EL ORIGEN DIVINO DE LA MÚSICA Los griegos de la Antigüedad

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EL ORIGEN DIVINO DE LA MÚSICA Los griegos de la Antigüedad
EL ORIGEN DIVINO DE LA MÚSICA
Los griegos de la Antigüedad atribuyen a la música facultades
mágicas. Para ellos la música puede ser capaz de curar
enfermedades, modificar la conducta de las personas, obrar todo
tipo de prodigios, de catástrofes, de adversidades climatológicas.
Por ello, la elección de la música para cada ocasión es muy
importante. Habrá músicas que estén prohibidas ya que se
relacionan con algún hecho negativo ocurrido y piensan que se debe
al castigo a alguno de sus dioses.
La música va a estar muy relacionada con sus dioses. Cada dios
griego va a estar relacionado con un instrumento que él mismo
inventó. Así por ejemplo, al Dios Hermes se le atribuye la invención
de la lira, que según cuenta la leyenda, construyó cuando era muy
pequeño con un caparazón de tortuga. Su hermano Apolo que era
muy envidioso le cambió la lira por
un rebaño de vacas, por eso en
todas las imágenes aparece Apolo
con la lira.
Otra leyenda griega cuenta la
historia del Dios Pan, al que se
representa con la cabeza y el
tronco de hombre y las
extremidades inferiores de macho
cabrío. Pues bien, a este Dios se le atribuye la Flauta de pan.
Cuenta la leyenda que su bella amada Siringe murió y se convirtió en
caña. Con esta caña, Pan hizo una flauta de varios tubos. Este
instrumento aún se utiliza en la actualidad en algunas regiones de
Latinoamérica y se conoce con el nombre de flauta de pan o siringa,
debido a la mitología griega.
Existen otros muchas historias y leyendas sobre los dioses
griegos y los instrumentos, como la de Marsias y Atenea o la de
Orfeo y Eurídice.
CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA GRIEGA
La música griega, estaba sometida generalmente a la transmisión
oral. La poesía y la danza (es decir la palabra y los gestos) van a ir
siempre unidas a la música y le van a servir de apoyo para
garantizar su difusión.
Son muy pocos los fragmentos de trascripción musical griega que
nos han quedado (podríamos hablar de unos 40), extraídos de
inscripciones en piedra, de papiros y otros restos arqueológicos,
pero hay que tener en cuenta que cualquier reconstrucción es una
mera aproximación a su música.
Aún así, podemos hacernos una idea de las principales
características de la música griega:
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La música griega es monódica, esto no quiere decir que
canten a una sola voz, sino que todas las voces cantan la
misma melodía. Incluso los instrumentos acompañaban
imitando la misma voz melodía que el cantante. Estos
instrumentos, en ocasiones realizaban pequeños adornos a
modo de improvisación y a esta técnica se le conoce con el
nombre de "heterofonía".
La forma de notación griega era alfabética, las alturas del
sonido se representan mediante letras del alfabeto griego. El
ritmo lo reflejan mediante los pies métricos, utilizados en la
poesía, que son unos signos (rayas, puntos o semicírculos),
colocados sobre las letras, que indican combinaciones de
valores cortos y largos.
El sistema musical griego se basa en los modos. Parten de
las cuatro cuerdas de la lira, que ellos denominan tetracordo.
Uniendo dos tertacordos obtienen una sucesión de ocho notas
descendentes que se denominan modos (podríamos decir que
son el origen de las actuales escalas). Cada modo comienza
con una nota distinta y dependiendo de ésta, variaba la
distribución de los tonos y semitonos. Podemos destacar
cuatro modos principales.
Una de las primeras fuentes de música griega que nos
encontramos es "El epitafio de Seikilos" que se trata de una
canción inscrita en una columna funeraria que data del siglo I D.C.
En esta inscripción podemos ver cómo era esa notación musical
alfabética de la Antigua Grecia. Aquí puedes ver la columna con el
epitafio y una trascripción con los sonidos el ritmo y la letra.
TEORÍA MUSICAL GRIEGA
Sabemos que la música cumplía un papel fundamental en la vida
de los griegos, por ello está presente en todas las celebraciones y
acontecimientos de la vida cotidiana.
La música es muy importante para la educación de los jóvenes, ya
que los filósofos griegos se basan en laTeoría del Ethos. Según esta
teoría, la música es capaz de modificar las conductas de las
personas; esto quiere decir que según las melodías que escuches, tu
forma de comportamiento variará de una u otra manera. Las
personas más influyentes de Grecia pronto se dieron cuenta de esta
facultad de la música y decidieron dedicar grandes esfuerzos a la
hora de educar a los jóvenes según su conveniencia.
Así, elaboraron una lista en la que enumeraban los diferentes
modos griegos y la conducta que desarrollaba cada persona. Por
ejemplo, el modo frigio es el adecuado para desarrollar conductas
apacibles, el modo lidio sirve para expresar el llanto y el dolor...De
esta manera, educando a los niños desde muy pequeños en unos
determinados modos, eran capaces de crear estereotipos de
personas que luego desarrollarían cierta actividad (los soldados
serían agresivos,
las mujeres serían
dóciles,...), y así se
garantizaban la
sociedad que ellos
deseaban.
En la Teoría del
Ethos destacan
personajes muy importantes, como Aristóteles o Platón. Y este
pensamiento se extendió hasta la Edad Media. Hoy en día, está de
moda la musicoterapia, ciencia que se encarga de curar
enfermedades de carácter psicológico mediante la música, es decir,
modificar ciertos comportamientos (agresividad, hiperactividad,...),
por lo que podemos afirmar que de alguna forma la Teoría griega
del Ethos sigue estando vigente.
Otro de los fundamentos de la música griega es el de la Teoría
de las Esferas, en la que podemos destacar al matemático
Pitágoras. En esta teoría los griegos equiparan la música al
Universo. Los sonidos son los diferentes cuerpos celestes, que se
mueven con un ritmo determinado; Pitágoras afirma que los cuerpos
del cosmos con su movimiento producen sonidos y esos sonidos
forman las armonías más perfectas, las cuales el hombre no puede
escuchar ya que es un ser imperfecto que se ha acostumbrado al
sonido terrenal.
Pitágoras, además, es uno de los más importantes teóricos de la
música griega. A él se le atribuye la creación del monocordio, que se
trata de un experimento con el cual este matemático logró obtener
todas las notas de la escala. Pues bien, el monocordio es una cuerda
tensada sobre dos ejes, que al tocarla emitía un sonido; si colocabas
el dedo en la mitad de la cuerda y volvías a pulsarla obtenías el
mismo sonido a distancia de octava, si pisabas dos terceras partes
y emitías un sonido éste estaba a distancia de quinta del primero. Y
así, dependiendo de la longitud de la cuerda, Pitágoras crea las
proporciones que dan lugar a todas las notas. Crea por la tanto una
gran relación entre la música y las matemáticas.
LOS INSTRUMENTOS EN LA ANTIGÜEDAD
Hoy en día no existe ningún instrumento de la Antigüedad que
haya llegado hasta nosotros, por ello, para conocer estos
instrumentos tenemos que fijarnos en los dibujos sobre cerámica y
sobre grabados en piedra o en otros materiales o bien recurrir a
dibujos que nos recreen cómo debían ser estos instrumentos.
La función principal de los instrumentos en la Antigüedad era la
de acompañar a la danza, al canto y a la poesía. Hasta el siglo V D.C.
es muy raro encontrar a los instrumentos como solistas.
Los griegos, no obstante, conocían instrumentos de las tres
familias. Luego los romanos los adoptaron. A continuación se citan
los más importantes; pincha sobre la imagen en miniatura para verlo
en grande.
VIENTO
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AULÓS: Especie de flauta doble. Cada mano se encargaba de
uno de los tubos. los romanos llamaron a este instrumento
TIBIA.
SIRINGA: También conocida como flauta de Pan en honor a
su dios creador. Se trata de un conjunto de tubos de caña
unidos entre sí. Los romanos lo llamaron Fistula Panis.
CORNU: Es una especie de trompeta con el tubo en forma
circular usada sobre todo para fines militares.
CUERDA
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LIRA: Especie de arpa primitiva. Las primeras liras estaban
hechas con el caparazón de una tortuga como caja de
resonancia. También se hacían con cuernos de cabra sobre los
que se tensaban las cuerdas (que eran tripas de animal secas).
Al principio la lira tenía 4 cuerdas y poco a poco se le fueron
sumando más. Existieron instrumentos desarrollados a partir
de la lira como el Barbitón o la cítara.
PERCUSIÓN
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CRÓTALOS: Pequeños platillos que se entrechocaban. En
principio eran dos piezas cóncavas de madera y más tarde de
metal.
TYMPANUM: Era una membrana de piel de animal tensada
sobre un marco de madera. Se golpeaba con la mano.
LA DANZA
La danza formaba parte importante de la vida de los griegos, que
bailaban en sus celebraciones al son de instrumentos como el aulós
y el tympanum. No nos han quedado documentos materiales que nos
hablen de cómo eran las danzas griegas,
pero existen grabados que representan, a
menudo, figuras bailando, por lo que nos
podemos hacer una idea de la importancia
del baile para los griegos de la
Antigüedad. Los griegos distinguen entre
las nueve musas a Terspsícope, musa de la
danza.
En el periodo griego, la danza va
indiscutiblemente unida al canto y al
acompañamiento instrumental. La danza
es elevada a una categoría superior por
Platón, quien la considera como una parte de la educación en la
infancia. La "musike", arte de las musas, se entendía como el arte
que une la palabra, la melodía y el baile y se consideraba la más
eficaz de las artes para educar al ser humano.
Hasta los más duros guerreros espartanos usaban la danza como
medio de entrenamiento para la guerra. Sócrates, importante
filósofo de la época, señala que "el que mejor baila es el mejor
guerrero".
AUDICIONES DEL TEMA
A continuación se exponen una serie de audiciones sobre la música de este
tema.
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ORESTES STASIMON (Eurípides).
EPITAFIO DE SEIKILOS (Anónimo del S. I
d.c.).
HIMNO A NÉMESIS
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IN DULCI JUBILO (Mike Oldfield) Fragmento moderno de una
melodía de danza griega.
MÚSICA RELIGIOSA
En el año 313, el emperador Constantino se convierte al
cristianismo y se redacta el Edicto de Milán, que reconoce la
libertad de culto para los cristianos, que hasta ahora habían
realizado sus ceremonias religiosas escondidos. A partir de este
momento la música religiosa va a comenzar a desarrollarse y
extenderse.
La Iglesia pronto contará con un gran poder político y cultural,
por lo que todas las artes de esta época harán referencia a temas
religiosos. Hay que tener en cuenta que tanto la música, como la
pintura y las demás artes del medievo tienen como únicas
finalidades la alabanza a Dios y la transmisión de la doctrina
religiosa.
La música religiosa de la Edad
Media será eminentemente vocal, ya
que cualquier elemento que distraiga
a los fieles del culto a la doctrina
cristiana puede ser desechado. Por
ello, la música instrumental es
tratada como algo vacío y que sólo sirve para adornar y distraer a
los creyentes, por lo que es apartada de los oficios litúrgicos.
Dentro del desarrollo que va a tener la música religiosa a lo largo
de la Edad Media, podemos distinguir dos grandes grupos que
estudiaremos a continuación:

EL CANTO GREGORIANO: que ocupará buena parte de la
Alta Edad Media.

EL DESARROLLO DE LA POLIFONÍA: que surgirá a finales
del siglo IX y se desarrollará durante el resto de la Edad
Media.
EL CANTO GREGORIANO
En la Iglesia del antiguo Imperio
Romano, en cada lugar se realizaba una
liturgia con cantos diferentes. De esto
tomó buena nota el Papa Gregorio Magno
(Gregorio I) y realizó una unificación de los
cantos que se daban en las diferentes
liturgias de toda Europa, razón por la cual
este tipo de canto recibirá el nombre de
CANTO GREGORIANO. Esta recopilación tuvo lugar hacia finales
del S. V y principios del VI. A partir de este momento, este tipo de
música será el protagonista en todos los centros religiosos hasta
finales del siglo IX, a partir de entonces, será relegado poco a poco
por el surgimiento de la polifonía.
CARACTERÍSTICAS DEL CANTO GREGORIANO:
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Es el canto oficial de la Iglesia Católica.
Es música vocal sin acompañamiento instrumental.
Es canto monódico, ya que aunque lo interprete un coro de
monjes, todos cantan la misma melodía.
Es canto en latín, ya que ese es el idioma oficial de la Iglesia
Católica.
Tiene ritmo libre, que viene marcado por el propio texto.
TIPOS DE CANTO GREGORIANO:
Según las formaciones de los cantores:
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ANTIFONAL: dos coros de monjes alternaban el canto.
RESPONSORIAL: coro y solista alternan el canto.
DIRECTA: No hay alternancia. Siempre canta un coro o un
solista.
Según la relación de texto y notas:
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SILÁBICO: a cada nota le corresponde generalmente una
sílaba del texto.
NEUMÁTICO: dos a tres notas por cada sílaba de texto.
MELISMÁTICO (adornado): muchas notas para una sílaba de
texto.
En cuanto al sistema musical del Gregoriano, se basa en ocho
modos (escalas) derivadas de los modos griegos que veíamos en el
tema anterior. Estos ocho modos surgen de cuatro modos marcados
por una nota final (RE, MI, FA, SOL). Cada uno de los mismos se
subdivide a su vez en un modo auténtico y otro plagal, en función de
la nota de recitado, que es la que más se repite (también conocida
como dominante salmódica o tenor). Pincha aquí para ver la Tabla de
los modos gregorianos.
Pincha aquí para observar una Partitura gregoriana y sus
comentarios.
A finales del siglo XI aparece en la música occidental la polifonía
(varias voces que suenan a la vez realizando melodías distintas).
Este hecho marcará el desarrollo de la música a partir de ese
momento. En el desarrollo de la polifonía se distinguen tres
periodos que vamos a ver a
continuación:
POLIFONÍA PRIMITIVA
ARS ANTIQUA
ARS NOVA
Como ya sabemos, la Edad Media es un período muy largo, y los
cambios en la forma de escribir la música van a ser notables. Vamos
a ver esta evolución con una serie de
ejemplos comentados.
Esta primera partitura vemos que
es muy primitiva. Está escrita con
neumas, que eran esos signos que se
mueven hacia arriba y hacia abajo
indicando los movimientos que el
cantor debe hacer con su voz.
En este ejemplo, posterior al siglo
XI, ya se han introducido las líneas
que guían al cantor, y está escrito en
notación cuadrada típica del canto
gregoriano. Aún así, en la parte
superior y en la inferior se conservan
los primitivos neumas.
Esta música está escrita en sólo
cuatro líneas, es decir en
tetragrama.
En este ejemplo, vemos una gran
evolución, ya que se usan cinco
líneas en vez de cuatro, es decir,
hemos llegado al pentagrama.
Otra característica distintiva es
el uso del color, tanto en las líneas
del pentagrama como en los adornos
de la página.
Con la llegada de la imprenta las
partituras se hacen de manera
mucho más rápida y se difunden en
mayor medida, recordemos que hasta
entonces las partituras se realizaban
a mano por los copistas.
En este ejemplo, vemos una
partitura impresa que pertenece al
periodo posterior, El Renacimiento.
Es una obra polifónica porque la voz que tenemos es la del ALTUS
(como se indica arriba) que sería nuestro actual contralto.
Aunque la música religiosa es la que más importancia va a tener
durante la Edad Media, bien es cierto que existió otro tipo de
música que no tenía ninguna relación con el culto o la religión.
Estamos hablando de la música profana.
Este tipo de música se desarrolla de manera paralela a la
religiosa y será interpretada por dos tipos de personajes
diferentes: los trovadores y los juglares, que recibían distintas
denominaciones dependiendo del territorio en el que se
encontraban.
Los trovadores fueron poetas-músicos que normalmente
pertenecían a la nobleza. Tuvieron una gran importancia durante la
Edad Media, sobre todo en Francia y en España. Su nacimiento se
sitúa en una zona del sur de Francia denominada Provenza a finales
del siglo XI. Estos personajes utilizaban la lengua provenzal en sus
composiciones, y el tema principal de sus poemas es el tema del
amor platónico.
También
cantaban y
recitaban sobre
temas
caballerescos.
Los troveros
también
surgieron en
Francia, pero en
el norte (en las
regiones de
Artois y Champagne). Surgen en el siglo XII y sus obras están
escritas en la lengua d'Oil (que más tarde dio origen al francés
actual). La temática de los cantos es similar a la de los trovadores.
También contaron con gran prestigio entre las clases sociales
actuando en diferentes palacios y castillos del norte de Francia.
El movimiento trovadoresco se irá extendiendo por toda Europa
y adquiriendo diferentes denominaciones en cada lugar. Así, por
ejemplo, en Alemania eran denominados Minnesinger y escribían en
su lengua vernácula (el alemán). En España, los trovadores
alcanzaron gran importancia sobre todo en la zona de Galicia donde
las canciones se denominan Cántigas.
Entre los trovadores más importantes podemos nombrar a
personajes como Adam de la Halle, Jaufre Rudel, Ricardo Corazón
de León o Guillebert de Berneville, además de los españoles, el
gallego Martín Codax, el catalán Rimbaut de Vaqueiras o el
mismísimo Alfonso X el Sabio, al que se le atribuyen (de manera
más o menos acertada) las Cántigas de Santa María.
En cuanto a la composición trovadoresca, podemos decir que se
trata de una música de textura monódica con acompañamiento
instrumental. Se basan en los modos gregorianos pero con un ritmo
más marcado, ya que son obras más rápidas y alegres.
Los juglares eran músicos ambulantes que no sólo tocaban
instrumentos y cantaban canciones, sino que además realizaban
todo tipo de actividades para divertir al pueblo (chistes, magia,
acrobacias,...) Eran de clase baja y no eran compositores, ya que se
limitaban a copiar y plagiar las canciones de los trovadores. Desde
el principio fueron muy criticados tanto por la nobleza como por la
iglesia, ya que en sus canciones utilizaban un lenguaje vulgar. No
actuaban en castillos ni palacios, sino que lo hacían en las plazas de
los pueblos. eran personajes itinerantes que viajaban de pueblo en
pueblo sin un lugar de residencia fijo. Eran en definitiva una
especie de saltimbanquis con bastante mala reputación.
Sin embargo, algunos de estos juglares, con el tiempo llegaron a
convertirse en artistas importantes, se asentaron en las ciudades y
refinaron su estilo dejando atrás el espíritu jocoso y
perfeccionando su interpretación musical.
Con la llegada del cristianismo se vigila de cerca la danza, ya que al
formar parte de la música profana, era vista por la Iglesia como un
acto impuro que alejaba a los fieles del mensaje del Evangelio. Por
ello, hubo épocas en las que se llegó a prohibir.
Las únicas referencias que tenemos sobre las danzas medievales
están fechadas hacia 1420 y nos han llegado gracias a la pintura y a
las obras literarias. Por ello sabemos que la danza existió durante la
Edad Media, sin embargo no podemos saber cuales eran los pasos
concretos de cada danza.
En cambio, sí podemos saber que existían dos formas básicas de
bailar, por parejas o en grupo, que unas veces se colocaba formando
una línea recta y otras formando un círculo cerrado.
En la Edad media los cantos populares generalmente eran
danzados. Instrumentos, danza y voz se fundían, por lo tanto, en un
sólo arte.
En la Edad Media encontramos gran cantidad de instrumentos,
algunos provendrán de la Antigüedad y otros vendrán de Oriente,
introducidos a raíz de las cruzadas. Vamos a citar algunos de los
más importantes. Pincha en las miniaturas para ver el instrumento a
mayor tamaño.
CORDÓFONOS:
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LAÚD: Instrumento de cuerda con clavijero hacia atrás y caja
de resonancia en forma abombada. Se tocaba con los dedos.
Es de origen árabe.
LA VIELA: Instrumento de arco. Será el prototipo del violín
moderno.
ORGANISTRUM: También denominado Zampoña. Es un
instrumento de tres cuerdas que se toca girando una
manivela.
EL ARPA: De forma triangular y pequeño tamaño. Se toca con
las dos manos, una pulsa las cuerdas y la otra acorta su
longitud.
VIENTO:
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PLATERSPIEL: Es una especie de gaita con forma de cuerno.
Está hecho de madera y tiene seis agujeros.
CHIRIMíA: Especie de oboe de mayores dimensiones muy
usado en los desfiles y actos relevantes.
CORNAMUSA: Parecido a las gaitas actuales.
PERCUSIÓN:
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PANDERO: Compuesto por un arco de madera y una o dos
membranas tensas. Se percutía con la mano.
TEJOLETAS: Rudimentarias castañuelas hechas con trozos
de teja que se entrechocan.
DARBUKA: Tambor con forma de copa y una membrana tensa
en la parte superior. Normalmente está hecho de cerámica y
se golpea con la manos.
A continuación se exponen una serie de audiciones sobre la música de este
tema. Pincha sobre el altavoz de la pieza que quieres escuchar.
MÚSICA RELIGIOSA:
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"DE ORE LEONIS" (canto gregoriano)
"VIDENS DOMINUS FLENTES" (canto
gregoriano)
"PUER NATUS EST" (canto gregoriano)
"KYRIE FONS BONITATIS" (canto
gregoriano)
"REX CAELI" (organum a dos voces)
"SEDERUNT PRINCIPES" (organum a cuatro
voces: Perotin)
"AGNUS DEI" (Misa de Notre Dame: G de Machaut)
FRAGMENTO DE CANTO GREGORIANO (Enigma)
MÚSICA PROFANA:
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"ROBINS M'AIME" (música trovadoresca de A. de la Halle)
"DE MOI DOLEROS VOS CHANT" (música trovadoresca de G. de
Berneville)
"SANTA MARÍA STRELA DO DÍA" (Cántigas de Santa María:
Alfonso X el Sabio)
"MIRAGRES FREMOSOS FAZ" (Cántigas de Santa María: Alfonso X
el Sabio)
"STELLA SPLANDENS"
"SUMER IS ICUMEN IN" (canon del siglo XIV)
LA MÚSICA RELIGIOSA
Durante el Renacimiento, la iglesia cristiana sufre luchas
internas que acabarán con la unidad del catolicismo. En Alemania,
Martín Lutero rompe con Roma en el año 1519, ya que no comparte
algunas de las formas de comportamiento de la iglesia vaticana; va a
crear así el protestantismo, que se convertirá desde entonces y
hasta nuestros días en la religión mayoritaria de Alemania. A este
hecho se le conoce como la Reforma Protestante, ya que Lutero
llevará a cabo una serie de cambios, alguno de los cuales afectará a
la música. Hemos de saber que Lutero era un gran estudioso de la
teoría musical.
Entre los cambios más importantes
destacamos los siguientes:


Utilizar el alemán en las celebraciones
religiosas, ya que para Lutero era muy
importante que la gente comprendiese
lo que se decía en la liturgia y que
incluso pudiese participar cantando.
Esto no era posible si las celebraciones se seguían realizando
en latín, debido a que era una lengua que sólo era utilizada por
la iglesia, no por el pueblo.
Evitar la polifonía compleja, desarrollando la música
homofónica, ya que el gran desarrollo al que había llegado la
polifonía hacía que no se entendiese el texto. Lutero creará
una nueva forma musical: EL CORAL, que será el género más
importante de la iglesia protestante. Esta forma suele ser una
composición sencilla, escrita normalmente a cuatro voces, que
se canta en alemán y presenta una textura homofónica.
En Inglaterra, el rey Enrique VIII también se separa de la
iglesia de Roma y crea la iglesia anglicana, de la cual se proclama
máximo mandatario, y así acapara todo el poder político y religioso
de su país. A partir de este momento, la iglesia anglicana desarrolló
una nueva forma musical denominada ANTHEM, que es un motete a
cuatro voces, el cual se cantaba durante las celebraciones
litúrgicas.
La iglesia católica, preocupada por estas luchas internas, decide
reunirse para tratar de arreglar los males en los que está
sumergida. Desde 1545 hasta 1563 se celebra "El Concilio de
Trento", en el que se tratan de establecer las directrices de la
nueva iglesia católica. Algunas de las novedades afectarán al
terreno musical, de las cuales destacamos las
siguientes:



Seguir utilizando el latín en sus
celebraciones, ya que para ellos es un signo
de unidad cristiana. Esta norma seguirá
vigente hasta el Concilio Vaticano II.
Evitar la polifonía compleja a la que se había
llegado, ya que no era posible entender los
textos religiosos, y recordemos que la
principal finalidad de la música religiosa era la de transmitir
el mensaje cristiano.
Prohibir los cantos profanos en los templos, ya que son
territorios sagrados en los que sólo se debe interpretar
música religiosa. Esta norma, en teoría, hoy en día continúa
vigente.
Los géneros más importantes de la música religiosa católica
serán el motete y la misa (forma musical compleja resultado de la
unión de todas las piezas de la liturgia), en los que se evitará la
complejidad polifónica. Los compositores principales de la iglesia
católica son los italianos Giovanni Pierluigi de Palestrina y Orlando
di Lasso (que también realizó numerosos madrigales), y los
españoles Tomás Luis de Victoria y Cristóbal Morales.
A diferencia de la música vocal religiosa, que tiene un estilo
internacional ya que en todos los territorios se escribe bajo las
mismas pautas, la música vocal profana va a tener un estilo propio
en cada país; es lo que se denomina como los "Estilos Nacionales".
Algunas de las características, que al comienzo del tema
citábamos como generales, se van a mantener, pero cada país
desarrollará diferentes tipos de canciones escritas en las lenguas
vernáculas (propias de cada territorio) y no en latín como sucedía
en la música religiosa. A continuación se exponen los géneros más
importantes de algunos países:



ITALIA: El género más
importante es el MADRIGAL. Se
trata de una forma de polifonía
compleja escrita para cuatro o
cinco voces. Normalmente es
música "a capella", aunque se le pueden añadir algunos
instrumentos. Es música de carácter descriptivo escrita en
italiano. Suele constar de cinco frases en las que se intercala
un ritornello (breve estribillo). Entre los compositores más
importantes destacan: Luca Marenzio, Orlando Di Lasso y
Claudio Monteverdi.
FRANCIA: La forma más importante de este país es la
CHANSON. Es una forma polifónica normalmente con
acompañamiento instrumental. También es descriptivo. El
compositor más destacado es Clement Janequin.
ESPAÑA: El género que destaca es el VILLANCICO, que es
un género que en su origen no tiene nada que ver con la
Navidad. Es una forma a cuatro voces de textura homofónica
con estructura de estribillo-copla-estribillo. El compositor
más representativo de este tipo de música es Juan Del Enzina
y se conservan muchas de estas piezas en un libro que lleva
por título "El cancionero de Palacio". Junto con el villancico
en España también habrá otros géneros importantes como el
Romance o la Ensalada.
Una de las características más importantes del Renacimiento fue el
resurgir de la música instrumental que hasta entonces había estado
marginada. Ahora poco a poco irá ganando prestigio y relevancia
debido en gran medida a la laicización de la música promovida por el
pensamiento humanista. Por primera vez en la historia se va a
componer música instrumental pura, sin ningún otro fin que el
deleite del oído. Este tipo de música evolucionará en campo profano
ya que la Iglesia continúa con su prohibición del uso de
instrumentos en los actos religiosos.
Otro aspecto importante es que con la invención de la imprenta
se van a difundir muchos libros con partituras y teoría musical, por
lo que mucha gente va a poder acercarse al
mundo de la música y aprender a tocar un
instrumento.
Podemos hablar de cuatro apartados en los
que clasificar la música del Renacimiento:

PIEZAS ADAPTADAS DE OBRAS
VOCALES: Son obras que
primitivamente estaban escritas para
varias voces y que serán adaptadas
para poder interpretarlas con instrumentos polifónicos como
el órgano y otros instrumentos de teclado. Destacan en este
grupo formas como elricercare o la canzona.



PIEZAS BASADAS EN LA IMPROVISACIÓN: Estas piezas
podían ser de dos tipos: o bien se improvisaba a partir de una
melodía dada o se improvisaba sin ningún tipo de referencia,
inventando todo sobre la marcha. A este tipo de música
corresponden géneros como lafantasía o la toccata.
PIEZAS BASADAS EN LA VARIACIÓN: Se trata de que el
intérprete parte de un tema sencillo que va repitiendo
sucesivamente incorporando variaciones de todo tipo. Dentro
de este grupo destacan las diferencias; éste fue el nombre
que recibió en España el tema con variaciones en el cual
destacó el compositor español Antonio de Cabezón.
PIEZAS CREADAS PARA LA DANZA: Para este tipo de
música vamos a crear una apartado especial titulado la danza
renacentista.
Algunos instrumentos de la época medieval siguieron utilizándose
durante el Renacimiento, perfeccionándose y adaptándose a las
nuevas exigencias de los compositores. Como hemos visto en el
punto anterior, durante el Renacimiento se compone mucha música
instrumental, esto va a hacer que muchos instrumentos adquieran
una gran importancia.
A continuación citamos algunos de los más importantes:
AERÓFONOS:

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
Flauta de pico o flauta dulce: hoy en día se usa con fines
educativos; fue uno de los instrumentos más populares de la
época. También existían las flautas traveseras de madera.
Cromorno: es un instrumento de madera, de lengüeta doble
(como la dulzaina) que termina en forma de U.
Trompetas rectas y enrolladas: Eran fabricadas en metal y se
usaban con fines militares y en desfiles.
Chirimía: instrumento formado por un tubo de madera y
lengüeta doble (parecido a los oboes pero de mayor tamaño).

Sacabuche: es el antecedente del trombón de varas actual. es
fabricado en metal.
CORDÓFONOS:

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

La viola da gamba: Es un instrumento de arco que parece una
mezcla de guitarra y violonchelo. En España recibió el nombre
de vihuela de arco.
La guitarra: Se estableció en España procedente de los países
árabes y pronto se extendió por toda Europa. Las primitivas
tenían cuatro cuerdas.
La vihuela: Es un instrumento típico español parecido a la
guitarra. Gozó de gran prestigio en nuestro país de la mano de
compositores como Luis de Narváez o Luis de Milán, los cuales
se especializaron en este instrumento.
El laúd: Es un instrumento que llega de la Edad Media, pero en
el Renacimiento se convierte en uno de los más importantes.
El clavicémbalo: Es un instrumento de teclado con cuerdas
punteadas. Se comenzó a fabricar en Italia en el siglo XVI.
La danza, durante el periodo del Renacimiento va a alcanzar una
gran importancia, sobre todo entre las clases más altas, ya que en
todas la celebraciones va a estar presente. Pero además de la danza
cortesana, va a existir otra danza menos refinada y mucho más
alegre, que va a ser la del pueblo llano.
Las danzas cortesanas estaban destinadas a ser bailadas en
grandes salones. La danza era bailada por todos los nobles que
participaban en la celebración (el aprender los bailes era
obligatorio para los nobles), que iban ataviados con sus mejores
galas. Los grandes vestidos eran los que impedían cualquier tipo de
movimiento acelerado y por tanto estos bailes van a ser siempre
muy pausados yelegantes.
Al desarrollo de este tipo de música en este
periodo influyó mucho la evolución de la música
instrumental, ya que buena parte de esa música
era dedicada a este género. Otro de los factores
decisivos que impulsaron las danzas fue la
invención de la imprenta, ya que a partir de este
momento se van a editar los primeros libros de
coreografías.
Éstas eran algunas de las principales danzas renacentistas:


LA GALLARDA: Es una de las principales danzas de la época.
Se interpretaba con paso saltado. Es una danza en compás
ternario y paso alegre. Normalmente se interpretaba después
de la pavana.
LA PAVANA: Era sin duda la danza más importante de la
época. Era la que abría el baile y normalmente sólo la bailaban
los organizadores del evento. Es pausada y refinada; es un
paseo de los ricos nobles para que todo el mundo presente les
admire.
EL BRANLE: Era una danza que se bailaba en círculo. Los
bailarines se agarraban e iban oscilando a derecha y a
izquierda sin romper el
círculo.

otras
saltarelo, la calada,...
Además podemos mencionar
muchas danzas: el ronde, la
tarantela, la zarabanda, la
alemanda, el courante, el
A continuación se exponen algunos de los compositores más
destacados de esta etapa.
GABRIELI, Andrea y Giovanni
DI LASSO, Orlando
PALESTRINA, Giovanni Perluigi da
DE VICTORIA, Tomás Luis
A continuación se exponen una serie de audiciones sobre la música
de este tema. Pincha sobre el altavoz de la pieza que quieres
escuchar.
MÚSICA RELIGIOSA



"AVE MARÍA" Misa de Josquin Desprez
"KYRIE" Misa del papa Marcelo de Palestrina
"CREDO" Misa del papa Marcelo de Palestrina
MÚSICA PROFANA








"MATONA MIA CARA" Madrigal de Orlando di Lasso
"MÁS VALE TROCAR" Villancico de J. Del Enzina
"HOY COMAMOS Y BEBAMOS" Villancico de J. Del Enzina
"DIFERENCIAS SOBRE EL CANTO LLANO DEL
CABALLERO" de Antonio de Cabezón
"FANTASÍA DEL TERCER TONO" Luis de Narváez
"THE MOST SACRED QUEEN ELIZABETH, HER
GALLIARD" gallarda de J. Dowland
"BRANLE DE BOURGOGNE" Branle de J. Moderne.
"RONDE" Tielman Susato
MÚSICA RELIGIOSA
La música religiosa, aunque ha perdido su gran hegemonía, sigue
teniendo un gran peso en el Barroco. Tanto la iglesia protestante
como la católica aprovecharán las innovaciones
que se dan en la música profana para crear
nuevas formas.
Una de las técnicas que más se desarrollará
dentro de esta música será el "policoralismo",
que se dará sobretodo en la escuela veneciana.
Esta técnica surge en la iglesia de San Marcos
(Venecia), cuyo espacio arquitectónico permitió
la colocación de dos coros contrapuestos. En
Roma evolucionará exigiendo varios coros que se
colocan en distintos lugares de la iglesia. El ejemplo más
espectacular lo encontramos en "La misa de la catedral de
Salzburgo", compuesta para 53 voces que se colocan en distintas
posiciones ocupando todo el perímetro de la iglesia. Esta misa se le
atribuye a Orazio Benevoli.
La iglesia protestante sigue manteniendo el coral como forma
más representativa, y la católica continúa cultivando motetes y
misas. Sobre estos géneros se aplicarán las novedades de la música
barroca.
En este periodo, hay tres géneros nuevos que estudiaremos a
continuación:



EL ORATORIO
LA CANTATA
LA PASIÓN
EL ORATORIO
Es una especie de ópera religiosa, ya que cuenta con los mismos
apartados que ésta (arias, coros, interludios, recitativos...).
Además, tiene otras similitudes como la gran extensión y el
carácter dramático; sin embargo en el oratorio encontramos
características propias:




Los textos son
religiosos,
normalmente
extraídos de la
Biblia.
El oratorio no se
escenifica.
Se interpreta en un lugar de culto sagrado.
Existe la figura de un narrador que va explicando la acción
mediante el recitativo.
Los grandes compositores de este género son G.F.Haendel, cuyo
oratorio más conocido es "El Mesías" y J.S.Bach, con obras como el
"Oratorio de Navidad".
ATA
El término cantata significa etimológicamente "música para
cantar" y surge en contraposición a la sonata (música para sonar).
Es un género que nace dentro de la música vocal profana, destinado
a ser interpretado en los salones de la aristocracia; sin embargo,
fueron los músicos de la iglesia protestante los que lo convirtieron
en una forma de música religiosa, cambiando el texto, que ahora se
basará en fragmentos del Evangelio,
salmos y otros temas religiosos.
La cantata tiene los mismos elementos
musicales que el oratorio, pero se
diferencia de éste en que será más
breve. Las melodías solían estar divididas
en frases que finalizaban con un calderón
(influencia del coral).
Entre los compositores más destacados podemos nombrar a
J.S.Bach y su cantata 147 (Jesús la alegría de los hombres) y a
G.P.Telemann.
LA PASIÓN
Es un oratorio que trata exclusivamente
de la pasión y la muerte de Jesucristo,
inspirándose en los Evangelios. En cuanto a la
forma, la pasión también tiene recitativos,
arias, coros e interludios. La figura del
narrador es el evangelista que relata
mediante un recitativo todos los
acontecimientos. Los personajes importantes
del Evangelio son interpretados por los
solistas, mientras que otros personajes
(discípulos, pueblo...) son interpretados por el coro.
El compositor más destacado de este género es J.S.Bach, con
dos obras fundamentales: "La pasión según San Mateo" y "La pasión
según San Juan".
OS ORÍGENES DE LA ÓPERA
A finales del siglo XVI, en Florencia surge un grupo de artistas e
intelectuales que trabajarán financiados por el conde Bardi. A este
grupo se le conocerá como "La Camerata Fiorentina". Estos artistas
están en contra del desarrollo polifónico que habían alcanzado las
composiciones del Renacimiento, que por su complejidad, perdían la
esencia principal que debe cumplir la música, que no es otra que la
de conmover al oyente y hacer brotar en él todo tipo de
sentimientos.
Van a llevar a cabo un trabajo de
investigación, intentando retomar las raíces
de la música griega. Llegan a la conclusión de
que en Grecia la música era monódica y con
un acompañamiento instrumental; esta
música estaba cargada de una gran
expresividad. Basándose en estos principios nacerá la técnica de la
monodía acompañada, que será la base fundamental de la ópera
posterior. Los artistas de la Camerata buscaban un género capaz de
abarcar todas las formas artísticas posibles y por ello denominarán
a la ópera como "la obra de arte total", ya que va a reunir en una
sola forma a las distintas artes: poesía, música, teatro, danza,...
La ópera se convirtió en el género más representativo de la
época, ya que lograba una gran expresividad gracias a la unión ideal
entre música y palabra; se consolidará como uno de las formas con
más protagonismo a lo largo de los posteriores siglos.
EL NACIMIENTO DE LA ÓPERA
La ópera es un género musical profano que va a surgir en Italia a
comienzos del siglo XVII. El antecedente más significativo de la
ópera lo encontramos en "entremezzo", que eran pequeñas
actuaciones musicales que se desarrollaban en los intermedios de
los dramas teatrales. Estos intermedios poco a poco irán tomando
importancia y cada vez serán mas largos, hasta que de manera
autónoma se confirmen como un
nuevo género musical.
La primera ópera de la que
tenemos noticia es "Dafne", de
Jacobo Peri, estrenada en
1597; pero esta obra no se
conserva en su totalidad, ya
que algunos fragmentos se han
perdido. En 1600 se estrenan
dos versiones de "Eurídice",
una del mismo J. Peri y otra de
G. Caccini.
Pero será en 1607 cuando C.
Monteverdi cree "Orfeo", que
se confirmará como la primera
gran ópera debido a que va a
cumplir con todos los requisitos
tanto técnicos como
estructurales de la ópera que se desarrollará en años posteriores.
Esta obra, será tomada como referencia por todos los compositores
que le sucederán. Además, el propio Monteverdi, creará otras
óperas que alcanzarán una gran fama como "La coronación de Popea"
y "El retorno de Ulises".
Este género fue tomando mucha importancia en toda Italia.
Varias ciudades se convirtieron sucesivamente en capitales
operísticas (Roma, Venecia, Nápoles,...), añadiendo cada una sus
propias innovaciones. El resto de Europa adoptó el estilo operístico
italiano, excepto Francia que creará su género propio.
PARTES DE LA ÓPERA
En la ópera se pueden distinguir las siguientes partes:





OBERTURA: Es la parte inicial de una ópera. Es instrumental.
Normalmente es breve y sirve como introducción al
espectáculo. La música
comienza con el telón
cerrado, que se abre en el
transcurso de la obertura
para que los espectadores
tengan su toma de
contacto con el escenario.
RECITATIVOS: Son
partes cantadas por solistas en las que se desarrolla la acción.
Para que esto sea posible se debe realizar con un texto casi
declamado y sin adornos. Existen dos tipos de recitativo:
Secco ( acompañamiento sólo de bajo continuo) o
Acompagnato (con acompañamiento de orquesta).
ARIAS: Son las partes más importantes y más vistosas de la
ópera. Realizadas por solistas; ahora la acción se para y el
cantante expresa sus sentimientos por medio del lucimiento
de su voz. Es el máximo exponente de la monodía acompañada.
COROS: Son fragmentos en los que canta un numeroso grupo
de personajes.
INTERLUDIOS: Partes instrumentales que se intercalan
entre todos los fragmentos anteriores. También se
denominaron "ritornellos".
Además de estos apartados, en la ópera también puede haber
dúos, tríos,...
En la ópera participaban muchísimos personajes: los músicos de
la orquesta, los cantantes del coro, extras que no cantaban,... Entre
los personajes que más sobresalían en las óperas figuran los
castrati. Pincha aquí para conocer algunos datos sobre LOS
CASTRATI.
TIPOS DE ÓPERA
Podemos distinguir dos
grandes tipos de ópera:


ÓPERA SERIA: Basada
en argumentos
mitológicos y heroicos.
Es el primer tipo de
ópera que va a existir y
será el preferido por la
aristocracia debido a
su refinamiento. Es
muy compleja debido a sus argumentos y a su gran despliegue
técnico. A este tipo pertenece la primera ópera: "Orfeo".
ÓPERA BUFA: Es posterior a la seria. Los argumentos son
cotidianos y fáciles de entender. El despliegue de medios de
este género no es demasiado grande, se convertirá en la
ópera preferida del pueblo, ya que además de ser más
asequible económicamente y más fácil de entender para todo
tipo de personas, era bastante típico que el argumento fuese
una crítica social hacia las clases poderosas. La primera ópera
de este tipo fue escrita por un autor italiano llamado G.B.
Pergolesi, titulada "La Serva Padrona" en 1733.
Además, podemos distinguir las diferencias territoriales que fue
adquiriendo la ópera en los distintos territorios en los que se
desarrollaba:



FRANCIA: Se llamará "Tragidie Lyrique". Las características
principales serán la introducción del ballet dentro del
espectáculo y el gran despliegue de medios que utilizarán los
franceses en sus creaciones. El compositor más importante
será J. B. Lully.
INGLATERRA: Sienta sus bases con la obra de H. Purcell
"Dido y Eneas" estrenada en el año 1689.
ALEMANIA: Aunque también van a desarrollar ópera seria,
hay un género que parte de la ópera bufa italiana y que
alcanzará un gran desarrollo: el Singspiel.





ESPAÑA: Se creará un género que se denominará Zarzuela y
cuya característica más significativa será la sucesión de
partes cantadas y habladas
 LA DANZA BARROCA
La aristocracia europea sentía pasión por el lujo y las
grandes fiestas. Para celebrar cualquier acontecimiento,
organizaban festines en los que la música y la danza siempre
estaban presentes.

En el año 1700, un
importante maestro de
baile, llamado Feuillet,
creó el primer sistema de
notación de danza de la
historia. Gracias a este
hecho, se conservan más
de 350 coreografías de salón y teatro. La danza, poco a poco,
fue adquiriendo una reglamentación que dará lugar a la
DANZA CLÁSICA.
Las danzas que se bailaban en los salones europeos seguían
siendo básicamente las mismas que se habían dado a lo largo
del Renacimiento (pavana, gallarda, branle,...). Pero a partir de
1600 surgirá una nueva danza que se convertirá en la
protagonista del periodo: EL MINUÉ.
Como casi todas las danzas, tiene un origen popular, ya que
proviene de un balie de campesinos de la región francesa de
Poitou. Era una danza tranquila escrita en compás ternario. Se
bailaba por parejas que salían al centro del salón saludándose
ceremoniosamente. A medida que evolucionaba la coreografía
las parejas iban intercambiándose. Los movimientos eran muy
sobrios y refinados, manteniendo siempre el cuerpo muy
erguido, y los bailarines se desplazaban de izquierda a
derecha y de adelante hacia atrás creando una trayectoria en
forma de Z.
 LA DANZA BARROCA
La aristocracia europea sentía pasión por el lujo y las
grandes fiestas. Para celebrar cualquier acontecimiento,


organizaban festines en
los que la música y la
danza siempre estaban
presentes.

En el año 1700, un
importante maestro de
baile, llamado Feuillet,
creó el primer sistema de
notación de danza de la
historia. Gracias a este hecho, se conservan más de 350
coreografías de salón y teatro. La danza, poco a poco, fue
adquiriendo una reglamentación que dará lugar a la DANZA
CLÁSICA.
Las danzas que se bailaban en los salones europeos seguían
siendo básicamente las mismas que se habían dado a lo largo
del Renacimiento (pavana, gallarda, branle,...). Pero a partir de
1600 surgirá una nueva danza que se convertirá en la
protagonista del periodo: EL MINUÉ.
Como casi todas las danzas, tiene un origen popular, ya que
proviene de un balie de campesinos de la región francesa de
Poitou. Era una danza tranquila escrita en compás ternario. Se
bailaba por parejas que salían al centro del salón saludándose
ceremoniosamente. A medida que evolucionaba la coreografía
las parejas iban intercambiándose. Los movimientos eran muy
sobrios y refinados, manteniendo siempre el cuerpo muy
erguido, y los bailarines se desplazaban de izquierda a
derecha y de adelante hacia atrás creando una trayectoria en
forma de Z.

CARACTERÍSTICAS MUSICALES
Los compositores de este periodo orientan su música hacia
un equilibrio basado en la proporción y el orden, una claridad que se
transmite a través de melodías y armonías simples y
una sencillez que permite al oyente una gran facilidad de
comprensión. Estos son los tres ideales de la música del Clasicismo,
que quedan plasmados en una nueva
forma de componer.
La música de esta época es
refinada, elegante, contenida y
equilibraba. Para lograr una música de
estas características los compositores
trabajarán sobre todo dos aspectos:


MELODÍA: Las melodías de
Barroco adoptaban estructuras
irregulares. Por el contrario, en
el Clasicismo se ajustan a una
estructura ordenada y regular. La melodía se articula en una
frase bien diferenciada de un nº determinado de compases.
Siguiendo el principio de proporción, cada frase puede
dividirse en partes de igual duración respetando la simetría.
Los compositores buscan concentrar todo el interés en la
melodía principal. Las otras voces tienen un papel de
acompañamiento, de soporte armónico
ARMONÍA: En el Clasicismo se suprime el bajo continuo tan
usado en el periodo anterior. Se siguen desarrollando los
principios armónicos que se habían establecido en el Barroco
tardío. Las funciones tonales (tónica, subdominante y
dominante) organizan toda la obra.
MÚSICA VOCAL PROFANA
A diferencia de la música vocal religiosa, que tiene un estilo
internacional ya que en todos los territorios se escribe bajo las
mismas pautas, la música vocal profana va a tener un estilo propio
en cada país; es lo que se denomina como los "Estilos Nacionales".
Algunas de las características, que al comienzo del tema
citábamos como generales, se van a mantener, pero cada país
desarrollará diferentes tipos de canciones escritas en las lenguas
vernáculas (propias de cada territorio) y no en latín como sucedía
en la música religiosa. A continuación se exponen los géneros más
importantes de algunos países:



ITALIA: El género más
importante es el MADRIGAL. Se
trata de una forma de polifonía
compleja escrita para cuatro o
cinco voces. Normalmente es
música "a capella", aunque se le pueden añadir algunos
instrumentos. Es música de carácter descriptivo escrita en
italiano. Suele constar de cinco frases en las que se intercala
un ritornello (breve estribillo). Entre los compositores más
importantes destacan: Luca Marenzio, Orlando Di Lasso y
Claudio Monteverdi.
FRANCIA: La forma más importante de este país es la
CHANSON. Es una forma polifónica normalmente con
acompañamiento instrumental. También es descriptivo. El
compositor más destacado es Clement Janequin.
ESPAÑA: El género que destaca es el VILLANCICO, que es
un género que en su origen no tiene nada que ver con la
Navidad. Es una forma a cuatro voces de textura homofónica
con estructura de estribillo-copla-estribillo. El compositor
más representativo de este tipo de música es Juan Del Enzina
y se conservan muchas de estas piezas en un libro que lleva
por título "El cancionero de Palacio". Junto con el villancico
en España también habrá otros géneros importantes como el
Romance o la Ensalada.
La danza, durante el periodo del Renacimiento va a alcanzar una
gran importancia, sobre todo entre las clases más altas, ya que en
todas la celebraciones va a estar presente. Pero además de la danza
cortesana, va a existir otra danza menos refinada y mucho más
alegre, que va a ser la del pueblo llano.
Las danzas cortesanas estaban destinadas a ser bailadas en
grandes salones. La danza era bailada por todos los nobles que
participaban en la celebración (el aprender los bailes era
obligatorio para los nobles), que iban ataviados con sus mejores
galas. Los grandes vestidos eran los que impedían cualquier tipo de
movimiento acelerado y por tanto estos bailes van a ser siempre
muy pausados yelegantes.
Al desarrollo de este tipo de música en este
periodo influyó mucho la evolución de la música
instrumental, ya que buena parte de esa música
era dedicada a este género. Otro de los factores
decisivos que impulsaron las danzas fue la
invención de la imprenta, ya que a partir de este
momento se van a editar los primeros libros de
coreografías.
Éstas eran algunas de las principales danzas renacentistas:



LA GALLARDA: Es una de las principales danzas de la época.
Se interpretaba con paso saltado. Es una danza en compás
ternario y paso alegre. Normalmente se interpretaba después
de la pavana.
LA PAVANA: Era sin duda la danza más importante de la
época. Era la que abría el baile y normalmente sólo la bailaban
los organizadores del evento. Es pausada y refinada; es un
paseo de los ricos nobles para que todo el mundo presente les
admire.
EL BRANLE: Era una danza que se bailaba en círculo. Los
bailarines se agarraban e iban oscilando a derecha y a
izquierda sin romper el
círculo.
otras
saltarelo, la calada,...
Además podemos mencionar
muchas danzas: el ronde, la
tarantela, la zarabanda, la
alemanda, el courante, el
LA ÓPERA ROMÁNTICA
Durante el Romanticismo la ópera
experimenta una gran evolución que lleva a
este género a su cumbre más alta y lo
convierte en el espectáculo preferido de la
burguesía. Se construyen teatros por toda
Europa y los cantantes se convierten en
verdaderos divos (dioses) gracias al lucimiento vocal de sus arias.
Vamos a ver el desarrollo operístico en los países más
importantes:




ITALIA
FRANCIA
ALEMANIA
ESPAÑA
EL LIED
Se trata de un género menor (de poca duración) que se convirtió
en una de las principales formas vocales de la música romántica ya
que normalmente era
compuesta para el disfrute en
veladas musicales íntimas.
El lied (lieder en plural) es
una denominación alemana que
significa canción. Es una forma
breve escrita para voz y piano
sobre un texto poético ya
existente. Su principal
característica es la fusión
entre el texto y la música. El lied era muy apreciado por el público
porque en los conciertos creaba una atmósfera íntima propiciada
por la belleza y expresividad de sus melodías. El piano se ponía al
servicio de la melodía del cantante.
Existen varios tipos de lied, siendo el más frecuente el
estrófico, caracterizado por repetir
la misma música en todas las estrofas
(A-A-A,..). También es común la
forma bipartita de dos secciones que
se van repitiendo (A-A-B-B) y la
forma tripartita en la que la tercera
parte era repetición de la primera (A-B-A)
Entre los compositores más destacados de lieder hay que citar a
F. Schubert, que a lo largo de su vida realizó más de 600. Más
tarde cultivarán esta forma otros autores como Hugo Wolf o
Gustav Mahler.
a música de cámara en el Romanticismo alcanzó su máximo
desarrollo, debido, en gran parte, a que se hizo accesible a la
burguesía y a la
constante demanda
de obras para
interpretar en
familia o entre
amigos.
A lo largo del
siglo XIX, la
mayoría de los
compositores
escribió obras de
cámara, desde dúos (para dos instrumentos, como por ejemplo el
piano y la flauta), tríos (piano, violín y violonchelo),...hasta nonetos
(nueve instrumentos de cuerda y viento); sin olvidar el cuarteto de
cuerda típico del Clasicismo (dos violines, una viola y un violonchelo),
que siguió ocupando un lugar destacado en esta época.
Muchas de estas obras eran sencillas y así las podían interpretar
grupos de aficionados en las reuniones íntimas que realizaban en sus
propias casas.
La orquesta del siglo XIX se convirtió en la gran protagonista de la
época. Casi todos los compositores escribieron obras musicales para
este tipo de formación.
La orquesta romántica, denominada orquesta sinfónica, estaba
integrada por un número de intérpretes que solía oscilar entre los
60 y 75 instrumentos de las tres familias. No es extraño, sin
embargo, encontrar a finales de siglo obras que requerían 100 o
más músicos. Los mecanismos técnicos de los instrumentos de
viento se perfeccionaron y los compositores comenzaron a
considerarlos tan importantes como los de cuerda.
Debido a la constante demanda de conciertos públicos el número
de orquestas se multiplicó por toda Europa, hasta el punto de que
las grandes ciudades contaban con varias orquestas sinfónicas que
realizaban giras por toda Europa con una acogida extraordinaria.
El piano, era el instrumento preferido de los compositores
románticos y de muchos de los amantes de la música de ese periodo.
Ello era debido a las siguientes razones:



La burguesía accedía, en gran medida,
a la práctica y los conocimientos
musicales. Era frecuente que en los
hogares de las familias con cierta
cultura hubiese un piano puesto que
era sinónimo de elegancia y poder. Los
familiares solían reunirse para
interpretar música o para celebrar tertulias en torno a él.
Por ser un instrumento armónico, tenía la posibilidad de tocar
varias notas a la vez y esto le permitía interpretar
reducciones de obras de orquesta, coro o cámara.
Muy pronto, por sus cualidades sonoras y técnicas, los
románticos vieron en el piano un medio de comunicación ideal
para expresar sus pasiones y sus sentimientos mediante la
música.
A lo largo del Romanticismo coexistieron dos tendencias en la
interpretación pianística:

Virtuosismo: Se trata de explotar al máximo las posibilidades
técnicas del instrumento. Solían ser obras de larga duración
que buscaban ante todo el lucimiento del artista
desarrollando plenamente el colorido sonoro del instrumento.
Se trata generalmente de piezas de difícil ejecución. Algunas

de estas formas son los estudios (piezas para desarrollar una
determinada técnica), sonatas (mucho más libres formalmente
que las del Clasicismo), variaciones (en las que la improvisación
jugaba un papel protagonista),...; algunos de los compositores
más representativos de este género fueron F. Liszt,
reconocido por algunos como el mejor pianista de la época, o
F. Chopin, que también abordará el piano lírico.
Lirismo: Los compositores no buscan la complejidad, sino
expresar estados de ánimo o sensaciones en obras muy
poéticas. Suelen ser obras cortas y en apariencia sencillas de
ejecución, que transmitían el verdadero carácter romántico
de la época. Entre los compositores más destacados de este
género podemos hablar de F. Chopin o de R. Schumann que
crearon piezas que se denominaron momentos musicales,
escenas de niños, baladas, nocturnos,...
Algunos compositores, promovidos por el espíritu nacionalista,
realizaron obras en las que recurrían a danzas o temas populares de
sus territorios como los valses, las polonesas o las mazurcas.
La búsqueda de músicas más libres y abiertas, y en definitiva más
adecuadas para la expresión romántica, dará lugar al desarrollo
de la música programática o descriptiva, que ya no se construye a
partir de criterios formales sino de criterios extramusicales
(novelas, historias,...).
Ya sabemos que el hecho de utilizar la música como lenguaje
descriptivo no es una novedad (recordemos "Las cuatro estaciones"
de Vivaldi), sin embargo, es ahora cuando surge como género nuevo
capaz de materializar ese poder de la música. Nacen así dos nuevas
formas de música programática: la sinfonía
programática y el poema sinfónico.

LA SINFONÍA PROGRAMÁTICA: Es una
sinfonía que en lugar de basarse en una
estructura formal, se desarrolla en torno a
la descripción de un programa o argumento,
generalmente de carácter literario. El



creador de este género es el compositor francés H. Berlioz
con su obra "Episodios de la vida de un artista. Sinfonía
fantástica", en la que narra su amor no correspondido hacia
una actriz inglesa a la que convierte en música. La sinfonía
programática es una obra de larga duración (varios
movimientos) y normalmente el autor introduce el texto al
principio de la obra que sirve de guía de la misma.
EL POEMA SINFÓNICO: Es una composición en un sólo
movimiento basada en elementos poéticos o descriptivos. El
creador de este género es F. Liszt que en su obra "Preludios"
describe unos poemas de Lamartine titulados "Meditaciones
poéticas". Este nuevo género de música será cultivado por
compositores románticos y en especial nacionalistas, entre los
que destacamos a Mussorgsky, N. Rimsky-Korsakov,
R.Strauss, C. Saint-Säens o P. Dukas.
Durante el siglo XIX la técnica del ballet clásico del siglo
anterior encontró su definitiva formulación. A principios del
Romanticismo, algunos maestros franceses se instalaron en
Rusia y crearon una escuela clásica de ballets rusos , cuyo
prestigio e importancia se han mantenido hasta la actualidad.
Esta restauración está relacionada con la llegada a San
Petersburgo del bailarín y coreógrafo Marius Petipá.
Hasta ese momento, muchos de los ballets estaban
constituidos y organizados a partir de la yuxtaposición de
diferentes escenas, que en la mayoría de los casos no
guardaba ninguna relación entre sí. Una de las grandes
aportaciones de los ballets rusos fue la de poner en escena
una historia coherente con diferentes temáticas, tanto
dramáticas como cómicas.

María Taglioni se convertirá en la
gran bailarina del siglo, participando
en los estrenos de los ballets de los
principales compositores. Esta
bailarina fue la primera que se puso
de puntillas a la hora de realizar sus
danzas en el escenario. Con este
gesto se conseguía cierto sentido


de ingravidez, convirtiendo a la bailarina en un ser etéreo.
Entre los bailarines destacados se encuentra el ruso V.
Nijinski.
Otra de las novedades que se instalaron en los ballets
rusos fue la utilización de cables para que los bailarines
realizaran grandes vuelos por el aire.
Entre los compositores más famosos de ballet ruso
tenemos que destacar a P. I. Tchaikovsky que dio un gran
impulso a este género con obras como "El cascanueces", "La
bella durmiente" o "El lago de los cisnes".
La etapa nacionalista coincide en el tiempo con los últimos
coletazos del Romanticismo, que se produjeron sobretodo en
Alemania. A este movimiento se le conoce con el nombre de PostRomanticismo, que tanto en el ámbito expresivo como en el técnico
constituye una prolongación del lenguaje romántico.
Los autores post-románticos buscan llevar hasta el límite la
exaltación de la individualidad y los estados anímicos personales. El
resultado es un sonido amplio y, a menudo, grandioso, que se logra
mediante orquestas muy numerosas y una rica y variada utilización
de los instrumentos.
Entre los compositores más destacados del post-romanticismo
podemos nombrar a Gustav Mahler (Sinfonía nº 1 "Titán"), Richard
Strauss (Así hablaba Zaratustra) y Sergei Rachmaninov (Sinfonía
nº 1 en re menor). Todos los artistas post-románticos se verán muy
influidos por la obra de R.Wagner y tendrán a su vez influencia en
las primeras corrientes vanguardistas.
CARACTERÍSTICAS MUSICALES
Aunque es complicado establecer unas características generales
al abordar la multitud de corrientes que se van a dar en este siglo,
cada una de ellas con sus propios
fundamentos, vamos a destacar algunas ideas
generales:





La pérdida de unidad estilística y
técnica se hace evidente ya que no hay
un lenguaje y un tipo de expresión
únicos, sino una pluralidad de
movimientos. Cada compositor busca su
propio lenguaje musical para expresarse.
La ruptura con el pasado se manifiesta en el progresivo
abandono del lenguaje tonal, que parece haber llegado a su
fin. El ritmo adquiere gran protagonismo.
Búsqueda de la novedad, ninguna obra puede parecerse a otra
y para ello hay que experimentar con todo lo que se tenga a
mano. Cualquier objeto puede ser capaz de producir música.
El compositor no busca la belleza de melodías, sino llamar la
atención del oyente, por lo tanto
nos encontraremos ante
piezas extrañas que no tienen nada
que ver con la música que se había
realizado hasta entonces.
En algunas corrientes, sobre todo
en la 2º mitad de siglo, el
compositor acompaña su obra con textos explicativos propios
para que la obra se pueda interpretar y entender, ya que a
menudo se usan sistemas de notación no convencionales.
Además, en esta época, entrarán en juego los avances
electrónicos e informáticos.

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