Buscando la libertad

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Buscando la libertad
Conciertos para Escolares
FUNDACIÓN CAJA MADRID
12 / 16 años
Buscando la Libertad
Un recorrido por la historia de la música afroamericana
Ángela Cervantes, voz
Marta Sánchez, piano
Pablo Martín, contrabajo
Noah Shaye, batería
Guía Didáctica
Ana Casado
BUSCANDO LA LIBERTAD
Conciertos para Escolares de la Fundación Caja Madrid
2010-2011
Índice
INTRODUCCIÓN: Buscando la Libertad
3
ORÍGENES DE LA MÚSICA AFROAMERICANA
4
RASGOS PROPIOS
5
ESTILOS
o La canción de trabajo o worksong
o El espiritual
o El gospel
o El blues
o El jazz
o El Rhythm ‘n’ Blues (R & B)
o El soul
o El funk
o El soulpop
o El nusoul y el hip hop
6
7
7
8
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11
11
12
12
PROGRAMA DEL CONCIERTO
13
o En el concierto escucharemos…
14
ACTIVIDADES
1. E, Macumbábebe
2. Ritmos y cantos de llamada y respuesta
3. Blues
4. Instrumentos
5. Sit down, sister
20
21
22
23
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FILMOGRAFÍA Y BIBLIOGRAFIA
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Guía didáctica de Ana Casado
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BUSCANDO LA LIBERTAD
Esta guía didáctica que acompaña al concierto tiene como finalidad explicar
de forma clara y amena la historia de la música afroamericana desde sus
orígenes hasta la actualidad, realizando un recorrido por las principales
corrientes y estilos de la misma.
Desde la Canción de Trabajo o worksong entonada por los esclavos llevados
por la colonización europea a Norteamérica, descubriremos los Espirituales, el
Gospel, Rythms & Blues, Soul, Funk y el Hip Hop, en definitiva, la evolución de
una música con unas características propias que ha sobrevivido al paso del
tiempo y cuyas últimas manifestaciones son bien conocidas por los escolares
que asistirán.
Daremos las claves para comprender la importancia social y el significado de
esta música -marcada por el espíritu de la protesta y la denuncia de las
injusticias- para una comunidad que vivió años de opresión, racismo y
segregación racial y que ha influenciado enormemente en la música
contemporánea actual.
También repasaremos las características propias de cada uno de los estilos
que se interpretarán en el concierto a través de algunas de las piezas e
intérpretes más representativos de cada una de sus etapas.
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Orígenes de la música afroamericana
La música afroamericana (también llamada música negra) es un término
dado a una serie de géneros musicales que proceden o están influenciados
por la cultura de la comunidad afroamericana, que desde hace mucho
tiempo constituye una importante minoría étnica de la población
Estadounidense.
En Estados Unidos la esclavitud fue legal desde 1654 hasta 1865. Se desconoce
el número exacto de africanos transportados al Nuevo Mundo mediante
barcos de esclavos, aunque se calcula que entre 10 y 15 millones de africanos
fueron llevados a la fuerza a las colonias del continente en Norteamérica para
trabajar como esclavos.
A pesar de que los africanos capturados no podían llevarse consigo objetos
materiales, conservaban recuerdos de las tradiciones culturales propias, la
música y las canciones típicamente polirrítmicas africanas que habían dejado
atrás y transmitieron ese legado a sus hijos. De esta manera, la importancia
que se concedía a la música y el baile en África se conservó entre los esclavos
de las colonias, en las canciones que cantaban en sus fiestas tradicionales y
de baile.
Los africanos viajaban al Nuevo Mundo encadenados, despojados
hasta de la ropa, y aquellos que llegaban a las colonias del
continente quedaban por lo general separados de sus familias y
comunidades.
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Rasgos propios
Aunque los esclavos llegados a Norteamérica procedían de diferentes lugares
de África y por tanto tenían culturas musicales distintas, todos ellos compartían
bastantes rasgos comunes como para constituir un patrimonio reconocible
para los africanos del Nuevo Mundo.
Con el tiempo, en los Estados Unidos, los usos y costumbres de los esclavos se
fusionaron con las de los blancos, y las múltiples tradiciones culturales africanas
fueron mezclándose progresivamente con otras músicas tradicionales
europeas dando lugar a toda una serie de estilos. De este modo, la música
africana influirá sobre la blanca y viceversa.
Algunos de las características comunes a la mayoría de estilos musicales
afroamericanos incluyen:
•
•
•
•
•
•
Llamada y respuesta (call and response) Un cantante recita una frase y
el grupo la repite después de él
Importancia del baile
Importancia del ritmo y por ello de la percusión, realizada a veces con
el propio cuerpo.
La improvisación. Muchas de las canciones se inventaban en el
momento o usaban un tema conocido que variaban repentizando.
Vocalidad (o efectos especiales de voz): efecto gutural, falsete,
melisma (sílabas extendidas), etc.
La polirritmia (ejecución de dos ritmos musicales diferentes de manera
simultánea), la síncopa (prolongación del sonido de una nota ubicada
en la parte débil de un compás hasta otra parte de igual o mayor
intensidad) y el contratiempo (ejecución de sonidos en las partes no
acentuadas del compás)
Cronología de los estilos de música afroamericanos:
SIGLO
AÑO/DÉCADA
XVII
XVIII
1654
XIX
ESTILO
ACONTECIMIENTO HISTÓRICO
Legalización de la esclavitud en Norteamérica
Worksong
1775 - 1783
Guerra de Independencia de las colonias
1861-1865
1865
Guerra de Secesión norteamericana (guerra civil)
Abolición de la esclavitud en Norteamérica
Espiritual
Gospel
Blues
XX
Jazz
1939-1944
Años ‘50
Años ‘60
Años ‘70
Años ‘80
Años ‘90
Segunda Guerra Mundial
R&B
Soul
Hip hop (orígenes)
Funk
Soulpop
Nusoul
Nuevo hip hop
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La canción de trabajo o worksong
Desde un principio, las colonias del sur ostentaron un número mucho mayor de
esclavos que las del norte, debido a que una parte fundamental de su
economía se basaba en el cultivo del tabaco y el algodón. Cuando los
esclavos aprendieron el idioma de sus captores, adaptaron sus canciones al
inglés, naciendo así las primeras canciones de trabajo o worksongs, que
entonaban para marcar el ritmo de los movimientos y aliviar la pesadez de sus
tareas.
Las canciones de trabajo eran canciones rítmicas entonadas a cappella (es
decir, sin instrumentos musicales acompañantes) y frecuentemente
improvisadas durante la jornada de trabajo, y que son las antecesoras del
blues. Algunas de estas canciones formaban parte de la herencia nativa de los
esclavos y servían para recordar el lugar de donde provenían, mientras que
otras fueron impuestas por los dueños de los esclavos para aumentar la moral
de los mismos y hacerles trabajar de forma más acompasada.
Estas worksongs solían tener un formato de 'llamada y respuesta' (call and
response), en el cual el cantante principal cantaba un verso, o versos -muchas
veces improvisado- y el resto lo coreaba inmediatamente después al ritmo del
trabajo.
La historia de la música afroamericana se ha forjado en la desgracia humana, en la
tristeza, pero también en el coraje y el tesón por la supervivencia de aquellos a los
que les fue arrebatada la libertad, pero no sus costumbres y tradiciones, que viajaron
con ellos.
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El Espiritual
Un espiritual (traducción de la expresión inglesa spiritual song) es un género de
canción folklórica con tema religioso de Estados Unidos que surge a finales del
siglo XVIII y comienzos del XIX a partir del contacto entre culturas diferentes.
De la mezcla de la cultura africana de los esclavos y las prácticas religiosas de
la población blanca, nacieron manifestaciones artísticas interraciales, con
ritmos característicos africanos y melodías con textos religiosos de los colonos.
Su origen se encuentra en el resurgimiento religioso que se extendió por las
colonias británicas en Norteamérica a comienzos del siglo XVIII que popularizó
los salmos e himnos cristianos que se entonaban en la iglesia y que propiciaron
un intercambio de influencias entre las comunidades blanca y negra.
Los espirituales son cantos colectivos, aunque frecuentemente existan voces
solistas. En este caso, el solista canta un verso (a veces improvisando) y el coro
lo repite de forma rítmica (call and response).
En las letras de los espirituales el mundo terrenal se entremezcla con el más
allá; por tanto, además del contenido religioso, los espirituales constituyen una
verdadera crónica de la vida de los oprimidos. Hablan del sufrimiento y de las
pruebas que hay que superar, de las luchas por la liberación, de la búsqueda
de un hogar...
El Gospel
La música gospel, es la música religiosa que surgió de las iglesias
afroamericanas en el siglo XVIII y que se hizo popular durante la década de
1930. Más generalmente, suele incluirse también la música religiosa compuesta
y cantada por cantantes cristianos sureños, independientemente de su etnia.
La palabra original es GodSpell, que en castellano se traduce como “Dios
anuncia”. A esta forma de cantar se le denominó así porque era un canto
evangélico para invitar a las personas hacia Dios. Las letras suelen reflejar los
valores de la vida cristiana.
El gospel se caracteriza por el uso
dominante de coros generalmente
a cappella que pueden contar
con uno o varios solistas y por un
uso excelente de la armonía.
El gospel negro, propiamente
afroamericano,
es
un
canto
espiritual con ritmos africanos. Los
coros son bastante numerosos y las
letras se acompañan con palmas y
un movimiento rítmico por parte de
los coristas.
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El Blues
Definición y origen
El blues (cuyo significado es melancolía o tristeza) es un género musical vocal e
instrumental, que deriva de las canciones de trabajo, de las rimas inglesas, las
baladas escocesas e irlandesas narradas, los gritos de campo y los espirituales.
Los primeros cantantes anónimos de blues eran a menudo vagabundos que
llevaban sus quejumbrosas canciones de una comunidad negra a otra.
Cantaban sus canciones acompañándose generalmente de una guitarra o
armónica, en burdeles, garitos, estaciones de ferrocarril… por ello, el blues se
asoció generalmente a gente de baja condición social, recibida
calurosamente en tabernas de barrio de luces rojas, pero rechazada por la
gente “respetable”.
Características
El blues, a partir de los años 30, suele seguir una estructura de 12 compases1 en
los que tienen una gran importancia los patrones de llamada y respuesta, que
indican la herencia africana-occidental de este género.
Se basa en el uso del acorde de tónica (I), el de subdominante (IV) y el de
dominante (V), con el empleo de las notas de blues2, que son notas alteradas
(generalmente la tercera minorizada, la cuarta aumentada y la séptima
minorizada) que chocan con los acordes que se usan en la armonía de blues
para acompañar las melodías y que forman parte de la “escala pentatónica
de blues”. Este choque armónico genera la sonoridad dramática específica
del estilo.
Un rasgo característico del blues es el uso de las técnicas "expresivas" de la
guitarra (bend, vibrato, slide), que posteriormente influirían en solos de estilos
como el rock.
El blues es el género musical que más ha influido en la música popular del siglo
XX, no sólo estadounidense sino mundial y forma parte de géneros musicales
como el ragtime3, el jazz, el bluegrass, el rhythm and blues, el rock and roll, el
hip-hop, el reagge, el ska, la música country y las canciones pop.
1
Esta es la estructura de 12 compases típica del blues en la que sólo intervienen tres acordes (tónica,
subdominante y dominante):
I7
I7 o IV7
I7
I7
IV7
IV7
I7
I7
V7
IV7
I7
I7 o V7
2
Las notas blues en la escala de DO Mayor serían: MIb – FA# - SIb
Ragtime (Ragged-time, tiempo rasgado) es un género musical estadounidense que se popularizó a finales
del siglo XIX. Se caracteriza por una melodía sincopada y un ritmo acentuado en los tiempos fuertes o
impares. El más conocido es probablemente The Entertainer, escrito por Scott Joplin en 1902.
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Contenido
Los primeros blues, con frecuencia,
tomaban la
forma
de
una
narración la cual solía transmitir
mediante la voz del cantante sus
penas personales en un mundo de
cruda realidad: un amor perdido, la
crueldad de los agentes de policía,
la opresión de los blancos y los
tiempos difíciles.
El bluesman habla de sus penas y
canta para sí mismo; no necesita un
auditorio, aunque otras personas
pueden escuchar si lo desean. El público suele identificarse de algún modo
con el sufrimiento del cantante, que usa imágenes realistas y directas, en
ocasiones con un toque de ironía o humor que suaviza la situación.
La forma original de las letras de blues es una estrofa de tres versos repetidos.
Posteriormente, su estructura cambiará a dos líneas idénticas o parecidas y
una tercera que es una afirmación que sirve de contraste y responde a la
pregunta planteada en las primeras o bien ofrece un comentario filosófico
sobre la situación.
Los instrumentos de las bandas de jazz:
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Jazz
De la fusión del blues, el ragtime, la música de banda de metales y la
sincopada de baile surgió el jazz a principios del S. XX, un género que
desarrolló su propio estilo y repertorio.
El jazz es una música orientada en torno a la voz en la que la improvisación es
un elemento clave. El intérprete es al mismo tiempo compositor, así que es la
personalidad del intérprete y su forma de improvisar lo que confiere a la
música su forma y estilo. Por ello, las partituras de jazz representan sólo el
esqueleto de lo que realmente ocurre durante la ejecución y las versiones
cambian completamente de un intérprete a otro.
El rasgo más llamativo del jazz era su sonido exótico, logrado gracias a las
melodías sincopadas, los ritmos múltiples y las notas blues. Algunos recursos
vocales frecuentes son los vibratos y los glissandos con los que los cantantes
podían pasar de una nota a otra con libertad, dándole su propio estilo sin que
importase demasiado la entonación “correcta”.
El jazz es habitualmente interpretado por formaciones muy variables, aunque
en las más comunes destaca un solista acompañado de una sección rítmica
(normalmente una batería, un contrabajo o bajo eléctrico y algún instrumento
armónico como el piano, el banjo o la guitarra).
El Rhythm ‘n’ Blues (R & B)
Rhythm ‘n’ Blues fue un término introducido por una revista en 1949 para
referirse a la música popular de afroamericanos grabada en discos y
destinada a su comunidad. Sustituyó al término discos raciales (race records)
que la industria musical había utilizado desde los años veinte para referirse a las
grabaciones de intérpretes negros y que después de la guerra mundial se
consideró ofensivo.
El R & B era el resultado de un proceso evolutivo que había tenido lugar en un
periodo de varios años a partir del blues tradicional y otros estilos de música
negra. No obstante, era un género con rasgos propios: era una música para
conjunto compuesto de voz (solista o grupo), parte rítmica (guitarra y/o bajo,
piano, percusión) y una unidad suplementaria (normalmente un saxofón y a
veces, otros instrumentos de viento). Los temas predominantes en el R &B eran
el amor y otras relaciones humanas.
El Rhythm ‘n’ Blues solía utilizar la estructura de 12 compases y los diseños
armónicos del blues, usando ritmos marcados y animados. Respecto al estilo
de ejecución, continuaba la tradición del blues y el gospel, con efectos
expresivos de la voz, improvisación y patrones de llamada y respuesta entre el
solista y el grupo. Los textos eran directos y realistas y los cantantes solían
escribir sus propias canciones, tanto la música como la letra.
El Rhythm ‘n’ Blues dio lugar rápidamente a otros estilos de música: el rock ‘n’
roll en los cincuenta, el soul en los sesenta o el disco y el funk en los setenta.
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El Soul
El soul es un género musical surgido en los Estados Unidos que proviene de la
combinación de estilos y subestilos anteriores, especialmente del gospel y el
R&B. El soul, al igual que el R&B, es la música por excelencia de los años
cincuenta en Estados Unidos.
En esa época, la población negra norteamericana apoya plenamente a los
líderes que luchan contra el racismo, lo que tiene su reflejo también en la
música. En este contexto el gospel recobra importancia y se introduce en el
mundo artístico, debido a varios cantantes de iglesia, como son Ray Charles y
Sam Cooke. Empieza así la llamada "era soul".
Los cantantes de soul expresaron a través de este tipo de música su
preocupación por las injusticias de la sociedad, el orgullo racial, la militancia
negra y las formas de protesta.
El gran éxito del soul es el haber trascendido más allá de la música
propiamente afroamericana, siendo aceptado en todo el planeta como un
estilo de masas.
El Funk
El funk es un estilo de música bailable que surgió en los Estados Unidos durante
los años 70 entre la población negra como resultado de la evolución de
algunos elementos del soul y del jazz. Su popularidad se extendió tan
rápidamente que no tardó en consolidarse como un estilo propio, y desde
aquel primer momento marcó la historia de la música de baile.
El funk se puede reconocer con facilidad por su ritmo sincopado, las líneas del
bajo muy marcadas y una percusión muy destacada.
Los instrumentos fundamentales para este estilo de música son la batería y el
bajo. Este último requiere una gran habilidad técnica por parte de los
intérpretes. Una técnica muy utilizada por los bajistas funk es el slap, que
consiste en alternar golpes del pulgar sobre las cuerdas con estiramientos de
éstas.
La guitarra funk, por su parte, es muy diferente a una metal o rock, dado que
se basa en la utilización de acordes simples alternados con rasgueos secos,
generalmente en las cuerdas más agudas, utilizando profusamente efectos
como el flanger o el wah wah.
La batería tiene una métrica y síncopas característicos desde sus inicios, que
ha influenciado a la música hip hop, al breakbeat y más tarde a la música
electrónica de baile.
Algunos de los principales exponentes del funk son Jamiroquai, James Brown,
Prince, Sly & The Family Stone, Maceo Parker, Stevie Wonder, etc.
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El Soulpop
Con la llegada de los años ‘80 la música disco empieza
a decaer y el soul resurgirá como estilo en forma de
retro soul; y ya en los ‘90 aparece lo que conocemos
como soul pop, que retoma las raíces del soul con un
sonido más puro, siendo un gran filón comercial.
Algunos de los artistas más representativos de este
género son Lauryn Hill, India Arie, Joss Stone, Macy Gray
o Alicia Keys.
Alicia Keys, cantante y compositora, está considerada la actual reina del
Rhythm & Blues y el soulpop.
El NuSoul y el Hip Hop
El NuSoul (o neo soul) es un término introducido por la industria musical en los
años 90 para describir un tipo de música que tiene sus raíces en el soul y el R &
B contemporáneo.
La base del NuSoul es el soul con un sonido poco convencional al que se le
añaden elementos del jazz, el funk, y el hip hop.
En 2007, el neo soul resurgió con la llegada del disco Back To Black de la
cantante británica Amy Winehouse, cuyo álbum pronto se colocó a la cima
de las carteleras
El hip hop surgió en Estados Unidos a finales de los años ‘60 en las
comunidades afroamericanas y latinoamericanas de barrios populares
neoyorquinos como Bronx, Queens y Brooklyn y ha seguido evolucionando
hasta nuestros días.
Actualmente, la cultura hip hop puede resumirse en los cuatro elementos
básicos que la componen: el MCing (rapping), el DJing (o turntablism,
apareciendo la figura del DJ), el breakdancing (bboying) y el graffiti. Aunque
también son importantes otras manifestaciones
como el beatbox, los murales, el beatmakin o
producción de fondos musicales ('beats') e incluso
el
streetball
(baloncesto
callejero)
o
skateboarding.
Desde un principio, el hip hop se ha mantenido fiel
al espíritu de denuncia de la música
afroamericana con letras sobre las injusticias y los
actos incorrectos, normalmente de los políticos.
Eminem irrumpió con fuerza en el año 2000 y hasta el momento es el
único MC que ha logrado conseguir un Oscar a la "Mejor Canción" por su single "Lose Yourself" de la banda
sonora de la película 8 Millas.
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Programa del concierto
ÁNGELA CERVANTES, voz
MARTA SÁNCHEZ, piano
PABLO MARTÍN, contrabajo
NOAH SHAYE, batería
ANA CASADO, guionista y presentadora
ESTILO
ARTISTA ORIGINAL
TÍTULO
Worksong
Anónimo
Audición de CD
Negro Espiritual
Mahalia Jackson
Go Down Moses
Gospel
Aretha Franklin
He’s Eye is on the Sparrow
Blues
Bessie Smith
Down Hearted Blues
Jazz
Ella Fitgerald
How High The Moon
Rythm & Blues
Etta James
At Last
Soul
James Brown
I Feel Good
Funk
Stevie Wonder
You Haven’t Done Nothing
Soulpop
Whitney Houston
Greatest Love of All
NuSoul / Hip Hop
Erykah Badu
On & On
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En el concierto escucharemos…
Espiritual: Mahalia Jackson - Go Down Moses
Go Down Moses es un espiritual que describe un pasaje del Antiguo Testamento, en el que Dios
encomienda a Moisés que ordene al Faraón de Egipto liberar al pueblo de Israel. En la canción,
el pueblo de Israel representa a los esclavos afroamericanos, mientras que Egipto y su Faraón
representan a los dueños de los esclavos.
When Israel was in Egypt's land,
Let my people go,
Oppress'd so hard they could not stand,
Let my People go.
Go down, Moses,
Way down in Egypt land,
Tell old Pharaoh,
Let my people go.
Cuando Israel estaba en tierra de Egipto,
Deja a mi pueblo irse
Bajo tan dura opresión que no podía aguantar,
Deja a mi pueblo irse.
Desciende, Moisés,
A la tierra de Egipto.
Dile al viejo Faraón
Que deje a mi pueblo irse.
Mahalia Jackson (1911 - 1972), llegó a ser una primera figura de la canción gospel en Estados
Unidos. Contaba con la tesitura de contralto y estuvo entre las primeras intérpretes de
espirituales en incorporar en su música elementos del blues.
Gospel: Aretha Franklin - He’s Eye is on the Sparrow
El estribillo de esta canción gospel habla de la
felicidad de ser libre y de saber que Jesús te
acompaña. Lo dice con estas palabras:
I sing because I'm happy
I sing because I'm free
For His eye is on the sparrow
And I know he watches over me
Canto porque estoy feliz
Canto porque soy libre
Su ojo está en el gorrión
Y sé que Él me mira
Aretha Franklin (1942) es una cantante de soul, R&B y
gospel. Apodada como "Lady Soul" o "Queen of soul",
es una de las artistas más influyentes en la música
contemporánea. A mediados de los años 60 se
consolidó como estrella femenina del soul, algo que
usó en favor de los derechos raciales en Estados
Unidos. Ha influido a decenas de artistas, como
Whitney Houston, Anastacia, Alicia Keys, etc.
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Blues: Bessie Smith - Down Hearted Blues, 1923
Bessie Smith (1894 - 1937), conocida como
la "emperatriz del blues", fue la cantante de
blues más popular de los años 20 y 30 y la
más influyente en los cantantes que la
siguieron.
Gee, but it's hard to love someone when
that someone don't love you!
I'm so disgusted, heart-broken, too; I've got
those down-hearted blues;
Once I was crazy 'bout a man; he
mistreated me all the time,
The next man I get has got to promise me to
be mine, all mine!
Trouble, trouble, I've had it all my days,
Trouble, trouble, I've had it all my days;
It seems like trouble going to follow me to
my grave.
I ain't never loved but three mens in my life;
I ain't never loved but three men in my life:
My father, my brother, the man that
wrecked my life.
It may be a week, it may be a month or two,
It may be a week, it may be a month or two,
But the day you quit me, honey, it's comin'
home to you.
Este blues trata sobre un amor fallido que no
le ha dado más que disgustos a su
protagonista. Observa la estructura típica
de dos frases iguales y una diferente en
cada estrofa.
I got the world in a jug, the stopper's in my
hand,
I got the world in a jug, the stopper's in my
hand,
I'm gonna hold it until you meet some of my
demands.
Jazz: Ella Fitgerald - How High The Moon, 1947
Ella Jane Fitzgerald (1917 1996) apodada Lady Ella y
The First Lady of Song (La
primera
dama
de
la
canción), fue una de las
cantantes más importantes
de la historia del jazz. Estaba
dotada de una voz con un
rango
vocal
de
tres
octavas, destacando su
clara vocalización y su
capacidad
de
improvisación.
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Rhythm ‘n’ Blues (R & B): Etta James - At Last, 1960
At last
my love has come along
my lonely days over
and life is like a song
I found a dream, that I could speak to
A dream that I can call my own
I found a thrill to press my cheek to
A thrill that I have never known
At last
the skies above are blue
My heart was wrapped up in clover
the night I looked at you
You smile, you smile
Ooh and then the spell was cast
And here we are in heaven
for you are mine at last
Jamestta Hawkins (1938), más conocida por su nombre artístico Etta James, es una cantante
estadounidense de géneros soul y rhythm ‘n’ blues con una voz prodigiosa. A la izquierda,
Beyonce Knowles, caracterizada como Etta. Ha sido una de las artistas que más le ha influido y
de las que más admira. También ha realizado su propia versión de “At Last”.
Soul: James Brown - I Feel Good, 1965
James Brown (1933 – 2006), que obtuvo su primer éxito
en 1956 con la canción “Please, please, please”,
mereció a finales de los 60 los títulos de “Padrino del
Soul” y “Hermano del soul nº 1”. Tuvo mucha
resonancia su manifiesto vocal de 1968 “Negro es
hermoso: dilo en voz alta: soy negro y estoy orgulloso
de serlo”.
El estribillo de esta canción soul tiene la estructura de
un blues: dos versos iguales y un tercero que cierra la
estrofa.
I feel good, I knew that I would now
I feel good, I knew that I would now
So good, so good, I got you!
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Funk: Stevie Wonder - You Haven’t Done Nothing, 1974
Stevie Wonder (1950), es un cantante, compositor, productor discográfico, músico y activista
social estadounidense. Ciego desde la infancia, Wonder se ha convertido en uno de los más
exitosos y reconocidos artistas en la Motown, con más de 100 millones de discos vendidos y 24
premios Grammy. Wonder toca diversos instrumentos como la batería, bajo, congas, y, más
notablemente el piano, la armónica y el teclado.
Esta canción escrita, producida y grabada por Stevie Wonder contó con la colaboración en los
coros de los Jackson Five, grupo al que pertenecía un joven Michael Jackson (en la foto con
Wonder). A continuación hay un fragmento traducido de la canción, que es una crítica a la
gestión del Presidente de los EEUU, Richard Nixon, el cual dimitió del cargo ese mismo año por el
escándalo “Watergate”.
We are amazed but not amused
By all the things you say that you'll do
Though much concerned but not involved
With decisions that are made by you
Estamos sorprendidos, pero no divertidos
Por todas las cosas que usted dice que hará
Y aun más preocupados, aunque no implicados
Por todas las decisiones que toma
But we are sick and tired of hearing your song
Telling how you are gonna change right from
wrong
'Cause if you really want to hear our views
"You haven't done nothing"!
Pero estamos hartos y cansados de escuchar su
cuento
Sobre como hacer bien del mal
Porque si realmente quiere saber qué opinamos
¡No ha hecho nada!
It's not too cool to be ridiculed
But you brought this upon yourself
The world is tired of pacifiers
We want the truth and nothing else
No es agradable hacer el ridículo
Pero es lo que ha atraído sobre usted mismo
El mundo está cansado de apaciguadores
Queremos la verdad y nada más
And we are sick and tired of hearing your song
Telling how you are gonna change right from
wrong
'Cause if you really want to hear our views
"You haven't done nothing"!
Y estamos hartos y cansados de escuchar su
cuento
Sobre como hacer bien del mal
Porque si realmente quiere saber qué opinamos
¡No ha hecho nada!
Jackson 5 join along with me say
Doo doo wop - hey hey hey
Doo doo wop - wow wow wow
Doo doo wop - co co co
Doo doo wop - naw naw naw
Doo doo wop - bum bum bum
Doo doo wop
Jackson 5 se unen a mi diciendo
Doo wop doo - hey hey hey
Doo wop doo - wow wow wow
Doo wop doo - co co co
Doo doo wop - Naw Naw Naw
Doo doo wop - bum bum bum
Doo doo wop
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Soulpop: Whitney Houston - Greatest Love of All, 1985
Whitney Elizabeth Houston (1963) es una cantante de R&B, pop y gospel estadounidense,
además de actriz. Es hija de Cissy Houston, prima de Dionne Warwick y tiene a Aretha Franklin
como madrina, todas ellas respetadas cantantes de gospel/R&B/soul, de lo que resulta que la
música haya estado desde siempre presente en su vida.
Sus mayores éxitos se lograron en las décadas de los 80 y los 90. Apodada como “La Voz”, es
reconocida por su gran habilidad vocal y es la cantante que cuenta con más premios recibidos
de la historia, un total de 411. Ha influido en la carrera de varios artistas como Christina Aguilera,
Alicia Keys, Britney Spears,Jessica Simpson, Mandy Moore y otros cantantes de música R&B.
NuSoul / Hip Hop: Erykah Badu - On & On, 1997
Erica Abi Wright (1971). Creció escuchando el
soul de los '70 y comenzó a vivir el hip hop de
los '80, pero también está muy influida por
grandes del jazz como Billie Holiday.
El primer single "On & on" se convirtió en un hit a
principios de 1997, y en marzo el álbum ya
había llegado al número uno. En el álbum
había una conjunción de neo soul, jazz y rap
que lo hacen una gran pieza musical. Ganó
dos Grammy en 1997, uno al mejor álbum de
R&B y otro a la mejor interpretación vocal
femenina de R&B, por el single "On & on".
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ACTIVIDADES
1. E, Macumbábebe
La música afroamericana destaca por su notable variedad de ritmos
heredada de las tradicionales musicales africanas. Por ello, los instrumentos de
percusión tienen una gran importancia. Vamos a experimentar con la
polirritmia y el contratiempo característicos de la música africana.
•
Con los instrumentos de percusión que tengáis en clase (claves, caja
china, tambor, pandero…) tocad el ritmo de la canción E,
Macumbábebe. También lo podéis hacer palmeándolo. Notad el
contratiempo que se produce en la segunda nota del segundo compás
o en la primera y segunda notas del cuarto.
•
Después, recitad el ritmo con las palabras del texto. Intentad destacar
las sílabas marcadas con un acento musical (el símbolo >)
•
Ahora podéis tomad el ritmo de una canción que conozcáis todo el
grupo y tocadlo con los instrumentos de percusión, sin melodía.
•
Esto mismo lo podéis hacer en grupos más pequeños y además, más
divertido: uno del grupo hace el ritmo de una canción conocida y el
resto tiene que adivinar de cuál se trata.
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2. Ritmos y cantos de llamada y respuesta
En África el canto de llamada y respuesta es la forma musical más extendida.
A veces se hace de manera responsorial: un coro repite un estribillo fijo,
alternándolo con el cantante solista que dispone de mayor libertad de
improvisación.
Otras veces es antifonal: cuando el coro responde en eco al solista.
Esta es la canción tradicional africana O benuno.
•
Contestad de forma antifonal al solista mientras palmeáis el pulso.
•
Practicad la técnica de la improvisación: un solista inventa sobre la
marcha un canto que el resto del grupo repite como un eco.
•
Y ahora de manera responsorial: el solista improvisa una estrofa y el
grupo responde con un estribillo fijo que hayáis inventado. Para que os
hagáis una idea, podría servir de ejemplo la canción “We will rock you”
de Queen.
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3. Blues
La sonoridad melancólica del blues es debida a la escala musical que usa,
una escala que se llama escala pentatónica del blues. La escala pentatónica,
como su nombre indica, tiene cinco notas que son:
1.
2.
3.
4.
5.
la Tónica
la tercera menor
la cuarta justa
la quinta justa
la séptima menor
Es decir, si estuviéramos haciendo un blues en Do Mayor, la escala
pentatónica sería:
1.
2.
3.
4.
5.
la Tónica: DO
la tercera menor: MI b
la cuarta justa: FA
la quinta justa: SOL
la séptima menor: SI b
•
Escribe una melodía para este esquema armónico de blues. Para
ello utiliza las notas de la escala pentatónica.
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4. Instrumentos
Los instrumentos empleados en los diferentes estilos de música afroamericana
son muy variados, desde los tradicionales tambores de los primeros esclavos
pasando por el banjo, la armónica, la guitarra, la batería, el saxofón, la
corneta, el piano o el contrabajo.
•
Investiga sobre los siguientes instrumentos. Añade junto a la foto el
nombre del instrumento, la familia a la que pertenece, el estilo o estilos
de música afroamericana en los que se usa y una canción de dicho
estilo en la que suene el instrumento o el nombre de un músico famoso
por tocarlo.
Nombre: Corneta
Familia: Viento metal
Estilo: Jazz
Canción o músico: Louise Amstrong
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5. Sit down, sister
Os proponemos que intentéis formar un coro en clase para interpretar el
Espiritual Sit down sister. Cantaréis a cappella, es decir, sin instrumentos
acompañantes. Si no estáis acostumbrados a cantar polifonía (varias voces
diferentes a la vez) podéis cantar todos juntos la línea melódica superior.
Si queréis ver cómo les ha quedado esta actividad a otro grupo de
estudiantes, podéis visitar este link:
http://www.youtube.com/watch?v=8gFbmsHMJJ8
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FILMOGRAFÍA
Éstas son algunas películas ambientadas en diferentes momentos de la historia
de la música afroamericana y cuyo visionado puede resultar ilustrativo para el
alumno.
El Color Púrpura
EEUU, 1985
Director: Steven Spilberg
Reparto: Danny Glover, Whoopi Goldberg, Margaret Avery, Oprah Winfrey,
Willard E. Pugh, Akosua Busia
Sister Act (Una monja de cuidado)
EEUU, 1992
Director: Emile Ardolino
Reparto: David Boyce, Rose Parenti, Zatella Beatty, Desreta Jackson, Joseph
Maher, Carmen Zapata, Ruth Kobart, Whoopi Goldberg, Darlene Koldenhoven,
Wendy Makkena
Ray
EEUU, 2004
Director: Taylor Hackford
Reparto: Jamie Foxx, Kerry Washington, Regina King, Larenz Tate, Clifton Powell,
C.J. Sanders, Curtis Armstrong
Dreamgirls
EEUU, 2007
Director: Bill Condon
Reparto: Hinton Battle, Jennifer Hudson, Keith Robinson, Anika Noni Rose, Eddie
Murphy, Sharon Leal, Jordan Belfi, Jamie Foxx, Beyoncé Knowles, Danny Glover
BIBLIOGRAFÍA
Southern, E. Historia de la Música Negra Norteamericana. Ediciones Akal.
Madrid, 2001
Gioia, T. Historia del jazz. Editorial Turner. Madrid, 2002
Facebook. Archives of African American Music and Culture
Oxford music online. http://www.oxfordmusiconline.com
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