Untitled - Laboral Ciudad de la Cultura

Untitled - Laboral Ciudad de la Cultura

Rafael Gavalle
Dirección:
Recrea Asturias
Equipo Laboral Escena:
Dirección de programación:
Mateo Feijóo
Coordinación:
María José Manzaneque
Mamen Adeva
Equipo del Teatro de la Laboral:
Coordinación general:
Jesús Soberón
Dirección técnica:
Rafael Javier Mojas
Coordinación técnica:
José Miguel Díaz
Sonido:
Eduardo Espina
Javier García
Roberto Lorenzo
Iluminación:
José Félix Garma
Mariano Esteban
Víctor Vivar
Maquinaria:
María Jesús Cañas
Luís Andrés
Eladia Montserrat Arias
Rodolfo Gustavo González
Francisco Javier Andrés
Prensa:
Cristina Cabeza
Jefa de sala:
Susana Quirós
Taquilla:
María Teresa Miravalles
Fotografía de portada:
Rafael Gavalle
Impresión y filmación:
Gráficas Covadonga
Depósito Legal:
AS-5242-07
Rafael Gavalle
Diseño y maquetación:
Bitácora Grupo
04 05
Índice
Gelabert-Azzopardi Cia. de Dansa
Glimpse
08
PALABRA Y MÚSICA
IV FESTIVAL INTERNACIONAL DE SPOKEN WORD
30
Compañía Toujours après minuit
Récitatifs Toxiques. Concierto Teatral Bailado
10
Tom Zé e Banda
Danç-Êh-Sá - Dança dos Herdeiros do Sacrifício
34
Pockemon Crew Cie
C’est ça la vie!
12
Meredith Monk
Meredith Monk & Vocal Ensemble
36
Membros Companhia de Dança
Febre
14
L.E.V. FESTIVAL
38
16
Ray Lee
Siren
40
Festival Complicidades
Una iniciativa de La Mekanica (Barcelona)
con la colaboración de Laboral Escena
Gisèle Vienne
Kindertotenlieder
42
Cláudia Müller
Danza contemporánea a domicilio
18
La Carnicería Teatro
Arrojad mis cenizas sobre Mickey
44
Meg Stuart / Damage Goods & EIRA
BLESSED
20
Grupo Acrobático de Tánger
Taoub
46
La Zaranda
Los que ríen los últimos
22
Ballet de la Ópera de Lyon
Limb’s Theorem
48
Centro Coreográfico Galego
Kiosko das Almas Perdidas
24
Olga Mesa
Solo a Ciegas (título provisional)
26
Theo Hakola & The Wobbly Ashes
Concierto “Sung Words and Feed-Back”
28
TALLERES
Taller de Creación, Composición y
Experimentación Musical
Dirigido e impartido por Tom Zé
INFORMACIÓN PRÁCTICA
52
Rafael Gavalle
06 07
08 09
24 . 25
enero
20.30 h
Gelabert-Azzopardi Cia. de Dansa
Glimpse
PAÍS España DURACIÓN 45 min AFORO limitado
Coreografía, concepto, espacio e interpretación Cesc Gelabert; En colaboración con el videoartista Charles Atlas; Música Carlos Miranda; Vestuario Lydia Azzopardi; Imagen 3D Juan Carlos
Olmos; Captura del movimiento N. Font, J.C. Olmos, D. Fornaguera; Asesoramiento técnico
audiovisual Toni Rueda; Asistente del coreógrafo Toni Jodar, Sarah Taylor; Fotos Ros Ribas;
Dirección técnica y sonido Quim Isern; Luces Miguel Muñoz, Conxa Pons; Asistente vestuario y
mantenimiento Georgina Mister; Confección vestuario Teatre Lliure; Transporte Xoriguer;
Comunicación y coordinación Montse G. Otzet; Contable Núria Feliu; Producción y distribución
Maria Rosas; Coproductores Forum Grec 2004 Gelabert Azzopardi
Con la colaboración de BENECÉ PRODUCCIONS.
Cesc Gelabert presenta un solo de danza en el que sus
movimientos entran en diálogo con las imágenes y la música. Una pantalla determinada por el espacio escénico
refleja la unión entre el cuerpo, los sentidos, las emociones, el espacio, el tiempo y los pensamientos del bailarín,
y rompe la frontera entre sus reflexiones internas y aquello
que el espectador ve como resultado.
Glimpse nace como un proyecto insólito en la trayectoria
de Gelabert, pensado para ser representado no sólo en
teatros sino también en museos, galerías u otros espacios
escénicos. El bailarín cuenta con la colaboración del prestigioso videoartista neoyorquino Charles Atlas, creador de
los primeros vídeos de danza durante la década de los
setenta, y de Carlos Miranda, quien compone la partitura
para Glimpse.
Gelabert-Azzopardi es una de las compañías de danza más
notables de España y una de las más reconocidas internacionalmente debido a su estilo personal y emblemático en
el ámbito de las artes escénicas. Fundada en Barcelona en
el año 1985 por Cesc Gelabert y Lydia Azzopardi, ha sido
compañía co-residente del Hebbel-Theater de Berlín y compañía residente del Teatre Lliure de Barcelona.
La compañía, además de crear sus propias producciones,
ha coreografiado obras para el Balletto di Toscana,
Tanztheater Komische Oper, Ballet Gulbenkian, Mikhail
Baryshnikov y David Hughes.
De los numerosos premios que han recibido destaca la
Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes del Gobierno
Español (1994), el Premio Nacional de Danza del
Ministerio de Educación y Cultura (1996), y el Premio Max
de las Artes Escénicas concedido durante dos años consecutivos (2005 y 2006) a Cesc Gelabert como mejor
intérprete del año.
10 11
1
febrero
20.30 h
Compañía Toujours après minuit
Récitatifs Toxiques.
Concierto Teatral Bailado
Brigitte Eymann
PAÍS Francia DURACIÓN 1 h 20 min
Coreografía y puesta en escena Roser Montlló Guberna y Brigitte Seth; Texto extractos de
Crímenes ejemplares de Max Aub; Música Heinrich Ignaz Franz von Biber; Escenografía Claudine
Brahem; Diseño de luces Dominique Mabileau; Asistente Dominique Brunet; Vestuario Thierry
Guénin; Interpretación – Conjunto musical dirección artística Joseph Rassam; Christophe Robert
(violín), Marie Rouquié (violín), Hélène Platone (alto), Nils De Dinechin (violoncelo), Jean-luc Ho
(clave), Joseph Rassam (órgano); Actor-músico Jean-Pierre Drouet (percusiones); Actores-bailarines Roser Montlló Guberna, Brigitte Seth, Jean-Baptiste Veyret-Logerias, Dominique Brunet; Control
general Eric Proust; Asistente control Yves Empio; Construcción escenografía Proscénium
(Rennes); Producción y difusión Françoise Empio.
Coproducción Théâtre de la Ville/Paris, Théâtre Pôle Sud/Estrasburgo, Comunidad de comunes del
País de Briey, Teatro Paul Eluard/Bezons, Conjunto Quam Dilecta /Tours, Compañía Toujours après
minuit/Paris. Subvencionada por la Dirección Regional de los Asuntos Culturales deIle- de- France /
Ministerio de Cultura y de Comunicación. En el marco de la ayuda a las compañías coreográficas.
Compañía en residencia larga en Micadanses.
La multiplicidad de culturas y experiencias de Roser
Montlló-Guberna y de Brigitte Seth, coreógrafas y directoras de la compañía, les conduce, cuando se
encuentran, a crear espectáculos en los que el teatro, la
danza y la música se enlazan. De esta unión nace
Récitatifs Toxiques, un concierto teatral bailado en el
que los diferentes lenguajes artísticos se complementan, están en armonía y requieren la participación del
público.
Récitatifs Toxiques es la última parte de una trilogía
dedicada al autor Max Aub y al compositor Heinrich
Ignaz Franz von Biber, en la que Crímenes ejemplares y
Las sonatas representativas están presentes cuando las
palabras, la música y la danza son reflejo de los estados físicos y psicológicos de los personajes. El cuerpo,
entre las palabras y la música, expresa lo indecible, se
mueve como las cuerdas del violín y se tuerce en una
danza impulsiva que recurre a un registro tanto burlesco como onírico.
Desde su creación en 1997, la compañía Toujours après
minuit ha creado nueve espectáculos: El cómo quieres
(1997), Personne ne dort (1998), Suite pour quatre
(2000), L'Entrevue (2001), Rosaura (2002), Revue et corrigée, es menschelt (2004), Epilogos, confessions sans
importance (2004), Je te tue, tu me tues, le premier de
nous tous qui rira… (2006) y Récitatifs toxiques (2007).
12 13
7.8
febrero
20.30 h
Pockemon Crew Cie
C’est ça la vie!
Allaoua Sayad
PAÍS Francia DURACIÓN 1 h
La creación de un idioma que puede ser bailado es el
punto de partida de la compañía Pockemon Crew.
Ocho bailarines, cuyo único elemento de transmisión es
la danza, traen al Teatro de la Laboral C’est ça la vie!, un
espectáculo que refleja la pasión por el movimiento, la
creación, la originalidad y la idea de que cada individuo
es fuente de inspiración para el resto del grupo.
Pockemon Crew comenzó en la calle, tomando como
punto de encuentro los soportales de la Ópera de Lyon,
lugar en el que ensayaban, hasta que dos años después, en 1999, se creó la compañía. En el año 2003 se
convierte en una de las compañías residentes de este
espacio escénico francés.
Referencia de la nueva generación del movimiento hip
hop en Estados Unidos, su forma de bailar se considera un movimiento artístico capaz de transformar la
sociedad, las artes y las generaciones.
El espectáculo C’est ça la vie! fue presentado en la
apertura de la Biennal de la Danza de Lyon.
Coreografiado e interpretado por Riyad Fghani, Ali Ramdani–Liloo, Brahim Zaibat, Yann Abidi,
Georges Fagbohoun, Douniel Fghani, Rodolphe Gasnier y Moncef Zebiri; Creación musical
Christophe Rudel; Creación luz Yves Caizergues; Vestuario Chantal Cloupet; Vídeo Jacinto
Carvalho y Yoan Chiarramonte; Producción y difusión Kheira Mehalli.
Coproducido por Association Qui fait ça? Kiffer ça! y la Biennale de la Danse de Lyon.
Pockemon Crew es una compañía residente en la Ópera Nacional de Lyon, con el apoyo de la ciudad de Lyon, DRAC Rhône Alpes y la región de Rhône Alpes.
Agradecimientos Ópera Nacional de Lyon, Maison de la Danse, MJC de Montluçon, Rillieux la
Pape’s National Choreographical Centre, GL Event.
14 15
28 . 29
febrero
20.30 h
Membros Companhia de Dança
Febre
Dominik Fricker
PAÍS Brasil DURACIÓN 55 min
Un escenario completamente blanco, en efervescencia,
es el espacio en el que los cuerpos, el movimiento, la
luz, la interacción audiovisual, se entremezclan y llevan
a los espectadores al centro de la problemática conflictiva contemporánea.
El hip hop es el hilo conductor de este espectáculo en
el que seis bailarines utilizan la danza como instrumento político, al ritmo de una música formada por la
mezcla de rap, rock, música clásica y funky carioca, la
música popular de las favelas de Río de Janeiro.
Febre es la segunda parte de una trilogía llevada a cabo
por la compañía sobre el tema de la violencia, tanto física como simbólica.
La compañía Membros nace en Macaé, una ciudad
situada a 180 km de Río de Janiero, en Brasil. Diez
personas, de casi 200.000 que tiene la ciudad, decidieron apostar por otra perspectiva de vida que no
estuviera basada en las desigualdades y la violencia,
y formar una compañía de danza profesional con jóvenes de la ciudad, sabiendo que un noventa por ciento
de estos alumnos no habían tenido ningún contacto
con la danza.
Creación y dirección Paulo Azevedo y Taís Vieira; Coreografía Taís Vieira; Intérpretes Amilton
Vilarindo, João Carlos Silva, Mirila Greicy, Luiz Henrique, Jean Gomes y Zanzibar Vicentino; Banda
sonora Paulo Azevedo; Música Bach, Chico Buarque, Faccai Central, Jorge Aragao, extractos de
Funky Carioca; Iluminación José Martins; Escenografía Delphine Lancelle; Producción y difusión
El Climamola; Coproducción Les Recontres de la Villette/ Parc de la Villete y el Festival de Barcelona
Grec / Mercat de les Flors; Residencias de creación Centre de creació Ca l’Estruch- Ajuntament de
Sabadell, Teatro Alegria de Terrassa y el Café-Danses Bobby-Sands-Savigny-le-Temple; Con el
apoyo de MINC (Ministerio de Cultura do Brasil)-Fondo Nacional de Cultura- IDEE, programme
Culture 2000 et Union Européenne.
En el año 1999, Paulo Azevedo, educador y Doctor en
ciencia política, y la coreógrafa Taís Vieira crean la compañía y fundan un proyecto más extenso, de formación
e información, el CiemH2-Centro de Estudios
Integrados del Movimiento hip hop en Macaé.
16 17
Manuela Rastaldi
Del 5 al 8
de marzo
20.30 h
Festival Complicidades
Una iniciativa de La Mekanica (Barcelona)
con la colaboración de Laboral Escena
PAÍS España
La segunda edición del Festival Complicidades llega a
Gijón el 5 de marzo gracias a la colaboración de Laboral
Escena, tras su paso por Barcelona desde el 21 de febrero. Se trata de un festival internacional de danza y artes
vivas contemporáneas, movilidad artística y diálogo intercultural, organizado por la asociación La Mekanica de
Barcelona.
Un evento internacional que quiere tejer complicidades
entre artistas, públicos, disciplinas y culturas, abogando
por la creación de un contexto propicio y más atento al
compromiso del artista y del espectador con el presente
en todos los sentidos.
Complicidades 2008 incluye una selección de obras
escénicas, instalaciones, acciones de creadores actuales
de Europa, Norte de África, Oriente Próximo y
Sudamérica. Artistas independientes nos proponen miradas y reflexiones sobre los espacios fronterizos de
nuestra sociedad tomando como referencia el cuerpo y
el movimiento.
Cláudia Müller presenta el día 5 de marzo Danza contemporánea a domicilio, una experiencia de llevar la danza a
lugares cotidianos de la vida diaria pero que no son habituales como espacios escénicos.
Como clausura del Festival Complicidades llega al Teatro
de la Laboral BLESSED, de la coreógrafa norteamericana
Meg Stuart y su compañía Damaged Goods; una pieza
que ha sido presentada en los festivales de danza más
importantes de Europa, logrando conquistar a nivel internacional grandes elogios de los más prestigiosos críticos
de danza de la actualidad.
18 19
5
marzo
Cláudia Müller
Danza contemporánea a domicilio
Daniel Reino
PAÍS Brasil DURACIÓN 5-10 minutos
Cláudia Müller presenta Danza contemporánea a domicilio, una experiencia de llevar la danza a lugares
cotidianos de la vida diaria pero que no son habituales
como espacios escénicos.
La coreógrafa y bailarina brasileña va al domicilio solicitado para presentar su espectáculo. La sorpresa y el
comportamiento de quien recibe la danza se convierte
en parte del contexto de esta pieza. Cualquier persona
puede solicitar la Danza contemporánea a domicilio
para un amigo, un familiar o un compañero de trabajo a
través del teléfono 985 18 55 94.
Esta performance es una de las producciones más
recientes de la coreógrafa brasileña presentada en distintos festivales de danza y en escuelas de Río de
Janeiro.
La danza llega a lugares donde no se la espera, buscando espacios que pasan desapercibidos en la vida
del día a día.
Coreografía e interpretación Cláudia Müller; Coproducción ITAU – Rumos Dança (Brasil).
Chris Van der Burght
Coreografía Meg Stuart; Creada y bailada por Francisco Camacho y Kotomi Nishiwaki. Música Hahn Rowe; Dramaturgia Bart Van den Eynde; Instalación Doris Dziersk;
Vestuario Jean-Paul Lespagnard; Luces Jan Maertens; Asistente de coreografía Abraham Hurtado; Producción Tanja Thomsen; Coordinador técnico Britta Mayer y Jan
Maertens; Producción Damaged Goods & EIRA; Coproducción Kunstencentrum Vooruit (Gante), Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz (Berlín), PACT Zollverein (Essen), Centro
Cultural de Belém (Lisboa), Théâtre de la Bastille (París), Festival d’Automne (París)
Meg Stuart & Damaged Goods reciben el apoyo de las autoridades de Flemish y de Flemish Community Comisión.
Francisco Camacho & EIRA reciben el apoyo de MC/IA.
20 21
7.8
marzo
20.30 h
Meg Stuart / Damaged Goods
& EIRA
BLESSED
PAÍS Bélgica / Portugal DURACIÓN 1 h 20 min AFORO limitado
Los coreógrafos y bailarines Meg Stuart y Francisco
Camacho se conocieron en Nueva York. Este encuentro
llevó al coreógrafo y bailarin portugués a participar en
Desfigure Study, primer trabajo de Meg Stuart en
Bélgica. Después de varios años sin colaborar, vuelven
a coincidir en esta pieza.
BLESSED es el reflejo de la confrontación entre lo natural y lo artificial. Elementos básicos como la lluvia y el
cuerpo humano forman la base para la defensa contra
la ruina total y el destino final. Nuestro mundo de artefactos artificiales, modelos a imitar y apariciones
externas es violado por los fundamentos más básicos.
22 23
13 . 14
marzo
20.30 h
La Zaranda
Los que ríen los últimos
Olivier Harrassowski
PAÍS España DURACIÓN 1 h 20 min AFORO limitado
El espacio escénico pone de manifiesto el largo viaje de
tres actores que dan vida a una troupe de payasos, los
hermanos Zarandini, cuya única posesión es la risa de
los que mantienen la esperanza y aún sienten la nostalgia del paraíso frente a la carcajada desdentada del
tiempo.
Su extravagante y penoso peregrinaje será un regreso
hacia un pasado remoto, desconocido y misterioso
para el que sólo cuentan con las indicaciones de un
padre difunto. La necesidad y el abatimiento viajan en
el equipaje de estos artistas de ropajes estrambóticos,
llenos de parches y remiendos.
Han transcurrido más de veinticinco años desde que La
Zaranda emprendiera su andadura teatral, realizando
una intensa labor de investigación que le ha valido un
gran prestigio internacional. Su trayectoria tiene como
constantes teatrales: el compromiso existencial y la
fidelidad a sus raíces tradicionales; como recursos dramáticos: el uso simbólico de los objetos, el expresionismo
visual, la depuración de textos y la creación de personajes y situaciones límites; y como método de trabajo, un
riguroso proceso de creación colectiva.
Dirección y espacio escénico Paco de la Zaranda; Interpretación Gaspar Campuzano, Enrique
Bustos y Francisco Sánchez; Textos e iluminación Eusebio Calonge.
La Zaranda desarrolla una poética teatral que, lejos de
fórmulas estereotipadas y efímeras, se ha convertido en
un lenguaje propio, que siempre intenta evocar a la
memoria e invita a la reflexión.
24 25
20 . 21
marzo
20.30 h
Centro Coreográfico Galego
Kiosko das Almas Perdidas
Mim Othman
PAÍS España DURACIÓN 1 h 30 min
En coproducción con Laboral Escena, el Centro
Coreográfico Galego (CCG) presenta este espectáculo
dirigido por Roberto Oliván; un híbrido entre danza, teatro, música en directo, ilusionismo, vídeo y animación.
El escenario se convierte en reflejo de la situación metafórica de personas expulsadas, desconectadas y
abandonadas de la armonía universal. Esta situación
les obliga a reorganizarse y adoptar una nueva fórmula
de supervivencia.
El nombre “Kiosko das Almas Perdidas” está inspirado
en un barrio existente en la ciudad de Vigo en el que se
congregaban personas de toda clase social e intelectual lo que provocaba situaciones de indudable
carácter anecdótico.
Dirección Roberto Oliván; Dramaturgia Roberto Magro “Tober”; Espacio sonoro Mercedes Peón;
Vestuario Ruth D. Pereira; Espacio escénico Roberto Oliván; Asesoría mágica Mago Antón;
Creación audiovisual Fiumfoto; Iluminación Baltasar Patiño; Bailarines Alexis Fernández Ferrera,
Hannah Shakti Buhler, Gabriela Mathé, Kirenia Martínez Acosta, Nuria Sotelo Rodríguez, Ana Beatriz
Pérez Enríquez, Lenka Bartunkova, Álvaro Esteban López, Jordi Vilaseca Lorite, Anna Calsina
Forrellad, Natxo Montero Matia y Henrique Peón.
Roberto Oliván presenta este trabajo después de una
larga estancia en Bruselas donde desarrolla su actividad artística como intérprete y creador al lado de
grandes profesionales de la danza contemporánea
como Anne Teresa de Keersmaeker, Josse de Pauw,
Trisha Brown y Robert Wilson. Desde 1996 crea sus
propias coreografías e imparte clases en varios centros
europeos. En 2001 funda su compañía Enclave Dance
Company con la que llevó al Mercat de les Flors su
espectáculo De Farra, hace dos temporadas, y la coproducción Homeland en el año 2007.
Concepto, coreografía e interpretación Olga Mesa; Espacio sonoro Colaboración en proceso; Diseño de luces Isabelle Fuchs; Vídeo Olga Mesa; Realización montaje vídeo
y documentación Matthieu Holler; Director técnico Christophe Lefébvre; Responsable de producción y difusión Isabelle Fuchs; Producción Cie Olga Mesa/Association Hors
Champ-Fuera de Campo; Coproducción Culturgest (Portugal), Centro Choreographique National de Tours (Francia), O Espaço do Tempo (Portugal); Con el apoyo de Ville de
Strasbourg (Francia), Drac Alsace (Francia), Culturesfrance. Agradecimientos FRAC Lorraine Metz (Francia).
26 27
28
marzo
20.30 h
Olga Mesa
Solo a Ciegas (título provisional)
PAÍS España DURACIÓN sin determinar AFORO limitado
Solo a Ciegas, ¿por qué este título? Quizás porque mi
mirada quiere situarse de nuevo en el cuerpo a través de
una práctica sutil, comprometida, (no) visible y arriesgada en el espacio, simplemente. Sé que esto es sólo un
principio posible en donde comenzar a esbozar un paisaje de memorias escondidas, en donde buscar la historia
de una presencia que se desprende de su propia imagen
y su propia formulación. (Olga Mesa. Dedicado a Antón
y Angelina).
Para Olga Mesa un solo es la oportunidad de retomar el
pulso íntimo de la investigación, entrar en contacto con
la esencia del trabajo, cuestionar las necesidades, las
reflexiones y los posicionamientos de la creación actual.
Su trabajo trata de buscar espacios donde el intérprete
hace visible un estado íntimo y personal, sin estar necesariamente en un estado de representación.
Coreógrafa y artista visual asturiana, Olga Mesa estudia
danza, música y teatro en España y Francia. La obtención
del segundo premio en el Concurso Coreográfico de
Madrid le permite acceder a una beca de un año de estudios en el Merce Cunningham Studio de Nueva York. En
1992 fundó su propia compañía en Madrid. Desde entonces ha creado trece piezas coreográficas, a menudo
unidas bajo grupos temáticos como la trilogía Res, non
verba / Las cosas, no las palabras (1996-1999) o el proyecto Más público, más privado iniciado en 2001. La mayor
parte de las veces, Olga Mesa ha desarrollado su trabajo
durante residencias artísticas y en coproducción con
numerosos festivales e instituciones europeos e internacionales. Paralelamente a sus creaciones escénicas lleva a
cabo talleres y laboratorios de creación a través del cuerpo como soporte narrativo de experimentación, realizando
una práctica multidisciplinar de reflexión y pensamiento.
28 29
3
abril
20.30 h
Theo Hakola & The Wobbly Ashes
Concierto “Sung Words and
Feed-Back”
PAÍS Francia-Estados Unidos DURACIÓN 1 h 30 min
Theo Hakola & The Wobbly Ashes, estrenan en el Teatro
de la Laboral el concierto Sung Words and Feed-Back.
Sus temas, mezcla del country, del punk y del rock,
ofrecen una energía eléctrica elegante, aportando una
visión anticonformista de Estados Unidos y de la Guerra
Civil española, lugares y acontecimientos que marcaron
su obra.
Renaud Monfourny
Músico, escritor y actor, Theo Hakola se dio a conocer
en la escena rock francesa con dos grupos calificados
de “culto”, Orchestre Rouge y Passion Fodder, y él
mismo se declara afín al estilo de Bob Dylan y de Nick
Cave, con quien hizo amistad y compartió una gira
internacional a finales de los años 90.
Guitarra y voz Theo Hakola; Guitarra Marc Texier; Violín Bénédicte Villain; Bajo Laureline
Prodhomme; Batería Cyril Bilbeaud; Coordinación Diane Lara.
En la actualidad, Theo vive en París y reparte su tiempo
entre la música, la literatura y el teatro. Su country-punkrock al igual que su obra literaria siguen conmoviendo
la opinión de la crítica.
Debido al vínculo tan estrecho de este músico con la
literatura, su concierto está programado como antesala
del Festival Internacional de Spoken Word Palabra y
Música, que tendrá lugar los días 4, 5 y 6 de abril.
30 31
4.5.6
abril
20.30 h
PALABRA Y MÚSICA
IV FESTIVAL INTERNACIONAL DE
SPOKEN WORD
PAÍS España
El festival Palabra y Música está dedicado al spoken word, un género prácticamente desconocido en nuestro país hasta hace unos
años. En esta cuarta edición de 2008 amplía su campo de acción y
a la sede que ha acogido el Festival durante tres años se suma el
Teatro de la Laboral de Gijón, dentro de la programación de Laboral
Escena. El cartel de esta edición habla por sí solo y continúa su
nivel ascendente con el espléndido listado que se presenta este
año que contará, entre otros artistas, con Henry Rollins, absoluto
pionero venido del mundo del rock con más de una docena de
álbumes de spoken word, quien para esta ocasión se presenta en
solitario; el grupo holandés Veenfabriek, que actuará junto a los
poetas asturianos Pablo Texón y Sofía F. Castañón; Willie Vlautin,
cantante del grupo de country alternativo Richmond Fontaine; Mr.
Master y Sr. Mansilla, resultado de la unión del poeta y dramaturgo
barcelonés Fernando Mansilla con el colectivo de composición
musical sevillano Master y Mister (M+Mr); y Miriam Reyes, una de
las máximas representantes del spoken word en España.
Palabra y Música no es un festival de poesía con música de fondo,
ni un ciclo de música con contenido poético. Es un festival de spoken word, ese género híbrido de espíritu beat en el que se unen
recitados de textos (poesía, prosa o prosa poética) con música concebida única y exclusivamente para acompañar a esas palabras. O
viceversa. En el spoken word el texto es el protagonista, pero la
música se convierte en un elemento indisoluble, sin el que la palabra no tiene el mismo sentido.
El festival Palabra y Música pretende difundir y profundizar en el
conocimiento de este género, y llega a su cuarta edición con una
selección rigurosa que reúne a clásicos de altísimo nivel con artistas emergentes que comienzan a cultivar este estilo en nuestro
país.
Por primera vez, la ciudad de Gijón, y en concreto el Teatro de la
Laboral acoge el festival Palabra y Música dentro de la programación de Laboral Escena.
Concepto y dirección Colis&Jalbas Entertainment; Producción Primeros Pasitos; Dirección artística Silvia Grijalba y Javier Colis; Comunicación Palabra & Música Joan Vich y Jorge Obón;
Webmaster La Piel Suave.
Las actuaciones de los artistas internacionales serán subtituladas
para facilitar la comprensión de los textos por parte del público
asistente.
32 33
John Cooper Clarke
Mito de la escena post-punk de Manchester (fue telonero de Joy Division y The
Fall y hace un cameo en la película Control de Anton Corbijn, sobre la vida de
Ian Curtis), el poeta punk por antonomasia, genio loco y eslabón del costumbrismo británico entre Oscar Wilde y Jarvis Cocker ofrecerá en el Teatro de la
Laboral un espectáculo de spoken word con acompañamiento musical. Su
influencia ha llegado incluso hasta recién llegados a la escena musical como
los Arctic Monkeys, que incluyeron poemas suyos en el libreto interior de su single de 2007 Fluorescent adolescent e incluso basaron el guión del video de la
citada canción en uno de esos poemas.
Willie Vlautin. Palabra y Música 2008
Mr. Master y Sr. Mansilla
PALABRA Y MÚSICA IV FESTIVAL INTERNACIONAL DE SPOKEN WORD
contará, entre otros, con la presencia de los siguientes artistas:
Henry Rollins
El artista se presenta en solitario en el Teatro de la Laboral para dar continuidad a su serie de trabajos titulados Talk is Cheap. Absoluto pionero del
spoken word, Henry Rollins es cantante, compositor, editor, artista de spoken
word, escritor y actor norteamericano. Director de numerosos programas de
radio y televisión y componente primero del grupo Black Flag y posteriormente de The Rollins Band, en 1995 centra su carrera como artista de
spoken word.
El poeta y dramaturgo Fernando Mansilla y el grupo musical Mister Master
(M+Mr) se unen para presentar el espectáculo El Espía de los Grillos, con
Mister Mora al contrabajo, Master Navarro al saxo y Señor Mansilla al micrófono. Una producción del Teatro Lope de Vega de Sevilla que nos hará
adentrarnos en las profundidades inexploradas de la literatura de baile.
Miriam Reyes
Es una de las máximas representantes del spoken word en España, heredera
de artistas como Laurie Anderson. Entiende la lectura oral como una representación en la que se unen la imagen, el sonido y la voz como potenciadores de
la palabra y multiplicadores de significados.
Veenfabriek
Se presenta como resultado de la colaboración entre Laboral Escena y el propio Festival con una producción exclusiva, Track Poetry, que el grupo holandés
realiza junto a los poetas asturianos Pablo Texón y Sofía F. Castañón. Track
Poetry es un concierto poético y accesible en el que no se rechaza la confrontación entre palabra y música. Para esta ocasión Veenfabriek unirá su música al
recital de Pablo Texón, en asturiano, y de Sofía F. Castañón, en castellano.
Pablo Texón, profesor de lengua castellana y literatura, ha publicado varios libros
de poemas que han sido musicados por cantantes de la región. Desde el comienzo de su vida literaria se ha caracterizado por la defensa del asturiano. Sofía F.
Castañón ha dirigido varios videoclips y forma parte del grupo literario Versativa.
Ganadora del Premio Asturias Joven de Poesía, colabora con distintas publicaciones asturianas.
Willie Vlautin
El cantante del grupo Richmond Fontaine se presenta en el Festival, acompañado de steel guitar para ofrecer un espectáculo basado en su novela Vida de
Motel, reflejo de un mundo lleno de referencias a la vida marginal americana y
a la escuela del realismo sucio que va de Charles Bukowski a Raymond Carver.
Su música se basa en el country alternativo influenciado tanto por el rock con
raíces de The Blasters, como por la explosión de ruido de Hüsker Dü.
11
abril
20.30 h
Tom Zé e Banda
Danç-Êh-Sá - Dança dos
Herdeiros do Sacrifício
PAÍS Brasil DURACIÓN 1 h 10 min
La búsqueda de nuevas formas en el ritmo brasileño es una
constante en el trabajo de Tom Zé, quien actúa por primera vez
en Asturias.
Sus conciertos se podrían clasificar como mezcla entre teatro
y música, y siempre con la intención de trasladar el mensaje
de sus letras con un toque de humor. Para Tom Zé somos
herederos del sacrificio de los esclavos africanos a los que se
debe la creación de una cultura nueva que conlleva la aparición de un arte, una música y una tradición.
Este trabajo, calificado por la crítica como el mejor disco de los
últimos años, confirma a Tom Zé como uno de los mejores
compositores de música brasileña.
Tom Zé comienza en el mundo de la música interesándose por
los sonidos de la guitarra clásica, estudios que completa ingresando en la Escola de Música da Universidade Federal da Bahia
que cuenta entre su profesorado de la época con la presencia
de Ernst Widmer, Walter Smetak y el dodecafonista Hans
Joachim Koellreutter. En los años 60 forma parte del movimiento “tropicalista” (junto a Caetano Veloso, Gilberto Gil, Gal Costa,
Os Mutantes y Nara Leao), que culmina con la publicación del
disco colectivo “Tropicalia” en 1967. En los años posteriores
continuó avanzando en su concepto de pop experimental.
Ándré Conti
Voz y guitarra Tom Zé; Batería Lauro Léllis; Bajo y voz Daniel Maia; Teclados y voz Cristina Carneiro; Percusión, cavaquinho y voz Jarbas Mariz; Guitarra eléctrica y voz Sérgio
Caetano; Voz Luanda.
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A finales de los años 80 es “descubierto” por el músico británico David Byrne, quien edita un recopilatorio del artista, con
gran éxito entre el público y la crítica. En 1992 graba The Hips
of Tradition, primer disco con material original tras ocho años
sin grabar. A partir de este momento Tom Zé pasa a llenar
escenarios en toda Europa, Estados Unidos y Brasil, especialmente a partir del lanzamiento de su álbum Com Defeito de
Fabricação, en 1998.
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24
abril
20.30 h
Meredith Monk
Meredith Monk & Vocal Ensemble
PAÍS Estados Unidos DURACIÓN 1 h 10 min
con un intermedio de 15 min
En esta ocasión Meredith Monk colabora con algunos
de los intérpretes más brillantes de la escena musical
actual, unidos bajo el nombre de Vocal Ensemble,
cuyas actuaciones unen tradiciones artísticas muy
diversas incluyendo desde la ópera china y occidental,
hasta los musicales de Broadway, el teatro musical y las
performances.
Bunko
MEREDITH MONK & VOCAL ENSEMBLE IN CONCERT
De la unión de la música y el movimiento, la imagen y
el objeto, y la luz y el sonido nace la música de Meredith
Monk, compositora, cantante, coreógrafa y pionera de
la “técnica vocal extendida” y de la “performance interdisciplinaria”. Su exploración de la voz como
instrumento, como lengua elocuente en sí misma,
amplía los límites de la composición musical, creando
paisajes sonoros que descubren sentimientos, energías, y memorias para las que no existen palabras.
Durante una carrera de más de 40 años, los críticos y el
público han aclamado a Meredith Monk como una de
las fuerzas creativas más importantes de las artes escénicas. Desde su graduación en el Sarah Lawrence
College en 1964, Meredith ha recibido numerosos
galardones a lo largo de su carrera, incluyendo la concesión del Genio de MacArthur en 1995, dos becas de
Guggenheim, un premio de las Artes Brandeis, tres
Obies, dos premios Villager de Nueva York, dos premios Bessie, y el premio Nacional de Teatro en Estados
Unidos. En 1968 Monk crea The House Foundation, una
compañía dedicada al enfoque interdisciplinario de la
performance. Los proyectos actuales incluyen nuevos
trabajos para el Vocal Ensemble y obras de teatro.
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L.E.V. 2007
2.3
mayo
L.E.V. FESTIVAL
Piru de la Puente
PAÍS España
L.E.V. o Laboratorio de Electrónica Visual es un espacio
en el que la música electrónica y la imagen se unen
como nueva forma de expresión artística para acercar al
público una selección de los trabajos más interesantes
de creadores locales e internacionales, tanto de jóvenes talentos como de artistas ya consagrados.
El Festival, concebido y desarrollado por el colectivo
asturiano Datatrón 0x3F, compuesto por Fiumfoto
(Nacho de la Vega y Cristina de Silva) y Francisco
Suárez, vuelve en su segunda edición a la Ciudad de la
Cultura gracias a la colaboración de Laboral Escena y
LABoral Centro de Arte y Creación Industrial.
En esta ocasión, a LABoral Centro de Arte, escenario de
la primera edición del Festival, se unen dos nuevos
espacios: la antigua iglesia de la Laboral y el reformado
Teatro.
En el año 2007 el Festival contó con el directo audiovisual de Plaid & Bob Jaroc, el trabajo “History of
Electricity” de Alexander Hacke & Danielle de Picciotto,
los directos de Mouse on Mars o Apparat, y las muestras de nuevos talentos como Lego my Ego, .tape. o
Fuss!. Estos artistas son una pequeña muestra del
especial planteamiento artístico del L.E.V.
El L.E.V. Festival es una producción conjunta de Laboral
Centro de Arte y Creación Industrial, Laboral Escena y
el colectivo Datatrón 0x3F.
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Del 2 al 8
mayo
Ray Lee
Siren
PAÍS Reino Unido DURACIÓN 40 min LUGAR Iglesia de la Laboral
HORARIO día 2 (23.30 h) y día 3 (21.00 h) como programación del
L.E.V. Resto de días: horario por determinar AFORO limitado
La instalación para Laboral Escena se ubica en la
Iglesia de la Laboral. El público puede moverse libremente por el espacio y experimentar las diferentes
perspectivas acústicas y visuales de la obra.
Ray Lee, creador de la instalación, ha estado trabajando durante los últimos veinte años en proyectos que
requieren instalaciones similares a la que presenta con
Siren. Su trabajo se vincula siempre con la fascinación
por el mundo de la radiación electromagnética y en particular con la generación del sonido.
Steven Hicks
Performers Ray Lee, Harry Dawes; Técnico Tony James.
Siren es un espectáculo formado por giros, movimientos mecánicos, sonido electrónico y luz. En un espacio
diáfano, veintinueve trípodes metálicos con brazos rotativos giran sobre sí mismos impulsados por motores
eléctricos. El resultado es un espectáculo de luz, música y movimiento constante a más de tres metros de
altura.
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3.4
mayo
21.00 h
Gisèle Vienne
Kindertotenlieder
PAÍS Francia DURACIÓN 1 h 15 min AFORO limitado.
Mathilde Darel
3 mayo dentro de la programación del L.E.V.
Creación Gisèle Vienne; Textos y dramaturgia Dennis Cooper; Música Stephen O’Malley, Peter
Rehberg / KTL; Interpretado y creado en colaboración con Jonathan Capdevielle, Margrét Sara
Gudjónsdóttir, Elie Hay, Guillaume Marie, Anja Röttgerkamp / Anne Mousselet; Concepción de los
robots Alexandre Vienne; Creación de las muñecas Raphaël Rubbens, Dorothéa Vienne-Pollak,
Gisèle Vienne, asistidos por Manuel Majastre; Creación de las máscaras de madera Max
Kössler; Luces Patrick Riou; Maquillaje Rebecca Flores; Peluquería de las muñecas Yury
Smirnov; Traducción de textos Laurence Viallet; Productor asociado DACM; Coproducción Le
Quartz - Scène Nationale de Brest, Centre Chorégraphique National de Franche-Comté à Belfort
dans le cadre de l’accueil-studio, Centre National de danse contemporaine d’Angers, Les
Subsistances/ 2007/ Lyon. Con el apoyo de Drac Rhône-Alpes / Ministère de la Culture et de la
Communication – of the Région Rhône-Alpes – de Dicream / Ministère de la Culture et de la
Communication - of Etant donnés: The French-American Fund for the Performing Arts, a Program
of FACE. Con la colaboración de Centre Chorégraphique National de Montpellier LanguedocRoussillon and Point Ephémère in Paris. Agradecimientos Les Ateliers de construction du Théâtre
de Grenoble, Didier Boucher, Patric Chiha, Etnies, Simone Hoffmann, Antoine Masure, Minijy/Clara
Rousseau, Séverine Péan, Sophie Metrich, le Théâtre de l’Odéon – Paris, Jose Enrique Ona Selfa
pour les costumes Loewe, Troubleyn/ Jan Fabre and Mark Geurden, Enrique Urrutia, Remy Vidal,
Alexandre Vienne, Jean-Paul Vienne, y Esther Welger-Barboza.
Kindertotenlieder es una pieza de danza con música en
directo que invita a examinar la interpretación de la realidad y la fantasía para cuestionar los miedos y las
obsesiones. Sobre el escenario, dos adolescentes dentro de un grupo experimentan esta confusión entre
ficción y realidad mientras asisten a una especie de
concierto para un entierro. La música interpretada por
Stephen O'Malley y Peter Rehberg, es una sintonía tranquila, oscura y poderosa, que lleva a los espectadores
a una confusión entre lo que ven y lo que en realidad se
representa. El escenario se convierte en foco de desconcierto entre realidad y ficción al ofrecer al mismo
tiempo un concierto y una representación de danza.
El trabajo de Gisèle Vienne se centra en la relación
entre cuerpos naturales y artificiales. En este trabajo se
explora la utilización del cuerpo en la iconografía tradicional austriaca y la confusión que existe entre los
acontecimientos reales y aquellos que forman parte de
los rituales y las fantasías colectivas.
Gisèle funda en 1999 con Etienne Bideau-Rey la compañía de danza De l'Autre Côté du Miroir (DACM) con el
objetivo de contribuir a la relación entre la danza, el teatro y las formas artísticas multimedia.
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9
mayo
20.30 h
La Carnicería Teatro
Arrojad mis cenizas sobre Mickey
© Christian Berthelot
PAÍS España DURACIÓN 1 h 20 min
Con un lenguaje teatral sorprendente, esta obra es calificada por su autor como íntima e inmediata. Los
actores ponen de manifiesto en el escenario los rituales
de la vida cotidiana. El resultado es una obra austera,
en contra del mercado que sigue reclamando ruido, violencia y militancia antiglobal.
La interrelación entre ideas inconclusas, mensajes contradictorios e imágenes que siempre ocultan algo,
pretende conseguir el asombro del público ante un
espectáculo corrosivo e inteligente.
Rodrigo García no sólo es "el autor de textos que estallan como bombas", es también videasta, performer y
director de escena. Creador atípico, conjuga en sus
espectáculos elementos del pasado y de la cultura
popular de hoy en día. Desde 1989 es el director artístico de la compañía La Carnicería Teatro, pero la gran
fuerza de este artista está en ser un hombre de a pie y
en hacer circular con pasión las ideas y las emociones
que agitan a la nueva generación.
Textos y dirección Rodrigo García; Asistente de dirección John Romão; Actores Juan Loriente,
Núria Lloansi y Jorge Horno; Iluminación Carlos Marquerie; Diseño de proyecciones Ramón
Diago; Vestuario Jorge Horno; Vídeo de paracaidismo David Nimo y Núria Lloansi; Dirección técnica Roberto Cafaggini y J.P. Timouis; Coproducción La Carnicería Teatro, Théâtre National de
Bretagne/Rennes, Bonlieu-Scène Nationale d’ Annecy.
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Richard Haughton
3.4
junio
20.30 h
Grupo Acrobático de Tánger
Taoub
PAÍS Marruecos DURACIÓN 55 minutos
Tejido en árabe, ese el significado de Taoub, y esa es la
idea que quiere transmitir este espectáculo en el que
doce acróbatas forman un verdadero tejido humano.
El acróbata-actor se convierte en creador de acciones
con el objetivo de investigar mediante sus movimientos
las relaciones de solidaridad y competición.
El Grupo Acrobático de Tánger concibe el espectáculo
como un teatro de acción, no de palabras, en el cual lo
importante es la psique del actor y su capacidad para
actuar en el espacio. El grupo se convierte en la unión
de los acróbatas y el espectáculo es el resultado de la
fusión del trabajo de cada uno.
El director de la compañía, Aurélien Bory, es una figura
pionera en la danza contemporánea y el nuevo circo de
Francia. En toda su obra añade un toque del siglo XXI
al arte marroquí, uniendo las acrobacias tradicionales
junto con la performance en una exploración de la cultura norteafricana.
Concepto, dirección y textos Aurélien Bory; Intérpretes Jamila Abdellaoui, Mohcine Agni,
Abdeslam Brouzi, Adel Chaaban, Abdelaziz El Haddad, Najib El Maimouni Idrissi, Amal Hammich,
Mohammed Hammich, Younes Hammich, Samir Lâaroussi, Yassine Srasi, Younes Yemlahi, y Joël
Abriac / Cécile Herault. Asistente de dirección y técnico de vídeo Pierre Rigal; Trampolín Julien
Cassier; Creación luz Armo Veyrat; Directores de escena Joël Abriac / Cécile Hérault; Vestuario
Mahmoud Tabit Ben Slimane; Manager Sanae El Kamouni; Administración Florence Meurisse,
Delphine Justumus y Audrey Gautron.
Una producción de Institut Français du Nord; Con el apoyo de Service de coopération et d’action
culturelle de l’Ambassade de France au Maroc. Con la ayuda de Compagny 111, Organisation
Internationale de la Francophonie y La Ferme du Buisson - scène nationale de Marne la Vallée.
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22
junio
20.30 h
Ballet de la Ópera de Lyon
Limb’s Theorem
PAÍS Francia DURACIÓN 1 h 22 min con intermedios: Limb’s I (28
Michel Cavalca
min), intermedio (20 min), Enemy in the figure (29 min), intermedio
(20 min), Limb’s III (25 min)
Director Yorgos Loukos; Coreografía William Forsythe; Manager General Thierry Leonardi; Maîtres
de ballet Jocelyne Mocogni y Pierre Advokatoff; Bailarines Coralie Bernard, Eneka Bordato, Alexis
Bourbeau, Fernando Carrión Caballero, Benoît Caussé, Maïté Cebrián Abad, Bruno Cezario, LouisClément Da Costa, Dorothée Delabie, Marie-Laetitia Diederichs, Amandine François, Peggy Grelat
Dupont, Yang Jiang, Caelyn Knight, Misha Kostrzewski, Franck Laizet, Sora Lee, Hongjun Li, Laura
Marín, Francesca Mattavelli, Yu Otagaki, Jérôme Piatka, Marketa Plzakova, Kevin Quinaou, Caroline
Rocher, Jaime Roque De la Cruz, Corey Scott-Gilbert, Julie Tardy-Dupeyron, Denis Terrasse y Pavel
Trush; Música Thom Willems; Decorados Michael Simon (Limb’s I , Limb’s III), William Forsythe
(Enemy in the figure); Iluminación William Forsythe y Michael Simon; Realización Noah D. Gelber,
Jill Johnson y Christopher Roman; Pianista Eric Dartel; Manager Compañía Eleni Loukou;
Secretaria Caroline Villedieu; Regidor de escenario Valentina Bressan; Regidor de luces Eric
Chatelon, Christophe Mangilli; Regidor de sonido France Breil; Vestuario Chantal Frick Cloupet.
Presidente de la Ópera de Lyon Jacques Vistel; Director General de la Ópera de Lyon Serge
Dorny.
La Opera Nacional de Lyon está subvencionada por el Ministerio de Cultura y Comunicación, la
Ciudad de Lyon, el Consejo Regional Rhône-Alpes y el Consejo General del Rhône.
Limb’s Theorem es un poema sobre la visión y la percepción,
un equilibrio entre lo intelectual y lo corporal, el aislamiento y
la conexión, lo mecánico y lo humano.
El coreógrafo William Forsythe explora en esta obra el abandono total del cuerpo en el espacio. Bajo el dominio de la
música, los bailarines intentan afirmarse en un medio gigantesco que les amenaza. El movimiento se convierte en un
refugio, en una vía de escape del propio cuerpo mientras la luz
se interrelaciona con los bailarines que se mueven dentro y
fuera de las sombras realizadas por un inmenso proyector.
Esta luz, realmente singular en esta coreografía, hace estallar
y crea contrastes en el espacio, divide la escena, empequeñece o agranda las figuras y los grupos de bailarines sumergidos
en una atmósfera cegadora y oscura. Los movimientos se
vuelven casi irreales y los cuerpos se evaporan.
William Forsythe, coreógrafo de esta obra, es uno de los más
influyentes en el ballet contemporáneo. Sus obras siempre se
basan en la técnica clásica, que suele llevar hasta el límite, y
poseen un carácter muy teatral por la utilización que hace de
los efectos escénicos.
El Ballet de la Ópera Nacional de Lyon ha desarrollado, durante casi veinte años, un repertorio de danza contemporánea de
excepcional calidad con obras de Jiri Kylian, Trisha Brown,
Mats Ek, William Forsythe y Ohad Naharin, quienes han dado
a esta compañía un reconocimiento mundial. Cada temporada se enriquece también con las creaciones del director de la
compañía desde 1998, Yorgos Loukos.
Talleres
Rafael Gavalle
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7 . 8 . 9 . 10
abril
10.00 a 15.00 h
Taller de Creación, Composición
y Experimentación Musical
Dirigido e impartido por Tom Zé
PAÍS Brasil PRECIO 50 €
Crear y ejecutar piezas musicales en uno o más movimientos. Este es el objetivo central del taller que parte de la
relación entre la música tradicional del nordeste brasileño y
la música asturiana.
Además del uso de la voz como instrumento, se utilizarán
instrumentos tradicionales asturianos y brasileños, así como
elementos industriales y naturales que Tom Zé usa habitualmente (esmeril, hoja de ficus, agua...). A través de estos
elementos se propone la investigación de timbres, sonidos,
melodías y ambientes, basándose en el proceso de creación
que utiliza el compositor brasileño, en el que la originalidad,
el riesgo y la experimentación son fundamentales.
El taller está dirigido a diez músicos y compositores de cualquier estilo y formación musical (clásica, folclórica, vocal,
jazzística, rockera, electrónica, etc.), elegidos por Tom Zé a
partir de un pequeño currículum, una carta de motivación y
de una a tres obras grabadas.
Ándré Conti
Por la singularidad de la propuesta y el eclecticismo de los
elementos que serán utilizados, lo fundamental para la participación en este taller será la predisposición de los
músicos a abandonar sus fórmulas para abrirse al proceso
creativo y experimental de trabajo que Tom Zé planteará.
La estancia de Tom Zé en Gijón también es motivo para el
encuentro del artista brasileño con el productor y director
asturiano Ígor Iglesias, quien realiza un largometraje documental bajo el título provisional Tom Zé en Asturias, que
cuenta con el apoyo de Laboral Escena.
Rafael Gavalle
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LÍNEAS DE AUTOBUS
A LABORAL ESCENA
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