maletas migrantes

MALETAS MIGRANTES
Curadores / Curators
Ignacio Vázquez Paravano
Flavio Florencio
Claudia de la Garza
Asesores Curatoriales / Curatorial Advisors
Flor Aguilera
Linda Atach
Producción / Production
AMBULANTE
Edición y traducción / Editing and translation
Lorena Gómez Mostajo (AMBULANTE)
Este catálogo fue producido para la exposición Maletas migrantes presentada en el Museo Memoria y Tolerancia en la ciudad
de México, del 7 al 22 de octubre de 2012, en el marco del 50 aniversario de la Fundación Ford en Latinoamérica y el ciclo
Ideas migratorias y estrategias documentales de AMBULANTE.
This catalog was produced for the exhibition Maletas migrantes (Migrant Suitcases) presented at the Memory and Tolerance
Museum in Mexico City (October 7-22, 2012) for the 50th anniversary of the Ford Foundation in Latin America, and the
AMBULANTE series Migratory Ideas and Documentary Strategies.
EN AMÉRICA LATINA
Maletas Migrantes es un espacio de exploración plástica que
visibiliza las contradicciones y las pertenencias, las negociaciones y los diálogos que presuponen los tránsitos geográficos y
emocionales que experimenta el migrante, inmigrante y transmigrante.
Bajo la premisa de que todos somos, fuimos o seremos personas en tránsito histórico o psicológico, Maletas Migrantes promueve e invita al espectador a aproximarse a estas maletas que
cincuenta artistas contemporáneos han intervenido bajo diferentes premisas, con técnicas y estrategias visuales muy diversas.
Provenientes de contextos disímiles, los artistas utilizan lenguajes que se entrecruzan, se confrontan y se complementan, para
aportar una serie de perspectivas y visiones en torno al complejo
tema de la migración.
La maleta, como figuración alegórica del desplazamiento, del
tránsito, de la pérdida y de la capacidad del hombre de crearse y
recrearse, es el punto de partida, la unidad básica que detona la
acción de los artistas. La maleta se presenta como el contenedor
de los afectos: un espacio íntimo dentro del cual el migrante lleva
consigo la memoria y los anhelos; su pasado, presente y futuro.
Cada maleta hace alusión a metáforas o acontecimientos que de
facto se encarnan en el proceso del desplazamiento. Las temáticas, que van de la figura del tren conocido como “La bestia”, o
el muro que encarna violentamente la frontera, al mundo onírico
e íntimo del migrante, son algunas de las cuales inspiraron a los
artistas para reflexionar en torno a las remesas materiales, pero
más profundamente, las denominadas remesas sociales, en las
cuales los afectos como el miedo, el amor o la nostalgia, mueven
el deseo de seguir en tránsito.
Migrant Suitcases is a space of visual exploration that
shows the contradictions and the belongings, as well as
the negotiations and the dialogues that inhere in the geographic and emotional displacements that the migrant, immigrant and transmigrant experiment.
Based on the premises that all of us are, were or will be
in historical or psychological transit, Migrant Suitcases promotes and invites the spectator to approach these suitcases, created by fifty contemporary artists who employed different ideas and diverse visual strategies and techniques.
Coming from different contexts, these artists use languages that cross over, confront and complement each other
to provide a series of perspectives and visions about the
complex theme of migration. The suitcase, as an allegorical
figuration of displacement, transit, loss and the human ability to create and recreate herself, is the point of departure of
this project, the basic unit that sparks the artists into action.
The suitcase is presented as the container of affects. It is
an intimate space in which the migrant takes with himself
memory and wishes; its past, present and future.
Each suitcase alludes to metaphors or events that are incarnated de facto in the displacement process. The themes
of this exhibition, which go from the train known as “The
Beast” and the wall that violently incarnates the border
to the oneiric and intimate world of the migrant, inspired
the artists to reflect not only on the material remittances,
but more profoundly on the so called social remittance, in
which affects like fear, love or nostalgia govern the desire
of keep traveling.
Claudia de la Garza
Claudia de la Garza
Alex Dorfsman
Descanso (Rest), 2011-2012
Caja de madera con 33 impresiones digitales. Fotografías tomadas en el albergue para
migrantes centroamericanos del Padre Solalinde en Ixtepec, Oaxaca.
Wooden box with 33 digital prints. Photographs taken at Father Solalinde’s rescue house
for Central American migrants in Ixtepec, Oaxaca.
Vive y trabaja en la ciudad de México y Berlín. Realizó la Licenciatura
en Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y
Grabado “La Esmeralda”. Ha participado en exposiciones colectivas
e individuales en México, Estados Unidos, Canadá, Francia, Alemania, España, Reino Unido, Rusia, Chile, Nueva Zelanda, Singapur,
Corea y Hong Kong. Recibió el Premio de Fotografía Latinoamericana Purificación García 2011. Fue coordinador de exposiciones en
La Panadería y coeditor del libro La Panadería 1994-2002. Obtuvo
la beca Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales del Fonca, 2007-2008, y fue becario del programa Jóvenes
Creadores del Fonca, generación 2005-2006.
Alex Dorfsman lives and works in Mexico City and Berlin. He received his BFA from the National School of Painting, Sculpture
and Printmaking “La Esmeralda” in Mexico City. His work has been
shown in group and solo exhibitions in Mexico, the United States,
Canada, France, Germany, Spain, the United Kingdom, Russia,
Chile, New Zealand, Singapore, Korea and Hong Kong. In 2011
he received the Purificación García Award for Latin American Photography. He co-edited the book La Panadería, 1994-2002 and
also worked as an exhibition coordinator for the gallery of the same
name. He has been a fellow of two different National Fund for Culture and Arts (Fonca) programs: Young Creators from 2005-2006
and Program for Cultural Projects from 2007-2008.
Flor Aguilera
Lo que perdura / What remains, 2012
Acrílico y óleo sobre madera. Maleta realizada por Laura Favila Corona.
Acrylic and oil on wood. Suitcase made by Laura Favila Corona.
Aguilera estudió periodismo en México y relaciones internacionales
en París. En el 2006 recibió la beca de Residencias en el Extranjero, auspiciada por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes
y el Consejo de Artes y Letras de Quebec, para una estancia en
Montreal. Ha escrito cinco novelas y varios libros de cuentos para
jóvenes lectores, entre ellos, Diario de un ostión (2005), El hombre
lobo es alérgico a la luna (2010) y Ponle play (2012), todos editados por Alfaguara. Publicó cuatro poemarios en México y uno en
Estados Unidos, As the Audience Begs for a Ferocious Tango (San
Francisco Bay Press, 2009).
Aguilera studied journalism in Mexico and international relations
in Paris. In 2006 the National Fund for Culture and Arts and the
Quebec Council for Arts and Letters awarded her the International
Residencies Fellowship that allows her to stay in Montreal. She is
the author of five novels and several collections of short stories for
young readers, among them Diary of an Oyster, 2005, The Werewolf
is Allergic to the Moon, 2010, and Push Play, 2012, all published by
Alfaguara. She has also published four books of poetry in Mexico
and one in the United States, As the Audience Begs for a Ferocious
Tango (San Francisco Bay Press, 2009).
Emilia Sandoval
Halcones peregrinos (Peregrine Falcons), 2012
Impresión en papel albanene, pintura acrílica y madera.
Print on vellum, acrylic paint and wood.
Sandoval ha realizado exposiciones individuales entre las que destacan: Botánica: nuevas especies, en Espace Art & Planète, en París;
Cortina de agua, exhibida tanto en el Museo de la Filatelia de Oaxaca, como en la calle Regina del Centro Histórico de la ciudad de
México; y Paisajes (des)compuestos, en la Kitchen Gallery, Barcelona, y presentada también en la Galería La Estación Arte Contemporáneo en la ciudad de Chihuahua. También ha participado en varias
muestras colectivas en diferentes partes de la República Mexicana,
Estados Unidos, Cuba, Francia y China. En el 2011 ganó el primer
lugar del Salón Arte Textil Reciclaje, en la VI Bienal Internacional de
Arte Textil Contemporáneo. En el año 2010 obtuvo la beca Jóvenes
Creadores del Fondo de Cultura y las Artes del estado de Oaxaca,
y en el año 2009 recibió la beca Mex-Am Vermont Studio Center.
Among Emilia Sandoval’s solo shows are Botánica: nuevas especies, Espace Art & Planète, Paris; Cortina de agua, presented in
both the Philatelic Museum of Oaxaca, and on Regina street, Centro Histórico, Mexico City; Paisajes (des)compuestos in the Kitchen
Gallery, Barcelona, and in Galería La Estación Arte Contemporáneo, Chihuahua. She has participated in group shows in Mexico, the
United States, Cuba, France and China. In 2011 she won first place
in the Salon Arte Textil Reciclaje of the VI International Biennial of
Contemporary Textile Art WTA-AIR. In 2010 she received the Young
Creators grant from the Fund for Culture and Arts, Oaxaca, and in
2009 was awarded the Annual Mex-Am Vermont Studio Center Artist Fellowship.
Luis Ruíz
El sueño americano no es propiamente el mexicano (The American Dream Is Not the Mexican
Dream), 2012
Técnica mixta.
Mixed media.
Artista multidisciplinario, Ruíz estudió cinematografía en el Centro de
Investigación y Enseñanza Cinematográfica. Durante casi 15 años
de carrera artística, ha expuesto en las ferias de arte más importantes del mundo, como Art Basel, y en numerosas exposiciones
internacionales, tanto colectivas como individuales. Ha recibido varios reconocimientos como la beca Jóvenes Creadores del Fonca, y
su trabajo ha aparecido en diversas publicaciones, tales como Art
Nexus, Revista Código y La Jornada. Su actividad artística, imbuida
de humor crítico, se concentra principalmente en la escultura y la
instalación de objetos cotidianos.
Luis Ruíz is a multidisciplinary artist. He studied cinematography at
the Film Research and Education Center. Over the course of nearly
fifteen years, he has shown his work in several of the most relevant
international art fairs, such as Art Basel, and has participated in numerous group and solo exhibitions. He received a Young Creators
grant, and his work has been published in various magazines and
newspapers including Art Nexus, Revista Código and La Jornada.
His work focuses on sculpture and the installation of everyday objects in ways that involve the critical humor of the artist.
Nahuel Berger
Automigración (Automigration), 2012
Transfer de polaroid sobre madera.
Polaroid transfer on wood.
Desde niño sintió una gran afición por capturar imágenes. Se inició
en la fotografía cuando a los 12 años su madre le prestó una cámara. Poco tiempo después la fotografía se convirtió en una profesión.
Hasta el día de hoy su carrera continúa. Berger ha trabajado para
compañías como Adidas, Audi, Peugeot, Unilever, Sony, Chevrolet
México, entre otras. Su trabajo ha ido creciendo paralelamente a su
necesidad de expresar, con estilo propio, sus distintos intereses. Se
ha destacado como fotógrafo de retratos, naturaleza y deportes. Su
último proyecto personal, Actrices del nuevo cine argentino, es un
libro de retratos en blanco y negro que muestra a varias de las nuevas actrices del cine argentino de una manera auténtica y peculiar.
Since childhood Nahuel Berger has felt a great enthusiasm for capturing images. He started taking photographs at age 12 when his
mother lent him a camera. A few years later, photography became
his profession. Today, his advertising photography career continues. Berger has worked for companies like Adidas, Audi, Peugeot,
Unilever, Sony, and Chevrolet Mexico, among others. He has been
developing his work in accord with the necessity to express his
different interests with a signature style. He is recognized as a portrait, sports and nature photographer. His latest personal project is
a book of black and white portraits, titled Actresses of the New
Argentine Cinema, which shows many of the new actresses of the
Argentine Cinema in a unique and authentic way.
Lorena Wolffer y María Renée Prudencio
Migración forzada (Forced Migration), 2012
Ultrasonido, postal del Fondo María, acta de nacimiento, ropa y objetos personales.
Ultrasound, postcard from the María Fund, birth certificate, clothes and personal objects.
Lorena Wolffer es artista y activista cultural. Ha presentado su obra
en Canadá, China, Eslovaquia, España, Estados Unidos, Finlandia,
Francia, Hungría, México, el Reino Unido, la República Checa y Venezuela. Desde hace cinco años trabaja en [Expuestas: registros
públicos], un proyecto de intervenciones culturales que gira en torno a la violencia de género en México. Como promotora independiente de arte contemporáneo, ha organizado distintos proyectos,
muestras y coloquios, ha producido programas de televisión y radio,
y ha impartido diplomados, cursos y talleres tanto en México como
en el extranjero. Sus escritos han sido publicados en diversas revistas culturales, periódicos y libros.
An artist and cultural activist, Lorena Wolffer has shown her work
in Canada, China, Slovakia, Spain, the United States, Finland,
France, Hungary, Mexico, the United Kingdom, the Czech Republic
and Venezuela. She has worked for the last five years in [Exposed:
Public Records], a cultural-intervention project that deals with
gender-based violence in Mexico. As a promoter of independent
contemporary art, she has organized different projects, shows, and
conferences; has produced TV and radio shows; and has taught
specialized courses, seminars and workshops in Mexico and around
the world. Her written work has been published in art magazines,
newspapers and books.
Mónica Espinoza
Evento especial (Special Event), 2012
Técnica mixta.
Mixed media.
Espinoza estudió en La Escuela Nacional de Pintura, Escultura y
Grabado “La Esmeralda”. Desde muy temprana edad fue considerada una de las artistas más talentosas de su generación. Su trabajo
es interdisciplinario: se sirve del dibujo digital para producir personajes como los de una película animada; realiza videos y emplea la
fotografía; crea instalaciones y eventos especiales para que de esta
manera el espectador se adentre en habitaciones, sentimientos, acciones o instantes en los que aparentemente no pasa nada. Su obra
ha sido expuesta en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía,
en España. Espinoza ha sido reconocida por prestigiosas instituciones como el Banff Centre de Canadá, la Fundación/Colección Jumex y la Academia de Bellas Artes en Karlsruhe, Alemania, además
de haber recibido la beca Jóvenes Creadores del Fonca.
Espinoza studied at the National School of Painting, Sculpture and
Printmaking “La Esmeralda”. From a young age she was considered
one of the most talented artists of her generation. Her work is interdisciplinary: she uses digital drawings to produce characters like
those found in animated films; works with video and photography;
and creates installations and special events so that the spectator
can immerse herself in rooms, feelings, actions or moments in which
ostensibly nothing happens. Her work has been shown in renowned
international spaces such as the Reina Sofía Museum, the Banff
Centre in Canada, the Jumex Foundation/Collection and the Academy of Fine Arts in Karlsruhe, Alemania. She received the Young
Creators grant of the National Fund for Culture and Arts (Fonca).
Omar Rosales
Sin título (12 de julio de 2012)
(Untitled [July 12th, 2012]), 2012
Periódicos de México y Japón del 12 de julio de 2012 y pegamento.
Newspapers from Mexico and Japan, from July 12, 2012, and glue.
Rosales estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM y la Maestría en Artes Visuales
en la Academia de San Carlos. Actualmente reside en Japón y estudia un posgrado en escultura en la Universidad de la Ciudad de Hiroshima. Ha presentado su trabajo en diferentes museos y galerías
de México, Japón y Corea. Es creador y curador del proyecto GAMEX para la difusión del arte contemporáneo entre México y Japón.
Omar Rosales received his BFA from the National School of Arts
at the National Autonomous University of Mexico (UNAM) and his
MFA from the Academy of San Carlos. He lives in Japan and is currently enrolled in a postgraduate program in sculpture at Hiroshima
City University. His work has been shown in museums and galleries in Mexico, Japan and Korea. He is the founder and curator of
GAMEX, a project that showcases and promotes collaborative work
in contemporary art between Mexico and Japan.
Máximo González
Carta de Juan Pérez
(Letter by Juan Pérez), 2012
Texto sobre papel.
Text on paper.
González nació en Entre Ríos, Argentina. Vive y trabaja en la ciudad
de México. Estudió Bellas Artes en el Instituto Josefina Contte, en
su país natal. Realizó exhibiciones individuales en el Museo de Artesanías y Arte Folclórico en Los Ángeles; Galería Valle Ortí en Valencia; Casa de América en Madrid; Hyde Park Art Center en Chicago;
Galería Travesía Cuatro en Madrid, entre otros espacios. Participó
en exposiciones colectivas en el Museo de Arte Contemporáneo de
Los Ángeles, el Museo de Arte Moderno de México, el Museo de
Arte de San José en California, el Museo de Bellas Artes en Houston
y la Universidad de San Francisco State, entre muchas más.
Máximo González was born in Entre Ríos, Argentina. He lives and
works in Mexico City. He studied Fine Arts at the Josefina Contte Institute in Argentina. His work has been shown individually in
the Craft and Folk Art Museum, Los Angeles; Valle Ortí, Valencia,
Spain; Casa de América, Madrid; Hyde Park Art Center, Chicago;
and Travesía Cuatro Gallery, Madrid, among other locations. He has
participated in group exhibitions in MOCA Los Angeles; Museum of
Modern Art, Mexico; San Jose Museum of Art; Museum of Fine Arts,
Houston; and San Francisco State University, among other venues.
Mauricio Limón
Migración de palabras
(Migration of Words), 2012
Letras rotuladas sobre madera. Textos extraídos de la canción “Clandestino” de Manu Chao.
Lettering on wood. Texts from the song “Clandestino” by Manu Chao.
Estudió Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de
la UNAM. En 2010 recibió la beca de la Fundación Pollok-Krasner y
en 2011 la beca Jóvenes Creadores del Fonca. Limón se ha interesado por personajes marginados de la sociedad mexicana y ha utilizado pintura, dibujo y video, entre otros medios, para crear su obra.
Su trabajo ha sido expuesto en el Museo de Arte Carrillo Gil, México
(2003, 2006); Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (2005); Museo
de Arte Contemporáneo Val de Marne, París (2007); Museo de Arte
Moderno, México (2008, 2010); Centro Pompidou, París (2008);
Galería Hilario Galguera, México (2008-2010); Centro de Arte 2 de
Mayo-CA2M, Madrid (2010); Escuela del Museo de Bellas Artes,
Boston (2011); y la Bienal de Bristol (2012).
Mauricio Limón studied art at the National School of Arts, National
Autonomous University of Mexico (UNAM). In 2010, the PollockKrasner Foundation selected him for its annual grant. He has also
received the Young Creators grant of the National Fund for Culture and Arts (Fonca), 2011. Limón works with marginalized people through many medias such as painting, drawing and video. His
work has been exhibited in Mexico, United States and Europe.
He has presented work at the Carrillo Gil Museum of Art, Mexico
(2003, 2006); the Reina Sofía Museum, Madrid (2005); Museum of
Contemporary Art Val de Marne, Paris (2007); Museum of Modern
Art, Mexico (2008, 2010); Pompidou Centre, Paris (2008); Galería
Hilario Galguera, Mexico (2008-2010); Centro de Arte 2 de Mayo,
Madrid (2010); School of the Museum of Fine Arts, Boston (2011);
and the Bristol Biennial (2012).
Magali Ávila
Especie migratoria (Migratory Species), 2012
Técnica mixta, óleo, cera y papel sobre madera.
Mixed media, oil paint, wax and paper on wood.
Ávila realizó estudios profesionales de danza, en el INBA, y de artes
visuales en el Incarnate Word College en San Antonio, Texas. Los
últimos cinco años ha vivido entre México y España. Su trabajo, tanto
pictórico como en medios alternativos, ha sido expuesto en México,
Estados Unidos y Europa. En Veracruz realizó su primera exposición
de pintura en el Instituto Veracruzano de la Cultura y recibió una
beca por parte del estado. Una de sus obras fue seleccionada para
la Bienal de la Fundación Araguaney en España. Actualmente pertenece al Sistema Nacional de Creadores de Arte.
Magali Ávila did professional courses in dance at the National Institute of Fine Arts (INBA) and in visual arts at the Incarnate Word College in San Antonio, Texas. Over the last five years she has lived between Mexico and Spain. At the moment she is focusing on painting
and alternative media. Her work has been shown in Mexico, the US,
and Europe. In Veracruz she received a state grant and held her first
show of pictoral work in the Veracruz Institute of Culture. Her work
was selected for the Biennial of the Araguaney Foundation in Spain.
She currently belongs to the National System of Art Creators.
Lorena Malo
Weyo’nhez (“viaje” en zapoteco)
(“trip” in Zapotec), 2012
Bordado.
Embroidery.
Cursó estudios en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la
UNAM. Su trabajo se enfoca en la intervención urbana y la instalación. Ha expuesto en espacios como el Centro ADM, Casa Vecina,
el Faro de Oriente, el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca,
Casa de Francia, la Universidad Iberoamericana, Ex Teresa Arte Actual, entre otros. Además de intervenir múltiples espacios públicos,
como el Reclusorio Oriente, la Lagunilla y la estación de metro Pino
Suárez, ha participado en numerosos eventos de arte urbano. Recibió dos apoyos del gobierno del Distrito Federal: el programa Artes
por todas partes y la Red para el Desarrollo Cultural Comunitario.
Lorena Malo studied Visual Arts at the National School of Arts at
the National Autonomus University of Mexico (UNAM). Her practice
centers on urban intervention and installations. Her work has been
shown at Centro ADM, Casa Vecina, Faro de Oriente, Museum of
Contemporary Art of Oaxaca, Casa de Francia, Ibero-American University, and the museum Ex Teresa Arte Actual, among other venues. She has created public interventions in many spaces across
Mexico City including the Reclusorio Oriente (Eastern Penitentiary),
the Lagunilla (a flea market), and the Pino Suárez subway station.
She has also participated in numerous urban art events. Her work
has been supported by Mexico City’s government through Art Everywhere and Community Cultural Development Network.
Héctor Bialostozky
Objetos migrantes (Migrant Objects), 2012
Caja de madera, cristal y objetos recolectados.
Wooden box, glass and collected objects.
Investigador multidisciplinario, agente aduanal y profesor de sensibilización.
Multidisciplinary researcher, customs officer and sensitization professor.
Valerio Gámez
BIENVENIDO / NO PASE
(Welcome/Do Not Enter), 2012
Técnica mixta, rodajas de carga y vinil.
Mixed media, wheels and vinyl.
Egresado de la Escuela Nacional de Pintura y Grabado “La Esmeralda”, Gámez cursó un posgrado en la Escuela Nacional Superior
de Artes de París. Ha sido becario del Fonca. Su obra cuestiona temas religiosos (Tendencias Guadalupanas, Moda Dolorosa, Cama
Litúrgica), de género y de raza (Juan Diego Casting, Guadalupapi),
de sexualidad (Yo en varias camas, Facebook) y de discriminación
(Pinche Puto). En su obra utiliza medios como la instalación, arte
acción y fotografía.
A graduate of the National School of Painting, Sculpture and Printmaking “La Esmeralda”, Valerio Gámez studied for a postgraduate
degree at la National School of Fine Arts in Paris. He has also received a grant from the National Fund for Culture and Arts (Fonca).
His work touches on religious themes, (Guadalupan Trends, Painful Fashion, Liturgical Bed), gender and race (Juan Diego Casting,
Guadalupapi), sexuality (Me in Many Beds, Facebook) and discrimination (Pinche Puto). He works with installation, action art and photography.
Iván Buenader
Elusiva (Elusive), 2012
Espirales antimosquitos y versos sobre madera.
Mosquito coils and verses on wood.
Buenader vive y trabaja en la ciudad de México. Estudió la Licenciatura en Análisis de Sistemas en la Universidad de Buenos Aires.
Dirigió proyectos como CFW Poet Agency, que convocó a más de
sesenta artistas en centros culturales, museos y teatros en México,
Argentina y Estados Unidos. Impartió talleres de experimentación
poética y publicó en antologías y revistas. Ha participado en Codo a
Codo, Universidad Iberoamericana; la Bienal Internacional de Estandartes 2010, Tijuana; la Bienal Internacional de Poesía Visual 2009,
México y el Festival Close Up 2007, México. Buenader publicó recientemente su novela Lo negaré todo.
Iván Buenader lives and works in Mexico City. He studied systems
analysis at the Universidad de Buenos Aires. He directed the project
CFW Poet Agency, which brought together more than sixty artists
in cultural centers, museums and theatres in Mexico, Argentina and
the United States. He has taught workshops on poetic experimentation and has published his work in anthologies and magazines. He
participated in the exhibitions Side By Side, Ibero-American University, Mexico; International Banners Biennial, Tijuana, 2010; International Visual Poetry Biennial, Mexico, 2009; and Close Up Festival,
Mexico, 2007, among others.. He recently published his novel I Will
Deny Everything.
Bayrol Jiménez
Esperanza Cindi Nero
(Hope Without Money), 2012
Técnica mixta. Al ilustrar esta maleta, utilizo simbolismos satíricos para hablar del tráfico
de droga entre México y Estados Unidos.
Mixed media. By illustrating this suitcase with satiric symbols, I talk about drug trafficking
between Mexico and the United States.
Jiménez utiliza la imagen como un elemento que sirve para construir
tangentes; no se trata de imitar lo que ve sino de crear –a partir de
elementos provenientes de las imágenes de los medios de comunicación, el cine, la calle, el cómic, la religión, la literatura– un collage
que le permite dar un punto de vista de los lugares por donde transita. En su trabajo se pueden reconocer figuras, símbolos y signos
que recicla para tocar distintos temas de actualidad. Ha realizado
diversas exposiciones individuales y colectivas en numerosos espacios internacionales y nacionales.
Bayrol Jiménez uses images as an element in the construction of
tangents. Rather than creating imitations of what he observes, he
creates collages using pieces of images from mass media, movies,
urban public spaces, comics, religion, and literature. The collage allows him to offer his point of view about the places that he visits. His
work recycles signs, symbols and figures that reference different
current events. He has shown his work in group and solo exhibitions
in numerous international and national venues.
Jens Kull y Álvaro Castillo
Erinnerungen an die Zukunft
(Recuerdos del futuro) (Memories of the Future), 2012
Caja de madera rellena de concreto, disco para View-Master y fotografía digital sobre
papel de algodón.
Wooden box filled with concrete, View-Master disk and digital photograph printed on
cotton paper.
Jens Kull y Álvaro Castillo mantienen un diálogo basado en las contradicciones de las diferentes idiosincrasias de sus países natales.
En estos diálogos-manifiestos-iniciativas-conclusiones-esculturas
se percibe un encuentro de técnicas y discursos, y la creación de
cadáveres exquisitos de sus hallazgos y de su colaboración directa
e indirecta con otros artistas. Tanto Castillo como Kull son representados por la Galería de Arte Mexicano y tienen una trayectoria que
abarca una década de exposiciones individuales y colectivas en más
de 12 países alrededor del mundo.
Jens Kull and Álvaro Castillo maintain a dialogue based on the contradictions of the different idiosyncrasies from their natal countries.
In these manifestos-initiatives-conclusions-sculptures one can perceive not only a meeting of technique and discourse but also what
are in essence exquisite corpses of their discoveries, as well as from
the collaboration—both direct and indirect— with other artists. Both,
Castillo and Kull are represented by the the Gallery of Mexican Art
and have a trajectory that spans a decade of individual and group
exhibitions in over 12 countries around the world.
Gina Arizpe
Para mi participación en la exposición colectiva Maletas Migrantes, me fue entregada una pequeña maleta de madera y la
cantidad de 500 pesos para intervenirla y posteriormente presentarla en el Museo Memoria y Tolerancia.
Como respuesta a esta invitación, usé el dinero que me fue entregado para la producción en la compra de víveres y materiales sencillos que pudieran ser de utilidad a un migrante en su
viaje.
Decidí buscar la Casa del Migrante San Juan Diego ubicada en
el municipio de Huehuetoca, Edo. de México, una de las principales paradas en las rutas migratorias en México, y entregar
la maleta a una persona cuyo objetivo fuera llegar a Estados
Unidos.
La maleta fue entregada a un migrante hondureño de nombre Carlos Guzmán Pineda que se dirigía a la ciudad de Houston, Texas.
Mi intención con este proyecto fue que la maleta entrara en
uno de los circuitos de migración humana para perder su rastro
y acompañar en su viaje a una de estas personas que, en muchas
ocasiones, sufren el mismo destino.
Gina Arizpe
Sin rastro (Without Trace), 2012
Impresión en papel albanene.
Print on vellum.
Arizpe formó parte, durante 15 años, del colectivo regiomontano
marcelaygina. Las principales estrategias artísticas que definen su
trabajo son el desplazamiento del estudio como espacio de reflexión
a la calle y ser intermediaria de transacciones socio-estéticas. Arizpe
estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la Universidad Autónoma de Nuevo León, donde también realizó estudios de postgrado.
Check Point, una retrospectiva de su trabajo en colectivo, fue presentada en el año 2010 en el Museo de Arte Carrillo Gil. Además
ha exhibido internacionalmente en ciudades de Estados Unidos,
Latinoamérica y Europa. Actualmente vive y trabaja en la ciudad de
México. Desde el año 2011 es beneficiaria del Sistema Nacional de
Creadores de Arte.
During the 15 years Arizpe formed part of the Monterrey “marcelaygina” collective. The main artistic strategies that define her work
include: separating her studio from the action of reflection and moving it to the street and becoming an intermediary of socio-aesthetic
transactions. Arizpe received a BFA from the Autonomous University
of Nuevo León, where she also completed a postgraduate degree.
Check Point, a retrospective of her work in the collective, was presented at the Carrillo Gil Art Museum in Mexico City in 2010. In
addition, her work has been shown in cities across the U.S., Latin
America, and Europe. She currently works and lives in Mexico City,
and since 2011 has been a recipient of the National System of Art
Creators grant.
For my participation in the group exhibition Migrant Suitcases, I received
a small suitcase made of wood and 500
pesos, in order to alter it artistically, and present it in the Memory and
Tolerance Museum.
In response to this invitation, I decided to use the money for food provisions and other materials that could be
of great help for a migrant.
I decided to go to the San Juan Diego
House of the Migrant in San Bartolo,
Huehuetoca, in the State of Mexico, one
of the main stops along the migrant
route in Mexico, and give the suitcase
to a person on his way to the United
States.
I gave the suitcase to a Honduran migrant named Carlos Guzmán Pineda, who
was on his way to Houston, Texas.
With this project, I wanted the suitcase to disappear, enter into one of
the circuits of human migration and accompany a migrant on his trip, one who
shares the same destiny as many others.
Gina Arizpe
Gerardo García de la Garza
MANDALA CHAC MOOL
(Chac Mool Mandala), 2012
Papel moneda fuera de circulación y espejos. De la serie Partículas de Dios.
Paper money out of circulation and mirrors. From the series Particles of God.
En 2004 García de la Garza inicia una investigación basada en
el papel moneda de todo el mundo, de ahí surgen La trilogía del
dinero y La cadena del dinero, una serie de piezas con soportes
mecatrónicos que muestran otros valores del dinero: los billetes y
las monedas, la numismática, las distintas iconografías que conforman la historia de la humanidad y que señalan un progreso histórico.
Actualmente, García de la Garza utiliza soportes electrónicos para
generar mecanismos de reflexión que enfatizan nuestra condición
humana. Asimismo explora nuestra capacidad natural y sutil para
percibir el entorno, así como la dicotomía hombre-máquina.
In 2004 Gerardo García de la Garza began a research project on
banknotes. His series, The Money Trilogy and The Money Chain,
were products of this project. Built with mechatronic devices, these
pieces lead the viewer to appreciate the different values money may
hold: as bills and coins in their materiality, numismatics, and the iconographies that form the history of humanity and the idea of historical progress. His current work uses electronic devices to generate
a reflection about human nature. He is also interested in exploring
the natural and subtle human capacity to perceive the surrounding
environment, as well as the dichotomy of human and machine.
Nicolassa Casimiro
La democracia que mata y desplaza la autonomía
(Democracy that Kills and Displaces Autonomy),
2012
Pintura acrílica sobre madera.
Acrylic paint on wood.
Estudió la Licenciatura y la Maestría en Artes Visuales en la Escuela
Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. Ha participado en alrededor de 40 exposiciones colectivas en Argelia, Australia, Cuba, España, Francia e Inglaterra, y en tres muestras individuales en México.
Su obra ha sido seleccionada en varias ocasiones para el Encuentro
Nacional de Arte Joven, Aguascalientes, México. Casimiro recibió la
beca Creación Joven del Gobierno del Distrito Federal.
Nicolassa Casimiro has a BFA and an MFA from the National School
of Arts at the National Autonomus University of Mexico (UNAM).
She has participated in more than forty group exhibitions in Algeria,
Australia, Cuba, Spain, France and the United Kingdom, and has
had three solo shows in Mexico. Her work has been selected for
the Encuentro Nacional de Arte Joven, Aguascalientes, Mexico, and
she was a recipient of the Young Creation grant sponsored by the
Government of the Federal District.
Bana Fernández Rolfi
Andurriales del corazón
(The Detours of the Heart), 2012
Óleo sobre madera.
Oil on wood.
Desde muy pequeña Bana Fernández desarrolló el gusto por los colores y se interesó por el dibujo, el universo de las tintas y los pinceles. Sus primeros pasos fueron en las aulas de la escuela Fernando
Fader. Años después, se recibió como profesora especializada en
grabado en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires,
Argentina. Vive entre pinturas y lápices; trabaja como ilustradora
para medios impresos, el cine y el teatro, y continúa su labor como
artista plástica.
As a child Bana Fernández was interested in drawing, a universe of
inks and brushes. She developed a taste for colors. Her first steps
were in the classrooms of her beloved school, Fernando Fader.
Years later, she became an engraving teacher in the Academy of
Fine Arts in Buenos Aires, Argentina. She lives amongst pencils
and paints, works as an editorial illustrator for books, as well as
for movies and theatre, and she continues pursuing her work as a
visual artist.
Catalina Matthey
De mudada (Distorted), 2012
Bordado en género sobre madera.
Embroidery on cloth set on wood.
Matthey es licenciada en Artes Plásticas y maestra en Artes Visuales
(2006) por la Universidad de Chile. Ha expuesto individualmente en
el Centro Cultural de España, en Santiago de Chile, 2006; en la
Galería Die Ecke, Santiago de Chile, 2007; y en la Universidad del
Claustro de Sor Juana, ciudad de México, 2008. Entre sus exposiciones colectivas en Santiago de Chile destacan Suple (2004) en
Pedro de Valdivia 2454; Ninguno (2005) en el Museo Histórico Militar; y Cohortes 2002-2007 en el Museo de Arte Contemporáneo.
Actualmente vive en la ciudad de México, donde es profesora de
asignatura del Departamento de Arte de la Universidad Iberoamericana, institución en la que realiza una maestría en antropología social.
Catalina Matthey Engländer holds a BFA and an MFA from the University of Chile. She has shown her work in solo exhibitions at the
Cultural Center of Spain, in Santiago de Chile, 2006; Galería Die
Ecke, Santiago de Chile, 2007; and the University of the Cloister of
Sor Juana, Mexico City, 2008. Among her group exhibitions in Santiago de Chile are Suple (2004), Pedro de Valdivia 2454; Nobody,
Military History Museum (2005); and Cohortes 2002-2007, Museum of Contemporary Art. She currently teaches art at the IberoAmerican University where she is also pursuing a Master’s degree
in Social Anthropology.
Octavio Abundez
Burn Your Ships (Quema tus naves), 2012
Pintura acrílica.
Acrylic paint.
Abundez vive y trabaja en la ciudad de México. Su obra investiga los
límites y las relaciones entre la cultura, el lenguaje y la percepción.
Con especial interés en responder a la pregunta “¿qué ‘cosa’ es un
lugar?”, ha realizado diversas obras de sitio específico en Europa y
México. En 2005 egresó de la Licenciatura en Arquitectura del Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey. Es miembro fundador del colectivo Tree Amigos. Expuso su obra de manera
individual en el Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara, con la muestra fotográfica No es una moda, es un estilo de vida
(2005). Asimismo, ha participado desde 2004 en diversas exposiciones colectivas en el país y en el extranjero. Su obra se encuentra
en colecciones particulares en México, Europa y Estados Unidos.
Octavio Abundez lives and works in Mexico City. His work explores
the limits and relations among culture, language and perception.
In particular, he seeks to answer the question: “What ‘thing’ is a
place?” He has created different site-specific works in Europe and
Mexico. He graduated in 2005 with a BFA in Architecture from the
Monterrey Institute of Technology and Higher Education and is a
founding member of Tree Amigos. In 2005 he had a solo show at
the Museum of Arts of the University of Guadalajara titled It’s Not
a Fashion, It’s a Lifestyle. Since 2004 he has participated in group
exhibitions in Mexico and abroad. His work is also held in private
collections in Mexico, Europe and the United States.
Paola Beck
Todo está tan lejos
(Everything Is So Far Away), 2012
Técnica mixta sobre madera.
Mixed media on wood.
Beck creció en un contexto rural en Alemania, estudió ilustración y
animación en el Instituto Europeo de Diseño de Roma, y actualmente
reside en la ciudad de México. De naturaleza migrante, ha vivido y
experimentado varias realidades opuestas, buscando en los viajes
la sabiduría y sensibilidad de lo ajeno, de lo incomprensible. El ser
bicultural ha definido su camino, sin pertenecer nunca al cien por
ciento a un lugar. Ha expuesto su trabajo en Chile, México, Italia, Alemania y Estados Unidos, y ha colaborado con artistas, fundaciones
y músicos. Beck busca constantemente nuevos métodos, soportes
y contextos para hacer llegar el arte a más personas. Se dedica a la
pintura, ilustración, escultura y docencia, y próximamente tendrá su
primera exposición individual en San Francisco, EE. UU.
Beck grew up in the German countryside, studied illustration and
animation at the European Institute of Design in Rome, and currently
resides in Mexico City. A migrant by nature, she has lived and experienced various opposing realities while searching for wisdom and
sensibility of the alien and incomprehensible on her journeys. Being
bicultural and not belonging 100% to any place have defined her
path. She has exhibited her work in Chile, Mexico, Italy, Germany
and the U.S., and has collaborated with artists, foundations and musicians. Beck constantly seeks out new methods, mediums and contexts to expose art to more people. She focuses her time on painting,
illustration, sculpture and teaching, and will soon have her first solo
exhibition in San Francisco, California.
Liliana Ang
Dragón dorado chino
(Golden Chinese Dragon), 2012
Técnica mixta, pelo, alambre, pintura acrílica, tinta, óleo pastel, papel e hilo sobre madera.
Mixed media, hair, wire, acrylic paint, ink, oil pastel, paper and thread on wood.
Ang estudió la Licenciatura en Artes Visuales y en el Seminario de
Investigación en Pintura Contemporánea de la Escuela Nacional de
Artes Plásticas de la UNAM. En 2010 su obra recibió el primer lugar
en la II Bienal Nacional de Pintura Gómez Palacio. Tiene tres exposiciones individuales en la ciudad de México: La persistencia de la
imagen femenina, Museo Universitario de Ciencias y Arte, 2011;
Un lugar propio, Galería Autónoma de la Escuela Nacional de Artes
Plásticas, 2008; y Caras, Casa Luis Spota, 2006. También ha participado en más de 15 exposiciones colectivas.
She received a BFA from and was part of the Research Seminar
in Contemporary Painting in the National School of Arts at the National Autonomous University of Mexico (UNAM). In 2010 she won
the first prize in the Gómez Palacio Second National Biennial of
Painting. She has had three solo exhibitions in Mexico City: The
Persistence of the Feminine Image, University Museum of Science
and Art, 2011; A Place of Your Own, Galería Autónoma of the National School of Arts, 2008; and Faces, Casa Luis Spota, 2006.
Cristian Pineda
Movilidad humana (Human Movility), 2012
Pintura acrílica, aerosol sobre madera, tenis y playera. De la serie El caminante.
Acrylic paint, spray paint on wood, tennis shoes and t-shirt. From the series The Walker.
A raíz de su interés por los derechos humanos de los migrantes y la
situación violenta que se vive en las rutas migratorias del continente
americano, Pineda impulsa, desde el 2008, el movimiento Migrantes
Frontera Sur (MFS). Este movimiento social y artístico es una plataforma de vinculación entre artistas, organismos no gubernamentales
y comunidades migrantes que se articula con los procesos de formación y documentación de proyectos de arte contemporáneo. El
movimiento MFS realiza acciones que sensibilizan, reflexionan y denuncian las violaciones de los derechos humanos de los migrantes.
Christian Pineda’s interest in migrant rights and the violence migrants are subjected to along their journey throughout the Americas
led him to create (MFS) South Border Migrants in 2008. This social and artistic movement is a platform that brings together artists,
NGOs and migrant communities to document their experience and
generate contemporary art projects. The purpose of MFS is to carry
out practices that reflect, denounce, and sensitize us to the human
rights violations that migrants suffer.
Rubén Ochoa
The Land of the Sun (La tierra del sol), 2012
Fotografía, madera, metal, tinta y papel.
Photography, wood, metal, ink and paper.
Ochoa vive y trabaja entre las ciudades de México, Londres y Barcelona. Fue ganador del XII Salón Internacional Mercosur y representante de México en el PhotoIreland Festival 2010. Su trabajo ha
sido exhibido en diversas ciudades de Europa, Estados Unidos y
Latinoamérica. Una de sus obras es parte de la colección del Museo
SONS en Oudenaarde, Bélgica, y el Instituto de Arte Lux, en California, lo comisionó para realizar una obra para su colección privada.
Recientemente expuso su trabajo en la Galería 416 W en Dallas,
Texas, y en el Centro de Arte Contemporáneo y Sostenibilidad en
Barcelona, España. A finales de 2011 completó una residencia artística en la misma ciudad.
Rubén Ochoa divides his time among Mexico City, Berlin and Barcelona. He was awarded the first prize in the XII Salón Mercosur
Internacional, and represented Mexico in the PhotoIreland Festival
2010. He has exhibited his work in various cities in Europe, the
United States, and Latin America. One of his art works is in the collection of SONS Museum in Oudenaarde, Belgium. The Lux Art Institute in San Diego, California, commissioned him to create a piece
for its private collection. Recently he showed his work at Gallery
416W in Dallas, Texas, and in the Contemporary Art and Sustainability Center in Barcelona, Spain. At the end of 2011 he completed
an artistic residence in Barcelona.
Cítrico Gráfico
Ficciones (Fictions), 2012
Pintura, vinil auto adherible, serigrafía e impresión digital.
Paint, self-adhesive vinyl, serigraphy and digital print.
Cítrico Gráfico es un estudio de diseño de la comunicación gráfica
fundado en 2004 por María Fernanda Lhez, Malcolm Llanas y Ricardo Lozano Villaseñor. Se especializan en identidad gráfica, diseño
editorial, multimedia, motion graphics y señalización. Han desarrollado en su mayoría proyectos culturales para distintos museos, instituciones, festivales y artistas. Algunos de sus clientes son el Museo Universitario de Arte Contemporáneo, el Museo Carrillo Gil, el
Museo Nacional de Arte, la Cineteca Nacional, el Imcine, el Festival
Internacional de Cine Contemporáneo, AMBULANTE, el Festival de
México, el Festival de Cine de Morelia, entre otros. Recientemente
lanzaron Andamios Colectivo Gráfico, para dar a conocer proyectos gráficos y promover el diseño. Actualmente son coordinadores
de la categoría de Diseño Gráfico del Consejo de Diseñadores de
México-Quórum.
Cítrico Gráfico is a graphic communication and design studio.
Founded in 2004 by María Fernanda Lhez, Malcolm Llanas and
Ricardo Lozano Villaseñor. It specializes in graphic identity, editorial design, multimedia, motion graphics and signal design. The
designers have mainly developed cultural projects for various museums, festivals, institutions and artists. Their clients have included:
the University Museum of Contemporary Art, Carrillo Gil Museum,
National Museum of Art, National Film Archive, Mexico City International Contemporary Film Festival, AMBULANTE, Festival of
Mexico, Morelia International Film Festival, among others. Recently
Cítrico Gráfico launched Andamios Graphic Collective to showcase
and promote graphic and design projects. They also serve as coordinators of the Graphic Design Section of the Quórum-Mexican
Designers Council.
Víctor del Palacio
Mamá, estoy en la televisión
(Mom, I Am on TV), 2012
Técnica mixta, óleo y acrílico sobre madera.
Mixed media, oil and acrylic paint on wood.
Del Palacio realizó estudios de pintura y diseño en Emily Carr University of Art + Design en Canadá. Lo inspiran los colores, el niño
interno, los viajes, la estética femenina, la arquitectura y los puntos
de fuga, las novelas gráficas, el anime y la cultura pop de los 80 y
90. Su proyecto no es exclusivamente pictórico; también colabora
como ilustrador y diseñador en diversas publicaciones y agencias
de publicidad, y ha diseñado productos para marcas como Adidas,
Nike y Threadless.
Del Palacio studied painting and design at the Emily Carr University
of Art+Design in Canada. He is inspired by colors, the child within, trips, the feminine aesthetic, architecture and vanishing points,
graphic novels, anime, and pop culture from the 80s and 90s. His
project is not exclusively pictorial as he also collaborates as an illustrator and designer in diverse publications and advertising agencies.
He has also designed products for brands such as Adidas, Nike and
Threadless.
Laura García Hernández
Excavaciones maternas. La historia de una
familia que sobrevivió íntegra a la Guerra Sucia,
(Maternal Excavations. The Story of a Family that
Survived The Dirty War), 2012
Técnica mixta.
Mixed media.
García es curadora, investigadora, editora y artista intermedia. En
2010 sus producciones de arte intermedia fueron incorporadas a
los acervos de TV Feminista y de la Escuela de Feminismo Libre en
Brasil. Fue representante de México en el festival de video Femlink
en el Museo de las Ocupaciones en Talinn, Estonia. Ha expuesto
su trabajo en el Centro Cultural Shams, en Beirut, Líbano; Peripher
Gallery en Zúrich, Suiza; Proyector Room Arte Actual/FLACSO en
Quito, Ecuador; el Centro Cultural Lynn-Arts en Massachusetts, Estados Unidos; Fundación ARTos en Nicosia, Chipre; y el Instituto
de Cinematografía en Manila, Filipinas. García fue curadora de la
Muestra Internacional de Arte Urbano Intersticios Urbanos 2011.
Laura García Hernández is a curator, researcher, editor and an intermedia artist. In 2010 her productions of intermedia art and video
became part of Feminist TV and the School of Free Feminism in
Brazil. She has represented Mexico in the FEMLINK International
Video Festival, held at the Museum of Occupations in Estonia. She
has also shown her work in the Shams Center in Beirut, Lebanon;
Peripher Gallery, Zurich, Switzerland; Proyector Room de Arte Actual/FLACSO, Quito, Ecuador; Lynn-Arts Centre, Massachusetts, US;
ARTos Foundation, Nicosia, Cyprus; and the Film Institute, Manila,
Philippines. She was the curator of Muestra Internacional de Arte
Urbano, Intersticios Urbanos 2011.
Tania Candiani
Frases para emigrar (Phrases to Emigrate), 2012
Papel, 10 frascos de vidrio y asa de maleta.
Paper, 10 glass jars and suitcase handle.
Los procesos de investigación de Tania Candiani parten del lenguaje, del texto, de las implicaciones políticas de lo doméstico, de
lo público y privado, de la alteridad. Sus estrategias de traducción
entre sistemas (lingüísticos, visuales, fónicos) y prácticas generan
equivalencias y asociaciones, en donde está presente una nostalgia
continua por lo obsoleto que hace reflexionar sobre el contenido discursivo de los artefactos y sobre antiguas proyecciones del futuro.
Actualmente Tania Candiani es becaria de la Fundación Guggenheim en la categoría Creative Arts, y desde 2012 es parte del Sistema Nacional de Creadores de Arte.
Tania Candiani’s research begins with language, text, the political
implications of the domestic, the public and the private and alterity.
Her translation strategies of linguistic, visual, and phonic systems
and practices generate equivalences and associations where a continual nostalgia for the obsolete is present, leading to a reflection
about the discursive content of the artifacts and old projections of
the future. Currently, Tania Candiani is a Guggenheim fellow in the
Creative Arts category, and since 2012 has been a member of the
National System of Art Creators.
Adonay Vásquez
De la serie Equipaje de sueños
(From the series Luggage of Dreams), 2012
Técnica mixta, acrílico sobre madera e impresión cromógena.
Mixed media, acrylic on wood and chromogenic print.
Vásquez, originario de Tehuantepec, Oaxaca, es arquitecto de profesión. Su trabajo abarca la fotografía y la pintura. Como pintor ha
participado en distintas exposiciones: la Bienal Nacional de Artes
Visuales de Yucatán, la Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce en Michoacán y en la II Bienal Gonzalo Villa Chávez de la
Universidad de Colima, de la cual fue ganador. Ha exhibido su trabajo en Colima, Oaxaca y diferentes espacios públicos en el país. También ha expuesto en Viña del Mar y Santiago de Chile. Sus temas,
por lo regular, son de corte social. Actualmente realiza un proyecto
fotográfico con y sobre migrantes que lo ha llevado más allá de la
frontera sur de México, en busca de las causas de la migración de
centroamericanos hacia Estados Unidos.
Adonay Vásquez was born in Tehuantepec, Oaxaca, and studied architecture. His work includes painting and photography. As a painter
he has participated in a variety of shows, including the National Biennial of Art in Yucatán, Alfredo Zalce National Biennial of Painting
and Engraving in Michoacán, and the Gonzalo Villa Chávez Second
Biennial at the University of Colima, in which he won the first place.
He has shown his work in Colima, Oaxaca and many public spaces
in Mexico. He has also presented his work in Viña del Mar and Santiago de Chile. His themes often come from a social background.
Currently he is working on a photo project with and about migrants
that has taken him beyond Mexico’s southern border to understand
the causes behind Central American migration to the United States.
Alma Gálvez
Esperanza (Hope), 2012
Talla directa y pintura acrílica sobre madera.
Carving and acrylic paint on wood.
Gálvez empezó como diseñadora gráfica. Desde hace 15 años se
ha dedicado principalmente a la talla en madera utilizando una extensa variedad de técnicas. Se especializó en la escultura, el diseño
y la producción de objetos decorativos tallados en madera. Con su
trabajo busca expresar y compartir el gusto y la pasión que siente
por lo que hace.
Gálvez began as a graphic designer. For the last 15 years she has
dedicated herself primarily to woodcarving, utilizing an extensive
series of techniques. She specialized in sculpture, design and decorative objects carved with wood. She seeks to express and share
the joy and passion that she feels for her woodwork.
Alejandro Magallanes
Maleta migrante (Migrant Suitcase), 2012
Técnica mixta.
Mixed media.
Magallanes estudió diseño gráfico en la Escuela Nacional de Artes
Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México. En 1996
fundó, con Leonel Sagahón, el despacho La Máquina del Tiempo.
Ha trabajado para diversas instituciones sociales y culturales, en el
desarrollo de proyectos editoriales, imágenes institucionales, carteles y en 1997 coordinó la exposición No todos los carteles son
bonitos. Su trabajo de cartel ha sido expuesto en Japón, la República Checa, Argentina, los Estados Unidos, China, Eslovenia, Rusia,
Ucrania, Colombia, Venezuela, Polonia, Cuba y México. Mereció la
medalla Josef Mroszczak en la XVI Bienal del Cartel en Varsovia, el
tercer lugar en la Trienal de Eco-Carteles 4th Block, en Ucrania, y el
premio Golden Bee en la categoría de libro en la Bienal Internacional
de Diseño Gráfico, en Rusia. Forma parte de los colectivos Cartel de
Medellín y Fuera de Registro.
Magallanes studied graphic design at the National School of Arts at
the National Autonomous University of Mexico (UNAM). In 1996
he founded the design studio Máquina del Tiempo with Leonel Sagahón. He has worked for various social and cultural institutions,
developed editorial projects, institutional images and posters, and
in 1997 coordinated the exhibition Not All Posters Are Pretty. His
poster work has been shown in Japan, The Czech Republic, Argentina, the United States, China, Slovenia, Russia, Ukraine, Colombia,
Venezuela, Poland, Cuba and Mexico. He was awarded the Josef
Mroszczak medal in the XVI Poster Biennial in Warsaw, finished
third place in the Triennial of Eco-Posters 4th Block, Ukraine, and
won the Golden Bee in the book category in the International Biennial of Graphic Design, in Russia. He is a member of the collectives
Cartel de Medellín and Fuera de Registro.
Edith López Ovalle
Exilio (Exile), 2012
Técnica mixta, acrílico, arena y conchas. Libro de artista: impresión digital sobre papel de
algodón, tinta y acrílico.
Mixed media, acrylic paint, sand and shells. Artist’s book: digital print on cotton paper,
ink and acrylic paint.
López Ovalle es maestrante en Artes Visuales por la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM y licenciada en Artes Plásticas
por la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Su producción artística se enfoca en la denuncia de violaciones de los derechos humanos, en particular en la desaparición
forzada de personas. Desde 2006 es integrante de la organización
H.I.J.O.S. México (Hijos por la Identidad y la Justicia, Contra el Olvido y el Silencio).
Edith López Ovalle is currently studying for an MFA at the National
School of Arts at the National Autonomous University of Mexico
(UNAM) and holds a BFA from the National School of Painting,
Sculpture and Printmaking “La Esmeralda.” Her work aims to denounce human rights violations, in particular forced disappearances. Since 2006 she has formed part of the organization H.I.J.O.S
(Sons and Daughters for Identity and Justice Against Oblivion and
Silence).
Mario Esteban Galán, “sieSeis”
Dentro y fuera (In and Out), 2012
Impresión digital anaglifa (3D), pop-up y stickers.
Anaglyph 3D print, pop-up and stickers.
Diseñador industrial egresado de la Universidad Autónoma de México y artista urbano, Galán ha participado en varias exposiciones
colectivas: In Wall We Trust, Italia, 2012; Pimp My Toy, Italia, 2012;
Arte Público Subterráneo, México 2012; Re-Cover, México, 2011;
Habitar No Autorizado, México, 2010; Híbrido, Aniversario 1 Bis
Faro de Tláhuac, México, 2009; y Directo de Fábrica, México, 2008.
Como diseñador ha trabajado con distintas marcas: Adidas, Grupo
Bacardí, Grupo Diageo, L’Óreal, Bticino, Pirelli, Guess, Garnier, Benetton, entre otras.
An industrial designer and urban artist with a degree from the National Autonomous University of Mexico (UNAM), Galán has participated in various group exhibitions as In Wall We Trust, Italy, 2012;
Pimp My Toy, Italy, 2012; Arte Público Subterráneo, Mexico, 2012;
Re-Cover, Mexico, 2011; Habitar No Autorizado, Mexico, 2010; Híbrido, Aniversario 1 Bis Faro de Tláhuac, Mexico, 2009; and Directo
de Fábrica, Mexico, 2008. As a designer he has worked for various
brands including Adidas, Grupo Bacardí, Grupo Diageo, L’Óreal,
Bticino, Pirelli, Guess, Garnier, Benetton, among others.
Cecilia de Tavira
Lo aparentemente translúcido
(The Seemingly Translucent), 2012
Técnica mixta, barniz cristalino y acrílico sobre madera.
Mixed media, clear enamel and acrylic paint on wood.
De Tavira es licenciada en Historia del Arte por la Universidad Iberoamericana y egresada de la Maestría de Estudios de Arte con especialización en Arte y Educación. Además de dedicarse a reflexionar acerca de la teoría del arte y enseñar los fenómenos artísticos,
trabaja en su taller, al que concibe como un laboratorio de formas y
técnicas donde las ideas se cristalizan. Ha sido docente en la Universidad Iberoamericana y el Centro de Estudios Superiores San
Ángel, en donde ha impartido materias relacionadas con la teoría del
arte, el análisis de la imagen y las relaciones estéticas e históricas
entre arte y cocina. Actualmente, además de su obra plástica, trabaja
en el desarrollo de proyectos de espacios públicos interactivos.
De Tavira graduated with a degree in Art History from the IberoAmerican University and completed a master’s degree in Art Studies
with a specialty in Art and Education. In addition to studying art theory and teaching artistic styles, she works in her studio, which she
sees as a laboratory of forms and techniques where ideas crystallize. She has taught art theory, image analysis, and the aesthetic and
the historic relations between art and cooking at the Ibero-American
University and the San Ángel Center for Superior Studies. In addition to her studio work in the visual arts, she is currently developing
interactive spatial projects.
Said Dokins
Palimpsestos del devenir: 1. El signo de la muerte
y la historia, 2. Instantes del devenir individual,
3. Inscripciones etéreas
(Palimpsests of Transformation: 1.The Sign and
History of Death, 2. Moments of Individual Evolution, 3. Ethereal Inscriptions), 2012
Caligrafía, audio y video.
Calligraphy, audio and video.
Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de
Artes Plásticas y realizó algunos estudios de filosofía en la Facultad
de Filosofía y Letras de la UNAM. Su práctica incluye la producción
del arte en el espacio público, la investigación y la gestión cultural,
así como prácticas de caligrafía, grafiti, instalación, intervención y
video arte. Su trabajo se inclina hacia la reflexión de la sociedad
con respecto a la historia, el símbolo de la muerte en relación con el
conflicto de poder, la destrucción, la supervivencia y los discursos
explicativos del mundo como mecanismos de control.
He studied his BFA at the National School of Arts and did some
coursework in philosophy at the Faculty of Philosophy and Literature of the National Autonomous University of Mexico (UNAM). His
practice includes art production in public spaces, research and cultural administration as well as calligraphy practices, graffiti, installation, intervention and video art. His work centers on the ways in
which society reflects on history, the symbol of death in relation to
power, destruction, survival, and explicative discourses of the world
as mechanisms of control emanating from imposed regimes.
Colectivo A contrapelo
La multitud del ala contra el viento
(The Multitude of the Wing Against the Wind), 2012
Huacales, cartas y testimonios.
Wooden crates, letters and testimonies.
A contrapelo es un proyecto integrado por Antígona González, Mariana Gómez Godoy y Melina Alzogaray Vanella, quienes se reunieron a principios del 2011 para trabajar en La multitud del ala contra
el viento: voces de mujeres en el proceso migratorio en México. Su
propuesta fue rastrear las historias de vida de dos grupos de mujeres, a partir de sus relatos orales, y luego presentar sus biografías en
una instalación. Asimismo las tres aportaron su mirada que, nutrida
por sus diferentes experiencias (las artes escénicas, la historia oral,
el trabajo sobre género y las artes plásticas), conformaron un caleidoscopio que dio vida a una instalación presentada en 2012, en la
ciudad de México. Beneficiarias del Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales del Fonca, hoy siguen desarrollando
proyectos relacionados con la migración en México.
A contrapelo is a project formed by Antígona González, Mariana
Gómez Godoy and Melina Alzogaray Vanella, who joined forces in
2011 to work in La multitud del ala contra el viento: voces de mujeres en el proceso migratorio en México. In this project, they tracked
the life histories of two groups of women through oral stories, to
then present them in an installation. The product of this project, a
kaleidoscopic installation nourished by their rich backgrounds in the
performing arts, oral history, gender studies and visual arts, was presented in Mexico City in 2012. As recent recipients of Program for
Cultural Projects of the National Fund for Culture and Arts (Fonca),
they continue working on projects about migration in Mexico.
Rocío Gordillo
Trayectos que brillan (Paths that Shine), 2012
Pintura acrílica sobre madera y lámpara de LEDs.
Acrylic paint on wood, and LED lamp.
Gordillo estudió la Licenciatura en Artes Visuales en el Instituto
Allende, incorporado a la Universidad de Guanajuato. Gordillo vive
y trabaja en la ciudad de México. Ha expuesto individualmente en
la Galería Oscar Cruz, São Paulo, Brasil, 2011; Caja Blanca, ciudad de México, 2009; Humo Live Art, Guadalajara, México, 2009;
Kunsthaus Santa Fé, Miami, EE.UU., 2008; Kunsthaus Santa Fé,
San Miguel de Allende, México, 2007; La Estación, Chihuahua,
México, 2007; Museo de la Ciudad de Querétaro, México, 2003;
Museo de Allende, San Miguel de Allende, México, 2003; y en reconocidas muestras colectivas fuera del país. Su pintura pertenece
a importantes colecciones públicas y privadas en México, Estados
Unidos, Alemania, Italia, Turquía y Venezuela.
Gordillo studied a BFA at the Allende Institute, part of the University of Guanajuato. She lives and works in Mexico City. She has
had solo exhibitions in the Oscar Cruz Gallery in São Paulo, Brazil,
2011; Caja Blanca, Mexico City, 2009; Humo Live Art, Guadalajara,
Mexico, 2009; Kunsthaus Santa Fe, Miami, U.S., 2008; Kunsthaus
Santa Fe, San Miguel de Allende, Mexico, 2007; La Estación, Chihuahua, Mexico, 2007; Museum of the City of Queretaro, Mexico,
2003; Allende Museum, San Miguel de Allende, Mexico, 2003, and
has been a part of important group shows abroad. Her paintings
belong to important private and public collections in Mexico, the
United States, Germany, Italy, Turkey and Venezuela.
Laura Soria
Black Box (Caja negra), 2012
Caja de madera laqueada en negro, circuitos con LEDs, alambre de cobre y acetatos.
Black lacquer wood box, LED circuits, copper wire and acetate sheets.
Soria es una artista mexicana que vive entre México y Berlín. Por
medio de su trabajo intenta activar sentimientos, evocando recuerdos tanto personales como colectivos para comunicar realidades de
distintas escalas y dimensiones entre sí, y crear nuevos discursos.
Fotografía, instalación, pintura y video son los principales formatos
en los que trabaja. Sus obras han sido presentadas en diferentes
galerías de México, Alemania e Inglaterra. Su último trabajo, ZOV
Traidores del Deporte, acerca de atletas que se fugaron de la República Democrática Alemana, se presentará en México en el Museo
Memoria y Tolerancia en 2013.
Soria is a Mexican artist who lives between Mexico and Berlin. In
her work she aims to create new discourses and activate feelings
through the quest for memories, both personal and collective, in order for realities of distinct scales and dimensions to communicate
with one another. The main formats with which she works are photography, installation, painting and video. Her work has been presented at different galleries in Mexico, Germany and England. Her
last project about athletes in East Germany, ZOV Traitors of Sport,
will be shown in the Memory and Tolerance Museum in 2013.
Teresa Candela
Quién salvará a ese chiquillo menor que un
grano de avena? ¿De dónde saldrá el martillo
verdugo de su cadena? (Who will save that little
boy smaller than an oat grain? From where will
the hammer to break his chains come?), 2012
Técnica mixta.
Mixed media.
Impartió la clase de Psicología de la Percepción en la Escuela de
Diseño y Artesanías, de 1975 a 1978. Formó parte del Taller de Animación Independiente A.C. (1978-1980), donde realizó numerosos
proyectos, entre los que destaca el cortometraje animado Crónicas
del Caribe, ganador de un Ariel y dos premios en Cuba. Ha ilustrado
libros para el Instituto Nacional de Antropología e Historia y para
el Fondo de Cultura Económica. Se dedica a la artesanía, particularmente a la elaboración de cajas labradas y pintadas, así como
lámparas con materiales naturales y reciclados.
From 1975 to 1978, Teresa Candela taught “Psychology of Perception” at the School of Design and Crafts. She participated in the
Independent Animation Workshop from 1978-1980, where she
worked in different animation projects such as Caribbean Chronicles, which won an Ariel prize and two other awards in Cuba.
She has illustrated books for the National Institute of Anthropology and History and for the publishing institution Fondo de Cultura
Económica. She creates crafts, including carved and painted boxes
as well as lamps using natural and recycled materials.
Ilian González
De cabeza (Upside Down), 2012
Lupa, espejo y pintura acrílica sobre madera.
Magnifying glass, mirror and acrylic paint on wood.
La exploración de González a través de medios como el cine, el teatro y las artes visuales hace eco con sus traslados físicos. Nace en
Poza Rica, Veracruz, crece en Reynosa, Tamaulipas, para después
mudarse a la ciudad de México, Estados Unidos, Argentina, Brasil,
Alemania y Polonia. En el trabajo de González está presente el vigor
de lo híbrido como corazón de toda transformación, así como un
interés por los códigos de percepción ligados a nociones místicas
de la existencia. La obra de González abarca el video, la fotografía
y la instalación. Su trabajo ha sido expuesto en el Laboratorio Arte
Alameda, México; VideoBrasil, São Paulo; Museo Reina Sofía, Madrid; Zamek Ujazdowski, Varsovia; Museo de Arte Contemporáneo,
Moscú, entre otros. Actualmente vive y trabaja en México.
González’s explorations in cinema, theater and the visual arts resonates with his travels. Born in Poza Rica, Veracruz, he grew up
in Reynosa, Tamaulipas, and later lived in Mexico City, the United
States, Argentina, Brazil, Germany, and Poland. González’s work
presents the energy of the hybrid, the heart of all transformation, as
well as an interest in codes of perception linked to mystic notions of
existence. His work spans video, photography and installation, and
has been exhibited in the Laboratory Art Alameda, Mexico; VideoBrasil, São Paulo; the Reina Sofía Museum, Madrid; Zamek Ujazdowski, Warsaw; Museum of Contemporary Art, Moscow, among
other venues. He currently lives and works in Mexico City.
Flavio Montessoro
Obligadamente llegándole de aquí
(Obligated to Get Out of Here), 2012
Técnica mixta con semillas y pintura acrílica.
Mixed media with seeds and acrylic paint.
Montessoro realizó estudios superiores de diseño gráfico en la Universidad Iberoamericana, así como la Maestría en Artes Visuales en
La Academia de San Carlos. Es profesor investigador del Departamento de Arte y Patrimonio Cultural de la Universidad Autónoma
de la Ciudad de México (UACM) e imparte clases de ilustración
y diseño en la Universidad Iberoamericana. En su estudio realiza
proyectos de pintura, performance, cartonería, ilustración y diseño social y cultural. Así mismo desarrolla, desde 2002, proyectos
de gráfica e intervenciones urbanas. Ha participado en más de 60
exposiciones colectivas y 11 individuales en ciudades como Nueva York, París, Colorado, Barcelona, Caracas, Toluca, Guanajuato,
Oaxaca y el Distrito Federal, y ha presentado sus performances en
varias instituciones en México.
Montessoro completed a graduate degree in graphic design at the
Ibero-American University, as well as a Master’s in Visual Arts at
the San Carlos Academy of Art. He’s a professor at the Department of Art and Cultural Patrimony of the Autonomous University
of Mexico City (UACM) and teaches illustration and design at the
Ibero-American University. In his studio he works on paintings,
create performances, cartoons, illustrations and cultural and social design projects. Likewise, since 2002 he has been working
on graphic and urban intervention projects. He has participated in
many group and solo exhibitions in cities such as New York, Paris, Barcelona, Caracas, Toluca, Guanajuato, Oaxaca and Mexico
City, and has presented his performances in various institutions
in Mexico.
Lorena Moreno-Vera
Sin palabras: lugares, instantes y coordenadas
(Without Words: Places, Instants and Coordinates),
2012
Grafito sobre papel, frascos de laboratorio y caja para muestras.
Graphite on paper, laboratory jars and box for samples.
Moreno-Vera es egresada de la Licenciatura en Artes Plásticas y
Visuales por la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado
“La Esmeralda” del INBA. Su obra aborda temáticas sobre el tiempo a partir de la arquitectura, la fotografía, el dibujo y el objeto. Ha
realizado exposiciones individuales y colectivas en México, Francia y
Bélgica. Asimismo, ha realizado proyectos de gestión y curaduría de
exposiciones en México. Actualmente es responsable de los programas comunitarios de Fundación/Colección Jumex.
Lorena Moreno-Vera holds a BFA from the National School of Painting, Sculpture and Printmaking “La Esmeralda” of the National Institute of Fine Arts (INBA). Her work engages with ephemeral themes
through their relationship with architecture. She employs photography, drawing and objects. She has participated in group as well
as solo exhibitions in Mexico, France and Belgium. She has also
curated projects and exhibitions in Mexico. She currently directs the
community programs of the Jumex Foundation/Collection.
Colectivo Lapiztola
Pasaporte sellado (Stamped Passport), 2012
Técnica mixta, sellos y esténcil sobre madera.
Mixed media, rubber stamps and stencil on wood.
El colectivo Lapiztola se formó en el año 2006, año en el que hubo
una revuelta política en la ciudad de Oaxaca que generó un movimiento cultural. El colectivo entiende el arte urbano como una forma
de protesta e intenta aportar ideas visuales que generen un diálogo
con la sociedad. El esténcil y la serigrafía son las técnicas que más
usan para crear módulos o tapices impresos para así lograr una gráfica urbana.
The Lapiztola Collective was formed in 2006, the year in which a
cultural movement was born out of a political revolt that erupted the
same year in Oaxaca City, Mexico. The collective understands urban
art as a form of protest and aims to provide visual ideas in order
to generate a dialogue with society. They most frequently use the
techniques of stencil and serigraph, creating modules or imprinted
tapestries, in order to produce an urban graphic.
Mariana Gullco
Crochet (Crochet), 2012
Plumón indeleble e hilo de algodón.
Permanent marker and cotton thread.
Mariana Gullco nació en Buenos Aires. Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. Ha expuesto en más de treinta
muestras colectivas en México, Canadá, Estados Unidos, Francia,
Belice y Cuba, entre otros países. Algunas de sus exposiciones individuales incluyen Universos, Oaxaca, 2012; Mariana Gullco, 2010;
Trama, Yucatán, 2010; Jetables, La Chambre Blanche, Quebec,
Canadá, 2006; y Té, ciudad de México, 2002. Pertenece al Sistema Nacional de Creadores de Arte desde 2010. Entre sus becas y
premios se encuentran: beca de Residencias Artísticas Fonca y La
Chambre Blanche en Quebec, 2006; beca Jóvenes Creadores del
Fonca, 2004-2005; segundo lugar en la III Bienal Internacional de
Estandartes de Tijuana, 2004; Premio Nacional de Instalación en
la Bienal Nacional de Artes Visuales de Yucatán, 2002; y Artes por
todas partes, del Instituto de Cultura del D.F., 2001.
Mariana Gullco was born in Buenos Aires. She pursued her studies
at the National School of Arts, National Autonomous University of
Mexico (UNAM). She has shown her work in more than thirty group
exhibitions in Mexico, Canada, the United States, France, Belize and
Cuba, among other countries. Some of her solo shows are Universos, Oaxaca, 2012; Mariana Gullco, 2010; Trama, Yucatan, 2010;
Jetables, La Chambre Blanche, Quebec, Canada, 2006; and Té,
Mexico City, 2002. She has received many distinctions and awards
including the International Residencies Fellowship given by the National Fund for Culture and Arts (Fonca) and La Chambre Blanche
in Quebec, 2006; Fonca’s Young Creators fellowship, 2004-2005;
second place in the III National Biennial of Banners, Tijuana, 2004;
National Prize in the installation category of the National Biennial of
Arts, Yucatan, 2002; and Art Everywhere of the Mexico City Institute
of Culture, 2001.
Cecilia Guzmán
Entrelazar collados (Bridging Hills), 2012
Tierra, huellas digitales sobre acetato y caja de madera.
Soil, digital footprints on acetate sheet, and wooden box.
Performer y artista visual, Guzmán estudió literatura latinoamericana
en la Universidad Iberoamericana. Ha realizado diversos estudios en
arte, fotografía, performance y más recientemente en prácticas escénicas experimentales. Algunos de sus trabajos se han presentado
en la Universidad Autónoma de México, el Centro Nacional de las
Artes, el Instituto Politécnico Nacional, el Centro Cultural Border,
el Foro Cultural MUJAM, la Central del Pueblo y diversos espacios
públicos. Se interesa por la estética de la trasgresión como evocación de la muerte.
Performer and visual artist, Guzmán studied Latin American Literature at the Ibero-American University. She has studied art, photography, performance, and most recently, experimental performance
practices. Some of her works have been presented in the National
Autonomous University of Mexico, the National Center for the Arts,
the National Polytechnic Institute, Border Cultural Center, MUJAM
Cultural Forum, the People’s Centre, and an array of public spaces.
She is interested in the aesthetics of transgression as an evocation
of death.
Hébert Hernández
Económico y rendidor
(Economical and Long-Lasting), 2012
Técnica mixta.
Mixed media.
Oriundo del estado de Hidalgo, Hernández migró a la ciudad de
México. Se formó como fotógrafo documental en la Facultad de
Ciencias Políticas y Sociales de la UNAM. Su trabajo busca construir puentes de comunicación entre la urbe y el campo por medio
de la imagen, y ha sido expuesto principalmente en las comunidades
indígenas del Valle del Mezquital, Hidalgo.
Hernández was born in Hidalgo and migrated to Mexico City. He
studied documentary photography in the Faculty of Political and
Social Sciences at the National Autonomous University of Mexico
(UNAM). With his work, Hernández seeks to bridge the urban and
the rural, using photography. His work has been exhibited mainly
in the indigenous communities of the Mezquital Valley in Hidalgo.
Claudia Pérez Pavón
Nad@ en la frontera o como pez en el agua
(Swimming/Nothing at the Border or Like a Fish
in the Water), 2012
Técnica mixta, triplay, madera pino y caoba, PET, perno e imanes.
Mixed media, plywood, pine and mahogany wood, PET, bolt and magnets.
Pérez Pavón estudió filosofía y artes plásticas en la ciudad de México y en Florencia, Italia. Entre los reconocimientos que ha recibido
están la beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte (20122014), beca Jóvenes Creadores del Fonca, primer premio por unanimidad del jurado en la X Bienal de Pintura Rufino Tamayo. También
ha participado en más de 50 muestras, entre individuales y colectivas, en Europa, Estados Unidos y Latinoamérica. Su obra pertenece
a importantes colecciones del mundo.
She studied philosophy and visual arts in Mexico City and Florence,
Italy. Her recognitions include the National System of Art Creators
fellowship (2012-2014), the Young Creators grant, first prize (unanimously) at the X Rufino Tamayo Biennial of Painting. She has also
participated in more than 50 shows (both solo and group) in Europe,
the U.S., and Latin America. Pérez Pavón’s work is part of many
important world collections.
FUNDACIÓN FORD
La Fundación Ford trabaja con líderes y organizaciones en todo el mundo para cambiar estructuras e instituciones sociales, con el fin de que todas las personas tengan la
oportunidad de alcanzar su máximo potencial, aporten a la sociedad, participen en el proceso de toma de decisiones, y puedan vivir y trabajar con dignidad. Este compromiso
con la justicia social se ve reflejado en programas que fortalecen los valores democráticos, reducen la pobreza y la injusticia, promueven la cooperación internacional y fomentan
el conocimiento, la creatividad y los logros del ser humano.
The Ford Foundation works with visionary leaders and organizations worldwide to change social structures and institutions so that everybody has the opportunity to reach their
full potential, contribute to society, have a voice in the decisions that affect them, and live and work in dignity.This commitment to social justice is carried outthrough programs
that strengthen democratic values, reduce poverty and injustice, promote international
cooperation and advance human knowledge, creativity and achievement.
www.fordfoundation.org
AMBULANTE A.C.
En AMBULANTE A.C. creemos en la capacidad del cine para generar un acercamiento a diversas realidades, otorgar las herramientas para su posible transformación y contribuir
a formar una sociedad participativa, crítica e informada. Desde hace siete años venimos apostando por la difusión del cine documental como una herramienta de transformación
cultural y social a través de Ambulante Gira de Documentales, un festival internacional de cine documental que viaja durante tres meses a lugares que cuentan con poca oferta de
exhibición y formación en este tipo de cine, con el fin de abrir nuevos canales de expresión y reflexión en México. Ambulante se ha convertido en el festival de cine documental de
mayor alcance en México, constituyendo un espacio de exhibición único en el mundo. AMBULANTE también cuenta con un proyecto de capacitación a largo plazo en producción
documental, Ambulante Más Allá, que tiene como objetivo capacitar a nuevos realizadores provenientes de diversos rincones de América Latina, quienes cuentan con acceso
limitado a las herramientas necesarias para compartir sus historias con un público amplio. Además, AMBULANTE ha presentado selecciones de documentales, principalmente
mexicanos y latinoamericanos, en más de 33 ciudades en 15 países en colaboración con distintos festivales, organizaciones, exhibidoras e instituciones.
AMBULANTE A.C. es una organización sin fines de lucro fundada en el año 2005 por Gael García Bernal, Diego Luna y Pablo Cruz.
In AMBULANTE A.C. we believe in the power of documentary cinema as a tool for social and cultural transformation.
For the past 7 years, the Ambulante Documentary Film Festival has toured all over Mexico, bringing documentary films to places where they are rarely available in order to create
a participative, informed and critical audience, to procure new forms of expression, and to encourage dialogue and debate. Ambulante has become the documentary film festival
with the largest scope in Mexico and a unique exhibition space in the world. AMBULANTE also supports education in documentary filmmaking through the initiative Ambulante
Beyond, which aims to train new filmmakers from all over Latin America that have limited access to the necessary tools that would allow their stories to find new and widespread avenues of expression. Furthermore, AMBULANTE has curated showcases of Latin American documentaries in more than 33 cities in 15 countries, in collaboration with
other festivals, organizations, exhibitors and institutions. AMBULANTE A.C. is a non-profit organization founded in 2005 by Gael García Bernal, Diego Luna and Pablo Cruz.
www.ambulante.com.mx
MUSEO MEMORIA Y TOLERANCIA
El Museo Memoria y Tolerancia fue creado con el propósito de difundir la tolerancia a través de la memoria histórica. Su misión es alertar sobre el peligro de la indiferencia, la
discriminación y la violencia para crear responsabilidad, respeto y conciencia en cada individuo. Entre sus objetivos están impulsar a las nuevas generaciones a buscar una
convivencia más sana y comprometida con su entorno y fomentar la reflexión que derive en acción social.
The Memory and Tolerance Museum was created to promote tolerance through historical memory. Its mission is to create awareness about the dangers of indifference, discrimination, and violence in order to foster respect and consciousness in each individual. Among its objectives are to encourage new generations to seek out a healthier coexistence
and engagement with their surroundings, as well as to promote critical reflection that leads to social action.
www.memoriaytolerancia.org