una plática con

E DI T O R I A L
EL RETRATO
DEL MES
Andrés Díaz
Editor en Jefe
Si el tratar de comprender qué está pasando en la música es cada día más
difícil como melómano, imagínense cómo será como músico. Día a día
jóvenes de menos de 20 años pueden ser tan innovadores que con sólo un
par de canciones en Soundcloud pueden poner a temblar la carrera de artistas consolidados. Es por ello que la labor de una publicación musical es
dar un retrato de lo que está pasando a través de los ojos de quien escribe,
pero sobretodo saber escuchar.
Es por ello que decidimos en este número darle el merecido lugar que The
Shins se han ganado al otorgarle nuestra portada y marcarlo como uno de
los regresos más emotivos del año, pues James Mercer fue de los primeros
en forjar el crecimiento de bandas independientes al marcar un estándar
de calidad.
Por otro lado, tenemos a Miike Snow, trío de productores que echan todas
las habilidades a la cazuela para traernos su más reciente producción Happy
To You. Para completar la trilogía tenemos a Santigold, quien ha marcado
una nueva tendencia en el pop al ir de lo más bailable a la perfecta balada
contemporánea.
Aparte les hacemos un registro del mes más movido en cuanto a conciertos se refiere, ya que de qué sirve ser melómano si no vives en carne propia
la música que te gusta.
C O N T E N I D O
™
32 THE SHINS
www.FILTERMexico.com
/FILTERMexico
24 MIIKE SNOW
28 SANTIGOLD
@FILTERMexico
38 VENA2
40 JIMMY CLIFF
22 CHILE
18 PEGASVS
20 YUNA
21 EL COLUMPIO ASESINO
48 VENA2
1.FILTER
™
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Breakfast Media
Héctor Toledo, Carlos Verástegui, Milton Barboza
Director Editorial
Milton Barboza
[email protected]
Editor en Jefe
Andrés Díaz
Traducción y Redacción
Paola del Castillo, Benjamín Espinosa, Paulina García,
Beatriz Pecero, Paola Romo,
Anna Stephens y Mara Vargas
Corrección de Estilo
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Director de Arte
Oliver Barrón
Editora Web
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Fotografía
Rodrigo Jardón y Óscar Villanueva
Gerente de Producción & Operación
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Ventas
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FILTER México, Año 1, No. 5, (1º de mayo al 15 de junio 2012), es una publicación de una periodicidad de cada 6 semanas editada y publicada
por Breakfast Media, S.A. de C.V. Mariano Escobedo 498, Piso 1, Colonia Anzures. CP 11590. México. Teléfonos 62650339 / 62650366 / 62650367
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69, 2831-A, Colonia Ampliación Asturias, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06890, México, Distrito Federal. Este número se terminó de imprimir el 27 de
abril de 2012 con un tiraje de 25,000 ejemplares.
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VOL. 1, NO. 47, WINTER 2011.
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Cover illustration by Julius Preite. The Simpsons ™ and © 2012 Twentieth Century Fox Film Corporation. All Rights Reserved.
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3.FILTER
Fredsobre
Perry
ruedas
ShitterTwitter
La casa británica Fred Perry se ha caracterizado a lo largo
de 60 años por sus diseños deportivos clásicos y elegantes,
así como sus ediciones especiales con un toque edgy dentro
de las colecciones Laurel Wreath. Como parte de la colección Primavera-Verano 2012, se lanzó una serie de piezas
inspiradas en las líneas básicas del ciclismo. Playeras con
detalles geométricos, colores altamente contrastantes, polka
dots y zippers estratégicamente colocados, así como tenis de
piel y una mochila muy práctica para andar en dos ruedas.
Un accesorio más para quienes han hecho de la bici más
que un medio de transporte.
www.fredperry.com
Como su eslogan lo dice: Las redes sociales nunca
habían sido tan desechables. Basta con registrar
una cuenta de Twitter para visualizar tu timeline,
o el de alguien más impreso en cuatro rollos de
papel de baño. Entre las opciones, puedes elegir
entre imprimir tus tweets, el timeline o tus favoritos.
Un gran regalo para quienes no pueden despegarse de Twitter ni para ir al baño. Para hacer uso de
este servicio tendrás que pagar sólo $35 USD (más
impuestos y gastos de envío).
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U S A /////////////////////////////////////////////////////////////
JUEGA Y
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DISFRUTA
Por PAOLA ROMO
Almohadas
de origami
Vans
enlatados
“Geo”, es como la diseñadora Mika Barr titula su primera
colección textil. Está inspirada en los patrones geométricos
del origami, en la cual utiliza las técnicas del doblado de
papel implementadas en telas suaves que adquieren ángulos
de materiales rígidos a través de una nueva técnica de manipulación de la tela. Ya sea que las utilices como elementos
decorativos o almohadas de verdad, ten por seguro que las
visitas se querrán llevar una a casa.
www.talentsdesign.com/
geo-mika-barr-for-talents-design-2011/
Andy Warhol popularizó una lata de Campbell’s durante
los años sesenta. Casi cinco décadas después, Vans y
Supreme se encargarán de popularizar esta colaboración
que incluye distintos modelos de tenis tapizados con la
icónica lata, entre los que se encuentran: Authentic, Sk8
Hi y The Half Cab. La fecha de lanzamiento no se ha
dado a conocer, esperemos que nos llegue al menos un
par a México.
www.supremenewyork.com
www.vans.com
4.FILTER
5.FILTER
MARZO 10
CHOLULA, PUEBLA
Por MILTON BARBOZA ARRIAGA
Fotos RODRIGO JARDÓN
AUSTIN TV
FESTIVAL
72810
BLONDE REDHEAD
PETER MURPHY
No cabe duda que Puebla se está convirtiendo en un buen punto de
encuentro para la música. Ya lo habíamos platicado a principios de año
con la presentación de Morrissey por aquellos lares y ahora, la primera
edición del Festival 72810, resultó una grata sorpresa.
Cholula fue el lugar para que este evento se desarrollara, con
tres escenarios que se colocaron muy cerca de la Gran Pirámide.
Desde las 12 del día, desfilaron bandas como Urss Bajo el Árbol,
Furland, Salón Acapulco, Mexican Dubwiser, Technicolor Fabrics,
The Wookies, Felix Da Housecat, Austin TV, además de los más
esperados: Blonde Redhead, Peter Murphy, Modest Mouse y
Public Enemy.
Cabe resaltar que todos los escenarios estuvieron muy bien
sincronizados en cuanto a tiempos se refiere; todos los grupos
fueron puntuales, salvo Modest Mouse, que hizo la broma de
iniciar 20 minutos después de la hora en que estaba programado
su concierto.
Todas las bandas tuvieron buenos momentos, como las mexicanos
Furland, Austin TV, Quiero Club (que se unió de último momento
al cartel), The Wookies, Mexican Dubwiser y Torreblanca. El acto
6.FILTER
de Kid Sister fue muy plano y terminó por evidenciar que su labor
es igual a la de artistas como M.I.A.
Blonde Redhead hizo un show excepcional, con mucha fuerza que
dejó en claro su calidad de banda consagrada. Peter Murphy, el padrino del gothic rock, regresó a nuestro país para presentar algunas
de sus canciones clásicas, demostrando que su potente voz sigue
siendo tangible aunque él ya no se mueva mucho en el escenario.
Modest Mouse realmente sólo vino a cumplir, no tuvo momentos
tan emocionantes, salvo “Float on” que ilusionó a los fans, pero no
tuvo la energía que todos esperábamos.
En el caso de Public Enemy, su líder Flavor Flav se la pasó más que
bien y derrochó todo el hip hop que lo caracteriza… sigue siendo
un gran show el que da.
Pese a que no llegó tanta gente como se esperaba, quedó sentada la base
de que este festival se puede convertir en uno importante en nuestro
país; ojalá que la gente le dé la oportunidad y confianza al 72810 para
que siga sucediendo y cada año tenga más convocatoria… se lo merece,
y con esta primera edición se apunta una estrellita.
MARZO 14
THE MAIN, AUSTIN, TX
FIDLAR
FIESTA
VANS
@ SXSW
Fotos CORTESÍA VANS
PENNYWISE
JIMMY CLIFF
CAGE THE ELEPHANT
De los tantos eventos que uno puede encontrar en esta larga exhibición de bandas actuales llamada SXSW, escogimos ir a la que
organizó Vans porque existían las condiciones necesarias para
que se hiciera un buen concierto: un venue para 800 personas y
una gran selección de grupos que posiblemente en este momento
no sean las cartas fuertes de festivales, pero que tienen una gran
propuesta para poner al público eufórico.
Desafortunadamente las 100 mil personas que vieron el stream
en sus casas no pudieron sudar en carne propia lo que estas
bandas nos hicieron vivir. Paseamos con el punk de Pennywise,
el rock frenético y veloz de FIDLAR y el lado más metalero con
The Sword, para después bajarle el ritmo con el reggae de Jimmy
Cliff y terminar con un muy sudoroso y energético set de Cage
The Elephant.
7.FILTER
MARZO 23, 24 y 25
FORO SOL
Por ANDRÉS DÍAZ
Foto RODRIGO JARDÓN
VIVE
LATINO
2
0
1
2
El concepto de festival se puede interpretar de muchas
formas: desde reunir una marca y algunos talentos en un
espacio al aire libre, o realmente tener la meta de volverse
el indicador de lo que está pasando musicalmente a nivel
Latinoamérica.
que están volviéndose el “artista de la gente”; por otro,
las propuestas emergentes que se presentan en foros
más pequeños; y por último, las bandas internacionales, quienes fueron ganchos efectivos para atraer más
gente al evento.
Este año el Vive Latino logró crear su propio “lenguaje festivalero” al colocar, por un lado, las propuestas nacionales
Es por ello que decidimos clasificar el festival en estas tres
categorías para que comprendan mejor lo que sucedió:
A R T I S T A S
I N T E R N A C I O N A L E S
Por primera vez muchas bandas que llenan estadios o
arenas en todo el mundo se enfrentaron a un público
exigente. Tal fue el caso de Kasabian, quienes a pesar de
que vinieron con un buen disco bajo el brazo (Velociraptor!),
se convirtieron en los teloneros de Café Tacvba, ya que la
gente pedía a gritos a los mexicanos entre canción y canción de los ingleses. A pesar de eso, dieron una excelente
presentación con sus ya clásicos hits “L.S.F.”, “Club foot”
o “Fire”.
TV On The Radio se distingue por tener producciones
discográficas impecables. En vivo el sonido cambia mucho,
pero aun así logran darle nueva vida a las canciones, sobre
todo a las de sus primeros discos.
Para cubrir a un público más amplio, los organizadores
del Vive Latino invitaron a la novedad californiana Foster
8.FILTER
The People, quienes con su disco Torches han lanzado un
par de sencillos que fueron inmediatamente ubicados por
los asistentes, pero ninguno logró ser tan coreado como
“Pumped up kicks”, el cual estuvo acompañado por un
mariachi (recurso nada nuevo y cliché de muchos).
La quinta visita de The Horrors al D.F. fue igual de ovacionada que el resto. Al igual que la última vez que nos visitaron, descartaron por completo su primera producción
Strange House, dándole prioridad a los “discos gemelos”
Primary Colors y Skying.
Gogol Bordello es una banda que donde mejor se desenvuelve es en los festivales, ya que su punk gitano es
para escucharse y bailarse masivamente. Por otro lado
Madness, cubrió esa dosis de nostalgia con su punk y
ska noventero.
L A T I N O S
C O N S O L I D A D O S
Si la edición pasada fue recordada por el regreso de
Caifanes, ésta lo fue por los argentinos de Illya Kuryaki
And The Valderramas, quienes pusieron a bailar a todos
con su ya característico sexy funk, plasmado en “Coolo”,
“Jennifer del estero” y “Abarajame”.
Cabe resaltar que la participación de los chilenos este
año fue notable al traernos a bandas como Dënver, Astro,
Caravana, Perrosky, así como Francisca Valenzuela, Pedro
Piedra y Javiera Mena.
Molotov mostró el “power mexicano”; su oportuna
participación en el Vive coincidió con el lanzamiento de su
documental Gimmie The Power y su disco en vivo Desde Rusia
con Amor.
Carla Morrison fue una grata sorpresa, quien sobrepasó
las expectativas al llenar uno de los escenarios. Justo ese
fin de semana fue cuando estrenó su más reciente producción Déjenme Llorar, lo cual hizo que hubiera mucho más
emoción por verla.
En la parte mexicana, los mejores exponentes del rock se
presentaron: Zoé por un lado mostró los últimos rasgos
Unplugged que formó parte de su gira Música de Fondo, en
cuyo ensamble participaron Denise Gutiérrez de Hello
Seahorse! y Chetes.
Por otro lado, esta edición marcó el regreso de Café
Tacvba a los escenarios, luego de años de descanso. Desafortunadamente no cantaron temas nuevos, pero lo que sí
hicieron fue darnos un popurrí en homenaje a las bandas
mexicanas más recientes como Porter, Quiero Club,
Hello Seahorse!, al igual que Kinky, el colectivo Nortec y
Plastilina Mosh. A pesar de que su vocalista Rubén estaba
lesionado del pie, eso no fue obstáculo para que bailara la
coreografía de “Déjate caer”, o que motivara a que todos
bailaran descontrolados con clásicos como “El fin de la
inocencia”, “Volver a comenzar” o “La ingrata”.
P R O P U E S T A S
Desde Los Ángeles, el proyecto Mexican Dubwiser jugó con el tan
de moda dubstep con guiños de ritmos latinos, pero sin llegar a los
clichés en los que muchas bandas comerciales y norteamericanas
suelen caer.
Juan Cirerol ha demostrado que no se debe seguir la tendencia
musical para hacerla en grande, ya que él y sus corridos folclóricos
lograron llenar la Carpa Intolerante.
Robota, fue una de las gratas sorpresas con su noise endulzado de
elementos electrónicos, que saturaron los oídos de los presentes.
Urss Bajo el Árbol también mostró que la música progresiva sigue
vigente al ser, de entrada, creada por gente joven que más que hacer
un homenaje a este género, lo toma por los cuernos y le da un nuevo
sentido a todo este sonido.
La nueva cumbia, orientada a lo electrónico, fue otra de las distinciones de esta edición en donde Sonido San Francisco y Tropikal
Forever, dieron el ritmo necesario para poner a bailar a todos.
9.FILTER
MARZO 28
Palacio de los Deportes
Por ANDRÉS DÍAZ
Fotos CORTESÍA OCESA
Muchas veces perdemos de vista que un concierto está hecho de
dos partes: la banda y el público. El regreso de Arctic Monkeys a
la ciudad de México fue una muestra de qué tan lejos puede llegar un concierto si estas dos partes conviven y se potencializan
a todo, ya que la gente dio el alma y por lo tanto los ingleses nos
dieron de vuelta una presentación ejemplar.
Desde antes de que comenzara el concierto, la gente se atiborraba en la pista del Palacio de los Deportes como pocas veces
se ha visto, pero una vez comenzado el concierto esos movimientos descontrolados se armonizaron para brincar al unísono
con “Don’t sit down ‘cause I’ve moved your chair”, canción de
su más reciente disco Suck It And See con el que se sacudieron un
poco la monotonía que les dejó su disco pasado Humbug.
Hubo un momento en el que Alex Turner y compañía no nos
dejaron descansar ni un poco al aventarnos el excelente combo
10 . F I L T E R
que comenzó con “Library pictures” y que siguió con la potente
“Brianstorm”, para seguir con las ahora clásicas de su primer
disco “The view from the afternoon” y “I bet you look good on
the dancefloor”, para regresarnos a su más reciente disco con
“Brick by brick”.
En todas estas canciones la gente no dejó de brincar, dejando a
los ingleses con más energía de la acostumbrada. Luego siguió
una parte más tranquila con “Do me a favor” y “Suck it and
see”; justo en este momento se extrañó “Cornerstone”, una de
sus mejores canciones tranquilas.
Para el encore, aprovecharon y grabaron un video en vivo de la
canción “R U mine?”, que pueden checar en su canal oficial de
Youtube, para cerrar con otro clásico “Fluorescent adolescent”
y “505”, el cual fue como el caramelo dulce después de un atasque de buen rock inglés actual.
11 . F I L T E R
ABRIL 12
AUDITORIO BLACKBERRY
Por PAOLA DEL CASTILLO
Fotos ÓSCAR VILLANUEVA
Ver a los Sex Pistols, The Clash, o los Ramones en vivo sobre un
escenario ya es sólo un sueño. ¿Ha muerto el punk? En cierta forma,
pues el verdadero espíritu anárquico de los setenta que daría origen
a todo un movimiento generacional podría replicarse, pero nunca
igualarse en nuestra época. Sin embargo, los Buzzcocks se mantienen
fehacientemente como una de las pocas bandas de los inicios de este
género en el Reino Unido.
Los nativos de Bolton, que en sus buenas épocas se codeaban con personajes como Sid Vicious, Ian Curtis y en los noventa con Kurt Cobain
(en una gira como teloneros de Nirvana), interpretaron un intenso
set como parte de su primera visita a la Ciudad de México, a 34 años
de su formación. Esos años transcurridos se notan bien en los rostros
arrugados y cabelleras canosas, pero no en la energía a la hora de tocar
su repertorio con canciones como la famosísima y muy covereada
“Ever fallen in love (with someone you shouldn’t’ve)” o “Harmony
in my head”. Por una noche nos transportaron a la Inglaterra de
hace unas décadas: jóvenes con vestimentas color negro, estoperoles
y cadenas haciendo slam; una chica a la que le sangraba la nariz y se
paseaba contenta, tomándose fotos con su nuevo look “hardcore”, e
incluso algunos golpes en una pelea que se presentó al final del show
entre dos chicos que fueron sacados del recinto sin mayores daños. ¿El
punk está vivo? Sí y se encuentra pasándola muy bien.
12 . F I L T E R
ST. VINCENT
Por DIEGO ROSAS Y MARA VARGAS
Foto ÓSCAR VILLANUEVA
Son pocas las bandas o artistas que suenan mejor en vivo que en el
disco. St. Vincent es una de ellas, pues sus conciertos tienen tal fuerza
que sus discos pasan a segundo plano.
Annie Clark regresó al DF con un nuevo disco y una nueva banda con
un show envolvente. La gira de Strange Mercy, su más reciente producción, es coordinación humana-tecnológica. En el escenario las cosas
son bastante diferentes a sus giras pasadas; es más digital y frío, fiel
reflejo del nuevo disco. Con Daniel Mintseris en un rol de tecladista/
computadora-humana, toca y envía información MIDI a la guitarra de
Annie –liberándola de tener que estar concentrada en pisar pedales– y
a los pads electrónicos de Matt Lee Johnsosn, baterista actual de la
banda. Es una maestría en coordinación y trabajo en equipo. La otra
sorpresa en escena es Toko Yasudo, una talentosa belleza japonesa que
utiliza un sintetizador Moog como bajo, lo conoce y maneja como la
palma de su mano.
En contraste con su show pasado, se vio una Annie Clark más firme
y segura en el escenario. Sin tener que preocuparse por pisar sus pedales y controlar sus efectos, gracias a Daniel, tuvo la libertad de ser una
verdadera frontwoman que busca incesantemente la comunicación con
el público, ya sea explicando sus canciones o aventarse a la multitud a
media canción. Obviamente el público la amó.
En pocas palabras, St. Vincent o Annie Clark sigue avanzando, trae
consigo una propuesta realmente interesante, refrescante, original y
emocionante que seguro nos seguirá dando de qué hablar y escuchar
por muchos años más.
13 . F I L T E R
COA
CHe
LlA
2012
ABRIL 13 al 15 y 20 al 22
iNDIO, CALIFORNIA
Por PAULINA GARCÍA
Fotos PAUL FAMILETTI
14 . F I L T E R
Miles de personas se reunieron en el Empire Polo Club para dar inicio al primer fin de
semana del Coachella Valley Music and Arts
Festival. A pesar de las malas predicciones del
tiempo, la gente se presentó a la cita con los
atuendos listos para disfrutar de un día lleno
de sol, música y baile.
Uno de los primeros actos en el escenario
principal de Coachella fue Hello Seahorse!,
quienes presentaron un set con las mejores
canciones de la banda para un público que
los escuchaban por primera vez. A pesar de
esto, la gente respondió favorablemente ante
la música de los mexicanos.
Uno de los momentos más esperados fue el
set de The Arctic Mokeys quienes han mostrado un crecimiento en todos los sentidos.
Vestidos con chamarras de piel y cabello
relamido a la James Dean, Arctic Monkeys
hicieron presente su música intercalando
éxitos de discos anteriores con sus rolas más
recientes, en un concierto galopante y de guitarras grasosas.
Antes de iniciar su presentación, se apagaron
las luces generales y los fans de Pulp se comenzaron a juntar mientras un sonido ambiental hacía el llamado a escena. Muy elegantes, como buenos ingleses, uno a uno los
miembros de Pulp fueron tomando sus instrumentos y Jarvis Cocker dio inicio a su set
con “Do You Remember the First Time?”.
Así dieron un emotivo y divertido recorrido
a increíbles canciones que dejaron en claro
por qué nunca debieron ausentarse tanto
tiempo. Desde “Babies”, “This is Hardcore”, y “Disco 2000” hasta “F.E.E.L.I.N.G.
C.A.L.L.E.D.L.O.V.E” y “Sunrise”, Jarvis se
paseó por el escenario con la maestría que
tiene para interpretar y contar historias.
The Black Keys subieron al escenario y comenzaron a tocar “Howling for You”, una
gran manera de subir los ánimos de la gente
que se había juntado para verlos tocar. Como
viejos lobos de mar, The Black Keys, acompañados de un bajo y una guitarra extra, tocaron canciones de su más reciente producción
El Camino. Música perfecta para aullar y maullar por igual.
El segundo día de Coachella llegó con un
poco más de sol y por lo tanto más alegría
para todos los asistentes a este festival californiano.
El día tuvo un muy buen inicio con bandas
como The Vaccines, quienes llenaron el
Gobi Tent de mucha energía, para revitalizar a aquellos que seguían algo cansados
de la noche anterior. Los ingleses recorrieron canciones de su primer disco What
Did You Expect From The Vaccines?, y comprobaron que el rock alegre sigue siendo un
gran acierto.
Una de las grandes sorpresas de Coachella definitivamente fue Azaelia Banks,
una menudita chica con actitud de amazonas que puso a bailar al Gobi Tent, en
cuanto se le puso play a la primera pista.
Por otro lado, Buzzcocks le dieron unas
buenas clases de punk y actitud a las jóvenes generaciones que creen saberlo todo.
Este clásico inglés se encargó de hacer
sonar su escenario como seguramente sonaba en los setenta. Sin mayor interés en
escucharse como una banda de punk sofisticado, Buzzcocks saturaron las bocinas
y metieron al público en una máquina del
tiempo hasta cuando tenían menos canas
y menos años.
COA
CHe
LlA
2012
Ciertamente, el Segundo día en Coachella mostró un despliegue de talento inglés, sobre todo con Kasabian, que, aunque no se presentaron
en el escenario principal –como muchos hubieran esperado, crearon
su propia arena en una de las carpas del festival. Así, presentaron un
set de 50 minutos con canciones emocionantes, un tanto peligrosas y
agresivas para dejar al público con la adrenalina hasta arriba.
Por otro lado, The Shins llenó de sol y calor el escenario principal
de Coachella cuando ya empezaba a bajar la temperatura. James
Mercer al lado de su nueva alineación interpretaron canciones de
discos anteriores así como del más reciente Port Of Morrow.
El tercer y último día de Coachella llegó demasiado rápido. Con
mucho sol, calor y ánimos, una de las primeros actos en presentarse fue Santigold. La cantante que está cerca de lanzar su segundo
disco Master Of My Make-Believe, interpretó canciones nuevas y viejas
al lado de dos bailarinas que ayudaron a animar su presentación.
Una de las bandas que más diversión proveen para el público, es
sin duda The Hives. La banda, que asistió a Coachella por segunda
ocasión, presentó unas cuantas canciones nuevas, además de éxitos
como “Main Offender”. Mientras el set progresaba, su carismático
vocalista Pelle Alqmvist saltaba de un lado a otro y tomaba cual-
quier pretexto –por más pequeño que fuera– para incitar a que su
público gritara y se divirtiera tanto como ellos lo estaban haciendo.
Los alemanes Modeselektor fueron los encargados de cerrar la carpa Mojave, y vaya que lo hicieron con broche de oro. A pesar de
que la tendencia del dubstep lamentablemente haya sufrido un giro
hacia el estilo agresivo y saturado de productores como Skrillex
y Deadmau5, Modeselektor presentó algo de lo más fino de este
género. Presentaron una combinación de lo más obscuro en trance, dubstep y beats descompuestos que hipnotizaron a su público
quienes pedían más y más… y más.
El resto de los escenarios cerraron sus cortinas relativamente temprano para que todo el festival pudiera presenciar una muy buena
parte de la presentación de Snoop Dogg y Dr. Dre, dieron uno de
los mejores shows que Coachella ha visto. Además de interpretar
clásicos como “The Next Episode”, ambos MCs hicieron un recorrido de sus contribuciones a la historia del rap. La producción del
escenario y el sonido fueron impecables; además de eso su lista de
invitados incluyó a figuras como Kendrick Lamar, Eminem y hasta
el mismo Tupac Shakur quien –literalmente– regresó de los muertos en forma de holograma para sorprender, deleitar e impresionar
al público que ya de por sí estaba boquiabierto.
15 . F I L T E R
RA D IO
head
ABRIL 17 y 18
FORO SOL
Por ANDRÉS DÍAZ
Fotos CORTESÍA OCESA
Decir algo de Radiohead puede resultar tan trillado o rebuscado que lo mejor es
sentarse y abrir los sentidos para escuchar con atención la meticulosa producción que
logran llevar a la perfección en el escenario.
Para muchos, este regreso no fue una gran sorpresa debido a su pasada visita con el gran álbum In Rainbows, ya que muchos se llevaron la
errónea idea de que The King Of Limbs es un mal disco (que podríamos
traducir como muy clavado para algunos). Es por eso que al ponerlo
en un mismo plano con el resto de su discografía, encontramos que
complementa muy bien el universo de Radiohead, al cantar casi por
completo el álbum.
El inicio fue sorprendente con tres canciones que abren sus respectivos
álbumes: “Bloom”, “15 Step” y “Airbag”. No fue de esperarse que a un
año de haber lanzado The King Of Limbs, Radiohead se quedara con los
brazos cruzados para no seguir grabando nuevas canciones, por lo que
en esta gira están aprovechando para probar estos nuevos experimentos; fue así como se dio a conocer “Staircase” (que ya habían tocado
en la sesión FromTheBasement), “Supercollider” (que tocaban ocasionalmente en la gira de In Rainbows y que editaron el año pasado por el
Record Store Day) e “Identikit” que estrenaron en esta parte de la gira.
Las sorpresas que distinguieron esta primera presentación en el D.F.
fueron una versión perturbadora de “The gloaming”, “I might be
16 . F I L T E R
wrong” y “You and whose army?”, en donde Thom Yorke hace unos
acercamientos extremos a su rostro en una canción que, al igual que
muchas otras de su discografía, tiene cambios de temperamento intrépidos y veloces.
Dos canciones que en particular se ve que tendrán mucho potencial
en el futuro de esta etapa de The King Of Limbs fueron “Lotus Flower”,
en donde Yorke nos deleitó con su “baile contemporáneo”, que se vio a
lo largo del concierto, mostrándonos las habilidades de performance que
tiene, aparte de su gran habilidad como músico. La otra fue “Give up
the ghost”, que por su sencillez y lugar en el setlist, tuvo un efecto muy
bueno en el público.
El cierre fue espectacular con la dupla de The Bends: “Planet
Telex” (tocada por primera vez en nuestro país) y “Street spirit
(Fade out)”.
Tanto los primerizos como los que ya la habían visto anteriormente estos conciertos, corroboraron que no por nada Radiohead es
una de las mejores bandas de los últimos años.
17 . F I L T E R
Les presentamos a...
Melodías y ritmos emitidos por “cacharros”,
hicieron que Luciana y Sergio dieran vida a
PEGASVS
Por BEATRIZ PECERO
Este dúo formado por Luciana Della Villa
y Sergio Pérez es originario de Barcelona,
España, en donde ambos tocaban en un
grupo llamado Telemáticos, pero se dieron
cuenta de que necesitaban desarrollar un
proyecto que les permitiera compartir su
condición de pareja sentimental.
“Nos apetecía cambiar de aires: por un
lado queríamos dejar de lado la batería,
guitarra y bajo para utilizar más los sintetizadores. Aparte queríamos un proyecto
en el que sólo fuéramos nosotros dos”,
comenta Luciana.
Inspirados en grupos de música electrónica
de los años setenta, crearon un proceso de
composición que surgió de manera innata al
hacer improvisaciones. “Normalmente empezamos un poco improvisando a ver qué
sale y después ya lo vamos perfilando más
a partir de una o dos ideas, las letras las
ponemos con base en lo que nos sugiere la
música”. Afirma Sergio.
Pegasvs surgió hace dos años y con el paso
del tiempo –y gracias a su música– se han
18 . F I L T E R
Foto CHUS ANTÓN
hecho de un nombre dentro de la Península Ibérica, al formar parte de los grandes
festivales que se realizan en ese país. Su
estilo musical es difícil de definir: “Nos han
llamado retrofuturistas, como se imaginaban
el futuro en el pasado, es como el magneto
nuevo que tenemos: es viejo pero tiene
cosas que debía ser muy avanzado en su
momento. Es como cuando el walkman sacó
el auto reverse”, dice Sergio.
La música surgida de dicha combinación
está acompañada por la dulce y enigmática
voz de Luciana, donde las letras cortas y
repetitivas buscan que cada quien les dé
su propia interpretación. “No queríamos
ser muy explícitos a la hora de decir alguna
letra, quizás esta música que hacemos no
queda bien con una letra larga”, Luciana.
Actualmente tienen un LP homónimo con
nueve canciones, las cuales ofrecen un
recorrido en una montaña rusa situada en
la constelación más lejana de la galaxia. El
disco se editó también en vinil, lo que hace
aun más exquisito el sonido para los oídos
de aquellos coleccionistas.
19 . F I L T E R
Les presentamos a...
YUNA
Por KENDAH EL-ALI
Foto JONATHAN MANNION
Yunalis Zarai, conocida simplemente como Yuna, nació en Malasia, se
crió en el distrito de Subang Jaya de Kuala Lumpur y comenzó su carrera
musical durante el último año en la escuela de leyes. Tras una serie de
espectáculos locales de pequeño formato, sus fans le pidieron un EP.
“Eso fue hace cuatro años. Fue un punto de inflexión para mí, porque
en ese punto decidí hacer música de verdad, a tiempo completo. Me
gradué, pero todavía tengo que seguir una carrera como abogada. Estoy
contenta de haber tomado esa decisión y de estar en donde estoy ahora.
mi identidad. Esto es lo que soy. Estoy segura de que es inusual para
el público norteamericano ver a una mujer cubierta, pero también es
poco común verlo en Malasia. Pero todavía hay chicas como yo, que son
conservadoras, pero cool. Trato de encontrar un equilibrio”.
3 ÁLBUMES
QUE INSPIRARON A YUNA
A HACER MÚSICA
“Yo estaba obsesionada con las computadoras y la tecnología cuando era
joven. Estaba en la construcción de sitios web cuando tenía 13 años y
construía códigos HTML y todo”, dijo. “Crecí sabiendo todas estas cosas
acerca de las redes sociales. Así que con la música tenía una ventaja de
saber cómo poner mi música y mi persona”.
La voz de Yuna ha sido muy comparada con la de Feist por la mezcla de
sensualidad y suavidad distinta que cautiva a sus oyentes. Liderada por
su guitarra, la música de sus canciones es convenientemente relajante y
sumamente encantadora.
Durante el último año fue una de las más afamadas en su país natal
gracias a la realización de un LP bajo el sello discográfico Fader, y trabajó
con artistas como Pharrell Williams y Chris Braide. Con respecto a eso
ella simplemente responde: “Para ser honesta, yo sólo quiero crear. Pero
cuando oigo que una chica de San Diego puede relacionarse con mi música, no deja de sorprenderme. Después de todo lo del 11 de septiembre
es difícil saltar a la escena musical en Estados Unidos. Sólo hago lo que
puedo y mantengo una actitud positiva. Hasta ahora, he recibido una
enorme cantidad de apoyo. La música rompe barreras, creo. Realmente
no tiene fronteras”.
Cuando se le preguntó cómo el Islam se cruza con una carrera difícil
en la música pop, Yuna grita: “¡Wow! ¡Todavía no tengo idea de qué
ponerme!”, y agregó un instante después, “obviamente vengo de un
ambiente muy diferente a la mayoría del de los músicos. Pero esta es
20 . F I L T E R
COLDPLAY/ X & Y
FEIST/ The Reminder
LAURYN HILL/ The Miseducation Of Lauryn Hill
Ya deberías conocer a...
EL
COLUMPIO
ASESINO
EL
Por ANDRÉS DÍAZ
Foto ÓSCAR VILLANUEVA
Gracias al fenómeno “Toro”, los españoles por fin lograron poner la
estaca que los sujetara definitivamente en el gusto del público mexicano, a pesar de que ya habían venido anteriormente. “Estábamos
expectantes por cómo reaccionaría la crítica y los fans con Diamantes, porque este disco quizás sea el más popero por las melodías y
por lo tanto es el que más éxito ha tenido”, nos cuenta el baterista y
cantante Álbaro Arizaleta.
Quizás una da las razones por la cual se dio esta expansión musical se
debe a la aportación de Cristina a este disco, quien junto con Álbaro
han desarrollado la parte vocal del grupo. “No hay un punto de
vuelta con las colaboraciones de Cristina, porque ella se ha apropiado
de un espacio en el grupo que ha sido bien recibido por parte del
público. Yo nunca tuve dotes de cantante, me encontré cantando en
la banda porque la formé con mi hermano y al momento de ponerle
voz al grupo nos preguntamos: ¿Quién va a cantar? Y yo me aventé y
así quedé desde entonces. Agradezco que Cristina vaya ocupando el
espacio de vocalista, y hay que reconocer que lo hace mejor que yo”.
Mientras que su primer disco trataba de unir sonidos y conceptos
musicales aparentemente opuestos como Pixies o Sonic Youth con
Air y una electrónica más atmosférica, Diamantes es un disco más
sencillo y menos recargado; más directo y limpio.
Un gran momento en este material es “Cisne de cristal”, de la cual
Álbaro nos explica por qué la incluyeron: “Queríamos hacer un
versión de una canción que nos gustase mucho y que no fuera tan
conocida. Esta canción de John Cale nos cuadraba por la admiración que tenemos hacia él y The Velvet Underground. A la hora de
traducirla, la letra no encajaba al español y a la melodía, por lo que
hice una nueva letra basándome en los sentimientos que me dictaba
la canción, como la melancolía y la tristeza. El álbum Paris 1919 de
Cale es muy romántico y barroco”.
El Columpio Asesino ya comenzó a aterrizar ideas y textos para lo
que vendrá, aunque aún no tienen una idea certera hacia dónde
irán. “Haremos festivales de verano y después del cierre del disco
entraremos al estudio en primavera del año que viene. Nos cuesta
mucho trabajo grabar un disco, hay momentos en donde no sabes
a dónde dirigir la canción, se encalla y por lo tanto te desesperas,
pero nosotros valoramos sobre todo esos momentos mágicos donde
todo fluye”.
21 . F I L T E R
PAISAJES SONOROS
CHILE
Por ANNA STEPHENS
Fotos LOTUS PRODUCCIONES Y ANNA STEPHENS
A pesar de que se recomienda volar de noche para no cansarse tanto,
viajar a Santiago de Chile desde la Ciudad de México es sin duda un
vuelo agotador. Para aquellos que no podemos conciliar el sueño tan
fácilmente, la aerolínea ofrece una larga lista de películas, series, caricaturas, documentales, música y hasta videojuegos en cada asiento
del avión. Un vuelo lleno, en donde podemos encontrar toda clase
de personajes: familias de hasta ocho integrantes que no cesan de
tomarse fotos, vecinos platicadores, niños llorando y hasta los Arctic
Monkeys. El motivo personal de este viaje es asistir a la segunda
edición del festival Lollapalooza en Chile. Dos películas y un par de
copas de vino chileno, fueron suficientes para dormitar un poco.
Después de todo, desde el asiento asignado y en vuelo nocturno,
jamás lograré ver ni un piquito de los Andes. La turbulencia indica
que estamos cerca de nuestro destino. Aunque el aterrizaje no fue
tan bueno, los viajantes aplauden al piloto… o tal vez, al hecho de
que por fin llegamos a Santiago.
Una vez en el aeropuerto de Chile, se nos pide a los mexicanos que
paguemos un impuesto de ingreso equivalente a $25 dólares. La
respuesta diplomática a la inexistente visa chilena. El aeropuerto es
pequeño y eso hace que el ajetreo sea más obvio. Con todo, logré
localizar de inmediato a la persona que me recogería para llevarme
22 . F I L T E R
al hotel. En el trayecto me pregunta que a cuál artista del cartel del
Lolla me emociona ver. Mi respuesta inmediata: Foo Fighters. Le
hice la misma pregunta, a lo que él contestó: MGMT.
En Santiago estamos en hora pico. Son las ocho de la mañana de un
viernes y la avenida por la que transitamos (que equivaldría al Periférico del D.F.), está llena de túneles de al menos cinco minutos de
recorrido en velocidad promedio. Sin embargo, los tacos –que es la
forma que tienen los chilenos para referirse al tráfico pesado– obligan a que esos recorridos de cinco minutos en túneles, se extiendan
hasta los 20. Esto a su vez nos obliga a abordar las preguntas de
rigor: ¿cuántos habitantes hay en la Ciudad de México?, ¿cuántos
son en todo el país?, ¿qué tan grave es la situación del narcotráfico?, ¿qué tan segura es la Ciudad de México? Y viceversa: ¿cuántos
habitantes hay en Santiago?, ¿cuántos en todo Chile?, ¿qué tan lejos
es ir a la playa?, ¿qué tan lejos es ir a las montañas? Ambas partes
expusimos lo poco que nos conocemos y lo mucho que le creemos
a los medios.
Santiago es una ciudad limpia, ordenada y cuyos habitantes son
exageradamente amables, respetuosos unos con otros y de confianza
en los demás. Cincuenta minutos después llegamos al hotel, en
PAISAJES SONOROS
CHILE
BJÖRK
FOO FIGHTERS
donde, para mi sorpresa, se hospedaban Gogol Bordello, Illya Kuryaki
& The Valderramas, The Gipsy Kings, Systema Solar y Hoppo! Ante la
noticia de que debía esperar cinco horas por la habitación ya que aún
no estaba lista, se decidió una caminata por Las Condes, el barrio en
donde me encontraba. Altos edificios habitacionales y de oficinas, hoteles
cinco estrellas y un centro comercial grande, me remiten a Santa Fe en
la Ciudad de México.Ya que contaba con habitación, acreditaciones para
el festival y una siesta de veinte minutos, regresé al centro comercial para
una cena con vino chileno al aire libre.
Por fin llegó el sábado. Primero de dos días de Lollapalooza Chile
en su edición 2012. El Parque O’Higgins es un sitio grande. Cuenta
dentro de sí con una arena para conciertos (idéntica por dentro y
por fuera al Palacio de los Deportes, pero de menor capacidad) y en
un terreno conjunto se encuentra el parque de diversiones “Divertilandia”. La seguridad en los accesos al festival fue impositiva. No
olvidemos que recientemente el gobierno chileno se ha enfrentado
a manifestaciones de universitarios, que han obligado a los carabineros a poner mucho más control y atención a ese sector.
El festival tenía prohibida la venta de alcohol y en el único lugar
donde se podía encontrar era en camerinos o en el VIP, lugar que
se convirtió en el “Divertilandia” de los patrocinadores, en donde
por haber pagado un poco más para poder tener acceso, uno podía
comer fruta, frituras, sushi y brownies gratis; beber agua y refrescos
al por mayor; beber dos cervezas y dos whiskeys por cada día del
festival; ir a baños limpios; acostarte bajo la sombra en el pasto, las
sillas, los pufs y camas que habían, además de poder participar en
activaciones de las marcas. Desde el VIP uno podía disfrutar de la
comodidad además de ver ambos escenarios principales. Pero el
festival no sucede en el VIP.
Con un cartel cuyos actos en su mayoría ya han visitado México, lo
interesante era saber cómo vive Chile este festival. La organización
fue impecable. Resaltó la puntualidad en cada escenario, la gran
cantidad de voluntarios que mantienen el festival limpio y (de
nueva cuenta), la amabilidad de los chilenos. Sorprendió la forma
en la que los asistentes reaccionaban ante las bandas. En la mayoría
de los casos sólo observaban al artista; aplaudían entre canciones,
bailaban un poco y ya. Los más acérrimos fanáticos se encontraban
hasta adelante, pero su reacción no era tan alejada de los otros. Para
el primer día lo más celebrado fueron Los Jaivas, Arctic Monkeys,
Calvin Harris y Björk, quien anteriormente ya había visitado Chile
al menos en un par de ocasiones.
Según se comentó, el segundo día sería el mejor que ha tenido el
festival en su corta historia. Todos esperaban a Foo Fighters. Para
poder lograr esta visita de los Foo, Perry Farrell tuvo que hacer una
exhaustiva labor de convencimiento, que derivó en que también
fuesen el acto principal del primer Lollapalooza Brasil y en que
para México, volvieran los rumores de su posible visita al Corona
Capital. Sin duda el segundo día tuvo más asistentes. Lo más
comentado fue el regreso de Illya, la gran presentación de Joan Jett
y la bailadera con MGMT y Skrillex. La buena racha que llevaba el
festival se opacó un poco con la falla en el sonido de los Foo. La
voz de Dave Grohl estaba oculta detrás de las guitarras. Esto no nos
importó en absoluto ante el apoteósico y cómico concierto de dos
horas y media que ofrecieron. Se aseguraron de interpretar todos
y cada uno de sus hits, así como de las canciones que saben que los
fanáticos recordarán como momentos épicos. Foo Fighters se mostraron sorprendidos ante la cálida recepción que obtuvieron, con lo
que evidenciaron la falta que les hace venir a México.
Lollapalooza Chile es un festival pequeño cuya rápida madurez lo llevará
a ser uno de los más destacados en Latinoamérica. Su organización, su
gente y el empeño que día con día blogs, músicos, bandas, sellos independientes, radiodifusoras y melómanos, tienen no sólo por la música
que importan, sino por sus propios artistas, lo acercan cada vez más a
ese rango. Resultó difícil responder a los chilenos: “¿por qué las nuevas
bandas mexicanas como Chikita Violenta no vienen a tocar a Chile?,
¿cómo le hizo Café Tacvba para poder estar a ese nivel?, ¿cómo le hacen
en México para mantener una escena musical pujante y viva?, ¿es cierto
que nuestros artistas chilenos se presentan en México con gran éxito en
lugares abarrotados?”.
En el vuelo de regreso a México me di cuenta del porqué Chile
exporta tanto talento bueno a nuestro país. La constante preparación, la inquietud y experimentación, son factores esenciales, pero
no olvidemos que cuentan con menos lugares en donde tocar en
vivo, menos medios a los cuales llevarles su música y muchos menos
oídos a los cuales llegar, y que nunca dejan de aspirar a más, sin
perder de vista el piso.
23 . F I L T E R
PRINCIPAL ES
L A R E ALI DAD APESTA
ADENTRO DE LA IMAGINACIÓN DE
MIIKE SNOW
POR Loren Auda Poin
FOTOS Mathias Sterner / MINK MGMT
24 . F I L T E R
PINCIPALES
MIIKE SNOW
Estás en Suecia. Tú y tu banda acaban de lanzar un
nuevo y excitante álbum con sus propias manos que
se convierte en una medicina musical; es un poderoso filtro que puede desmaterializar el cuarto en el
que estás intercambiando tu aburrido mundo con
risas y canturreos, envolviendo el lugar con colores
brillantes que brotan alrededor mientras pensamientos bizarros y quejumbrosos invaden tu mente con
una gran habilidad.
Recuerda, estás en Suecia. Tu banda, con sus armas
sónicas de felicidad en mano se preparan para volar a
través del mundo para, sobre todo en Texas, demostrar esta nueva fuente de energía en frente de miles
de dementes, probablemente viajeros, reporteros
y huraños hipsters. Las luces estarán brillantes y los
tacos brillarán de forma sugerente. De hecho esto ya
has vivido antes, sólo que ahora es… más complicado. Mucho más complicado.
“Le agregamos muchos retos…” Ese es el vocalista,
neoyorquino y portador de una barba exquisita,
Andrew Wyatt, quien reflexiona sobre los potenciales
obstáculos con los que se enfrentará Miike Snow al
tocar su nuevo opus titulado Happy To You. Pontus
Winnberg —quien junto a Christian Karlsson es la
mitad del grupo compositor interestelar de synthpop
Bloodshy & Avant— termina el pensamiento de
Wyatt: “Hay partes que estamos tratando de averiguar cómo le haremos. En esta ocasión estamos personalizando todo como si estuviéramos construyendo
un edificio, por lo que trabajamos en específico por
nuestros propios motivos”.
Wyatt nos da más detalles: “Ahora nos estamos concentrando particularmente en ser capaces de hacerlo todo
en vivo. En otras palabras, no usaremos pistas a pesar de
que hay más instrumentos en el álbum. Por eso creamos
trucos de ingeniería para quitar esas partes sin enlatar
esos elementos”. Los miembros de Miike Snow toman
en cuenta esto en cada paso del proceso –sólo los ingredientes más orgánicos son considerados para ser parte
del caldo que servirán, y vaya que lo dicen chefs consumados. El énfasis está siempre en hacerlo ellos mismos,
directamente, con el más delicado cuidado y pureza de
intento. Enlatar no es una opción, es una blasfemia.
25 . F I L T E R
26 . F I L T E R
Peinado y maquillaje: SophiaEriksen / Agent Bauer; Stylist: ElinEdlund / Link Details
“TRATAMOS DE CREAR UN
UNiVERSO EMOCIONAL PARA QUE
LA GENTE VIVA EN ÉL”
PINCIPALES
MIIKE SNOW
Seguramente te preguntarás constantemente por
qué tantos procesos vocales, por qué profundizar
conceptualmente con estas canciones, por qué
este disco suena más libre que el pasado o por
qué suena cinematográfico, dinámico y teatral.
La respuesta siempre será la misma: “Fue lo que
surgió”.
Con dos álbumes bajo el nombre de Miike Snow,
estos tres jóvenes tienen un profundo y secreto entendimiento de su proceso creativo. Saben lo que hay
dentro de ellos y saben cómo sacarlo, ponerlo en una
cinta y hacerlo sonar ante masas de gente expectante.
“Ahora tenemos una identidad como banda, y lo
que tratamos de crear con nuestra propia música
es un universo emocional para gente que viva en él
para darse cuenta de lo que significa”, Wyatt dice.
Más que estudiar o inspeccionar de cerca el mecanismo que transmite y recibe ondas creativas,
los chicos de Miike Snow están concentrados exclusivamente en que su sintonización sea exacta y
la energía siga fluyendo constantemente. También
saben que el atascarse en el pensamiento mutila la
acción. Y acción es lo que quieren.
“La inspiración viene de donde sea. La mayor
parte de las veces nos influenciamos de nuestros
amigos. Es como chocar contra alguien, como
cuando la conversación con un amigo causa en ti
que cheques algo que no habías visto, lo cual nos
llevó a crear estas canciones”, dice Pontus.
Wyatt finaliza este pensamiento: “La gente que
conocemos son amigos que hacen música, el
hecho de que los conozcas, hace que la música sea
más fácil de asimilar y entender por qué te gusta.
Que te guste esa persona facilita que te guste la
música, al ser conmovida por ella y ver ciertas cosas en ella que son cool… justo como la persona”.
Esto lo dice con la experiencia y ese tono de voz
con una articulación fluida de una persona que le
ha dado una pensada a este tema.
Karlsson y Wyatt confiesan la forma en que
socializan al conocer a colegas obsesionados en las
giras y estudios de grabación para después establecer relaciones con ellos. Otras cabezas musicales
prefieren en estos días plantarse en frente de una
computadora a buscar joyas perdidas en las profundidades abismales de los datos musicales que
hay en Internet, cosa que Miike Snow evita hacer.
“Es parte de la experiencia”, dice Pontus sobre
las relaciones musicales. “Es una gran diferencia
si alguien que conoces y respetas te da algo a
diferencia de alguien más. Te afecta de forma
diferente”.
Tal vez la insistencia de tener conexiones directas
y reales con gente real, abra el paso a sumergirse
en una súper realidad en la música. “Hay partes
del disco en donde hablamos de cosas personales
y reales que nos pasaron. Pero nuestra banda trata
sobre la imaginación y odiar la realidad en vez de
tratar de vivir en ella. Es sobre la emoción en vez
de tratar de contar historias reales”, dice Wyatt.
Miike Snow están muy contentos de habitar este
bello e imperfecto mundo. Pero su fijación por el
poder y la importancia que le dan a la imaginación
que encontramos en Happy To You, lo convierten
en un triste, divertido y escalofriante viaje semejante a la personalidad de Willy Wonka.
El balance de estar de gira y en el estudio permitió que las canciones en Happy To You tomaran un
equilibrio entre un descarado vértigo de fuentes
pop que resultan más familiares y los estallidos
alienígenas que aún no han sido descubiertos por
las máquinas. Es el mismo balance en la lírica
entre los remordimientos del sufrimiento humano
y el grandioso y etéreo aparato poético que nos
sacó de lo mundano y lo increíble.
Los integrantes de Miike Snow, como en un viejo
adagio, son fieles a sí mismos: “En un punto,
sólo eres esclavo de lo que está dentro de ti”,
dice Wyatt. Lo que sea que domine a estos tres
colegas, lo que sea que gane la admiración entre
ellos al mantener su amistad, esperemos que
continúe así”.
27 . F I L T E R
PRINCIPALES
SAN
TIG
OLD
Por A.D. AMOROSI
28 . F I L T E R
Fotos SEAN THOMAS
Antes de que existiera Santigold, Santogold y su
gruñido de funk que llena su nuevo y esperado álbum
Master Of My Make-Believe, estaba Santi White, una niña
buena de los suburbios de Filadelfia de Mount Airy,
quien hacía un ska-pop que pondría verde de envidia a
No Doubt.
Esa mujer de ojos amplios de la banda Stiffed, hoy en
día sigue presente en la música de Santigold, pues aún
podemos encontrar un aire inocente y conmovedor que
llena Master, su primer álbum lanzado por Stateside de
Atlantic. También hay un cinismo maniático que busca
ser encontrado en el rostro de la falsa celebridad y la
ferocidad en la debilidad de la Tierra que encontramos
en Master, junto a su positivismo. “Las cosas son muy
drásticas allá afuera”, dice Santigold entre risas.
Mientras varios de sus antiguos amigos de producción
–Swith, Diplo– forman parte de ese ruidoso nuevo
proyecto como lo hicieron en Santogold de 2008, ellos
(como Santi) se volvieron parte de una máquina dance
pop más grande, trabajando al lado de Beyoncé, Christina Aguilera y Usher. (Santigold ha tenido una larga
carrera como compositora desde sus inicios). Mantener
las cosas frescas y extrañas fue un aspecto crucial de
Master Of My Make-Believe al igual que reclutar nuevos
amigos de los Yeah Yeah Yeahs y TV On The Radio.
Dicho esto, Master es un álbum con unidad, carnoso
y que salta de un género a otro, que logra mezclar las
entrañas y la corteza cerebral. Santigold estaba por su
cuenta como productora ejecutiva y supervisora. Aquí
verán cómo sostuvo el proceso.
>>
29 . F I L T E R
PRINCIPALES
SAN
TIG
OLD
Has crecido mucho desde Stiffed
y el EP Sex Cells. ¿Aún queda
algo de esa mujer joven que vivía
en Mounty Air?
Por supuesto. Sólo han pasado muchos años
que me han dado experiencia. Eso no me ha
distanciado de mí misma.
¿Pudiste haber sido feliz como
compositora que ocasionalmente
cantara, como Linda Perry? En tus
inicios mencionabas que no te sentías cómoda en el escenario…
No lo creo. No me apego a las cosas que no
me hacen feliz. Creí que me sentiría incómoda hasta que estuve en el escenario. Luego
me di cuenta de que hay formas totalmente
diferentes de comunicar una idea.
Hablando de tu segundo álbum,
¿crees que tu sello, Atlantic, te
subestimó? Sé que en un inicio
querían hacerte crecer como
escritora de hits.
Bueno, eso fue en la transición que tuve
entre Downtown y cuando Atlantic quería
invertir en mí. Se estaban preguntando sobre
cómo debían manejarme. Yo no puedo ser
fácil de manejar. Eso fue antes de que alguien
de Atlantic se sentara conmigo, o de mi
primer disco. No sabían qué hacer con lo que
tenían en frente. Ahora me tienen y han sido
geniales. Creo que buscaban formas únicas
de manejarme en vez de adecuarme a una
idea ya hecha. Nadie puede ni debe tratar de
meterme en alguna caja.
En tu último álbum tenías a John
Hill, tu compañero y colaborador, como tu guía sónica. En este
álbum estás apostándole a hacerlo
tú misma. ¿Cuáles son las cosas
buenas y malas de esta situación?
Del lado bueno me forzó a construir mis
propios niveles de confianza como productor
y en mí misma como nunca lo había tenido.
“¿Funcionará? Ah, sólo hazlo y deja de cuestionarte a ti misma”. Experimenté mucho.
No sabes lo que pasará. La fe se vuelve ciega.
Es bueno. Lo malo es que es un proceso solitario y te deja con muchas dudas. No tienes
a alguien que comparta tu visión e ideas ni
con quien bromear. Tuve que cargar toda la
responsabilidad… y las preocupaciones. Ni
siquiera tuve a alguien de la disquera cerca
porque estaban en Londres. Me quedé sola
con mis instrumentos.
Eres amiga de Diplo y Switch
desde antes de tu último álbum.
Han crecido considerablemente.
¿Fue un problema que se enfocaran en tu próximo álbum?
En cuanto más conozcas a alguien, conoces
los aspectos más íntimos de sus vidas. Tienes
una versión más certera de sus vidas en vez
de un productor que aparece o desaparece.
Eso también pasa con el arte. He tenido
las mejores canciones con estos tipos. Las
vidas de todos han cambiado mucho desde
el último disco. Hemos estado comunicándonos desde entonces como personas, por lo
que debíamos trabajar en algo nuevo. Diplo y
Switch deben tener un balance entre lo que
les demandan y el ser ellos mismos. En otro
nivel, fue difícil meterlos al estudio. Deben
aprender a manejar eso.
¿Tuviste algún bloqueo mental
durante el proceso de hacer
Master Of My Make-Believe?
De hecho no, por las metas que me puse con
el disco pasado. Quería avanzar esas metas
por mí misma y no tanto para un consumo
público. La presión fue mejorarlo por mi
cuenta. En cuanto terminaba algo, no era
lo suficientemente bueno. A decir verdad,
estuve de gira por dos años antes de lanzar el
disco, creo que debe haber un tiempo en el
que procesas todo lo que has hecho y aprendido. Pude haber tenido más tiempo para
interiorizar todo. Dicho esto, fui a escalar el
monte Kilimanjaro antes de la gira y empezar
el disco. Las melodías vinieron rápido. Las
letras de las canciones tomaron minutos.
Necesitaban reposar. Me frustré, pero
inmediatamente pensé que eso empeoraría la
situación, por lo que meditaba. De repente,
las palabras comenzaron a fluir.
Hay un centro espiritual en “This
isn’t our parade” y “God from the
machine”. Más allá de la meditación, ¿hay un Dios para ti?
Puedes llamarlo como quieras. No soy una
persona religiosa, pero sí hay algo, un espíritu fuera de mí, un ser superior. Fui a una
escuela en Filadelfia de la Sociedad Religiosa
de los Amigos. No hay mucha religión ahí
excepto por una semana en donde en vez de
adorar a alguien, te sientas y meditas. Si sientes que debes decir algo, te paras, lo dices y
te sientas. Era más sobre reflexionar. Si había
algo que enseñar era que Dios estaba en cada
uno, y que cada uno tiene el potencial.
“Le imploro a la gente que diga lo que piensa y camine sus
propios caminos. Yo construi el mundo en el que queria vivir.
30 . F I L T E R
PRINCIPALES
SAN
TIG
OLD
A pesar de toda la meditación, hay momentos tormentosos en el álbum – “The keepers”
habla sobre una casa que se quema, “Disparate youth” habla sobre la rabia de la gente.
¿Cuál fue la mentalidad general en el disco?
Estoy viviendo el mundo. Es muy duro sin importar la meditación que hagas. Hay muchas cosas que están pasando –
como el clima. El petróleo se derrama y hay proliferación nuclear. Luego tienes cierta tranquilidad de los reality shows y
programas en donde cantan. Las cosas se están destruyendo. Quería ponerle un punto final a todo.
Sigues siendo una niña a tus 35 años, pero en “Disparate youth” hablas sobre jóvenes
creando su propio universo sin basarse en lo que ha habido antes de ellos. En “Big
mouth” le dices a los niños que formen sus propios valores. ¿No los quieres de tu lado?
Sí, pero los niños deben seguir su propio camino para que tengan sus propios cambios. No deben seguir ninguna sombra. En “Big mouth” le imploro a la gente que diga lo que piensa y camine sus propios caminos. Eso fue lo que hice –
construir mi mundo en el que quería vivir. Date cuenta de quién eres, no te preocupes sobre la falsa realidad que puedes
construir en Facebook o Twitter. Sé capaz de entregar lo que reclamas.
31 . F I L T E R
en portada
-the-
shins
32 . F I L T E R
l a
b a n d a
d e
u n
s o l o
H
O
M
B
R
E
Por KEVIN FRIEDMAN Fotos FRANK OCKENFELS
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33 . F I L T E R
en portada
SHINS
Al acercarte a la casa Victoriana de dos pisos de James
Mercer, te das cuenta de que la propiedad pintada
de blanco inmaculado en la que vive, es una obvia
señal del éxito obtenido por el músico, algo a lo que
muchos sólo podríamos llegar a tener acceso por
medio de nuestros sueños. La hermosa mujer que
abre la puerta se disculpa y explica que su hija está
dormida, por lo que nos indica ir a buscar a su esposo
en su estudio, el cual se ubica en la parte trasera de la
casa, un granero remodelado con acabados de madera
oscura y natural, con una escalera de caracol que nos
lleva a un estudio lleno de instrumentos y equipo
igualmente impresionante. Mercer abre la puerta y
nos recibe amablemente. Viste una camisa de franela
gastada, un gorro de invierno y tiene una barba de
varios días.
34 . F I L T E R
Desde el último álbum de The Shins, el nominado
al Grammy, Wincing The Night Away, que debutó en el
número dos de las listas pop de Billboard en 2007,
Mercer ha sido un hombre ocupado. Con Danger
Mouse, colaboró en el proyecto de Broken Bells;
una placentera fusión de instrumentos programados
y grabados en estudio y el estilo de manufactura de
canciones de los Shins, lanzaron un álbum en el 2010
y un EP el año siguiente. Ha echado mano de su
interés por la actuación y apareció en el filme independiente Some Days Are Better Than Others, así como
un cameo para la famosa serie de televisión Portlandia.
Se escribieron canciones, se vendieron discos, se
compraron casas y nacieron niños. Ahora The Shins
están de regreso, pero con algunos cambios.
A pesar de las malas noticias en la prensa, en cuanto al
reemplazo de Jesse Sandoval, Marty Crandall y Dave
Hernandez (todos ellos miembros fundadores de la banda), Crandall y Hernández aparecen en el nuevo álbum
de los Shins, Port Of Morrow; y de acuerdo con Mercer,
continúan siendo amigos. Sin embargo, Mercer enlistó
el apoyo de luminarias del indie como Janet Weiss
(Sleater-Kinney, Wild Flag, The Jicks), Joe Plummer
(Modest Mouse, The Black Heart Procession), Nik Freitas (músico de gira de la banda de Conor Oberst: Mystic
Valley Band y Broken Bells) así como el productor Greg
Kurstin. Ahora cuenta con Plummer, Yuuki Matthews
(Crystal Skulls), Jessica Dobson (Deep Sea Diver, Beck)
y Richard Swift como integrantes de apoyo.
Mientras Mercer sostiene que The Shins es una banda,
también deja en claro que es y siempre será su banda,
con elementos ensamblados para presentar sus canciones
e ideas.
Durante la conversación, Mercer voltea la cabeza y aleja
la parte superior del cuerpo; cuando comienza a responder a una pregunta, se vuelve y contesta con los ojos muy
abiertos y sin pestañear. Aparentemente ésta es su primera conversación con una persona no involucrada con
U N A
la realización de Port Of Morrow y que ya ha escuchado el
álbum por completo. Está genuinamente emocionado y
curioso mientras discutimos cuáles canciones destacan.
Inspirado en su propia experiencia con la depresión de
su pre-adolescencia, “It’s only life” es un mensaje de
esperanza y confort; “September” invoca a la influencia
del que el cantante de country y padre de Mercer tuvo
en él. Otros grandes himnos que celebran la música
pop son “Simple song” y “For a fool”, quizá la mejor del
álbum y excelente ejemplo de la habilidad compositiva
de Mercer.
Port Of Morrow resplandece como una producción
brillante que más que ser un mixtape que cambiará
tu vida, ocupará un lugar privilegiado en las listas de
popularidad de la radio. A diferencia de los discos anteriores de The Shins, este álbum fue lanzado a través del
propio sello de Mercer –Aural Apothecary– en vez de
Sub Pop. En esta producción encontramos numerosas
canciones con una profundidad de emociones, construidas en torno a melodías pegadizas. Los fanáticos
en busca de cambios, encontrarán muchas cosas que
amarán en esta nueva producción en la que en muchos
aspectos es y siempre ha sido, la banda de un solo
hombre.
C O N V E R S A C I Ó N
c o n
JAMES MERCER
¿Existe alguna temática en
Port of Morrow?
Los temas en este disco son el amor y la muerte. “Simple
song” es una canción de amor. “September” también lo
es. Existe otro tema, que puede ser sobre la depresión o
gente atravesando por momentos difíciles y el cómo es
que sales de todo eso. “It’s only life” trata acerca de eso –
tener a un amigo que lucha por mantenerse positivo. “Fall
of ‘82’” trata de cuando era niño y pasé por un periodo
muy malo de depresión.
“It’s Only Life” sobresale porque tiene un sonido clásico
de los Shins. Es como esa impotencia que tienes al ver a
alguien pasar por un mal momento y desearías sacudir
para que saliera de ahí. Pero realmente no hay nada que
puedas decir. Para mí es más un cambio fisiológico lento.
Cuando finalmente sales de ahí te das cuenta de que no
sucedió automáticamente o por alguna estúpida frase
religiosa que alguien te dijo, sino porque tu cuerpo cede
o la química de tu cerebro se ajusta.
En “For a fool” hablo sobre una persona frustrada, no
sólo porque su relación tronó, sino porque siente que
su confianza se hizo añicos y porque siente que lo han
utilizado un millón de veces y de millones de maneras
distintas. Ha sido estafado, engañado por la sociedad en
general. Creo que en ciertas frases me refiero a mí mismo.
¿Cómo es que sientes
que eso te ha sucedido?
Es una dramatización en cierto grado, pero veo a ese
personaje como alguien que ha sido engañado, que fue
orillado a seguir un trayecto en una relación donde acaba
siendo botado. Me gusta la idea de que en algunas ocasiones eso nos pasa a todos. He notado que algo estremece
mi confianza –algo en algún momento de mi vida– y de
repente, de manera extraña otros momentos de mí comienzan a dudar de ciertas cosas. Así que este personaje
tiene esta tremenda preocupación existencial acerca de
la vida en la que siente que en cierta forma se comportó
como un imbécil.
¿Qué nos puedes decir sobre las canciones
del álbum que hablan de la muerte?
Una línea de la canción “Port of Morrow” terminó siendo
el título del álbum. Utilicé esa frase para representar a
la muerte –ese punto de partida que todos tenemos a
futuro. No sabemos exactamente a dónde nos lleva, pero
tenemos algunas ideas sobre esto. Port Of Morrow es de
hecho ese lugar. Es ese horrible sitio industrial.
35 . F I L T E R
en portada
SHINS
Cuando terminamos la gira, pasamos por este lugar
camino a Oregon. Hay un pequeño letrero que dice:
“Port of Morrow “, y había algo de ese pequeño
letrero, que desató mi imaginación. Para mí, terminó
siendo una metáfora de la muerte.
Escogí “The rifle’s spiral” para que fuese la primera
canción, porque es mi favorita. Leí un artículo acerca
de un hombre joven que fue reclutado como un terrorista suicida. Estuve pensando en todo este asunto
y lo que debe significar y lo desesperado que debes
estar –aparte de todo lo perverso que envuelve a este
tema. La idea de la violencia religiosa es tan oscura y
fascinante.
¿Estos temas están en todo tu material,
desde tus primeros discos con Flake,
Flake Music y el material de inicio de
los Shins, hasta ahora?
Al parecer pienso mucho en lo que significa el ser
humano que piensa y duda y tiene conflictos con la
mortalidad. Para mí es fascinante cómo la gente se
crea sus propias ideas respecto a estos temas y cómo
es que suceden. Estoy encantado con las personas a las
que no les importa la verdad. Siento como si fuera una
de las pocas cosas que los humanos podemos hacer y
que hace la diferencia del resto del reino animal. Me
sorprende que haya tan poca gente interesada en esto.
Tuvieron cambios de alineación hace
un par de años y los integrantes originales fueron reemplazados, teniendo
como resultado algunas notas de prensa negativas. ¿Consideras que esto fue
una respuesta injusta?
Si eso fuera cierto entonces Dave y Martin no serían
mis amigos. Una de las cosas importantes es que han
pasado cuatro años, ha sido un largo tiempo. Fue difícil para ellos mantenerse al tanto, el estar esperando.
Es difícil para mí. Después de trabajar con Broken
Bells y salir un poco de mi caparazón con otros músicos, yo no quería dejar de lado todo eso. Realmente
sentí cierta liberación haciendo eso y creo que lo
necesitaba. Creo que tenía que emocionarme de nuevo
por tocar y componer música. Así que esa es otra
razón para ello. Por otra parte, Dave y Martin parecían
entender que éste siempre ha sido mi proyecto musical
y que íbamos a trabajar juntos cuando tuviese sentido.
Platícame de la transición
de Flake a The Shins. ¿Es básicamente
la misma banda, no?
Terminó siendo eso. Primero éramos nada más
Jesse y yo, eso era The Shins. Recuerdo que en
nuestro primer concierto abrimos para Cibo Matto.
Flake salió de gira y nos reunimos aquí en Portland.
Dave Hernández, que estaba en una banda llamada
Scared Of Chaka, me preguntó en ese momento:
“¿Puedo tocar el bajo en tu banda?”. Le respondí:
“Claro. Adelante.” Así lo hizo durante algún tiempo
hasta que se mudó a Nueva York. Así que llegó Neal
(Lagford) en su lugar, y antes de que me diera cuenta, fue de nuevo Flake. Pero era sólo para tocar en
vivo. Durante las grabaciones teníamos invitados y
algunas de las canciones las hice yo completamente.
Así es como han sido The Shins. Aunque siempre
traté de que pareciera como una banda. Como
oyente hay algo en esa idea del cantautor que no
es tan atractiva para mí, en comparación con algo
como The Beatles. Yo no quería que pareciera como
si yo fuera un cantante y compositor que salía de
gira con una banda de músicos.
Quiero conocer la verdad. Es una de las
pocas cosas que los humanos pueden
hacer y que nos hace especiales y
diferentes al resto del reino animal.
36 . F I L T E R
¿Aún te sientes así?
Sí, aún me siento así. Con los que estoy ahora, les digo “escuchen el disco. Existen ciertas cosas que queremos que sucedan. Pero tenemos que interpretar y hace cóvers de las canciones”. Los músicos de apoyo realmente cambian las cosas y se
apropian de ellas y eso me encanta. Así que es una banda que
experimentas cuando nos ves tocar en vivo. Siempre ha sido
así, incluso desde el primer disco. Nos escuchamos como una
banda de cóvers del álbum.
¿Cómo difiere la forma en la que escribes
y grabas con The Shins a la manera en la
que lo hiciste con Broken Bells?
Principalmente, me siento y escribo todo. Con Broken
Bells comparto estas labores con Brian (Danger Mouse).
Cuando estaba componiendo en la guitarra o el piano, yo
cantaba y trataba de encontrar una buena melodía. Fue
básicamente Brian y yo tocando todos los instrumentos.
En cuanto a The Shins, puedo usar a quien yo quiera.
¿Fue un alivio tener a alguien quien te ayudara con la composición de las canciones?
Lo fue. Con Flake escribíamos todas las canciones juntos
mientras bebíamos cervezas en el sótano. Fue en verdad
una banda de garaje. Todos nos reuníamos para presentarle a los demás lo compuesto y expresábamos nuestras
opiniones y luego componíamos juntos, lo que era
bastante divertido. Pero no fue tan exitoso para nosotros.
Lo fue cuando realmente sudé y trabajé en las canciones;
y me aseguré de que las cosas fluyeran de una manera
placentera en la cual tuviera éxito con ellas.
¿Tienes algún compositor favorito?
Tendrían que ser de bandas británicas de la década de los
sesenta. The Beatles eran estupendos, así como The Zombies. Incluso The Rolling Stones son mejores escritores
de lo que yo creía. Yo crecí escuchando la música country.
Mi padre era cantante de un club nocturno y tocaba canciones country. No sé cuántas noches me quedé dormido
en una cabina en un bar, rodeado de humo y alcohol. En
secreto, deseo y espero que algún día una de mis canciones se convierta en un cóver versión country.
¿Existe algo específico que quieras que
la gente sepa de The Shins y esta nueva
producción?
Espero que la gente la escuche con una mente abierta y
que no se preocupen demasiado por los cambios de alineación que han ocurrido en los últimos cuatro años, que
entiendan que The Shins siempre ha sido esta cosa que
gira en mi entorno y que involucra a personas de todos
mis círculos amistosos.
37 . F I L T E R
A R T E
La búsqueda
del conocimiento
y la inocencia
Por ESAMIPAU!
El mundo se divide en dos: investigadores científicos y
pensadores originales. Entre estos dos grupos, obviamente
existe el gran punto medio (o el lugar común); sin embargo, son aquellos personajes que habitan en los dos extremos que se muestran como chispazos de luz, los cuales
nos deslumbran como si se reflejaran directo en un espejo.
y realizaba proyectos en su estudio, donde un muy joven
venado ayudaba; “en mi mente siempre era lo mismo
el hacer arte y diseño. Él como fotógrafo hacía foto
comercial y su propio rollo. Cuando entré a la carrera, me
trataron de decir que el diseño no es arte… y yo no les
creí mucho”.
En lugar de quedarse en la superficie, Vena2 se ha encargado de sumergirse en un mundo de mitologías, símbolos
universales, semiótica y explicaciones a fenómenos que
muestran algo más allá del mundo científico. Pero sobre
todo, Vena2 busca llevar un mensaje de paz que pueda
cambiar la conciencia colectiva.
Recién iniciada su carrera, Vena2 decide mejor ir a
conocer una escuela de animación en Los Ángeles que le
llamaba la atención. Así terminó en Tijuana con su prima,
cuyo esposo lo llevó a dar una vuelta por el barrio: “¿A
qué quieres ir a Disneylandia? ¿Los Ángeles, qué? Aquí
está Disneylandia, aquí está todo. Justo en ese entonces,
él estaba iniciando con sus cuates Nortec, acababan de
hacer la primera canción”. Ese tío político es Fritz Torres,
quien desde el principio se ha encargado de la parte visual
del colectivo tijuanense. Entonces, se dio cuenta de que
su interés estaba más ahí que en la animación, pues se
acercaba mucho más a lo que había estado expuesto toda
su infancia: aquella delgada línea entre el diseño y el arte.
Desde muy pequeño, Vena2 recuerda sentirse atraído
por el dibujo y aquel sentimiento que él denomina como
“comezón creativa”. Aunque muchos docentes del diseño
insisten hasta el día de hoy que el diseño no es arte y
viceversa, Vena2 siempre vivió en esa línea donde ambas
disciplinas conviven, gracias a su padre que era fotógrafo
38 . F I L T E R
A R T E
Como buen artista/diseñador, Vena2 empezó a buscar
referencias visuales que le resultaran atractivas y justo se
encontró con personas como Shepard Fairey (Obey) o
Geoff Mcfetridge, cuyos trabajos tenían ciertos cuestionamientos detrás. “Mcfetridge pertenecía a un grupo de
artistas que empezaron a hacer una exposición llamada
‘Beautiful Losers’, que hace poco tuvo una proyección
en la Cineteca. Cuando todo este movimiento empezaba,
yo vivía en Los Ángeles y vi cómo ellos armaban sus
propias exposiciones. Fue entonces que yo decidí armar
las mías.”
Más adelante conoció a Edoardo Chavarín (creador de
NACO) y bajo su dirección diseñaron discos de Liquits,
Molotov y Juanes. “El 2000 fue mi primer Coachella, en
ese entonces no era tan grande y fui con mis amigos de
Tijuana, porque fuimos a ver a Nortec. En 2003, colaboré con Edoardo en el merchandising del festival.” Una
ventaja que tuvo Chavarín fue que podía poner un stand
de NACO donde vendían los productos de esta marca.
Entonces surgió la idea de incluír una colección de playeras diseñadas por algunos artistas que admiraban.
Vena2 regresó a México en el 2006 y desde entonces ha expuesto en Border (D.F.), Tokio, Nueva York (con el proyecto
Honesty); hizo otro disco para Liquits (Kimono en llamas y el
regreso de los insectos); y un proyecto para la fuente del nuevo
Monumento a la Revolución que desafortunadamente no se
logró concretar.
Actualmente Vena2 trabaja en tres proyectos que ocupan
la mayor parte de su tiempo: Orugas Generadoras de
Alimentos (una suerte de Chia Pets gigantes llenas de
nutrientes para las plantas, que se realizan en talleres
para niños); una exposición con mandalas florales que
en realidad son recetas para sanación; y Soy Paz. Esta
última una campaña a nivel nacional que busca fomentar
la paz en México con una teoría muy interesante acerca
del agua y como nosotros, en efecto, somos agua (ver End
Note). Entre todas las acciones que Vena2 busca incluir
en Soy Paz está colocar un mural hecho de espejo en
cada ciudad violenta de nuestro país.
Es así como Vena2, este diseñador oriundo de León, ha
ido construyendo un discurso gráfico propio basado en
sumergirse un poco más en la profundidad del mundo y
observar cómo se refleja en espejos, cuyo poder le permite ver una realidad que él puede moldear a su gusto, para
después mostrársela a quien esté dispuesto a cambiar de
conciencia.
39 . F I L T E R
TRIBUTO
Renacer
una plática con
Jimmy cliff
Por KEN SCRUDATO Foto GREG WATERMANN
La película The Harder They Come lanzada en 1972 catapultó al
fenómeno musical de 24 años, Jimmy Cliff, al reconocimiento
internacional. Cliff llegó a tierra inglesa en 1964. Una generación de jóvenes de la post guerra, electrificados por el rock
and roll y entusiastas por sacudirse la estirada y recalcitrante
cultura (sin mencionar su racismo) de la vieja guardia, tomó
los sonidos del reggae con un desenfrenado fervor.
Cuarenta años después, Cliff es una leyenda mundial y uno
de los pocos artistas de reggae en el Salón de la Fama del
Rock and Roll. Su influencia impregna a la música moderna,
la política y espiritualidad, gracias a sus canciones que han
sido retomadas por Keith Richards, Paul Simon, New Order,
Madness, Bruce Springsteen y Rancid. Lo último de Tim
Armstrong trajo de vuelta a Cliff de la hibernación musical
luego de siete años. El resultado es un exuberante y edificante
álbum titulado Re. Birth.
Con Armstrong como productor, Re. Birth es un documento
veraz del largo camino musical de Cliff, una creación retromoderna que retoma a “The guns of Brixton” de The Clash,
una canción que seguramente lo inspiró, mientras brinda una
versión de “Ruby soho” de Rancid, la cual, en cierto sentido,
lleva a Cliff a este mundo de justicia torcida (“Children’s
bread” sentencia la codicia de Wall Street) y lo balancea con
mensajes de júbilo sobre la esperanza, como lo hace en la
canción “Blessed love”. La crujiente producción de Armstrong
atiende brillantemente el primer trabajo de Cliff, sin llegar a
empalagar por ser retro.
¿Re. Birth(rencimiento)? Cliff probablemente asegura que lo
tendrás si realmente lo quieres.
>>
40 . F I L T E R
TRIBUTO
una plática con
Jimmy cliff
Cuando te mudaste a Londres, ¿sabías que
los ingleses estaban aceptando el reggae?
Cuando fui a Inglaterra toqué en muchos clubs y descubrí
que había mucha gente interesada en el reggae.
Y después las bandas punk te citaron
como una influencia.
¡Sí! Influenció a muchas bandas como The Clash. Una de
las últimas canciones que Joe Strummer grabó fue conmigo en mi último álbum.
Fuiste la última persona que trabajó con
él. ¿Cómo se comprometía con los demás?
Bueno, no tuvimos realmente la oportunidad de sentarnos
y hablar antes de grabar. Sólo unimos nuestros caminos.
Los disturbios del año pasado en Londres
sucedieron cuando estabas grabando el
disco. ¿Escribiste “World upside down”
reaccionando a ello?
Fue algo que me conmovió por vivir en Londres. Soy muy
sensible a ese tipo de cosas. Pero no fue sólo ese incidente
el que inspiró la canción. Yo escribo pensando en mí mismo, en el centro escuchando el eco de las voces de la gente.
El reggae señala tanto las injusticias como
las cosas positivas…
Absolutamente. Si apuntas hacia algo que no es justo,
debes tener algo con qué reemplazarlo. Debes señalar algo
positivo por medio de un mensaje positivo.
TIM ARMSTRONG CON JIMMY CLIFF DURANTE LA GRABACIÓN DE RE.BIRTH
Tu cover a “The guns of Brixton” de The
Clash habla sobre los disturbios de 1981.
¿Ves algún paralelo entre lo que pasó en
ese entonces y ahora?
Sí, pero esto no sólo sucede en Londres, sabes. “The guns
of Brixton” puede ser “Guns of Miami” ahora. Por eso
decidimos regrabar este tipo de canciones.
¿Cómo fue el trabajar con Tim Armstrong?
Fue muy inspirador porque se siente como si el disco
lo hubiéramos grabado en los sesenta o setenta. Olvidé
muchos de los sonidos e instrumentos que usaba en ese
entonces, así que los trajimos de vuelta.
¿Te rehúsas a usar mucha tecnología?
Sí. Cuando me di a conocer internacionalmente había
muchas expectativas en mí, especialmente en Inglaterra.
Me fui a los estudios Muscle Schoals para grabar algo completamente diferente. Por eso creo que hay un capítulo
incompleto en mi carrera. Por eso volví a él.
¿“Our ship is sailing” trata sobre revitalizarse artísticamente?
Definitivamente. El álbum trata sobre el renacimiento
como artista y hombre y también sobre el mundo, porque
veo que estamos entrado a una nueva era de energía. Había
una canción (del musical Hair de 1967) llamado “Aquarius”, y ese era sólo el amanecer. Ahora realmente estamos
viviendo ese cambio. Estamos a punto de entrar en una
nueva era, una nueva energía.
Foto Bonita Pietila
41 . F I L T E R
42 . F I L T E R
REVIEWS
THE
SHINS
Port Of Morrow
Sony
82%
Port Of Morrow es una transición para The Shins. El cuarto álbum de este ensamble de Portland al que le encanta jugar con la arquitectura pop, es el primero en cinco años y el primero que editan fuera del que fuera
su hogar discográfico, Sub Pop. También es el primero en donde participa el tecladista Richard Swift (junto
a otros nuevos miembros) y el que marca el regreso del Shin principal, el cantautor James Mercer, de su
viaje espacial soul en Broken Bells al lado del productor Danger Mouse. Mercer trajo algo de ese nuevo aire
y de percusiones metálicas de Broken Bells a Port Of Morrow, pero no lo suficiente para quitarle a The Shins
su toque indie distintivo en la guitarra. Aún queda la lírica y la forma triste de cantar, pero está inyectada de
energía eléctrica (que se nota en el sencillo “Simple song”), así como un nuevo sentido de escalas (sobre todo
en “September”). Lo que Mercer quiso decir en sus canciones puede ser ocasionalmente críptico, pero no
comete errores en su profundidad emocional, como sucede en la elegante “It’s only life.” A.D. AMOROSI
43 . F I L T E R
REVIEWS
DESCARTES A KANT
Il Visore Lunatique
Intolerancia
80%
Se ha perdido la tradición de comprar un CD cuyo arte esté armonizado con todo el concepto musical de un álbum. Esto se debe en gran parte por la música digital, por lo que
es difícil encontrarse con esfuerzos que realmente valgan la pena comprar o simplemente
escuchar. Descartes a Kant aprovechó todos los obstáculos que se le atravesaron para
llegar a su segunda producción para ir puliendo y detallando a la perfección su Il Visore
Lunatique, el cual está primordialmente inspirado en textos de la escritora independiente
estadounidense Victoria Dickens, en cuyo blog escribe algunos párrafos que en general
tratan sobre las ventajas de ver la vida a través de locura. Bajo esta línea crearon un paquete auditivo y visual que no niega su herencia ruidosa y que le agrega algunos elementos de
musicales de Broadway; parte de esto se debe a que entre sus planes está el transformarlo
en una pieza escénica. ANDRÉS DÍAZ
Este disco es otra destacada entrega del proyecto electro de los originarios de Brooklyn.
I Love You, It’s Cool es un hábil viaje –tan difícil de llevar como lo incómodo que puede
provocarte el título del disco. Es un empujón a la pista de baile gracias a “The reflection
of you”, la cual te lleva a una pared de percusión con sintetizadores influenciados por los
ochenta. ¿Qué podemos decir de las altas ambiciones de este álbum? “¡Descontrólate!”
justo como lo pide su líder Jon Philpot en “World of freakout”. No se preocupen si lo
hago. LAURA STUDARUS
BEAR IN HEAVEN
I Love You, It’s Cool
Dead Oceans
/Hometapes
88%
44 . F I L T E R
REVIEWS
CARLA MORRISON
Déjenme Llorar
Intolerancia
75%
THE MAGNETIC
FIELDS
Love At The Bottom
Of The Sea
Merge
85%
LEE RANALDO
Between The Times
& The Tides
Matador
86%
A manera de despedida de su vida privada y de los recuerdos que la venían atormentando, Carla decidió grabar en su natal Tecate, Baja California, un álbum que mostrara
directamente lo que sentía, no sólo en cuanto a letras, sino musicalmente también al
mantenerse en una auto-limitación de instrumentos para reemplazarlos con lo que pudiera y así aumentar la creatividad musical. Para lograr este gran reto, se acompañó de
Juan Manuel Torreblanca y del chileno multiinstrumentista Andres Landon. El disco es
una sacudida emocional de relaciones fallidas y de ver hacia delante, ya que al cerrar ese
capítulo de su vida, se mudó la ciudad de México para crecer a tal nivel que recientemente tuvo una fecha en España al lado de Natalia Lafourcade, como resultado de llenar
recintos cada vez mayores en el D.F. Carla logra exponer sus sentimientos como nadie
más, de ahí que sus fans sean muy aguerridos y que haya una relación honesta y directa
con ellos por medio de canciones como “Eres Tú”. ANDRÉS DÍAZ
The Magnetic Fields podrían estar destinados a vivir por siempre debajo de la sombra de
su álbum icónico 69 Love Songs; sus últimos álbumes tratan conscientemente de hacer algo
diferente en cuanto a concepto y sonido, provocando opiniones diversas en sus escuchas
sobre qué tan exitosos son estos discos. Con Love At The Bottom Of The Sea, Stephin Merritt
trata de frenar esos pensamientos para concentrarse en lo que hace mejor –escribir
canciones infectadas de pop– mientras regresa a su sonido de sintetizadores, del cual la
banda se distingue. No está tan lejos de esta sombra, pero no opaca a este álbum ni un
poco. JEFFREY BROWN
Este disco estuvo hecho totalmente con la mentalidad guitarrera del integrante de Sonic
Youth, Lee Ranaldo, pero aún así no escucharás la variedad de sonidos que provienen de
su guitarra de seis cuerdas que esperabas. A veces suena como si Hendrix utilizara un theremín, el resto del tiempo suena como un llanto lúgubre de satélites solitarios. Ranaldo y
su séquito de amigos extraños emiten chirridos frenéticos gracias a sus pedales a través de
atmósferas nubladas creadas por una increíble banda. Las canciones son completadas por
turnos entre una furia melodiosa que resulta muy atractiva. LOREN AUDA POIN
Durante su muy diversa carrera, Yann Tiersen nos ha provisto de inolvidables ambientes
que han derivado en la película Amélie, así como en colaboraciones con iconos como Jane
Birkin y Liz Fraser de Cocteau Twins. El nuevo álbum del francés lo ubica en un estado
très existencial ya que se percibe en sus canciones, hermosas tormentas de tiempos inquietos (“Another shore”, “The gutter”). La labor de mezcla del productor de Sigur Rós, Ken
Thomas, se mezcla mágicamente con las capas aurales y densas de Tiersen, haciendo cada
canción un viaje a través de un bosque de emociones. KEN SCRUDATO
YANN TIERSEN
Skyline
Anti82%
45 . F I L T E R
REVIEWS
En su tercer álbum homónimo, el quinteto de San Diego lleva la energía vibrante de su
rock enardecedor a un nuevo nivel. Ascendiendo de cuatro partes de armonías sobre
sampleos de baterías eléctricas y elevadas guitarras, hacen que valga la pena el ataque que
una vez fue familiar y atemporal. Hay algo de Springsteen en los coros, algo de Neil Young
en sus momentos más tranquilos. Si se supone que estas canciones te harán sentir bien,
seguramente funcionarán para ello. ANDREA BUSSELL
DELTA SPIRIT
Delta Spirit
Rounder
85%
Desde su formación en 2003, la agrupación folk rock de Toronto ha hecho cuatro discos
de larga duración, de los cuales ninguno fue realizado en un estudio de grabación, ya
que optaron por grabar en graneros abandonados, iglesias, lugares históricos y castillos
renovados. Para esta quinta producción, la banda por fin rompió la tradición. El resultado
es un álbum placentero, pero no hace lo suficiente para sobresalir del resto en un mapa
donde hay muchas bandas del mismo género. MIKE HILLEAR
GREAT LAKE
SWIMMERS
New Wild Everywheret
Nettwerk
74%
THE MARS VOLTA
Noctourniquett
Warner Bros.
67%
Anticipando la reunión de At The Drive-In, es mejor pensar que la sexta producción de
The Mars Volta es la última depuración antes de que el vocalista Cedric Bixler-Zavala
y el guitarrista Omar Rodríguez-López, se junten con su anterior banda. O tal vez es
mejor no pensar sobre eso después de todo. Como sus antecesores, Noctourniquet es un
álbum concepto sobre fregaderos de cocina y pésimos baúles que no tienen sentido en
lo absoluto. Es un desastre –a excepción de algunos pedazos (“The malkin jewel” es una
decepción que era de esperarse como el mismo título lo describe), pero lo que es mejor es
que estas canciones pueden ser los últimos gritos de dolor de la identidad desinhibida de
estos chicos. DOM SINACOLA
Si buscas algo para bailar, no lo hagas más y escucha a Tanlines, aunque los resultados
puedan resultar un tanto diferentes. El álbum debut de Eric Emm y Jesse Cohen de Professor Murder, tiene muy buenas canciones para una agresiva y larga fiesta (o travesía); tal
vez sea por el valor de producción exquisito de las manos de sus creadores y del ingeniero
de mezcla, Jimmy Douglass (Timbaland, Aaliyah). Es difícil saber qué es lo que más nos
gusta de toda la colección de ritmos parcialmente-nublados-después-del-atardecer e
influenciado de los ochenta. KENDAH EL-ALI
TANLINES
Mixed Emotions
True Panther
75%
46 . F I L T E R
47 . F I L T E R
END NOTE
SOY PAZ
Texto e Ilustración:
Vena2
48 . F I L T E R
Es un movimiento para incentivar la Paz en México. Es una
campaña nacional para despertar conciencia donde la naturaleza del agua y su capacidad transformadora son la base para el
cambio de ésta.
Diversas investigaciones alrededor del mundo demuestran
que el agua es sensible a los estímulos. Siendo agua más del 70
por ciento de nuestro cuerpo y de nuestro planeta, somos en
esencia lo mismo, somos agua.
El símbolo universal de la Paloma nos recuerda el anhelo de
vivir en paz; el agua es el espejo de la naturaleza, por eso esta
paloma invita a reflejarnos en la paz; por ello la afirmación de
SOY PAZ. Te invito a conocer el proyecto en www.soypaz.mx.