galeria 2001-2003 - Vidrioperfil.com

Transcripción

2001-2003
www.vidrioperfil.com
GALERÍA de ARTISTAS es una página abierta
al ARTE EN VIDRIO, dedicada a los artistas
y artesanos más importantes y destacados
del mundo que han plasmado su obra y
su creatividad a través del VIDRIO como material
de expresión.
Desde el inicio de la publicación de Revista del
Vidrio Plano e Industrias Afines hemos querido
mostrar y compartir con los profesionales del
Sector del Vidrio otras formas de creatividad
y de expresión artística y artesanal, teniendo
como referencia el material VIDRIO en sus
múltiples facetas, técnicas y posibilidades.
Entre y sumérjase en un mundo de sensaciones...
Aquí sólo encontrará ARTE en VIDRIO.
Índice
pág. 32
Kazue Taguchi
pág. 4
Karen LaMonte
Marisa & Alain Bégou
pág. 6
Frederic Morin + Salome pág. 34
Jean-Paul Raymond
pág. 8
Dario Bartolini
pág. 36
Franz Schönbeck
pág. 10
Meeli Kõiva
pág. 38
Carmelo López
pág. 12
Maria Grazia Rosin
pág. 40
Miguel Díez
pág. 14
Eduardo Giuseppe Nieto
Antonio Sciacca
pág. 42
Anna Skibska
pág. 18
Miriam di Fiore
pág. 44
Matei Negreanu
pág. 20
Silvia Levenson
pág. 46
Julia Ares
pág. 22
Ricardo Reh
pág. 48
Edmée Delsol
pág. 24
Severino Antonio
Ribeiro Pereira
pág. 50
Edward Leibovitz
pág. 52
Michèle Lapointe
pág. 28
Javier Gómez
pág. 30
KAZUE TAGUCHI
4
Un océano
de creatividad
PUBLICADO EN EL Nº 81 DE REVISTA DEL VIDRIO PLANO (NOVIEMBRE DE 2003)
Con motivo del Festival de les Arts del
Penedès, que tuvo lugar en noviembre de
2000, Kazue Taguchi daba vida a esta instalación en la sede de las cavas Chandon, exactamente en un lago artificial que posee la firma
en Sant Cugat Sesgarrigues (Barcelona,
España). A pesar de que la obra debía permanecer allí durante un tiempo determinado, la
compra de la instalación por parte de la compañía ha hecho que todavía hoy podamos visionar en directo la grandeza de esta obra.
DATOS PERSONALES
“He atado los sentimientos, encerrado uno
en su interior mensajes escritos por amigos
a uno en botellas de cava, que yacen está-
y por ella misma en diferentes idiomas,
ticas pero inalterables sobre el agua”.
entre ellos inglés, árabe, indú, japonés,
En esta obra Kazue Taguchi, artista japo-
catalán y castellano; incluido un pliego de
nesa afincada en Barcelona (España) desde
cartas de amor. Las botellas, conectadas
hace seis años, ha aunado los dos materiales
entre sí con hilo de nylon y pegadas con sili-
más socorridos de su obra: papel y vidrio, y
cona, se agrupan formando siete figuras
ha dado respuesta a uno de los enigmas que
orgánicas, siete islas de un mismo archi-
persiguió a la artista durante su infancia.
piélago que flota sobre un mar de 3.600 m2.
“Cuando era pequeña e iba a la playa, mira-
Kazue ha conseguido hacer realidad su
ba fijamente a lo lejos para encontrar, aunque
sueño al comunicarse con todas las cultu-
fuera, un trocito de continente”.
ras, al llegar a todos los países mediante el
De niña siempre tuvo un latente deseo de
lenguaje universal del arte.
comunicarse con otros lugares y otras gentes
Ahora vislumbra ante sí un océano de
diferentes a ella y que hablaran otros idiomas,
creatividad, en el que se sumerge para
pero la lejanía se lo impidió durante años.
engendrar todas sus obras.
Por este motivo, Kazue pensaba “escribiré cartas, las meteré en botellas y pondré mi
dirección. Después las tiraré al mar, a ver si
Varios años después, y a miles de kilómetros de su Japón natal, Kazue daba vida
2.000 botellas de cava vacías que albergan
EXPOSICIONES COLECTIVAS
• 2003: Col.legi d’Aparelladors i Arquitectes
Tècnics de Barcelona, “Nou Vitrall” (Barcelona,
España).
• 2002: Gallery Artnovo (Brujas, Bélgica).
- Gallery Montcada Taller (Barcelona, España).
- Theater Mercat de les Flors (Barcelona, España).
- GAS Conference “Emerging Artists from Europe”
(Amsterdam, Países Bajos).
• 2001: Galería Espai Vidre (Barcelona, España).
- Gallery Chuwa (Tokyo, Japón).
• 2000: “Paris Photo 2000” (París, Francia).
- Gallery Paloma Dotze (Barcelona, España).
- Museo del Vidrio “Diez años de formación en
vidrio” (Segovia, España).
- Instalación en Chandon “Festival de les Arts
2000”. (Barcelona, España).
- Gallery Espai Vidre “Glass Toy”
(Barcelona, España).
• 1998: Metropolitan Museum of Ibaraki (Ibaraki,
Japón).
COLECCIONES
me contestan”.
a esta original instalación formada por
• 1975: Nacimiento de Kazue Taguchi en Mito
(Ibaraki, Japón).
• 1993-97: “Joshibi University of Arts and Design”
(Kanagawa, Japón). Clase de pintura al óleo y
litografía.
• 1997 - : “Fundació Centre del Vidre de
Barcelona”. Curso de Vidrieras contemporáneas,
Diseño y Decoración, Formas en Horno y Fusing
(Barcelona, España).
• 2000: Monográfico vidrio soplado “Fundación
Centro Nacional del Vidrio” (Segovia, España).
• 2000: Monográfico Lampworking “Fundación
Centro Nacional del Vidrio” (Segovia, España).
www.kazuetaguchi.com
- Moet Hennesy Spain, Chandon S.A. (Vilafranca
del Penedès, Barcelona, España).
- Hotel Chateau Frontenac (Quebec, Canadá).
- Sres. Huard (Quebec, Canadá).
- Xavier Osarte (Barcelona, España).
5
marisa & alain bégou
Una expresión de amor
Cada una de las creaciones de Marisa y Alain Bégou es fruto del amor y la convivencia.
El vidrio hace las veces de punto de reflexión entre ambos. El éxito en la vida de estos
artistas reside en su lucha constante contra la monotonía y la demostración de que nada
es imposible. Trabajan conjuntamente en silencio porque algo grande va a suceder.
6
FRÉDÉRIC JAULMES
Pieza de la serie basada en huellas
en el desierto (1998).
Tamaño de 39’6 x 32 cm.
PUBLICADO EN EL Nº 80 DE REVISTA DEL VIDRIO PLANO (SEPTIEMBRE DE 2003)
El taller de Marisa y Alain Bégou, ubicado
Pieza realizada en 1987.
Tamaño 21’5 x 21’5 cm.
en Villetelle (Hérault, Francia), es un lugar
parecido a ellos, abierto y sereno. Sus 32 años
de convivencia han hecho que se comuniquen
sin palabras y se fusionen en cada una de sus
EXPOSICIONES INDIVIDUALES
obras, impregnadas a su vez de la capacidad
comunicativa de él y la sensibilidad de ella. La
singladura común es fruto de tenacidad, atrevimiento, talento y libertad. “En la creación
debes asumir riesgos, luchar contra la monotonía y comprobar que nada es imposible”.
tas de los más ilustres museos y salas de
exposiciones del mundo occidental.
Para este tándem de artistas mezclar
FRÉDÉRIC JAULMES
Desde que se conocieron han ido forjando un camino que les ha abierto las puer-
amor y profesión ha sido la mejor fuente de
Pieza sobre la noche realizada en 1998.
Tamaño 40’5 x 35’1 cm.
inspiración, cada obra es un claro acto de
entrega en el que cada uno aporta lo mejor.
ejecuta las formas, sopla el vidrio por la
mañana y ella lo decora por la tarde, crea
unas composiciones con polvos de vidrio
sobre una lámina que posteriormente él
adhiere a la superficie del vidrio caliente.
Marisa pinta y decora con libertad aunque
sionan los límites que me impone el vidrio, de
FRÉDÉRIC JAULMES
Para él, la innovación reside en ella; para
confiesa que la comparte con fuego, “me apahecho los necesito, ellos dictan mis movi-
Pieza de la serie basada en un paseo por un campo de
amapolas (1998). Tamaño 45’7 x 31’3 cm.
mientos”. Pero siempre espera que una vez
finalizada, “la pieza desencadene mis emociones”.
Marisa acompaña a Alain mientras realiza el soplado del vidrio, quien apuesta por
cada retazo artístico. “No puedes saber si una
cosa saldrá mal antes de que esté acabada”.
Para Alain la técnica del soplado es una
sólo que requiere ciertas habilidades técniPor su parte, el vidrio es “un medio sincero
y transparente, cada pieza es única y tiene
FRÉDÉRIC JAULMES
forma de expresión como cualquier otra,
cas que invaden de libertad a su poseedor.
• 1998: Galería Sanske, Zurich (Suiza).
- Espace 54, Nancy (Francia).
- Galería H-D. Nick, Aubais (Francia).
• 1997: Galería Polack, Montpellier (Francia).
- Galería D.M. Sarver, Lyon (Francia).
• 1996: Galería “13”, Rennes (Francia).
- Galerie J. Betton, Lyon (Francia).
• 1995: Salón Internacional de Arte
Contemporáneo, Estrasburgo (Francia).
- Galería Polack, Montpellier (Francia).
- Galería D.M. Sarver, París (Francia).
- Galería Chapelotte, Luxemburgo.
• 1994: Galería D.M. Sarver, 982 Transparencia
de Arte en Venecia, Zitelle (Italia).
• 1993: Galería Viguerie, Toulouse (Francia).
- Galería J. Betton: Salon des Antiquaires, Lyon
(Francia).
- Galería Polack, Montpellier (Francia).
• 1992: Galería 13, Rennes (Francia).
- Galería Anne Laroche: Europ-Art, Génova (Italia).
- Galería J. Betton, Lyon (Francia).
Marisa diseña los modelos mientras Alain
ella, la creación es fruto de él.
DATOS PERSONALES
• 1945: Nace Alain Bégou en Drôme (Francia).
• 1948: Nace Marisa en Italia.
• 1979: Alain y Marisa crean su propio taller en
Villetelle (Hérault, Francia).
su propia alma”.
Pieza de la serie basada en un paseo por un campo
de amapolas (1998). Tamaño 38’4 x 38 cm.
“Cuando hacemos una pieza extraordinaria
• 1998: Galería Sophie et Gérard Capazza
Cardin (Paris, Francia)
- Galería Sanske: “Aperto Vetro Venézia” (Italia) y
Int. New Art Forms, Chicago (EE.UU.)
• 1996: “Aperto Vetro Venézia”, Musée Correr,
Venecia (Italia).
• 1995-1996: Couleurs et transparences, Museo
de la Cerámica de Sèvre y Museo de
Dunkerque (Francia).
• 1993: “Espace 54: Liberté du Verre”, St-Diédes-Voges (Francia).
• 1992: Générale de Banque, Liege (Bélgica).
- “Glass now 92”, Yamaha Hamamatsu (Japón).
• 1991: “Internationales Studioglas, Kunsthaus
am Museum”, Colonia (Alemania).
- “Europaïsches Kinsthandwerk 91”, Haus der
Wirtschaft, Landesgerwerbeamt BadenWürttemberg, Stuttgart (Alemania).
- “Chefs d’oeuvre du Verre Français XIXe -XXe
siècle”, Museo de las Artes Decorativas de
Praga (República Checa).
- “Chefs-d’oeuvre de la verrerie et de la cristallerie française au Musée des Arts Décoratifs,
1800-1900”, Suntory Muséum de Tokio (Japón).
• 1990: “Neues glas in Europa, Kunstmuseum”,
Düsseldorf (Alemania).
- “Glas Van Drinkbeker Tot Kunstobject provincialal museum Sterckshoft”, Amberes (Bélgica).
- “Glass Now, 90”, Yammaha Hamamatsu (Japón).
- “Glas-Métamorphosen, 90”, Galerie
Kunsthandwerk, Colonia (Alemania).
• 1989: “Glas Now, 89”, Yammaha Hamamatsu
(Japón).
- “Glas Métamorphosen, 89”, Rolandsek (Alemania).
• 1986: Matsuya, Tokio (Japón).
- “Hommes de verre”, Hotel de Sens, París
(Francia).
- “100 ans de verre fraçais”, Seúl (Corea del Sur).
• 1985: “L’art du verre en Europe”, Cobourg
(Alemania).
• 1982: “New glass”, Museo de las Artes
Decorativas, París (Francia).
es algo que los dos sabemos inmediatamente
COLECCIONES PÚBLICAS
y la tensión crece en el taller”. Para la pareja
• Museo de las Artes Decorativas, París (Francia).
• Museo de Vidrio Sars-Poteries (Francia).
• Museo de Vidrio y de Cristal, Meisenthal (Alemania)
• Museo de Bellas Artes, Boulogne-sur-Mer (Francia).
• Museo de las Artes Decorativas, Bordeaux
(Francia).
• Fondo Nacional de Arte Contemporáneo, París
(Francia).
• Smith Sonian Institution Cooper Hewit, Nueva
York (Estados Unidos).
• Museo de la Cerámica, Sèvres (Francia).
• Fondo regional de Arte Contemporáneo de la
Alta Normandia, Rouen (Francia).
• Kuntsmuseum de Düsseldorf (Alemania)
• Museo de Arte Contemporáneo de Niza (Francia).
• Région Languedoc-Roussillon.
se trata de una prueba de alquimia, la perfecta
armonía entre formas y colores. “No decimos
ni una palabra, trabajamos en silencio, sabien-
www.begou-ma.com
FRÉDÉRIC JAULMES
do que algo incontrolable pasará”. 7
Danse sous le soleil (1999)
Vidrio óptico, tallado, grabado al chorro de arena y dorado. 90 x 120 x 35 cm.
Jean-Paul
Raymond
8
DIVERSIDAD EN FORMAS
Amparado en las propiedades y características del vidrio óptico, la obra actual del artista Jean-Paul Raymond
es una clara alegoría a las formas humanas. El tallado, el grabado y el collage son sus principales aliados en
cada una de sus cruzadas artísticas y creativas.
Visage de femme (2002)
Vidrio soplado en molde, grabado, con base de metal.
70 x 50 cm.
Le Temple (2001)
Vidrio óptico, tallado, grabado al chorro de arena, dorado.
60 x 60 cm.
PUBLICADO EN EL Nº 79 DE REVISTA DEL VIDRIO PLANO (JULIO DE 2003)
Le Poisson (1999)
Vidrio óptico amarillo, tallado, grabado al chorro de arena, dorado.
20 x 50 x 30 cm.
JEAN-PAUL RAYMOND
Nacido en Brive (Francia) en 1948.
Formación:
• 1967-1974 Estudios en Burdeos.
• 1976 Primer contacto con el vidrio en el taller
de Walter Couffini.
Actividades:
• 1977 Taller en la Región de Angulema
(Francia).
• 1980 Taller en Montcaret (Burdeos, Francia).
• 1993 Vive y trabaja en Colonia (Alemania).
La trayectoria de Jean-Paul Raymond
está vinculada a los primeros talleres para el
plena armonía lo que yo no había sido capaz
de decir, gravar, hacer, diseñar...”.
trabajo del vidrio asentados en el Suroeste de
Tomando como base el vidrio óptico, el
Francia, en unos parajes rodeados de natu-
Jean Paul maduro, que ha conocido ya todas
raleza, que se convertiría en una inagotable
las técnicas, se decanta por el tallado, el gra-
fuente de inspiración para el artista.
bado y el collage. “El tallado me fascina, es
Su primer contacto con el vidrio tuvo lugar
genial dentro de su simplicidad. Con la ayu-
en un precario taller donde aprendió la téc-
da de un cincel se puede golpear exactamente
nica del soplado entre los años 1976-90. De
la zona escogida del bloque y obtener frag-
esta época le quedan al artista muchos
mentos y conseguir así la forma deseada”.
recuerdos y algún que otro frasco de perfume, copas y vasos.
Por su parte, el grabado “me atrae, al igual
que le ha sucedido a numerosos artistas para
La construcción en la zona de otro taller
el trabajo de la piedra y el metal”. La sensa-
supuso un cambio cualitativo en sus obras.
ción de penetrar en estratos es exultante y
Ahora, persiguen la narración. Para ello
permite obtener los efectos de alto y bajo
incorpora a su acervo artístico otras técnicas
relieve.
como el grabado y el arenado. Sus primeras
Para el artista, el collage aporta un cierto
obras englobadas en esta tendencia son los
eco del mundo cotidiano que le rodea. “Lo
discos o platos.
En 1986 sus trabajos recogen el efecto de
aplico en mis obras de vidrio óptico en las que
las imágenes coloreadas de rostros y de cuer-
la bidimensionalidad. La yuxtaposición de
pos atrapados dentro de su contemporanei-
imágenes simbólicas y paisajes, fruto de algu-
dad, atenuando el rigor de las piezas arqui-
nos de sus momentos oníricos o de paseos y
tectónicas en las que se inscriben”.
lecturas, consiguen transmitir esta sensación
en cada una de sus creaciones.
El universo proyectado de Jean-Paul
Raymond está poblado de figuras humanas
A partir de la década de los 90 Jean-Paul
y, a veces, también de animales de largas
entra en una “nueva dimensión”. A partir de
extremidades, esbeltas y diáfanas. Sus obras
entonces sus obras unen diversos planos de
están repletas de detalles faciales, ojos, nari-
lectura y permiten, incluso reclaman, distin-
ces, pelos, perfiles, motivos y ornamentos de
tas posibilidades interpretativas: abstracción
otras culturas, por lo general prehistóricas o
y figuración. Empieza su dilatada trayectoria
no europeas.
con la tridimensionalidad. Ya en Colonia
(Alemania), donde se construyen dos nuevos
talleres dedicados al trabajo con el bloque de
vidrio, entra en contacto con otras técnicas
que amplían su lenguaje artístico: cincelar,
grabar, esculpir... ”La cuestión era encontrar
un camino, una técnica capaz de expresar en
www.jeanpaulraymond.com
Exposiciones individuales:
• 2003 Museo de Arte en Vidrio de Alcorcón
(MAVA) (España).
• 2003 Westerwaldmuseum, Höhr-Grenzhausen
(Alemania).
• 2001 Galería Uta Klotz, Colonia (Alemania).
• 2000 Glasmuseum Rheinbach (Alemania).
• 1999 Galería L’Eclat du Verre (París, Francia).
• 1999 Galería Uta Klotz (Colonia, Alemania).
• 1998 Galería Place des Arts (Montpellier,
Francia).
• 1997 Galería Peters (Paderborn, Alemania).
• 1996 Glass Art Center (Schalkwijk, Países
Bajos).
Francia).
Exposiciones colectivas:
• 2002 Masters in Glass, Meditaties IV
(Roermond, Países Bajos).
Francia).
Galería Unter Giebeln, Uta Goppelsröder,
(Bretten, Alemania).
• 2000 Glass 2000, Glasmuseum Immenhausen,
(Alemania).
• 1999 Silencium (Roermond, Países Bajos).
Galería Uta Klotz (Colonia, Alemania).
Galería Hermann (Drachselsried, Alemania).
Galería M.R. (Angouleme, Francia).
• 1998 Château de Delle (Francia).
Le Verre dans tous ses Etats”. Château
de Beychevelle (Francia), con la Galería L’Eclat
du Verre.
CCAA Galería (Colonia, Alemania).
• 1997 An 2000, 2000 Lumiéres, Château de
Bouillants, Dammarie les Lys (Francia).
Galería Art du Verre Chapelotte (Luxemburgo).
Glassymposium Lauscha (Alemania).
Glassymposium (Novy Bor, República Checa).
Suche nach dem Licht der Welt, Glasmuseum
Immenhausen (Alemania).
• 1996 Sofex, Feria de Arte Contemporáneo
(Estrasburgo, Francia).
Color y Transparencia. Museo Nacional de la
Cerámica, Sèvres y Dunkerque (Francia).
Art de Vivre - Artistas modernos y culturas
primitivas (Austria, Suiza).
Galería Stölting (Hittfeld, Alemania).
Color y Transparencia. Museo Nacional de la
Cerámica (Sèvres, Francia).
Obras en museos:
• Alemania
Glass Museum Immenhausen.
Glass Museum Frauenau.
Glass Museum Lauscha.
Glass Museum Veste-Coburg.
Glass Museum Rheinbach.
• España
Museo de Arte en Vidrio de Alcorcón, Madrid.
• Francia
Museo de Artes Decorativas (París).
Museo-Taller de Vidrio (Sars-Poteries).
Museo Nacional de la Cerámica (Sévres).
• Estados Unidos
Irvin Borowsky (Filadelfia).
9
FRANZ
SCHÖNBECK
Algo tan simple como pegar piezas de vidrio roto sobre otra lámina de
vidrio. Éste es el trabajo artístico desarrollado por el alemán Franz
Schönbeck que, con laboriosa metodología y una gran dosis de talento
creativo, capta retazos de realidad atrapados al instante.
10
We are strong in partnership.
(Somos fuertes en compañía, 2001).
Dimensiones: 40 x 50 cm.
La vida VIDRIO a VIDRIO
PUBLICADO EN EL Nº 78 DE REVISTA DEL VIDRIO PLANO (MAYO DE 2003)
Connection. (Conexión, 2001).
The time is running. (El tiempo pasa, 2000).
Como un niño que juega inocentemente
Desde su despertar al mundo del vidrio en
con piezas de vidrio roto superpuestas, Franz
el año 1998, Schönbeck rompe los esquemas
EXPOSICIONES
2003
• National Liberty Museum Glass, Filadelfia
(Estados Unidos).
• “Alles in Sachen Glas”, Gallery Müntz, Düsseldorf
(Alemania).
• “Broken glass” (“Vidrio roto”), Inspiration Touch,
Solingen (Alemania).
• “Feeling” (“Sentimiento”), GlasKon 2003, Feria de
Munich (Alemania).
• Museo del Vidrio de Immenhausen (Alemania).
Exposición colectiva.
• Int. Exposición del Año del Vidrio de St. Gilles,
Bruselas (Bélgica).
• Conferencia de la Glass Art Society Conference,
Seattle (Estados Unidos).
• Int. Glassart, Horn (Países Bajos).
• “Formensprache”, Weru AG, Rudersberg
(Alemania).
2002
• “Clear purpuse”, Galería Spiegel, Porta Westfalica
(Alemania).
• “Glass in Historic Light”, Int. Glassart, Horn
(Países Bajos). Exposición colectiva.
• “Feeling” (“Sentimiento”), Glasstec 2002,
• “Broken glass” (“Vidrio roto”), Combo Design,
Roermond (Países Bajos).
2001
• “Broken glass pictures” (“Cuadros de vidrio
roto”), Kaarst (Alemania).
• “Clearness Fascination” (“Fascinación de la claridad”), Museo de vidrio Gernheim, Petershagen
(Alemania).
• “How the glass form the light” (“Cómo el vidrio da
forma a la luz”), Rudersberg (Alemania).
Exposición colectiva.
2000
• “Clearness fascination” (“Fascinación de la claridad”) Galería Gross, Kaarst (Alemania).
• “Clearness fascination” (“Fascinación de la claridad”), Glasstec 2000, Düsseldorf (Alemania).
Schönbeck (1946, Düsseldorf, Alemania) ha
establecidos con un modus operandi que se
hallado un nuevo camino para el arte en
distingue de las otras técnicas artísticas exis-
vidrio. Sus murales vítreos retoman la técni-
tentes. Tras quebrar las piezas de vidrio float
ca del collage para llevar las cualidades inhe-
transparente adhiere cuidadosamente los
rentes del vidrio, la transparencia y la fragi-
fragmentos sobre otra hoja de vidrio que hace
En una primera etapa, Schönbeck trabajó
lidad, a su punto más álgido.
las veces de marco. En este proceso emplea
con un única capa de fragmentos pero ahora
La inspiración proviene de “ver las piezas
desde siliconas hasta los más sofisticados
lo hace con dos capas, lo que confiere el relie-
rotas de vidrio float transparente. La brillantez
adhesivos ultravioleta que, con el uso de una
ve al cuadro. De esta manera, la figura se ele-
de los diferentes fragmentos alimentaron la
lámpara especial, dotan la pieza final de
va y los cantos de las piezas de vidrio, rotos
idea de crear este nuevo diseño en arte en
mayor consistencia. Los restos de adhesivo
arbitrariamente o cortados voluntariamente,
vidrio. El reto más importante era trabajar úni-
son eliminados con un limpiador especial.
delimitan los trazos de la imagen. Esta técni-
camente con las características propias del
Una vez grabada la firma del autor, visible a
ca es un reflejo de la dilatada experiencia del
vidrio, mostrar la claridad y la fragilidad del
la luz de un foco, el mural debe reposar
autor en el terreno del diseño gráfico.
material con la ayuda de una luz tenue”.
durante un día entero.
Unmindfulness. (Caso omiso, 2002).
Facing oneself exceeding wise.
(Extremadamente cuerdo, 2002). Dimensiones: 40 x 50 cm.
Recientemente, tal y como pudieron ver
los asistentes a la pasada edición de
Glasstec, el artista presentó su nueva serie
“Feeling” (Sentimiento), donde incorpora
fragmentos adicionales de vidrio de color.
Por lo que respecta a las temáticas,
Schönbeck explica que “los fragmentos de
vidrio reflejan el genio negativo de un periodo
que se extiende a través del terror, la violencia,
la destrucción y las diferencias sociales”. Éste
es el fondo de los mensajes visuales de un autor
que se considera “optimista” y que intenta
advertir a través de su obra que “lo negativo
puede desarrollarse a partir de lo positivo”.
Vidrio a vidrio, con la permanencia del contorno dibujado a media luz, Schönbeck vuelve la vista a retazos de la cotidianidad.
Franz Schönbeck
Rheinstrasse, 50
41564 Kaarst - Alemania
Tel. y Fax: +49 2131 668345
11
12
FOTOGRAFÍA RALF BAUER
CARMELO LÓPEZ
Carmelo López contempla una de las figuras que
integran su obra Niñas, Niña II (2002), realizada como
todas sus creaciones en pâte de verre.
Las dimensiones de esta pieza son de 33 x 18 x 26 cm.
EL VIDRIO EN MOVIMIENTO
La figura Hombrecitos III, núm. 3 (2002), de dimensiones
10 x 25 x 23 cm., yace sobre una base de aluminio de 40 x 40 cm.
PUBLICADO EN EL Nº 77 DE REVISTA DEL VIDRIO PLANO (MARZO DE 2003)
Congelar el movimiento humano y
perpetuarlo. Esta es la premisa que
rige la obra de Carmelo López, artista canario afincado en Alemania.
El vidrio, el elemento que mejor
consigue expresar esta sensación.
Sus creaciones, auténticos fotogramas en vidrio.
Muestra de seis piezas de la instalación Isla (2000),
que recoge diferentes movimientos y posturas humanas.
La gran temática de la obra de Carmelo
López (Gran Canaria, España, 1964) es la figu-
pudiendo éste contemplar algo de cerca que
intenta emular una realidad lejana.
ra humana en movimiento. El artista intenta
Carmelo reconoce no tener una respuesta
plasmar en sus esculturas y creaciones un aná-
clara a sus representaciones y obras. A pesar
lisis de esos momentos de impás que tienen los
de que muchos de sus espectadores ven en sus
cuerpos en acción, siempre referidos a aque-
obras evocaciones a la danza, a la teatralidad
llos instantes en que afloran y entran en juego
o a sentimientos contradictorios, e intentan
la seguridad, la fragilidad, el equilibrio y las ten-
buscar una literatura expresiva más definida.
siones. “Aquello interno e íntimo que, en un ins-
Cuando Carmelo engendra y da vida a sus
tante determinado y sin importar el motivo, se
figuras “no hay una voluntad de provocar inter-
pone en cuestión”.
pretaciones, sino más bien de dar pie a algo
Carmelo realiza todas sus obras en vidrio,
empleando para ello la técnica del pâte de
verre. Para el artista, el vidrio es un material
más básico y propio del cuerpo, algo que aún
permanece en la esencia del movimiento”.
Con otras de sus obras maestras, Anna y Las
que reúne muchas cualidades. Al tratarse de
Niñas, Carmelo desea afrontar esos mismos
un líquido solidificado, simula estar siempre en
momentos de impás que con Los hombrecitos,
BIOGRAFIA
• 1964: Nace en Gran Canaria (España)
• 1983-88: Estudios de Bellas Artes en la
Facultad de Bellas Artes de Barcelona.
Licenciado en Escultura.
• 1988-91: Trabaja como escultor para
“Creaciones Arpa”.
• 1988-97: Estudia y trabaja Psicomotricidad
Educativa (Barcelona)
• 1992-95: Formación en vidrio creativo (Centro
del vidrio de Barcelona).
• 1999: Traslada su taller a Colonia (miembro de
CAP 3 (Clouth Art Projekt).
• 2000: Nacimiento de su hija Anna.
• 2001: Miembro de la asociación de artistas del
vidrio Nort Westfalia NPW
(www.glaskunst.nrw.org).
EXPOSICIONES
• 2002: GKV; Glasstec 2002, Feria Internacional
CAP 3 Talleres abiertos (Colonia, Alemania).
Arte español, Landdrostsi, Pinnerberg.
Glasplastik und Garten 4, Munster (catálogo).
Blickachse, Worms.
• 2001: Glasrijk Tubbergen, Holanda (catálogo).
Weru-Glaskunstpreis, Rudersberg.
CAP 3 Talleres abiertos, Colonia.
• 2000: Galerie Barroco I, Colonia.
Glasplastik und Garten 3, Munster (catálogo).
CAP 3 Talleres abiertos, Colonia.
• 1999: CAP 3 Talleres abiertos, Colonia.
• 1996: Real Fábrica de Vidrio de Segovia (España).
• 1995: Centro de Artesanía de Barcelona (España).
• 1993: Arte y Fuego, cotxeres de Sants (Barcelona).
movimiento. “Este comportamiento del vidrio
me resulta interesante, consigue que las piezas
tengan su propia identidad haciéndolas partícipes de ese caos interior de los cuerpos”. Su
translucidez amplía las posibilidades creativas
y permite incorporar estructuras interiores.
Por último, el binomio fragilidad/dureza que
ofrece este material refuerza la imagen de tensión del momento, ese instante congelado que
persiguen sus figuras.
Sus creaciones son secuencias en movimiento que giran en torno a una consigna: dan
vida a momentos que divagan entre el dentro
y fuera del agua, entre la seguridad y el desequilibrio, entre el vértigo y la levedad, entre la
memoria y el olvido...
Estas secuencias necesitan un espacio arquitectónico en el que adquirir pleno significado,
Falling Angel (Ángeles Cayendo, 2002) es una de las creaciones más etéreas y dinámicas del artista.
un lugar donde los elementos formales que
acompañan a las piezas extiendan un puente
en esta ocasión desde una mirada fresca e ino-
hasta lo imaginario. Por este motivo, muchas
cente al aprendizaje humano del movimiento.
obras están pensadas para exteriores, parques,
Para ello, se produce un cambio en el tipo de
jardines, espacio urbano o, por ejemplo, un
vidrio y la transparencia se convierte en opa-
arroyo, como es el caso de su reconocida serie
lina. Las proporciones son más reales, pre-
Hombrecitos.
sentan una apariencia humana más elemen-
El tamaño de sus obras no obedece a crite-
tal y, por tanto, más cercana.
rios arbitrarios, sino que persigue generar un
En cada una de sus obras, Carmelo retiene
efecto determinado. Cada obra tiene una esca-
un instante que se repite constantemente.
la concreta con el objetivo de crear y estable-
Inmortaliza un movimiento que no cesa, sin
cer una distancia adecuada con el espectador,
principio ni fin, como su capacidad creadora.
www.glaskunst-nrw.org
13
T rte virtual
Arte real
14
Miguel
Díez
PUBLICADO EN EL Nº 76 DE REVISTA DEL VIDRIO PLANO (ENERO DE 2003)
Esmaltado, soplado, casting, fusing, pasta, vitrales...
El artista porteño Miguel Díez experimenta con todas
las técnicas de manipulación del vidrio, material en el
que confiesa haber encontrado su lienzo más idóneo:
“(el vidrio) me despertó un gran interés por su ductilidad y a la vez dificultad, lo que hace que investigue
constantemente”. Una investigación que le ha llevado,
incluso, al terreno del ciberespacio.
15
Miguel Ángel González Díez nació en
Buenos Aires (Argentina) y su formación se
dirigió inicialmente hacia el diseño gráfico,
disciplina que estudió en 1984 en la escuela E.M.E.T. Fernando Fader, de su ciudad
natal. En 1988, durante un viaje a Estados
Unidos, descubrió el vidrio como arte al
visitar varias galerías donde se exponían
obras realizadas mediante las técnicas del
horneado y el soplado. Díez quedó muy
impresionado por la ductilidad de este
material, hasta el punto de decidirse a convertirlo en su medio de expresión artística
personal.
De vuelta a Argentina, se dedicó a estudiar, intensa y extensamente, las diferentes
técnicas de manipulación del vidrio, en una
ordalía iniciática que le llevó a peregrinar
por diversas escuelas y talleres de
Argentina y Brasil, y de la que salió domi16
nando prácticamente todas las técnicas: el
soplado, el vitral, el esmaltado, el casting y
el fusing, en una obra rica y variada que
incluye tanto vitrales, joyas y objetos decorativos como composiciones de especulación estética pura, donde a veces se rastrean influencias arcaizantes, a veces
influencias más modernas: Art Déco, Pop
Art, Fauvismo...
Pero, como buen hijo de su tiempo, Díaz
también ha explorado las posibilidades de la
nueva tecnología informática. Aunque, eso sí,
lo ha hecho desde su declarada pasión por
el vidrio: el resultado son una serie de imágenes digitales que toman como punto de
partida sus obras de arte real (real en el sentido de físico, de materia, hechas de átomos
ocupando espacio tridimensional) para crear obras de arte virtual (no físicas, inmateriales, compuestas por píxeles en el ciberespacio) donde las cualidades estéticas
propias del vidrio, ese material duro y frío,
dialogan con las suavidades y calideces de la
piel humana para crear atmósferas in-quietantes donde se combinan el misticismo y la
sensualidad.
migueldiez.4d2.net
FORMACIÓN:
1984
• Diseñador gráfico. E.M.E.T. Fernando Fader, Buenos
Aires (Argentina).
1988
• Experimentación en Vidrio. Profesora María Inés
Mazaira, Buenos Aires (Argentina).
• Soplado en Varilla de Vidrio. Profesor Ermón
Goncalvez, Pozos dos Caldas, Minas Geraes (Brasil).
• Fusing. Taller de la artista Mabel Waisman, Buenos
Aires (Argentina).
• Casting y Pasta de Vidrio. Escuela del Vidrio de
Berazategui, Buenos Aires (Argentina).
• Diseñador gráfico por PC. IT College, Buenos Aires
(Argentina).
1999
• Pintura y Restauración de Vitreaux. Profesor Gabriel
Bouza, Buenos Aires (Argentina).
• Técnicas en Armado para Vitrales. Profesor Alfredo
Menghi, Buenos Aires (Argentina)
2000
• Técnicas de Esmaltados en Vidrio. Profesor Roberto
Bonino, San Pablo (Brasil).
EXPOSICIONES INDIVIDUALES:
1999
• Galería de Arte Nerja, Buenos Aires (Argentina).
• Fernando Jaeguer Design, Moema, Sao Paulo (Brasil).
• Biblioteca Pública Alceu Amoroso Lima, “Objetos de
Arte en Vidrio”, Secretaría de Cultura, Sao Paulo (Brasil).
2000
• Galería de Arte de la Asociación Bancaria, “Idolatría
Vítrea”, Buenos Aires (Argentina).
2001
• Telecom Argentina, Espacio de Arte Contemporáneo,
“Buenos Aires Tango”, Buenos Aires (Argentina).
2002
• Holiday Inn Select Abasto, “The Place Of Tango”,
“Idolatría Tango Vítrea”, Buenos Aires (Argentina).
EXPOSICIONES COLECTIVAS:
1998
• Galería de arte “Espacio Zero”, Pacaembú, Sao Paulo
(Brasil).
1999
• XIII Salón Integrado del Arte, Círculo de Bellas Artes
de Buenos Aires (Argentina).
• 3er Salón Nacional del Vidrio en el Arte, Museo-Complejo
Municipal “San Francisco”, Buenos Aires (Argentina).
• VIII Feria Internacional de Materiales y Tecnologías
para la Construcción, Pabellón del Vidrio, Centro
Internacional de Exposiciones San Justo, Buenos
Aires (Argentina).
• Fundación Pro Arte Palermo, Buenos Aires (Argentina).
• 1er Salón Internacional y 6º Nacional del Vitral Artístico,
Museo de Arte Juan Carlos Castagnino, Mar del Plata
(Argentina).
2000
• Tradición y Creatividad, Centro Educativo Sefardí,
Palais de Glace, Buenos Aires (Argentina).
• 1er Salón Nacional de Objetos de Vidrio Funcionales,
Villa Victoria Ocampo, Mar del Plata (Argentina).
• 2º Salón Internacional y 7º Salón Nacional del Vitral
Artístico, Museo Juan Carlos Castagnino, Mar del
Plata (Argentina).
• 5º Salón Estímulo, Círculo Cerámico del Sur, Museo
Municipal Histórico Regional Almirante G. Brown,
Buenos Aires (Argentina).
• 1ª Muestra Interna de Diseñadores de Joyas. Taller
del Ángel, Buenos Aires (Argentina).
• Salón Nacional del Vidrio en el Arte, Museo-Complejo
Municipal “San Francisco”, Berazategui (Argentina).
• VII Salón Nacional y II Internacional del Vitral Artístico,
AVAMP, Museo Juan C. Castagnino, Mar del Plata
(Argentina).
• IV Salón Nacional del Vidrio en el Arte, Complejo
Municipal “San Francisco”, Berazategui (Argentina).
• 1er Salón Nacional de Esculturas de Vidrio,
Municipalidad de San Lorenzo. Secretaria de
Gobierno y Cultura. Entre Rios, Santa Fé (Argentina).
• Casa Foa, espacio Revista Elle Decoración. Antiguo
Hotel de los Inmigrantes, Buenos Aires (Argentina).
2002
• Salón de Otoño de la SAAP (Sociedad Argentina
de Artistas Plásticos), Buenos Aires (Argentina).
17
ANNA SKIBSKA
18
¿Cómo expresar el misterio
del momento de la creación?
¿La química? ¿El huevo?
¿La bocanada, el primer
aliento? ¿El claro de las
nubes que revelan el eterno
cielo? ¿La oscuridad penetrada por un halo de luz?
“No estoy segura.”
Anna Skibska
Anna Skibska conoce la disciplina para
• 1999: “Anna Skibska”, The Bullseye Connection,
Portland, Oregon (EE.UU.).
- “Anna Skibska about the tower”, Premio su interpretación. St. Elizabeth Church, Wroclaw (Polonia).
• 1998: W. Traver Gallery, Seattle, Washington (EE.UU.).
- R. Duane Reed Gallery, St. Louis, Missouri (EE.UU.).
• 1997: “From behind…”, National Museum, Wroclaw
(Polonia).
- “nw”, W. Traver Gallery, Seattle, Washington (EE.UU.).
- “Anna Skibska”, Miller Gallery, Nueva York (EE.UU.).
• 1996: W. Traver Gallery, Seattle, Washington (EE.UU.)
• 1995: “Simple pieces of furniture”, Domek
Miedziorytnika, Wroclaw (Polonia).
• 1994: “Look at my eye…”, Gallery Na Odwachu,
Wroclaw (Polonia).
• 1993: Instalación permanente en el Moses Taylor
Hospital, Scranton, Pennsylvania (EE.UU.).
• 1992: National Museum, Wroclaw (Polonia).
- Anna Skibska y Eugeniusz Get Stankiewicz, Gallery
of Modern Art Na Solnym, Wroclaw (Polonia).
• 1991: “a/s exhibition”, Gallery of Modern Art Na
Solnym, Wroclaw (Polonia).
• 1990: “Stained glass?” (two), Gallery of Theater STU,
Cracovia (Polonia).
- Galerie D.M. Sarver, París (Francia).
- “International Meetings of Open Theater”, Gallery of
the Open Theater Center, Dalambur, Wroclaw (Polonia).
• 1989: “Pictures of glass No. 6”, Gallery of Modern Art
DESA, Wroclaw (Polonia).
• 1988: “Drawings of glass”, Gallery of Modern Art
DESA, Wroclaw (Polonia).
- “Stained glass”, Theater STU, Cracovia (Polonia).
• 1987: “Stained glass”, St. Clement Hofbauer Church,
Wroclaw (Polonia).
- “Pictures of glass”, Gallery of Modern Art DESA,
Wroclaw (Polonia).
- “Stained glass?”, Gallery of Theater STU, Cracovia
(Polonia).
• 1986: Gallery of Modern Art DESA, Wroclaw (Polonia).
- “Pictures of glass”, Gallery of Modern Art DESA,
Wroclaw (Polonia).
transformar misteriosos sueños en realidades
artísticas con una elegancia encantadora. Su
capacidad de experimentación y descubrimiento parece inagotable. En sus manos, el
vidrio se convierte en línea y forma, fuerte y frágil, enorme y delicado. En su mente, las dualidades de la vida se dignifican y se celebran en
formas escultóricas, casi todas confrontadas, y
siempre conectadas al espíritu humano tanto
en su escala como en su presencia física.
Creció en los límites de Polonia y ahora vive
parte del año en Seattle (EE.UU.). Podría decirse que su método de trabajo se encuentra en
los límites del movimiento del vidrio porque
no involucra ninguna de las formas convencionales en que el material suele ser manipulado, excepto el flameado. En la colección
que aquí se muestra, parte de su exhibición en
Bullseye Connection, la artista se encuentra en
un nuevo desafío: por medio de creaciones
monumentales que parecen una inagotable
red de frágiles lazos de vidrio, la artista intenta explorar y ordenar la luz y el espacio.
Su obra resulta especialmente seductora
precisamente porque llegó al vidrio sin ningún
tipo de formación técnica o conocimiento. Su
niñez en Polonia, como la de todos los niños,
incluía seis horas de arte a la semana. A los
14 años, haciendo prácticas obligatorias en la
escuela de policía, recibió un importante
aprendizaje al describir accidentes automovilísticos, pues se veía forzada a visualizar las
escenas en tres dimensiones. Más tarde, tras
graduarse en pintura y arquitectura, practicó
la docencia durante 12 años. No se introduciría en el mundo del vidrio hasta 1991, cuando
tomó un pequeño soplete y se dio cuenta de
que la estabilidad que ofrecía el material era
fascinante. Desde entonces, compagina la
escultura con el cine, del que también es devota. De hecho, ha recibido algún premio por sus
interpretaciones cinematográficas.
La primera aparición del trabajo de Skibska
en Estados Unidos data en 1988, en una edición
del New Glass Review, publicado por el Corning
Museum of Glass. Pese a que en la forma, aquellos primeros trabajos denotaban cierta inmadurez e inocencia, el jurado estuvo atento a sus
posteriores propuestas artísticas.
En 1992, dos piezas la consolidan como una
artista madura y excepcional, al demostrar
que el vidrio flameado puede ser el medio
efectivo para crear una escultura monumental. Y en su caso, siempre espiritual, explorando el misterio eternamente presente
debajo de lo familiar, como la memoria de una
esencia evaporada, bella, sutil y luminosa.
www.annaskibska.com
• 1998: “The Fifth Annual International Exposition of
Sculpture, Objects, and functional Art”, R. Duane Reed
Gallery, Chicago, Illinoi (EE.UU.).
- Trabajos seleccionados para “Poncho and Pratt
Auctions”, Seafirst Gallery, Seattle, Washington (EE.UU.).
• 1997: Pilchuck Glass School Exhibition, SeattleTacoma Int. Airport, Seatac, Washington (EE.UU.).
- Exempla ’96, Munich (Alemania).
• 1996: Trabajos seleccionados para “The Fourteenth
Annual Multi-Media Pratt Art Auction”, Seafirst Gallery,
Seattle, Washington (EE.UU.).
• 1995: “World Glass Now ’94”, exposición itinerante
en varias ciudades de Japón.
• 1994: “World Glass Now ‘94”, Hokkaido Museum of
Modern Art, Sapporo (Japón).
- Hiroshima City Museum of Contemporary Art, (Japón).
- Daimaru Museum, Tokyo, Japón.
• 1992: “5th Int. Triennal of Drawing”, Wroclaw (Polonia).
• 1991: “Die Malerei von Schiessscheiben, Galerie
Raiffeisenäle am Marktplatz”, Innsbruck (Austria).
- “Reims presente Wroclaw expose”, Reims (Francia).
- “I love you”, Monetti Gallery, Warsaw (Polonia).
• 1990: “OB’ART 5e. Salon de l’object d’art contemporain”; Porte de Versaile, París (Francia).
- “200 Jahre Kunkstchulen in Breslau”, Wiesbaden
(Alemania).
- “L’eau, L’Europe, l’environment”, La Villette, París (Francia)
- “Interart ’90”, Poznan, Polonia.
• 1989: “Literature and Art”; National Museum, Wroclaw
(Polonia).
• 1988: Judgend Gestaltet 1987, Munich, (Alemania).
- “ABCD Exhibition”; Klodzko, Polonia.
• 1987: “The Way and the Truth”, Wroclaw (Polonia).
- “Collective exhibition”, Speyer (Alemania).
• 1986: “Picture, Sculpture, Stained Glass”, Saska Kepa
Gallery, Warsaw (Polonia).
• 1985: “Diploma ‘84”, Museum of Architecture,
Wroclaw (Polonia).
19
Matei Negreanu
“el artista debe tener siempre
la última palabra”
Matei Negreanu ha explotado el vidrio en todos sus estados y lo ha
convertido en la esencia pura de su escultura, sometiéndolo a toda
clase de tratamientos. Los modos en que explora y modela son el
resultado de una confrontación básica entre el artista y el material
que empezó hace mucho tiempo.
20
Matei Negreanu llegó a Francia en 1981,
COLECCIONES PÚBLICAS:
Museo de las Artes Decorativas, Atenas (Grecia).
Ulster Museum, Belfast (Gran Bretaña).
Musée des Arts Décoratifs, Bordeaus (Francia).
Museo de las Artes Decorativas, Bucarest (Rumania).
Museo de las Artes Decorativas, Cluj (Rumania).
Kunstsammulungen der Veste, Coburg (Alemania).
Musée Unterlinden, Colmbar (Francia).
Corning Museum of Glass, Corning (Estados Unidos).
Kunstumuseum, Düsseldorf (Alemania).
Musée des Arts Décoratifs, Lausanne (Suiza).
Fonds National d’Art Contemporain, Paris (Francia).
Musée des Arts Décoratifs, Paris (Francia).
Autotran Museum, Rosmalen (Holanda).
Saxe Collection, San Francisco (Estados Unidos).
Hokkaido Museum of Modern Art, Sapporo (Japón).
Musée du Verre, Sars-Poteries (Francia).
Pilkington Glass Museum, Saint Helene (Gran Bretaña).
Hoya Ind, Japon (Japón).
Museum Bellerive, Zürich (Suiza).
Collection Corning, Fontainebleau-Avon (Francia).
Collection Ernsting (Alemania).
Collection Lechaczynski (Francia).
tras abandonar su Rumania natal con 40
años y habiéndolo dejado todo atrás, sin
ninguna referencia para abrirse camino.
Sin embargo, sólo necesitó tres años para
establecerse en el arte del vidrio, que
comenzaba a florecer a principios de los
ochenta. Hoy en día, pinta y esculpe en un
enorme estudio dentro de su residencia de
Lamotte Beuvron, en Sologne (Francia).
Su formación nunca siguió cánones predeterminados. Nació en Bucarest (Rumania) en
1941. Tras la muerte de su padre, su madre lo
envió a una escuela técnica donde aprendió a
trabajar con metal para la construcción de
maquinaria. El aprendizaje incluía fundición
PRINCIPALES EXPOSICIONES INDIVIDUALES:
• 1982: Caja de Ahorros, Segovia (España).
• 1987: Galerie Trois, Genève (Suiza).
Galerie Bragiotti, Rotterdam (Holanda).
Galerie MR, Angoulême (Francia).
• 1988: Galerie Gottschalk-Betz, Frankfurt (Alemania).
• 1989: Galería Bergman y Museo de Immenhausen (Alemania).
• 1991: Habatat Galleries, Farmington Hills (Estados Unidos)
• 1992, 1995, 1998: Miller Gallery, Nueva York
(Estados Unidos), exposición permanente.
• 1993: Galerie J.CC – L’Art du Verre,
Luxemburgo (Luxemburgo).
• 1994: Vesperman Gallery, Atlanta (Estados Unidos).
Galerie di Folco (pinturas) Niort (Francia).
• 1995: Espace 54, Nancy (Francia). Venezia 982, Venecia (Italia).
Bordeaux 98. Exposición permanente.
- L’Eclat du Verre, París (Francia).
- Galerie 13, Rennes (Francia). Exposición permanente.
• 1996: Galerie in Vetro, Hannover (Alemania).
Exposición permanente.
• 1985, 1995, 1999: Galerie Capazza, NanVay (Francia).
• 1988, 1992: Galerie d’Amon, París (Francia).
• 1989, 1991, 1996: Clara Scremini Gallery, Paris
y Salon Découvertes, París (Francia).
- Int New Art forms (Estados Unidos).
- Taller, Amsterdam (Países Bajos).
• 1990, 1995: Galerie Place des Arts, Montpellier (Francia).
• 1991, 1998: Galerie HD Nick, Aubais (Francia).
• 1997: Galerie Sordello, París (Francia). Exposición permanente.
Galerie Nadir, Annecy (Francia) y Foire d’Art de Gand
(Bélgica). Exposición permanente.
• 1995 a 1998: Serge Lechaczynski, Galerie Internationale Du
Verre, Biot (Francia) e Int New Art Forms (Estados Unidos) y
Foire d’Art de Estrasburgo (Francia). Exposición permanente.
• 1998: Musée de Belfort (Francia).
artística, y esto, unido a la temprana fascinación del artista por el dibujo, lo llevaron a especializarse en el arte por medio de cursos de
escenografía. Todo ello le proporcionó una particular destreza para trabajar con una extensa gama de materiales. Negreanu se convirtió
en un diseñador. Como tal, llevó a cabo toda
clase de trabajos. Desde el sector industrial
–donde comienza su intensa relación con el
vidrio, incluso esculpiendo- hasta ropa y escenografía, todo ello del boceto a la ejecución.
Su primer trabajo en Francia consistió en
diseñar escenografías para teatro, esculpiendo y pintando alternativamente en una pequeña buhardilla cerca de La Bastilla. Fue allí
donde Negreanu dio a luz su primera colección: “Waves” (“Olas”), realizada a base de
vidrio tratado con rayos ultravioleta y con la
que obtuvo un éxito inmediato e irrevocable.
Pero Negreanu huye de un estilo lineal de
trabajo de la misma forma que reniega de
aferrarse a una sola disciplina. Cree en el
vidrio como el material más bello y elemental de una obra de arte y,
pese a la reticencia del
público y de la crítica, se
aventura al límite de sus
posibilidades y transfor-
espacio. Como sea, siempre un compromiso
maciones. Vidrio óptico,
indivisible entre el cuerpo y la mente. “Mis
soplado
proyectos se desarrollan mentalmente. Antes
y
reflectante
arenado,
y
em-
plomado, y la técnica
de darles forma con mis manos,
pienso en
ellos mucho tiempo. Nunca hay un dibujo pre-
del pâte de verre, todo
existente. No hago bocetos porque no sé cómo
ello explorando los
copiarme a mí mismo”.
resultados del azar
como confrontación
inevitable del material y gran parte de su
embrujo. ¿El fondo?
A veces un alfabeto
abstracto, otras, definición de un no-
www.hdnick.com
• 1982: Galerie Paskine de Gignoux, Estrasburgo (Francia).
• 1984, 1991: “Le Verre”, Rouen (Francia).
• 1984: BAG Westminister Gallery, Boston (Estados
Unidos) y Shipley Gallery, Gaselhead (Gran Bretaña).
• 1985: Veste Coburg, Coburg (Alemania).
• 1986: “Hommes de Verre”, París (Francia).
• 1988 a 1990: “Glas Metamorphosen I y II” Rolandseck y
Köln (Alemania).
• 1989: “Le Verre Grandeur Nature”, París (Francia).
• 1988, 1991: “World Glass Now”; Hokkaido.
Museo de Arte Moderno, Sapporo (Japón).
• 1985, 1989: “Expressions en Verre”, Lausanne (Suiza).
• 1990/1991: “Neues Glas in Europa”, Düsseldorf (Alemania).
• 1991 y 1992: “Nomades du Verre”, Barcelona (España),
Albi, Montpellier y París (Francia).
• 1994, 1995: “New Century in European Design”, Museo
Metropolitano de Arte de Teien, Tokyo (Japón).
• 1996: “Venezia Aperto Vetro”, Venecia (Italia).
- “Couleurs et Transparences”, Sèvres, Dunkerque (Francia).
CATÁLOGOS PERSONALES:
• 1997: Caminui Artei, Rumania.
• 1987: Galerie MR, Angoulême (Francia).
• 1989: Glas 8, Immenhausen Glas Museum (Alemania).
Clara Scremini Gallery, París (Francia).
• 1992: Galerie di Folco, Niort (pinturas) (Francia).
Galerie Place des Arts, Montpellier (Francia).
• 1995: Galerie Espace 54, Nancy (Francia).
• 1996: Galerie L’Eclat du Verre, París (Francia).
• 1997: Galerie Nadir, Annecy (Francia).
21
Un mar de
t r a ns pa r e nci a s
22
Julia
Ares
Cuaderno de bitácora
110 x 102 x 62 cm.
Julia Ares ha querido rendir homenaje a la ciudad que la vio nacer:
A Coruña (España). Después del reciente desastre ecológico, esta
obra cobra un especial valor, por lo que hemos decidido rendir
homenaje al entorno natural que inspiró su última exposición,
“Aqua”, la cual nos sumerge en un paisaje marinero repleto de
esculturas en vidrio en las que fluyen los peces, las redes, las olas.
Una obra que recrea un espacio irreal, indefinible y cambiante, porque el vidrio, como “Aqua”, tiene sus propios límites, que, aunque
imperceptibles, varían con la luz, como el mar con las mareas. Julia
proyecta su celeste mirada hacia una nueva visión de este material
transparente, como el agua, como el mar.
Ojo de buey
200 x 1.000 x 55 cm.
“Agua, mar, vidrio, un tríptico transparente del que espero poder
aportar al mundo del arte algo más que una compleja técnica”
Julia Ares
EXPOSICIONES INDIVIDUALES. SELECCIÓN
• 1982: Delegación Provincial de Cultura.
A Coruña (España).
• 1983: Galería Kandinsky. Madrid (España).
• 1988: Palacio Municipal de Exposiciones del
Excmo. Ayto. de A Coruña.
• 1997: (Zodiaco) Galería Obelisco. A Coruña.
EXPOSICIONES COLECTIVAS. SELECCIÓN
• 1982: Festival Intercéltico de L’Orient. Francia.
• 1984: VII Bienal Internacional del Arte del
Esmalte. Limoges (Francia).
• 1985: Long Beach Museum.
Los Angeles, California (Estados Unidos).
• 1993: “X Aniversary C.I.D.A.E.”.
Unión Española de California (Estados Unidos).
• 1994: Museum National of Arts. Moscú (Rusia).
• 2001: XIV Exposición Internacional del Esmalte
Artístico C.E.A.R.A. República Argentina.
Archivo Histórico-Artístico y Museo Histórico
de la provincia de Buenos Aires (Argentina).
• 2002: Arte y Paz por la Palabra. Fundación
Araguaney. Santiago de Compostela (España).
- The International Enamelling Art Exhibition in
Japan. Ueno National Museum. Tokio (Japón).
PREMIOS Y MENCIONES:
Absurdo
143 x 162 x 96 cm.
DEL LEGADO FAMILIAR
AL MUNDO DEL ARTE
CONTEMPORÁNEO
Una clara muestra de su nueva línea de
trabajo es su última exposición: “Aqua”
(Palacio Municipal de Exposiciones Kiosco
Nacida en A Coruña (España), Julia Ares
Alfonso de A Coruña). Ésta incluye obras rea-
cursa estudios en la Escuela de Artes Pablo
lizadas en las diferentes técnicas del vidrio
Picasso de la misma ciudad, experimentan-
fusing y termoformado, incorporando a las
do diferentes especialidades artísticas. Su
mismas otras técnicas ancestrales, como el
encuentro con la técnica del esmaltado a fue-
esmalte a fuego sobre metal y el grabado al
go es casual, investigando esta materia de
ácido, o las más modernas, como el láser,
forma autodidacta. Su obra se caracteriza
chorro de arena o ultravioleta, además del
por la ejecución de piezas de gran formato
hierro, que en unos casos hace las veces de
y el empleo del volumen, además del uso de
soporte y en otros adquiere el papel prota-
altas temperaturas de hasta 1.250 ºC.
Uno de sus trabajos más importantes ha
gonista de la obra. Todas ellas han sido realizadas entre los años 2000 y 2002.
• 1987: Premio Exequo. “Esmaltes
Internacionales II”. A Coruña.
• 1989: Premio Especial de Compra.
III Bienal Internacional del Arte del Esmalte.
Salou, Taragona (España).
- Premio “Chairman Award”.
Royal Museum of Ueno, Tokio (repite en 1995).
• 1993: Premio “Award for Artistic Work”.
Royal Museum of Ueno, Tokio.
• 1996: Mención especial del Jurado.
Bienal de Salou, Tarragona.
• 1999: Premio del Jurado. Centro de esmaltadores artísticos de la República Argentina.
MUSEOS Y COLECCIONES:
• C.I.D.A.E. Barcelona.
• Ayuntamiento de A Coruña.
• Museo del Esmalte. Salou, Tarragona.
• Museo Nacional de Palanga. Lituania.
• Museo Nacional de Klaypeda. Letonia.
• Museo de las Artes Decorativas. Moscú.
• Fundación Araguaney.
• Colección Manfred Suharwz.
• Casa de Galicia en Buenos Aires.
• Diputación Provincial de A Coruña.
• Museo Provincial de Kécskemet. Hungría.
sido la ejecución de 1.200 esmaltes que
narran toda la historia de A Coruña, integrados en las farolas que iluminan los seis kilómetros del Paseo Marítimo de dicha ciudad.
En Julia Ares se fusionan su sólida formación industrial y técnica junto a su interés por
la investigación estética. Solamente desde el
legado familiar, con muchos años de experiencia vidriera, puede entenderse su excelso dominio técnico, los medios que desarrolla y su profundo conocimiento del vidrio. En
ella, la técnica se supedita a una búsqueda
artística en la que lleva enfrascada más de 20
años. Primero desde el esmalte y ahora, dentro de las artes del fuego, desde el vidrio.
www.juliaares.com
Trofeo. 230 x 200 x 50 cm.
23
EDMÉE DELSOL
Barro y Vidrio:
In s ti n to y
e s p o nt a ne i d a d
Las olvidadas y redescubiertas
tartas de lodo son la fuente del
largo río de la creatividad de
Edmée Delsol. En sus composiciones, fuertes y delicadas, el barro y
el vidrio conviven sin negar ni
exaltar sus diferencias. En vez de
alejarse, se funden como reveladores de dos estados de un mismo
mineral que se escindió en el
tiempo cósmico, y que ahora se
impregna de colores gracias a la
magia de la luz.
“...el trabajo de Edmée Delsol es,
primero y ante todo, un testimonio
de esperanza; un ensueño, pero
también una representación de la
realidad. La emoción que nos
transmite es indispensable”
Didier Nick - Editions – Agosto 2000
24
èlytres
35/54/8
2000
PUBLICADO EN EL Nº 72 DE REVISTA DEL VIDRIO PLANO
SUPLEMENTO QUIÉN es QUIÉN (OCTUBRE DE 2008)
sarabande
40/20/15
2000
25
Edmée Delsol comenzó dibujando. A los
vivía en la Cité des Arts, montó sus prime-
do terapéutico. A los diecisiete años tuvo la
cinco años sufrió una enfermedad que la ale-
ras exposiciones. Después siguió un largo
oportunidad de entrar en el mundo de la
jó de su familia durante dos años. Sola en
periodo marcado por su matrimonio, el naci-
cerámica, gracias a Jeanne y Norbert Pierlot.
Suiza, y sin asistir a la escuela, Edmée sólo
miento de sus dos hijos, la llegada a
En 1979, Edmée construyó el primer
hacía dos cosas: jugar en el campo y dibujar.
Normandía y la residencia en Meudon
estudio de cerámica raku. Se trata de una
Inició su formación en el estudio del pintor
(Francia). Durante todo este lapso, la artista
disciplina tradicional japonesa que nace
Brianchon, y otros de sus maestros fueron
en ningún momento interrumpió su trabajo.
del espíritu del Zen, y se basa en la idea
Etienne Martin, Adam y Licata. Exploró los
De entre todo el abanico de disciplinas en
de la búsqueda de una belleza accidental
medios de la escultura, la pintura y el
las artes visuales, eligió el barro debido a que
pero humanamente creada, a través de la
mosaico, así como la arquitectura. Mientras
su abuelo, un pintor, lo utilizaba como méto-
escultura.
sarabande
50/23/26
2000
épaulement
47/30/8
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épaulement
48/28/8
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También de enorme influencia para la artista fue un viaje a Áfri-
les ajours
34/36/14
2000
ca que realizó para un programa de intercambio entre ceramistas africanos y artistas europeos. En una comunidad al sur de
Burkina, Edmée aprendió, en medio de la tradición colectiva de
trabajo entre cantos y bromas, de la rudimentaria simplicidad que
toma lo que hay a la mano, y va directo a lo esencial.
En 1990 incorpora el elemento del vidrio a su trabajo. En palabras de la propia artista: “Hace miles de años, los mercaderes
26
fenicios hacían un fuego en la playa, y descubrían trozos de
vidrio en las cenizas. La naturaleza química del esmalte me
parecía un estado de transición natural al vidrio, llevando
muchísima luz consigo. El vidrio es para mí como una extensión
del mismo barro en un estado de transparencia, de metamorfosis, de transposición, de transcendencia”.
Pero Edmée Delsol va más lejos. Huyendo de la evidente belleza
óptica de transparencia del vidrio, que se le antoja fría, busca un
modo de relación distinta del material con la luz. Después de diez
años, son varios los artistas que han imitado su método para obtener una impactante sustancia arqueológica llena de color, lograda
gracias al fuego, a la mezcla y al modelado, en una continuidad con
el barro que asemeja a la piel.
Partiendo de dicha base, la imaginación de la artista se dispara hacia construcciones temáticas, no tanto siguiendo una
nomenclatura arquitectónica, sino comprometiéndose con la
memoria de formas míticas y arquetípicas. De ahí surgen pilares, triángulos, montañas, ángeles, escaleras, bóvedas románticas, arcos góticos, puentes, pilas y, en su trabajo más reciente, dúos y conversaciones. Estos últimos, logrados gracias a un
efecto de apertura de luz entre el vidrio y el barro, reflejando
colores de una pieza a otra.
La obra de Edmée Delsol está hecha para la interpretación. La
artista huye del “significado”, de la alusión y la anécdota, y se encamina hacia un intercambio de ideas sugestivas. Como en la pintura, busca el trazo de movimientos impulsivos, la traducción de ideas complejas y emociones en formas simples. Todo ello, con la tra-
dición como ancla, pero buscando la modernidad en la creación. www.hdnick.com
épaulement
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lien
45/30/9
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EXPOSICIONES PERSONALES
• 1988: Galería Se och Ge Sofino, Suecia.
• 1989: Galería Complément dÓbjetct, Rouen.
• 1992: Galería D.M. Sarver, París, “terre, ciel”.
• 1993: Galería H.D. Nick, Aubais.
- Galería D.M. Sarver, París, “de terre et de verre”.
• 1995: Galería Les Emibois, Suiza.
- Galería D.M. Saver, París, “verre ailé, un souffle de terre”.
• 1996: Galería Complément dÓbjet, Rouen.
- Galería H.D. Nick, Aubais.
• 1997: Galería Braggiotti, Amsterdam.
• 1998: Galería G. Godar, Lille, “dúne rive à láutre”.
- Galería Complément dÓbjetc, Rouen.
• 1999: Galería Ortilles, París, “liens et quelques équilibres”.
- Galería Braggiotti, Amsterdam.
• 2000: Galería H.D. Nick, Aubais.
• 1984: Abbaye dÓuville.
- Centre dÁrts Contemporains, Rouen.
• 1985: Maison des Arts, Everux.
• 1991: “In Situ” sculptures, Banon.
- Galería Huit de Coeur, París.
- Galería Argile, Bruselas.
• 1993: “in Situ”, Muids.
• 1994: “World glass now 94”, Japón, Museo Hokkaido.
- “Verre Métis, terres mélées”, Galería H.D. Nick, Aubais.
- “Tour de terre”, Maison de la Céramique, Mulhouse.
- La Louvière, Bélgica, Galería Hamelin, Honfleur.
• 1995: Musée dÁrt Contemporain, Dunkerque, colección Bueno.
- Hôtel de Région, Montpellier, Galería H.D. Nick.
- Bibliothèque Méjannes, Aix-en-Provence, espiritu dÁfrique
Association: “Les Artistes Nomades”.
- Musée National de Céramique, Sèvres, “Couleurs et transparence”.
• 1996: Musée dÁrt Contemporain, Dunkerque, “Couleurs et transparence”.
- “Art Strasbourg” Galería H.D. Nick.
- Sculpteurs de lumière, Nimes, Galería de la Salamandre.
- Musée Correr “Venezia Aperto Vetro” international New Glass.
• 1997: “Métis de terre et de verre” C.C. départemental Rodez, Galería H.C. Nick.
- Céramiques Contemporaines, Chartres de Bretagne.
• 1998: Voyage initiatique, Galería Capazza, París, Espace Cardin.
- Verre contamporain: “regards”, Galería Capazza, Nançay.
• 1999: Matière en représentation, Médiathèque de Miramas, H.D. Nick.
- Global Art Glass Triennale, Borgholm, Suecia.
COLECCIONES
• Musée des Arts Décoratifs – París.
• Musée du Verre de Sars Poteries.
• Musée dÉlbeuf.
• Fondation Ernsting – Alemania.
• FRAC de Basse Normandía.
27
Michèle
Lapointe
Astronomía
y Símbolos
28
La pieza “L’insoutenable légèreté de la plume” (1997-1999)
de 6 metros de altura preside la entrada
de la escuela primaria de Parchemin, en Carignan (Québec).
Sobre estas líneas
y a la izquierda,
“Et pourtant elle tourne”
de Michèle Lapointe (1995),
reloj de sol de 3 x 4’5 m.
basado en las teorías de
Galileo. Al igual que el sol
es el eje sobre el que se
desplaza la Tierra, esta
obra es el punto central
de la librería de Ile Bizard
(Montreal).
Michèle Lapointe ha decidido desprenderse de todas las herramientas de las que
ARTE PÚBLICO
se arma el artista a través de la experien-
• 1986: “El teatro de papel”, Casa de la Cultura
de Petite Patrie, Montreal (Canadá).
• 1987: “Vuelo de sueño”, Observatorio
del Estadio Olímpico, Montreal (Canadá).
• 1989-90: “...como nuestras raíces...”,
Hotel de la ciudad de Repentigny (Canadá).
• 1991-92: “Derecho a la diferencia”,
Lac Nipissing, North Bay, Ontario (Canadá).
• 1992: “La subida”, CLSC Ahuntsic,
Montreal (Canadá).
• 1995: “Y, sin embargo, gira”, Biblioteca
Municipal de Ile Bizard (Canadá).
• 1996-97: “La Insoportable Levedad
de la Pluma”, Escuela Primaria de Carignan,
Carignan (Canadá).
• 1998-2001: “Te miraré de reojo”, Escuela
primaria de l’Aquarelle, Sainte-Rose de Laval
(Canadá).
• 1999: “Escultura interior y exterior”, CLSA.
J. Octave Roussin. Pointe-aux-Trembles
(Canadá).
- “El regreso a la tierra como un despegue”,
Complejo funerario de Trembles, Parque
Natural de Pointe-aux-Prairies (Canadá).
• 2000: “Así cantaba mi padre”, Terraza
de la Casa de la Cultura Marie-Uguay,
Montreal (Canadá).
cia. Con este olvido premeditado, consigue
enfrentarse al vidrio con la magia e impunidad de lo desconocido, prestándose a los
imperativos de la creación y asumiendo
riesgos técnicos desafiantes.
A través de su obra en vidrio, que va
desde pequeñas piezas de museo hasta
gigantescos murales al aire libre, la artista
canadiense explica la discontinuidad del
mundo actual a través de una singular
“arqueología imaginaria”. El vidrio laminado y la incidencia de la luz se convierten en
dos firmes aliados para su propósito.
El gran mural que preside la librería de
Ile Bizard (Montreal) retoma las teorías de
Galileo para crear un reloj de sol, apropiándose de su celebérrima sentencia “Et
pourtant, elle tourne” (“Y, sin embargo,
gira”) para bautizar esta genuina obra.
Coincidiendo con el ángulo y la latitud de
la pendiente del tejado, este inmenso reloj
de sol se transforma en eje de la bibliote-
29
ca, de la misma manera que el sol rige el
movimiento de la Tierra. Incluso la distri-
EXPOSICIONES
bución de los elementos a lo largo y ancho
• 1993: Galería Suzel Berna, París (Francia).
- Galería Mireille Mercier Munch, Niza
(Francia).
- Centro de Exposiciones de Vieux-Palais,
Saint-Jérôme (Francia).
• 1994: Galería Braggiotti, Amsterdam
(Países Bajos).
- Casa de la Cultura Plateau Mt-Royal,
Montreal (Canadá).
• 1995: Sofa, Chicago (EE UU).
• 1996-97: Galería Les Trois C, Ville LaSalle.
- Casa de la Cultura, Montreal (Canadá).
- Casa de la Cultura, Dorval (Canadá).
- Biblioteca pública, Côte Saint-Luc
(Canadá).
- Galería Stewart Hall, Pointe-Claire
(Canadá).
- Museo de Arte de Saint-Laurent (Canadá).
- Galería de Arte de Outremont (Canadá).
- Galería de los Maestros Artesanos,
Montreal (Canadá).
- Bienal Canadiense del Vidrio, Marché
Bonsecours, Montreal (Canadá).
- Bienal del Gran Premio de los Maestros
Artesanos, Québec (Canadá).
- Galería Ann Natham, Chicago (EE UU).
• 1997: “Maquetas”, Galería Espacio Vidrio,
Montreal (Canadá).
• 1998: Casa de la Cultura Marie Uguay,
Montreal (Canadá).
• 2000: PassArt, Centro de Exposiciones de
Rouyn-Noranda (Canadá).
• 2001: “éVAsion”, Galería Espacio Vidrio,
Montreal (Canadá).
- Sesión de Québec en New York, Corning
Gallery, New York (EE UU).
del mural respeta la trayectoria elíptica de
nuestro planeta respecto al Astro Rey.
La igualdad y la libertad son temas recurrentes en su obra, tal y como demuestran
las dos gigantescas esculturas “L’Insoutenable
Légèreté
de
la
Plume”
(“La
Insoportable Levedad de la Pluma”) o
“...comme nos racines...” (“...como nuestras
raíces...”). La primera, creada a partir de
pâte du verre y madera a la entrada de una
escuela municipal, simboliza a los niños en
la escuela como pájaros dentro de una jaula, y se complementa con un mural que
encarcela pájaros y letras en un metafórico cuaderno de ejercicios.
Por otra parte, la segunda obra, empapa
cada una de sus 380 capas de vidrio laminado arenado del clima invernal canadiense y adquiere forma de árbol para recordarnos la fuerza de las raíces que determinan nuestra pertenencia física a un determinado territorio. www.michelelapointe.com
La escultura “...comme nos racines...”
(2’60 x 1’22 x 0’36 m.) de Michèle Lapointe (1989-1990),
está realizada con un total de 380 láminas de vidrio
arenado y cemento acrílico.
La artista ha escogido el clima invernal de Canadá
para sugerir a través de este simbólico árbol la fuerza
y la continuidad, así como remarcar la importancia
de nuestras raíces.
JAVIER GÓMEZ
Espacio Abierto XLVIII
Vidrio tintado negro. 70 x 33 x 11 cm., año 2001
30
Formas
de luz
Espacio Abierto XIV. Vidrio laminado. 17’5 x 32’5 x 14 cm., año 2000
Espacio Abierto XXXVI. Vidrio laminado
18 x 17 x 12 cm., año 2001
Espacio Abierto X. Vidrio laminado
16 x 17’5 x 11 cm., año 1999
La línea curva, génesis del movimiento,
la luz, principio de vida, y el vidrio, icono
de la transparencia, son tres de los pilares
capitales sobre los que se sustenta la obra
escultórica de este artista. Una obra que
pervive, se contornea y extiende gracias
a la convivencia harmoniosa de la línea y
el volumen, la opacidad y la transparencia,
la luz y el color.
Espacio Abierto III. Vidrio laminado. 11 x 21 x 11 cm., año 2002
Javier Gómez apenas contaba con 14 años
cuando comenzó su formación autodidacta en
su taller familiar de vidrio plano en Pedro
Bernardo (Ávila, España, 1971), aprendiendo
las diferentes técnicas industriales del vidrio,
hecho que más tarde le llevó a iniciar su evolución artística y hoy, goza de una vasta experiencia en el desarrollo de la técnica del vidrio
laminado. Recurre al empleo y la unión de
simples láminas de vidrio para elaborar sus
esculturas dándoles formas distintas mediante cortes en frío. Una vez cortadas, pule sus
bordes y las superpone pegando una lámina
y otra, generando el volumen deseado. A
estos trabajos añade la elaboración del vidrio
mediante otras técnicas como los mateados
al ácido o a la arena, o el craquelado, alterando el vidrio como material de base para
convertirlo en una materia diferente que deriva en la concreción de obras de arte. El resultado es una obra, una escultura que se aleja
de la propia materia, generando construcciones ilusorias, piezas helicoidales, transparentes, donde el volumen se insinúa con estudiadas sucesiones y efectos.
La opacidad de sus primeras creaciones
contrasta ahora con la reciente búsqueda del
color. Javier Gómez juega mucho más con
las láminas de color, tratadas con tintes, ácidos, grabadas con chorro de arena, talladas,
pulidas, mezclando distintos tipos de vidrio
y colores, logrando la consecución de un sinnúmero de texturas diferentes.
Miembro de la Asociación Española para la
Historia del Vidrio y asesor artístico y fundador, junto al Ayuntamiento de Alcorcón
(Madrid, España) del MAVA, Museo Municipal
de Arte en Vidrio de Alcorcón, ha superado
la mítica cifra de 100 exposiciones entre individuales y colectivas en museos, instituciones
y colecciones privadas de todo el mundo. Su
labor creativa ha sido reconocida con la consecución de numerosos premios, como lo es
el hecho de que un gran número de personalidades de todos los ámbitos, entre las que
destacan S.S. el Papa Juan Pablo II, Su
Majestad D. Juan Carlos I, Rey de España o
Doña Fabiola, Reina de Bélgica, así como
conocidos empresarios, artistas, políticos y
MÁS DESTACADAS
• 1989: - Habatat Galeries, Boca Ratón, Florida
(Estados Unidos).
• 1990: - “Glass Now”, Yokohama (Japón).
- Kurland / Summers Gallery, Los Ángeles, California
(Estados Unidos).
• 1991: - Galerie L. Hamburg (Alemania).
• 1992: - “Esculturas Contemporáneas en Cristal y
Vidrio”, Lieja (Bélgica).
- “The Glass Art Society”, Ciudad de México (México).
• 1993: - Glas Galerie Dowe Dekker (Holanda).
- “Construmat’93. Galería de Artistas de Revista del
Vidrio Plano”, Barcelona (España).
• 1994: - Galeria Art du Verre (Luxemburgo).
• 1995: - “CUKNO 95”, Lviv (Ucrania).
• 1996: - Galería Quórum, Santander (España).
• 1997: - “27th anual G.A.S. Conference Glass Art
Society”, Tucson, Arizona (Estados Unidos).
• 1998: - “Volumen y forma”, MAVA, Alcorcón, Madrid
(España).
- Fusion Gallery, Adelaide (Australia).
• 1999: - ARCO, Madrid (España).
- “Esculturas de Vidrio Contemporáneo en España”,
FCNV, Segovia (España).
- “Transparencias. Vidrio Artístico Contemporáneo”,
Portimão (Portugal).
• 2000: - “Fragilidad Fundida. Vidrio Artístico
Contemporáneo”, San Sebastián (España).
• 2001: - Espai Vidre, FCVB, Barcelona (España).
- “Fragilidad Fundida. Vidrio Artístico Contemporáneo”,
MAVA, Madrid (España).
www.alcorcon.org/mava
Espacio Abierto XXV. Vidrio laminado
29 x 37 x 14 cm., año 2001
31
MÁS DESTACADAS
• 1987: - Cevisama, Feria Internacional de Valencia
(España).
• 1988: - Hemeroteca Nacional, Madrid (España).
• 1990: - Schloss Zell An Der Pram (Austria).
- Galerie Amon, París (Francia).
• 1992: - Galería Quórum, Madrid (España).
• 1993: - Galerie Art du Verre (Luxemburgo).
• 1997: - Casino Gran Madrid, Madrid (España).
• 1999: - Wagga Regional Art Gallery (Australia).
• 2000: - MAVA, Madrid (España).
• 2001: - De Cristal, Galería de Arte en Vidrio, Madrid
(España).
OBRAS EN MUSEOS Y GALERIAS.
SELECCIÓN.
• Glass Museum de Sars Poteries (Francia)
• Glass Museum de Lieja (Bélgica)
• Glass Museum de Boca Ratón (Estados Unidos)
• Philabaum Glass Gallery (Arizona, Estados Unidos)
• Corning Museum (Nueva York, Estados Unidos)
• Glass Museum de Ebeltoft (Dinamarca)
• The Kestner Museum (Hannover, Alemania)
• Museo del Vidrio (Monterrey, México)
• MAVA (Madrid, España)
• FCNV (Segovia, España)
• Revista del Vidrio Plano (Barcelona, España)
• Museo do Vidrio (Marinha Grande, Portugal).
escritores, entre otros, cuenten con alguna de
sus obras en sus colecciones particulares. Eclipse II. Vidrio laminado
12’5 x 15’5 x 10 cm., año 1999
COLECCIONES PRIVADAS.
SELECCIÓN.
• D. Juan Carlos I (Rey de España)
• Dª Fabiola (Reina de Bélgica)
• SS el Papa Juan Pablo II
• D. José María Aznar
(Presidente del Gobierno Español)
• Antonio Gala (escritor)
• Pepe Domingo Castaño (periodista).
Espacio Abierto XXXIII. Vidrio laminado
23’5 x 29 x 17 cm., año 2001
Espacio Abierto XL. Vidrio laminado
18’5 x 27’5 x 16 cm., año 2001
Karen
LaMonte
32
Vista frontal y posterior de uno de
los modelos confeccionados
por Karen LaMonte.
VIDRIO
DE ALTA
COSTURA
Los caminos del vidrio son inescrutables.
Originales ideas y novedosas técnicas
se entrecruzan para ofrecer resultados
espectaculares. Mediante la técnica
del casting, Karen LaMonte
desenmascara cada una de estas
sendas e hilvana la precisa aguja
del arte para confeccionar
elegantes vestidos en vidrio.
PUBLICADO EN EL Nº 70 DE REVISTA DEL VIDRIO PLANO (ENERO DE 2002)
La trayectoria artística de Karen LaMonte,
FORMACIÓN:
nacida en Estados Unidos en el año 1967, se
• 1988: Escuela de Cerámica de Penland, Penland
(Estados Unidos).
• 1989-1996: Escuela de Vidrio de Pilchuck,
Seattle (Estados Unidos).
• 1990: Escuela de Diseño Rhode Island,
Providence (Estados Unidos).
• 1999-2000: Academia de Arte, Arquitectura y
Diseño, Praga (República Checa).
forma a caballo entre su país natal y la
República Checa. A pesar del estancamiento al que fue sometido el movimiento artístico checo, LaMonte se deja seducir por el
mosaico de pintores, escultores y otros artistas que encontraron en el vidrio el material
PREMIOS:
idóneo con el que expresar sus ideas.
la ciudad checa de Pelechov, se convirtió en
• Julio - Septiembre 1999: “Vidrio Creativo de
las Tierras del Norte”, Residencia Escocesa.
• 1999-2000: “Escultura de vidrio colado en la
República Checa”, Beca Fulbright.
• 2000: “Premio a la Excelencia”, por el Manhattan
Arts International.
el refugio de la artista. Con el miedo de quien
MUESTRAS EN MUSEOS:
se embarca en un proyecto que difiere de lo
• 1998
- “VIII Muestra Symposium Internacional de Arte
Húngaro en Vidrio”, Vysegrad Fortress (Hungría).
- “¡Disfrázate! Vestidos y Complementos”, Charles
A. Wustum Museum of Fine Arts, Racine (EE.UU.).
• 2000
- “Luz en Vidrio”, Tucson Museum of Art, Tucson
(Estados Unidos).
- “El Vidrio en Contexto”, GlasMuseum, Frauenau
(Alemania).
• 2001
- “La realidad cambia: Imágenes representativas
en un medio diferente”, Ohio Craft Museum,
Columbus (Estados Unidos).
- “Rompiendo Moldes: Vidrio Conceptual”,
Cleveland Center for Contemporary Art,
Cleveland, Ohio (Estados Unidos).
Tras años de experimentación y enseñanza en el continente americano, el estudio de
Zdenek Lhotsky fundado en los años 50 en
establecido, LaMonte presenta un ambicioso desafío: la creación mediante la técnica
del casting de vestidos de vidrio a escala real.
Lhotsky quedó entusiasmado con el reto de
conseguir una pieza complicada y, por su parte, los fabricantes de moldes encontraron
alentador el encargo de una nueva propuesta diferente a lo visto hasta el momento.
De esta manera, la artista empezó a confeccionar originales vestidos para niños
para diversificar su obra en una auténtica
Y COLECTIVAS:
pasarela en vidrio. Su capacidad por cap-
• 1997
- “Juguetes de vidrio: ponis, marionetas y
barcos”, exposición individual en The Glass
Gallery, Bethesda (Estados Unidos).
- “Muestra de la Facultad UrbanGlass”, Robert
Lehman Gallery, Brooklyn, Nueva York (Estados
Unidos).
• 1999
- “La magia de Venecia”, exposición abierta de
arte de alta calidad, Las Vegas (Estados Unidos).
- “Un encuentro del vidrio”, Sable V Fine Art
Gallery, Wimberley (Estados Unidos).
• 2000
- “El vidrio: una celebración”, Nancy Hoffman
Gallery, Nueva York (Estados Unidos).
- “SOFA”, exposición internacional de objetos
escultóricos y arte funcional, Nueva York y
Chicago (Estados Unidos).
- “Sombras coladas”, exposición de dos artistas,
Portia Gallery, Chicago (Estados Unidos).
- “Iconos, Ídolos y Arquetipos”, Morgan
Contemporany Glass Gallery, Pittsburgh
(Estados Unidos).
- “Obrazy Obrazy”, Zacheta Gallery, Varsovia (Polonia).
• 2001
- “Impresiones Ausentes”, exposición individual
en Heller Gallery, Nueva York (Estados Unidos).
- “SOFA: Maestros del Vidrio Colado”,
Exposición Internacional de objetos escultóricos
y arte funcional, Nueva York (Estados Unidos).
- “Fabricado en la República Checa”, exposición
en grupo, Praga (República Checa).
- “Mujeres visionarias: una Exposición de
Escultura en Vidrio”, Bausch & Lomb Gallery,
Rochester, Nueva York (Estados Unidos).
- “Vidrio América”, selección nacional de arte
contemporáneo, Heller Gallery, Nueva York
(Estados Unidos).
turar el gesto queda plasmada en cada una
de sus confecciones: bultos y pliegues consiguen evocar “animados seres ya ausentes,
una forma humana sin un cuerpo humano”.
Su línea de vestuario, que desborda vida
y elegancia, consigue exportar la mundanalidad de cada gesto cotidiano a la magia
imperecedera del vidrio. Además de la originalidad de sus diseños, Karen LaMonte
define su obra en torno a una particular
concepción del arte: “La gente está tan cautivada con la técnica que pierde de vista sus
propias ideas. Ideas y técnica son como dos
pies andando, uno no puede ir sin el otro”.
Tijeras, aguja, hilo e imaginación se ponen
a la entera disposición del arte en vidrio.
El costurero de Karen LaMonte queda
abierto para sus próximas confecciones. COLECCIONES
EN ESTADOS UNIDOS:
www.karenlamonte.com
Colección de vestidos en vidrio a escala real
realizados mediante la técnica de vidrio colado.
• The Tucson Museum of Art, Tucson.
• Charles A. Wustum Museum of Fine Arts, Racine.
• The Corning Museum, Corning.
• The Museum of American Glass, Millville.
• Saxe Collection.
• Wendy and Peter Joseph, Nueva York.
• Paul Stankard, Nueva Jersey.
• Doug & Dale Anderson Collection, Nueva York.
33
FRÉDÉRIC MORIN
+
SALOMÉ
34
El arte de
la caricia
“La caricia, ese gesto de afecto de la
madre hacia su hijo, es la primera experiencia en la vida de cualquiera...”
Frédéric Morin y Salomé forman
un tándem artístico excepcional,
cuyas esculturas en vidrio transpiran
humanismo y conocimientos en
cantidades abrumadoras. Estos dos
artistas galos, grandes estudiosos
y conocedores de la historia del
arte y de las distintas representaciones que se han hecho del cuerpo
y de la sexualidad, trascienden el
tiempo y la materia en cada una de
sus obras, reivindicando la ternura,
la sensualidad, la solidaridad y
otros muchos sentimientos latentes
en lo más profundo de nuestro ser.
“Le cœur sur la main”, de Salomé y Frédéric Morin (2001).
Escultura en pâte de verre a la “tierra perdida”. Altura: 64 cm. Peso: 36’5 Kg.
Arquitecto diplomado en 1982, Frédéric Morin
ha consagrado su trabajo profesional al estudio
de la concepción musulmana del espacio. Sus
competencias le llevaron a trabajar incluso en
excavaciones arqueológicas en Siria y Jordania.
De vuelta a Francia, la arqueología medieval, la
fotografía y la edición histórica fueron sus
principales actividades hasta que regresó al universo del vidrio en 1991, dentro del taller paterno “Le Pontil”, donde tiempo atrás ya intentó
insuflar emociones a sus primeras piezas en
vidrio soplado. Poco depués fundó su propio
taller: “Verre en Forme”, para lanzarse de pleno a la investigación artística y a la experimentación técnica con el vidrio.
Salomé, diplomada en escultura por la
Escuela Superior de Bellas Artes de París en
1979, recibía en 1998 una propuesta de Frédéric Morin para colaborar puntualmente en
una línea de esculturas en pâte de verre.
Desde entonces, Frédéric Morin y Salomé
han trabajado y creado en conjunto, reivindicando en sus obras algo tan humano como
“Isis”
Frédéric Morin
(2001)
Altura: 58 cm.
Peso: 21 Kg.
“Monsieur”
Salomé
Altura: 58 cm.
Peso: 28 Kg.
la caricia, entendida como génesis de un len-
35
guaje, el de los sentimientos, basado en men-
SELECCIÓN DE EXPOSICIONES:
sajes mucho más profundos que la palabra o
• 1993. Marq-en-Baroeul (Francia). Fondation Septentrion.
“La sculpture française en verre depuis 1985”.
Ville d’Avray (Francia). Centre Le Colombier.
“Magie du Verre”.
Saint-Dié (Francia). La Tour de la Liberté/Espace 54.
“Libertés du Verre”.
Amsterdam (Holanda). Glasgalerie Kühler.
“Frédéric Morin”.
la imagen. Y la historia de la humanidad
concebida como el aprendizaje de ofrecer
caricias a los demás.
En la edad adulta, este aprendizaje consiste,
entre otras cosas, en “superar la paradoja exis-
• 1994. Berlín (Alemania). Galerie Glaswerk.
“Enlightened”.
Hagen (Alemania). Eurogalerie. “Frédéric Morin”.
Metz (Francia). L’Arsenal/Espace 54.
“Aspects du Verre Contemporain”.
tente entre el deseo personal de sexualidad y la
reprobación social de las imágenes que la vehículan (...) En aceptar las partes masculinas y
femeninas que componen nuestro cuerpo y
• 1995. Luxemburgo. Galerie de La Pétrusse.
“Au-delà du Verre”.
nuestra mente”. Es necesario para ello un largo
aprendizaje al que Morin y Salomé contribuyen
• 1996. Lieja (Bélgica) y Luxemburgo.
“4ème triennale européenne de la Sculpture en Verre”.
Tai-Chung (Taiwan). Pleasure Artistic Decoration.
“Glass Art Collection France 1996”.
con sus esculturas, repletas de sensualidad y
ambigüedad. El matrimonio escultórico entre vidrio y barro, la fusión entre la técnica legenda-
• 1997. Dammarie-lès-Lys (Francia). Château des
Bouillants. “An 2000-2000 lumières”.
Pompano Beach (EE.UU.). Di-Donna Art Gallery.
1998. Luxemburgo. Banque Générale de
Luxembourg. “Le génie verrier de l’Europe”.
Tai Chung (Taiwan). Pleasure Artistic Decoration.
“Glass Art Collection Czecho-France 1998”.
ria de la pâte de verre y el peculiar moldeado a
“tierra perdida”, que confiere a las esculturas esa
apariencia de haber sido “acariciadas” por la
mano del artista, como si de una pieza de arcilla se tratara, es ideal para este fin.
• 1999. Montbéliard (Francia). Galerie Perrin.
“Frédéric Morin + Salomé”.
L’Isle-sur-la-Sorgue (Francia). Galerie Reflets.
“Frédéric Morin + Salomé - oeuvres récentes”.
“Deux Isis”
Frédéric Morin
(2001)
Altura: 58 cm.
Peso: 20’2 Kg (rojo)
21 Kg. (naranja)
• 2000. Lieja y Luxemburgo. “5ème triennale européenne de la Sculpture en Verre”.
Knokkle-Zoute (Francia). Cafmeyer Gallery.
“Frédéric Morin + Salomé = Modèles”.
Montpellier (Francia). Galerie Cool-Heures.
“Frédéric Morin + Salomé”.
Bratislava (Eslovaquia). Palais Palffy. “Transparences”.
Arles (Francia). Espace Laly. “Frédéric Morin + Salomé”.
• 2001. Bourglinster (Luxemburgo). Château. “Frédéric
Morin & Salomé, nouveaux rivages de la pâte-de-verre”.
EXPOSICIÓN PERMANENTE:
www.chambres-hotes-monin-salome.fr
L’Eclat du Verre. Louvre des Antiquaires. 75001 París.
Tel. +33 1 47033719.
DARIO BARTOLINI
LA LÍNEA
IMAGINARIA
36
Nacido en la localidad italiana de Trieste en 1943, Dario Bartolini,
arquitecto, dibujante, artista, turista, hombre de mundo, en definitiva, puede
presumir de haber visitado los más recónditos parajes del Viejo Continente.
Una de sus últimas exposiciones, “Acque Meridiane” (“Aguas Meridionales”),
recoge su más amplia colección de obras realizadas con varillas de vidrio.
Como su nombre indica, se trata de un viaje a través del meridiano
que recorre toda Europa Central, de norte a sur y viceversa, que éste retrata
mediante 62 obras que aglutinan las imágenes, el ambiente, el paisaje más
característico de cada uno de los lugares de esta encantadora latitud del planeta.
ESCULTURAS ITINERANTES
POR EL MERIDIANO
Entender el mensaje que se esconde tras
la filosofía artística de Dario Bartolini requiere conocer el significado que éste concede a
dos conceptos básicos que se repiten a lo largo de su obra: el agua y la línea.
Para el artista, el agua es el motor que
mueve el mundo, la fuente de la vida, el ele“Ventana” al aire libre. Realizada con varillas de
vidrio sustentadas con marcos de madera. Colección
itinerante “Acque Meridiane”.
mento cohesionador de cada uno de los paisajes que le rodean y se forman a su alrededor. Por su parte, la línea permite crear las
formas más variopintas, con libertad, configurando diferentes imágenes, mensajes,
emociones.
Así, no es de extrañar el porqué de su viaje de casi un mes (del 10 de julio al 5 de agosto de 2000) a través del meridiano (línea imaginaria) que recorre toda Europa Central.
“Ventana” en medio
de la carretera que
bordea el río Po
(Italia). Colección
itinerante “Plein Air”.
Un total de 10.569 Km. de sur a norte y viceversa a través de países como Italia, Francia,
“Ventana” apoyada sobre un grupo de rocas erosionadas por la acción del agua. Realizada en madera y varillas de vidrio. Colección itinerante “Acque Meridiane”.
Austria, Alemania, Holanda, Dinamarca,
Suecia y Noruega, en el que indagó cada uno
de sus paisajes más característicos, siempre
37
al abrigo del mar, el río, la costa, los lagos, del
agua en sus diferentes estados.
A resultas de ello, la línea y el agua como
telón de fondo, se funden para dar significado, vida, a sus curiosas obras de vidrio. Qué
mejor que emular la línea y sus formas con
varillas de vidrio de Murano, brillantes, transparentes, de colores, como la naturaleza, el
paisaje y la vida misma. Todo, acompañado
“Ventana” sobre un puente del Valle de Namsen
(Noruega). Colección itinerante “Acque Meridiane”.
del empleo del hierro y la madera, materiales que, como el vidrio, son maleables según
las exigencias de la creación. En resumidas
cuentas, la pureza, el resplandor y el cromatismo del vidrio, la rigidez del hierro, así como
la alta capacidad estética y vertebradora de
la madera, derivan en la concreción de diferentes motivos artísticos como sus “ventanas”,
“Ventana” instalada a
medio camino entre los
ríos Ticino y Po (Italia).
Colección itinerante
“Plein Air”.
marcos a través de los cuales se pueden contemplar y retratar las imágenes más pintorescas del mundo, del hálito de sus diferentes paisajes. Combinación de lo estable (la
“Ventana” sobre rocas de la cascada de Fiskumfoss
(Noruega). Colección itinerante “Acque Meridiane”.
línea) y lo inestable (el agua) como esencia del
movimiento, del motor de la vida. La línea y
el agua, dos conceptos que gozan de plena
libertad, infinitos, inacabables, capaces de
ofrecernos un lenguaje particular de ideas y
sensaciones, de imágenes y mensajes.
“Ventana” fotografiada al anochecer.
Colección itinerante “Acque Meridiane”.
www.dariobartolini.net
TRAYECTORIA PERSONAL
• 1967-73.- Miembro del grupo vanguardista radical
de arquitectos Archizoom.
• 1969.- Contrae matrimonio con Lucia, del que
nacen Ernesto en 1970 y Giuseppe en 1973.
• 1972.- Tésis de arquitectura “Vehículo a paso variable”.
• 1973-76.- Investigación en diseño de vestuario.
• 1973.- Trienal de Milán (Italia): “Vestirse es fácil”.
• 1989-93.- Estudios sobre la simetría.
• 1993-99.- Producción de obras con perfiles
de hierro. Estudio del equilibrio y la estática.
• 1995-99.- Producción de varillas de vidrio: obras
mixtas en hierro y vidrio.
• 1996.- “In Cava”. Obras en hierro y vidrio.
• 2000.- “Acque Meridiane”, Florencia (Italia).
Colección itinerante de obras en hierro y varillas
de vidrio.
• 2001.- “Plein Air”, Ticino y Po (Italia). Colección itinerante de obras realizadas en hierro y varillas de vidrio.
MEELI
KÕIVA
38
Detalle de varillas de vidrio con borosilicato.
FOTOGRAFÍAS DE SERGEI DIDYK.
EL VIDRIO
CON LUZ
PROPIA
Atrapar la luz puede parecer una ilusión qui-
Esculturas luminosas con varillas de vidrio.
mérica. Sin embargo, este es el pueril objetivo
con el que la artista estonia Meeli Kõiva-Vällo
ha alcanzado la madurez de su obra en vidrio,
modus operandi al que le atribuye un “sentido
y sentimiento cósmico de final de siglo”.
Miembro de la Asociación Estonia de
Artistas, Kõiva consagra el vidrio como material y la luz como elemento dinámico. Luces y
sombras, reflejos y profundidades, juegan un
rol esencial en cada uno de sus proyectos. Su
amplio legado de pinturas en vidrio de color
ratifica su explícito deseo de sintetizar la arquitectura con el diseño artístico, dejando su huella en importantes edificios públicos de su país
natal o elaborando pedidos particulares.
En el año 1985, la artista diseña su primer
objeto luminoso con varillas de vidrio de cuarzo, Tele Echo, que se instala en la Torre de
Televisión de Tallinn, capital estonia. A partir
de este momento, iniciará una creación paralela de esculturas realizadas mediante esta
técnica, cuya estructura de varillas de vidrio,
combinada con nuevas aplicaciones de fibra
39
óptica, permite crear iluminación y sombras
en la estancia durante el día, mientras que la
luz del atardecer sobrevive gracias a varios sistemas que iluminan su estructura.
La tecnología más avanzada, en concordancia con la últimas innovaciones en materiales, se conjuran para crear un misterioso
punto de concentración en el espacio capaz de
convertir la “nada” en “algo” a través de la
transparencia de la iluminación. Su propuesta logra emfatizar la singularidad de la estancia otorgándole un profundo sentido de libertad, flexibilidad y profundidad, del que sólo la
FORMACIÓN
artista es responsable.
• 1984: Instituto de Arte del Estado Estonio.
• Desde 1988 artista independiente.
• Desde 1993 miembro de la Asociación de Artistas
de Estonia.
• 1993-1995: estudios en Finlandia y en diversas
compañías de iluminación.
• 1996: Estudios de vidrio y vidrio de color en Nueva
York y Philadelphia (Estados Unidos).
• 2000: Estudios sobre fibra óptica en la finlandesa
SAAS Instrumentti Oy.
• Estudios de diferentes compañías arquitectónicas de Nueva York (Estados Unidos). Trabajos
con iluminación con láser, vidrio de color, arenado,
técnicas de vidrio caliente, etc.
En este campo, Kõiva opina que el artista no
es sólo creador, sino que se debe también a
una misión filosófica especial en la que determinar los parámetros de la luminosidad y sus
proporciones, entregándose a sus precedentes y buscando analogías en la arquitectura
moderna y su lenguaje.
Kõiva aboga por un futuro en el que la cooperación entre diseñadores, científicos y arquitectos abra nuevos caminos y posibilidades
para el vidrio. Obras como la suya suponen el
primer paso de este largo camino.
[email protected]
EXPOSICIONES
• 1989: Primera exposición “Trash 89”.
• 1990: Exhibe sus objetos luminosos en una exposición de arte, Tallinn (Estonia).
• 1994: Representa a Estonia en el festival Baltic
Jubilee de Malmö (Suecia) con vidrios de color
monumentales.
- Exposición colectiva con artistas estonios del
vidrio, Hvitträsk (Finlandia).
• 1997: exposición colectiva “Estonian Glass 60”,
dos vidrios de color monumetales y objetos luminosos.
• 1998: Pieza luminosa en el banco Ühispank,
Tallinn (Estonia).
• 2000: Objetos de vidrio con luz en la exposición
“Viru” en Jõhvi (Estonia).
- Muestra de arte en vidrio en la playa de Toila
(Estonia).
TRABAJOS MONUMENTALES
• 1985: “Tele Echo”, composición con varillas de cuarzo en la Torre de la Televisión de Tallinn (Estonia).
• 1993: “Scratching horizon” (“Rayando el horizonte”), cuatro ventanas en vidrio de color en el edificio
de administración del puerto de Tallinn (Estonia).
• 1995: Vidrio decorado para las escaleras en espiral de un domicilio particular, Tallinn (Estonia).
• 1996: Tres pinturas de vidrio en color en los
Tribunales de Justicia de Tartu (Estonia).
• 1998: Objetos luminosos (acrílicos, vidrio, sistemas
de iluminación) en el bano Ühispank, Tallinn (Estonia).
• 2000: Objetos luminosos para domicilio particular,
Tallinn (Estonia).
CONFERENCIAS
• 1999: Participación en “Hoy y en el siglo XXI”,
Conferencia de Vidrio Arquitectónico y de
Automoción, en Tampere (Finlandia), con “Vidrio
de color y objetos luminosos que traen la singularidad y el misterio a la arquitectura”.
• 2001: “Luz, vidrio y fibra óptica crean una nueva
dimensión en las formas arquitectónicas”, en el
marco de la séptima edición de Glass Processing
Days, Tampere (Finlandia).
MARIA GRAZIA ROSIN
METAMORPHOSIS
VENERELLA (1996). 35 x 35 x 17 cm.
40
SATIRELLA de la serie BODY GARDEN (1996).
35 x 35 20 cm.
EL REFLEJO DEL DÍA A DÍA
La Galería D’Arte & Divetro presenta las
esculturas en vidrio y acuarelas de la
artista Maria Grazia Rosin.
En el año 1992, la Fundación Bevilacqua
La Masa ofrece a Maria Grazia Rosin, diplomada en la Academia de Bellas Artes de
Venezia con Emilio Vedova, la posibilidad,
junto a otros siete jóvenes del área de
Veneto, de realizar sus propias obras en
colaboración con los hornos muranenses
De Majo. A esta oportunidad le seguirá la
exposición Progetto Vetro, a cargo de Rosa
Barovier Mentasti.
A partir de esta experiencia, Rosin afianza a la bidimensionalidad visionaria de sus
grandes telas, la potencia escultórica del
vidrio, material nuevo para ella.
La última obra expuesta de Maria Grazia
Rosin ha sido realizada por entero en
Murano, donde la artista se sirve de la obra
de maestros célebres por su extraordinaria
capacidad, como Pino Signoretto, Vittorio
FORMACIÓN
Nacida en Cortina D’Ampezzo (Italia)
Estudia en la Academia de Bellas Artes de Venecia, en
la especialidad de pintura, bajo la direc. de Emilio Vedova.
Vive y trabaja entre Milán y Venecia.
MUESTRA COLECTIVA
- Art Multiple, Dusseldorf (Alemania).
- Museum Van Bommel, Van Dam, Venlo (Holanda).
- L’Art Verriere du XX Siècle, París (Francia).
- New Glass in Venezia, Venezia (Italia).
1996-Art Miami Convention Centre, Miami (USA).
-“Tresors’96”, Marco Polo Glass Gallery (Singapur).
-“New Design in Glass”, Kunst Museum, Dusseldorf
(Alemania).
-“La Fabbrica dell’Arte”, Louisiana Museum,
Copenhaghen (Dinamarca).
-“Aperto Vetro”, I Biennaledella Scultura in Vetro
Contemporanea, Museo Correr, Venezia (Italia).
1997-Flash Art Museum, Trevi (Italia).
1998-Galleria D’Arte & Divetro, Bergamo (Italia).
-“Aperto Vetro”, II Biennal of Contemporary Glass
Sculpture, Venezia (Italia).
1999-Galleria Blanchaert, Milano (Italia).
2000-Galleria Blanchaert, Milano (Italia).
-Galleria Colombari, Milano (Italia).
-The Bullseye Connection, Portland (USA).
1982-Fondazione Bevilacqua La Masa, Venezia (Italia).
1983-“Mescolanze”, Galleria Lillo, Venezia Mestre (Italia).
1984-Galleria Mascarella, Bologna (Italia).
1985-“Serenate”, Reggio Emilia (Italia).
-Fondazione Bevilacqua La Masa, Venezia (Italia).
1987-Galerie Boom E rang, París (Francia).
1989-Galleria Contatto Europa, Milano (Italia).
1992-“Progetto Vetro”, Fondazione Bevilacqua La Masa,
Venezia (Italia).
1993-“Objects de Design-Objects de Dèsir”, Scremini
Gallery, París (Francia).
-45º Biennale d’Arte Contemporanea di Venezia, Venezia
(Italia).
1994-Musée de Beaux Arts, Carcassonne (Francia).
-World Glass Now, Sapporo (Japón): Hokkaido Museum MUESTRA PERSONAL
of Modern Art, Hiroshima City Museum of Contemporany 1988-“Fluidi Obliqui”, Galleria Interno Quattro,
Art, Hokkaido Museum of Modern Art, Shimonoseki City Udine (Italia).
Art Museum, National Museum of Modern Art of Tokio, 1994-Gooijer Fine Arts, Doesburg (Holanda).
Daimari Museum, Umeda Osaka.
-Galleria D’Arte & Divetro, Bergamo (I talia).
-Galleria D’Arte & Divetro, Bergamo (Italia).
2000-Museo Correr, Venezia (Italia).
-Galerie Ingrid Mensendiek, Dusseldorf (Alemania).
-Galleria D’Arte & Divetro, Bergamo (Italia).
-Kunstuitleen Kunsthandel Dijkstra, Waalwijk (Holanda).
1995-New Glass, Venezia Kunst Beur, den Haag COLECCIONES PÚBLICAS
(Holanda).
-Ernsting Stiftung Foundation (Alemania).
-Glass Kunst Beur, Leerdam (Holanda).
-Kunstmuseum Dusseldorf (Alemania).
Ferro, Andrea Zilio y Gianluca Pagnin.
La muestra presenta, en particular, las nuevas venusianas, de construcción aérea y
41
www.galeriemariskadirkx.nl
dinámica, que evidencian un estudio cuidado
en el equilibrio de la forma y la armonía de
colores, pero reemprendiendo también, en el
modo del todo nuevo, temas que la artista ya
había afrontado en el pasado: las botellas de
detergente, por trama y color de la matriz de
De Stijl, con descubierta referencia a
Mondrian, la araña que, entrelazando un tupido coloquio con aquellas tradiciones muranenses del siglo XVII, se resuelve en clave de
afectuosa ironia en la envolvente forma del
folpo, término dialectal para pólipo; los organicosmici, que contienen una explosión irregular de flores antropomórficas y una serie de
pite y body garden, formas redondeadas con
efecto realista y con clara referencia animal
y humana, destacando las piezas denominadas satirella, y por último, la serie venerella,
claras referencias corporales en las que el
color intensifica su mensaje.
Maria Grazia Rosin trae su inspiración de la
observación de la vida cotidiana. Por ello no
podía faltar, en esta muestra, los vasos, tema
recurrente en Murano así como en la obra de
Rosin. Tras haber tomado como excusa, en el
pasado, las partes del cuerpo humano para dar
vida a la inusual copa de los improbables, pero
no imposibles, usos, la artista expone una nueva serie de vasos que contienen píldoras coloreadas en vidrio, expresión de su actual búsqueda del estrés y el ansia, neurosis de nuestros tiempos.
VENUSSIANO, compuesto de dos elementos, uno en cristal y el otro en vidrio blanco (1999). 45 x 70 x 22 cm.
ARGENTINOS EN EUROPA
EDUARDO GIUSEPPE NIETO
ANTONIO SCIACCA
“ESPECIALISTAS EN FUSING”
De izquierda a derecha Eduardo
Giussepe Nieto, Guillermo Candela
y Antonio Sciacca
42
SUPLEMENTO QUIÉN es QUIÉN ARGENTINA, (MAYO DE 2001)
La idea de trabajar conjuntamente nació
artistas que pasaron por ese taller milanés,
productos alemanes Bohle, estando pre-
en Milán (Italia), entre dos amigos, Antonio
entre otros, Narciso Quagliata y Silvia
sentes en el stand de esta compañía en las
Sciacca y Eduardo Giuseppe Nieto, que des-
Levenson. Junto a Miriam aprendí las bases
dos
cubrieron el amor de ambos por la Ciudad
técnicas, estéticas y de respeto por este
barcelonesa Construmat. Asimismo, Aleph
Condal, encontrándola llena de energía e
ecléctico material y, sobre todo, las cosas
ha organizado seminarios en diversas ciu-
iniciativas, decidieron hacer las maletas e
que no se deben hacer...”.
dades de Portugal y en la fábrica de hornos
últimas
ediciones
de
la
feria
Barracha, ubicada en Valado Dos Frades
instalarse en el barrio del Raval para vivir
Después de esos años de transición,
y, de paso, reciclar una vieja panadería en
Eduardo y Antonio se conocen y establecen
la zona del Borne, donde instalaron el taller
una profunda amistad y una gran pasión por
En Julio del año 2000 se agrega al taller,
de fusing Aleph, lugar en el que se continúa
el arte. Con una renovada energía creativa
asociado a AAIP FAD y al Centre Català
comienzan a organizar sus vidas. Antonio nos
d’Artesania,
comenta “...vivía en una pequeña ciudad del
Guillermo Candela como colaborador.
horneando, pero en este caso, vidrio.
Nacido en Buenos Aires (Argentina),
(Nazaré).
el
también
argentino
Eduardo Giuseppe Nieto llega a Europa en el
norte de Milán, donde el motor es la fabrica-
En mayo del presente año abre sus
año 1980 y se instala en Italia. Allí se introdu-
ción de muebles, especialmente de diseño y,
puertas la tienda de Aleph en la calle
ce en el mundo de la cerámica. Residiendo en
trabajar en una de estas fábricas, me ha per-
Princesa de Barcelona, culminando el cons-
Padua e influido por la vecindad de Venecia,
mitido estar en contacto con los objetos crea-
tante crecimiento con el que Aleph ha
desarrolla su obra inspirándose en los perso-
dos por artistas que admiraba: Le Courboiser,
impulsado su producto, conocido a nivel
najes de la Commedia dell’Arte y en sus más-
F.L. Wright, Aldo Rossi, P. Starck, etc. Había
nacional e internacional. Las obras de los
caras y, de manera autodidacta, va desarro-
estudiado Bellas Artes pero no había conse-
tres artistas se encuentran en los bookshops del Museo de Arte Moderno Reina
llando su técnica. Tras un periplo de cuatro
guido canalizar mi creatividad de manera
años, en 1984 regresa a Buenos Aires y en la
continuada... pero lo que tenía claro era que
Sofía (Madrid), Casa Museu Parque Güell
Escuela de Cerámica hace un curso de técni-
el Pop Art y el Rock ejercían una fuerte influen-
(Barcelona), Palau Güell (Barcelona), La
ca ceramista y participa en diversas exposi-
cia en mi modo de expresarme, en mi coti-
Pedrera (Barcelona), Sagrada Familia
ciones colectivas. En 1988 viaja a Faenza
dianidad creativa: dibujos, pinturas, escultu-
(Barcelona), Galleria Fabio Cammarata de
(Italia), cuna de la cerámica, para estudiar
ras con objetos reciclados que regalaba a mis
Milán (Italia) y colecciones privadas en
cursos de perfeccionamiento con hornos de
amigos. Luego conocí a Eduardo y un día me
Suiza, Italia y Estados Unidos.
altas temperaturas obteniendo, conjunta-
llevó al estudio donde trabajaba junto a
mente con su tesis de escultura, el premio
Miriam. Allí me dí cuenta de las posibilidades
anual del Instituto Ballardini. Continúa resi-
que me daba el vidrio para expresarme...”.
diendo en Faenza, donde participa en diver-
Lo demás es presente y la creatividad en
sas exposiciones además de trabajar con la
este viejo “Horno del Borne” és inagotable,
artista italiana Mirta Morigi, en su estudio de
es el lugar donde se les puede ver traba-
cerámica, uno de los más prestigiosos de
jando y exponiendo sus obras, unas obras
Faenza.
en vidrio y de vidrio, no sólo por el mate-
Al mundo del vidrio se acerca, primero
rial, sino por su delicadeza y, sobre todo,
Eduardo, y más tarde Antonio, de la mano de
belleza. En este espacio creativo se realizan
Miriam Di Fiore. Eduardo nos comenta: “...era
variadas técnicas de fusión del vidrio con
el verano de 1991 y estaba haciendo un mer-
diseños siempre innovadores y alta calidad
cadillo de artesanía en Recanati, una peque-
del producto, desde el trabajo con vidrio
EDUARDO GIUSEPPE NIETO
ña ciudad del centro de Italia, donde se tra-
float a vidrios más sofisticados, como son el
• 6-8-1957.- Nace en Buenos Aires (Argentina).
• 1985-87.- Estudia en la Escuela de Cerámica Arranz
de Buenos Aires.
• 1987-88.- Enseña cerámica en el estudio de Silvia
Berkoff en Buenos Aires.
• 1988-90.- Estudia en el Instituto Ballardini de Faenza
(Italia) escultura en gres y porcelana.
- Exposiciones colectivas en Imola, Faenza,
Milán, Genova, Savona y Recanati (Italia).
• 1991-97.- Trabaja en el estudio Arco Iris de Miriam
Di Fiore.
• 1998.Inaugura junto a Antonio Sciacca el Taller
- Show Room Aleph en Barcelona (España).
baja para que el público viera la elaboración
Bullseye, óxidos y esmaltes, fritas, realiza-
de los productos, cuando en un intervalo fui a
dos en plano o termoformados para apli-
dar un paseo por los otros puestos y en un rin-
caciones que van desde objetos de regalo
cón, encuentro uno que tenía una magia muy
(ceniceros, platos, bandejas, relojes, etc.) a
especial, era Miriam que, con un pequeño hor-
móviles, lámparas y trabajos para la arqui-
no, moldes, polvitos mágicos y muchos vidrios,
tectura (planchas para vidrieras y puertas,
cocía, rodeada de gente y su curiosidad, unos
enteras o modulares), baldos y revesti-
magníficos objetos con toda la luminosidad y
mientos. Aleph responde a trabajos por
la transparencia que sólo el vidrio nos puede
encargo con proyectos únicos y personales
ofrecer...”.
en pequeñas y grandes series.
Así, se entabla la relación con quien fue-
Un variado surtido en regalos empresa-
ra su maestra y posteriormente su gran
riales configura la principal actividad de los
amiga. “... Fueron años de intenso trabajo y
dos artesanos vidrieros que, asimismo, orga-
de constante aprendizaje en los cuales mi
nizan cursos y seminarios de técnicas bási-
creatividad se había apagado... abandoné
cas y avanzadas. Estas actividades de
la cerámica aunque el vidrio no terminaba
aprendizaje cuentan con el asesoramiento
de hacerse mío. Pero seguía aprendiendo y
técnico de la firma Maquimetal, S.A. de
viviendo ese mundo, al lado de diferentes
Barcelona (España), representante de los
www.talleraleph.com
ANTONIO SCIACCA
• 8-6-1965.- Nace en Seregno, Milán (Italia).
• 1980-83.- Estudia Bellas Artes en la Villa Reale
(Monza).
• 1984-91.- Trabaja en el taller de muebles de su padre.
• 1992-97.- Trabaja en la fábrica Cassina de Meda
(Italia) produciendo muebles de diseño.
• 1998.Inaugura junto a Eduardo G. Nieto el Taller
- Show Room Aleph en Barcelona (España).
43
MIRIAM DI FIORE
“Amo el vidrio en todas sus múltiples variantes y formas.
A través de él me expreso plenamente.
Lo conozco, lo siento, y como es dócil conmigo, lo trato con profundo respeto”
44
“Imágenes
imperecederas”
“Legío Crudele”(2001)
40’5 x 28 x 1’5 cm. Vidrio micromosaico fusionado y sierra para madera
Foto: Ferruzi (gentileza de la Habatat Gallery International de Pontiac, Estados Unidos)
Miriam Silvia Di Fiore nacía en Buenos
Aires (Argentina) en enero del año 1959.
Hoy presume de contar con la doble nacionalidad argentina e italiana, además de
haber maravillado a los amantes del vidrio
de todo el mundo, exponiendo su incomparable obra tanto en círculos íntimos como en
las más importantes galerías de arte del planeta. En su obra, el vidrio y la madera, así
como las características intrínsecas de
ambos, se fusionan, recreando paisajes
inmortales pese al paso del tiempo, llenos de
luz y de fuego, de fulgor, de una chispa vital
en definitiva, que no se apagará jamás. El
principal mensaje de sus objetos artísticos,
más allá de su valor ornamental y material,
cabe descifrarlo en la búsqueda incesante de
lo que ella misma define como la recreación
de la “ilusión de eternidad”, de conservar, de
inmortalizar y enmarcar mediante un objeto
una idea, un sentimiento, una confesión, los
valores cambiantes absorbidos y difuminados en un ente atemporal capaz de detener
las agujas del reloj, capaz de aboler las fronteras espaciales.
Miriam Di Fiore concibe el vidrio como
un espejo en el que poder observar y reconocer la realidad más auténtica, nuestros
valores y sentimientos más íntimos, a modo
de confesionario en el que expresar nuestra propia visión del entorno, del mundo
que nos envuelve.
Para ella, “el vidrio es un material que no
conoce fronteras porque, la luz, fuente de
inspiración de nuestra propia visión de la
vida, puede atravesarlo, como nuestra
mente, como nuestro corazón”. www.miriamdifiore.com
MUESTRAS COLECTIVAS
1975. - Salón Regional de Cerámica, Mar del Plata
(Argentina).
1976. - Salón Nacional de Artes Plásticas, Buenos
Aires (Argentina).
1977. - II Selección de Artistas Plásticos, Provincia
de Buenos Aires (Argentina).
1983. - Premio DIME, Milán (Italia), por los revestimientos cerámicos: mención especial del jurado.
1984. - Premio DIME, Milán (Italia), por la mejor composición para la pavimentación interior.
1985. - Premio DIME, Milán (Italia), por la mejor composición para el revestimiento exterior.
1990. - Artista invitada a la muestra “Estilo italiano,
moda y diseño” de Mosca (Italia).- “La seducción del Artesanado”, Ministerio de Comercio,
Industria y Artesanado, Roma (Italia).
1991. - Tres muestras de búsqueda del color: “BiancoNero”, “Verde-Blu”, “Viola-Arancio”, Studio
Sargam, Milán (Italia).
1992.- “Vidre i escultura contemporània”, Galeria Ambre,
Banyoles (España).- “The Italian Art of Living”,
New York (Estados Unidos), Departamento
Italiano para el comercio exterior.
1996.- “Allo specchio”, Galleria La Porta Rossa,
Milán (Italia).
1997.- Ikedaya Gallery, Osaka (Japón).- Canadian
National Exhibition, Toronto (Canadá).- Museo
Etnográfico de Rusia, San Petersburgo
(Rusia).
1997-2000.- Galería Valmore, Vicenza (Italia).
1999.- “Transparencia - Vidrio Artístico Contemporáneo”, Museo del Vidrio de Marinha Grande
(Portugal).
2000.- “Sofa, International Glass Exhibition”,
Chicago (Estados Unidos).
2001.- Exposición de vidrio artístico en la Habatat
Gallery International, Pontiac (Estados Unidos).
1985.- Studio Sargam, Milán (Italia).
1989.- Spazio d’Arte Pizzol, Milán (Italia).
1991.- Realiza el vitral del Ayuntamiento de Súria,
Barcelona (España).- Galería La Costarella,
San Gimignano, Siena (Italia).
1993.- Studio Cecè Casile, Milán (Italia).
1995.- Studio Pandora, Sorano.
CURSOS Y SEMINARIOS
1991.- Linda Ethier, Pâte de Verre, Creative Glass,
Zúrich (Suiza).
1992.- Simposio de Vidrio, Barnbach (Austria).
1994.- Rudy Gritsch, Creative Glass, Zúrich (Suiza).Pilchuk Glass School, Seattle (Estados
Unidos). Lino Tagliapietra, Rudy Gritsch,
fusión y soplado.
1995-96.- Asistente docente durante el Seminario de
Narcisus Quagliata, Florencia (Italia).
1996.- Asistente docente durante el Seminario de
Narcisus Quagliata en el Museo de la Real
Escuela del Vidrio de La Granja, Segovia
(España).
1997.- Imparte un curso de técnicas básicas de la
fusión del vidrio para la S.R. Glass Design
de Bangkok (Thailandia).- Imparte curso
sobre técnicas alternativas para decoración
del vidrio en caliente.- Imparte curso sobre
técnicas avanzadas para la fusión del vidrio
para el Instituto Nacional del Vidrio de la
Granja de San Ildefonso, Segovia (España).
1998.- Curso individual de batido e incisión con el
maestro Luigi Carnozzo, Murano (Italia).Imparte curso sobre la técnica del Light
Painting en la Escuela de Arte de Palermo,
Buenos Aires (Argentina).- Imparte curso
sobre la técnica de fusión y termoformado en
la Escuela Municipal del Vidrio del Centro
Leòn Rigoleau de Berazategui (Argentina).Participa en la Conferencia “Avances técnicos y artísticos en la vidriera contemporánea” celebrada en la Universidad de
Cantabria (España).
2000.- Semana de trabajo soplando obras de micromosaico fusionado con el maestro Vittorio Ferro,
Murano (Italia).- Simposio Internacional “10
años de formación en vidrio”, Centro Nacional
del Vidrio de La Granja de San Ildefonso,
Segovia (España).- Curso de técnicas básicas
del vidrio fusionado. Centro del Vidrio de
Galicia, Santiago de Compostela (España).
OTROS ASPECTOS RESEÑABLES
• Formación: Liceo Clásico y Licenciatura de Cerámica
y Diseño en la Escuela Nacional de Cerámica de Mar
del Plata (Argentina).
• Exposiciones permanentes: algunas de sus obras forman parte de la Colección de Vidrio Contemporáneo del
Museo Nacional del Vidrio de Segovia (España); de la
Colección de obras de arte en vidrio de Revista del
Vidrio Plano, Barcelona (España); en la Galería Regina
Arte in Vetro de Murano (Italia); o la Mostly Glass Gallery
de New Jersey (Estados Unidos), en la que precisamente el pasado año 2000 recibía el primer premio en
el concurso internacional que organiza esta galería.
• Durante los últimos tres años ha sido seleccionada en
la competición internacional del New Glass - Corning
Museum (Estados Unidos) para la 20ª, 21ª y 22ª edición de su prestigioso catálogo.
“Tavolozza del
Tramonto” (2000)
45 x 38 x 7 cm.
Vidrio micromosaico
fusionado, Pâte de
Verre, caja de madera,
raíces de hiedra
Foto: Editha Grasso
(cortesía de la Mostly Glass
Gallery de New Jersey,
Estados Unidos)
“Scrigno della
speranza” (2000)
18 x 15 x 10 cm.
Vidrio micromosaico
fusionado, ilado y
modelado a nido, caja
de madera
Foto: Ferruzzi
(cortesía de la Galería Regina
de Murano, Italia)
45
SILVIA LEVENSON
“FASHION GLASS”
SÍMBOLOS AMBIGUOS
AMBIGUOS
“No soy una fanática del vidrio,
soy una fanática de mi trabajo
en general”
“Soy una señora, yo”
20 x 24 x 8 cm.
Vidrio industrial
elaborado mediante
la técnica del Casting
46
“Amor” (2001)
20 x 25 x 10 cm.
Pieza realizada
en vidrio fundido
y técnica Tiffany
“Touch Me” (2000)
40 x 30 x 20 cm.
Pieza elaborada mediante la técnica de Pâte de Verre
“Prêt a Porter”
Pieza elaborada mediante la técnica
de vitrofusión
Nacida en Buenos Aires (Argentina) en el
año 1957, Silvia Levenson se establece en
Italia a principios de la década de los 80
como consecuencia de los problemas surgidos a raíz de la Dictadura Militar argentina.
Sus primeros trabajos en vidrio estuvieron marcados por el recuerdo de la persecución a la que fue sometida su familia por
el régimen dictatorial argentino (libros de
viaje, maletas) para, una vez anestesiada de
esos tristes recuerdos retratar en este
noble material un miedo que ella considera todavía mayor: el de la violencia domés-
FORMACIÓN Y ACTIVIDAD PROFESIONAL
1991.- Curso con Antoine Leperlier en el Museo - Atelier de Vidrio de Sars Poteries (Francia).
1994.- Curso con Vincent Van Ginneke en el Museo - Atelier de Vidrio de Sars Poteries
(Francia), (escultura en vidrio).
- Artista invitada a la Bienal de Arte Aplicada en La Habana (curso y conferencia).
- Dicta conferencias sobre su trabajo en la Escuela de Bellas Artes San Alejandro, La Habana (Cuba).
1995.- “Artist in residence” en la fábrica de vidrio “Bullseye co.”, Portland (USA).
- Dicta un curso de casting en la Escuela de Vidrio de Berazategui, Buenos Aires (Argentina).
1996.- ”Artist in residence” en el Museo del Vidrio de Sars Poteries (Francia).
1997.- Dicta curso y conferencia en la Escuela de Vidrio de Berazategui, y en la Escuela
de Arte de Palermo, Buenos Aires (Argentina).
- A partir del 1997 enseña en la Scuola Vetro Ricerca di Bolzano (Italia).
1998.- ”Artist in residence” en la fábrica de vidrio Bullseye Co.” (USA).
1999.- Conferencia en el Museo Bagatti Valsecchi, Milán (Italia).
2001.- Conferencia en la Escuela de Bellas Artes de Venecia (Italia).
tica. Un temor que se padece en un gran
EXPOSICIONES PERSONALES
número de familias, una temática desgra-
1990.- Galleria Città Giardino, Pavia (Italia).
1994.- ”Totem d’ombra, totem di luce”, Galleria Colorenero, Milano (Italia).
1995.- ”El Viaje”, con Florencia Martínez, Mercato del Pesce, Milano (Italia).
- ”Trans-ferirsi” Galleria Arch & Craft”, Milano (Italia).
- ”Valijas Transparentes”, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires (Argentina).
- ”D’arte & Divetro”, Bergamo (Italia).
- ”El viaje: selección de trabajos”, Bullseye Connection, Portland (USA).
1996.- ”Canibalismo de sentimientos”, Musee Atelier de verre Sars Poteries, (Francia).
- ”Batalla Naval”, Galería Materia Prima, Venecia (Italia).
- ”Levenson/Northbrook”, Bullseye Connection, Portland (USA).
1997.- ”Todo está en orden, querido”, Galería Materia Prima, Venecia (Italia).
- ”No me mires así, tesoro”, Espacio Care/Of, Milán (Italia) con Florencia Martínez.
1998.- ”Cenetta Intima”, Connection Gallery of Bullseye Glass, Portland, (USA).
-Braggiotty Gallery, Amsterdam (Holanda).
1999.- ”Fashion Glass”, Galleria Maria Cilena, Milán (Italia).
- ”Los zapatos de cenicienta”, Galerie Hyaline, Marsella (Francia).
2000.- ”Design by Silvia Levenson”, Braggioti Gallery, Amsterdam (Holanda).
- ”Nena mala”, Galleria D’Arte & Divetro, Bergamo (Italia).
- ”Haute Glass”, Bullseye Connection, Portland (USA).
2001.- ”Correre ai ripari” Galleria Fioretto, Padova instalación en el Museo Archeologico de Padova (Italia).
ciadamente de moda en la sociedad contemporánea. Su tercera gran línea de
actuación se centra en lo que denomina
como la “Fashion Glass” (“moda en vidrio”),
una serie de obras en vidrio (bolsos, zapatos, vestidos, lencería) que retratan la
ambigüedad existente entre la apariencia
y la realidad que se esconde tras ésta.
Actualmente, Silvia está abordando una
nueva temática tan actual como problemática: la infancia. Dentro de este apartado está trabajando en vestidos, juegos y
columpios en vidrio que esconden nuevamente el mensaje capital de su obra: la contradicción, la ambigüedad que recrea el
vidrio, un material que se emplea en nues-
PRINCIPALES EXPOSICIONES COLECTIVAS
tra vida cotidiana (elemento protector en
1987.1992.1993.1994.1995.-
ventanas, puertas) pero que al mismo tiempo resulta peligroso (puede romperse, es
frágil). Más allá de la técnica (trabaja la pasta de vidrio y el casting fundamentalmente) le interesa el símbolo, el mensaje que
transmiten sus obras: una pieza de vidrio
puede servir para hacernos reflexionar.
1996.1997.-
Es el caso, por ejemplo, de sus obras
dedicadas a la moda, al glamour: vestidos,
zapatos, bolsos, lencería, piezas muy bellas
en apariencia pero que cuando uno se acer-
1998.-
ca a ellas puede descubrir la otra cara de
la moneda, la cara oculta, el lado oscuro,
como la sociedad misma, al amparo de una
de las principales ambigüedades que ésta
esconde: apariencia y realidad. 2000.2001.-
”Biennale Giovane Arte Contemporanea”, Sartirana.
”International Exhibition of Glass”, Kanazawa (Japón).
”Jeune peinture, jeune sculpture”, Hotel de la Ville Allones (Francia).
”Galería Domingo Ravenet”, La Habana, (Cuba).
”Libro Objeto”, Centro Wilfredo Lam, La Habana (Cuba).
- ”New Glass a Venezia”, Venecia (Italia).
- “International Exhibition of Glass”, Kanazawa (Japón).
”Huellas”, Galeria Fuoricentro, Roma (Italia).
- ”Distrazioni”, Galleria Materia Prima, Venecia (Italia).
”O que acontece quando se muda de lugar” Museo de Belo Horizonte (Brasil).
- Ernesting Glass Collection, Alemania (exposición con Esteher Jiskoot y Fokkelman).
- D’arte e Divetro, Bergamo (Italia).
- Trevi Flash Museum, Trevi.
- Braggioty Gallery, Amsterdam (Holanda).
”Interpretation”, Glassmuseum Ebeltoft (Dinamarca).
- ”Preview”, Galleria Maria Cilena, Milán (Italia).
- ”Casa d’altri”, Omphalos Arte Contemporanea, Terlizzi.
- ”Cronache vere”, Spazio Consolo, Milán (Italia).
- Galeria “D’arte & Divetro”, Bergamo (Italia).
- ”Arte da mangiare - mangiare l’arte”, Società Umanitaria, Milán (Italia).
- ”Ernesting Glass Collection” (Alemania).
- ”L’opening è dentro”, Carcel de menores Beccaria, Milán (Italia).
- ”Full Circle”, Hoffman Gallery, Portland (USA).
”Suis Generis”, P.A.C. Milán (Italia).
”Ghost”, Gianferrari Arte Contemporanea, Milán (Italia).
COLECCIONES PÚBLICAS
www.silvialevenson.com
• Museo del Vidrio de Altare (Italia).
• Museo Atelier Sars Poteries (Francia)
• Colección Casa de las Américas, La Habana (Cuba).
• Colección Ernesting (Alemania).
• Colección Fundación Leon Rigaulleau, Buenos Aires (Argentina).
• Glasmuseum Ebeltoft (Dinamarca).
47
RICARDO REH
NO SOY ARTISTA
SOY ARTESANO
Imagen de Reh cuando era joven
y, según el propio autor,
estaba “más gordo”.
Ricardo Reh (Buenos Aires, 1952), jamás se ha
considerado un artista.
Aunque su devoción por el vidrio y el arte se manifestó a temprana edad, desde chico vivía fascinado
por los ventanales de las viejas casonas del barrio de
Belgrano (Argentina) y los vitraux importados de
Francia que inundaban las calles de luz y color. Su amor
por el vidrio siempre se ha manifestado de manera alter48
nativa y sin los convencionalismos de otros muchos de sus
colegas: sin exposiciones oficiales y sin burocracia. Quizás
por ello, Reh tardaría bastantes años en dedicarse plenamente
a la actividad que ahora centra su vida.
Después del Bachillerato, al no encontrar ninguna posibilidad de trabajar con el vidrio, comenzó la carrera de
Arquitectura, que abandonó cuatro años más tarde al entender que como arquitecto terminaría manejando un taxi, como
Bullseye dorado sobre negro arenado con el centro transparente
de 40 cm. de diámetro.
tantos amigos que habían regresado a la capital argentina después de estudiar en la universidad a finales de la década de
Comenzó a trabajar de camarero en Zürich (Suiza). Sin
los 70. A este fracaso profesional, ayudarían además sus dis-
embargo, su espíritu artístico continuaba latente y se despertó
crepancias políticas con el gobierno vigente por aquella épo-
un día leyendo el periódico, cuando se encontró un artículo
ca. A los 28 años decidió darle otro rumbo a su vida y estudiar
sobre un artista que hacía vitraux. No pasó una hora y ya esta-
hostelería, para lo cual emigró a Suiza.
ba golpeando a la puerta. A partir de allí se acabó el aburrimiento. Cursos de Tiffany y fusión, hasta que al visitar un semi-
Bullseye irizado arenado
de 35 cm. de diámetro.
nario de arenado de vidrios tomó la decisión de cambiar la
gastronomía por su viejo amor, el vidrio. Fue en ese preciso
instante cuando nació el artesano del vidrio, como Reh se ha
definido siempre a sí mismo.
En 1986 instala su primer taller y organiza, de una mane-
Pieza realizada en Bullseye
irizado con diámetro de 35 cm.
ra muy peculiar, sus primeras exposiciones: alquila locales
por 10 días, invita a todos sus amigos y conocidos e intenta
vender todo lo que puede. Este sistema propio de exponer
le hizo cosechar importantes éxitos. Así, en 1998 inaugura
su atelier y negocio de venta directa al público en la calle
Freiestrasse 217 (8032 Zürich), desde donde crea con sus
manos de artista lo que le dicta su corazón de artesano. www.ricardoreh.ch
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La vitalidad de lo inerte
SEVERINO ANTÓNIO
50
RIBEIRO PEREIRA
“Cuanto más rico
en posibilidades de lectura es
un objeto, más perdura éste en
el tiempo”
EVA. Uno de los temas más recurridos de su obra. Mujeres sin rostro,
sin ningún tipo de referencia personal explícita. La mujer originaria,
el mejor regalo del hombre y al mismo tiempo su perdición.
DESCUBRIR LA HISTORIA
EN FEMENINO
Nacido en Vieira do Minho (Portugal) en
el año 1957, Severino António Ribeiro
Pereira es uno de los pocos escultores en
vidrio que se conocen del país vecino.
Sus primeros contactos con este material
se remontan al año 1989 cuando aprendió las
diferentes técnicas y secretos de este arte en
los talleres de Sars-Poteries bajo las directrices del eslovaco Alés Vásicés y del australiano Warren Langley. Dos años más tarde,
decide abrir su propio taller en la localidad
lusa de Janas (Sintra).
Severino remarca sin reparo alguno que
“aprendí donde se aprende: en las bibliotecas,
en el día a día, observando y experimentando. Quizás esto lleve más tiempo, pero es un
proceso de aprendizaje más sincero”.
Sus esculturas cobran vida gracias al
empleo de una gramática escultórica personal, en la que cada obra nos sugiere una his-
DAR FORMA A SU ARTE:
ESCULPIR VIDRIO
A la hora de crear, Severino sigue un
proceso poco ortodoxo, un poco indisciplinado en la medida en que no escoge
siempre el mismo camino para la consecución final de sus piezas. Tras concebir
mentalmente la obra y diseñarla gráficamente, es el momento de plasmar la
pieza en un molde de barro. El siguiente
paso es elaborar el molde en yeso para,
seguidamente, fundir el vidrio sobre el
molde.
Es precisamente durante el proceso de
fundición cuando se eligen los diferentes
colores que teñirán la obra, paralelamente a la definición y colocación de los
adornos específicos de la pieza (se colocan pedazos de vidrio dentro del bloque
principal, etc.), permitiendo la recreación
de un exquisito combate de colorido y
reflejos. Tras ser fundida, la pieza tarda
un cierto tiempo en enfriarse, fase de vital
importancia, ya que determinará la solidez final de la obra. Es entonces cuando
se trabaja la escultura propiamente
dicha mediante la talla, otorgándole la
forma definitiva mediante el empleo de
máquinas y herramientas abrasivas.
EXPOSICIONES:
Severino ha presentado sus trabajos especialmente en el extranjero, sobre todo en exposiciones
colectivas, si bien no descarta una exposición individual como máximo cada año, realizando un proyecto específico desarrollado expresamente para
la ocasión. En los últimos años ha expuesto en las
siguientes ciudades y países:
1992 - Lieja (Bélgica).
1993 - Luxemburgo.
1994 - Alizay (Francia) y Lisboa (Portugal).
1995 - Estoril, Alizay y Lisboa (individual).
1996 - Lieja, Luxemburgo, Rouen
(individual, Francia) y Lisboa.
1997 - Lisboa (individual), Amadora y
Barreiro (Portugal).
1998 - Marinha Grande y Sintra (individual, Portugal).
1999 - Lisboa (individual).
2000 - Lieja, Alizay, Lisboa, Marinha Grande,
Luxemburgo, San Sebastián y
Santiago de Compostela (España).
Actualmente algunas de sus obras están expuestas en el Museo del Vidrio de Lieja, Museo del
Vidrio de Sars-Poteries, Museo del Vidrio de
Alcorcón (Madrid, España), Colección Pública de
Alizay, y en diversas colecciones particulares.
toria particular, un recuerdo, una memoria,
un diálogo, una imagen. Para ello, los arque-
51
tipos más comunes de la mitología griega son
una fuente inagotable de recursos. Al enfrentarnos a cualquiera de sus obras podremos
extraer nuestra propia lectura, a través de
nuestras vivencias personales, de nuestra
memoria, transformando la escultura en
nuestro propio espejo del alma. Es quizás por
ello que sus piezas no tienen rostro, si bien si
transmiten el carácter mineral y orgánico del
vidrio como si de la piedra se tratara: ni muy
pulido, ni muy limpio, ni muy transparente,
rompiendo con los tópicos que por tradición
se asocian a este noble material.
Severino concibe el vidrio como un soporte escultórico tan noble como lo puedan ser
el mármol o el bronce, por lo que entiende
que éste debe ser objeto de exposición en
galerías de arte convencionales, no sólo en
espacios especializados en vidrio.
Una de las constantes habituales de sus
esculturas es la recreación del cuerpo de una
mujer, unas veces como elemento protagonista, otras, como ingrediente secundario.
Siempre tituladas, sus piezas transmiten un
romanticismo y una delicadeza incomparables, teñidas de verde y rosa, blanco, azules,
grisáceo y negro, emulando los valores metódicos de Leonardo da Vinci, las claves ancestrales de la filosofía Taoísta.
severino-severinoportflio.blogspot.com
SER IMAGINANTE III. La tercera pieza de una serie de obras bajo el mismo nombre genérico.
El autor intenta transmitir un estado de profunda meditación sobre la memoria.
mensajes
en vidrio
EDWARD LEIBOVITZ
La década de los años 60 estuvo marcada por la asimilación inmediata por parte de los artistas
europeos de los nuevos métodos de trabajo del vidrio a la americana, creando obras basadas
en las tradiciones continentales que perduraban desde hacía siglos. Edward Leibovitz (derecha),
en la foto junto a Brychta, E.L., fue uno de los precursores de este nuevo movimiento.
52
Vaquero mujer caballo
Escultura en cristal, 48 x 18 x 18 cm.
El elefante cazador
Mujer elefante
SUPLEMENTO QUIÉN es QUIÉN (MARZO DE 2001)
Tras dedicarse plenamente a la pintura
en Jerusalén, Edward Leibovitz se traslada a Amberes, uno de los principales
núcleos del vidrio belga. Atraído por la
vida artística de Flandes, quiso desde el
principio de su estancia solucionar su
déficit de experiencias culturales, volcándose, de esta manera, en el mundo
del vidrio, material al que respeta profundamente y en el que se inspira con
total libertad.
Los años 70 se presentan como una
lucha contra todo lo establecido y
Leibovitz reniega del encasillamiento de
las formas tradicionales para encontrar
soluciones, sin duda, poco comunes. De
esta manera inicia su primera etapa,
uniendo a la vidriera clásica vidrios rotos
que se distribuyen como en las antiguas
piezas góticas.
El artista utiliza dos técnicas diferentes
de superposición. La primera se trata de
una capa de vidrio superior oscuro, rojo o
azul, ocasionalmente verde, que cubre un
vidrio inferior más luminoso. La otra técnica se forma con la superposición de
vidrio de muchos colores. El vidrio superior se crea con los colores mezclados de
los cristales rojos, azules, amarillos y
marrones, formando llamas y fuegos. El
vidrio inferior es claro. Para su realización, espolvoreó las capas con arena, las
trató con ácidos y pintó los relieves formados con color negro o plata, para
cocerlos posteriormente en el horno. La
impresión visual resulta muy pictórica.
satánicas, con su propia lógica y significado.
A partir del año 1991, el autor desarrollaría su propia teoría after print que aplicaría
en la litografía en color. Con ella descubre
la aventura de entrar en un trabajo ya terminado y se afirma en el hecho de que la
conclusión de un trabajo es una decisión
totalmente subjetiva. www.edwardleibovitz.com
EDWARD LEIBOVITZ
Nace en Iasi (Rumanía),
el 28 de febrero de 1946.
ESTUDIOS
• Academia de Bellas Artes (Departamento de
pintura, profesor Okshi Avchalom),
Haifa (Israel).
• Academia de Bellas Artes Bezalel (Departamento
de pintura, profesor Raphael Moar), Jerusalem
(Israel).
• Academia de Bellas Artes Gemeentelijke,
Berchem (Bélgica).
Las vidrieras simbolizan, usualmente, iconos ortodoxos, como la expresión rusa del
arte popular. Las creaciones de esta primera etapa representan la acción y una cierta
PREMIOS
• Prijs voor glasraam van de burgemeester
van Berchem (Bélgica).
• Urkunde, Coburger Glaspreis, Coburg (Alemania).
• Premio de Escultura en Vidrio, Lieja (Bélgica).
• Prijs van de Provincie Amberes voor
Beeldhouwkunst (Bélgica).
• Prijs voor artistieke roeping van het Ministerie
van Vlaamse Cultuur als jonge glasbeeld
ouwer (Bélgica).
• Medalla de Oro, presentado por el American
Interfaith Institut por su escultura Homage to
Sound, dedicado a las víctimas del
Holocausto, Filadelfia (EUA).
Hace más de 25 años desde que Edward
Leibovitz inició su primera exposición individual en
la Galería Poes (Gante, Bélgica). Desde entonces,
un sinfín de exposiciones han presentado la obra
del artista en un gran número de países, entre los
que se encuentran su país de residencia, Bélgica,
así como Holanda, Suiza, Francia, Alemania, Italia,
República Checa y Estados Unidos.
Su última exposición individual ha permitido acercarnos su obra a nuestro país, precisamente en el
Museo Municipal de Arte en Vidrio (MAVA), en
Alcorcón (España).
Junto a otros artistas que han trabajado las diversas facetas del vidrio, Edward Leibovitz ha realizado
numerosas muestras. Las primeras, realizadas en la
Invetro Galerie (Hannover, Alemania), Galería De
Harmonie (Amberes, Bélgica) y Tentoonstelling
van Aanvinsten van het Ministerie van Vlaamse
Cultuur de Bruselas (Bélgica), datan del año 1974.
Tras ellas, Leibovitz ha colaborado en obras colectivas por todo el mundo: Bélgica, Suiza, Alemania,
Holanda, Francia, Austria, Estados Unidos, y una
larga lista de países europeos.
Durante el año 2000, Leibovitz presentó en el
Generale Bank de Lieja (Bélgica) su exposición
“Esculturas contemporáneas en cristal entre el
Mediterráneo y el Ártico” y, asimismo, mostró
“Formas esféricas” en la Galería Liehrman de la
misma ciudad.
VIDRIERAS INTEGRADAS
EN LA ARQUITECTURA
narración, basada a menudo en la inspiración literaria. No se constata como una mera
• 1981 - Sinagoga portuguea (38 m2),
Amberes (Bélgica).
• 1987 - Joods Centrum Lamorièrestraat (20 m2),
Ambere (Bélgica).
• 1990 - Privé-gebouw (8 m2),
Nistelrode (Holanda).
representación de las relaciones existentes
(tiempo, espacio, relaciones espaciales), sino
que se deja llevar impulsivamente a través
de sus estados de ánimo.
Tras esta etapa, descubre nuevas técnicas
entre las que se destaca la realización de su
ciclo de sillas, tratado con espolvoreamiento de arena sobre el vidrio plano. La temática se remite a las bases del teatro del absurdo del dramaturgo francés Eugène Ionesco
y sus figuras obligan a una explicación personal de lo que se ve y se experimenta.
Con el propósito de profundizar en estas
situaciones absurdas, Leibovitz introduce en
su obra los zapatos, expresión de momentos satánicos, simbolizados por pechos de
mujer o directamente a través de cabezas
Velas al viento
Privé-gebouw
Nistelrode (Holanda)
53

galeria 2001-2003 - Vidrioperfil.com

Transcripción

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