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EL
BASILISCO
RESIDENCIA DE ARTISTAS
AVELLANEDA, BUENOS AIRES, ARGENTINA
2004-2009
ESTEBAN ÁLVAREZ / CRISTINA SCHIAVI / TAMARA STUBY
Idea y producción general
Esteban Álvarez, Cristina Schiavi, Tamara Stuby
Textos introductorios y edición de textos
Tamara Stuby
Textos
Jan Adriaans, Paulo Almeida, Nicanor Aráoz, Marco Bainella, Ana Bas Backer,
Christian Bermúdez, Adriana Bernal, Gabo Camnitzer, Asli l Çş ğv oş , Mariano dal
Verme, François Dion, Alejandro Fangi, Susanne Figner, Jaime Gamboa, Luis Guerra,
Felice Hapetzeder, Alexa Horochowski, Runo Lagomarsino, Núria Marquès, Celeste
Massin, Alejandra Montiel, Bjargey Ólafsdóttir, Roland Persson, Olivia Plender,
Cintia Romero, Pablo Rosales, Cristian Segura, Carolina Senmartin, Lila Siegrist,
Marcela Sinclair, Tamara Stuby, Jorge Tirner, Traplev (Roberto Moreira Jr.),
Lucrecia Troncoso, Alejandra Urresti, Rob Verf, Adrián Villar Rojas.
ÍNDICE
6
Introducción
23
Artistas
24
Cambiar la perspectiva
50
Mirar la excepción
72
Controlar el espejo
92
Cazar fantasmas
112
Conquistar el espacio
128
Indagar lo básico
140
Traer puerta propia
Concepto de diseño
Paula Galli
158
El proyecto como motor home
176
La protesta visual
Diagramación y retoque fotográfico
Gustavo Barugel
186
La llamada de la calle
206
Dejarse llevar
230
Excepciones a la regla
241
Síntesis cronológica
255
Biografías
279
Agradecimientos
Todas las fotografías son de los artistas salvo en los casos indicados.
Todas son cortesía de los artistas salvo en los casos indicados
Tapa: Gabriel Sierra, fotografía, 2007.
www.elbasilisco.com
TSeptiembre 2012, Buenos Aires, República Argentina.
ISBN 411981
Ficha bibliográfica
Titulo: Contenido:
Características: Edición bilingüe (Español / inglés)
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Foto: Seth Wulsin / Chih Chien Wang.
(Invitación a la muestra de los artistas en
El Basilisco), 2007.
mos una utopía fuera del alcance del vil metal, y mucho menos tomar una posición en contra del mercado; la intención fue generar un espacio que no repitiera la misma dinámica
de las galerías ni de las escuelas ni de los eventos masivos.
PRE-HISTORY
El Basilisco came into being in response to our own needs, but we quickly realized that
they were also shared by many others. It’s hard to single out exactly when a desire begins
to be called a “need”, but that’s the point at which we found ourselves. We felt a real lack
of time and space for dynamic discussions and opportunities to share experiences with
our peers on an everyday basis. At that time (2003) there were places and projects that
provided social contexts for young artists, constituting a bridge between their educational
phase and independent art production. There were others that helped artists to position
themselves in the art scene for the first time, and there was also a circuit of professional
activities for well-established artists. For “mid-career” artists, however, those who were
already settled in their practice, fully committed to their work and avid to further develop
and expand it, opportunities were scant. This gap between the very young and the very
established was, in turn, a reflection of the needs of the market, which by its very nature
needs a constant supply of novelty on the one hand and solid values on the other. Aside
from a few marked exceptions (Fundación Antorchas or the Fondo Nacional de las Artes,
among others), institutions at the time tended to follow the market’s lead, leaving those in
the middle to fend for themselves. In this sense, we found ourselves with an open road
ahead of us. We were also interested in proposing activities in an environment that lacked
the competitive structure that characterized so many of the situations that brought artists
together to share the same space at the same time (such as art fairs or prizes), where the
only thing really shared were the drinks. It isn’t that we were longing for a utopia beyond
the vile metal’s reach, and we certainly weren’t taking up an anti-market position; the idea
was to generate a space that wouldn’t merely reiterate the same dynamics as galleries or
schools or massive art events.
Otra necesidad era la posibilidad de pensar y vivir nuestro contexto en toda su complejidad; superponiendo lo local con el contexto del país, con lo regional y lo internacional. En
sus comienzos, globalización (antes de volverse una etiqueta), significaba conocer culturas
ajenas a través de su arte, comidas y paisajes; ya en un mundo post-2000, era romántico y
hasta no-realista suponer que podíamos funcionar desde un extremo u otro de la gama
local-global sin estar influenciados por lo que sucedía en otros puntos. Paradójicamente,
cuanto más lejos uno viajaba, mayores eran las expectativas de representar el lugar de
origen (la camiseta de lo latinoamericano sigue siendo estrecha). Nos pareció que la forma
más productiva de luchar contra los estereotipos, tan nocivos para la recepción de nuestro
trabajo como artistas, era a través del conocimiento directo del otro. No pretendíamos
cambiar el mundo, pero sí sabíamos que con poco, podíamos enriquecer el pequeño
mundo de cada uno de nosotros. La decisión de trabajar con artistas de otras provincias
del país junto a otros del extranjero fue una extensión natural de esa misma inquietud.
INTRODUCCIÓN
EL BASILISCO
6
LA PRE-HISTORIA
El Basilisco nació como una respuesta a nuestras necesidades, pero rápidamente nos
dimos cuenta de que eran comunes a una gran cantidad de gente. Es difícil señalar el
momento en que uno empieza a llamar “necesidad” a un anhelo, pero nos encontrábamos
allí. Sentíamos que nos faltaba un tiempo y un espacio para una dinámica de discusión, y
la posibilidad de compartir experiencias entre pares cotidianamente. En aquel entonces
(2003) existían proyectos y lugares que ofrecían contención para artistas jóvenes y constituían puentes para la transición entre la etapa de la educación artística y la producción
independiente. También funcionaban otros espacios que ayudaban a los artistas a posicionarse en el medio por primera vez, y un circuito de actividades profesionales para los ya
establecidos. Sin embargo, para los artistas de “media carrera”, es decir, los que ya estaban
instalados y comprometidos con su práctica, ávidos de seguir desarrollándola, no existían
muchas oportunidades. Esa brecha entre los muy jóvenes y los bien establecidos reflejaba, a su vez, las necesidades del mercado, que por su misma naturaleza requiere un
suministro continuo de novedades por un lado y valores firmes por el otro. Salvo excepciones marcadas (Fundación Antorchas o el Fondo Nacional de las Artes, entre otros), las
instituciones en ese entonces tendían a seguir el mismo compás que el mercado, dejando
que la franja del medio se ocupara de sí misma. En ese sentido, nos encontrábamos frente
a un camino despejado. Otro de nuestros intereses apuntaba a proponer actividades en un
entorno libre de la competencia que caracterizaba tantas de las situaciones que nos convocaban a estar en el mismo lugar, al mismo tiempo, con otros artistas (como las ferias de
galerías o los premios), donde la bebida constituía lo único compartido. No es que buscára-
Durante todo ese proceso tuvimos la suerte de mantener un diálogo muy fluido con el
Triangle Arts Trust, importantísimo en términos de debatir ideas previas al inicio del proyecto. Habíamos entrado en contacto con la organización —y con Alessio Antonioli en particular— durante una residencia que Esteban y yo realizamos en 1999 en el programa de
We also felt that we needed to be able to contemplate and experience our context in all its
complexity; a local reality simultaneously superimposed with the context of the country,
the region and the world. At the outset (before turning into a label), globalization meant
getting to know foreign cultures by way of their art, cuisine and landscape; in a post-2000
world, it was romantic and even unrealistic to assume that one could function from a position at one extreme or the other of the local-global gamut without being influenced by
what was taking place at other points along the scale. Paradoxically, the further you traveled, the greater the expectations were that you would represent your place of origin
(stereotypes of Latin America continue to pinch and confine). It seemed to us that the most
productive way of fighting against the pre-conceived notions that were so damaging to
our work as artists was through first-hand knowledge. We weren’t out to change the world,
but we were sure that we could enrich the little corner of it that pertains to each one of us.
The decision to work with artists from other provinces in Argentina in combination with
artists from abroad emerged as a natural consequence of these same concerns.
During this entire process we had the good fortune of being able to maintain a very fluid
dialogue with the Triangle Arts Trust, which was crucial in terms of debating ideas prior to
launching the project. We had come into contact with the organization–and with Alessio
Antonioli in particular--during a residency in 1999, when Esteban and I had been at Gas-
7
8
EL BASILISCO
la posibilidad de construir un espacio donde los artistas pudieran explayarse libremente, y
fue en junio de 2004 que ya entre los tres, Cristina, Esteban y yo, dimos inicio al proyecto
que continuó hasta principios de 2009.
works, in London. Some years earlier, another factor that was undoubtedly an influence
was the experience Esteban and I had at Studio Camnitzer, an intensive work and study
program held in Valdottavo, Italy (directed by Luis Camnitzer) that wasn’t called a residency
because the term wasn’t that popular at the time; it wound up being a turning point in
terms of life and work for both of us. Triangle had encouraged us to organize a workshop in
Buenos Aires which would consist of a two-week encounter in an isolated venue with
roughly twenty artists from Argentina and abroad. Although it was clearly an attractive
idea, we were convinced that what was most lacking was a more ongoing experience, an
environment for exchange that would be available on a continual basis more than as an
exception. Coinciding with the crisis in 2001, the first attempt at activating the residency
failed (only in terms of initiating our program at that moment, since Dutch artist Rob Verf
wound up staying to live in Argentina instead of spending just two months in residency,
joining the Buenos Aires art community for the long term). At that time, the series of roundtable talks at the Alianza Francesa1 was already well underway, being an activity that we
could carry out practically without resources (that is, investing our time and effort and with
institutional collaboration from the French Alliance, but without external funding). Motives
similar to those behind the residency had given rise to the idea for the round table talks,
and as time passed, the issues discussed there progressively confirmed and further articulated many of our observations regarding the dynamics of interaction between diverse sectors of the art world and of artistic production. Artists moved in different circuits at the
time, without much connection between groups, or with other artists from abroad or from
the provinces in Argentina. Although the talks did fulfill our desires to a certain extent, dur-
ing 2002 and 2003 we continued to think up ways of constructing a space where artists
would be able to work freely and interact with one another, and it was in June, 2004 that
Cristina, Esteban and I finally began the project that would continue until early 2009.
La idea parecía bastante simple: invitar a un artista del extranjero y otro de la Argentina a
residir diez semanas en una casa en Avellaneda, donde pasarían su tiempo viviendo y trabajando, en la proporción que mejor les sirviera para sus procesos creativos. La casa
donde funcionó el proyecto era una casa familiar que fue ideal en todo sentido: contaba
con un gran salón que serviría de taller, más varias habitaciones individuales, una cocina
muy amplia (esencial), tres patios y cuatro baños, y muy importante: vecinos bastante
tolerantes. Suena fácil, pero quijotesco es un término más preciso; de todos modos, nuestras razones nos impulsaron adelante persistentemente y salimos a buscar los recursos
necesarios y a convencer a quienes pudimos de lo genial que sería el proyecto.
INTRODUCCIÓN
Gasworks en Londres. Seguramente, tenía que ver también la experiencia que Esteban y
yo habíamos tenido varios años antes en el Studio Camnitzer, un programa de trabajo
intensivo en Valdottavo, Italia (dirigido por Luis Camnitzer), que no se llamaba residencia
porque la palabra aún no era tan familiar, pero resultó un punto bisagra para la obra y la
vida de ambos. Desde Triangle nos habían impulsado a organizar un work-shop en Buenos
Aires, que consistiría de un encuentro de dos semanas de duración en un lugar aislado, con
una veintena de artistas argentinos y extranjeros. Aunque claramente la idea tenía su
atractivo, estábamos convencidos de que lo que más hacía falta era una experiencia continua, un ámbito de intercambio disponible como una constante, más que como una excepción. Coincidiendo con la crisis, el primer intento de comenzar con la residencia en el 2001
fracasó (aunque sólo en términos de iniciar nuestro proyecto en ese momento, ya que Rob
Verf, de Holanda, en lugar de pasar dos meses en residencia terminó quedándose a vivir
en la Argentina, incorporándose definitivamente a la comunidad artística local). En ese
momento, las charlas en la Alianza Francesa1 ya estaban en pleno funcionamiento, siendo
una actividad que podíamos llevar adelante casi sin recursos (es decir, sólo con nuestro
tiempo y esfuerzo y la colaboración institucional de la Alianza). La idea de las charlas surgió por motivos similares a los de la residencia, y con el tiempo, los temas que allí se discutieron fueron confirmando y articulando mejor muchas de nuestras observaciones
acerca de la dinámica de interacción entre distintos sectores del mundo del arte y el quehacer artístico. En ese momento coexistían distintos circuitos de artistas sin demasiado
contacto entre sí, ni con otros del exterior o de las provincias. Aunque la serie de charlas
cumplió con una parte de lo anhelado, durante 2002 y 2003 continuábamos pensando en
El motor
Es natural suponer que el comienzo de un proyecto de estas carácterísticas estuviera
acompañado por una mezcla de exaltación y terror; lo que no era tan previsible es que esa
sensación iba a seguir acompañándonos con la llegada de cada nuevo artista a la residencia. Con los años, resultó cada vez más claro que compartíamos la experiencia de los visitantes en forma complementaria, a pesar de que se establecieron ciertos ritmos y ritos. Y
ahí estaba el verdadero motor; el contacto palpable con el proceso del conocimiento, el
procesamiento de lo nuevo y diferente. Cuando uno llega a un lugar desconocido, no para
The idea seemed simple enough: to invite one artist from abroad and one from Argentina
to reside in a house in Avellaneda during ten weeks, where they would spend their time
living and working in the proportion that best served their creative process. The house
where the project took place was a family residence, ideal in every sense: it had a large
main hall that was used as the studio in addition to several individual bedrooms, a huge
kitchen (essential), three patios and four bathrooms, aside from another key element:
neighbors who were quite tolerant. It may sound simple, but Quijote-esque would be more
exact; at any rate, our reasons for undertaking the endeavor pushed us persistently forward
and we set out to find the necessary resources, convincing everyone we could of just how
great the project would be.
Motivation
It’s natural to suppose that the outset of a project of this nature would be accompanied by
a mix of exaltation and terror; what is less predictable is that these sensations would continue to accompany us with the arrival of every new artist to the residency. Over the
years, it became increasingly clear that we shared the artists’ experience in a complementary way, although certain rhythms and rituals did set in. Our true motivation was just
that; tangible contact with the process of acquiring knowledge and processing the new and
9
En cuanto a la confrontación con lo nuevo, estamos cada vez más acostumbrados a reunir
y relacionar datos diversos; tenemos mil sistemas para acceder a lo desconocido, pero son
pocos (y cada vez menos) los sistemas que nos ayudan a dar sentido a esos datos acumulados. Esta carencia se cubre muchas veces bajo el amplio paraguas del término Intercambio, una palabra estirada al punto de volverse irreconocible, que abarca desde el turismo
mundial con pretensiones hasta un simple trueque de tarjetas de presentación. Adjudicar o
construir sentido, es algo que funciona a través de comparaciones, paralelos y yuxtaposiciones, y tiene que ver con la tensión permanente entre la rutina (lo familiar) y una situación “excepcional” (lo desconocido). Aunque el lado más oscuro del capitalismo global nos
ha demostrado el potencial que tienen las situaciones excepcionales para doblegar la
voluntad de la gente, llevándola a hacer lo impensable o aceptar lo inaceptable, nuestra
intención apuntaba hacia el otro extremo, apostando al potencial que tiene un cambio de
circunstancias para inducir a alguien a explorar rincones de su voluntad que normalmente
se encuentran obstaculizados. Sin embargo, mantener un balance entre la rutina y la
exploración es esencial para que la experiencia no resulte demasiado desesperante o desgastante. Entonces la casa- grande, vieja y llena de idiosincrasias propias- sirvió para eso:
different. When you arrive in an unfamiliar place, you incessantly ask questions and make
translations, searching for ways to approach and comprehend what is new to you. When
new people arrived in our city for the first time, they posed new questions regarding that
which we already knew, regarding that which we (supposedly) already understood beyond
the shadow of a doubt. What, then, does knowledge actually consist of, if it proves to be so
malleable? How does the learning process—the mechanism for incorporating new ideas
and sensations—really function?
When it comes to confronting the new, we are increasingly accustomed to gathering and
defining relationships between diverse bits of information; we have thousands of systems
for accessing the unknown, but the systems that enable us to give meaning to the data
accumulated are very few and dwindling every day. This lack is frequently dissimulated
within the ample scope of the term exchange, a word stretched so far out of shape that it
is now almost unrecognizeable, covering anything from world tourism to trading business
cards. Ascribing or constructing meaning is an operation that functions on the basis of
comparisons, parallels and juxtapositions, and it involves a constant tension between routine (what is familiar) and “exceptional” situations (the unknown). Although the darkest
side of global capitalism has demonstrated the potential that exceptional situations have
to bend people’s will, leading them to do the unthinkable or to accept the unacceptable,
our intention aimed at precisely the opposite, committed to the potential that a change of
circumstances has to induce someone to explore corners of their desire that are habitually
blocked or inhibited. However, maintaining a balance between routine and exploration is
10
EL BASILISCO
nos ofrecía un microclima de contención, una base que liberaba energía para que cada uno
la empleara en la dirección que quisiera. Alejandro Fangi, un artista que se sumó al proyecto para vivir en la casa, fue una fuente inagotable de asistencia y apoyo continuo, fundamental en la creación de ese microclima.
En el mismo sentido, Avellaneda, o más bien Piñeyro -un barrio común y silvestre- se
ofrecía como un lugar concreto y real, marcando un contraste con el circuito de los espacios de arte. Antiguamente el barrio fue formado por trabajadores, muchos de ellos
extranjeros, y este hecho sin duda enriqueció la interacción que los vecinos tenían con los
artistas visitantes. Por lo general había sólo dos o tres artistas en residencia a la vez, con
lo que la residencia no constituía una comunidad en sí misma. Como organizadores facilitamos la introducción al contexto, al estilo de las presentaciones al principio de una fiesta,
sin querer meternos mucho, dejando así que la química social hiciera lo suyo. Cuando surgió alguna colaboración, fue producto del interés de alguien por algo, no para cumplir con
algún requisito preestablecido.
INTRODUCCIÓN
de preguntar y traducir, buscando formas de abordar y aprender lo nuevo. Con la llegada
de los artistas a nuestra ciudad por primera vez, se formularon nuevas preguntas acerca
de lo que ya conocíamos, de lo que ya (supuestamente) entendíamos. Entonces, ¿en qué
consiste el conocimiento, si se revela tan mutable? ¿Cómo funciona el aprendizaje, ese
mecanismo de incorporar ideas y sensaciones nuevas?
La política detrás de la práctica
Las decisiones y posiciones que uno va tomando dentro del marco de la gestión generalmente desaparecen en la sombra de sus consecuencias más visibles. Se van sumando y
toman forma con el paso del tiempo, y ahí dejan entrever las actitudes subyacentes.
En la coyuntura específica del arte argentino en los años que siguieron a la crisis, frecuentemente se hicieron generalizaciones que definieron a todas las iniciativas de artistas con
essential in order to prevent the experience from being too exasperating or exhausting.
The house where the residency took place—a big old place full of odd idiosyncrasies—
served the purpose well: it offered a microcosm of containment, a home base that liberated
energy for each person to apply in whatever direction they wanted. Alejandro Fangi, an
artist who joined the project and lived in the house, provided an endless supply of support
and assistance, playing a fundamental role in the creation of this familiar atmosphere.
Similarly, the neighborhood of Avellaneda—or Piñeyro to be specific, a rather run of the
mill neighborhood—was there as a very real and concrete place, almost the complete
opposite of the art world. The neighborhood was historically a working class area with a
significant component of immigrants, and this fact undoubtedly enriched the interaction
that its inhabitants had with visiting artists. In general, there were two or three artists in
the residency at a time, and as a result, it did not constitute a community in and of itself.
As organizers, we facilitated visiting artists’ introduction into the local context, much like a
host who makes a first round of introductions at a party, although our aim was to
remain on the sidelines in order not to obstruct the natural flow of social chemistry.
When different instances of collaboration did arise, they were the result of a genuine
mutual interest, and not a response to a pre-established requisite.
The Politics Behind Our Practices
The decisions you make and the positions you take in the framework of self-management tend to disappear, overshadowed by their most visible consequences. Over time,
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El Basilisco no estaba en Avellaneda como una toma de posición geográfica, sino porque
era nuestro barrio, y le teníamos un cariño infinito. Vivimos nuestras convicciones políticas de la misma forma en que uno vive como vecino, ciudadano, hijo, hermano o padre, y
estas convicciones nos llevaron a encarar acciones en nuestro ámbito, el del arte (en cierto
however, they accumulate and take shape, and providing a glimpse of the underlying
attitudes that shape them.
In Argentinean art’s specific circumstances during the years that followed the crisis, sweeping generalizations were frequently made that categorized all artist-run initiatives with the
“collective-ism” label. What was in many cases a simple matter of joining forces strategically in the face of adversity reached an extreme in terms of its perception, where collective projects acquired an aura of egos sacrificed in the name of the whole, with a certain air
of sect or political militancy. In the midst of this climate, our position was far from correct:
since there were three of us, we were deemed an artists’ group, but we never professed to
renounce individuality or to subsume it within a larger identity. We still think that the issue
of authorship is such a personal and complex one that it makes little sense to label one
form as inferior or superior to another, any more or less noble. The way in which each person carries out his or her practice is reflected in their works or projects, and there was no
point in qualifying art practices according to their authorship (group or individual), theme
(political, gender-related, etc.), formal or technical aspects. Consequently, we did not look to
nor did we achieve establishing an ‘aesthetic’ or ‘scene’ in particular. Instead, there was a
continual turnover of different approaches and ways of working and by extension, a continual metamorphosis in the people who would visit the residency and form part of adjoining social circles. If any common denominator did exist among the most regular visitors to
the space, it was that they possessed a certain openness and breadth of interests and had
as much zeal for listening as for talking, for asking as for responding.
12
EL BASILISCO
modo, nuestra fábrica). Buscábamos y buscamos incidir en el contexto desde nuestro quehacer como artistas, con nuestras palabras a toda hora y especialmente a través de aquellos proyectos que se articulan en el plano de la comunidad. Reformular la figura del
artista siempre ha sido una meta: lograr que tenga mayor peso en las jerarquías de las
ideas y opiniones, que tenga mayor voz en la formulación de las políticas que nos afectan,
que se valore como parte de la sociedad y que su aporte no se limite a la comercialización
de los objetos o imágenes que produce.
INTRODUCCIÓN
la etiqueta del ‘colectivismo’. Lo que en muchos casos fue una cuestión simple de aunar o
sumar esfuerzos estratégicamente frente a la adversidad, en la percepción general llegó a
un extremo, adquiriendo los proyectos colectivos un aura de sacrificio del ego con cierto
aire de secta o militancia política. En medio de ese clima, nuestra posición resultaba poco
correcta; siendo tres, fuimos calificados como un grupo de artistas, pero no profesábamos
renunciar a la individualidad ni subsumirla en una entidad mayor. Seguimos pensando que
el tema de la autoría es tan personal y complejo que poco sentido tiene tildar una forma u
otra de mejor o peor, de más o menos noble. La forma en que cada uno lleva adelante su
práctica se ve reflejada en las obras o proyectos, y no nos servía de nada categorizar prácticas artísticas según el formato de la autoría (grupal o individual), el tema (político, de
género, etc.) o algún aspecto formal o técnico. En este sentido, no buscábamos ninguna
‘estética’ en particular, y no terminó generándose una ‘escena’; hubo un recambio continuo
de distintas formas de ver y de trabajar, y por consiguiente, las personas que frecuentaban la residencia y los círculos sociales adyacentes también iban metamorfoseándose
constantemente. Si existió un denominador común entre los visitantes más asiduos a la
residencia, fue cierta apertura y amplitud de interés, un afán para escuchar tanto como
para hablar, y preguntar tanto como contestar.
Hubo quienes interpretaron esto como una postura anti-comercial. Lo que intentábamos
crear era un ámbito libre de reglas comerciales como un paréntesis (no como una negación) por la simple razón de que generalmente van a contrapelo de las necesidades creativas. El proceso creativo involucra cierto riesgo, y ningún mercado o inversionista quiere
riesgo (real); y en el arte, el riesgo calculado o simulado es una receta para la mediocridad.
Ese riesgo dentro del proceso es, a veces, imperceptible. Si uno espera presenciar un
masoquismo dramático o una delincuencia vistosa, seguramente se decepcionará. Puede
tratarse simplemente de una manera diferente de pensar, o de incursionar por primera
vez en un campo ajeno, con altas probabilidades de un desenlace torpe, fallido o postergado. Puede ser divertidísimo, o un tormento insoportable; lo que es imposible es saberlo
de antemano. Entendemos la dificultad que esta ambigüedad presenta, tanto para un mercado que requiere de claridad y simplificación para identificar tendencias o categorías,
como para fundaciones que necesitan justificar sus gastos en términos de objetivos logrados o características geopolíticas representadas. En ese sentido, gran parte de nuestro
The fact that El Basilisco was in Avellaneda was not our taking a geographical stance, but
because it was our neighborhood, and we were infinitely fond of it. We live our political
convictions in the same way that one lives as a neighbor, citizen, son or daughter, sibling
or parent, and these convictions led us to take action in our sphere of endeavor, which is
art (our factory, in a sense). Something that we sought then and continue to seek now is to
have a bearing on our context by way of our artwork, our words at all times and especially
by way of projects that are articulated on a community level. Reformulating the profile of
the artist has always been an objective: to achieve a more significant position for artists in
the hierarchies of the realm of ideas and opinions, a greater say in formulating the policies
that affect us all, that artists be valued as part of society and that our contribution not be
limited to the commercialization of the objects and images we produce.
Some have interpreted this as an anti-commercial posture. What we attempted to create
was an atmosphere free of the rules of commercial activity, as a parenthesis (not a negation) for the very simple reason that in general, they go against the grain of creative needs.
The creative process involves certain risk, and no market or investor wants (real) risk, and
calculated or simulated risk in art is a recipe for mediocrity. Risk within the creative
process is not always visible. If one expects to see debonaire delinquency or dramatic
masochism, disappointment is almost sure to follow. Risk may be simply a matter of
thinking differently, or of venturing into an unknown field, with high probabilities for
clumsy or delayed results or outright failure. It can be either highly entertaining or torturous, and there is no way of knowing ahead of time. We understand the difficulty that this
13
Aunque ahora cuesta creerlo, cuando comenzamos a buscar apoyo de instituciones locales
en el año 2003, primero había que explicar la idea de una residencia de artistas y justificar la necesidad y los beneficios a largo plazo para toda la comunidad de un proyecto de
esas características, y solo entonces pudimos solicitar el financiamiento para hacerlo.
(Pero nada es tan constante como el cambio, y hoy las residencias son consideradas una
línea esencial para cualquier currículum y el proceso se ha vuelto un nuevo objeto de
deseo.) Una vez que logramos que una institución local respondiera con entusiasmo a la
propuesta (Fundación Proa), otras se sumaron con más confianza. Aprendimos mucho en
el camino que transitamos hacia la “legitimación” del proyecto en el ámbito local, tal vez
porque no hubo un modelo preexistente a seguir.
Selección anti-natural
Las sesiones que dedicábamos a la selección de los artistas eran larguísimas; fue la parte
que más nos dividía pero también donde más confirmábamos el respeto mutuo, donde
volvíamos a articular nuestras mejores esperanzas y peores temores sobre lo que fuera a
suceder en cada período de residencia. Eso no quiere decir que no lo disfrutáramos, y
mucho. La gran mayoría de los artistas llegaron a través de una convocatoria abierta e
internacional, pero hubo también casos de convocatorias más específicas o de invitacio-
ambiguity presents, either for a market that requires clarity and simplification to identify
tendencies or for foundations that need to justify their expenses in terms of missions
accomplished or geopolitical characteristics represented. In this sense, a large part of our
project took place on a cultural or conceptual level, continually articulating and communicating different aspects of our underlying motives and aims for the project, defending
artists’ right to dedicate time to their own process.
Although it is hard to believe today, when we began to look to local institutions for support in 2003, we first had to explain the idea behind an artists’ residency, justify the need
for it and explain the benefits it would bring long-term to the entire community. Only then
could we ask for financing. (Nothing is as constant as change, however, and today residencies are considered an essential line in any curriculum and process has become a new
object of desire.) Once we were able to find one local institution that responded with
enthusiasm to our proposal (Fundación Proa), others followed suit with greater confidence.
We learned a great deal along the road traveled until the project gained its “legitimacy”,
perhaps because there was no pre-existing model available in our context.
Un-natural Selection
The sessions that we dedicated to selecting the artists were extremeley long ones; it was
the part that divided us the most, and where we reconfirmed our mutual respect, where
we re-articulated our highest hopes and worst fears regarding what might happen during
each period of residency. This doesn’t mean that we didn’t enjoy it; we did, immensely. The
14
EL BASILISCO
nes directas. Resultaba tan difícil porque era tan pequeño el porcentaje de los postulantes
que podíamos elegir, por razones de infraestructura, y porque considerábamos los múltiples aspectos de cada artista, (su modalidad de trabajar, su nivel de madurez o independencia, sus razones para participar, experiencias previas, entre otras cosas), y, más que
nada, porque sabíamos que era, finalmente, una lotería. Nadie sabe qué va a pasar cuando
alguien cambia de lugar y de hábitos. Quizás discriminábamos a aquellos que mostraban
un sistema muy pulido para procesar lo nuevo, una forma ya establecida de canalizar y
dirigir su reacción frente a una nueva situación en una producción dada, porque no nos
interesaba una “profesionalización” de la experiencia de estar en residencia (más bien, eso
figuraba en nuestra lista de los peores temores). Elegíamos primero a los artistas y luego
buscábamos cómo traerlos; ese orden de prioridades en el proceso nos parecía muy
importante aunque a veces significaba un camino más complicado.
INTRODUCCIÓN
proyecto tomó lugar en un plano cultural o conceptual, articulando y comunicando constantemente los matices de las intenciones que lo impulsaban y defendiendo el derecho de
los artistas de tener tiempo para sí mismos.
EZE y más allá
¿Qué encontraron los artistas que vinieron? Paradójicamente, pocos encontraron lo que
estaban buscando o esperando; se topaban con otras situaciones, por suerte, que generalmente igualaban o sobrepasaban sus expectativas. En 2004, el país contaba con varios
mundos paralelos delimitados: desde distintos circuitos de galerías, centros culturales,
museos, premios privados y estatales y la feria de galerías ArteBA, entre otros. La escena
del arte en Buenos Aires estaba pasando por cambios rápidos, todavía reorganizándose
después de cierta desarticulación estructural a fines de los ’90, debido a muchos factores,
incluyendo una polarización entre sectores, la pérdida de figuras influyentes como Ruth
majority of artists arrived by way of an international open call, although there were cases
with additional specifications or direct invitations. The reason that it wound up being so
difficult was that we could only select such a small percentage of the artists who applied
on account of our infrastructure, and due to the fact that we would take various aspects of
each artist into consideration (way of working, level of maturity or independence, their
reasons for wanting to participate, previous experience, etc.). More than anything, it was
hard because we knew that it was, in the end, a lottery. No one knows what will happen
when a person is faced with a new place and a change of habit. We may have discriminated against those who demonstrated a clearly developed system for processing the new,
a set way of channeling and digesting their reaction to a new situation in a given kind of
production, but we weren’t interested in “professionalizing” the experience of being in
residency (that actually came closer to figuring on our list of worst fears). We would select
the artists first, and then look for a way to bring them; this order of priorities in the selection
process was important to us, even though it made the road a bit rougher at times.
EZE* and Beyond
What did artists find upon arrival? Paradoxically, few found what they had hoped or were
looking for; they came across other situations, which fortunately generally met or surpassed their original expectations. In 2004, there were various delimited parallel worlds in
Argentina: different gallery circuits, cultural centers, museums, private and state-sponsored prizes, and the ArteBA gallery fair, among others. The Buenos Aires art scene was
*EZE is the abbreviation used for Buenos Aires’ international airport, actually located in the town of Ezeiza.
15
Mientras tanto, la Internet ofrecía un mundo de información acerca de todo lo que pasaba
en el mundo del arte global basado en un mapa hiper-detallado del éxito, pero aún era
difícil encontrar información acerca de lo que pasaba al lado nuestro o en un lugar tan distante y exótico como el Uruguay. Faltaba notablemente una sensación de pertenencia
regional tanto como el contacto real con otros artistas. Entender cómo y por qué un artista
de otra parte del mundo hacía lo que hacía era tan importante como el proceso inverso
respecto a la producción local. Ese aspecto de la residencia, el de mirar, contar, preguntar y
De resultados e informes
Teníamos muy claro qué queríamos hacer, y por qué. El cómo, se fue dando con una práctica robusta de ensayo y error, pero una cuestión que siempre nos resultó muy huidiza fue
la de los resultados. La expectativa que genera la palabra resultados es de por si, falsa:
sugiere un producto, un bien, un cambio ostensible y cuantificable, medido con una escala
de valores concreta. Y no había resultados de ese tipo (siempre podríamos haberlos dibujado —somos artistas— pero no nos parecía lo más adecuado). La dificultad llevaba a la
going through rapid change, still settling into a new order after having suffered certain
structural disarticulation during the late ‘90s due to many factors, including a polarization
between different sectors, the loss of influential figures such as Ruth Benzacar or Federico
Klemm and diverse changes on an institutional level. For example, it was quite a surprise
for many people to find that some of the transformations in articulating new forms of presenting works would come from established institutions instead of from independent
spaces. The weight of widespread economic hardship that would finally culminate in the
outbreak of the crisis in 2001 was a very significant factor. During the crisis, it was quite
logically the primary topic of almost all conversation. Later, while increased social consciousness was seen reflected in many different ways on a local level, a sharp increase in
interest in the social and economic situation in Argentina on the part of foreigners, above
all from Europe, had a marked influence on the cultural plane. This materialized in the
form of projects carried out on both sides of the Atlantic. In economic terms, visiting and
even buying Argentinean works was inexpensive for pockets containing dollars or Euros,
and this opened a new window of commercial opportunity in the midst of a gradual recovery in the local economy. There was a little bit of everything, with highly contrasting
perspectives of a reality that was evolving at breakneck speed.
well as real contact with other artists. Understanding how and why an artist from another
part of the world was doing what they were doing was as important as the inverse
process regarding local production. This aspect of the residency, observing, telling, asking
and above all listening is what occupied the large majority of the time. The nerve center
for this interaction was the kitchen, but it didn’t end there; on the bus, at shows, in cafés or
wherever, any place was a propitious scenario for discussions that at times generated an
absolute vertigo of laughter, opinions and thought.
Meanwhile, Internet offered a world of information about everything that was happening
in the global art world based on a hyper-detailed map of success. On the contrary, it was
hard to find information about what was happening next door or in a place as far-off and
exotic as Uruguay. There was a notable lack of any sense of belonging within the region, as
16
EL BASILISCO
sobre todo, escuchar, es lo que ocupaba la mayoría del tiempo. El centro neurálgico de esa
interacción fue la cocina, pero no terminaba ahí; el colectivo, una muestra, un café o donde
fuera, eran escenarios propicios de charlas que a veces generaban un verdadero vértigo
de risas, opiniones y reflexión.
Por lo general, se hablaba del quehacer artístico en términos de las características y la
metodología de la producción concreta, a veces ampliada hasta incluir la inspiración con
“I” mayúscula. Nos parecía que hacía falta hacer lugar, además, para la química entre
sensaciones y pensamientos donde se mezcla todo, impulsada por la curiosidad y el
deseo, que es la manera en que se toman muchas decisiones claves. La oportunidad de
entrar en contacto con personas con distintas perspectivas representaba una alimentación vital para ese proceso, además de ser un antídoto perfecto para el hartazgo, el cansancio y los callos que pueden dejar en el cerebro demasiadas vueltas sobre un circuito
cerrado, y eso no es un tema menor.
INTRODUCCIÓN
Benzacar o Federico Klemm y diversos cambios a nivel institucional. Para muchos era
sorprendente, por ejemplo, que algunas transformaciones en la articulación de nuevas
formas de presentar obras hubieran venido de la mano de instituciones establecidas en
vez de espacios independientes. El peso de las dificultades económicas generalizadas
que culminarían en el 2001 con el estallido de la crisis fue un factor contundente.
Durante la misma, lo que más se hizo fue hablar de ella, muy lógicamente. Luego, a la
vez que una mayor conciencia social se vio reflejada de muchas maneras en el plano
local, el interés por la situación económica y social en la Argentina por parte de extranjeros (sobre todo provenientes de Europa), tuvo una influencia muy marcada en el plano
cultural, tomando formas concretas en proyectos realizados en ambos lados del Atlántico. En términos económicos, visitar y hasta comprar obras aquí resultaba barato para
el bolsillo que contenía dólares o euros, abriendo una nueva ventana de oportunidad
comercial en medio de la recuperación paulatina local. Había de todo un poco, con perspectivas contrastadas de una realidad que se transformaba con gran velocidad.
The artistic endeavor is generally spoken of in terms of the characteristics and methodology
of its material production, expanded at times to include inspiration with a capital I. It seemed
to us that the chemical reaction between sensations and thought, where everything mixes or
merges together driven by curiosity and desire, where many key decisions somehow wind
up being made also deserved a place. Having an opportunity to come into contact with
others who bring different perspectives represents vital nourishment for the creative
process, in addition to being the perfect antidote for despair, exhaustion and the calluses
that too many laps along a closed circuit can leave on any mind, and this is no small matter.
Regarding Results and Reports
We had a very clear idea of what we wanted to do, and why. The how came along by way
of a robust practice of trial and error, but one question that always remained elusive was
that of results. The expectation that the word itself generates is necessarily false: it suggests
a product, a durable good, an exchange that can be quantified and discerned, measured
17
Cómo documentar una experiencia vital, es un desafío para nada sencillo, donde cualquier sistema de cartografía corre el riesgo de modificar la ruta. Un proyecto que encaramos de modo experimental con el Instituto de Historia del Arte Argentino y Americano
de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de La Plata, dejó en claro la riqueza
potencial de un programa de documentación integrado a la actividad, a la vez que revelaba las limitaciones que producen las mismas pautas que otorgan valor y confiabilidad
a los registros como fuente para posibles futuras investigaciones.
El funeral irlandés
¿Por qué las cosas llegan a su fin? Dificultades hay, siempre y para todos. Nosotros medíamos el éxito del proyecto en cómo las residencias servían a los artistas y en el efecto que
los artistas tenían sobre el entorno local. En ese sentido nos dio una gran satisfacción; ya
que fueron mínimos los casos en los que no se cumplieron esas metas. Sin embargo, estas
instancias nos sirvieron para ajustar distintos aspectos del proyecto, desde la metodología
along a scale of concrete values. There weren’t results of this sort (we always could have
drawn them in—we are artists, after all—but that wasn’t the point). This difficulty led to
reflection, and it seemed to us that the demand for results revealed certain tendencies in
how art was thought of in the social context, influenced by market dynamics.
In the non-profit realm, we encountered a sort of corollary to this, where money (destined
toward a program whose objective is to enrich artists’ creative process) had to be justified,
in addition, by other “social” reasons. Curiously, it was as though cultural producers existed
in some limbo separate from society, and as such it was necessary to demonstrate what
links might be created to connect the two.
How to document a lived experience is a challenge, in no way simple, where any mapping
system risks making modifications to the route. A project that we undertook in an experimental mode jointly with the Instituto de Historia del Arte Argentino y Americano de la
Facultad de Bellas Artes from the Universidad de La Plata made the potential wealth of a
documentation program integrated with the activity itself quite clear, at the same time
that it revealed the limitations generated by the very parameters that give value and reliability to the record as a dependable source for possible future research.
The Irish Funeral
Why do things come to an end? Difficulties always exist, for everyone. We measured the
success of the project in terms of how the residencies served the artists who participated
in them and the effect they had on the local environment. Given that there were few cases
18
EL BASILISCO
de la selección hasta las comunicaciones con cada artista antes de su llegada. También
hubo casos donde, contra viento y marea, diferentes artistas nos sorprendieron con su
persistente entusiasmo y creatividad frente a situaciones difíciles que atravesábamos juntos, desde paros en el transporte público, cortes de teléfono o Internet, hasta dificultades
personales que la vida reparte a todos por turno. Las diez semanas eran largas (en las
ausencias) y demasiado cortas y veloces, siempre. Varios artistas volvieron después, de
visita o para seguir elaborando proyectos por su propia cuenta; esas instancias le agregaron otra capa de marcada riqueza a la experiencia en su totalidad.
INTRODUCCIÓN
reflexión, y nos parecía que la demanda por resultados revelaba tendencias en cómo se
pensaba el arte dentro del contexto social influenciado por la dinámica del mercado.
En el ámbito sin fines de lucro, encontrábamos una suerte de corolario a eso, donde el
dinero (destinado a un programa cuyo fin es enriquecer el proceso creativo de los artistas) necesita ser justificado, además, por otras razones “sociales”. Curiosamente, es como
si los productores culturales existieran en algún limbo separado de la sociedad, y por lo
tanto es necesario demostrar qué vínculos se pueden tender entre los dos.
El proyecto tardó en arrancar, pero creció con una velocidad insospechada de ahí en
más, en términos del número de artistas que vinieron por año, del alcance de la convocatoria, de las posibilidades que tuvimos para invitar artistas argentinos a viajar al
extranjero como fruto de intercambios que realizamos, y del nivel de reconocimiento
que tuvo el proyecto. Pudimos cumplir el sueño de hacerlo crecer dentro de nuestra
región, especialmente con proyectos hermanos como Lugar a Dudas (Colombia), Kiosco
(Bolivia) y Capacete (Brasil), además de trabajar en conjunto con instituciones de más
larga trayectoria como NIFCA (Países Nórdicos), Buy-Sellf (Francia) o Hangar (España),
entre otros. Vimos florecer colaboraciones ricas e insospechadas entre artistas y vecinos
del barrio, recibimos más visitas de artistas y otros actores del mundo del arte de distintas partes del mundo que pudiéramos haber imaginado, y terminamos comiendo, charlando, tomando y bailando mucho más de lo planificado.
in which these aims were not met, the project was a source of great satisfaction for us.
Nevertheless, those few instances were useful in that they led us to make adjustments to
different aspects of the project, from selection methodology to communication with each
artist prior to their arrival. There were also cases where, against all odds, artists surprised
us with their patience and creativity in the face of situations that were hard on us all, from
lapses in Internet service to bus strikes or the personal difficulties that strike all of us at
one time or another. The ten weeks proved to be long ones (of absence), but at the same
time always too short and too fast. Several artists returned later on their own account,
either to visit or to continue developing projects; these situations added yet another layer
that greatly enriched the experience in its totality.
The project took a long time to start up, but grew at an unsuspected velocity from
then on, in terms of the number of artists who participated, the reach of the open call,
the possibilities we had to invite Argentinean artists to travel abroad as the result of
mutual exchange agreements we established, and the level of recognition that the
project received. We were able to fulfill the dream of making it grow within our own
region, particularly with sister programs such as Lugar a Dudas (Colombia), Kiosco
(Bolivia), and Capacete (Brasil), in addition to working with institutions with longer histories such as NIFCA (Nordic peninsula), Buy-Sellf (France) or Hangar (Spain), among
others. We saw surprising and enriching collaborations blossom and bear fruit
between artists and members of the neighborhood, we received visits from more
artists and other art world figures from different parts of the world than we could
19
Este libro
Se espera que esta publicación presente una suerte de balance de los años de actividad
del programa de residencias de artistas El Basilisco, y aquí volvemos a las dificultades
have ever imagined, and we wound up eating, talking, drinking and dancing much more
than we had planned.
In the e-mail message we sent inviting everyone to the last party and official closing
of the project, I wrote that “although we recognize the value of forming a solid, lasting
institution on an intellectual level, we know that it isn’t our strength. There are many
other reasons why the project reached the point that it did and no further that range
from personal crises to the world crisis with several stops in between, but they are
symptoms, not causes. They say that basiliscos hatch from rotten eggs, and in that
sense the name was a perfect fit; we wanted to contribute something to a situation
that we saw as lacking in different aspects, and we believe that we did manage to add
something.” Years later, these same words still serve to explain the project’s end. In
early 2009, we found ourselves looking for a new place to host El Basilisco, now
grown to a considerable size, and between the international economic crisis, the
changes that had occurred in the city’s art scene and others that had taken place in our
lives, the extraordinary conditions that have to exist in order to overcome the
numerous obstacles that any independent endeavor has to face simply didn’t come
together. It should come as no surprise that projects of this sort come to an end, nor
should it necessarily be a sad thing; what should be outstanding is how incredible it is
when they do function, and how marvelous it is when they function well, for however
long they may last.
20
EL BASILISCO
ya mencionadas acerca de la documentación. Son los artistas los que hicieron de El Basilisco lo que era. ¿Cómo elegir las palabras que podrían constituir una suerte de rampa
para acercar a los lectores a lo esencial de cada uno de ellos sin contar la historia completa, sin describir de dónde venía, qué camino le llevó a la residencia, qué esperaba,
encontraba, preguntaba y al fin decidió hacer, y qué pasó después? Muy buena pregunta. Aquí presentamos un intento de mostrar por lo menos la punta del témpano, algo
que quepa en la cantidad de páginas que pudimos reunir con ese fin. Al indagar la forma
de encarar su obra, el modus operandi de cada uno, se pretende revelar alguna clave
que facilite la comprensión de su trabajo sin dictar una interpretación predeterminada,
incluso hay propuestas que todavía resbalan de un capítulo a otro. Esperamos que esa
mirada subjetiva y discutible no importe tanto, ya que en las imágenes y las palabras de
los artistas, se puede confiar ciegamente.
INTRODUCCIÓN
En el mensaje de e-mail que invitaba a todos a la última fiesta y cierre oficial del proyecto, escribí que “aunque en el plano intelectual reconocemos el valor de formar una
institución fija y duradera, sabemos que no es lo nuestro. También hay muchas otras
razones por las cuales el proyecto llegó al punto y al momento que llegó y no más allá
de eso, en un rango que va desde la crisis personal a la crisis mundial con algunas
escalas en el medio, pero son síntomas y no causas. Dicen que los basiliscos nacen de
los huevos podridos, y en ese sentido el nombre le calzó perfectamente al proyecto;
queríamos aportar algo a una coyuntura que veíamos como carente en varios aspectos, y creemos que algo hicimos.” Años después, esas mismas palabras todavía sirven
para explicar el final del proyecto. A principios del 2009, nos encontrábamos buscando una nueva sede para El Basilisco, ya crecido a un tamaño significativo, y entre
la crisis económica internacional, los cambios que habían transcurrido en el ámbito
artístico de la ciudad y aquellos que habían transcurrido en nuestras vidas, las condiciones extraordinarias que tienen que existir para poder sobrellevar los muchos obstáculos que enfrenta cualquier emprendimiento independiente, simplemente no confluyeron. No debe ser sorprendente que proyectos de ésta índole terminen, ni necesariamente triste; lo que sí debería destacarse es lo increíble que es cuando funcionan,
y lo maravilloso que es cuando funcionan bien, por el tiempo que sea que duren.
Tamara Stuby en nombre de El Basilisco
1 El ciclo de mesas redondas “Pensando en voz alta”, creado y organizado por E. Álvarez y T. Stuby, realizado
en la Alianza Francesa, entre 2001 y 2003. El contenido de las mismas se publicó en CD card y en:
http://www.elbasilisco.com/charlas.html
This Book
The hope is that this publication will present a sort of end balance of years of activity at
the El Basilisco artists’ residency, and here we return to the difficulties previously mentioned regarding documentation. The artists are the ones who made El Basilisco what it
was. How to choose the words that might constitute a ramp to facilitate readers’ approach
to the essence of each of them without telling the whole story, describing where they
came from, what path led them to the residency, what they expected, found, asked about
and finally decided to do, and what happened next? Good question. Here we offer an
attempt to show at least the tip of the iceberg, something that fits into the number of
pages that we were able to bring together for this purpose. By examining the way in
which each one approaches his or her work, their modus operandi, the intention is to
reveal a key to comprehending the work without dictating any predetermined interpretation, and many proposals may yet slip from one chapter to another. We hope that this subjective and debatable perspective matters relatively little, and that readers will trust
blindly in the artists’ words and works.
Tamara Stuby in the name of El Basilisco
1 The “Pensando en voz alta” (Thinking Out Loud) series of round table discussions, created and organized by
E. Alvarez and T. Stuby, held at the Alianza Francesa in Buenos Aires from 2001 to 2003. The content of the
same can be found on a CD card and at: http://www.elbasilisco.com/charlas.html
21
ARTISTAS
Origami y fotografía de
Alejandro Fangi, 2005.
CAMBIAR LA PERSPECTIVA
Paulo Almeida / Iara Freiberg / Adriana Bustos / Cristian Segura /
Adriana Bernal / Sara Ramo / Jan Adriaans
26
EL BASILISCO
trate de “reconocer” a una galería por
su planta o de pintar una sucesión de
pinturas sobre una sola tela (Paulo
Almeida); doblar nuestra visión de las
paredes de un espacio con dibujos
simples que obedecen estrictamente a
las reglas de la perspectiva
matemática (Iara Freiberg); ponerse en
la piel de un animal o adoptar
tácitamente su punto de vista (Adriana
Bustos); tomar la institución museo
como la materia prima del artista en
una inversión de roles (Cristian
Segura); aplicándole carteles de otros
lugares muy conocidos a escenas
locales que son identificables como tal
(Adriana Bernal); o abriendo dudas
acerca de lo que vemos con un juego
de las siete diferencias o animaciones
filmadas cuadro por cuadro que
revelan una vida oculta de los objetos
(Sara Ramo); o cuando muestra una
suerte de radiografía de la rareza de
sitios cotidianos, extraordinarios
cuando pasan bajo la lupa de su lente,
sea subacuático o terrenal, estático o
en movimiento (Jan Adriaans). A pesar
de lo que pueden tener en común, el
trabajo de cada uno va mucho más
allá de este único aspecto, en
direcciones muy diversas.
A CHANGE OF PERSPECTIVE
Before a cat makes any leap outside of
its usual repertoire, it repeatedly
moves its head in such a way that
creates slight changes in perspective,
in order to add more data to its
calculations regarding heights and
distance, in order to better understand
the relationship between objects and
the surrounding space. A common
thread that runs through all these
artists’ way of working is something
similar to this feline instinct. They look
at places, institutions or systems of
representation from a different angle
in order to unfold other views that
complement our usual way of
perceiving these things. By
juxtaposing procedures that are
familiar but do not habitually bear any
relation to one another, they open
new facets of comprehension
regarding a particular theme or object
of interest. This may be a case of
“recognizing” a gallery on the basis of
its floor plan or painting a series of
paintings on one same canvas (Paulo
Almeida); bending our vision of the
walls of a space with simple drawings
that strictly obey the laws of
mathematical perspective (Iara
Freiberg); putting one’s self in the
place of an animal or tacitly adopting
their point of view (Adriana Bustos);
taking the museum institution as the
raw material in the hands of the artist
in a role reversal (Cristian Segura);
applying signs indicating other places
to recognized local sites (Adriana
Bernal); or raising doubts regarding
what we see with a game of the seven
differences or stop-action animations
that reveal the secret lives of different
objects (Sara Ramo); or showing a kind
of x-ray of the estrangement inherent
in everyday situations, turned
extraordinary when they pass under
the loupe of his lens, whether subaquatic or terrestrial, static or in
movement (Jan Adriaans). Despite
what they may have in common, the
work of each artist goes far beyond
this single aspect, in very different
directions.
Página anterior
Foto: Jaime Gili. (Foto
tomada desde el
avión llegando a
Buenos Aires por
primera vez, donde
se ve el centro de
Avellaneda) 2004.
CAMBIAR LA PERSPECTIVA
CAMBIAR LA PERSPECTIVA
Antes de intentar un salto fuera de lo
habitual, un gato hace algunos
movimientos con la cabeza que
producen leves cambios en la
perspectiva, para agregar más datos a
su cálculo de las distancias y alturas,
para entender mejor
la relación entre los objetos y el
espacio. Un hilo común a la forma de
trabajar de estos artistas es algo
parecido a ese instinto: miran hacia
lugares, instituciones o sistemas de
representación desde otro ángulo para
desdoblar otras vistas que
complementan nuestra manera
habitual de percibir esas cosas. Con la
yuxtaposición de procedimientos
conocidos pero usualmente no
relacionados entre sí, abren facetas
nuevas en lo que entendemos, acerca
del tema u objeto de su interés. Se
Paulo Almeida
Pintura (detalle del
plano de la ciudad
de Buenos Aires
donde aparecen
señalados los
espacios de arte),
2008.
27
28
Paulo Almeida
The work [Almeida] develops is amply
conceptual, process-based and directly
related to the specific spaces that
surround it, art spaces. The artist has
been working predominantly in painting,
relating it directly to the spatial-temporal
context that envelops it by way of
constructive strategies usually associated
with other languages—such as
photography, video, performance,
installation and other site-specific
practices—and utilizing it as a means in
order to position himself in a critical
position in regard to the art system by
revealing the normally implicit
mechanisms of visibility and
legitimization.
Concentrated on a meta-linguistic
approach to art and its social system, the
artist has maintained a working process
that consists of research and exhibition
of the history—recent or otherwise—of
the place where he exhibits, a procedure
carried out through an adaptation of
each work to its specific context, always
incorporating new strategies and
granting his paintings a considerable
site-specific character, where the
construction process is highlighted
although detrimental in terms of a final
product. In paintings elaborated on the
basis of en incessant superposition of
images that originate from each
exhibition context, the artist makes the
polyphony of art and the world visible,
forging a metaphor for the usually
complex network of efforts that shape it
and that tend to annul memories in favor
of novelties, by way of an uninterrupted
dynamic of choice, accumulation,
superimposition and erasure, in
consonance with large scale
globalizing processes.
EL BASILISCO
investigación y exhibición de historia
–reciente o no– del lugar donde exhibe,
procedimiento realizado mediante
adaptación al contexto específico de
cada trabajo, siempre incorporando
nuevas estrategias y confiriendo a sus
pinturas un gran carácter site specific,
donde el proceso de construcción es
resaltado en detrimento de un producto
final. En pinturas elaboradas a partir de
la incesante sobreposición de imágenes
originarias de sus propios contextos
expositivos, el artista hace visible la
polifonía del arte y del mundo,
metaforizando la normalmente compleja
red de esfuerzos que lo forma y que
tiende a anular recuerdos a favor de
novedades por medio de una
permanente dinámica de elección,
acumulación, sobreposición y
borramiento, en consonancia con los
grandes procesos globalizantes.
CAMBIAR LA PERSPECTIVA
Paulo Almeida
Desarrolla un trabajo ampliamente
conceptual, procesual y en relación
directa con los ambientes que lo
envuelven específicamente, los del arte.
El artista viene trabajando
preponderantemente con la pintura,
relacionándola directamente al contexto
espacio-temporal que la envuelve por
medio de estrategias constructivas
habitualmente relacionadas a otros
lenguajes –como la fotografía, el vídeo, la
performance, la instalación y las
prácticas site specific –, y utilizándola
como medio para posicionarse
críticamente delante del sistema del arte
al revelar sus mecanismos habitualmente
implícitos de visibilidad y legitimación.
Concentrado en un abordaje
metalingüístico del arte y de su sistema
social, el artista viene manteniendo un
proceso de trabajo que consiste en la
Paulo Almeida
Vista de su
instalación en El
Basilisco, 2008.
Paulo Almeida
Pintura (Planta de la
Galería Ruth
Benzacar), 2008.
29
30
Iara Freiberg
Buenos Aires, November, 2006.
Week eight, the days are hot and
Christmas is in the air, exhibitions are
opening and people are coming and
going, here in the house as well as
outside. Now there are five of us
inhabiting the house, between
Argentineans, Brazilians, Colombians,
Finnish and Icelanders. The language
spoken in the house is a universal,
quasi-comprehensible tongue.
The criteria for my work is changing,
the forms have changed along with the
modes of operation. It arrived as one
thing, in plans, and it leaves something
else, in practice, quite happily; it’s what
proves that all this is a living thing, a
mechanism, part of an organism that
moves, walks and changes.
My work escaped from the scheme,
escaped from the house and runs
loose in the city. Four drawings in the
streets. As I see it, they are
interventions in public sites, heavily
transited places, the city… which
belongs to everyone and to no one.
For some, it is graffiti or vandalism.
For others, I hope, it is an instance of
rupture, a point that stands apart.
Painted on the walls throughout the
neighborhood, there are graffitis,
declarations of love, attacks on state
politics, jokes and curses. In parallel,
there are superimposed interventions,
drawings that cannot be identified as
graffiti that suggest alterations in the
everyday, and even in the “normalcy”
of the rest of the painted messages on
the walls.
In the context of a country where
many people venture forth to make
their voices heard, this manifestation,
occupying the city walls, makes
EL BASILISCO
Para mí, intervenciones en locales
públicos, lugares de circulación,
la ciudad... que es de todos y de nadie.
Para unos, grafiti o vandalismo. Para
otros, espero, un acontecimiento de
quiebre, un punto que no encaja.
Por las paredes del barrio, pintadas,
declaraciones de amor, ataques a la
política nacional, chistes, puteadas.
Paralelamente, intervenciones
superpuestas, dibujos que no terminan
de identificarse con grafitis, sugieren
apenas alteraciones en el cotidiano,
incluso en la “normalidad” de las
propias pintadas en las paredes.
Dentro del contexto de un país donde
mucha gente se anima a tener voz
activa, esta manifestación, la
ocupación de muros de la ciudad,
tiene todo el sentido. Y la falta de ella
hubiera quizás provocado una
sensación de silencio, de cerrar los
CAMBIAR LA PERSPECTIVA
Iara Freiberg
Buenos Aires, noviembre de 2006.
Octava semana, días calurosos, clima
de navidad acercándose, exposiciones
abriendo, gente que va y viene, allá
afuera y aquí dentro de la casa. Ahora
somos cinco habitantes, entre
argentinos, brasileños, colombianos,
finlandeses, islandeses. En la casa se
habla un idioma universal, semicomprensible.
Los criterios del trabajo fueron
cambiando, las formas cambiaron, los
modos de operación. El trabajo llegó
uno, en planes, y sale otro, en la
práctica, felizmente; lo que prueba
que todo esto es algo vivo, es un
mecanismo, parte de un organismo
que camina, se mueve y cambia.
Mi trabajo escapó al esquema, se
escapó de la casa, anda suelto por la
ciudad. Cuatro dibujos en las calles.
Iara Freiberg
Intervención en la
fachada de un
edificio cercano a la
residencia, 2006.
Iara Freiberg
Intervención en el
portón de El
Basilisco, 2006.
31
EL BASILISCO
Iara Freiberg
Vistas de su
intervención en el
Centro Cultural de
España en Buenos
Aires, 2006.
Fotos: Guido Bonfiglio.
32
CAMBIAR LA PERSPECTIVA
ojos y lavarse las manos frente a la
realidad, al abuso.
Ocupar las ciudades que nos
pertenecen. Hacer declaraciones –
aunque anónimas – en voz alta, a los
gritos por los muros de la ciudad. Esas
son acciones políticas. Pueden
proponerse dentro de cualquier
ámbito de discusión, pero son
básicamente acciones políticas.
Críticas ideológicas, declaraciones de
amor o simplemente dibujos.
Ocupar la ciudad, dejar claro que la
ciudad nos pertenece; no a los artistas,
a los abandonados, a los amantes, a
los buenos o a los malos, sino que
pertenece a la gente. Ocuparla es
volverla nuestra otra vez. Recuperar
una ciudad ya sin nuestra identidad,
con una identidad impuesta, de un
“bello” inventado en los outdoors, de
una suciedad desparramada en las
perfect sense. The lack of it may well
have provoked a sense of silence, a
sensation of closing one’s eyes and
washing one’s hands of the
surrounding reality, of the abuse.
To occupy the cities that belong to us,
to make statements—albeit in
anonymity—out loud, shouts that
emanate from the city walls. These are
political actions. They could be
proposed in almost any area of
discussion, but they are basically
political actions. They are ideological
critiques, declarations of love or
simply drawings.
To occupy the city is to make it clear
that it belongs to us; not to artists, to
the abandoned, to lovers, to the good
guys or the bad guys, but to the
people. To occupy it is to make it ours
once again. It means recovering a city
that no longer has our identity, but an
33
EL BASILISCO
Adriana Bustos
Vista de su
instalación en El
Basilisco, 2007.
34
imposed identity, a form of
“handsome” invented outdoors, grime
on every street that is precisely the
result of the lack of the sensation
that the city belongs to us, that it is
our home.
Mine is an anonymous action, a
nocturnal invasion of the city that has
been abducted, taken from us. Dawn
arrives with one more shout. It may
be that an anonymous action
transforms that action into one that
belongs to many. One person’s action
is transformed in the reactions of
others in complementary actions, that
add, or that respond in opposition. The
action is multiplied.
I take one step in the direction of real
life, much more real than art.
CAMBIAR LA PERSPECTIVA
calles justamente por la falta de sentir
que la ciudad nos pertenece, que es
nuestra casa.
Una acción anónima, una invasión
nocturna a la ciudad que nos fue
secuestrada. Un amanecer con un grito
más. La acción anónima tal vez
transforme la acción de uno en la
acción de muchos. La acción de uno,
transformada en la reacción de otros,
en una acción de complemento, de
suma, o en una acción de respuesta,
de oposición. La acción multiplicada.
Doy un paso hacia la vida real,
mucho más real que el arte.
Adriana Bustos
Stills del video Perros
de Avellaneda,
realizado durante su
residencia en
El Basilisco, 2007.
35
Cristian Segura
Patinar en el Macba - Museu d’ Art
Contemporani de Barcelona.
Video-instalación realizada durante su
Residencia en Hangar, Barcelona, 2008.
36
EL BASILISCO
(1938) de Emiliano di Cavalcanti— en
camisetas que compré en su tienda y
estampé con las obras subastadas. […]
La performance fue llevado a cabo de
manera independiente, el 18 de
mayo -Día Internacional de los
Museos-, para recordar esta pérdida
cultural irremplazable.
En la segunda, tracé un romboide en
el parqué del taller, delimitando las
raspaduras, manchas de pintura y
otros rastros dejados en el suelo por
los residentes anteriores y restauré a
su estado original todo lo que estaba
por fuera. El área revelaba las
marcas dejadas por los artistas
durante el proceso de trabajo, al
modo de un palimpsesto, que iba
desde la idea hasta la obra
terminada.
[…] En 2008, viajé a La Habana, Cuba,
para permanecer un mes y producir
una obra en el marco de la
Residencia Batiscafo. Había recibido
la invitación dos semanas antes, de
modo que iba sin un proyecto previo.
La obra se me presentó durante el
evento teórico de La Caja Negra, al
que asistí en Matanzas, una ciudad
cercana a la capital cubana. Y cuando
digo que se me presentó, digo bien.
Un disertante hablaba sobre la
historia del videoarte cubano y una
breve frase me marcó el camino:
“mientras el video llegó más
temprano, en algunos países como
Argentina, Brasil y México, en Cuba
lo hizo mucho más tarde”. En ese
instante, saqué mi cámara y
documenté un momento. Un
conferencista que “espera”,
impaciente, que llegue su turno.
Esperar se convierte en actitud ante
el discurso. El sonido es vital y, por
Cristian Segura
[…] I participated in my first residency
in 2006. It was at El Basilisco, a house
with a studio in Avellaneda. […] There I
conceived of various projects that I
produced during my stay of almost
two months. […]
The first piece arose in relation to
three paintings pertaining to the
collection of the Museo de Arte
Latinoamericano de Buenos Aires
being put up for sale at Sotheby’s—the
New York auction house, in 2005—in
order to pay the 2,4 million dollars in
import taxes that were owed to the
Administración Federal de Ingresos
Públicos (AFIP, similar to the IRS
in the US).
I decided to briefly re-introduce the
three paintings into the museum--L'
Eau (Water, 1939) by Roberto Matta,
Constructivo en colores (Constructive
in Color, 1931) by Joaquín Torres
García, and Mulheres de pescadores
(Fishermen’s Wives, 1938) de Emiliano
di Cavalcanti—in the form of t-shirts
that I bought in the museum shop on
which I printed images of the works
sent to auction. […] The performance
was carried out independently on May
18—International Museum Day—in
commemoration of this irreplaceable
cultural loss.
For the second piece, I traced a
rhomboid on the studio’s parquet
floor, delineating an area where the
scrapes, paint stains and other traces
of prior residents were left on the
floor, and then restored the entire
surrounding area to its original state.
The area revealed the marks left by
artists during their working process
like a palimpsest ranging from the
idea to the finished work.
[…] In 2008, I travelled to Havana,
Cuba for a month-long stay to produce
a piece in the framework of the
Batiscafo Residency program. I had
received the invitation two weeks
beforehand and as such went without
a pre-conceived project.
The project presented itself to me
during La Caja Negra, a presentation
on theory held in Matanzas, a city
close to the Cuban capital. And when I
say that it presented itself, I mean
precisely that. A speaker discussing
the history of Cuban video art stated a
short phrase that signaled my path:
“while video arrived earlier in some
countries such as Argentina, Brazil or
Mexico, in Cuba it took place much
later”. At that instant, I took out my
camera and documented the moment.
A speaker who “waits” impatiently for
his turn to speak. Waiting becomes an
CAMBIAR LA PERSPECTIVA
Cristian Segura
[…] En 2006 hice mi primera
residencia. Fue en El Basilisco, una
casa con taller, en Avellaneda, […] Allí
conceptualicé varios proyectos que
produje durante mi estancia de casi
2 meses. […]
La primera obra surgió a raíz de la
venta que efectuara, en Sotheby's -la
casa de subasta de Nueva York en
2005- el Museo de Arte
Latinoamericano de Buenos Aires, de
tres pinturas de su colección, a fin de
pagar los 2,4 millones de dólares que
le adeudaba a la Administración
Federal de Ingresos Públicos, en
impuestos de importación.
Decidí reingresar, brevemente, los
tres cuadros al museo — L' Eau (1939)
de Roberto Matta, Constructivo en
colores (1931) de Joaquín Torres
García, y Mulheres de pescadores
37
38
attitude toward discourse. Sound is
vital, and on the other hand, it is an
almost indecipherable fragment. A
series of gestures speak for
themselves.
Back in Havana, I intervened in the
marquee of the Riviera cinema with
the announcement of the projection of
my video.[…]
Also in 2008, I received a grant for an
artist’s residency at Hangar, in
Barcelona during two months […] Once
there, upon seeing how the MacbaMuseu d’ art Contemporani de
Barcelona was becoming a center of
conflict between skateboarders who
had appropriated some of its outdoor
areas for skating and the police,
entrusted to enforce the ordinance
that proposed “to foment and
guarantee co-existence between
citizens in Barcelona’s public space”,
I reformulated my original project […] in
response to this complex situation. […]
I began by buying a skateboard from a
skater on the museum esplanade and
adding a small screen to it in order to
show a video which documented the
situation going on there, along with a
series of inter-related elements
including a policeman’s hat, a Mosso
d’Escuadra vest and a book on
architecture (acquired at the Macba
shop) that shows the museum without
any people.
Another piece is an installation that
represents the Police Guards who
patrol the museum. I employed
dissimilar elements in making it: a
photograph of the building, two police
figurines and a collector’s car, places
at different distances on a tripod
fastened to the wall. These elements,
unrelated to one another in scale, join
EL BASILISCO
en torno a esta compleja situación.
[…]
Comencé comprando un skateboard a
un patinador en la explanada del
museo al que añadí una pequeña
pantalla que reproduce un video, el
cual documenta la situación que allí
se vivía y que lleva una serie de
elementos interrelacionados, tales
como una gorra, un chaleco de Mosso
d’ Escuadra y un libro de arquitectura
(adquirido en la tienda del Macba)
que muestra al museo despoblado.
Otra obra es una instalación que
representa la Guardia Policial que
vigilaba frente al museo. La hice
valiéndome de elementos disímiles:
una fotografía del edifico, dos
figurillas de policía y un automóvil
de colección, dispuestos a diferentes
distancias sobre un trípode sujeto a
la pared. Estos elementos, sin
CAMBIAR LA PERSPECTIVA
otro lado, es un fragmento casi
indescifrable. Una serie de gestos
hablan por sí solos.
De regreso a La Habana, intervine la
marquesina del cine Riviera con el
anuncio de la proyección de mi
video […]
También en 2008, fui becado como
artista en residencia del Centro de
Producción Hangar, en Barcelona,
durante 2 meses.
[…] Una vez allí, al presenciar cómo el
Macba - Museu d’ Art Contemporani
de Barcelona, se convertía en un
ámbito de conflicto, entre los skaters,
que se habían apropiado de algunos
de sus espacios exteriores para
patinar, y la policía, que debía hacer
cumplir la ordenanza que dispone
“fomentar y garantizar la convivencia
ciudadana en el espacio público de
Barcelona”, reformulé mi proyecto […]
Cristian Segura
La Espera,
video, intervención y
registro fotográfico.
Realizados durante su
residencia en Batiscafo,
La Habana, 2008.
39
40
together in perfect perspective when
viewed through an inverted
monocular eyepiece. […]
The working process included prior
interviews with the skaters, workers
from the museum and neighborhood
residents. Recording video footage in
front of the Macba was frustrated on
several occasions by the police. For
this reason, the final scene wound up
being achieved through the use of the
camera’s zoom at its maximum, shot
from a distance. This footage also
coincides with one of the few
occasions when friendly persuasion
was used by the police with the
skaters. In other instances, they
confiscated skateboards and fined
skaters. The project had a second
phase and conclusion in 2009, with a
series of photographs in black and
white of the reforms carried out in the
Dels Àngels square—commonly known
as the Macba square—and the front
steps of the museum, which have
finished off what was quite possibly
the world’s most popular
skateboarding zone.
EL BASILISCO
remodelación de la plaza Dels Àngels
–conocida popularmente como plaza
del Macba– y de las gradas frente al
Museo, que acabaron con lo que fue,
posiblemente, la zona de “skate” más
popular del mundo.
CAMBIAR LA PERSPECTIVA
guardar relación de escala entre
ellos, se aúnan en perfecta
perspectiva al ser observados
mediante un monocular invertido. […]
El proceso de trabajo incluyó
entrevistas previas con los skaters,
trabajadores del museo y habitantes
del barrio. El registro en video, frente
al Macba, se vio frustrado en varias
ocasiones por la Policía. Por esta
razón, la escena final quedó lograda
usando el zoom de la cámara al
máximo nivel desde un lugar alejado.
Esta toma, también coincide con una
de las pocas persuasiones amables
que presencié por parte de la Policía
hacia los skaters, mientras que en
otros casos, les confiscaban las tablas
y los multaban. El proyecto tuvo una
segunda etapa y conclusión, en 2009,
con una serie de fotografías en
blanco y negro de las obras de
Cristian Segura
El Taller,
vista de su
Instalación en El
Basilisco, 2006.
Cristian Segura
Restitución temporal,
documentación
fotográfica de su
acción en Malba,
Buenos Aires, 2006.
41
Adriana Bernal
Kyoto, fotografía,
Buenos Aires, 2006.
Adriana Bernal
Paris, fotografia,
Buenos Aires, 2006.
42
de la cual tenemos un concepto
preconcebido, ya que los medios de
consumo masivo como la fotografía, la
televisión, los souvenirs e Internet han
ayudado a difundir estas imágenes que
pertenecen a nuestra memoria colectiva.
Para mí es importante poder conocer las
ciudad de una manera más profunda y
entender cuáles han sido sus influencias,
sus herencias y su historia para poder
identificar una cultura y sus gustos.
Esta serie de fotografías plantea una
nueva propuesta visual la cual nos
recuerda que la ficción, la apariencia o
el simulacro son mas valorados en
cuanto más descabellada pero bien
realizada sea la mentira creativa,
además a diferencia de muchos otros
proyectos, éste, está en constante
crecimiento pues el encuentro de
muchas de estas visiones, es esporádico
y no esta señalado en una guía turística.
Adriana Bernal
Imported Landscapes
As a visual artist I am interested in
using different means of expression in
order to communicate my ideas and my
proposals. Nevertheless, photography
has become the most relevant visual
language within my production [...], and
as a photographer, the city and the
urban context are sources of inspiration
where I find that I am able to discover,
investigate and observe life’s
contemporary scene.
Imported Landscapes is a proposal that
came into being at the artists’ residency
El Basilisco in the city of Buenos Aires,
Argentina, and has extended to
different cities in Colombia.
It consists of subjective interventions by
way of which a space in the city is signaled
where architecture or landscape has been
identified that recreates, simulates or
appears similar to another city in the world
about which we have some preconceived
notion thanks to media of mass
consumption such as photography,
television, souvenirs or internet that have
helped to circulate the images that pertain
to our collective memory. For me it is
important to be able to get to know cities
in a more profound manner and to
understand their influences, inheritance
and history in order to be able to identify a
culture and its tastes.
This series of photographs sets forth a
new visual proposal that reminds us
that fiction, appearances or simulacra
are valued the crazier they are when
the creative lie is carried out well. In
addition, as opposed to many other
projects, this one grows constantly,
since the discovery of many of these
visions is sporadic, not indicated in any
tourist guidebook.
CAMBIAR LA PERSPECTIVA
EL BASILISCO
Adriana Bernal
Nueva York,
fotografía, Buenos
Aires, 2006.
Adriana Bernal
Paisajes Importados
Como artista plástica me interesa usar
diferentes medios de expresión para
comunicar mis ideas y mis propuestas.
Sin embargo, la fotografía se ha
convertido en el lenguaje visual mas
relevante dentro de mi trabajo […], y
como fotógrafa, la ciudad y contexto
urbano son fuentes de inspiración en
donde encuentro que puedo descubrir,
investigar y observar el escenario
contemporáneo de la vida.
Paisajes importados es una propuesta que
nació en la residencia artística El Basilisco
en la ciudad de Buenos Aires, Argentina y
se ha extendido a diferentes ciudades
colombianas. Consiste en señalar por
medio de una intervención subjetiva un
espacio de la ciudad donde se identifica
una arquitectura o paisaje que recrea,
simula o parece otra ciudad del mundo y
43
EL BASILISCO
CAMBIAR LA PERSPECTIVA
Sara Ramo
Fotografía (díptico),
2006.
44
45
46
Jan Adriaans
During my residency period at El
Basilisco in 2005, walks through the
neighborhood were the point of
departure for my project, during
which I took pictures of houses, sheds
and markets. This working process
resulted in an installation built in the
patio and part of the studio space
containing a roof, a pond, a market
booth and some beds, all made out of
cheap materials like plastic bags and
wooden crates. Flexible plastic tubes
attached to a ceiling fan produced an
industrial whistle-sound, and gave
the constructed place of retreat a bit
of insanity.
Back in Rotterdam, I tried to combine
my installation practice with my
photography. This took shape by
making interventions in real locations.
In these I consider the use of
materials, function and appearance of
the place, questioning their original
intentions. For example, in The
executive’s teeth are slightly stained I,
you see a fancy black tiled lobby with
an impressive shiny steel elevator
door, in a corporate building. To
increase the impenetrability of gloss
and reflection, I unfolded two
emergency foils (aluminium foil) on
the floor, giving rise to a block pattern
that took over the black of the wall
as color. ‘ A floor as a layer of bars
of gold.’
In 2007 I went back to Buenos Aires
(my residency here felt unfinished) to
make a video-piece and a new series
of photos. In the entrances of offices
and apartment buildings clothed with
rich marble or worn out carpet, I
found the right locations for my
series. Time, value and meaning weigh
EL BASILISCO
intervenciones hechas en sitios reales.
En ellos, tomé en consideración el
empleo de los materiales, su función y
apariencia en el lugar para luego
cuestionar las intenciones originales.
Por ejemplo, en Los dientes del
ejecutivo están levemente manchados
I, se ve el lobby lujoso de un edificio
corporativo, revestido con azulejos
negros y una puerta impresionante de
acero brillante de un ascensor. Para
incrementar la impenetrabilidad del
brillo y los reflejos, desplegué dos
mantas de emergencia [papel de
aluminio] en el piso, que dio lugar a
una trama de cuadrados que tomó el
negro de la pared como su color. ‘Un
piso como una capa de barras de oro.’
En 2007, volví a Buenos Aires (mi
residencia allí me parecía aún por
concluir) para hacer un trabajo en
video y una nueva serie de fotos. En
CAMBIAR LA PERSPECTIVA
Jan Adriaans
Durante mi período de residencia en
El Basilisco en el 2005, mi proyecto
partía de caminatas en el barrio,
tomando fotos de casas, mercados y
galpones. Este proceso de trabajo
resultó en una instalación construida
en el patio y una parte del taller, e
incluía un techo, un estanque, un
puesto de mercado y algunas camas,
todos realizados con materiales
baratos como bolsas de consorcio y
cajones de frutas. Tubos flexibles
de plástico atados a un ventilador
de techo producían un zumbido
industrial, que otorgó un toque de
locura al lugar construido como
un refugio.
De vuelta en Rotterdam, intenté
combinar la práctica de armar
instalaciones con mi fotografía. Esto
tomó forma a través de
Jan Adriaans
Ultrabright, close to
being deaf, fotografía
(intervenciones en
espacios públicos),
Rotterdam, 2007.
Jan Adriaans
Lick, fotografía
(intervenciones en
espacios públicos),
Buenos Aires, 2008.
47
EL BASILISCO
CAMBIAR LA PERSPECTIVA
las entradas de oficinas y torres de
departamentos, revestidos con
mármol caro o alfombras desgastadas,
encontré los sitios adecuados para
realizar la serie. El tiempo, valor y
sentido pesan mucho sobre algunos
materiales, mientras otros parecen
vaciarse de sus significados por el uso
universal y global. En estos lugares,
usé cuerina en ensamblajes
temporales, jugando con las ilusiones
de texturas, escalas y profundidad.
Me interesa mostrar la materialidad
en su forma particular e improvisada
en posturas casi humanas, como si
participaran activamente de la vida.
heavily on some materials, and
others seem to be rendered
completely meaningless by universal,
worldwide use. On these locations I
used fake leather for temporary
assemblies and played with the
illusion of texture, scale and depth.
I like to show materiality in its
peculiar and improvised form in
almost human poses, as if it is
actively taking part of life.
Jan Adriaans
Vistas de su instalación
en El Basilisco, 2005.
48
49
MIRAR LA EXCEPCIÓN
Roland Persson y Törbjorn Berg / Chih-Chien Wang /
Graciela Arce / Olivia Plender / Seth Wulsin
52
EL BASILISCO
pertinente en el caso de este grupo de
artistas: la manera de elegir cuál será
la cosa en la que se fije la mirada se
vuelve muy importante. Así, la
intuición cobra el protagonismo que
esperamos que tenga en el arte, y que
tratamos de ignorar en la ciencia. En
el caso de Roland Persson y Torbjörn
Berg, la decisión fue conscientemente
azarosa: dispararon un tiro sobre un
mapa de la ciudad de Buenos Aires,
confiando al trayecto de una bala el
destino de dos meses de sus vidas en
un lugar extraño. A Chih-Chien Wang
lo hipnotizó un espacio particular en
los galpones de cheLA (Centro
Hipermediático Experimental
Latinoamericano), donde elaboró un
proyecto en video, y a Graciela Arce,
fue un lugar común, digamos, a todos:
el que tienen los baños en la vida de
cada uno, lo que le sirvió como hilo
conductor. El interés de Olivia Plender
por la historia de un pequeño grupo
separatista y reformista llegó a
permear su propio mundo y el lugar
del artista en el mundo, y Seth Wulsin,
que llevaba un tiempo trabajando con
un momento de un lugar (la
demolición de la cárcel de Caseros) y
de ese proceso surgió una
investigación filosófico-matemáticogeométrico más compleja.
EXAMINE THE EXCEPTION
Both the exception and the rule
depend on one another for their own
definition. Who says that the majority
or an overall average has more to tell
or to teach us than the exceptions?
Scientific method has channeled all
fields of knowledge into its
parameters of repeatability and a oneway process that leads from
specificities to generalizations. Its
guidelines have accustomed us to
overlooking the uncomfortable details
and to rounding off the rough edges
that appear along the way in coming
to any conclusion. Nevertheless, it is
not the only possibility. It may well be
that the meticulous study of one
specific thing has as much to reveal (if
not everything) regarding the world in
which it exists. This manner of
approaching things presents a
different problem (or advantage?),
very pertinent to this group of artists’
work: how to choose what will become
the object of study becomes essential.
As such, intuition takes on the
principal role that we expect it to
have in art but that we try to ignore in
science. In the case of Roland Persson
and Torbjörn Berg, the decision was
consciously random: they shot a bullet
into a map of Buenos Aires, trusting
the course of two months of their
lives in a strange place to the
trajectory of a small projectile. ChihChien Wang was captivated by a
particular space in the abandoned
factory buildings of cheLA (Centro
Hipermediático Experimental
Latinoamericano), where he
elaborated a video project, and for
Graciela Arce, a place that we all have
in common but that is usually left to
one side, the bathroom, is what served
as the central axis of her work. Olivia
Plender’s interest in a small separatist
reform group wound up permeating
her own world and that of the artist in
the world at large, and Seth Wulsin’s
ongoing work with a specific moment
of a particular place (the Caseros jail
in process of being demolished)
branched off into a complex
philosophical-mathematical-geometric
investigation.
Página anterior
Foto: Jan Adriaans.
(Foto tomada desde
la terraza del
Basilisco.) 2005.
MIRAR LA EXCEPCIÓN
MIRAR LA EXCEPCIÓN
La excepción y la regla se necesitan
para definirse. ¿Quién dice que la
mayoría o el promedio tiene más para
decirnos o instruirnos que la
excepción? El método científico ha
encauzado todos los campos del
conocimiento dentro de sus pautas de
repetibilidad y su flujo unidireccional
que parte desde lo específico y lleva
hacia las generalizaciones . Nos
acostumbró a olvidarnos de los
detalles incómodos y a limar las
asperezas que aparecen en el camino
hacia una conclusión. Sin embargo, no
es la única posibilidad; también es
posible que una cosa específica,
estudiada minuciosamente, nos revele
mucho (por no decir todo) acerca del
mundo en que existe. Esta forma de
acercarse a las cosas tiene otra
problemática (¿o ventaja?), muy
Roland Persson /
Torbjorn Berg
The Random Project,
vista de su video
instalado en El
Basilisco, 2007.
53
54
EL BASILISCO
El hecho de residir por un tiempo en
una cultura con mayores diferencias
económicas entre grupos sociales que
las de mi país de origen (Suecia)
también me impactó. En el barrio de
Avellaneda uno se cruzaba en
cualquier parte con una abundancia de
basura – literalmente en la calle. Había
recipientes para contener la basura,
pero parecía que nunca fueran
suficientes. Siempre estaban
rebalsando y la basura se extendía a
las veredas y las calles. Este choque
entre el caos y la civilización había
constituido el eje de mi obra artística
durante muchos años, pero después
de mi visita a la Argentina, mi interés
creció, más focalizado en el tema de la
basura expuesta en público. Un
ejemplo de eso es mi exhibición
Fragile Stories (Historias Frágiles),
donde muestro nueve fotografías
ampliadas de desperdicios públicos,
fotografiadas en Inglaterra, Alemania
y Argentina. Las imágenes pueden ser
vistas como una crítica a la sociedad
contemporánea tanto como esculturas
en si mismas.
Roland Persson y Törbjon Berg
One of the most important
experiences I have brought with me
from my stay at El Basilisco (in
Spring of 2007) is the benefit of
working together with other people
in artistic projects. I have, since El
Basilisco, on several occasions
involved people from the outside in
my artistic projects regarding public
works of art. It has most certainly
added to the final results regarding
both democratic and artistic aspects.
The random Project which was
realized together with Torbjörn Berg
during our stay at El Basilisco
became a starting point from which I
have dared to engage in further
combined social and sculptural
projects since then. Residing in a
culture with far grater economical
divides between social groups than
my own country of origin, Sweden,
also made an impact on me. In the
suburb of Avellaneda you would
come across an abundance of litter
wherever you were, literally in the
streets. Bins had been placed to
contain the rubbish but there never
seemed to enough of them. They
were constantly overflowing and the
rubbish would spread all over streets
and pavements. This collision
between civilization and chaos has
been in the centre of my artistic
work for many years but since my
visit to Argentina a more focused
interest of rubbish exposed to the
public has grown. An example of this
is my exhibition Fragile Stories
where I’m exhibiting nine enlarged
photographs of public litter,
photographed in England, Germany
and Argentina. These pictures could
simultaneously be viewed as a
critique of contemporary society, as
well as sculptures in their own right.
MIRAR LA EXCEPCIÓN
Roland Persson y Törbjon Berg
Una de las experiencias más
importantes que he llevado conmigo
luego de mi estancia en El Basilisco
(en la primavera del 2007) es el
beneficio del trabajo conjunto con
otras personas en proyectos artísticos.
Desde que participé en El Basilisco, he
involucrado otra gente en varias
ocasiones en mis proyectos artísticos
de obras públicas. Tanto en los
aspectos democráticos como en los
artísticos, sin duda ha sumado algo a
los resultados finales. The Random
Project (El proyecto al azar) que se
realizó en conjunto con Torbjörn Berg
durante nuestra residencia en El
Basilisco, se convirtió en el punto de
partida desde donde me he atrevido a
abordar otros proyectos sociales
conjuntos en combinación con la
escultura.
Roland Persson /
Torbjorn Berg
Fragile Stories,
fotografía, 2008.
55
EL BASILISCO
MIRAR LA EXCEPCIÓN
Roland Persson /
Torbjorn Berg
The Random Project,
vista de su
instalación en El
Basilisco (detalle),
2007.
56
Roland Persson /
Torbjorn Berg
The Random Project,
vista de su instalación
en El Basilisco, 2007.
57
EL BASILISCO
Gabo Camnitzer
Tipping Tower, 2007
During my time at El Basilisco we often
went to a restaurant close by called El
Pescadito*. There were many great
things about this restaurant, but the
thing that enchanted me most was the
extremely grandiose column at its
center. It was hexagonal and had
halogen lights all over it; it looked like a
space ship that might leave the
restaurant at any moment. I imagined it
beginning to shake and rattle and then
suddenly lifting off. Before I left, I took
a picture to remember it by. A year or
so later while staying in an old mill
house on the countryside with my
family, I found the photograph of the
column and was again struck by its
mysterious, luxurious beauty. I decided
to build my own version. Upon finishing
it I placed my version of the column in
58
MIRAR LA EXCEPCIÓN
Gabo Camnitzer
Tipping Tower (Torre Inclinada), 2007
Durante el tiempo que estuve en El
Basilisco, solíamos ir a un restaurante
cercano llamado El Pescadito*. Ese
restaurante tenía muchísimas cosas
particulares, pero lo que más me fascinó
fue el exagerado esplendor de la
columna que se ubicaba en el medio de
la sala. Era hexagonal y tenía luces
halógenas por todos lados; parecía una
nave espacial que podría salir del
restaurante en cualquier momento.
Imaginaba que empezaba a temblar y
vibrar y luego despegaba de repente.
Antes de irme, le tomé una foto de
recuerdo. Aproximadamente un año
después, durante una estadía en una
vieja casa de molino en el campo con mi
familia, encontré la foto de la columna y
nuevamente me impactó su belleza
lujosa y misteriosa. Decidí construir mi
Gabo Camnitzer
Fotografía del
interior del
restaurant La Placita,
Avellaneda, Buenos
Aires, 2005.
Gabo Camnitzer
Tipping Tower, still
de video, 2007.
59
* El restaurante referido por Gabo se llama “La
Placita”, fue renombrado afectuosamente por los
artistas en residencia, como “El pescadito frito” por
su especialidad en pescados y mariscos.
EL BASILISCO
Chih-Chien Wang
Fragmento de ‘Combinaisons’, de
François Dion (publicado en francés en
Spirale 215, Montreal, Canadá, 2007)
[…] En las imágenes de Chih-Chien
Wang, pequeños gestos y objetos
cotidianos resuenan: el rojo texturado
de un cangrejo dejado en un plato, una
pila de papeles que sugiere una
columna infinita, la cáscara de una
banana balanceándose en el borde de
un vaso, un pedazo de melón
recostado en el hueco de una mano, el
torso desnudo de un hombre frente a
una pared blanca. El fotógrafo
combina y recombina los elementos
de una realidad doméstica de una
manera que hace surgir motivos,
compone escenas y permite al artista
mostrarse frente a la cámara. […] A
través de una serie de gestos
the middle of a field close by in the
countryside. Completely alien to its
original context, I left it there for a
while, growing increasingly annoyed by
its lack of motion. Eventually I shot a
video of my father, hidden behind the
structure, steadily rocking it back and
forth along to a soundtrack I had made
beforehand. In the video the rocking
gradually gains in force giving the
impression that the structure is about to
lift off or explode, but anticlimactically
the soundtrack ends abruptly, the
movements stop, and the man behind
the column slowly peeks out.
The restaurant that Gabo refers to is “La Placita”,
affectionately nicknamed by the artists in residency
as “El pescadito frito” (The Little Fried Fish), because
it specialized in seafood..
60
Gabo Camnitzer
vista de su
instalación en
El Basilisco, 2005.
sobreimpuestos y yuxtapuestos,
disecciona el espacio. […] En sus fotos,
tenemos la impresión de ver el tiempo
congelado en un proceso de
investigación, […] la finalidad del cual
es, en palabras del artista, de
‘redescubrir’ lo que le rodea. Con ese
fin, Wang produce composiciones
modestas y eficaces que demuestran
una sensibilidad extrema a la forma
de las cosas que transitan el universo
doméstico. […] Lo más fascinante de la
obra de Chih-Chien Wang es la manera
en que se nutre de una sensibilidad
intensa hacia los objetos, una
sinceridad casi inocente en su forma
de expresar la ambigüedad inherente
de lo que él capta. […] Las imágenes de
Wang tratan de la presencia, y […] nos
confrontamos con dos formas de ser,
una sobre papel fotográfico, y otra en
la pantalla de video: “Entre dos
lugares, construí dos casas y dos
vidas. Estoy separado en dos por
igual. Soy una combinación.”
Chih-Chien Wang
Excerpt from ‘Combinaisons’ (Original
text by François Dion, first published on
Spirale 215, Montreal, Canada, 2007).
Translated from French by Bill
Mersereau.
dissects space. […] In his photographs, we
have the impression of seeing time
frozen in a process of research, […] The
goal of which is, according to the artist,
to ‘rediscover’ what is around him. To do
this, Wang produces modest and efficient
compositions that demonstrate an
intense sensitivity to the shapes of
things that travel through the domestic
universe. […] What is most fascinating in
the work of Chih-Chien Wang is the way
in which it draws upon an intense
sensitivity to objects, an almost naïve
sincerity in expressing the inherent
ambiguity of what he captures […]
Wang’s images are about the idea of
presence, and […] we are confronted by
two ways of being, one on photographic
paper, and the other on a video screen:
“Between two locations, I built two
houses and two lives. I am separated
equally in two. I am a combination.”
[…] Small gestures and everyday objects
resonate in Chih-Chien Wang’s images:
the textured redness of a crab left on a
plate, a stack of papers suggesting an
infinite column, the skin of a banana
hung on the rim of a glass, a piece of
melon nestled in the recess of a hand, a
man with bare torso in front of a white
wall. The photographer combines and
recombines elements of a domestic
reality in a way that draws motifs,
composes scenes, and allows the artist to
exhibit himself in front of the camera. […]
through a series of juxtaposed and
superimposed gestures, the photographer
MIRAR LA EXCEPCIÓN
propia versión. Al terminarla, coloqué la
columna en el medio de un prado cercano,
en el campo. Completamente ajena a su
contexto original, la dejé allí durante un
tiempo, mientras crecía mi enojo por su
falta de movimiento. Terminé por hacer
un video con mi padre escondido detrás
de la estructura, sacudiéndola
rítmicamente en acompañamiento a una
pista de sonido que había preparado
previamente. En el video, el balanceo se
hace cada vez más fuerte, dando la
impresión de que la estructura está a
punto de despegar o explotar, pero de
manera anti-climax la pista de sonido
termina bruscamente, el movimiento se
detiene y el hombre detrás de la columna
se asoma lentamente.
61
EL BASILISCO
MIRAR LA EXCEPCIÓN
Chih-Chien Wang
Still de su video
realizado en cheLA,
Buenos Aires, 2008.
62
Chih-Chien Wang
Stills de su video
realizado en cheLA,
Buenos Aires, 2008.
63
EL BASILISCO
MIRAR LA EXCEPCIÓN
Graciela Arce
Higiénica afectividad,
fotografías, 2007.
Graciela Arce
Asistencia perfecta.
De la serie Higiénica
afectividad,
fotografía, 2007.
65
66
EL BASILISCO
Olivia Plender
Texto del catálogo Altermodern: Tate
Triennial 2009
Machine Shall be the Slave of Man,
but We Will Not Slave for the
Machine (La máquina será esclava del
hombre, pero no seremos esclavos
para la máquina) se basa en mi
investigación sobre el Kibbo Kift
Kindred, un movimiento de jóvenes
británicos establecido en los años 20
por un artista y escritor de novelas
llamado John Hargrave, que duró
hasta los años 50. La instalación
funciona como una exhibición
histórica de fuentes autorizadas de
museo, incluyendo un diorama y
reconstrucciones de los estandartes y
el vestuario de los Kibbo Kift
acompañados por un video narrativo.
[…] Originalmente una parte de los
Boy Scouts, los Kibbo Kift dejaron la
organización conservadora de Baden
Powell para establecer un
movimiento socialista de jóvenes, en
colaboración con veteranos de la
campaña por el voto femenino y el
movimiento cooperativista. Al
principio se involucraron con causas
liberadoras como la del medio
ambiente, la reforma de vestimentas,
pacifismo, vegetarianismo, y la
democratización de las artes, pero
luego de una segunda ruptura (de los
Co-operadores), Hargrave se
estableció como un líder carismático,
e ir de campamento fue elevado a
constituir una actividad espiritual
ritualizada. En respuesta a la crisis
económica de 1931, se transformaron
en el Green Shirt Movement for Social
Credit, un grupo uniformado que
marchó por las calles de Londres,
abogando una teoría de reforma
Olivia Plender
Catalogue text, Altermodern: Tate
Triennial 2009
Machine Shall be the Slave of Man,
but We Will Not Slave for the
Machine is based on my research into
the Kibbo Kift Kindred, a British
youth movement established in the
1920s by an artist and novelist
named John Hargrave that lasted
until the 1950s. The installation
functions like an authoritative
historical museum display, complete
with diorama, reconstructions of the
Kibbo Kift’s costumes and banners
along side a narrative video.[…]
Originally part of the Boy Scouts, the
Kibbo Kift split from Baden Powell’s
conservative organisation in order to
establish a socialist youth movement,
in collaboration with veterans of the
Campaign for Women’s Suffrage and
the Co-operative Movement. They
were initially involved with such
emancipatory causes as
environmentalism, clothes reform,
pacifism, vegetarianism and the
democratisation of the arts, but
following a second split (from the Cooperators), Hargrave established
himself as a charismatic leader and
camping was elevated to a ritualised
spiritual activity. Then as a response
to the economic crisis of 1931 they
became the Green Shirt Movement
for Social Credit, a uniformed group
who marched through the streets of
London advocating a now discredited
monetary reform theory. […] As the
circular story weaves back and forth
in time the Kibbo Kift are situated in
relation to parallel texts both
personal and historical: observations
on life in London since the beginning
MIRAR LA EXCEPCIÓN
Olivia Plender
Machine Shall be
the Slave of Man,
but We Will Not
Slave for the
Machine,
instalación con
videos, Tate
Triennial, Tate
Britain 2009.
Fotos: Sam Drake,
Tate Photography.
67
EL BASILISCO
Olivia Plender
Machine Shall be the Slave of
Man, but We Will Not Slave
for the Machine, detalle de la
instalación, Tate Triennial,
Tate Britain 2009.
Foto: Sam Drake, Tate
Photography.
68
Olivia Plender
Vista de su
instalación en
El Basilisco, 2006.
en torno a la narración de la historia
y la legitimidad del conocimiento
producido dentro de un contexto
académico frente al conocimiento
‘ilegitimo’, frecuentemente producido
por amateurs y autodidactas dentro
de un marco religioso.
MIRAR LA EXCEPCIÓN
monetaria, hoy desprestigiada. […] La
historia circular serpentea adelante y
atrás en el tiempo, situando los Kibbo
Kift en relación a mis propios textos
paralelos personales e históricos: las
observaciones de la vida londinense
desde el comienzo de la actual crisis
económica global, un viaje a la
Argentina en el período posterior a su
colapso económico en el 2001, el
auge del nacionalismo y el neocolonialismo en el siglo XIX y los
orígenes del sistema financiero actual
en el período seguido a la revolución
británica. […] La veracidad de la
información (histórica o no)
presentada está permanentemente en
duda, ya que una voz subjetiva
contando una historia carece de
autoridad. Esta pieza forma parte de
un cuerpo de obra mayor en el cual
cuestiono el marco ideológico armado
of the current global economic crisis,
a trip to Argentina in the period after
that country’s economic collapse in
2001, the rise of nationalism and
neo-colonialism in the nineteenth
century and the origins of the current
financial system in the period after
the British revolution. […] the veracity
of the information (historical or
otherwise) presented is always in
question, as a subjective voice telling
a history lacks authority. This is part
of a wider body of work in which I
question the ideological framework
around the narration of history and
the legitimacy of the knowledge
produced within an academic context
versus ‘illegitimate’ knowledge,
often produced within a religious
framework by amateurs and
auto-didacts.
69
EL BASILISCO
MIRAR LA EXCEPCIÓN
Seth Wulsin
Drops in Decay,
vista de su instalación
en El Basilisco, 2007.
Fotos: Gustavo Barugel.
70
71
CONTROLAR EL ESPEJO
Pablo Guiot / Bjargey Ólafsdóttir / Adrián Villar Rojas /
Felice Hapetzeder / Alejandra Urresti
74
EL BASILISCO
o dar cuerpo a lo que en vivo
experimentan. En ningún caso se trata
de una práctica que ingrese
nítidamente dentro de la tradición del
auto-retrato; todos trabajan a través
de elaboraciones en las que ese
aspecto se mezcla con otras
preocupaciones particulares a cada
uno, desplegando un amplio y diverso
abanico de lo que podríamos llamar
lo íntimo.
MONITOR THE MIRROR
Why do mirages bear that name?
(translator’s note: espejismo (mirage)
and espejo (mirror) are more closely
related in Spanish, as if it were mirror
and mirrorism instead of mirage) Is
what we see in the mirror that
illusory? Or does it have more to do
with the fact that it is so difficult to
truly comprehend what we see there,
right before our eyes? And since we
are our own instrument of perception
and the collection, analysis and
interpretation of data, it would seem
absolutely essential that we have a
thorough understanding of just how
the device that we call I functions.
Among other things, these six artists
pay particular attention to their own
histories, the place each one occupies
and the impact generated by their
presence in the world.
Ironically, in order to share these
inward-looking reflections, they have
had to take a step to one side, back,
or ahead in order to look on from
outside of themselves in order to find
a way to embody or represent what
they experience live and first-hand.
None of these cases deal with
something that would neatly fit into
the tradition of the self-portrait; they
all work in differently elaborated
forms where this aspect merges with
other concerns that are particular to
each artist, and what unfolds is a
wide and diverse range of what could
be referred to as the realm of
the intimate.
CONTROLAR EL ESPEJO
CONTROLAR EL ESPEJO
¿Por qué el espejismo se llama así?
¿Es tan ilusorio lo que vemos en el
espejo?¿O tiene más que ver con el
hecho de que sea tan difícil
comprender, verdaderamente, lo que
vemos ahí, aunque esté delante
nuestro? Y ya que somos nuestro
propio instrumento de percepción,
recolección de datos, análisis e
interpretación, parece imprescindible
que entendamos muy bien cómo
funciona ese dispositivo que llamamos
Yo. Entre otras cosas, estos seis
artistas prestan particular atención
a sus propias historias, al lugar que
ocupan y al impacto generado por su
paso en el mundo. Irónicamente, para
compartir esa reflexión hacia adentro,
es preciso dar un paso al costado,
adelante o atrás para verse desde
afuera y así saber cómo representar
Página anterior
Foto: Tamara Stuby.
(Foto de grupo en
Rosario.) 2005.
Adrián Villar Rojas
Fotografía, 2007.
75
EL BASILISCO
Adrián Villar Rojas
Vistas de su instalación en
El Basilisco, 2007.
Fotos: Gustavo Barugel.
76
CONTROLAR EL ESPEJO
Adrián Villar Rojas
Tengo un regalo tonto para vos: las
claves de acceso a mi mail, fotolog,
flickr, myspace y un larguísimo
etcétera empiezan con tu nombre.
Tal vez ese password que empieza
con la palabra Malena quede grabado
en archivos y carpetas y directorios
de servidores que luego reenviados
por satélites y satélites y más satélites
viajarán a Dios sabe qué rincón de la
galaxia y de nuestro planeta. Dentro
de miles de miles de años, cuando la
humanidad deje de existir, tu nombre,
como una palabra sin sentido, va a
estar flotando en el espacio, tu
nombre que yo escribí para mí y
ahora te lo regalo a vos.
Escribamos cartas de amor en
nuestros passwords, les aseguro que
son cápsulas de tiempo.
Adrián Villar Rojas
I have a silly gift for you: the
passwords to access my e-mail,
fotolog, Flickr, Myspace and an
extensive etcetera all begin with your
name. Passwords that begin with the
word Malena may remain on record
in archives and folders and server
directories that are forwarded by
satellites and satellites and more
satellites, reaching God knows what
corner of our planet and the galaxy.
Thousands and thousands of years
from now, when humanity no longer
exists, your name, like a word without
meaning, will be floating in space,
your name that I wrote for myself
but now give to you as a gift.In our
passwords we write love letters;
I assure you that they are
time capsules.
77
editar, un sello que imprime la palabra
”paciencia”. Seguí recorriendo la casa
para vaciarla y ordenarla, ambiente
por ambiente, y en cada rincón
aparecían estos proyectos inconclusos.
Hasta en la heladera encontré placas
de un viaje a Finlandia sin revelar. La
sorpresa no tenía que ver con
encontrar estos objetos. La sorpresa
fue la reacción a la voz imperante de
éstos que exigían un final.
Me importa lo que no hice. Nada tan
invisible me pesa tanto.
Empiezo por Cuba. En mayo del 2006
participé en la residencia Batiscafo que
duró exactamente cinco semanas. Y en
esas larguísimas cinco semanas, dos
artistas sudamericanos estuvimos en
contacto con dos artistas cubanos.
Viví en el barrio de Vedado, en la casa
de Myasaka […]. Después de diez días
de vivir en La Habana, y de haber leído
Alejandra Urresti
It’s what never ends that’s real
Today is Friday and I’m in my house,
in the part upstairs, standing on the
threshold of a small room. […] This small
room is full of objects. It’s an
oppressive image. It’s an accumulation
of […] a million things, just in case; on
the off chance that maybe one day
they might come in hand for something.
[…] That same day I got rid of the things
that I no longer wanted, that I wasn’t
going to use, ever, that occupied space
but also carried out a sinister function:
to cover up the important things. […] I
emptied out the room. And it was in
that void that they ruthlessly
appeared, : all the projects that were
unfinished, abandoned, left half
started. There they were, claiming
attention: a pile of Granma newspapers
I’d brought from Cuba, an unedited
video, a rubber stamp of the word
“patience”. I kept going through the
house, looking to empty it and organize
things, room by room, and in every
corner, unfinished projects showed up.
Even in the refrigerator, I found [largeformat] plates from a trip to Finland
that had never been developed.
The surprise didn’t have to do with
finding those objects. The surprise was
my reaction to their imperative voice,
demanding some conclusion.
What I didn’t do matters to me. Nothing
else that invisible can weigh so heavily
on me.
I’ll begin with Cuba. In May, 2006 I
participated in the Batiscafo
residency, which lasted for exactly
five weeks. And in those five
extremely long weeks, we were two
South American artists in contact with
ten Cuban artists.
CONTROLAR EL ESPEJO
EL BASILISCO
78
Alejandra Urresti
Lo verdadero no termina
Hoy es viernes, estoy en mi casa, en la
parte de arriba, parada en el umbral de
una pequeña habitación. […] Esta
pequeña habitación está repleta de
objetos. La imagen es oprimente. Una
acumulación de […] miles de cosas por
las dudas, por si algún día, porque a lo
mejor en algún momento podrían
servirme.
[…] Ese mismo día saqué de ahí lo que
ya no quería, lo que nunca iba a usar,
lo que ocupaba espacio pero que
cumplía una siniestra función: tapar lo
importante. […] Vacié la habitación. Y
fue en ese vacío donde aparecieron, de
manera implacable, todos los trabajos
no terminados, abandonados, dejados
por la mitad. Ahí estaban
reclamándome: una pila de diarios
Granma traídos de Cuba, un video sin
Alejandra Urresti
Balcón de Myasaka,
Cuba.
Fotografía
(La Habana), 2007.
79
80
Alejandra Urresti
Nieve en Finlandia.
Fotografia, 2007.
a 100 cubanos diciendo mi nombre.
[…] Pasó un tiempo y me invitan a Nifca
(Nordic Institute for Contemporary Art),
una residencia nórdica situada en la
isla, Suomenlinna, Finlandia. Era mi
segunda isla en un año. Otra vez en
una isla. Con una diferencia entre
ambas: 50°C. Pasé de los 40°C de Cuba
a los 15°C bajo cero de Finlandia.
Después de la experiencia en Cuba, el
residir fue distinto. Descubrí contra
qué me había enfrentado en el país de
Myasaka. Al tiempo, su duración.
Dueña de mi tiempo, pero con la
obligación de decidir qué hacer de él.
En Finlandia esto no resultó ser un
problema. […] Edité un video en el que
aparezco yo en cuadro durante
cincuenta minutos jugando con una
paleta, también registré mi estadía con
treinta rollos de diapositivas. Los dos
trabajos fueron terminados.
I lived in the Vedado neighborhood, in
Myasaka’s house […]. After ten days of
living in Havana, and having read the
six books I’d brought with me, I asked
Myasaka for Granma and read the
whole thing. My intention was to save
them and bring them back to Buenos
Aires. In a country affected by the
blockade, Granma sometimes doubled
as toilet paper when this was in short
supply. For me, it was a strange
newspaper, where I saw only two
protagonists, the United States and
Cuba. I decided to do something with
it, another activity to shorten those
never-ending days. So, black marker in
hand, imitating an act of censorship, I
covered up all the texts that referred
to one of the two countries. That way I
measured what portion of space victim
and victimizer each occupied in the
press. Keeping myself as busy as
possible, I spent long, hot hours
lugging around a large format camera
and photographing Cuba, in addition to
filming 100 Cubans saying my name.
[…] Time passed and I was invited to
Nifca, a Nordic residency situated on
the island of Suomenlinna, Finland. It
was my second island in the space of a
year. On an island, again. There was a
difference between them: 50°C. I went
from Cuba’s 40° to 15°(C) below zero
in Finland. After the experience in
Cuba, being a resident was different. I
discovered what I had confronted in
Myasaka’s country. Time and its
duration. I was master of my own time,
but with the obligation of deciding
what to do with it. In Finland, this
didn’t turn out to be a problem. […]
I edited a video where I appear in
frame, playing with a paddle during
fifty minutes. I also recorded my stay
CONTROLAR EL ESPEJO
EL BASILISCO
Alejandra Urresti
Lugar de guardado,
casa.
Fotografía, 2007.
los seis libros que había llevado, le
pedí el Granma a Myasaka y lo leí
entero. Mi intención era guardarlos y
llevarlos a Buenos Aires. En un país
afectado por el bloqueo, el Granma
hace las veces de papel higiénico
cuando éste falta. Me resultó un diario
extraño, donde vi sólo dos
protagonistas. Estados Unidos y Cuba.
Decidí hacer algo con eso, era otra
actividad para acortar aquellos días
interminables. Entonces, marcador
negro en mano, imitando un gesto de
censura, tapé todos los textos que se
referían a uno de los dos países. Así
medí la porción de espacio que
ocupaban víctima y victimario en
la prensa.
Mientras me mantengo lo más ocupada
posible, paso largas y calurosas horas
cargando una cámara de placa
fotografiando Cuba, también filmando
81
82
Y, como en Cuba, salí con la cámara de
placa a fotografiar el paisaje en color.
Terminé y mostré este trabajo que
llamé Finlandia. Dejé para el final de la
residencia, para los días más fríos, un
trabajo por hacer. Fotografiar con esta
misma cámara, pero con película
blanco y negro, el interior de Nifca, una
construcción alargada, con techos
abovedados. Blanco. Todo muy blanco.
En ese edificio estaba la biblioteca,
siempre vacía, el laboratorio de fotos,
siempre vacío, un taller de carpintería,
siempre vacío, salas de muestras,
siempre vacías. Todo era blanco y
vacío. Nifca estaba a un mes de cerrar.
Cada tanto me cruzaba con las
personas que trabajaban ahí y con
algún residente. Fotografié espacios de
trabajo y, como es mi costumbre, no
me detuve en la gente. Hice alrededor
de cincuenta placas, éstas son las que
esperan en la heladera. Mientras tanto
son parte de otra acción inconclusa.
Ahora en Buenos Aires sigo pensando
en el tiempo, en lo que transcurre, en
lo que se detiene, en el final de las
cosas. Como necesito ejercitar mi
paciencia, encargo en el local El selladorr, un sello con la palabra paciencia.
Pienso en la repetición como salvación.
Si yo sello muchas veces la palabra
paciencia, si yo leo muchas veces la
palabra paciencia, efectivamente voy a
conseguirla. Mando a hacer 100
talonarios troquelados que suelen
usarse para rifas, pero vacíos, sin
numerar. Quería sellar los cien
talonarios con la palabra paciencia
pero solo hice uno y lo regalé. 100
talonarios de 100 hojas troqueladas. 2
paciencia por hoja, 200 paciencia por
talonario. Podría haber sido suficiente.
[…]
Bjargey Ólafsdóttir
Se podría comparar a Bjargey
Ólafsdóttir […] con un músico versátil
que ha logrado el dominio de muchos
instrumentos, ya que Bjargey trabaja
en cine, arte sonoro, arte
performático, dibujo, pintura y
fotografía. La exhibición Tíra/Scintilla
es una colección de símbolos que se
han plasmado en los sueños de la
artista, o que irrumpieron en su
conciencia entre el sueño y la vigilia.
Bjargey lleva al espectador a
acompañarla al entrar en un mundo
donde rigen la belleza y lo espiritual;
un lugar donde sujetos tan diversos
como la mano de Dios, las montañas,
una caja mágica, una pila bautismal de
duendes, bufandas y dibujos de tacos
altos desempeñan su papel), bañados
en una luz mística y colores chillones.
Aunque Bjargey está aquí continuando
on thirty rolls of slide film. Both
projects were concluded.
And, like in Cuba, I went out with the
large format camera to photograph the
landscape in color. That work was
finished and shown with the title
Finlandia. I left a task to do for the end
of the residency, for the coldest days.
That was to photograph the interior of
Nifca, a long building with arched
ceilings, using the same camera, but
with black and white film. White. It was
all very white. The library, always
empty, was in that building, as were
the photo lab, always empty, the
carpentry studio, always empty and
the exhibition halls, always empty.
Everything was white and empty. Nifca
was one month away from closing.
Every once in a while I would come
across people who worked there or
some other resident. I photographed
the work spaces and, as is my custom,
did not concentrate on the people. I
took around fifty plates, those are the
ones waiting in the refrigerator.
Meanwhile, they are part of another
unfinished action.
[…] Now, in Buenos Aires, I still think
about time, about things that happen,
about things that stop, about things’
endings. Since I need to exercise my
patience, I ordered a rubber stamp of
the word patience from the El selladorr shop. I think of repetition as
salvation. If I stamp the word patience
so many times, if I read the word
patience so many times, I will,
effectively, achieve it. I ordered 100
tear-off ticket books. 2 patience per
sheet, 200 patience per book. It might
have been sufficient. […]
Bjargey Ólafsdóttir
[…] Bjargey Ólafsdóttir […] may be
likened to a versatile musician who
has mastered many instruments, as
Bjargey works in film, sound art,
performance art, drawing, painting
and photography. The exhibition
Tíra/Scintilla is a collection of symbols
which have come into being, either in
the artist’s dreams, or have sprung
into her consciousness between
sleeping and waking. Bjargey takes the
observer with her into a world where
beauty and the spiritual reign; where
such diverse subjects as the hand of
God, mountains, a magic box, an elven
baptismal font, scarves and drawings
of high-heeled shoes play a role,
bathed in a mystical light and gaudy
colour. While Bjargey is here
continuing to explore the territory of
magical realism and surrealism, as in
Bjargey Ólafsdóttir
Still de video, 2007
Bjargey Ólafsdóttir
Still de video, 2007.
83
EL BASILISCO
her prior work, she does not focus on
the individual as such – she seeks to
photograph sensations which are
expressed in these objects.
In the past two years, Bjargey has
participated in artists residencies in
Chile and Argentina providing her with
great inspiration from which she is
still working; perhaps the
colourfulness in her new works
derives from there. “I will lend you my
ragged shawl, my ragged shawl for
dancing in… chants the ghostly infant
of Icelandic folklore. But what was
Bjargey doing, out in the grass field
with her ragged shawl…?” She captured
an unfathomable world… in a sort of
trance she danced in a world we know,
and she succeeded in reaching a world
that exists, but a world which did not
exist,” artist Ingibjörg Magnadóttir
writes about Bjargey.
84
mundo que conocemos, y logró
alcanzar un mundo que existe, pero
un mundo que no existía,” escribe el
artista Ingibjörg Magnadóttir acerca
de Bjargey.
Bjargey Ólafsdóttir
Fotografía, 2006.
Bjargey Ólafsdóttir
Still de video, 2007.
Felice Hapetzeder
“Una gran cruz de yeso, casi tamaño
natural, colgaba en el pasillo de Kurti.
La sangre brillaba, roja, corría con
abundancia recorriendo las muñecas y
los pies. Llenaba el comedor, las
cabezas y los cuernos de los corzos
que Kurti había baleado. En el sótano
había una pieza con una escultura de
una bella chica negra en caoba. Tenía
tentadores labios rojos. Había una
cruz esvástica de metal en la manga
de su blusa. Supongo que Kurti la
usaba durante la guerra. Fue aviador
en la guerra. Al lado de esa escultura
estaba el piano en el cual yo tenía que
practicar cuando iba de visita.” (de
Onkel Kurti, video, 2008)
Durante los últimos años, he trabajado
en un proyecto denominado Limits of
forgiveness (Los límites del perdón).
El punto de partida es una experiencia
personal que viene de mi
adolescencia, en relación con mi
padrino en Austria, un nacionalsocialista convencido, participó en la
guerra y nunca se arrepintió ni cambió
sus creencias. El proyecto surge de un
impulso de lidiar con esa mentalidad y
esos ideales para investigar el efecto
que han tenido en mí. […]
Hoy la mayoría de nosotros quienes
no estuvimos expuestos a la guerra en
forma directa, sin embargo estamos
afectados por ella de alguna manera.
Nos fue transferida de segunda mano
a través de los sentimientos de una
generación mayor que sí estuvo en
contacto directo con los hechos y el
estado mental de la época. En la fase
actual del proyecto Limits of
forgiveness, estoy poniendo el
enfoque en las experiencias de otras
personas.
Felice Hapetzeder
“A big plaster crucifix of almost human
size was hanging in Kurti’s hall. The
blood that ran plentifully round the
wrists and feet glistened in red. The
dining room was full of heads and
horns of roe deer that Kurti had shot.
In the cellar there was a room with a
sculpture of a beautiful black girl in
mahogany. She had inviting red lips.
On her blouse sleeve there was a
swastika cross in metal. I suppose
Kurti wore it during the war. He was
an aviator during the war. Next to this
sculpture stood the piano that I had to
practice on when I came to visit.”
(from Onkel Kurti, video, 2008)
The last few years I have been
working on a project called Limits
of forgiveness.
It has a self-experienced starting point
in my relation to my godfather in
Austria during my adolescence. He is a
convinced national-socialist who took
part in the war and has never
regretted it or changed his beliefs. The
project grows from an urge to deal
with this mentality and ideals and
investigate how they have affected
me. […]
Today most of us who haven’t had any
direct exposure to war are often still
affected by it in some way. It has been
transferred emotionally second hand
by an older generation, which was in
direct contact with the facts and the
mental state of the time. In the
present part of the project Limits of
forgiveness I’m focusing on other
peoples’ experiences.
--Excerpt from confessional
correspondence on Onkel Kurti
between artist Felice Harpetzeder and
CONTROLAR EL ESPEJO
su indagación en el territorio del
realismo mágico y el surrealismo
como en su obra anterior, no enfoca
tanto en el individuo como tal..busca
fotografiar las sensaciones que están
expresadas en dichos objetos.
Durante los últimos dos años, Bjargey
ha participado en residencias de
artistas en la Argentina y en Chile, lo
que la ha provisto de una gran
inspiración que aún alimenta su
trabajo; tal vez la presencia de mucho
color en los nuevos trabajos proviene
de ahí. “Te prestaré mi chal
harapiento, mi chal harapiento para
bailar… corea el bebé fantasmagórico
del folclore islandés. Pero qué estaba
haciendo Bjargey ahí, en medio de un
prado con su chal harapiento…?”
Capturó un mundo insondable… en
una suerte de trance, bailó en un
85
86
F.H.: […] Con Onkel Kurti quería
explorar las partes más oscuras de mi
propio mapa mental. Viajando hacia
mi propio corazón de las tinieblas,
pretendo haber encontrado también
un rincón de la oscuridad de nuestra
“Civilización Occidental”.
[…] Es tan fácil criticar a un estado
fascista Nazi, o hasta la administración
de George Bush, pero aparentemente
resulta tabú criticar a otro régimen,
que acepta matar a los travestis,
reprimir a las minorías y ejercer la
tortura. ¿Puede ser porque Turquía
está en una posición clave como base
para la OTAN en el oriente cercano?
¿Qué sea un país musulmán que
mantiene buenas relaciones tanto
con los EE.UU. como con Israel? ¿O es
porque a nosotros, por ser artistas
occidentales, deberían taparnos los
ojos frente a los males de los
art theorist Mille Winther (2008).
M.W.: […]How do we discuss and
criticise cultures foreign to us (as well
as art) in a respectful way? How do
we avoid stepping into the trap of
ignorance by making superficial
judgements? Can we show
responsibility through our way of
discussing, joking with, and shed light
on foreign cultures – as well as art? […]
how do we connect the discussion of
national identity to a broader context
without denying the personal level?
Which ways of discussing and
criticising are proper when discussing
each others’ differences and each
others’ (art)work?
F.H.: […]With Onkel Kurti I wanted to
investigate the darker parts of my
own mental map. Travelling into my
heart of darkness, I claim to also have
found a corner of the darkness of our
”Western Civilization”.
[…] It is so easy to criticise a Nazi
Fascist state or even the George Bush
administration but apparently taboo to
criticise an other regime, which is
accepting killings of transvestites,
suppression of minorities and torture.
Can it be because Turkey has a key
position as NATO base in the near
east? That it is a Muslim country that
has good relations with both the USA
and Israel? Or is it because we as
western artists should be blind to the
evils of non-western governments,
classifying them as historically
suppressed?
That must permit us to criticise and
make subversive artistic statements
aimed also against others aside from
the traditional nemesis of western
artists or intellectuals – Mother USA.
During my stay in Istanbul I felt that
CONTROLAR EL ESPEJO
EL BASILISCO
Felice Hapetzeder
Vista de su
instalación en
El Basilisco, 2007.
--Fragmento de la correspondencia
confesional sobre Onkel Kurti entre el
artista Felice Hapetzeder y la teórica de
arte Mille Winther (2008).
M.W.: […] ¿Cómo podemos discutir y
criticar a las culturas que nos son
ajenas (y también al arte) de manera
respetuosa? ¿Cómo podemos evitar
caer en la trampa de los juicios
superficiales? ¿Podemos mostrar
responsabilidad en nuestra manera de
hablar de las culturas ajenas, hacer
humor con ellas y dar a conocerlas–y lo
mismo para el arte? […] ¿Cómo podemos
vincular la discusión de la identidad
nacional con un contexto más amplio
sin dejar de lado el nivel personal?
¿Cuáles son las maneras correctas de
entablar la discusión y la crítica cuando
se trata de las respectivas diferencias
y obras de arte?
87
88
EL BASILISCO
discutir, tal vez la mejor!
No puedo evitar sentir cierta alegría
de que esta discusión parece
trascender el habitual contexto
incrustado del arte. […] La película es
una obra de arte y como tal, no se
proyectará en ninguna mezquita ni
iglesia sino en la escena del arte,
donde hay un acercamiento más
crítico. Probablemente requiere de
algún tipo de marco teórico, o por
ejemplo, una discusión después de la
proyección. Pero no me parece que sea
irrespetuosa como arte, ni que esté
fuera de lugar. Espero que haya podido
contestar algunas de sus preguntas.
working with contemporary art by
itself meant disrespecting local
culture. The way I was constantly
questioning and exploring the context
made me a parasite. […] The art world
in Istanbul is a part of this disrespect:
financed by powerful and rich people
who want Turkey to Go West. They are
once again, like Atatürk, trying to
modernize Turkey by means of
aesthetics. […] Humour is a good way
of discussing, maybe the best!
I cannot help myself by being
somewhat glad that this discussion
seemed to transcend the usual
embedded art context. […] The film is
an artwork and as such it will not be
screened in a mosque or a church but
in the art-scene, where there is more
of a critical approach. It probably
needs some kind of framework or for
instance a discussion afterwards. But I
don’t think it is disrespectful as art,
or even out of line. I hope I was able
to answer some of the questions.
CONTROLAR EL ESPEJO
gobiernos no-occidentales,
calificándolos como históricamente
reprimidos?
Eso debe permitirnos criticar y hacer
declaraciones artísticas subversivas que
también apuntan a otros, aparte del
enemigo clásico de los artistas o
intelectuales occidentales – Madre EE.UU.
Durante mi estadía en Estambul sentía
que trabajar con arte contemporáneo
significaba en sí una falta de respeto
hacia la cultura local. La manera en
que constantemente cuestionaba e
indagaba el contexto me convertía en
un parásito. […] El mundo del arte de
Estambul forma parte de esa falta de
respeto: financiado por gente rica y
poderosa que desea que Turquía vire
hacia Occidente. Ellos están tratando
otra vez, como Atatürk, de modernizar
a Turquía por medio de la estética. […]
El humor es una buena manera de
Felice Hapetzeder
Onkel Kurti, still de
video, 2008.
Felice Hapetzeder
Onkel Kurti, still de
video, 2008.
89
EL BASILISCO
CONTROLAR EL ESPEJO
Pablo Guiot
Ideas desechadas,
instalación, papel
abollado, cesto
papelero, 2005.
90
Pablo Guiot
Marinas, instalación,
dispositivo que genera
manchas de color
sobre papel, a través
de agua contaminada
del Riachuelo y
pastilla desinfectante
para inodoros, 2005.
91
CAZAR FANTASMAS
Nicanor Aráoz / Asli Çavuşoğlu / Agnieszka Casas Rodríguez /
Luis Guerra / Traplev (Roberto Moreira Jr.) / Breda Beban
94
EL BASILISCO
punto que entonces se volviera
eterno, inmodificable? Hablamos del
tiempo, pero también de lugares y de
distancias. Asli Çavuşoğlu buscó
repetir literalmente el itinerario físicoliterario-imaginario de Bruce Chatwin,
indagando acerca de los límites entre
los tres, investigando los rastros
dejados en la memoria de los vivos, y
Agnieszka Casas Rodríguez hizo un
relevamiento de los espacios
industriales fantasma en el mismo
barrio de Avellaneda, registrando la
ausencia de seres memoriosos. Luis
Guerra entrenaba su cuerpo como
conducta entre mundos y estados a la
vez que afilaba su sensibilidad como
única herramienta. Traplev calzaba las
palabras de Federico Manuel Peralta
Ramos como una suerte de mapa
interno para su experiencia de viaje.
Breda Beban retomó una obra/gesto
emblemática de Alberto Greco, el Vivo
Dito, para ponerse en el lugar de ese
artista, recreando la obra a su manera,
señalando a parejas besándose en la
calle. Revive esa obra y a su autor
trayéndolos al presente, y los traslada
a ambos (otra vez) de la Argentina a
otros lugares del otro lado del mar.
HUNTING GHOSTS
When we speak about ‘being’
somewhere, the (unspoken)
assumption is that it is a first-hand
experience that we are referring to.
Nevertheless, if a person leaves a
strong mark
in the world of the living, one that
persists after they have gone, is that
enough to reach the point of being
able to say that they are forever
present? Is that immortality? To what
extent can we follow in the footsteps
of someone who has stepped into the
great beyond? To what point can we
avoid coinciding in the same footsteps
as someone who came before us,
without our realizing it? We
continually convoke the spirit of other
times through memory and we
embody it in history, generating a
living process with a trajectory of its
own. Just the same, might it be
possible, as Nicanor Aráoz asks
himself, to freeze death (or a memory)
at a point that then becomes eternal,
immutable? We are talking about time,
but also about places and distance.
Asli Çavuşoğlu sought to literally
repeat Bruce Chatwin’s physicalliterary-imaginary itinerary,
questioning the borders between the
three, investigating the traces that
remain in the memories of the living,
and Agnieszka Casas Rodríguez made
a survey of the neighborhood’s
phantasmal abandoned industrial
buildings, registering the absence of
carriers of memory. Traplev slipped
into Federico Manuel Peralta Ramos’
words, taking them as a sort of inner
map for his experience in Argentina.
Breda Beban took up an emblematic
gesture/work by Alberto Greco, his
Vivo Dito, and put herself in the
artist’s place again, recreating the
work in her own way, signaling
couples kissing in the street. She thus
revived both work and author,
bringing them into the present, also
transporting them from Argentina
(again) to other places across the sea.
Página anterior
Foto: Tamara Stuby.
(Detalle de la
instalación de Nicanor
Aráoz), 2006.
CAZAR FANTASMAS
CAZAR FANTASMAS
Cuando hablamos del estar, se supone
(sin decirlo) que nos referimos a una
experiencia en primera persona. Sin
embargo, si una persona deja su
huella en el mundo de los vivos más
allá de su muerte, ¿alcanza así a estar
para siempre? ¿Es eso la
inmortalidad? ¿Hasta qué punto
podemos seguir los pasos de alguien
que ya ha cruzado el umbral de la
muerte? ¿Y hasta qué punto podemos
evitar coincidir con los mismos pasos
de alguien que lo haya cruzado antes,
sin saberlo? Convocamos
constantemente el espíritu de otros
tiempos a través de la memoria y lo
encarnamos en la historia, generando
un proceso vivo con trayectoria
propia. ¿Pero, como se pregunta
Nicanor Aráoz, sería posible congelar
la muerte (o una memoria) en un
Nicanor Aráoz
Detalle de su
instalación en El
Basilisco, 2006.
95
EL BASILISCO
Nicanor Aráoz,
El Diablo, mueble, lata,
servilleta, galletitas con
tratamiento de resina
poliéster coloreada,
medidas variables,
2007/8.
96
Nicanor Aráoz
Vista de su instalación
en El Basilisco, 2006.
CAZAR FANTASMAS
Nicanor Aráoz
En mis trabajos busco de alguna
forma, mediante diferentes técnicas,
realizar instantáneas fotográficas en
formato tridimensional, para poder
"detener el tiempo" de los materiales
que investigo. Trabajo con técnicas
que me ayuden a que objetos
orgánicos/perecederos puedan ser
eternos o por lo menos extender su
tiempo de vida útil, es así que en
algún momento utilicé la taxidermia
y el sellado con resinas polyester.
Las escenas que monto se
caracterizan por recrear algún
tiempo pasado infantil que
rememoro, en esta lógica cabe
mencionar que la iconografía pop de
los años ochenta me cautiva y de
ella descifro algunas coordenadas
que guían mis trabajos.
Nicanor Aráoz
In my work, I look for some way to be
able to “freeze time” for the materials
I investigate by way of different
techniques, somewhat like making
snapshots in three-dimensions. I work
with techniques that help me to make
organic/perishable objects eternal
somehow, or at least to extend their
useful lifespan; as such, at one point
I turned to taxidermy and sealing
objects in polyester resins. A typical
characteristic of the scenes that I
stage is that they recreate a past
moment from childhood that is
recalled, and in accordance with this
logic it is pertinent to mention that
Pop iconography from the ‘80s
fascinates me and is a key to how I
decipher some of the coordinates that
guide my work.
97
Asli Çavuşoğlu
Vista de su
instalación en El
Basilisco, 2008.
98
EL BASILISCO
estipulado al comienzo. Los viajes
siempre se describen como un círculo
y los protagonistas siempre regresan
triunfalmente al lugar desde
donde partieron.
Así los viajes no son una fuente de
conocimiento, sino la confirmación del
conocimiento que el héroe ya posee,
trasladado a los otros personajes y
por supuesto, al lector.
--EL VIAJE DE FABIAN GOTTLIEB VON
BELLINGSHAUSEN A LOS MARES DE
LA ANTÁRTIDA
Cumpliendo un encargo de la armada
rusa, Fabian Von Bellingshausen cruzó
el Círculo Polar Antártico el 26 de
enero del 1820. Aparentemente, el
logro no le impresionó mucho, ya que
no hace ninguna mención en particular
de eso en su narrativa, salvo una
anotación de latitud. Durante diez
Asli Çavuşoğlu
‘THE WORLD IS A BOOK, AND THOSE
WHO DO NOT TRAVEL READ ONLY
A PAGE’
Our Turkish teacher back in primary
school gave us an assignment once
entitled, “Does travel broaden the
mind more than reading?” One of
the boys in class ended his essay
as follows:
‘The world is a book and whoever
does not read it is an idiot.’
--AROUND THE WORLD IN NINETY
DAYS, FIVE WEEKS IN A BALLOON,
AROUND THE MOON, TWENTY
THOUSAND LEAGUES UNDER THE SEA
AND JOURNEY TO THE CENTER OF
THE EARTH
All the journeys in Jules Verne’s books
begin with a challenge, and the
challenge is met when the distance or
time set at the beginning is covered.
Travel is always described as a circle
and the leading characters always
triumphantly return to where they
have begun.
Travelling is thus not a source of
knowledge but the confirmation of the
knowledge already possessed by the
hero given to other characters —and of
course to the reader.
--THE VOYAGE OF FABIAN GOTTLIEB
VON BELLINGSHAUSEN TO THE
ANTARCTIC SEAS
Commissioned by the Russian Navy,
Fabian Von Bellingshausen crossed the
Antarctic Circle on the 26th of
January, 1820. He was apparently
unimpressed with this
accomplishment, since he makes no
particular mention of it in his
narrative, noting only the latitude. His
CAZAR FANTASMAS
Asli Çavuşoğlu
‘EL MUNDO ES UN LIBRO, Y QUIENES
NO VIAJAN, LEEN SÓLO UNA PÁGINA’
Nuestro profesor turco, cuando
estuvimos en la primaria una vez nos
dio una tarea titulada, “¿Los viajes
amplían los horizontes más que la
lectura?” Uno de los alumnos de mi
clase terminó su ensayo en la
siguiente forma:
‘El mundo es un libro y quién no lo lea
es un idiota.’
--LA VUELTA AL MUNDO EN NOVENTA
DÍAS, CINCO SEMANAS EN GLOBO,
ALREDEDOR DE LA LUNA, VEINTE MIL
LEGUAS DE VIAJE SUBMARINO Y
VIAJE AL CENTRO DE LA TIERRA
Todos los viajes en los libros de Julio
Verne comienzan con un desafío/reto,
y el reto se cumple cuando se
atraviesa la distancia o el tiempo
99
100
narrative would not be published for
ten years following his return. It was
in 1945 that it was eventually
translated in English. From that date
on, Russia maintained that
Bellingshausen was the first explorer
of the South Pole.
That was the first and only time the
Russians ever organized an expedition
to the South Pole. The Vodvok
newspaper clarifies this indifference
in one of its issues in 1973:
“It would be complete nonsense to go
all that way just to see some ice. The
Soviets do not need it.”
--TOURIST VS. TRAVELLER
A tourist is someone who travels at
the most ignorant level. It is not a
wise decision to go to somewhere
packed with tourists. A ‘foreigner’ is
the adventurous kind of tourist who
has a little bit of a higher level of
awareness. On the other hand, a
traveller is the one who more or less
knows what s/he will see before going
to a place.
--WELL, I’M TRAVELLING SO FAST MY
FEET AIN’T TOUCHING THE GROUND
As he was listing the places he had
been to, a friend of mine included the
countries he had flown over. “They
don’t count,” objected another one.
Puzzled, my friend asked innocently,
“Why not?” and continued his list…
EL BASILISCO
Por otro lado, un viajero es quien sabe
más o menos lo que él o ella verá
antes de llegar a un lugar.
--BIEN, ESTOY VIAJANDO TAN
RÁPIDAMENTE QUE MIS PIES NI
TOCAN EL SUELO
Mientras hacía una lista de todos los
lugares que había visitado, un amigo
mío incluía los países que había
sobrevolado. “No valen,” protestó otro
amigo. Perplejo, mi amigo preguntó
inocentemente, “¿Por qué no?” y
seguió con su lista…
CAZAR FANTASMAS
años después de su regreso, su relato
permanecerá inédito. Recién en 1945
eventualmente se tradujo al inglés. A
partir de esa fecha, Rusia sostiene que
Bellingshausen fue el primer
explorador del Polo Sur.
Fue la primera y última vez que los
rusos organizaron una expedición al
Polo Sur. El periódico Vodvok
esclarece esta indiferencia en una
edición del 1973:
“Sería un disparate viajar tan lejos
sólo para ver una cantidad de hielo.
Los soviéticos no lo necesitan.”
--TURISTA VS. VIAJERO
Un turista es una persona que viaja en
el nivel más ignorante. No es una
decisión acertada ir a un lugar
atestado de turistas. Un ‘extranjero’ es
esa clase de turista aventurero que
posee un nivel mayor de conciencia.
Agnieszka Casas Rodríguez
Vista de su instalación
en El Basilisco, 2008.
101
Luis Guerra
Vista de su instalación
en El Basilisco, 2008.
102
No existen para mí diferencias entre
pintar, esculpir, hacer un video, una
foto, una performance, etc. La manera
más clara que encontré de combatir el
mainstream que todo lo consume es
apagando su estridencia, investigando
y estudiando. Estar informado es
también un trabajo.
Durante mi residencia en El Basilisco,
practiqué secretamente en un dojo
Haikido. Mi maestro fue un argentino
que era pintor de autos. La máxima de
nuestro dojo era "Ceder es Vencer",
dejar pasar la fuerza del enemigo,
dejarla fluir mientras nosotros,
siguiendo ese movimiento lo
dejábamos caer, influíamos sobre él
sólo a través de conducir su
movimiento y no imponiendo una
fuerza contraria.
El arte, y la cultura, son básicos a toda
sociedad. Lo perdido es la cultura, y mis
Luis Guerra
El Basilisco
I was in Avellaneda for two months.
Outside, the house is mythical. You
cross a bridge and suddenly you enter
another world, much more
Argentinean than Buenos Aires would
have you believe.
As I write this, a year has already
gone by since then. I find myself in
other lands to the North, between the
Gulf of Mexico’s beaches and
Montreal, jumping from place to place,
trying to live and always working as
an artist, as a nomad. El Basilisco was
my first step toward leaving my
country. From Chile, I have gone into
self-imposed exile. El Basilisco was
the first place where I began to
abandon my country.
Since then I have accepted nomadic
life and being house-less as
fundamental parameters for working. I
make no difference between painting,
sculpting, making video, taking a
photograph or performance, etc. The
clearest way that I have found to
combat the mainstream that consumes
everything in it path is to silence its
stridency, engaging in research and
study. To maintain one’s self informed
is also work.
During my residency at El Basilisco, I
practiced in a Haikido dojo (martial
arts academy) in secret. My maestro
was an Argentinean who was a car
painter. Our dojo’s maxim was “Ceder
es Vencer” (To Cede is to Vanquish), to
let the force of the enemy pass by, to
let it flow, and while we follow that
movement, letting it fall, we exert
influence upon it, only in the sense of
conducting its movement, not by
imposing a contrary force.
CAZAR FANTASMAS
EL BASILISCO
Agnieszka Casas Rodríguez
Detalle de su instalación
en El Basilisco, 2008.
Luis Guerra
El Basilisco
Durante 2 meses estuve en
Avellaneda. La casa es por fuera
mítica. Atraviesas un puente y de
pronto entras a otro mundo, mucho
más Argentina de lo que Baires*
intenta convencerte.
Ha pasado ya un año desde entonces
cuando escribo esto. Estoy en otras
tierras, al norte, entre las playas del
Golfo de Mexico y Montreal, saltando,
tratando de vivir y siempre
trabajando como artista, como
nómade. El Basilisco fue el primer
paso para abandonar mi país. Me he
auto-exiliado de Chile.
El Basilisco fue el primer lugar para
empezar a abandonar
mi país. Desde entonces asumí el
nomadismo y el sin-casa como
parámetros fundamentales de trabajo.
103
EL BASILISCO
* apodo local para Buenos Aires
Luis Guerra
Study about what is
missing, performance.
3/14 Galleri, Bergen,
Noruega, 2008.
Luis Guerra
Performance en
El Basilisco, 2008.
Art and culture are essential for any
society. Culture is what is lost, and my
work consists of studies of this
continual aggregation of ruins, of
ashes’ resistance and a celebration
of uncertainty.
I currently write poetry, paint and
carry out minimal actions that exert
an influence in their complete
immediacy and disappearance.
Traplev (Roberto
Moreira Jr.)
Vista de su instalación
en El Basilisco
(detalle), 2006.
104
Traplev
Las sensaciones del “Artista-viajante”
en el siglo XXI empiezan luego de que
se negocia la llegada a la región elegida.
Hacía tiempo ya que había escuchado
de la Residencia para Artistas
(2004/2005), y fue esa intuición de
querer hacer una experiencia fuera del
lugar donde vivía […] lo que me llevó a
presentar una aplicación para El
Basilisco en Buenos Aires (2006) siendo el primer brasileño en participar
en la Residencia.
En Brasil, la práctica de Residencias
para Artistas todavía no estaba entre
las actividades más comentadas y/o
divulgadas; sólo la conocían los
curiosos y otros artistas interesados
en este (multi) contexto. Capacete
Entretenimentos, organizado por
Helmut Batista en Río de Janeiro
(desde 1998), siempre tuvo el eje de
sus actividades puesto en el
intercambio y la estadía de artistas de
otros países. (...)
Para mí, Argentina tiene una presencia
política muy fuerte, que luego percibí
desde mi primer paseo por la ciudad,
sea por las recientes manifestaciones
del los ciudadanos, como fue la
situación en Buenos Aires en el 2001,
o históricamente (1973/1983), en su
dictadura militar, entre otras
manifestaciones. Los muros de la
ciudad, o las mismas fachadas de los
predios gubernamentales me
evidenciaban una presencia constante
de la discusión política/histórica, con
una inflamación que todavía no había
percibido en la ciudad en que vivía
anteriormente […] lo que me llevó a
reflexionar sobre las especificidades
Traplev
The sensations of the “traveling artist”
in the 21st Century begin after having
negotiated arrival in the chosen region.
I had already heard about artists’
residencies some time earlier
(2004/2005), and it was the intuition
of wanting to undergo an experience
away from where I was living […] that
led me to present an application for El
Basilisco in Buenos Aires (2006) –
being the first artist from Brazil to
participate in the residency.
In Brazil, the practice of artists’
residencies was not yet among the
activities that were frequently
discussed or widely disseminated;
only the curious and other artists
interested in that (multiple) context
knew about them. Capacete
Entretenimientos, organized by
Helmut Batista in Rio de Janeiro
(since 1998), always had the central
thrust of its activities focused on
exchange and artists’ stays in other
countries. […]
For me, politics have a strong
presence in Argentina, which
I then perceived from the very first
walks that I took around the city,
whether because of the recent
demonstrations by citizens that were
part of the situation in Buenos Aires
in 2001, or in a more historical sense
(1973/1983), during its military
dictatorship, among other
manifestations. The walls of the city
and the very facades of government
buildings made it clear to me that
here there was a constant presence of
political/historical discussion with a
degree of ardor that I had not yet
perceived in the city where I had
lived before […] and this led me to
CAZAR FANTASMAS
trabajos son estudios acerca de esta
constante sumatoria de ruinas, de la
resistencia de la ceniza, y la celebración
de la incertidumbre.
Actualmente escribo poesía, pinto y
hago mínimas acciones que influyen en
su total inmediatez y desaparecimiento.
105
106
Las acciones fotográficas que
empezaron en la Isla de Florianópolis
y que se extendieron a Buenos Aires y
a Berlín siempre incluyeron un nuevo
objeto encontrado, por ejemplo: un
plástico plateado o dorado, una
billetera revestida de mapa, un
cuaderno, o los objetos que se
encontraban en una mesa de
escritorio de planos trasladado al
espacio público, evidencian
justamente esa movilidad específica
(vivencia en otro lugar). Estas acciones
fotográficas son algunas
consecuencias, justamente, de estos
dislocamientos, que nos hacen
reflexionar sobre la propia razón de
estar, y por este motivo, (los objetos
que son llevados y mostrados por la
mano en el espacio urbano), para mí
suenan como una comprobación doble
de una búsqueda de sentido. […]
reflect upon the specificities of
different cities. […]
One person in Buenos Aires who I
already knew was researcher Teresa
Riccardi, and in the residency I also met
Nicanor Aráoz; they both facilitated
exchange with the local art scene to a
great extent.
The interest that I have and develop in
my work often stems from an
association between texts, images and
quotations, or the appropriation of
objects themselves in order to create
an interaction with a specific or general
context. In this sense, the work of
Federico Manuel Peralta Ramos was a
very punctual reference for one of my
interventions in Buenos Aires, as was
the access I had to Teresa Riccardi’s
personal library with a specific
bibliography on Latin American art,
among other artists’ projects. […]
The photographic actions that began
on the island of Florianopolis and
were then extended to Buenos Aires
and Berlin always included a new
found object, for example: a gold or
silver piece of plastic, a wallet
covered with a map, a notebook, or
the objects found on a blueprint
cabinet tabletop, moved out into
public space all evidence this exact,
specific mobility (an experience in
another place). These photographic
actions are all consequences of
precisely these dislocations, which
lead us to reflect upon the reason for
being, and as a result (the objects are
taken by hand and shown in urban
space), they seem to me to be like a
two-fold confirmation of a search for
meaning. […]
In the 1983 poem ¿Qué es el Arte?
(What is Art?), by Federico Manuel
CAZAR FANTASMAS
EL BASILISCO
Traplev (Roberto
Moreira Jr.)
Fotografía, 2006.
Traplev (Roberto
Moreira Jr.)
Vista de su
instalación en El
Basilisco, 2006.
de las ciudades […]
En Buenos Aires ya conocía a la
investigadora Teresa Riccardi, y en la
Residencia también conocí al artista
argentino Nicanor Aráoz, lo que me
facilitó mucho el intercambio con la
escena local del arte.
El interés que tengo y desarrollo en mi
obra, parte muchas veces de una
asociación entre textos, imágenes o
citas, o apropiaciones de objetos para
crear una interacción con un contexto
específico y/o general. En este
sentido, la obra de Federico Manuel
Peralta Ramos fue muy puntual para
una de mis intervenciones en Buenos
Aires, así como el acceso que tuve a la
biblioteca particular de Teresa
Riccardi, con una bibliografía
específica sobre arte de Latino
América, entre otros proyectos de
artistas. […]
107
EL BASILISCO
CAZAR FANTASMAS
Federico Manuel Peralta Ramos, en la
poesía ¿Qué es el Arte? de 1983, dice
que “El arte es transmisión de la vida.
El arte es caminar por la calle con vos.
El arte es andar con plata en el
bolsillo...”. Y también generar dudas
como plataforma para el pensamiento.
Peralta Ramos, he says that “Art is
the transmission of life. Art is to walk
on the street with you. Art is walking
around with money in your pocket…”
And it is also to raise doubts as a
platform for thought.
Breda Beban
Vista de la proyección
de The Most Beautiful
Woman in Gucha en El
Basilisco, 2008.
Breda Beban
Vista de su instalación
en El Basilisco, 2008.
108
109
EL BASILISCO
CAZAR FANTASMAS
Breda Beban
Arte Vivo. Gabriela y Pablo
2008.
Breda Beban
Arte Vivo. Ana y Juan
2008.
110
111
CONQUISTAR EL ESPACIO
Nándor Angstenberger / Henry Coleman /
Alejandra Montiel / Pablo Rosales
114
EL BASILISCO
formas que moldean el espacio de
una manera que bordea lo fantástico;
Henry Coleman es capaz de cubrir la
piel de un espacio con una suerte de
tatuajes temporarios, de tal forma
que hace vibrar las paredes,
convirtiéndolo en un vehículo, una
autopista de nexos visuales.
Alejandra Montiel también activa el
espacio, pero con objetos y gestos
gráficos, haciendo dialogar al piso,
techo, paredes y ventanas por igual, y
Pablo Rosales observa y escucha el
lenguaje específico de un espacio, sus
demarcaciones y puntuación, para
luego incorporar estos elementos a su
vocabulario personal.
THE CONQUEST OF SPACE
We’re surrounded. Space is out there,
everywhere, full of potential; there are
thousands of things that are
impossible to imagine before someone
comes along with a way of articulating
it that leaves us with our mouths
hanging open. This might be a case
where someone sees and understands
an existing space with greater insight
than all those who have come before,
or it may be a matter of “dismissing”
the way in which a space presents
itself, seeing it instead as the perfect
underpinning for a different structure
or forms that will completely
transform it. Nándor Angstenberger
draws, weaves and constructs at the
same time, an architect of the lines
traced by single strands that
transform the function of any space’s
existing lines, turning them into
potential anchors for his lines that
generate forms that shape the space
and push it toward the fantastic.
Henry Coleman is capable of covering
the entire skin of a space with what
could be thought of as temporary
tattoos that make the walls vibrate,
converting the space they contain into
a vehicle or super-highway of visual
connections. Alejandra Montiel also
activates space, but using objects and
graphic expressions, bringing floor,
ceiling walls and windows equally into
dialogue, and Pablo Rosales observes
and listens to the specific language of
a space, its demarcations and
punctuation, in order to then
incorporate these elements into his
personal vocabulary.
CONQUISTAR EL ESPACIO
CONQUISTAR EL ESPACIO
Estamos rodeados. El espacio está allí
en todas partes, lleno de potencial,
miles de cosas que son imposibles de
imaginar antes de que alguien
aparezca con alguna forma de
articularlo de una manera que nos
deje con la boca abierta. Puede ser el
caso de ver y entender un espacio
existente con mayor profundidad que
todos los que vinieron antes, o puede
tratarse de “desestimar” un espacio
tal como se presenta, viéndolo como
el andamiaje perfecto para otra
estructura u otras formas que lo
transformarán completamente.
Nándor Angstenberger dibuja, teje y
construye a la vez. Es un arquitecto
que, con líneas de hilos, transforma
la función de las líneas existentes de
cualquier espacio en potenciales
anclas para las suyas, generando
Página anterior
Foto: Lucrecia
Troncoso. (Nándor
Angstenberger
trabajando), 2007.
David Musgrave,
Golem (Grey), 19992007, parte de la
muestra Los Vinilos,
curada por Henry
Coleman en
El Basilisco.
Foto: Gustavo Barugel
115
Los primeros días que estuve solo,
caminé al azar por la ciudad, en un
cuaderno dibujaba lo que veía de
interés, como “el pintor de la vida
moderna” de Baudelaire. En estas
excursiones me interesé por los
mosaicos calcáreos que abundan en
esta ex-ciudad de lujo, como aquí
nunca existió alguna. Mecánicamente
en otras tantas caminatas, ahora con
Carolina que trabajaba en un video,
fotografié estas baldosas, con fin
documental, y más tarde reproduje en
esténcil algunos de estos diseños, más
otros que inventé o derivé de celosías
y azulejos que vi. Copias de estas
matrices de varios colores, mostré al
final aunque no era necesario, y no sé
si lo artístico estaba acá o en otro
lado. Como es normal cuando uno
viaja, viví muchos momentos de
conciencia, veía mucho sentido en
Pablo Rosales
In 2006 I was selected by El Basilisco
to participate in the Batiscafo
residency program in Havana, Cuba,
along with Carolina Senmartin during
the month of April. No previously
prepared project was required; the
idea was to live, think and carry out
work that would not necessarily be
finished in the form of an art object, it
might be only a process. For the other
two artists, [in residency] Cubans, the
grant consisted in concrete terms of a
subsidy for a particular phase of a
project that they were already
working on. Carolina and I had a
beautiful apartment in Old Havana
and money to cover expenses. We had
one meeting a week in order to share
ideas, and that was it in terms of the
formal arrangements. Regarding this
entire month of dedication exclusively
to art in a strange land, what should I
tell, and what should I keep to myself?
The first days that I spent alone, I
walked randomly around the city,
drawing the things that were of
interest to me in a sketchbook, like
Baudelaire’s “painter of modern life”.
On these excursions, the chalky
mosaics that abound in this once
luxurious city interested me, since
none had ever existed here. On many
other walks, now in the company of
Carolina, who was working on a video,
I mechanically photographed these
tiles for documentary purposes, and
later I reproduced some of the designs
using stencil, in addition to others that
I invented or derived from different
examples of latticework and tiles that
I saw. I showed copies of these
matrixes in various colors at the end
of the residency, although it wasn’t
CONQUISTAR EL ESPACIO
EL BASILISCO
116
Pablo Rosales
En 2006 El Basilisco me seleccionó
para participar de la Residencia
Batiscafo, en La Habana Cuba, junto a
Carolina Senmartin, durante el mes de
abril. No se requería proyecto previo,
la idea era vivir, pensar, y realizar un
trabajo que no debía finalizar
necesariamente en un objeto artístico,
podía ser sólo un proceso. Para los
otros dos artistas, los cubanos, la beca
consistía más concretamente en un
subsidio para una fase de un proyecto
que ya venían realizando. Con
Carolina teníamos un bello
apartamento en la Habana Vieja y
dinero para gastos, Teníamos una
reunión por semana para compartir
ideas, y hasta aquí lo formal. De todo
ese mes de exclusiva dedicación
artística en tierras extrañas, ¿qué
debiera contar y qué debiera callar?
Pablo Rosales
Impreso sobre papel,
2007.
Pablo Rosales
Cuaderno de dibujos,
2007.
117
118
muy compleja y a todos interesa, pero
no voy a profundizar aquí, porque
no corresponde.
Haber vivido y trabajado, por un
tiempo, como un artista 24 horas, en
tan distinto contexto, me da nuevas
perspectivas, sobre mi trabajo y sobre
mi medio, además de la nostalgia que
me queda por la ciudad y los amigos
que hice allá. Volveremos!
strictly necessary, and I don’t know if
the artistic part was there or
someplace else. As is normally the
case when you travel, I lived many
moments of heightened consciousness;
I saw a great deal of sense in
everything. I also made a map of
political and artistic deeds during
recent years in Buenos Aires in the
hopes of contextualizing my work.
Geographic considerations made
themselves present all the time, it is
very visible in Cuban art and we
ourselves, as “universal Argentineans”
felt quite situated on the globe,
whether in the Northern or Southern
hemisphere, in the capital or the
country’s interior, we were constantly
thinking about these issues. With the
eyes of the world upon them, Cuban
contemporary art is a liberal
professional activity sustained by
international collectors, while the
majority of activities related to
production depend on the State, and
on an emerging economy. There are
high levels of consumption of Culture,
and as a result artists are practically
heroes. The recent history of Cuban
art is clearly very complex and
everyone is interested in it, but I won’t
go into detail about that here, because
it doesn’t apply.
Having lived and worked for a while
as an artist 24 hours a day in such a
different context has opened new
perspectives for me, in terms of my
work and my environment, in addition
to the nostalgia that remains with me
for the city and the friends that I
made there.
We shall return!
CONQUISTAR EL ESPACIO
EL BASILISCO
Pablo Rosales
Sin título, vista de su
instalación en la
Universidad de La
Habana, 2007.
todo. También realicé un mapa de
hechos artísticos y políticos de Bs. As.
de los últimos años con la esperanza
de contextualizar mi trabajo. Se nos
presentó todo el tiempo lo geográfico,
muy visible en el arte cubano,
nosotros mismos “argentinos
universales”, nos sentimos bastante
situados en el globo, hemisferio Sur o
Norte, capital o interior, todo el
tiempo pensábamos estas cosas. Con
todas las miradas del mundo encima,
el arte contemporáneo cubano es una
actividad profesional liberal, con un
coleccionismo internacional que la
sustenta, mientras que la mayoría de
las actividades productivas están
supeditadas al estado, y a una
economía de emergencia. El consumo
cultural es muy alto, por lo que los
artistas son casi héroes, claro que la
historia reciente del arte cubano es
119
EL BASILISCO
CONQUISTAR EL ESPACIO
Nándor Angstenberger
Vistas de su instalación
en El Basilisco, 2007.
Fotos: Gustavo Barugel.
120
Nándor Angstenberger
Fantasma, dibujo sobre
pared y detalle, 2007.
Fotos: Gustavo Barugel.
121
EL BASILISCO
El vinilo es un material tan atractivo
como difícil. […] Podríamos decir que
el uso del vinilo para comunicar una
obra de arte es una elección bastante
específica, y esta muestra explora
cómo reunir una serie de piezas
hechas con vinilo subraya esa
especificidad. […]
Hay una inconsistencia atractiva en
tatuar las paredes de esta sala [la de
El Basilisco], ubicada en un suburbio
de clase obrera de Buenos Aires, con
obras y diseños de todas partes del
mundo, enviados por e-mail. El mismo
proceso de enviar por e-mail y la
lejanía de la producción son
importantes en cuanto enfatizan esa
Henry Coleman
Excerpts from the introductory text
for the Los Vinilos show, curated by
Henry Coleman
Henry Coleman
Los Vinilos, vistas de
la instalación en El
Basilisco, 2007.
Fotos: Gustavo
Barugel.
122
Vinyl is an attractive and difficult
material. […] The use of vinyl to
convey an artwork seems to be a very
specific choice and this show explores
how bringing multiple vinyl pieces
together highlights that specificity. […]
There is an attractive incongruity of
tattooing the walls of this room [the
space at El Basilisco], located in a
working class suburb of Buenos Aires
with designs e-mailed in from various
parts of the world, the e-mailing and
remoteness of production itself being
important in that it re-emphasizes
that inherent possibility within vinyl
and to some extent becomes a
secondary theme of the show, the
posibilidad inherente del vinilo, y en
cierta medida, se convierte en un
tema secundario de la muestra: la
posibilidad que tienen los artistas de
enviar la obra a distancia "por
teléfono", no obstante creando obras
en su propia escala, con su presencia
física completamente intacta.
La Argentina parece un lugar
particularmente adecuado para esta
muestra, los muros aquí tienen una
lectura más abierta que en otros
lugares. La propaganda política se
hace en letras de grandes tamaños, los
nombres de los políticos
embadurnando cada pared blanca
disponible, como una forma de grafiti
permitido por el estado. También
existe la cultura de los grafitis
politizados hechos con esténcil, y la
tendencia de la gente a expresar su
amor hacia otro con aerosol en la
CONQUISTAR EL ESPACIO
Henry Coleman
Fragmento del texto de presentación
de la muestra Los Vinilos, curada por
Henry Coleman
ability of the artists to "phone-in" the
work and yet create fully fledged,
physical artworks.
Argentina seems a particularly good
place for this show, the walls here are
more readable than most. The political
canvassing is done in meters high
letters, the names of politicians
daubed along every available white
wall like a state sanctioned graffiti.
There’s also the culture of politicized
stencil graffiti, and the tendency for
people to declare their love for each
other in spray paint on the barrio
walls. To an outsider it can seem, to a
certain extent, that the walls here
exist as some form of de-regulated
territory, a means of conveying a
message to the widest possible public.
Participating artists: Reza Aremesh,
Henry Coleman, Peter Fillingham,
123
EL BASILISCO
CONQUISTAR EL ESPACIO
paredes del barrio. A los ojos de un
extranjero, las paredes podrían
parecer, hasta cierto punto, como un
territorio desregulado, donde es
posible transmitir un mensaje al
público más amplio posible.
Artistas participantes: Reza Aremesh,
Henry Coleman, Peter Fillingham,
Liam Gillick, Sam Griffin, Peter Harris,
Saron Hughes, Jim Isermann, Anne
Low, Dave Muller, David Musgrave,
Rupert Norfolk, Olivia Plender,
Giles Round, Karin Ruggaber, Mark
Titchner, Gary Webb, Lawrence
Weiner, Pae White
Liam Gillick, Sam Griffin, Peter Harris,
Saron Hughes, Jim Isermann, Anne
Low, Dave Muller, David Musgrave,
Rupert Norfolk, Olivia Plender,
Giles Round, Karin Ruggaber, Mark
Titchner, Gary Webb, Lawrence
Weiner, Pae White.
Henry Coleman
Decorated Structure
(Productive Public)
Vista de su obra en la muestra
Separados al nacer (42 SNA).
Cartagena, Colombia, 2011.
Foto: Alberto Sierra, cortesía
del Ministerio de Cultura de
Colombia.
124
125
Alejandra Montiel
Fotografía
intervenida, 2008.
Alejandra Montiel
Fotografía
intervenida, 2008.
126
EL BASILISCO
CONQUISTAR EL ESPACIO
Alejandra Montiel
Mi hacer artístico de estos últimos
años se ha basado a grandes rasgos
en las siguientes ideas:
- Arquitecturas otras, arquitecturas
paralelas desde lo poético visual.
- Arquitectura real o las nociones
de paisaje y ciudad utilizadas como
lugar de locación de
configuraciones propias.
- Velar la realidad, realzarla o inventar
una paralela a la misma a través
de la fotografía y el diseño.
- Buscar mi propia realidad plástica.
- Señalar lo que me interesa
del espacio.
- Intervención dislocada.
- Naturaleza arquitectónica.
- Línea y plano como base plástica.
Alejandra Montiel
My art practice during recent years
has been based, in large part, on the
following ideas:
- Other architectures, parallel
architectures in terms of visual poetry.
- Real architecture or the notions of
city and landscape utilized as a place
to situate configurations of my own.
- Veil reality, highlight it or invent a
parallel to it by way of photography
and design.
- Search for a plastic reality of
my own.
- Indicate what it is that interests me
about a space.
- Dislocated intervention.
- Architectural nature.
- Line and plane as a plastic base.
Alejandra Montiel
Vista de su
instalación en El
Basilisco, 2005.
127
INDAGAR LO BÁSICO
Narda Alvarado / Gabriel Sierra / Marco Bainella / Gregor Passens
130
EL BASILISCO
mundo y de nuestra existencia dentro
de él. Cada uno se mueve dentro de un
rango diferente de experiencia;
mientras Marco Bainella se pregunta
por la enormidad de la línea del
tiempo que somos capaces de
concebir con respecto a la de la vida
de cada uno, cuánto podemos ver y
procesar o qué distancia existe
realmente entre dos vecinos que
viven uno al lado del otro, Narda
Alvarado se pregunta cómo nacen las
ideas y qué hay de sus vidas una vez
que llegan al mundo. Para Gabriel
Sierra y Gregor Passens, cualquiera de
los objetos que nos rodean les puede
dar una razón para detenerse. Para
Gabriel Sierra, la función es un eje
central, desde andamios hasta árboles,
las patas de una silla o las de un gato;
Gregor Passens se enfoca en objetos
iconográficos o conocidos por todos y
los trastoca para transformar su
presencia y significado. No es que
ellos nieguen las explicaciones
existentes que condicionan y
adiestran nuestra vida cotidiana, sino
que todo eso sólo logra despertar sus
apetitos por más. Y más. Y más. Su
indagación no se limita a lo
intelectual; es un proceso en el cual se
regocijan, jugando, a sabiendas de
que, además, por cada respuesta
nacerán mil nuevas preguntas.
QUESTION THE BASICS
There is one word that can bring even
the most solid and erudite, the wisest
and most experienced, the most
intelligent and knowing to their knees:
Why? Applied with the persistence
and the familiarity with the infinite
that characterize the first ten years of
life, it is capable of penetrating solid
rock like a drop of water repeated
over time. Unfortunately, handing over
this healthy skepticism in exchange
for blind acceptation of certain basic
principles as being true—or at least,
sufficiently explained—is understood
as passing into maturity. Luckily, some
do retain the capacity to doubt almost
everything without losing their grip in
the process. These artists question
very basic elements of the world and
our existence in it. Each moves within
a different range of experience; while
Marcos Bainella asks himself about
the enormity of the timeline that we
are capable of conceiving as compared
to the length of our lifespan, how
much we can see and process or how
much distance actually exists between
two neighbors who live side by side,
Narda Alvarado meditates on how
ideas come into the world, and how
their lives unfold after birth. For
Gabriel Sierra and Gregor Passens, any
one of the objects that surrounds us
can signify a trigger that gives them
pause. Function is the central issue for
Gabriel Sierra, from scaffolding to
trees, the legs of a chair or those of a
cat; Gregor Passens focuses on objects
that are iconographic or familiar to all,
subjecting them to some twist that
transforms their presence and
suggested significance. It isn’t that
these artists negate the existing
explanations for things that condition
and guide everyday life, but that these
explanations only whet their appetite
for more. And more, and more. Their
exploration is not limited to the
intellectual realm; it is a process of
play that they absolutely delight in,
fully aware that every response will
germinate a thousand new questions.
Página anterior
Foto: Nándor
Angstenberger,
2007.
INDAGAR LO BÁSICO
INDAGAR LO BÁSICO
Hay dos palabras que pueden llegar a
desmoronar hasta a los más armados
y eruditos, los más sabios y
experimentados, los más inteligentes
y conocedores: ¿Por qué? Aplicadas
con la persistencia y la familiaridad
con lo infinito que caracteriza a la
primera década de la vida, son
capaces de penetrar a la piedra como
una gota de agua con el tiempo.
Desgraciadamente, se entiende la
entrega de ese escepticismo saludable
a cambio de una aceptación ciega de
algunos principios básicos como
verdades—o por lo menos ya
suficientemente explicados—como el
paso hacia la madurez. Por suerte,
algunos retienen la capacidad de
dudar de casi todo sin volverse locos
en el proceso. Estos artistas
cuestionan elementos muy básicos del
Marco Bainella
Vista de su instalación
en Taller 7, MDE’07,
Encuentro
Internacional de
Prácticas Artísticas
Contemporáneas,
Medellín, Colombia,
2007.
131
EL BASILISCO
más que otra manera de moverse. De
haberlo sabido antes hubiese tenido
menos temor y más confianza, pero
sin ese temor de seguro hoy no
estarías de nuevo aquí conmigo,
abrazándome.
- Fue muy difícil descifrar todas tus
palabras amontonadas, era como no
poder ver. Tranquilo.
(Marzo de 2009).
Marco Bainella
Álbum de fotografías
tomadas sin cámara,
detalle de su
instalación en El
Basilisco, 2004.
Marco Bainella
Tratado de
ambliopía, libro,
2009.
Marco Bainella
Ampliaciones,
vista de su instalación
en El Basilisco, 2004.
132
INDAGAR LO BÁSICO
Marco Bainella
Hoy o mañana
Con suma conciencia nos trasladamos
expectantes por entrecruzados
caminos pavimentados sobre inmensas
cavernas. No puedo asegurarlo pero no
sé hasta cuando soportará esta
delicada y fina capa que nos separa
ligeramente de ese inimaginado
abismo. Puede que pronto colapsen
estas carreteras, puede que caigamos y
nos friamos en el núcleo de nuestro
planeta azul o tal vez nos reciban
esponjosos colchones de algodón que
acaricien los días vividos.
Me gusta charlar contigo de todas estas
cosas, de cómo nos reconstruimos
después del colapso, de cómo
colapsamos una y otra vez sabiendo que
es evitable, de cómo no aprendemos o
de cómo olvidamos rápidamente.
Con tranquilidad continúo, caer no es
Marco Bainella
Today or Tomorrow
It is with heightened awareness and
high expectations that we move along
intertwining paved roads above
immense caverns. I cannot say for
sure but who knows how much longer
this fine, delicate layer that separates
us ever so slightly from that
unimaginable abyss will continue to
hold. These highways may well
collapse soon, we may fall and fry in
the nucleus of our blue planet or it
may be that fluffy cotton mattresses
cushion our fall, caressing the days we
have lived.
I like talking with you about all these
things, about how we reconstruct
ourselves after a collapse, about how
it is that we collapse time after time
knowing that it can be avoided, about
how we do not learn or how we so
quickly forget.
I calmly continue, falling is just one
more form of movement. Had I known
ahead of time, I would have been less
afraid and more confident, but if I
hadn’t had that fear to count on, you
wouldn’t be here with me again today,
embracing me.
- It was very difficult to decipher
your words, piled high, it was like not
being able to see. Relax.
(March, 2009).
133
EL BASILISCO
INDAGAR LO BÁSICO
Narda Alvarado
Fotografía, 2008.
Narda Alvarado
Detalle de su
instalación en El
Basilisco, 2008.
134
Narda Alvarado
Ordenar
mentalmente la
pieza,
vista de su
instalación en El
Basilisco, 2008.
135
EL BASILISCO
INDAGAR LO BÁSICO
Gabriel Sierra
Vistas de su instalación
en El Basilisco, 2007.
Fotos: Gustavo Barugel.
136
137
EL BASILISCO
INDAGAR LO BÁSICO
Gregor Passens
Triumph, still del
video, 2007.
138
Gregor Passens
Batterie
Asfalto macizo,
Ludwig-MaximilianUniversität-München,
Campus Planegg
Martinsried.
Alemania, 2008.
Gregor Passens
Triumph, inflable,
vista de su
instalación en El
Basilisco, 2007.
139
TRAER PUERTA PROPIA
Anna Bas Backer / Alexa Horochowski / Marcela Sinclair / Jorge Tirner
142
BRING YOUR OWN DOOR
A door is a frame that draws a
threshold on the ground, plus two
handles: one for entering and another
for leaving. If we think of a door by
itself, without floor or walls to anchor
it to a single place, it serves as a good
metaphor for certain ways of
approaching art practice in a place
that lies beyond the usual. In this case,
it is a frame that singles out one
particular aspect of any context and
delimits a kind of portal of entry and
exit (which may well allow one to go
back again, even though it may not be
to the same place). In Ana Bas Backer’s
case, this would be the pages of a
comic; for Alexa Horochowski, a
particular stage of life: feminine youth,
brought to life in painting, and for
Marcela Sinclair and Jorge Tirner, their
explorations have one material as
their organizational axis: sheets of
foamy (related to architecture) and
rubber bands (in terms of the strength
they find in numbers), respectively.
After the first step is taken over the
threshold, those that follow fan out
toward limitless horizons .
EL BASILISCO
tienen un material en particular como
su eje organizativo: goma eva
(relacionada con la arquitectura) y
bandas elásticas (en términos de la
fuerza que se encuentra en la
cantidad), respectivamente. Después
del primer paso cruzando el umbral,
los siguientes se abren en un abanico
sin límites.
TRAER PUERTA PROPIA
TRAER PUERTA PROPIA
Una puerta es un marco que dibuja un
umbral en el suelo, más dos manijas:
una para entrar y otra para salir. Si
pensamos en una puerta suelta, sin
pisos ni paredes que la anclan a un
solo lugar, sirve como una buena
metáfora para ciertas formas de
abordar la práctica en un sitio fuera
de lo habitual. En este caso, es un
marco que selecciona una
particularidad de cualquier contexto y
delimita una suerte de portal de
entrada y de salida (tal vez
permitiendo a uno volver, aunque no
sea al mismo lugar). En el caso de Ana
Bas Backer, son las páginas del cómic;
para Alexa Horochowski, una época
particular en la vida: la juventud
femenina, a la que da vida a través de
la pintura, y para Marcela Sinclair y
Jorge Tirner, son exploraciones que
Página anterior
Vista de
Everythingispossibleexceptthatwhichisdeemedimpossiblebythenatureofthings,
de Liam Gillick en la
entrada de El
Basilisco, parte de la
exposición Los Vinilos,
curada por Henry
Coleman, 2007.
Foto: Gustavo
Barugel.
Anna Bas Backer
Proyección de sus
dibujos en El
Basilisco, 2007.
143
EL BASILISCO
juicios, sólo presenta la evidencia y
plantea preguntas.
En prisiones o en casos donde se aísla
gente en situaciones extremas parece
que nacieran formas amplificadas de
comportamiento, que de hecho son
muy humanas, pero bastante alejadas
de las que cómodamente admitimos.
Consciente de que el análisis de Levi
es un ejemplo exagerado frente a mi
propuesta, carezco de un paralelo que
se ajuste a mi caso, pero ¿Por qué
ocurre, por ejemplo, que algunos
artistas ‘sobreviven’ y otros ‘perecen’?
Existe un tipo de desconfianza,
sospecha, desprecio de uno mismo,
entre artistas, críticos, curadores y
espectadores en la “zona-crepúsculo”
de lo que llamamos arte
contemporáneo que, a veces, adquiere
dimensiones ridículas.
Luego de mi llegada a Colombia, me
“Si esto es un Artista” está basado en
el título del libro “Si esto es un
hombre” (‘Se questo è un uomo’,
original en IT.) escrito por Primo Levi
entre 1945 y 1947. El libro da una
cuenta detallada de la supervivencia
del autor en Auschwitz y en
consecuencia, se ha convertido en
referencia representativa de las
condiciones que hacen o rompen la
definición de hombre como hoy
la conocemos.
Levi intenta analizar por qué la
gente se comportó de la manera que
lo hicieron en Auschwitz y porqué
algunos sobrevivieron mientras
otros perecieron. Levi no hace
Anna Bas Backer
Excerpts from the Statement for the
Drawing Marathon (24 hs) organized in
Cali and Medellín, Colombia in 2008:
“Si esto es un Artista” is based on the
title of the book ‘If this is a Man’
1947, (orig. in IT; ‘Se questo è un
uomo’) by Primo Levi.
The book gives a detailed account of
the author’s survival in Auschwitz and
has consequently come to stand as a
representative for the conditions that
make or break the definition of man
as we know it.
Levi attempted to analyse why people
behaved the way they did at
Auschwitz, and why some survived
whilst others perished. He makes no
judgments; he only presents the
evidence and asks the questions.
In prisons or in cases where people
144
are isolated in extreme situations, it
seems that amplified forms of
behaviour are born which in fact are
very human but far from what we are
comfortable admitting to.
Aware that Levi’s analysis presents a
rather exaggerated example of my
case in point, I am at a lack of a more
fitting parallel. Why is it, for example
that some artists ‘survive’, and others
‘perish’?
There exists a type of mistrust,
suspicion and contempt of oneself,
between artists, critics, curators and
onlookers in the ‘twilight-zone’ we call
contemporary art that, at times, can
take on ridiculous dimensions.
Upon arrival in Colombia, I became
aware of the fact that there was more
I wanted to know and learn from the
artists here, than what I wanted to
communicate to them.
di cuenta de que era más lo que
quería conocer de los artistas de aquí,
que lo que yo quería comunicarles a
ellos. Es con este sentimiento que
propongo mi proyecto.
[…] Quise reunir las diferentes dudas
individuales de los artistas y artistas
del comic de la ciudad y crear como
resultado una revista impresa.
Considero el comic, con su línea de
historia flexible, una combinación de
la imagen y el texto y, el sentido del
humor, un medio irremplazable para la
reflexión. En el cómic, el autor puede
encontrase en el juicio y ser su propio
juez dentro de su propio trabajo.
TRAER PUERTA PROPIA
Anna Bas Backer
Extracto de la presentación del
maratón (24 hs) de dibujo organizado
en Cali y Medellín, Colombia en 2008:
It is with this sentiment that I propose
my project.
[…] I want to collect the different
individual doubts of the local artists
and comic artists and create a printed
magazine with the results.
I consider the comic, with its flexible
story line, combination of image an
text and sense of humour, an
irreplaceable medium for reflection.
What’s more, in the comic, the author
can stand trial and be his own judge
within his own work.
Anna Bas Backer
Si esto es un artista,
dibujos, 2008.
145
EL BASILISCO
Avellaneda, club deportivo, Charlone
933
Dos suecos que trabajan en
colaboración y no siempre se llevan
bien
Un tiro a un mapa que conduce a un
loro que habla
La pila de basura enfrente
Que se contrae y se expande,
Destino tanto para perros como
artistas callejeros
Conversaciones embebidas en vino
hasta el amanecer
Cantos de pájaro simulados al
amanecer por el Canadiense
Tardes de yerba mate
Ñoquis de fin de semana amasados
por Alejandro
Largas noches de Quilmes, el
Alexa Horochowski
El Basilisco, how do I remember thee?
Alexa Horochowski
Hollywood Flats,
videoinstalación.
Franconia Sculpture
Park, Shafer,
Minneapolis, USA,
2008.
146
Alexa Horochowski
Sin título, bronce
pintado, luz
fluorescente. Praxis
International Art,
Miami, 2008.
Avellaneda, club deportivo, Charlone
933
Two collaborating Swedes who don’t
always get along
A gunshot through a map leads to a
talking parrot
The pile of garbage across the street,
Expanding and contracting,
Destination for stray dogs and artists
alike
Wine-infused conversations until
dawn
Morning bird calls emanating from
the Canadian
Yerba mate afternoons
Weekend ñoquis crafted by Alejandro
Creative energy fueled by late-night
Quilmes,
Neighborhood kiosk, ferretería,
combustible para la energía creativa,
El kiosko del barrio, ferretería, librería
ecléctica
Una pintura sobre las grietas en la
pared del patio
Palanganas para juntar gotas de lluvia
El amargado tachero del centro se
niega a llevarte allí
TRAER PUERTA PROPIA
Alexa Horochowski
El Basilisco, ¿cómo te recuerdo?
Mis esculturas y murales elaborados
para sitios específicos emplean un
estilo rigurosamente gráfico que
consiste en un trabajo conciso de
línea, planos pulidos y un rango
acotado de color para presentar una
manera alusiva de contar una historia.
[…] Entornos fracturados sugieren
momentos recordados a medias;
momentos que yacen latentes en las
profundidades de la memoria antes de
desplegarse en las paredes y piso
de la galería.
eclectic librería
A Painting on the fractured patio wall
Palanganas to catch the raindrops
The disillusioned taxi driver from
Capital refuses to drive you there
My site-specific sculptures and wall
paintings employ a rigorous graphic
style that consists of concise line
work, polished surfaces, and a limited
color range to present an allusive
mode of storytelling. […] Fractured
environments that suggest halfremembered moments; moments
which lie dormant in the depths of
memory before being deployed on
the gallery walls and floor.
There is a cinematic presence to my
minimal props, slow-motion, videoloops and temporary, delicate wall
drawings. A cinematic presence not in
the sense of a verifiable, formal
147
Alexa Horochowski
Pintura mural en El
Basilisco, 2007.
148
EL BASILISCO
Marcela Sinclair
Durante los meses de agosto y
septiembre de 2008 fui artista en
residencia en El Basilisco junto a Asli
Çavuşoğlu, de Estambul, y Paulo
Almeida, de San Pablo. A pesar de
vivir en la misma ciudad y de que no
fuera un requisito, elegí mudarme a
Avellaneda, y así aprovechar la
oportunidad de salir de mi espacio
habitual de trabajo, tener un taller
amplio y compartir la experiencia de
convivir con artistas de otros países.
Es un raro privilegio éste de contar
con la posibilidad de dedicarse
exclusivamente al arte, concentrarse
en el propio proceso, y desde ya que
eso es muy productivo.
La convivencia con los otros artistas
también fue estimulante. De un lado:
vivir con otros que están posando una
mirada estética sobre su entorno, el
lazo que nos une es la práctica. Y de
otro, el que a pesar de estar en la
ciudad en la que he vivido y trabajado
desde que nací, en tanto portadores
de marcas de sus lugares de origen me
devolvieron otra mirada sobre los
distintos modos de inserción, las
diferentes o parecidas estructuras del
campo artístico, diversas prácticas de
producción, difusión y distribución de
la obra, los modelos hegemónicos, los
distintos circuitos y un “universo del
artista en residencia”.
Un espejo para reevaluar el campo
local, los circuitos internacionales y la
propia situación en relación a éstos.
Confrontar con estos modelos es una
tarea constante de reflexión para el
artista y su trabajo de desmarcación
permanente.
Por eso, uno va en residencia, juega al
espejo deformante y luego vuelve a su
movement, but in a fantastical
temporality that relates to what is
happening in each installation. The
tension between impermanence and
stillness in all the work can be
likened to that first or last moment in
a film where the image is just about
to fade in or out. Each installation
functions as a set from a movie that
is never made. […]
Marcela Sinclair
During the months of August and
September of 2008 I was an artist in
residence at El Basilisco along with
Asli Çavuşoğlu from Istanbul and Paulo
Almeida from San Pablo. Despite living
in the same city and the fact that it
wasn’t exactly a requisite, I chose to
move to Avellaneda, thus taking
advantage of the opportunity to leave
my habitual work space, have a large
studio and share the experience of
living with artists from other countries.
It is a rare privilege, this one; the
possibility of dedicating one’s self
exclusively to art, to concentrate on
your working process. This in itself is
highly productive.
Living with other artists was also very
stimulating. On the one hand, living
with others who are viewing their
environment from an aesthetic
perspective, the link that binds us is
our art practice. On the other hand,
although I was in the city where I
have lived and worked since I was
born, [the other artists] as carriers of
marks from their places of origin gave
me other ways of seeing diverse
manners of inserting one’s self,
similarities and differences in
structures within the field of art,
different practices in the production,
communication and distribution of
artwork, the artist as a globalized
professional, hegemonic models,
various circuits and the “artists in
residency universe”.
It was a mirror in which to reevaluate the local environment,
international circuits and my own
situation in relation to them.
Confronting these models is an
ongoing task of reflection for any
Marcela Sinclair
Juego de escuadras.
Vista de su
instalación en El
Basilisco, 2008.
TRAER PUERTA PROPIA
En mis accesorios mínimos, bucles de
video, cámara lenta, delicados y
efímeros dibujos sobre pared, hay una
presencia cinemática, pero no en el
sentido de un movimiento formal y
verificable, sino en una temporalidad
fantástica que tiene que ver con lo
que está pasando en cada instalación.
La tensión entre la quietud y la falta
de permanencia que atraviesa toda la
obra es comparable al primer
momento de una película, o el último,
donde la imagen está a punto de
fundirse a negro. Cada instalación
funciona como la escenografía de una
película jamás realizada. […]
149
Marcela Sinclair
Tatlin-Flavin, vista de
su instalación en El
Basilisco, 2008.
150
artist along with the continual job of
re-contextualizing his or her work.
That is the reason to participate in a
residency, to play around with mirrors
that distort and then go back to
continue working, noticing that
something in your way of seeing has
slightly but perceptibly changed, if
indeed the experience was such.
As an already institutionalized model,
it is possible that an international
residency can restrict artists in a kind
of corset by removing them from their
circle of closest interlocutors (where
the most potent purgative may come
from) and reformatting their practice
as closely as possible to the
hegemonic model of the globalized
intellectual worker, a professional par
excellence of advanced capitalism.
As I write these lines, I find myself in
a second instance of residency, this
EL BASILISCO
TRAER PUERTA PROPIA
lugar y sigue trabajando y nota que
algo en su mirada fue ligera pero
perceptiblemente modificado, si la
experiencia fue tal.
Las residencias internacionales como
modelo ya institucionalizado pueden
encorsetar al artista apartándolo de su
entorno de interlocutores más
próximo (del que podría salir lo más
revulsivo) y formatear las prácticas lo
más ajustadamente posible al modelo
hegemónico del trabajador intelectual
globalizado, el profesional del
capitalismo avanzado por excelencia.
Al momento de escribir estas líneas
me encuentro realizando una segunda
residencia, esta vez en Cali, y me
pregunto lo siguiente: ¿qué puedo
decirles yo de Cali a los caleños, más
que una ligereza? […]
Por otro lado, esta argumentación
puede verse como reaccionaria. Un
Marcela Sinclair
Maracatú atómico,
vista de su
instalación en la
galería Mite, Buenos
Aires, 2009.
151
152
time in Cali [Colombia], and I ask
myself the following question: What
can I possibly say about Cali to those
who live here that won’t wind up
being superficial? […]
On the other hand, this argument
could be seen as reactionary. Any
visual artist today (from a point of
view that comes closer to
anthropology, given the timeframe
and the general nature of its object)
may well be incorporated into social
life in this way, as a commentator who
heightens sensibilities (working with
aesthetic aspects). Of course, this
stance is far more humble than that of
the genius… it would mean putting
artists on the same level as other
professionals, and removing the aura
from their task. As we have already
seen, the loss of aura is a thorny issue:
art has to gain its autonomy in
a constant process. It must perpetually
shift its position, in any direction
whatsoever, away from hegemonic
practices. This is why everything must
be constantly revised.
The feeling of being outside of your
habitual circuit of production gives
you an injection of strength. In Buenos
Aires, at least, the large majority of
artists support themselves
economically with other jobs. Work
schedules, vacations, holidays… the
sensation of living according to other,
more fluid norms, where time is
managed in a different way, can
encourage you to venture further. The
same is true being in contact with
artists from other parts of the world,
who share similar situations. But being
re-situated only takes place once you
return to your own place.
I would like to add that another thing
EL BASILISCO
artistas se sostienen económicamente
con otros trabajos. Horario,
vacaciones, feriados… la sensación de
vivir de acuerdo a otras normas, más
fluidas, otro manejo del tiempo, puede
animarlo a uno a ir más allá. Lo mismo
que estar en contacto con artistas de
otros lugares del mundo que
comparten situaciones similares. Pero
la re-situación sucede al volver al
lugar propio.
Quiero decir también que otra cosa
que valoro enormemente de la
residencia en El Basilisco es la manera
en que organizaron encuentros de
presentación de la obra y los artistas.
Creo que más allá de los encuentros
espontáneos que puedan darse, estas
instancias más formales (aunque
nunca rígidas) son fructíferas para
situar la sociabilidad en el marco de la
discusión sobre el trabajo. Lo mismo
los diálogos a los que generosamente
se prestaron los coordinadores cada
vez que lo precisé o quise
simplemente compartir mis ideas y
preguntas, y el clima amable que
supieron generar. […]
TRAER PUERTA PROPIA
artista visual hoy (desde un punto de
vista más cercano al antropológico, por
el recorte de tiempo y la generalidad
de su objeto) quizás esté incorporado
a la vida social de esa manera, como
comentarista, y sensibilizador (en
tanto trabaja la estética). Pero claro, es
tan humilde esa posición en relación a
la del genio… es equipararlo a muchos
otros profesionales, muy
desauratizador. Y lo des-auratizado,
hemos visto tiene sus bemoles: la
autonomización del arte tiene que ser
constante. En perpetuo corrimiento,
sea en la dirección que sea, de la
manera hegemónica.
Por eso hay que revisar
constantemente todo.
Hay una inyección de fuerza al
sentirse fuera del circuito productivo
habitual. Por lo menos en Buenos
Aires la enorme mayoría de los
about the residency at El Basilisco
that I value greatly is the way that
get-togethers were organized to
present artists and their work. I think
that above and beyond the
spontaneous meetings that may take
place, these more formal (but never
rigid) instances are very productive in
terms of situating social interaction
within the framework of discussion
about people’s work. The same is true
for the dialog that the coordinators so
generously offered every time I
needed it or simply wanted to share
my ideas and questions, in addition to
the friendly atmosphere that they
managed to create. […]
Jorge Tirner
Detalle de su
instalación en El
Basilisco, 2007.
153
Esteban Álvarez al teléfono. Me avisa
que fui seleccionado para la
residencia. Dura algo así como dos
meses. Dudo. En un segundo todo lo
que tengo de cotidiano está en mi
mente: novia, trabajo, casa. Le digo
que me de 48 hs para responder.
Llamo a Jess, llamo al pelado y en
realidad no importa a cuánta gente
más llame, es una decisión personal.
Pienso. Trabajo seguro, con sueldo
seguro, mes a mes. Las cosas en la
balanza no tienen equilibrio. Nunca
pensé en ser artista, pero hace unos
años me metí en este baile… a bailar
entonces. Dejo trabajo, casa y una
novia en ella. Me voy a probar y a
Jorge Tirner
Excerpts from a text by Celeste
Massin, based on the oral account “My
days at El Basilisco” by Jorge Tirner
It’s Esteban Alvarez on the phone. He
tells me that I’ve been selected for
the residency. It lasts something like
two months.
I have my doubts. In an instant every
single thing that is part of my
everyday existence comes to mind:
girlfriend, job, house.
I tell him I need 48 hours to come up
with my answer. I call Jess, I call my
buddy “Cueball” and it doesn’t really
matter who else I call; the decision is a
personal one. I think. I have a steady
job, with a steady income every
month. The things on either side of the
scales don’t balance out. I never
thought about being an artist, but
154
EL BASILISCO
probarme. ¿Qué puede suceder en dos
meses y monedas lejos de mi pequeño
y aglomerado mundo? Conocer más de
mi obra, conocer gente o lo que sea,
de todas formas eso está por verse. A
más de mil kilómetros de distancia de
lo perfectamente conocido las líneas
se desdibujan.
Comparto mi estancia en el Basilisco
con una artista boliviana y un artista
chileno. La casa tiene muchos
compartimientos y la comunicación
con la calle es un interminable pasillo.
Entre el ruido de los coches y las
habitaciones hay un patio interno, con
una pelopincho llena. La escalera
caracol que me lleva al segundo piso
está hermosamente decorada por una
ventana de vidrios coloridos. O no tan
coloridos, no importa. Los pocos
colores dan la sensación de muchos.
Mi habitación es justa y necesaria. La
several years ago I climbed aboard
this boat… now it’s time to take up the
oars. I leave job and house with
girlfriend inside. I’m off to take a shot
and put myself to the test. What can
happen in two months and change, far
away from my small, conglomerated
world? If I will get to know more about
my work or get to know other people
in any case remains to be seen.
Leaving what I know perfectly well
over a thousand kilometers behind, all
the lines begin to blur.
I share my stay at El Basilisco with an
artist from Bolivia and an artist from
Chile. The house has many
compartments and an endless hall
communicates it with the street.
Between the noise of passing cars and
the bedrooms there is an inner patio,
with a brimming plastic swimming
pool. A handsome window with panels
TRAER PUERTA PROPIA
Jorge Tirner
Extractos de un texto de Celeste
Massin, basado en el relato oral “Mis
días en el Basilisco” de Jorge Tirner
Jorge Tirner
Vista de su
instalación en El
Basilisco, 2007.
155
156
of colored glass decorates the spiral
staircase that takes me to the second
floor. It isn’t all that colorful, but it
doesn’t matter. The few colors there
are give the sensation of being more.
My bedroom is just enough, and
necessary. The house is spacious
enough to allow each of us to have his
or her own space, even in the kitchen
cabinets. […]
My work continues in a process where
my hand no longer intervenes. The
pieces become new works. The rubber
bands have this property; they
change, influenced by the change of
context. They dilate, contract, or snap.
In the majority of cases, the work
retains some sign that something was
there, while a tangle of rubber curls
lies at its feet. […]
After some tests, the final product was
an explosion of primary colors and a
visual register of the object’s patient,
slow transformation. […]
Even though everything may seem to
have been determined ahead of time,
it wasn’t. I played around, a lot. With
enclosed cans, chains of matches,
painting in vices and quite a few
drawings. Constructing so many things
simultaneously allows you to focus
constantly on your work. Sharing a
space with strangers who later cease
to be such strengthens your own
character. The countless visits to
exhibitions generate new knowledge.
And as soon as you know it, the two
months and change have flown by.
Whether flying low or flying high
hardly matters. The conclusions of the
experience are what remain.
EL BASILISCO
cuantos dibujos. La construcción de
tantas cosas simultáneamente permite
la constante focalización en el trabajo.
Compartir el espacio con desconocidos,
que después no lo son, refuerza el
carácter de uno. Las innumerables
visitas a exposiciones generan un
nuevo conocimiento. Y cuando te das
cuenta los dos meses y algo se pasaron
volando. Alto, bajo, a una altura
considerable, como sea. La conclusión
de la experiencia es lo que queda.
TRAER PUERTA PROPIA
amplitud de la casa permite que cada
uno tenga su propio espacio. Inclusive
en la alacena de la cocina. […]
La obra continúa un proceso en el que
ya no interviene mi mano. Se
transforman en una nueva obra. Las
banditas tienen esa propiedad, con la
influencia del contexto cambian. Se
dilatan, se contraen, se cortan. En la
mayoría de los casos queda en la obra
la señal de que algo estuvo y a los
pies de ella una ensalada de rulos de
goma.[…]
Después de algunas pruebas el
producto fue la explosión de los
colores primarios y el registro visual
de la paciente y lenta transformación
del objeto. […]
Aunque todo parezca predeterminado
no lo es. Jugué,
y mucho. Con latas encerradas, rieles
de fósforos, pintura prensada y unos
Jorge Tirner
Vista de su
instalación en El
Basilisco, 2007.
157
EL PROYECTO COMO MOTOR HOME
Bill Burns / Jaime Gamboa / Núria Marquès /
Thomas & Renée Rapedius
160
THE PROJECT AS MOTOR HOME
It is possible to view the work of
almost any artist as a vehicle or
medium in as much as it constitutes a
via of communication, but for some, it
can turn into a means of transport for
the artist him or herself, as if it were a
motor home, a base on wheels that
facilitates movement to anywhere in
the world. Like the tasks related to
setting up camp, the needs of the
work are the primary motivation to
launch one’s self into a new place and
to interact with it. With this
continuous element as the point of
departure, all the differences that
appear alongside the constant are
highlighted, and the constant will be a
key to analyzing and assimilating
them, much like the exercise of
drawing an entire room without lifting
the pencil off the paper. It led Bill
Burns to work with neighborhood
lathe craftsmen who produce
precision parts in metal and also to
write a letter to the President of
Argentina; for Jaime Gamboa and
Núria Marqués (both of whom also
dealt with knowing that their
residence would be the last to take
place in the house), it was a way of
managing time and space. For Jaime, a
manner of taming the hours and days
in addition to a landscape without
heights, and in the case of Marqués, a
stop in the odyssey of her fantastic
characters who struggle with
indomitable locks or tears beyond
control. For Thomas and Renée
Rapedius it meant open terrain upon
which to construct their own
landscape.
EL BASILISCO
Presidente de la Nación; a Jaime
Gamboa y Núria Marqués (quienes
además lidiaban con la conciencia de
que la suya sería la última residencia
en esa casa) fue una manera de
manejar el tiempo y el espacio. En el
caso de Gamboa, una forma de domar
las horas y los días y un paisaje sin
alturas, y para Marqués una parada en
la odisea de sus personajes fabulosos
que luchan con pelos indomables o
lágrimas fuera de todo control. Para
Thomas y Renée Rapedius, era un
terreno despojado sobre el cual erigir
su propio paisaje.
EL PROYECTO COMO MOTOR HOME
EL PROYECTO COMO MOTOR HOME
Es posible mirar la obra de casi
cualquier artista como un vehículo o
un medio, en cuanto constituye una
vía de comunicación, pero para
algunos artistas se convierte en un
medio de transporte como si fuera un
motor home, una base sobre ruedas
que fomenta su movimiento por el
mundo. Como las tareas de instalar un
campamento, las necesidades de la
obra serán el motor para lanzarse al
nuevo lugar e interactuar con él. Partir
de un elemento continuo realzará las
diferencias alrededor de esta
constante, y será una clave para
analizarlas y asimilarlas, como el
desafío de dibujar una habitación
entera sin levantar el lápiz del papel.
A Bill Burns, lo llevó a trabajar con
torneros artesanales del barrio y
también a escribir una carta al
Página anterior
Foto: Pablo Rosales,
2012.
Bill Burns
Dogs and boats and
aeroplanes.
Fotografía, 2009.
161
EL BASILISCO
Querida Sofía: he llegado el día de
ayer a mi destino, mi buen amigo S.
me ha recibido con beneplácito y
mucho agrado. Todo es
completamente nuevo pero siento en
esta ciudad un aire muy familiar, hay
pequeñas cosas y situaciones que me
recuerdan a Bogotá, sin embargo, S.
me dice que las diferencias son
realmente grandes […]
Existe algo que ha llamado
profundamente mi atención y que lo
hizo desde el momento en el cual
anunciaban en el avión la llegada a la
ciudad de Buenos Aires; nunca
imaginé cuán llana podría ser, sin
alguna señal de una cadena
Jaime Gamboa
(excerpts from correspondence from
October 13 to December 14, 2008)
Bill Burns
Dogs and boats and
aeroplanes,
fotografía, 2009.
162
Dear Sofía: yesterday I arrived at my
destination point; my good friend S
welcomed me with great pleasure
and enthusiasm. Everything is
completely new but I sense a very
familiar air about the city, there are
little things and situations that
remind me of Bogota, although S
assures me that the differences are
actually quite large […]
There is something that makes a
profound impression on me and it
has done so since the very moment
that they announced our arrival in
Buenos Aires on the plane; I never
imagined that any place could be so
flat, without any sign whatsoever of
a mountain chain, and it is something
montañosa, eso es algo a lo cual no
estoy acostumbrado. […]
Desde ayer hasta hoy he recorrido y
visitado espacios muy particulares y
llamativos, llevan consigo una pesada
carga que a veces creo no logran
soportar con éxito, mientras otros se
aferran a un pasado que no comprendo
aún. Es como si la ciudad se debatiese
entre una eterna nostalgia y una
extraña modernidad. […]
Te acuerdas lo que te comentaba de
los horarios, pues no he podido
ajustarme a ellos y con frecuencia
pierdo toda noción de rutinas
anteriores. Pienso mucho sobre el
transcurrir del tiempo, casualmente
escuchaba por estos días en un
programa radial donde concluían que
éste es sólo una invención de
nosotros los humanos, muchos
estamos sometidos a él, sólo si
EL PROYECTO COMO MOTOR HOME
Jaime Gamboa
(extractos de correspondencia desde
el 13 de octubre hasta el 14 de
diciembre, 2008)
that I am unaccustomed to. […]
Between yesterday and today I have
toured and visited very particular
and notable spaces that carry a
heavy load that they do not always
manage to uphold successfully, while
others cling to a past that I not yet
comprehend. It’s as if the city were
debating between an eternal
nostalgia and a strange modernity. […]
You will remember that I had
commented about the schedule here
as I haven’t been able to adjust to it,
and I often lose all notion of my
previous routine. I think about the
passing of time quite a lot, and in
recent days I happened to hear the
conclusion on a radio program that
all this is just an invention of we
humans, and many of us are subject
to it, but it is only if we wish to be. It
is something that I had already been
163
164
Seguro encontraré solución a estas
inquietudes, habrá que tomar una
bocanada y seguir por algún camino. […]
Ya he decidido qué presentar para el
día de la pequeña muestra aquí en la
casa, aunque no estoy seguro si sea
capaz de finalizar a tiempo, quisiera
hacer cosas interesantes o
impresionantes pero no sería honesto
para mi, aunque debo admitir que
detrás de toda obra siempre existe un
ánimo de pedantería y
autosatisfacción de un ego sin sentido.
He tenido suerte al encontrar una
solución medianamente acertada para
la elaboración de la obra y su
movilización de vuelta hacia Bogotá,
la consecución de los materiales ha
sido muy interesante pues me ha
obligado a recorrer lugares de la
ciudad que no hubiera imaginado
visitar. […]
reflecting upon several years ago and
I always wanted to set some trap, to
beat it at something somehow, but
now I am coming to the realization
that it is an exhausting, pointless
struggle […]
Although I had a project in mind
before coming here, they have given
me complete freedom to work on
whatever I want. It occurs to me that
the graphite drawings are not the
most well-suited to do here, you
know that they always take me some
time to do and I don’t have the
conditions here to work on them with
any agility. The ideas about my work
always change, that’s its nature,
because here is where I should
reformulate many things that
implicitly accompany a change of
city, habits, materials (and even
though we speak the same tongue),
and languages as well. I will surely
find solutions to these issues that
concern me, I’ll have to take a deep
breath and continue forward along
one path or another […]
I’ve already decided what to present
for the day of the small show here in
the house, although I’m not sure if I’ll
be able to finish it in time. I’d like to
do things that are interesting or
impressive but it wouldn’t be honest
on my part, although I must admit
that behind every work there is
always a certain spirit of pedantry
and self-satisfaction that come from
a pointless egotism. I’ve been
fortunate enough to find a fairly
good solution as to how to elaborate
the work and to bring it back to
Bogota with me. Finding the
materials has been very interesting
since this has obliged me to visit
EL PROYECTO COMO MOTOR HOME
EL BASILISCO
Bill Burns
Vista de su
instalación en
El Basilisco, 2007.
queremos. Ya lo venía reflexionando
varios años atrás y siempre quise
ponerle trampas para ganarle en
algo, pero ahora me voy dando
cuenta de que es una lucha
desgastante y sin sentido […]
Aunque tenía en mente un proyecto
antes de venir para acá, me han dado
libertad total para trabajar en lo que
desee. Se me ocurre que los dibujos
en grafito no son los más indicados
para realizar, tú sabes que me toman
siempre algo de tiempo y aquí no
cuento con las condiciones para
realizarlos de una manera ágil. Las
ideas sobre mi trabajo siempre
cambian, es su naturaleza, porque es
aquí donde debo reformular tantas
cosas que vienen implícitas a un
cambio de ciudad, de costumbres, de
materiales (y aunque hablemos el
mismo idioma) también de lenguajes.
165
166
EL BASILISCO
me resultaba incómodo, en ocasiones
es tan intenso el hedor que llega
hasta la casa, pero me he
acostumbrado poco a poco y cuando
percibo ese leve picor en la garganta
causado por el penetrante aroma me
siento de nuevo en casa y a la vez
muy tranquilo, así como el niño
cuando oye la voz de su madre y así
se mengua su angustia. […]
Desde la primera semana que llegué
y por cómo pude percibir en adelante
ciertas cosas en la ciudad, vino a mí
la sensación de que aquí existe la
posibilidad (si uno quisiere y cuenta
con los recursos suficientes) de llegar
a la perdición total, de alcanzar
elevados extremos en varios
aspectos, aspectos que tomarían
bastante tiempo para describir pero
que más adelante a nuestro
encuentro te los contaré. […]
many places in the city that I would
never have imagined visiting.[…]
I miss our city’s indiscriminate way
of raining; I’ve seen in rain here in
the past few days but it isn’t
comparable at all. When it does
happen, I am hit by gusts loaded with
tons of memories. I like certain of
this city’s smells; a couple of days
ago I found myself walking in a park
and smelt the aroma of jasmines that
hit me unexpectedly and a thought
came to mind immediately, an image
of your delight on those cold nights
when the shrubs blossom with a
sweet, intense fragrance of honey. I
know that for many it will not be
their fondest memory of Avellaneda,
and it’s true that I almost forgot to
mention it, but every time I’m
traveling toward the city I think of
the intense stench, a smell of shit
exuded by the Riachuelo [River]; at
first it was uncomfortable, the reek
was so intense at times that it
reached as far as the house, but I’ve
become accustomed to it little by
little and when I perceive that slight
sting in my throat, caused by the
penetrating odor, I feel at home again
and at the same time very calm, like
a child whose anxiety begins to fade
at the sound of his mother’s voice. […]
Since the first week when I arrived
and due to what I have been able to
observe since then regarding certain
things in the city, I have come to
have the sensation that the
possibility exists here (if one might
wish to and had sufficient resources)
to reach compete perdition, to
achieve elevated extremes in various
aspects, aspects that would take
quite some time to describe but that I
EL PROYECTO COMO MOTOR HOME
Extraño mucho la manera
indiscriminada de llover de nuestra
ciudad, en estos días he visto llover
por aquí pero nada equiparable y
cuando sucede esto vienen ráfagas
cargadas de miles de recuerdos. Me
gustan ciertos olores de esta ciudad,
hace unos días me encontraba
caminando por un parque y sentí un
perfume de jazmines, fue como un
golpe inesperado, inmediatamente
me vino un pensamiento, la imagen
tuya deleitada en aquellas noches
frías de cuando florecen aquellos
arbustos con una intensa y dulce
fragancia de miel. Sé que para
muchos no sería su mejor recuerdo
de Avellaneda, y por cierto casi
olvido mencionarlo, pero cada vez
que viajo rumbo a la ciudad pienso
en el intenso olor a peste, a mierda
que despide el riachuelo; al comienzo
Bill Burns
Vista de su
instalación en El
Basilisco (carta al
Presidente de la
Nación), 2007.
167
EL BASILISCO
EL PROYECTO COMO MOTOR HOME
Una de las primeras cosas que quiero
realizar a mi retorno es buscar una
guía de Bogotá, parecida si pudiera a
la que usé aquí durante mi estadía;
he aprendido a entender la ciudad
desde una vista completamente
diferente. Bogotá la conocí
tridimensional, Buenos Aires la
entendí bidimensionalmente. […]
No sé que haya sucedido en mí, es
muy pronto para pensarlo, pero de
seguro tengo que éste tipo de
situaciones sólo se vive una vez (…)
Ya ha acabado esto y me mudaré de
nuevo […]
will tell you more about further on,
once we meet again. […]
One of the first things that I want to
do upon my return is to look for a
guide to Bogota, similar, if possible,
to that which I used here during my
stay; I have learned to understand
the city from a completely different
perspective. I came to know Bogota
in three dimensions, and I came to
understand Buenos Aires in two. […]
I don’t know what has happened to
me, it is very early to think about
this, but I am sure that you only
experience this kind of situation once
[…] This is already over and I’m set to
move again. […]
Jaime Gamboa
Dibujo, 2008.
168
Jaime Gamboa
Vista de su
instalación en
El Basilisco, 2008.
169
2_ Esta alegoría se materializa en un
personaje inocente y naïf dotado de
una gran peculiaridad: sus cabellos,
inmensamente largos, inmensamente
envolventes que convierto en
símbolo del bagaje emocional.
3_Desencuentros, desencantos, vasos
medio vacíos, culpas… arrollan,
aprisionan, asfixian a la pequeña
protagonista que ha caído en un
bucle. Fantasmas, quizás para morir o
quizás para matar una etapa vital.
4_Deconstrucción, en sus caras el
personaje, insinúa con sus sombras,
Núria Marquès
Art is part of a historical-social
context […] and it is precisely in the
context of contemporary society—
where a frenzied pace reigns, where
‘now or never’ it is the leit motif,
where competition is one more form
of relating to one another—that my
work appears. My metaphorical
meditations […] make use of the
“social evils” […] provoked by this
vital frenzy that is imposed upon us.
They are emotional and moving
disorders that lead us to chaos on a
personal level—anxiety, stress, fear of
living—that I handle in a quotidian,
even humorous way, humanizing
what was until recently a stigma. I
propose an emotional catharsis for
all, by working with narrative that
awakens empathy, with a large dose
of innocence and fresh air.
170
EL BASILISCO
1_Creando una alegoría sobre cómo
creamos resistencias para dejar en el
camino aquellos recuerdos y
vivencias que acaban enquistándose
en las emociones del presente.
EL PROYECTO COMO MOTOR HOME
Núria Marquès
El arte forma parte de un contexto
histórico-social, […] y es precisamente
en el contexto de la sociedad
contemporánea --en la que impera un
ritmo frenético, en la que ‘ahora o
nunca’ son el leit motif, en la que la
competitividad es una forma más de
relacionarse-– donde aparece mi
trabajo. Mis reflexiones metafóricas
[…] se sirven de los “males sociales” […]
provocados por este frenesí vital que
nos viene impuesto. Son desórdenes
emocionales y emotivos que nos
conducen al caos personal –-ansiedad,
estrés, miedo a vivir-- que trato de
forma cotidiana, incluso divertida,
humanizando lo que hasta hace poco
era estigmatizado. Os propongo una
catarsis emocional, a través de un
trabajo de narración empática con una
gran dosis de frescura e inocencia.
Jaime Gamboa
Dibujo, 2008.
Núria Marquès
Vistas de su
instalación en
El Basilisco, 2008.
171
EL BASILISCO
Thomas & Renée Rapedius
Texto de Susanne Figner, Curadora,
Kestnergesellschaft, Hannover
El punto de partida para la obra
Monte Vera de Thomas
& Renée Rapedius fue la residencia de
tres meses que realizaron en Buenos
Aires […] Para prepararse, Thomas &
Renée dejaron los libros guía
convencionales a un lado, en favor de
los relatos literarios sobre viajes y
reclusión. Los artistas se interesaron
especialmente en las novelas de
Annemarie Schwarzenbach que
describen sus viajes a lugares
exóticos además de documentales
sobre la comuna artística Monte
Verità en Suiza, entre otros. Tanto las
fugas fantásticas de la Europa de
Schwarzenbach como la alegremente
fogosa “Cooperativa Monte Verità” se
Recurro a los paisajes emocionales
para convertir en protagonistas a las
emociones en estado puro.
1_Creating an allegory regarding how
we create forms of resistance in
order to leave behind the memories
and experiences that wind up
embedded in present-day emotions.
2_This allegory materializes by way
of an innocent, naïve character
featuring a notable peculiarity: her
immensely long, immensely
enveloping hair, which I convert into
a symbol of emotional baggage.
3_Misencounters, disillusion, half
empty glasses and guilt… all
overwhelm, entrap and asphyxiate
our tiny heroine, who falls into a
loop. Ghosts, to die, possibly, or to kill
a phase of life.
4_Deconstruction, in the faces of this
character whose shadow insinuates,
172
Thomas & Renée Rapedius
Text by Susanne Figner, Curator,
Kestnergesellschaft, Hannover
creating poetry that submerges us in
an emotional siege, in a state of
mental block, at a deadlock from
which it is impossible to move
forward, only catharsis will allow
things to continue.
I turn to emotional landscapes in
order to convert emotions in their
pure state into protagonists.
Núria Marquès
Detalle de su
instalación en
El Basilisco, 2008.
The starting point for Thomas &
Renée Rapedius’ piece Monte Vera
was set when the duo was granted a
three-month residency in Buenos
Aires […] To prepare, Thomas & Renée
Rapedius eschewed conventional
guide books in favor of literary
accounts of travel and seclusion. The
artists were particularly drawn to
Annemarie Schwarzenbach’s novels
describing her exotic journeys, as
well as documentaries of the artist
commune Monte Verità in
Switzerland, among others. Both
Schwarzenbach’s fantastic escapes
from Europe and the high-spirited
“Cooperativa Monte Verità” were
prone to failure due to their idealistic
prestaron al fracaso, ya que sus metas
y expectativas idealistas rápidamente
se desmoronaron frente al impacto de
los sentimientos mundanos y los
conflictos personales. […]
Monte Vera expresa la forma propia
de Thomas & Renée de involucrarse
con las expectativas, las emociones y
los fracasos de la experiencia de
viajar. […] Dibujos diminutos en la
superficie del papel planean
acontecimientos del viaje de los
artistas, tanto reales como ficticios,
obligando al espectador a recorrer la
instalación para componer la
narrativa fragmentada. Aunque las
distintas vistas de montañas ofrecen
placer visual a los espectadores, el
hecho de que los artistas se nieguen a
divulgar un relato integral de sus
experiencias de viaje, genera una
extraña brecha entre los puntos de la
EL PROYECTO COMO MOTOR HOME
crea una poesía que nos sumerge en
un asedio emocional, en un estado de
bloqueo mental, en un punto muerto
donde es imposible avanzar, sólo la
catarsis permitirá continuar.
goals and expectations that soon
collapsed under the impression of
worldly emotions and personal
conflicts.[…]
Monte Vera expresses Thomas &
Renée Rapedius’ own engagement
with the expectations, emotions and
failures of the travel experience. […]
Diminutive drawings on the surface
of the paper map out both real and
fictive events in the artists’ journey
and force the viewer to move around
the installation to compose the
fragmented narrative. Though the
various mountain views grant
spectactorial pleasures, the artists’
refusal to give a comprehensive
account of their travel experiences
creates an uncanny gap in viewpoints
between the panoramic perspective
seen from afar and the fragmented
view from up close. […] Thomas &
173
EL BASILISCO
Thomas & Renée
Rapedius
O.025 (Monte Vera),
papel enrollado,
detalle de su
instalación en
S.M.A.K. Museum,
Ghent, 2009.
Thomas & Renée Rapedius
O.025 (Monte Vera),
papel enrollado,
vista de su instalación en
S.M.A.K. Museum, Ghent, 2009.
174
EL PROYECTO COMO MOTOR HOME
perspectiva de la vista desde la
distancia y la vista fragmentada del
primer plano. […] Thomas & Renée
Rapedius movilizan al espectador,
ofreciéndole vistas continuas mientras
develan la naturaleza construida de
las descripciones idealizadas de la
experiencia de viajar.
Renée Rapedius set the spectator in
motion and offer continuous views
while revealing the constructed
character of ideal depictions of the
travel experience.
Thomas & Renée
Rapedius
Detalle de su
instalación en El
Basilisco, 2006.
175
LA PROTESTA VISUAL
Agnes Eperjesi / Runo Lagomarsino
178
VISUAL PROTEST
All art is political. At least that’s what
they say; at the very least, it can
always be interpreted in a political
manner, and it does undeniably exist,
within a socio-economic political
system that consists of different
mechanisms of power hopelessly
tangled together. This, on the one
hand. On the other, there are artists
who take on different political issues
as the central topic of their work. This
is the case of these two artists. Given
that the ultimate instance of political
power is that which imposes limits on
where bodies are situated and/or
restrictions on their power to act,
there is a common thread here where
the body plays a central role, whether
in its presence or its absence, as a
vehicle for protest or as the victim of
some kind of abandon. Agnes Eperjesi
investigated protest as a form in and
of itself, with its potential for
expression in an almost abstract way,
while Runo Lagomarsino elaborated a
comprehensive inverse theory of
protest where the impact of a body’s
presence may turn out to be negligible
but its absence can generate
enormous resonance.
EL BASILISCO
potencial para la expresión casi en
forma abstracta, mientras Runo
Lagomarsino elaboraba una
comprensiva teoría inversa de la
protesta donde la presencia de un
cuerpo puede resultar ínfima pero su
ausencia es capaz de una
resonancia enorme.
LA PROTESTA VISUAL
LA PROTESTA VISUAL
Todo arte es político. Eso dicen; o por
lo menos, siempre se lo puede
interpretar de una manera política, y
existe, sí o sí, dentro de un sistema
socio-económico-político que consiste
de diversos mecanismos de poder
enmarañados irremediablemente
entre sí. Eso por un lado. Por otro, hay
artistas que abordan como tópico
central de su obra diferentes temas
políticos. Es el caso de estos artistas.
Ya que la última instancia del poder
político es la de imponer límites en la
ubicación de los cuerpos y/o
restricciones sobre su accionar, hay un
hilo común aquí donde el cuerpo tiene
un protagonismo central, sea en
presencia o ausencia, como vehículo
de protesta o víctima de alguna forma
de abandono. Agnes Eperjesi investigó
la protesta como forma en sí y su
Página anterior
Foto: Jaime Gili.
(Vista de sus afiches
en el barrio de
Piñeyro, Avellaneda.)
2004.
Agnes Eperjesi
Protesta, vista de su
instalación en El
Basilisco, 2007.
179
Alguna vez el poeta argentino Juan
Gelman escribió: La memoria es una
cajita que revuelvo sin solución
(Memory is a little box that I stir
without solvent*). Cada vez que
escribimos la historia, hay
selecciones obvias; una selección
consciente, una selección
melancólica, una política, una
personal (y a veces todas juntas
están presentes), entre lo que se
inscribe en la historia y lo que no. En
este texto corto intentaré pensar
entre líneas, empleando a Gelman en
forma literal – no buscando el
solvente de la memoria, pero
Runo Lagomarsino
Thinking beyond 1968 and its
locality
Ps. Do you know what a Cuba Libre is
called in Cuba - La Mentirita. (The
Little Lie) Ds.
The Argentinean poet Juan Gelman
once wrote: La memoria es una cajita
que revuelvo sin solución - Memory
is a little box that I stir without
solvent. Every time we write history
there are obvious selections; a
conscious one, a melancholic one, a
political one, a personal one
(sometimes present all together)
what’s inscribed in history and
what’s not. In this short text I will try
to think in in-between the lines and
use Gelman literally - not to search
for the solvent of memory but to stir
differently.
180
I will start with claiming two
positions.
- If you don’t know what the South
is it’s simply because you are from
the North.
- When we were 10, we wore berets,
not because we wanted to be artists,
but because we were in love with
Che Guevara.
There have been several discussions
of 68, one coming from the
conservative side meaning that we
are communist idiots to even discuss
it. The neo liberals would like to
claim that it almost didn’t exist, and
if it existed it was merely a youth
culture that grew older, got a job and
found the truth. And then there is us,
we who at different times and for
different reasons have been part of
“68”. Being there, or growing up with
EL BASILISCO
revolviendo de una manera distinta.
Para comenzar, afirmaré dos
posiciones:
- Si no conocés qué es el Sur, es
simplemente porque sos del Norte.
- Cuando teníamos 10 años, usábamos
boinas no porque queríamos ser
artistas, sino porque estábamos
enamorados del Che Guevara.
Hubo varias discusiones acerca del
’68, una que venía del lado más
conservador, que significaba que
éramos unos idiotas comunistas sólo
por hablar del tema. A los neoliberales, les gustaría pretender que
casi no existió, y si de hecho existió,
que fue sólo una cultura de jóvenes
que cuando crecieron, consiguieron
empleo y descubrieron la verdad. Y
luego estamos nosotros, los que en
distintos momentos y por diferentes
razones hemos formado parte del
“68”, o por haber estado allí, o
porque lo tuvimos muy presente
durante nuestro proceso de
maduración. Leíamos los textos que
se produjeron en torno a él y
pensábamos en su potencial.
Comprendo la manera de hoy de
pensar de nuevo sobre el ’68, en la
búsqueda de herramientas de
inspiración y pensamiento crítico.
Pero pienso que es preciso escuchar
esa voz desde otro lugar en la
habitación, mirarlo desde otros ojos,
otro hemisferio.
Apunto aquí a la falta de o hasta la
negación del (¿será una amnesia
política?) otro 1968(s). ¿Por qué hubo
poco o nada de debate en torno al
“68” más allá del entorno de la
producción de “la historia
occidental”? ¿Sus luchas, sus
movimientos, sus pérdidas? La última
LA PROTESTA VISUAL
Runo Lagomarsino
Pensando más allá del ’68 y su
carácter local
P.D: – ¿Sabés cómo se llama un Cuba
Libre en Cuba? - La Mentirita. Ds.
it present in mind. We read the texts
produced around it and think of its
potential. I understand today’s
rethinking of the 68, looking for tools
of inspiration and criticality. But I
think that the voice needs to be
heard from another place in the
room, seen from another set of eyes,
another hemisphere.
I am aiming here at the lack of, or
even denial of (is it a political
amnesia?), the other 1968(s). Why
has there been little or no debate
about “68” outside the realm of
“western history” production? Its
struggles, its movements, its loss?
The last time I was in Buenos Aires I
overheard somebody saying – ¿Y
cuando pensás que vuelve Naomi
Klein? I think the comment so clearly
Agnes Eperjesi
Protesta, performance marks the absence and cynical power
of history writing.
en Avellaneda, 2007.
181
182
One of the most radical changes in
the 60s and ongoing was the anti
colonial movement and the struggles
for national freedom. Then an open
question - Is the Cuban revolution
more or equally important to the
discourse of 68 than Paris? At least
in the global South? And more
contemporarily - Is Cochabamba
more or equally important for the
anti globalization movement than
Seattle?
An important aspect of this is
obviously a historical one; a critique
of the way we read our political past,
what’s inscribed in it and what’s not.
But to just claim the rights of history
and its medals will be very
melancholic and conservative. More
importantly, it gives alternatives to
the “official 68 left discourse”. It can
also give us alternatives to the
present and struggles for the future.
Or to think the present (and fight in
it) and dream the future.
EL BASILISCO
allí y qué no. Sin embargo, reclamar
sólo los derechos de la historia y sus
medallas sería una cosa muy
melancólica y conservadora. Más
importante aún es que ofrece
alternativas al “discurso oficial del
’68 de la izquierda”. También nos
puede ofrecer alternativas en el
presente y luchas para el futuro. O
para pensar el presente (y luchar en
él) y soñar el futuro.
LA PROTESTA VISUAL
vez que estuve en Buenos Aires,
escuché a alguien decir: ¿Y cuándo
pensás que vuelve Naomi Klein? Creo
que ese comentario marca muy
claramente la ausencia de la escritura
histórica y su poder cínico.
Uno de los cambios más radicales
desde los años ‘60 en adelante fue el
movimiento anti-colonial y las luchas
nacionales por la independencia.
Entonces, una pregunta abierta - ¿Es
la revolución Cubana tan o más
importante al discurso del ’68 que
París? ¿Por lo menos, en el sur
globalizado? Y en términos más
contemporáneos – ¿Es Cochabamba
tan o más importante al movimiento
anti-globalización que Seattle?
Un aspecto importante de eso es,
obviamente, el histórico; una crítica
de la manera en que leemos nuestro
pasado político, qué queda inscripto
* nota de traductor: El artista interpreta la cita de
Gelman en inglés de forma literal, diciendo: La
memoria es una cajita que revuelvo sin solvente.
Runo Lagomarsino
G-8 Perdona
(English is broken here)
Fotografía, 2006.
Cortesía del artista y
Elastic, Malmö.
183
EL BASILISCO
LA PROTESTA VISUAL
Runo Lagomarsino
We Support
Proyección de una diapositiva
sobre foamboard, 2007..
Foto: Matthew Watson
Cortesía del artista y Elastic,
Malmö.
184
Runo Lagomarsino
Untitled
Tinta y cinta adhesiva
sobre papel,
2007.
Cortesía del artista y
Elastic, Malmö.
185
LA LLAMADA DE LA CALLE
Jaime Gili / Aurelio Kopainig / Nicolás Lelièvre / Renaud Herbin /
Víctor Muñoz / Julieta Ortiz de Latierro / Anu Pennanen /
Pedro Sequeira / Guga Ferraz
188
EL BASILISCO
nutren sus trabajos con imágenes que
vienen de la calle, mientras Guga
Ferraz, Jaime Gili, Julieta Ortiz de
Latierro y Pedro Sequeira tomaron a
la calle misma como su soporte.
Nicolás y Renaud literalmente insuflan
vida al cemento y los ladrillos del
entorno urbano en su trabajo con
animación cuadro por cuadro y digital,
mientras Julieta Ortiz de Latierro
anima costados enteros de edificios
con dibujos dramáticos de historietas
proyectados a gran escala. Para Víctor
Muñoz y Guga, es el locus donde se
manifiestan los cambios y las
injusticias sociales, económicas y
políticas; Víctor trabaja con imágenes
fotográficas intervenidas de
viviendas, contando las vidas de las
paredes como un indicio de algo más y
Guga interviene directamente con
serigrafías y afiches que hablan de la
intemperie a la cual están expuestos
los cuerpos en muchos sentidos. Tanto
Jaime Gili como Pedro Sequeira,
utilizando distintos formatos,
aprovecharon la oportunidad de hacer
intervenciones específicas en
Avellaneda: en el caso de Jaime, con
afiches casi abstractos producidos en
una tradicional imprenta tipográfica
local, y en el caso de Pedro, con
acciones que alteraron la fisonomía de
la plaza del barrio. Aurelio Kopainig y
Anu Pennanen emplearon la
fotografía, en el primer caso para
seleccionar situaciones particulares de
la convivencia o supervivencia del
reino vegetal en el contexto de la
ciudad, y en el segundo, haciendo foco
en frentes lujosos de entidades
financieras generando un contraste
entre su geometría regular y su
comportamiento irregular.
THE CALL OF THE STREET
What, exactly, is the nature of the
siren’s song that reaches our ears
from the interstices of the urban
fabric? Every street and every corner
has a character all it’s own, as does
every sequence, grouping or
selection that we call a
neighborhood. It is this character that
can serve either as an anchor that
defines our origin or an indicator of
just how far we have strayed from it.
As such, it can be a site for the most
unexpected and potentially savage at
the same time that it can be the most
familiar and comforting of places. For
these artists, the street represents a
shared place: open to additions and
interventions and an endless source
from which to freely extract
information, images and experience.
Aurelio Kopainig, Víctor Muñoz, Anu
Pennanen and the duo comprised by
Nicolás Lelièvre and Renaud Herbin
nourish their work with images that
come from there, while Guga, Jaime
Gili, Julieta Ortiz de Latierro and
Pedro Sequeira instead take the
street itself as their support.
Nicolas and Renaud literally breathe
life into the urban realm’s bricks and
cement through their work with stop
motion and digital animation, while
Julieta Ortiz de Latierro enlivens
entire sides of buildings with
dramatic comic book drawings
projected in large scale. For Víctor
Muñoz and Guga, the street is the
locus where social, economic and
political changes manifest
themselves; Víctor works with
digitally intervened photographic
images of different types of housing,
telling the life story of the walls as
an indication of more, and Guga
intervenes directly with screen prints
and posters that speak of the
exposure to the elements that bodies
are subjected to in many senses.
Both Jaime Gili and Pedro Sequeira
work in different formats but took
the opportunity to carry out specific
interventions in Avellaneda: in
Jaime’s case, with almost abstract
posters produced at a local
traditional letter-press, and in Pedro’s
case, for direct actions that altered
the physiognomy of the small local
plaza. Aurelio Kopainig and Anu
Pennanen work with photography, in
the first case using it to single out
particular situations that deal with
the coexistence or survival of the
vegetable realm in the midst of the
city, and in the second, focusing on
the luxurious façades of financial
Página anterior
Foto: Esteban
Álvarez. (Imagen del
colectivo 93
llevando un cartel
con el texto “Vamos
al Basilisco”, para la
invitación a la
muestra de Runo
Lagomarsino y
Pablo Guiot en El
Basilisco.) 2005.
Guga Ferraz
Compro su alma /
vendo mi piel, still
de noticiero de TV
que publicó sus
carteles pegados en
la vía pública en
Buenos Aires, 2007.
LA LLAMADA DE LA CALLE
LA LLAMADA DE LA CALLE
¿De qué se trata, precisamente, ese
canto de sirenas que nos llega desde
los intersticios del tejido urbano? Cada
calle y cada esquina tiene su carácter,
y cada secuencia o conjunto o recorte
que llamamos barrio, también. Ese
carácter nos puede servir de ancla
como una definición de origen, o nos
puede indicar exactamente cuán lejos
estamos de él. Así resulta ser una
fuente de lo más inesperado y
potencialmente salvaje, y a la vez el
lugar más familiar y reconfortante
posible. Para estos artistas, la calle
representa un lugar compartido:
abierto a intervenciones y agregados
y un recurso inagotable de dónde
conseguir información, imágenes y
experiencias. Aurelio Kopainig, Víctor
Muñoz, Anu Pennanen y la dupla de
Nicolás Lelièvre y Renaud Herbin,
entities, generating a contrast
between their regular geometry and
irregular behavior.
189
190
EL BASILISCO
Jaime Gili
Afiches realizados
durante su residencia,
pegados en la calle en
Avellaneda, 2004.
LA LLAMADA DE LA CALLE
Guga Ferraz
Vistas de su instalación
en El Basilisco, 2007.
191
EL BASILISCO
LA LLAMADA DE LA CALLE
Jaime Gili
Ruta rota, proyecto
para La Bienal de
Arquitectura de
Londres, con Platform
for art, Riflemaker and
Modus Operandi,
Londres, 2006.
Jaime Gili
Vista de la instalaciòn
de Tipos Móviles UK
(curado por Jaime
Gili, proyecto de Luis
Romero / Fundaciòn
La Llama, Caracas,
con apoyo del Arts
Council of England)
en El Basilisco, 2004.
192
Jaime Gili
Vista de su
instalación en El
Basilisco, 2004.
Anu Pennanen
Fotografía.
Buenos Aires, 2006.
193
EL BASILISCO
LA LLAMADA DE LA CALLE
Anu Pennanen
Fotografía. Buenos
Aires, 2006.
194
Anu Pennanen
Fotografía. Buenos
Aires, 2006.
195
EL BASILISCO
LA LLAMADA DE LA CALLE
Aurelio Kopainig
De casas y árboles
(2001-2009),
fotografía,
Avellaneda, 2006.
Aurelio Kopainig
De casas y árboles
(2001-2009),
fotografía,
Chongqing, 2007.
Aurelio Kopainig
De casas y árboles
(2001-2009),
fotografía, Macau,
2007.
196
197
EL BASILISCO
LA LLAMADA DE LA CALLE
Julieta Ortíz de
Latierro
Proyecciones.
Cali, 2007.
Julieta Ortíz de Latierro
Proyecciones.
Buenos Aires, 2006.
198
Julieta Ortíz de
Latierro
Proyecciones.
Buenos Aires, 2006.
199
EL BASILISCO
LA LLAMADA DE LA CALLE
Nicolas Lelièvre / Renaud Herbin
still de video animación,
Buenos Aires, 2005.
200
Nicolas Lelièvre / Renaud Herbin
Cuadras y esquinas,
stills de video animación
Buenos Aires, 2005.
201
EL BASILISCO
. LA LLAMADA DE LA CALLE
Pedro Sequeira
Intervención con cinta
de embalar en la Plaza
Marcelino Ugarte,
Avellaneda, 2006.
202
Pedro Sequeira
Vista de su instalación
en El Basilisco, 2006.
203
Víctor Muñoz
Terrazas salvajes,
fotografía intervenida,
2007.
EL BASILISCO
LA LLAMADA DE LA CALLE
Víctor Muñoz
Estuarios, vista de su
instalación.
AIM (espacios de
memoria Moravia),
proyecto de cooperación
entre Festival della
creatività Firenze,
Cittadellarte, Biella,
Centro de desarrollo
cultural de Moravia y
Alcaldía de Medellín,
2009.
Víctor Muñoz
Terrazas salvajes,
fotografía intervenida,
2007.
204
205
DEJARSE LLEVAR
Mariano Dal Verme / Christian Bermúdez / Lila Siegrist /
Pablo Adarme / Lucrecia Troncoso / Cintia Clara Romero /
Carolina Senmartin
208
EL BASILISCO
familiar es excitante; pero ¿qué
viene después de ese primer paso?
Todos estos artistas de alguna
manera decidieron o se entregaron a
dar ese paso y a seguirlo después,
un paso complicado aún más por el
hecho de estar en un lugar nuevo y
además desconocido. Mariano dal
Verme, Christian Bermúdez y
Carolina Senmartin encararon la
distancia como una oportunidad de
apartarse de sus procesos más
habituales y experimentar con
diferentes medios y formas de
construir su obra, tal como cada uno
de ellos explica. Pablo Adarme hizo
un movimiento desde los gestos que
dejaban los vecinos en la
arquitectura hacia los vecinos
mismos, y para Lila Siegrist, la
extrañeza que lograba generar con
ficciones armadas en su estudio se
derramó al contexto mismo, que de
golpe le ofreció contrastes que
pusieron de relieve los elementos
familiares de su propio entorno. A
Cintia Romero, los contrastes sutiles
de un juego de variaciones sobre un
tema le sirvieron de guía en una
búsqueda de la flor más elusiva (la
felicidad), y para Lucrecia Troncoso,
fue otra planta, la yerba mate, la que
le sirvió casi como un hilo de Ariadna
en un trayecto bumerán, que la trajo
de vuelta a su lugar de origen
después de años de haberse radicado
en el extranjero.
GO WITH THE FLOW
We are all creatures of habit, and our
society places greater value on
repetition, constancy and
memorization than it does on
improvisation and experimentation. In
the few environments where it is
acceptable to take risks, every
decision is buttressed by a wide array
of mathematical calculations of risk
and percentages, from the race track
to Wall Street. They say that one
learns from one’s mistakes, but just
the same it is well understood that it
is far better to avoid being touched
personally by this learning experience
at any cost. The temptation exists,
nevertheless, to do the things that we
shouldn’t, and curiosity is very
capable of winning over selfpreservation. The decision to abandon
the familiar beaten path and launch
out into unknown terrain is exciting;
but what comes next after that first
step? In one way or another, all these
artists decided to or gave themselves
over to taking that first step and also
to continue onward, a process made
yet more complex by being in a place
that was both new and unfamiliar to
them. Mariano dal Verme, Christian
Bermúdez and Carolina Senmartin all
saw being at a distance as an
opportunity to take a step away from
their usual processes and to
experiment with other media and
other ways of constructing their work,
as each of them explains. Pablo
Adarme made a shift from the
gestures that neighbors would imprint
on local architecture to concentrating
directly on the people close by, and
for Lila Siegrist, the estrangement she
was accustomed to generating through
fictions set up in her studio
overflowed into the context itself,
which suddenly offered contrasts that
emphasized familiar elements from
home. For Cintia Romero, the subtle
contrasts of playing with variations on
a theme served as a guide in the
search for the most elusive flower of
all (happiness), and for Lucrecia
Troncoso, it was another plant, yerba
mate, that would serve almost as an
Ariadne’s thread leading her in a
boomerang trajectory back to her
place of origin after having spent
years settled abroad.
Página anterior
Foto: Jaime Gili.
(Imagen de la tarjeta
de invitación a la
muestra junto a
Marco Bainella en el
Basilisco.) 2004.
DEJARSE LLEVAR
DEJARSE LLEVAR
Somos criaturas de rutina, y nuestra
sociedad valora mucho
más la repetición, la constancia y la
memorización que la improvisación
y la experimentación. En los pocos
ámbitos donde se acepta tomar
riesgos, cada decisión está
apuntalada por una armadura de
cálculos matemáticos de riesgos y
porcentajes, desde el hipódromo
hasta la bolsa de valores. Se dice que
uno aprende de los errores, pero
igual se entiende que hay que evitar
cualquier posibilidad de que ese
aprendizaje nos toque. Sin embargo,
la tentación de hacer lo que no
debemos existe, y la curiosidad es
muy capaz de superar el instinto de
auto-preservación. La decisión de
abandonar un camino conocido y
seguro para lanzarse a un terreno no
Christian Bermúdez
Pastilla (Akevitt
Sunrise), fotografía,
2008.
209
210
EL BASILISCO
relación del espectador con la obra ya
que no puede percibirla a menos que
opere para hacerlo: se hace visible
sólo cuando el espectador espere,
valga la redundancia, el tiempo
necesario o intervenga para revelarla.
Aunque sean por el momento
invisibles, las obras actúan como una
cápsula o prisión que encierra un
mensaje que luego es liberado, esta
liberación del mensaje se relaciona
íntimamente con la imagen que
finalmente se muestra.
La mayoría están relacionadas con la
violencia política y social de
Colombia. Terrorismo de Estado,
paramilitares, desplazados,
sindicalistas asesinados, guerrilla.
Trabajé también en otras obras
relacionadas con el problema del
dibujo. Sfumatto es una instalación
en la que utilizo una máquina de
humo para crear un dibujo espacial
en una habitación de la residencia.
Se utiliza el típico extractor de aire
caleño para dinamizar el tránsito del
humo que forma nubes, arabescos y
líneas para desaparecer luego. Nube
y Fantasma son dos video/ registros
de estas experiencias. Gris #1 y #2
son breves videos en los que el humo
satura y termina por desnaturalizar
su propio origen (una bengala y una
máquina de humo).
Mariano Dal Verme
The primary task undertaken during
my period of residency was to put
different operations that I habitually
utilize to the test in a different reality,
with new materials, situations and
interlocutors. I initiated a series
related to drawing in which I used acid
to draw on paper. The idea was to
produce an invisible drawing, which as
opposed to a normal drawing,
becomes more and more visible with
the passage of time. By way of the
action of the acid catalyzed by light
and heat, a switch from white to dark
ochre is produced. This technique is
known as invisible writing, an ancient
technique used to write secret
messages that could be revealed by
heating the paper over a flame. In this
way, the viewer’s relationship to the
work changes, since he or she can no
longer perceive it unless they take
action in order to do so: the drawing
becomes visible only when the viewer
waits, and the redundancy is
worthwhile, the amount of time
necessary or intervenes in order to
see it revealed.
Although they are momentarily
invisible, the works operate as
capsules or prisons that enclose a
message that is then liberated, and
this liberation of the message is
intimately related to the image that is
finally displayed. The majority of
them are related to Colombia’s
political and social violence. This
includes state terrorism, paramilitary
groups, displaced persons,
assassinated union members and
guerrilla groups.
I also worked on other pieces related
to the problem of drawing. “Sfumatto”
is an installation in which I utilized a
smoke machine to create a spatial
drawing in one of the rooms in the
residency. An extractor typical of
those used in Cali was used to make
the transit of smoke more dynamic,
forming clouds, arabesques and lines
that would then disappear. “Nube”
(Cloud) and “Fantasma” (Ghost) are two
videos made to record these
experiences. “Gris #1 and #2” (Grey #1
and #2) are short videos in which the
smoke saturates and winds up denaturalizing its own origin
(a flare and a smoke machine).
Mariano Dal Verme
Sfumatto, vistas de
su instalación en
Lugar a Dudas, Cali,
2008.
DEJARSE LLEVAR
Mariano Dal Verme
Mi tarea principal durante el período
de residencia fue poner a prueba
distintas operaciones que
habitualmente utilizo, en una realidad
diferente, con nuevos materiales,
situaciones e interlocutores.
Inicié una serie relacionada con el
dibujo, en la que utilizo ácido para
dibujar sobre el papel. La idea es
producir un dibujo invisible, que a
diferencia de un dibujo normal, se
hace más visible a medida que pasa el
tiempo. Por acción del ácido
catalizado por la luz y el calor, se
produce el viraje del blanco a un ocre
oscuro. Esta técnica es conocida como
escritura invisible, una técnica
antiquísima que se utilizaba para
escribir mensajes secretos que podían
ser revelados al calentar el papel con
una llama. De este modo se cambia la
211
212
Christian Bermúdez
[…] I suddenly discover that two and a
half years have passed since I was
there (!) For me it seems like it was
yesterday, since memories of El
Basilisco remain quite present and the
experience I lived there comes back
from time to time; sometimes it is on a
personal level, others, working with
art and finally, even while working as
art director for films. During these two
and a half years I have worked on
different projects, perhaps the most
complex of which has been “Hanging
Gardens”, which was the second part
of “Polkagrishuset”, which is where the
video of the house painted with pink
and white stripes originated. […]
In parallel, I’ve worked on other pieces
for exhibitions held by way of
competitions, which is a very popular
format in Norway, where the gallery
system is not as strong as it is in
Argentina. In this way I’ve worked
with photography in “Aquavitt Sunrise”
(2008) and produced my first sound
installation, with “Bestirium Digitalis”.
This is in general, in addition to my
work as Art director this past year, for
example, where I produced a short
film whose story takes place in
Buenos Aires; the results are
interesting, especially working with
images by Horacio Cóppola as the
point of departure, a photographer I
discovered at MALBA during my stay
there. […]
Finally, what influence has El Basilisco
had on my productions during these
past two and a half years? I would
begin by saying that there are no
concrete references (except in the case
of the film), but above all it has to do
with my practice. Let me explain: I
EL BASILISCO
fuerte como en Argentina. Así he
trabajado con fotografía en la obra
Aquavitt Sunrise (2008) y realizado
mi primera instalación sonora en
"Bestirium Digitalis".
Esto a grandes rasgos, además de mi
trabajo en dirección de arte en el
último año, donde por ejemplo realicé
un corto filmado en estudio cuya
historia sucedía en Buenos Aires, los
resultados son interesantes, sobre
todo cuando trabajé a partir de
imágenes de Horacio Coppola, a quien
descubrí en el MALBA cuando estuve
por allá. […]
Finalmente, ¿Cómo influyó El Basilisco
en mi producción de estos dos años y
medio? Parto de que no hay
referencias concretas (excepto en el
caso de la película) pero ante todo
tiene que ver con la práctica. Me
explico: mi residencia la utilicé ante
DEJARSE LLEVAR
Christian Bermúdez
[…] Descubro que fue hace dos años y
medio que estuve por allá (!) Para mí
fue ayer, pues los recuerdos del
Basilisco los tengo muy presentes y la
experiencia vivida vuelve de tanto en
tanto, a veces a nivel personal, en
otras trabajando con arte y
últimamente incluso trabajando con la
dirección de arte para películas. En
estos dos años y medio he trabajado
con distintos proyectos, quizás el más
complejo fue "Hanging Gardens" que
era la segunda parte de
"Polkagrishuset", donde nació aquel
video de la casa pintada a rayas rosas
y blancas. […]
Paralelamente he trabajado con otras
obras para exhibiciones que se
realizan mediante concurso, que es un
formato muy popular en Noruega,
donde el sistema de galerías no es tan
Christian Bermúdez
Caribe (Akevitt
Sunrise), fotografía,
2008.
Christian Bermúdez
Monitor (Akevitt
Sunrise), fotografía,
2008.
213
EL BASILISCO
Cintia Clara Romero
“Todo desplazamiento supone un
cambio, una modificación, una alteración
en el curso de las cosas. Mi viaje a Cuba
para participar en el programa de
residencias para artistas Batiscafo,
intuyo, sujeta a la poderosa energía de
la experiencia en la que aún estoy
inmersa, dejará huellas significativas
tanto a nivel profesional como personal
(…)”. Así comencé el reporte de mi
estadía como residente en mayo del
2008 y hoy, casi un año después, sólo
puedo confirmar esa sospecha.
Batiscafo propone una dinámica de
trabajo en la que a partir del
intercambio, entre dos artistas
cubanos y dos de otro país
latinoamericano, más las
coordinadoras del proyecto y un
crítico invitado, se genera un proceso
de producción individual o grupal que
se desarrolla a lo largo de una serie de
encuentros de discusión y debate
organizados durante el período de
residencia. […]
Conversando con los residentes
cubanos comento que mi proyecto,
Viajo buscando la flor de los siete
colores, estuvo originalmente
vinculado al animé japonés Ángel la
niña de las flores* difundido a finales
de la década del setenta. Hago una
síntesis acerca de la historia y uno
dice “uf, pero nosotros aquí veíamos
uno similar, pero ruso … se llamaba El
último pétalo”. Todos los locales
presentes se empeñan en recordar y
comienzan a cantar a coro “Vuela,
vuela hojita mía de Este a Oeste con el
viento y regresa en un momento
usando el norte por guía. Y no olvides
que al caer, lo que te pida haz de
hacer”. Fue así como comencé a buscar
utilized my residency first and
foremost in order to explore other
media, and as such I made incursions
into audio, returned to photography
and even given artistic value to films. I
arrived at El Basilisco with the idea of
breaking away from video, and though
I continue to work in video, I feel that
following the residency, I had acquired
the confidence to venture into other
fields. This can be judged as either
positive or negative according to the
different criteria one may have
regarding art practice, but in my case
it is a tangible reality; after El
Basilisco, I ceased to be an artist
employing video as my only medium.
Cintia Clara Romero
“Any displacement implies a change, a
modification, an alteration in the
course of things. My intuition is that
the trip to Cuba to participate in the
Batiscafo artists’ residency program,
subject to the powerful energy of the
experience in which I am still
immersed, will leave a significant
mark, on a personal as well as
professional level (…)”. This is how I
began the report on my stay in the
residency in May of 2008, and today,
almost a year later, I can only confirm
what I suspected then.
Batiscafo proposes a work dynamic
where, on the basis of exchange
between two Cuban artists and two from
another Latin American country plus the
project coordinators and an invited critic,
an individual or group production
process is developed throughout a series
of meetings for debate and discussion
that are organized during the residency
period. […]
While speaking with the Cuban
residents, I commented that my
project, Viajo buscando la flor de los
siete colores (I travel in search of the
seven-color flower) was originally
linked to Japanese animé. Ángel la
niña de las flores (Angel, the little
flower girl)*, which was distributed
during the late seventies. I
summarized the story and one person
said “ah, we used to have one that
was similar, but Russian… it was called
El ultimo pétalo (The Last Petal). All
the locals present made an effort to
remember and began to sing in unison,
“Fly, fly little petal of mine, from East
to West with the wind and return
sometime using the North as your
guide. And don’t forget that when you
Pablo Adarme
Fotografía, 2008.
Pablo Adarme
Vista de su
instalación en
El Basilisco, 2008.
214
DEJARSE LLEVAR
todo para explorar otros medios y así
he incursionado en el audio, vuelto a
la fotografía e incluso dado un valor
artístico a películas. Al Basilisco llegué
con la idea de desprenderme del
video, y si bien sigo trabajando en
video, siento que tras la residencia
adquirí una confianza para
adentrarme en otros campos. Lo
anterior puede ser juzgado como
positivo o negativo según los distintos
criterios que se tengan acerca del
quehacer artístico, pero en mi caso es
una realidad palpable, después de
El Basilisco dejé de ser un artista que
utilizaba el video como único medio..
215
Cintia Clara Romero
Deseos postales 1,
impresión color sobre
cartón encapado,
edición de 100, 2008.
216
soporte visual para producir una serie
de postales, de esta manera comencé
a desarrollar Deseos postales. […]
Por último, durante este tiempo surgió
el proyecto Acciones imprescindibles.
[…] Esto quedó solo registrado en un
cuaderno de anotaciones y fue el
origen de toda una serie de videos
que aún está en desarrollo. […] Los
pequeños rituales diarios que nos
acompañan, así como las obligaciones
y los deseos nos sorprenden en una
especie de acción en loop que
repetimos una y otra vez con la
esperanza contenida del cambio.
Para finalizar me gustaría recalcar la
importancia de este tipo de programas
de residencias en los que se fomenta
el intercambio cultural, la
consolidación de redes de trabajo, el
acercamiento a contextos diferentes, y
la reflexión sobre los procesos
fall, you must do whatever they ask”.
That was how I began to look for
information about that little Russian
(cartoon) doll that was consumed by
Cuban children during the seventies**. […]
My constant question regarding the
construction of desire and what is
desired led me to ask myself about
what the Cubans yearned for now that
almost fifty years had passed since
the revolution. That is how, favored by
their extreme sociability and openness
to dialog that I began to explore this
and, notebook in hand, would take
notes to record parts of our
conversations. […] I must confess that
it wound up being somewhat
paralyzing for me at first, thinking
about the possibility of producing in
relation to this work. Then I observed
several photographs of grillwork in
the form of flowers that I had taken
there recently and it occurred to me
that they might function well as a
visual support for producing a series
of postcards, and that is how I began
to develop Deseos postales (Postcard
Desires). […]
Finally, the Acciones imprescindibles
(Indispensable Actions) project
emerged at that time. […] This was
only recorded in a notebook and it
was the starting point for an entire
series of videos that I am still
developing. […] The small daily rituals
that accompany us, as well as
obligations and desires, take us by
surprise in a kind of looping action
that we repeat time and time again,
with a contained hope for change.
To conclude, I would like to highlight
the importance of this type of
residency programs, where cultural
exchange, the consolidation of
DEJARSE LLEVAR
EL BASILISCO
Cintia Clara Romero
Deseos postales 2,
impresión color sobre
cartón
encapado,edición de
100, 2008.
información sobre este muñequito
(dibujo animado) soviético consumido
por los niños cubanos a fines de los
setenta**. […]
Mi continuo interrogante acerca de la
construcción del deseo y lo deseado
me llevó a cuestionarme acerca de los
anhelos de los cubanos a casi
cincuenta años de la revolución. Así
fue que, favorecida por su extrema
sociabilidad y gran apertura para el
diálogo, comencé a indagar sobre esto
y, libreta en mano, iba tomando nota
de parte de nuestras conversaciones.
[…] Debo confesar que me resultó un
tanto paralizante, en este primer
momento, pensar en la posibilidad de
producir en relación a este trabajo.
Luego observé unas fotografías de
rejas con formas de flores que había
tomado en esos días y pensé que
podrían funcionar como un buen
217
* La serie de animé Ángel la niña de las
flores fue creada por Shiro Jumbo y
producida por Toei Animation, en
Japón en 1978. Cuenta la historia de
Ángel, una niña que emprende un viaje
alrededor del mundo con la misión de
encontrar la Flor de Siete colores, una
llave para encontrar la felicidad. Al
final, vuelve a su pueblo, desanimada,
sólo para encontrar al día siguiente
que la flor de los siete colores había
crecido en su propio jardín.
EL BASILISCO
cuento La Flor de siete colores de V.
Kataev, donde una niña corre
desesperada tras un perro, y llega a un
lugar extraño donde se encuentra a
una viejita que le regala una flor con
la que puede pedir un deseo por cada
uno de los siete pétalos. Después de
malgastar los seis primeros de
distintas maneras, se encuentra con un
pobre niño inválido, Vitya, y,
arrancando el último pétalo de la flor,
pide sanarlo para siempre. Al pedir
cada deseo decía: Vuela, vuela hojita
mía de este a oeste con el viento y
regresa en un momento usando el
norte por guía. Y no olvides que al
caer lo que te pida haz de hacer.
Quiero: …
Lila Siegrist
Palette es el registro documental de
una acción irreversible acontecida
entre octubre y noviembre de 2008
en Burdeos, Francia. Se trata de dar
cuenta de qué manera el uso crónico
y sostenido del error puede favorecer,
también, escenas felices, festejables
y coloridas. Así pueden ensayarse
sistemas torpes y subversivos a los
buenos modales. Desde hace algún
tiempo organizo escenas ficticias en
el espacio del taller y las registro de
manera documental. Utilizo la foto y
el video como sistemas que soportan
estas escenas. Aquí el tiempo y su
extensión laxa son determinantes,
y se potencian gracias al “estado
de residencia”.
[fragmento]
25.10.08 Me bajo del tranvía una
cuadras antes del mercado, y la
an animé series created by Roman
Kachanov and produced by
Soyuzmultfilm in Russia in 1977. The
story is based on the tale of the Flor
de siete colores (Seven-color flower)
by V. Kataev, where a little girl runs
desperately after a dog and arrives in
a strange place where a little old lady
gives her a flower with which she can
make one wish for each one of its
seven petals. After squandering the
first six wishes in different ways,
when she meets a poor invalid boy
named Vitya, she pulls out the flower’s
last petal, asking that he be cured
forever. When she would make each
wish, she recited: Fly, fly, little petal of
mine, on the wind from east to west
and come back in a moment using the
North as your guide. And don’t forget
that upon falling you must do what is
asked of you. I want…
Lila Siegrist
Palette is the documentary recording
of an irreversible action that occurred
between October and November,
2008 in Bordeaux, France. It deals
with a way of registering in what way
the chronic, sustained use of error
can also propitiate scenes that are
happy, colorful and can be celebrated.
This way, systems that are clumsy
and subversive to good manners can
be tried out. For quite some time
now I have organized fictitious
scenes in my studio space and
registered documentary records of
them. I use photography and video
as support systems for these scenes.
Here time and its lax duration are
determining factors that are granted
further potential by being in a
“state of residency”.
[fragment]
** El último pétalo es una serie de
animé creada por Roman Kachanov y
producida por Soyuzmultfilm en Rusia
en 1977. La historia esta basada en el
working networks, approaches to
different contexts and reflecting on
production processes are all
encouraged, removed from the
pressing interests of the market and
hegemonic institutional art circuits.
* The animé series Ángel la niña de las
flores (Angel, the Little Flower Girl)
was created by Shiro Jumbo and
produced by Toei Animation in Japan
in 1978. It tells the story of Ángel, a
little girl who undertakes a trip around
the world with the mission of finding
the seven-color flower, a key to
finding happiness. In the end, she
returns, disappointed, to her
hometown only to discover the
following day that the seven-color
flower had sprouted in her own
back yard.
** El último pétalo (The Last Petal) is
218
Lila Siegrist
La table mise,
video y fotografía
documental, duración
variable, loop, 2008.
DEJARSE LLEVAR
productivos despojados de los
intereses inmanentes al mercado y a
los circuitos artísticos hegemónicos
institucionales.
219
220
10.25.08 I get off the tramway one
block before the market, and take a
side road to get there where only men
gather to talk and smoke. Different
aromas then begin to fill the space
and the light is very white, with blue
shadows under the tarps. Everything
that is sold there is offered generously
and at the top of someone’s voice, and
everything that is bought follows the
same formula. This result of this traffic
is that children, colorful fruit, genders,
vegetables, spices, sounds and actions
are all concentrated into three hours
on Saturday. I go to Saint Michel on
Saturdays to feel close to home. It is
to understand that men still look at
me even though I didn’t bring my hair
dryer, don’t put on make-up and go
my way wearing sneakers. They
challenge you with a gaze that
penetrates the vapor of coffee and
black tobacco. I return as if distancing
myself, thinking that the sun there
must be just as pleasant as it is here,
but in the next four or five hours, and
I walk toward La Garonne and head
North, with the sun on my slender
back and I see the river, with the thick
viscosity that my river lacks, here it
looks like Cindor chocolate milk, and
barely crawls along. The Paraná [River]
is as chronically sharp, intense and
glossy as this one is delayed. I look
across at the other shore and the limit
is the silver Banque Populaire building
that reflects this side and an
amusement park where nobody dies.
It leads me to think that when I walk
there, along the river’s edge, that the
limit is water’s possibility, time after
how many times, to slip into the green
landscape, all the way to Africa. This is
my limitless river, between green
EL BASILISCO
estará tan lindo como acá pero en las
próximas cuatro o cinco horas, y
camino hacia La Garonne, y rumbo
norte, con el sol en mi lomo angosto, y
veo el río, con la viscosidad espesa
que no tiene mi río, acá se parece a la
leche Cíndor, y corre lento. La agudeza
crónica del Paraná es intensa y
brillosa, la manera de éste es
demorada. Miro la costa de enfrente y
el límite es un edificio plateado del
Banque Populaire, que refleja a éste
lado y a un parque de diversiones
donde no se muere nadie. Entonces
pienso que cuando camino por allá, en
la orilla del río, el límite es la
posibilidad del agua repetidas veces
cuantas pueda ésta colarse entre el
paisaje verde, y así hasta África. Ése
es mi río ilimitado, entre fronda y
tierra. Y entonces veo acá cómo una
gaviota pesada, blanca y densa se
DEJARSE LLEVAR
llegada la hago por una calle lateral
donde se juntan sólo los hombres a
conversar y a fumar. Entonces los
olores empiezan a copar el espacio y
la luz es muy blanca y las sombras de
los toldos azules. Todo lo que se
vende se ofrece a los gritos y de
manera generosa, y todo lo que se
compra responde a la misma fórmula.
Este tráfico hace que los niños, las
frutas coloridas, los géneros, las
verduras, las especias, los sonidos, y
las acciones se reduzcan a tres horas
por sábado. Voy los sábados al Saint
Michel para sentirme cerca de casa.
Para entender que los hombres aún
me miran, aunque no me haya traído
el secador de pelo, no me pinte la cara
y ande en zapatillas. Te increpan
mirándote entre vahos de café y
tabaco negro. Vuelvo como
alejándome, y pensando que el sol allá
Lila Siegrist
La table mise ,
video y fotografía
documental, duración
variable, loop, 2008.
Lila Siegrist
Palette,
video y fotografía
documental, duración
variable, loop, 2008.
221
222
EL BASILISCO
en Francia y lo que no sucede por el
glamour, sucede por la historia. Todo
el tiempo aquí la escena se debate así.
Noche en una fonda y vuelvo a casa:
recién me comí siete corazones de
patos, y termino de confirmar que el
amor es eso, la posibilidad acelerada y
aguda de una sensación que no se
disemine en otras, mientras tanto uno
se come los siete corazones de pato,
que parece que aquí son frecuentes.
Carolina Senmartin
He llegado a Madrid hace apenas
cuatro días, con una beca. Muchos
dicen que haber hecho dos
residencias ha valido para que me
den una beca, pero no lo sé. Lo que sí
sé, es que las residencias me dieron la
posibilidad de una pausa en mi vida
cotidiana, un tiempo extraordinario
de suspensión y -como dicen en la
jerga futbolística- de concentración,
disponiendo de circunstancias
“maravillosas” para producir.
A veces no resulta, hay quienes no se
sienten cómodos, pero no ha sido
hasta ahora mi caso. El período de una
residencia, algunas más cortas, otras
más largas, no garantiza y en la
mayoría de los casos no exige
resultados materiales concretos, cosa
que resulta aún más estimulante para
aprovechar y producir algo, aunque
fronds and land. And then I see how a
dense, heavy white seagull alights on
the water’s surface without a drop of
splash, and my skinny, hungry ducks
come to mind, and their sloppy,
athletic diving into the aquatic space
that exists between the river and the
mist that protects it making foam.
While my steps lead North, Bombón
Asesino plays in my earphones and I
hear the phrase: “…she has a killer
bonbon… a very Latino bonbon…” and
that’s love. Love is dancing cumbia
with complete joy, and that you like to
walk around Saint Michel and that you
like Los Palmeras and that the
indiscreet gaze of others makes your
day. And I continue in my European
trance until I arrive, after 90 minutes
of walking, at some abandoned
factories in the North that have
nothing more to offer than three
words in giant letters that once were
elegant: LACOSTE S.A. I am in France
and what doesn’t happen on account
of glamour happens on account of
history. That is how the scene here is
always debated. Night in a canteen
and I return home: I just ate seven
duck hearts, and have finally
confirmed that this is what love is, the
sharp, accelerated possibility of a
sensation that doesn’t disperse into
others, and meanwhile you eat the
seven duck hearts, which seem to be
quite frequent here.
Carolina Senmartin
I arrived in Madrid with a scholarship
just four days ago. Many say that
having participated in two residencies
is what has earned me the
scholarship, but I’m not too sure about
that. What I do know is that the
residencies gave me possibility to take
a break from my everyday life, an
extraordinary, suspended time—like
they say in soccer jargon—for
concentration, “marvelous”
circumstances that were available to
me in order to produce work.
It doesn’t always work out, there are
people who don’t feel comfortable, but
thus far that hasn’t been my case. A
period of residency, some shorter and
some longer, doesn’t guarantee and in
the majority of cases doesn’t demand
material results in a concrete sense;
this turns out to be even more of an
Carolina Senmartin
Vistas de su
instalación en El
Basilisco, 2006.
DEJARSE LLEVAR
apoya en la superficie del agua sin
salpicar, y pienso en mis patos, y
cómo se zambullirían atléticos y
desprolijos sobre el espacio acuático
que existe entre el río y el brumal que
lo protege, haciendo espuma,
hambrientos y flacos. Mientras norteo
mi caminata, suena en mis auriculares
Bombón Asesino y oigo esa frase:
“….ella tiene un bombón asesino…. un
bombón bien latino…”, y eso es el
amor. El amor es bailar cumbia con
alegría, y que te guste caminar por
Saint Michel y que te gusten Los
Palmeras y que te alegre la vida la
mirada indiscreta de los otros. Y sigo
mi trance europeo hasta llegar, luego
de 90 minutos de andar, al norte, a
unas fábricas abandonadas, que no
ofrecen mucho más que tres palabras
en letras gigantes, que alguna vez
fueron elegantes : LACOSTE S.A. Estoy
223
224
“concentración”: también integran lo
vital, la experiencia sensible del
cambio de contexto. Y eso me gusta,
es algo parecido a experimentar con
uno mismo, ¿a ver qué neurona se
pondrá a funcionar ahora bajo cuáles
estímulos?
incentive to take advantage of it and
produce something, even if it’s a little
curlicue, that can be a cause of what is
to come.
I am also sure that I spent a long time
looking for a Master’s program with a
productive profile, half theory, half
practice, with reminiscences of an
artistic residency, because it had a
great deal to do with the experiences I
had lived first at El Basilisco
(Avellaneda, Argentina) and one year
later, at Batiscafo (Havana, Cuba).
I remember that about halfway
through the time I spent at El
Basilisco, when we began to prepare
the show and were going around and
around with the design for the
invitation card and accompanying text,
I found a text by Pablo Guiot (artist in
residence at El Basilisco in 2005) in
the house’s archive that described the
situation of the artist in “residence” all
too well: the paradisiacal situation of
having time, space and the means to
carry out a project leaves me
somewhat perplexed, and so I am
modeling a possible escape in the
wall, or if not, a series of anxious
discarded ideas that turn into a firm
column of support.
Discarded ideas. That’s what it’s all
about! A daily exercise that as time
goes by gradually transforms into small
support columns, forms that in any
case, whether fragile or more secure,
reflect this insistence day after day,
where these gestures are materialized
in what winds up being constructed.
In my own city, conjugating the tasks
of surviving and of producing art is an
arduous task, and that is why I search
for these precious opportunities for
escape. Although my intuition tells me
that what I also find attractive about
these practices is not just the
possibility to “concentrate”: they also
combine what is vital, the notable
experience of a change in context.
That appeals to me; it’s almost like
experimenting with yourself: let’s see
what neurons begin to function now,
in response to what stimulus?
EL BASILISCO
paradisíaca de poseer un tiempo, un
espacio y medios para hacer un
proyecto, me deja un tanto perplejo,
entonces modelo en la pared un
posible escape, o si no, una serie de
ansiosas ideas desechadas que se
vuelven firme columna de sostén.
Ideas desechadas. ¡De eso se trata!:
un ejercicio diario, que se va
transformando al pasar los días en
pequeñas columnas de sostén y que
en todo caso las formas, lo construido
es la materialización de esos gestos,
acaso frágiles o más seguros, que
reflejan esas insistencias cotidianas.
Conjugar el trabajo de supervivencia
y la producción artística en mi
ciudad, es una tarea ardua y por eso
busco estos preciosos escapes.
Aunque intuyo que lo que también
me atrae de estas prácticas es que no
sólo suponen la posibilidad de
DEJARSE LLEVAR
sea un rulo, que pueda ser la causa
de lo que vendrá.
También estoy segura de que busqué
largamente un Master con perfil
productivo, mitad teoría mitad
práctica, con reminiscencias de
residencia artística, porque mucho
tienen que ver las experiencias que
viví, primero en el Basilisco
(Avellaneda, Buenos Aires, en 2006)
y un año después en Batiscafo (La
Habana, Cuba, en 2007).
Recuerdo que, mediando el tiempo
que pasé en el Basilisco, cuando
comenzamos a preparar la muestra y
estábamos dándole vueltas al diseño
de la tarjeta y a los textos, encontré
en el archivo de la casa el texto de
Pablo Guiot (artista residente en el
Basilisco en el 2005), que tan bien
describe la situación de artista en
“residencia”: - la situación
Lucrecia Troncoso
Mate sobre tela, vista
de la muestra en
El Basilisco, 2008.
Carolina Senmartin
Vista de su
instalación en
El Basilisco, 2006.
225
accidentalmente empecé a hacer
videos. Nunca antes me había
interesado, ni tampoco me interesaba
cuando apreté el botón de la cámara.
Fue la magia de ese taller. Hace ya un
año y todavía no comprendo bien lo
que sucedió –ni las técnicas de ese
medio- pero lo que sé es que desde
ese día mi curiosidad no para de
crecer. Al regresar de la residencia, me
di cuenta de que tenía que comprar
más memoria, que la imagen en
movimiento es mucho más frágil que
la escultura; me di cuenta de que todo
material tiene el potencial de
comunicarnos su poesía si nos
detenemos un segundo y ponemos
atención. Y así entonces es como sigo
haciendo videos, a golpes y porrazos,
hasta el día de hoy. […]
El Basilisco me dio una familia así
porque sí, un tanto atropellado y sin
Lucrecia Troncoso
“El Basilisco changes your life”,
Esteban told me one night walking
back from a ‘family’ dinner at El
[Progresista] Club. That phrase has
remained so fresh in my memory that
it is the one I turn to when I loose
confidence in my work, my motivation
or my inspiration. Those are the words
that unleash a series of fragments
lived in that ‘house of affection’, as
Gabriel said. Bursts of laughter, saws,
pastry, text messages, skype, curators,
projections, notes on the piano, strolls,
photos, bus tickets, burnt matches,
bricks and ping-pong. But above all,
there are fragments that carry me
back to a little piece of earth where
enormous creative freedom is lived
and breathed.
El Basilisco is the place where I
accidentally began to make videos. I
had never been interested in doing so
before, nor did it interest me when I
pressed the button on the camera.
That was the magic thing about that
studio. A year has already gone by
and I don’t yet really understand what
happened—or the techniques involved
in that media—but what I do know is
that since that day my curiosity has
only grown. When I came back from
the residency, I realized that I had to
buy more memory and that the image
in motion is much more fragile than
sculpture; I realized that all materials
have the potential to communicate
their poetry to us if we just take a
moment to pay attention. And so that
is how I have come to continue
making videos albeit with wire and
duct tape, until this very day. […]
It was by simple chance that El
Basilisco wound up giving me a family,
DEJARSE LLEVAR
EL BASILISCO
226
Lucrecia Troncoso
“El Basilisco te cambia la vida”, me
dijo Esteban una noche a la salida de
una cena ‘en familia’ en El Club [El
Progresista]. Esa frase está tan fresca
en mi memoria que es a lo que acudo
cuando pierdo la confianza en mi
obra, la motivación o la inspiración.
Son esas palabras las que
desencadenan una serie de
fragmentos de experiencias vividas en
esa ‘casa de afectos’, como dijo
Gabriel. Carcajadas, serruchos,
facturas, mensajes de textos, skype,
curadores, proyecciones, notas del
piano, paseos, fotos, boletos de
colectivo, fósforos quemados, ladrillos
y ping-pong. Pero por sobre todo,
fragmentos que me remontan a un
pedacito de tierra donde se respira
una enorme libertad de creación.
El Basilisco fue donde
Lucrecia Troncoso
Mate sobre tela,
(detalle), 2008.
227
Lucrecia Troncoso
El Árbol de la vida
(antimicrobial),
esponjas de celulosa,
alambre, cola, 2008.
Lucrecia Troncoso
Selección natural,
C-prints de tonos de
verde extraídos de
fotos de hierba real,
pegamento,
estructura de foam,
2008.
228
a bit worn around the edges and
without asking permission; it was pure
generosity. I know that we are
connected, as if by threads from a
spider’s web, each one from his or her
own corner of the world. We send
each other photos of works and shows
and we critique and support one
another. One day
I will appear in Bogotá with a piano on
my back so that Gabriel’s cat can
finally hear the horror movie music
that assaults him while working. And
some other day, we’ll finally get
around to putting music to the CD that
will go in the box along with the photo
of Nandor-Jan-me that we took in
Uruguay at the moment that we
realized we were actually rock stars.
Special guest on piano: Gabriel Sierra.
El Basilisco made me question my
work. It forced me to look deep down
inside, to scrape around a bit and
overturn all the certainties that I had
about how, why and in what way to
work. It helped me to rethink and to
stop thinking.
I remember all the conversations that
were so productive, on Friday
mornings over mate and pastry, or the
moments charged with energy when
we would trade names and photos of
work as inspiration. Now I begin every
new piece with a more liberated view,
without the tethers that, the better
you get to know the playing field, the
more you go along tying down every
corner of a work with. I ask myself
what my life would be like without El
Basilisco, and it is with complete
certainty that I repeat the same words:
El Basilisco changes your life.
EL BASILISCO
cómo, en qué y por qué trabajar. Me
ayudó a repensar y dejar de pensar.
Recuerdo esas charlas tan fructíferas,
de viernes por la mañana en medio de
mates y facturas, o esos energizantes
momentos cuando intercambiábamos
nombres y fotos de obras a modo de
inspiración. Ahora emprendo cada
nuevo trabajo con ojos mas libres, sin
las ataduras que al ir conociendo el
campo de juego que uno ubica en cada
esquina de una obra. Me pregunto
cómo sería mi vida y obra sin El
Basilisco, y con certeza puedo repetir
esas mismas palabras, El Basilisco te
cambia la vida.
DEJARSE LLEVAR
pedir permiso; de pura generosidad.
Sé que estamos conectados, como por
hilos de arañas, desde cada propio
rincón del mundo. Nos mandamos
fotos de obras y muestras y nos
criticamos y apoyamos. Algún día me
apareceré en Bogotá con un piano a
mis espaldas para que la gata de
Gabriel pueda finalmente escuchar la
música para película de terror que lo
asalta en medio del trabajo. Y otro día
finalmente le vamos a poner música al
CD que va a ir dentro de la cajita
donde va a ir pegada la foto NándorJan-yo que nos sacamos en Uruguay y
ahí nos dimos cuenta de que en
realidad somos estrellas de rock.
Invitado especial al piano: Gabriel
Sierra. El Basilisco me hizo cuestionar
mi obra. Me forzó a mirar más
adentro, a escarbar y poner patas para
arriba todas las certezas a cerca de
229
EXCEPCIONES A LA REGLA
Alejandro Fangi / Rob Verf
232
EXCEPTIONS TO THE RULE
It would hardly be fair to inter-collate
Rob and Alejandro into the list of
other artists as if their cases were no
different than the rest. On the one
hand, it is on account of having
experienced the residency project so
first-hand, and on the other, for
having arrived before it would begin
as such. When we met Rob Verf he
was already considering settling in
Buenos Aires and we had the idea of
him sharing his stay with an artist
from another province. It was the year
2000 and for reasons just as
unimaginable as they were historic,
our plan didn’t pan out but Rob stayed
in Avellaneda as a tenant during six
months, very rapidly becoming part
of the neighborhood and the Buenos
Aires art community. Alejandro Fangi
joined the project in 2005, chosen as
an ideal person to live in the
residency house with the artists on
an ongoing basis, a local reference
par excellence for the artists in
residency and an essential liaison for
us, allowing us to maintain our finger
on the pulse of daily life inside the
house without our presence becoming
too oppressive (as close as our
relationship with the artists would
become by way of their working
processes, nothing would change the
fact that in administrative terms, we
continued to be the organizers). These
were two complementary
experiences, and each one made a
unique contribution.
EL BASILISCO
con los artistas de forma constante,
un referente local para los artistas en
residencia por excelencia y un nexo
esencial para nosotros,
permitiéndonos mantener un dedo en
el pulso de la vida diaria dentro de la
casa sin que nuestra presencia
resultara opresiva (por más cercana
que se volviera nuestra relación con
los artistas a través del proceso
artístico, nada podía cambiar el hecho
de que en lo administrativo,
seguíamos siendo los organizadores).
Ambas fueron experiencias
complementarias, y cada una aportó
algo único.
EXCEPCIONES A LA REGLA
EXCEPCIONES A LA REGLA
No sería del todo justo compaginar a
Rob y Alejandro entre los otros
artistas que participaron en la
residencia así nomás. En un caso, por
haber vivido la residencia tan de
cerca, y en el otro, por haber llegado
antes de que comenzara como tal.
Cuando conocimos a Rob Verf ya
pensaba instalarse en Buenos Aires, y
teníamos la idea de que compartiera
una estadía con un artista del interior.
Era el año 2001 y por razones tanto
insólitas como históricas el plan se
pinchó, pero Rob se quedó en
Avellaneda como inquilino durante
seis meses, incorporándose al
vecindario y a la comunidad artística
de Buenos Aires muy rápidamente.
Alejandro Fangi se incorporó al
proyecto en 2005, elegido como una
persona ideal para vivir en la casa
Página anterior
Foto: Tamara Stuby.
(Vista del interior de El
Basilisco.) 2008.
Alejandro Fangi
Detalle de su
instalación en
El Basilisco, 2006.
233
234
EL BASILISCO
hasta ahora en mi visión no ha salido
aún a la luz, pero que está presente en
todas las instancias. Podría decir que
éste es mi método en este momento:
encarar cada instalación como única, y
cuando digo única me refiero a que
cada ocasión me presenta
características propias. Por ejemplo, el
lugar donde se tiene que montar, los
materiales a utilizar – los que quiero
usar y los que finalmente uso –, el
presupuesto requerido y los recursos
para realizarlo, y otros… […] En este
momento todo me resulta un proceso
que está en constante progreso, como
un gran work in progress. […]
Esta idea parte de mi intuición de que
la materia podría llegar a atravesarse,
traspasarse o, para decirlo de otra
forma, que nosotros podríamos
traspasar la materia, o que la materia
nos traspasaría a nosotros. De […] ahí
llego al campo artístico, […] y en
particular del paisaje de la naturaleza
[…] y cuando decimos “naturaleza” o
“paisaje” nos referimos a una
representación cultural y no a la
naturaleza original o primigenia […].
Siempre se trata de una interpretación
de lo que vemos. A través de las
ciencias, o mejor dicho, de la física
cuántica, pre-suponemos que lo que
nuestro cerebro percibe a través de lo
que nuestros ojos ven no es
precisamente el todo del espectro sino
sólo una parte […] Mi intención es
reinterpretar o re-presentar la materia
del paisaje como un conjunto de
elementos dispuestos en el espacio
para poder ser atravesados, recorridos
o al menos permitir la sensación de
que uno está adentro de la materia,
por ejemplo adentro de un árbol o de
otro elemento del paisaje. No debería
Alejandro Fangi
Parts of a Whole.
Having collaborated and participated
in the El Basilisco artists’ residency
program for three years (2005 –
2008), living with artists from
Argentina and from many other
countries exchanging ideas, ways of
thinking, lifestyles, etc. allowed me to
learn a great deal and to observe that
there is more than just one way of
doing things. I was also able to
materialize one of my ideas (one that I
believed to be among the most crazy
and impossible) for the first time.
“Instalación de un paisaje” (Installation
of a landscape) was carried out during
the open studio event at El Basilisco in
December, 2006. It was the first step
in the search for a way to express this
idea in the clearest, most satisfactory
way possible. […] Each opportunity is
like a small essay on how to elaborate
the first, principal or central idea: that
which I have in view but has not yet
come to light, although it is present in
each instance. You could say that this
is my current method: to approach
each installation as being unique, and
when I say unique I am referring to
the specific characteristics that
present themselves on every occasion.
For example, the place where it will be
mounted, the materials to be used—
those that I’d like to use and those
that I finally wind up using—the
budget required and the resources
available for carrying it out, among
other things… […] Right now all these
things turn out to be a process that
constantly progresses, like a grand
work in progress […].
The starting point for this idea is my
intuition that matter might possibly
wind up being penetrable or passable,
or in other words, that we might be
able to pass through matter, or that it
might be possible for matter to pass
through us. […] From there, I arrive at
the art field, […] and natural landscape
in particular […] and when we say
“Nature” or “landscape” we refer to a
cultural representation and not to an
original or primordial Nature […]. It is
always a question of an interpretation
of what we see. By way of the
sciences, or to be more precise,
quantum physics, we presuppose that
what our brain perceives by way of
what our eyes see is not exactly the
entire spectrum, but only one part of
it […]. My intention is to re-interpret or
to re-present landscape matter as a
group of elements arranged in space
in such a way that they can be passed
through, visited or at least that
Alejandro Fangi
Vista de su
instalación en
El Basilisco. 2006
EXCEPCIONES A LA REGLA
Alejandro Fangi
Las partes del todo.
Haber colaborado y participado en la
residencia de artistas El Basilisco por
tres años (2005 – 2008), y convivido
con artistas argentinos y de muchos
otros países intercambiando ideas,
formas de pensar, estilos de vida, etc.,
me permitió aprender, observar que
no hay sólo una forma de hacer las
cosas. Pude también materializar por
primera vez una de mis ideas (una de
las que creía más locas e imposibles).
“Instalación de un paisaje”, realizada
en el open studio del mes de
diciembre de 2006 en El Basilisco. Fue
el primer paso en la búsqueda de
expresarla en la forma más
satisfactoria o clara posible. […] Cada
oportunidad es como un pequeño
ensayo sobre cómo mostrar la idea
primera, principal o rectora: esa que
235
de montaje o distintos materiales. […]
Encarar la obra de esta forma es
también para mí una especie de
prueba y error, […] y tratar de
encontrar, a partir de eso, un concepto
más amplio, más equilibrado y
apropiado para favorecer un cambio
de mirada o de punto de vista;
descubrir nuevas maneras de
experimentar lo que nos rodea.
Aprender a observar esa realidad
que vemos de otra manera, tratar de
sacarnos los filtros orgánicos y
mentales de nuestra percepción.
Mar del Plata, febrero de 2009.
Rob Verf
En el año 2001, vine a la Argentina
para trabajar en los preparativos de
varias muestras programadas en
distintos puntos del país. Había
conocido a Tamara y Esteban durante
visitas previas a Buenos Aires en el
2000, y nos hicimos muy amigos. Me
ofrecieron su casa en Avellaneda en
alquiler […] durante seis meses […],
tuve un lugar hermoso para mí, donde
pude pintar, trabajar en mis dibujos y
preparar las exhibiciones en privado.
[…] A Tamara y Esteban se les había
ocurrido la idea de establecer una
residencia de artistas, y […] les serví
de prototipo para ver cómo
funcionaría todo.
Desde los primeros días después de
mi llegada, nos reunimos con Tamara y
Esteban. Hubo noches largas:
visitando a artistas en sus talleres,
provide the sensation that one is
within this matter, for example, within
a tree or some other landscape
element. This should be not only a
visual experience, but of all the
senses. From a distance, the landscape
can be perceived in its totality: it is
recreated in the retina as in the case
of Impressionist paintings. […]
In the case of “Instalación de un
Paisaje”, the image comes from a
photograph of the Riachuelo [River],
which was a port for Buenos Aires and
wound up highly contaminated, but
plants still grow on its shores, Nature
remains alive, […] and so it seemed to
me appropriate to represent this
landscape with synthetic plants and
flowers, products of human culture to
represent Nature. […] In this particular
case, I feel that I came close to my
original idea in a certain sense, but on
the basis of that experience, other
ways of experimenting with different
materials or methods for mounting the
piece began to occur to me. […]
Approaching work in this way is also a
kind of trial and error for me, […] and
with this as the point of departure, I
look to find a broader concept, one
more equilibrated and appropriate for
propitiating a change in one’s way of
seeing or point of view; to discover
new ways of experiencing our
surroundings. The aim is to learn to
observe the reality we see in a
different way and to try to remove the
organic and mental filters from our
sense of perception.
Mar del Plata, February, 2009.
Rob Verf
In 2001 I came to Argentina to work
in preparation for a few exhibitions
throughout the country. I had met
Tamara and Esteban on previous visits
to Buenos Aires in 2000 and we had
become close friends. They offered to
rent me their house in Avellaneda […]
for half a year […]; I had a beautiful
place of my own where I could paint,
work on my drawings and prepare for
several exhibitions in private. […]
Tamara and Esteban had come up with
the idea of making an artists’
residency, and […] I was a good
prototype for them to see how it all
would function.
Right from the first days after my
arrival in Buenos Aires I met with
Tamara and Esteban. There were late
nights: meeting artists at their studios,
at exhibitions, in bars, etc. I was
Alejandro Fangi
Paisaje after-afterMonet, telas, papeles,
bolsas, botellas, ramas
secas , hojas y flores
sintéticas, vista de su
instalación, Centro
Cultural Gral. San
Martín, Buenos Aires,
2007.
Rob Verf
Vista de la instalación
en la exposición,
Blanco, Centro
Cultural Borges,
Buenos Aires, 2008.
. EXCEPCIONES A LA REGLA
EL BASILISCO
236
ser ésta sólo una experiencia visual
sino también sensorial. Desde lejos
permite apreciar el paisaje en su
totalidad: se recrea en la retina como
con los cuadros impresionistas.
[…] En el caso de la “Instalación de un
Paisaje”, la imagen surgió de una
fotografía del Riachuelo, que es el río
que fue puerto de Buenos Aires y
quedó muy contaminado, pero en sus
márgenes aún crecen plantas, la
naturaleza sigue viva, […] entonces me
pareció apropiado representar ese
paisaje con flores y plantas sintéticas,
productos de la cultura humana para
representar la naturaleza. […] En este
caso particular yo siento que logré
aproximarme en cierta forma a mi
idea original, pero a partir de esta
experiencia se me fueron ocurriendo otras maneras de
experimentar con distintas formas
237
dragged into the energy of the Buenos
Aires art world without boundaries.
They organized great happenings,
where it seemed like everybody
would go and participate, like the
exhibition project "Pizza D'Artista". For
me, that was El Basilisco’s function:
not only to be a space for artists to
work and present their work, but also
a fantastic door to get to know Buenos
Aires and Argentina. I think that
without that great introduction, I
would never have come to know the
art world of Buenos Aires as I do now.
As the "El Basilisco-prototype" I
prepared for my solo-exhibition The
Uruguay Girl at gallery Luisa
Pedrouzo, the Bondage Beauty
exhibition at the Modern Art
Foundation/Teatro Auditorium in Mar
Del Plata and various other (solo)
exhibitions. […] I gave lectures at the
238
EL BASILISCO
en la Fundación de Arte Moderno/Teatro
Auditorium en Mar del Plata y varias
otras muestras (individuales). […] Ofrecí
seminarios en el IUNA-Instituto
Universitario de Buenos Aires, el Teatro
Auditorium en Mar del Plata y presenté
una charla-diálogo con Florencia Braga
Menéndez acerca de mi obra en la
exhibición individual El Momento
en el Centro Cultural Borges en 2007.
En el 2006, me encontré representando
a los artistas holandeses que vivían y
trabajaban en la Argentina, en una
reunión selecta con la Reina de Los
Países Bajos en el Teatro Colón en
Buenos Aires, durante su visita de
estado a la Argentina. Sin embargo, en
la actualidad mi vínculo con los Países
Bajos se ha reducido a un mínimo, y
hoy me considero más como un
artista argentino.
Febrero, 2009.
IUNA-National Art University in
Buenos Aires, Teatro Auditorium in
Mar Del Plata and a lecture-discussion
with Florencia Braga Menendez about
my work in the solo-exhibition El
Momento at the C.C. Borges in 2007.
In 2006 I found myself representing
Dutch artists working and living in
Argentina in a selected meeting with
the Queen of The Netherlands on her
visit of state to Argentina at the
Teatro Colon in Buenos Aires, although
my current connection to The
Netherlands is reduced to a minimum,
and I regard myself more as an
Argentinean
artist today.
February, 2009.
EXCEPCIONES A LA REGLA
en muestras y en los bares, etc. La
energía del mundo del arte de Buenos
Aires me cautivó inmediatamente.
Organizaron happenings geniales,
donde parecía que todo el mundo iba a
participar, como el proyecto de
exhibición “Pizza d’Artista”. Para mí, ésa
fue la función de El Basilisco: no
solamente existir como un espacio
donde los artistas trabajaban y
presentaban su obra, sino un portal
fantástico para llegar a conocer Buenos
Aires y la Argentina. Creo que sin esa
introducción tan contundente, no
hubiera llegado a conocer el mundo del
arte de Buenos Aires de la forma que
ahora lo conozco.
Como el “prototipo de El Basilisco”,
preparé mi exhibición individual The
Uruguay Girl (Chica Uruguaya) en la
galería Luisa Pedrouzo, la exhibición
Bondage Beauty (Belleza de Bondage)
Rob Verf
Mujer en el reflejo
de un espejo,
telgopor, madera,
acrílico, plástico y
vidrio, 2007/8.
239
SÍNTESIS CRONOLÓGICA
Foto: Gustavo Barugel.
(Detalle de Time Drops in Decay de
Seth Wulsin.) 2007.
Artistas
Residencias realizadas en El Basilisco salvo en los casos indicados
(Artists in residency at El Basilisco except where detailed otherwise)
2004
Marco Bainella (Paraná, AR)
Jaime Gili (Venezuela / Reino Unido)
2005
Pablo Guiot (Tucumán, AR)
Runo Lagomarsino (Argentina / Suecia)
Renaud Herbin / Nicolás Leliévre (Francia)
Alejandra Montiel (Córdoba, AR)
Jan Adriaans (Holanda)
Felice Hapetzeder (Suecia)
Adriana Bustos (Córdoba, AR)
Olivia Plender (Reino Unido)
----Alejandra Urresti (Buenos Aires, AR) realiza residencia en NIFCA (Suomenlinna, Finlandia) intercambio con El Basilisco a través del programa Global Perspectives
Gregor Passens (Alemania) [presentación en El Basilisco]
2006
Graciela Arce (Santa Fe, AR)
Cristian Segura (Tandil, AR)
Pedro Sequeira (Portugal)
Gabo Camnitzer (EE.UU. / Suecia)
Aurelio Kopainig (Suiza / Alemania)
Carolina Senmartin (Córdoba, AR)
Nicanor Aráoz (Buenos Aires, AR)
Traplev (Roberto Moreira Jr.) (Brasil)
Christian Bermúdez (Costa Rica / Noruega)
Iara Freiberg (Brasil)
Sara Ramo (España / Brasil)
Anu Pennanen (Finlandia)
Alejandro Fangi (Chajarí, AR)
Adriana Bernal (Colombia)
Bjargey Ólafsdóttir (Islandia)
----Gregor Passens (Alemania) [presentación en El Basilisco]
Alejandra Urresti (Buenos Aires, AR) realiza una residencia en Batiscafo (La Habana, Cuba) - LAN (Red
latinoamericana de residencias)
2007
Henry Coleman (Reino Unido)
Agnes Eperjesi (Hungría)
242
Bill Burns (Canadá)
Alexa Horochowski (Argentina / EE.UU.)
Torbjorn Berg / Roland Persson (Suecia)
Marco Bainella (Paraná, AR)
Víctor Muñoz (Colombia)
Anna Bas Backer (Holanda / Alemania)
Seth Wulsin (EE.UU.)
Chih-Chien Wang (Taiwan / Canadá)
Adrian Villar Rojas (Rosario, AR)
Guga (Gustavo Ferraz) (Brasil)
Thomas & Renée Rapedius (Alemania)
Lucrecia Troncoso (Argentina / EE.UU.)
Nándor Angstenberger (Novi Sad (ex-Yugoslavia) / Alemania)
Gabriel Sierra (Colombia)
----Pablo Rosales (Buenos Aires, AR) realiza una residencia en Batiscafo (La Habana, Cuba) – LAN (Red
latinoamericana de residencias)
Carolina Senmartin (Córdoba, AR) realiza una residencia en Batiscafo (La Habana, Cuba) – LAN (Red
latinoamericana de residencias)
Julieta Ortiz (Buenos Aires, AR) realiza una residencia en Lugar a Dudas (Cali, Colombia)
Luis Terán (Buenos Aires, AR) realiza una residencia en FKSE (Budapest, Hungría) - intercambio con El
Basilisco
Marco Bainella (Paraná, AR) realiza una residencia en Taller 7 (Medellín, Colombia) – intercambio con
MDE’07
2008
Narda Alvarado (Bolivia)
Luis Guerra (Chile)
Jorge Tirner (Resistencia, AR)
Pablo Adarme (Colombia)
Agnieszka Casas Rodríguez (México)
Breda Beban (Novi Sad (ex-Yugoslavia))
Paulo Almeida (Brasil)
Marcela Sinclair (Buenos Aires, AR)
Asli Çavuşoğlu (Turquía)
Núria Marquès (España)
Jaime Gamboa (Colombia)
----Lila Siegrist (Rosario, AR) realiza una residencia en Buy-Sellf / Zebra3 (Burdeos, Francia) –
intercambio con El Basilisco
Mariano dal Verme (Buenos Aires, AR) realiza una residencia en Lugar a Dudas (Cali, Colombia) - LAN
(Red latinoamericana de residencias)
Marcela Sinclair (Buenos Aires, AR) realiza una residencia en Lugar a Dudas (Cali, Colombia) - LAN
(Red latinoamericana de residencias)
Cristian Segura (Tandil, AR) realiza una residencia en el Batiscafo (La Habana, Cuba)- LAN (Red
latinoamericana de residencias), y en Hangar (Barcelona, España) - intercambio con El Basilisco
243
Actividad Institucional
2004 La Asociación Civil La Estación
apadrina el proyecto desde un inicio,
y El Basilisco pasa a formar parte de
su Comisión de Cultura.
La Secretaría de Cultura de la
Presidencia de la Nación Argentina
declara el proyecto de interés cultural.
El Arts Council of England
International Fellowship Program
(Reino Unido) incluye a El Basilisco
entre sus destinos, recomendado por
el Triangle Arts Trust.
La Fundación Proa es la primera
institución local en apoyar la
participación de un artista argentino
en la residencia, y continuaría
apoyando el proyecto en diversas
formas hasta su finalización.
Los artistas en residencia en 2004 y
2005 fueron invitados a dar charlas
en el Departamento de Artes Visuales
Institutional Activity
2004 The non-profit organization La
Estación acts as the project’s patron
from the outset, and El Basilisco
becomes part of its Culture Commission.
Argentina’s Secretaría de Cultura de la
Presidencia de la Nación (Presidential
Culture Department) officially declares
the project to be of cultural interest.
Following a recommendation by the
Triangle Arts Trust, the Arts Council of
England International Fellowship
Program (England) includes El Basilisco
among its destinations.
Fundación Proa is the first local
institution to back the participation of
an Argentinean artist in the residency
program, and they continued to provide
support for the project in many
different forms.
The artists in residency during 2004
and 2005 are invited to give talks in the
244
del IUNA (Instituto Universitario
Nacional de Arte) y al Departamento
de Artes de la Universidad de La Plata.
2005 El Fondo Nacional de las Artes
(FNA) nos otorga un subsidio para
subvencionar la participación de
artistas argentinos en la residencia.
Ese apoyo fundamental se repetirá
y expandirá cada año hasta el fin
del proyecto.
Elaboración de un proyecto en
conjunto con la Facultad de Bellas
Artes de la Universidad de La Plata,
dirigido por la docente de Historia de
las Artes Visuales e investigadora
María Gabriela Hernández Céliz,
en el Programa de Documentación
de Arte Contemporáneo.
Realizamos una intervención artística
en autobuses a través de una
colaboración con la empresa Nueva
Era, consecionaria de la línea 93.
Convenio elaborado con NIFCA para la
realización de residencias recíprocas.
Recibimos la primera donaciòn de
material para nuestro incipiente
Centro de Documentación, que desde
ese momento en adelante sería
nutrido por aportes de otras
instituciones, los artistas en
residencia y muchos visitantes,
formando un recurso muy valioso
para todos.
2006 Elaboración de una propuesta
en conjunto con Capacete para un
intercambio entre artistas de Brasil y
Argentina, denominada South American
Exchange Program, presentado ante la
Fundación Prince Claus.
La Fundación Iberé Camargo (Porto
Alegre, Brasil) ofrece un premio
nacional consistente en dos becas al
exterior, una para el Art Institute of
Chicago y otra para El Basilisco.
Olivia Bennett realiza una pasantía en
El Basilisco, a través de un acuerdo
con la University of Edinburgh.
Visual Arts Department at I.U.N.A.
(Instituto Universitario Nacional de
Arte) as well as the Art Departament
at the Universidad de La Plata.
Elaboration of a joint agreement with
NIFCA (Nordic Institute for
Contemporary Art) for reciprocal
residencies.
2005 The Fondo Nacional de las
Artes (National Fund for the Arts,
FNA) awards El Basilisco with a grant
to subsidy the participation of
Argentinean artists in the residency
program. This fundamental support
will repeat and expand every year
throughout the project’s duration.
The first donation of material for our
incipient Documentation Center arrived,
and from this moment on, we would
receive contributions from different
institutions, the artists in residency and
many visitors, constituting an
invaluable resource for all.
Elaboration of a joint project with
the Fine Arts Department at the
Universidad de La Plata, directed
by Prof. María Gabriela Hernández
Céliz of the Visual Arts History
department and researcher in the
Contemporary Art Documentation
Program.
We carry out an artistic intervention
in local buses, in collaboration with
Nueva Era, the entity that holds the
concession for the 93 line.
2006 Elaboration of a joint proposal
with Capacete Entretenimientos for a
program to facilitate exchange between
artists from Brazil and Argentina,
denominated South American Exchange
Program, presented to the Prince Claus
Foundation.
The Fundación Iberé Camargo (Porto
Alegre, Brazil) offers a national prize
that consists of two grants for travel
abroad: one destined for the Art
Institute of Chicago and the other for
El Basilisco.
Convenio elaborado con Itaú Cultural
(San Pablo, Brasil) para que un artista
de Brasil participe de la residencia.
Participación en el evento Upcoming
Buenos Aires en el espacio
independiente AK28 en Estocolmo,
Suecia con la presentación de varias
charlas y talleres con artistas locales.
Convenio elaborado con Lugar a
Dudas en Cali, Colombia, para llevar a
cabo residencias recíprocas.
Colaboración entre la residencia y el
bar / restaurant vecino Bolivia, rebautizado Bar Silisco para la
realización de diversos eventos.
Como parte de los festejos de su 10°
aniversario, Fundación Proa incluye
“Mirada del Basilisco” una selección
de videos de artistas que pasaron por
la residencia.
2007 En conjunto con Capacete (Río
de Janeiro, Brasil), se organiza la
Olivia Bennett completes an internship
at El Basilisco, by way of an agreement
with the University of Edinburgh.
Elaboration of a joint agreement with
Itaú Cultural (San Pablo, Brazil) for the
participation of an artist from Brazil in
El Basilisco.
Participation in the event Upcoming
Buenos Aires in AK28, an independent
artist-run space en Stockholm, Sweden
that includes several talks and
workshops with local artists.
Elaboration of a joint agreement with
Lugar a Dudas in Cali, Colombia, for
reciprocal residencies.
Collaboration between the residency
and neighboring bar / restaurant
Bolivia, re-named Bar Silisco in order to
host a wide diversity of events.
As part of the celebration of their 10th
anniversary, Fundación Proa includes
“Mirada del Basilisco” in their
245
Festa da bolsa, un evento llevado a
cabo en el taller de Ernesto Neto en
Río de Janeiro para presentar una
beca de residencia en El Basilisco
para un artista brasileño; con la
invitación al dj argentino Villa
Diamante al evento, comienza la
colaboración con djs locales.
Participación de El Basilisco en
MDE’07 -Encuentro Internacional de
prácticas artísticas contemporáneas,
con la residencia de Marco Bainella en
Taller 7, en Medellín.
Sibylle Friche hace una pasantía en El
Basilisco, recomendada por el
Servicio de Cooperación y Acción
Cultural de la Embajada de Francia
en Argentina.
Colaboración con el Festival de Video
“59 Seconds” organizado por Irina
Danilova y Hiram Levy, para llevar a
cabo una edición del festival en el
Bar Silisco.
programming, a selection of videos
by artists who have participated in
the residency.
2007 Jointly with Capacete (Río de
Janeiro, Brazil), the Festa da bolsa is
organized, an event carried out in
Ernesto Neto’s studio in Rio de Janeiro
in order to present a grant for a
residency at El Basilisco awarded to a
Brazilian artist; with the invitation
extended to Argentinean dj Villa
Diamante, a long-lasting collaboration
with local djs is begun.
El Basilisco is invited to participate in
MDE ’07 -Encuentro Internacional de
prácticas artísticas contemporáneas,
and delegates Argentinean artist Marco
Bainella for a period of residency at
Taller 7, in Medellín, Colombia.
Sibylle Friche completes an internship
at El Basilisco, by way of a
recommendation from the Service for
Cooperation and Cultural Action of the
French Embassy in Argentina.
246
Colaboración con Candyland, un
espacio independiente en Estocolmo,
Suecia para realizar un evento en
simultáneo via Internet.
Comienza un diálogo fluido con
Batiscafo (La Habana, Cuba), para la
participación de artistas argentinos
en Cuba, con el apoyo del Triangle
Arts Trust.
Convenio elaborado con el Estudio
de la Asociación de Artistas Jóvenes
(FKSE), Budapest, Hungría, para la
realización de residencias recíprocas.
Planificación e implementación de
una red de residencias en América
latina (LAN – Latin American
Network) realizada en conjunto con
Triangle Arts Trust / Gasworks (Reino
Unido), Capacete Entretenimientos
(Brasil), Lugar a Dudas (Colombia) y
Kiosko (Bolivia).
videos de artistas de El Basilisco.
Colaboración con cheLA (Centro de
Hipermedia en la Argentina) para la
realización de un proyecto artístico
(video de Chih-Chien Wang).
Participación en el evento Artistas,
etc., organizado por el grupo de
artistas Germina Campos y llevado a
cabo en Santa Fe, Argentina.
La Asociación Argentina de Críticos
de Arte (AACA) otorga el Premio
a la Institución Cultural del Año a
El Basilisco.
Elaboración de un convenio con BuySellf / Zebra 3 de Burdeos, Francia y
el servicio cultural de Francia en la
Argentina para la realización de
residencias recíprocas. El director de
Buy-Sellf, Frédéric Latherrade, hace
una presentación de su amplia
actividad en el Bar Silisco.
2008 Convenio elaborado con
Hangar en Barcelona, España, para la
realización de residencias recíprocas.
Participación en “Encuentro
Iberoamericano de Programas de
Residencias Artísticas Independientes”
para planificar una red de residencias
entre América latina y España,
organizada por el Centro Cultural de
España / Agencia Española de
Cooperación Internacional para el
Desarrollo (CCESP / AECID) y llevado a
cabo en San Pablo, Brasil.
Durante todos los años, se mantiene
una presencia en periódicos, revistas y
otros medios, desde el diario del barrio,
La voz de Piñeyro, hasta Art Forum.
El Festival Alucine en Toronto,
Canadá, incluye una selección de
Collaboration with the “59 Seconds”
video festival, organized by Irina
Danilova and Hiram Levy, in which an
edition of the festival is carried out at
the Bar Silisco.
Collaboration with Candyland, an
independent space in Stockholm,
Sweden, to hold a simultaneous event in
both spaces, transmitted via Internet.
A fluid dialogue begins with Batiscafo
(Havana, Cuba) to include the
participation of Argentinean artists in
their residency program, with support
from the Triangle Arts Trust.
Elaboration of a joint agreement with
the Young Artists’ Studio Association
(FKSE) in Budapest, Hungary, for
reciprocal residencies.
Planning and implementation of a
network of artists’ residency programs
in Latin America (LAN – Latin American
Network) carried out jointly with
Triangle Arts Trust / Gasworks
(England), Capacete Entretenimientos
(Brazil), Lugar a Dudas (Colombia) and
Kiosko (Bolivia).
The Alucine Festival in Toronto, Canada
includes a selection of videos by
artists who have been in residency at
El Basilisco.
Collaboration with cheLA (Centro de
Hipermedia en la Argentina) for the
realization of a project by an artist in
residency (video by Chih-Chien Wang).
Participation in the Artistas, etc. event,
organized by artists’ group Germina
Campos, held in Santa Fe, Argentina.
The Asociación Argentina de Críticos de
Arte (Argentinean Art Critics’
Association, AACA) awards its Premio a
la Institución Cultural del Año (Cultural
Institution of the Year) to El Basilisco.
Elaboration of a joint agreement with
Buy-Sellf / Zebra 3 from Bordeaux,
France and the French Cultural Service
in Argentina for reciprocal residencies.
The Director of Buy-Sellf, Frédéric
Latherrade, gives a talk presenting the
organization’s broad range of activities
at the Bar Silisco.
2008 Elaboration of a joint agreement
with Hangar in Barcelona, Spain, for
reciprocal residencies.
Participation in “Encuentro
Iberamericano de Programas de
Residencias Artísticas Independientes”
to plan a network of artists’ residency
programs in Latin America and Spain,
organized by the Centro Cultural de
España / Agencia Española de
Cooperación Internacional para el
Desarrollo (CCESP / AECID) and held in
San Pablo, Brazil.
Throughout the duration of the
program, the residency maintained a
continual presence in newspapers,
magazines and other media, ranging
from the local neighborhood gazette, La
voz de Piñeyro, to Art Forum.
247
248
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253
BIOGRAFÍAS
Foto: Tamara Stuby. (Detalle de
Metegol, obra de Esteban Álvarez /
Tamara Stuby), 2004.
256
Pablo Adarme nació en 1976 en Bogotá, Colombia. Graduado en Bellas Artes (Universidad Jorge Tadeo Lozano, Bogotá),
enseña fotografía y gestión cultural en la misma universidad. Participó en varias exhibiciones grupales e individuales en
Colombia, Alemania, Chile, Francia y Argentina. Formó parte del proyecto grupal Bricollage.
Jan Adriaans nació en 1972 en Veghel, Holanda. Graduado en fotografía, con posgrado en Free Art (Academia de Arte St.
Joos, Breda). Trabaja principalmente en fotografía, video e instalaciones. Su trabajo fue expuesto en Holanda y otros países
de Europa, y fuera del continente realizó residencias y proyectos en Townhouse, El Cairo; El Basilisco, Avellaneda; y también
en Serbia, México y Canadá. Publicó el libro Garage, basado en la materialización del espacio. El espacio se vuelve el motivo
en sí mismo. La combinación de materiales pesados y costosos con materiales efímeros y baratos define la imagen o la
instalación. Un nuevo orden de color y profundidad emerge para cuestionar el espacio a través de su superficie y su reproducción. Vive en Rotterdam.
Paulo Almeida nació en 1977 en San Pablo, Brasil. Desarrolla un trabajo ampliamente conceptual, en estrecha relación con los
entornos que lo rodean, en particular, el del arte. Trabaja principalmente con la pintura, vinculándola directamente al espacio,
contexto y tiempo que implica el uso de estrategias constructivas que suelen estar vinculadas a otros medios como la
fotografía, video y performance, entre otros, y la utiliza como un medio para posicionarse críticamente sobre el sistema del
arte, para revelar sus implícitos mecanismos de visibilidad y legitimidad, dando una nueva mirada conceptual a la pintura.
Concentrado en un arte metalingüístico y en su sistema social, mantiene un proceso de trabajo integrado a la investigación de
los espacios en que expone, un procedimiento llevado a cabo por la adaptación al contexto específico de cada obra y la incorporación de nuevas estrategias, lo que siempre otorga a sus obras un carácter site-specific, donde el proceso de construcción
es más importante que el producto final.
Narda Alvarado nació en 1975 en La Paz, Bolivia. Estudió Arquitectura y Construcción en La Paz, durante muchos años
(1993-2010), sin saber realmente por qué. Empezó a estudiar Filosofía en el 2009 en la Universidad Mayor de San Andrés de
La Paz, buscando extender su horizonte hacia otras ramas del conocimiento. En 2010 empezó un Master en Arte, Cultura y
Tecnología en el Massachusetts Institute of Technology de Cambridge, EEUU. Obtuvo una Residencia de Investigación en
Artes Visuales en la Rijksakademie van Beeldende Kunsten de Ámsterdam (2004-2005), donde aprendió cosas fundamentales del arte y sobre todo de la vida. Realizó residencias en el Jerusalem Center for the Visual Arts, 2007, Israel y en Braziers Internacional Artists Workshop, 2001 y 2005, Inglaterra. Gracias a lo aprendido en Braziers (2001), su trabajo dio un
giro conceptual de 180 grados. Podría decirse que este evento radical en la vida artística de Narda, determinó el curso de
esta biografía. Expuso individualmente en el Museo Nacional de Arte, La Paz (2003) y en Galería Kiosko, Santa Cruz de la
Sierra (2007). Participó de las bienales de Venecia, 2007; Moscú, 2007; Busan, 2006, Sao Paulo, 2006; Mercosur, 2005, y Fortaleza, 2002, y en exposiciones grupales en España, Brasil, Chile, Francia, Italia, Alemania, Israel, Paises Bajos, Austria, e
Islandia entre otros países. Reside y estudia en Cambridge.
Nándor Angstenberger nació en 1970, en Novi Sad (Ex-Yugoslavia / Serbia). De nacionalidad alemana / húngara. Estudió en
La Academia de bellas artes de Hamburgo con Ursula Christiansen Reuter, Henning Christiansen, Gerhard Rühm y Bogomir
Ecker. Entre sus muestras individuales se destacan: Pandemonium, Gallery Delikatessenhaus e.V. Leipzig, Pandora super bien!,
Hothouse for contemporary Art Berlin, 2010; Preview Berlin - The Emerging Art Fair, with Christel Fetzer Berlin, 2009; Fortuna Redux, Gallery Breitengraser / Berlin, 2004; Play, Gallery Artfinder / Hamburg, 2003; Entre sus muestras grupales se
destacan: Nominated Artists for the Index Kunstpreis, en Kunsthaus Hamburg, 2010; Best of, Gallery Breitengraser, Berlin;
Dassollkunstsein, con Gallery Ruta Correa en Kunstverein Freiburg, 2005. Su obra integra colecciones como The Private
Collection Bindernagel, Collection Staff Stiftung y la Collection Sparkassenstiftung Magdeburg, entre otras.
Nicanor Aráoz nació en 1981 en Buenos Aires, Argentina. Egresó como Lic. en Artes Plásticas de la Universidad de la Plata,
luego de graduarse tomó clases con la artista Mónica Girón. Entre sus exposiciones individuales se destacan: Cepillarse
bien los dientes, Galería Appetite, Bs. As, 2006; Patada a la cabeza, Galería Sicart, Barcelona, España, 2007. Entre sus
exposiciones grupales se destacan: Museo salvaje, Centro Cultural de España en Buenos Aires, 2008; Interfaces “La
Plata/Corrientes / Fondo Nacional de las Artes, 2008; Premio Petrobras, Feria de galerías arteBA, Bs.As. 2007; Curriculum
Cero, 2005, Galería Ruth Benzacar, Bs. As. Entre sus distinciones se destaca el Tercer Premio Site Specific Hotel Panamericano, Bariloche, Argentina, 2008.
Graciela Arce nació en 1972 en Santa Fe, Argentina. Participó en exposiciones en diversas ciudades de Argentina como Santa
Fe, Rosario, Paraná, Buenos Aires; en Leça da Palmeira, Portugal y Montevideo, Uruguay. Participó como becaria en clínicas
de la Fundación Antorchas, Paraná, 2004-5 y en un workshop en El Levante en Rosario, 2005; fue residente de El Basilisco,
2006. Participó en Periférica con los espacios de El Levante y Germina Campos, Buenos Aires, 2006; en arteBA con Germina
Campos y Pariente del Mar, Buenos Aires, 2007; y en el programa Interfases 7 (Bs. As.- Santa Fe- General Roca). Coordinó,
junto a Marco Bainella, el espacio de arte de Correveidile en Paraná, 2009. Fue becaria de la Fundación Nuevo Banco de
Pablo Adarme was born in 1976 in Bogotá, Columbia. He holds a degree in Fine Arts (Universidad Jorge Tadeo Lozano, Bogotá)
and currently teaches Photography and Cultural Management at the same university. He has participated in diverse group
exhibitions and solo shows in Colombia, Germany, Chile, France and Argentina. He was part of the group project Bricollage.
Jan Adriaans was born in 1972 in Veghel, the Netherlands. He studied Photography and post-graduate Free Art (Art-academy
St. Joost, Breda) and currently works with photography, video and installation.Exhibits in Holland, Europe and outside of
Europe, has participated in residencies and projects in Townhouse, in Cairo; El Basilisco, in Buenos Aires, and in Serbia,
Mexico and Canada. Published a book: ‘Garage’. The work is based on materialised space. The space itself becomes the
motive. The combination of materials, heavy of weight and value with materials temporary and cheap, defines the image
or the installation. A new order of colour and depth emerges, to question the space by it's surface and it's reproduction. He
lives and works in Rotterdam.
Paulo Almeida was born in 1977 in San Pablo, Brazil. His work is extensively conceptual, developed in close relation to the
surrounding environment and to art in particular. He works mainly in painting, linking it directly to the immediate space, context and moment, which implies the use of constructive strategies that tend to be tied to other media such as photography,
video and performance, among others. He lends a new, conceptual view to painting and uses it as a medium to position himself
critically in relation to the art system, revealing its implicit mechanisms of visibility and legitimization. Focused on a meta-linguistic art and its social system, he sustains a working process that integrates investigation of the exhibition spaces where it is
shown, a procedure carried out through the adaptation of each work to its specific context and incorporating new strategies
that lend his works their site-specific nature, where the construction process is more important than the final product.
Narda Alvarado was born in 1975 in La Paz, Bolivia. She studied Architecture and Construction in La Paz for many years
(1993-2010), without really knowing why. She began to study Philosophy in 2009 (Universidad Mayor de San Andrés de La
Paz) looking to extend her horizons toward other branches of knowledge. She began a Master’s degree in Art, Culture and Technology in 2010 (Massachusetts Institute of Technology, Cambridge, EE.UU.). She was awarded a Research Residency in 20042005 (Rijksakademie van Beeldende Kunsten, Amsterdam), where she learned fundamental things about art and above all,
about life. She participated in residencies in the Jerusalem Center for the Visual Arts in Israel (2007), and at Braziers International Artists’ Workshop in England (2001 and 2005). Thanks to what she learned at Braziers (2001), her work took a conceptual turn of 180°. It could be said that this radical event in Narda’s life determined the course of this biography. She had solo
shows at the Museo Nacional de Arte, La Paz (2003) and at Galería Kiosko, Santa Cruz de la Sierra (2007). She has participated
in the following biennials: Venice, 2007; Moscow, 2007; Busan, 2006; San Pablo, 2006; Mercosur, 2005 and Fortaleza, 2002,
and in group exhibitions in Spain, Brazil, Chile, France, Italy, Germany, Israel, The Netherlands, Austria and Iceland, among other
countries. She lives and studies in Cambridge.
Nándor Angstenberger was born in 1970 in Novi Sad (former Yugoslavia / Serbia). German/Hungarian nationality. He studied
at the Academy of Fine Arts Hamburg / Ursula Christiansen Reuter & Henning Christiansen, Gerhard Rühm / Bogomir Ecker. His
solo exhibitions include (selection): Pandemonium, Gallery Delikatessenhaus e.V. Leipzig, Pandora super bien!, Hothouse for
contemporary Art Berlin, 2010; Preview Berlin - The Emerging Art Fair, with Christel Fetzer Berlin, 2009; Fortuna Redux,
Gallery Breitengraser / Berlin, 2004; Play, Gallery Artfinder / Hamburg, 2003; Group Exhibitions (selection) include: Nominated Artists for the Index Kunstpreis at Kunsthaus Hamburg, 2010; Best of, Gallery Breitengraser / Berlin; Dassollkunstsein
with Gallery Ruta Correa at Kunstverein Freiburg, 2005. His work can be found in collections such as The Private Collection
Bindernagel, Collection Staff Stiftung and Collection Sparkassenstiftung Magdeburg, among others.
Nicanor Aráoz was born in 1981 in Buenos Aires, Argentina. He holds a degree in Fine Arts (Universidad de La Plata) and after
graduating he studied with artist Mónica Girón. His solo exhibitions include (selection): Cepillarse bien los dientes, Galería
Appetite, Bs. As, 2006; Patada a la cabeza, Galería Sicart, Barcelona, Spain, 2007. Group exhibitions (selection): Museo salvaje,
Centro Cultural de España en Buenos Aires, 2008; Interfaces “La Plata/Corrientes / Fondo nacional de las Artes, 2008; Premio
Petrobras, Feria de galerías arteBA, Bs.As. 2007; Curriculum Cero 2005, Galería Ruth Benzacar, Bs. As. Among other distinctions, the third prize in the Premio Site Specific Hotel Panamericano Bariloche, Argentina, 2008 deserves special mention.
Graciela Arce was born in 1972 in Santa Fe, Argentina. She has participated in exhibitions in different cities in Argentina such
as Santa Fe, Rosario, Paraná, Buenos Aires; in Leça de Palmeira, Portugal and in Montevideo, Uruguay. She received grants to
participate in a clinic organized by Fundación Antorchas in Paraná, 2004-5 and a workshop in El Levante in Rosario, 2005; she
was resident at El Basilisco, 2006. She participated in Periférica with El Levante and Germina Campos in Buenos Aires, 2006;
in arteBA with Germina Campos and Pariente del Mar, Buenos Aires (2007); and in the Interfases 7 program (Bs. As.–Santa
Fe–General Roca). She jointly coordinated the Correveidile space with Marco Bainella in Paraná, 2009. She received a grant
from the Fundación Nuevo Banco Santa Fe in 2009. Prizes awarded include the Asociación Cultural Inglesa, Photography section, LXXXV Salón Anual Nacional de Santa Fé, 2008; acquisition prize “Asociación Amigos del Museo Provincial Rosa Galisteo
257
258
Santa Fe, 2009. Obtuvo los premios Asociación Cultural Inglesa, Sección fotografía, LXXXV Salón Anual Nacional de Santa Fe,
2008; Premio adquisición “Asociación Amigos del Museo Provincial Rosa Galisteo de Rodríguez”, Sección fotografía, LXXXVII
Salón Anual Nacional de Santa Fe, 2010. Su obra integra la Colección Fotográfica “Pedro Tappa”, patrimonio del MPBA Rosa
Galisteo de Rodríguez, Santa Fe. Vive y trabaja en Santa Fe.
Anna Bas Backer nació en Holanda. Comenzó experimentando con comics en estilo documental, donde investigó la historia
de la gente y escribió las historias encontradas relacionadas con dibujos de edificios, a veces vacíos pero con pasados
elocuentes, como prisiones o casas destruidas en guerras. Más tarde comenzó a usar comics para comentar y criticar su
trabajo previo como artista en la forma de proyectos y performances incluyendo la participación de muchos artistas
locales. El primero de estos maratones de dibujo fue realizado en Colombia, donde invitó artistas de comic a dibujar juntos por 24 hs acerca de sus quejas sobre el mundo del arte. Durante otro maratón de dibujo en Argentina propuso a una
cantidad de artistas de comic locales dibujar por 24 hs sobre la historia e identidad de la ciudad de Buenos Aires. En una
performance pública ofreció hacer tatuajes falsos al público con las imágenes creadas durante el maratón. Realizó una
acción similar en Berlín sobre el distrito problemático “Neukoelln”. Recibió varios premios en Holanda, Alemania y Suiza
por sus proyectos individuales y grupales, incluyendo exposiciones en China, Argentina, Colombia, Kosovo, España y Alemania. Sus pinturas fueron seleccionadas para el Dutch Royal prize en 2005 y recientemente expuso en el Utrecht’s Central
Museum en Holanda. Vive en Berlín.
Marco Bainella nació en 1976 en Paraná, Argentina. Autodidacta, participó en LiPac, C.C.R. Rojas, Universidad de Buenos
Aires (2010); Encuentro Intercampos Regional/Chaco (2008); Consultoria y Seminario con Luis Camnitzer en el CCEBA, Bs.
As. (2006). Clínicas de Artes Visuales del C.C. Rojas, 2005. Fue becario de la Fundación Nuevo Banco de Entre Ríos, BERSA
(2008); Becario de Fundación Antorchas 2002-3. Entre otras exposiciones, participó de Visita Fantasma, Dante Alighieri,
Comitato di Paraná, 2010; Tratado de Ambliopía, Marte Up Market, Montevideo, 2008; Estudio abierto 2007, Bs. As. Participó de MDE07 Encuentro Internacional de Arte Contemporáneo, Medellín 2007, (con El Basilisco), Colombia, 2007. En residencia en El Basilisco desarrolló como proyectos Fotografía y Recuerdos de Avellaneda, y junto a Jaime Gilli realizó el video
Corriente, Buenos Aires, 2004. Participó en Interfases 06 Paraná-Neuquén, 2006. Un dedo en el río, CCEBA, Centro Cultural
de España en Bs. As, 2006; Palitos Pintados, Pop Hotel Boquitas Pintadas, Buenos Aires, 2004. Forma parte del Grupo de
artistas y gestores Pariente del mar, con quienes realizan encuentros regularmente. Han mostrado su producción en el Bar-
rio Joven de arteBA 2006/07; Periférica 2005, C.C. Borges, Bs.As; Fin de semana salvaje, Casa 13, Córdoba; Una casa nueva,
Casa de la Cultura de Entre Ríos. Vive en Paraná.
Torbjörn Berg nació en 1959 en Estocolmo, Suecia. Entre sus exhibiciones individuales se destaca National Gallery, Estocolmo, 2008; entre sus exposiciones grupales se destacan Supermarket international artist-run fair, 2009 y Pris extra,
Nationalgallery, Estocolmo, 2008. Desde hace catorce años dirige el grupo internacional de arte y performance "Zirkus lokomotiv" junto a la actriz Ylva Törnlund.
Roland Persson vive y trabaja en Estocolmo, Suecia. Entre sus muestras individuales se destacan Strange fruit, Härnösands
Contemporary Art Space, Suecia, 2006; Flower and flash Artisthouse Estocolmo, Suecia 2005; Bier og blomster, Skive Contemporary art space, Dinamarca, 2000; Bird, fish and in between, Edsvikens Contemporary art Space, Estocolmo, 1999.
Entre sus muestras grupales se destacan: Liste, Whit Gallery ALP, Basel, Suiza, 2006; Open, Hanoi, Vietnam, 2004; Eukabek
event, Chiang Mai University Art Space, Tailandia, 2002; Umeå.se, The sculpture park, Umeå, Suecia, 1999. Entre otras obras
públicas realizó: "In Between" The Square of Sergel, centro de Estocolmo, Suecia 2006; "Clouds" dos salas de espera en el
Southhospital of Stockholm Suecia 2002.
Christian Bermúdez nació en 1976 en San José, Costa Rica. Vive y trabaja en Oslo, Noruega. Graduado del National School of
the Arts, Oslo (Kunsthøgskolen i Oslo) en estudios de Cine y Periodismo. Su trabajo se basa en video, fotografía e instalación e
introduce elementos foráneos a contextos particulares. Las áreas que más le interesan son el paisaje, la arquitectura, la
botánica, la identidad y su relaciòn con el entorno social. La participación de Christian Bermúdez en El Basilisco se inscribe
dentro del programa de intercambio Global Perspectives, organizado por el Nordic Institute for Contemporary Art (NIFCA).
Adriana Bernal nació en Bogotá, Colombia. Se graduó con un Master en Artes Visuales (Universidad de los Andes, 2002).
Trabaja en diversos medios, como fotografía, dibujo, instalaciones, escultura y diseño. Su trabajo se nutre del contexto
urbano, la vida diaria y sus viajes. Su interés principal está enfocado en ofrecer un punto de vista abierto y experimental
como base de su trabajo.
Breda Beban nació en 1952 en Novi Sad. Falleció en Londres en 2012. Breda Beban fue una artista, curadora y una productora creativa, cuyo trabajo es un cruce entre el cine y las artes visuales. Enfocada en un fuerte sentimiento en los bordes de
grandes historias sobre política, geografía y el amor, la producción de Breda Beban descubre las contradicciones generadas
por la inestabilidad del amor y la reubicación del poder. Nacida en Serbia, vivió y trabajó en Londres y Sheffield donde
de Rodríguez”, photography section and LXXXVII Salón Anual Nacional de Santa Fé, 2010. Her work can be found in the “Pedro
Tappa” photography collection, patrimony of the MPBA Rosa Galisteo de Rodríguez, Santa Fe. She lives and works in Santa Fe.
Anna Bas Backer was born in Holland. She first started experimenting with comics in documentary style drawings in which she
researched people’s history and wrote down the found stories next to drawings of buildings, usually empty but with telling
pasts like prisons or homes destroyed in war. She later went on to use comics to comment on and critique the work she did as
an artist in the form of projects and performances that include the participation of many local artists. The first of these were
drawing-marathons in Colombia, where she invited local comic artists to draw together during 24 hs about their complaints
about art and the art world. During another marathon in Argentina she asked local comic artists to draw 24 hs about the history and identity of Buenos Aires. In a public performance she performed fake-tattoos with the images created during the
marathon onto visitors. She carried out a similar performance in Berlin about the so called ‘problem district’ ‘Neukoelln’. She
has received various grants from the Netherlands, Germany and Switzerland for her own or joint projects, including exhibitions
in China, Argentina, Colombia, Kosovo, Spain and Germany. Her paintings were selected for the Dutch Royal prize in 2005 and
more recently, she exhibited in the Utrecht’s Centraal Museum in the Netherlands. She lives in Berlin.
Marco Bainella was born in 1976 in Paraná, Argentina. He is self-taught and participated in the LiPac program, C.C.R. Rojas,
Universidad de Buenos Aires (2010); Encuentro Intercampos regional meeting, Chaco (2008); Consultation and Seminar with
Luis Camnitzer at the CCEBA, Bs. As. (2006) and Clínicas de Artes Visuales, C.C. Rojas (2005). He received grants from the Fundación Nuevo Banco de Entre Ríos, BERSA (2008) and Fundación Antorchas (2002-3). Exhibitions (selection): Visita Fantasma,
Dante Alighieri, Comitato di Paraná, 2010; Tratado de Ambliopía, Marte Up Market, Montevideo, 2008; Estudio abierto 2007,
Bs. As. He participated in MDE07 Encuentro Internacional de Arte Contemporáneo, Medellín, 2007 (with El Basilisco), Colombia,
2007. In residency at El Basilisco he developed the projects Fotografía and Recuerdos de Avellaneda, and, with Jaime Gilli produced the video Corriente, Bs. As., 2004. He participated in Interfases 06 Paraná-Neuquén, 2006; Un dedo en el río, CCEBA,
Centro Cultural de España, Bs. As, 2006 and Palitos Pintados, Pop Hotel Boquitas Pintadas, Buenos Aires, 2004. He forms part
of the artists’ group Pariente del mar, which organizes encounters on a regular basis. He has shown his work in the Barrio
Joven section of arteBA, 2006/07; Periférica 2005, C.C. Borges, Bs. As; Fin de semana salvaje, Casa 13, Córdoba and Una casa
nueva, Casa de la Cultura de Entre Ríos. He lives in Paraná.
Torbjörn Berg was born in 1959 in Stockholm, Sweden. His solo exhibitions include National Gallery, Stockholm, 2008; his
group exhibitions include Supermarket international artist-run fair, 2009 and Pris extra Nationalgallery, 2008. For the past 14
years he has run the international art- and performance group "Zirkus loko-motiv" together with actress Ylva Törnlund.
Roland Persson lives and works in Stockholm, Sweden. Outstanding among his solo shows are Strange fruit, Härnösands Contemporary Art Space, Sweden, 2006; Flower and flash Artisthouse Stockholm, Sweden, 2005; Bier og blomster, Skive Contemporary art space, Denmark, 2000; Bird, fish and inbetween, Edsvikens Contemporary art Space, Stockholm, 1999. Among his
group exhibitions the following deserve special mention: Liste, Whit Gallery ALP, Basel, Switzerland, 2006; Open, Hanoi, Vietnam, 2004; Eukabek event, Chiang Mai University Art Space, Thailand, 2002; Umeå.se, The sculpture park, Umeå, Sweden,
1999. His public works include "In Between", The Square of Sergel, downtown Stockholm, Sweden, 2006; "Clouds" two waiting
rooms in the South Hospital of Stockholm, Sweden, 2002.
Christian Bermúdez was born in 1976 in San José, Costa Rica. Lives and works in Oslo, Norway. Graduated from the National
School of the Arts in Oslo (Kunsthøgskolen i Oslo), having studied film and journalism. His work, based in video, photography
and installation, introduces foreign elements into particular contexts. His greatest areas of interest are landscape, architecture,
botany, identity and how it is related to the social environment. Christian Bermúdez's participation in El Basilisco forms part of
the Global Perspectives exchange program organized by the Nordic Institute for Contemporary Art (NIFCA).
Adriana Bernal was born in Bogotá, Colombia. She holds a Master of Fine Arts (Universidad de los Andes, 2002). She works
in diverse media, including photography, drawing, installations, sculpture and design. Her work is informed by the urban
context, everyday life and her travels. Her primary interest lies in offering an open, experimental point of view as the basis
of her work.
Breda Beban was born in 1952 in Novi Sad and passed away in 2012 in London. Breda Beban was an artist, curator and a
creative producer whose work is a crossover between cinema and visual arts. Focusing on what is strongly felt on the edges
of bigger stories about politics, geography and love. Beban’s productions discover contradictions triggered by instability of
love and relocation of power. Serbian born, Beban lived and worked in London and Sheffield where she was a Professor of
Visual Arts. Her award winning work is exhibited worldwide, including exhibitions at the Venice Biennial, Museum of Modern
Art in New York, National Museum Reina Sofia in Madrid, National Film Theatre and Tate Britain in London. Things to Do in
Buenos Aires is a series of drawings and a film triggered by Alberto Greco’s Vivo-Dito. “Vivo-Dito is an adventure of the real”
(Alberto Greco).
259
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además fue profesora de Artes Visuales. Su trabajo obtuvo numerosos premios y es exhibido mundialmente, incluyendo
exposiciones como La Bienal de Venecia, El Museo de Arte Moderno de Nueva York, El Museo Nacional Reina Sofía en Madrid,
y El National Film Theatre y la Tate Britain en Londres. Things to do in Buenos Aires es una serie de dibujos y una película
inspirada en la obra Vivo-Dito de Alberto Greco. “Vivo-Dito es una aventura de lo real”(Alberto Greco).
Bill Burns nació en 1957 en Regina, Saskatchewan. Estudió Arte en el Goldsmiths’ College en Londres, Reino Unido. Su obra
sobre animales y la sociedad civil ha sido exhibida y publicada ampliamente. Teme que el mundo en el futuro sea
habitado solamente por gente coyote, cucarachas, ratas, salmones atlánticos y palomas. Piensa que sería más difícil hacer
arte y literatura en un mundo así. Su trabajo fue exhibido recientemente en el ICA (Institute for Contemporary Art) en Londres, el Museo de Arte Moderno de Nueva York y Kunsthallen Nicolaj en Copenhagen. Una edición en caja de tres de sus
libros sobre animales y nuestra relación con ellos fue publicada en 2010 por Verlag der Buchandlung Wather Koenig, en
Colonia, Alemania. Vive en Toronto.
Adriana Bustos nació en 1965 en Bahía Blanca, Argentina. Egresada de la Escuela de Bellas Artes Figueroa Alcorta y de la
Facultad de Psicología en La Universidad Nacional de Córdoba. Participó en exhibiciones en Córdoba, Buenos Aires, y en
muchas otras ciudades. Participó en la 5ta Bienal de Mercosur, en Porto Alegre, Brasil. Fue becaria del Fondo Nacional de las
Artes y de la Fundación Antorchas. Entre otros premios, recibió la Mención especial del jurado en el Premio Cultural Chandon, en Córdoba, en 2004, y en Tucumán, en 2005. Vive en Buenos Aires.
Gabo Camnitzer nació en 1984 en Nueva York, EE.UU. Estudió en Hunter College, City College of New York, EE.UU. y en
Konsthögskolan Valand, Goteborgs Universitet, Suecia. Fue becario en P.S.1. y en el Drawing Center, en Nueva York. Entre sus
recientes exposiciones se destacan Great Expectations, en Glasshuset, Gotemburgo, Suecia, 2006; Bad Taste, Rotor 2, Gotemburgo, Suecia, 2005; Elevutstaellning, Konsthoegskolan Valand, Gotemburgo, Suecia, 2005; Bussines card Recycling, acción
realizada en 2004; Terrorvision, Exit Art, Nueva York, 2004, entre otras. Vive y trabaja en Gotemburgo.
Agnieszka Casas nació en 1981 en México, D.F. Estudió Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de UNAM,
2001-2005, y Moda y Creación en la Casa de Francia, 2000-2002. Cursó un Diplomado en Curaduría en la Academia de San
Carlos en 2008. Fue becaria del programa Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, en México,
2009- 2010. Algunas exposiciones: Noir, México, 2009; Tercer Festival de Arte Independiente (San Ildefonso; México, D.F);
Game Over (Foro Cultural Efrén Rebolledo; Pachuca, Hidalgo), y El Basilisco (Buenos Aires, Argentina), 2008; Feria de Arte
Contemporáneo Emergente (Centro de Arquitectura y Diseño; México); Close Up (Laboratorio Arte Alameda), y Tácticas (Centro de la Imagen de CONACULTA) 2007; Muestra de Audiovisuales del Pasagüero, México, 2006; Mi ciudad y su gente (ITESM),
2005. Entre sus proyectos recientes se destacan: Reinterpretación espacial de la 20, una recreación estética del entorno
urbano por medio de cartografía volumétrica y Cartografía histórica del México Bicentenario, desarrollo multimedia para la
Mapoteca MOyB. Vive y trabaja en la Ciudad de México.
Asli o uşÇğvu nació en 1982 en Estambul, Turquía. Es artista y escritora. Una gran parte de su trabajo se basa en ejercicios narrativos experimentales accionando mecanismos de corrección, repetición, copias e interacción narrativa. Utiliza
varios medios, como libros de artista, videos e instalaciones. Entre sus exhibiciones se destacan: This Place Has No Size at
All, Kadist Art Foundation, París, 2009; Kein Ding, ACC Gallery Weimar, 2009; End Game, Space Loop, Seoul, 2009; Hypnosis
Show, Jessica Silverman Gallery, San Francisco, 2008; You can’t kiss away a murder, Galerist, Estambul, 2008. Entre otros,
produjo los libros de artista Takip/Poursuite (2006), Caiet De Geografie (2006), The Unsubscribed Life of Peter Böse (2007),
y In Patagonia after Bruce Chatwin (2009).
Henry Coleman nació en 1974 en Harpenden, Inglaterra. Artista y curador, se graduó con un BA con honores en Artes
Visuales (Goldsmiths College, London). Exhibiciones (selección): Telón (en colaboración con Cristina Schiavi), Museo de Arte
Contemporáneo de Rosario (MacRo), Argentina, 2009; Endless, Leather Lane, Londres, 2009. Perfect, Balice Hertling at
home, París, 2008; Memphis, Flaca, Londres, 2005; “Hollows of Glamour”, KIAD, Canterbury, 2004; “Henry Coleman”, Greengrassi, Londres, 2004; HELP, Els Hanappe Gallery, Atenas, 2003. Sus exposiciones como curador incluyen Los vinilos, Zoo
Art Fair, Royal academy buildings, Londres, 2008; “13” International Project Space, Birmingham, 2007; Los vinilos, El
Basilisco, Avellaneda, 2007; Exchange, Richard Salmon gallery, Londres, 2002; Heart and Soul, Londres y Los Angeles, 1999200. Vive y trabaja en Londres.
Mariano Dal Verme nació en 1973 en Buenos Aires, Argentina. Estudió pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano
Pueyrredón hasta 1997. Desde 1995 participó en diferentes muestras grupales: Ciclo Mute en Notorious, 2000; Fiat Lux en el
espacio Giesso Reich, 2001; Tres Volúmenes en Vol. 3, 2003; Arte en Progresión, en el Centro Cultural Gral. San Martín, BsAs;
Segunda edición del proyecto Biblioteca En Red en el CCEBA y ZLab en la galería Zavaleta Lab, Buenos Aires 2004; Dibujo
Próximo en el C.C.R. Rojas, Buenos Aires, 2006; Las entrañas del arte en Imago, BsAs, 2008; Firmas, en Mark Morgan Pérez
Garage, Buenos Aires, 2009. Desde 2002 forma parte de “La Recolección” junto a Fernando Brizuela y Beto de Volder,
Bill Burns was born in Regina, Saskatchewan in 1957, and studied art at Goldsmiths’ College in London, England. His work
about animals and civil society has been shown and published widely. He fears a future world inhabited only by people
coyotes, cockroaches, rats, Atlantic salmon and pigeons. He thinks it would be harder to make art and literature in such a
world. His work has recently been shown at the ICA in London, England, the Museum of Modern Art in New York and Kunsthallen
Nicolaj in Copenhagen. A boxed edition of three of his books about animals and our relationship to them was published by Verlag
der Buchhandlung Walther Koenig in Cologne in fall 2010. He lives in Toronto.
Adriana Bustos was born in 1965 in Bahía Blanca, Argentina. Graduated from the Escuela de Bellas Artes Figueroa Alcorta and
from the Faculty of Psychology at the Universidad Nacional de Córdoba. She has participated in exhibitions held in Córdoba,
Buenos Aires, Tucumán, Salta and Rosario and she was part of the Argentinean envoy to the 5ª Bienal del Mercosur, in Porto Alegre, Brazil. She has received grants from the Fondo Nacional de las Artes and from Fundación Antorchas. She received a Mención Especial del Jurado at the Cultural Chandon exhibition in Córdoba (2004) and in Tucumán (2005). She lives in Buenos Aires.
Gabo Camnitzer was born in 1984 in New York, USA. Education: Hunter College, City College of New York, USA, Konsthögskolan
Valand, Goteborgs Universitet, Gothenburg, Sweden. Internships at P.S.1 Contemporary Art Center and The Drawing Center in
New York. Recent exhibitions include: Great Expectations in Glasshuset, Gothenburg, Sweden (2006); Bad Taste, Rotor 2,
Gothenburg, Sweden (2005); Elevutstaellning, Konsthoegskolan Valand, Gothenburg, Sweden (2005); Business Card Recycling
action carried out in 2004; and Terrorvision, Exit Art, New York, USA (2004), among others. He lives and works in Gothenburg.
Agnieszka Casas was born in 1981 in Mexico City. She studied Visual Arts (Escuela Nacional de Artes Plásticas de UNAM,
2001-5) and Fashion Design (Casa de Francia, 2000-2) and holds a Diploma in Curating (Academia de San Carlos, 2008). She
received a scholarship in the Jóvenes Creadores program organized by the Fondo Nacional para la Cultura y las Artes in
Mexico City in 2009-10. Exhibitions include: Noir, Mexico City, 2009; Tercer Festival de Arte Independiente (San Ildefonso;
Mexico City); Game Over (Foro Cultural Efrén Rebolledo; Pachuca, Hidalgo), and El Basilisco (Buenos Aires, Argentina), 2008;
Feria de Arte Contemporáneo Emergente (Centro de Arquitectura y Diseño; Mexico); Close Up (Laboratorio Arte Alameda),
and Tácticas (Centro de la Imagen de CONACULTA) 2007; Muestra de Audiovisuales del Pasagüero, Mexico, 2006; Mi ciudad
y su gente (ITESM), 2005. Outstanding among her recent projects are Reinterpretación espacial de la 20, an aesthetic recreation of the urban environment in volumetric cartography and Cartografía histórica del México Bicentenario, a multimedia
piece developed for Mapoteca MOyB. She lives and works in Mexico City.
Asli o uşÇğvu was born in 1982 in Istanbul, Turkey. She is an artist/writer. A great bulk of her work stems from experimental narrative exercises working around mechanisms of erasure, repetition, replicas and narrative interplay. She uses various
mediums such as artists’ books, videos, and installations. Recent exhibitions include This Place Has No Size at All, Kadist Art
Foundation, Paris, 2009; Kein Ding, ACC Gallery Weimar, 2009; End Game, Space Loop, Seoul, 2009; Hypnosis Show, Jessica
Silverman Gallery, San Francisco, 2008; You can’t kiss away a murder, Galerist, Istanbul, 2008. The artists’ books she has
produced include Takip/Poursuite (2006), Caiet De Geografie (2006), The Unsubscribed Life of Peter Böse (2007), and In
Patagonia after Bruce Chatwin (2009).
Henry Coleman was born in 1974 in Harpenden, England. An artist / curator, he holds a BA hons in Fine Art (Goldsmiths College, London). Selected exhibitions include: Telon, with Cristina Schiavi, Museo MacRo Rosario, 2009. Endless, Leather Lane,
London, 2009; Perfect, Balice Hertling at home, Paris, 2008; Memphis, Flaca, London, 2005; Hollows of Glamour, KIAD, Canterbury, 2004; Henry Coleman, Greengrassi, London, 2004; HELP, Els Hanappe gallery, Athens, 2003. Curated exhibitions
include: Los vinilos, Zoo Art Fair, Royal academy buildings, London, 2008; “13” international project space, Birmingham,
2007, Los vinilos, El Basilisco, Avellaneda, 2007; Exchange, Richard Salmon gallery, London, 2002, Heart and Soul, London
and Los Angeles, 1999-200. Lives and works in London.
Mariano Dal Verme was born in 1973 in Buenos Aires, Argentina. He studied Painting (Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano
Pueyrredón) until 1997. Group exhibitions since 1995 include: Ciclo Mute en Notorious, 2000; Fiat Lux in the Giesso Reich
space, 2001; Tres Volúmenes en Vol. 3, 2003; Arte en Progresión, Centro Cultural Gral. San Martín, Bs As; Second edition of the
project Biblioteca En Red at the CCEBA and ZLab in Zavaleta Lab gallery, Bs As 2004; Dibujo Próximo, C.C. R. Rojas, Buenos
Aires, 2006; Las entrañas del arte en Imago, Bs As, 2008; Firmas, Mark Morgan Pérez Garage, Buenos Aires, 2009. From 2002
on he was a member of “La Recolección”, along with Fernando Brizuela and Beto de Volder, a project presented at arteBA,
Malba (Contemporáneo 11) and the Museo Timoteo Navarro de Tucumán, 2004; and at the MacRo, Rosario, 2006. His solo
show Dibujos was held at El Borde Arte Contemporáneo; he presented Star Worse along with Andrés Toro at Sonoridad Amarilla and Grafito sobre papel at the Alianza Francesa de Bs As, 2005. Along with Andrés Toro and Fernando Brizuela, he presented For Esport, an installation in the display window of the CCEBA, Bs As, 2006. He had a solo show at Ruth Benzacar
gallery, and exhibited Fiesta at the CCEBA, an installation done jointly with Bárbara Kaplan, 2007. He presented La conquista
del espacio, segunda parte, Star Worse along with Andrés Toro at Le bar and participated in a residency at Lugar a Dudas in
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proyecto que se presentó en arteBA, en Malba (Contemporáneo 11) y en el Museo Timoteo Navarro de Tucumán, 2004; y en
el MacRo, Rosario, 2006. Realizó la muestra individual Dibujos en El Borde Arte Contemporáneo; presentó en Sonoridad
Amarilla Star Worse junto a Andrés Toro y expuso Grafito sobre papel en la Alianza Francesa de Buenos Aires, 2005. Presentó junto a Andrés Toro y Fernando Brizuela For Esport, instalación en la vidriera del CCEBA, Buenos Ares, 2006. Expuso
individualmente en la galería Ruth Benzacar y exhibió Fiesta, instalación en vitrina junto a Bárbara Kaplan, en el CCEBA,
Buenos Aires, 2007. Presentó junto a Andrés Toro La conquista del espacio, segunda parte, Star Worse, en Le bar y realizó
una residencia en Lugar a Dudas, Cali, Colombia, 2008. Realizó la muestra Firmamento en Turbo Galería, 2009. Vive y trabaja en Buenos Aires.
Agnes Eperjesi nació en 1964 en Budapest, Hungría. En su obra intenta expandir las oportunidades de la fotografía sin cámara
y crear un mundo visual de carácter conceptual, en combinación con la reinterpretación personal y el enriquecimiento visual
de todos los días, clichés ready-made. Fuera de Hungría, tuvo exhibiciones individuales en Nueva York (2006,1999), Philadelphia (2006), Houston (2002), Ámsterdam (2004), Frankfurt (1999), y participó de exhibiciones grupales en China, EE.UU. y
Europa. Sus trabajos forman parte de varias colecciones públicas y privadas de su país e internacionales. Su residencia en El
Basilisco fue parte de un intercambio con FKSE (Fiatal Képzomuvészek Stúdiója Egyesület / Estudio de la Asociación de Artistas Jóvenes) en Budapest, Hungría.
Alejandro Fangi. Nací en 1971 y crecí en Chajarí, Entre Ríos y después me mudé a Buenos Aires donde cursé un año de la
carrera de Publicidad, luego estudié en la Escuela Manuel Belgrano y después Grabado y Pintura en la Escuela Nacional de
Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Mientras estaba estudiando participé en concursos y en muestras grupales e individuales
en Buenos Aires y Chajarí. Entre los años 2005 y 2008 estuve viviendo y participando del programa de Residencias para
artistas El Basilisco, donde gracias al intercambio con los artistas residentes comencé a realizar la serie de instalaciones en
las cuales estoy trabajando hasta el presente. Actualmente continúo realizando muestras y desde 2009 estoy radicado en
Mar del Plata donde además de haber hecho varias muestras colaboro en la gestión de Encuentros de Diálogo con Artistas
que se realizan en el Museo Casa Bruzzone. Hasta que la trashumancia me lleve a otros lados…
Iara Freiberg nació en 1977 en San Pablo, Brasil. Egresada de la Escuela de Comunicaciones y Artes de la Universidad de São
Paulo (ECA-USP), entre 1986 y 1993 vivió en Buenos Aires, adonde volvió entre los años de 2007 y 2010. Vivió también en
Londres, Inglaterra, entre 2000 y 2001. A partir de 2002, participó de exposiciones individuales y grupales en San Pablo
(Centro Universitário Maria Antônia, 2002, 2003, 2005; Centro Cultural São Paulo, 2003; SESC, 2003, 2004, 2005; Museu de
Arte Contemporânea da USP, 2005; Instituto Itaú Cultural, 2006; entre otras, por las que obtuvo el Prêmio Incentivo Visualidade Nascente - 13° Projeto Nascente – USP, 2003 y el Prêmio Aquisição - 32º Salão de Arte Contemporânea de Santo André,
2004; y en otros lugares de Brasil, como Casa da Cultura da América Latina, en Brasilia, 2005; Museu de Arte de Contemporânea de Fortaleza – Dragão do Mar, en Ceará, 2006; Paço Imperial, en Rio de Janeiro, 2006. Participó de la exposición Los
Vinilos, en la Royal Academy of Arts, en Londres, 2008, y tuvo una exposición individual en el Centro Cultural de España en
Buenos Aires, en Argentina, 2006-2007. Participó de dos iniciativas independientes: exposición Lord Palace Hotel, que
ocupó un hotel inactivo en el centro de San Pablo, 2004, y una intervención en casa desocupada en el barrio de Morumbi, en
San Pablo, 2007. En 2006, participó del proyecto Rumos - Artes Visuais, del Instituto Itaú Cultural. El mismo año, participó de
la residencia El Basilisco, en Buenos Aires, a través de la Beca de la Fundación Iberê Camargo, Porto Alegre, Brasil, donde
desarrolló intervenciones en el espacio público.
Jaime Gamboa Palacios nació en 1981, en Bogotá, Colombia. Estudió en la Universidad de los Andes y obtuvo su título de
Maestro en artes plásticas así como la opción en historia del arte y arquitectura. Expone desde el año 2002. Entre sus
exposiciones se destacan Ideografismos, Universidad de los Andes, año 2003; Bordes del dibujo, MamBo, 2004; tesis en el
MAC de Bogotá. Recibe en 2006 la distinción como finalista y mención honorífica en la 1ª Bienal de dibujo Rafael Cauduro,
Tijuana, México. Participa en el proyecto de investigación de jóvenes artistas, Artecámara, en 2007 y 2008; y en exposiciones
grupales como el III salón de arte joven, Club El Nogal, 2007; La línea continua, Cámara de Comercio de Bogotá, 2008; Territorios dibujados, Cuestión de corazón, Galería El Museo, 2008; en Galería Fernando Pradilla, espacio Proyectos, Madrid, 2008.
Su trabajo actualmente se encuentra relacionado con el dibujo y los límites que existen entre éste y la pintura.
Jaime Gili nació en 1972 en Caracas, Venezuela. Estudió en Prodiseño, Caracas y posteriormente en la Universidad de
Barcelona, donde culminó un Doctorado en 2001 con el tema “Repetición”. En Londres realizó un Master en el Royal College
of Art en 1998. Jaime Gili exhibió su trabajo ampliamente en galerías y, actualmente en mayor medida, en intervenciones en
espacios públicos, en lo que para algunos continúa una tradición de intervenciones iniciada en Venezuela en los años ‘50.
Para el curador Jesús Fuenmayor la obra de Gili es “como si tiraran una bomba a un Cruz-Diez”, una continuación de la tradición abstracta periférica, pero con menos politiquería. Entre sus muestras recientes se destacan una pintura-instalación en
siete pisos en Bloomberg, Londres, una individual en Kunsthalle Winterthur, Suiza y “Expander”, en la Royal Academy of Arts
Cali, Colombia in 2008. He exhibited Firmamento at Turbo Galería in 2009. He lives and works in Buenos Aires.
Agnes Eperjesi was born in 1964 in Budapest, Hungary. In her work, she looks to expand opportunities for camera-less photography and to create a visual world that is conceptual in nature, in combination with a personal re-interpretation and visual
enrichment of the everyday, clichés and ready-mades. Outside Hungary, she has had solo shows in New York (1999, 2006),
Philadelphia (2006), Houston (2002), Amsterdam (2004), and Frankfurt (1999). She has participated in group exhibitions in
China, the United States and Europe. Her work can be found in several public and private collections in her country and internationally. Her participation in El Basilisco was part of an exchange with FKSE (Fiatal Képzomuvészek Stúdiója Egyesület /
Young Artists’ Studio Association) in Budapest, Hungary.
Alejandro Fangi. I was born in 1971 and raised in Chajarí, Entre Ríos and later moved to Buenos Aires, where I studied Publicity
for one year. I then studied at the Escuela Manuel Belgrano, followed by studies in Printmaking and Painting at the Escuela
Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. While studying I also participated in prize competitions and group and solo
shows in Buenos Aires and Chajarí. From 2005 to 2008 I lived at and participated in the El Basilisco artists’ residency program,
where thanks to the exchange with artists in residence I began to carry out the series of installations on which I continue to
work today. I currently continue to participate in exhibitions and have been based in Mar del Plata since 2009, where in addition to exhibiting I have collaborated in organizing the Encuentros de Diálogo con Artistas series of talks, held at the Museo
Casa Bruzzone. Until transhumance takes me elsewhere…
Iara Freiberg was born in 1977 in San Pablo, Brazil. She graduated from the Escola de Comunicações e Artes at the Universidade de São Paulo (ECA-USP) and lived in Buenos Aires from 1986 to 1993, city to which she returned in 2007, until 2010.
She also lived in London, England from 2000 to 2001. Since 2002 she has participated in group and solo exhibitions in San
Pablo (Centro Universitário Maria Antônia, 2002, 2003 y 2005; Centro Cultural São Paulo, 2003; SESC, 2003, 2004 y 2005;
Museu de Arte Contemporânea da USP, 2005; Instituto Itaú Cultural, 2006; among others, for which she was awarded the
Prêmio Incentivo Visualidade Nascente – 13° Projeto Nascente-USP, 2003 and the Prêmio Aquisição - 32º Salão de Arte Contemporânea de Santo André, 2004; as well as other venues in Brazil, such as the Casa da Cultura da América Latina, in Brasilia,
2005; Museu de Arte de Contemporânea de Fortaleza – Dragão do Mar, in Ceará, 2006; and the Paço Imperial in Rio de Janeiro,
2006. She participated in the Los Vinilos exhibition at the Royal Academy of Arts in London, 2008, and had a solo show at the
Centro Cultural de España en Buenos Aires, in Argentina, 2006-2007. She participated in two independent intiatives: the Lord
Palace Hotel exhibition, which occupied an inactive hotel in downtown San Pablo, 2004, and an intervention in an empty house
in the Morumbi neighborhood in San Pablo, 2007. In 2006, she participated in the Rumos – Artes Visuais project, organized by
the Instituto Itaú Cultural. The same year, she participated the El Basilisco artists’ residency in Buenos Aires, by way of a grant
from the Fundación Iberê Camargo, in Porto Alegre, Brasil, during which she carried out interventions in public spaces.
Jaime Gamboa Palacios was born in Bogota, Colombia in 1981. He studied at the Universidad de los Andes and received his
Master's degree in Visual Arts in addition to electives in Art History and Architecture. Since 2002 he has participated in exhibitions, among which the following can be highlighted: Ideografismos, Universidad de los Andes in 2003; Bordes del dibujo at
MamBo in 2004; thesis show at the MAC in Bogotá. In 2006 he received distinction as a finalist and was awarded an Honorable
Mention in the 1ª. Bienal de dibujo Rafael Cauduro in Tijuana, Mexico. In 2007 and 2008 he participated in the Artecámara
research project by young artists, and in group shows including III salón de arte joven at the club El Nogal, 2007; La línea continua, at the Cámara de Comercio de Bogotá, 2008; Territorios dibujados, Cuestión de corazón at Galería El Museo, 2008 and at
Galería Fernando Pradilla in the Proyectos space in Madrid, 2008. His current work deals with the practice of drawing and with
the boundaries between drawing and painting.
Jaime Gili was born in 1972 in Caracas, Venezuela. He studied at Prodiseño in Caracas and later at the Universidad de
Barcelona, where he completed a Doctorate in 2001 on the theme of “Repetition”. In London he received a Master’s degree
from the Royal College of Art in 1998. Jaime Gili’s work has been widely exhibited in galleries, and currently, primarily in the
form of interventions in public spaces which for some continue the intervention tradition initiated in Venezuela during the
‘50s. According to curator Jesús Fuenmayor, Gili’s work looks “as if a bomb had been thrown at a Cruz-Diez”, a continuation of the
peripheral abstract tradition, but with less politicking. Among his recent shows, special mention can be given to a seven-story
painting-installation at Bloomberg, in London, a solo show at the Kunsthalle Winterthur in Switzerland and “Expander” at the
Royal Academy of the Arts in London in 2004 and the biggest painting ever made, on 16 storage tanks in Portland, USA, visible
by land, sea, air and satellite. His work can be found in collections such as Banco Mercantil in Caracas and Saatchi Gallery in
London. He has published numerous articles and chronicles in LAPIZ magazine. His work is represented by Riflemaker in London, Oficina#1 in Caracas and Alejandra von Hartz in Miami. He has lived in London since 1996.
Luis Guerra appears in Santiago de Chile in 1974. He holds a Master’s in Visual Arts. My statement says something like: I
believe in Bruce Lee’s definition regarding the (martial) Arts as honest self-expression to one’s self. I work on the basis of loss
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de Londres, en 2004 y la pintura más grande jamás realizada, en 16 tanques de almacenamiento en Portland, EEUU, visible
por tierra, mar, aire y satélite. Su obra está presente en colecciones como Banco Mercantil, Caracas y Saatchi Gallery, Londres.
Ha publicado numerosos artículos y crónicas en la revista LAPIZ. Su obra es representada por Riflemaker en Londres,
Oficina#1 en Caracas y Alejandra von Hartz en Miami. Vive en Londres desde 1996.
Luis Guerra aparece en 1974 en Santiago de Chile. Magister en Artes Visuales. Mi statement dice algo así como: Creo en la
definición de Bruce Lee acerca de que las Artes (Marciales) son expresarse a sí mismo honestamente. Trabajo desde la pérdida como metodología de producción. Uso todos los medios necesarios, sin distinciones panfletarias o autoritarias. Hago
dibujos, performances, pinturas, disposiciones espaciales, objetos, cosas de arte. Me gusta pensar en las relaciones entre
acontecimientos efímeros y massmediatización. Creo que mi producción intenta desmantelar la sincronización emocional, a
través de la simple presencia de la cosa arte. He mostrado en Beijing, Masterton, Hamburgo, Londres, Rotterdam, Madrid,
Buenos Aires, Bogotá, Sao Paulo, y Santiago.
Guga (Gustavo Ferraz) Nació en 1974 en Río de Janeiro, Brasil. En 1992 ingresa en el curso de Arquitectura (Facultade
Federal de Río de Janeiro), transfiriéndose al curso de Escultura (Escola de Belas Artes) de la misma universidad en 1996,
finalizando en el año 2001. En 1999 desarrolla su primer trabajo de interferencia pública integrando el colectivo de arte
ATROCIDADES MARAVILHOSAS, iniciando una serie de intervenciones en el contexto urbano, con proyectos que se realizan
teniendo como soporte la cotidianeidad de la ciudad y su problemática. “No preguntamos si lo que vemos es arte. Preguntamos sobre aquello que vemos” dijo Ruben Pileggi sobre el trabajo de Guga.
Pablo Guiot nació en 1972 en Tucumán, Argentina. Egresó de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de
Tucumán y de la Licenciatura en Artes en la Facultad de Artes de la U.N.T. Formó parte del grupo "El Ingenio" Realizó
numerosas muestras individuales y grupales en Tucumán, Argentina, e internacionalmente. Obtuvo las siguientes distinciones: 2º Premio Salón de la Universidad, Tucumán, 2005; Beca de Perfeccionamiento para artistas del interior del País del
Fondo Nacional de las Artes, Encuentros de Producción y Análisis de Obra para Jóvenes Artistas del N.O.A, organizado por
Fundación Antorchas, a cargo de Pablo Siquier y Graciela Sacco, 2001; Becario en "Encuentros de análisis de obra", organizados por Trama en la ciudad de Rosario, 2000. Vive y trabaja en Tucumán.
Felice Hapetzeder nació en 1973 en Estocolmo, Suecia. Entre sus exposiciones individuales se encuentran Record Construct,
Estambul ECoC, 2010; There and here #4, wip:konsthall, Estocolmo; Koh-i-Noor gallery, Copenhagen, 2008; Gallery Bastard,
Estocolmo; Verkligheten, Umeå, 2007. Entre otras exposiciones participó en Crosstalk video art festival III, Budapest, Hungría,
2010; Videoformes, Videobank, Clermont-Ferrand. SFC - Shoah film collection, Cologne, 2010; Uppsala Art Museum, Uppsala,
2009; Europa Neurotisch #2, Petersburg project space, Amsterdam, 2009; Tempo documentary festival, Estocolmo, 2009;
MidEast Cut, Copenhagen. Lens Politica, Helsinki, 2009; There and here #1, wip: konsthall, Estocolmo, 2008; 10th Istanbul
biennial Nightcomers, Estambul, 2007; AluCine Latin Media Festival, Toronto, 2007; Canal Plus at Wilma Gold, Londres; La ciudad y el Barrio, 2a parte, Fundación Proa, Buenos Aires; Privat, personligt, gemensamt, Länsmuseet Västernorrland. Beyond
the Pale (Non Stop Video Weekend), Konstnärshuset, Estocolmo, 2006; Stockholm special, Live streaming, Park 4DTV; Index
guest session at Trafo Gallery, Budapest; Resor, platser och hundar, Länsmuseet i Västernorrland; Please Disturb! Svensk
Form, Skeppsholmen, Estocolmo e intinerante exhibición, 2005; Östersund video festival. Sub Urbia touring exhibition, Stockholm
läns museum; Arghh, Edsvik konst och kultur, 2003; Hortus Ludi, Marres, Maastricht, 2002; Liljevalchs Vårsalong, Estocolmo,
2002; Blick, New Nordic Film and Video, exhibición itinerante. Kunstmuseum Liechtenstein et.c. 2002; Moderna Museet et.c.
2001. Selección de gestión de proyectos: Director de Arte, Tensta konsthall, 2010; Local A. (Bygg Rec Tensta Konsthall /Record
Construct ECoC Istanbul), 2009; Klinik workshop ak28 gallery, 2006. Upcoming – Buenos Aires simposio, 2005; acción de J.
Tobias Andersson, ak28; 50/50 con Anders Smedbye, Bella Rune, Marius Engh y Johannes Heldén, ak28. Es co-fundador y
gerente de proyectos de ak28, un espacio y red dirigido por artistas, 2003-2008. Vive en Estocolmo.
Renaud Herbin es Diplomado de l’Ecole Supérieure Nationale des Arts de la Marionnette de Charleville-Mézières, 1999.
Fundó junto a Julika Mayer y Paulo Duarte la compañía LàOù – marionnette contemporaine. Realizador e intérprete de PYGMALION miniature, 2011; Lopin, 2008; Mitoyen, 2006; Vrai! Je suis très nerveux, 2003; Les grands poissons mangent les
petits, 2002; Petits Chaos, 2000 y Un Rêve, 1999. Desarrolló entre 2003 y 2008 el proyecto Centres Horizons junto al
videasta Nicolas Lelièvre: espectáculos y films de animación de autor sobre cuestiones de urbanismo en territorios de Rennes
Métropole, Buenos Aires, Berlín (Villa Médicis Hors-les-murs, 2004).
Nicolas Lelièvre nació en 1975 en Rennes, Francia. Después de graduarse como arquitecto en 2001, rápidamente se volcó a
la creación de imágenes, convencido de que tanto el video como la fotografía son medios privilegiados para examinar las relaciones entre tiempo y espacio. Sus frecuentes viajes a ciudades como Berlín, Buenos Aires o Lisboa, junto con el marionetista
Renaud Herbin, son ocasiones para jugar con la percepción y la representación de los espacios urbanos. En 2010, comienza
un nuevo ciclo de residencias entre Tokyo (Tokyo Wonder Site) y Paris (le Cent Quatre) y desarrolla nuevas ideas sobre
as my methodology of production. I use all means necessary, without demagogic or authoritarian distinctions. I make drawings,
performances, paintings, spatial arrangements, objects and art things. I like to think about the relationship between ephemeral
occurrences and mass-media processes. I believe that my production attempts to dismantle emotional synchronization by way
of the mere presence of an art thing. I have exhibited in Beijing, Masterton, Hamburg, London, Rotterdam, Madrid, Buenos
Aires, Bogota, San Pablo and Santiago.
Guga (Gustavo Ferraz) was born in 1974 in Río de Janeiro, Brazil. In 1992 he began studies in Architecture (Facultade Federal
de Rio de Janeiro), changing to studies in Sculpture (Escola de Belas Artes) at the same university in 1996, finalizing in the
year 2001. In 1999 he developed his first instance of public interference as member of the ATROCIDADES MARAVILHOSAS
art collective, initiating a series of interventions in an urban context with projects carried out using everyday city life and its
problems as their support. Regarding Guga’s work, Ruben Pileggi said “we don’t ask whether or not what we see is art. We
ask about what it is that we see.”
Pablo Guiot was born in 1972 in Tucumán, Argentina. He graduated from the Escuela de Bellas Artes at the Universidad
Nacional de Tucumán and holds an Arts degree from the U.N.T.'s Arts Faculty. He was a member of the artist’s group "El Ingenio". He has participated in numerous group and solo exhibitions in Tucumán, Argentina and abroad. He has been awarded the
following distinctions: 2nd Prize, Salón de la Universidad, Tucumán, 2005, Advanced Study Grant for artists from the provinces,
Argentina, from the Fondo Nacional de las Artes, Encuentros de Producción y Análisis de Obra para Jóvenes Artistas del N.O.A,
organized by Fundación Antorchas, led by Pablo Siquier and Graciela Sacco, 2001, Encuentros de análisis de obra, grant, organized
by Trama in the city of Rosario, 2000. He lives and works in Tucumán.
Felice Hapetzeder was born in 1973 in Stockholm, Sweden. His solo shows include Record Construct, Istanbul, ECoC, 2010;
There and here #4, wip:konsthall, Stockholm, Koh-i-Noor gallery, Copenhagen, 2008; Gallery Bastard, Stockholm; Verkligheten,
Umeå, 2007. Other exhibitions in which he has participated include: Crosstalk video art festival III, Budapest, Hungary, 2010;
Videoformes, Videobank, Clermont-Ferrand. SFC - Shoah film collection, Cologne, 2010; Uppsala Art Museum, Uppsala, 2009;
Europa Neurotisch #2, Petersburg project space, Amsterdam, 2009; Tempo documentary festival, Stockholm, 2009; MidEast
Cut, Copenhagen. Lens Politica, Helsinki, 2009; There and here #1, wip: konsthall, Stockholm, 2008; 10th Istanbul biennial
Nightcomers, Istanbul, 2007; AluCine Latin Media Festival, Toronto, 2007; Canal Plus at Wilma Gold, London; La ciudad y el
Barrio, 2a parte, Fundación Proa, Buenos Aires; Privat, personligt, gemensamt, Länsmuseet Västernorrland. Beyond the Pale
(Non Stop Video Weekend), Konstnärshuset, Stockholm, 2006; Stockholm special, Live streaming, Park 4DTV; Index guest session
at Trafo Gallery, Budapest; Resor, platser och hundar, Länsmuseet i Västernorrland; Please Disturb! Svensk Form, Skeppsholmen,
Stockholm and touring exhibition, 2005; Östersund video festival. Sub Urbia touring exhibition, Stockholm läns museum;
Arghh, Edsvik konst och kultur, 2003; Hortus Ludi, Marres, Maastricht, 2002; Liljevalchs Vårsalong, Stockholm, 2002; Blick,
New Nordic Film and Video, touring exhibition. Kunstmuseum Liechtenstein et.c, 2002; Moderna Museet et.c. 2001; Project
manager (selection): Art director, Tensta konsthall, 2010; Local A. (Bygg Rec Tensta Konsthall /Record Construct ECoC Istanbul),
2009; Klinik workshop, ak28 gallery, 2006. Upcoming – Buenos Aires symposium, 2005; Action by J Tobias Andersson ak28;
50/50 with Anders Smedbye, Bella Rune, Marius Engh and Johannes Heldén, ak28. He is co-founder and project manager at
ak28, an artist-run gallery and network, 2003-2008. He lives in Stockholm.
Renaud Herbin holds a degree from the l’Ecole Supérieure Nationale des Arts de la Marionnette de Charleville-Mézières, 1999.
He is co-founder along with Julika Mayer and Paulo Duarte of the LàOù – marionnette contemporaine company. He is the creator and interpreter of PYGMALION miniature, 2011; Lopin, 2008; Mitoyen, 2006; Vrai! Je suis très nerveux, 2003; Les grands
poissons mangent les petits, 2002; Petits Chaos, 2000 and Un Rêve, 1999. From 2003 to 2008 he jointly developed the Centres Horizons project with video artist Nicolas Lelièvre: shows and animated art films on urban issues in the territories of the
Rennes Métropole, Buenos Aires, Berlin (Villa Médicis Hors-les-murs 2004).
Nicolas Lelièvre was born in 1975 in Rennes, France. After graduating as an architect in 2001, quickly turned to image creation, as he believed video and photography represented privileged means to examine the relationships between time and
space. His frequent trips to cities such as Berlin, Buenos Aires or Lisbon together with puppeteer Renaud Herbin are occasions
to play with perception and representation of urban spaces. In 2010, Nicolas Lelièvre starts a new cycle of residencies
between Tokyo (Tokyo Wonder Site) and Paris (le Cent Quatre) and develops new ideas about mouvement, duration and space
within pictures. Nicolas Lelièvre also regularly works as a videographer for theater and dance companies. He lives in Paris.
Alexa Horochowski. Raised in the Patagonia of Argentina, at the age of ten I emigrated to the United States along with my
family. I spent my formative years in a small, Midwestern town and went on to study journalism and creative writing at the
University of Missouri. In 1996 I completed an MFA degree at the University of Michigan, Ann Arbor. Since then, my art practice has expanded to include sculpture, painting and video. In Minnesota I have done solo exhibitions at the MAEP Galleries at
the Minneapolis Institute of Arts, The Soap Factory, and Franconia Sculpture Park. I have also exhibited at Praxis, New York,
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movimiento, duración y espacio entre imágenes. Nicolas Lelièvre regularmente trabaja como videasta para compañías de
teatro y danza. Vive en Paris.
Alexa Horochowski crecí en la Patagonia Argentina, emigré junto a mi familia a los EEUU a los diez años de edad. Pasé mis
años de formación en una pequeña ciudad del medio oeste y luego me trasladé a estudiar periodismo y letras a la Universidad de Missouri. En 1996 completé mi grado de MFA en la Universidad de Michigan, Ann Arbor. Desde entonces, mi
práctica artística se expandió hasta incluir escultura, pintura y video. En Minnesota expuse individualmente en MAEP Galleries
en el Minneapolis Institute of Arts, en The Soap Factory, y en Franconia Sculpture Park. También expuse en Praxis, New
York, and Braga Menéndez Arte Contemporáneo, Buenos Aires. Soy Associate Professor de escultura, en St. Cloud State
University, Minnesota. EE.UU.
Aurelio Kopainig nació en 1979 en Gais, Suiza. Estudió en la Escuela de arte y diseño en Zürich, la Gerrit Rietveld Academie
en Amsterdam y en el San Francisco Art Institute. Participó en AIAS workshops en la Kaywon School of Art & Design, Seoul,
2002 y en la residencia Re:Location Academy en el Casino Luxembourg, 2004. Entre otros lugares, expuso en Holanda, Alemania, Reino Unido, Luxemburgo, Kosovo, China y Argentina. Sus películas fueron presentadas en festivales en San Francisco,
Busan y Toronto entre otros. Exposiciones indiduales: Galerie Hans-Trudel-Haus en Baden, Suiza, 2006; Crecimiento y Memoria, Kopainig-Mensch, Museo de Ciencias Naturales Bernardino Rivadavia, Buenos Aires, 2007; Substitut, Berlin, 2008 and
Seconda Natura, I Sotterranei dell’Arte en Monte Carasso, Suiza, 2009. En conjunto con el colectivo de artistas Palatti, organizó y participó en residencias y exposiciones en Berlin, Pristina, Chongqing y recientemente en Buenos Aires, Salón fabril –
Palatti en Buenos Aires. Actualmente está trabajando junto al colectivo Bicente, y participó en sus exposiciones recientes
Parada Quebrada, en el Museo Arqueológico Dr. Eduardo Casanova y el Museo de Pintura Regional José A. Terry en Tilcara.
Vive en Berlín y Buenos Aires.
Runo Lagomarsino nació en 1977 en Malmo, Suecia. Obtuvo su MFA de la Malmö Art Academy, Suecia, 2003. Participó en
The Whitney Independent Study Program, Nueva York entre 2007 y 2008. Trabajando en diferentes medios como video,
dibujo, objetos y fotografía, explora en su práctica artística las condiciones en las cuales creamos el mundo (y la palabra) en
que vivimos. Con su obra explora cómo el entorno político y social se desarrolló a través de diferentes procesos históricos y
discursivos, generando representaciones y metáforas desde las cuales leemos y releemos la historia y la sociedad. Sus
exposiciones recientes incluyen: Las Casas Is Not a Home, Elastic, Malmö; The Travelling Show, Colección Jumex, México,
2010; Report on Probability, Kunsthalle Basel, Basel; Read Thread, Tanas, Berlín; Free as Air and Water, Cooper Union, Nueva
York; Panorama da Arte Brasiliera, Museu De Arte Moderna, San Pablo; 2da Trienal Poli/Gráfica de San Juan, Puerto Rico,
2009; Ours: Democracy in the Age of Branding, New School, Parsons, Nueva York; The 7Th Gwangju Biennale Gwangju; Try
again, fail again, fail better, Mucsarnok Kunsthalle, Budapest; Whitney Independent Study Program Exhibition, Nueva York,
2008; Imagine Action, Lisson Gallery, Londres; Ground Lost, Galerija Nova, Zagreb, 2007.
Núria Marquès nació en 1975 en Barcelona. Estudio Bellas Artes en la Universidad de Barcelona. Completó sus estudios con
estadías en las universidades de Nottingham Trent, Chelsea y London Institute en Inglaterra y Saint Etienne en Francia. Luego
realizó un doctorado en pintura en la Universidad de Barcelona. Entre otras, participó en las siguientes exposiciones, Festival
Loop, Barcelona, 2008; The Unfairy Landscapes, Galeria Maior, Palma de Mallorca, Cosas Humanas Impex Gallery, Budapest;
Biennal Turku Turun Finlandia; Aquí y Ahora, Alcalá 31, Madrid; Take me with you 160 Loewe, Círculo de Bellas Artes, Madrid;
Festival de photo et video, Biarritz; Souvenirs Feria ARCO 2006 con la Galería Llucià Homs, Barcelona; Feria Loop, con la
Galería Llucià Homs, Barcelona; Los géneros, Historias diferidas en Alcala 31 (Madrid), VIDEOMIXacción vs. en La Casa Encendida,
Madrid, 2006; BIZART, Shangai, 2005, e Indisciplinados en el MARCO (Museo de Arte Contemporáneo de Vigo, Galicia), 2003.
Alejandra Montiel nació en 1979 en Córdoba, Argentina. Graduada en pintura en la Escuela de artes de la Universidad
Nacional de Córdoba. Lleva adelante diferentes actividades y exposiciones desde el año 2000 junto al colectivo de artistas
“Grup00” en Córdoba y Buenos Aires. Una de las últimas exposiciones del grupo se llamó Boom, tuvo lugar en el Centro
Cultural de España, en Córdoba, 2004.
Victor Muñoz vive y trabaja en Medellín, Colombia. En el año 2007 participó en el evento MDE07 - Prácticas Artísticas Contemporáneas, donde bajo el eje curatorial “residentes urbanos” realizó el proyecto Maestros de obra. Ha participado además
en exhibiciones en el Museo del Banco de la República de Colombia, el Museo de Arte Moderno de Medellín, y el Museo de
Arte Contemporáneo, entre otros. En 2005 participó en UNIDEE, en la fundación Cittadellarte en Italia, este mismo año realizó
proyectos en el espacio público en Torino y Milán.
Bjargey Ólafsdóttir nació en 1972 en Reykjavík, Islandia. Su arte no está confinado a un único medio, sino que más bien, cada
una de sus concepciones requiere una herramienta diferente: film, arte sonoro, performance, dibujo y fotografía. Sus obras
son narrativas por naturaleza, contando historias sobre mujeres dentistas aburridas, estrellas de rock en Japón y mujeres que
pueden ver más allá del futuro. Sus obras a veces dan miedo, aunque bellas, y siempre desbordantes de humor y picardía. Su
and Braga Menéndez Arte Contemporáneo, Buenos Aires. I am Associate Professor of sculpture at St. Cloud State University, Minnesota, USA.
Aurelio Kopainig was born in Gais, Switzerland (1979). He studied at the School of Art and Design in Zürich, the Gerrit Rietveld
Academie in Amsterdam and at the San Francisco Art Institute. He participated in the AIAS workshops at Kaywon School of Art
& Design, Seoul (2002) and the residency “Re:Location Academy” at Casino Luxembourg (2004). His shows include exhibitions
in the Netherlands, Germany, Luxembourg, the UK, Kosovo, China and Argentina. Films have been screened on festivals in San
Francisco, Busan and Toronto among others. Individual exhibitions: Galerie Hans-Trudel-Haus in Baden, Switzerland (2006),
Crecimiento y Memoria, Kopainig-Mensch, Museo Argentino de Ciencias Naturales Bernardino Rivadavia in Buenos Aires
(2007), Substitut, Berlin (2008) and “Seconda Natura”, I Sotterranei dell’Arte in Monte Carasso, Switzerland (2009). Together
with the artist-run network Palatti he organized and participated in residencies and exhibitions in Berlin, Prishtina, Chongqing
and recently in Buenos Aires: “Salón Fabril – Palatti en Buenos Aires”. He’s also working together with the artist-run group
“Bicente“ and showed in their recent exhibition “Parada Quebrada” at the Museo Arqueológico Dr. Eduardo Casanova and the
Museo de Pintura Regional José A. Terry in Tilcara. He lives in Berlin and Buenos Aires.
Runo Lagomarsino was born in 1977 in Malmo, Sweden. He obtained a MFA degree (Malmö Art Academy, Sweden) in 2003. He
participated in The Whitney Independent Study Program in New York, 2007-8. Working in different media such as video,
drawing, objects and photography, in his art practice he explores the conditions in which we create the world (and the word)
we live in. His work explores how the political and social environment have developed through different historical and discursive processes, generating representations and metaphors on which we base our reading and re-reading of history and society.
Recent exhibitions include: Las Casas Is Not a Home, Elastic, Malmö; The Travelling Show, Colección Jumex, Mexico City, 2010;
Report on Probability, Kunsthalle Basel, Basel; Read Thread, Tanas, Berlin; Free as Air and Water, Cooper Union, New York;
Panorama da Arte Brasiliera, Museu De Arte Moderna, San Pablo; 2da Trienal Poli/Gráfica de San Juan, Puerto Rico, 2009; Ours:
Democracy in the Age of Branding, New School, Parsons, New York; The 7Th Gwangju Biennale Gwangju; Try again, fail again,
fail better, Mucsarnok Kunsthalle, Budapest; Whitney Independent Study Program Exhibition, New York, 2008; Imagine Action,
Lisson Gallery, London and Ground Lost, Galerija Nova, Zagreb, 2007.
Núria Marquès was born in Barcelona in 1975. She studied Fine Arts at the Universidad de Barcelona. She completed her
degree with stays at the universities of Nottingham Trent, Chelsea and London Institute in England and Saint Etienne in France.
She completed her Doctorate program for Painting at the Universidad de Barcelona, DEA (Advanced Studies Diploma). She participated in the following exhibitions: Festival Loop 2008, Barcelona; The Unfairy Landscapes, Galeria Maior, Palma de Mallorca;
Cosas Humanas, Impex Gallery, Budapest; Biennal Turku Turun Finland; Aquí y Ahora, Alcalá 31, Madrid; Take me with you
160 Loewe, Círculo de Bellas Artes, Madrid; Festival de photo et video, Biarritz, France; Souvenirs at the ARCO 2006 Fair with
Galería Llucià Homs from Barcelona; Feria Loop, with Galeria Llucià Homs, Barcelona; Los géneros, Historias diferidas in Alcala
31 (Madrid), VIDEOMIXacción vs. at La Casa Encendida, Madrid, 2006; BIZART, Shangai, 2005; and Indisciplinados at the
MARCO_Museo de Arte Contemporáneo de Vigo, Galicia, 2003.
Alejandra Montiel was born in 1979 in Córdoba, Argentina. She holds a degree in Painting (Escuela de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba). She has carried out different shows and activities since 2000 with the "Grup00" artists' collective
in Córdoba and Buenos Aires. Among her group shows, Boom was a joint intervention along with Grup00 at the Centro Cultural de España, in Córdoba (2004).
Victor Muñoz lives and works in Medellin, Colombia. In 2007 he participated in the event MDE07 – Prácticas Artísticas Contemporáneas, where he carried out the Maestros de obra project within the framework of curatorial “urban residents”. He has
participated in other exhibitions at the Museo del Banco de la República de Colombia, the Museo de Arte Moderno de Medellín,
and the Museo de Arte Contemporáneo, among others. In 2005 he participated in UNIDEE at the Fundación Cittadellarte in
Italy, and that same year he carried out projects in public spaces in Torino and Milan.
Bjargey Ólafsdóttir was born in 1972 in Reykjavik, Iceland. The art of Ólafsdóttir is not confined to a single medium as each
of her concepts calls for a different tool: film, sound art, performance, drawing and photography. Her works are narrative by
nature, telling stories of bored female dentists, rock stars in Japan and women that can see into the future and beyond. Her
works are sometimes scary, yet beautiful and always brimming with humor and playfulness. Her practice reveals a collection of symbols that seem to have come into being either in the artist’s dreams, or by entering her consciousness at the
moment between sleep and waking.
Julieta Ortiz de Latierro was born in Barhía Blanca, Argentina in 1979. She graduated from the Escuela Nacional de Bellas
Artes Prilidiano Pueyrredón in Buenos Aires in 2002. She studied printmaking at the London Print Studio in 2003. She
attended clinics run by Diana Aisenberg, 2005-7. She was an intern at the Centro de Investigaciones Artísticas. She was
selected to participate in LIPAC, Laboratorio de Investigaciones Artísticas (2009) and Clinicas de Artes Visuales at the Centro
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práctica revela una colección de símbolos que parecen provenir tanto de los sueños de la artista, como de su conciencia en
un momento entre el sueño y la vigilia.
Julieta Ortiz de Latierro nació en 1979 en Bahía Blanca, Argentina. Egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano
Pueyrredón, Buenos Aires, 2002. Realizó cursos de grabado en el London Print Studio, Londres, 2003. Asistió a las clínicas de
obra a cargo de Diana Aisenberg, 2005- 2007. Fue becaria del Centro de Investigaciones Artísticas. Fue seleccionada para
formar parte del LIPAC, Laboratorio de Investigaciones Artísticas (2009) y de las Clínicas de Artes Visuales, Centro Cultural
Ricardo Rojas (2006). Participó del Programa de Residencias para Artistas de Lugar a Dudas, Cali, Colombia (2007). Entre
otras exposiciones, participó en: Movimientos, AP BA; Vis a Vis, Centro Cultural Borges, Bs. As.; Muestra de becarios 20092010, Centro de Investigaciones Artísticas, Bs. As.; KDA Sonoro, Jardín Oculto; Bicentenario: ¡Ahora o nunca!, Oficina Proyectista, 2010. Obtuvo el Tercer Premio en Premio Proyecto A (2006) y una Mención en el 21 Concurso de Video Georges- Méliès
2003, Alianza Francesa de Buenos Aires. Vive en Buenos Aires.
Gregor Passens nació en 1974 en Alemania. Estudió en la Akademie der Bildenden Künste München y obtuvo su Diploma en
el año 2002. En el mismo año recibió la Beca anual de Intercambio Académico (DAAD) para Buenos Aires, Argentina. En el
2005 hasta 2006 estuvo en la Residencia de artistas internacionales en Villa Concordia, Bamberg. En 2006 obtuvo una beca
en Nueva York, EE.UU. Y desde el 2007 trabaja en la Akademie der Bildenden Künste en Munich. Passens ha desarrollado la
facultad de crear obras monumentales, sencillas pero impresionantes, con materiales industriales de los que saca partido de
forma eficaz y poética. Vive y trabaja en Munich y en Buenos Aires.
Anu Pennanen graduada de la Academia de Bellas Artes de Helsinki, Finlandia, donde vive actualmente. Su trabajo como
artista se refiere al espacio público urbano y su relación con el cine y los medios. Su proceso es a menudo site-specific, y
muchas veces trabaja en conjunto directamente con la gente: espejos e investigadores del entorno construido en sus trabajos.
Trabaja frecuentemente en colaboración con músicos experimentales.
Olivia Plender recurre a la historia social y la historiografía en sus instalaciones de video, performances y publicaciones, para
tratar temas que abarcan desde la historia del sistema financiero mundial hasta diferentes movimientos sociales y religiosos.
Un proyecto individual reciente titulado Aadieu Adieu Apa (Goodbye Goodbye Father) en Gaswoks Gallery en Londres (2009),
profundiza en la historia de los espectáculos masivos públicos y su relación con la soberanía como forma de interrogar los
métodos y las maneras de registrar, interpretar y relatar eventos históricos. Enfocándose en la exhibición sobre el Imperio
Británico llevada a cabo en Wembley (un suburbio del oeste de Londres) en 1924, la instalación habla de la construcción de la
identidad nacional inglesa tanto como las facetas teatrales y ritualistas de la política británica de hoy. Es un tema que ella
había abordado anteriormente en una obra sobre el Kibbo Kift Kindred titulada Machine Shall be the Slave of Man, but We
Will Not Slave for the Machine. Ese movimiento de jóvenes británicos existió entre 1920 y 1951 y se radicalizó durante la
crisis económica de los años 30, convirtiéndose en un movimiento nacionalista de reforma monetaria que se llamaba ‘The
Green Shirts’. Mientras tanto, trabaja con There is No Alternative (TINA), un proyecto curatorial reciente, cuyo título proviene
del discurso infame de Margaret Thatcher sobre el capitalismo de libre mercado, en el que explora los efectos del sistema
financiero en el ámbito de la representación.
Sara Ramo nació en 1975 en Madrid, España. Se graduó en Artes Plásticas en 2003 por la Univerdade Federal de Minas
Gerais, Brasil. Ha participado recientemente en exposiciones como la 53° Bienal de Venecia. Entre sus exhibiciones individuales se destaca Movable Plans en The Photographer’s Gallery, Londres. En los últimos años su trabajo circuló por lugares
como el MAM de São Paulo; York Quay Gallery en Toronto y el Palazzo delle Arti di Napoli, entre otros. Obtuvo algunos
premios como la Bolsa Pampulha en 2004 y el premio Marco Antonio Vilaça para as Artes Plásticas en Brasil, 2007. Vive y
trabaja en Belo Horizonte.
Thomas & Renee Rapedius Este dúo alemán trabaja con un género de la historia del arte muy antiguo: el paisaje. Con instalaciones, objetos y dibujos los artistas crean no sólo paisajes rurales, sino también escenarios urbanos que subvierten las
expectativas usuales del género. Sus piezas sorprenden con imitaciones humorísticas de composiciones o estructuras naturales, y emanan al mismo tiempo una poesía simple. En sus dibujos, objetos e instalaciones emplean un método de trabajo
“como encontrado”. Generalmente, utilizan materiales de fácil disponibilidad para crear sus ambientes, muchas de sus piezas
están realizadas por adición serial de formas simples. Sus trabajos se expusieron en Nueva York, Santiago de Chile, Paris,
Ghent, Zurich, Hamburgo y Berlín, la ciudad en la que viven y trabajan.
Cintia Romero. Nací en 1976 en Ataliva, Santa Fe, Argentina. Desde el año 1998 desarrollo proyectos artísticos en diferentes
medios: fotografía, video, instalaciones y pintura. Mi trabajo ha sido expuesto en muchas ciudades argentinas, como así también en Brasil, Colombia, Cuba, Bolivia, Chile, México, EEUU, Canadá y Suecia. Recibí becas de la Secretaría de Cultura de la
Provincia de Santa Fe, Fundación Nuevo Banco de Santa Fe, Fondo Nacional de las Artes y Fundación Antorchas. En el 2005
fui invitada a participar de Perfil de Artista II en el CCEBA. Participé de las residencias: Ciudad de las Artes, Córdoba, 2007,
Cultural Ricardo Rojas (2006). She participated in the Lugar a Dudas artists’ residency program in Cali, Colombia (2007). Exhibitions she has participated in include: Movimientos, AP BA; Vis a Vis, Centro Cultural Borges, Bs. As.; Muestra de becarios 20092010, Centro de Investigaciones Artísticas, Bs. As.; KDA Sonoro, Jardín Oculto; Bicentenario: ¡Ahora o nunca!, Oficina Proyectista, 2010. She was awarded the Third Prize in Premio Proyecto A (2006) and a Mention in the 21 Concurso de Video
Georges- Méliès 2003, Alianza Francesa de Buenos Aires. She lives in Buenos Aires.
Gregor Passens was born in 1974 in Germany. He studied at the Akademie der Bildenden Künste München and received his
degree in 2002. That same year he was awarded an Annual Scholarship for Academic Exchange (DAAD) to be carried out in
Buenos Aires, Argentina. He participated in the international artists’ residency program at Villa Concordia, Bamberg in 2005-6.
In 2006 he received a grant to travel to New York. He has worked at the Akademie der Bildenden Künste in Munich since
2007. Passes has developed the ability to create monumental works that are simple yet very impressive using industrial materials that he capitalizes in an effective, poetic way. He lives in Munich and Buenos Aires.
Anu Pennanen graduated from the Academy of Fine Arts in Helsinki, Finland, where she is currently based. Her work as an
artist deals with urban public space and its relation to cinema and media. Her process is often collaborative and site-specific,
working directly with people who are the mirrors and investigators of the built environment in her works, frequently in collaboration with experimental musicians.
Olivia Plender draws on social history and historiography, within video installations, performances and publications, addressing subjects ranging from the history of the global financial system to social and religious movements. A recent solo project
titled ‘Aadieu Adieu Apa (Goodbye Goodbye Father)’, Gasworks Gallery, London, 2009, delves into the history of mass public
spectacle and its relationship to issues of sovereignty in order to interrogate the methods and approaches used to record,
interpret and recount historical events. By focussing on the British Empire exhibition that took place in the west London suburb
of Wembley in 1924, the installation addresses the construction of English national identity as well as theatricality and ritual
in contemporary British politics. It is a subject she addressed previously in a work about the Kibbo Kift Kindred titled Machine
Shall be the Slave of Man, but We Will Not Slave for the Machine. This British youth movement existed between 1920-1951 and
were radicalised during the economic crisis of the 1930’s into a nationalist monetary reform movement called ‘The Green Shirts’.
Meanwhile a recent curatorial project There is No Alternative (TINA), which takes it’s titled from Margaret Thatcher’s notorious
pronouncement on free-market capitalism, explores the effects of the financial system on the realm of representation.
Sara Ramo was born in 1975 in Madrid, Spain. She holds a degree in Visual Arts (Universidade Federal de Minas Gerais, Brazil,
2003). She has recently participated in exhibitions such as the 53rd Bienal de Venecia. Among her solo exhibitions, Movable
Plans at The Photographer’s Gallery, London deserves particular mention. In the past few years her work has circulated in venues
such as the MAM in San Pablo; York Quay Gallery in Toronto and the Palazzo delle Arti di Napoli, among others. She has
received prizes that include the Bolsa Pampulha (2004) and the Marco Antonio Vilaça para as Artes Plásticas prize in Brazil
(2007). She lives and works in Belo Horizonte.
Thomas & Renee Rapedius. This German duo works with a very old genre of art history: The landscape. With installations,
objects and drawings the artists create not only rural landscapes, but also urban scenarios that subvert the genre's usual expectations. Their pieces surprise with humorous imitations of natural compositions or structures, and radiate at the same time
uncomplicated poetry. In their drawings, objects and installations they employ an "as-found" working method. Generally, they
use easy available materials to create their environments, several of their pieces are made by serial adding of simple forms.
Their work has been shown in New York, Santiago de Chile, Paris, Ghent, Zurich, Hamburg and Berlin, the city in which they
live and work.
Cintia Romero. I was born in 1976 in Ataliva, Santa Fe, Argentina. Since 1998 I have been developing art projects in different
media: photography, video, installations and painting. My work has been shown in numerous Argentinean cities, as well as in
Brazil, Colombia, Cuba, Bolivia, Chile, Mexico, the U.S., Canada and Sweden. I have received grants from the Secretaría de Cultura de la Provincia de Santa Fe, Fundación Nuevo Banco de Santa Fe, Fondo Nacional de las Artes and Fundación Antorchas. In
2005 I was invited to participate in Perfil de Artista II at the CCEBA. I participated in the following residency programs: Ciudad
de las Artes, Córdoba, 2007, Batiscafo, Havana, 2008, Residencia Castagnino+MacRo, San Javier, 2010 and Terra Una, Liberdade MG, Brazil, 2011. I have also coordinated diverse curatorial projects and cultural management initiatives. I have been
part of the coordinating team of Germina Campos since 2005. I currently live and work in Santa Fe, and in my free time I travel
in search of new scenarios propitious to developing my work.
Pablo Rosales was born in Buenos Aires in 1977. He studied at the Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón and
attended clinics with Tulio de Sagastizábal. He participated in the Batiscafo residency program in Havana, Cuba, the Premio
arteBA-Petrobras 09 and obtained the First Prize in the Site-Specific Hotel Panamericano Bariloche competition in 2008. His
solo shows include: Formato Hogar, Jardín Oculto gallery, Buenos Aires, 2011; Del Pop al Op es la Nueva Idea Buena, Jardín
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Batiscafo, La Habana, 2008, Residencia Castagnino+MacRo, San Javier, 2010 y Terra Una, Liberdade MG, Brasil, 2011. También he coordinado diversos proyectos curatoriales y de gestión cultural. Desde el año 2005 formo parte del equipo coordinador de Germina Campos. Actualmente vivo y trabajo en Santa Fe, y en mi tiempo libre viajo en busca de nuevos escenarios para desarrollar mi obra.
Pablo Rosales nació en Buenos Aires en 1977. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, y asistió
a clínicas de obra con Tulio de Sagastizábal. Realizó la residencia Batiscafo en La Habana, Cuba, participó del Premio arteBAPetrobras 09, y obtuvo el Primer Premio Site Specific Hotel Panamericano Bariloche en 2008. Realizó las siguientes muestras individuales: Formato Hogar, Jardín Oculto galería, Buenos Aires, 2011, Del Pop al Op es la Nueva Idea Buena, Jardín
Oculto galería, Buenos Aires, 2010; El verdadero arte está en las calles, Proyecto Vidriera, Galería Isidro Miranda, Buenos
Aires 2007; Otro apuntalamiento a lo moderno, Espacio Vidriera, Centro Cultural de España, Buenos Aires, 2006; Hay que
pensar más antes de mostrar, Galería Belleza y Felicidad, Buenos Aires, 2004. Participó de muestras grupales como Gesto
Amplificado, C. C. Caixa Cultural Sao Paulo, Brasil, 2012 y Caixa Cultural de Río de Janeiro, 2012; ¿Por qué Pintura? Fondo
Nacional de las Artes, Buenos Aires, 2011; Punto, Línea, Curva, Galería Del Infinito, Buenos Aires, 2011; Documentos para un
Futuro Imperfecto, El Parqueadero, Museo del Banco de la República, Bogotá, 2011 y Fondo Nacional de las Artes, Buenos
Aires, 2010; Juste de Pasaje, Le 19 CRAC, Montbéliard, Francia, 2011; Lá, oú le diable perdit son poncho, 59, Rue de Rivolí,
París, Francia, 2010; Transfrontaliers, LE 19, CRAC, Montbéliard, Francia, 2010; Cuaresma, Barraçao Maravilla, Rio de
Janeiro, Brasil, 2010; Premio arteBA-Petrobras 09, Feria de galerías arteBA Buenos Aires, 2009; Primer Premio Hotel Panamericano, Hotel Panamericano, Bariloche 2008; Urbanidades, Centro Cultural Borges, Buenos Aires, 2008; In Situ, Barraçao
Maravilla, Río de Janeiro, Brasil, 2008; Ouro Sentimental, Museu de Arte Contemporánea de Niteroi, Rio de Janeiro, Brasil,
2008; Jardines de Mayo, Casa de la Cultura, Buenos Aires, 2006; 2-D, Centro Cultural Parque de España, Rosario, 2005. Vive
y trabaja en Buenos Aires.
Cristian Segura nació en 1976 en Tandil, Argentina. Sigue una línea de trabajo que comprende un rango de estrategias relacionadas con los mecanismos y la variabilidad del arte contemporáneo, siempre con un ojo crítico y reflexivo sobre el terreno
institucional. Su temprano interés en el arte lo llevó a hacer trabajo voluntario en museos a los catorce años de edad, y a convertirse así en coordinador de exhibiciones a los diecinueve años y director del Museo Municipal de Tandil a los veintitrés.
Asistió a talleres de Antoni Muntadas y Tania Bruguera. Obtuvo becas de residencia de Hangar, Barcelona, 2008; Batiscafo, La
Habana, 2008; y El Basilisco, Buenos Aires, 2006. Realizó exposiciones en Argentina, Chile, Uruguay, Brasil, Cuba, México,
EEUU, España, Italia y Holanda. Participó de la I Trienal de Chile 2009, en Argentina in Focus. Vizualizing the Concept en el
Art Museum of the Americas of the OEA, Washington DC, curada por Alma Ruiz, del Museum of Contemporary Art (MOCA), de
Los Angeles, EEUU, 2010. Vive en la ciudad de Tandil.
Carolina Senmartin nació en 1973 en Córdoba, Argentina. Egresó de la Escuela de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba, como licenciada en dibujo y pintura. Ha realizado muestras grupales e individuales en Córdoba y Buenos Aires. Fue
becaria del Fondo Nacional de las Artes en 2002 y 2003, concurriendo al taller de Mónica Girón. Participó de las Clínicas de
Análisis y Producción de obras de la Fundación Antorchas en Córdoba 2002 y 2003. Actualmente trabaja como docente en
la Escuela de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba y en la carrera de Fotografía de la Escuela Spilimbergo, Córdoba.
Vive y trabaja en Córdoba.
Pedro Sequeira. Nací en 1976 in Cinfães, Douro, Portugal. Estudié joyería en el Centro de Joalharia do Porto, Portugal desde
1995 hasta 1998. Después de un tiempo trabajando en mi propio estudio, viajé a Alemania en 2001, donde completé mis
estudios, el primer año como estudiante invitado at Akademie der Bildenden Künste München con el Prof. Otto Künzli, y
obtuve mi Diploma en 2007. Más tarde en el mismo año regresé a Porto a estudiar fotografía en el Instituto Português de
Fotografia. Participé en algunos talleres relevantes desde el año 2000, con profesores y maestros como Mona Hatoum, Otto
Künzi, Manuel Vikhena, Montenegro de Andrade, Mike goes West, Sabine Hauss y otros. Realicé exhibiciones y proyectos en
Portugal, España, Alemania, Argentina, Holanda, Suecia y Estonia.
Gabriel Sierra nació en 1975 en San Juan Nepomuceno, Bolívar, Colombia. Graduado como Diseñador Industrial, en la Universidad Jorge Tadeo Lozano en el año 2000, su trabajo se ha ubicado desde el comienzo de su carrera en un punto intersticial entre el arte y el diseño. Durante el año 2006 exhibió en forma individual los proyectos: Compuesto Verde (stepmothernature-series) en el Centre d’Art Contemporain de Brétigny, Brétigny- sur Orge. France, y Día de Frutas y Nubes Negras
(stepmothernature_series) en El Bodegón, Bogotá. En el año 2005 expone en la ciudad de París. También participó de importantes eventos colectivos en varias ciudades del mundo, en el 2006 participa del 40 Salón Nacional de artistas y en la
galería Or Gallery en Vancouver. En el año 2004 participa de la Bienal Internacional de Diseño en Saint–Etienne y en la
Galería de la Raza en San Francisco, California. En el año 1998 participa de la muestra New Designers, en el Business Design
Center en Londres. Vive y trabaja en Bogotá.
Oculto gallery, Buenos Aires, 2010; El verdadero arte está en las calles, Proyecto Vidriera, Galería Isidro Miranda, Buenos
Aires 2007; Otro apuntalamiento a lo moderno, Espacio Vidriera, Centro Cultural de España, Buenos Aires, 2006 and Hay que
pensar más antes de mostrar, Galería Belleza y Felicidad, Buenos Aires, 2004. He has participated in Group shows such as
Gesto Amplificado, C. C. Caixa Cultural San Pablo, Brazil, 2012 and Caixa Cultural de Rio de Janeiro, 2012; ¿Por qué Pintura?
Fondo Nacional de las Artes Buenos Aires, 2011; Punto, Línea, Curva, Galería Del Infinito, Buenos Aires, 2011; Documentos
para un Futuro Imperfecto, El Parqueadero, Museo del Banco de la República, Bogotá, 2011 and Fondo Nacional de las Artes,
Buenos Aires, 2010; Juste de Pasaje, Le 19 CRAC, Montbéliard, France, 2011; Lá, oú le diable perdit son poncho, 59, Rue de
Rivolí, Paris, France, 2010; Transfrontaliers, LE 19, CRAC, Montbéliard, France, 2010; Cuaresma, Barraçao Maravilla, Rio de
Janeiro, Brazil, 2010; Premio arteBA-Petrobras, 09, Feria de galerías ArteBA Buenos Aires, 2009; Primer Premio Hotel
Panamericano, Hotel Panamericano, Bariloche 2008; Urbanidades, Centro Cultural Borges, Buenos Aires, 2008; In Situ,
Barraçao Maravilla, Rio de Janeiro, Brazil, 2008; Ouro Sentimental, Museu de Arte Contemporánea de Niteroi, Rio de Janeiro,
Brazil, 2008; Jardines de Mayo, Casa de la Cultura, Buenos Aires, 2006; 2-D, Centro Cultural Parque de España, Rosario, 2005.
He lives and works in Buenos Aires.
Cristian Segura was born in Tandil, Argentina in 1976. He develops a line of work that includes a range of strategies related to
the variability of contemporary art and its mechanisms, always with a critical, reflexive view of the institutional realm. His
early interest in art led him to work in museums as a volunteer at the age of fourteen, to then become exhibitions coordinator
at nineteen and museum Director at the age of twenty-three. He has attended workshops by Antoni Muntadas and Tania
Bruguera. He was awarded residency grants from Hangar in Barcelona (2008); Batiscafo in Havana (2008) and El Basilisco in
Buenos Aires (2006). He has exhibited in Argentina, Chile, Uruguay, Brazil, Cuba, Mexico, USA, Spain, Italy and The Netherlands. He participated in the I Trienal de Chile (2009), and in Argentina in Focus. Vizualizing the Concept at the Art Museum of
the Americas of the OEA, Washington DC, curated by Alma Ruiz, from the Museum of Contemporary Art (MOCA), in Los Angeles, USA (2010). He lives in the city of Tandil.
Carolina Senmartin was born in 1973 in Córdoba, Argentina. Education: Graduate of the Escuela de Artes de la Universidad
Nacional de Córdoba, with degrees in Drawing and Painting. She has participated in solo and group exhibitions in the cities
of Córdoba and Buenos Aires, Argentina. She received grants from the Fondo Nacional de las Artes in 2002 and 2003 in
order to carry out advanced study with artist Mónica Girón. She participated in the Clínicas de Análisis y Producción de
obras, a program organized by Fundación Antorchas in Córdoba in 2002 and 2003. She is currently professor at the Escuela
de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba and professor in the Photography department at the Escuela Splimbergo in
Córdoba. She lives and works in Córdoba.
Pedro Sequeira. I was born in 1976 in Cinfães (Douro), Portugal. I studied jewelry design at the Centro de Joalharia do Porto,
Portugal from 1995 to 1998. After a short period working at my own workshop, I relocated in Germany in 2001. I spent one
year as an invited student at the Akademie der Bildenden Künste München with Prof. Otto Künzli, and then finished my studies
with a degree in January, 2007. In May that same year, I returned to Porto to study photography at the Instituto Português de
Fotografia. I participated in relevant workshops since 2000, with teachers and maestros such as Mona Hatoum, Otto Künzli,
Manuel Vilhena, Montenegro de Andrade, Mike goes West and Sabine Hauss, among others. I have exhibited and carried out
projects in Portugal, Spain, Germany, Argentina, The Nederlands, Sweden and Estonia.
Gabriel Sierra was born in San Juan Nepomuceno, Bolivar, Colombia in 1975. In 2000 he graduated from the Universidad
Jorge Tadeo Lozano as an Industrial Designer, and from the very outset of his career his work has articulated an intersection
between art and design. During 2006 he presented the solo exhibitions Compuesto Verde (stepmothernature-series) at the
Brétigny Centre d’Art Contemporain in Brétigny- sur Orge, France, and Día de Frutas y Nubes Negras (stepmothernature_series)
at El Bodegón in Bogotá. In 2005 he exhibited in Paris. He also participated in important group exhibitions in several cities
around the world, such as the Or Gallery in Vancouver, Canada in 2006 and the Salon Nacional in Colombia. In 2004 he participated in the International Design Bienal in Saint–Etienne and exhibited at the Galería de la Raza in San Francisco, California. In 1998 he participated in the New Designers exhibition at the Business Design Center in London, England. He lives and
works in Bogota.
Lila Siegrist was born in 1976 in Rosario, Argentina. Her background formation is in the visual arts, and she has developed
her work specifically in photography and video, operating on the border between documentary and fiction that these supports
tolerate. She received an artistic production grant from the Ministerio de Asuntos Culturales de Burdeos in order to participate
in a reciprocal residency program between Buy-Sellf / Zebra3 and El Basilisco; and an advanced study grant to attend the
I.C.P. in New York, among others. She has worked in artist-run spaces from 2003 to 2006. From 2007-2010 she ran the
Progama de Artes Visuales del Centro Cultural Parque de España de Rosario / AECID. She exhibits her work regularly. She
develops cultural projects related to the world of the visual arts.
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Lila Siegrist nació en 1976 en Rosario, Argentina. Posee formación de artista visual, ha desarrollado su trabajo especialmente
en fotografía y video, operando entre el mundo documental y ficcional que estos soportes toleran. Ha recibido becas de producción artística por el Ministerio de Asuntos Culturales de Burdeos para realizar una residencia de intercambio en Buy Self,
Zebra3/ El Basilisco; ha recibido una beca de perfeccionamiento para entrenamiento en I.C.P. , Nueva York, entre otras. Ha
trabajado en espacios autogestionados por artistas entre 2003 y 2006. Entre 2007 y 2010 llevó adelante el Programa de
Artes Visuales del Centro Cultural Parque de España de Rosario /AECID. Exhibe su trabajo a menudo. Desarrolla proyectos
culturales vinculados al mundo de las artes visuales.
Marcela Sinclair nació en 1968 en Buenos Aires, Argentina. Licenciada en Artes Visuales por el I.U.N.A. (2004). Realizó clínica
de obra con Tulio de Sagastizábal, fue becaria de las Clínicas del Rojas 2006, del L.I.P.A.C. 2008, del C.I.A. (con el colectivo La
Mudadora), y del Programa para Artistas de la Universidad Di Tella (beca parcial) en 2009. Cursó materias de Diseño Gráfico e
Historia y Teoría del Arte en la Universidad de Buenos Aires. Fue artista en residencia en El Basilisco, Avellaneda, 2008 y en
Lugar a Dudas, Cali, 2009. Desde 2005 participa activamente de la escena local exhibiendo su trabajo en exposiciones individuales y grupales en Buenos Aires y otras ciudades de Argentina. Sus prácticas incluyen dibujo, pintura, instalación, video,
intervenciones en el espacio público, obras en colaboración con otros artistas, formación de colectivos y docencia. Su obra,
próxima a tradiciones geométricas y conceptuales, forma parte de las colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes de Neuquén y del Museo de Arte Contemporáneo de Rosario. Vive y trabaja en Buenos Aires.
Traplev (Roberto Moreira Jr.) nació en 1977 en Caçador, Brasil. Además de ser artista, coordina las acciones de Traplev Orçamentos desde 2005, donde realiza seminarios, ediciones e impresos, curadurías y proyectos en colaboración. Desde 2002
edita Recibo, una publicación experimental de artes visuales de la que es editor responsable. Entre sus exhibiciones
recientes se destacan: validades e frustrações sala 5 - Prêmio Marcantonio Vilaça de Artes Plásticas – Funarte, Museu de Arte
de Santa Catarina (MASC), Florianópolis, 2011; Die Alsdehnung als Effekt, Montgomery, Berlin, open Studio, Lugar a dudas,
Cali, Colombia, 2009; À sombra do futuro, Instituto Cervantes de São Paulo, curadores: Luiza Proença y Roberto Winter, 2010;
7ª Bienal do Mercosul, proyecto curatorial Radio visual, Porto Alegre, 2009. Participó de los siguientes Programas de Residencia: Lugar a Dudas, Cali, Colombia, 2009; Montgomery, Berlín, 2007/2009; El Basilisco, Avellaneda, 2006 y Faxinal das
Artes en Faxinal do Céu, Paraná, Brasil, 2002. Entre sus premios recientes se destacan Marcantônio Vilaça Funarte de Artes
Plásticas, 2009; en 2010 fue postulado para la Bolsa FUNARTE de Estímulo à Produção Crítica en Artes Visuais publicando un
cuaderno sobre la Revista Malasartes,1975-76; también en 2010 fuimos una de las cuatro revistas seleccionadas por el Programa Cultura e Pensamento – Ministério da Cultura, para publicar seis nuevos números de Recibo, que tambiém fue la publicación brasileña invitada en 2010 para la edición especial de la Revista Pulgar (Venezuela) organizada por el Museo de Arte
Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC) que reúne en sus páginas revistas independientes de arte de América Latina.
Jorge Tirner nació en 1977 en Resistencia, Argentina. Es Diseñador Gráfico egresado de Facultad de Artes de Oberá de la
Universidad Nacional de Misiones. Trabajó en Espacio de Arte Radio Libertad junto a los artistas Andrés Bancalari y Diego
Figueroa. Becario de la Fundación Antorchas para los Encuentros de Producción y Análisis de Obra para Jóvenes Artistas del
NEA y Litoral 2004-2005. Fue becario en El Basilisco, Avellaneda, Buenos Aires, 2008. Fue becario de la residencia para
artistas UNO, Gral. Roca, Río Negro, 2009. Desde 2005 participó en varias muestras individuales y grupales en Argentina en
las que se destacan: Interior. Borges Contemporáneo, Centro Cultural Borges, Buenos Aires; Paraconstrucción. Espacio Cultural
Itaú, Buenos Aires; Museo Legitimador de Artistas, Franquicias Oberá, Corrientes y Gral. Roca (obra realizada junto a Diego
Figueroa); Sabotaje, Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires; Un Gallinero en arteBA’07, Espacio de Arte Radio Libertad,
Barrio Joven, Feria de galerías arteBa, Buenos Aires. Actualmente vive y trabaja en Chaco.
Lucrecia Troncoso nació en 1976 en Paraná, Argentina. Desde entonces y hasta ahora, ese día llueve. Creció mirando el horizonte, la tierra colorada, el ombú, los sapos, el mar y las luciérnagas. Actualmente vive y trabaja en Berkeley, California.
Obtuvo el Master of Fine Arts en el año 2005 y desde ese año expone en California, Miami, Nueva York, Santa Fe, Chicago y
Los Angeles, como también en Argentina, España y Turquía. Su obra se expuso en el Bronx Museum, Nueva York, Yerba
Buena Center for the Arts, San Francisco, y el Headlands Center for the Arts, Sausalito, entre otras. Lucrecia participó en
residencias en Argentina y España y en el Santa Fe Art Institute en Nuevo Mexico y en la residencia en el Bemis Center for
Contemporary Arts, en Omaha, Nebraska.
Alejandra Urresti nació en 1975 en Buenos Aires, Argentina. Cursó hasta cuarto año de la carrera de arquitectura en la Universidad de Buenos Aires. Mientras decide resignar su estudio académico, toma fotografías. Participa en diversos talleres de
formación con Alejandro Kuropatwa, Martín Weber, Esteban Álvarez, Fabiana Barreda, Victoria Noorthoorn, Dino Bruzzone,
Alberto Goldenstein, entre otros. Individualmente expuso volar y chocar, 2009, camas, 2008 y Finlandia, 2007, en la Galería
Ernesto Catena Fotografía Contemporánea, Buenos Aires y Parque de diversiones en el Centro Cultural Ricardo Rojas, 2003.
Participó en varias muestras grupales como: Juste de passage, Le 19, Montbéliard, Francia y Documentos para un futuro
Marcela Sinclair was born in 1968 in Buenos Aires, Argentina. She holds a degree in Visual Arts (I.U.N.A.), 2004. She participated in clinics with Tulio de Sagastizábal, and received scholarships for the Clínicas del Rojas (2006), L.I.P.A.C. (2008), C.I.A.
(with the La Mudadora group) and the Programa para Artistas de la Universidad Di Tella (partial) in 2009. She studied Graphic
Design and Art History and Theory at the Universidad de Buenos Aires. She participated in residencies at El Basilisco, Avellaneda (2008) and Lugar a Dudas, Cali (2009). Since 2005 she has actively participated on the local art scene, exhibiting her
work in individual and group shows in Buenos Aires and other cities in Argentina. Her practice includes drawing, painting,
installation, video, interventions in public space, collaborative works with other artists, the formation of groups and teaching.
Her work is related to conceptual and geometric traditions and can be found in the collections of the Museo Nacional de Bellas
Artes de Neuquén and the Museo de Arte Contemporáneo de Rosario. She lives and works in Buenos Aires.
Traplev (Roberto Moreira Junior) was born in 1977 in Caçador, Brazil. In addition to his art practice, he is the coordinator of
Traplev Orçamentos since 2005, including the organization of seminars, prints and editions, curatorial practice and collaborative
projects. Since 2002 he has been editor in chief of Recibo, an experimental visual arts publication. Outstanding recent exhibitions include: validades e frustrações sala 5 - Prêmio Marcantonio Vilaça de Artes Plásticas – Funarte, Museu de Arte de Santa
Catarina (MASC), Florianópolis, 2011; Die Alsdehnung als Effekt, Montgomery, Berlin, open Studio, Lugar a dudas, Cali, Colômbia,
2009; À sombra do futuro, Instituto Cervantes de São Paulo, curators: Luiza Proença and Roberto Winter, 2010; 7ª Bienal do
Mercosul, curatorial project Radio visual, Porto Alegre, 2009, among others. He participated in the following artists’ residency
programs: Lugar a Dudas, Cali, Colombia (2009); Montgomery, Berlín (2007/2009); El Basilisco, Avellaneda (2006) and Faxinal
das Artes en Faxinal do Céu, Paraná, Brazil (2002). Outstanding prizes awarded recently incluye: Marcantônio Vilaça Funarte de
Artes Plásticas, 2009; in 2010 he was nominated for the Bolsa FUNARTE de Estímulo à Produção Crítica en Artes Visuais for the
publication of a notebook on Revista Malasartes,1975-76; also in 2010 his was among the four magazines selected for the Programa Cultura e Pensamento – Ministério da Cultura, for the publication of six new issues of Recibo, which was also the Brazilian
magazine invited to participate in a special issue of Revista Pulgar (Venezuela) in 2010, organized by the Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC), which brings together independent Latin American magazines in its pages.
Jorge Tirner was born in 1977 in Resistencia, Argentina. He is a graphic designer, having graduated from the Facultad de Artes
de Oberá (Universidad Nacional de Misiones). He worked in the Espacio de Arte Radio Libertad along with artists Andrés Bancalari and Diego Figueroa. He received a scholarship from Fundación Antorchas for the Encuentros de Producción y Análisis
de Obra para Jóvenes Artistas del NEA y Litoral (2004-5) and a grant to participate in El Basilisco, Avellaneda, Buenos Aires
(2008), as well as the UNO artists’ residency in General Roca, Río Negro (2009). Since 2005 he has participated in various
solo and group exhibitions in Argentina, of which the following deserve special mention: Interior. Borges Contemporáneo,
Centro Cultural Borges, Buenos Aires; Paraconstrucción. Espacio Cultural Itaú, Buenos Aires; Museo Legitimador de Artistas,
Franquicias Oberá, Corrientes and Gral. Roca (work produced in collaboration with Diego Figueroa); Sabotaje, Fondo Nacional
de las Artes, Buenos Aires; Un Gallinero en arteBA’07, Espacio de Arte Radio Libertad, Barrio Joven, Feria ArteBa, Buenos
Aires. He currently lives and works in Chaco.
Lucrecia Troncoso was born in 1976 in Paraná, Argentina. Since then until now, it rains on that day. She grew up looking at the
horizon, the red dirt, the ombú tree, the frogs, the sea, and the fireflies. Currently she lives and works in Berkeley, California.
She received her Master of Fine Arts in 2005 and since then has exhibited in California, Miami, New York, Santa Fe, Chicago,
and Los Angeles, as well as in Argentina, Spain, and Turkey. Her work has been shown at the Bronx Museum in New York, the
Yerba Buena Center for the Arts in San Francisco, and the Headlands Center for the Arts in Sausalito, among others. Lucrecia
has participated in residencies in Argentina and Spain and at the Santa Fe Art Institute in Santa Fe, New Mexico, and at the
Bemis Center for Contemporary Arts in Omaha, Nebraska.
Alejandra Urresti was born in 1975 in Buenos Aires, Argentina. She studied architecture at the Universidad de Buenos Aires for
four years. While she decides to resign from her academic studies, she takes photographs. She participated in different studio
courses with Alejandro Kuropatwa, Martín Weber, Esteban Álvarez, Fabiana Barreda, Victoria Noorthoorn, Dino Bruzzone and
Alberto Goldenstein, among others. Her solo exhibitions include: volar y chocar, 2009, camas, 2008 and Finlandia, 2007 at the
Ernesto Catena Fotografía Contemporánea gallery, Buenos Aires and Parque de diversiones at the Centro Cultural Ricardo
Rojas, 2003. She participated in various group exhibitions, such as Juste de passage, Le 19, Montbéliard, France and Documentos para un futuro imperfecto, Fondo nacional de las Artes, Buenos Aires, 2010; “Z-LAB”, Zavaleta Lab gallery, Buenos Aires,
2005; LVIII Salón Nacional de Rosario 2004, Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino. In 2004 she was awarded
the 4th Prize in the LVIII Salón Nacional de Rosario 2004, Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino, and an artistic
production grant from Fundación Antorchas. In 2006 she participated in the artists’ residencies Batiscafo, Havana, Cuba and
NIFCA (Nordic Institute for Contemporary Art), Helsinki, Finland. She lives and works in Buenos Aires.
Adrián Villar Rojas was born in 1980 in Rosario, Argentina. His solo exhibitions include: Pijas y paisajes, Luisa Strina Art
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imperfecto, Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires , 2010. “Z-LAB”, Galería Zavaleta Lab, Buenos Aires, 2005; LVIII Salón
Nacional de Rosario 2004, Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino. En el 2004 Obtiene el IV premio en el LVIII
Salón Nacional de Rosario 2004, Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino, y la Beca subsidio a la creación artística
otorgada por la Fundación Antorchas. En el año 2006 participa en las residencias Proyecto Batiscafo, La Habana, Cuba y
Nifca, Instituto Nórdico de Arte Contemporáneo, Helsinki, Finlandia. Vive y trabaja en Buenos Aires.
Adrián Villar Rojas nació en 1980 en Rosario, Argentina. Exposiciones individuales: Pijas y paisajes, Luisa Strina Art Gallery,
Sao Paulo, Brasil, 2011; Ahora estaré con mi hijo, SAM ART Projects, Villa Rafet à Paris, París, Francia, 2010; Un Beso Infinito,
Casas Riegner Art Gallery, Bogotá, Colombia, 2010; Lo que el fuego me trajo, Ruth Benzacar Galería de Arte, 2008, 15.000
años nuevos, Belleza y Felicidad, 2007; Diario íntimo 3D, Centro Cultural Borges, 2007; Un mar, Alianza Francesa de Buenos
Aires, 2005; Incendio, Ruth Benzacar Galería de Arte, 2004 y Estas son las probabilidades de que te pase algo, UNR, Rosario,
2004 y Mariana y Adrián (en colaboración con Mariana Telleria), Museo de Bellas Artes Juan B. Castagnino, 2003. Exposiciones grupales (selección): Untitled (12° Bienal de Estambul), Estambul, Turquía; Illuminations, 54° Bienal de venecia, Italia,
2011; Serpentine Gallery Map Marathon, Londres, Inglaterra, 2010; Panamericana, Kurimanzutto Galería de Arte, Ciudad de
México, México, 2010; The return of the landscape, Akademie der Kunst, Berlín, Alemania, 2010; Moby Dick, CCA Wattis Institute for Contemporary Arts, San Francisco, EE.UU., 2009; Panorama das Artes Brasileira, Museo de Arte Moderno de Sao
Paulo, Brasil, 2009; X Bienal de Cuenca, Cuenca, Ecuador, 2009, II Trienal Poligráfica de San Juan, San Juan, Puerto Rico, 2009
y II Bienal del Fin del Mundo, Ushuaia, Argentina, 2009. Premios: Raul Urtasun - Frances Harley Scholarship for Young Emerging
Artists from Argentina, Banff Centre, Alberta, Canada, 2010; Premio ArteBA - Petrobras 4ta Edición, Buenos Aires, Argentina,
2007; Beca del Nuevo Banco de Santa Fe para Jóvenes Artistas, Rosario, 2006; 1er. Premio “Bienal Nacional de Arte de Bahía
Blanca”, Museo de Arte Contemporáneo, Bahía Blanca, 2005 y 1er. Premio Curriculum Cero, Ruth Benzacar Galería de Arte,
Buenos Aires, 2004. Residencias: SAM ART Projects, París, Francia, 2011; La Residencia, Bogotá, Colombia, 2010; Banff Centre
for the Arts, Alberta, Canadá, 2010; FAAP, San Pablo, Brasil, 2009 y El Basilisco, Buenos Aires, 2007.
Rob Verf nació en 1964 en Amersfoort, Holanda. Participó en exposiciones, proyectos artísticos y premios tanto en
Holanda como en el exterior. En el año 2000, junto a tres artistas argentinos formó parte de un proyecto de intercambio.
Una exposición itinerante surgió de esa experiencia, que incluyó al Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca, el
Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), el Centro Cultural Recoleta en Buenos Aires y la Fundación de Arte Moderno en
Mar del Plata, entre otros espacios. Llegó a Argentina en el año 2000, donde obtiene su residencia en 2005. En 2006 participó en el International Studio and Curatorial Program (ISCP) en Nueva York. Ofreció conferencias sobre su obra en el
Instituto Universitario Nacional del Arte, el Centro Cultural Borges en Buenos Aires, el Teatro Auditorium de Mar del Plata,
el Centro de Documentación, Investigación y Publicaciones (CeDIP) en Buenos Aires, la University of Texas y el International Studio and Curatorial Program (ISCP) en Nueva York. Desde 2008 hasta la fecha Rob Verf es profesor de Dibujo y
Pintura en el Art Department of the University of Texas en Austin en Estados Unidos. Su obra es exhibida internacionalmente y está incluida en numerosas colecciones.
Chih-Chien Wang nació en Taiwan, y vive en Montreal desde 2002. Obtuvo su BFA en Teatro y Cine en The Chinese Culture
University en Taipei en 1994 y trabajó para muchas compañías de televisión produciendo documentales antes de mudarse
a Canadá. Wang obtuvo su MFA en Studio Arts en Concordia University en 2005. Su obra, principalmente en fotografía y
video, frecuentemente contiene sutiles tendencias que pueden referirse a sus preocupaciones personales, culturales o
sociales al mismo tiempo que incluyen primariamente su experiencia de la vida diaria. Manipula objetos cotidianos y a
partir de ellos entonces, crea imágenes fijas y en movimiento. Wang participó en programas de residencia en Prim, Montreal, 2005; El Basilisco, Avellaneda, Buenos Aires, 2007, y Sagamie, Alma, 2008. Desde 2004, su obra fue vista en exhibiciones en Montreal, Lausanne, Milan, Nueva York, Ping Yao, Peterborough y Toronto. Recientemente expuso en forma individual y grupal en Montreal, Optica, Artefact, Dare-Dare (Mois de la photo à Montréal, 2007), en Leonard and Bina Ellen
Gallery; Zenith Gallery, Beijing, 2008; Pierre-François Ouellette Art Contemporain, Montreal, 2008; The Quebec Triennial
2008 en el Musée d’art contemporain de Montréal, Gallery 44, Nuit Blanche Toronto, 2009; The New Gallery in Calgary and
The National Gallery of Canada, 2010.
Seth Wulsin nació en Spring Valley, Nueva York, EEUU y trabaja principalmente con la luz y el espacio a través de esculturas
y dibujos efímeros en el espacio público. Estudió en Parsons y Yale, tocó en varios grupos de rock y trabajó en el Taller de
Ray King en Filadelfia. Entre 2005 y 2009 vivió en Buenos Aires, Argentina trabajando sobre la demolición de la Cárcel de
Caseros. Participó en varias muestras individuales y colectivas internacionalmente, y participó en residencias en El Basilisco,
Argentina y Taller 7, Colombia. Ganó becas de la Fundación Peter S. Reed en 2008 y de la Fundación Thendara en 2009 y
2010. Fue artista en residencia en Smack Mellon en NY. Forma parte del grupo ALA (Artistas en Latinoamérica). Desde 2009
vive y trabaja en Bogotá, Colombia, y Brooklyn, NY.
Gallery, San Pablo, Brazil, 2011; Ahora estaré con mi hijo, SAM ART Projects, Villa Rafet à Paris, Paris, France, 2010; Un Beso
Infinito, Casas Riegner Art Gallery, Bogotá, Colombia, 2010; Lo que el fuego me trajo, Ruth Benzacar Galería de Arte, 2008,
15.000 años nuevos, Belleza y Felicidad, 2007; Diario íntimo 3D", Centro Cultural Borges, 2007; Un mar, Alianza Francesa de
Buenos Aires, 2005; Incendio, Ruth Benzacar Galería de Arte, 2004 y Estas son las probabilidades de que te pase algo, UNR,
Rosario, 2004 and Mariana y Adrián (en colaboración con Mariana Telleria), Museo de Bellas Artes Juan B. Castagnino, 2003.
Group exhibitions (selection): Untitled (12th Istanbul Biennial), Istanbul, Turkey; Illuminations, 54th Venice Biennial, Italy, 2011;
Serpentine Gallery Map Marathon, London, England, 2010; Panamericana, Kurimanzutto Galería de Arte, Mexico City, Mexico,
2010; The return of the landscape, Akademie der Kunst, Berlin, Germany, 2010; Moby Dick, CCA Wattis Institute for Contemporary Arts, San Francisco, USA, 2009; Panorama das Artes Brasileira, Museo de Arte Moderno de Sao Paulo, Brazil, 2009; X
Bienal de Cuenca, Cuenca, Ecuador, 2009, II Trienal Poligráfica de San Juan, San Juan, Puerto Rico, 2009 and II Bienal del Fin
del Mundo, Ushuaia, Argentina, 2009. Prizes: Raul Urtasun - Frances Harley Scholarship for Young Emerging Artists from
Argentina, Banff Centre, Alberta, Canada, 2010; Premio ArteBA - Petrobras 4ta Edición, Buenos Aires, Argentina, 2007; Beca
del Nuevo Banco de Santa Fe para Jóvenes Artistas, Rosario, 2006; 1er. Premio “Bienal Nacional de Arte de Bahía Blanca”,
Museo de Arte Contemporáneo, Bahía Blanca, 2005 y 1er. Premio Curriculum Cero, Ruth Benzacar Galería de Arte, Buenos
Aires, 2004. Residencies: SAM ART Projects, Paris, France, 2011; La Residencia, Bogotá, Colombia, 2010; Banff Centre for the
Arts, Alberta, Canada, 2010; FAAP, San Pablo, Brazil, 2009 and El Basilisco, Buenos Aires, 2007.
Rob Verf was born in Amersfoort (The Netherlands) in 1964. He has participated in many exhibitions, art projects and
awards in the Netherlands as well as abroad. In 2000, he formed part of an exchange project with three visual artists
from Argentina. A tour of exhibitions emerged from that experience that included the Museo Nacional de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca, the Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), the Centro Cultural Recoleta in Buenos Aires and
the Fundación de Arte Moderno in Mar del Plata, among other venues. He has lived and worked in Argentina since 2000,
in which he obtained residency in 2005. In 2006 he participated in the International Studio and Curatorial Program (ISCP)
in New York. He has given conferences on his work at the IUNA, the Centro Cultural Borges in Buenos Aires, the Teatro
Auditorium de Mar del Plata, the Centro de Documentacion, Investigacion y Publicaciones (CeDIP) in Buenos Aires, the
University of Texas and the International Studio and Curatorial Program (ISCP) in New York. From 2008 to date, Rob Verf
teaches painting and drawing at the Art Department of the University of Texas at Austin in the United States. His art work
is exhibited worldwide and presented in numerous international collections.
Chih-Chien Wang was born in Taiwan and has been living in Montreal since 2002. He obtained a BFA in Theatre and Cinema
from the Chinese Culture University in Taipei in 1994 and worked for several television companies producing documentaries
before moving to Canada. Wang obtained a MFA in Studio Arts at Concordia University in 2005. Wang’s works, mainly in photography or video, frequently contain subtle traces which might refer to personal, cultural or social concerns while dealing primarily with his everyday experience. He manipulates quotidian objects and then creates still or moving images of them. Wang
has participated in residency programs at Prim (Montreal, 2005), El Basilisco (Buenos Aires, Argentina, 2007) and Sagamie
(Alma, 2008). Since 2004, Wang’s works have been seen in exhibitions held in Montreal, Lausanne, Milan, New York, Ping Yao,
Peterborough and Toronto. Recent solo and group exhibitions include those in Montreal, Optica, Artefact, Dare-Dare (Mois de la
photo à Montréal 2007), and the Leonard and Bina Ellen Gallery; Zenith Gallery (Beijing, 2008), Pierre-François Ouellette Art
Contemporain (Montreal, 2008), the Quebec Triennial 2008 at the Musée d’art contemporain de Montréal, Gallery 44, Nuit
Blanche Toronto 2009, The New Gallery in Calgary and The National Gallery of Canada in 2010.
Seth Wulsin was born in Spring Valley, NY and works primarily with space and light through site-specific, ephemeral sculpture
and drawing. He studied at Parsons and Yale, played in various rock groups and worked in the studio of Ray King in Philadelphia. From 2005 to 2009 he lived in Buenos Aires, Argentina where he worked with the demolition of Caseros Prison. He has
participated in various individual and group exhibitions internationally, and has done residencies in El Basilisco in Argentina,
and Taller 7 in Colombia. He was awarded fellowships from the Peter S. Reed foundation in 2008, and the Thendara Foundation in 2009 and 2010. He was a fellow at Smack Mellon in NY, and a member of the group, ALA (Artistas en Latino America).
Since 2009 he lives and works in Bogota, Colombia and Brooklyn, NY.
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Directores de El Basilisco
Esteban Álvarez (1966) Buenos Aires Argentina. Vivió en Salta hasta 1986. Graduado en Middlesex University, MA Fine Art,
Londres, 1999/2000. Talleres con Luis Camnitzer en Valdottavo, Italia, 1994/1995, y en la Universidad Palackeho, Olomouc,
República Checa, 1994. Realizó residencias en Gasworks, Londres, 2000, y como curador en la Fundación Alzate Avendaño,
Bogotá, 2009. Participó en Hwei-Lann International Artists Workshop en Hualien, Taiwan, 2003. Algunas muestras: Panteón
de los Héroes, Fundación Osde, BsAs, 2011; Fuegos de Luces (individual), Fundación YPF, Bs. As., 2010; Variation Time,
Kunstverein, Munich, 2009; Bienal del Fin del Mundo, Ushuaia, 2009; El mundo y el pantalón, La casa encendida, Madrid,
2008; Videonalle, Bienal Internacional de video, Bonn, Alemania, 2007; Alucine, Toronto, Canadá, 2007; Levity, The Drawing
Center, Nueva York, 2007; ACC Gallerie, Weimar, 2006; Museo de Arte Contemporáneo - MEIAC, Badajoz, 2005; PR04, Puerto
Rico, 2004; False Impressions, Colchester, 2003; Bienal de Arte Contemporânea das Américas, Fortaleza, 2002; Contemporáneo 1, Malba, Bs.As. 2002; Unterwegs nach Timbuktu, Ifa Galerie, Berlín, 2002; Refried, Cubitt Gallery, Londres, 2000. Algunas distinciones: 1er Premio, Salón Nacional de Artes Visuales, Nuevos soportes, Bs. As., 2010; 3er Premio, Salón Nacional
de Rosario, 2005; 2º Premio, II Bienal internacional de Grabado de Barranquilla, 1998; Algunas becas: British Council, Londres, 1999, FNA, 2002, Fundación Antorchas, 2003, y Pollock-Krasner Foundation, Nueva York, 2004. Es profesor en el
IUNA. Vive en Buenos Aires.
Cristina Schiavi (1954) Buenos Aires, Argentina. Sus exposiciones más recientes: Recovering Beauty-(2011) Museo Blanton.
Austin. Texas; Separados al nacer-(2011) Salón Nacional de Colombia. Colombia; Homenagem-(2011) Plaza seca en Malba
junto con N. Muntaabski; Serenite-(2011) Galería Van Riel; Formato Hogar-(2011) Galería Jardín Oculto junto con P.Rosales y
A.Montagnoli; Elogio de la diversidad.(2010) Consulado Argentino en Río de Janeiro; Mutaciones-(2010) Centro Cultural
Haroldo Conti. Buenos Aires; Telón-(2009) Instalación en Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (Macro) Junto con Henry
Coleman; Escuelismo-(2009) escultura. Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba); Antes de la lluvia-(2009)
escultura Centro Cultural Borges; Mercado-(2008) Instalación en Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba)
Artistas invitados Baggio Bairon Ferraris y Muntaabski; Los Vinilos-(2008) Zoo Art Fair-Londres; Living-(2008) Instalación
galería Braga Menendez. Artista invitado Jorge Gumier Maier; Expansive Links-(2007) Diverse Works (Houston, EE.UU);
Impresiones Urbanas-(2007) Círculo de Bellas Artes (Valencia. España).
El Basilisco’s Directors
Esteban Álvarez (1966) Buenos Aires Argentina, lived in Salta until 1986. He received an MA degree in Fine Art from Middlesex University, London, 1999/2000. He participated in Workshops with Luis Camnitzer in Valdottavo, Italy, 1994/1995 and
at the Palackeho University in Olomouc, Czech Republic in 1994. He completed an artist’s residency at Gasworks, London in
2000 and another as a curator at the Fundación Alzate Avendaño in Bogotá in 2009. He participated in the Hwei-Lann International Artists Workshop in Hualien, Taiwan, 2003.
Exhibitions (selection): Panteón de los Héroes, Fundación Osde, Bs. As., 2011; Fuegos de Luces (solo show), Fundación YPF, Bs.
As , 2010; Variation Time, Kunstverein, Munich, 2009; Bienal del Fin del Mundo, Ushuaia, 2009; El mundo y el pantalón, La
casa encendida, Madrid, 2008; Videonalle, Bienal Internacional de video, Bonn, Germany, 2007; Alucine, Toronto, Canada,
2007; Levity, The Drawing Center, New York, 2007; ACC Gallerie, Weimar, 2006; Museo de Arte Contemporáneo - MEIAC,
Badajoz, 2005; PR04, Puerto Rico, 2004; False Impressions, Colchester, 2003; Bienal de Arte Contemporânea das Américas,
Fortaleza, 2002; Contemporáneo 1, Malba, Bs.As. 2002; Unterwegs nach Timbuktu, Ifa Galerie, Berlín, 2002; Refried, Cubitt
Gallery, London, 2000. Distinctions (selection): 1st Prize, Salón Nacional de Artes Visuales, Nuevos soportes, Bs. As., 2010; 3rd
Prize, Salón Nacional de Rosario, 2005; 2nd Prize, II Bienal internacional de Grabado de Barranquilla, 1998; Grants (selection):
British Council, London, 1999, FNA, 2002, Fundación Antorchas, 2003 and Pollock-Krasner Foundation, New York, 2004. He
is a professor at IUNA and lives in Buenos Aires.
Cristina Schiavi (1954) Buenos Aires, Argentina. Recent exhibitions: Recovering Beauty-(2011) Museo Blanton. Austin.Texas;
Separados al Nacer-(2011) Salón Nacional de Colombia. Colombia; Homenagem-(2011) Sculpture patio at Malba jointly with
N. Muntaabski; Serenité-(2011) Galería Van Riel; Formato Hogar-(2011) Galería Jardín Oculto jointly with P. Rosales and A.
Montagnoli; Elogio de la Diversidad .(2010) Argentine Consulate in Río de Janeiro; Mutaciones-(2010) Centro Cultural
Haroldo Conti. Buenos Aires; Telón-(2009) Installation at the Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (Macro) jointly with
Henry Coleman; Escuelismo-(2009) sculpture, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba); Antes de la Lluvia(2009) sculpture, Centro Cultural Borges; Mercado-(2008) Installation, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires
(Malba) with invited artists Baggio, Bairon, Ferraris and Muntaabski; Los Vinilos-(2008) Zoo Art Fair-London; Living-(2008)
Installation, Braga Menendez gallery. Invited artist: Jorge Gumier Maier; Expansive Links,(2007) Diverse Works (Houston,
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Durante 2009 desarrolló el proyecto Mark Morgan Pérez Garage junto con el artista Juan Tessi.
(www.markmorganperezgarage.wordpress.com)
Tamara Stuby (1963) Poughkeepsie, EE.UU., vive en Buenos Aires desde 1995. Egresada de Pratt Institute (Brooklyn,
N.Y.), participó de residencias en Gasworks Studios en Londres (2000) y Capacete en Río de Janeiro (2007). Recibió una
beca de creación de la Fundación Antorchas en 2004. Organizó el ciclo de mesas redondas “Pensando en voz alta” en conjunto con Esteban Alvarez durante 2001-2. Desde 1998 escribe para catálogos y revistas especializadas internacionales.
Exhibiciones (selección): x200más, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires (2011); Intervenciones Valparaïso, Valparaíso, Chile
(2010), Temblor y Fulgor. Museo de la Memoria de Rosario/Museo Castagnino+macro, Centro Cultural de la Memoria Haroldo
Conti, Buenos Aires (2010); Variation Time, Galerie der Künstler, Munich, Alemania (2009); Extranjerías, Fundación Telefónica,
Buenos Aires, Argentina (2009); Pampa, Ciudad y Suburbio, Imago Espacio, Buenos Aires (2007); El arte no nos libera de
absolutamente nada, ACC Galerie, Weimar, Alemania (2006); II Bienal de Jafré, España (2005); Arte y Compromiso, MEIAC,
Badajoz, España (2005); Contemporáneo 8 (2004) y Contemporáneo 1 (2002), Malba, Buenos Aires; I Bienal Ceará América:
De ponta-cabeça, Fortaleza, Brasil (2002).
En memoria
Gracias, Breda, por las enseñanzas impartidas por el más puro y espontáneo ejemplo, afirmando con tanta claridad que
la mesa de todos los días es esencial no sólo por la comunión de las comidas, las confesiones, las dudas y los anhelos
compartidos ahí, sino también para bailar.
USA); Impresiones Urbanas-(2007) Círculo de Bellas Artes (Valencia. Spain). During 2009 she developed the Mark Morgan
Pérez Garage project jointly with artist Juan Tessi. (www.markmorganperezgarage.wordpress.com)
Tamara Stuby (1963) Poughkeepsie, USA, living in Buenos Aires since 1995. Graduated from Pratt Institute (Brooklyn, N.Y.),
and participated in residencies at Gasworks Studios in London (2000) and Capacete in Río de Janeiro (2007). She received a
production grant from Fundación Antorchas in 2004. She organized the “Thinking Out Loud” series of round table discussions
jointly with Esteban Alvarez during 2001-2. Since 1998 she has been writing for exhibition catalogs and specialized magazines internationally.
Exhibitions (selection): x200más, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires (2011); Intervenciones Valparaïso, Valparaíso, Chile
(2010), Temblor y Fulgor. Museo de la Memoria de Rosario/Museo Castagnino+macro, Centro Cultural de la Memoria Haroldo
Conti, Buenos Aires (2010); Variation Time, Galerie der Künstler, Munich, Germany (2009); Extranjerías, Fundación Telefónica,
Buenos Aires (2009); Pampa, Ciudad y Suburbio, Imago Espacio, Buenos Aires (2007); El arte no nos libera de absolutamente
nada, ACC Galerie, Weimar, Germany (2006); II Bienal de Jafré, Spain (2005); Arte y Compromiso, MEIAC, Badajoz, Spain
(2005); Contemporáneo 8 (2004) y Contemporáneo 1 (2002), Malba, Buenos Aires; I Bienal Ceará América: De ponta-cabeça,
Fortaleza, Brazil (2002).
In memoriam
Thank you, Breda, for the learning imparted by way of the most pure and spontaneous example, for so clearly affirming
that the table shared day in and day out is essential not only for the communion of meals, confessions, doubts and aspirations, but also for dancing.
277
AGRADECIMIENTOS
Foto: Tamara Stuby. (Vista del
taller de Ernesto Neto durante los
preparativos para la Festa da
Bolsa.), 2007.
280
AGRADECIMIENTOS
THANKS
Agradecemos a todas las instituciones que hicieron posible este proyecto pero muy
especialmente a la Asociación Civil La Estación, cuyo apoyo fue la piedra fundamental sin
la cual nada del resto hubiera pasado.
We extend our very sincere thanks to all the institutions that made this project possible,
and especially to La Estación Asociación Civil, whose support was the cornerstone
without which none of the rest would have taken place.
También a los burócratas que dejaron de serlo (muchos de ellos representantes de
instituciones internacionales trabajando en Buenos Aires), excediendo ampliamente sus
responsabilidades, convirtiendo las palabras prometedoras de los lemas y las misiones en
compromisos de carne y hueso.
Also, to the bureaucrats who ceased to qualify as such (many of whom were
representatives of international institutions working in Buenos Aires), exceeding their
obligations by an ample margin, turning the words full of promise from the mottos and
mission statements into flesh and bone commitments..
A los proyectos hermanos con quienes colaboramos en la región y en el resto del mundo,
compartiendo desde anhelos estrafalarios a quejas de lo más mundanas, y todo lo que
hay en el medio, por el aliento y el ejemplo que siempre representaron para nosotros.
To the sister projects with whom we collaborated in the region and the rest of the world,
sharing outlandish desires, the most mundane of complaints and everything there is in
between, for the encouragement and the example that they always represented for us.
A los artistas y coleccionistas que abrieron sus casas y talleres a los artistas en
residencia, agregando así una dimensión muy rica a su comprensión del contexto local.
To the artists and collectors who opened their homes and studios to the artists in
residency and by doing so added an essential dimension for any comprehension of the
local context.
A nuestros colegas de la comunidad artística (artistas, docentes, críticos, curadores,
historiadores, gestores, directores y otros) que se pusieron la camiseta y dieron vida al
proyecto, no solamente juntando millas con sus reiteradas visitas a Avellaneda, sino con
el préstamo de equipos, trayendo invitados, ayudando con el suministro de música,
comida o cerveza en momentos críticos y sobre todo por las palabras positivas
diseminadas a los cuatro vientos.
To our colleagues in the artistic community (artists, educators, critics, curators, historians,
cultural managers and directors of diverse organizations, among others) who brought
energy and affection to the project, not only racking up miles in reiterated trips to
Avellaneda, but also by lending equipment, bringing guests, or lending a hand with music,
food or beer at critical moments and above all, for the words of praise spread far and wide.
A los vecinos de Piñeyro y a Rubén y su familia en particular, por su entusiasmo y
apertura, por haber dado un buen hogar a nuestras obras y por supuesto por compartir
ese lugar tan especial, Bolivia/Bar Silisco con nosotros.
To all our neighbors in Piñeyro and very much in particular to Rubén and his family, for
their enthusiasm and openness, for having given works of ours such a good home and of
course, for sharing a place as special as Bolivia/Bar Silisco with us.
Al Espacio Fundación Telefónica, Malba-Fundación Costantini, el Museo de Arte
Contemporáneo de Niterói, CAIA, revista Canecalón, la mayoría de los artistas en
residencia y muchos otros de nuestro medio, quienes generosamente donaron diversas
publicaciones a nuestro Centro de Documentación.
To Fundación Telefónica, Malba-Fundación Costantini, the Museo de Arte Contemporáneo
de Niterói, the Centro Argentino de Investigadores de Arte (CAIA), Canecalón magazine,
most of the artists in residency and countless others from our context and abroad who
generously donated diverse publications to our Documentation Center.
Merecen una mención destacada el Fondo Nacional de las Artes y la Secretaría de Cultura
de la Nación Argentina, por el apoyo sostenido a la participación de los artistas
nacionales aquí y en el extranjero, y la Foundation for Arts Initiatives por la gratísima
sorpresa de darnos una beca no solicitada. Gracias a las tres pudimos imaginar,
desarrollar y finalmente realizar la publicación de éste libro.
The Fondo Nacional de las Artes (Argentina) and the Secretaría de Cultura de la Nación
Argentina deserve special mention for their sustained support for the participation of
Argentinean artists, as does the Foundation for Arts Initiatives, for giving us such a
pleasant surprise in the form of an unsolicited grant. Thanks to all three, we were able to
imagine, develop and finally bring to fruition the publication of this book.
Finalmente, y tal vez lo más importante, a los amigos más cercanos y a nuestras familias,
por el sostén espiritual y material en miles de formas, por comprender con tanta
paciencia nuestra inexplicable obsesión con este proyecto.
Finally, and perhaps most importantly, to our families and closest friends, for the spiritual
and material assistance in a thousand different ways and for so patiently comprehending
our obsession with this project.
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Las siguientes instituciones respondieron con gran generosidad a nuestros pedidos de apoyo
para las residencias particulares de distintos artistas, permitiendo que se llevaran a cabo cada
una de ellas:
The following institutions responded with great generosity to our request for support for the
residencies of individual artists, thus enabling each one to be brought to fruition:
Akademie Verien (Germany)
Alcaldía de Santiago de Cali (Colombia)
Arts Council of England International Fellowship Program
Centro Cultural de España en Buenos Aires
Center for Islandic Art
Conseil des arts et des lettres du Québec (Canadá)
Embajada de Brasil en Buenos Aires
Embajada de España en la Argentina – Agencia Española de Cooperación
Internacional
Fondo Nacional de las Artes (Argentina)
Fundação Calouste Gulbenkian (Portugal)
Fundação Iberé Camargo (Brasil)
Fundación Gilberto Alzate Avendaño (Colombia)
Fundación de la Amistad Argentino Turca
Fundación Proa (Argentina)
Gobierno de Chile – Ministerio de Relaciones Exteriores
International Artists’ Studio Program in Sweden (IASPIS)
Pro Helvetia - Swiss Arts Council
Reykjavikurborg (Islandia)
Itaú Cultural (Brasil)
Samband Islenskra Myndlistarmanna (Islandia)
Secretaría de Cultura de Cali (Colombia)
Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación Argentina
Servicio Cultural de la Embajada de Francia en la Argentina
Taiteen Keskustoimikunta (Finlandia)
Turkish Ministry of Foreign Affairs
La publicación de este libro no hubiera sido posible sin el generoso apoyo que recibimos de:
The publication of this book would not have been possible without the generous support we
received from: