Summer Blockbusters. · Nits de Vic · Homenaje a

Transcripción

Nº13
JUL/AGO
2015
PUBLICACIÓN GRATUITA
especial
j.r.r.tolkien
EL HOBBIT: UN VIAJE INESPERADO
EL HOBBIT: LA DESOLACIÓN DE SMAUG
LA COMUNIDAD DEL ANILLO
LAS DOS TORRES
EL RETORNO DEL REY
HASTA SIEMPRE
JAMES HORNER
NITS DE CINEMA
ORIENTAL DE VIC
CON LA ORQUESTA
SINFÓNICA DEL VALLÉS
¡JULIO ESTÁ QUE ARDE!
DEDICAMOS GRAN PARTE DE LA PROGRAMACIÓN DE ESTE MES A LOS
MAYORES BLOCKBUSTERS DE LOS ÚLTIMOS AÑOS
CON EL CALOR VUELVEN LAS SUMMERNIGHTS CARGADAS DE RISAS
SUMARIO
04 PHENOMENA BLOCKBUSTERS
6 EL COMIENZO DE UNA NUEVA ERA
10 JACK SPARROW
16 FAST & FURIOUS 7
18 GODZILLA
20 TINTÍN Y EL SECRETO DEL UNICORNIO
22 DEEP BLUE SEA
24 PHENOMENA SUMMERNIGHTS
30 TODO EN UN DÍA
32 AGÁRRALO COMO PUEDAS
34 ESPECIAL TOLKIEN
38 NITS DE CINEMA ORIENTAL DE VIC
42 JAMES HORNER
48 PSYCHO LIVE
50 PROGRAMACIÓN
Director
Nacho Cerdà
Editora
Sandra S. Lopera
EDITORIAL
Hace 40 años surgió el término blockbuster a raíz del
estreno de Tiburón. Corría el verano del 75 cuando la
Universal decidió estrenar el film de Spielberg, con una
masiva campaña de comunicación y simultáneamente
en cientos de locales por toda América. Resultado: la
película se convirtió en el mayor éxito de taquilla de
la historia, estatus que continuó intacto hasta que dos
años después su colega Lucas lo pulverizó con Star
Wars. Hollywood había cambiado. Eso de expandir poco
a poco los estrenos era inútil, ahora la moda consistía en
arrasar taquilla con cientos, e incluso miles de copias,
arrastrados por un tsunami de comunicación vía prensa,
radio y televisión. La inversión de los estudios en sus
departamentos de marqueting creció hasta superar
incluso el coste de la misma película. Si bien es cierto
que eso contribuyó a que nos colaran algún bodrio
infumable, también facilitó la consolidación de un cine de
carácter popular y veraniego que hizo las delicias de más
de uno. Para rendir homenaje a esta época que todavía
colea hoy, hemos bautizado nuestra programación de
julio con el famoso término Blockbuster. Durante estos
días, disfrutaremos de varios títulos que nacieron a la
sombra de aquel lejano éxito de Spielberg; films de
acción, comedia, aventuras, fantasía, catástrofes y terror
entre secuelas, sagas y otras descomunales propuestas
que, estoy seguro, nos harán revivir el cine como el gran
espectáculo que ha sido siempre.
Nacho Cerdá
Director de Phenomena Experience
Redacción
Pablo Mérida, José Antonio Pérez Guevara, Carlos Murcia,
Jaume Miranda, Erika Tiburcio Moreno, Coral Ferrero,
Pablo García Márquez, Misael Sanroque, Bartholomew Quint,
La reina Margot, Faust de Winter
Diseño y maquetación:
Miki Edge
Contacto
[email protected]
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Despedimos la primera temporada de la sala de cine Phenomena por todo lo alto, con un ciclo de los films que han arrasado la
taquilla en los últimos años. Una variada selección de blockbusters empezando por la película con la que nació este término:
Tiburón. Gladiator, Pacific Rim, o entregas de sagas tan exitosas como Harry Potter, Los juegos del hambre, Piratas del Caribe
y Jungla de cristal, serán los protagonistas de la programación de julio.
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EL COMIENZO DE
UNA NUEVA ERA
Por Jose Antonio Pérez Guevara
Tiburón, en el original Jaws (traducida literalmente
como “fauces”) marca una nueva forma de promoción
y exhibición de las películas, dando origen a lo que
vino a denominarse como blockbuster (películas muy
costosas, provista de alta tecnología, estrenadas
con deslumbrantes efectos especiales, thrillers de
montaje frenético, con algún actor de renombre
y con el propósito de reventar todas las taquillas
del mundo). El origen del proyecto de Tiburón se
remonta al año 1973, cuando los productores Richard
D. Zanuck y David Brown, de la Universal Pictures,
adquirieron por 175.000 dólares los derechos de la
novela Tiburón, escrita por Peter Benchley, cuando
todavía no se había publicado. Una novela que tenía
su origen en una noticia que explicaba la captura por
parte de Frank Mundus de un enorme tiburón en 1964.
Benchley firmó la primera versión del guión, pero fue
Carl Gottlieb (guionista de la comedia televisiva La
extraña pareja) quién finalmente reescribió el texto de
la cinta mientras se iba rodando (algo parecido ocurrió
con Casablanca, en 1942), guión en el que también
colaboró el director John Milius puliendo algunos
diálogos. Para la elección del director encargado
de dirigir la película, los productores pensaron en el
veterano realizador John Sturges (que había dirigido
El viejo y el mar), pero se desestimó, se contrató a
Dick Richards, que con su opera prima, Coraje, sudor
y pólvora, había dejado un buen sabor de boca, pero
tuvo diversas desavenencias con los productores, a
la hora de enfocar la película, que lo apartaron del
proyecto.
Finalmente, los hombres del maletín se decantaron
por Steven Spielberg, que hasta la fecha sólo había
dirigido Duel (1971), para televisión, que llegó a
estrenarse en cines, y Loca evasión, en 1974,
película está última con excelentes críticas, que
contaba en clave de comedia, la huida de un joven
de la prisión con la ayuda de su novia. Spielberg
estaba entusiasmado con el proyecto y soñaba con
hacer la película, además los productores Zanuck y
Brown ya le habían producido Loca evasión, firmó el
contrato antes del estreno de esta última, pero luego
le asaltaron las dudas cuando pensó que Tiburón y
Duel, guardaban muchas similitudes, y también temía
que lo encasillaran en un tipo de películas parecidas.
Se planteó dirigir Los aventureros de Lucky Lady para
la 20th Century Fox, pero los productores hicieron
valer el contrato firmado y Spielberg comenzó la
preproducción del proyecto.
La formación del reparto también tuvo sus más y sus
menos, como no podía ser de otra manera, para el
personaje del Jefe de policía, Martin Brody, se habló
con Robert Duvall, pero éste se decantaba por el
personaje de Quint, Charlton Heston, también quiso
hacer de Quint, pero Spielberg no quería intérpretes
demasiado conocidos porque reiteraba que todo
el protagonismo de la cinta estaba reservado para
el tiburón blanco (el Carcharodon Carcharias, su
nombre científico). Finalmente, los productores
pensaron en el actor británico Robert Shaw (que
protagoniza uno de los grandes momentos de la
película, su inolvidable y maravilloso monólogo,
a la luz de la luna, del suceso que vivió durante la
segunda guerra mundial, a bordo del buque de guerra
Indianápolis, que entregó la bomba de Hiroshima, y el
espeluznante relato de esos interminables cinco días
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rodeados de tiburones hambrientos), que ya había
trabajado con los productores en El Golpe, de 1973,
se hizo con el personaje y realizó una magníficamente
interpretación del personaje rudo y lobo marino del
cazador de tiburones profesional, Quint (un personaje
inspirado en la figura de Graig Kingsbury, un pescador
local y granjero, y excéntrico que hace un pequeño
papel en el film).
Para el tercero en discordia de este grupo heterogéneo
de “cazadores”, el personaje del científico, el biólogo
marino, Matt Hooper, (personaje que Spielberg lo veía
como su alter ego) se le ofreció a John Voight, también
se pensó en Timothy Bottoms, Joel Grey o Jeff
Bridges, pero fue finalmente, a instancias de George
Lucas, amigo de Spielberg, que le habló de Richard
Dreyfuss, actor que conocía de su película American
Graffiti. Confeccionado el reparto de una producción
de 4 millones de dólares de presupuesto y 55 días
de plan de rodaje, arrancó su filmación en la Isla
Martha’s Vineyard, de Massachussets, que serviría
de escenario a la inventada Amity Island (Isla de la
Amistad), localidad costera que vive principalmente
del turismo familiar. Se contrataron los servicios de
todo un experto en la materia, Bob Mattey, en efectos
especiales mecánicos (que ya había trabajado en
20.000 leguas de vijaje submarino, en 1954) para
crear las complicadas y laboriosas maquetas que
dieron vida al escualo asesino. Se construyeron
tres réplicas de tiburón mecánicas que necesitaban
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de la participación de 14 hombres para accionarlas.
Los múltiples problemas que ocasionaron los efectos
de la película (departamento al que se destinó 3
millones de dólares), disparó considerablemente el
presupuesto previsto inicialmente elevando su cifra
hasta los 9 millones y los días de rodaje alcanzaron
los 159 días. Se necesitaron también unas tomas de
tiburones en aguas reales que se llevaron a cabo en
aguas de Australia por Ron y Valerie Taylor, los cuales
sufrieron el ataque de un gran tiburón blanco como el
que describe la película.
El resultado final satisfizo a todo el equipo, que
vieron recompensados de esta manera todos los
esfuerzos titánicos que tuvieron que realizar durante
todo el proceso de rodaje. Tiburón es una excelente
producción que vibra en cada fotograma, ofreciendo
una interesante y magnífica mezcla de cine de terror,
suspense y aventuras, donde, en su primera mitad, se
centra en la lucha del hombre corriente (que encarna
el jefe de policía) contra los estamentos oficiales
(el alcalde y los comerciantes del pueblo), y en su
segunda parte, se centra en otro combate, el que
mantienen el hombre contra la naturaleza (encarnada
en el gran tiburón blanco). Los problemas ya citados
de los efectos especiales del film, propiciaron que
en muchas escenas no se pudiese ver el mamífero
marino, y solamente se intuyera la presencia del
escualo, que junto a la maravillosa composición de
John Williams, (compositor de todas las películas de
Spielberg, menos El color púrpura), que dirige una
música que solamente contiene una alternancia de
dos notas musicales, además de la aportación de
La consagración de la Primavera, de Ígor Stravinski.
Dos elementos, el fuera de campo y la banda sonora,
que aumentan considerablemente la perfecta dosis
de suspense e intriga que transmite la cinta. La
inspiración de la película venía de la novela Moby
Dick, de Herman Melville (llevada al cine por John
Huston en 1956), el Capitán Ahab sería una fuente
muy inspiradora del Capitán Quint, y se asemeja a
películas de ciencia-ficción de los años 50, como El
enigma de otro mundo (1951) o Vinieron del Espacio
(1953), incluso algunos críticos han visto muchas
semejanzas con la obra de teatro Un enemigo del
pueblo, de Henrik Ibsen (donde se relata la historia
de un hombre corriente que descubre que las aguas
están contaminadas y se enfrenta a los poderes del
pueblo).
Tiburón es una excelente producción que vibra en cada fotograma,
ofreciendo una interesante y magnífica mezcla de cine de terror,
suspense y aventuras.
La película tuvo una promoción sin precedentes hasta la fecha. Se invirtieron 1’8 millones, de los cuáles se destinaron
700.000 para anuncios de la televisión. Después de varios pases para público, donde se hicieron algunos retoques, el
estreno oficial de la película se produjo el 20 de junio de 1975, en 464 cines, y en verano, rompiendo la norma, ya que
hasta entonces los grandes estrenos del año se hacían en invierno. Un mes más tarde, la cifra de cines que proyectaban la
película era ya de 700, y el 15 de agosto, se disparó hasta los 950 cines. El éxito de El Padrino, en 1972, inició la tendencia
de estenos masivos. La película ha recaudado hasta la fecha la astronómica cantidad de 470 millones de dólares, hecho
que la convirtió en la película más taquillera de la historia del cine hasta la aparición de Star Wars, en 1977. En la 48 edición
de los premios Oscar, celebrada en Los Ángeles el 29 de marzo de 1976, Tiburón, fue candidata a 4 premios, de los que
finalmente se llevó 3, montaje, sonido y banda sonora.
La película, como es habitual en estos casos, tuvo varias secuelas e imitaciones, aunque ninguna de ellas llegó a la calidad
cinematográfica de la primera, y menos a sus cifras de taquilla. Una ejemplar película, que si bien inauguró un nueva forma
de promoción y exhibición del cine, que sigue vigente hoy en día, es una muestra maravillosa de cine de terror y aventuras,
sin grandes pretensiones, donde hay un gran trabajo interpretativo, y una puesta en escena sencilla y directa, que atrapa a
todos los espectadores, manteniéndolos en tensión constante durante todo el metraje de la película.
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JACK SPARROW
NOS INVITA A PASAR UN VERANO
ENTRE PIRATAS
Por Pablo Mérida
¡Ah! Con las vacaciones al alcance de la mano, a cualquiera le entran ganas de arriar las velas, asegurar los trinquetes,
tomar una buena botella de ron y dejarse mecer por las olas a la espera de algún abordaje. Porque ¿a quién no le gustaría
pasar el verano a bordo de un barco pirata? Este año, tendremos la oportunidad de hacerlo gracias a PHENOMENA, que
nos permitirá convertirnos en tripulantes del pirata más insólito y divertido de la historia del cine: el capitán Jack Sparrow.
PIRATAS DEL CARIBE:
LA MALDICIÓN DE LA PERLA NEGRA
VIERNES 17JULIO · 17h (VOSE)
LUNES 27 JULIO · 21:30h (VOSE)
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UNA DE PIRATAS
«Los rayos bromeaban a su alrededor, trazando sus
líneas de fuego; el viento lo asaltaba, arrancando
trozo a trozo la larga pluma de su sombrero; de vez
en cuando, la espuma lo cubría, intentando tirarlo; los
truenos, cada vez más fuertes, lo ensordecían, pero él
permanecía impávido en su puesto, siempre guiando
su nave entre las olas y el viento». (1)
DEL PIRATA SERIO…
Cuando los piratas saltaron a la pantalla
demostraron que podían ser fanfarrones, audaces
y temerarios. Pero, por muchas carcajadas que
hicieran entre sus tripulaciones, se comportaban
como auténticos héroes románticos. Las bases
del pirata cinematográfico las estableció durante
la era del cine mudo Douglas Fairbanks en la
superproducción El pirata negro (1926). Un toque
más siniestro le dio a este tipo de personajes
Wallace Beery al interpretar al Long John Silver
de La isla del tesoro (1934). Errol Flynn en El
capitán Blood (1935) y Tyrone Power en El cisne
negro (1942) demostraron que los piratas podían
también ser guapos, galantes y extremadamente
hábiles con el uso de la espada. Un aire más
inquietante al oficio de la piratería se lo dieron
Charles Laughton como El capitán Kidd (1945) y
Yul Brynner como el capitán Jean Lafitte de Los
bucaneros (1958). Pese al intento por rescatar el
lado seductor de los piratas de las época dorada
de Hollywood, con el paso de los años fueron
perdiendo su glamour original, como se puso
de manifiesto con las actuaciones de Ricardo
Montalbán en El pirata negro (1961) o la de
Robert Shaw como El corsario escarlata (1976).
Este extracto de El Corsario Negro, el clásico de Emilio
Salgari publicado en 1898, define a la perfección la
imagen aventurera de los piratas que la literatura nos
ha proporcionado con el paso de los años. Autores
como Robert L. Stevenson, Rafael Sabatini o el mismo
Salgari, han contribuido a conformar en el imaginario
popular ese perfil de héroe romántico con el que
siempre hemos identificado a bucaneros y corsarios.
El cine heredó la misma línea a la hora de llevar a
los piratas a la pantalla. Hasta que, en 2003, llegó el
capitán Jack Sparrow al frente de la saga de Piratas
del Caribe, provocando un cambio radical en nuestra
forma de entender la piratería.
EL ORIGEN DE JACK SPARROW
Para relanzar la atracción Pirates of the Caribbean
de sus parques de atracciones, los estudios Disney
comenzaron en la década de los 90 conversaciones
para producir un gran largometraje de piratas. Los
guionistas Ted Elliot y Terry Rossio, coautores de
Shrek, comenzaron a trabajar en el guión de una
aventura que tenía lugar precisamente en la atracción
de Disneyland. Por fortuna, el proyecto evolucionó
luego a mejor con la aportación de otros guionistas,
como Stuart Beattie, uno de los creadores del capitán
Jack Sparrow, pirata al que imaginó por entonces con
el rostro de un joven Hugh Jackman.
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Uno de los primeros borradores de Piratas del Caribe
pasó por las manos del director Steven Spielberg,
quien sugirió los nombres de Bill Murray, Steve Martin
o Robin Williams para hacer el papel del capitán pirata.
Las conversaciones entre Spielberg y los ejecutivos
de Disney no llegaron a buen puerto. Pero el proyecto
siguió avanzando.
Robert De Niro también fue tentado con la idea de
hacer de Jack Sparrow. El actor rechazó la invitación
asegurando que las películas de piratas no tenían
ningún futuro. Años después, tras el enorme éxito de
la saga de Piratas del Caribe, intentó compensar su
error interpretando a un insoportable corsario, el capitán
Shakespeare, de la olvidable película Stardust (2007).
El estudio barajó para el papel los nombres de
Matthew McCounaughey, Michael Keaton, Jim Carrey
y Christopher Walken hasta que, por fin, el director
Gore Verbinski entró en escena y sonó por primera
vez el nombre de Johnny Depp como protagonista de
lo que sería la primera entrega de la saga: Piratas del
Caribe: la maldición de la Perla Negra.
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CONSTRUYENDO A JACK SPARROW
EL PADRE DEL PIRATA
Johnny Depp fue la contribución definitiva para que
el capitán Jack Sparrow se convirtiera en uno de los
piratas más inusuales y divertidos de la historia del
cine.
Además de utilizar fundas de oro para sus dientes
y lentillas que funcionaban como gafas de sol para
poder rodar cómodo en exteriores, Johnny Depp quiso
buscar algunos referentes para el personaje. Con la
idea de que los piratas del siglo XVIII debían ser el
equivalente a las actuales estrellas de rock, el actor
se fijó en la personalidad del popular componente de
los Rolling Stones Keith Richards.
«Me encanta absolutamente todo lo que tiene
que ver con él —admitió Depp—. Es muy divertido
interpretarlo. Ted Elliot, Terry Rossio y Gore Verbinski
establecieron las bases argumentales y, luego yo, me
aproveché de esa estructura para hacer mi trabajo.
Pude agregar cosas, intentar alternativas y ver cuál
era el resultado» (2)
En un principio, Depp propuso que el personaje no
tuviera nariz y que sintiera pánico por cosas tan
simples como la pimienta o el resfriado común. A los
directivos de la Disney sí que les dio un ataque de
pánico. No solo rechazaron de plano de idea sino que
le pidieron al productor Jerry Bruckheimer que vigilara
de cerca las ocurrencias de la estrella. Pero resultaba
difícil frenar la creatividad de un tipo como Johnny
Depp.
«No es Keith Richards, ni soy yo imitando a Keith
—aclara Depp—. Pero le doy vida basándome en
mi impresión de quién es Keith. Ni siquiera es una
imitación. Digamos que Jack Sparrow está basado
vagamente en Keith y en Pepe Le Pew (un zorrino
romántico de nacionalidad francesa que triunfó en
la serie animada de Looney Tunes). También hay
una gran parte de mí en él, como ocurre con todos
mis personajes. Hay algunos personajes que uno
interpreta y que echan raíces, y que luego es difícil no
comportarse como ellos». (4)
Al director Gore Verbinski le pareció divertida la idea
de contar con el mismo Keith Richards para que
realizara un breve papel como padre de Jack Sparrow.
No lo consiguió ni en Piratas del Caribe: la maldición de
la Perla Negra ni en Piratas del Caribe. El cofre del hombre
muerto (2006), por los compromisos profesionales del
músico. Pero sí hubo más suerte en la tercera entrega
de la saga: Piratas del Caribe. En el fin del mundo (2007).
Se cuenta que el día de su intervención llegó tan
borracho al plató, que el director Gore Verbinski le
ofreció ir a descansar un rato antes de rodar, a lo que
el músico le replicó: «Si estás buscando a alguien
sereno, entonces te equivocaste de hombre». (5)
«Para preparar cualquier papel —explica el actor—,
decido sucumbir ante el poder de mi imaginación.
Invariablemente recibo un aluvión de mensajes. En
una primera fase se me ocurrió que, tal vez, el intenso
calor caribeño habría tenido efectos nefastos en el
cerebro del capitán Jack. Por lo cual decidí pasar
mucho tiempo en la sauna. La vida en un bajel, tanto
tiempo en alta mar, podría haber afectado incluso su
forma de caminar; en tierra firme sus piernas no se
sienten cómodas, y por eso algunas veces parece
estar a punto de caerse». (3)
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...AL PIRATA DE RISA
UN HALLAZGO MULTIMILLONARIO
Hoy en día nadie duda que el gran éxito de la saga de
Piratas del Caribe tiene mucho que ver con la creación
que Johhny Depp hace del capitán Jack Sparrow. El
mismo actor sonríe cuando recuerda los temores de
muchos ejecutivos de la Disney durante el rodaje de
la primera película.
«Había algunos que estaban muy preocupados
—cuenta Depp—, e iban por ahí diciendo: “Está
destrozando la película. ¿Por qué actúa de ese
modo? ¿Qué está haciendo con la mano? ¿Acaso su
personaje es homosexual?”». (6)
Gracias al respaldo de Bruckheimer y Verbinski,
Johnny Depp pudo completar su trabajo y excepcional
éxito de la primera entrega de la saga no hizo más
que darle la razón. La película no solo llenó las arcas
de Walt Disney Pictures sino que convirtió a Depp en
una de las estrellas mejor pagadas de Hollywood.
Ahora, tras Piratas del Caribe. En mareas misteriosas
(2011), se prepara la quinta entrega de la saga, Piratas
del Caribe: los hombres muertos no cuentan cuentos
(2017), en la que Depp se enfrentará nada menos
que a Javier Bardem, convertido en el temible capitán
Salazar, quien ha huido del Triángulo de las Bermudas
decidido a acabar con todos los piratas que se crucen
en su camino.
Desde muy temprano, el cine comprendió que,
además de temor, los piratas podían también
provocar buenas risas, sobre todo si algún
reconocido cómico se veía inmerso en un bajel
repleto de corsarios. Es lo que le ocurría a Bob
Hope en La princesa y el pirata (1944). Poco
después, Gene Kelly nos demostró que los
bucaneros, además de graciosos, tenían un
sorprendente sentido del ritmo, como exhibió en el
musical El pirata (1948). Burt Lancaster combinó
el romanticismo del pirata con las acrobacias y
el sentido del humor en El temible burlón (1952),
mientras que Peter Ustinov se convirtió en un
tronchante pirata Barbanegra para la comedia
familiar de Disney Mi amigo el fantasma (1968).
Algunos piratas, en su intento por hacernos
reír casi consiguieron darnos pena, al encarnar
personajes poco creíbles o mostrarse demasiado
sobreactuados. Ocurrió, por ejemplo, con Terence
Hill en El Corsario Negro (1971), Kirk Douglas en
Pata de palo (1973), o el mismo Dustin Hoffman
en el papel de Hook (El capitán Garfio) (1991).
Mucho más divertidos, con diferencia, eran los
protagonistas de la producción Aardman ¡Piratas!
(2012), dirigida por Peter Lord y Jeff Newitt
Notas
(1). El Corsario Negro, de Emilio Salgari (Editorial
Andrés Bello, 1981)
(2). La Vanguardia. 11 de agosto de 2006
(3). Johnny Depp, un rebelde moderno, de Brian
J. Robb. (Ediciones Robinbook, 2006).
(4) La Vanguardia. 11 de agosto de 2006
(5) imdb.com
(6) Johnny Depp, un rebelde moderno, de Brian J.
Robb. (Ediciones Robinbook, 2006).
Al igual que en las anteriores entregas de la saga,
este nuevo film presentará cambios tanto en los
departamentos técnicos como artísticos. Pero habrá
algo que no cambiará: Jack Sparrow, una leyenda
que seguirá surcando los mares para siempre.
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VELOCIDAD, ADRENALINA Y PASIÓN
Por Erika Tiburcio
MARTES 7 JULIO · 19:15h (VOSE)
SÁBADO 11 JULIO · 23h (VOSE)
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Con esta séptima entrega, James Wan, aclamado
director conocido por la primera película de la saga
de Saw, nos ofrece una nueva aventura de Dominic
Torreto y Brian. En esta nueva entrega, cuyo título
de Fast & Furious 7 cambió a Furious 7, vuelve a
tener entre sus actores a Vin Diesel (Dominic “Dom”
Torreto), Paul Walker (Brian O’Conner) o Michelle
Rodriguez (Letty Ortiz), entre otros. Con un rodaje de
casi un año de duración (septiembre de 2013 - abril de
2014) y un presupuesto de 190.000.000 dólares, esta
película se habría convertido en todo un “exitazo”.
Fue estrenada el 2 de abril en España, y consiguió
hasta 1.221.534.085 dólares de recaudación a nivel
mundial el 23 de abril.
Lamentablemente, el rodaje se vio interrumpido
entre noviembre de 2013 y abril de 2014 por la
trágica muerte de Paul Walker en un accidente de
coche. Sus hermanos, Cody Walker y Caleb Walker,
fueron los dobles de su hermano, e incluso pusieron
la voz en alguna escena. Pese a ello, se tuvo que
recurrir a efectos de ordenador, e incluso, a rodaje de
películas anteriores para poder finalizar. La película
se encuentra impregnada del recuerdo de este actor
como muestra la canción del final See you again de
Wiz Khalifa y Charlie Puth.
Su banda sonora cuenta con las aportaciones de
muchos artistas de la palestra musical como David
Guetta, Steve Aoky, Nicky Jam. La banda sonora
fue compuesta por Brian Tyler, quien buscaba darle
un mayor protagonismo en la cinta, convirtiendo la
música en una parte fundamental.
Como todas las partes de esta exitosa saga, aparte
de las chicas despampanantes, los coches son los
elementos más importantes. Entre ellos, encontramos
un modelo Maserati Ghibli de 2013, conducido por
Deckard “Ian” Shaw, un Chrysler Town & Country
Limited de 2014, o un SRT Viper GTS de 2013,
conducido por Letty Ortiz. En total, 230 modelos
diferentes, de los cuales, tal y como se jactan los
creadores, ninguno fue falseado mediante efectos
especiales y todos lo que aparecen son reales.
Ello generó que hasta cuarenta de ellos fueran
destrozados y llevados sus restos a una prensa de
desguace para hacer desparecer todos los restos.
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NUESTRO MONSTRUO VUELVE
Por Erika Tiburcio
VIERNES 17 JULIO · 22:45h (VOSE)
SÁBADO 25 JULIO · 20:30h (VOSE)
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Godzilla ha sido un monstruo que se ha hecho un
hueco dentro de la cultura popular contemporánea.
Conocido a nivel mundial desde que, en 1954, Gojira,
un monstruo gigante o “kaiju” (denominación japonesa)
aparecía por primera vez aterrorizando a la población
de Tokio. Tuvo un éxito tal que se ha convertido en
una saga imprescindible para los amantes de género.
En esta ocasión, Gareth Edwards, conocido por su
ópera prima Monsters, la cual fue rodada en 2010,
siendo también el director de la esperada siguiente
parte del mundo de Star Wars, propone una nueva
aventura de la criatura marina, a modo de reboot,
que permita adaptar este ser terrorífico a los tiempos
que corren. De esta manera, en lugar de aparecer
en el país nipón, será Estados Unidos el sitio donde
el monstruo aterrorice a una población que se vea
inicialmente impotente ante tamaña amenaza. Para
ello, la película fue rodada en lugares como Hawaii,
British Columbia (Canadá) o Nevada (Estados
Unidos), prescindiendo así del lugar de origen.
Recordando la figura original de Toho, la productora
de cine japonesa que creó a Gojira, a través de un
hombre dentro de un disfraz, los animadores FX
decidieron crear a un monstruo que fuese lo más real
posible. Para ello, basaron su diseño en el movimiento
de osos y reptiles, permitiendo una realidad que
podría ser descrita como increíble. Para lograr estos
efectos visuales, tuvieron que estar cuatro artistas
dedicados a crear las escenas, seis meses para
conseguir animarle con todo detalle.
El trabajo de esta compañía mostró su calidad con
la destrucción de la ciudad de San Francisco, cuyo
centro de la ciudad fue creado de manera virtual,
buscando así que los cineastas tuvieran toda la
libertad posible para hacer lo que quisieran con su
imaginación.
El objetivo de ser fiel a los conceptos originales
y adaptar la historia a la actualidad está inmerso
también en la propia creación del monstruo. Entre
otras compañías, Moving Picture Company (MPC) fue
una de las que se encargó en dar vida a esta criatura.
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19
Por Erika Tiburcio
ANIMACIÓN CADA VEZ MÁS REAL
El héroe conocido de Hergé, Tintín, vio la luz en
animación 3D gracias al interés que Steven Spielberg
había mostrado varias décadas antes de su estreno.
En 1983 había mantenido una conversación con su
dibujante, debido a que Tintín había sido un personaje
que había permanecido con él desde su infancia.
Producida por Peter Jackson, cuenta con un conjunto
de guionistas ya reconocidos dentro del mundo “friki”:
Steven Moffat (Doctor Who), Edgar Wright (director
de la Trilogía del corneto) y Joe Cornish (Attack the
block). Entre los actores, igualmente, se encuentran
artistas reconocidos y con experiencia en películas de
aventuras: Jamie Bell (el pequeño prota de Billy Elliot),
es Tintin, mientras que Andy Serkis (el actor cuya
captura de movimientos sirvió para crear el Gollum
de El señor de los anillos) es el Capitán Haddock y
Daniel Craig, el agente James Bond, es el misterioso
Ivan Ivanovitch Sakharine).
DOMINGO 26 JULIO · 17h (VOSE)
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Aparte de ser una gran historia, basada en varios
cómics de este personaje tan conocido, su animación
utilizaba una tecnología pionera en aquellos
momentos. Se trató de una producción de Autodesk
que utilizaba software en tiempo y permitía capturar
digitalmente los movimientos y la actuación de un
actor. Gracias a Weta Digital, un estudio de Peter
Jackson con sede en Nueva Zelanda, la película
adquirió su particular aspecto.
Otro aspecto destacable de la película es la música,
ya que supuso el regreso de uno de los grandes
compositores del cine, John Williams creador de bandas
sonoras como Tiburón, E.T. o Hook: el capitán Garfio.
Las aventuras de Tintín recibió el globo de oro a la
mejor película de animación. Fue además un gran
éxito, ya que de un presupuesto de 130.000.000
dólares estimados, sacó unos beneficios a nivel
mundial de 373.993.951 dólares.
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Renny Harlin, director finlandés que había realizado
películas tan conocidas como Pesadilla en Elm Street
4: Dream Master, Las aventuras de Ford Farlaine o
La isla de las cabezas cortadas, nos trae esta historia
de terror y ciencia ficción que nos cuenta la historia
de unos tiburones Mako, que han sido modificados
genéticamente para que sean más inteligentes y
rápidos, ponen en jaque al equipo de trabajo que
tendrá que luchar por su vida. Con esta película,
encontramos otra historia de animales que se vuelven
monstruos sedientos de sangre que, después, The
Asylum explotaría hasta casi el aburrimiento con
títulos como Mega Python vs. Gatoroid (2011), Mega
Shark vs. Crocosaurus (2010).
Por Erika Tiburcio
SÁBADO 11 JULIO · 20:30h (VOSE)
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solamente su avance en este sentido, sino que las
cámaras Panavisión que utilizó lo convirtió en un
blockbuster, lo que hizo que Warner Brothers Pictures
se encargara de su distribución.
La película además fue rodada en los estudios
denominados Baja Studios en Rosarito (Baja
California), siendo un complejo de 45 acres cerca
del Pacífico. En este mismo lugar se rodaron otras
películas como Master and Commander, Pearl
Harbour... Los estudios Fox se habían trasladado
a este lugar, donde pusieron un tanque gigante de
agua que permitieron rodar en el agua varias de las
escenas más emocionantes.
Samuel L. Jackson, que había demostrado ya sus
dotes de “supervivente” en la aclamada Jurassic Park
era uno de los actores que formaban el reparto de
estos científicos obligados a luchar por sobrevivir.
Tras esta película, Samuel empezó a aparecer en
papeles similares, convirtiéndole en un icono del
mundo del cine.
Los efectos especiales quedaron a cargo de Industrial
Light & Magic, una empresa que fue fundada por
George Lucas en 1975, y de la cual, han salido
animadores tan exitosos como John Lasseter, uno
de los fundadores de Pixar Animation Studio. No
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LLEGAN LAS
Por Jaume Miranda
Con la llegada del calor y las vacaciones veraniegas
(al menos, para algunos afortunados), el cachondeo y
el “buenrollismo” invaden la programación de la sala
Phenomena cada jueves por la noche con el ciclo
Summernights. Esta temporada, el cine proyectará cuatro de
las grandes comedias ochenteras: El sentido de la vida (Terry
Jones y Terry Gilliam, 1983), La loca historia de las galaxias
(Mel Brooks, 1987), Agárralo como puedas (David Zucker,
1988) y Todo en un día (John Hughes, 1986). Además, la
entrada a la sesión incluye un refrescante cocktail.
AGÁRRALO COMO PUEDAS
JUEVES 9 · 22:30h (VOSE)
EL SENTIDO DE LA VIDA
TODO EN UN DÍA
LA LOCA HISTORIA DE LAS GALAXIAS
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Las tres primeras son verdaderas joyas del absurdo.
Además de compartir el género humorístico y la
categoría de culto, los tres títulos coinciden en haber
sido hechas por equipos ilustres de la pantomima,
todos ellos en un grandísimo estado de gracia.
La primera de ellas, El sentido de la vida, fue la última
incursión cinematográfica de los míticos y televisivos
Monthy Pyton, que se disolvieron definitivamente tras
su estreno. A pesar de que los británicos ya habían
reventado taquilla con Los caballeros de la mesa
cuadrada (1975) o La vida de Brian (1979), volvieron
a alcanzar el éxito masivo.
La película, alejada de lo que pueda dar a entender
el título, es un hilarante sinsentido de capítulos
independientes que, en apariencia, pretenden tocar
temas tan trascendentales y vitales como la muerte,
la educación o las religiones: eso sí, todo ello desde
la parodia y la sátira y, como era de esperar, decorado
con las inconfundibles pinceladas musicales de la
agrupación.
De hecho, uno de los mejores y más míticos sketches
de El sentido de la vida emerge cuando un padre
católico practicante, antes de vender a sus sesenta
hijos por falta de recursos, justifica el no haber
usado anticonceptivos con la canción Every sperm
is sacred, llegando a transformarse todo en un
disparatado musical, con vedettes y monjas incluidas.
Curiosamente, tal melodiosa maravilla llegó a estar
nominada en los premios BAFTA de ese año.
Sin embargo, no es la única buena escena de la obra:
algunos momentos brillantes son la irreverente clase
de un profesor enseñando a copular en directo a sus
alumnos, el inmundo parto de una mujer maltratada
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por sus médicos o la absurda cena hawaiana de unos
abuelos en una prisión de tortura medieval.
Así, secuencia tras secuencia, los Monthy Pyton,
como ya es habitual en ellos, vuelven a lucir ingenio
y vis cómica tanto en la escritura del guión como en
la actuación, donde, como también es costumbre,
interpretan a casi todos los personajes (sean hombres
o mujeres); a cada cual más histriónico que el otro.
Pero, a pesar de tratarse de una comedia de aire
totalmente alocado, los dos directores (del mismo
elenco Pyton) se toman muy en serio sus sketches:
así, enriquecen el film con una puesta en escena y
una realización sorprendentemente cuidadas. De
hecho, El sentido de la vida, gracias a sus esmerados
juegos compositivos y sus complejidades técnicas
(movimientos de cámara, luces expresivas, efectos
especiales,...) es, sin lugar a dudas, la mejor película
a nivel formal del grupo cómico.
Cabe destacar la muy presente e idónea banda
sonora de John Du Prez, la cual, imitando los sonidos
y formas de las grandes orquestas hollywoodienses,
refuerza los aires paródicos de la obra maestra.
Gracias a un conjunto tan redondo, El sentido de la
vida consiguió incluso llevarse el Premio Especial del
Jurado del reconocido Festival de Cannes.
Nielsen, el gran (e infravalorado)
actor de comedia por excelencia,
brilla una vez más con luz propia.
Con menos afán técnico, pero no por ello menos divertida, también está La loca historia de las galaxias, uno de los títulos
más recordados del mítico director Mel Brooks; ya afamado por otras descabelladas y graciosas películas como Sillas de
montar calientes (1974) o El jovencito Frankenstein (1975).
En esta ocasión, Brooks decide centrar su parodia entorno a la, en aquel entonces, creciente popularidad de la ciencia
ficción, en especial al extenso imaginario de Star Wars. De hecho, la base argumental de La loca historia de las galaxias
es la misma, reducida en un sólo episodio y llevada al extremo más irrisorio posible. De esta forma, el temido Darth Vader
se convierte en el torpe y ridículo Dark Helmet, la distinguida Princesa Leia en la insoportable Princesa Vespa o el refinado
C-3PO en la femenina Dot Matrix.
Evidentemente, estas alteraciones se ven ya reflejadas en el aspecto físico de sus personajes. Es legendario el gigantesco
casco de Dark Helmet, los moños-auriculares de la princesa Vespa o el maquillaje perruno-cutre de su correspondiente
Chewbacca; todo ello, ornamentando las brillantes y cachondas interpretaciones de, entre otros, Rick Moranis, Bill Pullman
o Daphne Zuniga.
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Aún así, este título no sólo homenajea la obra de
George Lucas: también contiene fantásticas pero
puntuales referencias a Star Trek (Robert Wise, 1979)
o El planeta de los simios (Franklin J. Schaffner,
1968), entre otras. Pero la mejor parodia sin lugar a
dudas es la de Alien, el octavo pasajero (Ridley Scott,
1979), donde el propio John Hurt, actor de la original,
reinterpreta la famosa escena del “desparrame
estomacal” en la mesa de un dinner americano, con
alien bailarín incluido. De hecho, este es uno de los
mejores momentos de la película.
Igualmente, la gran baza humorística de La loca
historia de las galaxias también se encuentra en la
cutrez de sus efectos especiales, contrastada con la
pulcritud de sus referentes. De hecho, el equipo de
Brooks, lejos de verse frenado por un insuficiente
presupuesto, resalta su falta de recursos creando
momentos muy divertidos.
A pesar de tener una trama central entorno al
misterioso accidente de su mejor amigo, realmente
poco importa el desenlace de tal historia (de hecho,
eso se hace evidente en el final de la película); la
verdadera fuerza de Agárralo como puedas reside en
los absurdos y surrealistas gags cómicos que se van
desarrollando de forma incesante y donde el actor
principal se desenvuelve siempre de forma magistral.
No por ello debe menospreciarse la precisa elección
de la figuración y el reparto secundario de la obra,
el cual nunca desfavorece a la comicidad de sus
escenas: allí quedan para el recuerdo la fantástica
imitadora de la Reina Isabel II, la torpe aprendiz de
conductora, el anciano profesor de conducción o la
melodramática mujer de la víctima.
Como acabado final, y como también es habitual
en los films de Mel Brooks, John Morris le da a la
producción una bestial banda sonora que imita de
forma cómica las solemnes y pomposas músicas
de films como Tiburón (Steven Spielberg, 1975) o la
misma Star Wars.
Por otro lado, también está la recordada Agárralo
como puedas, la cual figura entre los mayores triunfos
de su prolífico dúo creador, el director David Zucker y
el actor Leslie Nielsen. Estos dos, tras haber realizado
¡Aterriza como puedas! (1980), decidieron volver a
juntarse en esta disparatada obra que del éxito llegó
a producir dos secuelas igual de taquilleras.
Esta primera entrega enmarca las peripecias del
incompetente policía Frank Drebin (Nielsen) contra el
mundo del narcotráfico y el terrorismo; presentándose
de este modo uno de los mejores personaje-parodia
de James Bond de la historia, con permiso de Austin
Powers (Mike Myers) y Torrente (Santiago Segura).
Nielsen, el gran (e infravalorado) actor de comedia
por excelencia, brilla una vez más con luz propia,
acompañado esta vez por los estimables George
Kennedy como su fiel compañero y Priscilla Presley
(sí, la ex mujer de Elvis) como su partenaire femenina
(con la que, por cierto, comparte una de las secuencias
románticas más divertidas del cine).
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Así, teniendo tantos bienes a su favor, es poco insólito
que Agárralo como puedas se conviertiera en un éxito
tan rotundo, llegando a alcanzar en su momento más
de 78 millones de dólares en taquilla; a pesar de su
obvia ausencia en las galas de premios, el público la
situó merecidamente en el firmamento de los clásicos
de humor.
De hecho, es indiscutible que los tres films siguen
recibiendo tal honorable consideración, y no es de
extrañar... el trío de joyas consiguen a día de hoy, y a
pesar de los años, producir las mismas carcajadas de
antaño a las nuevas generaciones.
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JUVENTUD, DIVINO TESORO
(Todo en un día, John Hughes, 1986)
Por Misael Sanroque
Nadie entendía a los jóvenes como John Hughes, el
director de la emblemática El club de los cinco; quizás
por eso, Ferris Bueller’s Day Off, conocida aquí con
un muy riguroso Todo en un día, está parcialmente
basada en la juventud del director. Ferris Bueller,
interpretado por Matthew Broderick, toma su nombre
de Bert Bueller, el mejor amigo de Hughes durante
sus años de instituto. Todo queda en familia.
Según cuenta la leyenda, Hughes escribió el guión
en 6 días (tardó 4 días más que en escribir El club
de los cinco) y se inspiró en muchas de sus fantasías
de adolescente. Desde la más primaria (faltar un día
a clase) a la más alocada (destrozar un Ferrari). La
habitación de un adolescente es el microclima sin el
que cual no puede sobrevivir, y para esta cinta, Hughes
decoró personalmente la habitación de su alter ego al
estilo de cómo era su cuarto. La película empieza con
Ferris haciendo creer a sus padres que está enfermo
y que no podrá ir a clase. Sólo su hermana (Jennifer
Gray) sospecha que miente. Finalmente la familia
deja la casa y empieza el día para Ferris. Su plan
es sencillo: ir a buscar a su novia Sloane al instituto,
ir a por su mejor amigo Cameron -quien sí que está
realmente enfermo - e ir a dar una vuelta por Chicago.
La vida pasa muy deprisa. Si no te
paras y miras a tu alrededor, te la
podrÍas perder...
Ferris Bueller
Y como dice el título español, lo hacen ‘todo en un
día’, robando el Ferrari del padre de Cameron. Ferris
en su Ferrari, acompañado de su novia y su mejor
amiga, irán de compras, a un restaurante francés y
la liarán en un desfile, donde Ferris cantará el ‘Twist
and Shout’ haciendo bailar a todos los transeúntes
de Chicago. Una fantasía, como recordaba el propio
Hughes en los comentarios del DVD hablando de su
amigo Bert Bueller: “cuando se ponía enfermo de
verdad, se sentía aliviado, porque así no tenía que
inventarse una excusa para faltar al instituto”.
Todo en un día podría ser una especie de roadmovie, si no nos atenemos a que sea una película
de ciencia ficción, casi, más parecida a Inland Empire
que a Dieciseis velas. Una teoría, nada descabellada
- sobre todo conociendo a Hughes - es que toda la
película es un delirio febril del personaje de Cameron
(interpretado por Alan Ruck). La película empieza
con Ferris, con sus miradas a cámara rompiendo la
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cuarta pared (y algo más) como el tipo más cool del
instituto. Tiene a la chica más guapa, todos le adoran
y es capaz de engañar con cortesía e inteligencia a
sus padres y al director del instituto.
Y en un corte bastante violento, pasamos al
personaje de Cameron, en su cama, moqueando,
ojos enrojecidos, luchando contra la gripe. De hecho,
es el personaje de Cameron el que tiene las mayores
revelaciones, el auténtico vehículo de la película.
Aunque Ferris es el que conduce, es Cameron el
dueño del coche. Como en una versión de Tyler
Durden de El club de la lucha, Ferris es todo aquello
que Cameron querría ser y no puede. Y a la vez, todo
aquello que Hughes sabe que queremos ser pero
somos incapaces.
De hecho, es gracias a la intervención de Ferris
que Cameron pone en orden su vida y es capaz de
enfrentarse a su severo padre. Igual que en Mary
Poppins, la niñera que da título a la película no es
más que una forma de que Mr. Banks encuentre la
felicidad, Ferris Bueller es la mejor parte de nosotros
mismos: la juventud, el ímpetu y el entusiasmo, que
nos asalta cuanto más débiles estamos para darnos
un paseo por la ciudad.
Por eso, al final de la película, cuando todo se ha
solucionado, Ferris vuelve a mirarnos a cámara y nos
pide que nos vayamos. Todo se ha acabado. “Esto no
va de mí ni de lo enrollado que soy, esto va de que
tenéis que echarle cojones a la vida, amigos. Iros ya y
dejadme en paz. Mi trabajo está hecho y debo irme”.
Casi como un ángel.
Oh. Yeah.
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Por Carlos Fernández Castro (www.bandejadeplata.com)
A finales de los años 80, los hermanos Zucker y Jim
Abrahams ya habían perpetrado dos de las comedias
más desternillantes de las últimas décadas: Aterriza
como puedas (1980) y Top Secret (1984), películas
adscritas a dos subgéneros cinematográficos (cine
de catástrofes y espionaje respectivamente) tan
populares como susceptibles de ser parodiados.
El secreto de esta exitosa fórmula consistía en
un equilibrio perfecto entre la rotura de las reglas
de ambos géneros y el respeto a la esencia de los
mismos, todo un ejercicio de funambulismo que
también funcionó en Agárralo como puedas.
Tras reventar la taquilla con Aterriza como puedas,
David Zucker, Jerry Zucker y Jim Abrahams
recibieron el encargo de preparar una serie cómica
en torno al hermético mundo de la policía. Contra todo
pronóstico, el resultado fue un fracaso absoluto y el
famoso equipo creativo cambió de tercio para volver
a la senda del triunfo y permitirse el lujo de llevar su
testarudez hasta límites insospechados.
El hecho de que Agárralo como puedas - la serie
original- no encajara en la parrilla televisiva de 1981
no significaba que la idea en la que se basaba no
fuera apta triunfar en la gran pantalla. Ni cortos ni
perezosos, los responsables de Top Secret recurrieron
al material creado para los seis episodios emitidos
antes de su cancelación, y volvieron a llamar a Leslie
Nielsen, protagonista original y actor habitual en sus
anteriores trabajos.
Agárralo como puedas toma como referencia el cine
negro para conseguir un elegante estilo narrativo
y una intrigante atmósfera. No echamos en falta
ninguna de las señas de identidad del género: desde
una femme fatale tan bella como ambigua, hasta
la conspiración que el protagonista debe frustrar,
pasando por un despiadado villano de guante blanco,
y la típica narración en off. Pero nada de esto llamaría
realmente la atención sino fuera por el toque Zucker/
Zucker/Abrahams, consistente en llevar todos estos
elementos al terreno de la comedia de enredo más
absurda y desmadrada.
un Leslie Nielsen que demuestra un talento innato
para el humor físico. Precisamente el contraste
entre la seriedad de las interpretaciones de Agárralo
como puedas y el esperpéntico desarrollo de
sus acontecimientos provocan las carcajadas del
espectador. Sin ir más lejos, la película empieza con
una reunión presidida por Gorbachov, Gadafi, Arafat,
y demás líderes del eje del mal, versión años 80, en
la que se planea un ataque a los Estados Unidos de
América. Sin más ayuda que la de un estrafalario
disfraz y sus puños, el agente Drebin les sorprende
y les propina una paliza de escándalo en nombre de
su “honorable, inocente y desinteresada” nación. Tras
una rutinaria secuencia, presidida por la típica canción
promocional, observamos un sarcástico rótulo que
revela su verdadero espíritu de video musical y sus
encubiertas ambiciones marketinianas. Sin embargo, encontramos a lo largo del metraje un
sinfín de referencias a numerosos clásicos del film
noir, que denotan la notable cultura cinematográfica y
la voluntad reverencial de sus guionistas. La pulsera
que luce Priscilla Presley en su tobillo es una clara
alusión a la que exhibe Barbara Stanwyck y despierta
el deseo sexual de Fred McMurray en Perdición
(1944). Los fogosos diálogos entre Frank Drebin y
Jane Spencer encajarían a la perfección en El sueño
eterno (1946) o Tener y no tener (1944) si no fuera por
su vocación descaradamente cómica.
Asimismo, destaca la manera en que Agárralo como
puedas juega con todos y cada uno de los tópicos
del cine de acción para construir un buen puñado de
secuencias tan entretenidas como hilarantes, que
combinan fluidamente los gags más trabajados con
el humor más escatológico y básico. El resultado es
una película que sorprende por su ritmo frenético y
encadena las risas del espectador con la eficiencia
de una cadena de producción japonesa. Volver a ver
esta película es sinónimo de añorar aquellos tiempos
en los que leer “una película de David Zucker, Jerry
Zucker y Jim Abraham” al principio de los títulos de
crédito era sinónimo de asistir al visionado de una
comedia inolvidable.
El inspector Frank Drebin provoca involuntariamente
el caos allá donde va, su ilimitada torpeza es tan sólo
equiparable a la tronchante seriedad aportada por
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EL SEÑOR DE LOS ANILLOS Y EL HOBBIT,
BELLA E INCONFUNDIBLE TIERRA MEDIA
Por Carlos Murcia
DOMINGO 12 JULIO · 17h (VOSE)
LA COMUNIDAD DEL ANILLO
LAS DOS TORRES
EL RETORNO DEL REY
SÁBADO 1 AGOSTO · 17h (VOSE)
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Aquellos que siguieron los primeros pasos de Peter
Jackson como director poco se imaginaban como
acabaría derivando su carrera. Del cine más gore,
de bajo presupuesto, de explotación y autoparódico
pasó a realizar blockbusters totalmente laboriosos y
de grandes presupuestos.
Braindead y El señor de los anillos son dos obras
completamente opuestas, en cuanto a mecanismo,
objetivos, estética… Pero ambas contienen un
enrome dinamismo ya sea a través del montaje
frenético, de la cámara en constante movimiento
o de la acción frenética que acompaña a cada uno
de los personajes. Peter Jackson, como todos los
grandes directores de cine tiene sus sellos de autor
que reparte en cada una de sus películas por muy
diferentes o contradictorias que parezcan entre ellas.
Rodar la gran obra de J.R.R Tolkien no es tarea que
pueda emprender cualquier director. Jackson fue todo
un visionario y un impulsor de los nuevos efectos
especiales que acabarían convirtiéndose en la base
de los nuevos blockbusters del siglo XXI. El legado
de El señor de los anillos es inmenso y Jackson
no pudo evitar adaptar El Hobbit extendiendo las
aventuras de la tierra media y aportando de nuevo
otra gran innovación tecnológica en el panorama
cinematográfico: el HFR, sesenta fotogramas por
segundo que aumentan considerablemente la calidad
visual de los films. Entre sus grandes aportaciones
tecnológicas no debemos olvidar los carismáticos
personajes de Gollum, Smaug entre muchos otros
creados a través de la animación digital. El papel del
actor en cierta manera se subestima al ser animado,
pero el trabajo de Andy Serkis como Gollum y de
Benedict Cumberbatch como Smaug es totalmente
fascinante e igual de elogiable como el de otros actores
que intervienen en las dos sagas cinematográficas.
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Pero tanto El señor de los anillos como El hobbit,
aparte de ser dos prodigios audiovisuales, son dos
adaptaciones narrativas muy meticulosas y que
han marcado un antes y un después en el cine
contemporáneo. Nunca antes la tierra media se ha
representado en la gran pantalla de una forma tan
hermosa, tan singular, particular y atractiva como
lo ha hecho Jackson. Las seis películas sobre las
obras de Tolkien gozan de probablemente una de
las mejores ambientaciones cinematográficas de la
historia del cine. Las inmensas horas de metraje de
cada una de las películas nos ofrecen un sinfín de
parajes, tradiciones, ciudades, etnias y personajes
únicos que introducen al espectador en un universo
ficcional que se ha convertido en un gran emblema.
El señor de los anillos y El Hobbit son probablemente
el modelo precursor de las obras de aventuras
seriadas fomentadas en la coralidad de personajes.
Gimli, Frodo, Sam, Legolas, Aragorn, Sauron,
Saruman, Gandalf, Pippim, Merry, Galadriel, Bilbo,
Smaug, Thorin, Gollum… Son algunos de los infinitos
personajes que aparecen en las sagas de Peter
Jackson. Una gran variedad de personajes que no
están construidos en torno a estereotipos básicos sino
que cada uno tiene su propia profundidad psicológica,
su carácter y su inconfundible carisma.
El señor de los anillos y El Hobbit son probablemente el modelo
precursor de las obras de aventuras seriadas fomentadas en la
coralidad de personajes.
Es imposible resumir argumentalmente todo el denso contenido narrativo de El señor de los anillos y El Hobbit. Lo que sí se
puede resumir a la perfección es los valores que transmite y sus objetivos. Las películas de Peter Jackson están orquestadas
en torno a una misma idea: la lucha del bien contra el mal. Una idea tremendamente simple adornada con una gran cantidad
de entramados narrativos. Pese a tener muy claro qué personajes simbolizan el bien y quienes el mal (solamente hace falta
ver la apariencia física de cada uno), las obras de Tolkien superan cualquier tipo de relato caballeresco o tradicional gracias
a la eliminación de la frontera que separa estos dos conceptos. Esto queda perfectamente simbolizado a través del anillo que
recorre todas las películas. Elemento que posee hasta el alma más bondadosa, arrastrándola al infierno, a la avaricia, al dolor
y al odio.
Finalmente, merece la pena destacar que, sin duda alguna, uno de los elementos más importantes del universo Tolkien
trasladado a la gran pantalla es el grandísimo trabajo del compositor Howard Shore. Sus partituras no solamente nos sirven
para guiarnos por cada localidad, por cada raza y por cada aventura de las películas sino que se han convertido en una pieza
narrativa más inseparable de toda la estructura de las sagas.
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Por Por Quim Cruselles
Nacidas como un repentino sueño de una noche de verano, con una sola sesión allá por 2004 en la que se combinó cine
(premiere en España de la todavía inédita Shaolin Soccer) con una cena cantonesa, las Nits han crecido hasta situarse, en
su 12ª edición, como uno de los festivales de cine asiático más destacados del país. Doce años después y aún pasando
de una a cerca de cuarenta películas por edición, con más de treinta actividades paralelas como conciertos, espectáculos
de Bollywood, cuentos narrados en teatros de sombras, exhibiciones de artes marciales, exposiciones… las Nits de Vic
siguen conservando intacto el espíritu de esa primera edición: proyectar cine asiático inédito al aire libre, acompañado
de comida del país de origen del film, con la participación de asociaciones asiáticas, y con una complicidad enorme del
público, auténtico protagonista de la sesión. La multiplicación de sesiones, la llegada de títulos que muchas veces viven su
estreno internacional en Vic, obligó, una dulce obligación, a convertir las Nits en Festival, asegurando una Sección Oficial
Competitiva con alrededor de 20 títulos inéditos, además de secciones retrospectiva, sesiones especiales, como la cada
vez más concurrida Nit Golfa o la ActioNite, con maratones de acción extrema, y aumentando también las actividades
satélite. Ahora, el buen Nitómano, y es que así llamamos al público más fiel del festival, no entendería el certamen sin
esa exhibición de Taekwondo previa a una película coreana, o esa muestra de danzas indias coronadas por un número
bollywood antes del blockbuster indio. Y dentro de esa filosofía de intensificar la experiencia Nits, este 2015 presentamos
nuestro primer libro. Junto con la editorial Tyrannosaurus Books, las Nits publican Wild Wild East, del curry western al soja
western, un apasionante recorrido por el exótico mundo de las películas asiáticas del oeste. En el continente asiático, el
cine del oeste gozó de tanta popularidad que rápidamente se transfiguró, adaptándose al paladar del consumidor local.
Tailandia, India o Taiwán fueron algunos de los países en los que el salvaje oeste tomó formas insólitas, conservando con
fidelidad sus características genéricas, pero adobado con las especies locales.
Wild Wild East, escrito por Domingo López con un grupo salvaje de colaboradores excepcionales, es el primer libro que se
publicará en todo el mundo sobre este apasionante subgénero.
BCN KNOCKOUT! + LA SERPIENTE A LA SOMBRA DEL ÁGUILA
MIÉRCOLES 8 JULIO · 20:30h (VOSE)
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INDIA
La India es el país protagonista del Festival Nits
2015 y por ello es la cinematografía con más
títulos programados. Ocho películas que van desde
los Bollywood más espectaculares hasta el cine
independiente y comprometido. De los primeros son
ejemplos Bang Bang!, una especie de James Bond
indio electrizante, y Action Jackson, culminación del
cine masala con una explosión de estilo y acción.
Qissa, donde se tocan temas como el machismo o
la homosexualidad a través de una historia llena de
sensibilidad y misterio, o Badlapur, una impactante
reflexión sobre las consecuencias de una venganza,
son la otra cara del cine indio. También podremos
ver la producción con más pedigrí de la temporada,
Detective Byomkesh Bakshy!, adaptación de una
popular novela pulp india con un diseño de producción
suntuoso. Es la película inaugural de este año. Una
auténtica joya.
De Japón, como suele ser habitual, hemos
seleccionado comedias y acción. Wood Job! y Judge!
aspiran a convertirse en las Afro Tanaka de este año.
Historias de personajes desubicados que aprenden
una lección que los hace crecer. Y mientras ellos la
aprenden, nosotros nos reiremos. Los alumnos más
revoltosos de Japón, los de la saga Crows, vivirán el
estreno de su tercera entrega en una sesión especial
de fin de semana, tal como lo hará Mazinger. Sí, sí,
Mazinger vuelve y en pantalla grande gracias al filme
Mazinkaiser.
Hong Kong, nuevamente, tendrá su día. A las 10 de
la mañana del 16 de julio arrancará el Hong Kong
Day con una película infantil de animación virtual,
Dragon Blade, y continuará con un documental sobre
el maestro Johnnie To, la desmesurada From Vegas
to Macau 2, la película cantonesa más taquillera
de la historia. La crepuscular Gangster Payday y
una de las sensaciones de esta edición, Kung Fu
Jungle, un adrenalínico catálogo de duelos marciales
encabezados por el mítico Donnie Yen, completan la
oferta. Y fuera del Hong Kong Day pero también de
HK, nos llega Guilty, una sórdida historia de amor y
desamor que ha despuntado como uno de los títulos
independientes del año.
De Hong Kong a China. El gigante asiático lo es en
todos los sentidos y en los últimos años ha multiplicado
su producción y ha visto como un grupo de nuevos
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y talentosos cineastas quieren explicar al mundo los
radicales y acelerados cambios que vive su país.
Esto lo comprobaremos en The Continent, debut del
mediático Han Han, y Uncle Victory, hipnótica fábula
sobre la China moderna. Pero China no es China sin
un Wuxia y en este caso podremos disfrutar de la
trama shakesperiana de Brotherhood of Blades.
De Corea del Sur hay tres títulos, uno de ellos un
estreno mundial que nos hace mucha ilusión presentar:
Somehow. La música de este delicado drama intimista
es del compositor de Roda de Ter, Guillem Ramisa.
Guillem, acompañado del director Kyu Jun-Cho,
presentará el primer visionado oficial de esta ópera
prima. Las otras dos producciones coreanas son The
Pirates, una cinta de aventuras clásica, y La chica
satélite y el chico vaca, de animación.
Y este año debuta otra Nit especial: la ActioNite. Dos
cintas de acción extrema: Vengeance of an Assassin,
obra póstuma de Panna Rittikrai, y el spin-off de KL
Gangster, Abang Long Fadil, una auténtica espiral de
acción y humor que puede convertirse en la sorpresa
del certamen.
Estos son sólo algunos de los ejemplos de lo que
podremos ver en el certamen en sesiones oficiales,
especiales e infantiles. Una programación que se
redondeará con la retrospectiva Wild Wild East que,
con títulos emblemáticos del western asiático.
UNAS NITS PHENOMENALES
Esta avalancha de cine asiático u oriental tendrá en
Phenomena a su telonero de excepción. ¿Qué lugar
mejor que el gran fenómeno del cine popular en nuestro
país para una sesión especial? El miércoles 8 de julio,
Phenomena proyectará dos películas ideales para
una sesión Nitómana: BCN Knockout! y La serpiente
a la sombra del águila. La primera es una producción
india rodada en Barcelona con un guión demencial y
unas escenas de acción abracadabreantes. La ciudad
condal está llena de mafiosos, ninjas, asesinos a
sueldo, políticos corruptos (no, no és un documental),
y allí llega nuestro héroe indio para repartir justicia
y, de paso, unas cuantas hostias. La serpiente a la
sombra del águila és uno de los primeros clásicos de
Jackie Chan. La podremos ver en una copia en 35
mm, así que más grindhouse, imposible. Para muchos
es la comedia de Kung fu definitiva, uno de los títulos
que hicieron de Jackie Chan una estrella y todo un rompetaquillas en su momento. Dirigida por Yuen Woo-Ping (Matrix,
Tigre y Dragón) es un título imprescindible para cualquier fan del cine de acción moderno, que cambiaría para siempre el
cine de artes marciales con sus novedosas y frenéticas coreografías.
Y todo esto salpicado con tráilers de películas que veremos en las Nits 2015, tráilers añejos de películas de kung fu… Una
fiesta, vamos.
Grabad con fuego impuro esta fecha en vuestras retinas: miércoles, 8 de julio.
Y la semana siguiente nos vemos en esta localidad de la Catalunya central, Vic, en un pequeño festival planteado para que
la gente se lo pase en grande. Y con un equipo detrás, voluntarios que se desviven por esta iniciativa, que consiguen, año
tras año, que el espíritu permanezca intacto. Nos vemos en las Nits.
Más info en www.cinemaoriental.com
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JAMES HORNER
El HOMBRE QUE
PUDO REINAR
Por Jordi Rossell
James Horner nos ha dejado, ¡y de qué manera! Su
afición a volar le llevó a pilotar una de sus 5 avionetas
con la que acabó estrellándose cerca de su LA natal,
truncando una carrera fenomenal, sembrando la tristeza
más absoluta entre sus admiradores, y privándonos a
todos de muchas joyas musicales que de bien seguro
nos habría ofrecido en estos años venideros, y que
habrían completado su ya magnífico legado.
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Jamie, a pesar de su relativa juventud (61), ya era
considerado un compositor clásico, uno de esos
últimos autores que todavía componían al viejo estilo,
escribiendo la partitura, orquestando su música, y
sobre todo dirigiendo la orquesta sobre las imágenes,
un proceso artesanal prácticamente ausente en el
Hollywood actual.
James Roy Horner, pianista a los 8, y con una
completa preparación musical clásica, tuvo la suerte
de acercarse al mundo del cine en el mejor de los
momentos. En 1977, Hollywood vivió la eclosión del
blockbuster que llevó a la revitalización de la música
de cine. La gran demanda de compositores para
cubrir este tipo de producciones hizo que con tan
solo 28 años, y tras componer varios títulos de serie
B, fuera elegido para crear la música de Star Trek
II, título que le colocó en la primera división musical
cinematográfica. Un año después, y con solo 30 años,
Horner no paraba de componer y su nombre, de la
noche a la mañana, se había colocado a la altura de
los maestros.
En la década de los 80, muchos títulos suyos eran
secuelas, y por lo tanto las comparaciones estaban a
la orden del día. A pesar de ello, Horner dejaba marca
tanto en producciones espectaculares, como en títulos
más intimistas. Muchas de estas composiciones ya
contenían señales melódicas inconfundibles, y poco
a poco su estilo iba definiéndose, y volviéndose
más personal. Esto y la versatilidad que demostraba
al trabajar en películas de géneros muy diversos,
conquistaron a una legión de jóvenes seguidores
que empezaban a coleccionar sus ahora valiosas
ediciones discográficas.
Su carrera no estuvo exenta de polémicas. El hecho
de que repitiera en exceso algunas frases y motivos
musicales, el paralelismo con otros autores, así como
la utilización de fragmentos de piezas clásicas en
algunas de sus obras, hizo que algunos le llegaran
a detestar de manera muy evidente. Esto y la poca
relación que mantuvo con algunos de sus colegas,
hizo que las malas lenguas se cebaran con él.
A pesar de ello, Horner siguió triunfando, y ya en
los 90, empezó a dar señales de una madurez
asombrosa. Para sorpresa de muchos, modificó
su estilo apartándose cada vez más de los autores
consagrados. El jazz, el swing y la música céltica
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hicieron su aparición dotando a su música de
una tonalidad especial, que combinado con esos
“artefactos” emocionales que nunca abandonaba,
le llevaron al triunfo más absoluto en títulos como
Leyendas de pasión, Apolo 13 o Braveheart, aunque
el éxito colosal le llegaría al componer la música
del mega hit Titanic que, con canción incluida, le
reportaría sus 2 únicos Oscars, y el record de ventas
de una banda sonora orquestal.
Tras saborear este éxito inmenso, Horner siguió
componiendo para multitud de producciones, aunque
poco a poco empezó a acercarse a títulos menores
donde poder desarrollar sus ideas con más libertad, e
incluso retomó la composición clásica.
En los últimos años, Horner también descubrió el
cariño de sus admiradores. En un concierto homenaje
en Viena, en el que no pudo contener sus lágrimas,
en una reciente proyección de Titanic en Londres, con
la música en directo, y en su última, y única aparición
como director en Stavanger, Noruega, Jaime recibió
los aplausos y el reconocimiento del público, algo
que posiblemente le planteó la posibilidad de seguir
ofreciendo conciertos, o al menos eso esperábamos
todos los que le adorábamos.
James Horner será recordado siempre como el
compositor de Titanic, pero en sus 35 años de
carrera nos obsequió con un auténtico catálogo de
maravillas, y nos demostró que su música, a pesar
de las reticencias originales, si era original y única.
Tal vez no haya sido el rey de la música de cine con
el que soñábamos, pero su emotiva música seguirá
reinando en nuestros corazones y su música, como
él, ha volado y seguirá volando muy alto y durante
mucho tiempo. James Horner ya es inmortal…
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FILMOGRAFÍA
Up from depths (1979), de Charles B. Griffith
The lady in red (1979), de Lewis Teague.
Battle Beyond the Stars (1979), de Jimmy T. Murakami
Humanoides del abismo (1980), de Barbara Peters & Jimmy T. Murakami
Bendición mortal (1981), de Wes Craven.
La mano (1981), de Oliver Stone.
Wolfen (1981), de Michael Wadleigh.
The Pursuit of D. B. Cooper (1981), de Roger Spottiswoode.
A piano for Mrs. Cimino (1982), de George Schaefer.
Star Trek II: la ira de Khan (1982), de Nicholas Meyer.
48 Hrs. (1983), de Walter Hill.
The Dresser (1983), de Peter Yates.
Krull (1983), de Peter Yates.
Proyecto Brainstorm (1983), de Douglas Trumbull.
Testamento final (1983), de Lynne Littman.
El carnaval de las tinieblas (1983), de Jack Clayton.
Gorky Park (1983), de Michael Apted.
Más allá del valor (1983), de Ted Kotcheff.
Star Trek III: en busca de Spock (1984), de Leonard Nimoy.
Cocoon (1985), de Ron Howard.
Voluntarios (1985), de Nicholas Meyer.
Natty Gann (1985), de Jeremy Kagan.
Comando (1985), de Mark L. Lester
El nombre de la rosa (1986), de Jean-Jacques Annaud.
Off Beat (1986), de Michael Dinner.
Aliens, el regreso (1986), de James Cameron.
Cuando el río baja negro (1986), de Christopher Cain.
An american tail (1986), de Don Bluth.
Batteries Not Included (1987), de Matthew Robbins.
Proyecto X (1987), de Jonathan Kaplan.
The Land Before Time (1988), de Don Bluth.
Cocoon: el regreso (1988), de Daniel Petrie.
Red Heat (1988), de Walter Hill.
Vibes (1988), de Ken Kwapis.
Willow (1988), de Ron Howard.
Recuerdos de guerra (1988), de Norman Jewison.
Glory (1989), de Edward Zwick.
Mi padre (1989), de Gary David Goldberg.
Honey, I Shrunk the Kids (1989), de Joe Johnston.
Field of Dreams (1989), de Phil Alden Robinson.
Another 48 Hrs. (1990), de Walter Hill.
Acción judicial (1990), de Michael Apted.
Once Around (1990), de Lasse Hallström.
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Te amaré hasta que te mate (1990), de Lawrence Kasdan.
The Rocketeer (1991), de Joe Johnston.
Fievel va al oeste (1991), de Simon Wells & Phil Nibbelink.
Falsa seducción (1992), de Jonathan Kaplan.
Corazón trueno (1992), de Michael Apted.
Rebeldes del swing (1992), de Thomas Carter.
Los fisgones (1992), de Phil Alden Robinson.
Juego de patriotas (1992), de Phillip Noyce.
Searching for Bobby Fischer (1993), de Steven Zaillian.
Once Upon a Forest (1993), de Charles Grosvenor.
Rex, un dinosaurio en Nueva York (1993), de Simon Wells, de Phil Nibbelink
El hombre sin rostro (1993), de Mel Gibson.
Un lugar muy lejano (1993), de Mikael Salomon.
Jack the Bear (1993), de Marshall Herskovitz.
El informe Pelícano (1994), de Alan J. Pakula
Peligro inminente (1994), de Phillip Noyce.
Leyendas de pasión (1994), de Edward Zwick.
The Pagemaster (1994), de Joe Johnston.
Jade (1995), de William Friedkin.
Apolo 13 (1995), de Ron Howard.
Casper (1995), de Brad Silberling.
Braveheart (1995), de Mel Gibson.
Balto (1995), de Simon Wells.
Jumanji (1995), de Joe Johnston.
Rescate (1996), de Ron Howard.
The Devil´s Own (1997), de Alan J. Pakula
Titanic (1997), de James Cameron.
El hombre bicentenario (1998), de Chris Columbus.
Deep Impact (1998), de Mimi Leder.
Mi gran amigo Joe/Joe (1998), de Ron Underwood.
La máscara del Zorro (1998), de Martin Campbell.
La tormenta perfecta (2000), de Wolfgang Petersen.
El Grinch (2000), de Ron Howard.
Enemigo a las puertas (2001), de Jean-Jacques Annaud.
A Beautiful Mind (2001), de Ron Howard.
Iris (2001), de Richard Eyre.
Casa de arena y niebla (2003), de Vadim Perelman.
The Missing (2003), de Ron Howard.
Beyond Borders (2003), de Martin Campbell.
Troya (2004), de Wolfgang Petersen.
The Forgotten (2004), de Joseph Ruben.
La leyenda del zorro (2005), de Martin Campbell.
Flightplan (2005), de Robert Schwentke.
El nuevo mundo (2005), de Terrence Malick.
Todos los hombres del rey (2006), de Steven Zaillian.
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Estas vacaciones, te lo pensarás dos veces antes de pasar
la noche en un motel de carretera en el que no hay ni un
solo huésped. Nunca se sabe qué se oculta tras el tímido
chico de recepción, ni lo rara que puede ser su relación
con su controladora madre. Alfred Hitchcock nos lo advirtió
hace ya 55 años en Psicosis, un film de terror perfecto
para animar la noche de Halloween. Y es que, después
de conocer a Norman Bates, la ducha jamás volverá a ser
tan relajante como antes. ¿Te atreves a pasar miedo de la
mano del maestro del suspense? Phenomena colabora con
la Orquestra Simfònica del Vallès y con Reel Solutions para
proponerte uno de los mejores planes para pasar la noche
más terrorífica del año con Psycho Live. Una experiencia
cinematográfica y musical que no podrás olvidar.
de vivir como nunca toda la tensión de secuencias míticas
como la de la ducha, uno de los momentos clave de la
famosa partitura compuesta por el gran Bernard Herrmann,
colaborador habitual de Hitchcock, Scorsese o De Palma,
entre otros grandes directores, y autor de bandas sonoras
emblemáticas como El cabo del terror, Con la muerte en los
talones, Taxi Driver y Vértigo. De entre los muertos.
Además, recuerda que los socios del Club Phenomena
podrán disfrutar de un 20% de descuento en las entradas
del concierto.
El Auditori del Fòrum de Barcelona acogerá el próximo 31 de
octubre, a partir de las 21 h, esta sesión especial de Psicosis
para celebrar la noche de Halloween con este clásico del cine
de terror en el que una joven, que huye con un dinero que ha
robado de su trabajo, desaparecerá sin dejar rastro tras su
paso por el solitario Motel Bates. Su hermana y su amante
intentarán descubrir qué le ha ocurrido. La proyección del
film contará con banda sonora en directo, interpretada por
la Orquestra Simfònica del Vallès. Una oportunidad única
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PROGRAMACIÓN
Del 29 de junio al 2 de agosto 2015
LUNES 29 JUNIO
17:00h
EL MAGO DE OZ The wizard of Oz
Victor Fleming, 1939. Int:Judy Garland, Fran Morgan, Ray Bolger
Reino Unido / USA · 102’ · 35mm · VOSE
Film legendario que, 76 años después, sigue siendo un despliegue de
colorido, trucos visuales y espléndidos números musicales que acompañan a
Dorothy camino de la ciudad Esmeralda.
19:00h
TIBURÓN Jaws
Steven Spielberg, 1975. Int: Roy Scheider, Robert Shaw, Richard
Dreyfuss. USA · 124’ · DCP · VOSE
Las dificultades del rodaje hicieron que Spielberg tuviera que buscar
soluciones tan creativas como la de usar la cámara para mostrar lo que veía
el tiburón, aumentando así un suspense que se aceleraba con la música de
John Williams.
21:45h
EL CABALLERO OSCURO The Dark Knight
Christopher Nolan, 2008. Int: Christian Bale, Heath Ledger, Aaron
Eckhart. USA · 152’ · 35mm · VOSE
Nolan añadió a esta segunda entrega de su trilogía de Batman muchas
más dosis de acción que en la anterior y secuencias espectaculares. El Joker
interpretado por Heath Ledger le valió al actor un Oscar póstumo.
MIÉRCOLES 1 JULIO · GRAN ESTRENO
JURASSIC WORLD Jurassic World
Colin Trevorrow, 2015. Int: Chris Pratt, Bryce Dallas Howard, Ty
Simpkins. USA · 124’ · DCP · VOSE
LUNES 6 JULIO
17:00h
HARRY POTTER Y EL PRISIONERO DE AZKABAN
Harry Potter and the Prisoner of Azkaban
Alfonso Cuarón, 2004. Int: Daniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert
Grint. REINO UNIDO · 142’ · 35mm · VOSE
PROGRAMACIÓN · Del 29 de junio al 2 de agosto 2015
19:15h
FAST & FURIOUS 7 Furious Seven
James Wan, 2015. Int: Vin Diesel, Paul Walker, Dwayne Johnson
USA · 137’ · DCP · VOSE
Jason Statham, un veterano del cine de acción, buscará venganza entre la
banda de expertos ladrones y aficionados a las carreras de coches callejeras
que lidera Vin Diesel. Una misión de rescate les pondrá en contacto con un
nuevo aliado.
Repetición el día 11 julio
y VOSE
Robert Zemeckis, 1985. Int: Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Lea
Thompson. USA · 116’ · DCP · VOSE
19:45h
EL EXORCISTA The Exorcist. The Director’s Cut
William Friedkin, 1973/2000. Int: Linda Blair, Max von Sydow, Ellen
Burstyn. USA · 121’ · 35mm · VOSE
Pocos films de terror han tenido el impacto que causó Friedkin con esta
niña poseída por el diablo. Su magnífica realización hizo que la película
consiguiera diez nominaciones a los Oscar.
Bruce Willis tendrá que adivinar los acertijos de un vengativo Jeremy Irons
para evitar que detone bombas por toda la ciudad. Trepidante tercera
entrega de la saga, con ritmo de thriller y sorprendente guión.
MARTES 30 JUNIO
17:00h
LOS GOONIES The Goonies
VIERNES 3 JULIO · GRAN ESTRENO
17:00h / 19:45h / 22:45h
SÁBADO 4 JULIO · GRAN ESTRENO
Richard Donner, 1985. Int: Sean Astin, Josh Brolin, Corey Feldman.
USA · 114’ · DCP · VE
Las aventuras de estos amigos, en busca de un tesoro pirata, fueron idea
de Spielberg, aunque fue su amigo Chris Columbus quien la escribió. Film
mítico de los ochenta con momentos inolvidables como el Supermeneo.
16:00h / 18:30h / 21:00h / 23:30h
19:30h
EL GIGANTE DE HIERRO The Iron Giant
Brad Bird, 1999. USA · 86’ · 35mm · VE
Forjado en la serie de Los Simpson, Brad Bird debutó en el cine con esta
preciosa historia de amistad entre un niño y un robot extraterrestre. Un
aclamado film que le permitió dirigir Los Increíbles y Ratatouille.
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16:15h / 19:00h / 21:30h
DOMINGO 5 JULIO · GRAN ESTRENO
17:00h / 19:30h / 22:00h
y VOSE
22:45h
CAPITAN AMÉRICA: EL SOLDADO DE INVIERNO
Captain America: The Winter Soldier
Anthony Russo, Joe Russo, 2014. Int: Chris Evans, Samuel L.
Jackson, Scarlett Johansson. USA · 136’ · DCP · VOSE
Trepidante inmersión en el mundo de los cómics Marvel. Cuando Nick Furia,
el director de la agencia SHIELD, es atacado, el Capitán América y la Viuda
negra investigarán quién les ha traicionado.
Die Hard: With a Vengance
John McTiernan, 1995. Int: Bruce Willis, Jeremy Irons, Samuel L.
Jackson USA · 131’ · 35mm · VOSE
Dwayne Johnson recorre una California sacudida por un terremoto para
rescatar a su hija. El actor rodó descensos de más de 45 metros y practicó
rescates en helicóptero para hacer él mismo las escenas.
Brad Peyton, 2015. Int: Dwayne Johnson, Carla Gugino, Alexandra
Daddario. USA · 114’ · DCP ·
· VOSE
Repetición el día 12 julio. Ver reseña del día 9 julio
22:30h · ESPECIAL 30 ANIVERSARIO
REGRESO AL FUTURO Back to the Future
16:30h / 19:30h / 22:00h
· VOSE
Repeticiones los días 10 y 12 julio
Título emblemático del cine ochentero, apadrinado por Spielberg y dirigido
por Robert Zemeckis. Marty McFly viaja en el tiempo con un Delorean
inventado por su amigo Doc.
22:00h
LA JUNGLA DE CRISTAL. LA VENGANZA
SAN ANDRÉS San Andreas
20:00h · GRAN ESTRENO
Alfonso Cuarón, director de Gravity, consiguió que esta tercera entrega
de Harry Potter fuera la más oscura de la saga, y la mejor rodada, con la
incorporación de Gary Oldman como Sirius Black.
Spielberg produce la cuarta entrega de la saga basada en la novela de
Michael Crichton. 22 años después de los graves incidentes, el parque
reabre para mostrar una nueva especie de dinosaurio.
JUEVES 2 JULIO · GRAN ESTRENO
JUEVES 9 JULIO
22:30h
TERMINATOR 2: EL JUICIO FINAL
MIÉRCOLES 8 JULIO
17:00h
TITANIC Titanic
James Cameron, 1997. Int: Leonardo DiCaprio, Kate Winslet, Billy
Zane. USA · 194’ · 35mm · VOSE
Monumental superproducción, ganadora de once Oscars, en la que Cameron
recreó con detalle el trágico viaje del barco en el que se enamoran Leonardo
DiCaprio y Kate Winslet.
Terminator 2: Judgment Day
James Cameron, 1991. Int: Arnold Schwarzenegger, Linda
Hamilton, Edward Furlong. USA · 137’ · 35mm · VOSE
19:30h
LA CAZA DEL OCTUBRE ROJO The Hunt for Red October
John McTiernan, 1990. Int: Sean Connery, Alec Baldwin, Scott Glenn
USA · 135’ · 35mm · VOSE
El capitán de un submarino trata de evitar una guerra entre EUA y la URSS.
Adaptación de la novela de Tom Clancy, con Alec Baldwin como Jack Ryan,
personaje interpretado por Harrison Ford en otras adaptaciones como Juego
de patriotas.
22:30h · PHENOMENA SUMMERNIGHTS
The Naked Gun: From the Files of Police Suqad!
David Zucker, 1988. Int: Leslie Nielsen, Priscilla Presley, O.J.
Simpson. USA · 85’ · 35mm · VOSE
Leslie Nielsen se convirtió en el agente de policía más desastroso del cine
en esta parodia, donde debía investigar a un empresario que planea un
asesinato. Obra de los responsables de Aterriza como puedas. Con la entrada
podrás disfrutar de un estupendo cocktail.
James Cameron contó con la ayuda del veterano Stan Winston para crear un
terminator de metal líquido al que tendrá que enfrentarse Schwarzenegger
para proteger a John Connor, el futuro líder de la resistencia humana en la
guerra contra las máquinas.
17:00h · ESPECIAL J. R. R. TOLKIEN
The Hobbit: An Unexpected Journey
Peter Jackson, 2012. Int: Martin Freeman, Ian McKellen, Richard
Armitage. USA · 169’ · DCP ·
· VOSE
Bilbo sale de la comarca para ayudar a al mago Gandalf y encuentra un
extraño anillo. Precuela de la trilogía de El señor de los anillos, basada en El
hobbit, de Tolkien, y con colaboración de Guillermo del Toro en el guión.
y VOSE
20:30h
DEEP BLUE SEA Deep Blue Sea
Renny Harlin, 1990. Int: Thomas Jane, Saffron Burrows, Samuel L.
Jackson. USA · 105’ · 35mm · VOSE
Los experimentos con tiburones en una base subacuática se descontrolan
cuando los escualos se liberan y empiezan a atacar a los científicos. Renny
Harlin, experto en cine de acción con films como Máximo riesgo, consigue
secuencias angustiosas y sustos inesperados.
MARTES 7 JULIO
23:00h
FAST & FURIOUS 7 Furious Seven
17:00h
SOLO EN CASA Home Alone
James Wan, 2015. Int: Vin Diesel, Paul Walker, Dwayne Johnson
Ver reseña del día 7 de julio
Chris Columbus, 1990. Int: Macaulay Culkin, Joe Pesci, Daniel Stern
USA · 100’ · 35mm · VE
Comedia escrita y producida por John Hugues, que hizo de Macaulay Culkin
la estrella infantil mejor pagada de Hollywood. El pequeño protagonista
tendrá que usar todo su ingenio para defender su casa de los ladrones
mientras su familia está de vacaciones.
SÁBADO 11 JULIO
20:30h · FESTIVAL NITS DE CINEMA ORIENTAL DE VIC
BCN KNOCKOUT! Iddarammayilatho
Puri Jagannadh, 2013-14. Int: Allu Arjun, Amala Paul, Catherine
Tresa. ÍNDIA · 85’ · DCP · VOSE
LA SERPIENTE A LA SOMBRA DEL ÁGUILA
Se ying diu sa
Woo-Ping Yuen, 1978. Int:Jackie Chan, Siu Tin Yuen, Jang Lee
Hwang. HONG KONG · 98’ · 35mm · VOSE
El Festival Nits de Cinema Oriental de Vic visita Phenomena con una
original producción india rodada en Barcelona en la que hay desde ninjas
hasta gángsters y con un clásico de kung-fú acrobático con Jackie Chan.
DOMINGO 12 JULIO
VIERNES 10 JULIO
17:00h
GLADIATOR Gladiator
Ridley Scott, 2000. Int: Russell Crowe, Joaquin Phoenix, Connie
Nielsen. USA · 155’ · DCP · VOSE
Ridley Scott volvió a los orígenes del péplum clásico con la historia de un
gladiador dispuesto a hacer caer el imperio de un césar cruel. Oscar la mejor
película y Mejor actor para Russell Crowe.
The Hobbit: The Desolation of Smaug
Peter Jackson, 2013. Int: Ian McKellen, Martin Freeman, Richard
Armitage. USA · 161’ · DCP ·
· VOSE
Para conseguir el oro que podría ayudarles a salvar a su pueblo, el hobbit
Bilbo y sus amigos deberán enfrentarse al dragón Smaug, cuya imagen
se basa en la captura de movimientos del actor que le pone voz: Benedict
Cumberbatch, protagonista de la serie Sherlock.
y VOSE
51
· VOSE
ÚLTIMO PASE - Ver reseña del día 9 de julio
y VOSE
22:45h
MATRIX The Matrix
19:00h
GRAVITY Gravity
EL SENTIDO DE LA VIDA The Meaning of Life
Alfonso Cuarón, 2013. Int: Sandra Bullock, George Clooney, Ed
Harris. USA · 91’ · DCP ·
· VOSE
Terry Jones, Terry Gilliam, 1983. Int: John Cleese, Terry Gilliam, Eric
Idle. REINO UNIDO · 107’ · 35mm · VOSE
La manera de rodar de Cuarón, con tomas largas y planos que requerían
una extremada precisión técnica, hicieron que este drama, en el que una
astronauta queda aislada en el espacio, fuera un film de una impresionante
belleza. Ganador de siete Oscar.
y VOSE
Andy Wachowski y Larry Wachowski, 1999. Int: Keanu Reeves,
Laurence Fishburne, Carrie-Anne Moss
USA/ AUSTRALIA · 131’ · 35 mm · VOSE
Los efectos visuales, basados en recursos de la fotografía digital, las luchas
influenciadas por las artes marciales y su estética hicieron que este film
marcara un nuevo estilo en la ciencia-ficción contemporánea.
21:30h
GLADIATOR Gladiator
17:00h
PIRATAS DEL CARIBE: LA MALDICIÓN DE LA PERLA
NEGRA Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl
Emilio Martínez-Lázaro, 2014. Int: Clara Lago, Dani Rovira, Carmen
Machi. ESPAÑA · 98’ · DCP
Gore Verbinski, 2003. Int: Johnny Depp, Geoffrey Rush, Orlando
Bloom. USA · 143’ · 35mm · VOSE
Esta comedia romántica se ha convertido en el mayor éxito del cine español
de los últimos años y ha hecho que su protagonista, el monologuista Dani
Rovira, sea el actor de moda. Un chico sevillano se enamora de una joven
vasca que le pide que finja ser su prometido.
y VOSE
MIÉRCOLES 15 JULIO
17:00h
LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ Gone With the Wind
Victor Fleming, George Cukor, Sam Wood, 1939. Int: Vivien Leigh,
Clark Gable, Olivia de Havilland, Leslie Howard, Hattie McDaniel
USA · 238’ · 35mm · VOSE
21:30h · ÓPERA EN DIRECTO
OPERA: CARMEN (EN DIRECTO)
Robert Zemeckis, 1997. Int: Jodie Foster, Matthew McConaughey,
Tom Skerritt. USA · 150’ · 35mm · VOSE
El prestigioso astrónomo Carl Sagan prestó su novela y produjo esta película
sobre una científica obsesionada con establecer contacto con señales
alienígenas.
MARTES 14 JULIO
17:00h
BABE EL CERDITO VALIENTE Babe
Chris Noonan, 1995. Int: James Cromwell, Magda Szubanski,
Christine Cavanaugh. USA · 91’ · DCP · VOSE
Sorprendente y divertido film familiar sobre un cerdito que habla con los
animales, escrito por George Miller (el creador de Mad Max) y Chris Noonan.
Consiguió siete nominaciones a los Oscar, incluido Mejor película, director y
guión.
STAR TREK: EN LA OSCURIDAD Star Trek Into Darkness
J.J. Abrams, 2013. Int: Chris Pine, Zachary Quinto, Zoe Saldana
Doble sesión que reúne las versiones que ha hecho de la famosa serie J.J.
Abrams, centradas en las primeras misiones de la nave Enterprise. Dos
películas que recogen con habilidad la esencia del original, cameo del
desaparecido Leonard Nimoy incluido.
Conductor: Myron Michailidis. Director: Enrico Castiglione
Int: Elena Maximova, Giancarlo Monsalve, Isabel Rey
Desde el Teatro Antico di Taormina · 190’
JUEVES 16 JULIO
17:00h
LA MOMIA The Mummy
Stephen Sommers, 1999. Int: Brendan Fraser, Rachel Weisz, John
Hannah. USA · 125’ · DCP · VOSE
Entretenida película de aventuras que resucita el mito de la momia y su
venganza contra aquellos que perturben su descanso. Ejemplar arranque
con un flashback muy influenciado por el cine de terror clásico.
19:30h
LA JUNGLA DE CRISTAL. LA VENGANZA
Die Hard: With a Vengance
John McTiernan, 1995. Int: Bruce Willis, Jeremy Irons, Samuel L.
Jackson USA · 131’ · 35mm · VOSE
ÚLTIMO PASE - Ver reseña del día 29 junio
LUNES 20 JULIO
17:00h
EL GIGANTE DE HIERRO The Iron Giant
Mike Newell, 1994. Int: Hugh Grant, Andie MacDowell, James Fleet
USA · 117’ · 35mm · VOSE
Brad Bird, 1999. USA · 86’ · 35mm · VE
Comedia romántica que lanzó al estrellato a Hugh Grant, un chico tímido
que se enamora de una chica a la que conoce en una boda. Guión de Richard
Curtis, creador de Mister Bean y guionista de Notting Hill.
19:30h
SKYFALL Skyfall
Sam Mendes, 2012. Int: Daniel Craig, Javier Bardem, Naomie Harris
Javier Bardem es el villano de esta nueva entrega de la saga Bond en la
que cobra especial importancia el personaje de M, la jefa del agente 007 en el
MI6. Los famosos estudios Pinewood acogieron más de treinta decorados para
el rodaje.
22:30h
SCREAM: VIGILA QUIÉN LLAMA Scream
Wes Craven, 1996. Int: Neve Campbell, Courteney Cox, David
Arquette. USA · 111’ · 35mm · VOSE
Film con el que Wes Craven renovó el cine de terror contemporáneo,
tomando las reglas del género para deconstruirlo y darle un giro. Un asesino
se dedica a apuñalar a los chicos de un instituto.
17:00h
TRAS EL CORAZÓN VERDE Romancing the Stone
Robert Zemeckis, 1984. Int: Michael Douglas, Kathleen Turner,
Danny DeVito, Alfonso Arau, Zack Norman. USA · 106’ · DCP · VOSE
George Miller, 2015. Int: Tom Hardy, Charlize Theron, Nicholas Hoult
AUSTRALIA ·120’ · DCP ·
· VOSE
ÚLTIMO PASE - Ver reseña del día 13 julio
Michael Douglas se convierte en una especie de Indiana Jones para ayudar
a una escritora en apuros, Kathleen Turner, y encontrar una joya perdida. Su
gran éxito propició una secuela: La joya del Nilo.
y VOSE
19:15h
TERMINATOR 2: EL JUICIO FINAL
22:45h
GODZILLA Godzilla
Terminator 2: Judgment Day
James Cameron, 1991. Int: Arnold Schwarzenegger, Linda
Hamilton, Edward Furlong. USA · 137’ · 35mm · VOSE
Gareth Edwards, 2014. Int: Aaron Taylor-Johnson, Elizabeth Olsen,
Bryan Cranston. USA · 123’ · DCP ·
· VOSE
Revisión de la mítica criatura que puso de moda las kaiju eiga, películas
japonesas de ciencia ficción en las que un monstruo gigante arrasaba la
ciudad, con guiños tanto al original como a su creador, Ishiro Honda.
22:00h · ESPECIAL PHILIP K. DICK
MINORITY REPORT Minority Report
y VOSE
DOMINGO 19 JULIO
17:00h · ESPECIAL 30 ANIVERSARIO
REGRESO AL FUTURO Back to the Future
Robert Zemeckis, 1985. Int: Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Lea
Thompson. USA · 116’ · DCP · VOSE
19:30h
HARRY POTTER Y EL PRISIONERO DE AZKABAN
Harry Potter and the Prisoner of Azkaban
Alfonso Cuarón, 2004. Int: Daniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert
Grint. REINO UNIDO · 142’ · 35mm · VOSE
22:30h
TIBURÓN Jaws
Steven Spielberg, 1975. Int: Roy Scheider, Robert Shaw, Richard
Dreyfuss. USA · 124’ · DCP · VOSE
MIÉRCOLES 22 JULIO
17:00h
CUATRO BODAS Y UN FUNERAL Four Weddings and a Funeral
MARTES 21 JULIO
20:15h
MAD MAX: FURIA EN LA CARRETERA Mad Max: Fury Road
La esencia del Hollywood dorado se respira en este gran clásico, ambientado
en la Guerra entre norte y sur. Más de 1400 actrices se presentaron al
casting para el papel de Scarlett O’Hara, la testaruda protagonista que hará
cualquier cosa por mantener a su familia y sus tierras.
22:00h
CONTACT Contact
Impresionante adaptación de la novela de Tolkien. Un grupo de habitantes
de la Tierra Media tratará de destruir el anillo de poder con el que el señor
oscuro podría dominarles. La trilogía costó quince meses de rodaje y casi
siete años de trabajo en total.
George Miller, 2015. Int: Tom Hardy, Charlize Theron, Nicholas Hoult
AUSTRALIA ·120’ · DCP ·
· VOSE
Peter Jackson, 2001. Int: Elijah Wood, Ian McKellen, Orlando Bloom
USA · 178’ · 35mm · VOSE
Johnny Depp se inspiró en Keith Richards, guitarrista de los Rolling Stones,
para dar vida al capitán Jack Sparrow, un peculiar pirata que ayudará a un
joven a rescatar a su amada.
19:15h
MAD MAX: FURIA EN LA CARRETERA Mad Max: Fury Road
George Miller retoma su saga treinta años después, y lo hace con un film
impresionante en el que, para conseguir mayor impacto visual, se rodaron
las secuencias de acción y persecuciones sin apenas efectos digitales.
EL SEÑOR DE LOS ANILLOS: LA COMUNIDAD DEL
ANILLO The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring
STAR TREK Star Trek
J.J. Abrams, 2009. Int: Chris Pine, Zachary Quinto, Simon Pegg
USA · 127’ · 35mm · VOSE
VIERNES 17 JULIO
17:00h
OCHO APELLIDOS VASCOS
SÁBADO 18 JULIO
20:30h · PROGRAMA DOBLE STAR TREK
Ridley Scott, 2000. Int: Russell Crowe, Joaquin Phoenix, Connie
Nielsen. USA · 155’ · DCP · VOSE
LUNES 13 JULIO
52
Cuando los Monty Python se propusieron responder a algunas de las
grandes cuestiones de la vida y la muerte, acabaron por reunir una serie de
corrosivos sketches como el número musical Every Sperm is Sacred. Con la
entrada podrás disfrutar de un estupendo cocktail.
19:00h
EL MITO DE BOURNE The Bourne Supremacy
Paul Greengrass, 2004. Int: Matt Damon, Franka Potente, Joan Allen
USA · 108’ · 35mm · VOSE
Paul Greengrass consiguió que la acción física, con Matt Damon luchando
cuerpo a cuerpo, y las secuencias rodadas cámara en mano dieran a este
thriller de espionaje un estilo dinámico y sorprendente.
22:00h · BEER & PIZZA NIGHT
TORRENTE, EL BRAZO TONTO DE LA LEY
Santiago Segura, 1998. Int: Santiago Segura, Javier Cámara, Neus
Asensi. ESPAÑA · 97’ · 35mm
La ópera prima como director del actor Santiago Segura (tras cortos como
Evilio o Perturbado) abrió una de las sagas más exitosas del cine español y
recuperó para el cine al gran Tony Leblanc. Un casposo policía entrena a un
joven (Javier Cámara) que sueña con ser agente.
Con la presencia de Santiago Segura y la proyección de sus
primeros cortometrajes
Steven Spielberg, 2002. Int: Tom Cruise, Colin Farrell, Samantha
Morton. USA · 145’ · 35mm · VOSE
Magistral adaptación del relato de Philip K. Dick, sobre un futuro donde los
asesinos son detenidos antes de que maten. El director de fotografía Janusz
Kamisnki manipuló el negativo para crear los peculiares tonos del film.
JUEVES 23 JULIO
17:00h
TOMORROWLAND: EL MUNDO DEL MAÑANA
Tomorrowland
Brad Bird, 2015. Int: George Clooney, Britt Robertson, Hugh Laurie
USA · 130`· DCP · VOSE
Una niña descubre la forma de viajar a un mundo futuro que permanece
escondido. Se rodaron algunas localizaciones en la Ciudad de las artes y
ciencias en Valencia, especialmente los edificios diseñadors por Santiago
Calatrava.
53
TERMINATOR: GÉNESIS Terminator Genisys
Alan Taylor, 2015. Int: Arnold Schwarzenegger, Emilia Clarke, Jai
Courtney. USA · 126’ · DCP · VOSE
Un fallo en un viaje en el tiempo permite que el nuevo Terminator pueda
regresar a 1984 para acabar con la madre del líder de la resistencia humana.
Tras la cámara se mueve Alan Taylor, uno de los directores de Juego de tronos y
Los Soprano.
Repeticiones los días 24, 25 y 26 julio
SÁBADO 25 JULIO
EL SEÑOR DE LOS ANILLOS: LAS DOS TORRES
The Lord of The Rings: The Two Towers
Peter Jackson, 2002. Int: Elijah Wood, Ian McKellen, Viggo
Mortensen
USA · 179’ · 35mm · VOSE
Las grandes batallas tratando de frenar al ejército de los orcos hicieron de
esta secuela un film épico. Impecable trabajo de efectos digitales en la
creación del Gollum, una criatura obsesionada con el anillo de poder que
deben destruir los protagonistas en su largo viaje.
20:30h
GODZILLA Godzilla
Gareth Edwards, 2014. Int: Aaron Taylor-Johnson, Elizabeth Olsen,
Bryan Cranston. USA · 123’ · DCP ·
· VOSE
Repetición el día 26 julio. Ver reseña del día 23 julio
DOMINGO 26 JULIO
17:00h
LAS AVENTURAS DE TINTÍN: EL SECRETO DEL
UNICORNIO The Adventures of Tintin
Steven Spielberg, 2011. USA · 107’ · DCP · VOSE
TODO EN UN DÍA Ferris Buelle’s Day Off
Peter Jackson y Steven Spielberg se unieron para llevar al cine los cómics
de Hergé en esta versión, rodada con cámaras digitales de captura de
movimiento que convirtieron a actores como Daniel Craig en dibujos
animados. Un pergamino en una maqueta pondrá a los protagonistas tras la
pista de un peligroso misterio.
LUNES 27 JULIO
17:00h
BEN-HUR Ben-Hur
William Wyler, 1959. Int: Charlton Heston, Jack Hawkins, Stephen
Boyd. USA · 212’ · DCP · VOSE
ARMAGEDDON Armageddon
54
Simon West, 2012. Int: Sylvester Stallone, Liam Hemsworth, Randy
Couture. USA · 103’ · 35mm · VOSE
Gary Ross, 2012. Int: Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Liam
Hemsworth. USA · 142’ · DCP ·
· VOSE
Stallone se volvió a reunir con sus amigos, estrellas del cine de acción
ochentero como Dolph Lundgren, Chuck Norris, Bruce Willis y Arnold
Schwarzenegger para vengarse de Jean-Claude Van Damme.
Adaptación de un popular best-seller, cuya trilogía se está convirtiendo en
todo un fenómeno. En el futuro, los menores se deben someter cada año a
un sorteo y los elegidos deben luchar entre ellos hasta que solo quede uno.
J.A. Bayona, 2012. Int: Naomi Watts, Ewan McGregor, Tom Holland
ESPAÑA · 114’ · DCP · VOSE
Guillermo del Toro, 2013. Int: Idris Elba, Charlie Hunnam, Rinko
Kikuchi. USA · 132’ · DCP ·
· VOSE
VOSE: Versión original subtitulada en español
VE: Versión doblada en español
22:00h · NOCHE DE KARAOKE
GREASE (BRILLANTINA) Grease
Randal Kleiser, 1978. Int: John Travolta, Olivia Newton-John,
Stockard Channingease. USA · 126’ · DCP · VOSE
19:30h
PACIFIC RIM Pacific Rim
Tras el sonado éxito en Broadway, Grease saltó a la gran pantalla y lanzó a
la fama a sus protagonistas, volviendo a poner de moda los musicales. Ven a
cantar tus canciones favoritas subtituladas en formato karaoke.
Guillermo del Toro, 2013. Int: Idris Elba, Charlie Hunnam, Rinko
Kikuchi. USA · 132’ · DCP ·
· VOSE
Robots gigantes luchando contra monstruos. Guillermo del Toro rinde
homenaje al kaiju eiga japonés, género que se hizo famoso gracias a
Godzilla, con un film que destaca por sus espectaculares batallas. Dísfrutala
por primera vez en españa en VOSE y sonido Dolby Atmos.
JUEVES 30 JULIO
17:00h
SPIDER-MAN 2 Spider-Man 2
Sam Raimi, 2004. Int: Tobey Maguire, Kirsten Dunst, Alfred Molina
USA · 127’ · 35mm · VOSE
El doctor Octopus hace su aparición como nuevo villano en la saga del
hombre araña dirigida por Sam Raimi, dando momentos extraordinarios
como la secuencia de Spider Man en el tren y el enfrentamiento final. Un
supderpoder conlleva una gran responsabilidad.
Steven Spielberg, 2002. Int: Tom Cruise, Colin Farrell, Samantha
Morton. USA · 145’ · 35mm · VOSE
LA LOCA HISTORIA DE LAS GALAXIAS Spaceballs
Michael Bay, 1998. Int: Bruce Willis, Billy Bob Thornton, Ben
Affleck. USA · 151’ · 35mm · VOSE
Ridley Scott, 1982. Int: Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young
Programa doble de acción, firmado por todo un experto: Michael Bay.
Sean Connery y Nicolas Cage tendrán que evitar un ataque de armas químicas en La roca y Bruce Willis viajará al espacio junto a sus compañeros
para acabar con un meteorito.
La obra maestra de Ridley Scott no es solo un film de culto, sino también
una película que invita al debate gracias a un final lleno de incógnitas.
Fascinante diseño de producción y banda sonora a cargo de Vangelis.
SESIÓN SORPRESA
CLAUSURA DE TEMPORADA
MINORITY REPORT Minority Report
BLADE RUNNER Blade Runner
22:30h · SESIÓN SORPRESA: CLAUSURA DE TEMPORADA
y VOSE
La espectacular secuencia de la ola de agua arrasando el hotel es solo una
de las imágenes que se quedan grabadas en la memoria tras ver este drama,
basado en hechos reales que ocurrieron durante el tsunami que asoló Tailandia
en 2004.
22:30h · PASE PRIVADO CLUB PHENOMENA
y VOSE
22:45h
PACIFIC RIM Pacific Rim
17:00h
LO IMPOSIBLE The Impossible
Mel Brooks, 1987. Int: Mel Brooks, John Candy, Rick Moranis
USA · 96’ · 35mm · VOSE
LA ROCA The Rock
Michael Bay, 1996. Int: Sean Connery, Nicolas Cage, Ed Harris
USA · 136’ · 35mm · VOSE
Ridley Scott, 1982. Int: Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young
MARTES 28 JULIO
20:00h · PROGRAMA DOBLE: BAY/BRUCKHEIMER
19:30h
LOS JUEGOS DEL HAMBRE The Hunger Games
Gore Verbinski, 2003. Int: Johnny Depp, Geoffrey Rush, Orlando
Bloom. USA · 143’ · 35mm · VOSE
VIERNES 24 JULIO
Repeticiones los días 25 y 26 julio. Ver reseña del día 23 julio
20:30h
LOS MERCENARIOS 2 The Expendables 2
21:30h
PIRATAS DEL CARIBE: LA MALDICIÓN DE LA PERLA
NEGRA Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl
y VOSE
Un día de campana en el instituto da para mucho, sobre todo si cuentas con
amigos que te pueden ayudar a despistar al director que insiste en pillarte
cometiendo una falta para expulsarte. John Hughes lo comprobó en esta
comedia, recordada sobre todo por su divertido desfile. Con la entrada
podrás disfrutar de un estupendo cocktail.
BLADE RUNNER Blade Runner
La famosa carrera de cuadrigas es uno de los momentos más recordados de
esta épica producción, ganadora de once Oscar, en la que el protagonista es
injustamente acusado de intento de asesinato y enviado a galeras. Un título
al que ha rendido homenaje incluso George Lucas.
John Hughes, 1986. Int: Matthew Broderick, Alan Ruck, Mia Sara
USA · 103’ · 35mm · VOSE
Mel Brooks firma esta parodia de La guerra de las galaxias, disparatada y
llena de homenajes como el cameo de John Hurt.Con la entrada podrás
disfrutar de un estupendo cocktail.
MIÉRCOLES 29 JULIO
17:00h
GRAVITY Gravity
VIERNES 31 JULIO
Alfonso Cuarón, 2013. Int: Sandra Bullock, George Clooney, Ed
Harris. USA · 91’ · DCP ·
· VOSE
y VOSE
17:00h
LOS MISERABLES Les Misérables
Tom Hooper, 2012. Int: Hugh Jackman, Russell Crowe, Anne
Hathaway. REINO UNIDO ·158’ · DCP · VOSE
El aclamado musical, basado en la novela de Victor Hugo, pasa de
los escenarios a la gran pantalla con un reparto en el que destaca la
desgarradora interpretación de Anne Hathaway, con la que ganó el Oscar.
HORARIO
Abierto de miércoles a domingo y festivos. Taquilla abierta
de 16:00 a 23:30h.
PRECIOS
SÁBADO 1 AGOSTO
EL SEÑOR DE LOS ANILLOS: EL RETORNO DEL REY
The Lord of the Rings: The Return of the King
Peter Jackson, 2003. Int: Elijah Wood, Viggo Mortensen, Ian
McKellen. USA · 201’ · 35mm · VOSE
Espectacular cierre de la trilogía de Tolkien, con un inicio impresionante:
la batalla de Aragorn, Legolas y Gimli, junto a los habitantes de Gondor,
luchando contra los ejércitos de orcos. Ganadora de once Oscar.
21h · PROGRAMA DOBLE: NOCHE ZOMBI
LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES
Night of the Living Dead
George A. Romero, 1968. Int: Duane Jones, Judith O’Dea, Karl
Hardman. USA · 96’ · 35mm · VOSE
GUERRA MUNDIAL Z World War Z
Marc Forster, 2013. Int: Brad Pitt, Mireille Enos, Daniella Kertesz
Sesión individual 6€ / Sesión doble 9€ / Maratones 12€.
Estas tarifas no son aplicables a sesiones puntuales
como óperas, eventos especiales o preestrenos.
DESCUENTOS Y ABONOS
Mayores de 65 años y Menores de 12 años: Sesión
individual 5€ / Sesión doble 8€ / Maratones 10€.
Abono P-10: 50€: Tarjeta recargable, personal e
intransferible. Válido para 10 sesiones individuales. También
será válido para las sesiones dobles abonando 3€, y 5€ en el
caso de las maratones.
Socios del Club Phenomena: hasta un 50% de descuento
según sesión.
PHENOMENA
C/ Sant Antoni Maria Claret, 168 · 08025 Barcelona
Tel. 93 252 77 43
[email protected]
George A. Romero estableció las reglas del género zombi con este film
hecho con escaso presupuesto y brillante realización. Al padre de los
zombis le acompañará Brad Pitt buscando una vacuna para la plaga
zombi que amenaza la población.
METRO
L5 Sant Pau / Dos de Maig L2 Sagrada Familia
L4 Alfons X / Joanic
DOMINGO 2 AGOSTO
AUTOBUSES
19 / 20 / 45 / 47 / 92 / H8 / V21 / N1
17:00h
GREMLINS 2: LA NUEVA GENERACIÓN
Gremlins 2: The New Batch
Joe Dante, 1990. Int: Zach Galligan, Phoebe Cates, John Glover
USA · 106’ · 35mm · VOSE
Gizmo y los gremlins sembrarán el caos en un edificio de alta tecnología
donde las criaturas mutarán en todo tipo de ejemplares, desde el
gremlin intelectual hasta el volador. Todos ellos creaciones de Rick Baker,
responsable de algunos de los monstruos de Men in Black.
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Nº13 JULIO/AGOSTO 2015
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