Descarga - Batería Percusión

Transcripción

BATERIA&PERCUSION
M
A
G
A
Z
I
N
E
Núm 14
SEPTIEMBRE-OCTUBRE 2013
www.bateriapercusion.com
editorial#14
Cuando hablamos de alguien como Steve Gadd de inmediato nos viene
sumario 04
a la mente la palabra groove, es muy probablemente uno de los bateristas que mejor sabe arquitecturar un ritmo, apoyar una canción para
que camine. En la entrevista que publicamos en este número nos va a
comentar detalles en ese sentido, además de cómo es su vida actualmente, un hombre sencillo y familiar,
uno de los top.
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“Nuestros
colaboradores
nos ofrecen
sus reflexiones
sobre distintas
áreas del mundo
profesional de
la batería y la
percusión”
Manu Reyes Jr. e Iván Taca dos nacionales de primer nivel, cada uno en su
onda, le acompañan. Juan Carlos Melián nos habla de la configuración y elementos de su kit de percusión.
Nuestros colaboradores nos ofrecen
sus reflexiones sobre distintas áreas
del mundo profesional de la batería y
la percusión, todo un compendio de
sabiduría de la mano de Pepe Cantó,
Manolo Cascales y Coki Giménez, un
trío de ases.
Las secciones habituales completan un
número que ponemos a vuestra disposición y esperamos os entretenga
un rato en este comienzo del nuevo curso que se inicia, como siempre
con nuevos proyectos ilusionadores que esperamos se cumplan para
todos
No quiero despedirme sin antes recomendaros visitar las webs de nuestros anunciantes, siempre tienen propuestas interesantes que ofrecer.
Gracias por estar ahí.
Steve Gadd
Entrevista
Iván Taca
Entrevista
Manu Reyes Jr.
Entrevista
Set Percusión de Juan Carlos Melián
Review
Let´s Dance
Artículo de opinión de Pepe Cantó
¿Y si hacemos música?
Artículo de opinión de Coki Giménez
Pit Stop para baterías
Luthier
Entre platos anda el juego
Luthier
Fraseos a medida
Didáctica
Percusión al día
Didáctica
El más simple y difícil de los rudimentos
Didáctica
ProjectSAM Lumina
Software
Studio One 2
Software
Dime qué escuchas/ves/estudias y te
diré quién eres.
PORTADA
Steve Gadd
Pedro Mendonça
El groove perfecto
Steve Gadd es un tipo sencillo, accesible,
alejado de cualquier tic de estrellato. Podríamos afirmar que es uno de los mejores
y más influyentes baterías de todos los
tiempos. Si algo caracteriza a Steve Gadd
es posiblemente su fantástica musicalidad
y su capacidad para estructurar los ritmos,
su dominio del trabajo con la caja, sus
ghost strokes, la escobilla…es difícil parar.
Aprovechamos un workshop para hablar
con él
FOTO: Pedro Mendonça
PORTADA
sidero fundamental que cada uno se encuentre con su
propia forma de tocar e investigue cosas que después
pueda tocar de una manera confortable. No hay que
forzar las cosas, hay que dar tiempo al tiempo para que
estas surjan con naturalidad.
¿Cuándo comenzaste a tocar?
Empecé a tocar con tres años de edad, por
mediación de un tío mío que pertenecía a
una banda del ejército. Mis padres a pesar de no ser músicos, también estuvieron
muy asociados a mi entrada en el mundo
de la música, siempre me dieron mucho
apoyo y me proporcionaron experiencias
fascinantes en clubes de jazz de Nueva
Orleans. Sin duda esta atmósfera fue para
mi una gran inspiración y motivación.
Al principio tocaba mucho encima de los
discos para interiorizar el trabajo de los
bateristas que admiraba. En el fondo me
doy cuenta de que estaba tratando de copiar el estilo de los bateristas que me gustaban y fui adaptando todos esos estilos a
una forma propia que me fuera confortable para tocar.
“Siempre me ha gustado es el
jazz clásico de Nueva Orleans,
esa es mi gran fuente de inspiración.”
Con una discografía tan extensa como la tuya tanto
en número como en estilos musicales ¿Te sientes un
músico global o tienes tus preferencias?
Me gustan muchos estilos de música tanto como músico
como oyente. Para mi resulta placentero analizar ritmos
de otras culturas e incorporarlos a mi manera de tocar.
Pero en el fondo sigo escuchando mucho a los clásicos
del jazz, más allá de ello, Stevie Wonder, Ray Charles,
Louis Amstrong, Nat King Cole y Frank Sinatra, así como
la música afro-cubana.
Más recientemente, al entrar en el área de producción
paso mucho tiempo escuchando las cosas que produzco. Por otra parte he tenido la actualización de la escena
musical a través de mi esposa, que siempre me muestra
lo que está pasando y las novedades.
¿Cuales fueron esas primeras influencias?
Lo que me gusta por encima de todo y
siempre me ha gustado es el jazz clásico
de Nueva Orleans, esa es mi gran fuente
de inspiración. En cuanto a bateristas podría destacar a Max Roach, Louie Bellson,
Tony William, Gene Krupa, Elvin Jones, Philly Joe Jones y Jack DeJohnette. En la actualidad me siento inspirado por muchos artistas. Me considero dentro de un proceso
de aprendizaje constante y dedico mucho
tiempo al estudio de bateristas que hacen
cosas muy diferentes a las mías.
¿Qué otros factores consideras importantes para aprender a tocar la batería?
A lo largo de mi vida he tenido cuatro
profesores diferentes. Creo que la teoría
es tan importante como la práctica y con-
B&P Magazine. Isue SEP/OCT 2013
FOTO: Pedro Mendonça
Durante los 80 grabaste junto a Ringo Starr, una batería al lado de la otra ¿Qué nos puedes contar de la
experiencia? Ringo viene de una escuela totalmente
diferente a la tuya…
Siempre es gratificante tocar junto a gente que admiras
y que ha sido una influencia para ti, me encanta la forma
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de tocar de Ringo. Probablemente cada cosa que toco es
el resultado de algo que escuché tocar a alguien antes,
soy yo emulando a alguien más, es la forma de aprender.
Hablas mucho de tu esposa como alguien muy presente, por lo que vemos estás muy ligado a tu familia
¿Cómo te sientes ahora que tu hijo sigue tus pasos?
¡La familia es realmente lo más importante! M encanta
que Duke toque la batería y que intente seguir su propio
camino. ¡Yo ya anduve el mío! Todo depende de él, nunca
estuvo forzado para ser baterista, nunca ejercí ningún tipo
de presión sobre ello.
¿Y como lo llevas cuando estás de gira
Hablo con mi esposa al menos una vez al día, a veces dos
y estoy en contacto con mis hijos. Conocí a mi esposa en
este negocio así que ella sabe como funciona este mundo,
confiamos el uno en el otro. Al principio ella viajaba mucho
conmigo pero al tener niños no pudo hacerlo, aunque a
veces los hemos llevado con nosotros girando. Ahora que
ellos ya son mayores podemos volver a viajar juntos.
Cuando estoy en casa procuro dedicarme todo el tiempo
a la familia, me gusta la vida cuando no estoy trabajando,
hacer las cosas juntos, si ella va de compras la acompaño,
si va al gimnasio vamos juntos. Tenemos cinco perros…vivo
en una casa con un patio cerrado en Phoenix, Arizona…
¿Cuando estás de gira el gimnasio es tu forma de entrenamiento…?
Procuro hacer ejercicio para estar en forma, salir es importante. En gira también procuro asistir a reuniones puesto
que estoy en “recuperación” y eso es lo principal, llevo 23
años en el programa y lo considero importante, esas son
las cosas principales para mi, reuniones, ejercicios, hablar
de casa, comer bien, descansar lo suficiente.
El camino no es fácil y viajar hoy en día puede ser muy
estresante, una pesadilla con los aviones etc. No quiero
estar trabajando duro, luego de fiesta y cuando vuelvo a
casa pasarme una semana durmiendo para recuperarme.
Trabajas desde hace mucho tiempo con Zildjian, marca de platos de la que eres endorser desde hace mucho tiempo ¿Qué es lo que más te gusta de ello?
Bueno ¿Sabes una cosa? Desde el primer momento siempre fue Zildjian, nunca he tocado con otra marca ni he
sentido la necesidad de hacerlo. Tienen un sonido perfecto y un feeling siempre presente. Colaboré en el desarrollo de de la Serie K que además es la serie con la que
habitualmente toco.
A nivel batería estás con Yamaha sobre 30 años Eso es
una gran fidelidad…
Me propusieron ser endorser allá por los 70 y desde que
visité la fábrica en aquella época quedé convencido. Siempre me he sentido muy apoyado por Yamaha, es una marca que me escucha y donde puedo contribuir con ideas
para el desarrollo de la misma.
Realizas clinics, ¿Te resulta interesante esa parte de
tu trabajo?
Me gustan los Workshops, que los participantes hagan
preguntas, estoy para ayudar pero también para aprender y eso pasa siempre por la interacción con otros músicos, así que suelen ser una buena experiencia
¿Crees que en el aprendizaje de la batería la importancia del groove está subestimada?
No sabría que decirte al respecto, no sé como piensa otra
gente pero para mí el groove es muy importante, tocar a
tiempo y entender el groove es tan fundamental como la
técnica.
¿Cuáles son tus planes para el futuro?
Si todo va bien, seguir sano, seguir haciendo música y pasar algún tiempo con mi familia.
-La importancia de encontrarnos a nosotros mismos
como músicos y hacer las cosas de la manera más cómoda.
-Es muy importante simplificar y no querer tocar todo lo
que sabemos hacer en una sola canción.
-Debemos practicar el mismo diseño rítmico en diferentes piezas de la batería, para conseguir independencia y
sonoridades diferentes.
-Si queremos que nos llamen como músicos, debemos
de trabajar para la canción y hacerlo forma estructurada,
no variar las cosas en todo momento, seguir una secuencia lógica y apenas variar de compás en compás.
-Al colocar un ritmo para una música no debemos hacerlo antes de sentir la música. Primero la escuchamos y la
sentimos y a partir de ahí construimos el ritmo. Antes de
esto no existe nada.
-Cuando practicamos no debemos forzar las cosas. Si no
estamos inspirados debemos parar y pensar que la inspiración puede llegar en cualquier momento y disfrutarlo. Una buena forma de buscarla es dejat fluir solos en la
batería, empezando por una base simple para después
ir complicándola.
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Algunas ideas
PORTADA
“Me gustan los Workshops, que los
participantes hagan preguntas, estoy para ayudar pero también para
aprender.”
ENTREVISTA
Asensio “Ros” Wally
Iván Taca
Un baterísta con voz propia
ENTREVISTA
Iván es uno de los baterías españoles con más presencia en la escena actual. Sus trabajos con todo
tipo de artistas de variados estilos musicales, así
como su colaboración en el exitoso programa de tv
LaVoz son en parte que incide en esa presencia. Nos
apetecía charlar con él y que nos contase su trayectoria, sus planes, su enfoque al respecto de la música y como no de la batería. Esto nos contó.
¿Cuales fueron tus primeros pasos en la música? ¿Por qué la batería?
La batería fue el primer instrumento que me llamo la atención y por el que comencé a
sentir fijación a la edad de 15 años, recuerdo como soñaba con que me dejaran tocar
una batería real los bateristas de mi pueblo en Laciana (montaña leonesa). Iba a ver
tocar a todo aquel que tenía oportunidad, intentando situarme en los laterales de los
escenarios, para tener el mejor campo de visión ...esto creo que nunca hay que olvidarlo, me refiero, por un lado, a la verdadera esencia del “por que” estás en la música
y porque escogiste determinado instrumento. Recordar siempre que un día un niño se
quedo impactado por el simple sonido de una caja o la potencia de un bombo y que
ese niño aún lo eres tu….por desgracia raramente ves hoy en día en los laterales de un
escenario a un niño observándote mientras tocas.
los arreglos de la música, bien sea en la composición o en un simple ensayo con una
banda. También me encanta grabar en estudio y aportar ideas en el proceso de producción de un disco. En cuanto a la composición recibí la oportunidad hace 3 o 4 años
de hacer música propia para interpretar en TV y así comencé a hacer temas propios y
a sacar el alma de músico que todos los que estamos en esto llevamos dentro. La docencia es algo interesante, te ayuda a refrescar cosas que ya habías estudiado, te exige
ponerte al día o explorar áreas nuevas que quizás desconocías y que determinado
alumno te demanda y es muy gratificante cuando va dirigida a gente con inquietudes,
talento o que espera de ti que le transmitas conocimiento. Cuando alguien te llama
para que le des clase y no es un padre o una madre que quiere quitarse de encima a
su niño, eso significa mucho...significa que te respeta, te admira, admira tu trayectoria,
tu forma de tocar o tu personalidad con el instrumento y eso como mínimo se merece
que te tienes que currar su clase y no enfocarlo solo como un negocio.
Tu primer bolo, ¿Cómo lo recuerdas?
Lo recuerdo como una mezcla entre extrema ilusión y nervios junto a amigos de instituto y con 10-15 bpm más rápido de lo adecuado en cada canción (risas), típico de
cuando empiezas.
¿Cuando decidiste dedicarte a la música profesionalmente?
Con 16-17 años llegaron a mis manos algunos vídeos de bateristas profesionales que
hablaban de “su carrera”, entonces yo me sorprendí y me pregunté: ¡Ah! ¿Pero esto
es una carrera? ¿Hay gente que se dedica a esto? Entonces decidí que quería que esa
fuese mi carrera, no me interesaba otra cosa, con las consecuentes incomprensiones
por lado paterno, la falta de apoyo y las dificultades añadidas por ser de un pueblo y
tener que emigrar, con pocos recursos a León y después a Madrid a buscarte la vida.
Combinas su tarea de músico de directo de sesión con la composición y la docencia, si tuvieras que elegir con que te quedarías.
Bueno, me interesan varios campos dentro de la música, creo que cada faceta tiene
su magia y con el tiempo descubrí que me encanta el aspecto creativo de participar en
“Me encanta grabar en estudio y aportar
ideas en el proceso de producción de un
disco.”
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ENTREVISTA
¿Es básica la versatilidad total en un músico
profesional o crees que es mejor centrarse en
no demasiados estilos?
Sin duda el intentar ser versátil en cuanto a hablar con cierta eficiencia varios lenguajes te puede
llevar a trabajar con diferentes tipos de músicos,
proyectos o artistas, a parte de que te enriquece
como músico. Creo que especialmente cuando
empiezas es esencial “mamar” de todo un poco,
por ponerte un ejemplo: recuerdo pasar centenares de días frecuentando jam sessions en clubs
madrileños como el Berlín, el Junco, el Cardamomo, simplemente escuchando, viendo o intentando entender los códigos o el particular acento de
determinados músicas de raíz como el flamenco,
el latin y más tarde intentando mezclarte con ellos
a tocar. La cuestión es siempre mantener una
mentalidad abierta y tener presente que de todo
el mundo puedes aprender. Por otro lado no hay
que descuidar aspectos como las tecnologías, la
producción musical y el intentar también emprender proyectos propios, los músicos de sesión estamos la mayoría del tiempo al servicio de los demás
y no hay que olvidar que también somos artistas.
¿Qué música escuchas habitualmente?
La música que escucho casi siempre va en función de los proyectos en los que ando metido, por
ejemplo ahora estoy escuchando música irlandesa, francesa ...hubo un tiempo en que escuche
mucha música africana al trabajar en proyectos
con músicos africanos y toda la vida mamé mucha
música negra afro-americana, funk, música groove,
house. Ahora con Youtube la cosa es encantadoramente caótica, porque pasas de escuchar (por
ponerte un ejemplo) Porcupine Tree y al minuto
estas escuchando algo completamente diferente
como Snarky Puppy o bandas de metal progresivo
como Meshuggah y ¡Es genial!
“Creo que todos los proyectos te aportan algo nuevo.”
Dinos tres de tus bateristas de cabecera...
¡Uf! Eso es tan difícil, ¿Sólo tres? ¿Nacionales? ¿Internacionales? Te diría mil, depende.
De los clásicos grandes como Vinnie Colaiuta, por
su versatilidad y por llegar a elevar este instrumento a esos niveles de ...fueron referentes o dioses
para mi y me influyeron mucho. Ahora si solo me
quedan otros dos no sé, voy a decir algunos más
actuales y menos típicos. Reda Samba (hijo de
Mokhtar Samba) porque es un exponente moderno de otro tipo de fusión diferente y para mi tan
interesante como la americana, que combina elementos de la música africana y afro-francesa con
lenguajes más universales como funk, jazz, rock
resultando algo muy rico. Por último no sé...se me
ocurre Marc Colemburg ¡Vaya! ¿No puedo decir
más? ¿Por qué Marc Colemburg? Porque creo que
representa junto a gente como Chris Dave, (¡ups,
se me ha escapao otro!) la vanguardia y el comienzo de otra era en cuanto la evolución de este instrumento.
Has girado y grabado con artistas como Café
Quijano, Tamara, Hijas del Sol, Pedro Santana,
Rafa Tena, Solomones Soul Machine, Raimundo Amador, Tonky Blues Band, Pelo Madueño...Cuéntanos un poco de tu trayectoria como
músico profesional, ¿Con cual crees que has
crecido más?
¡Ay si sólo fueran esos! Cuando piensas en lo que
uno lleva “breao” a sus espaldas, la propia espalda
empieza a dolerte. Hablo como un viejo pero es
que con la tontería ya llevo 20 años de “batallas” y
cuando echas la vista atrás te das cuenta de que
llevas mucho vivido. En la música como en cada
experiencia vital, intentas quedarte con la parte
buena, sin duda la mejor de ellas es conocer nuevos músicos, personas y compartir con ellas. Creo
que todos los proyectos te aportan algo nuevo.
Con tal paleta de estilos y diferentes tipos de
banda en las que has tocado ¿Son tan diferentes unas de otras?
Todos ellos tienen un nexo común, música. Tienes
que estar a su servicio y procurar estar dentro del
estilo y contribuir a hacerla sonar de la mejor manera.
Ya habías trabajado anteriormente en programas de televisión pero nada comparable con el
nivel de “La Voz”, cuéntanos tú experiencia en
la banda de “La Voz”, tu entrada en la banda,
que mecánica de trabajo seguías, ¡Mójate...jajaja! Tus tres favoritos...
La voz fue una experiencia muy intensa, pero muy
bonita, de esas que te dejan huella. Ante todo
estoy orgulloso de haber formado parte de esa
banda y ese equipo de trabajo. Creo que fue algo
especial. Por fortuna continuamos juntándonos
con frecuencia después del programa para otros
proyectos o grabaciones. Recibí la llamada de Rafa
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ENTREVISTA
Tena, responsable de toda la producción musical
de la primera edición del programa, al cual le agradezco profundamente la confianza depositada en
mí. El hizo la selección de la banda y creo que era
crucial tener en cuenta escoger no solo a músicos y técnicos muy experimentados, si no a gente
tranquila y con capacidad para saber trabajar en
equipo y saber soportar semejante nivel de intensidad. Las jornadas eran más que extenuantes a
veces. Sin duda defender una empresa tan grande
como esta, suponía todo un reto en muchos sentidos y mucha responsabilidad, era algo nuevo para
mucha gente, especialmente para la productora
de TV encargada del programa en España, país
donde apenas hay cultura de música en directo en
TV. Iba todo a mil por hora, había gente de Holanda, Italia, responsables de la productora dueña del
formato, que estaban supervisando todo desde el
primer día y cuando tu veías y oías las bandas de
las versiones de “The Voice” de otros países imponía un poco por el nivel. Pero desde el primer
momento había plena disposición por parte de todos para sacar eso adelante a pesar de lo caótico
y el poquísimo margen que te dejaban para todo,
no fue nada fácil. Imagino que para la 2ª edición
hayan tomado nota en cuanto a la organización.
Por otro lado decir que fue importante el hecho
de haber trabajado previamente con la mayoría de
los músicos que tenía al lado, eso inspiraba confianza entre nosotros. Hay algo muy positivo en
cuanto al programa que es la infinita cantidad de
música que tienes que grabar en estudio desde
el principio. Todo lo que se va a interpretar después en directo se graba previamente en estudio y
sólo en la primera fase, la de las audiciones “a ciegas”, entraron casi 200 cantantes cada uno con su
canción, más los discos correspondientes que se
graban cada semana con los participantes que van
pasando fase…con lo cual esto supuso como un
“doctorado” en grabación en estudio, fueron seis
meses prácticamente viviendo en él. Por otro lado
creo que el verdadero mérito era intentar hacer
sonar la banda en tan poco tiempo como quedaba para el ensayo conjunto, que era en el mismo
plató con los cantantes pasando únicamente 2 ó
3 veces cada canción. Ese era el único ensayo de
la banda, por eso creo que a veces era algo “milagroso”, porque la sensación era de que sonaba
todo muy engrasado y aquello para nada era una
banda que ensayara ¡No quedaba tiempo! además
todo se complicaba con los típicos cambios de ultima hora. ¿Mis cantantes favoritos en la primera
edición? Había muchos muy buenos, no quiero citar solo tres que si no los demás se me enfadan.
Tengo entendido que va a haber una próxima
edición, creo que cumplisteis sobradamente,
será la misma banda supongo…
Nada mas terminó la primera edición las pasadas
navidades se confirmo que habría segunda edición dado el éxito de audiencias. La dirección del
programa quería que estuviese la misma banda,
cosa que agradecemos, pero al parecer este año
hacen también otra versión para niños aparte y no
llegaron a acuerdos logísticos entre las dos productoras (la de TV y la musical) con lo cual no vamos a estar en esta segunda edición.
Cuéntanos tus últimos proyectos como el primer álbum del acordeonista Manolo Garrido
“‘Barahunda’, en el que has participado como
músico y productor junto a Alexander Acanda.
Nos parece muy interesante y hemos recibido
buenas impresiones.
Manolo Garrido es un acordeonista de mi tierra
con un talento increíble.Ya hace algún tiempo
que quería montar un proyecto de folk-fussion,en
el que tomando como hilo conductor la trikitixa
(acordeón diatónico de botones) y la magistral
forma de interpretarlo de Manolo, se diera rien-
da suelta a música y arreglos originales donde se
pudieran incluir elementos del afro, el rock, el jazz
etc.Una vez finalizada la primera edición de La Voz
nos pusimos en faena. Quise contar con Alexander Acanda bajista de la banda de La Voz, para
hacer la producción musical del disco a medias,
ya que aparte de grabar en decenas de discos juntos durante esos 6 meses tan intensos Alex es un
músico “global”, descomunal, gran bajista, enorme
arreglista y productor de muchísimos discos de
todo tipo de músicas. En el disco también tuve la
suerte de contar con el gran Luis Dulzaides, también compañero en la banda de La Voz, con el que
nos divertimos mucho grabando percusiones. El
proyecto está en marcha, fue presentado con muy
buena acogida allí en mi tierra y ahora estamos
moviéndolo para rodarlo y tocar todo lo que se
pueda. Aquí os dejo una muestra del disco y otra
del directo.
¿Qué lugar ocupa la batería/percusión en la
música, en una composición?
La batería y la percusión son música, contribuyen al sonido global, a la vez que tienen un poder
enorme a la hora de imprimir o transmitir fuerza,
peso, emoción, groove, dinámica, matices…a una
parte concreta o toda una composición.
Técnica y musicalidad, ¿La diferencia de ser
mejor o peor músico, estriba en ser más o
menos técnico, o en transmitir más o menos?
¿Que es más difícil de adquirir?
Un equilibrio entre ambas es lo adecuado, una sin
la otra no ayuda a la música. La técnica necesita
más trabajo y disciplina. Transmitir es más sencillo
siempre que tu sientas lo que interpretas, claro.
Un buen batería ¿nace o se hace?
Se hace, sin duda.
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ENTREVISTA
La aparición de la batería está
directamente relacionada con
la aparición del jazz a principios
del siglo XX, ¿Crees que es conveniente estudiar un mínimo de
jazz para llegar a dominar bien
la batería?
Creo que es bueno estudiar un
poco de muchos estilos y luego
decantarte por profundizar en los
que más te gusten.
Si tuvieras que buscar un batería para una gira ¿Qué requisitos le pedirías?
Sonido, groove, responsabilidad y
ser un buen compañero.
¿Sigues practicando, que rutina
de estudio sigues?
Estudio siempre que puedo, creo
que tu instrumento es como tu
“AVATAR”, y si tu le abandonas, el
te abandona a ti. Me gusta grabarme cuando estudio batería, tanto en audio como en video para
aprender de mi mismo. Creo que
grabándote y oyéndote o viéndote
“desde fuera”, te das cuenta de lo
que haces mal y de lo que haces
bien. También impartir clases implica estudiar. ¿Rutina? ninguna
especifica, transcribir grooves, fills,
tocar con música, escuchar y ver a
otros bateristas y a otros músicos,
sacarte cosillas de libros y métodos que tienes por ahí sin acabar
etc.
La música es un buen barómetro del nivel cultural de una
sociedad, “todos” somos conscientes de como está panorama
musical ahora mismo, personalmente pienso que antes que de
la crisis económica y social aflorara, la música ya llevaba años
en deterioro y no precisamente
por falta de creatividad o buenos artistas, ¿Qué enfoque se le
debería dar para salir adelante?
¿Qué cambios se deberían llevar
a cabo?
Creo que es un tema complejo,
daría para extenderse mucho. El
problema abarca muchos campos, el político-financiero, culpable
de que las arcas estén vacías, la de
trabas e impedimentos que aplica
tanto a salas de música en vivo,
bares a la hora de conceder licencias, como con las subidas de IVA.y
al fin y al cabo el culpable y responsable de todo. Solución: fuera
los políticos que ahogan e insultan
la inteligencia de un país pretendiendo fomentar el borreguismo
para manejarnos mejor.
¿Que le pides a tu instrumento?
Háblanos de tus herramientas,
tu kit y configuración, tus marcas…
Le pido que suene a música. Colaboro con gente como Music Distribución e Iberdrum, que se han
portado muy bien conmigo. Utilizo
Estudio siempre que puedo, creo que tu
instrumento es como tu “AVATAR”, y si tu
le abandonas, el te abandona a ti.
carretera y los escenarios con mi
amigo Lugotti, saxofonista leones.
Aparte, todo lo que vaya surgiendo.
baterías DW, PDP, parches Evans y
platos Bosphorus, la configuración
varia según el proyecto.
¿Con quién te gustaría trabajar?
Con cualquier buen músico.
Algo más que nos quieras contar...
Nada, agradeceros el interés y la
oportunidad de poder contar algunas cosillas. Os dejo el enlace
de la pagina de artista de facebook
Tus proyectos y metas más inmediatos
Continuar expandiendo el proyecto con mi paisano Manolo Garrido,
continuar dando clases tanto particulares como on-line…soy profesor en la escuela de música on-line
de reciente fundación y volver a la
11
ENTREVISTA
Manu Reyes Jr.
Energía detrás de los tambores
Fotografías: Javier Bragado
Asensio Ros “Wally”
ENTREVISTA
Posee antecedentes bateristas familiares, no en vano
es hijo de Manuel Reyes baterista de Medina Azahara
por 23 años, pero tiene su voz propia. A pesar de su
corta edad ya juega en ligas mayores como supone la
militancia en Sôber. Con un impecable look escénico
y un power innegable, Manu es uno de los bateristas
de rock con mayor proyección de nuestro país. Teníamos ganas de hablar con él y que nos contara su
trayectoria, su enfoque sobre la batería y la música, y
aquí está.
¿Qué te dice el nombre de Medina Azahara?
El nombre de Medina Azahara me dice
mucho y ha sido algo muy importante y
que me ha acompañado durante muchos
años de mi vida, ya que mi padre fue durante muchos años el baterista de esta
banda. En el pasado fue una banda a la
que respeté tanto dentro como fuera de
los escenarios, pero debido a acontecimientos ocurridos, hoy en día no siento
ningún respeto hacia ella y hacia parte de
sus componentes.
¿Te impulso directamente, por decirlo
de alguna forma, tu padre a tocar la
batería o fuiste tu el que lo decidió?
La verdad... si pero no. Desde que nací llevo viendo a mi padre encima de un escenario y es algo que desde niño me marcó.
Él siempre me dejó libertad a la hora de
decidir mi futuro, pero todo lo vivido con
él fue lo que me hizo tomar la decisión,
decisión que recibió con mucha alegría y
la cual apoyó como el que más.
¿Qué consejos y directrices recibiste
de tu padre a nivel musical?
Durante estos años he recibido muchos
consejos y directrices de él, pero siempre
me hizo hincapié en lo que para él era
algo muy importante, tener un buen tempo. Es algo en lo que durante estos años
he trabajado mucho y sigo trabajando; y
gracias a él consigo que mi forma de tocar sea más contundente y pesada.
¿Cuando decidiste dedicarte a la batería profesionalmente?
Comencé a tocar la batería a la edad de
16 años pero no fue hasta los 20 años
cuando decidí que realmente quería dedicarme profesionalmente a ello.
Cuando empezaste a estudiar con Miguel Morales ya tenías una base supongo, ¿Tenías claro el estilo musical
al que querías dedicarte?, ¿Cómo fueron tus primeros años estudio?
Cuando comencé a estudiar con Miguel
Morales la base que llevaba fue aprendida de modo autodidacta. Con Miguel
empecé desde abajo y la verdad que era
“Desde que nací llevo viendo a mi padre encima de
un escenario y es algo que
desde niño me marcó.”
Tu salto de Córdoba a Madrid, ¿A raíz
de que?
Mi salto a Madrid se debió a que entré a
formar parte de una banda llamada Otra
Cara. En principio iban a ser solo unos
meses hasta finalizar la grabación del disco pero justamente en lo que iba a ser mi
ultima semana en Madrid conocí a Carlos
Escobedo y comenzó algo que para mí
fue y es a día de hoy, un sueño.
lo mejor porque quería tener una buena
base. Mi estilo musical favorito siempre
ha sido el rock, es lo que he sentido desde pequeño y siempre ha sido lo que más
me ha influenciado.
Mis primeros años fueron muy intensos,
ya que quería aprender lo máximo posible. Era duro por la cantidad de esfuerzo
y tiempo que había que dedicarle.
13
ENTREVISTA
“Mis primeros años fueron muy intensos, ya que quería aprender lo
máximo posible.“
14
ENTREVISTA
Carlos Escobedo y te recluta para sustituir al entonces batería de Savia,
José Antonio Pereira, posteriormente
cuenta contigo para la vuelta a los escenarios de Sôber ¿Cómo fue tu primer
contacto con Carlos? ¿Que crees que
vio en ti?
Mi primer contacto con Carlos Escobedo
fue durante la grabación del disco de Otra
Cara. Dicha grabación se realizaba en su
estudio. Semanas antes coincidimos en
un festival pero no llegué a conocerlo personalmente.
Lo que vio en mí... ¿Mucho pelo? La verdad es que nunca he llegado a preguntar,
porque yo, desde luego, venía con ganas
de comerme el mundo. Pienso que mi
forma de tocar, tras verme semanas antes en directo acompañando a otra banda y luego en el estudio y mis ganas fue lo
que le llevó a tomar esa decisión. Que una
persona como Carlos Escobedo confié en
ti para un proyecto de la altura de Savia
y que posteriormente lo haga con Sôber,
para mi tenía un valor enorme. Estaba claro que tenía que dejarme la piel en ello.
Tenía que demostrarle que su elección
era la mejor y por supuesto demostrarle
que podía confiar en mí.
¿Qué supuso para ti sustituir a baterías de la talla de José A. Pereira y del
desafortunadamente desaparecido Alberto Madrid?
La verdad que supuso un reto bastante
difícil. Entrar en una banda sabiendo que
los temas que te tienes que aprender
estaban tocados por estos dos grandes
bateristas era algo muy difícil Me sentía
con muchísima presión, sobre todo por
los temas de Alberto Madrid. En ningún
momento quise ser más, ni menos que él,
siempre fui muy fan de Alberto Madrid y
de su trabajo y por eso quise respetar al
máximo las baterías de sus grabaciones.
Ha sido un referente para mí, y verme en
su asiento era y es muchísima responsabilidad. Sabía que todos los ojos iban a
estar puestos en mí.
“A Carlos Escobedo tenía que demostrarle
que su elección era la mejor y por supuesto
demostrarle que podía confiar en mí.”
Tenías 9 años cuando Sôber empezaron, si no me equivoco eras fan, ¿Qué
te fascinaba de ellos y como describirías ahora su música tu que has estado
en los ambos lados del proyecto?
Siempre he sido y sigo siendo muy fan
de Sôber. El disco por el que los conocí fue Paradysso. A raíz de ahí fui conociendo sus anteriores trabajos que me
engancharon de la misma forma. Lo que
más me llamó la atención era su sonido
¡Nunca en España había escuchado algo
así, con esa energía y esa fuerza!. Tengo
la suerte de vivir su música desde ambos
lados y de esa forma la disfruto aún más
todavía.
En alguna entrevista Sôber han comentado “Manu ha sabido estar a la
altura, es uno más de nosotros” ¿Qué
crees que puedes aportar a el grupo?
Está claro que lo que menos tenía en ese
momento era experiencia en comparación a ellos. Mi paso a Sôber fue muy rápido, aún no había asimilado el formar parte de Savia y cuando me estaba haciendo
a la idea llega la oportunidad de formar
parte de Sôber. Pienso que mi edad, mis
ganas de trabajar y la ilusión que tenía era
La grabación de Superbia era otro gran
reto que formaba parte de entrar en Sôber. La banda no sacaba disco nuevo desde hacía unos 6 años y era su primer disco tras su separación.Todas las miradas
estaban puestas en la banda y también
en mí, ya que era el primer disco de Sôber
sin Alberto Madrid y era algo de lo que la
gente iba a estar muy pendiente.
La composición de Superbia fue algo que
intente llevar con tranquilidad, era algo
muy importante y no quería trabajar con
algo que podía transmitir a ellos y dar aires nuevos a Sôber.
En el 2011 sale a la luz Superbia el sexto y hasta la fecha el último trabajo de
estudio de Sôber después de su vuelta
y el primero en grabar tu las baterías
¿Cómo fue la experiencia, proceso de
composición, grabación? ¿Cómo conseguisteis esa tremenda contundencia
de la base rítmica?
15
ENTREVISTA
Realmente funcionaron muy bien, la gente tenía muchas
ganas de la vuelta de Sôber y así lo han demostrado.
Desde la vuelta han sido 3 años muy intensos sin para
de girar tanto por España, Latinoamérica y Europa, pero
una vez entrados en el 2013 decidimos parar un poco
para poder centrarnos en el que será nuestro nuevo álbum. A día de hoy está todo preparado para entrar a
grabar a finales de septiembre, concretamente el día 30
y tenemos previsto que salga a la calle para primeros de
2014.
El enfoque que queremos darle a este nuevo disco es
el mismo que los anteriores, sabemos que las cosas están difíciles en España pero desde luego queremos luchar más que nunca y expandir el nuevo trabajo todo
lo posible. Estamos muy contentos con la composión y
pre-producción, y estamos deseando que salga para que
la gente pueda disfrutar de él, esa es nuestra máxima
motivación.
Tras la salida del disco nos embarcaremos en lo que
será la gira de presentación por España y por supuesto
ya estamos trabajando para volver a Latinoamérica y a
Europa.
prisas. Estaba claro que tenía que dar el 100% de mí. Me
ayudaba el tener total libertad para componer, eso me
daba mucha confianza y me facilitaba el poder llevarlo
a mi terreno. No traté de hacer cosas ni más sencillas ni
más difíciles, sino tocar lo que sentía con cada tema. A la
hora de la composición y la grabación quería sobre todo
conseguir esa base rítmica contundente que caracteriza
a Sôber y a mi forma de tocar. Conseguirla fue algo cómodo, la verdad. Mi forma de tocar en directo es muy
enérgica y contundente y eso fue lo que quise transmitir
en todo momento durante la grabación.
Cuéntanos también acerca de tu experiencia en directo con ellos, habéis girado por Latinoamérica y
Europa ¿Qué tal la respuesta del público? ¿Es muy
diferente al español? Cual dirías que es la clave del
contundente directo que os caracteriza?
La experiencia por Latinoamérica y Europa ha sido enorme. El público concretamente en México y Chile fue verdaderamente increíble. Nos recibieron con muchas ganas y muy entregados a la banda. Allí viven el rock con
mucha intensidad, son muy efusivos con la música, se
entregan muchísimo en los conciertos.
El público por Europa también muy bien, es cierto que al
ser distinto idioma cuesta llegar más a ellos, también es
cierto que en nuestros conciertos por Europa se acercaron muchísimos españoles que había en las ciudades y
alrededores. En Londres por ejemplo había público londinense pero la mayoría eran españoles, fue como estar
en casa la verdad, pero para nada hay tanta diferencia
con el público español; cuando eres fan de una banda y
vas a ver a tu grupo te entregas al máximo, cantas, saltas
y disfrutas todo lo posible.
En nuestro caso tenemos un directo muy contundente,
desde el primer tema el grupo sale a darlo todo y a disfrutar. Nos caracteriza un sonido muy potente a lo que
hay que sumarle toda la actitud y entrega que tiene el
grupo en lo alto del escenario.
-Paradÿsso (2002) fue disco de platino, Reddo(2004)
aprox. 50.000 copias, ahora nos encontramos en
tiempos duros para todos y aun más si cabe para la
música, tanto en lo que a ventas de discos se refiere como a directos, “De aquí a la eternidad” (2010) y
“Superbia” (2011) salieron a la luz ya en este contexto, aún así tengo entendido que funcionaron bien teniendo en cuenta el entorno, ahora estáis enfrascados en un nuevo disco, ¿Como nos presentarías este
nuevo proyecto? supongo habrá gira, cuéntanos …..
¿Como pensáis enfocar este nuevo paso en la carrera
Sôber? Vuestros objetivos…
¿Qué nos puedes contar de tu día a día con músicos
curtidos de la talla de Carlos Escobedo, Jorge Escobedo, A. Bernardini, ¿Qué te aporta como músico baterista trabajar con ellos?
Trabajar con ellos es una gran oportunidad, durante
todos los años de su carrera han adquirido mucha experiencia y estar cerca de ellos hace que crezca como
músico. Se aprende mucho con ellos, son personas muy
cercanas y siempre están ahí y me apoyan en todo.
¿Qué cualidades son fundamentales para ti en un
buen batería de Rock? Cítanos alguno que admires
especialmente…
Un ejemplo claro para mí, es Morgan Rose (Sevendust),
me encanta su actitud, energía encima del escenario y
su forma de tocar. Por desgracia nunca lo he podido ver
en directo pero desde siempre sigo su trabajo y podría
decirse que me ha influenciado desde mis comienzos.
16
ENTREVISTA
¿Qué prefieres, enfocar tu estudio solamente al
rock, estilo en que hoy en día te mueves o crees
que es mejor abrirse a otros estilos para enriquecerse?
Pienso que es mejor abrirse a otros estilos. Me gusta
mucho el rock pero como bien dices en la pregunta,
abrirse a otros estilos enriquece a un músico y luego
aplicar todo eso que aprendes a tu estilo, es lo que
hace ser diferente. Con Miguel siempre me gusto eso,
porque aunque él sabía que mi estilo era tocar rock
nunca se basó en ello.
¿Cual dirías que es tu punto o cualidad más fuerte
como batería y tu punto menos fuerte a perfeccionar?
Creo que mi punto fuerte como batería es la actitud
que tengo en un escenario, no me refiero a la hora
de tocar, sino a la hora de subirme al escenario, en lo
único que pienso es en disfrutar y que la gente disfrute viéndome. Me gusta ser un batería perfeccionista
a la hora de entrar a grabar en un estudio, pero en
directo me dejo llevar, si tengo algún error…¡Pues no
pasa nada! Prefiero tener esa mentalidad de disfrutar y
pasarlo bien que estar todo el rato súper concentrado
y analizando todo lo que estoy tocando.
Y un punto débil… mi intensidad a la hora de tocar…
cuando estoy en directo toco con bastante intensidad
y me encuentro muy como tocando así, sin embargo a
la hora de trabajar en formato acústico, estoy tan acostumbrado a tocar de la otra manera que me dificulta
mucho y no lo disfruto igual. Como todo, es algo que
trabajo mucho y cada vez voy mejorando y encontrándome más cómodo.
¿Cuáles son tus influencias, tanto en grupos como
en bateristas?
Mi mayor influencia es y será mi padre, fue a la primera
persona que vi al frente de una batería y he aprendido
mucho de él.
“Me gusta ser un batería
perfeccionista a la hora de
entrar a grabar en un estudio, pero en directo me
dejo llevar.”
Otras de mis mayores influencias están dentro del
estilo Rock/Metal. Algunos de mis bateristas favoritos
siempre han sido John Otto (Limp Bizkit), Morgan Rose
(Sevendust), Abe Cunningham (Deftones), Alberto Madrid (Savia/Sôber), Danny Carey (Tool) Está claro que
no son bateristas virtuosos, pero ellos han marcado
parte de mi forma de tocar y entender la música.
He conocido bateristas que están más dentro de la
música que escucho actualmente, como Steve Judd
(Karnivool), Jay Postones (Tesseract) o Matt Halpern
(Periphery).
Tengo entendido que te preocupas mucho de tu
equipo, descríbenos tu kit.
Me gusta preocuparme por mi equipo, es mi herramienta de trabajo y siempre tiene que estar a punto.
Me gusta probar configuraciones diferentes y que visualmente cambie de un año para otro.
En la actualidad trabajo como endorsment de DW,
Zildjian, Wincent Sticks y Evans. Estoy muy contento de
poder trabajar con estas marcas y de recibir todo su
apoyo.
Mi kit actual es una DW Collector’s Series, equipada
con un bombo de 22”x20, tom aereo de 12”x8 y Toms
Base de 16”x16” y 18”x16 y caja de 14”x5’5.
Mi set de platos -como ya nombrado antes- son Zildjian. En estos momentos estoy trabajando con la serie
A Custom y alguno de la serie Oriental. El sonido de Sô17
ENTREVISTA
Tienes mucho camino por delante, que metas y objetivos te planteas
Mi meta principal es seguir creciendo como músico, en
esta profesión nunca para de salir material nuevo de
estudio y lo peor es acomodarte por creer que ya tienes algo. Hace un par de años empecé en el tema de la
enseñanza y la verdad que es un campo que me gusta
bastante, el ver que hay gente que viene a clase con la
misma ilusión con la que tú empezaste y con el mismo
sueño, hace que cada día me guste más. También me
gustaría empezar a iniciarme en el tema de clinics y por
su puesto es un objetivo que para el año que viene pienso iniciar.
Algo más que nos quieras contar
Simplemente dar las gracias, en especial a Wally, por
ponerse en contacto conmigo y darme la oportunidad
de participar en esta revista y también por crear una iniciativa como es “Bateria&Percusion” contáis con todo mi
apoyo. Iniciativas así son las que nos hacen estar mas
cerca del mundo de la batería y en España hace mucha
falta. ¡MUCHISIMAS GRACIAS!
www.facebook.com/ManuReyesJr
ber es bastante bronco, tira mucho hacia el sonido grave
y en mis platos busco ese brillo extra para que sobresalga de toda esa potencia y la serie A Custom es perfecta
para ello.
•
Hihat 14” A Custom Mastersound
•
Ride 22” A Custom
•
Crash 18” A Custom
•
Crash 19” Medium A Custom
•
China 13” y 18 “ Oriental
•
Crash Efx 16” y 18” A Custom
•
Splash 6” , 8” y 10” A Custom
En el tema de los parches trabajo con Evans. Son los parches que siempre he usado desde que empecé a tocar.
En directo trabajo con el modelo G2, me gusta el ataque y el tono que da este modelo en concreto y también
al ser dos capas aprovecho su durabilidad. En el bombo
siempre he trabajado con el modelo EMAD de una capa y
en caja con el modelo Power Center, es un modelo de una
capa pero con un refuerzo en la zona central del parche.
Y finalmente, las baquetas, trabajo con la marca Wincent
Sticks. Sin duda el tema de las baquetas es algo muy importante para mí. Me costo encontrar un modelo que se
adaptase bien a mi forma de tocar y sobre todo a durabilidad. El modelo que finalmente se adaptó mejor fue el 55F
XL. Es una mezcla entre 5A y 5B y su longitud es algo mayor. Obtengo un buen equilibrio con este modelo y sobre
todo una gran durabilidad.
Desde aquí quiero agradecer a Alfredo (Music Distribucion) y a Jose (Iberdrum) todo su apoyo y confianza. Me
siento afortunado de poder trabajar con ellos y con estas
marcas.
www.facebook.com/ManuReyesOficial
www.twitter.com/Manu_Reyes_Jr
18
REVIEW
Juan Carlos
Melián
Darwin
Su set de percusión.
Hola a todos. Nuestro amigo Asensio Ros
“Wally” me comentó durante una conversación, que le gustaría hacer un artículo
sobre mis distintos equipos tanto de percusión como baterías, cajas, etc. La idea
me gusto mucho ya que los que tocamos
un instrumento solemos tener algo en común, que no es más que el amor por nuestros instrumentos.
En esta oportunidad les quiero mostrar
el último set básico de percusión que estoy utilizando para situaciones de directo
(tours o conciertos).
Congas: Meinl Fibercraft Designer Series Carbon finish.
He de decir que para las giras siempre
prefiero fibra por un tema de seguridad
y/o resistencia de los instrumentos ante
los cambios de temperaturas. En una gira
de verano los instrumentos se ven sometidos diariamente a cambios muy radicales
de temperatura (y humedad) que pueden
oscilar hasta en más de 40º C.
Volviendo al set, yo le he bautizado “F1” ya
que el Carbon finish me recuerda a los coches de Formula 1 (y esa es otra de mis
pasiones). Este acabado es espectacular,
moderno, sobrio y elegante, pero claro,
esto es una opinión personal.
El sonido de estas congas es muy abierto
con muy buena proyección. Otro factor a
tomar en cuenta es que tienen un peso
ideal (ligeras) para aquellos que tienen que
transportarlas.
Para las congas utilizo los soportes (stands)
de Meinl TMC-C, son muy sólidos y los más
prácticos y funcionales jamás diseñados
desde mi punto de vista.
Bongos: Meinl Freeride Series FFB400 Fiberglass - Carbon finish.
Se repite el patrón en cuanto a sonido con
muy buena proyección. Por otra parte, me
gustaría resaltar que este modelo de bongo está muy bien compensado en cuanto
a brillo, armónicos y cuerpo. Las medidas
19
REVIEW
son de 7” el macho y 8 ½” la hembra.
Para el bongo utilizo el soporte (stand) de Meinl TMB
(Professional Bongo Stand), el mejor stand de bongo
que hay en mi opinión.
Timbales: Meinl Artist Series Timbales Luis Conte
Poco que decir que ya no se sepa sobre este gran set
de timbales. Una sólida construcción con un inmejorable sonido. Os lo digo de verdad, es un placer tocar
esta paila…. ¡Lo tiene todo!
Djembe: Floatune Series Fiberglass - Carbon finish
(custom-made)
Un instrumento fundamental en mi set ya que me dá
mucho juego a la hora de hacer patrones de todo tipo
en la gran mayoría de los trabajos en donde soy requerido. Muy efectivo al combinarlo con las congas, bongo,
darbuka, etc. El diámetro es de 12”, tamaño ideal (no
es muy voluminoso) a la hora de ocupar espacio en el
set con los otros elementos.
OJO: el acabado Carbon finish de este djembe fue hecho especialmente para mi set. Es por eso que no lo
podéis encontrar en catalogo o en la web.
Darbuka: Aluminum Jingle Darbukas, hand-hammered.
Otro instrumento que me brinda muchas posibilidades. Me gusta crear mis propios patrones rítmicos
combinando varios instrumentos y esta Darbuka me
gusta especialmente. En el interior tiene una sonajas
(jingles) que hacen su sonido más complejo e interesante.
Percusión menor:
Este es un pilar fundamental en mi carrera como músico. La percusión “menor” es sólo menor en el tamaño
de sus componentes pero de enorme importancia en
el papel que desempeña y el arte que encierra.
Personalmente hay instrumentos que no pueden faltar en mi mesa básica de percusión menor y estos son:
Egg Shakers, Aluminum Jingle Shaker, Round Aluminum Shaker, Turbo Cabasa, Caxixi, Bar Chimes, Peg
Chimes, Tamborines (panderetas), Fiberglass Bird, Fiberglass Waterfall, The Night, Kokiriko, Triangulo.
Platillos.
Cuando trabajo como percusionista siempre utilizo la
serie Candela de Meinl, ya que están diseñados para
ser tocados tanto con baquetas como con la mano.
Parches.
En este apartado de los parches (o cueros como se
le dice en Latinoamérica), tengo también la fortuna
de ser artista Remo, en este caso, tanto en el set de
congas como en el bongo utilizo Remo Tucked NuSkyn. Para el timbal y la darbuka utilizo Clear Diplomat
y para el djembé utilizo Fiberskyn.
Las baquetas son Wincent “El Pana” signature realizadas a medida bajo mis especificaciones.
Un cordial saludo y mis mejores deseos para todos
20
GRETSCH.
LA BATERÍA AMÉRICANA
POR EXCELENCIA.
Taylor Hawkins / Foo Fighters
y su Gretsch USA Custom
gretschdrums.com
USA CUSTOM
MADE IN THE USA
Descubre más sobre
Gretsch Drums.
GretschDrumsES
BROOKLYN SERIES
Desde 1883 Gretsch ha fabricado las mejores
baterías hechas en América, para los beaterías que
no se conforman con cualquier cosa.
OPINIÓN
Let´s dance
Después de asistir a una actuación musical, estaba charlando
con unos amigos a la fresca de
una noche veraniega, la banda
había tocado afrobeat y funk
con mucha marcha, en un entorno de mesas y sillas sin espacio
para bailar, o al menos para
balancearse con la copa en la
mano y poner esa cara de: “no
sé bailar pero me muevo a compás”. Comentábamos, lo poco
“cool” que queda (como dirían
los ingleses) estar escuchando
y viendo una actuación de este
tipo como si fuese un concierto de cámara y, la situación un
tanto patética que se crea, cuando la banda consigue hacer que
el público se ponga en pie, que
anquilosado por estar sentado
un buen rato, intenta moverse
al ritmo de la música y todo son
golpes a las mesas, patadas a
las sillas, estiramientos de pies
dormidos y demás demostraciones de psicomotricidad escasa, o
casi nula...
Y en ese momento de intelectualismos
nocturnos con la penúltima en la mano,
en ese momento en el que los argumentos empiezan a dormirse y solo queda,
como último recurso, el humor, se nos
acercó el organizador del evento, político cercano, político de a pie, ese político
que acude a los actos que organiza, y que
nunca sabremos si es para observar su
repercusión, o para recoger los aplausos
como si él fuera el artista. Y casi a bocajarro, sin apenas mediar saludo, nos lanzó
un discurso a la luz de la luna de agosto, en el que casi nos convenció de que
la música es cultura, y la cultura es algo
serio, y se la debe escuchar sentado, pues
el baile no es más que algo festivo, trivial,
incluso populachero y vulgar. Es más, había organizado otra actuación musical,
también de origen afro, en la que había
buena dosis de danza, pero había pedido
que no trajeran a los bailarines, o por lo
menos no a todos, pues podría dar una
imagen poco seria de la música africana.
El principio
¿Desde cuándo los percusionistas estamos vinculados a la danza, al baile? La
respuesta no está en el viento, como di-
Pepe Cantó
“La música es
cultura, y la
cultura es algo
serio.”
bremos desarrollado ritmos y estilos para
su utilización en el baile?, ¿no seremos los
precursores de la música aplicada?, ¿tiene
sentido nuestra existencia si alguien no
baila lo que tocamos?
En cualquier caso, aparte de la pura elucubración cómico filosófica, algo queda claro: nuestra tarea principal es tocar ritmos,
dar base, hacer groove, vamos, hacer que
la gente mueva el cuerpo. Por supuesto
estoy hablando de música popular, ya
que las formas clásicas, en occidente, no
son precisamente muy bailables. Al contrario que las músicas clásicas orientales,
como la persa o iraní, o la egipcia o la turca, que aunque hechas para el deleite del
oído, es imposible escucharlas sin mover
aunque sea el pie.
ría Dylan, la respuesta es más sencilla y
mucho menos trascendental: desde el
principio.
Desde las primeras representaciones pictóricas rupestres, pasando por esos bellos
lienzos bizantinos, griegos u orientales,
hasta esas fabulosas colecciones fotográficas de clubes de jazz en blanco y negro,
siempre se repite la misma escena con
diferentes personajes e instrumentos:
siluetas bailando, esbozos de tambores,
bellas bailarinas orientales acompañadas
de músicos bigotudos con panderos de
todos los tamaños, jóvenes bailadores en
posturas imposibles, tamboreros y baterías con caras poseídas, como pidiendo al
bailador: sigue el ritmo, que vas a alcanzar el nirvana con mi swing.
Que los percusionistas somos la piedra
filosofal del baile en casi todas las culturas, es una evidencia. Tanto que podríamos preguntarnos maliciosamente, ¿no
existiremos gracias a la danza?, ¿no ha-
El desarrollo
Ya entrados en el siglo XX, por situarnos
en tiempos más cercanos a nosotros, la
música popular moderna sigue impregnada de ritmos bailables: en USA triunfa
el swing y la música latina, pero también
el bluegrass y el country, el blues se prolonga hasta el rhyhtm & blues y cuando
choca con el gospel aparece el soul, que
dará paso a la propagación de ritmos
22
OPINIÓN
funk, mientras tanto las influencias afro
del blues y el rhyhtm & blues junto a las
británicas, escocesas o irlandesas del
bluegrass harán nacer el rockabilly y posteriormente el rock & roll.
En África empieza un verdadero vendaval
de ritmos calientes más occidentales. Por
una parte en los 60 la incursión de Johny
Pacheco en Senegal, produce que emerja
un nuevo estilo, La Salsa Africana, siendo
una de sus orquestas más representativas la Star Band, con un joven Youssou
N’Dour que logró con el tiempo integrar
instrumentos africanos, y que con su interés también por el rock y el soul harían
nacer el estilo más conocido y exportado
de Senegal, el mbalax.
Por otra parte, en Nigeria comienza una
verdadera revolución con Fela Kuti y el
desarrollo del Afrobeat y el Afrofunk, y su
baterista Tony Allen, conocido como artífice de este ritmo. Fela además de no renunciar a los ritmos puramente bailables,
escribe letras comprometidas y críticas
al sistema imperante en aquel momento
en Nigeria, ganándose el apodo de “presidente”. Lo que constituye a mi parecer
una verdadera innovación, pues en occidente no estamos muy acostumbrados
a que los textos comprometidos se sustenten de ritmos bailables, artistas como
Rubén Blades aún no habían aparecido, sí
en cambio Bob Marley que también combinó a la perfección el compromiso y la
poesía con el baile cadencioso y sensual.
Sería interminable seguir citando ejemplos, desde el frenético nothern soul en
UK hasta el prohibido durante años rai
argelino, pasando por los ritmos brasileiros, los cubanos o los magrebíes, o nues-
tra rumba catalana con expertos mueve
cinturas como Peret y Bambino, o aquel
imparable ritmo funk mezclado con rumba de la buena que hace de base en el
“Cómo me las maravillaría yo”, interpretado por Lola Flores, tal vez una de las pioneras del rap que ya en los 70 coqueteó
con el funk y el soul acoplándolo a su repertorio rumbero.
Ruptura
“Si Boy pensar mucho, olvidarse de reír”,
decía Tarzán a su hijo, camino de Nueva
York.
Llega una etapa, que se podría situar entre finales de los 60 y principios de los
70 en cuanto al pop y el rock, y como
una década antes, en cuanto al jazz, en
la que llegan nuevos aires, tendencias
progresivas experimentales, que indudablemente son necesarias en el arte. Los
jazzmen compiten con la música clásica
y sus repertorios gastados, ofreciendo
nuevas sonoridades, y una evolución rítmica y armónica apabullante. En el rock y
el pop, después de la última etapa Beatle, se abre la veda para que progresivos,
vanguardistas y buscadores de nuevas
formas se carguen las pilas destruyendo
fronteras musicales. Y aparece un nuevo
modelo de directo, un nuevo modelo que
buscará referencias en el concierto y la
representación en el sentido clásico.
Los jazzmen quieren tocar en teatros y
que la gente esté sentada y los escuche
en silencio. El club cargado de humo, la
gente bebiendo y hablando o saliendo a
mover el esqueleto, son incompatibles
con unas nuevas músicas que buscan
cierta espiritualidad. Los roqueros aspiran a un formato más operístico, en el
que el diseño y la escenografía funcionen
en perfecto maridaje con la música, que
ya en ocasiones empieza a ser más una
banda sonora que el elemento principal.
Incluso muchos cantantes soul o r&b bajan la velocidad y la potencia de sus ritmos, propiciando así el medio tiempo y
la balada, para acercarse a la figura del
crooner, algo que aparentemente otorga
un carácter de seriedad al artista.
Pero entre toda esta evolución, que provocará la producción de verdaderas exquisiteces musicales: Sgt. Peppers (The
Beatles), Dark Side of the Moon (Pink
Floyd), Bitches Brew (Miles Davis), Heavy
Weather (Weather Report)...y tantas otras
obras de arte, ¿dónde quedamos los chicos del tambor?
“Mi gente quiere bailar…
“…mi gente quiere gozar, mi gente no quiere
que le coman la cabeza…” canta Lucrecia,
en una coplilla sencilla y popular, que creo
no deberíamos infravalorar.
El desarrollo técnico de los percusionistas
y baterías en los últimos tiempos ha subido de temperatura hasta unos límites de
calor achicharrantes. Y esto no es malo,
para nada es malo, aunque hay algo que
creo que no se debe olvidar: si el break
más complicado del mundo nos impide
bailar, algo no funciona.
Nuestra interacción con la música no debería nunca perder el sentimiento del baile, del balanceo. Da igual que el cantante
este interpretando letras comprometidas,
“Nuestra tarea principal es tocar
ritmos, dar base, hacer groove, vamos, hacer que la gente mueva el
cuerpo.”
23
OPINIÓN
o de un alto valor poético, o de una profundidad de pensamiento digna de Montaigne, o que el solista esté interpretando
una melodía, o un solo, de magnitudes
sublimes. Podremos interactuar más o
menos con la parte principal, pero todo
se hundirá si nuestro ritmo no consigue
mover, aunque solo sea, el pie del oyente.
En géneros como el jazz o el flamenco, la
improvisación de la percusión se desarrolla, en sus principios, observando, repitiendo y posteriormente interactuando
con los solos del bailarín, o bailaor en el
caso del flamenco. El claqué y el taconeo
son referencias fundamentales para nosotros. Y qué es esto sino baile en estado
puro, aunque acabe siendo interpretado,
no por unos pies sino, encima de unos
parches.
Cuando escuchamos al gran Buddy Rich
o al magnífico Hossam Ramzy, nos da
igual escucharlos manteniendo una base,
que soleando, la sensación es de baile, es
caliente, es cimbreante. Pero podemos
avanzar a terrenos más sesudos, más
progresivos, los casos del baterista Jack
Dejohnette o el percusionista Airto Moreria, aunque siempre implicados en la melodía o el solo, sumergidos en un mundo
de creatividad personal, no dejarán que
el sentimiento de baile pare ni por un instante.
“Los músicos no bailamos…
…ya lo habrás oído decir, gracias de todos
modos y gracias por insistir”, Jorge Drexler,
Empezaba el artículo alterado ante este
virus de ranciedad intelectual que ha
acampado en occidente, y que creo que
no esconde más que complejos, sentido
del ridículo y amaneramiento de la palabra cultura. Tal vez acabemos no comiendo cocido o paella por no gozar estos platos de suficiente altura espiritual.
Retengo en mi memoria un recuerdo de
felicidad musical. En uno de esos veranos
de los principios profesionales, en los que
cruzas y descruzas el país, sin parar, con
una orquesta de baile, harto de calor, de
olor a furgoneta, de habitación de hotel
barata, de festeros que se divierten al
grito de “no cobraréis”, de fritángada de
carretera, de sentirte vampiro cuando
amanece y aún estás en el escenario mordiendo tu instrumento… en plena actuación en un pueblo cualquiera, la gente de
ese pueblo que no recuerdo, empezó a
bailarlo todo: el pasodoble, el r&r, el twist,
el chachachá, la rumba, el vals, la polka.
Unos bailaban de forma ordenada, con
sus pasos, en pareja, otros sueltos, a su
aire, unos mejor, otros peor, disfrutando,
felices. En ese momento, simplemente,
me sentí bien.
24
OPINIÓN
¿Y si hacemos música?
Hola a tod@s. Mi nombre es Coki
Giménez, soy batería (o baterista)
profesional pero ante todo me
siento músico.
Nuestro gremio siempre ha estado digamos “en el punto de mira” del resto de
instrumentistas. Casi siempre representamos al tipo que no sabe música, el freak
de la banda o el que aporrea los tambores al fondo del local.
Personalmente llevo muchos años intentando evitar eso y no sólo “defendiéndome” con palabras, sino con hechos. En
los años que llevo tocando siempre he
procurado (tanto practicando, tocando
en mis proyectos o tocando para los demás) hacer música. Escuchar, dejar espacio, acompañar, pero sobre todo disfrutar
de la música y aportar cosas al repertorio
que tenga entre las manos en esos momentos.
Supongo que más de uno dirá “menudo
coñazo está largando” o “¿Y esto, a qué
viene?”. Dejadme que me explique.
Debido al auge y progreso de las nuevas
tecnologías, el desarrollo de las redes sociales y escaparates como es Youtube, el
mundo de la música está cambiando…
pero es que los músicos también; tanto
para lo bueno como para lo malo.
Hoy por hoy podemos dar a conocer
nuestros proyectos más personales, recibir clases on-line con maestrazos (y otros
no tanto que se vuelven profes a la primera de turno) y podemos acceder a música
alucinante que probablemente hace años
no hubiese sido posible encontrarla o nos
hubiese costado un montón conseguirla.
Esto es muy positivo y supongo que cualquiera se da cuenta. Pero por otro lado
no dejo de ver baterías (también en otros
instrumentistas obviamente, pero ésta revista es por y para los baterías, ¿no?) que
se dedican a hacer covers, postureos varios y promociones para marcas como si
de vendedores se tratasen. Está claro que
el “escaparate” del que hablábamos antes
puede llegar a ser muy útil y hay todo tipo
de historias y referencias a artistas que se
han consagrado con un simple video que
colgaron en su casa tocando la guitarra.
Pero hacer de eso un fin me hace preguntarme: ¿A dónde nos lleva? ¿No creéis que
se pierde algo en todo el proceso? No
quiero decir que esté mal hacerlo ( no soy
de crear juicios de valores), cada uno que
haga lo que quiera, pero pienso que éste
tipo de actitud hacia la música desvirtúa la
propia música. Tenemos instrumentistas
tocando sobre temas ellos solos, sin interactuar con músico alguno, grabándose a
si mismo y rápidamente mostrándolo al
resto del mundo..pidiendo que el máximo
número de personas pulsen “me gusta” y
Coki Giménez
“Escuchar,
dejar espacio,
acompañar, pero
sobre todo disfrutar
de la música.”
queremos seguir aprendiendo (es un camino de nunca acabar). Además, no me
los imagino haciendo covers de temas.
Son músicos con mayúsculas que en todo
caso muestras sus inquietudes, su personalidad y sus proyectos más arriesgados
para intentar salir adelante.
Sé que parezco el abuelo cebolleta pero
en mi opinión habría que juntarse más
entre músicos, crear música, arriesgarse, ser honesto, pegarse contra la pared,
tener bajones y levantarse, reinventarse,
jugar (como propone el maestro Pedro
Barceló) y practicar, pero por el hecho
de aprender y mejorar no para “salir en
la tele” y competir para ver quien hace
el más difícil todavía y quien realiza el video más molón. ¿Acaso tenemos que demostrar algo a alguien? ¿Es la música una
competición entre músicos?
Hagamos más música, escuchemos más
música, a más músicos y bandas, menos
a nosotros mismos. Aprendamos de los
clásicos y de las nuevas generaciones. Experimentemos y disfrutemos…¿No es eso
la música, una expresión artística?
Seamos músicos, no sólo baterías.
cosas similares. Es como si se buscase
aprobación de lo que acaba de hacer.
Hace un tiempo un chaval me comentó si había visto a Cobus. Por lo visto un
batería que se ha hecho muy famoso en
la red precisamente por los covers que
hace. Como soy un curioso, no me cierro
a nada y me encanta aprender de todo
lo que encuentre por ahí: busqué en Youtube…vi a un chaval que retoca temas de
otras bandas…y punto (bueno, creo que
también da lecciones on-line). A partir de
ahí descubrí el submundo de los covers
en la red y pensé en escribir éstas líneas
porque flipé de ver la cantidad de gente
que hace lo mismo.
A los pocos días le pregunté al chaval
que me recomendó a Cobus..¿Conoces a Steve Gadd? ¿Buddy Rich? ¿Chris
Dave? ¿Dave King? ¿Matt Chamberlain?
¿Bonham? (la lista era casi interminable)..
le faltaban muchos por conocer y desde
mi punto de vista forman han formado y
formarán parte de la historia de la música..la fuente de donde bebemos los que
Muchísimas gracias a Batería y Percusión por todo el
trabajazo que hacen y que disfrutamos cada número. Y gracias por la oportunidad de poder escribir en
la revista. ¡Salud y suerte compañer@s!
25
TALLER
Pit Stop para baterías
Si tu caja se sujeta al soporte gracias
a unas vueltas de cinta americana y tu
pedal de hi hat acciona la cadena mediante un alambre que has enrollado
tú mismo con mucha maña, quizás
vaya siendo hora de hacerle una buena puesta a punto a tu batería.
El inicio de la temporada de bolos o la aproximación de alguna grabación, son oportunidades idóneas para hacer un
chequeo general de todos los elementos tanto de nuestra
batería como de nuestra vajilla. Debemos entender la batería como el conjunto de varios instrumentos de percusión,
cada uno de ellos con sus piezas, mecanismos, ajustes y
acabados, por lo tanto examinaremos cada uno de estos
instrumentos de forma independiente.
Como todos sabemos, existen partes de la batería que hay
que ir sustituyendo regularmente ya que sufren un desgaste progresivo por el uso. Estos elementos consumibles que
suelen intervenir directamente en la acción de golpear y que
producen sonidos en nuestra batería son los parches batidores, baquetas, escobillas, mazas, hot rods, etc... Hay otros
elementos que son igualmente desechables y que se deterioran a causa de la presión o vibración con otras piezas.
Es el caso de los parches resonantes afectados por el aire
proyectado desde el parche batidor en el momento del impacto, la bordonera por la tensión y el contacto permanente
con el parche resonante de la caja y las almohadillas protectoras de fieltro y los “cymbal savers” por el peso y oscilación
de los platos.
De forma errónea solemos esperar a que baquetas, parches
y demás cosas se rompan por sí solas antes de decidirnos a
sustituirlas. Sin embargo, el instante apropiado para reemplazar estos elementos es cuando notamos por primera vez
alguna anomalía durante la ejecución. Al igual que la raqueta
de un tenista debe tener una tensión adecuada y la pelota un buen rebote, es perjudicial para un batería tocar con
unas baquetas demasiado deterioradas o parches que no
tengan una respuesta adecuada.
26
Ricard Monné
TALLER
A parte de estos elementos de desgaste progresivo, también deben formar parte de nuestros chequeos rutinarios las siguientes piezas de la batería:
Platos: Contrariamente a lo que mucha gente piensa,
los platos de batería son perfectamente reparables y los
resultados son definitivos. Existe un corte específico para
reparar cada tipo de grieta en función de su localización,
forma y tamaño. Es importante mantener la superficie
de los platos libre de polvo y otros residuos, no tanto
por una cuestión estética sino sonora y para facilitar la
localización a simple vista de fracturas. Otras formas de
detectar grietas son mediante el oído y el tacto. Un filo
bien pulido y sin dentadas reduce considerablemente
el riesgo de la aparición de grietas radiales en nuestros
platos. También debemos prevenir el efecto “Keyholing”
evitando el contacto entre el orificio del plato y la rosca
del soporte.
la fricción con el suelo y se agrietan por el paso del tiempo perdiendo adherencia y estabilidad.
llos. Como comentaba al principio, los bordones también
pueden deteriorarse debido a la tensión y a la vibración.
Es muy común que alguno de los muelles pierda elasticidad o incluso llegue a desengancharse de uno de sus
extremos.
“El inicio de la
temporada de bolos o alguna grabación, son
oportunidades idóneas para hacer un chequeo general de nuestra batería.”
Soportes: El recubrimiento cromado es muy común
en soportes y herrajes de batería y su integridad afecta
únicamente al aspecto estético. Si nos interesa renovar
un cromado, tenemos la opción de pulirlo o cromarlo de
nuevo, dependiendo de su grado de deterioro. Las partes más delicadas de los soportes y que comprometen
plenamente su funcionalidad son las roscas y tuercas de
mariposa que fijan las extensiones telescópicas y trípodes. Es importante saber que no debemos deshacernos
de un soporte porque se nos haya “pasado una rosca” ya
que, tanto si es cuestión el tornillo como de la hembra,
este problema tiene una buena y sencilla solución. Por
último, los tacos de goma de las patas se desgastan por
Caja: La particularidad que diferencia a éste del resto
de tambores de nuestro set, es el conocido sistema de
bordones que le otorga su sonido metálico característico. Este es precisamente el responsable del 90% de las
reparaciones de cajas que realizo en mi taller. Se trata de
un mecanismo relativamente complejo dependiendo del
modelo y que tiene como finalidad poner en contacto la
bordonera con el parche resonante de la caja mediante
una palanca. Es muy recomendable prestarle una atención especial a este mecanismo, mantenerlo siempre
bien lubricado y ajustado para evitar ejercer demasiada
presión al accionarlo, hecho que podría causar rotura en
resortes, holguras en partes móviles o pérdida de torni-
Otros tambores: Esta categoría engloba tanto bombos
como toms en general. Estructuralmente son idénticos
entre sí solo diferenciándose por su diámetro y profundidad. Debido a su similitud comparten con la caja algunas patologías. Si el recubrimiento de los cascos está
muy dañado, es posible restaurarlo e incluso modificar
totalmente su aspecto estético (acabados en aceite, lacado, vinilo, etc). Si hablamos desde un punto de vista más
funcional, las hendiduras e irregularidades en los “bearing edges” o en los “snare beds”, un casco o unos aros
ovalados y unas bellotas rotas o en mal estado pueden
convertir una simple y rápida afinación en un verdadero
quebradero de cabeza.
27
TALLER
“Si el
recubrimiento de
los cascos está
muy dañado, es
posible restaurarlo
e incluso modificar
totalmente su
aspecto estético”
Pedales: Son elementos de la batería
que reciben presión e impactos de forma
constante por lo que deberían estar diseñados para poder soportarlos. Aun así,
puede que con el tiempo algunas de sus
piezas envejezcan y empiecen a fallar. El
muelle de retorno de la maza y su cojinete,
las roscas y tuercas de fijación del piñón,
los enganches de la cadena, la mordaza
de anclaje al aro del bombo y la bisagra
de la suela son ejemplos de algunos de
los puntos más débiles de los pedales de
bombo y que posiblemente acabaremos
reparando o sustituyendo algún día. El
mecanismo de los pedales de hi hat es
bastante más simple y su mantenimiento
se limita a los enganches de la cadena, las
roscas y tuercas que fijan la extensión y
el trípode, y el “clutch” del hi hat superior.
28
LUTHIER
Entre platos anda el
juego.
Manolo Cascales
E
videntemente, no vamos a hablar de nada relacionado con
el arte culinario ni nada por el estilo, faltaría más, si no del
papel que desempeñan los platos pero como elemento de
percusión.
Obviamente y como viene siendo habitual, este artículo se
va a referir siempre a cosas genéricas que afectan prácticamente a todas las marcas sin llegar a nombrar ninguna en
concreto.
Actualmente, nos podemos encontrar en el mercado una
gran variedad de marcas -cada día más y no como hace unos
pocos años que estaba monopolizado prácticamente por dos o
tres marcas- unas consolidadas, otras emergentes y todas luchando por hacerse un hueco, ofertando un sinfín de modelos de los cuales hablaremos mas tarde.
Dicho esto, es evidente que a la hora de decantarse por una
marca u otra habrá que tener en cuenta si esta se adapta
a tu sonido, tu forma de tocar y el estilo de música que se
interprete.
29
LUTHIER
Modelos y tamaños hay muchos, pero vamos a partir de lo que sería un kit básico:
-CRASH: de distintos tipos y medidas por regla general de
14” hasta 20” con alguna excepción en alguna marca que bajan hasta las 13” o llegan a más de 20”, se usan para acentuar
y provocar efectos de choque.
-RIDE: aquí el rango de medidas no es tan amplio entre 18”
y 22” pudiendo llegar a 24”, se usan para acompañar, cuanto
más pesado sea, el sonido será más directo, cuanto más fino
será más amplio.
-CHARLES: para usar con baqueta o con el pie, tienen la
particularidad que el plato inferior suele ser bastante más
pesado que el superior, con lo que se asegura la estabilidad.
-SPLASH: platos pequeños de sonido corto para efectos
y ataques rápidos, entre 6 y 12 pulgadas, se hicieron muy
famosas gracias a bateristas como Copeland y como no, al
maestro Manu Katche.
-CHINA: plato de efecto básicamente, pero usado ocasionalmente como ride en las Big Band antiguas...
En todos los casos existen una variedad de grosores: thin, médium thin, médium, heavy, etc. que
evidentemente afectan al sonido y a la durabilidad del plato y como no...¡De las baquetas!
Pero si es importante el hecho de que los platos más gruesos y por lo tanto menos elásticos, tienden
a romperse antes que los platos más finos y elásticos, ya que la resistencia del material es menor.
A este juego “básico” se le pueden añadir tantos como quieras teniendo en cuenta que puedes elegir
desde platos con agujeros, con forma de cruz, etc y un sinfín de variopintos modelos que mucha
veces se adquieren sin saber muy bien la finalidad del mismo.
FABRICACIÓN Y COMPOSICIÓN
Hay que tener en cuenta que la gran mayoría de las marcas fabrican todos
sus modelos en Turquía, a excepción de alguna que, según modelo y gama,
se fabrican en Suiza o Alemania.
Muchas veces nos hemos preguntado, ¿De que están hechos los platos?
¿Por qué tienen ese color?
Pues bien, aquí es importante distinguir entre gamas bajas y altas para el
tipo de material utilizado.
En todas hay una aleación de bronce y cobre, pero en las gamas bajas
normalmente la mezcla se hace con
impurezas o con metales poco nobles, de ahí que se suelan romper
con el uso, ya sea de forma circular
o transversal, siendo esta ultima el
único tipo de rotura que las marcas
reconocen como defecto de fabricación y la cubren con la garantía del
plato, de ahí que algunas marcas se
decantan solo por la fabricación de
gamas altas, asegurando la durabilidad y calidad de sus productos.
En los modelos de gama alta se suele añadir una pequeña cantidad de
plata y el troquelado es realizado a
mano con lo que es difícil encontrar
dos platos con sonido similar, a diferencia de las demás gamas que este trabajo lo realiza una máquina, eliminando así el factor humano.
Algunas marcas suelen añadir a sus modelos un número que indica el porcentaje de un metal u otro usado en su fabricación.
En cuanto a su forma y los surcos que están impresos en él, actúan a modo
de disco, el sonido se transmite de dentro hacia fuera en forma circular, de
ahí que cuando se rompen pierdan sonoridad y se esparce en el aire del
mismo modo que las ondas en el agua al dejar caer una piedra.
En todas hay una
aleación de bronce y cobre, pero
en las gamas bajas normalmente la mezcla se
hace con impurezas o con metales
poco nobles, de
ahí que se suelan romper con el
uso
30
LUTHIER
COLOCACIÓN
Evidentemente, cada cual es muy libre de
colocarlos como mejor le plazca, dependiendo de unas reglas básicas de distancia que no entorpezcan el recorrido del
palo hacia el parche, etc.
Pero como es natural, en un plato puedes encontrar zonas con sonido diferente
dependiendo de que parte de la baqueta
uses y como los golpees.
A groso modo yo distinguiría tres partes:
-Perfil o borde, que afecta ligeramente al
tono del plato.
-Zona de golpeo, según si se toca con la
punta o con el cuerpo de la baqueta.
-Campana, aquí el tamaño si que importa ya que afecta directamente al volumen y a los armónicos de la misma.
Resumiendo y como decía mi abuela “ si
eres pobre compra caro” porque ten en
cuenta que unos platos deberían ser para
siempre...como los diamantes.
Ejemplo de setup
1.- Crash
2.- Ride
3.- Charles o Hit-Hat
4.- Splash
5.- China
Un saludo
31
DIDÁCTICA
Fraseos a la medida (I)
Muchas veces nos encontramos con melodías que requieren un trabajo baterístico que valla más allá de la aplicación de los patrones comunes (ver serie Sílabas Rítmicas
en B&P). Seguir de cerca el fraseo de la banda aporta a
la batería un aire de grandeza y musicalidad ambicionado por todos, incluyéndome. Inspirado por el video Neeps
and Tatties de Stanton Moore Trío, disponible en Youtube,
he desarrollado una serie de ejercicios enfocados en la
habilidad para construir patrones baterísticos a medida,
ya sean planificados o improvisados. El estilo de Stanton
Moore (portada de B&P número 5) es relativamente sencillo de analizar, más no de imitar. Stanton ha logrado desarrollar varias destrezas muy importantes para alcanzar
la libertad musical frente al kit. Primero, ha trasladado el
acostumbrado, y muy útil, ostinato de platillo de la mano
derecha al, modernamente olvidado, pie izquierdo (o simplemente pie de hi-hat si eres zurdo). Con esto ha conseguido que el pie izquierdo realice una de las funciones
más importantes para todo el conjunto musical: marcar el
tiempo. Así, ha liberado su mano más hábil de una tarea
importante, pero monótona. Esto ha dejado a Stanton con
dos manos disponibles para frasear, sin olvidar el pie de
bombo. Esta situación puede atemorizar a muchos a costumbrados a guiarse por su mano derecha, pero es una
gran oportunidad.
Luego de esta introducción “teórica”, entremos en materia. Te propongo desarrollar algunas habilidades similares a las que Stanton demuestra en el video Neeps and
Tatties en etapas progresivas. Para empezar, ejecuta la
lectura mostrada en la figura 1 procurando alcanzar solo
dos niveles de sonido y la máxima regularidad y relajación
posibles. Un metrónomo será de invaluable ayuda en esta
tarea. La lectura no es ningún problema, de hecho es bastante sencilla. Lo importante, en este nivel del ejercicio, es
que seas capaz de comprender la musicalidad contenida
en las notas acentuadas. A continuación, añadiremos el pie
de hi-hat. En principio, un patrón de negras constantes y,
una vez dominada esta variación, un patrón de corcheas.
Como segundo ejercicio, sin el pie de hi-hat, acompañaremos cada acento de caja con el pie de bombo. La separación de las dos variaciones propuestas tiene el propósito
de permitirte comprender como “funciona” cada pie respecto al patrón rítmico básico. Una vez te sientas cómodo
con ambos ejercicios, puedes proceder a unirlos en una
misma ejecución. Si es muy complicado unir todo con un
patrón de pie de hi-hat a corcheas, prueba hacerlo con un
patrón a negras con el pie de hi-hat.
Ahora sí, a desarrollar el fraseo alrededor del kit. Para esto,
te daré algunas pautas a tener en mente, al final comentaré más acerca de este punto. Las siguientes indicaciones
deben seguirse de manera progresiva y aditiva para facilitar el aprendizaje:
1. Toca los acentos que “caen” en la mano izquierda en
el tom agudo y los acentos de la mano derecha en el tom
grave o granadero.
2. Luego, acompaña los acentos sobre los toms con el
pie de bombo.
3. Toca los acentos que “caen” en la mano izquierda en
el Crash y/o hi-hat y los acentos que “caen” sobre la mano
derecha en el Ride, Crash-Ride y/o Splash. A continuación, acompaña los golpes sobre los platillos con el pie de bombo.
4. Ejecuta en la caja todos los acentos que coincidan
con la parte fuerte de los tiempos 2 y 4 del compás. Ejecuta
sobre el Crash todos los acentos que coincidan con la parte
fuerte del primer tiempo de cada compás. Distribuye el resto de los acentos entre platillos y tambores a voluntad.
Raúl Guzmán
Como podrás notar, en cada ejercicio deberás tomar decisiones sobre la marcha en lugar de seguir una lectura
planificada. Esto también constituye un entrenamiento
mental. Muchas veces notarás que cada ejecución será
diferente a la anterior. Esta es la parte más importante de
los ejercicios: el desarrollo de la habilidad para decidir, sobre la marcha, que instrumento tocar siguiendo un patrón
rítmico básico. La última pauta propuesta hará que tu fraseo aún conserve un aire a “patrón estándar” combinado
con libre fraseo que te hará sonar como todo un grande.
Como recomendación final, insistiré en que comprendas
la musicalidad contenida en el patrón de acentos antes
de avanzar con la técnica. Esto te ayudará en gran medida
al momento de tomar decisiones sobre que instrumento
tocar y en que lugar del patrón teniendo como criterio la
musicalidad.
Escucha los sonidos
de esta didáctica
32
DIDÁCTICA
Percusión al día.
En esta nueva entrega de Percusión al Día, os
vuelvo a traer tres ritmos básicos de África del
este, pero está vez en 6/8. La instrumentación
del Take es para tres djembes y un dunun y la
del Soli y el Wasulunke para dos djembes y un
dunun. La línea superior del dunun es el kenen,
que podremos tocar en un cencerro y las dos inferiores son dos dunun (tambores graves) afinados por cuartas, que podremos practicar, si no
disponemos de ellos, en dos tímpanis o bases.
Para los bateristas recomendaría tocar el kenen
en el charles, la línea más baja en el bombo y la
siguiente en la caja, aro o batidor, a elegir.
En el Soli y el Wasulunke los dos primeros compases son una llamada, que ejecuta uno solo de
los djembes, a modo de cuenta de entrada.
Pepe Cantó
Take
Golpes Djembe:
D: grave, O: open, S: slap.
Golpes Dunun:
Línea superior: kenen o cencerro.
Línea inferior: dunun grave, línea media:
dunun agudo.
Aplicación a la batería:
Línea inferior: bombo, línea media: caja,
línea superior: charles.
Soli
Wasulunke
33
DIDÁCTICA
El más simple y más difícil de los
rudimentos.
Josu Erviti
parte (II)
Redoble de golpes sencillos por el
kit.
¿Qué tal, queridos lectores? ¿Fue bien
la primera parte del más difícil de los
rudimentos que os presenté en el
número anterior? Si tu respuesta es
si, es que ya estás preparado para ponerte a trabajar en este nuevo ejercicio y si tu respuesta es no, ve corriendo a descargarte la revista número 13
de Batería & Percusión.
Tal y como os comenté en el número
anterior, en este nuevo ejercicio os
enseñaré una manera muy potente
para poder desarrollar vuestro redoble de golpes sencillos por toda
la batería, mejorando en velocidad,
agilidad, movilidad y en unas cuantas
palabras más terminadas en “idad”.
Hoy utilizaremos el mismo “esqueleto” de notas que teníamos en el número anterior y le daremos movimiento de
esta manera.
Para empezar quiero que cojas el primer ejercicio y que
toques cuatro corcheas en diferentes piezas de tu batería
con tu mano derecha. Yo lo voy a hacer tocando 4 cajas, 4
tom1, 4 tom2 y 4tom3. Seguido, harás el mismo movimiento
liderando con la izquierda y con el movimiento a la inversa. Estos ejercicios los haremos de forma continua hacia la
derecha e izquierda, repitiéndolos las veces que haga falta
para memorizarlos.
Ahora poco a poco iremos sumando golpes. Recordad la
importancia de la distancia entre notas y que unas no se
junten a otras. La velocidad no es el primer objetivo, sino
la calidad. Hazlo a la velocidad a la que te salga perfecto y
después lo acelerarás. Recuerda que otro aspecto muy importante es el volumen. Tócalo fuerte, medio y suave.
Quiero que pongas mucha atención a que los golpes vayan
en el centro de cada tambor y que los movimientos sean lo
más efectivos posibles. No queremos hacer ningún movimiento de más, para poder ir a la mayor velocidad posible
con el mayor control posible.
Como hicimos en el número anterior, empezaremos a sumar golpes ahora, de manera que intercalaré una mano
izquierda después del primer golpe de caja. Haremos lo
mismo intercalando una mano derecha después del primer
golpe de tom3 al hacerlo a la inversa, de esta manera:
34
DIDÁCTICA
Cuantas más notas damos, se convierte en un ejercicio
mucho más exigente físicamente. Es importante que
toméis descansos si notáis sobrecargas y que pongáis
atención en que la respiración fluya de manera relajada.
¡Seguimos con más movimiento!
Por
último, como podéis ver en este ejercicio, los dos
últimos golpes son con la misma mano. En el segundo
compás con la mano derecha y en el cuarto compás con
la mano izquierda, para que así podamos cambiar de
dirección y hacer el movimiento a ambos lados. Quiero
que pongáis mucha atención a que suenen igual que los
golpes sencillos.
¿Os ha gustado esta manera de jugar con los movimientos en el kit? Pues ahora echadle imaginación y podéis
hacer los movimientos en un orden diferente o si tenéis
un set de más o menos piezas, podéis adaptarlo a vuestro set.
Relajación, agilidad, dedicación, paciencia, y buen humor,
¡Es todo lo que os hace falta para que esto fluya!
Nos vemos en otra ocasión, ¡Hasta pronto!
35
SOFTWARE
Agus González Lancharro
LUMINA
La claridad de
ProjectSam
Symphobia 1 y 2 y la serie True Strike de ProjectsSAM se han convertido en una adición obligatoria de
muchas bandas sonoras de películas y televisión, que con su amplio
sonido épico puede ser reconocible
al instante. Con Lumina parece cerrar un círculo.
Con un peso de más de 38 GB de
data, Lumina es una de las mayores
bibliotecas de ProjectSAM hasta la
fecha. Este espacio se ha puesto a
buen uso ya que ofrece tres posiciones diferentes de micrófono (Direct,
Ambient y Wide) en lugar de los dos
que se incluye con las bibliotecas
Symphobia anteriores. Parece que
hay un uso pragmático de las capas
dinámicas de Round Robin (técnica
que consiste en lanzar diferentes
samples para evitar el efecto “metralleta”), manteniendo los tiempos de
carga y uso de memoria a un contingente realista pero nunca sacrificando el aparente realismo de lo que
puede lograr.
La biblioteca se divide en cinco secciones principales: Stories, Textures
y Gestures, Playable Instruments,
Legato Soloists y Dystopia. Podría
decirse que la mayor novedad es
la sección Stories, la que podría ser
comparado vagamente a la Multis
que apareció en las librerías Symphobia originales. En teoría, Stories
extrae los diferentes instrumentos y
efectos registrados por Lumina, que
luego han sido imaginativamente
trazados a través del teclado. En muchos sentidos, ilustra perfectamente
tanto el enfoque imaginativo tomado
por ProjectSAM y la increíble habili-
dad de mapeo del motor de Kontakt.
Lamentablemente, los coros y solistas suenan un poco planos y sintéticos, y la selección de parches de
dibujos animados podría ser más
adecuados para una biblioteca independiente. Alguna programación se
muestra molesta y estropea un paquete estelar: las frases no pueden
ser automáticamente sincronizadas
al tempo en Kontakt, la articulación
puede ser ilógico, y la configuración
de teclado podría mejorarse.
Al igual que con muchas bibliotecas
con sonidos modernos, es importante asegurarse de que exploramos y
entendemos la variedad de formas
en que las muestras son asignadas
y programadas para asegurarse de
36
que se trabaja con ellos de una manera totalmente expresiva. Muchos
de los instrumentos y las texturas,
por ejemplo, cuentan con diferentes
capas dinámicas, lo que permite fácilmente y sin transiciones con el uso
de la Mod Wheel (CC1).
Precio elevado
pero merece la
pena el “esfuerzo”, a pesar de
unos coros más
bien flojitos.
SOFTWARE
Después de haber creado un producto tan emocionante con la primera Symphobia, las ediciones posteriores han tenido que trabajar duro para cumplir con las
mismas normas y expectativas. Mientras Symphobia 2 es muy similar al 1, es agradable ver que Lumina adopta un enfoque ligeramente diferente, que abarca colores orquestales más ligeros e incluso comedia, que es algo claramente ausente
de las dos primeras ediciones, mucho más grandes, épicas y de acción. Como
siempre, la calidad de los samples y el mapping, así como la imaginación aplicada
en la creación del producto, son ejemplares. En pocas palabras, no hay otros desarrolladores de samples que creen un sonido tan épico, y por esa razón, Lumina
será una proposición atractiva para muchos compositores.
Inevitablemente, sin embargo, es difícil no mencionar el precio, que de acuerdo con las otras ediciones Symphobia se encuentra alrededor de los 800 EUR.
Lumina es sin duda un producto de primer nivel con un precio superior, pero
teniendo en cuenta la fuerte competencia de algunos de la talla de Spitfire Audio y Sonokinetic (entre muchos otros),
Conclusión
es una posición cada vez más difícil de
tomar. Sólo el tiempo dirá si una futura
Mucha expresividad, sonidos granedición puede ofrecer acceso a algunos
des, claros y épicos, diferentes pode los contenidos de Lumina a un precio
siciones de micro que facilitan la
más asequible como ya hicieron con Orproducción y amplio mapeado de
chestral Essentials, pero por ahora, si tu
las muestras. Precio elevado pero
presupuesto puede estirarse hasta ahí,
es difícil pensar en un instrumento más
merece la pena el “esfuerzo”, a pesar
inspirador para disparar tu inspiración a
de unos coros más bien flojitos
la hora de comenzar un tema.
The Mastery Of Tone.
Distribuidor en España y Portugal
de Crescent Cymbals
37
SOFTWARE
Agus González Lancharro
2
Nuevas alternativas a los clásicos DAW
Hace 3 años, la dura batalla de los Digital
Workstations se vio endurecida gracias a
la novedad en el mercado que suponía el
nuevo vecino, Studio One de PreSonus.
Toda vez que esta pieza de software ya
alcanza su versón 2.5 podemos decir que
nos encontramos entre una mezcla entre
lo mejor de Logic y lo mejor de Cubase,
con ciertas dosis de Reaper. Studio One
va acortando tereno con la competencia
a pasos agigantados...
La principal novedad de Studio
One 2 fue la inclusión de Melodyne,
y con sucesivos updates podemos
ir sumando otras adiciones menores, pero no menos interesantes.
Como ya hemos mencionado, Cubase y Nuendo (ambos de Steinberg) son los programas que más
se asemejan a Studio One a grandes rasgos. En cambio, un ámbito
en el que Studio One se basa es
en el Drag And Drop de Ableton
Live. Aunque se puede, por ejem-
plo, agregar efectos a los canales
mediante la elección de un menú
pop-up, la forma más fácil es usar
el navegador completo en la parte
derecha de la ventana principal.
Aquí, puedes elegir un plug-in o
cadena de efectos, y arrastrarlo a
una pista existente, o en el espacio vacío para crear una nueva. Del
mismo modo, los archivos de audio
y muestras se pueden oír, localizados y catalogados en el navegador,
y cuando se les arrastra, Studio
One creará las vías adecuadas. La
38
masterización integrada también
es una gran característica. Y sí, podemos instalarlo incluso en 5 equipos.
Quizás lo más destacado de cómo
se integra Melodyne es la increíble
facilidad con la que podrás convertir audio a MIDI. Una vez que la
pista ha sido analizada, sólo tienes
que crear una pista de instrumento
y arrastrar el evento en la misma.
Como por arte de magia, que tendrá una versión MIDI de la parte.
SOFTWARE
Studio One también presenta herramientas para la
corrección de la sincronización audio rítmica. Según
el manual, cuantificación de audio debe ser tan simple como seleccionar un evento de audio y pulsar
‘Q’, pero sobre el papel, por lo menos, también tiene
las herramientas para hacer frente a las grabaciones
de audio que requieren un poco más de masaje. Es
capaz de analizar y corregir varias pistas al mismo
tiempo, preservando la coherencia de fase entre
ellos, una característica que es esencial para la cuantización batería multipista.
Studio One 2 posee dos mejoras importantes en el
arsenal de plug-ins: Open AIR convolution reverb y
el Ampire XT simulador de amplificación.. Esto sigue
las convenciones bien establecidas, lo que le permite elegir entre una serie de amplificadores, pantallas
y pedales. Curiosamente, los últimos aparecen en un
orden fijo, pero la mayoría tienen un interruptor pre
/ post lo que permite colocar ya sea antes del amplificador, o entre el amplificador y el altavoz - probablemente no es algo que te gustaría intentar con un
pedal de chorus real. La mayoría de los sospechosos
de siempre están aquí, con la obvia excepción de un
pedal compresor y cualquier tipo de fuzzbox de alta
ganancia o distorsión. Los modelos de amplificador
cuentan con dos canales conmutables, y encontrarás la habitual gama de opciones de micrófonos
para las pantallas virtuales. La emulación de pantalla
está basada en la convolución y Presonus han dado
el paso interesante de permitir a los usuarios llevar
sus propios impulsos de altavoces.
De hecho, el nivel general de los plug-ins incluido
en Studio One es muy alto. Esto es particularmente cierto en el compresor y EQ, que son fácilmente
igual que los originales, tanto en calidad de sonido y
flexibilidad, así como el medidor de fase. Un toque
realmente agradable es que los plug-ins incorporados puede visualizar las interfaces en miniatura
dentro del mezclador, para que puedas editar sus
parámetros más importantes, o mantener un ojo vigilante sobre la fase o el balance espectral, sin tener
que abrir una ventana separada del plug-in. No existe de-esser, pero hay un procesador de dinámica
bastante bien diseñado.
Sobre el tema de la edición de audio, quizá no sea
el área más fuerte de Studio One. Por un lado, las
opciones de agrupación son un poco primitivos (así
como el look general del pool). Se pueden seleccionar varias pistas y grupos, pero no es posible tener
pistas que pertenezcan a varios grupos diferentes,
o al grupo de sólo algunos parámetros, como con
Edit de Pro Tools y grupos Mix o para eventos de
grupo independientemente de las pistas que haya.
Crossfading es una pesadilla particular. Puedes ajustar fácilmente la longitud del desvanecimiento arrastrando sus límites, y los acontecimientos en el resto
de pistas en un grupo harán lo mismo. Sin embargo,
todos se desvanecen en Studio One por defecto. El
resultado es que si estás haciendo una edición en
varias pistas y deseas hacerlo independientemente,
no tienes más remedio que ajustar la forma de cada
desvanecimiento individual a través de cada pista.
Por suerte nos encontramos ante un DAW en desarrollo continuo, a buen seguro que en un futuro
próximo habrán tomado nota desde PreSonus.
¿Soñaste alguna vez con tener WaveLab integrado
en Cubase? El editor de masterización integrado ya
era uno de los aspectos más destacados de Studio
One. La versión profesional de Studio One cuenta
con un editor especificado y se ha mejorado aún
más en la segunda versión. Graba, edita y masteriza
todo en un mismo proyecto. Plus añadido sin duda.
El nivel general de los plugins incluido en Studio One
es muy alto. Esto es particularmente cierto en el compresor y EQ”
Distribuidor en España y Portugal
de Crescent Cymbals
Conclusión
Las ventajas únicas de Studio One
superan fácilmente sus frustraciones. Su capacidad para trabajar sin
problemas con múltiples proyectos
abiertos a la vez, por ejemplo, es
una gran ayuda, y el conjunto de
herramientas de masterización integrada es excelente. Presonus han
alcanzado una cantidad enorme en
el desarrollo de esta nueva versión,
y ahora es un competidor muy serio
para la talla de Cubase, Logic, Sonar,
Pro Tools y Reaper. Su precio es muy
competitivo, y el rápido desarrollo
futuro parece garantizado, dado el
pedigrí de los desarrolladores y el
músculo financiero
Presonus.
The Mastery Of Tone.
39
DIME QUE...
Dime qué
escuchas/ves/
estudias y te
diré quién eres.
Danko Compta
Discos, directos, métodos, websites, y curiosidades en los que
parar, ya sea un ratito o para que formen parte de tus incunables.
Joey Ramone – cantante
VIDEOS
Johnny Ramone - guitarrista
Live in Reykjavik
Mezzoforte
Dee Dee Ramone - bajista
Tommy Ramone – batería
CD
Ramones
Y volvemos en esta nueva entrega, empezando la temporada 2013-2014 con muchas ganas y fuerza.
Y qué mejor que a día de hoy, en el que las
razas urbanas se han impuesto como la única forma de encontrar el uniforme adecuado
para encajar con la sociedad, que hablar de
una de las bandas que ocupa tantísimas camisetas; la cosa está en quienes saben que no
es un diseño de una multinacional sino uno de
los mayores referentes del punk, RAMONES.
Con ese primer disco homónimo y su primer
track, desconocido por el título, conocido por
el “grito de guerra” de la intro, BlitzKrieg Bop
(alias Hey Ho, Let’s Go).
Los 4 Ramones, que hablaban de surf, experiencias personales y referencias a películas
de miedo de serie B en sus letras, con esa
sonoridad y una técnica más bien lamentable,
estuvieron en un momento y un entorno que
les hizo precursores, junto a bandas como
Velvet Underground, The Stooges, Buzzcocks,
Stiff Little Fingers y un largo etcétera de lo que
hoy aún perdura, bandas de punk rock, con,
aparte de la apariencia obligatoria en este estilo, esa energía, sonoridad y velocidad.
El punk, uno de mis estilos preferidos, el de
entonces por su autenticidad en letra y actitud, hoy en día por la técnica que demuestran
bandas como Misfits, Rancid, y todo el abanico
inmenso que podemos encontrar, y con baterías que telita, ¡no sólo en el funky fusion encontramos cracks de los golpes!
Después de hablaros de algo que marca
tanto como un disco de auténtico punkrock, cambiamos de temperatura, nunca
mejor dicho.
Estos chicos, y digo chicos porque empezaron como con 17 años haciendo un jazz
fusion exquisito, oriundos de Islandia, la
tierra más comúnmente conocida por artistas de new age como Björk y Sigur Ros,
deberían ser un referente imprescindible
en vuestras estanterías (reales o digitales)
si os mueve el funk, jazz fusión y el pop
elegante y técnico.
Mezzoforte:
Fridrik Karlsson - Guitar
Eythor Gunnarsson - Keyboards
Johann Asmundsson - Bass
Gulli Briem – Drums
Oskar Gudjonsson – Sax
Bruno Mueller - Guitar
Sebastian Studnitsky – Keys & Trumpet
Thomas Dyani – Percussion
Thorbjorn Sunde – Trombone
Jens Petter Antonsen – Trompet
Extraídos de 3 conciertos en Reykjavic, los
20 tracks que conforman este doble CD +
DVD en directo ofrecen un buen rato de
desconexión y diversión musical, no sólo
por la exquisitez de las composiciones,
armonías, melodías, sino por la increíbles técnica de todos y cada uno de sus
músicos, con ese estupendo solo de Gulli Briem (batería) y Johann Asmundsson
(bajo) que debéis ver sin duda.
Mixed by Johann Asmundsson
5.1 Mix assisted by Birgir Tryggvason
Bonus material includes footage from rehersals, old
videos and photos covering the band’s 30 year history.
Recorded and filmed in Borgarleikhus, March 26 & 27,
2007 - Iceland
40
Un método divertido que aporta nociones básicas de patrones de rock y swing
y que te abre la spuertas de la inquietud
para probar y experimentar trucos, montando el set y tocando.
DIME QUE...
(y ya de dónde venían…).
Considero tan importante conocer y entender nuestros referentes que si eres de
los que mueve el cogote con un disco de
Backyard Babies está bien ver este docu
y ver de dónde venía Dregen (Cantante).
Como suelo decir, las cosas no aparecen
ni desaparecen espontáneamente, son
resultados o preceden a otras.
Es lo bueno de poder disfrutar y adquirir
tanta información en las tiendas y en las
redes (más en las tiendas, recordad que
para que siga existiendo tenemos que
valorar el trabajo de quienes nos influencian, y para nosotros poder crecer)
DOCUMENTAL
Goodnight Cleveland
Hellacopters
Y volviendo al rock (no lo puedo evitar, a
medida que pasan los años uno se vuelve
más terco con lo que le motiva ) os vengo
a hablar de un documental de esos que
tanto me gustan.
Relata las vivencias de HELLACOPTERS
durante los 10 últimos días de gira que
realizaron en 2002 presentando el disco
“High Visibility” en Nueva York.
Curiosidades de ser un documental un
poco diferente: rodado con una sola cámara y con el estilo de “Cinéma Vérité”,
sin planificación cinematográfica alguna,
lo que me gusta tanto de este documental es que es una mezcla de imágenes y
sucesos de gira captados y escogidos por
su naturalidad con una banda de rock de
la que sus integrantes han ido creciendo
WEB SITE
MÉTODO INSTRUCCIONAL (DVD/LIBRO/
AUDIO CD)
Deivhook
El drummer y el mono
Slim Jim Phantom
Rockabilly Rocking Swing
Una muestra real de persistencia, trabajo, esfuerzo, actualidad y serenidad. Una
persona afín a sus valores y que cree en
el trabajo, crecer, evolucionar, mostrar lo
que se sabe para seguir avanzando a por
más de la forma que todos tanto valoramos hoy en día: el vídeo.
Y me he dejado a toda esa lista de referencias algo que, personalmente, valoro
tan positivamente en una actualidad gris
como la que vivimos: el humor.
Siguiendo con la tónica rockera, os vengo
a hablar de un método mítico, importante, y divertido.
Slim Jim, baterista de STRAY CATS nos
explica en este método la técnica de un
“Stand-Up Drummer”, concepto que ayudó a poner bastante de moda. Nos habla
de patrones de rockabilly, rock, swing, fills,
redobles, breaks, maneras de colocar las
piezas del set para hacer unos patrones
u otros.
Y cómo no, hey, el rockabilly tiene un factor importante en la imagen. ¡Ese tupé,
esa chaqueta, y esos “Stick Tricks”!
Nos enseña como “molar” más haciendo
rock haciendo malabarismos con las baquetas, todo ello con su humor particular.
Un batera, joven, atractivo, que usa pinturas corporales de una forma moderna
y muy creativa, y que va acompañado de
un mono/gorila que le baila, le incordia,
le ayuda, depende lo que sea preciso,
haciendo versiones de grandes temas, y
mostrando una evolución clara, teniendo
41
DIME QUE...
un especial cuidado en la imagen, no sólo
en la suya, el set de batería, las localizaciones en las que rueda los vídeos, etc.
Un proyecto interesante, por el potencial
que demuestra, respaldado por marcas
como Zildjian, Yamaha, Promark, Nike y
Bench, que le ayudan a crecer.
Las visitas que recibe en su canal Youtube y su página de Facebook, no sólo por
esos vídeos, sino por las actuaciones que
lleva ya unos meses realizando en salas
y festivales, todo ello demuestra que una
persona, su idea, rodeada de un equipo
humano adecuado que conecta con esa
idea, son capaces de crecer juntos.
Un claro ejemplo de grandes logros a nivel musical, marketing, imagen y concepto.
Porque no nacemos aprendidos, a los
que tienen y muestran esas ganas y ese
trabajo, merecen estas oportunidades.
www.youtube.com/DEIVHOOK
www.facebook.com/deivhook
www.twitter.com/deivhook
FESTIVALES INTERNACIONALES
Taubertal Open Air
Festival
Vamos a dar un pequeño esquinazo a
nuestras recomendaciones mediáticas
(Tv y Radio) y esta temporada me voy a
dedicar a hablaros de lugares a los que
acudir para disfrutar y conocer más música. Y no es la red ¡Es la vida real!
Festivales. Ese fenómeno que lleva desde los albores de los tiempos avivando
la música en el planeta y que ahora, más
que nunca, está tan de moda, siendo
eventos y espacios que dan cabida a una
hegemonía social y cultural tan amplia en
entornos tan dispares como el hormigón
de una ciudad o la pureza de un valle.
Desde los años 60 con el mítico Woodstock hasta la actualidad con los tropecientos mil y uno festivales que podemos
encontrar en cada rincón occidentalizado
del globo las cosas han cambiado mucho,
sobretodo a nivel técnico y logístico. El
público sigue siendo el mismo, más o menos, seres humanos con ganas de pasarlo
bien de concierto.
Vale que las modas y los fenómenos musicales copan un poco los festivales, o
quizá mucho (según la región en la que
te encuentres) pero lo bueno del día de
hoy es que invirtiendo un poco puedes
encontrar fácilmente el “festi hecho a tu
medida” y de paso te echas un buen viaje.
Este agosto, por razones de trabajo, he
tenido la oportunidad de vivir el TAUBERTAL OPEN AIR FESTIVAL que se hace en
Rothenburg Ob Der Tauber, Alemania.
Quizá no el más grande del que hayáis
oído a hablar, pero lo viví con mucha intensidad, una cartelera increíble, no sólo
por los grandes nombres que albergaba
(Bad Religion, Skunk Anansie, Biffy Clyro,
Pennywise, The Editors) si no por la inmensa cantidad de nuevas bandas a las
que daba cabida también, con un segundo escenario regentado por el concurso
internacional Emergenza, en el que se
dieron cita las bandas ganadoras de 19
de las diferentes ciudades que este concurso gestiona, además de bandas nacionales.
Un festival en el que es fácil pararse frente
a cualquiera de los más de 50 conciertos
que se ofrecen, con bateras de un gran
nivel técnico y dinámico, fuera cual fuera
el estilo.
Hacía mucho que no iba de festival y recordé lo bueno de hacerlo en un paraje
como el Valle de Ob Der Tauber: olvidar el
mundanal ruido y centrarme en el ruido
que más me gusta, la música, las risas y
las conversaciones con quien fuere.
CLUBS DE CONCIERTO
Baked Potato
Y otro lugar en el que podemos disfrutar
y descubrir música de todos los colores
y sabores son los clubs, las salas de conciertos, las de toda la vida.
Lamentablemente nuestro país está un
poco “tocado” en ese aspecto, por eso me
permitiré el lujo de hablaros de algunos
lugares de fuera mientras me hago una
lista de imprescindibles de nuestras tierras.
Y qué mejor que empezar por uno de los
santuarios en los que han actuado casi
todos (por no decir todos) los baterías
que copan las listas de Maestros de los
que hablamos siempre los bateras: The
Baked Potato de Los Angeles.
Si alguna vez visitáis Los Ángeles con el
suficiente tiempo y dinero para salir por
la noche mi consejo es que cuando programéis el viaje tengáis en cuenta la agenda de Baked Potato, podéis dar con Colaiuta, Simon Phillips, Donati y Chambers
en la misma semana, lo que viene seguido
de guitarristas, teclistas y vientos como
http://2013.taubertal-festival.de
42
DIME QUE...
Eric Marienthal, Michael Landau, Greg
Mathieson, Abe Laboriel… Aunque sean
conocidos o no los músicos que toquen,
siempre hay una gran programación.
Todos mis amigos que lo han visitado
dicen lo mismo: “La primera impresión
es que es un garito “mediocre”, pero se
come muy bien y no te diré nada que ya
no sepas de un concierto de funk, fusión,
jazz, latin, epxerimental o incluso rock, no
sólo por los musicazos que tocan si no
por lo que tocan”.
Si os gusta viajar, iremos viendo sitios a
los que guste poder acudir durante el viaje para disfrutar de la buena música (¡novias allowed!)
Mientras no tenga oportunidad de visitar
LA seguiré devorando los vídeos de los
shows que corren por la red, ¡echadle un
tiento!
http://www.thebakedpotato.com/home.html
¡Feliz verano, queridos lectores!
En nuestro ánimo de expandir
nuestros conocimientos musicales, os animamos a que si conocéis
programas o cadenas de televisión
y de radio nos escribáis para descubrírnoslas y así poder recomendarlas a todos. Buscad el Canal
Facebook de la revista BATERÍA
PERCUSIÓN y mandadnos un post
con vuestras ideas o mandadme
un mensaje interno a mi página en
Facebook.
¡Gracias!
DANKO COMPTA HIRNYJ
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Jefe de Redacción
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Maquetación
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