Descargar catálogo BIM 2014

Transcripción

2 . Sobre la BIM / About BIM
del 20 de noviembre
al 20 de diciembre
ca
tá
lo
go
2014
EDUNTREF
Denegri, Andrés. Catálogo BIM 2014 /
Andrés Denegri y Gabriela Golder.- 1a
ed.- Sáenz Peña: Universidad Nacional
de Tres de Febrero, 2015.
280 p.; 23x15 cm.
ISBN 978-987-1889-59-4
1. Artes Visuales. I. Golder, Gabriela II.
Título
CDD 778.5
© Catálogo BIM 2014 / Denegri, Andrés y Golder, Gabriela
© de esta edición UNTREF (Universidad Nacional de Tres de Febrero) para Eduntref (Editorial de la
Universidad Nacional de Tres de Febrero). Reservados todos los derechos de esta edición para
Eduntref (UNTREF), Mosconi 2736, Sáenz Peña, Provincia de Buenos Aires. www.untref.edu.ar
Primera edición mayo de 2015.
Hecho el depósito que marca la ley 11.723.
Queda rigurosamente prohibida cualquier forma de reproducción total o parcial de esta obra sin el
permiso escrito de los titulares de los derechos de explotación.
Impreso en la Argentina.
Sobre
la
BIM
Palabras del rector / Words from the chancellor . 9
Aníbal Y. Jozami
Sobre la BIM / About BIM . 11
Andrés Denegri y Gabriela Golder
About
BIM
PREMIO /
AWARD
NORBERTO
GRIFFA A LA
CREACIÓN
AUDIOVISUAL
LATINOAMERICANA
PROGRAMACIÓN
programme
introducción / introduction . 15
jurados / jury . 17
obras seleccionadas / selected works . 21
exposiciones / exhibitions . 71
proyecciones / screenings . 109
actividades especiales / special activities . 257
SOBRE
LA
BIM
A
B
O
U
T
BIM 2014
B
I
M
palabras del rector /
Words from the chancellor
Por / by Aníbal Y. Jozami
Rector Untref / Director Muntref
Untref chancellor / Muntref director
Since its beginnings, the Untref has given special importance to innovation
and the development of new technologies.
At the same time, the desire to internationalize the university has also
been essential, in order to prevent the possibility of becoming intellectually
insular from other schools of thought, and to provide our graduates and
students with opportunities for development outside Argentina.
The Bienal de la Imagen en Movimiento (BIM), produced by the Universidad Nacional de Tres de Febrero and created three years ago thanks to
the drive and creativity of Andrés Denegri and Gabriela Golder, is one of
the areas of our activity where these two paradigms overlap.
This Biennale will give an appreciation of the best of experimental video and film being produced internationally and bring out creators into contact with their peers from the rest of the world, while at the same time contributing to taking our creative output to a wider audience.
The cultural expansion work that we have been doing through the
Muntref for over twelve years takes on a new significance in the continuity
of this Biennale.
I would like to offer my most sincere thanks to all those at Untref and
Muntref who make this possible.
.9
catálogo BIM 2014
Desde sus inicios, la Untref dio especial importancia a la innovación y al desarrollo de nuevas tecnologías.
Asimismo, fue clave en nuestra trayectoria el deseo de internacionalizar la universidad tanto para superar a nivel intelectual la posibilidad de insularización del pensamiento como para
brindar a nuestros graduados y estudiantes posibilidades de
desarrollo que no se limitaran a nuestro país.
La Bienal de la Imagen en Movimiento (BIM), producida por
la Universidad Nacional de Tres de Febrero y creada tres años
atrás por el impulso y creatividad de Andrés Denegri y Gabriela
Golder, es uno de los ámbitos de nuestro accionar en los que
los dos paradigmas a que hacíamos referencia se entrelazan.
Esta bienal permitirá apreciar lo mejor del video y cine experimental que se está haciendo a nivel internacional y acercará a nuestros creadores a sus pares del resto del mundo, al
tiempo que contribuirá en la difusión de nuestra producción.
La tarea de expansión cultural que venimos realizando a
través del Muntref desde hace ya doce años encuentra en la
continuidad de esta BIM una nueva significación.
Mi más sincero agradecimiento a todos los que desde la
Untref y el Muntref hacen esto posible.
Sobre la BIM / About BIM
Por / by Andrés Denegri y Gabriela Golder
Directores BIM / BIM directors
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Las artes audiovisuales presentan una esencia singular, mixta,
que comparte una fuerte tendencia a la alternatividad con la incursión en el terreno del arte contemporáneo de mayor institucionalización.
Históricamente, el cine experimental ha seguido un comportamiento endogámico. Sin ser reconocido como cine por la
mayoría y al ser generalmente ignorado por el campo del arte,
desarrolló su propio terreno que lo llevó a conservar, salvo en
casos excepcionales, una conducta insular.
La irrupción de los equipamientos de video de comercialización masiva a mediados de la década del sesenta fue rápidamente aprovechada por varios artistas integrados al circuito
del arte contemporáneo que comprendieron la riqueza estética
de este nuevo soporte. Las décadas del ochenta y del noventa
delinearon la consolidación del video en los espacios del arte,
pero eso no condicionó la riqueza y abundancia de las propuestas que se generaron desde terrenos marginales, en los
que el video siempre se sintió mucho más cómodo que en un
gran museo. En el desarrollo de esta historia, nuestro momento
es especialmente valioso.
Debido al vértigo del desarrollo tecnológico, el cine y el video ven transformada su realidad tanto en los ámbitos de más
sólida institucionalidad como en los espacios marginales. Hoy,
con el desarrollo del cine digital, los soportes fílmicos son desterrados de la industria del entretenimiento y se mantienen solo
en el terreno del arte, solo para aquellos artistas que comprenden su valor poético y dominan el oficio del cineasta. Al mismo
tiempo, el video se ha diversificado exponencialmente.
Casi todos llevamos una cámara de alta definición en nuestro bolsillo como parte de esas herramientas omnifuncionales
que son los dispositivos de comunicación móvil. En el universo
de la selfie y la Internet de alta velocidad, seguir pensando el video como en la década del setenta es un sinsentido.
Esta segunda edición de la Bienal de la Imagen en Movimiento (BIM), producida por la Universidad Nacional de Tres de
Febrero (Untref) y pensada como un lugar de encuentro entre
creadores, investigadores, estudiantes, productores culturales
y el público amante de las artes audiovisuales en sus expresiones más diversas, tiene como objetivo fundamental generar un
abanico de propuestas hacia el que dirigirse en busca de res-
puestas a las cuestiones que presenta este nuevo universo audiovisual. Es un escenario que comprende las singularidades
más extremas del cine y del video, en el que estas herramientas
estéticas se pueden pensar desde la historia y la contemporaneidad de sus especificidades más propias.
The audiovisual arts have a particular, mixed essence that shares a strong
leaning towards the alternative with the incursion into the terrain of more
institutionalized contemporary art. Historically, experimental cinema has
been more inbred in its behaviour.
While not recognised by most as cinema and generally ignored by
the art world, it made its own ground that resulted in its presering, save
some exceptional cases, an insular attitude. The boom in mass market
video equipment in the 1970s was quickly harnessed by various artists
on the contemporary art circuit who understood the aesthetic richness of
this new format. The 1980s and 90s saw video consolidated in art spaces, without compromising the wealth and abundance of ideas generated
from marginal areas, where video always felt far more comfortable than in
a great museum. In the course of this history, today is especially valuable.
Due to vertiginous technological development, the reality of cinema and
video is being transformed both in the most staunchly establishment areas
and in the spaces in the margins.
Today, with the development of digital cinema, celluloid formats have
been banished from the entertainment industry and remain only in the fi eld
of art, only for those artists who understand their poetic value and master
the fi lmmaker’s trade. At the same time, video has diversifi ed exponentially. Almost all of us carry a highdefinition camera in our pockets as part
of those omnifunctional tools that are mobile communication devices. In
the world of the selfi e and high-speed internet, there is no sense in continuing to think of video as in the 1970s. This second edition of the Bienal
de la Imagen en Movimiento (BIM), produced by the National University of
Tres de Febrero (Untref), is conceived as a meeting place for creators, researchers, students, culture producers and anyone who loves audiovisual
art in all its diverse expressions.
Its fundamental aim is to offer a range of proposals in which one may
find answers to questions asked by this new audiovisual universe. The BIM
is a comprehensive stage for all the most extreme uniqueness of fi lm and
video, where these aesthetic tools can be considered from the perspective
of the history and the contemporaneity of their most essential particularities.
PREmIO
w
a
r
d
Norberto Griffa a la Creación AUDIOVISUAL Latinoamericana
. 13
catálogo BIM 2014
a
14 .
I N T R O D U C T I O N
introducción
The Premio Norberto Griffa a la Creación Audiovisual Latinoamericana
is one of the main activities at BIM. The call for works, then shaping the
works into a selection and programs means outlining an aesthetic scenario of audiovisual arts in Latin America today. It is an action that leads us
to reflect on the content of the exhibition and its subsequent discourses,
as well as the symbolic place where this prize is situated. A corpus of
works is formed in which we search for answers to questions that arise in
a constant reality at leading international experimental cinema and video
exhibition spaces, where Latin American works are hardly ever present.
With this prize we seek to create a different context; it is an aesthetic
policy that arises from what Latin American creators put forward. Consequently, non-hierarchical dialogues are generated between central and
peripheral countries with the intention of producing symbolic, historic and
conceptual shifts and redefinitions of audiovisual arts.
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El Premio Norberto Griffa a la Creación Audiovisual Latinoamericana es una de las actividades principales de la BIM. Realizar una convocatoria de obras, conformar con ellas una selección y luego programas implica delinear un paisaje estético
de las artes audiovisuales en la Latinoamérica contemporánea.
Es un gesto que nos propone reflexionar sobre los contextos
de exhibición y sus consecuentes discursos, así como sobre
el lugar simbólico en el que este premio se sitúa. Se conforma
un corpus de obras en las que buscar respuestas a preguntas
que surgen frente a una realidad constante en los principales
espacios internacionales de exhibición dedicados al cine y video experimental: en ellos, las obras latinoamericanas casi no
están presentes. El Premio busca crear un contexto diferente:
constituye una política estética que surge de las propuestas de
creadores latinoamericanos. De esta manera, se generan diálogos entre países centrales y países periféricos en un sentido
horizontal con la intención de producir desplazamientos y redefiniciones simbólicas, históricas y conceptuales sobre las artes
audiovisuales.
16 .
j
u
r
y
j u r a d o s
Claudia Aravena Abughosh / Chile
Visual artist, Audiovisual Communicator and Master’s Degree in Cultural Studies, Universidad Arcis, Santiago de Chile. Besides her continuing visual arts production, she
teaches at the Schools of Arts and Visual Culture, and Film (Universidad Arcis), Graduate School of Arts (Universidad de Chile) and at the Visual Arts School (Universidad
Diego Portales and Uniacc).
She has participated in several solo and group exhibitions during his career, including
the Bienal de Arte in La Havana (2009), VI and VII Biennial of Video and New Media
in Santiago (2007) and the Triennial of Chile (2009) in the Museum of Contemporary
Art in Santiago, plus the exhibition Handle with Care (2007) in the same institution. La
operaciónverdad, o la verdad de la operación, collective exhibition at the Museo de la
Solidaridad Salvador Allende (2010), Circa Berlin in the NikolajContemporary Art Center inCopenhagen (2005), From the Other Site/Side at the Museum of Contemporary
Art in Seoul (2006), Video-Forum, NBK in the Tamayo Contemporary Art Museum in
Mexico City (2006), among others exhibitions in Chile, Latin America, Europe and Asia.
He has also participated in several international film festivals, among which are the International Documentary Film Fest in Paris, the Palermo International Video Art Festival
in Italy, the International Documentary Film Festival of Leipzig in Germany, the IX International Documentary Film Festival in Lisbon, among others.
In 2002 she received a nomination to the Altazor Award in the category installation and
video art by Lugar común, coauthored with Guillermo Cifuentes.
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Artista visual, comunicadora audiovisual y
magíster en Estudios Culturales de la Universidad Arcis. Docente en las escuelas de Arte y Cine de la Universidad Arcis, la Universidad Diego Portales, la Universidad de Chile
y UNIACC.
Ha participado en varias exposiciones individuales y colectivas durante su carrera, entre
ellas la Bienal de Arte de La Habana (2009), VI y VII Bienal de Video y Nuevos Medios de Santiago (2007) y la I Trienal de Chile (2009) en el Museo de
Arte Contemporáneo de Santiago, además de las muestras Handle with Care
(2007) en la misma institución, La operación verdad, o la verdad de la operación, exposición colectiva en el Museo de la Solidaridad Salvador Allende
(2010), Circa Berlín en el Nikolaj Contemporary Art Center de Copenhague
(2005), From the Other Site/Side en el Museo de Arte Contemporáneo de
Seúl (2006), Video-Forum, NBK en el Museo Tamayo Arte Contemporáneo
de ciudad de México (2006), entre otras exposiciones en Chile, América Latina, Europa y Asia.
Además, ha participado en varios festivales internacionales de cine, entre los
que se encuentran el International Documentary Film Fest en París, el Palermo International Video Art Festival en Italia, el International Documentary Film
Festival of Leipzig en Alemania, el IX International Documentary Film Festival
en Lisboa, entre otros.
En el año 2002 recibió una nominación al Premio Altazor de las Artes Nacionales en la categoría instalación y videoarte por Lugar común en coautoría
con Guillermo Cifuentes.
Lauren Howes / Canadá
Trabaja como directora ejecutiva del Canadian
Filmmakers Distribution Centre desde 2006.
Antes de instalarse en Toronto, trabajó como
ejecutiva de distribución en la sección Video
Out Distribution de VIVO Media Arts en Vancouver. Debido a su trabajo como distribuidora, asiste a numerosos festivales de cine y
mercados de arte medial en el mundo entero y
promueve el arte medial canadiense. Presentó curadurías en Dublín, San Pablo,
Río de Janeiro, Hamburgo, París, Londres, Berlín y Seúl. Se graduó en 1996
con un BFA en Film Production en la Simon Fraser University. Howes actualmente es presidente del Board of the Media Arts Network of Ontario (MANO )
y ha colaborado con el Board of Independent Media Arts Alliance entre 2008
y 2010.
Lauren Howes assumed the role of Executive Director of CFMDC in September 2006.
Prior to coming to CFMDC, she was the Distribution Manager of Video Out Distribution
in Vancouver, BC from 2002-2006. Howes has programmed screenings of Canadian
Media Art for events in Vancouver, Toronto, Dublin, Hamburg, Sao Paulo, Rio de Janeiro,
Seoul and London and was selected as a Goethe Scholar to participate in the Living Archive program 2013 at Arsenal - institut für film und videokunst in Berlin.
Howes currently sits on the Board of Directors at the Toronto Arts Council. She graduated from Simon Fraser University with a BFA in Film Production and endeavors to make
films when possible, outside of the demands of arts administration.
18 . Jurado / jury
Claudia Joskowicz / Bolivia
Artista plástica boliviana, vive y trabaja en
Nueva York y en Santa Cruz de la Sierra. Obtuvo un magíster en Artes Plásticas de la New
York University en el año 2000. Sus exposiciones individuales incluyen LMAK Projects, Forever & Today, Inc., Thierry Goldberg Projects y
Momenta Art en Nueva York; Dot Fiftyone en
Miami; California Museum of Photography en
Riverside, California; Glalería ACBEU en Salvador, Brasil; Espacio Simón Patiño
y Museo Nacional de Arte de La Paz y el Centro Cultural Santa Cruz y Galería
Kiosko en Santa Cruz (Bolivia), y Lawndale Art Center en Houston para la Bienal de Fotografía Fotofest. Joskowicz es docente en el departamento de artes
plásticas Steinhardt de la New York University.
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Claudia Joskowicz lives and works in New York and Santa Cruz de la Sierra, Bolivia.
She received her MFA from New York University in 2000. Solo exhibitions include shows
at LMAK Projects, Forever & Today, Inc., Thierry Goldberg Projects, and Momenta Art in
New York; Dot Fiftyone Gallery in Miami; California Museum of Photography in Riverside,
California; Galeria ACBEU in Salvador, Brazil; Espacio Simón Patiño and Museo Nacional de Arte in La Paz, Centro Cultural Santa Cruz and Galería Kiosko in Santa Cruz (Bolivia); and Lawndale Art Center in Houston.
S e l e c t e d
w o r k s
obras seleccionadas
20 . premio . award norberto griffa / obras seleccionadas . Selected works
Vii Pulgadas / Vii Inches
Cristian Alarcón Ismodes
Perú / Peru | 2013
Un viaje a través de un imaginario infantil
construido por un militarismo endémico y
un catecismo servil a los fines del poder.
Basado en un rezo popular que se canta a
los niños como canción de cuna y que aún
se repite en las escuelas de Latinoamérica.
A journey through a child’s imaginary
built by endemic militarism and servile catechism for the purposes of
power. Based on a popular prayer
sung to children as a lullaby and still
repeated in schools in Latin America.
Artista audiovisual peruano. Su obra se desarrolla en una variedad de formatos, como el videoarte, la animación, el documental, la instalación, la
intervención del espacio público, el video mapping y el dibujo. Ha participado en diferentes
festivales, bienales y exhibiciones internacionales tanto de arte como de cine y video. Ha sido
merecedor de varias distinciones y becas, como
la Beca Iberoamericana de Creación Artística de
la SEGIB y la Casa de Velázquez 2013.
Peruvian audiovisual artist. His work
uses a variety of formats, including
video art, animation, documentary,
installations, public space intervention, video mapping, and drawing.
He has taken part in various international festivals, biennales and exhibitions in both film and video. He has
won various distinctions and grants,
such as the Ibero-American Artistic
Creation Grant from the SEGIB and
the Casa de Velázquez 2013.
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10’ 10’’ | HDV | Color | Estéreo / Stereo
Proyección / Screening: Archivo digital /
Digital video file
A Cassette / On Cassette
David Rubén Marcial Valverdi
Argentina | 2013
12’ 25’’ | HD | ByN / B&W / Color |
Estéreo / Stereo
Digital video file
El autor planea acceder a la memoria de
su difunta madre a partir de fotos y objetos. ¿Recordará ella su propia muerte? ¿Y
si sus recuerdos fueran diferentes de los
del director?
The director plans to reach the memory of his late mother through photographs and objects. Will she remember her own death? And what if her
memories are different from his?
Estudiante de Diseño de Imagen y Sonido (UBA),
dirigió su primer corto, 112, en 2011. En 2013
presentó A Cassette, que recibe el premio Mejor
Documental en Festicine Pehuajó y en Pehuén
Cortos; el premio Mejor Edición Extranjera en
el festival Plasma en Corto (México) y la Mención especial en el Festival Ventana Andina. Actualmente trabaja en su documental Yo soy uno
y ustedes dos tras participar del Buenos Aires
Doclab.
Image and Sound Design student
(UBA), directed his first short 112
in 2011. In 2013 he presented On
Cassette, which won the Best Documentary prize at Festicine Pehuajó and at Pehuén Cortos; the Best
Foreign Editing prize at the Plasma
en Corto Festival (Mexico) and the
Special Mention at the Ventana Andina festival. He is currently working
on his documentary I Am One and
You Are Two after participating at
Buenos Aires Doclab.
Abecedario / ABC
Colectivo Los Ingrávidos
México / Mexico | 2014
04’ 55’’ | 16mm/HD | ByN / B&W |
Estéreo / Stereo
Digital video file
Abecedario es un intento por transformar la
experiencia cinematográfica en una muerte
fílmica, en una ejecución fílmica. La experiencia audiovisual de la actual guerra civil
mexicana.
ABC is an attempt to transform the
Davani Varillas, Guenia Varillas, Rosario Gonzales, Marina Herrera, Rodrigo Cerbón, Cristóbal
Serrá, Antonio Jiménez, Ángel Linares, Oswaldo
Varillas.
Davani Varillas, Guenia Varillas, Rosario Gonzales, Marina Herrera,
Rodrigo Cerbón, Cristóbal Serrá, Antonio Jiménez, Ángel Linares, Oswaldo Varillas.
The Colectivo Los Ingrávidos came
about from the need to break up
the audiovisual grammar that the
aesthetic-televisual corporate spirit has used and still uses to effectively guarantee the diffusion of an
audiovisual ideology through which
a continuous social and perceptive
control is maintained on most of the
population.
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El Colectivo Los Ingrávidos surge de la necesidad de desarticular la gramática audiovisual que
el corporativismo estético-televisivo ha utilizado
y utiliza para garantizar de manera eficaz la difusión de una ideología audiovisual por medio de
la cual se mantenga un continuo control social y
perceptivo sobre la mayoría de la población.
cinematic experience into a filmic
death, a filmic execution. The audiovisual experience of the current Mexican civil war.
Aequador
Laura Huertas Millán
Colombia-Francia / France | 2012
19’ 42’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo
Digital video file
Una relación de viaje sin palabras por el
río Amazonas, atravesando un paisaje poblado por construcciones modernistas
abandonadas, ruinas o recuerdos de una
utopía del pasado engullida por la naturaleza. Aequador, país a la vez ficticio y real,
documental y ciencia ficción, evoca los
restos de ciertas políticas progresistas del
siglo XX en las selvas de Latinoamérica y
su cohabitación con el presente.
Mezclas de documental y ficción, sus filmes indagan en los recovecos del exotismo y la etnografía. Sus obras han sido exhibidas en museos
y galerías, como el Guggenheim Museum, el Palais de Tokyo, la Haus der Kulturen der Welt,
AwZ Viena y el CCCB de Barcelona, entre otros,
y en distintos festivales. Graduada de la escuela de Bellas Artes de París y Le Fresnoy, actualmente cursa un doctorado en la École Normale
Supérieure de París y la Escuela de Bellas Artes. Es investigadora afiliada al Sensory Ethnography Lab en la Universidad de Harvard.
A wordless travel chronicle up the
Amazon River through a landscape
dotted with abandoned Modernist constructions, ruins or souvenirs
of a past utopia engulfed by nature.
Aequador, a fictitious and real country, part-documentary, part-science
fiction, evokes the remains of certain
20th-century progressive policies
in the jungles of Latin America and
their coexistence with the present.
Combining documentary and fiction,
her films explore the recesses of exoticism and ethnography. Her works
have been exhibited in museums and
galleries including the Guggenheim
Museum, the Palais de Tokyo, the
Haus der Kulturen der Welt, AwZ
Viena and the CCCB in Barcelona,
and at different festivals. A graduate of the School of Fine Arts in Paris and Le Fresnoy, she is currently
studying for a PhD at the École Normale Supérieure in Paris and the
School of Fine Arts. She is an affiliated researcher at Harvard University’s Sensory Ethnography Lab.
Ano Branco / Año Blanco / White Year
Luiz Roque
“A partir del primero de enero de 2031 la
Organización Mundial de la Salud va a quitar la transexualidad, ICD 10 F 64, de su lista de enfermedades”.
“From 1 January 2031 the World
Health Organization, will remove
transsexuality, ICD 10 F 64, from its
list of diseases”.
Su trabajo ha sido expuesto en muestras de cine
y exposiciones de arte contemporáneo en diversos países desde del inicio de los años 2000.
His work has been shown at film
festivals and contemporary art exhibitions in various countries since the
early 2000s.
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Brasil / Brazil | 2013
7’ | HD | Color | Estéreo / Stereo
Digital video file
Antonio Gil
Lía Dankser
Argentina | 2000-2013
80’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo
Digital video file
¿Ofrenda? Todos los años, cada 8 de enero, en las proximidades del santuario del
Gauchito Antonio Gil, registros de todos
sus devotos en lentos travellings. Surgen
así las coreografías espontáneas de peregrinos, autos, carpas, colectivos, árboles,
banderas, caballos. Partes del imaginario
argentino, fragmentos sueltos de historias
inconclusas. El indio, el gaucho, el orillero,
un comerciante, la señora del paraguas rojo, un hombre con un tatuaje de Malvinas,
un espinillo, un punk, el campesino, una
novia, la vendedora de chipá, un mencho,
el ñandubay, un doberman, un camarógrafo, muchos caballos. Otro hombre vestido
de gaucho. Cada elemento es una parte viva de Antonio Gil, un fragmento de su difuminado cuerpo. Una y otra vez la cámara recorre este paisaje. Sin detenerse, sin
jerarquizar, intentando capturar a través del
artificio cinematográfico otro más sofisticado y complejo: el mito. L.D.
Estudió cine en la ENERC. Es especialista en Teoría del Diseño Comunicacional, UBA. Desde el
2000, desarrolla una investigación artística sobre
la religiosidad popular, entendida como un artefacto cultural de creación colectiva; asume el capitalismo como sistema de creencia hegemónico
y se pregunta qué otras formas perviven y qué rol
tienen en la gestación de nuevos modelos sociales. La videoinstalación Quiero creer (2012) y el
documental Antonio Gil (2013) son parte de esa
búsqueda.
Offering? On 8 January every year,
near the Gauchito Antonio Gil sanctuary, in very slow travelling shots, Lía
Dankser tries to record all of his worshippers. Spontaneous choreographies emerge of pilgrims, cars, tents,
buses, trees, horses, flags, different
parts of the Argentinian imaginary,
loose fragments of unfinished stories.
The Indian, the gaucho, the worker,
a peasant, a trader, a lady with a red
umbrella, a man with a tattoo of the
Malvinas Islands, a gorse tree, a punk,
a bride, a woman selling chipá, a farm
worker, a nandubay tree, a Doberman,
a cameraman, many horses. Another
man dressed as a gaucho. Each element is a living part of Antonio Gil, a
fragment of his faded body. Lía Dankser moves through this scene over and
over again. Without stopping; without
putting one thing ahead of another,
trying to capture through the artifice
of cinema something even more complex and sophisticated: the myth. LD
Studied film at the ENERC, and specialised in Communication Design
Theory at UBA. Since 2000, she has
carried out artistic research into popular religiosity, understood as a cultural artifact of collective creation; she
assumes capitalism as the hegemonic belief system and asks what other
forms coexist and the role they play in
the gestation of new social models. I
Want to Believe (2012) and Antonio
Gil (2013) are part of this search.
BOB
Tálata Rodríguez
Argentina | 2013
Digital video file
Escritora, performer, activista cultural y productora. Realizadora de contenidos audiovisuales
literarios. A los cinco años, junto con su padre,
publicó Los pájaros de la montaña soñadora.
En 2013, Tenemos Las Máquinas editó su primer libro crossmedia, Primera línea de fuego,
integrado por nueve poemas y nueve videoclips
que han participado de varios festivales alrededor del mundo. En noviembre de este año participará de la Feria del Libro de Guadalajara.
The internet is the largest book in
the history of mankind. A book that
is permanently being constructed
and rewritten that no one will be
able to read in its entirety. BOB is a
chapter in that story: alternative literature (ALT-LIT), literary pop video.
BOB is a story and an intervention in
the old carriages from the subway
line A of Buenos Aires as part of the
crossmedia project First Line of Fire,
created and directed by the writer Tálata Rodriguez. In this poetic
prose, a woman relates the images
of her unconscious to her rock and
literary imaginary, hopping from Bob
Dylan to Enrique Fogwill in a breeze.
Writer, performer, cultural activist
and producer. Creator of literary audiovisual content. At the age of five
she published, with her father, The
Birds of Dream Mountain. In 2013,
the publishing house Tenemos Las
Máquinas published her first crossmedia book, First Line of Fire, featuring nine poems and nine video clips
which have participated in various
festivals around the world. In November this year she will participate
at the Guadalajara Book Fair.
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catálogo BIM 2014
Internet es el libro más grande de la historia de la humanidad. Un libro en permanente construcción y reescritura que nadie podrá terminar de leer. BOB es un capítulo en
esa historia: literatura alternativa, videoclip
literario. BOB es un relato y una intervención videopoética realizada en los antiguos
vagones de la línea A del subte de Buenos
Aires, que forma parte de la experiencia
crossmedia Primera línea de fuego, creada y conducida por la escritora Tálata Rodríguez. En esta prosa poética, una mujer
relaciona las imágenes de su inconsciente
con su imaginario rockero y literario, yendo
de Bob Dylan a Enrique Fogwill en un suspiro.
Cena con amigos / Dinner With Friends
Santiago Martín Deandreis
Alonso
Argentina | 2013
Digital video file
Breve documental sobre ese lapso de
tiempo en el que uno come y prepara la cena para disfrutarla en la mesa con aquellos
a quienes más quiere.
Short documentary about that period of time cooking and eating dinner, and enjoying it at the table with
loved ones.
Vive en Castelar, Buenos Aires y tiene 26 años.
Es técnico electrónico y estudiante de Artes
Electrónicas en la Universidad Nacional de Tres
de Febrero. Gracias a los conocimientos adquiridos durante la carreta, desarrolló junto con
Juan Manuel Larrañaga Kuntur Huasi, un estudio
de grabación y producción audiovisual en el que
plasmar sus ideas.
Lives in Castelar, Buenos Aires. 26
years old, he is an electronic technician and a student of Electronic Arts
at the National University of Tres
de Febrero. Thanks to the knowledge acquired during the course,
he founded with Juan Manuel Larrañaga, Kuntur Huasi, an audiovisual recording and production studio where they can put down their
ideas.
Corea / Korea
Melina Serber
Argentina | 2012-2013
Digital video file
Nació en Buenos Aires en 1986 y es diseñadora de Imagen y Sonido egresada de la Universidad de Buenos Aires (UBA). Es docente en
la cátedra de Historia del Cine Argentino y Latinoamericano (UBA). Trabaja como asistente
de producción y dirección en diversos proyectos audiovisuales. Escribió, produjo y dirigió este documental que ha participado en varios festivales.
What happens when an eastern
community from one side of the
world, emigrates and settles in the
west? Over time, I am getting to
know the Korean community. I observe, film, interview and take photos of them, I buy from their shops,
visit their churches, eat at their restaurants, and build strong ties. But
I also encounter difficulties, a different culture, a language I cannot understand, fears that I cannot placate
and, sometimes, a lack of interest.
Because of this, and due to a connection between my personal history and immigration, I made Korea.
The East in the West.
Born in Buenos Aires in 1986, and
graduated in Image and Sound Design from the University of Buenos
Aires (UBA). She teaches History
of Argentine and Latin American
film (UBA). She works as a production and direction assistant on various audiovisual projects. She wrote,
produced and directed this documentary, which has participated in
various festivals.
. 29
catálogo BIM 2014
¿Qué sucede cuando una comunidad de
un lado del mundo –oriente– migra y se radica en la otra parte del mundo –occidente–? Con el correr de los meses voy conociendo a la comunidad coreana. Observo,
filmo, hago entrevistas, saco fotos, compro
en sus negocios, visito sus iglesias, almuerzo en sus restaurantes, genero vínculos
fuertes. Me encuentro también con dificultades, otra cultura, el idioma, el miedo y, algunas veces, el desinterés. De aquí, y por
el vínculo entre mi historia personal y la inmigración, surge Corea. El oriente en el
occidente.
De cómo se daban poco esos indios de haber las mujeres vírgenes
y de cómo usaban del nefando pecado de la sodomía
(de la serie Crónicas, reloaded) (from the series Chronicles, reloaded)
On how those indians did not relish virgin women and on how they incurred
in the unspeakable sin of sodomy
Miguel Alvear Lalley
Ecuador | 2013
Digital video file
Interpretación del actor León Sierra de un
fragmento de la Crónica de Indias del sevillano Pedro Cieza de León (1520-1554),
en el que narra las costumbres sexuales de
una comunidad en la actual península de
Santa Elena, en Ecuador.
Artista visual, realizador de cine y video, gestor
cultural. Su trabajo ha sido incluido en las antologías de cine experimental Visionarios, audiovisual en Latinoamérica (San Pablo, 2008) y Cine
a contracorriente (Barcelona, 2010). Ha participado en exposiciones como la 55ª Bienal de
Venecia (2013), Changing the Focus in Latin
American Photography (2010) y la Bienal de La
Habana (2006). Dirigió los largometrajes Blak
Mama (2009) y Más allá del mall (2010). Actualmente es director de Creatividad de la Secretaría de Cultura de Quito.
Actor León Sierra interprets a fragment from a chronicle by Spanish
writer Pedro Cieza de León (15201554) in which he recounts the sexual customs of a community in what
is today the Santa Elena peninsula,
on the coast of Ecuador.
Visual artist, film and video director, arts manager. His work has included the experimental film anthologies Visionaries, Audiovisual in
Latin America (São Paulo, 2008)
and Film Against the Flow (Barcelona, 2010). He has participated in
exhibitions such as the 55th Venice
Biennale (2013), Changing the Focus in Latin American Photography
(2010), and the Havana Biennale
(2006). He directed the feature films
Blak Mama (2009) and Beyond the
Mall (2010). He is currently Director
of Creativity for the Department of
Culture of Quito.
Depois do almoço de domingo / Después del almuerzo
de domingo / After Sunday Lunch
Tula Anagnostopoulos
Después de un almuerzo de domingo en
familia, el abuelo termina de arreglar y limpiar el espacio de la churrasquera como de
costumbre. ¿Cómo cosas tan ordinarias se
van borrando de la memoria? O serían todo lo contrario, ¿las que se mantienen?
After a family’s Sunday lunch, the
grandfather finishes off tidying and
cleaning the barbecue as usual.
How can such ordinary things be
erased from memory? Or on the
contrary, how is it that they remain?
Nació y vive en Porto Alegre. Es artista, investigadora y montadora de filmes (ficciones, documentales, experimentales, videoarte). Mestre
en Poéticas Visuales por el Programa de Posgrado en Artes Visuales del Instituto de Artes de
la UFRGS (Brasil) en el año de 2014, de la que
también se graduó en Artes Plásticas en 1997.
De 1998 al 2000 hizo el curso regular con énfasis en edición por la EICTV (Cuba). Trabaja en video y cine como realizadora y montajista.
Born in Porto Alegre, where she
now lives. Artist, researcher and
film editor (fiction, documentaries,
experimental, video art). Master’s
in Visual Poetics through the Postgraduate Program in Visual Arts at
the UFRGS (Brazil) in 2014, where
she also graduated in Plastic Arts
in 1997. From 1998 to 2000 she
did the regular course at the EICTY
(Cuba) with an emphasis on editing.
She works with video and film both
as an artist and editor.
. 31
catálogo BIM 2014
3’ 30’’ | MiniDV y VHS | Color | Estéreo /
Stereo
Digital video file
Deshoras / An Ungodly Hour
Toia Bonino
Argentina | 2012
05’ | HD | Color | Mono
Digital video file
La cámara se acomoda y, como si fuera un
escenario, las vacas ingresan a escena con
su característica cadencia. Después deja
su lugar de espectador principal para registrar lo imposible, la mirada de la vaca.
La cámara colocada sobre el animal choca contra los cuernos de otra vaca, huele y
arranca pasto, respira, se mueve e impide
que miremos desde ella. Finalmente atardece, y los dos puntos de vista, humano y
animal, incongruentes, convergen enfrentados en el ojo de la vaca que llora exhibiendo el reflejo de la autora frente a ella.
Nació en Buenos Aires en septiembre de 1975.
Egresó de la Escuela Nacional de Bellas Artes
Manuel Belgrano y de la Escuela Nacional de
Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Es licenciada en Artes Visuales (IUNA) y licenciada en Psicología (UBA).
The camera focuses on a herd of
cows entering the scene as though
onto a stage, moving with their particular bovine cadence. The camera then leaves the viewpoint of the
main spectator to record the impossible, the cow’s point of view. With
the camera attached to the animal,
it crashes against the other cows’
horns, sniffs and pulls up grass, we
hear her breathing. Then she moves
and we can no longer watch from
her vantage point. Finally, night falls
and the two incongruent points of
view, human and animal, converge.
The camera focuses on the eye of
the crying cow, now reflecting the
author before her.
Born in Buenos Aires in September
1975. Graduated from the Manuel
Belgrano National School of Fine
Arts and the Prilidiano Pueyrredón
National School of Fine Arts. Holds
a degree in Visual Arts (IUNA ) and
Psychology (UBA ).
Desplazamiento / Displacement
Magdalena Cernadas
El hogar se vuelve una estructura endeble,
frágil e ilusoria en geografías que se ven
afectadas por la violencia provocada por la
intolerancia racial o religiosa, la discriminación, la lucha territorial o las situaciones de
conflicto armado que giran en pos de la ganancia del capital.
Home becomes a weak, fragile and
illusory structure in geographies that
are affected by violence caused by
racial or religious intolerance, discrimination, territorial wars or situations of armed conflict that revolve
around capital profit.
Nació en Buenos Aires, Argentina. Trabaja como artista visual en el campo del video, la pintura, el collage y la instalación. En el 2014 expuso
una obra en el Tate Britain de Londres. Exhibió
sus pinturas en la Argentina y en Berlín, Alemania. Sus obras en video se proyectaron en Nueva York, España, Eslovenia, Lituania, Buenos Aires, México, Chile, Berlín e Italia (donde ganó el
Premio Mejor Spot 2014).
Born in Buenos Aires, Argentina.
Works as a visual artist in the field
of video, painting, collage and installation. In 2014 she exhibited work
at Tate Britain, London. She has
exhibited her paintings in Argentina
and Berlin. Her video art has been
screened in New York, Spain, Slovenia, Lithuania, Buenos Aires, Mexico, Chile, Berlin and Italy (where she
won the 2014 Best Spot Award).
. 33
catálogo BIM 2014
Argentina | 2013
Digital video file
El día que llegaste a Buenos Aires /
The Day You Arrived in Buenos Aires
Iván Marino & Aya Eliav
Argentina-Israel-España / Spain |
2012-2013
Digital video file
El trabajo retrata los avatares de una relación de pareja a través de sus comunicaciones digitales (diálogos de Skype, emails, películas domésticas registradas
con dispositivos móviles, etcétera). La pieza se inscribe en la tradición de los diarios o los apuntes sobre la vida doméstica (Mekas, Perlov y Brakhage, entre otros).
El documental aborda el tópico de la comunicación-a-través-de-los-dispositivos, una
versión posmoderna de aquello que Günter
Anders denominaba home delivered reality, que hoy podría subtitularse como “la vida en pantalla”.
Aya Eliav (Israel, 1977). Graduada en Arte y Diseño (Jerusalem, 2002), cursó estudios en la
Accademia di Belle Arti (Roma, 2003). Artista plástica, produce obras en formato multimedia desde el 2006. Entre sus principales exposiciones: The Barbican Institute (Londres, 2012), Haifa Museum of Art (Israel, 2012), Videobrasil
Festival (San Pablo, Brasil, 2011, 2013), Optica Festival (Madrid-Gijón-Buenos Aires, 2011) y
National Museum of Art (China, 2010).
Iván Marino (Argentina, 1968). Estudia cine y
TV en su país natal. En 1997 estudió y produjo documentales en el Filminstitut (Universidad
del Arte, Alemania). En 1998-1999 fue Visiting
Scholar en la escuela de Cine y Televisión de la
Universidad de California (ucla), donde se introdujo en el diseño y la programación de audiovisuales interactivos. En el año 2000 se estableció en Barcelona para dedicarse a la producción
artística y a la investigación en el ámbito universitario.
This piece portrays the ups and
downs in a couple’s relationship
through their digital communications (Skype conversations, e-mails,
and home movies recorded on domestic devices like smart phones,
tablets, etc.). The piece falls within
the tradition of diaries or sketches of
daily life (Jonas Mekas, David Perlov,
Stan Brakhage). This documentary
addresses the topic of communication-through-devices, the noises of
a postmodern version of what Günther Anders called “home-delivered
reality”, which today might be subtitled “life on screen”.
Aya Eliav (Israel, 1977). Graduate in
Art and Design (Jerusalem, 2002),
studied at the Academy of Fine Art
(Rome, 2003). Plastic artist, also
producing work in multimedia format
since 2006. His main exhibitions include: The Barbican Institute (London, 2012), Haifa Museum of Art
(Israel, 2012), Videobrasil Festival
(Brazil, 2011, 2013), Optica Festival
(Madrid-Gijón-Buenos Aires, 2011).
Iván Marino (Argentina, 1968).
Studied film and TV in Argentina. In
1997 he studied and produced documentaries at the Filminstitut (University of Art, Berlin). In 1998-1999 he
was a visiting scholar at ucla, where
he was introduced to interactive audiovisual design and programming.
El ejercicio de la violencia / The Exercise of Violence
Gustavo Galuppo
“También el mundo está naufragando, pero ellos parecen no darse cuenta”.
Antonio Tabucchi
“The world is sinking too, but they
don’t seem to realise”.
Antonio Tabucchi
Nació en Rosario, Argentina, en 1971, donde reside y ha desarrollado toda su carrera profesional. Es autodidacta y su obra de video experimental ha participado asiduamente en diversas
muestras relacionadas con el videoarte y el cine.
Se desempeña en el campo de la investigación
sobre teoría e historia del cine publicando textos
en libros y revistas especializadas. También es
docente y músico de rock.
Born in Rosario, Argentina, in 1971,
where he currently resides and has
spent all of his professional career.
He is self-taught, and his experimental video work has participated regularly in various exhibitions related to
video art and film. He works in the
field of research into film theory and
history, and has published articles in
books and specialist journals. He is
also a lecturer and a rock musician.
. 35
catálogo BIM 2014
Argentina | 2013
12’ 30’’ | HD | Color-ByN / Color-B&W |
Estéreo / Stereo
Digital video file
El espíritu del tiempo / The Spirit of Time
Rocío Pérez Belarra
Argentina | 2012
3’ 26’’ | HD | ByN / B&W | Mono
Digital video file
Un tiempo muerto dentro del acelerado
tiempo de la ciudad.
A time-out in the fast-paced time of
the city.
Artista audiovisual e incipiente diseñadora de
moda. Estudió Artes Multimediales en IUNA, Artes Electrónicas en UNTREF, escritura creativa, arpa, canto e improvisación musical. Junto
con su pareja, Tomás Utillano, conforma desde
el 2009 el colectivo audiovisual Acheiropoieta.
Sus trabajos han obtenido reconocimientos en
Perú, España y la Argentina. Actualmente desarrolla su marca de ropa Anna Anannnaá volcando su afición por el trabajo pictórico y la experimentación.
Audiovisual artist and budding fashion designer. Studied Multimedia
Arts at the IUNA, Electronic Arts at
the UNTREF, creative writing, harp,
singing and musical improvisation.
Since 2009 she and her partner
Tomás Utillano have formed the audiovisual collective Acheiropoieta.
Her works have attained recognition
in Peru, Spain and Argentina. She
is currently developing her clothing
brand Anna Anannnaá, bringing to
the fore her interest in pictorial work
and experimentation.
El modelo / The Model
Germán Scelso
Argentina-España / Spain | 2013
45’ | miniDV | Color | Estéreo / Stereo
Digital video file
Nació en Buenos Aires en 1976. Estudió cine
en la Universidad Nacional de Córdoba, Argentina, ciudad en la que vivió hasta que en 2004
se radicó en Barcelona. En España hizo la mayor parte de su trabajo como realizador. Sus
obras han sido exhibidas en festivales como FIDMarseille (Francia, 2014), Punto de Vista (Pamplona, 2013), FICUNAM (México, 2013), BAFICI
(Buenos Aires, 2012) y programadas en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona, en
La Casa Encendida en Madrid y en el Anthology Film Archives de Nueva York. Ha sido jurado
en los festivales de cine de Cosquín (Argentina),
de Cali (Colombia) y en el festival de cine de
No Ficción Transcinema en Lima (Perú). Desde
2013 vive entre Buenos Aires y Córdoba, donde
coordina una clínica de creación y trabaja en la
escritura y rodaje de dos proyectos. Forma parte del comité evaluador de la Convocatoria del
Fondo para el Desarrollo Cinematográfico 2014
en Bogotá (Colombia).
Jordi’s left arm and leg are almost
useless and he uses his disability
to beg on the street. The portrayal
of the character and his relationship
with the author creates a fresco of
modern Spain, thrown into turmoil
by the immigrant population and the
economic crisis.
Was born in Buenos Aires in 1976.
He studied film at the National University of Córdoba, Argentina, where
he lived until 2004 before moving
to Barcelona. In Spain he worked
mostly as a director. His works have
been shown at festivals including
FIDMarseille (Francia, 2014), Punto
de vista (Pamplona, 2013), FICUNAM (Mexico 2013), BAFICI (Buenos Aires, 2012) and programmed
at the Centre of Contemporary Culture of Barcelona, La Casa Encendida in Madrid and in the Anthology
Film Archives in New York. He has
participated on film festival juries in
Cosquín (Argentina), Cali (Colombia) and at the Non-Fiction Transcinema film festival in Lima (Peru).
Since 2013 he spends his time between Buenos Aires and Córdoba,
where he coordinates a creative
clinic and is working on writing and
shooting two projects. In 2014 he
was part of the evaluation committee
for the Film Development Fund Competition 2014 in Bogotá (Colombia).
. 37
catálogo BIM 2014
Jordi tiene el brazo y la pierna izquierdos
casi inutilizados y exhibe su invalidez para
pedir limosna en la calle. El retrato de este
personaje y su relación con el autor crean
un fresco de la España actual, convulsionada por los movimientos inmigratorios y la
crisis económica.
En morsom fortælling / Un cuento divertido /
An Entertaining Story
Constanza María Petrera
Argentina | 2014
09’ 22’’ | Super 8-video | Color |
Estéreo / Stereo
Digital video file
Un cuento de hadas de un escritor danés y
una sombra fugaz en un muro se entrelazan
en la carretera argentina.
Nació en Buenos Aires en 1976. Creció en Dinamarca, donde trabajó en la televisión. Estudió
cine documental en Buenos Aires y dirigió El lugar de Nadia (2010) y Fotos sueltas (2010) que
participó en MARFICI y BAFICI.
A fairytale by a Danish writer and a
fleeting shadow on a wall become
intertwined on the Argentine highway.
Born in Buenos Aires in 1976. Grew
up in Denmark, where she worked in
television. Studied documentary film
in Buenos Aires and directed Nadia’s Place (2010), and Scattered
Photos (2010) (MARFICI, BAFICI).
Eres un princeso / You Are a Prince
Patricia Domínguez
Chile-Colombia | 2014
Digital video file
Nació en Chile en 1984. Su trabajo rastrea, modifica y transforma la genealogía de las relaciones de lo vivo. Es magister en Bellas Artes del
Hunter College, Nueva York, y licenciada en Arte
por la Universidad Católica de Santiago de Chile. Sus proyectos han sido presentados en diferentes museos y galerias.
You Are a Prince investigates the
modern relationship between people,
horses and plants in Latin America.
These relationships are products of
the second colonization of the land
by the drug cartels and their territorial
conquest in Latin America today.
When the Spanish introduced horses
to America through the Caribbean,
the indigenous viewed them as one
being, without differentiating their individual natures. Currently, the relationship between horses and humans
has become a different hybrid: a
horse, a caregiver and a piece of land
represented by decorative palms.
Personal stories intersect in the
Santa Leticia stable, where 14-and
15-year-olds take care of horses and
different types of tropical palms. They
all establish such physical and emotional closeness, that their bodies and
subjectivities become strange emergencies through everyday actions.
Born in Chile in 1984. Her work
traces, modifies and transforms the
genealogy of relationships between
living things. She holds a Master’s in
Fine Arts from Hunter College New
York, and is a graduate of the Catholic Arts University, Santiago, Chile.
Her projects have been presented
in several galleries and museums
around the world.
. 39
catálogo BIM 2014
Eres un princeso investiga la relación actual entre personas y caballos, producto
de la segunda colonización del terreno colombiano realizada por el mundo narco y su
conquista territorial, luego de la conquista
española. Cuando los españoles introdujeron los caballos en América, los indígenas
los vieron como un solo ser, sin diferenciar
sus individualidades. Un ser que fue considerado como una divinidad, según la narrativa española. Eres un princeso propone la
creación de un híbrido entre animal, humano y vegetal, basado en la imagen panamericana de la figura del español y su caballo.
Actualmente, la relación de los caballos y
sus patrones se ha transformado en un híbrido diferente: un caballo trofeo, un cuidador y una finca representada por diferentes
hojas de palmeras. En Eres un princeso,
historias personales que se entrecruzan
en el establo Santa Leticia estableciendo
tal cercanía física y emocional con los animales que sus cuerpos y subjetividades se
convierten en emergencias extrañas a través de acciones cotidianas de aseo y entrenamiento.
Estado laico / Secular State
André Luís Garcia
4’ | HD | Color | Mono
Digital video file
Un hecho histórico en Brasil: la llegada del
papa Francisco, el líder de la Iglesia católica, a Río de Janeiro, visto a través de los
ojos de los canales abiertos de televisión.
Nació en Porto Alegre, Brasil, en 1988. Graduado en cine por la Universidade de Vale do Rio
dos Sinos en 2010, el foco principal de su trabajo es explorar las cuestiones contemporáneas
de la imagen en tránsito entre el videoarte, el cine y la performance.
A historic event in Brazil: the arrival
of Pope Francis, the leader of the
Catholic Church, in Rio de Janeiro,
seen from the perspective of the terrestrial TV channels.
Is 25 (1998), born in Porto Alegre,
Brazil. He graduated in film studies
from the University of Vale do Rio
dos Sinos in 2010. The main focus
of his work is to explore contemporary questions of image, in transit
between video art, film and performance.
Éxodo / Exodus
Mario Bocchicchio
Argentina | 2014
4’ 36’’ | Super 8 | Color - ByN / ColorB&W | Muda / Silent
Proyección / Screening: Super 8
Nació en el barrio de Boedo, Buenos Aires, en
septiembre de 1978. Estudió diseño gráfico y filosofía en la Universidad de Buenos Aires (UBA)
y realización de cine y video en el Centro de Investigación y Experimentación de Video y Cine
(CIEVYC). Asistió a los talleres de cine experimental de Claudio Caldini (2008), grabación de
campo dictado por Alan Courtis (2010) y clínica de obra con Fabián Burgos (2009). Desde
2011 expone sus pinturas en la galería Cobra,
en muestras individuales y colectivas. Participó
en las ediciones 2012 y 2013 de arteBA. Como cineasta recibió el premio Georges Méliès
en el año 2005 y sus películas participaron de
muestras y festivales tanto a nivel local como internacional. Desde el año 2008 trabaja como
montajista de las películas del director Gustavo
Fontán.
“The day of one hundred dead,
meaningless hours. A miraculous
rage was necessary to overcome
so many trials and attain the ideal
of the hesychia, this living silence
of the heart and mind in which God
could grow like a great flower”.
Héctor Murena, Visions of Babel
Born in the Boedo neighbourhood
of Buenos Aires, in September
1978. He studied Graphic Design
and Philosophy at the University of
Buenos Aires (UBA) and film and
video production at the Film and
Video Research and Experimentation Centre (CIEVYC). He attended workshops by Claudio Caldini (2008, experimental film), Alan
Courtis (2010, field recording) and
Fabián Burgos (2009, work clinic).
He has exhibited his paintings at the
Cobra Gallery since 2011, at individual and collective exhibitions, and
at the 2012 and 2013 editions of
Arteba. As a filmmaker he received
the Georges Méliès Award in 2005
and his films have participated at
local and international shows and
festivals. Since 2008 he has been
working as an editor on the films of
director Gustavo Fontán.
. 41
catálogo BIM 2014
“El día de cien horas muertas, sin sentido.
Milagroso furor era necesario para vencer
tantas pruebas y llegar al ideal de la hesiquía, a ese vivo silencio del corazón y de
la mente en el que Dios podría crecer en
ellos como una gran flor”.
Héctor Murena, Visiones de Babel
Fotooxidación / Photooxidation
Pablo Mazzolo
Argentina | 2013
13’ | 16 mm | Color | Estéreo / Stereo
Proyección / Screening: 16 mm
Deselectronización de una entidad molecular como resultado de una fotoexcitación.
La luz incrementa el estado de oxidación a
la vez que libera electrones radicales libres.
La luz recorre el trabajo humano como una
fotodegradación natural. Se transforma
dentro de sus propios límites, desde la irradiación solar hasta su imposible percepción en la retina.
De-electronation of a molecular entity as a result of photoexcitation.
Light increases its oxidation state as
it releases free radical electrons.
Light passes through human work
as natural photodegradation. It mutates within its own limits, from solar
radiation to its impossible perception in a retina. —PM.
Nació en Buenos Aires en 1976. Estudió diseño de imagen y sonido en la UBA. Es realizador
audiovisual, montajista y docente. Su obra explora la relación entre la imagen, la luz y el tiempo
a través del medio. Sus filmes se han exhibido
en distintos museos, galerías y festivales como
New York Film Festival: Views from the Avant
Garde, Rotterdam Film Festival, Ann Arbor Film
Festival, Edinburgh Film Festival, entre otros.
Conjeturas (2013) ganó el primer premio en
Media City Film Festival (Canadá). Oaxaca Tohoku (2012) fue premiada por el Fondo Nacional de las Artes y por la BIM.
Buenos Aires, 1976, studied Image
and Sound Design at the University
of Buenos Aires. He is an audiovisual director, editor and lecturer. His
work explores the relationship between image, light and time through
a medium. His films have been
shown at various museums, galleries and festivals, including New York
Film Festival: Views From the Avant
Garde, Rotterdam Film Festival, Ann
Arbor Film Festival, and Edinburgh
Film Festival. Conjectures (2013)
won the first prize at the Media City
Film Festival (Canada). Oaxaca Tohoku (2012) won awards from the
National Arts Fund and the BIM.
Fragmentos de domingo / Fragments of Sunday
Benjamín Ellenberger
Este film nace por el simple deseo de capturar, documentar, guardar la luz de un espacio cotidiano que en poco tiempo dejaría
de habitar intentando que algo de aquella
atmósfera quede impregnado en las imágenes.
This film is conceived from the simple desire to capture, document and
keep the light of an everyday space
that I was about to leave, trying to
capture some of that atmosphere in
images.
Nació en Córdoba en 1983. Es realizador y
montajista. Entre sus trabajos se encuentran
Corte, Perforación y Tras la ventana. Ha sido invitado a participar en el 28º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata y ha expuesto su
obra en México, Brasil, Colombia, Chile y Perú.
Dicta talleres de found footage y desarrolla un
trabajo de investigación y archivo sobre cine doméstico.
Born in Córdoba, 1983. Filmmaker and editor. His many films include Cut, Perforation and Behind
the Window. He participated in the
28th Mar del Plata International Film
Festival, and his films have been
screened in Mexico, Brazil, Colombia, Chile and Peru. He currently
teaches workshops in Found Footage, and is doing research and archive work in domestic cinema.
. 43
catálogo BIM 2014
Argentina | 2013
03’ 34’’ | Super 8 | ByN / B&W | Muda /
Silent
Proyección / Screening: Super 8
Fresno / Fresno
Leandro Listorti
Argentina | 2014
3’ | Super 8 | Color | Muda / Silent
En la mitología nórdica, el árbol de la vida
Yggdrasil se cree que era un fresno (Fraxinus). El pueblo nórdico tenía una particular visión del mundo, en la que el espacio
no era único ni continuo y el universo estaba compuesto por distintos mundos que se
podían destruir y crearse otros nuevos. En
medio del caos y la destrucción, Yggdrasil siempre mantiene la calma protegiendo
a aquellos sobrevivientes de las catástrofes
con el fin de poblar un nuevo mundo. Fresno registra un año en la vida de uno de estos árboles.
Nació en Buenos Aires, Argentina. Realizó varios
cortometrajes, entre ellos Montevideo (2007) y
Amsterdam (2008). En el año 2010 dirigió su
primer largometraje, Los jóvenes muertos. Dicta clases de escritura y de realización cinematográfica, y desde el año 2005 es programador
del BAFICI. Es uno de los creadores de A.R.C.A.
(Archivo Regional de Cine Amateur). Actualmente trabaja en su segundo largometraje, Sombras
en el cuadro.
In Norse mythology, the Yggdrasil
tree of life is commonly held to be
an ash (Fraxinus). The Norsemen
had a very particular worldview, in
which space was not unique nor
continuous, and the universe was
made up of different worlds, where
could be destroyed and new ones
created. Amid the chaos and destruction, Yggdrasil always remains
calm, protecting the survivors of catastrophes so that they might populate a new world. Fresno shows one
year in the life of one of these trees.
Born in Buenos Aires, Argentina.
Has directed various shorts, including Montevideo (2007) and Amsterdam (2008). In 2010 he directed
his first feature film Dead Youth. He
teaches writing and film directing,
and has been a BAFICI programmer since 2005. He is one of the
creators of ARCA (Regional Amateur Film Archive). He is currently
working on his second feature film,
Shadows in the Frame.
Fui à Capadócia e lembrei de você / I Went to Cappadocia and I
Thought of You / Fui a Capadocia y me acordé de ti
Larissa Figueiredo
Quería volar;
usted me sugirió que tenía raíces.
Me cansé de ser un turista.
decidí volver.
Llego ahora.
I wanted to fly;
you suggested I had roots.
I got tired of being a tourist.
I decided to go back.
I’m going home now.
Nació en Brasilia y estudió literatura en la UnB,
hizo una Maestría en Teoría de Cine en la Universidad Lumière Lyon 2, en Francia, Artes Visuales/Cine en la Haute École d’Art et Design
de Ginebra, Suiza, donde tomó clases con artistas como Joana Hadjithomas y Khalil Joreige,
Miguel Gomes, Mathieu Amalric y Albert Serra.
En 2011 pasó 40 días en Tailandia durante un
taller impartido por el artista Apichatpong Weerasethakul. En 2012 vivió en la Argentina, donde
realizó un intercambio en la Universidad del Cine
y participó en el Talent Campus Buenos Aires,
vinculado a la Berlinale. En agosto y septiembre
de 2012, participó de una residencia artística
en Capadocia, Turquía, que dio como resultado,
entre otros proyectos, el documental Postales
desde Kapadokya, en producción, y el cortometraje Fui a Capadocia y me acordé de ti, exhibido en el 16º Festival de Cine de Tiradentes y en
el 23º Festival Internacional de Cortometrajes de
Río de Janeiro. Su primer largometraje, El toro,
protagonizado por la actriz portuguesa Joana de
Verona y producido por Tu i Tam Filmes, recibió
recientemente el premio a la finalización del fondo suizo Visions Sud Est.
Brasilia. She studied Literature at
the University of Brasilia, took a Master’s in Film Theory at Lumière University Lyon 2, France, and Visual
Arts/Film at Geneva University of Art
and Design, Switzerland, where she
took classes with such artists as Joana Hadjithomas and Khalil Joreige,
Miguel Gomes, Mathieu Amalric and
Albert Serra. In 2011, she spent 40
days in Thailand, taking a workshop
with the artist Apichatpong Weerasethakul. In 2012 she lived in Argentina, where she did a placement at
the Universidad del Cine and participated in Talent Campus Buenos Aires, part of the Berlinale. In August
and September 2012, she took an
artistic residency in Cappadocia,
Turkey, which among other projects
led to Postcards from Kapadokya, in
production, and the short I Went to
Cappadocia and I Thought of You,
screened at the 16th Tiradentes Film
Festival and the 23rd Rio de Janeiro
International Short Film Festival. Her
first feature film, The Bull, starring
Portuguese actress Joana de Verona, recently received a prize from the
Swiss fund Visions Sud Est.
. 45
catálogo BIM 2014
9’ | HD | Color | Estéreo / Stereo | Muda /
Silent
Digital video file
Huancayo / Huancayo
Camila Donata Ciccone
Argentina | 2014
37’ | HD | ByN / B&W | Estéreo / Stereo
Digital video file
El viaje comienza en la Estación Constitución, uno de los polos ferroviarios más importantes de Buenos Aires, el que une una
significativa porción del conurbano bonaerense y gran parte del sur del territorio nacional. Allí se pueden vislumbrar postales
de paisajes en los que sujetos condicionados a conductas gregarias transitan presos
de una rutina. Juana es el personaje central de la historia; con una cartografía propia, su imaginación trasciende el tiempo
y el espacio. El viaje adquiere estatus de
símbolo, de metáfora y permite cargarlo de
diversos sentidos. A través de la ventanilla
de un tren, Huancayo recorre las montañas
más altas, los túneles más extensos y las
oscuridades más profundas.
Nació en El Salvador el 18 de diciembre del
1974, donde vivió sus dos primeros meses de
vida, luego su familia se radicó en Buenos Aires.
En el año 2003 comenzó la carrera de Dirección
de Fotografía en la Universidad del Cine y en
el 2004 realizó el cortometraje Esbozo, que se
exhibió en diferentes muestras. Desde el 2011
realiza el Taller de Videoarte en el Complejo Penitenciario IV de Mujeres en Ezeiza.
The journey begins at Constitución
Station, one of the most important
railway termini in Buenos Aires, connecting a significant portion of the
Buenos Aires metropolitan area and
much of the south of the country.
There, you can glimpse postcards
of landscapes where subjects move,
conditioned to the ordinary behavior
of the herd, like prisoners of a routine. Juana is the central character
of the story, with her own roadmap,
her imagination transcending time
and space. The trip takes on a symbolic, metaphorical status, loading
it with different meanings. Through
the window of a train, Huancayo
crosses the highest mountains, the
longest tunnels and the deepest
darkness.
Born in El Salvador on 18 December 1974, where she lived for the
first two months of her life before
her family moved to Buenos Aires.
In 2003 she started the Direction of
Photography course at the Universidad del Cine. In 2004 she made the
short Sketch, which was screened
at different festivals. Since 2001
she has been running a video art
workshop at the 4th Women’s Penitentiary Centre in Ezeiza.
Inconstante. Adj. No estable ni permanente /
Inconstant. Adj. Neither Stable nor Permanent
Rocío Gauna y
María Victoria Ferrari
Inconstante es un video de carácter experimental, una reflexión poética sobre el paso del tiempo en el cuerpo cuatro mujeres.
Inconstant is an experimental video,
a poetic reflection of ageing in the
bodies of four women.
Inconstante nace en el marco de la materia Diseño Audiovisual III de la cátedra Campos / Trilnick como culminación de la carrera de Diseño
de Imagen y Sonido de la Universidad de Buenos Aires. Es el primer proyecto experimental
de la dupla Rocío Gauna y María Victoria Ferrari, quienes actualmente trabajan en un proyecto documental con el apoyo del Fondo Nacional
de las Artes.
Inconstant came about in the context of the Audiovisual Design 3
course taught by Campos / Trilnick,
at the conclusion of the Image and
Sound Design degree at the University of Buenos Aires. It is the first
experimental project by the duo Rocio Gauna and María Victoria Ferrari,
who are currently working on a documentary project with the support of
the National Arts Fund.
. 47
catálogo BIM 2014
Argentina | 2013
Digital video file
Isla Alta / Isla Alta
Federico Adorno
Paraguay | 2011
Digital video file
Un ganadero paraguayo se encuentra desaparecido. Campesinos del pueblo de Isla
Alta observan mientras una familia acaudalada busca al ganadero.
A Paraguayan rancher is missing.
Peasants from the Isla Alta village
watch as a wealthy family search for
the rancher.
Nació en 1982 en Carapeguá, Paraguay. Estudió ciencias de la comunicación en la Universidad Católica de Asunción y es diplomado en actuación y dirección teatral por CI&DT El Estudio
de Asunción. Ha realizado cinco cortometrajes y
actualmente se encuentra desarrollando su primer largometraje de ficción.
(1982) was born in Carapeguá, Paraguay. He studied Communication
Sciences at the Catholic University
of Asunción and holds a diploma
in acting and theatre directing from
CI&DT El Estudio in Asunción. He
has made five short films and is currently developing his first fiction feature film.
La extensión / Vast
Christian Delgado y
Nicolás Testoni
Argentina | 2014
Digital video file
Christian Delgado (La Plata, 1972) y Nicolás
Testoni (Bahía Blanca, 1974) colaboran, desde 2004, en la realización de videos y videoinstalaciones. En 2014 recibieron una mención en
la Bienal del Museo de Arte Contemporáneo de
Bahía Blanca y el primer premio del Festival Latinoamericano de Videoarte de Buenos Aires
(FLAVIA).
Vast is a film which, adapting its
times to the geographical location
it portrays –the plain on the imaginary line that separates the Argentine provinces from Buenos Aires
and the Pampas–, cannot ‘end’. The
question arising from the images is,
perhaps, as old as our country: how
to conceive of this expanse which is
almost boundless territory, immeasurable in its physical and social dimension, as a common space?
Christian Delgado (La Plata, 1972)
and Nicolás Testoni (Bahía Blanca,
1974) have worked together since
2004 on videos and video installations. In 2014 they received a mention at the 2014 Biennale of the Museum of Contemporary Art of Bahía
Blanca and the first prize from the
Buenos Aires Latin American Festival of Video Art (FLAVIA).
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catálogo BIM 2014
La extensión es una película que, adecuando sus tiempos al espacio geográfico que
retrata –la llanura sobre la línea imaginaria
que separa a las provincias argentinas de
Buenos Aires y La Pampa–, no puede terminar. La pregunta que crece entre estas
imágenes tiene tal vez la misma edad de
nuestro país: ¿cómo concebir un territorio
casi inabarcable, inconmensurable en su
dimensión física, pero también social, como un espacio común?
La motivación en el trabajo / Motivation at Work
Benjamín Ellenberger
Argentina | 2013
04’ 46’’ | 16 mm | Color | Mono
Apropiación y manipulación de un film institucional en 16 mm a partir de un mismo
patrón durante toda la película: borrado de
imagen y sonido cada 24 fotogramas (equivalente a un segundo). Esta intervención
hace visible el desfasaje entre imagen y sonido durante la proyección; entrecortando
el discurso del film, llegan palabras sueltas
que generan nuevas lecturas de su contenido.
Nació en Córdoba en 1983. Es realizador y
montajista. Entre sus trabajos se encuentran
Corte, Perforación y Tras la ventana. Ha sido invitado a participar en el 28º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata y ha expuesto su
obra en México, Brasil, Colombia, Chile y Perú.
Dicta talleres de found footage y desarrolla un
trabajo de investigación y archivo sobre cine doméstico.
Appropriating a 16mm institutional
film, Ellenberger manipulated it using the same pattern throughout
the entire film, erasing picture and
sound every 24 frames (equivalent
to one second). This intervention
created a visible mismatch between
the image and sound of the projection. From the broken speech of the
film, we can make out single words,
generating new readings from the
content.
Born in Córdoba, 1983. Filmmaker
and editor. His many films include
Cut, Perforation and Behind the
Window. He took part at the 28th
Mar del Plata International Film
Festival, and his films have been
screened in Mexico, Brazil, Colombia, Peru and Uruguay. He currently
teaches courses in Found Footage,
and is doing research and archive
work on domestic cinema.
Los puntos internos / The Internal Points
Sergio Subero
Argentina | 2013
4’’ | 16 mm | Color | Muda / Silent
Proyección / Screening: 16 mm (18 fps)
Nació en Buenos Aires en 1981. Es cineasta,
curador y librero. Programó el ciclo de cine y video del MAMBA. Actualmente es curador independiente y trabaja en COBRA. Su obra se exhibió en Anthology Film Archives (Nueva York), TIE
(Colorado y Museo de Arte Latinoamericano de
Buenos Aires), Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI, Buenos Aires) y el Festival Internacional de Cine de Mar
del Plata (Buenos Aires), entre otros.
Film diary where the process of the
perspective is internal: “seeing” as
an impression. An impulse to feel
the light not only as radiation or colour, but also as heat. The eyes as
half-closed windows.
Born in Buenos Aires in 1981. He
is a filmmaker, curator and bookseller. He has programmed the
MAMBA film and video cycle. He is
currently an independent curator
and works at COBRA. His work has
been exhibited at Anthology Film Archives (New York), TIE (Colorado
and Museum of Latin American Art
of Buenos Aires), Buenos Aires International Independent Film Festival (BAFICI, Buenos Aires) and Mar
del Plata International Film Festival
(Buenos Aires), among others.
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catálogo BIM 2014
Diario fílmico en el que el proceso de la mirada es interno: el “ver” como impresión.
Una pulsión a sentir la luz no solo como radiación o color, sino también como calor.
Los ojos como ventanas entrecerradas.
Mi horizonte / My Horizon
Carlos Ariel Marulanda
Cortés
Argentina | 2013
5’ 51’’ | HD - Processing | Color |
Estéreo / Stereo
Digital video file
A través de las experiencias personales de
habitar una ciudad vista desde lo íntimo de
los recuerdos, se presenta la unión de dos
perspectivas de la silueta de una ciudad;
desde el campo y desde la urbe, lugares
contrapuestos geográficamente y unidos
en una misma experiencia de texturas visuales y ambientes sonoros. Mi horizonte
es una exploración plástica de la memoria
y del tiempo.
Diseñador visual de la Universidad de Caldas
(Colombia), especialista en video y tecnologías
digitales y estudiante de la Maestría en Teoría
del Diseño Comunicacional en la Universidad de
Buenos Aires. Se ha desempeñado en el área
del diseño audiovisual, en largometrajes y cortometrajes de ficción, publicidad, video experimental, videoarte, performances audiovisuales y VJ.
Ha realizado exposiciones artísticas, individuales
y colectivas, en espacios como el Festival Internacional de la Imagen en Manizales (Colombia),
en el Salón Regional y en el Salón Nacional de
Artistas en Colombia.
From personal experiences and intimate memories of living in a city, I
show the synergy from two perspectives of a city’s silhouette: the rural
and the urban. Thus we have two
geographically juxtaposed places
which merge in a unified experience
of both visual textures and sound
environments. My Horizon showcases a plastic exploration of memory
and time.
Visual designer from the University
of Caldas, Colombia, specialising in
video and digital technologies, and
a Master’s student in communication design theory at the University
of Buenos Aires. He has worked in
the area of audiovisual design, on
feature films and fiction shorts, publicity, experimental video, video art,
audiovisual performances and as a
VJ. He has exhibited both individually and as a group at The International Festival of the Image in Manizales,
Colombia, and at the Regional Artists Salon and the National Artists
Salon of Colombia.
Mónica / Mónica
Fernando Llanos
México / Mexico | 1995-2013
13’ 43’’ | VHS | Color | Estéreo / Stereo
Digital video file
Nació en México en 1974 y es un artista experimental considerado referente en el mundo latinoamericano por su experimentación en el video. Su trabajo ha sido presentado en más de
veinte países, en lugares como el Guggenheim
de Nueva York, el Festival de Nuevo Cine y Nuevos Medios en Montreal, el World Wide Video
Festival en Ámsterdam y el Transmediale de Berlín, entre otros. Ha publicado 18 libros y 5 DVD.
Es miembro del Sistema Nacional de Creadores.
When I was 18, I went to a cheap
motel with my first girlfriend. We
wanted to record ourselves having
sex. We filmed for two hours but
never consummated the act. A true,
autobiographical story of desire, interrupted by the conflicts of adolescence.
Born in Mexico in 1974, an experimental artist, considered a leading
figure in video experimentation in
Latin America. His work has been
presented in over twenty countries,
in places such as the New York
Guggenheim, the Montreal Festival
of New Cinema and New Media,
the World Wide Video Festival in
Amsterdam, and at the Berlin Transmediale, etc. He has published 18
books and released 5 DVDs. He is
a member of the National System of
Creators.
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catálogo BIM 2014
Cuando tenía 18 años fui a un motel barato con mi primera novia; nos queríamos
grabar teniendo sexo. Grabamos durante
dos horas pero nunca consumamos el acto. Una historia de deseo real y autobiográfico interrumpida por los conflictos típicos
de la adolescencia.
Napoleón / Napoleon
Andrés Felipe Gatto
Argentina | 2013 24’ 50’’ | HD 5760x1080 | Color |
Estéreo / Stereo
Digital video file Niego tu inexistencia y la oculto de mi vista, y de la vista de todos: para negarte a
vos como no ser y negarme a mí como un
posible dejar de ser. No estoy, me muevo
a estar bajo estas condiciones y bajo toda
esa tierra. Aunque quizás pueda ser soportable: vení muerto, sé conmigo el resto de
camino sin tiempo, anclado en esto, anclado en mí, anclado en acá. Nunca más será ahora, existe un más allá de este dolor.
Quizás si te cargo, de aquí a aquí, de aquí
a allá, de allá afuera de mi vida. Siento que
te fuiste pero todavía te veo. Te huelo, te
miro, te extraño. Napoleón se desarrolla sobre el proceso de duelo, la separación del
sujeto por sobre un cuerpo “sujeto” y objeto. Dividida la pantalla en tres marcos, propone una reflexión necesaria a través del silencio, de lo que no está dicho, en la unión
y en su negación. En lo simultáneo intentan
evocarse en el presente y en la memoria.
nació en Buenos Aires en 1988 y es realizador.
Egresado la carrera de Diseño de Imagen y Sonido de la UBA, donde desempeña hace cinco
años la docencia. Recibido en dirección de fotografía en el SICA, ha trabajado en diversos medios y propuestas audiovisuales, entre los que
se destacan la participación en el documental
Al otro lado, de Sofía Quirós (2011) y el proyecto Centro clandestino de detención y tortura (2013). Actualmente integra el grupo creativo
COBRA y en lo personal está desarrollando una
nueva obra experimental.
I deny your existence and hide it from
my sight, and from the sight of others. To deny you as a non-being and
to deny myself as a may-stop-being. I’m not here, I move to be under
these conditions, and under all that
earth. Though it may be bearable:
come dead, be with me the rest of
the timeless way, anchored to this,
anchored to me, anchored to here.
Never will it be now again, something beyond this pain exists. Maybe
if I carry you, from here to here, from
here to there, from there to out of my
life. I feel you gone but I can still see
you. I smell you, look at you, miss
you. Napoleon develops during the
process of mourning, the separation
of subject over a body that is subject
and object. On three screens inside
one, it proposes a necessary reflection through silence, of what is not
said, in its union and in its denial.
Andrés Felipe Gatto Buenos Aires,
1988. Director. Graduatedin Image
and Sound Design from the University of Buenos Aires. Graduated in
Direction of Photography from the
SICA. He has worked in various audiovisual media and projects, including participation in the documentary
On The Other Side by Sofía Quirós
(2011), and the Clandestine Detention and Torture Centre project
(2013). He is currently part of the
COBRA creative group.
Ocho construcciones imaginadas por ocho obreros de construcción /
Eight Constructions Imagined by Eight Construction Workers
Eliana Otta Vildoso
Animación hecha con dibujos realizados
por obreros de la construcción a los que,
cuando salían del trabajo, se les preguntó: “¿Qué construirías si pudieras construir lo que tú quisieras?”. El sonido de la
construcción en curso es el escenario en el
que estos trabajadores se enfrentan a una
pregunta que, como alguno de ellos dice,
“nunca había pensado”.
Video animation with drawings made
by construction workers who Eliana
Otta Vildoso approached as they
left work, asking “What would you
build if you could build anything you
wanted?” The sound of construction
underway is the background as they
face a question that, as one of them
says “I’ve never thought about it.”
Es artista visual. Ha expuesto individual y colectivamente en ciudades como Nueva York (Jewish
Museum, 2014), Londres (Tate Gallery, 2013),
Barcelona (Tasneem Gallery, 2011), Cali (Lugaradudas, 2010). Entre otras distinciones, ganó el Concurso de Obras Cinematográficas de
Cortometraje Experimental 2013. Cofundadora
del espacio Bisagra, perteneció al colectivo de
artistas La Culpable y a La Casa Rosa. Cursa
la Maestría en Estudios Culturales de la PUCP.
Visual artist. She has exhibited individually and collectively in such cities as New York (Jewish Museum,
2014), London (Tate Gallery, 2013),
Barcelona (Tasneem Gallery, 2011),
Cali (Lugaradudas, 2010). Among
other distinctions, she has won the
2013 Competition for Experimental
Short Film Works. She is the cofounder of the Bisagra space, and
was part of the artists collective La
Culpable and La Casa Rosa. She is
studying for a Master’s in Cultural
Studies at the PUCP.
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catálogo BIM 2014
Perú / Peru | 2012
Digital video file
Presque vu / Punta de la Lengua / Presque Vu
Cecilia Araneda
Chile-Canadá / Canada | 2013
04’ 13’’ | HD | Color - ByN / B&W |
Estéreo / Stereo
Digital video file
Una combinación de elementos de película e imágenes de alta resolución revela un
pasado misterioso. Aunque los fragmentos
de la memoria parecen a punto de formarse de nuevo, el recuerdo nos elude.
Lush hand-crafted film footage and
HD images combine to reveal a
mysterious past through remnants
of a memory that is almost remembered, but ultimately escapes us.
Nació en Chile y reside en Canadá. Su obra se
caracteriza por una experimentación con la materia cinematográfica, con las texturas y los colores de la película, elementos utilizados de forma
simbólica para hablar del paso del tiempo y de
su efecto en los recuerdos. Araneda fue objeto en 2010 de una retrospectiva en el Canadian
Film Institute (Ottawa). Actualmente, es directora general del Winnipeg Film Group.
Was born in Chile and resides in
Canada. her work is characterized
by experimentation with film material, with film textures and colours,
elements used symbolically to speak
of the passing of time and their effect on memories. Araneda was the
subject of a 2010 retrospective at
the Canadian Film Institute (Ottawa). She is currently general director of the Winnipeg Film Group.
Producto nacional / National Product
María José Ayarza Peillard
Chile | 2014
Digital video file
Videoartista chilena nacida en 1991. Se especializó en el área audiovisual y síntesis de música electroacústica en la Universidad Católica.
Ha colaborado en diversos proyectos audiovisuales que incluyen películas, cortometrajes y
videoclips. Ha obtenido diversos reconocimientos a nivel internacional y firmó en 2011 contrato
con la galería española Ob-art. Su investigación
se centra en la deconstrucción de la imagen publicitaria y la performance, la acumulación y el
cruce semiótico del footage son sus estrategias
preferidas.
The video explores the different
ways of representing female characteristics through various commercials aired on Chilean TV. We can
recognise a combination of national and international ads that create
a beauty ideal very close to the one
we see in the First World. Far from
generating needs, this advertising
seeks to appeal to those needs we
already have, like emotional security,
gratification of the ego, or a sense
of dignity.The title is an ironic reference to the way we build ourselves
with foreign identity elements, and
how attainment of a product is
linked to certain physical characteristics and illusory lifestyles.
(1991) Chilean video artist, specialising in the audiovisual area and
synthesis of electroacoustic music
at the Catholic University of Chile.
She has collaborated on various audiovisual projects, including films,
shorts and video clips. She has received various international awards
and in 2011 signed a contract with
the Spanish gallery Ob-Art. Her research focuses on the deconstruction of the advertising image, and
her preferred strategies are performance, accumulation and semiotic
crossing of footage.
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catálogo BIM 2014
Video que explora la representación de los
caracteres femeninos en la tanda comercial
televisiva (en este caso, chilena). Se puede advertir una mezcla de comerciales extranjeros y locales que, en conjunto, forman
un ideal de belleza cercano a los estándares de primer mundo. Esta publicidad, lejos
de generar necesidades, pretende explotar
aquellas que ya tenemos, como la de seguridad emocional, la gratificación del ego o
el sentido de dignidad. El título ironiza sobre cómo nos construimos mediante elementos identitarios foráneos y cómo se liga
la obtención del producto con la proyección de ciertas cualidades físicas y estilos
de vida ilusorios.
Rombo (Las horas, Flores en el cielo) /
Rhombus (The Hours, Flowers in the Sky)
Leandro Katz
Argentina | 2011
Digital video file
Varios grupos de gente que esperan para
cruzar la calle son fotografiados desde una
perspectiva elevada. Esta secuencia fotográfica fija es luego tratada con elementos gráficos y color enfocando la mirada
en distintas situaciones sociales sugeridas
por cada toma fotográfica. La música y el
sonido del tráfico se sugieren hacia el final
ante la presencia de una mujer que toca un
bandoneón.
Artista, escritor y realizador argentino conocido por sus películas y sus instalaciones fotográficas. Sus obras incluyen proyectos de largo
término que abordan temas latinoamericanos e
incorporan la investigación histórica, la antropología y las artes visuales. Ha producido 18 libros
de artista y 17 películas narrativas y no narrativas. Su ensayo documental El día que me quieras (1997) recibió el Premio Coral en el Festival
de Cine Latinoamericano de La Habana, entre
otros. Desde 1965 hasta 2006 vivió en Nueva York, donde condujo actividades académicas y creativas. Reside ahora en Buenos Aires.
Su muestra Arrebatos, diagonales y rupturas se
exhibió recientemente en el Espacio Fundación
Telefónica con curadoría de Bérénice Reynaud.
Several groups of people waiting to
cross the street are photographed
from an elevated perspective. This
still photographic sequence is then
treated with graphic and colour elements, focusing the perspective
on different social situations suggested by each take. Music and the
sound of traffic are also suggested
towards the end when a woman appears in the scene, playing a bandoneon.
Argentine artist, writer, and filmmaker, known for his films and his photography installations, his works include long-term projects that deal
with Latin American subjects, incorporating historical research, anthropology, and visual arts. He has
produced eighteen books and artist
books, and seventeen narrative and
non-narrative films. His documentary
essay The Day You Love Me (1997)
received the Coral Prize at the Latin American Film Festival, Havana,
among others. From 1965 until
2006 he lived in New York where he
led creative and academic activities.
He currently lives in Buenos Aires.
His exhibition Raptures, Diagonals
and Ruptures was recently shown at
Espacio Fundación Telefónica, curated by Bérénice Reynaud.
Shadowplay / Shadowplay
Gustavo Caprín
Argentina-España / Spain | 2013
Proyección / Screening: Archivo
digital / Digital video file
Nació en Buenos Aires en 1968. En 1991 finalizó sus estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón de Buenos Aires
y egresó como profesor nacional de Pintura. En
2005 obtuvo el diploma de Estudios Avanzados
(DEA) de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona. Ha realizado numerosas
exhibiciones de su obra en Latinoamérica, Europa, Estados Unidos y Canadá. Desde 2001 reside y trabaja en Barcelona, España.
The video explores the relationships
between various everyday objects in
a clear attitude of innocence and/
or ignorance. In a context of almost
total absence of light, the four actions (Drawing, Figure in H0 scale,
75º and Dynamics) appear as a curious series of scientific tests or exercises. The materials (cardboard, water, fire and light) enter into a world
of games and scenarios of a fragile
appearance, where the only order is
represented by the flickering light of
a lantern. The work is part of a series
of videos and photographs inspired
by the artist Franz Erhard Walther
(Germany, 1939), especially his series Handlungsstücke (Action Pieces) from the 60’s.
Born in Buenos Aires in 1968. In
1991 he completed his studies at
the Prilidiano Pueyrredón School
of Fine Arts in Buenos Aires with a
teacher’s qualification in painting
. In 2005 he obtained the Diploma
in Advanced Studies (DEA) from the
Faculty of Fine Arts of the University
of Barcelona. He has held numerous
exhibitions of his work in Latin America, Europe, the USA and Canada.
He has lived and worked in Barcelona since 2001.
. 59
catálogo BIM 2014
El video explora, en una clara actitud de
inocencia y/o ignorancia, las relaciones entre diversos objetos de uso cotidiano. En
un contexto de ausencia casi total de luz,
las cuatro acciones (dibujo, figura en escala H0, 75º y dinámica) aparecen como una
curiosa serie de pruebas o ejercicios científicos. Los materiales (cartón, agua, fuego
y luz) entran en un mundo de juegos y escenarios de una apparience frágil en la que
el único orden lo representa la temblorosa
luz de una linterna. La obra forma parte de
la serie de videos y fotografías dedicada
al artista Franz Erhard Walther (Alemania,
1939), especialmente a sus obras denominadas Handlungsstücke (piezas de acción)
de los años sesenta.
Solitude (On Light and Duration) /
Soledad (sobre luz y duración)
Pablo Mollenhauer
Chile-Reino Unido / UK | 2014
La película toma la forma de una estructura hecha mediante conexiones materiales
y sensoriales. Luz y duración, sonido y visión son entrelazados a través del aparato de grabación cinematográfica para revelar vínculos entre los ritmos de la ciudad
y la naturaleza, lo humano e inhumano. La
película es una yuxtaposición de dos mundos sensoriales que convergen en un lugar
del suburbio de Londres. Este lugar de soledad, en el patio trasero de la maquinaria
productiva de la gran ciudad, constituye
una metáfora de nuestra relación contemporánea con la existencia y la muerte.
Cineasta experimental con base en el Reino Unido. Sus obras han sido presentadas en cuatro
continentes en diversos festivales y galerías de
arte. Actualmente, es candidato a doctorado de
la universidad de Westminster en Londres. Su
objeto de estudio explora la interactividad en el
cine como proceso relacional entre los miembros de la audiencia.
The film takes the shape of a structure made of material and sensorial connections. Light and duration,
sound and vision are interwoven
through the cinematographic recording equipment to unveil hidden
relations between the rhythms of
the city and nature, the human and
inhuman. The film is a juxtaposition
of two sensorial worlds which converge in a place in a London suburb.
This place of solitude, located in the
backyard of the vertiginous productive machinery of the big city, constitutes a metaphor of our contemporary relationship with the concept of
existence and death.
Is an experimental filmmaker based
in the UK. His works have been exhibited on four continents at various
festivals and art galleries. He is currently applying for a PhD at the University of Westminster in London.
His studies explore interactivity in
film as a relational process among
members of the audience.
Tabula rasa / Tabula Rasa
Jonathan Perel
Argentina | 2013
Digital video file
Nació en 1976. Cursó la Licenciatura en Artes
de la Facultad de Filosofía y Letras (UBA). Filmó
los largometrajes Tabula rasa, 17 monumentos
y El predio, y los cortometrajes 5 (cinco), Los
murales y Las aguas del olvido. Sus películas
han sido seleccionadas en diversos festivales internacionales: BAFICI, FID Marseille, Rencontres
Internationales París/Madrid/Berlín y La Habana,
entre otros.
A few architectural shots, graphics of
abstract shapes that slowly turn into
recognizable images, pictures of facades, and descriptive texts. Perel
returns to the place where the Clandestine Center of Detention, Torture,
and Extermination –the ESMA– once
operated. But this time, his approach is different. Not only because
he goes into it from a physical perspective that is different from his entry into the social imaginary, but also
because his approach aims to contemplate not so much the building of
a new place, but the destruction of
space. This annihilation tears down a
lot more than just columns, cement,
and girders. Between the River Plate
and a city, with its back to it, misses
out on everything that happens, Tabula Rasa salvages a fraction of the
urban landscape (the back of the Naval School) that remains anonymous
to most citizens who pass through
that fraction of Avenida Lugones.
Jonathan Perel (1976). Graduated
in Arts from the Faculty of Philosophy
and Letters (University of Buenos Aires). He has filmed the feature films
Ta- bula Rasa, 17 Monuments and
The Grounds and the shorts 5 (five),
The Murals and Oblivion Waters. His
films have been selected in: BAFICI,
FID Marseille, Rencontres Internationales Paris / Madrid / Berlin, Havana,
among others.
. 61
catálogo BIM 2014
Unos planos arquitectónicos, gráficos de
formas abstractas que poco a poco se
convierten en imágenes reconocibles, fotos de fachadas, textos descriptivos. Perel vuelve al predio en el que funcionó un
Centro Clandestino de Detención, Tortura y Exterminio, la ESMA, pero esta vez su
aproximación es distinta. No solo porque
se adentra desde un lugar físico diferente
al que representa su entrada en el imaginario social, sino también porque su acercamiento tiene como objeto contemplar ya no
la construcción de un nuevo lugar, sino la
destrucción del espacio. Esa aniquilación
hace caer mucho más que columnas, cemento y vigas de metal. Entre el Río de la
Plata y una ciudad que, al estar de espaldas no ve nada, a Tabula rasa le lleva menos de una hora rescatar una fracción del
paisaje urbano (la parte trasera de la Escuela de Mecánica de la Armada), anónima para la gran mayoría de los ciudadanos
que pasan veloces por esa fracción de la
Avenida Lugones, que, una vez reconocida,
nos obliga nuevamente a pensar las relaciones entre memoria, espacio y sociedad.
The Salvador Cresta´s Home-Videos Vol. 13: Mierda azul /
The Salvador Cresta´s Home-Videos Vol. 13: Blue Shit
Salvador Cresta
Argentina | 2014
17’ 09’’ | SD | Color | Estéreo / Stereo
Este trabajo de Salvador Cresta, posiblemente el más quijotesco de su obra, indaga sobre la posibilidad de la reencarnación
como castigo eterno. Con más abundancia
de material propio que el de reapropiación
y collage que lo caracteriza, Mierda azul
usa la posibilidad de otras vidas para adentrarse en arquetipos de Córdoba, donde el
autor reside. “Yo soy Otro. Tú. Mi problema
es TUYO”, dice el personaje-autor parafraseando a Rimbaud a través de los usuales
subtítulos que utiliza. Angustia existencial,
fernet y desprendimientos de un yo alienado y desnudo, literal y metafóricamente,
conviven dentro de este cut-up audiovisual, en el que el uso de sí mismo como
plataforma paródica terminará de darle envión a este delirante viaje autobiográfico.
Nació en 1984 en Moreno, provincia de Buenos
Aires y actualmente reside en Córdoba. Autodidacta, se dedica a la producción artística independiente. Su obra audiovisual consta de 13
collages autobiográficos, los Salvador Cresta´s
Home-Videos, que conviven con su música. Sus
discos y videos son manufacturados artesanalmente por el autor, que los difunde a pedido en
cajas-collage de tirada única. Realiza continuamente trabajos en colaboración con artistas independientes de estas y otras latitudes.
This piece by Salvador Cresta, possibly the most quixotic of his work,
investigates the possibility of reincarnation as an eternal punishment.
With more abundance of his own
material than his typical use of reappropriation and collage, Blue Shit
uses the possibility of other lives
to explore archetypes of Córdoba,
where the author resides. “I am Other. You. My problem is YOURS” says
the character/author, paraphrasing
Rimbaud, through the usual subtitles that he uses. Existential angst,
Fernet and insights of an “I” that is
literally and metaphorically alienated and naked coexist within this
audiovisual cut-up, in which the use
of himself as a parodic platform ultimately gives momentum to this delirious autobiographical trip.
Born in 1984 in Moreno, Province
of Buenos Aires, currently resides
in Córdoba. Self-taught, he works
in independent artistic production.
His audiovisual work consists of 13
autobiographical collages, Salvador
Cresta’s Home Videos, which are
accompanied by his music. His records and videos are crafted by the
author, distributing them on request
in single edition collage boxes. He
is continuously working in collaboration with independent artists from
Argentina and elsewhere.
The Things / Las cosas
Ilich Castillo
Ecuador | 2012
5’ 30’’ | SD | ByN / B&W | Estéreo /
Stereo
Nació en Guayaquil en 1978 y estudió Artes Visuales en el ITAE y en la Universidad Casa Grande Guayaquil, es programador del Cineclub del
ITAE. Entre sus recientes exhibiciones se incluyen: Inter-American Biennial of Video Art, (BID)
Washington, 15th Edition Festival des Cinémas Différents et Expérimentaux de París, ESPACIO SÍ-LUGAR NO, Casa Barrio Domingo Savio
(Guayaquil), 8º Festival de Cortometrajes de la
Ciudad de México, Jornadas de Reapropiación
(México D.F.), SIMULTAN FESTIVAL #9 | “Popular Unknown” Casa Artelor (Timisoara, Rumania), [dis]Corporate Bodies: “Under-Mining the
Institution”, The Unstitute Project (Reino Unido)
y TÁNTALOS, Demolden Video Project (Santander, España).
Strange transformations are generated in the credits of John Carpenter´s
1982 film The Thing. As the seconds go by, reading becomes more
difficult due to the progressive mixing of the names to the point where
nothing is recognisable. The copypaste of the credits from Christian
Nyby´s (or Howard Hawks´?) 1951
film The Thing From Another World
and Matthijs van Heijningen´s 2011
remake of the prequel, have been
infiltrated in this video generating
glitches, that end up fusing the identities of the cast members of the
three movies. The syndrome of suspicion surrounds us.
Ilich Castillo Guayaquil (1978).
Studied Visual Arts at the ITAE and
Casa Grande Guayaquil University.
Programmer of the ITAE Cineclub.
His recent exhibitions include: InterAmerican Biennial of Video Art, (IDB)
(Washington); 15th Edition Paris
Festival for Different and Experimental Cinema, ESPACIO SÍ-LUGAR NO,
Casa Barrio Domingo Savio (Guayaquil); 8th Short Film Festival of
Mexico City, Reappropriation Conferences (Mexico City); SIMULTAN
FESTIVAL #9 |“Popular Unknown”
Casa Artelor (Romania); [dis]Corporate Bodies: “Under-Mining the Institution”. The Unstitute Project (UK);
(Spain).
. 63
catálogo BIM 2014
Extrañas transformaciones se generan en
los créditos de La cosa (1982) de John
Carpenter. Con el transcurrir de los segundos, la mezcla progresiva de nombres empeora la lectura al punto que finalmente no
parece reconocerse a nadie. El copy-paste de los créditos de The Thing from Another World, 1951 (¿de Christian Nyby o
Howard Hawks?) y los de la precuela con
el mismo nombre (de Matthijs van Heijningen Jr., 2011) han sido infiltrados en este
video produciendo un glitch de identidades. El síndrome de la sospecha nos rodea.
Tiempo aire / Airtime
Bruno Varela
29’ 45’’ | Super 8 - VHS - Video 8 mini DV - 3GP - Avchd | Color - ByN /
B&W | Estéreo / Stereo
Bitácora multiformato de viaje interior, manifiesto estético-personal, revisión orgánica de material audiovisual registrado desde
1994 hasta el 2013 en diversas locaciones que incluyen algunas comunidades
oaxaqueñas, pasando por las ciudades
de Oaxaca, La Paz (Bolivia) y Nueva York.
Tiempo aire alude a ese elemento que requiere el universo para proseguir y el cine
para consolidarse. Reconexiones con el pasado, desviaciones formales; los atajos los
decide cada quien, también su destino. Conocemos la historia de Hermes, el legado
para su comunidad “la preponderancia de
la imagen” a partir de subtítulos a todo lo
largo. La distancia evidente con otras voces
señala cierto camino de lectura, también
los códigos de tiempo que acompañan cada texto como si estuviéramos ante una copia de trabajo. ¿Estamos acaso frente a diálogos de otra(s) película(s)? “Hermes viajó
al Norte en tren, pero cuando regresó era
otro”. La historia de muchos. Y tras un tiempo, Hermes decide partir de nuevo al norte.
Deja la duda de las imágenes en movimiento. El día de su partida muere una anciana.
Hermes regresará cada año, como las estaciones o los ciclos naturales.
Maximiliano Cruz. Ficunam 2014
A log, with multiple formats, of an
inner journey, a personal aesthetic
manifesto, an organic revision of audiovisual material recorded between
1994 and 2013 in various locations
that range from small communities
in Oaxaca and the capital city of that
state, to La Paz, Bolivia, and New
York. Airtime alludes to that element which is necessary for the universe to continue, and which cinema
requires in order to be consolidated.
Reconnections with the past, formal deviations. The shortcuts, like
destinies, are chosen by each person. We get to know Hermes’s story
through subtitles. The evident distance with other voices points us
towards a specific path for reading
this film, as do the time codes that
appear with each text as if we were watching a rough cut. This is the
story of so many. After a while, Hermes takes the decision to go north
again. The day of his departure an
old woman dies. And Hermes returns to it every year, like the seasons or other natural cycles.
Maximiliano Cruz. Ficunam 2014
Nació en Ciudad de México en 1971. Es artista audiovisual y músico. Su trabajo se ha mostrado en diversos festivales, foros y museos.
Recibió la beca Media Arts otorgada por la
Fundacioìn Rockefeller y es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fonca.
(Mexico City, 1971). Audiovisual artist and musician. His work has been
exhibited at several festivals, forums
and museums. He received the Media Arts Fellowship from the Rockefeller Foundation.
U.
Adrián Regnier Chávez
En junio de 2012 finalizó la Licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Escultura, Pintura y Grabado La Esmeralda. Actualmente, se encuentra apoyado por la beca
Jóvenes Creadores 2013-2014 del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes con el proyecto H.U.I.D.A.S. y, adicionalmente, resultó seleccionado en el programa privado de Comisiones
y Residencias 2014 de la Fundación Cisneros
Fontanals, con el proyecto C. Interpretación
Múltiple del Orden Estelar.
U. is a piece that integrates particular systems along 3D spatial compositions and illumination into a continuous, cyclical and reversible format.
It may be played indefinitely, both
forwards and backwards. There is
such a thing as an instant expanded
into the time of the eternal. It is born
as soon as time itself dies. Indistinguishable in its beginning or ending,
U. shows an Earth suspended in total limbo, where nuclear fission and
fusion convert time, cosmos, energy
and matter. When they do, it is in an
absolute of love, cloud, everything.
Nothing.
Graduated in June 2002 in Visual
Arts from La Esmeralda School of
Sculpture, Painting and Printmaking. He is currently supported by the
2013-14 Young Creators Scholarship of the National Culture and Arts
Fund with the project H.U.I.D.A.S.
and has also been selected for the
private program of the Cisneros
Fontanals Foundation’s 2014 Commissions and Residencies, with the
project C.- Multiple Interpretation of
the Stellar Order.
. 65
catálogo BIM 2014
U. es una obra que integra sistemas de
partículas y entornos e iluminación 3D en
un formato de reproducción cíclico continuo y reversible: puede reproducirse indefinidamente, del comienzo al final o viceversa, tantas veces se desee. Hay tal
cosa como un instante distendido hacia el
tiempo de lo eterno. Nace cuando el tiempo muere. Indiscernible en su comienzo o
final, U. muestra una Tierra suspendida en
un limbo total. Cuando la fisión y fusión nucleares convierten tiempo, cosmos, energía
y masa. Cuando lo hacen en un absoluto
de amor, de nube, de todo. De nada.
Vivimos en una duda permanente / We Live in Permanent Doubt
Germán David Vanegas
Méndez
Colombia | 2012
3’ | SD | Color | Estéreo / Stereo
Durante la secuencia de tres minutos de la
película Historia de Lisboa de Wim Wenders, el director Manoel de Oliveira duda
de la existencia de la realidad y el tiempo
a través de su huella sobre el soporte cinematográfico-video. Partiendo desde allí,
una operación estructural reordena los
nueve lenguajes que vienen por defecto en
el video, mediante un proceso casi matemático. Una composición que genera una
nueva secuencia dándole primacía a la multiplicidad de lenguajes y a las formas y ritmos que devienen del proceso mismo.
Artista plástico y visual egresado de la Universidad Nacional de Colombia, en Bogotá, en la
actualidad es estudiante de la Maestría de Lenguajes Artísticos Combinados del IUNA. Su trabajo mezcla técnicas como el video, el objeto,
la escultura, la instalación y la performance. Ha
expuesto en las muestras colectivas: Tesis (Museo de Arte Contemporáneo, Bogotá, 2014),
Crecer, menguar (Palacio de Cultura Rafael Uribe Uribe, Medellín), Nudos de tiempo (Centro
Creativo Textura, Bogotá, 2013), Semana Protósfera (Universidad Javeriana, Bogotá, 2012) y
Equinoccio exploraciones (Matik Matik, Bogotá,
2012), entre otras.
During the three minute sequence
of Lisbon Story by Wim Wenders,
the film director Manoel de Oliveira
doubts the existence of reality and
time through his mark on the cinematographic support. From this
starting point, Germán Vanegas
takes the nine default languages
that come with the movie and, using
a near-mathematical process, composes a new sequence, giving primacy to the multiplicity of languages, forms and rhythms that arise
from the process itself.
Plastic and Visual Artist, graduated
from the National University of Colombia in Bogotá. He is currently
studying for a Master’s in Combined
Artistic Languages at the IUNA. His
work combines techniques such as
video, object, sculpture, installation,
and performance. His exhibitions
at collective shows include: Thesis
(Bogotá, Museum of Contemporary
Art’ 2014) Waxing, Waning (Medellín, Rafael Uribe Palace of Culture),
Knots in Time (Bogotá, Creative
Texture Centre - 2013), Protosphere
Week (Bogotá, Javeriana University 2012), Equinox Explorations (Bogotá, Matik Matik - 2012).
Weddel Blizzard
Ignacio Masllorens
Argentina | 2013
Digital video file
Estudió diseño de imagen y sonido en la Universidad de Buenos Aires. Dirigió los films Hábitat (2014), Martin Blaszko III (2013, mejor largometraje PAFID 2013), Panópticon (2011) así
como varios documentales y cortos. Sus obras
han participado en diversos festivales, como
BAFICI, BIM, FLVR, Premio Fundación Andreani,
FIVA, FAB, FLaVia, SESIFF (Seúl), Incubarte (Valencia), MIDBO (Bogotá), Interfilm (Berlín), Fest
Curtas BH (Belo Horizonte), Waterpieces (Riga), Videomedeja (Novi Sad) y L’Alternativa
(Barcelona).
“Snow: years of anger following
hours that float idly down.
The blizzard drifts its weight deeper
and deeper for three days or sixty
years, eh?
Then the sun!”
Blizzard, William Carlos Williams
Studied Image and Sound Design
at the University of Buenos Aires.
Directed the films Habitat (2014),
Martin Blaszko III (2013, Best Feature Film PAFID 2013), Panopticon
(2011) as well as various documentaries and shorts. His works
have participated at various festivals
such as BAFICI, BIM, FLVR, Andreani
Foundation Prize, FIVA, FAB, FLaVia, SESIFF (Seoul), Incubarte (Valencia), MIDBO (Bogotá), Interfilm
(Berlin), FestCurtasBH (Belo Horizonte), Waterpieces (Riga), Videomedeja (Novi Sad), and L’Alternativa
(Barcelona).
. 67
catálogo BIM 2014
“Cae la nieve: años de furia detrás de horas
que flotan perezosas.
La ventisca arrastra su peso más y más
hondo por tres días ¿o sesenta años, eh?
Después el sol!”.
William Carlos Williams, Blizzard
Windmills / Molinos
Roberto Niño Betancourt
Colombia-Holanda / Netherlands |
2014
Digital video file
Herón de Alejandría inventó el molino en el
siglo i d. c en Grecia. Este invento revolucionario es el punto de partida para la realización de este documental observacional
que explora los Países Bajos: un territorio
perfectamente organizado delineado por
canales que cuidadosamente dividen las
llanuras verdes en las que se encuentra el
ganado. Una tierra conquistada al océano
por el hombre y su técnica. El viaje evoluciona a partir de ambientes puros y naturales, como el mar y los bosques, hacia el
medioambiente intervenido por el hombre,
quien explota sus recursos para garantizar
su supervivencia. El molino se convierte en
el protagonista de la trama ya que representa la columna vertebral de la evolución
tecnológica, que modificó los paisajes naturales de manera definitiva. Las huellas
dejadas en el camino son el único indicio
de la presencia del hombre en el relato. Será la naturaleza la que se revele a sí misma
mientras experimenta su continua transformación.
Realizador audiovisual colombiano y director del
largometraje documental Soñadores en el hospicio (2010), filmado en el Hospital Borda de la
ciudad de Buenos Aires en colaboración con el
Frente de Artistas del Borda. Actualmente, se
encuentra cursando una maestría en cine y nuevos medios en la academia de artes NABA en
Italia.
Hero of Alexandria invented the
first windmill in the 1st century AD
in Greece. This world-changing
creation is the starting point for an
observational documentary that explores The Netherlands: a perfectly
organized territory, outlined by canals, carefully dividing green pastures where cattle graze. A land reclaimed from the ocean by man, and
his technique. The journey evolves
from purely natural environments
such as the sea and the forests, to
nature as affected by man by the exploitation of resources in order to
guarantee his survival. The windmill
becomes the centre of the narrative,
as it represents the backbone of a
man-made environment that causes
a permanent effect on the environment as a whole. The footprints left
along the way are the only hint of human presence. It will be nature that
reveals itself while undergoing its
continuous transformation.
Colombian audiovisual director of
the documentary feature Dreamers in the Hospice (2010) filmed in
the Borda Hospital in Buenos Aires,
in collaboration with the Borda Artists’ Front. he is currently working on
a Master’s in film and new media at
the NABA Academy of Arts in Italy.
programación
P
R
O
G
R
A
M
M
E
BIM 2014
. 69
catálogo BIM 2014
exposición / proyecciones / actividades especiales
exhibition / screenings / special activities
70 .
E
X
H
I
B
I
T
I
O
N
S
exposiciones
Rosa Barba
Desde hace casi quince años, Rosa Barba
explora el uso de proyectores de cine bajo
la forma de obras escultóricas y performativas. Sus instalaciones y películas se valen
de conceptos sobre la imagen y el tiempo
para decantar características esenciales al
medio cinemático. La imagen le permite indagar formas alternativas de interpretación
de la realidad mediante las limitaciones y
posibilidades propias del celuloide y la máquina de proyección. El tiempo es analizado mediante el contraste entre espacios
naturales y la irrupción de la tecnología en
contextos signados por referentes sociales
y culturales. Esta selección incluye tres instalaciones cinemáticas y una película.
Sus instalaciones son producto de la intervención de equipos de cine transformados
en esculturas cinéticas que se despliegan
por el espacio de exhibición. El uso del celuloide de 16 y 35 mm es un manifiesto sobre la vigencia de este noble formato en
For nearly fifteen years, Rosa Barba
has explored the use of cinema projectors in the form of sculptural and
performative works. Her installations
and films make use of concepts of
image and time to move towards
characteristics that are essential to
the cinematic medium. The image
permits her to investigate alternative forms of interpretation of reality
through the limitations and possibilities of celluloid and the projector.
Meanwhile, time is analysed via the
contrast between natural spaces
and the emergence of technology in
contexts marked by social and cultural references. This selection includes three cinematic installations
and a film.
Barba’s installations result from the
intervention in film equipment transformed into kinetic sculptures that
stretch out around the exhibition
. 71
catálogo BIM 2014
Performatividad de la presencia / Performativity of Presence
Curado por / Curated by José Carlos Mariátegui
épocas de digitalización y compresión masiva del conocimiento humano. Estos frágiles y arcaicos artefactos recompuestos por
Rosa Barba permiten una lectura de la “arqueología medial”, en la que lo performático y lo aleatorio patentizan el concepto
de “acción/reacción” que hace visibles los
mecanismos de generación y reproducción
de la imagen que hoy son reemplazados
por cajas negras de hardware y software.
Los límites del consumo (2012) es una
coreografía de dos esferas metálicas que
trasladan su acción performativa a sus
sombras, generadas sobre una proyección
multicromática. Es un juego entre la inestabilidad y el balance: el proyector ilumina
las esferas y, a su vez, causa su movimiento, pues el celuloide es transportado a través de una torre de latas de película que
desestabilizan constantemente las esferas
montadas en la superficie superior, como si
estuviesen adheridos en forma precaria. El
resultado es un trabajo escultórico sobre la
aleatoriedad del medio cinemático y la tensión entre sus elementos.
Mesa redonda del oeste (2007) se compone de dos proyectores de 16 mm que
simulan un diálogo entre sí. Inspirado en
el histórico simposio “Mesa redonda del
oeste sobre el arte moderno”, acontecido
en San Francisco en 1949, este duet de
artefactos maquínicos proyecta sobre su
luz blanca la sombra del proyector opuesto. Las siluetas antagonistas componen un
“coloquio” entre ambos artefactos como
metáfora visual de la conversación. Dos extractos sonoros de películas de Fellini complementan la obra y se intensifican con el
rumor extendido e inquebrantable propio
del carrete por el que corre el celuloide.
A diferencia de las dos instalaciones anteriores, Un cuadro privado (2010) es narrativa a manera de crítica cultural que intermedia entre la historia y la exageración del
poder de la semiótica. La proyección presenta tomas de las inscripciones y trazos
dejados hace más de un siglo en los pasadizos subterráneos del río Mersey, en Liverpool, por los ingenieros que estudiaron los
puntos de presión creados por los vehículos
que atravesaban dichos túneles. La obra
space. The use of 16mm and 35mm
celluloid is a manifesto on the validity
of this worthy format in these times of
digitalization and mass compression
of human knowledge. These fragile, archaic artifacts recomposed by
Rosa Barba allow a “media archaeology” reading in which performative and random elements show the
concept of “action/reaction”, making visible the mechanisms of image
generation and reproduction that are
gradually being replaced by black
boxes of hardware and software.
Boundaries of Consumption (2012)
is a choreography of two metal
spheres that transfer the performative action to the shadows, cast on
a multi-colour projection. It is a play
between instability and balance: the
projector lights up the spheres and
in turn causes their movement, as
the celluloid is transported via a tower of film cans that constantly destabilise the spheres mounted on the
upper surface, as if they were stuck
there precariously. The result is a
sculpture work on the randomness
of cinematic media and the tension
between its elements.
Western Round Table (2007) is
made up of two 16mm projectors
simulating a dialogue between them.
Inspired by the historic Western
Round Table on Modern Art that took
place in San Francisco in 1949, this
duet of machine artifacts projects
the shadow of the opposing projector onto the white light. The antagonistic shadows form a “dialogue”
between the two artifacts as a visual metaphor of conversation. Two
sound extracts from Fellini films complement the piece and are intensified
with the expansive and unbreaking
whirring of the reel along which the
celluloid runs.
Unlike the two above-mentioned installations, Private Tableaux (2010)
is a narrative in the form of cultural
critique mediating between history
and the exaggeration of the power
of semiotics. The projection presents
shots of inscriptions and sketches
72 . Performatividad de la presencia / Performativity of Presence
Rosa Barba (Sicilia, 1972) estudió en la
Academia de Artes de los Medios en Colonia y en la Rijksakademie van Beeldende Kunsten en Ámsterdam. Su trabajo involucra el uso de película de 35 mm y 16
mm para crear “instalaciones del tiempo”y
películas. Está especialmente interesada
en la abstracción de la cinematografía como medio para forzar los límites y sus posibilidades. Sus exposiciones individuales
recientes incluyen: CAC Vilnius (Lituania,
2014); MAXXI Museo delle Arti del Secolo
XXI (Roma, Italia, 2014); Turner Contemporary (Margate, Reino Unido, 2013); Bergen
Kunsthall (Noruega, 2013); Cornerhouse
(Manchester, Reino Unido, 2013); MUSAC (Castilla y León, España, 2013), Jeu
de Paume (París, 2012); Kunsthaus Zürich
(Suiza, 2012); Marfa Book Co (Marfa,
Texas, 2012) y Museo de Arte Contemporáneo de San Luis (Estados Unidos, 2012).
Ha participado en exposiciones colectivas
en instituciones y festivales en todo el mundo y su obra está representada en numerosas colecciones internacionales. Las monografías Rosa Barba: White is an Image
left over a century ago in the tunnels
under the River Mersey in Liverpool
by the engineers who studied the
pressure points created by the vehicles using the tunnels. The work creates a contemporary imaginary narrative from the figurative references.
Somnium (2011) is presented as a
complement to these three installations, a 35mm film (transferred
to digital) that takes the title of the
1608 work by German astronomer
Johannes Kepler, considered the first
science fiction story about a lunar
voyage, used to validate his theory
of a heliocentric universe. Like many
of Rosa Barba’s films, Somnium
seeks to construct a Utopian history from interpretations of real events,
confronting cultural research with
the impact of technology and how
the latter is gradually transforming
our perception of reality. It presents
spaces and characters that appear
on the fringes of conventional everyday life, in barren places where the
emergence of technology is miniscule and ephemeral compared to the
awesome power of nature.
Rosa Barba (Sicily, 1972) studied
at the Academy of Media Arts in Cologne and at the Rijksakademie van
Beeldende Kunsten in Amsterdam.
Her work involves the use of 35mm
and 16mm film to create “time installations” and films. She is especially
interested in the abstraction of cinematography as a means to push
boundaries and possibilities.
Her recent individual exhibitions include: CAC Vilnius, Lithuania, 2014;
MAXXI Museo delle Arti del Secolo
XXI, Rome, Italy, 2014; Turner Contemporary, Margate, UK, 2013; Bergen Kunsthall, Norway, 2013; Cornerhouse, Manchester, UK, 2013;
MUSAC, Castilla y León, Spain,
2013, Jeu de Paume, Paris, 2012;
Kunsthaus Zurich, Switzerland,
2012; Marfa Book Co, Marfa, Texas,
2012; Museum of Contemporary Art
. 73
catálogo BIM 2014
crea una narrativa imaginaria a partir de referentes figurativos.
Complementando estas tres instalaciones,
se presenta Somnium (2011), un film realizado en 35 mm (transferido a digital) que toma el título de la obra del astrónomo alemán
Johannes Kepler en 1608, considerado el
primer relato de ciencia ficción, que cuenta un viaje lunar utilizado para validar la tesis
de un universo heliocéntrico. Como muchas
de las películas de Rosa Barba, Somnium
pretende construir una historia utópica, a
partir de interpretaciones de eventos reales,
confrontando la investigación cultural con el
impacto de la tecnología y cómo esta última viene transformando nuestra percepción
de la realidad. Presenta así espacios y personajes que parecen estar al margen de la
vida cotidiana convencional, en lugares áridos en los que la irrupción tecnológica es
minúscula y efímera en comparación con el
poder inquietante de la naturaleza.
y Rosa Barba: Time as Perspective fueron publicadas por Hatje Cantz en 2011
y 2013, respectivamente. Vive y trabaja en
Berlín.
José Carlos Mariátegui (Lima, 1975). Escritor, curador y emprendedor en cultura,
nuevos medios y tecnología. Estudió biología y es bachiller en Matemáticas Aplicadas
por la Universidad Peruana Cayetano Heredia (Lima). Tiene una Maestría y un Doctorado en Sistemas de Información e Innovación por la London School of Economics
and Political Science (LSE). Es fundador de
Alta Tecnología Andina (ATA), dedicada al
desarrollo de proyectos en arte, ciencia y
tecnología en América Latina y fue directorfundador de la Casa Museo José Carlos
Mariátegui del Ministerio de Cultura (19952005). Ha sido curador de exhibiciones de
arte y tecnología a nivel internacional, como: Videografías In(visibles), Emergentes y VideoXXI - Lemaitre Collection, entre otras. Ha sido miembro de la Comisión
Nacional de Cultura del Gobierno del Perú
(2001-2002) y del Comité Consultivo del
Ministerio de Cultura (2010, 2012-2013).
Es miembro del Network Committee de la
Prince Claus Fund (Holanda) y del Comité
Editorial de la Serie Leonardo, libros sobre
arte, ciencia y tecnología publicados por
MIT Press (Estados Unidos).
St Louis, USA., 2012. She has participated in collective exhibitions in
numerous international collections.
The essays Rosa Barba: White is
an Image and Rosa Barba: Time as
Perspective were published by Hatje
Cantz in 2011 and 2013, respectively. She lives and works in Berlin.
José Carlos Mariátegui (Lima, 1975)
Writer, curator and culture, new media and technology entrepreneur.
Studied Biology and graduated in
Applied Mathematics from the Cayetano Heredia Peruvian University
(Lima). He has a Master's and PhD in
Information and Innovation Systems
from the London School of Economics and Political Science-LSE (London). Founder of Alta Tecnología
Andina-ATA, dedicated to developing
art, science and technology projects
in Latin America. Founding Director
of the José Carlos Mariátegui House
Museum of the Ministry of Culture
(1995-2005). He has curated international art and technology exhibitions, including “In(visible) Videographies”, “Emergent”; ‘21st Video
– Lemaitre Collection’. He has been
a member of the National Commission for Culture of the Peruvian Government (2001-2002) and of the
Consultative Committee of the Ministry of Culture (2010/2012-2013).
He is a member of the Network
Committee of the Prince Claus Fund
(Netherlands) and of the Editorial
Committee of the Leonardo Book
Series, art, science and technology
books published by MIT Press (USA).
Boundaries of Consumption / Los límites del consumo
2012
Duración variable / Variable duration | 16 mm
Proyector modificado, latas de película y 2 esferas de metal / modified projector, film cans and 2
metal balls
The Boundaries of Consumption installation is a kind of balancing act,
or an unstable sculpture where a
16mm film is looped between two
film cans: The sculptural work is in
constant tension between all the
elements that make it up, resulting
in something between a balancing act and a magic trick, where
two spheres on the film cans meet
in constant movement. The resultant image, in the style of a random
film, is never the same, as at times
the two spheres morph into one and
then become two once again.
. 75
catálogo BIM 2014
La instalación Los límites del consumo representa una suerte de acto de equilibrio o
una escultura inestable en la que una película de 16 mm circula a manera de bucle
entre dos latas de película. La obra escultórica se encuentra en una tensión constante entre todos los elementos que la
constituyen, y resulta en algo entre un acto de equilibrismo y un truco de magia, en
el que dos esferas sobre las latas de película se encuentran en constante movimiento. La imagen resultante, a manera de una
película aleatoria, nunca es la misma, pues
por momentos las dos esferas se transforman en una y luego se convierten en dos
nuevamente.
Western Round Table / Mesa redonda del oeste
Estados Unidos / USA | 2007
2’ en loop | Dos películas de 16 mm, dos proyectores, dos bucles, sonido óptico / Two 16 mm films,
two projectors, two loops, optical sound
En 1949 la Escuela de Bellas Artes de California organizó en San Francisco el simposio “Mesa redonda del oeste sobre el arte
moderno”. En él, un grupo de hombres del
arte y la ciencia –que incluyó a Marcel Duchamp, Frank Lloyd Wright y Gregory Bateson– discutió de manera pública y privada
sobre la práctica artística contemporánea,
su legado y el futuro modernista. La referencia al simposio puede ser leída dentro la
obra de Barba, incluso si permanece exterior a ella, en el campo de la investigación
independiente del espectador. Pero Western
Round Table no es necesariamente sobre
un discurso estético decadente; su material de origen la convierte en una obra fuera
del tiempo, un monumento y un enigma. La
obra podría representar una situación generalizada de negociación aparentemente impotente (de la política o la cultura contemporánea) –un debate atrapado en un bucle
sin fin, la caja de resonancia que define
su (nuestro) estado tan ridículo y sin solución–. Autónomo y atemporal, es un objeto abierto y cerrado al mismo tiempo, una
clave para la práctica de Barba (Ian White).
In 1949 the California School of Fine
Arts organised The Western Round
Table on Modern Art in San Francisco.
A group of men from art and science
- including Marcel Duchamp, Frank
Lloyd Wright and Gregory Bateson publicly and privately discussed contemporary artistic practice, its legacy
and a modernist future. The symposium reference might be read into Barba's work even if it remains exterior to
it, in the field of the viewer's independent research. But Western Round Table is not necessarily about a bankrupt
aesthetic discourse. Its source material converts it into an abstract piece
outside of time, a monument and an
enigma. This work might also stand
for a generalised situation of seemingly impotent negotiation (of politics
or contemporary culture) - a debate
trapped in an endless loop, the echo
chamber that defines its (our) condition as ridiculous and unresolvable.
Self-contained and timeless it is a simultaneously open and closed object,
a key to Barba's practice (Ian White).
A Private Tableaux / Un cuadro privado
El trabajo realizado en 16 mm, Un cuadro
privado (2010) voltea la mirada y enfoca la
cámara en una serie de dibujos, que solo
son arte durante el tiempo en el que quien
los percibe no puede descifrarlos. Así como
La conferencia oculta, este film comienza
con fragmentos cortos de texto que introducen la perspectiva a la que uno es dirigido
montando el escenario y –una y otra vez–
dividiéndolo con inserciones textuales. La
cámara se desplaza a lo largo de las paredes escasamente iluminadas de un sistema
de túneles en los que los ingenieros han estado marcando fallas y grietas durante décadas. Esos dibujos, dejados por personas,
cubren casi todas las secciones del muro,
pero esta red de deficiencias previene el
deterioro de la estructura. Los restos de todas estas grietas en los arcos del túnel, sus
repeticiones en tiza, demuestran una huella indirecta de lo que espera en el exterior;
por un lado, las narraciones dominantes de
la historia del arte y, por otro, el tráfico amenazante en la superficie. Los límites del arte
se abren en un archivo fílmico de puntos de
vista, que construyen nuevas relaciones de
viejos rechazos.
The 16 mm work A Private Tableaux
(2010) turns this perspective around
and points the camera at a series of
drawings, which only remain art as
long as their perceiver cannot decipher them. Like The Hidden Conference, this film begins with short
fragments of text, introducing the
perspective one is led into, staging
the scenery and dividing it with textual insertions. The camera navigates
along sparsely lit walls of a system of
tunnels on which the engineers have
been marking flaws and cracks for
decades. These man-made drawings
cover almost every section of the wall,
but this network of deficiencies prevents the structure’s breakdown. The
traces of all these cracks in the arches of the tunnel and their repetition in
chalk demonstrate an indirect imprint
of what awaits outside, on the one
hand the dominant narratives of art
history, and the menacing traffic above
ground on the other. The boundaries of art are opened up within a filmic archive of views, which construct
new relations out of old rejections.
. 77
catálogo BIM 2014
Reino Unido / UK | 2010
7’ en loop | Film 16 mm | Sonido óptico / Optical Sound
Somnium
Holanda / Netherlands | 2011
19’ 20’’ en loop | Transfer de película 16 mm a archivo digital / 16 mm film transferred to digital
video file | Sonido óptico / Optical sound
Rosa Barba produjo una película de ciencia ficción basada en entrevistas con los
residentes y las personas involucradas
en el proyecto para recuperar la tierra en
Maasvlakte 2. Barba pidió a los entrevistados imaginar lo que esta nueva tierra podría ser en el futuro. Mientras vemos imágenes de la nueva tierra, un depósito de
almacenamiento de lodo altamente contaminado en el nuevo río Meuse, la construcción de los enormes diques, bloques
de basalto, envases vacíos y los movimientos mecánicos del proceso de trasbordo, escuchamos también una historia que
aparentemente tiene lugar en el futuro. El
personaje principal es un apicultor que comenzó con su primera colmena en Maasvlakte hace 30 años, y ahora está rodeado
de silos para el almacenamiento de aceite.
Combinadas con fotos de archivo del puerto, las imágenes forman un ballet mecánico
del hombre y la máquina sobre un paisaje
futurista.
Rosa Barba produced a science fiction film based on interviews with
local residents and individuals involved in the land reclamation project for Maasvlakte 2. Barba asked
the interviewees to imagine what
this new land would look like in the
future. While we see images of the
new land, including a storage reservoir for heavily contaminated sludge
from the new Meuse river, the construction of the huge docks, basalt
blocks, empty containers and the
mechanical movements of the transshipment process, we listen to a
story apparently taking place in the
future. The main character is a beekeeper who started with his first hive
on the Maasvlakte, thirty years ago,
and is now surrounded by silos for
oil storage. Combined with archive
pictures of the port, the images form
a mechanical ballet of man and machine, set against a futuristic landscape.
Hito Steyerl
Las películas y ensayos de Hito Steyerl toman la imagen digital como punto de partida para adentrarse en un mundo en el cual
una política de deslumbramiento es presentada como deseo colectivo. Si la guerra, el genocidio, los flujos de capital, los
desechos digitales y la lucha de clases tienen lugar también en las imágenes, ya no
estamos tratando con algo virtual, sino con
un ente concreto –a la vez confuso y extraño– que recién estamos empezando a
comprender. Hoy en día, el mundo de la
imagen, nos recuerda Steyerl, está lejos de
ser algo plano. Y, paradójicamente, podemos localizar su ética en sus puntos más
vulgares y huecos. Porque aquí es donde
las formas corren libres y lo que subyace
oculto y desconocido comienza a cuestionar, a una velocidad vertiginosa, determinados proyectos de poder.
La instalación de Steyerl recoge algunas
reflexiones de su texto “En defensa de la
imagen pobre”, que celebra las imágenes
de baja resolución por ser ampliamente uti-
The films and essays of Hito Steyerl
take the digital image as a starting
point to explore a world in which a
policy of bedazzlement is presented
as collective desire. If war, genocide,
capital flows, digital waste and the
class struggle also have a place in
the images, we are no longer dealing with something virtual but with
a concrete entity –as confusing as
it is strange– that we are only now
beginning to understand. The world
of the image today, Steyerl reminds
us, is far from being something flat.
And paradoxically, we can locate its
ethics and its most vulgar and empty
points. Because it is here that forms
run free and what lies beneath, hidden and unknown, begins to cast
certain power projects into crisis at
a vertiginous speed.
Steyerl’s installation covers some
reflections from her text “In Defence
of the Poor Image”, which celebrates
low-resolution images because they
. 79
catálogo BIM 2014
En defensa de la imagen pobre / In Defence of the Poor Image
lizadas, socialmente útiles y circular sin autorización alguna. El video How not to be
seen? –de reciente producción– retoma el
tema centrándose en la manera en que estas imágenes permiten a los sujetos permanecer menos visibles o ser delineados de
modo más ambiguo.
Según Steyerl, el deseo de desaparecer es
un concepto altamente ambivalente: es algo que se desea, que nos alivia de la constante representación en imágenes a la que
todos estamos expuestos. Pero también es
algo que produce temor al evocar el fantasma del secuestro político masivo. De
hecho, el video de Steyerl hace referencia
explícita a este lado oscuro de la desaparición e insinúa que los desaparecidos de
la era digital terminan como fantasmas en
3D situados en el fondo de alguna representación arquitectónica. Además, vaticina
que los fantasmas comenzarán a perseguir
a los que generan este tipo de representaciones, los grupos de poder político y/o
económico.
Esta vertiginosidad del contenido visual, el
concepto-en-devenir de las imágenes, las
ubica en el seno de un giro informacional
general, dentro de economías del conocimiento que arrancan de su contexto a las
imágenes y sus pies de foto lanzándolas
al remolino de la constante desterritorialización capitalista. La historia del arte conceptual describe esta desmaterialización
del objeto artístico en primer lugar como
un movimiento de resistencia contra el valor fetiche de la visibilidad. Después, sin
embargo, el objeto de arte desmaterializado resulta ser perfectamente adaptable a
la semiotización del capital de la que se
deriva el giro conceptual del capitalismo.
De alguna manera, la imagen pobre está
sujeta a una tensión similar. Por un lado,
opera contra el valor fetiche de la alta resolución. Por otro lado, este es precisamente el motivo por el que acaba perfectamente integrada en un capitalismo de
la información que prospera en lapsos de
atención comprimidos, en la impresión antes que en la inmersión, en la intensidad
antes que en la contemplación, en las vis-
are widely used, socially useful and
circulate without any authorisation whatsoever. The recent video
How Not To Be Seen? picks up on
this subject, focusing on the way in
which these images allow their subjects to remain less visible or be outlined more ambiguously. According
to Steyerl, the desire to disappear
is a highly ambivalent concept: it is
something that is desired, that relieves us from the constant representation in images to which we
are all exposed. But it is also something that produces fear, evoking the
ghost of the mass political abduction. In fact, Steyerl’s video makes
explicit reference to this dark side of
disappearance, and suggests that
the disappeared of the digital era
end up as 3D ghosts situated at the
bottom of some architectural representation. And she foresees that the
ghosts will begin to pursue those
who generate this type of representation, the groups of political and/or
economic power.
This flattening-out of visual content,
the concept-in-becoming of the images, positions them within a general informational turn, within economies of knowledge that tear images
and their captions out of context,
into the swirl of permanent capitalist deterritorialization. The history of
conceptual art describes this dematerialization of the art object firstly as
a resistant move against the fetish
value of visibility. Then, however, the
dematerialized art object turns out
to be perfectly adapted to the semioticization of capital, and thus to
the conceptual turn of capitalism. In
a way, the poor image is subject to
a similar tension. On the one hand,
it operates against the fetish value of high resolution. On the other
hand, this is precisely why it ends
up being perfectly integrated into
an information capitalism thriving on
compressed attention spans, on impressions rather than immersion, on
80 . En defensa de la imagen pobre / In Defence of the Poor Image
intensity rather than contemplation,
on previews rather than screenings”.
Extracto de Los condenados de la pantalla
de Hito Steyerl, Caja Negra, 2014.
Excerpt from Hito Steyerl The Wretched
of the Screen. e-flux, 2012
Hito Steyerl (1966, Munich, Alemania). Es
cineasta y trabaja como realizadora y autora en el campo del cine y video documental
de ensayo, media art y videoinstalación. Se
dedica desde hace años a los medios de
comunicación y al análisis de la circulación
masiva y global de imágenes. Doctora en
Filosofía por la Universidad de Viena y profesora de New Art Media en la Universidad
de Berlín; sus ensayos críticos se centran
en temas como el feminismo, el militarismo
y, sobre todo, la proliferación y difusión del
conocimiento a través de las imágenes como consecuencia de las tecnologías digitales. Como artista y documentalista participó en distintas muestras individuales,
festivales y bienales de todo el mundo, entre otras, Documenta 12 (2007), Bienal de
Shanghai (2008), Bienal de Taipei (2010)
y Bienal de Venecia (2013). En ocasión
de la Bienal de la Imagen en Movimiento
y con apoyo del Goethe-Institut, la editorial Caja Negra presenta Los condenados
de la pantalla, su primer libro traducido al
español.
Hito Steyerl (1966, Munich, Germany) is a filmmaker working as a director and author in the field of documentary essay film and video, media
art and video installation. For several
years her work has focused on the
media and the analysis of the mass
global circulation of images. A PhD
from the University of Vienna and a
lecturer in New Art Media at the University of Berlin, her critical essays
focus on such issues as feminism,
militarism and, above all, the proliferation and diffusion of knowledge
through images as a consequence
of digital technologies. As an artist
and documentarian she has participated in individual exhibitions, festivals and biennales all over the world,
including: Documenta 12 in 2007,
the 2008 Shanghai Biennale, the
2010 Taipei Biennale, and the 2013
Venice Biennale. On the occasion
of the Biennale of the Moving Image
and with the support of the Goethe
Institut, the publishing house Caja
Negra presents Los condenados
de la pantalla (The Wretched of the
Screen), her first book translated into Spanish.
. 81
catálogo BIM 2014
tas preliminares antes que en las proyecciones.
How Not to be Seen: A Fucking Didactic Educational .MOV file /
Cómo no ser visto: un puto instructivo didáctico .MOV file
Alemania / Germany | 2013
15’ en loop | HD | Videoinstalación / Video installation
Abandonados en el desierto californiano,
vemos unos dispositivos que se utilizaban
para testear la resolución de cámaras aéreas analógicas, antecesoras de las que se
instalan en la punta de los misiles. Al estilo
de un video instructivo, Cómo no ser visto
comienza con explicaciones acerca de cómo permanecer invisible en la era de la proliferación de imágenes: sugerencias tales
como camuflarse o hacerse más pequeño
que el tamaño de un píxel llevarán a una
profunda reflexión sobre un tema tan urgente como el uso masivo de las imágenes
de baja resolución, que circulan de manera descontrolada y sin autorización alguna.
Abandoned in the Californian desert, we see some devices that were
used to test the resolution of analogue aerial cameras, forerunners
to those installed in missile heads.
In the style of an instructional video,
How Not To Be Seen begins with
explanations on how to remain invisible in the era of the proliferation of
images: suggestions about how to
camouflage oneself, or be smaller
than the size of a pixel, quickly lead
to a deep reflection on such a highly urgent subject as the mass use of
low-resolution images that circulate
without any controls or authorisation
whatsoever.
82 . En defensa de la imagen pobre / In Defence of the Poor Image
Strike / Golpe
28’’ en loop | HDV | Videoinstalación / Video installation
A short, potent video. A powerful
reminder that images have a physical reality like any other thing. Their
limitations in the context of their production, reproduction and diffusion
can fundamentally alter their impact.
The title is derived from super enthusiastic, hyper productive Stalinists workers, called Strike Workers.
According to Steyerl, nowadays the
term can be transferred to presentday cultural factories, strike work
relates to the sensual dimension
of shock. Rather than painting and
molding, artistic strike work consists
of ripping, chatting, and posing. This
accelerated form of artistic production creates punch and glitz, sensation and impact.
. 83
catálogo BIM 2014
Un video breve y contundente. Un recordatorio impactante de que las imágenes tienen una realidad física como la tienen todas las cosas. Las limitaciones que sufren
en el contexto de su producción, reproducción y difusión pueden alterar su impacto
de manera fundamental.
El título deriva de los trabajadores estalinistas hiperproductivos y súper entusiastas,
denominados “trabajadores de choque”.
De acuerdo con Steyerl, en nuestros días,
el término puede ser transferido a las actuales fábricas culturales, el trabajo de choque se relaciona con la dimensión sensual
del impacto. Antes que pintar y moldear, el
trabajo artístico de choque consiste en grabar, chatear y posar. Esta forma acelerada
de producción artística crea punch y ostentación, sensación e impacto.
Contar el mundo / Recount the World
Curado por / Curated by Gabriela Golder
Lucas Bambozzi / Claudia Joskowicz / Pablo Lobato /
Arthur Omar / Enrique Ramírez
¿Dónde nos colocamos para entender el
mundo? De una u otra manera, cada uno
de nosotros desea encontrar estrategias para ordenar el mundo, dar cuenta de sus estructuras para intervenir sobre ellas. Pero no
es posible salirse del mundo para esto. Solo situarse en alguno de los infinitos lugares,
puntos de vista, para asirlo, vivirlo, decirlo.
Encontrar un lugar desde donde contar el
mundo, construir un mejor lugar para vivir.
Dos perspectivas abordan las obras reunidas en esta exposición, dos posibles modos de ordenar el mundo: desde adentro,
entre cuerpos y figuras, entre el comienzo
del gesto y la quietud; o desde más allá,
desde la distancia, a partir de la construcción de elementos simbólicos y del protagonismo de la palabra. Entre ellas, un lugar
de pasaje.
84 . Contar el mundo / Recount the World
Where do we stand to understand
the world? One way or another, we
all want to find ways to order the
world, to understand its structures in
order to work on them. But it is not
possible to go outside of the world to
do this. One can only place oneself
in one of its infinite places, points of
view, to grasp it, live it, say it. To find
a place where one can recount the
world, build a better place to live.
Two perspectives address the works
in this exhibition, two possible ways
of ordering the world: from within,
among bodies and figures, between
the beginning of the action and stillness; or from beyond, from a distance,
from the construction of symbolic elements and the prominence of the word.
Between them, a place of passing.
¿Existe todavía una forma posible cuando
se pierde el lugar? (Virilio)
Is a way still possible when the place
is lost? (Virilio)
Las obras que conforman esta muestra generan un diálogo entre diferentes modos
de abordar la relación con el mundo.
The works that make up this exhibition form a dialogue between different ways of addressing the relationship
with the world.
“Las imágenes, los cuerpos y las luchas
forman parte de una misma dinámica”.
Hito Steyerl
Pensar desde la imagen. En el comienzo
está el movimiento. El comienzo del movimiento y las imágenes develadoras.
Es posible en estas imágenes percibir la
respiración de la cámara, de aquel que mira, de aquel que es mirado. ¿Quién mira a
quién? Como si fuera posible dejar de ser
imagen para convertirse en cuerpo.
El artista está dentro de la escena. Su cuerpo inmerso, su mirada activa. En aquel momento, todo lo ve, todo lo escucha. Y en ese
atravesar horizontal y vertical de ese tiempo
da a luz a la imagen instante y a la imagen
memoria. Esto sucede ahora y desde siempre. Ver por primera vez, ver muchas veces.
Hay animales, hay hombres. Cuerpos mojados, transpirados, urgentes, resistentes,
agotados. Los cuerpos observados ocupan el espacio, son imagen, son poro, son
líquido. Los cuerpos hacen la historia.
De este modo, se genera el espacio de reflexión dentro de la imagen, pero también
entre la imagen y su contexto, entre los
unos y entre los otros. La mirada descubre
intersticios y construye posibilidades.
Un lugar de pasaje
(En tránsito)
“Allí estaban ellos, dignos, invisibles”.
T. S. Eliot
De urgencias, de esperas, de encuentros
y despedidas. Entre un lugar y otro, ese no
lugar. Una posibilidad entre luz y oscuridad,
entre memoria y olvido, entre renuncia y resistencia.
No existe lugar adonde ir, y sin embargo.
Within the World
(Record it)
“The images, the bodies and the struggles are part of the same dynamic”.
Hito Steyerl
Think from the image. In the beginning is movement. The beginning of
movement and revealing images.
It is possible that these images perceive the breathing of the camera, of the thing that watches, of the
thing that is watched. Who watches
whom? As if it were possible to cease
to be an image to become a body.
The artist is within the scene. Her
body immense, her gaze active. At
that moment, she is all-seeing, allhearing. And that horizontal and vertical passing of that time brings to
life the instant image and the memory image. This happens now, always
has done. Seeing for the first time,
seeing many times.
There are animals, there are men.
Wet bodies, sweating, urgent, resistant, exhausted. The bodies observed occupy the space, they are
image, they are pores, they are liquid. The bodies make the story.
In this way, the space for reflection is
generated within the image but also
between the image and its context,
between them and between each
other. The gaze uncovers interstices
and constructs possibilities.
A Place of Passing
(In transit)
“There they were, dignified, invisible.”
T. S. Eliot
Of urgency, of waiting, of encounters
and farewells. Between one place
and another, that no place. A possi. 85
catálogo BIM 2014
Dentro del mundo
(Inscribirlo)
Más allá, leer al mundo
(Darle forma)
“Es falsa la historia que nos enseñaron”.
Proclama en La hora de los hornos,
Grupo Cine Liberación
Pensar desde el relato. Dar forma con la
palabra.
Hacer frente a las huellas dejadas por la
historia y proponer modos de concebir un
lugar desde la ficción abordando cuestiones como identidad, memoria y territorio.
Hay un relato que construir. La enunciación
está fuera. Una ficción, una mirada calma y
memoriosa que atraviesa instantes del pasado reciente y los vuelve universales.
Desplegar la historia para dar testimonio
de una experiencia en el mundo haciendo
hincapié en los hiatos que se producen en
la narrativa cuando se toman los acontecimientos fuera de su contexto original.
Lugar de encuentro entre pasado y presente. A través de lo alegórico, las obras se
apoyan en momentos de tensión para explicar el mundo a través del relato y generan
espacios imaginarios en los cuales se pone
en evidencia la ficción.
bility between light and darkness, between remembering and forgetting,
between resignation and resistance.
There is no place to go, and yet.
Beyond, Read the World
(Give it shape)
“The history they taught us is false”.
Proclamation in La hora de los hornos,
Grupo Cine Liberación
Think from the retelling. Give shape
with the word.
Tackle the marks that history has left
and propose ways of conceiving a
place from fiction, addressing questions like identity, memory and territory. There is a story to construct.
The enunciation is on the outside.
A fiction, a calm perspective with a
good memory that passes through
instants of the recent past making
them universal.
Unravel the history to give evidence of an experience in the world,
stressing the hiatuses that occur in
the narrative when events are taken
out of their original context.
A meeting place between past and
present. Through allegory, the works
draw on moments of tension to explain the world through the story
and generate spaces of imaginary in
which the fiction becomes evident.
Multidão / Multitud / Crowd
Lucas Bambozzi
Videoinstalación / Video installation | 2 canales / 2 channels
Rio de Janeiro, Favela da Maré,
February 2013
Night falls on the street. Some kids,
some maybe as young as five, are
sitting on the pavement. Until a short
time ago, they appeared to be engaged in some game or conversation. But now they seem to have
taken an interest in what is behind
them: the camera filming them. People pass by, street workers. They’re
the locals from the barrio, comfortable in this environment. The kids’
reaction attracts their attention and
they head over to them. Their curiosity aroused, they join them and also look in the direction of the camera. With some discomfort them ask
around about the situation drawing
people to the barrio, and more people join the group, until they form a
small crowd. In under two minutes,
fifty or sixty people are there, trying
to figure out what is happening right
in front of them.
. 87
catálogo BIM 2014
Río de Janeiro, Favela da Maré,
febrero de 2013
Inicio de la noche en la calle. Algunos niños, unos cinco tal vez, están sentados en
la vereda. Hasta hace poco, parecían entretenidos en algún juego o conversación.
Pero ahora parecen interesarse por lo que
está delante de ellos (la cámara que los registra). Los transeúntes pasan, personas
que trabajan en la calle. Son las personas
del barrio, están a gusto en el ambiente.
Les llama la atención la reacción de los niños y se aproximan a ellos. Les da curiosidad, se juntan y también empiezan a mirar
en dirección a la cámara. Con cierta incomodidad, se preguntan sobre la situación
que atrae a la gente del barrio, y más personas se unen al grupo hasta que forman
una pequeña multitud. En menos de dos
minutos, cincuenta o sesenta personas están allí e intentan entender lo que está pasando delante de ellas.
Al poco tiempo, algunos se distinguen, dan
medio paso al frente y encaran la cámara
de forma un poco inquisitiva, como si se
preguntasen ¿qué están haciendo ustedes
aquí? o ¿qué quieren?, ¿qué buscan? Vemos esta indagación en sus miradas y expresiones y constatamos: están en sus dominios. Y todos nosotros (la cámara y los
que estamos detrás de ella) incomodamos
a los que están allí. Ellos tienen conciencia
de que son un grupo, intercambian miradas, gesticulan, hablan entre sí y nos encaran de frente, de forma cada vez más interrogativa.
Hay una duda sobre lo que sucede entre
ellos y entre nosotros. Miran hacia el fondo,
por encima de la cámara. Persiste esa mirada interrogativa, desconfiada y desafiante. Sentimos la complicidad que hay entre
ellos. En un momento están serios, en otro
se ríen de lo que están viendo. Percibimos
estas oscilaciones. Es eso lo que vemos,
aunque no sea visible.
Después del algún tiempo, algunos invitan
a otros a irse. Unos empujan estrechando
la complicidad y lentamente se van ignorándonos, aunque lancen miradas desconfiadas hacia atrás (a nosotros y la cámara).
Los grupos se deshacen, caminan hacia
donde no los vemos más, hasta que todo
recomienza.
Contexto
El complejo de La Maré, en Río de Janeiro, está formado por cerca de quince agrupamientos habitacionales o favelas. La escena fue pensada a partir de la exposición
de arte contemporáneo Travesías, que tuvo
lugar en el Galpón Maré, en la calle Bittencourt Sampaio, calle que nace en la Avenida Brasil y va hasta cerca del margen de la
Bahía de Guanabara, en la zona norte de
Río de Janeiro.
Un plano síntesis que permite lecturas múltiples: la reacción de los habitantes de una
favela en Río de Janeiro, el choque entre locales y visitantes, cuestiones entre lo individual y lo colectivo, el perfil oscilante de
una multitud.
Lucas Bambozzi es un artista e investigador de nuevos medios que produce instalaciones, videos monocanal y proyectos in88 . Contar el mundo / Recount the World
It isn’t long before some of them
stand out, taking half a step forward,
and facing the camera somewhat inquisitively, as if asking ‘what are you
doing here?’ or ‘what do you want?’
or ‘what are you looking for?’ We
see this questioning in their eyes,
their expressions, and we can confirm: they are in their domain. And
all of us (the camera and those of us
behind it) make those who are there
uncomfortable. They are conscious
that they are a group, they look
at each other, gesticulate, speak
among themselves and look straight
at us, increasingly questioning.
There is a doubt about what is happening, among them and between
us. They look towards the back,
above the camera. They persist with
their questioning looks, untrusting,
challenging. We sense the complicity there is among them. At one
moment they are serious, then they
laugh at what they are seeing. We
perceive these swings. That is what
we see, although it isn’t visible.
After some time, some lead others away. Some push, reducing the
complicity, and slowly they go away,
ignoring us, although looking over
their shoulders with distrust (at us
and the camera). The groups break
up, they walk away until we can see
them no more, until it all starts again.
Context
The La Maré complex in Rio de Janeiro is made up of around fifteen housing clusters or favelas. The scene
was conceived for the Crossings
contemporary art exhibition that took
place in the Maré Warehouse on Bittencourt Sampaio, a street that starts
at Avenida Brasil and leads to the
edge of the Bahía de Guanabara, in
the north of Rio de Janeiro.
A pack shot allows multiple readings:
the reactions of the inhabitants of a
Rio de Janeiro slum, the clash between locals and visitors, questions
about the individual and the collective, the pendulous profile of a crowd.
Lucas Bambozzi is an artist and
new media researcher producing
installations, single channel videos
and interactive projects. His works
have been shown in solo and collective shows in more than 40 countries, held by organizations such as
Moma in USA, ZKM, Frankfurter Kunstverein and ISEA-Ruhr in Germany,
Laboral and Arco’s Expanded Box in
Spain, Http Gallery in London, Havana Biennale in Cuba, ŠKUC gallery in Slovenia, WRO Media Art Biennale in Poland, Centre Georges
Pompidou in France, ZERO1 Biennial in the USA, Bienal de Artes Mediales in Chile and many venues in
Brazil, including the São Paulo Biennale. He has participated in film and
video festivals such as Sundance,
Slamdance, FID Marseille, Videobrasil, It’s All True Festival, Impakt, Festival do Rio BR, Share Festival Italy,
FILE, On-Off and many others. Was
twice awarded prizes by the Vitae
Foundation Arts Program and was
acknowledged in 2012 with the
prestigious Sergio Motta Prize. He is
one of the initiators of the arte.mov
Festival (2006-2012), the Multitude
exhibition (Sesc Pompeia, São Paulo, 2014) and the Labmovel project.
. 89
catálogo BIM 2014
teractivos. Sus trabajos han sido exhibidos
en muestras individuales y colectivas en
más de 40 países organizadas por instituciones como el MoMA y la Bienal ZERO1
en los Estados Unidos; ZKM, Frankfurter
Kunstverein e ISEA-Ruhr, en Alemania; Laboral y Caja Expandida en ARCO, España;
Galería http en Londres; Bienal de La Habana en Cuba; galería ŠKUC en Eslovenia;
WRO Bienal de Arte Multimedia en Polonia; Centro Georges Pompidou en Francia;
Bienal de Artes Mediales en Chile y diversas instituciones en Brasil, incluyendo la
Bienal de San Pablo. Participó de festivales de cine y video como Sundance, Slamdance, FID Marseille, Videobrasil, It’s All
True Festival, Impakt, Festival do Rio BR,
Share Festival en Italia, FILE, On-Off, entre muchos otros. Recibió dos veces el premio para el programa de arte de la Fundación Vitae, y en 2012 fue galardonado
con el prestigioso premio Sergio Motta. Es
uno de los iniciadores del festival arte.mov
(2006-2012), la muestra Multitud (Sesc
Pompéia, San Pablo, 2014) y el proyecto
Labmovel.
Los rastreadores / The Trackers
Claudia Joskowicz
Bolivia | 2014
Videoinstalación / Video installation | Contar el mundo / Recount the World | 2 canales / 2 channels
Los rastreadores es un video basado en
The Searchers (Más corazón que odio,
1956), un western emblemático de la historia del cine dirigido por John Ford y protagonizado por John Wayne. Los rastreadores no intenta recrear la película
original, sino adaptar sus temas principales; las similitudes se encuentran en el uso
del paisaje local y sus representaciones
de tensiones raciales y de alienación. The
Searchers explora los valores estadounidenses que se encuentran en el centro del
género western. Comienza con el regreso
de Ethan Edwards a su casa a fines de la
guerra civil, seguido por una masacre y el
secuestro de dos sobrinas de la familia de
Edwards por los indios comanches. Luego
seguimos en detalle la búsqueda implacable y amarga de las chicas que lleva adelante Edwards durante cinco años.
La relevancia de The Searchers reside en
la representación del paisaje estadounidense y la tensión entre sus habitantes. La
acción se lleva a cabo en haciendas aisla90 . Contar el mundo / Recount the World
The Trackers is a video based on
one of the most iconic Westerns in
the history of film, John Ford’s The
Searchers (1956), starring John
Wayne. The Trackers does not attempt to recreate the original film,
but rather to adapt its main themes,
with similarities in the use of the local landscape and its representations of racial tension and alienation.
The Searchers explores the American values found at the heart of the
Western genre. It begins with Ethan
Edwards returning home at the end
of the Civil War, followed by a massacre and the abduction of two nieces from the Edwards family by Comanche natives. We then follow in
detail Edwards’ bitter, relentless fiveyear search.
The importance of The Searchers lies in the representation of the
American landscape and the tension among its inhabitants. The action takes place on remote farms
Claudia Joskowicz (Bolivia, 1968) vive y
trabaja entre Nueva York y Santa Cruz de
la Sierra. Recibió su MFA de la Universi-
and distant points in the Monument
Valley area. The importance of The
Searchers is to be found in its poetic representations of the inner and
outer spaces that define civilization
and nature, humanity and alienation.
These representations are made
with the use of doors opening onto
the desert and light framed by the
darkness of doorways and caves.
Thematically, while physically and
psychologically particular to the
American landscape, the questions
of race, identity and politics in The
Searchers are similar to issues currently present in Bolivia. The land
(and the landscape) play a major
role in the existence of the Bolivian
people. Coca has been a vital part
of their religious cosmology from the
pre-Inca era to the present, used for
medicinal, cultural and religious purposes. As the base ingredient of cocaine, it has also become a major
economic source, bringing millions
of dollars into the informal sector of
the economy and the country, and
has produced several famous drug
traffickers. The main protagonist of
The Trackers, Ernesto Suárez, is a
drug trafficker recently released from
a Miami prison who returns to his
home in Bolivia, only to set out immediately in search of his family, who
have been abducted.
The character of Ernesto is very
loosely based on Roberto Suárez
Gómez, a Bolivian drug trafficker
nicknamed “King of Cocaine”, and
the most powerful drug trafficker in
Bolivian history (a hybrid of Suárez
and Edwards). The Trackers takes
in questions of race, social class
and alienation in a minimalist narrative encapsulating the massacre
of Ernesto’s family, his daughter’s
kidnapping and the subsequent
search. The use of silence and
voiceover instead of traditional dialogue amplifies the power of mythology where the narrative operates
as a displacement of political discourse in Bolivia.
. 91
catálogo BIM 2014
das y puntos distanciados en las cercanías
de Monument Valley. En esta obra se destacan las representaciones poéticas de los
espacios interiores y exteriores que definen
la civilización y la naturaleza, la humanidad
y la alienación. Estas representaciones se
realizan con el uso de puertas abiertas al
desierto y luz enmarcada por la oscuridad
de marcos de puertas o de cuevas.
Temáticamente (salvando las particularidades físicas y psicológicas del paisaje
estadounidense), las cuestiones de raza,
identidad y política en The Searchers son
similares a la actual problemática en Bolivia. La tierra (y el paisaje) juegan un rol
central en las vidas de los pueblos de
Bolivia. La coca ha sido una parte vital de
su cosmología religiosa desde la época
preincaica hasta el presente y se utiliza
para fines medicinales, culturales y religiosos. Como fuente de la cocaína, también
se ha convertido en un recurso muy importante que inserta millones de dólares en el
sector informal de la economía del país y
ha producido varios narcotraficantes famosos. El protagonista principal de Los rastreadores, Ernesto Suárez, es un narcotraficante recientemente liberado de una
cárcel de Miami que regresa a su casa en
Bolivia para partir inmediatamente en búsqueda de su familia, cuyos miembros han
sido secuestrados.
El personaje de Ernesto se basa muy ligeramente en Roberto Suárez Gómez, narcotraficante apodado “el rey de la cocaína” y
el más poderoso en la historia boliviana (un
híbrido de Suárez y Edwards). Los rastreadores destila cuestiones raciales, de clases
sociales y de alienación en una narración
minimalista que condensa la masacre de la
familia de Ernesto, el secuestro de su hija y su posterior búsqueda. El silencio y la
voz en off en lugar del diálogo tradicional
se utilizan para amplificar el poder de la mitología, en la que la narrativa opera como
un desplazamiento del discurso político en
el país.
dad de Nueva York en 2000. Joskowicz enseña en el Departamento de Arte Steinhardt de
la Universidad de Nueva York. Sus obras
de video se centran en las fallas narrativas que se forman cuando se toman los
textos o eventos fuera de su contexto original, mediados a través de la tecnología.
Ha recibido recientemente la beca Guggenheim en cine y video, la beca de artes
de East Harlem, la beca de Urban Artists
Initiative, la beca completa en fotografía
de Vermont Studio Center, el Premio Fulbright Scholar y el gran premio en el Digital
Arts Salon otorgado por la Fundación Simón Patiño (Cochabamba). Sus exposiciones individuales incluyen: Thierry Goldberg
Projects y Momenta Art (Nueva York), Galería ACBEU (Salvador), Espacio Simón Patiño (La Paz), Museo Nacional de Arte (La
Paz), Centro Cultural (Santa Cruz), Galería
Kiosko (Santa Cruz) y Lawndale Art Center
(Houston). Entre sus exposiciones colectivas se incluyen: Fundación Cartier (París),
X Bienal de Sharjah (Emiratos Árabes Unidos), la 29ª Bienal de San Pablo (Brasil),
X Bienal de La Habana (Cuba), 17º Festival Videobrasil (San Pablo), LABoral Centro de Arte y Creación Industrial (Asturias),
galería Asya Geisberg (Nueva York), galería
Sara Meltzer (Nueva York), Center of Book
Arts (Nueva York), Socrates Sculpture Park
(Long Island City), Exit Art (Nueva York) y
galería Dukwon (Seúl).
Claudia Joskowicz (Bolivia, 1968)
lives and works between New York
and Santa Cruz de la Sierra, Bolivia. She received her MFA from New
York University in 2000. Joskowicz
teaches in the Steinhardt Department of Art of NYU. Her video artworks focus on the breaks in narratives formed when texts or events
are taken out of their original context and passed through technology. Claudia Joskowicz was recently
awarded a Guggenheim Film/Video
Grant, an East Harlem Arts Scholarship, an Urban Artists Initiative Grant,
a complete photography grant from
Vermont Studio Centre, the Fulbright
Scholar Award, and the Grand Prix
in Digital Arts Salon awarded by
the Simón I Patiño Foundation (Cochabamba). Her individual exhibitions include: Thierry Goldberg Projects and Momenta Art (Nueva York),
ACBEU Gallery (Salvador), Simón
Patiño Space (La Paz), National Museum of Art (La Paz), Cultural Centre
(Santa Cruz), Kiosko Gallery (Santa Cruz) and Lawndale Art Center
(Houston). Her collective exhibitions
include: Cartier Foundation (Paris),
the 10th Sharjah Biennale (United
Arab Emirates), the 29th São Paulo
Biennale (São Paulo), the 10th Havana Biennale (Havana), the 17th
Videobrasil Festival (São Paulo), the
LABoral Centre for Art and Industrial
Creation (Asturias), the Asymmetries
Geisberg Gallery (New York), Centre
of Book Arts (New York), Socrates
Sculpture Park (Long Island City),
Exit Art (New York) and Dukwon Gallery (Seoul).
Corda / Cuerda / Rope
Pablo Lobato
Mi trabajo se da más a partir de encuentros
que de búsquedas. Trato de estar atento a
los llamados y recibir lo que me llega. Antes de que estos presentes vuelvan al mundo, aun mínimamente modificados, es necesario encontrar una consistencia y una
síntesis formal que siempre exigirán su
tiempo. Los trabajos son respuestas a estos encuentros, muchas veces, accidentales. Cada respuesta es guiada por los
sentidos que el material en cuestión ya informa, como un corte en lo que es dado.
Sin buscar el dominio de un lenguaje, o
grandes habilidades técnicas, mi involucramiento apunta a las relaciones posibles entre lenguaje y vida, en el esfuerzo de escuchar la naturaleza de la cosa con la que me
relaciono. El mayor tiempo es el de la escucha, acción que no deja muchas huellas en
el resultado final.
La primera vez que presencié la procesión
fue cuando grababa las imágenes de Corda como uno de los artistas invitados de
Arte Pará 2013, aunque en algún momento
My work arises more from finding
than searching. I try to be alert to callings and take in what comes to me.
Before these things present return to
the world, even minimally modified,
it is necessary to find a consistency
and a formal synthesis that will always
demand their time. The works are the
responses to these finds, which are
often accidental. Each response is
guided by the senses that the material in question already informs, like a
cut in which it occurs. Without seeking the command of a language, or
great technical abilities, my involvement aims at possible relationships
between language and life, in the effort to listen to the nature of the thing
I relate to. The greatest time is that of
listening, an action that doesn’t leave
many marks on the final result.
The first time I saw the procession
was when I was recording images of
Rope as one of the guests of Art Pará
2013, although at some moment in
. 93
catálogo BIM 2014
7’15” | HD 16:9 | Color | Estéreo / Stereo | Videoinstalación monocanal / Single channel Video
installation | Sonido en colaboración con / Soundtrack in collaboration with: Anderson Guerra |
Posproducción / Post-production: Tauma
de mi infancia recuerdo a los miles de peregrinos que sostenían la cuerda formando
un solo cuerpo, como una serpiente, por
las calles de Belém. Al enterarme de que la
fiesta transcurriría en la misma fecha que el
Salón al cual fui invitado, quise saber más
al respecto: el Círio de Nuestra Señora de
Nazaré, que se realiza en Belém do Pará,
Brasil, desde 1793, es una de las procesiones católicas más grandes del mundo. Cada año millones de peregrinos acompañan
el trayecto de la virgen y disputan el privilegio de agarrar la larga soga de sisal que
conduce la berlina por las calles de la ciudad. Sin embargo, encontré un texto en las
calles que anunciaba una campaña llamada
“No corte de la cuerda”. Descubrí que, alterando las reglas de la fiesta, para defender sus reliquias, algunos devotos cortan la
cuerda en medio del ritual. La voluntad de
realizar algo partió de allí. El video acerca
dos flujos diferentes, uno lineal, regido por
la entereza de la soga, y otro caótico, que
responde al corte.
Pablo Lobato (Bom Despacho, Brasil, 1976).
Vive y trabaja en Belo Horizonte, Brasil. Se
tituló en Bellas Artes por la Pontifica Universidad Católica de Minas Gerais, Brasil
(1999). Trabaja con diferentes medios como ser el cine, la fotografía, obras site specific, escultura y objetos. Fue uno de los
creadores de Teia –un centro para investigación y producción audiovisual con base
en Belo Horizonte (2002-2014)–. Su largometraje Acidente recibió el premio a mejor documental Iberoamericano en Guadalajara, México (2007). En 2009 recibió una
beca de la Fundación Guggenheim. Lobato
ha exhibido sus trabajos internacionalmente en festivales como Sundance, Locarno y
Rotterdam, así como en exposiciones en el
New Museum de Nueva York, el Museo Tamayo de Arte Contemporáneo en México, el
Museo de Arte Moderno de San Pablo y la
Akademie der Kunst en Berlín. Actualmente
su trabajo se puede encontrar en las colecciones del Museu d’Art Contemporani de
Barcelona, Sharjah Art Foundation en los
Emiratos Árabes Unidos y el museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, entre otras.
my childhood I recall the thousands
of pilgrims holding the rope, forming
a single body, like a snake, through
the streets of Belém. When I found
out that the fiesta took place on the
same date as the show to which I
was invited, I wanted to find out more
about it: the Círio of Our Lady of Nazareth, held in Belém de Paré, Brazil, since 1793, is one of the largest
Catholic processions in the world.
Every year millions of pilgrims accompany the virgin’s journey and contest
the privilege to hold the long sisal
rope that the float leads through the
streets of the city. However, I found
a text in the streets for a campaign
called “Don't cut the rope”. I found
out that some worshippers cut the
rope in the middle of the ritual, altering the rules of the fiesta to defend
their relics. The wish to make something arose from that. The video addresses two different flows, one
linear, governed by the integrity of
the rope, and another chaotic, in response to the cutting.
Pablo Lobato (Bom Despacho, Brazil, 1976). Lives and works in Belo
Horizonte, Brazil. He received a BFA
from the Pontifical Catholic University of Minas Gerais, Brazil (1999).
The artist works with different media
such as cinema, photography, sitespecific, sculpture and objects. He
was one of the creators of Teia –a
center for audiovisual research and
production (Belo Horizonte, 20022014). In 2009 he was awarded a
fellowship by the Guggenheim Foundation. Lobato has exhibited his work
internationally at film festivals such as
Sundance, Locarno, Rotterdam, and
group shows at New Museum (New
York), Tamayo Museum of Contemporary Art (Mexico), Museum of Modern Art (Sao Paulo), and Akademie
der Kunst (Berlin). His work can be
found in the collections of the Museu d’Art Contemporani (Barcelona),
Sharjah Art Foundation (United Arab
Emirates), Museum of Modern Art
(Rio de Janeiro), among others.
Os cavalos de Goethe, ou alquimia da velocidade / Los caballos de Goethe,
o alquimia de la velocidad / Goethe’s Horses, or the Alchemy of Speed
Arthur Omar
Filmada en Kabul, Afganistán, en 2002, durante un viaje de Arthur Omar por la zona
de guerra, la película cuenta con escenas
del violento juego de Buskashi en el que
los jinetes luchan entre sí por los restos de
una cabra decapitada. Imágenes de caballos y de hombres surgen casi suspendidas
en el tiempo, a través de efectos especiales, con los que se recrea la eterna batalla
entre luz y oscuridad, historia y olvido, horror y éxtasis.
El cambio de velocidad de las imágenes originales (su “alquimia”) revela un nuevo significado para una vieja guerra. Capturadas
con una cámara de baja resolución, las imágenes tuvieron su tiempo expandido hasta
el límite de la inmovilidad total, en el que el
instante presente de los cuerpos en lucha
revela la eternidad de su repetición.
El efecto global de esta película, que yo llamo “alta indefinición”, concuerda con las teorías cromáticas de Goethe, en las que la luz
y la oscuridad libran una lucha a muerte que
generará el espectro visible de los colores.
El cuarteto de cuerda número dos de Morton Feldman, fragmentos del poema “Four
Shot in Kabul, Afghanistan in 2002,
during Arthur Omar’s journey through
the war zone, the film includes
scenes of the violent Buskashi game
in which horse riders fight each other
for the remains of a decapitated goat.
Images of horses and men appear almost suspended in time, special effects recreating the eternal battle between light and darkness, history and
forgetting, horror and ecstasy.
The change in speed of the original
images (their ‘alchemy’) reveals a
new meaning for an old war. Captured on a low-resolution camera,
the time of the images was expanded up to a limit of total immobility,
in which the present instant of the
fighting bodies reveals their eternal
repetition.
The overall effect of this film, which I
call ‘high indefinition’, follows Goethe’s
Theory of Colours, in which light and
darkness fight to the death to generate the visible spectrum of colours.
Morton Feldman’s String Quartet II,
fragments of TS Eliot’s poem “Four
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65’ en loop | Color - ByN / B&W | Estéreo / Stereo | Videoinstalación / Video installation |
2 canales / 2 channels
Quartets” de TS Eliot, la teoría de los colores de Goethe y un enigmático poema en
dari, la lengua hablada en Afganistán, se
reúnen para una meditación sobre el tiempo y la naturaleza política de la percepción.
Película antropológica experimental con
efectos especiales como los humanos ya
no saben hacer. Nuestra esperanza ahora
va a los caballos; después de todo, El Apocalipsis viene montado sobre ellos.
El proyecto de esta película recibió un premio
especial en Rumbos 2009 de Itaú Cultural.
Quartets”, Goethe’s Colour Theory
and an enigmatic poem in Dari, the
language spoken in Afghanistan, are
brought together for a meditation on
time and the poetic nature of perception. An experimental anthropological film with the kind of special
effects that humans no longer know
how to make. Our hope is now in the
horses; after all, the Apocalypse will
come riding in on them.
This film project received a special
prize at Rumbos 2009 Itaú Cultural.
Arthur Omar es cineasta, fotógrafo, artista plástico y escritor. Hizo contribuciones
significativas en cada una de las áreas en
las que se desenvuelve reuniendo la innovación tecnológica con una gran intensidad
dramática. Participó en dos ediciones de
la Bienal de San Pablo, en una con la serie fotográfica Antropología del rostro glorioso, de la cual se editó un libro homónimo. En la otra, con imágenes tomadas en
Afganistán central, en la zona de catástrofe entre Kabul y Bamiyan, que motivó su libro más reciente, Viaje a Afganistán, con
prefacio del filósofo italiano Antonio Negri.
Otros de sus libros son El zen y el glorioso arte de la fotografía, Esplendor de los
contrarios y Lógica del éxtasis. Se presentó una retrospectiva de sus películas y videos en el MoMA de Nueva York. Realizó
exposiciones individuales en el Centro Cultural Banco do Brasil, de Río de Janeiro y
de San Pablo, como Esplendor de los contrarios, con imágenes en 3D. Otras exposiciones: Fracciones de luz, Demonios, espejos y máscaras celestiales, y Una mirada
y siete velos. En el Instituto Oi Futuro de
Río de Janeiro presentó Zooprismas, un
conjunto de 12 videoinstalaciones, destacado por el diario O Globo como la mejor
exposición del año. En el festival VideoBrasil presentó Dervixxx y la Trilogía cognitiva
en proyecciones circulares. Su largometraje Triste trópico es considerado un clásico
del cine brasileño. Dirigió y produjo varios
filmes para Channel Four y ZDF Arte. En el
Oi Futuro de Belo Horizonte presentó Las
puertas de la percepción, con fotografías e
instalaciones.
Arthur Omar is a filmmaker, photographer, plastic artist and writer. He
has made significant contributions
in all of the areas he has worked in,
combining technological innovation
with great dramatic intensity. He has
participated in two editions of the
São Paulo Biennale, one with the
photography series Anthropology
of the Glorious Face, from which a
book with the same name was published; and at the other with images
taken in central Afghanistan, in the
disaster area between Kabul and
Bamiyan, which led to his most recent book Journey to Afghanistan,
with a foreword by the Italian philosopher Antonio Negri. His other
books include Zen and the Glorious
Art of Photography, Splendor of Opposites, with 3D images. Other exhibitions include: Fractions of Light,
Demons, Mirrors and Heavenly
Masks, and One Gaze and Seven
Veils. At the Oi Futuro Institute in Rio
de Janeiro he presented Zooprisms,
a set of 12 video installations, selected by the O Globo daily as the best
exhibition of the year. At the VideoBrasil Festival he presented Dervixxx
and The Cognitive Trilogy in circular screenings. His feature film Sad
Tropic is considered a classic of Brazilian film. He has directed and produced various films for Channel Four
and ZDF Arte. AtOi Futuro in Belo
Horizonte he presented The Doors
of Perception, with photographs and
installations.
Cruzar un muro / Crossing a Wall
Enrique Ramírez
“Toda persona tiene derecho a salir de
cualquier país, incluso del propio, y a regresar a su país”. Así reza el artículo número
13 de la Declaración Universal de los Derechos Humanos que Enrique Ramírez utiliza como punto de partida para su trabajo
Cruzar un muro. El film realizado en 2012
nos muestra la sala de espera de lo que
podría ser una oficina de inmigración de
cualquier estado. En ella tres personas de
diferente aspecto étnico aguardan en silencio, resignadas al sopor de la espera, sosteniendo entre sus manos, o guardando en
un maletín, las carpetas con expedientes
y certificados ya gastados por su peregrinaje de oficina en oficina y por el tatuaje
de sellos y timbres administrativos que los
designa como cómplices frágiles de la filosa maquinaria burocrática que solo la esperanza humecta. Los que esperan están
callados, pero escuchamos sus voces en
off que nos susurran sus imágenes mentales, espectros de la rutina diaria; el eco de
una voz ya lejana –las palabras del jefe indio Seattle, gran jefe de los Duwamish, al
“Everyone has the right to leave any
country, including his own, and return
to his country”. So says Article 13 of
the Universal Declaration of Human
Rights that Enrique Ramírez uses as
a starting point for his work Crossing a Wall. The 2012 film shows the
waiting room in what could be an immigration office in any country. In it,
three people of different ethnic appearance wait in silence, resigned to
the torpor of the wait, holding in their
hands or in a briefcase the folders of
files and certificates dog-eared from
their pilgrimage from office to office,
worn down by the tattoos of seals
and administrative stamps that designate them as fragile accomplices
of the sharp bureaucratic machinery that only hope can blunt. Those
who wait are silent, but we hear their
voices off screen, whispering to us
their mental images, the range of
the daily routine, the echo of a now
faraway voice –the words of the Indian chief Seattle, Great Chief of
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catálogo BIM 2014
Chile | 2013
5’ 15’’ en loop | HD | Color | Estéreo / Stereo | Videoinstalación monocanal / Single channel Video
installation
presidente de Estados Unidos en 1855–,
o sus sueños mínimos, que luchan por no
convertirse solo en fantasías. Lo único que
los une es un deseo: obtener el resbaladizo permiso de residir, de habitar tranquilos
un lugar en el que no nacieron. En la pared,
un calendario agita sus hojas, como si también temiera ser arrebatado por el tiempo,
y un cuadro que enmarca la pintura de un
barco de vela nos anuncia el viaje, ese viaje
arquetípico que cada vida representa.
Como en otras piezas, Ramírez apela al
agua, al viaje, al tránsito, a las voces de los
ciudadanos anónimos, de la gente común,
para contarnos, a través de imágenes en
movimiento y de sonido, las historias que
se deslizan por nuestro tiempo desnaturalizando esa textura prosaica de la vida diaria
y de las historias mínimas que son las que
contienen y soportan el relato épico, estético y político.
Al final del film, esta oficina se nos revela
como una vulnerable embarcación entregada a las ondulaciones de las aguas. Pero
la embarcación, sin la carga trágica y solemne de La balsa de la Medusa de Géricault y sin el absurdo escatológico de La
nave de los locos de Hieronymus Bosch,
no avanza; parece suspendida en un presente continuo, flotando endeble y frágil,
errática y aséptica a la vez; y lo que era una
pared blanca se nos revela a su vez solo
como una maqueta precaria: los restos de
una escenografía en la que lo cotidiano es
el teatro donde repetir, cual Sísifo, un guion
que no elegimos porque ¿desde cuándo
es que los seres humanos debemos pedir
permiso para soñar, para caminar por la tierra, para navegar, para elegir dónde descansar, para elegir dónde ir a morir?
Valentina Montero
Enrique Ramírez nació en Santiago de
Chile en 1979. Es comunicador audiovisual
con mención en cine, Instituto Arcos, Santiago, Chile, y master en Arte Contemporáneo y Nuevos Medios del Studio National des Arts Contemporains, Le Fresnoy,
Francia. En el año 2014 ganó el Prix à la
Découverte del Palais de Tokyo y el primer
the Duwamish, to the US president
in 1855–, or their minimal dreams,
struggling not to become mere fantasies. The only thing that unites them
is one wish: to get that elusive permission to stay, to inhabit peacefully
a place where they weren’t born. On
the wall a calendar shakes its pages, as if it too feared being swept
away by time, and a frame around
a painting of a sail boat announces
to us the journey, that archetypical
journey that every life represents.
As in other pieces, Ramírez appeals
to the water, the journey, the traffic,
and the voices of anonymous citizens, the common people, to tell us
through images in movement and
sound the histories that slip through
our time; distorting the prosaic texture of daily life and of minimal stories that are those which contain and
support the epic, aesthetic, political
account.
At the end of the film, this office is
revealed to us as a vulnerable vessel surrendered to the waves. But
the vessel, without the tragic, solemn
load of The Raft of the Medusa by
Géricault, and without the eschatological absurdity of Hieronymus
Bosch's Ship of Fools, does not advance, seeming suspended in a continuous present, floating flimsily and
fragile, at once erratic and aseptic;
what was a white wall is revealed
to us in turn as a precarious model:
the remains of a scenography where
the everyday is the theatre where,
like Sisyphus, we repeat a script
we did not choose, because since
when did we human beings have to
ask permission to dream, to walk on
the Earth, to sail, to choose where to
rest, to choose where to go and die?
Valentina Montero
Enrique Ramírez Born in Santiago
de Chile in 1979. Graduate in Audiovisual Communication and Film
from Instituto Arcos, Santiago, Chile,
and holds a Master’s in Contemporary Art and New Media from the Na-
tional Studio of Contemporary Arts,
Le Fresnoy, France. In 2014 he won
the Prix á la Découverte from the
Palais de Tokyo, and took first prize
at LOOP Fair Barcelona. Enrique
Ramírez’s work could be described
as poetic incursions. His films, photography and installations work with
the politics of exodus, exile, and
the discontinuity of memory, but to
Ramírez this is always a matter of
an arduous search in the subjective
imaginary. The vast landscapes that
often appear in his work are conceived as geo-political spaces of the
imagination, territories open for seeing and wandering in. The mood of
the images is one of a contemplative
state: the landscape, the breeze, the
water, the sand, all seem to work together in an effort to give a subjective view.
. 99
catálogo BIM 2014
premio de Loop Fair Barcelona. La obra de
Enrique Ramírez podría ser descripta como
incursiones poéticas. Sus películas, fotografías e instalaciones trabajan con la política del éxodo, del exilio y de la discontinuidad de la memoria, pero para Ramírez se
trata siempre de una ardua búsqueda en
el imaginario subjetivo. Los vastos paisajes
que a menudo aparecen en su trabajo son
concebidos como espacios geopoéticos
de la imaginación, territorios abiertos para
la visión y para deambular. El ánimo de las
imágenes es de estado contemplativo: los
paisajes, la brisa, el agua, la arena parecen
trabajar juntos en un esfuerzo por dar una
visión subjetiva.
Nadia Seboussi
Les déplacés / Los desplazados / The Displaced
Canadá / Canada | 2013-2014
HD | Color | Videoinstalación monocanal / Single channel Video installation
Los desplazados es una videoinstalación
que abarca las visiones de los inmigrantes
sin importar sus nacionalidades o diferencias de edad. Esta obra se focaliza en los
flujos migratorios, el exilio, el “desarraigo”
y el fenómeno del desplazamiento global,
que actualmente son preocupaciones en
casi todos los países. Desafortunadamente, dicho desplazamiento humano se debe
mayoritariamente a razones políticas, a veces económicas.
Sin importar su origen ni religión, esta videoinstalación se establece como un “monumento viviente” a todos los desplazados
en el curso de la historia de la humanidad.
También apunta a derribar estereotipos y
prejuicios alrededor de la imagen del inmigrante.
Fueron capturadas miradas multiétnicas de
diferentes continentes para poner en escena hasta qué punto el desplazamiento es
diverso y sin fronteras. Diseñado para proyectarse en varias pantallas, se presenta
para la BIM en un formato de videoinstalación monocanal.
The Displaced is a video installation covering immigrants’ views,
regardless of nationality and age.
This piece of art addresses migration flows, exile, “uprooting” and the
global displacement phenomena
concerning almost every country today. Unfortunately, such human displacement is mostly due to political
and sometimes economic reasons.
Regardless of their origins and religions, this video installation is established as a “living monument” to pay
tribute to all displaced people over
the course of human history. It also
aims to dismantle stereotypes and
judgments of the image of the immigrant. It is also worth mentioning that
multi-ethnic perspectives from different continents were captured to
show the extent to which displacement is diverse and without frontiers.
Designed to be displayed on several
screens, for BIM the video set-up is
presented in a single channel video
installation.
100 . Les déplacés / Los desplazados / The Displaced
Nadia Seboussi es originaria de Argelia.
Obtuvo su título en estudios aplicados a
las comunicaciones y un título en ingeniería electrónica en la Universidad de Argel.
Luego de sus estudios, trabajó como periodista en la prensa francófona hasta 2001.
En 2002 emigró a Canadá, donde realizó
estudios de artes visuales y multimediales.
Ha recibido varias becas y destacados premios: el premio Pierre Ayot en 2010, Premio al referente Femenino del Consejo
de las Artes, premios de Excelencia Autodesk y Jacques en 2008 y 2009, respectivamente. En 2010-2011, obtuvo la beca
de excelencia otorgada por el Consejo de
Investigaciones en Ciencias Sociales y Humanidades de Canadá. Actualmente es becaria del programa Claudine and Stephen
Brofman en arte contemporáneo (20132015).
Project roots
Since 2008, I have been interested
in matters related to frontiers and
refugees’ status. Since my earliest work on refugees I have understood that this matter is not unique
to my community. So I decided to
explore it from a different angle and
ended up “surfing” globally. I have
researched extensively to comprehend the phenomenon of immigration flows and the related politics as
applied to frontiers. The Displaced
is the result of this long-term effort.
Nadia Seboussi is originally from
Algeria. She holds a degree in Applied Communications Studies and
a bachelor’s degree in Electrical Engineering from the University of Algiers. After graduating, she worked
as a journalist in the French-speaking press until 2001. In 2002, she
emigrated to Canada where in 2013
she earned a degree and Master’s in
visual and multi-media art.
Nadia has been granted several
scholarships and excellence awards:
Pierre Ayot award in 2010, Prix
Féminin de la relève, Autodesk and
Jacques Excellence Prizes in 2008
and 2009 respectively. In 20102011, she received the excellence
scholarship from the Social Sciences
and Humanities Research Council of
Canada. Nadia is currently a Claudine and Stephen Brofman scholar in
contemporary art 2013-2015.
. 101
catálogo BIM 2014
Raíces del proyecto
Desde 2008 me intereso por asuntos relacionados con las fronteras y el estatus de
los refugiados. Desde los primeros trabajos
que realicé sobre refugiados, entendí que
el tema no es exclusivo de mi comunidad.
Entonces, decidí explorarlo desde un ángulo diferente para terminar “surfeando” globalmente. He realizado numerosas investigaciones para comprender el fenómeno
de los flujos migratorios y las políticas relacionadas, así como su aplicación en las
fronteras. Los desplazados no es otra cosa que el fruto de un esfuerzo a muy largo
plazo.
Raquel Ponce y Gregorio Viera
… En la punta de la lengua / …On the Tip of your Tongue
Bajo el título común En la punta de la lengua, los artistas Raquel Ponce y Gregorio
Viera muestran sus respectivas propuestas Back y Camisetas, pistolas de plástico,
trompeta y algunas cosas más. Todas las
obras que integran este proyecto, producido por el Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM) y curado por Gopi Saradarangani, fueron creadas específicamente para
esta exposición bipersonal.
El proyecto nació como un encargo del director artístico del CAAM, Omar-Pascual
Castillo, a la curadora Gopi Saradarangani con el propósito de poner en marcha el
ciclo expositivo Ficción documental en el
que se abordan los nuevos caminos de investigación estética en torno al documento
videográfico y fotográfico y la ficción de la
performance.
Ambas obras investigan los residuos procesuales de cómo se crea una obra de arte mediante documentación videofotográfica, a partir de un imaginario en el que se
ahonda en la experiencia del sujeto. Raquel
Under the shared title …On the Tip
of your Tongue the artists Raquel
Ponce and Gregorio Viera show
their respective proposals Back and
T-shirts, plastic guns, trumpet and
other stuff. All the works that make
up this project, produced by the Atlantic Centre of Modern Art (CAAM)
and curated by Gopi Saradarangani,
were created specifically for this
two-person exhibition.
The project came about when CAAM
artistic director Omar-Pascual Castillo commissioned it to curator Gopi
Saradarangani, with a view to starting up the exhibition cycle Documentary Fiction tackling the new
paths of aesthetic research into
the videographic and photographic
document and the fiction of performance.
Both Raquel Ponce and Gregorio
Viera research into the procedural
waste of how a work of art is created through videophotographic docu-
102 . …En la punta de la lengua / …On the Tip of your Tongue
Raquel Ponce (Las Palmas de Gran Canaria, Islas Canarias, 1972) Licenciada en
Historia del Arte, se forma y trabaja como
bailarina, actriz y directora escénica. Fue
intérprete de numerosos espectáculos
de danza y performance entre los que se
destacan los realizados con Gary Stevens
(And), Xavier Le Roy (Extensions, Proyect)
y Tino Seghal, presentados en varias ciudades europeas. Ha llevado a cabo proyectos de carácter expositivo que pudieron
verse en distintos festivales internacionales: Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM), Display (Berlín), performance Cuerpo a Cuerpo (Centro de Arte La Regenta),
Cinemadamare (Italia), Bienal de Arte de
Dakar, BONE (Suiza), espacio Área 60 en
el TEA (Santa Cruz de Tenerife).
Gregorio Viera (Santa Cruz de Tenerife, Islas Canarias, 1971) desarrolla sus trabajos artísticos esencialmente en los terrenos
del video y la performance, ocasionalmente realiza proyectos en otras áreas, como
el dibujo o la interactividad multimedia. Se
formó y trabajó durante varios años en Madrid y Alemania, tanto en disciplinas artísticas y escénicas como en diseño, video y
derivados. Expuso su trabajo en eventos y
espacios del ámbito nacional e internacional.
mentation, starting from an imaginary
in which the experience of the subject is explored. One (Raquel Ponce)
probing the idea of the void, the
mark the subject leaves in the space,
understood as the work space, be
it the modern art workshop or atelier, and the other (Gregorio Viera)
“tracking the idea of the narrative relationship that we have with objects
and ourselves”.
The CAAM artistic director explains:
“On the Tip of your Tongue speaks
of when the artistic experience has
not yet materialized. It is a project
that goes from that interval of creation in which we are yet to find ourselves before a pure image, not as a
thing or object but a mark, a process
or register; when you reach that instant of uncertainty in which the
spectator might say: ‘it’s on the tip of
my tongue’, but cannot yet name it”.
Raquel Ponce (Las Palmas de Gran
Canaria, Islas Canarias, 1972) is
a History of Art graduate and has
trained and worked as a dancer, actress and stage manager in the Canary Islands and Madrid. She has
performed in various dance and performance shows, including shows
directed by Gary Stevens (And),
Xavier Le Roy (Extensions, Proyect),
and Tino Seghal, presented in different European cities. She has carried
out exhibition projects in several festivals and performance events internationally.
Gregorio Viera ((Santa Cruz de Tenerife, Canary Islands, 1971) develops his artistic work essentially
within the terrain of video and performance, occasionally carrying out
projects in other areas such as drawing and multimedia interactivity. He
was trained and worked for several
years in Madrid and Germany, both in
artistic and scenery disciplines such
as design, video, and related areas,
and has put on projects at national
and international events and spaces.
. 103
catálogo BIM 2014
Ponce tantea la idea del vacío, la huella del
sujeto en el espacio, entendido como espacio de trabajo: léase taller o atelier del
arte actual. Gregorio Viera “rastrea la idea
de la relación narrativa que tenemos con
los objetos y nosotros mismos”.
En la punta de la lengua, explica el director artístico del CAAM, problematiza el momento en el que la experiencia artística no
se ha materializado aún. Desarrolla ese intervalo de la creación en el que aún no nos
encontramos ante una imagen pura, como
cosa u objeto, sino como huella; un proceso o un registro. Cuando el espectador alcanza ese instante de incertidumbre en el
que llega a afirmar: “lo tengo en la punta de
la lengua”, pero aún no lo puede nombrar”.
Back
Raquel Ponce
Los cinco videos que conforman la muestra Back funcionan como una única e indivisible instalación videográfica. El trabajo
reflexiona sobre la parte invisible y oculta
de la obra, sobre el reverso de la obra, sobre lo que sucede antes y después de la
acción, pero también sobre los tiempos
muertos, sobre los tiempos de espera, sobre los entretiempos, sobre los tiempos de
preparación y contratiempos habituales del
espacio oculto del backstage.
El back como tema, al mismo tiempo que
como dispositivo y mecanismo para accionar, busca el descentramiento, el fragmento, el intervalo, el intermedio, el entretiempo, el fuera de campo espacial al mismo
tiempo que el temporal. De esta forma, pretende ocultar, arrebatar a la vista del espectador lo que hay para ver, haciéndolo pensar sobre lo que está viendo, o más
bien sobre lo que no está viendo, al mostrar no la tachadura, sino el resultado tachado.
Back es solo causa sin su efecto. Mostrando solo su causa y ocultando o difuminando su efecto, trata de intensificar el error,
lo inútil, los desechos como memoria del
The five videos that make up the
Back exhibition function as a single
and indivisible graphic video installation. The work reflects on the invisible, hidden part of the work, on
the back of the work, on what happens before and after the action, but
also on dead time, on waiting times,
in between times, preparation times
and habitual setbacks in the hidden
backstage space.
The backstage as a subject, at the
same time as a device and mechanism to activate, seeks the off-centring, the fragment, the interval, the
middle point, the between time, what
is outside of both the spatial field
and the temporal field. In this way it
seeks to hide what there is to see,
snatch it away from the spectators’
sight, making them think about what
they are seeing, or rather about what
they aren’t seeing, in showing not
the crossing-out, but the crossedout result.
Back is just cause without its effect.
Showing just its cause and hiding
or blurring its effect is about intensifying the error, the futile, waste as
resultado, como el esqueleto del proceso,
oscilando entre el documento y el residuo.
Back juega con lo no dicho, con lo no visto, con los espacios ciegos, con el punto
muerto de la mirada; reduce al máximo los
anclajes narrativos, oculta hasta donde se
puede sin caer en la inanición, hasta el límite en el que menos deja de ser más y ya es
simplemente menos.
memory of the result, like the skeleton of the process, oscillating between the document and the waste.
Back plays with the unspoken, with
the unseen, with the blind spaces, with the blind spot of the line of
sight; reducing as much as possible
the narrative bearings, hiding how far
one can go without falling into starvation, to the limit where less ceases
to be more and is simply less.
Entre tiempos / Between Times
España / Spain | 2012
3’ | Videoinstalación / Video installation
Contra tiempos / Counter Times
Tiempos muertos / Dead Times
Pasando el tiempo / Passing the Time
Al mismo tiempo / At the Same Time
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catálogo BIM 2014
Circuito cerrado de video / Video closed circuit
Camisetas, pistolas de plástico, trompeta y algunas cosas más /
T-shirts, plastic guns, trumpet and other stuff
Gregorio Viera
Algunas cosas (sistemas 1 & 2) / Some things (systems 1 & 2)
Videoproyección sobre objetos / Video projection onto objects
El objeto es una forma de arte sin sustancia, lo que tomamos son las cualidades
que surgen de las cosas al colisionar con
ellas, y poseerlas pasa por habitarlas Las
cosas no son más que el rastro matérico
de todos estos gestos; sencillamente, se
trata de síntomas del transcurso, pues recomponemos a través de ellos todo el resplandor y el peso del mundo.
Viera se ha establecido en un territorio crítico con la representación y ha determinado con las imágenes una relación deconstructiva aplicando un humor iconoclasta
como vehículo apropiado para plantear las
contradicciones que se generan en la acumulación de imágenes y simultaneidad de
lenguajes en la realidad visual cotidiana.
Este entrecruzamiento de niveles que generan las imágenes desemboca en un placer de la experiencia corporal cuando se
proyecta en la imagen. Movimientos performativos que han rebasado su marco físico aparecen fragmentados proyectando
al artista como sujeto-objeto, e intervinien-
The object is an art form without
substance, what we take are the
qualities that emerge from the things
when they collide with them, and we
possess them as we inhabit them…
Things are no more than the material trace of all these gestures. They
are simply symptoms of passing, we
recompose through them all the brilliance and weight of the world.
Viera has established himself in a
critical terrain with representation,
and has determined with the images
a deconstructing relationship, applying an iconoclastic sense of humour
as a fitting vehicle for suggesting the
contradictions that are generated in
the accumulation of images and simultaneity of languages in the everyday visual reality. This overlap of levels that the images generate leads
to pleasure of the bodily experience
when performance movements are
projected on the image that have
surpassed their physical framework
do sobre las formas con una narración mínima. (Gopi Sadarangani)
and appear fragmented, projecting
the artist as a subject-object and intervening on the forms with a minimal narrative. (Gopi Sadarangani)
Camisetas / T-shirts
Videoproyección sobre camisetas / Video projection on t-shirts
En Camisetas, un conjunto de prendas exhibe personajes, rostros e íconos gastados
por el merchandising con una frase que los
unifica: “I am a thing. I am successful” [Soy
una cosa. Soy exitoso/a]. Evidentemente,
en una sociedad mercantil no puede haber
mayor logro que el de transformarse en un
producto y estar listo para ser consumido.
Pero esa sociedad es por completo indiferente a su objeto del deseo. La sucesión
ininterrumpida de las imágenes, perfectamente intercambiables, nos dice más bien
que es la economía del consumo la que ha
triunfado al reemplazar la realidad con una
batería de seres sin espesor que alimenta
la necesidad permanente de victorias artificiales. (Rodrigo Alonso)
In T-shirts, a set of garments show
characters, faces and icons overused by merchandising with a phrase
that unifies them: I am a thing. I am
successful. Clearly, in a commercial society there can be no greater
achievement than becoming a product, ready for consumption. But this
society is completely indifferent to its
object of desire. The uninterrupted
sequence of images, perfectly interchangeable, tells us rather that it is
the consumer economy that has triumphed in replacing reality with a
battery of beings without depth that
feeds the permanent need for artificial victories. (Rodrigo Alonso)
No se crea, no se destruye, se transforma / Not created,
not destroyed, transformed
Serie de fotografías-dibujos-escrituras, cimentados en un bucle-frase que proviene de una
de las primeras performances junto con el
artista Juan José de la Jara en Madrid. Esta
decía exactamente: “trabajo mucho, para
ganar dinero, para poder comprarme cosas
que luego no puedo disfrutar porque trabajo
mucho, para ganar dinero, para poder comprarme cosas que luego no puedo disfrutar
porque trabajo mucho...”. Un sentido cíclico
del lenguaje en cuanto narración continua,
sin principio ni fin y que ejemplifica la idea de
permanencia en un eterno presente. Como
en un movimiento continuo con vuelta siempre al inicio: no se crea, no se destruye, se
transforma.
Series of photographs-drawings-writing, based in a phrase loop originating from one of Viera’s first performances, alongside artist Juan José
de la Jara in Madrid. This said exactly: “I work a lot, to earn money, to be
able to buy myself things that I can’t
then enjoy because I work a lot, to
earn money, to be able to buy myself
things that I can’t then enjoy because
I work a lot”. A cyclical sense of language in terms of continuous narrative, without beginning or end, and
which exemplifies the idea of permanence in an eternal present. Like in a
continuous movement always returning to the start.
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catálogo BIM 2014
Dibujo-escritura sobre reverso de polaroids / Drawing-writing on back of Polaroids
S
c
r
e
e
n
i
n
g
s
proyecciones
Rosa Barba
Subconscious Society / Sociedad subconsciente
Curado por / Curated by
“En una concentración particular de tiempo,
En un tiempo social donde la resistencia
de la piedra sobre el tiempo, y a través
del tiempo,
es a la vez paisaje e historia a la misma vez”.
Rosa Barba
“In a particular concentration of time,
In a social time where the resistance
of stone over time, and through time,
is at once landscape and history, at
the same time”.
Rosa Barba
Subconscious Society (2013) presenta un
mundo en el que las cosas materiales guardan un valor ajeno al mecanismo social y
político que simboliza el modo de progreso y producción capitalista. Utilizando espacios derruidos y banalizando la razón de
ser de los objetos en el mundo material, las
personas que habitan estos espacios generan situaciones que parecen incoherentes y que son propias de una pérdida de
la función institucional. Son un colectivo
humano que guarda una relación diferente
con el mundo material evidenciando una futura “crisis de los objetos” y su latente inmaterialidad signada drásticamente por la
tecnología que hace del mundo físico un
espacio vacuo y profano como los referentes culturales construidos socialmente.
El film presenta escenarios desoladores en
los que el poder silencioso de la naturaleza destruye las cosas y objetos producidos
por el hombre; los desmaterializa y los torna en artefactos inservibles, extraños y arcaicos. Antiguas estructuras levantadas
como símbolos del progreso resultan inservibles y ponen de manifiesto la transformación tecnológica como un breve evento en
la imponente historia planetaria. Estructuras y objetos que un día tuvieron una función acaban como desechos inservibles
Subconscious Society (2013) presents a world in which material things
have a value outside of the social
and political mechanism that symbolizes the capitalist way of progress and production. Using derelict
spaces and trivializing the purpose
of objects in the material world, the
people who inhabit these spaces
generate situations that appear incoherent and that arise from a loss
of institutional function. They are a
human collective that has a different relation to the material world, indicating a future “crisis of objects”
and their latent immateriality drastically marked by the technology that
makes the physical world a vacuous
and profane space, like socially-constructed cultural references.
The film presents devastating scenes
in which the silent power of nature
destroys the things and objects
produced by man, dematerializing
them and turning them into useless,
strange, archaic artifacts. Old structures raised as symbols of progress
end up useless and clearly show
technological transformation as a
brief event in the imposing history of
the planet. Structures and objects
. 109
catálogo BIM 2014
José Carlos Mariátegui
del conocimiento humano pues el paso galopante de la naturaleza se encarga de engullirlos y degenerarlos. El registro aéreo
del sur de Inglaterra presenta una compleja geografía de grietas y riachuelos, que se
asemeja a los aspectos orgánicos más inherentes a la biología del ser humano. La
naturaleza, vista desde esa perspectiva, se
presenta como un espacio tan desolador y
desconocido como la vida misma. La película traduce la neurosis de una sociedad
que vive transformando su hábitat natural
mediante objetos que terminan acabando
inexorablemente en desuso.
Subconscious Society resume así la constante indagación en la obra de Rosa Barba a partir del registro de espacios reales
y su intento de darles una nueva interpretación o, como menciona, reinventar la utopía suspendiendo el tiempo y descifrando
aspectos de este que resultan velados de
la realidad.
that one day had a function end up
as useless waste products of human
knowledge, as the rapid pace of nature swallows them up and erodes
them. The aerial recording of southern England shows a complex geography of crevices and streams,
resembling the most inherent organic aspects of human biology. Seen
from this perspective, nature is presented as a space as devastating
and unknown as life itself. The film
puts across the neurosis of a society that constantly transforms its
natural habitat with objects that inevitably end up in disuse.
Subconscious Society thus sums up
the constant inquiry in Rosa Barba’s
work, starting from the recording of
real spaces and her attempt to give
them a new interpretation or, as she
says, reinvent utopia by suspending
time and deciphering aspects of it
that are hidden from reality.
Subconscious Society / Sociedad subconsciente
Rosa Barba
Reino Unido - Estados Unidos / UK- USA | 2014
Proyección / Screening: Archivo Digital / Digital video file
En la película Sociedad subconsciente –
como en el subconsciente en sí– se pueden hacer asociaciones nuevas y no racionales entre los objetos del mundo “real”.
Los personajes de la película parecen existir en un estado liminal entre los reinos
mentales y físicos. Las escenas interiores,
con sus protagonistas, se yuxtaponen con
diversas estructuras evocadoras de zonas geográficas muy dispares. Parte de la
película fue filmada en un edificio abandonado en Manchester, con personajes que
han experimentado el espacio de diferentes formas a través del siglo pasado –como catedral, como edificio del parlamento, como teatro y como cine–. Ahora está
abandonado, una casa de fantasmas.
Los protagonistas nunca han salido de In-
In the film Subconscious Society –
as in the subconscious itself – new
and non-rational associations can be
made between objects from the ‘real’
world. The characters in the film seem
to exist in a liminal state between the
mental and physical realms. The interior scenes, with their protagonists,
are juxtaposed with various evocative structures from widely disparate
geographical areas. Some of the film
was shot in an abandoned building
in Manchester, with characters who
have experienced the location in different guises through the last century
– as a cathedral, a parliament building, a theatre and a cinema. Now it
is abandoned, a house of ghosts.
110 . Subconscious Society / Sociedad subconsciente
The protagonists have never left England, have never been on a plane. Together they are attempting to form a
new group, a society founded on the
discarding of physical objects.
In stark contrast, the artist flies over
landscapes – southern England’s
coast at low tide (when its geological structure is revealed) and the
US desert (seeing a prison, a field
of solar panels, a quarry and a dry
river bed). Seen from the air, the real
scale of these features is lost, and
they assume a perspective which
depicts them as a kind of drawing or
symbols in the landscape.
The desert shots function like chapter titles within the film, and we are
invited to enter the narrative via an
initial postcard-like title.
The piece is presented as a feature film that incorporates images
evolved as part of a live performance
at the Anthology Film Archives, New
York, over three evenings in November 2013, and also makes use of
the performance’s live soundtrack.
. 111
catálogo BIM 2014
glaterra, nunca han estado en un avión.
Juntos están tratando de formar un nuevo
grupo, una sociedad fundada en el descarte de los objetos físicos.
En marcado contraste, la artista sobrevuela
paisajes –la costa sur de Inglaterra durante
la marea baja (cuando se revela su estructura geológica) y el desierto de Estados
Unidos (se ven una prisión, un campo de
paneles solares, una cantera y un lecho de
río seco)–. Vistos desde el aire, la escala
real de estos lugares se pierde y se asume
una perspectiva que los representa como
un tipo de dibujo o símbolos en el paisaje.
Las tomas en el desierto funcionan como
títulos de los capítulos en la película, y se
nos invita a entrar en la narración a través
de un título tipo postal.
La pieza se presenta como una película
que incorpora imágenes que evolucionaron
como parte de una presentación en vivo en
el Anthology Film Archives (Nueva York), de
tres noches, en noviembre de 2013, y también hace uso de la banda sonora en vivo
de aquellas actuaciones.
Programa de películas de Jack Chambers /
Jack Chambers film program
Lauren Howes
Canadian Filmmakers Distribution
Centre
“El hecho ES que los cuatro films de Jack
Chambers han cambiado toda la historia
del cine, a pesar de su descuido, de una
manera que ni siquiera sería posible en el
campo de la pintura. No hay ‘maestros’del
film en un sentido significativo cualquiera que fuese. Solo hay ‘creadores’ en el
sentido original, o al menos medieval, de
la palabra. Jack Chambers es un verdadero ‘creador’ de films. Él no necesita ninguna postura, o posición, para asistir al surgimiento de algo claramente NUEVO” (Stan
Brakhage).
Es indudable que los films de Jack Chambers fueron innovadores e influyentes entre sus contemporáneos. Aún se lo celebra
con una reputación internacional consagratoria por su sorprendente corpus de films y
mucho se ha escrito sobre su singular estilo. Su prestigiosa carrera como pintor y
su práctica artística, que fue descrita como
“realismo perceptivo”, se ubican en contrapunto con los estilos abstractos dominantes de su tiempo. Sus films se destacan en
particular por sus investigaciones formales
de las propiedades de la luz y por sus investigaciones temáticas sobre el ciclo de la
vida y la muerte. Su trabajado empleo del
montaje, de noticieros y documentos fotográficos, recrea a través de sus films estos temas recurrentes de mortalidad y renacimiento. Su primer film, Mosaic (1965),
instaura este modelo de manera audaz, algo que volvió a aparecer en Hybrid (1966)
con el empleo de las brutales imágenes fotográficas de los estragos de la guerra intercaladas con la plantación y el brote de
“The fact IS that the four films of Jack
Chambers have changed the whole
history of film, despite their neglect,
in a way that isn’t even possible within the field of painting. There are no
‘masters’ of film in any significant
sense whatsoever. There are only
‘makers’ in the original, or at least
medieval, sense of the word. Jack
Chambers is a true ‘maker’ of films.
He needs no stance, or standing,
for he dances attendance upon the
coming-into-being of something recognizably NEW” (Stan Brakhage).
There is no question that the films of
Jack Chambers were influential and
groundbreaking among his contemporaries. He continues to be celebrated with an acclaimed international reputation for his impressive body
of films and much has been written
on his unique style. His celebrated
career as a painter and his artistic
practice that was described as “perceptual realism” stood in counterpoint to the dominant abstract styles
of his day. His films are particularly
noted for their formal investigations
of the properties of light and for their
thematic examinations of the cycle of
life and death. His crafted employment of montage, newsreel footage
and photo documents create these
recurring themes of mortality and
rebirth throughout his films. His first
film Mosaic (1965) boldy establishes this pattern that would recur in
Hybrid (1966) with his use of brutal
photo imagery of the ravages of war,
112 . Programa de películas de Jack Chambers / Jack Chambers film program
John Jack Chambers (1931-1978). Nacido en London, Ontario, Chambers es considerado uno de los artistas más importantes de Canadá. Trabajó y estudió durante
ocho años en Europa (1953-1961), después de formarse en la Universidad de
Western Ontario. Con una carrera consolidada como pintor, se embarcó en una
breve pero significativa carrera como realizador cinematográfico a mediados de
los años sesenta. En su vida realizó cinco
films: Mosaic (1965), Hybrid (1966), R-34
(1967), Circle (1969) y The Hart of London (1970). Después de batallar diez años
contra la leucemia, Jack Chambers falleció en 1978 a los 47 años. Su obra se encuentra en las colecciones de la National
Gallery of Canada, Art Gallery of Ontario y
Museum London. Una escuela primaria, la
Escuela Pública Jack Chambers (y las calles que la rodean), llevan su nombre en
London, Ontario.
Lauren Howes trabaja como directora ejecutiva del Canadian Filmmakers Distribution Centre desde 2006. Antes de instalarse en Toronto, trabajó como ejecutiva de
distribución en la sección Video Out Distribution de VIVO Media Arts en Vancouver.
Debido a su trabajo como distribuidora,
intercut with the planting of floral
blooms. Chambers turned his camera on his friend, collaborator, and
fellow London artist Greg Curnoe in
R34 (1967) and his creative documentary work continued with Circle
(1969) with his portrait of the family landscape in his backyard, shot
everyday for a year from the same
perspective. Chambers’ oeuvre culminates in his most seminal 79-minute film The Hart of London. This film
marries newsreel and found footage
with images he creates to construct
a most surreal document. The iconic footage of a lamb to slaughter, a
hart hunted, abstraction to fully saturated images of time, and place, life
and loss. A searing, creative narrative
made while battling leukemia, this
was Chambers last film.
John Jack Chambers (1931-1978)
Born in London, Ontario, Chambers
is regarded as one of Canada’s most
important artists. He spent eight
years (1953-1961) studying and
working in Europe after his postsecondary education at the University of Western Ontario. With a wellestablished career as a painter, he
embarked on a short-lived but significant career as a filmmaker in the
mid-1960s. He completed five films
for distribution in his lifetime: Mosaic (1965), Hybrid (1966), R-34
(1967), Circle (1969), and The Hart
of London (1970). After a ten-year
battle with leukemia, Jack Chambers died in 1978 at the age of 47.
His work is in the collections of the
National Gallery of Canada, the Art
Gallery of Ontario, and Museum
London. An elementary school, Jack
Chambers Public School, (and the
streets surrounding it) are named for
him in London, Ontario.
Lauren Howes assumed the role
of Executive Director of CFMDC in
September 2006. Prior to coming
to CFMDC, she was the Distribution
Manager of Video Out Distribution
. 113
catálogo BIM 2014
flores. Chambers luego volvió su cámara
hacia su amigo, colaborador y colega, el
artista de London Greg Curnoe, en R34
(1967) y su creativo trabajo documental siguió con Circle (1969), con el retrato del
paisaje familiar del jardín del fondo filmado
cada día durante un año desde la misma
perspectiva. La obra de Chambers culmina
con su film más trascendente, The Hart of
London, de 79 minutos. Este film une noticieros y metraje encontrado con imágenes que crea para construir un documento más surrealista. El metraje icónico de un
cordero que se sacrificará, un ciervo cazado, abstracción de imágenes completamente saturadas, de tiempo y lugar, de vida
y pérdida. Una narración original y mordaz
hecha mientras combatía la leucemia, este
fue el último film de Chambers.
asiste a numerosos festivales de cine y
mercados de arte medial en el mundo entero y promueve el arte medial canadiense.
Presentó curadurías en Dublín, San Pablo,
Río de Janeiro, Hamburgo, París, Londres,
Berlín y Seúl. Se graduó en 1996 con un
BFA en Film Production en la Simon Fraser
University. Howes actualmente es presidente del Board of the Media Arts Network
of Ontario (MANO) y ha colaborado con el
Board of Independent Media Arts Alliance
entre 2008 y 2010.
in Vancouver, BC from 2002-2006.
Howes has programmed screenings
of Canadian Media Art for events in
Vancouver, Toronto, Dublin, Hamburg, Sao Paulo, Rio de Janeiro,
Seoul, London, UK and was selected
as a Goethe Scholar to participate
in the Living Archive program 2013
at Arsenal - institut für film und videokunst in Berlin.
Howes currently sits on the Board of
Directors at the Toronto Arts Council. She graduated from Simon Fraser University with a BFA in Film Production and endeavors to make films
when possible, outside of the demands of arts administration.
Programa / Programme1
The Hart of London
The Hart of London
Canadá / Canada | 1970
79’ | 16 mm | Color | Sonido / Sound
“Lo extraordinario de The Hart of London
es la capacidad de Jack Chambers para
combinar fuentes poniendo la calidad profesional estándar de los noticieros junto a
secuencias de filmaciones caseras, mal iluminadas y temblorosas, con sus ritmos torpes y su composición única. La manera
experta e intrincada en que se alternan estas imágenes es típica del trabajo de Jack
Chambers, de su misión de conocerse a
sí mismo como humano, ni más ni menos;
no un dios, y de ese modo solo como un
momento dentro de un ciclo. Su aceptación de este hecho forma su percepción de
los distintos elementos del film y le permite moverse más allá del estatus de un simple diario filmado al reino de la reconciliación” (Yann Beauvais, traducido al inglés
por Jo-Anne Elder-Gomes, fragmento de
The Films of Jack Chambers, editado por
Kathryn Elder, 2002, p. 193).
“What is remarkable in The Hart of
London is Jack Chambers’ ability
to blend sources, placing the standardized professional-quality newsreels beside shaky, underexposed
home-movie sequences with their
awkward rhythms and unique framing. The masterful, intricate way
these are intercut is typical of Jack
Chambers’ work, his quest to know
himself as human, not less, not
more; not a god, and thus only a moment in a cycle. His acceptance of
this fact shapes his perception of
the different elements of the film,
and enables it to move beyond the
status of a simple filmed diary into
the realm of reconciliation.” (Yann
Beauvais, translated by Jo-Anne Elder-Gomes (Excerpt -The Films Of
Jack Chambers edited by Kathryn
Elder, 2002- pg 193).
Programa / Programme 2
Cortos de Jack Chambers / Short fims by Jack Chambers
Mosaic / Mosaico
9’ | 16 mm | ByN / B&W | Sonido / Sound
“Fue en el verano de 1964 cuando hice mi
primera película, Mosaic. Filmé literalmente
millas de film ya que también estaba aprendiendo a usar la cámara. Finalmente el film terminó teniendo 9 minutos” (Jack Chambers).
“It was in the summer of 1964 that I
made my first movie, Mosaic. I shot
literally miles of film since I was also
learning to use the camera. The film
finally ended up nine minutes long.”
(Jack Chambers)
Hybrid / Híbrido
15’ | 16 mm | Color | Muda / Silent
“La guerra de Vietnam fue muy triste para
mí: no estaba de acuerdo con la presencia
de Estados Unidos en Vietnam. Pensé que
una película que mostrara algunos de los
aspectos trágicos de la guerra serviría como una herramienta útil para recaudar fondos” (Jack Chambers).
“The Vietnam War was very upsetting to me: I did not agree with the
American presence in Vietnam. I
thought that a film showing some of
the tragic aspects of the war would
serve as a useful tool for fundraising.” (Jack Chambers)
R-34
“No recuerdo mucho del rodaje de R34
salvo que me di cuenta de que Jack nos
estaba filmando a mí y a mi mujer, Sheila, y que editaba esas imágenes para convertirlas en algo propio. El proceso no fue
invasivo, como suele suceder. R34 era el
nombre del primer aeroplano que cruzó el
Atlántico sin parar. Yo lo había puesto en la
pintura que se ve en el film (parte del mural encargado por el Aeropuerto Dorval de
Montreal)” (Greg Curnoe).
“I don’t remember much about the
shooting of R34 except that I realized
that Jack was taking moving images
of me and my wife, Sheila, and editing them into something of his own.
The process was not intrusive, as is
usually the case. R34 was taken from
the name of the first aircraft to fly the
Atlantic nonstop. I was putting it in
the painting [part of the mural commissioned for Dorval Airport, [Montreal] in the film” (Greg Curnoe).
. 115
catálogo BIM 2014
Canadá / Canada |1967
Circle / Círculo
“Algo puede ser tan familiar que lo veo como si fuera la primera vez. O tal vez si uno
no logra ver especialmente aquello que es
más familiar, entonces lo alcanza y moldea
una y otra vez con la esperanza de revelar
eso” (Jack Chambers).
“Something can be so familiar that
I see it as for the first time. Or maybe it is not being able to see especially what is most familiar so you
reach out and shape it again and
again in the hope of revealing it”
(Jack Chambers).
Cráter
Umbrales inasibles / Ungraspable Thresholds
Luis Macías y
Adriana Vila Guevara
CRÁTER presenta un programa doble de
CRÁTER presents a double ex-
Adriana Vila y Luis Macías son los polos
magnéticos de Cráter. Recicladores, interventores, expansores y contractores del cine en formato y soporte analógico; Cráter
se centra en la búsqueda de experiencias
audiovisuales experimentales y las posibilidades de la proyección como acontecimiento aprovechando las cualidades propias del formato analógico.
La puesta en escena de sus performances
implica un alto grado de improvisación valiéndose de una composición estructural y
de exploraciones formales, que conjugan
elementos como la intensidad lumínica, las
vibraciones sónicas, la inestabilidad y la fan-
The mise en scene of their performances entails a high degree of improvisation, using a structural composition and formal explorations,
involving such elements as light intensity, sonic vibrations, instability
and phantasmagoria. Since 2010,
panded cinema program in which
the physical image is substituted for incandescence, origins are
opened up in a perceptive experience to overwhelm the subtle comfort of the retina. The intermittent
light and sound created by the different 16mm and Super 8 projectors lead the spectator to an impalpable limit. Starting from a formal,
conceptual idea of the beginnings
of film, Luis Macías and Adriana Vila
give the lead to the basic elements
of film projection, the projector and
the blocking of light, using light choreographies that recall early cinema,
playing with perception systems and
optical illusion, and ridiculing the
mechanisms of stereoscopic vision.
Adriana Vila and Luis Macías are
the magnetic poles of Cráter. Recyclers, inventors, expanders and contractors of film in analogical support
and format. Cráter focuses on the
search for experimental audiovisual
experiences and the possibilities of
screening as event, harnessing the
qualities of the analogical format.
. 117
catálogo BIM 2014
cine expandido en el que la imagen física
es sustituida por la incandescencia, los orígenes son eclosionados en una experiencia perceptiva demoledora para las sutiles
comodidades de la retina. Las intermitencias lumínica y sonora provocadas por los
distintos proyectores de 16 mm y Super
8 llevan al espectador a un límite impalpable. A partir de una propuesta formal y
conceptual sobre los inicios del cine, Luis
Macías y Adriana Vila intervienen la pantalla y el espacio otorgando protagonismo a
los elementos básicos de la proyección cinematográfica. Al manipular el proyector y
la obturación de la luz, se crean coreografías lumínicas que remiten al cine primitivo
jugando con los sistemas de percepción e
ilusión óptica e ironizando sobre los mecanismos de la visión estereoscópica.
tasmagoría. Desde 2010 Cráter ha presentado sus propuestas de cine expandido en
Crossroads Film Festival, Artist Television
Acces (San Francisco), Millenium Film Center, Microscope Gallery (Nueva York), Echo
Park (Los Ángeles), Ocho y Medio (Ecuador), Museo de Arte Moderna da Bahía
(Brasil), Museo de Bellas Artes y Cinemateca Nacional (Venezuela), Festival Internacional de Video Arte de Camaguey (Cuba), S8
Mostra de Cine Periférico (La Coruña), Festival Europes, Mostra de Super 8, Festival
Loop, Primavera Sound, La Virreina, Sonar y
Festival De Prop (Barcelona).
Luis Macías. Artista, cineasta, reciclador de
imágenes e investigador fílmico. Es miembro de Cráter Collective y cofundador del
laboratorio de cine artesanal Crater-Lab.
Sus obras en formato fílmico 8 mm, Súper
8 y 16 mm son concebidas como proyectos de film performance o expanded cinema. Sus inquietudes artísticas se centran
en dos puntos: el trabajo físico sobre la película cinematográfica, concibiendo cada
pieza a partir de su formato específico videográfico o cinematográfico; así como el
reciclaje y reinvención de nuevas relaciones entre las imágenes en movimiento. Estas propuestas se conciben tanto para la
proyección en sala oscura como para performance o instalación en el cubo blanco.
Paralelamente, desarrolla talleres teóricoprácticos especializados en distintas variantes de cine experimental: found footage, cine sin cámara, Super 8, procesos
artesanales, tanto en escuelas de cine como en centros de arte y museos.
Adriana Vila Guevara. Realizadora audiovisual y antropóloga venezolana dedicada a
la contemplación de imaginarios y sus misceláneas representaciones, la confusión e
invención de los recuerdos y la inducción
de experiencias perceptivas (fugaces pero nobles). Con una investigación doctoral
en antropología y autoría documental, integrante de Cráter Collective y cofundadora del laboratorio de cine artesanal CraterLab, su obra se desplaza entre fórmulas de
Cráter has presented its expanded
cinema ideas at Crossroads Film
Festival, Artists’ Television Access
(San Francisco), Millennium Film
Center, Microscope Gallery (New
York), Echo Park (Los Angeles),
Ocho y Medio (Ecuador), Bahía Museum of Modern Art (Brazil), Museum of Fine Arts and National Film
(Venezuela), International Video Art
Festival of Camaguey (Cuba), S8
Peripheral Film Festival (La Coruña),
Festival Europes, Mostra de Super
8, Festival Loop, Primavera Sound,
La Virreina, Sonar and Festival De
Prop (Barcelona).
Luis Macías. Artist, filmmaker, image recycler and film researcher. He
is a member of Cráter Collective and
co-founder of the artisan film laboratory Crater-Lab. His works on 8mm,
Super 8 and 16mm film formats are
conceived as film performance or
expanded cinema projects. Artistic concerns focus on two points:
physical work on cinematographic
film, conceiving each piece from its
specific videographic or cinematographic format, as well as the recycling and reinvention of new relationships between images in movement.
These proposals are conceived for
both dark room screening and white
cube performance or installation. In
parallel, Macías holds theoreticalpractical workshops, specialising
in different variants to experimental
film, found footage, cameraless film,
Super 8, artisan processes, both at
film school and at art centres and
museums.
Adriana Vila Guevara. Venezuelan
audiovisual designer and anthropologist, dedicated to the contemplation of imaginaries and their
miscellaneous representations, the
confusion and invention of memories, and the inducement of perceptive (fleeting but noble) experiences. Vila Guevara has done PhD
research in documentary authorship
118 . Umbrales inasibles / Ungraspable Thresholds
creación documental y la experimentación
fílmica en Súper 8, Single 8 y 16 mm combinando material encontrado, filmaciones
propias y la intervención artesanal del celuloide y los aparatos cinematográficos en
forma de instalaciones y cine expandido.
and anthropology, and is a member
of Cráter Collective and co-founder
of the artisan film laboratory CraterLab. Her work moves between documentary creation formulas and film
experimentation in Super 8, Single
8 and 16mm, combining found footage, her own films, and the artisan
intervention of celluloid and cinema
equipment in the form of installations and expanded cinema.
Programa / Programme
Red Over the Right Eye
España / Spain-Venezuela | 2012
12’ | Super 8 / 16 mm | Sonido óptico y sensores de luz / Optical sound and light sensors
Proyección / Screening: 1 x Super 8 + 2 x 16 mm
Red Over The Right Eye refers to
the origins of 3D, in an educational
display in Super 8 with an intervention in the execution of the screening space in a double and multiple
in 16mm. Using a found footage film
and flicker loops, the retina’s capacity to assimilate and recreate 3D are
put to a flickering and anxious test.
Another dimension is invoked.
. 119
catálogo BIM 2014
Red Over the Right Eye remite a los orígenes del 3D en una muestra didáctica en
Súper 8 intervenido por la ejecución del
espacio de proyección en una doble y múltiple de 16 mm. Utilizando un film de found
footage y flicker loops, se propone una parpadeante y ansiosa puesta a prueba de las
capacidades de la retina para asimilar y recrear el 3D. Otra dimensión es invocada.
Reels & Lights
España / Spain-Venezuela | 2012
22’ | Sin película / Filmless | Sonido óptico, micros de contacto y sensores de luz / Optical sound,
contact mikes and light sensors
Proyección / Screening: 16 mm proyector + luz
estroboscópica / 16 mm projector + strobe light
Reels & Lights es un tributo al proyector de
cine, la aparición y desaparición del aparato cinematográfico en su forma más elemental utilizando luz intermitente/sombras
y silencio/sonido. Un proyecto que utiliza
el proyector de cine de 16 mm como objeto de investigación y en el que el proyector
pasa a ser el protagonista. Una performance que remite al precine, al teatro de sombras y a los mecanismos de ilusión primitivos…
Reels & Lights is a homage to the
film projector, the appearance and
disappearance of this piece of film
equipment in its most elemental
form, using intermittent light/shadows and silence/sound. The project uses the 16 mm film projector
as an object of research, the projector becoming the protagonist. The
performance that harks back to precinema, to the theatre of shadows
and the mechanisms of primitive illusions…
120 . Umbrales inasibles / Ungraspable Thresholds
Ann Arbor Film Festival
El Ann Arbor Film es el festival de cine independiente y experimental de más larga data en Norteamérica. Establecido en 1963,
el AAFF concluyó recientemente su edición
número cincuenta y dos. Internacionalmente reconocido como un foro de estrenos para artistas y cineastas independientes, cada
año presenta cuarenta programas con más
de doscientos films de todas las duraciones
incluyendo obras experimentales, documentales, de ficción, de animación y performances. El festival tiene lugar durante seis días
cada mes de marzo en el Michigan Theater,
un palacio del cine de los años veinte restaurado, y reúne a muchos realizadores, curadores e investigadores de todo el mundo
junto con miembros de la comunidad local.
En el AAFF han exhibido sus primeras obras
miles de influyentes artistas y cineastas, entre otros Kenneth Anger, Agnes Varda, Andy Warhol, Gus Van Sant, Barbara Hammer,
Les Blank, Matthew Buckingham y James
Benning.
Además de exhibir más de cien films nuevos cada año, en programas seleccionados
por jurados, el AAFF presenta retrospectivas, instalaciones, paneles de discusión y
programas tanto de ciclos históricos y temáticos como de artistas contemporáneos.
Las retrospectivas recientes presentaron
films de Bruce Baillie, Chick Strand, Omar
Amiralay, Bruce Conner, Pavel Medvedev,
Matthias Müller, Toshio Matsumoto, Suzan
Pitt, Thom Andersen y Pat O’Neill.
Entre los artistas que últimamente han presentado sus trabajos se encuentran Tel-
The Ann Arbor Film Festival is the
longest-running independent and experimental film festival in North America. Established in 1963, the AAFF
recently concluded its 52nd edition.
Internationally recognized as a premiere forum for independent filmmakers and artists, each year’s festival presents 40 programs with more
than 200 films of all lengths including
experimental, animation, documentary, fiction, and performance-based
works. The festival takes place over
six days each March in the Michigan
Theater, a restored 1920s movie palace and brings together many filmmakers, curators, and scholars from
all over the world along with members of the local community.
Thousands of influential filmmakers and artists have exhibited early
work at the AAFF, including Kenneth
Anger, Agnes Varda, Andy Warhol,
Gus Van Sant, Barbara Hammer, Les
Blank, Matthew Buckingham, and
James Benning.
In addition to exhibiting over one
hundred new films in juried programs
each year, the AAFF presents filmmaker retrospectives, gallery installations, panel discussions, historic and
thematic surveys and contemporary
artist programs.
Recent retrospectives have featured the films of Bruce Baillie, Chick
Strand, Omar Amiralay, Bruce Conner, Pavel Medvedev, Matthias Müller, Toshio Matusmoto, Suzan Pitt,
. 121
catálogo BIM 2014
David Dinnell
cosystems, Duke & Battersby, Phil Solomon, Naomi Uman, Nicky Hamlyn y Wang
Bing.
El Ann Arbor Film es uno de los pocos festivales cuyo premio tiene un valor académico. Nuestro programa de premios otorga
más de veinte mil dólares en efectivo además de un stock de película y suministros
para los cineastas.
El AAFF es pionero entre los festivales itinerantes y todos los años presenta programas de cortometrajes en más de 35 cinematecas, universidades, museos y centros
de arte en Estados Unidos, Canadá y Europa.
David Dinnell. Director de programación,
Ann Arbor Film Festival. David Dinnell es
realizador y programador, y reside en Ann
Arbor, Michigan, Estados Unidos. Ha sido programador del Ann Arbor Film Festival desde 2006 y se convirtió en su director en 2010. Previamente fue programador
del Union Theatre de la Universidad de
Wisconsin-Milwaukee durante cinco temporadas y director de Programación del
Media City Film Festival (Windsor, Canadá) en sus ediciones undécima y duodécima. Ha curado programas especiales para
el Museo de Arte Contemporáneo de Detroit, el California Institute for the Arts, el
Wisconsin Film Festival, la School of the
Art Institute of Chicago y el Etiuda & Anima Film Festival de Cracovia (Polonia),
entre otros. Es coprogramador de la edición de otoño 2014 de los Flaherty NYC
Series en Anthology Film Archives, Nueva
York. Su obra se exhibió en distintas partes del mundo incluyendo el International
Film Festival Rotterdam, EXIS (Experimental Film & Video Festival, Seúl), Jihlava International Documentary Film Festival (República Checa), Images Festival (Toronto)
y el Festival de Cine de Nueva York en la
sección Views from the Avant Garde.
122 . Ann Arbor Film Festival
Thom Andersen, and Pat O’ Neill.
Artists recently presenting their
works at the AAFF have included Telcosystems, Duke & Battersby, Phil
Solomon, Naomi Uman, Nicky Hamlyn and Wang Bing.
The Ann Arbor Film Festival serves
as one of a handful of Academy
Award-qualifying festivals in the
United States. Our awards program
presents more than $20,000 USD in
cash and film stock/services to filmmakers.
The AAFF is a pioneer of the traveling film festival tour and each year
presents short film programs at more
than 35 cinematheques, universities,
museums and artist-run centers in
the US, Canada and Europe.
David Dinnell. Program Director,
Ann Arbor Film Festival. David Dinnell is a filmmaker and programmer
based in Ann Arbor, Michigan, USA.
He has programmed for the Ann Arbor Film Festival since 2006, becoming Program Director in 2010. Previously he was the Film Programmer
for the University of Wisconsin-Milwaukee Union Theatre for five seasons and was Program Director of
the Media City Film Festival (Windsor, Canada) for its 11th and 12th
editions. He has curated special programs for the Museum of Contemporary Art Detroit, California Institute
for the Arts, the Wisconsin Film Festival, the School of the Art Institute
of Chicago and the Etiuda & Anima
Film Festival in Krakow, among other venues. He is the co-programmer
for the 2014 fall edition of the Flaherty NYC Series at Anthology Film
Archives, New York. His moving image work has been exhibited at various international venues including
the International Film Festival Rotterdam, EXiS (Experimental Film & Video
Festival in Seoul), Jihlava International Documentary Film Festival (Czech
Republic), Images Festival (Toronto) and the New York Film Festival’s Views from the Avant Garde.
Las estaciones al revés / The Seasons Reverse
Trabajos recientes del Ann Arbor Film Festival / Recent work from the Ann Arbor
Film Festival
bbrraattss / Mmooccossooss
Ian Cheng
3’| Digital | Color | Estéreo / Stereo
Coreografía simulada con captura de movimiento contra coreografía con captura de
movimiento.
Motion capture choreography simulated against motion capture choreography.
Ian Cheng (Los Ángeles, 1984) se formó
en UC Berkeley Columbia University. Su
obra ha sido exhibida en el New Museum
(Nueva York), la 12ª Bienal de Lyon, el Museum of Contemporary Art North Miami, la
Greene Naftali Gallery (Nueva York), PS1
MoMA y Sculpture Center (Nueva York),
Formalista Sidewalk Poetry Club (Miami
Beach), el Festival Internacional de Rotterdam y Migrating Forms (Nueva York). Recientemente realizó muestras individuales
en La Triennale di Milano, Standard (Oslo),
Frieze London, Off Vendome (Dusseldorf)
y Vanity (Los Ángeles).
Ian Cheng (B. 1984, Los Angeles) received his education from UC Berkeley and Columbia University. His work
has been exhibited at the New Museum, New York; The 12th Lyon Biennial, Lyon; Museum of Contemporary Art North Miami; Greene Naftali
Gallery, New York; PS1 MoMA, New
York; Sculpture Center, New York;
Formalist Sidewalk Poetry Club, Miami Beach; International Film Festival Rotterdam; and Migrating Forms,
New York; with recent solo exhibitions
at La Triennale di Milano, Milan; Standard (Oslo), Oslo; Frieze London; Off
Vendome, Dusseldorf; and Vanity, Los
Angeles.
A Return to The Return to Reason / Un retorno a El retorno a la razón
Sabine Gruffat
Film del siglo xxi en el que el negativo en
35 mm es grabado meticulosamente cuadro por cuadro empleando un cúter láser
(una máquina diseñada para carpintería de
precisión), Un retorno a El retorno a la razón es un tributo conceptual y materialista
al film de Man Ray de 1923, Le Retour à la
Raison (Retorno a la razón), el primer film
que utilizó la técnica de rayografía mediante la cual Man Ray expuso objetos encontrados en el negativo del film.
A scratch film for the 21st Century
where 35mm black leader is meticulously etched frame by frame using a digital laser cutter (a machine
designed for precision carpentry). A
Return to The Return to Reason is
a conceptual and materialist tribute
to Man Ray’s 1923 film Le Retour à
La Raison (A Return to Reason), the
first film to use the ‘Rayograph’ technique in which Man Ray exposed
found objects onto film negative.
. 123
catálogo BIM 2014
3’ | 35 mm | Mudo / Silent
Sabine Gruffat es una artista de medios
digitales y cineasta que vive y trabaja en
North Carolina. Actualmente es profesora auxiliar de arte en la University of North Carolina, Chapel Hill. Los films y videos
de Sabine se han exhibido en festivales
de todo el mundo; el Image Forum Festival
en Japón, Migrating Forms en Nueva York,
varias ediciones del Ann Arbor Film Festival, entre otros, y su largometraje I Have
Always Been a Dreamer se mostró internacionalmente en la Viennale, MoMA, Cinéma
du Réel en el Centro Pompidou y en The
Copenhagen International Documentary
Film Festival. También ha producido obras
para medios digitales en espacios públicos
como así también instalaciones interactivas
en Zolla Lieberman Gallery (Chicago), Art
in General, Devotion Gallery, PS1 Contemporary Art Museum, y Hudson Franklin en
Nueva York.
Actualmente produce un largometraje documental junto con Bill Brown sobre la crisis inmobiliaria en España.
Sabine Gruffat is a digital media artist and filmmaker living and working
in North Carolina. Currently she is
Assistant Professor of Art at the University of North Carolina, Chapel Hill.
Sabine’s films and videos have
screened at festivals worldwide including the Image Forum Festival in
Japan, Migrating Forms in New York,
several editions of the Ann Arbor
Film Festival among others and her
feature film I Have Always Been A
Dreamer has screened internationally including at the Viennale, MoMA,
Cinéma du Réel at the Centre Pompidou, and The Copenhagen International Documentary Film Festival.
She has also produced digital media
works for public spaces as well as interactive installations that have been
shown at the Zolla Lieberman Gallery
in Chicago, Art In General, Devotion
Gallery, PS1 Contemporary Art Museum, and Hudson Franklin in New York.
She is currently producing a feature
documentary with Bill Brown about
the housing crisis in Spain.
The Sea [is still] Around Us / El mar [todavía está] alrededor nuestro
Hope Tucker
4” | Digital | Color | Estéreo / Stereo
Normalmente, una postal mejora la realidad. El contraste es más agudo en Corinna, Maine, un pueblo productor de lana a
orillas del lago Sebasticook, en el que años
de desechos industriales contaminaron el
suministro de agua.
En 1964, E. B. White se lamentó por su
compañera Rachel Carson y por la alteración de la ecología de Sebasticook. Rachel
Carson falleció, pero el mar aún nos rodea.
Este pequeño lago es un triste recordatorio
de lo que tiene lugar, en cierta medida, en
todo el país a causa del descuido, la falta
de previsión y la arrogancia. Esta es nuestra inmensa vergüenza, “nuestro particular
instante de tiempo”.
A postcard usually enhances the reality. The contrast is more stark in
Corinna, Maine, a former woolen mill
town on the shores of Lake Sebasticook, where years of dumping of industrial waste contaminated the water supply.
In 1964, E.B. White mourned his fellow Mainer Rachel Carson and the
altered ecology of Sebasticook. Rachel Carson is dead, but the sea is
still around us. This small lake is a sad
reminder of what is taking place, to
some degree, all over the land, from
carelessness, shortsightedness, and
arrogance. It is our pool of shame in
this, “our particular instant of time.”
Hope Tucker transforma lo que conocemos como una narración en forma de diario en The Obituary Project, un compendio
de etnografía de rescate contemporáneo
que documenta el deceso de marcadores
culturales y maneras de ser. Ha animado
cianotipos de poblaciones estadounidenses expuestas a contaminación radiactiva;
grabó con su celular las últimas cabinas de
teléfonos públicos en Finlandia; recorrió el
camino de la protesta que cerró la única
planta de energía nuclear en Austria y escribió el texto de un video sobre los clips,
un símbolo noruego de resistencia no violenta. Las proyecciones y exhibiciones de
su trabajo incluyen 21º Haus (Viena); ar/ge
kunst Galería Museo (Bolzano); Gene Siskel Film Center (Chicago); el Festival Internacional de Rotterdam; el Festival de Cine
de Nueva York, Views from the Avant-Garde; Punto de Vista, Festival Internacional
de Cine Documental de Navarra; Vox Populi Gallery (Filadelfia); Zagreb Dox y cinco
ediciones del Ann Arbor Film Festival.
Carson’s work mobilized the public
and led to the formation of the US
Environmental Protection Agency.
Yet local people continued to seek
regulation and revival of Sebasticook for twenty more years before
the EPA began cleaning up Corinna.
Hope Tucker transforms what we
know as a daily form of narrative
through THE OBITUARY PROJECT, a
compendium of contemporary salvage ethnography that documents
the passing of cultural markers and
ways of being. She has animated
cyanotypes of American downwinders; recorded mobile phone footage
of the last public phone booths in
Finland; retraced the path of protest
that closed the only nuclear power
plant in Austria; and written the text
of a video out of paper clips, a Norwegian symbol of nonviolent resistance. Screenings and exhibitions
include the 21er Haus, Vienna; ar/
ge kunst Galeria Museo, Bolzano;
Gene Siskel Film Center, Chicago;
International Film Festival Rotterdam; New York Film Festival’s Views
from the Avant-Garde; Punto de
Vista, Festival Internacional de Cine
Documental de Navarra; Vox Populi
Gallery, Philadelphia; Zagreb Dox;
and five editions of the Ann Arbor
Film Festival.
. 125
catálogo BIM 2014
El trabajo de Carson movilizó al público y
llevó a la formación de la Environmental
Protection Agency (EPA, agencia estadounidense de protección del medio ambiente).
Sin embargo, la gente del lugar siguió bregando por la regulación y recuperación de
Sebasticook durante veinte años antes de
que la EPA comenzara finalmente a limpiar
Corinna.
Verses / Versos
James Sansing
Verses es un film que anima los registros
de consejeros, que fueron encontrados en
un centro de detención juvenil abandonado. Las manchas de tinta y el moho en el
papel forman modelos de Rorschach. Este
fenómeno natural ilustra el aspecto psicológico de la influencia de esta institución
en los jóvenes que estuvieron allí detenidos.
James Sansing es un artista de la bahía
de San Francisco, California, cuyo trabajo
abarca la escultura, la fotografía, la pintura
y el cine experimental. Sus films se han exhibido en el Festival Internacional de Rotterdam, Pacific Film Archive, Festival de Cine de Nueva York, Anthology Film Archives,
Media City Film Festival y en Images Festival, además de Ann Arbor Film Festival, en
el que Verses recibió el premio del público
del 50º AAFF.
Sansing ha exhibido en Yerba Buena Center
for the Arts en San Francisco y en Headlands
Center for the Arts en Sausalito (California), además de en muestras individuales
en Ampersand International Arts y Mark
Wolfe Contemporary en San Francisco.
También obtuvo varias becas y residencias
de arte.
Verses is a film that animates counselors’ logs that were found in an
abandoned juvenile detention center. The ink stains and mold growth
thread their way through the veins
of the paper, making Rorschach patterns. This natural phenomenon illustrates the psychological aspect
of this institution’s affect on the
youth who were detained there.
James Sansing is a San Francisco
Bay Area artist, working in sculpture,
photography, painting and experimental film. His films have screened
at International Film Festival Rotterdam, Pacific Film Archive, New
York Film Festival, Anthology Film
Archives, Media City Film Festival,
and Images Festival in addition to
the Ann Arbor Film Festival, where
Verses received the 50th AAFF Audience Award.
Sansing has exhibited at Yerba Buena Center for the Arts in San Francisco and Headlands Center for the
Arts in Sausalito, California and has
had solo shows at Ampersand International Arts and Mark Wolfe Contemporary in San Francisco and is
the recipient of several art residencies and fellowships.
Arbor / Glorieta
Janie Geiser
A partir de un grupo de fotografías halladas
en una tienda de artículos usados, Geiser
crea un espacio liminal entre representación y abstracción, figura y paisaje, ficción
y memoria. Arbor sugiere la fragilidad y lo
From a set of photographs found in
a thrift store, Geiser creates a liminal
space between representation and
abstraction, figure and landscape, fiction and memory. Arbor suggests the
fragility and ephemerality of memory
and its artifacts through subtle manipulations of the photographs: reframings, layerings, inversions, and the
introduction of dimensional elements,
including flowers and leaves. The
photographs’ subjects rarely engage
the camera; they are glimpsed, rather
than seen. They look elsewhere, and
wait for something inevitable. Gathering on a hillside, lounging on the
grass beyond now-lost trees, the inhabitants of Arbor cycle through their
one elusive afternoon, gradually succumbing to time or dissolving into
landscape, reserving for themselves
what we can’t know – and becoming
shadows in their own stories.
Janie Geiser es una cineasta experimental y artista visual y teatral reconocida internacionalmente; su obra es conocida por
su sentido del misterio, su evocación detallada de mundos autónomos y por la solidez de su creación. Sus films se exhibieron
en Redcat, Whitney Museum of American
Art, Guggenheim Museum, The Museum of
Modern Art, Pacific Film Archives, Wexner
Center for the Arts, San Francisco Cinematheque, Los Angeles Filmforum, y en numerosos festivales internacionales de cine. Su
film The Red Book fue seleccionado para
el U.S. National Film Registry de la Biblioteca del Congreso, y su película The Fourth
Watch fue seleccionada por Film Comment
como una de las diez mejores películas experimentales de la última década. Además
de haber obtenido una beca Guggenheim,
Geiser también ganó como directora un
premio Obie y es pionera en el renacimiento del teatro experimental con marionetas
en Estados Unidos. En este sentido, crea
obras hipnóticas e innovadoras, que integran marionetas y objetos escénicos con
intérpretes en vivo y cine.
Janie Geiser is an internationally
recognized experimental filmmaker
and visual/theater artist, whose work
is known for its sense of mystery, its
detailed evocation of self-contained
worlds, and its strength of design.
Her films have been screened at
Redcat, the Whitney Museum of
American Art, the Guggenheim Museum, the Museum of Modern Art,
Pacific Film Archives, the Wexner
Center for the Arts, the San Francisco Cinematheque, Los Angeles
Filmforum, and at numerous film international film festivals. Her film
The Red Book was selected for the
U.S. National Film Registry of the Library of Congress, and her film The
Fourth Watch was selected by Film
Comment as one of the top ten experimental films of the last decade.
A Guggenheim fellow, Geiser is also an Obie Award-winning director,
and a pioneer in the renaissance of
American experimental puppet theater. She creates innovative, hypnotic works that integrate puppets
and performing objects with live performers and film.
. 127
catálogo BIM 2014
efímero de la memoria y sus artefactos a
través de manipulaciones sutiles de las fotografías: nuevos encuadres, superposición de capas, inversiones y la introducción
de elementos dimensionales, que incluyen
flores y hojas. Los sujetos de las fotografías raramente se enfrentan a la cámara;
más que vistos, son vislumbrados. Miran
para otro lado y esperan algo inevitable.
Reunidos en una ladera, recostados en el
césped más allá de árboles que ya no existen, los habitantes de Arbor se desplazan
por su única tarde que huye, sucumbiendo gradualmente al tiempo o disolviéndose
en el paisaje, y guardan para sí mismos lo
que no podemos saber –y se convierten en
sombras en sus propias historias.
Distance / Distancia
Julie Murray
Irlanda - Estados Unidos / Ireland - USA | 2010
Tiempo agotado en dos costas, una apenas
poblada, la otra un páramo, unidas por el fluir
de varios caminos, cada uno de ellos bastante real, aunque se indiquen sus medidas
exactas de manera críptica. Las ideas de
hogar y su anhelo son, para tomar prestada
una frase, “imposibles de ser dichas excepto a través de pistas distantes y esbozos”.
Julie Murray estudió Bellas Artes en Dublín, Irlanda, y se mudó a los Estados Unidos en 1985. Ha hecho más de veinticinco
films y obras digitales desde 1986 y exhibió
sus trabajos en numerosos encuentros internacionales, incluyendo el Festival de Cine de Nueva York, el Festival Internacional
de Hong Kong, el Festival de Rotterdam, el
Centro George Pompidou y el Festival de
Cine de Londres. Su obra se presentó en
la edición 2004 de Whitney Biennial y sus
films forman parte de las colecciones permanentes del Museum of Modern Art y del
Whitney Museum of American Art. Murray
ha tenido retrospectivas en distintas partes
del mundo, que incluyen Redcat, Los Ángeles, Anthology Film Archives, Media City
Film Festival, Pacific Film Archives, Los Angeles Filmforum, las cinematecas de San
Francisco y de Ontario (Toronto). Sus films
participaron en muchas ediciones del Ann
Arbor Film Festival; en la 47ª edición, su film
Elements (2008) recibió el premio a mejor
dirección de fotografía.
Time spent at two shores, one thinly populated, the other a wasteland,
joined by the interluency of various
paths taken, each bit real enough,
though exact measures being obscurely indicated. Notions of home
and its ache are, to borrow a phrase,
“not capable of being told unless by
far-off hints and adumbrations”.
Julie Murray studied Fine Art in
Dublin, Ireland and moved to the
US in 1985. She has made more
than twenty-five films and digital artworks since 1986 which have been
exhibited at numerous international
venues including the New York Film
Festival, the Hong Kong International Film Festival, the International Film
Festival Rotterdam, Centre George
Pompidou (Paris), and the London
Film Festival. Her work was featured
in the 2004 edition of the Whitney
Biennial and her films are part of the
permanent collections of the Museum of Modern Art and the Whitney
Museum of American Art. Murray
has had numerous solo screenings
at venues around the world including REDCAT (Los Angeles), Anthology Film Archives, Media City Film
Festival, Pacific Film Archives, Los
Angeles Filmforum, the San Francisco Cinematheque and Cinematheque Ontario (Toronto). Her films
have been included in many editions
of the Ann Arbor Film Festival including the 47th AAFF where her film Elements (2008) received the Best Cinematography award.
Sun Song / Canción del sol
Joel Wanek
14’ | Digital | Mudo / Silent
Un viaje poético de la oscuridad del comienzo del amanecer al resplandor del sol
del mediodía en el sur norteamericano. Filmado enteramente en el trayecto del bus
16 en Durham, North Carolina, a lo largo
de seis meses, Canción del sol es una celebración de la luz y una meditación sobre
la partida.
A poetic journey from the darkness
of early dawn into the brightness
of the midday sun in the American
South. Filmed entirely on the number
16 bus route in Durham, North Carolina over the course of six months,
Sun Song is a celebration of light
and a meditation on leaving.
Joel Wanek es cineasta y fotógrafo, y reside en Oakland. Su trabajo ha sido exhibido en muchos festivales de cine, galerías y
publicaciones de Norteamérica y Europa.
Durante años desarrolló una práctica creativa del documental, que a menudo borra
la línea entre sujeto y creador mezclando
técnicas de relato y formas del cine realista y utilizando espacios públicos para
comprometer la participación.
Entre las muestras recientes se incluyen
Rencontres Internationales (París), BFI London Film Festival, La Nuit de l’Instant, Images Festival y el 52º Ann Arbor Film Festival, en el que Canción del sol recibió el
premio a mejor fotografía. Joel tiene un master en Artes Documentales y Experimentales de la Duke University y una licenciatura
en fotografía y realización de Webster University.
Joel Wanek is a filmmaker and photographer based in Oakland. His
work has been shown in many film
festivals, galleries and publications
throughout North America and Europe. Over the years he has developed a creative documentary practice that often blurs the line between
subject and maker, mixes techniques
of narrative and vérité modes and
utilizes public spaces for collaborative engagement.
Recent shows include the Rencontres Internationales Paris, International Film Festival Rotterdam, BFI
London Film Festival, La Nuit De
L’Instant ,Images Festival and the
52nd Ann Arbor Film Festival where
Sun Song received the Best Cinematography Award.
Joel holds a MFA in Experimental and
Documentary Arts from Duke University and a BA in Photography and
Filmmaking from Webster University.
Undergrowth / Sotobosque
Rob Todd
Un depredador ciego sueña a través de los
ojos de su presa.
El depredador obvio es un cárabo norteamericano, pero el film usa esto como un medio
A blind predator dreams through its
prey’s eyes.
The obvious predator is a barred
owl, but the film uses this as a ve. 129
catálogo BIM 2014
para considerar el rol activo de la cámara
en “captura” de imágenes. La presa es indefinida, pero se la insinúa como un compendio de figuras naturales que la cámara
“captura”.
hicle to consider the active role of
the camera in image “capture”. The
prey is undefined, but suggested as
a compendium of natural figures that
the camera “captures”.
Cineasta lírico así como artista del sonido y
la imagen, Robert Todd produce continuamente cortometrajes que se resisten a una
categorización.
En los pasados 16 años ha producido un
gran número de films de formato corto y
medio que se exhibieron internacionalmente en una amplia variedad de lugares y festivales que incluyen trece ediciones del
Ann Arbor Film Festival, Toronto International Film Festival, Media City Festival, San
Francisco International Film Festival, Rotterdam International Film Festival, New York
Film Festival, Rencontres Internationales,
Black Maria Film Festival, Nouveau Cinema
en Montréal, Cinematheque Ontario, The
Harvard Film Archive, Pacific Film Archive
y la Bienal de París. Sus films obtuvieron
numerosos premios, becas y distinciones
para artistas. Enseñó producción cinematográfica en Boston College, School of the
Museum of Fine Arts, Art Institute of Boston, University of Massachusetts, y en la
Boston Film and Video Foundation. También ha trabajado como editor, diseñador y
editor de sonido, postsupervisor o productor musical de varios programas premiados
en radio y televisión.
A lyrical filmmaker as well as a sound
and visual artist, Robert Todd continually produces short works that resist categorization.
In the past sixteen years he has produced a large body of short-to-medium format films that have been
exhibited internationally at a wide variety of venues and festivals including thirteen editions of the Ann Arbor
Film Festival, Toronto International
Film Festival, Media City Festival,
San Francisco International Film Festival, Rotterdam International Film
Festival, New York Film Festival, Les
Rencontres Internationales, Black
Maria Film Festival, Nouveau Cinema
in Montreal, Cinematheque Ontario, the Harvard Film Archive, Pacific
Film Archive, and the Paris Biennale.
His films have won numerous festival
prizes, grants, and artist’s awards.
He has taught film production at
Boston College, the School of the
Museum of Fine Arts, Boston, Art Institute of Boston, University of Massachusetts, and the Boston Film and
Video Foundation.
He has also worked as editor, sound
designer/editor, post-supervisor or
music producer on various awardwinning broadcast and theatricallyreleased media programs.
The Deep Dark / La oscuridad profunda
Laura Heit
7’ | Digital | Color | Estéreo / Stereo
Un elíptico ciclo de canciones cinematográficas, La oscuridad profunda viaja al interior
de la mente con animación, proyección de
sombras y ensalmos vocales etéreos.
An elliptical cinematic song cycle, The
Deep Dark journeys into the psyche
with animation, projected shadows,
and ethereal vocal incantations.
Laura Heit es una artista que trabaja en
arte de animación y performances. En sus
cortometrajes emplea stop motion, marionetas, dibujos y animación por computadora. Su obra se ha exhibido ampliamente en museos y festivales de cine en todo
el mundo entre los que se incluyen Walker
Arts Center, MoMA, Guggenheim, Anthology Film Archives, Millennium Film Workshop, Annecy, los festivales de Rotterdam,
Taiwán, Ann Arbor y Londres, Black Maria,
PBS y otros. También trabaja con marionetas, teatro experimental y performances en
vivo. Su aclamado espectáculo de marionetas en miniatura, The Matchbox Shows,
en el cual Heit hace de maestro de ceremonias de un pequeño cabaret, se representó en varios lugares durante más de
diez años; entre otros, en Dordrecht (Holanda, verano de 2010), REDCAT y Walt
Disney Concert Hall (primavera de 2008).
Heit ha recibido premios y becas de Mac
Dowell Colony (2007 y 2009), Channel
Four Television London, British Film Council, Durfee Foundation, ARC grant, Jim
Henson Foundation, Thames and Hudson,
Puppeteers of America y MTV. Obtuvo una
Licenciatura en Cine en la School of the Art
Institute of Chicago y un Master en Bellas
Artes en el Royal College of Art (Londres).
Codirigió el programa de animación experimental en Cal Arts en Valencia (California)
entre 2007 y 2011. Actualmente vive y trabaja en Portland, Oregon.
Laura Heit is an artist who works in
animated art and performance. She
employs stop-motion, live-action puppetry, hand drawing, and computer
animation in her short films. Her work
has screened extensively at museums and film festivals around the
world including; Walker Arts Center, Moma, Guggenheim, Anthology
Film Archives, Millennium Film Workshop, Annecy, Rotterdam, Taiwan,
Ann Arbor, and London International
Film Festivals, Black Maria, PBS, and
others. She also works in puppetry,
experimental theater, and live performance. Her acclaimed puppetshow-in miniature, The Matchbox
Shows, in which Heit plays ringmaster to a tiny cabaret, has been touring for over ten years, including Dordrecht, Netherlands summer 2010,
REDCAT and Walt Disney Concert
Hall Spring 2008. She has been
the recipient of awards and grants
from; Mac Dowell Colony (2007,
and 2009), Channel Four Television
London, British Film Council, Durfee
Foundation, ARC grant, Jim Henson Foundation, Thames and Hudson, Puppeteers of America, and
MTV. She has a BFA in Film from The
School of the Art Institute of Chicago, and an MFA from Royal College
of Art, London. Laura was co-director
of the Experimental Animation Program at Cal Arts in Valencia California from 2007-2011. She currently
lives and works in Portland Oregon.
A Study in Natural Magic / Un estudio en magia natural
Charlotte Pryce
Presenciar la magia de un alquimista:
la transmutación de luz
en materia.
Un destello de oro.
Witness an alchemist’s spell:
the transmutation of light
into substance.
A glimpse of gold.
. 131
catálogo BIM 2014
3’ | 16 mm | Color | Mudo / Silent
Charlotte Pryce realiza films y objetos ópticos desde 1986 y sus obras se han exhibido en el mundo entero. Enseñó cine experimental en School of the Art Institute of
Chicago, San Francisco Art Institute, Academy of Art (San Francisco), Kent Institute
of Design (Canterbury, Inglaterra) y actualmente es miembro de la facultad del California Institute of the Arts (Los Ángeles).
Se graduó en la Slade School of Art, University College London y realizó un Master
en Bellas Artes en la School of the Art Institute of Chicago. En 2013, la Asociación de
Críticos de Cine de Los Ángeles le otorgó
el Premio Douglass Edwards al mejor film
experimental. Pryce recibió el premio Stan
Brakhage Film at Wit’s End en el 52º AAFF
por su obra cinematográfica.
Charlotte Pryce has been making films
and optical objects since 1986 and
her works have screened throughout the world. She has taught experimental film at the School of the Art
Institute of Chicago, the San Francisco Art Institute, the Academy of
Art (San Francisco), Kent Institute of
Design (Canterbury, England), and
is currently a faculty member at the
California Institute of the Arts (Los
Angeles). She is a graduate of the
Slade School of Art, University College London (BFA) and the School
of the Art Institute of Chicago (MFA).
In 2013 the Los Angeles Film Critics Association honored her with the
Douglas Edwards Award for best experimental cinema achievement and
Pryce received the 52nd AAFF Stan
Brakhage Film at Wit’s End Award
for her film work.
Rating Dogs / Evaluando perros
Mark Toscano
2’3’’ | 16 mm | Color | Estéreo / Stereo
La verdad como algo evidente, no importa que sea ridículamente subjetiva o intrascendente. La verdad que no es materia de
opinión. Un juego sin sentido de fallos arbitrarios que espera sugerir otros contextos
en los cuales juegos similares son mucho
más insidiosos, aun cuando haga pasar un
buen momento a los espectadores. Aunque finalmente, un film que probablemente
sea demasiado encantador para ser de todo menos lindo.
Truth as held to be self-evident, however inconsequential or ludicrously
subjective. Truth as not a matter of
opinion. A meaningless game of arbitrary pronouncements that hopes
to suggest other contexts in which
similar games are far more insidious, while still giving viewers a good
time. Ultimately though, a film that
is probably too delightful to be anything but cute.
Mark Toscano es cineasta, curador y archivista especializado en preservación de
films independientes y experimentales.
Mark Toscano is a filmmaker, curator and an archivist specializing in
the preservation of independent and
experimental films.
Century / Siglo
Kevin Jerome Everson
Estados Unidos / USA / 2012
Nacido en Mansfield, Ohio, Kevin Jerome
Everson vive actualmente en Charlottesville, Virginia, donde es profesor en la University of Virginia. Everson estudió en University of Akron y en Ohio University. Realizó
siete largometrajes y más de setenta cortos además de pinturas, esculturas, instalaciones y fotografías. Su obra fue presentada en 2008 y 2012 en Whitney Biennials
y fue tema de una gran retrospectiva en el
Whitney Museum of American Art en 2011.
Everson ha recibido numerosas becas, premios, residencias y subsidios de Guggenheim, NEA, Creative Capital, Yaddo, MacDowell Colony, American Academy Rome
Prize y el Alpert Award, entre otros. Sus
films y sus trabajos artísticos han sido exhibidos internacionalmente en museos e instituciones de arte, entre los que se incluyen el Centro Pompidou, MoMA, REDCAT,
Cleveland Museum of Art, Studio Museum
in Harlem, Armand Hammer Museum, Wexner Center of the Arts y Whitechapel Gallery. Sus films se proyectaron en festivales internacionales como AFI, Sundance,
Berlín, Oberhausen, Rotterdam, Courtisane, CPH:DOX, Media City y varias ediciones de Ann Arbor Film Festival entre muchos otros.
Century consists of a General Motors’ automobile, a Buick Century,
meeting its fate. General Motors’
doors, quarter panels, trunks, hoods
and roofs were created at the defunct stamping plant in my hometown of Mansfield, Ohio.
Originally from Mansfield, Ohio, Kevin Jerome Everson currently lives in
Charlottesville, Virginia where he is a
Professor at the University of Virginia. Everson studied at the University
of Akron and at Ohio University. He
has completed seven feature films
and more than seventy short films
in addition to paintings, sculpture,
site-specific installations and photographs. Everson’s work was featured in the 2008 and 2012 Whitney
Biennials and was the subject of a
major retrospective exhibition at the
Whitney Museum of American Art in
2011. Everson has received numerous fellowships, awards, residencies
and grants from the Guggenheim,
NEA, Creative Capital, Yaddo, MacDowell Colony, American Academy
Rome Prize, and the Alpert Award
among many others. His artwork
and films have been exhibited internationally at museums and art institutions including the Centre Pompidou, MoMA, REDCAT, Cleveland
Museum of Art, the Studio Museum
in Harlem, Armand Hammer Museum, the Wexner Center of the Arts,
and the Whitechapel Gallery. Everson’s films have screened at many
international film festivals including
AFI, Sundance, Berlin, Oberhausen,
Rotterdam, Courtisane, CPH:DOX,
Media City and several editions of
the Ann Arbor Film Festival, among
many others.
. 133
catálogo BIM 2014
Century consiste en el destino final de un
Buick Century, automóvil fabricado por la
General Motors. Puertas de GM, guardabarros, baúles, capós y techos se fabricaban
en la extinta planta que había en mi pueblo;
Mansfield, Ohio.
El presente solo es nuestra felicidad / The present alone is
our happiness
Trabajos recientes del Ann Arbor Film Festival / Recent work from the Ann Arbor
Film Festival
Entre Temps / Mientras tanto / Meanwhile
Ana Vaz
Brasil - Francia / Brazil - France | 2013
Meditación y ensueño sobre una ciudad
a la vez real e imaginada. Film concebido
como un documental sobre una moderna
urbanización en Francia, en lugar de eso
cobró la forma de una confrontación amplia y poética con la psicogeografía de
una Europa contemporánea en crisis. Un
réquiem para una ciudad soñada entre su
pasado y el presente.
Ana Vaz es una artista y cineasta brasileña
cuyas obras, textos y performances apuntan
a las relaciones entre cine y lenguaje a través de una antropología de espacios construidos, utopías y relaciones de clase. Graduada en el Royal Melbourne Institute of
Technology y en Le Fresnoy Studio National,
actualmente Ana participa de un grupo de
investigación experimental en arte y política
dirigido por el filósofo francés Bruno Latour.
Sus films se mostraron en festivales internacionales como the New York Film Festival, Visions du Réel, Ann Arbor, Images, Premiers Plans d'Angers, Femina International
Film Festival (premio especial del jurado) y
Melbourne International Film Festival, así como en muestras individuales y grupales en
FRAC/Le Plateau (París), Museo de la República (Brasilia), Salon Jeune Création (París),
Temporary Gallery (Colonia), entre otros.
Recientemente se exhibieron retrospectivas de sus películas en Melbourne Cinémathèque (Australia) y Void Gallery (Irlanda).
A meditation and a reverie upon a city
at once real and imagined. Conceptualized as a documentary on a modernist housing estate in France, the
film has instead found form as poetic & expansive confrontation with the
psychogeography of a contemporary
Europe in crisis. A requiem for a city
dreamt between its past and present.
Ana Vaz is a Brazilian artist and filmmaker whose films, writing and performances look into the relationships between cinema and language
through an anthropology of constructed spaces, utopias and class
relations. A graduate from the Royal
Melbourne Institute of Technology
and Le Fresnoy Studio National, Ana
is presently engaged in an experimental research group in art and politics
directed by French philosopher Bruno Latour. Her films have been shown
at a number of international film festivals including the New York Film
Festival, Visions du Réel, Ann Arbor,
Images, Premiers Plans d'Angers,
Femina International Film Festival
(Special Jury Prize), Melbourne International Film Festival as well as solo
and group shows at FRAC/Le Plateau (Paris), Museum of the Republic (Brasilia), Salon Jeune Création
(Paris),Temporary Gallery (Cologne),
among others. Recently, her films
have been shown retrospectively at
the Melbourne Cinémathèque (Australia) and Void Gallery (Ireland).
Suchy Pion / Tubería seca / Dry Standpipe
Wojciech Bakowski
Un relato crudo, personal, confesional, mina las imágenes abstractas que el artista,
músico y poeta polaco Wojciech Bakowski
intercaló en su video collage Suchy Pion.
Condensando videos hogareños en bloques de abstracción, Bakowski crea un
sorprendente recuento de depresión, atontamiento y paradójica lucidez.
A raw, personal, confessional narration undercuts the abstract images
in Polish artist, musician and poet
Wojciech Bakowski’s interlaced video collage Suchy Pion. Condensing
home videos into blocks of abstraction, Bąkowski creates a startling account of depression, numbness and
paradoxical lucidity.
Wojciech Bakowski (Poznan, Polonia,
1979) es un artista que trabaja en cine de
animación, video, instalación sonora y performance. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Poznan y actualmente reside
en Varsovia. Bakowski integra las bandas
KOT y NIWEA y fue uno de los fundadores
del grupo artístico PENERSTWO en 2007.
Su obra ha sido exhibida internacionalmente, entre otros, en el Museo de Arte Moderno de Varsovia, The New Museum (Nueva
York), Kunstsammlung Nordrhein Westfalen (Dusseldorf), Galerie Martin Van Zorneren (Ámsterdam), Wroclaw Contemporary
Museum (Polonia), Casino Luxembourg
(Luxemburgo) y BOZAR (Bruselas). Realizó muestras individuales en Galería Stereo (Poznan), LISTE 17 (Basilea, Suiza) y
PGS Sopot (Polonia). Una retrospectiva de
su trabajo en cine y video tuvo lugar en el
60º International Short Film Festival Oberhausen.
Wojciech Bakowski (b.1979, Poznan,
Poland) is an artist working in animated film, video, sound installation, and performance. He is a graduate of the Academy of Fine Arts
in Poznan and currently resides in
Warsaw. Bakowski is a member of
music bands KOT and NIWEA and
he co-founded the artistic group
PENERSTWO in 2007. His work has
been exhibited internationally including The Museum of Modern Art, Warsaw; the New Museum, New York;
Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen,
Dusseldorf; Galerie Martin Van Zomeren, Amsterdam; Wroclaw Contemporary Museum, Poland; Casino Luxembourg, Luxembourg; and
BOZAR, Brussels; with solo exhibitions at Galeria Stereo, Poznań;
LISTE 17, Basel, Switzerland; PGS
Sopot, Poland. His film and video
work was the subject of a retrospective program at the 60th International Short Film Festival Oberhausen.
. 135
catálogo BIM 2014
Polonia / Poland | 2012
Someone behind the door knocks at irregular intervals /
Alguien detrás de la puerta golpea a intervalos irregulares
James Lowne
Julia se pasa el día en el club, en el que se
desliza en un ensueño sombrío. Como sus
pensamientos continúan, toma conciencia de la posibilidad de que quizás nunca
vuelva a este lugar. Afuera al sol, la quietud
cambia el camino, su noción de velocidad
se ha disipado y le permite sentir la superficie. El film sugiere ideas de inactividad y
meditación, recuerdo y percepción. Explora
la relación entre la contemplación y el acto
de mirar.
James Lowne es un artista que vive y trabaja en Londres. Se graduó en Central
Saint Martins en 2000 con una Licenciatura en Bellas Artes. Su obra incorpora imágenes generadas por computadora, dibujos y sonido para crear figuras, objetos y
textos dentro de un espacio compartido,
que explora temas de relaciones sociales en la red en un ambiente de servicios
corporativos, publicidad y consumismo.
Sus films se presentaron en el Reino Unido y a nivel internacional incluyendo el British Film Institute, Museo de la Universidad
Popular (México DF), Reading Experimental Film Festival, Wimbledon College of Art,
Monash University (Melbourne) y en el Tate
Modern.
Julia spends the day at the leisure
center where she slips into a somber reverie. As her thoughts continue
she becomes aware of the possibility that perhaps she never came here
at all. Outside in the sun, the stillness changes the road, its inherent
notion of speed has dissipated, allowing the surface to be felt. The film
suggests ideas of non-activity and
meditation, memory and perception.
It explores the relationship between
contemplation and the act of looking.
James Lowne is an artist who lives
and works in London. He graduated from the Central Saint Martins in
2000 with a BA in fine art. His work
incorporates computer generated
imagery, drawing and sound to create figures, objects and text within a
shared space, which explore themes
of networked social relations in an
environment of corporate services,
advertising and consumerism. His
films have been screened in the UK
and Internationally including the British Film Institute, Poplar University
Museum, Mexico City, Reading Experimental Film Festival, Wimbledon
College of Art, Monash University,
Melbourne and the Tate Modern.
Division / División
Johan Rijpma
Holanda / Netherlands | 2012
Una mano divide una hoja de papel y la
mezcla con un número par de hojas para
luego volver a unirlas. Una fotografía de esta composición final se imprime y se vuelve a dividir. Esto hace posible lo imposible
desgarrando los espacios vacíos que forman ahora las rasgaduras en el papel. El
proceso de división se repite mientras el
número impreciso de divisiones manuales
aumenta.
Johan Rijpma (Holanda, 1984) obtuvo su
Master en Artes en la escuela de Artes de
Utrecht (Facultad de Arte, Medios y Tecnología). Sus films, animaciones, videos musicales y otras obras son a menudo el resultado de su fascinación por el proceso de
diseño creativo y la exploración que hace
de él y de su elemento de imprevisibilidad.
Por Division recibió el premio Barbara Aronofsky Latham Award para artistas emergentes en Video Experimental en el 52º
Ann Arbor Film Festival.
A piece of paper is divided by hand
into an even number of pieces and
then reassembled. A photograph of
this finished composition is then printed and divided again. This makes the
impossible possible, tearing the now
included empty spaces that make up
the tears in the paper. The feedback
division process is repeated while the
number of imprecise manual divisions
gradually increase.
Johan Rijpma (1984, Netherlands)
obtained his Master of Arts degree
at the Utrecht School of the Arts
(Faculty of Art, Media & Technology). His films, animations, music videos and other artworks are often the
result of his fascination with and exploration of the creative design process and the element of unpredictability. Rijpma received the Barbara
Aronofsky Latham Award for Emerging Experimental Video Artist at the
52nd Ann Arbor Film Festival for Division.
Point Line Plane (for PP) / Punto Línea Plano (para PP)
Simon Payne
Una red se desplaza en blanco, negro
creando parcelas de gris y continuamente
redefine el espacio de la pantalla. La matriz
de capas crecientemente compleja produce una ilusión de profundidad más allá de
la superficie de la pantalla, pero con cambios positivos y negativos, la pieza también
ilumina al espectador.
Shifting grids in black, white and
shades of grey plot and continuously reframe screen space. The increasingly complex matrix of layers
produces an illusion of depth, beyond the surface of the screen, but
with positive and negative switching, the piece also illuminates the
viewer.
. 137
catálogo BIM 2014
Simon Payne estudió medios basados en
el tiempo en el Kent Institute of Art and Design (Maidstone) e Imagen digital en Duncan of Jordanstone (Dundee). Obtuvo su
PhD en el Royal College of Art en 2008.
Su obra ha sido exhibida en numerosos
festivales: Ann Arbor Film Festival, Anthology Film Archives; International Film Festival Rotterdam; el European Media Arts
Festival, Osnabrück; Pacific Film Archives;
Media City Film Festival; Festival de Edimburgo; Serpentine y Whitechapel Galleries
en Londres, y en Tate Modern para el cual
también organizó una serie de programas,
titulada Videos y Films de Colour Field, en
2008. Sus videos fueron distribuidos por
la organización de artistas de cine y video
LUX; también se encuentran en la colección de estudio de artistas británicos de cine y video en la Central St. Martins College of Art. Es profesor de Estudios de Film
y Medios en Anglia Ruskin University y vive
en Londres. Simon Payne también es editor de Sequence, publicada por no.w.here.
Simon Payne studied Time Based
Media at the Kent Institute of Art and
Design, Maidstone and Electronic
Imaging at Duncan of Jordanstone,
Dundee. He received a PhD from
the Royal College of Art in 2008. His
work has been shown in numerous
festivals and venues including: the
Ann Arbor Film Festival, Anthology
Film Archives; the Rotterdam International Film Festival; the European
Media Arts Festival, Osnabrück; Pacific Film Archives; Media City Film
Festival; the Edinburgh Film Festival; the Serpentine and Whitechapel Galleries in London; and at Tate
Modern for whom he also curated a
series of programs, entitled Colour
Field Films and Videos, in 2008. His
videos are distributed by the artists’
film and video organisation LUX, and
they are also kept at the British Artists’ Film and Video Study Collection at Central St. Martins College of
Art. He is Senior Lecturer in Film and
Media Studies at Anglia Ruskin University, and lives in London. Simon
Payne is also editor of Sequence
published by no.w.here
Lunar Almanac / Calendario lunar
Malena Szlam
Lunas en un viaje a través de esferas magnéticas que influyen con sus sutiles energías sobre la Tierra.
Moons in a journey through magnetic spheres, influencing subtle energies on Earth.
Malena Szlam nació en Chile y actualmente vive y trabaja en Montreal. Estudió en la
Universidad de Artes y Ciencias Sociales
y en Concordia University, Montreal. Desde 2000 ha realizado quince films e instalaciones de medios. Szlam es miembro de
Double Negative Collective y su obra se
presentó en el Festival du Nouveau Cinéma, Images Festival, Jihlava International
Documentary Film Festival, [S8] Mostra de
Malena Szlam is originally from Chile
and currently lives and works in
Montreal. She studied at the Universidad de Artes y Ciencias Sociales and Concordia University. Since
2000, she has created 15 films and
media installations. Szlam is a member of the Double Negative Collective, and her work has been presented at the Festival du nouveau
cinéma, Images Festival, Jihlava In-
Cinema Periférico (La Coruña, España),
Viennale (Austria), el NYFF Views from the
Avant-Garde y el Ann Arbor Film Festival,
entre otros.
ternational Documentary Film Festival, [S8] Mostra de Cinema Periférico (La Coruña, Spain), Viennale
(Austria), the NYFF’s Views from the
Avant-Garde and the Ann Arbor Film
Festival, among others. The Mutability Of All Things And The Possibility Of Changing Some /
La mutabilidad de todas las cosas y la posibilidad de cambiar
algunas
Anna Marziano
El viaje hacia la mutabilidad tiene lugar en
los Abruzos, Italia, en un territorio que fue
sacudido por el terremoto de 2009. Por
medio de fragmentos de conversaciones,
material de archivo y lecturas en espacios
públicos, el film explora la transformación
de cuerpos individuales y sociales. ¿Cómo
debería uno adaptarse al perpetuo volver a
empezar de las cosas y a la participación
continua en la transformación de una comunidad?
This journey into mutability takes
place in Abruzzi, Italy, in a territory that
was damaged by the earthquake in
2009. By way of fragments of conversations, archive material and readings
in public spaces, the film explores
the becoming of individual and social
bodies. How should one accommodate the perpetual new beginning of
things and continue participating in
the transformation of a community?
Ana Marziano nació en Italia. Luego de licenciarse en ciencias políticas, estudió cine en el Centro Sperimentale di Cinematografia en Roma y trabajó en el área de
cámara de muchas producciones cinematográficas. En 2009 se mudó a París y se
formó en realización de documentales con
Marie-Claude Treilhou e Yves de Peretti en
los Ateliers Varan. En 2010-2012, participó en Le Fresnoy-Studio National des Arts
Contemporaines (Francia). Sus obras fueron exhibidas en importantes festivales de
todo el mundo, entre los que se incluyen
Ann Arbor Film Festival, Oberhausen, Toronto International Film Festival, Media City
Film Festival, Torino International Film Festival y LIDF London. Actualmente vive en
Berlín.
Anna Marziano grew up in Italy. After a degree in Political Sciences,
she studied cinematography at Centro Sperimentale di Cinematografia
in Rome and worked in the camera
department of many film productions. In 2009 she moved to Paris
(France) and trained in documentary
filmmaking with Marie-Claude Treilhou and Yves de Peretti at Ateliers
Varan. In 2010-2012, she took part
at Le Fresnoy - Studio National des
Arts Contemporaines (France). Her
works have screened at preeminent
festivals throughout the world including the Ann Arbor Film Festival,
Oberhausen, Toronto International
Film Festival, Media City Film Festival, Torino International Film Festival, and LIDF London, among others.
She currently lives in Berlin.
. 139
catálogo BIM 2014
Italia - Francia / Italy - France | 2011
16’ | 16 mm - Digital | Color | Estéreo / Stereo
Lagos Island / Isla de Lagos
Karimah Ashadu
Nigeria - Reino Unido / UK | 2012
Ashadu ha construido un mecanismo de
“carro de cámara” con restos de materiales encontrados en la costa de la isla de
Lagos, inspirada por los vendedores ambulantes de la región y los trabajadores con
sus carretillas caseras siempre sobrecargadas y ubicuas. Una cámara encerrada en
el mecanismo representa una perspectiva
de la costa que cambia de manera constante y crea una atmósfera tan alegre como
tensa. Las casas construidas por migrantes en la costa pronto serán destruidas por
el gobierno de Lagos en una campaña para
reformar la ciudad.
Ashadu has constructed a “Camera
Wheel Mechanism” from scrap materials found on the Lagos Island coast,
inspired by the region’s hawkers and
labourers and their ubiquitous, overburdened, handmade carts. A camera encased inside the mechanism
depicts a constantly shifting perspective of the coastline, creating an
atmosphere both playful and tense.
Homes built by the migrants on the
coast will soon be destroyed by the
Lagos government in a bid to clean
up the city.
Karimah Ashadu (Londres, 1985) es una
artista multidisciplinaria británica y nigeriana. Inicialmente se formó como pintora, antes de volcarse a la performance y a la imagen en movimiento mientras comenzaba
una Maestría en Diseño Espacial en Chelsea College of Art and Design (Londres).
Su obra ha sido exhibida internacionalmente, entre otros, en el Festival de cine de
Split (Croacia), ICA Artists’ Film Biennial,
Institute of Contemporary Arts (Londres); el
Festival Europeo de Artes Mediales de Osnabrück y el Ann Arbor Film Festival, en el
que recibió el premio al mejor film del 25º
AAFF.
Karimah Ashadu (London, 1985) is
a British/Nigerian multi-disciplinary
artist. She initially trained as a painter, before turning to performance
and the moving image while undertaking a Masters in Spatial Design at
the Chelsea College of Art and Design, London.
Her work has been screened at
several international venues including the Split Film Festival (Croatia);
ICA Artists’ Film Biennial, Institute
of Contemporary Arts, London; the
European Media Arts Festival, Osnabrück; and the Ann Arbor Film
Festival where she received the 52nd
AAFF Best of the Festival Award.
Main Hall / Sala principal
Phillip Fleischmann
Austria | 2013
5’ | 35 mm | Color | Mudo / Silent
Diseñada por Josef Maria Olbrich en
1898, la principal sala de exhibiciones de
la Vienna Secession es considerada como uno de los primeros espacios de cu140 . Ann Arbor Film Festival
Designed by Josef Maria Olbrich
in 1898, the main exhibition hall of
the Vienna Secession is generally
regarded as one of the first White
bo blanco de la historia del arte. El mito del
espacio neutro tiene una larga tradición de
ser examinado críticamente por la misma
institución. Usando 19 cámaras especialmente diseñadas, Main Hall suma un gesto
puramente cinematográfico a la historia de
este espacio al observarlo en su propia arquitectura.
Cube Spaces of art history. The
myth of the neutral space has a long
tradition of being critically examined
by the institution itself. Using 19
specially designed cameras, Main
Hall adds a purely cinematographic gesture to the space’s history by
having it look at its own architecture.
Philipp Fleischmann nació en Baja Austria
y estudió en la Escuela de Fotografía Artística Friedl Kubelka y en la Academia de Bellas Artes de Viena. Su obra se ha exhibido
internacionalmente en Ann Arbor Film Festival, Vienna Secession, Anthology Film Archives, el Festival Internacional de Toronto y en
la Berlinale, entre otros. Ha realizado Flower
Bouquet (2008), Who’s that Girl? (2008),
Cinematographie (2009), According the
Script (2010) y Main Hall (2013), que recibió el premio Peter Wilde al film de técnica más innovadora en el 52º Ann Arbor Film
Festival.
Philipp Fleischmann was born in
Lower Austria and studied at the
School of Artistic Photography
Friedl Kubelka and the Academy of
Fine Arts Vienna. His work has been
exhibited at venues including the
Ann Arbor Film Festival, Vienna Secession, Anthology Film Archives,
Toronto International Film Festival
and the Berlinale. His filmic works
include Flower Bouquet (2008),
Who’s that Girl? (2008), Cinematographie (2009), according the
script (2010) and Main Hall (2013)
which received the 52nd Ann Arbor
Film Festival Peter Wilde Award for
Most Technically Innovative Film.
Flower / Flor
Naoko Tasaka
“Ha sido un largo invierno El oso se despertó hambriento a medianoche”. Una historia sobre un oso que comió a toda su familia durante el período de hibernación.
Enigmática como una esfinge, Flower de
Naoko Tasaka se desarrolla como una historia para chicos antes de sondear en las
profundidades de una superficie tanto física como metafórica; como narración sencilla cede el paso a una abstracción sublimada. Empleando un número de técnicas
de múltiples formatos, Flower desarrolla un
impulso imperioso y contrapuesto, que vacila entre una red y una cascada.
“It’s been a long winter. ... The bear
woke up at midnight from hunger...”
A story about a bear who ate his
entire family during the winter hibernation. Naoko Tasaka’s sphinxlike Flower unfolds like a children’s
story before it plumbs the depths
of both a physical and metaphorical
surface, as straightforward narration
gives way to sublimated abstraction.
Employing a number of multi-format
techniques, Flower displays a compelling, duelling impulse that hovers
between a grid and a waterfall.
. 141
catálogo BIM 2014
Japón / Japan | 2013
20’ | 16mm | Digital | Color | Estéreo / Stereo
Naoko Tasaka es una artista que nació y
creció en Japón, donde estudió arquitectura y programación de Internet. Tasaka
comenzó su trabajo en realización experimental en el Instituto de Artes de California (CalArts) en 2006 y se graduó con una
Maestría de Artes en Film/Video en 2011.
Principalmente, se centra en video instalación y cine experimental. Recibió el premio George Manupelli Founders Spirit en
el 51º Ann Arbor Film Festival por Flower.
Naoko Tasaka was born and raised
in Japan where she studied architecture and web programming. Tasaka
began her work in experimental filmmaking at California Institute of the
Arts (CalArts) in 2006 and graduated
with an MFA degree in Film/Video in
2011. Tasaka’s primary focus is in experimental film and video installation.
Tasaka received the George Manupelli Founders Spirit Award at the 51st
Ann Arbor Film Festival for Flower.
Festival Internacional de Cortometrajes de Oberhausen /
International Short Film Festival Oberhausen
El Festival de Cortometrajes de Oberhausen, fundado en 1954, es el más antiguo
de su estilo y una de las más destacadas
e importantes plataformas para cortos a nivel mundial.
Durante más de 60 años, Oberhausen ha
sido una muestra y catalizador de desarrollos contemporáneos, un foro de discusiones frecuentemente acaloradas, un descubridor de nuevas tendencias y talentos.
El cortometraje sigue siendo la principal
fuente de innovación en el arte del cine, “el
campo experimental en el que se cristalizan
primero los futuros lenguajes cinematográficos”. Actualmente, su diversidad de formas, tópicos y enfoques en todo el mundo
es la mayor de la historia. Cada año, llegan
a Oberhausen alrededor de 6000 postulaciones, de las cuales 150 son programadas en sus cinco competencias. En todos
los programas del festival es exhibido un
total de 500 films.
Además del festival en sí, Oberhausen aloja uno de los nodos de archivo y distribución de cortometrajes más importantes y
está, por lo tanto, presente a nivel mundial
durante todo el año. Desde su inicio a fines
de la década de 1950, el archivo ha crecido rápidamente y hoy en día cuenta con
más de 1800 títulos, que comprenden más
de 2600 copias. El archivo y la distribución
consisten en films galardonados y films seleccionados de las competencias, que han
sido donados al festival para salvaguardarlos.
El programa Traces (Rastros) incluye seis
films de este archivo de distribución. Es
The International Short Film Festival Oberhausen, founded in 1954,
is the oldest of its kind and one of
the biggest and most important platforms of the short form worldwide.
For over 60 years now, Oberhausen has been a catalyst and a showcase for contemporary developments, a forum for what are often
heated discussions, a discoverer of
new trends and talent. Short film is
still the prime source of innovation
for the art of film - the experimental
field in which future cinematic vocabularies first crystallize. Today its
diversity of forms, themes and approaches across the globe is greater than ever. Every year around
6000 submissions reach Oberhausen out of which around 150 films
are screened in its five competitions.
A total of 500 films are shown in all
festival programmes.
Apart from the festival itself Oberhausen hosts one of the most important short film archives/distributions
and thus is active and present worldwide all year round. From its beginnings at the end of the 1950’s, the
archive has grown at a rapid pace
and now amounts to more than
1,800 titles, encompassing over
2,600 prints. The archive and distribution consist of award-winning
films, films that have been given to
the festival to keep them safe and
selected films from the competitions.
The Traces program consists of six
films out of this distribution. It is a
. 143
catálogo BIM 2014
Hilke Doering
una compilación de cortometrajes recientes de las competencias alemana e internacional. Todos lidian, de una forma u otra,
con la búsqueda de rastros. Algunos de
ellos han recibido premios, otros han sido
incluidos en el programa de distribución y
en la presente selección debido a su potente lenguaje audiovisual y notables contenidos.
Hilke Doering. Nacida en 1966 y criada
entre Alemania y Suiza, estudió sociología
en Bielefeld y París, y realizó investigaciones en sociología y etnografía visual. Vive con su pareja y su hijo en Bielefeld. Ha
trabajado con el festival desde 1995 como jefa de la Competencia Internacional,
la sección para niños y jóvenes y el Mercado. Ha sido miembro activa de la junta
para la Coordinación Europea de Festivales de Cine entre 1996 y 2000 y ha sido
asimismo presidente de la Conferencia Internacional del Cortometraje entre 1998 y
2003. Desde 1996 ha sido jurado y curadora de programas para numerosos festivales internacionales de cine, incluyendo
Split, Venecia, Cork, Grimstad, Bucharest,
Berwick, entre otros.
compilation of recent films from the
International and German Competition that all deal in one way or another with the search for traces. Some
of the films are award winners, while
others have been included in the distribution and in this programme due
to their powerful image language
and striking content.
Hilke Doering. Born in 1966, raised
in Germany and Switzerland. She
studied sociology in Bielefeld and
Paris and did research on visual sociology and ethnography. She lives
with her partner and son in Bielefeld. She has been with the Festival
since 1995 in the capacity of head
of the International Competition, the
Children’s and Youth Cinema and
the Market. She has been a member
of the board of the European Coordination of Film Festivals from 1996
to 2000 and has been president of
the International Short Film Conference from 1998 to 2003. Since
1996 she has been jury member
and presenting film programmes at
numerous international film festivals,
including Split, Venice, Cork, Grimstad, Bucharest, Berwick etc.
Traces / Rastros
Off-White Tulips / Tulipanes blancuzcos
Aykan Safoglu
Alemania - Turquía | Germany - Turkey | 2013
24’ | DCP | Color | Estéreo / Stereo
Concentrado en las extensas estadías de
James Baldwin en Estambul, el video explora los límites de la autobiografía recurriendo principalmente a materiales hallados, como las fotografías de Sedat Pakay.
Concentrating on James Baldwin’s
extended stays in Istanbul, the video
explores the limits of autobiography
mostly relying on found materials
such as Sedat Pakay’s photography.
144 . FESTIVAL DE CORTOS DE OBERHAUSEN / SHORT FILM FESTIVAL OBERHAUSEN
Aykan Safoglu nació en 1984. Después
de sus estudios de cine y TV en Estambul
recibió su maestría en Arte en Contexto en
2010 en la Universidad de Artes de Berlín.
Desde 2011 estudia fotografía en el Bard
College en Nueva York. Ha integrado muchas exhibiciones colectivas internacionales. Safoglu vive y trabaja en Berlin.
Aykan Safoglu was born in Istanbul
in 1984. After his BA in Film & TV in
Istanbul he received his MA in Art in
Context in 2010 at The Berlin University of the Arts. Since 2011 he
has been studying photography at
the Bard College in New York. He
has taken part in many international group shows. Safoglu lives and
works in Berlin.
Dad’s Stick / El palo de papá
John Smith
5’ | HD Cam | Estéreo / Stereo
Un oblicuo retrato del padre del realizador,
basado en tres objetos que le mostró poco
antes de morir.
John Smith nació en Walthamstow, Londres, en 1952. Vive y trabaja en Londres.
Estudió cine en la Royal College of Art.
Desde 1972 ha realizado más de cincuenta
obras en fílmico, video e instalaciones que
han sido exhibidos en cines independientes y galerías de arte alrededor del mundo.
Su trabajo se ha presentado como retrospectiva mundialmente, incluyendo Oberhausen 2002.
An oblique portrait of the filmmaker’s father based upon three objects
that he showed him shortly before
he died.
John Smith was born in Walthamstow, London in 1952. He lives and
works in London. He studied film at
the Royal College of Art. Since 1972
he has made over fifty film, video and
installation works that have been
shown in independent cinemas and
art galleries around the world. His
work has been profiled through retrospective programmes all over the
world, including Oberhausen 2002.
Sounding Glass / Vidrio que resuena
Sylvia Schedelbauer
Un hombre en el bosque: mundos internos
y externos de imágenes se superponen.
A man in the forest: inner and outer
worlds of images overlay each other.
Sylvia Schedelbauer nació en Tokio. Obtuvo un título de Maestría en la clase de
Katharina Sieverding en la Universidad de
Artes de Berlín. Ganadora del premio Bild-
Sylvia Schedelbauer was born in
Tokyo. She obtained a Meisterschülerin degree in the master class of
Katharina Sieverding at the Berlin
. 145
catálogo BIM 2014
10’ | Digi Beta | ByN / B&W | Estéreo / Stereo | Sin diálogo / No dialogue
Kunst Förderpreis a films experimentales y
el premio de la crítica alemana de cine al
mejor film experimental. Schedelbauer ha
vivido mayormente en Berlín desde 1993.
University of Arts. Winner of the BildKunst Förderpreis for experimental film and the Preis der deutschen
Filmkritik for the best experimental
film. Schedelbauer has mostly been
living in Berlin since 1993.
La Estancia / The Estate
Federico Adorno
Paraguay | 2014
14’ | DCP | Color | Estéreo / Stereo
Sin diálogo / No dialogue
Un grupo de campesinos entra a La Estancia en búsqueda de sus parientes perdidos. ¿Están muertos? ¿Están vivos? Nadie
lo sabe. Algunos supervivientes de la masacre se esconden en la selva y deambulan
conmocionados.
A group of peasants enters The Estate in search of their missing relatives. Are they dead? Are they alive?
Nobody knows. Some survivors of
the massacre hide in the forest wandering around in shock.
Federico Adorno nació en Paraguay en
1982. Estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad Nacional de Asunción y tomó cursos de actuación y dirección
teatral. Actualmente está desarrollando su
primer largometraje. Isla Alta ganó el Gran
Premio de la Competencia Internacional del
Festival de Cortometrajes de Winterthur en
Suiza.
Federico Adorno was born in Paraguay in 1982. Studied Communication Sciences at the Universidad
Nacional de Asunción and attended
courses in acting and theatre direction. Currently developing his first
feature. Isla Alta won the Grand Prix
of the 2012 International Competition at the International Short Film
Festival Winterthur in Switzerland.
Ohne Titel / Sin título / Untitled
Neïl Beloufa
Francia / France | 2010
15’ | HD Cam | Color | Estéreo / Stereo
La luna llena que brilla por la ventana ha
quemado las cortinas de seda. ¿Saben que
los rayos lunares son más intensos que los
solares?
The full moon shining through the
window has burnt the silk curtains.
Did you know that lunar rays are
more intense than those of the sun?
Neïl Beloufa nació en 1985 en París. Estudió artes visuales en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts y la École Nationa-
Neïl Beloufa was born in 1985 in
Paris. He studied visual arts at École
Nationale Supérieure des Beaux-
146 . FESTIVAL DE CORTOS DE OBERHAUSEN / SHORT FILM FESTIVAL OBERHAUSEN
le Supérieure des Arts Décoratifs en París,
en Cooper Union en Nueva York y en CalArts en Valencia. Escultor, artista de video
y de performance, ha mostrado sus obras
en exposiciones y festivales en todo el
mundo. Obras seleccionadas: 2006-2008
L’Hôtel; 2007 Segundo de abril; 2008 El
cpe; Kempinski (Premio ARTE en Oberhausen 2008).
Arts and École Nationale Supérieure
des Arts Décoratifs in Paris, at Cooper Union in New York and at CalArts in Valencia. Sculptor, video and
performance artist, his works has
been displayed at exhibitions and
festivals all over the world. Selected
works: 2006-2008 L’Hôtel; 2007
April the Second; 2008 The cpe;
Kempinski (ARTE Award in Oberhausen 2008).
Returning to Aeolus Street / Volver a la calle Aeolus
Maria Kourkouta
Francia - Grecia / France - Greece | 2013
14’ | DCP | ByN / B&W | Estéreo / Stereo
Maria Kourkouta nació en Grecia en 1982.
Estudió Antropología en Grecia. Realizó
estudios de posgrado en París. Trabaja en
investigaciones teóricas y en los últimos
siete años ha sido miembro de asociaciones relacionadas con el cine experimental
como L’Etna y L’Abominable.
A found footage film, an audio-visual
collage of a journey through modern
Greece and through downtown Athens.
Maria Kourkouta was born in Greece
in 1982. Studied Anthropology in
Greece. Attended post-graduate
studies in Paris. Works on theoretical
studies and has been a member of
associations relating to experimental
cinema like L’Etna and L’Abominable
for the past seven years.
. 147
catálogo BIM 2014
Un film de found footage, un collage audiovisual de un viaje por la Grecia moderna y
el centro de Atenas.
Paz Encina
El claro / The Clearing
Mi primer acercamiento a alguna disciplina artística fue a partir de la música. Tenía
cuatro años cuando mi madre me llevó a
un conservatorio de guitarra clásica, y entonces aprendí a leer y a escribir. Por este azar del destino, aprendí primero a leer
notas musicales antes que a leer letras, a
leer palabras, y creo que esto creó en mí
una relación natural con la convivencia de
distintos tiempos en uno solo. Una negra
podía convivir perfectamente con una blanca y creo que es por eso que me interesa
tanto el tiempo
Y en medio de aquella infancia, de notas musicales, transcurre también una dictadura.
Transcurren también ausencias.
El tiempo entonces…
El tiempo y las ausencias…
¿Y el hombre?
El tiempo, el hombre y su relación con las
ausencias
El tiempo, el hombre, su relación con las
ausencias y la imagen
El tiempo, el hombre, su relación con las
ausencias y la imagen movimiento
Es mi único consuelo
My first attempt at an artistic discipline was music. I was four when my
mother took me to a conservatoire
to learn classical guitar, and it was
there that I learnt to read and write.
Because of this twist of fate, I learnt
to read music before I learnt to read
letters, to read words, and I think that
this created in me a natural relationship for living in different times at the
same time. Black could live perfectly
well with white, and I think that’s why
I’m so interested in time…
And in the middle of that childhood,
those musical notes, there was also
a dictatorship.
There were also absences.
Time then…
Time and absences…
And man?
Time, man, and his relationship with
absences…
Time, man, his relationship with absences and the image…
Time, man, his relationship with absences and the moving image…
It’s my only comfort…
Paz Encina nació en Asunción, Paraguay,
en 1971. Cursó la Licenciatura en Cinematografía en la Universidad del Cine,
que concluyó en el año 2001. Realizó videoinstalaciones y cortometrajes en cine y
video ganadores de varios premios. Entre
los años 2002 y 2004 se desempeñó como docente en distintas universidades. En
el año 2006 estrenó su primer largometraje, Hamaca paraguaya, ganador de varios
Paz Encina was born in Asunción,
Paraguay, in 1971. She studied Cinematography at the Universidad del
Cine, graduating in 2001. She has
created award-winning video installations and film and video shorts. Between 2002 and 2004 she taught
at various universities. In 2006 she
released her first feature film Paraguayan Hammock, winning various awards, such as the Fipresci at
148 . El claro / The Clearing
premios, como el Fipresci en el Festival
de Cannes 2006 y el Premio Luis Buñuel
a la mejor película iberoamericana. En el
año 2011, a pedido del Canal Encuentro,
realizó los cortometrajes Río Paraguay y 3
movimientos y, a pedido de la Fundación
Gulbenkian, el cortometraje Viento sur, ganador de varios premios. En diciembre del
año 2012 realizó la instalación Notas de
memoria por los veinte años del hallazgo
del Archivo del Terror. Actualmente, se encuentra trabajando en su próximo largometraje de nombre Ejercicios de memoria.
Cannes 2006, and the Luis Buñuel
Prize for the best Ibero-American
film. In 2011, commissioned by Canal Encuentro, she made the short
films River Paraguay/3 Movements
and for the Gulbenkian Foundation
she made the award-winning short
Southern Wind. In December 2012
she exhibited the installation Memory
Notes for the 20th anniversary of the
discovery of the Archive of Terror.
She is currently working on her next
feature film, Memory Exercises.
Hamaca paraguaya / Paraguayan Hammock
Paraguay | 2000
8’ | Video | Color | Estéreo / Stereo
Una pareja de campesinos, Ramón y Cándida, espera al hijo que no llega.
A peasant couple, Ramón and Cándida, await a son who never comes.
Río Paraguay (3 movimientos) / River Paraguay (3 movements)
Paraguay | 2010
12’ | Video | Color | Estéreo / Stereo
De niños, siempre nos enseñaron que el
agua era la vida. Crecemos y descubrimos
que también contenía a la muerte. Llegar a
la vida, a pesar de la muerte, es el sueño.
As children, we were always taught
that water was life. We grew up, and
we discovered that it also contained
death. Reaching life, despite death, is
the dream…
Argentina - Paraguay | 2000
3’ | 35mm | Color | Estéreo / Stereo
Un hombre recuerda una conversación con
su padre.
A man remembers a conversation
with his father.
. 149
catálogo BIM 2014
Supe que estabas triste / I Heard You Were Sad
Viento sur / Southern Wind
Paraguay-Portugal | 2011
20’ | Super 8 | Color | Estéreo / Stereo
Justino y Domingo, dos hermanos pescadores, tienen que decidir desde dónde enfrentar a la dictadura. Cruzar el río o no cruzar. Ir o permanecer. Juntos o separados.
Justino and Domingo, fishermen and
brothers, have to decide where they
will face the dictatorship. To cross
the river or not. To go or to stay. Together or apart…
Familiar
Paraguay | 2014
9’ | Super 8 y material de archivo fotográfico y fichaje /
Super 8 and archive photography and recordings | Color | Estéreo / Stereo
Proyección / Screening: Archivo digital / Digital video file
La dictadura / las fiestas / la delación / los
cumpleaños / los apresamientos / los bailes / la tortura / los festivales / las desapariciones / la infancia / la injusticia / la otra
infancia
Y lo familiar… lo familiar…
150 . El claro / The Clearing
The dictatorship/the parties/the denunciation/the birthdays/the captures/
the dances/the torture/the festivals/
the disappearances/the childhood/
the injustice/the other childhood…
And all that is familiar… familiar...
Animaciones & Cuerpos performáticos / Animations & Performing
Bodies
Este programa presenta once films animados realizados entre 2004 y 2014. Cuatro
realizadoras mujeres presentan su visión
de imágenes dibujadas y animadas, impresas en papel o en film. Sus imaginarios se
despliegan y fluyen con gracia ante nuestros ojos.
Los tres cortometrajes de Asa Mori revelan
el grado en el cual su imaginación está alimentada por situaciones y personajes de
ensoñación (criaturas mitad humanas, mitad animales). Aquí, su limpio estilo de dibujo se combina con una narración desenfrenada.
Los seis cortos animados de Julie Doucet
afirman su apego por las imágenes animadas; utiliza su estilo único y original en el
cual las palabras y las imágenes se entrelazan. Anne-François Jacques, una artista que trabaja con el sonido, crea la banda sonora para los films de Doucet desde
2009. Los films de Diane Obomsawin
han recibido prestigiosos premios y distinciones en numerosos festivales. Sus comics son publicados por L’Oie de Cravan y
Drawn & Quarterly.
This program presents eleven animated films made between 2004
and 2014. Four women filmmakers
present their vision of drawn animated images, printed on paper or on
film. Their imaginings unfurl and flow
gracefully before our eyes.
Asa Mori’s three short films reveal
the degree to which her imagination
is fuelled by dreamlike characters
(half-human, half-animal creatures)
and situations. Here,
her clean drawing style is combined
with unbridled narration.
Julie Doucet’s six animated films affirm her fondness for animated images, using her highly original signature approach in which words and
images intermingle. Anne-Françoise
Jacques, an artist who works with
sound, has created the soundtracks
for Doucet’s films since 2009.
Diane Obomsawin’s films have received prestigious awards and honours at numerous festivals. Her comic books are published by L’Oie de
Cravan and Drawn & Quarterly.
Nicole Gingras. Residente en Montreal,
Nicole es investigadora, curadora independiente y autora. Se interesa particularmente por la imagen, sea visual, auditiva o
textual. Las muestras y programas que ha
curado y las publicaciones que ha dirigido,
sus textos así como los seminarios, lidian
con las nociones de tiempo, proceso creativo, movimientos de rastros de pensamien-
Nicole Gingras. Based in Montreal,
Nicole is a researcher, independent
curator and author. She is particularly
interested in the image, be it visual,
audio or textual. The exhibitions and
programs she has curated and the
publications under her direction, her
texts as well as the seminars she has
led, deal with such notions as time,
the creative process, the movements
. 151
catálogo BIM 2014
Nicole Gingras
to y memoria. Ha colaborado con numerosos museos, galerías, centros dirigidos por
artistas y festivales en Canadá y el exterior.
En 2012 recibió el premio de la Fundación
Hnatyshyn a la Excelencia en Curaduría en
Arte Contemporáneo. Sus proyectos curatoriales más recientes incluyen Raymond
Gervais 3 x 1 (Montreal, 2011-2012), una
muestra de dos partes con una publicación, focalizada en el pionero del arte conceptual canadiense, Machines - The Shapes of Movement / Máquinas - Las formas
del movimiento (Quebec, 2012), una serie
de 14 muestras para el Manif d’art biennial;
y Karen Trask - L’ombre et la forme / Karen
Trask-La sombra y la forma (Laval, 2014).
of thought, traces and memory. She
has collaborated with various museums, galleries, artist-run centers and
festivals in Canada and abroad. In
2012, she received the Hnatyshyn
Foundation Award for Curatorial Excellence in Contemporary Art. Her
most recent curatorial projects include Raymond Gervais 3 x 1 (Montreal, 2011-2012), a two-part exhibition and publication focusing on a
pioneer of conceptual art in Canada;
Machines - The Shapes of Movement (Quebec City, 2012), a series
of 14 exhibitions for the Manif d’art
biennial; and Karen Trask - L’ombre
et la forme (Karen Trask - Shadow
and Form) (Laval, 2014).
Animations / Animaciones
Two Weeks-Two Minutes / Dos semanas-Dos minutos
Judith Poirier
2’ 35’’ | 35 mm | Color | Muda / Silent
Two Weeks -Two Minutes (Dos semanas Dos minutos), un libro y un film, explora el
formato doble página y la noción del tiempo en ambos medios. Durante una residencia de dos semanas en el Centro del Libro
y las Artes del Papel (CBPA) en Chicago,
Poirier imprimió simultáneamente en papel
y en 35 mm usando impresión tipográfica.
Las tipografías en madera y en metal, clichés y ornamentos impresos en celuloide
generan la animación así como el ambiente
sonoro del film, realizado sin cámara.
Two Weeks - Two Minutes, a film
and a book, explores the doublepage format and the notion of time in
both media. During a two-week residency at the Center for Book and
Paper Arts (CBPA) in Chicago, Poirier printed simultaneously on paper
and 35mm film stock using letterpress. The wood and metal type, clichés and ornaments printed on celluloid generate the animation as well
as the soundtrack for this film, made
without a camera.
Judith Poirier (titulada por el Royal College of Art) es diseñadora gráfica y profesora
en la Escuela de Diseño de la Universidad
de Québec en Montreal (UQAM). Está interesada en tipografías experimentales y en
indagar la relación entre la página impresa
y la pantalla de cine.
Judith Poirier (MA, Royal College of
Art) is a graphic designer and professor with the school of design at the
Université du Québec à Montréal
(UQAM). She is interested in experimental typography and in exploring
the relationship between the printed
page and the film screen.
152 . Animaciones & Cuerpos performáticos / Animations & Performing Bodies
Letraset
Julie Doucet
Grupos de letras se retuercen y son encajadas por palos en formas geométricas.
Dibujo y Letraset.
Bundles of letters wriggle and are fitted together by sticks into geometric
shapes.
Drawing and Letraset
Help / Ayuda
Julie Doucet
Una criatura abstracta que se parece a un fideo sin fin parece querer escapar de sí misma sin mucho éxito. Dibujos y sellos de goma.
An abstract creature resembling an
endless noodle seems to want to
escape itself-without much success.
Drawings and rubber stamps.
Essai no. 1 / Ensayo no. 1 / Essay no. 1
Julie Doucet
1’ 6’’ | 35 mm | ByN / B&W | Muda / Silent
Un chorrito de tinta negra trata de correr
una carrera contra el espectador hacia el
fin del film. Tinta china y Letraset® en film
velado de 35 mm.
A trickle of black ink tries to race
the viewer to the end of the film.
India ink and Letraset® on 35mm
blank film.
Julie Doucet
Una consideración de la vida y velocidad
realizada en Letraset transferida a film 35
mm velado.
A consideration of life and speed
rendered in Letraset transferred onto blank 35 mm film.
. 153
catálogo BIM 2014
Julie Doucet
1’ 32’’ | super 8, 35 mm | Color | Muda / Silent
El año es 1987. Aquellos que estaban allí
sin dudas lo recuerdan. Letraset y Super 8
sobre film de 35 mm velado.
The year is 1987. Those who were
there undoubtedly remember it. Letraset and Super 8 film on blank 35
mm.
Julie Doucet
1’ 32’’ | Color | Muda / Silent
Textos en francés / Text in French on the screen
Los imprevistos de la vida profesional y sus
consecuencias. Letraset en film velado de
35 mm.
The unforeseen aspects of professional life and their consequences.
Letraset on blank 35 mm film.
Julie Doucet vive en Montreal. Después de
realizar estudios de tipografía en la UQAM,
se focalizó en la creación de cómics y libros de artista, que han sido traducidos a
diversos idiomas, incluyendo el japonés. En
2009 se aventuró en el campo de la animación, nuevamente usando palabras e imágenes. En 2013 fundó su propia editora:
Le Pantalitaire.
Julie Doucet lives in Montreal. After
studying printmaking at UQAM, she
focused on creating comic books,
which have been translated into several languages, including Japanese,
as well as artist’s books. In 2009,
she ventured into animated film,
again using words and images. In
2013, she started her own publishing house, Le Pantalitaire.
Usagi
Asa Mori
3’ 50’’ | Super 8 | ByN / B&W | Muda / Silent
Distribution: Video Out
El video consiste en cuatro cortos de animación mudos, filmados originalmente en
Super 8, que muestran las navegaciones
de una criatura simil-conejo en su entorno.
The video consists of four silent animation shorts, originally shot in Super 8 format, showing the navigations of a rabbit-like creature in its
environment.
The Tea Party / El té
Asa Mori
1’ 45’’ | ByN / B&W | Muda / Silent
Una animación de una fiesta de naipes con
alguito especial en el té.
An animation of a card party with a
little something special in the tea.
Up the Rabbit Hole / Por la madriguera del conejo
Asa Mori
5’’ | ByN / B&W | Muda / Silent
Una secuencia surreal de sueños en Super 8 que se desata cuando una criatura
de seis pezones se encuentra atrapada en
una cápsula con un conejo de la muerte y
un agujero sangriento. Con confiables orejas de conejo, ella busca su camino a través de escenas bizarras de TV: hombres
japoneses en calesitas, gente en trajes de
monstruos con globos y perturbadoras bolsas de residuos en bañeras.
A surreal Super 8 dream sequence
unravels as a six-nippled creature
finds herself trapped in a capsule
with a dead rabbit and a bloody hole.
With trusty rabbit ears, she taps her
way through bizarre TV scenes: Japanese men on carousels, people in
monster suits with balloons, and disturbing garbage bags in bathtubs.
[Source: Video Out]
Asa Mori nació en Nagano, Japón, y actualmente vive en Vancouver. Ha completado sus estudios universitarios en la Nova
Scotia College of Art and Design (Halifax)
y trabaja principalmente con instalaciones
multimedia y animación.
Asa Mori was born in Nagano, Japan, and currently lives in Vancouver.
She has a BFA from the Nova Scotia
College of Art and Design (Halifax),
primarily working with media installation and animation.
La Forêt / El bosque / The Forest
Diane Obomsawin
Un bosque habitado por almas y bestias
originarias de mitos y leyendas, y de los
sueños de la artista.
A forest inhabited by souls and
beasts originating in myths and legends, and in the artist’s dreams.
. 155
catálogo BIM 2014
3’ 40’’ | Color | Muda / Silent
Diane Obomsawin. Realizadora de animación y artista de cómics, Diane Obomsawin
ha realizado numerosos cortometrajes, incluyendo Ici par ici (Aquí por aquí), un relato autobiográfico de su infancia nómada, y
Kaspar, una historia basada en la enigmática vida de Kaspar Hauser.
Diane Obomsawin. Animated filmmaker and comic book artist Diane
Obomsawin has made several short
films, including Here and There, an
autobiographical account of her
nomadic childhood, and Kaspar, a
story based on the enigmatic life of
Kaspar Hauser.
Performing Bodies / Cuerpos performáticos
El programa está relacionado con la idea de
un Yo-cámara, una cámara en primera persona en la cual la autobiografía, la autorrepresentación y la ficción parecen intersectarse. Estos ocho trabajos creados entre
2002 y 2014 enfatizan la cercana, la íntima
y cómplice relación que cada artista tiene
con la cámara de video. Aunque el cuerpo
es la materia prima de todos estos trabajos,
la cámara se impone como un cómplice formal o conceptual, una extensión del cuerpo,
un observador despiadado, un relevo entre
los artistas y el espacio en el cual evolucionan, un instrumento que ofrece la posibilidad de reescribir el pasado o revivir una experiencia en un tiempo futuro.
Desde su invención, el video les ha ofrecido a los artistas la posibilidad de crear un
doble en tiempo real. Ha habido numerosas performances por circuito cerrado de
artistas de los campos del video y la performance, algunas de las cuales son hitos
en la historia del video. La edición permite otros efectos caleidoscópicos igual de
fascinantes. Ya sea que seamos testigos
de una confesión, una observación, una ficción o una experiencia que sea entretenida, desconcertante, traumática o disidente,
no podemos sino notar la intensa presencia de estos cuerpos en la performance.
En Cuerpos performáticos, una idea o un
pensamiento pueden aparecer de forma
oblicua, directa, casual o repentina, engen-
The entire program relates to the idea
of an I-camera, a first-person camera
in which autobiography, self-representation and fiction appear to intersect. These eight works created between 2002 and 2014 underscore
the close, intimate and complicitous
relationship that each artist has with
the video camera. Although the body
is the raw material in all of these
works, the camera imposes itself as
a formal or conceptual accomplice,
an extension of the body, a merciless
observer, a relay between the artists
and the space in which they evolve,
an instrument offering the possibility
of re-writing the past or reliving an experience at a future time.
Since its invention, video has offered
artists the possibility of creating a
double in real time. There have been
numerous close-circuit performances by video and performance artists,
some of which are milestones in the
history of video. Editing allows other,
equally fascinating splintering or kaleidoscopic effects. Whether we are
witnesses to a confession, an observation, a fiction or an experience that
is amusing, perplexing, traumatic or
deviant, we cannot help but notice
the intense presence of these bodies in performance. In Performing
Bodies, an idea or thought can appear obliquely, directly, casually or
drando obras en las cuales el cuerpo es
filmado en un estado de anticipación, acción, ejercicio, creación –y está siempre
salvajemente presente.
bluntly, engendering works in which
the body is filmed in a state of anticipation, action, exercise, creation—
and is always fiercely present.
Heisenberg’s Cat / El gato de Heisenberg
Daniel Olson
En la serie de televisión Breaking Bad
(2008 - 2013), el apacible profesor de química de secundaria Walter White recurre
a cocinar cristal meth para financiar su tratamiento del cáncer. Con el transcurrir de
la historia, se afeita la cabeza, se deja una
barba candado y adopta el nombre de guerra Heisenberg, del físico que obtuviera en
1932 el premio Nobel, Werner Heisenberg
(1901-1976), mejor conocido por el principio de incertidumbre. Mientras me preparaba para someterme a tratamiento contra
el cáncer en el invierno de 2013, surgieron
muchos chistes sobre mi proyección como cocinero de cristales. Un día me dejé
una barba candado, me puse un sombrero al estilo Walter White y miré fijo a cámara mientras escuchaba la banda sonora de
Breaking Bad.
In the television series Breaking
Bad (2008 - 2013), mild-mannered
high school chemistry teacher Walter White turns to cooking crystal
meth in order to finance his cancer treatments. As the story unfolds
he shaves his head, grows a Van
Dyke beard and adopts the nom de
guerre Heisenberg, after the 1932
Nobel Prize winning physicist Werner Heisenberg (1901 - 1976), best
known for the Heisenberg Uncertainty Principle. While preparing to
undergo cancer treatment in the
winter of 2013, many jokes were
made about my prospects as a meth
cooker. One day I adopted a Van
Dyke, put on a Pork Pie hat reminiscent of Walter White’s, and stared
into the camera while listening to the
theme music to Breaking Bad.
Elephantile / Elefantino
Daniel Olson
Una nariz de elefante de juguete colocada sobre el pene del artista es filmada en
primer plano mientras este sopla vigorosamente una armónica fuera de campo.
A toy elephant nose, worn over the
artist’s penis, is shot in close-up as
he blows vigorously through a plastic harmonica off-screen.
Nacido en California de padres canadienses, Daniel Olson estudió matemática y ar-
Born in California to Canadian parents, Daniel Olson studied mathe. 157
catálogo BIM 2014
quitectura antes de obtener su titulación en
el Nova Scotia College of Art and Design
(Halifax) en 1986 y un máster de la Universidad York (Toronto) en 1995. Olson ha exhibido en Canadá y en el exterior. Desde
1992, ha publicado numerosos libros artísticos. Vive y trabaja en Montreal desde
2001.
matics and architecture before obtaining a BFA from the Nova Scotia
College of Art and Design (Halifax)
in 1986 and a MFA from York University (Toronto) in 1995. Olson has
exhibited in Canada and abroad.
Since 1992, Olson has published
numerous artist books. Since 2001,
Daniel Olson has lived and worked
in Montreal.
Hyperventilation 2011 / Hiperventilación 2011
Tom Sherman
Canadá - Estados Unidos / Canada - USA | 2011
8’ 30’’ | SD | ByN / B&W | Estéreo / Stereo
Distribution: VTape
En 1970 Tom Sherman hizo su primer trabajo en video. Se hiperventilaba hasta el
desmayo en una videoperformance. Realizó esta performance tres veces a comienzos de los años setenta; la tercera fue documentada en un film en 16 mm realizado
por Andrew Lugg (estrenado por Lugg como Trace en 1972). El video original de
la performance de 1970 desapareció en
1972 o 1973. Habiendo descripto la grabación original y frustrado por la documentación perdida, Sherman decidió rehacer la
videoperformance en su medio original. El
11 de enero de 2011, cuarenta años después de la performance original, Sherman
una vez más se hiperventiló hasta el desmayo para una grabación de video. Hyperventilation 2011 presenta la conclusión de
las dos performances de hiperventilación
realizadas por el artista con cuatro décadas de diferencia.
Artista y escritor, Tom Sherman trabaja en
video, radio y performance en vivo, y escribe toda suerte de textos. Su trabajo interdisciplinario ha sido exhibido internacionalmente. Es profesor en el Departamento de
Transmedia en la Universidad Syracuse en
Nueva York, pero considera que su hogar
es la costa sur de Nova Scotia.
In 1970 Tom Sherman made his
first video work. He hyperventilated
until he passed out in a video performance. He did this performance
three times in the early 1970s, the
third documented in a 16mm film
by Andrew Lugg (released as Trace
by Lugg in 1972). The original 1970
video performance recording disappeared in 1972-73. Having described the original video recording
many times and being frustrated by
the missing documentation, Sherman decided to remake the video
performance in its original medium.
On January 11, 2011, forty years after the initial performance, Sherman
once again hyperventilated until he
passed out for a video recording.
Hyperventilation 2011 features the
conclusion of the two hyperventilation performances conducted by the
artist four decades apart.
An artist and writer, Tom Sherman
works in video, radio and live performance, and writes all manner of
texts. His interdisciplinary work has
been exhibited internationally. He is
a professor in the Dept. of Transmedia at Syracuse University, New York.
Dogs and Boats and Airplanes Children’s Choir Video
Sessions / Sesiones de video del Coro Infantil Perros, Barcos y
Aviones
Bill Burns
Canadá / Canada | 2011-2012
Sesiones de video del Coro Infantil Perros, Barcos y Aviones consta de viñetas
de miembros de este coro itinerante que
cuenta con entre 32 y 100 voces. Estas
breves sesiones demuestran el rigor y amplitud de los coristas cuyo único repertorio
consiste en imitar los sonidos de aviones,
barcos y perros. Director Coral: Alan Gasser. Coristas: Jessica, Daine, Ousema, Emma, Maddy, Emily, Lochlann (fuera de cámara). Recientemente se ha lanzado un LP
en vinilo.
Bill Burns es director artístico del coro
Perros, Barcos y Aviones en Toronto. El trabajo de Burns sobre la naturaleza y la sociedad civil ha sido exhibido en el MoMA,
Nueva York; el Museo de Arte de Seúl, Corea, y el Instituto de Arte Contemporáneo,
Londres.
The Dogs and Boats and Airplanes
Children’s Choir Video Sessions are
vignettes of members of the Dogs
and Boats and Airplanes Children’s
Choir. The choir is itinerant, numbering between 32 and 100 voices.
These short sessions demonstrate
the rigour and range of the choristers whose entire repertory consists
of imitating the sound of dogs, boats
and airplanes. Choral director: Alan
Gasser. Choristers: Jessica, Daine,
Ousema, Emma, Maddy, Emily, Lochlann (off camera). A vinyl LP has
recently been launched.
Bill Burns is Artistic Director of the
Dogs and Boats and Airplanes Choir
in Toronto. Mr. Burns’ work about
nature and civil society has been
shown at the Museum of Modern
Art, New York, the Seoul Museum of
Art, Korea and the Institute of Contemporary Arts, London.
Belated Eulogy for my Father / Panegírico tardío para mi padre
Brian MacDonald
Con este video, Brian MacDonald continúa
su exploración de imágenes como máquinas del tiempo. Su performance, de profunda melancolía, evoca la pérdida de un ser
amado y le permite al artista dar su saludo final (virtual). “Este video usa imágenes
que me dio el director del funeral de mi padre. Usando video compuesto con un crudo chroma, me inserté en el video, detrás
With this video, Brian MacDonald
continues his exploration of images
as time machines. His performance,
steeped in melancholy, evokes the
loss of a loved one, allowing the artist to make a final (virtual) goodbye.
“This video uses footage given to
me from the funeral director at my
father’s memorial service. By using a
. 159
catálogo BIM 2014
del atril, declamando mi elegía a mi padre
para la cual no estaba listo en el momento
en que falleció, hace tres años”.
Brian MacDonald vive en Victoria, Columbia Británica, Canadá. Lenguaje, narrativa, convenciones fílmicas y performance en vivo son conceptos que explora a
través del video. Sus proyectos de video:
Sex and Sadness (Sexo y tristeza) (2001),
Memories of Earth (Recuerdos de la Tierra) (2004), Murder and UFOs (Asesinatos
y ovnis) (2005), Please Talk To Me (Por favor, hablame) (2006) y Video Art Therapy
#1 (Terapia Videoarte #1) (2007) se ocupan de la temática de la intimidad y el aislamiento. Han sido proyectados en festivales de cine y video así como en galerías de
arte en su país de origen e internacionalmente.
crude chroma key compositing, I inserted myself into the video behind
the podium, delivering the eulogy for
my father that I wasn’t ready for at
the time of his passing, three years
ago.” [B.M.]
Brian MacDonald lives in Victoria,
B.C. Language, narrative, film con-
ventions, and live performance are
concepts that he explores through
video. His video projects: Sex and
Sadness (2001), Memories of Earth
(2004), Murder and UFOs (2005),
Please Talk To Me (2006), and Video
Art Therapy #1 (2007) are thematically concerned with intimacy and
isolation, and have been screened at
film and video festivals and art galleries nationally and internationally.
Cecilia (Train to Illinois) / Cecilia (tren a Illinois)
Kim Kielhofner
Construido con colecciones públicas y privadas, este video es un movimiento pendulante en la memoria.
Constructed from personal and public collections, this video is a moving
back and forth in memory.
Kim Kielhofner es un artista que vive en
Montreal. Crea videos, libros y dibujos. Su
trabajo se ha presentado en muestras y
festivales en América del Norte, Europa y
Asia. Se tituló en la Concordia University
y luego obtuvo su máster en Central Saint
Martins College of Art and Design (Londres) en 2010.
Kim Kielhofner is an artist living
in Montreal. She creates videos,
books, and drawings. Her work has
been presented in exhibitions and
festivals in North America, Europe
and Asia. She received a BFA from
Concordia University, and an MA
from Central Saint Martins College
of Art and Design (London) in 2010.
Flip Bend, Part 1 / Voltereta curvada, parte 1
Nikki Forrest
8’ 30’’ | HD | ByN / B&W | Estéreo / Stereo
Parte de una serie de estudios experimentales performáticos realizados en colaboración con la bailarina Sarah Williams.
“Utilizando un set simple construido en el
estudio, realizamos acciones improvisando para explorar los cambios perceptuales
y la confusión. Las secuencias elegidas de
muchas horas de crudo son momentos en
los que parecería que las dos performers
no están exactamente en la misma realidad
espacial o gravitacional”.
Part of a series of studio performance experiments made in collaboration with dancer Sarah Williams.
“Using a simple set constructed in
the studio, we performed improvised
actions to explore perceptual shifts
and confusion. The sequences selected from several hours of footage
are moments where it feels like the
two performers are not exactly in the
same gravitational or spatial reality.”
Niki Forrest es una artista visual y medial que vive en Montreal. Es mejor conocida por sus cortos experimentales, que
han sido mostrados a lo largo de América
del Norte y Europa en festivales, galerías y
otras instituciones dirigidas por artistas.
Nikki Forrest is a visual and media
artist based in Montreal. She is best
known for her short experimental
videos, which have been shown at
festivals, galleries and artist-run venues throughout North America and
Europe.
Después de bailar para muchos coreógrafos líderes en Vancouver, Sarah Williams
se mudó a Montreal para unirse a La La La
Human Steps. Desde entonces ha sido artista invitada en los trabajos de reconocidos directores y coreógrafos canadienses.
Más recientemente, ha colaborado con videos, performances, músicos y fotógrafos
en Canadá y Europa.
After dancing for several leading choreographers in Vancouver, Sarah
Williams moved to Montreal to join
La La La Human Steps. Since then
she has been a guest artist in the
works of prominent Canadian directors and choreographers. More recently, she has been collaborating
with video, performance, music and
photo artists in Canada and Europe.
Breakaway / Autodestructible
Daniel Olson
Una imitación barata del trabajo de Joseph
Kosuth de 1965 titulado One and Three
Chairs (Una y tres sillas) –que en lugar
de la definición inglesa del diccionario de
la palabra “silla” usa la francesa (que quie-
A cheap imitation of Joseph Kosuth’s 1965 work One and Three
Chairs—which instead of the dictionary definition of the English word
“chair” uses the French (meaning
. 161
catálogo BIM 2014
1’ 18’’ | SD Color | Estéreo / Stereo
re decir ‘carne viva’)– sirve como contexto
para un evento inspirado en las comedias
slapstick: un hombre de traje y sombrero
entra, ve el trabajo, luego intenta sentarse.
Ya que la silla ha sido construida para caerse a pedazos –en la industria del cine, un
elemento de utilería concebido de tal manera se conoce como un breakaway, un
autodestructible– él cae al piso, luego se
levanta y se va.
“flesh”)—serves as the setting for a
slapstick-inspired event: a man in
a suit and hat enters, looks at the
work, then attempts to sit down.
Since the chair has been contrived
to fall to pieces—in the film business
such a prepared prop is known as
a “breakaway”—he falls to the floor,
then gets up and leaves.
Planisferio / World Map
Carol Illanes y
Matías Allende
Territorio
El concepto de “territorio” reúne los trabajos de Gonzalo Aguirre, Video Atlas, y Gabriel del Favero, Mundus Alter et Idem. Video Atlas corresponde a la performatividad
de una construcción fragmentaria; diversos
motivos aislados componen un ensayo de
lo local. La parodia continúa con el trabajo
de Del Favero, un encargo sobre el territorio dio origen a este microdocumental-ficción; entrevistas a diferentes lugareños de
la Antártica fueron traducidas a una ficción
del pasado y de lo posible.
Imaginarios
El apartado “imaginarios” relaciona dos
trabajos de montaje archivístico con imágenes casi canónicas del compendio nacional. En el trabajo 32o sur/73o oeste, de
Daniela Contreras, vemos el rescate de un
lugar imposible, surgido de la literatura del
escritor Juan Emar. Con la representación
del boxeador, un motivo fijado en la retórica
local que continúa hasta la actualidad, aparece Una canción incoherente de Ernesto
Gougain, una pieza de montaje de archivos
Six videos placed under the concepts of ‘territory’, ‘imaginaries’ and
‘modernization’ are connected by
this title, whose cartographical taxonomy also functions as an allegory
of the support: a geographic representation projected on a flat surface.
Each of the works targets the characterization of a place aesthetically
and iconographically, in the form of
documents, registers, fictions and
parodies of that which once formed
their identity.
Territory
The concept of ‘territory’ brings together the works of Gonzalo Aguirre
Video Atlas and Gabriel del Favero
Mundus Alter et Idem. Video Atlas
corresponds to the performativity of
a fragmentary construction; diverse
isolated motifs make up an essay of
that which is local. The parody continues with Del Favero’s work, a commission on territory that led to this micro-documentary-fiction; interviews
with different inhabitants of Antarctica were translated into a fiction of
the past and of what is possible.
Imaginaries
The ‘Imaginaries’ section brings together two works of archive editing with near-canonical images of
the national compendium. In Daniela Contreras’s work 32º south/ 73º
west we see the recovery of an impossible place, based on the literature of the writer Juan Emar. With the
. 163
catálogo BIM 2014
Seis videos situados bajo los conceptos
de “territorio”, “imaginarios” y “modernización” son articulados por este título cuya
taxonomía cartográfica opera también como alegoría del soporte; la representación
geográfica proyectada en la planitud. Cada
uno de los trabajos apunta estética e iconográficamente a la caracterización de un
lugar en forma de documentos, registros,
ficciones y parodias de lo que alguna vez
conformó su identidad.
que fragmenta peleadores mediante un experimento sobre el soporte.
Modernización
“Modernización” sigue entramando patrones de tradición sobre este mapa tejido de
imágenes. En El hueco, Carlos Silva interpreta la modernización a modo de sustanciación, la alteración ladina de un paisaje
que debería estar normalizado, pero que se
modifica para aprovechar los rincones topográficos que aún nos ofrece el puerto de
Valparaíso. Por otro lado, Papá viejo mamá
vieja, de Rafael Guendelman, liga el problema de la modernización con el relato autobiográfico. Una narración fluctuante, poco
fidedigna, sobre una memoria que se desplaza cada día sobre el mismo objeto, la
misma familia que, una y otra vez, es modificada; como si fuese otra.
Matías Allende y Carol Illanes conforman
desde hace tres años una dupla curatorial
y dirigen proyectos que vinculan la historia
de las imágenes de lo local con la producción artística contemporánea. En su grupo
de exposiciones: Historia forzada: bifurcaciones del arte joven en Chile (Sala Juan
Egenau, UCH), Trabajo en utopía: óxidos
de la UNCTAD III (Galería Macchina, UC),
Al interior. Andrés Denegri (Galería Video
Concreta, M100) y Ciudad Sísifo (Museo
de Arte Contemporáneo), esta relación se
ha trazado mediante la construcción de un
relato que hace dialogar obras sobre la ciudad, la arquitectura y la identidad, principalmente desde los soportes del video y la
instalación. Ambos se formaron en teoría
del arte en la Universidad de Chile y actualmente pertenecen al grupo Archivos (Proyecto Bicentenario de la UCH). Juntos publicaron recientemente el libro Trabajo en
utopía: modernidad arquitectónica en el
Chile de la Unidad Popular.
Matías Allende ha desarrollado una investigación en torno a la relación entre arte y
arquitectura local. Actualmente es investigador para el Catálogo Razonado del MAC
y redactor permanente en arteycritica.org.
164 . Planisferio / World Map
representation of the boxer, a fixed
motif in local rhetoric that continues
today, Ernesto Gougain’s ‘An Incoherent Song’ appears, an archive
montage piece that fragments boxers via an experiment in the support.
Modernization
‘Modernization’ continues to connect patterns of tradition over this
woven map of images. In The Gap
Carlos Silva interprets modernization
by way of substantiation, the shrewd
alteration of a landscape that has to
be normalised, but which is modified
to harness the topographical places
that the port of Valparaíso still offers.
Elsewhere, Rafael Guendelman’s
Old Dad Old Mum ties the problem
of modernization to the autobiographical account. A fluctuating, unreliable
narrative about a memory that moves
every day over the same object, the
same family that is modified time and
again, as if it were another. She is codirector of arteycritica.org.
Matías Allende and Carol Illanes
have for the last three years made up
a curatorial duo, directing projects
that tie the history of local images
with contemporary artistic production. In their exhibitions Forced History: Branches of Young Art in Chile
(Sala Juan Egenau, UCH), Work in
Utopia: UNCTAD III Rust (Galería
Macchina, UC), Inside. Andrés Denegri (Galería Video Concreta, M100)
and Sisyphus City (Museum of Contemporary Art) this relationship has
been drawn through the construction of an account that engages in
dialogue different works on the city,
architecture and identity, mainly with
video supports and installations.
Both artists studied Art Theory at the
University of Chile and currently belong to the Archivos group (UCH Bicentenary Project). Together they recently published the book Work in
Utopia: Architectural Modernity in
the Chile of the Unidad Popular.
Carol Illanes ha desarrollado una investigación sobre arte, política y espacio público. Actualmente ejecuta tres proyectos
relacionados con arte y ciudad. Es codirectora de arteycritica.org.
Matías Allende has researched into
the relationship between art and local architecture. He is currently researching for the MAC Catalogue
Raisonée, and is on the permanent
writing staff at arteycritica.org.
Carol Illanes has researched into
art, politics and the public space,
and currently has three projects underway related to art and the city.
She is co-director of arteycritica.org.
El hueco / The Gap
Carlos Silva
Tres personas en un pequeño vacío de la
ciudad tensionan la noción de paisaje urbano con el territorio de la ideología, el diseño y las formas de economía para su sobrevivencia.
Three people in a little space in the
city strain the notion of urban landscape, with the territory of ideology,
design and forms of economy for its
survival.
Carlos Silva (1979) es artista visual, con
formación en diseño, arquitectura y artes
visuales. Concibe la producción visual desde una noción territorial, en la observación
de la ciudad contemporánea como paradoja de lo moderno, en la revisión de sus objetos y paisajes como formas apropiación,
resistencia y desvío. Esto en operaciones
de visualización que van del uso de medios
fotográficos y video a la intervención de espacios públicos. Ha expuesto en el Museo
de Artes Visuales MAVI y en el Museo de
Arte Contemporáneo, entre otros espacios
locales en Chile, y en la Fototeca de Cuba, en La Habana, y la galería Montezuma
Arts en Santa Fe, Estados Unidos, entre
otros espacios en el extranjero. Además,
es miembro del colectivo Nekoe y director
del espacio expositivo CasaNekoe en Valparaíso.
Carlos Silva (1979). Visual artist
trained in design, architecture and
visual arts. Silva conceives visual
production from a territorial notion,
in the observation of the contemporary city as a paradox of the modern,
in the review of its objects and landscapes as forms of appropriation, resistance and diversion. This is done
in visualization operations that take in
the use of photographic media, video, and intervention of public spaces. He has exhibited in local spaces
in Chile including the MAVI Museum
of Visual Arts and the Museum of
Contemporary Art, at the Fototeca
de Cuba in Havana, and at Montezuma Arts Gallery in Santa Fe, USA,
as well as other spaces abroad. He
is also a member of the Nekoe collective and director of the exhibition
space CasaNekoe in Valparaíso.
. 165
catálogo BIM 2014
Chile | 2013
8’ 30’’ | Video Digital / Digital video file | Color | Mono
32º sur/ 73º oeste / 32º south/ 73º west
Daniela Contreras Rojas y José M. Santa Cruz
Chile | 2013
16’ 41’’ | Super 8 | Color | Estéreo / Stéreo
Este video es un ejercicio imaginario sobre
el presente en el paralelo 32º sur / 73º oeste (en pleno océano Pacífico). Este espacio fue creado por el escritor y crítico de
arte chileno Juan Emar en 1935. Se recupera el gesto emariano para construir un
dispositivo archivístico de lo imaginario sobre un presente anacrónico.
Daniela Contreras Rojas (1986). Fotógrafa profesional del Instituto ARCOS y licenciada en Cine Documental de la Escuela
de Cine de Chile. En el año 2013 fue seleccionada en la Segunda Antología de la
Fotografía Joven Chilena con su obra Classe Touriste exhibida en el Museo de Arte
Contemporáneo de Chile. En el año 2012
recibió una beca de creación del Fondo de
la Cultura y las Artes de Chile para realizar
el videoarte 32º sur/ 73º oeste, seleccionado en la Galería Concreta-M100 (Chile) y
en el Festival de Creación Contemporánea
EMBARRAT (España). Durante el año 2011
codirigió el documental Mi Sangre Plebeya también tiñe de rojo, premiado en DIVA
FESTIVAL y en FEM FESTIVAL. Actualmente, estudia con la beca del Fondo Audiovisual de Chile el Master en Antropología Visual en la Universidad de Barcelona. http://
www.danielacontreras.com/
José M. Santa Cruz G. (1983). Licenciado
en Cine de la Universidad ARCIS y magíster en Historia y Teoría del Arte de la Universidad de Chile. Es autor de Imagen-simulacro: estudios de cine contemporáneo
(1) (2010) e Imagen-sintética: estudios de
cine contemporáneo (2) (2013); además,
es coeditor de El cine que fue: 100 años
de cine chileno (2011) y Audiovisual y política en Chile (2014). Algunos de sus trabajos audiovisuales han sido exhibidos en
el Festival de Cine de Valdivia y el Festival
This video is an imaginary exercise on the present at parallel 32º
south/73º west (in the middle of the
Pacific Ocean). This space was created by the Chilean writer and art
critic Juan Emar in 1935. The Emarian gesture is taken up again to construct an archive device of the imaginary on an anachronistic present.
Daniela Contreras Rojas (1986).
Professional photographer of the
ARCOS Institute and a graduate in
Documentary Film from the Escuela
de Cine de Chile. In 2013 she was
selected in the Second Anthology
of Young Chilean Photography for
her work Classe Tourist exhibited
at the Museum of Contemporary Art
in Chile. In 2012 she was awarded
a creation grant by the Chilean Culture and Arts Fund to make the video art 32º south/ 73º west, selected by the Concreta M-100 Gallery
(Chile) and the EMBARRAT Contemporary Creation Festival (Spain). In
2011 she co-directed the documentary My Plebeian Blood Also Stains
Red, which won awards at the DIVA
Film Festival and the Femcine Festival. She is currently studying for a
Master’s in Visual Anthropology at
the University of Barcelona with a
scholarship from the Chile Audiovisual Fund.
José M. Santa Cruz G. (1983). A
film graduate from the ARCIS University with a Master’s in History
and Art Theory from the University
of Chile. He is the author of ImageSimulacrum: Studies of Contemporary Film (1) (2010) and ImageSynthetic: Studies of Contemporary
Film (2) (2013), and co-editor of
de Cine Digital de Viña del Mar, entre otros.
Actualmente, es investigador doctoral del
grupo de investigación Arte, Globalización
e Interculturalidad-AGI de la Universidad
de Barcelona, dirigido por la doctora Anna
Maria Guasch.
The Cinema That Was: 100 Years
of Chilean Film (2011) and Audiovisual and Politics in Chile (2014).
Some of his audiovisual work has
been exhibited at the Valdivia Film
Festival, the Viña del Mar Digital Film
Festival, among others. He is currently a PhD researcher with the research group Art, Globalization and
Interculturality-AGI at the University
of Barcelona, directed by Dr. Anna
María Guasch.
Una canción incoherente / An Incoherent Song
Ernesto Gougain
Material de archivo de peleas de box de los
años cincuenta en adelante es incluido en
una cinta VHS que el realizador somete a
una serie de traspasos en video en búsqueda de una nueva imagen. La imagen silenciosa busca develar gestos en los intervalos que hay entre golpe y golpe de los
adversarios.
Archive footage of boxing matches
from the 1950s onwards, contained
in a VHS tape which the director
subjects to a number of transfers
onto video in search of a new image.
The silent image seeks to reveal
gestures in the intervals between
the adversaries’ punches.
Ernesto Gougain. Nació en Valdivia, Chile,
en 1983. Cursó Artes Visuales en Uniacc
y se formó en dirección cinematográfica
en la Universidad del Cine (FUC), Buenos
Aires. Es realizador de los cortometrajes
Los años siguientes, La conducta debida
y Una canción incoherente, exhibidos en
festivales como Karlovy Vary, FICValdivia,
y Curta Cinema. En Buenos Aires, integró
el colectivo En-Transe como coorganizador
y curador de la muestra itinerante homónima realizada en diversas ciudades de América, que exhibió obras en cine y video de
artistas latinoamericanos durante los años
2008 y 2010. Se radicó cinco años en Río
de Janeiro, donde se desempeñó como
montajista de documentales y cortometrajes de ficción. Actualmente vive en Santiago de Chile y escribe su primer largometraje de ficción.
Ernesto Gougain. Born in Valdivia,
Chile, 1983. He studied Visual Arts
at Uniacc and Film Direction at the
University of Chile (FUC), Buenos
Aires. Director of the shorts The Following Years, Due Conduct and An
Incoherent Song, exhibited at such
festivals as Karlovy Vary, Valdivia
Film Festival, and Curta Cinema. In
Buenos Aires he was part of the EnTranse collective as co-organiser
and curator of touring exhibition of
the same name in various cities of
the Americas, which exhibited film
and video work by Latin American
artists between 2008 and 2010. He
lived in Rio de Janeiro for five years,
where he edited documentaries and
fiction shorts. He currently lives in
Santiago de Chile, where he is writing his first fiction feature film.
. 167
catálogo BIM 2014
Brasil / Brazil - Chile | 2009
8’ 23’’ | VHS | Color | Muda / Silent
Mundus alter et idem
Gabriel Del Favero
Chile | 2013
13’ | HD | Color | Estéreo
Es un microdocumental-ficción que se presenta a modo de video proyección. Se trata de una crónica narrada por una voz en
off construida a partir de una serie de entrevistas realizadas a científicos, militares,
técnicos y familias chilenas que viven en la
Antártida. Se aborda la realidad que se vive
en el lugar, pero también se lleva a cabo un
ejercicio especulativo de cómo podría ser
el futuro en dicho territorio.
El título hace alusión a un libro de ficción
escrito por Joseph Hall (1605) en el que
describe un continente austral, una tierra
incógnita, cuando para los cosmógrafos
de la época el continente antártico era más
una especulación que una realidad.
Gabriel Del Favero (1980). Artista visual,
trabaja en el campo del video y la instalación. ¿Hacia dónde vamos? y ¿para qué?
son preguntas que suelen aparecer en el
trabajo de Gabriel Del Favero. Esto es porque los videos (su principal fuente de producción) colocan la especulación del futuro, la ciencia ficción y lo que dejó de ser
ficción en el centro de la narrativa. Utiliza
tanto el lenguaje del documental como el
de la ficción para construir relatos que recorren temas como la herencia de la guerra
fría en la exploración espacial, el territorio y
el agotamiento de los descubrimientos o la
arquitectura en zonas extremas. Realizó estudios de artes visuales en la Universidad
Finis Terrae, Santiago de Chile, y un diplomado en teoría del cine en la Universidad
Católica de Chile. En el año 2012 recibió
el premio Juan Downey en el contexto de
la Bienal de Video y Nuevos Medios. Realizó una residencia en la Fundación AAVC
Hangar, Barcelona, España (2012) y una
en el continente antártico como parte del
proyecto A del Consejo Nacional de la Cultura y las artes (2013). Sus trabajos han
A micro-documentary-fiction, presented as a video projection. A
chronicle narrated by a voiceover
constructed from a series of interviews with Chilean scientists, members of the armed forces, technicians and families living in the
Antarctic. The reality of living in this
place is addressed, along with a
speculative exercise into what the
future of this territory might look like.
The title alludes to a science fiction book by Joseph Hall (1605) in
which he describes a southern continent, an undiscovered land when
for the cosmographers of the time
the Antarctic continent was more
speculation than reality.
Gabriel Del Favero (1980). Visual
Artist, working in the field of video
and installation. “Where are we going?” and “What for?” are questions
that tend to appear in Del Favero’s
work. This is because videos (his
main source of production) place
speculation on the future, science
fiction and what has ceased to be
fiction at the centre of the narrative. He uses both the language of
the documentary and fiction to construct stories that run through subjects such as the Cold War legacy in
space exploration, the territory and
the depletion of discoveries, and the
architecture of extreme areas. He
studied visual arts at the Finis Terrae
University in Santiago de Chile and
gained a diploma in film theory from
the Catholic University of Chile. In
2012 he received the Juan Downey
Award at the Biennale of Video and
New Media. He undertook one residency at the AAVC Foundation Hangar, Barcelona (2012) and another
in Antarctica as part of the Project
sido exhibidos en Chile, Argentina, Bolivia,
España e Inglaterra.
A of the National Culture and Arts
Council (2013). His works have
been exhibited in Chile, Argentina,
Bolivia, Spain and England.
Video Atlas: Recortes + Sin Rebelión / Video Atlas: Cuttings + No
Rebellion
Gonzalo Aguirre
Chile | 2012
Gonzalo Aguirre (1980). Artista visual. Licenciado en Artes Plásticas de la Universidad de Chile. Magíster en Artes Visuales
por la UNAM (México) con la tesis El mundo y la mano: prácticas y estrategias archivísticas.
Trabaja principalmente con medios audiovisuales y desarrolla proyectos de carácter transdisciplinario en los que se integran
sonido, literatura y video. Sus estrategias
creativas se vinculan a la construcción
fragmentaria de relatos y giran en torno al
cruce entre archivo, apropiación y montaje.
Entre sus principales proyectos se encuentran Archivo zonaglo: puesta en escena audiovisual de la poesía plástica de Gonzalo
Millán (2007), Video Atlas (2010) y Video
papel: subversión de archivos audiovisuales de dominio público (2014).
Video Atlas is a work space bringing
together and manipulating a variety
of information. This project alludes
to atlases in their editorial dimension: spaces of collection, presentation and synoptic understanding of
a whole, compendia of visual knowledge constructed through fragments. Somehow resembling nature, culture and travel television
programs –today’s atlases– Video
Atlas is a montage of images, audio
and texts from the world, twisted by
a personal perspective.
Gonzalo Aguirre (1980). Visual artist. Graduate in Plastic Arts from the
University of Chile. Master’s in Visual
Arts UNAM (Mexico) with the thesis
The World and the Hand: Archive
Practices and Strategies.
Aguirre works mainly with audiovisual media and undertakes transdisciplinary projects involving sound,
literature and video. His creative
strategies are related to the fragmentary construction of stories, and revolve around the crossover between
archive, appropriation and montage.
His main projects include Zonaglo
Archive: audiovisual mise en scene
of Gonzalo Millán’s plastic poetry
(2007), Video Atlas (2010) and Video Paper: subversion of public domain audiovisual archives (2014).
. 169
catálogo BIM 2014
Video Atlas es un espacio de trabajo en el
que se reúne y manipula información variada. Este proyecto alude a los atlas en su
dimensión editorial: espacios de colección,
presentación y comprensión sinóptica de
una totalidad, compendios de conocimiento visual que se construyen mediante fragmentos. Cercano de alguna forma a los
programas televisivos de naturaleza, cultura y viajes –a los atlas actuales–, en Video
Atlas se montan imágenes, audios y textos
del mundo tergiversados por una mirada
personal.
El papá viejo y la mamá vieja / The Old Dad and the Old Mum
Rafael Guendelman
Chile | 2014
El video trata de la repetición y variación
de una historia por parte de mi abuela, que
padece demencia senil. Ella relata, a partir
de un recuerdo, a la familia de fotógrafos
vecina, por la cual fue fotografiada varias
veces. Esta historia surge espontáneamente en relación con la acción misma de
retratarla.
A través de la documentación de este discurso cíclico, se busca explorar problemáticas relacionadas con la narrativa, el lenguaje, la lógica, la historia personal y la
enfermedad mental, así como la propia incidencia de la documentación audiovisual
en la articulación del propio documento.
The video consists of the repetition
and variation on a story by my grandmother, who has senile dementia.
Starting from one memory, she tells
her story to the neighbouring family
of photographers, by whom she has
been photographed several times.
This story comes out spontaneously
in the very act of portraying her.
Documenting this cyclical discourse
is an attempt to explore problems
related to narrative, language, logic,
personal history and mental illness,
as well as the impact of the audiovisual documentation on the enunciation of the document itself.
Rafael Guendelman. Es licenciado en Arte por la Universidad Católica de Chile,
donde realiza el Diplomado en Teoría del
Cine: Estudios Avanzados.
Actualmente se desarrolla como artista visual y realizador audiovisual. Ha participado en diferentes muestras y festivales, tanto en Chile como en el extranjero, entre los
que se destacan: Rencontres Internationales París/Berlín/Madrid (Palais de Tokyo,
París); Not Finished Works –In between
travel and Residency– (ZK/U, Berlín); Entre Iloca y Dichato (Galería Macchina, Santiago) y Annexation Wall: 10 Years Too
Long (Al-Ma’al Lab of Arts, Jerusalén). Su
producción de obra se ha centrado en la
exploración de territorios específicos, tanto urbanos como rurales, con énfasis en
la relación dinámica entre estos y el hombre que los habita. www.vimeo.com/rafaelguendelman
Rafael Guendelman. Art graduate
from the Catholic University of Chile,
where he also received the Diploma in Film Theory: Advanced Studies. Currently works as a visual artist
and audiovisual director. He has participated in different exhibitions and
festivals in Chile and further afield,
including: Rencontres Internationales Paris/Berlín/Madrid (Palais de
Tokyo, Paris); Not Finished Works
–In Between Travel and Residency(ZK/U, Berlin); Between Iloca and
Dichato (Galería Macchina, Santiago) and Annexation Wall: 10 Years
Too Long (Al-Ma’al Laboratory of
Arts, Jerusalem). His output has focused on exploring specific territories, both urban and rural, with an
emphasis on the dynamic relationship between these and the people
who inhabit them.
13 de octubre de 1966
Sobre la suprema maestría
de Peter Kubelka
13 October 1966
On the Supreme mastery
of Peter Kubelka
Unsere Afrikareise (1966) es la cinta más
rica, más compacta y más articulada que
he visto nunca. La he visto cuatro veces y
volveré a verla muchas veces más, y cuanto más la veo, más cosas descubro en ella.
La película de Kubelka es una de las pocas
obras maestras del cine y un trabajo de la
perfección que nos obliga a reevaluar todo
lo que sabíamos sobre el cine. El increíble
don artístico de este hombre, su increíble
paciencia (empleó cinco años para filmar
Unsere Afrikareise; la película tiene doce minutos de duración), sus métodos de
aprendizaje (aprendió de memoria dieciocho horas de cinta magnetofónica y tres horas de película, fotograma por fotograma) y
la belleza de su creación hacen que el resto de nosotros parezcamos aficionados, o
quizá niños que nunca podrán separarse de
sus propias emociones. Todo el cine es tan
emocional. El cine de Kubelka es como un
fragmento de cristal, o algún otro objeto de
la naturaleza: no parece que hubiera sido
producido por el hombre; podría fácilmente
concebirse que hubiera sido recogido entre
los tesoros orgánicos de la naturaleza.
Unsere Afrikareise (1966), is the
richest, most compact and best articulated film I have ever seen. I’ve
seen it four times, and I will see it
again many more times, and the
more I see it, the more things I discover in it. Kubelka’s film is one of
the few masterpieces of cinema and
a work of perfection that obliges us
to reevaluate everything we knew
about cinema. This man’s incredible
artistic gift, his incredible patience
(he took five years to film Unsere Afrikareise; the film is twelve minutes
long), his learning methods (he learnt
by heart eighteen hours of recording
tape and three hours of film, frame
by frame), and the beauty of his creation makes the rest of us look like
amateurs, or maybe children who will
never be able to detach themselves
from their own emotions. All cinema
is so emotional. Kubelka’s cinema
is like a fragment of glass, or some
other object of nature: it doesn’t look
like it could have been produced by
man; one could easily conceive that
it had been gathered among nature’s
organic treasures.
Peter Kubelka: Cuando escribas esta entrevista debes explicar que lo que digo no
tiene nada que ver con mis películas. Tengo una necesidad inmensa de comunicarme. Trabajo durante cientos y cientos de
horas para un minuto de mi película, y ha-
Peter Kubelka: When you write up
this interview you should explain that
what I say has nothing to do with
my films. I have an immense need to
communicate. I work for hundreds
and hundreds of hours for one minute
. 171
catálogo BIM 2014
Películas de Peter Kubelka / Films by Peter Kubelka
blando nunca podría producir un minuto
como ese. La verdadera declaración que
quiero hacer al mundo son mis películas.
Todo lo demás es irrelevante.
of my film, and I could never produce
a minute like that from speaking. My
films are the real statement I want to
make. Everything else is irrelevant.
Trabajo para la generación presente. Quiero ayudar al crecimiento de la humanidad,
a que la humanidad se aleje de la Edad
de Piedra, se haga adulta. Pienso que la
edad que tiene ahora la humanidad es la
edad de un niño muy pequeño. Por ejemplo, solo ahora está aprendiendo a articularse. En Afrikareise juego con las emociones e intento liberarlas para que exista una
distancia entre el espectador y sus propias
emociones, sus propios sentimientos. Esta es una de mis tareas principales: crear
una distancia entre nosotros y nuestra existencia… En Unsere Afrikareise pongo en
movimiento al mismo tiempo una serie de
mecanismos, creo simultáneamente sentimientos cómicos y sentimientos tristes, y…
I work for the present generation.
I want to help humanity to grow, to
move away from the Stone Age. I
think that the age humanity has now
is the age of a very small child. For
example, it’s only now learning to
articulate itself. In Afrikareise, I play
with emotions and try to free them,
so that there is a distance between
the spectator and his own emotions,
his own feelings. That is one of my
main tasks: to create a distance between us and our existence… In
Unsere Afrikareise, I put a series
of mechanisms in movement at the
same time, I create simultaneously
comic and sad feelings, and…
Como la muerte del león, cuando lo arrastran al camión. Creo que es una de las
escenas más tristes que he visto nunca.
Arrastran al pobre león, que ya está muerto, y es difícil levantarlo; es una escena
muy trágica. Pero el sonido es cómico. Y
la cebra alcanzada por un tiro, que cae hacia un costado, y en el sonido se oye este
ruidillo cómico, como si la cebra cayera de
costado riéndose… Es muy triste.
Esto está conseguido a través de una perfecta sincronización musical, ¿te has dado
cuenta?
Sí.
Todos se mueven a un ritmo. Hay muchas
cosas que no se notan al ver la película por
primera vez.
O el ojo, cuando el león moribundo levanta los ojos y mira directamente hacia la
cámara, como acusando y perdonando, y
luego muere. Si hubo alguna vez un gran
momento en el cine, este es uno de ellos.
Cuando uno quiere realmente comunicarse, ¡es preciso ser tan económico con cada parte de la película, con cada segundo! Para mí, la película es la proyección
Like the death of the lion, when they
drag him to the lorry. I think that’s
one of the saddest scenes I’ve ever seen. They drag the poor lion,
which is already dead, and it’s hard
to lift it; it’s a very tragic scene. But
the sound is comical. And the zebra that’s shot down, that lies on its
side, and in the sound you hear this
comical little noise, as if the zebra
fell over laughing… It’s very sad.
That’s achieved through a perfect
musical synchronization, have you
noticed?
Yes.
They all move to a rhythm. There are
many things you don’t notice when
you watch the film for the first time.
Or the eye, when the moribund lion
looks up and looks straight into the
camera, as if accusing and forgiving,
and then dies. If ever there was a great
moment in cinema, this is one of them.
When one really wants to communicate, one has to be as economical
with each part of the film, with every
second! To me, the film is the projection of immobile frames. My economy
is a single frame, and every particle
172 . Películas de Peter Kubelka / Films by Peter Kubelka
¿Cuánto dura la totalidad de tu obra?,
¿cuántos minutos?
Treinta y nueve minutos.
Eso hace dos minutos al año, ¿no?
Durante los últimos dieciséis años me he
concentrado totalmente en el cine. Empecé en 1952. Sí, dos minutos al año.
¿Cuántos fotogramas?, ¿2.880 fotogramas al año?
Esto significa, aproximadamente, ocho fotogramas por día.
Eso es mucho.
of the screen. I think that if a frame
is projected too much it makes the
whole less articulated. That’s why
I always work for the frames. I have
twenty-four chances per second to
communicate and I don’t want to
waste a single one. That is economy.
And the same goes for sound. You
have to have the same economy with
sound as with image.
How long is the whole of your
work? How many minutes?
Thirty-nine minutes.
That works out at two minutes a
year, right?
In the last sixteen years I’ve concentrated entirely on cinema. I started in
1952. Yes, two minutes a year.
How many frames, 2,880 frames a year?
That means, approximately, eight
frames a day.
That’s a lot.
One is enough. When you’re really
talking, when you’re really articulate,
you shouldn’t have to do so much.
Eggeling spoke, and he only made
five minutes in his whole life.
Uno es suficiente. Cuando se habla realmente, cuando verdaderamente se articula, no se debe hacer tanto. Eggeling habló
y solo hizo cinco minutos en toda su vida.
Yo me tomo mi tiempo. Dicen: si la cinta no
está terminada al cabo de dos años, entonces es demasiado tarde, o algo parecido.
Pero yo creo que cuando se trabaja toda la
vida, cuando realmente se quiere ver, sentir
y comunicar, y se produce algo que logra
esto, entonces no hay límites de tiempo y
un minuto de película es suficiente. Cuando lo empecé, creí que la cinta africana estaría terminada en tres meses. Y tardé cinco años. Por supuesto, no trabajé en ella
todos los días de mi vida; no podía, porque
no tenía dinero; pero lo que es verdad es
que durante estos cinco años viví con esas
imágenes todos los días. No hubo un día
en que no lo hiciera; viví constantemente
en el trabajo durante cinco años.
I take my time. They say that if the
film isn’t finished after two years,
then it’s too late or something like
that. But I think that when you work
all your life, when you really want to
see, feel and communicate, and you
produce something that achieves
this, then there are no time limits and
a minute of film is enough. When
I started, I thought that the African tape would be finished in three
months. And I took five years. Of
course, I didn’t work on it every day
of my life; I couldn’t, because I didn’t
have any money. But it’s true that for
those five years I lived with those images every day. There wasn’t a day
when I didn’t; I lived constantly in the
work for five years.
Extracto de los Diarios de cine
de Jonas Mekas
Extract from Jonas Mekas:
The Diary Film
. 173
catálogo BIM 2014
de fotogramas inmóviles. Mi economía es
un fotograma único y cada partícula de la
pantalla. Creo que cada fotograma que se
proyecta demasiado hace que la totalidad
sea menos articulada. Por eso siempre trabajo por los fotogramas. Tengo veinticuatro
posibilidades de comunicación por segundo y no quiero desperdiciar ninguna. Esta
es la economía. Y lo mismo ocurre con el
sonido. Es necesario tener la misma economía con el sonido que con la imagen.
Peter Kubelka es un cineasta austríaco
nacido en Viena en 1934. Es además el
cofundador del Osterreichisches Filmmuseum (Viena) y de los Anthology Film Archives (Nueva York). Curador, archivista,
profesor, arquitecto, músico, coleccionista y cocinero; de hecho esta última actividad ocupa un papel tan central en su filosofía fílmica que una vez agregó “y Cocina”
al título formal de su puesto de Profesor
de Cine en la Escuela de Bellas Artes de
Frankfurt. Peter Kubelka es influyente como
pocas personas en la historia del cine y su
tradición ligada a las vanguardias. Sus películas marcan un nuevo modo de entender
los efectos del cine en la historia.
Kubelka realizó su primera película, Mosaik
im Vertrauen, en 1955, y se consagró unos
años más tarde con las “películas métricas”
Adebar (1957) y Schwechater (1958). En
casi seis décadas ha producido poco más
de una hora de cine en total: “Uno es suficiente, cuando se habla realmente, cuando verdaderamente se articula, no se debe
hacer tanto”, indicaba Kubelka en una entrevista con Jonas Mekas en 1966. En los
años setenta instaló en Nueva York su Cine
Invisible, la sala de proyección del Anthology Film Archives. Un cine en el que los
espectadores se ubican en cubículos aislados, “un espacio negro en el cual uno no
siente que está en un espacio; solamente
se siente que es negro y el único elemento
de referencia es la pantalla y lo que sucede
en la pantalla”.
Peter Kubelka is an Austrian filmmaker born in Vienna in 1934. He
is the co-founder of the Osterreichisches Filmmuseum (Vienna)
and the Anthology Film Archives
(New York). Curator, archivist, lecturer, architect, musician, collector
and cook – the last playing such a
central role in his filmic philosophy
that he once added “and Cuisine”
to his formal job title of Professor of
Film at the Frankfurt School of Fine
Arts. Peter Kubelka is influential like
few people in the history of cinema
and its avant-garde tradition. His
films mark a new way of understanding the effects of film on history.
Kubelka made his first film Mosaik
im Vertrauen in 1955, and made
his reputation a few years later with
the ‘metric films’ Adebar (1957)
and Schwechater (1958). In almost
six decades he has produced little
more than an hour of cinema in total. “One is enough, when one really
speaks, when one truly articulates,
it isn’t necessarily to do so much”,
Kubelka said in an interview with Jonas Mekas in 1966. In the 1970s he
installed in New York his Invisible
Cinema, the screening room at the
Anthology Film Archives. A cinema
where the spectators sit in isolated
cubicles, “a black space in which
one doesn’t feel that one is in a
space; one only feels that it is black
and the only point of reference is the
screen and what happens on it.”
Adebar
1957 | Austria
2’ | 16 mm | ByN / B&W | Sonido óptico / Optical sound
Proyección / Screnning: 16 mm
Adebar es la primera película métrica de
Peter Kubelka; en ella ordena con precisión
todos los elementos de la composición. La
película trabaja con unidades individuales
de 13, 26 y 52 fotogramas, sometidos a un
sistema de reglas rítmicas que incluyen un
uso estricto del espacio positivo y negativo, que determina su estructura dentro de
la película. Adebar, realizada por encargo
para una publicidad de una discoteca vienesa, presenta repeticiones rigurosas de
una escena de baile en silueta alternando
rápidamente entre positivo y negativo, con
un fragmento de música antigua de África
central. Al utilizar loops hipnóticos y variaciones sincopadas en movimiento, la película resultó demasiado avanzada para sus
patrocinadores.
Adebar was Peter Kubelka’s first metric film, in which he precisely ordered
all the elements of composition. The
film works with individual units of 13,
26 and 52 frames, following a system of rhythmic rules that include
the strict use of the positive and
negative space, which determines
their structure within the film. Adebar was made on commission as an
advertisement for a Viennese discotheque, and showing rigorous repetitions of a dance scene in silhouette,
alternating rapidly between positive
and negative, with a fragment of ancient music from central Africa. In its
use of hypnotic loops and syncopated variations in movement, the film
turned out to be too advanced for its
sponsors.
Schwechater
En 1957, Peter Kubelka fue contratado para producir un comercial corto para la cerveza Schwechater. La empresa cervecera
seguramente pensaba que estaba encargando un filme que le ayudaría a vender
cerveza; Kubelka tenía otras ideas. Rodó
su película con una cámara que ni siquiera
tenía visor, simplemente apuntándola en la
dirección general de la acción.
Luego se tomó varios meses para editar
su material, mientras la empresa echaba
humo y exigía el producto terminado. Finalmente entregó una película de 90 segundos que incluía cortes extremadamente rápidos (en los límites de la percepción
In 1957, Peter Kubelka was hired to
make a short commercial for Scwechater beer. The beer company undoubtedly thought they were commissioning a film that would help
them sell their beers; Kubelka had
other ideas. He shot his film with
a camera that did not even have a
viewer, simply pointing it in the general direction of the action. He then
took many months to edit his footage, while the company fumed and
demanded a finished product. Finally he submitted a film, 90 seconds
long, that featured extremely rapid
cutting (cutting at the limits of most
. 175
catálogo BIM 2014
1958 | Austria
1’ | 16 mm | Color | Sonido óptico / Optical sound
de la mayoría de los espectadores) entre
imágenes desgastadas casi al punto de
la abstracción –en positivo y negativo, en
blanco y negro y con tinte rojo– de unas
personas apenas visibles que tomaban cerveza y de la espuma de la cerveza vista en
un patrón completamente abstracto (Fred
Camper).
viewers’ perception) between images washed out almost to the point of
abstraction — in black-and-white positive and negative and with red tint —
of dimly visible people drinking beer
and of the froth of beer seen in a fully
abstract pattern (Fred Camper).
Arnulf Rainer
1960 | Austria
6’ 24’’ | 35 mm | Color | Sonido óptico / Optical sound
Las imágenes de Arnulf Rainer son las más
reducidas de todas; es una película compuesta completamente de fotogramas de
negro sólido y blanco sólido, que Kubelka
junta en duraciones tan largas como 24
segundos o tan cortas como un solo fotograma. Cuando alterna entre fotogramas
únicos blancos y negros, se produce un
efecto rápido de parpadeo que se aproxima al parpadeo, bastante más rápido, de
la proyección cinematográfica; durante las
largas secciones de oscuridad uno espera con anticipación nerviosa que vuelva el
parpadeo sin saber exactamente qué forma
tomará. Pero Arnulf Rainer no es solamente un estudio del ritmo y del parpadeo fílmico. Al reducir el cine a sus elementos esenciales, Kubelka no solamente lo despoja de
su sentido, también crea un objeto que tiene cualidades tan generales que sugieren
una variedad de significados posibles y cada uno toca algún aspecto esencial de la
existencia (Fred Camper).
Arnulf Rainer’s images are the most
“reduced” of all — this is a film composed entirely of frames of solid
black and solid white which Kubelka
strings together in lengths as long as
24 seconds and as short as a single
frame. When he alternates between
single black and white frames, a rapid flicker effect is produced, which
is as close as Kubelka can come to
the somewhat more rapid flicker of
motion-picture projection; during the
long sections of darkness one waits
in nervous anticipation for the flicker
to return, without knowing precisely which form it will take. But Arnulf
Rainer is not merely a study of film
rhythm and flicker. In reducing the
cinema to its essentials, Kubelka has
not stripped it of meaning, but rather
made an object which has qualities
so general as to suggest a variety
of possible meanings, each touching on some essential aspect of existence. (Fred Camper)
Unsere Afrikareise / Nuestro viaje a África / Our trip to Africa
1966 | Austria
13’ | 16 mm | byn / B&W | Sonido óptico / Optical sound
Kubelka’s most recent film before
Pause! is Unsere Afrikareise, whose
images are relatively conventional
‘records’ of a hunting-trip in Africa.
The shooting records multiple ‘systems’ — white hunters, natives, animals, natural objects, buildings — in
a manner that preserves the individuality of each. At the same time, the
editing of sound and image brings
these systems into comparison and
collision, producing a complex of
multiple meanings, statements, ironies… I know of no other cinema like
this. The ultimate precision, even fixity, that Kubelka’s films achieve frees
them to become objects that have
some of the complexity of nature itself — but they are films of a nature
refined and defined, remade into a
series of relationships. Those rare
and miraculous moments in nature
when the sun’s rays align themselves
precisely with the edge of a rock
or the space between two buildings, or when a pattern on sand or
in clouds suddenly seems to take on
some other aspect, animal or human,
are parallelled in single events of a
Kubelka film. The whole film is forged
out of so many such precisions with
an ecstatic compression possible
only in cinema (Fred Camper).
. 177
catálogo BIM 2014
La película más reciente de Kubelka antes de ¡Pausa! es Unsere Afrikareise, cuyas imágenes son “registros” relativamente convencionales de un viaje de caza en
África. El rodaje graba múltiples “sistemas”
–cazadores blancos, nativos, animales, objetos naturales, edificios– de una manera que preserva la individualidad de cada
uno. A la vez, la edición del sonido e imagen hace que estos sistemas se comparen
y colisionen produciendo una complejidad
de varios significados, declaraciones, ironías… No conozco ningún otro cine como
este. La precisión final, incluso la fijeza, que
las películas de Kubelka logran, las libera
para que se transformen en objetos que
contienen algo de la complejidad de la naturaleza misma –pero son películas de una
naturaleza refinada y definida, transformadas en una serie de relaciones–. Aquellos
momentos raros y milagrosos de la naturaleza, cuando los rayos del sol se alinean
precisamente con el borde de una roca o
el espacio entre dos edificios, o cuando un
patrón en la arena o en las nubes de repente parece asumir algún otro aspecto,
animal o humano, encuentran su paralelo
en los eventos únicos de una película de
Kubelka. Todo el film está forjado de sutiles
precisiones y de una compresión estática
que solamente es posible en el cine (Fred
Camper).
Peter Kubelka
Monument Film
“La cinta de luz blanca de Kubelka me
proporcionó una de las experiencias visuales
más profundas que he tenido en cine”.
“Kubelka’s white light film gave me
one of the most profound visual experiences I’ve had in cinema”.
Jonas Mekas
Jonas Mekas
En 1960, cuando hice mi película Arnulf
Rainer, usé mis manos, mis ojos, tiras de
película, tijera y pegamento. No usé ningún
proyector, ninguna isla de edición, ninguna
cámara. Construí la estructura de los cuatro elementos básicos del cine: luz, oscuridad, sonido, silencio. El átomo indivisible
del cine es un fotograma que equivale a la
vigésima cuarta parte de un segundo. El cine puede experimentarse como estructura
temporal cuando la tira pasa por el proyector, y como estructura espacial cuando se
exhibe la tira como objeto estático y tridimensional. El contenido que lleva la película está inseparablemente vinculado con el
objeto material.
Este es el dilema digital: todos estos números supuestamente eternos (los datos)
aún deben residir en la materia, en las máquinas. Todas esas máquinas son de vida
corta, mucho más ahora que antes. Hay un
núcleo duro del arte fotográfico que activa
las ideas y los pensamientos al cual ningún
otro medio ni siquiera se acerca.
El 2012 es el año más oscuro del cine. Se
completó la toma de poder hostil del digital; aunque todos saben la corta vida que
tiene el almacenamiento digital. Pero la ganancia a corto plazo es más importante.
Las productoras europeas han empezado
a obligar a los exhibidores a destruir sus
In 1960, when I made my film Arnulf
Rainer, I used my hands, my eyes,
filmstrips, scissors and glue. No projector, no editing table, no camera
was involved. I built a structure of the
four basic elements of cinema: light,
darkness, sound, silence. The indivisible atom of cinema is one frame
which equals one twenty-fourth of a
second. Film can be experienced as
a temporal structure when the strip
moves through the projector, and as
a spatial structure when the strip is
exhibited as a static, three-dimensional object. The content carried by
film is linked inseparably to the material object.
This is the digital dilemma: all these
so-called eternal numbers [in data]
still have to reside in matter, in machines. And those machines are
short-lived—more so than ever, in
fact. There is a hard core to the photographic art that activates ideas
and thoughts that no other medium
can even remotely touch.
2012 is film history’s darkest year.
The hostile takeover by digital imagery is finally complete, even though
everybody knows how short-lived
digital archiving is. But short-term
profit is more important. European
film companies have even begun to
force exhibitors to destroy their old
projectors; in order to get digital
projection equipment, they have to
show proof that they have destroyed
the old machinery. The industry
wants to kill off the old medium, by
any means. I see my Monument Film
as a call for patient defiance.
When you project Antiphon after
Arnulf Rainer, after some time into
Antiphon, you start thinking of Arnulf Rainer; you start feeling that
Antiphon is very intimate with Arnulf
Rainer. If you project them both side
by side – at the same time – you will
always have one side dark and the
other side light. So, in a way, there is
light all the time in each film. In Monument Film, they are projected one
on top of the other, and theoretically,
there will be a continuous white light.
But in practice it’s not, because in
analogue cinema there aren’t two
projectors alike, nor two sound
speakers, so in its imperfection it expresses the materiality of the medium. With Monument Film, I wanted
to create a memorial to cinema that
explains the materiality of film.
There is a new global avant-garde
working exclusively with photographic film, there is a growing international lab movement backed by
thousands of young film artists. The
phoenix will rise from the ashes. I do
not doubt that in the least.
. 179
catálogo BIM 2014
antiguos proyectores; para conseguir los
aparatos de proyección digital, deben demostrar pruebas de que han destruido la
maquinaria vieja. La industria quiere extinguir el viejo medio, de cualquier manera.
Veo en Monument Film una llamada de resistencia paciente.
Cuando se proyecta Antiphon luego de Arnulf Rainer, después de un tiempo adentro
de Antiphon, se empieza a pensar en Arnulf Rainer, a sentir que Antiphon y Arnulf
Rainer son completamente íntimas. Cuando se proyectan una al lado de la otra y al
mismo tiempo, siempre habrá un lado oscuro y otro iluminado, entonces, de alguna
manera, todo el tiempo habrá luz en cada
film. En Monument Film se proyecta uno
encima del otro, por lo tanto, en teoría se
proyectará una luz blanca continua. Pero
en la práctica esto no sucede, porque en
el cine analógico no hay dos proyectores
iguales, ni dos parlantes iguales; entonces,
en esta imperfección se expresa la materialidad del medio. Con Monument Film quiero crear una memoria del cine que explique
la materialidad de la película.
Hay una nueva vanguardia mundial que trabaja exclusivamente con la película fotográfica, hay un creciente movimiento internacional de laboratorios con el apoyo de
miles de cineastas. El fénix surgirá de las
cenizas. No lo dudo en absoluto.
Monument Film
Austria | 2012
12’ 48’’ | 35 mm | ByN / B&N | Sonido óptico / Optical sound
Arnulf Rainer Austria | 1960 | 6’24” | 35mm | ByN / B&W
Antiphon Austria | 2012 | 6'24" | 35mm | ByN / B&W
Dos películas constituyen Monument Film:
Arnulf Rainer y Antiphon, que contienen
los cuatro elementos esenciales del cine:
luz y oscuridad, sonido y silencio. Ambas
películas son de la misma duración y se
complementan entre ellas. Las proyecciones tienen lugar en un espacio oscuro y silencioso con una pantalla, dos proyectores
analógicos y dos altoparlantes. Los aparatos y los dos proyeccionistas, que manipulan la película, enfocan y controlan el nivel
del sonido, comparten el espacio con el
público. La presencia de todos los procesos físicos que crean un evento de cine es
parte de esta obra. Monument Film saluda
a la disciplina clásica del cine material. Su
contenido no puede ser contado por ningún otro medio.
Two films make up Monument Film:
Arnulf Rainer and Antiphon, which
contain the four essential elements
of film: light and darkness, sound
and silence. Both films are of the
same duration and complement
each other. The screenings take
place in a dark, silent space with
a screen, two analogue projectors
and two loudspeakers. The machinery and the two projectionists, who
manipulate the film, focus and control the sound level, share the space
with the public. The presence of all
the physical processes that create a
film event is part of this work. Monument Film doffs its cap at the classical discipline of the film material. Its
content cannot be broadcast by any
other medium.
Videoarte peruano del último quinquenio / The last five years of
Peruvian video art
Una mirada desde las artes
visuales / A visual arts
perspective
A finales de los años noventa, el video en
el Perú no se consideraba aún parte de las
artes visuales establecidas; se mantenía al
margen, lo que le permitía un nivel de independencia que favorecía las indagaciones visuales más audaces. Aquella amplitud no solo se evidenciaba por la variedad
y el grado de experimentación en los trabajos realizados, sino también por la formación multidisciplinar de las personas vinculadas a su producción, que en muchos
casos no tenían estudios artísticos formales. En la segunda década del siglo xxi, el
video peruano ha girado significativamente
y una parte de su creciente producción está plenamente integrada al contexto de las
artes visuales, con todo el compromiso institucional que esto conlleva. Muchos de estos artistas producen video como parte de
un repertorio mayor de formatos, como la
fotografía, la instalación o la escultura. Tratar de enmarcar a estos creadores como
artistas de video exclusivamente puede ser
complicado ya que, en muchos casos, su
obra audiovisual se complementa e influencia con otros medios y viceversa. Esta selección intenta presentar a algunos de los
artistas de este nuevo panorama. Ricardo
Yui proviene de la fotografía y ha venido experimentando con el video como una forma
de documentar con mayor riqueza y detalle algunos procesos socioculturales urbanos que son parte de la realidad en la que
vivimos, pero permanecen invisibles, por lo
que, cuando se presentan, parecen extraídos de la ficción. Desde otro ángulo, Katherine Fiedler produce breves videos que
In the late 1990s, video art in Peru
was not considered part of the established visual arts. It remained on
the sidelines, which gave it a level
of independence that contributed
to the most daring visual investigations. That breadth was seen not only in the variety and degree of experimentation in the work produced, but
also in the multidisciplinary backgrounds of those people involved in
this output, who in many cases had
no formal artistic training. In the second decade of the 21st century, Peruvian video art has changed significantly, and part of its growing output
is fully integrated to the context of
the visual arts, with all the institutional engagement that this often
entails. Many of these artists produce video as part of a greater repertoire of formats, such as photography, installation and sculpture. It can
be complicated to attempt to brand
these creators as exclusively video
artists, as in many cases their audiovisual work is complemented and
influenced by other media, and vice
versa. This selection is an attempt
to present some of the artists in
this new scene. Ricardo Yui comes
from the world of photography and
has been experimenting with video as a way of documenting more
richly and in greater detail certain
urban socio-cultural processes that
are part of the reality we live in but
permanently invisible, to the extent
that when they are presented, they
. 181
catálogo BIM 2014
juegan con el hiperrealismo fotográfico,
que, como si fuesen argumentos de cuentos de hadas, incrementan la dosis de narrativa de sus historias. Maya Watanabe es
una artista que ha venido produciendo consistentemente, desde hace casi una década, obra exclusivamente en video. Escenarios es su primer conjunto de obras con
imágenes filmadas de forma panorámica
en 360 grados; los espacios que captura
dan la percepción de grandes panópticos
casi inertes en los que el lente de Watanabe, mediante sutiles y prolongados movimientos, permite escenificar la realidad
existente. Mediante una técnica de animación artesanal, Marco Pando viene produciendo lienzos de novo a partir de conjuntos de películas de cine pegadas entre sí.
Esto resulta en animaciones en las que los
personajes dibujados pasan por situaciones fantásticas en el marco de problemáticas sociales que forman parte de nuestras
alucinaciones cotidianas. Desde sus inicios
como autor, David Zink Yi ha venido desarrollando obras en video y videoinstalación
dentro de un imaginario de composición visual y sonora. El ritmo de sus imágenes se
relaciona de forma sustancial con el sonido
y genera potentes composiciones audiovisuales. Ximena Garrido-Lecca es una artista multidisciplinaria y utiliza el video en sus
proyectos de instalación complementando
el proceso de investigación que demanda
la producción de su obra. Sus videos se
convierten así en un recurso etnográfico-visual de documentación. La selección concluye con la obra de Elena Damiani, quien
viene trabajando alrededor de la persistencia de la memoria mediante la transformación de material encontrado; Intersticio reflexiona sobre los espacios como objetos
culturales y la lógica del foto-collage se ha
incorporado a un montaje audiovisual.
Como reflexión final, es interesante advertir que muchos de estos videos pueden
verse también como una expansión de la
imagen fotográfica, sobre todo a partir del
uso del video en alta definición, que permite nuevas exploraciones en torno a la
imagen, tanto en calidad como en profundidad. Obras como las de Yui, Watanabe,
come across as something from
the realms of fiction. From another
angle, Katherinne Fiedler produces
short videos that play with photographic hyperrealism that increase
the dose of narrative in her stories,
as if they were plots from fairy tales.
Maya Watanabe is an artist who
for nearly a decade has been constantly producing work exclusively
on video. Scenarios is her first set of
work with images filmed panoramically in 360 degrees. The spaces
she captures give the perception of
great, near-inert panoptics, where
Watanabe’s lens, using subtle, prolonged movements, can reproduce
existing reality. Marco Pando has
been using an artisanal animation
technique to produce fresh canvases from sets of cinema films stuck
together. This results in animations
in which his drawn characters experience fantastic situations within
social issues that form part of our
everyday hallucinations. Since his
beginnings as an author, David Zink
Yi has been creating works on video
and as video installations within an
imaginary of visual and sound composition. The rhythm of his images is
related substantially to sound, generating potent audiovisual compositions. Ximena Garrido-Lecca is a
multidisciplinary artist using video
in her installation projects to complement the research process demanded by her work. Her videos
thus become an ethnographic-visual
documentation resource. The selection concludes with the work of Elena Damiani, who works around the
persistence of memory through the
transformation of found material; Interstice reflects on spaces as cultural objects, where the logic of photocollage has been incorporated into
an audiovisual montage.
By way of a final reflection, it is interesting to note that many of these
videos can also be seen as an expansion of the photographic image,
especially from the use of high-definition video that allows new explo-
182 . Videoarte peruano del último quinquenio / The last five years of Peruvian video art
José Carlos Mariátegui (Lima, 1975). Escritor, curador y emprendedor en cultura,
nuevos medios y tecnología. Estudió biología y es bachiller en Matemáticas Aplicadas por la Universidad Peruana Cayetano Heredia (Lima). Tiene una Maestría
(MSc) y un Doctorado (PhD) en Sistemas
de Información e Innovación de la London
School of Economics and Political Science (LSE). Es fundador de Alta Tecnología
Andina (ATA), dedicada al desarrollo de
proyectos en arte, ciencia y tecnología en
América Latina y fue director-fundador de
la Casa Museo José Carlos Mariátegui del
Ministerio de Cultura (1995-2005). Ha sido
curador de exhibiciones de arte y tecnología a nivel internacional, como: Videografías In(visibles), Emergentes y VideoXXI Lemaitre Collection, entre otras. Ha sido
miembro de la Comisión Nacional de Cultura del Gobierno del Perú (2001-2002)
y del Comité Consultivo del Ministerio de
Cultura (2010, 2012- 2013). Es miembro
del Network Committee de la Prince Claus
Fund (Holanda) y del Comité Editorial de la
Serie Leonardo, libros sobre arte, ciencia y
tecnología publicados por MIT Press (Estados Unidos).
rations of the image, both in quality
and depth. Works such as those of
Yui, Watanabe, Zink Yi and Damiani thus incorporate a dialogue between video and photography, without leaving aside the reference to
the socio-cultural environment that
makes these works endure rather
more than simply the production of
sophisticated images.
José Carlos Mariátegui (Lima,
1975). Writer, curator and culture,
new media and technology entrepreneur. Studied Biology and graduated in Applied Mathematics from
the Cayetano Heredia Peruvian
University (Lima). He has a Master’s and PhD in Information and Innovation Systems from the London
School of Economics and Political
Science-LSE (London). Founder of
Alta Tecnología Andina-ATA, dedicated to developing art, science and
technology projects in Latin America. Founding Director of the José
Carlos Mariátegui House Museum
of the Ministry of Culture (19952005). He has curated international
art and technology exhibitions, including In(visible) Videographies,
Emergent; 21st Video - Lemaitre
Collection. He has been a member of the National Commission for
Culture of the Peruvian Government
(2001-2002) and of the Consultative Committee of the Ministry of
Culture (2010/2012-2013). He is a
member of the Network Committee
of the Prince Claus Fund (Netherlands) and of the Editorial Committee of the Leonardo Book Series,
art, science and technology books
published by MIT Press (USA).
. 183
catálogo BIM 2014
Zink Yi y Damiani incorporan así un diálogo
entre el video y la fotografía sin dejar de lado la referencia al ámbito sociocultural que
hace que estas obras persigan algo más
que simplemente la producción de imágenes sofisticadas.
Entropía limeña, la ciudad y el mar son vasos comunicantes /
Lima entropy, the city and the sea are communicating vessels
Ricardo Yui
Perú / Peru | 2014
23’ 22’’ | HDV / 16:9 | Color | Estéreo / Stereo
Aquello que hoy llamamos modernidad es
una ruina futura. Es, principalmente, a la luz
de esta idea que la figura de ruina es evocada para sugerir que las estructuras que
construimos en el presente van a terminar
inevitablemente en el fondo del mar. Bajo
la forma de ensayo visual, Entropía limeña
proyecta diferentes tensiones que evocan
el flujo de contradicciones de la modernidad, en la que la ciudad y el paisaje son
espacios en transformación constante, en
devenir permanente. Así, el territorio es definido como un teatro de coreografías que
se alimenta del esfuerzo y, presentándolo
de esa manera, el gesto resulta ser la materia prima del cambio, de la transformación
del mundo.
What we today call modernity is a
future ruin. It is mainly in light of this
idea that the figure of ruin is evoked
to suggest that the structures we
consume in the present will inevitably
end up at the bottom of the sea. In
the form of a visual essay, Lima Entropy projects different tensions that
evoke the flow of the contradictions
of Modernity, where the city and the
landscape are spaces in constant
transformation, of permanent becoming. So it is that the territory is defined
as a theatre of choreographies which
feeds on labour and, presenting it in
this manner, the gesture turns out to
be the raw material of change, of the
transformation of the world.
Ricardo Yui es un artista que trabaja principalmente con fotografía y video. La noción
de cambio es el eje temporal y conceptual de su obra. En 2013, Ricardo obtuvo
el Diplôme - Master II de l’École Nationale Supérieure de la Photographie d’Arles,
Francia. Su trabajo ha sido mostrado en exposiciones individuales y colectivas, entre
las cuales destacan: Crossing by a New
Time, Lishui Photo Festival, China (2013);
Lima 130K, Instituto Cervantes, New York
(2013); NEU/NOW, De Brakke Grond,
Amsterdam (2013); Collection Jan Mulder,
Les Rencontres d’Arles, Francia (2012);
así como Histórias de mapas, piratas e tesouros, Itaú Cultural, San Pablo (2010). Ricardo nació en Lima en 1983. Vive y trabaja en Ámsterdam.
Ricardo Yui is an artist working
mainly with photography and video. The temporal and conceptual
focus of his work is the notion of
change. In 2013, Ricardo obtained
the Diplôme - Master II from l’École
Nationale Supérieure de la Photographie d’Arles, France. His work has
been shown at individual and collective exhibitions, including Crossing
by a New Time, Lishui Photo Festival, China (2013); Lima 130K, Instituto Cervantes, New York (2013);
NEU/NOW, De Brakke Grond, Amsterdam (2013); Collection Jan Mulder, Les Rencontres d’Arles, Francia
(2012); Histórias de mapas, piratas
e tesouros, Itaú Cultural, São Paulo
(2010). Ricardo was born in Lima in
1983, and he lives and works in Amsterdam.
Play Dead / Hacerse el muerto
Katherinne Fiedler
Perú / Peru | 2012
Hacerse el muerto es un acercamiento a
la muerte y a nuestra naturaleza a través
de un acto simple pero contundente como
es el juego de cerrar los ojos y solo flotar,
abstrayéndonos, acercándonos a la muerte
y a nuestra naturaleza de una manera dócil y natural con una innegable atracción y
miedo a ella, siendo conscientes de nuestra propia fragilidad. Conceptos como vida,
muerte, naturaleza y mortalidad aparecen y
se mezclan entre sí.
Play Dead addresses death and
our nature, through a simple but
effective act, the game of closing
our eyes and just floating, lost in
thought, approaching death and our
nature in a docile, natural way, with
an undeniable attraction and fear of
it, being conscious of our own fragility. Concepts such as life/death/
nature and mortality appear and intermingle.
Katherinne Fiedler (Lima, 1982). Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad
de Barcelona. Ha realizado tres exposiciones individuales Projecciones (Barcelona),
Tiempo de Caza (Lima) y Been Here and
Gone (Buenos Aires). Ha participado en
numerosas exposiciones colectivas en España, Perú, Italia y Alemania. Su obra ha sido expuesta en centros y galerías de arte,
como el Centro Rey Juan Carlos I de España, Sala Parés, Valid Foto, Tecla Sala, entre otros. Ha sido finalista y seleccionada
en diversas convocatorias de importantes
premios y festivales, como Región 0 Latino
Video Art Festival (Nueva York), V Semana
de Video Iberoamericano dentro del marco
de Loop (España) y FIVAC V Festival de Videoarte de Camaguey (Cuba), entre otros.
Katherine Fielder (Lima 1982). A
Fine Arts graduate from the University of Barcelona, Katherine has held
three individual exhibitions: Projecciones (Barcelona), Tiempo de Caza (Lima) and Been Here and Gone
(Buenos Aires). She has participated
in numerous collective exhibitions in
Spain, Peru, Italy and Germany. Her
work has been exhibited at art centres and galleries, including Centro
Rey Juan Carlos I de España, Sala Parés, Valid Foto and Tecla Sala.
She has been a finalist and selected
for various prizes and festivals, including Region 0 Latino Video Art
Festival (New York), 5th week of Ibero-American Video as part of Loop
(Spain) and the FIVAC 5th Camaguey
Video Art Festival (Cuba).
El Frontón (de la serie Escenarios) / El Frontón
(from the series Scenarios)
Maya Watanabe
A orillas de la isla El Frontón, en Lima, se
levantan las ruinas de un antiguo penal
bombardeado por el ejército peruano du-
On the shores of El Frontón island,
off Lima, the ruins rise of an old prison bombed by the Peruvian army
. 185
catálogo BIM 2014
Perú / Peru | 2014
rante un motín en el año 1986. Los edificios derruidos han sido abandonados y las
aves guaneras los han hecho suyos. La isla
se enfrenta al mar donde se ve, en el horizonte, la ciudad de Lima. El video El Frontón es parte del proyecto Escenarios, en el
que, bajo un lenguaje poético, se da forma
a distintas situaciones escenificadas que
aluden indirectamente a la historia reciente de Perú.
Maya Watanabe. Desde 2005 se dedica
principalmente al video, su trabajo ha sido mostrado en instituciones y museos en
América del Sur, América del Norte, Europa y Asia. Además, ha participado en la
Bienal de Beijing 2009, y en festivales como Videobrasil, LOOP, FILE , TransitioMX,
Videoakt y Madrid Abierto. Entre los reconocimientos recibidos se destacan el premio Generación 2011, el primer premio de
Videoakt Biennale 2011 y el primer premio
de Pasaporte para un Artista 2008. Ha formado parte del programa de residencias
del Instituto Sacatar (Bahía), El RanchitoMatadero (Madrid) y la Cité Internationale
des Arts (París).
during a riot in 1986. The destroyed
buildings have been abandoned and
the guano birds have made it their
own. The island looks out over the
sea from where the city of Lima can
be seen on the horizon. The video
El Frontón is part of the Scenarios
project in which, using poetic language, form is given to different
staged situations that indirectly allude to Peru’s recent history.
Maya Watanabe. Since 2005 Maya
has worked mainly in video. Her work
has been shown at institutions and
museums in South America, North
America, Europe and Asia. She also participated at the 2009 Beijing
Biennale, and at festivals including Videobrasil, LOOP, FILE, TransitioMX, Videoakt and Madrid Abierto.
Her work has been recognised most
notably in the form of the Generation 2011 prize, first prize at VideoAkt Biennale 2011, and first prize at
Passport for an Artist 2008. She has
taken part in the residences program
of the Instituto Sacatar (Bahía), El
Ranchito-Matadero (Madrid) and la
Cité Internationale des Arts (Paris).
White Lung City / Ciudad de pulmón blanco
Marco Pando
Perú - Holanda / Peru - Netherlands | 2009
3’ 40’’ | Animación, dibujo en película de 35 mm / Animation, drawing on 35mm film | Color |
Estéreo / Stereo
Ciudad de pulmón blanco es una animación que describe la historia imaginaria de
“el hombre con pulmones negros” que está tratando de evitar la contaminación del
medioambiente producida por el humo de
las fábricas y la basura de las calles en el
centro de la ciudad de Lima. Mientras camina por la ciudad, su rastro construye la
forma de un pulmón de la ciudad.
White lung city is an animation describing the imaginary story of ‘the
man with white lungs’, who is trying
to prevent the contamination of the
environment produced by the smoke
from the factories and the rubbish in
the streets of Lima city centre. As he
walks round the city, his face forms
the shape of a lung for the city.
Marco Pando. “En mi trabajo cuento historias en un lenguaje poético, que siguen
Marco Pando. “In my work I tell stories in a poetic language, following
fronteras geográficas e históricas. Al vivir entre los Países Bajos y Alemania me
adapté a las diferencias culturales, en las
que puedo experimentarme a mí mismo
como un puente entre la cultura Europea
y mis orígenes. Me considero a mí mismo
como un explorador descubriendo mis propias periferias en Europa. A partir de un lugar a otro colecciono información sobre las
identidades culturales, mostrando sus paralelos en diferentes contextos”.
geographic and historic boundaries.
Living in the Netherlands and Germany I’ve adapted to the cultural differences, in which I can experiment
with myself as a bridge between
European culture and my origins. I
think of myself as an explorer, discovering my own peripheries in Europe. From one place to another I
collect information on cultural identities, showing their parallels in different contexts.”
Pulsar PG-520
David Zink Yi
El video Pulsar PG-520 nos muestra un paneo por un bosque de eucaliptos. Utilizando un estabilizador de cámara y en una sola toma, el artista camina entre los árboles
rodeando algunos de ellos. El video se encuentra desenfocado, como si se tratase
de una caminata entre sueños. Cada vez
que la imagen encuentra el foco en la textura de un arbol, se escuchan fragmentos
del segundo capítulo del cuento “El Inmortal” de Jorge Luis Borges. Hay un efecto
extraño que se genera de la combinación
de estos trabajos. Por un lado, la referencia
a un espacio urbano pero que desafía toda
lógica propia de lo moderno y un espacio
natural que se demuestra artificioso, equidistante, construido en perfecta simetría.
Además del cuento mismo, que nos narra una ciudad de factura antiquísima que
contradecía toda lógica evidente: una ciudad interminable, atroz y atemporal a la que
se llega después de cruzar un laberinto de
túneles oscuros, el lugar de lo “complejamente insensato”.
The video Pulsar PG-520 shows us
a pan through a eucalyptus forest.
Using a camera stabiliser and in a
single take, the artist walks through
and round the trees. The video is
out of focus, as if it were a walk
through dreams. Whenever the image comes into focus in the texture
of a tree, we hear excerpts from the
second chapter of the short story
“The Immortal” by Jorge Luis Borges. There is a strange effect generated in the combination of these
works. On the one hand is a reference to an urban space that defies
all logic of the modern, and a natural space that is seen to be artificial,
equidistant, built in perfect symmetry. The story tells us of a city of antique construction that contradicted all evident logic: an interminable
city, horrific and atemporal, that one
reached after crossing a labyrinth of
dark tunnels, a place of “complex irrationality”. (Sharon Lerner)
David ZinkYi (Lima, 1973). Es un artista
contemporáneo que trabaja con video, fotografía, escultura e instalación. “Sus procesos reflexionan sobre la transformación
de la materia empleada y, simultáneamente,
David ZinkYi 1973, Lima, Peru. David is a contemporary artist working
with video, photography and installation. “His processes reflect on the
transformation of the material used
. 187
catálogo BIM 2014
Perú / Peru | 2012
proyectan una poética desde una conciencia conceptual de las posibilidades que estas materias ofrecen: sus propiedades físicas y procesos químicos. La suya es una
mirada a la búsqueda de lógicas, que busca estructuras de significación, que aparte
de la música ha tratado temas como la migración desde la culinaria” (artmotiv).
and, simultaneously, project a poetics
from a conceptual conscience of the
possibilities that these materials offer:
their physical properties and chemical processes. His is a perspective on the search for logics, seeking structures of signification, which
aside from music has dealt with subjects such as immigration from a culinary point of view” (artmotiv).
Contornos / Outlines
Ximena Garrido-Lecca
Perú / Peru | 2014
Contornos observa diversas formas de demarcación del espacio y los procesos sutiles de privatización de entornos naturales.
El video registra distintas vallas y barreras encontradas en la ciudad de Cerro de
Pasco: algunas colocadas de forma transitoria, otras como límite entre las operaciones mineras y el espacio público, algunas
fácilmente vulnerables, y otras agresivas e
impenetrables. A lo largo de varios minutos, la cámara nos guía a través de un límite persistente del que permanecemos
siempre fuera. El audio en el video contiene
partes de una conversación con Alcibiades
Cristóbal, quien creció y vive en el Santuario Nacional de Huayllay, un bosque de piedras en las afueras de la ciudad.
Ximena Garrido-Lecca (Lima, 1980). Artista peruana que vive y trabaja entre Londres y Lima. Estudió Bellas Artes en la Universidad Católica del Perú y realizó un
posgrado, seguido de un máster en la Escuela Byam Shaw de Central Saint Martins
(Londres). Entre sus exposiciones individuales figuran: Los Suelos, Galería Casado
Santapau, Madrid (España 2013); Paisaje Antrópico, Max Wigram Gallery, Londres
(Inglaterra 2012); El Porvenir, Mimmo
Scognmiglio, Milán (Italia 2011), The Followers, Civic Room, Londres (Inglaterra,
Outlines observes different forms of
demarcation of space and the subtle
processes of privatisation of natural
environments. The video shows different fences and barriers found in
the town of Cerro de Pasco: come
placed there temporarily, others as
the limit between mining operations
and the public space, some easily
violated, others aggressive and impenetrable. Over several minutes
the camera guides us along a persistent limit where we always remain
outside. The audio in the video contains parts of a conversation with
Alcibiades Cristóbal, who grew up
and lived in the Huayllay National
Sanctuary, a stone forest on the outskirts of the town.
Ximena Garrido-Lecca (Lima, 1980).
Peruvian artists living and working in
London and Lima. Ximena studied
Fine Arts at the Catholic University
of Peru and completed a postgraduate degree, followed by a Master’s
at the Byam Shaw School at Central Saint Martins (London). Her individual exhibitions include: Los
Suelos, Galería Casado Santapau,
Madrid (España 2013); Paisaje Antrópico, Max Wigram Gallery, London (UK 2012); El Porvenir, Mim-
2010); y ha participado en el sector Frame
de la Feria de Arte de Frieze, Londres (Inglaterra 2011). Ha participado en diversas
exposiciones colectivas y bienales como:
Bienal de Cartagena de Indias, (Colombia 2014); Academia Central del Museo
de Bellas Artes (CAFAM) Biennale, Beijing
(China 2014); Bienal de Cuenca (Ecuador
2014); entre otras.
mo Scognmiglio, Milan (Italy 2011),
The Followers, Civic Room, London (UK 2010); and participated in
the Frame section at Frieze, London (UK 2011). She has participated in various collective exhibitions
and biennales including: The International Biennale of Contemporary
Art of Cartagena de Indias (Colombia, 2014), Central Academy of Fine
Arts Museum CAFAM Biennale, Beijing (China, 2014); Science Biennale (Ecuador, 2014).
Intersticio / Interstice
Elena Damiani
Intersticio traza la topografía de un lugar
no específico “una zona intermedia entre
dos puntos”, pero particularmente un lugar
mental de límites fracturados y de mayor
amplitud que la de cualquier locación física. El video presenta, de lo general a lo específico, una visión panorámica de un terreno de carácter cambiante y sin resolver
formado por eventos segmentados que
aparecen como vagas intermitencias dentro del paisaje.
Interstice traces the topography of a
non-specific place: an intermediate
area between two points, but particularly a mental place of fractured
limits, broader than any physical location. Moving from general to specific, the video presents a panoramic view of a terrain of a changing,
unresolved nature, formed by segmented events that appear as vague
intermittences in the landscape.
Elena Damiani (Lima, 1979). Estudió Arquitectura en la Universidad Peruana de
Ciencias Aplicadas, luego se graduó en
Artes Plásticas en la Escuela Superior de
Bellas Artes Corriente Alterna, y obtuvo la
Medalla de Oro y Plata, 2005. En el 2006
ganó el segundo premio en el 9° Concurso de Artes Visuales Pasaporte para un Artista, organizado por la Embajada de Francia en el Perú, y una mención especial en la
categoría de Video Creación en la 12 Edición del Festival Internacional de Artes y
Culturas Digitales Canarias Media Fest en
Gran Canaria, España. En el 2004 obtuvo
el premio a la producción en el 2o Concurso Peruano de Video y Artes Electrónicas.
Elena Damiani (Lima, 1979). Studied Architecture at the Peruvian University of Applied Sciences, to then
graduate in Plastic Arts at the Escuela Superior de Bellas Artes Corriente Alterna, obtaining the 2005
Gold and Silver Medal. In 2006
Elena won Second Prize at the 9th
“Passport for an Artist” Visual Arts
Competition organized by the French
Embassy in Peru and a Special Mention in the category of Video Creation
at the 12th Edition of the CanariasMediaFest International Festival of Digital Arts and Cultures in Gran Canaria,
Spain. In 2014 she won the production prize at the 2nd Peruvian Video
and Electronic Arts Competition.
. 189
catálogo BIM 2014
Arthur Omar
Una mirada en secreto / A secret Look
Con una obra que atraviesa diversos medios, como el cine, la música, la poesía,
la fotografía y el diseño de libros, el artista brasileño Arthur Omar ofrece una visión
sintética de su trabajo sobre la imagen. El
programa contará con la proyección de la
película Una mirada en secreto, en la que
examina la naturaleza de la experiencia fotográfica, y de una antología con fragmentos de películas e instalaciones. Teoría del
montaje, antropología y ciencias cognitivas
se entrelazan en sus investigaciones deconstructivas y reconstructivas.
190 . Una Mirada en Secreto / A Secret Look
Arthur Omar With work that takes in
diverse media, including film, music,
poetry, photography and book design, the Brazilian artist Arthur Omar
offers a synthetic view of his image
work. The program will include a
screening of the film A Secret Look,
in which he examines the nature of
the photographic experience, and
an anthology with clips from films
and installations. Montage theory,
anthropology and cognitive sciences intertwine in his deconstructive
and reconstructive investigations.
Sin reglas que romper / No Rules to Break
Cine experimental suizo / Swiss Experimental Cinema
Como sucede en otros países, el cine experimental suizo se da a través de intermitencias en el tiempo, casi siempre realizado de forma aislada, muchas veces sin
conexiones entre los cineastas y, por lo general, sin ayudas estatales. Una constante
del cine experimental es la de realizar películas que van a contracorriente, es decir, contra lo “establecido” y “hegemónico”.
Suiza carece de una tradición fuerte en dicho sector “como industria”, sin cineastas
de renombre internacional, si dejamos de
lado la figura de Jean-Luc Godard –ya que
la mayor parte de su producción es de procedencia francesa–. Sin embargo, algunos
nombres de otras disciplinas han logrado
reconocimiento, pero sin vincularse con su
nacionalidad, como Alberto Giacometti, o
el recién desaparecido artista gráfico H. R.
Giger, conocido por ser el diseñador de la
criatura de Alien (Ridley Scott, 1979).
En Austria, este esquema se repite ya que el
país no es conocido por películas “comerciales” o de “narrativa” más clásica –exceptuando el caso de Michael Haneke–. Pero
a diferencia de Suiza, sí cuentan con una
amplia tradición en el experimental –no solo en el campo cinematográfico– y con un
apoyo económico estatal importante para ello, así como con nombres destacados
en el panorama internacional experimental; solo por citar algunos ejemplos: Kurt
Kren, Peter Kubelka, VALIE EXPORT o Peter Tscherkassky. Podríamos añadir que en
dicho país existen pautas marcadas –aunque no impuestas– en la forma de abordar
una obra en el campo experimental, que lle-
As in other countries, Swiss experimental cinema occurs intermittently
and is almost always made in isolation, sometimes without connections
among filmmakers and generally
without state funding. One constant
of experimental cinema is to make
films that go against the mainstream,
what is ‘established’ or ‘hegemonic’.
Switzerland lacks a strong tradition
in this sector–as an industry–, without internationally-known filmmakers, aside from the figure of Jean-Luc
Godard (most of his work being of
French origin.) It is also the case that
some names from other disciplines
are very well-known, but their nationality ignored. Here we find such
examples as Alberto Giacometti, or
the recently-deceased graphic artist H.R. Giger, better known as the
designer of the creature from Alien
(Ridley Scott, 1979).
It could be said there is a similar situation in Austria, a country not renowned for ‘commercial’ or the most
classical ‘narrative’ films–with the exception of Michael Haneke. But unlike Switzerland, there is a strong tradition in experimental film –not only
in the cinematographic field–and
there is considerable state funding
for it. International names in international experimental film include
Kurt Kren, Peter Kubelka, VALIE EXPORT and Peter Tscherkassky, to
name just four. We could add that
that in Austria there exist certain
rules, suggested but not necessarily
. 191
catálogo BIM 2014
Antoni Pinent
va consigo toda la carga y tradición de los
grandes nombres.
En este contexto recala el título de este
programa que hace referencia al panorama Suizo: Sin reglas que romper. Es decir, un constante (re)hacer, en el que los
autores disponen de una mayor autonomía
y libertad creativa por no tener que seguir
normas “establecidas” ni en el campo del
experimental ni contra lo estipulado por la
industria. Algo que a veces hace más difícil
la clasificación en movimientos y obliga a
tomar a los autores como entidades o universos personales. De esta problemática
surge la división del programa que se presenta en dos grandes bloques y remite a
un criterio generacional más que temático,
pero en el que se puede aprehender mejor
el contexto de dichas piezas.
Desde mediados de la década de 1960,
Suiza experimentó un cierto reconocimiento fuera de sus fronteras con el llamado
Nuevo Cine Suizo, y los cineastas mantuvieron encuentros y foros, como el del Ciné
Circus, y conocidos festivales, como el de
Solothurn; algunos de estos eventos o espacios se establecieron como plataformas
para muchos de ellos que pudieron mostrar
sus trabajos dentro de su país.
Pero poco se sabe de la escena suiza dentro de una red internacional en los años
previos al descubrimiento del Nuevo Cine
Suizo y el de Europa. Los jóvenes cineastas suizos que experimentaban con el medio cinematográfico, realizaban su peregrinaje en auto hasta el Festival Internacional
de Cine de Knokke-le-Zoute (Bélgica),
Mannheim y Oberhausen (ambos en Alemania) para estar al día sobre lo que se hacía en el contexto internacional y para organizar sus propios eventos de cine. Algunos
de estos cineastas, presentes en este programa, son ya clásicos, como Hans-Jakob
Siber y HHK Schoenherr, o de nuevas generaciones, como Ricardo da Silva y Gerd
Gockell.
La idea de establecer este proyecto con
foco en Suiza, para la segunda edición
de la Bienal de la Imagen en Movimiento,
parte de mi incesante inquietud por descubrir, investigar y acercarme a este tipo
192 . Sin reglas que romper / No rules to break
imposed, in the way the field of experimental film is approached, bringing with it all the weight and tradition
of the big names.
This is where the title of the No
Rules to Break program comes in to
play, referring to what we find in the
Swiss perspective, namely a constant (re)making in which auteurs enjoy a greater autonomy and creative
freedom from not having to follow
‘established’ norms, neither in the
field of experimental film nor with regard to industry stipulations. This is
something which is sometimes harder to classify in movements, forcing
us to treat these filmmakers as personal universes or entities. This is
why the program is divided into two
major blocks, based more on generational than thematic lines, but in
which it is possible to better understand the context of the pieces.
It was in the mid 1960s that Switzerland received some recognition
outside of its borders for what was
called “New Swiss Cinema”, and
filmmakers held some events and
forums such as the Ciné Circus, as
well as such renowned festivals as
Solothurn. Some of these events
or spaces served as a platform for
many filmmakers in which they could
show their work in their country.
But little is known of the Swiss scene
within the international network in the
years prior to the discovery of ‘New
Swiss Cinema’ and new European
film. Those young Swiss filmmakers
who experimented with the film medium made their pilgrimage by car to
international film festivals in Knokkele-Zoute (Belgium), Mannheim and
Oberhausen (both Germany) to keep
up with international news, and to organize their own film events. Some
of these filmmakers, present in this
program, are now classics, such as
Hans-Jakob Siber, HHK Schoenherr,
or the new generation’s Ricardo da
Silva and Gerd Gockell.
My interesting in outlining this project
with a focus on Switzerland for the
second edition of the Buenos Aires
Antoni Pinent (España, 1975) es un film
curator, programador, productor y realizador experimental, cuyo trabajo ha sido proyectado en diferentes cinematecas, centros culturales y museos, como el MoMA
de San Francisco (2012).
Algunos de sus films precedentes son:
Gioconda / Film (1999), Música visual en
vertical (1999-2000), entre otros, y la trilogía Film quartet, que comprende G/R/E/
A/S/E (2008-2013), Kinosturm Kubelka /
16 variaciones (2009) y Film Quartet / Polyframe (2006-2008), este último premiado
en varios festivales.
Ha recibido el premio de la II Bienal del
Museum of Contemporary Cinema (MoCC,
Nueva York-París-Madrid) en noviembre de
2008.
Agradecimientos del curador para Fred Truniger y
Ricardo da Silva por su enorme generosidad al descubrirme ciertas obras y el acceso a ellas.
Biennale of the Moving Image (November 2014) stemmed from my incessant need to discover, investigate
and know more –somehow– about
this type of cinema, previously unknown to me, with the added factor
that it is the place where I have lived
for a little over three years. For these
reasons, not just because of its geographical proximity, but because after
a few discoveries and the glimmer of
certain classic works, I felt like I had
to share them with my peers and with
a wider audience further afield, to
present a small portion of the films
and film heritage made in my host
country. At the same time, this has allowed me during my research in putting together the program to meet
first hand some of the community’s
artists and better understand the
context in which such works were
made, whether by artists like Peter
Fischli and David Weiss, creators of
the celebrated Der Lauf de Dinge
(The Way Things Go) (1987) included in the program; or filmmakers
of greater importance on the scene,
such as Peter Liechti –having passed
away on April 2012– and his well
known collaborations with the artist
and performer Roman Signer.
Antoni Pinent (Spain. 1975). Film curator, programmer, producer and experimental filmmaker whose work has
been screened at film festivals, cinemateques and museums worldwide.
His previous films were gioconda / film
(1999), among others; and the Film
quartet trilogy including Film Quartet / Polyframe (2006-2008), Kinosturm Kubelka / 16 variaciones & G/R/
E/A/S/E (2008-2013). He received
the II Biennale Award from Museum
of Contemporary Cinema (MoCC,
New York-Paris-Madrid) in 2008.
The curator is grateful to Fred Truniger and Ricardo da Silva for their enormous generosity in drawing my attention to certain works and making them
available to me.
. 193
catálogo BIM 2014
de cine desconocido antes por mí, con el
componente añadido de ser el lugar en el
que resido desde hace más de tres años.
Después de algunos descubrimientos y
destellos de ciertas obras clásicas, me
sentí obligado por el deseo de compartirlos con otros colegas –y audiencias más
amplias y lejanas–para así dar a conocer
una pequeña porción de la cinematografía
y patrimonio de mi país de acogida. Cosa
que, a la vez, me ha permitido, durante la
investigación para armar el programa, conocer de primera mano a algunos de los artífices de la comunidad así como entender
mejor el contexto en el que fueron hechas
las obras, ya fueran provenientes de artistas como Peter Fischli & David Weiss, autores de la célebre Der lauf de dinge (The
Way Things Go) (1987) incluida en el programa; o cineastas con un calado más profundo en la escena cinematográfica como
Peter Liechti –desaparecido recientemente en abril 2014– y sus conocidas colaboraciones con el artista y performer Roman
Signer.
Clásicos seleccionados / Selected Classics
Hinweisaktionen / Nota acciones / Note Actions
HHK Schoenherr
Suiza / Switzerland | 1970
4’ | 16 mm | ByN / B&W | Muda (con intertítulos en alemán) / Silent (with German captions)
Congregación en Oberhausen en la que se
llevan a cabo una serie de acciones siempre en torno al celuloide como sujeto omnipresente.
Congregation in Oberhausen, in
which a series of actions are carried
out, always with the celluloid as omnipresent subject.
HHK Schoenherr nació el 27 de noviembre de 1936 en Nordhausen (Turingia, Alemania) y murió en marzo de 2014 en Río de
Janeiro (fecha exacta desconocida). Desde
1963 vivió en Zúrich. Asistió a la Academia
de Bellas Artes de Hamburgo. En 1966
comenzaron sus trabajos como cineasta independiente. Se ve a sí mismo como uno
de los defensores más consistentes del cine experimental en Suiza. Fue editor asociado de Supervisuell, en la que trabajó en
seis números entre 1968 y 1970. Se han
hecho tres retrospectivas de su obra: Centre Georges Pompidou (1979), París; Centre Culturelle Suisse (1985), París; Anthology Film Archives, Nueva York (1991).
HHK Schoenherr was born on 27th
Novemeber 1936 in Nordhausen
(Thuringia, Germany) and died in
March 2014 in Rio de Janeiro (exact
date unknown). Lived since 1963
in Zurich. He attended the Academy of Fine Arts in Hamburg. Since
1966, he is an independent filmmaker. Sees itself as one of the most
consistent advocate of experimental
film in Switzerland. Associate Editor of Supervisuell (from 1968 to
1970 and 6 issues published). His
work had a retrospective carried on
at the Centre Georges Pompidou
(1979) Paris; Centre Culturelle Suisse (1985), , Paris; Anthology Film
Archives, New York (1991)
Allah / Alá / Allah
Renzo Schraner
14’ | 16 mm | Color | Sonido magnético / magnetic sound
Alá es un collage de lugares comunes de
la vida cotidiana, agresiva y muy rica a nivel
formal. Editada por Renzo Schraner como
una rebelión personal, esta película muestra la reunión entre Kennedy y el papa; el
ascenso al cielo, o más bien la puesta en
órbita, y la vuelta a la Tierra. Con humor y
coherencia, el autor somete a la sociedad
de consumo de la década de 1960 a una
crítica mordaz.
Allah is a collage of platitudes about
everyday life, aggressive and very
rich in terms of form. Edited by Renzo
Schrader as a personal rebellion, this
film shows the meeting between Kennedy and the Pope. The ascension to
heaven, or rather in the orbit and return to Earth. With humour and coherence, the author produces a biting
critique of 1960s’ consumer society.
Renzo Schraner nació en 1946 y murió en
1969 (fecha exacta desconocida). Se formó en la Escuela de Zúrich como ilustrador
científico, donde aprendió probablemente
con Fredi Murer a realizar films en formato Super 8. Luego trabajó en el Instituto de
Zoología de la Universidad de Zúrich hasta que se suicidó en 1969. Es protagonista en Les débordants 1962-1988 - Le film
du cinéma suisse (1991) de Jürg Hassler.
Renzo Schraner was born in 1946
and died in 1969 (unknown exact
dates). He received training in the
School of Zurich as a scientific illustrator, where he learned, probably
with the assistance of Fredi Murer, to
make Super 8 films. Afterwards, he
worked in the Institute of Zoology at
the University of Zurich until the moment he committed suicide in 1969.
He starred in Les débordants 19621988 - Le film du cinéma suisse
(1991) by Jürg Hassler.
Status Symbol / Símbolo de estatus
Sebastian C. Schroeder
El tren de lavado de coches como espectáculo estético que le ofrece al automóvil
un momento de lo irreal. Una nota sobre un
símbolo de estatus burlado.
The car wash installation as aesthetic
spectacle, which provides the automobile with one moment of the unreal. A note on a taunted status symbol.
Sebastian C. Schroeder nació en Berlín en 1939 (fecha exacta desconocida) y
desde el año 1959 está asentado en Zúrich. Es arquitecto, graduado en ETH. Trabajó como cineasta autodidacta, con largas y diversas estancias en los Estados
Unidos. Entre 1974 y 1977 escribió varios
artículos cortos para Fernsehen DRS. Trabajó, entre otras cosas, como camarógrafo
para la cineasta June Kovach (1932-2010).
Sebastian C. Schroeder was born
in Berlin in 1939 (exact date unknown) and from 1959 on he is
settled in Zurich. He is an architect,
graduated in ETH. Worked as a selftaught filmmaker, with long and diverse stays in the United States.
Between 1974 and 1977 he wrote
several short articles for Fernsehen
DRS. He worked, among other activities, as a cameraman for filmmaker
June Kovach (1932-2010).
Jalousie / Persiana / Window Blind
Hans-Jakob Siber
Obra realizada sin cámara, de elementos
abstractos con base opaca, acompañada
rítmicamente por una frenética música de
Mani Neumeier que marca su intensidad visual y de pura sincronía. Imagen y sonido
cabalgan unidos.
A piece made entirely without a camera,
with abstract elements with an opaque
base, accompanied rhythmically by
the frenzied music of Mani Neumeier,
marking visual intensity and pure synchrony. Image and sound gallop as one.
. 195
catálogo BIM 2014
Hans-Jakob Siber nació en 1942 (fecha
exacta desconocida). Vive en Aathal, Suiza. Fundador y director del FilmForums Jungen Schweizer Films y cofundador de Ciné
Circus. Es, además, fundador y director del
Museo de los Dinosaurios en Aathal en Zúrich. Comenzó la escuela y luego su diplomatura en Zúrich, pero finalmente emigró a
Estados Unidos, donde terminó su carrera
en teatro y cine en la Universidad Estatal
de Montana. Regresó a Suiza y fundó junto
con su padre y su hermano Hans Edward
la empresa Siber + Siber, especializada en
la negociación de minerales y fósiles. Entre
1968 y 1972 se desarrolló como director
de cine experimental. Finalmente encontró
su vocación en la historia del mundo de los
animales de épocas pasadas, se sumergió en la literatura de los fósiles y luego comenzó sus propias excavaciones.
Hans-Jakob Siber, born in 1942
(exact date unknown), lives in Aathal,
Switzerland. He is founder and head
of FilmForums “Jungen Schweizer
Films” and co-founder of Ciné Circus. He is also founder and director of the Museum of the Dinosaurs
in Aathal in Zurich. He started the
school and after his graduation in
Zurich he emigrated to United States
where he finished a course on drama
and cinema at the State University of
Montana. He went back to Switzerland and founded, together with his
father and his brother Hans Edward,
the firm Siber + Siber, specialized
in trading minerals and fossils. Between 1968 and 1972 he became
an experimental filmmaker. In the last
years, he found his professional calling in the history of the animal kingdom, he dived into fossil literature
and started his own diggings.
1/68 Dinge / 1/68 Cosas / 1/68 Things
Werner von Mutzenbecher
8’ | 16 mm | ByN / B&W | Muda / Silent
Las calles, las casas, las estructuras (parches, rejillas, piezas de arquitectura, ventanas, etcétera) –interiores, puertas, ventanas,
escaleras, esquinas, objetos, fragmentos de
rostros, las manos, los primeros planos, etcétera–, una película sobre los objetos (tazas, muñecas, grifos, tubos de pintura, etcétera).
Werner von Mutzenbecher nació en 1937
en Fráncfort del Meno (fecha exacta desconocida). Comenzó sus estudios en las escuelas de Riehen y Basilea. Entre 1956 y
1957 estudió alemán y filosofía en la Facultad de Humanidades de la Universidad de
Basilea. Entre 1957 y 1960 se formó en dibujo en la clase general de pintura en la Escuela de Artes de Basilea. Estudió en la Cité Internationale des Arts, París, entre 1967
y 1968 y luego en el Instituto Suizo en Roma (1970-1971). Entre 1966 y 1978 traba196 . Sin reglas que romper / No rules to break
Streets, houses, structures (pavement, grates, pieces of architecture,
windows etc.) – interiors, doors,
windows, stairs, corners, objects,
fragments of faces, hand, close-ups,
etc. – a film about objects (cups,
dolls, taps, tubes of paint, etc.)
Werner von Mutzenbecher was
born in 1937 (exact date unknown)
in Frankfurt am Main. He started his
studies in several schools in Riehan and Basel. Between 1956 and
1957, he studied German and phillosophy at the Facultry of Humanities
in the University of Basel. He studied
in the Cité Internacional des Arts in
Paris, between 1967 and 1968, and
then in the Swiss Institute in Rome
(1970-1971). Between 1966 and
1978 he worked during nighttimes in
the post office. In 1977 he was ap-
jó durante las noches en la oficina de correos. En 1977 fue nombrado comisario
interino de la Kunsthalle de Basilea. De
1973 a 1987 se desempeñó como docente en la Escuela de Diseño de la misma ciudad. Entre 1987 y 2000 trabajó como Jefe de la clase para el diseño artístico libre
(clase de pintura) en la Escuela de Diseño
de Basilea. Vive y trabaja en Basilea.
pointed temporary head of the Kunsthalle in Basel. From 1973 to 1987
he lectured in the Design School of
the same city. And between 1987
and 2000 he worked as Professor
in charge of the class for free artistic
design (patinting lessons) in the Design School of Basel. He lives and
works in Basel.
Spiegelei / Frito / Fried
Issa Hesse-Rabinovitch
7’ | 16 mm | ByN / B&W | Sonido magnético / Magnetic sound
Juego abstracto con las reflexiones naturalistas en las lagunas de Venecia y en el
lago de Zúrich. Ninguna imagen de esta
película ha sido manipulada cinematográficamente. Guy Magey compuso la partitura
musical especialmente para esta serie de
imágenes (Catálogo del Swiss Films Center 1972).
Abstract play with naturalistic reflections in the lagoons of Venice and in
Lake Zurich. No pictures of this film
have been manipulated filmically.
Guy Magey composed the musical
score especially for this series of images. (Catalogue of the Swiss Film
Center 1972)
Isa Hesse-Rabinovitch nació en Zúrich en
1917 y murió en el 2003 (fechas exactas
desconocidas). Se formó como diseñadora
gráfica e ilustradora. Realizó reportajes en
Wort und Bild. Su aprendizaje se completó de manera autodidacta en la fotografía
y además trabajó para la Televisión SuizoAlemana.
Isa Hesse-Rabinovich was born
in 1917 in Zurich and died in 2003
(exact dates unknown). She has
completed training as graphic designer and illustrator. She carries on
interviews for Wort un Bild. She advanced a self-taught learning in photography and also worked for the
Swiss-German TV.
Anamorphosis / Anamorfosis
Haas Guido
Película abstracta de la música de un reproductor esraj indio. Filmada en láminas
en color que giran con la ayuda de un tocadiscos.
Abstract film of the music of an Indian esraj player. Filmed in coloured
plates that spin with the help of a record player.
Guido Haas (Berna, 8 de noviembre de
1931) es pintor y cineasta. Estudió con
Guido Haas was born in Berna, 8th
november 1931. He is a painter and
. 197
catálogo BIM 2014
5’ | 16 mm | Color | Sonora / Sound
Fernand Léger entre 1951 y 1952. Recibió la Beca Federal de las Artes en 1958,
1959 y 1961. A partir de 1958 se dedicó
a la producción y dirección de cine experimental abstracto. Vive en el campo cerca
de Bremgarten (Berna).
a filmmaker. He studied with Fernand
Léger between 1951 and 1952. He
received the Federal Scholarship for
the Arts in 1958, 1959 y 1961. From
1958 on he devoted himself to production and direction of experimental
abstract films. He lives in the countryside close to Bremgarten (Bern).
Senkrecht / Waagrecht | Vertical / Horizontal
Peter Liechti
5’ | Super 8 (Blow Up 16 mm) | Color | Sonora / Sound
Las performances artísticas de Roman Signer se pueden concebir como el tiempo y
el espacio de modelado. Vertical / Horizontal desarrolla este contraste con la música
de la voz de la grieta en su primera colaboración con Liechti.
Roman Signer’s art performances can be conceived as time and
space modelling. Vertical/Horizontal develops this contrast with Voice
Crack’s music in their first collaboration with Liechti.
Peter Liechti nació en 1951 (St. Gallen,
Suiza) y murió en 2014 (4 de abril, Zúrich).
Se graduó como docente de dibujo y educación artística en la Kunstgewerbeschule
de Zúrich. Entre 1971 y 1979 estudió historia del arte en la Universidad de Zúrich.
Se dedicó de forma independiente a la docencia de historia del arte y de dibujo. En
1985 cofundó el KinoKin en St. Gallen. Entre 1986 y el 2014 trabajó como guionista
independiente, director, camarógrafo, productor y como profesor invitado en diferentes escuelas de cine en Suiza y Alemania.
Sus obras se han presentado en numerosas retrospectivas alrededor del mundo. En
el año 2009 recibió el Premio Europeo de
Cine por The Sound Of Insects - Record
Of A Mummy (2009). En el año 2010 recibió el Premio Cultural del St. Gallen y el
Premio de Arte de Zúrich. En el 2014 su
película Father’s Garden - The love of my
parents (2013), fue condecorada con el
Premio Suizo de Cine al Mejor Film Documental y Mejor Edición.
Peter Liechti was born in 1951
(St. Gallen, Switzerland) and died
in 2014 (April 4th, in Zurich). He attained a degree as teacher of drawing and art education from Kunstgewerbeschule Zurich. From 1971
to 1979 he studied art history at
the University of Zurich. He held
independent teaching positions in
art history and drawing. In 1985,
he became co-founder of KinoK in
St. Gallen. From 1986 to 2014. he
worked as independent screenwriter, director, cameraman and producer and as a guest lecturer at film
schools in Switzerland and Germany. His works are presented in numerous retrospectives around the
world. In 2009, he received the European Film Award for The Sound
Of Insects - Record Of A Mummy
(2009). In 2010 he received the St.
Gallen Culture Award and the Zurich Art Award. In 2014 his film Father’s Garden - The love of my parents (2013), is honoured with the
Swiss Film Award for Best Documentary Film and Best Editing.
Der lauf de dinge / The Way Things Go / Así van las cosas
Peter Fischli & David Weiss
30’ | 16mm | Color | Sonora / Sound
Peter Fischli nació el 8 de junio de 1952
y David Weiss el 21 de junio de 1946.
Muchas veces se los presenta con la forma abreviada Fischli/Weiss ya que es un
dúo artístico que ha estado colaborando desde 1979. Se encuentran entre de
los más reconocidos artistas contemporáneos de Suiza. Su trabajo más conocido es
la película Der Lauf der Dinge (The Way
Things Go, 1987), descrito por el diario
The Guardian como “postapocalíptica” ya
que involucra reacciones en cadena y una
visión sobre la forma en que los objetos fluyen, colisionan y estallan por el estudio en
el que se filmó. Fischli vive y trabaja en Zúrich, Weiss falleció el 27 de abril de 2012.
This experimental artistic set-up with
very mundane everyday objects is
a chain reaction, a controlled happening based on the laws of physics and chemistry, on the inevitability
and chance inherent in a precarious
situation that might also be termed
an ‘order of fluctuations’. The camera
itself, fascinated, observes an event
‘taking its course’ and documents
a half-hour process with (practically) no edits. Fischli & Weiss’s piece
was an audience favourite at the
‘Documenta 8’ in Kassel.
Peter Fischli, was born 8th June in
1952 and David Weiss, born 21st in
June 1946. Often shortened to Fischli/Weiss, they were an artist duo
that had been collaborating since
1979. They were among the most
renowned contemporary artists of
Switzerland. Their best-known work
is the film Der Lauf der Dinge (The
Way Things Go, 1987), described
by The Guardian as being “post
apocalyptic”, as it concerned chain
reactions and the ways in which objects flew, crashed and exploded
across the studio in which it was
shot. Fischli lives and works in Zurich; Weiss died on 27 April 2012.
. 199
catálogo BIM 2014
Esta instalación artística experimental con
objetos cotidianos muy mundanos es una
reacción en cadena, un acontecimiento
controlado basado en las leyes de la física y la química, en la inevitabilidad y el azar
inherente a una situación de inseguridad
que podría denominarse un “orden de las
fluctuaciones”. La cámara en sí, fascinada,
observa un evento que –sigue su curso– y
documenta un proceso de media hora (casi) sin montaje. La obra de Fischli y Weiss
resultó ser una de las favoritas del público
en la Documenta 8 de Kassel.
Sección Contemporáneos / Section Contemporaries
30 Sekunden Schweiz / Switzerland in 30 seconds /
Suiza en 30 segundos
Chris Niemeyer
1’ | Digital | Color | Sonora / Sound | Sin diálogos / Without dialogue
Una cámara escondida filma coches que
pasan y suma su valor astronómico.
A hidden camera films cars driving past
and adds up their astronomical value.
Chris Niemeyer nació en 1973 en Zúrich.
Entre 1992 y 1994 cursó en la Universidad del Cine en Buenos Aires. Entre 1994
y 1999 cursó en el Departamento de Cine
y Video del HGKZ (Hochschule für Gestaltung und Kunst Zürich), donde se graduó
en 1999. En el año 2003 se constituyó en
uno de los miembros fundadores de Plan
B Film GMBH. Trabaja como director y
productor. Ganó el Premio de Cine Suizo
Quartz 2010, al mejor Corto por Las pelotas (2009).
Chris Niemeyer was born in 1973
in Zurich. Between 1992 and 1994,
he attended Universidad del Cine in
Buenos Aires. Between 1994 and
1999, he attended the Film and
Video Department in HGKZ (Hochschule für Gestaltung und Kunst
Zürich). In 1999, he received a degree from HGKZ. During 2003 he
turned a founding member of Plan
B Film GmbH. He works as director
and producer. He received the Swiss
Film Prize “Quartz 2010”, Best Short
Film for Las Pelotas (2009).
Der den Rasen mäht / Cortar el césped / Mowing the Lawn
Bernhard Zitz
12’ | Super 8 TriX | ByN / B&W | Sonido / Sound | Sin diálogos / Without dialogue
Exploración espacial y arquitectónica hecha a través de una edición sincopada de
trabajo analítico. Mediante el uso de las posibilidades técnicas de las cámaras de Super 8, esta película captura un paseo arquitectónico inusual a través de paisajes
urbanos y naturales.
Spatial and architectural exploration
made through syncopated editing of
analytical work. Using the technical
possibilities of Super 8mm cameras,
this film captures an unusual architectural promenade through urban
and natural landscapes.
Bernhard Zitz nació en 1976 en Fribourg,
Suiza. Obtuvo su título en el año 2003 en
el Departamento de Cine del ECAL de Lausana. Recibió una beca del Cantón de Friburgo para realizar una residencia de seis
Bernhard Zitz was born in 1976 in
Fribourg, Switzerland. He received
a degree in 2003 from the Film
Department of ECAL Lausanne.
In 2005, he got a bursary from the
meses en Berlín en el transcurso del 2005.
En la residencia se filmó la mayor parte de
Der den Razen mäht (2009). En esa época también realizó muchos videos musicales, películas experimentales, largometrajes y videoinstalaciones. Desde el año
2001 trabaja como técnico de sonido y diseñador de sonido para películas, conciertos y teatro. Hizo diferentes proyectos de
música electrónica y experimental y grabaciones de campo de sonido natural como,
por ejemplo, Bernardo Zitto con Roberto
Splendini. Vivió y trabajó en Bruselas, Berlín y Zúrich, y en 2012 regresó a Friburgo,
donde vive y trabaja.
Canton Fribourg for a six-month residence in Berlin, where most of Der
den Razen mäht (2009) was shot.
He created here several music-videos, experimental films and feature
films, and also videoinstallations. Between 2001 and 2015 he worked as
sound technician and sound designer for movies, concert venues and
theatre. He started making experimental and electronic music and fieldrecordings with different projects,
for example as Bernardo Zitto with
Roberto Splendini. He lived and
worked in Bruxelles, Berlin and Zurich, and was back in Fribourg since
2012. At the moment, he is living
and working in Fribourg, Switzerland
Plug & Play
Michael Frei
Criaturas antropoides con enchufes en lugar de cabezas están haciendo travesuras. En lugar de rendirse ante los dictados
del dedo levantado, pronto se someten a
sí mismos. Pero los dedos también toquetean. ¿Es amor?
Anthropoid creatures with plugs in
place of heads are up to mischief. Instead of giving in to the dictates of
the raised finger, they soon submit to
themselves. But the fingers also finger around. Is it love?
Michael Frei nació en 1987 en Appelzell, Suiza. Entre el año 2002 y el 2006
fue aprendiz de dibujante técnico. Entre el
2008 y el 2012 asistió al departamento de
animación del instituto HSLU (Hochschule
Luzern, Design & Kunst), entre el 2010 y
el 2011 hizo un año de intercambio en la
Academia Estonia de Arte en Tallin.
Michael Frei born in 1987 in Appenzell, Switzerland. From 2002
and 2006 he was apprenticeship as
draftsman. Between 2008 and 2012
he attended the Animation Department in HSLU (Hochschule Luzern,
Design & Kunst). From 2010 and
2011 he went on exchange year at
the Estonian Academy of Art in Tallinn.
. 201
catálogo BIM 2014
6’ | Digital | ByN / B&W | Sonora / Sound | Animación / Animation
Proyección / Screening: Archivo digital / digital video file
Restored Weekend / Fin de semana restaurado
Gerd Gockell-Kirsten Winter
5’ | 35 mm | Color | Música de Walter Ruttmann (de 1930) / Music by Walter Ruttmann (from 1930) |
Animación / Animation
Un falso descubrimiento basado en la obra
de radio Fin de semana de Walter Ruttmann de 1930 –el primer collage sonoro
abstracto–. Concebido originalmente como un collage sonoro con proyección simultánea de película negra, en su versión
“restaurada”, la película documenta las
huellas del tiempo. La cuestión de si Walter
Ruttmann pensó o no en añadir imágenes a
su collage sonoro sigue abierta.
Gerd Gockell nació en 1960 en Darmstadt, Alemania. Entre 1981 y 1987 estudió
diseño gráfico y cine en el HBK (Hochschule für Bildende Künste) de Braunschweig.
Trabajó como animador freelance para el
Hessische Rundfunk de Frankfurt. En 1988
se mudó a Londres y produjo varios cortos animados. En 1990 regresó a Hanover,
donde fue cofundador del Anigraf Filmproduktion. Desde 1992 enseña animación experimental en la HBK. En el 2000 obtuvo el
cargo de profesor invitado en el departamento de animación en el Kunsthochschule
Kassel. Entre el 2002 y el 2012 fue director del Departamento de Animación en el
HGK (Hochschule für Gestaltung un Kunst)
de Lucerna.
Kirsten Winter nació en 1962 en Hanover,
Alemania. Entre 1981 y 1987 estudió diseño gráfico en el HBK (Colegio de Bellas
Artes y Diseño) de Braunschweig. Fue fotógrafa freelance y animadora mientras estaba en la universidad. En 1990 fundó la
productora Anigraf Filmproduktion. Desde
el 2004 es profesora en el Instituto de Artes de California en Los Ángeles (CalArts),
Estados Unidos.
A false discovery based on Walter
Ruttmann’s audio play Weekend
from 1930 – the first ever abstract
Sound Collage. Conceived originally as a sound collage with simultaneous projection of black film, in
the “restored” version the film documents the traces of time. The question whether Walter Ruttmann ever
thought about adding images to his
sound collage remains open.
Gerd Gockell was born in 1960
in Darmstadt, Germany. Between
1981 and 1987, he studied Graphic
Design and Film at the HBK (Hochschule für Bildende Künste) Braunschweig. Worked as a freelance
animator for the Hessische Rundfunk in Frankfurt. 1988 Moves to
London and produces several short
animation films. 1990 Back in Hanover, co-founder of Anigraf Filmproduktion. Since 1992 he teaches
experimental animation at the HBK.
In 2000 became a visiting professor in the animation department at
the Kunsthochschule Kassel. 200212 Head of Animation Department
at the HGK (Hochschule für Gestaltung und Kunst), Luzern.
Kirsten Winter born in 1962 in
Hanover, Germany (exact date unknown). Between 1981 and 1987
he studied graphic design at the
HBK (College of Fine Arts and Design) Braunschweig. Freelance photographer and animator while at college. In 1990 he founded Anigraf
Filmproduktion. Since 2004 he is
lecturer at the California Institute of
the Arts in Los Angeles (CalArts),
USA.
Optical Percussion / Percusión óptica
Gerd Gockell
Suiza - Alemania / Switzerland - Germany | 2008
5’ | 35 mm | Color | Sonora (sin diálogos) / Sound (without dialogue) | Animación / Animation
La tercera parte de una trilogía de reconstrucciones ficticias. En 1937, Oskar Fischinger y el entonces desconocido John
Cage se reunieron en Los Ángeles para
desarrollar un proyecto de película con una
música compuesta por Cage. Debido a un
accidente, este proyecto nunca se realizó,
pero las ideas de Fischinger sobre el sonido tuvieron una influencia profunda en la
obra posterior de Cage como compositor.
Si esta reconstrucción se acerca a Fischinger y Cage, la intención sigue abierta.
The third part of a trilogy of fictitious
reconstructions. In 1937 Oskar Fischinger and the then unknown John
Cage met in Los Angeles to develop
a film project with music composed
by Cage. Because of an accident
this project has never been realized,
but Fischinger’s ideas about sound
deeply influenced Cage’s later work
as a composer. Whether this reconstruction comes close to Fischinger’s
and Cage’s intention remains open.
Patch / Parche
Gerd Gockell
Suiza - Alemania / Switzerland - Germany | 2014
3’ | Digital | Color | Sonido (sin diálogos) / Sound (without dialogue) | Animación / Animation
Un cortometraje experimental animado que
utiliza pintura abstracta para explorar el
campo de tensión entre la abstracción y lo
reconocible.
An experimental animated short film
using abstract painting to explore
the tension between abstraction
and recognisability.
The Course Of Things / El curso de las cosas
Claude Piguet-Annelore Schneider
El video utiliza el lenguaje de las películas
para maniobrar e influir en nuestra interpretación de las imágenes e historias. Para
ello, el collectif_fact ha registrado a diario a
los visitantes del Museo de Historia Natural
de Londres convirtiéndolos así en actores.
El museo se transforma en un escenario y
la vida cotidiana en un thriller llevado por
la voz del maestro en este campo: Alfred
Hitchcock.
The video uses the language of films
to manoeuvre and influence our interpretation of images and stories.
To do so, the collectif_fact have recorded on a daily basis the visitors
of the London Natural History Museum, turning them into actors. The
museum is transformed into a stage
and everyday life into a thriller, carried by the voice of the master in
this field, Alfred Hitchcock.
. 203
catálogo BIM 2014
10’ | Digital | ByN / B&W | Sonora (v.o. inglés) / Sound (voiceover in English)
Claude Piguet nació en 1977 en Suiza.
Entre 1988 y 1999 estudió etnología, sociología y ciencias de la educación en la
Universidad de Neuchâtel. Entre el 2002 y
el 2005 estudió artes visuales. En el 2003
se graduó en Bellas Artes y Nuevos Medios en el HEAD (Haute École d’art et de
design), en Ginebra. Entre el 2003 y el
2009 fue asistente en el Departamento de
Artes/Medios en el HEAD de Ginebra.
Annelore Schneider nació en 1979 en
Suiza. En el 2003 se graduó en École Nationale Supérieure des Arts de París. En el
2005 obtuvo una maestría en Bellas Artes y Arte Contemporáneo en la Universidad de París. Entre el 2007 y el 2010 se
desempeñó como profesor de multimedia
en el EAA (École d’Art Appliqué) en Ginebra. Entre el 2007 y el 2009 fue corresponsable del curso de posgrado Immédiat
en el HEAD (Haute École d’Art et de Design), de Ginebra. Entre el 2008 y el 2009
fue asistente del director de bellas artes
en el ENSA-V (École Nationale Supérieure
d’Architecture de Versailles). Fue consejero de la maestría en Medios/Diseño y de la
maestría en Arte en el HEAD de Ginebra.
Desde el 2009 es profesor titular en este
instituto.
Claude Piguet born in 1977 in Switzerland. From 1988 to 1999 he studied ethnology, sociology and education sciences at the University of
Neuchâtel. From 2002 to 2005 taught
visual arts. 2003 Receives degree in
fine arts, new media from HEAD (Haute école d’art et de design), Geneva.
Between 2003 and 2009 he was assistant in the Art/Media department at
HEAD-Genève. Since 2009 lecturer
at HEAD-Genève.
Annelore Schneider born in 1979 in
Switzerland. In 2003 received degree
from École Nationale Supérieure des
Arts, in Paris. In 2005, he got the degree Master of fine arts and contemporary art from University of Paris. Between 2007 and 2010 he lectured
about multimedia at the EAA (École
d’Art Appliqué), Geneva. From 2007
to 2009 he was co-responsible for
the postgraduate Immédiat at HEAD
(Haute École d’Art et de Design), Geneva. Between 2008 and 2009 he
was head assistant in fine arts at the
ENSA-V (École Nationale Supérieure
d’Architecture de Versailles). Finally, he was advisor for the MA in Media/Design and MA in Art at HEADGenève.
27 years / 27 años
Raymond Höpflinger
2’ | Beta SP | Color | Sonido / Sound | Sin diálogos / Without dialogue | Animación | Animation
Retratos de una persona, tomados cada
mes en máquinas de fotos públicas durante 27 años, se animan en una película.
A person’s portraits taken every
month at public photo machines during 27 years are animated into a film.
Raymond Höpflinger nació en Zúrich en
1950. Estudió arte y cine en la Academia
de las Artes de Dusseldorf, en la École des
Beaux-Arts de París y en la Universidad de
París VIII. Recibió un título de maestría del
SAIC (School of The Art Institute de Chicago). Desde 1985 se desempeña como ar-
Raymond Höpflinger born in Zurich in 1950 (exact date unknown).
Studied art and film at the Academy of Arts, Düsseldorf, at the École
des Beaux-Arts Paris and Université
Paris VIII. Received MFA from SAIC
(School of The Art Institute of Chica-
tista, profesor de arte y realizador cinematográfico en Suiza, Japón, Brasil y Canadá.
Sus películas han sido presentadas en galerías, museos y festivales y en televisión.
go). Since 1985 Artist, art teacher
and filmmaker in Switzerland, Japan,
Brazil and Canada. His films have
been presented in galleries, museums, at festivals and on television.
Ping Pong
Rafael Sommerhalder
30’’ | Digital | Color | Sonora / Sound | Sin diálogos / Without dialogue
¡Ping Pong!
Ping Pong!
Rafael Sommerhalder nació en 1974 en
Zúrich, Suiza. Entre 1996 y el 2000 asistió
al Departamento de Cine del ECAL (École Cantonale d’Art de Lausana). En el año
2000 recibió un título en dirección de cine
del ECAL. Desde el 2000 se desempeña
como director independiente. En el 2009
obtuvo una maestría del Royal College of
Art de Londres.
Rafael Sommerhalder born in 1974
in Zurich, Switzerland. Between 1996
and 2000 he attended the ECAL
(École Cantonale d’Art de Lausanne),
cinema department. In 2000 he attained a degree in direction from the
ECAL. Since 2000 he works as independent director. In 2009 he attained
a MA in animation from the Royal College of Art London.
Microbend / Microcurvatura
moju
Colaboración entre el videoartista Michel
Pennec y el compositor polaco y performer
sonoro Zbigniew Karkowky. Viaje a través
de los paisajes desolados y las industrias
en descomposición.
Collaboration between video artist
Michel Pennec and Polish composer and sound performer Zbigniew
Karkowky. Journey through desolate
landscapes and derelict industries.
moju. Vive y trabaja en Lausana, Suiza. El
nombre artístico Moniker Moju proviene del
título original de la novela del escritor japonés Edogawa Rampo Blind Beast. Participa de la escena experimental/ de ruidos
naturales/ y de música under desde mediados de la década de 1980. Comenzó
a realizar videos con 2 VCR a fines de la
década de 1990, luego de ver mucha TV
y películas bizarras, usando material de ar-
moju. Living and working in Lausanne, Switzerland. Moniker Moju
comes from the original title of japanese writer Edogawa Rampo’s novel
Blind Beast. Follows experimental /
noise / underground music scene
since mid 80’s. Started videos with
2 VCRs late 90’s after watching to
much TV & weird movies, using TV &
movie footage. Then bought a camera and started shooting his own im. 205
catálogo BIM 2014
12’ | Digital | ByN / B&W | Sonora / Sound | Sin diálogos / Without dialogue
chivo de televisión y cine. Posteriormente
se compró una cámara y comenzó a capturar sus propias imágenes. Sin estar al tanto
de las posibilidades técnicas de las computadoras, trabajó siguiendo sus propios
sentimientos, con baja fidelidad (lo-fi) y tan
rápido como podía, cuando se sentía inclinado a ello y dependiendo de los músicos
con los que se cruzaba. No se considera a
sí mismo un artista. Sus creaciones de video están conectadas 100% con la música y no contienen ningún mensaje, al menos no hay un mensaje intencionado en su
creación. Cada uno tiene libertad para dar
su propia interpretación. Ahora se focaliza
más en grabar conciertos en vivo, pero en
breve aparecerán nuevas creaciones. Para
sostenerse económicamente, maneja una
librería under independiente.
ages. Not at all concerned with the
technical possibilities of computers,
works following his feelings and as
lo-fi and quick as possible, when he
feels like it and depending on the
musicians he meets. Doesn’t consider himself as an artist. His video
creations are 100% connected with
the music and contain no message,
at least there’s no message intended
when creating. Everyone is free to
give his/her own interpretation. Now
focuses more on shooting live concerts, but new creations will follow
sooner or later. Runs an independent
underground bookstore for a living.
Definitions of Art / Definiciones de arte
Yuri A.-R. Mond
5’ | 16 mm | Color | Sonido (v.o. inglés) / Sound (voiceover in English)
Cinco personajes emergen de globos de
nieve para dialogar sobre la definición de
arte: un suizo sin ninguna relación con el
arte queda mudo; un físicoculturista muestra sus músculos y hace un intento de explicar el arte, y una artista ciega, finalmente,
se echa a reír cuando se da cuenta de que
el arte solo existe como una definición.
Cinco personas del “estado de arte”: 1.
suizo, 2. culturista, 3. coleccionista de arte,
4. curador, 5. artista ciega.
Yuri A. nació en Suiza en 1961. Estudió arte en San Pablo, Chicago y Tokio.
Five characters emerge from snow
globes to discourse on the definition
of art: a Swiss without any relation
to art is speechless; a bodybuilder
shows his muscles and makes an attempt to explain art; and a blind artist finally bursts out laughing as she
realizes that art only exists as a definition.
Five person’s “statement of art”: 1.
Swiss, 2. Bodybuilder, 3. Art Collector, 4. Curator, 5. Blind Artist.
Yuri A. Born in Switzerland in 1961.
Studied art in Sao Paulo, Chicago
and Tokyo.
Proon
Sara Tocchetti
4’ | 35 mm | Color | Sonora / Sound | Sin diálogos / Without dialogue
Un par de tráilers tallados con un cúter,
imagen tras imagen; la obsesión de volver
a determinar la posibilidad visual de la pornografía de la corriente principal, el cuerpo
de un “hombre” con la cabeza de una “Mujer” que chupa el culo de un trozo de “mujer”, ¡¡¡quimeras desordenadas!!!
A pair of trailers carved by cutter, image after image, the obsession of redetermining the visual possibility of
mainstream pornography, the body
of a “man” with the head of a “Woman” sucking the ass of a piece of
“Woman”, disordered chimeras!!!
Sara Tocchetti. En primer lugar, ser humano con una vagina, luego educada de forma
ambiental en la biología evolucionista (¿conocen el origen de la vida?) para finalmente
darse cuenta de que las narraciones científicas teológicas no eran suficiente para explicar la vida (¡llantos!) y necesitaba de un par
de otras cosas para darle sentido al caos
reinante. Como persona esquizofrénica interesada en todas las cosas y todas las personas, intentó finalmente subvertir el problema de la femineidad a través de técnicas
de laboratorio de disección modular con un
cutter, caóticamente colapsadas, y representaciones pornográficas en formato de
35 mm. PROON es su primer cortometraje.
Sara Tocchetti. First human being
with a vagina, then environmentally
educated as an evolutionary biologist (you know the origin of life!?) to
finally realize scientific teleological
narrations were not sufficient to explain life (sob!) and needed a bunch
of other stuffs to make sense of the
surrounding mess. Since schizo
person interested in everything and
everybody she eventually attempted
to subvert the feminine problem with
care by chaotically collapse laboratory techniques of modular dissection with a cutter and pornographic representations on 35 mm films.
PROON is her first short film.
U
Yuri A. - R. Mond
Los seres humanos contaminan. ¡Es un
hecho! Pero más allá de las emisiones de
gas, la destrucción de la capa de ozono o
las mareas ennegrecidas, también está todo lo que se evacua de todos los orificios
de nuestro cuerpo. El niño que nos acompaña en esta descriptiva y escatológica película proporciona el toque de humor necesario para establecer el contraste entre el
motivo y la manera en que se presenta.
Humans pollute. It is a fact! But beyond the gas emissions, the destruction of the ozone layer, or blackened
tides, there is also all that is excreted from all the orifices of our bodies. The child who accompanies us
in this scatologically descriptive film
provides just the touch of humour
necessary in establishing the contrast between the subject and the
manner in which it is presented.
. 207
catálogo BIM 2014
4’ | 16 mm | Color | Sonido (v.o. inglés) / Sound (English voiceover)
Station / Estación
Christina Benz
3’ | DigiBeta | Color | Sonora / Sound | Sin diálogos / Without dialogue
Un modelo de tren suizo hace sus rondas
en medio de un paisaje de chocolate. Después de un tiempo, el paisaje comienza a
derretirse. Casas, árboles y montañas colapsan. El viaje en tren es acompañado por
una alegre música tradicional de acordeón.
A Swiss model train makes its
rounds in the midst of a chocolate
landscape. After a while, the landscape starts to melt. Houses, trees
and mountains collapse. The train
journey is accompanied by cheerful
traditional accordion music.
Christina Benz (Zúrich, 1972). Entre 2000
y 2001 estudió en la Fundación de Arte y
Diseño, del Chelsea College of Art and Design de Londres. Entre el 2001 y el 2004
cursó estudios de Bellas Artes en el St.
Martins College de Londres. En el 2004 recibió un título de grado en la Universidad
de Artes de Londres. Vive y trabaja en Zúrich. Desde el 2003 ha participado en exhibiciones individuales y grupales en Londres, Barcelona, Bruselas y Hamburgo.
Christina Benz(Zurich, 1972). From
2000 to 2001 studied in the Foundation Studies in Art and Design,
Chelsea College of Art and Design,
London. Between 2001 and 2004
she studied Fine Art at St. Martins
College in London. In 2004 she received a BFA from University of the
Arts, London. Lives and works in Zurich. Since 2003 he is been taking
part in group and solo exhibitions.
TIQQUN
Ricardo da Silva
5’ 20” | ByN / B&W - Color | Sonora / Sound | Sin diálogos / Without dialogue
La violencia ejercida contra los fetiches de
la necrotopía del capital es el mayor acto
consciente posible en las metrópolis. Esto
es, apropiándonos del proceso productivo
vital, nuestro conocimiento y MEMORIA, ganamos control sobre las partes de lo Real.
NOSOTROS rechazamos la alucinación generalizada de los regímenes de producción
de seducción. NOSOTROS creamos el imaginario por el delirio de la vida real y al inscribirlo en la complejidad del proceso insurreccional metropolitano para destruir el
fetiche de la representación.
The violence exerted against the fetishes of the Capital’s necrotropy is
the largest conscious act possible
in the metropolis. It is by appropriating the vital productive process, our
knowledge and MEMORY, that we
gain control over the parts of the Real. WE reject the widespread hallucination of the production regimes of
seduction. WE create the imaginary
by the delirium of real life and in making it part of the complexity of the
metropolitan insurrection process to
destroy the fetish of representation.
Ricardo da Silva es artista de cine, compositor de música con ruidos, activista del
Ricardo da Silva is a film performer, noise artist, a film-activist and a
founding member of the film collec
tive CINE-NOISE, “a variable geom
etry project involving sound artists
and experimental film performers.”
He tries “to bring noise music aes
thetics into cinema and cinematics
into noise music.” Being also curator in an independent movie theatre
where he got his hands on 50s-era
projectors and learned to project
film, Da Silva developed a broad
interest in cinema, particularly experimental. A lack of funds and a
determination to create visual expe
riences with scarce means, he col
lects found footage from theaters
forced to liquidate old stock as well
as projectors, redeems and retransforms cultural and memorial al production, scratches the shiny surface
of “politically correct”, “convention”,
“beauty” and “art”.
. 209
catálogo BIM 2014
cine y miembro fundacional del colectivo
de cine CINE-NOISE, “un proyecto de geometría variable que involucra artistas de sonido y artistas de cine experimental”. Intenta “incorporar la estética de la música con
ruido al cine y la cinematografía a la música con ruidos”. Como curador en una sala
de cine independiente, donde pudo acceder a proyectores de la década de 1950
y aprendió a proyectar películas, Da Silva
desarrolló un amplio interés en el cine, especialmente en el experimental. En un momento con escasos fondos y determinado
a crear experiencias visuales con recursos
escasos, junta material de archivo de salas de cine forzadas a deshacerse de viejos equipos, como proyectores. Reivindica
y retransforma la producción cultural y de
memoria, esbozando la superficie brillosa
de lo “políticamente correcto”, “la convención”, “lo bello” y “el arte”.
José Alejandro Restrepo
Religión catódica. Teología-política y medios /
Cathodic Religion. Theology-politics and media
A partir de la historia reciente de Colombia, a partir del manejo de archivos y montajes se configura una reescritura de la(s)
historia(s) a sabiendas de que la historia
pertenece a la gramática, como decían los
antiguos maestros de la retórica. Contrainterpretaciones de materiales de la televisión pública con la expectativa de que, en
el momento menos pensado de la narrativa
oficial, “salta la liebre” del mito, de lo intempestivo…
Recorrido por casi quince años de investigación en video monocanal, instalaciones y
performances.
Relaciones entre teología y política, entre
violencia sacrificial y violencia política, entre iconofilia e iconoclasia, la religión y los
medios, todos ellos son asuntos muy presentes, tanto en acontecimientos explícitos
como calladamente, en las bases teológicas del Estado laico.
La guerra de las imágenes es un continuo
e ininterrumpido trabajo desde la suplantación del “ídolo” por la “imagen” hasta la
combinación de todas las formas de lucha
ideológica y política del capitalismo global.
José Alejandro Restrepo (Bogotá, 1959)
trabaja en videoarte desde 1987. Su campo de acción abarca videos monocanal,
videoperformance y videoinstalación. Expone regularmente en el país y en el extranjero. Su actividad incluye la investigación y la docencia. Entre sus últimas
participaciones están: Bienal de la Ha210 . Religión catódica / Cathodic Religion
Video program and video installations with artist commentary
History and histories are rewritten using archives and montages and Colombia’s recent history as a starting
point, in the knowledge that history
belongs to grammar, as the old rhetoric masters used to say. Counter-interpretations of state television with
the expectation that when one least
expects it in the narrative, the myth
will appear, in untimely fashion…
An overview of nearly fifteen years of
research into mono-channel video,
installations and performances.
Relationships between theology
and politics, between sacrificial violence and political violence, between
iconodulism and iconoclasm, religion
and the media, subjects highly present in both explicit and tacit events,
in the theological bases of the secular State.
The war of images is a continuous,
uninterrupted work, from the supplanting of the “idol” by the “image”,
to the combination of all forms of
ideological and political struggle of
global capitalism.
José Alejandro Restrepo (Bogotá,
1959) has been working in video
art since 1987. His field of work includes mono-channel videos, video
performance and video installation.
Restrepo exhibits regularly in Colombia and abroad. His activities in-
bana (1995 y 2000); 23ª Bienal Internacional de San Pablo (1996); The Sense of Place, Centro de Arte Reina Sofía
(1998); Tempo, The Museum of Modern
Art, MOMA QNS, Nueva York (2002); Entrelíneas, La Casa Encendida, Caja Madrid (2002); Big Sur, The Project, Los
Ángeles (2002); Botánica Política, Sala
Montcada, Fundación La Caixa, Barcelona (2002); Memory Lessons, Musée du
Louvre, París, (2002); We Come in Peace... Histories of the Americas, Museo de
Arte Contemporáneo de Montreal (2002);
The Hours, Irish Museum of Modern Art,
Dublin (2005); 52ª Bienal de Venecia
(2007); Bienal de Mercosul, Porto Alegre
(2011); Bienal de Lyon (2011) y Museo
del Quai Branly (2013).
clude research and teaching. He has
participated at: Havana Biennale
(1995 and 2000); 23rd São Paulo
International Biennale (1996); The
Sense of Place, Reina Sofía Art Centre (1998); Tempo, The Museum of
Modern Art, MOMA QNS, New York
(2002); Between the Lines, La Casa Encendida, Caja Madrid (2002);
Big Sur, The Project, Los Angeles
(2002); Botánica Política, Sala Montcade, Fundación La Caixa, Barcelona (2002); Memory Lessons, Louvre
Museum, Paris (2002); We Come in
Peace… Histories of the Americas,
Montreal Museum of Contemporary
Art (2002); The Hours, Irish Museum
of Modern Art, Dublin (2005); 52nd
Venice Biennale (2007); MERCOSUR Biennale, Porto Alegre (2011);
Lyon Biennale (2011); Quai Branly
Museum (2013).
Iconomia / Iconomy
Colombia | 2000 - 2011
VHS - DV - Hi8 | Color | Estéreo / Stereo
Videoinstalación, 2 canales / 2-channel video installation
A partir sobre todo de imágenes de archivo, se revelan las pugnas teológico-políticas entre defensores y detractores de la
imagen.
Archive images are used to reveal
the theological-political conflicts between defenders and detractors of
the image.
Nuevas consideraciones sobre las imágenes /
New Considerations about Images
Debate teológico sobre el uso sancto y
non sancto de las imágenes en los medios.
Technological debate about the sacred and profane use of images in
the media
. 211
catálogo BIM 2014
Colombia | 2007
18’ | VHS | Color | Estéreo / Stereo
Caballero de la Fe / Knight of Faith
Colombia | 2011
7’ | DV | Color | Estéreo / Stereo
Durante uno de los episodios más dramáticos de la historia reciente de Colombia (toma y retoma del Palacio de Justicia, 1985),
aparece un extraño personaje...¿es El Caballero de la Fe?
During one of the most dramatic episodes in Colombia’s recent history
(the siege and retaking of the Palace
of Justice, 1985) a strange character
appears… The Knight of Faith?
Estilita / The Stylite
Colombia | 2012
Una figura mítica de anacoreta reaparece
en el espectro electromagnético contemporáneo.
Mythical figures reappear in the contemporary electromagnetic spectrum.
Variaciones sobre el Purgatorio / Variations on Purgatory
Colombia | 2012
¿Es posible el perdón? Un espacio-tiempo
dantesco para purgar penas… para pedir
perdón.
Is forgiveness possible? A spacetime to purge sins…to ask forgiveness.
Dar la cara / Show your Face
Colombia | 2013
24 rostros de paramilitares por segundo.
Persistencia retiniana de los estereotipos
criminalísticos.
212 . Religión catódica / Cathodic Religion
24 faces of paramilitaries per second. Persistence of vision on criminal stereotypes.
Maqueta para el Dante / Model for Dante
Colombia | 2014
Videoinstalación / Video installation
A partir de los grabados de Doré, una intervención en un espacio público. Una alegoría del infierno.
From Doré prints, an intervention in
a public space. An allegory of hell.
Tecnología para gentiles / Technology for Gentiles
Colombia | 2014
8’ | VHS | Color | Estéreo / Stereo
Using archive footage, the relationships between fetish and merchandise return and play off each other.
. 213
catálogo BIM 2014
A partir de un material de archivo, vuelven
y juegan los parentescos y malentendidos
entre fetiche y mercancía.
El otro donde. Visiones del artista de lo lejano / The Other Where.
Artist’s visions of Far Away
Ioannis Savvidis,
Lina Theodorou y
Nelja Stump
“…de esta manera, todo artista parece ser un
ciudadano de una patria desconocida, cuya
memoria se ha desvanecido”.
M. Proust
A través de la pérdida y de la construcción
de la memoria, ¿el artista es entonces una
especie de viajero? ¿Qué tan lejos va el
artista y hacia dónde? ¿Llega lejos y luego más lejos? ¿O al alejarse, el artista se
acerca? ¿Va a alguna parte acaso? ¿Hay
allí una lejanía? O solo hay distancia, y nada…
El tema de la exhibición de Nomadics se
basa en la evolución de la localización enfocando la dinámica del deambular como
cruce entre nuevos lugares y viejos sistemas: las fronteras entre lo real y el espacio
virtual, la interdependencia entre mundos
existentes y mundos construidos, la experiencia física y la psicológica, lo visible y lo
invisible. El desafío artístico aquí es capturar visiones artísticas de distancia como la
imagen en movimiento.
En simultáneo con un crecimiento exponencial de las poblaciones humanas, planteamos el dilema de la identidad establecida a distancia. No podemos contar más
con el espacio físico como una estructura
creadora de identidad. Lo que queda es la
explosión inconcebible de un anhelo por lo
desconocido y lo extraño.
La promesa del “aquí” hecha por el movimiento romántico en la primera mitad del
siglo xix no se cumplió. La transformación
de lo local en una súper cultura global iró214 . El otro donde / The Other Where
“...in this way, every artist appears to
be a citizen of an unknown
fatherland, of which his memory
has faded”.
M. Proust
Through the loss and construction
of memory, is the artist then a kind
of traveler? How far does the artist go, and where? Does the artist
go far, and then farther? Or by going far does the artist go near? Does
the artist go anywhere at all? Is there
a far? Or is there only distance, and
none….
The theme of the exhibition series
Nomadics is based on the evolution
of locality with a focus on the dynamics of wandering as a junction
between new places and old networks: the borders between real and
virtual space, the interdependency
between existing and constructed
worlds, physical and psychological
experience, the visible and the invisible. The artistic challenge here is to
capture artistic visions of distance as
the moving image. Synchronous with an exponential
increase in human populations, we
pose the quandary of identity established through the far. We can
no longer count on physical space
as an identity-establishing structure.
What’s left behind is an inconceivable surging up from within of a longing for the unknown and strange.
The promise of “here” made by the
Ioannis Savvidis nació en Alemania y terminó sus estudios en arte visual en el Hochschule der Künste Berlin. Con su enfoque en las narrativas arquitectónicas y un
entendimiento alternativo del urbanismo y
de la planificación social, su práctica visual
utiliza dibujos, video, e instalaciones sitespecific. La obra de Savvidis ha sido exhibida en el Museo Estatal del Arte Contemporáneo y el Museo del Cine en Salónica,
el Museo Riso, Catania, en galerías privadas, espacios de proyectos e instituciones, como el Kunstwerke, el Roter Salon,
en el II Kunstsalon y los Tacheles en Berlín,
Romantic Movement in the early
19th century has been reneged on.
The transformation of the local into
a globally networked super-culture
have ironically rendered a static
central structure of identity impossible. As curators, and as artists, we
search for new terms in image and
language, looking to unlock new
shapes and levels of reality - puzzle
pieces, appropriate to the puzzle of
our trans-spatial times. So, it’s not far-fetched to transform
the intimate of the familiar into something far. Call it a longing-place: utopia. Call it promise, idealization, or a
place of fears. The subtleties of the
far, of distance, created through an
inversion of the immediate transforms us into a new type of nomad.
The philosopher Markus Gabriel
says: “The new intellectual forays/
pushes aim for a global perspective/
worldview, in which real things will
get out of our gaze, just to be re-invented.” That includes also the transformation of the intimate and familiar
into fantastic places, as is arguably
the quest and domain of every artist.
The distance between here and
an unscathed and undisguised
“where?” –this assumption of an
open path into the unknown and the
subconscious, or even the unobtainable, serves a playground for new
terms and languages. It sharpens an
awareness and effort to find self-reflective ways out from an indolence
of the “here.”
Ioannis Savvidis was born in Germany and completed his studies
in visual art at the Hochschule der
Künste Berlin. With a focus on architectural narrations and an alternative
understanding of urban and social
planning, his visual practice utilizes
drawing, video and site-specific installation. Savvidis’s work has been
exhibited among others at the State
Museum of Contemporary Art and
the Film Museum in Thessaloniki,
the Museo Riso, Catania, in private
. 215
catálogo BIM 2014
nicamente ha dejado una estructura central estática de identidad imposible. Como
curadores, y como artistas, buscamos nuevos términos en imagen y lenguaje tratando de liberar nuevas formas y niveles de
realidad, piezas adecuadas para el rompecabezas de nuestros tiempos transespaciales.
De manera que no hay que ir a buscar muy
lejos para transformar lo íntimo de lo familiar en algo distante. Llamemos a esto un
lugar-anhelado: Utopía. Llamémosle promesa, idealización, o un lugar de temores.
Las sutilezas de lo lejano, de la distancia,
creadas a través de una inversión de lo
más próximo, nos transforman en un nuevo
tipo de nómades.
El filósofo Markus Gabriel dice: “Los nuevos impulsos/incursiones intelectuales tienen por objetivo una perspectiva global/visión del mundo, en la cual las cosas reales
escaparán de nuestra mirada, simplemente para ser reinventadas”. Eso incluye también la transformación de lo íntimo y familiar en lugares fantásticos, como se puede
decir que es la misión y la competencia de
todo artista.
La distancia entre el aquí y un indemne y
manifiesto “¿dónde?” “esta conjetura de
un camino abierto en lo desconocido y lo
inconsciente, o incluso en lo inalcanzable”
sirve de paraíso para nuevos términos y
lenguajes. Esto agudiza una conciencia y
un esfuerzo para encontrar formas de introspección por fuera de una indolencia
del “aquí”.
la Feria Art-Athina y el Centro Cultural Municipal y el centro de arte About en Atenas,
la galería CWS en Varsovia, el Proyecto Pedestrian II Instambul, y en festivales de cine
en Alburquerque y Belgrado. Es colaborador y miembro de la Eve Sussmans Rufus
Corporation (Estados Unidos) y del LoAndBehold Artists’ Group (Reino Unido).
Nelja Stump nació en Kazajistán y desde
1986 vive y trabaja en Berlín. Entre 1989
y 1992 estudió escenografía y diseño de
vestuario con Andrje Woron. Después de
algunos proyectos teatrales, trabajó en el
diseño de producción en el área de largometrajes y publicidad. Entre 1992 y 2000
organizó varios cursos en el UdK, Berlín,
proyectos de estudio de género con Sabeth Buchmann, Katja Dieffenbach y Jutta
Köther. En 2000 realizó su maestría en la
Universität der Künste, Berlín, y se graduó
en fotografía con Katharina Sieverding. Desde 2000 escribe y dirige varios videoclips
y cortos. En 2003 desarrolló el concepto
del espacio de diseño Tristesse Deluxe en
Berlín, donde experimentó con todo tipo de
medios artísticos. Nelja Stump sigue trabajando como artista de medios mezclados,
curadora y VJ.
Lina Theodorou es una artista de video
e instalaciones que vive y trabaja en Berlín y Atenas. Estudió en la Escuela de Artes Gráficas y Estudios Creativos, Atenas;
en la Escuela de Bellas Artes de Atenas
(escultura) y en la Escuela de Bellas Artes,
Escultura y Multimedios en La Haya. Ha
participado en muestras en el Centro de
Bellas Artes Bozar, Bruselas; el Museo Nacional de Arte Contemporáneo, Atenas; el
Festival Europeo de Artes de los Medios,
Osnabrück; Fundación Deste, Atenas;
Neue Galerie am Landesmuseum Johanneum, Graz; Museum Fridericianum, Kassel; Museo Macedonio de Arte Contemporáneo, Salónica; VIII Bienal de Estambul;
VI ev+a Bienal de Limerick; LIII Festival
Internacional de Cortometrajes de Oberhausen; XI Bienal Internacional de Arquitectura, Venecia; Impakt Festival, Utrecht;
216 . El otro donde / The Other Where
galleries, project spaces and institutions like the Kunstwerke, the Roter
Salon, the 2nd Kunstsalon and the
Tacheles in Berlin, the Art-Athina Art
fair and the Municipal Cultural Center and the Art centre About in Athens, the CWS gallery in Warsaw, the
Pedestrian II Project Istanbul, and
at film festivals in Albuquerque and
Belgrade. He is a collaborator and
member of Eve Sussmans Rufus
Corporation (USA), and the LoAndBehold Artists’ Group (UK).
Nelja Stump was born in Kazakhstan and has lived and worked in
Berlin since 1986. Between 1989
and 1992 she studied stage and
costume design with Andrje Woron.
After some theatre projects she
worked on production design within
the area of feature films and advertisement.
Between 1992 and 2000 she organised different classes at the UdK,
Berlin, gender studies projects with
Sabeth Buchmann, Katja Dieffenbach and Jutta Köther.
In 2000 she did her Master’s degree at the Universität der Künste,
Berlin, and graduated in photography under Katharina Sieverding.
Since 2000 she has written and directed several music videos and
short films.
In 2003 she developed the concept
of the project space Tristesse Deluxe in Berlin, where she experimented with all interfaces of arts. Nelja
Stump continues to work as a mixed
media artist, a curator and VJ.
Lina Theodorou is a video and installation artist living and working in
Berlin and Athens. She studied at the
School of Graphic Arts and Creative
Studies, Athens; at the School of Fine
Arts of Athens (sculpture); and at the
School of Fine Arts, Sculpture and
Multimedia in The Hague. She has
participated in shows at Bozar Centre for Fine Arts, Brussels; National
Museum of Contemporary Art, Ath-
Museo Estatal de Arte Contemporáneo,
Salónica; Museo Benaki, Atenas, y el Centro Cultural Fundación Alexander S. Onassis, Atenas.
ens; European Media Art Festival, Osnabrück; Deste Foundation, Athens;
Neue Galerie am Landesmuseum Johanneum, Graz; Museum Fridericianum, Kassel; Macedonian Museum
Of Contemporary Art, Thessaloniki; 8th Istanbul Biennial; 6th ev+a
Limerick Biennial; 53rd International Short Film Festival Oberhausen;
11th International Architecture Biennial, Venice; Impakt Festival, Utrecht;
State Museum Of Contemporary Art,
Thessaloniki; Benaki Museum, Athens; and the Alexander S. Onassis
Foundation Cultural Center, Athens.
Nocturne Arabesque / Arabesco nocturno
Pola Sieverding
Un retrato de imágenes múltiples de virilidad. Escondite en un laberinto nocturno de
cuerpos, rostros, tangentes, telas, luces y
sombras. El film es a la vez un documental
y un espectáculo mágico de resonancias
hipnóticas y oníricas reflejado en la idea
de belleza. Un estudio de la intimidad de
la danza y del éxtasis, desacelerado para
contemplar.
A portrait of the multiple images of
manhood. Hide and seek in a nighttime labyrinth of bodies, faces, tangents, textiles, lights and shadows.
The film is at once documentary
and a magical spectacle of hypnotic, dreamlike resonance, reflected
in the idea of beauty. A study on
the intimacy of dance and ecstasy,
slowed down to contemplate it.
Pola Sieverding vive y trabaja en Berlín.
Sus obras rondan las cuestiones de la representación y producción de imágenes
dentro de formaciones culturales que se
definen por varios conceptos de deseo y
por procesos de identificación. La idea del
arte del retrato en términos de una lectura interpretativa de las inscripciones de la
cultura en el cuerpo humano es recurrente
en su trabajo. Estudió en la Carnegie Me-
Pola Sieverding lives and works
in Berlin. Her works address questions of representation and image
production within cultural formations
defined by various concepts of desire and identification processes.
The idea of portraiture in terms of an
interpretive reading of the inscriptions of culture in the human body
is recurrent in her work. She studied
. 217
catálogo BIM 2014
3’ 44’’ | DV PAL | Color | Estéreo / Stereo
llon University de Pittsburgh y el Instituto
Surikov de Moscú, y obtuvo su máster en
Bellas Artes en la Universidad de Artes de
Berlín en 2007. Ha exhibido en Aram Art
Gallery (Seúl), Tate Modern (Londres), Art
in General (Nueva York), Hamburger Bahnhof (Berlín), Lumiar Cité (Lisboa), Neue Gesellschaft für bildende Kunst (Berlín), Anat
Ebgi Gallery (Los Ángeles) y Lena Brüning
Galerie (Berlín), entre otros. Ha sido invitada a residencias de artista en Ramallah
(Palestina), Praga y Lisboa y como profesora visitante en la Academia Internacional de
Arte de Palestina.
at Carnegie Mellon University Pittsburgh, Surikov Institute Moscow
and attained her MFA at the University of the Arts Berlin in 2007. She
has exhibited internationally at Aram Art Gallery, Seoul (Korea); Tate
Modern, London (UK); Art in General, New York (USA); Hamburger
Bahnhof, Berlin (Germany); Lumiar
Cité, Lisbon (Portugal); Neue Gesellschaft für bildende Kunst, Berlin
(Germany); Anat Ebgi Gallery, Los
Angeles (USA); Lena Brüning Galerie, Berlin (Germany), among others.
She has been invited as an Artist in
Residence to Ramallah (Palestine),
Prague (Czech Republic) and Lisbon (Portugal) and as a visiting lecturer to the International Academy of
Art Palestine.
Apofenia / Apophenia
Lena Szankay - Eva Shin
Argentina | 2013
La apofenia es la experiencia de ver modelos o conexiones en hechos aleatorios o
datos sin sentido. No hay razones para tales conexiones, que ofrecen un claro contraste con el amor. Esto se sitúa entre la
psicosis y la creatividad. Nuestras imágenes convergerán bajo la tiranía de modelos al azar construyendo algo así como una
historia.
Apophenia is the experience of seeing patterns or connections in random facts or meaningless data.There
are no reasons for such connections,
offering a clear contrast with love. It
lies in between psychosis and creativity. Our images will converge under the tyranny of random patterns,
building something like a story
Lena Szankay nació en Buenos Aires en
1965 y vivió en Berlín entre 1989 y 2008.
Estudió fotografía en Lette Verein Berlín y
management cultural en el Instituto de Altos Estudios Sociales, Universidad de San
Martín, Argentina. Recibió el Premio Adquisición en la II Bienal de Fotografía Arte x
Arte, Buenos Aires, el Premio Adquisición
de la Asociación Argentina de Galerías de
Arte, el premio FELIFA y la publicación del
libro Mímesis. Lena obtuvo la beca para
Lena Szankay was born in Buenos
Aires in 1965. She lived in Berlin
from 1989 to 2008.
She studied photography in Lette
Verein Berlin and Cultural Management at the Institute of Higher Social
Studies, San Martín University in Argentina. She was awarded the Acquisition Prize, II Bienal de Fotografía
Arte x Arte, Buenos Aires (Argentina); the Acquisition Prize, Asociación Argentina de Galerías de Arte
Eva Shin es una artista residente en Buenos Aires. Estudió en la Escuela Nacional
de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón (IUNA). En 2002 participó en el taller del Teatro Colón sobre escenografía, de la Escuela Saulo Benavente. Realizó numerosos
talleres, por ejemplo, con Tulio de Sagastizábal, Escuelas Da Vinci, Diana Aisenberg
y Marcos López. Sus últimas exposiciones
han sido: intervención en vivo en Performaton, Museo de Arte Moderno de Buenos
Aires; Apofenia, video en colaboración con
Lena Szankay; Invisible, Buenos Aires Foto 2013; AMHO, performance audiovisual
en vivo, Salón Pueyrredón, Buenos Aires;
Performance audiovisual, Ekoparty Security Conference, Centro Cultural Konex, Buenos Aires; Instalación Ecodang para TMDG
12, trimarchidg.net, Mar del Plata; AMHO
con Lux Lindner, La Cigalle, Buenos Aires;
AMHO, Munguau Project, Feria del Libro de
Buenos Aires. El actual proyecto AMHO de
Eva Shins es un proyecto audiovisual que
fusiona música, video, mapping y performance.
(Argentina); the Publication Book
Mímesis; and the FELIFA Award.
Szankay was awarded the group
project scholarship by the Argentine
National Arts Fund, the Petrobrás
5th and 7th Edition Prizes, and the
AMEC Contemporary Photography
Prize, Caraffa Museum, Córdoba.
Her works have been shown in Argentina, Chile, Uruguay, Brazil, Peru,
Colombia, Germany (Berlin, Hamburg), Austria, Israel and Palestine.
She lives and works in Buenos Aires.
Eva Shin is an artist based in Buenos Aires. She studied at the Prilidiano Pueyrredon National School of
Arts (IUNA). In 2002 she participated in a Escuela Saulo Benavente set
design workshop at the Colón Theatre. Many other workshops e.g. with
Tulio de Sagastizabal, Escuelas Davinci, Diana Aisenberg and and Marcos Lopez followed.
Her most recent exhibitions have
been a live drawing interventions in
Performaton, Modern Art Museum
of Buenos Aires; Apophenia a video collaboration with Lena Szankay,
Invisible, Buenos Aires Foto 2013;
AMHO live audio visual performance,
Salon Pueyrredón, Buenos Aires;
Audio visual performance, Ekoparty
Security Conference, Centro Cultural Konex, Buenos Aires; Installation Ecodang for TMDG 12, trimarchidg.net, Mar del Plata (Argentina);
AMHO with Lux Lindner, La Cigalle,
Buenos Aires; AMHO, Munguau
project, Buenos Aires Book Fair; Eva
Shins current project AMHO is an
audiovisual project merging music,
video, mapping and performance.
. 219
catálogo BIM 2014
proyectos grupales del Fondo Nacional de
las Artes, los premios Petrobras ediciones
V y VII, Selección, y el premio AMEC de Fotografía Contemporánea, Museo Caraffa,
Córdoba. Sus obras han sido exhibidas en
la Argentina, Chile, Uruguay, Brasil, Perú,
Colombia, Alemania (Berlín y Hamburgo),
Austria, Israel y Palestina. Trabaja y vive en
Buenos Aires.
Kazakhstan
Nelja Stump
Subtítulos en inglés / English subtitles
Kazakhstan cuenta la historia de una mujer
y su imaginación del país donde nació. Ella
no tiene recuerdos. Imágenes técnicas, como películas, la ayudan a “reconstruir” las
imágenes de su pasado. ¿Qué relación tienen esas imágenes con sus recuerdos?
Kazakhstan tells a story of a woman and her imagination of the country where she was born. She has no
memories. Technical images like film
footage help her to ‘rebuild“ the images of her past. What relation do
these pictures have to memories?
Three Externalized Memories of a Day in my Life / Tres memorias
externalizadas de un día en mi vida
Sebastian Purfürst
La obra se basa en un experimento cinematográfico con una cámara estereoscópica
desarrollada por el Centro Alemán Aeroespacial. A diferencia de los medios ópticos
tradicionales, esta cámara, utilizando un algoritmo, produce un conjunto de datos en
3D del plano secuencia. Estos datos pueden ser vistos desde diferentes ángulos.
Por consiguiente, la perspectiva del que filma ya no es necesariamente la perspectiva
del visor. El momento filmado se realza y se
convierte en un espacio de rememoración
digital, en los límites en que los algoritmos
digitales se hacen perceptibles.
The work is based on a cinematic experiment with a stereoscopic camera developed by the German Aerospace Centre. Unlike traditional
optical media, this camera uses an
algorithm to produce a 3D data set
of the shot sequence. The cinematic 3D data set can be viewed from
different angles. The filmer’s perspective is thus not necessarily the
viewer’s perspective anymore. The
filmed moment is enhanced, becoming a digital remembrance space, on
the borders of which the digital algorithms become perceptible.
Sebastian Purfürst (1976) es un realizador y músico residente en Berlín. Trabaja
en arreglos comerciales, artísticos y académicos para medios basados en el tiempo.
Se ha centrado en particular en la intersección entre las percepciones auditiva y visual con mucha preocupación por construir
una fuerte conexión entre las dos: “Nunca
vemos la misma cosa cuando también es-
Sebastian Purfürst (1976) is a Berlin-based filmmaker and musician. He
works in commercial, artistic and academic settings for time-based media. He is particularly focused on the
intersection between audio and visual perception, and takes great pride
in engineering a strong connection
between the two: “We never see the
cuchamos, no escuchamos la misma cosa
cuando también vemos” (Michel Chion).
same thing when we also hear; we
don’t hear the same thing when we
see as well.” (Michel Chion)
Car Wash Incident - Take 7 / Incidente del lavaautos - Toma 7
Jack+Leigh Ruby
CWI-Take 7 es una única toma sin cortes
CWI - Take 7, is a single uncut take
de la instalación más larga Car Wash Incident. Inspirado por una fotografía que
Jack y Leigh Ruby hicieron en un lavadero
de autos en 1975 “para apoyar un fraude
de un seguro”, el film de los hermanos representa una narración circular que implica
una valija de plástico, una madre, su hijo y
una mujer de blusa roja, rastreados por un
hombre ominoso, todo lo cual es confundido por doppelgängers (dobles).
from the larger Car Wash Incident
installation.
Inspired by a photograph Jack+Leigh
Ruby took at a car wash in 1975 – in
support of an insurance scam– the
siblings' film enacts a circular narrative, involving a plastic bag, a mother, her son and a woman in a red
shirt, trailed by an ominous man, all
of which is confounded by doppelgängers.
Jack + Leigh Ruby pasaron sus primeros
años de carrera como artistas secretos en
América y Australia desde los años setenta hasta los años noventa. Se especializaron en facilitar fraudes en seguros fabricando sofisticados portfolios de evidencias
falsas, que a menudo incluían registros de
videos y películas de vigilancia. Finalmente
fueron arrestados en 1998 por un fraude
en el cual robaron su propia casa y estuvieron detenidos más de una década, durante la cual desarrollaron un interés por el
arte contemporáneo. Posteriormente, revaluaron sus trabajos anteriores con una nueva apreciación estética y resolvieron reinventar los más interesantes de sus films
y fotografías de los setenta y los ochenta.
Cuando preparaban su salida de prisión en
2012, los Ruby comenzaron la primera de
las series, Car Wash Incident.
Jack + Leigh Ruby spent their early career as confidence artists in
America and Australia from
the 1970s to the 1990s. They specialized in facilitating insurance
fraud, fabricating sophisticated portfolios of false evidence, often including film and video surveillance footage. Ultimately they were arrested
in 1998 for a scam in which they
robbed their own house, and were
incarcerated for more than a decade, during which they developed
an interest in contemporary art.
Subsequently they came to re-evaluate their early work with a new aesthetic appreciation and resolved to
re-invent the most intriguing of their
films and photographs from the 70s
and 80s. In preparing for their prison
release date in 2012 the Rubys set
about planning Car Wash Incident,
the first of the series.
. 221
catálogo BIM 2014
[commercial wallpaper], bauernmild
Matthias Fitz
43’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo
La serie [wallpaper comercial] explora las
formas y los flujos de la información de
los medios de comunicación y de entretenimiento electrónicos. Esos flujos se usan
como material, sacado de su contexto y de
los sistemas que los determinan, para ser
empleados en sistemas e interpretaciones
alternativos.
El material comienza como un comercial de
televisión. De la imagen original se seleccionó un pixel en cada caso, en una línea
horizontal que se extiende verticalmente lo
suficiente como para formar una franja. El
sonido del clip original no tiene alteraciones.
[wallpaper comercial] bauernmild es un comercial sin editar para pan de centeno (Roggenbrot).
Matthias Fitz nació en Bad Steben, Alemania. En 1987 completó su formación como técnico electrónico. En 1988 se mudó
a Berlín occidental. A partir de 1995 estudió comunicación visual y arte multimedia
experimental en la Universidad de Artes de
Berlín. En 2003, la profesora Maria Vedder
le entregó el título de Meisterschüler. Desde 1997 sus instalaciones de video y sonido, obras de video monocanal y fotografías
fueron exhibidas en festivales internacionales y muestras en las que recibió diversos
premios y becas para artistas.
The series [commercial wallpaper]
explores the information flows and
forms of electronic entertainment
and communication media. These
flows are used as raw material, removed from their context and deterministic systems to use for alternative systems and interpretations.
The material begins as a television
commercial. From the original image, a pixel is selected in each case
on a horizontal line that is vertically
extended so far that a vertical stripe
is formed. The sound is unchanged
from the original clip.
[commercial wallpaper] bauernmild
is an unedited commercial for rye
bread.
Matthias Fitz was born in Bad Steben, Germany. In 1987 he completed training as an electronics technician. In 1988 he moved to West
Berlin. Starting in 1995 he studied
Visual Communication and Experimental Media Art at the University
of Arts, Berlin. In 2003 he received
the title “Meisterschüler” from Maria
Vedder. Since 1997 his video and
sound installations, single-channel
video works and photography have
been shown at international festivals
and exhibitions where he has received various art grants and prizes.
Silver Patrol / Patrulla plateada
Ioannis Savvidis - Lina Theodorou
Grecia - Alemania / Greece - Germany | 2014
Silver Patrol es un video que se apropia de
la estética del reportaje de guerra televisi222 . El otro donde / The Other Where
Silver Patrol is a video work which
appropriates the aesthetics of war-
vo. Un soldado de las Naciones Unidas es
filmado mientras patrulla las calles de Berlín en la víspera de año nuevo. La impresionante cantidad de normas de celebración
implementadas de punta a punta de la ciudad pone en duda la diferencia entre espacio civil y zona de batalla, historia y espectáculo.
zone television reportage. A UN Soldier is filmed on his New Year’s Eve
patrol ride through the streets of Berlin. The impressive amount of celebratory ordinance deployed throughout the city calls into question the
distinction between civic space and
battle zone; history and spectacle.
Vienna in the Desert / Viena en el desierto
Wago Kreider
4’ 29’’ | DV PAL | Color | Estéreo / Stereo
Wago Kreider es un artista multimedial cuya obra investiga el legado histórico del cine clásico de Hollywood y su relación con
las cuestiones de lugar, paisaje y autoría. A
través de films, videos, instalaciones y performances mediáticas en vivo, interactúa
con estrategias contemporáneas de re-representación, la reconstrucción de la historia cinematográfica y los cruces de autobiografía y cine. Su obra fue proyectada en
el Museo de Arte Moderno de Nueva York,
el Festival de Cine de Rotterdam, el Festival de Cine de Londres, la Corcoran Gallery of Art de Washington D.C., Views from
the Avant-Garde, New York Film Festival y
el Festival Internacional de Cine de Viena.
Es profesor asociado de artes de los nuevos medios en Southern Illinois University
Carbondale.
Memories of a lost passion are
glimpsed in a deserted landscape. A
man and a woman argue about their
love for one another: Is it true? Did it
really happen? The vast sea of their
desire responds, and catastrophe
is redeemed. Audio quotations are
appropriated from Nicholas Ray’s
Johnny Guitar.
Wago Kreider is a media artist
whose work investigates the legacy
of classical Hollywood film history,
and its relation to issues of place,
landscape, and authorship. Through
films, videos, installations, and live
media performance, he engages
with contemporary strategies of reenactment, the reconstruction of cinematic history, and the intersections
of personal autobiography with film.
His work has screened at the Museum of Modern Art in New York, the
Rotterdam Film Festival, the London
Film Festival, the Corcoran Gallery of
Art in Washington DC, Views From
the Avant-Garde/New York Film Festival, and at the Vienna International
Film Festival. He is Associate Professor of Media Arts at Southern Illinois University Carbondale.
. 223
catálogo BIM 2014
Los recuerdos de una pasión perdida se
entrevén en un paisaje abandonado. Un
hombre y una mujer discuten sobre su
amor: ¿es verdad?, ¿sucedió realmente? El vasto mar de sus deseos responde
y se redime la catástrofe. Las citas de audio pertenecen a Johnny Guitar de Nicholas Ray.
Walking the Line / Por el buen camino
Thomas Völker
Por el buen camino fue filmado en la villa
olímpica abandonada en Berlín y se mostró como parte de una representación teatral llamada Again the Room Was Plunged
into Silence. El evento tuvo lugar en el Pit
Theatre (Barbican Centre London) en el
marco de la exhibición The Surreal House
el 10 de junio de 2010. Se puede encontrar más información en el sitio web de Barbican Centre.
Walking the Line was filmed at the
deserted Olympic Village in Berlin
and was shown as part of a theatrical performance called Again The
Room Was Plunged Into Silence.
The event took place at the Pit Theatre (Barbican Centre London) as
part of the The Surreal House’ exhibition on 10 June 2010. More information can be found at the Barbican
Centre`s website.
Thomas Völker es un artista y cineasta independiente que ha vivido y trabajado en
Alemania (Hamburgo y Berlín), España (Andalucía) y Londres. Proveniente de una
ecléctica carrera profesional y artística, su
trabajo abarca desde la pintura, la performance y la instalación hasta las imágenes
en movimiento y el sonido. Buena parte
de la obra de Völker se ocupa del fenómeno del voyeurismo, la curiosidad humana –a menudo en su manifestación morbosa– y cuestiones de transgresión más allá
de lo visible o de los límites físicos. Después de varios años de trabajar como músico (percusionista, baterista) con distintos
conjuntos de cámara y bandas de rock experimental, como los grupos de Hamburgo
PHON y Passierzettel –un colectivo de músicos y artistas que colaboraron con miembros de Faust, Amon Düül y Damo Suzuki
de Can–, Völker pasó a interesarse en Internet y los medios digitales. Como resultado de esto, se expandió a otra disciplina
y empezó como diseñador web, pero acercándose gradualmente a medios análogos
y disciplinas artísticas tradicionales como
la pintura y el dibujo. Estas se han convertido de manera progresiva en una parte importante de su trabajo. En años recientes,
Völker ha desarrollado un fuerte interés por
el cine, el video y su relación con el sonido. Durante su estadía en Londres, Völker
organizó y se ocupó del espacio Viewing /
Thomas Völker is an artist and independent filmmaker who has lived
and worked in Germany (Hamburg/
Berlin), Spain (Andalucía) and London. Coming from an eclectic professional and artistic background
his work ranges from painting, performance and installation to moving
images and sound. Much of Völker`s
work is concerned with the phenomenon of voyeurism, human curiosity
–often in its morbid manifestation–
and issues of transgression beyond
visible or physical boundaries. After
several years of working as a musician (drummer/percussionist) with
various chamber ensembles and
experimental rock bands such as
Hamburg-based groups PHON and
Passierzettel –a collective of musicians and artists who collaborated
with members of Faust, Amon Düül
and Damo Suzuki of Can– Völker became interested in digital media and
the internet. As a result he branched
out into another discipline, starting
out as a web designer, but was gradually drawn towards analogue media and traditional artistic disciplines
such as painting and drawing. These
have progressively become an important part of his work. In recent
years Völker has developed a strong
interest in film, video and their rela-
Listening junto con el cineasta Akhila Krishnan –un evento que se realiza regularmente, dedicado a exhibir la obra de cineastas
experimentales y artistas de sonido, que se
ha transformado en un foro permanente–,
un tiempo y un lugar para la discusión y el
análisis. Thomas Völker estudió en el Royal
College of Art en Londres. Actualmente vive y trabaja en Berlín.
tionship to sound. During his time in
London, Völker organized and curated the Viewing/Listening Space with
filmmaker Akhila Krishnan, a regular
event that is dedicated to showcasing the work of experimental filmmakers and sound artists, which has become a permanent forum, a time and
place for discussion and analysis.
Thomas Völker studied at the Royal
College of Art in London. He now
lives and works in Berlin.
[commercial wallpaper] Silence /
Matthias Fitz
[wallpaper comercial] Silencio es el silencio
acumulado de 148 minutos de televisión.
[commercial wallpaper] Silence is
the collected silence of 148 minutes
of television.
Where is the Black Beast? / ¿Dónde está la bestia negra?
Simon Lee-Algis Kizys
¿Dónde está la bestia negra? es un film de
34 minutos basado en Crow, The Life and
Songs of the Crow del poeta Ted Hughes.
¿Dónde está la bestia negra? comienza
con “Linaje”, un poema que sintetiza el Libro del Génesis en 21 versos y del cual
emerge Crow, el protagonista. Comienza
entonces un viaje que nos lleva desde la
catástrofe familiar de Edipo hasta la desesperada batalla de Crow con el sol. Sordo
a todo excepto a sus propios gritos, finalmente Crow (el Cuervo) vuelve a sus raíces. Desplumado y tembloroso se abre paso en la suciedad del nido.
Simon Lee trabaja en fotografía, video e
instalaciones y exhibe sus obras y parti-
Where is the Black Beast? is a 34
minute film based on Crow – The
Life and Songs of the Crow by the
poet Ted Hughes.
Where is the Black Beast? begins
with “Lineage”, a poem that abridges The Book of Genesis into 21
lines and from which the protagonist
Crow emerges.
A journey begins that takes us from
Oedipus’s family catastrophe to
Crow’s mad battle with the sun.
Deaf to all but his own cries of importance the film finally returns
Crow to his roots as, trembling
and featherless he makes his way
through the nest’s filth.
. 225
catálogo BIM 2014
5’40’’ | HD | Color | Estéreo / Stereo
cipa de residencias en diferentes países.
Su proyecto más reciente, Mother is Passing. Come at Once, una instalación cinética de pantallas múltiples, fue presentada
en la Cristin Tierney Gallery en Nueva York
en 2013. Ha realizado muestras en el Musée d’Art Contemporain de Montreal, el Tinguely Museum en Basel, el Festival de Cine de Rotterdam, el Festival Internacional
de Cine de Moscú y la Bienal de Poznan
(Polonia). Su proyecto de arte público, Bus
Obscura, se inauguró en Miami Basel (Estados Unidos) en 2004 y desde entonces
recorrió diez ciudades alrededor del mundo. Su serie de fotografías Shadow over
the Land fue presentada en exhibiciones
en Moscú, Copenhague y Londres.
Algis Kizys es artista y director de sonido, compositor y músico, residente en
Brooklyn, Nueva York. Ha tocado con bandas como Swans, Foetus, Teenage Jesus and the Jerks, Lydia Lunch/Retrovirus,
Glenn Branca, Of Cabbages and Kings, Pigface, en dúo en la radio con The Hallicrafters, así como con los músicos Nels Cline,
Carla Bozulich, Alex Hacke, Jim White y Jim
Sclavunos. Trabajó con artistas visuales
como Eve Sussman, Simon Lee y Matthew
Barney y Jonathan Bepler. También figura
en los créditos de films como Finding Forrester de Gus Van Sant, The Rape of the
Sabine Women y whiteonwhite: algorithmicnoir de Eve Sussman, Tomorrow You’re
Gone de David Jacobson y River of Fundament de Matthew Barney y Jonathan
Bepler. En teatro dirigió Krapp’s Last Tape de Samuel Beckett y Hughie de Eugene O’Neill en el Wallabout Oyster Theatre,
Brooklyn (Estados Unidos). Actualmente
forma parte de un trío del instrumento griego bouzouki y participa en la instalación
colectiva The Triangles.
Simon Lee works in photography,
video and installation making exhibitions and participating in residencies
internationally. Lee’s most recent
project Mother is Passing. Come at
Once, a multi-screen, kinetic installation was on view at Cristin Tierney Gallery in New York in 2013.
He has shown work at the Musée
d'Art Contemporain de Montreal, the
Tinguely Museum in Basel, the Rotterdam Film Festival, the Moscow
International Film Festival and the
Poznan Biennale, Poland. His public
arts project, Bus Obscura premiered
at Miami Basel (USA) in 2004 and
has since toured to over ten cities
around the world. His series of photographs Shadow over the Land
has been presented in exhibitions in
Moscow, Copenhagen and London.
Algis Kizys is sound artist / composer / musician / director residing
in Brooklyn, NY. He has performed
with bands such as Swans, Foetus,
Teenage Jesus and the Jerks,
Lydia Lunch/Retrovirus, Glenn Branca, Of Cabbages And Kings, Pigface, a short wave radio duet The
Hallicrafters, as well as with musicians Nels Cline, Carla Bozulich,
Alex Hacke, Jim White, Jim Sclavunos. He has worked with visual artists such as Eve Sussman, Simon
Lee, and Matthew Barney with Jonathan Bepler. His film credits include
Gus Van Sant’s Finding Forrester,
Eve Sussman’s The Rape of the Sabine Women and whiteonwhite: algorithmicnoir, David Jacobson’s Tomorrow You’re Gone, and Matthew
Barney/Jonathan Bepler’s River of
Fundament. He has directed, for
stage, Samuel Beckett’s Krapp’s Last
Tape and Eugene O’Neill’s Hughie
at the Wallabout Oyster Theatre,
Brooklyn. He is currently involved in
a Bouzouki trio and the installation
collective The Triangles.
Buscam No. 2
Matthias Fritsch
Este film experimental, hecho inicialmente
en Cuba, es un corto estudio de formación
y percepción de realidad virtual. Estamos
sentados en la parada de autobús en algún
lugar del trópico. De vez en cuando pasan
rectángulos negros que hacen el mismo
sonido que los vehículos. ¿Acaso son reales o solo interpretaciones? ¿Al final toda
la situación que veo es real?
This experimental film, initially made
in Cuba, is a short study of formation and perception of virtual reality:
We are sitting at a bus stop somewhere in the tropics. Occasionally
black rectangles pass, making the
same sounds as vehicles. Are they
real or just interpretations? Is finally
the whole scene I see a real one?
Matthias Fritsch vive y trabaja en Berlín.
Estudió arte medial en la Universidad de
Artes y Diseño de Karlsruhe (HfG) (Alemania) y film, bellas artes y curaduría en
Bard College, Center for Curatorial Studies
(CCS) (Nueva York, Estados Unidos). Tiene
hechos varios cortos y largometrajes, además de instalaciones basadas en medios.
En los últimos años, Fritsch se centra en
las comunidades digitales formadas en las
plataformas de video en Internet y examina
su importancia en la formación de la producción cultural contemporánea. Fritsch
traza el potencial y los límites de las prácticas culturales relacionadas a través de
la participación. En la misma medida, sus
obras no solo se muestran en ámbitos artísticos, sino también en otras plataformas
y canales de distribución.
Desde 2010 es el director artístico de la
muestra anual Moving Silence en los festivales de Berlín y de Atenas (fundada
en 2009 por Marco Brosolo y Matthias
Fritsch) y organiza otros eventos internacionales en esta plataforma para cine mudo contemporáneo.
Matthias Fritsch lives and works in
Berlin.He studied Media Art at the
University of Arts and Design Karlsruhe (HfG) in Germany and Film,
Fine Art and Curating at Bard College, Center for Curatorial Studies (CCS), New York State. He Hhs
made several short and featurelength movies, and media-based installations.
In recent years Fritsch has focused
on the digital communities formed
on internet video platforms, examining their importance in the formation of contemporary cultural production. Fritsch traces the potential
and boundaries of related cultural practices by way of participation. Correspondingly, his works
are not only shown in an art context, but he also uses other platforms and distribution channels.
Since 2010 Fritsch is the artistic director of the annual Moving Silence
Festival in Berlin and Athens (founded in 2009 by Marco Brosolo and
Matthias Fritsch) and organizes other
international events within this platform for contemporary silent films.
. 227
catálogo BIM 2014
Alemania / Germany - Cuba | 2001
3’ 17’’ | DV Cam | Color | Estéreo / Stereo
Proyección / Screening: Archivo digital / Digital Video File
Welcome to Peking / Bienvenido a Pekín
Angela Christlieb
Alemania-Estados Unidos / Germany-USA | 2014
5’ 21’’ | HD | Color | Sonido / Sound
Subtítulos en inglés / Subtitles in English
Berlín Superhero (BS) aparece en una ciudad en la que nunca estuvo antes. A primera vista, piensa que está en Pekín. Hablando en su lengua materna (alemán), trata de
orientarse preguntando a la gente en la calle. Pero nadie entiende una palabra, tampoco después de sincronizar cada línea en
chino. Su desorientación crece. ¡Bienvenido a Pekín! Tres simples maneras de cómo
extraviarse.
Angela Christlieb vive y trabaja en Viena.
Estudió videoarte y realización de cine experimental en la Academia de Bellas Artes
de Berlín con Valie Export y Heinz Emigholz. En 1997 se mudó a Nueva York gracias a una beca para artistas emergentes y
comenzó a trabajar como realizadora independiente produciendo varios cortos. Luego trabajó como manager de teatro y asistente de investigación para Anthology Film
Archives (Estados Unidos) y Filmmakers
Coop New York. En 1999 recibió una beca
del DAAD para estudiar producción cinematográfica en la universidad New School
de Nueva York y escribir y producir su primer documental, Cinemania. Desde 2001
ha colaborado con Eve Sussman y Rufus
Corporation (NYC); entre estos trabajos se
incluye The Rape of Sabine Women y whiteonwhite: algorithmicnoir. En 2007 trabajó
como artista visual en African Twintowers
de Christoph Schlingensief. En 2009 estrenó su segundo documental, Urville. Desde 2010 trabaja en el guion de Electric Girl
y Whatever Happened to Gelitin. Su nuevo
documental Naked Opera fue estrenado en
el Festival de Berlín de 2013 y obtuvo el
premio Heiner Carow.
Berlin Superhero (BS) appears in
a city he’s never been before. At
first sight he thinks he’s in Beijing.
Speaking his mother tongue (German), he tries to get oriented while
talking to people on the street. But
nobody understands a word, even
after synching every line into Chinese. His disorientation grows..
Welcome to Peking! Three simple
ways to get disoriented.
Angela Christlieb lives and works
in Vienna. Studied Video Art and Experimental Filmmaking at the Academy of Fine Arts of Berlin under Valie Export and Heinz Emigholz. In
1997, she moved to New York with
an emerging artist grant and began
working as an independent filmmaker, producing several shorts, followed by freelance work as theater
manager and research assistant for
Anthology Film Archives (USA) and
Filmmakers Coop New York (USA).
In 1999 she received a DAAD Grant
to study film production at the New
School and to write and produce
her first feature documentary Cinemania. Since 2001 she has collaborated with Eve Sussman & the
Rufus Corporation (New York), including The Rape of Sabine Women
and whiteonwhite: algorithmicnoir.
In 2007 she worked as visual artist
for Christoph Schlingensief’s African
Twintowers. In 2009 she premiered
her second feature documentary
Urville. Since 2010, she has been
working on the screenplay development of Electric Girl and Whatever
Happened to Gelitin. Her new feature documentary Naked Opera was
premiered at Berlinale 2013 and
won the first Heiner Carow Award.
Discontents / Descontentos
Abraham Hurtado
Abraham Hurtado. Performer, coreógrafo
y artista visual de Murcia que vivió en Berlín entre 2005 y 2014. Ha colaborado con
numerosos artistas visuales y compañías
de teatro y danza en España y otros países.
Junto con otros berlineses, lleva adelante la
plataforma y red artística AADK, un proyecto curatorial con miembros y artistas invitados que se dedican a actividades en los
campos de la performance, la instalación,
la música, la literatura, el video, etcétera. El
arte que producen es específico de cada
miembro del grupo, pero la configuración y
las estrategias que adoptan para sus presentaciones son desarrolladas en común
junto con artistas invitados. Desde 2012
es director artístico de Centro Negra, espacio para la investigación y creación contemporánea en Blanca, Murcia (España).
Discontents is a video taken from
the FAKEless App project , a distinctive way to approach the architectural reality of the Murcia Region
in southern Spain. Most of the construction sites and buildings appear
like a plague given to the local community as “The Promise land”. This is
the consequence of the speculation
boom up until 2008. The surrounding landscape of this area is dominated by buildings, golf resorts and
residential houses unfinished because of the economic crisis. Now
they look like ghost towns or monuments in the middle of arid, desolate landscapes. Through this journey the emotional body becomes
the contrast to the surrounding utopia. This journey was made with the
intention of sharing a perception of
isolation, individuality, abandoned
places, fears, and death –and a perception of how to deal with these
emotions in modern society.
Abraham Hurtado. Performer/choreographer/visual artist from Murcia who lived in Berlin from 2005 to
2014. He has collaborated with numerous visual artists and dance and
theatre companies in Spain and internationally. Together with other Berliners he runs the AADK art platform
and network, a curatorial project with
members and invited artists pursuing
activities in the fields of performance,
installation, music, literature, video,
etc. The art they produce is specific
to each member but the configuration
and strategies they adopt for their presentations are developed in common
with the invited artists. Since 2012 he
is the Artistic Director of Centro Negra research and contemporary creation space in Blanca, Murcia.
. 229
catálogo BIM 2014
Descontentos es un video extraído del proyecto FAKEless App, una manera peculiar
de acercarse a la realidad arquitectónica
de la región de Murcia, en el sur de España.
La mayoría de las obras en construcción y
edificios aparecen como una plaga dada a
la comunidad local como “La tierra prometida”. Esto es consecuencia del boom especulativo que tuvo lugar allí hasta 2008. El
panorama de alrededor está dominado por
edificios, campos de golf y casas residenciales sin terminar debido a la crisis económica. Esto ahora tiene la apariencia de ciudades fantasmas o monumentos en medio
de paisajes áridos y desolados. A través de
este viaje, la emoción contrasta con la utopía circundante. Este viaje fue hecho con la
intención de compartir una percepción de
aislamiento, individualidad, lugares abandonados, miedos y muerte –y una percepción de cómo lidiar con estas emociones
en la sociedad moderna.
Look Both Ways / Mira hacia ambos lados
Eva Vuillemin
Proyección / Screening:Archivo digital / Digital Video File
Durante la grabación del video, la artista
se fue desplazando hacia atrás a través de
Grand Central Station de Nueva York. Un
lugar que ha sido inscripto en la conciencia colectiva por incontables películas. El
video es puesto en reversa; sin embargo,
parecería que la artista es la única persona
que se desplaza hacia adelante a través de
la agitada estación. Solitaria y silenciosa,
hace su camino en medio de la agitación y
el bullicio. En esta obra –que fue hecha entre el tráfico sin permiso para filmar monitoreada y vigilada por policía y militares–, la
percepción de la realidad es reescrita por
el método cinematográfico de inversión.
Eva Vuillemin nació en Zúrich en 1987;
vive y trabaja en Berlín. Estudió en la Universidad de Artes de Berlín y en el Hunter College de Nueva York. Ha exhibido su
obra en varias muestras, por ejemplo, en el
Museum für Fotografie (Berlín), Frappant
(Hamburgo), KunstBuero (Berlín), Substitut (Berlín), Kunstverein (Weiden), Kantonsschule Stadelhofen (Zúrich), Message Salon (Zúrich), Projektraum Bethanien
(Berlín), Eca Scotland (Edimburgo) y 4D
(Berlín). Obtuvo un premio en Sasif y fue
invitada para una residencia de artistas en
air, Substitut (Berlín).
During the recording of the video
work, the artist was moving backwards through the New York Grand
Central Station. A place that has
been etched into the collective consciousness by countless movies.
The video is played reversed, however, so it seems as if the artist is the
only person who is moving forward
through the restless station. She
makes her way, along and silent,
through the hustle and bustle. In this
work, which was made at the traffic
hub without shooting permission,
monitored and watched by police
and military, the perception of reality
is rewritten by the cinematic method
of inversion
Eva Vuillemin was born in Zurich in
1987 and lives and works in Berlin.
She studied at the Universitaet der
Kuenste, Berlin and Hunter College,
New York. Eva Vuillemin has shown
her work in various shows, including Museum fuer Fotografie, Berlin;
Frappant, Hamburg; Kunst Buero,
Berlin; Substitut, Berin; Kunstverein Weiden, Kantonsschule Stadelhofen, Zurich; Message Salon Zurich; Projektraum Bethanien, Berlin;
ECA Scotland, Edinburgh and 4D
Berlin.
She received a award at Sasif and
was invited to an artists residency at
AIR, Substitut, Berlin.
[commercial wallpaper] Hit Swish Whoosh
Matthias Fitz
[wallpaper comercial] Hit swish whoosh
recoge las secuencias de las amplitudes
de audio más agudas de 35 publicidades.
[commercial wallpaper] hit swish
whoosh gathers the sequences of
the most high-pitched audio amplitudes of 35 commercials.
ARCHIO
Jeff Wood
Proyección / Screening: Archivo digital / Digital Video File
Subtítulos en inglés / English subtitles
ARCHIO is a pilgrimage to the mo-
sula monástica del Monte Athos, en Grecia. El antiguo y arcádico paisaje sirve tanto
de complemento como de contraste a los
mecanismos de relojería medievales y secretos del ascetismo ortodoxo. Una mitología de ciencia ficción nos conduce, más
allá del entendimiento común de la teleología monoteísta y la naturaleza del logos –o
“palabra de Dios”–, a lo profundo del espacio y el significado de la evolución tecnológica. La música original, Yawning of the
River del compositor y naturalista Stephen
Wood, se entrelaza con las grabaciones tomadas de los monjes del Athos y un relato litúrgico evocador de las letanías bíblicas
de los monjes.
nastic peninsula of Mount Athos
in Greece. The primeval, Arcadian
landscape is both a complement
and contrast to the arcane, medieval clockworks of Orthodox monasticism. A science-fiction mythology
leads us beyond the common understanding of monotheistic teleology and the nature of the Logos –or
“word of God”– into deep space and
the meaning of technological evolution. An original score, Yawning of
the River by composer and naturalist Stephen Wood is interwoven with
field recordings of Athos monks and
a liturgical narration reminiscent of
the monks’ scriptural incantations.
jeff Wood es actor, escritor y videasta residente en Brooklyn (Nueva York) y Berlín. Es
miembro fundador del grupo de cine y arte
experimental Rufus Corporation y del Wallabout Oyster Theatre Brooklyn. Jeff ha representado obras teatrales de Sam Shepard,
Cormac McCarthy, Bertolt Brecht y Eugene
O'Neill. Ha colaborado con videoartistas a
nivel internacional: Eve Sussman (Estados
Unidos), Julian Rosefeldt (Alemania), Nuno
Cera (Portugal) y Ioannis Savvidis (Grecia).
Jeff Wood is an actor, writer and
video-maker based in Brooklyn and
Berlin. He is a founding member of
the experimental film/art group Rufus Corporation and the Wallabout
Oyster Theatre Brooklyn. Jeff has
performed theatrical works by Sam
Shepard, Cormac McCarthy, Bertolt
Brecht, and Eugene O’Neill.
He has collaborated internationally
with video-artists Eve Sussman, Ju. 231
catálogo BIM 2014
ARCHIO es una peregrinación a la penín-
Sus diez años de trabajo junto a Eve
Sussman y Rufus Corporation dieron como
resultado las obras 89 Seconds at Alcazar, The Rape of the Sabine Women; whiteonwhite: algorithmicnoir; Car Wash Incident y numerosas proyecciones en todo el
mundo. Sus colaboraciones en danza-teatro incluyen Edgar (2008), Natural Habitat
(2011) y Cleavage (2012). Entre sus obras
en video se cuentan Frontier (2013), Collapsible City: A Web Series (2013), Dustbowl Burnpile (2013) y ARCHIO (2014).
Jeff ha viajado a través de regiones vírgenes y remotas de Estados Unidos, Canadá,
México, Kazajstán y Tibet. Su ensayo-diario de viaje Monuments of Fire fue publicado recientemente por el Musée d'Art Contemporain de Montreal, Canadá. En 2014
es becario de escritura de guion en la New
York Foundation of the Arts (Estados Unidos).
lian Rosefeldt, Nuno Cera, and Ioannis Savvidis.
His ten-year collaboration with Eve
Sussman and Rufus Corporation has
resulted in the works 89 Seconds
at Alcazar; The Rape of the Sabine
Women; whiteonwhite: algorithmicnoir; Car Wash Incident; and numerous screenings worldwide.
Dance-theatre collaborations include
Edgar (2008), Natural Habitat (2011),
and Cleavage (2012). Video-works
include Frontier (2013), Collapsible
City: A Web Series (2013), Dustbowl
Burnpile (2013), and ARCHIO (2014).
Jeff has traveled through remote
and wilderness regions of the United States, Canada, Mexico, Kazakhstan and Tibet. His essay/travelogue
Monuments of Fire was recently
published by Musée d'Art Contemporain de Montréal. He is a 2014
Screenwriting Fellow for the New
York Foundation of the Arts.
Recuerdos futuros / Future Memories
Una propuesta de / An idea by
Gabriel Soucheyre
Las artes digitales han aumentado nuestro
mundo al invadir todas las dimensiones de
la vida: afectiva, social, económica, médica, intelectual... Internet y los espacios virtuales han expandido nuestros horizontes,
empujado las fronteras de lo real y abierto
nuevos territorios. Los artistas, como vigilantes intuitivos o advertidos, nos dirigen
mensajes más o menos subliminales constitutivos de una conciencia y una memoria
colectivas muchas veces dotadas de predicciones. Las creaciones de Mihai Grecu exploran la brecha, los intersticios que
la naturaleza acepta allí donde la ciencia
busca la precisión, la certeza. Reynold
Reynolds se sitúa en la confrontación justamente entre la ciencia y la vivencia, la
definición y lo borroso. Jacques Perconte
va aún más lejos al desestructurar la escritura digital a través de una utilización
siempre regenerada del píxel para volver a
las fuentes de la pintura.
José ManLius y Gabriel Mascaro se cuestionan la identidad del hombre del siglo xxi
y las relaciones que mantiene con su entorno y la imagen, las imágenes.
Así, numerosos artistas, como Pierre-Jean
Giloux, François Vogel o Hugo Arcier han
recurrido a todas las posibilidades ofrecidas por el digital para desarrollar su poesía o su sensibilidad; resaltamos, a fin de
cuentas, que se trata para todos y ante todo de una mirada sensible como lo prueba
con toda su simplicidad La descente, de
Robert Croma.
The digital arts have expanded our
world by invading all dimensions
of life: personal, social, economic,
medical, intellectual… The internet
and virtual spaces have stretched
our horizons, pushed the frontiers
of what is real and opened new territories. Artists as intuitive or in-theknow lookouts send us more or less
subliminal messages made up of a
collective memory and conscience
often including predictions. Mihai
Grecu’s creations explore the gaps,
the interstices that nature accepts
while science seeks precision, certainty. Reynold Reynolds places
himself precisely at the confrontation between science and experience, definition and blur. Jacques
Perconte goes even further in destructuring digital writing through an
ever-regenerated use of the pixel to
return to the sources of painting.
José ManLius and Gabriel Mascaro
question the identity of 21st-century man and his relationship with his
surroundings and image, and with
images. So it is that numerous artists, such as Pierre-Jean Giloux,
François Vogel and Hugo Arcier
have turned to all the possibilities
that digital offers to develop their
poetry and sensibility; ultimately we
highlight that this is about everyone
and above all a sensitive perspective, as Robert Croma’s The Descent proves in all its simplicity.
. 233
catálogo BIM 2014
Videoformes
Todas estas creaciones digitales tienen en
común la utilización de herramientas que
les permiten representar una realidad imaginada, darle forma a una poesía, cuestionar ciertas bases de nuestras sociedades
en este mundo devenido en global, casi sin
límites.
La singularidad de estas obras se relaciona con la personalidad de cada artista, su
estilo, su recorrido, su experiencia de vida y
sus búsquedas. Estos “videos de artistas”
participan todos de una evolución considerable de un cine que se aleja del entretenimiento y al mismo tiempo del cine arte
y de ensayo, en el cual la vocación no es
ya la sala oscura que hemos tenido en cada ciudad y pueblo, sino que se inscribe en
un enfoque de investigación y de presentación tal que es practicada en los centros
de arte y los museos, a falta de encontrar
su propio e improbable “cine”. Estas creaciones implican un espectador y ya no un
público, ofrecen otra relación, singular, más
libre y más responsable: entramos en las
obras... o salimos.
What all these digital creations have
in common is the use of tools that
allow them to represent an imagined
reality, give form to a poem, question
certain bases of our societies in this
globalised, almost limitless world.
The singularity of these works is tied
to each artist’s personality, style, trajectory, life experience and searches. These ‘artists’ videos’ are all part
of a considerable evolution of a cinema that moves away from entertainment and at the same time art
cinema and experimental cinema, in
which the vocation is no longer the
cinema theatre that we have seen in
every city and town, but rather part
of a focus on research and presentation at art centres and museums,
in the absence of its own, unlikely
‘cinema’. These creations imply a
spectator and no longer an audience, offering another kind of relationship, singular, freer, and more responsible: we enter the works… or
we leave.
Gabriel Soucheyre Director del Festival Internacional de Artes Digitales VIDEOFORMES de Clermont-Ferrand desde 1986 y
del Archivo Digital VIDEOFORMES. Editor
de Turbulences Video (revista trimestral
de videoarte y cultura digital), curador de
la Galerie de l’Art du Temps (galería de arte basado en el tiempo). Participa en varios
eventos tanto nacionales como internacionales como curador y jurado. Profesor de
la Université Blaise Pascal, Clermont-Ferrand. Vlogger y realizador de videos.
Gabriel Soucheyre Director of VIDInternational Digital
Arts Festival in Clermont-Ferrand
since 1986, and the VIDEOFORMES
Digital Archive. Editor of Turbulences Video (video art and digital culture quarterly magazine), curator for
the Galerie de l’Art du Temps (Time
based arts gallery). Participates
in many national and international
events as curator or jury member.
Teaches at ‘Université Blaise Pascal’,
Clermont-Ferrand. Vlogger and videomaker.
234 . Recuerdos futuros / Future Memories
EOFORMES,
Centipede Sun / Sol de ciempiés
Mihai Grecu
10’ 30” | HD | Color | Estéreo / Stereo
Mihai Grecu (Rumania, 1981). Estudio arte y diseño en Rumania y Francia, prosiguió
su investigación artística en el Estudio de
Arte Contemporáneo de Fresnoy. Temas
recurrentes, como la angustia, la clonación, la alucinación, la vida urbana y la guerra, articulan el conjunto de su exploración
de los subconscientes orígenes. Estos viajes visuales y poéticos combinan técnicas
y estilos, y pueden ser vistos como proposiciones para una nueva tecnología aplicada al campo de los sueños. Sus trabajos
han sido exhibidos en numerosos festivales
(Locarno, Rotterdam, Festival de Nuevo Cine de Montreal) y exposiciones: En la noche, las imágenes, en el Grand Palais, El
laberinto de mi mente en el Cube, Video
shortlist: the Dream Machine en el Passage du Retz y Studio en la galería Les Filles
du Calvaire.
This project is the portrait of a no
man’s land. Burnt and sterile, it contains the traces of an invisible war.
While still fresh in these places of
memory, this unknown war is like a
demon from the past that has left
its mark everywhere, creating postdestruction sculptures. There are no
human combatants, only machinery:
some of it lying dead, like a scar on
the landscape; and some caught in
a mysterious choreography. The theater of post-destruction takes place
in an almost unearthly landscape,
beautiful and barren. Mountains,
desert, lakes, lie as a glimpse of infinity. But while in the outrage of destructive fire, they are left with scars,
mutilated and broken, the geography
changes, blending with an artificial
post-traumatic topography.
Mihai Grecu. (Romania, 1981). He
studied art and design in Romania
and France, and at the Fresnoy Studio of Contemporary Arts. Recurring
topics such as distress, cloning, hallucination, city life and war articulate the
whole of his exploration of subconscious beginnings. These visual and
poetic trips, mix several techniques
and styles and may be seen as propositions for a new dream-oriented technology. His work has been shown
in numerous film festivals: Locarno,
Rotterdam, Festival of New Cinema
in Montreal; and exhibitions Dans la
nuit, des images at the Grand Palais, Labyrinth of my mind at the Cube
Video Short list: the Dream Machine
at the Passage du Retz, Studio at Les
Filles du Calvaire Gallery.
. 235
catálogo BIM 2014
Este proyecto es el retrato de una tierra de
nadie. Quemada y estéril, contiene los restos de una guerra invisible. Si bien aún está
fresca en estos lugares de memoria, esta
guerra desconocida es como un demonio
del pasado que dejó sus marcas en todo
el lugar creando esculturas posdestrucción. No hay combatientes humanos, solo
maquinaria: parte de ella yace muerta, como una cicatriz del paisaje; y parte, atrapada en una coreografía misteriosa. El teatro
de la posdestrucción se lleva a cabo en un
paisaje casi sobrenatural, hermoso y estéril. Montañas, desierto, lagos yacen como
un destello de infinito. Pero mientras en la
furia del fuego destructivo quedan con cicatrices, mutiladas y rotas, la geografía
cambia, se mezcla con una topografía postraumática y artificial.
One Part Seven / Uno parte siete
Reynold Reynolds
Estados Unidos - Italia / USA - Italy | 2014
6’ | HD, 16 mm y fotografía digital / HD, 16 mm & digital stills | Color | Estéreo / Stereo
“Los verdaderos contornos de los cuerpos
opacos nunca se ven con extrema precisión”.
Leonardo da Vinci
One Part Seven toma como punto de partida una imagen renacentista de Leonardo da
Vinci que pretende demostrar las reglas de
la perspectiva matemática lineal para retomar las cuestiones históricamente similares
de la experiencia y del yo. La obra conecta
su propia exploración de las frecuentemente problemáticas relaciones entre puntos
de vista, tecnologías visuales y las nociones de modernidad, “volver a un período
muy anterior, cuando la idea misma de una
‘tecnología de visualización’ se forjaba por
primera vez”. Ofrece el choque simultáneo
de la perspectiva lineal, la anamorfosis y el
sfumato, junto con otros modos y sistemas
visuales, comparando implícitamente revisiones tempranas del renacimiento de la
perspectiva con aquellos que fueron realizados a través de la tecnología digital. Esto plantea cuestiones relacionadas con la
posibilidad de fronteras permeables entre
objetos y entre mundos físicos y virtuales, y
revisiones radicales de las nociones de espacio y escala. Las posibilidades resultantes ofrecen nuevas concepciones del espacio y la representación que desafían a los
que sugieren que el mundo digital va a subvertir los físicos.
One Part Seven incorpora animación stop
motion conjugando instalaciones murales,
modelos y objetos construidos y performers
para investigar las ideas de espacio, tiempo, escala y percepción.
Reynold Reynolds nació en 1966 en Alaska central. Recibió un título en Física de la
Universidad de Colorado en Boulder y un
título en Bellas Artes de la School of Visual
Arts de Nueva York. Es becario del programa de la Fundación John Simon Guggen236 . Recuerdos futuros / Future Memories
“The true outlines of opaque bodies
are never seen with sharp precision”.
Leonardo da Vinci
One Part Seven takes as its point of
departure a Renaissance image that
purports to demonstrate the rules
of linear mathematical perspective,
to take up historically similar questions of experience and of self. The
work connects its own exploration
of often-troubled relationships between viewing positions, visual technologies, and notions of modernity,
“back to a far earlier period, when
the very notion of a ‘technology of
viewing’ was first being forged.” It offers a simultaneous crashing together of linear perspective, anamorphosis, and sfumato, together with other
visual modes and systems, implicitly
comparing early Renaissance revisions to perspective to those realized through digital technology.
This raises issues of the possibility of permeable boundaries among
objects and between physical and
virtual worlds, and radical revisions
of notions of space and scale. The
resultant possibilities offer new conceptions of space and representation that challenge those who suggest the digital world will subvert
the physical.
One Part Seven incorporates stop
motion animation, bringing together mural installations, constructed
models and objects, and performers
to investigate ideas of Space, Time,
Scale and Perception.
Reynold Reynolds was born in
1966 in Central Alaska. He received
a BA in Physics from the University
of Colorado at Boulder and an MFA
from the School of Visual Arts, New
heim Memorial. Su obra ha sido expuesta
en numerosas bienales, como la 4ª Bienal
de Berlín y la 3ª Bienal de Moscú, y es parte de colecciones como la del MoMA de
Nueva York y n.b.k. de Berlín. Ha proyectado sus trabajos y ha sido distinguido en
numerosos festivales, incluyendo una Mención Honorífica por The Drowning Room en
el Festival de Cine de Sundance. Entre las
residencias realizadas se cuentan la Akademie Schloss Solitude en Stuttgart y la Academia Americana en Berlín.
York. He is a recipient of the John Simon Guggenheim Memorial Foundation Fellowship. His work has been
shown in numerous biennales including the 4th Berlin Biennale and the
3rd Moscow Biennale and is included in collections such as the MoMA,
New York and n.b.k. Berlin. He has
shown and received recognition at
numerous festivals including an Honorable Mention for The Drowning
Room at the Sundance Film Festival.
His residencies include Akademie
Schloss Solitude in Stuttgart and the
American Academy in Berlin.
Puys
Jacques Perconte
Decenas de miles de años atrás, los poderes telúricos formaron las tierras de Auvernia. Una energía distintiva emana de los
“puys”. Las tierras se abren en abanico.
El tiempo es diferente, suspendido. Es un
punto de datos relativo. Esta serie de películas generativas explora las posibles modulaciones de estas imágenes mágicas. Y
a partir de los colores capturados, emergen cantidad de tonalidades que traen sucesivamente todas las estaciones de estos
paisajes.
Tens of thousands of years ago, telluric powers formed the lands of Auvergne. A distinctive energy emanates from the “puys”. The land fans
out. Time is different, suspended.
It’s a relative data point. This series of generative films explores the
possible modulations of these magical images. And from the captured
colours there emerges a number of
tonalities that bring forth all the seasons of these landscapes.
Jacques Perconte. Nacido en 1974 en
Grenoble (Francia), vive y trabaja en París. Reconocido como uno de los pioneros
del web-art en Francia, es uno de los primeros artistas en trabajar con los códecs
de compresión. Jacques hizo su debut con
web y video arte. Sus primeras películas datan de 1995 y su primeras obras de webart de 1996. La página web technart.net es
el núcleo de su trabajo y allí muestra todas
sus actividades (notas, artículos, actuaciones... la Web es interminable). Trabaja con
frecuencia con otros artistas, entre ellos
Michel Herreria (pintor), Didier Arnaudet
(poeta), Marc Em (músico), Hugo Verlinde (cineasta), Leos Carax en Holy Motors,
Jacques Perconte. Born in 1974 in
Grenoble, lives and works in Paris.
He is well known as one of the pioneers of French internet art. He
is among the first artists to have
worked on compression codecs.
Jacques made his debut with internet and video art. His first films
date from 1995 and his first internet
artworks from 1996. The website
technart.net is the core of his work,
showcasing all his activities (notes,
articles, performances... the web is
endless). He frequently works with
other artists, including Michel Herreria (painter), Didier Arnaudet (poet), Marc Em (musician), Hugo Ver. 237
catálogo BIM 2014
Jean-Benoit Dunckel, Julie Rousse, Eddie
Ladoire, Simonluca Laitempergher, Hélène Breschand, Jean-Jacques Birgé, Vincent
Segal, Antonin-Tri Huang y Jeff Mills. A pesar de que sus obras se vuelven menos y
menos teóricas, la relación entre la forma y
el fondo sigue siendo crucial. Jacques Perconte trabaja en las formas de la ficción en
diversos medios, así como realiza investigación formal, centrada en el cuerpo y el paisaje. Jacques Perconte aparentemente tiene un buen conocimiento de la tecnología,
lo que le sirve al tratar con el marco y el color. Trata de transformar la tecnología digital
en un nuevo medio, que puede ser estéticamente tan rico como cualquier otro arte
clásico.
linde (filmmaker), Léos Carax in Holy
Motors, Jean-Benoit Dunckel, Julie
Rousse, Eddie Ladoire, Simonluca
Laitempergher, Hélène Breschand,
Jean-Jacques Birgé, Vincent Segal,
Antonin-Tri Huang and Jeff Mills.
Even though his works are becoming less and less theoretical, the relation between form and substance
remains crucial. Jacques Perconte
works in forms of fiction in various
media as well as formal research
focused on the body and the landscape. Jacques Perconte apparently
has good knowledge of his technology, which helps when dealing with
frame and colour. He seeks to transform digital technology into a new
media, which can be esthetically as
rich as any other classical art.
Homme bleu / Hombre azul / Blue Man
Jose Man Lius
La silueta de un hombre misterioso aparece en la parte superior del húmedo volcán
Soufriere en Guadalupe. Este personaje
se distingue por un color azul profundo y
por la emanación de partículas generativas
multicolores para cuestionar la percepción
pública de lo “nativo”, lo otro, lo extranjero...
Este personaje se refiere a varios episodios
en la historia en que la humanidad enfrenta
el descubrimiento de población en territorios desconocidos. Es la reunión de estos
“diferentes” grupos étnicos de prácticas,
valores, creencias y lenguajes que se alejan de nuestra moral.
The silhouette of a mysterious man
appears at the top of the wet Soufriere volcano in Guadeloupe. This
character is distinguished by a deep
blue colour and emanation of multicolored generative particles to question the public perception about the
“native”, the other, the alien… This
character refers to various episodes
in history when humanity faced the
discovery of populations of unknown
territories. It is the meeting of these
ethnically “different” groups of practices, values, beliefs and language
that move away from our morals.
Jose Man Lius. Nacido en las Antillas francesas, es un artista visual que utiliza la experiencia, instalación efímera, el video y la
fotografía para brindar eventos en vivo tan
inusuales como estéticos. Surge de su trabajo una paradoja poética en la que el arte
digital y los nuevos medios se mezclan con
Jose Man Lius. Born in the French
West Indies, he is a visual artist who
uses experience, ephemeral installation, video and photography to create unusual and aesthetic events
live. A poetic paradox emerges from
his work in which digital art and new
sensaciones telúricas; una investigación que
permite experimentar lo que puede ser la
mezcla cultural constitutiva de una identidad.
media blend with telluric sensations;
research that allows to experiment in
what may be the constitutive cultural
mix of an identity.
Shrinking Cities / Ciudades encogidas
Pierre-Jean Giloux
Este viaje se inicia en Tokio y va hacia zonas suburbanas. La hibridación será central para este video ya que mezclará infinitamente la realidad y lo virtual recreando,
mediante técnicas digitales, nuevas formas
urbanas.
This journey starts in Tokyo, going
out to the suburban areas.The hybridization will be central to this video as reality and the virtual will mix
endlessly, using digital techniques
to recreate new urban forms.
Pierre-Jean Giloux. Artista y cineasta francés nacido en 1965. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Lyon (Francia) entre
1985 y 1990; en Inglaterra, en la Escuela de Bellas Artes de Cheltenham y a nivel
de maestría en la Escuela Luminy de Bellas Artes, de Marsella (Francia). Después
de haber trabajado con fotografía e instalación, Pierre-Jean Giloux comenzó a abordar
la imagen en movimiento, principalmente a
través del video. El trabajo sobre la hibridación de imágenes ha crecido orgánicamente. Podríamos llamarlo un arte de arreglo basado en los principios de asociación,
tanto a nivel de materiales como semánticos. Trabajando con imágenes compuestas, elabora escenarios, dibuja y hace sus
películas en video y con imágenes generadas por computadora. Sus proyectos multimedia integran la creación de imágenes
por computadora con poéticas y narrativas
en el formato de video digital. Una exigencia en su búsqueda de la puesta en escena
da a sus imágenes una rareza singular. Escritura hecha de acontecimientos, rebotes y
giros, teje una analogía ambigua con los videojuegos, los cómics y otras artes electrónicas. Referencias a videojuegos y al pensamiento crítico son recurrentes en la obra
de Pierre Jean Giloux. Los proyectos en cur-
Pierre-Jean Giloux. French artist
and filmmaker, born in 1965, studied at the Lyon School of Fine Art,
France 1985-1990, in England at
the Cheltenham School of Fine Art
and at Masters level at the Marseille
Luminy School of Fine Art, France.
After working in photography and installation, Pierre-Jean Giloux began
to address the moving image mainly
through video. His work on the hybridization of images has grown organically. We could call it an art of
arrangement based on the principles of association, both at material and semantic levels. Working
with composite images, he elaborates scenarios, draws and makes
his films in video and computer
graphics. His multimedia projects
integrate the the creation of poetic
computer graphics and narratives
in the format of digital video. A demand in his search for the mise en
scène gives his images a singular
strangeness. Writing made from
events rebounds and twists, weaves
an ambiguous analogy with video
games, comics and other electronic arts. Reference games and critical thinking are recurrent in the work
of Pierre Jean Giloux. Ongoing proj. 239
catálogo BIM 2014
so se vuelven a conectar con la videoinstalación, el papel de la composición sigue
siendo central en la mayoría de sus obras.
ects reconnect with the video installation, the role of the composition remains central in most of his works.
Marchant grenu / Caminando granulado / Walking Grainy
François Vogel
Una ilustración caprichosa del poema
“Marchant grenu” de Henri Michaux. Al recitar el poema, Francois Vogel “camina
granulado” en las escaleras de Montmartre,
en París.
A whimsical illustration of the poem
“Marchant grenu” by Henri Michaux.
While reciting the poem, Francois
Vogel “walks grainy” on the stairs of
Montmartre, in Paris.
François Vogel nació y se crio en Meudon,
un suburbio de París. Comenzó estudios
científicos al mismo tiempo que realizaba
obras de dibujo, pintura y animación. Después de los estudios de arte, viajó al Pacífico para cumplir el servicio militar como
tamborilero en Nueva Caledonia. De vuelta
en París, dividió su tiempo entre la fotografía (experimentos con cámara estenopeica,
fabricación de cámaras) y el video (asistente de la videoartista Dominik Barbier y
trabajo como artista de computadora en
Mikros Image). Durante veinte años, combinó su su trabajo para vivir (publicidad) con
su trabajo como autor (cortometrajes). Sus
cortometrajes han recibido numerosos premios y han sido programados en muchos
festivales (Clermont-Ferrand, Dubai, Sofía, Sapproro, Milán, Vendôme y Valence).
Al ser un inventor de cámaras, así como
un fabricante de cámaras virtual, François
Vogel es a la vez un artista y un científico.
Desde sus experimentos fotográficos hasta
sus films, juega con nuestra visión, manipula nuestra percepción de la realidad y nos
sumerge en un universo único, distorsionado como la arcilla (Cuisine, Tournis, Trois
petits chats) o fragmentado como el cristal (Rue Francis, Faux plafond, Les crabs).
François Vogel was born and raised
in Meudon in the Parisian suburbs.
He began scientific studies while
practicing drawing, painting and animation. After art studies, he travelled
to the Pacific to do his military service as a drummer in New Caledonia. Back in Paris he divided his time
between photography (experiments
with pinhole, manufacture of cameras) and video (Assisting the video artist Dominik Barbier, working
as a computer artist at Mikros image). For twenty years, he has combined his work for living (advertising)
and his work as an author (shorts).
His short films have received many
awards in festivals and have been
shown at festivals including Clermont-Ferrand, Dubai, Sofia, Sapproro, Milan, Vendôme and Valence.
Being a camera inventor as well as
a virtual camera maker, François Vogel is both an artist and a scientist.
In his photographic experiments and
film creations, he plays with our vision, manipulates our perception of
reality and immerses us in a unique
universe, distorted as clay (Cuisine,
Tournis, Trois petits chats), or fragmented as crystal (Rue Francis,
Faux plafond, Les crabs).
Hotel Episode Un / Hotel Episodio Uno / Hotel Episode One
Benjamin Nuel
Terrorista y antiterrorista –esas figuras arquetípicas de la partida actual del videojuego de guerra– son a la vez segregados en
el bucólico y relajante contexto de un magnífico hotel. Ellos están de pie, más o menos inactivos. Pasan el tiempo.
Terrorist and anti-terrorist, archetypal figures of the current video war
game, are both segregated in the
bucolic and relaxing backdrop of a
magnificent hotel. There they stand,
more or less idle. They pass the time.
Benjamin Nuel. Nacido en 1981, se graduó en la Escuela de Bellas Artes de Estrasburgo y en la escuela de Fresnoy. Ha
desarrollado su trabajo artístico en el campo del video y el cine. Fue distribuido y exhibido en eventos como el Festival de Cine de Locarno, el festival de cine nuevo de
Montreal y los Rencontres Internationales
Paris / Berlin / Madrid. Su pensamiento está actualmente orientado hacia formas de
narrativa no lineal y utiliza imágenes 3D en
tiempo real y códigos de videojuego. Acaba de terminar una obra digital, Hotel. Inspirado por la mecánica y la estética de la
guerra en videojuegos, se apoya en recursos del orden de la fascinación, la curiosidad y la frustración en una forma antiespectacular. Están, como en el resto de su
producción artística, las cuestiones de la
utopía y la supervivencia, un cierto gusto
por la deriva y el deseo de explorar áreas
de fricción entre los códigos y los géneros.
Delimitar un área, construir un mundo imposible, deslizarse entre diferentes tiempos.
Benjamin Nuel. Born in 1981, graduated of the School of Fine Art of
Strasbourg and Fresnoy, has developed his artistic work in the field of
video and film, which has been distributed and exhibited at events like
the Locarno Film Festival, the New
Cinema Festival of Montreal and the
Rencontres Internationales Paris/
Berlin/Madrid. His thinking is currently geared towards forms of nonlinear narrative, using real-time 3D
and video game code. He has recently completed a digital work, Hotel. Inspired by the mechanics and
aesthetics of war in video games, it
is based on the resources of fascination, curiosity and frustration in an
anti-spectacular way. There are, as
in the rest of his artistic production,
issues of utopia and survival, a certain taste for drifting and the desire
to explore areas of friction between
codes and genres. Delineate an area, build an impossible world, sliding between different times.
La descente / El descenso / The Descent
Robert Croma
Descenso (sustantivo): el acto de moverse
hacia abajo cayendo o dejándose caer de
una pendiente descendente, o bien el de-
Descent (noun): an act of moving
downwards, dropping, or falling, a
downward slope, a moral, social, or
. 241
catálogo BIM 2014
Inglaterra / England | 2010
clive moral, social o psicológico (traducido
del Oxford English Dictionary).
psychological decline - Oxford English Dictionary.
Robert Croma es un artista visual con base en Londres. Durante varios años fue un
galardonado fotoperiodista que trabajaba
en Londres para periódicos y revistas británicos. Ha trabajado en producción de cine
y teatro y ha escrito poesía, ficción y teatro. A principios de los años noventa, comenzó a hacer películas experimentales en
la London Filmmakers Co-operative usando Super 8 y 16 mm. Una experimentación
continua a mediados de los años noventa
lo llevó a la creación de una serie de instalaciones de video que exhibió en varios
espacios públicos en el Reino Unido. En el
nuevo milenio se interesó por hacer videos
digitales y experimentales usando Internet como el espacio de una galería virtual
y perpetua. Su trabajo con el video digital
abarca aspectos de la memoria y el tiempo y persigue a los caprichos y las revelaciones del sueño y la casualidad. Alude a
las ficciones y verdades en lo cotidiano y
busca la poesía de la posibilidad. Está interesado en descubrir la historia y la narrativa poética que residen elusivamente en todos los momentos de la experiencia. Todo
es mucho más de lo que parece. Su práctica es revelar de nuevas maneras lo que está oculto. http://robertcroma.com
Robert Croma is a visual artist based
in London. For a number of years he
was an award-winning photo-journalist working in London for British
newspapers and magazines. He has
worked in film production and theatre
and has written poetry, fiction and for
the stage. In the early 1990s, he began making experimental films at the
London Filmmakers Co-operative using Super 8 and 16mm film. Continuing experimentation in the mid-1990s
led to the creation of a number of video installations which were exhibited
in several public spaces in the UK. In
the new millennium he became interested in making short, experimental
digital videos using the internet as
virtual and perpetual gallery space.
His work with digital video embraces
aspects of memory and time and pursues the vagaries and revelations of
dream and happenstance. It alludes
to fictions and truths in the everyday
and seeks out the poetry of possibility. He is interested in discovering the
story and poetic narrative that resides
elusively within all moments of experience. Everything is much more than
it seems. His practice is to reveal in
new ways that which is hidden.
Fiction 1 / Ficción 1
Hugo Arcier
Esta película de síntesis digital tiene su
punto de partida en los hechos que afectaron Japón en marzo de 2011. Reconstruye
una imagen del tsunami para devolverle a
este evento toda su veracidad, dada la profusión de imágenes tomadas de la realidad.
Una imagen limpia y sin palabras, sin expresiones, una evocación meditativa del tsunami: una quintaesencia de lo real.
This digital synthesis film is based
on events in Japan in March 2011.
It reconstructs an image of the tsunami to return all the veracity to this
event, given the profusion of images taken from reality. A clean image,
without words, without expression, a
meditative evocation of the tsunami:
a quintessence of reality.
Film realizado en CGI en 3D. Se basa en
los acontecimientos que afectaron a Japón
en marzo de 2011.
Hugo Arcier es un artista digital francés
(en realidad es un artista de “la era digital”)
que utiliza imágenes generadas por computadora en 3D de varias maneras: videos,
imágenes y esculturas. Dedicado en primer
lugar a los efectos especiales para películas, ha trabajado en numerosos proyectos
con directores reconocidos, como Roman
Polanski, Alain Resnais, Jean-Pierre Jeunet
y François Ozon. Esta profesión le ha permitido obtener un profundo conocimiento de las herramientas digitales –en particular, las imágenes gráficas en 3D–, lo que
es esencial para el nacimiento de sus proyectos. En paralelo con el trabajo comercial, desarrolla obras plásticas y reflexivas
que diseccionan meticulosamente las particularidades de este nuevo medio, el de las
imágenes 3D generadas por computadora. Sus obras artísticas se han presentado
en numerosos festivales (Videoformes, Nemo, Darklight, Bitfilms, etcétera), galerías
(Magda Danysz, Artcore, ADN, Celal, etcétera), salones de arte (Museo de Nueva
York, Le Cube, Okayama Art Center, Plateforme, etcétera) y ferias de arte contemporáneo (Slick, Show off) en todo el mundo; y
se convirtió en una figura reconocible en el
mundo del arte digital.
Film made in CGI in 3D. Based on
the events in Japan in March 2011.
Hugo Arcier is a French digital artist
(actually he is an artist of “the digital
age”) who uses 3D computer graphics in various ways: videos, prints
and sculptures. Devoted first to special effects for feature films, he has
worked on numerous projects with
prestigious directors such as Roman Polanski, Alain Resnais, JeanPierre Jeunet or François Ozon. This
profession has allowed him to gain a
deep understanding of digital tools
–in particular 3D graphic imageswhich is essential to the creation of
his projects. Along with commercial
work, he develops plastic and reflective works that meticulously dissect
the specificities of this new medium, 3D computer graphics. His artistic works have been featured in
numerous festivals (Videoformes,
Némo, Darklight, Bitfilms, etc.), galleries (Magda Danysz, Artcore, ADN,
Celal, etc.), art venues (New Museum NY, Le Cube, Okayama Art Center, Plateforme, etc.) and contemporary art fairs (Slick, Show off) around
the world, making him a recognizable figure in the world of digital art.
Souvenirs de mon passage sur Mars / Recuerdos de mi paso por
Marte / Memories of my Passing on Mars
Gabriel Mascaro
“Este video fue editado utilizando material
grabado por soldados durante la guerra de
Afganistán. Los videos fueron encontrados
en una red social frecuentada por soldados, sus familiares y curiosos.
En 2012, cerca de lo que creí sería el fin
de la ocupación militar de Afganistán y con
“This video was edited using footage recorded by soldiers during the
Afghanistan War. The videos were
found on a social networking site
frequented by soldiers, their families
and the simply curious.
In 2012, near what I thought would be
. 243
catálogo BIM 2014
el conflicto inminente en Siria, contacté a
algunos soldados estadounidenses a través de las redes sociales en un intento de
investigar los recuerdos y las imágenes registradas durante el combate. Fue entonces cuando me encontré con el material
grabado por el casco-cámara, que da la
perspectiva de un soldado del entorno, con
la cámara colocada muy cerca de la línea
de visión. Cada mes seleccionan su mejor
material y lo cuelgan online.
Al reorganizar las imágenes, propongo un
viaje a través de una guerra simbólica en la
que el enemigo es invisible y el objetivo incierto. Lo que más me interesa de esta investigación es la experiencia de un presente latente, en el cual el conflicto ya no tiene
lugar entre el soldado y el enemigo, sino en
el espacio-tiempo rarificado entre la cámara y el casco” (Gabriel Mascaro).
Gabriel Mascaro (1983) vive y trabaja en
Recife (Brasil). Su trabajo explora la negociación de las relaciones de poder en sus
más diversas formas. Abarcando el cine y
las artes visuales, su obra ha sido expuesta en el Museo de Arte Contemporáneo de
Barcelona, la Quincena Documental del
MoMA (Nueva York), La Casa Encendida
(Madrid), AB4 Athens Biennale, 32ª Panorama del Arte Brasileño en el MAM-SP, Videobrasil y en festivales de cine importantes, como Rotterdam, Oberhausen, Visions
du Réel, IDFA, Múnich, Jihlava, BAFICI, Los
Ángeles, Miami, IndieLisbon, Bratislava,
Bangkok. Su trabajo ha sido revisado en
varias revistas, incluyendo Variety (Estados Unidos) y Cahiers du Cinema (Francia). Mascaro participó en el Programa de
Residencias Artísticas Videobrasil / Videoformes (Francia) y ha sido premiado en Videobrasil con otra residencia, esta vez en el
Wexner Center for Art, Ohio (Estados Unidos).
the end of military occupation in Afghanistan and with the conflict in Syria impending, I contacted some American soldiers through social networks
in an attempt to research their memories and imagery that they recorded
during combat. That was when I came
across the helmet-cam footage, which
gives a soldier’s-eye view of the surroundings, where the camera is located very close to the true line of vision.
Every month they pick out their best
footage and post it online.
In reorganizing the images, I propose
a journey through a symbolic war in
which the enemy is invisible and the
target uncertain. What interests me
most about this research is the experience of a latent present, in which
the conflict no longer takes place
between the soldier and the enemy,
but in the rarefied space and time
between the camera and the helmet.”
Gabriel Mascaro
Gabriel Mascaro (1983) lives and
works in Recife (Brazil). His work
explores the negotiation of power
relationships in their most diverse
forms. Spanning cinema and the visual arts, his work has been shown
at the Contemporary Art Museums of
Barcelona, MoMA Documentary Fortnight, New York, La Casa Encendida,
Madrid, AB4 Athens Biennale, 32nd
Panorama of Brazilian Art at MAMSP, Videobrasil and at important film
festivals, such as Rotterdam, Oberhausen, Visions du Rèel, IDFA, Munich, Jihlava, BAFICI, Los Angeles,
Miami, IndieLisbon, Bratislava, Bangkok. His work has been reviewed in
various magazines, including Variety
(USA) and Cahiers du Cinema. Mascaro participated in the Videobrasil/
Videoformes Artist in Residence Program in France and at Videobrasil
was awarded another residency at
Wexner Center for Art, Ohio.
Cage Suite (14’ demo)
Todo el mundo sabe cuán grande e influyente fue John Cage para sus colegas
compositores. Sin embargo, su contribución a las artes escénicas y visuales es
menos conocida. En 2013, abrimos nuevos caminos siguiendo sus huellas. Sesenta años más tarde, su creación de 1952,
4’33” (273”) ha sido concebida como el
punto de partida de una aventura colaborativa aleatoria con el fin de darnos una gran
zambullida intergeneracional en nuestro
mundo digital.
Cage Suite es un video generativo que se
hará en vivo. Su duración es de unos 10 a
15 minutos, dependiendo del público presente.
Everyone knows how big and influential on his fellow composers John
Cage is. However, his contribution
on performing and visual arts is less
acknowledged. In 2013, we opened
new ways by following in his footsteps. Sixty years on, his 1952 creation, 4’33” (273”) has been conceived as the starting point of a
random and collaborative adventure
in order to take a big intergenerational dive into our digital world.
Cage Suite is a generative video
that it will be done live. Its duration
is about 10-15 minutes depending
on the audience present.
Video: Thomas Israel, Giney Ayme, Annie
Dissaux, Agathe Heron, Dale Hoyt, Sofi
Hemon-Pavelka, Lucas Bambozzi, Jose
Man Lius, Sigrid Coggins, Pierre Lobstein,
Teresa Wenberg, Victor De Fix, Alexandre
Callay, Parya Vatankhah.
. 245
catálogo BIM 2014
Sonido / Sound: Ramiro Murillo, Julie
Rousse, Gauthier Keyaerts, Theresa Wong,
Catherine Radosa, Slikk Tim, Falter Bramnik, Pierce Warnecke, Phil Fontes, Anik
Coggins, Hugo Vermandel, Julien PiedpremierI.
Hito Steyerl
Arte, control y dominación / Art, Control and Domination
Inge Stache
©Copyright Hito Steyerl, cortesía Wilfried Lentz,
Rotterdam.
Completando la instalación How not to be
seen. A fucking didactic educational .MOV
file, se muestra por primera vez en América
Latina una selección de la creación cinematográfica de Hito Steyerl, invitada por el
Goethe-Institut en el marco de la BIM. Las
películas presentadas abordan, cada una
con un estilo propio, temáticas que obsesionan a la cineasta alemana: el feminismo,
el militarismo, la influencia del poder económico sobre el mundo del arte y, sobre todo, la difusión masiva y global de las imágenes digitales.
En Lovely Andrea (Adorable Andrea, 2007),
una foto perdida es el disparador para un
viaje al mundo del bondage, el arte de atar
a alguien y ser atado. La traductora japonesa se revela como protagonista que da
respuestas a la pregunta por la libertad en
el contexto del erotismo de la dominación.
Un cementerio de aeronaves en pleno desierto californiano es el fascinante escenario de In free fall (En caída libre, 2010),
del que surgen metáforas de la crisis económica y de los mercados financieros que
se reinventan continuamente a través de la
crisis. Finalmente, en Guards (Guardias,
2012), una mezcla de performance y entrevista con guardias de un museo de Chicago, vemos cómo ellos, veteranos militares, aplican las estrategias de defensa de
su entrenamiento militar a la protección de
valiosas obras de arte.
En su conjunto, los trabajos de Steyerl ac-
Completing the installation How Not
To Be Seen. A Fucking Didactic
Educational .MOV File, this marks
the first screening in Latin America
of a selection of the film creation of
Hito Steyerl, invited by the GoetheInstitut as part of the BIM. The films
presented show, in their own way,
the different subjects that obsess
this German filmmaker: feminism,
militarism, the influence of economic
power on the art world, and above
all, the mass global diffusion of digital images.
In Lovely Andrea (2007), a lost photo triggers a journey into the world of
bondage, the art of tying and being
tied. The Japanese translator is the
protagonist who answers the question of freedom in the context of the
eroticism of domination. An aircraft
boneyard in the middle of the Californian desert is the fascinating setting for In Free Fall (2010), throwing up metaphors of economic crisis
and financial markets that continuously reinvent themselves through
crisis. Lastly in Guards (2012), a
combination of performance and interview with guards at a museum in
Chicago, we see how these military
veterans apply defence strategies
from their military training to the protection of valuable works of art.
As a whole, Steyerl’s works bring
up to date the critical analysis of the
246 . Arte, control y dominación / Art, Control and Domination
Inge Stache
Hito Steyerl nació en 1966 en Múnich,
Alemania. Es cineasta y trabaja como realizadora y autora en el campo del cine y
video documental de ensayo, media art y
videoinstalación. Se dedica desde hace
años a los medios de comunicación y al
análisis de la circulación masiva y global de
imágenes. Doctora en Filosofía por la Universidad de Viena y profesora de New Art
Media en la Universidad de Berlín, sus ensayos críticos se centran en temas como el
feminismo, el militarismo y, sobre todo, la
proliferación y difusión del conocimiento a
través de las imágenes como consecuencia de las tecnologías digitales. Como artista y documentalista participó en distintas
muestras individuales, festivales y bienales
de todo el mundo, entre otras, Documenta 12 en 2007, Bienal de Shanghai 2008,
Bienal de Taipei 2010 y Bienal de Venecia
2013. En ocasión de la Bienal de la Imagen
en Movimiento y con apoyo del Goethe-Institut, la editorial Caja Negra presenta Los
condenados de la pantalla, su primer libro
traducido al español.
Inge Stache. Directora del archivo de cine
y curadora de programación de cine en el
Goethe-Institut de Buenos Aires. Curadora
de proyectos como: retrospectiva Werner
Schroeter: superar la insoportable realidad
(2013); Harun Farocki: cuando la imagen
se revela, muestra de videoinstalaciones
y cine (2013) y de muestras de Alexander Kluge, Ulrike Ottinger, Thomas Heise,
Hartmut Bitomsky, H. J. Syberberg y otros.
Desarrollo y coordinación de diversos formatos: Contraseña Verde, coproducción
language of image from the point
of view of a generation connected
via digital networks: picking up the
dominant language of the mass media and taking it apart with their own
contradictions and with a refined
sense of humour, to then complement it with reflections that encourage the spectator to make new, revealing readings.
Inge Stache
Hito Steyerl (1966, Munich, Germany) is a filmmaker who works as
a director and author in the field of
documentary essay film and video,
media art and video installation. For
several years her work has focused
on the media and the analysis of the
mass global circulation of images. A
PhD from the University of Vienna
and a lecturer in New Art Media at
the University of Berlin, her critical
essays focus on such issues as feminism, militarism and, above all, the
proliferation and diffusion of knowledge through images as a consequence of digital technologies. As
an artist and documentarian she has
participated in individual exhibitions,
festivals and biennales all over the
world, including: Documenta 12 in
2007, the 2008 Shanghai Biennale,
the 2010 Taipei Biennale, and the
2013 Venice Biennale. On the occasion of the Biennale of the Moving
Image and with the support of the
Goethe Institut, the publishing house
Caja Negra presents The Wretched
of the Screen, her first book translated into Spanish.
Inge Stache. Film archive director and curator of the film program
at the Goethe-Institut Buenos Aires.
Her curated projects include: Werner Schroeter Retrospective: Overcoming Unbearable Reality (2013);
Harun Farocki: When the Image is
Revealed, exhibition of video installations and film (2013). Exhibitions
of Alexander Kluge, Ulrike Ottinger,
. 247
catálogo BIM 2014
tualizan el análisis crítico del lenguaje de
la imagen desde el punto de vista de una
generación conectada a través de las redes digitales: retoman el lenguaje dominante de los medios masivos y lo desarman a
partir de sus propias contradicciones y con
un humor refinado para, luego, complementarlo con reflexiones que impulsan al espectador a nuevas lecturas reveladoras.
latinoamericana de serie infantil de TV
(2011-2013); formación docente y formación de espectadores: Aprender a ver. El
cine alemán va a la escuela (2011-2013);
seminarios online: Historia y teoría del cine
alemán, francés y argentino (2002-2006).
Compilación de textos sobre cine: Crítica
de la mirada, Harun Farocki (2003), Fotografía y más allá, Heinz Emigholz (2006),
Desconfiar de las imágenes, Harun Farocki (2013). Ha participado como jurado en
festivales internacionales de cortometrajes
y documentales.
Thomas Heise, Hartmut Bitomsky,
H. J. Syberberg and others. Development and coordination of various formats: Password Green -Latin American co-production of children’s TV
series (2011-2013); Teacher training/
spectator training Learn to See. German Cinema goes to School (20112013); Online Seminars in History and Theory of German, French
and Argentine Cinema (2002-2006).
Compilation of texts on film: Critique of Perspective - Harun Farocki
(2003), Photography and Beyond Heinz Emigholz (2006), Distrusting
Images - Harun Farocki (2013). She
has sat on the jury at international
short and documentary festivals.
Guards / Guardias
Alemania - Estados Unidos / Germany - USA | 2012
Guards intercala material de archivo con
entrevistas hechas al personal de vigilancia del Art Institute of Chicago y explora las
experiencias de estos oficiales con formación militar en su rol de protectores del arte y de la nación. Desde que la industria de
la seguridad privada incorpora a los veteranos militares, estos pueden aplicar su entrenamiento de combate a tareas institucionales más dóciles. En una época en que la
inteligencia, la vigilancia, las prisiones y las
fuerzas de seguridad suelen estar a cargo
de contratistas privados, surge la pregunta
por la incidencia de la militarización y la privatización en el ámbito de intercambio simbólico propio del mundo de las artes.
Guards combines archive footage
with interviews with security staff
at the Art Institute of Chicago, exploring the experiences of these officers with military training in their
role as protectors of art and of the
nation. As the private security industry takes on military veterans, these
can apply their combat training to
gentler institutional work. In an age
when intelligence, surveillance, prisons and security forces tend to be
the responsibility of private contractors, the question arises of the incidence of militarization and privatization in the art world’s own sphere of
symbolic exchange.
248 . Arte, control y dominación / Art, Control and Domination
In Free Fall / En caída libre
Alemania - Reino Unido / Germany - United Kingdom | 2010
32’ | HDV | Color | Estéreo / Stereo
En En caída libre, un cementerio de aviones en el desierto de California es el punto
de partida para contar la historia del clima
económico actual. Distintas narrativas de
desastres aéreos dan lugar a metáforas de
la debacle económica de octubre de 2008.
Investigando la biografía de los aviones en
desuso durante la crisis económica, Steyerl revela inesperadas conexiones entre la
economía, la violencia y el espectáculo, al
tiempo que recuerda la adaptación permanente del capitalismo a la condición cambiante de los commodities y no se priva de
señalar un horizonte más allá de esta repetición interminable.
In In Free Fall, an aircraft boneyard in
the Californian desert is the starting
point for the story of the current economic climate. Different narratives of
air disasters provide metaphors for
the economic debacle of October
2008. Researching the past of aeroplanes in disuse during the economic crisis, Steyerl reveals unexpected
connections between the economy,
violence and entertainment, while remembering capitalism’s permanent
adaptation to the changing condition
of commodities, without missing the
chance to indicate a future beyond
this interminable repetition.
Lovely Andrea / Adorable Andrea
Alemania - Japón / Germany - Japan | 2007
30’ | Beta SP | Color | Estéreo / Stereo
While studying film in Tokyo in 1987,
Hito Steyerl posed on one occasion
for a series of bondage photos, a
part of the pornography industry involving tying people up with ropes.
In 2007, commissioned by documenta 12, Steyerl went in search
of those photos, visiting studios,
speaking to bondage experts and
artists. In connecting desire with being tied up, the voluntary submission
to captivity, dependence, networks
and complicity, questions arise such
as: Who is pulling the strings? Who
are the puppets? How do objects
support images?
. 249
catálogo BIM 2014
En 1987, mientras estudiaba cine en Tokio,
Hito Steyerl posó en una ocasión para una
serie de fotos bondage, una técnica de ataduras con sogas, conocida como parte de
la industria porno. En 2007 y por encargo
de Documenta 12, la cineasta va en búsqueda de esas fotos recorriendo estudios,
hablando con expertos y artistas bondage.
Al vincular el deseo con la atadura, la sujeción voluntaria con el cautiverio, las dependencias, las redes y la complicidad,
surgen preguntas como: ¿quién maneja los
hilos?, ¿quiénes son las marionetas?, ¿de
qué manera los objetos sostienen las imágenes?
Salla Tykkä
Desaparición / Disappearance
Filmes de 2000-2014
Film works 2000/2014
Comencé a trabajar con la imagen en movimiento mientras estudiaba, a mediados de
los noventa. En esa época estaba interesada especialmente en cómo las imágenes
en movimiento podían incorporar mis recuerdos y mis sueños y convertirse en parte de mi realidad. Muchos de mis trabajos
fílmicos, incluyendo Cave –trilogía (20012003)–, describen pasajes en los que tienen lugar acciones de observación introduciendo el poder de la mirada. Mi interés por
el cine crece a partir de su historia, su inmaterialidad y la relación compleja con la
psicología humana, como la capacidad de
sumergir y aislar al espectador.
Trabajar con imágenes en movimiento me
permite ubicarme a mí misma, por un lado,
en el contexto del film además de las artes
plásticas, área en la que comencé. Siento
que filmar es mi medio natural para describir el espacio entre las ideas y el mundo
material. En mis obras me centré en la imagen y su conexión con el sonido, sin usar
palabras habladas. En contraste con esto, en mi último film, Giant (2013-2014),
el audio de las entrevistas conforma el núcleo del film y después de quince años el
lenguaje entra en mi trabajo. El trabajo que
desarrollo en la actualidad seguirá explorando los huecos entre lenguaje, imagen y
ciencia.
I started working with the moving
image during my studies in the mid
90’s. During that time I was especially interested in how moving images could merge with my memories
and dreams and become part of my
reality. Many of my film works, including Cave – trilogy (2001-2003), describe passages where actions of
looking take place, introducing the
power of the gaze. My interest in
film lies in its history, its immateriality and the complex relationship with
human psychology, like the ability to
immerse and alienate the viewer.
Working with the moving image allows me to place myself partly in the
film context besides fine arts, where
my background is. I feel that film is
the natural medium for me in order to describe the space between
thoughts and the material world. In
my works I have focused on the image and its connection to sound, not
using spoken words. In contrast to
this, in my latest film Giant (20132014) audio interviews form the
core of the film and after fifteen years
language enters my work. My current
work in progress will continue exploring the gaps between language,
image and science.
Salla Tykkä es una artista visual que trabaja con cine y video desde 1996. Partici250 . Desaparición / Disappearance
Salla Tykkä is a visual artist working
with film and video since 1996. She
participated in the Venice Biennale
pó en la Bienal de Venecia de 2001. Sus
últimas exhibiciones individuales incluyen: BALTIC, Centro de Arte Contemporáneo, Newcastle (2013); Drimart Garibadi,
Estambul (2012); EX3 y Hayward Gallery
Project Space, Londres (2010). Ha participado en numerosas muestras grupales
en museos e instituciones públicas, entre otras: Musée Cantonal des Beaux-Arts,
Lausana (2013); Istanbul Museum of Modern Art, Estambul (2012); Turner Contemporary, Margate (2011); 17ª Sydney
Biennale, Museum of Contemporary Art,
Sydney (2010); Tropico-Végétal, Palais de
Tokyo, París, 2006. Sus films han sido exhibidos ampliamente en festivales internacionales de cine.
2001. Her latest solo exhibitions include: BALTIC Centre for Contemporary Art, Newcastle, 2013; Drimart
Garibadi, Istanbul, 2012; EX3 and
Hayward Gallery Project Space,
London, 2010. She has participated
in numerous group shows in museums and public institutions, including: Musée cantonal des Beaux-Arts,
Lausanne, 2013; Istanbul Museum
of Modern Art, Istanbul, 2012; Turner Contemporary, Margate, 2011,
17th Sydney Biennale, Museum of
Contemporary Art, Sydney, 2010;
Tropico-Végétal, Palais de Tokyo,
Paris, 2006. Her films have been
shown widely at International Film
Festivals.
Giant / Gigante
Finlandia / Finland | 2013-2014
Formato de proyección / Screening format: Archivo digital / Digital video file
Giant presenta a importantes gimnastas
del equipo juvenil de Rumania. Fue filmado en dos institutos de gimnasia artística
en Onesti y Deva. Una banda de sonido de
las entrevistas con los gimnastas acompaña las estructuras de su grabación.
Giant features leading gymnasts of
the Romanian youth team. The film
is shot in two boarding schools for
artistic gymnastics in Onesti and
Deva. A soundtrack of interviews
with the gymnasts accompanies and
structures the recording.
Airs Above the Ground / Aires sobre la tierra
El film se centra en el caballo Lipizzano,
cuya raza es la más antigua que existe en
Europa. Desarrollada en el siglo xvi con el
apoyo de la monarquía Habsburgo, la raza es bien conocida por su capacidad para
los ejercicios conocidos como “aires sobre
la tierra”. La obra explora la línea incierta
entre naturaleza y cultura.
The film focuses on the Lipizzaner
horse, the oldest extant pedigree
breed in Europe. Bred in the 16th century with the support of the Habsburg
monarchy, the breed is well known
for its ability for performing exercises
known as “airs above the ground”.
This piece explores the uncertain line
between nature and culture.
. 251
catálogo BIM 2014
Finlandia / Finland | 2010
Victoria
En el corto Victoria se representa un florecimiento nocturno del nenúfar gigante. La
planta cuenta la historia del colonialismo
europeo en el siglo xix y esconde en su belleza la humana necesidad de poder y dominio.
The short film Victoria depicts the
nocturnal blossoming of the giant
water lily. The plant tells the story
of European colonialism in the 19th
century and hides within its beauty
the human need for power and domination.
Zoo
2’ 26” | HD | Color | Dolby
Formato de proyección / Screening format: 35 mm
Una mujer fotografía las jaulas de un zoológico. Los animales voltean la vista hacia
ella siguiéndola con sus ojos. El voyeur y el
objeto intercambian roles. La mujer se zambulle en el agua profunda y tiene lugar un
violento juego de rugby bajo el agua. Ella
vuelve a la superficie para respirar, pero las
miradas y el visor de la cámara bloquean
su ruta de escape. Desesperada, toma una
decisión extrema.
A woman photographs zoo cages.
The animals stare back, following
her with their eyes. The voyeur and
the object change places. The woman plunges into deep water where a
game of violent underwater rugby is
taking place. She returns to the surface to breathe, but the stares and
the camera’s viewfinder block her
escape route. In desperation, she
makes an extreme decision.
Cave / Cueva
9’ 58’” | 35 mm | Color | Dolby
La mujer no tiene éxito en su trabajo. Su pala no consigue romper la dureza de la tierra. La realidad, en la que uno debe existir,
se deja atrás cuando el camino de la mujer conduce a la cueva. Dentro de la cueva,
en la oscuridad, sus manos se hunden en
la blandura del suelo. Los mineros, que son
capaces de trabajar fácilmente la dureza de
la roca, temen a la mujer. Ella retrocede y se
oculta en la oscuridad. Tiene que enfrentar
una luz vasta y cegadora antes ser capaz
de entrar en el nuevo paisaje exterior.
252 . Desaparición / Disappearance
The woman doesn’t succeed in
her work. Her shovel fails to break
the hard ground. The reality, where
one must exist, is left behind as the
woman’s path leads to the cave. Inside the cave, in the darkness, her
hands sink into the soft ground. The
miners, who are able to work on the
hard rock effortlessly, fear the woman. She draws back, and hides in
the darkness. She has to face a vast,
blinding light before being able to
enter the new landscape outside.
Thriller
8’ | 35mm | Color | Dolby
Una chica que vive en el gris del campo
otoñal pone a prueba los límites de la feminidad y de la masculinidad en sí misma. La
sensualidad que produce responsabilidad
y empatía se transforma en un acto crudo
y agresivo que sacude los bordes de la infancia.
A young girl who lives in the greyness of the autumn countryside
tests the boundaries of femininity
and masculinity within herself. The
sensuality that produces responsibility and empathy turn into a raw,
aggressive act that shakes the edges of childhood.
Lasso
3’ 48” | 35 mm | Color | Dolby
Lasso exposes a moment in a young
woman’s life, the moment when
one’s inability to face the other –or
even oneself– somehow becomes a
powerful sensation somewhere on
the edge of the unreal.
. 253
catálogo BIM 2014
Lasso expone un momento en la vida de
una mujer joven, momento en el cual la incapacidad para enfrentar al otro –o a sí
misma, incluso– logra convertirse en una
poderosa sensación en algún lugar en el
borde de lo irreal.
Luciano Zubillaga
Cosas por venir / Things to Come
Cine documental. Nunca ficción. Siempre
vulnerable y subcortical. Video comunitario
como movimiento social. De la Universidad
Central de Venezuela a Buenos Aires (tres
universidades, muchas disciplinas académicas) a Londres (Universidad de Londres). Padres artistas y militantes políticos.
Cine documental + contracultura.
Su trabajo aglutinado bajo el título Cartografías alienígenas juega con la tensión y la
relajación, con sonido e imagen, lo humano, memorias ajenas y la complejidad. Ambigüedad narrativa y visual, fragmentación,
memoria y materia oscura. La política cruza hacia la astrofísica, al multiverso del lenguaje.
Su dirección refleja un interés por abandonar los espacios o límites del control dentro del proceso de creación: celebra el
choque entre representación, participación
y abstracción. Otra lógica, en la que performers, sonidos y voces navegan el tiempo
y el espacio como una escultura (aunque
una ambigua e indeterminada). La captura
digital se funde con aparatos analógicos y
viceversa. Fuelles de fotografia, lentes de
formato medio con captura digital. Un cine de montaje y al mismo tiempo modular,
intercambiable, nunca fijo por la edición.
Luciano Zubillaga es un artista argentino
residente en Londres desde 1992. Recibió el London Artist Film and Video Awards
(LAFVA) en 2008, otorgado por Arts Council England y Film London. Recientemente
ha mostrado obra en Ann Arbor Film Fes254 . Cosas por venir / Things to Come
Documentary film. Never fiction. Always vulnerable and subcortical.
Community video as social movement. From Universidad Central de
Venezuela to Buenos Aires (three
universities, several academic disciplines) to London (University of London). Both parents artists and political
militants. Documentary film + counterculture.
His work under the generic title Alien
Cartography plays with tension and
relaxation, sound and image, the human, alien memories and complexity.
Visual and narrative ambiguity, fragmentation, memory and dark matter.
Politics crossing in to astrophysics,
to the multiverse of language.
The direction reflects an interest in
relinquishing the boundaries of control within the process of filmmaking:
celebrating the collision of representation, participation and abstraction. Another logic, where performers, sounds and voices navigate time
and space as a sculpture (albeit an
ambiguous and indefinite one). Digital recording blends with analogue
equipment, and viceversa. Photographic bellows, medium format
lenses with 5K recording and mobile
phones. A cinema of montage and at
the same time modular, interchangeable, never fixed by the edit.
Luciano Zubillaga is an Argentine
artist based in London. He grew up
in Tucuman, Buenos Aires and Ca-
tival; Festival del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, Cuba; Armory Show,
Nueva York; BFI Southbank, Whitechapel
Art Gallery, Frieze Art Fair, Londres. Es profesor titular de la materia Cine y Video Experimental en Ealing School of Art, Design
and Media, University of West London.
racas, where he studied philosophy
and arts. In 1993 he moved to London to study photography and filmmaking at Goldsmiths College, University of London. In 2008, Zubillaga
received the London Artists’ Film and
Video Awards (LAFVA). His films have
been exhibited internationally in festivals and museums including Habana
Film Festival, Ann Arbor Film Festival, Armory Show, BFI Southbank,
Frieze Art Fair and Whitechapel Art
Gallery. Zubillaga is subject leader of
Experimental Film and Video at Ealing School of Art, Design and Media,
University of West London.
Cosas por venir / Things to Come
Performance: Hannah Schygulla, Dorothea Malik, Pablo Clerici, Ana Minujin, Ramiro Birriel, Emanuel Carrizo, Wanja Malik,
Luis Mijovilcevic
Hannah Schygulla actúa como narradora en Cosas por venir, un extraño ensayo
audiovisual sobre lo mágico, la represión y
el idealismo juvenil. En un viaje entre Buenos Aires y Berlín, la secuencia del tiempo
es marcada por una partitura experimental
escrita en Tucumán en 1968 y recién estrenada en el 2012. La música explora un
teatro más allá de lo narrativo, en el que
los soportes se funden y cofunden, al igual
que lugares y personajes. Cosas por venir
es parte de una serie de tres películas-homenaje a los revolucionarios del futuro, que
todavía no han nacido, y abre una serie de
preguntas sobre la condición posthumana.
In a rare appearance, Hannah
Schygulla acts as narrator in Things
to Come, a powerful film essay
about magic, youth and the politics of idealism. A former Argentine
military unit and detention camp
serves as the location to memorialise
ghosts from the past, revolutionaries
yet to come and lovers yet to meet.
A cross-continental journey ensues
between Buenos Aires and Berlin, set against a symphonic musical composition scored by the artist’s father, composer Luis Zubillaga,
in 1968. The music explores a theatre beyond linear narrative, a kind
of fourth dimensional participation of
performers and places which continually merge into one another. Things
to Come is part of Alien Cartographies, a series of three films that celebrate idealism and militancy and at
the same time form an eclectic philosophical tour-de-force through posthuman spheres.
. 255
catálogo BIM 2014
Argentina - Alemania - Reino Unido / Argentina - Germany - UK | 2014 (estreno)
64’ | 5K - 16 mm - HD - DV | Color | Estéreo / Stereo
256 .
S p e c i a l
A c t i v i t i e s
actividades especiales
Clase magistral / Masterclass
Hito Steyerl
En los años setenta el cine combativo se
proyectaba en sindicatos y fábricas. No se
proponía ser un film ni un espectáculo sino un pre-texto para la acción (G. Taquini).
En toda proyección de La hora de los hornos un cartel con la frase de Frantz Fanon:
“Cada espectador es un cobarde o un traidor” llamaba a demoler la separación entre
cineasta y público, entre autor y productor
apuntando a crear un espacio para la acción política.
En la actualidad las películas o el videoarte más audaces se hallan en los museos,
galerías y espacios de arte en general. Se
proyectan en cubos blancos y el espectador circula por ellos independientemente
del comienzo o final del film.
¿A qué se debe esta mutación? ¿Qué ha
pasado con la percepción de la película?
¿Con la apelación al espectador a través
de las imágenes? ¿Cuál es la relación cineasta-público en este contexto?
Hito Steyerl indaga los cambios acontecidos en los últimos cincuenta años en
cuanto a las formas de presentación y recepción de un cine o videoarte dispuesto
a correr riesgos y señala un nuevo desafío
para la política cinematográfica.
En primer lugar analiza la desaparición de
la fábrica fordista de producción. Traza un
paralelismo entre la mutación de la producción en cadena a los puestos de teletrabajo y el desarrollo vertiginoso de la industria del cine con el resultante predominio y
concentración de la oferta mainstream en
un sinnúmero de salas multiplex.
Resalta el concepto implícito en la instalación de Harun Farocki Trabajadores saliendo de la fábrica: los obreros y las obreras
de la fábrica han acabado en otra: el museo, para luego profundizar que el despla-
In the 1970s, revolutionary activist
cinema was screened at trade unions
and factories. It was not intended as
a film or a spectacle, but rather a pretext for action (G. Taquini). At every
screening of The Hour of the Furnaces, a caption with Frantz Fanon’s
adage “every spectator is either a
coward or a traitor” called for the demolition of the separation between
filmmaker and audience, between author and producer, in a bid to create
a space for political action.
Today, the most daring films and video art is to be found in museums, galleries and art venues in general. They
are screened on white cubes and the
spectator works among them regardless of the film’s start or end.
How has this mutation come about?
What has happened to the perception of film, to appealing to the spectator through images? What is the
filmmaker-audience relationship in
this context?
Hito Steyerl explores the changes
that have occurred in the last fifty
years in terms of forms of presenting
and receiving a cinema or video art
willing to take risks, and indicates a
new challenge for political film.
Firstly, she analyses the disappearance of the Fordist production-style
factory. She draws a parallel between the mutation from mass production to telecommuting posts and
the vertiginous development of the
film industry with the resultant predominance and concentration of
mainstream films in innumerable multiplexes.
Steyerl highlights the concept implicit in Harún Farocki's installation
. 257
catálogo BIM 2014
¿Es el museo una fábrica? /
Is the Museum a Factory?
zamiento del cine político de la fábrica al
museo en realidad nunca tuvo lugar. Las películas nunca se fueron de las fábricas, sino que se muestran en los mismos lugares
donde estuvieron siempre: en antiguas fábricas transformadas en espacios de arte.
Aunque haya cambiado su aspecto, estos
espacios continúan siendo espacios de producción y explotación. El personal de mantenimiento, el videoblogger de smartphone,
la mujer de limpieza y el guardia de seguridad dan sobrada cuenta de ello. La nueva
fábrica social excede los límites tradicionales y se desborda hacia todos los ámbitos.
En este giro productivo incluso el espectador es transformado en obrero pues “mirar es trabajar”. Las esferas pública y privada se entremezclan en una zona difusa
de hiperproducción. Aclara su diferencia
con Jürgen Habermas en cuanto a la apreciación de la esfera pública argumentando
que el museo contemporáneo no facilita el
intercambio y que, por lo tanto, no cumple
la expectativa de una esfera pública burguesa.
Establece una clara diferenciación entre el
cine clásico y el museo en cuanto a su uso
espacial y temporal y señala que la mutación de formato de las obras cinematográficas más nuevas se interrelaciona con este
nuevo uso que se distancia de la perspectiva central clásica creando espacios multifocales.
Partiendo de las observaciones de Boris
Groys acerca del artista como fundador
soberano de la esfera pública de la exposición, Steyerl amplía el concepto a curadores, espectadores, artistas y críticos como soberanos en competencia. Y concluye
que el papel de las partes implicadas se
reduce al de obreros, imposibilitados de
lograr una visión de conjunto de todo el
proceso de producción. En lugar del sujeto-espectador-como-soberano se impone
el sujeto-espectador-como-trabajador.
Con la multiplicación de los dispositivos y
las impresiones parciales, la transparencia,
la visión de conjunto y la mirada soberana
ya no están disponibles. La mirada del espectador ya no es colectiva, es distraída y
singular, siempre incompleta y en proceso.
Workers Leaving the Factory: the
factory workers have ended up in another factory, the museum. She then
goes on to say that the displacement
of political film from the factory to
the museum never in fact happened.
Films never left the factories but are
screened at the same places where
they always were: in former factories
converted into art spaces. Although
their appearance may have changed,
these venues continue to be spaces
of production and exploitation. The
maintenance staff, the videoblogger with his smartphone, the cleaning woman and the security guard
are all clear evidence of this. The
new social factory goes beyond the
traditional boundaries and into every
realm. In this production twist even
the spectator becomes a worker as
“watching is working”. The public and
private realms are intermixed in a diffuse area of hyperproduction. Steyerl
clarifies how she differs from Jürgen
Habermas in terms of the appreciation of the public sphere, arguing that
the contemporary museum does not
facilitate an exchange, and therefore
does not meet the expectations of a
bourgeois public sphere.
Steyerl differentiates clearly between
classic cinema and the museum in
terms of its spatial and temporal use,
indicating that the mutation of the format of newer cinematographic works
is interrelated with this new use that
distances itself from the classic central perspective, creating spaces with
multiple focuses.
Starting from Boris Groys’s observations on the artist as sovereign
founder of the public sphere of the
exhibition, Steyerl broadens the concept to include curators, spectators,
artists and critics as competing sovereigns, concluding that the role of
these implied parts is reduced to that
of workers, prevented from gaining
a comprehensive view of the whole
production process. In place of the
subject-spectator-as-sovereign the
subject-spectator-as-worker imposes
itself.
258 . ¿Es el museo una fábrica? / Is the Museum a Factory?
With the multiplication of mechanisms and partial prints, transparency, the comprehensive view and the
sovereign perspective are no longer
available. The spectator’s perspective is no longer collective, it is distracted and singular, always incomplete and in progress. Steyerl trusts
that in staging this absence, the desire to be a sovereign subject will be
aroused.
If the factory is everywhere, then
there is no longer a way out. It is precisely there where the new challenge
of political cinema lies: to make the
screen through which one can leave
the museum-as-social-factory.
. 259
catálogo BIM 2014
Steyerl confía en que, a través de esta escenificación de la carencia, se active el deseo por ser sujeto soberano.
Si la fábrica está en todas partes, entonces ya no hay puerta por donde salir. Es
justamente allí donde radica el nuevo desafío del cine político: constituir la pantalla a
través de la cual se puede salir del museocomo-fábrica-social.
Taller / Workshop
Lucas Bambozzi [+ invitados / guests]
La imagen alrededor: contexto social, arquitectura
y tecnología móvil / The Image Around: social
context, architecture and mobile technology
Recorridos y mapeos afectivos para una propuesta
de intervención audiovisual de sitio específico / Affectivemapping and
routesfor a site-specific audiovisual intervention proposal
El objetivo del taller es buscar maneras entender las especificidades de un contexto
en la ciudad, conectando prácticas asociadas al arte, la comunicación y la arquitectura. La propuesta prevé el planeamiento de
formas de interacción con la ciudad a través de procedimientos audiovisuales que
se valen de recursos multidisciplinarios.
Desde la emergencia de los dispositivos
móviles asociados al GPS y el acceso permanente a Internet pasaron más de diez
años. A través de obras, textos, disertaciones, proyectos, manifiestos, eventos o debates, pasamos a convivir con experiencias
y prácticas que regresan y separan la noción de lugar. De a poco observamos cambios en la forma de pensar la trama urbana,
la topografía y las redes construidas en estos espacios, como presuposición poética
y como posibilidad para la creación artística. Prácticas que envuelven cartografías
experimentales, mapeos afectivos o simples recursos de geolocalización estimulan
formas en las que tomar las calles, como
estrategia política o para el ejercicio de una
colectividad ciudadana.
A través del acceso a medios de comunicación, las tensiones en las grandes ciudades
vienen convirtiéndose en el foco del abordaje no solamente por parte de profesionales del urbanismo, sino también por proyectos artísticos autónomos que incorporan la
ciudad y sus cuestiones en sus procesos.
El lema punk “hacelo vos mismo” parece
encajar perfectamente en los sistemas digitales asociados a recursos de movilidad.
Hoy se pueden pensar los modos de circu260 . La imagen alrededor / The Image Around
The aim of the workshop is to search
for forms and understandings of thespecificities of a city context. Connecting practices associated with art,
communication and architecture, the
proposal includes planning ways of
interacting with the city through audiovisual procedures that make use
of multidisciplinary resources.
Ten years have passed since the
emergence of GPS-linkedmobiledeviceswithpermanent Internet access.
Through works, texts, dissertations,
projects, manifestos, events and debates, wehave come to live with experiences and practices that revisit
and separatethenotion of place. Little
by little, wehaveseenchanges in the
way we conceive of theurbanspace,
thetopography and thenetworksbuiltintothesespaces, also as a poeticprinciple, as a possibility for artistic
creation. Practices that take in experimental cartographies, affectivemappingsor simple geolocalizationresourceshavestimulatedtheretaking
of thestreets, whether as a politicalstrategy, or for the purposes of citizen collectivity.
Through access to the media, tensions in majorcities are gradually becoming the focus of the approach,
not only by urban planning professionals, but also by autonomous artistic projects that incorporate the city
and its issues in their processes. The
punk slogan ‘do it yourself’ seems
to fit perfectly in the digital systems
associated with mobility resources.
Lucas Bambozzi es artista e investigador
en nuevos medios con trabajos en video, filme, instalaciones site-specific y proyectos
interactivos. Sus obras fueron exhibidas en
más de 40 países, en organizaciones como
el MoMA, ZKM, FrankfurterKunstverein, Arco Expanded Box (España), ŠKUC gallery
(Eslovenia), Museum of Modern and Contemporary Art (Rijeka, Croacia), WRO Media Art Biennale (Polonia), Centro Georges
Pompidou, Bienal de La Habana, ISEA Ruhr (Alemania), ZERO1 Biennial (EEUU), Ars
Eletrônica (Austria - con mención de honor
en 2010 y 2013), XXV Bienal de San Pablo, entre otros. Participó en festivales como el Videobrasil, É TudoVerdade, FILE,
Festival do Rio BR, Sundance y Slamdance (Estados Unidos), Impakt (Holanda), FID
Marseille, Share (Italia), XX Videoformes
(Francia), BIM (Argentina), Emoção Art.Ficial, On_OFF y varios otros. Es uno de los
curadores y creadores del Festival arte.mov
(2006-2012), del Projeto Multitude (2014)
y del Labmovel (2012-2014).
Today it is possible to conceive of
the ways of moving around and inhabiting large cities in a way that
includesmeasuredsociabilityexperiences (and even their immaterial
flows) that result in those temporary,
provisional, ephemeralmaps. This
new model of thecity, theresult of
theoverlapping of physical and virtual structures, to a certaindegree
confersmalleability to urban designs,
in anappropriation of the city for artistic thought. The idea is to stimulate the creation of embryonic projects, which could happen in stages,
in the nearfuture, and which may
expand the ways of understanding
the region where the project stake
place, promoting new forms of convergence, beyondthefield of action
of thecorporations.
Lucas Bambozzi is a new media artist and researcher with work
in video, film site-specific installations and interactive projects. His
works have been exhibited in over
40 countries, in organizations such
as MOMA, ZKM, Frankfurter Kunstverein, Arco Expanded Box (Spain),
ŠKUC gallery (Slovenia), Museum of
Modern and Contemporary Art (Rijeka, Croatia), WRO Media Art Biennale (Poland), Centre Georges
Pompidou, Bienal de La Habana,
ISEA Ruhr (Germany), ZERO1 Biennial (USA), Ars Eletrônica (Austria - with honourable mention in
2010 and 2013), 25th Bienal de
São Paulo, among others. Participated in festivals including Videobrasil, É Tudo Verdade, FILE, Festival
do Rio BR, Sundance and Slamdance (USA), Impakt (Netherlands),
FID Marseille, Share (Italy), XX Videoformes (France), BIM (Argentina),
Emoção Art.Ficial, On_OFF and various others. He is one of the curators and creators of the Festival arte.
mov (2006-2012), Projeto Multitude
(2014) and Labmovel (2012-2014).
. 261
catálogo BIM 2014
lar y habitar grandes ciudades de una manera que envuelve experiencias de sociabilidad mediadas (y sus flujos inmateriales,
inclusive) que tienen como resultado aquellas cartografías temporarias, provisorias,
efímeras. Este nuevo modelo de la ciudad,
resultante de la superposición entre estructuras físicas y virtuales, confiere maleabilidad, en cierta medida, a los diseños urbanos, en una apropiación de la ciudad para
un pensamiento artístico. La propuesta es
estimular la creación de proyectos embrionarios, que podrán desarrollarse en etapas,
en un futuro próximo, y que puedan expandir las formas de entendimiento del área en
la que los proyectos ocurren y promover
nuevas formas de convergencia, más allá
del campo de acción de las corporaciones.
Taller de revelado fílmico artesanal /
Artisanal film developing workshop
Luis Macías (Crater-Lab)
En la creación cinematográfica, todos los
procesos son controlados por los cineastas exceptuando el revelado de la película, lo que desactiva la posibilidad de experimentar e intervenir las cualidades estéticas
del tratamiento de la emulsión fílmica.
Las técnicas artesanales permiten la exploración sobre la respuesta de la luz y sus
efectos sobre los haluros de plata, en un
ejercicio de ensayo y error, que se produce en la alquimia fílmica anterior a la aparición de la imagen, así como la relación íntima que mantiene el artista con la película.
Esta posibilidad de control total sobre la
obra, y otras cuestiones, ha motivado desde hace años el nacimiento de los laboratorios independientes autogestionados por
artistas y cineastas, así como la creación
de laboratorios caseros.
En este taller de revelados artesanales
se indagará en la respuesta de la película blanco y negro en 16 mm poniendo en
práctica varios procesos de revelado de
película: el desarrollado en negativo, el reversible/inversible, alternativos con productos naturales, y alteraciones de la emulsión
para búsquedas estéticas experimentales.
Se realizará una filmación colectiva en 16
mm en blanco y negro para experimentar
con las imágenes filmadas. El taller se divide en tres sesiones; una primera, de introducción y teoría y las dos restantes, de
prácticas en un laboratorio improvisado.
Está dirigido a artistas, cineastas, estudiantes y cualquier persona interesada en la
creación audiovisual, la materialidad fílmica y los procesos artesanales de creación
y experimentación cinematográfica.
In film creation, all the processes
are controlled by the filmmakers,
with the exception of developing the
film, removing the possibility of experimenting with and influencing the
aesthetic qualities of film emulsion
treatment
Artisanal techniques make it possible to explore the response of light
and its effects on silver halides, in an
exercise of trial and error, which occurs in the film alchemy prior to the
appearance of the image, as well as
the intimate relationship that the artist has with the film.
The possibility of total control over
the work, and other questions, has
for years given rise to the birth of
independent laboratories, self-managed by artists and filmmakers, as
well as the creation of home laboratories.
In this artisanal developing workshop, we will investigate the response of black and white film in 16
mm., putting into practice various film
developing processes: developing in
negative, the reversible/inversible, alternatives with natural products, and
altering the emulsion in search of experimental aesthetics.
There will be a collective 16 mm filming in black and white to experiment
with the images filmed. The workshop is divided into three sessions,
the first for introduction and theory,
and the other two practical sessions
in an improvised laboratory.
Aimed at artists, filmmakers, students
and anyone interested in audiovisual
creation, film materiality, and the artisanal processes of cinematographic
creation and experimentation.
262 . Revelado fílmico artesanal / Artisanal film developing
Luis Macías. Artist, filmmaker, image recycler and film researcher. He
is a member of Cráter Collective and
co-founder of the artisan film laboratory Crater-Lab. His works on 8mm,
Super 8 and 16mm film formats are
conceived as film performance or
expanded cinema projects. Artistic concerns focus on two points:
physical work on cinematographic
film, conceiving each piece from its
specific videographic or cinematographic format, as well as the recycling and reinvention of new relationships between images in movement.
These proposals are conceived for
both dark room screening and white
cube performance or installation. In
parallel, Macías holds theoreticalpractical workshops, specialising
in different variants to experimental
film, found footage, cameraless film,
Super 8, artisan processes, both at
film school and at art centres and
museums. His works in the expanded cinema and performative cinema
formats have been seen at festivals
and art centres in Barcelona (Loop,
Europes, Primavera Sound, Sonar,
Mostra Súper 8), La Coruña (S8),
Bilbao (MEM), Salvador de Bahía
(Museum of Modern Art), Caracas
(National Film Archive, Museum of
Fine Arts), Quito (Cine OchoyMedio), New York (Millenium, Microscope Gallery), Los Ángeles (Echo
Park Film Center), San Francisco
(ATA Site, Crossroads Film Festival,
Cinemateque SF).
. 263
catálogo BIM 2014
Luis Macías. Artista, cineasta, reciclador de imágenes e investigador fílmico. Es
miembro de Cráter Collective y cofundador del laboratorio de cine artesanal Crater-Lab, lugar en el que filma, revela y edita
su películas. Sus obras en formato fílmico 8 mm, Super 8 y 16 mm son concebidas como proyectos de film performance
o expanded cinema. Las inquietudes artísticas se centran en dos puntos: el trabajo
físico sobre película cinematográfica concibiendo cada pieza a partir de su formato
específico videográfico o cinematográfico,
así como el reciclaje y reinvención de nuevas relaciones entre las imágenes en movimiento. Estas propuestas se conciben tanto para proyección en sala oscura como
para performance o instalación en el cubo
blanco. Paralelamente, desarrolla talleres
teórico-prácticos especializados en distintas vertientes del cine experimental, found
footage, cine sin cámara, Super 8, procesos artesanales, etcétera, tanto en escuelas de cine como en centros de arte y
museos. Sus obras en formato de cine expandido y cine performático se han visto en
festivales y centros de arte en Barcelona
(Loop, Europes, Primavera Sound, Sonar,
Mostra Súper 8), A Coruña (S8), Bilbao
(MEM), Salvador de Bahía (Museo de Arte
Moderna), Caracas (Cinemateca Nacional,
Museo Bellas Artes), Quito (Cine OchoyMedio), Nueva York (Millenium, Microscope
Gallery), Los Ángeles (Echo Park Film Center), San Francisco (ATA Site, Crossroads
Film Festival, Cinemateque SF).
SEMINARIO / Seminar
Emilio Bernini
Una teoría del cine experimental. A propósito de
Cine expandido, de Gene Youngblood /
An experimental film theory. On Gene
Youngblood’s Expanded Cinema
En el libro Cine expandido, publicado en
1970, Gene Youngblood elabora una teoría
del cine experimental, principalmente estadounidense. Si bien esa teoría se alimenta
de las teorías contemporáneas en un sincretismo singular e históricamente irrepetible, y si bien el libro mismo es parte de una
militancia estética y política para la producción de un cine “expandido” que impacte
sobre la conciencia, tiene el mérito de contribuir a una definición conceptual de lo experimental en el cine.
El objetivo del seminario es glosar esa teoría, con una visión crítica de fragmentos de
algunos de los filmes en los que se fundamenta. El proyecto del seminario es hallar,
en esa glosa y en esas visiones críticas, la
elaboración de una noción de cine experimental. Resulta de especial interés diferenciar las siguientes nociones, que suelen
intercambiarse algo indistintamente:
1. por un lado, la noción de lo experimental
(mayormente estadounidense) como una
estética audiovisual que quiere actuar sobre la conciencia individual y busca suturar la escisión del sujeto y el mundo;
2. por otro, la noción de “cine de vanguardia” (mayormente europea y latinoamericana) como una estética cinematográfica
que busca influir sobre la praxis política,
e incluso adelantarse a ella, para promover procesos de liberación colectivos y de
clase social;
3. por último, la noción de cine “moderno”
(particularmente francesa), que se opone
a un cine “clásico” de narración “transparente”, e ideológicamente dominante, y se
afirma en cambio en cierto trabajo sobre
la negatividad de la forma para promover
264 . Cine expandido / Expanded Cinema
In his 1970 book Expanded Cinema,
Gene Youngblood develops a theory
on experimental film, most of it American. Although this theory fed on
contemporary theories of a singular
and historically unrepeatable syncretism, and while the book itself is part
of an aesthetic and political militancy
for the production of an ‘expanded’
cinema that would have an impact
on awareness, it has the merit of
contributing a conceptual definition
of what experimental means in film.
The aim of this seminar is to summarise this theory, with a critical
viewing of clips from some of the
films on which the theory is founded.
The project of the seminar is to find
in that summary and in those critical
viewings the development of a notion of experimental film. It will be of
particular interest to differentiate between the following notions, which
tend to be tossed about rather indistinctly:
1. Firstly, the notion of the experimental (mostly American), as an
audiovisual aesthetic that seeks to
act on the individual consciousness
and try to sew up the split between
the subject and the world;
2. Secondly, the notion of ‘avantgarde film’ (mostly European and
Latin American) as a cinematographic aesthetic that seeks to influence political praxis and even get
ahead of it, to promote collective,
social class liberation processes;
3. Lastly, the notion of ‘modern’ film
(particular French), opposed to a
Emilio Bernini dirige la Maestría en Cine
Documental de la Universidad del Cine.
Prologó Cine expandido, de Gene Youngblood, editado por la Universidad Nacional
de Tres de Febrero. Publicó un estudio crítico sobre la obra experimental de Narcisa
Hirsch, en la edición en DVD de MQ2, y algunos ensayos sobre found footage en el
cine experimental y en el cine documental.
Dirige la revista Kilómetro 111. Ensayos
sobre Cine.
‘classic’ cinema of ‘transparent’
and ideologically dominant narrative, instead asserting itself in certain work on the negativity of the
form, to promote a liberation that
is primarily aesthetic and, subsequently, ideological.
Emilio Bernini is director of the
Master’s in Documentary Film at
the Universidad del Cine. He wrote
the prologue for the Universidad
Tres de Febrero’s edition of Gene
Youngblood’s Expanded Cinema.
He has published a critical study
on the experimental work of Narcisa
Hirsch, on the DVD edition of MQ2,
and some essays on found footage
in experimental film and documentary film. He is director of the journal
Kilómetro 111. Ensayos sobre cine.
. 265
catálogo BIM 2014
una liberación primero estética y, a posteriori, ideológica.
Presentación de libro / Book presentation
Stan Brakhage
Por un arte de la visión. Escritos esenciales /
For an Art of Vision. Essential writings
Eduntref, 2014.
Considerado globalmente como uno de los
cineastas más importantes e influyentes de
la historia, el estadounidense Stan Brakhage completó más de 350 películas que van
desde el psicodrama de principios de los
cincuenta hasta el lirismo autobiográfico, la
épica mitológica, el “documento” y el poema
cinematográfico metafórico, hasta su muerte a comienzos del siglo xxi. Para gran parte
de ellas empleó técnicas propias de cámara
en mano y montaje veloz, sobreimpresiones
múltiples, collages, abstracciones fotográficas y elaboradas pinturas directas sobre la
superficie de la película. Cineasta profundamente personal, el gran proyecto de Brakhage fue explorar la naturaleza de la luz y todas
las formas de visión abarcando al mismo
tiempo un enorme rango temático. A menudo se refería a su trabajo como “música visual” o como documentos de “pensamiento
visual en movimiento”.
A su vez, más que ningún otro cineasta de
su tiempo, Brakhage dedicó una gran parte de su obra a la escritura. La monumentalidad de su corpus cinematográfico está
acompañada por una decena de publicaciones que Brakhage dejó a lo largo del camino
como puntos de referencia a su práctica y
que terminarían siendo de referencia ineludible en relación con el estudio de las posibilidades del cine como acto creativo personal.
Alejada de la idea de una compilación representativa del rango temático de dicha
producción bibliográfica, la selección de
textos que compone Por un arte de la visión: escritos esenciales de Stan Brakhage –el primer volumen en español de sus
escritos jamás publicado– ha sido construida alrededor de la idea precisa del cine como un arte completamente visual que
atraviesa toda su producción, la mayoría
de las veces de manera dominante y otras
266 . Por un arte de la visión / For an Art of Vision
Globally considered one of the most
important and influential filmmakers
of all time, the American Stan Brakhage completed over 350 films, taking in everything from psychodrama
in the early 1950s to autobiographical lyricism, mythological epic, “document” and metaphorical cinematographic poem before his death at the
start of the 21st century. For many of
his films he used his own techniques
of hand-held camerawork and fast
cutting, multiple overprints, collages,
photographic abstractions and elaborate direct paintings on the film surface. A deeply personal filmmaker,
Brakhage’s great project was to explore the nature of light and all forms
of vision, taking in at the same time
an enormous thematic range. He often referred to his work as “visual
music” or as documents of “visual
thought in movement”.
In turn, more than any other filmmaker of his time, Brakhage dedicated
much of his work to writing. The monumentality of his film corpus is accompanied by a dozen publications
that Brakhage produced along the
way as reference points to his practice, and that would end up being of
inevitable reference in the study of
the possibilities of cinema as a personal, creative act.
Far-removed from the idea of a representative compilation of the thematic range of this bibliographical output, the selection of texts that make
up Por un arte de la visión: escritos
esenciales de Stan Brakhage –the
first volume of his writing ever published in Spanish– has been constructed around the precise idea of
film as a completely visual art run-
Stan Brakhage. Nacido en Kansas City, Missouri, en 1933, se mudó a Denver,
Colorado, a los seis años de edad. De niño fue soprano solista, soñó con ser poeta
y se graduó de la secundaria South High
School en 1951 con una beca para la universidad de Dartmouth. Luego de un semestre, abandonó las clases para dedicarse al arte; regresó a Denver y realizó su
primera película en 1952. Durante el comienzo de su vida adulta, Brakhage vivió en
San Francisco y Nueva York, donde se relacionó con otros poetas, músicos, pintores
y cineastas, como Robert Duncan, Kenneth Rexroth, John Cage, Edgard Varese, Joseph Cornell, Maya Deren y Marie Menken.
Joven “poeta-con-una-cámara”, Brakhage
no tardó en abrirse camino como un artista
cinematográfico significativo desarrollando
una forma de cine personal y lírico completamente novedosa. Brakhage se casó con
Jane Collom en 1957; desde principios de
los sesenta vivieron en Rollinsville, Colorado, realizando películas y criando a sus cinco hijos. Brakhage continuó con sus viajes
alrededor de Estados Unidos y el mundo y
se transformó en una figura central del movimiento de cine de vanguardia norteamericano. Desde 1986 vivió en Boulder, Colorado, y en 2002 se mudó a Canadá con su
segunda esposa, Marilyn, y sus dos hijos.
Brakhage dio clases en la School of the Art
Institute de Chicago y fue profesor distinguido de Estudios Cinematográficos en la
Universidad de Colorado en Boulder. Condecorado con tres títulos honorarios y numerosos premios, dictó numerosas conferencias sobre cine y arte. Escribió once
libros, incluyendo su volumen seminal de
1963, Metaphors on Vision.
ning throughout his production, most
of the time dominantly, and at other
times popping up in the least expected contexts. The twenty-one texts
that make up this anthology were
taken from the books Metaphors on
Vision, Brakhage Scrapbook: Collected Writings 1964-1980, Essential Brakhage: Selected Writings on
Filmmaking and Telling Time: Essays
of a Visionary Filmmaker.
Stan Brakhage. Born in Kansas
City, Missouri, in 1933, moved to
Denver, Colorado at the age of six.
As a child he was a soprano soloist, dreamed of being a poet, and
graduated from South High School
in 1951 with a scholarship for the
University of Dartmouth. He dropped
out after one semester to dedicate
himself to art; he returned to Denver
and made his first film in 1952. In his
early adult life, Brakhage lived in San
Francisco and New York, where he
knew other poets, musicians, painters and filmmakers, including John
Cage, Edgard Varese, Joseph Cornell, Maya Deren and Marie Menken.
A young “poet-with-a-camera”, Brakhage didn’t take long in making his
way as a significant film artist, developing an entirely new personal and
lyric form of cinema. From the early
1960s he lived with Jane Collom in
Rollinsville, Colorado, making films
and raising their five children. Brakhage continued his journeys around
the world, becoming a central figure in the American avant-garde
film movement. From 1986 he lived
in Boulder, Colorado, and in 2002
moved to Canada with his second
wife Marilyn and their two children.
Brakhage taught classes at the
School of the Art Institute in Chicago
and was a distinguished professor
of Film Studies at the University of
Colorado in Boulder. Awarded three
honorary degrees and numerous
prizes, he gave lectures and wrote
eleven books, including his seminal
1963 volume, Metaphors on Vision.
. 267
catálogo BIM 2014
irrumpiendo sorpresivamente en los contextos menos esperados. Los veintiún textos que integran esta antología fueron tomados de los libros Metaphors on Vision,
Brakhage Scrapbook: Collected Writings
1964-1980, Essential Brakhage: Selected
Writings on Filmmaking y Telling Time: Essays of a Visionary Filmmaker.
Hito Steyerl
Los condenados de la pantalla /
The Wretched of the Screen
Caja Negra, Colección Futuros Próximos, 2014.
Los condenados de la pantalla recoge una
serie de ensayos de la artista y crítica alemana Hito Steyerl escritos durante los últimos años y publicados en la revista de arte e-flux. En ellos, Steyerl interroga el tipo
de política representacional que se esconde tras los formatos de baja resolución de
la imagen digital y la imagen spam; toma
el fenómeno de las fábricas que se vuelven
museos como punto de partida para pensar cómo es que el arte contemporáneo se
convirtió en una vasta mina de explotación
basada en la mano de obra precarizada; y
traza un paralelo entre el ámbito del cine
y el de la economía a partir de la asimilación que se ha dado en los últimos años
de los procesos de producción por los de
posproducción, entre otros tópicos. Discípula del realizador Harun Farocki, la obra
de Steyerl disecciona el rol que la tecnología asume en las mutaciones de nuestra
vida cotidiana y analiza cómo ciertos proyectos artísticos colectivos trasladaron sus
esperanzas y deseos a las imágenes y las
pantallas profundizando el pasaje de una
política de la representación a una representación de la política en el siglo xxi.
The Wretched of the Screen compiles a series of essays by the German artist and critic Hito Steyerl written in recent years and
published in the art journal e-flux. In
them, Steyerl questions the type of
representational politics that hides
behind the formats of low resolution digital image and spam images.
Steyerl takes the phenomenon of
factories that become museums as
a starting point for thinking on how
it is that contemporary art became
a vast mine of exploitation based on
unskilled labour, and draws a parallel between the sphere of cinema
and that of the economy, from the
assimilation of production processes by postproduction that has occurred in recent years, among other
topics. A disciple of the director Harun Farocki, Styerl’s work dissects
the role of technology in the mutations of our everyday life and analyses how certain collective artistic
projects transferred their hopes and
desires onto images and screens,
broadening the passage of a politics
of representation and a representation of politics in the 21st century.
268 . Los condenados de la pantalla / The Wretched of the Screen
Clara Garavelli
Video experimental argentino contemporáneo.
Una cartografía crítica / Contemporary Argentine
experimental video. A critical cartography
Desde comienzos del nuevo milenio, el video experimental en la Argentina se ha propagado a gran velocidad. Lejos de ser una
producción de culto realizada por unos
pocos, como ocurría en las décadas precedentes, se ha ido popularizando y adquiriendo múltiples características. La disparidad de estéticas y de procesos de
elaboración, de referentes conceptuales,
de espacios y formas de exhibición, así como la propia mutación del video en cuanto soporte y medio, han ido problematizando las categorías de análisis y relegando
los denominados “videos experimentales”
a una zona de difícil aprehensión desde
áreas de conocimiento tradicionales. Por
ello, el presente libro se ha propuesto el
estudio sistemático, a partir de una pluralidad de miradas, de este tipo de producciones que se han ido incrementando de
forma exponencial y que dan cuenta, entre
otros, de los cambios operados tanto en
el campo de producción audiovisual como
en el escenario sociopolítico local. Se traza
así una cartografía crítica de la producción
de video experimental argentino contemporáneo considerando que tal producción se
encuentra atravesada por una realidad nacional signada por la posdictadura y por las
consecuencias políticas, sociales y económicas de la aplicación desenfrenada de
medidas neoliberales; se acota de esta
manera el corpus a aquellos trabajos que
beben del entorno y gozan de una sensibilidad política y social particular. Una investigación de gran envergadura que pretende llenar un vacío en el campo teórico
de la videocreación argentina.
Since the beginning of the new millennium, experimental video in Argentina has spread at great speed.
Far from being a cult product created by only a few, as was the case
in previous decades, it has become
popular and has acquired a wide
range of characteristics. The disparity of aesthetics and creative processes, of conceptual models, of
spaces and forms of exhibition, as
well as the mutation of video in terms
of its format and artistic medium,
have continued to make the analytical categories of experimental video
problematic, rendering traditional
modes of inquiry/fields of knowledge
insufficient in the study of these
types of works. Accordingly, this
book aims to systematically study,
from a plurality of perspectives,
these kinds of productions that have
been increased exponentially and
that illustrate, among other things,
the changes not only in the field of
audiovisual production but also in
the national socio-political context.
Hence, a critical cartography of contemporary experimental Argentine
video productions is outlined, bearing in mind that such productions
are influenced by a national reality
marked by the post-dictatorship period and by the political, social and
economic consequences of the rampant implementation of neoliberal
policies. Thus, the corpus is limited
to those works directly connected to
this context and which have a particular social and political sensibility.
This is a significant research project
that aims to fill a gap in the theoretical field of Argentine video creation.
. 269
catálogo BIM 2014
Eduntref, 2014.
Clara Garavelli. Es profesora de Estudios
Latinoamericanos en la University of Leicester (Reino Unido). Miembro del comité
editorial de Secuencias. Revista de Historia del Cine. Ha coeditado el libro Reflexiones fragmentadas: pensar los Estudios
Culturales desde España (2012) y el dossier especial sobre cine y video experimental argentino de Imagofagia (2014). Coautora de obras colectivas como The Cinema
of the Swimming Pool (2014) y Directory
of World Cinema: Argentina (2014), entre otras. Cuenta con varias publicaciones
sobre cine y cultura visual. Fue jurado del
Festival Internacional de Video Arte (FIVA
2012 y 2013, Argentina).
Clara Garavelli. Lecturer in Latin
American Studies at the University
of Leicester (UK). She is an editorial board member of the journal Secuencias. Revista de Historia del
Cine. She has co-edited the book
Reflexiones fragmentadas: pensar
los Estudios Culturales desde España (2012) and the special dossier
on experimental film and video of the
journal Imagofagia (2014). She is
co-author of collective works such
as The Cinema of the Swimming
Pool (2014) and Directory of World
Cinema: Argentina (2014), among
others. She has published extensively on film and visual culture and was
a Jury member of the International
Festival in Video Art (FIVA, 2012 and
2013, Argentina).
270 . Video experimental argentino / Argentine Experimental Video
Presentación de proyectos colectivos /
Presentation collective projects
El cine es diverso, mucho más de lo que
se comprende cuando se pronuncia rápidamente esta misma afirmación. El cine es
infinito, polimorfo, inasible. Por eso, a pesar
de la ordenada hegemonía que presenta la
idea del cine como mercancía en la industria del entretenimiento, existe un universo
definido por la heterogeneidad que subyace en condiciones confusas, desordenadas, sin un sistema que pueda definirlo.
El desarrollo de este universo es vertiginoso, su trama se compone con una dinámica
tan acelerada y compleja que las instituciones clásicas no logran acompañarla. Como
respuesta a esta realidad, surge la necesidad de espacios alternativos, con composiciones innovadoras, que puedan echar luz
–en el sentido de dar visibilidad, proponer
un orden, confrontar con la razón y formular
sentidos– para darle formas de existencia a
este cosmos visionario. No es algo nuevo,
la historia del cine independiente y experimental está plagada de emprendimientos
que resultaron de la asociación entre personas que se preguntan cómo pensar, exhibir, preservar o producir cine en su sentido
más amplio. Lo singular es la proliferación
que estos espacios han tenido en nuestro
país durante los últimos años, sobre todo
en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires,
y en la provincia de Buenos Aires. Artistas,
investigadores, técnicos y productores culturales conforman grupos de trabajo para
acercar sus miradas y generar los espacios
en los que compartirlas con el resto de la
comunidad.
Film is diverse, even more so than
what we understand when we say
that film is diverse. Film is infinite,
polymorphous, impossible to grasp.
Therefore, despite the ordered hegemony of the idea of film as a
product of the entertainment industry, there is a universe defined by
the heterogeneity that underlies it
in confused, disorderly conditions,
without a system to define it. This
universe grows vertiginously, it is
made up of such an accelerated and
complex dynamic that traditional institutions cannot keep pace with it.
In response to this reality the need
for alternative spaces arises, with
innovative compositions, shedding
some light –in the sense of making
visible, suggesting an order, confronting with reason and formulating meanings- to give forms of existence to this visionary cosmos. This
is nothing new, the history of independent and experimental cinema is
full of ventures that came about from
the association between people
who wonder how to conceive, exhibit, preserve or produce cinema in its
broadest sense. What is surprising
is the proliferation of these spaces
in Argentina in recent years, especially in the City of Buenos Aires,
and in the Province of Buenos Aires.
Artists, researchers, technicians and
cultural producers form work groups
in which they can express their perspectives and create the space to
share them with the rest of the community.
. 271
catálogo BIM 2014
ARCA / ARKHÉ / HAMBRE
proyectos colectivos / collective projects
Arca Video
Archivo y Base de datos de Video Arte Argentino /
Argentine Video Art Archive and Database
www.arcavideoargentino.com.ar
Idea, Dirección e Investigación / Idea, Direction and Research: Mariela Cantú
Colaboradoras e Investigación / Collaborators and Researchers: Laura Albañir, Fabiana
Gallegos, Maia Navas
Diseño de interfaz gráfica y plataforma / Graphic Interface and Platform Design: Francisco
Álvarez Lojo, Paula Castillo, Sebastián González Botasi y Ezequiel Rivero
Este proyecto sin fines de lucro procura
accionar una práctica de conservación, difusión y exhibición del videoarte argentino,
facilitando el acceso público a un corpus
de producción artística valiosa y sostenida, que constituye una práctica fundamental dentro de la historia del arte argentino.
Iniciado en el año 2008 y materializado en
un sitio web, Arca Video alberga más de
700 obras relevadas y más de 190 videos
disponibles en línea, que pueden ser visionados gratuitamente. Asimismo, hemos
llevado adelante diversos proyectos curatoriales, presentaciones, publicaciones y
conferencias nacionales e internacionales
procurando el intercambio y colaboración
con otros archivos y proyectos de conservación y restauración audiovisuales. A partir de la plataforma de Arca Video, procuramos la puesta en valor y el reconocimiento
del trabajo de artistas reconocidos, así como el impulso a la experimentación de nuevos realizadores y focos de producción,
posibilitando el análisis, la investigación y
la historización del video arte, dentro y fuera de la Argentina.
272 . Proyectos colectivos / Collective Projects
This non-profit project seeks to put
into practice the preservation, sharing and exhibition of Argentine video
art, facilitating access to a valuable,
sustained body of artistic production, which is a fundamental practice in the history of Argentine art.
Arca Video started out as a website in 2008, storing over 700 developed works and over 190 videos
available online, that can be viewed
free of charge. In addition, we have
produced various curatorial projects, presentations, publications
and national and international conferences, bringing about exchanges
and collaboration with other audiovisual preservation and restoration
archives and projects. Through the
Arca Video platform we seek the
restoration and recognition of renowned artists’ work, as well as encouraging experimentation by new
directors and production centres,
enabling the analysis, research and
historization of video art both in Argentina and abroad.
Colectivo Arkhé
www.colectivoarkhe.com.ar
Ver, conversar, producir un gesto, tener una
experiencia.
Las imágenes forman parte integral de
nuestras prácticas cotidianas. Los cuerpos se han hecho imagen, se han imbricado. Las imágenes y los sonidos atraviesan
nuestra experiencia con el mundo y estos
problemas deben ponerse en discusión.
Arkhé, término que da nombre a este colectivo, remite en su raíz griega (arché) a
la idea de origen. De acuerdo con las distintas edades y nombres de la tradición, el
origen es pensado en su condición dinámica, como movimiento de lo vivo que se da
entre el límite y lo ilimitado.
Arkhé intenta producir un movimiento en el
encuentro entre el acto de ver y la puesta
en palabra. Salir del cine es, entonces, entrar de otro modo, a través del gesto performativo que produce la palabra, en la que
la imagen en movimiento se encuentra con
la posibilidad de ser habitada de otro modo. Ya no es solamente la experiencia de la
proyección, sino la posibilidad de pensar y
reconstruir las imágenes, la experiencia de
ver, en otro tiempo. Volver al origen, pensar
sus límites y sus aperturas.
No se trata de enseñar a ver o de educar
la mirada, sino de poner el foco en la experiencia que las imágenes y los sonidos producen y encontrar en las palabras la posibilidad de pensar las lógicas de la sensación
como ese bascular ilimitado del sentido. Integrar las imágenes y el pensamiento en un
mundo que está por venir y que es necesario construir interminablemente. Nuestro objetivo es crear espacios de encuentro que promuevan nuevos ritmos y nuevos
cuerpos.
Watching, exchanging ideas, making
a gesture, having an experience.
Images are an integral part of our
daily life. Bodies have turned into image, they have interwoven with them.
Images and sounds go across our
experience in the world and these
questions must be discussed. Arkhé,
term after which this collective is
named, points in its Greek root (arché)
at the idea of origins.
According to the different ages and
names of the tradition, the origin is
thought in its dynamic condition, as
a movement of what is alive placed
between the boundaries and the unlimited.
Arkhé attempts at producing a movement in the meeting between the act of
seeing and the translation into words.
Coming out of the cinema is getting into it otherwise, by means of the performative gesture that language makes.
Here the moving image gathers with
the possibility of it being lived otherwise. It is not only the experience of
screening, but the possibility of thinking and reconstructing images, the
experience of seeing, in another time.
Going back to the origins, thinking
its boundaries and its opportunities.
It is not about teaching how to watch
or trained the view, but focusing
on the experience that images and
sounds produce and finding in the
language the possibility of thinking
the logics of feeling as an unlimited
swing of the senses. It is about integrating images and thoughts in a
world to be, which needs endless
building. Our aim is creating spaces
of gathering that foster new rhythms
and new bodies.
. 273
catálogo BIM 2014
Ivana Castagnetti, Gonzalo Egurza, Fabiana Gallegos,
Ariel Nahón
Hambre
www.hambrecine.com
Florencia Incarbone, Geraldine Salles Kobilanski,
Sebastián Wiedemann
Somos un observatorio y laboratorio dedicado a la investigación, diálogo y producción de pensamiento crítico y sensible por
contagio y puesta en relación con los cines experimentales. Hacemos hincapié,
con fuerte énfasis, en las expresiones latinoamericanas. Sin jerarquías y en estado
abierto, desconociendo completud alguna,
el cine que nos convoca se dice fértil a la
vez que precario, como lo son los cangrejos que habitan el manglar. Sentimos que
nuestra originalidad es nuestro hambre. Un
hambre que desestabiliza las estructuras y
formas, mina los lugares comunes y destierra los puntos de vista unívocos, porque su
manifestación es la violencia. Un hambre,
fuerza incontenible y violenta, que se margina de las normas de la industria, porque
lucha contra los condicionamientos y las
mentiras del mercado y contra la explotación del “exotismo” en geografías supuestamente “subdesarrolladas”. Este cine, como condición irrefutable, le otorga un lugar
ético y político a aquello a lo que se enfrenta. Un hambre que se experimenta, que se
dice cine experimental. Se trata de un campo expresivo que entendemos en su dimensión más abarcativa. Y eso es lo que
nos interesa: la expresión, más allá de cualquier categoría o discusión por la técnica
y el dispositivo por sí mismos. Un artista/
cineasta cuya radicalidad se expresa tanto
formal como éticamente, sin poder emanciparse entre sí. Un artista/cineasta siempre honesto e inconforme que expresa su
hambre, su estado famélico y deseo de nomadismo. Abraza su hambre y su precariedad con amor, con tal de resguardar su libertad.
274 . Proyectos colectivos / Collective Projects
We are an observatory and a laboratory dedicated to research, dialogue
and production of critical and sensitive thought by contagion and connection to experimental cinema(s).
We have a strong emphasis on Latin American expression. Without hierarchies and with an open state
of mind, disregarding any kind of
completeness, the cinema that impels us is fertile and precarious, like
the crabs that inhabit the mangrove
swamp. We feel that our originality is our hunger. A hunger that destabilizes structures and forms and
banishes univocal points of view because its manifestation is violence. A
hunger, an overwhelming force that
excludes itself from industry norms,
fighting market restrictions and lies,
against the exploitation of the “exoticism” in supposedly “underdeveloped” geographies. An irrefutable
condition of this cinema is to give an
ethical and political place to what it
faces. A hunger that has to be experienced, that calls itself experimental
cinema. It is an expressive field that
we understand in its more inclusive
dimension. And that is what we are
interested in: expression, regardless
of any category or discussion about
techniques themselves. An artist/
filmmaker whose radicalism expresses itself formally and ethically, without being capable of emancipation
between one another. Artists and
film-makers always honest and dissatisfied who express their hunger,
their famished state and nomadic
desire. Artists who embrace their
hunger and precariousness with love
to preserve their liberty.
artistas contemporáneos chilenos /
contemporary Chilean artists
Matías Allende Contador | Carol Illanes
El soporte audiovisual fue ingresando al
contexto artístico chileno, desde la década de los sesenta, con piezas realizadas
por artistas chilenos que pudieron acceder
a las tecnologías en dicha época. Pero este tipo de soporte se presentó escaso: con
una producción fundamentalmente académica, la producción artística chilena se
desenvolvía en los medios tradicionales de
realización. Ahora bien, el uso de los medios audiovisuales en Chile tuvo una explosión durante la década de los noventa. La
masificación de los aparatos técnicos y la
reconversión de las academias frente a la
apertura de un lenguaje, ahora, más globalizado, se juntaban con el regreso a la democracia, cuestiones que cambiaron profundamente los paradigmas de producción
de obra.
Sin embargo, la escena artística local actual ha explorado desde el cambio de milenio los medios audiovisuales con mayor
soltura y recepción. El interés de una nueva generación que utiliza este soporte radica en su masificación y accesibilidad, pero
también, en los altos niveles de circulación
que alcanzan, una cuestión decisiva para
escenarios artísticos como el chileno, y hoy
es un medio casi obligado de producción
de obra. Sin embargo, ¿cómo conviven estos medios con una academia que todavía
privilegia los medios tradicionales, y su enseñanza, para la reflexión de los procedimientos de producción de obra?
Con esta pregunta se iniciará un recorrido
por algunos referentes de la producción de
videoarte en la escena chilena contemporánea, a partir de los cuales puede leerse una
reinstalación de problemas como la identidad y el territorio en Latinoamérica desde
el soporte audiovisual.
Audiovisual support entered the
Chilean artistic context in the
1960s, with works created by those
Chilean artists with access to such
technologies at this time. But this
kind of support was scarce: with
a fundamentally academic output,
Chilean artistic production used
traditional means. The use of audiovisual media in Chile witnessed
a boom in the 1990s. The massification of technological equipment
and academia’s reconversion with
the opening-up of a more globalised
language, together with the return
of democracy, raised questions that
profoundly changed the models of
art production.
However, the local art scene has in
the new millennium explored audiovisual media with greater fluency
and receptiveness. A new generation’s interest in using this support
lies in its massification and accessibility, but also in the high levels
of circulation that they attain, a decisive question for art scenes such
as in Chile, since today it is virtually
an obligatory means of production.
Nonetheless, how do these media
co-exist with an academia that still
favours traditional media and the
teaching of these, for the reflection
of work production procedures?
To answer this question we will look
at some leading figures in video art
production on the Chilean scene today, from which it is possible to read
a re-emergence of problems such as
identity and territory in Latin America
from the audiovisual support.
. 275
catálogo BIM 2014
Filmando desde el valle / Filming from the valley
SEDES
MUNTREF CAC
Centro de Arte Contemporáneo. Sede: Hotel de Inmigrantes
Av. Antártida Argentina 1355 (entre Ing. José Quartino y Cecilia Grierson), Retiro.
Entrada por la Escuela de Ciencias del Mar-Apostadero Naval, Dársena Norte
http://untref.edu.ar/muntref/
XIRGU ESPACIO UNTREF
Teatro Margarita Xirgu
Chacabuco 875 (1069), Buenos Aires
http://www.espaciountref-xirgu.com.ar/
Alianza Francesa de Buenos Aires
Av. Córdoba 936/946 (1054), Buenos Aires
www.alianzafrancesa.org.ar/afba/
CCEBA
Centro Cultural de España en Buenos Aires
Paraná 1159, Buenos Aires
www.cceba.org.ar
MAMbA
Museo de Arte Moderno de Buenos Aires
Av. San Juan 350, San Telmo, Buenos Aires
http://www.museodeartemoderno.buenosaires.gob.ar/
Universidad Nacional de Tres
de Febrero (UNTREF)
Rector
Aníbal Y. Jozami
Vicerrector
Martín Kaufmann
Directora del Departamento
de Arte y Cultura
Diana B. Wechsler
Secretario de Extensión
Gabriel Asprela
MUNTREF (Museo de la Universidad
Nacional de Tres de Febrero)
Director
Aníbal Y. Jozami
Subdirectora de investigación
y curaduría
Diana B. Wechsler
Coordinación logística (ad honorem)
Marlise Ilhesca Jozami
Coordinación de producción
Sebastián Vidal Mackinson
Asociación Civil
Universidad Nacional de Tres
de Febrero (ACUNTREF)
Presidente
Mauricio de Nuñez
Vicepresidente
Jerónimo Juan Carrillo
Equipo BIM
Dirección
Andrés Denegri
Gabriela Golder
Equipo MUNTREF Centro de Arte
Contemporáneo
Coordinación de producción
Sebastián Vidal Mackinson
Coordinación técnica
Javier Plano
Coordinación técnica
Juan Manuel Quesada
Asistencia de dirección
Ariel Nahón
Asistente de registro de obras
Laura Verónica La Rocca
Producción
Jésica Rojo
Asistentes de producción
Eva Bongiovanni
María Sol Marcelloni
Producción técnica
Gonzalo Egurza
Juan Sebastián Faccio
Auxiliar
Sebastián Díaz
Coordinación de contenidos
Florencia Incarbone
Dirección de arquitectura y montaje
Gonzalo Garay
Asistencia de producción
Gabriela López
Equipo de arquitectura
Verónica Hachmann
Nadia Cox
Asistentes generales
Lucila Correa
Cristian Cutró
Vera Grimmer
Asistentes de montaje
Francisco Galán
Kevin Kripper
Diseño editorial
Marina Rainis
Diseñadoras
Tamara Ferechian
Cristina Torres
Valeria Torres
Traducciones
Daniel Tunnard
Gustavo Zappa
Alejo Magariños
Gabriela López
Corrección
Gabriela Laster
Diseño web y piezas de comunicación
Nicolás Gallo
Desarrollo web
José Casanova
Diseño de logo y web original
Siksi™
Coordinación de actividades
de educación
Valeria Traversa
Becarios
Soledad Almaraz, Alan Bini, Emanuel
Carrizo, René Cavaliere, Julieta Cejas
Sabaris, Maximiliano Cortés, Jésica Davis, Verónica Díaz, Daiana Fernández, Carolina Fontana, Miguela
García Pannelli, Julieta Gómez Blumencwejg, María Florencia Hermida,
Evelyn Higa, Gabriela Landini, Graciana Luna, Moira Mazzotta, M. Ángeles Sabljak, Luciana Tripodi
Agradecimientos
Verónica Aftalión, Diego Aguilar,
Martín Aranda, Gonzalo Arias, Ramón Avellana Vila, Ana Beiza, Mateo
Bendesky, Gonzalo Berdes, Emanuel
Bernardello, Daniel Bicino, Fabiano
Burkhard, Javier Cánepa, Natalia
Carlomagno, Abel Cassanelli, Emiliano Cavalieri, Anabella Ciana, Marcela
Continanza, Carlos Darvique, Tomás
Discovskiy, Mariano Dobrysz, Juan
Duarte Cuadrado, Jésica Garrido,
Osmar Gonzáles, Luciana González,
Reina Jara, María José Jerónimo,
Iael Korin, Jorge López, Micol Maguna, Isabella Maidanik, José Carlos
Mariátegui, Isabelle Mauhourat, María Mazza, Tamara Mesa, Tiphanie
Minquet-Villarino, Lisa Naudin, Victoria Noorthoorn, Valeria Orsi, Jesús Oyamburu, Emiliano Páez, José
Pagés, María Pardillo Álvarez, Dora
Pentimalli, Maru Prenafeta, Josep
Carles Puig Bóo, Paula Ramos, Bita
Rasoulian, Leticia Rebottaro, Solen
Rouillard, Omar Sánchez, Maren
Schiefelbein, Fanny Shaefers, Bruno
Simonín, Sergio Smiroldo, Inge Stache, Eduardo Suárez, Alicia Todesca,
Beatriz Ventura, Emanuel Villamayor,
Mercedes Viviani, Ana Zagha.

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Transcripción

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