Alphonse Mucha

Autores Art Nouveau
Alphonse Mucha:
Alphonse Mucha Foundation
Mucha museum
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http://es.wikipedia.org/wiki/Alfons_Mucha
Pintor y artista decorativo checo, ampliamente reconocido por ser uno de los máximos exponentes del Art
Nouveau.
Nació en la ciudad de Ivancice (Moravia, Imperio austríaco) el 24 de julio de 1860. Sus habilidades para el
canto le permitieron continuar su educación secundaria en Brno, capital de Moravia; sin embargo desde
niño se sintió principalmente atraído por el dibujo. Trabajó en empleos de pintura decorativa en Moravia,
principalmente para puestas teatrales. En 1879 se mudó a Viena para trabajar con una compañía vienesa
de diseño teatral logrando informalmente completar su educación artística. Cuando en 1881 un incendio
destruyó el negocio de sus empleadores, regresó a Moravia, trabajando de manera independiente,
haciendo pinturas decorativas y retratos. El Conde Kart Khuen de Mikulov lo contrató para decorar con
murales el Castillo de Hrusovany Emmahof, y quedó tan gratamente impresionado que acordó apadrinar el
aprendizaje formal de Mucha en la Academia de Bellas Artes de Múnich.
Mucha produjo una gran cantidad de pinturas, pósteres, avisos e ilustraciones así como diseños para
joyería, alfombras, empapelados y decorados teatrales (litografías) en lo que llegó a conocerse como el
estilo Art Nouveau. Los trabajos de Mucha frecuentemente introducían mujeres jóvenes, hermosas y
saludables, flotando en atuendos vagamente neoclásicos, frecuentemente rodeadas de exuberantes flores
las que a veces formaban halos detrás de sus cabezas. Este estilo fue imitado con frecuencia. De todos
modos, Mucha intentó distanciarse de tal estilo a lo largo de su vida, insistiendo que más que adherir a
cierto estilo en boga, sus pinturas se originaban en su propia inspiración. Declaró que pensaba que el arte
existía para transmitir un mensaje espiritual y nada más; de allí su frustración por la fama que logró a
través de un arte básicamente comercial. Por ende siempre quiso concentrarse más en proyectos elevados
que ennoblecieran el arte y su lugar de nacimiento. Mucha visitó los Estados Unidos entre 1906 y 1910,
retornando luego a tierras checas para establecerse en Praga, donde decoró el Teatro de Bellas Artes así
como otros lugares distintivos de la ciudad.
Cuando Checoslovaquia obtuvo la independencia, tras la Primera Guerra Mundial, Mucha diseñó sellos
postales, billetes de banco y otros documentos gubernamentales para la nueva nación. Pasó muchos años
trabajando en lo que consideró su obra maestra, La Épica Eslava (Slovanská epopej), una serie de enormes
pinturas que describen la historia de los pueblos eslavos, que fueron donadas a la ciudad de Praga en
1928. Mucha había soñado con completar esta serie, una celebración de la épica eslava, desde su
juventud. Al invadir los alemanes Checoslovaquia, Mucha fue arrestado e interrogado por los ocupantes.
Nunca se recuperó de la tensión de este episodio, ni de ver su país invadido y vencido. Murió en Praga el
14 de julio de 1939 a consecuencia de una pulmonía y allí fue enterrado, en el cementerio de Vysehrad. Su
última pintura fue El juramento de unión de los eslavos.
Al tiempo de su muerte, el estilo de Mucha se consideraba ya pasado de moda, pero el interés por su arte
revivió en la década de 1960, y continúa experimentando interés de manera periódica desde entonces,
influyendo a ilustradores contemporáneos. Gran parte del interés en el trabajo de Mucha puede ser
atribuido a su hijo, el autor Jiri Mucha, quien escribió extensamente sobre su padre y dedicó gran parte de
su vida a llamar la atención hacia las obras de aquél.
Gustav Klimt
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www.klimt.com/
http://es.wikipedia.org/wiki/Gustav_Klimt#Legado
(Baumgarten, Viena, 14 de julio de 1862 – Alsergrund, Viena, 6 de febrero de 1918) fue un pintor
simbolista austríaco, y uno de los más conspicuos representantes del movimiento modernista de la
secesión vienesa. Klimt pintó lienzos y murales con un estilo personal muy ornamentado, que también
manifestó a través de objetos de artesanía, como los que se encuentran reunidos en la Galería de la
Secesión vienesa. Intelectualmente afín a cierto ideario romántico, Klimt encontró en el desnudo femenino
una de sus más recurrentes fuentes de inspiración.2 Sus obras están dotadas de una intensa energía
sensual, reflejada con especial claridad en sus numerosos apuntes y esbozos a lápiz,3 en cierto modo
herederos de la tradición de dibujos eróticos de Rodin e Ingres. Klimt se convirtió en un personaje muy
notable en la alta sociedad vienesa, y estuvo relacionado de un modo u otro con los más notables círculos
intelectuales del momento, en una época en la que Viena estaba dejando de ser la capital mundial del arte.
La obra de Klimt tuvo una enorme influencia sobre todo el grupo de la Secesión Vienesa. En su papel de
líder del grupo, Klimt no sólo fue una poderosa influencia para artistas como Egon Schiele, sino que trató
de apoyar la obra de estos jóvenes talentos con la institución del Küntshalle, en 1917, con el que pretendía
evitar el éxodo de artistas al extranjero. Su relación con la aristocracia y la intelectualidad vienesas le
permitió un contacto estrecho con las personalidades más importantes del continente, como Oskar
Kokoschka y Alma Mahler, entre otros. Su estética inconfundible, y cierto aroma decadentista con que se
suele identificar su obra, lo han convertido en un referente ineludible de la moda y la estética
contemporáneas. Las astronómicas cifras alcanzadas en subastas de sus obras prueban, en cierto modo,
que el éxito comercial de Klimt no ha decaído, un siglo después de su muerte.22 También se han realizado
películas sobre su vida -la más conocida de ellas, protagonizada por John Malkovich, fue estrenada el 28
de enero de 2006 durante el Festival Internacional de Cine de Rotterdam (Holanda).
Charles Rennie Mackintosh
http://es.wikipedia.org/wiki/Charles_Rennie_Mackintosh
www.crmsociety.com/
www.charlesrenniemac.co.uk/
(7 de junio de 1868 – 10 de diciembre de 1928) fue un arquitecto, diseñador y acuarelista escocés, que
tuvo una importancia fundamental en el movimiento Arts and Crafts y que además fue el máximo
exponente del Art Nouveau en Escocia. Fue el padre de una hermosa niña llamada Elizabeth Nicol Rennie
que también siguió los pasos de su padre.
Protomodernista (antecedente del modernismo). Trata de reformar rompiendo con lo anterior. Saltó a la
fama después de exponer sus muebles en la Secesión de Viena en 1900. Formó parte del grupo “Los
cuatro” de Glasgow, creado en 1897. Fue su principal figura.
Toma elementos del Arts and Crafts, y fue muy bien aceptado por la oposición al Art Nouveau belga (fue
un héroe para la Secesión).
Era uno de los Arquitectos mas destacado de los personajes vinculados al Art Nouveau (incluyendo a Victor
Horta), pero después de 1913 no recibió más encargos y murió en la miseria en 1928 (miseria que también
está relacionada con su afición a la bebida).
Para comprender su obra es preciso considerar que cada proyecto es una unidad organizada, ya sea en
arquitectura o en decoración de interiores, en la que el todo es mucho más que la suma de las partes.
Quería dar a su obra una orientación funcional y espiritual, gracias a una aproximación de la arquitectura y
del dibujo, asociando el simbolismo y el equilibrio entre factores opuestos: modernidad-tradición,
masculino-femenino,7 luz-oscuridad, sensualidad-castidad.
El símbolo de la rosa (elaborado, según parece, a partir de una col seccionada), de forma muy
contundente, que se convertiría en la marca del grupo.
Los Cuatro comparten con el modernismo más normativo el interés por la línea, pero la suya es más
previsible, ascendiendo con suavidad y evitando los fuertes contrastes. También comparten el interés por
la naturaleza, aunque buscando en ella estructuras esenciales, dibujando paisajes que nos remiten más al
inicio de la primavera que a su estallido.
Los juegos entre simetría y asimetría, que le van a acompañar siempre, se pueden seguir fácilmente desde
el armario-cajón de su despacho, a la fachada de la Glasgow School of Art. La influencia oriental estaba
todavía muy viva en aquellos momentos, sobre todo a través de los esteticistas, que permanecían activos,
y es de suponer que éstos eran bien conocidos por Mackintosh. También diseñará tejidos con estampados
rítmicos de gran colorido que anticipan el Art Déco.
Frances y Margaret Macdonald
Margaret McDonald
Frances McDonald
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http://www.portlandgallery.com/artist/Frances_Macdonald/bio
Frances Macdonald
Is unrivalled in her ability to capture the true character of the coastline of Argyll and the Western Isles.
Following in the footsteps of the great artists of the post-Victorian era, Macdonald has now established
herself as a worthy successor to the likes of Cadell, Peploe, Glass and Maclaughlan Milne. Here is someone
who effortlessly manages to make you feel the heat of the sun, the hint of salt carried on the wind, the
desolate beauty and magnificent panorama of the west coast shoreline. Here is someone who is
wonderfully in touch with her subject matter; an artist who understands that there is every bit as much
beauty in a raging storm as there is in a sun-soaked tranquil, aquamarine cove. Here is someone who is
immersed in her surroundings and can convey their every nuance to the viewer.
It is therefore hardly surprising to realise that Frances Macdonald both lives and works in a delightfully
unspoiled corner of Argyll, at Crinan. From her studio and from The Crinan Hotel, which she runs with her
husband, Nick Ryan, there are inspirational views across the water to the north end of Jura and to Scarba.
Details of the Crinan Hotel may be viewed on their website: www.crinanhotel.com Her trademark use of
the palette knife to depict the very structure of the rock formations is balanced by an uncanny ability to
portray the true colours of both beach and sea. At first glance there is a temptation to think that the
colours would be more at home in the Mediterranean or the Caribbean, but visit the West Coast of
Scotland and you will see that they are just as Macdonald depicts them.
Margaret MacDonald Mackintosh
http://en.wikipedia.org/wiki/Margaret_MacDonald_(artist)
http://www.artmagick.com/pictures/artist.aspx?artist=margaret-macdonald
http://www.crmsociety.com/margaretmacdonald.aspx
(5 November 1865–10 January 1933) was a Scottish artist whose design work became one of the defining
features of the "Glasgow Style" during the 1890s.
Macdonald, along with her sister, is one of the many "marginalized wives" that have suffered from
patriarchal art historical discourse. She was celebrated in her time by many of her peers, including her
husband who once wrote in a letter to Margaret "Remember, you are half if not three-quarters of all my
architectural...";[1] and reportedly "Margaret has genius, I have only talent." It is not known exactly which
of Charles Rennie Mackintosh's works Margaret was involved with (or the extent to which she worked on
them) but she is credited with being an important part of her husband's figurative, symbolic interior
designs. Many of these were executed at the early part of the twentieth century; and include the Rose
Boudoir at the International Exhibition at Turin in 1903, the designs for House for an Art Lover in 1900,
and the Willow Tea Rooms in 1902. Sadly, poor health cut short Margaret's career—as far as we know, she
produced no work after 1921. She died in 1933, five years after her husband.
[edit]Popular Work
Her best known works include the gesso panel The May Queen, which was made to partner Mackintosh's
panel The Wassail for Miss Cranston's Ingram Street Tearooms, and Oh ye, all ye that walk in Willowood,
which formed part of the decorative scheme for the Room de Luxe in the Willow Tearooms. All three of
these are now on display in the Kelvingrove Museum in Glasgow. In 2008 her 1902 work The Red Rose
and the White Rose was auctioned for 1.7 million UK pounds or $3.3 million.
Aubrey Beardsley
http://es.wikipedia.org/wiki/Aubrey_Beardsley
Aubrey Vincent Beardsley (Brighton, Inglaterra, 21 de agosto de 1872- Menton, Francia, 16 de marzo de
1898) fue un artista pintor e ilustrador inglés. Uno de los más notables críticos de la sociedad victoriana,
satírico e implacable, su obra despertó admiración y escándalo.
Aubrey Beardsley trabajó en una línea semejante al gran cartelista checo Alfons Mucha.4
La mayor parte de su obra son cuadros en tinta de diversa temática (mitología, erotismo, caricaturas...).
Estas imágenes tienen amplias zonas negras en contraste con otras blancas igualmente extensas, y zonas
de detalle fino con otras en las que no hay ninguno. Dibuja unas incurvaciones propias del grabado
japonés.5
Beardsley está influido por el simbolismo y el esteticismo, la contrapartida británica al decadentismo y el
simbolismo. Su estilo de gran sensibilidad imaginativa y hedonismo así como su temática, en ocasiones
macabra, le sitúan dentro del movimiento artístico europeo del fin-de-siècle. Sus obras tienen cierta
atmósfera «fatalista».5
Sus ilustraciones eróticas más famosas son las que versan sobre temas de historia y mitología, incluyendo
sus escandalosas ilustraciones para Lisístrata y Salomé.
Beardsley fue también un caricaturista e hizo algunas tiras cómicas políticas, reflejando el irreverente
ingenio de Wilde en el arte.
La obra de Beardsley refleja la decadencia de su época y su influencia fue enorme, claramente visible en la
obra de los simbolistas franceses, el movimiento del arte del cartel de los años 1890 y la obra de muchos
artistas posteriores del Art Nouveau como Pape y Clarke. Tuvo gran influencia en los Estados Unidos,
especialmente en la obra de Will Bradley, cuyos diseños eran a veces tan parecidos que en la época se
ironizaba al respecto: «Esto, ¿lo ha hecho el "B" inglés o el americano?».
Hector Guimard
http://es.wikipedia.org/wiki/Hector_Guimard
www.hector-guimard.com/
http://www.musee-orsay.fr/en/collections/works-in-focus/decorative-arts/commentaire_id/bench-for-asmoking-parlour2152.html?tx_commentaire_pi1%5BpidLi%5D=846&tx_commentaire_pi1%5Bfrom%5D=843&cHash=6eb1
43dd29
(Lyon,Francia, 10 de marzo de 1867 – Nueva York, 20 de mayo de 1942) es el representante principal del
Art Nouveau en Francia.
En el paisaje internacional del Modernismo, Guimard hace figura de franco tirador aislado: no deja ningún
discípulo detrás de él, ni ninguna escuela, y por eso se intentó durante mucho tiempo considerarlo como
un protagonista secundario de este movimiento; una ausencia de posteridad que contrasta con la profusión
formal y tipológica extraordinaria de su obra arquitectónica y decorativa, donde el arquitecto da lo mejor
de sí mismo en aproximadamente quince años de una actividad creativa que aturde.
Espíritu curioso y brillante, Guimard es también un precursor de la standardización industrial, en la medida
en que desea difundir el nuevo arte a gran escala. Sobre este plan conoce un verdadero éxito (a pesar de
los escándalos) con sus famosas entradas del Metro parisiense [13], construcciones flexibles donde triunfa
el principio del ornamento estructural de Viollet-le-Duc. La idea se reanuda (pero con menos éxito) en
1907 con un catálogo de elementos en fundición aplicables a la arquitectura: "Fundiciones Artísticas, Estilo
Guimard" [14].
Como para el marco arquitectónico global, la concepción intrínseca de sus objetos de arte proceden del
mismo ideal de continuidad formal (que permite fusionar todas las funciones prácticas en un único cuerpo,
como con el "Barro de los Binelles" [15], de 1903) y lineal, como en el dibujo de sus muebles [16], a la
silueta graciosa y armoniosa.
Su vocabulario estilístico inimitable procede de un organicismo vegetal especialmente sugestivo,
permaneciendo al mismo tiempo voluntariamente sobre la vertiente de la abstracción. Modelados y
alborotos nerviosos invierten tanto así la piedra como la madera; sobra el plano, Guimard crea verdaderas
composiciones abstractas que se adaptan con la misma facilidad a la vidriera [17] (hotel Mezzara, 1910), al
panel de cerámica [18] (casa Coilliot, 1898), al hierro forjado [19] (Castel Henriette, 1899), al papel
pintado [20] (Castel Béranger, 1898), o al tejido [21] (hotel Guimard, 1909).
Victor Horta
http://es.wikipedia.org/wiki/Victor_Horta
www.hortamuseum.be/
http://whc.unesco.org/en/list/1005/
(Gante, 6 de enero de 18611 — Bruselas, 8 de septiembre de 19472 ) fue un arquitecto belga pionero del
Modernismo.
Hijo de un zapatero, durante un breve periodo estudió violín. Expulsado del Conservatorio por indisciplina,
se matriculó en la Academia de Bellas Artes, en la especialidad de Dibujo Arquitectónico. En 1878 se
trasladó a París. Dos años más tarde hubo de regresar a Gante por la muerte de su padre. En 1881
contrajo matrimonio con Pauline Hervé, con quien tendría su única hija y de la que se divorciaría en 1906,
y se instaló en Bruselas, donde combina sus estudios en la Academia de Bellas Artes con el trabajo en el
estudio del arquitecto Alphonse Balat.1
Entre los años 1892 y 1893 realiza su primera obra innovadora: la llamada Casa Tassel, un edificio
unifamiliar erigido en Bruselas, donde prescinde del pasillo y de las habitaciones en fila creando espacios
fluidos y dando un nuevo tratamiento al uso del hierro y del cristal, creando formas vegetales tanto en
elementos arquitectónicos (columnas), como en el mobiliario (tulipas de lámparas y otros).2
Más adelante edifica la Casa Solvay (1895-1900) y su propia casa, la Casa Horta (1898) siguiendo idénticos
parámetros. Pero no solo acomete la construcción de viviendas sino que aplica el nuevo estilo a otros
edificios nacidos de los cambios sociales y económicos del siglo. Así entre 1896 y 1899 construye la
considerada su obra maestra, La Casa del Pueblo (sede del Partido Socialista Belga), y entre 1901 y 1903
los grandes almacenes Innovation ambos edificios lamentablemente desaparecidos pero de los que quedan
testimonios fotográficos.
René Lalique
www.lalique.com/
http://rlalique.com/rene-lalique-biography.html
http://www.nga.gov/education/tchan_5_04.shtm
Fue un maestro vidriero y joyero francés, nacido en Ay (Marne, Francia) el 6 de abril de 1860 y muerto el 5
de mayo de 1945. René Lalique está enterrado en el Cementerio del Père-Lachaise de París.
Tuvo un gran reconocimiento por sus originales creaciones de joyas, botellas de perfume, vasos,
candelabros, relojes, etc., dentro del estilo modernista, (Art nouveau y Art decó). La fabrica que fundó
funciona todavía y su nombre ha quedado asociado a la creatividad y la calidad, con diseños tanto
fastuosos como discretos.
Gran admirador y coleccionista de la obra de Lalique fue Calouste Gulbenkian, empresario petrolífero de
origen armenio pero radicado en Portugal, que creó el Museo Calouste Gulbenkian en Lisboa, donde se
expone una buena muestra de la obra de René Lalique [1].
[editar]La joyería modernista
A los 16 años comenzó su aprendizaje con el joyero parisino Louis Aucoq y después siguió los cursos del
Sydenham Art College en Londres entre 1878 y 1880. A su regreso a Francia trabajó, entre otras, para las
firmas Aucoq, Cartier y Boucheron.
Después de haber abierto un lupanar en la Plaza d´Avignon de París, comenzó a concebir frascos de
perfume en vidrio, siendo así el primero en imaginar la comercialización de un producto tan emblemático
del lujo y del refinamiento en un envoltorio igualmente delicado y espléndido. Pero también pensó producir
estos bellos objetos en grandes series, haciendo su arte accesible a un número creciente de personas.
En 1914, reconvirtió su fábrica de vidrio para producir material médico para hospitales y farmacias.
René Lalique no se contentaba con diseñar sus modelos, sino que construyó también una fábrica en
Wingen-sur-Moder para producir en grandes cantidades, patentando varios novedosos procesos de
fabricación del vidrio y varios efectos técnicos como el satinado Lalique o el vidrio opalescente.
La excelencia de sus creaciones y el gusto que aplicaba a sus obras, le valieron los encargos para la
decoración interior de numerosos barcos, trenes como el Orient-Express, iglesias como la de San Nicasio
de Reims y numerosa orfebrería religiosa y civil.
René Lalique fue el primero en esculpir el vidrio para grandes obras monumentales, como las puertas del
Hotel Alberto I de París o las fuentes de los Campos Elíseos.
Henry Van de Velde
Antonio Gaud
La sagrada Familia
ç
Casa Batló
Casa Pedrera
http://es.wikipedia.org/wiki/Antoni_Gaud%C3%AD
http://www.antonigaudi.org/
(Riudoms o Reus,1 25 de junio de 1852 – Barcelona, 10 de junio de 1926) fue un arquitecto español,
máximo representante del modernismo catalán.
Gaudí fue un arquitecto con un sentido innato de la geometría y el volumen, así como una gran capacidad
imaginativa que le permitía proyectar mentalmente la mayoría de sus obras antes de pasarlas a planos. De
hecho, pocas veces realizaba planos detallados de sus obras; prefería recrearlos sobre maquetas
tridimensionales, moldeando todos los detalles según los iba ideando mentalmente. En otras ocasiones, iba
improvisando sobre la marcha, dando instrucciones a sus colaboradores sobre lo que tenían que hacer.
Dotado de una fuerte intuición y capacidad creativa, Gaudí concebía sus edificios de una forma global,
atendiendo tanto a las soluciones estructurales como las funcionales y decorativas. Estudiaba hasta el más
mínimo detalle de sus creaciones, integrando en la arquitectura toda una serie de trabajos artesanales que
dominaba él mismo a la perfección: cerámica, vidriería, forja de hierro, carpintería, etc. Asimismo,
introdujo nuevas técnicas en el tratamiento de los materiales, como su famoso “trencadís” hecho con
piezas de cerámica de desecho.
Después de unos inicios influenciado por el arte neogótico, así como ciertas tendencias orientalizantes,
Gaudí desembocó en el modernismo en su época de mayor efervescencia, entre finales del siglo XIX y
principios del XX. Sin embargo, el arquitecto reusense fue más allá del modernismo ortodoxo, creando un
estilo personal basado en la observación de la naturaleza, fruto del cual fue su utilización de formas
geométricas regladas, como el paraboloide hiperbólico, el hiperboloide, el helicoide y el conoide.
La arquitectura de Gaudí está marcada por un fuerte sello personal, caracterizado por la búsqueda de
nuevas soluciones estructurales, que logró después de toda una vida dedicada al análisis de la estructura
óptima del edificio, integrado en su entorno y siendo una síntesis de todas las artes y oficios. Mediante el
estudio y la práctica de nuevas y originales soluciones, la obra de Gaudí culminará en un estilo orgánico,
inspirado en la naturaleza, pero sin perder la experiencia aportada por estilos anteriores, generando una
obra arquitectónica que es una simbiosis perfecta de la tradición y la innovación. Asimismo, toda su obra
está marcada por las que fueron sus cuatro grandes pasiones en la vida: la arquitectura, la naturaleza, la
religión y el amor a Cataluña.2
La obra de Gaudí ha alcanzado con el transcurso del tiempo una amplia difusión internacional, siendo
innumerables los estudios dedicados a su forma de entender la arquitectura. Hoy día es admirado tanto
por profesionales como por el público en general: la Sagrada Familia es actualmente uno de los
monumentos más visitados de España.3 Entre 1984 y 2005 siete de sus obras han sido consideradas
Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.
Louis Comfort Tiffany
http://es.wikipedia.org/wiki/Louis_Comfort_Tiffany
http://www.metmuseum.org/toah/hd/tiff/hd_tiff.htm
http://www.tiffany.com/about/LouisComfort.aspx
(18 de febrero de 1848 - 17 de enero de 1933) fue un artista y diseñador industrial estadounidense muy
conocido por sus trabajos en vitral y es el artista de Estados Unidos que más se asocia con el movimiento
Art Nouveau.
Su primer entrenamiento artístico fue como pintor, estudiando con George Inness y Samuel Coleman en la
ciudad de Nueva York y con León Bailly en París. Aproximadamente en 1875 comenzó a interesarse en la
técnica de elaboración de vidrio y trabajó en diversas vidrierías de Brooklyn. En 1879 se asoció con Samuel
Colman y lockwood de Forest para formar Louis Comfort Tiffany and Associated American Artist.
El deseo de Tiffany de concentrarse en el vidrio como elemento artístico condujo a la disolución de la
empresa en 1885, cuando prefirió establecer su propia firma elaboradora de vidrio. La primera Tiffany
Glass Company fue constituida el 1 de diciembre de 1885, y en 1900 se hizo conocida como Tiffany
Studios. En su fábrica usaba vidrios opacos en variedad de colores y texturas para crear un estilo único de
vitrales, contrastando con el método tradicional europeo. El uso de vidrio con color para la creación de
vitrales fue motivado por los ideales del movimiento Arts and Crafts y su líder William Morris en Inglaterra.
El artista y vidriero John La Farge fue el principal competidor de Tiffany en este nuevo estilo
norteamericano de vitral. Los dos habían aprendido el oficio en la misma vidriería de Brooking a finales de
1870. En 1893 Tiffany construyó una nueva fábrica, llamada Tiffany Glass Furnaces, localizada en Corona
Queens, New York. Ese mismo año su nueva compañía introdujo el término favrile en conjunción con su
primera producción de vidrio soplado. Algunos ejemplares tempranos de sus lámparas fueron exhibidas en
la Feria Mundial de Chicago de 1893. Él registró el término favrile el 13 de noviembre de 1894. Luego
extendió la utilización de este vocablo para toda su producción de vidrios, esmaltes y cerámicas. Las
primeras lámparas producidas comercialmente son aproximadamente del año 1895. Gran parte de la
producción de su compñía era la realización de vitrales para ventanas y la creación de lámparas, aunque su
compañía diseñaba una completa gama de objetos de decoración para interiores. En su momento cumbre,
su fábrica tuvo más de 300 artesanos. Tiffany utilizó todas sus habilidades en el diseño de su propia casa
de Oyster Bay, New York, Long Island, que poseía 84 cuartos y fue finalizada en 1904. Más tarde fue
donada a su fundación para estudiantes de arte, junto con 243.000 m² de tierras, pero fueron destruidas
por un incendio en 1957. Tiffany mantuvo una estrecha relación con la compañía familiar Tiffany Company.
Muchos de los productos que él producía eran vendidos allí. Luego de la muerte de su padre en 1902 se
convirtió en Director Artístico de Tiffany & Co. Tiffany Studios se mantuvo en actividad hasta 1928.
Louis Majorelle
http://www.louis-majorelle.com/
http://www.britannica.com/EBchecked/topic/359074/Louis-Majorelle
http://es.wikipedia.org/wiki/Louis_Majorelle
The French furniture designer Louis Majorelle was born in Toul, near Nancy, in 1859. His father, Auguste,
who also designed elegant furniture in the 18th-century style, had his own business for making it, Maison
Majorelle in Nancy. Louis Majorelle studied painting from 1877 at the École des Beaux-Arts in Paris under
Jean-François Millet but, after his father died, he returned to Nancy in 1879 and took over the family
business, leaving the style of furniture at first unchanged.
In the 1890s, however, Louis Majorelle fell increasingly under the sway of the new Art nouveau style
forms, which had been introduced in Nancy specifically by glass designers. He was especially taken with
the nature motifs featured in Émile Gallé's work. Louis Majorelle's furniture is structurally more innovative
than Gallé's works yet both reveal similarities in the use of intarsia motifs. Louis Majorelle set great store
by craftsmanship although he also increasingly turned to mass-production methods for making his
furniture, which reduced production costs, thus lowering retail prices.
In 1900 Majorelle showed an interior he had designed at the "Exposition Universelle et Internationale de
Paris". His designs became more extravagant. From 1900 Louis Majorelle also designed metal objects such
as the feet and fastenings of glass lampshades by Auguste Daum; at the same time Daum Frères made
glass elements for Majorelle's own collections.
In 1901, a number of firms and workshops making Art nouveau crafts objects united to form the École de
Nancy. Emile Gallé was its first head with Louis Majorelle as his deputy. In 1916, during the first world war,
the Majorelle factory sustained severe damage from fire. Louis Majorelle fled to Paris and did not return to
Nancy until the war was over, when he again took up his work.
In the 1920s his designs became increasingly simple and more formal, matching the new stylistic trend set
by Art déco. In 1925 Majorelle was again involved with the important "Exposition Internationale des Arts
Décoratifs et Industriels Moderns" in Paris and also belonged to the jury.
Collaborating with his factory manager, Alfred Lévy, Majorelle designed the interior of the Nancy Pavilion
for the exhibition.
After Louis Majorelle died in 1926, Alfred Lévy became director of Maison Majorelle, which continued to
make expensive and elaborate as well as more modest and reasonably priced objects. The firm closed
down in 1956.