Presentación de PowerPoint - Coordinación Nacional de Danza

Transcripción

Alan Lake Factori
(Canadá)
Lake Factori (e) es una compañía de danza emergente multidisciplinaria creada por Alan Lake, coreógrafo y
Artista Visual. Fundó su laboratorio de investigación en la ciudad de Québec. Alan Lake Factori (e) siguiendo
la conducta de la creación que se basa en la reacción del cuerpo y el movimiento a un espacio, una
arquitectura impuesta. Esto tal vez reinventado arquitectura o incluso creado en su totalidad. Adaptar, burlar
las restricciones y la interferencia de un lugar singular, capturar las sinergias que surgen para la inserción en
un contexto de creación Alan Lake, crea y difunde obras construidas en una dimensión poética, un complejo
estético que empujan y conmutar espacios y formas, diseñado para guiarnos a estado contemplativo. Las
actividades creativas de Alan Lake Factori (e) se dividen en dos componentes distintos: el primero está
dedicado a la coreografía para la escena y la segunda permite la realización de obras coreográficas en diversos
medios de comunicación: películas, instalaciones, esculturas...Este ciclo de producción establece un sistema
de investigación, creación de la empresa. Sin ningún orden en particular, una pieza puede ser una película y a
la inversa, una instalación puede nacer una escritura coreográfica… Alan Lake Factori (e) invita a conocer y
compartir experiencias de artistas y diseñadores de diversos orígenes que ayudan a preguntarse sobre su
trabajo y empujarlo aún más en su pensamiento y su escritura coreográfica.
Alan Lake, graduado de la Escuela de Danza de Québec en 2007 es actor, coreógrafo,
director y artista en artes visuales. Su enfoque artístico, basado en una combinación de danza,
cine, artes visuales, dirigió la apertura Exchange, conocer gente y género. Alan Lake inserta
en su enfoque artístico la video-danza: Battement Bleu (2003) y 9 minutes, 2 Fois (2004)
ganando el premio del público en Vidéastes Recherchér•es . En el proceso creativo desde su
sala de calderas, déplacements et paysages (2009), produjo una película con 8 minutos que
incorpora en su programa. Desde 2007, Alan Lake se une como empresa de un artista
intérprete o ejecutante: el hijo de Adrien de Harold Rhéaume en NU, juntos - una co-creación
con el coreógrafo francés Alexander Bard - y la creación: Fluide. Es parte de la distribución
de la Carré des Lombes de Danièle Desnoyers para piezas: Lá oú je vis et Dévorer le Ciel. En
2009, bajo el TLC, participó en el Grand continental con la empresa Sylvain Émard Danse.
En 2011, es un intérprete para Dana Gingras en un videoclip de Arcade Fire. En 2012, él
continuó su trabajo multidisciplinario con Projetla, la distancia entre una película de baile,
una instalación y un trabajo en el escenario que se estrenó en La Rotonde – centro
coreográfico de Quebec en mayo 2012. Bailar, moverse en el espacio. Un espacio libre donde
gestos toman posición en el tiempo, para ser al mismo tiempo en el eterno y verdadero. Los
escalones que conducen a situaciones y relaciones, así tomar distancia frente a nuestra
relación con el mundo. Una distancia crítica, una mirada a la búsqueda de acción efímera, del
momento presente. Una mirada que proporciona resistencia en nuestro comportamiento, en
nuestra manera de vivir y pensar el mundo. Este cuerpo de suaves gritos, hablar de lo
contrario, con el fin de construir y vivir en una lengua que toma prestado distintos senderos.
Carreteras temporalmente transportar el cuerpo a Estados poéticos, así se encuentra el mundo.
laankale@hotmailcom
http://www.alanlake.net
Andrea Saltier
(Argentina)
2012_Participa en calidad de desmontajista ,en
el marco del proyecto MO/Ver, Córdoba,
“Instructivo para tr3s cuerpos",VII Festival
Buenos Aires Danza Contemporánea, "Linde"
,III
Festival
Internacional
Danza
Contemporánea independiente COCOA 2012,
Coordina mesa sobre Estrategias de
profesionalización en la danza independiente,
en el IUNA, y la Universidad tres de Febrero,
"Solo" y" Performance I", en Festival
Internacional Azul Danza, Nexo institucional
IUNA-COCOA,
Trabaja en
el área
internacional COCOA DATEI, Escribe en
medios locales sobre danza independiente.
2011 Posgrado Internacional de Gestión
Cultural y de Comunicación, FLACSO. 2010_
" Linde", Camarín de las musas, Festival El
Cruce X Edición, Rosario, Festival nuevas
tendencias la Menage, Córdoba, Festival
Invierno en danza, sala Becquet, Temporada
en Pata de Ganso. 2009_"En Rueda está el
silencio detenido", Taller sobre elementos no
convencionales y Festival Invierno en Danza.
2008_ Festival danza y performance, ciudad de
Salta. 2007 “En Rueda...",Teatro del Sur
Subsidio a esta obra del Instituto Prodanza
Andrea Saltiel se formó en Buenos aires en la
Escuela Nacional de Danzas, el Taller de
Danza Contemporánea del Teatro M. G. San
Martín, con los maestros Susana Tambutti,
Ana Itelman, Eugenia Estévez . Estudió en las
ciudades de New York y Londres (The Place,
laban Centre), y tomó seminarios con Joao
Fiadeiro, Lisa Nelson y André Lepecki, entre
otros. En la actualidad escribe para medios
locales.
[email protected]
http://www.youtube.com/channel/UCx5B6J8FVz7HOcnrofX4-zA
Ballet dÉurope
(Francia)
En 2003, Jean-Charles Gil va un paso más allá, creando su propia compañía permanente, Ballet en Europa. Tanto la calidad Dance Company y el estado del laboratorio en el que la prueba de bailarina y el
desarrollo de los bailarines de ballet de Europa combina empleabilidad de los jóvenes y los bailarines experimentados dispuestos a compartir su experiencia y prepararse para el futuro. La producción
inicial se presentó en diciembre de 2003 en el Dock des Suds en Marsella y la participación de la Compañía en la gira nacional, regional e internacional en el año 2004. Para esta primera exposición, JeanCharles Gil, Director de la Compañía, propuso un debate abierto sobre los distintos programas en curso idiomas coreográfica. Este programa de cuatro piezas era parte de la tradición de colaboraciones
artísticas en el pasado con diferentes coreógrafos Universidad de Verano. Flamingo Mix Lionel Hoche, DS. Régis Obadia, Sueño Jorma Uotinen y Petrushka , primero creado por Jean-Charles Gil
Compañía permanentes, se presentaron. En 2004, el Ballet de Europa celebra el centenario del Premio Nobel de Literatura Frederic Mistral, creando Théâtre Antique d'Arles Mireille , coreografía de JeanCharles Gil de la novela del autor Provence. En diciembre, la compañía de producción de la Belle de Mai crear glifos Luca Veggetti y Schubert en el amor Jean-Charles Gil. El Ballet Europea también
incluye Cor perdut , Nacho Duato, su directorio. 2005 vio la creación de One More Time , un homenaje a Jean-Charles Gil a su amigo el pintor Alfred Hofkunst, con música de John Adams. Durante el
verano, el Ballet d'Europe ata un prometedor primer contacto con los tres países en el Medio Oriente - Siria, Jordania y Líbano - están bailando en Mireille. Por lo tanto, cita está hecha para crear la Ópera
de Damasco en julio de 2006, el Réquiem de Mozart, que se crea con Jean-Charles Gil inició una colaboración con el jefe de maquillaje a todo Jean Michel Bruyère. Después de una gira por Oriente Medio,
la temporada 2006-2007 toma el Ballet d'Europe y el Directorio en Camboya, Italia, Suiza, España ... y Mireille Jean-Charles Gil se transmite al Ballet del Teatro San Carlo de Nápoles.
En la primavera de 2008, se invita al Ballet d'Europe de Chatelet, donde Jean-Charles Gil crea FOLAVI , y el Festival Internacional de Valencia con motivo del Día Internacional de la Danza. En junio de
2008, con motivo de la Fiesta Azul, Jean-Charles Gil ofrece primero Marsella pública del mundo, con dulce Gershwin. Un año más tarde, retomó su trabajo en la mujer mediterránea, iniciada con Elektra
en 1995 y pousuivi con Mireille , creando como un soplo de las mujeres , antes de salir al escenario con Loudières Monique en enero de 2010 en el Théâtre des Salins con Trace Me. Con Polimatés Udor
(en colaboración con el Instituto Francés de Tánger), Jean-Charles Gil comenzó en abril de 2010 un tema del agua dedicada ciclo en el que se toma el Ballet d'Europa hasta 2013.
[email protected]
com‐[email protected]
www.balletdeurope.org
http://www.youtube.com/watch?v=7oP6aBfr9eY
Ballet Nacional de
España
Antonio Najarro
(Madrid, 1975) Joven bailarín y coreógrafo, formado por los más prestigiosos maestros de danza en todos los estilos: ballet clásico, escuela bolera, clásico español, folclore, flamenco y danza contemporánea.
Matrícula de Honor en Danza Española en el Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma de Madrid, interpreta como Primer Bailarín coreografías de los Maestros Rafael Aguilar, Antonio Gades, Alberto
Lorca, Mariemma, José Antonio Ruiz y José Granero, entre otros. Inicia su carrera profesional con 15 años en el Ballet Teatro Español de Rafael Aguilar, en el que, como Bailarín Solista, interpreta el papel de
“Lucas, el Torero” dentro de la obra “Carmen”. A partir de ese momento, forma parte de las compañías de danza española reconocidas como el Ballet Antología, Ballet del Teatro Lírico de La Zarzuela, Compañía
Antonio Márquez, José Antonio y los Ballets Españoles y Compañía de Aída Gómez. En 1996, es Solista invitado en la obra "La Gitana", coreografiada por José Antonio Ruiz y Paul Chalmer, con el Ballet
delÁrena di Verona bajo la dirección de Carla Fracci. Ingresa en el Ballet Nacional de España (BNE) en 1997, bajo la dirección de Aurora Pons, Nana Lorca y Victoria Eugenia y tres años después, asciende a la
categoría de Primer Bailarín con Aída Gómez en la dirección artística de la compañía, interpretando papeles principales en La vida Breve de José Antonio, Ritmos de Alberto Lorca, Poeta de Javier Latorre, Bolero
de José Granero y Carmen de José Antonio. En 2002, Aída Gómez le ofrece el papel de San Juan Bautista en la obra Salomé, con coreografía de José Antonio y dirigida por Carlos Saura y es artista invitado en la
Clausura del XI Certamen Coreográfico de Danza Española y Flamenco de Madrid. Su vocación creadora le lleva muy pronto a coreografiar, participando en varias ediciones del Certamen Coreográfico de Danza
Española y Flamenco de Madrid con Suspiro del Moro (1995), finalista del IV Certamen; Movimientos Reversos (1996), segundo Premio a la Mejor Coreografía, obra con la que se presenta, junto con Diana San
Andrés, en la VIII Gala del Día Internacional de la Danza y en el repertorio de la Compañía José Antonio y los Ballets Españoles; y Nereidas (1999), primer Premio a la mejor coreografía en la VIII edición del
mismo Certamen. Es incluida posteriormente en el repertorio del Ballet Nacional de España a partir de su estreno en el Teatro de la Maestranza de Sevilla en el año 2000. Continúa su labor coreográfica para
distintas formaciones como Contigo en Soledad (2001), estrenada en la Gala del 60 Aniversario del Real Conservatorio Profesional de Danza de Madrid y Laberinto, capilla y plaza (2003) Granada y Córdoba
(2006), para la Compañía Ibérica de Danza. Es, asimismo, habitual creador de piezas para grandes figuras del patinaje artístico sobre hielo (como los franceses campeones del mundo Brian Joubert, Nathalie
Pechalat & Fabian Bourzat), y espectáculos que reúnen a los mejores patinadores del mundo. Medalla de Oro en los Juegos Olímpicos de Invierno Salt Lake City (2002) con Flamenco para la pareja francesa
Marina Anissina y Gwendal Peizerat y con Poeta y Otoño Porteño (2006-2008) para el suizo campeón del mundo Stephane Lambiel. Antonio Najarro es nombrado Director Artístico del Ballet Nacional de España
el 11 de abril de 2011.
[email protected]
[email protected]
balletnacional.mcu.es
http://www.youtube.com/watch?v=y0oyefuRNOM
CHARTieR DANSE
(Canadá)
[email protected]
http://www.chartierdanse.com
Un artista polifacética, Marie-Josée Chartier se mueve con facilidad entre los mundos de
la danza, la música, la ópera y la multimedia en el papel de coreógrafa, intérprete,
directora, cantante y profesora. Su repertorio coreográfico de treinta y cinco obras está
muy influenciado por el arte contemporáneo visual, la música y la literatura en términos
de concepto, composición y estructura dinámica. A partir de ahí, personal temas se
entrelazan para crear obras que tratan de descifrar, exponer o deconstruir la
vulnerabilidad de los seres humanos. Estas obras coreográficas se han presentado a nivel
nacional en el ciclo de danza y festivales como el Festival de Danza de Canadá, Dancing
on the Edge, New Horizons de baile, Tangente, Danceworks, y en el extranjero en
Potsdam, Praga, Viena, Paris, Gent, Singapur, Nueva York, Bogotá, México y Santo
Domingo. La Sra. Chartier ha recibido numerosos encargos coreográficos de solistas y
compañías particular Vestigio de Toronto Dance Theatre, cincuenta y una piezas de
plata para Dancemakers, étude fluidez deux Mammifères de Kaeja d'Dance, La lourdeur
des Cendres de cuatro proyectos de danza Chambers y Cómo luchar un ángel para Old
Men Dancing. Su trabajo ha sido objeto de documentales que se muestran en la
televisión nacional y en diversos festivales de cine. Ella ha recibido numerosas becas y
premios en particular el KM Hunter Award 2001 del artista, nueve Dora Mavor Moore
Nominaciones a los premios en las categorías de la coreografía, la dirección y el
rendimiento, una de los finalistas para el Premio Muriel Sherrin de la Fundación Toronto
Artes honrar Logro Internacional de Danza. Ella ganó el Dora 2002 de cincuenta y una
piezas de plata y se comparte con el impulso de dos premios colectivos
multidisciplinares para Dora Y por cierto la señorita . Desde 2000, Marie-Josée Chartier
ha estado activa como coreógrafa y directora musical, multi -media y producciones de
ópera y colabora regularmente con el Music Theatre ( Sirenas, ecos Love Songs ), el Trío
Gryphon (Constantinopla ), Toca Loca y l'Ensamble Contemporain de Montreal como
directora residente desde 2005.
Marie-Josée Chartier sigue bailando y su carrera artística la ha llevado en los escenarios
internacionales y nacionales como artista independiente y con las compañías de danza de
Montreal y Toronto. También es profesora invitada en los principales centros de
formación y universidades en Canadá, así como en América Latina en el ámbito de la
danza moderna, el movimiento para los cantantes y músicos, la exploración de la voz y
la improvisación.
Compañía Colombiana de Ballet
INCOLBALLET
(Colombia)
“Lo que caracteriza la Compañía Colombiana de Ballet es la juventud,
la alegría, la espontaneidad, combinadas con una gran capacidad
técnica. Es una Compañía que vibra cuando está en el escenario, que
desborda de energía contagiosa y que se entrega con toda pasión. Los
bailarines ilustran lo más maravilloso que tiene Cali: su gente.
Extrovertidos, entusiastas, abiertos, son la perfecta representación de
esta ciudad colombiana y de su cultura”. Cuando en el año 2000 la
maestra Gloria Castro, --fundadora y Directora del Instituto
Colombiano de Ballet Clásico, Incolballet--, creó la Compañía
Colombiana de Ballet, su objetivo era claro: generar un espacio que
ofreciera oportunidades de profesionalización y de desarrollo artístico a
los bailarines colombianos, en particular a los egresados de Incolballet.
Hoy, la Compañía Colombiana de Ballet es la única compañía
profesional en Colombia, con gran proyección y reconocimiento
internacional. Cuenta con bailarines de planta de alto nivel artístico y
de probada formación en el ballet, además de una infraestructura física
de funcionamiento, un equipo técnico calificado, maestros ensayadores
y la Dirección artística de la maestra Gloria Castro. A través de la
Compañía se ha ido cumpliendo otro los propósitos fundamentales de
Gloria Castro y uno de sus grandes anhelos: la difusión de la danza a
los sectores menos privilegiados de Cali y del país. Barrios populares,
escenarios culturales no tradicionales, presentaciones gratuitas, la
búsqueda por desarrollar una mayor sensibilidad del público a la
belleza de la danza no ha tenido fronteras. Y así, la Compañía logró
meterse en el corazón del pueblo de Cali, y es considerada una
verdadera embajadora de la cultura colombiana. Cadencia
latinoamericana, pulso y latir popular, raíces y sentimiento… cuando la
Compañía Colombiana de Ballet entra en escena, es Colombia entera la
que danza.
Gloria Castro es bailarina de ballet egresada de la Escuela Departamental de
Danza de la ciudad de Cali. Realizó estudios superiores de ballet en el
Conservatorio de Praga, y se desarrolló como profesional durante una década en
distintos teatros y compañías en Europa. Al regresar a Cali, asume la dirección
de la Escuela Departamental de Danza del Instituto de Bellas Artes. . A lo largo
de estos 35 años, Gloria Castro ha constituido y dirigido tres compañías: el
Ballet Nacional de Colcultura en 1982, el Ballet de Cali en 1988 y la actual
Compañía Colombiana de Ballet, que nació en el año 2000. Su último gran
proyecto artístico ha sido la creación y consolidación del Festival Internacional
de Ballet que en los últimos años ha situado a Cali en el contexto de la danza
internacional.
[email protected]
[email protected]
http://www.incolballet.com
Compañía Emmanuel Grivet
(Francia)
Explorando formas de espectáculo que combinan materiales coreográficos escritos y composiciones instantáneas, las
piezas de la compañía incluyen creadores e improvisadores en las áreas de sonido, luz e imagen. Desde 2002,
siguiendo la fecundidad continúa de esta vía, sin embargo, se reintrodujo en las obras de la compañía una escritura
más precisa, cuestionando la posición del espectador (“Trois duos”), la relación con el otro (“Accords perdus”) y los
excesos de nuestra sociedad (“Vertige’s) ou le flot du monde”). La investigación entre 2007 y 2010 se centró en la
relación con el tiempo, tanto en su aspecto dinámico, como personal e íntimo o simbólico (“La plage“,“7min 34s“,
“Temp(s)”). “Time is / over” fue el último proyecto de este período, un solo que trata de manera autobiográfica y
desplazada esta preocupación : la percepción del tiempo en el mundo contemporáneo. Hoy el proceso artístico se
centra alrededor de la noción de identidad en un proyecto de colaboración con artistas de culturas lejanas. “Faces”, la
creación 2012, juega en este tema, reuniendo a seis de ellos.
Emmanuel Grivet
Coreógrafo, bailarín y pedagogo, Emmanuel Grivet ha creado desde hace 1993 más de veinte piezas, la
mayoría para su propia compañía, siguiendo bailando en sus proyectos y ensenando regularmente la danza
y la improvisación. Comprometido en una investigación sobre el cuerpo y el movimiento, cuestiona a través
de su obra coreográfica la relación entre los seres humanos y las condiciones de representación. Nació y
creció con el movimiento físico y una cierta relación al riesgo (deportes colectivos, esquí, alpinismo....), él
viene de una doble formación : la de Jacques Garros, del cual será el alumno durante siete años, promotor
del Trabajo Corporal de Hilde Perboom, y la de Jean Masse, coreógrafo y asistente de Karin Waehner con
la cual descubre la danza. Consolida más adelante su formación haciendo prácticas con Jackie Taffanel,
Alwin Nicholaïs, Murray Louis, y también con la compañía Trisha Brown, que le permite reforzar su
interés para los « release technics ». Comprometido muy temprano en proyectos e investigaciones
personales, compone varias piezas entre 1993 y 1996 y baila, al la vez para Alain Abadie y Artefact (Marc
Vincent y Jeanette Dumeix). Su doble origen, trabajo corporal y danza, fusionan en 1998, en una
exploración desarrollada con Yann Lheureux a través de piezas improvisadas. Desde 1997, inicia una
reflexión sobre el movimiento non-determinado, la danza-contacto, la escritura y la composición
instantáneas que le llevan a encontrar y bailar con figuras importantes de este movimiento (Mark
Tompkins, Julyen Hamilton…), y desarrollar en este sentido una práctica, una escritura y formas de trabajo
originales. Ahora, conduce con su compañía una obra coreográfica variada y colabora con muchos artistas
(que sean coreógrafos, bailarines, músicos, creadores de artes plásticos) en el campo de la improvisación, de
las composiciones abiertas para distintos proyectos de creación, performance y investigación. Él desarrolla
también numerosos proyectos de intercambio y colaboración internacionales (Europa, México, África,
Corea, Israel...).
CONTACTO EN MEXICO
Olga Gutiérrez – Laboratorio puntoD
[email protected] / [email protected]
https://vimeo.com/44972608
Cie Yvann Alexandre
(Francia)
Cie Yvann Alexandre, establecida desde el 2004 en la región de
Maine-et-Loire (Francia), es una compañía residente en la
comunidad de Cholet. Tras su formación en la danza del
Conservatorio de La Roche sur Yon y La Rochelle, luego en la
escuela de Epsedanse y CCN de Montpellier, director artístico y
coreógrafo Yvann Alexandre comenzó produciendo sus
creaciones a la edad de 17. Desde entonces, sus obras se han
presentado en Francia como en el 93 de Avignon Hivernales y en
Canadá en el 5e Salle de Place des Arts de Montreal y la Meduse
en ciudad de Quebec.
CIE Yvann Alexandre tiene más de veinte años trabajando en su
repertorio y propone sus creaciones basadas en el intercambio,
encuentro y transmisión de conocimiento.
Obras disponibles para gira:
– Noir (dúo)
– Sev Blanc (dúo y cuarteto)
– Glóbulo (solo para dos)
www.cieyvannalexandre.com
[email protected]
Cía. Mar Gómez
(España)
La compañía Mar Gómez se crea en 1992, año en que se presenta al público reuniendo
dos piezas premiadas en el Certamen Coreográfico de Madrid y en el Concurso Ricard
Moragas de Barcelona bajo el titulo de A la largo algo te hará . Encontramos ya, en esta
primera propuesta, los rasgos que caracterizarán la línea de trabajo y que se mantendrán
como constante a lo largo de veinte años de trayectoria: la teatralidad, la habilidad
narrativa, el gesto, un lenguaje coreográfico muy personal y , sobre todo, un marcado
sentido del humor. Durante todo este tiempo la compañía ha centrado su actividad en la
creación y exhibición de espectáculos de muy diversos formatos, que debido a sus
características han establecido una extraordinaria complicidad con el público y han
proporcionado numerosas y largas giras nacionales, y, especialmente en los últimos
años, también internacionales. Entre las creaciones cabe destacar La matanja de Tezas
(estrenada en 1993 en el Teatre Lliure, Premio de la Crítica Valenciana) ; Levadura
Madre (1998, l’Espai de dansa i música de Barcelona); Hay un Pícaro en el Corral
(2001, premio de la Generalitat valenciana a la mejor producción de danza, mejor
coreografía y mejor intérprete femenina); La casa de l’est (2002, Teatre Nacional de
Catalunya); Después te lo cuento (Grec 2004, con la colaboración del director británico
Lindsay Kemp); Dios Menguante (Teatre Modern del Prat 2006, premio Max a la mejor
intérprete femenina y Premi Ciutat de Barcelona 2011 por la presentación en la sala
Villarroel Teatre en el marco del Festival Dansalona), Heart wash (Festival Mercè Arts
de Carrer 2010) adaptación para espacios urbanos del anterior espectáulo y Perdiendo el
tiempo (Festival Cos de Reus- Mercat de les flors 2011, en colaboración con el acróbata
Ignasi Gil). Además de la creación de espectáculos de formato convencional, la
compañía cuenta con creaciones destinadas a ámbitos de exhibición muy diversos: ha
colaborado con TV3 en el programas Les mil i una (1999); ha dirigido el estreno
mundial de la Ópera El Ganxo, de Josep Maria Mestres Quadreny, en el Foyer del Gran
Teatre del Liceu (2006); ha creado también un gran número de piezas cortas de pequeño
formato destinadas a escenarios poco convencionales y festivales de artes de calle; ha
realizado un proyecto de investigación coreográfica, con apoyo de ayudas
euroregionales, en colaboración con la compañía francesa Samuel Mathieu y La Galerie
Chorégraphique y ha sido requerida en gran número de creaciones teatrales con
directores de la talla de Ariel Garcia Valdés, Calixto Bieito, Lluís Danés, Albert
Boadella o Magda Puyo. Paralelamente, desde 2006, la compañía mantiene convenio de
residencia con el Ayuntamiento del Prat de Llobregat, con el que ha podido desarrollar
un programa de alcance municipal centrado en los ámbitos de la educación, la acción
social, la formación y la creación de públicos. Con este proyecto la compañía ha
conseguido adentrarse en el tejido sociocultural de esta población y, entre otras cosas, ha
acercado la danza al ámbito escolar con el programa Dansa al pati y se ha dirigido a
colectivos específicos como la tercera edad. Últimamente la compañía ha intensificado
su actividad en la cooperación internacional y ha desarrollado proyectos de colaboración
artística y de formación en países como Camerún, Ghana y Senegal. Su nuevo
espectáculo For ever and a day , una coproducción de la compañia Mar Gómez con
S.E.M. Altigone, se estrenó en noviembre de 2012 en el marco del Festival Voyage
Gourmand en Saint-Orens de Gameville (Toulouse, Francia).
www.ciamargomez.com
[email protected]
http://www.youtube.com/user/danzamargomez
Compagnie Retouramont
(Francia)
Fabrice Guillot
For several years, Fabrice Guillot got absorbed in a singular
choreographic writing reseach and developed a personal work
within the company Retouramont. Fabrice Guillot used to practice
climbing as a profesional, it has opened him to the infinite variety of
movements arisen from the adaptation to the rock. Going through a
climbing route means finding places, rhythms, inside conditions…
His choreographic writing is marked with experiences that helped
him read new spaces and discover a varied and useful body
language. He met Bruno Dizien and Laura de Nercy and became
interpreter in the company Roc In Lichen: Rosaniline at CNDC in
Angers, at Sevilla exhibition. He accompanied Kitsou Dubois in his
choreographic explorations: Gravité zéro in Bagnolet and at La
Villette. He worked with several artists, especially Antoine Le
Menestrel, Ingrid Temin and Geneviève Mazin. Since he’s the
Retouramont choregrapher, he has opened different exploration
fields in public spaces and indoor stage intimity, the natural sites or
contemporary archtite. Retouramont is in residency with the Theatre
of Cachan, is linked through a convention with the town of Villejuif
and funded by the town of Vitry-sur-Seine. In Residency in
L’Avant-Rue / Friche Théâtre Urbain. Retouramont is funded by the
county council of Val de Marne and under a convention with the
County Council of Esssonne. Retouramont is funded by 2013 grant
to aid dramatic production of the French Ministry of Culture and
Communication - DRAC Ile-de-France, and the Regional Council of
Ile de France. Sponsored by Mur Mur, BEAL and PETZL.
[email protected]
www.retouramont.com
[email protected]
[email protected]
http://www.youtube.com/watch?v=i5y-_9utZdw
Corea Nacional Compañía de
Danza Contemporánea
(Corea)
Fundada en agosto de 2010. Se centra en la danza moderna
como arte hacia la gente. Tratamos de garantizar al público
masivo por interactuar con ellos a través de obras de danza
moderna, sin discriminación entre clases. El símbolo de la
Compañía Nacional de Danza Contemporánea Corea
persons‘ (1999) hechos por un pintor Oriental, Seo Se-ok
(Sanjeong) representa el lema, “Compartir con la gente”
cuyo objetivo es de la Compañía de Danza Contemporánea
Nacional de Corea. Muestra la forma en que dos personas se
conocen, se toma la mano y danzan. El color del símbolo,
azul profundo océano representa una imagen creativa y
orientada al futuro de la Compañía de Danza
Contemporánea Nacional de Corea.
Hong Sungyop
La primera directora artística de la Compañía de Danza
Contemporánea Nacional de Corea, Hong Sungyop es tan famosa
por su vida poco convencional como su baile. Sorprendió al ganar el
primer lugar en el concurso de Danza de su pais en sólo dos años
después de haber iniciado. En 1993 creó la primera compañía de
danza profesional privada, 'Dance Theater en' y así abrio un nuevo
horizonte de organización profesional dentro de la danza.
Concursando en el premio de danza Festival(1986) de Corea, obtuvo
el coreógrafo de la year (1996), coreografía de Seoul International
Dance Festival(1996, 1999) y fue elegida 'la bailarina moderna más
literaria' por la Asociación de escritores coreanos y 'la mejor
bailarina moderna' en la encuesta, 'the top en cada campo por
profesionales' tomado dos veces (2003, 2005) por Donga Ilbo y por
lo tanto, fue reconocida como la mejor bailarína y coreógrafa en el
mundo cultural coreano. También, recibió prize (1999) especial del
concurso internacional de Saimata de Japón y Corea-Francia Cultura
Award (2001) y entonces sus muchos premios fueron un crédito a su
habilidad localmente y en el extranjero.
[email protected]
www.kncdc.kr
Danskdanseteater
(Dinamarca)
Una de las principales compañías del norte de Europa. Danskdanseteater fue
fundada en 1981 por el coreógrafo inglés/noruego y pionero Randi Patterson en
colaboración con Anette Abildgaard, Ingrid Buchholtz, Mikala Barnekow y
Warren Spears. Así, llamado 'Nuevo danés danza teatro’. Desde 2001, la
compañía Tim Rushton (MBE) es director artístico de Danskdanseteater y ha
tenido la visión para unir las formas del arte clásico con lo moderno.
Danskdanseteater es hoy la compañía de danza moderna más grande y líder
artístico se compone de escogidos bailarines de todo el mundo. El repertorio
abarca desde producciones de escenario principal en el teatro real, los eventos
al aire libre tales como el baile de verano de Copenhague en la estación de
policía de Copenhague y la danza moderna en el jardín de Louisiana, para
recorrer grandes ciudades a nivel nacional e internacional.
TIM RUSHTON coreógrafo y director. Tim Rushton (MBE) nació en
Birmingham en 1963 y entrenado como un bailarín de ballet clásico en el Royal
Ballet Upper School, Londres. Ha bailado en diferentes compañías de ballet de
Europa del norte hasta los años 90s, donde terminó su carrera en el Royal Ballet
para dedicarse a la coreografía. Tim Rushton combina danza contemporánea con
la técnica clásica. Él construye en su vasta experiencia como bailarín y
coreógrafo, y su expresión es a menudo abstracta, pero siempre en base a las
relaciones y las emociones humanas. Trabaja en estrecha colaboración con los
bailarines, artistas, diseñadores y compositores y música que van desde obras
clásicas del jazz, beat a nueva música compositiva. En 2001, Tim Rushton,
director artístico del Danskdanseteater se convirtió en una compañía de danza
contemporánea internacional, galardonado con el premio que goza de gran
reputación entre los críticos y una creciente audiencia-en Dinamarca así como
internacionalmente. Tim Rushton se encuentra entre coreógrafos más importantes
del norte de Europa. Sus coreografías han ganado cuatro veces el Reumert por
mejor espectáculo de danza, y en mayo de 2011, fue galardonado con la orden de
honor inglesa MBE, miembro de la orden del imperio británico, por su trabajo
como coreógrafo. En 2012 Tim Rushton Reumert recibió el premio Bikubens.
Que es otorgado a un artista por los años que ha contribuido en el desarrollo
positivo de las artes escénicas en Dinamarca y que está realizando todavía
activamente.
[email protected]
www.danskdanseteater.dk
Danza Concierto
(Colombia)
Danza Concierto, fundada en Medellín, Colombia en 1990. Compañía residente en el Teatro
Metropolitano de Medellín. Grupo interdisciplinario de artistas y creadores colombianos, quienes
trabajan con las con las bases de la cultura de su país, expresada en obras escénicas
contemporáneas, en el lenguaje universal del arte. Las creaciones de sus obras obedecen a un trabajo
de investigación sobre la cultura colombiana, considerando las etnias latinoamericanas, el encuentro
entre las culturas americana y europea, el asentamiento el africano en el medio, la problemática del
reciclaje en América Latina, las expresiones populares que se manifiestan en las fiestas de carnaval
y otros, la poética popular del Bolero, el realismo mágico en la literatura Latinoamericana, la
multimedia, los clásicos del arte universal y acontecimientos históricos relevantes . Danza
Concierto ha sido representante y embajadora de su país, en diversos certámenes y festivales de
arte, realizando giras internacionales con presentaciones en Alemania, España, Polonia, Francia,
Brasil, Estados Unidos, Canadá, Costa Rica, Venezuela, México, entre otros países. Ente fundador y
organizador de la Temporada Internacional de Danza Contemporánea de Colombia, fundada en
1996, presentando por diez años consecutivos reconocidas y afamadas compañías internacionales,
junto con un programa de capacitación en la danza contemporánea, en las ciudades de Bogotá,
Medellín y Barranquilla. Danza Concierto es Compañía Residente en el Teatro Metropolitano de
Medellín, Colombia, desde 1996, cuenta con el auspicio de organizaciones internacionales, World
Dance Alliance, WDA Américas; Dance Committee, UNESCO; INSEA International Service for
Education through Arts .
[email protected]
[email protected]
balletnacional.mcu.es
Diana Theocharidis
(Argentina)
Inició su formación en el Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín, donde sus maestros fueron
Ana Itelman, Renate Schottelius, Ana María Stekelman, Mauricio Wainrot, entre otros. Paralelamente, estudió
armonía y análisis musical con Sergio Hualpa. Continuó su formación en Europa, a través seminarios con
Alwin Nikolais, Carolyn Carlson y Malou Airaudo. Realizó una pasantía en el IRCAM (Institut de Recherche
et Coordintation Acoustique/Musique (París). Obtuvo la Licenciatura en Psicología y cursó la carrera de
Filosofía en la Universidad de Buenos Aires. Realizó un trabajo estrechamente ligado a la música
contemporánea, en colaboración con compositores -como Giacinto Scelsi, Mauricio Kagel, Martín Matalón y
Pablo Ortiz- y con distintos solistas y conjuntos instrumentales. Sus obras se han presentado en Buenos Aires
en los teatros San Martín, Nacional Cervantes, Presidente Alvear, en el Centro Cultural Recoleta, en el Teatro
Colón, así como también en Chile, Brasil, Venezuela, México, Italia, y Francia. Ha sido invitada a diversos
festivales internacionales, como el Festival di Musica Antica e Contemporanea (Torino-Saluzzo), Rassegna di
Danza Contemporanea e Nuove Tendenze (Roma), Congreso Latinoamericano de Danza (Caracas), Festival de
Danza Independiente (Santiago de Chile), Buenos Aires en Porto Alegre y I y II Festival Internacional de
Teatro de Buenos Aires, Festival Latinoamericano de Danza Contemporánea (México), Festival de
lÍmaginaire (París), Festival de Ile-de- France (2011). Obtuvo el primer premio en los concursos coreográficos
Coca-Cola en las Artes y en las Ciencias, Fundación de Amigos del Instituto Nacional de Danzas “María
Ruanova” y subsidios del Fondo Nacional de las Artes, de la Fundación Antorchas, del Instituto Nacional de
Teatro y de Prodanza. Fue convocada como coreógrafa por el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín
para montar las obras Dedalus e Intemperie. En este teatro estrenó también la obra Cuarteto para el Fin del
Tiempo. En el Teatro Colón, ha firmado la puesta de Variété de Mauricio Kagel en la sala principal. Presentó
Sul Cominciare, sul finire, y Transcripción en el CETC. Realizó las coreografías de las óperas Ascenso y caída
de la ciudad de Mahagonny, Dido y Eneas, Bomarzo, Muerte en Venecia y La Traviata, colaborando con
directores de escena como Alfredo Arias, Jerôme Savary, Roberto Oswald y Eric Vigié en el teatro Colón. Ha
realizado la coreografía de Eugene Oneguin, con puesta en escena de Michal Znaniecki en la ópera de
Cracovia, en el teatro Argentino de La Plata,en el Palacio Euskalduna de Bilbao, en el Teatro Sodre de
Montevideo,Teatr Wielki de Poznan, y ha colaborado con Sergio Renán en La Flauta Mágica, en el Teatro
Colón. En 2012, realizó la puesta en escena del espectáculo musical La Rosa…, con música de Martín Matalón,
que se estrenó en París en el marco del Festival de Ile-de –France y que se presentó asimismo en el Arsenal de
Metz y en el TAC-Scène Nationale de Poitiers, entre otros teatros en Francia. Recientemente, estrenó la obra
coreográfica Trazas sobre trazas en el Centro de Experimentación del Teatro Colón, sobre música de este
mismo compositor, para sesi bailarines y seis instrumentistas del ensemble Ars Nova, de Francia. Desde 2006,
programa la temporada artística de Villa Ocampo a través del ciclo de música, danza y teatro “Siete Noches” y
el ciclo “Danza en jardín de Villa Ocampo”.Dirigió la Compañía de Danza del Instituto Universitario Nacional
del Arte (IUNA) y el Centro de Experimentación del Teatro Colón. Es miembro del Directorio del Fondo
Nacional de las Artes.
http://youtu.be/RS_YWd2wE54
http://www.youtube.com/user/dianatheocharidis1
Fierro Danza
(Argentina)
Fierro está inspirada, de algún modo, por las imágenes y usos del cuerpo que aparecen en el Martín Fierro de José Hernández, y por las lecturas y re-significaciones que de él hacen Jorge Luis Borges,
Ezequiel Martínez Estrada y nosotros mismos desde nuestra actualidad, desde una perspectiva poético-política.
Diana Rogovsky
Directora, bailarina, coreógrafa y docente. Se formó en distintas técnicas de danza (Humphrey-limón, alemana, Cunningham, Release, danza clásica, flying low, contact improvisación, improvisación) en
la Escuela Armar Danza Teatro (Ciudad de Buenos Aires), continuando luego con maestros argentinos y extranjeros como Julyen Hamilton, Wally Cardona, Nienke Reehorst, Ana Garat, Susana
Tambutti y Pablo Coria, entre otros. Ha completado el Profesorado de Expresión Corporal en La Escuela de Danzas de La Plata y el Posgrado Especialización en Análisis de la Producción Coreográfica
en la Facultad de Bellas Artes, UNLP.
[email protected]
http://www.dianarogovsky.wordpress.com
Gabinete Coreográfico
(Argentina)
Actualmente, GABINETE COREOGRAFICO es un grupo de trabajo interesado en la
investigación, experimentación y creación en danza contemporánea independiente y en generar
diversas actividades de carácter experimental e interdisciplinario que posibiliten acceder a nuevas
maneras de concebir y abordar la creación coreográfica.
La compañía Briceño-Ganquin inicia su labor en el año 2005, enfocando su tarea en pos de la
investigación y experimentación de la danza contemporánea como lenguaje artístico, buceando en
nuevas metodologías que hagan su aporte a la creación coreográfica, centrándose en el cuerpo
como laboratorio de experiencia.
www.gabinetecoreografico.blogspot.com.ar
[email protected]
Facebook: Gabinete Coreográfico
Twitter: GabCoreografico
Grupo de Danza UNSAM
(Argentina)
Grupo de Danza UNSAM – Unidad Académica de las Artes
Universidad Nacional de San Martín
Creado en el año 2009 el Grupo de Danza UNSAM Universidad Nacional
de San Martín se extiende como fruto de las actividades artísticas
desarrolladas a través de la Unidad Académica de las Artes. Ésta se
proyecta creativamente en distintos ámbitos de las artes – Danza,
Realización en Cine Documental, Circo, Teatro de Títeres y Objetos,
Música, Teatro - generando una concepción de la universidad en el sentido
amplio y fértil de sus posibilidades e involucrándose en los procesos
creativos. Las actividades del grupo se inician con la presentación del
Poema del ángulo recto de Le Corbusier, en ell Museo Nacional de Artes
Decorativas, y el laboratorio de Investigación sobre Las Troyanas, la
tragedia de Eurípides, que culminó con el estreno de la obra y una serie de
presentaciones en el Teatro del Globo de la ciudad de Buenos Aires.
Simultáneamente se estrena Las 7 palabras con música de Joseph
Haydn, en el Ciclo de Teatro y Danza del Teatro Municipal de Bahía
Blanca con el apoyo de E3 Espacio de Experimentación Escénica y en
Pulso Urbano 2009 Festival Internacional de Danza, Córdoba. Durante
el 2010 se produce Cabalgata, que se despliega sobre las voces, los temas
y los íconos de la mitología nacional, en el Teatro del Globo. A lo largo
del año, se presentan extractos de Cabalgata en Pequeño Formato en
diferentes escenarios porteños y del Gran Buenos Aires, como la apertura
y cierre del Festival de Tango de Buenos Aires en el Luna Park, en el “VII
Festival Cambalache" en el Teatro 25 de Mayo de Villa Urquiza, en Villa
Ocampo de San Isidro, en el Auditorio Borges – UNIART - y en el
Espacio Cultural Nuestros Hijos (ECuNHi). En homenaje a Manuel Mújica
Laínez, el Grupo presenta con la Dirección y puesta en espacio de Oscar
Araiz y Yamil Ostrovsky, La Viajera, un cuento del libro “Aquí vivieron”,
en el Museo de Arte Español Enrique Larreta de la ciudad de Buenos
Aires, en Villa Ocampo y en la Quinta Los Ombúes de San Isidro. En el
2011 y 2012 participó en los Festivales de Música Clásica “El Camino del
Santo” organizados en el Museo Pueyrredón por la Dirección de Cultura
de San Isidro con El Carnaval de los Animales, con música de SaintSaëns y texto de María Elena Walsh y El Mar con música de Claude
Debussy. Durante la actual temporada el repertorio se amplía con Pulsos,
Sonidos Negros y Rapsodia y presentaciones en el Centro Cultural
Haroldo Conti, El centro del Conocimiento de Posadas (colaboración
Mozarteum) , la Comunidad Amijai y la Asociación Mozarteum Argentino
filial Salta en el Teatro Provincial de ésa ciudad.
Óscar Araiz
Coreógrafo y Director. Fundó y dirigió el Ballet del Teatro San Martín y dirigió los Ballets del Teatro Colón, del Grand
Théâtre de Ginebra, del Teatro Argentino de La Plata y el Ballet de Bolsillo, su propia compañía Independiente. Sus
trabajos fueron presentados en la Opera de París, Opera de Roma, Joffrey Ballet de New York, Royal Winnipeg Ballet de
Canadá, Group Motion Multimedia Dance Theater de Philadelphia y principales compañías de Alemania, Brasil y
Portugal. Entre sus trabajos figuran La Consagración de la Primavera, Romeo y Julieta, Magnificat, Sueño de una
Noche de Verano, Adagietto, Las Toyanas, Cantares, Matías el Pintor, Los Cuatro Temperamentos, Numen, Boquitas
Pintadas, La Cabalgata Argentina, Rapsodia, El Mar, Torito, Astor, y Tango, así como Les Noces, El Ruiseñor y
Petrouska, del Tributo a Stravinsky/Diaghilev. Dirige la Carrera de Danza Contemporánea en ARTE XXI, donde imparte
talleres de Composición y crea el Área de Danza para la Universidad Nacional de San Martín junto al Grupo de Danza
UNSAM. Recibió numerosas distinciones entre las que figuran el Rotary Club, la Asociación de Críticos del Espectáculo,
la Asociación de Críticos de Sao Paulo, Premio María Ruanova de la UNESCO, Asociación de Actores, Clarín, Konex,
Premio a la trayectoria del Fondo Nacional de las Artes y de la Universidad de Buenos Aires.
www.oscararaiz.com.ar
http://www.youtube.com/watch?v=fm8KLiOeF6Q
Groupe Entorse
(Francia)
Desde la creación de Groupe Entorse en 2007, Raphaëlle Latini y Samuel Lefeuvre
colaboran con artistas de diferentes campos (bailarines, actores, diseñadores de
iluminación) para crear obras que mezclan coreografía, música, escenografía y luz,
explorando todas las posibles interacciones. “Love Affair, green girl” (2008), un
radio-drama en vivo, coloca a los intérpretes al borde de un hilo narrativo frenético,
deconstruyendo parte por parte todos los aspectos de la obra, incluyendo su
coherencia (visual, sonora y coreográfica). Con “Accidens (ce qui arrive)” (2010),
abordan el concepto de resiliencia, al mismo tiempo que cuestionan el lugar de cada
intérprete, dirigiendo la atención de la audiencia hacia cada participante. Dan
entonces, la misma importancia al paisaje sonoro, la escenografía y el diseño de luces,
que a los estados físicos extremos que han desarrollado a través de la coreografía.
Raphaëlle Latini
Se graduó en la Escuela de Bellas Artes de Caen/ Basse-Norman-die. La versátil artista,
diseñadora gráfica, artista del video y escenógrafa, reorganiza su vida en el 2003 entorno a otra
pasión: lo sonoro, lo intimo, regenerante y vital, y crea el personaje de DJ, Madame Twill.
Desarrolla también un interés por las artes escénicas y desde 2007, trabaja exclusivamente en
performances, instalaciones y obras coreográficas, fundando Groupe Entorse con Samuel
Lefeuvre. Raphaëlle trabaja con un enfoque radicalmente diferente como artista del tornamesa,
para Vicent Dupont en el “Plan” (2008), “Incantus” (2009) y “Souffles” (2010), y colabora con
Arnaud Troalic/ Akte Cle en la escenografía de “ Borges vs Goya” de Rodrigo García. Crea la
banda sonora para el espectáculo “Nelge” de Michele Anne De Mey-Charlerol/Danses y “A
Louer” (2011) de Peeping Tom.
Samuel Lefeuvre
Despues de entrenarse en ballet y danza contemporánea en Caen y en la CNDC en Angers, se
traslada a Bruselas donde trabaja con Michelle Anne De Mey y con Les Ballets C. de la B.
(“Wolf” y “VSPRS” de Alain Platel- “La Mancha”, “Patchagonia” y “Primero-Erscht” del Lisi
Estaras). En el 2004 se une al colectivo Peeping Tom y crea “Le Salon” y “Le Sous- Sol”.
Participa en “On-Off” y “Vertiges d´ en Bas” de la compañía Claude Bèatrix, y crea el dueto
“Two Parts”, Chloé Attou. Desde 2007, colabora con Raphaëlle Latini dentro del Groupe
Entorse.
Nicolas Olivier
Despues de pasar por el Instituto de Comunicación IHSS y por 75 (pinturas) a principios de los
90´s, Nicolas orienta su formación a la escenografía y dirección técnica en INFAC. En 1993, un
encuentro decisivo con el director Daniel Scahalse lo lleva al diseño de iluminación. Le siguen
entonces, diversas experiencias como técnico y/o ingeniero de iluminación en teatro, eventos y
espectáculos musicales, entre 1993 y 1999, un periodo en que logra dominar aun mas las
herramientas de la iluminación. En 1999 se une a Charlerol/Danses dirigida por Frederic
Flamand y diseña la iluminación de sus obras de 1999 a 2006 en Charlerol/Danses y en el Ballet
Nacional de Marcella. También trabajó para Última Vez y Mossoux Bonté. Las creaciones de
Nicolas Oliver se acercan más a una construcción arquitectónica que a un diseño escenográfico.
Existe un interés permanente en reunir el cuerpo, la danza y la arquitectura. Desde 2005, trabaja
con Michele Anne De Mey y Peter Droulers, en sus obras.
[email protected]
[email protected]
http://www.youtube.com/watch?v=GvXxngrKsIo
Ibérica de Danza
(España)
La COMPAÑÍA IBÉRICA DE DANZA, creada en 1993 por Manuel Segovia
(Premio Nacional de Danza a la Creación 2001 y Premio Villa de Madrid a la
Coreografía 2004) y Violeta Ruiz, se caracteriza por la investigación, defensa y
recreación de nuestro extenso y rico patrimonio. El neo-folk, la danza estilizada, la
escuela bolera, la danza histórica y el flamenco, forman parte de las diferentes
producciones de la Compañía, que ha realizado más de veinte producciones y
recorrido más de cuarenta países con absoluto éxito de crítica y público. La crítica ha
dicho “… un trabajo fiel a las raíces, siempre avanzando en un terreno imaginativo y
novedoso en el que la danza tradicional toma un protagonismo al que nunca pensó
llegar...”. Con el apoyo del Ministerio de Cultura (INAEM), en Colaboración con La
Comunidad de Madrid, y avalada también en su trayectoria, por La Agencia
Española de Cooperación Internacional (AECID). El Ayuntamiento de Madrid, El
Instituto Cervantes, y La Unión Europea, entre otras instituciones, ha recibido
diferentes premios, representado a España en numerosas ocasiones y participado en
Festivales de renombre internacional.
www.ibericadedanza.com
http://www.youtube.com/watch?v=clCcc4Lik80
Manuel Segovia
Coreógrafo, Bailarín y Director de la Cía. IBÉRICA DE DANZA desde su creación en 1993. Comienza su carrera profesional como bailarín en el Teatro de La Zarzuela con Alberto Lorca como coreógrafo y durante varios años recorre el
mundo con el espectáculo Antología de la Zarzuela de José Tamayo, trabaja con Plácido Domingo en teatros de Nueva York, Sydney, París... y participa con Antonio Gades en la película Carmen, de Carlos Saura. Amplía sus estudios en el
Ballet Concierto de Puerto Rico y estudia Arte en la Universidad de San Felipe del Morro de este mismo país. En 1993 crea, junto a Violeta Ruiz del Valle, su propia compañía, IBÉRICA DE DANZA, donde desarrolla su faceta creadora y
que se presenta como una de las formaciones más representativas sobre la actualización del folclore dancístico español. Su primera producción fue El Templo de las Musas, estrenada en 1993. En 1994 obtiene el 2º Premio del IV Certamen
Coreográfico de Danza Española y Flamenco por su obra Cerialia. Como coreógrafo son innumerables sus producciones, entre las que aparte de las anteriormente citadas destacan: Campos de Sol y Luna (1995), Érase una vez... (1996),
Subiendo al Sur (1998), Y por el 5º Aniversario: Bailando en el Tiempo-Un Lustro con Ibérica de Danza, con música de Eliseo Parra, Paxariño, La Musgaña... sentando un precedente en la actualización coreográfica sobre danza tradicional,
otros como: La Memoria del Olvido (2001), Ibérica de Danza-Año X (2003), Dalí, Puerta del desierto (2004), Iberia Mágica (2006), Duendiberia (2007) para el Teatro Real de Madrid, dentro de las actividades pedagógicas, Dalí, Picasso
Miró (2008), SUBIENDO AL SUR dedicado a la Ruta de la Plata y ALBÉNIZ (2009), entre otras… Fuera de su compañía, sus colaboraciones se materializan en el musical “La Maja de Goya” de Vicente Escrivá, “El Burlador de Sevilla”
para la Compañía Nacional de Teatro Clásico, “De los Austrias a los Borbones”, capítulo de la serie documental Memorias de España o “El jardín de los Cerezos” para TVE, el Conservatorio Superior de Danza de Madrid, TVE, así como en
la creación de diferentes video-clips. Coreografías para “Poeta en Nueva York”, “Don Q., pasajero en tránsito” y Rosso (2010), espectáculos de Rafael Amargo o para la Cía. de Zarzuela de Mª Dolores Marco” El Gran Género Chico” y
“ZARZUELAS Y REVISTAS DEL MAESTRO ALONSO” que se presentan en el Teatro Fernán Gómez durante el mes de julio 2 años consecutivamente. Crea en Mayo de 2009 en Madrid, el 1º Festival de Músicas de Raíz,
MADRIDFOLK, que se presenta en el Teatro Madrid. Cierra este año con giras en México, Holanda y Rusia. En 2010 IBÉRICA DE DANZA representa a España en YEMEN con motivo de La Presidencia de la UNION EUROPEA. Prepara
una 2ª compañía presentándose en Uruguay y Argentina, dentro de las celebraciones del Bicentenario de la Revolución de mayo. Estrena en el Teatro Fernán Gómez dentro del Festival DANZA EN LA VILLA, “LAS ESTACIONES” en
colaboración con la Cía LARUMBE DANZA. En octubre viajan a Niger donde realiza coreografías conjuntas con bailarines españoles y africanos en el marco de la AECID (Agencia Española de Cooperación Internacional para el
Desarrollo). En 2011, realizan diferentes actuaciones en la Red de Teatros de Madrid, los Festivales FOLKINVIERNO de las Rozas en febrero, MADRIDFOLK en Mayo en el Teatro Madrid e IBÉRICA CONTEMPORÁNEA en México,
Festival con el cual colabora desde su creación activamente. Gira en diferentes Comunidades españolas. En septiembre se presentan en París y en octubre con motivo del DÍA DE LA HISPANIDAD se presentan en la Embajada de España en
Helsinky. Estrena en 2011 “LA CABEZA DEL DRAGÓN”, en el Auditorio Joaquín Rodrigo de Las Rozas, espectáculo para Público Familiar y Campañas Escolares, en el que a la danza, se unen la música en directo y el teatro. Imparte
durante este año, talleres y Clases Magistrales en diferentes Conservatorios de España. En 2012 Coreografía la Zarzuela “LA VERBENA DE LA PALOMA” para “LOS VERANOS DE LA VILLA” en LOS JARDINES DE SABATINI. Gira
por España y Recientes giras en China y Holanda. Ponente en La Universidad Carlos III de Madrid: Folclore: una geografía de la danza en España. Recientemente estrena con su compañía “ALBORADA IBÉRICA o EL BOTICARIO DEL
REY”- Se encuentra en proceso de creación del proyecto del 20 ANIVERSARIO de IBERICA DE DANZA en 2013.
Violeta Ruiz del Valle
Directora de la Compañía IBÉRICA DE DANZA desde su creación en 1993 junto a Manuel Segovia (Premio Nacional de Danza 2001 y Premio Villa de Madrid 2004). Ha pisado prestigiosos escenarios de medio mundo y tras varios años
en diferentes compañías como la Antología de la Zarzuela de Tamayo, Alberto Lorca, Luisillo, Silvia Ivars o Antonio Canales entre otros, amplía sus estudios en el Ballet Concierto de Puerto Rico y estudia Arte en la Universidad y Escuela
de San Felipe del Morro de este mismo país. Pero sin duda, fue 1993 y el inicio de IBÉRICA DE DANZA que puso en marcha junto al coreógrafo Manuel Segovia, una fecha clave en su trayectoria, hoy día dilatada en otras labores
dancísticas como la producción, la gestión y la distribución y secretaria de la Fundación MANUEL SEGOVIA. Para ello también se ha preparado durante años y acreditados cursos entre otros, de coach personal y empresarial*, avalan esta
faceta que desarrolla en los últimos años. Obtiene en 2011 el Título Propio en Comunicación de Artes Escénicas de la Universidad Complutense de Ciencias Musicales de Madrid. Formadora de danza clásica y española durante varios años,
instructora internacional de talleres coreográficos y masterclass, conocedora de la coordinación y manejo de grupos de artistas, así como experta en montaje coreográfico y diseño de vestuario, se presenta Violeta Ruiz como destacada figura
en la producción dancística de nuestro país. *Coach y Formadora del Equipo Coaching Madrid, S.L., centra su actividad en el ejercicio del Coaching Personal, en la investigación y en la aplicación del Coaching Empresarial. Lleva a cabo
procesos de coaching dirigidos a Creativos y Artistas. Su lengua materna es el español. Habla inglés y francés.
Jean Abreu Danza
(Brasil)
Jean Abreu (Coreógrafo / Performer). Nacido en Brasil, Jean coreografió su primer trabajo en 2003 y ese mismo año fue galardonado con el Premio de Coreografía Jerwood. Desde
entonces, su trabajo ha estado de gira por todo el Reino Unido, Europa y Brasil, incluyendo actuaciones para Londres Dance Umbrella y el Centro Southbank. Su trabajo en teatro
incluye coreografía para la Amazonia de Young Vic y Oikos la Sala Roja y producciones protozoos. También ha colaborado con el Cuarteto de Cuerdas Mavron crear Boulevard of
Broken Dreams. Jean ha sido un artista asociado en The Place, Swindon Dance, South Hill Park y de la fábrica del sombrero y de un Artista en Residencia en Danza Oriental. Fundó
Jean Abreu Danza en 2009 y su primer trabajo para la empresa, en el interior con música de 65daysofstatic, recibió 4 y 5 estrellas críticas en su estreno en el Festival Fringe de
Edimburgo 2010. Posteriormente se creó memorias paralelas en colaboración con el coreógrafo brasileño Jorge García, que se estrenó en el Festival Fringe de Edimburgo 2011 y
viajó a Brasil. En 2012 colaboró con el director Jean Topher Campbell de The Theatre Habitación Roja y Film Company en una comisión cinematográfica Canal 4 que fue parte de
la serie de actos al azar comisariada por el Ballet Boyz. También investigó y desarrolló el nuevo Blood trabajo para su estreno en mayo de 2013.
[email protected]
[email protected]
[email protected]
http://vimeo.com/58931514
jeanabreublood.tumblr.com
www.jeanabreudance.com
Le carré des Lombes
(Canadá)
986-1994. Since the early 1990s, Danièle Desnoyers has established herself as one of Quebec’s most
innovative choreographers, opening up new avenues in dance with sensorial, groundbreaking works.
With her company Le Carré des Lombes, founded in 1989, she has initiated unique projects with sets
and sound environments that strongly influence the corporeal language, creating a theatrical dynamic
of bodies in motion. Her early works, Des héros désaffectés (1986), Rouges-Gorges (1989), MiradorMi-clos (1990), Les bois-dormants (1991) and Ex-Voto (1992) were all instant favourites. In contrast
with the athletic Montreal style of the era, these works subtly embodied the private and mysterious
worlds that never cease to fascinate. Pervaded by a sense of freedom and bursting with energy, Du
souffle de sa tourmente, j’ai vu (1994), a pivotal work for Le Carré des Lombes, launched the company
on its first major tours in Canada, Europe and the United States.
[email protected]
[email protected]
www.lecarredeslombes.com
Choreographer Danièle Desnoyers is a leading figure in Quebec contemporary dance. Beginning in the 1990s, she made her mark on Canadian and European stages with intimate and mysterious works, and then
with magnificent sets and sound environments that helped shape her gestural vocabulary. She excelled in the art of representing the point at which dance, the visual arts and music converge. Since founding her
company, Le Carré des Lombes, in 1989, she has been a trailblazer in the exploration of new avenues in dance. Danièle Desnoyers began her studies in classical and contemporary dance in early childhood. Her
subsequent travels, often alone, throughout Africa, Asia, Central Europe and America were to be key sources of inspiration. From 1985 to 1989, she studied dance at the Université du Québec à Montréal, where
she made crucial encounters with choreographers Daniel Léveillé and Jean-Pierre Perreault. For the latter, she took part in numerous productions and events. With her own company and creations, Desnoyers
continued her journey, immersed in the avant-garde currents of America and Europe, and played a major role in the creative explosion in dance in the 1990s.Danièle Desnoyers has created some twenty
choreographic works that have met with national and international acclaim. She has been invited for creative residences in Quebec, Belgium, France and the United States. An initial cycle of works was crowned
with the success of the seminal Du souffle de sa tourmente, j’ai vu in 1994. Discordantia, which followed a shock encounter with the dissonant music of Sofia Goubaïdoulina, was a turning point in her career. This
piece for 6 dancers, commissioned by the Centre d’Arts Vooruit in Belgium, epitomizes what was to become her signature choreographic style. The art of sound would become a major ally. In 2003, she was given
a creative carte blanche by the Musée d’art contemporain de Montréal, where she created Duos pour corps et instruments. This powerful work completed a trilogy begun in 1999 with Concerto grosso pour corps et
surface métallique and Bataille in 2002. Duos pour corps et instruments met with great success at such events as the Rencontres chorégraphiques internationales de Seine-Saint-Denis, the Tanz-Im-August in
Berlin, the International Festival of Contemporary Dance in Munich, the Dance Triennale in Tokyo, while Concerto grosso pour corps et surface métallique won the Prix d’auteur du Conseil général de SeineSaint-Denis en France, aux 7e Rencontres chorégraphiques internationales. This collaboration with sound designer Nancy Tobin led to an exceptional invitation to perform the work at the Music Biennale in
Zagreb. Next came two pieces for large ensembles, Vingt jours, 20 nuits and Les 10 cahiers, followed by the electrifying Play It Again! in 2005. In 2008, Là où je vis opened the Festival TransAmériques in
Montreal before beginning an impressive national and international run. The company was invited to perform the work at such prestigious évents as December Dance in Belgium and the Cervantino Festival in
Mexico, which focused on Quebec art.“Dance runs powerfully through my senses,” the choreographer says with the enthusiasm of her early days. In response to the carte blanche offered by Danse Danse, she
returned to her roots with Dévorer le ciel in January 2010. “Movement—the language that precedes words—once again predominates, regaining its status as the raw material of my work,” she explains. Danièle
Desnoyers develops her language in silence. “Dance is a state that is both optimistic and insane. It acts as a response to silence. It tears things apart. And I reconstruct them…” Her works, however, also stem from
years of fruitful collaborations with artists from diverse disciplines, including sound designer Nancy Tobin, violinist and improviser Malcolm Goldstein, composers Jean-François Laporte and Michel Gonneville,
the Quatuor Bozzini, media artist Manon De Pauw, and architect Pierre Thibeault. Since 1994, she has developed a spécial partnership with Agora de la danse in Montreal, where she was the resident artist from
2005 to 2008. Desnoyers has shown an unflagging interest in the various processes of creation, improvisation and performance—and in imparting them to others. The choreographer most often teaches while on
her travels, and has conducted numerous training sessions for such organizations as Circuit-Est centre chorégraphique, Springboard Dance and Transformation Dance. Her repertory, moreover, is taught at the
major Professional Interprètes\Dancers: Karina Champoux et Bernard Martin dance schools throughout Canada. A guest lecturer at the Dance Department of UQAM from 2000 to 2003, she has contributed greatly
to the renown of the new generation of artists. In 2009 she continued her community involvement, becoming the artistic director of the first Dance-Music Seminar at Circuit-Est centre chorégraphique, of which she
has been a member since 1989. Since early in her career, Danièle Desnoyers and her company have been offered numerous creative residences throughout Canada, United States and Europe. Now based at the
Circuit-Est centre chorégraphique, Le Carré des Lombes receives the financial support of several partners, including the National Arts Centre of Canada, Agora de la danse, the Danse Danse contemporary dance
season, Festival TransAmériques, the Canada Dance Festival, the Musée d’art contemporain de Montréal, La Rotonde centre chorégraphique de Québec, the Rencontres chorégraphiques internationales de SeineSaint-Denis, Le Grand Théâtre – Ville de Lorient, Danse à Lille, the TanzWerkstratt in Berlin, the Centre d’art Vooruit, the Cultuurcentrum in Bruges, the Cultuurcentrum in Warande. and the Baryshnikov Arts
Center.
LES GRANDS BALLETS CANADIENS DE
MONTRÉAL
50 años ... Pero aún es joven durante mucho
tiempo. Debido a que permanecen fieles al
espíritu del ballet clásico, como lo demuestra
el curso de la banda desde sus inicios en
1957,
Les
Grands
Ballets
siguen
descubriendo nuevas áreas para los amantes
de
la
danza
aquí
y
en
otro
lugar. Decididamente orientada hacia la
creación como el acercamiento a los clásicos
como las nuevas obras que nos hacen
descubrir, Les Grands Ballets ahora puede
presumir de mover el mundo de manera
diferente. Les Grands Ballets nunca han
dejado de utilizar el talento de los
diseñadores de aquí, Ginette Laurin, PaulAndré Fortier, Édouard Lock and James
Kudelka. Pero fiel al carácter internacional
otorga a la empresa por su fundador, fueron
capaces de combinar esta contribución a los
talentosos coreógrafos europeos como Jiri
Kylián, Mats Ek y Ohad Naharin, al tiempo
que presenta las mayores compañías
internacionales de danza. Animado por esta
recepción, Les Grands Ballets encargar
nuevas obras de jóvenes coreógrafos más. El
repertorio de la compañía se ha enriquecido a
lo largo de los años 70 y 80, muchos de
Quebec y creaciones canadienses, junto con
obras del gran Balanchine. El 60 / Giselle De
Tommy El joven Chiriaeff fundador sabe
que debe primero conquistar un público
todavía no acostumbrado al ballet. Este es el
aprendizaje rapidez y entusiasmo: Giselle,
Les Noces, La fille mal protegidos y pronto
el ahora famoso Cascanueces Fernand Nault
Con Carmina Burana y Tommy, de Fernand
Nault.
(Canadá)
PANKOV
Director Artístico
"La revolución introducida por Pankov los Grands Ballets Canadiens de Montreal continúa con resultados dramáticos. "John Rockwell, The New York Times
Originario de Macedonia, el amor de Pankov de baile durante 50 años. Primera bailarina brillante en la ex Yugoslavia y Alemania, se desempeñó sucesivamente como director artístico del Nederlands Dans Theater II
(Países Bajos), el Ballet Nacional de Finlandia, el Ballet Cullberg (Suecia) y el Ballet du Grand Théâtre de Ginebra (Suiza), además de ser invitado por las compañías de ballet más prestigiosas del maestro del
mundo: el Ballet de la Ópera de París, el Ballet de l'Opéra de Lyon, el Nederlands Dans Theater, Cullberg Ballet, el Ballet Gulbenkian y el American Ballet Theatre. Esta trayectoria le permitió codearse con las
principales figuras del ballet actual y enlazar amistades profundas con coreógrafos de la talla de Jirí Kylián, Mats Ek y Ohad Naharin, así como las estrellas en ascenso como Didy Veldman y Stijn Celis.
Hombre abierto al mundo de las emociones, Pankov tiene una pasión por todas las formas de expresión. No temas a los retos, que aspira a hacer compañía Grands Ballets Canadiens de Montreal que se destaca tanto
en el mundo del ballet en el universo cultural en general.
[email protected]
http://www.grandsballets.com
LUCIE GRÉGOIRE DANSE
(Canadá)
Caminando en las huellas de sus dos recientes creaciones conjuntas, Lucie
Grégoire encontró Yoshito Ohno In Between la trilogie amorcée avec Eye et
Flower. Así que tenemos el placer de un fascinante espectáculo del dueto de estos
dos solista que fluyen un una presicion superficial. Inspirada en la homónima del
escritor Franco-chino François Cheng poema, navega en la relación entre los seres
humanos y trata de hacer perceptible lo impalpable, todo lo que sucede entre lo que
se ve, pero que se puede sentir escudriñando: lo que existe entre el espacio lleno y
vacío, entre los movimientos entre el público y los bailarines. Se convierte así en el
invisible que cabe en el espacio de pantalla. La colaboración entre Lucie Grégoire
y Yoshito Ohno refleja una gran complicidad artística y comunicación intensa.
Resonancia recíproca de su universo, el diálogo del cuerpo que es comprometida,
juego de su identidad masculino y femenino, el encuentro de Oriente y Occidente
es verdaderamente mágico. Cada gesto tomaron raíz, existe y desaparece dejando
un rastro de una manera atemporal. Con control de consumo, Lucie Grégoire y
Yoshito Ohno dibujan desde lo más profundo de sí mismos a renunciar totalmente
al reto de interpretación, vibrante elocuentemente estrechamente y autenticidad.
Lucie Grégoire, actriz, coreógrafa y profesora
Entre el Nouvelle Aire Groupe, que asistió en la década de 1970 y
la Fundación de su compañía en 1986, Lucie Grégoire vive cerca
de diez años en el extranjero, en Nueva York, en Francia y en el
Japón. Como coreógrafa, actriz y profesora, ella continuó su
propia investigación. artista por más de treinta años, Lucie
Grégoire incluye más de 30 creaciones coreográficas, trabaja para
varios bailarines, creaciones in situ y solos. Su carrera está
marcada por largas estancias en el extranjero. Sus obras son
realizados con la asistencia de otros países y culturas, ya sea el
Ártico, el Portugal, la España y el desierto del Sahara, Marruecos,
el Túnez y el Japón y desde diferentes disciplinas artísticas:
danza, música, literatura, poesía y artes visuales. Su trabajo
coreográfico revela una firma personal y singular. En Montreal,
establece su empresa L ’ Agora de la Danse donde actúa
regularmente.
[email protected]
www.dfdanse.com
www.luciegregoire.ca
Mariana Bellotto
Buenos Aires, Argentina
Mariana Bellotto, coreógrafa, bailarina y docente inscripta en los lenguajes contemporáneos de la danza, ha bailado, presentado obras de creación y dictado seminarios en diversos
festivales y teatros argentinos y del exterior. A lo largo de su carrera ha recibido numerosas distinciones, premios, becas, subsidios y apoyos de distintas entidades como de Prodanza, la
Secretaría de Cultura de la Nación Argentina, el Fondo Nacional de las Artes, el Fondo Metropolitano de Artes y Ciencias BA, el Centro de Experimentación del Teatro Colón, el
MALBA (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires), el Centro Cultural Rojas de la Universidad de Buenos Aires, Centro Cultural Borges, el Centre Nacional De La Danse
(Francia), la Fundación Antorchas, el Goethe Institut de Munich, entre otros. Sus obras han sido mostradas en distinguidos escenarios y ha participado de numerosos festivales de
argentina y del exterior, entre los cuales se destacan en el Festival Internacional Les Allùmes de Nantes, Francia; el Festival Internacional de Salvador de Bahía, Brasil; el 9º Panorama
de Danza de Río de Janeiro, Brasil; El Centre National de la Danse de París, Francia; el III Festival Danza a mil de Santiago de Chile; el IV Festival Internacional de Buenos Aires; el
Centro de Experimentación del Teatro Colón; el Teatro Pte. Alvear de Buenos Aires; el Centro Cultural San Martín; el Centro Cultural R. Rojas; el Festival Buenos Aires Danza
Contemporánea; el Festival Internacional de Danza de Morelos, México; el Festival Internacional de danza de Busan, Corea. En la actualidad forma parte del colectivo artístico LTNSM,
en donde se desempeña como intérprete y coreógrafa bajo la dirección artística de Barenstein; realiza Desconcierto para piano y orquesta, una intervención performática sobre las obras
de León Ferrari en la exposición del CCM Haroldo Conti (Ex - ESMA); y trabaja junto a Laura Vago en la obra MUR.
[email protected]
www.marianabellotto.blogspot.com
www.youtube.com/user/marianabellotto
María Juncal
(España)
Las Palmas de Gran Canaria, España.
Cuenta con estudios de clásico Español de la mano de su tía abuela, Trini Borrull, las
palmas de Gran Canarias, Escuela de Danza de Rosalina Ripoll y Miguel Navarro. Santa
Cruz de Tenerife, Centro de Arte Flamenco y Danza Española Amor de Dios, Madrid.
Formó parte de las Compañías de “El Guito”, “Manolete”, Solista de la Compañía
National Theatre of New York, Solista de la Compañía José Greco, “Campanas
Flamencas” dirigido por Paco Sánchez y coreografiado por la Tati. Bailarina en el
documental, “Cool Women” con la actriz y bailarina Debbye Allen, Solista en el
espectáculo “Pura Pasión” de Joaquin Cortés, “España baila Flamenco” dirigido por
Cristóbal Reyes, papel protagónico en “La Musa Gitana” dirigido por Paco Peña, artista
invitada en el Teatro de Bellas Artes de la Ciudad de México en la ópera Carmen,
interpreta el papel de Carmen en el Gran Teatro de la Habana, Cuba. Participa en
diferentes espectáculos como son: Artista invitada en “Jarocho” dirigido por Richard
Oneil.
Ha dirigido los siguientes espectáculos con su compañía:
La gitana Blanca, Azabache y miel, Murmullos y Geranios, Instantes, Destemplao, La
Hora de los Milagros, Tercera Llamada junto al Gran maestro Ciro, Quimera. Ha
realizado giras por Francia, España, Italia, Grecia, Holanda, Bélgica, Estados Unidos,
Israel, México, Canadá, Alemania, Cuba, Venezuela, China y Japón.
Premios recibidos: 2004: Premio Nacional de Danza Flamenca Antonio Gades en
Córdoba. 2006: Primer Premio de Baile Flamenco y Trofeo “Desplante” en el XVLI
Festival de Cante de las Minas. 2006: Premio a la mejor solista flamenca con la obra
“El encierro de Ana Frank” en el XV Certamen de Coreografía de Danza Española y
Flamenca del Teatro Albéniz en Madrid. 2006: Mención de Honor del Gran Teatro de
la Habana, por su participación en el 20 Festival Internacional de Ballet de la Habana
con “Destemplao”. 2011: Nombrada Embajadora Universal del Flamenco por el DIF
Estatal de Tabasco, México.
[email protected]
http://www.youtube.com/watch?v=aJ-F-2wRX10
Mayday Company
(Canadá)
Mayday: llamada de socorro enviado principalmente por barcos y aviones; término usado desde el principio del siglo XX, probablemente
prestada la expresión francesa "Venez m' aider" (ven a ayudarme!). La coreógrafa y directora artística de Mayday, Mélanie Demers utiliza el
escenario como plataforma para examinar el papel del artista y utiliza el teatro como un espacio para meditar sobre el destino del mundo y
las personas. Ella no condena ni cede a una estéril derrotismo, sino simplemente destaca los rincones más oscuros de la condición humana.
Sus obras, sin lugar a dudas, están al mismo tiempo de las señales de socorro y una invitación a cambiar. Por esta razón llamó a su
compañía Mayday, un nombre en el que percibe a la vez esperanza y la desesperación. Desde su creación en 2007, Mayday ha optado por
ser un lugar de intercambio y reflexión, una especie de un tic tac para los artistas que trabajan con Mélanie Demers. Proceden de diversos
ámbitos, algunos de Montreal, sede de la compañía, otros de todo el mundo. Sus personalidades son deslumbrantes y eclécticas. Aquí, la
maduración de la obra es un proceso colectivo. El aspecto físico, el ritmo y las imágenes utilizadas en las coreografías son elementos
característicos de Mayday, que encuentran todo su significado cuando se enfrentan con el público.
[email protected]
[email protected]
www.maydaydanse.ca
MÉLANIE DEMERS. Coreógrafa canadiense con sede en Montreal,
donde fundó la empresa Mayday, Mélanie Demers exhibiciones una
ruta que atestigua su determinación para perfeccionar su arte y poner su
talento al servicio de una danza que tiene alma. Sus obras teatrales a las
insinuaciones surrealistas impresionan por la potencia del impacto de la
poesía cruda que cuestiona el estado del mundo y las responsabilidades
individuales. Nacida en Montreal en 1974, Mélanie Demers estudió
danza, literatura y teatro en la ciudad de Quebec, antes de regresar a su
ciudad natal para la formación del intérprete en LADMMI, en la escuela
de danza contemporánea. Graduada en 1996 e hizo su debut con varios
coreógrafos como Danièle Desnoyers, Roger Sinha y Paula de
Vasconcelos. Dos años más tarde, fue contratada por Ginette Laurin
con quien trabajara durante casi 10 años mientras multiplicando
colaboraciones con coreógrafos emergentes. Junto a su actividad como
intérprete dentro de la compañía O Vértigo. El trabajo de Mélanie
Demers seducido por su originalidad, su riqueza y complejidad. Sus
primeras creaciones son fantasía y buen humor, aunque ya explora las
áreas oscuras de la condición humana. Ligero y refrescante en el cubo
de basura, fallas y el mismo cielo, teatralidad es más chirriante en
Mayday, Mayday, creado en 2006 para la columna colectiva Dô,
presagiando la extraña dimensión que hoy lo caracteriza. La energía
explosiva desde sus inicios se relaja en la sensualidad de su cuerpo.
MOVE: the company
Director, Josh Beamish
(Canadá)
Fundada en 2005 por su director artístico, Josh Beamish, MOVE: Es una compañía de
danza contemporánea con sede en Vancouver BC, comprometida con la creación e
interpretación de obras coreográficas originales tanto por artistas emergentes y
establecidos, a la vez que rinde homenaje a las creaciones del pasado.
Compuesto por un grupo central de rotación de artistas de la danza, el enfoque
principal de la compañía es el desarrollo de los artistas de la danza contemporánea en
Vancouver y Columbia Británica. La compañía también pretende incluir a
colaboradores de otras formas de arte, como el vídeo, la música, la palabra y el teatro
hablado, a través de la participación en el proceso creativo. Prácticas creativas
tradicionales de mezcla con trabajos colaborativos atípicos, MOVE: la compañía tiene
como objetivo fomentar el público de hoy a interesarse en la danza de hoy, al mismo
tiempo promover la apreciación de la fundación de la historia de la danza canadiense.
MOVE: la compañía se dedica a la presentación de trabajos y promesas nuevas,
desafiante y emocionante para proporcionar una experiencia de rendimiento que el
público no se olvide pronto.
[email protected]
www.movethecompany.com
NY2Dance
Nejla Yasemin Yatkin Dance
(Estados Unidos)
About NY2Dance
NY2Dance is short for Nejla Yasemin Yatkin Dance, which is a bridging of
cultures from East and West and a virtuosic dance theatre company of
engagingly individual dancers from around the world exploring the abstract
telling of humanities story. The company explores topics of identity,
transformation, migration and multiculturalism in movement through a dynamic
mix of multimedia and diverse theater techniques. In addition to our concert
offerings, we offer workshops, special events, site specific dances and
residencies tailor made for the community or company that we are engaged with.
Since its inception in 2001, NY2Dance and Nejla Yatkin has been named as a
“Top 25 to Watch” by Dance Magazine (2005), has won the DC Mayor’s Arts
Award for Outstanding Emerging Artist (2004) and 6 Metro DC Dance Awards
for their production. NY2Dance performs regularly at both national and
international festivals and venues, bringing its “Indelible Imagery” (Dancer
Magazine) and “Fierce Dancing” (New York Times) performances to audiences
around the world..
www.ny2dance.com
[email protected]
[email protected]
http://www.youtube.com/watch?v=1jWtZm-XFAg&feature=c4-overview&list=UUmoz2SIoDhKXjtOZEb_ezjA
Nejla Y. Yatkin, Artistic Director
Nejla Y. Yatkin is a 2012 3Arts Awards recepient, a 2012 Forth fund recipient,
2011National Performance Network Creation Fund recipient, a 2009 Princess Grace
Special Project recipient and a 2008 Princess Grace Choreography fellow. She was named
by Dance Magazine as one of "Top 25 to Watch in 2005" and "Outstanding Emerging
Artist" by the D.C. Mayor's Arts Award Committee for 2006. This award-.-winning and
internationally acclaimed choreographer is originally from Berlin, Germany with Turkish
roots. Ms. Yatkin has performed her solo work in over 30 countries. She has been awarded
numerous grants to create and perform from Arts International, the National Performance
Network, Kennedy Center and the D.C. Commission on the Arts and Humanities as well as
the Turkish Cultural Foundation. Recently, she choreographed for Dallas Black Dance
Theatre and Washington Ballet, the Darpana Performing Group in India as well as the Cleo
Parker Robinson Dance Ensemble. For 7 years, Ms. Yatkin was a Professor of Dance at the
University of Maryland. In July 2008, she started a new position as Artist in Residence for
the Film, TV and Theatre Department at the University of Notre Dame. Besides her
creative work in the Contemporary Arts world, Ms. Yatkin has choreographed for Isaac
Mizrahi Fashion in New York, L’Oreal in Paris and Avandgarde Fashion Show in Berlin as
well as Opel Car inGermany.
Pigeons International
Paula de Vasconcelos- Paul-Antoine Taillefer
(Canadá)
Fascinados por el gran desorden, sensible a la gran
imperfección de todo, nos gusta poner en escena la
gravedad de la sensualidad, humor y pasión. Para el
teatro y la danza y la poesía de ambos, queremos
hablar de las montañas y el mar en los seres
humanos. Y todo comienza con esperanza. En
1987, Paula de Vasconcelos y Paul-Antoine
Taillefer fundan Pigeons International su influencia
en el teatro y danza. En sus creaciones en imágenes
interpenetran dialogo escénico, franco en su texto,
el cuerpo, el juego y la danza, serios y gestos
juguetones de la vida y la estilización en el
arte. Para ellos, el espectador es un sueño que crean
sueños. La directora y coreógrafa Paula de
Vasconcelos explora con su equipo, los temas
universales de la condición humana, el desarrollo
de un discurso empático de la alteridad y las
relaciones humanas basadas en múltiples
facetas. El amor y la soledad, el deseo y la
confusión, aquí y en otros lugares, ayer y mañana,
ella explora en su obra estas cuestiones con
relevancia y sutileza como una amplia gama de
oportunidades en las artes escénicas. Una de las
razones de ser Pigeons International es demostrar
la riqueza que puede venir de una apertura a otras
culturas y la abolición de las fronteras, ya sean
culturales, sociales o artísticas. Actualmente, la
compañía cuenta con dieciséis creaciones. En
cuanto a la gira, presentó su trabajo en más de
treinta y cinco ciudades de Portugal, Italia,
Alemania, Austria, Colombia, Brasil y varias
ciudades de Estados Unidos y Canadá.
[email protected]
www.pigeonsintemational.com
Sol picó Cía. de dansa
(España)
Merecedora de diferentes premios y distinciones. Graduada en Danza Española y
Clásica por el Conservatorio Oscar Esplà, Alicante. 1990-2003: Rayo Malayo,
NO ES TODO METAL; Los Rinos, CONFERENCIA EN RILOLAXCIA’91;
Sigfrid Monleon, cortometraje OJOS QUE NO VEN; Joan Pueyo, Vídeo-Danza
NO PARIS; La Fura dels Baus, DADLE CAFÉ y XXX; La Danaus,
ETRANGEL; Juan López, FILO; Joan Ollé, CRÒNIQUES; Carme Portacelli,
LEAR. 2007: Dirección artística de la Gala de la entrega de los Premios Max
2007 a Bilbao; dirección artística de “Viatges a la Felicitat” para el proyecto “T
Dansa” del Teatre Nacional de Catalunya. 2009: Dirección de la obra de
marionetas y música con la prestigiosa cantante Mariona Sagarra y el
marionetista Eugenio Navarro para la sala Barcelonesa “la Puntual”; grabación
del corto metraje “Praeludium” de Pau Dura; actriz y bailarina en la obra “El
Ball” dirigida por Sergi Belbel, estrenada a TNC en noviembre. 2010: Bailarina
en la obra “La lucha libre” en el Circo Price de Madrid, creación de una pieza
corta de 30 minutos para el ciclo “Visto por…” en el Museo Picasso de
Barcelona. 2011: Actuación en el Acto “Salvador Dalí canta.” Dentro del
Festival Acústica de Figueres, Colaboración en la gala de inauguración del
Teatro L´ Archipel de Perpignan, colaboración con la compañía La Intrusa
Danza en la performance Los Comulgantes para el Mercat de les Flors en
Barcelona. 2012: Dirección de las coreografías para la gala de la entrega de los
premios Gaudí. Participación en el videoclip ¿Porqué no estas aquí? De la
cantante Dácil López. Participación como profesora en los talleres de
Animalarius en Madrid y en Juneda In Cursió en Lleida. Colaboración con el
Auditorio de Barcelo como coreógrafa de la Banda Municipal de Barcelona para
los conciertos pedagógicos A tot vent. De sus creaciones destacan: 2012
Memorias de una pulga, Panish Omelette, Llàgrimes d´ángel; 2011 Petra, la
mujer araña y el putón de la abeja maya. 2010: Matar al bicho, Cortando Jamón;
2009: El llac de les Mosques entre otros.
[email protected]
www.solpico.com
http://www.youtube.com/watch?v=H0NTUpGeOGs
SURSAUT
DANCE COMPANY
(Canadá)
Fundada en Sherbrooke en 1985, la compañía de danza Sursaut se dedica a la
creación, producción y difusión de la danza para la juventud y la familia.
Producciones de la compañía se presentan en un océano en el Canadá y el
extranjero. Alegre y conmovedor, las creaciones de sobresalto inspiran y las
delicias tanto de los jóvenes y los menos jóvenes.
Desde 1987, Francine Châteauvert asume las funciones de director artístico y
coreógrafo. Temprano en, trabaja en estrecha colaboración con Adam Dymburt,
bailarín y Director general, para desarrollar la empresa y asegurar su influencia.
Son apoyados por un equipo de bailarines y colaboradores invertidos.
Durante las últimas cinco temporadas, más de 40.000 espectadores asistieron a
los espectáculos de la compañía en el país y en el tour. Actualmente, están
disponibles para la gira dos producciones: la noche cae, creado en 2005, es una
obra sorprendente por su profundidad y su sobriedad. Audaz y poética, la
producción continúa conquistar al público en todas partes donde se presenta. El
show Boo! ofrece un programa que consta de obras coreográficas cortas
independientes entre sí, se reunieron en una sucesión de mesas juguetón.
Flickr es una empresa pionera en danza contemporánea para la juventud y la
familia y contribuye al desarrollo de la danza profesional fuera de centros
urbanos importantes. Muy involucrado en su comunidad y convencidos de la
importancia del arte para los jóvenes, la empresa continúa a hacer accesible a
todos a bailar. La empresa se estableció desde diciembre de 2007 en el centro de
las artes escénicas Jean-Besre, un lugar dedicado a la creación y producción en
teatro y danza.
Compañía de danza Sursaut está financiada por el Consejo de Artes y Letras de
Quebec, la Comisión des Arts du Canadá y la ciudad de Sherbrooke.
[email protected]
www.sursaut.ca
Patricia Vargas
Agente de Desarrollo para México y Latinoamérica
Francine Châteauvert
Director Artistico
Dio sus primeros pasos en el arte del movimiento en gimnasia, teatro, circo antes de sumergirse en el mundo de la
danza. Contemporánea, franqueza y autenticidad, sus creaciones ofrecen un rendimiento impregnada de un realismo
poético en un gestos muy físico, profundidad, belleza, pequeños y grandes placeres que son todas las cosas simples en
momentos diarios aparentemente inofensivos, son enviados en sus obras. Su labor artística se distingue por un
vocabulario coreográfico muy aseado, combina la abstracción, el simbolismo y la teatralidad del movimiento. Ha
creado más de 20 coreografías entre las más recientes son: noche cayendo (2005), el jardín ocultado (2008), Boo!
(2009) y los mejores momentos/The Best of Flickr (2010).
Recibió el premio cultural de la ciudad de Sherbrooke en 1992 por la calidad profesional de su producción, el
dominio de su arte y la audacia de su enfoque artístico. El diario La Tribune también le dio mérito estrien
"Personalidad de nosotros" en 1996 por la calidad de su trabajo y por su contribución a la región. En 2006, recibió el
premio a la creación artística en danza del Consejo de las Artes y des lettres du Québec.
TANGOKINESIS
(Argentina)
Fue creada en 1993 por Ana María
Stekelman, con la intención de profundizar
su idea de fusionar la Danza Moderna y el
Tango. Reconocida por su excelente nivel
artístico y lenguaje propio, fue invitada a
importantes Festivales Internacionales. El
primero de ellos, Jerusalén en 1994. Luego
llegarían el Festival de Otoño de Madrid;
Avignon; Biennale de la Danse de Lyon;
Kuopio; Herrenhausen; Bogotá; Colorado
y American Dance Festival, entre otros.
Tangokinesis
también
actuó
en
renombrados escenarios: Opera Garnier;
Kennedy Center; Hebbel Theatre; Teatro
Romano; Teatro Bellini; Tanzhaus; World
Financial Center; Kravis Center; Palacio
de Versailles; Teatro Solís; etc. En Buenos
Aires: Teatro Maipo; Teatro San Martín;
Pte. Alvear; Coliseo, Teatro Cervantes,
etc.
En 2002 elegida por el Canal ARTE de
Francia protagonizó un documental
dirigido por Edgardo Cozarinsky. En 2006
protagonizó “Las Bodas del Rey Niño” en
el Palacio de Versailles (Stekelman-Arias).
[email protected]
www.tangokines.com
Ana María Stekelman
Miembro Fundadora del Ballet Contemporáneo y del Taller de Danza del Teatro San Martín de la ciudad de Buenos Aires. Creadora de “Tangokinesis”. Docente
invitada al American Dance Festival (USA); Centre National de la Danse (Lyon, Francia); Jacob´s Pillow (USA). Realizó numerosas obras para el Ballet
Contemporáneo del Teatro San Martín; para el bailarín Julio Bocca y Ballet Argentino; Teatro Colón, Tangokinesis y renombrados Ballets en el exterior. Única
coreógrafa argentina que recibió la invitación para que su Compañía cierre el Festival de Avignon en el “Palais des Papes”. Su obra “Consagración del Tango” se
estrenó mundialmente en la Opera Garnier de París. En cine creó escenas coreográficas de la película “Tango” de Carlos Saura y la coreografía de la secuencia de
ballet de la película “Tetro” de Francis Ford Coppola. En el exterior recibió el American Choreography Award. Nominada al Premio “Benois de la Danse” Teatro
Bolshoi de Moscú. En su país recibió importantes premios entre los que se destacan el Premio María Ruanova a la trayectoria y en 2009 el Premio Konex de
Platino como la mejor coreógrafa de la última década. En 2012 recibió el Premio a la Trayectoria otorgado por el Fondo Nacional de las Artes. Es Ciudadana
Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires.
THE DRIFT (Redux) de Helge Letonja
Música de Kunsu Shim y Gerhard Stäbler
Imágenes por Kyungwoo Chun
(Canadá)
The Drift, de Helge Letonja cuenta con un reparto internacional de
cinco bailarines de danza steptext proyecto Bremen y Montreal
Danse, The Drift proyecta una vista a una comunidad primaria, a
los movimientos como la fuerza impulsora del cambio, al océano
como una memoria de almacenamiento, y a la vida que es más
grande que nosotros. The Drift (redux) adaptado para el espacio
único de la base, es la segunda parte de la trilogía Letonja
'desplazando a futuro ", que trata de los temas de la migración y
errante. Letonja colabora con los reconocido compositores
contemporáneos Kunsu Shim y Gerhard Stäbler como artista visual
Kyungwoo Chun. Comportamiento del enjambre, las corrientes y
turbulencias se convierten en los parámetros de la danza que
comienza cuando el individuo se encuentra con el universal.
Como parte de una residencia con el muelle y el Consejo del
condado de Leitrim, Irish Modern Dance Theatre de John Scott y
proyecto steptext danza, Bremen, Alemania presenta un programa
doble en las galerías del muelle y el espacio de actuación. steptext
presentes 'El Drift (Redux)' y Irish Modern Theatre presente Dance
'La pieza blanca'. Ambas producciones tienen que ver con temas de
migración y de la integración cultural y esta asociación ofrece la
posibilidad de ampliar los límites de la danza y de abrir la
conversación sobre estos temas.
Helge Letonja
Estudió Danza Clásica en el Amsterdamse Hogeschool voor de Kunsten, entre otros, así como la danza moderna con Erick Hawkins y Alvin Ailey. Él
creó sus primeras coreografías durante su empleo en el Bremer Tanztheater, entonces dirigida por Susanne Linke y Urs Dietrich. En 1996, fundó la
compañía de danza steptext independiente (hoy: proyecto de danza steptext), que ha sido su director artístico desde 2003 y coreografiado más de 30
piezas para la compañía, que se han presentado en Europa y América del Norte. Para desplazar la trilogía se convirtió en 2010 el avance concepción
del Fonds Darstellende Künste. Además de su trabajo como coreógrafo y bailarín, Helge Letonja es un profesor de baile, así como miembro del jurado
para las plataformas internacionales de la danza en Alemania y en el extranjero, y asesora a instituciones de danza y artistas en los proyectos de
desarrollo. Es miembro fundador del arte y el artista local Schwankhalle Bremen, así como el Tanzstadt: Iniciativa de Bremen.
http://www.steptext.de
[email protected]
En 1985 Maria Rovira crea la Compañía Trànsit Dansa en Mataró como bailarina y coreógrafa,
con el propósito de establecer una compañía residente en su ciudad natal con una doble
finalidad y objetivo: proyectar nacional e internacionalmente a la compañía y trabajar
pedagógicamente la danza y los públicos. Desde sus orígenes, la compañía Trànsit Dansa
trabaja en la creación, producción y exhibición de sus espectáculos como compañía profesional
de danza, a la vez que lleva a cabo programas de formación profesional de bailarines/as,
proyectos de difusión y sensibilización de la danza y actividades de dinamización e integración
social. Trànsit Dansa actualmente es la responsable del programa de formación profesional de
danza en el Aula de Teatro y Danza Municipal de Mataró, impulsando y consolidando la
incorporación curricular de la danza dentro de las escuelas de primaria y secundaria de la
ciudad a través del proyecto Mou-te! (Muévete!). Maria Rovira y Trànsit, desde la vertiente
pedagógica y formativa, han creado y diseñado programas de formación específicos y de
reciclaje para todo tipo de profesionales de las artes escénicas. En esta misma línea, Trànsit da
servicio y asesoramiento pedagógico a conservatorios de danza, ballets nacionales y todo tipo
de centros culturales, tanto a nivel nacional como internacional. Trànsit Dansa, en estos 27
años de trayectoria artística, ha presentado numerosos espectáculos, algunos de los cuales han
obtenido un reconocimiento internacional: Noviembre (1985), Trastorno (1989), Entre asesinos
(1990), El pols de l’Àngel (1992), Bienvenidas (1993), El joc (1993 –Premio Nacional Ricardo
Moragas), El punto de la memoria (1994), Escape (1995), Mandala (1998), Rugged Lines
(1999), Pequeñas piezas (2000), Occupations (2003), Trans 20 (2005, conmemoración de los
20 años de la compañía), La muralla (2006), Las Bacantes (2007), El Salto de Nijinsky (2007,
Premio Max al mejor espectáculo Nacional de danza), Las Mujeres y Shakespeare (2008) Désir
(2009), RRRojo (2009), Somorrostro (2010, finalista al premio Max como mejor espectáculo
Nacional de danza 2012), Evangelium (2010). Trànsit Dansa presentará, dentro de la
programación del Festival Grec de Barcelona 2012, su última producción “de
Carmen”(bailando en la arena), un homenaje muy particular de la directora de la Compañía a la
figura de Carmen Amaya.
TRÀNSIT Danza
(España)
MARIA ROVIRA
Directora artística
María Rovira: [email protected]
Enric Molner: [email protected]
http://www.youtube.com/watch?v=_-oLAJsBS9k
María Rovira (Premio Nacional de Danza, 1998) es sin duda una de las coreógrafas de danza contemporánea más interesantes y con más prestigio a
nivel nacional e internacional. Coreógrafa, bailarina y fundadora de la Compañía Trànsit Dansa, ha trabajado extensamente por toda Europa, Estados
Unidos y Latinoamérica. Estudió en la escuela de Ramón Soler y participó en la Internacional Dance Workshop, dirigida por Gerard Collins. Durante
los años 80, estudió en París con Peter Goos en la Internacional Dance Center y realizó el curso oficial en el Centro Internacional de la Danza de
París. Participó también en el Stage Internacional de Arles (Francia)becada por CID. Más tarde, estudió en la Merce Cunningham school en Nueva
York y en la Maison de la Dance de Lion, con profesores como Hans Zülling, L. Hoving o Jean Cebron. En 1985 crea la compañía Trànsit Dansa, en
la cual ha desarrollado su carrera, primero como bailarina y después como coreógrafa, creando numerosas obras de prestigio internacional como
Trastorn, El Pols de l’Àngel, El Joc, El Punt de la memoria, Escape, Mandala, Rugged Lines, Petites peces, Occupations y, más recientemente, El
Salto de Nijinsky, Las Mujeres y Shakespeare, Désir, Somorrostro o Evangelium. Maria Rovira ha participado durante varios años en el American
Dance Festival como Coreógrafa Internacional Residente, así como Coreógrafa Internacional Comisariada y, en 1998, entró a formar parte de la
comisión de profesoras de la ADF. Colabora regularmente con el Ballet Nuevo Mundo de Caracas, la Compañía Losdeenmedium de Costa Rica, el
Ballet Nacional de Paraguay, la Compañía Maximiliano Guerra de Argentina, Ballet de la Ópera de Dassau (Alemania) y asesora a ballets y
compañías nacionales del Estado Español, EE.UU., Costa Rica, Cuba, Ecuador, Puerto Rico, Venezuela, México, Francia, Alemania e Italia.
Actualmente Maria Rovira trabaja en su último proyecto “de Carmen” un espectáculo/homenaje a la figura de Carmen Amaya, que presentará en el
Festival Grec de Barcelona 2012.
Van Grimde Corpors Secrets
(Canadá)
Es una compañía cuya misión es promover la investigación sobre el cuerpo y la relación entre
danza, otras formas de arte, ciencia y tecnología. La misión es promover la creación,
producción y difusión de obras creadas por Isabelle Van Grimde y sus compañeros también.
Isabelle Van Grimde
Como bailarína, coreógrafa, fundadora y Directora artística de la compañía basada en
Montreal, Van Grimde Corps Secrets, Isabelle Van Grimde tiene una carrera internacional
marcada por colaboraciones interdisciplinarias, que amplían los horizontes de la danza
contemporánea y las percepciones del cuerpo y del potencial de la actuación en vivo. Su
obra se caracteriza por la calidad del diálogo entre la danza y la música que ha desarrollado
durante los años. Un artista cosmopolita-investigador, regularmente es invitada a hablar de
sus investigaciones fundamentales y teóricos en el cuerpo en las conferencias y dentro de
grupos de investigación internacionales. También ha publicado escritos sobre este tema. En
2011, el Consejo de Canadá para las artes le otorgó el Jacqueline Lemieux Prize en
reconocimiento a su contribución al enriquecimiento de la vida artística en Canadá y en el
extranjero.
Una vida entre la danza y la música
Oriunda de Bélgica, donde ella creció, comenzó a estudiar ballet a la edad de cuatro años
Isabelle Van Grimde y participó en sus primeras concursos de piano cuando que tenía ocho
años. En la década de 1970, estudió historia del arte, entrenó intensamente en danza y creó
sus primeras coreografías - para videos musicales, entre otras cosas. A los 18 años, ella fue
notada por los profesores del centro de danza Alvin Ailey y recibió una beca para asistir a
su escuela. Siguiendo su desarrollo artístico y formación entre Nueva York y Montreal,
conoció a compositor Thom Gossage (que llegaría a ser su compañero de vida), y
encontrado musical aproxima transformado por completo su visión de la música. Las
primeras obras de la etapa que creó en Quebec atestiguan su deseo de trabajar en estrecha
colaboración con los compositores. Hoy, está en la vanguardia de la investigación que se
enlazan a la danza y la música.
Inspirada por el deseo de cuestionar constantemente las habilidades del cuerpo a través de
formas y movimientos, la coreógrafa Isabelle Van Grimde construye su trabajo mediante la
manipulación de tres elementos básicos: cuerpo, espacio y tiempo.
La singularidad del vocabulario de Isabelle Van Grimde reside en su método de vincular
estrechamente la investigación formal con sensibilidad por formación y remodelación de
los cuerpos de los bailarines con sus manos; una lengua purificada emana de esta
investigación, basada en el estiramiento excesivo y la manipulación del cuerpo. Estos
cuerpos, al límite de sus capacidades, equipan el tejido emocional de la obra.
info@vangrimdecorpssecretscom
http://www.vangrimdecorpssecrets.com
Virpi Pahkinen Choreographer
(Suecia)
Virpi Pahkinen has been successfully touring the world in her dual role as
choreographer and solo dancer. Her solos have met Critical acclaim In over
40 countries including USA, Australia, Mexico, South Africa and Lebanon.
Virpi Pahkinen has also created works for several companies as Ballet
Poznanski, Vietnamese National Opera Ballet, North 59°, The Young
Dance Company and Finnish Opera Ballet. She has also choreographed and
appeared in a short dance film for wide screen, Atom by Atom, an existential
thriller filmed on the remarkable volcanic mountains of Lanzarote and M de
Mafra which was shot at the Palácio Nacionalde Mafra Library in Portugal.
The work Bardo was also made as a TV-°©‐ production for The Swedish
Television. The film Bardo 010 was awarded the Golden Antenna in
Bulgaria 1998, and has been broadcasted in Singapore, Japan, The
Netherlands and Scandinavia. Her musicality and her interest in light as
architecture has attracted artists of the highest quality, the lighting designer
Jens Sethzman for instance, the composer Akemi Ishijima and live°©‐musicians such as Jon Rose (violin, etc.) and Sussan Deyhim (song). In
2001, at the International Solo Dance Theatre Festival in Stuttgart, Virpi
Pahkinen won the 1st Choreography Prize with her solo Prayer of the
Scorpio. In 2002 she was awarded Carina Ari Foundation Gold Medal. In
1996, Virpi Pahkinen was awarded Finland’s Culture Prize for young
Artists, and Svenska Dagbladet Opera Prize. The Swedish Section of
International Association of Theatre Critics awarded The 2009 Dance Price
with motivation: "Virpi Pahkinen is one of Swedish dance’s most unique
artists. In her solo work she creates her own universe through her vibrant
musicality and sense of form. Her distinct and extremely flexible gestalt
seems at times to have crawled out from the dry waves of vast desert, at
other times to be a transparent membrane for cosmic power. She has taken
part as a dancer in several of Ingmar Bergman’s theatre productions at the
Royal Dramatic Theatre in Stockholm: The Bacchae, Peer Gynt, Goldberg
Variations, Space and Time, A Winter’s Tale and Ghostsonata. In 2009
Atena Kustannus Published Virpi Pahkinen’s debut book Käärmeensyöjá
(Snake-°©‐eater). During spring 2013 the book will be published by MBM
Förlag in Sweden. In June 2011 Virpi Pahkinen was awarded Litteris et
Artibus, a Swedish royal medal for her outstanding artistic contributions as a
dancer and choreographer. Virpi Pahkinen was born in Finland. She studied
piano at the Conservatory in Helsinki, and trained on the choreographer
course at the University College of Dance in Stockholm in 1989-°©‐1992.
[email protected]
[email protected]
http://www.youtube.com/watch?v=E-QqOEg1708

Presentación de PowerPoint - Coordinación Nacional de Danza

Transcripción

Documentos relacionados

Indumentaria para Danza (recortables)

nuria carballido

ROMEO Y JULIETA dossiel - Espacio Cinético Taktá