////JOVEN BALLET DE ALCOBENDAS/////////////////////LA RIBOT

////JOVEN BALLET DE ALCOBENDAS/////////////////////LA RIBOT

// DICIEMBRE_2009_FEBRERO_2010 // AÑO 5 Y 6 // Nº 19 // 2 ¤ //
////JOVEN BALLET DE ALCOBENDAS/////////////////////LA RIBOT////////////////
IGOR YEBRA////////////CÍA EXPRESSO/////////JOVEN BALLET DE MOSCÚ
///////GALA DE ESTRELLAS EN EL “VÍCTOR VILLEGAS”////////////////////
//////////AVATÂRA AYUSO//////////////////////////////ÁSUN NOALES////////////
//////////////////SAORÍN EN DANZA/////////////////////MAMMA MÍA!////////////////
Foto portada: Joven Ballet de Alcobendas, Fundación Víctor Ullate. "Romeo y Julieta": María Muñóz y Javier Lozano. Fotografías: Eva París
» TIEMPO DE DANZA
diciembre_2009/febrero_2010 // año 5 y 6 // nº 19
EDITORIAL
Tiempo de Danza es una publicación que tendrá,
para esta edición, una tirada de 1.000 ejemplares
» Edita y produce
Asociación Amigos de la Danza en colaboración con el
Vicerrectorado de Extensión Universitaria de la
Universidad de Murcia
Marinero Juan Vizcaíno, 7
2º A / 30007 / Murcia
Tel. 655 18 15 48
[email protected]
D.L.: MU-0044-2005
ISSN: 1699-2474
» Directora
Margarita Muñoz Zielinski
» Coordinadora
Georgina Cayuela Vera
» Redacción
Carlos Grávalos Muñoz, Sonia Cayuela Vera,
Margarita Muñoz Zielinski y Georgina Cayuela Vera
» Colaboradores
Iratxe de Arantzibia, Miguel Ángel Serrano,
Enrique Guerrero, Jerusa Álvarez, Tania Herrero y Ana Isabel Elvira
» Departamento de Publicidad
Carlos Grávalos
Tel. 617 973 614
[email protected]
» Diseño y maquetación
[email protected]
» Foto portada
Joven Ballet de Alcobendas,
Fundación Víctor Ullate.
"Roméo y Julieta", María Muñóz y Javier Lozano.
Fotografías: Eva París
Las colaboraciones son gratuitas
y responsabilidad de sus autores
El BOLERO, para Aurelio Capmany, es un baile español que
nacido del Fandango y la Seguidilla, aparecido en el siglo XVIII
en tiempo de Carlos III como intento de rechazo de los maestros
de baile españoles ante las costumbres francesas, se convirtió
en baile de moda obligado por la Corte y extendido a Europa
desde finales del XVIII y principios del XIX. Una forma de baile
que el pueblo adoptaría y que, como baile teatral, cerraba los
espectáculos como “baile nacional”.
El Bolero murciano tiene sus orígenes a finales del XVIII con
la llegada de maestros de baile de la corte que asimilaron los
bailes típicos de nuestra región. De la nobleza pasaría al dominio
del pueblo y a los bailarines de teatro. En Murcia desde finales
del XIX la tradición familiar de la enseñanza de los maestros
boleros Leandro de Fuente Álamo se ha transmitido de padres
a hijos y nietos con el nombre propio del baile ya que, según
Mariemm, el Bolero fue adquiriendo apellidos propios de sus
innovadores o interpretes, de la Confitera, de la Curra, de la
Cachucha etc. La Escuela Bolera, según Cristina Marinero y
María José Ruiz, aparece como concepto de bailes populares
estilizados a principio del siglo XX.
Y esta importante herencia por la que familias de bailarines
como los Pericet ha luchado por mantener y transmitir corre
peligro de extinción. Parece mentira que en nuestro propio
país no sepamos valorar los tesoros de la danza que nos
pertenecen. En 1992 un Congreso sobre la “Escuela Bolera”
ya reunió a numerosos especialistas en la materia que debatieron
el pasado, presente y futuro de ese y otros bailes que tienden
a desaparecer. Desde entonces, el tema sigue preocupando a
maestros, bailarines y alumnos.
Con el importante apoyo de la Fundación Loewe, en Diciembre
de2009 el tema va a ser llevado a debate en el Teatro Real de
Madrid con el desarrollo de una jornada en la que las inquietudes
al respecto serán puestas en común por profesionales de la
danza implicados en la enseñanza, interpretación, conservación
o, como Tiempo de Danza, su difusión.
Esperemos que con ello se logre la recuperación del reconocimiento de la importancia de la Escuela Bolera española y de
su enseñanza. La Historia de la Danza no perdonaría que, por
desidia o falta de atención, se perdiera con el paso del tiempo.
MARGARITA MUÑOZ-ZIELINSKI
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// BREVES Y RESEÑAS
BREVES Y RESEÑAS
LA DANZA TRADICIONAL
SE HA QUEDADO HUÉRFANA
Manuel Molina de Murcia. Los techos que en su origen fueron
pintados por el madrileño Pedro Reyes, serían posteriormente
sustituidos por los dibujos de pintura de Muñoz Barberán.
El bailarín Juanjo Linares. FOTO: Gallego
En el acto presidido por el Alcalde de Lorca y Delegado del
Gobierno, y que comenzó con media hora de retraso, como
artistas invitados, José Carlos Martínez, Premio Nacional de
Danza, junto a Agnès Letestu, bailarines estrellas de la Ópera
de París, fueron los encargados de asombrar a los 300 invitados
con su magnífica técnica en la interpretación de dos coreografías.
Para La Farruca del molinero, de El Tricornio de Falla, coreografía
que bailara en su estreno en el Teatro Alhambra de Londres
en 1917 Massine con los Ballets Rusos de Diaguilev, José
Carlos Martínez estuvo magistralmente acompañado al piano
por Antonio Narejos, quien además interpretó Andaluza también
de Manuel de Falla. Como anécdota, las dimensiones del
escenario se quedaron escasas para el bailarín, quien tuvo que
adaptar ingeniosamente algún desplazamiento.0000000
A Juanjo Linares, gallego por nacimiento y bailarín por convicción, no le gustaba la polémica. Defendía con firmeza sus
ideas, pero prefería dedicar su tiempo a conversar con la gente,
a compartir recuerdos con los compañeros y a transmitir a sus
alumnos todo lo que había recogido después de haber dedicado
gran parte de su vida profesional a investigar sobre la danza
y las costumbres tradicionales de los pueblos de la Península.
Era fisgón y curioso por naturaleza y desde niño siempre tuvo
en sus labios la pregunta ¿por qué?, pero su natural impertinencia
(tal y como él mismo reconocía) nunca le hizo perder su
exquisita educación, ni siquiera con sus detractores.000000
Y del repertorio de Balanchine, ya con música grabada,
Diamantes, un precioso paso a dos de Joyas (1967) ballet
cuyo vestuario fue diseñado por Christian Lacroix, bordado por
la elegante figura de Agnès Letestu quien junto a José Carlos,
siempre tan buen partenaire como solista, demostró una vez
más la limpieza de la escuela francesa, cuya técnica permite
interpretar obras no solo de repertorio clásico del romanticismo
sino que el neoclasicismo americano de Balanchine obtiene
con estos interpretes una gran riqueza y seguridad.0000000000
Dadivoso en su magisterio como pocos, abogaba por practicar
la pedagogía a partir del original significado del término, el de
guiar y conducir al pupilo, y lo hizo siempre fuera cual fuera
su edad o condición, sin requisitos previos ni limitaciones.
Su voz se ha apagado el mismo día del año (16 de noviembre)
en que falleció Pedro Azorín, el otro gran referente del folclore
danzado en España. Puede que sea una simple casualidad o
que se trate de una ironía del destino, pero de lo que no hay
duda es de que se trata de una irreparable pérdida para todos
que produce un enorme sentimiento de orfandad. Esperemos
que su recuerdo perdure para siempre y nos ayude a mantener
vivo su legado y su pensamiento.
ANA ISABEL ELVIRA
Diamantes. José Carlos y Agnès Letestu
TEATRO GUERRA DE LORCA
El pasado 24 de octubre, el teatro más antiguo de la Región
de Murcia, el Guerra de Lorca, celebró el acto de reinauguración
con el que tras un año de obras de rehabilitación vuelve a ser
un coliseo lleno de actividad para todos los amantes de las
artes escénicas.
Inaugurado en 1861 este Teatro se convirtió en una muestra
de la arquitectura lorquiana del siglo XIX del arquitecto Diego
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BREVES Y RESEÑAS \\
La coreografía es de Beatriz Maciá.
MALAMBEANDO.
PASIÓN ARGENTINA
La danza folclórica de la pampa argentina y la sensual porteña
de los bailarines de Argentina´s River Dancers inundaron de
energía contagiosa el Auditorio Víctor Villegas en los comienzos
de la excelente programación que para la Semana Grande
ofreció este año la Fundación CajaMurcia, programación en la
que en sus otras ediciones siempre se ha tenido una especial
atención a la danza. En su modalidad más popular, dirigida
al gran público de forma que todos se diviertan, la estilización
del folclore siempre puede ser un montaje entretenido. En el
caso de Malambeando, es una combinación rítmica de zapateos
en un baile ejecutado por los chicos de la compañía, baile con
resistencia de pies y rodillas o muslos y pantorrillas con un
resultado, atractivo ya que la fuerza de los repiques y mudanzas
en solistas, conjunto o contrapunto, está trabajada con una
entusiasta entrega, simpatía de sus intérpretes y exhibición
de proezas técnicas en las que se adivina el estudio de otras
modalidades, desde la base de danza clásica a la moderna o
el jazz junto a un total dominio de coordinación al añadir la
fantasía de las boleadoras, cuyos giros en el aire ofrecen un
efecto óptico muy llamativo y su incorporación como elemento
de percusión coordinado, unido al sonido de las botas, hace
que el baile se convierta en una prueba de dominio técnico
en el que por seguridad de pies y tobillos más les vale no
equivocarse. Además mostraron su dominio de instrumentos
de percusión y junto a la danza de la Zamba no faltó una
sensual muestra del tango porteño y de la divertida rapidez de
la milonga.
Semana Grande de CajaMurcia. Auditorio Víctor Villegas.
Murcia, viernes 16 de octubre de 2009.
Margarita Muñoz Zielinski
CRUZANDO LAS GALAXIAS
Cruzando las Galaxias es una comedia musical para niños de
pequeño-mediano formato, ideada por Román García y Javier
González Soler. Las canciones pertenecen a los míticos LOS
MARAÑONES y están compuestas por Ricardo Perpén, Miguel
Bañón, y Román García, una banda murciana de Rock que
goza de un merecido y reconocido prestigio en la Región de
Murcia.
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Cruzando las Galaxias es la quinta producción de la compañía
teatral Distrito Producciones desde que se constituyera en
2008 por Javier González Soler, guionista, productor y director
de la joven compañía, entre otras cosas…
A lo largo de la función se introducen de forma divertida valores
como el cuidado del ecosistema, la integración del diferente,
la igualdad de roles, la importancia del trabajo en equipo y
las soluciones no violentas a las crisis. Pero, sobre todo, se
trata de una divertida aventura donde Javi “Chou” González,
Nico Andreo, Beatriz Maciá, Javier Balibrea y Pilar Sola darán
vida a Lucas, Andrés, Luci, el Holandés Errante, un marciano,
un gato llamado persona y el Ordenador Central.0000000
TdD
MÁSTER DE DANZA, II EDICIÓN
El pasado dos de octubre, los alumnos del segundo Máster de
Danza y Artes del Movimiento organizado por la Universidad
Católica de S. Antonio de Murcia, mostraban ante un nutrido
público sus trabajos finales para la obtención de la correspondiente certificación académica. Por segundo año consecutivo,
Sebastián G. Lozano, coordinador y máximo responsable, junto
a Mariló Molina cerraron con éxito un largo y agotador año de
trabajo y ya preparan la tercera edición para 2010.0000000
Dicho postgrado está pensado para permitir a los graduados
la especialización académica necesaria para afrontar retos de
carácter artístico-expresivo en los diferentes contextos educativos
donde la expresión corporal y la danza es el común denominador.
Además, supone la proyección de los alumnos en el camino
profesional de la escena adquiriendo los conocimientos necesarios.
TdD
// BREVES Y RESEÑAS
GUSTAVO RAMÍREZ SANSANO
NUEVO DIRECTOR ARTÍSTICO
DE LA COMPAÑÍA LUNA NEGRA
EN CHICAGO
Sansano. Oscar Wilde.
BLANCANIEVES BOULEVARD es un espectáculo musical
ambientado en los modernos años 20, que relata una historia
de aventuras apasionante, entrañable y cargada de humor. A
ritmo de gran musical, este espectáculo de dos horas de
duración dirigido a todos los públicos, cuenta con 25 actores
que interpretan 120 personajes diferentes. Incluye coreografías
espectaculares, acrobacias, ocho cambios de decorados,
proyecciones, efectos especiales, 130 escenas de luz, 17
canciones de diferentes estilos, etc.
Gustavo Ramírez Sansano, alicantino nacido en San Fulgencio,
termina su formación en el Institut del Teatre de Barcelona
bajo la atenta mirada de Karemia Moreno. Brillante bailarín
y coreógrafo ha formado parte del ballet de la Comunidad de
Madrid, Nederlands Dance Theater 2, o Hubbard Street Dance
Chicago. Su inquietud y sus ganas de explorar nuevos horizontes
le llevan a coreografiar y obtener numerosos premios por ello,
como el de mejor dirección coreográfica y mejor espectáculo
de Danza en los Premios de las Artes Escénicas de la Comunidad
Valenciana por Sacra/Dícese junto a Asun Noales o el Prix Dom
Perignon 2001 en Hamburgo. Ha coreografiado para compañías
Nacionales e Internacionales de la talla de CND Compañía
Nacional de Danza, Budapest Dance Theater, IT Dansa, Nederlands Dance Theater 2, Ballet de Teatres de la Generalitat
Valenciana.
Fundó su propia compañía Proyecto Titoyaya junto a Verónica
García Moscardó en el 2006 en la que ha llevado a cabo
diferentes proyectos como Retrato de Oscar Wilde, Manera o
Moniquilla y el ladrón de Risas, en la actualidad está realizando
Lo que no se ve, producción que será estrenada la próxima
primavera en el Mercat de les Flors, después de la cual migrara
hacia Chicago para hacer frente a un nuevo reto, la dirección
Artística de la Compañía Luna Negra.
ENRIQUE GUERRERO
BLANCANIEVES
BOULEVARD
Desde el 3 de diciembre y hasta el 10 de enero, en el Teatro
de Madrid estará en cartel el musical para toda la familia
BLANCANIEVES BOULEVARD, ideado por Jana Producciones,
ganadora del Premio Max 2007 al Mejor Musical.000000000
Un original despliegue de música y personajes inolvidables:
gangsters, y policías; políticos corruptos y reporteros ambiciosos;
divas en declive y jóvenes promesas emergentes de la canción;
ritmos modernos que pasan del charlestón al rock, del pop al
swing, e incluso a dance y funky. Una historia de amistades,
amor, desengaños… Un cuento clásico llevado al glamour de
los años veinte con personajes de carne y hueso. Descubrimos
un nuevo mundo para la joven Bianca, que tendrá que demostrar
que su inocente apuesta es sincera.
PROGRAMACIÓN
DEL CENTRO PÁRRAGA
KRATIMOSHA
Kratimosha es una entretenida y original pieza que la creadora
madrileña Amalia Fernández estrenó en el Centro Párraga los
pasados 3 y 4 de octubre inspirándose en un solo anterior,
Matrioshka (2005). En este nuevo trabajo Fernández plantea
la performance cómo género autobiográfico pero con vocación
más universal: “Podría ser según se mire la autobiografía de
cada espectador, y por supuesto la de las intérpretes en escena,
y la mía propia. Es una autobiografía que pertenece a todos los
que queramos que nos pertenezca. Es gratis”.
La idea no era rehacer una antigua pieza sino crear un producto
totalmente independiente.- “El vínculo entre las dos piezas es
importante para mí en relación al proceso que estoy siguiendo,
pero no lo será para el público, cuya relación con “Kratimosha”
ocurrirá solamente a nivel de resultado en escena”. También
será visible para el espectador la reutilización, idea sobre la que
la artista trabaja dentro de la misma pieza y no solo como un
factor del proceso.
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BREVES Y RESEÑAS \\
CÍA. GIRASOLES
Dirección artística y concepto: Tania Herrero
INTÉRPRETES
Flamenco: Marina Rubiales
Clásico/Neoclásico: Magdalena Jiménez
Contemporáneo: Tania Herrero
Escenografía: Pedro Celdrán
Multimedia: Natalio Legaz
TdD
Katrimosha
AVATAR
Katrimosha es “una obrita de teatro con una mujer en bragas,
una voz en off, un retrato de familia ficticio, un muerto, ¿un
mago?, un montón de ruiditos copiados de la realidad, una
serie de parejas a punto de enamorarse o a punto de romper,
y un final que se parece al principio, pero no en la forma, sino
en la mofra”.0000000
INSERT COIN
Avatar proviene del sánscrito Avatâra que significa descenso
o encarnación de un dios pero también significa, cambio,
transformación… Sobre ésta última premisa surge Avatar, la
última producción de Erre que erre aunque ideado, realizado
e interpretado por uno de sus miembros más veteranos, G.
Angulo, junto al creativo Román Torre. Avatar consiste en la
investigación e interacción de un cuerpo en movimiento sobre
un espacio virtual e interactivo. A lo largo del espectáculo, la
bailarina se enfrenta a situaciones y espacios desconocidos
con los cuales interactúan y toma sus decisiones de proceso.
Avatar tiene como premisa interpretativo-conceptual, el hecho
de representar y jugar en escena con nuestro propio avatar,
que es la representación virtual de nosotros mismos. Avatar
es un solo de danza, en el cual la intérprete está en constante
diálogo con el software, responsable de los diferentes eventos
narrativos pre-programados; ellos reaccionan en base a los
desplazamientos, actitudes y gestos, por medio de la proyección
y detección de la cámara, que envía las señales de posición
al ordenador, encargado de procesar los datos y re-enviarlos
al espacio escénico en tiempo real.
Insert Coin. Cía Girasoles
Avatar llega al Centro Párraga, entidad co-productora, en su
último pre-estreno tras un largo periplo de experimentos y
vicisitudes. Este work in progress que será el último antes de
llegar a su estreno definitivo en el Centro de Arte Reina Sofía
el próximo mes de abril, ha permitido a sus artífices ultimar
detalles, concretar los últimos flecos, y subsanar pequeños
problemas.
TdD
Insert Coin es una interacción urbana donde la danza está
sometida a la decisión del público. En su mano está elegir la
música que se baila, si sigue viendo el espectáculo o si continúa
su camino.
Cada bailarina representaba un estilo de danza: clásico,
flamenco y contemporáneo, pero todos ellos fusionados mediante
una visión contemporánea y por supuesto el humor, que junto
a la interacción con el público, cautivó y motivó a los transeúntes
a disfrutar de unos momentos divertidos, frescos y dancísticos
acompañados del sol murciano.
<< p_07 // 2009 >>
Avatar
Esta pieza se presentaba a modo de máquina recreativa, donde
el juego consiste en insertar una moneda y poder elegir mediante
la pulsación de uno de los botones una de las piezas musicales
que posteriormente interpretaba una de las bailarinas o las
tres a la vez.
FE DE ERRATAS
En el artículo publicado en TdD Alter-arte Edición 2009 (nº18, 2628) las fotografías correspondientes a la coreógrafa y bailarina Nelisiwe
Xaba que aparecen en la pág. 27 pertenecen al artículo, Fulgencio
Martínez Lax, Festival OTRO´09 (nº18, 15,-17).
RODOLFO Y
CERVANTES
FUNDADA EN 1959
Todo en Artículos para la Danza,
Comparsas, Carnaval, Disfraces,
Festivales Fin de Curso, Rítmica,
Español, Trajes de Sevillanas y
Complementos.
Disponemos de las
primeras marcas para Danza
Reppetto
Sansha
Danskin
Ball Pilmar
Castañuelas del Sur
Intermezzo
María Muñoz Sabater. Fotografía: Manuel Bernal
p_33 // marzo 2007
Platería, 1 // 30820 // MURCIA
T. 968 21 68 38 // F. 968 21 93 77
[email protected]
AGENDA \\
AGENDA
//////// AUDITORIO VÍCTOR VILLEGAS //////
JOVEN BALLET DE MOSCÚ
La Cenicienta
26 de diciembre a las 18:00 h.
Programación Caja Murcia
II GRAN GALA "CLÁSICOS EN DANZA"
TAMARA ROJO (Royal Ballet)
y JOSÉ MARTÍNEZ
(Ballet de la Ópera de París)
28 febrero a las 19:30 h
COMPAÑÍA "ANTONIO GADES"
Fuenteovejuna
Directora artística: Stella Araúzo
26 marzo a las 20:30 h
www.auditoriomurcia.org
////////////// MADRID //////////////
/////////////////// TEATRO REAL ///////////////////
COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA
Jardín infinito
Director: Nacho Duato
febrero
www.teatro-real.com
////////////////// TEATRO DE MADRID ////////////////
TEATRO DE MADRID
Blancanieves Boulevard
Del 3 de diciembre al 10 de enero
[email protected]
www.teatromadrid.com
///////////// TEATRO DE LA ABADÍA ////////////////
ARACALADANZA
Nubes
Dirección: Enrique Cabrera
Del 9 al 30 de diciembre
www.teatroabadia.com
/////////// BARCELONA //////////
////////////// GRAN TEATRE DEL LICEU /////////////
SASHA WALTZ & GUESTS
Del 1 al 3 de febrero
www.liceubarcelona.com
////////////// MERCAT DE LES FLORS /////////////
TAPEPLAS
Epic
Del 29 y 30 de diciembre de 2009
y 1, 2 y 3 de enero de 2010
COMPAÑÍA JORDI CORTÉS /
ALTA REALITAT
V.I.T.R.I.O.L
Del 15 al 17 de enero de 2010
SHANTALA SHIVALINGAPPA
Namasya
Del 26 al 28 de febrero de 2010
EA SOLA
Air lines
Del 5 al 7 de marzo de 2010
RAMON OLLER / CIA. PASSATGES DANSA
Mi príncipe
(inspirado en 'El Pequeño Príncipe')
13, 14, 20 y 21 de marzo de 2010
PROYECTO TITOYAYA - GUSTAVO RAMÍREZ
Lo que no se ve
Del 18 al 21 de marzo de 2010
COMPAÑÍA CONTEMPORÁNEA DE DANZA DE
CUBA
Casi-Casa
Del 25 al 28 de marzo de 2010
www.mercatflors.org
LES SLOVAKS DANCE COLLECTIVE
Vuelta a casa
del 28 al 31 de enero de 2010
///////////// VALENCIA ///////////
BATSHEVA DANCE COMPANY
Mamootot
Del 4 al 7 de enero de 2010
CASCANUECES
Ballet Nacional de cuba
Del 19 de diciembre al 3 de enero
www.teatres.gva.es
LEMI PONIFASIO /
MAU
Tempest II
Del 12 al 14 de febrero de 2010
BILLY ELLIOT
(programa educativo previa inscripción)
DENTRO DEL CICLO
"BAILEMOS UNA PELI"
Del 16 y 17 de febrero de 2010
INGER CECILIE BERTRÁN DE LIS
Å, Marja, fly, fly
Del 20 y 21 de febrero de 2010
Deseo suscribirme a la revista de actualidad “Tiempo de Danza”
Nombre:
CIE TOUJOURS APRÈS MINUIT.
BRIGITTE SETH & ROSER MONTLLÓ
Gènere oblic
Del 25 al 28 de febrero de 2010
Apellidos:
Domicilio:
/////////////// TEATRE PRINCIPAL ////////////////
///////////// ALICANTE ///////////
/////////////// TEATRE PRINCIPAL ////////////////
CORELLA BALLET CASTILLA Y LEON
15 y 16 de diciembre
LA CORONA DEL BALLET RUSO
La Bella Durmiente
Dirección y Coreografía:
ANATOLY EMELIANOV
12 de febrero
www.teatroprincipaldealicante.com
Suscripción:
Cuatro números: 8 ¤
Ocho números: 16 ¤
Incluye gastos de envío.
Localidad:
C.P.:
Provincia:
Telf.
E-mail:
C.I.F. / N.I.F.:
Ingreso en Cta. (Caixa): 2100-6065-31-0200018969
Firma:
<< p_09 // 2009 >>
Remita este cupón o una fotocopia a:
Asociación Amigos de la Danza
C/ Marinero Juan Vizcaíno, 7- 2º A
30007 // Murcia
[email protected]
BOLETÍN DE SUSCRIPCIÓN
//////////// MURCIA //////////////
SUMARIO \\
SUMARIO
03
04
09
11
12
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Editorial
Margarita Muñoz-Zielinski
Breves y reseñas
Agenda
Sumario
Entre nosotros
Joven Ballet de Alcobendas
Carlos Grávalos Muñoz-Zielinski
15
Hablamos con
La Ribot
Georgina Cayuela
19
Crítica
Igor Yebra
Iratxe de Arantzibia
21
Panorama
Cía Expresso
TdD
22
Artículo
Joven Ballet de Moscú
Margarita Muñoz-Zielinski
25
Dossier
Gala de Estrellas en el “Víctor Villegas”
TdD
30
Entrevista
Avatâra Ayuso
Tania Herrero
33
Dossier
Teatro do Mar
TdD
34
Entrevista
Ásun Noales
Enrique Guerrero
37
Reseña
La Danza tiene un plan
Iratxe de Aratzibia
38
Panorama
Saorín en Danza
TdD
39
Entrevista
Mamma Mía!
Carlos Grávalos Muñoz-Zielinski
42
El musical
Grandes figuras del musical: Michael Kidd
Jerusa Arias Álvarez
44
Artículo
Decreto de EEAA
TdD
45
Miscelánea
El Nebrija
Miguel Ángel Serrano
// ENTRE NOSOTROS
[1]
SI LLEGAR A VEINTE AÑOS CON UNA COMPAÑÍA ES DIFÍCIL Y
COMPLICADO, MÁS ARRIESGADO ES LANZARSE A LA AVENTURA
DE CREAR UN BALLET JOVEN. LO PARTICULAR DE ESTA EMPRESA
ES QUE SUS PRINCIPALES PROTAGONISTAS AÚN SIN SER TODAVÍA
PROFESIONALES MERECEN UNAS PALABRAS DE RECONOCIMIENTO
PUES EL CAMINO ELEGIDO SE PRESENTA LLENO DE SACRIFICIOS
Y DIFICULTADES Y ESTO ES SOLO EL COMIENZO DE UN VIAJE QUE
SOLO ELLOS DECIDIRÁN CUANDO ACABA.
SOLO UNA PERSONA ES CAPAZ DE VOLVER A LANZARSE A ESTA
AVENTURA QUE LLEVA EL NOMBRE DE JOVEN BALLET DE ALCOBENDAS. ESE NOMBRE, QUERIDO Y ADMIRADO EN EL MUNDO DE
LA DANZA, NO ES OTRO QUE EL VÍCTOR ULLATE, CON TODA
SEGURIDAD, UNO DE LOS MEJORES MAESTROS QUE HA LANZADO
A TODA UNA GENERACIÓN DE GRANDES BAILARINES ESPAÑOLES
QUE AHORA MISMO TRIUNFAN POR TODO EL MUNDO.
El Joven Ballet de Alcobendas
UNA NUEVA CREACIÓN DEL “MAESTRO” ULLATE
Víctor Ullate nos comenta “… Se trata de un proyecto, sin ánimo de
lucro, que tiene por objetivo promocionar al máximo la danza entre
los más pequeños, con el fin de suplir una carencia educativa en
danza y fomentar la cultura dancística. Es danza para jóvenes y niños
hecha por jóvenes. La propuesta es difundir la danza en los colegios,
aunque la calidad del espectáculo le confiere un carácter familiar,
llegando por igual a todos los público”.
El Joven Ballet de Alcobendas, presentado sobre el escenario del
Teatro de Alcobendas el pasado 17 de septiembre con un doble
programa, Instantánea Fugaz y Romeo y Julieta con coreografías
de Arantxa Sagardoy trae una grata sorpresa para la comunidad
dancística murciana, y es el nombre de una de sus principales
integrantes, María Muñoz. María abandonó Murcia hace tres años
cargada de ilusiones y hoy esa quimera es una realidad. Ullate le
ha dado la responsabilidad de interpretar el papel de “Julieta” en
el célebre drama shakesperiano de Romeo y Julieta. María es una
jovencita dulce y encantadora, que te recibe siempre con una
amplia sonrisa y que está disfrutando como nunca de esta oportunidad que le ha brindado Víctor después de largos años formándose
bajo la tutela de Fuensanta Zomeño en Murcia. Esta murciana de
preciosos ojos azules nos cuenta su experiencia dentro del nuevo
ballet de Ullate.
“Al principio no me lo creía, para mí fue una sorpresa tanto la creación
del ballet como el que me dieran el papel, nunca me lo habría
imaginado. La primera parte es un ballet contemporáneo fantástico,
con mucha fuerza y en el cuál llevamos el movimiento al máximo. La
segunda pieza Romeo y Julieta es bien conocida por todo el mundo,
pero esta vez protagonizada por dos adolescentes, que es lo mejor
para representar el primer amor, la locura y el ser irracional”.
María dejó sus estudios de danza en el Conservatorio de Murcia
para seguir formándose en Madrid en la escuela de Ullate con el
[1] Foto: Eva París
[2, 3 y 4 ] Fotos: Javier Arcenillas
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ENTRE NOSOTROS \\
[3]
sueño de llegar algún día a subirse a los escenarios de una
Compañía. Después de tres intensos años de trabajo esa oportunidad
le ha llegado, y no podía ser de otra manera que de la mano de
Ullate. Pero María ha pasado también por la sabiduría de otras
manos como las de Eduardo Lao, María Fernández, Ana Noya.
Para María cada uno de ellos le ha aportado algo importante dentro
de la danza “Empezaré por mi primera maestra Fuensanta Zomeño
que me inculcó el amor a la danza y los principios básico. De Víctor
me quedaría con su pasión por la danza y su trabajo, de Eduardo con
su sencillez y claridad, de María con su disciplina y afán de superación
y de Ana con su paciencia y su dulzura”.
Sobre la vida en Madrid María nos comenta “... durante el primer
año no tuve ninguna ayuda económica. El año pasado la Consejería
de Cultura de Murcia me concedió una subvención. Para este año
tengo media beca de las clases de Víctor concedida por su Fundación”.
Para ella abandonar Murcia fue una decisión difícil de tomar “me
lo plantee de todas las maneras posibles. Utilicé todos los medios
para documentarme bien y así optar por la decisión más adecuada;
hablar con mis profesores, amigos, gente con esta experiencia ya
vivida y por supuesto mi familia (de la cual siempre he tenido su
apoyo incondicional por lo que les estoy eternamente agradecida) e
incluso hice una lista de pros y contras. Pero en verdad los argumentos
siempre se reducían pues había muchos contras, pero el pro era el
más importante el de llegar a ser una bailarina.”
Junto a ella nos encontramos a Romeo, Javier Lozano, “es una
gran oportunidad la que nos da Víctor; hoy en día nadie te la da, a no
ser que seas profesional. El papel de Romeo me encanta, porque da
mucho juego a la hora de interpretarlo. Hay mucho más que solamente
la técnica, tienes que usar los sentimientos para expresarte. Debido
al carácter trágico, hay mucha tensión durante todo el ballet y uno
acaba vacío, con la sensación de haberlo dado todo, al final te mueres,
pero de verdad”.
<< p_13 // 2009 >>
[4]
Eduardo Lao por otra parte ha colmado los sueños de estos chicos
permitiendo a nueve de los componentes del JBA, incluida María
Muñoz, formar parte de la compañía sénior, Ballet Víctor Ullate
para la última producción 2you maestro. Para Eduardo “La idea de
la creación de una nueva compañía como es el Joven Ballet de
Alcobendas parte de dos necesidades distintas; por un lado, fomentar
la motivación de los pre-profesionales de la Escuela y de la Fundación,
así como, mostrar el trabajo que se va obteniendo con los alumnos
aventajados de la Fundación, demostrando así que los objetivos que
nos propusimos van obteniendo sus frutos. Pienso que proyectos así
deberían recibir más apoyo. Los inicios del bailarín son los más
difíciles, la falta de experiencia es un hándicap a la hora de encontrar
trabajo y de esta forma, con compañías orientadas a jóvenes, fomentas
su motivación personal, al tiempo que les das la posibilidad de coger
experiencia y facilitar en un futuro la obtención de un trabajo estable.
También es importante que el alumno aprenda a saber valorar todos
los estilos, el contemporáneo hoy en día es tan necesario como el
clásico, a la hora de obtener trabajo en una compañía de alto nivel,
las grandes compañías estatales trabajan ambos estilos, al mismo
tiempo abre la mentalidad del bailarín en cuanto a la concepción de
lo que es la danza, pues es muy perjudicial en la etapa de formación,
limitar al alumno en un estilo solamente, ya sea el clásico o el
contemporáneo, cortarías una de las alas que el bailarín necesita
para volar.”
Desde estas líneas queremos resaltar la importancia que el apoyo
de los grandes de la danza tiene para impulsar las carreras de los
bailarines más jóvenes. La creación de estas compañías laboratorio
sumado al favor de las instituciones es fundamental para que este
compromiso no caiga en saco roto. Esperamos ver pronto triunfando
sobre los escenarios a estas jóvenes promesas sin que tengan que
marcharse de España como ésta pasando con muchos de nuestros
bailarines.
CARLOS GRAVALOS MUÑOZ – ZIELINSKI
HABLAMOS CON \\
MARÍA RIBOT
Con formación de bailarina, Maria Ribot, esta coreógrafa y artista visual, ha contribuido al desarrollo de la nueva danza
en España, desde mediados de los años 80. En 1991, con el apodo de "La Ribot", esta artista madrileña da un nuevo
rumbo a su trabajo, creando obras escénicas de tipo mudable, entre espectáculo, actuación y vídeo. Humor y excentricidad
caracterizan sus propósitos, que cubren un amplio abanico de variantes de expresión artística y cuestionan la economía
del espectáculo, el mercado del arte como función del artista o la actualidad. La Ribot expone y examina la mirada a
partir del cuerpo, del espacio, de la imagen y del movimiento.
Residente en Londres entre 1997 y 2004, actúa por lo general en solitario y aporta a su Proyecto Distinguido una singular
amplitud que le valió una nominación al Premio Paul Hamlyn Foundation Award para las artes plásticas, en 1998, la
obtención del Premio Nacional de Danza del Ministerio de Cultura de España, en 2000, y la presentación de Panoramix,
– meta-actuación que reúne el conjunto de Piezas Distinguidas– en el Tate Modern de Londres, en 2003.
Sus obras de formato breve, de 30 segundos a 7 minutos, en las tres series “distinguidas”, o las de formato largo, de
4 a 8 horas en Laughing Hole, privilegian el juego y las asociaciones incongruentes. Una inusitada selección de palabras,
objetos, cuerpos, recursos al desnudo, una extrema sobriedad y vibración de colores, forman parte de este trabajo
conceptual. En las obras de La Ribot, el cuerpo se expone, como en 40 espontáneos, como sujeto pensado y materia
viva.
Residente en Ginebra desde 2004, enseñó en la HEAD, (Escuela Superior de Arte y Diseño de Ginebra) y prosigue sus
investigaciones y experimentos en diversos medios. Tras haber dado a su trayectoria una proyección internacional, La
Ribot abre su trabajo a otras formas de encuentros artísticos, en el propio seno de sus obras, como en Gustavia,
espectáculo creado en 2008 en colaboración con la coreógrafa francesa Mathilde Monnier, o en un vídeo realizado
con la bailarina Cristina Hoyos para In_ter_va_lo, ciclo de arte contemporáneo y flamenco.
LA RIBOT
[1]
<< p_15 // 2009 >>
// HABLAMOS CON
[2]
Laughing Holes fue presentado en Murcia en el marco del Festival
Alter-Arte 2009 con una duración de cinco horas.00000000
¿CUÁL FUE LA GÉNESIS DE LAUGHING HOLES?
Comenzó en 2006, en la feria de arte de Basel (Suiza) con mi
galerista Soledad Lorenzo de Madrid. Yo estaba sola al principio.
Empecé en inglés buscando aquellas palabras que pudieran
dar raíces de cosas que me interesaban, tipo madre, tipo
Guantámo o tipo ocupar que es una acción que además de ser
militar y de estar relacionada con Guantánamo y la política de
aquel momento, de Busch, también tenía que ver con lo que
iba a hacer con el espacio, ocuparlo. Eran palabras que iban
a ser gérmenes de gran cantidad de asociaciones que se iban
a producir en el momento en que yo empezara a mezclar esas
palabras. Todas las palabras están unidas a las demás, solo
aquellas que no tenían sentido al unirse se quitaban. Son 900
paneles hechos de estas combinaciones de palabras que están
esparcidos por el suelo. La historia de la performance es ir
colocando todos esos paneles en la pared siempre riéndome.
Entonces Clive Jenkis coge el sonido directo de la risa, lo
amplifica, lo deforma, lo transforma hasta un cierto nivel de
saturación que nosotros llamamos el delirio, que es el final,
donde ya hay muchas palabras donde la sala está totalmente
ocupada por nosotros, por las palabras, por la risa, por las ideas
que se plantean en las palabras, y por las asociaciones que el
espectador realiza cuando ve todo esto.
PERO ESTE TRABAJO TIENE UN ANTECEDENTE, PORQUE BUSCABAS
ALGO EN LA RISA…
Buscaba lo violento. La risa es una acción muy perturbadora
cuando se toma en ese exceso. Está el sonido, pero es casi
como un mordisco.
Yo había hecho con anterioridad 40 espontáneos, que es una
pieza con 40 figurantes procedentes del lugar donde yo estaba
<< p_16 // 2009 >>
HABLAMOS CON \\
[3]
invitada. Después de cinco días de trabajo construíamos una
pieza donde les pedía que se rieran durante una hora. La
experiencia fue posible, que era una de mis dudas. Fue fantástica.
La experiencia resolvió muchas de mis preguntas.., pero no
conseguí que la risa fuera lo que yo andaba buscando de ella.
Se convirtió en una risa muy hedonista, fantásticamente sensual
y muy comunicativa. Esto era lo que mantenía unidas a esas
personas creando una gran complicidad entre ellos. Si no
hubiera sido por este punto de encuentro, la risa, este trabajo
hubiera sido muy difícil. Pero me faltaba la violencia en la risa,
por eso cuando hice Laughing Holes buscaba algo más violento.
EN ÉSTOS MOMENTOS ESTÁS GIRANDO CON OTROS DOS ESPECTÁCULOS, GUSTAVIA Y LLÁMAME MARIACHI. EN GUSTAVIA APARECES
JUNTO A UN PESO PESADO DE LA NOUVELLE DANSE FRANCESA,
MATHILDE MONIER, ¿CÓMO SURGE ÉSTE ENCUENTRO?
Mathilde Monier y yo nos conocemos desde los años ochenta
<< p_17 // 2009 >>
en Madrid, y nos hemos seguido la una a la otra con mucho
interés. En los noventa nos hicimos más amigas. Siempre hemos
querido trabajar juntas pero no encontrábamos el momento.
No recuerdo cuándo ni dónde decidimos parar agendas y
encontrar huecos. Nos pusimos manos a la obra sin saber muy
bien qué íbamos a hacer. Nunca sabes que van a dar de sí
éstas colaboraciones, pueden ser un desastre, pueden ser
maravillosas, puede ser todo a la vez, pero la colaboración con
Mathilde ha sido fantástica. Me ha sacado de un lugar donde
yo estaba… y me ha venido muy bien. He re-encontrado a
Mathilde no solo como persona, si no como amiga, como artista,
como compañera de viaje, como compañera de escena, he
encontrado en Mathilde a miles de compañeras.0000000
GUSTAVIA
En Gustavia tematizamos lo burlesco. Hablamos de la mujer
en lo burlesco, en lo cómico. La mujer nunca ha trabajado éste
// HABLAMOS CON
[1] Marc Coudrais.
[4]
[2] Laughing Hole. Neyda Paredes.
[3] Marc Coudrais.
[4] Marc Coudrais.
aspecto desde el punto vista masculino.
Cuando lo hace, lo hace desde el punto
de vista de lo grotesco y desde el punto
de vista del striptease, es decir desde la
parte más erótica. Esto tiene mucho que
ver con lo físico y con la danza y tiene
mucho que ver con la competencia o
incompetencia, como el idiota o el intelectual.
TUS TRABAJOS SON UNA INCESANTE
BÚSQUEDA Y CUESTIONAMIENTO ACERCA
DE LOS LÍMITES TEMPORALES, ESPACIALES
Y CONCEPTUALES DEL ARTE, A TRAVÉS DE
LOS GÉNEROS EN LOS QUE TE SIENTES MÁS
IDENTIFICADA, ¿EN QUÉ LUGAR SITÚAS AL
CUERPO?
Trabajo desde la danza, siempre me he
llamado coreógrafa y desde alguien que
viene de la danza, el cuerpo es lo primero
porque tiene posibilidad de movimiento,
tiene posibilidad de discurso, tiene
posibilidad de lenguaje, tiene posibilidad
de habla, de ser político… El cuerpo es
algo que enmarca muchísimas posibilidades de discurso y con el movimiento
implícito en él.
¿TIENE ALGO QUE REIVINDICAR EL CUERPO DESNUDO HOY DÍA?
(Risas) … Hace que no trabajo con el cuerpo desnudo casi diez
años, de la misma manera que ya no trabajo con el silencio,
o con lo estático. Todo esto surgió como una postura encontrada
sobre todo con lo que se estaba haciendo en danza en ese
momento, en los noventa. Había si quieres una cuestión política,
artística y disciplinar para tratar los temas que yo estaba
tratando.
Yo empecé en el 91 con mi primer
desnudo, Striptease, hace casi veinte
años, y estos temas estaban ya trillados.
Lo que pasaba, al igual que con el arte,
es que puedes adoptar un punto de vista
diferente. Entonces retomábamos el tema
y lo contaminábamos con performances
pero tratado con un lenguaje más de
danza. Le cambiábamos la mirada. Creo
que ya llegué hasta el final de algo, de
proponer algo con el desnudo, de la misma
manera, que con el silencio o con lo
estático. Con mis 34 Piezas Distinguidas
ya dije todo lo que tenía decir al respecto.
A partir del 2000 ya no trabajé más con
el cuerpo desnudo, incluso desarrollé
todo un trabajo de movimiento con una
cámara que ya estaba en mi última Pieza
distinguida. Ahora me encuentro en una
etapa muy diferente, de hecho voy a
retomar una nueva serie de Piezas Distinguidas con otros temas muy diferentes.
Ahora mi interés se centra en ampliar
campos estéticos que no son tan disciplinares. En estos momentos mi interés
se centra en el papel del artista, político
o no, cuando exhibe su trabajo tanto si te pones en la calle,
en un teatro o en una galería.00000
¿EN QUÉ LUGAR SE SITÚA EL ARTISTA HOY?
Uno de los lugares del artista es la lectura y la crítica al contexto
donde vive, y sobre todo la reflexión y el cuestionamiento de
si las cosas están donde deben estar o si no podían ser de otra
manera. 00000
GEORGINA A. CAYUELA VERA
<< p_18 // 2009 >>
CRÍTICA \\
[1]
[2]
[1] Igor Yebra y Oksana Kucheruk.
Bella Durmiente
[2] Igor Yebra. Ícaro
[3] Igor Yebra. Iván el Terrible
[4] Igor Yebra.
EL HIJO PRÓDIGO
Programa
Gala Igor Yebra.
Obras
“Coppelia”, “Don Quijote”, “Sherezade”,
“Cascanueces”, “Romeo y Julieta”, “El espectro
de la rosa” y “Carmen’s dream”.
Bailarines
Igor Yebra, Oksana Kucheruk, Emmanuelle Grizot,
Roman Mikhalev, Aleksandra Mijalkova, Dmitry
Chebotar, Escuela de Danza y Coreografía ‘Igor
Yebra’.
Coreógrafos
Arthur Saint-Léon, Marius Petipa, Michel Fokine,
Lev Ivanov, Charles Jude, Valery Koftoum.
Música
Léo Delibes, Ludwig Minkus, Rimski-Korsakov,
Tchaikovsky, Prokofiev, Carl Maria von Weber,
Georges Bizet.
Organiza
Asociación Bilbao Ballet Elkartea (ABBE).
Lugar y fecha
Auditorio del Palacio Euskalduna (Bilbao),
10 Octubre 2009.
<< p_19 // 2009 >>
El poliédrico Igor Yebra (Bilbao, 1974), en sus facetas de
bailarín clásico/neoclásico y de maestro, protagonizó una gala
homónima con la que la Asociación Bilbao Ballet Elkartea
(ABBE) inauguró su temporada 09/10. El solo anuncio de su
presencia en Bilbao desató a las multitudes y fueron éstas las
que coparon el Auditorio del Palacio Euskalduna para disfrutar
de un espectáculo plural, en el que el intérprete vizcaíno
permaneció el 50% del tiempo en escena, con gran deleite del
público asistente. Varias fueron las líneas que conformaron el
programa. De una parte, la pretensión de Yebra de mostrar unas
breves pinceladas de su Escuela de Danza y Coreografía; por
otro lado, un pequeño homenaje al centenario de los Ballets
Rusos (1909-1929) con la inclusión de dos piezas; y, sobre
todo, el deseo de la estrella del Ballet de la Ópera de Burdeos
de mostrarse como intérprete en toda su dimensión, bien
abordando un clásico –Don Quijote (1869)-, un neoclásico Romeo y Julieta-, en la recién estrenada versión de Charles
// CRÍTICA
Jude, o gracias a la première mundial de Carmen’s dream,
creada ‘ex profeso’ para el bilbaíno por el coreógrafo Valery
Koftoum y ofrecida en primicia por esta gala.
[3]
Comenzaba el espectáculo con la mazurca de Coppelia (1870),
bailada por unos nerviosos alumnos de la Escuela de Danza y
Coreografía ‘Igor Yebra’ de Bilbao. Contraviniendo los cánones
de cualquier gala al uso, el bilbaíno saltó al escenario para
interpretar a su bravo Basilio en Don Quijote –pieza característica
del cierre de una gala-, secundado por Oksana Kucheruk,
también estrella de la compañía bordalesa, quien, en todo
momento, demostró su estado de gracia bailando y agradeció
el calor ofrecido por el público vizcaíno, con tres soberbias
interpretaciones. De hecho, la ucraniana fue el gran descubrimiento de la gala, pues en anteriores intervenciones el espectador
había constatado su excelente técnica de origen ruso, a lo que
ha sumado un carisma más latino, dando, en conjunto, una
mezcla muy interesante como bailarina e intérprete de diversos
roles. Procedentes del Ballet de la Ópera Nacional de Macedonia,
Aleksandra Mijalkova, Primera Bailarina, y Dmitry Chebotar,
Primer Solista, bordaron su Sherezade (1910), primera creación
original para los Ballets Rusos, por Michel Fokine. Con mejor
temple que sus compañeros predecesores, un trío de alumnos
de corta edad, de la academia de Yebra, pusieron una dulce
guinda con su paso a tres de Cascanueces (1892), en el que
evidenciaron bonitos destellos de la escuela Vaganova. Prometedor
disfrutar de unos futuribles bailarines.
Química hasta por los poros es lo que rezumaba la interpretación
de Yebra-Kucheruk de los inmortales personajes shakesperianos,
Romeo y Julieta, en la que mostraron su excelente nivel de
compenetración. Otra obra de los Ballets Rusos, El espectro
de la rosa (1911), coreografía de Michel Fokine, permitió
disfrutar de Emmanuelle Grizot, estrella del Ballet de la Ópera
de Burdeos, y de un Roman Mikhalev, Primer Bailarín de la
misma compañía, para el que, sin duda, no fue su noche. El
estreno de Carmen’s dream, ballet con veinte minutos de
duración, juntó en escena a Kucheruk, Chebotar, y, por supuesto,
a Yebra, es decir, una mujer, un hombre y su destino. Obra de
gran intensidad dramática, se percibe que se trata de una
creación exclusiva, en la que el dúo del bilbaíno y la ucraniana
consiguen sus mayores réditos, gracias una interpretación sin
fisuras. Más de diez minutos de aplausos premiaron el regreso
del hijo pródigo de Bilbao, alias, Igor Yebra, muy querido y
apreciado por sus vecinos. En su conjunto, el artista vizcaíno
ofreció un programa completo y variado, de hora y media de
duración, que permitió disfrutar de él en diversos registros, a
la par que redescubrir el buen hacer de Oksana Kucheruk,
deleitarse con sendas muestras de los Ballets Rusos, o vislumbrar
el potencial de las nuevas generaciones de estudiantes de
danza. Y de esta manera, sació, momentáneamente, la inagotable
sed de Igor Yebra en Bilbao.
[4]
IRATXE DE ARANTZIBIA
<< p_20 // 2009 >>
PANORAMA \\
COMPAÑÍA EXPRESSO
[1]
[1] Onyl Vizcaíno y Hernán Rodriguez
[2] Sentirse vivo (ensayos)
Abigail Cánovas y Tania Herrero
La compañía EXPRESSO nació el pasado otoño de 2008 con el objetivo de crear nuevos lenguajes
escénicos con un sello muy particular. Este nuevo modo de concebir el proceso de creación les
llega a través de colectivos artísticos de muy diversa índole cuyo denominador común es la
investigación, exploración y fusión de sus discursos con el fin de provocar un dialogo entre las
artes.
La compañía EXPRESSO es una compañía profesional murciana de artes escénicas, enmarcada
dentro del marco profesional de PROYECTO 18 SL. Sus fundadores y directores son Onil Vizcaíno
coreógrafo y Hernán Rodríguez director de FA, Foro Artístico. Recordaremos la interesante labor
de Vizcaíno al frente de la compañía Así Somos (compañía vocacional de danza compuesta por
bailarines con síndrome de down) y el empuje que le dio a la danza contemporánea en Murcia
cuando creo junto a Margarita Groetsch la compañía del Ballet del Alba. Hernán Rodríguez, por
otro lado lleva una encomiable tarea de difusión de las artes de vanguardia al frente del espacio
FA y es el actual director el festival multidisciplinar Alter-Arte. Un tándem muy carismático y
muy prometedor.
La filosofía de éste proyecto deriva en la importancia otorgada a cada elemento que se sitúa en
escena, ya que no quieren ubicarlo como mero soporte escénico, sino como parte integra de las
obras.
Sentirse Vivo y Senza Voi, son las dos producciones que dicha compañía lleva en su repertorio,
ambas se estrenaron en el festival Alter Arte. El próximo mes de diciembre, los días 5 y 6, la
compañía EXPRESSO se desplazará a Cagliari (Cerdeña), con la pieza Sentirse Vivo, apoyada
por la Consejería de Cultura y Turismo de Murcia, en donde realizará una coproducción para la
adaptación a escenario en la sala TI OFF.
La Cía. EXPRESSO está integrada
actualmente por Tania Herrero,
Abigail Cánovas, Magdalena
Jiménez y Alicia Bernal.
[2]
<< p_21 // 2009 >>
// ARTÍCULO
Joven Ballet de Moscú
Para estas Navidades, Cajamurcia, como todos los años, ofrece
un espectáculo de ballet para toda la familia en el Auditorio
Víctor Villegas de Murcia.
El Joven Ballet de Moscú fue creado en 2006, y sus componentes
son jóvenes bailarines, estudiantes entre 8 y 17 años aproximadamente, que pertenecen a varias escuelas de ballet de Moscú.
Por lo tanto no es lo que podríamos considerar una Compañía
“profesional” sino que se integra dentro del término “amateur”.
La dirección corre a cargo de Vladimir Minaev, artista de Honor
de Rusia y como directora artística Ekaterina Dalskaya ex bailarina
del Ballet Bolshoi, Ballet de Yury Grigorovich, Ballet Imperial
Ruso, profesora de prestigiosas escuelas de Rusia e Italia.
En su programación trabajan Suite de Cascanueces o Suite de
La Bayadera. En 2008 la compañía colaboró en la coproducción
de este ballet junto a la escuela de Ballet “FUETE” de Macherata
(Italia). Los componentes del Joven Ballet de Moscú, a pesar
de su corta edad, ya han participado y logrado premios en varios
concursos internacionales como ”Gran Prix de Italia, Premio
SISI en apartado de ballet clásico, Primer Premio en repertorio
y Premio del teatro Rossini (2007). En 2008 obtuvieron el
Primer y Segundo Premio en la categoría European Open, en
Croacia. En 2009, en el grupo de 16 años, en el Concurso de
“Barcelona Dance Award”, lograron el primer Premio en Nominación de Danza Clásica y el Primer Premio en la categoría de
pareja en “World Dance Masters” de Croacia.
El Joven Ballet de Moscú realiza actuaciones periódicas en
Moscú, muchas de ellos son benéficas. La Compañía ensaya y
actúa en el Centro Cultural “Kurchatov” colaborando con el
fondo “Regala la Vida” donando los ingresos de las actuaciones
a tratamientos médicos de niños con enfermedades graves.
<< p_22 // 2009 >>
ARTÍCULO \\
El proyecto de este Ballet se está ampliando y desarrollando para
convertirlo en el Teatro Internacional de Ballet para Niños con el
objetivo de unir a los niños de diferentes países. De momento la
Compañía cuenta con las subvenciones municipales de Italia y
aspira a ampliar sus contactos internacionales.00000000
Para su actuación en Murcia nos presentan el ballet La Cenicienta,
en cuatro cuadros. La música es de Serge Prokofiev, quien lo
concibió, según sus propias palabras, como una ballet clásico
con variaciones, adagios, pas de deux, viendo a Cenicienta no
como un personaje de cuento de hadas sino como una persona
real, La partitura la comenzó en 1940 pero debido a la Segunda
Guerra Mundial y otros encargos, no la terminó hasta 1944.
El diseño de decorado es de Gennady Baburov, reconocido en
el festival de Cannes y artista de Honor de Rusia. El vestuario
es de Liudmila Limanovicht y la coreografía de Ekaterina Dalskaya.
Del ballet La Cenicienta, el Teatro Bolshoi de Moscú estrenó en
1945 una versión con coreografía de Rotislaw Zakharov y libreto
de Nikolai Volkov, con Olga Lepesinskaya en el papel principal.
Una nueva versión con coreografía de Kosntantin Sergeyev se
hizo para el Teatro Kirov (Marinsky) de San Petersburgo (Leningrado, 1946) con Natalia Dudisnkaya en el papel principal y una
nueva producción, revisada por Sergeyev fue estrenada en el
mismo teatro en 1964 con Irina Kolpakova, y esta fue la producción
que presentó el Ballet Kirov en la Metropolitan Opera House de
Nueva York en 1964 con Irina Kolpakova y Yuri Soloviev.
<< p_23 // 2009 >>
Frederick Ashton realizó su propia Cenicienta para el Sadler´s
Wells Ballet, Covent Graden de Londres en 1948 con Moira
Shearer (la protagonista también de la película Las zapatillas
rojas), y en 1949 la gran Margot Fonteyn fue Cenicienta con
esta Compañía en su presentación en Nueva York. Esta Cenicienta
tuvo una gran importancia al ser el primer ballet clásico ingles
en tres actos, la primera obra inglesa de duración completa en
estilo de los ballets del XIX.
EN MURCIA CON EL JOVEN BALLET DE MOSCÚ, EL REPARTO ES:
Solista, La Cenicienta; Julia Karpova. El Príncipe, Filipp Kokn,
la Madrastra, Sabina Nasirova; las hemanastras son Anna
Merabishilli y Saloea Gvaradze y la Hadas, son Alexandra
Rakhmanova (1ª variación), Alla Glushkova - Ekateriba Fonina
(2ª variación) y A. Krasnina o A. Linchuk para la 3ª variación.
El reparto de elenco en variaciones de esta categoría, no cuerpo
de baile, es habitual ya que son papeles que por su dificultad
las bailarinas deben alternarse.
La Cenicienta es un cuento de Charles Perrault “Cendrillon ou
la petite pantoufle de verre” del que escribió una versión oral
en 1697 existiendo en Alemania una versión de 1812 de los
hermanos Grimm, diferente de la francesa y cada país europeo
tiene su propia tradición oral del cuento. En 1950 Walt Disney
hizo la famosa película de dibujos, basada más en la versión
francesa que en la alemana.
// ARTÍCULO
2 cuadro: EL PALACIO REAL
El Palacio está lleno de invitados y entre ellos está la madrastra
y sus dos hijas. El Rey saluda a todos los invitados. De repente
aparece el joven Príncipe. Las hermanastras se esfuerzan con
sus artimañas para conseguir su atención. De repente aparece
una nueva invitada ante cuyo encanto todos se rinden. El
Príncipe no puede quitar su mirada enamorada de su preciosa
desconocida y baila solo con ella. Pero el tiempo va volando,
se oyen las campanadas y Hada Madrina le recuerda que tiene
que darse prisa. Cenicienta huye precipitadamente perdiendo
una de sus zapatillas. El Príncipe está desolado, decide salir
en búsqueda de bella desconocida.
3 cuadro: EN BÚSQUEDA DE BELLA DESCONOCIDA
El Príncipe por todo el mundo está buscando su preciosa
desconocida, la dueña de la zapatilla de cristal, pero no la
encuentra. Y cuando casi pierde la esperanza aparece el Hada
Madrina que le muestra el camino hacia la casa de Cenicienta.
4 cuadro: LA CASA DE LA MADRASTRA
Al ver a la Madrastra con sus hijas el Príncipe se desoló porque
ninguna de ellas ni por asomo se parecía a la bella desconocida
aunque estas se esforzaban al máximo en poner la zapatilla.
De repente del bolsillo de una chica que estaba en un rincón
se cae una zapatilla igual. El Príncipe reconoce a su amada.
Cenicienta y el Príncipe son muy felices, los Hadas rodean a
la joven pareja, bendicen y les auguran años de felicidad.OOOOO
Bibliografía: 101 argumentos de grandes ballets. Georges
Balanchine / Francis Mason.
MARGARITA MUÑOZ-ZIELINSKI
SIPNOSIS DE LA CENICIENTA DEL JOVEN BALLET DE MOSCÚ
1 cuadro: LA CASA DE LA MADRASTRA
Cenicienta está trabajando en casa, limpia suelos, lava platos.
Tiene que trabajar todo el día, pero sus perezosas hermanastras
no hacen nada, prueban los vestidos para la Fiesta y discuten
entre ellas. La madrastra está muy contenta por la invitación
a la Fiesta Palaciega y quiere que sus pendencieras hijas bailen
y demuestren sus cualidades. Empiezan los preparativos para
la gran Fiesta. Todos se van al Palacio dejando a la Cenicienta
sola que está muy desanimada porque sabe que no podrá
asistir a la Fiesta. De repente aparece el Hada Madrina con
su corte. Ella hace realidad su sueño de asistir al Baile vistiendo
a Cenicienta con un traje maravilloso, una diadema con piedras
preciosas y las zapatillas de cristal. Cenicienta debe salir del
Palacio antes de las doce porque si no todo volverá a ser como
antes. La Cenicienta sube al carruaje encantado y va a la Fiesta
Palaciega.
<< p_24 // 2009 >>
DOSSIER \\
Gala de
estrellas
28 de febrero de 2010
EN EL “VÍCTOR VILLEGAS”
AGNÈS LETESTU
Bailarina Estrella de la Ópera de París. Nacida en París, entró
a estudiar en la Escuela de Ballet de la Ópera de París en
1983. En 1987 es contratada, como cuerpo de baile en el
Ballet de la Ópera de París. En 1988, ya como "coryphée" baila
la Sirena de El hijo pródigo de Balanchine. Es ascendida a
sujet y gana el Premio de Eurovisión en 1989. En 1990, gana
la Medalla de Oro en la Competición de Varna y Roland Petit
la escoge para el papel de la muerte en Le Jeunne Homme et
la Mort.
En 1993, es nombrada Primera Bailarina y en 1997, después
de bailar El Lago de los Cisnes de Nureyev, es ascendida a
Bailarina Estrella. En su repertorio cuenta con los papeles más
representativos del repertorio clásico y neoclásico.000000
A lo largo de su carrera ha recibido numerosos premios: 1991
Premio Carpeaux, 1992 Premio del Arop, 1998 Premio Danza
& Danza, 2004 Premio Positano Léonide Massine, 2007 Premio
Benois de la Danza. Es nombrada “Caballero de las Artes y las
Letras” y “Caballero del orden nacional del Mérito.000000
JOSÉ MARTÍNEZ
Bailarín Estrella del Ballet de la Ópera de París. Nacido en
Cartagena, comenzó sus estudios de danza en esta ciudad
con Pilar Molina para continuarlos en el Centro de Danza
Internacional de Rosella Hightower de Francia. En 1987 gana
el Premio de Laussanne y entra en la Escuela de la Ópera de
París. En 1988 Nureyev le elige para formar parte del cuerpo
de baile del Ballet de la Ópera de París y logra ser solista en
1990 y Primer Bailarín en 1992. Es bailarín estrella desde
1997. En 1999 recibe el Premio Nacional de Danza que
otorga el Ministerio de Cultura español y ese mismo año es
galardonado con el título de Mejor Bailarín del Mundo por la
revista de danza japonesa Shishokan Dance Magazine.
Es el único bailarín español que posee, entre otros galardones,
la Medalla de Oro del prestigioso Concurso Internacional de
Varna, conseguida en 1992. Dentro de su repertorio destacan
grandes ballets clásicos, y ballet neoclásicos y contemporáneos.
A lo largo de su carrera ha recibido numerosos premios y
distinciones siendo el último de ellos el ‘BENOIS DE LA
DANCE’ 2009 por su primera gran coreografía LES ENFANTS
DU PARADIS, por encargo de la Ópera de París.00000000
<< p_25 // 2009 >>
// DOSSIER
ROMEL FRÓMETA
Bailarín Principal del Royal Ballet. Nacido en La Habana, inició
sus estudios en 1992 en la Escuela Provincial de Ballet "Alejo
Carpentier" y los continuó en la Escuela Nacional de Ballet, a
partir de 1998. Entre sus profesores en su etapa de estudiante
se cuentan Alina Diaz, Marta Bosch y Mirta Hermida.0000000000
Cuenta con numerosas distinciones tanto en Cuba como en el
extranjero siendo la última la Medalla de Oro y Medalla de la
Ciudad (2000), en los Encuentros-Concurso Internacional de
Academias para la Enseñanza del Ballet, celebrados en la capital
cubana. En el 2001, pasó a integrar el elenco del Ballet Nacional
de Cuba, bajo la dirección técnico-artística de Alicia Alonso. Con
solo 21 años ya era primer bailarín. Ha participado en los Festivales
de Ballet de la Habana y en 11th World Ballet Festival (Tokio). Ha
actuado en España, Italia, Japón, Dinamarca, Holanda, República
Popular China, México, República Dominicana, Turquía y los
Estados Unidos entre otros.
TAMARA ROJO
Bailarina Principal del Royal Ballet de Londres.
Nacida en Montreal, (Canadá) de padres españoles, su familia
regresó a España cuando tenía cuatro meses de edad. Comenzó
a bailar a la edad de 10 años en el Centro de Danza Víctor
Ullate en Madrid (1983-1991), y completó su formación con
David Howard y Renatto Paroni. Tamara siguió trabajando con
la Compañía de Ullate 1991 a 1996. A la edad de 20 años se
le ofreció un contrato con el Ballet de Escocia, por Galina
Samsova. En 1997 entró a formar parte del English National
Ballet como bailarina Principal. Y entra a formar parte del Royal
Ballet como bailarina Principal al inicio de la temporada
2000/2001. Ha interpretado los papeles principales de los
grandes ballets del repertorio clásico y neoclásico además de
creadores contemporáneos.
Tiene en su haber numerosos premios siendo el último, el premio
Príncipe de Asturias de las Artes en 2005.
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DOSSIER \\
ALICIA AMATRIAIN
Bailarina Principal del Sttutgart Ballet. Nació en San
Sebastián, España, donde recibió su primera formación de
ballet. A la edad de catorce años es admitida en la escuela
de John Cranko en Stutgart. Forma parte del Stutgart Ballet
como aprendiz en 1998 y del cuerpo de baile en 1999.
Fue promovida a Demi-Solista en 2000 y como Bailarina
Principal en 2002.00000000
En 2002 Alicia Amatriain hizo su debut como Tatiana en
Oneguin de John Cranko; y como Reina Isabella en Edward
II de David Bintley. Alicia ha bailado también los papeles
de solos de Balanchine, Robbins, Neumeier, Cranko, Jean
Christophe Blavier, etc. Los siguientes coreógrafos han
creado papeles especialmente para ella: Jean Christophe
Blavier en E=cm2, el coreógrafo canadiense Dominique
Dumais en Still, nest; Christian Spuck, coreógrafo en
residencia en el Ballet de Stutgart, en Songs and Nocturne,
tanto como el coreógrafo Itzik Galili en su Pas de Deux
Mono Lisa, y Wayne McGregor en Nautilus.0000000000
0000000000000
IVÁN GIL ORTEGA
Bailarín Principal del Het National Ballet. Nació en Madrid,
España. Recibió su formación en la Escuela de Ballet "Joan
Magrinya" Barcelona, Escuela de Ballet Gran Teatro del Liceu de
Barcelona y la Escuela de Ballet Carmen Roche, de Madrid. En
1995 se incorporó el Ballet de Stuttgart como miembro del cuerpo
de ballet. Se unió a la Deutsche Oper de Berlín como solista en
1996, volviendo a El Ballet de Stuttgart en 1997. En 2001 fue
promovido a bailarín principal. Salió de Stuttgart en 2007 al
conjunto Het National Ballet como bailarín principal. Durante su
carrera ha bailado los papeles principales del repertorio clásico
incluyendo además papeles protagónistas en coreografías de Hans
van Manen, Uwe Scholtz, David Bintley, Jerome Robbins, William
Forsyte, George Balanchine, Mauro Bigonzeti, Nicolo Fonte, Goyo
Montero y Christian Spuck. Desde finales de 2007, Gil-Ortega ha
trabajado como bailarin independiente, actuando galas internacionales de todo el mundo y como artista invitado con compañías
como Ballet de Santiago, Ballet de Stuttgart, West Australian
Ballet, el Ballet Nacional de Croacia, Universal Ballet de Corea,
Teatro San Carlo Napoli, Maggio Danza, y muchos otros.00000
En 2009 ganó el Premio Positano de Danza en Italia. También
ha trabajado como asistente de Christian Spuck, coreógrafo
residente en el Stuttgart Ballet, y asistente de Goyo Montero.
<< p_27 // 2009 >>
// DOSSIER
JONE SAN MARTIN
The Forsythe Company. Nacida en San Sebastian. Comenzó
sus estudios con Mentxu Medel (SanSebastián), Institut
del Teatre (Barcelona) y Mudra Internacional, Maurice
Bejart, (Bruselas). Ha bailado en: Ballet de Barcelona,
1986-87 Ballet Nacional de España 1987, Ulmer Teather,
Philippe Talard, Alemania 1988-89,
Archipel Sud, Bèlgica 1989-90, Cia. Jose Besprosvany,
Bèlgica 1990-91, Cia. Jacopo Godani, Bèlgica 199091, Ballet de Charleroi, Bèlgica 1990-91, Ballett Frankfurt,
William Forsythe Alemania 1992-2004. Y en The Forsythe
Company desde 2005 hasta la actualidad.0000000
Como bailarina ha sido invitada a inaugurar la exposicion
de Francis Bacon junto con W. Forsythe, Dana Caspersen
y Kristine Burkle en el Museo Haus der Kunst en Munich
1996. En la Fundacion Cartier para la exposicion de Issey
Miyake junto con Kristina Burkle, París 1999. Invitada
al Festival de Avignon con la coreografia «Tourlourou» de
Carlotta Sagna en 2004. Jone San Martin fue IV. Premio
de la Danza, de la Asociación profesionales de Guipuzcoa.
AMANCIO GONZÁLEZ
The Forsythe Company. Nacido en Bilbao. Comenzó
sus estudios de danza con Ion Beitia, Las Arenas y en
el Centro International de Danza de Rosella Hightower,
en Cannes, (Francia). Ha bailado en el Scottish Ballet,
Glasgow, (Escocia), NAPAC Dance Co., Durban, (Sur
Africa), Rotterdamse Dansgroep, Rotterdam, (Holanda),
Reflex Dansgeselschaft, Groningen, (Holanda), Scapino
Ballet Rotterdam, Rotterdam, (Holanda), Frankfurt
Ballett, Frankfurt (Alemania), y la compañía, Forsythe
Co., Frankfurt (Alemania).
<< p_28 // 2009 >>
DOSSIER \\
JUANJO ARQUÉS
SEH YUN KIM
Solista del Dutch National Ballet. Nacida en Seoul, (Korea). Comienza
sus estudios en la Kirov Academy, Washington DC con Alla Sizova. Ha
sido bailarina principal en el Universal Ballet de Seoul, Korea. Solista en
el Zurich Ballet y en la actualidad Solista del Dutch National Ballet. Ha
interpretado los roles principales del Lago de los cisnes, Don Q, Sleeping
Beauty, Giselle, La Bayadere. Dentro del repertorio neocláscio y contemporáneo ha bailado a Balanchine, Jiri Kylian, Nacho Duato, Hans van
Manen, Heinz Spoerli, Rudi van Danzig, Nicolo Fonte, Christopher Wheeldon,
Martin Schlapfer, Alexi Ratmansky, Krzysztov Pastor, Peter Leung, Juanjo
Arques, Val Caniporali, Ted Brandsen, Heinz Spoerli, Nicolo Fonte, Martin
Schlapfer, Krzysztov Pastor, Oleg Vinogradov, Peter Leung y Juanjo Arques.
<< p_29 // 2009 >>
Solista del Dutch National Ballet Soloist. Nacido
en Murcia. Estudio en el Conservatorio Profesional
de Danza de Murcia con José Antonio Robles y en
Madrid con Carmina Ocaña. Ha bailado como solista
en el Ballet de Víctor Ullate, en el English National
Ballet, y en el Dutch National Ballet de Amsterdam.
En su repertorio se encuen tran los roles clásicos
principales y neoclásicos y contemporáenos de
Balanchine, Sir Kenneth Macmillan, Hans van
Manen, Rudi van Danzig, Merce Cunningham,,
William Forsythe, David Dawson, Víctor Ullate,
Christopher Wheeldon, Nicolo Fonte, Martin Schlapfer, Alexi Ratmansky, Krzysztof Pastor, Anabelle
Lopez Ochoa, Creations with Hans van Manen,
Nicolo Fonte, Martin Schlapfer, Krzysztov Pastor,
David Dawson, Christopher Hampson, Ted Brandsen.
De la misma manera tiene una intensa trayectoria
como creador con diferentes trabajos como: Sensual
Enjoyments - ENB Workshop 2002. London. Tribal
- ENB Workshop 2003. Linbury Studio, Royal Opera
House. London Vita Brevis - HNB Workshop 2007.
Amsterdam. Wonder Waltz - HNB Workshop 2008
Amsterdam. L'etranger – The Korea World Dance
Stars Festival 2008 Seoul. Confined Space - Het
Nationale Ballet, Muziektheatre. 2008. Amsterdam.
Behavioral Patterns - Het National Ballet,
Stadsschouwburg. 2009. Amsterdam. In Hidden
Waves - Het National Ballet, Muziektheatre. 2009.
Amsterdam.
// ENTREVISTA
[1]
AVATÂRA
AYUSO
[2]
Avatâra Ayuso es una joven coreógrafa española, con residencia en Londres, cuyo currículo abarca formaciones tan
variadas como su paso por D.A.N.C.E (Dance Apprentice
Network aCross Europe) dirigido por William Forsythe, Wayne
McGregor, Frédéric Flamand y Angelin Preljocaj, como el
ser integrante de la Shobana Jeyasingh Dance Company
(London), compañía de marcado gesto hindú/indio fusionado
con la danza contemporánea, sin olvidarnos, de su paso por
The Place; de que es una bailarina de tango extraordinaria
y posee una exahustiva formación en danza clásica de la
mano de su maestra Carmina Ocaña, entre otras.00000
Cuando te encuentras con Avatâra y tomas un té con ella,
y posiblemente un trozo de bizcocho, te das cuenta de que
estás ante una persona inteligente, radiante, sensible y
luchadora, que intenta abrirse camino en el tan difícil mundo
de la danza (cosa que está consiguiendo).
[1] Ensayo Looking Backward to To-Morrow. Fotografía: Eugenia Morales
[2] Avatâra Ayuso y Carmen Piqueras dirigiendo un ensayo. Fotografía: Eugenia Morales
[3] Ensayo. Alejandra Baños y Teresa. Fotografía: Tania Herrero
[4] Looking Backward to To-Morrow, en la sala Dalcroce. Fotografía: Eugenia Morales
El último proyecto que ha elaborado ha sido Looking Backward
to To-Morrow, su primera producción de programa completo,
financiado por dos instituciones alemanas: European Center
for the Arts Hellerau y TanzPlan Dresden. Este proyecto
tiene como base la primera ciudad jardín que se construyó
en Alemania, Hellerau, un marco incomparable donde en
la historia de principios de siglo XX, lo urbano y lo utópico
se entrelazan.
<< p_30 // 2009 >>
ENTREVISTA \\
[3]
¿CÓMO SURGIÓ EL PROYECTO?
Fue a partir del año 2006. Yo vivía en Dresden por entonces y gracias
a las magníficas oportunidades que tuve durante mi participación
en el programa Dance Apprentice Network Across Europe (DANCE)
hicimos varios proyectos en colaboración con la TransMedia Academi
(un laboratorio de tecnología y artes escénicas) y actuamos en el
admirable teatro del Festpielhaus, institución asociada a nombres
como Mary Wigman, Dalcroze y artistas de la Bauhaus. Ambas
instituciones están en Hellerau. Recuerdo que el primer día me
perdí por las callejuelas de la ciudad-jardín, y me encantó esa
sensación de laberinto orgánico al que me llevó ese despiste. A partir
de ahí me empecé a interesar por la historia de esa pequeña ciudad
de la que nunca había oído hablar. Fascinada por su diseño urbano,
meses después empecé una investigación más profunda con mis
colaboradores habituales Carlos Fernández y Eugenia Morales. Dos
años después se abrió una convocatoria para jóvenes coreógrafos en
Dresden. Nuestro proyecto tenía el perfil perfecto.000000000000
CUÉNTAME EN QUÉ CONSISTE EL PROYECTO
Looking Backward to To-Morrow es una coreografia financiada por
el Centro Europeo para las Artes de Hellerau, y TanzPlan Dresden.
La pieza explora a través del movimiento, la imagen, el sonido y el
diseño escenográfico las tensiones implícitas entre naturaleza y
sociedad en uno de los proyectos urbanísticos más fascinantes del
siglo pasado: la ciudad jardín de Hellerau. Para esta producción, he
reunido a un equipo de colaboradores multidisciplinar e internacional,
compuesto por una arquitecta (Eugenia Morales), dos compositores
(Stephan Wöhrmann y Oliver Doerell), un video artista (Pipo Tafel),
una diseñadora de vestuario (Silke Abendschein), una repetidora
(Carmen Piqueras) y un ayudante de producción (Carlos Fernández).
Cinco bailarinas completaron el equipo. También conté con la
colaboración especial de 8 estudiantes del conservatorio de Palucca
Schule Dresden y con el apoyo de la Deutsche Werkstätten Hellerau.
<< p_31 // 2009 >>
¿QUÉ HA SUPUESTO PARA TI PODER CREAR EN ESTE ESPACIO TAN
EMBLEMÁTICO, Y CON TANTA CARGA HISTÓRICA?
El Festpielhaus es uno de los teatros europeos de artes escénicas
con más nombre actualmente y William Forsythe es coreógrafo
residente desde el 2005. Desde el primer momento en el que pisé
el teatro (esta vez como coreógrafa) me sentí privilegiada por haber
podido tomar parte de la historia de esta institución.
¿QUÉ RELEVANCIA TIENE LA ARQUITECTURA DE HELLERAU EN LA PIEZA?
El punto de partida de Looking Backward to To-Morrow era la íntima
relación entre danza y arquitectura, ambas disciplinas juegan con
el espacio y con el movimiento, pero desde perspectivas distintas.
La ciudad de Hellerau, como ciudad-jardín que es, se organiza con
unos patrones urbanos que pretenden seguir de la forma más orgánica
posible la topofragía de la naturaleza. La ciudad se presentó como
una solución “ideal” a las malas condiciones de vida de la ciudad,
así la integración de lo urbano con la estructura laberíntica y orgánica
de la naturaleza parecían ser la respuesta. Tanto la escenografía (a
cargo de la arquitecta Eugenia Morales) como las pautas coreografícas
se inspiraron en esos patrones urbanos y naturales que se ven y
experimentan cuando uno camina por Hellerau.
La escenografía es una estructura móvil de 11 m de largo por 3 de
alto, con 7 módulos de distintos niveles intermedios, que eran
movidos por el quinteto de bailarinas para formar nuevas configuraciones espaciales, conformándose de esta manera el sexto bailarín.
¿CUÁL Y CÓMO HA SIDO EL PROCESO DE CREACIÓN? ¿CÓMO FUE LA
SELECCIÓN DE LAS BAILARINAS?
La creación del movimiento tuvo lugar durante 7 semanas, pero la
organización del grupo de colaboradores empezó unos seis meses
antes. Quería trabajar con gente a la que ya conocía pero con la que
nunca me había podido reunir. El primer paso fue encontrar a las
bailarinas. El bailarín es el que le da razón de existir a una coreografía,
// ENTREVISTA
quería asegurarme de que tenía a un grupo sólido de chicas. Sí,
quería sólo chicas, para poder mostrar la fuerza que el cuerpo
femenino puede tener en escena, sin limitaciones físicas en momentos
de contact. Quería trabajar con el cuerpo en movimiento y demostrarme/nos que el buen bailarín de contemporáneo no depende de
ser hombre o mujer, sino del trabajo que inviertas en hacer que algo
funcione. Teniendo esto en mente llamé a varias bailarinas que
tenían mucha personalidad y ganas de explorar.
[4]
HÁBLAME DEL QUE HAYA DOS MURCIANAS DENTRO DE TU EQUIPO ¿A
QUÉ SE DEBE?
Elegí a Alejandra Baños (como bailarina) y Carmen Piqueras (como
repetidora) porque las conocía con anterioridad y me gustaba su
entusiasmo. Ambas daban el perfil perfecto para lo que tenía en
mente. Me temo que mi criterio de selección no fue el que fuesen
murcianas! Lo mejor de haberlas tenido es que siempre sacan su
espontaneidad y saben relajar el ambiente. No tienen esas constricciones de comportamiento que otras culturas pueden tener como
la inglesa o alemana. Muestran su personalidad sin miedo y están
orgullosos de sus raices. Creo que el murciano es murciano siempre
hasta la médula! Esté donde esté siempre deja sentir un poquito
su tierra.
¿CÓMO TE HAS SENTIDO AL COMPARTIR PROGRAMACIÓN CON FORSYTHE,
UNO DE LOS COREÓGRAFOS MÁS IMPORTANTES DE LA ESCENA EUROPEA?
Afortunada, no hay otra palabra.
¿POR QUÉ ESTÁS TRABAJANDO FUERA?
Porque hay más oportunidades para desarrollarte profesionalmente.
En países como Inglaterra, Alemania o Francia quieren a gente que
tenga ganas de ampliar sus facultades artísticas y que quieran luchar
al máximo para conseguirlo. Aun así, siempre que puedo vuelvo a
España a dar talleres (mucho más difícil es traer mi trabajo
coreográfico). Quiero traer a mi país lo que voy descubriendo fuera.
Los jóvenes coreógrafos necesitamos que las instituciones nos apoyen
y confíen en nuestras capacidades; y eso todavía no se consigue
fácilmente en España. En Europa si ven que luchas, te apoyan. En
realidad eres como su tarjeta de visita: si tú haces un buen trabajo,
ellos se llevan reconocimiento también. Ambas partes sacan beneficio.
El camino no es fácil, como todos sabemos, pero sigo y seguiré
luchando por volver y compartir. Tengo fe en que el cambio llegará.
¿CÓMO DEFINIRÍAS TU TRABAJO?
Muy intenso física y mentalemente. Al final, todos (sobre todo las
bailarinas!) acabamos exhaustos pero siempre con un buen sabor
de boca y con ganas de empezar nuevos proyectos.
¿CUÁLES SON TUS PROYECTOS A CORTO Y A LARGO PLAZO?
A corto, intentar traer Looking Backward to To-Morrow a España.
Tenemos un buen aval: tanto las críticas como ambas instituciones
nos han mostrado su apoyo. Quiero compartir con el público español
el maravilloso proceso por el que ha pasado todo el equipo de
colaboradores.
A largo, seguir coreografiando, seguir bailando, seguir enseñando
y seguir aprendiendo, de los mejores, tanto como sea posible.
Afortunadamente, me quedan infinitas cosas por conocer. Siempre
hay más.
TANIA HERRERO
Más in formación en: www.avataraayuso.com // www.tanzplan-dresden.de // www.hellerau.org
:::: ROYAL ACADEMY OF DANCE ::::
Nuestra Señora de los Buenos Libros // Edificio San Cosme, 1 - Bajo Derecha // 30008 - MURCIA
Teléfono: 968 23 01 62 // Móvil: 609 821 246 // www.balletbuitrago.com
<< p_32 // 2009 >>
DOSSIER \\
LA COMPAÑÍA
Fundada en 1986, en Sines, el Teatro del Mar es una compañía de
teatro físico, itinerante por excelencia, dirigido a audiencias jóvenes.
Se afirma a través de un lenguaje contemporáneo y multidisciplinar,
utilizando el nuevo circo, la danza, la música, las artes visuales y
las nuevas tecnologías para contribuir a un significado común y
global.
La compañía desempeña un trabajo de reflexión e investigación
cuya acción teatral se multiplica transversalmente en creación,
formación, y promoción según las principales líneas orientadoras:
el teatro de calle y el teatro para la infancia y juventud.000000
Fundiendo tradición con innovación y contemporaneidad, se desarrolla
sobre temáticas cuyo enfoque del hombre contemporáneo y su
condición existencial, hace una idea de progreso y consecuente
transformación de sus identidades y de sus memorias afectivas y
culturales
HISTORIA
TEATRO
do MAR
El Teatro do Mar nace en Sines (Portugal), en el litoral del Alentejo,
como proyecto teatral vocacional para jóvenes audiencias el 8 de
marzo de 1986. Sus fundadores fueron el ya fallecido actor y director
Vladimiro Franklin (1948-1998) y Julieta Aurora Santos actual directora
artística de la compañía.
Con una estructura permanente de actores, técnicos y colaboradores
regulares, la compañía ha llevado el teatro por todo el país y por el
extranjero a Festivales Nacionales e Internacionales, a plazas,
ciudades, salas concertadas y también e escuelas, barrios y pequeñas
localidades, atrayendo a lo largo del tiempo a millones de espectadores
y el reconocimiento del público de la empresa y de las instituciones.
Más allá de sus funciones específicas la compañía ha desempeñado
un papel de agente cultural y artístico en su región, participando
activa y permanentemente con las instituciones, con las escuelas,
con jóvenes y adultos a través de diversas iniciativas y proyectos de
formación y sensibilización de nuevos públicos.
En 1999 el Teatro do Mar es galardonado con la medalla al Mérito
Cultural de la ciudad de Sines. En 2001, su directora recibe el
trofeo de la región de turismo de la Costa Azul por los servicios
culturales prestados a la región. En 2003, la compañía recibe el
premio Mais Teatro de la revista (Mais Alentejo)
El TEATRO do MAR clausuró ALTER ARTE 2009 con NUSCAM.
NUSCAM es un posible retrato del hombre contemporáneo en busca
de sí mismo y de su propia razón de ser en el mundo. Una búsqueda
desesperada para sobrevivir a la presión de la coerción social que
nos aprisiona en burbujas particulares y nos transforman en individuos
resultados de patrones y normas sociales. La búsqueda de modelos
ideales que producen esencialmente, alineación, ideas ilusorias de
libertad y felicidad, conflicto generado entre el idealismo de cada
uno y la respectiva capacidad de concretizarlo, aísla a cuatro
personajes en sus frustraciones, conduciéndolos gradualmente una
ruptura con la realidad. El ascenso a nosotros mismos donde todas
las utopías son posibles irán diseñando los caminos para la reconciliación o para la total incompatibilidad con sus vidas.00000000
www.teatrodomar.com
<< p_33 // 2009 >>
// ENTREVISTA
ASUN NOALES
Asun Noales nació en Elche (Alicante). Es entre otras muchas cosas
bailarina y coreógrafa. Ha bailado en diferentes Compañías Nacionales
e Internacionales como Ballet Contemporani de Barcelona, Mudances
/ Angels Margarit, Roberto G Alonso, Rick Merril &Friends, Tanz Forum
Koln, Vicente Saez, Centro Coreográfico Teatres de la Generalitat
Valenciana. Fue codirectora de la Cía. Patas Arriba hasta el 2006 y
actualmente dirige su propia compañía, Otradanza. También ha
coreografíado para otras compañías como el Ballet de Teatres de la
Generalitat Valenciana, Take Dance Company,Una Danza Joven Costa
Rica, Paserelles 03, Bélgica, Suny Purchase. En estos momentos se
encuentra ante el estreno de su última pieza El Gran Banquete.00000
[1]
[2]
Recientemente en los premios de las artes escénicas dos de tus coreografías
obtuvieron 12 nominaciones, creo que es la primera vez que se da un suceso
así ¿qué premios obtuviste y que ha significado para ti?
No es muy normal que un mismo coreógrafo obtenga nominaciones en
varias categorías por dos veces. Este año ha ocurrido y tanto Tierra como
Llebeig, las dos piezas nominadas y premiadas, las he creado en el
2008 y estoy muy satisfecha de ambos trabajos y parece ser que la
profesión también lo ha valorado así. Los Premios al final son siempre
un reconocimiento a todo un equipo, a un esfuerzo compartido y suponen
una gran alegría y satisfacción en el momento en el que los recibes.
Cualquiera de los que estábamos allí nominados podría haber experimentado esa emoción que me tocó experimentar a mí. Creo que la
producción del año de una Comunidad, el mejor espectáculo de danza
como ha sido el caso de Tierra, el mejor premio que podría recibir es
que tuviera una gira por toda la Comunidad, donde los teatros y los
ciudadanos que han subvencionado esa producción con sus impuestos
también pudieran ver ese trabajo cerca de sus casas.000000000000
ACABAS DE ESTRENAR TU ÚLTIMO ESPECTÁCULO CON OTRA DANZA, EL
GRAN BANQUETE, CON MÚSICA DE CHAPÍ, ¿CÓMO SURGIÓ LA IDEA?
El Gran Banquete es un encargo del Teatro Chapí de Villena en coproducción
con mi Compañía Otra Danza. Todo surgió a partir de las ganas de hacer
algo con música de Ruperto Chapí y danza contemporánea con motivo
del centenario de su fallecimiento. Al escuchar sus Sinfonías, todo me
llevaba a un mundo estridente, festivo y lúdico e imaginé una gran fiesta
de personajes excéntricos y divertidos que compartieran una noche mágica
en el palacio de uno de los personajes. La música me llevó a la idea y
la idea me llevó al movimiento y a la dramaturgia de cada escena. Ha
sido una producción muy rápida, en apenas cinco semanas se ha realizado
todo, coreografía, escenografía, vídeo, montaje, así que ese dinamismo
durante la producción también se refleja en la pieza. Vamos, que el que
la viene a ver no tiene tiempo de aburrirse.000000
[1] El Gran banquete. Foto: Germán Antón [2] Asun Noales. Foto: Germán Antón
[3] El Gran banquete. Foto: Germán Antón [4] Asun Noales. Foto: Germán Antón
<< p_34 // 2009 >>
ENTREVISTA \\
[3]
¿CÓMO ENFOCASTE ESTE NUEVO RETO? ¿QUÉ TE APORTO? ¿DÓNDE LO
PODEMOS VER Y CUANDO?
Pues quería hacer un espectáculo muy fresco, dinámico, con un punto
de humor y que llegase a todo el público, como la música de Chapí,
una música fácil y que muchísima gente conoce, sobre todo sus zarzuelas.
Con El Gran Banquete he podido conocer en profundidad más obra de
Chapí, tan cercano a mí, por proximidad geográfica y tan lejana al mismo
tiempo. Me ha aportado el poder trabajar en colaboración con el Teatro
Chapí de Villena y con su director Paco Flor. Nos conocíamos desde
hace muchos años, pero trabajar en su casa, ha sido todo un placer.
Tanto él, persona amante de su trabajo y con una disponibilidad y
motivación para idear cosas nuevas, como todo su equipo Tony y Pepe
de los que me llevo en mi corazón muy buenos ratos de una semana
intensa de trabajo dentro del Teatro. Sobre todo me ha aportado eso,
poder trabajar a mis anchas en un teatro precioso un espectáculo cuyo
resultado me ha sorprendido a mí misma, y esto es la primera vez que
me ocurre después de tantos años. El próximo 4 de diciembre actuaremos
en el Gran Teatro de Elche con la Orquesta Ciutat de Elx en directo, no
os lo perdáis.
EN PLENA RESACA DEL ESTRENO DE EL GRAN BANQUETE HAS COMENZADO
UNA NUEVA PRODUCCIÓN CON TU COMPAÑÍA BACK, VAS A UTILIZAR MÚSICA
ORIGINAL Y EN DIRECTO DE ZOE KEATING, ¿CÓMO EMPEZÓ TU RELACIÓN
ARTÍSTICA CON ZOE?
Si, con el maquillaje todavía en los ojos nos hemos enfrascado en un
nuevo proyecto, Back, en coproducción con el Centro Párraga de Murcia,
L´escorxador de Elche y subvencionado por Teatres de la Generalitat
Valenciana. La música la está componiendo Zoe Keating, chelista
Canadiense afincada en California. La conocí en 2008 a traves de la
herramienta Itunes Store. Buscaba música de Chelo electrónico para
Llebeig, la pieza que he realizado para el Ballet de Teatres y casualmente
su música fue la primera que escuché, luego le siguieron un sin fin de
chelos y demás, pero volví a ella, y la llamé. Zoe fue muy amable y en
seguida se abrió para que usara sus músicas cuando quisiera, y me
comentó que había colaborado en alguna ocasión con danza. Así que
compré todas sus canciones y empecé a trabajar con ella y el Ballet de
Teatres en mi nueva coreografía Llebeig. A las pocas semanas Joan
<< p_35 // 2009 >>
Cerveró, director de la Orquesta de Valencia se puso en contacto conmigo
para ver si existía la posibilidad de que la música de Llebeig se tocara
en directo. Y hablando con Zoe, ella se prestó a venir y la tuvimos en
Valencia durante 8 días en el Teatro Principal tocando como los ángeles
para nosotros y nuestra danza. Fue algo muy especial. Así que nos
hicimos muy colegas y ahora volvemos a encontrarnos en Back. Y quizás
también la tengamos interpretando en directo su música en nuestro
estreno el 12 y 13 de Marzo en el Centro Párraga.
¿CÓMO FUE LA EXPERIENCIA DE CREAR UNA COREOGRAFÍA PARA EL BALLET
DE TEATRES DE LA GENERALITAT? ¿REPETIRIAS LA EXPERIENCIA?
Me encantó. Llegué con poco tiempo también, en apenas cinco semanas
la pieza tenía que estar terminada. Así que no hice audición a los
bailarines sino que llegue y sin tiempo que perder cogí a los 19 intérpretes
que en ese momento componían el elenco del Ballet de Teatres y empecé
a crear con sus cuerpos ese viento incesante que mueve toda la pieza.
Lo demás fue todo rodado, ya que esta plataforma institucional te da
la posibilidad de trabajar con los mejores y así fue. La iluminación,
trabajada junto a Nicolás Fistchel, uno de los mejores iluminadores que
cuenta hoy en día este país. La escenografía con Odeón decorados, y
el vestuario con Ana Gallardo diseñadora Cartagenera que ya ha colaborado
conmigo en varios proyectos y que quise que también me acompañara
en este. El no preocuparme de presupuestos, altas y bajas, horarios de
ensayos, lugar de ensayo y demás quebraderos de cabeza que tienes
con tus trabajos en compañías pequeñas, te dan como creador una
tranquilidad y efectividad mucho mayor. Así que por supuesto repetiría
mañana mismo la experiencia si me lo pidieran.
¿EN QUE COMPAÑÍA NACIONAL O INTERNACIONAL TE GUSTARÍA COREOGRAFIAR?
En cualquiera que les guste mi trabajo y sepan valorarlo. Pero por gustar
no me importaría nada montar algo para la Compañía Nacional de Danza,
el Netherlands Dance Theater, el Cullberg Ballet, o Luna Negra en EEUU
que a partir de Junio de 2010 dirigirá mi colega Gustavo Ramírez
Sansano.
EN TIERRA NOS PRESENTASTE TU TIERRA, LA QUE TE RODEA, UNA TIERRA
VIVA Y LLENA DE ENERGÍA, EN BACK ¿CON QUE NOS VAS A SORPRENDER?
¿DÓNDE Y CUÁNDO LO PODREMOS VER?
[3]
// ENTREVISTA
Back es una vuelta atrás, al movimiento en esencia, a los juegos en el
espacio, a la energía de los cuerpos. Back es otro paisaje y otro viaje
nuevo de Otra Danza. Inspirado en la obra sencilla y a la vez inverosímil
del pintor Holandés Esher. Back viajará entre la realidad y lo onírico.
Jugando con la luz de Juanjo Llorens y la escenografía de Luis Crespo
iremos y volveremos a lugares que construiremos y deconstruiremos
durante la obra. Back es para mí el propio proceso creativo. Cuando
te enfrentas a un nuevo trabajo siempre partimos de la nada y creamos
un mundo diferente, a través de la investigación y la creación en el
estudio, pero la esencia y la emoción de ese primer día de ensayo es
lo difícil de mantener con la repetición. Back habla de esa esencia. Del
origen de las cosas. Back estará el 19 de Diciembre en Elx como work
in progress y el estreno absoluto será el 12 y 13 de Marzo en el Centro
Párraga. Después actuaremos en el Teatro Rialto de Valencia del 1 al
4 de Abril y en el Arniches de Alicante el 29, día Internacional de la
Danza.
ERES UN REFERENTE COMO COREÓGRAFA Y COMO COMPAÑÍA EN LA COMUNIDAD VALENCIANA, ¿CÓMO TE PLANTEAS LOS PREPARATIVOS ANTES DE
COMENZAR UNA NUEVA CREACIÓN? ¿CUÁNTO VARIA EN SU PROCESO CON
RESPECTO A LA IDEA ORIGINAL?
La Comunidad Valenciana me ha visto crecer como intérprete y coreógrafa.
Desde los 16 años ando por ahí subida a los escenarios intentando
estabilizarme en mi trabajo y darle continuidad a la Compañía. Actualmente ese lugar es Elche. Donde la Compañía tiene su sede en
L´Escorxador y desde donde surgen todos los nuevos proyectos creativos.
He pasado por varias residencias, el Centro Coreográfico de Teatres de
la Generalitat Valenciana, la escuela de Artemis Plaja en Tarragona, la
escuela de Pilar Sánchez en Elche, el Gran Teatro de Elche, el Conservatorio Profesional de danza de Alicante, pero actualmente me siento
por primera vez de verdad en un lugar hecho para crear. Es decir, un
lugar donde tú pones tus horarios y no te vienen impuestos, donde
tienes todas tus herramientas para trabajar y no tienes que recoger el
chiringuito cada día, donde tú decides y eso es un gran paso.
El planteamiento a la hora de empezar siempre tiene que partir de una
inspiración, y de las ganas de trabajar en algo, que muchas veces
aparece en medio de otro proceso anterior. Después viene la parte más
difícil y aburrida pero absolutamente necesaria y agradecidos de que
exista que es el encontrar financiación para el proyecto, subvenciones,
coproducciones colaboraciones y demás. Después me planteo con que
intérpretes quiero trabajar y con que equipo artístico, músicos, iluminador,
escenógrafo, vídeo-artista, diseñador de vestuario etc. dependiendo de
las necesidades del proyecto y dependiendo también en gran medida
de la partida económica de la que disponga, soy bastante realista y si
las condiciones no son las más óptimas, prefiero dejar ese proyecto o
esa idea aparcada para una mejor ocasión. Y cuando ya tengo toda esa
parte de producción más o menos encauzada, me meto en el estudio
con mis bailarines y mi asistente y manos a la obra. En ese momento
el proceso se adapta a la creación y viceversa, no soy nada hermética
y me dejo fluir con lo que va surgiendo. Una cosa lleva a otra y finalmente
la idea original siempre está ahí, aunque la imaginación va siempre
mucho más allá de la realidad.
¿QUÉ IMPORTANCIA LE DAS A LOS DEMÁS ELEMENTOS ESCENOGRÁFICOS,
VESTUARIO, ILUMINACIÓN, VIDEO, ETC., CON RESPECTO A LA DANZA EN
TUS CREACIONES?
Un espectáculo es una fusión de todo lo que aparece en el escenario,
no se deben ver elementos por separado sino como un todo. Es como
una criatura que respira y está viva porque todos sus órganos funcionan
conjuntamente. ¿Cómo los planteas? Muchas veces imagino las escenas
ya con luz y dentro de un espacio escénico así que me sirvo de técnicos
que me ayudan a realizar el trabajo de montaje, enfoque y grabación
de memorias según mi concepto de iluminación y espacio escénico.
Otras veces, como ocurrirá en Back trabajo en equipo con un diseñador
de escenografía, iluminador, ambiente sonoro etc. Partiendo de mi idea
cada uno aporta sus planteamientos y entre todos hacemos el espectáculo.
¿CÓMO LLEVAS LA CIRCUNSTANCIA DE SER LA DIRECTORA, COREÓGRAFA
E INTÉRPRETE DE LA COMPAÑÍA?
Lo llevo bastante bien, mis bailarines dicen que soy un poco extraterrestre.
Tengo mucha capacidad de trabajo y me encanta dedicarme a lo que
me dedico, yo siempre digo que soy una privilegiada. La verdad, no te
voy a engañar, a veces es un poco estresante, lo reconozco, sobre todo
cuando llega la semana de montaje en el escenario y tengo que estar
dentro, fuera, a un lado y al otro, y todas las preguntas de todo el mundo
se dirigen a ti, y tienes que estar en todo a la vez, pero sinceramente,
después salgo al escenario y suelto toda esa adrenalina y se me olvida
ese cansancio en cuanto doy el primer paso. En Back, no voy a bailar,
voy a estar fuera, así que ya te contaré como va la cosa.0000000
¿QUÉ FACETA TE REPORTA MÁS ALEGRÍAS?
Siempre seré bailarina, me encanta estar sobre las tablas, pero he de
reconocer que como coreógrafa desarrollas una faceta más global de
la escena.
HAS PLANTEADO TU COMPAÑÍA COMO UNA PLATAFORMA PARA OTROS
COREÓGRAFOS, EN LA SITUACIÓN ACTUAL ¿CREES QUE ES FÁCIL LA
COOPERACIÓN ENTRE COMPAÑÍAS Y/O COREÓGRAFOS?
Siempre me ha gustado compartir las cosas. En mi vida cotidiana soy
también así y como no, lo he llevado también a mi proyecto empresarial.
Creo que la danza hay que compartirla, todos nos nutrimos de lo que
ocurre a nuestro alrededor y abriendo mí mundo a otros, me lleno de
otros mundos y doy una oportunidad a otros coreógrafos de presentarse
a través de mi plataforma. Hoy en día, como siempre, la cooperación
entre compañías o coreógrafos solo se da si dos quieren. He tenido la
oportunidad de colaborar con coreógrafos como Gustavo Ramírez, Mario
Zambrano, Henrick Kaalun, Nadia Adame, y la experiencia siempre ha
sido enriquecedora para todos.
DESDE EL CONSERVATORIO PROFESIONAL JOSÉ ESPADERO DE ALICANTE,
DONDE ERES PROFESORA DE DANZA CONTEMPORÁNEA, ESTÁIS LLEVANDO
A CABO UN PROYECTO LLAMADO “ALADANSA” ¿EN QUÉ CONSISTE?
Es un proyecto artístico pedagógico que da la oportunidad a los
estudiantes de danza contemporánea de bailar en un escenario durante
varios días consecutivos. Este espectáculo va dirigido a Institutos. Se
conciertan las visitas y al finalizar el espectáculo se abre un coloquio
entre estudiantes, bailarines y profesores, poniendo en contacto a
chavales que no están habituados a entrar en un teatro y menos a ver
un espectáculo de danza con los chavales que estudian en un conservatorio
y que además van al instituto como ellos. Este dialogo con el público
asistente, ha llegado a desembocar en la subida de algún espontáneo
a bailar para demostrarnos sus aptitudes sobre el escenario. Ha resultado
muy divertido y cada año son más los Institutos que solicitan venir a
ver Aladansa.
¿ESTAS CONTENTA CON LOS RESULTADOS?
Los resultados son más que satisfactorios. Cada año tenemos a unos
1.500 espectadores, y creo que es una manera de fomentar la danza
entre un público joven, activo y poco dado a ir al teatro. Que será
nuestro futuro público adulto. Con estas jornadas se les explica el
trabajo y la dedicación que implica bailar y ellos se van con otro concepto
y respeto hacia esta profesión.
¿QUIÉNES PUEDEN PARTICIPAR Y CÓMO?
Todos los estudiantes del departamento de contemporáneo del grado
profesional, desde 3º a 6º, y los institutos que estén interesados en
venir a vernos. Cada año lo realizamos en el Teatro Arniches de Alicante
y este año se ha sumado l´Escorxador d´Elx al proyecto y los Institutos
de Elche también han podido participar en Aladansa.000000000
ENRIQUE GUERRERO
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RESEÑA \\
Félix Palomero
EL FORO ESTATAL APROBÓ
EL PLAN GENERAL
DE DANZA
PARA LA HORQUILLA
DE 2010-2014
LA
DANZA
TIENE
UN
PLAN
El Auditorio de Tenerife acogió la segunda edición del Foro Estatal de Danza, celebrado los días 2 y
3 de noviembre, en el que se aprobó el Plan General de la Danza para el fomento de esta disciplina
en España en los próximos años. Cerca de medio centenar de representantes del mundo de este arte
escénico, entre delegados de Comunidades Autónomas, las principales asociaciones de danza del
país, artistas y gestores, profesionales, académicos y críticos, además del Ministerio de Cultura, se
dieron cita en la capital tinerfeña. En el seno de la reunión, organizada por el Ministerio de Cultura,
a través del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), su director general, Félix
Palomero, anunció, además, algunas de las medidas que, desde el Instituto, se van a impulsar a partir
del 2010: el diseño de un Circuito Estatal de Danza, la creación del nuevo centro de recursos que
asumirá el observatorio de la danza y la elaboración de una guía de recursos adecuada a las necesidades
del sector a través del portal de la danza del INAEM: Danza.es. El Plan General de la Danza 20102014 culmina un proceso de trabajo colectivo del sector profesional de la danza en España que se
ha inspirado en modelos anteriores y actuales tanto dentro como fuera del estado español, así como
las reflexiones y conclusiones del anterior Foro Estatal celebrado en Tenerife en julio de 2008 y, sobre
todo, las múltiples aportaciones de los miembros de la Comisión de Elaboración.000000000
El Plan contiene un análisis de la situación de la danza en España y una propuesta de objetivos, líneas
estratégicas y medidas, además de un plan de acción que contribuya a vertebrar el desarrollo del
sector en los próximos años. El INAEM editará el Plan General para su distribución entre el sector
de la danza y las instituciones públicas y privadas con competencias en esta disciplina artística. Se
trata de un objetivo a cinco años. El director del Instituto destacó que el documento “marcará nuestras
políticas en este ámbito en los próximos años, aún en la constatación de que no todas las medidas
que emanan de él son competencia del Ministerio de Cultura”. De igual forma, impulsará la constitución
de una comisión de seguimiento u observatorio de la danza “para la vigilancia continuada del Plan,
que se reunirá a comienzos del próximo año para dar cuenta de las acciones emprendidas y su
evolución”.
LAS MEDIDAS DEL INAEM PARA 2010
El director del Instituto avanzó algunas de las líneas de acción que el INAEM va a abordar en los
próximos meses. En primer lugar, el deseo de apoyar a la danza en todos sus géneros desde las
unidades de producción o centros de creación del INAEM, que “deberán ejercer un papel fundamental
en la preservación del patrimonio coreográfico español, una mayor presencia en las distintas comunidades
autónomas y una mayor apertura a todos nuestros creadores. Para ello abordará de forma inmediata la
revisión de los estatutos de la Compañía Nacional de Danza y el Ballet Nacional de España, para reforzar
sus objetivos como compañías estatales y como paso previo a la futura convocatoria del concurso de la
nueva dirección artística de ambas instituciones”. En segundo lugar, el apoyo a la creación, primando
las ayudas del Instituto al fomento de la coproducción de espectáculos. En tercero, el apoyo a la
difusión, en lo que se refiere a su movilidad, tanto nacional como internacional. En este sentido,
señaló la intención de “arbitrar una dotación específica destinada a la creación de un circuito de
danza auspiciado desde el INAEM, con el fin de incrementar la movilidad de los espectáculos de
danza por todo el Estado. Por último, Palomero indicó el deseo de apoyar la divulgación, la información,
la creación de públicos, respecto a lo que anunció que desde el INAEM “se impulsará un centro de
recursos que aglutinará todos los servicios documentales ahora dispersos y que tomará como base el portal
Danza.es”.
IRATXE DE ARANTZIBIA
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// PANORAMA
COMPAÑÍA
SAORÍN
EN DANZA
“Cuerpo habitado, hombre tranquilo”
Los poemas de Antonio Gamoneda y Ángel González, llenos de amor y de esperanza, inspiraron a este artista para realizar un
proyecto que propone la escucha desde todos los sentidos, “Escuchar el cuerpo como escuchamos la tierra, habitar el cuerpo con
amor, compartir. Escuchar el aire, la mirada que escucha y habita el cuerpo… crear y creer que cuando el cuerpo está habitado de amor
el hombre está tranquilo. Buscar la armonía y la belleza que tranquiliza el alma. La magia del abrazo, la magia de compartir, la magia
de sentirse acompañado. Cuerpo habitado de movimiento y de danza emocionada”.
En escena, cinco bailarines construyen un poema visual sin ningún soporte escenográfico, solo luz y movimiento en el espacio
vacío-, “La escenografía de luz, a cargo de Luisma Soriano, propone un espacio onírico que acentúa esta gramática invisible”.
Agradece a los intérpretes Piedad Albarracín, Sara Martínez, Sergio Martínez, Noelia Planes y Jorge Sesé, “el tiempo que han
compartido conmigo”, y dedica una mención especial a Antonio Gamoneda, premio Cervantes 2006, “por invadirme de una sensación
que hizo inevitable abrir las puertas hacia este proyecto”.
Saorín en Danza nació en 1.998, cuándo Juan Antonio compaginaba su trabajo como bailarín en diversas compañías que lo llevaron
a participar en los festivales más relevantes del mundo de la danza de Europa, EE.UU (Nueva York, Atlanta), Canadá (Montreal)
y Sudamérica (Brasil). Ya en el 2003, y una vez instalado de nuevo en Murcia, la compañía estableció sus bases y nacieron
proyectos como Yo Euridice, que clausuró el festival Internacional de Danza de Coimbra, y el solo Maktub, un arriesgado trabajo
de improvisación. Ha presentado sus trabajos como coreógrafo en Portugal, España, Escocia e Italia, ha formado parte de diversos
colectivos artísticos y después de ejercer la docencia en diferentes países actualmente es también profesor titular del Conservatorio
Profesional de Danza de Murcia.
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ENTREVISTA \\
Todas las fotografías: Musical Mamma Mía!
MAMMA
MÍA!
Si el año pasado el musical que nos hacia bailar en el auditorio de Murcia
era Hoy no me puedo levantar, este año la programación de la Semana
Grande de CajaMurcia cubre de nuevos sus expectativas con otro espectáculo
que está barriendo la escena del musical. Mamma Mía! concebido por
Catherine Johnson tuvo su premier en Londres en 1999 con un éxito
indiscutible. Con los años, el musical traspasó fronteras traduciéndose en
los idiomas más insospechados llegando por fin a España en 2004. Mamma
Mía! se estrenó en Madrid en el Teatro Lope de Vega, y ahora se encuentra
de gira por el territorio nacional. Aprovechamos esa oportunidad para
compartir unos minutos con la simpática protagonista de esta historia en
Murcia, Georgina Llauradó.
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// ENTREVISTA
Ella misma poco rato antes de que comenzara el espectáculo nos recibió en su camerino y nos contó
que nunca pensaba que estaría subida en el Mamma Mía!, y que cuando hace tres años lo fue a ver a
Madrid se quedó pregnada con el Voulez-vous?, número musical con el que se termina la primera parte.
Georgina nos cuenta que la primera vez que se presentó (en Barcelona) para el musical lo hizo sin buscar
nada en concreto, “iba con la intención de pasármelo bien en el casting, había casi 700 personas, y no me
jugaba nada, no esperaba nada. Creo que es la actitud que hay que tener, pensar en la experiencia del casting”.
Comenzó en Mamma Mía! interpretando a Lisa, la amiga de Sophie, sin embargo la cosa cambió cuando
se presentó para la gira en Madrid porque iba ya con una finalidad muy concreta. Hablando de la
formación que se debe tener para abordar un musical nos dice: “es importante y un trabajo muy grande
dominar las tres disciplinas (danza, canto e interpretación), pero si te quieres dedicar al musical debes
hacerlo, es una carrera de fondo. Es cierto que las tres cosas a la vez es difícil que se le den bien a todo el
mundo, pero hay que trabajar mucho”. Georgina comenzó a los trece años con el ballet. Su formación de
danza la obtuvo en la Escuela de Teatro Musical en Barcelona, allí se nos enseñaba canto, interpretación
y danza. En el musical Mamma Mía! se ve mucho baile y se le da mucha importancia a las coreografías.
Georgina nos cuenta como se preparan: “Si hay un mes de ensayo, una semana se dedica a aprender las
canciones (tanto a nivel solista como de coro) y después hay tres semanas que se dedican a coreografías,
cambios de escenas y escenas. En total ocho horas diarias, sobre todo el coro, a ensayar coreografías”.
Georgina nos confiesa que cuando sube el telón y se encuentra “sola” delante de todo el público al
comienzo de la obra siente nervios, “esos nervios intento que sean positivos, respiro, pienso en mi personaje
e intento coger aire para explicar todo lo que pasa. Es muy bonito notar todos esos ojos. Intento disfrutarlo
mucho”.
El público en general en este musical vibra con las canciones y esta en continuo movimiento, para ella
“es muy bonito y disfrutas mucho haciendo bailar a tanta gente, sobre todo en el final, es muy explosivo.
Murcia tiene una afición y un público impresionante. Desde la introducción están dentro del musical.”
<< p_40 // 2009 >>
ENTREVISTA \\
Todos los temas del Mamma Mía! le encantan, pero sobre todo se queda con el final del primer acto
(como el mayor mas espectacular) y con el sueño de Sophie con el que comienza el segundo acto, “en
ese tema me paso todo el rato corriendo de un lado a otro, es cansadísimo, corro, salto sobre la cama, me
mueven, es muy cansado”.
“Sin duda lo que es más difícil dentro de una compañía de musical es el día a día ya que en muchas ocasiones
las giras son de un mes fuera de tu casa y es cuando compartes vida con los compañeros de escenario”, para
Georgina esto no es ningún problema ya que “en sitios donde hemos estado mucho tiempo fuera de nuestras
casas tienes que compartir las veinticuatro horas con todo el reparto, y el día a día podía ser duro, pero en
esta compañía nos llevamos muy bien y puede ser que mucho tenga que ver que el espectáculo es superpositivo,
y la música, fiesta y todo en general nos da mucho ánimo”.
Para Georgina es muy difícil desconectar su vida real con su trabajo pero con el tiempo se aprende a
separar el trabajo. Dentro de la compañía existen personas fundamentales para que todo el espectáculo
salga bien. El que llaman “Capitán de bailarines” el cuál se encarga de que todas las coreografías salgan
limpias, otra persona que ve la función cada día y apunta notas para todo el mundo y al día siguiente
las entrega para corregirlas y el director musical que es el que se encarga de que toda la música esté
limpia. La gira de Mamma Mía! está preparada para que pueda entrar en cualquier Teatro. Los movimientos
escénicos cambian ya que hay que adaptarlos según el Teatro donde se realice.0000000000000000
Como punto final Georgina nos da un recado para los que están preparándose para llegar a esa meta,
“Sobre todo que no tengan prisas, que disfruten de todo lo que hagan, de sus clases, esta profesión es para
pasárselo bien y tienen que disfrutar”.
Sin duda el Mamma Mía! nos ha hecho disfrutar. La Fundación CajaMurcia es la responsable de todos
estos ratos tan estupendos que nos hacen pasar. También es de agradecer la paciencia del personal del
auditorio a la hora de atender a los numerosos fans de los artistas que se agolpan a la salida con el fin
de poder robar alguna foto, beso o algun autógrafos de sus ídolos más buscados. Muchas gracias a todos.
CARLOS GRÁVALOS MUÑOZ-ZIELINSKI
<< p_41 // 2009 >>
// EL MUSICAL
... eclecticismo,
números corales,
variedad de ambientes,
exquisita musicalidad...
sin dejar de lado
en ningún momento la
interpretación.
GRANDES FIGURAS
DEL MUSICAL
Michael Kidd nace en Brooklyn en 1919. Nacido Milton Greenwald,
estudia Ingeniería durante tres años en el City College de Nueva York,
pero se siente atraído desde el principio por el mundo de la danza y
el teatro a través de su hermano mayor Phil. En un principio le llaman
Kid Brother en referencia a su hermano. De este hecho surge su
nombre artístico: Michael Kidd.
Inicia su carrera de danza con las maestras Anatole Vilzak, Luzmilla
Shollar y Muriel Stuart, y debuta en escena con The Eternal Road en
1937, y ese mismo año entra a formar parte del American Ballet y del
Ballet Caravan (hoy fusionados por el New York City Ballet), donde
permaneció hasta 1940.
LOS INICIOS
Entre sus primeros papeles destaca el protagonista en Billy el Niño.
Igualmente baila en Man from Midian, City Portrait y Harlequin for
President. A partir de 1942 se incorpora al Ballet Theatre (hoy American
Ballet Theatre) como solista, donde participa en Petrouchka y Barba
Azul (de Fokine), Undertow y Pillar of Fire (de Anthony Tudor), Three
Virgins and a Devil (de Agnes de Mille), Fancy Free e Interplay (de
Jerome Robbins) y Helena de Troya (de Lichine). Para el Ballet Theatre
coreografió On Stage en 1945, para el que creó el papel protagonista
de “El Mañoso”.
SU ETAPA EN BROADWAY
Michael Kidd ha ganado cinco premios Tony por sus coreografías para
los musicales de Broadway Finian’s Rainbow (1947), Guys and Dolls
(1951), Can-Can (1953), Li’l Abner (1957) y Destry Rides Again
(1959). El primero de ellos juega con los conceptos de migración,
riqueza nacional, utopía e identidad del ser humano, muy en la tradición
artística norteamericana. Esto ya señala la línea de trabajo de Kidd.
<< p_42 // 2009 >>
EL MUSICAL \\
La segunda pieza, Guys and Dolls,
repite la temática americana pero
esta vez con aparición del juego
y los gángsters. Las coreografías
son de carácter colorido y teatral,
y en ningún caso cercanas al
escaso realismo al que se puede
aproximar un musical. Están muy
basadas en los personajes. La
posterior versión cinematográfica
contará con actores de la talla
de Frank Sinatra y Marlon Brando.
americano y muestra espectaculares y
llamativos números dancísticos y acrobáticos.
Numerosos críticos han destacado el número
del levantamiento del granero como el más
espectacular de todo el film. Nunca los actoresbailarines dejan de interpretar: luchan contra
sus contrincantes bailando. Cabe destacar
la aparición del benjamín: Russ Tamblyn,
quien representará a Riff en la versión cinematográfica de West Side Story.000000
En 1958 se sitúa tras la cámara para dirigir
la no muy exitosa Merry Andrew.
Li’l Abner se trata de una comedia absurda y crítica, mezclando
costumbres y temática política, siempre en la línea del coreógrafo.
Cuando el género musical parecía prácticamente olvidado aparece
En Can-Can Michael Kidd adapta la coreografía del musical original
también a la gran pantalla a partir de música de Cole Porter. En la
versión de Broadway este musical lanzó a la brillante bailarina Gwen
Verdon al estrellato.
por Gene Kelly (quien le había invitado a bailar con Dan Daily en
Otras de sus coreografías para teatro son Ben Franklin in Paris
(1964) y The Rothschilds (1970).
dejar de lado en ningún momento la interpretación.0000000
EL TRABAJO CINEMATOGRÁFICO
Stanley Donen de 1978) y en Skin Deep, dirigida por Blake Edwards
Para la gran pantalla, Kidd coreografía los bailes de Where’s Charley
(1952) –de ésta destacaremos el ballet “Pernambuco”- y The Band
Wagon (Melodías de Broadway 1955) en 1953. Dirigido por Vincent
Minelli, el film cuenta con la presencia de dos excelentes bailarines
y actores: Fred Astaire y Cyd Charisse. El número final, “That’s
Entertainement “encierra en sí mismo todo el espíritu de un género
tradicionalmente desprestigiado. Entre las coreografías destacables
del musical se encuentran Dancing In The Dark, elegantemente
concebido e interpretado por Astaire y Charisse, el simpático número
de los trillizos, “Triplets”, “A Shine in Your Shoes”, con reminiscencias
del principio del número titular de La Calle 42 y el número más
innovador, “Girl Hunt Ballet”, homenaje-parodia al cine negro
(referencia de nuevo a la temática americana).
(1989), la última aparición del coreógrafo en la gran pantalla. En
Continúa Kidd en 1954 con Siete Novias Para Siete Hermanos. Se
trata de un western-musical con toques humorísticos: situada en
los bosques de Oregón hacia 1850, explota de nuevo un tema
de este año Broadway ha visto el reestreno de su genial Guys and
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Hello Dolly (1969) protagonizada por Barbra Srteisand y dirigida
It´s Always Fair Weather en 1955). En ella se observan varias de
las características de la obra de Kidd: eclecticismo, números corales
espléndidos, variedad de ambientes, exquisita musicalidad... sin
Kidd también baila y actúa en Movie, Movie (melancólica pieza de
1993 es nominado a un premio Tony por su coreografía en The
Goodbye Girl y en 1997 se le premia con un Óscar Honorario. En
2004 llega a nuestros teatros la versión española de Siete Novias
para Siete Hermanos de la mano de Ricard Reguant y con la
adaptación coreográfica de la Premio Nacional de Danza (1998)
María Giménez. El 23 de diciembre de 2007 Kidd nos abandona
dejando una estela de coreografías maravillosas. Su aportación al
género musical sería indescriptible en cuanto a extensión y calidad,
por no hablar de las innovaciones a lo largo de toda su carrera.
Jerome Robbins, Michael Bennet, Bob Fosse y Tommy Tune se
encuentran entre los seguidores de su estilo. Pero su legado no
muere, renace cada día y está más actualizado que nunca. En marzo
Dolls.
JERUSA ARIAS ÁLVAREZ
// ARTÍCULO
Y LLEGÓ
EL DÍA…
Una deuda histórica acaba de cancelarse para las enseñanzas
artísticas superiores en España. Con la publicación del esperado
Real Decreto donde quedan reguladas las ENSEÑANZAS
ARTÍSTICAS SUPERIORES se zanja el compromiso de la administración española con dichas enseñanzas, aunque aparezca
antes de su implantación, y sin sorpresas, alguna que otra
fisura.
Una larga batalla, que para el caso particular de las enseñanzas
de la danza ha sido especialmente dura y agónica, queda así
redimida de una vez por todas. No por la acostumbrada perspicacia y clarividencia política de nuestros gobiernos en estos
menesteres, sino por el peso y la acción de los homólogos
europeos con amplias y envidiables trayectorias en materia de
educación artística.
Todo arrancó con la declaración de Bolonia en 1999. Este
histórico encuentro fue el inicio de un proceso de convergencia
que tenía como objetivos facilitar el intercambio de titulados
y adaptar el contenido de los estudios universitarios a las
demandas sociales. La declaración de Bolonia condujo a la
creación del Espacio Europeo de Educación Superior, un ámbito
al que se incorporaron numerosos países y que serviría de marco
de referencia a las reformas educativas que muchas de éste
naciones habrían de iniciar en los primeros años del siglo XXI
como el caso de España.
Éste proceso está a punto de concluir en nuestro país. La
publicación en el Boletín Oficial del Estado del Real Decreto
1614/2009 de 26 de octubre de 2009, será el punto de partida
del futuro de estas enseñanzas.
En resumen la incorporación de las enseñanzas artísticas al
Espacio Europeo de Educación Superior, permite la incorporación
al sistema de créditos ECTS, comunes para toda Europa así
como la expedición del Suplemento Europeo al Título a fin de
promover la movilidad de estudiantes y titulados españoles en
el espacio europeo de la enseñanza superior.
Por otro lado resaltaremos lo siguiente: “El presente real decreto
estructura las enseñanzas artísticas superiores en Grado y
Postgrado, previendo en este último nivel las enseñanzas de
Máster y los estudios de doctorado en el ámbito de las disciplinas
que les son propias mediante convenios con las universidades”.
Con ésta aclaración pondremos punto final a la molesta muletilla
que nos acompañaba últimamente a la hora de presentar nuestras
credenciales: ”equivalente a…” siendo por fin estas licenciaturas
iguales en derechos y obligaciones a las expedidas en las
universidades. Queda por remediar la absurda dependencia de
tramitar el Postgrado a través de convenios con las Universidades.
Una gran tarea se deriva de todo esto y poco tiempo para ultimar
el desarrollo de una posterior normativa. Bolonia exige que para
2010 los nuevos planes de estudios estén ya resueltos. Éste
será el verdadero quid de la cuestión, y de la gestión de cada
centro, cada comunidad autónoma y el propio estado, dependerá
que éste nuevo impulso para la educación artística sea verdaderamente un espacio para las enseñanzas artísticas eficaz y de
calidad.
Otro debate que seguirá abierto y que en modo alguno es
incompatible con este esperanzador futuro para las enseñanzas
artísticas es la implantación en las Universidades de futuros
grados (como los hay ya) otorgando mayor dinamismo al terreno
académico. En otro orden de cosas queda aún por resolver y
articular las estructuras básicas para que los futuros profesionales
puedan ejercer su derecho a trabajar tanto en el terreno
académico como en el artístico. Y moviéndome al ámbito que
nos atañe, aquí entraría en juego el nuevo compromiso desde
el INEAM con su Plan General de la Danza que supone un
tímido avance para seguir construyendo el futuro artístico de
los profesionales de la danza en España.
TdD
<< p_44 // 2009 >>
MISCELÁNEA \\
Antonio
de
Nebrija
... la danza como
asignatura dentro
dentro de su
programación
ESTE CENTRO, ACOSADO POR SER DIFERENTE EN EL ESTILO DE SU ENSEÑANZA, LLEVA AÑOS OFRECIENDO
A SUS ALUMNOS UN MÉTODO DE APRENDIZAJE EN EL QUE PUEDEN DISFRUTAR DE ASIGNATURAS QUE
PRETENDEN LA GLOBALIZACIÓN JUGANDO CON LAS ARTES, EL DEPORTE, LA INFORMÁTICA, LITERATURA,
CIENCIA, MÚSICA, ETC.… Y ENTRE ELLAS LA DANZA.
Un grupo de docentes y la dirección del Centro luchan para seguir creándose así mismos; contando
con el apoyo único de los padres del Colegio que realmente creen en la formación integral de sus
hijos como la mejor opción para la educación de los mismos. De todas las áreas que conforman el
Proyecto Educativo del Centro nosotros vamos a tener en cuenta la danza.
Este centro, desde el día de su inauguración, ha gozado de la danza como asignatura dentro de su
proyecto curricular, dentro de su programación. Una asignatura que se imparte globalizada con la
historia, con las matemáticas, con los idiomas (recordemos que la nomenclatura de los pasos de la
danza viene del francés, que la terminología musical es italiana, que la danza contemporánea suele
trabajarse sobre el inglés… ) también se globaliza con la música, con el deporte, la literatura etc.
Pero. ¿Por qué tanto interés por incluir la Danza dentro de su programación?
La dirección del centro nos responde…
Con la danza pretendemos alcanzar la integración total de la capacidad humana. Objetivo final de
la educación, por este motivo se ha incluido la Danza dentro del programa de estudios de nuestro
centro, que en primaria se denomina “Expresión rítmica y corporal”.
Al integrar esta asignatura en el programa general de educación primaria pretendemos que cada
educando experimente la oportunidad de desarrollar su capacidad artística y su personalidad. La
capacidad de recibir impresiones y la de dar (saber expresarse). Creemos firmemente que a través
de la Danza mejorará su percepción y comprensión ya que el desarrollo de la expresión de lo que
conocemos puede ayudar al desarrollo del carácter de los niños. Para nosotros la Danza no solamente
significa el aprendizaje de bailes o análisis de técnicas, sino también una exploración del movimiento
ligado a los aspectos rítmicos y dinámicos. Creemos que con el movimiento el niño puede crear su
propio arte, utilizar su cuerpo como un instrumento versátil y cuando sea capaz de controlarlo
conscientemente le permitirá desarrollar funciones y acciones que lo conviertan en un medio idóneo
de comunicación y expresión entre los individuos.
Si queremos que la Danza contribuya a alcanzar metas educacionales y al desarrollo de una personalidad
armónica, ésta deberá ser emotiva e intelectual, lo mismo que física.
Pero un colegio no es un conservatorio o una escuela de danza donde los alumnos deciden por si solos
estudiar esta materia. Teniendo en cuenta la falta de sensibilidad en una (cada vez más pequeña) parte
de esta sociedad, la falta de información o respeto que se merece esta disciplina… ¿Como consiguen
despertar el interés y el respeto por la danza y situarla en el nivel de otras “asignaturas de mayor rango”?
Principalmente a través de la disciplina. Pero siempre intentamos que el trabajo general del curso
esté bien ambientado para motivar el gusto por la Danza y la preparación física que exige. Para ello
empleamos una serie de técnicas con los alumnos como la motivación a través de prácticas de juegos,
ejercicios de improvisación y creatividad donde jugamos con el ritmo, melodías, temas de actualidad
que al alumno pueden interesarle, aprendizaje de coreografías diversas con el grupo. Luego se intenta
concienciarles de su propio cuerpo, de sus formas, estructura, volumen, peso, apoyos, ejes, simetría,
asimetría, equilibrio, posibilidades motrices: flexión, extensión, rotación, de los músculos, los huesos…
Si esto lo globalizamos con el resto de asignaturas, los niños empiezan a entender la importancia y
el interés que pueden despertar este tipo de descubrimientos.
Y además, puesto que para un alumno es un gran regalo, siempre se trabaja una coreografía para ser
expuesta ante los padres al final del curso donde están demostrando su aprendizaje.
<< p_45 // 2009 >>
// MISCELÁNEA
Pero lo más interesante de esta asignatura es la conciencia de cuerpo, mente y orientación en el
espacio que el alumno puede llegar a adquirir; además del aprendizaje de temas teóricos como la
elaboración de libretos o diseños de escenografías donde explotamos, también, la competencia
lectoescritora del alumno y su libertad de imaginación y expresión, influyendo en su interés por los
momentos históricos sobre la coreografía que estén preparando, o la calidad literaria, matemática,
plástica, etc… de la que pueda ir acompañada.
¿Qué cursos disfrutan de esta asignatura?
Todos, desde los tres años, en educación infantil, hasta sexto curso de primaria, con la diferencia
de que en los cursos de 4º, 5º y 6º de primaria los alumnos pueden optar por la clase de danza o de
dramatización, otra de las disciplinas que incluimos, desde educación infantil, en nuestra programación.
Hemos observado que hay muchos niños de integración o con discapacidades físicas en el centro. ¿Ellos
también asisten a estas clases?
Por supuesto que si. El profesor tiene el deber de estudiar como hacer para que ese alumno con
necesidades especiales no se sienta apartado y descubra su propia capacidad para explotarla artística
y expresivamente. Además, siempre están acompañados de especialistas que ayudan a los profesores
de Danza a desarrollar el trabajo con estos alumnos. La prueba está en que muchos de ellos han
subido al escenario en las representaciones finales con el resto de sus compañeros. Es tal la integración
que se ha conseguido que son sus mismos compañeros los que más se preocupan de ayudarles
consiguiendo un entorno completamente normal e inclusivo donde nunca se sienten diferentes o
apartados.
Retomando un poco. Estamos hablando de Danza, pero dentro de ésta hay varios estilos. Que están estudiando
realmente sus alumnos.
Efectivamente, hablar de danza es hablar de movimiento. Recordamos que la asignatura se llama
Expresión rítmica y corporal. Lo que pedimos es que los profesores destinados a impartirla consigan
en el alumno que juegue con los diferentes estilos de danza y música. Lo que se pretende es que
toquen todos los palos y que jueguen, aprendan, amen, respeten y entiendan una disciplina tan
importante como bonita.
Además de esto, existe una escuela extraescolar para aquellos alumnos que quieran ampliar sus
conocimientos o especializarse en cualquiera de las disciplinas de la Danza donde se imparten clases
de Danza Clásica, Contemporánea, Española y Danza Moderna.
UN
COLEGIO
DIFERENTE
QUE
APUESTA
POR
LA DANZA
Por lo tanto estamos hablando de diferentes profesores y diferentes especialidades.
Si. En el centro hay tres profesores destinados a impartir las clases de Danza y se refuerzan con dos
profesoras más para la escuela extraescolar. Todos ellos profesionales de la Danza de nuestra región,
procedentes del Conservatorio Profesional de Danza de Murcia. Además, son profesores que aún están
en activo en el mundo de la Danza y pertenecen a compañías profesionales de la región. Lo que hace
que estén en continua evolución dentro de la materia, y por supuesto esto favorece siempre al alumno.
¿Como son los espacios destinados al desarrollo de esta disciplina?
Ahora mismo el centro dispone de tres estudios destinados única y exclusivamente a esta materia,
cada uno de unos setenta metros cuadrados, mas vestuarios y duchas; equipados con equipos de
música, barras para la danza clásica, pavimentos especiales o tarimas y por supuesto sus espejos,
equipación audiovisual y una pequeña biblioteca, videoteca y discoteca especializada al servicio de
los alumnos, donde tenemos ejemplares de su revista.
Además de las aulas, estamos construyendo un teatro en el Centro para la explotación y disfrute al
máximo de las enseñanzas artísticas. Queremos destinarlo, también, a conferencias y exposiciones
de los alumnos y profesores, pero claro está que serán Danza, Música y Teatro quienes más lo
disfrutarán.
Se trata de un teatro, un auditorio, con todo el equipamiento que conlleva, porque nuestro interés
es despertar en nuestros alumnos e incluso en los padres y ajenos ese interés, conocimiento y respeto
por este tipo de materias y espacios escénicos.
Y tras esta destacable y admirable propuesta educativa queremos dar las gracias desde Tiempo de Danza
a este centro que tanto apuesta por la danza como una asignatura esencial en la educación de su alumnado.
Y le dedicamos un “olé” por su confianza y apoyo en profesionales de la Danza de nuestra región ofreciéndoles
la oportunidad de vivir dignamente, la oportunidad de investigar y predicar su profesión. “La danza”.
MIGUEL-ÁNGEL SERRANO
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