TEMA 12: Picasso, Dalí y Miró

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© RAFAEL MONTES GUTIÉRREZ - 2011 - PROFESOR DE GEOGRAFÍA E HISTORIA
TEMA 12: Picasso, Dalí y Miró
1. CONTEXTO ARTÍSTICO
Para comprender el arte del siglo XX debemos analizar la situación de la
pintura y el estado anímico del hombre europeo a principios del nuevo siglo. La
pintura se encontraba en una situación en la que las ideas anteriores se habían
agotado y las nuevas no surgían, qué hacer para ser original teniendo en cuenta
que la función de la pintura era otra al haber nacido la fotografía. Con el afán
de ser originales aparecieron las vanguardias, que constituían todo un
entramado de movimientos artísticos que pretendieron acabar de una vez por
todas con varias de las rémoras del academicismo decimonónico en las tres
primeras décadas del siglo XX. El hombre europeo experimentaba unos
cambios políticos, sociales, culturales y económicos tan rápidos a comienzos de
siglo, y que llegaron a su paroxismo en la Primera Guerra Mundial, que
influyeron notablemente en el arte, a esta corriente de cambio pertenecen el
fauvismo, el cubismo y el expresionismo. La Primera Guerra Mundial señaló el
fin de la hegemonía mundial de Europa, como siempre el arte se hizo eco de la
falta de esperanzas y surgió el dadaísmo, la pintura metafísica y el surrealismo.
La Segunda Guerra Mundial marcó el inicio de la decadencia de Europa, desde
entonces aparecieron múltiples caminos artísticos como consecuencia de las
múltiples interpretaciones de la vida, y se impuso la hegemonía artística de los
Estados Unidos.
2. PICASSO (1881-1973)
LOS PRIMEROS AÑOS DE SU VIDA
Pablo Ruiz Picasso nació en Málaga, donde vivió los diez primeros años
de su vida. Su paso por diferentes ciudades españolas y la profesión de su
padre, pintor y profesor de dibujo, le permitieron una gran formación artística
que le sirvió para dominar la técnica desde muy joven, tal y como muestra en
sus primeras obras con los temas típicos de la Restauración, por ejemplo
Ciencia y Caridad. Su estancia en Madrid le permitió entrar en contacto con la
obra de El Greco y de Velázquez, a quien siempre admiró. En Barcelona estuvo
vinculado a los círculos artísticos de la bohemia vanguardista, Els Quatre Gats.
En 1900 realizó su primer viaje a París, allí entró en contacto con los
postimpresionistas.
PRIMERAS ETAPAS (1900-1907)
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Etapa azul (1900-1904). Los primeros años en París fueron duros, de
desilusiones y estrecheces económicas. Características: Su temática es humana,
fundamentalmente de mendigos y lisiados; Colores fríos, azulados, que
subrayan la impresión de miseria y desolación; Su estética recuerda la del
simbolismo y al expresionismo. Obras: El viejo guitarrista; Pobres a la orilla del
mar. Etapa rosa (1904-1906). El contacto con otros artistas, el apoyo de
coleccionistas como Gertrude Stein, y la relación amorosa con Fernande Olivier,
favorecieron la salida de "su pesimismo", e inició su etapa rosa. Características:
Su temática también es humana, pero en esta ocasión son niños, adolescentes
y personajes de circo como los arlequines; Colores cálidos, predominan los
rosas, y las formas se hacen más redondeadas. Obras: Familia de acróbatas con
mono; Saltimbanquis. Etapa precubista (1906-1907). En 1906 Picasso entró en
contacto con Matisse, del cual siempre conservó una mutua admiración y
enorme celo, la producción de Matisse transformó la obra de Picasso.
Características: Continúan los colores cálidos rosas por continuidad de la etapa
anterior; Se inicia una profunda preocupación por la recuperación del volumen.
Obras: Retrato de Gertrude Stein, Dos mujeres, ambas van allanando el terreno
hasta llegar a Las Señoritas de Avinyó (1907) con la que se inicia el cubismo.
ETAPA CUBISTA (1907-1914)
Precedentes: Uno de sus mayores precursores fue Cezanne, no debemos
olvidar la influencia de la moda del arte primitivo (íbero y negro), y de las
nuevas teorías del espacio-tiempo (teoría de la relatividad) que propugnaban
una espacialidad novedosa. El cubismo surgió en el París de principios del siglo
XX como una reacción contra el fauvismo, de la mano de Picasso y Braque. El
término se empezó a utilizar en 1909. Características: muestra un rechazo de la
perspectiva renacentista, de la ventana abierta (fenestra aperta, que diría
Alberti), existe una primacía de la línea y de la forma sobre el color y la luz, los
objetos se enfocan desde todos los ángulos y puntos de vista posibles, hace uso
de nuevos procedimientos expresivos en el cuadro, como el collage (papeles
pegados) ideado por Picasso.
Cubismo Experimental (1907-1909). Características: Se produce una
acusada geometrización de las figuras; Paralelamente tiene lugar una reducción
cromática, predominando los tonos ocres. Obras: Las Señoritas de Avinyó
presenta un prostíbulo de la calle Avinyó de Barcelona, en él encontramos
cinco cuerpos de mujeres en posturas insinuantes, predomina el color rosa ya
que el autor acababa de salir de esta etapa, sus caras recuerdan a la escultura
ibérica y a la africana, son más clásicas las dos centrales, el frutero o bodegón
se sitúa en primer plano, es la primera obra en la que se rompe totalmente con
el sistema de representación espacial renacentista; Desnudo con paños.
Cubismo Analítico (1909-1912). Características: Caracterizado por la
descomposición de las formas y de los objetos en multitud de planos, y el uso
de una gama cromática muy apagada Obras: Hombre con clarinete, Mujer con
mandolina. Cubismo Sintético (1912-1914). Características: Supone cierta
recuperación de algunas formas con unos planos mejor delimitados, además
hay más color, en vez de "analizar" el objeto, lo "sintetiza". Obras: Lo inició
Picasso con Naturaleza muerta con silla de rejilla, todavía con una
representación analítica pero con un hule pegado que le convierte en el primer
collage de la historia. Papiers Collage, manchas cromáticas en el lienzo (191214). Características: Picasso desarrolló el Collage añadiendo diversos materiales
(sellos, periódicos, telas, estaño, zinc, etc.), llegó a incluir palabras enteras con
letras de imprenta (como Journal). Obras: Violín y partitura, Botella de Marc.
ETAPA NEOCLÁSICA Y SURREALISTA
Etapa neoclásica (1918-1925). En Roma inició su trabajo de diseñador de
decorados y trajes de Ballet, en 1918 se casó con la bailarina del ballet ruso de
Diaghilev, Olga Koklova. Características: Se inicia así un período neoclásico, al
que toda Francia regresó tras la Primera Guerra Mundial. Obras: Las Bañistas
(1918); Dos mujeres corriendo en la playa (1922); Los tres músicos (1921),
Picasso nunca abandonó su estética cubista como muestra en esta obra en
donde representa a Max Jacop, Apollinaire y a él mismo, es un cubismo
sintético de gran colorido donde la música se convierte en la protagonista del
cuadro, también aquí manifiesta su pronta adscripción al surrealismo.
Etapa surrealista (1925-1936). Podemos decir que nunca existió una
incorporación de Picasso a este movimiento, porque el pintor siempre se
mostró defensor de su independencia, pero sí coqueteó con el surrealismo.
Características: Recrea atmósferas surrealistas y usa sus iconos como la mantis
religiosa. Obras: La danza (1925), está inscrita en el cubismo sintético, pero las
tres figuras son claramente surrealistas; Bañista sentada (1930), es producto de
sus malas relaciones con Olga, de mentalidad burguesa, encontramos una
figura descarnada que parece el resultado de una extraña erosión geológica,
con alusiones a la mantis religiosa devoradora de hombres; Desnudo acostado
(1932) en esta obra retrata a su nueva amante, Marie-Therese Walter a quien
conoció en 1927 cuando ella tenía tan solo 17 años de edad, hace hincapié en
su pelo rubio y subraya la sensualidad de sus curvas, que manifiestan la
felicidad del autor en esa época.
NUEVO CUBISMO
En la década de los años 30 inició una etapa neocubista, donde fusionó el
surrealismo, el cubismo sintético y el expresionismo. Características: Uno de
sus temas favoritos fue el tema taurino, que adquirió una gran importancia en
su obra, lo representa como un ritual sangriento, y al toro como un símbolo de
la naturaleza no civilizada. Obras: El Guernica fue realizado para el Pabellón de
la Exposición Universal de la República Española de 1937 en París, consta de
múltiples explicaciones, cubistas, simbolistas, expresionistas, es por ello
considerado la "victoria del arte frente a la irracionalidad", constituye un
símbolo de la brutalidad de la guerra y del pueblo indefenso, es una obra de
extraordinaria tensión dramática y fuerza expresiva que consigue mediante una
caterva de símbolos como son el caballo (y su horrible muerte), el toro, las
mujeres, los niños, los gritos, el sol (representado por una luz artificial) etc.; El
osario fue realizado al acabar la Segunda Guerra Mundial como miembro del
Partido Comunista Francés y con carácter propagandista, repite la misma
técnica y colorido que en El Guernica; Picasso continuó pintando y creando
hasta el final de su vida, entre sus últimas obras destacan las series de
homenaje a otros pintores como a Velázquez con Las Meninas, que al igual que
sus últimos y deshilachados cuadros, todos gozan de la genialidad de su
creador.
ESCULTURA
A Picasso siempre le atrajo la escultura, de hecho, el dominio de la
técnica del hierro se lo enseñó Julio González. Características: Sus obras
escultóricas fueron esencialmente femeninas, con grandes redondeces, fuerte
erotismo, resaltando atributos los sexuales femeninos y en ocasiones los
masculinos. Obras: En 1909 realizó la Cabeza de Fernande Olivier, ejemplo de
cubismo analítico; más adelante empezó a trabajar con alambres dentro de la
estética del cubismo sintético, en cuyo estilo podemos introducir La guitarra;
La mujer en el jardín es una de las esculturas más innovadoras del siglo XX,
mide más de dos metros de altura; dentro de la producción escultórica con
materiales encontrados destacan la Copa de ajenjo, La mona y su cría, La
Cabra; finalmente destacar su labor como ceramista al término de la Segunda
Guerra Mundial.
3. MIRÓ (1893-1983)
Joan Miró i Ferrà nació en 1893 en Barcelona, pero sus primeras
vivencias están ligadas a Zaragoza y sobre todo a Montroig, donde desarrolló su
amor a la naturaleza, a los animales y al mundo vegetal. Su familia le forzó a
realizar estudios comerciales que simultaneó con estudios de dibujo en "La
lonja", Josep Dalmau le ofreció su primera posibilidad de exponer en 1918.
SU OBRA HASTA 1925
En esta etapa desarrolló una visión personal del fauvismo y del cubismo.
En 1919 realizó su primer viaje a París, donde conoció a Picasso quien le animó
a vivir en la capital francesa, allí se estableció de forma definitiva. El sueño
parisino demostró ser una pesadilla de penurias económicas, en el lado positivo
destacar una gran relación amistosa con Pablo Gargallo. Características: Esta
etapa se caracteriza por una influencia de Van Gogh (en el color), de Matisse
(en el dibujo) y de Juan Gris (en la composición). Obras: Sus primeras obras se
centraron en el paisaje y en los retratos, realizando en ellas una fusión personal
del cubismo y del fauvismo; Pronto evolucionó a la figuración, y desarrolló lo
que él llamaba su realismo poético, donde representa su cultura campesina, en
la que abundan los motivos vegetales, animales, astros, etc.; En 1921 pintó
Mesa con guante, una especie de cubismo decorativo; En 1922 realizó La Masía
donde demostraba su cambio de lenguaje, la búsqueda de lo esencial, la
meticulosidad, la sensibilidad y el detallismo; En 1924 sorprendió al mundo con
El Carnaval del Arlequín, en él recrea un mundo iconográfico nuevo cercano al
mundo infantil (gallos, libélulas, el gato que siempre le hacía compañía,
estrellas, cometas, instrumentos musicales, ojos, sexos, la Torre Eiffel en el
fondo, la escalera de la evasión que significaba su deseo de trascendencia, y el
globo terrestre por su deseo de conquistar el mundo), todos estos motivos
estaban tratados con un carácter miniaturista, predominando los colores
primarios (azules, amarillos y rojos), tratando de representar el lado mágico de
las cosas, decía que estas composiciones se producían por "las alucinaciones
del hambre", con esta obra apareció un nuevo tipo de composición, llamada
constelada, obras que conservaban referencias con el mundo exterior.
SU OBRA DESDE 1925
Desde 1925 podemos considerar a Miró dentro del surrealismo
abstracto, movimiento que mezclaba elementos figurativos con los abstractos,
siendo él su más importante representante, pese a sus propias opiniones "mi
independencia rigurosa, absoluta y total". Características: Sus composiciones
muestran todos los rasgos del surrealismo, a los que hay que añadir ciertas
dosis de humorismo, infantilismo, primitivismo, el gran colorido y el
predominio de la línea.
1925-1928. Características: Realizó composiciones emulsionadas, que
daban la sensación de que las manchas flotaban en el espacio, solían estar
divididas en dos planos, uno terrenal y otro celestial, eran escuetas de color,
esencialmente monocromas, y representaban un número reducido de figuras.
Obras: La siesta; La bañista. 1928-1934. Tras una estancia en Holanda, empezó
a pintar sus interiores holandeses. En estos años también se produjo un
distanciamiento con el grupo surrealista por motivos esencialmente políticos,
en particular el acercamiento al Partido Comunista Francés de un sector
surrealista, del cual Miró se separó. Características: Abandonó el óleo por los
collage, y empezó a añadir materiales (alambres, corcho, plumas, etc.) al lienzo.
Obras: La reina María Luisa de Prusia.
1934-1939. Características: Aparecieron las telas agresivas de
componentes sexuales, fuerte erotismo y brutalidad, las atmósferas se hicieron
opresivas por un intenso colorido. Obras: Mujer, esta pintura consistente en un
extraño ser con cabeza esqueletizada de animal y un sexo útero gigantesco, hay
alusiones constantes a la mantis religiosa devoradora de hombres que
encarnaba los temores surrealistas a la mujer; Hombre y mujer delante de un
montón de excrementos, pertenece a un conjunto de pinturas donde alude a la
Guerra Civil Española con un toque expresionista, donde el hombre aparece
como un enemigo de sí mismo. Después de la Segunda Guerra Mundial.
Después de la guerra viajó a Nueva York, donde dejó las bases de una escuela
de seguidores llamada la "Escuela de Nueva York" entre los que estaba J.
Pollock. En estos años gozaba de una auténtica libertad de acción, sus
constelaciones se sucedían unas tras otras, realizó "pinturas lentas" de gran
detallismo y "pinturas espontáneas" de gran imaginación, estas últimas dieron
lugar a un movimiento llamado "tachismo". En los años 50 se decantó por el
trabajo en cerámica y por el grabado, como muestra en Mujer, una figura de
gran primitivismo que recuerda a un tótem primitivo. En los años 60 recuperó
el tema del vacío. En los años 70 volvió a repetirse a sí mismo, su producción
era enorme, realizó grandes murales como el mural del Palacio de Congresos y
Exposiciones de Madrid y el de la sede de la UNESCO en París.
4. DALÍ (1904-1988)
Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech, más conocido como
Salvador Dalí, era hijo de un notario librepensador que recibió el nombre de
Salvador en memoria de un hermano difunto. Sus relaciones con la familia
Pichot le abrieron las puertas del impresionismo francés, Pichot estaba muy
vinculado con la vanguardia catalana, Rusiñol y Picasso. Desde 1918, Dalí
empezó a colaborar con revistas de diversa índole, dibujando viñetas basadas
en la contemplación de la naturaleza dentro de la estética del impresionismo y
del postimpresionismo, en 1920 Dalí se consideraba impresionista. Cuando
inició su vida en Madrid, Dalí tenía ya una extensa producción juvenil (80
cuadros) de paisajes, retratos, escenas costumbristas de pescadores de
Cadaqués, etc. todos ellos afectados por una sensibilidad "catalanista".
SU OBRA HASTA 1928
En 1922 ingresó en la Academia de San Fernando, durante su etapa en
Madrid vivió en la Residencia de Estudiantes hasta 1926, cuando fue expulsado.
Allí entró en contacto con Buñuel, García Lorca, Eugenio Montes, Pepín Bello,
etc. con ellos frecuentó la vida nocturna madrileña de burdeles y bares.
Características: Sus dotes para el dibujo y el dominio de la técnica del óleo,
fueron sus principales "virtudes". Obras: Sueños noctámbulos, en esta pintura
recrea la vida nocturna madrileña; Muchacha asomada a la ventana,
Muchacha de espaldas, pertenecen a una serie de cuadros en torno a la figura
de su hermana Ana María de la que pintó doce retratos entre 1923 y 1926, con
una gran influencia de Ingres y Vermeer, son cuadros detallistas y realistas;
Naturaleza muerta con cabeza cortada (1926), pertenece a una serie cubista
con grados de abstracción bajo la influencia del futurismo, son obras que
realizó para la Exposición de la Sociedad de Artistas Ibéricos, en el fondo
constituyen la representación simbólica de su amistad con Lorca y Buñuel,
algunos autores consideran que se puede hablar de "etapa lorquiana", de
hecho pintó los decorados de las obras de teatro de Lorca, como Mariana
Pineda; La miel es más dulce que la sangre (1927), en esta obra incluye por
primera vez el tema de la putrefacción de un burro con diferentes aparatos
dadaístas; Cenicitas (1927), en esta muestra una gran cantidad de iconos
sexuales como los dedos erectos, las cabezas y alas de pájaro, junto con la obra
anterior ambas están dentro de una estética protosurrealista.
SU OBRA ENTRE 1928-1945
En 1928 Marinetti destacó a Dalí como seguidor del futurismo y participó
en la publicación del Manifiesto Groc, un manifiesto antiartístico catalán donde
mostraba su rechazo a todo lo catalán, pedía incluso la abolición de la sardana
e incluso el derribo del barrio gótico de Barcelona. Salvador Dalí y Luis Buñuel
prepararon en 1929 el guión de la película “Un perro andaluz”, grabaron el film
en París donde conoció a Miró, quien le puso en contacto con el grupo
surrealista a cuya cabeza estaba André Bretón, que había publicado en 1922 el
"Manifiesto Surrealista", donde se cuestionaba la realidad existente y la propia
vida tras la Gran Guerra y las teorías de Freud sobre el subconsciente. Dalí
renovó el surrealismo francés que estaba en franca decadencia y realizó la
portada del Segundo Manifiesto Surrealista de André Bretón, Dalí partía en sus
cuadros de su propio autoanálisis, y se inspiraba en las ideas de Freud y las de
los psiquiatras franceses. En ese mismo año conoció a Gala, su futura esposa,
Gala fue para Dalí su gran amor, pero también una eficaz secretaria y asesora
tanto en los grandes dilemas intelectuales y morales como en las minucias
insignificantes de la vida.
Características: El artista manifiesta un rechazo a lo racional, un interés
por el mundo de lo onírico (el mundo del sueño), por el subconsciente y lo
fantástico, además afirma todo lo negado por la moral convencional; En sus
cuadros aparecen sus preocupaciones (le preocupaba el sexo y le aterraba la
idea del coito porque podían transmitirle enfermedades venéreas), sus miedos,
fobias, obsesiones y neurosis; Sus elementos iconográficos favoritos eran la
putrefacción que identificaba con los sentimientos, las "formas blandas y
duras" que representan cualidades de carácter moral y psicológico, el carnuzo o
tema de la muerte que le servía para reflejar su miedo a la muerte, los relojes
blandos que simbolizan el paso del tiempo, el dedo volante que simboliza el
falo, el corcho como emblema del sexo femenino, la vagina dentada que
encarna los temores surrealistas a la mujer, el león que representa la pasión, la
mano referente a sus excesos masturbatorios, las muletas como símbolo de la
esterilización que sostienen cuerpos decadentes (la moribunda civilización
europea), y la figura de Guillermo Tell como símbolo de su padre.
Obras: El gran masturbador, fue pintado en 1929, en verano de este año
recibió en su casa de Cadaqués a la corte surrealista entre los que estaba Gala,
entonces esposa de poeta Paul Eluard, tras el idilio con el pintor ella marchó a
París, y en su ausencia Dalí pintó este cuadro, en el primer plano aparece una
forma que a partir de la cabeza del artista, en sentido horizontal y apoyada en
la nariz, metamorfosea detumescente y amebiforme, acompañada de toda una
acumulación de símbolos, el anzuelo de su pescadora, las piedras que recogían
en la playa de Cadaqués, la cabeza de una mujer (Gala), el torso desnudo de
referente felatorio, las formas duras y blandas, y el saltamontes y los
excrementos como elementos aterradores desde su infancia; El juego Lúgubre
(1929), en esta obra, con la técnica de un miniaturista, ofrece todo un catálogo
de símbolos eróticos; La persistencia de la memoria (1931), este cuadro lo
pintó una tarde que Gala fue al cine y él se había quedado solo, encontramos
los relojes blandos, la cabeza del artista detumescente del Gran Masturbador
que manifiesta su sentimiento de culpabilidad antes sus excesos onanistas, y
un marco paisajístico de gran dureza mineral que recrea el contraste de las
formas duras y blandas; El enigma sin fin (1938), donde el rostro retratado es el
de Lorca, y el perro no podía ser otro que el perro andaluz. A finales de 1929
desarrolló su método de Paranoia Crítica, basado en cierto tipo de trastorno
mental, la paranoia, es una forma de interpretación del mundo, una obra
teórica donde nos ofrece la explicación de sus telas, de hecho, el contraste de
las formas duras y blandas tienen su referencia en el método paranoico-crítico.
SU OBRA TRAS 1945
Tras la Segunda Guerra Mundial hizo públicas sus simpatías por el
catolicismo tradicional y por el régimen de Franco. Su fama era enorme, la
cotización de sus cuadros elevadísima, y se convirtió en un ser aún más
caprichoso e insólito. Este exhibicionismo ha sido interpretado como
manifestación de una gran inseguridad personal ante un padre dominador. Se
anticipó al Pop Art y a otros ismos de los años sesenta y setenta. La obra
pictórica de esta etapa ya no es tan valiosa como la anterior por su sentido
recurrente, se repite a sí mismo, además se ha criticado su mal gusto y la
búsqueda constante de publicidad. Obras: La Madonna de Port Lligat, Cristo.

TEMA 12: Picasso, Dalí y Miró

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