta
libertaria tramó una movilidad informalista del deseo contra cualquier
lógica académica o industrial. Así se arrastra hasta tocar el cielo con
las manos en la terraza de Little Stabs at Happiness, con la complicidad de su amigo Ken Jacobs, años antes de que Warhol, inspirado
por Smith, convirtiera esas performances en un cine más gélido, compartiendo el mismo glamour descascarado un poco por la lisergia y
otro poco por el amateurismo. A la fundadora estética anarco-queer de
Smith hay que sumarle el sesentismo erótico-trash del George Kuchar
de Hold Me While I’m Naked, película clave que siguió los pasos del
glam degradado con un melodrama roto y recargado a lo Douglas Sirk,
como una inspiración explícita de gran parte del gesto camp de John
Waters, máxima confluencia del cine queer proto-punk.
El feminismo combativo fue un para-punk con las montoneras de la no
wave, con Lydia Lunch a la vanguardia panfleteando todo el inconformismo. Así se la ve en Guerillere Talks (1978), en la que Vivienne Dick
reúne retratos en Super 8 de cuatro pibas que hacen de su estética un
manifiesto de lo cotidiano para desarmar cualquier atentado del patriarcado sobre sus libertinajes. Unos años después, en un blanco y negro
que remeda fotocopias de fanzines, Baby Doll corrompe el pop ochentoso para que Tessa Hughes-Freeland haga una trampa veloz en el porno-show de strippers de la Calle 42 hasta atrofiar el erotismo misógino.
Y si alguien terminó de convertir la escena under de Nueva York en
post-punk, tanto o más que Sonic Youth, fue el deforme de Richard
Kern, cortometrajista serial. En su tetralogía tétrica llamada Manhattan
Love Suicides, el gore intercepta el erotismo en un combo combativo
de toda corrección política del deseo, y el autor desobedece con rebelión queer los límites que la visión lavada del movimiento gay-lésbico
exponía en las tapas de las revistas de esos años. Aliado de otro delirante como Nick Zedd (quien interpreta ambos sexos en un mismo
corto), o con una mujer violenta al volante (que recuerda a la truculenta
Tura Satana), Kern dispara pirotecnia para hacer estallar todo vestigio
de imagen programada para representar la sexualidad no hegemónica.
Esta selección del programa de Underground New York recorre el antes, el durante y el después del arco de gestación de lo que hoy llamamos Homocore.
If Velvet Underground was the most emblematic New York proto-punk
band, then Jack Smith should be considered the pioneer of homocore in
the rotten apple. As a filmmaker-performer, his libertarian imprint weaved
an informalist mobility of desire against academic or industrial logic.
That’s how he crawls until he touches the sky on the roof of Little Stabs
at Happiness with the help of his friend Ken Jacobs, years before Warhol
–inspired by Smith– turned those performances into a more frigid kind
of cinema, yet sharing the same flaky glamour partly due to lysergy, but
also to amateurism. We should add to Smith’s founding anarchist-queer
aesthetics the 1960s trash erotica of George Kuchar’s Hold Me While I’m
Naked, a key film that followed the footsteps of degraded glam with a
broken, excessive Douglas Sirk-style melodrama, as an explicit inspiration for a big portion of the camp gesture featured in the work of John
Waters, the maximum confluence of queer proto-punk cinema.
Combative feminism was a para-punk with the montoneras of no wave,
and Lydia Lunch at the forefront, leafleting all the nonconformity. She
is featured like this in Guerillere Talks (1978), in which Vivienne Dick
gathers Super 8 portraits of four girls who turn their aesthetics into
a manifesto of everyday life in order to disassemble any patriarchic
attack on their licentiousness. A few years later, in a black and white
that mimics fanzine Xeroxes, Baby Doll corrupts 1980s pop in order for
Tessa Hughes-Freeland to pay a quick visit to the strippers’ porn show
on 42nd Street, thus atrophying misogynistic eroticism.
And if there was one person who finished turning New York’s underground scene into post-punk thing –as much as, or perhaps even more
so, than Sonic Youth– that was the deformed Richard Kern, a serial
short film director. In his terrifying tetralogy called Manhattan Love Suicides, gore intercepts eroticism in a combo that fights against any kind
of political correctness of desire, as the auteur disobeys, with queer
rebelliousness, the limits that a clean vision of the gay-lesbian movement exposed on magazine covers back in those days. Kern, an ally of
another insane guy like Nick Zedd (who plays both sexes in the same
short), or a violent woman at the wheel (who reminds of the grisly Tura
Satana), shoots fireworks that blow up any trace of programmed images in order to represent non-hegemonic sexuality.
This selection of the Underground New York program is a journey
through what happened before, during and after the gestation arch of
what we now call Homocore.
Diego Trerotola
DT
The Skin I Live In • Homocore: Downtown New York
Baby Doll
Muñeca
Con un soundtrack hecho de conversaciones entre bailarinas detrás de
escena, Baby Doll es una mirada experimental al decadente y a menudo
misógino mundo de las strippers que trabajaban en el Baby Doll Lounge
en el Lower Manhattan a principios de los ochenta. Hughes-Freeland era
una de las muchas mujeres del underground neoyorquino cuyos films
feministas post-punk rechazaban la moralidad y los códigos narrativos
de representación tradicionales, para encarar temas como el acoso
callejero, la violencia sexual, el voyeurismo y el trabajo sexual.
5’ / DM / b&n
With a soundtrack of backstage conversations between female dancers,
Baby Doll is an experimental look at the seedy and often misogynistic
world of strippers working at the Baby Doll Lounge in Lower Manhattan
in the early 1980s. Hughes Freeland was one of many women of the New
York underground whose post-punk feminist films rejected traditional
morality and narrative codes of representation to address themes of
street harassment, sexual violence, voyeurism, and sex work.
D: Tessa Hughes-Freeland
Calificación: +13
Contacto / Contact
The Film-makers Coop
+1 21 2267 5665
[email protected]
film-makerscoop.com
Guerrillere Talks
Charlas guerrilleras
Inspirada en las pruebas de cámara de Andy Warhol y la novela
experimental feminista de Monique Wittig Les Guérillères, Guerillere Talks
es una compilación de retratos granulados –hechos con un solo rollo de
Super 8– de “estrellas” femeninas de la escena musical no wave de fines
de los setenta, incluidas Anya Phillips, Ikue Mori, Pat Place y Lydia Lunch.
A partir de la improvisación, la directora Vivienne Dick registra a sus
amigas tocando en ambientes cotidianos: jugando al flipper, fumando un
cigarrillo, zapando con la guitarra o posando para la cámara.
25’ / DM / Color
D: Vivienne Dick
Calificación: ATP
Contacto / Contact
Lux Distribution
+44 020 7503 3980
[email protected]
lux.org.uk
102
Referencing the screen tests of Andy Warhol and Monique Wittig’s
experimental feminist novel Les Guerilleres, Guerillere Talks is a
compilation of grainy, single-reel Super 8 portraits of female “stars” of
the no wave music scene of the late 1970s, including Anya Phillips, Ikue
Mori, Pat Place and Lydia Lunch. With an improvisational approach,
filmmaker Vivienne Dick captures her friends performing in their everyday
environments – playing pinball, smoking a cigarette, jamming on their
guitar, or posing for the camera.
Abrazame mientras estoy desnudo
Cuando eran adolescentes, los hermanos gemelos George y Mike Kuchar
eran considerados “los Mozart del 8 mm” por sus películas de corto
alcance y presupuesto, en las que el límite entre la película familiar y la
épica hollywoodense aparecía borrado. Si bien eventualmente adoptaron
el formato 16 mm, nunca perdieron su gusto por la áspera estética lowbudget del 8 mm. Hold Me While I’m Naked, de George Kuchar, es una obra
maestra del underground neoyorquino de los sesenta que extrae tópicos de
frustración sexual y soledad a lo largo del tragicómico relato de un director
de cine clase B que ve cómo su protagonista femenina abandona el film
erótico que estaban haciendo.
As teenagers, twin brothers George and Mike Kuchar were heralded as the
“The 8mm Mozarts” for their no-budget small-gauge films that blurred the
line between home movies and Hollywood costume epics. Although they
eventually adopted the 16mm film format, they never lost their enthusiasm
for the low-budget, coarse aesthetics of 8mm. Here George Kuchar’s Hold
Me While I’m Naked, a masterpiece of the 1960s New York underground,
mines themes of sexual frustration and loneliness through the tragicomic
tale of a B-movie director whose leading lady walks out on his erotic film.
Estados Unidos - USA, 1966 / 17’ / 16mm / Color
D: George Kuchar
Calificación: +13
Little Stabs at Happiness
Puñaladitas a la felicidad
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film-makerscoop.com
Inspirándose en la cultura beatnik, Ken Jacobs nos presenta al cineasta
queer under Jack Smith y su irreverente estilo performático. En esta serie
de caprichosas viñetas crudas, conformadas por material de archivo de
amigos de Jacobs, vemos a Smith masticando muñecas, fumando porro y
haciéndose el payaso con globos en un techo del Lower East Side.
Ken Jacobs’ Beatnik-inspired Little Stab of Happiness showcases queer
underground filmmaker Jack Smith’s irreverent, improvisational performance
style. In this series of whimsical unedited vignettes comprised of footage
of Jacobs’ friends, Smith chews on baby dolls, smokes pot, and clowns
around with balloons on a Lower East Side rooftop.
Estados Unidos - USA, 1960 / 16’ / DM / Color
D: Ken Jacobs
Calificación: ATP
Manhattan Loves Suicides
Manhattan ama a los suicidas
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film-makerscoop.com
Recurriendo a la estética visceral del porno hardcore, el terror splatter y
los films de exploitation de bajo presupuesto, los impactantes y cómicos
cortometrajes de Richard Kern exploran las dinámicas de poder en las
relaciones íntimas y sexuales. Manhattan Love Suicides es una compilación de
cuatro cortos sobre personas que están tan desbordadas por sus relaciones
que se suicidan. En Stray Dogs, un joven obsesivo (David Wojnarowicz) acosa
a un artista para obtener su atención. En Woman at the Wheel, una chofer se
venga de sus autoritarios novios. El suicidio de una mujer y la reacción de su
novio (ambos interpretados por Nick Zedd) forman parte de Thrust in Me.
I Hate You Now es una crónica de las excentricidades domésticas de un
dealer con cara deformada (Tommy Turner) y su perturbada novia.
Drawing on the visceral aesthetics of hardcore pornography, splatter horror,
and low-budget exploitation films, Richard Kern’s shocking and humorous
short films explore the dynamics of power in intimate and sexual relationships.
Manhattan Love Suicides is a compilation of four short films about people so
overwhelmed by their relationships that they kill themselves. In Stray Dogs, an
obsessive young man (David Wojnarowicz) stalks an artist to get his attention.
In Woman at the Wheel, a female driver exacts revenge on her authoritative
boyfriends. A woman’s suicide and her boyfriend’s reaction (both Nick Zedd)
comprise Thrust in Me. I Hate You Now chronicles the domestic antics of a
facially deformed drug dealer (Tommy Turner) and his disturbed girlfriend.
Estados Unidos - USA, 1985 / 30’ / DM / b&n
D: Richard Kern
Contacto / Contact
Richard Kern
[email protected]
Calificación: +18
103
La piel que habito • Homocore: Downtown New York
Hold Me While I’m Naked
La piel que habito
The Skin I Live In
Intersex
La intersexualidad suele guardar una relación paradójica con su representación visual. Los cuerpos que se sustraen de la disyunción “masculino o femenino” o bien aparecen exhibidos –dibujados, fotografiados, filmados– bajo la luz enceguecedora de la pornografía forense, o
bien desaparecen, dejando tras de sí poco más que la marca cicatrizada de su borramiento. Esta sección del Festival se propone desafiar los
límites inadmisibles de esa paradoja, e invita al registro compartido de
distintas políticas y poéticas de la visibilidad intersex.
Los films incluidos en esta sección entrelazan aquellos relatos que habitualmente circulan tan solo a media voz, murmurados, atragantados,
llevados y traídos por las mareas del secreto que resuena en el fondo
de la historia –de tal o cual historia familiar, pero también, claro está,
de la historia de Occidente–. Son relatos llamados a encontrarse tanto
en la constatación celebratoria de la existencia de personas intersex
como en la crítica a las diversas tecnologías de normalización destinadas a negar su existencia. Por lo tanto, en cada caso se trata de
manifiestos afirmativos, gozosos en la constatación de cada vida reencontrada y cada pertenencia restituida.
Los nombres, rostros y voces intersex reunidos en estos films dan
cuenta de realidades que, alejadas en la geografía, son también parte
de nuestra propia realidad histórica y convocan, de manera ineludible,
a reflexionar sobre diferencias y semejanzas.
Cada uno de estos films traza un recorrido fascinante por ese archivo
encarnado al que llamamos diferencia sexual, a través del despliegue
cinematográfico de viajes y encuentros, conversaciones y fotos, diagnósticos y activismos. En cada uno de esos recorridos se pone una y
otra vez en juego la pregunta persistente e inacabable por la hospitalidad, por el venir al mundo de la intersexualidad y por la cotidianeidad
de su destino. Las diversas respuestas a esa pregunta –familiares, científicas, amorosas, militantes– han de coincidir, tarde o temprano, en la
justicia como ese tiempo y lugar que, a pesar de todo, aún no llega.
Mauro Cabral
Intersexuality tends to bear a paradoxical relation with its visual representation. Bodies that don’t fall in the “male or female” disjunction can appear exhibited –drawn, photographed, filmed-– under the
blinding light of forensic pornography, or disappear, leaving behind
them merely the scarred mark of its erasure. The goal of this section
of the festival is to defy the unacceptable limits of that paradox, and
promote a shared record of policies and poetics of intersex visibility.
The films included in this section interlace stories that usually circulate only in a whisper, muttered, choked, swept away, and brought
back by the tides of a secret that reverberates in the background of
history –of any family history, but also, of course, Western history.
They are stories called upon to meet each other in the celebratory
verification of intersex people as well as a critique of the normalization technologies that aim to deny their existence. Therefore, each
case is made up of affirmative manifestos, joyful in the verification of
each newly found life and restored sense of belonging.
The intersex names, faces, and voices gathered in these films show
realities that, while geographically remote, are also part of our own
historical reality, and they invite us to reflect, unavoidably, on its differences and similarities.
Each of these films traces a fascinating journey through that penetrated archive we call sexual difference, through the cinematic
deployment of journeys and encounters, conversations and photographs, diagnoses and activisms. On each of those journeys, the
persistent and endless question about hospitality, the birth of intersexuality, and the everyday nature of its fate is brought into play
over and over again. The diverse answers to that question –familiar,
scientific, loving, militant– will sooner or later coincide in justice as
that time and place that, in spite of everything, hasn’t come yet.
MC
The Skin I Live In • Intersex
Intersexion
Intersexión
Nueva Zelanda - New Zealand, 2012
68’ / DM / Color
D, G, F, E: Grant Lahood
M: Audio Network
P: John Keir
CP: Ponsonby Productions
I: Mani Bruce Mitchell
Calificación: +13
Contacto / Contact
Ponsonby Productions
John Keir
+64 21 443372
[email protected]
intersexionfilm.com
Si la vida es –como se dice– un viaje, Intersexion es la historia de un viaje más allá,
mucho más allá de la supervivencia. Mani Mitchell, activista de Nueva Zelanda,
atraviesa cortas y largas distancias para encontrarse con personas intersex en distintos
países y con la misma experiencia. La travesía de Mani no solo recorre lugares diversos;
también se extiende hacia atrás en el tiempo, explorando en cada diálogo los recovecos
de otras vidas y de la suya, historias dispersas en fotografías en las que la infancia
exiliada sonríe, resiste y se rebela; inventarios de existencia intersex que desbordan los
contornos de cualquier historia clínica. El registro de cada reunión abre la oportunidad
para ejercitar tanto el análisis y la memoria como la celebración gozosa del encuentro,
el reconocimiento mutuo y el compromiso compartido. A contrapelo de la habitual
representación ciega y muda de la intersexualidad, todos los diálogos sostenidos
a lo largo de Intersexion interpelan a alguien más, del otro lado de la pantalla, cuya
presencia se solicita y, más aún, se demanda. Alguien (vos, por ejemplo) ante quien
se despliega cada testimonio pronunciado a ojos descubiertos, y a quien se incitará a
tomar partido incluso antes de que la pantalla se apague y se prendan las luces.
Mauro Cabral
If life is a voyage, as they say, then Intersexions is the story of a voyage far beyond
survival. Mani Mitchell, an activist from New Zealand, covers long and short distances
in order to meet with intersex people from different countries who have the same
experience. Mani’s voyage not only covers diverse places; it also goes back in time,
exploring in every dialog the hidden corners of other lives and Mitchell’s own: stories
scattered in photographs where the exiled childhood smiles, resists and rebels. These
are inventories of intersex existence that exceed the outline of any medical history. The
record of every meeting opens up an opportunity to exercise analysis and memory,
but also the joyous celebration of the encounter, mutual acknowledgement and shared
commitment. Against the usual blind and mute representation of intersexuality, every
conversation held during Intersexions also addresses someone else, on the other side of
the screen, whose presence is requested and, better yet, demanded. Someone (you, for
example) before whom every open-eyed testimony unfolds, and who will be encouraged
to take sides even before the screen goes off and the lights turn on.
MC
108
Grant Lahood
Nació en Nueva Zelanda en 1962.
Comenzó siendo iluminador y
camarógrafo, y se pasó a la dirección
luego del éxito de su primer
cortometraje, Snail’s Pace (1989).
Durante más de veinte años, ha estado
escribiendo, produciendo y dirigiendo
(y, a veces, filmando y editando) para
cine, televisión y publicidad. Dos de
sus cortometrajes fueron seleccionados
para la Competencia del Festival de
Cannes: The Singing Trophy (1993)
y Lemming Aid (1994). En ambas
ocasiones ganó premios del Jurado.
He was born in New Zealand in 1962.
He started training as a Lighting
Cameraman before moving into
directing full time after the success of
his first short film Snail’s Pace (1989).
He has been writing, producing and
directing (and sometimes shooting and
editing) film, television and commercial
work for over twenty years. Two
of his short films were selected for
competition at Cannes film festival.
On both occasions –in 1993 with The
Singing Trophy and 1994 with Lemming
Aid, he was awarded jury prizes.
La piel que habito • Intersex
Orchids: My Intersex Adventure
Orquídeas: Mi aventura intersex
Australia, 2010
60’ / DM / Color
Inglés - English
D, P: Phoebe Hart
F: Bonnie Hart, Phoebe Hart
E: Vanessa Milton
DA: Simon Rippingale
S: Tfer Newsome, John Willsteed
M: Biddy Connor
PE: Bronwyn Roy
CP: hartflicker
I: Phoebe Hart, Bonnie Hart
Calificación: +13
Phoebe Hart comienza su película con ella lavando un auto. La escena siguiente es ella
encontrándose con un grupo de personas; por la forma en la que se abrazan y se besan, por
la forma en que sus cuerpos se entregan unos a otros, suponemos que se conocen desde
siempre, que comparten una intimidad muy transitada. Todo esto sucede mientras la voz en
off de Phoebe nos dice que todo parece perfecto en su vida porque está en pareja y porque
tiene una familia que la ama, pero no es así: no todo es tan perfecto como luce, y ella está
decidida a limpiar las dudas sobre sus propias marcas. El plano siguiente es la foto de un
bebé rubio y rebosante de vitalidad; el bebé de la foto es ella, y ahí comienza su travesía y la
nuestra. Phoebe Hart es una persona intersex que conoció su identidad recién a los 17 años,
cuando le hicieron una operación correctiva; antes de eso su madre y su padre no pudieron
explicarle nada, aunque ella atravesó una adolescencia incómoda y desconcertante porque a
su cuerpo no le pasaba nada de lo que les pasaba a los cuerpos de sus amigas.
El film muestra esa odisea vital que todas las personas realizamos para encontrar nuestra
propia voz más allá de las decisiones que aquellos que transitaron nuestra intimidad tomaron
o dejaron de tomar. La diferencia es que Phoebe lo hace empuñando una cámara, o muchas
cámaras, porque comparte con nosotr*s materiales en diversos formatos de video de toda
su vida, además de sus dudas, sus encuentros y desencuentros. Orchids: My Intersex
Adventure es de una generosidad espeluznante, y nos grita en la cara que si tod*s fuésemos
capaces de tanta entrega la historia de la humanidad sería otra. Por algo se empieza.
Albertina Carri
Phoebe Hart starts her film with her washing a car. The following scene is her meeting with a
group of people –we assume they have known each other forever, and share a much-traveled
intimacy, given the way they hug and kiss, and their bodies surrender to one another. All
of this takes place while Phoebe’s voiceover tells us that everything seems perfect in her
life, because she has a partner and a family that loves her, but it’s not quite that way: not
everything is as perfect as it seems, and she’s determined to clean up any doubt about her
own marks. The following shot is the photograph of a blonde baby filled with vitality. She’s
the baby in the picture. And so, her journey being –and ours as well. Phoebe Hart is an
intersex person who found out about her identity at the age of 17, when they performed a
corrective surgery on her –before that, her mother and father weren’t able to explain anything
to her, even though she had gone through an awkward, disconcerting adolescence because
nothing that happened in her girlfriends’ bodies was happening in hers.
The film shows that vital odyssey every person goes through in order to find our own voice
beyond the decisions those who lived through our intimacy made or didn’t make. The
difference is that Phoebe does this with a camera in her hand, or many cameras, because
she shares with us footage of her entire life in different video formats, as well as her doubts,
her ups and her downs. Orchids: My Intersex Adventure is a film of thrilling generosity, and
yells at our face that if all of us were capable of so much dedication the history of humanity
would be different. It’s a start.
AC
Contacto / Contact
Women Make Movies
Kirsten Fitzpatrick
+212 925 0606
[email protected]
orchids-themovie.com
Phoebe Hart
Es directora de Hartflicker, una
productora de cine y video con base
en Australia. Luego de completar
sus estudios en la Queensland
University of Technology en 1995,
trabajó intensamente como guionista,
productora y directora de televisión y
media. Codirigió la serie documental
Downunder Grads, y dirigió y
coescribió el documental Roller Derby
Dolls para la cadena ABC.
She is principal of Hartflicker, an
Australian-based video and film
production company. Since completing
her film studies at the Queensland
University of Technology in 1995, she
has worked extensively as a writer,
producer and director of factual
television and media. She co-directed a
documentary series called Downunder
Grads, and directed and co-wrote the
ABC documentary Roller Derby Dolls.
109
La piel que habito
The Skin I Live In
Vampiras lesbianas
y otros monstruos
homoeróticos
Lesbian Vampires and Other
Homoerotic Monsters
El vampiro y la vampira nacieron homoeróticos. O al menos se convirtieron
en los monstruos diversos por naturaleza cuando saltaron de la superstición popular a la literatura. L*s vampir*s viven su placer sensual cuando
se alimentan de sangre caliente. Es la muerte y el éxtasis, la cercanía y
la entrega. Se alimentan de hombres y de mujeres: no hacen diferencia.
El año pasado, Asterisco presentó la Trilogía Karnstein, dedicada a Carmilla, vampira lesbiana y protagonista de la novela corta del irlandés
Joseph Sheridan Le Fanu previa al Drácula de Bram Stoker. Este año
va más atrás, con una vampira humana: la condesa húngara Erzsébet
Báthory. El folklore (y su biografía ficcional La condesa sangrienta, de
Valentine Penrose) cuenta que se bañaba en sangre de muchachas para
conservarse joven, y se sabe que en su castillo se encontraron jóvenes
mutiladas, torturadas y muertas por congelamiento. Es más o menos
certero decir que cometió unos 80 asesinatos. ¿Gozaba con ellas antes
y mientras las mataba?
Dirigida por Harry Kümel, Rojo en los labios (1971) imagina a la condesa como una vampira real que luego de una matanza de jovencitas en
Brujas, llega al hotel Ostende de la costa belga y se obsesiona con una
pareja de recién casados, especialmente con la novia. Delphine Seyrig
interpeta a Báthory, con un poco de Dietrich y otro poco del misterio del
este. La otra vampira lesbiana del programa es también una condesa
húngara, pero de otro linaje: es la hija de Drácula (Dracula’s Daughter,
1936). La joven vampira quiere ser una mujer normal: se hace llamar
Condesa Marya Zaleska y recurre a la psiquiatría para curar su vampirismo. Pero no lo logra, y rapta a la mujer que ama su médico y se la lleva
a su castillo de Transilvania para convertirla en su compañera inmortal.
En la homoerótica Pesadilla 2: La venganza de Freddy no solo el actor protagonista, Mark Patton, es abiertamente gay, sino que el guionista David
Chaiskin pensó la película misma como la historia de un chico que reprime
su sexualidad y, al hacerlo, se convierte en un asesino con dedos de cuchillo. El programa se completa con Homicidal (1961), de William Castle,
en la que hay crimen, gótico sureño y transexualidad en un evidente homenaje a ese clásico queer que es Psicosis, de Alfred Hitchcock.
Male and female vampires were born homoerotic –or, at least, they became the ultimate diversity monsters when they jumped from popular
superstition into literature. Vampires experience sensual pleasure when
they feed on warm blood. It’s death and ecstasy, closeness and surrender. They feed on both men and women: they don’t differentiate.
Last year, Asterisco brought us the Karnstein Trilogy made by Hammer
Films. It focused on Carmilla, a lesbian vampire and protagonist of a short
novel by Irish author Joseph Sheridan Le Fanu that predated Bram Stoker’s
Dracula. This year, it goes further in the past, in search of a human vampire:
Hungarian countess Erzsébet Báthory. Folklore (as well as Valentine Penrose’s fictional biography The Bloody Countess) indicates that she used to
bathe in the blood of young girls to preserve her youth, and it is established
that young girls were found mutilated, frozen to death, and horribly tortured
in her castle. It’s quite accurate to say that she committed about 80 murders. Did she enjoy them before and while she was killing them?
Directed by Harry Kümel, Daughters of Darkness (1971) imagines the countess as a real vampire who, after slaughtering young girls in Bruges, arrives
at the Ostende Hotel in the Belgian shore, where she becomes obsessed
with a couple of newlyweds, especially with the bride, Valerie. Delphine
Seyrig plays Báthory with one part Dietrich and one part Eastern mystery.
The other lesbian vampire in the program is also a Hungarian countess,
but from a different lineage: she’s Dracula’s Daughter (1936). The young
vampire wants to be a regular woman: she calls herself Countess Marya
Zaleska, and turns to psychiatry in order to cure her vampirism. When she
fails, she kidnaps the woman her doctor is in love with, and takes her back
to her Transylvanian castle so she’ll turn into an immortal partner.
In the homoerotic A Nightmare on Elm Street 2: Freddy’s Revenge, not
only its star, Mark Patton, is openly gay, but also screenwriter David
Chaskin thought of the film itself as the story about a young boy who
represses his sexuality to the point of becoming a murderer with knives
as fingers. The program is completed with William Castle’s Homicidal
(1961), which features crime, Southern Gothic, and transexuality –an obvious homage to that queer classic that is Alfred Hitchcock’s Psycho.
Mariana Enriquez
ME
The Skin I Live In • Lesbian Vampires and Other Homoerotic Monsters
De repente en el verano
Suddenly, Last Summer
114’ / 35mm / b&n
D: Joseph L. Mankiewicz
G: Tennessee Williams, Gore Vidal
F: Jack Hildyard
E: William Hornbeck, Thomas Stanford
DA: Oliver Messel
S: John Cox
M: Malcolm Arnold, Buxton Orr
P: Sam Spiegel
CP: Columbia Pictures
I: Elizabeth Taylor, Katharine Hepburn,
Montgomery Clift
Calificación: +13
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El primer personaje homosexual que el cine norteamericano asumió como tal se llamó
Sebastian y es el protagonista tácito de este claustrofóbico film de Mankiewicz, sobre una
obra de Tennessee Williams. Según el historiador Boze Hadleigh, Williams había basado sus
personajes en gente que conocía, con excepción de la madre caracterizada por Katharine
Hepburn, que Hadleigh interpreta como un síntoma de la contradictoria homofobia del
autor. Como en los mejores films de Mankiewicz, las cosas cambian según el punto de
vista: para el científico que interpreta Clift, para su víctima en potencia (Taylor) y hasta para
el público los acontecimientos son (o podrían ser) bastante claros y evidentes. En cambio,
para la madre de Sebastian el pasado es una tragedia innombrable que debe ser negada
hasta la insanía criminal.
La censura norteamericana tenía explícitamente prohibida toda representación de la
homosexualidad, pero hizo una excepción en este caso, seguramente porque Sebastian
aparece representado de manera abstracta y monstruosa y porque, siguiendo la tradición
característica de las criaturas aberrantes en las ficciones clásicas, sufre un final atroz.
Fernando M. Peña
The first homosexual character American cinema accepted as such was called Sebastian,
and he is the tacit character in this claustrophobic film by Mankiewicz based on a play
by Tennessee Williams. According to historian Boze Hadleigh, Williams had based his
characters on people he knew, with the exception of the mother played by Katharine
Hepburn, whom Hadleigh interprets as a symptom of the author’s contradictory
homophobia. As in Mankiewicz’s best films, things change depending on the point of view:
to the scientist played by Clift, to his potential victim (Taylor), and even to the audience, the
events are (or could be) quite clear and obvious. However, to Sebastian’s mother, the past is
an unnamable tragedy that must be denied to the point of criminal insanity.
American censors explicitly forbade any kind of representation of homosexuality, but
made an exception in this case, most likely because Sebastian appears represented in an
abstract, monstrous way, and because –following the characteristic tradition of aberrant
creatures in classic fiction– he suffers an atrocious demise.
FMP
112
Joseph L. Mankiewicz
Nació en 1909 en Wilkes-Barres,
Pensilvania. Trabajó como
corresponsal del Chicago Tribune en
Berlín, y allí ingresó en la industria
cinematográfica al encargarse de
traducir los subtítulos de los films de
la UFA. Cuando regresó a Estados
Unidos comenzó su carrera como
guionista y director. Entre sus títulos
se encuentran La malvada (1950),
Cinco dedos (1952) y Cleopatra
(1963). Murió en 1993.
He was born in 1909 in WilkesBarres, Pennsylvania. He worked
as correspondent for the Chicago
Tribune in Berlin where he entered the
film industry as a subtitle translator
for UFA films. Upon returning to
the US, he started his career as
screenwriter and director. His films
include All About Eve (1950), 5
Fingers (1952) and Cleopatra (1963).
He died in 1993.
87’ / 35mm / b&n
D, P: William Castle
G: Robb White
F: Burnett Guffey
E: Edwin H. Bryant
DA: Cary Odell
S: Lambert E. Day
M: Hugo Friedhofer
CP: William Castle Productions
I: Glenn Corbett, Patricia Breslin,
Jean Arless, Eugenie Leontovich,
Alan Bunce, Richard Rust
Calificación: +13
Contacto / Contact
[email protected]
El director William Castle es considerado por muchos como “el Hitchcock pobre”, lo cual
resulta bastante injusto porque el hombre tenía sus méritos: sabía provocar suspenso con
armas bastante distintas de las del maestro británico, y fue el responsable de producir al
menos dos obras maestras ajenas (La dama de Shangai, de Welles, y El bebé de Rosemary,
de Polanski). Pero es cierto que sobre esos méritos se impuso su propia personalidad de
chanta de feria, capaz de promocionar sus films con ideas demenciales que cautivaron
la imaginación del público adolescente de los años 60, como retrata Joe Dante en ese
explícito homenaje que es Matiné. En todo caso, es cierto que con Homicida Castle
quiso acercarse muy conscientemente al inmenso éxito de Psicosis, pero no es posible
explicar cómo sin revelar lo que no se debe. Se puede asegurar, en cambio, que el gran
momento del film supera toda posible influencia: Castle interrumpe la acción antes del
clímax y concede un minuto de reloj (que se ve en la pantalla) para permitir que el público
impresionable abandone la sala y evite así morirse del susto. Una jaula especial aguardaba
en el hall a los cobardes para que fueran vilipendiados al terminar la función.
Fernando M. Peña
Director William Castle is considered by many to be “the poor man’s Hitchcock,” which
turns out to be quite unfair because the man had his merits: he knew how to create
suspense in ways that were quite different from the British master, and also was the
producer of at least two masterpieces from other directors (Welles’ The Lady from Shanghai
and Polanski’s Rosemary’s Baby). But it’s true that those memories were overshadowed by
his own personality; some kind of loudmouth capable of promoting his films with demented
ideas that captivated the imagination of the 60s’ teenage audience, as Joe Dante portrays in
that explicit homage that is Matinee. In any case, it’s true that, with Homicidal, Castle aimed
for a very conscious approach to Psycho’s enormous success, but that is not possible to
explain without giving away some key elements. What’s certain, however, is that the film’s
greatest moment surpasses every possible influence: Castle interrupts the action before the
climax and grants one minute (a clock appears onscreen) for impressionable audiences to
leave the theater and avoid dying in fear. A special cage awaited the cowards in the hall for
them to be bullied when the film ended.
FMP
William Castle
Nació en Nueva York en 1914, en el
seno de una familia de origen judío. A
los 23 años se trasladó a Hollywood,
donde dirigió su primer film seis años
más tarde. Dirigió decenas de películas
de bajo presupuesto, en su mayoría
fantásticas o de terror, entre las que
se encuentran clásicos del cine clase
B como Mansión siniestra (1959) y
13 fantasmas (1960). Falleció en Los
Ángeles en 1977.
He was born in New York in 1914 to
a Jewish family. At 23, he moved to
Hollywood, where he directed his first
film six years later. He made dozens
of low-budget films, mainly fantastic
and horror, which include B-grade film
classics such as House on Haunted Hill
(1959) and 13 Ghosts (1969). He died in
Los Angeles in 1977.
113
La piel que habito • Vampiras lesbianas y otros monstruos homoeróticos
Homicida
Homicidal
La hija de Drácula
Dracula’s Daughter
71’ / 16mm / b&n
Inglés / Alemán - English / German
D: Lambert Hillyer
G: Garrett Fort, Bram Stoker
F: George Robinson
E: Milton Carruth
DA: Albert S. D’Agostino
S: Gilbert Kurland
M: Heinz Roemheld
P: E.M. Asher
PE: Harry Zehner
CP: Universal Pictures
I: Otto Kruger, Gloria Holden,
Marguerite Churchill, Hedda Hopper,
Edward Van Sloan
Calificación: ATP
Aunque la Condesa Zaleska es una vamp bisexual, en su momento la prensa denunció
las miradas sensuales de la actriz Gloria Holden hacia las mujeres, condenando su tono
lésbico, como si no fuese suficiente con que su orientación sexual fuera representada como
un mal vampírico. La actuación de Holden se convirtió en ícono e inicio de las imágenes
lesbovampíricas. Pero la película tenía más para dar, porque, como sostiene Benshoff en su
libro sobre diversidad sexual y cine de terror, también plantea una alianza que representa
una forma comunitaria queer al establecer una asociación entre Zaleska y su sirviente
Sandor, interpretado con extraña teatralidad por Irving Pichel. Esta primera comunidad
reunida por su orientación sexual en el cine estadounidense fue monstruosa y, más allá de
que pertenece al género fantástico, contiene un guiño documental: la acción transcurre
en el barrio Chelsea de Londres que, como el Greenwich Village de Nueva York, era un
barrio de trasgresión sexual ya en aquellas épocas. Tal vez La hija de Drácula sea una de
las primeras películas en testimoniar una estrategia de presencia territorial como visibilidad
basada en una experiencia real de resistencia diversa en la luz y en las sombras.
Diego Trerotola
Even though Countess Zaleska is a bisexual vamp, back in the day the press denounced
the sensual way in which actress Gloria Holden looked at women, condemning its lesbian
tone, as though it weren’t enough for her sexual orientation to be represented as a vampire
malady. Holden’s performance became iconic and marked the beginning of lesbo-vampire
images. But the film had more to give, because, as Benshoff points out in his book about
sexual diversity and horror films, it also sets up an alliance that represents a queer form of
community by establishing a partnership between Zaleska and her servant Sandor, played
with a strange theatricality by Inving Pichel. The first community in American cinema to have
been brought together by sexual orientation was monstrous, and even though it belongs
to the realm of the fantastic, it contains a documentary wink: the action takes place in
London’s Chelsea neighborhood, which, like New York’s Greenwich Village, was already a
neighborhood of sexual transgression at that time. Perhaps Dracula’s Daughter is one of the
first films to show a strategy of territorial presence as visibility based on a real experience of
diverse resistance both in light and in the shadows.
DT
114
Contacto / Contact
[email protected]
Lambert Hillyer
Nació en 1893 en Indiana, Estados
Unidos. Dirigió westerns como The
Narrow Trail (1917) y Square Deal
Sanderson (1919), y fue ampliamente
responsable del éxito de la estrella
cowboy William S. Hart. Trabajó en
Hollywood por más de 40 años en
películas de todo tipo de géneros,
como The Invisible Ray, con Bela
Lugosi, y la Batman de 1943. Murió en
Los Ángeles en 1969.
He was born in Indiana, USA, in 1893.
He directed such westerns as The
Narrow Trail (1917) and Square Deal
Sanderson (1919), and was mainly
responsible for the success of western
star William S. Hart. He worked in
Hollywood for more than 40 years and
made films from all kinds of genres, like
The Invisible Ray, starring Bela Lugosi,
and Batman, from 1943. He died in Los
Angeles in 1969.
Bélgica / Francia / Alemania Belgium / France / Germany, 1971
87’ / 35mm / Color
D: Harry Kümel
G: Pierre Drouot, Harry Kümel,
Jean Ferry, Manfred R. Köhler
F: Eduard van der Enden
E: Denis Bonan, August Verschueren,
Hans Zeiler
DA: Françoise Hardy
S: Jacques Eippers
M: François de Roubaix
P: Paul Collet, Pierre Drouot,
Alain C. Guilleaume, Henry Lange,
Luggi Waldleitner
I: Delphine Seyrig, John Karlen,
Danielle Ouimet, Andrea Rau,
Paul Esser
Un tren que viene hacia cámara, un oneroso ramo de flores, un balde de hielo con una
botella de champagne adentro, las bocas de un hombre y una mujer que se besan en
tonalidad violácea. Sugestión y lujuria, un hotel en medio de la nada, una pareja de recién
casados, el aburrimiento que ella y él acarrean, una amargura que solo la heterosexualidad
obligada puede regalarles. Un extravagante hombre al que llaman “mami”, el mar de
noche, la llegada de la bellísima y distante condesa Bathory, cadáveres de vírgenes que
aparecen en el pueblo, sexo, sugestión y lujuria, hasta que llega la sangre, la marca en la
mano, los cuerpos que se entierran, la atracción lésbica, las caminatas entre la condesa
y la joven recién casada, sus pieles blancas, rubias, tersas, rebosantes de deseo, la furia
del macho, la discusión, los vidrios, una máscara de cristal de diseño rococó y una de las
mejores escenas de exterminio de la historia del cine, hilos de sangre que brotan frondosos,
irresistibles y liberadores. Un cuerpo que cae en la anónima vera de un río, un cuerpo
menos y una nueva vida por delante, chapoteando en jadeos y suspiros, atravesando el
bosque y el fuego.
Es un triunfo de esta segunda edición de Asterisco poder proyectar en 35 mm, por primera
vez en Argentina, esta obra maestra del cine de todos los tiempos.
Albertina Carri
A train approaching the camera, an onerous bouquet of flowers, an ice bucket with a bottle
of champagne inside, the mouths of a man and a woman kissing in a violet tone. Suggestion
and lust, a hotel in the middle of nowhere, a couple of newlyweds, the boredom she and
him bear, a kind of bitterness only forced heterosexuality can cause. An extravagant man
they call “mommy”, the sea at night, the arrival of the beautiful, distant countess Bathory,
corpses of virgins that appear in the town, sex, suggestion and lust, until blood arrives,
the mark in the hand, the bodies that are buried, the lesbian attraction, the walks between
the countess and the young newlywed, their white, blonde, smooth skins overflowing with
desire, the macho man’s fury, the argument, the glass, a rococo crystal mask, and one of
the best extermination scenes in film history, trickles of blood that sprout in irresistible,
liberating abundance. A body that falls from the anonymous edge of a river, one less body
and a new life ahead, splashing, gasping, and sighing as it crosses the woods and the fire.
It is a triumph of this second edition of Asterisco to be able to screen this all-time
masterpiece in 35mm, for the first time in Argentina.
AC
Calificación: +13
Harry Kümel
Nació en 1940 en Bélgica. En 1971
dirigió la adaptación de la novela de
Jean Ray Malpertuis, protagonizada por
Orson Welles. También dirigió Monsieur
Hawarden (1969), sobre la travesti
Meriora Gillibrand. El rojo en los labios
fue un film de culto tanto en Europa
como en Estados Unidos.
Born in 1940, he is a Belgian film
director. He directed the film version
of Malpertuis (1971), featuring Orson
Welles and adapted from the 1943
novel by Jean Ray. He also directed
Monsieur Hawarden (1969) about the
cross-dressing Meriora Gillibrand.
Daughters of Darkness became a cult
hit in Europe and the United States.
115
El rojo en los labios
Les lèvres rouges / Daughters of Darkness
Pesadilla 2: La venganza de Freddy
A Nightmare on Elm Street Part 2:
Freddy’s Revenge
87’ / 35mm / Color
D: Jack Sholder
G: David Chaskin, Wes Craven
F: Jacques Haitkin, Christopher Tufty
E: Bob Brady, Arline Garson
DA: Gregg Fonseca
S: Darrell Hanzalik, Abe Nejad,
Larry Porche
M: Christopher Young
P: Robert Shaye, Sara Risher
PE: Stephen Diener, Stanley Dudelson
I: Robert Englund, Mark Patton,
Kim Myers, Clu Gulager, Hope Lange
Calificación: +13
Pesadilla 2: La venganza de Freddy parece existir únicamente con el fin de plantear las
aterradoras conexiones genéricas y sociales entre el horror y la (homo)sexualidad. A
diferencia de las otras películas de la saga, el protagonista es un chico adolescente al
que Freddy pasa la mayor parte de la película tratando de “entrarle”. Jesse está actuado
con un aura dulce de chico gay por el actor Mark Patton, quien interpretó a la transexual
preoperada de Karen Black en Come Back to the Five-and-Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean
(1982), de Robert Altman. El homosexual manifiesto de la película es un sádico profesor
de gimnasia, quien es descripto a Jesse como un tipo que “frecuenta un lugar queer
de encuentros SM en el centro. A él le gustan los chicos lindos como vos”. Esto queda
claro en la gran escena homoerótica de la película, en la que el profesor de gimnasia es
asesinado por Freddy/Jesse. La secuencia comienza con Jesse vagando por la lluvia para
ir al club SM que se mencionó anteriormente. Empapado y con la camisa desabrochada,
se encuentra con el profesor (todo montado con pantalones ajustados y chaleco de cuero),
y vuelven juntos al gimnasio donde Jesse (como si fuera un extraño juego previo en una
película de homo-horror) corre alrededor mientras el profesor mira.
Harry M. Benshoff (Monster in the Closet, Homosexuality and the Horror Film,
Manchester University Press, 1997)
A Nightmare on Elm Street, Part 2: Freddy’s Revenge seems to exist solely in order to work
the frightening generic and social connections between horror and (homo)sexuality. Unlike
the other films in the series, the protagonist is a teenage boy, one whom Freddy spends
most of the film trying to “get inside on”. Jesse is played with a sweet gay boy aura by
actor Mark Patton, who play a preoperative transsexual Karen Black in Robert Altman’s
Come back to the Five-and-Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean (1982)... The film’s manifiest
homosexual is a sadistic gym coach, described to Jesse as a guy who ‘hangs around queer
S/M joints downtown... he likes pretty boys like you.’... This became clear in the film’s first
major homoerotic set piece, the murder of the gym coach by Freddy/Jesse. The sequence
begins with Jesse wandering through the rain to the S/M club mentioned earlier. Jesse,
dripping wet and his shirt unbuttoned, meets the coach (all dollep-up in tights pants and
a leather vets) and together they return to the gym where Jesse (in some form of bizarre
homo-horror movie foreplay) runs laps while the coach watches.
Harry M. Benshoff (Monster in the Closet, Homosexuality and the Horror Film,
Manchester University Press, 1997)
116
Jack Sholder
Nacido en 1945 en Filaldelfia, es
conocido por su trabajo en películas
de terror. Entre sus títulos más
destacados se encuentran Solos en
la oscuridad (1982), Lo oculto (1987)
y Wishmaster 2: El mal nunca muere
(1999). Actualmente da clases en la
Universidad de Western Carolina, en el
departamento de cine y TV.
Born in 1945 in Philadelphia, best
known for his work in the horror film
genre, notably Alone in the Dark (1982),
The Hidden (1987) and Wishmaster
2: Evil Never Dies (1999). He currently
works as a teacher at Western Carolina
University in the department of stage
and screen.
special screening
Mariposa
Argentina, 2015
D, G, E: Marco Berger
F: Tomás Pérez Silva
DA: Sebastián Rosés
S: Adrián De Michele, Aníbal Girbal
M: Pedro Irusta
P: Mariano Contreras, Pablo Ingercher,
Martín Cuinat, Fiona Pittaluga
CP: Oh My Gomez!
I: Ailín Salas, Javier De Pietro,
Julián Infantino, Malena Villa
Calificación: ATP
Contacto / Contact
Oh My Gomez! Films
+54 9 1157023136
[email protected]
En el fantasma del doble, o el espejo, o el ejercicio mental que propuso Erwin Schrödinger
en 1935 (imaginar a un gato encerrado en una caja al que se podía matar en cualquier
momento mediante radiación), las dos opciones, la muerte y la vida, convivían en un estado
de indeterminación porque ambas eran probables en el imaginario. Esto es lo que Marco
Berger pone de algún modo en escena en su tercer largometraje. Justificado por su título
–que hace referencia al efecto mariposa– y en un juego de dobles extremos, el film oscila a
través de un cotidiano pueblerino entre dos realidades posibles, paralelas y superpuestas,
que conviven en la pantalla como el gato con sus dos posibles realidades en la caja. Sin
embargo, el ejercicio del gato terminaba cuando la caja se abría y se lo podía encontrar
vivo o muerto: el acto de observar es el que rompe la ilusión de inmaterialidad, la idea
imposible de convivencia material entre esos dos probables. En esa línea, Berger nos obliga
a ser observadores activos, a decidir entre esas realidades cargadas de deseo y suspenso
–también se da el lujo de que el deseo sea puro suspenso–, y nos obliga a identificarnos ya
sea con una heterosexualidad obligatoria o con una realidad de cuerpos entregados a un
goce más vivo, más incestuoso y menos cargado de mandatos, tabúes y capitalismo.
Cuando se abra la caja de Schrödinger-Berger –es decir, cuando las luces se enciendan–,
sos vos quien decidirá si el gato está vivo o muerto.
Albertina Carri
Whether it’s in the doppelganger ghost tale, or in a mirror, or in that mental exercise
suggested by Erwin Schrödinger in 1935 (to imagine a box holding inside a cat that could
be killed at any time using radiation), the two choices –life and death–coexist in a state
of indetermination, because they are both probable in the imaginary world. This is what
Marco Berger somehow introduces in his third film. Justified by its title –which references
the butterfly effect– and a game of double extremes, the film swings between two possible
realities that are parallel and overlapped, and coexist on the screen like that cat with two
possibilities inside the box. However, the exercise ended when we opened the box and
the cat could be either dead or alive: the act of observing is what breaks the illusion of the
immaterial, the impossible idea of material coexistence between those two probabilities.
On that note, Berger forces us to be active observers, to choose between those realities
charged with desire and suspense –he even allows desire to be made of pure suspense–
and drives us to identify ourselves with either a mandatory heterosexuality or a reality
of bodies surrendered to a livelier, more incestuous pleasure that is less charged with
mandates, taboos, and capitalism.
When the Schrödinger-Berger box opens –i.e., when the theater lights are turned on– you
will be the one deciding if the cat is alive or dead.
AC
Marco Berger
Nacido en Buenos Aires en 1977,
estudió dirección en la Universidad
del Cine. Su cortometraje El reloj
(2008) compitió en Cannes y
Sundance. Su primer largometraje,
Plan B, se exhibió en el Bafici de
2009. Ausente (exhibido en el Bafici
en 2011), su segunda película, se
estrenó en la Berlinale, donde recibió
el premio Teddy; y Hawaii fue exhibida
en la primera edición de Asterisco.
Born in Buenos Aires in 1977, he
studied Filmmaking at Universidad del
Cine. His short film The Clock (2008)
competed at Cannes and Sundance.
His first feature film, Plan B, was
screened at Bafici in 2009. Absent
(shown at Bafici 2011), his second
feature, premiered at the Berlinale,
where it won the Teddy Award. Hawaii
was screened at Asterisco 2014.
117
FUNCIóN ESPECIAL
Atrapadas
Trapped Women
The Skin I Live In • Trapped Women
120
Están calientes al rojo vivo, dispuestas a la venganza, son
peligrosas como fieras enjauladas y ahí es donde tienen que
estar, en la cárcel, ahí donde se las pueda espiar sin temor
a que se confundan entre las mujeres de bien, las que cumplen con el deber de cocinar calentito y sobarle las partes
al marido. ¡Cuidado! Estas, las de adentro, pueden haber
cocinado con veneno para ratas o haber hecho un guiso
con las partes más amadas de la masculinidad biológica,
delitos femeninos por antonomasia hasta antes de que fuera
impuesta la guerra contra las drogas que llenó los penales de
mulas y vendedoras al menudeo, como último eslabón de la
cadena del narcotráfico que no por casualidad encuentra en
los cuerpos femeninos su carne de cañón, su volumen específico de incautaciones necesarias para que parezca que
la policía hace su trabajo. Pero esa acumulación de cuerpos
intramuros todavía no había sucedido cuando el imaginario
de las tres películas en esta sección diseñó la voracidad de
estas lesbianas asesinas, lobas en un corral de corderos que
antes o después dejarán caer la piel de su disfraz porque el
ansia de calmar el deseo inflamado por la ausencia de varones –porque solo los varones deberían inflamar el deseo de
ellas, ¿verdad?– se esparcirá como una peste por las celdas,
y hasta las más mojigatas caerán en las garras de estas predadoras. Así, las lesbianas espiadas en el gineceo perverso
de la cárcel permitieron a los voyeurs cumplir más de un deseo: el de castigar –no solo porque están encerradas, sino
porque siempre habrá una guardia que aplique el correctivo,
tan tortillera como las sojuzgadas pero con el garrote habilitado–, el de aplicar sobre ellas la función pedagógica –quien
mal empieza mal termina– y el de recibir el estímulo erótico
dejando a salvo la hombría. Porque esas lesbianas hacen lo
que hacen porque ellos no están. Si no, otra sería la acción.
Abyectas, crueles, monstruosas, insaciables; así son las lesbianas en las películas de cárceles –así han sido hasta no
hace tanto en la crónica policial, siempre condenadas antes
de cualquier juicio–, todo un género para alimentar el morbo
y la pasión punitiva de la sociedad bien pensante. Y también,
por qué no, un contrabando de imágenes para aquellas que
se escondían en las últimas filas de butacas o al lado del
marido, pispeando eso que no estaba disponible más que
como abyección pero abría la imaginación a otras prácticas,
insumos para placeres a solas o compartidos en la clandestinidad, cuando el guiño todavía era riesgo y aventura. Sin
ellas no puede explicarse el éxito de películas como Atrapadas, que nombra esta sección y es pieza selecta de toda una
saga de locas malas y encerradas a las que el cine argentino
puso a hacer de las suyas a principios de los ochenta, cuando lesbiana no era una categoría política. Hoy, en 2015, se
las puede ver tomando las calles, orgullosas de sus prácticas y, por qué no, de su abyección.
They’re in red heat, willing to go on a vendetta, they’re dangerous as caged beasts and that’s where they belong: in
prison, where we can spy on them without the fear of mistaking them for good women who fulfill the duty of cooking
a warm meal and rubbing their husbands’ privates. Beware!
These women inside may have cooked with rat poison, or
made a stew with the most beloved parts of biological
masculinity –the ultimate female crimes before the war on
drugs would fill the prisons with drug mules and dealers,
the last links in the drug-trafficking chain, which, not-at-all
coincidentally, find in female bodies their cannon fodder,
the proper amount of confiscated people so it would seem
that police is doing its job. But that accumulation of bodies
within the walls hadn’t yet happened when the imaginary
of the three films in this section designed the voraciousness of these killer lesbians, she-wolves in a lamb corral
that sooner or later will let the fur of their disguise fall, because their eagerness to soothe the desire ignited by the
lack of men –because only men must ignite their desire,
right?– will spread like a plague across the cells, and even
the most prudish will fall into the claws of these predators.
This way, the spied lesbians in the perverse gynaeceum of
prison allowed voyeurs to fulfill several wishes, such as:
punishing them not only because they’re locked up, but
also because there will always be a guard –as dykey as the
prisoners, but with a baton in hand– willing to beat them
up; using pedagogical function on them –i.e., those who
start badly, end badly; or receiving the erotic arousal that
will keep his manhood safe. Those lesbians do what they
do because there are no men. Otherwise, the events would
go differently.
Abject, cruel, monstrous, insatiable; lesbians in prison films
are like that –and have been so until not so long ago in
crime reports, always sentenced before any trial–, An entire genre to fuel the morbidity and punitive passion of a
sanctimonious society. And also, why not, a smuggling of
images for women who were hiding in the last rows or behind their husbands, peeping on something that was only
available as an abjection and yet opened the imagination
to other practices, as gadgets for either solitary pleasures
or the secretly shared ones, back when a wink meant pure
risk and adventure. Without them, one can’t explain the
success of films like Trapped Women (or Condemned to
Hell, as it was known in many countries), which lends its
title for this section and is a select piece within an entire
saga of bad, crazy, locked-up women Argentine cinema
featured in the early Eighties, back when “lesbian” wasn’t
still a political category. Today, in 2015, you can see them
taking the streets, proud of their practices and, why not,
their abjection.
Marta Dillon
MD
La piel que habito • Atrapadas
Caliente al rojo vivo
Red Heat
Alemania Occidental / Austria /
Estados Unidos - West Germany /
Austria / USA, 1985
104’ / 35mm / Color
D: Robert Collector
G: Robert Collector, Gary Drucker
F: Wolfgang Dickmann
E: Anthony Redman
S: William Hooper
M: Tangerine Dream
P: Ernst R. von Theumer
PE: Monica Teuber
I: Linda Blair, Sylvia Kristel, Sue Kiel
Calificación: +16
Contacto / Contact
[email protected]
Después de dos exorcismos y pocas propuestas serias, la actriz Linda Blair se convirtió
en una figura indispensable del cine exploitation de los ochenta con títulos como Calles
salvajes (en la que se defendía del villano con una ballesta) y Cadenas calientes, cuyo
tremendo éxito renovó el interés en las películas de mujeres encarceladas, un subgénero
bastardo del policial que se remonta por lo menos a 1950. Caliente al rojo vivo redobló
la apuesta: fue coprotagonizada por Sylvia Kristel, entonces célebre por la serie erótica
Emmanuelle, y se comercializó como una secuela de Cadenas calientes aunque en rigor era
una remake, lo cual no sorprendió a nadie porque, de un modo u otro, todas las películas de
cárcel de mujeres son remakes. Como muchas chicas que la precedieron en el género, Blair
es capturada por un crimen que no cometió, pero la variante genial es que todo sucede
en Alemania Oriental, y por lo tanto la cárcel está sometida a los más estrictos rigores del
comunismo imaginario (ese “rojo vivo” que anticipa el título): las convictas padecen largas
sesiones de doctrina política delirante, y las violaciones, perpetradas por abusadores de
ambos sexos, se suceden ante un busto de Lenin.
Fernando M. Peña
After two exorcisms and few serious proposals, actress Linda Blair became an essential
figure of 1980s exploitation cinema, with such titles as Savage Streets (where she defended
herself from the villain using a crossbow) and Chained Heat, whose huge success renewed
the audiences’ interest in women-in-prison films, a bastard subgenre of the cop film that
dates back to 1950. Red Heat upped the ante: it co-starred Sylvia Kristel, who was then
famous for the erotic film series Emmanuelle, and was marketed as a sequel to Chained
Heat –even though it was more of a remake, something that surprised no one, because,
one way or another, every women-in-prison film is a remake. Like many other girls who
preceded her in the genre, Blair is captured for a crime she didn’t commit, but the difference
here is that, in a stroke of genius, everything takes place in East Germany, and therefore, the
prison is submitted to the severity of imaginary Communism (that “red heat” anticipated by
the title): the interns suffer long sessions of delirious political indoctrination, and the rapes,
perpetrated by abusers from both genders, take place before a Lenin bust.
FMP
Robert Collector
Estudió en la Universidad de Virginia,
y actualmente vive en Los Ángeles.
Además de Caliente al rojo vivo,
dirigió los largos Nightflyers, la nave
viviente (1987) y Believe in Me (2006).
Escribió el guion de Diario de un
hombre invisible, de John Carpenter,
y de Jungle Warriors, de Ernst R. von
Theumer y Billy Fine.
He attended the University of Virginia
and currently lives in Los Angeles.
Apart from Red Heat, he directed the
features Night Flyers (1987) and Believe
in Me (2006). He wrote the screenplay
for John Carpenter’s Memoirs of an
Invisible Man and Jungle Warriors,
directed by Ernst R. von Theumer and
Billy Fine.
121
The Skin I Live In • Trapped Women
Fieras enjauladas
Vendetta
89’ / 35mm / Color
D: Bruce Logan
G: John K. Adams, Laura Cavestani,
Emil Farkas
F: Robert C. New
E: Glenn Morgan
DA: Christopher Clarens
M: David Newman
P: Jeff Begun, Ken Dalton, Ken Solomon
PE: Sidney D. Balkin, Joseph Medawar,
Roger Corman
I: Karen Chase, Sandy Martin,
Kim Shriner, Roberta Collins
Calificación: +18
Una joven ultrajada mata a su violador, va a la cárcel y allí es primero atacada y finalmente
asesinada por una banda de convictas liderada por la lesbiana más agresiva y espantosa
de toda la historia del género. Todo eso sucede en los primeros quince minutos. Pero
resulta ser que la joven víctima tiene una hermana mayor que vive de hacer escenas de
riesgo para el cine. Con su audacia natural, potenciada por el odio y el rencor, la hermana
mayor se hace meter presa para ejecutar la vendetta del título original, en una orgía de
sangre y sexo que se prolonga otros setenta minutos. Este film sorprende no solo por la
abundancia y variedad de su acción, sino también porque está bastante bien hecho –algo
poco usual en un producto marginal– y porque ostenta una total incorrección política,
típica de la década de 1980. Hasta las muertas muestran las tetas.
Fernando M. Peña
A young woman kills her rapist and goes to jail, where she is attacked and finally
murdered by a gang of inmates led by the most aggressive, hideous lesbian in the history
of the genre. All of this happens in the first fifteen minutes. But, as it turns out, the victim
has an older sister who works in movies as a stunt double. With her natural boldness,
intensified by hate and spite, the older sister puts herself in jail in order to execute the
vendetta of the film’s title, in an orgy of sex and blood that goes on for another seventy
minutes. This film is surprising not only because of the abundance and variety of its
actions, but also because it’s quite well made –something unusual for a product made in
the margins– and because of its total lack of political correctness, so typical of the 1980s.
Even the dead ones show their tits.
FMP
122
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[email protected]
Bruce Logan
Trabajó como director de fotografía
en películas como El perro de Satán
(1978) y La increíble mujer menguante
(1981), y realizó los efectos visuales
de películas como La guerra de las
galaxias (1977), Tron (1982) y 2001:
Una odisea del espacio (1968). En 2013
dirigió el corto Les Bohemes.
He worked as cinematographer in such
films as Dracula’s Dog (1978) and The
Incredible Shrinking Woman (1981),
and did the visual effects of films like
Star Wars (1977), Tron (1982) and 2001:
A Space Odyssey (1968). In 2013, he
directed the short Les Bohemes.
La piel que habito • Atrapadas
Mujeres en fuga
Femmine in fuga
Brasil / Italia - Brazil / Italy, 1984
102’ / 35mm / Color
Italiano - Italian
D, G: Michele Massimo Tarantini
F: Edson Batista
E: Aida Marques
DA: Lucia Maria Gutierrez
M: Remo Usai
PE: Chris Rodrigues
I: Suzane Carvalho, Gloria Cristal,
Rossana Ghessa, Henri Pagnoncelli
Calificación: +13
Contacto / Contact
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Caliente al rojo vivo transcurre en Europa. Fieras enjauladas transcurre en Estados
Unidos. Era necesario incorporar el factor sudaca a esta sección, y eso es lo que
proporciona Mujeres en fuga, filmada en Brasil con dinero italiano. La bella Suzane
Carvalho va presa para proteger a su amante, y en la cárcel padece todas las
humillaciones reglamentarias. Lo que escapa a la norma es que eventualmente se
produce un sangriento motín y Suzane logra escapar junto a un grupo de compañeras,
así que el último tercio del film ya no es exclusivamente carcelario sino que acompaña
a las protagonistas en su fuga por la selva. A diferencia de lo que sucede en Fieras
enjauladas, en este film la presa lesbiana resulta ser un personaje positivo, aunque al
principio cueste creerlo. También cuesta creer que la protagonista Carvalho abandonó
el cine para dedicarse al automovilismo, pese a los prejuicios machistas imperantes
en ese ambiente. Carvalho logró superarlos y obtuvo varios premios en su categoría.
Actualmente dirige una escuela de pilotos.
Fernando M. Peña
Red Heat takes in Europe. Vendetta takes place in the US. It was necessary to add the
South American factor to this section, and that is what Women in Fury provides, since
it was shot in Brazil with Italian money. Beautiful Suzane Carvalho goes to jail in order
to protect her lover, and there, she will suffer every humiliation possible. What escapes
the norm is that a bloody riot eventually takes place, and Suzane gets to escape along
with a group of fellow inmates. So, the film’s third act is not exclusively a prison film,
because it follows the main characters through their escape across the jungle. Unlike
Vendetta, the lesbian inmate in this film turns out to be a positive character, even though
that seems hard to believe at first. It’s also hard to believe the fact that leading lady
Carvalho quit cinema and devoted herself to car racing, in spite of the male chauvinist
prejudice that prevails in that circle. Carvalho overcame them and received many awards
in her category. She currently runs a school for car racers.
FMP
Michele Massimo
Tarantini
Nació en 1942 en Roma. Realizó su
primer largometraje, el giallo Sette
ore di violenza per una soluzione
imprevista, en 1973, pero su primer
éxito llegó en 1975 de la mano de
la comedia La liceale, la cual lanzó
la carrera de la actriz Gloria Guida.
Además de por Mujeres en fuga, es
conocido por haber escrito y dirigido
títulos como Nudo e selvaggio (1985)
y La via della droga (1989).
He was born on August 7, 1942
in Rome, Lazio, Italy. He made his
directorial debut in 1973 with a giallocrime film, Sette ore di violenza per
una soluzione imprevista, but his first
commercial success was the 1975
comedy La liceale, which launched
the career of Gloria Guida. He is
known for Nudo e selvaggio (1985)
and La via della droga (1989).
123
Bromance criollo
Argentine Bromance
The Skin I Live In • Argentine Bromance
La palabra bromance surge de la fusión de “brother” y “romance”, y fue inventada en los noventa por Dave Carnie,
editor de una revista estadounidense de skate, quien la usó
por primera vez para referirse a los fuertes vínculos de amistad duradera entre los skaters. Pero el bromance tardó en
ser adoptado, tal vez por cierta resistencia heterosexista, y
recién comenzó a ser usado por el periodismo alrededor de
2005 para definir “la forma más queer con que dos hombres heterosexuales pueden llamar a su amistad”. No tardó
en ser un adjetivo, “bromántico”, que, aunque “no es necesariamente homosexual, sí define un poco de excesivo
amor entre dos hombres”. En todo caso, siempre se habla
de homosociabilidad, una nueva forma de masculinidad que
no tiene ese tufo de represión sentimental y afectiva de las
relaciones entre hombres. La palabra se popularizó tanto en
este milenio que últimamente se multiplica con frecuencia
en las críticas de cine estadounidenses para describir un
cambio en las películas, especialmente en las comedias
románticas. Las que antes eran películas de amistad viril
–como las de parejas de policía al estilo de Arma mortal,
donde se podían cifrar toques implícitos de homosociabilidad en ciertas escenas– se transformaron en historias que
casi salen del closet o que, por lo menos, no hace falta leer a
contrapelo para encontrar señales de su lado homo. El amor
viril eclipsó a la amistad: los protagonistas se hacen declaraciones afectivas, casi pasionales, como si fuesen novios.
Esto, que es una suerte de novedad en el cine actual, tiene
un par de antecedentes notables en Argentina, ejemplos
que fueron filmados antes de que la palabra bromance existiera. Algunas películas de Leonardo Favio, de Martín Rejtman y de Ezequiel Acuña bien podrían haber creado este
concepto que, de una manera sensible y criolla, les resta
heterosexismo a las relaciones viriles. Los amigos ya no son
más solo amigos.
Diego Trerotola
126
The word “bromance” comes from the union of “brother”
and “romance,” and was invented in the 1990s by Dave
Carnie, the editor of an American skating magazine, who
used it for the first time to refer to the strong bonds of lasting friendship between skaters. But bromance took long to
be adopted, perhaps because of some sort of heterosexist resistance, and started being used by journalism around
2005 to define “the queerest way two heterosexual men can
call their friendship.” It didn’t take long to become an adjective, “bromantic,” which even though “it is not necessarily
homosexual, it does define a bit of excessive love between
two men.” At any rate, homosociability, a new form of masculinity devoid of the sentimental and affective repression of
relationships between men, is always being referred to. The
word gained so much popularity in this millennium that it is
now frequently found in American film reviews describing a
change in films, especially romantic comedies. What used
to be films of manly friendship –like those cop duos in the
style of Lethal Weapon, where some implicit touches of homosociability could be detected in certain scenes–, became
stories that were almost out of the closet, or, at least, stories
where one could easily find signs of their homo side. Manly
love has eclipsed friendship –the main characters make almost passionate declarations of love, as though they were
boyfriends. This, which is some sort of novelty in current
cinema, has a few noteworthy precedents in Argentina, examples that were shot before the word “bromance” even
existed. Some films by Leonardo Favio, Martín Rejtman and
Ezequiel Acuña might very well have created this concept
that, in a sensitive, local way, makes manly relationships less
heterosexist. Friends aren’t just friends anymore.
DT
Argentina, 1999 / 25’ / DM / Color / Español - Spanish
D, G, PE: Ezequiel Acuña / F: Octavio Lovisolo
E, S: Sergio Flamminio / M: The Smiths, Daniel Melero
P: Daniel Bobrosky / I: Alberto Rojas Apel, Matías Castelli,
Agustín Carbonere
Calificación: ATP
Rocío
Dew
Argentina, 2000 / 16’ / DM / b&n / Español - Spanish
E, S: Sergio Flamminio / M: Daniel Melero
I: Alberto Rojas Apel, Matías Castelli
Calificación: ATP
Tokio
Tokyo
Argentina, 1998 / 16’ / DM / b&n / Español - Spanish
E, S: Sergio Flamminio M: Don Cornelio y la Zona, Chet Baker
P: Daniel Bobrosky / PE: Ezequiel Acuña
I: Alberto Rojas Apel, Pablo Krantz
Calificación: ATP
En este mediometraje dividido en pequeños capítulos, un joven (Rojas Apel) acaba
de volver a la casa de sus padres tras la ruptura con su primer amor. “El techo
de mi cuarto” presenta ese momento: el padre, la madre, el hermano menor, la
incomunicación y la vuelta atrás, al lugar que uno ya había dejado. “Algunas cosas de
mi generación” es el acercamiento a los amigos y el tiempo que se pierde (o se gana)
con ellos. “Cero de amor” recorre el pasado, la playa, un cuadro que quedó en la
casa de una ex y el reconocimiento de que ese primer amor nos dejará perdidos por
un rato, hasta poder encontrar un nuevo rumbo.
In this mid-length feature divided into small chapters, a young man (Rojas Apel) has
just returned to his parents’ home after breaking up with his first love. “The roof in my
room” presents that moment: the father, the mother, the younger brother, isolation
and going back to the place one had already left. “Some things about my generation”
is the approach to friends and the time one wastes (or wins) with them. “Zero About
Love” travels through the past, the beach, a painting that was left at an ex’s place,
and the acknowledgement that that first love will make us feel lost for a while, until we
can find a new path.
Dos amigos terminan compartiendo casa, diálogos y momentos íntimos en una
relación que se mueve entre la amistad y el romance asexuado y nunca termina de
dibujarse. El último de los cortometrajes de Ezequiel Acuña que conforman su trilogía
en Super 8 consolida el estilo y los temas que se desarrollarían en sus largometrajes
siguientes: la amistad masculina y las influencias musicales, Morrissey y Melero a la
cabeza. De este último toma prestado el título de su disco de 1996. Y esa nostalgia
tan particular que lo cubre todo, más por un desinterés por el presente que por una
fascinación por el tiempo pasado.
Two friends end up sharing a home, conversations, and closeness as their relationship
moves between friendship and a sexless romance without ever finishing its definition.
The last of the short films by Ezequiel Acuña that make up his Super 8 trilogy
consolidates the style and themes that he would later developed in his features: male
friendship and musical influences, mainly Morrissey and Melero. From the latter he
borrows the title of a 1996 album. And also that very peculiar nostalgia that covers it
all, due to a disinterest in the present rather than a fascination for past times.
Tokio es una ciudad lejana, y ese es su mayor atractivo para el veinteañero que
interpreta Alberto Rojas Apel (además de que “allí planchan las camisas mejor
que mamá”). El plan de escape es simple: dejar la monotonía, irse lo más lejos
posible. Pero en este relato absurdo, seco y lánguido, el protagonista parece
capaz de moverse solo en línea recta a través de su adolescencia, de un presente
sin mucho futuro. Un antihéroe que se pasa el tiempo mirando despegar aviones
e intercambiando “paquetes” con un misterioso dealer (el músico Pablo Krantz),
mientras un extraño personaje lo sigue como si fuera su propia sombra.
Tokyo is a faraway city, and that is its main appeal to the twenty-something played by
Alberto Rojas Apel (apart from the fact that “they iron shirts better than mom”). The
escape plan is simple: to leave monotony, going as far away as possible. But in this
absurd, sharp, gloomy story, the main character seems only capable of going through
his adolescence –through a present without much future, in a straight line. An antihero
that spends his time watching planes take off and exchanging “packages” with a
mysterious dealer (musician Pablo Krantz), while a strange character follows him as if
they were his own shadow.
Ezequiel Acuña
Nació en Buenos Aires en 1976 y estudió guion en la Escuela Superior de Cinematografía y realización en el CIEVYC. Dirigió los largometrajes
Nadar solo (Mención Especial del Jurado SIGNIS en Bafici 2003), Como un avión estrellado (Mejor Película de la Competencia Argentina en Bafici
2005), Excursiones (2009) y La vida de alguien (2014).
He was born in Buenos Aires in 1976, and studied screenwriting at the Escuela Superior de Cinematografía and filmmaking at CIEVYC. He directed
the features Swimming Alone (Special SIGNIS Jury Mention at Bafici 2003), Like a Crashed Plane (Best Film from the Argentine Competition at Bafici
2005), Sightseeing (2009), and Somebody’s Life (2014).
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Ezequiel Acuña
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127
La piel que habito • Bromance criollo
Raro
Strange
The Skin I Live In • Argentine Bromance
Rapado
Argentina / Holanda Argentina / The Netherlands, 1999
75’ / 35mm / Color
Español - Spanish
D, G: Martín Rejtman
F: José Luis García
E: Garry Lane
S: Gabriel Coll, Rodolfo Gareis
M: Paul M. Van Brugge
P: Alejandro Agresti, Kees Kasander,
Martín Rejtman
CP: A. K. Films, Kilimanjaro, INCAA,
Hubert Bals Fund
I: Ezequiel Cavia, Mirta Busnelli,
Damián Dreizik
Calificación: +13
El reloj de Lucio, el protagonista, no solo marca las horas sino que también señala sus
bromances –más bien narrados fuera de campo– en el momento en que la amistad rompe sus
barreras y los amigos deciden ser algo más que eso. Rapado arranca con una escena que
puede mirarse como erótica: dos hombres jóvenes y guapos circulan por la ciudad en moto.
Hasta que pasan un par de minutos de este andar vagabundo, no sabemos que se trata de
un robo. El hombre que está atrás roza con su navaja el cuello de Lucio, lo obliga a detenerse
y realizar una suerte de striptease que consiste en la expropiación de sus escasos bienes. El
ladrón le reclama el reloj, pero Lucio no lo tiene. Más adelante, lo vemos en un departamento
donde un muchacho como él le devuelve el reloj que dejó olvidado y no pudo ser robado.
Rapado no pone el acento en nada, tampoco en el campo sexual. El último encuentro
casual de Lucio es en una sala de videojuegos que podría operar como un sauna gay. Lucio
le estrecha la mano a un chico que juega tan mal como él. Enseguida termina en su casa,
luego lo vemos en su cama, vestido, espalda contra otra espalda; no sabemos qué sucedió
hasta que ambos llegaron a esa posición. No parece nada excepcional ni extraño ni digno de
señalar: solo dos hombres que durmieron juntos. A la mañana siguiente Lucio se va, y en la
parada del colectivo se da cuenta de que no tiene el reloj. Fundido a negro. Rapado llega a su
fin. Con ella, el cine argentino avanzó como nunca antes en la construcción del relato ficcional
del mundo queer embebido en una sociedad inclusiva, una utopía allá por los noventa.
Cristina Civale
Rapado’s main character Lucio’s watch not only tells time, but also points out his bromances
–which are narrated out of field- at the moment when friendship breaks its barriers and friends
decide to be more than that. The film opens with a scene that could be seen as erotic. Two
young, handsome men go through the city in a motorbike. It’s not until a few minutes after this
wandering around that we realize that we’re looking at a robbery. The man in the back brushes
against Lucio’s neck with a razor, forces him to stop and perform some kind of striptease that
consists in the expropriation of his very few items. The thief asks him for his watch, but Lucio
doesn’t have it. A couple of scenes later, we see it in an apartment where a young man like
him gives him back the watch that he had forgotten there and could not be stolen. Rapado
doesn’t accentuate a thing –neither in the field of sex. The last of Lucio’s casual encounters is
at an arcade venue that could also be a gay sauna. Lucio shakes the hand of a guy who’s as
bad a player as he is. Pretty soon, he ends up in his place, the we see him in his bed, dressed,
back against back; we don’t know what happened until they reached that position. It doesn’t
seem to be anything exceptional or strange or noteworthy. Just two men who slept together.
The morning after, Lucio leaves, and at the bus stop he notices he doesn’t have his watch on.
Fade to black. Rapado reaches its end. With it, Argentine cinema progressed as never before
in the construction of the fictional narrative of the queer world inserted in an inclusive society,
a utopia back in the 90s, when Rejtman imagined Rapado.
CC
128
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Martín Rejtman
Nació en Buenos Aires en 1961. Estudió
cine en la New York University y luego
trabajó como asistente de montaje en
los estudios de Cinecittà. En 1992 filmó
Rapado, su primer largo, seleccionado
para los festivales de Locarno,
Rotterdam y La Habana, entre otros. Su
filmografía está compuesta, además,
por los largos Silvia Prieto (1999) Los
guantes mágicos (2003), Copacabana
(2006) y Dos disparos (2014). Como
escritor ha publicado libros como
Velcro y yo (1996) y Tres cuentos
(2012). Fue jurado de Competencia
Internacional en Asterisco 2014.
He was born in Buenos Aires in 1961.
He studied Film at the NYU and later
worked as assistant editor at Cinecittà
studios. In 1992, he shot Rapado, his
first feature, which was selected at
the Locarno, Rotterdam and Havana
Film Festivals, among others. His
filmography also includes Silvia Prieto
(1999) The Magic Gloves (2006),
Copacabana (2006) and Two Shots
Fired (2014). As a writer, he published
such books as Velcro y yo (1996) and
Tres cuentos (2012). He was part of
the International Competition Jury at
Asterisco 2014.
Argentina, 1976
85’ / 35mm / Color
D: Leonardo Favio
G: Leonardo Favio, Jorge Zuhair Jury
F: Rogelio Chomnalez
E: Antonio Ripoll
S: Mario Antognini
M: Pocho Leyes
PE: Juan Sires, Alberto Tarantino
I: Carlos Monzón, Gian Franco Paglaro
Calificación: ATP
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La promesa de esta aventura se abre con la imagen de un encuentro furtivo, completamente
contingente, en un escenario cálido de ruralidad metafísica, de ensueño y suspensión de
l*s otr*s: un cigarrillo, un piropo, dos tipos que en menos de una sonrisa pactan una alianza
silenciosa, un sueño, y se arrojan a lo imposible del destino. Esta película de Leonardo
Favio abre una posible pregunta, y traza figuras que recorren la interminable multiplicación
de pasiones con las que la amistad cobra forma en el mundo, aflojando la rigidez del puño
con el que están modelados los gestos de lo masculino.
Un vínculo que juega permanentemente con la negociación disfuncional entre un dramatismo
tosco e inocente de un joven que habita la fantasía para rediseñar y amplificar su lugar en el
mundo, y la desesperación descuidada que moviliza el despecho de un pasado pronunciado
desde la melancolía en un hombre seductor, que no renuncia a trotar el mundo buscando
un nuevo talento. Estos amigos construyen entre estas coordenadas un lugar para que
sucedan la fantasía, el peligro, el cariñoso pacto del cuidado y la enseñanza, la inestable
manifestación del amor cómplice, y un viaje que los une aún más en la erótica del fracaso.
Nicolás Cuello
The promise this adventure opens up with the image of a furtive encounter that is
completely contingent, in the warm setting of a metaphysic rural spirit, of dreams and the
suspension of others: a cigarette, a compliment, two guys who sign a silent alliance in the
brink of a smile, they set out to the impossible nature of fate in search of a dream. This film
by Leonardo Favio opens a possible question and traces figures that move through the
endless multiplication of passions friendship uses to form its shape in the world, releasing
the grip that models the gestures of masculine nature.
A connection that constantly toys around with a dysfunctional negotiation between the
rough and innocent drama of a young man who inhabits fantasies in order to redesign and
expand his place in the world, and the careless desperation that mobilizes a seductive
man’s heartbreak from a melancholic past, as he doesn’t give up his worldwide search for
new talent. In these coordinates, both friends build an area for fantasy, danger, a loving pact
of care and teaching, the unstable manifestation of a knowing affection, and a journey that
brings them even closer in their erotica of failure.
NC
Leonardo Favio
Cineasta, actor y cantautor argentino.
Nació el 28 de mayo en Luján de
Cuyo, Mendoza, y emigró muy joven
a Buenos Aires. A mediados de los
años 50 fue descubierto por el cineasta
Leopoldo Torre Nilsson, director de
varias de las películas que protagonizó.
Entre sus obras más recordadas como
director se encuentran Crónica de un
niño solo (1965), Nazareno Cruz y el
lobo (1975), Gatica, el mono (1993) y
Aniceto (2008). Murió el 5 de noviembre
de 2012 en Capital Federal.
An Argentine filmmaker, actor and
singer-songwriter, he was born on
May 28 in Luján de Cuyo, Mendoza,
Argentina, and move to Buenos Aires
when he was very young. In the
mid-Fifties, he was discovered by
filmmaker Leopoldo Torre Nilsson,
director of many of the films he
starred in. Chronicle of a Boy Alone
(1965), Nazareno Cruz and the Wolf
(1975), Gatica, el mono (1993) and
Aniceto (2008) are among his most
well remembered works as a director.
He died on November 5, 2012 in
Buenos Aires.
129
La piel que habito • Bromance criollo
Soñar, soñar
Cuenta conmigo
Stand by Me
The Skin I Live In • Stand by Me
“Cuando la noche llegue y la tierra esté oscura”. Así comienza el tema con el que termina Cuenta conmigo, la película
dirigida por Rob Reiner en 1986 y protagonizada por cuatro niños. Con sus mochilas de conflictos a cuestas, van en
búsqueda de un cadáver, a la caza de un niño muerto o en
la búsqueda de su propio fantasma. Los niños emprenden
un viaje a la intemperie y son desafiados por todo tipo de
peligros, pero lo que realmente los transforma es el hecho
de verse enfrentados con sus propios miedos, que siempre
son más poderosos que cualquier amenaza externa. Cuenta
conmigo es quizás la película más significativa sobre ese
momento traumático de la vida que es el pasaje de la infancia a la adultez, porque dejar de ser niñ* y enterarse de
que “cuando la noche llega, la tierra está oscura y la única
luz que vemos es la de la luna” nunca es sencillo; debemos
acomodar el iris de los ojos a esa nueva realidad, a esos
nuevos cuerpos, cuerpos de estreno, cuerpos que debutan
un miedo desconocido, un goce muy distinto al de la infancia, y en ese pasaje l*s adult*s que nos rodean no siempre
están (estamos) disponibles para acompañar semejante suceso. Toda nuestra subjetividad se ve trastocada, transformada, como si el peso de nuestro cuerpo de un momento a
otro se hiciera irresistible, sus deseos irrevocables y el ansia
de autonomía una revelación tanto mística como física.
La película que esta nueva sección de Asterisco homenajea está basada en un relato de Stephen King llamado El
cuerpo, y quizás en ese título radique la primera razón por
la cual armar este cuerpo de películas con protagonistas
adolescentes, este magma de cuerpos repartidos en relatos de iniciación y de aceptación. Porque, en definitiva, en
ese fragmento de la vida en que los cambios que experimentamos parecen regir nuestra subsistencia, lo que más
deseamos es encontrar un lugar en el mundo, otro cuerpo
en el cual apoyar nuestra melena desbocada, nuestra piel
cada vez más gruesa, nuestras cuerdas vocales voluminosas y desorganizadas, los huesos pesados, las articulaciones, apenas asimilando la actual tarea y sintiéndonos ahí
autónom*s pero no sol*s, adult*s pero no desesperad*s.
Cuenta Conmigo, la película, la sección, la frase, es una celebración de lo tribal, del encuentro entre pares, de los posibles e infinitos caminos que tenemos adelante para correr
por un puente mientras un tren gigante nos persigue y saltar
en el momento indicado y “sin sentir miedo porque yo sé
que estás (y están) conmigo”.
Albertina Carri
132
“When the night has come and the land is dark.” That’s the
beginning of the song we hear at the end of Stand By Me,
the film directed by Rob Reiner in 1986 with four boys as
main characters. Carrying backpacks filled with conflicts,
they go out in search of a body; they go out to hunt a dead
kid, or in search of their own ghosts. The boys go on a
trip into the great wide open and face all kinds of dangers, but what really transforms them is the fact of seeing
themselves facing their own fears, which are always more
powerful than any outside threat. Stand By Me is perhaps
the most important film about that traumatic time in one’s
life that is the passage from childhood to adulthood, because not being a kid anymore and finding out that “when
the night has come, the land is dark and the moon is the
only light we see” is never simple. We must adjust the iris
of our eyes to this new reality –new bodies, brand new
bodies, which debut an unknown fear, a kind of joy that
is very different from that of childhood– and in that transition, the adults around us (ourselves) are not always available to accompany such an event. Our whole subjectivity is
disrupted, transformed, as though the weight of our body
became irresistible from one moment to another, desires
turned irrevocable, and the longing for autonomy became
a both mystical and physical revelation.
The film this new section of Asterisco pays tribute to is
based on a novella by Stephen King called The Body, and
perhaps that title is the main reason for putting together
this body of films with teenage protagonists –this magma
of bodies divided into tales of initiation and acceptance.
Because, ultimately, that portion of life is the time when the
changes we experience seem to rule on our subsistence,
and what we desire the most is to find our place in the
world, find another body in which to place our out-of-control mane, our skin that becomes thicker and thicker, our
voluminous, disorganized vocal chords, the heavy bones,
the joints, barely assimilating the current task and feeling
autonomous but not alone, adult but not desperate.
Stand By Me, the movie, the section, the phrase, is a celebration of the tribal, of the meeting of peers, of the possible and infinite paths we have ahead, where we can run
across a bridge while a giant train is after us and jump at
the right time and “not be afraid, just as long as you stand,
stand by me.”
AC
Holandés - Dutch
D: Mischa Kamp
G: Chris Westendorp,
Jaap Peter Enderlé
F: Melle van Essen NSC
E: Katarina Türler
DA: Jelier & Schaaf, Ralf van Lanen
S: Marco Vermaas
M: Rutger Reinders
P: Pieter Kuijpers, Sander van Meurs,
Iris Otten
CP: Pupkin Film
I: Gijs Blom, Ko Zandvliet,
Jonas Smulders, Ton Kas, Stijn Taverne
Calificación: +13
Como un hermoso juego de seducción de roces y miradas juveniles, el deseo se
materializa en un beso en el cuello desnudo de uno de los amantes que, como dice uno
de los protagonistas, “no pueden permanecer escondidos”. En medio de un universo de
masculinidades donde los afectos se prometen torpemente, Sieger y Marc (interpretados
por Gijs Blom y Ko Zandvliet) encuentran un hueco en el silencio y le plantan batalla al
miedo. Boys, estrenada en 2014 en Holanda, habla de descubrir el amor sin conocerlo.
De confiar en el otro como se confía en el pase del testigo durante una carrera de relevos.
Estirar la mano y encontrar.
La directora Mischa Kamp pensó ciertas escenas como para que no nos olvidemos de que
en la ingenuidad de la belleza púber siempre hay un punto de quiebre, como en el cuadro
Niños en la playa, de Sorolla. Pero, además, agregó el toque justo de la complicidad erótica
de dos muchachos que ejercitan su dulzura cada día. Las palabras fueron suplantadas por
miradas que nos cuentan no solo lo que vemos, sino lo que ellos imaginan.
Jóvenes y despertares sexuales.
Y un corolario: vivir sin miedo a ser.
Gustavo Pecoraro
Like a beautiful seduction game made of youthful glances and friction, desire materializes
as a kiss in the bare neck of one of lover, who –according to one of the main characters
–“cannot keep hiding anymore.” In the midst of a universe of masculinities where affections
are clumsily promised, Sieger and Marc (played by Gijs Blom and Ko Zandvliet) find a hole
in silence and take a stand against fear. Boys, released in Holland in 2014, talks about
discovering love without knowing it. About trusting the other as one trusts in the passing of
the baton during a relay race. About reaching out and finding.
Director Mischa Kamp came up with different scenes so we don’t forget that, in the naiveté
of pubescent beauty, there is always a breaking point, as in Sorolla’s painting Boys on the
Beach. But she also added the right amount of erotic complicity of two boys who exercise
their sweetness every day. Words have been replaced by looks that not only tell us what we
see, but also what they imagine.
Young men and sexual awakenings.
And a corollary: living without the fear of being.
GP
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m-appeal.com
feriadofilm.com
Mischa Kamp
Nacida en 1970, estudió comunicación
antes de pasarse al cine. Luego de
dirigir varios cortos, documentales,
series y films para la televisión
holandesa, filmó la película para niños
Het paard van Sinterklaas (2005). El film
se exhibió en todo el mundo y fue tan
exitoso que le permitió a su directora
filmar una secuela en 2007, Waar is het
paard van Sinterklaas?.
Born in 1970, Mischa Kamp studied
communication before turning to
filmmaking. After directing several
shorts, documentaries, series and
TV films for Dutch TV, she directed
the children’s movie Het paard van
Sinterklaas (2005). Shown everywhere
around the world, the film was so
successful that she had the opportunity
to film a sequel in 2007, Waar is het
paard van Sinterklaas?.
133
La piel que habito • Cuenta conmigo
Boys
Jongens / Muchachos
Feriado
Holiday
Ecuador, 2013
Español - Spanish
D, G: Diego Araujo
F: Magela Crosignani
E: Julián Giulianelli, Diego Araujo
DA: Roberto Frisone
S: Martín Litmanovich
M: Daniele Luppi
P: Hanne-Lovise Skartveit
PE: Hanne-Lovise Skartveit,
Renos Vakis
CP: Lunafilms Audiovisual
I: Juan Manuel Arregui,
Diego Andrés Paredes,
Manuela Merchán, Cristina Morrison
Calificación: +13
La línea divisoria del Ecuador separa a dos Juan Pablos: Juampi –chico lindo, rubio y rico
de educación francófila– y Juano, quechua metalero, pobre laburante de taller. Después
de una alianza inesperada, Juampi viaja en motito, y con mirada invertida transita su
iniciática homosexualidad. La decadencia financiera del Ecuador en los albores del milenio
funciona como sitio donde se produce el (des)encauce del deseo para convertirse en el
testimonio de la inestabilidad del hétero-capital. La película es un relato bien construido
que cruza problemáticas de clase, raza y homoerotismo juvenil y sudaca. Es una historia
de complicidades interclasistas, autorreconocimientos y miradas penetrantes que lo dicen
todo. Feriado resulta ser una metáfora de la injusticia corporativa-financiera que divide
a una sociedad en estamentos fijos. Pero, ante todo, es la evidencia de un contrapunto:
identidades sexuales libres constituidas a su vez por el propio liberalismo político.
Magdalena De Santo
The line of the Equator separates two Juan Pablos: Juampi, a cute, blond, rich boy of
Francophile upbringing, and Juano, a Quechua metalhead, who’s poor and works at a
workshop. After an unexpected alliance, Juampi travels in his motorcycle, and with an
inverted gaze, he transits his initiation in homosexuality. Ecuador’s financial decadence
at the break of the millennium works as the site where the (de)channeling of desire is
produced in order to become the testimony of hetero-capital instability. The film is a
well-constructed narrative that crosses quandaries of class, race and juvenile, South
American homoeroticism. It’s a story of interclass complicities, self-acknowledgements and
penetrating looks that say everything. Feriado turns out to be a metaphor for the corporatefinancial injustice that divides a society into fixed stratums. But, first of all, it’s the evidence
of a counterpoint: free sexual identities made up, in turn, by political liberalism itself.
MDS
134
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m-appeal
+49 0 30 6150 7505
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Diego Araujo
Nació en Quito, Ecuador. Se graduó
en producción audiovisual en la
Universidad San Francisco de Quito
e hizo un posgrado en la Florida
State University y una maestría
en la Universidad de Bergen,
Noruega. Feriado es su ópera prima,
y tuvo su estreno mundial en la
Berlinale 2014. También ha escrito
y dirigido cortometrajes de ficción
y documentales, comerciales y una
serie documental para la televisión.
Es cofundador de la productora
ecuatoriana Lunafilms.
He was born in Quito, Ecuador. He
majored in audiovisual post-production
at the University of San Francisco de
Quito and took a post-graduate course
at the Florida State University and a
master’s degree at the University of
Bergen, in Norway. Feriado is his first
feature, and had its world premiere
at the 2014 Berlinale. He has also
written and directed fiction shorts,
documentaries, commercials and a
documentary series for television. He
is co-founder of Ecuadorian production
company Lunafilms.
Estados Unidos / Dinamarca / Suecia USA / Denmark / Sweden, 2015
D: Jannik Splidsboel
F: Henrik Bohn Ipsen
E: Mikael Kloster Ebbesen
S: Roar Skau Olsen
M: Mathias Blomdahl
P: Sara Stockmann
PE: Jakob Schaumburg
CP: Sonntag Pictures
Calificación: ATP
En la ciudad de Tusla, Oklahoma, hay un pequeño centro llamado Open Arms Youth Project
(“Proyecto Juventud Brazos Abiertos”), que está ubicado justo en el medio de dos de las
dos mil iglesias que hay en esa ciudad. El centro recibe a jóvenes lgbt de entre trece y
diecinueve años que decidieron salir del clóset en el seno de una sociedad muy religiosa.
Pero el precio que pagan por ser ellos mismos es alto: terminan siendo marginados (el
estado de Oklahoma tiene una de las tasas de suicidio adolescente más altas de EE. UU., y
los padres todavía pueden negar a sus hijos o hijas porque tengan una sexualidad distinta).
Mientras la opinión pública general en torno a los gays en Estados Unidos sigue cambiando
lentamente, esta historia de crecimiento sigue muy de cerca a tres jóvenes protagonistas
en su lucha por adquirir algún sentido de sí mismos en una comunidad que en su mayoría
todavía condena la homosexualidad. Misfits es una película sobre ser uno mismo aunque
esa elección pueda conllevar grandes costos personales. Los tres pesonajes de la película,
Larissa, Benny y “D”, todos van al centro, donde encuentran amor y apoyo para enfrentarse
al drama diario que viven debido a su sexualidad. Como tantos adolescentes, están llenos
de grandes sueños, y algunos conflictos que parecen irresolubles.
In Tulsa, Oklahoma, a tiny youth center called OpenArms Youth Project is squeezed in
between two of the city’s two thousand churches. The center welcomes young lgbt kids
between thirteen and nineteen, who have decided to come out in a very religious society.
But the prize for being yourself is high, and you end up becoming a misfit –the state of
Oklahoma has one of the highest suicide rates among teenagers in the US and parents can
still disown their son or daughter because of a different sexuality. While the general public
opinion towards gays in the US is slowly changing, this coming-of-age story closely follows
the three young protagonists as they struggle to achieve a sense of self in a community that
still widely condemns homosexuality. Misfits is a film about being yourself, even though that
choice may cause great personal costs. The three characters in the film, Larissa, Benny and
“D”, all go to the center where they find love and support to confront the daily drama they
are living because of their sexuality. Like many other teenagers, they are filled with great
dreams and some conflicts that seem irresolvable.
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Anais Clanet
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Jannik Splidsboel
Actualmente trabaja en el largometraje
Between Here & Now, producido por
41Shadows. Su documental How
Are You, con el famoso dúo artístico
Elmgreen & Dragset, se estrenó en la
Berlinale en 2011, donde recibió un
premio. Desde su estreno, How Are You
fue invitado a más de 300 festivales
alrededor del mundo.
He is currently working on his first
feature film Between Here & Now,
produced by 41Shadows. Jannik’s
documentary film How Are You,
featuring the famous art duo Elmgreen
& Dragset, had its world premiere at
the Berlinale in 2011, where it won an
award. Since its premiere, How Are
You has been invited to more than 300
festivals worldwide.
135
Misfits
Marginados
Hoje eu quero voltar sozinho
The Way He Looks / Hoy quiero volver solo
96’ / DCP / Color
D, G: Daniel Ribeiro
F: Pierre de Kerchove
E: Cristian Chinen
DA: Olivia Helena Sanches
S: Daniel Turini, Fernando Henna
P: Diana Almeida
I: Ghilherme Lobo, Fabio Audi,
Tess Coelho, Lúcia Romano
Calificación: ATP
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filmsboutique.com
Entre Gi y Gabriel. Entre Bach y Belle & Sebastian. Entre seguir mirando a través de las
aprensiones de la madre o subsanar, de alguna manera, la opacidad de sus ojos. Entre
permanecer en Brasil o emigrar a Estados Unidos. Entre esos abismos (de la existencia,
de la geografía, del ánimo) se juegan los dilemas que Leonardo tendrá que resolver a lo
largo de Hoje eu quero voltar sozinho. Es, claro, una película de adolescentes; un relato de
aprendizajes, de excursiones transformadoras. Por eso habría que recomendarla a madres
y padres con jóvenes en la casa. Ocurre que al director Daniel Ribeiro se le ocurrió invertir
la carga de la prueba: en vez de cifrar el conflicto en lo que le falta o no puede o no debería
hacer un adolescente, lo desvió hacia lo que desborda en la vida de Leo, de Giovana y de
Gabriel. Los desborda el control mecánico (ciego) de los adultos. Los desborda el prejuicio
clasista de los que tienen su misma edad. Los desborda el impulso de probar, en carne
propia, qué se siente al atravesar el espejo. Al fin y al cabo, la belleza simple de la película
es esa: cargar la apuesta en el cuerpo y el deseo. No hay dramatismo ni pedagogía, ni
promesas de milagro. Apenas la salud de los cuerpos, vividos en el (propio) deseo.
María Iribarren
Between Gi and Gabriel. Between Bach and Belle & Sebastian. Between continuing to
look through the apprehensions of the mother or making up, in some way, for the opacity
of her eyes. Between remaining in Brazil or migrating to the United States. It is between
those depths (of existence, of geography, of spirit) that the dilemmas Leonardo will have to
solve through the course of Hoje eu quero voltar sozinho come into play. It is, of course, a
film about teenagers, a tale of learning, of transforming excursions. That is why it’s highly
recommended for mothers and fathers with young people at home. It just so happens that
director Daniel Ribeiro had the idea of inverting the burden proof: instead of establishing the
conflict in what a teenager lacks, or what they can’t or shouldn’t do, he diverted it to what
is too much for Leo, Giovana and Gabriel. The grownups’ mechanical (blind) control is too
much for them. The classist prejudice of those who are the same age as them is too much
for them. The impulse of experiencing, in the flesh, what it feels to go through the mirror is
too much for them. In the end, the simple beauty of the film is that one: laying down the bet
on both body and desire. There is no drama, no pedagogy, no promise of a miracle. Just the
health of the bodies, lived in (one’s own) desire.
MI
136
Daniel Ribeiro
Nacido en San Pablo en 1982,
estudió en la escuela de cine de la
Universidad de San Pablo. Escribió y
dirigió los cortos Café com Leite y Eu
não quero voltar sozinho, los cuales
fueron exhibidos en más de 180
festivales y recibieron 115 premios,
incluido el Oso de Cristal en el 58°
Festival de Cine de Berlín.
Born in São Paulo, Brazil, in 1982,
he studied at University of São
Paulo’s Film School. He wrote and
directed Café com Leite and Eu não
quero voltar sozinho, short films that
were screened on over 180 festivals
worldwide and received 115 awards,
including the Crystal Bear at the 58th
Berlin International Film Festival.
Ahí, en todas las fronteras. Desde este lado del Brasil, en una lengua
mixturada, cuando las hormonas púberes los incita a divertirse con la
espuma carnavalera, para peinarse mariquitas y erotizarse en el paisaje de
purpurina correntina, Matías y Jerónimo son testigos de que, ahí donde
gusta, el macho lastima.
Magdalena De Santo
There, in every border. From this side of Brazil, in a mixed language, when
pubescent hormones encourage them to have fun with carnival foam,
to comb their hair like sissies and eroticize themselves in the glittered
landscape of the province of Corrientes, Matías and Jerónimo witness how
males hurt, right there where they wants.
MDS
Gerardo “Papu” Curotto
Argentina, 2014
9’ / DM / Color
Español - Spanish
D: Gerardo “Papu” Curotto
G: Andi Nachon / F: Pablo Gonzales Galetto
E: Mechi Oliveira / DA: Verónica Arcodaci
S: Facundo Gomez, Marcoz Zoppi
M: Comparsa Carumbé,
Comparsa Zum zum / P: Vicente Basili
PE: Santiago Podesta / CP: Hain Cine SRL
I: Rodrigo Coutinho Da Silva, Gabriel Rost
Nació en Paso de los Libres, Corrientes, en 1984. Estudió producción en la
ENERC, y en 2008 egresó de la carrera de diseño de imagen y sonido de la UBA.
En 2012 ganó el Premio a Desarrollo de Proyectos Raymundo Gleyzer con su
proyecto Esteros, el cual será su primer largometraje. Matías y Jerónimo es su
primer cortometraje como director.
He was born in Paso de los Libres, Corrientes, Argentina, in 1984. He studied
production at the ENERC and in 2008 he graduated from the Image and Sound
Design Major at the UBA. In 2012, he won the Raymundo Gleyzer Project
Development Award with his project Esteros, which will be his first feature. Matías
y Jerónimo is his first short as a director.
Calificación: ATP
Contacto / Contact
Hain Cine SRL
Santiago Podesta
+54 9 11 15 4707 765
[email protected]
137
Matías y Jerónimo
Matías and Jerónimo
Pioneros queer
Queer Pioneers
The Skin I Live In • Queer Pioneers
140
El pionero no siempre sabe que lo es. A veces ni siquiera
sabe bien lo que está haciendo. O no le importa. O le sale
así. Por eso no suele percibir mérito alguno en su acción
pionera. Es el caso de una parte de los pioneros seleccionados este año.
Francisco Marques, amigo y albacea de la obra de Carlos
Hugo Christensen, nos explicó cuidadosamente y hasta con
ternura que el realizador prefería evitar las etiquetas para su
cine. Y es seguro que Francisco Tarantini solo pensaba en
su bolsillo cuando filmó una insólita escena de atracción entre dos mujeres en Póker de amantes. Por otra parte, Héctor
Olivera, productor de A puertas cerradas, es muy consciente
de los problemas que debió vencer para adaptar a Sartre sin
censurarlo. Y el realizador y docente Carlos Vallina aceptó
la invitación a su corto Federico respondiendo alegremente
que siempre había querido ser un pionero queer.
Es que, cuando la materia en cuestión es la representación
lgbtiq, es inevitable sentir cierto mérito. En primer término,
porque para llegar a ella ha sido necesario realizar algún
grado de transgresión, vencer tabúes culturales, sociales y
personales que gozaban de muy buena salud. En segundo
término, porque esas transgresiones han dejado algo, no
importa cuánto, en el largo camino hacia la visibilidad.
Es irrelevante entonces que el pionero desestime su aporte, que no se haga cargo, que lo considere impertinente o
incluso que lo ignore. Corresponde el agradecimiento y la
celebración.
Pioneers often ignore they are so. Sometimes, they don’t
even know what they’re doing. Or don’t care. Or it just
comes out that way. That is why they usually don’t perceive
any merit in their pioneering action. Such is a case with one
part of the pioneers selected this year. Francisco Marques,
friend of Carlos Hugo Christensen and keeper of his work,
explained to us carefully –even tenderly– that the filmmaker
preferred to avoid labels for his cinema. And it’s clear that
Francisco Tarantini was only thinking about his wallet when
he shot a very unusual scene of two women attracted to
each other in Poker de amantes. What’s more, Héctor Olivera, producer of A puertas cerradas, is very conscious of
the problems he had to sort in order to adapt Sartre without
censoring him. And filmmaker and teacher Carlos Vallina
accepted the invitation of his short Federico by gladly responding that he has always wanted to be a queer pioneer.
Because when the subject matter is lgbtiq representation,
it’s inevitable to feel a certain merit. First of all, because in
order to achieve it, some degree of transgression was necessary, as well as beating cultural, social and personal taboos that enjoyed very good health. Second, because these
transgressions have left something, no matter how much, in
the long path to visibility.
It is irrelevant, then, if pioneers dismiss their contribution
or not take responsibility for it, consider it inappropriate, or
even ignore it. The proper thing is the acknowledgement and
the celebration.
Fernando M. Peña
FMP
Argentina, 1962
76’ / 35mm / b&n
Español - Spanish
D, G: Pedro Escudero
F: Francis Boeniger
E: Atilio Rinaldi
DA: Mario Vanarelli
M: Rodolfo Arizaga
P: Fernando Ayala, Héctor Olivera
I: María Aurelia Bisutti, Carlos Brown,
Elsa Dorian, Inda Ledesma,
Duilio Marzo
Calificación: +13
Contacto / Contact
[email protected]
Esta adaptación de una obra de Jean-Paul Sartre constituyó la mayor audacia de la
productora argentina Aries, fundada por Fernando Ayala y Héctor Olivera, sobre la idea
de lograr un cine industrial equilibrado entre el éxito comercial y el prestigio artístico.
En la obra, escrita en 1947, Sartre no da indicaciones explícitas de puesta en escena
ni de marcación de actores, pero se percibe la intención de plasmar su concepción
existencialista de la filosofía, de moda a fines de los cuarenta y durante los cincuenta.
Del mismo modo, el film trabaja sobre la condena propia y la pública, la vergüenza y
el egoísmo: cada uno es el infierno de los otros. La actriz Inda Ledesma interpreta –de
manera pionera en el cine argentino– a una lesbiana condenada al infierno, pero lo
interesante es que esa condena no se debe a su sexualidad sino al hecho de haber
arrastrado a otra persona al suicidio. La manipulación emocional constituye para Sartre
un crimen tan grave como el infanticidio y la cobardía, que son las causas por las que
han sido condenados los otros dos personajes del film. Los tres tendrán que soportar
eternamente la mirada del otro, siempre lista para juzgarlos.
Fernando M. Peña
This adaptation of a play by Jean-Paul Sartre constituted the most audacious move
by Argentine production company Aries, which was founded by Fernando Ayala and
Héctor Olivera with the aim of delivering industrial films, balancing success with artistic
prestige. In the play, written in 1947, Sartre does not provide any explicit indications
for the mise en scène or actors direction, but one can still perceive the intention of
capturing his existentialist conception of philosophy, fashionable as it was in the late
1940s and throughout the 1950s. Also, the film covers the subjects of condemnation
–both public and one’s own–, shame and selfishness: each is the others’ hell. Actress
Inda Ledesma plays a lesbian condemned to hell –a definite first in Argentine cinema–,
but what’s interesting is that her condemnation isn’t caused by her sexuality, but for
driving someone else to suicide. To Sartre, emotional manipulation constitutes a crime
as serious as infanticide and cowardice, the causes for which the two other characters
in the film were condemned. The three of them will have to spend eternity dealing with
the other’s gaze, always ready to judge them.
FMP
Pedro Escudero
Nació en Gijón en 1914. Junto a
Fernando Labat y Duilio Marzio
presidió, a comienzos de 1950,
el conjunto teatral El Juglar. En la
pantalla chica estrenó el teleteatro
Romeo y Julieta (1960), que se emitió
por Canal 9, y también se destacó
con múltiples obras de teatro, como
La escuela del escándalo (1962),
Luces de bohemia (1967) y Según
pasan los años (1968). A puerta
cerrada fue su único largometraje.
Murió en Buenos Aires en 1989.
Born in Gijón in 1914. Along with
Fernando Labat and Duilio Marzio,
he presided the theater company El
Juglar in the early Fifities. He directed
the TV soap opera Romeo y Julieta
(1960), which was broadcast on
Argentina’s Channel 9, and directed
such plays as La mujer del escándalo
(1962), Luces de bohemia (1967),
and Según pasan los años (1968). A
puerta cerrada was his only feature.
He died in 1989 in Buenos Aires.
141
La piel que habito • Pioneros queer
A puerta cerrada
Huis clos
La intrusa
A Intrusa
100’ / 35mm / Color
D: Carlos Hugo Christensen
G: Carlos Hugo Christensen,
Ubirajara Raffo Constant, Orígenes Lessa
F: Antônio Gonçalves
E: Jayme Justo
DA: Ubirajara Raffo Constant
S: Geraldo José, Roberto Leite,
Onélio Motta
M: Astor Piazzolla
P: Carlos Hugo Christensen
PE: Daniel Carvalho
I: José de Abreu, Arlindo Barreto,
Maria Zilda Bethlem, Palmira Barbosa,
Fernando de Almeida
Calificación: +13
Christensen filmó mucho y muy variado, tanto en Argentina como en Brasil, pero sus
mejores films comparten una característica peculiar: no se parecen a nada de lo que otros
estaban haciendo en ese mismo lugar y momento. Lo mismo pasa con La intrusa, que
no reconoce filiaciones en su forma de representar una peripecia mínima que la prosa de
Borges apenas sugiere. Su audacia le provocó una prohibición total en Argentina, que se
prolongó hasta la vuelta de la democracia a fines de 1983. Las polémicas sobre la mayor o
menor fidelidad de la adaptación, a esta altura, no le importan a nadie. Lo que permanece
es el estilo que Christensen inventó para este film, una forma propia de pensar el tiempo y
el paisaje y el peso de ambos sobre los protagonistas. Los diálogos son pocos y breves:
Christensen hace hablar, en cambio, a la luz, el viento y los cuerpos, en dos de las escenas
de sexo más expresivas de todo el cine latinoamericano. La intrusa del título apenas se
manifiesta en todo el metraje, pero Christensen es más generoso con ella que el propio
Borges, y le inventa una escena magistral, cerca del final y con un insecto, que es emotiva y
ominosa al mismo tiempo.
Fernando M. Peña
Christensen was prolific and his films were varied, both the ones he made in Argentina and
those he made in Brazil, but his best films share a peculiar feature: they absolutely don’t
resemble the films being done in that place at that time. This happens with A intrusa, which
is totally unique in its way of representing a minimal adventure that Borges’ prose barely
suggests. His boldness won him a total ban in Argentina, which went on until the return of
democracy in 1983. At this point, nobody cares about the controversies on whether the
adaptation is more or less faithful to the original story. What remains is the style Christensen
invented for this film, a personal way of thinking about time and landscape and the
importance they have on the characters. Dialogue is scarce and brief: instead, Christensen
makes the light, the wind and the bodies talk, the latter in one of the most expressive sex
scenes in Latin American cinema. The intruder from the title is barely present throughout the
film, but Christensen is more generous with her than Borges himself, as he invents for her a
both touching and ominous, masterful scene, near the end, and featuring an insect.
FMP
142
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[email protected]
Carlos Hugo
Christensen
Nació en 1914 en Santiago del Estero.
Se mudó a Buenos Aires y, más tarde,
ingresó en la Facultad de Filosofía y
Letras. Trabajó en producciones de
Argentina, Perú, Brasil, Venezuela,
Chile y España, y entre sus obras
más destacadas se encuentran Safo,
historia de una pasión (1943), El ángel
desnudo (1946) y Los pulpos (1947).
Fue el primer cineasta en mostrar un
desnudo femenino dentro del cine
nacional. Falleció en Río de Janeiro el
30 de noviembre de 1999.
He was born in 1914 in Santiago del
Estero, Argentina. He moved to Buenos
Aires and later studied Philosophy
and Literature Department of the
University of Buenos Aires. He worked
in Argentine, Peruvian, Brazilian,
Venezuelan, Chilean, and Spanish
production, and his most important
works include, Safo, historia de una
pasión (1943), El ángel desnudo (1946)
and Los pulpos (1947). He was the
first filmmaker to show female nudity
in Argentine cinema. He died in Rio de
Janeiro on November 30, 1999.
La piel que habito • Pioneros queer
Póker de amantes
Lovers’ Poker
Argentina, 1969
85’ / 16mm / b&n
Español - Spanish
D: Francisco Tarantini
G: Serra
DA: Francisco Miranda
P: Marcos Blusman
I: Oscar Brizuela, Elvira Porcel,
Irene Moreno
Calificación: +18
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[email protected]
La acción de mirar construye mundos en el cine; quien mira a través de una cámara
es demiurgo. El feminismo ha denunciado que la mirada cinematográfica representó
históricamente a la mujer como sujeto pasivo, mero objeto de la mirada masculina. Por
eso, el voyeurismo femenino en el cine invierte la ecuación machista de la cosificación
de lo femenino, y esta es una virtud de Póker de amantes, una nudie argentina inédita
que tiene como protagonista a una mujer voyeur que se satisface sensual y sexualmente
espiando, adelantando la subversión de uno de los personajes centrales de Pink Flamingos
(1972) y la ideología del post porno. Como una versión trash de Últimos días de la víctima,
la película planta una trama de dobleces y espías eróticos, voyeurs al borde de un ataque
de orgasmos que viven en ventanas enfrentadas. En coproducción con México, Francisco
Tarantini dirige esta curiosidad de la sexploitation local, que en algún punto se conecta con
la obra de Armando Bo y la Coca Sarli, en esa misma belleza atrofiada por el amateurismo
que cautiva en su impulso por contar el erotismo sin detenerse en las limitaciones estéticas
o presupuestarias. Entre las mejores subversiones clase X hay una gran escena de
represión lésbica interpretada por la carta fuerte de esta jugada erotómana: Elvira Porcel.
Diego Trerotola
Francisco Tarantini
Fue jefe de producción de Apenas
un delincuente (1949), Reencuentro
con la gloria (1957), La culpa (1967)
y Mannequin… alta tensión (1968); y
asistente de dirección de Eclipse de
sol y Ceniza al viento (ambas de 1942).
Póker de amantes es la única película
que dirigió.
He was head of production for Apenas
un delincuente (1949), Reencuentro
con la gloria (1957), La culpa (1967)
and Mannequin… alta tensión (1968);
and assistant director of Eclipse de sol
y Ceniza al viento (both in 1942). Póker
de amantes is the only film he directed.
In movies, the action of looking builds worlds –looking through a camera makes you a
demiurge. Feminism has denounced that the cinematic eye has always represented women
as passive subjects, a mere object of the male gaze. That is why female voyeurism in film
reverses the male chauvinist equation of the objectification of the female, and this is one
the merits in Póker de amantes, an unreleased Argentine nudie starring a female voyeur
who satisfies herself sensually and sexually by spying, foreshadowing the subversion
of one of the central characters in Pink Flamingos (1972) and the post-porn ideology.
Like a trash version of Last Days of the Victim, the plot deals with duplicities and erotic
spies, voyeurs on the verge of an orgasm breakdown living in opposite windows. In coproduction with Mexico, Francisco Tarantini directs this local sexploitation curiosity that
is in some ways connected to the work of Armando Bo and Coca Sarli –in that same idea
of beauty atrophied by the amateurism that enthralls us with its impulse for expressing
eroticism without caring about aesthetic or budgetary limitations. Among its finest X-grade
subversions, there’s a great scene of lesbian repression played by the strong card in this
erotomaniac game: Elvira Porcel.
DT
143
Federico
Un director, el propio Carlos Vallina, pide en off: “Haceme Federico”. Un
actor se hace cargo de esa propuesta y se pone a representar. Ante el
espectador se despliega entonces no solo García Lorca, sino también,
con él, la Guerra Civil española, el fascismo y hasta Goya. Es un instante
fugaz, casi un haiku. La película fue realizada en Super 8 en 1987 y recibió
el premio George Méliès, que era lo máximo a lo que podía aspirar un
cineasta independiente en esos años.
A director, Carlos Vallina himself, asks off-frame, “Play Federico for me.”
An actor takes on that proposal and starts representing. Before the viewer,
not only García Lorca appears, but also, with him, the Spanish Civil War,
fascism and even Goya. It’s a fleeting instant, almost a haiku. The film was
shot in Super 8 in 1987 and received the George Méliès award, which was
the most an independent filmmaker could aspire to those days.
Carlos Vallina
Argentina , 1987
3’ / Super 8 / Color
Español - Spanish
D: Carlos Vallina
Calificación: ATP
Contacto / Contact
Carlos Vallina
[email protected]
144
Nació en 1940 y actualmente vive en La Plata. Es licenciado en cinematografía
por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata, donde
da clases. Escribió, junto a Fernando Martín Peña, el libro El cine quema Raymundo Gleyzer, y realizó películas en 16 mm y Super 8, como Informes y
testimonios sobre la tortura política en la Argentina 1972-1973 y Hamlet finge.
He was born in 1940 and currently lives in La Plata. He majored in
Cinematography at the Fine Arts Department of the National University of
La Plata, where he currently teaches. He co-wrote the book El cine quema Raymundo Gleyzer with Fernando Martín Peña, and made films on 16mm and
Super 8, including Informes y testimonios sobre la tortura política en Argentina
1972-1973 and Hamlet finge.
Actividades Especiales
Actividades
Especiales
Special Activities
CASA BRANDON
MIÉRCOLES 15
¡Tortazo! Goces, cuerpos y humores
tortilleros. Intervención por Noe Gall,
Punto Eme, Virginia Cano y Marta Dillon
Dyke-a-thon! - Dykey joys, bodies and humors
An intervention by Now Gall, Punto Eme,
Virginia Cano and Marta Dillon
Las manos, los labios, los puños, los dedos, los dildos, los
falos, los jugos, los besos, los dientes, los brazos, la sangre, los
sueños, los roces, los encuentros, los amores, los entreveros,
las bocas, los suspiros, las asperezas, el agua, los fuegos, los
pelos, los cueros, los cuerpos. Las imágenes lúbricas y fluidas
de lo que tragamos, lo que escupimos, lo que chupamos; lo
que hacemos y lo que gozamos las lesbianas cis, las lesbianas
trans, las mujeres-lesbianas, las tortas, las marimachos, las
tortilleras, las chongas, las femmes, las kiki y tod*s l*s que son
parte de esa comunidad tortillera que supimos (de)construir.
Queremos verlo todo. Queremos vernos entre nosotr*s. De
cerca, de lejos o en una selfie. Con una teta, dos o tres,
propias, ajenas, anónimas, o con nombre propio. Con dildos,
arneses y cintas multicolores. Imágenes de nuestras cuerpas
solitarias o acompañadas, luminosas u opacas, estáticas o
en movimiento. (Auto)representaciones de nuestros modos
de coger, de jugar el juego de las amantes, de (des)componer
nuestros cuerpos tortilleros, (des)hechos de puños, flujos,
plásticos, fantasías, prácticas, textos, sexos, garches y besos.
Queremos compartir esta (contra)representación de nuestros
erotismos, modos de habitar y de resistir en el mundo para
celebrarnos, consolarnos, amontonarnos, calentarnos, desearnos,
mirarnos, mostrarnos, para reírnos a carcajadas, bañarnos en
lágrimas, o simplemente acompañarnos. En definitiva, para hacer/
ser nosotr*s-otr*s, hacernos visibles y fuertes.
Noe Gall, Punto Eme, Virginia Cano y Marta Dillon
The hands, the lips, the fists, the fingers, the dildos, the
phalli, the juices, the kisses, the teeth, the arms, the blood,
the dreams, the brushes, the encounters, the loves, the mixups, the mouths, the sighs, the roughness, the water, the
fires, the hairs, the leathers, the bodies. The lubricious, fluid
images of what we swallow, what we spit, what we suck;
what we do and what we enjoy; us, the cis lesbians, the
trans lesbians, the women-lesbians, the dykes, the tomboys,
the futch, the butch, the femmes, the kiki and everyone that
is part of the dyke community we knew to (de)construct.
We want to see it all. We want to see us between ourselves.
Up close, from far away or in a selfie. With a tit, two, or
three, ours, others’, anonymous or with a given name. With
dildos, harnesses, and multicolored tape. Images of our
bodies alone or accompanied, luminous or opaque, static
or in motion. (Self)representations of our ways of fucking, of
playing the lovers’ game, of (de)composing our dyke bodies,
(un)made of fists, flows, plastics, fantasies, practices, texts,
sexes, fucks, and kisses. We want to share this (counter-)
representation of our eroticisms, ways of living and resisting
in the world in order to celebrate ourselves, console
ourselves, crowd together, get horny, want ourselves, show
ourselves, to bust out laughing, to bathe in tears, or simply
to accompany each other. In short, to make/be us-others, to
make ourselves visible and strong.
NG, PE, VC and MD
145
Special Activities
CASA BRANDON
MIÉRCOLES 15
Inauguración - Muestra de
Fotos de Emilie Jouvet
La calidad particular de estas fotografías conserva igualmente
la dulzura y la bondad de esta mirada, y juega a devolver la
potencia misma de la vida, más allá de los estereotipos de
una belleza sin asperezas o acorde a las normas. Rechazando
el límite entre lo masculino y lo femenino, entre el cuerpo
y el intelecto, la fotografía de Emilie Jouvet se abre a una
universalidad total y real, más allá de la cuestión sexual.
En su mirada se ejercita un foco de energía guerrera, un
espacio incomparable de goce, una imperdible revolución
de las mentalidades. Las imágenes de Emilie interrogan el
campo político de la sensibilidad, la expresión de lo íntimo,
la división social entre el cuerpo y la intelectualidad, y
ponen de relieve el deseo y el lenguaje del cuerpo. Visitando
nuevamente las referencias culturales (arquetipos de la
representación, dispositivo clásico del desnudo y la mirada),
el acto fotográfico de Emilie se interpreta como un acto
de resistencia, como necesidad y reivindicación de una
integridad corporal, intuitiva y social a la vez.
Clémentine Feuillet
Opening - Emilie Jouvet's Photo Exhibition
The unique quality of these photographs equally maintains
the sweetness and kindness of this perspective, and playfully
returns the very power of life, beyond the stereotypes of a
smooth, rule-abiding beauty. By rejecting the limits between
masculine and feminine, body and intellect, Emilie Jouvet opens
up to a total and real universal spirit, beyond the issue of sex.
Her eye exercises a core of warrior energy, an incomparable
area of pleasure, a unique revolution of mentalities. Emilie’s
images question the political field of sensibility, the expression
of the intimate, the social division between body and intellect,
as they stress the body’s own desire and language. By visiting
again the cultural references (as archetypes of representation, a
classical device of nudity and perspective) Emilie’s photographic
act is interpreted as an act of resistance, a necessity and a
vindication of a both corporal, intuitive, and social integrity.
CF
Programa de cortos de Emilie Jouvet ∙ Emilie Jouvet's Short Films Program
The Apple Blanc X (2008) - 6’
Kiss Me (2008) - 20’
Roof (2008) - 8’
Party Time (2008) - 4’
Let It Go (2011) - 3’
Candy Box (Entres filles on
Electric Desire (2004) - 4’
ne risque rien) (2008) - 6’
Blind Porn (2004) - 4’
JUEVES 16
El Festejo de Cumpleaños Número 18
de Jürgen Anger
Performance de Jürgen Brüning
con la participación especial de Emilie Jouvet
(90’. En inglés sin traducción simultánea)
Jürgen Anger’s 18th Adult
Birthday Celebration
Performance by Jürgen Brüning
featuring Emilie Jouvet
(90’. In English)
146
VIERNES 17
SUPLEMENTO SOY EN ASTERISCO
Entrevista soñada a personajes de película
Dream interviews with film characters
Divine (drag queen, personaje de Pink Flamingos)
Orlando (personaje de la película del mismo nombre basada
en la novela de Virginia Woolf)
Ennis del Mar (personaje de Secreto en la montaña)
Brandon Teena (personaje de Los muchachos no lloran,
basado en el real Brandon Teena)
Con la participación de Analía Couceyro, Sofía Gala,
Diego Trerotola, Pablo Gasol y Andrés Mendieta.
Divine (drag queen, a character in Pink Flamingos)
Orlando (a character of the homonymous film based on
Virginia Woolf’s novel)
Ennis del Mar (a character in Brokeback Mountain)
Brandon Teena (a character from Boys Don’t Cry, the film
based on Brandon Teena’s life)
Featuring Analía Couceyro, Sofía Gala, Diego Trerotola, Pablo
Gasol and Andrés Mendieta.
SOY entrevista a estos cuatro personajes del cine lgbti, que
gracias a la magia del cine y de Asterisco, bajarán a los
cuerpos de cuatro artistas, expertos y fans que responderán
sobre su historia, su argumento, sus compañeros y otras
intimidades. Un modo no convencional de conversar sobre
cine queer.
Fotos y videos: Sebastián Freire
Diseño: Alejandro Ros
Dirección general: Liliana Viola
SOY interviews these four characters from lgbti cinema who
–through the grace of film and Asterisco magic will come
down on the bodies of these four artists, experts, and fans
who will answer on their background, the film’s plots, their
partners, and other intimacies. An unconventional way of
discussing queer cinema.
Photos and videos: Sebastián Freire
Design: Alejandro Ros
General direction: Liliana Viola
DOMINGO 19
EL MUNDO DEL REVÉS
Lecturas lgbtiq para niñ*s
THE WORLD UPSIDE DOWN
Lgbtiq readings for children
Coordina: Marcela Alejandra Marín
Leen: Cecilia Blanco (Mi familia es de otro mundo) y
Daniel Löwy (ilustrador)
Laura Sabino y Maricel Santín
Feria de libros lgbtiq (Ed. Molinos de Viento, Ed. La Mariposa y
la Iguana, Ed. Uranito)
Coordinator: Marcela Alejandra Marín
Readers: Cecilia Blanco (Mi familia es de otro mundo) and
Daniel Löwy (illustrator)
Laura Sabino and Maricel Santín
Lgbtiq Book Fair (Molinos de Viento, La Mariposa y la Iguana,
and Uranito publishing houses)
VAHÍDO
El Vahído es un semanario de crítica social, política
y cultural lgtbi que se emite por FM La Tribu 88.7
todos los domingos a las 22 h. Desde hace cinco
años construyen colectivamente una comunicación
alternativa y popular desde la visibilidad, la memoria
y la diversidad. La propuesta es debatir entre todas
las voces y con todas las voces, e informar sobre la
realidad de gays, lesbianas, bisexuales e identidades
trans de nuestro país y del mundo.
El Vahído is a weekly program that covers lgtbi
social, political and cultural criticism. It’s broadcast
every Sunday at 10pm on FM La Tribu 88.7. For the
past five years, they have been collectively building
an alternative, popular kind of communication from
visibility, memory and diversity. It proposes a debate
between all the voices and with all the voices, and seeks
to inform on the reality of gays, lesbians, bisexuals and
trans identities from our country and the world.
147
CASA BRANDON
Special Activities
ENERC
SÁBADO 18
Crossdressing + Música en vivo x BIFE
La comedia en el cine (y en particular en el cine mudo)
fue tan abundante y variada que se permitió ciertas
subversiones. El tema de un hombre que se viste de mujer (y
viceversa) fue uno de los grandes tabúes del cine dramático
durante décadas; en cambio, la comedia tuvo vía libre desde
siempre para representarlo, entre otras cosas porque forma
parte de una tradición que es tan antigua como el tiempo.
La siguiente selección de films cómicos mudos (que el dúo
BIFE acompañará con música en vivo) ejemplifica diversas
variantes del asunto. La situación más típica es aquella en
que un personaje se ve obligado a disfrazarse por algún
capricho argumental, como la necesidad de conservar
una herencia. Eso sucede en el clásico Esa es mi esposa,
de Laurel & Hardy, en el que Laurel hace su más refinada
caracterización femenina, y también en la desconocida
comedia alemana La pequeña malabarista, en la que una
mujer, Ossi Oswalda, estrella de varios films de Lubitsch,
debe fingir que es un hombre. En esa línea, Chaplin llevó
el recurso hasta el extremo en Una mujer, no solo por el
cuidado que puso en su transformación sino porque la
trama le exige seducir a otros hombres. De manera más
excepcional se pueden encontrar también comedias en las
que un actor hace directamente de mujer y no simplemente
de hombre disfrazado, como en el primitivo Huelga de
nodrizas o en Un día complicado. En este sentido es
interesante el corto Los días futuros, de Charley Chase
(uno de los inventores de la comedia de situaciones), que
plantea un porvenir distópico en el que los roles de género
arquetípicos (en 1922) aparecen invertidos, y así el cómico
Snub Pollard vive un matriarcado feliz junto a su esposa,
interpretada con entusiasmo por el actor Noah Young.
Fernando M. Peña
Crossdressing + Live Music
Comedy in film (and silent film in particular) was so abundant
and varied that it allowed itself certain subversions. For
decades, the theme of a man dressing as a woman (and viceversa) was one the great taboos of dramatic cinema; however,
comedy has always had carte blanche to represent it, among
other things because it’s part of a tradition that is as old as
time. The following selection of silent comedy films (which the
duet BIFE will accompany with live music) exemplifies diverse
variants on the subject. The most typical situation is that where
a character is forced to dress up due to some plot contrivance
–such as receiving an inheritance. This is what happens in the
classic Laurel & Hardy short That’s My Wife, in which Laurel
delivers his most refined female portrayal, and also in the
unknown German comedy Das Kleine from Variete, in which a
woman, Ossi Oswalda, the star of many Lubitsch films, must
pretend she’s a man. Chaplin, in turn, took the same instrument
out to extremes in A Woman, not only because of the care
he placed on his transformation, but also because the plot
required him to seduce other men. More exceptionally, some
comedies can be found where an actor plays a woman and not
just a man in disguise, like in the primitive Servant’s Strike or in
A Busy Day. In this sense, the short Years to Come, directed by
Charley Chase (one of the inventors of the situation comedy) is
interesting, as it imagines a dystopian future in which (1922’s)
archetypical gender roles appear inverted. Thus, comedian
Snub Pollard lives a happy matriarchy along with his wife,
enthusiastically played by actor Noah Young.
FMP
Programa de cortos Crossdressing ∙ Crossdressing Short Films Program
Esa es mi esposa (That’s My Wife, EE. UU., 1929).
D: Lloyd French. I: Laurel & Hardy.
Huelga de nodrizas (La grève des bonnes, Francia, 1906).
D: Charles-Lucien Lépine.
La pequeña malabarista (Das Kleine from Variete, Alemania, 1926).
D: Hanns Schwarz. I: Ossi Oswalda.
148
Los días futuros (Years to Come, EE. UU., 1922).
D: Charley Chase. I: Snub Pollard, Noah Young.
Un día complicado (A Busy Day, EE. UU., 1914).
D: Mack Sennett. I: Charles Chaplin.
Una mujer (A Woman, EE. UU., 1915).
D/I: Charles Chaplin.
VIERNES 17
El imperio de los sentidos - 709’ (12 h)
In the Realm of the Senses
En caso de que alguien haya olvidado la estrecha relación
que une el sexo con la política, el bautismo de esta sección
con el título de la película de 1976 de Nagisa Oshima llega
para refrescar las impresiones. En aquel momento, Oshima
hablaba a través de su obra haciendo indivisibles el contenido
político y las imágenes de “extremo grafismo sexual”. Pero
también hacía explícitas sus ideas cuando decía que “el
cine pornográfico debe ser autorizado ya que la obscenidad
desaparece cuando todo es revelado; no existe la obscenidad,
y por ende nos sentimos liberados”.
Atrás quedaron las épocas en que había que buscar a
escondidas en el único chorro de cine porno, en gastados VHS
o en transmisiones de cable deformadas aquello que cada un*
necesitaba mirar. Interesante ejercicio, hay que reconocer, al
que sometíamos a nuestro sistema: borrar, mover, desenfocar,
omitir, magnificar. Ojos y oídos se ejercitaban tanto como
otras partes del cuerpo. Parecía existir (todavía parece, pero
sabemos que no es así) una sola forma de contar el sexo.
No importaba: igual sentíamos la necesidad irrefrenable de
acercarnos a esa fuente, de bañarnos en esa agua en cuya
superficie no nos veíamos reflejad*s.
En el catálogo del año pasado, el primero del Festival
Asterisco, Marta Dillon en su texto iniciático nos desvirgó
acerca del posporno y sus orígenes y derivaciones. En aquel
momento, y bajo el nombre de La Alegría de Vivir, la sección
presentó tres largometrajes. Solo un año más tarde, en un
gesto inequívocamente saludable, la sección creció hasta
convertirse en una maratón de todo un día. En un mínimo
gesto de homenaje hacia esos viejos tiempos, inaugura el
programa el cortometraje Removed, de Naomi Uman, en el que
la realizadora literalmente borra a mano los cuerpos femeninos
de una película pornográfica de los años 70 con numerosas
implicancias de sentido. A partir de ello, la selección recorre
algunos de los ejemplos más recientes y sobresalientes de
una producción muchas veces inabarcable y otras tantas
decepcionante. Un faro, una varilla para el rabdomante del arte
de lo explícito. Para que nada quede escondido, para que la
obscenidad desaparezca y seamos un poco más libres.
Leandro Listorti
In case someone forgot of the close relationship between sex
and politics, the title of this section, which refers to Nagisha
Oshima’s 1976 film, is here to make things clear. At that time,
Oshima talked through his work making the political content
and the “extremely graphic sex” images indivisible. But he
also made his ideas explicit, when he said that “pornographic
cinema should be authorized, because obscenity disappears
when everything has been revealed; obscenity does not exist
and, thus, we feel liberated.”
Gone are the times when one had to secretly search in the only
stream of porn cinema, in worn-out VHS tapes or deformed
cable transmissions, what everyone needed to watch. We have
to acknowledge that it was an interesting exercise to which we
submitted our system: erasing, moving, defocusing, omitting,
magnifying. Eyes and ears were as exercised as other parts
of the body. There seemed to be (there still seems to be, but
we know it’s not that way) only one way of telling sex. It didn’t
matter: we still felt the uncontrollable need to go near that
fountain, to bathe in that water in whose surface we didn’t see
ourselves reflected.
In last years catalogue, Asterisco Festival’s first, Marta Dillon
deflowered us about post-porn and its origins and derivations.
At that moment, and under the name The Joy of Life, the
section presented three features. Only one year later, in an
unequivocally healthy gesture, the section grew until it became
a one-day-long marathon. In a small gesture of tribute to
those old times, the program begins with Naomi Uman’s short
Removed, in which the filmmaker literally erases the female
bodies of a porn film from the 70s by hand, with numerous
implications. After that, the selection goes through many of the
most recent and remarkable examples of a production that is
sometimes vast and other times disappointing. Like a beacon
of light, or a divining rod for the art of the explicit. So nothing
will remain hidden, in order for obscenity to disappear, and for
us to feel liberated.
LL
Removed
Life. Love. Lust
Performance: Hardcore,
(Naomi Uman, 1999, 6’)
(Erika Lust, 2010, 30’)
Posporno por Extrema y Dura
Impaled
Nina Lawless & B Nefarious
Yasmine Lee in Pink Bikini
(Larry Clark, 2006, 35’)
(23’)
(35’)
Trans Lesbians
Red Haired Punk Sub Helps
Rex Smokes a Cigar &
(Courtney Trouble, 2015, 106’)
Horny Couple Get Off (17’)
Strokes
Clip de Would You Be Mine,
Biodildo
(2013, 15’)
de Adanowsky
(Christian Slaughter, 2012, 10’)
Scarlet Lavey and April Flores
(Adan Jodorowsky; 4’)
Biodildo 2.0
(2014, 30’)
Pink Prison
(Christian Slaughter, 2014, 17’)
Tboys Plus Tgirls
(Lisbeth Lynghøft, 1999, 87’)
Crashpad
(James Darling, 2015, 100’)
Dirty Diaries: 12 Short of
(Joey Lyric, 2014, 24’)
Divine Bitches
Swedish Feminist Porn
Crashpad
(2014, 54’)
(Varias directoras, 2009, 98’)
(Chocolate Nikki, 2013, 33’)
The Wild Chase
Downs Are Feminine
Cyd’s Submission (Connor
(S.L. Houston, 15’)
(Lewis Klahr, 1994, 9’)
Maguire, Cyd St Vincent, 40’)
Tiffany Starr & Chelsea Poe
Bailey Jay In: Cock Obsessed
(2014, 17’)
(2015, 18’)
149
MILLION
Special Activities
MILLION
DOMINGO 19
No es igual, no da igual
It’s not the same
La lucha por el reconocimiento de la diversidad sexual y la
igualdad de género representa un movimiento sin precedentes
el proceso de producción de cambios culturales, al cuestionar
los grandes sistemas históricos de exclusión basados en
el rechazo a la diferencia. En nuestro país, los esfuerzos y
la presión ejercida por las organizaciones defensoras de la
igualdad entre los géneros y de los derechos de las personas
trans han permitido lograr importantes avances en la igualación
de derechos entre los ciudadanos y las ciudadanas. Sin
embargo, el logro de la igualdad formal no garantiza por sí
mismo el acceso a la igualdad real. Además de que existen
discriminaciones basadas en la identidad sexo-genérica, las
personas están inscriptas en otras relaciones sociales, como la
clase social, la pertenencia étnica, la raza, la edad, que también
producen desigualdades y profundizan la discriminación. No
alcanza con que un derecho esté formalmente consagrado
para que sea efectivo: es necesario que todas las personas
conozcan su existencia y que las condiciones sociales y
recursos sean favorables para su ejercicio.
Las fotos expuestas han sido seleccionadas a partir del
Concurso No es igual. No da igual, un certamen que realiza
de forma anual el Programa de Género y Diversidad Sexual
del Ministerio Público de la Defensa de la Ciudad de Buenos
Aires, con el objetivo de hacer visibles las brechas que todavía
existen entre los derechos consagrados en materia de género y
diversidad sexual y su ejercicio efectivo.
The fight for the acknowledgement of sexual diversity and
gender equality represents an unprecedented movement in
the process of producing cultural change by questioning the
great historical systems of exclusion based on rejecting the
difference. In our country, the efforts and pressure placed
on by the organizations in favor of gender equality and the
rights of trans people have enabled an important progress
in the equalization of rights among the citizens. However,
accomplishing formal equality doesn’t guarantee in itself the
access to real equality. Apart from the fact that discriminations
based on sex-gender identity exist, people are part of other
social relations such as social class, ethnic belonging, raze,
age, that also produce inequalities and further discrimination.
It’s not enough for a right to be formally guaranteed in order
to become effective: it is necessary for every person to know
about its existence and for social conditions and resources to
be favorable for its practice.
The photos exhibited have been selected through No es igual.
No da igual, an annual contest held by the Gender and Sexual
Diversity Program of the Public Ministry of Defense of the City
of Buenos Aires, with the aim of making visible the rifts that still
exist between guaranteed rights regarding gender and sexual
diversity and its effective practice.
PALAIS DE GLACE
SÁBADO 18
Proyección de la película Intersexion (68’) +
Q&A con Mauro Cabral
Screening of Intersexion (68’) +
Q&A with Mauro Cabral
Presentación del cuadernillo Intersexualidad
Presentation of the booklet Intersexualidad
Un documento pensado como herramienta para la elaboración
de políticas públicas.
Pedro Mouratián (Interventor del INADI).
Lic. Julia Contreras (Directora de Promoción y Desarrollo de
Prácticas contra la Discriminación).
Mauro Cabral (Codirector de GATE y miembro de
Justicia Intersex).
A document that aims to be a tool for the elaboration of
public policies.
Pedro Mouratián (Interventor of INADI).
Lic. Julia Contreras (Director of Promotion and Development
of Practices Against Discrimination).
Mauro Cabral (Co-director of GATE and member of
Intersex Justice).
150
JUEVES 16
Encuentro Federal “Cultura y Diversidad
Sexual en Mi Lugar”
Federal Meeting "Culture and Sexual
Diversity in My Place"
El Ministerio de Desarrollo Social de la Nación a través de
la Dirección Nacional de Adultos Mayores y la Coordinación
Nacional de Diversidad Sexual organizan el Encuentro
Federal “Cultura y Diversidad Sexual en Mi Lugar”, en el
que por primera vez confluirán referentes culturales y de la
diversidad de todas las provincias del país.
El objetivo es escuchar las voces de todo el territorio
argentino y así conocer las diferentes realidades y
experiencias locales en relación a la cultura, el arte, la
militancia y la diversidad sexual.
The Ministry of Social Development, through its National
Direction of Senior Citizens and the National Coordination of
Sexual Diversity organize the Federal Meeting “Culture and
Sexual Diversity in My Place”, in which cultural and diversity
referents from every province will gather for the first time.
The aim is to hear every voice in the Argentine territory,
thus recognizing the different local realities and experiences
concerning culture, art, activism, and sexual diversity.
Antes de la ley, después de la ley
La Ley de Identidad de Género implicó cambios culturales
para las travestis, población históricamente relegada a los
márgenes físicos y discursivos de la sociedad. Un recorrido
por las luchas, deseos, omisiones y alegrías que las activistas
travestis han desafiado y gozado de diferentes formas, y
por todo lo que siguen haciendo para profundizar el cambio
cultural con el que se teje la realidad a partir de la Ley.
En el marco de este diálogo abierto se proyectará la película
T, de Juan Tauil, la cual acompaña de manera devota y
obsesiva a las activistas Marlene Wayar, Amaranta Gómez
Regalado y Diana Sacayán por distintos momentos de mayor
y menor intimidad. Así se convierte en un álbum de fotos, un
collage travesti, un memorial de un tiempo que ya no es pero
que ha dejado sus rémoras en la redacción de la Ley, en las
nuevas formas de relación que implica tener una identidad
reconocida por el Estado y, sobre todo, en las nuevas
generaciones que tienen acceso a su identidad gracias a una
ley que es de vanguardia en el mundo entero.
El film, inédito en el mundo, se proyectará como disparador y
homenaje a las luchas y conquistas que la comunidad travesti
ha transitado. Al término de la función, su director y sus
protagonistas improvisarán un diálogo abierto con el público
de Asterisco.
Before the law, after the law
The Gender Identity Law brought cultural changes for
transvestites, a portion of the population that has always been
relegated to the physical and discursive margins of society.
A tour through the struggles, desires, omission, and joys
transvestite activists have engaged in and enjoyed in different
ways, and also through all they are still doing to deepen the
cultural change that constructs reality since the Law was passed.
In the context of this open dialogue we will screen the Juan
Tauil’s film T, which follows the devoted and obsessive activists
Marlene Wayar, Amarata Gómez Regalado and Diana Sacayán
through different moments of intimacy. Thus it turns, into a
photo album, a transvestite collage, a memorial for a time that
is gone but nevertheless left its marks on the writing of the
Law, the new forms of relation implied in having an identity
that is acknowledged by the State, and, above all, the new
generations who now have access to their identity thanks to a
groundbreaking legislation.
The film, a world-premiere, will be screened as a trigger
and a tribute of the fighting and conquering the transvestite
community has experienced. At the end of the screening,
the director and his protagonists will improvise an open
conversation with the audience of Asterisco.
SALÓN ARTURO ILLIA - Palacio del Congreso de la Nación
VIERNES 17
Géneros de la Historieta: Diálogo abierto
entre Maitena y Laerte
El humor, en su versión de broma pesada o de burla, ha sido
históricamente uno de los métodos correctivos más poderosos
de la diversidad en cualquiera de sus expresiones. Pero el
humor en buenas manos puede ser bandera hilarante de las
diferencias: Maitena y Laerte confirman con sus trabajos la
potencia transformadora de la ironía y del trazo fino. Laerte
ya era muy conocido en Brasil cuando hace muy poco, cerca
de cumplir los sesenta años, decidió presentarse en sociedad
como mujer trans. En esta conversación, ambas estrellas de la
historieta analizan los géneros de la historieta hoy.
* Extracto del Suplemento SOY de Página/12.
Comic Book Genders : Public Conversation
between Maitena and Laerte
Humor, in the form of a heavy joke or mockery, has been one
of the most powerful corrective methods on diversity in all
of its expressions. Yet, when in good hands, humor can be a
hilarious flag of differences: the work of Maitena and Laerte
confirm the transformig potencial of irony and finesse. Laerte
was already very famous on Brazil when he very recently
decided to come out to the public as a trans woman. In this
conversation, both stars of graphic humor analize the genders
of comic book art today.
* Extrac from SOY suplement of Página/12 newspaper.
151
SALÓN Manuel Belgrano - Congreso de la Nación
Special Activities
Mariposa
Marco Berger (director) + Silvio Lang
Silvio Lang
Es director escénico y se dedica a la investigación
teórica y la enseñanza. Realizó colaboraciones
artísticas en danza contemporánea, performance
y teatro, y creaciones escénicas con textos de
clásicos y contemporáneos como Eurípides,
Racine, Badiou, Gambaro, Copi, Urdapilleta y
Veronese, entre otros.
He’s a stage director and a teacher and works in
theoretical research. He made artistic collaborations
in contemporary dance, performances and theater,
as well as stage creations based on classic and
contemporary authors such as Euripides, Racine,
Badiou, Gambaro, Copi, Urdapilleta and Veronese,
among others.
Heterofobia
Goyo Anchou (director) + Ricardo Manetti
Ricardo Manetti
Es profesor titular en las facultades de Diseño
de Imagen y Sonido y Filosofía y Letras (UBA)
y en el IUNA. Ha participado en importantes
publicaciones sobre cine, y en los últimos quince
años se ha dedicado a la gestión cultural. Fue
Subsecretario de Cultura de la Ciudad de Buenos
Aires, creador y director general del Bafici,
Secretario Académico de la Fundación Konex y
Director de Asuntos Culturales del Faena Group.
Actualmente dirige la carrera de Artes y el Centro
Cultural Paco Urondo.
He is a a head professor at the Schools of both
Image and Sound Design, and Philosophy
and Literature (UBA) as well as the IUNA. He
participated in important publications on film,
and worked in cultural administration for the
past fifteen years. He was the undersecretary of
Culture of Buenos Aires, a founder and general
director of Bafici, Academic Scretary at the Konex
Foundation, and Head of Cultural Affairs of the
Faena Group. He currently runs the Arts program
and the Paco Urondo Cultural Centre of UBA.
FD XXX & FD XXY
Jürgen Brünning (codirector) + Alexis Dos Santos
Alexis Dos Santos
Nació en Buenos Aires. Su primer largometraje
Glue (2006) se estrenó en el Festival de
Rotterdam, ganó el Premio a Mejor Película y
Premio del Público del Bafici, y recorrió más de
60 festivales. Su segundo largo, Unmade Beds
(2009), tuvo su estreno mundial en el Festival de
Sundance y se estrenó comercialmente en más
de 20 países.
He was born in Buenos Aires. His first film Glue
(2006) premiered at the Rotterdam Film Festival,
won Best Film and the Audience Award in Bafici,
and was selected in more than 60 festivals. His
second film Unmade Beds (2009) premiered at the
Sundance Film Festival and was released in more
than 20 countries.
Estas películas estarán acompañadas
por una charla-entrevista con sus director*s
al término de algunas de sus funciones.
Ver grilla para más información.
These films will feature a
conversation-interview with their directors
after some of its screenings. Check the
program for details.
152
Rapado
Dólares de arena
Martín Rejtman (director) + Federico León
Federico León
Nació en Buenos Aires en 1975. Escribió y dirigió
las obras Cachetazo de campo, Museo Miguel
Ángel Boezzio y Las multitudes, entre otras.
Escribió y dirigió los films Todo juntos (2002, la
cual también protagonizó), Estrellas (2007, con
Marcos Martínez) y Entrenamiento elemental para
actores (2009, con Martín Rejtman). Su trabajo
le valió numerosos reconocimientos, como
el Primer Premio de Dramaturgia del Instituto
Nacional de Teatro y el Premio Konex 2004. Sus
obras y películas han sido exhibidas en teatros y
festivales en más de una decena de países.
Laura Amelia Guzmán & Israel Cárdenas
(directores) + Liliana Paolinelli
Liliana Paolinelli
Guionista, directora y productora nacida en
Córdoba en 1968. Egresó del Departamento de
Cine y TV de la UNC como técnica en medios
audiovisuales. Entre 1991 y 2001 realizó cortos
y mediometrajes en VHS y 35 mm, como El aire,
La botella (Historias breves 3) y Tener o no tener,
entre otros. Su ópera prima Por sus propios ojos
(2007) obtuvo premios en festivales de todo el
mundo. En 2010 estrenó su segunda película,
Lengua materna, mientras que Amar es bendito,
su tercer largometraje, está por ser estrenado.
He was born in Buenos Aires in 1975. He wrote
and directed the plays Cachetazo de campo,
Museo Miguel Ángel Boezzio and Las multitudes,
among others. He wrote and directed the films
Todo juntos (2002, in which he also starred),
Estrellas (2007, with Marcos Martínez) and
Entrenamiento elemental para actores (2009, with
Martín Rejtman). His work brought him recognition
such as the Playwriting First Prize of the National
Institute of Theater, and the Konex Award 2004.
His plays and films have been presented in
festivals in more than a dozen countries.
She’s a screenwriter, director and producer born
in Córdoba in 1968. She graduated from the
UNC’s Film and TV Department as an Audiovisual
Media Technician. Between 1991 and 2001 she
made shorts and medium-length films in VHS
and 35mm, like La botella (Historias breves 3)
and Tener o no tener, among others. Her first
feature Por sus propios ojos (2007) was awarded
in festivals all around the world. In 2010 she
released her second film, Lengua materna, and is
about to release her third one Amar es bendito.
Foco Hans Scheugl
Hans Scheugl (director) + Alejandro Ricagno
Alejandro Ricagno
Nació en Buenos Aires en 1962. Ha publicado libros
de poesía como La canción del niño lámpara (2003)
y Negocios de estos días (2003), y su obra ha sido
reproducida en suplementos culturales y revistas
de poesía. Ha realizado traducciones y reseñas
para las revistas Babel y 18 Whiskys, de la que fue
cofundador. Entre 1991 y 1998 ejerció la crítica de
cine en la revista El Amante, y luego trabajó como
colaborador para el Festival Rencontres de Cinémas
de l’Amérique Latine, de Toulouse. Participó en el
Movimiento Teatro Abierto y realizó performances
sobre textos propios y de otros poetas.
He was born in Buenos Aires in 1962. He published
poetry books such as La canción del niño lámpara
(2003) and Negocios de estos días (2003), and his
work has been published in newspapers’ cultural
sections and poetry magazines. He was a translator
and critic for magazines such as Babel and 18
Whiskys, which he co-founded. Between 1991
and 1998 he worked as film critic in El Amante
magazine, and later worked as a collaborator for
the Rencontres de Cinémas de l’Amérique Latine
Festival in Toulouse. He participated in the Open
Theater Movement and staged performances
based on his and other poets’ texts.
Miriam Chnaiderman (directora) + Fernando Noy
Fernando Noy
Poeta e intérprete, es autor de numerosos libros
de poesía; entre ellos, El poder de nombrar,
Hebra incompleta y Piedra en flor, además
de la antología de cuentos lgbt Sofoco (2014,
Mansalva) y el libro de ensayos Historias
del Under (2015, Penguin Random House).
Poemas de su autoría han sido traducidos en
innumerables antologías internacionales de
poesía. Actualmente reside en Buenos Aires.
A poet and interpreter, he’s the author of several
poetry books, including El poder de nombrar,
Hebra incompleta and Piedra en flor, as well
as the anthology of lgbt short stories Sofoco
(2014, Mansalva), and the compilation of essays
Historias del under (2015, Penguin Random
House). His poems have been translated for any
international poetry anthologies. He currently lives
in Buenos Aires.
Homocore: Downtown New York
Kyle Stephan (curadora) + Rafael Sampaio
Rafael Sampaio
Nacido y criado en San Pablo, es productor,
programador y curador audiovisual. Es director
del BrLab, laboratorio brasileño para proyectos
latinoamericanos, y socio de la productora Klaxon
Cultura Audiovisual. Ha trabajado en la Cinemateca
Brasileira, el Museo de Imagen y Sonido de San
Pablo y el Cine Olido, y en festivales como el de
Cine Latinoamericano de São Paulo y Mix Brasil,
entre otros. Además, organiza regularmente
proyectos y publicaciones a través de su empresa
productora. Fue el curador de la sección Avenida
Trans Brasil del primer Festival Asterisco.
Born and raised in Sao Paulo, he is an audiovisual
producer, director, programmer and curator. He
is the head of BrLab, a Brazilian lab for Latin
American film projects and a partner at Klaxon
Cultura Audiovisual. He has worked at the Film
and Human Rights in South America Exhibit, the
Sao Paulo Image and Sound Museum, the Olido
Cinema, and festivals such as the Sao Paulo
Latin American Film Festival and Mix Brazil,
among others. He also organizes projects and
publications through his production company. He
curated the Trans Brasil Avenue section in the first
edition of Asterisco Festival.
Índice por película ∙ Index by Film
E
#
10 Minutes Left 86
575 Castro St. 96
El corral 71
El diputado 79
El hombre nuevo 24
El novio actual 36
El rojo en los labios 115
Electric Indigo 71
Electroboy 55
Ensaio de cinema 62
Estero profundo 42
A
A puerta cerrada 141
Afirmar con ello otro
mundo 34
Almanach Lesbien 70
Au nom du fils 50
B
Baby Doll 102
been too long at the FAIR
Before You Know It 51
Blue Diary 96
Boys 133
Brick 86
34
C
Caged 87
Caliente al rojo vivo 121
Children 404 52
Clips modernos 74
Como pez en el aire 35
Control 70
Cosmic Anxiety 35
Cruise Patrol 87
D
Daniel 88
De gravata e unha
vermelha 21
De repente en el verano 112
Dear John 82
Do I Sound Gay? 22
Dólares de arena 23
Drag Becomes Him 53
89
J
Je Suis Annemarie
Schwarzenbach 26
Julia 61
R
Rapado
42
Kumu Hina: A Place in
the Middle 37
128
Raro 127
Ricardo - Healthy Life
with HIV 90
Rocío 127
103
M
Manhattan Loves
Suicides 103
Mariposa 117
Matías y Jerónimo 135
Meep Meep! 97
Militia Early Morning 83
Misfits 136
MOCHA - Nuestra lucha.
Su vida. Mi derecho. 43
Mujeres en fuga 123
G
Grey Walls 88
Guerrillere Talks 102
Happy & Gay 36
H
Heterofobia 25
Hoje eu quero voltar
sozinho 137
Hold Me While I'm Naked
Homicida 113
Homo Promo 97
How I Learned to Love
the Numbers 60
Hoy partido a las 3 42
K
Karma
L
La hija de Drácula 114
La intrusa 142
Land of Storms 27
Las lindas 42
Little Stabs at Happiness
F
Fassbinder: To Love
Without Demands 56
Federico 144
Feelings Are Facts: The Life
of Yvonne Rainer 57
Feriado 134
Fieras enjauladas 122
FD XXX 58
FD XXY 59
I
Intersexion 108
Intrinsic Moral Evil
158
54
N
Night Flight 28
No es de maricas llorar
Nova Dubai 62
103
O
O clube 37
Off a Cliff 72
Orchids: My Intersex
Adventure 109
Over the Rainbow 89
P
Pablo - Healthy Life
with HIV 90
Pesadilla 2: La venganza
de Freddy 116
Pitstop 91
Póker de amantes 143
Prince of Peace 82
Príncipe y Príncipe…
y otros cuentos 43
43
S
San Cristóbal 72
Seed Money: The Chuck
Holmes Story 63
Sin límites 91
Soñar, soñar 129
Soy negra, soy marica
y soy puta 92
Space Time 64
Sugar Daddies 83
Summer 92
T
T y El canto de Lilit 43
Tab Hunter Confidential 65
The Color of Our Feathers 73
The Duke of Burgundy 29
The Joy of Life 98
The Royal Road 98
Tokio 127
U
Una gota de sangre para
morir amando 78
Une nouvelle amie 66
X
Xenia
67
Índice por país ∙ Index by Country
ALEMANIA / GERMANY
Clips modernos 74
FD XXX 58
FD XXY 59
How I Learned to Love
the Numbers 60
Julia 61
Land of Storms 27
ALEMANIA OCCIDENTAL /
WEST GERMANY
ARGENTINA
A puerta cerrada 141
Afirmar con ello otro mundo 34
Clips modernos 74
Como pez en el aire 35
El novio actual 36
Estero profundo 42
Federico 144
Heterofobia 25
Hoy partido a las 3 42
Karma 42
La intrusa 142
Las lindas 42
Mariposa 117
MOCHA - Nuestra lucha.
Su vida. Mi derecho. 43
No es de maricas llorar 43
Príncipe y Príncipe…
y otros cuentos 43
Rapado 128
Raro 127
Rocío 127
Soñar, soñar 129
T y El canto de Lilit 43
Tokio 127
El corral 71
Matías y Jerónimo 135
AUSTRALIA
Clips modernos 74
Orchids: My Intersex
Adventure 109
AUSTRIA
Dear John 82
Militia Early Morning 83
Prince of Peace 82
Sugar Daddies 83
BÉLGICA / BELGIUM
Au nom du fils 50
Electric Indigo 71
BENELUX
Xenia 67
BRASIL / BRAZIL
Ensaio de cinema 62
Hoje eu quero voltar
sozinho 137
Mujeres en fuga 123
Nova Dubai 62
O clube 37
Póker de amantes 143
CANADÁ / CANADA
Almanach Lesbien 70
Clips modernos 74
The Color of Our Feathers
21
73
CHILE
El hombre nuevo 24
San Cristóbal 72
COLOMBIA
Soy negra, soy marica y
soy puta 92
COREA DEL SUR /
SOUTH KOREA
Night Flight 28
CUBA
Sin límites
91
DINAMARCA / DENMARK
Fassbinder: To Love
Without Demands 56
Misfits 136
Drag Becomes Him 53
Feelings Are Facts: The Life
of Yvonne Rainer 57
Fieras enjauladas 122
Happy & Gay 36
Homicida 113
Homo Promo 97
the Middle 37
La hija de Drácula 114
Meep Meep! 97
Misfits 136
Pesadilla 2: La venganza
de Freddy 116
Seed Money: The Chuck
Holmes Story 63
Tab Hunter Confidential 65
The Joy of Life 98
The Royal Road 98
Baby Doll 102
Guerrillere Talks 102
Hold Me While I'm Naked 103
Little Stabs at Happiness 103
Manhattan Loves Suicides 103
ITALIA / ITALY
Cosmic Anxiety 35
Mujeres en fuga 123
ESTADOS UNIDOS / USA
575 Castro St. 96
been too long at the FAIR 34
Before You Know It 51
Blue Diary 96
Clips modernos 74
De repente en el verano 112
Do I Sound Gay? 22
RUSIA / RUSSIA
Children 404 52
SUECIA / SWEDEN
Control 70
Misfits 136
SUIZA / SWITZERLAND
Electroboy 55
Je Suis Annemarie
Schwarzenbach 26
TAILANDIA / THAILAND
Space Time 64
LITUANIA / LITHUANIA
Julia 61
MÉXICO / MEXICO
29
REPÚBLICA DOMINICANA /
DOMINICAN REPUBLIC
GRECIA / GREECE
Xenia 67
ESPAÑA / SPAIN
El diputado 79
morir amando 78
71
REINO UNIDO /
UNITED KINGDOM
The Duke of Burgundy
FRANCIA / FRANCE
Je Suis Annemarie
Schwarzenbach 26
morir amando 78
Une nouvelle amie 66
Xenia 67
HUNGRÍA / HUNGARY
Land of Storms 27
PAÍSES BAJOS /
NETHERLANDS
10 Minutes Left 86
Boys 133
Brick 86
Caged 87
Cruise Patrol 87
Daniel 88
Eisenstein in Guanajuato 54
Grey Walls 88
Intrinsic Moral Evil 89
Over the Rainbow 89
Pablo - Healthy Life with HIV 90
Pitstop 91
Rapado 128
Ricardo - Healthy Life
with HIV 90
Soy negra, soy marica y
soy puta 92
Summer 92
QUEBEC
Almanach Lesbien
FIJI
the Middle 37
ECUADOR
Feriado 134
NUEVA ZELANDA /
NEW ZEALAND
Intersexion 108
TAIWÁN / TAIWAN
Off a Cliff 72
54
URUGUAY
El hombre nuevo
24
159
Índice por director ∙ Index by Director
F
Fallaux, Tara
A
Acuña, Ezequiel 127
Aller, Melisa 34
Anchou, Goyo 25
Araujo, Diego 134
Aubouy, Véronique 26
B
Baier, J. Jackie 61
Berger, Marco 117
Berry, Alex 53
Bothof, Colette 92
Braad Thomsen, Christian
Brissey, Charli 74
Byhoffer, Brandy 73
G
Gallant, Jackie 74
Garay, Aldo 24
Gisler, Marcel 55
Greenaway, Peter 54
Guzmán, Laura Amelia
E
Enríquez, Marcelo 74
Erviti, Damián 42
Escudero, Pedro 141
160
112
McLeod, Dayna 74
Meijer, Hugo 92
Morant, Vida 43
Muro, Renato 35
N
Navas, Clarisa
23
56
C
Cárdenas, Israel 23
Castle, William 113
Chnaiderman, Miriam 21
Christensen, Carlos Hugo 143
Collector, Robert 121
Collette, Jean-Julien 71
Corsello, Gisela 71
Császi, Ádam 27
Curotto, Gerardo "Papu" 135
D
David, Thorpe 22
de Groot, Bobby 87
de la Iglesia, Eloy 78-79
de Niverville, Jules 74
Derks, Sanne 91
Detchema, Shayo 74
Dick, Vivienne 102
Dolan, Xavier 74
M
Mankiewicz, Joseph L.
89
Faur, Emilia 43
Favio, Leonardo 129
Fitz-Jim, Vincent 88
H
Hamer, Dean 37
Harris, Courtney 74
Hart, Phoebe 109
Hillyer, Lambert 114
Hughes-Freeland, Tessa
J
Jacobs, Ken 103
Jouarie, Cédric 72
K
Kamp, Mischa 133
Keman, Caroline 90
Kern, Richard 103
Kimura-Lemoine,
Byol-Nathalie 74
Konings, Silvie 88
Koutras, Panos H. 67
Kuchar, George 103
Kümel, Harry 115
Kurov, Askold 52
L
Lahood, Grant 108
Lamathilde 70
Landaveri, Fredo 35, 74
Lannoo, Vincent 50
Leesong, Hee-il 28
Li, Kirstin 74
Liebenthal, Melisa 42
Logan, Bruce 122
Loparev, Pavel 52
Lum, Charles 34
102
Taubert, Max 60
Tonk, Dylan 87
Tonk, Lazlo 87
42
O
Olson, Jenni 96-98
Övergaard, Elin 70
Ozon, François 66
P
Pansittivorakul, Thunska 64
Pepi, Lorelei 36
Petersen, Kristian 58-59
Phanmanee, Itdhi 64
Q
Quevedo, Jerónimo
Quiñones Cuartas,
Francisco 43
T
Tarantini, Michele
Massimo 123
36
R
Raval, PJ 51
Rejtman, Martín 128
Ribeiro, Allan 37, 62
Ribeiro, Daniel 137
Rottek, Balasz 91
S
Scheugl, Hans 82-83
Schipani, Diego 43
Schwarz, Jeffrey 65
Sechting, Oliver 60
Seestaedt, Marc 74
Shanahoy, Samuel 74
Shanly, Martín 36
Sholder, Jack 116
Sorrivas, Nicolás 43
Splidsboel, Jannik 136
Srikhao, Harit 64
Stabile, Michael 63
Stickar, Diego 74
Strickland, Peter 29
Süter, Jim 91
V
Vallina, Carlos 142-144
Van den Berg, Joris 86
Van der Pas, Cas 92
Van der Valk, Viktor 86
Van Meerten, Arjan 87
Verow, Todd 34
Villar, Jonatan 42
Vinagre, Gustavo 62
Von Schelling, Alexandra
Vonhof, Paula 90
W
Walsh, Jack 57
Weistra, Harm 89
Wilson, Joe 37
Z
Zúñiga Hidalgo, Omar
72
91

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