Las mejores peliculas de terror de todos

Transcripción

LAS MEJORES
PELÍCULAS DE TERROR
DE TODOS LOS TIEMPOS
Según la comunidad crítico-cinéfila muchocine.net
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LAS MEJORES PELÍCULAS DE TERROR DE TODOS LOS TIEMPOS MUCHOCINE.NET
Prólogo
En el silencio de la noche se escucha un ruido en el salón, una joven mujer se despierta
y levanta de la cama mientras su marido permanece acostado. Se pone las zapatillas y
baja las escaleras para llegar al salón. Observa que hay un jarrón de porcelana roto en
el suelo y al lado su lindo gatito mirando fijamente. Ella respira tranquila y le acaricia.
Abre el frigorífico para tomar un vaso de leche, y al fondo, en el pasillo, se ve una
figura de un hombre que empuña un cuchillo. Mientras ella disfruta de su vaso de
leche la luz de la nevera le refleja en la cara. El hombre se acerca hacia ella con paso
firme...
Y mientras tú, que tienes unos cuantos años menos, estás clavado en la butaca del cine
con una bolsa de palomitas y una Coca-Cola de barril sin gas, quieres levantarte y
gritarle a la protagonista aquello de “¡vamos, corre!”. Pero estás seguro que la
protagonista no se enteraría ni aunque fuera de carne y hueso. La grada contiene el
aliento y se escuchan algunos gritos de pánico, tu novia te agarra la mano fuertemente
y se tapa la cara mientras tú asistes atónito al primer asesinato de la tarde.
Años después y repentinamente, en el sofá de tu casa, ese que tu suegro te ayudó a
comprar en Ikea, te sorprende una escena de aquella misma película y, como si
desempolvaras el baúl de los recuerdos, te vienen a la memoria aquella bolsa de
palomitas blandas, la Coca-Cola de barril, incluso aquella chica que te dejó unas
semanas después... mmmm ¿de aguantar tantos slashers? Nunca lo sabremos ;-)
Empapado de esta nostalgia y con el deseo de que entre todos los amantes del Terror
desempolvemos aquellos clásicos y también tengamos la oportunidad de descubrir la
nueva hornada de joyas que el género nos brinda en estos nuevos tiempos, tengo el
placer de presentarte la primera edición de “Las mejores películas de Terror de todos
los tiempos” según la crítica de muchocine.net
No se ha pretendido que ésta sea una guía exhaustiva del género de Terror. En esta
guía se recogen las películas de Terror más valoradas por los críticos de
muchocine.net a través de los casi 6 años de existencia que tiene nuestra comunidad
de cinéfilos.
Esta guía tampoco pretende ser una guía exhaustiva, y estoy completamente
convencido que en la lista que proponemos “ni son todas las que están, ni están todas
las que son”. Dicho sea de paso para curarme en salud en mi humilde papel de fanático
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del género cuyo trabajo ha sido recopilar las películas más valoradas por nuestros
colaboradores.
Nuestros colaboradores son los auténticos expertos y de los que cada día aprendemos
algo más sobre cine. Ellos son, por orden de aparición:
Rob Gordon
Ethan
Emilio Calvo de Mora
Christian Sandoval
Hombre Lobo
Moebius
Davo Valdés
José A. Peig
Neathara de Filmaffinity.com
Xalons
Andrés Pons
JLo
Javier Moreno
Cecil B. Demente
Kiko de España
Raúl Neovallense
Jeremy Fox
Paco Plissken
Mario Parra Barba
Hugo Delgado
Francesc Canals Naylor
Sandro Ramírez de Filmaffinity.com
Jorge Alejandro Pirro
Si quieres colaborar con nosotros para elaborar la lista de “Las mejores películas de
Terror de todos los tiempos”, puedes darte de alta en muchocine.net desde la
siguiente página: http://www.muchocine.net/colabora.php
Espero que os guste y lo disfrutéis tanto como nosotros.
Víctor Trujillo
www.muchocine.net
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001
Psicosis (1960)
“Fue sin ningún lugar a dudas un
giro en la carrera del director, un
giro necesario para adaptarse al
nuevo cine que poco a poco se iba
implantando"
Rob Gordon
En el año 1960 nadie esperaba que Hitchcock fuese a realizar una película como
"Psicosis". El orondo director inglés llevaba durante más de 20 años en la cima del cine
mundial con su elegante suspense, con sus tramas persecutorias y con un cine
personalísimo con unas constantes básicas claras en cada cinta que dirigía.
Justo antes de ese año, Hitchcock se encontraba en su etapa más madura y genial.
Acababa de dirigir obras maestras como "La ventana indiscreta", "Vértigo" o "Con la
muerte en los talones", en las cuales tanto Paramount como MGM, habían
proporcionado a Hitchcock altos presupuestos para poder satisfacer sus peticiones,
es decir, las presencias de actores de la talla de James Stewart, Cary Grant, Grace Kelly,
James Mason, Kim Novak o Eva Marie Saint, precisamente actores predilectos del
director, o para poder rodar en las mejores localizaciones y con la mejor
técnica.(Hitchcok conseguiría en estas tres obras un aplastante dominio del color y
manejo de la cámara, no hay más que ver la alta inversión que hizo Paramount para la
escena del campanario de "Vértigo")
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Por todas esas razones sorprendía que Hitchcock se fijase en una pequeña novela de
misterio, escrita por Robert Bloch, para hacer de ella su siguiente película. Además
Hitchcock, decidió que "Psicosis" fuese en blanco y negro, sin estrellas rutilantes, con
equipos técnicos puramente televisivos. Drásticos cambios que a priori no fueron
demasiado comprendidos por la productora y el entorno de Hitch, pero que a
posteriori se confirmaron como los idóneos, para una historia de semejantes
características.
"Psicosis" podría haber sido perfectamente un capitulo extendido de la serie "Alfred
Hitchcock presenta" de gran éxito por aquel entonces, sin embargo Hitchcock vio algo
mas en ella, vio una terrorífica historia que podría aprovechar para dar rienda suelta a
una nueva visión cinematográfica. Porque "Psicosis" no se parece en nada a todo lo
que Hitchcock había rodado. Si en toda su carrera, el inglés fue amante de la
sugerencia, aquí prefirió mostrar, si le gustaba lo selecto, lo lujoso, aquí prefirió lo
austero y con todo ello, Hitchcock consiguió establecer un nuevo modelo de cine de
terror, una película que sería la madre del conocido "psycho-killer" o cine de asesinos
en serie, así como una manera de rodar radicalmente novedosa que aumentaba la
inquietud o el terror del público. Se podría afirmar, que no existirían "Henry, retrato de
un asesino", "El silencio de los corderos" o "El estrangulador de Boston", así como todo
el posterior cine de terror si Hitchcock no hubiese hecho "Psicosis".
"Psicosis" contaba la historia de una mujer (Janet Leight) que robaba una alta cantidad
de dinero a su propia empresa con la intención de poder comenzar una nueva vida con
su novio (John Gavin). En su huida, pararía a descansar en un perdido motel de
carretera regentado por una misteriosa madre y su hijo (Anthony Perkins). Esa llegada
al motel precipitaría unos hechos macabros, de trágicas consecuencias para la ladrona.
Hitchcock acertó de pleno en todas y cada una de las decisiones de la película. El
blanco y negro dotó a la película de un terror adicional, que venía como anillo al dedo
a la hora de conseguir la lugubridad del motel o de la casa Bates, o la facilidad para
poder ser explicito al mostrar sangre derramada. La elección de los actores fue
impecable. Un semidesconocido Anthony Perkins compuso un memorable asesino,
tímido y con complejo edípico. Janet Leigh debutó como "rubia de Hitchcock". El
director estuvo acertado al pensar que siendo ella la actriz más famosa del reparto, su
precipitada muerte en la cinta haría que el personal se descolocase. En cuanto a los
secundarios, Martin Balsam, John Gavin y Vera Miles fueron idóneos para sus
respectivos papeles.
Una vez más, Hitchcock utilizó su famosa técnica del Mcguffin, dotando de una
importancia principal al robo llevado a cabo por Marion Crane (Janet Leigh) para de
repente desviar la historia hacía lo verdaderamente interesante, el motel Bates y sus
inquilinos.
Hithcock metió el miedo en el cuerpo al personal, que creía que estaba ante una nueva
y persecutoria película del director, y que súbitamente se encontró con un explicito
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asesinato y un sorprendente asesino.
La escena de la ducha tuvo el lógico impacto en el espectador, que todavía se
conserva fresco hoy, al revisar la cinta. Tres fueron las claves del excelente
funcionamiento de esta secuencia, que la han establecido como la secuencia más
popular de la historia del cine, como el grito más famoso.
Por un lado, la música de cuerdas de Bernard Herrmann, el musical habitual de
Hitchcock y responsable del mayor impacto de muchas de las obras del maestro inglés.
Inicialmente, la escena del asesinato en la ducha no tendría más sonido que el del
cuchillo y el grito de Crane, si bien, al escuchar Hitchcock lo que Herrmann había
compuesto dio más que el visto bueno a la utilización de esta música en la escena,
Por otro lado está Saul Bass, creador de los títulos de "Vértigo" y "Con la muerte en los
talones" y que diseñó, mano a mano con Hitchcock y plano a plano la mítica secuencia
de la ducha. En último lugar, George Tomasini, montador habitual de Hitch, monto la
difícil secuencia a la perfección.
La genial planificación de la secuencia al completo ya haría por si misma famosa a
"Psicosis", pero había muchos más hallazgos en la cinta como para ser desplazados por
la fama de esta única escena. No menos espeluznante y genial es para mí el asesinato
del detective Milton Arbogast (Martin Balsam). Haciendo gala, Hitchcock de su manejo
del suspense durante la entrada indebida del detective en la casa Bates, el director
remató la escena con un plano en picado de su asesinato a manos de la señora Bates,
que sinceramente ponía los pelos de punta.
Como bien pronuncio su guionista, Joseph Stefano, "Psicosis" es importante porque le
falta todo lo predecible en Hitchcock hasta aquel momento". "Psicosis" era
inesperada, nadie pensaba que un director tan elegante fuera a mostrarnos por
primera vez en cine un váter, un cadáver, la desnudez en una ducha y ante todo una
clarísima frialdad en los protagonistas en cuanto a lo macabro, lo sexual, lo prohibido.
Era sin ningún lugar a dudas un giro en la carrera del director, un giro necesario para
adaptarse al nuevo cine que poco a poco se iba implantando. Y de nuevo, Hitchcock se
adelantaba.
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002
El Gabinete del
Doctor Caligari
(1921)
“Para algunos es la primera cinta
verdadera de terror y, desde luego,
una obra maestra del cine de todos
los tiempos."
Ethan
Película definitiva sobre un movimiento expresionista que llega algo tarde a la gran
pantalla, pero de forma espectacular. Para algunos es la primera cinta verdadera de
terror y, desde luego, una obra maestra del cine de todos los tiempos. Narra los
crímenes de un inquietante sonámbulo (Cesare), que es sometido a la voluntad del Dr.
Caligari por medio de la hipnosis.
La importancia del filme es tal que dio origen a un subgénero que se llamó
"Caligarismo", y que podría definirse como el expresionismo en su estado más puro.
Así, la película está rodada en interiores, con unos decorados pintados en tela que son
la clave del éxito del filme. Las perspectivas imposibles, las ventanas torcidas, los
tejados inclinados y los caminos tortuosos reflejan el estado de ánimo de los
personajes. Los actores protagonistas, Werner Krauss (Caligari) y Conradt Veidt
(Cesare), interpretan de manera estilizada. Una actuación basada en movimientos
eléctricos; exageración perfectamente estudiada e intencionada para que forme parte
de un todo armónico representativo del movimiento al que pertenece.
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Gran parte del merito de la película –como poco a partes iguales con el director Robert
Wiene- corre a cargo de los guionistas Mayer y Janowitz y de los decoradores Warm,
Reimann y Rohrig. Con respecto al guión, decir que trataba de construir una metáfora
sobre la utilización que el Estado alemán hizo del pueblo durante la Primera Guerra
Mundial. De esta forma Caligari era el gobierno y Cesare el hipnotizado pueblo que
combatía. Demasiado fuerte para la época, lo que provocó un cambio de la trama, de
tal forma que todo pareciera la invención de un loco. Esta ambigüedad final es parte
del atractivo del largometraje.
Por último, una curiosidad: la cinta, producida por el legendario Erich Pommer, fue
inicialmente encargada a Fritz Lang. El director de Metrópolis rehusó la oferta, pero
aportó alguna idea interesante. Le propuso al guionista Hans Janowitz que incluyera
una escena inicial y otra final, en un jardín del sanatorio, libre de toda estilización
expresionista para diferenciar lo real de lo imaginario. Así se hizo.
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003
El Resplandor
(1980)
“Una de las mejores películas de
Kubrick, aunque siempre fue
considerada obra menor. Es
también la mejor adaptación de
una novela de Stephen King. Y es
la mejor actuación de un casi
siempre
sobresaliente
Jack
Nicholson. ¿Se precisa más?”
Emilio Calvo de Mora
Well we all shine on
Like the moon and the stars and the sun
Well we all shine on
Evryone come on
( Instant Karma, John Lennon )
Un comienzo:
Un coche amarillo por una carretera que bordea un lago entre montañas tomado
desde arriba: así arranca El resplandor ( The shining, tomado de la canción de Lennon ),
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pero el director no estuvo en Oregon filmando esa escena: delegó la toma a Douglas
Milsowe y a la pericia de su hija, que supervisó toda la localización de exteriores de la
película.
Jack Torrance es un escritor en busca de una novela, un escritor alcohólico, casado con
una mojigata y padre de un hijo de una sensibilidad paranormal sobresaliente. Le
contratan para hacer el mantenimiento del Overlook, un hotel de lujo en las Rocosas
que cierra en temporada baja por la nieve. En cinco meses de aislamiento, se prefigura
Jack, podrá escribir su novela y hacer un trabajo sencillo. Grady, el anterior vigilante, le
informan, se volvió loco: mató a su mujer y a sus hijas a hachazos y luego se suicidó. La
vida en el hotel conduce a que Jack se vuelva loco y haga de Grady durante el último
metraje del film.
Todo lo demás:
Danny, el hijo de Jack, recorriendo los pasillos con su triciclo. Richard Donner acusó a
Kubrick de plagiarle ya que un niño con un triciclo aparecía en su exitosa “La profecía”.
La habitación 237: Danny es invitado por dos gemelas a que juegue con ellas para
siempre. Antes hemos visto un ascensor que vomita una tonelada de sangre.
Un barman espectral sirve a Jack un whisky en una especie de fiesta en The Gold
Room, la sala gigantesca del Overlook. El hotel, salvo por los Torrance, sabemos que
está vacío.
La habitación 237 otra vez: Jack ve allí a una joven desnuda en una bañera: al besarla
se convierte en una vieja con pústula y llagas.
El ballroom del Overlook está atestado de gente: Jack sufre un accidente, un camarero
le vierte una bebida sobre la ropa. La charla animada en el servicio sirve para que
sepamos que el camarero es Grady, el vigilante anterior, el que asesinó a su mujer y
sus hijas a hachazos, aunque el Grady que vemos no recuerda ser tal. “Siento mucho
disentir. El vigilante es usted. Usted siempre ha sido el vigilante. Lo recuerdo bien. Yo
siempre he estado aquí “, le dice a Jack mientras le recompone.
La máquina de escribir: “Although one will rise early, it won’t dawn sooner “ o lo que
viene a ser lo mismo. “ No por mucho madrugar, amanece más temprano”. Kubrick,
detalloso hasta la obsesión, se encargó personalmente de que en cada país la máquina
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de escribir exhibiese un texto acorde a la fraseología popular. La frase se repite hasta
la nausea.
Jack se pone cabroncete: Wendy, su mujer, intenta escapar cuando ve ya un poco
tocado a Jack. Lo encierra en un armario y se echa un rato. Jack, con la ayuda de un
razonablemente agradable Grady, escapa: blande un hacha (el hacha más famosa de la
historia del cine) y rompe la puerta de la habitación en donde Wendy se refugia. Ahí
suelta el célebre: “Aquí está Jaaaaaaaack “, que tiene su leyenda, por su puesto. Al
parecer la frase fue improvisada por un voluntarioso Nicholson y, aunque a Kubrick le
agradó, la hizo repetir 157 veces. Ya no sabemos, en este punto, si el cabroncete es
Jack o es Stanley. Jack mata a Halloran, el antiguo cocinero del Overlook, que ha
venido al hotel por la telepatía que le une a Danny.
Jack, el hacha, la nieve y Danny, huyendo: el trabajo técnico de Kubrick sirve un
alucinante ejercicio de steadycam bruta por el laberinto de nieve o por los pasillos del
hotel.
Un fantasma con la cabeza herida le dice a Jack Torrance, ya completamente ido:
“¿Una bonita fiesta, verdad? ¿Jack Nicholson está aquí en la salsa de su gestualidad
salvaje, embriagado de sí mismo como pocas veces hemos visto.
La foto final: Kubrick, en manos de Grady, nos enseña la foto que cierra o abre todas
las preguntas. Vemos a Torrance en The gold room, en el baile del 4 de Julio de 1.921.
Grady parece que tenía razón con todo lo que le contó en el servicio.
Inventario de curiosidades:
Todos los interiores de la película son reales. Un rumor: desechos de la toma inicial de
Kubrick con el coche enfilando las montañas fueron usadas por Ridley Scott para la
fuga de Dekker con la replicante en Blade Runner.
Es la película de Kubrick, junto con Barry Lindón, en la que hay más repeticiones de
escenas. Jack Nicholson se enfrentó repetidamente con Kubrick por este abuso. La
timorata de Shelley Duvall fue continuamente maltratada por el director para sacar de
ella un más natural, en sus palabras, “estado de stress o de pavor o de mala uva”.
Kubrick cuidó muy especialmente la banda sonora del film como siempre fue su
costumbre: desfilan Ligeti, Bartok, Penderecki, Berilos....o la orquesta de Ray Noble en
las canciones de jazz que salpimentan alguna parte del film.
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El doblaje: la protuberante y espléndida voz de Rafael Taibo cubre a Halloran, el
cocinero. Ni la Verónica Forqué que dobla a Wendy ni el doblista de Jack Nicholson
contentó al público español, aunque la elección (cosa harto curiosa, en verdad) corrió
a cargo del propio Kubrick.
Stephen King no estuvo satisfecho del trabajo de Kubrick. Sí, por el contrario, se
entusiasmó con una miniserie para televisión filmada por su amigo Mike Garris. En la
novela de King, el hotel arde. Kubrick lo vio risible. Una vulgaridad.
Concluyendo:
La mejor película de terror de los ochenta. Una de las mejores de todos los tiempos.
Únicamente por la locura genial de Nicholson merece la pena toda ella. King fue
merecidamente homenajeado en Carrie y en Misery. Ésta es la más lograda, la que
contribuye más sólidamente a su amor por dejar filmar sus obras.
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004
La noche de
los muertos
vivientes
(1968)
“Esta cinta es una de aquellas que
se encuentran en ese selecto
grupo de las películas de
visionado obligado para todos
aquellos amantes del cine. y
representa una influencia directa
para una serie de realizadores
entre los que están John
Carpenter, Sam Raimi, entre
otros."
Christian Sandoval
"La noche de los muertos vivientes" (1968), es la primera película del realizador
estadounidense George Romero, la cual es considerada un verdadero clásico del
género del horror, que se convirtió rápidamente en un film de culto. El guión estuvo a
cargo del mismo Romero en colaboración con John A. Russo, y está basado en la
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novela "Soy Leyenda", del escritor Richard Matheson.
Bárbara (Judith O´Dea) y su hermano deciden ir a visitar la tumba de su padre en un
alejado bosque, pero allí ambos son agredidos por un extraño. Bárbara sobrevive y
logra escapar en su auto hasta una granja cercana, en la que es su interior, encuentra
un cuerpo parcialmente mutilado. Mientras corre asustada, se encuentra con un
hombre que le explica que un grupo de extraños está atacando sin sentido aparente a
las personas. Ahora se encuentran rodeados por estos extraños, por lo que tendrán
que hacer todo lo posible por sobrevivir a esta macabra situación.
George Romero comenzó su carrera realizando cortometrajes y algunos comerciales
para "The Latent Image", una compañía que había fundado junto a John A. Russo y
Russell Streiner. El trío luego de un tiempo, se aburrió de hacer este tipo de
producciones, y se decidieron a realizar un film de terror. Basándose en la novela de
Richard Matheson y en otros films de zombies, formó el guión de su primera cinta
acerca de muertos vivientes, para la cual consiguió $114.000 dólares, a través de
"Imagen Ten", productora que fundó junto a sus dos socios anteriores, más Karl
Hardman y Marilyn Eastman.
Obviamente debido al bajo presupuesto con el que se contaba, se sabía de antemano
que era bastante complicado realizar un film a la altura de los clásicos del género con
los que los realizadores habían crecido.
Dentro de los intentos por abaratar costos, a Romero no le quedó más opción que
filmar la cinta en blanco y negro. Esta decisión, a la larga dio buenos frutos a nivel de
críticas, debido a que provee al film de un aspecto tipo documental, el cual denuncia
una especie de pérdida de la estabilidad social. Además, el hecho de que este filmado
en blanco y negro le da un encanto especial, reforzando la idea de que estamos
tratando con un verdadero clásico. Sin embargo, la contraparte de esta decisión, fue
que esto le representó serios problemas a Romero y compañía, para encontrar un
estudio que pudiera distribuir el film. La Columbia Pictures fue el único estudio
interesado en distribuir la cinta, pero acabó rechazando la idea, porque la cinta en
blanco y negro se encontraría en desventaja con los nuevos televisores a color que
existían en el mercado. La American Internacional Pictures (AIP) también considero
distribuir el film, pero querían que Romero filmara otro final y que agregara más
escenas de amor. Finalmente, la distribución la terminó realizando la "Walter Reade
Organization", la cual cambio el nombre de la cinta de "Night of the Flesh Eaters" a "La
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noche de los muertos vivientes".
La construcción del guión pasó por tres fases. En un principio, bajo el nombre de
"Monster Flick", la película era una combinación de horror con comedia, que contaba
la historia de unos jóvenes aliens que visitaban la tierra y se hacían amigos de unos
adolescentes humanos. La segunda maqueta del guión consistía en la historia de un
joven que habiendo huido de casa, descubre que algunos cadáveres de personas están
siendo utilizados como el alimento de unos aliens. El guión final que fue prácticamente
escrito por completo por Romero, ya relata cómo unos cadáveres humanos
reanimados, se alimentan de la carne de los vivos.
En una entrevista, Romero relata cómo esta idea que un principio era una historia
corta de 3 partes, terminó dando a lugar a este film y a sus dos secuelas que son:
"Amanecer de los muertos" (1978) y "El día de los muertos" (1985).
Muchas personas tienden a recalcar el supuesto trasfondo sociocultural que tiene esta
cinta, la que es vista como una especie de crítica directa en contra del racismo. El
hecho de que el protagonista del film sea un afro americano, interpretado por el actor
Duane Jones, en una época que el racismo estaba más latente que nunca, fue una
jugada bastante riesgosa por parte de Romero. Además, no contento con esto, el resto
de los personajes (son todos blancos) quedan bastante mal parados. El director deja a
las mujeres como unas verdaderas histéricas, que no aportan mucho a la defensa de la
casa en la que se encuentran recluidos, sino que más bien se transforman en un lastre
que dificulta aún más las cosas. Peor aún es el personaje de Harry Cooper,
interpretado por Karl Hardman, quien es derechamente racista, además de ser una
persona bastante egoísta y cobarde, a la cual poco le importa el futuro del resto de sus
compañeros con tal de salvar su propio pellejo. Pese a todo esto, Romero ha
comentado en bastantes ocasiones que la elección de Duane Jones como el
protagonista, solo fue a causa de que realizó un buen casting, y no debido a algún tipo
de mensaje en contra del racismo. Intencional o no, el mensaje es fácilmente
percibible durante el transcurso del film, además de que la fecha de salida de la cinta,
coincidía con las muertes de Malcolm X y Martin Luther King, por lo que fue más
obvio el paralelo entre el protagonista y estos dos hombres.
Mucho se ha hablado también del mensaje en contra del capitalismo que Romero ha
querido plasmar en su trilogía inicial, que también es posible ver en la cuarta parte de
la saga "La tierra de los muertos" (2005). Especialmente en la segunda parte de la
trilogía, se realiza una crítica a la sociedad del consumo, de hecho la acción transcurre
en un mall, a la vez que pareciera existir la analogía entre el zombie y la persona
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promedio, moviéndose al ritmo del resto del rebaño, inmerso en un sistema que no le
deja muchas posibilidades reales de libre elección. El canibalismo representa a la
sociedad americana de aquellos años, en que bajo ese sistema de competencia, uno
puede llegar a caer en actitudes, en que para nosotros poder salir adelante, tenemos
que hundir o "devorar" al que está al lado nuestro. Ese mensaje es fácilmente
transportable a la sociedad de hoy en día, en que los Estados Unidos es el mayor
"caníbal" existente hoy en día.
El director ha argumentado en algunas ocasiones que una película sin un mensaje, no
es una película que valga la pena hacer.
La cinta fue recibida de forma bastante variada por la crítica, que la rechazó por sus
efectos gore y las secuencias canibalismo, mientras que por otro lado, se alabó lo
rompedor del film, que fue reconocido por varios críticos como un clásico inmediato.
Durante el transcurso de los años, también se ha alabado la crítica que realiza el film a
la sociedad norteamericana de los sesenta, recalcando en especial las críticas hacia el
gobierno y sus políticas tanto internas como externas.
El film representa una influencia directa para una serie de realizadores entre los que
están John Carpenter, Sam Raimi, entre otros. En 1999 la película fue nombrada como
"significativa culturalmente" por la biblioteca del congreso de los Estados Unidos y fue
seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Películas.
Además, también recibió el reconocimiento de la "American Film Institute", que la
situó en el lugar 93, en la lista de las 100 mejores película de todos los tiempos,
realizada en su centésimo aniversario.
Todas las razones esgrimidas en este artículo dan a entender, que esta cinta es una de
aquellas que se encuentran en ese selecto grupo de las películas de visionado obligado
para todos aquellos amantes del cine.
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005
Pesadilla en
Elm Street
(1984)
"La mejor de todas las películas
de Wes Craven y que introduce
las formas de los slasher films
para construir una historia sobre
el Miedo en sí mismo"
Hombre Lobo
En 1984, en plena efervescencia de los slashers, el director Wes Craven lanzó la que
sería no sólo su mejor película, sino una de las cintas clave para entender el cine de
horror de los ochenta. Al contrario de lo que ocurría con los dos mayores exponentes
anteriores del género, Halloween (1978) y Viernes 13 (1980), la fortaleza de Pesadilla
en Elm Street (1984) yacía en que con ella ocurría algo que nunca hay que dar por
sentado: los aficionados a pasar miedo en el cine descubrían algo nuevo, territorios
inexplorados que un cineasta iluminaba por primera vez. Porque si bien es cierto que
esta cinta de Craven comienza repitiendo los esquemas temáticos del matarife clásico
(incluso con un par de escenas que parecen calcadas de Halloween) no tarda en
liberarse pronto de dichas influencias, ahondando en las obsesiones particulares de su
director y abrazando su condición de fantástico para construir una fábula de terror en
plena suburbia.
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Contando principalmente con un elenco de jóvenes primerizos (entre ellos un
debutante Johnny Depp), Pesadilla en Elm Street parte de una trama que hoy en día
todos conocemos porque ha pasado a formar parte del imaginario colectivo del cine de
terror: Freddy Krueger, un asesino ajusticiado por los padres de sus víctimas, regresa
varios años después para ejecutar su venganza de ultratumba atacando a los
adolescentes en sus sueños, único lugar donde sus progenitores no pueden
protegerles. Aparte de su origen sobrenatural, lo que diferencia a esta enésima
versión del Hombre del Saco es que representa una encarnación del Terror en sí
mismo: desde el principio de la película, Wes Craven nos muestra a Freddy como un
monstruo que se alimenta de miedo, y que se va haciendo progresivamente más
fuerte a medida que sus víctimas potenciales comienzan a creer en su existencia. De
apenas una voz susurrante en la oscuridad, una sombra en medio de las pesadillas,
termina por adquirir el cuerpo y la presencia de un adefesio horriblemente quemado
vestido de colores chillones: una especie de payaso macabro para siempre asociado a
la imagen del sombrero y el guante con cuchillas.
Precisamente es el personaje uno de los motivos por los que Pesadilla en Elm Street
funciona; el villano misterioso y cuasi-silente que surge con la figura de Freddy Krueger
es más que una "forma" asesina, y su significancia se aprecia en varios niveles. En
cierto sentido, resulta la consecuencia lógica una vez que se destripa el género slasher:
si todas estas películas juegan con la idea del miedo subconsciente, entonces hagamos
un villano que sea "literalmente" un sueño. Independientemente del recuerdo
nostálgico de nuestra infancia ochentera, Freddy daba miedo de verdad, y su idea
todavía persiste como un concepto genuinamente terrorífico por mucho que seis
secuelas y un cross-over con Jason Voorhees hayan arruinado dicho concepto para
siempre.
Pero aparte de sus sutilezas temáticas, el estilo de la película de Craven no deja lugar a
ningún tipo de compasión para con sus personajes: como abreboca, la primera muerte
es visualmente brutal, mucho más teniendo en cuenta que no vemos al asesino, cuyas
posteriores matanzas se van haciendo cada vez más imposibles y estéticamente más
impresionantes. Este es otro detalle que terminarían arruinando las secuelas, en las
que las diferentes muertes causadas por Freddy adquirieron tintes caricaturescos que
sólo servían como preámbulo de los cada vez más cansinos chascarrillos del personaje.
Como curiosa contraparte, las sucesivas continuaciones expandieron la mitología del
personaje y entronizaron al actor Robert Englund en el papel de Freddy Krueger, algo
que sólo fue posible gracias a su descarada explotación: en la primera "pesadilla",
Krueger es una presencia muy sutil que pronuncia muy pocas palabras y cuyo rostro
está casi permanentemente oculto al espectador, por lo que, objetivamente hablando,
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podría haber sido interpretado por cualquiera.
Este último detalle es una de las razones por las que se hace más interesante, casi un
cuarto de siglo después, revisar esta primera Pesadilla en Elm Street y comprobar lo
contenida que es, lo sugerente de cada una de sus secuencias y la manera tan
consciente en la que huye de todo tipo de exageraciones propias de sus secuelas. Tan
cierto es esto, que no es posible pasar por alto el hecho de que, si bien las muertes de
los personajes protagonistas son bastante "imaginativas", nunca llegan a ser
ridículas; por el contrario, son de un surrealismo que en ningún momento deja por
fuera el hecho de que estamos ante una película de terror, incluyendo un maravilloso
final que se cuenta entre uno de los más desconcertantes del género, con la posible
excepción de Phantasma (1979).
Los defectos de la cinta, en esta ocasión, están presentes en forma inversa a operas
primeras contemporáneas del momento como Posesión infernal (1981): a pesar de
contar con un guión sólido, la dirección de Wes Craven se siente demasiado plana en
algunas secuencias, sin la vitalidad e instinto de un John Carpenter o un Sam Raimi.
Esta falta se nota especialmente en aquellos momentos en los que Freddy Krueger se
enfrenta físicamente a la heroína de la historia, aparte de que en muchos momentos
se echa en falta una mirada más exhaustiva en el trasfondo de ese crimen "oculto" de
los mayores que ha terminado por desencadenar el conflicto. Quizás sean estas las
únicas pegas que se puedan encontrar a la que hoy señalamos como una de las
películas más importantes de nuestra niñez compartida, y que casi cinco lustros
después ha sido remakeada para futuras generaciones.
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006
Tiburón (1975)
“Un
film
impresionante,
magníficamente rodado, y cuyo
reconocimiento tardó en llegar.
Spielberg en estado puro."
Moebius
Durante las dos primeras semanas de julio del año 1916 la costa de Nueva Jersey, un
lugar donde que muchas personas elegían como vacaciones y en el que se estaba
creando una incipiente industria turística se vio aterrorizada por una serie de ataques
de tiburones que se saldaron con cuatro muertes y una persona herida. La ola de
pánico fue tal que aquel verano quedó en el inconsciente colectivo norteamericano...
entre 1974 y 1975, los Estados Unidos, y muy pronto el mundo, sentirían de nuevo ese
terror atávico, aunque esta vez las únicas víctimas fueron los bolsillos de los
espectadores y la verdadera naturaleza del tiburón blanco.
A principios de los años 70 el escritor Peter Benchley venía barruntando una historia
sobre ataques de tiburones. Su editor le animó a escribir una novela sobre el tema, así
que dicho y hecho, Benchley volvió con un libro sin título. Se barajaron muchos
nombres, rimbombantes algunos, chapuceros otros, títulos como "Stillness in the
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water", "Leviathan rising" o "The jaws of the Leviathan". Con el tiempo agotándose,
Benchley y su editor eligieron el menos malo: Jaws.
El libro fue un gran éxito, y los productores de la Universal, interesados por la historia,
se hicieron con los derechos cinematográficos por 150.000$. Años más tarde el
productor David Brown ha declarado que si hubieran leído la novela dos veces nunca
habrían comprado la historia, pues estaba claro que iba a ser muy cara de rodar. Pero
la idea de un tiburón aterrorizando las tranquilas playas del Atlántico les encantaba.
La agencia con la que trataron los de la Universal exigió que la dirigiera un director
afiliado a su empresa. Los productores, ansiosos por obtener los derechos de la novela,
aceptaron. En cierto modo, lo que pasó a continuación es que la Universal se deshizo
como pudo de aquel pobre tipo, y se puso a buscar un director de su agrado. Los
productores David Brown y Richard D. Zanuck, que habían producido la primera
película para el cine de un joven y talentoso director, decidieron ponerle al frente del
proyecto. Aquel joven judío había realizado un largo para televisión donde un gran
camión perseguía sin descanso a un pobre tipo en su coche. Parecía el candidato ideal
para llevar Jaws a la pantalla. Su nombre era Steven Spielberg.
Spielberg había leído la novela y le gustaba, y viendo el paralelismo entre la historia de
Jaws y la historia del camión en El diablo sobre ruedas, y no teniendo ningún otro
proyecto a la vista, parecía que no tenía nada mejor que hacer.
El escritor Peter Benchley realizó una primera adaptación de su propia novela, a la que
Spielberg añadió algunas escenas. Por ejemplo, quería presentar al cazador de
tiburones Quint en un cine riéndose a carcajadas mientras contemplaba Moby Dick, de
John Huston. ¿Imagináis algo así? Habría sido digno de ver. Pero a Gregory Peck, que
tenía los derechos del film, no le pareció buena idea, con lo que esa escena no se pudo
rodar. Para completar la historia para la película el guión fue revisado por Howard
Sackler, ganador de un premio Pulitzer y experto submarinista. Su contribución hizo
que Spielberg acabara decidiéndose a rodar la película. Sackler pidió expresamente no
figurar en los títulos de crédito ya que no disponía de tiempo para estar en el rodaje.
Otro problema surgió poco después.
A principios de 1975 un contrato con el Sindicato de Actores a punto de expirar puso
en aprietos al estudio. Los jefazos de la Universal decidieron que ninguna película se
rodaría si no podía terminarse antes del 30 de junio. Con un guión sin terminar,
Spielberg puso unas lógicas objeciones al asunto. Un nuevo escritor, Carl Gottlieb, fue
contratado como una especie de "chico para todo", que trabajaría en el guión, asistiría
a los ensayos, ayudaría en las improvisaciones... en definitiva, estaría allí para
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cualquier problema que pudiera surgir con la historia.
Spielberg buscaba actores desconocidos para la película, pero los productores
insistieron en que se hiciera con un gran nombre. Roy Schneider, que había trabajado
en The French Connection y era popular por entonces, fue elegido para interpretar al
jefe de policía Brody. Para el papel del oceanógrafo Hooper, y tras barajarse varios
nombres, Spielberg, por consejo de George Lucas, le ofreció el papel a Richard
Dreyfuss. Al actor le encantó la historia, pero rechazó la película. En sus propias
palabras, la razón era que "preferiría verla a rodarla, porque el rodaje será un coñazo".
Tiempo después Dreyfuss acudió al estreno de su última película, The Apprenticeship
of Duddy Kravitz, y, tras quedar horrorizado con su actuación, decidió aceptar el papel
de Hooper. Por último, para el papel del cazador Quint, Spielberg acudió a Lee Marvin,
quién rechazó el papel. También se barajaron nombres como el de Sterling Hayden (el
policía cabrón de El Padrino) o el de Charlton Heston, aunque al final el papel fue
adjudicado a Robert Shaw, con quién los productores acababan de trabajar en El
golpe. Los otros papeles importantes fueron para Lorraine Gary como la esposa de
Brody y Murray Hamilton como el alcalde Larry Vaughn, ¡y es innegable que ese tipo
tiene cara de alcalde! Para la escena de los pescadores en el muelle se pensó en contar
con Joe Spinell, lo cual habría sido grande, pero al final no pudo ser.
El siguiente paso era, naturalmente, conseguir un tiburón. El director artístico, Joe
Alves, comenzó a entrevistarse con diseñadores de efectos especiales sin gran éxito. La
gente del gremio no paraba de decirle que hacer un tiburón mecánico de siete metros
era prácticamente imposible. Finalmente Alves dio con Bob Mattey, que había
construido animales mecánicos en el pasado y que estaba retirado. Mattey respondió
que podía hacerlo, así que consiguió el trabajo. Para reclutar al resto del equipo de
efectos especiales Alves realizó una búsqueda que él compara con Los 7 magníficos,
poco a poco iba encontrando a aquellos que necesitaba.
Un nuevo problema surgió a la hora de buscar unos exteriores adecuados. El lugar
ideal resultó ser Martha's Vineyard, un lugar pintoresco y turístico cuyas tenían un
fondo arenoso hasta 12 millas mar adentro, con lo que los mecanismos podían
funcionar correctamente sin que se viera tierra por ningún lado. Esa fue la razón
principal de Spielberg para escoger aquel villorrio. Sin embargo, las gentes de allí no
querían un equipo de rodaje en plena temporada alta. La gente de los estudios
tuvieron que convencer a las fuerzas mayores del pueblo que todo permanecería como
antes de que llegara la gente de Hollywood.
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Un lugareño llamado Craig Kinsbury tuvo un papel importante tanto dentro como
fuera de la película. Según Spielberg era la versión local del personaje de Quint, y el
director le animó a participar en la película, escribiendo sus propias frases. Además,
fue la inspiración para frases de otros personajes, como cuando Quint dice "esto no es
como salir a pescar percas o bacalaos".
El rodaje, que comenzó alrededor del comienzo del verano de 1974, iba a alargarse lo
inimaginable, surgiendo problemas por todas partes. Muchas tenían que ser rodadas
en alta mar, con lo que colocar las cámaras, calcular ángulos, preparar barcos y actores
era toda una odisea, ya que nada permanecía en su lugar, y no paraban de cruzar
barcos y veleros en el horizonte.
Otro problema fue el tiburón mecánico. Se había construido un gran tiburón completo
(al que Spielberg llamaba "Gran zurullo blanco") y dos tiburones sesgados para rodar
planos desde la izquierda o desde la derecha. Aunque para la secuencia inicial
Spielberg había decidido ocultar al tiburón de modo que sólo se vieran las sacudidas
de la víctima en lo que fue un gran acierto, la pura verdad resultó ser que el tiburón no
funcionaba. En la primera prueba del muñeco mecánico en agua la pieza se fue al
fondo del agua y tuvo que ser rescatada por unos hombres rana. Como recuerda
Richard Dreyfuss en el documental Dentro del tiburón, por las radios del equipo de
rodaje no paraba de oírse la frase "el tiburón no funciona". En lo que es ya una historia
legendaria de Hollywood, los fallos con el tiburón acabaron beneficiando a la película,
ya que tener al monstruo en pantalla todo el tiempo habría convertido a Tiburón en
una película de terror con monstruo al uso. Siguiendo el viejo axioma del personaje de
Kirk Douglas en Cautivos del mal, la gente teme aquello que no ve. Y Tiburón es una
buena prueba de ello.
Se decidió que sería impactante tener imágenes de tiburones reales en la película. Se
contactó con una pareja que había trabajado con tiburones blancos para rodar las
escenas bajo el agua. El problema era que los tiburones normales medían 3 o 4 metros
y no eran tan gigantescos como en la película. En una decisión bastante Spinal Tap se
construyó una jaula pequeña y la Universal mandó a un tipo bastante bajito que ni
siquiera sabía bucear para que se metiera dentro de la jaula. Las mejores escenas
fueron rodadas cuando un tiburón quedó enganchado con la jaula y la hizo trizas.
Como las tomas eran tan buenas, y al no haber nadie en la jaula, se cambió el guión
para aprovechar esas escenas.
En otro momento del rodaje el barco de Quint, el "Orca", casi se fue a pique, y
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mientras todos se preocupaban de salvar a los actores nadie pareció acordarse del
técnico de sonido. ¡Es el sistema de clases hollywoodiense!
Mientras el rodaje se alargaba y el tiburón no acababa de funcionar, la relación entre
algunos miembros del equipo no era demasiado buena. Robert Shaw y Richard
Dreyfuss no se soportaban, lo que redundó en sus respectivas interpretaciones en la
película. La tensión entre Quint y Hooper era más real de lo que pudiera parecer a
simple vista.
Robert Shaw era un tipo con carisma, no siempre fácil de tratar, y su personaje era un
tipo desagradable. Mientras Quint, Hooper y Brody cargan las cosas en el "Orca",
Spielberg pidió a Shaw que intentara molestar en lo posible a Lorraine Gary, que
interpretaba a la mujer de Brody. En una de las tomas a Shaw le vino a la mente un
poemilla, que en inglés reza así:
Here lies the body of Mary Lee;
died at the age of a hundred and three.
For fifteen years she kept her virginity;
not a bad record for this vicinity.
Cuando Spielberg, preocupado por los derechos de autor, le preguntó de dónde lo
había sacado, Shaw le respondió que lo había visto en una lápida en Irlanda. No fue la
única improvisación feliz. Una de las frases más celebradas del film, "We're gonna
need a bigger boat", fue improvisada por Roy Scheider al rodar la escena.
Prácticamente ya es una frase hecha en los EEUU, lo que demuestra el gran impacto
que tuvo la película.
Una de las escenas más famosas de Tiburón fue un mero producto del guión. Ni
efectos especiales ni tiburón por medio. Es el famoso relato de Quint del hundimiento
del USS Indianápolis.
La escena tenía su origen en un pequeño párrafo escrito por Howard Sackler.
Spielberg quería alargar el discurso, con lo que contactó con John Milius para que
añadiera más frases. Milius le envió a Spielberg un montón de páginas de las que se
hizo un resumen. Entonces esa parte del guión fue entregada a Robert Shaw. El actor
era también escritor, y entre su obra se contaban novelas y una obra de teatro. Shaw
reescribió parte del guión, con lo que el fabuloso relato del USS Indianápolis fue el
resultado del trabajo de tres grandes escritores. No es de extrañar que para muchos
ésta sea la escena favorita de Tiburón.
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Según se alargaba el rodaje, el "departamento de defectos especiales" (como lo apodó
Spielberg) quería parar el rodaje para perfeccionar el tiburón y otros efectos, pero los
productores temían que se cancelara todo el proyecto. Con todo el equipo subiéndose
por las paredes, en una cena benéfica de gala Roy Scheider comenzó una guerra de
comida que acabó con los alimentos lanzados por los aires en toda una batalla campal
de comida entre el equipo.
Por suerte a la hora de rodar las escenas finales el tiburón comenzó a funcionar, con lo
que se pudieron completar los ataques del tiburón partiendo el barco en dos y
subiéndose encima, y la escena final donde vuela por los aires. Para la muerte de Quint
se había pensado en un destinos similar al del capitán Ahab de Moby Dick, con Quint
arponeando al gran tiburón y viéndose arrastrado por él a las profundidades del mar,
pereciendo ahogado. A Spielberg no le gustó y lo cambió por el final que todos
conocemos. El tiburón vuela por los aires y mientras se hunde oímos un extraño rugido
que no es sino un rugido de dinosaurio de una vieja película que el director ya había
usado para el final de El diablo sobre ruedas.
Muchas escenas en alta mar fueron filmadas cámara en mano, aunque como afirma el
director de fotografía, la cámara muchas veces se apoyaba en las piernas, brazos u
otras partes del cuerpo. Spielberg se aseguró de intentar rodar siempre a la misma
altura del agua, para dar la sensación al espectador de estar bañándose en aquellas
sangrientas aguas. Por otra parte, antes de comenzar el rodaje se aseguró de que el
director artístico no usara el color rojo en ningún diseño. El único rojo que quería
Spielberg era el de la sangre. Son pequeños detalles, que pueden parecer tontos, los
que pueden llegar al espectador de forma subconsciente.
En otra gran escena, mientras el jefe Brody vigila la playa sentado, Spielberg quería
haberla rodado en una toma continua. Finalmente elaboró la escena desde el punto de
vista de Brody, siguiendo un enfoque de observación-reacción: mientras cuerpos de
bañistas se cruzan por delante de la cámara, el plano va cambiando y vemos lo que ve
Brody para luego ver su reacción. Una ejecución realmente brillante. Cuando el sheriff
finalmente se da cuenta de lo que pasa, Spielberg le dio la vuelta a un innovador truco
de cámara por Hitchcock en Vértigo, avanzando con la cámara mientras se amplía el
plano con el zoom.
Junto con el montaje de la veterana Verna Fields, a quién el director llamaba "madre
montaje", y de quién seguramente aprendió algún que otro truco, es indudable que
gran parte del éxito de la película proviene de su banda sonora.
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El aclamado compositor John Williams, que parece que hace tiempo que duerme en
los laureles, saltó a la fama por su trabajo en ésta película, ganando un merecidísimo
premio de la Academia. Aunque cuando le enseñó al piano por primera vez a Spielberg
lo que había compuesto el director se pensó que bromeaba.
La partitura de Williams tiene dos funciones: acompañar al tiburón , como si en cierta
forma mostrara su estado de ánimo en cada escena, o si se mueve rápido o lento, o si
sube a la superficie o se aleja, y, por otro lado, anunciar al espectador su presencia.
Con esto último se conseguía un efecto doble, ya que si vemos la película pronto
asociamos la presencia de esa inquietante música a la aparición de la criatura, con lo
que cuando ésta emerge sin música previa el susto es aún mayor. La composición de
Williams ha quedado en la imaginería popular asociada al cine de terror, como lo fue
en su día la música de Psicosis.
Y es que si con esa cinta Hitchcock revolucionó en su día el género del terror poniendo
de moda la figura del psycho, con Tiburón Spielberg marcó un antes y un después en
las películas con criaturas terroríficas, siendo copiada hasta la saciedad. Todas las
películas del género que la han seguido son hijas de Tiburón.
La película, estrenada en el verano de 1975, barrió las taquillas de todo el mundo, y se
convirtió en la cinta más taquillera de todos los tiempos hasta la llegada de Star Wars.
Y no sólo eso, es además un film impresionante, magníficamente rodado, y cuyo
reconocimiento tardó en llegar. Igual que le pasara a Hitchcock en su día, el éxito de la
obra de Spielberg entre el público le ha restado credibilidad, pero para mí sus mejores
películas resisten el embate ante casi cualquier clásico que podáis recordar.
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007
La matanza de
Texas (1974)
“La matanza de Texas era pesada,
pegajosa, donde uno casi podía
sentir el sudor, el calor y percibir
el hedor de la muerte, de los
huesos humanos y de animales.
Un clásico que revolucionó el
género de terror para siempre."
Moebius
Como todos habréis leído u oído en centenares de ocasiones, el género
cinematográfico de terror dio un paso de gigante de la mano de (no podía ser de otra
forma) Alfred Hitchcock y la thou-who-cannot-ne-named mítica Psicosis, que renovó el
género desde el suspense que siempre trabajó el director, demostrando además que,
aparte de ser el gran maestro que era, Hitch podía dejar a todos en pañales de nuevo
forzando un poco el paroxismo de la maldad. El guante que dejó el británico no pareció
calar hondo inmediatamente, aunque el género gore no tardó en irrumpir (aunque
fuera en la serie B) de la mano de Herschell Gordon Lewis y su Blood Feast.
No fue hasta la llegada de los 70 que Psicosis tendría retoños que el mundo entero
podría admirar. Y fue un desconocido camarógrafo y profesor universitario llamado
Tobe Hooper quien reintegraría las villanías del psycho Ed Gein que ya inspiraron a
Hitchcock añadiéndoles un toque de realismo noticiario, de ciertos crímenes en
Houston, de mentiras presidenciales y Vietnam. Si Hitchcock puso el metal líquido del
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terror al rojo vivo, Tobe Hooper le acabó de dar forma en forma de sierra mecánica y
maza de matadero, conformando para siempre el subgénero cinematográfico de los
asesinos en serie que predominaría a partir de entonces, y que todavía persiste en
nuestros días, alimentándose de remakes y de glorias pasadas.
Fue en los primeros setenta cuando Hooper y su colega Km Henkel comenzaron a darle
vueltas a una historia retorcida de psicópatas asesinos y unos pobres chavales de
ciudad perdidos en medio de la naturaleza y el horror. Puedo imaginar perfectamente
la sonrisa que debió de dibujarse en el rostro de Hooper cuando, en una época en que
dedicaba sus ratos muertos a pensar en el argumento, se encontró un buen día
rodeado de una gran multitud en unos grandes almacenes y como, pensando en la
forma de escapar de esa masa humana, su mirada se posó sobra la sección de sierras
mecánicas.
Tras una ímproba tarea de encontrar un reparto, un equipo técnico y sobretodo,
financiación, apartado último que llevó a crear dos compañías y un complicado sistema
de participaciones que no satisfizo a los actores, el 15 de julio de 1973 comenzaba el
rodaje en distintas localizaciones de Texas, un mes antes de la fecha que se daba en la
película para los "hechos reales".
La trama definitiva parecía una actualización de la historia de Ed Gein escrita por
Charles Manson. La historia era simple: cuatro jóvenes hijos del Amor acompañados
por el hermano paralítico de una de las chicas se embarcan en un viaje en furgoneta
por la Tejas profunda, acudiendo a un cementerio donde últimamente han habido
diversos saqueos de tumbas. La excursión prosigue hacia la vieja casa del padre de los
dos hermanos, que trabajó cerca del matadero local. En su camino encontrarán, aparte
de a un extraño autoestopista, al terror mismo, que cobrará vida en la forma de uno de
los más populares villanos y psychos de la historia del cine, Leatherface.
En la creación del mítico Leatherface no hay que desdeñar la aportación del tipo que lo
encarnó, Gunnar Hansen, quien aportó ideas para la caracterización del personaje y lo
preparó a conciencia, visitando centros psiquiátricos donde trabajaban con
disminuidos psíquicos y autistas. Su trabajo tuvo su recompensa, y Leatherface se
encuentra hoy a la altura de los Darth Vaders y Harry Powells de este mundo.
En medio del abrasador calor tejano comenzó un rodaje con un presupuesto
limitadísimo (buena prueba de ello es el hecho de que la furgoneta de los jipis
pertenecía al técnico de sonido) que pronto fue sobrepasado así como las dos semanas
iniciales de rodaje que pronto se convirtieron en un mes. Mientras el reparto trataba
de dejar de lado a Paul A. Partain, que interpretaba al impedido Franklin, al igual que
hacían los personajes, éste les respondía con su humor negro. Al final del rodaje quien
realmente acabó en el ostracismo fue Gunnar Hansen, quien tuvo que llevar la misma
máscara y el mismo traje durante todo el caluroso rodaje, por lo que al final el hedor
era insoportable.
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De hecho el rodaje fue casi tan doloroso y agotador como la propia película. Edwin
Neal, que interpretaba al autoestopista y había combatido en Vietnam, ha afirmado
que rodar La matanza de Texas ha sido la experiencia más difícil de su vida. Los actores
aguantaban apenas un minuto dentro de la furgoneta, y un minuto colgada con unos
arneses dolorosos que la sujetaban por la parte de abajo era todo lo que podía
aguantar la actriz Teri McMinn en la escena del gancho. John Dugan, que interpretaba
al abuelo, se sentía tan incómodo bajo el complicado maquillaje que exigió rodar todas
sus escenas seguidas, lo que llevó más de un día entero de duro trabajo.
Seguramente la escena de la cena fue la más agotadora, con los actores repitiendo
escenas rodeados de un montón de comida y una extraña colección de animales
muertos que iban pudriéndose poco a poco en medio del calor matutino de Tejas.
Además para entonces Gunnar ya olía como un estercolero, con lo que el hedor dentro
de la casa (una casa alquilada a una familia que siguió viviendo en ella durante el
rodaje) era insoportable. Aunque quien seguramente sufrió más fue Marilyn Burns,
atada durante horas soportando escobazos, golpes, sangre falsa que se confundía con
la verdadera, y el olor a podrido.
El resultado de todo ese esfuerzo fue una película increíble, en la que la labor del
director artístico Robert A. Burns probablemente fuera tan decisivo como la del mismo
Tobe Hooper, quien montó la película en el salón de su casa. La matanza de Texas era
un film impactante, rompedor, que llegaba incluso a dar asco al público más sensible, a
pesar de que en realidad había muy poca sangre. Es probable que en muchos films de
acción de hoy en día se vea más sangre que en La matanza de Texas. Pero éste era un
film en que la atmósfera era lo realmente horrible, más que la visión de la sangre en sí.
Salvo algunas escenas aisladas, donde destaca la del gancho, es el ambiente el que
realmente construía en nuestra psique todo el horror que podía albergar la casa de la
familia más disfuncional de la historia del cine.
Y es que la atmósfera de La matanza de Texas era pesada, pegajosa, donde uno casi
podía sentir el sudor, el calor y percibir el hedor de la muerte, de los huesos humanos
y de animales. Sólo el interior de la casa ya era horripilante, y era fácil que el
espectador sintiera la agonía de estar atrapado en un lugar así con los personajes. Y
aquella fue desde luego una lección que tuvo muy en cuenta Ridley Scott al rodar otra
obra maestra del horror, algunos años más tarde.
La matanza de Texas abrió una nueva etapa en el cine de terror estableciendo unas
pautas que todavía hoy siguen manteniendo muchas películas del género. La falta de
presupuesto se combatió con talento, imaginación y una historia y puesta en escena
tan perturbadora que todavía hoy continúan surgiendo nuevos fans de la película. En
definitiva, La matanza de Texas tiene todos los ingredientes que hacen de cualquier
film un clásico a reivindicar.
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008
El Exorcista
(1973)
“Para poder hablar de terror
debemos entender lo que William
Friedkin filmó, todo el trasfondo
moral que implica, y el argumento
que toca uno de los temas que
más tememos pero del que nadie
quiere hablar."
Davo Valdés
Nos encontramos ante la muestra de terror cinematográfico mejor logrado y con los
elementos más terroríficos de la historia. La historia de una pequeña niña que es
poseída por "El Diablo" o Pazuzu llevó a generaciones enteras a temer de entrar a su
habitación y encontrar a Regan sentada en la cama. La fama de "El Exorcista" no sólo
se limita a la historia, el film entero, su producción, la mercadotecnia que utilizaron
para promocionarla y todo el aire de misterio y leyendas urbanas que surgieron a su
alrededor fueron elementos que hoy la hacen merecedora del título de mejor película
de horror de todos los tiempos.
William Peter Blatty creó un guión basado en su novela homónima que a su vez está
inspirada en un hecho real en 1949 para que el maestro William Friedkin creara un film
que asustaría a las masas, que su historia cautivaría no sólo al selecto público amante
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del genero sino a cualquier persona que se topará con este film. La historia avanza
lentamente mientras nos presenta a una niña tierna (Interpretada por la malfortunada
Linda Blair) que es víctima de la posesión demoniaca mientras su desesperada madre
(Interpretada por Ellen Burstyn) intenta por todos los medios posibles salvar a su hija.
Esta premisa transporta a los espectadores ante un escenario cotidiano que es
invadido por una fuerza que no entendemos. La iglesia, la medicina, la psicología,
todos estos campos unidos en una última batalla contra "el mal".
El Exorcista además de contar con una mitología que no acabamos de entender en el
film (y que es fallidamente intentado explicar en secuelas y precuelas mediocres
posteriormente), toca temas que en aquella década naciente de los 70 eran
prohibidos. La genialidad del director llevó este film a todo mundo, arreglando lo que
fuera necesario para mostrar un film violento, que podía herir a la sensibilidad de
muchos, que aterraría sin duda alguna y además con vocabulario soez. ¿Cómo evadió
los estándares de censura? Esto es un misterio más.
La atmosfera contenida, el frio, la música (incluido la mítica "Tubullar Bells"), la
fotografía, los efectos especiales, las actuaciones, la realidad con la que esta filmada, el
terror real que creo Friedkin en el estudio y en el set. Todos los elementos unidos
formando un film completo, terrorífico, creíble, verosímil y repleta de momentos
memorables.
Poder encontrar el momento de mayor tensión y terror en el film es tan difícil como
escoger al mejor papel y el mejor personaje. La caída en pique de la madre quién
neurótica por la enfermedad de su hija va decayendo en su personalidad, el Padre
Karras inmerso en sus propios problemas existenciales y la reciente muerte de su
madre, el padre Merrin cansado y veterano (en esto de los exorcismos), enfermo y con
un semblante que anuncia un final tremendo.
Para poder hablar de terror debemos entender lo que William Friedkin filmó, todo el
trasfondo moral que implica, el argumento que toca uno de los temas que más
tememos pero del que nadie quiere hablar. Un estandarte del cine de terror, un
referente del cine actual. Un fenómeno, un hit, un icono pop. Todo esto y más
representa "El Exorcista", el más grande film de terror de la historia.
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009
Halloween
(1978)
“La estructura de calles y casas, la
geometría de Haddonfield es el
universo de Michael Myers, y la
soberbia puesta en escena (crea la
asfixia del suspense y el horror sin
necesidad de recurrir al efectismo
hemoglobínico ni al gesto
grotesco) es la mejor expresión de
los atributos que definen a
Myers."
José A. Peig
Partiendo de la iconografía que popularmente identifica la festividad que da título al
film, John Carpenter elabora un constructo del terror enraizado en un espacio y un
tiempo cíclico; Michael Myers, personaje cuyo ambiguo universo psicológico deriva en
el halo mítico que lo caracteriza - casi sobrenatural, viendo la conclusión del filme - y el
cual constituye la mirada y el punto de vista esencial utilizado para explorar el mito y el
folclore asociados, en este caso, a la localidad de Haddonfield.
El icono por excelencia - la imagen de la calabaza aproximándose desde el extremo de
la pantalla - expresa la mitología popular asociada a lo siniestro y a la industria del
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morbo, perfectamente acompasada con las notas musicales (obra del propio
Carpenter) constituyendo así uno de los créditos de inicio más inquietantes que se han
visto. Situados en Haddonfield ,en la noche de los difuntos, el travelling y el posterior
plano secuencia nos aproxima a la casa de los Myers para describir el juego sexual
entre dos adolescentes, juego vigilado por el movimiento de una cámara subjetiva que
viene a ser la conciencia del pequeño Michael, introduciendo así un motivo esencial en
el relato que sutilmente dibuja el atormentado mundo interior del protagonista: el
sexo y, quizá, la necesidad de afecto (lo cual podría traducirse en el odio misógino).
Un prólogo introspectivo que nos sumerge en la mente del homicida, y en el que juega
un papel esencial el momento en el que Michael coloca la máscara sobre su rostro, y el
sonido de la respiración se acentúa haciendo que la imagen del plano secuencia
adquiera el valor subjetivo que predomina en gran parte de la representación,
previamente al homicidio. Así es como queda sintetizado (en un solo movimiento de
exploración y descripción de las sensaciones y del entorno) una psicología ambigua,
unos motivos, un tiempo y un espacio sobre los que volver para completar el ciclo.
Quince años después, Laurie (Jamie Lee Curtis) es la chica inteligente y austera que
personifica la antítesis respecto a la moda teen y a los primeros flirteos sexuales
expresados en su grupo de amigas, el factor que motiva al homicida, desde la sombras
del interior de un coche o desde la frialdad hierática a la luz del día en los extremos y
ángulos de las calles de Haddonfield. La narración explora el folclore de ese mundo
rural (espacio) en la fecha específica (tiempo), subrayando el mito del “hombre del
saco”, motivo que sigue una progresión desde el ámbito del folclore, hasta la realidad
materializada en la presencia de Michael Myers. De este modo, a la perspectiva del
homicida (omnisciente, la conciencia que planea el crimen como un acto consumado)
se adhiere la perspectiva de sus víctimas, en principio situadas en el contexto
mitológico de una celebración pagana, para posteriormente enfrentarse a la amenaza
real.
A medida que nos adentramos en la noche de Halloween, la fotografía de Dean
Cundey dibuja los claroscuros y las sombras en las calles y los hogares, el escondite
desde el cual el homicida vigila a sus víctimas. La estructura de calles y casas, la
geometría de Haddonfield es el universo de Michael Myers, y la soberbia puesta en
escena (crea la asfixia del suspense y el horror sin necesidad de recurrir al efectismo
hemoglobínico ni al gesto grotesco) es la mejor expresión de los atributos que definen
a Myers.
El doctor Loomis (Donald Pleasence) - personaje insustancial, limitado a articular un
discurso innecesario sobre la maldad demoníaca de Myers - acude en ayuda de Laurie,
la única fémina que ha sido capaz de perturbar los ataques letales del homicida, lo cual
puede interpretarse como el potencial agresivo consecuente de la represión de los
instintos sexuales (y la moralina del subtexto que ello conlleva). Myers sobrevive a los
disparos del doctor Loomis y su perfil adquiere rango sobrenatural.
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En la última secuencia, las imágenes de los interiores y los distintos espacios de
Haddonfield acompañan la respiración del rostro enmascarado de Michael Myers que
se extiende a todos los ámbitos de la geometría de Haddonfield. Myers es el alma de
Haddonfield, un elemento sobrenatural y mítico, inmortal, que cíclicamente retorna al
origen, como hemos visto en sus interminables secuelas.
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010
Re-Animator
(1985)
“En síntesis y con simplicidad; es
una película con dos caras o
dimensiones de significado. La del
horror profundo, y la de la sátira
divertida y frenética."
José A. Peig
El denominado cine “gore” se inspira en historias que remiten a los aspectos macabros
de la existencia humana, tales como la sangre, vísceras, y la carne sometida a todo tipo
de violencia que provoca la vejación del ente humano en su dimensión material, lo cual
puede originar un torbellino de imágenes que afectan a las sensaciones,
específicamente la repugnancia, explotando una temática tan universal como el miedo
a la muerte, pero desde sus manifestaciones puramente morbosas. En consecuencia,
podemos afirmar que el “gore” crea la sensación de horror más primaria de todas, casi
el sufrimiento primordial; el humán prehistórico que ve su carne desgarrada por la
zarpa de la bestia o contempla aterrado cómo las fauces de dicha bestia decapitan al
cuerpo de alguno de sus semejantes.
Stuart Gordon dirigió este magistral ejercicio de cine gore sustentado sobre la
intención de hablar del miedo a la muerte y del deseo de vencerla, esa inmutable
calavera del terror que, en este caso, se expresa mediante una punzante mirada que
aglutina con pericia tonalidades como la sátira, el cinismo, la ironía, el humor macabro
y la sensualidad sadomasoquista.
Pág. 39
A pesar de moverse sobre un terreno “underground”, el cineasta y sus guionistas
demostraron la debida preocupación por narrar una historia, sin caer en el error - tan
habitual en este tipo de cine - de subordinar la significación de la cinta a un mero y
descontrolado show de hemoglobina y vísceras. No. En la película de Stuart Gordon el
comienzo y el final se solapan para articular el discurso en torno a un hilo argumental
básico, representado en el personaje al cual vemos en las primeras secuencias
intentando reanimar el cuerpo de un muerto, seguido de la posterior desazón por la
sensación de impotencia inducida ante el hecho de convivir con la muerte. En la última
secuencia, ese mismo personaje vuelve a enfrentarse con la muerte, nuevo fracaso, en
esta ocasión reforzado por la pérdida de su amada fémina, lo cual motiva la última
acción macabra, el merecido colofón a la sugestiva orgía de lo dantesco. Creo que ya
se ha dicho, merece la pena repetirlo; en el lenguaje cinematográfico, la imagen - o
imágenes - que abre el relato y la imagen que lo cierra juegan un papel fundamental.
Re-Animator es pura y perfecta estructuración y articulación del relato, sin andarse con
innecesarios rodeos; sencillez y precisión.
El otro gran hándicap lo vemos materializado en la figura del científico loco,
caracterizado a modo de un Doctor Frankenstein tosco y cínico, el cual tiene una
excelente contrapartida en su competidor de perfil aguileño y repulsiva expresión
caricaturesca, y a quien veremos sosteniendo su propia cabeza en algunos de los
pasajes más delirantes del filme (en verdad, en esta película, la ciencia y los científicos
están representados con un elocuente sentido satírico, y buenas dosis de mala uva). El
suero milagroso es el que proporciona la metamorfosis y el paso que va desde la
humanidad consciente, o ya muerta, a la del puro autómata, esa mímica gestual que
caracteriza la figura del zombi y que induce una sensación de horror enclavada en el
miedo primordial al que hacíamos referencia al inicio del texto: la repugnancia surgida
a raíz de esos movimientos automatizados, esos gestos de pura locura sin conciencia,
la no-muerte pero que tampoco es vida. Para ser más concisos: el ser humano en un
terreno desconocido, desprovisto de alma, esclavo de los caóticos movimientos
reflejos del sistema nervioso, donde ya nada tiene sentido.
Ése rasgo del zombi es el que remueve unos temores muy hondos, y la película que
hoy nos ocupa explota con ingenio y con apabullante sentido de lo grotesco la
característica zombi que acabamos de describir, y así, sustentado con elementos
perturbadores de gran relevancia en lo que a impacto psicológico se refiere, fluyen las
sensaciones del horror a la vez que caminan sobre tonos de macabra comicidad,
mediante un inteligente uso de la dinámica narrativa y de todos los resortes que
entran dentro de las posibilidades propias del relato cómico-siniestro. En síntesis y con
simplicidad; es una película con dos caras o dimensiones de significado. La del horror
profundo, y la de la sátira divertida y frenética.
En conjunto, una incontestable obra de arte, perfecto ejemplo de que lo kistch y lo
“underground” no están exentos de ser materia a partir de la cual representar
Pág. 40
cinematográficamente ideas o relatos cargados de ingenio y de una mirada penetrante
y provocadora sobre el mismo universo kistch en el que se mueven. A Robert
Rodríguez le vendría bien aprender la lección, si quiere que le consideremos un artista.
Esto, es arte. Su película, es refrito.
Pág. 41
011
Al final de la
escalera (1979)
"Al final de la escalera" es un
filme soberbio que si ha perdido
poder con el tiempo, se debe
sobre todo a la cantidad de obras
que lo han imitado hasta la
saciedad.
Neathara de Filmaffinity.com
Pág. 42
Dice la persona con quien volví a ver esta película hace poco que el género de terror
no existe. No sé qué es lo que entiende él por género de terror pero para mí no hay
dudas. El terror en el cine existe. La cuestión está en saber qué es terror, qué es
intriga, qué es simplemente cine fantástico. Cuando una película te aterroriza y no sólo
eso, sigue persiguiéndote por los largos pasillos del subconsciente una vez se terminan
los títulos de crédito y se instala en tus recuerdos y otorga un poder inquietante a las
esquinas, las bañeras, los pavimentos o las mismísimas escaleras, estamos ante lo más
grande que existe en el género, estamos ante una auténtica película de terror.
"Al final de la escalera" es un filme soberbio que si ha perdido poder con el tiempo, se
debe sobre todo a la cantidad de obras que lo han imitado hasta la saciedad. Cualquier
película de género con casas encantadas bebe de este río o de sus afluentes: lo que
diferencia al original del resto es que está tan bien perpetrada que no importan los
sustos...lo que pesa es la atmósfera, la cámara subjetiva, los efectos de sonido, toda
esa sabia dosificación de ritmo. Actores...una historia elaboradísima,
coherente...alternancia entre momentos de tensión, drama, calma...lo tiene TODO.
El final no me acabó de convencer nunca. Pero se perdona, se perdona.
Imprescindible para ver a oscuras, agarrado/a al brazo de algún matxote y con el
volumen bien alto. Creo que cualquier amante del cine de este género disfrutará al
cien por cien de uno de sus mejores exponentes. Yo todavía tengo la pelotita metida
en el cerebelo...
Pág. 43
012
Drácula (1992)
“Coppola sí supo ofrecer algo
personal y genuino en una
película que poco a poco va
ganando admiradores según va
pasando el tiempo. Sin embargo,
la irregularidad del conjunto y los
mismos excesos acaban jugando
en su contra."
José A. Peig
En 1992, Francis Ford Coppola nos ofreció esta revisitación al mito del conde Drácula, y
en aquella ocasión pudimos decir que, a pesar de que pueda gustar más o menos, el
experimento aportó bastante a un icono ya muy manido y revisitado en anteriores
ocasiones. Éste “Bram Stoker’s Dracula” no es precisamente una creación vulgar,
aunque a principios de los noventa sí cabía pensar que reciclar al conde Dracula era
una ocurrencia poco novedosa.
Desde el punto de vista formal, esta película es un deslumbrante hallazgo de imágenes
sucesivas que recrean entornos e iconos propios del genero clásico de terror, un
ensamblaje de fotogramas organizado de un modo que viene a ser una abrumadora
sinfonía visual repleta de barroquismos, iconos y simbologías pertenecientes a diversos
ámbitos como la religión, la medicina, el sexo, la vida aristocrática, el mismo cine y ,
más concretamente, el cine de terror primigenio, con claras resonancias de Nosferatu,
el hombre lobo, la momia, el exorcista, etc. La música de las imágenes se acompaña
con una penetrante y sobrecogedora banda sonora compuesta por Woiciech Kilar, la
Pág. 44
cual se ajusta perfectamente a cada compás visual y a cada gesto o giro dramático, y al
final, más que un filme narrativo convencional, parece un videoclip que rinde un digno
homenaje a todo ese corpus de iconos y criaturas de leyenda.
El entramado argumental se sustenta sobre unos temas básicos que definen casi toda
la estructura visual y narrativa: el sexo, la locura, la sangre y la rebelión contra el
destino y contra los dioses por un amor perdido y buscado a través de “océanos de
tiempo“. El amor es el impulso que sobrevive y logra vencer a la muerte y dignifica
incluso a la más despreciable de las criaturas, prisionera de su rencor y de las
oscuridades que le rodean, convertida en repugnante bestia de la noche, murciélago,
lobo, monstruo arrugado y decrépito en la soledad de un castillo que se mueve en las
sombras, en los recuerdos de un espacio irreal y onírico: la pesadilla eterna de la “nomuerte”, el precio a pagar por rebelarse contra el creador. Aquí el conde Drácula se
nos representa como un ser profundamente triste y poderoso, un dios de la
animalidad, de todo lo que se aleja de la humanidad. Al otro lado de la línea, Mina,
encarnando la inocencia más bella, lo único que puede redimir a la bestia. Ése es el eje
fundamental: la historia de amor ultraterrena y escatológica, obsesivamente humana y
visceral , una metafísica del amor y del sexo que otorga al filme una extraña belleza
romántica. La esencia del poema visual de Coppola radica en una idea romántica del
mal, la muerte y del amor, y de los más sórdidos y oscuros rincones de la existencia.
Así pues, Coppola sí supo ofrecer algo personal y genuino en una película que poco a
poco va ganando admiradores según va pasando el tiempo. Sin embargo, la
irregularidad del conjunto y los mismos excesos acaban jugando en su contra. Digamos
que algunos de los elementos del diseño y la caricaturización del conde Dracula y del
resto de personajes termina siendo abusiva: Van Helsing es más un cliché que un
personaje funcionalmente válido y el personaje que interpreta Keanu Reeves (al que se
le supone un papel principal) queda al margen y desubicado de la obra, otro cliché
insustancial, y lo mismo cabe decir del resto de personajes secundarios; no están
integrados en el gran drama romántico y siniestro que tiene a Mina y al conde Drácula
como únicos personajes verdaderamente articulados en la gran sinfonía visual. Se
puede decir, en consecuencia, que la película pierde mucho interés cuando Mina y el
Conde desaparecen de la escena, por la palidez del conjunto restante, al cual, además,
poco ayudan las mediocres interpretaciones de un elenco de actores que deja mucho
que desear. En tal caso, sólo la espléndida fotografía y la rica imaginería visual logran
mantener el interés.
Pág. 45
013
Alien, El
octavo
pasajero
(1979)
“La conjunción terror y Ciencia
Ficción, con un diseño y
ambientación futurista junto con
una planificación claustrofóbica,
hacen de la película todo un
espectáculo de tensión."
Xalons
El estreno de este filme supuso todo un éxito comercial y un fuerte empujón para la
carrera de su director, Ridley Scott confirmada con su siguiente película: Blade Runner
aunque desde esas dos obras no ha vuelto a rodar nada con tal nivel de maestría.
Recuerdo cuando la ponían en un cine de mi ciudad y me da mucha rabia no haber
podido ir a verla en pantalla grande. Luego, ya en el salón de mi casa, pude comprobar
la gran película que me había perdido. Ahora la he podido comprar en un DVD con
multitud de extras y junto con la primera de las secuelas.
Una nave de transporte espacial acude a una llamada de socorro en un planeta
extraño y allí uno de sus tripulantes es atacado e infectado por un ser desconocido. El
Pág. 46
alienígena se hará fuerte en el interior de la nave e irá acabando con cada uno de los
tripulantes en un combate por la supervivencia.
La conjunción terror y ciencia ficción, con un diseño y ambientación futurista junto con
una planificación claustrofóbica, hacen de la película todo un espectáculo de tensión y
obligan a seguir su visionado con interés por ir descubriendo desde la forma del
alienígena hasta la manera de los tripulantes para acabar con él. Toda la película
transcurre en su mayor parte en el interior de la nave espacial que se convierte en un
laberinto dónde el alien se esconde. Su amenaza mortal y desconocida es lo que le da
el novedoso giro terrorífico a lo que comienza siendo un film de ciencia ficción.
El éxito de Alien, llevaría inevitablemente al rodaje de tres secuelas de las que la
primera, Aliens, no desmerece para nada la calidad de su predecesora.
Pág. 47
014
A L’Interieur
(2007)
“Un soplo de aire fresco que
recupera el horror de hondo
calado en toda su plenitud."
Andrés Pons
En ocasiones se olvida lo que verdaderamente es sentir terror en estado puro,
estrenos de ese género inundan la cartelera con títulos del todo prescindibles que
aunque entretenidos no arriesgan en sus cómodos planteamientos. La criatura
perfecta o 30 días de oscuridad son algunos ejemplos recientes de lo que me refiero,
filmes bien realizados pero a años luz de lo que creo que debe dar el género en su
máxima plenitud.
Al parecer una nueva ola desde nuestros vecinos franceses pega con fuerza con menos
medios aunque con propuestas más atrevidas buscando una brutalidad mayor en cada
una de sus escenas.
Haute Tension, Frontieres, Calvaire, ellos son ejemplos claro de la nueva tendencia que
todo fan agradece.
Una pareja de debutantes que dentro de poco se encargaran del remake del clásico
Hellraiser que veremos lo que da de sí. De momento nos recuerdan lo que es el puro
Pág. 48
horror sin concesiones ni parafernalias dejando en ropas menores el consumo fácil que
nos suele llegar de estados unidos.
Una orgía de violencia explicita que revuelve las tripas del incluso aficionado más
radical, lo dice un tipo que se trago la saga enterita de Ginea Pig, esto no es para
aficionados de Saw o niñatos gritones. Aquí se nos presenta una carnicería de principio
a fin con personajes bien perfilados, atmósfera asfixiante y dos actrices maravillosas
con la experimentada Béatrice Dalle vista en Oculto en la memoria y Al límite, entre
otras y la más joven Alysson Paradis que este año estrena la comedia Fracassés. Un
soplo de aire fresco que recupera el horror de hondo calado en toda su plenitud.
Pág. 49
015
Saw (2004)
“Película de bajo costo y con un
director debutante -James Wan,
recién salido de una escuela de
cine australiana que también
colaboró en la historia- que nos
brinda esperanzas para un
género, que cada vez hace un
mejor esfuerzo para ser lo que
era."
JLo
Este original thriller, mezcla en partes iguales de terror con el ahora más famoso
thriller psicológico, es una grata sorpresa en el género.
No por su idea, que nos remite inmediatamente en sus primeros minutos a Seven sino
a su construcción, lleno de todos los clichés conocidos pero esta vez utilizados en unas
dosis muy provechosas.
A diferencia del film citado, lo hace con actores ignotos o eternos secundarios: solo el
rostro de Cary Elwes es apenas reconocido (papelitos en Twister, Robin Hood, La
sombra del vampiro, Mentiroso, mentiroso, etc.) siendo el mejor actor por lejos del
film. Danny Glover aparece como la única excepción -e innecesaria- de la galería de
famosos.
Pág. 50
Con casi un único escenario, un baño subterráneo en donde se encuentran prisioneros
los dos protagonistas y que son víctimas de un juego macabro y de difícil resolución.
Estos primeros momentos, opresivos y cargados de flashbacks gores, son los que
definen toda la tonalidad oscura del film con un ritmo que no decae casi
milagrosamente.
El uso de una cámara nerviosa en algunos pasajes pareciera atentar contra la
narración, pero luego se la utiliza como un recurso para hacer más fluido algunos
pasajes y no como una vacua modernidad, ganando también en agilidad.
Los aciertos del guión -del también coprotagonista Leight Whannell- la hacen sólida,
sin baches ni cabos sueltos, para nada obvia y que con la llegada de las famosas
"vueltas de tuerca" no le hacen perder la línea y coherencia obtenidas en todo el
metraje.
El juego del miedo -el original en inglés es Saw: "sierra" (¡originales son acá en
Argentina en poner nombres!)- es una película de bajo costo y con un director
debutante -James Wan, recién salido de una escuela de cine australiana que también
colaboró en la historia- que nos brinda esperanzas para un género, que cada vez hace
un mejor esfuerzo para ser lo que era.
Pág. 51
016
Hard Candy
(2006)
“David Slade ha compuesto uno
de los mejores thrillers de todos
los tiempos, capaz de provocar
taquicardias a personas sensibles
o con problemas de corazón"
Javier Moreno
¡Que complicado hablar de Hard Candy!, tras ver el filme, desconozco si el titulo en
inglés es una sutil ironía sobre lo que nos espera en los próximos 100 minutos de
metraje, porque Hard Candy es un caramelo muy dificil de digerir, muy dificil y
angustioso.
La pederastia es un tema muy complicado de tratar en el cine, muy complicado porque
el simple acto ya resulta espeluznante de pensar.
El filme comienza con una conversación en un chat entre Hayley, una adolescente de
14 años y Jeff, un hombre de 32 que esconde un oscuro secreto. Una conversación
cargada de una tremenda química sexual que jamás tuvieron que haber doblado como
bien indica mi buena amiga cinéfila Alazne. Deciden quedar y desde el primer
momento se establecen unos roles, Jeff es un lobo, un depredador sexual, un
pederasta en potencia, y Hayley una inocente niña, una especie de caperucita roja que
va a la boca del lobo. Jeff la engatusa y se la lleva a su casa, Hayley se deja hacer, e
incluso comienza a prepararse unos cocteles de alcohol para allanarle el camino al
Pág. 52
león. Lo que desconoce el león, es que bajo el pequeño cordero se esconde un
autentico lobo feroz. Hayley droga a Jeff, y en un giro argumental tenso, los roles se
intercambian, el pederasta es la víctima, y ella es la verdugo que busca venganza.
Y es aquí donde comienza el verdadero filme. Un tenso thriller psicológico, que sin
sangre, sin sexo, sin efectos visuales, solo con la interpretación de los dos actores,
convierten a Hard Candy en una película perversa, agobiante, incomoda y de dificil
digestión. Estamos hablando probablemente de una de las películas más malsanas
llegado de Hollywood. El juego que la joven Ellen Page somete al pederasta es
angustioso, como dice Alazne de nuevo, en la línea del cine de Haneke, imposible
mantenerse quieto cinco minutos en la butaca.
Lo que más destaca de la película, además de un sólido guion sin fisuras y de esa hora
de ambiente bucólicamente inquietante, es sin lugar a dudas la actriz protagonista:
Ellen Page. Su interpretación como dulce niña convertida en toda una psicópata no es
grandiosa, ES ANTOLOGICA. Ella sola es capaz de hacerse el filme, ella sola en cada uno
de los planos eclipsa el resto del metraje, se come literalmente al actor, mezclando
malevolencia y un humor macabro que provoca risas nerviosas en el cine. Ellen Page es
la película, ella es Hard Candy, en un debut inmejorable, la actriz presenta sus cartas
para estar llamada a convertirse en una de las grandes del cine, y sólo tiene 19 años, es
el mejor debut que servidor ha visto en años en una película.
No quiero seguir destripándola, el final es sencillamente espeluznante. David Slade ha
compuesto uno de los mejores thrillers de todos los tiempos, capaz de provocar
taquicardias a personas sensibles o con problemas de corazón. Abstenerse remilgados,
Hard Candy no es un caramelo dulce sino envenenado, que te come las entrañas
hasta tal punto que a mitad de película no sabes dónde meterte en el cine. Una
autentica joya.
Pág. 53
017
La Niebla
(2007)
“Un más que necesario soplo de
aire fresco en un mercado
sobresaturado de psicópatas
sanguinolentos y cansinos niños
fantasmas con los ojos rasgados. "
Cecil B.Demente
Shakespeare viene a ser para Kenneth Brenga lo mismo que Stephen King para Frank
Doraban, ya que con éste son tres los relatos del rey del terror que Doraban ha
adaptado para la gran pantalla (Cadena perpetua y La milla verde son los anteriores).
A la tercera va la vencida, según dicen, y el director nos regala el que puede ser su
mejor trabajo (al menos para mi humilde y demente opinión), sin embargo la cosa no
sale redonda del todo. The Mis es una apuesta fuerte y a contracorriente, pero no
exenta de ciertos maniqueísmos fatigosos que ya sobresalían en sus anteriores
trabajos.
La película transcurre en un supermercado de pueblo que se convierte en el último
bastión de una pequeña localidad americana, donde sus habitantes deben enfrentarse
al horror inimaginable que trae consigo un frente de niebla y... hasta aquí puedo leer.
Hay que ser muy prudente al hablar de esta cinta para no desvelar todos sus secretos,
ya que la historia cobra más fuerza cuanto menos se sabe de ella, por eso, y para no
Pág. 54
ser un aguafiestas, un cenizo y un revienta pelis, dejaremos esta ambigua sinopsis tal
como está (espero que valoren el esfuerzo, ¡con lo que me encanta a mí despotricar y
spoiler a diestro y siniestro!).
Aunque tal vez no sea su faceta más conocida, la relación de Doraban con el cine de
terror viene de muy atrás, de cuando escribía guiones de películas tan alevosas como
Pesadilla en Elm Street 3, El terror no tiene forma o La mosca 2. De antaño también le
viene su fascinación por Stephen King, aunque esta es la primera vez que combina
ambas debilidades en un solo filme, y lo hace con auténtico pedigrí de serie B (la
clásica, no la mierda que nos hacen tragar ahora). Ya desde la primera escena el
director pone las cartas sobre la mesa y nos cuela un guiño a La cosa de Carpenter, a
partir de ahí los referentes se hacen evidentes: la si/fi de los 50, la cosmogonía
lovecraftiana, la serie B más verdulera y, porque no, El señor de las moscas. Como ven,
nada nuevo, nada que no se haya hecho antes, pero que hacía tanto, tanto, que no se
hacía bien, que uno no puede más que recibir esta propuesta como agua de mayo. The
Mist es un más que necesario soplo de aire fresco en un mercado sobresaturado de
psicópatas sanguinolentos y cansinos niños fantasmas con los ojos rasgados.
La lograda atmósfera (que puede recordar a la de ciertas producciones ochenteras), el
buen uso del tempo narrativo, un enfoque adecuado de lo fantástico, la acertada y
progresiva gestión del suspense y el solvente trabajo de los actores, nos demuestran lo
curtido que está Darabont en esto de hacer películas, sabiendo en todo momento
cuando ser sugerente y cuando explícito, cuando sutil y cuando muy, muy gráfico, e
incluso rozando a veces el gore. Es este justo equilibrio el que mantiene en vilo al
espectador, que queda atrapado por la sensación de desazón y de amenaza constante.
El factor humano también es muy importante, teniendo especial relevancia la típica
fanática religiosa que sale en todas las novelas de Stephen King y que aquí interpreta
de forma magistral Marcia Gay Harden (actriz que da más canguelo que cualquier
monstruito digital).
Sobre el polémico final mucho se ha escrito ya y no es para menos, porque la cosa trae
cola. Como desenlace cuela perfectamente y es cien por cien verosímil dentro de la
trama (nada que ver con uno de esos giros argumentales forzados y estúpidos propios
de la filmografía de Ashley Judd), aunque su valor dramático es cuanto menos
cuestionable, ya que le otorga a la obra una innecesaria profundidad. Aún así se
desmarca de lo que nos tiene acostumbrados la siempre complaciente maquinaria
hollywoodiense y eso se agradece.
The Mist es, en definitiva, una película de género muy bien hecha, llena de momentos
Pág. 55
espectaculares y de mucha tensión, y que juega hábilmente con el espectador. Un
cinta de puro entretenimiento terrorífico a la antigua usanza, que quizás me hubiera
pasado desapercibida sino llega a ser por el sabio consejo del Sr Pons.
La frase: “El día que necesite una amiga como usted, me pondré de cuclillas y defecaré
una.”
Pág. 56
018
Las Colinas
tienen Ojos
(2006)
"Emociones fuertes, sobresaltos,
(mucho) gore (pero mucho,
mucho) y, sobre todo en el tramo
final, una dirección rabiosa que
siempre va a más y que no decae
ni un solo segundo."
Kiko de España
Ovación (más de una) en la sala para la nueva salvajada del francés que va a salvar el
género. Con "Alta tensión" solo estaba calentando, quién lo iba a decir, ¿verdad? Aja
ha ganado en narrativa, consiguiendo una hora de metraje en la que se carga la
tensión con una atmósfera inhumana logrando meter al espectador de lleno en la
trama para una segunda parte b-r-u-t-a-l en la que, literal, no queda títere con cabeza.
Algo (maravilloso) está pasando en el género, sobre todo con los remakes. En los
últimos años hemos visto un lavado de cara más que correcto de moradas del miedo,
notables matanzas texanas y sobresalientes resurrecciones de muertos. Las colinas
tienen ojos 2006 entra en esta última categoría. Un prólogo abrumador que parece
tener lugar en un planeta rojizo y unos créditos que dan miedo dan el pistoletazo de
salida de una peli que se disfruta in crescendo y en la que Mr. Nicotero deja su firma
cada cinco minutos.
Pág. 57
Emociones fuertes, sobresaltos, (mucho) gore (pero mucho mucho) y, sobre todo en
el tramo final, una dirección rabiosa que siempre va a más y que no decae ni un solo
segundo. Mención aparte para la prodigiosa banda sonora de Tomandandy y la árida
fotografía de Maxime Alexandre. Curioso nombre, sirve para definir el film, "Máximo
Alexandre". Un 9.
Pág. 58
019
The Children
(2009)
“The Children es una de esas
pocas películas de terror que te
mantienen
en
tensión
prácticamente todo el tiempo.
Inquieta y perturba."
Raúl Neovallense
Ya llegamos a la novena película, y para mí la segunda mejor de la VII Muestra Syfy.
Un feliz matrimonio junto con su hijo pequeño e hijas, una de ellas adolescente, visitan
al hermano del primero que vive con su pareja y sus retoños; la intención es celebrar
como unas segundas navidades, pero ni al hijo pequeño (que parece autista y encima
está enfermo) ni a la chica adolescente les hace mucha gracia. De repente todo se
tambalea por culpa de un terrible accidente en el que se ven involucrados los niños y
un adulto. Pero, ¿es realmente un accidente?
Por lo que dicen The Children es similar a la cinta española de culto de Narciso Ibáñez
Serrador ¿Quién puede matar un niño?, pero a lo bruto, o sea, mucho más explícita.
No puedo decir qué tal está el film hispano, pero lo que sí puedo aseverar es la
capacidad de canguelo que tiene esta obra de Tom Shankland (Waz), y es que he visto
pocos films tan inquietantes y perturbadores como éste.
Pág. 59
Al principio todo comienza como podría empezar cualquier telefilm barato que suelen
emitir en la sobremesa de los sábados y domingos los canales privados: visita de
parientes, chica adolescente que está enfadada porque no podrá ir a una fiesta, sus
padres que les dice que se aguante. Pero poco a poco vemos que los niños están un
poco raros, que suceden pequeños detalles sin importancia pero extraños, hasta que
estalla la situación con el mencionado accidente, y a partir de ahí sólo tenemos a un
personaje que es el único que está dispuesto a tomar medidas cuando se ve atacado,
mientras que los otros son incapaces de ver lo evidente, hasta que realmente no
tienen otro remedio que actuar.
Se dice que rodar con niños y con animales (¿hay alguna diferencia?) suele ser muy
difícil, así que Shankland no tuvo que pasarlo muy bien realizando The Children, y aún
más si tenemos en cuenta que no es una comedia familiar precisamente; pero viendo
el resultado final, y el magnífico trabajo del reparto, especialmente de los niños, sin
duda el esfuerzo ha valido la pena. Una película harto recomendable para los amantes
del cine de terror.
No hay muchas "luces" acerca del pasado de la pequeña, me atrevería a decir
libremente que podría ser la huérfana de Drácula que quedo deambulando por los
tiempos y que escondida decide salir frente a un ser muy parecido accesible pero que
es mortal. Palidece y por mucho la saga de cine Crepúsculo basada en las novelas de
Stephenie Meyer orientada a una platea más adolescente, al lado de la obra. Eli es
un vampiro que es capaz de violencia desatada pero no es sólo su cuerpo que no ha
crecido. Conmovedora, tierna y por momentos muy terrorífica es la historia, que a no
ser por algunos ajustes en algunos personajes, hubiese sido perfecta. La soledad y el
enamoramiento son la base de la cinta.
Es imposible que no venga a la mente la obra de Anne Rice (Entrevista con el vampiro/
Reina de los Condenados). Acá se rescata bien el bestseller y atmósfera del autor
sueco John Ajvide Lindqvist por parte del director de la cinta el sueco Tomas Alfredson
( "Four Shades of Brown") . Una recomendable cinta que ofrece muchas sorpresas
derivadas de su impredecible guión y gran manejo de la atmósfera que deja la sangre
helada.
Pág. 60
020
REC (2007)
“Una de las películas más
terroríficas de los últimos años,
con una tensión que va en
aumento, con los momentos
cumbre bien dosificados y con un
clímax final impresionante."
Jeremy Fox
Finalmente estas navidades he podido ver uno de los grandes éxitos del cine español
en 2007. No es que no me fiase del gusto del público, que no me fío ni un pelo, pero la
película ha supuesto para mí una de las grandes sorpresas del año pasado.
[REC]nos cuenta la historia de una reportera y un cámara de televisión que, para
realizar un reportaje, pasa una noche en una estación de bomberos. Todo parece
transcurrir con normalidad, incluso de forma algo aburrida, cuando una llamada de
socorro convertirá esa noche en la más terrorífica de sus vidas.
Sin desvelar nada sobre las causas de dicho terror diré que la idea de fondo me parece
buena y tiene las suficientes dosis de originalidad para resultar sorprendente. La cinta
está rodada desde el punto de vista de la cámara del equipo de televisión. Pese a ello,
la acción no resulta confusa ni siquiera en los momentos de mayor agitación dónde,
pese a que las imágenes puedan ser borrosas o estar movidas, sabemos siempre lo que
Pág. 61
está pasando y todo tiene un sentido narrativo.
A la mayoría de los espectadores les pasará inadvertida la labor de los actores y eso es
debido a que están tan bien en sus respectivos papeles que nos llegamos a creer que
son reales. Mención especial para Manuela Velasco, que lleva el peso de la película y
que clava su personaje de periodista de programa televisivo tipo “España directo”.
Como todo buen aficionado al cine de terror sabe, lo más difícil no es asustar al
espectador sino crear una atmósfera tan malsana como la de esta película, que
transmite un mal rollo al espectador difícil de igualar. Pese a ello, en “[Rec]” hay
algunos de los mejores sustos vistos en un cine en mucho tiempo y sin necesidad de
subidones de volumen en la banda sonora, recurso facilón imposible aquí por la
ausencia de la misma.
Todo lo anterior en aras de lograr una de las películas más terroríficas de los últimos
años, con una tensión que va en aumento, con los momentos cumbre bien dosificados
y con un clímax final impresionante. La verdad es que pasé tanto miedo que me alegré
de estar en un cine con más gente y no estar viendo la película yo sólo en casa.
Un ejemplo de cómo aprovechar al máximo el espacio físico y los medios disponibles
para hacer una película no especialmente cara de la que el cine español debería sacar
muchas conclusiones y no sólo la evidente de lo bien que funciona el género de terror
en la actualidad.
En definitiva, la película de Jaume Balagueró y Paco Plaza es en mi opinión, la
propuesta más interesante del cine español de 2007. Valoración final: 8,5 sobre 10.
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021
The Descent
(2005)
“Lo que en un principio parece un
relato de aventuras que recuerda
al
Deliverance
en
versión
femenina, se convierte en una de
las experiencias más aterradoras
del cine en los últimos años
gracias al talento de un director a
seguir."
Andrés Pons
Siempre que me preguntan; ¿Qué filme de terror disfrutaste más en el cine? No lo
pienso, la palabra THE DESCENT viene vertiginosamente a mi mente. NEIL MARSHALL
ya tuvo un estreno interesante en la muy potable DOG SOLDIERS que mezclaba acción,
humor, GORE con buenos resultados.
En este su segundo filme ni una gota de comedia guiándonos a un terror puro y sin
concesiones al espectador, con un guión que por una vez deja los tópicos de lado para
centrarse en personajes bien construidos.
Un gran punto a su favor es el esplendido trabajo de su reparto femenino encabezado
por SHAUNA MCDONALD de la serie SPOOKS y NATALIE MENDOZA que proviene
también de la televisión donde destaca en el culebron HOTEL BABYLON.
Pág. 63
Los interiores de las cavernas son realmente escalofriantes ayudados por la fría
fotografía, la música es efectiva para destrozar los nervios en ese carrusel sangriento
donde el deterioro de las relaciones humanas es más importante que los monstruos
caníbales con un parecido al GOLLUM del señor de los anillos.
Lo que en un principio parece un relato de aventuras que recuerda al DELIVERANCE en
versión femenina se convierte en una de las experiencias más aterradoras del cine en
los últimos años gracias al talento de un director a seguir en su próximo estreno
DOOMSDAY.
Ese mismo año se estreno la caverna maldita de casi mismo tema pero mucho peor
desarrollo.
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022
Wolf Creek
(2007)
“Por si acaso andas perdido entre
la nueva ola de "slashers" que
inunda las pantallas y no sabes
por cuál decidirte, la magnífica
cinta del australiano Greg Mclean
es de lo mejorcito que se ha
hecho por el subgénero en mucho
tiempo.
Paco Plissken
No sé qué es más absurdo, si estrenar Wolf Creek dos años después de su estreno o
hablar de ella cuando cualquier buen aficionado al género la debe haber visto ya,
gracias a las nuevas tecnologías. Pero por si acaso andas perdido entre la nueva ola de
"slashers" que inunda las pantallas y no sabes por cuál decidirte, la magnífica cinta del
australiano Greg Mclean es de lo mejorcito que se ha hecho por el subgénero en
mucho tiempo.
El punto de partida, sin embargo, no sorprende en absoluto: Kristy y Liz son dos
jóvenes turistas inglesas en Australia que, acompañadas del lugareño Ben, viajan hasta
Wolf Creek, un enorme cráter situado en el medio de ese desierto que es el 90% del
país australiano. Lo que prometía ser un plácido viaje entre paisajes dignos del
National Geographic deviene en una dramática lucha por la supervivencia, sin nadie
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que pueda ayudar a los aprendices de exploradores. Porque están solos en el desierto,
¿o no?
El gran mérito de McLean en Wolf Creek es construir una tremenda tensión alrededor
de los protagonistas, utilizando los poquitos (pero potentes) medios de que dispone, a
saber: unos protagonistas por encima de la media en cuanto a carisma e intensidad
(mención especial a una conmovedora Cassandra Magrath); la imponente enormidad
del desierto australiano, que desde el principio se nos presenta como un lugar tan
bello como poco idóneo para escapar de quien quiere acabar contigo; y sobre todo, la
eficacia y coherencia del guión, que juega la baza del realismo de forma mucho más
solvente que cosas como Hostel o derivados. Y de paso, juega con el espectador
"veterano" cambiando sutilmente los roles y los comportamientos de protagonistas y
secundarios. Todo con un ritmo lento, pero que cala hondo y hace que te preocupes,
de verdad, por el destino de los sufridos excursionistas. Greg Mclean filma con la
precisión y la paciencia de un experto, y es su primer largo. Chapeau por él.
Otro de sus puntos distintivos es el mimo que se ha puesto en la factura técnica y en la
ambientación, tanto a través de la imagen (cortesía del desconocido Will Gibson) como
del sonido y, especialmente, una música que acompaña perfectamente los cambios en
el guión (a cargo del más desconocido aún Frank Tetaz). Los decorados naturales
acompañan, y están perfectamente ambientados para dar como resultado esa mezcla
de paraje desolado y maravillosa trampa para incautos.
Por ponerle algún pero a la magnífica ópera prima de Mclean, un par de momentos
están resueltos al viejo e insensato estilo de los "mataadolescentes" americanos, lo
que le quita algo de seriedad a la propuesta; y la coletilla del "basado en hechos
reales", pues bueno, supongo que atraerá a alguien más, pero yo creo que no es
necesaria. Wolf Creek es ficción, pero como experiencia en cine de terror es de lo más
real que puedes encontrar.
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023
Viernes 13
(1980)
“El principio de una saga asociada
a una época, y del slasher, que
aquí
empezó
a
cobrar
protagonismo, pese a haber
nacido años atrás, con Navidades
Negras y La Noche de Halloween.
Mario Parra Barba
Ante semejante título, uno sólo puede pensar en el mítico asesino de la máscara de
portero de hockey, o en cierto dúo cómico español. Y ni una ni otra. La primera
película de la longeva saga (hasta el momento se han realizado 9 secuelas, un
crossover con Freddy Krueger y un penoso remake made in Michael Bay) supone el
inicio de una era. El comienzo de los maravillosos años 80 y de una nueva forma de
hacer cine de terror, alejado de sutilezas y fueras de campo.
El principio de una saga asociada a una época, y del slasher, que aquí empezó a cobrar
protagonismo, pese a haber nacido años atrás, con Navidades Negras y La Noche de
Halloween. Y aunque el asesino aquí no sea el del resto de secuelas (no delataré nada
por si hay algún despistado o alguien que ha despertado recientemente de un coma),
este filme constituye el nacimiento de un icono pop del género (el asesino Jason
Voorhees).
El argumento, simplón como pocos, es conocido por cualquiera, incluso aunque no
haya visto ninguna película de la franquicia: un grupo de jóvenes se dispone a reabrir
Pág. 67
un campamento, cerrado años atrás después del asesinato de una pareja. Todo parece
girar en torno a la historia de un niño deforme y retrasado, que falleció ahogado en
susodicho lugar, mientras los monitores que deberían estar vigilando, jugaban a los
médicos. Y es aquí donde entra en juego el esquema del slasher: presentación de los
muchachos a degollar, caza por parte del asesino de turno y enfrentamiento con la
final girl, una vez que conocemos la identidad del villano del cuento.
Está claro que todo es sencillo, pero la obra tuvo un tremendo éxito, que generó todo
tipo de merchandising, desde juguetes hasta videojuegos. También dio como resultado
miles de copias durante la década, con ligeras variantes, pero dando a conocer el
argumento del asesino de adolescentes cachondos, y poniendo de manifiesto que los
campamentos son lugares perfectos para ambientar un largometraje de estas
características.
La realización es bastante plana, los diálogos son sosos y los personajes, inexistentes.
Pero a su favor, cuenta con unas ingeniosas y sangrientas muertes no vistas hasta el
momento (mítica la flecha que atraviesa el cuello de un joven Kevin Bacon, tumbado
en la cama), una oscura ambientación, una música atrayente (a pesar de copiar la pieza
de La Noche de Halloween), y un final que ha pasado a la Historia del género.
Su director, Sean S. Cunningham, sólo ha vuelto a dirigir un par de veces más, aunque
fue productor de otras entregas de la saga y de la ópera prima de Wes Craven: La
Última Casa a la Izquierda.
Vale, no es la peli de horror del Siglo, pero es entretenida (aunque superada por otras
secuelas) y siempre viene bien conocerla, para aprender su legado. Por cierto, que
viernes 13, en los USA, es el día de la mala suerte. Por si acaso.
Pág. 68
024
La mosca
(1986)
“Una de esas películas que
unifican opiniones, indispensable"
Hugo Delgado
El científico, Jeff Bundle ha inventado un aparato capaz de teletransportar todo tipo de
objetos gracias a un sistema de desintegración y recuperación de moléculas. Sin
embargo, le falta por hacer un último experimento: si puede funcionar con seres
humanos. Decide hacer él mismo la prueba...
Está claro que cualquier cosa que se pueda decir hoy en día del film La mosca (1986;
Cronenberg) no sorprenderá a nadie, ya que se trata de uno de los mejores clásicos
modernos. Aun así considero que el presente comentario servirá, al menos, a aquellos
que estén introduciéndose en el género y se estén haciendo la típica pregunta "¿que
película me recomendáis?".
Pues bien, La mosca proviene del film de mismo nombre La mosca (1958; Kurt
Neumann) y, aunque el film de Cronenberg es prácticamente un remake, hay que decir
que tiene muchísima materia de cosecha propia, prácticamente, Cronenberg, utilizó la
idea original para transformarla en una obra oscura, terrorífica y, para muchos, el
techo de toda su filmografía.
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Lo más impactante del film son sus efectos especiales, muy avanzados para ser de
finales de los 80, en los que Cronenberg utiliza automatismos para dar vida a las
"mutaciones". Simplemente es impresionante ver el resultado final de la mutación,
capaz de competir con los bichos de La cosa (1982; John Carpenter), que ya es decir.
Además, Cronenberg gastó dinero en una serie de mutaciones que no aparecen en la
película debido a que no quedó satisfecho con el resultado, como, por ejemplo, un
simio-gato, al que corresponde la primera imagen de este comentario.
El desarrollo del film contiene un ritmo medio, ni rápido ni lento. La forma dramática
que Cronenberg utiliza en casi todos sus films, y que suele ser la peor parte de sus
películas, es compensada con los asombrosos avances que Seth Brundle (Jeff
Goldblum) realiza en el campo de la teletransportación. Ahora bien, si hubiera una
parte de película que podríamos obviar es aquella en la que nos presentan la vida
personal de la periodista, casi no sirve toda esa información, aunque al final resulta
hasta necesario para terminar de hilar la trama. Por lo tanto, Cronenberg, consigue
una historia muy sólida y sin lagunas argumentales, aunque a veces tienda, para mi
gusto, a la sobre-explicación de situaciones y personajes.
Por otro lado están los personajes, que han sido minuciosamente definidos y poseen
gran carácter y personalidad. Solo las motivaciones de Veronica Quaife (Geena Davis)
quedan en el aire durante un tramo del film en el que no sabemos si busca éxito o
realmente profesa amor por Brundle.
Como si de la versión oscura de Spiderman se tratara, poco a poco se nos muestran los
efectos de la mutación en el cuerpo de Brundle. Agilidad, no cansancio, apetito sexual,
todo se impone al máximo nivel, mientras que por dentro el cuerpo va degenerando
como si de un cáncer se tratara. He aquí la otra perspectiva de la película.
Mientras se van notando los cambios, Cronenberg utiliza el film para mostrarnos los
peligros de la investigación científica y, más claramente, aquellos aspectos que juegan
con la transmutación genética. Todo envuelto en una fotografía algo pálida pero
técnicamente buena y una dirección más que correcta.
La mosca no tiene casi ningún punto en contra. Es una de esas películas que no
encuentran grandes detractores y que supone un aliento a todos aquellos que
apuestan por los remakes, pero nada tienen que ver los remakes de los 80 con los que
se hacen en la actualidad, os cuales solo piensan en el dinero que van a recaudar.
Gran apuesta de Cronenberg que tras el éxito de La mosca realizó el film Inseparables,
completando así su época más prolifera con películas como Cromosoma 3 (1979),
Scanners (1980), La zona muerta (1983), La mosca (1986) e Inseparables (1988), una de
sus obras más personales.
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025
Triangle (2010)
“La trama se dispara a los pocos
minutos. Argumento trepidante
que sabe perfectamente hacia
dónde se dirige, aunque parezca
zozobrar. Las vueltas de sentido,
los cambios de ritmo, atizan
maravillosamente a la cara del
espectador. ¡Prodigiosa! "
Francesc Canals Naylor
Es curioso como lo que a nosotros puede parecernos una obra maestra, a otros puede
aburrirles. He recomendado esta película a algunas personas (no muchas) que, según
creí, la valorarían, pero su respuesta podía variar desde: "No tiene ningún sentido"
hasta "se hace larguísima".
No me lo explico. Concederé una tregua entre las partes beligerantes confesando que,
de acuerdo, es posible que para ver esta película haya que tener tiempo, ganas de ver
buen cine y... sí, ¿por qué no decirlo? Gusto por el cine de gran calidad.
Dicho lo cual, ¡no hago más concesiones! Sostengo que estamos ante una de las
producciones más redondas de los últimos años. Incluso de las últimas décadas.
Redonda en muchos sentidos. Sobre todo, redonda en el sentido de bien trabada
argumentalmente. Redonda en el sentido de virtuosa, complicadísima en su
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perfección, ramificada, enorme como una sinfonía, infinita como un conjunto de
Mandelbrot (díganme pedante). Una filigrana para gozarla.
Compuesta a base de ciclos temporales en donde el presente, el pasado y el futuro
interaccionan sin parar. Es compleja pero uno no se pierde. Cristopher Smith, su
director, se encarga de que acabemos entendiéndolo todo. De que, a cada rato nos
sintamos cómplices, descubridores de cada tesoro conceptual del film. Cada palabra,
cada frase de los personajes, tiene un motivo, un lugar unívoco y lógico. Si un gesto o
un monosílabo no encuentra su lógica en ese instante, la hallará minutos más tarde,
cerrando un ciclo, o dos, o una fase entera de la obra.
A la par, esta rueda perfecta deja al aire numerosos huecos cognitivos. Arroja
preguntas al intelecto, chispas fugaces que son difíciles de responder. De hecho, es
una película que te enfrenta al destino, a ti mismo, al infinito. Es una suerte de
problema de algebra visual, agradable, que te acaricia como una brisa tenebrosa.
Puzzle, anagrama, eterno retorno, laberinto...
Si uno visiona la película otra vez, descubre detalles que completan aún más la trama.
Y si la ve otra vez, el rompecabezas es aún más alucinante. Y así sin parar. Visualmente
la película es bellísima. Asimismo, diferentes tomas arrojan "pistas" sobre lo que
sucede, tales como imágenes desdobladas de los personajes, espejos, vitrinas. O una
música que empieza a sonar, y vuelve a empezar, como un disco rayado que, sin
embargo, no está rallado...
La trama se dispara a los pocos minutos. Descerraja un argumento trepidante que sabe
perfectamente hacia dónde se dirige, aunque parezca zozobrar. Las vueltas de sentido,
los cambios de ritmo, atizan maravillosamente a la cara del espectador.
Muchas son las interpretaciones para esclarecer la trama. En mi opinión (y supongo
que coincido con la mayoría), la clave de todo el percal se halla en un hecho trivial: el
viaje que Melissa George (brutal interpretación) hace en taxi. El taxista es una de las
figuras más contundentes que he visto en cine. Ese personaje borroso y siniestro:
-Sólo soy un simple chófer.
Ese tipo es la Muerte personificada, ¡nada menos! Con esa sonrisa que cala los huesos,
de pie, detrás de Jess, le ofrece llevarla. Ella, al terminar el viaje en el taxi es
preguntada sobre si regresará al vehículo.
Pág. 72
-Señora, ¿dejó el taxímetro en marcha? ¿Regresará usted?
Ella responde que sí, y miente. Por ello, la muerte castiga a Jess a un eterno retorno,
un martirio sin fin, como la figura mitológica del que carga con una piedra hasta lo alto
de una montaña y vuelve a caérsele. Una y otra vez.
Altamente recomendable si disfrutaste con El efecto mariposa o Abre los ojos. No apta
para personas que rechazan de plano películas imaginativas (que no fantasiosas).
Tampoco es aconsejable a personas que se enfurecen si se les formula preguntas
existenciales...
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026
Los Otros
(2001)
“Una lección magistral de cine
que demuestra que todavía se
pueden hacer películas del género
no sólo sin caer en lo vulgar y el
susto fácil, sino también con un
buen gusto que desemboca en un
film agradable y que funciona.”
Sandro Ramírez de Filmaffinity.com
Contiene todos los ingredientes de una buena película de terror y suspense sin caer en
la tentación de sazonarla con las mediocridades tan recurridas últimamente en las
películas del género. Entretiene, gusta y crea una elegante atmósfera de tensión que
consigue que Los Otros sea, en su conjunto, una gran película con resultado notable en
la que destaca la buena mano del director Alejandro Amenábar, quien consigue llevar
a cabo una de las cintas de producción española (en coproducción con EEUU) más
exitosas -y taquillera- de la última década.
En el año 1945 y cuando la Segunda Guerra Mundial ya ha terminado, la madre de dos
peculiares niños que padecen una extraña enfermedad -no pueden recibir
directamente la luz del día- espera noticias de la vuelta de su marido. Pero esto no se
produce y Grace (Nicole Kidman) se ve obligada a educar a sus hijos, bajo estrictas
normas religiosas, apoyada por el personal de servicio contratado para el caserón, que
recibe las órdenes expresas de nunca abrir una puerta de la casa sin antes haber
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cerrado la anterior y, por supuesto, mantener todo en penumbra, evitando que los
rayos del sol puedan acceder a la casa y con ello perjudicar a los hijos de Grace.
Una lección magistral de cine que demuestra que todavía se pueden hacer películas
del género no sólo sin caer en lo vulgar y el susto fácil, sino también con un buen gusto
que desemboca en un film agradable y que funciona.
La excelente banda sonora compuesta por el propio Amenábar se encarga de
acompañar a esta interesantísima, entretenida, notable y cautivadora película, que
recuerda a la canadiense Al final de la escalera que encantó al realizador español,
dirigida por Peter Medak y protagonizada por George C. Scott (ganador de un Oscar
que rechazó, por Patton).
Pág. 75
027
The Ring
(2002)
“La Llamada” (La Señal en España)
es hasta el momento, el mejor
remake del denominado J-Terror.
Una cinta que brinda un guión
plagado de sorpresas y detalles en
todo el metraje y que cuenta con
excelentes escenas de terror y
suspense."
Jorge Alejandro Pirro
Revisando estos últimos días algunas cintas por cable, he tenido la oportunidad de
volver a ver la que hasta el momento constituye sin lugar a dudas la mejor remake de
horror de películas orientales. Estamos hablando de “La Llamada”, protagonizada por
una correctísima Naomi Watts y dirigida por el entonces ascendente Gore Verbinski,
quien luego se embarcaría en la trilogía de “Piratas del Caribe”.
La cinta comienza relatándonos la misteriosa muerte de Katie (Amber Tamblyn) quien
aparentemente estuvo en contacto con un misterioso video que predice la muerte de
quien lo ve en un plazo de siete días. Luego de que otros tres adolescentes vinculados
con la víctima sufrieran también misteriosas muertes, la periodista Rachel Keller
(Naomi Watts) decide investigar la procedencia del misterioso video y tratar de
descubrir la verdad oculta detrás del mismo.
Pág. 76
El guión de la cinta corrió por cuenta del más que convincente Ehren Krueger, creador
de varios libretos muy pero muy buenos, entre los que podríamos citar los hechos en
“Intriga en la Calle Arlington” y “La Llave Maestra”, como así también en un filme
aparentemente menor pero muy bien armado como “El Impostor”, con el protagónico
de un siempre convincente Gary Sinise. Aquí Krueger brindó un guión que a mi modo
de ver es una verdadera joyita, ya que no sólo se tomó todo lo bueno de la cinta
original japonesa, sino que se construyó un libreto con muchísimos más detalles en
cuanto a su entramado de suspenso y terror y se dotó al filme de un argumento
excelentemente armado de principio a fin. Esos detalles que Krueger decidió insertar
en el guión, son los que en definitiva hacen que la cinta crezca en su interés a medida
que las escenas avanzan sin tener la película ni un sólo momento de respiro, ya sea
porque hay muy buenas escenas de suspenso o porque lisa y llanamente la historia
que se cuenta y que nuestra protagonista investiga a lo largo del metraje está tan bien
armada que literalmente no hay forma de aburrirse con el visionado del filme.
Otro de los puntos fuertes de la cinta es sin dudas la excelente dirección de Gore
Verbinski, quien procuró trasladar todos los detalles del guión de la mejor manera a la
pantalla, y literalmente hizo un trabajo excelente. Muy bien en el manejo de cámaras y
excelentemente bien en el narrado de todo el filme en general, brindando un producto
que entretiene desde un comienzo y que no para hasta su coherente resolución.
Ayudado por una tremenda dirección de fotografía de Bojan Bazelli y por una
excelente banda sonora del fenomenal Hans Zimmer, Verbinski ofrece un trabajo
solvente detrás de cámara, dotando a la película de suspenso cuando era necesario y
de algunas que otras escenas de terror bastante bien logradas, como la genial
secuencia desarrollada en un ferry.
Con respecto a las actuaciones, tenemos a un reparto muy convincente en líneas
generales, empezando por una impecable Naomi Watts, en el papel más exitoso de su
carrera hasta ese momento, demostrando en todo momento bastante ductilidad con
su personaje y mostrando la credibilidad necesaria para que el espectador se
compenetre en la trama de suspenso que el filme nos cuenta. Otro que hace un
trabajo muy correcto es Martin Henderson, relacionado sentimentalmente con el
personaje de Naomi Watts y comprometido con ella para la investigación de los
acontecimientos. Henderson se desenvuelve mayormente en roles secundarios, pero
posee el talento suficiente para llevar adelante roles protagónicos de muy buena
manera, como bien lo hizo en una interesante película del año 2007 titulada “Batalla
en Seattle” (“Battle in Seattle”). Creo que la única desilusión del reparto es la floja
actuación de David Dorfman, quien no llega a realizar una convincente actuación,
como sí lo hizo en “La Llamada 2”.
En definitiva, “La Llamada” es hasta el momento, la mejor remake del denominado JTerror. Una cinta que brinda un guión plagado de sorpresas y detalles en todo el
metraje y que cuenta con excelentes escenas de terror y suspenso, dueñas de una
narración muy convincente.
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