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ÍNDICE / INDEX
4
Editoriales / Editorials
15
Equipo / Staff
19
Fundación IFF Panamá / IFF Panamá Foundation
26
Premios del Público / Audience Awards
29
Panorama Iberoamericano / Ibero-American Panorama
63
Óperas Primas Iberoamericanas / Ibero-American Feature Debuts
81
Presentaciones Especiales / Special Presentations
95
Historias de América Central y El Caribe /
Stories from Central America and The Caribbean
117
Muestra Internacional / International Showcase
151
Retrospectiva de Karim Aïnouz / Karim Aïnouz Retrospective
159
Documentales / Documentaries
181
Para Toda la Familia / Family Corner
190
Agradecimientos / Acknowledgments
196
Índice / Index
4
Edit o ria l es | e di t or ials
JUAN CARLOS VARELA R.
presidente de la república de Panamá
President of the Republic of Panama
Durante los últimos años, hemos sido testigos de cómo el Festival Internacional de Cine de Panamá ha
ido creciendo y fomentando la cultura artística y cinematográfica en nuestro país. No cabe duda de que
iniciativas como ésta contribuyen a enriquecer la vida y la cultura de las personas, y este Festival en
particular nos presenta una oportunidad única para reunir a personas, de todo el mundo, cada una con
una historia que contar.
Aprovecho esta oportunidad para felicitar a todas y cada una de las personas que han hecho este evento
posible. El Gobierno de la República de Panamá continuará apoyando este Festival Internacional de
Cine con la certeza de que seguirá creciendo con éxito y aportando al crecimiento sostenido de Panamá
y a la identidad cultural de nuestra Nación.
Bienvenidos
During the past years we have witnessed the growth of the International Film Festival of Panama, which
has propelled the artistic and cinematic culture of the country. There is no doubt that initiatives such as
this one contribute to enrich the lives and culture of the people, and this Festival in particular presents
a unique opportunity to unite people, from all over the world, each one with a story yet to be told.
I avail myself of this opportunity to congratulate each and every one who helped to make this event
possible. The Government of the Republic of Panama will continue to support this International Film
Festival with the certainty that it will continue to flourish with success and also contribute to the
sustainable growth of Panama and the cultural identity of our Nation.
Welcome
Editorial es | edito ria ls
5
MELITÓN ARROCHA
Ministro de Comercio e IndustriaS
Minister of Commerce and Industry
Promover el desarrollo de la industria es la tarea primordial de nuestro Ministerio. Y, en esa labor,
estamos concientes de que las industrias culturales son un factor vital para el desarrollo integral de
los panameños.
El cine, con su mágica capacidad de convertir lo cotidiano en memorable, nos enseña a percibir, a
entender y a sentir la vida desde otras perspectivas.
El aporte a la cultura que hace el Festival Internacional de Cine de Panamá es invaluable. Películas de
decenas de países nos cuentan sus historias y convierten a esta cita cinemátográfica en una fuente de
conocimientos y emociones.
Nos sentimos realmente orgullosos de apoyar nuevamente a IFF Panamá, felicitamos a sus directivos y
les auguramos el mayor de los éxitos.
MELITÓN ARROCHA
Promoting the development of industries is a vital task of our Ministry. In this endeavor, we have a clear
understanding that the growth of cultural industries is essential for the development of our country.
Cinema, with its magical capacity of making the daily lives of people memorable, teaches us to perceive,
to understand and to feel life from other perspectives.
The International Film Festival of Panama brings to Panama invaluable cultural enrichment. Dozens
of films from numerous countries tell us their stories and make this cinema experience a source of
knowledge and emotion.
We feel truly proud of supporting once again IFF Panama, and we congratulate its directors and wish
them great success.
MELITÓN ARROCHA
6
JESÚS SIERRA VICTORIA
Ministro de Turismo, Autoridad de Turismo de Panamá
Minister of Tourism, Panama Tourism Authority
Panamá es un país con un fuerte y profundo linaje histórico y turístico, con atractivas locaciones que
conquistan las mentes y corazones de panameños y extranjeros.
Esta ventaja que nuestro país ofrece para el desarrollo del cine por supuesto que no es nueva, ya que la
semilla cinematográfica nacional se remonta a 1946 en Santiago de Veraguas, donde se rodó el primer
largometraje en Panamá, titulado Al calor de mi bohío, de Carlos Nieto, con la actuación de Beby Torrijos,
Uriel Santacoloma y Santander Tristán.
Luego de esto, otras cintas han capturado la belleza y diversidad de las locaciones panameñas.
Y para reforzar y mejorar este panorama, un grupo de panameños madura, ejecuta y cristaliza la
realización del Festival Internacional de Cine de Panamá, como la mayor y mejor iniciativa para
promover y desarrollar la industria cinematográfica nacional.
Por eso, la ATP aplaude y apoya la realización de la cuarta versión de este Festival Internacional de Cine
de Panamá, que ya se ha ganado por derecho propio un importante sitial en el circuito cinematográfico
de la región.
¡Entonces luces, cámara y acción; que se enciendan los reflectores para que rueden las cintas del
Festival de Cine Internacional de Panamá!
Panama is a country with strong and deep historical roots and with attractive locations that win over
the minds and hearts of Panamanians and visitors alike.
This advantage that our country offers the film industry is not new—its first seedlings were planted in
1946 in Santiago, Veraguas, where the first feature-length film was filmed. The title was Al calor de mi
bohío (The Heat of My Shelter), by Carlos Nieto, with Beby Torrijos, Uriel Santacoloma and Santander
Tristán as part of the cast.
After this, other films have captured the beauty and diversity of Panamanian locations.
To reinforce and promote the local film industry, a group of Panamanians matured and crystalized the
International Film Festival of Panama as the most significant initiative to support the local movie industry.
For this reason, the ATP applauds and supports the realization of the fourth edition of the International
Film Festival of Panama, as it has made its own way as a must-stop in the international film festival circuit.
Lights, camera and action! Let the projectors start and may the film festival experience of IFF Panama begin!
7
JOSÉ I. BLANDÓN
ALCALDE DE PANAMÁ
MAYOR OF PANAMA
Para la Alcaldía de Panamá es importante pensar en las necesidades culturales que tiene cada
ciudadano que habita el Municipio. También tiene como prioridad que nuestra ciudad se proyecte
internacionalmente y se conozca como un sitio de talento humano, de espacios ricos en memoria y de
una gran diversidad cultural.
Nuestro apoyo a IFF Panamá cumple con estas prioridades: ahonda en el respeto a los derechos
culturales y ayuda a propiciar una industria cultural que genere nuevas oportunidades de empleo y
proyección para nuestro país.
Por otra parte, nuestra Capital se acerca a la fecha en que se cumplen 500 años de su fundación, lo que
llama cada vez más a una floreciente vida cultural que demuestre que los modernos edificios de nuestra
metrópolis deben ir acompañados de arte y cultura que generen espacios de encuentro y calidad de vida.
Al concluir el festival, y acorde a nuestro deseo de poder disfrutar del arte en espacios públicos, la
Alcaldía invita a tres días adicionales el fin de semana después de IFF Panamá para que en el Parque
de Santa Ana, en el Parque de las Madres en Pedregal y en el Parque Omar, con la colaboración del
Despacho de la Primera Dama, puedan disfrutar de las películas que más gustaron al público.
Invitamos a las familias panameñas a disfrutar esta ciudad para que vaya creciendo como uno de los
principales motores culturales del país.
JOSÉ I. BLANDÓN
The Office of the Mayor of Panama deems it vital to nurture the cultural necessities of each and every
one of its citizens. Thus, the Office considers projecting the country internationally and showcasing its
talent, historically rich land and vast cultural diversity to be a priority as well.
The Office of the Mayor of Panama believes that our collaboration with IFF Panama will collectively
support the emerging artistic industry, which in turn will provide more employment and culturally
enriching opportunities.
In 2019, our capital city will reach its 500th anniversary. This milestone should be accompanied by a
growing artistic environment that will show that Panama isn’t just a tall and modern skyline, but a
vibrant cultural nation in which people can come together to create something special.
The weekend after the festival, our desire of being able to enjoy art in public spaces will be manifest. In
collaboration with the Office of the First Lady of the Republic, the Office of the Mayor extends an open
invitation to three outdoor screenings, which will take place at: Parque Omar, Parque de las Madres in
Pedregal and at Parque de Santa Ana.
We welcome everyone to enjoy this city, the festival and its people.
JOSÉ I. BLANDÓN
8
MARIANA NÚÑEZ HAUGLAND
Directora, Instituto Nacional de Cultura
Director, National Institute of Culture
El INAC se complace en apoyar, una vez más, el Festival Internacional de Cine de Panamá (IFF Panamá),
que en su cuarta edición presentará más de 70 películas provenientes de 40 países de Iberoamérica,
Centroamérica y El Caribe.
Panamá abrirá sus puertas, durante siete días, para convertirse en la capital del cine, con 130
proyecciones, de una selección de las películas más sobresalientes de la cinematografía mundial.
Nuestros teatros, cines, centros comerciales y parques se convertirán en vitrinas para acercar el séptimo
arte a la comunidad, propiciando espacios de cultura viva comunitaria, en un ambiente familiar y en el que
los miles de asistentes tendrán una participación crítica y activa, mediante conversatorios y conferencias,
entre otras actividades que contribuirán al desarrollo de este importante arte en nuestro país.
Felicitamos a IFF Panamá por el acierto que significa presentar esta iniciativa, que forma parte de las
actividades que apoyamos en el marco de nuestro programa educativo y artístico “Verano INAC 2015”,
el cual se lleva a cabo, a nivel nacional, de enero hasta abril.
Invitamos a la familia panameña a que se avoque a participar de estos encuentros de enriquecimiento
artístico-cultural.
INAC is pleased to support once again, the International Film Festival of Panama (IFF Panama) in its
fourth edition. Over 70 films from 40 countries in Latin America, Central America and the Caribbean will
be presented.
During 7 days, Panama will be opening its doors; it will become the Capital of Cinema with 130 screenings
of a selection of the most outstanding films of world cinema, awarded at major festivals.
Our theaters, movie theaters, malls and parks will be the venues showcasing this Seventh Art,
encouraging live culture in the community, in a family atmosphere. Thousands of attendees will have
the opportunity to participate through conferences and other activities that will contribute to the
development of this important art in our country.
We congratulate the IFF Panama for the wisdom of presenting this initiative, which is one of several
activities we support in our educational and artistic program “Verano INAC 2015”, that takes place
nationwide from January to April, 2015.
We invite the Panamanian Family to enjoy these encounters of artistic and cultural enrichment.
9
STEPHAN K. PROAÑO
DirectoR General de Cine, Ministerio de Comercio e Industrias
PANAMA FILM COMMISSIONER, Ministry of Commerce and Industry
El gran prestigio que el Festival de Cine de Panamá –IFF Panamá– ostenta actualmente, después de
solamente tres ediciones, es un fiel reflejo del acelerado desarrollo que están mostrando el arte y la
industria cinematográfica de nuestro país.
No es muy frecuente que se reúnan tantas voluntades para un objetivo común: convertir en realidad un
sueño compartido desde hace décadas.
El cine en Panamá está creciendo gracias al esfuerzo simultáneo de realizadores experimentados,
de productores fogueados, de grupos jóvenes, alternativos y renovadores, que buscan su lenguaje
personal, de guionistas que redescubren sus propios escenarios, de artistas de todas las disciplinas que
encuentran en el cine un espacio para expresarse y, por supuesto, de un público que está respondiendo
satisfecho por la calidad de las propuestas.
El Festival de Cine de Panamá –IFF Panamá– nos ha permitido conocer el mejor cine del mundo y nos
proyecta internacionalmente como un país siempre abierto a nuevas experiencias. En la Dirección
de Cine del Ministerio de Comercio e Industrias nos sentimos orgullosos de apoyar y respaldar esta
inigualable iniciativa.
STEPHAN K. PROAÑO
In just three previous editions, the International Film Festival of Panama has garnered great prestige.
This is a reflection of the accelerated growth of the arts and the film industry in our country.
It is not frequently that so many resolves meet in a common goal: to realize a long-shared dream. The
Panamanian film industry is growing thanks to the simultaneous efforts of experienced professionals,
seasoned producers, creative and alternative young filmmakers, who share a new voice with the world;
screenwriters who rediscover in film a space to express themselves, and of course, the audience, that is
responding positively to the quality of cinema that it is witnessing.
The International Film Festival of Panama –IFF Panama– has allowed us to access the very best of
world cinema. It also projects us internationally as a country that is always ready for new experiences.
The Panama Film Commission of the Ministry of Commerce and Industry is a proud supporter of this
important initiative.
STEPHAN K. PROAÑO
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PITUKA ORTEGA HEILBRON
DIRECTORA EJECUTIVA, IFF Panamá
EXECUTIVE DIRECTOR, IFF PanamA
Panamá es un lugar de encuentros, una nación conciliatoria, un país que abre sus puertas una y otra vez
a ciudadanos de todas partes del mundo para que aquí se descubran a sí mismos y se enriquezcan de
este vibrante istmo que emana una energía inagotable.
En este año 2015, mucho ocurre durante y alrededor de la cuarta edición del Festival Internacional de
Cine de Panamá como, por ejemplo, la Cumbre Iberoamericana de Jefes de Estado y de Gobierno, que se
nos presenta como una oportunidad de subrayar que en la cultura y en los asuntos de estado existe un
denominador común: la identidad de una nación y su sentido de misión.
En relación a nuestro sentido de misión, este año IFF Panamá inició la sección de industria Primera
Mirada, destinada a apoyar la cinematografía de Centroamérica y del Caribe. Como equipo, compartimos
la noción, quizá impensable hace 20 años, de que el futuro del lenguaje cinematográfico pueda residir
en estas latitudes. Si a esa idea de IFF Panamá sumamos el provecho de las condiciones geográficas,
estructurales y humanas que ofrece Panamá, entonces el Festival está llamado a convertirse en el gran
proyector de estas imágenes que nacen en esta región.
La idea acerca de Panamá y su razón de ser, se repite en todos sus contextos, políticos, históricos,
sociales y culturales. Es poético porque ha ocurrido sin forzarlo.
La visión es ambiciosa, sí, pero absolutamente posible siempre y cuando la voluntad continúe por parte
de la empresa privada, de los artistas locales del séptimo arte y del estado para consolidar a Panamá
como un epicentro del cine y de su industria.
Bienvenidos a nuestra cuarta y especialmente significativa edición de IFF Panamá 2015.
Panama is a global meeting point and conciliatory nation that time and again has opened its doors
for people from all over the globe to come and discover themselves and delve in the inextinguishable
energy that emanates from this vibrant isthmus.
This time around, there’s going to be a lot of activity surrounding the fourth edition of the International
Film Festival of Panama. Case in point, IFF Panama will run simultaneously with the 7th Summit of the
Americas, which brings together the leaders of all member nations in the Western Hemisphere. This, of
course, presents an opportunity to highlight a common denominator between the nation’s cultural and
state affairs: a sense of mission and a defined identity.
In accordance with our sense of mission, IFF Panama is introducing a brand-new industry section called
“Primera Mirada”, destined to support Central American and Caribbean productions. Furthermore, we share
the notion that the future of cinema can reside in these latitudes, an unthinkable prospect twenty years ago.
We believe that if we add the structural, geographic and humanistic conditions that Panama has to offer to
IFF Panama’s vision, the festival can serve as the prime projector for the region’s new motion pictures.
After all, Panama’s identity is engrained on all of its political, historical, social and cultural contexts.
The sublime way in which this has gradually come to fruition has an effortless, almost poetic feel to it.
Indeed, our vision is ambitious, but absolutely possible, so long as the collective goodwill of each party
involved endures. Local artists, the private enterprise and state officials are all key fixtures in the cog
that is transforming Panama into the epicenter of the cinematic industry.
Welcome to our especially significant fourth edition of IFF Panama.
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DIANA SáNCHEZ
Directora Artística, IFF Panamá
ArtIstic Director, IFF PanamA
La cuarta edición del IFF Panamá ha llegado a las salas de cine de la ciudad, brindando una oportunidad para
celebrar juntos, compartir nuestro amor por el arte cinematográfico y recibir invitados del resto del mundo
–algunos vecinos cercanos, y otros que nos visitan desde partes tan remotas como Sudán-. Es una ocasión
para descubrir otras culturas y visiones, y una vez más poder conocer a los realizadores, actores, escritores y
productores que hacen realidad todos estos filmes.
Cuando empezamos el Festival en 2011, teníamos muchos sueños respecto a lo que el Festival podía
llegar a ser algún día. En tan solo cuatro años, IFF Panamá se ha establecido como una plataforma de
lanzamiento para realizadores de Centroamérica y del Caribe. Es el evento en el cual las películas de la
región pueden estrenarse y comenzar su paso por el circuito de festivales internacionales. Para consolidar
nuestro compromiso con la región, este año IFF Panamá presenta por primera vez su competencia de postproducción llamada Primera Mirada, una novedosa iniciativa de la industria para las producciones de la
zona. En los años venideros las audiencias panameñas e internacionales podrán apreciar las películas que
el festival ayudará a culminar.
Como en años anteriores, nuestro enfoque en el cine Latinoamericano y de España es una parte integral de
nuestro programa. Así, el arte del cine se toma el escenario. Nuestra invitación al destacado director brasileño
Karim Aïnouz concreta esas dos prioridades, y nos enorgullece presentar una retrospectiva completa de sus
largometrajes. Nuestro programa internacional es más amplio que en otros años, tal como lo es la sección
documental que incluye la ganadora del Oscar Ciudadanocuarto, de Laura Poitras. Esperamos que disfruten
la selección de este año y contamos con encontrarlas a todas y todos en las salas.
DIANA SÁNCHEZ
The fourth edition of IFF Panama has arrived to the city’s cinemas, an opportunity to celebrate together, to
share our love for the art of film and to welcome guests from the rest of world, - some close neighbors, others
from as far away as Sudan. It’s a chance to discover other cultures and other visions and, once again, meet
the filmmakers, actors, writers and producers who made the films a reality.
When we began the festival in 2011, we had many dreams of what the festival could one day become. In
four short years IFF Panama has established itself as a launching pad for filmmakers from Central America
and the Caribbean. It’s the event where films from the region can be premiered and begin their career on
the international film circuit. To further consolidate our commitment to films from the region, this year, IFF
Panama will hold its first ever post-production competition called Primera Mirada, a new industry initiative
for films from Central America and the Caribbean. In future years Panamanian and international audiences
will be able to see the finished films that the festival is helping to produce.
As in the past, our focus on Latin American and Spanish cinema remains integral to our programming. And
the art of film takes center stage. Our focus on Brazilian filmmaker Karim Aïnouz brings together both those
priorities and we are proud to present a full retrospective of his feature films. Our international program is
wider in scope than in previous years, as is the documentary section where you can see this year’s Oscar
winner, Citizenfour by Laura Poitras. We hope that you enjoy this year’s selection and we look forward to
meeting up with you at the cinema.
DIANA SÁNCHEZ
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YASSER WILLIAMS AROSEMENA
Presidente, Fundación IFF Panamá
President, IFF Panama Foundation
Panamá se prepara para la cuarta edición del Festival Internacional de Cine de Panamá. El Festival trae con
él muchas opciones de películas para que todo su público quede complacido. A pesar de que las películas
partícularmente enaltecidas en nuestro festival, aquellas que conforman el otro cine, cuentan con menos
recursos, estas logran cautivarnos, año tras año, inspirando a su público, lo cual es nuestra misión más
importante.
IFF Panamá ha sido un gran éxito en sus ediciones pasadas, es por esto que el país se viste de gala para
disfrutar de esta gran tercera edición. Esperamos que IFF Panamá sirva como la reacción que incite al resto
del mundo a referirse a nuestro país por toda la cultura y el arte que tenemos, del cual nos debemos sentir
infinitamente orgullosos. Uno de los eventos culturales que nos debe causar inmenso orgullo es IFF Panamá.
Les doy la bienvenida y espero que durante esta semana de Festival se deleiten con la magia que nos traen
las presentaciones de diferentes culturas alrededor del mundo.
Panama gets ready for the fourth edition of the International Film Festival of Panama. The Festival includes
many options of films, so that public, from all walks of life, feels satisfied. Even though some productions are
small, they captivate and inspire its audience.
The Festival’s previous editions have been an enormous success, and as a result, Panama is preparing itself
for another wonderful edition. Hopefully, the rest of the world will see Panama as a country full of culture
and traditions. We feel endlessly proud of our culture, and one important cultural event is IFF Panama.
I welcome you and hope that this festival week is delightful and that the different presentations from all
around the world fill your heart with magic.
E Q UIPO COMPLETO | FESTIVAL STAFF
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JUNTA DIRECTIVA DE LA FUNDACIÓN IFF PANAMÁ / BOARD OF DIRECTORS OF IFF PANAMA FOUNDATION
Presidente / President
Yasser Williams Arosemena
Miembros Honorarios / Honorary Members
Raffaella Di Laurentiis
Angus McFayden
Daphne Rubin-Vega
Miembros / Members
Carlos A. Motta
Carmen Alemán
Maribel Heilbron
Marcela de Pardini
Dirección Ejecutiva / Executive Director
Dirección Artística / Artistic Director
Dirección de Operaciones / Director of Operations
Asesores / Advisors
Abner Benaim
Sergio Cambefort
Luis Pacheco
Pituka Ortega Heilbron
Diana Sánchez
Ana Karina Smith de la Guardia
Dirección de Comunicaciones y Mercadeo /
Director of Communications and Marketing
Begoña Carabaño
Dirección Técnica/ Technical Director
Cristian Sandoval
Gerencia de Programación/ Programming Manager
Diana Cadavid
Gerencia de Acreditaciones, Boletería e Industria /
Accreditations, Ticketing and Industry Manager
Nadyezhda Adames
Gerencia Administrativa / Administrative Manager
Ileana Rodríguez
Coordinación de Voluntarios /
Volunteers Coordinator
Nancy Calvo
Coordinación de Producción y Eventos /
Production and Events Coordinator
Julia Vicente
Servicios de Relaciones Públicas Internacionales /
International Press Liaison
Blanca Granados
Coordinación de Patrocinios/
Sponsorships Coordinator
Gina Franceschi
Coordinación de Diseño Gráfico e Imagen /
Graphic Design and Image Coordinator
Antawara Ibarra
Coordinación de Mercadeo / Marketing Coordinador
Lourdes Sandoval
Coordinación de Industria y Programas Educativos/
Industry and Educational Programs Coordinator
Mayra Hurley
Coordinación de Oficina de Invitados /
Guest Office Coordinator
Cat Caballero
Coordinación de Programación /
Programing Coordinator
Fanny Huc
Asistencia de Comunicaciones /
Communications Assistant
Maia De Zan
Asistencia de Comunicaciones /
Communications Assistant
Juan Luis Correa
Coordinación de Boletería / Ticketing Coordinator
Marc Wynter
Asistencia Administrativa / Administrative Assistant
Liz Martínez
Diseño Gráfico y Contenidos Website /
Website and Graphic Design
Atención a Benefactores / Patrons Concierge Service
Coordinación Técnica / Technical Coordinator
Coordinación de Transporte /
Transportation Coordination
Jaime Arango
Marlene Zarak
Demian Colman
Mario Hall
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EQU IPO C O M PL E TO | FESTI VAL STAFF
Asistencia de Producción de Campo y Eventos /
Events and Ground Production Assistance
Asistencia de Industria, Programas Educativos y Acreditaciones /
Industry, Educational Programas and Accreditations Assistance
Asistencia de Mercadeo y Patrocinio /
Marketing and Sponsorships Assistance
José Luis Campos
Ambar Wong Crosbie
Amina Patel Rodríguez
Administración de Sala – Teatro Nacional /
Teatro Nacional Venue Coordinator
Julie Gómez
Administración de Sala – Teatro Nacional /
Teatro Nacional Venue Coordinator
Javier Roberts
Administración de Sala - Cinépolis /
Cinépolis Venue Coordinator
Aniela Herrera
Administración de Sala Anita Villalaz /
Anita Villalaz Venue Coordinator
Coordinación de Cine al Aire Libre /
Outdoor Movies Coordination
Asistencia de Producción “La Ola del Cine” /
“La Ola del Cine” Production Coordination
Pasante, Edición Audivisual /
Intern, Audovisual Editing
Pasante, Oficina de Invitados /
Intern, Guest Office
Pasante, Programación e Industria /
Intern, Programing and Industry
Servicios de Limpieza y Generales /
Janitorial and General Services
Agencia de Publicidad / Advertising Agency
Director Creativo / Creative Director
Ejecutiva de Cuenta Cerebro / Account Director
Sitio Web / Website
Redes Sociales / Social Media
Servicios Contables / Accounting Services
Director Teatro Nacional / Teatro Nacional Director
Servicios Técnicos / Technical Services
Subtitulaje Electrónico / Electronic Subtitling
Enlace Cinépolis / Cinepolis Liason
Animación IFF Panamá / Animation Designer
Elisa Gilli
Lorena López
Anabel González
Juan Albarán
Adrián Peyrot
Camille Jean-Francois
Nuris de Cáceres
Cerebro Y&R
Jorge Heilbron, Cerebro
Pebbles Rivera
María Gabriela Fong , Maga Systems – Boot Studio
Valerie Troncoso, Rob Rivera, Porto Diao
Saajid Jasat Banah, Villarreal & Asoc.
Rolando Calderón
Bob Deutsch, Outdoor-Movies
Azucena Benavides, Say the SAME Subtitles
José Rafael Fernández
Joel Méndez
Escritor de Reseñas del Catálogo / Writer
José Teodoro
Traducciones de Reseñas del Catálogo /
Catalogue Translations
Álvaro Girón
Traducciones Notas de Prensa /
Translations Press Releases
Jessica Wolf
Coordinación del Catálogo / Catalogue Coordination
Diagramación de Catálogo y Programa de Mano /
Catalogue and Program Guide Layout
Diseñadora de Grilla / Schedule Designer
Jannett Novarro
Marco Del Cid, José Ángel Montero HYPERSTUDIO
Daniela Gómez Worthington
FUN DA C I Ó N I FF PANAMÁ | IFF PAN AMA FOU N DATIO N
19
FUNDACIÓN IFF PANAMÁ
La Fundación IFF Panamá es una organización sin fines de lucro, creada con la idea
de apoyar la realización del Festival Internacional de Cine de Panamá e impulsar las
actividades culturales y educativas que serán realizadas como parte integral del evento.
Presidida por Yasser Williams Arosemena y con reconocidos integrantes como Olga
Sinclair, Carlos A. Motta, Carmen Alemán Healy, Maribel Heilbron y Marcela Álvarez
Calderón de Pardini, todos han apostado al talento nacional y a la posibilidad de que
Panamá se constituya en un centro de talla internacional para el séptimo arte.
Algunos de los objetivos principales de la fundación son:
a) Promover los beneficios directos de realizar un festival internacional de cine en Panamá.
b) Promover la actividad cinematográfica y las profesiones relacionadas al cine.
c)
Estimular el cine nacional a través de la plataforma única de un festival de cine
internacional en Panamá.
d) Sensibilizar a la población sobre las artes escénicas, directamente involucrándola
en actividades y eventos que fomenten el desarrollo de la cultura.
e) Atraer y ayudar a exhibir el cine latinoamericano e internacional.
f)
Ayudar a crear un ambiente en el que productores y distribuidores converjan
en Panamá con el fin de adquirir producciones, promover el financiamiento de
películas y conseguir su distribución en forma global, además de lograr las coproducciones necesarias para incrementar los lazos culturales a través del cine.
g) Promover la educación y el desarrollo cultural del país.
h) Asistir en el establecimiento de una plataforma de exhibición internacional para
proyectos cinematográficos panameños.
Confiamos que con su apoyo alcanzaremos todas nuestras metas.
20
F UN DA C I Ó N I FF PA N A MÁ | IFF PANAMA FO UNDATION
IFF PANAMA FOUNDATION
The IFF Panama Foundation is a non-profit organization created with the purpose of
supporting the International Film Festival of Panama and promoting any cultural and
educational activities that form an essential part of the event.
The Foundation is headed by Yasser Williams Arosemena and includes other wellknown members, such as Olga Sinclair, Carlos A. Motta, Carmen Alemán Healy, Maribel
Heilbron and Marcela Álvarez Calderón de Pardini, all of whom are committed to
transforming Panama into an international film center.
The Foundation has the following main objectives:
a) To promote the direct benefits of holding an international film festival in Panama.
b) To promote film and film-related professions.
c)
To promote our national film industry through a unique platform, an international
film festival held in Panama.
d) To increase the country’s awareness of the performing arts through direct
involvement in activities and events which foster cultural development.
e) To attract and screen Latin American and International films.
f)
To assist in creating an environment in which producers and distributors may
come together in Panama to acquire films, promote film financing, obtain worldwide film distribution, and undertake joint productions, thus strengthening
cultural ties through film.
g) To promote education and the country’s cultural growth.
h) To help with the establishment of an international platform of Panamanian films.
With your support, we shall achieve all of our goals.
PATROCINADORES INSTITUCIONALES
PATROCINADOR PREMIUM
PATROCINADORES PRINCIPALES
MEDIOS PRINCIPALES
PATROCINADOR OFICIAL
MEDIO OFICIAL
PATROCINADOR ASOCIADO
MEDIOs ASOCIADOs
PATROCINADORES
COLABORADORES
HOSPITALIDAD
BENEFACTOR ES | PATRON S
BENEFACTORES / PATRONS
Alberto Motta Jr. y Lorraine de Motta
Analida Galindo
Camilo Cardoze y María Antonia de Cardoze
Carlos Alberto Motta y Analida de Motta
Carlos García de Paredes y Candice de García de Paredes
Christiaan de Haseth
Eduardo Navarro y Madeleine de Navarro
Fernando Galatas y Peggy Greene
Gina Granozio
Lastenia Cardoze de Arosemena
Luis Carlos Motta y Ana María de Motta
Meli Arosemena de Lara
Olga Sinclair
Pedro Heilbron y Marcela Heilbron
Rafael Arias y Lourdes de Arias
Rafael Arrillaga y Maribel Heilbron
Ramón Rowley y Anamari de Rowley
Raúl Orillac
Herman Bern y Miriam de Bern
Roberto James Boyd y Vasiliki de Boyd
Hernando Arias y Mae de Arias
Roberto Roy y Nikki Ortega de Roy
Jaime Alemán y Pilar Arosemena de Alemán
Jaime Tupper
Juan Raúl Humbert y Mari Loli de Humbert
Marcela A.C. de Pardini
SFC Investment
Stanley y Linky Motta
Tabo Toral y Carmen Alemán
Yasser Alexis Williams A. y Nasira de Williams
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P R E M I O S DE L PÚBLIC O | AUDIENC E AWARDS
PREMIOS DEL PÚBLICO / AUDIENCE AWARDS
IFF Panamá sigue apostando al poder de decisión del público panameño, quien con
su voto puede ayudar no solo a decidir el destino de las películas ganadoras, sino a
demostrar que el público panameño está preparado para “el otro cine”.
Este año contamos con los siguientes premios: el Premio del Público Copa Airlines
a la Mejor Película Iberoamericana de Ficción, el Premio del Público MasterCard a
la Mejor Película de América Central y El Caribe y el Premio del Público Revista K al
Mejor Documental.
IFF Panama continues to support the decision-making power of the Panamanian
public, who, by voting, can help decide the fate of not only the films chosen as the
winners, but also show that it is ready for “the other side of cinema”.
This year, IFF Panama offers the following awards: Copa Airlines Audience Award for
the Best Ibero-American Fiction Film, the MasterCard Audience Award for the Best
Central American and Caribbean Film and the Revista K Audience Award for the Best
Documentary Film.
PANORAMA iberoamericanO
IBERO-AMERICAN PANORAMA
Amena, creativa e inteligente, nuestra selección de películas
iberoamericanas incluye algunas de las piezas más celebradas en
la escena internacional, una selección precedida por el aplauso
de la crítica y del público de otras latitudes.
Smart, inventive and entertaining, our selection of IberoAmerican films includes some of the most exciting new work from
established and emerging filmmakers alike.
Estas películas participan por el Premio del Público Copa Airlines a la
Mejor Película Iberoamericana de Ficción.
These films participate for the Copa Airlines Audience Award for the
Best Ibero-American Fiction Film.
Patrocina esta sección / This section is sponsored by:
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PAN O R A M A I B E R O A ME RI C A N O | IBERO -AMERI C AN PANORAMA
Ocho apellidos vascos
Spanish Affair
Gala de Apertura / Opening Night Gala
Confirmada como el segundo mayor éxito de taquilla de todos los tiempos en España,
Ocho apellidos vascos es una exuberante comedia llena de cariño por la abigarrada
diversidad regional ibérica. Inteligente, romántica y gloriosamente irreverente, la
nueva cinta del director Emilio Martínez Lázaro toma una relación intercultural
históricamente tensa y la transforma en un motivo de celebración. Mejor dicho,
motivo para pasar un rato fenomenal en la sala de cine.
Amaia (Clara Lago), quien es vasca y Rafa (el debut en pantalla de Dani Rovira) se
conocen en Sevilla en una fiesta en la que Rafa divierte algunos asistentes con sus
afilados comentarios anti-vascos. Amaia se ofende pero Rafa queda enamorado, al
punto de seguirla de vuelta a su hogar. Ella acaba de cancelar su compromiso con
un paisano vasco, pero para no romperle el corazón a su padre (Karra Elejalde), un
viejo pescador fervientemente nacionalista, Amaia decide cometer un matrimonio
de mentira. Siendo que Rafa disfruta tanto burlarse de su pueblo, ¿será que acepta
interpretar a su enamorado durante la visita de su padre?
Los problemas de Rafa para personificar el objeto de sus bromas—hablar uno de los
idiomas más difíciles del planeta como si fuera el suyo, o memorizar sus ocho apellidos
vascos—dan para muchísimas risas. Martínez Lázaro mantiene un ritmo ligero y
divertido, con un humor afinado que pasa con destreza de lo general a la sutileza. Ocho
apellidos vascos es una comedia sentida, que une los disímiles extremos españoles en
un abrazo jovial.
PA N ORA MA I BE ROA ME RI C A NO | IBERO-AMERICAN PAN ORAMA
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Already Spain’s second-biggest box office smash of all time, Spanish Affair is an
exuberant culture-clash screwball comedy that exudes teasing affection for Spain’s
dizzying regional diversity. Smart, romantic and gloriously irreverent, this latest from
director Emilio Martínez Lázaro turns a historically strained intercultural relationship
and transforms it into a cause for celebration. It is, in short, a great time.
Amaia (Clara Lago), a Basque, and Rafa (stand-up Dani Rovira, making his screen debut)
meet at a Seville fiesta where Rafa, a local, generates laughs with his anti-Basque
comic barbs. Amaia is offended, but Rafa is infatuated—infatuated enough to follow
Amaia all the way back home.
Amaia has just called off her engagement to a fellow Basque. So as not to break the
heart of her aging fisherman father (Karra Elejalde), a fervent Basque nationalist,
Amaia decides to go ahead and stage a mock wedding. Since Rafa so enjoys making fun
of her people, might he take up the challenge of impersonating her Basque beloved for
the duration of her father’s three-day visit?
Rafa’s struggle to embody full-time the subject of his ridicule—speaking one of the
world’s most difficult languages as though it was his mother tongue, memorizing his
eight Basque surnames—makes for much hilarity. Martínez Lázaro keeps things fleet
and fun-filled, deftly navigating humour that swings from broad to subtle. Spanish
Affair is a rollicking comedy that collects all of Spain’s extremes and differences in one
enormous embrace.
Director:
Emilio Martínez Lázaro
País, año / Country, year:
España, 2014 / Spain, 2014
Idioma / Language:
Español / Spanish
Duración / Length:
98 min.
Productora / Production Company:
Lazonafilms, Kowalski Films, Telecinco Cinema
Productor / Producers:
Álvaro Augustín
Guión / Screenplay:
Borja Cobeaga, Diego San José
Emilio Martínez Lázaro nació en Madrid.
Sus películas incluyen Amo tu cama rica
(92), Los peores años de nuestra vida
(94), Carreteras secundarias (97), El otro
lado de la cama (02), Las 13 rosas (07),
La Montaña Rusa (12) y Ocho apellidos
vascos (14).
Emilio Martínez Lázaro was born in
Madrid. His films include Amo tu cama
rica (92), Los peores años de nuestra
vida (94), Carreteras secundarias (97),
The Other Side of the Bed (02), Las 13
rosas (07), La montaña rusa (12) and
Spanish Affair (14).
Emilio Martínez Lázaro
Editor:
Ángel Hernández Zoido
Fotografía / Cinematography:
Gonzalo F. Berridi, Juan Molina
Música / Music:
Fernando Velázquez
Reparto / Cast:
Clara Lago, Dani Rovira, Carmen Machi,
Karra Elejalde
Contacto / Contact:
Palmera International
Email:
[email protected]
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Aire libre
Lucía (Celeste Cid) y Manuel (Leonardo Sbaraglia) han estado casados por muchos
años. Ambos están en sus treintas, tienen a su adorable hijo Santi (Máximo Silva) y
viven una vida cómoda de burgueses. Buscando un sueño para su futuro, venden el
apartamento de Buenos Aires y construyen una casa en las afueras. Pero la pareja
tiene asuntos que no han querido afrontar desde hace tiempo, y el proyecto comienza
pronto a ampliar las fracturas que existen en la relación.
En su inquietante cuarto largometraje, Anahí Berneri crea una atmósfera de
animadversión latente, capturando en detalle la rabia silenciosa que crece entre dos
personas que han perdido la capacidad de reconocerse mutuamente. Las actuaciones
de Cid y de Sbaraglia canalizan brillantemente la violencia emocional escondida.
La agresión reprimida comienza a brotar en los más pequeños desacuerdos, o en
bruscos encuentros sexuales. Las astutas elecciones de vestuario revelan los anhelos
silenciados de los personajes, las pesadas botas que Lucía usa y con las que termina
pateando y quebrando objetos, o la chaqueta de cuero que Manuel viste como una
suerte de armadura.
Aire libre—título claramente irónico, dada la claustrofobia que se apodera del filme—
se enfrenta a preguntas profundas sobre la viabilidad de las relaciones duraderas en
nuestro tiempo. Continuando la incisiva exploración de la idea de familia que Berneri
emprendió en su anterior pieza, Es tu culpa, Aire libre ubica al espectador dentro de un
drama familiar que ocurre lejos de los arquetipos comerciales simplistas tipo Hollywood,
y afianza la reputación de su directora como un talento internacional emergente.
33
Lucía (Celeste Cid) and Manuel (Leonardo Sbaraglia) have been married many years.
They are both in their 30s, have an adorable son, Santi (Máximo Silva), and enjoy a
comfortable bourgeois life. Dreaming of their future, they decide to sell their Buenos
Aires apartment and build a house outside the city. But the couple has longstanding
issues they are not confronting, and their new project rapidly broadens the fractures
in their relationship.
Anahí Berneri evokes an atmosphere of simmering animosity in her unnerving fourth
feature, deftly capturing the silent rage that burgeons between two people who
have lost the ability to truly recognize one another. Cid’s and Sbaraglia’s breathtaking
performances pulse with emotional violence. Pent-up aggression begins spilling over
during the slightest disagreements, or in rough sexual negotiations. Shrewd costume
choices reveal the characters’ unspoken urges, the heavy boots Lucía wears and
eventually uses to kick things to pieces, or the leather zip-up jacket Manuel dons like a
piece of armour.
Aire libre—the title bracingly ironic, given the claustrophobia that comes to permeate
the film—grapples with questions about the viability of long-term relationships in our
time. Continuing the incisive exploration of family that began with Berneri’s previous
feature, It’s Your Fault, Aire Libre places the viewer in the midst of a domestic drama
that exists far from Hollywood archetypes—and cements its director’s reputation as an
international talent to watch.
Director:
Anahí Berneri
Argentina, 2014
Idioma / Language:
Español / Spanish
Duración / Length:
95 min.
Rizoma Films
Hernán Musaluppi, Natacha Cervi
Anahí Berneri, Javier Van de Couter
Anahí Berneri nació en Buenos Aires. Se
graduó del Paris’ l’Institut national de
l’audiovisuel. Sus películas incluyen el
documental corto Modelo para armar
(97) y los largometrajes Un año sin amor
(05), Encarnación (07), Por tu culpa (10) y
Aire libre (14).
Anahí Berneri was born in Buenos Aires.
She graduated from Paris’ l’Institut
national de l’audiovisuel. Her films
include the documentary short Modela
para armar (97) and the features A Year
Without Love (05), Encarnación (07), It’s
Your Fault (10) and Aire Libre (14).
Anahí Berneri
Editor:
Eliane D. Katz
Hugo Colace
Música / Music:
Nahuel Berneri, Sebastián Bianchini
Contacto / Contact:
Media Luna
Reparto / Cast:
Leonardo Sbaraglia, Celeste Cid, Fabiana Cantilo
Email:
[email protected]
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Ciudad delirio
Estreno Internacional / International Premiere
“Seguir nuestra intuición” puede no ser la respuesta que nos ayudará a pasar los
retos de la vida, pero cuando se trata de bailar salsa—o del amor—, escucharla con
atención resulta fundamental. “Escucha tu intuición” es el consejo que Angie (Carolina
Ramírez), una experimentada bailarina caleña le ofrece en varias ocasiones a Javier
(Julián Villagrán), un médico español de visita por una conferencia. Con un poco de
paciencia, tiempo y práctica, el consejo de Angie ayuda a Javier a defenderse en la
pista. Igual sucede con su idea de preparar a su joven grupo de baile para presentarse
a Delirio, la competencia más importante de su carrera. ¿Pero será que ese precepto
en apariencia tan sencillo aplica para ella por fuera de la pista de baile? ¿Sobre todo en
lo que tiene que ver con sus relaciones?
Con una seductora propuesta que presenta el estilo de baile por el que se conoce
mundialmente a la segunda ciudad más grande de Colombia, Ciudad Delirio pondrá
su corazón a bailar, tal como da ganas de ponerse a bailar en el mismo cine. En un
cambio que la saca de los dramas con temas sociales punzantes, esta nueva cinta de
la directora española Chus Gutiérrez nos muestra su lado más ligero y romántico. Su
mirada se desliza sensual por Cali, al tiempo que sujeta a sus queridos personajes
con un abrazo firme. Tanto una historia emocionante sobre el valor requerido para
alcanzar lo que queremos, como una danza de corazones que comienzan a arder,
Ciudad Delirio resulta una delicia completa.
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“Follow your instinct” may not get you through every challenge life poses, but when
it comes to dancing salsa—and to love—listening carefully to your impulses is key.
“Follow your instinct” is the advice that Angie (Carolina Ramírez), a Caleña salsa
wizard, repeatedly gives Javier (Julián Villagrán), a Spanish doctor in Colombia for a
conference. With a little time, patience and practice, Angie’s advice will prove useful
to Javier’s initially fumbling dance-floor technique. It will also continue to help Angie
as she and her dance troupe try to get into the big Delirio dance competition. But can
Angie apply that same deceptively simple advice to herself when off the dance floor?
Especially as it pertains to her relationships?
A seductive little film that showcases the dynamic footwork for which Colombia’s
second largest city is famous, Ciudad Delirio will have you dancing in your heart—
if not in the theatre aisles. A departure from the socially pointed dramas that have
characterized her prolific career, the latest from Chus Gutiérrez exhibits the Spanish
director’s breezier, more romantic side. Her balletic camera swirls its way through Cali,
enveloping her characters in a taut embrace. Part exhilarating go-for-it narrative, part
dance of hearts, Ciudad Delirio is an utter delight.
Director:
Chus Gutiérrez
Colombia, España, 2014 / Colombia, Spain, 2014
Idioma / Language:
Español / Spanish
Duración / Length:
100 min.
Chus Gutiérrez nació en Granada,
España. Sus filmes incluyen Poniente
(02), El calientito (05), Regreso a Hansala
(08) y Ciudad Delirio (14).
Chus Gutiérrez was born in Granada,
Spain. Her films include Poniente (02),
El Calientito (05), Return to Hansala (08)
and Ciudad Delirio (14).
64-A Films, Film Fatal
Diego Ramírez, Elena Manrique
Elena Manrique, Chus Gutiérrez
Chus Gutiérrez
Editor:
Nacho Ruiz Capillas
Diego Jiménez
Música / Music:
Tao Gutiérrez
Reparto / Cast:
Julián Villagrán, Carolina Ramírez, Ingrid Rubio,
Jorge Herrera, John Alex Castillo, Miguel Ramiro
Contacto / Contact:
64A Films
Email:
[email protected]
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El ardor
ardor
Descrita por su director como un “western mesopotámico”, El ardor nos trae a Gael
García Bernal interpretando a Kaí, un chamán misterioso que emerge de la región
argentina del Río Paraná para defender a un clan de cultivadores de tabaco frente a
sangrientos ladrones de tierras. Y son claros los motivos y elementos que el cautivante
relato de Fendrik apropia de las películas del oeste, pero lo hace con tanto ingenio que
los revitaliza y transporta a la cultura latinoamericana de un modo natural, que abarca su
topografía, historia y problemas sociales.
Tres hombres armados van por la región forzando a los dueños a vender sus terrenos,
para después secuestrarlos o asesinarlos tan pronto seca la tinta en los contratos. Kaí
conoce gente de esa calaña, otros como estos masacraron a su familia, y por eso hace
su misión proteger a Vania (Alice Braga), cuya familia y su propiedad está a punto de ser
víctimas de los rastreros criminales. La resistencia que organiza Kaí recrudece el asedio
con muchas más sabandijas llegando a la escena. Kaí no quiere utilizar la violencia, pero
demuestra ser perfectamente capaz de emplearla cuando el momento le obliga.
García cumple con un personaje de carne y hueso, logrando pasar de modo paulatino de
ser un enigma a un hombre común y corriente, aunque de extraordinaria valentía. Su Kaí
es una contribución memorable a la galería de héroes de las películas del oeste, pero al
igual que en muchas de las joyas del género, el paisaje es el verdadero centro de gravedad,
una jungla densa y llena de peligros que en manos de Fendrik toma vida y nos envuelve
con su aliento. La lucha de Kaí por protegerla resulta imperativa, más allá de toda duda.
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Described by writer-director Pablo Fendrik as a “Mesopotamic Western,” Ardor stars
Gael García Bernal as Kaí, a mysterious shaman who emerges from Argentina’s Río
Paraná to defend a clan of tobacco farmers against cold-blooded land-grabbers. And
indeed, Fendrik’s absorbing tale of violence and frontier justice in a lawless landscape
appropriates numerous western tropes—yet does so in ways that are inventive,
reinvigorating and wholly native to South American culture, history, topography and
social issues.
Three armed men stalk the region, coercing locals to sell their land before murdering or
kidnapping them once the ink is dry on the contract. Kaí knows men like this—his own
family was slaughtered by thugs just like them—and thus makes it his duty to protect
Vania (Alice Braga), whose family and property have fallen victim to the scoundrels.
Kaí’s resistance prompts only more of the mercenaries to appear. Kaí is reluctant to
use violence—but he proves more than capable of doing so when his hand is forced.
García gives a beautifully rounded performance, shifting incrementally from an enigma
to an ordinary—if extraordinarily heroic—man. Kaí is a memorable contribution to the
gallery of western heroes, yet, as with other genre standouts, the land itself is the star
of Ardor, a dense, danger-laden jungle that under Fendrik’s wondrous gaze becomes a
living, breathing thing. And one that needs to be protected.
Director:
Pablo Fendrik
Francia, Argentina, Brasil, México, Estados
Unidos, 2014 / France, Argentina, Brazil, Mexico,
United States, 2014
Idioma / Language:
Español / Spanish
Pablo Fendrik nació en Buenos Aires.
Sus largometrajes incluyen El asaltante
(07), La sangre brota (08) y El ardor (14).
Pablo Fendrik was born in Buenos
Aires. His films include The Mugger (07),
Blood Appears (08) and Ardor (14).
Duración / Length:
100 min.
Magma Cine, Bananeira Filmes, Participant Media,
Canana, Manny Films, Telefe, Aleph Media
Oriana Castro
Pablo Fendrik
Pablo Fendrik
Editor:
Leandro Aste
Julian Apezteguia
Música / Music:
Sebastián Escofet
Reparto / Cast:
Alice Braga, Gael García Bernal, Chico Díaz,
Claudio Tolcachir, Jorge Sesán, Lautaro Vilo,
Julián Tello
Contacto / Contact:
Email:
[email protected]
38
El 5 DE TALLERES
El Cinco
A sus 35, Patón Bonassiolle va de frente hacia una crisis de la madurez—lo cual es
medio loco, dado que él siente que nunca maduró. Patón, jugador profesional de
futbol con Talleres de Escalada, parece ir llegando al final de su carrera, así no lo pueda
aceptar. Incluso puede que esté llegando a un punto de quiebre en su matrimonio
con Ale. El 5 de Talleres, segundo largometraje del director argentino Adrián Biniez,
cuyo debut de 2009 Gigante obtuvo varios premios en Berlín y otros festivales, es una
comedia dulce e inteligente.
Como pareja que son—tanto en la vida real como en la historia—Julieta Zylberberg y
Esteban Lamothe interpretan a Ale y Patón con una química encantadora que no se
ve tan a menudo en pantalla. Son personajes de carne y hueso, o mejor, de parrillada y
cerveza, en un mundo donde el futbol domina gran parte de la vida diaria, y lo que para
el resto de mortales son señales naturales de adultez, para ellos pueden confundirse
por la devoción al juego. Para explicar por qué hizo El 5 de Talleres, Biniez cuenta que
tras terminar su primer filme, y empezar en serio su carrera, tenía 34 años, ¡edad a la
que muchos deportistas profesionales deben afrontar su retiro! Su nueva cinta está
llena de afecto, curiosidad y simpatía por ese estilo de vida tan diferente, con sus
buenos y malos momentos, los triunfos y fracasos, y la forma en que pueden dejar a
alguien en la mitad de su vida atascado entre la juventud y la madurez, pensando cuál
será su siguiente movida.
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At 35, Patón Bonassiolle is heading straight into a midlife crisis—which seems crazy,
since he feels like he never really grew up. A professional futbolista with Talleres
de Escalada, Patón is, like it or not, reaching the end of his career. Perhaps he’s also
reaching a major turning point in his marriage to Ale. El Cinco, the second feature
from Argentine director Adrián Biniez, whose 2009 debut Gigante scooped multiple
awards in Berlin and elsewhere, is a sweet, witty and wise comedy.
A couple both on and off-screen, Esteban Lamothe and Julieta Zylberberg play Patón
and Ale with an utterly charming, lived-in feel. These characters inhabit a world of
barbecue and beer, in which sports dominates much of daily life and what most
of us consider to be the standard markers of adulthood can become distorted by
devotion to the game. In describing his reasons for making El Cinco, Biniez explains
that he made his first film, and thus truly started his career, at age 34—just about the
same time that most professional athletes are retiring! El Cinco is an affectionate,
sympathetic, deeply curious portrait of this radically different lifestyle, its ups and
downs, successes and failures, and the way it can leave someone stranded in the
midst of life, stuck between youth and middle-age, wondering where to go next.
Director:
Adrián Biniez
Argentina, Uruguay, 2014
Idioma / Language:
Español / Spanish
Duración / Length:
100 min.
Mutante Cine, Morocha Films
Fernando Epstein, Agustina Chiarino, Gonzalo
Rodríguez Bubis
Adrián Biniez nació en Remedios de
Escalada, Argentina y ahora vive en
Montevideo. Ha dirigido el cortometraje
8 horas (05) y los largos Gigante (09), que
obtuvo el Oso de Plata en Berlín, y El 5
de Talleres (14).
Adrián Biniez was born in Remedios
de Escalada, Argentina and now lives
in Montevideo. He has directed the
short film 8 Hours (05) and the features
Gigante (09), which received the Silver
Bear in Berlin, and El Cinco (14).
Adrián Biniez
Adrián Biniez
Editor:
Fernando Epstein
Guillermo Nieto
Reparto / Cast:
Esteban Lamothe, Julieta Zylberberg,
Nestor Guzzini, Matías Castelli
Contacto / Contact:
Films Boutique
Email:
[email protected]
40
El elefante desaparecido
The Vanished Elephant
Justo cuando el novelista de misterio Edo Celeste (Salvador del Solar) está a punto de
terminar la última parte de su popular serie con el detective Felipe Aranda, recibe un
llamado de Mara (Angie Cepeda), cuyo esposo falleció el mismo día que la prometida
de Celeste desapareció, siete años atrás. Mara le entrega a Celeste un sobre con
fotografías que pueden ser la anhelada pista sobre el paradero de su amada.
Con el nombre del Elefante de Mendieta—una formación rocosa que el mar se tragó en
el terremoto del Perú en 2007—El elefante desaparecido es un thriller decididamente
original y a veces alucinante, que emana de la mejor tradición literaria latinoamericana.
En su homenaje a escritores como Jorge Luis Borges y Julio Cortázar, el guionista y
director Javier Fuentes León convierte su historia de detectives en una meditaciónrompecabezas sobre el proceso del luto y el enigma de la creación artística. Cuando el
obsesionado escritor se embarca en una búsqueda que lo lleva desde Lima a las playas
de Paracas, los misterios literarios y los reales se entrelazan de manera inquietante, al
punto en que dudamos dónde termina la ficción y empieza la realidad, o si es que la
ficción en realidad termina.
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Just as crime novelist Edo Celeste (Salvador del Solar) is finishing what’s to be the last
installment in his popular Felipe Aranda detective series, he receives a summons from
Mara (Angie Cepeda), whose ex-husband died the same day that Celeste’s fiancée went
missing seven years ago. Mara gives Celeste an envelope containing photographs that
Celeste quickly realizes provide a long-sought-after clue as to the whereabouts of his
lost love.
Taking its title from the Elephant of Mendieta—a rock formation that was swallowed
up by the ocean during Peru’s 2007 earthquake—The Vanished Elephant is an
invigoratingly original, at times hallucinatory thriller steeped in a distinctly Latin
American literary tradition. Paying homage to such writers as Jorge Luis Borges and
Julio Cortázar, writer-director Javier Fuentes-León transforms his detective story into
a puzzle-like meditation on the processing of loss and the enigma of artistic creation.
As the obsessed author embarks on a quest that takes him from Lima to the outlying
beaches of Paracas, literary and real-life mysteries become eerily entwined, leading
us to wonder where fiction ends and fact begins—or if the fiction actually ends at all.
Director:
Javier Fuentes-León
Perú, Colombia, España, 2014 / Peru, Colombia,
Spain, 2014
Idioma / Language:
Español / Spanish
Duración / Length:
109 min.
El Calvo Films, Tondero Films, Dynamo, Cactus
Flower Producciones, Fast Producciones
Javier Fuentes-León, Michel Ruben, Andrés
Calderón, Delia García
Javier Fuentes-León nació en Perú.
Después de graduarse de la escuela
de medicina, obtuvo su Maestría en
dirección de cine en el Instituto de
Artes de California. Ha dirigido los
cortometrajes, Espacios (97) y Géminis
(04) y los largometrajes Undertow (09) y
El elefante desaparecido (14).
Javier Fuentes-León was born in Peru.
After graduating from medical school,
he earned his M.F.A. in film directing at
the California Institute of the Arts. He
has directed the short films, Espacios
(97) and Géminis (04) and the feature
films Undertow (09) and The Vanished
Elephant (14).
Editor:
Phillip J. Bartell
Mauricio Vidal
Música / Music:
Selma Mutal
Contacto / Contact:
IM Global
Reparto / Cast:
Angie Cepeda, Salvador del Solar, Andrés Parra
Email:
[email protected]
42
Jauja
A su manera enigmática y cautivante, Jauja es una experiencia cinéfila única, que pasa
sutilmente del realismo a un fascinante estado de ensoñación. Es también un paso
importante en la carrera del aclamado autor argentino Lisandro Alonso, quien por vez
primera incluye un guión formal y actores profesionales al tiempo que perfecciona su
singular estilo visual, el ritmo meditativo y los intensos paisajes que lo han definido
desde sus esenciales filmes Los muertos y Liverpool.
El prodigioso Viggo Mortensen (quien es además productor de la cinta) interpreta al
general danés Gunnar Dinesen, quien se encuentra en una misión de exploración de
la remota Patagonia durante la campaña española de 1882, que buscaba expoliar los
territorios indígenas. Al notar que su adorada hija, la quinceañera Ingebor (Villbjork
Agger Malling) se dio a la fuga con un joven soldado, Dinesen sale a perseguirlos con el
temor de que caigan en manos del peligroso bandido Zuluaga, quien muy al estilo de
Kurst en El corazón de las tinieblas de Joseph Conrad, se ha ‘vuelto salvaje’.
Al adentrarse en los más recóndito parajes, Jauja—referente mítico del reino de la
abundancia—se transforma para Dinesen en algo más metafísico que real. El tiempo y
el espacio colapsan en manos de Alonso, quien nos propone una visión más cíclica que
lineal de la experiencia vital, ampliando así los límites colectivos de la imaginación y
los alcances del lenguaje fílmico.
43
Arrestingly enigmatic and eerie, slipping ever-so-gradually from realism to something
haunting and dreamlike, Jauja is a cinematic experience like no other. It marks an
important departure in the work of acclaimed Argentine auteur Lisandro Alonso,
working here for the first time with a formal script and professional actors, while
maintaining the singular visual style, languid pace and rugged landscapes that made
his previous films, such as Los Muertos and Liverpool, so memorable.
Viggo Mortensen (also one of Jauja’s producers) plays Danish general Gunnar Dinesen,
assigned to a scouting mission in the wilds of Patagonia during the Spaniards’ 1882
campaign to rid the land of its indigenous people. When his beloved fifteen-year-old
daughter Ingeborg (Villbjork Agger Malling) runs off with a young soldier, Dinesen
mounts his horse and sets off in pursuit, desperately hoping to find her before she’s
caught by the notorious brigand Zuluaga, a former soldier who, not unlike Kurtz in
Joseph Conrad’s Heart of Darkness, has “gone native.”
As Dinesen’s search leads him ever deeper into the wilderness, Jauja—its title a
reference to a mythical land of plenty—starts to assume a more metaphysical
dimension. Time and space seem to collapse as Alonso posits a cyclical, rather than
linear, vision of life’s journey, expanding the boundaries of our collective imagination
and the possibilities of film narrative.
Director:
Lisandro Alonso
Argentina, Dinamarca, Francia, México, Alemania,
Estados Unidos, 2014 / Argentina, Denmark,
France, Mexico, Germany, United States, 2014
Idioma / Language:
Español / Spanish
Duración / Length:
108 min.
4L, Massive Inc., Perceval Films, Mantarraya
Producciones, Fortuna Films
Lisandro Alonso nació en Buenos Aires.
Estudió cine en la Universidad del
Cine, antes de crear su productora 4L.
Sus obras incluyen La libertad (01), Los
muertos (04), Fantasma (06), Liverpool
(08) y Jauja (14)..
Lisandro Alonso was born in
Buenos Aires. He studied film at the
Universidad del Cine, before founding
the production company 4L. His films
include La Libertad (01), Los Muertos
(04), Fantasma (06), Liverpool (08) and
Jauja (14).
Ilse Hughan, Andy Kleinman, Viggo Mortensen,
Sylvie Pialat, Jaime Romandia, Helle Ulsteen
Lisandro Alonso
Lisandro Alonso, Fabián Casas
Editor:
Gonzalo del Val, Natalia López
Timo Salminen
Música / Music:
Viggo Mortensen
Reparto / Cast:
Viggo Mortensen, Diego Roman, Ghita Nørby,
Mariano Arce, Viilbjørk Malling Agger, Misael
Saavedra, Adrián Fondari
Contacto / Contact:
Wiesner Distribution
Email:
[email protected]
44
La distancia más larga
The Longest Distance
Este drama coral explora el dolor y la reconciliación, mientras que su preciosa fotografía
explora la espectacular Gran Sabana venezolana. El debut de Claudia Pinto Emperador
acompaña a miembros de dos familias muy disímiles que emprenden viajes cargados de
encuentros fortuitos.
El más joven y vulnerable de los personajes es Lucas (Omar Moya), de 10 años, quien tras
perder a su madre en un acto desafortunado de violencia, emprende por su cuenta el
peligroso viaje desde Caracas hasta Roraima, donde su abuela Martina (Carme Elías),
planeaba reunirse con su hija después de vivir mucho tiempo en España. Pese a recibir
la trágica noticia sobre su hija, Martina llega a Roraima para la cita planeada, aunque sus
planes se han alterado profundamente.
Tanto Lucas como Martina recurren a la ayuda de extraños para llegar a donde van.
Lucas encuentra un peculiar protector en Kayemó (Alec Whaite), un joven con un arma,
cero bolívares y muchos líos. Martina por su parte intenta negociar un acuerdo especial
con Nasak (Marcos Moreno), un guía local. Nasak no tiene muchas ganas de aceptar, pero
dado que su esposa necesita atención médica costosa, la oferta económica de Martina
es imposible de rechazar.
Con un tejido narrativo que nos recuerda las primeras cintas de Alejandro González
Iñarritu, La distancia más larga es un estudio humano e inteligente de las distancias,
tanto literales como figurativas, que debemos recorrer para encontrar a quienes nos
aman, y para lograr al fin comprendernos a nosotros mismos.
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An ensemble drama that explores grief and reconciliation—just as its gorgeous
cinematography explores Venezuela’s spectacular Gran Sabana—Claudia Pinto
Emperador’s feature debut follows members of two very different families as they set
out on journeys riddled with unexpected encounters.
The youngest and most vulnerable of Pinto’s characters is 10-year-old Lucas (Omar
Moya), who after losing his mother to a random act of violence undertakes a
dangerous solo trek from Caracas to Roraima, where his mother was to reunite with
her long-estranged mother, Martina (Carme Elías), who has been living in Spain.
Despite receiving news of her daughter’s death, Martina does indeed arrive in Roraima
for their scheduled rendezvous—though now her plans have been altered gravely.
Both Lucas and Martina rely on the kindness of strangers to get where they’re going.
Lucas finds an unlikely protector in Kayemó (Alec Whaite), a young guy with a gun,
little money and plenty of trouble. Martina meanwhile attempts to negotiate a special
arrangement with local guide Nasak (Marcos Moreno). Nasak is reluctant to comply
but, given that he has a wife in need of expensive medical care, Martina’s offer of
remuneration is difficult to resist.
A network narrative akin the early films of Alejandro González Iñarritu, The Longest
Distance is an intelligent, humane study of the distances, both literal and figurative,
that we must cross in order to meet those we love, and to better understand ourselves.
Director:
Claudia Pinto
Venezuela, 2013
Idioma / Language:
Español / Spanish
Duración / Length:
103 min.
Sin Rodeos Films C.A., Castro Producciones
Cinematográficas
Claudia Pinto
Claudia Pinto nació en Caracas y ha
trabajado en cine y televisión en
Venezuela y España. Sus créditos como
directora incluyen la serie de televisión
Negocios de familia (05) y Les moreres
(07). La distancia más larga (13) es su
primer largometraje.
Claudia Pinto was born in Caracas and
has worked in film and television in
Venezuela and Spain. Her directorial
credits include the television series
Negocis de familia (05) and Les moreres
(07). The Longest Distance (13) is her
feature film debut.
Claudia Pinto
Claudia Pinto
Editor:
Elena Ruiz
Gabriel Guerra
Música / Music:
Vincent Barrière
Reparto / Cast:
Carme Elías, Omar Moya, Alec Whaite, Iván
Tamayo, Isabel Rocatti, Marcos Moreno, Malena
González, Beatriz Vásquez, José Roberto Díaz,
Alberto Rowinsky
Contacto / Contact:
Claudia Pinto
Email:
[email protected]
46
La Isla Mínima
Marshland
La suntuosa historia de Alberto Rodríguez tras Unidad 7 ocurre en los pantanales de
Andalucía en 1980, y nos envuelve en su atmósfera de cine negro con un argumento
cautivante y personajes bien definidos.
Cuando dos hermanas desaparecen tras una fiesta en su pueblo, los detectives Juan
(Javier Gutiérrez) y Pedro (Raúl Arévalo) llegan desde Madrid a investigar. Se encuentran
de entrada con resistencia por parte de los locales, cuyo feroz conservatismo se
muestra en forma de un crucifijo en el hotel, completo con imágenes de Franco y Hitler.
Es la era del lento paso de una dictadura a una democracia moderna, y la desaparición
de dos chicas con cierta ‘reputación’ no preocupa mucho a un pueblo que ya enfrenta
una mala cosecha, una huelga de trabajadores y el continuo contrabando de drogas.
Imbuida en un aire de ansiedad, represión y aislamiento rural, La isla mínima nos ofrece
no solo un thriller contundente sino un retrato detallado de un momento particular en
la historia. Es además un canal para varias actuaciones magistrales, con Antonio de la
Torre (Caníbal) haciendo una aparición memorable, y nos da una razón más para poner
a Rodríguez en la selecta lista de los mejores directores de la España actual.
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Set in 1980, in the marshlands of Andalucía, Alberto Rodríguez’s sumptuously moody
follow-up to Unit 7 is a twisty, gripping, character-driven noir.
When two sisters vanish after a party in their town, detectives Juan (Javier Gutiérrez) and
Pedro (Raúl Arévalo) are sent down from Madrid to investigate. They immediately meet
with resistance from the locals, whose deep conservatism is ominously foreshadowed
by the crucifix the policemen discover on their hotel wall—a crucifix inset with images
of Franco and Hitler. These are the days of Spain’s protracted transition from life
under dictatorship to modern democracy, and the disappearance of a pair of young
women said to have “a reputation” may not merit much attention in this place already
beleaguered by a failed harvest, a worker’s strike and drug smuggling.
Steeped in a sinister atmosphere of anxiety, repression and rural isolation, Marshland
provides us with both a satisfying thriller and a carefully researched portrait of its
particular period milieu. It’s also a showcase for numerous excellent performances—
Antonio de la Torre (Cannibal) makes a memorable appearance—and gives us another
reason to place Rodríguez on a select list of the very best filmmakers working in
Spain today.
Director:
Alberto Rodríguez
Idioma / Language:
Español / Spanish
Duración / Length:
105 min.
La Zanfoña Producciones, Atresmedia Cine,
Atípica Films, Sacromonte Films, Antena 3 Films
Alberto Rodríguez nació en Sevilla,
España. Sus películas incluyen El factor
Pilgrim (00), El palo (02), 7 vírgenes (05),
Después (09), Unidad 7 (12) y La isla
mínima (14).
Alberto Rodríguez was born in Seville,
Spain. His films include The Pilgrim
Factor (00), The Suit (02), 7 Virgins (05),
After (09), Unit 7 (12) and Marshland (14).
Mercedes Gamero, Gervasio Iglesias, Mikel
Lejarza, José Sánchez-Montes
Alberto Rodríguez
Rafael Cobos, Alberto Rodríguez
Editor:
José M. G. Moyano
Álex Catalán
Música / Music:
Julio de la Rosa
Reparto / Cast:
Javier Gutiérrez, Raúl Arévalo, María Varod, Perico
Cervantes, Jesús Ortiz, Jesús Carroza
Contacto / Contact:
Email:
[email protected]
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La tercera orilla
The Third Side of the River
El tercer largometraje de la directora argentina Celina Murga es una historia lírica y
ejecutada con gran maestría sobre el paso a la adultez. Martin Scorsese fungió hace
tiempo de mentor de Murga y en este proyecto es su productor ejecutivo. Si bien Murga
posee una voz muy suya, que no se presta para comparaciones obvias, en La tercera
orilla puede notarse el ojo de Scorsese en su matizada comprensión de las dinámicas
masculinas y su capacidad de crear la sensación de un lugar vivido, en este caso la
zona de donde viene Murga, Entre Ríos.
El joven de 17 años, Nicolás (Alian Devetac), vive con su madre Nilda (Gaby Ferrero) en
una modesta casa junto a sus dos hermanos. Su padre Jorge (Daniel Veronese) visita
regularmente con dinero, regalos y apetitos sexuales que Nilda debe satisfacer. Jorge
vive con su otra familia, la cual disfruta un nivel de comodidad y seguridad que la de
Nicolás jamás ha visto. Jorge es un doctor con buena reputación y decide apoyar y
tener más cerca a Nicolás. Sin embargo el muchacho resiente cada vez más todo lo
que va descubriendo de la verdadera personalidad de su padre, y una rabia inusitada
comienza a apoderarse de él.
Bajo la dirección de Murga nada se siente forzado. La tercera orilla no asombra con
pirotecnia narrativa, sino que nos adentra en su detallado mundo con escenas que
lentamente adquieren tensión, profundidad y sentido. La película también aprovecha
al talentoso novato Devetac quien, al igual que la directora, comprende la fuerza que
acumula todo lo que se reprime pero no se puede suprimir.
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Argentine director Celina Murga’s third fiction feature is a lyrical, masterfully observed
coming-of-age story. Martin Scorsese once served as Murga’s mentor and here assumes
the role of executive producer. While Murga possesses too individual a voice to lend
itself to obvious comparisons, one can detect a hint of Scorsese in The Third Side of
the River’s complex understanding of masculine dynamics and in its acute sense of
place—that place being Murga’s home region of Entre Rios.
17-year-old Nicolas (Alian Devetac) lives in a modest home with his mother Nilda (Gaby
Ferrero) and two siblings. Nicolas’ father Jorge (Daniel Veronese) regularly comes
around with money and gifts and sexual urges that Nilda is expected to oblige. But
Jorge lives with his other family, who enjoy a level of comfort and security that Nicolas’
family has never known. Jorge is a respected doctor and decides to take Nicolas under
his wing. Yet the more exposure Nicolas gains to his father’s real personality, the more
an unprecedented rage and resentment builds inside him.
Under Murga’s graceful stewardship nothing is forced. The Third Side of the River
holds little in the way of narrative fireworks, choosing instead to lure us deeper into
its beautifully honed milieu with scenes that slowly accrue in tension, meaning and
emotion. The film also functions as a perfect platform for talented newcomer Devetac,
who, like his director, understands the power of letting something simmer before it boils.
Director:
Celina Murga
Argentina, Holanda, Alemania, 2014 / Argentina,
Netherlands, Germany, 2014
Idioma / Language:
Español / Spanish
Duración / Length:
92 min.
Tresmilmundos Cine, Waterland Film, Rommel
Film
Celina Murga nació en Paraná, Entre
Ríos, Argentina. Estudió cine en la
Fundación Universidad del Cine. Sus
películas incluyen Interior-noche (99),
Ana y los otros (03), Una semana solos
(07) y La tercera orilla (14).
Celina Murga was born in Paraná, Entre
Rios, Argentina. She studied cinema at
the Fundación Universidad del Cine.
Her films include Interior-noche (99),
Ana and the Others (03), A Week Alone
(07) and The Third Side of the River (14).
Celina Murga, Juan Villegas
Celina Murga
Celina Murga, Gabriel Medina
Editor:
Eliane D. Katz
Diego Poleri
Reparto / Cast:
Alian Devetac, Dylan Agostini van del Boch,
Daniel Veronese, Gabriela Ferrero, Irina Wetzel
Contacto / Contact:
The Match Factory
Email:
[email protected]
50
La voz en off
Voice Over
La voz en off, irreverente comedia del director chileno Cristián Jiménez, combina una
afinada observación de los rasgos humorísticos de sus personajes con el manejo de
la tensión, en un historia familiar que transcurre en su natal Valdivia, y expone las
grietas existentes entre las versiones que creamos de nuestras historias personales y
las verdades tanto más complejas que nos esforzamos en ignorar.
Sofía (Ingrid Isensee), una actriz desempleada que se impone un año sin celular,
internet o televisión, decide además desconectarse de su esposo, el padre de sus hijos.
Mientras adecúa su hogar como estudio de grabación de voz en off, la nueva soltera
pasa el tiempo en casa de sus padres, que bulle con cuatro generaciones: su abuela
todavía está presente, sus niños no paran un minuto y su hermana Ana (María Siebald)
regresa de París con sus propios esposo y bebé. El caos sobreviene cuando el padre de
Sofía (Cristián Campos) anuncia que se separa de su atónita esposa (Paulina García)
tras 35 años de matrimonio. Los secretos de Manuel van dejando de serlo y Sofía y Ana
entablan un extraño diálogo respecto al patriarca que creían conocer y el futuro que
les espera.
Haciendo uso diestro de un reparto impecable, La voz en off emplea las ansiedades de
los adultos y la actitud juguetona de los niños para explorar cómo nuestros orígenes
familiares determinan en buena medida el destino que enfrentamos, aun cuando
sentimos que trazamos nuestro propio camino.
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Balancing bursts of behavioral humor with steadily rising tension, Chilean director
Cristián Jiménez’s Voice Over, an irreverent comedy set in his hometown of Valdivia,
exposes the gaps between the tidy narratives we create about our families and the
messier truths we try to ignore.
Out-of-work actor Sofía (Ingrid Isensee) has taken a “disconnection vow”: she’ll allow
herself no mobile phone, no internet, and no television for one year. She’s also decided
to disconnect from her husband, the father of her children.
While attempting to set up her home as a place to do voice-over work, the newly
single Sofía finds herself spending time at her parents’ house, which bustles with
four generations: her grandmother is still alive, her kids run rampant, and her sister
Ana (María Siebald) has returned from Paris with her own husband and kids. Any
semblance of familial harmony collapses when Sofía’s father (Cristián Campos)
declares that he’s leaving her baffled mother (Paulina García) after thirty-five years
of marriage. As Manuel’s secrets begin to emerge, Sofía and Ana begin an increasingly
hilarious dialogue about the patriarch they only thought they knew—and what to do
about him.
Assembling a marvelous cast, Voice Over employs adult anxieties and childlike
playfulness to consider how our familial roots will always have a hand in determining
our fate—even when we think we’re blazing our own trails.
Director:
Cristián Jiménez
Chile, Francia, Canadá, 2014 / Chile, France,
Canada, 2014
Idioma / Language:
Español / Spanish
Duración / Length:
96 min.
Jirafa Films, Rouge International, Coproducción
Chile-France, Les Films 1976
Augusto Matte, Cristián Jiménez, Nadia Turincev,
Julie Gayet, Nicolas Comeau
Cristián Jiménez nació en Valdivia, Chile.
Tiene una maestría en sociología de la
Escuela de Economía de Londres. Sus
filmes incluyen los cortos Hong Kong
(03), El tesoro de los caracoles (04) y
XX (06), y los largometrajes Ilusiones
ópticas (09), Bonsai (11) y La voz en
off (14).
Cristián Jiménez was born in Valdivia,
Chile. He holds a master’s degree in
sociology from the London School
of Economics. His films include the
shorts Hong Kong (03), El Tesoro de
los Caracoles (04), and XX (06), and the
features Ilusiones ópticas (09), Bonsai
(11) and Voice Over (14).
Daniel Castro, Cristián Jiménez
Editor:
Soledad Salfate
Inti Briones, Cristián Jiménez
Música / Music:
Adam Waitot
Reparto / Cast:
Paulina García, Maite Neira, Ingrid Isensee,
María Siebald, Cristián Campos, Niels Schneider,
Shenda Roman, Lucas Miranda, Cristóbal Palma
Contacto / Contact:
Jirafa Films
Email:
[email protected]
Cristián Jiménez
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Las ovejas no pierden el tren
Sidetracked
Estreno Latinoamericano / Latin American Premiere
Desesperados por un cambio en su rutina, Luisa y Alberto (Inma Cuesta y Raúl
Arévalo) se mudan al campo con su hijo. Pero la vida rural no es como la pintan: no
hay calefacción, todos los animales andan sueltos y, mientras Luisa se enfoca en
su trabajo, Alberto tiene serios problemas para encontrar la inspiración con la que
contaba para escribir su novela. Luisa, cada vez más decidida a tener un segundo crío,
le dice a su esposo que intente conectarse con la naturaleza. Alberto reconoce que
prefiere conectarse a su iPad.
Por su parte Juan (Alberto San Juan), hermano de Alberto, periodista divorciado, parece
tranquilo en la urbe, lidiando con su crisis de la mediana edad, sus obligaciones
parentales, y las necesidades de una novia veinte años menor que él. Así mismo Sara,
la hermana de Luisa, (Candela Peña) se esfuerza en conseguir un hombre, pero no está
tan segura de que su apuesta por el aparente candidato perfecto, Paco (Jorge Bosch),
arroje los resultados anhelados.
Las ovejas no pierden el tren, la última cinta del prolífico director español Álvaro
Fernández Armero, es una comedia coral dulce, sostenida por actuaciones de excelente
nivel, que trata sobre lo que cuesta madurar en plena madurez. El filme comprende
las cosas que podemos llegar a hacer para darle más sentido a nuestra vida, o por lo
menos hacerla más tolerable, al tiempo que no duda en reírse con ganas de esas otras
cosas que hacemos y son simplemente patéticas. Como sea, cada espectador va a
encontrar algo con qué identificarse en esta inteligente y divertida película.
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Desperate for a change of pace, Luisa (Inma Cuesta) and Alberto (Raúl Arévalo) move
to the country with their child. But rural life isn’t all it’s cut out to be: there’s no central
heating, no one keeps their animals on a leash, and while Luisa’s at work Alberto finds
that the inspiration he was counting on to fuel his novel is nowhere to be found. Luisa,
increasingly fixated on having another child, tells Alberto he needs to connect with
nature. Alberto says he’d rather connect with his iPad.
Meanwhile Alberto’s brother Juan (Alberto San Juan), a divorcé journalist, is happily
staying put in the big city and trying to ride out a midlife crisis, juggling parental
duties and the demands of a girlfriend 20 years his junior. Likewise, Luisa’s sister Sara
(Candela Peña) invests all her energy in men—but will her investment in the seemingly
ideal Paco (Jorge Bosch) pay off?
A good-natured, beautifully acted ensemble comedy about coming-of-age all over
again in middle-age, Sidetracked is the latest feature from prolific Spanish director
Álvaro Fernández Armero. The film is sympathetic to all those things we do to try and
make life more meaningful—or simply less of a drag—while always ready to have a
good laugh at those things we do that are merely pathetic. Either way, everyone is
going to recognize something of themselves in this witty and wise little film.
Director:
Álvaro Fernández Armero
Idioma / Language:
Español / Spanish
Duración / Length:
103 min.
Morena Films, TVE
Juan Gordon
Álvaro Fernández Armero nació en
Madrid. Ha dirigido en numerosas
oportunidades para el cine y la
televisión. Sus créditos incluyen Todo
es mentira (94), Nada en la nevera (98),
El arte de morir (00) y Las ovejas no
pierden el tren (15).
Álvaro Fernández Armero was born in
Madrid. He has directed extensively
for film and television. His credits
include Todo es Mentira (94), Nada en
la Nevera (98), The Art of Dying (00) and
Sidetracked (15).
Álvaro Fernández Armero
Álvaro Fernández
Armero
Editor:
Paco Díaz
David Azcan
Reparto / Cast:
Inma Cuesta, Raúl Arévalo, Candela Peña,
Alberto San Juan, Irene Escolar, Jorge Bosch
Contacto / Contact:
Morena Films
Email:
[email protected]
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Libertador
The Liberator
Puede decirse que no hay otra figura tan importante en la historia de la independencia
de las Américas como la de Simón Bolívar (1783-1830). El líder político y militar
venezolano jugó un papel vital en llevar a Panamá, Venezuela, Colombia, Perú y
Ecuador a la autonomía tras la dominación española. La historia ya ha confirmado el
estatus de visionario de Bolívar, pero incluso en vida se le conoció como El Libertador.
Libertador es el título de la fascinante biografía de Alberto Arvelo, que funciona tanto
como una epopeya de su lucha como una clase de historia en forma de cine. El filme
nos muestra los momentos de su infancia que cimentaron su determinación de luchar
por los derechos de los pueblos indígenas y esclavizados. Recuenta su matrimonio con
María Teresa Rodríguez del Toro Alayza, y enfatiza la huella que su muerte anticipada
dejó en su psique. Revela su caída en el abatimiento y la decadencia en Europa, antes
de redescubrir su conciencia social y regresar a América del Sur para emprender una
serie de arduas campañas militares, escenificadas al detalle en la cinta, con cámaras
que recorren vastos paisajes envueltos en fuego de cañón.
Édgar Ramírez encarna al héroe como un guerrero varonil y feroz, pero con un lado
sensible. El actor venezolano ya había demostrado ser capaz de interpretar personajes
históricos complejos en Carlos de Olivier Assayas, y Libertador confirma su estatus de
promisoria estrella internacional.
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There is arguably no single figure as important to the story of independence and
democracy in the Americas as Simón Bolívar (1783-1830). The Venezuelan military and
political leader played a critical role in ushering Panama, Venezuela, Colombia, Peru
and Ecuador toward autonomy in the wake of Spanish domination. History has long
cemented Bolívar’s status as a visionary, but even during his lifetime he was commonly
known as “The Liberator.”
The Liberator is the title of Alberto Arvelo’s enthralling Bolívar biopic, which serves
as both an epic of struggle and a cinematic history lesson. The film shows us the
moments in Bolívar’s childhood that laid the seeds for his determination to defend
the rights of indigenous and enslaved peoples. It depicts his marriage to María Teresa
Rodríguez del Toro y Alayza and emphasizes the scar her untimely death left on his
psyche. It reveals his subsequent descent into despondence and decadence in Europe
before rediscovering his social conscience and returning to South America for a series
of arduous military campaigns—elaborately staged here, captured by cameras that
sweep across vast landscapes gutted by cannon fire.
Édgar Ramírez embodies Bolívar as a fierce, virile warrior with a heart. The Venezuelan
actor already proved more than capable of playing a complex historical figure in Olivier
Assayas’s Carlos, and The Liberator confirms his status as a rising international star.
Director:
Alberto Arvelo
Venezuela, España, 2013 / Venezuela, Spain, 2013
Idioma / Language:
Español, inglés, francés / Spanish, English, French
Duración / Length:
119 min.
Producciones Insurgentes, San Mateo Films,
WMG Film
Alberto Arvelo nació en Caracas. Sus
películas incluyen La canción de la
Montaña (86), Una casa con vista al
mar (01), Habana, Havana (04), Cyrano
Fernández (07) y Libertador (13).
Alberto Arvelo was born in Caracas. His
films include La Canción de la Montaña
(86), Una Casa con Vista al Mar (01),
Habana, Havana (04), Cyrano Fernández
(07) and The Liberator (13).
Alberto Arvelo, Winfried Hammacher, Ana
Loehnert
Alberto Arvelo
Timothy J. Sexton
Editor:
Tariq Anwar
Xavi Giménez
Música / Music:
Gustavo Dudamel
Reparto / Cast:
Édgar Ramírez, María Valverde, Iwan Rheon,
Danny Huston, Gary Lewis, Juana Acosta,
Imanol Arias, Steve Wilcox, Jesús Guevara, Erich
Wildpret, Carlos Julio Molina, Alejandro Furth
Contacto / Contact:
IM Global
Email:
[email protected]
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Los hongos
Esta mirada franca y cariñosa a la búsqueda juvenil de sentido y propósito vital, del
colombiano Oscar Ruiz Navia, viene con un gran corazón y un espíritu tipo punk rock.
Pese a sus limitados recursos, Calvin y Ras no ocultan su ambición de mejorar sus
entornos, y para ello recorren las calles en busca de muros en los cuales mostrar su
arte con cualquier pintura que logran adquirir. Inspirados por las noticias de la llamada
Primavera Árabe, sueñan colaborar en un mural gigante que exprese su solidaridad
con los manifestantes en Egipto, haciendo eco de su frase ‘Nunca más guardaremos
silencio’. ¿Pero lograrán Calvin y Ras que alguien escuche sus propias voces?
Los Hongos acompaña a Calvin y a Ras en sus charlas, clases de arte, fiestas y sus
torpes intentos de experimentar el sexo, así como en sus inspiradas sesiones de
grafiti y en sus momentos familiares, los cuales producen algunas de las escenas más
memorables, como cuando el padre de Calvin—un abogado más interesado en cantar
boleros que en practicar la ley—logra con chistes flojos arrancarle una sonrisa a su
hijo y a su amigo. Llena de color y música, la cinta es también una sentida carta de
amor de Ruiz Navia a su natal Cali. Al presenciar cómo Calvin y Ras dejan su marca bajo
los puentes y en cuanta pared se preste, somos testigos de las búsquedas de una nueva
generación que lucha por encontrar su espacio en un mundo rápidamente cambiante.
57
A sweet-natured look at young adults in search of a good time and a higher purpose,
Colombian director Oscar Ruiz Navia’s Los Hongos has a big heart and a punk rock
spirit.
With limited prospects but boundless ambitions to alter their local surroundings for
the better, street artists Ras and Calvin scout their city for surfaces to decorate with
whatever paint they can scavenge. Inspired by news of the Arab Spring uprisings,
they dream of collaborating on a vast mural that will express solidarity with Egypt’s
student demonstrators, echoing the sentiment “We will never be silent again.” But will
Ras and Calvin ever get the chance to have their voices heard?
Los Hongos follows Ras and Calvin through conversations, art classes, parties,
fumbling attempts at sex, inspired graffiti sessions, and family visits—one of the
most endearing sequences features Calvin having a laugh with his father, an attorney
more interested in bellowing boleros with his buddies than practicing law. Bursting
with color and music, the film is also a love letter to Ruiz Navia’s hometown of Cali.
As Ras and Calvin explore Cali’s streets and leave their mark on its underpasses and
alleyways, Ruiz Navia’s film bears witness to a new generation gradually finding its
place in a rapidly changing world.
Director:
Oscar Ruiz Navia
Colombia, Francia, Alemania, Argentina, 2014 /
Colombia, France, Germany, Argentina, 2014
Idioma / Language:
Español / Spanish
Duración / Length:
103 min.
Contravia Films
Oscar Ruiz Navia nació en Cali, Colombia
y se graduó de Comunicación Social en la
Universidad del Valle. Sus créditos como
director incluyen El vuelco del cangrejo
(09) y Los Hongos (14).
Oscar Ruiz Navia was born in Colombia
and received his degree in social
communications and journalism from
the Universidad del Valle. His directing
credits include Crab Trap (09) and Los
Hongos (14).
Diana Bustamante, Gerylee Polanco Uribe, Oscar
Ruiz Navia, Guillaume De Seille, Nicolas Avruj,
Titus Kreyenberg
Oscar Ruiz Navia
César Augusto Acevedo, Oscar Ruiz Navia
Editor:
Felipe Guerrero
Sofia Oggioni Hatty
Música / Music:
Sebastián Escofet, La Llegada del Dios Rata,
Zalama Crew
Reparto / Cast:
Jovan Alexis Marquinez Angulo “Ras”, Calvin
Buenaventura Tascón, Atála Estrada, Gustavo
Ruiz Montoya, María Elvira Solís, Dominique
Tonnelier, Ángela García
Contacto / Contact:
Figa Films
Email:
[email protected]
58
Lulú
Lulu
El director argentino Luis Ortega es un autor arriesgado e irreverente. Su ecléctica
obra va desde exploraciones de las relaciones humanas en toda su complejidad (Caja
negra) a experimentos con el espacio, el color y el sonido (Monobloc), y demuestra una
voluntad continua de esforzarse por llegar a los límites de lo que se conoce como cine
o narrativa. En Lulú, su sexto y más reciente filme, Ortega ofrece un retrato singular y
fresco del amor y la vida en las calles de Buenos Aires.
Lulú y Lucas son dos pilluelos de la calle profundamente enamorados, quienes viven
prácticamente aislados del mundo ‘real’. Para su entretención, Lucas emprende
actividades caprichosas pero claramente delincuenciales, como atracar porque sí una
farmacia, mientras canta y baila para rematar la faena; o ponerle unas cuantas balas
de adorno a algunos monumentos públicos. Para estos dos jóvenes amantes, la ciudad
es un patio de recreo en el que las reglas pueden aplicar para todos, menos para ellos.
Ajenos al mundo de trabajadores a su alrededor, Lulú y Lucas adoptan para sí mismos
la vida de la calle, así como la inherente libertad y violencia que vienen con ella. Así,
viven a fondo cada momento. Vibrante, radicalmente independiente, y con un aire de
‘todo vale’ que quizás viene del espíritu de la nueva ola, Lulú es un retrato dichoso de
la calidad completamente envolvente del amor juvenil, sobre todo cuando se vive sin
nada que perder.
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Argentine director Luis Ortega is a bold and daring auteur. From explorations of human
relationships in all their complexity (Black Box) to experiments with color, space and
sound (Monobloc), his eclectic oeuvre demonstrates a continual willingness to take risks
and push the boundaries of cinema and narrative. In his sixth and latest feature, Lulu,
Ortega offers a fresh, singular portrayal of love and life on the streets of Buenos Aires.
Lucas and Lulu are young street urchins, very much in love, and very unconcerned with
the limits of their world. For their mutual entertainment, Lucas engages in whimsical
yet decidedly criminal activity, like impulsively robbing a pharmacy—and breaking
into song and dance in the process—or peppering public monuments with shotgun
blasts. For these two lovers, the city is a playground whose societal rules apply to all
but them.
Oblivious to the working people around them, Lucas and Lulu embrace life on the
street—as well as the inherent freedom and violence that come with that life. And
they live completely in the moment. Vibrant, freewheeling, flaunting an anything-goes
quality reminiscent of the films of the nouvelle vague, Ortega’s is a blissful depiction
of the totally immersive quality of young love with nothing to lose.
Director:
Luis Ortega
Argentina, 2014
Idioma / Language:
Español / Spanish
Duración / Length:
84 min.
Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales
(INCAA)
Luis Ortega nació en Buenos Aires y
estudió en la Universidad del Cine.
Sus películas son Caja negra (02),
Monobloc (05), Los santos sucios (09),
Maldito verano (11), Dromómanos (12),
y Lulú (14).
Luis Ortega was born in Buenos Aires
and attended film school there at the
Universidad del Cine. His feature films
are Black Box (02), Monobloc (05), The
Dirty Saints (09), Damn Summer (11),
Dromómanos (12), and Lulu (14).
Ignacio Sarchi
Luis Ortega
Luis Ortega
Editor:
Rosario Suárez
Daniel Hermo
Música / Music:
Daniel Melingo
Reparto / Cast:
Ailín Salas, Nahuel Pérez Biscayart,
Daniel Melingo
Contacto / Contact:
Ignacio Sarchi
Email:
[email protected]
60
Magical Girl
La nueva obra del director español Carlos Vermut, trabajo posterior a Diamond Flash,
es un laberinto-thriller que goza, igual que su predecesora, de estrategias narrativas
juguetonas así como de exploración de temas siniestros. Magical Girl se adentra en
oscuros pero emocionantes motivos relacionados con el azar, el poder y los instintos
primarios.
Luis (Luis Bermejo) no ve la forma de cumplir el último deseo de su hija enferma:
conseguir el costosísimo vestido de la ‘Magical Girl Yukiko’. Desempleado y ciego de
dolor, Luis recurre a la extorsión cuando el destino lo lleva al mundo de la hermosa
pero inestable Bárbara (Bárbara Lennie). Al ver peligrar su matrimonio, Bárbara cumple
a regañadientes las instrucciones de Luis, aunque esto la reduce a una situación
degradante y peligrosa. Para vengarse de Luis, busca ayuda de la única persona
que entiende la gravedad de sus problemas mentales, el profesor de matemáticas
retirado Damián (José Sacristán), quien también posee secretos inconfesables. Los tres
descienden entonces a un ciclo infernal de traición y engaño, en el que la lucha entre
la razón y los instintos básicos crea tensiones estremecedoras.
Magical Girl nos recuerda complejas narrativas entrelazadas como la de Amores
perros, y el detallado trabajo estilístico del cine surcoreano, desplegando una danza
cruel de venganza y mentiras, reflejo de la tensa realidad de la España contemporánea.
61
A labyrinthine ensemble thriller, Spanish director Carlos Vermut’s follow-up to
Diamond Flash is as playful in its storytelling strategies as it is sinister in its themes.
Magical Girl is a darkly exhilarating exploration of chance, power and basic instincts.
Luis (Luis Bermejo) is desperate to fulfill his terminally ill daughter’s last wish: to own
the prohibitively expensive “Magical Girl Yukiko” dress. Unemployed and blinded with
grief, Luis turns to extortion when fate draws him into the orbit of beautiful, mentally
disturbed Bárbara (Bárbara Lennie). Her marriage threatened by blackmail, Bárbara
reluctantly complies with Luis’ scheme, even as it sends her spiraling into a world of
danger and degradation. Seeking revenge on Luis, she turns for help to the only person
who truly knows how damaged she is: retired math teacher Damián (José Sacristán),
who has dark secrets of his own. The trio descends into an infernal cycle of deception
and double-crosses, in which the struggle between reason and instinct plays out to
nerve-jangling effect.
Reminiscent of such thematically rich network narratives as Amores Perros and
the ultra-stylish boundary pushing of South Korean genre cinema, Magical Girl is a
vicious dance of vengeance and deceit, offering a twisted reflection of Spain’s fraught
contemporary reality.
Director:
Carlos Vermut
Idioma / Language:
Español / Spanish
Duración / Length:
127 min.
Aquí y Allí Films
Pedro Hernández, Alvaro Portanet Hernández,
Amadeo Hernández Bueno
Carlos Vermut
Carlos Vermut nació en Madrid y
estudió ilustración en la Escuela de
Arte número diez. Tanto dibujante
como cineasta, Vermut ha dirigido
tres cortometrajes, Micherones (09),
Maquetas (09) y Don Pepe Popi (12). Sus
largometrajes son Diamond Flash (11) y
Magical Girl (14).
Carlos Vermut was born in Madrid
and studied illustration at the
Escuela de Arte número diez. Both a
cartoonist and filmmaker, Vermut has
directed three shorts, Micherones (09),
Maquetas (09) and Don Pepe Popi (12).
His features are Diamond Flash (11) and
Magical Girl (14).
Editor:
Emma Tusell
Santiago Racaj
Reparto / Cast:
José Sacristán, Bárbara Lennie, Luis Bermejo,
Lucía Pollán
Contacto / Contact:
Email:
[email protected]
Carlos Vermut
ÓPERAS PRIMAS IBEROAMERICANAS
IBERO-AMERICAN FEATURE DEBUTS
Sea usted el primero en descubrir las nuevas y más versátiles
voces latinoamericanas en esta sección, dedicada a
largometrajes en la que debutan directores de diferentes
países iberoamericanos.
Be among the first to discover Latin America’s most dynamic
emerging directorial voices in this program of first and second
features from a selection of Ibero-American countries.
Estas películas participan por el Premio del Público Copa Airlines a la
Mejor Película Iberoamericana de Ficción.
These films participate for the Copa Airlines Audience Award for the
Best Ibero-American Fiction Film.
64
ÓP E RA S PRI M A S IB E ROA ME RI C A N A S | IBERO -AMERI C AN FEATU RE DEBU TS
Feriado
Holiday
Es 1999, la crisis bancaria del Ecuador está a punto de estallar y exponer su familia al
escándalo, pero el joven Juampi (Juan Manuel Arregui), de 16 años, está de paseo en
una hacienda de las montañas y el tema escasamente toca su mente. Por azar conoce
a Juano (Diego Andrés Paredes), un chico del área a quien le gusta la música pesada,
robarse partes de autos y en general hacer lo que le viene en gana. Juampi es un niño
bien, citadino y blanco. Juano es del campo, indígena y pobre. Pero esas diferencias no
impiden que descubran una intensa afinidad, que no tarda en convertirse en romance.
El perceptivo debut del escritor y director ecuatoriano Diego Araujo tiene raíces en la
experiencia personal: cuando chico vio cómo unos adultos golpeaban a un muchacho
pobre que atraparon robando partes de carros finos. El recuerdo de esa injusticia se le
quedó grabado, y el impacto que tuvo en su mente y espíritu se siente claramente en la
gran compasión y ternura de Feriado, así como en lo vívido de sus imágenes, llenas de
paisajes, vegetación y luz que cuentan una historia de rebeldía juvenil, de liberación
y descubrimiento.
Feriado nos lleva en un viaje de auto descubrimiento en su exploración atrevida de
un amor prohibido, y en su creciente despertar a las complejas realidades sociales.
También nos ofrece los sonidos y los colores de una región mágica, apartada de la
ciudad y de los ojos que espían y juzgan, un lugar en el que un cambio profundo e
importante tiene todo el chance de ocurrir.
Ó PERA S P RI MA S I BE ROA ME RI C A N A S | IBERO-AMERICAN FEATU RE DEBU TS
65
The year is 1999. Ecuador’s banking crisis is about to erupt and expose his affluent
family to scandal, but 16-year-old Juampi (Juan Manuel Arregui) is visiting the family’s
luxurious Andean hacienda and his thoughts are far from such matters. Juampi meets
Jauno (Diego Andrés Paredes), a local boy who’s into black metal, stealing hubcaps,
and defiantly doing his own thing. Juampi is a white, upper-class city kid. Juano is
rural, indigenous and poor. But their disparate origins in no way prevent them from
discovering a thrilling kinship, and, eventually, a romance.
Ecuadorian writer-director Diego Araujo’s touching and perceptive feature debut is
grounded in personal experience: as a boy he witnessed some adults beating up a
poor adolescent caught stealing parts from fancy cars. The memory of this injustice
stayed with Araujo, and its impact on his young mind and heart can be felt in Holiday’s
boundless tenderness and compassion, and in the vividness of its imagery—Araujo
uses diverse landscapes, flora and sunlight to help tell this story of youthful rebellion,
liberation and discovery.
Holiday takes us on a journey of self-actualization and self-betterment through a
fearlessly explored forbidden love and a burgeoning social awareness. It also fills
our senses with the sights and sounds of a magical region, far from cities, towns and
prying eyes—a place where deeper, meaningful change can bloom.
Director:
Diego Araujo
Ecuador, Argentina, 2014
Idioma / Language:
Español / Spanish
Duración / Length:
82 min.
Lunafilms Audiovisual, CEPA Audiovisual, Abaca
Films
Hanne-Lovise Skartveit
Diego Araujo
Editor:
Julián Giulianelli
Diego Araujo nació en Quito, Ecuador.
Estudió Producción Audiovisual en la
Universidad de San Francisco de Quito,
Producción de Cine en la Universidad
Estatal de Florida y Escritura de
Guión en la Universidad de Bergen en
Noruega. Dirigió el cortometraje El
tesoro de Leonard (04). Feriado (14) es su
Diego Araujo was born in Quito,
Ecuador. He studied audio-visual
production at the University of San
Francisco in Quito, film production
at Florida State University and
screenwriting at the University of
Bergen in Norway. He directed the
short film Leonard’s Secret Treasure
(04). Holiday (14) is his feature debut.
Magela Crosignani
Música / Music:
Daniele Luppi
Reparto / Cast:
Juan Arregui, Diego Andrés Paredes,
Manuela Merchán
Contacto / Contact:
M-Appeal
Email:
[email protected]
Diego Araujo
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Güeros
Al igual que el globo lleno de agua lanzado como una bomba desde lo alto en la primera
escena, Güeros, el debut del mexicano Alonso Ruizpalacios, es juvenil y desatado, y se
muestra como una explosión de energía.
Tras agotar la paciencia de su madre, Tomás (Sebastián Aguirre), la mente detrás del
ataque con bomba, es enviado a Ciudad de México a vivir con su hermano mayor
Federico (Tenoch Huerta), estudiante de la UNAM. La universidad está cerrada por
protestas estudiantiles, lo que deja Tomás, Federico y su compañero de apartamento
Santos (Leonardo Ortizgris) con todo el tiempo para relajarse, meterse en problemas
y hasta emprender la particular búsqueda de Epigmenio Cruz, cantante preferido de
Tomás. En medio de todo, puede que los muchachos terminen encontrando una cierta
conciencia política.
Güeros ocurre en 1999, pero sus fuentes de inspiración vienen de los años sesenta.
La imagen en blanco y negro, los títulos de los capítulos basados en distritos de la
capital; el director entrando a escena para mirar algo con sus actores; la introducción
tardía de una enigmática joven—homenaje a la gran Jeanne Moreau en Jules et Jim: el
gusto de Ruizpalacios por el lado juguetón y efervescente de la Nueva Ola francesa es
evidente, pero su película viene de una sensibilidad y visión de mundo absolutamente
mexicanas. Menos interesada en el argumento que incidentes, desvíos y personajes
geniales, Güeros captura en detalle el timbre de un lugar y momento específicos.
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Like the water balloon bomb launched off a roof in its first scene, Güeros, Mexican
director Alonso Ruizpalacios’ feature debut, is youthful and mischievous, an explosion
of refreshing energy.
Having maxed out his mother’s patience, Tomás (Sebastián Aguirre), the perpetrator of
that opening water bombing, is sent to Mexico City to live with his big brother Federico
(Tenoch Huerta), a student at UNAM. But the university is closed due to student
protests, leaving Tomás, Federico and roommate Santos (Leonardo Ortizgris) with
plenty of time to bum around, get into trouble, or go on a peculiar quest for Epigmenio
Cruz, Tomás’ favorite singer. Somewhere in all this, they might even develop a political
conscience.
Güeros is set in 1999, but its sources of inspiration harken back to the early 1960s. The
black and white cinematography; the chapter headings named after city districts; the
director’s interrupting of a scene to check-in with his actors; the midpoint introduction
of a beguiling young woman styled after Jeanne Moreau in Jules and Jim: Ruizpalacios’
affection for the playful, effervescent side of the French New Wave is clear enough—
but his film possesses a sensibility and world-view that is 100% Mexican. Less
concerned with plot than with incidents, detours, great characters, Güeros elegantly
captures the timbre of a certain time and place.
Director:
Alonso Ruizpalacios
México, 2014 / Mexico, 2014
Idioma / Language:
Español / Spanish
Duración / Length:
106 min.
Catatonia Films, Conaculta, Difusión Cultural
UNAM
Ramiro Ruiz Ruiz-Funes
Alonso Ruizpalacios nació en la ciudad
de México. Realizó sus estudios en la
Royal Academy of Dramatic Art (RADA)
en Londres, Inglaterra. Ha dirigido
los cortos Café Paraíso (08), El último
canto del pájaro cú (10) y su primer
largometraje, Güeros (2014).
Alonso Ruizpalacios was born in
Mexico City. He studid at the Royal
Academy of Dramatic Art (RADA) in
Londres, England. His films include the
shorts Café Paraíso (08), El último Canto
del Pájaro Cú (10) and his first feature
film Güeros (2014).
Alonso Ruizpalacios, Gibrán Portela
Alonso Ruizpalacios
Editor:
Yibran Asuad, Ana García
Damian García
Música / Music:
Tomas Barreiro
Reparto / Cast:
Tenoch Huerta, Ilse Salas, Leonardo Ortizgris,
Sebastián Aguirre
Contacto / Contact:
IM Global
Email:
[email protected]
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La Salada
Durante tres días cada semana, miles de personas llenan una zona de las afueras de
Buenos Aires para conseguir mercancía a buenos precios en La Salada, el mercado
informal más grande de Sur América. En su aguzado debut, el director Juan Martín Hsu
explora el vibrante y peculiar lugar desde perspectivas diversas.
El Sr. Kim (Chang Sun Kim), inmigrante coreano, maneja un almacén de ropa bastante
exitoso. Lo acompaña su hija adolescente Yunjin (Yunseon Kim), quien habla perfecto
español y le sirve de intérprete. Los problemas empiezan cuando Yunjin se enamora
de un argentino y comienza a dudar de su inminente matrimonio arreglado con un
coreano. A su vez el Sr. Kim traba amistad con el joven Bruno (Limbert Ticona), quien
tiene solo 18 años y entró ilegalmente al país. Este collage de experiencias en torno a la
inmigración se completa con la historia del enamorado Huang (Ignacio Huang), quien
pasa sus días vendiendo DVDs piratas y sus noches viendo cine argentino, intentando
comprender la cultura de su patria adoptiva.
La Salada describe la experiencia de sus protagonistas como una suerte de limbo
doloroso: no se sienten en casa en la Argentina, pero ya tampoco pertenecen a sus
lugares de origen. El mercado se convierte así en un espacio liminal, de tensión y
transición que el conmovedor filme de Martín Hsu captura con un espíritu generoso.
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For three days each week, thousands flock to the outskirts of Buenos Aires to buy
discounted wares at “La Salada,” South America’s largest informal market. In his
poignant debut, director Juan Martín Hsu explores this unique and vibrant locale from
a variety of perspectives.
Korean immigrant Mr. Kim (Chang Sun Kim) operates a very successful clothing
stand. He lives with his teenage daughter Yunjin (Yunseon Kim), who speaks Spanish
and translates for him. Troubles begin when Yunjin finds herself drawn to a young
Argentine man and she begins to doubt her upcoming arranged marriage to a Korean.
Meanwhile, Mr. Kim begins an unexpected friendship with 18-year-old Bruno (Limbert
Ticona), who has recently entered Argentina illegally. This panorama of immigrant
experience is rounded out by the story of lovelorn Huang (Ignacio Huang), who spends
his days selling pirated DVDs and his evenings watching Argentine films, hoping to
comprehend the culture of his adopted homeland.
La Salada depicts its characters’ experience as one of heart-rending limbo: they’re
not at home in Argentina, yet they no longer belong to their native countries. The
marketplace comes to embody a cultural liminal space that Martín Hsu’s gorgeous
film captures with its generous spirit.
Director:
Juan Martín Hsu
Argentina, 2014
Idioma / Language:
spañol, Coreano, Chino Mandarin / Spanish,
Korean, Mandarin Chinese
Duración / Length:
91 min.
Sudestada Cine
Ignacio Rey
Juan Martín Hsu nació en Buenos Aires,
Argentina, y estudió diseño de sonido
e imagen en la Universidad de Buenos
Aires. Dirigió el cortometraje Ropa sucia
(05) y codirigió el corto Renacimiento
(11). La Salada (14) es su primer
largometraje.
Juan Martín Hsu was born in Buenos
Aires, Argentina, and studied image
and sound design at the University of
Buenos Aires. He directed the short
film Ropa Sucia (05) and co-directed the
short Renascence (11). La Salada (14) is
his debut feature.
Juan Martín Hsu
Juan Martín Hsu
Editor:
Ana Remón
Tebbe Schöningh
Música / Music:
Diego Polischer
Reparto / Cast:
Paloma Contreras, Esteban Ho, Ignacio Huang,
Chang Sung Kim, Yun Seon Kim
Contacto / Contact:
Sudestada Cine
Email:
[email protected]
70
Los tontos y los estúpidos
The Silly Ones and the Stupid Ones
Los actores y su director se reúnen en el estudio a ensayar. Se sientan con sus guiones y
se disponen a trabajar. Pero esta no es una lectura general cualquiera. El director les da
sus líneas guía y ofrece una descripción del ambiente. Los actores recitan sus diálogos,
quizás con algún elemento de su vestuario, o con alguna pieza del decorado flotando
frente a la cámara. El director puede interrumpir una escena para dar instrucciones, o
puede hasta cortar la escena por completo. El muy creativo segundo largometraje del
español Roberto Castón, Los tontos y los estúpidos, nos invita a contemplar el mágico
proceso por medio del cual una película se hace realidad.
Entre los personajes centrales se encuentran un doctor deprimido con una preocupante
enfermedad de transmisión sexual, así como una cajera de supermercado cuya madre
pierde a grandes pasos la cordura. “Todos tenemos un rol que jugar en la vida” dice
la madre en un extraño momento de lucidez. “Pero a veces ese rol puede cambiar”.
Los límites entre el actor y su personaje, entre la narración y el autodescubrimiento
se pueden volver difusos. Los tontos y los estúpidos—que a su manera nos recuerda
la excelente cinta de Louis Malle de 1994 Vanya en la Calle 42—nos atrae a un terreno
creativo en donde lo real parece ilusión, y lo irreal puede ser cierto.
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The actors and their director gather in the rehearsal hall. They sit with their scripts
and settle in to work. But this is no ordinary table-read. The director reads the slug
lines and describes the settings. The actors speak their dialogue. Perhaps they have a
costume piece. Perhaps we see a prop hovering before the camera. The director might
interrupt a scene to provide instruction—or he might cut the scene entirely. Spanish
director Roberto Castón’s enormously inventive second feature The Silly Ones and the
Stupid Ones invites us to behold the magical process of a film gradually coming into
being.
Among the central characters is a depressed doctor with an alarming STD and a
grocery store cashier with a mother slowly slipping into dementia. “Everyone has their
role to play in life,” says the mother in a moment of strange lucidity. “But sometimes
that role can change.” The border between actor and character, between storytelling
and self-discovery, can become hazy. The Silly Ones and the Stupid Ones—which in its
way echoes Louis Malle’s wonderful 1994 film Vanya on 42st Street—lures us into a
creative realm where truths can seem illusory and illusion begets truth.
Director:
Roberto Castón
Idioma / Language:
Español / Spanish
Duración / Length:
91 min.
Bitart New Media, Ilusión Óptica, ICAA
Fernando Díez
Roberto Castón
Roberto Castón estudió cine en el
Centro de Estudios Cinematográficos
de Cataluña (CECC) en Barcelona. En
2004 co-fundó el festival de cine LGBT
de Bilbao, Zinegoak. Sus películas
incluyen Ander (09) y Los tontos y los
estúpidos (14).
Roberto Castón studied film at the
Centre d’Estudis Cinematogràfics de
Catalunya (CECC) in Barcelona. In 2004
he co-founded Bilbao’s LGBT-themed
film festival, Zinegoak. His films include
Ander (09) and The Silly Ones and the
Stupid Ones (14).
Roberto Castón
Editor:
Raúl Barreras
Juanmi Azpiroz
Reparto / Cast:
Roberto Álamo, Cuca Escribano, Fidel
Betancourt, Aitor Beltrán, Nausicaa Bonnin,
Josean Bengoetxea, Lucía Gutiérrez
Contacto / Contact:
The Open Reel
Email:
[email protected]
72
Manos sucias
Dirty Hands
Hecha con el aval del propio Spike Lee, el debut—una historia ocurrida en Colombia—
del director radicado en Nueva York Josepf Wladyka, nos lleva por entre apretados
manglares y peligrosos pasajes marinos, siguiendo una trama de contrabandistas que
por momentos resulta sentida y a veces desgarradora.
Manos sucias acompaña a Jacobo (Jarlin Javier Martinez) y Delio (Cristian James
Abvincula), dos hermanos que habían estado apartados pero se reúnen para mover
una carga de drogas, encargo peligroso pero muy lucrativo. Jacobo, el mayor, parece
muy experimentado para la edad que tiene, y a veces se refiere a sí mismo como El
Diablo. Delio, esposo feliz y recién convertido en padre, con un carácter animado y
optimista hasta la ingenuidad, es completamente lo opuesto a su hermano. Los dos
tienen razones para enfrentar la misión: Jacobo quiere mudarse a Bogotá, mientras que
Delio, como tantos otros jóvenes de Buenaventura, espera convertirse en un rapero
famoso para salir de su terruño de pescadores y delincuencia. En el transcurso de este
tenso drama de acción, los hermanos pelearán, recordarán, enfrentarán situaciones
mortales y recuperarán algo del lazo fraternal que alguna vez los unió.
Con un guión inteligente de Wladyka y Alan Blanco, Manos sucias está llena de
sentimiento, pero llega a un desenlace que no tiene nada de sentimental. Nacidos
negros, pobres y sin oportunidades, Delio y Jacobo intentan escapar las limitaciones
que se les imponen, pero descubren que el dinero sucio puede manchar no solo
nuestras manos, sino también nuestras almas.
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Made under the imprimatur of none other than Spike Lee, this Colombia-set debut
feature from New York-based director Josef Wladyka ushers us through huddles of
mangroves and across dangerous stretches of open water to tell a smuggler’s story
that is by turns heartfelt and harrowing.
Dirty Hands follows Jacobo (Jarlin Javier Martinez) and Delio (Cristian James Abvincula),
estranged brothers reunited for a dangerous but lucrative drug run. Jacobo, the elder
of the two, seems hardened well beyond his years, at times referring to himself as the
Devil. Cheerful and optimistic to the point of naïveté, Delio, a happy husband and new
father, comes across as Jacobo’s exact opposite. Both have their reasons for putting
themselves in harm’s way: Jacobo wants to move to Bogota, while Delio, like so many
young men from Buenaventura, a fishing village and crime-infested port, dreams of
making it big as a rapper. Over the course of this tense action-drama, the brothers
will quarrel, reminisce, face deadly scenarios and recover something of the fraternal
connection they once knew.
Smartly scripted by Wladyka and Alan Blanco, Dirty Hands brims with sentiment,
but arrives at a finale that’s anything but sentimental. Born black, poor and with few
prospects, Jacobo and Delio strive to escape the limitations imposed upon them, but
they will come to discover that dirty money can taint not only one’s hands but one’s
soul too.
Director:
Josef Wladyka
Estados Unidos, Colombia, 2014 / United States,
Colombia, 2014
Idioma / Language:
Español / Spanish
Duración / Length:
90 min.
Straight Up Films
Márcia Nunes, Elena Greenlee
Alan Blanco, Josef Wladyka
Josef Wladyka nació en Fairfax,
Virgina. Estudió dirección de cine
en la Universidad de Nueva York, así
como Comercio en la Universidad
James Madison. Ha realizado varios
comerciales para televisión y más de 10
cortometrajes, entre ellos Klaudia (09),
Huey (08), The Rebel (06). Manos Sucias
(14) es su primer largometraje.
Josef Wladyka was born in Fairfax,
Virgina. He studied film at New York
University and Business at James
Madison University. He has directed
numerous commercials and short films,
including Klaudia (09), Huey (08), The
Rebel (06). Manos Sucias (14) is his first
feature film.
Editor:
Kristan Sprague
Alan Blanco
Música / Music:
Scott Thorough
Reparto / Cast:
Cristian James Abvincula, Jarlin Javier Martinez,
Manuel David Riascos, Hadder Blandon
Contacto / Contact:
6Sales
Email:
[email protected]
Josef Wladyka
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Musarañas
Shrew’s Nest
En el melodrama gótico Musarañas, los lazos familiares aprietan al punto de asfixiar, y
logran un retrato aterrador de las neurosis rampantes y de los deseos más reprimidos de
la España de los años cincuenta.
Montse (Macarena Gómez) ha cuidado de su hermana menor (Nadia de Santiago) desde
que eran niñas, cuando la muerte de la madre y la huida del padre la dejó a cargo del
hogar. Ahora adultas, las hermanas comparten un apartamento del cual la terriblemente
agorafóbica Montse no puede siquiera soñar con salir, y del que su agraciada hermanita
no ve la hora de escaparse.
La aparición frente a su puerta de un vecino gravemente herido (Hugo Silva) impulsa a
Montse a encargarse de su cuidado y recuperación. La presencia del apuesto y desvalido
hombre pone a prueba la relación, de por sí frágil, de las hermanas, y llama la atención de
las autoridades, lo que motiva una serie de mentiras y aumenta la tensión hasta revelar
dolorosos secretos y ocasionar sangrientas retaliaciones.
Con un uso sutil de las velas y la iconografía católica, los directores Juanfer Andrés y
Esteban Roel crean un mundo claustrofóbico y paranoide. Gómez es magnífica en su
detallado retrato de la histeria, y canaliza lo mejor no solo de Joane Crawford si no de
Kathy Bates en Miseria, clara influencia de esta pieza. Producida con apoyo de Alex de la
Iglesia (El día de la bestia, Las brujas de Zugarramurde), Musarañas confirma la posición
de España a nivel mundial como generadora de piezas maestras del género de terror.
75
A gothic melodrama in which family bonds are tightened to the point of asphyxiation,
Shrew’s Nest is a chilling depiction of festering neurosis and repressed desire set in
1950’s Spain.
Montse (Macarena Gómez) has been minding her little sister (Nadia de Santiago) ever
since they were children, when their mother’s death and their father’s subsequent
desertion left her in charge. Now grown into adulthood, the sisters share an apartment
that the hollow-eyed, cripplingly agoraphobic Montse cannot bring herself to leave—
and Montse’s pretty little sister can’t wait to escape.
When a neighbor (Hugo Silva) is cripplingly injured right outside her door, Montse takes
it upon herself to nurse him back to health. The presence of this handsome, helpless
man fractures the sisters’ already fragile lifestyle, drawing the attention of authorities,
prompting a litany of lies, and straining tensions until long-held secrets—and bloody
reprisals—begin to hemorrhage.
Making shrewd use of candlelight and religious iconography, directors Juanfer Andrés
and Esteban Roel evoke a claustrophobic world of Catholicism and paranoia. Gómez
is a revelation, channeling Joan Crawford in her subtle gradations of hysteria—not to
mention Kathy Bates in Misery, a film that’s clearly an influence. Produced under the
auspices of veteran director Alex de la Iglesia (Day of the Beast, Witching and Bitching),
Shrew’s Nest solidifies Spain’s position as a world-class generator of masterful horror.
Director:
Esteban Roel, Juanfer Andrés
Idioma / Language:
Español / Spanish
Duración / Length:
90 min.
Pokeepsie Films
Alex de la Iglesia, Carolina Bang, Kiko Martínez
Juanfer Andrés, Sofía Cuenca
Editor:
Juanfer Andrés
Ángel Amoros
Música / Music:
Joan Valent
Reparto / Cast:
Macarena Gómez, Nadia De Santiago, Luis Tosar,
Hugo Silva
Juanfer Andrés nació en Albacete, España
y ha dirigido muchos comerciales y
videos musicales. Codirigió con Estaban
Roel el cortometraje 036 (11). Musarañas
Juanfer Andrés was born in Albacete,
Spain and has directed many
commercials and music videos. With
Esteban Roel, he co-directed the short
film 036 (11). Shrew’s Nest (14) is their
feature debut.
Esteban Roel nació en Monterrey,
México y ha trabajado como actor
en la televisión española. Codirigió
con Juanfer Andrés el cortometraje
036 (11). Musarañas (14) es su primer
largometraje.
Juanfer Andrés
Esteban Roel was born in Monterrey,
Mexico and has worked as an actor on
Spanish television. He co-directed, with
Juanfer Andrés, the short film 036 (11).
Shrew’s Nest (14) is their feature debut.
Contacto / Contact:
Email:
[email protected]
Esteban Roel
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No soy Lorena
I am not Lorena
Como si fuera una actualización de Kafka para la era de la información, la primera
película de la directora chilena Isidora Marras teje una extraña red de agencias de
cobranzas, robo de identidad y actividad ilegal en la Santiago actual.
Olivia (Loreto Aravena), una actriz con dificultades económicas, visita a su madre
enferma cuando recibe una llamada telefónica peculiar: una agencia de cobranzas
busca a una tal Lorena Ruiz para que pague una cuenta de teléfono significativa con
meses de vencida. Olivia insiste en que marcaron el número equivocado y cuelga
pronto. Pero cuando empieza a recibir llamadas de otras varias agencias, no logra
convencerlos de que ella no es Lorena, y visitarlos en persona solo parece empeorar
las cosas. Los problemas de la misteriosa Lorena comienzan a afectar la vida personal
y económica de Olivia, al punto que su propia familia y amigos parecen empezar a
dudar de ella.
No soy Lorena examina lo absurdo de nuestra sociedad en su dependencia digital,
que permite que se creen y destruyan identidades sin mayor control, dejándonos
económica y emocionalmente vulnerables. Este thriller inteligente y sorpresivo
combina el perverso mundo de las agencias de cobranzas latinoamericanas—
monstruos hambrientos que acaban con cada nombre de sus eternas listas—con el
lado oscuro de la sociedad chilena, acompañando a Olivia por peligrosos laberintos
de crimen y burocracia digital.
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Updating Kafka for the information age, Chilean filmmaker Isidora Marras’ feature
debut spins an eerie web of debt collection, identity theft and underworld activity in
modern-day Santiago.
Olivia (Loreto Aravena), a struggling actress, is paying a visit to her ailing mother when
she gets a peculiar telephone call: a collection agency is looking for one Lorena Ruiz,
insisting that she pay her sizable and long-overdue phone bill. Olivia insists that they
have the wrong number and quickly hangs up. But when she begins to receive calls
from other agencies, Olivia can do nothing to convince them that she is not Lorena,
and visiting their offices only seems to make things worse. The mysterious Lorena’s
problems begin to affect Olivia’s financial and personal life, until even her family and
friends grow suspicious of her.
I am not Lorena explores the absurdities of our digitally dependent society, where
identities can all too easily be electronically created and dismantled, rendering
us all economically and emotionally vulnerable. This smart, twisty thriller merges
the perverse world of Latin American collection agencies—ravenous bureaucratic
monsters, plowing name by name through their enormous lists—with the underbelly
of Chilean society, following Olivia’s quest through the dark labyrinths of crime-ridden
streets and digital bureaucracy.
Director:
Isidora Marras
Chile, Argentina, 2014
Idioma / Language:
Español / Spanish
Duración / Length:
82 min.
Forastero, Don Quijote Films, Carrousel Films
Gregorio González, Josefina Undurraga
Isidora Marras, Catalina Calcagni
Isidora Marras nació en Santiago de
Chile y estudió dirección audiovisual
en la Pontificia Universidad Católica
de Chile. Sus cortometrajes incluyen
Mirada a vapor (08) y En la azotea
(08). No soy Lorena (14) es su primer
largometraje como directora.
Isidora Marras was born in Santiago,
Chile and studied audiovisual direction
at Pontificia Universidad Católica de
Chile. Her short films include Mirada
a Vapor (08) and En la Azotea (08). I am
not Lorena (14) is her first feature film
as director.
Isidora Marras
Editor:
Catalina Marín
Eduardo Bunster
Música / Music:
Christian Basso
Reparto / Cast:
Loreto Aravena Soto, Paulina García, Gabriela
Aguilera, Maureen Junott, Lautaro Delgado,
Matías Oviedo, Etienne Bobenrieth, Elisa Zulueta
Contacto / Contact:
Shoreline Entertainment
Email:
[email protected]
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Una Noche sin Luna
A Moonless Night
El encantador debut de Germán Tejeira—que ocurre en una zona rural uruguaya en
la que la red eléctrica falla y a menudo deja la gente a oscuras—entreteje 3 cuentos
entrañables, y hasta un poco peculiares, de gente en busca de un mínimo de felicidad.
La historia inicial se centra en un taxista divorciado que acuerda encontrarse con su
hija en noche vieja en la feria local. Siendo los únicos visitantes a dicha feria, terminan
varados en la parte más alta de la rueda de chicago al momento del fallo eléctrico. En
el segundo, un mago viajero en plena ruta a su próxima presentación sufre no solo un
quebranto si no la pérdida de su fiel colaborador, el conejo blanco. La historia de cierre
sigue a un hombre preso que recibe salida por un día con el fin de cantar en la misma
fiesta donde se iba a presentar el mago.
Todos los personajes de Noche sin luna luchan con la soledad y la mala suerte. La mano
de Tejeira es ligera, pero su mirada se acerca a los personajes con simpatía, apoyada
por la banda sonora de Bruno Boselli y Gastón Otero que atina al punto justo de
melancolía—tal como el tema de Tom Waits que enfatiza la sutil desazón que permea
cada una de estas pequeñas y memorables piezas-.
79
Set in the Uruguayan back-wood—where the local power grid continually fails,
plunging the populace into darkness—writer-director Germán Tejeira’s utterly
charming feature debut weaves together a trio of endearing, sometimes quirky tales
of people in search of a modicum of happiness.
The opening story depicts a divorced cabbie arranging to meet with his daughter at a
local fair on New Year’s Eve. The sole visitors to the fair, father and daughter wind up
stranded at the top of the Ferris wheel when the electricity goes out. In the second
segment, a magician suffers both a breakdown and the loss of his trusty white rabbit
while en route to a gig. In the film’s final segment, a convict receives a day pass so he
can sing at that same party where the magician was to perform.
All of the characters in A Moonless Night, struggle with loneliness and bad luck.
Tejeira’s touch is light, but his gaze is empathetic, while Bruno Boselli and Gastón
Otero’s score sets the perfect melancholy tone, and a Tom Waits tune emphasizes the
tender longing that infiltrates each of this lovely little film’s stories.
Director:
Germán Tejeira
Uruguay, Argentina, 2014
Idioma / Language:
Español / Spanish
Duración / Length:
78 min.
Raindogs Cine, Cine El Calefón
Germán Tejeira nació en Montevideo.
Ha dirigido los cortos Gol (04),
Matrioshka (08) y, con Julián Goyoaga, El
hombre muerto (09). Una noche sin luna
Germán Tejeira was born in
Montevideo. He has directed the short
films Gol (04), Matrioshka (08) and, with
Julián Goyoaga, The Dead Man (09). A
Moonless Night (14) is Tejeira’s feature
debut.
Julián Goyoaga, Juan Maristany
Germán Tejeira
Germán Tejeira
Editor:
Julián Goyoaga, Germán Tejeira
Magela Crosignani
Música / Music:
Bruno Boselli, Gastón Otero
Reparto / Cast:
Daniel Melingo, Roberto Suárez,
Marcel Keoroglian
Contacto / Contact:
Julián Goyoaga
Email:
[email protected]
PRESENTACIONES ESPECIALES
SPECIAL PRESENTATIONS
Lo invitamos a adentrase en un mosaico de historias,
circunstancias y puntos de vista que reflejan la admirable
diversidad que nos proponemos destacar. Cada una de estas
obras presenta visiones y tratamientos únicos que responden a
los tiempos que interpretan.
Dare to be dazzled by a wide variety of stories and points of view
that reflect our commitment to diversity. Each one of these films
showcases strong cinematic visions and ways to approach the
particular time and circumstances that frame them.
82
P R E S E N TA C I O N E S E S P E C I A LE S | SP EC IAL P RESE NTATIONS
HérOE Transparente
Transparent Hero
Un vívido relato de inmensurable pertinencia, Héroe transparente de Orgun Wagua
Lopéz es un tributo a Victoriano Lorenzo (1867-1903), un general “cholo” hecho a
pulso que lideró la primera insurrección de la población indígena ante el gobierno
conservador panameño de la época.
Entrelazando los testimonios de un artista y dos historiadores que esperan darle
finalmente a Victoriano el reconocimiento que merece—en un país que a veces
parece muy dado a querer olvidar dolorosas contradicciones de su pasado—Héroe
transparente revela detalles de sus campañas, sus derrotas y victorias, así como de
la traición que significó su captura y ejecución por fusilamiento. Victoriano Lorenzo
murió el 15 de mayo de 1903, tan solo unos meses antes de la separación de Panamá
de Colombia.
Pero la valiente lucha de Victoriano por las vidas y los derechos de su pueblo no es
un fragmento de historia para ser relegado a textos y monumentos. Los problemas
de las comunidades indígenas panameñas continúa por todo el territorio: su lucha
por acceder a necesidades esenciales como agua y territorio frente al avance de
proyectos de desarrollo masivos es tan urgente ahora como hace 100 años, en tiempos
de las batallas decisivas de Victoriano. Por ello Héroe transparente se trata tanto del
presente como del pasado. Y así el ejemplo del guerrillero todavía resuena para los
activistas, determinados a no dejar morir su lema: “La pelea es peleando”.
P RE S E N TA C I ON E S E S P ECIALES | SPECIAL PRESEN TATION S
83
A galvanizing story of immeasurable significance, Orgun Wagua López’s Transparent
Hero is a tribute to Victoriano Lorenzo (1867-1903), the self-made “Cholo” general who
spearheaded the first insurrection of indigenous people against Panama’s ruling
conservative government.
Weaving together the testimonies of an artist and two historians who hope to finally
give Lorenzo the recognition he deserves—in a country they regard as sometimes
being too eager to forget the painful contradictions of its past— Transparent Hero
recounts details of his campaigns, his defeats and victories, as well as the betrayal
that ultimately found him apprehended and executed by firing squad. Lorenzo was
killed on May 15th 1903, mere months before Panama’s separation from Colombia.
But Lorenzo’s courageous fight for the lives and rights of his people is not simply a
neglected piece of history to be relegated to textbooks and monuments. The plight
of indigenous communities throughout Panama continues: their struggle to gain
access to such essentials as water and land in the face of massive urban development
projects remains urgent more than 100 years after Lorenzo’s decisive battles. Which is
to say that Transparent Hero is about the present as much as it is about the past. And
Lorenzo’s example resonates with today’s activists, who are determined to uphold his
motto: “La pelea es peleando.” You have to fight the fight.
Director:
Orgun Wagua López
Panamá, 2013 / Panama, 2013
Idioma / Language:
Español / Spanish
Duración / Length:
52 min.
Cooperativa Audiovisual
Maricarmen Castillo, Rene Martínez, Orgun
Wagua López, Enrique Singh
Orgun Wagua López nació en Ustupu
de la Comarca de Guna Yala, Panamá.
Estudió en la Escuela Internacional
de Cuba Cine y Televisión de San
Antonio de los Baños. Sus películas
incluyen Burwa dii Ebo (08) y Héroe
transparente (13).
Orgun Wagua López was born in
Ustupu in Guna Yala, Panama. He
studied at Cuba’s Escuela Internacional
de Cine y Televisión de San Antonio de
los Baños. His films include Burwa dii
Ebo (08) and Transparent Hero (13).
Enrique Pérez Him, Orgun Wagua López, Manuel
Cárcamo
Orgun Wagua López
Editor:
Enrique Pérez Him
Rene Martínez
Música / Music:
Ayrton Bianco
Reparto / Cast:
Ologwagdi , Cayetano Flores, Hernán Cárdenas,
Cacique Silvia Carrera, José Franco, Alvaro
Menendes Franco, Silvestre Ovalle, Ricardo “idi”
Miranda
Contacto / Contact:
Cooperativa Audiovisual
Email:
[email protected]
84
Sayat Nova
El color de la granada
The Color of Pomegranates
Con orgullo presentamos esta copia restaurada del filme de 1969 de Sergei Parajanov
El color de la granada, una obra maestra de indescriptible belleza, rareza y riqueza
simbólica, seleccionada personalmente por Karim Aïnouz, foco de la retrospectiva de
IFF Panamá 2015.
El color de la granada fue concebida como una biografía del poeta y músico Armenio
del siglo XVIII Sayat Nova (su nombre el título original armenio de la cinta). Pero el
tratamiento de la vida y el trabajo del personaje que hace Parajanov es rigurosamente
mimético, y por ello mucho más lírico, sensual y literalmente deslumbrante que
cualquier otra biografía que conozcamos. El filme es una seguidilla de cuadros
espectaculares, a menudo barrocos, a veces inquietantemente tensos, entre lo erótico
y espiritual, lo modernista y lo medieval, lo pagano y lo cristiano. Tal como el jugo
de una granada que vemos derramarse sobre una tela y sugerir la forma del reino
de Armenia, las poderosas imágenes de Parajanov sin duda dejan huella en nuestra
imaginación.
Poco después de terminar El color de la granada, Parajanov fue encarcelado en un
gulag por lo que se consideró una obra obscena y de carácter anti-soviético. Aún así
su devoción por su arte nunca flaqueó y trabajó sin interrupción hasta el final de su
vida. Murió a los 66 años tras luchar contra el cáncer en Yerevan, Unión Soviética (hoy
Armenia) en 1990.
85
A masterwork of unspeakable beauty, strangeness and rich symbolism, we are
proud to be screening this restoration of Sergei Parajanov’s 1969 film The Color of
Pomegranates, personally chosen by Brazilian director Karim Aïnouz, the subject of
this year’s IFF Panama retrospective.
The Color of Pomegranates was conceived as a biography of the 18th century Armenian
poet and musician Sayat Nova (whose name constitutes the original Armenian title
of the film). But Parajanov’s treatment of his subject’s life and work is rigorously
mimetic, and thus far more lyrical, sensual and literally dazzling than any bio-pic you
have ever seen. The film is a succession of spectacular tableaux, often baroque, at
times hauntingly stark, both erotic and spiritual, modernist and medieval, Christian
and Pagan. Like the pomegranate juice we behold spilling onto a cloth and assuming
the shape of the Kingdom of Armenia, Parajanov’s potent images will stain your
imagination.
Not long after completing The Color of Pomegranates, Parajanov was incarcerated in
the gulag for what was deemed obscenity and anti-Soviet agitation, yet his singular
devotion to his craft never wavered and he worked steadily until the end of his life. He
died age 66, of cancer, in Yerevan, USSR (now Armenia) in 1990.
Director:
Sergei Parajanov
Armenia, 1968
Idioma / Language:
Armenio / Armenian
Duración / Length:
79 min.
Armenfilm
Sergei Parajanov
Sergei Parajanov
Sergei Parajanov nació en Tbilisi, URSS
(hoy Georgia). Su carrera, admirada
internacionalmente, estuvo marcada
por la persecución política y la censura.
Sus películas incluyen Rapsodia
ucraniana (61), Los corceles de fuego
(64), El color de la granada (68), y Ashik
Kerib (88).
Sergei Parajanov was born in Tbilisi,
USSR (now Georgia). His internationally
acclaimed career was fraught with
political imprisonment and censorship.
His films include Ukrainian Rhapsody
(61), Shadows of Forgotten Ancestors
(64), The Color of Pomegranates (68),
and Ashik Kerib (88).
Editor:
Maia Ponomarenko
Suren Shakhbazyan
Música / Music:
Tigran Mansuryan
Reparto / Cast:
Sofiko Chiaureli, Melkon Aleksanyan,
Vilen Galstyan, Giorgi Gegechkori
Contacto / Contact:
Cineteca Bologna
Email:
[email protected]
Sergei Parajanov
86
Historias del Canal
Panama Canal Stories
La historia de Panamá es inseparable de la historia del Canal, ese enorme y difícil proyecto
que cambió para siempre la topografía y cultura de nuestro país. Con sus cinco historias
que se desarrollan a través de 100 años, Historias del Canal relata dichos cambios con
dramatismo, humor y mucho corazón. Se trata de la historia del alma panameña moderna.
En 1913 los planes de boda de una pareja afrocaribeña de escasos recursos se ven
impedidos por una muerte accidental durante la construcción del Canal. En 1950 un niño
estadounidense, hijo del fallecido ingeniero jefe a la cabeza de la obra, desea saber cómo
es la vida por fuera de la Zona del Canal. En 1964 un joven panameño aficionado a la
fotografía se enamora perdidamente de una hermosa pero esquiva mujer americana.
En 1977, un hombre consigue trabajo de chofer de un par de oficiales de los Estados
Unidos, con el fin de recaudar información valiosa para el movimiento independentista
panameño. En 2013 una cantante panameña-estadounidense pierde la voz y la recupera,
junto con una mayor comprensión de sus raíces ancestrales, durante una visita a su
familia en Panamá.
Dirigida por cinco realizadores decididamente talentosos—incluyendo a la directora
de nuestro Festival, Pituka Ortega Heilbron—Historias del Canal es nuestra historia,
escrita durante décadas de conmoción, crisis de identidad y reconciliación. Este sentido
e inspirador filme explora los diversos elementos que convergen para hacernos lo que
somos, mirando al pasado, valorando nuestro presente, y construyendo esperanza para
nuestro futuro.
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The story of Panama is inseparable from the story of the Canal, that great and fraught
project that forever changed the topography and culture of our country. With its five
stories unfolding over the course of 100 years, Historias del Canal chronicles these
changes with drama, humor and heart. It is a history of the modern Panamanian soul.
In 1913 a poor Afro-Caribbean couple’s wedding plans are thwarted by an accidental
death during the Canal’s construction. In 1950 an American boy, the son of the
deceased chief engineer responsible for the Canal, longs to know what life is like
outside the Canal Zone. In 1964 a young Panamanian shutterbug falls for a beautiful
but elusive American woman. In 1977 a Panamanian man takes a job as a chauffer for
a pair of US officials in the hope of gaining valuable information for the Panamanian
independence movement. In 2013 a Panamanian-American singer loses her voice,
then finds it—along with a deeper sense of her ancestral roots—while visiting her
estranged family in Panama.
Helmed by five immensely talented filmmakers—including our own Festival Director,
Pituka Ortega Heilbron—Historias del Canal is our story, written over decades of
tumult, identity crisis and reconciliation. This sweeping, inspiring film considers the
many elements that converge to make us who we are, by looking back on our past,
assessing our present, and building hope for our future.
Director:
Abner Benaim, Carolina Borrero Arias,
Luis Franco Brantley, Pinky Mon,
Idioma / Language:
Español, inglés / Spanish, English
Abner Benaim
Abner Benaim estudió relaciones
internacionales en la Universidad de
Pennsylvania y cine en Cámara Oscura de
Tel-Aviv. Sus películas incluyen Chance (09),
Criadas y Patrones (10), Invasión (14) y la
película de antología Historias del Canal (14).
Carolina Borrero Arias
Duración / Length:
106 min.
Carolina Borrero Arias estudió dirección de
cine en la Universidad del Cine de Buenos
Aires. Sus películas incluyen el corto Caspa
(11) y la película de antología Historias del
Canal (14).
Manglar Films, Hypatia Films
Luis Franco Brantley
Pablo Schverdfinger, Ileana Novas,
Manolito Rodriguez
Editor:
Miguel Schverdfinger
Marcelo Camorino
Música / Music:
Leonardo Heiblum, Jacobo Lieberman
Reparto / Cast:
Lakisha May, Carlos Eduardo Goldstein
Alemán, Kathleen Wise, Ivan González,
Hannah Schöbitz, Luis Manuel Barrios
Luis Franco Brantley estudió edición
y dirección en el ICAIC de Cuba y
cinematografía en la IORT de España. Sus
películas incluyen el corto India Dormida
(94) y la película de antología Historias del
Canal (14).
Pinky Mon
Pinky Mon estudió Comunicación en la
Universidad de Panamá y fotografía en
la Academia Nacional de Artes Plásticas.
Sus películas incluyen el corto Códigos
de Silencio (95) y la película de antología
Historias del Canal (14).
Pituka Ortega Heilbron es la Directora del
Festival Internacional de Cine de Panamá.
Sus películas incluyen El mandado (98), El
corazón de las mujeres de piedra (98), Los
puños de una nación (05) y la película de
antología Historias del Canal (14).
Contacto / Contact:
Manglar Films
Abner Benaim studied international
relations at the University of Pennsylvania
and cinema at Tel-Aviv’s Camera Obscura.
His films include Chance (09), Maids and
Bosses (10), Invasión (14) and the anthology
film Panama Canal Stories (14).
Carolina Borrero Arias studied film
directing at la Universidad del Cine de
Buenos Aires. Her films include the short
Caspa (11) and the anthology film Panama
Canal Stories (14).
Luis Franco Brantley studied editing
and directing at Cuba’s ICAIC and
cinematography at Spain’s IORT. His films
include the short India Dormida (94) and the
anthology film Panama Canal Stories (14).
Pinky Mon studied communications at la
Universidad de Panamá and photography at
la Academia Nacional de Artes Plasticas. His
films include the short Códigos de Silencio
(95) and the anthology film Panama Canal
Stories (14).
Pituka Ortega Heilbron is the Director of
the Panama International Film Festival.
Her films include El Corazón de las Mujeres
de Piedra (98), Fists of a Nation (05) and the
anthology film Panama Canal Stories (14).
Email:
[email protected]
88
Maikol Yordan
Estreno Internacional / Internacional Premiere
Maikol Yordan (Mario Chacón) es el personaje más popular del programa de humor
de Teletica La media docena, aparte de ser también la cara de KFC en Costa Rica; un
campesino de mala suerte que se la pasa buscando trabajo en la gran ciudad. Ingenuo
más allá de toda esperanza, Maikol no duda en aceptar incluso trabajos para los que
no posee ningún tipo de preparación, lo cual lleva por supuesto a las situaciones más
absurdas.
En su debut en la pantalla grande, Maikol debe luchar para salvar la granja de su
familia, que está a punto de ser vendida a un banco. Desesperado por recaudar dinero,
Maikol se registra en cuanto concurso encuentra, ¡y como resultado termina en un
agitado tour por Europa! El recorrido incluye París, Londres y Roma, e implica que haga
nuevas amistades, descubra parientes que no conocía y quizás incluso encontrarse
consigo mismo.
Filmada en locaciones auténticas y con fuertes dosis de humor procaz, Maikol Yordan
es una clásica historia de pez fuera del agua, del choque entre el viejo y el nuevo
mundo, y sobra decir que es tremendamente divertida.
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A hilarious homegrown comedy and the most attended film in Costa Rican history,
Miguel Alejandro Gómez’s Maikol Yordan is a triumph for Tico cinema and a great time
for anyone who knows what it’s like to stumble into grace.
Teletica sketch comedy show La Media Docena’s most popular character—and the face
of KFC Costa Rica—Maikol Yordan (Mario Chacón) is a hapless campesino perpetually
looking for work in the big city. Naïve in the extreme, Maikol Yordan thinks nothing of
seeking even those jobs he possesses absolutely no qualifications for—which leads to
some terrifically absurd interactions.
In his big-screen debut, Maikol Yordan must fight to save his familial farm, which is
on the verge of being sold to the bank. Desperate to raise funds, Maikol Yordan enters
every contest he can find—and as a result finds himself on a whirlwind tour of Europe!
The itinerary includes Paris, London and Rome, and involves making new friends,
discovering lost relatives, and, just maybe, finding himself.
Shot on location and shot-through with heavy doses of ribald humor, Maikol Yordan is
a fish-out-of-water, new world-meets-old world culture clash. And it is a hoot.
Director:
Miguel Alejandro Gómez
Costa Rica, 2015
Idioma / Language:
Español / Spanish
Duración / Length:
90 min.
Audiovisuales LMD
Miguel Alejandro Gómez nació en San
José. Es músico y cineasta. Sus créditos
como director incluyen El cielo rojo (08),
El Sanatorio (10), El fin (11), Italia 90 (14) y
Maikol Yordan (14).
Miguel Alejandro Gómez was born
in San José. He is a musician and
filmmaker. His directorial credits
include the films El cielo rojo (08), El
sanatorio (10), El fin (11), Italia 90 (14)
and Maikol Yordan (14).
Gloriana Sanabria
Mario Chacón, Erik Hernández Gabarain, Daniel
Moreno, Édgar Murillo
Miguel ALEJANDRO
Gómez
Editor:
Daniel Moreno, Juan Alberto Díaz
Luis Salas, Marlon Villar
Música / Music:
Erik Hernández Gabarain
Reparto / Cast:
Mario Chacón, Erik Hernández, Daniel Moreno,
Édgar Murillo
Contacto / Contact:
Distribuidora Romaly
Email:
[email protected]
90
Words with Gods
Palabras de dioses
Guillermo Arriaga presenta Palabras de dioses, un fascinante esfuerzo colectivo que
compila cortometrajes nuevos de algunos de los directores más reconocidos del
mundo. Uniendo los talentos de realizadores como Héctor Babenco, Emir Kusturica,
Alex de la Iglesia y Amos Gitai, Palabras de dioses explora las múltiples y diversas
expresiones de la religión y la espiritualidad que cobijan nuestro mundo. Abarcando
desde la espiritualidad aborigen hasta el islamismo y el ateísmo, estos nueve
multifacéticos y arriesgados cortometrajes interrogan y sopesan ideas sobre la fe y
las muchas expresiones que de la creencia coexisten a través de las culturas.
Iniciando en el hermosísimo sinfín del territorio australiano, el director Warwick
Thorton acompaña a una mujer indígena que busca un lugar ideal para dar a luz.
El proyecto entero se mueve a través del ciclo de la vida, y la secuencialidad de las
historias fue curada por el maestro narrador Mario Vargas Llosa. Pasamos por la India
en El cuarto de Dios de Mira Nair, en el que solo el miembro más joven de una familia
en plena disputa se da cuenta que Dios está en todas partes. El realizador japonés
Hideoko Nakata y el iraní Bhaman Ghobadi exploran cuestiones del budismo y el
islamismo respectivamente.
El cortometraje final, La sangre de Dios, de Guillermo Arriaga, explora temas del
escepticismo religioso haciendo uso de imágenes gloriosas y perturbadoras. Inspirada,
trascendente y provocadora, Palabras de dioses nos ofrece valiosas consideraciones
cinematográficas sobre una de las facetas más misteriosas de la experiencia humana.
91
Guillermo Arriaga presents the dazzling collaborative effort, a collection of
thematically related short films by some of the world’s most celebrated filmmakers.
Uniting the talents of directors like Héctor Babenco, Emir Kusturica, Alex de la Iglesia
and Amos Gitai, Words with Gods explores diverse forms of religion, devotion and
spirituality. Ranging from Aboriginal spirituality through to Islam and atheism, this
multi-layered and consistently bold nine-film compendium ponders questions of faith
and the many expressions of belief that co-exist in our world.
Beginning in the breathtaking expansiveness of the Australian outback, filmmaker
Warwick Thorton follows an Aborigine woman searching for an ideal spot to give birth.
In a sense, Words with Gods moves through the life cycle, the choice of order curated by
Peru’s literary great, Mario Vargas Llosa. We visit India in Mira Nair’s “God Room”, where
only the youngest member of an arguing family realizes that god is everywhere, while
Japanese filmmaker Hideoko Nakata and Iranian filmmaker Bhaman Ghobadi explore
tenets of Buddhism and Islam respectively. Arriaga’s own closing short, “God’s Blood”
explores questions of religious skepticism through glorious and disturbing imagery.
Arresting, transcendent and thought-provoking, Words with Gods offers unique
cinematographic interventions on one of the mysterious facets of the human
experience—a primal element of our experience that people are still willing to live,
fight and die for to this day.
Director:
Guillermo Arriaga, Bahman
Ghobadi, Emir Kusturica, Alex
de la Iglesia, Amos Gitai, Hideo
Nakata, Mira Nair, Héctor Babenco,
Warwick Thornton
Warwick Thornton, Héctor
Babenco, Zoya Akhtar, Reema
Kagti, Hideo Nakata, Amos
Gitai, Álex de la Iglesia, Jorge
Guerricaechevarría, Emir Kusturica,
Dunja Kusturica, Bahman Ghobadi,
Guillermo Arriaga
Alex de la Iglesia
The Day of the Beast (95),
Perfect Crime (04), Witching and
Bitching (13).
Bahman Gobadi
A Time for Drunken Horses (00),
Turtles Can Fly (04),
Rhino Season (12).
Mira Nair
Salaam Bombay (88), Monsoon
México, Estados Unidos, 2014 /
Wedding (01), The Reluctant
Editor:
Mexico, United States, 2014
Fundamentalist (12).
Roland Gallois, Idê Lacreta, Shimit
Héctor Babenco
Amin, Nobuyuki Takahashi, Isabelle Guillermo Arriaga
Idioma / Language:
Pixote (81), Kiss of the Spider
Ingold,
Pablo
Blanco,
Svetolik
Mica
Guillermo Arriaga nació en
Inglés, español, Farsi, urdu,
Woman (85), Carandiru (03).
Zajc,
Bahman
Ghobadi,
Franziska
México.
Es
novelista,
guionista,
portugués, japonés, hebreo, serbio,
Emir Kusturica
director y productor. Entre sus
hindi / English, Spanish, Farsi, Urdu, Von Berlepsch, Richard Chew
Underground (95), Black Cat,
guiones están Amores Perros (00), White Cat (98), Maradona by
Portuguese, Japanese, Hebrew,
que recibió la nominación para el Kusturica (08).
Serbian, Hindi
Warwick Thornton, Adrian Teijido,
Óscar a la mejor película de habla Warwick Thorton
ABC, Shanker Raman, Tetsuro Sano,
Samson and Delilah (98), The
no inglesa, y Babel (06). Dirigió
Duración / Length:
Giora Bejach, Kiko de la Rica, Martin
The Burning Plain (08) y codirigió Turning (13), The Darkside (13).
134 min.
Šec, Igor Martinovic, Sergio Yazbek
Amos Gitai
Palabras de dioses (14).
Kedma (02), Promised Land (04),
Productora /
Música / Music:
Carmel (09).
Guillermo Arriaga was born in
Production Company:
Peter Gabriel/ Peter Gabriel
Hideo Nakata
Mexico City. He is a novelist,
BN films, AG Studios
The Ring (98), Dark Water (02),
Reparto / Cast:
screenwriter, director and
Monsterz (14).
Miranda Tapsell, Kiarrah-Jayde
producer. His screenplays
Warwick Thornton
Buzzacott,
Chico
Díaz,
Bárbara
Paz,
include
Amores
Perros
(00),
Kath Shelper, Francisco Ramalho
Samson & Delilah (09), Stranded
Tanuja , Ram Kapoor, Masatoshi
(11), The Turning (2013), Words
which was nominated for the
Jr, Chico Díaz, Bárbara Paz, Ami
Nagase, Kazuya Takahashi, Yaël
Academy Award for Best Foreign with Gods (14).
Boghani, Mira Nair, Atsuyuki
Abecassis,
Zohar
Strauss,
Juan
Language
Film
in
2000
and
the
Shimoda, Michael Thapuah, Álex
Contacto / Contact:
Oscar nominated Babel (06). He
David Barraza
de la Iglesia, Yousaf Bokhari, Paula Fernández, Pepón Nieto, Emir
directed The Burning Plain (08)
Vaccaro, Mij Film, Álex de la Iglesia, Kusturica, Yilmaz Erdoğan, Amir
Email:
and co-directed Words with
Guillermo Arriaga, Santiago García A. Fekri, Demián Bichir, Emilio
[email protected]
Echevarria
Gods (14).
Galván, Adrián Zurita
92
El circo / The Circus
Carreras de autos para niños en Venecia / Kid Auto races in Venice
Este largometraje descaradamente entretenido de Charlie Chaplin presenta a su
querido personaje del Vagabundo tropezando con la profesión de artista circense.
Mientras que algunos sueñan con dejar todo atrás para unirse al circo, ¡El Vagabundo
es reclutado por un circo mientras huye de la policía! Tras ser confundido con un
ladronzuelo, se da una persecución en la gran carpa, donde sin querer deslumbra a
los espectadores con sus desesperadas e ingeniosas artimañas para evitar el arresto.
El Vagabundo se enamora de Merna, jinete en escena e hija del malvado dueño del
espectáculo, quien le restringe la comida cuando no le convence la actuación de la
joven. Pero Merna está prendada de Rex, el experto de la cuerda floja. Buscando la
oportunidad de medirse con su rival, El Vagabundo decide improvisar en la peligrosa
cuerda, con los resultados más hilarantes.
Estrenada originalmente en 1928, El circo demuestra el brillante uso que Chaplin hace del
colorido entorno de la historia, en la que hace desastres con la mesa del mago principal,
y entabla tensas relaciones con varios de los animales de la nómina. El filme nos ofrece
una seguidilla imparable de hazañas inspiradas de un maestro absoluto de la comedia
física, pero lo que se queda con uno al final es el triste desenlace, en el que El Vagabundo
demuestra su noble corazón con un gesto de sacrificio personal que lo deja literalmente
tragando polvo, listo para vagar hacia su próxima inesperada aventura.
Nuestra proyección de El circo estará precedida de Carreras de autos para niños en
Venecia, de 1914, que marca el debut de Chaplin personificando a El Vagabundo. Este
desatado cortometraje lo presenta en medio de una carrera de autos en proceso de ser
documentada, situación que no tarda en convertirse en puro caos.
93
This ferociously entertaining feature from Charlie Chaplin finds his beloved Tramp
stumbling into a career as a circus performer. While some dream of running away to
join the circus, the Tramp gets recruited into the circus while running from the cops!
Mistaken for a pickpocket, he’s chased under the big top, where he unintentionally
dazzles the crowd with his desperately inventive ploys to evade arrest.
The Tramp falls for Merna, a horse rider and daughter to the wicked ringmaster, who
withholds food from her when she fails to perform to his standards. But Merna is in
love with Rex the tightrope walker. Hoping to show up his rival, the Tramp tries his
hand at the high wire himself—with hilarious results.
Originally released in 1928, The Circus finds Chaplin making brilliant use of the film’s
colourful milieu, mishandling the magician’s table and developing fraught relations
with sundry circus animals. The film offers a relentless string of inspired hi-jinx from
this master of physical comedy, yet what lingers with you afterwards is that melancholy
ending, in which the Tramp makes a touching gesture of self-sacrifice and ultimately
finds himself left in the dust, ready to wander into his next impromptu adventure.
Our screening of The Circus will be preceded by 1914’s Kid Auto Races in Venice, which
marks Chaplin’s first appearance as the Tramp. This madcap short finds the Tramp
stumbling into a go-kart race as it’s being filmed—and prompting much comic mayhem.
Carreras de autos para El circo / The Circus
niños en Venecia /
Kid Auto races in Venice Director:
Charles Chaplin
Director:
Henry Lehrman
Estados Unidos, 1914 /
United States, 1914
Idioma / Language:
Silente / Silent
Duración / Length:
11 min.
Mack Sennett
Henry Lehrman, Charles Chaplin
Estados Unidos, 1928 /
United States, 1928
Idioma / Language:
Silente / Silent
Duración / Length:
71 min.
Charles Chaplin
Charles Chaplin
Roland Totheroh
Enrique Juan Vallejo,
Frank D. Williams
Música / Music:
Charles Chaplin
Reparto / Cast:
Charles Chaplin, Henry Lehrman
Reparto / Cast:
Charles Chaplin, Al Ernest Garcia,
Merna Kennedy, Harry Crocker
Contacto / Contact:
MK2
Contacto / Contact:
MK2
Email:
[email protected]
Email:
[email protected]
Charles Chaplin
(1889-1977)
Henry Lehrman
(1886-1946)
Nació en Londres. Criado en
la pobreza, comenzó en el
espectáculo siendo un niño y con
el tiempo se convirtió en una de las
figuras más famosas, influyentes
y ricas de la historia del cine. Sus
películas incluyen The Kid (1921),
La quimera del oro (1925), Tiempos
modernos (1936), El gran dictador
(1940) y Monsieur Verdoux (1947).
Nació en Viena y se mudó a
los EE.UU. a temprana edad.
Empezó como actor, pero es más
recordado por dirigir las primeras
películas con Charlie Chaplin,
entre ellos Ganarse la vida (14),
Carreras de autos para niños (14)
y Entre las duchas (14).
Was born in London. Raised
in poverty, he started in show
business as a child and eventually
became one of the wealthiest,
most famous and influential
figures in cinema history. His films
include The Kid (1921), The Gold
Rush (1925), Modern Times (1936),
The Great Dictator (1940) and
Monsieur Verdoux (1947).
Was born in Vienna and moved
to the US at a young age. He
began as an actor but is best
remembered for directing the
first films featuring Charlie
Chaplin, among them Making
a Living (14), Kid Auto Races
at Venice (14) and Between
Showers (14).
HISTORIAS DE amÉrica central
y el caribe
stories from central america
and the caribbean
El cine de este estrecho de tierra de países vecinos y de islas
hermanas está tomando fuerza y desarrollando su propia
voz. IFF Panamá se siente orgulloso de tener una selección
exclusiva donde se destacan estas historias tan personales
para todos nosotros.
Films from this narrow isthmus and neighboring islands
are gaining ground and finding their own voice. IFF Panama
is proud of its exclusive forum for showcasing these stories
which resonate with us in such a personal way.
Estas películas participan por el Premio del Público MasterCard a la
Mejor Película de América Central y El Caribe.
These films participate for the MasterCard Audience Award for the
Best Central American and Caribbean Film.
96
HISTORIAS DE AMÉRICA CENTRAL Y EL CARIBE | STORIES FROM CENTRAL AMERICA AND THE CARIBBEAN
Algún lugar
On the Road, Somewhere
El dulce y amargo debut del director dominicano Guillermo Zouain—en la mejor tradición
de Y tu mamá también—es una historia sobre la entrada a la madurez en clave de película
de carretera, que acompaña a tres entrañables amigos graduados de secundaria que se
echan a la carretera a buscar aventuras, o quizás a encontrarse a sí mismos.
Oliver (Arnold Martínez), Moisés (Javier Grullón) y Hemingway (Victor Alfonso) se
aproximan a una de las primeras grandes encrucijadas de la vida. Terminaron
bachillerato y la adolescencia parece también ir llegando a su fin. La adultez se deja
ver, y les impone escoger una carrera. Moisés es un aficionado a la fotografía, y se
pregunta si puede vivir de ella. El apodo de Hemingway no es gratuito, pues no sueña
con otra cosa que escribir. Oliver es más reservado respecto a lo que le apasiona, pero
tras presenciar un accidente y hacerse amigo de un enviado de ayuda internacional,
parece que también sabe lo que quiere.
Pero todo eso es parte del futuro. En el transcurso de Algún lugar los muchachos
atraviesan gran parte de su país—regalándole al espectador un tour espectacular de la
variada y hermosa topografía de República Dominicana, bañada toda por el sol—hasta
llegar a Pedernales, donde Oliver quiere despedirse de su novia del colegio. En el camino
se encontrarán con pintorescos personajes, se toparán con un encuentro erótico y
lidiarán con dificultades mecánicas, todo en medio de profundas discusiones sobre sus
ansiedades y esperanzas.
Algún lugar es básicamente un paseo muy divertido, con su inevitable dosis de tristeza.
Es un viaje que nos recuerda que por cada nuevo encuentro que vivimos, es necesario
que dejemos algo atrás.
Esta película también participa por el Premio del Público Copa Airlines a la Mejor Película Iberoamericana de Ficción.
This film also participates for the Copa Airlines Audience Award for the Best Ibero-American Fiction Film.
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A bittersweet coming-of-age road movie in the tradition of Y tu mamá también,
Dominican director Guillermo Zouain’s feature debut follows a loveable trio of high
school graduates hitting the road to find adventure—and, perhaps, to find themselves.
Oliver (Arnold Martínez), Moisés (Javier Grullón) and Hemingway (Victor Alfonso) are
three friends approaching one of life’s great crossroads. High school is over and
adolescence is drawing to a close. Adulthood looms, and with it the urgency to choose
a career. Moisés is a shutterbug and wonders if he can make a living from photography.
The aptly nick named Hemingway dreams of being a writer. Oliver is reticent about his
calling, though after witnessing an accident and befriending a foreign aid worker, he
too may be en route to self-realization.
Yet such matters are still in the future. Over the course of On the Road, Somewhere,
the boys will traverse much of their country—offering viewers a spectacular, sundrenched tour of the Dominican Republic’s diverse topography—as they make their
way to Pedernales, where Oliver will bid farewell to his high school sweetheart. Along
the way they meet colorful characters, stumble into an erotic encounter, get waylaid
with car trouble, and discuss their hopes and anxieties.
A fun ride, with just a hint of melancholy, On the Road, Somewhere is a trip. It’s also a
reminder that with every new encounter there is always something that must be left
behind.
Director:
Guillermo Zouain
República Dominicana, 2014 / Dominican
Republic, 2014
Idioma / Language:
Español / Spanish
Duración / Length:
72 min.
Guillermo Zouain nació en Santiago de
los Caballeros, República Dominicana.
Ha dirigido el cortometraje La cena (08)
y el largometraje Algún lugar (15).
Guillermo Zouain was born in Santiago
de los Caballeros, Dominican Republic.
He has directed the short film La Cena
(08) and the feature On the Road,
Somewhere (15).
Viewfinder
Wendy Muñiz, Fabiola de la Rosa
Wendy Muñiz, Guillermo Zouain
Guillermo Zouain
Editor:
Israel Cárdenas, Juanjo Cid
Sebastian Cabrera Chelin
Música / Music:
Anabel Acevedo
Contacto / Contact:
Guillermo Zouain
Reparto / Cast:
Arnold Martínez, Javier Grullón, Victor Alfonso
Email:
[email protected]
98
Caja 25
Box 25
Estreno Mundial / World Premiere
“Esta es la historia de un matrimonio y un divorcio”, nos dice una voz al comienzo
de este nuevo y penetrante documental de Delfina Vidal y Mercedes Arias. La infeliz
pareja en cuestión son Panamá y los Estados Unidos. El matrimonio duró un siglo.
Caja 25 recuenta todos los principales eventos de esa larga y compleja relación (lo cual
lo convierte en un complemento perfecto para Historias del Canal, que también hace
parte de nuestro Festival). Pero el centro de la meticulosa investigación desarrollada
son las cartas encontradas en una sola caja que hasta ahora había permanecido
sellada. Dichas misivas nos cuentan historias de los primeros días de ese tórrido
romance, las cuales son muy poco conocidas.
En 1963 se realizó un concurso que solicitaba relatos de primera mano sobre la creación
del Canal por parte de quienes de hecho lo construyeron. Las 140 cartas que se conservan,
escritas por trabajadores de Europa, el Caribe y América Latina, describen condiciones
brutales de trabajo, enfermedades y discriminación rampantes, así como increíbles
sueños y esperanzas, y anécdotas fascinantes, como la de una mujer que se hizo pasar por
hombre para poder trabajar.
Con un uso elegante del material de archivo, las fotografías, documentos y filmes,
así como con entrevistas actuales, lecturas e ilustraciones, Caja 25 revive muchas
voces perdidas, y nos recuerda nuestra historia diversa, y los sacrificios que han sido
necesarios para llegar a donde estamos.
Esta película también participa por el Premio del Público Revista K al Mejor Documental.
This film also participates for the Revista K Audience Award for Best Documentary Film.
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“This is the story of a marriage and a divorce,” a voice tells us near the start of Delfina
Vidal and Mercedes Arias’ engrossing new documentary. The unhappy couple in question
consisted of Panama and the United States. And the marriage went on for a century.
Box 25 surveys all the major events in this long and troubled relationship (making it a
perfect companion piece to Panama Canal Stories, also screening at the Festival). But
the focus of this carefully researched film is a single box of letters that until now has
been locked away. These letters tell us stories of the early days in the US-Panama affair
that are far too little known.
A contest was held in 1963, calling for first-hand accounts of the creation of the Canal
by the men who actually built it. The 140 letters that remain, written by laborers from
Europe, the Caribbean and Latin America, describe brutal working conditions, rampant
disease and discrimination, as well as enduring hopes and fascinating anecdotes, such
as that of a woman who disguised herself as a man so as to work.
Making elegant use of archival documents, photographs and films, as well as
contemporary interviews, readings and illustrations, Box 25 brings these lost voices
back to life, reminding us of our diverse history and of the sacrifices made to get us
where we are.
Director:
Delfina Vidal, Mercedes Arias
Idioma / Language:
Español / Spanish
Duración / Length:
70 min.
Betesda Films
Delfina Vidal, Mercedes Arias
Joaneska Grossl
Editor:
Carlos Revelo
Aaron Bromley
Música / Music:
Andres Carrizo, Alex De Rhua
Delfina Vidal estudió comunicaciones en la Universidad de
Panamá. Tiene más de 20 años de experiencia como productora
de televisión. Fue alumna de Patricio Guzmán. Coprodujo con
Mercedes Arias el documental Un día diferente (07), con el que
obtuvo el Gran Premio Nacional de Prensa, y codirigió Out (13) y
Caja 25 (14) con Mercedes Arias.
Delfina Vidal studied communications at the University of
Panama, has over 20 years experience as TV producer and has
also studied under Patricio Guzmán. She won the coveted
Grand National Press Prize for the documentary A Different
Day (07), co-produced with Mercedes Arias. Her most recent
documentaries include Out (13) and Caja 25 (14), both co-directed
with Mercedes Arias.
Delfina vidal
Mercedes Arias es egresada de The School of Communications
de Boston University y ha trabajado como periodista casi toda su
vida. Coprodujo con Delfina Vidal el documental Un día diferente
(07), con el que obtuvo el Gran Premio Nacional de Prensa, y
codirigió Out (13) y Caja 25 (14) con Delfina Vidal.
Mercedes Arias graduated from The School of Communications
of Boston University and has worked as a journalist for most
of her life. She won the coveted Grand National Press Prize for
the documentary A Different Day (07), co-produced with Delfina
Vidal. Her most recent documentaries include Out (13) and Caja 25
(14), both co-directed with Delfina Vidal.
Contacto / Contact:
Mercedes Arias
Email:
[email protected]
MERCEDES ARIAS
100
Conducta
Behavior
Esta película se convirtió en un éxito total en Cuba, sacudiendo a la audiencia con
su capacidad de enfrentar tabúes y revelar el lado menos pintoresco de la realidad
cotidiana de la isla. Con este sensible retrato de la amistad entre un chico joven y una
mujer que le lleva más de cinco décadas, el director Ernesto Daranas expone cómo la
burocracia, el dogmatismo y la pobreza están perjudicando un sistema de educación
que ha sido por años envidiable.
Chala (Armando Valdés Freire), es un chico de 11 años que vive con su madre adicta.
Para poder sostener su hogar, él cría palomas mensajeras y entrena perros de pelea
con un hombre que puede o no ser su padre biológico. El colegio le ofrece un ambiente
estable, sobre todo por su cercana relación con su animada profesora de unos 60
años, Carmela (Alina Rodríguez). Cuando el chico es enviado a una ‘institución de reeducación’ y Carmela monta una campaña para que lo liberen, la docente se convierte
en blanco de una cacería de brujas liderada por un administrador de la junta directiva
que considera el estilo liberal de Carmela incompatible con la nueva Cuba.
Desarrollada con la activa colaboración de estudiantes del Instituto Superior de Arte
cubano, Conducta es un singular trabajo, urgente y auténtico, un drama conmovedor
que nos da esperanza de que la antigua y la nueva Cuba van a encontrar eventualmente
un terreno en común.
101
A breakout hit in Cuba, Ernesto Daranas’ Behavior has galvanized audiences with its
willingness to tackle taboos and reveal the less picturesque realities of life on the
island. In this sensitive portrayal of the friendship between a young boy and a woman
more than five decades his senior, Daranas exposes how bureaucracy, dogma and
poverty are eroding Cuba’s oft-envied education system.
11-year-old Chala (Armando Valdés Freire) lives with his addict mother. In order to
provide for the two of them, he raises carrier pigeons and trains fighting dogs with a
man who may or may not be his biological father. School provides a stabilizing force in
Chala’s life, thanks to his close relationship with his spirited sixty-something teacher,
Carmela (Alina Rodríguez). When the boy is sent to live in a “re-education facility” and
Carmela mounts a campaign to have him released, she becomes the target of a witchhunt spearheaded by a school board administrator who regards Carmela’s permissive
beliefs as incongruent with the new Cuba.
Developed in close collaboration with students in a workshop at Cuba’s Instituto
Superior de Arte, Behavior is a work of rare and urgent authenticity, a moving drama
that gives us hope that the new and the old Cuba can—and will—find common ground.
Director:
Ernesto Daranas
Cuba, 2014
Idioma / Language:
Español / Spanish
Duración / Length:
108 min.
RTV Comercial, ICAIC
Ernesto Daranas nació en La Habana.
Sus películas incluyen el corto Los
últimos gaiteros de la Habana (04) y los
largometrajes ¿La Vida en Rosa? (04),
Dioses Caídos (08) y Conducta (14).
Ernesto Daranas was born in Havana.
His credits include the short length film
Los últimos Gaiteros de la Habana (04)
and the features ¿La Vida en Rosa? (04),
Fallen Gods (08) and Behavior (14).
Isabel Prendes, Joel Ortega, Danilo León, Adriana
Moya
Ernesto Daranas
Ernesto Daranas
Editor:
Pedro Suárez
Alejandro Pérez
Música / Music:
Juan Antonio Leyva, Magda Rosa Galbán
Reparto / Cast:
Alina Rodríguez, Armando Valdés, Miriel Cejas,
Armando Miguel Gómez, Silvia Águila, Yuliet Cruz
Contacto / Contact:
Email:
[email protected]
102
Dólares de arena
Sand Dollars
La cinta del dúo conformado por Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas transcurre
en la idílica ciudad de Samaná, y explora los complejos intercambios culturales que
se dan entre los nativos y los adinerados extranjeros que, para bien o para mal, han
decidido hacer de Samaná su hogar lejos de casa.
Durante los últimos dos años, la veinteañera dominicana Noelí (Yanet Mojica) ha
estado en una relación sentimental con Anne (Geraldine Chaplin), quien es muchísimo
mayor que ella. Anne se muestra un poco vulnerable y celosa cuando ve a su amante
conversar con cualquier otro joven. A pesar del dinero que cambia de manos entre ellas
regularmente, ni Noelí -que vive con su novio- ni Anne consideran por un segundo que
se trate de prostitución. En últimas, Anne representa una de las pocas oportunidades
de progreso económico para una joven dentro de un sistema de cosas que opera en
diferentes niveles de explotación tácita.
Chaplin (quien fue objeto de un homenaje en nuestro Festival de 2012) ofrece una de
sus actuaciones más atrevidas y conmovedoras, y Guzmán y Cárdenas retratan con
mucho tacto la complicada relación de las mujeres, permitiendo que fluya afecto
genuino entre ellas sin ignorar el intercambio monetario que existe. Al explorar esta
relación desbalanceada sin juzgarla, Dólares de arena se convierte en un retrato muy
agudo de una realidad post-colonial cada día más importante.
103
Set in the idyllic Dominican Republic city of Samaná, writer-director duo Laura Amelia
Guzmán and Israel Cárdenas’ Sand Dollars explores the complex cultural exchanges
occurring between the locals and the affluent outsiders who, for better or worse, have
decided to make Samaná their home away from home.
For the past two years 20-year-old Dominican Noelí (Yanet Mojica) has been involved with
the much older Anne (Geraldine Chaplin). Anne is precariously smitten with her young
lover and prone to jealousy when she sees her talking with anyone else. Despite the
money that regularly passes between them, neither Noelí (who lives with her boyfriend)
nor Anne considers their relationship to be one of prostitution; yet, ultimately, Anne
represents one of the few opportunities for fiscal advancement available to a young
woman in an economy that operates on various forms of tacit exploitation.
Chaplin (who was the subject of a tribute at the Festival in 2012) gives one of her
most touching and fearless performances, and Guzmán and Cárdenas depict the
women’s troubled relationship with great delicacy, allowing us to see the genuine
affection between the women while never ignoring the monetary exchange at its
core. Exploring this unbalanced relationship without judgment, Sand Dollars offers
an incisive portrait of an increasingly pervasive postcolonial reality.
Director:
Laura Amelia Guzmán, Israel Cárdenas
República Dominicana, Argentina, México, 2014 /
Dominican Republic, Argentina, Mexico, 2014
Idioma / Language:
Español, inglés, francés / Spanish, English,
French
Duración / Length:
85 min.
Aurora Dominicana
Laura Amelia Guzmán, Israel Cárdenas
Álex de la Iglesia, Jorge Guerricaechevarría
Editor:
Andrea Kleinman S.A.E / E.D.A.
Israel Cárdenas, Jaime Guerra
Música / Music:
Ramón Cordero, Edilio Paredes
Reparto / Cast:
Geraldine Chaplin, Yanet Mojica, Ricardo Ariel
Toribio
Laura Amelia Guzmán nació en Santo
Domingo, República Dominicana. Sus
largometrajes, codirigidos con su marido
Israel Cárdenas, incluyen Cochochi (07),
Jean Gentil (10) y Carmita (2013). Dólares de
arena (14) es su última película.
Laura Amelia Guzmán was born in Santo
Domingo, Dominican Republic. Her
features, co-directed with her husband
Israel Cárdenas, include Cochochi (07),
Jean Gentil (10) and Carmita (2013). Sand
Dollars (14) is their latest film.
Israel Cárdenas nació en Monterrey,
México. Sus largometrajes, codirigidos con
su esposa Laura Amelia Guzmán, incluyen
Cochochi (07), Jean Gentil (10) y Carmita
(2013). Dólares de arena (14) es su última
película.
Laura Amelia Guzmán
Israel Cárdenas was born in Monterrey,
Mexico. His features, co-directed with
his wife Laura Amelia Guzmán, include
Cochochi (07), Jean Gentil (10) and Carmita
(2013). Sand Dollars (14) is their latest film.
Contacto / Contact:
Figa Films
Email:
[email protected]
Israel Cárdenas
104
Dos Aguas
Two Waters
Nató (Ismael Brown), quien tiene 11 años y su hermano mayor Jefferson (André Devoto)
viven en un pequeño poblado del sur de Costa Rica. Su padre es un pescador y su madre
trabaja como mucama en el refinado hotel donde residen adinerados extranjeros
como el amable Señor Bazin (César Maurel). La familia de Nató no tiene el dinero para
matricularlo en la escuela de fútbol que el niño anhela integrar. Tras ser criado con
las dificultades de la pobreza, Jefferson se propone conseguir los fondos por medios
ilegales—el pueblo no está lejos de las rutas que usan los narcotraficantes—. Dos
aguas, el prometedor largometraje debut de la directora Patricia Velásquez, se trata
de dos hermanos y dos clases sociales muy distintas que convergen en un lugar
paradisiaco, pero lleno de tensión.
Las cualidades técnicas exhibidas aquí merecen destacarse. Planos aéreos y con grúas
nos permiten apreciar el esplendor del pueblo y los hermosos bosques que lo rodean
desde las alturas, mientras que una secuencia de sueños en particular nos ofrece
preciosas y extrañas imágenes subacuáticas. El uso de una banda sonora emotiva y
con un toque de música góspel le da a Dos aguas un aire esperanzador, al tiempo que
sostiene escenas de bella claridad en las que se necesita muy poco diálogo para captar
el sentido de lo que ocurre. Ejecutada con completa unidad de tono y argumento, esta
película se adentra en la amistad y la pena, las concesiones y compromisos morales
grandes y pequeños, y la voluntad de soñar en contra de todas las probabilidades.
105
11-year-old Nató (Ismael Brown) and his big brother Jefferson (André Devoto) live in
a small village on Costa Rica’s southern seaboard. Their father is a fisherman, their
mother works as a chambermaid at a boutique hotel inhabited by wealthy foreigners
like Nató’s friend, the kindly Señor Bazin (César Maurel). Nató’s family doesn’t have
enough money to send Nató to the soccer school he so desperately wants to attend.
Having already grown up in deprivation, Jefferson determines to secure the necessary
funds through illegal means—their village lies not far from routes used by drug
traffickers. Two Waters, Patricia Velásquez’s remarkable feature debut, is about two
brothers and two very different economic classes converging in one beautiful but
fraught place.
The craft on display in Two Waters is truly remarkable. Aerial shots and crane shots
allow us to behold the village’s astoundingly lush surroundings from on high, while
one dream sequence in particular provides us with gorgeously eerie underwater
imagery. The use of a soaring gospel-tinged score infuses Two Waters with a sense of
hope, and buoys beautifully succinct scenes in which no dialogue is needed to convey
what transpires. Gloriously unified in tone and story, this is a film about friendship
and loss, moral compromises great and small, and the willingness to dream against
the odds.
Director:
Patricia Velásquez
Costa Rica, Colombia, 2015
Idioma / Language:
Español / Spanish
Duración / Length:
70 min.
Tiempo Liquido SRL, Igolai Producciones
Patricia Velásquez, Gustavo Pazmín
Patricia Velásquez estudió
comunicaciones y psicología en la
Universidad de Costa Rica. Sus créditos
incluyen los cortometrajes Cualquiera
(08) y Matías (10). Dos aguas (14) es su
Patricia Velásquez studied
Communications and Psychology
at the University of Costa Rica. Her
credits include the short length films
Cualquiera (08) and Matías (10). Two
Waters (14) is her feature length debut.
Oscar Herrera, Patricia Velásquez
Patricia Velásquez
Editor:
Patricia Velásquez
Gustavo Brenes
Música / Music:
Oscar Herrera
Reparto / Cast:
Ismael Brown, Andre Devoto, Ariel Arguedas,
Cesar Maurel, Gladys Alzate
Contacto / Contact:
Tiempo Líquido
Email:
[email protected]
106
Ixcanul
Ixcanul Volcano
El debut del director guatemalteco Jayro Bustamante comienza al pie de un volcán activo,
en donde una comunidad de caficultores Maya Kaqchikel vive y trabaja. Ixcanul es tan
envolvente y fascinante que nos sentimos inmediatamente transportados, no solo a través
de la geografía sino del tiempo, dado que la forma de vida de los personajes—detallada
rigurosamente por Bustamante—parece en efecto estar congelada en el pasado.
Lo cual es una de las razones por los que la joven María (María Mercedes Coroy), de 17
años, quiere irse. Ella creció en la plantación y está destinada a casarse con el hijo del
capataz, pero a quien quiere es a Pepe, un cortador de café que sueña con emigrar a
los EE.UU. María logra seducir a Pepe y huir de la vida que conoce, pero el mundo más
allá de la montaña está lleno de sorpresas, peligro, y quizás le dé una oportunidad de
apreciar mejor el lugar de donde viene.
Con un cierto aire de las mejores cintas de Werner Herzog, Ixcanul parece obsesionada
con los lugares apartados, la tradición y la convergencia de lo antiguo y lo moderno.
Bustamante narra la mayor parte de su historia a manera de cuadros de composición
muy elegante e intensos colores saturados, pero cuando la situación toma un giro
dramático su fotografía también cambia de tono en forma intuitiva y brillante. Este es
un filme afinado con inteligencia y creatividad, pero a la vez de gran corazón y con una
clara reverencia por una cultura que se nos desvanece. Bustamante demuestra ser un
talento a tener en cuenta.
107
Guatemalan director Jayro Bustamante’s feature debut begins at the base of an active
volcano, where Kaqchikel Maya coffee harvesters live and work. So mesmerizing, so
immersive is Ixcanul Volcano that we feel instantly transported, not only through
geography but, seemingly, through time—the characters’ way of life, rigorously
researched by Bustamante first-hand, seems frozen in the past.
Which is one of the reasons why 17-year-old María (María Mercedes Coroy) wants to
leave. María grew up on the plantation and is set to marry the foreman’s son, but she
has her eye on Pepe, a coffee cutter who dreams of escaping to the US. María succeeds
in seducing Pepe and fleeing the only life she knows, but the world on the other side
of the mountain is riddled with surprise, danger—and perhaps a chance at gaining
deeper appreciation for where she comes from.
Reminiscent of the films of Werner Herzog, Ixcanul Volcano radiates a fascination
with hidden places, tradition and the convergence of ancient and modern ways.
Bustamante films much of his story in elegantly composed tableaux, ripe with
saturated colors—though when his story takes a dramatic turn in a new direction, his
camerawork loosens and makes a brilliantly complimentary shift in tone. This is a film
honed with great intelligence and invention, yet grounded in heart and reverence for
a vanishing culture. Bustamante is a major talent to watch.
Director:
Jayro Bustamante
Francia, Guatemala, 2015 / France, Guatemala,
2015
Idioma / Language:
Español, Kaqchikel / Spanish Kaqchikel
Duración / Length:
91 min.
La Casa de Producción, Tu Vas Voir
Pilar Peredo, Edgard Tenembaum, Inés
Nofuentes, Marina Peralta, Pilar Peredo, Edgard
Tenembaum
Jayro Bustamante
Jayro Bustamante realizó sus estudios
cinematográficos en el Conservatoire
Libre du Cinéma Français en París
y en el Centro Sperimentale di
Cinematografia en Roma. Su filmografía
incluye los cortometrajes Todo es
cuestión de trapos (06) y Cuando sea
grande (11). Ixcanul (15) es su primer
largometraje.
Jayro Bustamante studied film at
the Conservatoire Libre du Cinéma
Français in París and the Centro
Sperimentale di Cinematografia in
Rome. His films include the shorts Todo
es Cuestión de Trapos (06) and Cuando
sea Grande (11). Ixcanul Volcano (15) is
his feature debut.
Editor:
César Díaz
Luis Armando Arteaga
Música / Music:
Pascual Reyes
Reparto / Cast:
María Mercedes Coroy, María Telón, Manuel
Antún, Justo Lorenzo, Marvin Coroy
Contacto / Contact:
La Casa de Producción
Email:
[email protected]
Jayro Bustamante
108
La casa más grande del mundo
The greatest house in the world
Rocío, una niña maya que vive en las montañas con su madre y su abuela, está a punto
de convertirse en hermana mayor. Pero lo que la emociona en realidad no es lo que
ocurre en su hogar, sino todo lo que puede hacer afuera, como jugar a “la casa más
grande del mundo” con su amigo Ixchumilá.
Cuando su mamá está a punto de empezar trabajo de parto, Rocío queda encargada de
llevar a las ovejas a pastar ella sola. Pero el placer de la independencia se desvanece
tan pronto se entera de que perdió a una del rebaño. Le da mucho miedo ir a buscar la
oveja perdida al otro lado de un puente que se ha tragado la neblina, pero le da igual o
más temor ir a casa a enfrentar la ira de su familia.
Similar en espíritu a Cochochí de Israel Cárdenas y Laura Amelia Guzmán, el largometraje
debut de Ana V. Bojórquez y Lucía Carreras es casi una fábula que nos enseña aspectos
de la importancia de hacernos responsables y vencer nuestros miedos. Anclada en
una banda sonora espaciosa de guitarra, violín, campanas y sintetizador, La casa más
grande del mundo nos captura con la ondulante fascinación que describe el mundo de
Rocío: la niebla subiendo por el flanco de una montaña boscosa, las ovejas escalando
sin afán las cuestas rocosas. Rocío emprende un viaje a lo desconocido, y sale avante
con una mejor comprensión de sus propias fortalezas.
109
Rocío, a Mayan girl, lives in the mountains with her grandmother and mother, who is
pregnant and will soon give birth to Rocío’s first sibling. But what really excites Rocío
isn’t what’s happening in her home but all those things she can do elsewhere—such as
playing games like “the greatest house in the world” with her friend Ixchumilá.
When her mother seems about to go into labor, Rocío is asked to take the sheep out
to graze on her own. But the thrill of independence quickly fades when Rocío realizes
that she’s lost one of her flock. She’s frightened to search for the errant sheep on the
other side of a fog-choked bridge—but she’s even more frightened to go home and
face the wrath of her elders.
Reminiscent of Israel Cárdenas and Laura Amelia Guzmán’s Cochochi, co-directors
Ana V. Bojórquez and Lucía Carreras feature debut is an almost fable-like lesson in
taking responsibility and overcoming fear. Buoyed by a dreamy guitar score, violin,
chimes and synthesizer, The Greatest House in the World exudes a billowing sense
of wonder in its depiction of Rocío’s world: the mist crawling up the side of the treecovered mountain, the sheep slowly scaling the shady hardscrabble. Rocío is taken on
a journey into the unknown, and she emerges from it with greater knowledge of her
own capabilities.
Director:
Ana V. Bojórquez, Lucía Carreras
Guatemala, México, 2015 / Guatemala, Mexico,
2015
Idioma / Language:
Español / Spanish
Duración / Length:
75 min.
Filmadora Producciones, Prisma Cine
Sandra Paredes, Ana V. Bojórquez
Ana V. Bojórquez, Edgar Sajcabún
Editor:
León Felipe González
Alvaro Rodríguez
Música / Music:
Pascual Reyes
Reparto / Cast:
María López, Gloria López, Elder Escobedo
Ana V. Bojórquez realizó sus estudios
cinematográficos en la Escuela
Internacional de Cine y Televisión (EICTV).
La casa más grande del mundo (15),
codirigida con Lucía Carreras, es su primer
largometraje.
Ana V. Bojórquez studied film at the
International School of Film and
Television (EICTV). She co-directed The
Greatest House of the World (15) with
Lucía Carreras.
Lucía Carreras nació en la Ciudad
de México. Sus créditos incluyen los
cortometrajes Emilio (05) y Jacinto Pata
Sagrada (06), y el largometraje Nos vemos,
papá (11). Codirigió con Ana. V. Bojorquez
La casa más grande del mundo (15).
Ana V. Bojórquez
Lucia Carreras was born in Mexico City.
She directed the short films Emilio (05)
and Jacinto Pata Sagrada (06), and the
feature length Nos Vemos, Papá (11). She
co-directed The Greatest House of the
World (15) with Ana. V. Bojorquez.
Contacto / Contact:
Ana V. Bojórquez
Email:
[email protected]
Lucía Carreras
110
La pantalla desnuda
Naked Screen
A menudo la tecnología parece ir más rápido que nuestra capacidad de dominarla, o de
comprender las implicaciones de su uso. Un ejemplo: la joven pareja de enamorados
Alex (Óscar Sinela) y Esperanza (Paola Baldión), quienes gozan total confianza mutua.
Al punto que cuando Alex graba un momento de video de Esperanza en el clímax del
placer sexual, Esperanza no tiene razones para pensar que el video vaya a ser visto por
nadie más. Obvio, esto es si Alex no descuida su teléfono…
La pantalla desnuda, de Florence Jaugey es un relato que ocurre en un pueblo de
Nicaragua y nos advierte de las complicaciones del mundo cada vez más digital
e interconectado en el que crecen los jóvenes. El otro personaje central es Octavio
(Roberto Guillén), quien viene de una familia mucho más humilde que la de su
compañero de clase Alex. Octavio logra con esfuerzo congraciarse con los padres de
Alex y resiente la total atención que Esperanza obtiene de su amigo. Así que cuando
tiene la oportunidad de sabotear a su competencia, no lo duda un segundo.
El filme confronta varios de los temas más candentes de nuestra era, tales como la
privacidad, la envidia de clase y la vergüenza pública. Es un drama maduro que nos
lleva a pensar sin simplificar ni sus personajes ni sus temas. De hecho nos obliga a
considerar qué experiencias debemos registrar y guardar en la nube, y cuáles es mejor
dejar en el disco duro de nuestros recuerdos.
111
Technology has a way of advancing much more rapidly than our capacity to master
it—or to understand the ramifications of its use. Case in point: teenage sweethearts
Alex (Óscar Sinela) and Esperanza (Paola Baldión) trust each other completely. So when
Alex makes a short video with his phone of Esperanza in the throes of sexual pleasure,
Esperanza has no reason to believe that video will be seen by anyone else. Unless, of
course, Alex misplaces that phone…
A cautionary tale set in a Nicaraguan town, Florence Jaugey’s Naked Screen is a portrait
of young people growing up in an increasingly complicated digital age. The film’s third
central character is Octavio (Roberto Guillén), who comes from humbler roots than his
school chum Alex. He works hard to ingratiate himself to Alex’s parents and resents
Esperanza’s firm grip on Alex’s attention. Thus when given the chance to sabotage his
competition, Octavio doesn’t hesitate.
Naked Screen addresses many of the most salient issues of our time, such as privacy,
class envy, and public shaming. This is a mature, thought-provoking drama that
refuses to oversimplify either its characters or its subjects. It will certainly prompt
you to reconsider which experiences need to be recorded and stored in the cloud, and
which are best left in the hard-drive of our memory.
Director:
Florence Jaugey
Nicaragua, 2014
Idioma / Language:
Español / Spanish
Duración / Length:
93 min.
Camila Films
Florence Jaugey, Frank Pineda
Florence Jaugey nació en Niza, AlpesMaritimes, Francia. Es actriz y directora.
Sus créditos como directora incluyen La
isla de los niños perdidos (02), De niña
a madre (05), La Yuma (09) y La Pantalla
Desnuda (14)..
Florence Jaugey was born in Nice,
Alpes-Maritimes, France. She is an
actress and director. Her directorial
credits include Island of Lost Children
(02), De Niña a Madre (05), La Yuma (09)
and Naked Screen (14).
Florence Jaugey
Florence Jaugey
Editor:
Nino Martínez Sosa
Frank Pineda
Música / Music:
Rodrigo Barberá
Contacto / Contact:
Camila Films
Reparto / Cast:
Paola Baldión, Oscar Sinela, Roberto Guillén
Email:
[email protected]
112
Malacrianza
The Crow’s Nest
Don Cleo (Salvador Solís) vende piñatas en una tienda bastante llena de cosas. Sufre
fuertes dolores de espalda, pero se rehúsa a dejar de cargar una maleta llena de
piedras y extrañas provisiones. Se la pasa leyendo la Biblia y coqueteando con Araceli
(Karla Valencia), la amable camarera de su restaurante preferido. El hombre es un poco
excéntrico, pero en últimas alguien sencillo con una vida tranquila.
Eso hasta que, de un momento al otro, todo parece pasarle a Don Cleo: es asaltado, un
muchacho se aparece en su casa diciendo que es hijo suyo, surge un plan que pretende
extorsionarlo, el banco le niega el cambio de un cheque, ¡y vuelven a atracarlo! El debut
del director salvadoreño Arturo Menéndez es un estudio detallado de su personaje, al
que acompaña durante un momento difícil de una vida que por lo general no lo es.
Mucho del humor que mueve Malacrianza proviene de su propuesta sencilla pero
sentida de comedia: la forma como las coloridas piñatas parecen vigilar a Don Cleo, o
el entusiasmo que se desata en torno a un par de ridículas gafas baratas. Pero lo que
en realidad distingue al filme es su terca fe en la fuerza de la comunidad en medio de
momentos apremiantes. Al enfrentar todos los problemas que se le vienen encima,
Don Cleo cuenta con increíble suerte cuando acude a sus amigos y vecinos buscando
ayuda. De esa forma todas sus urgencias quedan atendidas por los personajes menos
esperados.
113
Don Cleo (Salvador Solís) sells piñatas out of a cramped shed. He suffers spinal pain,
yet refuses to stop carrying around a backpack full of rocks and obscure provisions.
He gets caught up in reading The Bible—and in flirting with Araceli (Karla Valencia),
the kindly server at his favorite local eatery. He’s a little eccentric, but mostly a simple
man with a simple life.
Until suddenly it seems that everything happens to Don Cleo: he’s mugged, a young
man shows up at his door claiming to be his son, he becomes the victim of an extortion
scheme, the bank won’t let him cash a cheque—and then he gets mugged again!
Salvadoran director Arturo Menéndez’s feature debut is a thoughtful character study,
following Don Cleo during a tumultuous moment in his otherwise tranquil life.
Much of The Crow’s Nest’s charm comes from its warm, low-key approach to comedy:
the way Don Cleo seems to be watched over by his colorful piñatas, or the enthusiasm
generated by a ridiculous pair of cheap sunglasses. But what really distinguishes the
film is its dogged faith in the strength of community during hard times. For all the
problems that befall Don Cleo, he has remarkable luck whenever he turns to his friends
and neighbors for help—and he winds up getting his most urgent needs furnished by
the last people anyone would have expected.
Director:
Arturo Menéndez
El Salvador, México, 2014 / El Salvador, Mexico,
2014
Idioma / Language:
Español / Spanish
Duración / Length:
70 min.
Kihada Films
Alfonso Quijada, Santiago Garcia Galván
Arturo Menéndez
Arturo Menéndez nació en San Salvador.
Estudió cine en la Academia de Cine de
Nueva York y guionización y literatura
en la Escuela Superior de Artes y
Espectáculos TAI de Madrid. Ha dirigido
varios cortometrajes, incluyendo
Cinema Libertad (10). Malacrianza (14) es
su primer largometraje.
Arturo Menéndez was born in San
Salvador. He studied filmmaking
at the New York Film Academy and
screenwriting and literature at
Madrid’s Escuela Superior de Artes
y Espectaculos TAI. His has directed
several short films including Cinema
Libertad (10). The Crow’s Nest (14) is his
feature debut.
Editor:
Federico Krill, Emilio Santoyo, David Torres
Francisco Moreno
Música / Music:
Armando Lopez
Contacto / Contact:
Kihada Films
Reparto / Cast:
Salvador Solís, Karla Valencia
Email:
[email protected]
Arturo Menéndez
114
Territorio liberado
Liberated Territory
Territorio liberado es una delicada trama de imágenes evocadoras viejas y recientes,
una investigación cinemática del pasado familiar del director guatemalteco Augusto
César Díaz.
De niño, Díaz escuchó muchas veces la historia de su padre como héroe revolucionario,
uno entre los miles de desaparecidos de la prolongada guerra civil del país
centroamericano. Díaz se mudó al extranjero junto a su madre cuando todavía era un
chico. Sin saber en realidad si su padre estaba vivo o muerto, se encontró a sí mismo
buscando identificarlo en la cara de cada extraño que se cruzaba en las calles cuando
regresó al país años después. Pero cuando empezó a indagar descubrió que nadie
sabía nada sobre él, y que ninguno de los datos que tenía podía ser corroborado. Díaz
confrontó a su madre y supo la verdad: su padre era un cura que abandonó a su madre
tan pronto supo de su embarazo. Este nuevo descubrimiento lo embarcó en un viaje
completamente distinto, que lo llevó muy lejos pero finalmente lo llevó de vuelta a casa.
Artesanal e íntimo en su realización, Territorio liberado es un filme profundamente
personal y reflexivo sobre el rompimiento de un código de silencio que no estaba
escrito, sobre explorar un pasado doloroso no para echar sal en heridas viejas, sino
más bien para compartirlas, sanarlas y poder así vivir mejor en el presente.
Esta película también participa por el Premio del Público Revista K al Mejor Documental.
This film also participates for the Revista K Audience Award for Best Documentary Film.
115
A delicate weave of evocative images old and new, of stubborn memories and fresh
discoveries, Augusto César Díaz’s Liberated Territory is a cinematic investigation into
the Guatemalan director’s own familial past.
As a child Díaz was always told that his father was a revolutionary hero, one among
thousands who disappeared during Guatemala’s protracted civil war. Díaz and his
mother moved abroad when Díaz was just a boy. Unsure whether his father was
dead or alive, he would later return to Guatemala and find himself looking for his
father in the face of every passing stranger. Yet when Díaz began asking questions he
discovered that no one knew anything about his father and that none of the facts he’d
been given about his father could be verified. Díaz confronted his mother and was told
the truth: that his father was a priest who abandoned his mother once she became
pregnant. This realization set Díaz out on a whole new journey, one that would take
him far away—but eventually lead him right back home.
Artisanal and intimate in approach, Liberated Territory is a deeply personal, searching
film about breaking an unwritten code of silence and revisiting a painful past, not to
rub salt into old wounds but, rather, to share those wounds, heal them, and to better
live in the present.
Director:
Augusto César Díaz
Guatemala, 2015 / Guatemala, 2015
Idioma / Language:
Español / Spanish
Duración / Length:
60 min.
Melindrosa Films, Kepler 22 Productions
Pilar Peredo, Jayro Bustamante, Julio Hernandez
Cordón
Augusto César Díaz nació en
Guatemala. Estudió escritura de guión
en la Universidad Libre de Bruselas
y la Fémis Francia. Ha dirigido las
películas Semillas de cenizas (11),
Uspantán (13), Nos histoires (14) y
Territorio Liberado (14).
Augusto César Díaz was born in
Guatemala. He studied screenwriting
at the Université Libre of Brussels and
la Fémis France. He has directed the
films Semillas de Cenizas (11), Uspantan
(13), Nos histoires (14) and Terrirorio
liberado (14).
AUGUSTO César Díaz
Editor:
Julio Hernandez Cordón
Contacto / Contact:
La Casa de Producción
Email:
[email protected]
PA N O R A M A I N T E R N A C I O N A L
I N T E R N AT I O N A L S H O W C A S E
Desde películas nominadas a los Óscares, hasta algunas de
las visiones más provocadoras y ambiciosas, nuestra muestra
internacional reúne obras imperdibles de los talentos
mundiales más reconocidos.
From high-profile Oscar contenders, to some of the
most ambitious and provocative cinematic visions, our
international showcase brings together must-see new films
from the world’s most celebrated talents.
Patrocina esta sección / This section is sponsored by:
118
MUE S TRA I N TE RN A C ION A L | INTERNATIONAL SHO W C ASE
Whiplash
Gala de Clausura / Closing Night Gala
Buddy Rich, Max Roach, Tony Williams. Con cada platillazo, golpe de aro y redoble, Andrew
Neiman (Miles Teller), un determinado estudiante de jazz en una de las mejores escuelas
de Manhattan, se acerca a tocar la batería junto a las leyendas que se propone alcanzar.
¿Pero posee de verdad lo que se necesita para soportar el inclemente régimen de Fletch
(J.K. Simmos), su aterrador profesor? Emocionante, llena de suspenso y la sublime vida de
la música, Whiplash satisface a todas las audiencias, desde los aficionados al jazz hasta
quienes recién lo descubren.
Como las mejores películas de deportes, el aclamado segundo largometraje de Damien
Chazelle nos atrapa con la historia de un talento llevado a su límite. Una crónica de sacrificio
y trabajo duro, de frustración y trascendencia. Pero a diferencia de una película de deportes,
Whiplash también toca algo menos cuantitativo y más elusivo que lo atlético: nos lleva a
un mundo artístico hecho en igual medida de precisión, sudor e inspiración. De hecho, al
examinar los detalles del progreso musical de Andrew, Chazelle nos permite escuchar la
música tal como la oyen sus personajes, y apreciarla bajo una luz completamente nueva.
Con su forma de navegar la arrogancia y la humildad que se espera que Andrew domine,
Tellier—quien toca batería desde la infancia—es creíble y cautivante. Pero Whiplash
también es perfecta para que Simmons, uno de los más queridos actores secundarios
de Hollywood, muestre su rango. Fletcher es un maestro a la antigua usanza, parecido a
un sargento en su pedagogía despiadada. Simmons personifica el arquetipo con tanta
seguridad que asusta, pero si se mira con cuidado, también con un poquito de corazón.
MUE S T RA I N T E RN A C I ONAL | IN TERN ATION AL SHOWCASE
119
Buddy Rich, Max Roach, Tony Williams. With every crash, rim-shot and roll, Andrew
Neiman (Miles Teller), a single-minded jazz student at a top Manhattan school, inches
closer to drumming alongside those legends whose ranks he is determined to enter.
But does he possess the muster to endure the punishing regimen of Fletch (J.K.
Simmons), his terrifying instructor? Thrilling, suspenseful, and furiously alive with the
sights and sounds of sublime music, Whiplash is a knock-out crowd-pleaser—for jazz
nuts and neophytes alike.
Like a great sports movie, Damien Chazelle’s acclaimed second feature seizes our
attention with its riveting story of talent being pushed to the limit. It’s a chronicle
of sacrifice and hard work, frustration and transcendence. Unlike a sports movie,
however, Whiplash is also about something less quantitative and more elusive than
athletics: it transports us into a world of art made from equal parts precision, sweat
and inspiration. Best of all, by carefully examining the evolution of Andrew’s musical
training, Chazelle allows us to hear the music the way his characters do, and appreciate
it on a whole new level.
Smartly navigating both the arrogance and humility Andrew requires to excel,
Teller, who’s played drums since he was a child, is captivating. Yet Whiplash is also a
showcase for Simmons, one of Hollywood’s most beloved character actors. Fletcher is
of the old school, applying a drill sergeant’s merciless approach to pedagogy. Simmons
embodies this imposing archetype with spooky assurance and, if you look closely, a
little heart too.
Director:
Damien Chazelle
Estados Unidos, 2014 / United States, 2014
Idioma / Language:
Inglés / English
Duración / Length:
106 min
Bold Films, Right of Way Films, Blumhouse
Productions
Jason Blum, Helen Estabrook, David Lancaster,
Michel Litvak
Damien Chazelle nació en Providence,
Rhode Island. Creció en París y
Princeton, Nueva Jersey y se graduó
de la Universidad de Harvard. Ha
dirigido los largometrajes Guy y
Madeline en una banca de parque (09)
y Whiplash (14).
Damien Chazelle was born in
Providence, Rhode Island. He grew up
in Paris and Princeton, New Jersey and
is a graduate of Harvard University.
He has directed the feature films Guy
and Madeline on a Park Bench (09) and
Whiplash (14).
Damien Chazelle
Damien Chazelle
Editor:
Tom Cross
Sharone Meir
Música / Music:
Justin Hurwitz
Reparto / Cast:
Miles Teller, J.K. Simmons, Melissa Benoist, Paul
Reiser, Austin Stowell, Nate Lang, Max Kasch,
Damon Gupton
Contacto / Contact:
Fox
Email:
[email protected]
120
‘71
El emocionante debut del director Yann Demange nos lleva al centro de la conmoción
en Irlanda del Norte durante lo que se conoce como The troubles (problemas). Filmada
con la urgencia y conmoción inherentes a una guerra civil, ’71 nos pone tras líneas
enemigas con una historia íntima de supervivencia que menoscaba las percepciones
simplistas sobre la religión y la política.
El año, por supuesto, es 1971. Gary (Jack O’Connell, estrella de Unbroken de Angelina
Jolie) y Thommo (Jack Lowden) son un par de jóvenes reclutas del Ejército Británico
preparándose para su misión en Alemania al momento en que su regimiento es
enviado como refuerzo de la policía local en busca de armas escondidas en Falls
Road, Belfast. Pronto se desencadena un motín, la situación se vuelve caótica y Gary
y Thommo se separan del resto de su regimiento y la poca protección que tenían.
Quedan vulnerables, perdidos y a gatas para comprender las reglas de una escena de
batalla con carros en llamas, niños combatientes y avenidas desiertas.
Con su ritmo agitado, actuaciones depuradas, fotografía apropiadamente tosca y una
desconcertante banda sonora basada en sintetizadores, ’71 es envolvente, compleja
y tan apremiante como cualquier filme de guerra que valga la pena. Es también un
estupendo vehículo para la estrella O’Connell, y anuncia a Demange como un director
a tener en cuenta.
121
This exhilarating feature debut from director Yann Demange sends us deep into the mire
of Northern Ireland during the height of the Troubles. Shot through with urgency and the
ongoing confusion inherent in civil war, ’71 takes us behind enemy lines for an intimate
story of survival that undercuts too-broad statements about religion and politics.
The year is, of course, 1971. Gary (Jack O’Connell, star of Angelina Jolie’s Unbroken) and
Thommo (Jack Lowden) are young British Army recruits training for duty in Germany
when their regiment is deployed as back-up for local police force while they conduct
a search for stashed arms in Falls Road, Belfast. A riot boils over, the situation slides
toward chaos, and Gary and Thommo become separated from the rest of the regiment
and the modicum of protection they offered. Vulnerable, lost and barley able to
comprehend the rules that govern this embattled landscape of burning cars, child
militants and deserted thoroughfares.
With its brisk pacing, nuanced performances, fittingly grainy cinematography and
eerie synth-laden score, ’71 is immersive, complex, and as unnerving as any war movie
worth its salt. It’s also a splendid showcase for rising star O’Connell, and announces
Demange as a director to watch.
Director:
Yann Demange
Reino Unido, 2014 / United Kingdom, 2014
Idioma / Language:
Inglés / English
Duración / Length:
99 min.
Crab Apple Films, Warp Films
Robin Gutch, Angus Lamont
Yann Demange nació en París, creció en
Londres, y se graduó del London College
of Printing y la National Film and
Television School. Ha dirigido los cortos
Incompleto (06) y Alan & Samir (07). ‘71
Yann Demange was born in Paris, raised
in London, and graduated from both
the London College of Printing and the
National Film and Television School.
He has directed the shorts Incomplete
(06) and Alan & Samir (07). ‘71 (14) is his
debut feature.
Gregory Burke
Yann Demange
Editor:
Chris Wyatt
Tat Radcliffe
Música / Music:
David Holmes
Reparto / Cast:
Jack O’Connell, Sam Reid, Richard Dormer, Paul
Anderson, Sean Harris, Valene Kane,
Charlie Murphy
Contacto / Contact:
NBC Universal
Email:
[email protected]
122
Fehér Isten
Buscando a Hagen
White God
El intenso sexto largometraje del húngaro Kornél Mundruczó es un rechazo feroz al
concepto sentimental del ‘mejor amigo del hombre’, que comienza como una historia
en apariencia ingenua de un perro perdido, pero se convierte en una narrativa mítica
y brutal sobre la revolución canina a gran escala.
El verano de la preadolescente Lili empieza fatal, su madre la deja a ella y a su amado
perro criollo Hagen en compañía de su inútil padre, y él decide deshacerse del perro
cuando se entera del nuevo impuesto estatal a los canes impuros. Hagen es recogido
por un dueño de restaurante turco que lo abusa y entrena como perro de pelea. Hagen
de hecho aprende a pelear, pero no de la forma que le interesa al egoísta nuevo dueño.
Mientras que Lili sufre sus propias desventuras a manos de adultos crueles o
desatentos, Hagen une fuerzas con otros perros callejeros maltratados, y busca una
sangrienta revancha de la sociedad intolerante. Con elementos que recuerdan Amores
perros y White dog de Sam Fuller, Buscando a Hagen es una parábola fuerte y poética
sobre el fascismo y la insurgencia. Nos presenta, además, unas actuaciones caninas
verdaderamente maravillosas.
123
A barking-mad rejection of the sentimental notion of “man’s best friend,” this thrilling
sixth feature from Hungary’s Kornél Mundruczó begins as a seemingly naïve lost dog
narrative before gradually transforming into a mythic and brutal tale of full-scale
canine revolution.
13-year-old Lili’s summer is off to a miserable start. Her mother has left her and her
beloved mongrel Hagen with her deadbeat dad, and her dad, upon learning that the
state has imposed a hefty tax on impure breeds, decides to abandon Hagen on the
side of the road. Hagen is soon appropriated by an abusive Turkish restaurateur who
begins to train him to be a fight dog. Hagen will indeed learn to fight—but not in a way
that serves the restaurateur’s selfish aims.
While Lili undergoes her own trials at the hands of cruel or neglectful elders, Hagen
will come to join forces with other mistreated street dogs and seek bloody revenge
on an intolerant society. Recalling elements of Amores perros and Sam Fuller’s White
Dog—presumably a key source of inspiration, given the similarity in the films’ titles—
White God is a bracing yet poetic parable about fascism and insurgency. It also, to be
sure, features some truly marvelous animal performances.
Director:
Kornél Mundruczó
Hungría, Alemania, Suecia, 2014 / Hungary,
Germany, Sweden, 2014
Idioma / Language:
Húngaro, inglés / Hungarian, English
Duración / Length:
121 min.
Proton Cinema
Malte Forssell, Viola Fügen, Eszter Gyárfás
Kornél Mundruczó nació en Gödöllő,
Hungría. Sus filmes incluyen Pleasant
days (02), Johanna (05), Delta (08), Tender
son – the Frankenstein Project (10) y
Buscando a Hagen (14), que obtuvo el
Premio Un Certain Regard del festival
de Cannes.
Kornél Mundruczó was born in
Gödöllő, Hungary. His films include
Pleasant Days (02), Johanna (05), Delta
(08), Tender Son – The Frankenstein
Project (10) and White God (14), which
won the Un Certain Regard Prix at the
Cannes Film Festival.
Kornél Mundruczó, Viktória Petrányi, Kata Wéber
Kornél Mundruczó
Editor:
Dávid Jancsó
Marcell Rév
Música / Music:
Tamas Kurina
Reparto / Cast:
Zsófia Psotta, Sándor Zsótér, Lili Horváth Lili
Horváth, Szabolcs Thuróczy
Contacto / Contact:
Cineplex Colombia
Email:
[email protected]
124
Infiltrant
El intruso
The Intruder
El crimen organizado, las tensiones raciales y el tema de la identidad colisionan en el
excelente debut de Shariff Korver, un thriller inclemente sobre un agente encubierto
que explora el bajo mundo de Amsterdam.
El joven de 28 años Sam Almaleh (Nasrdin Dchar) está acostumbrado a sentirse fuera
de lugar, ni una cosa ni la otra: su madre es holandesa y su padre marroquí, lo cual lo
ha convertido en una suerte de paria en ambas comunidades. Trabajar con la policía
promete una cierta aceptación, pero la posibilidad queda en entredicho cuando lo
sacan de su unidad y lo envían a que infiltre un cartel marroquí.
Pero en vez de sentirse aun más aislado, Sam descubre al interior de este clan ilegal
una camaradería palpable, una sensación no tan distinta a la de tener una familia
verdadera. Mientras sus lazos con la fuerza pública sufren por revelaciones de
corrupción y sus prejuicios sobre el crimen se estrellan con la increíble lealtad que
descubre, un orgullo racial y un sentido del honor innegables, la pregunta se le impone:
¿encontró por fin su verdadero hogar?
Tras pasar su vida entre Venezuela y Holanda, Korver comprende cabalmente la
encrucijada de su protagonista. Pero aparte de estos temas puntuales, El intruso deja
en claro sus capacidades narrativas, y su don para manipular las dinámicas de géneros
fílmicos para crear algo a la vez familiar y satisfactoriamente nuevo.
125
Organized crime, racial tensions and identity politics collide in Shariff Korver’s dazzling
feature debut, a mercilessly suspenseful undercover thriller set in Amsterdam’s
underworld.
28-year-old Sam Almaleh (Nasrdin Dchar) is accustomed to feeling out of place, neither
this nor that: his mother is Dutch, his father is Moroccan, which makes him something
of an outsider in both communities. Working for the Amsterdam police force promises
the possibility of acceptance, but that possibility is at least temporarily dashed when
Sam is torn away from his peers and assigned to go undercover to infiltrate a Moroccan
drug cartel.
Yet, rather than feel further isolated, Sam discovers an unprecedented camaraderie
within this crime family—a feeling strangely akin to that generated by an actual
family. As his allegiances to the force are tested by revelations of police corruption
and his assumptions about the underworld complicated by his understanding of their
fierce internal loyalty, defiant racial pride and sense of honor, the question arises: has
Sam at last found his place?
Having divided his life between Venezuela and the Netherlands, Korver clearly identifies
with his outsider protagonist. But, these timely themes aside, The Intruder is also simply
a showcase for Korver’s remarkable storytelling skills and gift with manipulating genre
dynamics to create something at once familiar and invigoratingly fresh.
Director:
Shariff Korver
Holanda, 2014 / Netherlands, 2014
Idioma / Language:
Neerlandés, árabe, francés / Dutch, Arabic,
French
Duración / Length:
87 min.
Lemming Film
Shariff Korver nació en Caracas,
Venezuela y estudió en la Academia
Holandesa de Cine de Amsterdam.
Dirigió el cortometraje No Way
Back (11). El Intruso (14) es su primer
largometraje.
Shariff Korver was born in Caracas,
Venezuela and studied at Amsterdam’s
Dutch Film Academy. He directed
the short film No Way Back (11). The
Intruder (14) is his feature debut.
Eva Eisenloeffel, Leontine Petit, Joost de Vries
Charles Beaumont
Shariff Korver
Editor:
Ruben van der Hammen
Alex Wuijts
Música / Music:
Helge Slikker
Reparto / Cast:
Nasrdin Dchar, Walid Benmbarek, Rachid El
Ghazaoui, Betty Schuurman, Simone Milsdochter,
Nadia Amin, Benaïssa Ahouari
Contacto / Contact:
Lemming Film
Email:
[email protected]
126
Turist
Fuerza mayor
Force Majeure
¿Qué momentos de la vida determinan nuestra percepción de lo que somos? ¿Son
aquellos instantes cotidianos en que podemos controlar cada uno de nuestros
movimientos, o más bien aquellos raros momentos en los que el shock nos empuja a
comportarnos de formas que jamás anticipamos? En este inquietante y genial drama
del director sueco Ruben Östlund (Play), las acciones impulsivas de un hombre en un
momento de falsa alarma abren una grieta insalvable entre él y su esposa.
Tomas (Johannes Bah Kuhnke) y Ebba (Lisa Loven Kongsli) disfrutan de unas merecidas
vacaciones esquiando con sus niños cuando una avalancha controlada se desata en
una montaña cercana. Por segundos la enorme ola de nieve parece a punto de tragarse
la terraza donde la familia desayuna, y justo en ese momento de pánico Tomas parece
abandonarlos. Ebba queda obsesionada después del susto y no deja de traerlo a
colación incluso con extraños. Es como si un abismo se abriera a sus pies y nada fuera
igual después de aquel instante.
Con un estilo austero y elegante como lo mejor de Stanley Kubrick o Michael Haneke,
Östlund logra desenvolver escenas enteras en una sola toma, creando una tensión
cautivante e implacable. Movida por actuaciones crudas e impactantes, Fuerza Mayor
es el retrato de una pareja feliz que entra en crisis por una circunstancia fortuita, y
atraviesa la delgada línea que separa la harmonía conyugal de la soledad existencial
más dolorosa.
127
Which moments in our lives determine our sense of who we really are? Are they
those everyday moments when we’re able to consider our every move, or is it rather
those rare moments when shock pushes us to behave in ways we can’t anticipate? In
this brilliant, unnerving drama from Swedish director Ruben Östlund (Play), a man’s
impulsive actions in a fleeting moment of false alarm cause a rift to open up between
he and his wife.
Tomas (Johannes Bah Kuhnke) and Ebba (Lisa Loven Kongsli) are enjoying a muchneeded ski holiday with their two children when a controlled avalanche erupts on a
nearby mountain. For a moment the great plume of ice and snow seems in danger of
engulfing the patio where the family dines, but during that panicked moment Tomas
appears to be abandoning his family. Ebba is haunted by this and keeps bringing it up
in conversation with others. It’s as though an abyss opened up beneath her feet in that
instant and nothing thereafter can be the same.
In an elegantly austere style reminiscent of Stanley Kubrick and Michael Haneke,
Östlund lets entire scenes play out in unbroken shots, creating a merciless, captivating
tension. Driven by striking, emotionally raw performances, Force Majeure is a portrait
of a happy couple thrown into crisis by freak circumstance, traversing that fine line
that separates marital harmony from lonesome, existential dread.
Director:
Ruben Östlund
Suecia, Noruega, Dinamarca, Francia, 2014 /
Sweden, Norway, Denmark, France, 2014
Idioma / Language:
Sueco, inglés / Swedish, English
Duración / Length:
118 min.
Plattform Produktion
Ruben Östlund nació en Styrsö, Suecia.
Sus películas incluyen The Guitar
mongoloid (04), Involuntario (08), Play
(11) y Fuerza Mayor (14), que ganó el
Premio Un Certain Regard del Jurado
en Cannes.
Ruben Östlund was born in Styrsö,
Sweden. His films include The Guitar
Mongoloid (04), Involuntary (08), Play
(11) and Force Majeure (14), which won
the Un Certain Regard Jury Prize at
Cannes.
Philippe Bober, Erik Hemmendorff, Marie
Kjellson
Ruben Östlund
Ruben Östlund
Editor:
Jacob Secher
Fredrik Wenzel, Fred Arne Wergeland
Música / Music:
Ola Fløttum
Reparto / Cast:
Johannes Kuhnke, Lisa Loven Kongsli, Vincent
Wettergren, Clara Wettergren, Kristofer Hivju,
Fanni Metelius
Contacto / Contact:
Pacifica Grey
Email:
[email protected]
128
Gett, le procès de Vivane Amsalem
Gett, el juicio de Viviane Amsalem
Gett, the Trial of Viviane Amsalem
Varias notables películas recientes, como Perdida o Fuerza Mayor (parte también de
IFF Panamá 2015) funcionan como una disección desapasionada del matrimonio, pero
ninguna se propone deconstruir la sagrada institución de forma tan visceral como los
filmes del dúo hermano-hermana de Ronit y Shlomi Elkabetz. Gett, el juicio de Viviane
Amsalem culmina una excelente trilogía que inspecciona la historia de una sola pareja
casada. Es una descarnada revisión de la burocracia del divorcio en Israel, a la vez
fascinante y opresiva, con una alta carga tanto emocional como intelectual.
En Israel, los asuntos del matrimonio judío lo manejan las cortes rabínicas. Las mujeres
solo pueden acceder al divorcio en el momento en que sus esposos lo conceden. En el
caso de Viviane (la codirectora Ronit Elkabetz), el esposo perdido desde hace tiempo le
niega dicho consentimiento por pura maldad. Tras 30 años de matrimonio la pareja ha
llegado al punto de odiarse mutuamente, pero ese odio no es suficiente para gestionar
un divorcio.
Gett nos ofrece el peso de la burocracia Kafkiana, los minuciosos tejidos emocionales
que tejía Ingmar Bergman y la rigurosa exploración social que logra la ganadora del
Óscar de Asghar Farhadi, Una Separación. Se trata de un drama irritante, escarnecedor,
al mismo tiempo específico en sus detalles legales y culturales, y universal en la pasión
y el dolor que tan magistralmente interpreta.
129
Several excellent recent films, such as Gone Girl and Force Majeur (also screening at
the Festival), function as merciless dissections of marriage, but none make it their
aim to deconstruct this sacred institution head-on in quite the same way as the films
of sister-brother directorial duo Ronit and Shlomi Elkabetz. Gett, the Trial of Viviane
Amsalem is the final film in the Elkabetzs’ stunning trilogy examining the story of a
single married couple. It is a scathing survey of the bureaucracy of divorce in Israel, as
fascinating as it is infuriating, as emotionally charged as it is fiercely intelligent.
In Israel, matters of Jewish marriage fall under the jurisdiction of the rabbinical courts,
which means that a woman is granted a divorce only with the husband’s consent. In
the case of Viviane (co-director Ronit Elkabetz), that consent is being withheld by her
long-estranged husband Elisha (Simon Abkarian) out of sheer malice. After 30 years
of marriage, the couple have come to loathe each other—but mutual loathing isn’t
sufficient grounds for divorce.
Channeling the bureaucratic menace of Kafka, the intricate emotional fabric of
Ingmar Bergman and the exacting societal insight of Asghar Farhadi’s Oscar-winning
A Separation, Gett is an unnerving, magisterial drama, at once specific in its legal and
cultural detail and universal in the passion and pain it so brilliantly conveys.
Director:
Ronit Elkabetz, Shlomi Elkabetz
Francia, Alemania, Israel, 2014 / France, Germany,
Israel, 2014
Idioma / Language:
Hebreo / Hebrew
Duración / Length:
115 min.
Arte France Cinéma, Canal+ France, DBG Deux
Beaux Garçons
Efrat Bigger, Sandrine Brauer, Rémi Burah
Ronit Elkabetz, Shlomi Elkabetz
Ronit Elkabetz nació en Beersheba,
Israel. Aparte de su destacado trabajo
como actriz, ha codirigido, con su
hermano Shlomi Elkabetz, Tomar una
mujer (04), 7 días (08), y Gett: El juicio de
Viviane Amsalem (14).
Ronit Elkabetz was born in Beersheba,
Israel. Aside from her esteemed work as
an actor, she has co-directed, with her
brother Shlomi Elkabetz, To Take a Wife
(04), 7 Days (08), and Gett, the Trial of
Viviane Amsalem (14).
Shlomi Elkabetz nació en Beersheba,
Israel. Dirigió Testimonio (11), y, junto
a su hermana Ronit Elkabetz, codirigió
Tomar una mujer (04), 7 Días (08) y Gett:
El juicio de Viviane Amsalem (14).
Jeanne Lapoirie
Shlomi Elkabetz was born in Beersheba,
Israel. He directed Testimony (11),
and, with his sister Ronit Elkabetz,
co-directed To Take a Wife (04), 7 Days
(08) and Gett, the Trial of Viviane
Amsalem (14).
Música / Music:
Bassel Hallak
Contacto / Contact:
Cineplex Colombia
Reparto / Cast:
Ronit Elkabetz, Simon Abkarian
Email:
[email protected]
Editor:
Joel Alexis
Ronit Elkabetz
SHLOMI Elkabetz
130
Kaguya-hime no Monogatari
La leyenda de la princesa Kaguya
The Tale of Princess Kaguya
Esta preciosa adaptación del venerado relato popular japonés del Siglo X marca el
regreso triunfal del reconocido cofundador del Studio Ghibli, Isao Takahata, director
de clásicos como Heidi: niña de los Alpes, y Tumba de luciérnagas.
Okina, un humilde leñador encuentra una pequeña niña abandonada en lo profundo
de un bosque de bambú. Junto a su esposa Ona, se dedican a criarla como si se tratase
de su propia hija, dándole el nombre de Kaguya. La pareja se esfuerza en darle a su
hija adoptiva una vida normal, pero Kaguya demuestra ser por el contrario una niña
excepcional, que crece a velocidad exorbitada, gateando un día y caminando al día
siguiente. Ante sus ojos Kaguya se convierte muy pronto en una adorable joven, y con
su repentina madurez viene el inexplicable descubrimiento de la riqueza. La familia
se traslada a la ciudad, los pretendientes hacen fila y una vida de lujos se abre ante
Kaguya. Pero hay algo en ella que nunca le permite sentirse satisfecha, y la joven
comprende que debe encontrar la verdadera vocación de su vida.
Bellamente animada en tonos pastel y trazo sencillo, y cargada de una sabiduría
tranquila, La leyenda de la princesa Kaguya es un relato para audiencias de todas
las edades. Una historia cautivante de fortunas extrañas, destinos ocultos y de autodescubrimiento.
131
A gorgeous adaptation of a venerated 10th century Japanese folk tale, The Tale of
Princess Kaguya marks a triumphant return to filmmaking for renowned Studio Ghibli
co-founder Isao Takahata, director of such beloved animated classics as Heidi: A Girl of
the Alps and Grave of the Fireflies.
Okina, a humble woodcutter, finds an infant abandoned in the thick of a bamboo
grove. He and his wife Ona dedicate themselves to raising the child as though she
were their own, naming her Kaguya. The couple work to give their adoptive daughter
a normal upbringing, but Kaguya turns out to be a most unusual child, growing at
a highly accelerated pace, crawling one day, walking the next. Before they know it,
Kaguya has matured into a lovely young woman, and with her sudden maturity comes
an inexplicable discovery of riches. The family moves to the city, suitors line up, and
a life of luxury awaits Kaguya. But something in her remains dissatisfied and Kaguya
must discover her true life’s calling.
Charmingly animated with simple lines and pastel hues, and endowed with a gentle
wisdom, The Tale of Princess Kaguya is a tale for viewers of all ages. It is an alluring
story of strange fortunes, hidden destiny and self-realization.
Director:
Isao Takahata
Japón, 2013 / Japan, 2013
Idioma / Language:
Japonés / Japanese
Duración / Length:
137 min.
Studio Ghibli
Yoshiaki Nishimura, Seiichirô Ujiie, Geoffrey
Wexler
Isao Takahata nació en Uji-yamada,
Japón. Recibió el Leopardo de Honor de
Locarno por su obra, que incluye Heidi:
Una muchacha de los Alpes (74), La
tumba de las luciérnagas (88), Pom Poko
(94), Días de invierno (03) y La leyenda de
la princesa Kaguya (13).
Isao Takahata was born in Ujiyamada,
Japan. He is a recipient of Locarno’s
Leopard of Honor for his body of work,
which includes Heidi: A Girl of the Alps
(74), Grave of the Fireflies (88), Pom
Poko (94), Winter Days (03) and The Tale
of The Princess Kaguya (13).
Isao Takahata, Riko Sakaguchi
Isao Takahata
Editor:
Kenichi Konishi
Keisuke Nakamura
Música / Music:
Joe Hisaishi
Reparto / Cast:
Chloe Grace Moretz, James Caan,
Mary Steenburgen
Contacto / Contact:
California Filmes
Email:
[email protected]
132
Margarita with a Straw
Laila, una joven bonita, inteligente y emprendedora, es popular entre sus compañeros
de la Universidad de Delhi. Al igual que muchas mujeres de su edad, Laila anhela vivir
nuevas experiencias—incluyendo las de índole sexual—y al pasar en la Universidad de
Nueva York tiene de repente libertad y todo un mundo nuevo frente a ella. A diferencia
de muchas mujeres de su edad, Laila tiene parálisis cerebral y usa una silla de ruedas,
pero esa discapacidad no va a impedirle—ni a esta memorable película—explorar con
valentía sus oportunidades de conectar a diferentes niveles y satisfacer sus diversos
deseos.
El segundo largometraje de la directora india Shonali Bose, Margarita with a Straw
deshace varios tabúes culturales con facilidad y gracia. Hasta ahora los intereses
románticos de Laila se limitaban a los hombres, pero en Nueva York se enamora
de Khanum, una activista mitad Bangladesh mitad Pakistaní, a quien conoce en
una manifestación de Occupy, y quien además es ciega. Con un balance notable
entre sensualidad y tacto, Bose registra las etapas del amor de Laila y Khanum, sin
intimidarse en lo absoluto de acompañarlas hasta su cuarto.
Todas las descripciones de Margarita with a Straw citan su actitud iconoclasta respecto
a la discapacidad y las preferencias sexuales, pero también es importante enfatizar
que el objetivo de Bose no es promover una agenda política progresista. En realidad
esta amena y sensible historia es acerca de mujeres llegando a un punto de giro en su
auto-realización, y sacando grandes bocados de todo lo que la vida les ofrece.
133
Pretty, intelligent and proactive, Laila is popular among her University of Delhi student
peers. Like many women her age, Laila craves freedom and experience—including
sexual experience—and after gaining entry to New York University she’s suddenly
free to experience a whole new world. Unlike most women her age, Laila has cerebral
palsy and uses a wheelchair, but Laila’s disability won’t prevent her—or this truly
remarkable film—from boldly exploring opportunities for deeper connection and
satisfying omnivorous desires.
The second feature from Indian director Shonali Bose, Margarita with a Straw dissolves
various cultural taboos with grace and ease. Laila’s romantic interests have until now
been limited to men, but in New York she falls for Khanum, a half-Pakistani, halfBangladeshi activist she meets at an Occupy demonstration—who also happens to
be blind. With a perfect balance of tact and sensuality, Bose tracks the stages of Laila
and Khanum’s love story, not shying away in the least from following that story all the
way into the bedroom.
It is incumbent upon any description of Margarita with a Straw to cite its iconoclastic
attitude toward disability and sexual preference, yet it’s equally important to
emphasize that Bose’s focus is ultimately not on stacking politically progressive
credentials. This is first and foremost a wise, sensitive story about women reaching
a pivotal point of self-actualization—and taking big bites out of all life has to offer.
Director:
Shonali Bose
India, 2014
Idioma / Language:
Inglés, hindi / English, Hindi
Duración / Length:
100 min.
Viacom18 Motion Picture, Ishan Talkies
Shonali Bose, Nilesh Maniyar
Shonali Bose, Nilesh Maniyar
Shonali Bose creció en Calcuta, Bombay
y Delhi. Se graduó de la Universidad de
Delhi e hizo su maestría en Columbia
antes de obtener su Maestría en la
escuela de cine de UCLA. Debutó como
directora y guionista con Amu (05).
Margarita with a Straw (14) es su última
película.
Shonali Bose was raised in Calcutta,
Mumbai, and Delhi. She received her
B.A. from Delhi University and her
master’s from Columbia before earning
her M.F.A. at UCLA film school. She
made her feature debut as writerdirector with Amu (05). Margarita with
a Straw (14) is her latest film.
Editor:
Monisha Baldawa
Anne Misawa
Música / Music:
Mikey McCleary
Reparto / Cast:
Kalki Koechlin, Revathy , Sayani Gupta, William
Moseley, Hussain Dalal, Tenzing Dalha, Kuljeet
Singh, Malhar Khushu
Contacto / Contact:
Wide Management
Email:
[email protected]
Shonali Bose
134
Mommy
En su continuo movimiento entre escenas de felicidad cotidiana y de profundo dolor,
Mommy se convierte en una inolvidable exploración del poderoso lazo existente entre
madre e hijo. El quinto y más logrado largometraje del joven realizador de Quebec
Xavier Dolan—quien compartió el Premio del Jurado de Cannes con nadie más que
la leyenda viva Jean Luc Godard—nos lleva en una montaña rusa emocional antes de
dejarnos con mucho para procesar y debatir. Agárrense fuerte, y alisten sus pañuelos.
Tan dado a abrazarte como a darte un puñetazo, Steve (Antoine Olivier Pilon) es un
problemático adolescente a quien le cuesta mucho controlar sus impulsos. Al comienzo
del filme Diane, la madre trabajadora de Steve decide sacarlo del instituto del gobierno
donde lleva ya bastante tiempo. Pero la volatilidad de Steve convierte cada tanto la
humilde casa de Diane en un manicomio. Afortunadamente Kyla (Suzanne Clément), la
vecina tranquila y amable con un tartamudeo indomable se convierte en aliada tanto
de la madre como del hijo, y Mommy pasa de ser un drama doméstico a una profunda
historia sobre amistades improbables.
La cinta es tan rica en sentimiento que podemos pasar por alto la arriesgada dirección
en juego. Grandes emociones requieren grandes gestos, y Dolan cumple con creces,
haciendo un uso inspirado de música popular—desde Oasis hasta Celine Dion—y un
manejo de cámara fluido que convierte una calle suburbana cualquiera en una especie
de canal cinemático. Mommy parece juvenil en su exuberancia, pero su sabiduría
demuestra una madurez insólita para los 26 años de su realizador.
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Careening between scenes of ordinary bliss and extraordinary heartbreak, Mommy is
an unforgettable exploration of the fierce bond between mother and child. The fifth
and finest feature yet from Quebec’s Xavier Dolan—who shared last year’s Cannes Jury
Prize with none other than French New Wave icon Jean-Luc Godard—takes us on an
extensive emotional rollercoaster ride before leaving us with much to work through
and debate. Hang on to your seats (and your hankies).
As likely to slug you as he is to embrace you, Steve (Antoine Olivier Pilon) is a troubled
teenager with severe impulse-control issues. As Mommy begins, Steve’s working-class
mother Diane (Anne Dorval) decides to liberate him from the government institution
to which he’s long been confined. But Steve’s volatility turns Diane’s modest home into
an intermittent madhouse. Thankfully Kyla (Suzanne Clément), the quiet, kind woman
from across the street with the stigmatizing stutter, becomes an ally to both mother
and son, and Mommy gradually transforms from a domestic drama into a profoundly
moving story of unlikely friendship.
So rich in feeling is Mommy that we might not register the bravura filmmaking on
display. Grand emotions call for grand gestures and Dolan delivers in spades, with
an inspired use of popular music—ranging from Oasis to Celine Dion—and mobile
camerawork that turns a suburban street into a cinematic causeway. Mommy is
youthful in its exuberance, but its wisdom exudes a maturity well beyond its maker’s
26 years.
Director:
Xavier Dolan
Canadá, 2014 / Canada, 2014
Idioma / Language:
Francés / French
Duración / Length:
134 min.
Metafilms
Nancy Grant, Xavier Dolan
Xavier Dolan
Editor:
Xavier Dolan
Xavier Dolan nació en Montreal. Sus
películas incluyen I Killed My Mother
(09) y Los latidos del corazón (10), ambas
ganadoras del Prix Regards Jeunes de
Cannes; Laurence Anyways (12), ganador
de la Palma Queer, Tom en la granja (13)
y Mommy (14), que compartió el Premio
del Jurado con Adiós al lenguaje de
Jean-Luc Godard.
Xavier Dolan was born in Montreal. He
films include I Killed My Mother (09)
and Heartbeats (10), both winners of
Cannes’ Prix Regards Jeunes, Laurence
Anyways (12), winner of the Queer
Palm, Tom at the Farm (13) and Mommy
(14), which shared the Cannes Jury Prize
with Jean-Luc Godard’s Goodbye to
Language.
André Turpin
Música / Music:
Noia
Reparto / Cast:
Anne Dorval, Suzanne Clément,
Antoine Olivier Pilon
Contacto / Contact:
Email:
[email protected]
Xavier Dolan
136
P’tit Quinquin
Pequeño Quinquin
Li’l Quinquin
Las películas del creador francés Bruno Dumont (L’humanité, Hadewijch) han sido
celebradas internacionalmente por su inteligencia meditativa y sus provocadoras, a
veces grotescas escenas con cuerpos en varios estados de desnudez o humillación.
Dicho de otro modo, Dumont es un director que nadie asocia con el humor, pero con
Pequeño Quinquin, su serie de TV convertida en largometraje, nos ofrece un policier
fascinante y una comedia negra ejecutada a la perfección. Piense en True detective
pero con payasadas.
Pequeño Quinquin comienza en la Francia rural, con la imagen a la vez aterradora y
absurda de una vaca muerta remolcada en helicóptero desde un bunker abandonado
de la Segunda Guerra Mundial. Dentro de la vaca va una mujer desmembrada, sin
cabeza. El misterio de cómo llegó la mujer al interior de la vaca queda en manos de
los ineptos detectives Carpentier (Philippe Jore) y Van der Weyden (el cejudo Bernard
Pruvost). Pero también atrae los talentos investigativos aficionados de un bromista
local llamado Quinquin (Alane Delhaye), quien junto a su novia y su grupito de amigos
anda en busca de diversión para arrancar las vacaciones de verano.
Mientras las partes de cuerpos siguen apareciendo dentro de ganado muerto, nuestros
extraños detectives van descubriendo detalles no muy agradables del pueblo. Estamos
en lo profundo de la región Dumont, lugar de visiones extrañas, temibles y potentes,
pero en este caso también de grotescas e inspiradas carcajadas.
137
The films of French auteur Bruno Dumont (L’humanité, Hadewijch) have been
internationally celebrated for their brooding intelligence and provocative, often
grotesque displays of the body in various states of undress or abasement. Which is
to say that Dumont is not a director one typically associates with humor, yet with
Li’l Quinquin, his television series-turned-feature film, he has delivered an absorbing
policier and brilliantly pitch-black comedy. Think of it as True Detective with slapstick.
Set in rural France, Li’l Quinquin begins with the image, both grisly and absurd, of a
dead cow being airlifted out of an abandoned WWII bunker. Inside that dead cow
is a dismembered woman—minus the head. The mystery of how that woman got
inside that cow is given to bumbling detectives Carpentier (Philippe Jore) and Van der
Weyden (the bushy-browed Bernard Pruvost) to solve. But it also attracts the amateur
investigative talents of a mischievous little local prankster named Quinquin (Alane
Delhaye), along with his girlfriend and motley crew of buddies, in search of diversion
now that summer vacation is underway.
As body parts continue to accumulate inside the corpses of livestock, our sundry
sleuths gradually uncover numerous deeply unsavory elements within the village. We
are deep in Dumont country, a place of strange, fearsome and resonant visions—but
also, in this case, a place of gruesome, inspired laughs.
Director:
Bruno Dumont
Francia, 2014 / France, 2014
Idioma / Language:
Francés / French
Duración / Length:
200 min.
3B Productions
Jehan Brehat
Bruno Dumont
Bruno Dumont nació en Bailleul,
Francia. Sus largometrajes incluyen
L’Humanité (99) y Flandres (06), ambos
ganadores del Gran Premio del Festival
de Cannes, así como La vie de Jésus (97),
Twentynine Palms (03), Hadewijch (09),
Hors Satan (11), Camille Claudel 1915 (13)
y Pequeño Quinquin (14).
Bruno Dumont was born in Bailleul,
France. His feature films include
L’humanité (99) and Flandres (06), both
of which received the Grand Prix at
Cannes, as well as La vie de Jésus (97),
Twentynine Palms (03), Hadewijch (09),
Hors Satan (11), Camille Claudel 1915
(13) and Li’l Quinquin (14).
Editor:
Basile Belkhiri
Guillaume Deffontaines
Reparto / Cast:
Alane Delhaye, Lucy Caron, Bernard Pruvost
Contacto / Contact:
Mantarraya
Email:
[email protected]
Bruno Dumont
138
Phoenix
Alemania después de la guerra. Un auto con dos judías alemanas pasa un retén aliado.
Una se encuentra bien físicamente, pero traumatizada por lo que la guerra hizo aflorar
en su patria, al punto de que solo desea comenzar de nuevo en Palestina. La otra,
sobreviviente de un campo de concentración, desfigurada y con su rostro cubierto
de vendajes, solo piensa en volver a la vida que conocía, encontrar a su esposo y
comenzar de nuevo en Berlín. El hermoso y austero filme de Christian Petzold explora
con estilo de cine negro las distintas direcciones en que pueden arrojarnos los
horrores de una guerra.
Nelly (la genial Nina Hoss en su quinta colaboración con Petzold) le pide a su cirujano
que deje su rostro tal como era antes, lo cual es simplemente imposible. Cuando
finalmente encuentra a Johnny (Ronald Zehrfeld), él no la reconoce, pero se le hace tan
parecida que la recluta para ‘hacer’ de su mujer—que se supone ha muerto—con el fin
de recuperar los bienes que le pertenecían. Nelly hace el papel de sí misma y participa
del engaño, hasta que la verdad se revela en la magnífica escena final de Phoenix.
Las películas de Petzold son consistentes en su capacidad de generar complejas
alusiones cinemáticas, y en la presente se aprecia la forma como Vértigo permea la
misteriosa relación entre Nelly y Johnny. Pero referentes aparte, esta cinta se mete
de lleno en el tema de la lealtad y la traición, en lo que significa vivir bajo la oscura
sombra de la atrocidad.
139
Germany after the war. A car carrying two German Jewish women passes through an
Allied checkpoint. One is physically unscathed but so traumatized by what the war
brought out in her country that she thinks only of starting anew in Palestine. The
other, a camp survivor, disfigured by war, her face enveloped in bandages, thinks only
to going back to the way things were before, reuniting with her husband, resuming
her life in Berlin. Christian Petzold’s Phoenix is a beautifully austere historical noir that
surveys the different directions into which the horrors of war can hurtle us.
Nelly (the great Nina Hoss in her fifth collaboration with Petzold) asks her plastic
surgeon to replicate her old face as closely as possible—but close isn’t close enough.
When she finally finds her husband Johnny (Ronald Zehrfeld), he fails to recognize
her—though the resemblance is so strong that he enlists her to “play” his presumeddead wife so that they can recoup Nelly’s frozen assets. Nelly goes along with the ruse
until the truth is devastatingly revealed in Phoenix’s final, masterfully orchestrated
scene.
Petzold’s films have consistently displayed a remarkable gift for complicated
cinematic allusion, and shades of Vertigo infuse the eerie relationship between Nelly
and Johnny. But references aside, this is a film deeply engaged with questions of
loyalty and betrayal and of what it means to live in atrocity’s long shadow.
Director:
Christian Petzold
Alemania, 2014 / Germany, 2014
Idioma / Language:
Alemán / German.
Duración / Length:
98 min.
Schramm Film Koerner & Weber, Bayerischer
Rundfunk (BR), Westdeutscher Rundfunk (WDR)
Florian Koerner von Gustorf, Michael Weber
Christian Petzold nació en Hilden,
Alemania y se graduó de la Academia
Alemana de Cine y Televisión de Berlín.
Sus películas incluyen The state I am in
(00), Yella (07), Jerichow (08) y Bárbara
(12). Phoenix (14) es su más reciente
película.
Christian Petzold was born in Hilden,
Germany and graduated from the
German Film and Television Academy
Berlin. His films include The State I
Am In (00), Yella (07), Jerichow (08) and
Barbara (12). Phoenix (14) is his latest
film.
Christian Petzold, Harun Farocki, Hubert
Monteilhet
Christian Petzold
Editor:
Bettina Böhler
Hans Fromm
Música / Music:
Stefan Will
Reparto / Cast:
Nina Hoss, Ronald Zehrfeld, Nina Kunzendorf,
Michael Maertens
Contacto / Contact:
Email:
[email protected]
140
Ghesseha
Relatos Iraníes
Tales
Tras un hiato de ocho años del cine de ficción, este nuevo y luminoso trabajo de
Rakhshan Bani-Etemad no es solo un paso adelante para la prolífica directora iraní,
sino que ofrece una suerte de mirada general al conjunto de su carrera, al entretejer
siete historias diferentes con personajes que ya habían estado en sus otros filmes.
Un taxista recoge a una mujer y su niño enfermo; la madre del taxista intenta por todos
los medios que los jefes de la fábrica para la que trabajaba paguen lo que le deben; dos
hermanos en un tren subterráneo planean un secuestro; un adicto rehabilitado trata de
evitar que su amigo, también adicto, cometa suicidio; una madre se moviliza para lograr
la libertad de su hijo tras un arresto político. Relatos iraníes se mueve en medio de la
clase trabajadora que la directora tan bien conoce. Son historias valientes sobre las
desesperadas luchas de la gente común, y de individuos marginalizados que terminan
enredados en trabajo sexual o en adicciones mientras sueñan poder salir adelante.
Al reconocer los personajes el espectador avezado encontrará un nivel nuevo de
resonancia, pero no hay que haber visto las otras cintas de Rakhshan Bani-Etemad
para dejarse llevar por estas historias tan detalladas, reflexivas y comprensivas. Su
fluido y hermoso mosaico no solo nos eleva con sus estilizados guiños narrativos, sino
que le da al filme en general una profunda sensación de comunidad. Aunque se trata
de un mundo difícil, la visión generosa y espiritual de Bani-Etemad es arrobadora en
su singular interconexión.
141
Following an eight-year hiatus from fiction filmmaking, this latest, luminous work
from Rakhshan Bani-Etemad is both a fascinating step forward for the prolific Iranian
director and a kind of grand summation of her career, weaving together seven
narratives involving characters already introduced in her earlier films.
A cabbie picks up a woman and her sick child; the cabbie’s mother is desperately trying
to get unpaid earnings from her errant former factory owner employers; two siblings
on a subway conspire to perform a kidnapping; a recovering junky attempts to preserve
the life of a fellow junky tempted to suicide; a mother rallies to get her son released
from prison following a politically motivated arrest. Tales unfolds among the working
class that Rakhshan Bani-Etemad has always championed. These are bold stories of
the desperate struggles of ordinary people, and of those marginalized individuals
who find themselves entangled in sex work or succumbing to drug addiction while
dreaming of self-betterment.
Recognizing these characters provides the seasoned viewer with an added layer of
resonance, but one needn’t have seen any of Bani-Etemad’s earlier work to become
swept up in these intricately detailed, immensely empathetic tales. Bani-Etemad’s
fluid, beautifully designed mosaic serves not only to divert us with its stylish narrative
baton-passing; it also imbues the film as a whole with a rich, meaningful sense of
community. Though it’s tough-minded, this spiritually generous work consoles us with
a singular vision of interconnectivity.
Director:
Rakhshan Bani-Etemad
Irán, 2014 / Iran, 2014
Idioma / Language:
Iraní / Persian
Duración / Length:
88 min.
Kanoon Iran Novin
Rakhshan Bani-Etemad nació en
Teherán. Sus películas incluyen Nargess
(92), Los velos azules (95), Bajo la piel
de la Ciudad (01), Gilane (05), La línea
principal (06) y Relatos iraníes (14).
Rakhshan Bani-Etemad was born in
Tehran. Her films include Nargess (92),
The Blue-Veiled (95), Under the Skin of
the City (01), Gilane (05), Mainline (06)
and Tales (14).
Rakhshan Bani-Etemad, Farid Mostafavi
Editor:
Sepideh Abdolvahab
Koohyar Kalari
Música / Music:
Siamak Kalantari
Reparto / Cast:
Habib Rezaei, Mohammad Reza Forutan,
Mehraveh Sharifinia, Rima Raminfar
Contacto / Contact:
Cineplex Colombia
Email:
[email protected]
142
Kis uykusu
Sueño de invierno
Winter Sleep
De regreso a los áridos y bellos paisajes de su anterior filme, Érase una vez en Anatolia,
esta obra maestra ganadora de la Palma de Oro en Cannes, del director turco Nuri Bilge
Ceylan, nos trae a Aydin, propietario de un hotel pintoresco de montaña, columnista
de magazín y dueño de varias propiedades en la zona. Como antiguo actor, planea
escribir un libro ‘grande e importante’ sobre la historia del teatro en Turquía. Aydin
es un hombre educado y rico que vive entre una población rural y pobre. Él se cree
un bastión de la comunidad, querido y respetado, pero, a través del brillante drama
de Ceylan Aydin, se irá enterando que su benevolencia a menudo es vista como
arrogancia, y que hasta su esposa alberga un profundo resentimiento que él a duras
penas puede comprender.
Sueño de invierno se desarrolla en complejas y dinámicas escenas entre Aydin y
aquellos a quienes domina de una u otra forma: sus arrendatarios, quienes piden
paciencia mientras consiguen cómo pagarle; su hermana, que vive con él en este
inhóspito paraje desde la separación de su esposo; su esposa, quien intenta armarse
su propia vida organizando actividades para recaudar fondos para la escuela local.
Con una visión y una perspicacia psicológica que recuerda la obra de Ingmar Bergman,
Ceylan ofrece tanto el drama envolvente y soterrado del gran teatro, como la fluidez
transportadora del gran cine.
143
Returning to the ruggedly beautiful landscapes of his preceding film, Once Upon a
Time in Anatolia, this Palme d’Or-winning masterpiece from Turkish auteur Nuri Bilge
Ceylan centers on Aydin, the middle-aged proprietor of a rustic mountaintop hotel. He
is a magazine columnist and the owner of several local properties. A former actor, he
plans to write a “big, important book” about the history of Turkish theatre. Aydin is a
cultivated and wealthy man residing amongst a poor, uneducated rural population.
He believes himself a pillar of his community, well-liked and respected, but over the
course of Ceylan’s brilliantly written chamber drama, Aydin will gradually come to
realize that his benevolence is often taken for condescension and arrogance, and that
even his own wife harbors a deep resentment he can barely fathom.
Winter Sleep unfolds over a series of complex, dynamic scenes between Aydin and
those he lords over in one way or another: his tenants, who beg his patience as they
scramble to pay the rent; his sister, who’s been living with him in this desolate place
since separating from her husband; his wife, who desperately tries to establish a
meaningful life for herself by organizing fundraising activities for a local school.
With a focus and a psychological acumen that recalls the work of Ingmar Bergman,
Ceylan delivers both the hushed, enveloping drama of great theatre and the sweeping,
transporting vision of great cinema.
Director:
Nuri Bilge Ceylan
Turquía, Francia, Alemania, 2014 / Turkey, France,
Germany, 2014
Idioma / Language:
Turco / Turkish
Duración / Length:
196 min.
Zeyno Film, Memento Films International
Zeynep Özbatur Atakan
Nuri Bilge Ceylan, Ebru Ceylan
Nuri Bilge Ceylan nació en Estambul.
Estudió cine en la Universidad Mimar
Sinan. Sus películas incluyen La Ciudad
Pequeña (97), Nubes de mayo (00),
Distante (03), Los climas (06), Érase una
vez en Anatolia (11) y Sueño de invierno
(14), ganador de la Palma de Oro y el
premio FIPRESCI en Cannes.
Nuri Bilge Ceylan was born in Istanbul.
He studied cinema at Mimar Sinan
University. His films include The Small
Town (97), Clouds of May (00), Distant
(03), Climates (06) and Once Upon a
Time in Anatolia (11) and Winter Sleep
(14), winner of the Palme d’Or and
FIPRESCI prize at Cannes.
Editor:
Bora Göksingöl, Nuri Bilge Ceylan
Gökhan Tiryaki
Reparto / Cast:
Haluk Bilginer, Melisa Sözen, Demet Akbag,
Ayberk Pekcan, Serhat Kiliç, Nejat Isler, Tamer
Levent, Nadir Saribacak, Mehmet Ali Nuroglu,
Emirhan Doruktutan
Contacto / Contact:
Email:
[email protected]
Nuri Bilge Ceylan
144
Hautoa
Tierras muertas
The Dead Lands
El absorbente relato de Toa Fraser, la historia de una venganza justa enmarcada en el
fecundo esplendor de la Nueva Zelandia pre-colonial, nos transporta a una dimensión
épica con su imponente ritmo y su espectacular factura.
Tras la aniquilación injusta de su pueblo, Hongi (James Rolleston), heredero del jefe de la
tribu, emprende una peligrosa misión de ajuste de cuentas, acto necesario para la paz de
su familia en su viaje al otro mundo. Dado que sus adversarios son muchos y sus tácticas
aterradoramente eficaces, Hongi debe penetrar lo que se conoce como Tierras Muertas.
Allí rastreará y pedirá ayuda de un legendario rebelde conocido solo como Guerrero
(Lawrence Makoare), quien, según dicen, habita la temida región. Comienza así una
temeraria aventura que incluye un arduo aprendizaje, hazañas de ingenio, combates
despiadados y en últimas la comprensión más profunda del significado del honor.
Basado en una investigación seria de tradiciones indígenas complejas, se trata del
primer filme en presentar el Mau rakau, el antiguo y feroz arte marcial maorí. Tierras
muertas nos asombra al tiempo que nos brinda un vívido pasaje a una historia y una
cultura que hasta ahora habían sido tristemente ignoradas por el gran cine.
145
A transporting tale of righteous revenge set in the fecund splendor of pre-colonial New
Zealand, Toa Fraser’s The Dead Lands is an artful, spectacular, tautly paced action epic.
Following the lawless slaughter of his people, Hongi (James Rolleston), scion of the
tribal chief, embarks on a dangerous mission of retribution—a mission necessary
to ensure peace for his lost familiars as they journey to the other side. Because his
adversaries are many and their fighting skills terrifyingly fierce, Hongi must enter
the place called the “Dead Lands.” There he will track down and beg assistance from
the legendary fighter known only as Warrior (Lawrence Makoare), who is said to
inhabit this forbidden region. What follows is a heroic, suspenseful adventure tale
involving arduous apprenticeship, feats of ingenuity, fearless combat, and a deeper
understanding of the true meaning of honor.
Grounded in research into complex tribal traditions, and the first film to ever showcase
Mau rakau, the ancient and ferocious Maori martial art, The Dead Lands thrills us while
simultaneously providing us with a rich sense of a culture and history that has until
now been woefully ignored in movies.
Director:
Toa Fraser
Nueva Zelanda, Reino Unido, 2014 / New Zealand,
United Kingdom, 2014
Idioma / Language:
Maorí / Maori
Duración / Length:
108 min.
Toa Fraser nació en el Reino Unido. Sus
películas incluyen el Naming number
two (06), Dean Spanley (08), Giselle (13) y
Tierras Muertas (14).
Toa Fraser was born in the United
Kingdom. His films include Naming
Number Two (06), Dean Spanley (08),
Giselle (13) and The Dead Lands (14).
General Film Corporation, Lipsync LLP
Matthew Metcalfe, Glenn Strandring, Norman
Merry, Tainui Stephens
Toa Fraser
Glenn Standring
Editor:
Dan Kircher
Leon Narby
Música / Music:
Don McGlashan
Reparto / Cast:
James Rolleston, Lawrence Makoare, Te Kohe
Tuhaka, Xavier Horan, Raukura Turei, Rena Owen
Contacto / Contact:
The Festival Agency
Email:
[email protected]
146
Kkeut-kka-ji-gan-da
Un día difícil
A Hard Day
Una carretera desierta, un accidente azaroso y una decisión nacida del pánico es
todo lo que se necesita para mandar al desafortunado detective de homicidios Ko
Gun-soo (Lee Sun-kyun) directo al pasaje pesadilla. Sorpresiva, llena de suspenso y
perversamente inteligente, Un día difícil, del director sur coreano Kim Seong-hun, es
una dosis perfecta del más tenso cine negro contemporáneo.
Huir de la escena tras un choque no es sino la primera de las malas salidas de Gunsoo. De camino al funeral de su madre al momento del accidente, Gun-soo opta por
esconder el cuerpo del extraño que atropelló en el ataúd de la fallecida. Macabro,
inmoral pero en apariencia efectivo, el nuevo uso del entierro de la madre deja a salvo
a nuestro anti-héroe… hasta que una llamada misteriosa de alguien que dice saber
todo lo ocurrido crea una nueva serie de obstáculos en su tortuoso camino.
Mientras que Gun-soo—a la vez ficha de juego de la fortuna y un ser bastante fallido—
se adentra cada vez más en un atolladero de crímenes, Un día difícil sube las apuestas
hasta el máximo. En este, su segundo largometraje, Kim Seong-hun demuestra su
capacidad de narrador audiovisual, con un estilo imparable que no deja recobrar el
aliento, sin perder de vista el núcleo de una historia que avanza vertiginosamente
hacia su resolución.
147
A lonely road, a random accident and one very poor choice born of sheer panic is all it
takes to send luckless homicide detective Ko Gun-soo (Lee Sun-kyun) careening down
nightmare alley. Twisty, suspenseful and fiendishly clever, South Korean director Kim
Seong-hun´s A Hard Day is a nerve-rattling dose of modern noir.
Perpetrating a hit and run is only the first of Gun-soo’s hapless anti-heroics. En route
to his mother’s funeral when the accident occurs, Gun-soo opts to stash the body of
the stranger he swerved into inside his mother’s casket. Macabre, morally dubious,
but effective, the multi-purposing of mother’s interment would seem to put our
protagonist in the clear… until a phone call from someone claiming to have watched
his every move sets a whole new series of obstacles in Gun-soo’s path.
As Gun-soo, at once fortune’s fool and a highly fallible human being, sinks ever deeper
into a mire of criminal activity, A Hard Day raises its stakes to ever-higher degrees.
Kim Seong-hun proves himself a deft cinematic storyteller with his second feature,
exhibiting breathless style without ever detracting from the film’s vertiginous forward
momentum.
Director:
Kim Seong-hun
Corea del Sur, 2014 / South Korea, 2014
Idioma / Language:
Coreano / Korean
Duración / Length:
111 min.
Dasepo Club, AD406
Kim Seong-hun nació en Corea del Sur.
Hizo su debut como director y guionista
con Cómo la falta de amor afecta a dos
hombres (06). Un día difícil (14) es su
última película.
Kim Seong-hun was born in South
Korea. He made his debut as writerdirector with How the Lack of Love
Affects Two Men (06). A Hard Day (14) is
his latest film..
Ji-hyun Cha, Billy Acumen
Seong-hoon Kim
Kim Seong-hun
Editor:
Chang-ju Kim
Tae-sung Kim
Música / Music:
Young-jin Mok
Reparto / Cast:
Sun-kyun Lee, Jin-woong Cho
Contacto / Contact:
Borsalino Films
Email:
[email protected]
148
X+Y
Si la verdad fuera belleza—reflexiona uno de los personajes de X + Y—¿no sería la
matemática lo más precioso del mundo? Para el adolescente prodigio Nathan (Asa
Butterfield, a quien vimos en Hugo), la matemática no solo es bella, es la vida misma.
Diagnosticado con autismo desde pequeño, Nathan rehúye el afecto, se ve a gatas
en situaciones sociales y cosas tan simples como ordenar un domicilio le resultan
dolorosamente complejas. Pero todo eso queda atrás cuando se trata de números, su
indudable elemento.
En el transcurso del sentido debut del director Morgan Matthews, Nathan saldrá a la
fuerza de su ordenada vida campestre para demostrar tanto su capacidad matemática
como la de enfrentar el mundo—como miembro del equipo británico en las Olimpiadas
Matemáticas—. Primero en Taipei y después en Cambridge, Nathan conocerá otros genios
raros como él, incluyendo un par de jovencitas coquetas aunque rivales. Al mismo tiempo,
la viuda y agotada madre de Nathan (Sally Hawkins) lucha por conectar con un nuevo
amor. ¿Será que el excéntrico tutor de matemáticas de Nathan (Rafe Spall), quien vive su
propia batalla con la esclerosis múltiple, se convierte en alguien importante para ella?
Con actuaciones conmovedoras de todos los principales—así como una divertida
aparición de Eddie Marsan— X + Y se trata tanto de nuestro crecimiento emocional como
de las ecuaciones más enredadas. La emoción de la competencia y el dominio se balancea
con la profunda necesidad de comprender los valores que intercambiamos a través de la
ternura y el amor.
149
If truth is beauty, one character in X + Y muses, shouldn’t that make mathematics the
most beautiful thing in the world? For teenage prodigy Nathan (Hugo’s Asa Butterfield)
math isn’t just beautiful—it’s life itself. Diagnosed with autism at an early age, Nathan
is adverse to affection, uneasy with social interaction and punishingly particular
about activities as seemingly simple as ordering Chinese food. But when it comes to
numbers he enters a state of grace.
Over the course of director Morgan Matthews’ heartfelt, inspiring fiction feature
debut, Nathan will be swept out of his strictly ordered provincial life and have his math
skills—and coping skills—put to the test as part of Britain’s team at the International
Mathematics Olympiad. First in Taipei and then in Cambridge, Nathan will meet other
awkward youngsters not so different from him—including a pair of smitten female
competitors. Meanwhile, back home, Nathan’s exhausted widowed mother (Sally
Hawkins) struggles to connect with someone new. Might Nathan’s eccentric math
coach (Rafe Spall), undergoing his own struggle with multiple sclerosis, be someone
she can reach out to?
Featuring lovely performances from each of its leads—as well as an amusing
supporting turn from Eddie Marsan—X + Y is as much about the development of one’s
emotional intelligence as it is about solving knotty equations. The thrill of mastery and
competition is balanced with the deep need to comprehend the values we exchange
through tenderness and love.
Director:
Morgan Matthews
Reino Unido, 2014 / United Kingdom, 2014
Idioma / Language:
Inglés / English
Duración / Length:
111 min.
Origin Pictures, Minnow Films
Laura Hastings-Smith, David M. Thompson, Ed
Rubin
Morgan Matthews nació en Inglaterra.
Ha dirigido y producido documentales
como Beautiful Young Minds (07),
Acorazado Antártida (07), Los Caídos (08),
Gran Bretaña en un día (12), y Shooting
Bigfoot (13). X + Y (14) es su primer
largometraje de ficción.
Morgan Matthews was born in
England. He has directed and produced
documentaries such as Beautiful Young
Minds (07), Battleship Antarctica (07),
The Fallen (08), Britain in a Day (12), and
Shooting Bigfoot (13). X + Y (14) is his
fiction feature debut.
James Graham
Morgan Matthews
Editor:
Peter Lambert
Danny Cohen
Música / Music:
Mearl
Reparto / Cast:
Asa Butterfield, Rafe Spall, Sally Hawkins, Eddie
Marsan, Jo Yang
Contacto / Contact:
Bankside Films
Email:
[email protected]
RETROSPECTIVA DE KARIM AÏNOUZ
KARIM AÏNOUZ RETROSPECTIVE
Acompáñenos a celebrar el trabajo del reconocido director
brasileño Karim Aïnouz. Desde el estudio sensible de una madre
soltera en su largometraje El cielo de Suely, pasando por la
crónica íntima de un gran amor en Playa Futuro, Aïnouz ha
construido una carrera excepcional y arriesgada, trascendiendo
las normas estándar sobre géneros, razas y sexualidad.
Please join us in celebrating the work of highly acclaimed
Brazilian director Karim Aïnouz. From the sensitive character
study of a single mother in Love for Sale, to the chronicle
of romance born of loss in Futuro Beach, Aïnouz has built
an outstanding and daring career, transcending accepted
norms of gender, race and sexuality.
RETROSPECTIVA DE
KARIM AÏNOUZ
Karim Aïnouz es un viajero empedernido. Nacido en Fortaleza, Brasil,
estudió arquitectura en Brasilia y cine en Nueva York. En la actualidad
reside en Berlín. Sus filmes abarcan geografías y géneros. Trascienden las
normas estándar sobre géneros, razas y sexualidad. Aïnouz es el centro de la
retrospectiva de IFF Panamá 2015. Nos sentimos orgullosos de tenerlo con
nosotros como invitado y de proyectar toda su filmografía.
Madame Satã, tu primera película, es prácticamente una pieza de género, una
biografía con mucha acción. Es además bastante política.
Quería hacer un filme sobre la sociedad brasileña. Hay mucho de la cultura brasileña
que pasa por negociarlo todo, por andar un poco de soslayo. La rabia, como una
herramienta política válida, nos estaba haciendo falta. Este personaje no buscaba
negociar nada. Siempre se imponía. No encajaba. Madame Satã logró ser vista, generó
debates. Sin embargo, yo no tenía idea de lo que hacía. Había estado en un set de rodaje
si mucho un par de veces. Fue un acto muy intuitivo. Pasé mucho tiempo preparando
todo, cada plano, cada lente. Al segundo día ya había mandado todo eso a la basura y
estaba trabajando con lo que los actores proponían.
El cielo de Suely, que ocurre en Iguatu, termina con una imagen de un aviso de
despedida al borde de la ciudad que dice: “Aquí comienzan las ganas de volver
a Iguatu”. Esa nostalgia, ese anhelo y ese motivo de la despedida de un lugar, una
persona o una forma de vida reaparece en todos tus filmes desde Madame Satã.
Mi vida siempre ha girado en torno al movimiento, a dejar cosas atrás. Todo comenzó
con mi padre, que nos abandonó cuando yo era muy chico. Con El cielo de Suely pensé
en cómo eran siempre los hombres quienes se iban del pueblo, mientras las mujeres
no podían porque tenían que cuidar de los niños. Entonces le di vuelta, y se trata de
una mujer que lo deja todo atrás. También está el asunto que mencionas sobre los
lugares. Mi nombre, por ejemplo, no existe en realidad en mi país. Siempre he tenido la
sensación de no pertenecer, que va de la mano de la idea de tal vez llegar a sentir que
sí pertenezca al próximo lugar al que llegue.
El cielo de Suely, Viajo porque debo… Abismo plateado y Playa futuro parecen todas
querer capturar la sensación de estar en tránsito, entre espacios geográficos o
momentos de la vida. Hay tristeza, pero también evidente emoción de estar pasando
por un momento de cambio.
Con mis amigos bromeo que entre mis sitios preferidos se cuentan los lounges de los
aeropuertos. Escalas y conexiones, incluso perderlas, no sé por qué es tan motivante
para mí. Tal vez tienes razón, y es algo que las películas capturan. En El cielo de Suely
es la salida; en Viajo porque debo… es el viaje en sí mismo, y en Playa Futuro se trata de
seguir a alguien. El viaje para mí es algo muy liberador.
Viajo porque debo... es una película muy inusual. Hábleme de su colaboración con
Marcelo Gomes.
Marcelo y yo venimos de la misma región. Ambos somos gay, lo cual nos permite
compartir un cierto tipo de humor. Nos dieron una beca para hacer un documental
sobre los mercados del Noroeste, pero lo que queríamos era poder viajar a esa zona
de donde eran nuestros abuelos. Viajamos dos meses. El documental no funcionó en
realidad, pero pudimos grabar otras cosas. Ocho o diez años después tomamos ese
material y escribimos algo que hizo que funcionara.
También lograron algo que se ve muy poco en el cine, contar una historia únicamente
a través de la mirada del protagonista, sin mostrarlo una sola vez.
Todo lo que hicimos en esa cinta fue una verdadera aventura, ni siquiera sabíamos
si iba a convertirse en una película. Pensamos que podía funcionar en una galería
quizás. Sin embargo, la vieron unos 50,000 brasileños. Es sobre el rompimiento de una
relación, y todos hemos pasado por eso. Muchísima gente distinta se identificó con el
personaje, y creo que es precisamente porque uno nunca ve al personaje. El proceso
de identificarse sucede de modo mucho más abierto.
Playa futuro se siente como un regreso a casa. Para ti significó volver a Fortaleza. Te
permitió filmar el mar, lo cual es evidente que te gusta hacer.
Tienes razón. El mar ha sido siempre una especie de límite para mi. De donde vengo es
imposible pasar a otro país por tierra –imagina atravesar la amazonía–, así que el mar
es la frontera más cercana. Y de acuerdo, anhelaba rodar en casa –me refiero tanto a
Berlín como a Fortaleza–. Fue un dolor de cabeza de planear y financiar, pero me alegra
haberlo podido hacer. En parte por mi amor por Berlín, por lo que creo que representa
para el mundo hoy en día. Eso me motivó a continuar. Necesitaba capturarla, como
cuando necesitas una foto de alguien a quien amas.
KARIM AÏNOUZ RETROSPECTIVE
Karim Aïnouz is an inveterate traveller. Born in Fortaleza, Brazil, he studied
architecture in Brasilia and film in New York. He currently resides in Berlin.
His films span geography and genre. They transcend accepted norms
regarding gender, race and sexuality. Aïnouz is the subject of IFF Panama’s
2015 retrospective. We are thrilled to be screening all of his feature films and
to have him as our guest.
Madame Satã, your first feature, is more or less a genre film, a bio-pic, with lots of
action. It’s also very political.
I was trying to make a film about Brazilian society. So much of Brazilian culture is about
negotiating, about being oblique. Rage—rage as a productive political tool—was
something we were missing. This character did not try to negotiate. He was always
imposing himself. He didn’t fit. Madame Satã got seen. It provoked debate. Yet I had no
idea what I was doing. I’d been on a movie set maybe twice. So it was a very intuitive
gesture. I spent so long preparing, planning every shot, every lens. On the second day I
threw all that away and just went with what the actors were proposing.
Love For Sale, which is set in Iguatu, ends with an image of a farewell banner hanging
over the city limits that reads: “Here begins the longing for Iguatu.” This longing,
this nostalgia, this motif about saying goodbye, to a place, a person, a way of life, is
somehow present in all your films after Madame Satã.
My life has always been about moving, leaving things behind. It started with my father,
who left when I was very young. With Love For Sale, I thought about how the men
always left my village, while the women were never allowed to leave, because they
had kids to raise. Love For Sale flips that—it’s about a woman who leaves everything
behind. There’s also the question of place that you were talking about. My name is a
name that doesn’t exist in my country. Some feeling of not belonging has always been
with me—along with the feeling that maybe if I go elsewhere I will belong.
Love For Sale, I Travel Because I Have to…, Silver Cliff and Futuro Beach all seem to
share this interest in capturing the feeling of being in transit, of being between
spaces in geography or in life. There’s melancholy, but also excitement about passing
through a moment of change.
I joke with my friends that some of my favourite places are airport lounges. Connecting
flights, missing flights… I don’t know why these are so inspiring to me. Maybe it’s true
that, as you say, this feeling is expressed in the films. In Love For Sale it’s the departing;
in I Travel… it’s about traveling; in Futuro Beach it’s about following someone. Traveling
is, for me, very liberating.
I Travel… is a very unusual film. Tell me about your collaboration with Marcelo Gomes.
Marcelo and I come from the same region. We’re both gay, which gives us a certain
shared sense of humor. We got a grant to do a documentary about open markets in the
northeast, but what we wanted was just to travel to this area where our grandparents
were born. We travelled for two months. The documentary didn’t really work, but we
were shooting other things. Eight or ten years later we took that material and wrote
something for it.
You also did something that’s rarely been done in cinema, which is to tell a story
exclusively through the eyes of the protagonist—without showing the protagonist.
Everything we did with this movie was an adventure—we didn’t even know if it would
be a movie. We thought it would go straight to a gallery or something. Yet 50,000
Brazilians saw it. It’s about a break up—everybody’s gone through that. All kinds of
people identified with that character. And I think it’s precisely because you never see
the character. There’s a process of identification that’s much more open.
Futuro Beach feels like a homecoming. It brought you back to Fortaleza. It allowed
you to film the ocean, which you seem to love doing.
It’s true. The sea for me has always been a border. Where I come from, there’s no way
of reaching another country by land—the Amazon is impossible—so the sea was the
closest border. And yes, I was longing to shoot at home—home being both Berlin and
Fortaleza. It was a nightmare to finance and plan, but I’m happy I did it. Partly because
of my love for Berlin and what I think it means in the world today. That’s what kept me
going. I needed to capture it. Like taking a photo of someone you love.
156
R ET R O S PE C TI VA D E K A RI M A Ï N OUZ | KARIM AÏNOUZ RETROSPECTI VE
Praia Do Futuro / Playa Futuro / Futuro Beach
106 min. (Brasil, Alemania, 2014 / Brazil, Germany, 2014)
Narrada en medio de ondulantes dunas de arena y poderosas olas, con
los colores brillantes de Fortaleza y los brumosos tonos urbanos de
Berlín, el último largometraje de Karim Aïnouz es una crónica íntima de
un gran amor que nace de una gran pérdida.
Set against the twin undulations of sand dunes and mighty waves,
against the bright splendor of Fortaleza’s coast and the misty earth tones
of urban Berlin, Karim Aïnouz’s latest feature is a chronicle of romance
born of loss.
Director: Karim Aïnouz | Año / Year: 2014 | Idioma / Language: Portugués, alemán / Portuguese, German | Reparto / Cast: Wagner Moura,
Clemens Schick
O Abismo Prateado / El abismo plateado / Silver Cliff
83 min. (Brasil, 2013 / Brazil, 2013)
Tras enterarse por un mensaje de teléfono que su esposo la ha dejado, una
dentista de Río de Janeiro pasa una noche deambulando por la ciudad,
entre el pánico y la reflexión, entre el dolor y la posibilidad de liberarse, en
este precioso y emotivo quinto largometraje de Karim Aïnouz.
After learning via voicemail that her husband has left her, a Rio de Janeiro
dentist spends a night wandering her city, seesawing between panic
and reflection, between grief and the possibility of liberation, in this
gorgeous and affecting fifth feature from Karim Aïnouz.
Director: Karim Aïnouz | Año / Year: 2013 | Idioma / Language: Portugués / Portuguese | Reparto / Cast: Alessandra Negrini, Thiago Martins,
Gabi Pereira, Otto Jr.
Director: Karim Aïnouz, Marcelo Gomes | Año / Year: 2009 | Idioma / Language: Portugués / Portuguese | Reparto / Cast: Irandhir Santos
Viajo Porque Preciso, Volto Porque te Amo / Viajo porque debo,
vuelvo porque te amo / I Travel Because I have to, I Come Back
Because I Love You
Llena de momentos fortuitos y memorables, e imágenes pasajeras
de lugares y cosas que divisadas a través de las ventanas de un auto,
Viajo porque debo, vuelvo porque te amo es una colaboración única de
Karim Aïnouz y su compatriota Marcelo Gomes, cuyo resultado es una
conmovedora y exquisita película de carretera de bajo presupuesto.
Brimming with memorable stray encounters and fleeting images of
places and things often spied through the windshield, I Travel Because I
Have To, I Come Back Because I Love You is a one-of-a-kind collaboration
between Karim Aïnouz and fellow Brazialian Marcelo Gomes and a
touching, gorgeously lo-fi road movie.
RE T ROS P E C T I VA DE KA RI M A Ï N OUZ | KARIM AÏN OU Z RETROSPECTI VE
157
O Céu de Suely / El cielo de Suely / Love for Sale
88 min. (Brasil, Francia, Alemania, Portugal, 2006 / Brazil, France, Germany,
Portugal, 2006)
Este estudio de personaje sensible y seductor, segundo largometraje del
director brasilero Karim Aïnouz, acompaña a una joven madre soltera
en el intento de asentarse en su desolado pueblo natal, donde pronto
descubre que vender todo lo que posee no evita que su corazón inquieto
anhele siempre algo más.
This sensitive and seductive character study, Brazilian director Karim
Aïnouz’s second feature, follows a young single-mother’s attempt to
settle down in her desolate hometown, where she quickly discovers that
selling everything she has cannot keep her restless spirit from longing
for something more.
Director: Karim Aïnouz | Año / Year: 2006 | Idioma / Language: Portugués / Portuguese | Reparto / Cast: Hermilia Guedes, Georgina Castro,
Maria Menezes, João Miguel, Zezita Matos.
Madame Satã
El largometraje debut de Karim Aïnouz relata la turbulenta vida de João
Francisco dos Santos, conocido como Madame Satã, un legendario
forajido, actor drag, timador y maestro de la capoeira. Aïnouz recrea
vívidamente un submundo bohemio de matones y artistas del
espectáculo, mientras que el apuesto y muscular Ramos, estrella del
filme, conjura la ira, la ambición y el magnetismo de dos Santos.
Karim Aïnouz’s feature debut chronicles the life of João Francisco dos
Santos, a.k.a. Madame Satã, Brazil’s legendary outlaw, drag performer
and capoeirista. Aïnouz vividly evokes a bohemian underworld of
entertainers and gangsters, while the film’s fiercely handsome star
Lázaro Ramos summons up dos Santos’ considerable rage, ambition and
allure in equal measure.
D O C U M E N T A L E S
D O C U M E N T A R I E S
En esta muestra de documentales variada y selectiva se
refleja un arco iris de temáticas y se expone el sello de cada
director. Estas obras cinematográficas están motivadas por
quimeras, denuncias o una extrema necesidad de expresar
algo esencial para el realizador.
This varied and selective sample of documentaries
encompasses a broad spectrum of themes and bears
the stamp of each director. These films are motivated by
filmmakers´ fantasies, conflicts or their intense need to
express something of essential importance.
Estas películas participan por el Premio del Público Revista K al Mejor Documental.
These films participate for the Revista K Audience Award for the Best Documentary Film.
160
D O C U M E N TA L E S | DOC UMENTARIES
Altman
¿Qué queremos decir cuando usamos el término ‘Altmanesco’? En este generoso,
informativo y entretenido documental, el veterano realizador Ron Mann le formula
esta pregunta a un grupo fascinante de artistas que colaboraron con el fallecido
maestro, director de filmes como M*A*S*H, McCabe & Mrs. Miller, Nashville, Short Cuts
y Gosford Park. Entre los entrevistados se encuentran Robin Williams, Julianne Moore,
Bruce Willis y Keith Carradine. Cada uno ofrece su propia respuesta, pero es quizá Lily
Tomlin quien más se aproxima a resumirlo todo cuando responde “Significa crear una
familia”.
Las películas de Altman parecen a menudo reuniones familiares: historias
desordenadas y ambiciosas con grandes grupos de actores hablando al mismo
tiempo, buscando dominar, merodeando la acción o simplemente pasando un buen
rato. Altman refleja ese espíritu descomplicado y altanero con el uso meticuloso de
cintas caseras, biografía, fragmentos de películas y entrevistas, relatando los ires y
venires de una vida única, desde sus comienzos en el cine industrial y las series de
televisión hasta su ascenso al estrellato internacional como un realizador inconforme,
que abría su propio camino dentro y fuera de Hollywood. Altman fue un innovador,
un profesional a la hora de armar el zafarrancho, y un director realmente singular, y
Altman es una sentida celebración de sus logros y su personalidad inabarcable.
D OCUMENTALES | DOCU MEN TARIES
161
What do we mean when we use the term “Altmanesque”? Over the course of this bighearted, informative and entertaining portrait, veteran documentarian Ron Mann
poses this question to a dazzling array of artists who collaborated with the late, great
Robert Altman, director of such films as M*A*S*H, McCabe & Mrs. Miller, Nashville, Short
Cuts and Gosford Park. Among those Mann queries are Robin Williams, Julianne Moore,
Bruce Willis and Keith Carradine. Each of them has a different answer, but Lily Tomlin
probably comes closest to summing it all up when she replies, “Creating a family.”
Altman’s films were often family affairs: big, unruly ensemble pictures with characters
always coming and going, talking over one and other, fighting for dominance,
skulking around, looking for action or just having a good laugh. Altman reflects this
busy, feisty spirit in its careful braiding of home movies, biography, film clips and
interviews, chronicling its subject’s roller-coaster ride of a life, from his early career
churning out industrial films and gigging in episodic television to his meteoric rise
to international acclaim as a maverick auteur able to keep forging a path both in
and out of the Hollywood system. Altman was an innovator, a professional mischiefmaker, and a truly singular cinema artist—and Altman is a loving celebration of his
accomplishments and larger-than-life personality.
Director:
Ron Mann
Canadá, 2014 / Canada, 2014
Idioma / Language:
Inglés / English
Duración / Length:
96 min.
Sphinx Productions, Epix, The Movie Network,
Movie Central
Ron Mann nació en Toronto. Sus
películas incluyen Imagina el sonido
(81), Comic Book Confidential (88),
Hierba (99), Go Further (03), Tales of the
Rat Fink (06), Conoce tus setas (08) y
Altman (14).
Ron Mann was born in Toronto. His
films include Imagine the Sound (81),
Comic Book Confidential (88), Grass (99),
Go Further (03), Tales of the Rat Fink
(06), Know Your Mushrooms (08) and
Altman (14).
Ron Mann
Len Blum
Ron Mann
Editor:
Robert Kennedy
Simon Ennis
Música / Music:
JMike Rosnick
Reparto / Cast:
Julianne Moore, Bruce Willis, Robin Williams,
Paul Thomas Anderson, James Caan
Contacto / Contact:
The Match Factory
Email:
[email protected]
162
Ciudadanocuatro
Citizenfour
Aunque parezca un thriller paranoide, los eventos relatados en el nuevo documental,
ganador del Óscar, de la reconocida directora Laura Poitras (My country, my country,
The Oath) son absolutamente reales. Ciudadanocuatro nos ofrece la historia verdadera
del ex administrador de sistemas de la Agencia Nacional de Seguridad, Edward
Snowden, y su decisión de filtrar información clasificada sobre la vigilancia que ejerce
el gobierno de los EE.UU. sobre millones de ciudadanos tanto en dicho país como en
muchos otros. Para evitar simplemente arrojar ese caudal de información al público,
Snowden escogió a Poitras y los periodistas Glenn Greenwald y Ewen MacAskill como
sus primeros filtros mediáticos, lo cual implica para Poitras un gran riesgo personal
como documentalista.
Impulsada por una banda sonora apropiadamente aterradora de los ganadores del
Óscar Atticus Ross y Trent Reznor (de Nine Inch Nails), Ciudadanocuatro nos muestra los
primeros contactos a escondidas entre Snowden, Poitras y Greenwald, su encuentro
definitivo en un hotel en Hong Kong y la decisiva rueda de prensa de junio de 2013 con
sus inevitables consecuencias—que los dejan a todos en la incertidumbre respecto a
sus futuros. Ciudadanocuatro es un documental en primera persona, sin duda heroico,
un aporte importantísimo a nuestro diálogo global sobre los cambiantes valores que
se mueven en la era digital, y las enormes implicaciones del mal uso del poder. Si existe
una película que es ‘obligatorio’ ver, sin duda es esta.
163
It plays like a paranoid political thriller, but the events chronicled in this latest Oscarwinning film from celebrated documentarian Laura Poitras (My Country, My Country,
The Oath) are all too real. Citizenfour offers viewers the real inside story of ex-NSA
system administrator Edward Snowden and his decision to leak classified information
regarding the US government’s surveillance of millions of citizens at home and abroad.
Not wanting to simply dump his revelations wholesale upon the public, Snowden
selected Poitras and journalists Glenn Greenwald and Ewen MacAskill as his first
media filters—which means that Poitras has put herself at considerable risk in order
to bring us this story.
Propelled by a suitably chilling score by Oscar-winning composers Atticus Ross
and Trent Reznor (of Nine Inch Nails fame), Citizenfour takes us through Snowden’s
shadowy initial communiqués with Poitras and Greenwald, their eventual meeting in
a Hong Kong hotel, that momentous press conference in June of 2013 and its ongoing
aftermath, which sent everyone involved in different directions, uncertain what
repercussions their actions will incite. A bold and heroic first-person documentary,
Citizenfour is a major contribution to our global conversation about shifting cultural
values in the digital age and the vast new possibilities for the misuse of power. It is a
must-see if ever there was one.
Director:
Laura Poitras
Estados Unidos, Alemania, 2014 / United States,
Germany, 2014
Idioma / Language:
Inglés, portugués, alemán / English, Portuguese,
German
Duración / Length:
86 min.
HBO Documentary Films, Praxis Films,
Participant Media
Laura Poitras nació en Boston. Estudió
en el Instituto de Arte de San Francisco
y La Nueva Escuela. Sus películas
incluyen Flag Wars (03), My country,
My country (06), El juramento (10) y
Ciudadanocuatro (14).
Laura Poitras was born in Boston.
She studied at the San Francisco Art
Institute and The New School. Her films
include Flag Wars (03), My Country,
My Country (06), The Oath (10) and
Citizenfour (14).
Mathilde Bonnefoy, Laura Poitras, Dirk Wilutzky
Laura Poitras
Laura Poitras
Editor:
Mathilde Bonnefoy
Kirsten Johnson, Trevor Paglen, Laura Poitras, Katy
Scoggin / Kirsten Johnson, Trevor Paglen, Laura
Poitras, Katy Scoggin
Música / Music:
Hans Schumann
Reparto / Cast:
Edward Snowden, Jacob Appelbaum,
Glenn Greenwald
Contacto / Contact:
Cat&Docs
Email:
[email protected]
164
Wo Jiu Shi Wo
Estoy aquí
I am Here
Con esta emocionante crónica del talento y la ambición puestos a prueba, que también
opera como una crítica sobria a la cultura de la celebridad en China, Estoy aquí, del
director Fan Lixin –realizador de Último tren a casa– acompaña a diez jóvenes que se
preparan para competir en Super Boy, el ultra popular programa de T.V. de competencia
de canto. El entrenamiento es demoledor, las apuestas altísimas, los premios casi
difíciles de creer. Pero después de que se apaguen los reflectores ¿será que alguno
de estos muchachos queda más cerca de convertirse en un verdadero artista, o por lo
menos en un adulto?
Sin apabullar con su mensaje, Aquí estoy usa su estudio de Super Boy para evaluar
la peculiar política de la conformidad en China. Si bien los preparadores insisten
en que los muchachos sean ellos mismos, todo, desde la forma de cantar hasta los
peinados que les hacen, se limita a unas pocas opciones. En un fragmento diciente de
una temporada previa del show, uno de los jueces se retira en medio del programa,
protestando por una presentación demasiado ‘salida de la norma’. La pregunta
sobre cuánta disciplina es necesaria surge constantemente. ‘Me merezco todas las
bofetadas’ dice uno de los competidores cuando recibe castigo físico en público de su
defraudado entrenador.
Aún así, Aquí estoy es, para decirlo en pocas palabras, muy entretenida. Sin importar la
tensión de la preparación, no hay duda de que cuando estos jóvenes abren sus bocas y
corazones para cantar, todo lo demás desaparece y algo mágico toma lugar.
165
At once an exhilarating chronicle of talent and ambition put to the test and a sober
critique of China’s unique culture of celebrity, Last Train Home director Fan Lixin’s I Am
Here follows ten young men training to compete on Super Boy, China’s wildly popular
televised singing competition. The regimen is gruelling, the stakes incredibly high,
the rewards almost too good to be true. But after the spotlight dims, will any of these
competitors be closer to becoming real artists or real adults?
Without being heavy handed, I Am Here uses its study of Super Boy as a means to
examine China’s particular politics of conformity. While coaches encourage the
competitors to be themselves, everything from singing style to haircuts is clearly
limited to few variations. A revealing excerpt from an earlier season of Super Boy
shows a judge quitting in the middle of a broadcast to protest an “unconventional”
performance. The question of how much discipline is too much constantly arises. “I
deserve every slap,” says one competitor after publicly receiving corporal punishment
from an unhappy coach.
Still, I Am Here is also, quite simply, a lot of fun. No matter how much stress is involved in
the preparation, there’s no denying that when these young men open their mouths—
and hearts—to sing, everything else falls away, and something magical takes over.
Director:
Fan Lixin
China, 2014
Idioma / Language:
Mandarín / Mandarin
Duración / Length:
88 min.
EE Media, Oriental Companion Media
Fan Lixin nació y se crió en Wuhan,
China. Vive y trabaja en Montreal.
Ha dirigido los largometrajes
documentales Último tren a casa (09) y
Estoy aquí (14).
Fan Lixin was born and raised in
Wuhan, China. He lives and works in
Montreal. He has directed the featurelength documentaries Last Train Home
(09) and I Am Here (14).
Zeng Yun, Liu Jing
Fan Lixin
Fan Lixin
Editor:
Xu Jing
Li Hao, Paul Morris / Li Hao, Paul Morris
Música / Music:
Simon Chapelle
Contacto / Contact:
Cat&Docs
Email:
[email protected]
166
Gigante
Todos conocemos historias de héroes y atletas que superan enormes obstáculos de
índole sociológica o política, pero la increíble historia real registrada en Gigante, de
Chusy Jardine es única y singular. Aunque nació en un hogar humilde, el obstáculo
que hizo tan difícil para el fantástico pelotero puertorriqueño Andrés “Yungo” Torres
llegar a las grandes ligas era puramente químico. Torres tiene un trastorno por déficit
de atención e hiperactividad, que solo fue diagnosticado cuando tenía 24 años, y no
recibió tratamiento médico hasta los 29. Tras pasar 12 años en ligas menores como
una promesa, Torres se convirtió en un Gigante solo después de aceptar y lidiar con
su TDAH.
Pasando con gracia de puestas en escena de impecable cinematografía a entrevistas
con amigos, familiares y colegas, así como numerosos académicos y médicos, Gigante
resulta emocionante y conmovedora. El filme nos ayuda a comprender qué hace tan
especiales a aquellos que padecen desórdenes de atención, y a la vez los desafía cada
día: una mezcla de impresionante energía y voluntad, y una debilitante dificultad
respecto al enfocarse y al control de los impulsos. A través del lente de Chusy Jardine
vemos con empatía al pequeño Torres saltando entre árboles e insistiendo como
maniático en entrenar su bateo en mitad de la noche. Así mismo vemos al adulto Torres
triunfante en el diamante y creando una feliz familia para sí mismo. Comprendemos
que se trata de la misma persona, con la única diferencia marcada por un asunto de
conocimiento, determinación y tratamiento.
167
We’ve all heard tales of heroes and athletes who overcome great obstacles of a
sociological or political nature, but the incredible true story chronicled in Chusy
Jardine’s Gigante tells a rather different kind of story. Though he came from humble
roots, the obstacle that made it so arduous for the amazing Puerto Rican baseball
player Andrés “Yungo” Torres to reach the big leagues was purely chemical. Torres
has attention deficit hyperactivity disorder, though he wasn’t diagnosed until he was
24 and didn’t begin taking medication until he was 29. After spending 12 years as a
promising star in the minors, Torres finally became a Giant only after coming to terms
with his ADHD.
Swinging back and forth between handsomely photographed re-enactments and
interviews with friends, family and colleagues, as well as numerous academics
and doctors, Gigante is both thrilling and poignant. The film helps us understand
what makes those afflicted with attention disorders very special, but also specially
challenged: that mixture of tremendous energy and drive with debilitating problems
of focus and impulse control. Through Jardine’s sympathetic lens we see the child
Torres ranting from treetops and manically insisting on practicing his batting in the
middle of the night. We also see the adult Torres triumphant on the diamond and
starting a happy family of his own. And we realize that both are the same person, the
sole difference being a matter of awareness, determination, and treatment.
Director:
Chusy Jardine
Estados Unidos, Puerto Rico, 2014 / United
States, Puerto Rico, 2014
Idioma / Language:
Inglés, español / English, Spanish
Duración / Length:
80 min.
Chusy Jardine nació en Venezuela. Sus
películas incluyen Cualquier lugar,
EE.UU. (08), Un paseo con George (09),
Insane (11) y Gigante (14).
Chusy Jardine was born in Venezuela.
His films include Anywhere, USA (08), A
Ride with George (09), Insane (11) and
Gigante (14).
Plan A Films
Chusy Jardine
Chusy Jardine
Chusy Jardine
Editor:
Chusy Jardine, Andy O’neil
Chusy Jardine, Andy O’Neil, Shane Eitner
Música / Music:
Chusy Jardine
Contacto / Contact:
Chusy Jardine
Email:
[email protected]
168
Senyap
La mirada del silencio
The Look of Silence
El acto de matar de Joshua Oppenheimer es uno de los sucesos documentales de
nuestra era, a la vez profundamente humano y firme en su decisión de mirar de frente
la maldad más pura. La mirada del silencio continúa y complementa aquella película.
Mientras que el anterior filme se centraba en los victimarios que perpetraron las
atrocidades de la purga anticomunista en Indonesia entre 1965 y 66, el presente
torna su mirada hacia las víctimas, que casi 50 años más tarde continúan viviendo
con miedo.
El personaje central es Adi, un optometrista del pueblo. Su hermano fue masacrado
durante ese periodo, y en sus recorridos por la región haciendo exámenes de la visión
le pregunta a sus pacientes sobre lo que recuerdan de ese momento de la historia que
tanto quisieran olvidar. Adi logra confrontar e interrogar a los hombres que mataron a
su hermano, quienes en su totalidad siguieron viviendo en la comunidad ostentando
posiciones de autoridad. No exageramos al sugerir que lo que sigue a continuación es
uno de los gestos de reconciliación más profundos que ha registrado el cine.
Con una muestra de entereza moral y coraje materializados artísticamente, La mirada del
silencio expande el alcance del cine de no ficción con tanta maestría como lo hace El acto
de matar. Pero a diferencia de su predecesor y su obligado tono sombrío, este documental
intenta salir del abismo y enfilar hacia un cambio social absolutamente necesario.
169
Joshua Oppenheimer’s The Act of Killing was one of the documentary events of our
time, at once deeply humane and unwavering in its willingness to look true evil in the
eye. The Look of Silence is Oppenheimer’s follow-up and companion piece to The Act
of Killing. Where that earlier film focused on the perpetrators of atrocities committed
during Indonesia’s 1965-66 anti-communist purge, this new film turns its gaze upon
the victims, who nearly 50 years later continue to live in fear.
The film’s central figure is Adi, a village optometrist. Adi’s brother was slaughtered
during the purge, and as he journeys throughout the region, conducting eye exams,
he begins to query his clients regarding their recollections of that horrifying moment
in their history they’d just as soon forget. Adi is eventually able to confront the men
who killed his brother, all of whom have remained in his community in positions
of authority. It is no hyperbole to suggest that what transpires is among the most
profound gestures of reconciliation recorded on film.
A work of moral fortitude that is also artful and tremendously courageous, The Look
of Silence is every bit the masterwork of nonfiction cinema that The Act of Killing was.
And unlike its necessarily bleak predecessor, this film attempts to move its way out of
the abyss toward desperately needed social change.
Director:
Joshua Oppenheimer
Dinamarca, Finlandia, Indonesia, Noruega, Reino
Unido, 2014 / Denmark, Finland, Indonesia,
Norway, United Kingdom, 2014
Idioma / Language:
Indonesio, javanés / Indonesian, Javanese
Duración / Length:
99 min.
Final Cut for Real
Joshua Oppenheimer nació en Austin,
Texas y vive en Copenhague. Sus
documentales incluyen La historia
completa de la compra de Luisiana (98),
El acto de matar (12) y La mirada del
silencio (14).
Joshua Oppenheimer was born in
Austin, Texas and lives in Copenhagen.
His documentaries include The Entire
History of the Louisiana Purchase (98),
The Act of Killing (12) and The Look of
Silence (14).
Signe Byrge Sørensen
Joshua Oppenheimer
Joshua Oppenheimer
Editor:
Niels Pagh Andersen
Lars Skree
Música / Music:
Seri Banang, Mana Tahan, Lukisan Malam
Contacto / Contact:
Cinephil - Danish Film Institute
Email:
[email protected]
170
Le sel de la terre
La sal de la tierra
The Salt of the Earth
Con un balance magistral de lo sombrío y lo espectacular, La sal de la tierra se
adentra en el trabajo y la vida del fotógrafo brasileño Sebastião Salgado, conocido
mundialmente por sus agudas e inquietantes imágenes sobre el desplazamiento
forzoso, la hambruna, la pobreza y la guerra.
Salgado comenzó una carrera como economista antes de desarrollar su conciencia
social y pasar a la fotografía durante sus viajes a África con la Organización Mundial del
Café y el Banco Mundial. Su obra abarca cuatro décadas y varios continentes. Muchas
de sus fotos son al mismo tiempo devastadoras e indudablemente preciosas, desafían
nuestra noción de la belleza estética y nos ofrecen una ventana a las dificultades de
los pueblos marginalizados, desarraigados y perseguidos del mundo. Así mismo, este
astuto y curioso retrato documental cumple la misma función, mientras nos acerca
por fin al hombre detrás de la cámara.
Los directores de La sal de la tierra son el gran realizador alemán Win Wenders, quien, como
Salgado, ha recorrido el planeta en busca de historias genuinas, y Juliano Ribeiro Salgado,
hijo del artista. La colaboración de estas tres mentes sensibles y conscientes es inspirada
y fructífera. La sal de la tierra es una historia de inquietud, creatividad y compasión, y el
milagroso momento en que todas confluyen para crear imagen tras imagen.
171
A spellbinding balance of the sombre and the spectacular, The Salt of the Earth
examines the life and work of Brazilian photographer Sebastião Salgado, worldrenowned for his stark and startling images of displacement, famine, destitution and war.
Salgado began his career as an economist before developing a political conscience
and switching to photography during visits to Africa while working for the
International Coffee Organization and the World Bank. His body of work spans four
decades and several continents. So many of his images are at once devastating and
breathtakingly gorgeous, challenging us to question the complex nature of aesthetic
beauty while providing us with a greater awareness of the plight of marginalized,
uprooted and persecuted peoples around the world. By extension, this curious and
wise documentary portrait performs much the same task, while bringing us closer to
the man behind the camera.
The directors of The Salt of the Earth are New German Cinema giant Wim Wenders,
who has, like Salgado, spent his career traversing the planet in search of stories, and
Juliano Ribeiro Salgado, the photographer’s son. The collaboration between these
three sensitive and empathetic artists is inspiring and fruitful. The Salt of the Earth
is a story of restlessness, creativity and compassion, all converging in one incredible
image after another.
Director:
Juliano Ribeiro Salgado, Wim Wenders
Francia, Brasil, Italia, 2014 / France, Brazil, Italy,
2014
Idioma / Language:
Inglés, francés, portugués / English, French,
Portuguese
Duración / Length:
110 min.
Decia Films, Amazonas images, Solares
Fondazione delle Arti
Wim Wenders
Juliano Ribeiro Salgado, Wim Wenders, David
Rosier, Camille Delafon
Hugo Barbier, Juliano Ribeiro Salgado
Música / Music:
Laurent Petitgand
Reparto / Cast:
Sebastião Salgado, Wim Wenders,
Juliano Ribeiro Salgado
Juliano Ribeiro Salgado nació en Paris, donde
creció en una comunidad franco-brasileira. Sus
películas incluyen incluyen Paris la métisse
(05), Nauru, une île à la dérive (09) y La sal de la
tierra (14).
Juliano Ribeiro Salgado was born in Paris,
where he grew up in a Franco-Brazilian
environment. His films include Paris la métisse
(05), Nauru, une île à la dérive (09) and Salt of
the Earth (14).
Wim Wenders nació en Düsseldorf. Estudió
medicina y filosofía sin terminar ninguna. Ha
dirigido numerosas películas como El amigo
americano (77), París, Texas (84), que ganó la
Palma de Oro, El cielo sobre Berlín (87), Buena
Vista Social Club (99) Pina (11) y La sal de la
Tierra (14).
Juliano Ribeiro Salgado
Wim Wenders was born in Düsseldorf. He
studied medicine and philosophy without
completing a degree. He has directed
numerous films including The American Friend
(77), Paris, Texas (84), which won the Palme d’Or,
Wings of Desire (87), Buena Vista Social Club
(99) Pina (11) and The Salt of the Earth (14).
Contacto / Contact:
Email:
[email protected]
Wim Wenders
172
Marmato
Los habitantes de Marmato, un pueblo en las montañas de Colombia, viven de manera
humilde, muchos de ellos en casas que están a punto de venirse abajo. Pero justo debajo
de Marmato hay unos 20 billones de dólares en oro puro. El urgente, íntimo y penetrante
documental de Mark Grieco nos lleva a lo profundo de las minas de 500 años de Marmato,
y a los hogares de quienes en ellas trabajan. Marmato nos muestra un lugar y una forma
de vida que están al borde de un cambio enorme, y potencialmente desastroso.
En la última década el gobierno colombiano ha abierto sus minas a la inversión extranjera,
al tiempo que prohíbe las técnicas mineras tradicionales y corta el suministro de dinamita
que requieren. El 80 % de las minas colombianas ya han sido vendidas, principalmente a
una sola empresa canadiense de extracción de recursos que terminó fusionándose con
una homóloga local. Marmato es uno de los pocos lugares en Colombia donde continúa
la resistencia a la inversión foránea, donde los dueños de las minas aún esperan recibir
mejores propuestas de negocios y los mineros se ven forzados a trabajar ilegalmente.
Por ahora la vida sigue igual, pero todos saben que solo es cuestión de tiempo el que una
empresa gigantesca arrase el pueblo entero para abrir una gran mina a cielo abierto.
Grieco pasó seis años en Marmato, conociendo y entrevistando personas en cada lado
de la historia, desde los jornaleros hasta los ejecutivos de las mineras. El resultado es un
análisis sobrio del significado actual de la globalización, que se resiste a simplificar los
complejos temas que aborda, pero tampoco nos permite olvidar que en últimas se trata
de vidas muy reales que están en juego.
173
The citizens of the Colombian alpine village of Marmato live very humbly, many in
houses on the verge of collapse. But directly underneath Marmato lies $20 billion
dollars in gold. Mark Grieco’s urgent, intimate incisive documentary takes us deep
into Marmato’s 500-year-old mines and the homes of those who work them. Marmato
shows us a place and a way of life on the verge of great—and likely catastrophic—
change.
In the last decade the Colombian government has opened up its mines to foreign
investors, forbidden Marmato’s antiquated mining practices, and cut off Marmato’s
supply of dynamite. 80% of Colombia’s mines have already been sold off, largely to
a single Canadian resources corporation who eventually merged with a Colombian
company. Marmato is one of the few places in Colombia where resistance to foreign
investment continues, mine owners are still holding out for a better deal, and miners
are forced to work illegally. Life, for now, goes on, though everyone knows it’s only a
matter of time before the corporate juggernaut swoops in and levels the entire village
for open-pit operations.
Grieco spent six years in Marmato, meeting and interviewing individuals on every
side of the story, from the labourers to corporate representatives. The result is a sober
study of globalization, which never oversimplifies the complicated issues at hand, yet
also refuses to let us forget the very real lives at stake.
Director:
Mark Grieco
Estados Unidos, Colombia, 2014 / United States,
Colombia, 2014
Idioma / Language:
Inglés, español / English, Spanish
Duración / Length:
88 min.
Mark Grieco estudió producción de
cine en la Universidad de New York.
Marmato (14) es su primer largometraje
documental.
Mark Grieco studied film production at
New York University. Marmato (14) is
his first feature documentary.
Calle Films
Stuart Reid, Mark Grieco
Mark Grieco, Stuart Reid
Mark Grieco
Editor:
Ricardo Acosta
Mark Grieco
Música / Music:
Todd Boekelheide
Mark Grieco
Reparto / Cast:
José Dumar, Conrado , Lucelly , Lawrence Perkes,
Johann Bolaños, Luis Gonzaga
Contacto / Contact:
Mark Grieco
Email:
[email protected]
174
Tuulensieppaajat
Pixadores
Enigmática pero cargada de una ferocidad política, “pixação” es una forma única de
arte callejero de São Pablo, surgida de la marginalidad para adornar sus símbolos
más altos de afluencia y desigualdad. El realizador audiovisual, radicado en Finlandia,
Amir Escandari debuta en el género documental con la historia de cuatro “pixadores”,
jóvenes sin privilegios que luchan por sostener a sus familias en una ciudad que
no ofrece muchas posibilidades de trabajo remunerado de forma decente. Con
impresionantes hazañas de destreza y arrojo, estos hombres escalan inaccesibles
rascacielos y se montan en los trenes para dejar azarosas muestras de arte para el resto
de la ciudad. Pixadores es un filme sobre gente sin voz que finalmente ha encontrado
una forma de hacerse oír.
En São Pablo los “pixadores” son ilegales, pero gracias a los esfuerzos de Djan, su
carismático portavoz, los invitan a la Bienal de Berlín, donde los reciben como
artistas. La legitimidad, sin embargo, viene con sus propias complicaciones, y algunas
de las secuencias más dramáticas de la película surgen de la confrontación de los
protagonistas con sus anfitriones, quienes no logran entender que “pixação” no es un
arte que se pueda contener dentro de un marco sencillo.
Capturando la acción en un exquisito blanco y negro, con ocasionales explosiones
de color, Escandari cuenta su historia con imágenes tan agudamente poéticas como
el arte que la inspira. Pixadores es una prometedora evaluación de lo que significa
comenzar una revolución cuando la única arma a la mano es pintura.
175
Enigmatic yet loaded with a fierce political charge, “pixação” is a form of street art
unique to São Paulo, rising up from the city’s margins to emblazon its tallest symbols
of affluence and class disparity. Finland-based filmmaker Amir Escandari’s feature
documentary debut tells the story of four “pixadores”, underprivileged young men
who struggle to provide for their families in a city that yields little gainful employment.
In spectacular feats of dexterity, these men take to scaling São Paulo’s least accessible
buildings and mounting its trains, leaving hastily made artwork for all to see. Pixadores
is a film about the voiceless finding a voice—and actually getting heard.
In São Paulo the “pixadores” are outlaws, but thanks to the efforts of Djan, their
charismatic spokesman, they are invited to the Berlin Biennale, where they are
embraced as artists. But legitimacy comes with complications, and some of Pixadores’
most dramatic scenes come out of tense confrontations between our protagonists
and their hosts, who fail to understand that “pixação” is not an art form that can be
contained within a tidy frame.
Capturing the action in gorgeous black and white—with occasional dazzling bursts
of colour—Escandari tells his story in images as starkly poetic as the artwork at its
center. Pixadores is an inspiring examination of what it means to start a revolution
when paint is your only weapon.
Director:
Amir Escandari
Finlandia, 2013 / Finland, 2013
Idioma / Language:
Portugués / Portuguese
Duración / Length:
90 min.
Story AB
Miia Haavisto
Amir Escandari nació en Teherán. Su
familia se vio obligada a salir de Irán
y obtuvo asilo en Finlandia. Estudió
dirección de cine en la Universidad de
Gales, Newport. Pixadores (14) es su
primer largometraje documental.
Amir Escandari was born in Tehran.
His family was forced to leave Iran and
were granted asylum in Finland. He
studied film directing at the University
of Wales, Newport. Pixadores (14) is his
feature documentary debut.
Amir Escandari
Amir Escandari
Editor:
Søren B. Ebbe
Peter Flinckenberg
Música / Music:
Michel Wenzer
Reparto / Cast:
Djan Ivson Silva, Ricardo Rodrigo de Lima Luís,
William Pereira da Silva, Edmilson Vitor dos
Santos Barbosa
Contacto / Contact:
The Yellow Affair
Email:
[email protected]
176
Beats of the Antonov
Beats of the Antonov
Al menos un millón y medio de personas han sido desplazadas durante la prolongada
guerra civil de Sudán. El realizador y periodista sudanés Hajooj Kuka pasó dos años
entre los campos de refugiados y las zonas montañosas de Nuba y del Nilo Azul,
registrando actos devastadores de violencia, conociendo a los sobrevivientes y siendo
testigo de su continua lucha por proteger sus derechos y mantener viva su cultura a
través de la música y la danza. Hablar de la resistencia del espíritu humano frente a
la desesperanza puede sonar como una obviedad común, pero Ritmos del Antonov
provee prueba suficiente cuán fuerte y perseverante puede llegar a ser un pueblo.
Ganadora del Premio del Público a Mejor Documental del Festival de Cine de Toronto,
Ritmos es rigurosa en su investigación y estructura, y claramente informativa, al
tiempo que resulta ágil y energética. En una secuencia, Kuka corta de unos aviones
Antonov ucranianos en pleno ataque a un grupo de hombres creando música muy
animada con el rebaba. En algunas otras, el filme le ofrece a sus entrevistados el
tiempo necesario para que profundicen en sus propios términos en su sufrimiento, y
compartan sus tácticas de sobrevivencia tanto físicas como espirituales.
Ritmos del Antonov se mantiene positiva a pesar de los horrores que investiga. Nos
deja con una mayor comprensión de cómo el canto puede cumplir múltiples funciones
en la vida de una comunidad y convertirse en la fuente de su resistencia.
177
At least 1.5 million people have been displaced in Sudan’s long-running civil war.
Over the course of two years, Sudanese journalist and filmmaker Hajooj Kuka spent
extended periods on the ground in refugee camps and in the warring Blue Nile and
Nuba Mountains regions, recording acts of devastating violence, meeting survivors,
and bearing witness to their on-going struggle to protect their rights and keep their
culture alive through music and dance. To speak of the endurance of the human spirit
in the face of despair may sound like a shop-worn platitude, but Beats of the Antonov
provides startling evidence of just how rugged and durable a people can be.
Winner of the People’s Choice Award for Best Documentary at the Toronto International
Film Festival, Beats of the Antonov is rigorously assembled and hugely informative
while also being fleet and energetically edited. In one sequence Kuka cuts between
Ukrainian-made Antonov planes launch air strikes and men creating exhilarating
music on the rebaba. In other sequences Kuka allows his subjects to speak at length
about their plight, to describe their survival tactics—both physical and spiritual—in
their own words.
Beats of the Antonov remains uplifting despite the horrors it reports. It provides us
with a deeper understanding of how song can serve multiple functions in the life of a
community and constitute the bedrock of its resilience.
Director:
Hajooj Kuka
Sudán, Sudáfrica, 2014 / Sudan, South Africa,
2014.
Idioma / Language:
Árabe / Arabic
Duración / Length:
68 min.
Refugee Club, Big World Cinema
Hajooj Kuka nació en Sudán y se mueve
entre Nairobi, Kenia, y las montañas
Nuba de Sudán. Es un reportero de
guerra y director de documentales.
Ritmos del Antonov (14) es su última
película.
Hajooj Kuka was born in Sudan and
is currently based between Nairobi,
Kenya, and Sudan’s Nuba Mountains.
He is a war reporter and documentary
filmmaker. Beats of the Antonov (14) is
his latest film.
Steven Markovitz, Hajooj Kuka
Hajooj Kuka, Ephrem Kossaify
Hajooj Kuka
Editor:
Hajooj Kuka, Khalid Shamis
Hajooj Kuka
Música / Music:
Alsarah
Contacto / Contact:
Big World
Email:
[email protected]
178
Serrat y Sabina: el símbolo y el cuate
Serrat & Sabina: Two for the Road
Joan Manuel Serrat y Joaquín Sabina son leyendas vivas, íconos musicales inconfundibles.
Los dos son españoles, pero en el curso de sus largas carreras—en particular durante la
gran agitación política de los años 1970—su obra ha tenido su mayor resonancia y sentido
de pertinencia en América Latina.
Serrat y Sabina: el símbolo y el cuate documenta el tour que Serrat y Sabina emprendieron
en 2012 para promocionar su más reciente colaboración, La orquesta del Titanic. Ese título
denota melancolía, diversión—el sonido de una despedida definitiva—, pero la vitalidad de
estas estrellas y de la música que siguen produciendo nos reafirma que este querido par de
trovadores no va a hundirse tan fácilmente.
Desde Ciudad de México, donde Serrat armó una vez un tour en una casa móvil que
bautizó como su comadre “La gordita”, hasta Buenos Aires, donde Ricardo Darín comenta
la importancia que tuvo la música de Serrat para una generación oprimida, pasando
por Lima, donde Sabina recita pasajes de César Vallejo, o por Montevideo, donde los dos
se encuentran y departen y recuerdan con el escritor Eduardo Galeano, cada una de las
paradas en el itinerario de Serrat y Sabina: el símbolo y el cuate nos arroja de lleno en el
pasado, a una cantidad de eventos históricos, tanto trágicos como triunfales, que Serrat y
Sabina de alguna u otra forma presenciaron, vivieron o cantaron.
Pero Serrat y Sabina: el símbolo y el cuate es así mismo una obra del presente inmediato,
sobre un par de sobrevivientes que siguen disfrutando a fondo cada momento, y que
transforman las apreciaciones y experiencias que acumulan en música totalmente emotiva.
179
Joan Manuel Serrat and Joaquín Sabina are living legends, musical icons without peers.
Both are Spanish, yet over the course of their long careers—most especially during the
manifold political tumult of the 1970s—their work has found its greatest resonance
and sense of urgency in Latin America.
Serrat & Sabina: Two for the Road chronicles Serrat and Sabina’s 2012 Latin American
tour in support of their latest collaboration, La Orquestra del Titanic. That title suggests
melancholy, merriment - the sound of final farewell - but the vitality of these men and
the music they continue to produce assures us that these beloved troubadours are
anything but sunk.
From Mexico City, where Serrat once improvised a tour in an RV named after his old
comrade “La Gordita,” to Buenos Aires, where Ricardo Darín speaks to the importance
of Serrat’s music to an oppressed generation, to Lima, where Sabina recites César
Vallejo, to Montevideo, where the pair reminisce with writer Eduardo Galeano, every
stop along Serrat & Sabina: Two for the Road’s itinerary sweeps us into the past, into
the many historical events both tragic and triumphant that Serrat and Sabina have
either witnessed, participated in or composed songs about.
But Serrat & Sabina: Two for the Road is also very much about the present, about
survivors who continue to live life to the fullest—and to transform the experiences
and observations of that life into stirring music.
Director:
Francesc Relea
Idioma / Language:
Español / Spanish
Duración / Length:
83 min.
Whats up Doc, Lastor Media
Isabel Jubert, Tono Folguera
Francesc Relea
Francesc Relea es periodista. Comenzó
a trabajar para El Periódico de Cataluña
y más tarde se unió al equipo de 30
minuts de Televisió de Catalunya.
También trabajó para el diario El País.
Serrat y Sabina: el símbolo y el cuate (13)
es su primera película.
Francesc Relea is a journalist. He began
working for El Periódico de Cataluña
and later joined the team of 30 Minuts
de Televisió de Catalunya. He also
worked for the daily El País. Serrat &
Sabina: Two for the Road (13) is his
first film.
FRANCESC RELEA
Editor:
Carlos Prieto
Carlos Carcas, Carles Mestres
Música / Music:
Joan Manuel Serrat, Joaquín Sabina
Reparto / Cast:
Carlos Ares, Estefanía Becker, Pedro Benavente,
Roberto Burns
Contacto / Contact:
Isabel Jubert
Email:
[email protected]
PARA TODA LA FAMILIA
F A M I L Y
C O R N E R
Un lugar especial para que las familias se reúnan en torno a
la magia del cine, con un programa que además deja entrever
las formas de vida de las familias en otras partes del mundo.
A special space for the entire family to come together and
enjoy the magic of cinema, this program highlights the best
of today’s most colorful family-friendly films and provides a
glimpse of family life elsewhere.
182
PAR A TO DA L A FA M IL IA | FAMILY C OR NER
Canción del mar
Song of the Sea
Con las voces de los queridos actores irlandeses Brendan Gleeson y Fionnula Flanagan,
esta historia en clave de cuento de hadas sobre una familia que supera el dolor y
descubre secretos mágicos ancestrales, es la segunda película animada que ha sido
nominada al Óscar del director de El secreto de Kells, Tomm Moore.
El pequeño Ben y su hermanita Saorsie han sido arrancados de su hogar en el faro,
donde su padre aún llora a su esposa desaparecida tiempo atrás. Los niños van a Dublín
a vivir con su abuela, pero pronto notan que la vida citadina afecta negativamente a
Saorsie, al punto que su supervivencia depende de estar cerca al mar. Cariñosa pero un
poco extraña, la niña nunca ha hablado, así que es Ben quien debe liderar el regreso a
casa, un viaje que incluirá a tres viejos hados-trovadores y a un gigante tristón.
Inspirada en el mito céltico del selkie—una criatura mitad foca mitad humana que
algunos recordarán del cuento de John Sayles El secreto de Roan Inish—es una historia
de hazañas, lazos familiares y de autodescubrimiento. El estilo de las figuras y paisajes
es encantadoramente simple, pero hay incontables detalles que sostienen la magia: la
forma en que la brisa marina agita el pelo y la ropa, los brillos de las velas en un pastel
de cumpleaños, la lucha de las burbujas en el agua tras el paso de las focas. Se trata de
una maravillosa historia que nos reconforta, llena de aventura y profundas emociones.
PA RA TOD A LA FAMILIA | FAMILY CORN ER
183
Featuring the voices of beloved Irish actors Brendan Gleeson and Fionnula Flanagan,
this fable-like story of a family overcoming grief and rediscovering ancient magical
secrets is the second Oscar-nominated animated film from Secret of Kells director
Tomm Moore.
Unhappily uprooted from their lighthouse home, where their father still grieves for
their mother who disappeared long ago, little Ben and his younger sister Saoirse are
taken to Dublin to live with their granny. There the siblings quickly surmise that city
life is no good for Saoirse—her survival seems dependant on staying close to the sea.
A strange but enchanting girl, Saoirse has never spoken a word, so it’s up to Ben to lead
the journey home—a journey that will involve a trio of elderly fairy troubadours and
a weeping giant.
Inspired by the Celtic myth of the selkie—a seal-human creature that some will
recognize from John Sayles’ lovely The Secret of Roan Inish—Song of the Sea is a tale
of derring-do, familial bonds and discovering one’s self. The figures and landscapes are
charmingly simple, yet there are countless subtle, effervescent details: the way a sea
breeze whips at hair and clothes, the soft glow of birthday cake candles, the trials of
tiny bubbles in the wake of swimming seals. This is a heart-warming wonder brimming
with high adventure and deep emotions.
Director:
Tomm Moore
Irlanda, Luxemburgo, Bélgica, Francia, Dinamarca,
2014 / Ireland, Luxembourg, Belgium, France,
Denmark, 2014
Idioma / Language:
Inglés, irlandés, gaélico escocés / English, Irish,
Scottish Gaelic
Duración / Length:
93 min.
Melusine Productions, The Big Farm, Superprod,
Nørlum, Cartoon Saloonz
Paul Young, Claus Toksvig Kjaer, Ross Murray, Stephan
Roelants, Serge Umé, Marc Umé, Isabelle Truc,
Clément Calvet, Jérémie Fajner, Frederik Villumsen
Will Collins
Tomm Moore nació en Newry, Irlanda
del Norte, y estudió animación en
Ballyfermot College de Dublín. Fue
co-fundador del estudio de animación
Cartoon Saloon. Sus créditos como
director incluyen de El Profeta de Kahlil
Gibran (14) y las películas de animación
The Secret of Kells (09) y Canción
del mar (14), ambas nominadas a los
premios Óscar.
Tomm Moore was born in Newry,
Northern Ireland, and studied
animation at Ballyfermot College in
Dublin. He co-founded the animation
studio Cartoon Saloon. His directorial
credits include Kahlil Gibran’s the
Prophet (14) and the animated features
Secret of Kells (09) and Song of the
Sea (14), both of which have been
nominated for Oscars.
Editor:
Darragh Byrne
Director de Animación / Animation Director:
Fabian Erlinghauser, Frederik Villumsen
Música / Music:
Bruno Coulais, Kíla
Reparto / Cast:
Brendan Gleeson, Fionnula Flanagan, Pat Shortt,
David Rawle, Lisa Hannigan, Jon Kenny,
Lucy O’Connell
Contacto / Contact:
Westend Films
Email:
[email protected]
Tomm Moore
184
La oveja Shaun
Shaun the Sheep
Este es el debut en la gran pantalla de un querido personaje lanudo, a quien conocimos en
la exitosa serie animada de Aardman que nos trajo a los personajes de Wallace y Gromit.
Buscando alguna forma de romper la monotonía que impera en la Granja Mossy
Bottom, Shaun desencadena una serie de eventos improbables que culminan con al
Granjero rodando dentro de una casa móvil hacia la gran ciudad, en donde un golpazo
en la cabeza le produce un caso de amnesia. Ante semejante situación, el asustado
Shaun y su grupo de cuadrúpedos se dirigen a la urbe para encontrar al Granjero,
no sin antes enfrentar a un desaforado cazador de animales que pronto comienza a
perseguirlos. La misión de rescate se convierte así en algo mucho más complejo de lo
que nadie pudiera imaginarse.
Filmada con el reconocible estilo táctil de animación por cuadro de Aardman, La oveja
Shaun nos lleva de una increíble escena a la otra. Disfraces hilarantes e ingeniosos,
afiladas referencias culturales y brillantes secuencias de persecución abundan en la
trama. Es definitivamente mucha más diversión de la que ningún animal de granja
debería soportar, ¡le aconsejamos que lleve a todo su rebaño a verla!
185
Based on the hit Aardman Animations television series—and the character first
introduced in the Wallace and Gromit short A Close Shave—Shaun the Sheep is the
spectacular big-screen debut of the loveably woolly titular barnyard animal.
Scheming for some way to break the monotony of life on Mossy Bottom Farm, Shaun
unintentionally sets off a chain of wacky events that culminates with Farmer rolling
away in a mobile home toward the big city, where a concussion gives him a case of
amnesia. Panicked Shaun and his four-legged friends herd their way to the city to
track Farmer down, but an overeager animal catcher is soon on their tails, and this
reconnaissance mission becomes a far hairier adventure than anyone would have
ever imagined.
Shot in Aardman’s beautifully tactile stop-motion style, Shaun the Sheep scurries
from one inspired set piece to another. Hilarious disguises, kooky cultural references
and brilliantly brisk chase sequences abound. This is more fun than any farm animal
should have—we advise you and your family to flock to it!
Director:
Mark Burton, Richard Starzak
Reino Unido, Francia, 2015 / United Kingdom,
France, 2015
Duración / Length:
85 min.
Aardman Animations Ltd., Anton Capital,
StudioCanal
Paul Kewley, Julie Lockhart
Richard Starzak, Mark Burton
Editor:
Sim Evan-Jones
Charles Copping, Dave Alex Riddett.
Música / Music:
Ilan Eshkeri
Reparto / Cast:
Justin Fletcher (voz/voice), John Sparkes (voz/
voice), Omid Djalili, Richard Webber
Mark Burton creció en Whitchurch-on-Thames,
Oxfordshire, Inglaterra. Estudió historia en
la Universidad de York. Sus créditos como
guionista incluyen Madagascar (05) y Aliens in
the Attic (09). La oveja Shaun (15), codirigida con
Richard Starzak, marca su debut como director.
Mark Burton grew up in Whitchurch-on-Thames,
Oxfordshire, England. He studied history at the
University of York. His screenwriting credits
include Madagascar (05) and Aliens in the Attic
(09). Shaun the Sheep (15), co-directed with
Richard Starzak, marks his directorial debut.
Richard Starzak nació en Suffolk, Inglaterra.
Estudió Bellas Artes en el Exeter College de Arte
y Diseño. Ha trabajado en numerosas películas
de animación como profesional independiente
y con Aardman Animations y la BBC. La oveja
Shaun (15), codirigida con Mark Burton, es su
debut como director.
MARK BURTON
Richard Starzak was born in Suffolk, England.
He studied fine arts at Exeter College of Art and
Design. He has worked on numerous animated
films as a freelancer and with Aardman
Animations and the BBC. Shaun the Sheep (15),
co-directed with Mark Burton, is his feature
directorial debut).
Contacto / Contact:
U.I.P of Panama Inc.
Email:
[email protected]
RICHARD STARZAK
186
Quatsch und die Nasenbärbande
La pandillita
Fiddlesticks
Justo en la mitad de Alemania queda Bollersville, pueblo al que llaman ‘el ombligo del
mundo’, y que epitomiza lo que se considera normal. Habitantes promedio con salarios
promedio que viven en casas todas iguales, manejan aburridos autos hasta almacenes
iguales a cualquier otro para comprar productos genéricos. La gente de Bollerville es
tan perfectamente promedio que la compañía de estudios de consumo GKF determina
qué productos salen al mercado probándolos primero en este anodino enclave.
Eso es hasta que una pandilla de seis pequeños agitadores se cansan de tanta
normalidad. En compañía de Fiddlesticks, su talentoso e inteligente coatí, los niños se
preparan para hacer lo que sea necesario para transformar a Bollerville de un pueblo
cualquiera a una emocionante zona de innovación tecnológica –aún si eso implica
ponerle drogas a la fuente de agua del pueblo, secuestrar un camión de basura y
liberar a sus abuelos de un deprimente ancianato-.
Dirigida por el veterano realizador Veit Helmer, La pandillita es la aventura más
divertida, con un ritmo juguetón y una historia sobre lo que se necesita para vencer
la adversidad, marcar un nuevo record y ser capaz de reinventar lo que se ha vuelto
habitual. Estos pequeños descarriados arman todo un zafarrancho, pero logran
enseñarle a los adultos una importante lección: Nada está completamente dañado,
¡solo necesita una pequeña transformación!
187
Located right in the center of Germany—and thus dubbed “the belly button of the
world”—Bollersville is the epitome of average. Average citizens of average income
who live in average homes and drive average cars to average stores to buy average
products. The people of Bollerville are so perfectly average that the GKF consumer
research company determines which new products to put out in the market by first
testing them here.
But a gang of six little mischief-makers have had enough of all this averageness. Along
with Fiddlesticks, their talented and super-smart pet coatí, these kids are prepared
to go to any lengths to transform Bollerville from a boring middle-of-the-road town
to a zany hotbed of technological innovation—even if it means drugging the town’s
water supply, hijacking a garbage truck and liberating their grandparents from an
oppressive nursing home.
Helmed by veteran director Veit Helmer, Fiddlesticks is a fun-filled, giddily paced
adventure about beating the odds, setting new records and always being ready to
reinvent the familiar. These restless tykes might cause a lot of mayhem, but they
teach their parents an important lesson: nothing is ever really broken—it’s just being
converted!
Director:
Veit Helmer
Alemania, 2014 / Germany, 2014
Idioma / Language:
Alemán / German
Duración / Length:
82 min.
Veit Helmer nació en Hanover,
Alemania. Sus créditos como director
incluyen ¡Sorpresa! (96) Tuvalu (99)
Absurdistan (08) y La pandillita (14).
Veit Helmer was born in Hannover,
Germany. His directorial credits include
Surprise! (96), Tuvalu (99), Absurdistan
(08) and Fiddlesticks (14).
Veit Helmer Filmproduktion
Veit Helmer
Hans-Ullrich Krause
Veit Helmer
Editor:
Vincent Assmann
Felix Leiberg
Música / Music:
Malcolm Arison, Cherilyn MacNeil
Reparto / Cast:
Benno Fürmann, Fritzi Haberlandt, Rolf Zacher,
Alexander Scheer
Contacto / Contact:
Veit Helmer Filmproduktion
Email:
[email protected]
190
AG R A D E C IM IE N TO S | AC KNOW LEDG EMENTS
AGRADECIMIENTOS / ACKNOWLEDGEMENTS
Adriana Rincón, El Venezolano
Carolina Ángel Hidrovo
Helkin Guevara, La Prensa
Agustín Arias, Roots
Carolina Pernett Martin, MasterCard
Humberto Medina, Grupo Roble
Aissa Gerbaud, American Tradel Hotel
Casilda Pérez, En Estreno Enterprises Inc.
Ida Hernández, Zetta Centroamérica y Caribe
Alberto Orillac, ELS Language Centers
Félix Hernández, Eventos Top Panamá
Ignacio Gil, Top Media Group
Alejandra Damián, Radio La Exitosa
Cristal Villamonte, NexTV
Iñaki Iriberri, Master Jingles, Inc.
Alexandra Arias, Galería Mateo Sariel
Cristhian Florez, Alpha Grupo Editorial
Isabel Saint Malo de Alvarado,
Canciller y Vicepresidente de la República
Alexandra Schelderup, Alcaldía de Panamá
Cristina Garza, IM Global
Alfredo Arias, TicketPlus
Cristina Oteiza, FEDURO
Ana María de León,
Despacho de la Primera Dama
Cristóbal Pérez, Alcaldía de Panamá
Jacqueline García Maritano, Subway
Jaime Álvarez, Copa Cargo
Jennifer González, Corporación La Prensa
Dalys Grifo, Radio 10
Jensen Batista, Ocean Drive
Anabella Licasale, Televisora Nacional (TVN)
Daniel Agüero, Mercadeo Electrónico
Jessica Wolf, traductora
Analida Galindo, Diablo Rosso
Daniel Domínguez, La Prensa
Jesús Sierra, Ministro de Turismo
Analissa Ortega, Marketing Events
David Arce, MICI
Joel Méndez
Andrea Critch, KickAss
Dina Bejerano, SerTV
Joel Méndez, Mr. Mendez
Andrea Macaluso, TicketPlus
Angus Mc Faydn, Actor
Diógenes Mora (Capitán),
Servicio de Protección Institucional
John Hopewell, Variety
Anna Cristina Valdés, Galindo, Arias y López
Dorita Álvarez, Alvarez y Tapia
Jon Hurst, New York Bagel de Panamá
Anna Karina Gutiérrez, Gogo Magazine
Edgar Orillac, T-Shirts Interamerica
Jonathan Kitch, High Traffic
Annie Chajín, La Ruta del Casco
Eduardo Fábrega, ASSA
Jorge Heilbron, Cerebro Y&R
Ariadna Rudulfo, MICI
Eduardo Iribarren, Suma Financiera
Jorge Zarak, Ego y Narciso
Aritza Aguilella, Marketing Events
Eduardo Orillac, Zetta Centroamérica y Caribe
José Anguizola, DiCine
Arlene de López, Ultra Stereo
Elías Jiménez, Panamá De Moda
José María Prado, Filmotecaa Española
Arlene González, VRIO Group
Elizabeth Erra,
Miami International Film Festival
José Rafael Fernández, Cinépolis
José Rommel Tuñón
Arlene Puello, UBER
Áureo González, AS Graphics
Azucena Benavides, Say the Same Subtitles
Eloisa López-Gómez,
Eric Estrada (Comisionado),
José Sicilia, Boeing
Joseph Reid, Corporación Medcom
Julie Valdés Álvarez, ICAIC
Beatriz García, Cervecería Nacional
Fernando Motta, Felipe Motta
Julio Mateo
Berta Gallegos, Top Media Group
Flor Ortega, U.S.M.A.
Francisco Ortega, Stamps
Julio Ortega (Capitán),
Gabriel Padilla, DiCine
Justo Cáceres
Gabriela Mora, Roots
K.C. Hardin, American Trade Hotel
Georgette Constantino, DiCine
Karla Arce, Corporación La Prensa
Gina Valderrama, ATP
Keidy Cáceres, Grupo Roble/Multiplaza
Keisy Rodríguez, ASSA
Carmen Alemán, Galería Arte consult
Griselda López,
Universidad Nacional de Panamá
Carmen Puga, Mix Music Television
Guido Díaz Rumbos, Cervecería Nacional
Bob Deutsch, Outdoor Movies
Bruno Torres, JC Decaux
Carlos Alberto Motta, Junta Directiva
Fundación IFF Panamá
Carlos Ayuso,
Dirección de Operaciones de la ATTT
Carlos Iván Zúñiga Grifo, Radio 10
Kino Pérez, High Traffic
Kristine Matheson, MasterCard
A GRA DE C IMIENTOS | ACKN OWLEDGEMEN TS
Larry Maduro, FEDURO
Mayte Banus,
Administradora de la Cinta Costera
Lorena Castillo, Primera Dama de la República
Rubén Darío Carles, ASSA
Rui Dinis, Fundación Bahía de Portobelo
Lisseth Lee, Copa Airlines
Lita Díaz, Cerebro Y&R
191
Melissa Velarde,
Melitón Arrocha,
Ministro de Comercio e Industrias
Saajid Jasat Bhana, Villarreal y Asociados
Santiago Fernández, SFC
Silvia Estarás, Museo de Arte Contemporáneo
Lourdes de Obaldía, Corporación La Prensa
Michelle Cabrera, Máxima Panamá
Silvia González, Grupo EPASA
Lourdes Gutiérrez,
Fundación Bahía de Portobelo
Miguel Chevalier, Artista
Lucero Maldonado, Corporación La Prensa
Miguel Lecaro, Cancillería
Luis Miguel Hincapié, Vice Canciller
Nelly González,
Autoridad de Turismo de Panamá
Soodabeh Salence, Corporación La Prensa
Stefan Nicoll, Variety
Stella de Abreau, Panamá de Moda
Luis Mouynés, TVN Media
Delia Moore, Autoridad de Turismo de Panamá
Magda Durán, ATP
Stephan Proaño,
Director General de Cine, MICI
Mairel Bermúdez, Máxima Panamá
Carla Lozano,
Autoridad de Turismo de Panamá
Tania Fernández, Corporación La Prensa
Manrique Segura, JC Decaux
Neyra Chang, Publicisa
Tatiana Seara, Cool de Sac
Marcela Pardini,
Junta Directiva Fundación IFF Panamá
Nicolas Gaudelet, Voxels Productions
Tony Barcklay, Cinépolis
Nyra Soberón, Mente Pública
Valerie Troncoso, Porto Diao
Octavio Vallarino, Inversiones Bahía
Van Rex Gallard, Boeing
María Cristina Monzón,
Frecuencias Asociadas
Oliver Coba, Prisa Radio
Verónica Arosemena, Element
María de Lourdes Cortés, Cinergia
Pablo Torres, JC Decaux
Vivian Sosa, Galería Habitante
María Eugenia Amaya,
Pebbles Rivera, Cerebro Y&R
Wilhelm Franqueza,
Dirección de Patrimonio Histórico
Marco Ocando, Copa Airlines
Pedro Heilbron, Copa Airlines
María Eugenia Grimaldo, Stratego
María Gabriela Fong, MAGA Systems
Mariana Núñez-Haugland, Directora INAC
Pepe Quintanilla,
Festival Internacional de Cine de Guadalajara
Rachel Bleemer,
Yara Vaello,
Centro Cultural de España - Casa del Soldado
Yasser Williams Arosemena,
Yeimy Balsas, Coveco Panamá
Maribel Heilbron,
Rafael Martín, Universidad Nacional
Mario Castrellón, Maito
Ramón Ricardo Arias, Galindo Arias y López
Marisol López, Boot Studio
Ramón Rowley, Roots
Marisol Velasco, Alcaldía de Panamá
Rasha Saiti, TIFF
Maritza Chávez,
Museo de Arte Contemporáneo
Rhina Álvarez, Procter & Gamble
Yerasmy Fuentes, Alcaldía de Panamá
Yulissa Pérez, Focus Publications
Zuleika Rebolledo, T-Shirts Interamérica
Maritza Vernaza, INAC
Ricardo Gago,
Comité Amigos Iglesias Casco Antiguo
Marta Cucalón, Banco General
Ricardo Gómez, Agora Productions
Marta Noemí Noriega
Rob Rivera, Porto Diao
Marubis Ríos de Rivera,
Corporación La Prensa
Roberto Ibarra, Graphic Designs
Matthias Hohner, American Trade Hotel
Roger Vásquez,
Museo de Arte Contemporáneo
Matthias Krull, Cool de Sac
Rosendo Merel, artista digital
Mauricio Ah Chu, Máxima Panamá
Roxana Muñoz, La Prensa
IFF Panamá agradece muy
especialmente a los más de 150
voluntarios que nos ayudan a traerles
un festival de cine de clase mundial.
¡Sin ustedes no sería posible!
196
Í ND IC E | I N DE X
ÍNDICE POR PELÍCULA / INDEX OF FILMS
A A Hard Day, 146
A Moonless Night, 78
Aire Libre, 32
Algún lugar, 96
Altman, 160
I Come Back Because I Love You, 156
Infiltrant, 124
Ixcanul, 106
Ixcanul Volcano, 106
J Jauja, 42
BBeats of the Antonov, 176
Behavior, 98
Box 25, 98
Buscando a Hagen, 122
C Caja 25, 98
Canción del mar, 182
Carreras de autos para niños en
Venecia, 92
Citizenfour, 162
Ciudad Delirio, 34
Ciudadanocuatro, 162
Conducta, 100
D Dirty Hands, 72
Dólares de Arena, 102
Dos Aguas, 104
E El 5 de Talleres, 38
El abismo plateado, 156
El Ardor, 36
El cielo de Suely, 157
El Cinco, 38
El circo, 92
El color de la granada, 84
El Elefante Desaparecido, 40
El intruso, 124
Estoy aquí, 164
F Fehér Isten, 122
Feriado, 64
Fiddlesticks, 186
Force Majeure, 126
Fuerza mayor, 126
Futuro Beach, 156
G Gett, el juicio de Viviane Amsalem, 128
Gett, le procès de Vivane Amsalem,
128
Gett, the Trial of Viviane Amsalem, 128
Ghesseha, 140
Gigante, 166
Güeros, 66
H Hautoa, 144
Héroe Transparente, 82
Historias del Canal, 86
Holiday, 64
K Kid Auto races in Venice, 92
I I am Here, 164
I am not Lorena, 76
I Travel Because I have to,
K Kaguya -hime no Monogatari, 130
Kis uykusu, 142
Kkeut-kka-ji-gan-da, 146
LLa casa más grande del mundo, 108
La distancia más larga, 44
La isla mínima, 46
La leyenda de la princesa Kaguya, 130
La mirada del silencio, 168
La oveja Shaun, 184
La pandillita, 186
La pantalla desnuda, 110
La sal de la tierra, 170
La Salada, 68
La tercera orilla, 48
La voz en off, 50
Las ovejas no pierden el tren, 52
Le sel de la terre, 170
Li’l Quinquin, 136
Liberated Territory, 114
Libertador, 54
Los Hongos, 56
Los tontos y los estúpidos, 70
Love for Sale, 157
Lulú, 58
MMadame Satã, 157
Magical Girl, 60
Maikol Yordan, 88
Malacrianza, 112
Manos Sucias, 72
Margarita with a Straw, 132
Marmato, 172
Marshland, 46
Mommy, 134
Musarañas, 74
N Naked Screen, 110
No soy Lorena, 76
OO Abismo Prateado, 156
O Céu de Suely, 157
Ocho apellidos vascos, 30
On the Road, Somewhere, 96
P P’tit Quinquin, 136
Palabras de dioses, 90
Panama Canal Stories, 86
Pequeño Quinquin, 136
Phoenix, 138
Pixadores, 174
Playa Futuro, 156
Praia Do Futuro, 156
Q Quatsch und die Nasenbärbande, 186
R Relatos iraníes, 140
Ritmos del Antonov, 176
S Sand Dollars, 102
Sayat Nova, 84
Senyap, 168
Serrat & Sabina: Two for the Road, 178
Serrat y Sabina: el símbolo y el cuate,
178
Shaun the Sheep, 184
Shrew’s Nest, 74
Sidetracked, 52
Silver Cliff, 156
Song of the Sea, 182
Spanish Affair, 30
Sueño de invierno, 142
T Tales, 140
Territorio liberado, 114
The Circus, 92
The Color of Pomegranates, 84
The Crow’s Nest, 112
The Dead Lands, 144
The Greatest House in the World, 108
The Intruder, 124
The Liberator, 54
The Longest Distance, 44
The Look of Silence, 168
The Salt of the Earth, 170
The Silly Ones and the Stupid Ones, 70
The Tale of Princess Kaguya, 130
The Third Side of the River, 48
The Vanished Elephant, 40
Tierras muertas, 144
Transparent Hero, 82
Turist, 126
Tuulensieppaajat, 174
Two Waters, 104
U Un día difícil, 146
Una noche sin luna, 78
V Viajo porque debo, vuelvo porque te
amo, 156
Viajo Porque Preciso, Volto Porque te
Amo, 156
Voice Over, 50
WWhiplash, 118
White God, 122
Winter Sleep, 142
Wo Jiu Shi Wo, 164
Words with Gods, 90
X X+Y, 148
‘71, 120
ÍND ICE | IN DEX
ÍNDICE POR DIRECTOR / INDEX OF DIRECTORS
A Abner Benaim, 86
Adrián Biniez, 38
Alberto Arvelo, 54
Alberto Rodríguez, 46
Alex de la Iglesia, 90
Alonso Ruizpalacios, 66
Álvaro Fernández Armero, 52
Amir Escandari, 174
Amos Gita, 90
Ana V. Bojórquez, 108
Anahí Berneri, 32
Arturo Menéndez, 112
Augusto César Díaz, 114
BBahman Ghobadi, 90
Bruno Dumont, 136
C Carlos Vermut, 60
Carolina Borrero Arias, 86
Celina Murga, 48
Charles Chaplin, 92
Christian Petzold, 138
Chus Gutiérrez, 34
Chusy Jardine, 166
Claudia Pinto, 44
Cristián Jiménez, 50
D Damien Chazelle, 118
Delfina Vidal, 98
Diego Araujo, 64
E Emilio Martínez Lázaro, 30
Emir Kusturica, 90
Ernesto Daranas, 100
Esteban Roel, 74
F Fan Lixin, 164
Florence Jaugey, 110
Francesc Relea, 178
Mark Grieco, 172
Mercedes Arias, 98
Miguel Alejandro Gómez, 88
Mira Nair, 90
Morgan Matthews, 148
Nuri Bilge Ceylan, 142
G Germán Tejeira, 78
Guillermo Arriaga, 90
Guillermo Zouain, 96
H Hajooj Kuka, 176
Héctor Babenco, 90
Henry Lehrman, 92
Hideo Nakata, 90
I Isadora Marras, 76
Isao Takahata, 130
Israel Cárdenas, 102
J Javier Fuentes-León, 40
Jayro Bustamante, 106
Josef Wladyka, 72
Joshua Oppenheimer, 168
Juan Martín Hsu, 68
Juanfer Andrés, 74
Juliano Ribeiro Salgado, 170
K Karim Aïnouz, 156, 157
Kim Seong-hun, 146
Kornél Mundruczó, 122
LLaura Amelia Guzmán, 102
Laura Poitras, 162
Lisandro Alonso, 42
Lucía Carreras, 108
Luis Franco, 86
Luis Ortega, 58
OOrgun Wagua López, 82
Oscar Ruiz Navia, 56
P Pablo Fendrik, 36
Patricia Velásquez, 104
Pinky Mon, 86
Pituka Ortega Heilbron, 86
R Rakhshan Bani-Etemad, 140
Richard Starzak,184
Roberto Castón, 70
Ron Mann, 160
Ronit Elkabetz, 128
Ruben Östlund, 126
S Sergei Parajanov, 84
Shariff Korver, 124
Shlomi Elkabetz, 128
Shonali Bose, 132
T Toa Fraser, 144
Tomm Moore, 182
V Veit Helmer, 186
WWarwick Thornton, 90
Wim Wenders, 170
X Xavier Dolan, 134
MMarcelo Gomes, 156
Mark Burton, 184
Y Yann Demange, 120
ÍNDICE POR PAíS / INDEX OF COUNTRIES
Alemania / Germany
Citizenfour, 162
Fehér Isten, 122
Fiddlesticks, 186
Futuro Beach, 156
Gett, el juicio de Viviane
Amsalem, 128
Gett, le procès de Vivane
Amsalem, 128
Gett, the Trial of Viviane
Amsalem, 128
Jauja, 42
Kis uykusu, 142
La pandillita, 186
Los Hongos, 56
Love for Sale, 157
Phoenix, 138
Pixadores, 174
Playa Futuro, 156
Quatsch und die
Nasenbärbande, 186
White God, 122
Winter Sleep, 142
Argentina
Aire libre, 32
El 5 de Talleres, 38
El ardor, 36
El Cinco, 38
Feriado, 64
Holiday, 64
I am not Lorena, 76
Jauja, 42
La Salada, 68
Los Hongos, 56
Lulu, 58
Lulú, 58
No soy Lorena, 76
Sand Dollars, 102
Armenia
El color de la granada, 84
Sayat Nova, 84
The Color of Pomegranates, 84
Bélgica / Belgium
Brasil / Brazil
El abismo plateado, 156
El Ardor, 36
Futuro Beach, 156
I Travel Because I have to, I
Come Back Because I Love
You, 156
Love for Sale, 157
Madame Satã, 157
O Abismo Prateado, 156
Pixadores, 174
Playa Futuro, 156
Silver Cliff, 156
Viajo porque debo, vuelvo
porque te amo, 156
Viajo Porque Preciso, Volto
Porque te Amo, 156
Canadá / Canada
Altman, 160
La voz en off, 50
Mommy, 134
Voice Over, 50
Chile
I am not Lorena, 76
La voz en off, 50
No soy Lorena, 76
Voice Over, 50
197
198
Í ND IC E | I N DE X
ÍNDICE POR PAíS / INDEX OF COUNTRIES
China Estoy aquí, 164
I am Here, 164
Wo Jiu Shi Wo, 164
Colombia
Ciudad Delirio, 34
Dirty Hands, 72
Dos Aguas, 104
Los Hongos, 56
Manos Sucias, 72
Marmato, 172
Two Waters, 104
Corea del Sur / South Korea
A Hard Day, 146
Kkeut-kka-ji-gan-da, 146
Un día difícil, 146
Costa Rica
Dos Aguas, 104
Maikol Yordan, 88
Two Waters, 104
Cuba
Behavior, 100
Conducta, 100
Dinamarca / Denmark
Force Majeure, 126
Fuerza Mayor, 126
Jauja, 42
Senyap, 168
Turist, 126
Ecuador
Feriado, 64
Holiday, 64
El Salvador
Malacrianza, 112
España / Spain
Ciudad Delirio, 34
La isla mínima, 46
Las ovejas no pierden el
tren, 52
Libertador, 54
Los tontos y los estúpidos, 70
Magical Girl, 60
Marshland, 46
Musarañas, 74
Ocho apellidos vascos, 30
Serrat & Sabina: Two for the
Road, 178
Serrat y Sabina: el símbolo y el
cuate, 178
Shrew’s Nest, 74
Sidetracked, 52
Spanish Affair, 30
The Liberator, 54
The Silly Ones and the Stupid
Ones, 70
Estados Unidos / United States
Carreras de autos para niños
en Venecia, 92
Citizenfour, 162
Dirty Hands, 72
El Ardor, 36
El circo, 92
Gigante, 166
Jauja, 42
Kid Auto Races in Venice, 92
Manos Sucias, 72
Marmato, 172
The Circus, 92
Whiplash, 118
The Intruder, 124
Finlandia / Finland
Pixadores, 174
Senyap, 168
Irán / Iran
Ghesseha, 140
Relatos iraníes, 140
Tales, 140
Francia / France
El Ardor, 36
Force Majeure, 126
Fuerza mayor, 126
Amsalem, 128
Amsalem, 128
Amsalem, 128
Ixcanul, 106
Jauja, 42
Kis uykusu, 142
La oveja Shaun, 184
La voz en off, 50
Li’l Quinquin, 136
Los Hongos, 56
Love for Sale, 157
Madame Satã, 157
P’tit Quinquin, 136
Pequeño Quinquin, 136
Turist, 126
Voice Over, 50
Winter Sleep, 142
Guatemala
Ixcanul, 106
La casa más grande del
mundo, 108
Liberated Territory, 114
Territorio liberado, 114
The greatest house in the
world, 108
Holanda / Netherlands
El intruso, 124
Infiltrant, 124
Hungría / Hungary
Fehér Isten, 122
White God, 122
India
Margarita with a Straw, 132
Indonesia
Senyap, 168
Irlanda / Ireland
Israel
Amsalem, 128
Amsalem, 128
Amsalem, 128
Italia / Italy
Japón / Japan
Kaguya -hime no Monogatari, 130
La leyenda de la princesa
Kaguya, 130
The Tale of Princess Kaguya, 130
Luxemburgo / Luxembourg
México / Mexico
Dólares de arena, 102
El ardor, 36
Güeros, 66
Jauja, 42
La casa más grande del
mundo, 108
Malacrianza, 112
Palabras de dioses, 90
Sand Dollars, 102
The greatest house in the
world, 108
Words with Gods, 90
Nicaragua
La pantalla desnuda, 110
Naked Screen, 110
Noruega / Norway
Force Majeure, 126
Fuerza mayor, 126
Senyap, 168
Turist, 126
Nueva Zelanda / New Zealand
Hautoa, 144
The Dead Lands, 144
Panamá / Panama
Box 25, 98
Caja 25, 98
Héroe Transparente, 82
Historias del Canal, 86
Panama Canal Stories, 86
Transparent Hero, 82
Perú / Peru
Portugal
Love for Sale, 157
Puerto Rico
Gigante, 166
Reino Unido / United Kingdom
’71, 120
Hautoa, 144
La oveja Shaun, 184
Senyap, 168
The Dead Lands, 144
X+Y, 148
República Dominicana /
Dominican Republic
Algún lugar, 96
On the Road, Somewhere, 96
Sand Dollars, 102
Sudáfrica / South Africa
Beats of the Antonov, 176
Sudán / Sudan Beats of the Antonov, 176
Suecia / Sweden
Fehér Isten, 122
Force Majeure,126
Fuerza mayor, 126
Turist, 126
White God, 122
Turquía / Turkey
Kis uykusu, 142
Winter Sleep, 142
Uruguay
El 5 de Talleres, 38
El Cinco, 38
Venezuela
La distancia más larga, 44
Libertador, 54
The Liberator, 54
The Longest Distance, 44

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