modulo pintura oleo ii sexto ciclo

Universidad Estatal de Bolívar
FACULTAD DE CIENCIAS DE LA EDUCACIÓN
BELLAS ARTES
Módulo de Pintura Sexto Ciclo
El Retrato, el Desnudo e Interiores con Figura Desnuda
Msc. Víctor Aranda Núñez
2010 – 2011
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1. INTRODUCCIÓN
Se dice que el retrato se ha utilizado en la historia del hombre como símbolo del poder,
enseñando a la sociedad la riqueza y la posición social del sujeto retratado. Pero el mundo
del retrato en la pintura es mucho más amplio ya que es una de las formas de expresión
artística más popular y perdurable.
La pintura del retrato utiliza todas sus modalidades; retratos al óleo, retratos en acuarelas,
retratos al temple, retratos al fresco, retratos en acrílico....
Existe un retrato genérico junto al individualista o realista. También un retrato psicológico
que enfoca una luz sobre la psiquis de los autores, y que centra la preocupación del pintor
sobre el carácter del sujeto. La belleza, el heroísmo, la sensualidad, la profundidad y el
enigma son estigmas de la personalidad del sujeto que el pintor trata de descifrar,
revelándonos también a veces aspectos de su alma menos conocidos, tanto del modelo
como del mismo pintor.
Para que la obra sea vigorosa y vital es necesario que el artista haga conciencia y lucha por
lograr el dominio de cada uno de los géneros y luego habrá tiempo para hacer y deshacer de
las técnicas artísticas; mientras se curse un proceso académico el estudiante debe a normas
y principios que ayudan a estructurar una obra de arte.
Pero hay que entender que el conocimiento de las leyes artísticas y un mero conocimiento
artesanal del oficio no son suficientes para producir una obra de arte.
Muchas veces se manifiesta la idea en estado no receptivo y vacío, otras surge en partes que
se encadenan y constituyen y en otras se concretan durante el sueño o por ley de asociación.
En toda idea existe un germen de la naturaleza; aun las pinturas más abstractas tienen sus
raíces en la vida natural. El auto expresión del artista está basado por encima de todo, en
sus experiencias de lo visto y sentido.
2. OBJETIVO GENERAL
Proporcionar a los educandos una guía de trabajo con orientaciones teóricas, pedagógicas y
didácticas como estructurar el dibujo del retrato y el desnudo femenino para la ejecución de
la pintura, que le permita desarrollar la mediación del interaprendizaje con capacidad de
análisis para llegar al dominio de los procesos artísticos.
3. METODOLOGÍA
El módulo está organizado de tal manera que el estudiante pueda acceder con facilidad a su
contenido teórico practico, para ello se lo ha estructurado por unidades con ejes temáticos y
subtemas en orden secuencial; cada eje temático está fundamentado teóricamente de
manera sintética y reforzado con gráficos para llegar a la praxis de manera objetiva.
Todo proceso artístico es una auto-competición permanente en la que se conjugan una suma
de conocimientos teóricos o prácticos. Pero ni este módulo, ni el conjunto de cuanta
bibliografía consulte bastarán para enseñar las técnicas de pintura o dibujo y suplir el
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propio trabajo que debe desplegar Usted durante el proceso de aprendizaje para llegar al
dominio de la técnica.
Desde esta panorámica, es fundamental saber que cada artista debe esforzarse al máximo en
este proceso de formación para construir su propio conocimiento que le permitirá establecer
el significado y ejercer el control de las técnicas pictóricas, por lo que este módulo es
apenas una aproximación a una forma de resolución de estos géneros de la pintura.
En las jornadas de trabajo presencial se procederá a analizar los principios
fundamentales de los géneros: El retrato y el desnudo al óleo.
Se formará un verdadero taller de arte donde et actor principal será Usted.
Se partirá de una estructuración del dibujo aplicando los cánones de belleza aprendidos
con anterioridad.
El estilo o técnica de pintar será elegida por el educando.
Luego de cada jornada de trabajo el estudiante realizará trabajos autónomos para
complementar el trabajo de aula.
Cada tema abordado estará respaldado por diapositivas que orientan didácticamente el
proceso pictórico de cada género pictórico.
4. COMPETENCIAS GENERALES
Capacidad de análisis y síntesis.
Conocimientos generales básicos.
Solidez en los conocimientos de la profesión.
Habilidades procesar y analizar información desde diferentes fuentes.
Capacidad de crítica y autocrítica.
Reconocimiento a la diversidad y multiculturalidad.
Capacidad para aplicar la teoría a la práctica.
Capacidad de generar nuevas ideas (creatividad).
Desarrollo de la sensibilidad estética para crear obras artísticas.
Habilidad para trabajar de forma autónoma.
COMPETENCIAS ESPECÍFICAS:
Aplica los principios fundamentales de teoría del color y la composición.
Demuestra capacidad para dibujar y pintar.
Aplica procesos sistemáticos en el desarrollo de la pintura de retratos y el desnudo.
Realiza cuadros al oleo con calidad técnica y estética.
Valora a la pintura al óleo como una técnica de gran valor artístico.
Realiza retratos y estudios de la figura al desnudo con gran sentido de la estética
PRIMERA UNIDAD
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PRIMER ENCUENTRO
GENERALIDADES
EL RETRATO
I. PRESENTACIÓN:
Muchos artistas han dedicado un buen tramo de su tiempo al estudio del retrato, y ello se
debe a la enorme fascinación que provoca el rostro humano, a su infinita diversidad y a su
facultad de expresar los más sutiles matices emocionales. El retrato es un reto importante
para todo artista, pues es un género donde no basta con lograr el parecido, sino, debe captar
el destello único de la personalidad (el estado psicológico).
Una misma cara puede variar radicalmente con un leve giro de la cabeza, un pequeño
cambio en las facciones o la dirección de la incidencia de la luz, puede cambiar el
contenido emocional del retrato. Al igual que muchos dibujantes de todos los tiempos, es su
reto descubrir que hay pocas cosas tan emocionantes como ver surgir del papel la expresión
viva de una persona.
Para hacer un retrato, es importante memorizar el esquema propuesto en la mayoría de
libros y textos, el "óvalo renacentista", así como la ubicación de las líneas auxiliares, con el
fin de adaptarlo luego a cualquier rostro que se desee dibujar mediante ligeros cambios en
las proporciones.
Para el efecto en las pocas líneas de esta unidad encontrará algunos aspectos sobresalientes
que le ayudarán a establecer la Forma, proporciones y aspectos cromáticos que le servirán
para guiarse por sencillos esquemas, para encajar en él los rasgos faciales, en base a las
características de los rostros, o sea en base a la forma de los rostros, tipos de frente, tipos de
nariz, mentón, boca, ojos, orejas, cejas, etc. y dar a éstos volumen mediante el juego de
luces y sombras, considerando tanto rostros masculinos como femeninos y desde distintos
ángulos: de frente, de perfil, de medio perfil y desde arriba.
De nada serviría abundar con fabulosas teorías si no asumimos con responsabilidad el reto
de trabajar venciendo las limitaciones propias de todo proceso, por lo tanto invito a que
asumamos nuestro rol sin evasivas.
Adelante compañeros
OBJETIVOS ESPECÍFICOS
Conocer, valorar y aplicar los principios de proporción del rostro humano.
Distribuir con acierto las facciones del rostro.
Caracterizar al modelo
Valorar los resultados a nivel grupal.
EL RETRATO
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Este es uno de los géneros más difíciles de la pintura, porque en él ha de intervenir un
conocimiento de la psicología humana, la anatomía y las cualidades del modelo.
Se dice que el retrato se ha utilizado en la historia del hombre como símbolo del poder,
enseñando a la sociedad la riqueza y la posición social del sujeto retratado. Pero el mundo
del retrato en la pintura es mucho más amplio ya que es una de las formas de expresión
artística más popular y perdurable.
La pintura del retrato utiliza todas las técnicas y estilos; retratos al óleo, retratos en
acuarelas, retratos al temple, retratos al fresco, retratos en acrílico.... Existe el retrato
corporativo, familiar e individual. También un retrato psicológico que enfoca la psiquis de
los autores, o sea el pintor hace énfasis sobre el carácter del sujeto, la belleza, el heroísmo,
la sensualidad, la profundidad y el enigma aspectos que el pintor trata de plasmar.
La pose debe ser estudiada realizando varios apuntes a lápiz hasta encontrar la más
expresiva y la mejor posición de cabeza y hombros; en estos bocetos es conveniente
indicar, sumariamente, las masas de luz y sombra.
El artista debe hablar al modelo, interesarle en algo o hacer que otra persona le distraiga
para que se olvide de que es el actor de la representación y así manifieste una expresión
natural y vital.
El tamaño del lienzo para emprender el retrato debe ser pequeño en las primeras obras; los
números 8 y 10 de figura (46x38 cm. y 55x46 cm.) son buenos para medios bustos; cuando
se tengan que ver más cuerpo y las manos utilícese el número 20 (73x60 cm.); los formatos
citados son los mejores para acostumbrarse a desenvolver este género y los más adecuados
para las proporciones de la vivienda moderna. Muchas obras de grandes maestros han sido
resueltas en estos tamaños y aún en otros más pequeños; la importancia de un cuadro no
depende de sus medidas.
LAS PROPORCIONES Y DIVISIÓN
En el retrato es factor importante conocer los aspectos más fundamentales sobre la
estructura ósea, las proporciones, la división del rostro y la ubicación de las facciones,
considerando el ángulo de inclinación y movimiento o dirección del rostro.
Los gráficos nos dan una idea concreta sobre este importante acápite
Tipos de rostros
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Uno de los aspectos importantes es la observación, el artista debe aprender a capturar en
síntesis la estructura base de la forma del rostro para caracterizar en primera instancia el
parecido del retratado.
FORMAS DE ROSTROS
CUADRADO
CUADRADO
ÓVALO
NORMAL
PUNTIAGUDO
CUADRADO
CUADRADO
RECTILINEA
ENCORVADA
Tipos de nariz
CÓNCAVA
La nariz es una de las partes del rostro que determina los rasgos
ineludibles del parecido en el
retrato.
AGUILEÑA
RESPINGADA
HORIZONTAL
Tipos de orejas.
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Los artistas no deben restar importancia a las orejas, puesto que la interpretación de éstas da
carácter, y es un distintivo muy importante.
Por ello debe dibujarlo considerando todo el contexto para que no desentone con el rostro.
Tipos de frente.
Rectilínea
Cóncava
Convexa
Hacia atrás
Prominente
Tipos de mentón
DERECHO
SALIENTE
ENTRANTE
PUNTEAGUDO
Tipos de boca
La boca es uno de los detalles muy importante
que permiten establecer el semblante del
retratado, pues de la estructura y forma dependen
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los estados de ánimo para capturar el aspecto psicológico del retratado.
PEINADO
El peinado del cabello es determinante en el parecido, por ello debemos identificar forma,
dirección y color para plasmar la característica fundamental del retratado.
Formas de peinado masculino
Formas de peinado femenino
Rostros de ancianos
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Los rostros de los ancianos son fáciles de representar por las líneas muy marcadas que
acentúan las facciones del rostro.
EL RETRATO
EL BOCETO
El boceto es una fase muy importante y aconsejable
realizarlo con mucho detenimiento y observancia, puesto
que de un buen dibujo dependerá una buena pintura,
lógicamente dependiendo del ejecutante.
Para transportar el boceto al lienzo, después de haber sido
acabado satisfactoriamente, se puede hacer mediante la
cuadricula.
Observación importante: No se debe utilizar papel carbón
porque es un producto químico que puede causar efectos
posteriores
Traspaso del dibujo al lienzo. Para pasar el dibujo al
lienzo manche las líneas del boceto en la parte posterior
con un lápiz 8B efecto que hace las veces de papel carbón.
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Una vez que ha manchado las líneas por la parte posterior
Coloque el boceto sobre el lienzo y repase las líneas con un lápiz duro para que las líneas
manchadas al lado adverso del boceto se transfieran al lienzo.
A continuación con una aguada de siena repase el dibujo para fijarlo en el lienzo.
SEGUNDO ENCUENTRO
FASE PICTÓRICA DEL RETRATO
Fase 1.
La paleta del retrato puede ser la elemental, en los primeros
ensayos utilícense solamente tres o cuatro colores; a éstos
puede ser agregado el color básico del fondo o del traje.
Más tarde se podrá enriquecer la cromática con colores
cálidos y fríos.
En los comienzos es conveniente que el lienzo sea suave y
de tejido uniforme; el lienzo puede ser blanco o suavizado
por una ligera capa grisácea. Una vez establecida la forma
esencial, pintar él fondo pues así se relacionan mejor los
tonos y se establece bien el color de la carne; si el fondo se deja para el final, pueden
producirse efectos de color erróneos inesperados.
Fase 2.
Cuando se haya cubierto aquél serán encajadas las áreas más
oscuras de la sombra. En esta etapa la pintura puede ser
ejecutada en monocromo manchando las sombras netas con
un color pardo cálido, luego los valores intermedios y,
finalmente, los claros, o por colores claros y adelgazados
por la esencia; cualquiera que sea el modelo, entórnense los
ojos y resuélvanse las grandes masas, sin prestar atención
alguna al detalle; el efecto debe ser amplio. En el curso de
esta fase de la pintura no se impacienten; una de las mayores
dificultades para el principiante es la ansiedad por
expresarlo todo rápidamente.
Indíquese solamente lo principal y déjese, para otras etapas,
el desarrollo del cuadro. Búsquese, tan sólo, una aproximación del tono, del color y de las
formas generales del modelo; si las masas son correctas, ya ofrecerán una impresión del
parecido.
Para juzgar bien las relaciones de tono y color se irá cubriendo todo el lienzo rápidamente
y sin dejar que el fondo o el traje queden pintados en parte.
Algunos artistas consideran que el marco es una parte integrante del cuadro y ejecutan la obra
colocando aquél sobre el lienzo en el caballete; otros lo van situando en el curso de la ejecución para
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ver el efecto que se produce enmarcando; esto puede ser interesante, pero
necesario.
no es absolutamente
En cambio sí será muy conveniente estudiar con atención el proceso de los valores; una
mirada al espejo, de vez en cuando, es de gran interés; la imagen invertida y reducida
determina una visión nueva de la obra, puesto que la vista acostumbrada a ver las formas
desde un punto de vista normal, termina por no darse cuenta de las incorrecciones en los
valores.
Fase 3.
Después de que haya secado la pintura básica rásquese
ligeramente la superficie con la espátula para eliminar los
gruesos de pintura o pinceladas que puedan ser ostensibles
en las etapas siguientes y para dejar una superficie de lienzo
sobre la que sea agradable pintar.
En esta etapa de la pintura que, generalmente, es realizada
por un largo y continuado esfuerzo, el cerebro y los ojos
fatigados no están en condiciones de juzgar; déjese el
análisis para el día siguiente.
Fase 4.
Cuando ya ha sido cubierta toda la superficie del lienzo se
ha de extremar la atención en las etapas siguientes puesto
que en éstas son más sutiles las diferencias. Ahora se
dibujan más netamente la nariz, los ojos, la boca y los
rasgos principales para definir mejor la forma principal.
La cabeza tiene protuberancias importantes que son útiles
como puntos de referencia en la construcción. Un ojo no
es, corrientemente, igual al otro; cada uno de ellos puede
tener una característica definida. Los ojos pueden y deben
ser ligeramente exagerados en tamaño y algo separados
de la nariz; el blanco de éstos ha de ser mantenido en el
tono general de la carne; los puntos de brillo deben ser
pequeños pues así serán más brillantes; cuando son
grandes anulan la vida de la mirada.
La boca está raras veces en línea paralela con los ojos y la base de la nariz. Un retrato no
depende tan sólo de la exactitud en la representación de ciertos rasgos sino del carácter de
la cabeza y de la relación de ésta con él cuerpo; si la unión de aquélla con los hombros y el
largo del cuello no están bien puede quedar anulado el parecido. No traten de pintar todas
las pequeñas arrugas en su forma y color exactos; entornen los ojos, trabajen ampliamente
y eliminen todo detalle que no sea necesario y que no tenga una finalidad constructiva.
Defínanse los tonos intermedios y háganse éstos más oscuros y extensivos; los contornos
de la cabeza deben ser bien fusionados con el fondo y éste y el traje pintados unificados
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con el resto; váyase llevando todo por partes, pero viendo en conjunto, y no se trate de
terminar ninguna para mantener, así, el interés, en las sesiones sucesivas.
Cuando esté la cabeza casi terminada y el resto muy avanzado resuélvanse las manos.
Éstas son muy importantes porque revelan tanto el carácter del modelo como la cara y aun,
a veces, son de resolución más difícil que ésta, pues en ella no varían las facciones si no se
mueve toda la cabeza mientras que en una mano puede ser cambiado todo su aspecto por el
simple movimiento de uno de los dedos.
Obsérvese que el traje manifiesta una caída sobre el modelo completamente diferente a la
que tendría sobre un maniquí y que en aquélla y en la posición del cuerpo siempre hay algo
de la vida y el carácter del retratado. El traje se resuelve sencillamente por un tono general
y ligeros accidentes de luz y sombra. Toda la concentración del efecto debe ser en la cabeza
y en las manos.
Por último resuelva las luces altas y los acentos más oscuros, factores importantes en la
expresión de la forma.
Un nuevo examen, al día siguiente, con mente y visión descansadas y sin prejuicios, puede
mostrar incorrecciones y errores y aun el fracaso de la obra. Esto no debe desalentar; los
fracasos enseñan mucho más que los pequeños éxitos; estos últimos sirven, generalmente,
para creerse ya dotado de un dominio o para suponer muy fácil lo que, realmente, es tan
difícil.
Ejemplos de retratos:
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SEGUNDO EJEMPLO:
Paso 1
Realización del boceto
El boceto es el estudio primario en donde debe
capturar la estructura y el parecido mediante líneas
magistrales.
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Paso 2.
Se dibujan las formas más pequeñas, con líneas
más oscuras, encima del dibujo del paso primero.
El pincel define las distintas formas de las cejas,
ojos, mejillas, nariz, boca, mandíbula, barbilla y
oreja así como las líneas del cabello.
Paso 3.
En esta fase del retrato, lo más importante es
establecer las amplias áreas de luz y de sombra.
Ahora con un pincel se pinta simultáneamente con
la mezcla para la luz en la frente, la nariz y la
mejilla; mientras que con el otro pincel se pinta, con
la mezcla de sombra, las cuencas de los ojos, las
mejillas, el labio superior y la barbilla.
Ambas tonalidades son una mezcla de amarillo ocre,
rojo cadmio y azul cobalto, con más blanco en las
zonas de luz.
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Paso 4.
Se pinta libremente alrededor de la cabeza
una tonalidad de fondo con azul cobalto,
amarillo ocre y blanco. Hasta aquí se ha
realizado todo el trabajo con pinceles de
cerda.
Ahora con pinceles de marta planos y
redondos se reconstruye el contorno de la
cabeza con oscuros trazos de siena oscuro,
azul de ultramar, amarillo ocre y blanco.
Podéis ver los trazos rizados y las líneas
pintadas en los ojos y en la oreja, alrededor
del borde exterior de la ceja, mejilla,
mandíbula y barbilla; y en las zonas de
sombra debajo de las mejillas, nariz, labio
inferior y mandíbula.
Se pinta el pelo con trazos libres de azul
cobalto, pardo oscuro y blanco empleando
la oscura mezcla utilizada para la cabeza.
Paso 5.
Se pinta la tonalidad de fondo en los bordes
de la tela. Luego los mismos pinceles de
pelo suave se utilizan para reforzar los contrastes de la cara, con la primera mezcla
utilizada para la piel. Se pintan trazos más
claros en el centro de la frente, la nariz,
alrededor de las cuencas de los ojos y la
boca, en el borde de la oreja y en el cuello.
Se vuelven a pintar las sombras de las
cuencas de los ojos, nariz, labios, mejillas y
barbilla con una mezcla más oscura que la
que utilizamos para la piel.
Luego se mezclan suavemente las luces y
las sombras entre sí.
Se pinta el cabello con trazos más precisos
de azul cobalto, pardo oscuro y blanco. Se
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usa la misma mezcla para el cuello de la camisa.
Paso 6.
Con la tonalidad de fondo se pintan los
bordes exteriores y se aclara la parte
frontal de la cara con más amarillo ocre
y blanco para reforzar el contraste entre
el fondo pálido y las tonalidades más
oscuras de la piel. Debido a que se pinta
la ceja, mejilla, mandíbula y barbilla
con la tonalidad de fondo, el contorno
de la cara se vuelve más redondo y
suave. Con las tonalidades más pálidas
de la piel se pintan los bordes de la cara.
Al observar el rostro entero, se puede
ver otros toques de luz que dan más
luminosidad: matices de tonalidad
pálida en la piel de encima de las cejas,
y alrededor de las cuencas de los ojos;
toques de color en las mejillas; pálidos
trazos en las sombras para hacerlas
parecer más transparentes.
Observe cómo los trazos en las mejillas y la frente se curvan alrededor de estas formas
huesudas. Son estos últimos matices, casi invisibles, los que dan vitalidad al retrato. Por
cierto, la chaqueta está pintada con la misma mezcla que se empleó para el pelo, mientras
que se pinta la corbata con amarillo cadmio además de un toque de azul cobalto y pardo
oscuro, aclarado con blanco.
TERCER EJEMPLO
EL RETRATO HIPERREALISTA
Se trata de unos rostros que rondan bastante la perfección,
por cuanto todos los elementos están perfectamente
ubicados, sin desviaciones notorias en ellos ni signo
alguno que pueda afearlo.
Esos ojos "que nos pueden hablar", es decir: ESA
MIRADA tan importante al dibujar cualquier retrato...De
hecho, si conseguimos plasmar bien la mirada en un
retrato, tenemos un 80% de éxito casi asegurado.
A la mirada le sigue en importancia en un retrato LA
BOCA, que aunque menos importante que los ojos,
también juega un gran papel al trabajar en esta técnica.
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Los labios suelen ser difíciles de dibujar por alguien que empieza a trabajar retratos, pues se
tiene tendencia a "dibujarlos" por medio de líneas bien marcadas. Ya aprenderás que los
labios deben "aparecer" en base a unas buenas sombras y volúmenes, pero nunca
dibujándolos
directamente.
Le sigue en importancia a un retrato, LA NARIZ, el sombreado y las luces generales del
rostro, y finalmente el pelo.
Boceto
Un boceto por lo general es el esquema o proyecto en el
que se diseña una obra de arte. Su objetivo es representar
ideas o conceptos constituyéndose en la etapa previa a
una obra artística.
Fases siguientes:
Se inicia pintando el fondo con azul ultramar y azul cian,
agrisado en algunas zonas con un pequeño toque de
naranja, calentándolo con toques de carmín (se entiende
que llevan su correspondiente cantidad de blanco).
Se continúa con la chaqueta y el pelo, en la que se utiliza
sienas, ocres para las luces, sombras (tostada y natural)
para las sombras, enfriadas con azul y calentadas con
carmín y naranjas.
Para las carnes se utiliza ocre, carmín, con azul y sombra (natural - tostada) para oscurecer
y enfriar; y toque Camín, naranja u ocre para calentar. Casi todas las mezclas llevaran azul
en mayor o menor grado para armonizar con el fondo.
Para el vestido se aplica una capa muy clara con blanco +
un toque de amarillo indio + un toque de ocre. Para
degradar hacia la sombra se va añadiendo a la mezcla un
toque de violeta y progresivamente un poco de azul.
Comienza pintando las flores rojas y apuntando con
grises azulados y violáceos muy claros los contornos y
sombras de las flores blancas. Mancha también las manos
y demás elementos.
Matiza el cielo introduciendo matices violetas y luces
rosáceas y calientes con un toque de carmín y naranja y
oscureciendo con ultramar y sombra (+ toque carmín para
calentar). Una vez aplicado los colores se los funde.
Construya la chaqueta precisando los colores definitivos,
fundiendo los tonos y poniendo atención en las arrugas.
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Concéntrese a fondo en los dos retratos buscando con precisión los colores, fundiendo los
matices, suavizando o endureciendo contornos, trabajando en húmedo hasta que queden
casi listos.
Las flores blancas se realizan utilizando grises
claros y muy claros para las sombras, matizados
hacia el violeta o hacia el azul dependiendo del
reflejo. Para las luces: blanco puro para las altas
luces matizado en algunos lugares con un
pequeñísimo toque de amarillo para hacerlas
calientes o de azul para hacerlas frías, por último
resalte ciertas sombras y luces para enfatizar la
calidad de la obra.
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TERCER ENCUENTRO
EL AUTORETRATO
BOCETO
De igual forma como en el retrato el boceto es
es una etapa muy importante, por lo que es
aconsejable lo realice muy conciensudamente
mediante un constante proceso de observación.
Es recomendable se ubique frente al espejo y
observe el ángulo más apropiado, luego
entornando los ojos observe cada detalle de sus
facciones, empezando por la forma general del
rostro, la dirección de su cabello, la inclinación
de sus cejas, la forma de sus ojos, la forma de
su nariz, la estructura de sus labios, su mentón
y en fin cada aspecto importante de su rostro.
Para transportar el boceto al lienzo siga el mismo procedimiento aplicado al retrato.
CUARTO ENCUENTRO
AUTORRETRATO FASE PICTÓRICA
Autorretrato, representación del propio artista realizada por él mismo que por su frecuencia
se puede considerar como un género dentro del arte.
El autorretrato evolucionó de forma significativa en el
norte de Italia a finales del renacimiento. Esta forma de
expresión se extendió gracias al desarrollo del concepto
humanista del individuo y a la aparición de nuevas técnicas
pictóricas, como la pintura al óleo, la perspectiva y los
avances en el campo de las ciencias naturales. El artista
toma conciencia de su arte y reivindica la singularidad de
su obra. El autorretrato consolida la presencia del artista en
el desarrollo cultural.
Para pintar un buen autorretrato es necesario disponer de
un espejo lo suficientemente grande para que se pueda
observar cada detalle con facilidad.
Las fases del proceso del autorretrato se sujetan al mismo
procedimiento que el retrato.
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Ubique el espejo en el lugar más apropiado y empiece a marcar las líneas básicas del
dibujo, luego vaya pintando cada una de las zonas de tal forma que desde el inicio tenga
una armonía cromática todo el conjunto de la obra.
Delimite las sombras y los contrastes más relevantes, sin perder la visión global del
colorido de toda la superficie.
Finalmente incursione en cada detalle del rostro y la camisa, acentúe las luces y sombras
del rostro para lograr más realismo en su retrato.
SEGUNDA UNIDAD:
QUINTO ENCUENTRO
“EL DESNUDO”
PRESENTACIÓN:
El dibujo, base de la pintura
Ya no debe resultar nuevo para nadie saber que detrás de todas las artes está el dibujo y su
dominio. Gracias al dibujo el pintor puede desarrollar su obra y el escultor alcanzar los
volúmenes que persigue.
El dibujo, en síntesis, como ya sabemos, consiste en representar gráficamente y mediante
un solo color los dos aspectos que toda imagen presenta: la forma y el volumen.
La figura humana, por otra parte, es la representación más genuina y universal de toda la
historia de la pintura y la maestría de los grandes genios queda bien patente en toda su obra.
Se ha elegido un cuadro clásico de una revista de arte muy importante para realizar esta
explicación didáctica de este género de la pintura.
Al margen de su cualidad pictórica, de su cromatismo, desde el análisis estricto del dibujo
hemos de entender todos los aspectos de la obra: formales, tonales, compositivos, de
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perspectiva, superposición de figuras, claroscuro, etc. Todos son elementos que resuelve el
dibujo.
El estudio de este género es fundamental, pues mmuchos artistas han dedicado gran parte
de su vida al estudio de la figura humana, debido a la enorme fascinación por la belleza de
las formas femeninas, constituyéndose en un reto importante.
Para el efecto en las pocas líneas de esta unidad encontrará algunos aspectos sobresalientes
que le ayudarán a establecer las proporciones de la forma, su composición y aspectos
cromáticos que le servirán para guiarse por esquemas, ya que no se cuenta con una modelo
que nos facilite un proceso académico real.
Ciertamente resulta inoficioso abundar con frases y teorías si no abordamos con
responsabilidad el propio trabajo que cada estudiante debe asumir, lo que a la vez ayudará a
vencer las limitaciones de no contar con una modelo.
II. OBJETIVOS ESPECÍFICOS
Conocer, valorar y aplicar los principios de proporción de la figura humana.
Componer y distribuir con acierto los elementos que integrarán la composición.
Resolver los problemas cromáticos con acierto.
Valorar los resultados a nivel grupal.
LA FIGURA HUMANA “EL DESNUDO”
Para iniciar la pintura del desnudo al óleo quiero empezar ilustrando en esta página a uno
de los grandes clásicos de la pintura universal como es Velázquez, donde se puede en
síntesis ver algunos detalles sobre la calidad cromática y estética de la Venus del Espejo.
LA BELLEZA DEL COLOR
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Aplicar las normas de los clásicos ciertamente no es una fórmula matemática, ni una
camisa de fuerza, pero si un apoyo que ayuda muchísimo al conocimiento de algunos
secretos para plasmar proporcionalmente una figura en cualquier pose o circunstancia.
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Antes de entrar en materia de estudio a continuación se detallan algunos aspectos
importantes sobre el taller, la ejecución del dibujo y su transportación al lienzo, así como la
cromática.
Para la pintura de la figura humana es conveniente disponer en el estudio de una
plataforma de madera que sea sólida y segura.
Otro elemento importante del estudio es un biombo que se coloca detrás del modelo y
en ocasiones es utilizado como fondo o para colgar de él algunas telas a este mismo fin.
El fondo es un complemento importante, por ello es conveniente utilizar telas con
pliegues, así el conjunto parecerá más vital e interesante.
En la pintura de la figura es esencial contar con espacio suficiente para trabajar.
Seleccionar una buena pose.
Analizar con anterioridad lo que quiero concebir o sea primero la idea luego la
plasmación de esta idea.
Pero ni la más hermosa pose, ni la elegancia estética de la modelo suplirán la idea y el
trabajo que Usted debe asumir con responsabilidad y abnegación. Este género
requiere de mucha observación y de horas y horas de trabajo.
EL DESNUDO ACADÉMICO LA BELLEZA ANATÓMICA
Tal vez haya sido éste el tema más polémico, controvertido y discutido de la historia de la
pintura. Hoy en día a nadie en su sano juicio se le ocurriría escandalizarse por la
contemplación de un cuerpo humano desnudo. No tendría sentido sentirse ofendido,
impactado o herido en la sensibilidad por ver a los seres humanos tal y como son, sin ropas
ni otros aditamentos. Otra cosa distinta sería la contemplación tendenciosa, pecaminosa o
concupiscente de estos cuerpos, en este caso estaríamos ante una previa malicia, obsesión
sexual o prejuicio injustificado por parte del contemplador.
En el mundo del arte ha sido constante la búsqueda de la belleza del cuerpo humano, sobre
todo femenino, dada la supremacía de pintores varones. Pero las trabas para pintar este
tema han sido innumerables. La iglesia católica siempre ha considerado el desnudo como
algo tabú, inductor de bajas pasiones, objeto de vergüenza y fuente primera de pecado y
apartamiento del evangelio. No digamos la religión islámica, que prohíbe la representación
de personas y animales, desnudos o vestidos. Muchos pintores han sufrido persecuciones y
procesos judiciales por pintar desnudos (Goya). En ciertas épocas hubo más permisividad,
por ejemplo en el Renacimiento, cuando se admiraba a griegos y romanos y se copiaban
sus desnudos. Pero siempre había que buscar una excusa para representar un cuerpo
desnudo: o era una diosa antigua como Venus o Afrodita (diosas de la belleza carnal), o era
Diana (otra diosa) saliendo del baño o era una dama a quien se le caía la ropa
inadvertidamente, etc. El primero que se atrevió a pintar un desnudo sin excusas fue Goya
con su famosa “Maja Desnuda” y ese atrevimiento le costó un proceso de la Inquisición.
En muchas pinturas murales se representaban desnudos en escenas que así lo exigían
(Adán y Eva, los pecadores en el infierno, etc) pero “casualmente” siempre había una
ramita, hojas, telas que cubrían los atributos sexuales.
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Tal vez por estas prohibiciones y persecuciones como por la indudable atracción que ejerce
sobre nosotros la contemplación de un bello cuerpo, hemos de admitir que resulta un tema
artístico sumamente interesante y sugerente, que exacerba nuestra imaginación y cultiva
nuestro sentido estético.
Aunque aquí abogamos por la total libertad del artista creador, siempre es más agradable la
representación hecha con sensibilidad y buen gusto que la realizada de manera basta y
soez.
Contempla estos desnudos y deléitate con ellos, ya pasó la Inquisición y la censura y
nuestras mentes son más libres, abiertas y sinceras que las de nuestros antepasados.
No hay en ellos pecado, sino belleza, y nunca debemos sentir vergüenza por admirar la
belleza (Dios la creó).
COMO EMPEZAR
Boceto
Como pueden darse cuenta, en todos los
géneros de la pintura el boceto juega un
papel preponderante, ya que es la
anticipación de cómo quedará su obra
acabada.
Antes de empezar nuestro trabajo, es
preferible pintar la tela o soporte con un
color plano y adecuado al tema, para sobre
él iniciar el dibujo. De esta manera,
cuando sea la hora de empezar a manchar
ya partimos de un color inicial que nos
sirve de cojín, pues las telas blancas o la
ausencia total de color resultan un tanto
violentas.
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SEXTO ENCUENTRO
FASE PICTÓRICA
1º FASE
Empezaremos a manchar la figura en la
parte correspondiente a la luz, con un
color tipo "carne" que nos despejará de
entrada el primer volumen.
De paso aplicaremos un ligero toque de
color rosado a la parte de la cara
correspondiente a la mejilla.
Sólo con esto ya nos parecerá que nuestra
modelo empieza a tomar vida. Es un
momento verdaderamente emocionante.
2º FASE
De modo parecido manchamos
ahora las partes de sombra con un
tono
marrón
oscuro
y
completamos el volumen con un
poco de naranja en el muslo y en el
pecho izquierdo.
A
continuación
manchamos
también la melena de la modelo
con un color azul prusia y marrón,
consiguiendo casi un color negro.
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3º FASE
Aquí, en este estado, manchamos
con rapidez y soltura todo el
entorno de la figura: grises
azulados y violáceos, grises
verdosos más oscuros, carmín para
el cojín, la parte superior del tema
y algunos rizos del busto griego,
situado en la parte inferior
derecha.
El color gris de tubo y el blanco
nos prestan los mejores brillos y
sombras para la sábana.
Con algunos toques aquí y allá
ultimamos lo que es el fondo de
nuestra obra.
4º. FASE
Este es un estado en que nos
comprometemos con el color, cuya
intensidad incrementamos por todo el
cuerpo de la mujer.
Se trata de unir los colores iniciales con
otros nuevos que los enriquezcan y
modulen. Estamos realmente pintando,
en
un
momento
algo
más
comprometido y totalmente excitante.
Ponemos en acción colores ocres,
carmines y marrones que iluminan
piernas, brazos, tórax y cara.
Efectuamos algunos toques mínimos de
rosa, azul y verde claro en puntos como
dedos y el costado izquierdo, donde
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rebota la luz de la sábana, etc. Esto nos deparará la emoción necesaria para seguir adelante
hacia un nuevo paso.
5. FASE
Vamos ahora a dar cuerpo nunca mejor
empleada la frase, tratando de
armonizar los colores, difuminándolos,
uniendo varios entre sí, suavizando
contrastes, todo de forma bastante
frenética, recorriendo todo el cuadro,
actuando sobre todo el conjunto a la
vez.
Aplicamos nuevas luces a la sábana,
oscurecemos el brazo en que se apoya
la
cabeza,
a
la
vez
que;
intensificamos su parte más luminosa
así como los pechos, el hombro y el
bajo
vientre,
marcando
sus:
paletillas. Tras dar un nuevo brillo al
pelo, haremos: una pequeña pausa que
nos permitirá descansar y
observar
nuestra obra desde una cierta distancia.
Un buen momento para el análisis.
6º FASE
El análisis nos invita a efectuar
algunas correcciones, sobre todo en
el rostro de la joven. Así situamos
los ojos en mejor paralelo,
perfeccionamos la boca y la nariz,
buscando un mayor parecido con
nuestra bella modelo. Incrementamos el color de los elementos
circundantes con más toques de
violeta y azul, y con brillos más
precisos de blanco casi puro para
los dobleces de la sábana.
Limpiamos la zona entre la cara y el
pecho, aplicando a éstos un poco
más de naranja. Proseguimos con
un pequeño brillo para el olvidado
cojín y un suave brillo azul-rosa
pálido para el contorno izquierdo,
donde reberbera la luz del sofá.
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SÉPTIMO ENCUENTRO
INTERIORES CON FIGURA INCORPORADA
UBICACIÓN DE LA LÍNEA DE HORIZONTE Y BOCETO
Para la resolución de este tema cada estudiante contará con una ilustración de un interior.
Deberá graficar en el lienzo el estudio del interior.
Una vez que ha logrado establecer todas las líneas de la composición, proceda a incorporar
la figura en el lienzo, y por último borre las líneas auxiliares hasta que quede definida la
estructura definitiva de la composición.
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OCTAVO ENCUENTRO
FASE PICTÓRICA
Una vez realizado el boceto proceda a ejecutar la fase pictórica utilizado su propio método
de trabajo hasta conseguir estéticamente la obra pictórica.
En todo proceso sea educativo o artístico: "Hay leyes, proporciones, nociones de luz y
sombra, de perspectiva, que es necesario saber para poder pintar; si no se poseen estos
conocimientos, uno está metido siempre en una lucha estéril y no logra jamás plasmar una
obra de gran valor".
No es por demás un consejo,
pinte de arriba abajo, matice los
planos con pinceladas sueltas,
teniendo en cuenta cuatro
factores básicos:
1. Pintar sin miedo, no hay
para que cohibirse, si sale
mal no importa siga
adelante.
2. Diversificar
el
color.
Aprenda a percibir que las
superficies no son zonas
muertas.
3. Cuidar la dirección de la
pincelada que no se vuelva
monótona.
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NOVENO ENCUENTRO
LA FIGURA EXPRESIONISTA
BOCETO
Realice el estudio de la figura minuciosamente,
luego observe unos diez minutos la pose de la
modelo y mire el apunte entornando los ojos el
dibujo realizado.
Establezca las proporciones máximas de la figura,
en cuanto a largo y ancho.
Aplique leves insinuaciones de sombras en las
zonas más oscuras.
Finalmente rehaga el dibujo con trazo enérgico,
continuado, seguro, afirmando la construcción,
según puede usted ver en la figura.
Si ha realizado el boceto en papel proceda a pasar
al lienzo con el procedimiento conocido.
DÉCIMO ENCUENTRO
FASE PICTÓRICA
SEGUNDA FASE:
CONSTRUCCIÓN CON COLORES BÁSICOS
Trate de utilizar una paleta restringida: tan sólo
cinco colores básicos, de momento: blanco, negro,
siena tostada, ocre amarillo y tierra sombra tos
tada. La segunda fase empieza con un manchado
genérico básico de la figura.
Una gama limitada y perfecta para pintar grises,
para seguir trabajando la forma, sin sentir todavía
la preocupación del color.
Preferentemente
utilice
pinceles
anchos,
manchando rapidísimamente la tela, empezando
por el fondo, siguiendo con la figura, el ropaje, la
parte inferior del cuadro.
Trabajando en el fondo la pintura es más bien
delgada tratando de conservar el trazo lineal
afirmando la construcción, el volumen y la
composición tonal.
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TERCERA FASE:
ESTUDIO DE VALORACIÓN Y VOLUMEN
CON COLORES BÁSICOS
Como puede usted ver en esta figura todavía
sigue trabajando con los colores básicos de su
paleta, todavía sigue pintando con mezclas de
ocres y grises, con la única preocupación, todavía,
de llegar a una construcción sólida, del todo
afirmada, absolutamente segura.
CUARTA FASE:
ESTUDIO GENERAL DEL COLOR
Es hora de enriquecer la cromática, pero observe
que a pesar de existir ya una resolución más
cromática, dotándole de fuerza expresiva
mediante un contraste acentuado de luces y
sombras. El fondo es más oscuro ahora, al igual
que las partes más en sombra de la figura (brazos,
cabeza, pierna derecha).
QUINTA FASE:
AJUSTE DEL COLOR Y ACABADO
Para llegar a este estado final de la figura debe
poner en práctica su sistema de dejar y volver a
tomar, de hacer y rehacer los detalles hasta que se
sienta satisfecho. Compare esta figura con la
anterior, y vea en primer lugar el estudio de color
realizado en todo el cuadro —ahora sí, con todos
los matices, con todas las transparencias y
detalles.
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Ejemplos de Desnudo expresionista
BIBLIOGRAFÍA
Bogis Lióm, Técnicas del Óleo, L.E.D.A. Las Ediciones de Arte, Barcelona
Colección Leonardo, Pintemos los Desnudos, Vinciana Editora, Italia
Emilio Freixas, Dibujando la Figura Femenina, Sucesor de Meseguer, Editor, Barcelona
José Parramón, El Paisaje al Óleo, Parramón Ediciones, Barcelona 1990
José Parramón, Curso Completo de Pintura, Parramón Ediciones, Barcelona 1994
Juan Comamala, Pintando al Óleo, Ediciones CEAC, Barcelona
U. Benedicts, Perspectiva para Artistas, L.E.D.A. Las Ediciones de Arte, Barcelona
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ÍNDICE
INTRODUCCIÓN…………………………………………………………………..
Pág.
1
PRIMERA UNIDAD………………………………………………………………..
Generalidades…………………………………………………………………………
El retrato………………………………………………………………………………
Las proporciones y división…………………………………………………………..
Tipos de rostros………………………………………………………………………
Tipos de nariz…………………………………………………………………………
Tipos de orejas. ………………………………………………………………………
Tipos de frente…………………………………………..……………………………
Tipos de mentón………………………………………………………………………
Tipos de boca…………………………………………………………………………
Formas de peinado masculino y femenino............................…………………………
Rostros de ancianos …………………………………………………………………..
El Retrato boceto……………………………………………………………………..
Fase pictórica del retrato……………………………………………………………..
El autorretrato…………………………………………………………………………
Boceto…………………………………………………………………………………
Fase pictórica del retrato……………………………………………………………...
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6
6
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8
9
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SEGUNDA UNIDAD: ………………………………………………………………
El Desnudo…………………………………………………………………………...
El desnudo académico la belleza anatómica………………………………………….
Como empezar boceto…………………….…………………………………………
Fase pictórica………………………………………………………………………….
Interiores con figura incorporada……………………………………………………..
Ubicación de la línea de horizonte y boceto………………………………………….
Fase pictórica………………………………………………………………………….
El desnudo expresivo…………………………………………………………………
Boceto…………………………………………………………………………………
Fase pictórica………………………………………………………………………….
BIBLIOGRAFÍA
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