en formato PDF

EN LA MIRA:
GUNS N’ ROSES
TANYA
MOSS
y su efecto mariposa
EN DIEZ CANCIONES
DE VIVA VOZ:
RAÚL NAVARRO
UN “PINTADOR” A SECAS
EJEMPLAR
GRATUITO
A FONDO:
COCO CHANEL
LA MUJER QUE REVOLUCIONÓ
LA MODA
Promoción válida del 1° de Septiembre al 31 de Octubre de 2015.
PARTICIPAN TODOS LOS MODELOS BUICK® VIGENCIA DEL 1 DE SEPTIEMBRE AL 31 DE OCTUBRE DE 2015.
CORPORACIÓN INTERPUBLIC MEXICANA, S.A. DE C.V. ES RESPOSABLE DE LA PROMOCIÓN DENOMINADA “RIDE THE LIGHT”
LIBERANDO DE TODA RESPONSABILIDAD A GENERAL MOTORS DE MÉXICO, S. DE R.L. DE C.V. (GMM). GMM
ES LICENCIATARIA AUTORIZADA DE LA MARCA BUICK® Y SU RESPECTIVO LOGOTIPO.
AEROPLASA
VISÍTANOS
Aeropuerto
4210 9879
Blvd. Puerto Aéreo 141
Col. Federal C.P. 15700
Miramontes
5684 6915
Av. Canal de Miramontes 3164
Col. Residencial Acoxpa C.P. 14300
www.buickgmcaeroplasa.com.mx
aeroplasa
¡Escanea Aquí el mapa!
CONTENIDO
DIRECCIÓN GENERAL
Mary Carmen Sánchez Meyer
[email protected]
DIRECCIÓN EDITORIAL
Adriana Sánchez Meyer
[email protected]
DIRECCIÓN DE VENTAS
Rodrigo P. Carranco
[email protected]
DIRECCIÓN CREATIVA
E2 (e al cuadrado)
[email protected]
DISTRIBUCIÓN
Mónica Recoder Camacho
[email protected]
COLABORADORES
Entrevistas
Arturo Sánchez Meyer
Artículos
Manuel Delgado Barrios
Alejandro Razzo
Guillermo Revilla Gómez
Martha Patraca
Felipe Casas
Rodrigo Bazán Bonfil
Marco Valentini
Jorge Landeros
10
MODA PRIMAVERA/
VERANO 2016
12
5 ALIADOS DE MAKEUP
15
CUANDO EL TIEMPO
EMPEZÓ A VOLAR
17
COCO CHANEL: LA MUJER
QUE REVOLUCIONÓ LA MODA
TANYA MOSS Y SU EFECTO
MARIPOSA
6
21
THE BOX CLUB: SÓLO
PARA HOMBRES
24
THE BIG’S: EL NUEVO
CONCEPTO DE GRUPO FISHER’S
27
29
RAÚL NAVARRO UN “PINTADOR”
A SECAS
YU PARTY: CONSTRUYENDO
EL PRESENTE
33
CANTO TABERNARIO: UN
CULTO
DIRECCIÓN GENERAL
Rodrigo P. Carranco
DIRECCIÓN GENERAL ADJUNTA
Astarté M. Sosa Cruz
PRODUCTORA EJECUTIVA
Marcela Medina Sánchez
DIRECCIÓN ADMINISTRATIVA
Ana Díaz Ortega
COORDINACIÓN MODA
Mauricio Pérez Carcaño
CURADURÍA Y MUSEOGRAFÍA
Responsable: Astarté M. Sosa Cruz
RELACIONES PÚBLICAS
Mayte Requejo Jiménez
Felipe Casas de la Portilla
DISEÑO
Erik Fernández Barrios
34
MIRADAS DEL MUNDO
36
ALGO MÁS SOBRE
RUFINO TAMAYO
GUNS N’ ROSES EN DIEZ
CANCIONES
40
38
LA GRAPPA, DESTILADO
ITALIANO POR EXCELENCIA
47
EL JUEGO NO ES SÓLO
COSA DE NIÑOS
44
PUEBLA
AL TAÑIR DE LAS CAMPANAS
© TODOS LOS DERECHOS RESERVADOS 2012-2022. FASHION AND ART MÉXICO.
FASHION & ART MÉXICO y BAJO PALABRA EDICIONES S.C. son titulares de la marca FASHION & ART MAGAZINE. Queda prohibida
la reproducción total o parcial de esta publicación periódica, por cualquier medio o procedimiento, sin para ello contar con la
autorización previa, expresa y por escrito del editor. Toda forma de utilización será perseguida y sancionada según lo establecido en
la ley de Derecho de Autor. Todos los Derechos Reservados.
FASHION & ART MAGAZINE, Año 1, No. 3. Publicación trimestral de abril de 2016. Editorial responsable: BAJO PALABRA EDICIONES
S.C. Registro de Marca otrogado por el Instituto Mexicano de la Propiedad Industrial 1480767. Domicilio Fiscal en: Mariano Azuela
51, Ciudad Satélite, Naucalpan, Estado de México C.P 53100. Impresa en los talleres de FOLI de México S.A de C.V., Negra Modelo
4-A, Fraccionamiento Industrial Alce Blanco, Naucalpan, Estado de México.
3
EDITORIAL
E
4
n Fashion & Art Magazine recibimos la llegada de la
primavera con los brazos abiertos, y para inaugurarla como
se merece nadie mejor que Tanya Moss, quien con el sello
inconfundible de la mariposa nos recuerda no sólo la evolución
de la moda y de su increíble carrera como diseñadora, sino la
transformación latente en cada uno de nosotros. La inspiración,
como ella misma nos cuenta, puede llegar de las cosas más
cotidianas, pero es el ojo del artista el que logra condensarla en
un objeto que nos identifique y nos recuerde eso que, desde lo
profundo, compartimos.
Ese mismo lazo que nos une como humanidad puede
representarse en el arte con una simple mirada, como lo
hizo Bego Goyeneche en cada uno de sus cuadros durante la
exposición “Miradas del mundo”. En la pintura, como en cada una
de las artes, los recursos hablan de una época, de la realidad que
rodea al artista, pero para lograr una obra que pueda perdurar a
través del tiempo y tener algo que decir a cualquier persona hay
que tomarse en serio el oficio, tal como nos dice de viva voz el
“pintador” Raúl Navarro.
Y para estar en sintonía con el cambio de temporada, quisimos
ahondar en unas cuantas novedades que tal vez habían pasado
desapercibidas para algunos, como la oportunidad de recibir
prendas seleccionadas por un personal stylist con The Box Club
o el cambio que seguramente hemos visto al pasar por Masaryk
en The Big’s bar.
Este mismo ánimo de transformación nos llevó a reflexionar
sobre los cambios que no son cíclicos, sino que surgen de una
necesidad de ruptura que asegure la propia evolución. Es por eso
que en este número rendimos homenaje a Coco Chanel, el ícono
que revolucionó la moda, y a una de las bandas que dejó huella
en la memoria de muchos y que este año volvió a cimbrar el Foro
Sol: Guns N’ Roses.
Finalmente, como una alegre coincidencia, fue también en
una primavera de hace 485 años cuando se fundó la ciudad
de Puebla. Para formar parte de los festejos de aniversario,
quisimos compartir una de sus tradiciones más recientes: el
Angelis Custodiant. En este recorrido por su gastronomía, sus
paisajes y sus sitios emblemáticos dentro y fuera de la ciudad, el
arte y la moda surgen en cada rincón, al tañir de las campanas.
ADRIANA SÁNCHEZ MEYER
Directora Editorial
5
“NO HAY ILUMINACIÓN DIVINA, SE
REQUIERE MUCHA CONCENTRACIÓN Y
DISCIPLINA”
TANYA
MOSS
Y SU EFECTO MARIPOSA
POR: ADRIANA SÁNCHEZ MEYER
A
l hablar de Tanya Moss lo primero que nos llega a la mente
es su estilo, su elegancia y la manera en que una sola de
sus piezas puede cambiar nuestra apariencia e incluso
nuestro estado de ánimo. Pero detrás de esta gran diseñadora
hay mucho más de lo que hubiéramos podido imaginar.
Las pocas horas en que pudimos coincidir con ella en un café
bastaron para darnos cuenta de que su visión del mundo, su
tenacidad y, sobre todo, su sencillez, son solo algunas de las
características que la han llevado a ser, además de una gran
artista mexicana, un ícono de la joyería a nivel internacional.
6
DE MÉXICO PARA EL MUNDO
¿Crees que hay una falta de oferta académica para los artistas y
diseñadores en nuestro país?
No, justo acabo de venir de Centro y creo que hay muchísimas
oportunidades. Lo que debe pasar es que la educación se
enfoque más a la práctica y también al nivel comercial. Veo que
hay más apertura para las marcas, pero no sirve de nada si la
marca no da el ancho en materia de producción.
Como mexicanos tenemos que pensar de forma global, producir
A
L
E
S
T
I
L
O
D
E
.
.
.
para competir con el mundo y no con los vecinos, entonces
debes compararte hasta arriba y ese desarrollo te va llevando a
un mayor nivel.
Lo primero que tenemos que hacer es educar a la gente para
que la cultura del trabajo sea algo más comprometido y más
duradero, enfatizando que una educación te compra una
entrada, pero no una estancia.
¿Qué piensas de la producción en serie en contraposición del valor
de lo hecho a mano o las producciones exclusivas?
Hay mercado para todos, pero uno debe tomar una decisión: si
quiere ser más de nicho o más exclusivo, si se quiere expandir
más o quedarse en la línea de en medio. Lo importante es que
en lo que sea que hagas asumas realmente un compromiso y
entiendas cuáles son las implicaciones de cada decisión.
Yo estoy en el punto intermedio, tengo piezas únicas, pero la
gente no me ubica como una marca de ese tipo sino más bien
como un lujo accesible, que tiene suficiente personalidad como
para reflejar lo que eres y lo que representas.
¿Cuál sería tu recomendación para los artistas jóvenes que no
tienen las relaciones suficientes para abrirse camino en un inicio?
Tú mismo te vas abriendo las puertas, vas trabajando por ello
y tejiendo tu sueño poco a poco. Si tienes alguien que te apoye
en un principio qué padre, pero si no también tienes que ser
capaz de hacer cualquier trabajo que te permita realizarlo. Yo
no empecé siendo diseñadora, empecé dando clases en la Ibero,
además tenía un despacho “freelance” con mis amigas de la
universidad y trabajaba en otra empresa dos días a la semana.
Tenía tres trabajos al mismo tiempo y comencé a trabajar desde
los 21 años, me gustaba tener lo mío y que no me pidieran
cuentas, me gusta hasta la fecha.
LA CREATIVIDAD DE UN ARTISTA
¿En qué te inspiras?
Me inspira todo lo que veo, por ejemplo, aquí donde estamos
sentadas me basta con ver la talavera, es el poder que tiene el
ojo de resumir y abstraer la cosas. Me gusta inspirarme en mi
entorno y puede ser arte o una cultura específica, como lo que
tengo oportunidad de ver durante un viaje. También me gusta
asociar mucho mi marca con la naturaleza, sentir que a la hora
“COMO MEXICANOS TENEMOS QUE
PENSAR DE FORMA GLOBAL, PRODUCIR
PARA COMPETIR CON EL MUNDO Y NO
CON LOS VECINOS”
7
“LO MÁS IMPORTANTE
EN TODO LO QUE
HAGAS ES SABER
VENDERTE, VENDER TU
PROYECTO, LO PRIMERO
QUE VENDES ES A TU
PERSONA”
de tomar una piedra estoy tocando algo vivo, me gusta que la
marca hable de eso.
¿Y cómo es este proceso creativo? ¿Cómo haces para materializar
esta inspiración en una pieza de joyería?
A veces tengo una especie de “flashazos” y esos son los más
afortunados. Ayer, por ejemplo, solucioné un problema en la
cama antes de dormir, lo vi y dije: “¡Ya lo tengo! ¡Tengo la solución
a este problema!” Y llegué con el área de diseño a decirles: “Al
rato les explico, ¡pero ya lo vi!” Y cuando lo veo en
la noche, a punto de dormirme, o en los sueños, es
cuando sé que eso va a funcionar.
Otras veces sí es un proceso de empezar con la
idea o el tema que quiero tratar y desgranar
ideas. Hay mucho trabajo detrás, te puede
llegar la inspiración y es un hilo de donde te
agarras para empezar a trabajar, pero es un
proceso. No hay iluminación divina, se requiere
mucha concentración y disciplina.
Generalmente un artista trabaja en soledad, pero una marca
necesita de un equipo, ¿cómo empatas estas dos facetas de tu vida
profesional?
Yo soy buena diseñadora, pero soy mejor directora de arte,
entonces sé dirigir a la gente que está conmigo, sé trabajar en
equipo. Hay veces que les doy el concepto, pero no quiero influir
8
en sus cabezas, me gusta dejar que la gente que trabaja conmigo
aporte porque creo que el trabajo colaborativo nos alimenta
mucho más. Ya no se trata de mí como persona sino de una
marca, estamos hablando de toda la gente que me da su voto de
confianza al hacerse dueña de una pieza mía.
EL CAMINO DEL ÉXITO
Como muchas otras historias de éxito, la tuya comenzó vendiendo
de puerta en puerta, ¿crees que es importante comenzar a
labrarse un camino desde abajo?
No veo cómo puede ser de otra manera, es
básico. El hecho de que en mi empresa yo sepa
desempeñar todos los puestos y que cualquiera
de las personas que trabaja conmigo pueda
tocar mi puerta y preguntarme “¿qué opinas de
esto?”, es fundamental porque yo sé hacerlo.
Lo más importante en todo lo que hagas es
saber venderte, vender tu proyecto, lo primero
que vendes es a tu persona. Entonces sí creo que lo más
afortunado para mí es que disfruto vender, me encanta tener la
oportunidad de meterme al mundo de cualquiera de mis clientes
y poder entender lo que una pieza significa para ellos.
¿Cómo pasaste de tocar puertas a manejar tantas tiendas como
las que tienes ahora?
De una en una, jugándomela, sin pensar
mucho. Tuve la suerte de comenzar a tener
pedidos y clientes muy pronto, y entonces surgió la
idea de tener un lugar fijo. Fui, busqué, encontré un local
y estuve encima hasta que lo conseguí porque yo soy una
persona muy tezonera y no quito el dedo del renglón.
Desde que abrimos las puertas de la primer tienda tuvimos
gente, y así ha sido el proceso con cada una.
¿Cómo manejas tus colecciones?
Tenemos las clásicas que siempre están, como la mariposa,
pero también tenemos colecciones que llevan un mensaje. No
trabajo con temporadas, aunque hay épocas del año más fuertes
comercialmente y entonces saco más, pero durante todo el año
sacamos un promedio de siete u ocho colecciones.
TANYA MOSS: LA MUJER
¿Qué te gustaría que sintiera una mujer que porta una de tus
mariposas?
La mariposa es un símbolo para acordarte de muchas cosas.
En primer lugar te recuerda lo que la mariposa significa para
ti, porque cada quien tiene una asociación personal. En mi
caso significa la libertad, el constante cambio y evolución, los
contrastes: el cuerpo que es un insecto y la belleza de las alas.
Pero más que nada es el mensaje de la propia evolución y cómo
en cada etapa puedes ser la mejor versión de ti misma.
Me gustaría que en cualquier edad y en cualquier generación, ya
sea la Generación X, los Millennials o en cualquier momento de
la vida que toquemos la mariposa, pensemos: “esto es un reto y
yo lo puedo superar”.
¿Alguna vez te has sentido estancada?
Sí, claro. Por ejemplo, va a salir una colección de mascadas
fabulosas pero me tomó un año de estancamiento en el que no
me daba la cabeza… Finalmente lo superé y ahora está lista para
salir.
¿De qué manera crees que ha evolucionado el papel de la mujer en
la sociedad actual?
Yo he tenido mucha suerte porque nunca me he sentido limitada
por ser mujer, nunca lo percibí en mi familia y mucho menos
con mi esposo. No tuve la necesidad de pelear por ese espacio,
simplemente luché por lo que yo quería y punto. Creo que hoy en
día tenemos más herramientas para ir creciendo como mujeres.
Yo, como mamá de una hija, todo el tiempo estoy empujándola
y empoderándola…
Pero, a la vez, esta libertad de género ha causado más reacciones
radicales, más feminicidios. ¿Cuál sería tu mensaje para las
mujeres?
Creo que ahora sabemos más, pero me parece que en cada
“CELEBRO A LA GENTE QUE ESTÁ
HACIENDO RUIDO EN ESTE MOMENTO
PARA QUE NO HAYAN MÁS ABUSOS”
persona está la posibilidad de ser un agente de cambio y en
cada mamá educar a sus hijos, hombres y mujeres, en el respeto,
y claro que también el gobierno tiene la responsabilidad de
empujar a una mayor igualdad. Yo celebro a la gente que está
haciendo ruido en este momento para que ya no haya más
abusos.
Cuando comenzaste a ser mamá, ¿cómo empataste esta faceta
con tu profesión?
¡Llevándome a mis hijos al trabajo! Teniendo un esposo que me
apoya y después creando una infraestructura que me ayudara.
Claro que para hacerlo también tuve que producir lo suficiente
como para poder pagarlo, pero eso no me detuvo: si me los tenía
que llevar lo hacía y lo disfrutaba, incluso hasta hoy que me llevo
a mis perros.
9
MODA
PRIMAVERA/VERANO
2016
POR: MANUEL DELGADO
E
sta temporada tiene sus desventajas, como sufrir por tanto
utilizadas para “Yamir” son el lino, el encaje y algunos algodones,
calor o por algunas alergias, pero tiene también grandes
las cuales ayudan a tener una sensación de frescura durante esta
ventajas, sobre todo en cuanto a moda, ya que se presta
temporada.
para usar prendas vaporosas, con estilo.
La principal inspiración de Homero es la moda urbana y los
Con su más reciente colección, “Yamir”, el diseñador Homero
temas oscuros, llenos de misticismo, a partir de los cuales ha
Cortéz nos muestra nuevas piezas, en las cuales apuesta a los
logrado plasmar su visión en ideas contemporáneas que reflejan
colores neutros y texturas con vuelos, tomando como inspiración
el estilo de vida actual del hombre y la mujer independientes.
principal a la cultura hindú. La paleta de colores utilizada en esta
colección muestra una combinación de tonos como blanco,
amarillo, azul marino y negro, creando formas y siluetas que
reflejan ligereza y comodidad al usar las prendas. Las texturas
10
Fotografìa: Reyna López • Maquillaje y peinado: Erich Lawrenz • Modelos:
Casandra Aguilar para Queta Rojas; Belém Campuzano, Gerardo Holguín
para Hector Alegría Models y HARD International; Ángel Ochoa Loreto.
5 ALIADOS DE
MAKEUP QUE
DEBES LLEVAR
EN TU BOLSA
POR: ALEJANDRO RAZZO
¿Quieres estar siempre muy guapa y
preparada para cualquier situación?
Entonces toma nota de estos productos
de maquillaje que tienen que estar en
tu bolsa ¡sí o sí!
Probablemente seas de esas personas que lo único que suelen
llevar en la bolsa es el celular y la cartera; sin embargo, no está
de más contar con algunos otros objetos que, sin duda, te serán
más que indispensables en tu día a día y te ayudarán a estar
siempre perfecta y lista para cualquier cosa que se presente.
#1 CHAPSTICK
Entre el calor, el frío, el sol y la falta de
agua en nuestro cuerpo, es súper común
que los labios se resequen e incluso
lleguen a partirse, así que, por tu bien,
siempre debes tener cualquier tipo de
humectante en tu bolsa, pues realmente
no sabes cuándo lo podrás necesitar.
#2 BLUSH
¿Quieres lucir siempre llena de vida?
Entonces opta por tener un blush en tu
bolsa, ya que tener color en las mejillas
no sólo te hará ver sana y fresca, sino que
también ayudará a que tu cara se vea más
definida. Y bueno, si por ahí también te
cabe algún bronzer, ¡mucho mejor!
#3 POLVO
El clima y la contaminación pueden ser
dos factores muy importantes para que
tu piel no luzca perfecta, así que siempre
debes llevar un polvo traslúcido para
poder quitar el brillo y que tu cara se vea
mucho más tersa y con una textura mate.
#4 RÍMEL
Unas pestañas largas son el punto clave
para tener una mirada de envidia, por
eso el rímel es uno de los principales
productos que debes tener en tu bolsa.
Además estarás preparada para cualquier
ocasión, así que si sale algún plan por la
noche tú ya tendrás las herramientas
necesarias para estar ad hoc.
#5 LIPSTICK
Llevar en la bolsa un poco de color para los
labios es indispensable, pues la verdad
es que este pequeño detalle puede hacer
que tu look luzca completamente distinto,
así que ya sabes: ¡tener un lipstick en la
bolsa es fundamental!
12
L
O
Q
U
E
T
E
A
C
O
M
O
D
A
GUÍA RÁPIDA PARA CUIDAR TU PIEL
DURANTE UNA CONTINGENCIA
AMBIENTAL
POR: ALEJANDRO RAZZO
¡Malas noticias! Viviremos cinco contingencias ambientales
en los próximos meses en la Ciudad de México, hecho
que puede dañar terriblemente nuestra piel. Así que
decidimos dar algunos consejos para protegerla y
mantenerla sana paso a paso.
Actualmente en la Ciudad de México y sus alrededores se vive un
momento complicado en cuanto a la calidad del aire, después de
haber alcanzado la fase 1 de la contingencia, la Secretaría del Medio
Ambiente anunció que se espera la llegada de cinco contingencias
próximamente, por lo que nuestras rutinas sin duda se verán
afectadas.
Con esto no sólo nos referimos a los cambios extraordinarios
en el programa “Hoy No Circula”, sino a que ante estos altos
niveles de contaminación es necesario proteger nuestra
piel de efectos como quemaduras solares, dermatitis,
salpullido, deshidratación, irritación y, a largo plazo,
cáncer de piel y hasta muerte prematura. ¿Cómo?
Basta con seguir estos pasos:
1. HIDRATACIÓN
Mantén tu piel bien hidratada usando una cantidad
generosa de crema por la mañana, como primer paso de tu
rutina de belleza. No olvides mantenerte hidratada también
por dentro tomando suficiente agua durante el día.
2. BLOQUEADOR SOLAR
La disminución de la capa de ozono hace que los rayos UV se
incrementen y, por lo tanto, haya mayor probabilidad de sufrir
quemaduras y melanoma (el más peligroso de los cánceres de
piel). La protección solar ya no es una opción, ahora debe ser
una parte esencial de tu rutina de belleza. Recuerda aplicar
bloqueador cada 4 o 5 horas para asegurarte de que siga
surtiendo efecto.
13
3. ANTIOXIDANTES
Se convertirán en los mejores amigos de tu piel en esta época
de contaminación, ya que son capaces de prevenir o disminuir la
oxidación de la piel y bloquear los radicales libres. Es importante
que los agregues a tu alimentación a través de frutas y verduras
como jitomates, zanahorias, lechuga, espinaca; así como en
productos de aplicación directa a la dermis como sueros,
lociones o mascarillas.
4. LIMPIEZA
Las partículas suspendidas en el aire, el humo de los autos
y camiones y la suciedad en general, impregnan tu piel de
14
partículas que pueden ser las causantes tanto de brotes de acné
como de irritación o dermatitis. La limpieza es esencial, no sólo
por la noche, lo ideal es que lleves contigo toallitas limpiadoras
para poder remover toda la suciedad también durante el día.
5. EXFOLIACIÓN
Al estar tan expuesta a la suciedad, tu piel requerirá de un mayor
esfuerzo para eliminar por completo las partículas, así que lo
ideal es que, al menos una vez a la semana, exfolies la piel de
tu rostro. Recuerda que es un proceso un tanto invasivo para tu
piel, así que lo ideal es que lo hagas por la noche para dejarla
descansar el mayor tiempo posible.
S
I
N
E
T
I
Q
U
E
T
A
CUANDO EL TIEMPO
EMPEZÓ A VOLAR
POR: GUILLERMO REVILLA
EL DESPERTAR DE UN SIGLO
En los albores del vertiginoso siglo XX, París era probablemente
el epicentro cultural del mundo occidental: en 1900 había
sido sede de la Exposición Universal y de los primeros
juegos olímpicos del nuevo siglo; el reloj de la fachada de
la estación de ferrocarriles de Orsay (hoy un importante
museo), construida para la Exposición, ya daba la hora a los
viajeros; ya se incubaban las vanguardias artísticas; la
Gran Guerra estaba a la vuelta de la esquina.
Desde su invención en Alemania cuatro siglos
atrás, poco a poco, el reloj portátil había ido
conquistando su lugar como un artículo
indispensable de la moda masculina: como
pasa con muchas cosas que usamos a diario,
el instrumento individualizado para medir el
tiempo nació para satisfacer una necesidad y fue
sofisticándose paulatinamente de la mano de la tecnología
y la moda hasta convertirse en algo más que un instrumento
para saber la hora. De ser en sus inicios un objeto ancho
y pesado, que debía llevarse colgado en el cuello o la
cintura, el reloj portátil evolucionó hasta ser un pequeño
objeto de elegante diseño sujetado a una cadena (leontina),
guardado en el bolsillo de los caballeros: un objeto suntuario,
aunque de uso común, ciertamente distintivo de las clases mejor
acomodadas.
Corría el año de 1901. Hacía dos años que la casa joyera
Cartier, dirigida por Alfred y Louis Cartier, padre e
hijo, se encontraba en la Rue de la Paix, desde entonces
una de las calles más lujosas de París. La compañía suiza
Patek Philippe había hecho el primer reloj de pulsera en
1868, para uso de las damas. Aproximadamente desde
1888, Cartier, que ya era la joyería favorita de la
aristocracia parisina y hasta de la realeza,
había puesto a la venta relojes-pulsera
exclusivamente para mujeres, pero se
trataba más de una joya que de un reloj. Los
hombres, por su parte, sólo utilizaban el reloj
de bolsillo.
Mientras eso sucedía en las calles, el cielo parisino era
surcado por globos aerostáticos. Un ingeniero brasileño
educado en Francia, Antonio Santos Dumont, llevaba
algunos años estudiando estos aparatos y tratando de
perfeccionar su sistema de dirección, entonces inexistente,
hasta que en 1898 logró realizar el primer vuelo de un
globo dirigible autopropulsado.
15
REUNIÓN DE GENIOS
El 19 de octubre, tras un par de intentos fallidos, Santos
Dumont, a bordo de su dirigible Número 6, intentó por tercera
vez superar el desafío que un magnate petrolero había lanzado:
100 mil francos a quien partiese del parque Saint Cloud, llegase
a la Torre Eiffel y volviese en menos de 30 minutos. El
evento, atestiguado y dictaminado por el Aeroclub
de Francia, recibiría un veredicto durante una
cena en el restaurante Maxim’s, en la que se
encontraban presentes distinguidos miembros de
la alta sociedad parisina, entre ellos Louis Cartier,
quien ya conocía para entonces a Santos Dumont.
El veredicto fue positivo, pero al recibir la
noticia, el brasileño se mostró, además de
contento, sorprendido; el joyero Cartier le
preguntó por qué, pues asumía que el ingeniero,
poseedor de un reloj de bolsillo como era común,
debería conocer el tiempo que tardó en llevar
a cabo la empresa. Dumont confesó no tener
idea exacta del tiempo que había hecho, pues
teniendo las manos ocupadas en la conducción
del dirigible, le había sido imposible sacar su
reloj para cronometrar su vuelo.
La necesidad estaba planteada; el joyero Cartier se dio a la
tarea de crear un nuevo modelo de reloj que solucionara este
problema: nació así el reloj Cartier Santos, que con su caja
cuadrada y numerales romanos, es hasta hoy un emblema de
la firma francesa. El reloj quedó terminado en 1904, y Santos
Dumont lo usó desde entonces en todos sus vuelos, incluso
cuando el 23 de octubre de 1906, con él en los controles, su
16
prototipo de avión 14 bis fue el primer aparato más pesado
que el aire en despegar, volar y aterrizar por sus propios
medios (los modelos de los hermanos Wright utilizaban para el
despegue rieles o catapultas).
Por su parte, Cartier logró la producción en masa y
comercialización del reloj Santos en 1911, alcanzando un
definitivo del reloj de
rápido éxito comercial. El
pulsera se dio durante la Primera Guerra Mundial,
al probar ser ideal para pilotos y soldados debido
a la practicidad de no tener que estar metiendo
y sacando algo del bolsillo. Sin embargo,
los relojes utilizados por la milicia eran
redondos, a diferencia del primer modelo
de Cartier, imponiendo una tendencia que se
mantiene hasta hoy.
Es así como el nacimiento del siglo XX trajo
consigo la aparición de un objeto que hoy nos
parece de lo más cotidiano, como es el reloj de
pulsera. Pero éste no llegó solo: en la primera década
del siglo también entraron en escena, por ejemplo, la
turbina, la aspiradora, el aire acondicionado, el plástico,
el tostador de pan y hasta los cierres de la ropa.
A la postre, Santos Dumont se convirtió en un pionero de la
aviación, hasta el punto de ser considerado por algunos el
verdadero padre de ésta; por su parte, Cartier sigue siendo en
nuestros días una de las marcas más emblemáticas de relojes
en el mundo. De la fructífera relación de ambos genios,
queda testimonio cada que le pedimos la hora a alguien sin
necesidad de usar palabras, simplemente señalando nuestra
muñeca, en un gesto que se ha vuelto universal.
COCO
A
F
O
N
D
O
CHANEL
LA MUJER QUE
REVOLUCIONÓ
LA MODA
POR: MARTHA PATRACA
AL PENSAR EN COCO CHANEL NOS VIENE A LA MENTE LA IMAGEN DE UNA MUJER EXITOSA,
DE UNA EMPRESARIA VISIONARIA, ALGUIEN QUE MARCÓ EL SIGLO XX POR EL DISEÑO DE
ROPA, PERFUMES Y COSMÉTICOS. SU HISTORIA ES LA DE ALGUIEN QUE SE CONSTRUYE
DESDE ABAJO, QUE CON SUS IDEAS Y TRABAJO LOGRÓ ROMPER PARADIGMAS.
17
“LA SIMPLICIDAD ES LA
CLAVE DE LA VERDADERA
ELEGANCIA”
UNA VIDA MARCADA POR EL ABANDONO
Cuando Coco Chanel era interrogada acerca de sus orígenes,
a menudo inventaba historias muy alejadas de una
verdadera infancia que siempre quiso olvidar y que le dolía
recordar. Gabrielle Bonheur Chanel nació en Saumur, Francia,
el 19 de agosto de 1883, en un hospicio. El inicio de la vida de
Gabrielle marcó una infancia errante, triste y solitaria: con tan
solo seis años perdió a su madre, Jeanne Devolle, y su padre,
un vendedor ambulante siempre ausente, no se hizo cargo de
sus cinco hijos, a los que envió a vivir con sus abuelos en Vichy.
Cuando éstos tampoco quisieron responsabilizarse de sus nietos,
Gabrielle y sus dos hermanas ingresaron al orfanato de Aubazine. Gabrielle pasó años terribles en orfanatos rígidos y estrictos
donde lo único que pudo aprender fue a coser. Al fin, a sus 20
años pudo trasladarse a vivir a Moulins, a la casa de una familia
propietaria de la mercería conocida como Casa Grampayre,
donde empezó a trabajar haciendo arreglos de confección. Con
el tiempo pudo independizarse acompañada por su tía Adrienne,
dos años mayor que ella, con quien tuvo una vida más o menos
feliz, diseñando sus propios vestidos y sus originales sombreros,
y atrayendo a la antigua clientela de la mercería Grampayre. DE GABRIELLE A COCO CHANEL
Como Coco acostumbraba inventar historias sobre su vida,
existen varias hipótesis acerca de su cambio de nombre. Una de
ellas es que en algún momento intentó cantar en cabarets. Una
18
de las canciones que más ovaciones levantaba era una famosa
melodía titulada “Qui qu’a vu à Coco?” y otra que representaba
con especial gracia se titulaba “Ko ko ri ko”. Como en ambas
aparecía en el estribillo la palabra Coco, el público y sus amigos
terminaron por llamarla “la petite Coco”.
En ese tiempo, además de coser con su tía y divertirse cantando
en los bares de moda, Coco conoció al que sería el primer amor de
su vida: Étienne Balsan, un militar de 24 años de origen burgués.
A pesar de que Balsan ya tenía una amante oficial, Coco no
dudó en iniciar una relación con alguien que le podría introducir
en la alta sociedad. Así, en 1910 inició lo que se convertiría en
una leyenda: Étienne financió el primer proyecto empresarial
de Coco, una tienda de sombreros en el 21 de la Rue Cambon
llamada Chanel Modes.
Su estilo simple y elegante causó sensación. Para esa época era
increíble que trajera el cabello arriba de los hombros, que fuera
delgadísima, usara pantalones y estuviera bronceada, sólo las
pobres campesinas que trabajaban bajo el rayo del sol tenían ese
color de piel. Todo lo contrario de la tendencia: mujeres pálidas,
de melena larga y figura redonda. Así, Coco fue ganando fama y
buena reputación al vestir actrices famosas y en poco tiempo las
mujeres de París empezaron a imitarlo.
ENTRE LA FAMA Y EL ESCÁNDALO
El éxito no tardó en llegar y en 1913 abrió una nueva boutique en
Deauville, donde introdujo una colección sport. Su línea de jersey
fue totalmente revolucionaria y cambió por completo la
relación de la mujer con su cuerpo y su forma de vida. A
esta tienda le siguió en 1915 la de Biarritz y después la del
número 31 de la Rue Cambon, en 1918, ambas casas de
alta costura.
Hacia finales de los veinte, mademoiselle había triunfado.
Pero su éxito no se basó en ser considerada una gran
diseñadora sino una visionaria de la moda que intuyó las
necesidades y deseos de las mujeres. Coco fue la primera
diseñadora que entendió el cambio más importante del
siglo: una mujer ya no debía crear la impresión de riqueza
con la ropa que vestía a diario. “No es la apariencia, es la
esencia. No es el dinero, es la educación. No es la ropa, es
la clase”.
“EL PERFUME ANUNCIA LA LLEGADA
DE UNA MUJER Y ALARGA SU
MARCHA”
Como sucede con todo vanguardista, la vida personal
de Chanel estuvo siempre marcada por la controversia.
Nunca se casó, nunca pudo tener hijos, tuvo numerosos
amantes y amó profundamente, incluso estuvo exiliada
durante la guerra porque se le asoció con un general nazi
y la acusaron de ser espía. Podemos encontrar miles de
anécdotas distintas en cada uno de sus biógrafos, pero
todas coinciden en retratar la historia apasionante de una
mujer que nos dejó un gran legado: una postura ante la
moda, y más aún, ante la vida.
COCO DISEÑÓ VESTUARIO PARA
EL BALLET RUSO, Y TAMBIÉN PARA
LA PELÍCULA DE JEAN COCTEAU
ORPHEE. ENTRE SUS AMIGOS
ESTABAN PABLO PICASSO, IGOR
STRAVINSKY Y SALVADOR DALÍ.
LOS SELLOS DE
COCO: UN LEGADO
PARA LA MODA
DE TODOS LOS
TIEMPOS
EL TRAJE SASTRE FEMENINO
Inspirado en la comodidad y las formas del traje masculino, el
original para mujer fue creado justo para confort y practicidad.
Constaba de una chaqueta de tweed escocés y falda sencilla y
liviana que permitía la libertad de movimientos, además de
una blusa de jersey o crepé de seda. La chaqueta tenía botones
dorados y no le puso hombreras, además la hizo con un corte
recto para procurar facilidad en el movimiento.
EL COLLAR DE PERLAS
Uno de los accesorios más usados en los eventos formales es
precisamente el collar de perlas, debido a su sofisticación y
sobriedad. Estos pueden usarse con casi cualquier mezcla de
colores, aspecto que lo ha convertido en un accesorio versátil
que nunca pasará de moda.
EL ZAPATO BICOLOR
En los años cincuenta los hombres utilizaban zapatos con la
punta negra para disimular las manchas. Coco adaptó ese estilo
con un diseño que le daba al pie mayor libertad de movimiento
al contar con una cinta elástica para asegurarlo al tobillo. La
combinación de colores conseguía acortar el pie debido a la
punta negra y, al mismo tiempo, alargar la pierna con el color
beige. “Una mujer con unos buenos zapatos nunca será fea”,
decía mademoiselle.
ESTILO NÁUTICO
Inspirándose en Biarritz, en sus viajes en yate, Chanel mezcló la
imagen de los marineros con la ropa de calle: playeras a rayas,
suéteres con cuellos redondos, pantalones acampanados y
alpargatas. Las mujeres de la época copiaron rápidamente su
estilo.
19
TELA DE JERSEY
PETITE ROBE NOIRE
El triunfo inicial de Coco fue el innovador uso del jersey, un
material usualmente manufacturado para la ropa interior,
calcetería, ropa para tenis, golf y de playa. Esta tela era
considerada como “demasiado ordinaria” para utilizarla en la
ropa exterior, además de que era difícil de manejar; sin embargo,
la guerra había causado un recorte en muchas telas y muchas
mujeres estaban trabajando como enfermeras, en el servicio civil
o en fábricas, labores que implicaban esfuerzo físico. Además,
este tipo de prendas facilitaban sus traslados en tren, autobús
o bicicleta y les permitían vestirse sin ayuda de ningún sirviente.
El little black dress (LBD o pequeño vestido negro) de Chanel, es
una prenda que ha sobrevivido a todo tipo de modas pasajeras
desde su nacimiento en 1926. Durante casi noventa años ha sido
un must en todos los guardarropas, es sinónimo de elegancia
y, sobre todo, tiene el poder de rescatarnos de cualquier
emergencia. ¿Cómo nació uno de los mejores aliados de la mujer?
Aunque en los años veinte del siglo pasado el negro era
considerado un color exclusivo para el luto o la servidumbre,
por ser fácil de lavar y poco llamativo, Coco Chanel decidió ir al
teatro con uno de sus últimos diseños: un vestido negro hasta la
rodilla. Este acto fue un símbolo de rebeldía a las reglas de moda
de la época, cuando lo aceptado para las mujeres era optar por
tonos claros o muy coloridos. Fue tal el impacto que en 1926
apareció una ilustración de su LBD en Vogue America nombrando
al vestido como “el Ford de Chanel”, porque el modelo Ford T
era el coche más accesible para todas las clases, igual que ese
sencillo pero elegante vestido.
LA BOLSA CHANEL 2.55
Para liberar a las mujeres del bolso de mano, Chanel creó una
bolsa que se colgaba al hombro, bautizada como “2.55” (creada
en febrero de 1955). Cada elemento de la versión original tenía
un significado profundo para ella: ya sea de jersey o cuero, el
diseño capitonado al exterior aludía a las chamarras que utilizan
los jockeys; la cadena para colgarla, un recuerdo del internado,
donde los vigilantes colgaban sus llaves en cadenas alrededor de
la cintura; el revestimiento interior era color borgoña, el mismo
que tenían los uniformes que usaba en su juventud.
20
Aunque Coco Chanel es la creadora, fue Audrey Hepburn quien
lanzó esta prenda a la fama cuando apareció en Breakfast
at Tiffany’s con un little black dress de Givenchy, elegante y
sofisticado como pocos. Su imagen ha pasado a la historia,
convirtiéndose en un ícono de estilo para el universo femenino.
D
E
L
U
J
O
TheBox
CLUB: sólo para hombres
REDACCIÓN F&A MAGAZINE
EL CONCEPTO
Buscando facilitar la vida de los hombres de la Ciudad de México,
un grupo de jóvenes inversionistas y visionarios creó The Box
Club, un concepto que, como indica el nombre, funciona como
un club exclusivo que ofrece asesoría de imagen personalizada
con marcas nacionales e internacionales, a mismo precio que en
el punto de venta, con la enorme ventaja de tocar a su puerta
como una gran caja de regalos.
Además de los miles de factores negativos que se combinan hoy
en día para ir de compras (como el tráfico, el exceso de trabajo
y la poca flexibilidad de horarios) hay que sumar dos muy
importantes en el caso de la mayoría de los hombres: su poca
disposición para caminar durante horas en plazas comerciales
buscando la tienda indicada y su tendencia a autodenominarse
con poco gusto o conocimiento de la moda y el estilo que les
21
favorece. Para todos ellos, The Box Club es la opción perfecta,
tanto para recibir ropa o accesorios en la comodidad de su casa
(u oficina) como para ser asesorados por alguno de sus personal
stylists.
Al ser un concepto exclusivo, muchos creen que estos servicios
son sólo para personas con un nivel socioeconómico alto, sin
embargo, The Box Club cuenta con una gran variedad de marcas
y precios que logran ajustarse a todos los bolsillos, porque
entienden que el vestir bien no va relacionado con la cantidad de
ceros que alguien tenga en su cuenta bancaria.
¿CÓMO PERTENECER AL CLUB?
Cuentan con un showroom en Polanco, donde también están sus
oficinas, al que tenían que ir todos los clientes en un principio
para que la personal stylist hiciera su perfil y entendieran el
concepto, sin embargo, como siguiente paso implementaron un
sistema web para facilitar aún mas el proceso.
El día de hoy pertenecer al club es muy fácil: entra a su sitio web,
da clic en Join the Club y sigue los pasos. Te harán preguntas sobre
tu forma de vestir para ir trabajar y fin de semana, los estilos de
cortes de camisas y pantalón que prefieres, la marca que usas
continuamente o que más te gusta y tus tallas. Después de llenar
una breve base de datos, inmediatamente te llega un correo
con una segunda entrevista y durante las siguientes 24 horas te
contactan. Si lo decides, al día siguiente tendrás en el domicilio
que asignaste tu primer caja con la ropa, complementos y
accesorios que la personal stylist eligió para ti.
Como cereza del pastel, The Box Club creó recientemente su
propio blog, donde puedes conocer las últimas tendencias, tips
sobre combinaciones, reglas de estilo y toda la información que
necesites para estar a la moda sin ningún esfuerzo y, sobre todo,
sin arriesgarte a comprar en línea a ciegas, una tendencia cada
vez más frecuente pero muchas veces decepcionante al no tener
un equipo detrás, un club del que puedas formar parte.
Showroom: Luis G Urbina #4- 203
www.theboxclub.mx
22
23
THE
BIG’S
EL NUEVO CONCEPTO DE
GRUPO FISHER’S
REDACCIÓN F&A MAGAZINE
Q
UIEN SE HAYA DADO UNA VUELTA EN ESTOS DÍAS POR LO QUE ERA BIG RED, O INCLUSO QUIEN HAYA
PASADO POR AHÍ, SEGURAMENTE SE HA DADO CUENTA DE QUE EL LEGENDARIO “BAR ROJO”
HA CAMBIADO. ALGUNOS PUEDEN PENSAR QUE CERRÓ, OTROS QUE ESTUVO EN REMODELACIÓN,
PERO LA VERDAD ES QUE ESTE CAMBIO ES PARTE DE UNO MAYOR QUE ABARCARÁ A TODOS LOS
BIG’S. PARA ENTERARNOS DE LO QUE NOS ESPERA HABLAMOS CON FELIPE MECALCO CABRERA,
GERENTE DE THE BIG’S Y ÓSCAR SOSA GERENTE GENERAL, QUIENES NOS COMPARTIERON TODO LO
QUE SIEMPRE QUISIMOS SABER SOBRE ESTOS BARES DE GRUPO FISHER’S Y LOS CAMBIOS QUE SE
AVECINAN.
Grupo Fisher’s está conformado por Fisher’s, Decräb, Simon’s, Don
Capitán y los Big’s Bar, además del Fisher’s Truck y servicios como
el de catering, y cada uno tiene un mercado distinto. ¿En qué se
diferencian los Big’s Bar de los otros restaurantes del grupo?
La diferencia principal es obviamente el tipo de cocina, además
de que el horario a partir de mitad de semana es hasta las 2 am, lo
cual, aunado a la música con mayor volumen y el ambiente que
se crea, lo hace ideal para ir a tomar una copa o al “precopeo”, es
decir, un restaurante que por la noche se convierte en bar.
¿Cómo nació el concepto de Big’s Bar?
El concepto nace de fusionar 5 cocinas para darle al cliente
varias opciones, hacer una especie de “food court” en un solo
establecimiento, más el plus del bar.
24
El concepto de una “onza bar” se creó para poder darle al cliente
un precio justo. Es un concepto en el cual las bebidas se cobran
por onza y el mezclador se cobra aparte, y así ya tú sabrás cuántas
pides y cuánto te quieres gastar.
¿A qué se debió que estuvieran divididos por colores? (Big Red, Big
Blue, Big Orange, Big Yellow y Big Silver)
No se decidió por zona sino por feeling. El primero fue Big Red
porque cuando nos enseñaron las barras vimos que podían ser
de colores y la primera que vimos fue la roja ¡y nos encantó!
La misma barra que es de alcohol y alimentos es la que tiene
colores diferentes, entonces es de ahí de donde salió el nombre
y cada zona adoptó un color determinado. Por ello, en cada
establecimiento se encuentra la barra del color del nombre del
bar.
D
Por ejemplo, Big Yellow para Santa Fe, Big Orange en Interlomas,
Big Silver en Palmas. Los colores fueron justos para las zonas en
donde se pusieron: Palmas, que es una zona más sobria, tiene un
color elegante como el plata; los universitarios que representan
alegría y buen ambiente, un color amarillo o naranja. Tenemos
patentados varios colores para seguir creciendo, aunque este
nuevo concepto, The Big’s, ya no se divide por colores.
DE BIG’S BAR A THE BIG’S
¿A qué responde el cambio reciente de Big’s Bar, que ahora abarca
todos estos bares en un solo concepto: The Big’s?
Big Red se inauguró el 27 de julio de 2004, cuando ya íbamos a
cumplir 12 años con la marca. La misma gente lo pedía, entonces
nos aventuramos a hacer un cambio radical, desde el concepto
de cocina y el de bar. Cambiamos nuestro concepto de onza al
mismo concepto de Fisher’s, que es el del “bar a la vista”, es decir,
servir hasta donde el cliente diga. Se trata de hacer algo más
moderno, una cocina más urbana, además de que con el tiempo
nuestros clientes comenzaron a identificarnos en su mayoría
como bar por las noches, por lo que necesitábamos reforzar que
principalmente somos una cadena de restaurantes.
Danos un adelanto, ¿van a haber cambios en los otros Big’s
también?
Va a haber un cambio, eso es seguro. Podemos darles la primicia
de que la carta de alimentos sí se va a cambiar en todos, va a
ser paulatino, pero global. No sabemos todavía qué tanto vamos
a cambiar lo demás, si vamos a cambiar mobiliario, si vamos a
cambiar la imagen como la que pueden ver en The Big´s Masaryk
o si vamos a cambiar en todos la forma de servir las bebidas
porque hay cosas que ya están muy arraigadas. Dos de los Big’s
que tenemos están cerca de universidades, entonces nuestro
público son los estudiantes que pueden tener la percepción de
que es más caro, y no, va a costar exactamente lo mismo una
onza que el nuevo concepto de “bar a la vista”, pero es difícil que
el público se acostumbre y se dé cuenta de que no le va a costar
más.
Cada uno de los Big’s Bar tiene un tipo de público distinto, ¿hay
una estrategia particular para el cambio en cada uno de ellos?
Claro, el cambio tendrá que ver con eso, quizá no todos van
a ser la réplica exacta de The Big´s Masaryk sino que van a
conservar el toque que adquirieron conforme fueron naciendo.
Pero buscamos que cuando llegues a cualquiera de nuestros
restaurantes The Big’s ya sepas qué quieres comer, qué quieres
tomar y te sientas como en casa. Aun así, va a haber un cambio
definitivo como es el nombre, ya no habrá Big Yellow Bar, Big
E
L
U
J
O
Orange Bar, ahora todos se van a llamar The Big’s y sólo quedará
la referencia de los colores en la parte inferior del logo, porque
eso el público no nos lo perdona.
THE LITTLE BIG KITCHEN
Sabemos que como parte de este cambio, la carta está elaborada
en torno al concepto de “slow food”, ¿en qué consiste?
Se trata de una tendencia a nivel mundial en la que la preparación
de los alimentos es muy meticulosa, ya que requiere de más
tiempo para cuestiones como los marinados o los salseados.
Esto no quiere decir que nos vamos a tardar más tiempo en
prepararlos sino que requieren de una preparación previa, pero
a la hora de cocinarlos se toman el tiempo normal, de 10 a 12
minutos. Pero sí es una cocina diferente, se podría decir que
no hay nada preparado que únicamente se caliente cuando lo
pidan, como es el caso de un “fast food”, aquí los platillos son en
su mayoría preparados al momento.
También hay ingredientes nuevos, mezclas de diferentes
ingredientes y productos orgánicos, es una cocina más saludable
con platillos que se adaptaron de Fisher’s y de otro restaurante
nuestro, Don Capitán, a la marca The Big’s, entonces es una
fusión de las cocinas de nuestros diferentes restaurantes.
En The Big’s se busca crear un ambiente de convivencia del cual los
alimentos son una parte fundamental, ¿es por esto que hay varios
platillos para compartir?
Exactamente. No queremos ser el típico restaurante formal sino
crear una nueva tendencia de pedir al centro, compartir, probar
de todo y complementar con el trago del “bar a la vista”.
La coctelería también tiene nuevas propuestas hechas por un
mixólogo del grupo, es una coctelería fina y de gran calidad.
25
Mencionabas que el concepto anterior de Big’s Bar se basaba en la
posibilidad de probar cinco cocinas diferentes, ¿de qué manera se
mantiene esa variedad en el nuevo menú?
En Big Red existían 5 tipos de cocina a la manera de un “fast
food”: Menorca, que era nuestra cocina más elaborada; Bagans,
que es una marca que se creó hace tiempo en el grupo que son
Baguettes con pan francés; City soups, que son sopas y entradas;
Fast Fisher’s, que son algunos platillos que se tomaron de Fisher’s
de rápida elaboración, y los Rollers, que son los sushis. Ahora ya
no van a existir esas 5 marcas, en este cambio radical se fusionó
todo en una gran cocina como lo es “The Little Big Kitchen”. Se
llama así porque es una pequeña cocina en cuanto a espacio,
pero es una gran cocina porque abarcamos los tipos de comida
que se manejaban antes en los Big’s más platillos nuevos bajo el
concepto de “slow food”.
¿Se podría decir que la cocina de Grupo Fisher’s cambió de alguna
manera la forma de comer pescados y mariscos en México?
Definitivamente, Fisher’s fue un parteaguas en la forma de comer
pescados y mariscos, y después de 27 años sigue siendo líder y
sigue creando nuevos platillos y tendencias, tanto en la comida
como en la bebida.
BRINDANDO A LA MODA
¿A qué se debe el cambio de venta de alcohol por onza, que es
uno de los sellos más particulares de los Big’s Bar, y cuál sería la
diferencia en el costo de las bebidas?
En el precio no va a repercutir nada, parecería que es más caro
que se sirva bebida a la vista, como en Fisher’s, pero en realidad
no es así, simplemente cambia el hecho de que servimos mayor
cantidad, que incluso puede ser mucho más que en una bebida
normal, pues cada quién decide cuánto.
El plus es que el mezclador lo cobramos aparte y no lo integramos
en el precio de la bebida, por lo que hay un beneficio en los tragos
26
que se toman en las rocas o en otros tragos para los que un solo
mezclador te puede alcanzar para dos o tres.
Las onzas fueron un “boom”, aunque tienen otras limitaciones,
pero la verdad es que nuestros clientes extrañan mucho el
servicio de bar por onzas, y finalmente el cliente es quien pide
y sabemos escucharlo… Así que probablemente pronto vean las
onzas de regreso en The Big’s, estamos trabajando en hacer una
fusión entre las onzas y el Bar a la Vista.
En cuanto a la coctelería, se han distinguido por poner de moda
bebidas como el famoso “jaggifish”, ¿cuál es el proceso de creación
de nuevos cocteles?
Básicamente se crean según la preferencia por las bebidas que
van poniéndose de moda, que se trabajan en conjunto con
la marca, según el tipo de alcohol. Por ejemplo, actualmente
creamos bebidas con ginebra o mezcal, que es el tipo de alcohol
que se está consumiendo más. Y, por supuesto, el hecho de que
seamos líderes es la pauta que ayuda a generar tendencia entre
nuestros clientes.
UN GRAN BAR
¿Qué tipo de bar es The Big’s? ¿Con qué se va a encontrar la gente?
Quisimos hacer un bar donde puedas venir a comer o a cenar en
un buen ambiente, por ejemplo, en cuestión de música tenemos
un DJ en vivo, entonces se trata de crear un espacio donde
puedas platicar y además disfrutar de un ambiente prendido.
¿Cómo se eligió la decoración y qué valor agregado tiene para sus
clientes?
Está inspirada en lo “vintage”, que se ha puesto tan de moda,
claro que con toques modernos y elegantes. Fue creada para
lograr un ambiente cálido y confortable de día o de noche, y
va acorde a nuestro público, tanto para una pareja como para
compañeros de trabajo, un plan familiar o un grupo de chavos.
D
E
L
U
J
O
YU
PARTY
CONSTRUYENDO EL PRESENTE
DE LA ARQUITECTURA Y EL
DISEÑO
POR: FELIPE CASAS
L
a sustentabilidad ya es un tema que va mucho más allá de
una tendencia o moda, considerada para muchos urbanistas
como un principio básico. Por ello, YU, un programa creado
por Grupo Ypasa en busca de apoyar a estudiantes de dichos
ramos, convocó a más de mil estudiantes de 10 universidades
a un concurso para exponer sus propuestas y desarrollar un
espacio funcional y sustentable.
Los trabajos finalistas fueron exhibidos en un evento de primer
nivel la noche del pasado 15 de abril en el colegio de Arquitectos
de la Ciudad de México, en donde se concentraron cientos de
jóvenes, maestros y personalidades de diversos sectores como
la arquitectura, la ingeniería, la construcción y el diseño.
durante las primeras horas hasta la premiación, misma en la que
resultaron ganadores los alumnos de la Universidad Westhill
con el primer lugar, la Universidad Motolinía del Pedregal, en
el segundo, y la Universidad Anáhuac del Sur, con el tercero,
obteniendo diversos premios otorgados por los patrocinadores
de la noche. El jurado estuvo integrado por el arquitecto Gerardo
García del Valle, la diseñadora Elena Talavera y la socia fundadora
de F&A México, Astarté Sosa.
La noche continuó con Cox y Jenny Blanquet (de La Voz México)
y finalizó con música hasta altas horas de la noche, en la que
jóvenes y celebridades crearon de ésta primer YU Party toda una
experiencia que es sólo el cimiento del futuro de la arquitectura,
el diseño y la construcción en México.
Mauricio Pérez Carcaño fue el anfitrión de la noche, quien animó
27
28
D
E
V
I
V
A
V
O
Z
RAÚL
NAVARRO
UN “PINTADOR” A SECAS
POR: ARTURO SÁNCHEZ MEYER
D
esde que tuvimos la oportunidad de acompañar a Raúl
Navarro en su exposición “Pintura Pintura”, hace unos
meses en la Fundación Sebastián, supimos que detrás
de esos grandes cuadros había una historia que teníamos
que contar. Aunque el arte no necesita testimonios, y con
la muestra nunca existió “intención de explicar, de enseñar
o de expresar alguna idea, ni mucho menos un concepto”,
la postura del autor nos deja ver algo que quizá sea igual
de importante que la experiencia ante la obra: su forma de
enfrentarse al arte… y a la vida.
“COMÍA CUANDO HABÍA Y PINTABA CUANDO
PODÍA”
Alguna vez un bolero me preguntó si yo era pintador a secas,
y sí, eso es lo que soy. Yo monto mis telas, yo las restiro, sí
tengo un ayudante, pero la diferencia que tengo con otros
pintores es que hay quienes hacemos todas nuestras cosas
y hay quienes tienen una industria. Yo tengo amigos que
tienen tirados sus lienzos por ahí y están sus ayudantes
preparándoselos, ese no es mi estilo.
En 1978 me decidí cien por ciento a pintar y desde entones no
hago otra cosa más que vivir de la pintura. Antes trabajaba y
pintaba, pero en ese mismo año (1978), unas personas para
las que yo trabajaba murieron en un accidente aéreo y ahí fue
cuando tomé la decisión de dedicarme de lleno al arte. En ese
entonces yo tenía 35 años, estaba casado, pero después de
tomar la determinación de ocuparme exclusivamente de la
pintura me divorcié, obviamente.
29
Así que comía cuando había y pintaba cuando podía, nunca
quise hacer otra cosa, ni siquiera dar clases para ayudarme,
prefería cambiar mis cuadros por tortas; tengo amigos que
tienen muchísima obra mía en sus restaurantes porque yo se las
cambié por comida.
Es cierto que es muy difícil para un pintor mantenerse sólo de
sus cuadros, pero es más difícil para otros artistas, un poeta, por
ejemplo, ¿qué puede dar a cambio para comer? En mi caso yo sí
podía, aunque dijeran: “esas son unas porquerías, pero ya me dio
algo”. Es como la artesanía, por más mala que sea comen porque
tienen algo que vender. Así que la de pintor sí es una carrera muy
cruda, pero no tanto como dicen.
Claro que hay que trabajar, a las cinco de la mañana yo ya estoy
pintando y no es ningún heroísmo, los que dan las noticias ya
están en la tele, así que ellos también se levantan temprano.
Entonces, desde esa hora empiezo a pintar y tengo muchísima
obra porque nunca he quitado el dedo del renglón. Yo me lo
tomé en serio, así de fácil.
“NO TENGO PELOS EN LA LENGUA PORQUE
TENGO MUCHOS PINCELES Y CON ESO HABLO”
Los pintores que no tuvimos la suerte de estudiar artes visuales
o plásticas en La Esmeralda o en San Carlos, los que somos
autoformados, autodidactas o como quieras llamarnos, no
teníamos lugar. Los que estudian en las escuelas que mencioné
ya tienen los espacios, pero yo no tuve eso. Me hubiera gustado
haber estudiado, pero solamente por eso, para tener más
relaciones.
Parte de lo que te digo de los contactos ha hecho que la calidad de
las artes en México sea muy baja. Aunque hay grandes pintores,
los buenos están ocultos y los “maletas” son los que están en las
vitrinas. A veces son diez hermanos y resulta que todos pintan,
y que todos son buenos. Yo tengo amigos y conozco muchachos
muy talentosos, pero completamente olvidados, no hay manera
de ayudarlos. El “arte ojete” domina los museos.
Por eso soy pintador a secas, esa es la definición, porque aunque
he hecho algunas exposiciones con el Instituto Nacional de Bellas
Artes (INBA), la mayoría las he buscado por mi cuenta, no soy
como esos artistas que toda su vida han vivido del presupuesto.
Lo mismo pasa con algunos críticos, hay unos que duraban seis
sexenios, como Raquel Tibol. ¡Era una dictadura peor a la de
30
“YO ME LO TOMÉ EN SERIO,
ASÍ DE FÁCIL”
Porfirio Díaz! Sólo se hacía lo que ella decía, o Teresa del Conde,
y entre más alcohólicas más les creían. Bueno, así lo pienso, no
tengo pelos en la lengua porque tengo muchos pinceles y con
eso hablo, con la boca digo muchas idioteces, pero me encanta
porque es la única manera de poder expresar la sensación de lo
que es ser pintor en esta época.
“ESTOY HACIENDO LO QUE SIEMPRE SOÑÉ
HACER”
Yo no ando en la búsqueda del arca perdida. El asunto de la
inspiración es un poco un cuento porque los pintores que ya
nos hemos dedicado por mucho tiempo a este oficio, más que
pensar en la inspiración, nos damos cuenta de que lo que nos ha
sacado adelante ha sido el resultado nuestro trabajo. Claro que si
yo no tuviera un poco de aptitud, por no hablar de talento, pues
realmente sería muy difícil hacer lo que hago, aunque también
es cierto que hay mucha gente que no tiene aptitud, que no tiene
talento y que está en el mercado, y también muchos artistas con
grandes capacidades que se encuentran en la sombra.
Así que con tener inspiración ya se logra lo bueno. Yo creo que
lo importante son los resultados, que tienen que ver con mucho
trabajo, muchas ganas, mucha dedicación. A nadie se le puede
exigir inspiración si no está en sintonía con la vida. Yo estoy
inspirado todo el tiempo. Es cierto que como decía el Doctor Atl,
el asunto de los pintores es como el béisbol, los home runs son
muy escasos, hay mucha “abanicada”, muchas “bases por bolas”,
etcétera. Esa analogía me gusta mucho porque es cierta, estás
pinte y pinte y de repente “¡pum!”, pero para que eso pase hay
que estar en la caja de bateo.
Te puedo decir que realmente yo sí hago lo que me da la gana
y para ser un artista tienes que ser así, porque si estás acotado
a tener el coche muy bonito, muy bien lavado, último modelo,
debiéndolo toda la vida y además sufriendo porque ya le dieron
un rayón, pues qué clase de vida es esa. Digo, no es que esté mal,
pero si decides hacer eso no puedes ser un artista.
Creo que es necesario hacer lo que te pida el cuerpo, y para
lograr eso hay que sacrificar cosas, unas por otras. Ahorita estoy
haciendo lo que siempre soñé hacer y llevando la vida que
siempre deseé tener, a lo demás no le pongo mucha atención, no
tengo ni coche porque me choca manejar, aunque hay a quien
no le gusta manejar y de todos modos lo hace, a fuerza. Además
yo tengo la mecha tan corta que ya en la esquina estoy a punto
de matar a un güey. Ahora me siento hasta mejor con eso porque
últimamente todo el mundo anda con que “ya no circulo hoy”, yo
circulo siempre.
Sitio oficial del pintor:
http://raulnavarropintor.blogspot.mx
31
E
S
C
A
P
A
R
A
T
E
S
U
R
B
A
N
O
S
CANTO
TABERNARIO:
UN CULTO
Q
POR: RODRIGO BAZÁN
uien piense la Edad Media como un largo periodo
obscuro y terrible en el que nada pasó acertará... un
poco: porque es uno de los dos milenios que cuenta
la era cristiana, resulta largo, en efecto, pero de obscuro tuvo
poco y pese a los millones de muertos causados por sus guerras
y pestes, no resulta en realidad más terrible que la Segunda
Guerra, las del Golfo, Bosnia y Centroamérica en los 80, la de Irak,
nuestra “Revolución”, la...[agregue cual crea conveniente]; pero
tiene, en cambio, el encanto de una cultura donde solemindad e
irreverencia convivieron con mucha mayor soltura de la que hoy
muestran.
Los Carmina Burana son poemas de los siglos XI al XIII con que
los goliardos ‒estudiantes-viajeros (es decir, vagabundos)
cuya vida espiritual se vinculó más a líquidos espirituosos
que al Espíritu Santo‒ cantaron el gozo y la vida:
illi mens est misera,
qui nec vivit, nec lascivit
sub Estatis dextera [...]
qui conantur, ut utantur
premio Cupidinis:
simus jussu Cypridis
gloriantes et letantes
pares esse Paridis
quien bajo el reinado de la vida
no disfrute ni la goce
es alma miserable [...]
a quienes luchamos por los
premios de Cupido:
permítasenos,
por orden de Venus,
regocijarnos como Paris
Y así como ejemplifican la convivencia de misterio y risa,
pues allá y entonces ir a la Universidad implicaba hacer vida
monástica, señalan cómo el mismo poema puede ser canción
de borrachos en el siglo XII, documento histórico en 1803, letra
de una cantanta operísitica de Carl Orff desde 1936, soundtrack
de una película (porque “O Fortuna” acompaña a Arturo en las
batallas de Excálibur, glorioso film que este año cumple 35) o
material para un coro de primaria si uno tuvo la suerte de ir a una
escuela (radio)activa al sur de la Ciudad de México como Alondra
de la Parra, aunque el pasado octubre cancelara su participación
en las funciones del Auditorio Nacional (lástima).
La poesía, pues, nace en la calle y a ella vuelve... incluso cuando
pasea mil años por corredores universitarios, tabernas, salas de
concierto, foros de filmación y parvularios que, en el fondo, no
son tan distintos entre sí.
notaalpie.org/author/rodrigo/
33
MIRADAS DEL MUNDO
REDACCIÓN F&A MAGAZINE
El arte, como expresión única de la naturaleza humana, es el mejor testimonio de un momento histórico.
Técnicas, corrientes y materiales se mezclan en cada obra dejándonos ver la transformación no sólo del
artista, sino de la sociedad completa. En este tránsito entre el ayer y el hoy, la exposición “Miradas del Mundo”,
de Bego Goyeneche, nos hace ver el punto en que la ciencia y el arte, que de golpe pueden parecer polos
opuestos, se unen para mostrarnos su mayor (y mejor) semejanza: recordarnos la conexión que, sin importar
la raza, la época o la ideología, existe entre todos y cada uno de nosotros.
fui encontrando más fotos que me decían algo y empecé a
buscar información de los autores. Encontraba sus páginas, sus
contactos o les escribía por Facebook.
“NO HACE FALTA MÁS QUE UNA MIRADA
PARA IDENTIFICARNOS CON ALGUIEN
QUE NO HABÍAMOS VISTO NUNCA”
Fue una gran sorpresa que casi todos me contestaran,
algunos tardaban más y otros al día siguiente me respondían
animándome a usarlas y pidiéndome que les mandara los
resultados. Me sentí cada vez más conectada, tanto con ellos por
sus respuestas como con los modelos al irlos pintando. De ahí
surgió todo el concepto de lo que después se transformó en
exposición: que todos estamos conectados de alguna forma.
MÉXICO
EL INICIO DE UNA REVELACIÓN
La colección empezó realmente como un ejercicio y un reto
personal de aprender a pintar rostros. La primera fotografía me
la dio mi profesora, la sacó de una revista que tenía en el salón:
era la foto de una niña viendo a la cámara en un reportaje de
los niños refugiados en Tailandia. Mientras más la pintaba, más
me sentía conectada de alguna forma con ella. Poco a poco me
surgió la idea de empezar a buscar fotos donde la gente te
estuviera viendo directo a los ojos, y por medio de Instagram
y Facebook fui encontrando cada vez más.
La tercera foto que encontré fue de un niño de mi universidad
que una amiga conocía. Me enamoré de la foto y le pedí permiso
para usarla. Al ver su reacción positiva me llené de curiosidad
por saber cómo reaccionarían otros fotógrafos. Poco a poco
34
AFGANISTÁN
A
Y
E
R
Y
H
O
Y
EL PODER DEL ARTE
Durante dos años y medio me dediqué a seguir pintando retratos,
a seguir buscando fotos nuevas y contactando a los fotógrafos.
Pintaba en promedio de dos a tres horas a la semana y cada
vez que había algún adelanto le tomaba una foto al cuadro.
Después, por pura curiosidad, fui armando videos del proceso
y pude ver cómo avanzaba. Para mi sorpresa, estos videos
llamaban mucho la atención de la gente y me di cuenta de que
el saber la historia del cuadro, hace que la gente se conecte más
con él. Todo esto me ayudó al momento de armar la colección,
pude apoyarme en las partes visuales (como los videos) para dar
un valor añadido a las pinturas.
SIBERIA
que muchas veces no sabíamos que existía y nos ayuda a
conectarnos con personas de otras épocas o de otros lugares,
unificando nuestras voces y traduciéndolas a un lenguaje
universal.
En este caso, todo el concepto de la exposición se dio por sí solo,
ya que en cada paso me di cuenta de lo unidos que estamos
todos como seres humanos, hoy con mucha más fuerza
gracias a la tecnología, y de cómo no hace falta más que una
mirada para identificarnos con alguien que no habíamos visto
nunca.
TAMIL NADU
Fue una experiencia que me marcó, me enseñó y sigue
enseñándome mucho. Lo que empezó como un simple ejercicio
para aprender a pintar se convirtió en la exposición que siempre
había soñado lograr, y el ir involucrando a más personas que
incluso no conozco en persona me hizo sentir como parte de
algo mucho más grande y me confirmó el poder que existe en
el arte.
Creo que el arte siempre ha estado presente en la vida de los
seres humanos porque logra transmitir lo que llevamos dentro,
Este ha sido el propósito de “Miradas del Mundo” que espero
que haya marcado a la gente tanto como me marcó y enseñó
a mí, porque al final del día, con una mirada, igual que como
sucede con el arte, podemos transmitir mucho más que con
las palabras.
[email protected]
Instagram: @bego_go
www.begogoyeneche.com
35
ALGO MÁS SOBRE
RUFINO
REDACCIÓN F&A MAGAZINE
Sin duda uno de los artistas mexicanos más influyentes del siglo XX fue el oaxaqueño Rufino Tamayo. A diferencia de
otros célebres muralistas como Diego Rivera o David Alfaro Siqueiros, Tamayo no sólo destacó en el área del muralismo,
en realidad, pese a lo que muchos piensan, fue ante todo un pintor de caballete fascinado por la naturaleza muerta.
Sin duda, todos conocemos algunas de las obras populares de Tamayo, como las famosas “sandías”, pero hay mucho
más que saber sobre este gran pintor que entregó su vida al arte, con una humildad poco común entre los artistas de
su talla. Es por eso que decidimos, a manera de homenaje, recopilar algunos datos que tal vez no sabías sobre Rufino
Tamayo.
Su nombre completo era Rufino del Carmen
Arellanes Tamayo.
En 1917 se inscribió en la Academia de San
Carlos, alternando sus estudios con la atención
de un negocio de frutas en el mercado de la
Merced.
Cuatro años más tarde fue designado jefe del Departamento
de Dibujo Etnográfico del Museo Nacional de Arqueología.
Fue en ese tiempo cuando alquiló su primer estudio en la
calle de La Soledad, donde pintó varias de sus obras más
famosas.
En 1926 presentó su primera exposición de pintura. Ese
mismo año se trasladó a Nueva York, donde expuso sus
obras en el Art Center. Regresó a México en 1929. Fue
profesor en la Escuela de Bellas Artes y estuvo al frente
del Departamento de Artes Plásticas de la Secretaría de
Educación Pública.
36
Desde finales de los años sesenta, el autor del famoso
mural “El día y la noche” comenzó a formar una colección
de arte contemporáneo internacional. Estos esfuerzos
culminaron el 29 de mayo de 1981 con la creación del
Museo Tamayo, en la Ciudad de México.
L
O
Q
U
E
N
O
S
A
B
Í
A
S
TAMAYO
En 1974 se inauguró, en la ciudad de Oaxaca,
el Museo de Arte Prehispánico Rufino
Tamayo, con 1300 piezas coleccionadas y
donadas por el artista.
Ocho años más tarde, el pintor oaxaqueño y su
esposa crearon la fundación que lleva sus nombres:
Fundación Olga y Rufino Tamayo, con el fin de apoyar el
funcionamiento del museo. Rufino Tamayo fue un artista que se encontraba en constante
búsqueda de nuevas técnicas. Junto con Lea Remba creó un nuevo tipo
de técnica gráfica, conocida como mixografía: impresión sobre papel
a la que se le añade profundidad y textura. Una de las mixografías más
famosas de Tamayo es: “Dos Personajes Atacados por Perros”.
Sus pinturas y mixografías han sido expuestas
en San Francisco, Nueva York y Chicago.
En la Ciudad de México, el Museo de Arte
Moderno, en el Bosque de Chapultepec, tiene
la colección más importante de la obra del
pintor oaxaqueño.
Muchas veces se ha criticado la postura políticoideológica de Tamayo, sin embargo, decenas de
documentos resguardados en importantes archivos
de México, Estados Unidos y Europa lo muestran
como a un artista identificado con el socialismo, pero
respetuoso de las particularidades del individuo.
Tamayo nunca siguió la tendencia de otros pintores mexicanos,
contemporáneos suyos, cuya obra se identificaba con diversas corrientes
políticas.
Varias instituciones de enseñanza superior lo han
honrado con el título de doctor Honoris Causa: la
Universidad de Manila, en 1974; la Universidad
Nacional Autónoma de México, en 1979, y la
Universidad de San Francisco, en 1982.
Entre otras muchas distinciones,
Rufino Tamayo obtuvo el Premio
Nacional de Artes; la orden de
la Legión de Honor de la República
Francesa y el grado de Comendador,
otorgado por la República Italiana.
37
La Grappa
DESTILADO ITALIANO POR EXCELENCIA
POR: MARCO VALENTINI
SUS ORÍGENES
La Grappa se concibió como tal alrededor del año 1000 en
la Escuela Salernitana (Salerno, Ciudad de Campania, Italia)
donde se definieron las reglas de su concentración alcohólica a
través de la destilación. En un inicio, el destilado se destinó para
prescripción médica, con resultados que le garantizaron un éxito
sin precedentes.
A través de los siglos, la Grappa ha recorrido todos los escalones
sociales, desde la cantimplora de los militares hasta los
restaurantes y enotecas más prestigiadas del mundo.
38
A pesar de que personajes históricos como Boccaccio o Dante la
despreciaban por no ser una bebida noble y de que los actores
de ópera lírica en el año 800 se negaban a nombrarla por miedo
a la burla del público, hoy en día la Grappa se ha ganado un
merecido lugar en el gusto de la alta sociedad.
Pero no fue sino hasta 1997, el 12 de septiembre, que se reguló
la producción de la Grappa y otros destilados en Italia. Su
denominación se debe a aquellos requisitos que, como tal, tiene
que presentar: materia prima obtenida de uvas producidas,
vinificadas y destilada en Italia.
E
N
L
A
M
I
R
A
EL PROCESO DE TRANSFORMACIÓN
La destilación, proceso fundamental para la obtención de la
Grappa, se hace por medio de un aparato llamado alambique,
ya sea de sistema continuo o descontinuo. A través de este
sistema se trabaja exclusivamente con la piel de la uva (vinacce),
fermentada y semifermentada.
A lo largo de este proceso surge una transformación que va de lo
sólido al vapor, para terminar en un líquido con una graduación
alcohólica que puede llegar hasta los 86º.
Los pasos siguientes son la refrigeración, filtración, añejamiento
en barrica de madera, la reducción del grado de alcohol y,
finalmente, el embotellamiento.
Marco Valentini, embajador de la Grappa en México.
RECOMENDACIÓN DEL
EMBAJADOR DE LA
GRAPPA EN MÉXICO:
MARIDAJE
La Grappa puede usarse en combinación con otras bebidas, por
ejemplo para añadirse a una taza de café, dando vida al famoso
“café correcto”; para usarse como base en distintas mezclas de
coctelería y hasta para elaboración de algunos platillos.
Pero si lo que se quiere es disfrutarla pura, también es ideal
como digestivo. Se puede combinar perfectamente con pasteles
a base de fruta, vainilla o chocolate, dependiendo de su tipo de
añejamiento, y una de las mejores experiencias es acompañarla
con el sabor de un buen chocolate.
Si se quiere probar la mejor
versión de este destilado
recomiendo la Grappa de
mi amigo Poli la BARRIQUE,
de uva cabernet Sauvignon,
merlot y variedades tintas de
la zona de Vicenza. Con 13
años de crianza en barrica, se
presenta con un color ámbar
y aromas complejos con
recuerdos de madera tostada,
vainilla, cacao y café. En la
boca es elegante, potente y
armónica.
¡Buona Grappa!
“LA GRAPPA TIENE COMO MÍNIMO
UNA GRADUACIÓN ALCOHÓLICA
DE 37.5 VOL. ALC.”
39
GUNS N’
ROSES
EN DIEZ
CANCIONES
POR: JORGE LANDEROS
40
E
N
L
A
M
I
R
A
Al Suick S.
P
ara muchos, en su mayoría adolescentes (bastantes chicas
incluidas), a principios de los noventa oír sus canciones y
ver sus videos significó una revolución sonora y visual. Las
espontáneas carreras a lo largo del escenario y la voz estrujante
de Axl Rose, los guitarrazos precisos y salvajes de Slash, el
ingenio rítmico y poderoso de Izzy Stradlin, el compás exacto
de Duff McKaggan y los golpes atronadores de Steven Adler,
además de sus atuendos de vagabundos metaleros, son estampa
imborrable de la escena del rock mundial. Hablamos de un
panorama en el que bandas como Aerosmith, Metallica, AC/DC
o Mötley Crüe, por mencionar sólo un puñado de agrupaciones
que definieron la idea del rock puro y duro, se volvieron nombres
familiares asociados a la rebeldía de fin de siglo.
A pesar de haber conseguido el mayor de los éxitos en la industria
prácticamente de la noche a la mañana (lo cual no significa
que no sin mucho esfuerzo), GN’R tuvo muchos tropiezos y
descalabros relacionados con pleitos internos y excesos de todo
tipo que hoy mismo dejan notar sus consecuencias: el daño
vocal, aunado al deterioro físico de Axl Rose y la ausencia de Izzy
y Steven Adler, son ejemplos obvios de su situación a treinta
años de su fundación.
El viernes primero de abril (april fool’s day, similar al día de los
inocentes en Latinoamérica) de este año, las cuentas de redes
sociales de la banda anunciaron el concierto más esperado
en mucho tiempo, esa misma noche, en el mismo club que los
vio nacer a mediados de los años ochenta: The Troubador. Sí,
ya se sabía de algunas presentaciones en Las Vegas, California
y México, pero aquello se trataba de un concierto sorpresa
en el que los miembros fundadores: Axl Rose, Slash y Duff
McKagan, se volvían a reunir en un escenario desde hacía más
de dos décadas. ¿Era una broma? No lo era. Era la noticia más
fabulosa para las doscientas cincuenta personas que alcanzaron
entrada y para los que están esperando verlos en las ciudades
ya mencionadas. Axl y compañía, juntos, de nuevo. Guns estaba
de vuelta.
41
HE AQUÍ CANCIONES A PROPÓSITO DE SU REGRESO Y SU VISITA A NUESTRO PAÍS:
1. MERRIE MELODIES
6. ROCKET QUEEN
El tema de introducción en esta gira es el original de las caricaturas
de Looney Tunes, adaptada a su vez de la composición de Charlie
Tobias, Murray Mencher y Eddie Cantor, Merrily we roll allong. No
es una canción de GN’R, lo sabemos. Pero lo que vale la pena es
lo que parecen decir: “Seguimos tan campantes”. Sobrevivencia
que ríe en el desparpajo.
Barbi von Grief soñó con tener una banda, llamada Rocketqueen.
Lo que nos dejó fue algo distinto: saber que hay mujeres que no
abandonan a los hombres perdidos. Y un tatuaje como última
canción.
2. IT’S SO EASY
Al menos hasta ahora no ha habido otra igual. El sonido angelino
en estado puro.
Una canción del álbum Appetite for destruction (si bien, ya había
aparecido desde las grabaciones de la banda Hollywood Rose),
compuesta por el bajista de Guns, Duff McKagan. La canción habla
de lo fácil que resultó, una vez obtenido cierto reconocimiento
en la escena musical angelina, la aparición constante de chicas
acompañando a la banda. Cosa fácil.
7. SWEET CHILD O’ MINE
8. CIVIL WAR
No sólo es una de las canciones de paz más emblemáticas en el
rock, también significó la despedida de Steven Adler de la banda.
Y el comienzo del fin.
3. CHINESE DEMOCRACY
9. PARADISE CITY
Junto con Better y This I love, esta canción del disco homónimo
tuvo desde su gestación una historia atropellada que causó que
le tomara casi diez años ver la luz. Baste decir que el gobierno
de la República Popular de China censuró el disco y que muchos
de sus fans miraron con desconfianza esta nueva producción de
Axl Rose y compañía (que no Guns N’ Roses tradicionales). Sin
embargo, este disco atrajo a un nuevo joven público que recién
comenzaba a deleitarse con la banda californiana.
Cuando Axl, Slash, Izzy y Duff concretaron reunirse como Guns
N’ Roses no hacían más que vagar, vender sustancias para
sobrevivir y dormir en las calles, y aun así no dejar de componer
canciones y ensayar con tenacidad. No firmaban ningún contrato
cuando olfateaban los intereses mercantiles de los ejecutivos del
rock, que no se esforzaban siquiera por entender la esencia de
la banda. Se dice que el cazatalentos de la disquera Geffen, Tom
Zutaut, al momento de contactar con la banda, habló el mismo
idioma que ellos. En una palabra: los comprendió como si fuera
un colega más. En ese momento fueron de la jungla a ese lugar
paradisiaco llamado éxito, sin perder el alma.
4. WELCOME TO THE JUNGLE
La canción puede significar cualquier andanza en un entorno
hostil a los ojos de un adolescente, justo la edad en la que a Axl
Rose se le ocurrió escribirla cuando viajaba haciendo autostop.
No importa cuántas veces las toquen en bares con covers que
no rozan la medianía, la guitarra de Slash siempre sonará fresca
con esa irrupción desafiante al comienzo del disco.
5. LIVE AND LET DIE
Se dice que los hijos de Paul McCartney le contaron a su padre
que esa era la mejor canción de GN’R, y no creyeron que él fuera
el compositor.
42
10: ¡SON GUNS N’ FUCKIN’ ROSES!
Elija la que usted guste. Esa, seguro, es la mejor.
Websites
Social media
Diseño
Aplicaciones
móviles
Publicaciones
digitales
Diseño, planeación y desarrollo de proyectos digitales
Diseño gráfico integral
Coyoacán, México DF
6731 6355 y 56
www.ealcuadrado.com
43
“¡QUÉ CHULA ES PUEBLA!”, SE
ESCUCHA DECIR SIEMPRE A ALGUIEN
CUANDO SE HABLA, O SE CANTA, SOBRE
EL ESTADO (“¡QUÉ CHULA ES PUEBLA,
QUÉ LINDA, QUÉ LINDA, QUÉ CHULA
ES PUEBLA!”) A TAL PUNTO SE HA
PROPAGADO LA FRASE QUE CUALQUIER
MEXICANO, Y OTROS TANTOS
EXTRANJEROS, LA UBICAN COMO EL
ADJETIVO QUE MEJOR PUEDE DEFINIR
ESTA ZONA DEL PAÍS: PUEBLA LA
CHULA, LA LINDA PUEBLA. PERO MÁS
ALLÁ DE UNA FRASE POPULAR, PUEBLA
SE HA GANADO LA ADMIRACIÓN DE
HABITANTES Y TURISTAS CON UNA
MEZCLA INFALIBLE: SUS TRADICIONES,
SUS PAISAJES, SUS LEYENDAS, SU
ARTE Y SU GASTRONOMÍA.
PUEBLA
AL TAÑIR DE LAS CAMPANAS
REDACCIÓN F&A MAGAZINE
44
B
R
Ú
P
J
U
L
A
C
U
L
T
U
R
A
L
odríamos hacer una lista interminable de motivos por
los que visitar Puebla es casi obligatorio, pero quizá una
buena forma de resumirlos es describiendo uno de los
festejos más importantes: el del aniversario de su fundación.
a lo que compartimos como humanidad. Así, Puebla, la gran
artista, ha conseguido una vez más resumir en 2016 segundos de
campanadas, la grandeza de una historia de 485 años.
A las festividades tradicionales se añadió, desde el 2006,
un concierto protagonizado por uno de los símbolos más
emblemáticos: las campanas. Así, desde el 475 Aniversario
de la Fundación de Puebla, el “Angelis Custodiant” sacude el
centro histórico cada cinco años. Veintisiete iglesias, la Catedral
y el Palacio Municipal repican al unísono en una orquesta
formada por 130 tañedores, entre sacristanes y estudiantes del
Conservatorio de Música de Puebla.
Talavera Celia. El mejor lugar para encontrar piezas artesanales
de diseño original, que cuentan con certificado de denominación
de origen y holograma de autenticidad, en un esfuerzo por
engrandecer la tradición de la talavera poblana. 5 Oriente 608,
Centro Histórico, Puebla, Pue.
El título de este concierto, compuesto por el músico y director
poblano Bely David Rocha, alude al lema del escudo de armas
del municipio de Puebla: “Angelis suis Deus mandavit de te ut
custodiant te in omnibus viis tuis” (“Dios mandó a sus ángeles
para que te custodiasen en todos tus caminos”). Y tal parece
que este abril los ángeles volvieron a hacer su aparición. La
expectativa acumulada durante cinco años ha sido superada en
cada uno de estos espectáculos, sumando a sus tradiciones una
tal vez no tan antigua, pero sustentada en la creatividad de sus
músicos y el eco de sus templos.
Se dice que la grandeza de un artista se mide por la habilidad
de transmitir una experiencia que aunque no haya sido vivida
pueda provocar una emoción de la misma intensidad, apelando
DÓNDE COMPRAR
Quinta de la Luz. El lugar de tradición para llevar el platillo más
famoso del Estado: el mole. Se sabe que es elaborado de manera
artesanal, pero la receta sigue siendo su secreto. Av. 3 de mayo
8132-6, Col. Tres Cruces, Puebla, Pue.
Tienda de artesanías del Salón de Protocolos. Este espacio en el
centro de la ciudad continúa siendo un lugar emblemático, con
piezas de arte exclusivas y albergadas por el inmueble histórico,
sede del Banco Oriental de México. Av, Juan De Palafox y Mendoza
202, Centro Histórico, Puebla, Pue.
DÓNDE COMER
Mesón Sacristía de la Compañía. El patio central del restaurante,
con una decoración de interiores que evoca el México del siglo XIX,
crea el ambiente perfecto para una comida poblana tradicional.
Y si los huauzontles o los cho pandongos no fueran suficientes,
el mesón ofrece talleres de cocina poblana acompañados de
45
recorridos por la cuidad. 6 Sur 304, Callejón de los Sapos, Centro
Histórico, Puebla, Pue.
Royalty. Ubicado dentro del hotel del mismo nombre, este
restaurante ofrece los platillos más tradicionales de la cocina
poblana, además de contar con una vista panorámica de la
ciudad, acompañada por el son de la marimba. Portal Hidalgo 8,
Centro Histórico, Puebla, Pue.
Pinche & Chef. Una propuesta original de cocina de autor,
donde el chef Daniel López combina ingredientes de la región
para crear desde platillos típicos como las chalupas poblanas,
hasta los más especializados como el magret de pato con mole
casero. Plaza Bosques de Zavaleta 313-A, local 18, Col. Santa
Cruz Buenavista, Puebla, Pue.
PARA RECORRER FUERA DE LA CIUDAD
Atlixco
Una ciudad famosa por sus flores, su arquitectura colonial
y por gozar del mejor clima del mundo. Una de las
festividades más importantes es la del Huey Atlixcáyotl,
en la que cada región envía a una representante que
demuestre verdadero conocimiento de sus tradiciones para
ser elegida como Xochicíhautl (mujer flor), entre cantos,
flores y danzas como la de los voladores de Huachinango.
Además del recorrido obligado por el zócalo y el Convento
de San Francisco, se puede visitar el Cerro de San Miguel
y la ermita dedicada al arcángel, donde se cuenta que
encerró al diablo dentro del pozo. A 25 km de la ciudad de
Puebla
46
Zacatlán de las manzanas
Un poblado que parece estar entre las nubes, rodeado
de niebla y una ambiente de misterio. En este pueblo
mágico hay que visitar el Valle de las Piedras Encimadas,
compuesto de rocas colosales con formas que asemejan
cualquier cosa que nuestra creatividad pueda imaginar; el
ex convento franciscano, el más antiguo de todo el Estado,
y la cascada Tulimán, al interior del parque ecológico
donde se puede practicar una gran variedad de actividades
al aire libre. A 123 km de la ciudad.
Cholula
En este pueblo mágico hay una iglesia diferente para visitar
cada día del año, lo que nos habla de la riqueza cultural
y arquitectónica que se puede encontrar en cada uno de
sus rincones. Además, se puede visitar la pirámide más
grande del mundo en base, de más de 400 metros por lado,
que alberga en su interior una gran cantidad de pinturas
prehispánicas. Este centro ceremonial convirtió a Cholula
en “Ciudad Sagrada” desde el asentamiento de los grupos
Toltecas. A 22 kilómetros de la ciudad.
E
N
T
R
E
N
O
S
O
T
R
O
S
EL JUEGO NO ES
SÓLO COSA DE
NIÑOS
REDACCIÓN F&A MAGAZINE
P
odemos nombrar una lista interminable de problemas
urgentes en nuestro país, y generalmente nos acercamos
a ellos con cautela, con desesperación o con hartazgo.
La mayoría de estos grandes problemas sociales no tienen una
solución única y palpable, sino que requieren de estrategias
conjuntas y de esfuerzos tanto individuales como colectivos.
Pero entre todas las señales de alarma que nos bombardean día
con día, se nos ha ido escapando el otro lado de la moneda: la
necesidad y el derecho de seguir jugando.
Con el objetivo de transmitir la importancia del derecho al juego
para fomentar la innovación y la creatividad en el abordaje de
problemáticas sociales, la Fundación México Juega implementa
programas orientados a satisfacer las necesidades de grupos
específicos, como: niños, adolescentes, adultos, adultos mayores
o personas con discapacidad, respetando los usos y costumbres
de cada sector.
Ya sea a través del Programa Educativo Lúdico, el Programa de
Acreditación de Ludotecas y Ludotecarios, el Programa de Mejora
e Incremento de Acervo Lúdico o el Programa de Relaciones
Interinstitucionales, la Fundación trabaja en la formación de
alianzas, capacitación y normatividad para fomentar el juego en
todos estos espacios y dirigirlo a metas que mejoren la calidad
de vida de todos los mexicanos e incrementen el aprendizaje
de manera creativa.
47
DÍA INTERNACIONAL DEL JUEGO
Con la finalidad de concientizar a la población sobre la
importancia del derecho al juego, desde el año 2000 se celebra
cada 28 de mayo el Día Internacional del Juego (World Play Day).
El mensaje esencial de este día es el de retomar la inclusión y el
derecho de cualquier persona en el mundo al juego, sin importar
su condición social. Pero además, específicamente en México,
la Fundación promueve los juegos tradicionales como parte
esencial de nuestra cultura.
¿CÓMO APOYAR?
Voluntariado individual: En esta modalidad, cualquier persona
con el tiempo y la disposición necesarios puede apoyar a la
fundación en tareas de oficina, manejo de redes sociales,
estrategias de mercadotecnia y comunicación o participando en
las actividades de la “ludoteca itinerante”.
Voluntariado empresarial o corporativo: Para el sector
empresarial, la Fundación ha creado áreas específicas para
poder participar, como en las dinámicas lúdicas en espacios
públicos o la procuración de recursos, ya sean económicos o en
especie.
Productos solidarios: Para quienes no disponen del tiempo o las
condiciones para apoyar de manera sistemática, la contribución
por medio de la compra de productos sustentables es una
opción al alcance de todos. Se puede colaborar con la compra
48
de pulseras solidarias, chocolates solidarios o los morralitos
lúdicos “Por si me aburro”, “No me olvides” y “Por la salud”, que
contienen juegos y juguetes tradicionales.
Contacto:
Sitio web: www.mexicojuega.org.mx
Correo electrónico: [email protected];
[email protected]
Teléfono: 5528 6640
Dirección: Avenida Insurgentes Sur No. 3751, primer piso.
Col. San Pedo Apóstol C.P. 14260