el catálogo de FIDOCS 2013

Transcripción

Colaboradores
Internacionales
Colaboradores
Nacionales
International partners
Local partners
·Valerie Mouroux, Ministerio de Relaciones Exteriores de
Francia
·Anne Catherine Louvet, Ministerio de Asuntos Exteriores
de Francia
·Pierre Richard, ARTE France, Société et Culture
·Noëlle Bosse, ARTE France, Découverte et Connaissances
·David Lawson, Smoking Dog Films, Londres
·Iris Gehlert, Berit Harksen, sounding images, Berlín
·Agathe Mauruc, Celluloid Dreams, París
·Pascale Ramonda, París
·Paolo Benzi, Faberfilm, Roma
·Hwa-Seon Choi, Doc&Film, París
·Paco de Onis, Skylight Pictures, New York
·Pico Films, Penelope Bortoluzzi, París
·Gérald Collas, INA, París
·John Akomfrah, realizador
·Christine Le Goff, realizadora
·Sally Aitken, realizadora
·Claus Wischmann, realizador
·Martin Bear, realizador
·Marilu Mallet, realizadora
·Stefano Savona, realizador
·David Bradbury, realizador
·Mercedes Álvarez, realizadora
·Alessandro Comodin, realizador
·Pamela Yates, realizador
·Ginette Lavigne, realizadora
·Frederick Wiseman, realizador
·Davy Zilberfaijn, realizador
·Zipporah Films, Boston
·Frontline Films, Wilson Creek, Australia
·Andrea Guzmán, DOCMA, Asociación de
Documentalistas de Madrid
·Michael Deumlich, Berlín
·Livia Bloom, Icarus Films
·Intermezzo Films, Suiza
·Jan Rofekamp, Film Transit
·Nicolas Philibert, París
·Chris Marker, realizador
·Consejo Nacional de la Cultura y las Artes,
Gobierno de Chile (CNCA):
·Roberto Ampuero, Ministro de Cultura
·Carlos Lobos, Sud Director Nacional
·Macarena Matte
·Juan Ignacio Carmona
·Catalina Jaime
·Tatiana Emden
· Claudia Gutierrez
·CULDOC
·Carlos Flores del Pino
·Ignacio Agüero
·Cristián Leighton
·Pedro Chaskel
·Francisco Gedda
·Embajada de Francia en Chile:
·Sr.Marc GIACOMINI, Embajador de Francia
·Sr.Eric Lavertu, Primer Consejero
·Sr. Frederick Schmutz, Cónsul
·Sra. Maria Elena Castro, Encargada de Prensa
· Sr. Pascal Delisle, Consejero Regional de Cooperación
· Sra. Verónica Miranda, Asistente Consejero Regional
·Sra. Annie Pauget, Protocolo
·Sr. Patrick Bosdure, Consejero Cultural
·Sr. Sylvain Roback, Agregado Cultural
·Sra. Maria Cecilia Gonzalez, Encargada de la Cooperación
Audiovisual
·Sr. Pierre Pellat-Finet, Agregado de Cooperación
Universitaria
·Sr. François-Olivier Giroud, Secretario General
·Sra. Martine Sellos-Ramière, Agregada de Cooperación
Linguística y Educativa
·Sra. Safia Tahri, Encargada de Comunicación
·Sra. Francisca Maturana, Asistente Cultural
·Sr. Yves Cadilhon, Consejero Económico y Comercial
·Sr. Xavier Fraval de Coatparquet, Director Ubifrance
·Centro Cultural Gabriela Mistral (GAM)
·Alejandra Wood
·Javier Ibacache
·Angélica Zuñiga
·Sergio Santos
·Francisca Peró
·Carolina Courbis
·Galide Moreno
·Equipo Técnico
·Otros colaboradores nacionales
·Eduardo Machuca, Jefe de Depto. Cine y Audiovisual,
DIRAC
Embajada de Francia en Argentina:
·Sr. Christian TISON, Agregado Audiovisual Cono SurSr
·Alain Maudet, Asistente Agregado Audiovisual Cono Sur
·Volker Redder, Director Goethe Institut
·Isabel Mardones, Cinemateca Goethe Institut
·Judith Goebbels, Cinemateca Goethe Institut
·Florencia Larrea, Kiné-Imágenes
·Daniel Dávila, Kiné-Imágenes
·Enrique Stindt, Kiné-Imágenes
·Constanza Arena, Cinemachile
·Tehani Staiger, Cinemachile
·Carla Wong, Cinemachile
·Franscisco Mena , Libélula
·Tanya Leiva, Libélula
·Bernardo Menz, DINT Doblajes Internacionales
·Iván Pinto, Revista La Fuga
·Luis Horta, Cineteca Universidad de Chile
·Dirección de Área Programas Artísticos UC
·Susana Foxley, Dirección Audiovisual UC
·Milena Skoknic, Sala Cine UC
·Soledad Rodriguez, Sala Cine UC
·Bayron Cabezas, Sala Cine UC
·Patricio Mora, Bar The Clinic - Sala Radicales
·Rodrigo Rojas, Sala Radicales
·Ignacio Aliaga, Director Cineteca Nacional
·Paola Castillo, Chiledoc
·Flor Rubina, Chiledoc
·Antonia Isaacson, Embajada de México
·Cultura, Embajada de Brasil
·Pablo Aljaro, Gerente Marketing TVN
·José Tomás Jaramillo, Brand Manager TVN
·Eric Brügmann, Gerencia Comercial Radio Bío Bío
·Benjamín Ahumada, Gerencia Comercial Radio Bio Bio
·Macarena Chandía, Revista Qué Pasa
·Pablo Dittborn, Director The Clinic
·Patricio Fernández, Director The Clinic
·Carmen Burgos, Gerente Comercial The Clinic
·Rosario Troncoso, Brand Manager UFO
·Felipe Guaita, Marketing UFO
·Armin Weissen, Director Académico Instituto
Chileno Suizo
·www.felicidadparatodos.cl
·Horacio Valdivia, Noise-Cinépata
·Constanza Miranda, Noise-Cinépata
·Camila Jouannet, Noise-Cinépata
·Nuncio Belardi, Noise-Cinépata
·Roberto Espinoza, Sonamos
·Luis Dagnino, Transporte
·Bruno Bettati, FICValdivia
·Fernando Lataste, FICValdivia
·Jose Luis Rivas, FICValdivia
·Marcelo Cicali, Liguria
·Andrea Fresard, Liguria
·Jose Manuel Jaramillo, Viña La Rosa- Sofruco
·Jose Francisco Rencoret, Viña La Rosa - Sofruco
·Morgana Rodríguez, Municipalidad de Santiago
·Miguel Saavedra, Director de Obras Municipales,
Municipalidad de Santiago
·Marius Giraudo, Unidad Publicidad DOM,
Municipalidad de Santiago
·María Machado, Gerente Comercial Texdigital
·Carolina Salomón, Gestión y Diseño Portal Barrio Lastarria
·Instituto Comunicación e Imagen Universidad de Chile
·Maria Olivia Monckeberg, Directora ICEI
·Macarena López, Jefa de Carrera, Carrera Cine y Tv , ICEI
·Lily Gálvez, Directora de la Escuela de Cine
Universidad Arcis
·Constanza Brieba, Universidad Diego Portales
·Javiera Undurraga, Directora Festival In-Edit Nescafé
·Karin Beovic, Coordinadora General de RRII y de
Extensión
·Gonzalo Carracedo, Atómica
·Patricio Muñoz, DeReojo Comunicaciones
·Paulina Ferretti, DeReojo Comunicaciones
·Mafi.tv
·Cristóbal Gumucio, Director Matucana 100
·Cristián Rodríguez, Programador Cine Matucana 100
·Roberto Ovalle, Productor free-lance
·Patricia Navarrete, productora
·Alejandro Wilson, DuocUC
·Alejandra Bobadilla, DuocUC
El Barrio
The Neighborhood
Índice
Contents
Editoriales Editorials
09
Invitados Especiales Special Guests
21
Película Inaugural Opening Film
23
Competencia Chilena Chilean Competition
27
Competencia Latinoamericana Latin American Competition
37
Competencia de Cortos “Monsieur Guillaume” “Monsieur Guillaume” International Short Film Competition
49
Biblioteca Nicanor Parra/ UDP
Vergara 324 (Metro Toesca)
Premio Composición Musical Music Composition Award
69
Panorama Internacional International Panorama
73
*Meeting Point en Hall de Centro Cultural Gabriela Mistral (GAM)
Desde otra (p)arte From another (p)art
95
Horizontes Horizons
109
Función Especial Special Screening
119
Foco Juan Carlos Rulfo Focus Juan Carlos Rulfo
121
Foco Cao Guimarães Focus Cao Guimarães
129
Foco Chris Marker Focus Chris Marker
135
Cuarenta años a la distancia Forty years away
143
Actividades de Formación Educational Activities
149
Ediciones FIDOCS FIDOCS Books
153
Industria FIDOCS FIDOCS Industry
163
FIDOCS Online FIDOCS Online
168
Contactos Contacts
169
Obras Exhibidas Past Festival Films
177
Equipo del Festival Festival Team
199
Centro Cultural Gabriela Mistral (GAM)
Av. Libertador Bernardo O`Higgins 227 (Metro Universidad Católica)
Sala Cine UC
Av. Libertador Bernardo O`Higgins 340 (Metro Universidad Católica)
Centro Arte Alameda
Av. Libertador Bernardo O`Higgins 139 (Metro Baquedano)
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Sala Radicales
Monjitas 578, esquina Miraflores (Metro Bellas Artes)
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Parra/ UDP
(Metro Toesca)
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Leyenda: P.G.: Patricio Guzmán / R.G.: Ricardo Greene /
J.M.: Jorge Morales / C.V: Cristóbal Vicente / R.C.: Raúl Camargo / R: Recopilación
Editoriales
Editorials
Patricio Guzmán
Patricio Guzmán
Fundador y Presidente de FIDOCS
Es extraordinario lo que está pasando con el documental
chileno. Desde hace diez años las obras aumentan. Cada año
ganan más premios y obtienen mejores críticas. Ya no es raro
que un documental nuestro quede en la “selección oficial” de
cualquier certamen en cualquier parte. Sin embargo, a pesar
de esta cadena de éxitos, la distribución sigue siendo mala. Los
canales no compran. Los cines no compran. Las bibliotecas no
compran. Los ministerios no compran. Las universidades no
compran. El Museo de la Memoria no compra.
La única puerta de escape son los festivales. Pero los festivales tampoco compran. Por eso es notable que dos jóvenes
productoras –Flor Rubina y Paola Castillo– hayan puesto en
marcha una agencia documental para mejorar la situación.
CHILEDOC exhibirá entre abril y noviembre ocho películas documentales en diez salas de ocho ciudades del país
con la ayuda del Fondo Audiovisual del CNCA. Ya tienen
salas asociadas en Iquique, La Serena, Valparaíso, Chillán,
Concepción, Valdivia y Punta Arenas. En la capital tienen
tres pantallas: el cine Pavilion, el Museo de la Memoria y la
Cineteca Nacional. El proyecto contempla un productor local en cada ciudad, subvención de entradas y la asistencia del
director a una función especial.
Otro proyecto es poner en marcha antes del fin del año
un canal instalado en la web de CHILEDOC. Será un espacio
para mostrar el trabajo que hace la organización y los autores
chilenos. Entrevistas, actividades y notas que muestren el
paso de los creadores nacionales por los festivales, mercados
y encuentros. Producirán seis cápsulas mensuales en varios
idiomas.
Asimismo, CHILEDOC quiere diagnosticar a fondo la
realidad en Argentina, Brasil, Uruguay, Colombia y México
con el objetivo de comercializar las películas documentales
chilenas y latinoamericanas. Es la primera vez que alguien
hace este trabajo. Por su parte, ya tiene corresponsables en
las regiones del mundo donde hay un mayor interés hacia
nuestros temas, que son los Países Nórdicos de Europa, Estados Unidos y Canadá, más algunos países de Asia.
10 &EJUPSJBMFTt Editorials
FIDOCS Founder and President
Celebramos y apoyamos esta espléndida iniciativa de
distribución y difusión. Flor Rubina y Paola Castillo tienden
generosamente la mano a sus colegas. Nos indican claramente que somos nosotros mismos quienes tenemos la responsabilidad de inventar nuevas formas de distribución en
lugar de esperar un milagro.
What is happening to Chilean documentaries is extraordinary. For the last ten years works have increased. Every
year, these obtain more awards and better reviews. It’s no
longer a rarity when one of our documentaries reaches the
“official selection” of any competition at any place. However,
despite this wave of success, bad distribution continues to be
the norm. Channels do not purchase. Film venues don’t buy.
Libraries don’t buy. Ministries don’t buy. Universities don’t
buy. The Museum of Memory doesn’t buy.
The only escape route are festivals, but festival also don’t
purchase, that’s why is so noteworthy that two young producers –Flor Rubina and Paola Castillo– put in motion an
agency to better the situation.
CHILEDOC will screen between April and November,
eight documentary films in 8 venues along the country with
the support of the Council for the Arts’ Audiovisual Fund.
They have already associated with 10 theaters in Iquique,
La Serena, Valparaiso, Chillan, Concepcion, Valdivia and
Punta Arenas. In Santiago they have three screens: Cine
Pavilion, The Museum of Memory and the National Film
Library (Cineteca Nacional). The project contemplates a local producer in each city, ticket subsidies and the director’s
presence in one special screening.
Another project is to set forth a channel on the CHILEDOC web, before the end of the year. It will serve as a space to
showcase the organization’s work and Chilean directors. Interviews, activities and notes that follow Chilean director’s
presence at festivals, markets and gatherings. Six monthly
capsules will be produced in several languages.
In the same manner, CHILEDOC wants to diagnose in
depth the reality of Argentina, Brazil, Uruguay, Colombia
and Mexico in order to market Chilean and Latin American
documentaries. It’s the first time that someone takes on this
task, having already established links with those regions in
the world where there’s interest in our subject matters, such
as Nordic countries, United States and Canada, plus some
countries in Asia.
We celebrate and support this splendid distribution
and promotion initiative. Flor Rubina and Paola Castillo
have generously given their colleagues a hand. They clearly
convey that we have the ultimate responsibility of inventing
new ways for distribution, instead of waiting for a miracle.
&EJUPSJBMFTt Editorials
11
Patrick Bosdure
Patrick Bosdure
Consejero de Cooperación y Acción Cultural
Embajada de Francia, Director del Instituto Francés de Chile
Hace ya diecisiete años, acogíamos con expectación y
entusiasmo la idea de Patricio Guzmán de traer de vuelta a
Chile un festival de cine documental. Este género cinematográfico había perdido su esencia para transformarse en una
especie de bitácora de viajes que únicamente permitía descubrir lugares lejanos, realidades ajenas y exóticas.
El regreso de FIDOCS permitió restablecer la creación
documental entre los jóvenes cineastas chilenos, que empezaron a descubrir lo que pasaba a su alrededor, en su barrio,
en su pueblo, entre las personas que los rodeaban. FIDOCS
los invitó también a mostrar esas historias pero con un lente
propio, desde un punto de vista personal y no como una simple sucesión de imágenes. A partir de esto, empezamos a conocer historias reales, contadas con mayor o menor fuerza,
pero que tenían una intriga, una acción y un clímax.
Desde ese momento, el Festival Internacional de Cine
Documental de Santiago ha sabido ofrecer, año tras año, una
programación de cine documental nacional, pero también
internacional de muy alta calidad.
FIDOCS es y seguirá siendo la referencia en lo que a
cine documental concierne. Un festival que ha sido capaz de
traer a Chile a realizadores de la talla de Claude Lanzmann,
quien vino a presentar personalmente su película Shoah,
Nicolás Philibert, quien hizo lo mismo con Ser y tener, y
otros connotados directores como Richard Copans, Alain
Jobert, Hubert Sauper, François Caillat y tantos más, sin
dejar de lado al propio fundador, Patricio Guzmán, quien
inauguró con mucho éxito dos de las versiones de FIDOCS
con sus respectivas películas Salvador Allende y Nostalgia de la luz.
La instalación definitiva del galardón “Embajada de
Francia-Instituto Francés”, primer premio de la competencia FIDOCS, ha permitido a numerosos realizadores chilenos ir a presentar sus obras en reconocidos festivales franceses, activando lazos y relaciones muy útiles para sus futuras
producciones cinematográficas.
Councilor for Cultural Cooperation and Action
French Embassy, DirectorFrench Institute of Chile
Este año, nuevamente contaremos con la presencia de
dos importantes realizadores franceses: Mariana Otero,
reconocida directora de cine documental, que viene a presentarnos una retrospectiva de su obra, y a Laurent Hasse,
director que con su película Le bonheur…Terre promise
ha logrado impactar al mundo del cine documental francés.
Con motivo de esta decimoséptima versión, una vez más
podremos acceder a bellas producciones que no llegarían a
Chile si no fuera por FIDOCS.
Aprovechamos esta oportunidad para saludar sinceramente a todo el equipo de FIDOCS y agradecerles por ofrecernos este espacio cinematográfico de excelencia y de alta
calidad.
Seventeen years ago, we had already welcomed Patricio
Guzmán’s idea of bringing a documentary festival back to
Chile, with expectation and enthusiasm. This cinematographic genre had lost its essence, becoming a kind of travel
log, whose only use was to discover faraway places, foreign
and exotic realities.
The return of FIDOCS allowed reestablishing documentary creation among young Chilean filmmakers, who started
to discover what was going on around them, in their neighborhood, their town, around the people that surrounded
them. FIDOCS also invited them to show these stories, but
with a lens all their own, from a personal standpoint, and
not as a simple succession of images. Out of this, we became
acquainted with real stories, told with much –or little–
strength, but with an intrigue, an action and a climax.
From that moment on, the Santiago International Documentary Film Festival has known how to offer, year after
year, a quality program of both national and international
documentaries.
FIDOCS is, and will continue to be, the reference point
for matters concerning documentary cinema. After all, it
has been able to bring to Chile filmmakers of the stature of
Claude Lanzmann, who personally came to present his film
Shoah, Nicolás Philibert, who did the same with Être et
avoir, along with other renowned directors, such as Richard
Copans, Alain Jobert, Hubert Sauper, François Caillat and
so many more, including its founder, Patricio Guzmán, who
opened –with much success– two versions of FIDOCS with
his films, Salvador Allende and Nostalgia de la luz.
The definitive installation of the French EmbassyFrench Institute Award, the grand prize at the FIDOCS
competition, has allowed numerous Chilean directors to go
show their films at prominent French festivals, activating
beneficial ties and relationships for their future film productions.
Once more this year, we will have the presence of two important French filmmakers: distinguished director Mariana
Otero, who comes to screen a retrospective of her work, and
Laurent Hasse, a director that, with his film Le bonheur…
Terre promise, has impacted the world of French documentary cinema.
Thanks to this seventeenth version, once more, we will
have access to fine productions that would not come to Chile,
if not for FIDOCS.
Thus, we take this opportunity to sincerely salute the
entire FIDOCS team, and thank them for offering this space
for excellence and high quality in cinema.
13
Cristián Leighton
Cristián Leighton
Corporación Cultural Documental CULDOC
FIDOCS tiene sus años. Evidentemente, se acerca a la adultez con estos diecisiete años de vida. Como estamos más
maduros, pensamos que la larga historia construida en torno a este festival de documentales no le pertenece a nadie
en particular. Más bien, es fruto de una perseverante labor
que desde la curatoría, la organización y el hacer películas
trae bocanadas de aire provenientes de la realidad y que ve su
resultado más querido en pequeñas historias del cine vinculadas al mundo en que vivimos.
Finalmente, es la persistencia la que ha permitido armar
esta ventana desde donde poner la mirada sobre las cosas
que tocamos y sentimos. Una convicción que ha puenteado
dos siglos desde sus cimientos construidos en la calle Esmeralda, donde estaba el Instituto Goethe en la década de los
noventa. En el andar, son muchos los que no solo han hecho
un trabajo y han colaborado con un proyecto específico, sino
que además han tenido la valentía de llevar adelante su deseo, su deseo de cine atado a la realidad, parafraseando a Miguel Gomes.
Este deseo, insatisfecho y maduro, paradójicamente, tiene un correlato poderoso en el entorno que nos toca vivir. Un
país que manifiesta fisuras y necesidades de ser escuchado, o
más bien, narrado de otra manera. Y para esta instancia, debiéramos coincidir muchos, debe estar el documental: plantado y atento a las emociones y eclosiones del país inquieto.
No bastaba con la llegada de la democracia, con el anestesiante sistema binominal o con todas las ilusiones puestas
en el crecimiento económico. Han pasado veintitantos años
y la petrificación no aguanta mucho más. Estamos viviendo
en otro país que requiere tener más sociedad que mercado,
más voces que gritos, más pensamientos que panfletos, más
cabezas pensantes que combos en la mesa, más miradas a
cámara que encapuchados de lado y lado, más subjetividades
acogidas que objetividades cerradas.
Por eso necesitamos más que nunca la mirada de los cineastas de la realidad, en la televisión pública, en el cine y en
las nuevas redes. No son espacios fáciles. Más bien continúa
Documentary Cultural Corporation CULDOC
el cerrojo consecuente del sistema aludido. Es por ello que
FIDOCS debe seguir trabajando para articular un sentido
mayor, el de dar un espacio vital a un país que hace rato no
resiste una nueva represión de sus deseos.
FIDOCS has many years. Evidently it’s close to reaching adulthood with its seventeen years of life. Since we are
more mature, we think that the long history built around
this documentary film festival belongs to no one in particular. Instead, it’s the result of persistent work, from the programming to the organization, and making films based on
reality brings forth breaths of fresh air that find their most
treasured results in small film stories, linked to the world we
live in.
Finally, it’s this persistence that has allowed putting
together this showcase where the point of view is aimed to
that which we touch and feel, a certainty that has bridged
two centuries together, from its foundations on Esmeralda
Street; where the Goethe Institut once was in the 90s. Along
the way, there are many who have worked and collaborated
on specific projects, but they also had the courage to foster their wish, a wish for films linked to reality, rephrasing
Miguel Gomes.
This mature and unsatisfied hunger paradoxically, has
a powerful common narrative in the context in which we
live: a country that reveals rifts and a need to be heard, or
better said, to be told in a different way. We should all agree,
the documentary must be applied to this instance and be well
rooted and attentive to the emotions and issues emerging in
this restless country.
The arrival of democracy wasn’t enough, nor the asphyxiating binomial system nor all bets on economical
growth. Twenty-something years have passed and stagnation can’t withstand much more. We are living in a different
country, one that requires more society that market, more
voices than wails, more thoughts than propaganda, more
thinking heads than bangs on the table, more direct looks on
camera than sideways hooded characters, preference for the
welcomed subjectivity over the narrow objectivity.
That’s why we need more than ever the filmmaker’s
viewpoint of reality on public TV, in film theaters and new
networks. They are not spaces with easy access. It’s more
likely they face barriers consistent with the aforementioned
system. That’s why FIDOCS must continue working to activate a higher level, to provide a vital space to a country that
will no longer stand new repressive ways to deny them their
wishes.
15
Javier Chamas
Javier Chamas
Jefe del Departamento de Fomento de las
Artes e Industrias Creativas.
Durante sus diecisiete años de trayectoria, el Festival Internacional de Documentales de Santiago, FIDOCS, no sólo ha
conseguido la madurez y un prestigioso estatus único en Latinoamérica, sino que además ha logrado la sincronía con los
vientos de cambio que vive el cine documental a nivel nacional e internacional. Las nuevas tecnologías han transformado el paisaje creativo, alterando tanto las formas de producir
cine documental, como las innovaciones en los formatos
narrativos y las distintas modalidades con que el público accede a los contenidos de las obras documentales.
Consciente de la importante misión de FIDOCS, el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes ha brindado apoyo al
certamen desde el año 2005, a través del Programa de Apoyo
a Festivales Nacionales y por medio del Concurso de Proyectos línea de Difusión Audiovisual, Modalidad Festivales
con Trayectoria. La evolución y consolidación de FIDOCS
ha tenido correlación directa con el desarrollo vivido por
el documental en nuestro país, lo que se ha traducido tanto
en un gradual reencuentro de nuestra audiencia con cintas
de gran acogida de público como Ojos rojos, Nostalgia de
la luz y Locas mujeres, como en los reconocimientos internacionales logrados recientemente por obras como El
salvavidas, Sibila y El otro día en importantes certámenes (Cinema Tropical de Nueva York, el Festival de Cine
Latinoamericano de Bruselas y el Festival Internacional de
Cine de la Habana). Sin embargo, la reconquista del público
chileno es un gran desafío para el cine de ficción y especialmente para el cine documental. Por este motivo, y con el objeto de incrementar y promover la asistencia de público a ver
producciones nacionales en salas, contamos con una línea
de Apoyo a la Exhibición de Cine Nacional, la cual recientemente benefició a Errante Producciones para desarrollar
un proyecto de programación de cine documental en siete
regiones del país.
La presente edición de FIDOCS incorpora una importante innovación: la “Competencia Internacional de
Cortometrajes ‘Monsieur Guillaume’”, en honor el recien-
Arts and Creative Industries Promotion
Department Chief
temente desaparecido ícono francés del cine documental y
experimental, Chris Marker. Esta nueva sección da cabida a
películas documentales de corta duración y también a nuevos formatos narrativos, además de obras experimentales
de cada temática imaginable. ‘Monsieur Guillaume’ es una
iniciativa que el mismo Marker apoyara personalmente, fiel
a su naturaleza inquieta e innovadora, elocuentemente descrita por Alain Resnais al referirse a él como “el prototipo del
hombre del siglo XXI”. Esto, junto a la participación este año
de 35 obras provenientes de más de treinta países en las distintas categorías de la competencia del festival, da cuenta de
que FIDOCS es uno de los certámenes más importantes en
su género en Latinoamérica.
The Santiago International Documentary Film Festival,
FIDOCS, during its seventeen year trajectory, has not only
matured and attained a prestigious and unique status in
Latin America, but has also achieved synchronicity with the
winds of change that documentary filmmaking is undergoing, nationally and internationally. The new technologies
have transformed the creative landscape, altering the ways
of making documentaries, as well as innovating on the narrative formats and the different methods of public access to
documentary films contents.
Aware of FIDOCS important mission, the national
Council for Culture and the Arts has supported the event
since 2005, through the National Film Festival Fund via the
grant for Audiovisual Promotion, for festivals with a trajectory. FIDOCS’ evolution and grounding has had a direct link
to the documentary development within our country, which
turned into a gradual reunion with the audience, via films
that had a great welcome such as: Ojos Rojos, Nostalgia
de la luz and Locas mujeres, and the international recognition recently awarded to El Salvavidas, Sibila and
El Otro Día, in noted film festivals (Nueva York Tropical
Cinema, Brussels Latin-American Film Festival and La Habana International Film Festival). However, to conquer the
Chilean audience is a great challenge for fiction films and
even more so for documentary films. It’s for this reason and
to improve and stimulate the public’s attendance, that we
have a National Film Screening support grant. It recently
benefited Errante Productions who developed programming
for a seven-region screening project.
FIDOCS’ present edition includes an important innovation: the Short Film International Competition, ‘Monsieur
Guillaume’, in honor of the recently disappeared French icon
of experimental and documentary filmmaking, Chris Marker. This new section welcomes documentary short films, new
narrative formats and experimental films on every imaginable subject. ‘Monsieur Guillaume’ was personally supported by Marker, loyal to his innovative and inquisitive nature,
and eloquently described by Alain Resnais when referring to
him as “the XXI century man prototype”. Along with thirtyfive films coming from over thirty countries in the different
categories in competition, FIDOCS maintains its status as
one of the most relevant festivals in its category in Latin
America.
17
Ricardo Greene
Ricardo Greene
Director FIDOCS
Diecisiete años de trabajo han convertido a FIDOCS en el
mayor referente de cine documental a nivel nacional y en
un evento de gran prestigio a nivel latinoamericano e internacional. Desde sus inicios comprometido con el “cine de
autor”, este año hemos trabajado en abrir nuevas secciones,
focos y debates que, con energía y curiosidad, buscan cuestionar las convenciones narrativas, temáticas y estéticas que
rigen la industria audiovisual en general y el documental
en particular. FIDOCS, creemos, debe ser un espacio desde
el cual pensar un cine que se presume y presenta como noficción; así, más que buscar respuestas definitivas a la vieja
pregunta de qué es cine documental, lo que intentaremos hacer será dibujar un campo dinámico de trabajo, escogiendo
interrogantes, materiales, problemáticas y desafíos que nos
lleven al borde, donde el documental colinda con el cine experimental, la ficción, el cine etnográfico y el video arte.
Esta nueva línea editorial será como una trama que
recorre, subterránea, cada nivel del festival. Su punto más
visible es la nueva Competencia Internacional de Cortometrajes ‘Monsieur Guillaume’, llamada así en tributo –y con su
autorización– a la vida y obra de Chris Marker. La sección
tuvo una explosiva y generosa respuesta de cineastas de más
de cuarenta países, y aunque no todos los trabajos siguen la
línea planteada, los resultados superan con creces nuestras
expectativas y confirman la decisión de caminar hacia ese
horizonte. Además, volveremos a tener las competencias de
cine latinoamericano y chileno, todas con gran convocatoria.
Cierra el cuadro “Primer Corte: 3”, sección que busca apoyar
a producciones nacionales que no han podido asegurar recursos para su finalización, sean de documentalistas profesionales o de pequeños autores artesanales.
“Desde otra (p)arte” es otra nueva sección que presentamos con gusto y en la que programaremos películas que
tratan sobre artistas y sus procesos creativos. Música, fotografía, pintura, cómics, danza, cine y otras expresiones serán
exploradas, este año, en diez películas de primer nivel. En la
misma línea, este año contaremos con la presencia, desde
FIDOCS Director
Brasil, de Cao Guimarães, artista plástico y documentalista
que sin duda contribuirá a profundizar el debate sobre los límites difusos entre los distintos géneros audiovisuales.
Como queremos que el festival no sea un lugar donde
solo ver sino también pensar cine, hemos organizado una
serie de actividades de debate y reflexión: primero, continuaremos con Escuela FIDOCS, una serie de conversaciones entre documentalistas y estudiantes de cine. Segundo,
la producción y lanzamiento de dos libros FIDOCS: Filmar
lo que no se ve, de Patricio Guzmán, y La Zona Marker, un
conjunto de ensayos inéditos sobre Chris Marker. Organizaremos, también, la mesa redonda “Debate sobre la ficción en
el documental (y viceversa)”, en la que usaremos la película
No, de Pablo Larraín, como punta de lanza para hablar sobre
estrategias como guionización, ficcionalización y uso de archivos en el cine documental. Por último, Juan Carlos Rulfo,
Mariana Otero y Laurent Hasse completan la lista de documentalistas invitados al festival y cuyas películas podremos
ver durante la semana. Ellos impartirán, además, charlas
magistrales gratuitas para el público. Esperamos que asistan
llevando sus preguntas e inquietudes.
Otra línea que queremos profundizar en FIDOCS es la
de la gratuidad y formación de audiencias. Queremos un festival abierto a la comunidad, que colabore activamente en el
acceso a la cultura. Es por eso que desde este año abriremos
una nueva sección, “Santiago, ciudad abierta”, que consistirá en seis funciones gratuitas para estudiantes secundarios
y tercera edad. En ellas proyectaremos películas chilenas y
luego sus directores y directoras conversarán con el público.
Por último, a cuarenta años del Golpe, estrenaremos
una nueva versión de La batalla de Chile. Los tres episodios
han sido programados en días consecutivos, y luego de cada
proyección, Patricio Guzmán conversará con un destacado
pensador nacional para finalmente recibir preguntas del público.
Esperamos verlos esta semana. Se viene un gran festival.
Seventeen years of hard work have positioned FIDOCS as
the most important event for documentary film in Chile and
a well-respected festival in the Latin American and International spheres. Committed to cinema d’auteur since its beginnings, this year we have worked towards questioning the narrative, thematic and aesthetic conventions that rule over the
audiovisual industry in general, and over documentary production in particular. FIDOCS should be a place where to rethink a cinema we presume and present as ‘non-fiction’; thus,
instead of looking for definitive answers to the age-old question
of what constitutes documentary films, we will try to draw out
a dynamic field of work, choosing questions, materials, issues
and challenges that drive us to the edge, where documentaries
collides with experimental films, fiction, ethnographic cinema
and video art.
This new editorial line will be like an underground grid
spanning every level of the festival. Its most visible point will
be the brand new ‘Monsieur Guillaume’ International Short
Film Competition, named in tribute to the life and work –
and with the authorization of – Chris Marker. The section
had a generous and explosive response from filmmakers all
over the world, and although not all the works adjust to the
new proposed line, the results far exceeded our expectations,
and confirmed our decision to walk towards that horizon.
Additionally, we will once again host competitions for Latin
American and Chilean films. At last, we are organizing the
third edition of “First Cut”, a section whose aim is to support
national productions that have yet to secure means for conclusion, whether by professional documentary filmmakers
or small artisan-authors.
Another new section we present with great pleasure is
“From a different (p)art.” In it, we will program films about artists and their creative process. This year, 10 top-level films will
explore music, photography, painting, comics, dance, cinema
and other disciplines. In the same line, visiting from Brazil will
be Cao Guimarães, a visual artist and documentary filmmaker
that no doubt will contribute to deepen the debate about the dif-
fused boundaries between the different audiovisual genres.
We want the festival to be a place where people not only
watch films, but also think about them. We have organized a
series of debates and activities with that purpose, being: first,
to continue with ‘FIDOCS School’, a series of conversations
between documentary artists and cinema students. Second,
we have produced and will launch two FIDOCS books: Filmar
lo que no se ve (Filming what cannot be seen), by Patricio
Guzmán, and La Zona Marker (The Marker Zone), a collection of unpublished essays about Chris Marker. Moreover, we
will host the round table “Fiction in documentary films (and
vice versa)”, where we will screen the film No by Pablo Larraín,
as the spearhead to talk about strategies like scripting, fictionalizing and using archive material in documentary cinema.
Finally, Juan Carlos Rulfo, Mariana Otero and Laurent Hasse
complete the list of international directors invited to the festival, and whose films we will be able to see over the week. They
will offer free master classes for our audience. We hope you will
attend, bringing your questions and comments.
Other lines of work we want to deepen at FIDOCS are free
access and audience development. We want a festival that is
open to the community and collaborates actively in the access
to culture. For this reason, this year we opened a new section:
“Santiago, open city,” which will consist in six functions, free
of charge for high school students and senior citizens. The program will screen Chilean films, and their directors will be present to discuss with the audience after the show.
Finally, forty years since the Coup d’état, we première a
new version of The Battle of Chile. The three episodes have
been programmed in consecutive days, and after each projection, Patricio Guzmán will speak with a distinguished national thinker and later welcome questions from the audience.
19
Invitados especiales
Special guests
Laurent Hasse
Mariana Otero
Laurent Hasse (Francia, 1980) estudió cine documental en la Universidad
de Futuroscope de Poitiers. Trabajó
como operador de cámara para la TV
y como asistente de dirección para documentales de Jean Schmidt, antes de
proyectar su ópera prima en varios festivales. Actualmente, escribe y realiza
películas documentales y se dedica a la
retransmisión de espectáculos en vivo
de danza, música o teatro. Colabora,
además, como camarógrafo para diferentes directores y supervisando prácticas académicas audiovisuales.
Mariana Otero (Rennes, 1963) estudió
cine en el IDHEC. Comenzó haciendo
documentales de TV, como la serie La
loi du collège. Posteriormente, se centró en la producción cinematográfica
con Histoire d’un secret, premiada
en múltiples festivales internacionales, y Entre nos mains, nominada a
los premios César. Paralelamente, se
dedica a la docencia en algunas universidades francesas y prestigiosos centros como Ateliers Varan y La Fémis,
en París.
Laurent Hasse (Francia, 1980) studied documentary filmmaking at Futuroscope University, in Poitiers. He
has worked as a camera operator for TV,
and as assistant director in documentaries by Jean Schmidt, before screening his opera prima at several festivals.
He currently writes and shoots documentary films while working in the rebroadcasting of live music, theater and
dance performances. Additionally, he
collaborates as cameraman for different
directors, and supervises audiovisual
internships.
22 *OWJUBEPT&TQFDJBMFTtSpecial Guests
Mariana Otero (Rennes, 1963) studied film at IDHEC. She began making documentaries for TV, such as
the series La loi du collège. Later,
she focused on film production, with
Histoire d’un secret, awarded at
multiple international festivals, and
Entre nos mains, nominated to the
Caesar Awards. At the same time, she
has taught at several French universities and prestigious centers, such as
Ateliers Varan and La Fémis, in Paris.
Película inaugural
Opening film
La maison de la radio
La casa de la radio / Francia, 2013
Dirección: Nicolas Philibert
Producción: Les Films d’Ici, Serge Lalou
Dirección de fotografía: Katell Djian
Montaje: Nicolas Philibert
Sonido: Julien Cloquet
Duración: 100 minutos
Formato de exhibición: Blu-ray
La llamada “Casa de la Radio” que existe en París es completamente redonda. De lejos y de cerca es una enorme torta de hormigón con una torre en un costado, una estructura
uniforme y monótona. Aquí están reunidas todas las radios
en los distintos niveles. Cuando uno busca un locutorio de
tal o cual emisora, tiene que caminar cientos de metros en
redondo con la sensación de no llegar a ninguna parte. Es
una arquitectura difícil de iluminar y de filmar. Consciente
de este gran desafío, Nicolás Philibert se pasó meses aquí
para inspeccionar estos anillos de corredores y descubrir
dónde está la vida, el movimiento, el humor, la rutina y la
sensualidad. Es decir, el universo de la gente que habla,
grita o canta con un micrófono en la mano delante de una
audiencia que nunca ve, que nunca puede sentir, delante de
un público invisible. Según el autor (la traducción es libre):
“Por definición, hacer una película sobre la radio es algo
contra natura porque el poder evocador de la radio está unido a la ausencia de imágenes. Este desafío es precisamente
lo que me motivó. Entonces la cuestión de ‘mostrar y a la
vez no mostrar’ pasó a ser una cuestión principal. ¿Cómo
crear lo que no se ve? ¿Cómo respetar esa parte invisible,
esa parte en sombras que tiene la radio... ? Sin duda, filmar
aquí fue un hermoso desafío cinematográfico. Todo lo contrario que esos documentales explicativos que ponen en
imágenes una institución. Yo me sentí libre y me mantuve
libre hasta el final. Nunca me sentí obligado de preocuparme de meter todo lo que hay en la ‘Casa de la Radio’ para
obtener un equilibrio entre los distintos departamentos.
Fue un gran placer vivir esta aventura”. Esta es una película
luminosa, entretenida y cómica. Del mismo modo como los
héroes de la radio nunca nos pueden ver, ahora nosotros los
24 1FMÓDVMBJOBVHVSBMtOpening film
podemos ver a ellos. Son increíbles. Parecen una banda de
locos. Estrenada en la Berlinale y actualmente un éxito de
público y crítica en las salas de Francia. FIDOCS ha mostrado casi toda la obra anterior del autor. P.G.
Nicolas Philibert (Francia, 1951) es director de cine. Fue escenógrafo e incluso actuó en la película Les camisards
(1972). Junto a Gérard Mordilla dirigió
La voix de son maître (1978). Otros
de sus filmes son La ville Louvre (1990), Le pays des
sourds (1992), Un animal, des animaux (1994), La
moindre des choses (1996) y Être et avoir (2002).
The so-called “House of Radio” exists in Paris and is completely round. From afar and up close, it is an enormous
concrete cake with a tower on one side, a uniform and monotonous structure. Gathered here, on the different levels,
are all the radio stations. When looking for the studios of
such-and-such broadcaster, one has to walk hundreds of
meters in a circular fashion, with the impression of going
nowhere. Its architecture is hard to illuminate and film.
Conscious of this challenge, Nicolás Philibert spent months
here, inspecting these rings of corridors to discover where
life is, its movements, humor, routine and sensuality – that
is, the universe of these people that speak, scream or sing
with a microphone in hand, to an invisible audience they
can never see, they can never feel. In a free translation, according to the author: “By definition, making a film about
radio is unnatural, because radio’s evocative power is tied to
the absence of images. This challenge is precisely what motivated me. Then, the matter of ‘showing and not showing at
the same time’ became a main issue. How to create what is
not seen? How to respect that invisible aspect, that part of
the radio that is in the shadows? (…) Undoubtedly, shooting
here was a beautiful cinematographic challenge. It was the
opposite of those explanatory documentaries that render an
institution in images. I felt free, and remained free until the
ics in France. Fidocs has screened the author’s previous
work almost in its entirety. P.G.
Nicolas Philibert (France, 1951) is a film director. He
worked as set designer and actor on the film Les camisards
(1972). Together with Gérard Mordilla, he directed La voix
de son maître (1978). Other titles by Philibert include La
ville Louvre (1990), Le pays des sourds, (1992), Un animal, des animaux (1994), La moindre des choses (1996)
and Être et avoir (2002).
end. I never felt obligated to cram everything in the ‘House
of Radio,’ to obtain a balance among the different departments. Living this adventure was a pleasure.” This is a luminous film, entertaining and comical. Just like the heroes
of the radio can never see us, we can now see them. They are
amazing. They seem like a band of madmen. Premièred at
Berlinale, it is currently a success with audiences and crit-
1FMÓDVMBJOBVHVSBMtOpening film
25
Competencia Chilena
Chilean Competition
Jurado Competencia Chilena
A primera hora
Chilean Competition Jury
A primera hora / Chile, 2013
Daniel Villalobos
Marcelo Panozzo
Teresa Arredondo
Daniel Villalobos (Temuco, 1974)
es periodista de la Universidad de La
Frontera. Ha publicado regularmente
en sitios como civilcinema.cl y somosblogs.cl. Durante cuatro años comentó estrenos y cartelera en el podcast
Analízame, junto al crítico y guionista
Gonzalo Maza. Actualmente, es editor
de contenidos en bazuca.com y escribe
sobre películas en el diario La Tercera.
El año 2012 publicó el libro de crónicas
El sur en Libros Qué Leo.
Marcelo Panozzo (Quilmes, 1967)
es periodista, crítico y editor. Se especializó en música y cine en los suplementos de los diarios Sur y Página 12;
fue editor del suplemento Sí! y jefe de
espectáculos del diario Clarín, además
de participar en otros medios como La
Nación, Crítica de la Argentina, Rolling
Stone y TXT. Ha escrito guiones para
cine y ha colaborado como editor de
publicaciones y programador de los
festivales BAFICI (del que actualmente es director) y Gijón. Actualmente es
editor en Random House Mondadori
en Argentina.
Teresa Arredondo (Lima, 1978) es
licenciada en psicología y magíster
documental en la UAB (España). Su
cortometraje Días con Matilde fue
premiado y seleccionado en varios festivales como el Festival Internacional
de La Habana, el Festival de Huesca o el
DIVA, donde obtuvo el premio al Mejor
Documental y al Mejor Guión. Sibila,
su primer largo, ha sido galardonado en
prestigiosos festivales como el BAFICI, el Festival de Málaga o el de La Habana de Nueva York, ganando el premio
a Mejor Película en FIDOCS 2012.
Daniel Villalobos (Temuco, 1974)
is a journalist graduate from Universidad de La Frontera. He has published
regularly in sites like civilcinema.cl
and somosblogs.cl. For four years, he
commented on premières and box office
programs for the podcast Analízame,
along with critic and scriptwriter Gonzalo Maza. Currently, he is content
editor at bazuca.com and writes about
film for the newspaper La Tercera. In
2012, he published a book of chronicles
called El Sur, on Libros Qué Leo.
28 $PNQFUFODJB$IJMFOBtChilean Competition
Marcelo Panozzo (Quilmes, 1967) is
a journalist, critic and editor. He specialized in music and cinema, writing
on inserts for newspapers Sur and Página 12; he was also editor for the supplement Sí! and was head of entertainment at newspaper Clarín, in addition
to participating in other media, such
as La Nación, Crítica de la Argentina,
Rolling Stone and TXT. He has written
scripts for film, and has collaborated as
editor for publications and programmer for festivals Bafici and Gijón. Currently, he is editor at Random House
Mondadori, in Argentina.
Teresa Arredondo (Lima, 1978) has
a bachelor’s degree in Psychology and a
Master’s degree in Documentary filmmaking from UAB (Spain). Her short
film Días con Matilde, was selected
by various festivals such as La Habana
International Film Festival, Huesca
Festival and DIVA, where she received
Best Documentary and Best Script
awards. Sibila, her first feature film,
has been awarded by many important
festivals such as BAFICI, Festival de
Málaga and Habana Film Festival
New York, and chosen for the Best Film
award in FIDOCS 2013.
Dirección: Javier Correa
Producción: José Miguel Matamala
Guión: Javier Correa, Alex Parra y Patricio Poblete
Fotografía: Pierre-Alain Giraud
Montaje: Javier Correa
Música: Sebastián De Larraechea
Sonido: Paula Leonvendagar
Postproducción de sonido: Alejandro Contreras
Intérpretes: Alex Parra y Patricio Poblete
Siguiendo a dos trabajadores rurales que buscan sobrevivir en un ambiente precario, A primera hora logra producir
un retrato brutal sobre el estado actual del mundo del agro
nacional, donde los campesinos y los pequeños y medianos
productores agonizan ante la mega escala del sistema productivo agrícola, interpuesta por el mercado, los gobiernos
y sus tratados. Evitando la fácil y común opción de realizar
una cinta de denuncia, el director ha optado por comprender
la situación desde la perspectiva de los afectados, siguiendo
los rastros del desempleo, la tecnificación, la insustentabilidad de los cultivos, la variación climática, la desolación de
los campos, la migración juvenil a la ciudad o a la minería y
la pérdida de prácticas centenarias.
Haciendo gran uso de la fotografía y del montaje, con
una historia que se sugiere auto-biográfica y que utiliza, a
modo de interrogante, algunos recursos de la ficción, Javier
Correa nos presenta un documental urgente, agonizante e
inestable, tal como el escenario en que se levanta. R.G. y C.V.
By following two rural workers trying to survive in a precarious environment, A primera hora is able to produce a
brutal portrait of the current state of the national countryside, where peasants and small and medium-sized producers
agonize before the enormous scale of agricultural production imposed by the market, the governments and their treaties. Avoiding the easy and common alternative of making a
denouncement film, the director has opted to understand the
situation from the perspective of those affected, following the
traces of unemployment, of technification, the unsustainable quality of crops, of climate change, countryside desolation, of youth migration to the cities or to mining, and of the
loss of age-old practices.
Javier Correa (Santiago, 1977) es historiador y cineasta. Dirigió los cortometrajes documentales Sopraelevata y Frammenti dal mondo intero (FIPA Biarritz
2005), In between (London East End
Festival 2009) y Malihue (FICV 2011). A
primera hora es su primer largometraje.
Javier Correa (Santiago, 1977) is a historian and filmmaker. He has directed the documentary shorts Sopraelevata and Frammenti dal mondo intero (FIPA Biarritz
2005), In between (London East End Festival 2009) and
Malihue (FICV 2011). A primera hora is his first fulllength.
Making great use of photography and editing, using resources from fiction and with a story that feels at times autobiographical, Javier Correa manages to present us with an
urgent documentary, agonizing and unstable, just like the
scenario it is built on. R.G. and C.V.
$PNQFUFODJB$IJMFOBtChilean Competition
29
El otro día
La última estación
El otro día / Chile, 2012
La última estación / Chile - Alemania, 2012
Dirección, guión, imagen, sonido: Ignacio Agüero
Fotografía adicional: Arnaldo Rodríguez, Gabriel Díaz
y Claudia Serrano
Montaje: Sophie França
Música: Ludwig van Beethoven y
Johann Sebastian Bach
Postproducción de sonido: Mario Díaz
Producción: Ignacio Agüero, Ignacio Agüero y
Asociado, Cristián Aspée y Suricato
Productor asociado: Amalric de Pontcharra
Formato: DCP
La premisa inicial de este documental es sencilla: Agüero
quiere explorar su historia personal y familiar a través de
los objetos que pueblan su espacio doméstico. Cada vez que
empieza, sin embargo es interrumpido por una variada fauna de mendicantes, amigos, asistentes sociales, vendedores
ambulantes y familiares que tocan a su puerta pidiéndole
algo. Lo interesante es que en vez de apagar la cámara como
hubiera hecho la mayoría, el autor decide incorporar a estos
personajes pidiéndoles que lo lleven a sus casas y le abran,
de vuelta, sus vidas. Con ello, el relato deja de ser individual
y deviene en colectivo y el escenario deja de ser doméstico
para volverse público. De las muchas virtudes que derrocha
El otro día, quizás la más interesante es que se desplaza del
terreno de lo estático y predecible al de lo incierto, hábitat
natural y a veces olvidado del documental. Agüero abandona
la pretensión del guión y se dedica a explorar el azar, asumiendo el riesgo de la vida social y dejándose llevar por las
tramas invisibles de la ciudad. Una obra delicada y sorprendente sobre lo material, lo incierto y lo temporal, que viene a
refrescar las preguntas del género y a enriquecer, sin duda, la
filmografía nacional. R.G.
The initial premise of this documentary is simple. Agüero
wants to explore his personal and familiar story through
the objects that reside in his domestic space. However, every
time he begins he’s interrupted by a varied array of beggars,
friends, social workers, and door-to door salesmen, and family members that knock on his door requesting something.
The interesting thing, is that instead of turning the camera
off, as many would have, the author decides to incorporate
these characters by asking to be taken to their homes, and
opening up about their lives in return. In this manner the
narrative ceases to be individual and it evolves from the
collective, the stage ceases to be domestic and turns public.
From the many virtues wasted by El otro día, perhaps the
most interesting is that the static and predictable is displaced to the uncertain plane, the sometimes forgotten natural habitat of the film. Agüero abandons the script pretense
and explores chance instead, assuming the risk of social life
and letting himself go by the city’s invisible plots. A delicate
and surprising piece about the material, the uncertain and
the temporal, that refreshes the genre questions and without
a doubt, enhances our national filmography.R.G.
Ignacio Agüero (Santiago, 1952) es arquitecto y cineasta. Ha sido director de
Ignacio Agüero (Santiago, 1952) is an architect and filmmaker. He has conducted political programs on TV, has shot
franjas políticas de TV, de cortos publicitarios y profesor de cine documental. Director y productor de No olvidar (1982),
Como me da la Gana (1985), Cien niños esperando un
tren (1988), Sueños de hielo (1993), Aquí se construye (2000), La mamá de mi abuela le contó a mi abuela
(2004) y El diario de Agustín (2008).
advertising short films, and has been a fiction film and documentary professor. He directed and produced No olvidar
(1982), Como me da la Gana (1985), Cien niños esperando un tren (1988), Sueños de hielo (1993), Aquí se
construye (2000), La mamá de mi abuela le contó a mi
abuela (2004) and El diario de Agustín (2008).
Dirección: Cristián Soto y Catalina Vergara
Producción: Paz Urrutia, Osvaldo Araya y
Philip Gröning
Investigación: Rodrigo Mejías, Daniela
Orellana, Javiera Ramírez y Rodrigo Silva
Asistencia de dirección: Rodrigo Silva
Director de fotografía: Cristián Soto
Montaje: Cristián Soto y Catalina Vergara
Formato de exhibición: DCP
Hay películas que logran encontrar su orgánica y forma en el
propio mundo al cual retratan y se relacionan. Es el caso de
La última estación, obra que expone el tema de la vejez en
el interior de un asilo de ancianos. Una película con una muy
cuidada fotografía, que construye una mirada contemplativa
que se introduce profundamente en el tempo de los ancianos, retratando la cotidianeidad que enfrentan en la última
etapa de sus vidas. Un ambiente somnoliento y quieto, una
especie de tranquilidad triste asumida, donde esperan abiertamente en el andén para emprender el último viaje hacia la
muerte. En esta espera son acompañados por un vivo personaje que maneja una radio interna, que combate la soledad
y el abandono entregándoles a los habitantes música y palabras de aliento, homenajeando a la dimensión sensorial auditiva con la emisión de paisajes sonoros, que a modo de gran
regalo transporta a los abuelos a otros mundos y recuerdos.
Película consecuente y aunada, de gran imagen, que logra
transmitir el “gran silencio” de la meditación de la vejez, que
a pesar de su etapa terminal, se presenta como un interesante remanso dentro de la aceleración que vivimos hoy. C.V.
There are films that find their organic flow and form in the
very world they are portraying and relating to. That is the
case with La última estación, a piece that delves into the
topic of growing old inside a home for the elderly. A film with
an accomplished cinematography, it constructs a contemplative vision that ventures deep into the tempo of the elderly, capturing the daily existence they face during the last
stage in their lives. A sleepy and quiet atmosphere, a kind
of sad, assumed tranquility is from where they wait on the
platform to begin their last voyage into death. In this waiting, they are accompanied by a lively character that runs
an internal radio, combating solitude and neglect by giving
the inhabitants music and words of encouragement, paying tribute to the auditory sensory dimension, through the
broadcast of sound landscapes, a kind of gift that transports
the elders onto other worlds and memories. A coherent, consequent film, with great images, it manages to transmit the
“great silence” of elderly meditation, which, in spite of being
the final stage, is presented as an interesting haven from the
rapid pace we exist in today. C.V.
Cristián Soto (Talcahuano, 1980) estudio
cine en la escuela Duoc UC. Su proyecto
de título Pasajero de niebla ganó varios
premios nacionales. La última estación
es su primer documental.
Catalina Vergara (Concepción, 1981) estudió comunicación audiovisual en Duoc
UC. Dirigió y produjo La última estación
y es productora del documental Ver y escuchar, de José Luís Torres Leiva.
Cristián Soto (Talcahuano, 1980) studied film at the Duoc
UC school. His degree project Pasajero de niebla received
several national distinctions. La última estación is his first
documentary.
Catalina Vergara (Concepción, 1981) studied audiovisual
communication at Duoc UC. She directed and produced La
última estación, and is also producer for the documentary
Ver y escuchar, by José Luís Torres Leiva.
31
Las cruces de Quillagua
Los Rockers, Rebelde Rock & Roll
Las cruces de Quillagua / Chile, 2012
Los Rockers, Rebelde Rock & Roll / Chile, 2013
Dirección: Matías Pinochet
Producción: Hugo Espinoza y Marlene Vargas
Guión: Germán Ovando y Matías Pinochet
Investigación: Matías Pinochet
Director de fotografía: Diego Pequeño y Mauricio García
Montaje: Germán Ovando
Música: Los Rockers
Sonido directo: Erick Del Valle
Postproducción de sonido: Public!
Dirección: Jorge Marzuca Venegas
Producción: Jorge Marzuca Venegas
Investigación y guión: Jorge Marzuca Venegas
Director de fotografía: Jorge Marzuca Venegas
Montaje: Jorge Marzuca Venegas
Sonido directo: Jorge Marzuca Venegas
Postproducción de sonido: Jorge Marzuca Venegas
Quillagua era el asentamiento humano y agrícola más importante en la ribera del Loa, ubicado justo en la mitad de sus
440 km, considerado como el punto más seco del desierto
más árido del mundo. Gracias a las aguas del río, los agricultores criaban animales, cosechaban alfalfa y maíz, y eran el
mayor polo agropecuario de la zona. Desde los años ochenta
hasta fines de los noventa, filtraciones de relaves de Chuquicamata contaminaron el río Loa con componentes químicos
y metales pesados que provocaron la total muerte biótica del
río; el posterior uso de sus aguas terminó por quemar totalmente los campos de cultivos. Luego, otra empresa minera
compró los alicaídos derechos de agua de los agricultores, rematando en un despoblamiento rápido y cruel de los pueblos
oasis. Desde entonces, Quillagua vive en una continua decadencia y cuenta con una población mayoritariamente de
tercera edad, sin actividad productiva ni servicios básicos.
Esta película presenta la agonía actual del pueblo, a través
de un interesante retrato de desolación y sobrevivencia. A la
vez, nos plantea los desbocados alcances del voraz desarrollo
económico e industrial que está exterminando la escasa vida
que va quedando en el norte de nuestro país. C.V.
Quillagua was a human and agrarian settlement on the
banks of the Loa River, located at the exact mid-point of its
440 kilometers, considered the driest place in the most arid
desert in the world. Thanks to the river waters, its farmers
raised animals, harvested alfalfa and corn, and constituted
the most important agricultural hub in the area. Since the
80s and up to the end of the 90s, leaks from the tailings of
the Chuquicamata mine contaminated the Loa River with
chemical compounds and heavy metals, which resulted in
the complete biotic death of the river; subsequent use of its
waters completely burned the crop fields. Later, another
mining company bought the farmers’ depressed water
rights, concluding in a quick and cruel depopulation of the
oasis townships. Since then, Quillagua exists in continuous
decadence, with a mostly elderly population that does not
undertake productive activity or receive basic services. The
film presents the town’s current agony, through an interesting portrait of desolation and survival. At the same time, it
poses the out-of-control reaches of a voracious economic and
industrial development that is exterminating the scarce life
still left in our country’s north. C.V.
Jorge Marzuca (Chile, 1985) es licenciado en cine documental de la Escuela
Jorge Marzuca (Chile, 1985) holds a degree in documentary filmmaking from Escuela de Cine de Chile, and studied
de Cine de Chile y estudió fotografía profesional en el Instituto Arcos. En 2010
realiza el documental Cuatro esquinas,
premiado en el Festival Internacional de Cine de Valdivia
del mismo año. Las cruces de Quillagua es su primer trabajo completamente independiente.
photography at Arcos Institute. In 2010, he made the documentary Cuatro Esquinas, awarded the same year at the
Valdivia International Film Festival. Las Cruces de Quillagua is his first completely independent work.
México se ha convertido en la idealizada madre patria de
los músicos chilenos. Como en una peregrinación religiosa,
cantantes y grupos de las más diversas corrientes marchan
a esas tierras norteamericanas para saciar sus ilusiones de
fama y fortuna. Después de una larga vida artística sin grandes logros, Los Rockers –una agrupación de rockabilly con
casi veinte años de trayectoria– quieren reunir dinero para
emprender ese mítico viaje y afianzar una carrera que, pese
a rozar en varias oportunidades el éxito y la consagración,
no ha logrado realmente despegar. Con cariñosa y cruel honestidad, el director Matías Pinochet, baterista del grupo,
va mostrando cómo la banda trata de sobrevivir a pesar de sí
misma, “animando” pequeños y mediocres eventos políticos
donde nadie los conoce, lidiando entre el profesionalismo y
la pereza de sus integrantes, y con una mánager tan histérica
como sus sueños de grandeza. Estupendo montaje –con especial sutileza para saber qué dejar dentro y qué desechar–
para un graciosísimo y ácido documental sobre las pellejerías y pesadillas del rock sudamericano, en la línea de cintas
imprescindibles como This is Spinal Tap y Anvil. J.M.
Mexico has become the idealized musical motherland for
Chileans, as if part of a religious procession. Singers and
groups from the most diverse tendencies march towards the
North American continent to fulfill illusions of fame and
fortune. After a long artistic life without much success, The
Rockers –a Rockabilly band with almost 20 years trajectory– want to save money to take that mythical journey, and
solidify a career that even though has come close on several
occasions, to success and recognition, never actually took off.
With endearing and cruel honesty, the director Matías
Pinochet, the band’s drum player, shows how the band survives despite itself, “entertaining” small and mediocre political events where nobody knows them. Struggling between
professionalism and the members’ laziness, and a neurotic
manager with grandiose delusions. Excellent editing, with
particular subtleness on what to leave in and what to cut
out, for a very funny and acidic documentary about the
scrapes and nightmares of Latin Rock, in a long line of essential must-have films such as: This is Spinal Tap and
Anvil. J.M.
Matías Pinochet (Chile, 1980) dirigió
el largometraje Irrespirable, financiado
por él mismo, con excelentes resultados
Matías Pinochet (Chile, 1980) directed the self-financed
feature film Irrespirable, reaching much national and international success, selected to the Toulouse Film Festival,
nacionales e internacionales, siendo seleccionado en el Festival de Cine de Toulouse, entre otros. Los Rockers, Rebelde Rock & Roll es su
primer documental. Su segundo largometraje, Puerto Viejo,
está en etapa de postproducción.
among others. Los Rockers, Rebelde Rock & Roll, is his
first documentary. His second feature, Puerto Viejo is in
post-production stage.
33
Pena de muerte
¿Qué historia es esta y cuál es su final?
Pena de muerte / Chile, 2012
¿Qué historia es esta y cuál es su final? / Chile, 2013
Dirección: Tevo Díaz
Producción: Tevo Díaz y María Paz Eberhard
Guión: Tevo Díaz
Investigación: Cristian Vega y Rodrigo Fredes
Director de fotografía: Mirko Zlatar y Tevo Díaz
Montaje: Alex Moya y Sebastián Silva Garriga
Música: Micky Landau
Sonido directo: Jorge Zepeda
Postproducción de sonido: Gabriel Cordero
En plena dictadura militar, una seguidilla de crímenes y violaciones asolaron la Quinta Región. Conocido como el caso
de “los psicópatas de Viña del Mar”, hasta hoy forma parte
de la más intrigante serie de homicidios de nuestra historia
forense. Aunque en principio se inculpó con total convicción
a Luis Eugenio Gubler, un importante empresario de la zona,
finalmente, en flagrante irregularidad, los tribunales de justicia lo dejaron en libertad, para responsabilizar a dos anónimos policías quienes a la postre fueron condenados a muerte
por los delitos. Sin embargo, para todos los involucrados en
el caso, aún persisten dudas sobre la inocencia de Gubler y
asoma como un hecho determinante la influencia de su familia en su rápida excarcelación. Tevo Díaz no sólo reconstruye este escabroso puzle policial valiéndose lúcidamente
de todo tipo de recursos, ocupando material de archivo, entrevistando a sus protagonistas (una abogada, un periodista,
un policía y un psiquiatra –incluso haciéndolos debatir entre
ellos–), recreando algunos de los episodios más sangrientos,
etc., sino que aporta indicios claros que acreditan que hubo
una conspiración que propició la impunidad. J.M.
Tevo Díaz es comunicador audiovisual.
Es realizador del galardonado documental de culto Señales de ruta (2000). Creador de la productora Trébol 3 Producciones, fotografió los largometrajes Baby
shower y La pasión de Miguelangelo. Pena de muerte recibió el Premio Mejor Largometraje Internacional FICVIÑA
2012 y el Premio Feisal FICVIÑA 2012.
A series of crimes and rapes whipped through the Fifth Region, in the midst if the military dictatorship. The case was
known as the Viña del Mar’s psychos, and until today is considered one of the most intriguing homicides of our forensic
history. At first Luis Gubler, a local prominent businessman
was accused with total certainty, but finally, under very irregular terms the court let him go and accused two anonymous policemen, who were later condemned to death for the
crimes. There are still many doubts for everyone involved in
the case regarding Gubler’s innocence, and it’s a noted fact
how determining was his family’s influence on his quick release from jail. Tevo Diaz does more than just reconstruct
this gory police puzzle, taking advantage of all available resources, archive files, interviews with the main characters (a
lawyer, a journalist, a police agent and a psychiatrist, even
making them argue among themselves), recreating some
of the bloodiest episodes etc. He also adds clear indicators
that support a conspiracy theory behind what propelled this
impunity.J.M.
Tevo Díaz is an audiovisual communication graduate. He
directed the awarded cult documentary Señales de Ruta
(2000). Founder of Trebol 3 Productions, cinematographer
for Baby Shower and La Pasión de Miguelangelo. Pena
de muerte received the Best Feature film and the Feisal
award at the Viña International Film Festival (FICVIÑA
2012).
Dirección: José Luis Torres Leiva
Producción Ejecutiva: Patricio Muñoz G.
Producción: Paulina Ferretti
Guión: José Luis Torres Leiva
Investigación: José Luis Torres Leiva
Director de fotografía: Guillermo González
Montaje: José Luis Torres Leiva
Sonido directo: Eduardo Tumayán
Postproducción de sonido: Eduardo Tumayán
Una espontánea y distendida película de Torres Leiva nos invita a compartir la mesa con Ignacio Agüero y la montajista
Sophie França. Una invitación a su intimidad en una abierta
y fluida conversación. A partir de la revisión de una caja con
fotografías, Agüero hace un recorrido por su historia a través
de las diferentes casas que habitó junto a su familia, las películas que filmó y sus procesos de rodaje, que en su conjunto conforman un mapa histórico del país desde el punto de
vista de un hacedor de películas y de un eterno andante por
distintas vidas, casas y lugares de Santiago.
Una película aparentemente simple pero muy compleja a
la vez, que con sólo unos leves marcos o bordes, busca contener en su interior algo que es muy difícil capturar o aprehender, un tiempo vivo, el fluir de un continium. Un ejercicio
esencial más allá de las temáticas, de las formas y métodos,
sino del espíritu primario profundo de que “el tiempo viva
dentro de las imágenes”. No se sabe cuándo y cómo comenzó,
para dónde va y cómo va a terminar. Que historia es esta y
cuál es su final es un viaje por la espontaneidad, por el azar,
por la desaceleración, por lo fortuito que es hacer una película del andar andando. C.V.
A spontaneous and relaxed film by Torres Leiva, it invites us
to share at the table with director Ignacio Agüero and editor Sophie França. It is an invitation into their intimacy, in
an open and fluid conversation. Starting from reviewing of
a box of photos, Agüero covers his history through the different houses he inhabited along with his family, the movies he made and his filming processes, which together make
up a historic map of the country, from the point of view of a
filmmaker and eternal traveler of different lives, houses and
places in Santiago.
This is an apparently simple film that is quite complex at
the same time, and that, with nothing but a few frames and
edges, tries to hold within it something that is very difficult
to capture: living time, the flow of a continuum. It is an essential exercise, beyond the topics, the forms and methods,
into the primary profound soul of “the time that lives within
the images.” When and how it started is unknown; so is
where it is going and how it will end. ¿Qué historia es esta y
cuál es su final? is a journey through spontaneity, through
chance, through the deceleration and the fortuitous in making a film about moving along. C.V.
José Luis Torres Leiva (Chile, 1975) es
realizador de los filmes Ningún lugar en
ninguna parte, Obreras saliendo de la
fábrica, El tiempo que se queda y Tres
semanas después. El cielo, la tierra y
la lluvia, su primer largo de ficción, recibió el premio FIPRESCI en Rotterdam. Su segunda obra, Verano, se presentó en el Festival de Cine de Venecia.
José Luis Torres Leiva (Chile, 1975) has made the films
Ningún lugar en ninguna parte, Obreras saliendo de
la fábrica, El tiempo que se queda and Tres semanas
después. El cielo, la tierra y la lluvia, his first fiction feature, received the FIPRESCI award at Rotterdam. His second work, Verano, screened at the Venice Film Festival.
35
Quiero morirme dentro de un tiburón
Quiero morirme dentro de un tiburón / Chile, 2012
Dirección: Sofía Paloma Gómez
Producción: Camilo Becerra y Valentina Munizaga
Guión: Sofía Paloma Gómez
Investigación: Fernanda Ciaffaroni, Camila Pérez
y Sofía Gómez
Director de fotografía: Sofía Paloma Gómez
Montaje: Sofía Paloma Gómez
Asistencia de dirección: Valentina Munizaga
Sonido directo: Valentina Munizaga
Postproducción de sonido: Mario Díaz
Formato de exhibición: DVCAM NTSC
Tan intrigante como su título son las imágenes de este hogar-hospital-cárcel de chicos “conflictivos” (adolescentes
con trastornos psicológicos y conductuales), un sitio del
que apenas logramos entender su verdadera naturaleza y
dinámica de rehabilitación. Sostenido por un notable fuera
de campo, escuchamos la violencia que hay detrás de cada
puerta, donde los menores son tan incontrolables como víctimas de un sistema que sólo es capaz de contenerlos y reprimirlos. La primera escena es elocuente: la instalación de
una puerta de metal como símbolo del encierro. Este centro,
donde pareciera jamás entra el sol, desprovisto de vida, es
una enredada majamama de puertas y pasillos, donde la sensación de claustrofobia y dolor está tan presente que incluso
los momentos felices se ven teñidos por la angustia. Una pesadumbre que se ve retratada también en una feroz obra de
títeres en la que los niños cuentan su infierno dentro y fuera
de su cabeza. Los magníficos encuadres, algunos ubicados
como en un cruce de caminos donde se respira la tensión
ambiente en cada ángulo, dan cuenta de un documental que
a través de pequeños detalles y sin morbo, retrata la pérdida
de la inocencia. J.M.
Sofía Paloma Gómez (Santiago, 1985)
es actriz. En 2009 fue co-montajista del
documental Chao Pescao. Salvemos
Punta de Choros, dirigido por Raimundo Gómez. Fue actriz, co-guionista y comontajista del largometraje Perro Muerto, dirigido por
Camilo Becerra. Quiero morirme dentro de un tiburón
es su primera película como directora.
The images of this home-hospital-jail for “conflicted” kids
(adolescents with psychological and behavioral disorders)
are as intriguing as its title. It’s a place that we barely understand, its true nature or rehabilitation dynamics. Supported
by someone noted off camera, we hear about the violence behind each door, where the kids are as uncontrollable as they
are the victims of a system that only knows how to contain
and repress them. The first scene is quite eloquent: a metal
door installation as symbol of confinement. This lifeless center, where seemingly the sun never shines, it’s a maze of doors
and hallways, where claustrophobic feelings and pain are
so present, that even the happy moments are stained with
angst. A heaviness is portrayed in this wild puppet show, in
which the kids tell about the hell in and out of their heads.
The splendid frames, some located at crossroads, where tension can be smelled in the air with each angle. These aspects
present a documentary that through the small details and no
morbidity, portrays the loss of innocence. J.M.
Sofía Paloma Gómez (Santiago, 1985) is an actress; in
2009 was co-editor for the documentary Chao Pescao.
Salvemos Punta de Choros, directed by Raimundo Gómez.
She was actress, co-scriptwriter and co-editor of the feature
film Perro Muerto, by Camilo Becerra. Quiero morirme
dentro de un tiburón, is her first film as director.
Competencia Latinoamericana
Latin American Competition
Jurado Competencia Latinoamericana
Doméstica
Latin American Competition Jury
Doméstica / Brasil, 2012
Cecilia Barrionuevo
Juan Carlos Rulfo
Pablo Larraín
Cecilia Barrionuevo (Córdoba, 1975)
es programadora del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, donde
está a cargo de la sección Estados Alterados. Es máster en documental de
creación por la Universidad Autónoma
de Barcelona y becaria del Flaherty Film
Seminar NY. Ha programado Refractarios, muestra de cine documental y experimental español (Museo MALBA);
Found Footage, una venganza contra la
historia del cine (Festival Cortópolis)
y El otro cine argentino (La Casa Encendida de Madrid). Ha sido jurado de
festivales de cine y ha dictado clases en
Argentina y España.
Juan Carlos Rulfo (Ciudad de México,
1964) es director y productor titulado
en ciencias de la comunicación. Sus
filmes han sido premiados con varios
Ariel a Mejor Ópera Prima, Documental, Edición y Fotografía, Mejor Película en el BAFICI y World Documentary
Jury Award en Sundance, entre otros.
Es miembro del Sistema Nacional de
Creadores de Arte en México.
Pablo Larraín (Santiago, 1976) es productor y director de cine y televisión.
Es socio fundador de la productora
Fábula. Ha dirigido Fuga (Montreal
2006), Tony Manero (Cannes 2008),
Post Mortem (Venecia 2010) y No
(Cannes 2012 y nominada al Oscar
en 2013). En televisión ha realizado
dos temporadas de la serie Prófugos
(HBO). Además, ha sido productor
de Cristal Fairy de Sebastián Silva
(Sundance 2013), Joven y alocada
de Marialy Rivas (Sundance 2012),
Ulises, de Óscar Godoy (San Sebastián
2011), Gloria de Sebastián Lelio (Berlín 2013) y 4:44 de Abel Ferrara (Venecia 2012), entre otras.
Cecilia Barrionuevo (Córdoba,
1975) Is the mar del Plata International
Film Festival Programmer in charge of
the “Altered States” section. She holds
a Master’s degree in documentary creation from the Universidad Autónoma
de Barcelona, and is a Flaherty Film
Seminar NY scholar. She has programmed Refractarios, documentary
and experimental films showcase (MALBA Museum); Found Footage, a revenge
against film history (Festival Cortópolis) and The other Argentinean cinema
(La Casa Encendida de Madrid). She
has been a juror at film festivals and has
taught classes in Argentina and Spain.
Juan Carlos Rulfo (Mexico City,
1964) is a director and producer with
a degree in Communication Science.
His films have been awarded several
Ariel for best opera prima, documentary, editing and photography, best
Film at BAFICI and World Documentary Jury Award at Sundance, among
others.. He’s a member of the Sistema
Nacional de Creadores de Arte (SNCA)
in Mexico.
38 $PNQFUFODJB-BUJOPBNFSJDBOBt Latin American Competition
Pablo Larraín (Santiago, 1976). He is
a film and TV producer and director. He’s
founding partner of the production house,
Fabula. He has directed Fuga (Montreal
2006), Tony Manero (Cannes 2008),
Post Mortem (Venice 2010) and No
(Cannes 2012 and nominated to the Oscars in 2013). He has directed two seasons
of Prófugos (HBO) for TV. He also produced Cristal Fairy by Sebastian Silva
(Sundance 2013), Joven y Alocada by
Marialy Rivas (Sundance 2012), Ulises,
by Oscar Godoy (San Sebastian 2011)
Gloria by Sebastian Lelio (Berlin 2013)
and 4:44 by Abel Ferrara (Venice 2012),
among others.
Dirección: Gabriel Mascaro
Producción: Rachel Elis
Guión: Gabriel Mascaro
Director de fotografía: Alana Santos Fahel, Ana Beatriz
de Oliveira, Jenifer Rodrigues Régis, Juana Souza de
Castro, Luiz Felipe Godinho, Perla Sachs Kindi
y Claudomiro Carvalho Neto
Montaje: Eduardo Serrano
Sonido: Eduardo Serrano
Postproducción de sonido: Pablo Lopes
El trabajo doméstico en América Latina es uno de los oficios
más ambiguos en cuanto a los vínculos entre empleador-empleado. Pese a que el rol de una “nana” en el núcleo familiar
puede ser muy cercano, la relación nunca será completamente horizontal. Es un lazo tan confuso que pese al apego,
los sentimientos espontáneos mutuos y la natural pertenencia, rara vez se rompen las barreras de clase. Gabriel Mascaro entrega cámaras a siete adolescentes de distintos estratos
sociales para que graben, durante una semana, el trabajo e
intimidad de sus empleadas domésticas. Con la mirada más
desprejuiciada e inocente, los jóvenes preguntan libremente
y sin muchos pudores, logrando que ese grupo de mujeres (y
un hombre), den la visión que tienen de su trabajo, al tiempo
que hacen sus labores y viven sus pequeños momentos íntimos en habitaciones tan reducidas como esos cortos instantes para sí mismos. Revelador y a veces sorprendente –como
el caso de la empleada doméstica que se queda dormida
limpiando–, esta cinta brasileña desentraña esta verdadera
“institución” latinoamericana que ilustra cómo nuestras
enormes desigualdades económicas derivan en casi involuntarias e inadvertidas discriminaciones clasistas. J.M.
Gabriel Mascaro (Brasil, 1983) vive y
trabaja en Recife, Brasil. Ha dirigido cuatro largometrajes documentales que han
circulado en los principales festivales de
todo el mundo, incluyendo: IDFA, Festival
Internacional de Cine de Rotterdam, BAFICI, Miami, Cartagena, Visions du Réel, Munich Film Fest, entre otros.
Domestic work in Latin America is one of the oldest trades,
in terms of the employer-employee relationship. Although
the role of the “nanny” within the family unit can be quite
close, these ties will never be completely horizontal. It is a
highly confusing relationship that, despite the attachment,
the spontaneous mutual feelings and a natural sense of belonging, hardly ever transcends the class barrier. Gabriel
Mascaro gives cameras to seven teens of different social
extractions, to record for a week the work and private life
of the maids in their house. With a more unprejudiced and
innocent outlook, these youths ask freely and without much
embarrassment, and they succeed in getting this group of
women (and one man) to give their opinion on their work, as
they perform these tasks or live their small private moments
in rooms that are as tiny as the minutes they have for themselves. Revealing and often surprising –as is the case of a
maid that falls asleep while cleaning– this Brazilian film unearths a true Latin American “institution” that illustrates
how our enormous economic inequalities derive in almost
involuntary and unnoticed class discriminations. J.M.
Gabriel Mascaro (Brazil, 1983) lives and works in Recife, Brazil. He has directed four full-length documentaries, which have circulated around the main festivals in the
world, including: IDFA, Rotterdam, BAFICI, Miami, Cartagena, Visions du Réel, Munich Film Fest, among others.
$PNQFUFODJB-BUJOPBNFSJDBOBt Latin American Competition
39
Don Ca
El charco azul
Don Ca / Colombia, 2012
El charco azul / Colombia, 2012
Dirección: Patricia Ayala
Producción: Patricia Ayala
Investigación: Patricia Ayala
Director de fotografía: Ricardo Restrepo
Montaje: Gabriel Baudet
Sonido directo: José Jairo Flórez
Postproducción de sonido: Lena Esquenazi
Camilo Arroyo (Don Ca) está sacado de otro siglo. Como un
explorador blanco que parte a conquistar el continente negro,
deja una acomodada situación económica para vivir con lo
mínimo en la costa selvática del Pacífico colombiano con una
canoa, una cabaña a medio construir y un mono en el hombro. En una zona exclusiva y mayoritariamente de población
negra, Don Ca es el único residente de piel pálida. Un sujeto
tan extravagante como misterioso, rodeado de niños a los que
tiene bajo su tutela tras haber ejercido de dentista amateur,
entrenador de gallos de pelea, médico brujo y "cuco oficial"
para disciplinar a mocosos que se mean en la cama. Lo cierto
es que a Arroyo no le preocupa el qué dirán y ejerce su liderazgo de padre putativo sin pedirle permiso a nadie desde hace
cuarenta años. Pero a este paraíso perdido, tarde o temprano,
tendría que llegar la realidad de la violencia en Colombia. Y
ya sea el ejército, la guerrilla o los narcos, Don Ca no está dispuesto a cederles ni un milímetro de sus tierras y a hacerles la
guerra para conservar su paz. Aunque la cinta siempre está de
su parte, no oculta sus lados oscuros y deja latiendo la ambigua y compleja personalidad de un tipo fascinante. J.M.
Patricia Ayala es periodista y documentalista, fundadora de Pathos Audiovisual, productora especializada en los
proyectos de autor. Don Ca, su ópera
prima, recibió el apoyo del Fondo de Desarrollo Cinematográfico de Colombia. Su segundo largometraje documental, Un asunto de tierras, tiene previsto
terminarse en 2014.
Camilo Arroyo (Don Ca) comes from a different century. A
white explorer who goes to conquer the black continent, he
arranges an economic situation to live with the essentials in
the Colombian Pacific jungle; with a canoe, a half-built cabin
and a monkey on his shoulder. It’s in an exclusive area, and
mostly black. Don Ca is the only pale skin around. An extravagant and mysterious fellow, surrounded by children under
his guardianship as an amateur dentist, cock fight trainer,
witch doctor, and official “bogeyman” to discipline those kids
that pee the bed. Arroyo doesn’t care what people think of
him, and he has been a true leader and a self-assumed father
for the last 40 years, without expecting anybody’s approval.
Sooner or later, the reality of Colombian violence would come
even to this lost paradise. Whether the military, the guerrilla
or the narcs, Don Ca is not willing to yield them an inch of
land, nor fight their war to keep his peace. Although the film
is always on his side, it doesn’t hide his dark sides and leaves
you wondering about the ambiguously complex personality
of a fascinating man.J.M.
Patricia Ayala is a journalist, documentary filmmaker,
and founder of Pathos Audiovisual, with specialty in films
d’autor. Don Ca, is her opera prima, it received the support
of the Colombian Cinematographic Development fund. Her
Dirección: Irene Lema
Producción: Tatiana Villacob
Casa productora: Ojo de pez, en co–producción con
Señal Colombia
Guión: Irene Lema
Investigación: Irene Lema
Director de fotografía: Irene Lema
Montaje: Irene Lema y Hernán Arango
Música: Grupo Buscaja y Alba Elena Arambure
Sonido directo: Rafael Ospino
Postproducción de sonido: Rafael Ospino
Formato de exhibición: HDCAM
El tren, la vía férrea, es una de las figuras cinematográficas
por excelencia. Símbolo del progreso, presente desde los inicios de la historia del cine y que en nuestras tierras encontrará un significado mayor: ser el vehículo que instala aquellas dicotomías propias de la condición latinoamericana, la
tradición versus la modernidad, la unión del campo con la
ciudad, trayendo como resultado el paulatino pero sostenido abandono de la comarca en busca de la urbe. Pero, ¿qué
sucede con aquellos que se quedaron? ¿Quiénes son los que
hacen el camino inverso y llegan a un pueblo escondido? ¿Y
qué ocurre cuando dicho tren ya no pasa? La directora Irene Lema construye una ópera prima basada en la vida de
una comunidad que vive en torno a los abandonados rieles,
y serán sus testimonios los que nos revelarán un mundo en
donde otra característica propia latinoamericana alcanzará
su síntesis: la conjunción entre lo popular y lo sagrado. R.C.
The train, the railway, is by excellence one of the cinematographic icons. Symbol of progress present since the beginnings of film history and that in our land will find a greater
significance: to be the link that instills those dichotomies
unique to the Latin American condition, tradition vs. modernity, linking the country to the city, bringing as result
the gradual abandonment of the provincial in search of the
urban.
But what happens with those that stay behind? Who are
those that take the journey backwards and arrive to a hidden
town? And what happens when the train no longer passes by?
Director Irene Lema built an opera prima based on the life of
a community that exists amidst abandoned railways; these
will be their testimonials revealing a world where another
typical feature of Latin America becomes unified, the popular and the sacred. R.C.
Irene Lema es realizadora de cine y TV. Se
ha centrado en la realización documental
y el diseño de animación. Su cortometraje
Colombia, de las manchas al dibujo fue
selección oficial del Festival Surrealidades 2010. Su documental El charco azul recibió el apoyo a la
realización de documentales en el FDC en 2010.
Irene Lema is a TV director and filmmaker. She has focused
on documentary realization and animation design. Her
short film Colombia, de las manchas al dibujo was in the
official selection at Surrealidades Film Festival 2010. Her
documentary El charco azul obtained support for documentary production at FDC in 2010.
second feature documentary, Un asunto de tierras, is set
to be completed in 2014.
41
La gente del río
Huellas
La gente del río / Argentina, 2012
Huellas / Argentina - España, 2012
Dirección: Martín Benchimol y Pablo Aparo
Producción: Martín Benchimol y Pablo Aparo
Guión: Martín Benchimol y Pablo Aparo
Investigación: Martín Benchimol y Pablo Aparo
Director de fotografía: Martín Benchimol
Montaje: Pablo Aparo
Sonido directo: Pablo Aparo
Postproducción de sonido: Leandro de Loredo
Dirección: Miguel Colombo
Producción: Miguel Colombo y Marcos Pastor
Guión: Miguel Colombo
Investigación: Miguel Colombo
Director de fotografía: Miguel Rivarola
Montaje: María Leguizamón, César Custodio
y Miguel Colombo
Música: Miguel Magud
Sonido directo: Marilina Giménez
Postproducción de sonido: Diego Setton
y Jorge Gutiérrez Jiménez
En Ernestina, a unos 200 kilómetros de Buenos Aires, se vive
en otro mundo. El puñado de ciudadanos que habita en ese
poblado (no más de 150) parecen únicamente reunidos por
su excentricidad: cuál más raro que el otro. La mayoría jubilados, adultos mayores, cesantes profesionales, inadaptados
y locos de atar que esperan que pase el día. Pero la aburrida
tranquilidad del lugar se ve interrumpida por forasteros que,
según sus habitantes, son los responsables de los pocos delitos que se cometen en la villa. Gente que viene a bañarse en
un riachuelo y aprovecha la vulnerabilidad del pueblo para
cometer sus fechorías; la temida y misteriosa “gente del río”.
Por eso, y porque la policía pasa tarde, mal y nunca, tienen un
particular guardia privado: uno de los vecinos que desde una
garita, escuchando a Sandro y escopeta en mano, controla la
circulación de visitantes. Los directores Martín Benchimol
y Pablo Aparo descubren (o inventan) la singularidad de este
lugar “único” en el mundo, creando una divertida comedia
documental –sacada de la cabeza de Wes Anderson– que
muestra que hasta el más minúsculo villorrio es capaz de
inventarse sus propias leyendas urbanas, sus propios demonios. Ya lo dice el dicho: pueblo chico, infierno grande. J.M.
Ernestina, some 200 kilometers from Buenos Aires, is like a
completely different world. The handful of citizens inhabiting this township (no more than 150) seems only united by
their eccentricity: who is stranger than the next. Most of
them are retired, elderly unemployed professionals, misfits and stark-raving crazies that wait for the days to pass
by. But, the boring tranquility of the place is interrupted by
outsiders who, locals say, are responsible for the few crimes
committed in the village. These people come to bathe in a
stream and take advantage of the town’s vulnerability to
commit their misdeeds; the feared and mysterious “people of
the river.” For that reason, and because the police hardly ever
pass by there, they hire a peculiar private security guard:
one of the neighbors that from a booth, shotgun in hand and
listening to Sandro, controls visitor traffic. Directors Martín
Benchimol and Pablo Aparo discover –or invent– the singular character of this “unique” place in the world, creating a
fun documentary comedy –taken out of Wes Anderson’s
mind– that shows that even the most minuscule village is
capable of inventing its own urban legends, its own demons.
The saying goes: small town, large hell. J.M.
El documental en primera persona ha proliferado en América Latina, un territorio que por las heridas de su pasado
requiere aquel ejercicio de recordar y/o rescatar a hombres
y mujeres vistos desde la óptica demasiado cercana de un
narrador/cineasta/familiar que, en general, busca reivindicar el lugar histórico de su ser querido, cuya ejemplar y épica
vida le es sabida y por lo mismo tiene la necesidad vital de comunicarla al resto. Por ello, son pocas las obras que se alejan
del afán (auto) celebratorio y prefieren indagar obras en que
director y personaje quedan expuestos en sus contradicciones y fragilidades. Huellas, de Miguel Colombo, pertenece a
dicha excepción, rastreando los pasos de su abuelo Ludovico,
quien llegó a Argentina junto a su esposa luego de la Segunda
Guerra Mundial. Colombo decide enfrentarse a la historia
oficial del padre de su madre antes de la guerra, en un viaje
cinematográfico que develará tanto la verdadera historia de
Ludovico y su familia, como el qué hacer con aquellos secretos que comienzan a develarse. Ese doble carácter de primer
espectador y narrador de Colombo, hace de Huellas una
reflexión cinematográfica imprescindible en el panorama
documental latinoamericano. R.C.
First-person documentaries have proliferated in Latin
America, a territory that, due to the wounds of its past, requires that exercise of remembering and/or rescuing men
and women, as seen through the very close optic of a narrator/filmmaker/relative; this narrator generally attempts to
vindicate the historic place of a loved-one, whose exemplary
and epic life is known to them, and for the same reason, they
have the vital need to communicate it to others. Thus, few
of these pieces stray from a (self)celebratory objective, and
prefer to delve into works where director and characters
are exposed in their contradictions and frailties. Huellas,
by Miguel Colombo, is one of those exceptions, tracking the
steps of Ludovico, his granfather, who arrived in Argentina
together with his wife, after World War II. Colombo decides
to face the official accounts of his mother’s father before the
war, in a cinematographic voyage that will reveal the true
story of Ludovico and his family, along with what to do with
those secrets that start to become apparent. Colombo’s dual
character as first-hand spectator and narrator makes Huellas an indispensable cinematographic reflection in the Latin
American panorama. R.C.
Martín Benchimol y Pablo Aparo son
egresados de la carrera diseño de imagen y
Martín Benchimol and Pablo Aparo are graduates of
image and sound design at U.B.A. La gente del río is their
first full-length, and has screened at several international
festivals. At present, they are developing the documentary
El mito de Ausili, selected to participate at CinergiaLab
2013.
Miguel Colombo (Argentina, 1978) es
director, montajista y productor de la
Miguel Colombo (Argentina, 1978) is a director, editor and
producer, a graduate from the Escuela Nacional de Experi-
Escuela Nacional de Experimentación y
Realización Cinematográfica. Su ópera
prima, Rastrojero, utopías de la Argentina potencia (2006), estrenado en el 8º BAFICI, fue premiado en diversos festivales. Huellas es su segundo largometraje.
mentación y Realización Cinematográfica. His opera prima, Rastrojero, utopías de la Argentina potencia (2006),
premièred at 8th BAFICI, and was awarded at several festivals. Huellas is his second full-length.
sonido en la U.B.A. La gente del río es su
primer largometraje y fue presentado en
diversos festivales internacionales. Actualmente, están desarrollando el documental
El mito de Ausili, seleccionado para participar de CinergiaLab 2013.
43
La cigüeña metálica
La multitud
La cigüeña metálica / España, 2012
La multitud/ Argentina, 2012
Dirección: Martin M.Oesterheld
Producción: Laura Bruno, Los Andes Cine
Guión: Martin M.Oesterheld
Investigación: Damián Medici
Director de fotografía: Guillermo Saposnik
Montaje: Emiliano Serra y Alejandro Brodersohn
Sonido Directo: Mariano Palmadessa
Postproducción de Sonido: Sebastián González
Dirección: Joan López Lloret
Producción: Cristina Girones y Marta Ruiz
Guión: Joan López Lloret y Ana Paola Van Dalen
Investigación: Ana Paola Van Dalen
Director de fotografía: Joan López Lloret
Montaje: Meritxell Collazos
Música: Trébol Rojo
Sonido directo: Véronica Font
Las peores violaciones a los derechos humanos en nuestro
continente han sido hacia los niños, ya sea como víctimas
directas de la violencia, de botín de guerra o abandonados
a su suerte. Mutilando su destino, los chicos han tenido que
armar su propia historia a partir de recuerdos imprecisos,
fantasías y mentiras descaradas. En El Salvador, la cruenta
guerra civil dejó a centenares de infantes crecer sin sus familias originarias y sin conciencia clara de quiénes son y de
dónde vienen. El Estado salvadoreño ha intentado reparar el
daño reconstruyendo sus vidas en el momento del quiebre, y
luego reuniendo a estos otrora niños desaparecidos con sus
parientes sanguíneos. Esta película cuenta la experiencia
de Ana Lilian, Blanca y Ricardo, quienes fueron criados en
un entorno rural hasta el asesinato de sus familias. Escudriñando en la verdad sobre su pasado, en el dolor de haber
vivido una existencia dictada por otros y el impacto que esa
fractura ha tenido en todos los planos de su vida, La cigüeña
metálica es un documental sobrio y emotivo que no necesita
ningún golpe bajo para conmover: la violencia militar se encargó de eso poniendo toda la desmesura posible para truncar el futuro de estos inocentes. J.M.
The worst human rights violations in our continent have
been perpetrated towards children, whether as direct victims of violence, as war trophies, or abandoned to their own
devises. Their destinies mutilated, these kids have had to put
together their own history out of imprecise memories, fantasies and bold-faced lies. In El Salvador, a brutal civil war left
hundreds of children without their original families, without a clear conscience of who they are and where they come
from. The Salvadorian State has tried to repair the damage,
reconstructing their lives from their breaking point, and
then, reuniting these formerly missing kids with their blood
relatives. This film recounts the experiences of Ana Lilian,
Blanca and Ricardo, who were raised in a rural environment, until the murder of their families. Scrutinizing the
truth about their past, the pain of having lived an existence
dictated by others and the impact this fracture has had in all
aspects of their lives, La cigüeña metálica is a sober and
emotional documentary that does not need to hit below the
belt to provoke a reaction: military violence already managed that, putting in place all possible excesses to truncate
the future of these innocent ones.J.M.
Joan López Lloret (Barcelona, 1969) ha
realizado varios documentales presen-
Joan López Lloret (Barcelona, 1969) has made several
documentaries that have screened at various international
tados en diferentes festivales internacionales y estrenados en salas de cines.
Algunos de sus últimos filmes son 138
segundos (2013), La cigüeña metálica (2012), Más allá
del océano (2011), Domingo a las cinco (2007), Utopía 79
(2006) y Hermanos Oligor (2004).
festivals and have premièred at movie-houses. Some of his
latest films include 138 segundos (2013), La cigüeña metálica (2012), Más allá del océano (2011), Domingo a las
cinco (2007), Utopía 79 (2006), and Hermanos Oligor
(2004).
“Bienvenidos”. Así reza el cartel de entrada de la construcción de lo que fue un colorido proyecto arquitectónico devenido hoy en el vestigio de ese sueño. La ausencia de vida
se suple por la presencia de lo orgánico, tal como si estuviésemos ante el reino de La Bella Durmiente: el musgo, la
humedad y la vegetación invaden la abandonada zona. Pero
aquí no hay durmientes, sino ciudadanos que han sido invisibilizados y cuyas vidas transcurren en estos espacios
inoculados por un humo gris que los envuelve a ellos y a una
ciudad que permanece ignorante ante el riesgo de no volver
a despertar del falso ideal de un progreso en constante construcción. Una multitud que jamás vemos pero que se intuye
en cada obra, en cada edificación que Martín Oesterheld nos
revela y que dota de sentido al relacionarla con una serie de
personajes que hicieron de las ruinas su hogar y del despertar de dicho sueño su propia condición. R.C.
“Welcome:” so reads the sign on the entrance to the construction site of what once was a colorful architectural project,
and which has now progressed into the vestige of a dream.
The absence of life is substituted by the presence of the organic, as if we were before the realm of Sleeping Beauty: the
moss, the humidity and vegetation have invaded the abandoned area. But there are no sleepers here, only citizens that
have become invisible, and whose lives carry on in these
spaces, inoculated with a gray smoke that surrounds them
and the city, a city that seems to remain ignorant of the risk
of never waking up from the false ideal of a progress in constant construction. We never see this multitude, but intuit it
at every site, in each edifice Martín Oesterheld shows us and
gives meaning to, by relating them to a series of characters
that built their condition out of the ruins of their homes and
the awakening from this dream. R.C.
Martin M. Oesterheld, es artista visual,
becario del Laboratorio de Investigación
en Prácticas Artísticas Contemporáneas
(LIPAC) UBA/CCROJAS. Entre sus trabajos recientes se encuentran Tránsito, video expuesto en el Centro de Cultura Contemporánea
de Barcelona y Para la defensa, realizado junto a Julián
D’Angiolillo.
Martín M. Oesterheld is a visual artist, a fellow at the Research Lab in Contemporary Artistic Practices (LIPAC)
UBA/CCROJAS. Among his recent works are: Tránsito, a
video art piece shown at the Centro de Cultura Contemporánea, in Barcelona, and Para la defensa, made with Julián D’Angiolillo.
45
Mejunje
Mitote
Mejunje / Cuba - Chile - España, 2012
Mitote / México, 2012
Dirección: Eugenio Polgovsky
Producción: Eugenio Polgovsky y Tecolote Films
Director de fotografía: Eugenio Polgovsky
Montaje: Eugenio Polgovsky
Música: No Problem Studio
Sonido directo: Eugenio Polgovsky y No Problem Studio
Director: Juan Manuel Gamazo
Producción: Victoria Paz Álvarez y Camelia Farfán
(Maskin Producciones)
Edición: María Alejandra Briganti
Guión: Abel Arcos y Juan Manuel Gamazo
Dirección de fotografía: Luis Joan Mirabal
Asistente de fotografía: Ricardo Zambrana
Sonido directo: Heidy Carrazana
Posproducción de sonido y música: Raphaël Barani
Formatos de exhibición: Blu-ray
“Mejunje: mezcla de varios ingredientes para formar una
sustancia”. Con este texto, el cineasta español formado en
Cuba, Juan Manuel Gamazo, da inicio a su película, rodada
íntegramente en el pueblo cubano de Santa Clara, utilizando
un centro cultural cuyo nombre da título al filme y que nos
presenta a seis isleños relacionados con dicho local. A través
de pequeños momentos de un día cualquiera, asistimos a las
entrecruzadas historias de estas personas, con las que Gamazo establece una mirada lejos del idealismo o la condena
en que habitualmente caen las obras que intentan retratar
Cuba. Este mejunje de vidas en un tiempo detenido y que
comparten la necesidad de comunicarse principalmente a
través de la música, son reflejadas con precisión y respeto
por parte del director, en un trabajo de observación que le
permite sortear la lógica del sobrevuelo para así adentrarse
vívidamente en las experiencias de sus retratados, los cuales, gracias a la película, lograrán encontrar una nueva vía de
expresión. R.C.
Juan Manuel Gamazo es comunicador
audiovisual, máster en guión y editor de
la EICTV, Cuba. Fue editor documental en
Maya y Estonia (premio Público Río de
Janeiro, entre otros) y director de Antihéroe y de su ópera prima Mejunje, Premio Nuevas Miradas
2009, Documentamadrid 12 y Mejor Documental en el Festival Cine Español de Tolouse 2012.
“Mejunje: a mix of various ingredients to form a substance.”
With this text, Spanish filmmaker –educated in Cuba– Juan
Manuel Gamazo starts his movie, filmed entirely in the Cuban town of Santa Clara, using as a centerpiece a cultural
center, whose name is the title of the picture, and that presents us with three islanders with ties to the place. Through
the small moments of any given day, we witness the intertwined lives of these people, and Gamazo establishes a vision
that is far from the idealism or condemnation into which
films that try to portray Cuba habitually fall. This concoction of lives in an arrested time, who share the need to communicate mainly through music, is reflected with precision
and respect by the director, in a style of observation that
allows him to avoid the logic of an overflight, and instead to
delve vividly into the experiences of those portrayed, whom,
thanks to the film, will find a new way of expression. R.C.
Centro cívico de la nación, erigido en un lugar sagrado azteca. Eso es el Zócalo, la plaza central de Ciudad de México,
locación elegida por Eugenio Polgovsky para tomar el pulso
de un país que celebra el bicentenario de su independencia
y que coincide con los festejos por el centenario de la revolución. Esta doble condición de independencias revela las
contradicciones de un país cuyos ciudadanos no saben cómo
se escribe en lengua nativa, mientras siguen las alternativas
del equipo nacional en las pantallas gigantes instaladas para
trasmitir los partidos del mundial de fútbol, invisibilizando
a un grupo de manifestantes que en plena plaza sostiene una
huelga de hambre que lleva más de un mes. La euforia, el fanatismo, la violencia, el misticismo, así como rasgos identitarios de un país múltiple por su valiosísima multiculturalidad, son reunidos aquí como el cardiograma de una nación
fragmentada. R.C.
Juan Manuel Gamazo is an audiovisual communicator
and editor, with a Master’s degree in script, from EICTV,
Cuba. He was editor of the documentaries Maya and Estonia (Audience award in Río de Janeiro, among others) and
director of Antihéroe. Mejunje, his opera prima, received
the Nuevas Miradas Award 2009, at Documentamadrid 12,
and Best Documentary in the Toulouse Spanish Film Festi-
Eugenio Polgovsky Ezcurra (México,
1977) es director, editor y cinefotógrafo. Se inicia como fotógrafo autodidacta
en diversos viajes y a los 17 años gana el
premio de fotografía ACCU/Unesco en
Japón. En 2004 realiza Trópico de Cáncer y en 2007 funda
Tecolote Films. Ese mismo año, con el Fondo Hubert Bals y
val 2012.
Visions Sud Est, produce Los Herederos.
Erected at a sacred Aztec site, the Zócalo is the Civic Center of
the nation and the location Eugenio Polgovsky chose to take
the pulse of a country celebrating the bicentennial anniversary of its independence, which coincided with the festivities
commemorating 100 years since the revolution. These dual
independence reference points reveal the contradictions in
a country whose citizens cannot write in native language,
but they follow the national squad, play-by-play, on the giant screens set up to broadcast the World Cup games, while,
apparently invisible to everyone, a group of demonstrators
on the very square maintain a hunger strike that has been
going for over a month. The euphoria, fanaticism, violence,
mysticism and identity traits of a multi-faceted country,
with its valuable multiculturalism, are all gathered here as
the cardiogram of a fragmented nation. R.C.
Eugenio Polgovsky Ezcurra (Mexico, 1977) is a director, editor and cinematographer. He became a self-taught
photographer over several trips, and at 17, he received the
ACCU/Unesco Photography Award, in Japan. In 2004, he
made Trópico de Cáncer, and in 2007, he founded Tecolote
Films. That same year, he produced Los Herederos, thanks
to the support of the Hubert Bals Fund and Visions Sud Est.
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No habrá revolución sin canción
No habrá revolución sin canción / Francia, 2013
Dirección: Mélanie Brun
Ayudante de dirección: Constanza Fernández Curotto
Producción: Mélanie Brun
Guión: Constanza Fernandez Curotto y Mélanie Brun
Investigación: Mélanie Brun
Director de fotografía: Kellam Clark
Montaje: Enrique Ramírez y Mélanie Brun
Regidor: Greg Canicio
Sonido directo: Ramsey Dávila y Sebastián Navarro Postproducción de sonido: Carlos Arias
No habrá revolución sin canción es un documental musical que propone un viaje por Chile, una reflexión acerca del
poder de la música y de las diferentes formas que toma en los
momentos históricos que han marcado este país desde los
años setenta hasta hoy. Así, vemos la historia del pueblo chileno a través de una de las artes más populares de América
Latina: la música. Las canciones se transforman, entonces,
en las narradoras de la historia. R.
No Revolution Without Song is a musical documentary,
that proposes a journey through Chile, a reflection on the
power of music and the different form it takes throughout
significant historical moments of this country, from the
1970’s until today.
This is how we see the Chilean people’s history, through one
of the most popular arts in Latin America: music. The songs
become themselves, the narrators of history. R.
Mélanie Brun (París, 1981) estudió cine
documental en Francia en la Universidad
de Aix en Provence. Vive y trabaja en París, donde realiza montaje de documentales de variados estilos. Otra parte importante de su trabajo es filmar giras y videoclips de grupos de
música chilenos o franceses.
Mélanie Brun (Paris, 1981) studied Documentary Filmmaking in France, at the Aix en Provence University. She
lives and works in Paris editing several documentaries of
different styles. An important part of her work is to shoot
French and Chilean musical band ‘s tours and videos.
Competencia Internacional de
Cortometrajes “Monsieur Guillaume”
“Monsieur Guillaume”
International Short Film Competition
Jurado Competencia Internacional de
Cortometrajes “Monsieur Guillaume”
A propósito del Dr. Alfonso Sandoval
A propósito del Dr. Alfonso Sandoval / México, 2011
Dirección: Martha Naranjo Sandoval
Producción: Martha Naranjo Sandoval
Guión: Martha Naranjo Sandoval
Investigación: Martha Naranjo Sandoval
Director de fotografía: Martha Naranjo Sandoval
Montaje: Martha Naranjo Sandoval
Sonido directo: Martha Naranjo Sandoval
Postproducción de sonido: Martha Naranjo Sandoval
“Monsieur Guillaume” International Short Film Competition Jury
Cao Guimarães
Isabel García Pérez de Arce Christopher Murray
Cao Guimarães (Belo Horizonte, 1965)
trabaja combinando el cine y las artes
visuales. Con una prolífica producción
desde finales de los 80, sus obras se
han expuesto en prestigiosas instituciones como la Tate Modern, MoMA o
el Museo Guggenheim. Ha participado de importantes exposiciones y ha
proyectado filmes como Otto, Ex-isto
y Andarilho en festivales de renombre como la Mostra Internazionale
d’Arte Cinematografica di Venezia,
Cannes y el International Film Festival Rotterdam.
Isabel García Pérez de Arce (Chile,
1972) es licenciada en artes visuales
(PUC) y doctorada en arquitectura y
estudios urbanos (U. de Chile). Fue directora del Centro de Documentación
de las Artes del Centro Cultural Palacio
La Moneda y actualmente es docente
de teoría del video y de historia de arte
latinoamericano en la UDP.
Cao Guimarães (Belo Horizonte, 1965)
works by combining film and the visual
arts. With vast productions since the
late 80s, his works have been showcased
in renowned institutions such as Tate
Modern, MoMA and the Guggenheim
Museum. He has participated in important exhibitions and has screened
his films, Otto, Ex-It and Drifter at
noted international film festivals such
as Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, Cannes and International Film Festival Rotterdam.
Isabel García Pérez de Arce (Chile,
1972) holds a degree in visual arts from
Universidad Católica de Chile and a
doctorate in architecture and urban
studies from Universidad de Chile. She
has been director of the Center for Arts
Documentation at Centro Cultural Palacio La Moneda, and currently teaches video theory and Latin American art
history at UDP.
Christopher Murray (Santiago, 1985)
es director audiovisual de la UC. Fue
co-director del largometraje Manuel
de Ribera, estrenado en el Festival
de Rotterdam 2010 y premiado como
Mejor Película Nacional en el festival
SANFIC 2010. Es director del proyecto documental Mapa Fílmico de
un País (www.mafi.tv), estrenado en
IDFA 2012.
Christopher Murray (Santiago, 1985)
is the audiovisual director at UC. He
co-directed the feature film Manuel
de Ribera, which premiered in 2010
at the Rotterdam International Film
Festival and was awarded the title for
Best National Film in SANFIC 2010.
He’s the director of Mapa Fílmico de
un País (www.mafi.tv) a documentary
project premiered at IDFA 2012.
50 $PNQFUFODJB*OUFSOBDJPOBMEF$PSUPNFUSBKFTi.POTJFVS(VJMMBVNFwt“Monsieur Guillaume” International Short Film Competition
Obra que de una manera muy simple, creativa y llena de humor, cuenta la historia del abuelo materno de la realizadora, el Dr. Sandoval, a través del juego e interacción de finas
hierbas y aliños de cocina, con una narración improvisada y
espontánea de sus cuatro hijas. Un divertimento, como buen
ejercicio de creatividad, que nos demuestra lo simple y los pocos elementos que se necesitan para hacer una película. C.V.
This work relates in a simple, creative and humorous way,
the story of the director’s maternal grandfather, Dr. Sandoval, through playful fine herbs interaction and cooking
spices, with an improvised and spontaneous narrative by his
four daughters. Amusement as a good exercise on simplicity
and creativity, that shows us the few and simple elements
needed to make a movie. C.V.
Martha Naranjo Sandoval (México,
1989) es cineasta, graduada con honores
en el Centro de Diseño, Cine y Televisión
en México. Su tesis, el cortometraje Vacío
para compartir, no sólo obtuvo mención
honorífica al graduarse, sino que también se ha proyectado
en varios festivales y ha ganado premios internacionales.
Martha Naranjo Sandoval (México, 1989) is a filmmaker
and graduated with honors at the Centro de Diseño, Cine
y Television (TV and Film design center) in Mexico. Her
thesis, the short film Vacío para compartir, received an
honorable mention upon graduation; it has been screened in
several festivals and has been awarded internationally.
$PNQFUFODJB*OUFSOBDJPOBMEF$PSUPNFUSBKFTi.POTJFVS(VJMMBVNFwt“Monsieur Guillaume” International Short Film Competition
51
A Story for the Modlins
Bela Vista
Una historia para los Modlins / España, 2012
Bella Vista /Portugal, 2012.
Dirección: Sergio Oksman Producción: Sergio Oksman
Guión: Carlos Muguiro, Emilio Tomé y Sergio Oksman
Director de fotografía: Miguel Amoedo
Montaje: Fernando Franco y Sergio Oksman
Sonido directo: Carlos Bonmatí
Postproducción de sonido: Carlos Bonmatí
Dirección: Filipa Reis y João Miller Guerra
Producción: Daniela Soares
Director de fotografía: Vasco Viana
Montaje: Filipe Jorge
Sonido Directo: João Gazua
Luego de un breve papel en El bebé de Rosemary, el frustrado actor Edgar Modlin viaja a España y se encierra junto a
su familia en un pequeño cuarto. Décadas después, Sergio
Oksman encuentra, en la basura, cajas llenas del legado
de esta familia, el que incluye cintas de audio, cuadros del
apocalipsis y fotografías de desnudos. Juntando los objetos
como piezas de un rompecabezas y con una puesta en escena impecable, el director logra armar un filme deslumbrante
que habla sobre fama, familia, archivos y memoria. R.G.
After a brief role in Rosemary’s baby, the frustrated actor
Edgar Modlin travels to Spain and shuts himself along with
his family in a small room. Decades later, Sergio Oksman
finds in the trash boxes full of this family’s legacy, which
includes audiotapes, apocalyptic paintings and nude photographs. Gathering the objects as pieces of a puzzle and
with brilliant staging, the director is able to put together a
dazzling film that talks about fame, family, files and memories. R.G.
Película sobre la vida del conjunto habitacional “Bela Vista”, de la ciudad de Setúbal, al sur de Lisboa en Portugal.
Mapa de vistas, ruidos, hábitos y relaciones; logran reconstruir sutilmente esta vida compartida del conjunto. Se
contrapone a esto la capacidad humana de crear diferentes
universos bajo los mismos modelos habitacionales. Una especie de barco a la deriva que navega por diferentes lugares
del planeta y que representa la vida de una buena parte de la
población actual. C.V.
Sergio Oksman (Brasil, 1970) estudió
periodismo en São Paulo y cine en Nueva York. Vive en Madrid, donde dirige
Sergio Oksman (Brazil, 1970) studied journalism in São
Paulo and New York. He lives in Madrid and is director of
Dok Films production house. Among the films he has directed are Notes on the Other (2009), Goodbye, America (2006), La Esteticién (2004) and Gaudí en la Favela (2002).
Filipa Reis (1977) y João Miller Guerra (1974). En 2010, co-dirigen el documental Li Ké Terra junto a Nuno Baptista. La película fue reconocida con el
Premio a la Mejor Película portuguesa y
el Premio de Escuelas en DocLisboa 2010, habiendo también
recibido una mención honorífica en MiradasDoc, en España.
En 2011, dirigieron el documental Generation Orchestra
y el cortometraje Nada Fazi, que ganó el Premio del Cine
Portugués en Fantasporto 2012, y el Premio del Público en
el Festival de la corteza 2012. En 2012, Filipa y João dirigen
Cat’s Cradle (Premio al Mejor Cortometraje Portugués en
IndieLisboa Film Festival 2012, y el Premio Promesa en el
Festival Luso-Brasileiro de Santa Maria da Feira de 2012) y
Bela Vista.
la productora Dok Films. Entre los títulos que ha dirigido están Notes on the
Other (2009), Goodbye, America (2006), La Esteticién
(2004) y Gaudí en la Favela (2002).
A film about the residential community “Bela Vista”, in the
city of Setubal, on the south of Lisbon, Portugal. This map of
the sights, habits and relationships; is able to subtly reconstruct this shared lifestyle of the community. This contrasts
with the human capacity to create different universes under
the same residential models. A type of ship adrift, that sails
through different places of the planet and represents the life
of a good portion of today’s population. C.V.
Filipa Reis (1977) and João Miller Guerra (1974). In
2010, they co-directed the documentary Li Ké Terra alongside Nuno Baptista. The film was recognized with
the Award for Best Portuguese Film and the Schools Award
at DocLisboa 2010, having also received an honorable mention at MiradasDoc, in Spain. In 2011, they directed the documentary Generation Orchestra and the short film Nada
Fazi, which won the Portuguese Film Award at Fantasporto
2012, and the People’s Choice Award at Festival Córtex 2012.
In 2012, Filipa and João directed Cat’s Cradle (Award for
Best Portuguese Short Film at IndieLisboa Film Festival
2012, and the Promising Award in Festival Luso-Brasileiro
at Santa Maria da Feira 2012) and Bela Vista. $PNQFUFODJB*OUFSOBDJPOBMEF$PSUPNFUSBKFTi.POTJFVS(VJMMBVNFwt“Monsieur Guillaume” International Short Film Competition
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Candelaria
Cherry Blossoms
Candelaria/Chile, 2012
Flores de cerezo/ Bélgica, 2012
Dirección: An Van Dienderen
Producción: Elektrischer Schnellseher
Director de fotografía: Sebastien Koeppel
Montaje: Dieter Diependaele
Voz japonesa: Emi Kodamae
Sonido Directo: Laszlo Umbreit
Traducción: Itsushi Kawase & Emi Kodamae
Dirección: Alejandra Moffat
Producción: Antonia Lobos y Alejandra Moffat
Guión: Alejandra Moffat
Investigación: Antonia Lobos y Alejandra Moffat
Director de fotografía: Niles Atallah y
José Luis Torres Leiva Montaje: Alejandra Moffat
Sonido directo: Alejandra Moffat
Postproducción de sonido: Claudio Vargas
Antiguas películas caseras nos presentan el esplendor de un
fundo tradicional, su casa señorial y la intensa vida familiar
que la generó y sostuvo, sobrepuestas o contrastadas con desoladas imágenes que nos muestran el devastado escenario
de abandono de hoy, más una integrante familiar que en el silencio de los recuerdos, relaciona y trae a presencia toda esa
historia y evolución contenida entre ambos materiales. C.V.
Old home movies present to us the splendor of a traditional
estate farm, the manor house and intense family life that
generated and supported it, superimposed or contrasted to
desolate images showing us the present ravaged scenery of
abandonment, plus a family member that in the silence of
her memories, relates and makes presents all the history and
evolution contained in the materials. C.V.
Alejandra Moffat (Chile, 1982) estudió
teatro en Concepción, dramaturgia en la
UC y cine documental en la Universidad
Academia de Humanismo Cristiano. Ha
actuado en los largometrajes De espaldas al mar (2006), Pasaporte amarillo, de Raúl Ruiz
(2008) y Verano, de José Luis Torres Leiva (2011). Candelaria es su primer cortometraje documental.
Alejandra Moffat (Chile, 1982) studied theater in Concepción, drama at the UC and Documentary Filmmaking
at Universidad Academia de Humanismo Cristiano. She
has acted in the feature films: De espaldas al mar (2006),
Pasaporte amarillo, by Raúl Ruiz (2008) and Verano, by
José Luis Torres Leiva (2011). Candelaria is her first documentary short.
An van Dienderen filma en Japón un documental sobre
sub-culturas urbanas. Poco después, a miles de kilómetros
a la distancia, Claire debe traducirlo en la sede central de la
Unión Europea. El tema le apasiona poco, hasta que algo en
la traducción comienza a fascinarle. Cherry Blossoms es un
documental que, en los bordes de la ficción y con una fotografía deslumbrante, reflexiona sobre el multiculturalismo
de la nueva Babel europea y el exotismo de las “culturas lejanas”. R.G.
An van Dienderen shoots a documentary about sub-urban
cultures in Japan. Shortly thereafter, thousand of miles
away, Claire must translate it at the European Union Headquarters. The subject matter is not attractive, until something in the translation begins to fascinate her. Cherry
Blossoms is a documentary on the fringes of fiction and
amazing photography, it reflects on the multiculturalism of the new European Babel and those exotic “distant
cultures”.R.G.
An van Dienderen estudió historia del
arte y artes audiovisuales, recibió también clases de Trinh Minh-Ha en Berkeley, EE.UU. En el año 2004 recibe un post
doctorado en Estudios Culturales Comparativos de la Universidad de Gante. Realiza los documentales: Nachtelijke Bezoekers (1998), una pieza poética sobre la
comunidad matriarcal de las mujeres Mosuo de la provincia
de Yunnan en China; y Site, un retrato topográfico de José
Besprosvany. Hace charlas y talleres de antropología visual
en numerosas instituciones y dirige el SIC (Sound Image
Culture).
An van Dienderen studied art history and audiovisual art
and took classes with Trinh Minh-Ha in Berkeley (US). In
2004 she obtained a PhD in Comparative Cultural Studies
at the university in Ghent. As filmmakers, she has made documentaries such as Nachtelijke Bezoekers (1998), a poetic
piece about the matriarch community of the Mosuo-women
in the province of Yunnan in China, and Site, a topographical portrait of Jose Besprosvany. She regularly gives lectures
and workshops on visual anthropology, and it’s the Artistic
Director of SIC (Sound Image Culture).
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Confete
Esperanza
Confeti/ Brasil, 2012
Esperanza / Bolivia - España, 2012
Dirección: Jo Serfaty y Mariana Kaufman
Producción: Jo Serfaty y Mariana Kaufman
Guión: Jo Serfaty y Mariana Kufman
Director de fotografía: Paulo Camacho
Montaje: Tatiana Gouveia y Thais Blank
Música: Augusto Malbouisson
Sonido: Bruno Fernandes, Ives Rosenfeld
y Frederico Masine
Postproducción de sonido: Augusto Malbouisson
Dirección: Maider Oleaga
Producción: Mario Madueño
Guión e Investigación: Maider Oleaga
Director de fotografía: Maider Oleaga
Montaje: Maider Oleaga
Sonido Directo: Mario Madueño
Postproducción de Sonido: Nacho R.Arenas
Confete sigue el camino de estas festivas, coloridas y diminutas partículas de papel, a través del carnaval de calle de
Río de Janeiro. Desde su fabricación, su suspensión en medio de las celebraciones hasta la recolección y depósito en la
basura. Un trayecto que nos suspende en el tiempo festivo
sin caída, en la química esencial de la celebración; expresada
en estimulantes imágenes de cuerpos danzantes, vivos colores, sonidos y diálogos festivos. C.V.
Confete follows the path of these festive, colorful and minute paper particles, through the streets of Rio de Janeiro
during the carnival. From their manufacture and suspension during celebrations, until recollection and dumping
on the trash. A journey that suspends us in joyous times
without falling, in the essential chemistry of celebrations;
expressed through stimulating images of dancing bodies,
vivid colors, sounds and jovial dialogs. C.V.
Esperanza es una pequeña niña quechua que vive en Surumi, una aislada localidad del sur de Bolivia. Su vida es sencilla y se compone de actividades como moler granos, acompañar a su madre mientras teje, aprender el oficio, arriar
animales e ir a la escuela. En poco más de siete minutos, con
una gran sensibilidad cinematográfica y un extraordinario
trabajo de audio, Maider Oleaga logra construir un retrato
vivo de esa particular vida cotidana. R.G.
Esperanza is a Young child living in Surumi, and isolated location on the south of Bolivia. Her life is simple and consists
of such activities as, grinding corn, keeping her mother company while she knits and learn the trade, herding animals
and going to school. In just over seven minutes, with great
cinematographic sensibility and spectacular audio work,
Maider Oleaga is able to build a live portrait of this peculiar
daily routine. R.G.
Jo Serfaty y Mariana Kaufman son
cineastas y guionistas de Río de Janeiro.
Socios de la productora Fagulha Filmes,
han dirigidos juntos varios cortometrajes,
entre ellos, Confete. Hace poco finalizaron sus nuevos filmes Sobre a mesa y Mariposa.
Jo Serfaty and Mariana Kaufman are filmmakers and
scriptwriters. Partners in the production house Fagulha
Filmes, they have directed several short films, among these,
Confete. They recently completed their new films Sobre a
mesa and Mariposa.
Maider Oleaga (Bilbao, 1976) es licenciada en comunicación audiovisual y
diplomada en dirección cinematográfica
por la ECAM, Madrid. Ha escrito y dirigido los cortometrajes de ficción Sarah
(MIRÁNDOTE) (2001), En coincidencia (2003) y Sitios
prestados al aire (2011). En 2010 presenta su primer
largometraje documental Amaren Ideia (La idea de mi
madre).
Maider Oleaga (Bilbao, 1976) holds a degree in audiovisual communication and a diploma in film directing from
ECAM, Madrid. She has written and directed the fiction
shorts: Sarah (MIRÁNDOTE) (2001), En coincidencia
(2003) and Sitios prestados al aire (2011). In 2010 she
presented her first feature length documentary, Amaren
Ideia (My mother’s idea).
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Estábamos muertos y podíamos respirar
It’s in your Eyes
Estábamos muertos y podíamos respirar. Chile – España – Polonia, 2013
En tus ojos / España - Perú, 2011
Dirección: Enrique Stindt
Producción: Mediations Biennale, Fernando Prats
y Kiné-Imágenes
Guión: Enrique Stindt y Fernando Prats
Investigación: Fernando Prats
Director de fotografía: Enrique Stindt
Montaje: Michelle Bossy y Enrique Stindt
Sonido Directo: Enrique Stindt
Postproducción de sonido: Roberto Espinoza
Registro de un cineasta sobre la obra del artista Fernando
Prats en la acción Auschwitz-Birkenau. Obra dentro de una
obra, que completa y contextualiza el proceso de sumergirse en las aguas de los ríos Sola y Vístula, que recibieron
gran parte de las cenizas de los crematorios de Auschwitz 1
y Birkenau Auschwitz 2. A través de los papeles ahumados
de Prats, se indaga en la memoria del agua que absorbió las
cenizas y cómo esta se imprime sobre el papel, inmersos en
el desbordante paisaje natural de hoy. C.V.
Enrique Stindt (Viña del Mar, 1975) es
cineasta de la Escuela de Cine de Chile.
Ha sido director de fotografía en documentales, cortos, largometrajes y publicidad. Ha dirigido documentales y piezas
experimentales. También se dedica a la fotografía de autor.
Actualmente, es co-fundador y director de Kiné-Imágenes,
plataforma creativa y de servicios de cine digital.
This is a filmmaker’s documentation of the work of artist
Fernando Prats in the Auschwitz-Birkenau Action. A piece
within a piece, it completes and contextualizes the process
of immersing in the waters of the Sola and Vistula Rivers,
which received a large portion of the ashes of the crematoriums at Auschwitz 1 and Birkenau Auschwitz 2. Through
Prats’s smoked papers, we delve into the memory of the water that absorbed these ashes, and how it becomes imprinted
on paper, immersed in today’s overwhelming natural landscape. C.V.
Enrique Stindt (Viña del Mar, 1975) is a filmmaker from
Escuela de Cine de Chile. He has been DoP in documentaries, shorts, full-length films and advertising. He also works
in photography d’auteur. At present, he is cofounder and director of Kiné-Imágenes, a creative and services platform for
digital cinema.
Dirección: Sergio García Locatelli y Sean Schoenecker
Producción: Sergio García Locatelli
Guión: Sean Schoenecker
Director de fotografía: Familia Severson
Montaje: Sergio García Locatelli
Música: Ross Severson
El narrador del filme está pronto a casarse y, atisbando los
cambios de su vida próxima, busca consejo en los recuerdos parciales y fragmentados de su padre difunto. Pasado,
presente y futuro en una película construida con retazos
de otras películas –antiguas, familiares, artesanales–, que
es enviada como carta visual a la “ausencia presente” de un
padre a quien se le hacen preguntas que ya él ni nadie puede
responder. R.G.
Sergio García Locatelli es guionista, licenciado en ciencias de la comunicación
de la Universidad de Lima (2001) y diplomado en dirección y guión de cine documental en el Instituto del Cine de Madrid
(2006). Director de los documentales Periferias interiores,
It’s in your Eyes y 9.546 km.
The film narrator is soon to be married, and glimpsing at
the changes of his new life, he seeks advice from his dead father’s partial and fragmented memories. Past, present and
future in a film built with old, family and home made film’s
remnants, sent as a visual letter to the “present absence” of
a father who’s asked questions that neither him nor anyone
else can answer. R.G.
Sergio García Locatelli is a scriptwriter with a degree
in communication science from the Universidad de Lima
(2001), also a graduate of the Instituto del Cine de Madrid
(Madrid Film Institute) (2006) in documentary directing
and scriptwriting. He directed the documentaries: Periferias interiores, It’s in your Eyes and 9.546 km.
59
Maya
Montaña en sombra
Maya/ Cuba, 2010
Montaña en sombra/ España, 2012
Dirección: Pedro Pío
Producción: Victoria Paz Álvarez
Guión: Pedro Pío y Juan Manuel Gamazo
Investigación: Pedro Pío
Director de fotografía: Isabel Arís
Montaje: Juan Manuel Gamazo
Sonido directo: Glaydson Mendes
Postproducción de sonido: Glaydson Mendes
Dirección: Lois Patiño
Producción: Lois Patiño
Director de fotografía: Lois Patiño
Montaje: Lois Patiño
Música: Ann Deveria
Postproducción de sonido: Miguel Calvo “Maiki”
y Erik T. Jensen
Esta película cubana nos presenta los tres días previos a un
combate de la perra de pelea Maya; su relación con su dueño y como este la prepara y entrena para el encuentro con
alimentación especial, la práctica de diferentes ejercicios y
principalmente, con la instrucción creciente de un estado de
agresión y violencia. Así, se aprecia la transformación de un
animal en un arma de guerra, el cuestionamiento de su naturaleza y los alcances del sometimiento humano. C.V.
This Cuban film shows us the three days prior to a fight by
the fight dog Maya, the relationship with her owner and how
he prepares and trains her for the fights. Specialty food, different exercises and especially the increasing commands to
maintain an aggressive and violent state. We can appreciate
the transformation of the animal into a weapon of war, the
questioning of her nature and the range of human subjugation. C.V.
¿Cómo filmar la inmensidad del paisaje? Un bello trabajo
que nos plantea frente a frente, una experiencia de distancia,
tamaño y escala, al contemplar la grandiosidad de la montaña a través del hipnótico movimiento de descenso de mallas
de esquiadores que bajan por sus laderas nevadas. Una evolución luminosa sumada a la seductora orgánica del descenso, logra transformar los límites del espacio en una nueva
concepción y experiencia plástica y cinematográfica. C.V.
How to film the vastness of the landscape? A beautiful piece
of work that poses up front the experience of distance, size
and scale while contemplating the boundlessness of the
mountain through the hypnotic descending movement of
skiers coming down the slopes. A luminous evolution added
to the organic seduction of descent, it manages to transform the limits of space into a new film and plastic conception and experience. C.V.
Pedro Pío (Granada, 1984) estudió dirección cinematográfica en la Escuela
Internacional de Cine de San Antonio de
los Baños en La Habana y comunicación
audiovisual en la Escuela de Comunicación de Granada. Ha escrito y dirigido diez cortometrajes.
Maya, el más conocido, obtuvo una nominación a la Palma
de Oro en Cannes.
Pedro Pío (Granada, 1984) studied film direction at the
International School of San Antonio de los Baños in La Habana, and audiovisual communication at the School of Communication of Granada. He has written and directed ten
short films. Maya, el más conocido, obtuvo una nominación
a la Palma de Oro en Cannes.
Lois Patiño (Vigo, 1983) compaginó sus
estudios de psicología con los de cine en
Madrid. Continuó su formación en Nueva
York, Berlín y Barcelona. Ha realizado talleres con artistas y cineastas como Joan
Jonas, Pedro Costa o Víctor Erice y sus videos han participado en festivales como BAFICI, Oberhausen, Roma y Media
City Film Festival.
Lois Patiño (Vigo, 1983) complemented his Psychology
studies with film studies in Madrid. His formation continued in New York, Berlin and Barcelona. He has taught
workshops for artists and filmmakers such as: Joan Jonas,
Pedro Costa and Victor Erice, and his videos have participated in festivals like BAFICI, Oberhausen, Rome and Media City Film Festival.
61
Nuestro pan de cada día
¿Olvida usted algo?
Nuestro pan de cada día/ Cuba, 2012
¿Olvida usted algo? / México, 2012
Dirección: Dalia Huerta Cano
Producción: Dalia Huerta Cano Guión: Dalia Huerta Cano, en colaboración con
José Villalobos
Investigación: Dalia Huerta Cano
Director de fotografía: Dalia Huerta Cano
Montaje: Esteban De la Monja
Música: Homero González y Esteban De la Monja
Sonido directo: Homero González, Dalia Huerta, Esteban
De la Monja y Nicolás Spencer
Postproducción de sonido: Homero González
Dirección: Juliette Touin
Producción: Esme Jofre
Guión: Lony Welter y JulietteTouin
Investigación: Juliette Touin
Director de fotografía: Marcos Attila Bohorquez
Montaje: Alonso Renato Velázquez
Sonido directo: Stefan Voglsinger
Postproducción de sonido: Stefan Voglsinger
A través del cine a disposición como medio y comunicador,
se plantea un preciso, claro y ágil análisis de la situación social, económica, familiar y alimenticia de la familia Castellano de San Antonio de los Baños de Cuba. Un claro ejercicio
de forma y montaje, que en pocos minutos logra armar y presentar el amplio mapa de una problemática y sus múltiples y
complejas dimensiones. C.V.
Through Film as a means and broadcaster, hereby presents
a clear, supple and precise analysis of the social, economic,
family and alimentary situation of the Castellano family
from San Antonio de los Baños, Cuba. A clean exercise on
form and editing, which in a few minutes, is able to put together and portray an ample map of a problem and its multiple and complex dimensions. C.V.
Juliette Touin (Toulouse, 1986) es
máster en ciencias políticas del Instituto Sciences Po y actualmente realiza la
especialidad de dirección documental en
la Escuela Internacional de Cine y TV de
San Antonio de los Baños en Cuba, donde ha realizado cuatro
cortometrajes: Mientras dormimos, Campesina, Nuestro pan de cada día y Cheli.
Juliette Touin (Toulouse, 1986) has a Master’s degree in
political sciences from the Instituto Sciences Po and at present she’s specializing in documentary directing at the (international Film and TV school) Escuela Internacional de Cine
y TV de San Antonio de los Baños, Cuba; where she has completed four short films: Mientras dormimos, Campesina,
Nuestro pan de cada día and Cheli.
Un interesante ensayo o trabajo de cine de relaciones, que
nos lleva a una intensa experiencia cinematográfica, construida dinámicamente por la conjunción paralela de imágenes, sonidos, ideas y personajes. Un vertiginoso viaje sobre
la fluctuación y evolución del valor relativo de las cosas, a
través de ciertos lapsos, espacios, ideas, condiciones, seres
y objetos; nuestro apego a ellos, a la vida, su camino hacia el
fin, a su renacimiento, a su transformación. C.V.
An interesting essay or a film work on relationships, that
takes us to an intense cinematographic experience, dynamically built by the parallel conjunction of images, sounds,
ideas and characters. A giddy journey about the flow and
evolution of the relative value of things, through some lapses,
spaces, ideas, conditions, beings and objects; our attachment
to these, to life, their road to the end, their rebirth and transformation. C.V.
Dalia Huerta (Guadalajara, 1978) es licenciada en ciencias de la comunicación
en el ITESO. Ha tomado cursos de cine
y video en Oaxaca, Utrecht y San Antonio de los Baños en Cuba (EICTV), entre
otros. Ha sido becaria del Consejo Estatal para la Cultura y
las Artes (CECA) en 2007 y 2010. Su actividad destacada es
la fotografía de documentales. Dalia Huerta (Guadalajara, 1978) holds a bachelor’s degree
in communication science from ITESO. She has film and video studies from Oaxaca, Utrecht and San Antonio de los Baños en Cuba (EICTV), among others. She was State Council
for Culture and the Arts (CECA) scholar in 2007 and 2010.
Her most noted activity is documentary photography.
63
24 preludios/diari mallorquí
Reality 2.0
24 preludios/diari mallorquí / Chile - España, 2012
Reality 2.0 /México - Alemania, 2012
Dirección: Carlos Vásquez Producción: La Faz
Guión: Carlos Vásquez
Investigación: Carlos Vásquez
Director de fotografía: Carlos Vásquez
Montaje: Carlos Vásquez Música: Preludio nº 24 Op. 28 de Frédéric Chopin
interpretado por Paula Ríos Vázquez
Sonido directo: Juana Castell Palou
Postproducción de Sonido: La Faz
Dirección: Víctor Orozco
Producción: Víctor Orozco
Guión: Víctor Orozco
Investigación: Víctor Orozco
Director de fotografía:
Montaje: Víctor Orozco
George Sand y Frédéric Chopin decidieron pasar el invierno
de 1838 en la isla de Mallorca, quedando como testimonio
los 24 Preludios Op. 28 compuestos por Chopin. El filme
sale al encuentro de los lugares y paisajes que inspiraron la
composición musical y plantea cómo hoy acogen una nueva
experiencia creativa. Un temerario del silencio, la duración
y la contemplación, como puerta de entrada a la dimensión
creativa y su relación con su entorno. C.V.
George Sand and Frédéric Chopin decided to spend the Winter of 1838 in the Island of Majorca, evidenced by the 24 Preludes Op. 28 composed by Chopin. The film encounters the
places and landscapes that inspired this musical composition and suggests how a new creative experience is in place
today. A rash approach to silence, duration and contemplation as a doorway to the creative dimension, and the relationship with its surroundings. C.V.
Documental de animación que nos presenta la visión del
autor sobre su propio país, con el fin de distanciarse de la
violencia relacionada con la realidad mexicana y los carteles de drogas. Una interesante mezcla de técnica y temática,
dibujos y rotoscopía, de visiones del autor, de videos caseros,
de redes sociales, etc., nos presentan y envuelven dinámicamente en la compleja problemática y los alcances políticos y
sociales que azotan al gigante mexicano. C.V.
Animation Documentary that presents the author’s vision
about his own country, in order to distance himself from the
violence linked to the Mexican reality and drug cartels. An
interesting mix of technique and theme, drawings and thaumatrope of the author’s vision, home videos, social networks,
etc. These present and involve us dynamically in the complex troubles and the political and social reaches that flog the
Mexican giant. C.V.
Carlos Vásquez estudió en la Escuela de
Cine de Chile y en el máster de documental de creación de la UPF/IDEC en España, país donde ha desarrollado su obra,
próxima al ensayo y cine experimental.
Paralelamente, colabora en proyectos de otros realizadores,
ejerce la docencia y escribe sobre cine documental.
Carlos Vásquez, is a graduate of the Escuela de Cine de
Chile (Chile Film School) and holds a Master’s degree in
creative documentary from UPF/IDEC in Spain, where he’s
developed his film work part essay and experimental. At the
same time, he collaborates with other filmmakers, teaches
and writes on the subject of documentary films.
Víctor Orozco es máster en cine de la
Escuela Superior de Bellas Artes de Hamburgo. De 2004 a 2012, organizó la muestra de arte audiovisual “Ambulart” en México y Alemania. Reality 2.0 formó parte
de la selección oficial en la categoría Laboratorio del 35º Festival Internacional de Cortometrajes de Clermont Ferrand.
Víctor Orozco has a Master’s degree from the Escuela Superior de Bellas Artes de Hamburgo (Hamburg Fine Arts
School). From 2004 to 2012, he organized “Ambulart” an
audiovisual arts showcase in Mexico and Germany. Reality 2.0 was part of the 35 Clermont Ferrand International
Short Film Festival’s official selection in the Lab competition
section.
65
The Third Person
Waterscope Transitions
La tercera persona / Bélgica, 2013
Waterscope Transitions/ Alemania, 2012
Dirección: Francisco Javier Rodríguez
Producción: Clio Sigonis
Guión: Francisco Javier Rodríguez
Director de fotografía: Francisco Javier Rodríguez
Montaje: Francisco Javier Rodríguez
Postproducción de sonido: Héléna Reveillere
Formato de exhibición: DVCAM PAL
Asentado hace quince años en Bélgica, Rodríguez aprovechó
un viaje a la zona central de Chile para realizar una película
hipnótica, que se tiende como puente colgante entre el documental y el video arte. Decir de qué se trata no es fácil y
tiene respuestas múltiples: de la precariedad, lo transitorio,
la muerte o la imagen. Quizás de la muerte de la imagen. Un
filme reflexivo e innovador que nos complace exhibir y discutir en el país. R.G. Having settled in Belgium fifteen years ago, Rodríguez took
advantage of a trip to central Chile, to make a hypnotic film
that extends as a hanging bridge between documentary
and video art. To say what it is about is no easy task, as it
has multiple answers: about precariousness, the transitory,
death, the image, maybe those two, death and the image.
Here is an innovative and reflexive film we are proud to show
and discuss in Chile. R.G. Francisco Javier Rodríguez es un cineasta y director de fotografía chileno
radicado en Bélgica. Ha sido director de
fotografía de Un Colonial chez les Celtes,
Francisco Javier Rodríguez is a Chilean filmmaker and
cinematographer residing in Belgium. He has been director of photography for Un Colonial chez les Celtes, by
J.J.Rousseau; Les Rois, by Joaquin Bretony; and The Red
de J.J.Rousseau; Les Rois, de Joaquin
Bretony y The Red House, de Alyx Duncan, entre otros. The
Third Person es su segundo cortometraje como director.
House, by Alyx Duncan, among others. The Third Person
is his second short film as director.
Director: Carsten Aschmann
Producción: Carsten Aschmann
Guión: Carsten Aschmann
Dirección de Fotografía: Carsten Aschmann
Montaje: Carsten Aschmann
Música: Dieter Moebius
Sonido: Carsten Aschmann
En 1990, Pat O’Neill ganó Sundance con “Water and Power”,
un sorprendente videoensayo experimental sobre el agua.
Con una visualidad desafiante y apropiándose del audio de
viejas películas de Hollywood, Carsten Aschmann sigue hoy
su senda con este filme fascinante, mezcla poética de experimental, ensayo y cine documental. Una película única sobre la
relación entre la humanidad y su recurso más preciado. R.G.
In 1990, Pat O’Neill won at Sundance with Water and Power,
a surprising experimental video-essay about water. With
defiant visuals and taking ownership of the audio of old Hollywood movies, Carsten Aschmann follows his path with this
fascinating film, a mix of poetry and experimental, essay
and documentary film. A unique movie about the relationship between humanity and its most precious resource. R.G.
Carsten Aschmann vive y trabaja en Hanover. Estudió la carrera de cine dirigida
por Gerhard Büttenbender y Birgit Hein
en Hbk en Braunschweig. En los últimos
años ha trabajado como editor y productor para proyectos documentales de Hula-Offline.
Carsten Aschmann lives and works in Hanover. He studied
at the Hbk in Braunschweig in the film program held by Gerhard Büttenbender and Birgit Hein. In recent years he has
worked as an editor and producer for documentary projects
by Hula-Offline.
67
Premio Composición Musical
Music Composition Award
Jurado de Composición Musical
Musical Composition Jury
Mejor Composición Musical de la
Competencia Chilena
Best Chilean Competition Musical Composition
Los premios al cine de ficción suelen reconocer su condición
de industria colectiva, mientras que en documental sólo
los directores son galardonados, pese al incansable apoyo
que reciben en cámara, sonido y montaje. En FIDOCS hemos querido cambiar esta situación ofreciendo, por primera
vez, un premio a la Mejor Composición Musical de la Competencia Chilena. Con el apoyo de Libélula, el premio consistirá en 10 mil dólares en post-producción y será entregado
por un connotado jurado.
70 1SFNJP$PNQPTJDJØO.VTJDBMtMusic Composition Award
The fiction film awards usually recognize the collective
industry condition, while only directors are awarded in
documentaries, despite the constant support they receive
from camera, sound and editors. At FIDOCS we decided
to change this situation by offering, for the first time, an
award to Best Musical Composition in the Chilean competition. With the support of Libelula, the award consists of 10
thousand dollars in post-production and a noted juror will
bestow this prize.
Matías Valdés Lawrence
Miguel Miranda
Miguel Tapia
Matías Valdés (Santiago, 1970)
es diseñador de sonido de extensa
trayectoria, con más de veinte años
de experiencia en distintas áreas
en los más importantes estudios de
grabación del país. Experto en edición,
producción musical, grabación y
montaje de sonido para cine, televisión
y publicidad.
Miguel Miranda (Viña del Mar,
1961) es compositor. Ha trabajado en
Hay algo allá afuera (1989), de José
Maldonado, y en coautoría con José
Miguel Tobar, en Amnesia (1994),
de Gonzalo Justiniano, Historias de
Fútbol (1997), Machuca (2004) y La
buena vida (2008), de Andrés Wood
y Nostalgia de la luz (2010), de Patricio Guzmán.
Miguel Tapia (Santiago, 1964) es
músico, compositor y productor musical. Perteneció al grupo Los Prisioneros entre 1979 y 2006. También ha
sido parte de formaciones como Jardín secreto, Los dioses o Razones
humanitarias. En 2009 conformó,
junto al ex guitarrista de Los Prisioneros, Claudio Narea, el proyecto musical Narea y Tapia.
Miguel Miranda (Viña del Mar,
1961) is a composer. He has worked in
Hay algo allá afuera (1989), by José
Maldonado, and, in co-authorship
with José Miguel Tobar, in Amnesia (1994), by Gonzalo Justiniano,
Historias de Fútbol (1997), Machuca (2004) and La buena vida (2008),
by Andrés Wood, and Nostalgia de la
luz (2010), by Patricio Guzmán.
Miguel Tapia (Santiago, 1964) is musician, composer and music producer.
He was a member of the Chilean band
Los Prisioneros between 1979 and
2006. He has also been a member of
Jardín secreto, Los dioses and Razones
humanitarias. In 2009 he teamed up
with Los Prisioneros ex-guitar player
Claudio Narea to create the musical
project, Narea and Tapia.
Matías Valdés (Santiago, 1970) is a
sound designer with an extensive trajectory, with over 20 years experience
in diverse areas in the most important
sound studios in the country. He’s an
expert in musical production, recording and sound editing for films, TV and
advertising.
1SFNJP$PNQPTJDJØO.VTJDBMtMusic Composition Award
71
Panorama Internacional
International Panorama
Five Broken Cameras
Cinco cámaras rotas / Palestina, 2011
Dirección: Emad Burnat y Guy Davidi
Producción: Guy Davidi, Emad Burnat, Serge Gordey y
Christine Camdessus
Dirección de fotografía: Emad Burnat
Montaje: Véronique Lagoarde-Ségot y Guy Davidi
Música: Le Trio Joubran
Postproducción de sonido: Amélie Canini
Formato de exhibición: DVCAM
En su pequeño pueblo de Cisjordania (llamado Bil’in,
cerca de Nil’in, dos aldeas palestinas) Emad Burnat filma
todo el tiempo después del nacimiento de su primer hijo,
desde sus primeros días hasta que empieza a caminar. Sin
embargo, lo que se inicia como una película de recuerdos
familiares se convierte en una película épica sobre la guerra con Israel, sin dejar de ser nunca un filme profundamente humano ligado al realizador, sus amigos, sus vecinos y su familia. Poco a poco, estas dos aldeas palestinas
se organizan para enfrentarse con el éjército isreaelita con
canciones, desfiles, marchas y piedras. Emad Burnat empieza filmando con una cámara hasta que los soldados la
destrozan. Luego, sigue con una segunda cámara hasta que
se cae al suelo. Prosigue con una tercera, cuarta y quinta
cámara. Todas ellas se destruyen durante el combate y la
estructura de la película está marcada por los capítulos
que cada una de las cámaras logra grabar. La combinación
de estos tres temas (el cine, la familia, la guerra) filmados
por un hombre sensible que adora tanto a sus hijos como a
su patria, teje un discurso que nunca antes se había hecho
para contar este conflicto tantas veces filmado. La organización de los materiales está marcada por la muerte de
cada una de las cámaras y alcanza un grado de emoción que
conmueve de manera inconcebible. El filme nos revela una
tragedia interminable que se detiene brevemente cuando
los dos niños (los hijos de Emad) pueden llegar hasta una
playa para ver por primera vez el océano. Herido, fatigado,
con las ilusiones casi rotas, Emad seguirá filmando, incansable, con otras cámaras. Una obra de cine que golpea
directamente el corazón. Premio Louis Marcorelles en el
Festival du Cinéma du Réel en París; Premio del Público
74 1BOPSBNB*OUFSOBDJPOBMt International Panorama
y Premio del Jurado en el Festival de Amsterdam. Mejor
realización en el Festival de Sundance. Todos en 2011. P.G.
Emad Burnat es un granjero y camarógrafo palestino. Ha trabajado en los
documentales Bil’in My Love, Palestine Kids, Open Close e Interrupted
Streams.
Guy Davidi (Jaffa, 1978) es profesor y
director de cine documental. Entre sus
cortos se encuentran In Working Progress, Keywords y Women Defying
Barriers. Su primer largometraje, Interrupted Streams, fue premiado en el Jerusalem Film Festival 2010.
In his small town on the West Bank (called Bil’in, close to
Nil’in, two Palestine villages), Emad Burnat films constantly, after the birth of his first son, from his first days until his
first steps. However, what begins as a movie about family
memories, turns into an epic film about the war with Israel,
without ever ceasing to be a deeply human picture, linked to
the filmmaker, his friends, neighbors and family. Little by
little, these two Palestine villages organize to fight off the Israeli army with songs, marches, parades and stones. Emad
Burnat starts filming with a camera, until the soldiers destroy it. Then, he takes on a second one, until this one falls to
the ground. He continues with a third, a fourth, a fifth camera. All of them are destroyed during the combat, and the
structure of the film is marked by the chapters that each of
the cameras is able to capture. The combination of this three
themes (cinema, family and war) filmed by a sensitive man
that loves not only his children, but also his country, weaves
a discourse that never before had been made to tell about this
conflict so often documented. The organization of the material is marked by the death of each of the cameras, and it
reaches an inconceivable peak of emotion. The film reveals
an unending tragedy that briefly stops when the two children
(Emad’s children) get to a beach and finally see the ocean for
the first time. Wounded, fatigued, with his illusions almost
Emad Burnat is a Palestine farmer and cameraman. He
has worked on the documentaries Bil’in My Love, Palestine Kids, Open Close and Interrupted Streams.
Guy Davidi (Jaffa, 1978) is a professor and director of
documentary cinema. Among his shorts are In Working
Progress,Keywords and Women Defying Barriers. His
first feature, Interrupted Streams, was awarded at the Jerusalem Film Festival 2010.
broken, Emad continues to film with other cameras, relentlessly. A direct work of cinema that hits the heart directly,
it received the Louis Marcorelles Award at Cinéma du Réel
Festival in Paris, Audience and Jury Awards at Amsterdam,
Best Picture at Sundance, all during 2011. P.G.
1BOPSBNB*OUFSOBDJPOBMt International Panorama
75
Forget Me Not
La rencontre
No me olvides / Alemania, 2012
El encuentro / Francia, 2012
Dirección: Alain Cavalier
Guión: Alain Cavalier
Imagen: Alain Cavalier
Montaje: Alain Cavalier
Producción : Les Films d l’Astrophore
Dirección: David Sieveking
Producción: Martin Heisler, Carl-Ludwing Rettinger
y David Sieveking
Guión: David Sieveking
Director de fotografía: Adrián Stähli
Montaje: Catrin Vogt
Música: Jessica de Rooij
Sonido directo: Juri Krause y
Johannes Schmelzer-Ziringer
David Sieveking estuvo en la última edición de FIDOCS con
David Wants to Fly, un filme sobre la fascinación de David Lynch con la meditación, y nos complace recibirlo tan
pronto de vuelta con este nuevo trabajo más íntimo. Sieveking nos entrega un retrato afectuoso sobre su madre Gretel,
quien sufre de alzheimer, y sobre los cuidados que la familia
debe darle a diario. Reconstruyendo la historia que ella ya no
puede invocar, la película funciona como un mecanismo que
corre a la inversa de su memoria, rescatando eventos del olvido y utilizándolos colectivamente para resolver la historia
familiar. Se enfatiza en la década de los sesenta, cuando Gretel y su esposo participaban de los movimientos estudiantiles y llevaban una relación abierta, asunto que hoy levanta
preguntas sobre los límites del amor y la responsabilidad.
Documentales sobre el alzheimer se producen por decenas cada año y No me olvides logra sorprender con un retrato cotidiano, honesto y con sentido del humor sobre una
enfermedad trágica y despiadada. Un filme lleno de cariño,
pero también de gran valor artístico y humano que ha recolectado numerosos premios en el mundo, como el de Mejor
Documental en Sundance y el Gran Premio de la Crítica en
el Festival de Locarno. R.G.
David Sieveking (Alemania, 1977) estudió
dirección en The German Film and Television Academy de Berlín, tiempo durante el
cual trabajó como editor, primer asistente
de dirección y actor de cine y televisión. Algunas de sus películas son A propos Dennis (2011), Ganga
guest house (2002), Wild man (2006), Senegallemand
(2007) y David Wants to Fly (2010).
David Sieveking was present at FIDOCS’ last version with
David Wants to Fly, a documentary film about David
Lynch’s fascination with meditation, and we are delighted to
have him back so soon with this more intimate and personal
work. Sieveking shares a warm portrait about his mother
Gretel, who suffers from Alzheimer and the care she receives
from her family on a daily basis; rebuilding history that she
can no longer retrieve. The film works as a mechanism that
runs opposite to her memory, rescuing forgotten events and
using them collectively to solve the family history. Special
emphasis is on the decade of the 60s, when Gretel and her
husband, would participate on student riots and had an
open relationship; subject that today raises questions about
love and responsibility.
There are dozens of documentaries about Alzheimer each
year, and Forget me not surprises us with an everyday
honest and humorous tale, regarding a tragic and ruthless
disease. A film filled with love, but also with great artistic
and human value that collected several awards around the
world. Best documentary in Sundance and the Critics’ week
top award at the Locarno Film Festival 2012. R.G.
David Sieveking (Germany, 1977) studied directing at the
German Film and Television Academy Berlin from 20002007, during which time he worked as an editor, 1st AD and
actor for film and television. A selection of his films includes
A propos Dennis (2011), Ganga guest house (2002),
Wild man (2006), Senegallemand (2007), and David
wants to fly (2010).
La rencontre es una preciosa reflexión íntima de un cineasta,
Alain Cavalier, quien se pregunta: “¿Se puede filmar el amor
en toda su intensidad?”. En realidad, el filme es una gran declaración de amor tanto a una mujer como a la vida en general. El director inventa un cine de casas, paredes, manteles,
cielos y jardines. Todo lo que tropieza con su mirada puede
convertirse en un elemento de su narración. Una narración
muy personal, subjetiva, humorística y siempre humana, que
avanza sin cesar y nos hechiza. Muestra la vida y la muerte.
Contempla la vida que pasa, los objetos que se rompen, los relojes que algún día se detienen, los pájaros que desaparecen.
Todo está destinado a esfumarse algún día. Pero todo esto
no es más que un renacer para él. Pues el milagro del cine
consiste precisamente en captar para siempre los momentos
que nunca volverán. Su cámara los capta para la eternidad.
El autor es un gran comentarista de los hechos de su vida y
probablemente de la vida de todos. Cavalier nos entrega una
obra única y singular; una obra de resistencia frente a la uniformidad de las imágenes, una obra que rechaza los lugares
comunes y la vulgaridad. Un gran poema. P.G.
Alain Cavalier (Vendôme, 1931) es un
reconocido director y actor de cine, autor
de filmes como Libera me o Thérèse, Premio del Jurado en Cannes 1986 y ganador
de seis Premios César. Estudió historia y
posteriormente ingresó al Instituto de Altos Estudios Cinematográficos de París (IDHEC). Aunque principalmente ha
dirigido películas de ficción, también ha filmado obras de cine
experimental, a medio camino entre la ficción y el documental, como Le filmeur, Irène o La recontre.
La rencontre is the precious intimate reflections of a filmmaker –Alain Cavalier– who asks himself: can love be filmed
in all its intensity? In reality, the film is a grand declaration
of love, as much to a woman, as to life in general. The director invents a cinema of houses, walls, tablecloths, skies and
gardens. Everything his gaze stumbles on can become an
element in his narrative; a very personal one, subjective,
humorous and always human, it endlessly moves forward, a
narrative that enthralls us. It shows life and death. It contemplates a life that unfolds, objects that break, clocks that
some day stop, birds that disappear. Everything is destined
to fade away some time. But for him, all this is nothing but
rebirth. Because, the miracle of cinema is precisely to capture forever those moments that will never come back. His
camera captures for eternity. The author is a great commentator of the events in his life, and probably, in everyone’s
life. Cavalier delivers a unique and singular piece: a work of
resistance against the uniformity of images, a piece that rejects the vulgar and commonplace: A great poem. P.G.
Alain Cavalier (Vendôme, 1931) is a renowned film director and actor, the author of such films like Libera me and
Thérèse, Jury award at Cannes 1986 and recipient of six
Caesar awards. He studied History, and later attended the
Institut des hautes études cinématographiques (IDHEC), in
Paris. Although he has mostly directed fiction films, he has
also shot experimental cinema, halfway between fiction and
documentary, such as Le filmeur, Irène and La recontre.
77
Le bonheur, terre promise
La felicidad, tierra prometida / Francia, 2012
Dirección: Laurent Hasse
Producción: Stéphane Bubel
Guión: Laurent Hasse
Dirección de fotografía: Laurent Hasse
Montaje: Matthieu Augustin
Música: Nicolas Repac
Sonido: Xavier Thibault y Jean-Marc Schick
Postproducción de sonido: Jean-Marc Schik
El director de esta película seductora resuelve atravesar
todo su país –Francia– caminando. Lleva su cámara y filma
todo lo que ve, lo que piensa y lo que va ocurriendo a su alrededor. La primera persona que aparece en su película es
una señora muy simpática que le abre su ventana para ofrecerle una taza de café. Ella le dice que ha vivido en esa casa
durante toda su vida. Nunca se ha movido de allí desde que
nació. Para un chileno exiliado como yo, que ha vivido más
o menos en 150 casas, esta señora representa la felicidad
completa. Sin embargo, para el director, esta estabilidad no
aumenta su felicidad. Por el contrario, aumenta su ansiedad y el deseo de moverse. Es un aventurero que encuentra
la “felicidad” viajando como un nómade. El filme se parece
a El caminante (Le marcheur, de Jean-Noël Christiani),
un excelente corto de 30 minutos que ya mostramos en este
mismo festival. Laurent Hasse, en cambio, realiza un viaje
más extenso (82 días para recorrer 1.500 kilómetros), cuyo
resultado es un repaso al mundo rural donde descubre una
nueva forma de reflexión. El origen de esta obra cautivadora
se produjo a causa de una tragedia. Resolvió hacer esta película después de haber sido atropellado por un coche, un
grave accidente que alteró su vida para siempre. Su viaje es
también una suerte de revancha contra el automóvil y caminar con sus propias piernas, descubrir la lentitud y volver a
percibir el gusto de la vida. Elige viajar con tiempo inestable,
es decir, en pleno invierno, para evitar a los turistas. Encuentra toda clase de personas y paisajes. Detrás de cada imagen
está la incertidumbre. Nunca sabemos lo que va a pasar. La
intriga es permanente y la excelente música va creando una
atmósfera de misterio y poesía. Premiada por el Festival de
Filmes para la Educación, Lussas, Résonances, Ecrans du
Réel, EcoFilm, Itinérances y seleccionada por numerosos
certámenes. P.G.
Laurent Hasse (Francia, 1980) estudió
cine documental en la Universidad de Futuroscope de Poitiers. Trabajó como operador de cámara para la TV y como asistente de dirección para documentales de
Jean Schmidt, antes de proyectar su ópera prima en varios
festivales. Actualmente escribe, realiza filmes documentales y se dedica a la retransmisión de espectáculos en vivo de
danza, música o teatro. Además, colabora como camarógrafo
para diferentes directores y supervisando prácticas académicas audiovisuales.
The director of this seductive movie resolves to travel through
his entire country – France – on foot. He carries his camera
with him and shoots everything he sees, what he thinks and
what happens around him. The first person to show up on the
film is a very nice lady that opens her window to offer him a
cup of coffee. She tells him she has lived there, in that house, all
her life. In other words, she has never moved from that house
since she was born. For a Chilean exile like myself, who has
lived in 150 houses, give or take, this lady represents complete
happiness. However, for the director, this stability does not enhance happiness. On the contrary, it augments anxiety and he
wishes to move along. He is an adventurer who finds “happiness” traveling as a nomad. The film resembles The walker
(Le marcheur, by Jean-Noël Christiani), an excellent short
of 30 minutes, which has screened at our festival. Laurent
Hasse, however, takes on a longer journey (82 days to cover
1,500 kilometers), whose result is a review of the rural world
where he discovers a new form of reflection. The origin of this
captivating piece came about from a tragedy. Hasse resolved
to make this film after being hit by a car, a serious accident
that altered his life forever. His journey is a kind of revenge
against that automobile: walking on his own legs, discovering
slowness and perceiving once again a lust for life. He chooses
to travel during unstable times, that is, in the middle of winter,
Laurent Hasse (Francia, 1980) studied documentary
filmmaking at Futuroscope University, in Poitiers. He has
worked as a camera operator for TV, and as assistant director in documentaries by Jean Schmidt, before screening his
opera prima at several festivals. He currently writes and
shoots documentary films and works in the rebroadcasting
of live music, theater and dance performances. Additionally,
he collaborates as cameraman for different directors, and supervises audiovisual internships.
to avoid tourists. He finds all sorts of people and landscapes.
Behind each image lies uncertainty. We never know what will
happen next. The intrigue is permanent, and the excellent
music creates an atmosphere of mystery and poetry. It was
awarded by the Festival of Educational Films, Lussas, Résonances, Ecrans du Réel, EcoFilm, Itinérances and has been
selected at numerous other festivals. P.G.
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Le génie helvétique
El genio suizo / Suiza, 2003
Dirección: Jean-Stéphane Bron
Producción: Ciné manufacture, Robert Boner
Dirección de fotografía: Jean-Stéphane Bron
Montaje: Karine Sudan
Música: Christian García
Formato de exhibición: 35 mm.
¿Alguien ha entrado al Congreso Nacional chileno y ha
escuchado la discusiones en los baños, en los pasillos,
en los ascensores, en el hemiciclo? Esto es lo que hace
el experimentado realizador suizo Jean-Stéphan Bron
en el hermoso Palacio Federal de Berna en el año 2001.
Consigue, por fin, revelarnos qué es la política, cuáles son
sus métodos, trucos, maniobras, mentiras y también sus
verdades. Una obra que desde su estreno fue un enorme
éxito de público en Suiza y objeto de polémica en todas
partes donde se exhibió con éxito internacional y obtuvo
muchos galardones. Una radiografía apasionante, un thriller legislativo que atrapa al espectador desde el inicio. El
director se gana la confianza de una comisión parlamentaria que debe redactar una ley sobre la ingeniería genética
aplicada a las plantas y animales. Los cinco héroes son diputados de distintas tendencias. Uno pertenece a la derecha conservadora y es un agricultor de gran reputación; un
segundo parlamentario pertenece a un grupo muy ligado
a la economía y antiguo cuadro de una transnacional de
semillas transgénicas; una tercera diputada es del partido
socialista y, además, alcaldesa de un pequeño pueblo. Un
cuarto personaje es demócrata cristiano, católico practicante, profesor universitario y autor del texto Todo sobre la
ingeniería genética. Finalmente, la persona más humana
de esta apasionante historia, Maya Graf, es una ecologista
del partido de los verdes que posee una granja ecológica,
quien es quizás la con más sentido común y a la vez la más
distante de los poderes políticos. La cámara se vuelve invisible y el director casi no interviene. P.G.
Jean Stéphane Bron (Lausanne, 1969)
es un realizador suizo diplomado en la
École cantonale d’art de Lausanne. Ha
dirigido documentales y filmes premiados
en Europa y en Estados Unidos. La génie
helvétique supuso uno de los mayores éxitos del cine suizo.
Su última película, Cleveland contre Wall Street, fue seleccionada en Cannes 2010.
Has anyone gone into the National Chilean Congress and
listened to the discussions in bathrooms, hallways, elevators, and inside the chambers? This is precisely what experienced Swiss director Jean-Stéphan Bron did inside the
beautiful Federal Palace in Bern, in 2001. He manages, at
last, to show us what politics truly is, what are its methods, tricks, maneuvers, lies and also, its truths. A piece that
since its première has had enormous ticket-sale success in
Switzerland, it has also been the object of controversy everywhere it has screened, while also collecting numerous
distinctions. It is a gripping in-depth analysis, a legislative
thriller that captivates the spectator from beginning to end.
The director has gained the trust of the parliamentary commission that must draft a law about genetic engineering, as
it applies to plants and animals. The five main characters
are representatives from different tendencies: One belongs
to the conservative right and is a highly reputed farmer; the
second parliament member is part of a group that is closely
tied to the economy and top management of a transnational
company dealing in transgenic seeds; a third representative
is a member of the Socialist Party and also, the mayor of a
small town. The fourth character is a Christian Democrat, a
practicing Catholic, university professor and the author of
the text Everything about genetic engineering. Finally, the
Jean Stéphane Bron (Lausanne, 1969) is a Swiss director,
graduate of la École cantonale d’art de Lausanne. He has
directed documentaries and awarded films in Europe and
the United States. La génie helvetique was considered
one of the biggest successes of Swiss film production. His
last movie, Cleveland contre Wall Street, was selected at
Cannes 2010.
most humane person of this stirring story, ecologist Maya
Graf, belongs to the Green Party and possesses an ecologic
farm; she is arguably the one with the most common sense,
and at the same time, the one farthest from political powers.
The camera becomes invisible, and the director almost does
not intervene. P.G.
81
Metranmen hada al-turab
Une jeunesse amoureuse
Dos metros de esta tierra / Palestina, 2012
Una juventud amorosa / Francia, 2011
Dirección: Ahmad Natche
Producción: Turab Films
Guión: Ahmad Natche
Director de fotografía: Rosibel Rojas
Montaje: Ahmad Natche
Sonido directo: Waleed Agel, Nadeem El Husary
y Nicolás Tsabertidis
En su poema “Mural”, el poeta palestino Mahmud Darwich
escribió que una vez muerto sólo necesitaría “dos metros de
esta tierra” para descansar. En 2008 fallece en el exilio y sus
restos son trasladados a una colina de Ramallah; metros más
allá, en un teatro al aire libre, se prepara un festival veraniego de música. Registrando con detalle la preparación del
evento y siguiendo de cerca la interacción entre productores, técnicos, artistas y periodistas, la gran frescura de esta
cinta radica en que logra evitar el gran discurso político para
enfocarse en cómo la identidad palestina y su vínculo histórico con la tierra se produce y regenera a partir de cientos de
pequeños gestos de la vida cotidiana.
A medio camino entre la ficción y el documental,
Dos metros de esta tierra toma como título el poema de
Darwich para recalcar que su cine se erige sobre un territorio ocupado y que la figura del poeta vigila atenta desde las
alturas. Filmado cámara en mano en sólo un par de horas,
con actores aficionados y financiado parcialmente a través
de crowdfunding, Ahmad Nachte nos ofrece un luminoso
vistazo a los sueños y esperanzas de la Palestina actual. R.G.
The Palestinian poet Mahmud Darwich wrote in his poem
“Mural” , that once dead, he would need only “two meters of
this land” to rest. He died in 2008 in exile, and his remains
were moved to a hill in Ramallah; meters away, in an outdoor
theater, a summer musical festival is under preparation.
Carefully recording the event preparations and closely following the interaction among producers, technicians, performers and journalists, this film manages to avoids a static
political discourse to focus instead on, to focus instead, on
how Palestinian identity and its historical link with the land
becomes and regenerates from the hundred small gestures of
daily life.
Somewhere between fiction and documentary, Dos metros de esta tierra gets its name from Darwich’s poem to
highlight that his films are assembled over occupied territory and the figure of the poet watches from above. Filmed with
a hand-held camera, in just a couple of hours with amateur
actors, and financed in part through crowdfunding, Ahmad
Nachte offers us a bright glance into dreams and hopes of
modern day Palestine. R.G.
Ahmad Natche (Sevilla, 1974) Estudió
Comunicación Audiovisual en la Universidad de Sevilla y la edición de Cine en la
Ahmad Natche (Sevilla, 1974) He studied Audiovisual
Communication at the University of Sevilla and Film Editing at the International Film and TV School of San Antonio
Escuela Internacional de Cine y TV de San
Antonio de los Baños (EICTV), Cuba. En
Cuba dirigió El Extranjero (2000), mejor cortometraje de
ficción en los Premios FAD, Barcelona. Como editor, recibió
un premio de Icaro Dear Camilo (2007). En 2008 empezó a
preparar, en la ciudad de Ramallah, su primer largometraje
Dos metros de esta tierra.
de los Baños (EICTV), Cuba. In Cuba he directed El extranjero (2000), best fiction short film at the FAD Awards,
Barcelona. As an editor he received an Icaro prize for Dear
Camilo (2007). In 2008 he began to prepare, in the city of
Ramallah, his first feature film, Two meters of this land.
Dirección: François Caillat
Producción: Christophe Cougeon
Investigación y guión: François Caillat
Director de fotografía: François Caillat
Montaje: François Caillat
El narrador cuenta su juventud amorosa en el París de los años
1970. Es un verdadero relato de educación sentimental realizado con todo el cuerpo y el corazón. Una historia íntima y al
mismo tiempo, la aventura de una generación. En resumen,
una película sobre la dificultad de amar. Mezclando fragmentos de la ciudad con fragmentos de cartas, fotos de mujeres jóvenes y música de la época, la película construye una geografía amorosa de París, ciudad donde el autor ha vivido durante
muchos años. Aquí aparecen sus aventuras, encuentros, descubrimientos y excesos de su juventud. Todo esto nos recuerda lo que fue aquella década prodigiosa. Como contrapunto,
incluye algunas imágenes en súper 8 para mostrar la contra
cultura en Estados Unidos y más tarde la dictadura militar
en Chile. Entre los numerosos amores del autor, hay también
una hermosa muchacha chilena, tal vez la más inquietante de
todas. La crítica de Le Monde asegura que la película “tocará a
todos los espectadores” ya que trata una época que en el fondo
representa todas las épocas. FIDOCS ha mostrado una parte
importante de la obra de François Caillat, entre ellas El caso
Valerie y Tres soldados alemanes, pues en la edición pasada fue uno de nuestros invitados especiales. P.G.
François Caillat (Lorraine, 1951) estudió
filosofía, música y etnología. Empezó su carrera con cortometrajes de ficción, musicales o series de documentales cortos y a partir
de los años 90, se centró en el largometraje
documental, mezclando su formación filosófica con un enfoque intimista. Entre sus obras destacan La quatrième génération, L’affaire Valérie o Une jeunesse amoureuse.
The narrator tells about his romantic youth in Paris in the
1970s. It’s a true tale of sentimental education made with
the whole body and heart. An intimate story, and at the same
time the adventures of a generation. In summary, a film
about the difficulty to love. Mixing city fragments with letter fragments, pictures of young women and music of the
times, the film builds a romantic geography in Paris, where
the author has lived for many years. Here we see his adventures, encounters, discoveries and the excesses of his youth.
All of this reminds us of what that monumental decade was.
As counterpart, it incudes some images in super 8 to show
the United States culture and later the military dictatorship in Chile. Among the author’s many lovers, there is also
a beautiful Chilean lady, perhaps the most disconcerting
of all. The critics of Le Monde assure us that the film “will
touch all viewers” since it deals with an era that represents
all eras. FIDOCS has shown an important part of the Works
of François Caillat, among them El caso Valerie and Tres
soldados alemanes, he was one of our special guests on the
last version. P.G.
François Caillat (Lorraine, 1951) studied philosophy, music and ethnology. He began his career in fiction shorts, musicals and short documentary series. Beginning in the 90s,
he concentrated in full-length documentaries, mixing his education in philosophy with an intimate focus. His works include the remarkable La quatrième génération, L’affaire
Valérie and Une jeunesse amoureuse.
83
Els monstres de ca meva
Los monstruos de mi casa / España, 2010
Dirección: Marta Hierro y Alberto Jarabo
Producción: Magdalena López-Baisson y Pablo Azorín
Guión: Marta Hierro, basado en textos de Carmen Artero
Dirección de fotografía: Alberto Jarabo y Javier G. Bordas
Montaje: Alberto Jarabo e Isabel Ortega
Música: Francisco Albéniz
Sonido: Oscar Eguia
Animación: Fran Bravo
Una película de apariencia modesta, narrada por un comentario explicativo y pedagógico que nos ofrece un espectáculo
de humanidad enfocado hacia la población infantil. Gracias a
la sensibilidad del personaje central (Carmen Artero), la película es un dossier paciente y enormemente tierno y sincero
sobre la parte más aterradora del destino de algunos niños.
Un grupo de hombres y mujeres atiende y acoge a pequeños
que han sufrido abusos sexuales, palizas, golpes, abandono y
desprecio. En medio de una sociedad que se cree “desarrollada”, ellos atienden la parte más castigada del país que prefiere taparse los ojos o mirar para el lado. Con entrevistas sencillas, dibujos animados y cuentos infantiles, el grupo pone en
práctica un profundo plan de rehabilitación. No hay asomo
de hospital, asilo o cárcel en la película, muy por el contrario,
se trata de una obra llena de vitalidad y belleza. No es un estudio sicológico con médicos o siquiatras con batas blancas,
sino más bien un grupo de mujeres que proyecta esperanza
y jovialidad. El final nos sorprende por su carga emocional
inesperada y sincera. “Entre los niños traumatizados hay un
gran número de escritores, cineastas, pintores, porque en el
refugio de lo imaginario es donde ellos pueden soportar el
horror de lo real”, dice el neurólogo Boris Cyrulnik. Mejor
documental de derechos humanos en el New York International Independent Film Festival, en 2010. P.G.
Alberto Jarabo (Madrid, 1975) es licenciado en imagen por la Universidad Complutense de Madrid. Combina la docencia
como profesor de montaje con la realización y producción de documentales; algunos de ellos se emitieron en los prestigiosos canales de
televisión TVE, ARTE o TV3. Además es cofundador de la
productora Quindrop Producciones.
Marta Hierro (Cáceres, 1975) es licenciada en periodismo por la Universidad
Complutense de Madrid. Desde 1996
trabaja como periodista en televisión y
ha colaborado con importantes cadenas
como Televisión Española, ARTE o Antena 3. Ha sido guionista de los documentales Estat d’Exili y Bajo en carbono, entre otros. Los monstruos de mi casa es su primer
largometraje.
A film with a modest appearance, narrated in an explanatory and pedagogic commentary, offers us a humanitarian
spectacle focused on the underage population. Thanks to the
sensitivity of the main character –Carmen Artero– the film
is a patient, sincere and enormously tender dossier about
the most terrifying aspects in the fate of several children. A
group of men and women welcome and tend to little ones who
have suffered sexual abuse, beatings, neglect, abandonment
and scorn. In the middle of a society that sees itself as “developed,” they look after the most damaged portion of a country
that would rather cover its eyes or look the other way. With
simple interviews, cartoons, children stories, the group sets
a profound rehabilitation plan in motion. There is no sight
of a hospital, institution or jail on the film; quite the contrary, it is a piece full vitality and beauty. It is not a psychology study, with doctors and psychiatrists in white coats, but
rather, a group of women that project hope and cheerfulness.
The ending is surprising, with an unexpected and sincere
emotional charge. “Among the traumatized children, there
is a large number of writers, filmmakers, painters, because
in the shelter of imagination is where they can withstand
the horrors of the real,” says neurologist Boris Cyrulnik. It
received Best Human Rights Documentary at New York Independent Film Festival 2010. P.G.
Marta Hierro (Cáceres, 1975) holds a degree in journalism
from Universidad Complutense de Madrid. Since 1996, she
has worked as a journalist in television and has collaborated
with important networks like Televisión Española, ARTE
and Antena 3. She is scriptwriter of the documentaries Estat d’Exili and Bajo en carbono, among others. Los monstruos de mi casa is her first full-length.
Alberto Jarabo (Madrid, 1975) has a degree in image from
Universidad Complutense de Madrid. He combines teaching
editing with making and producing documentaries, some
of which have shown in prestigious TV channels like TVE,
ARTE and TV3. Additionally, he is cofounder of the production house Quindrop Producciones.
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Nicaragua, une révolution confisquée
Nosotros
Nicaragua, una revolución confiscada / Francia, 2013
Nosotros / España, 2012
Dirección: Gilles Bataillon y Clara Ott
Producción: Calisto Productions SARL
Investigación y guión: Gilles Bataillon y Clara Ott
Director de fotografía: Jèrome Colin
Montaje: Virginie Vericourt
En 1979, en Nicaragua, la revolución sandinista sacó del
poder a la familia Somoza y levantó grandes expectativas
entre la población nicaragüense, oprimida tras cincuenta
años de dictadura. ¿Qué pasó con la revolución original
que emocionó al mundo? ¿ Dónde está la revolución pluralista que encarnaba la posibilidad de una tercera forma de
romper con el antagonismo Este-Oeste de la Guerra Fría?
Treinta años después, ocho de sus principales actores, participan en un análisis retrospectivo de sus excesos, mientras se oponen a su antiguo líder revolucionario Daniel
Ortega, quién volvió al poder en 2006 y parece –a juicio de
ellos– querer instalar una nueva dictadura. R.
In 1979, the Sandinista revolution throw out from power the
Somoza family and raised great expectations among the Nicaraguan population, who had been oppressed by a 50- year
dictatorship. Whatever happened with the original revolution that touched the world? Where is the pluralist revolution that embodied the possibility of a third way of breaking
down the East-West cold war antagonism? Thirty years
later, eight of its main actors participate in a retrospective
analysis of its excesses, while they oppose their previous revolutionary leader, Daniel Ortega, who came back to power in
2006 and seems–under their judgement– to want to install a
new dictatorship. R.
Clara Ott (París, 1965) es graduada en cine
en la IDHEC-FEMIS. Ha dirigido múltiples filmes documentales, como Le cri
des pasteurspeuls o Enfance à vendre,
seleccionados y premiados en festivales
internacionales. También ha realizado labores de producción, edición y montaje y trabajado en la Académie de France
à Rome Villa Médicis.
Clara Ott (Paris, 1965) is a graduate in cinema from IDHEC-FEMIS. She has directed numerous documentary films,
such as Le cri des pasteurs peuls and Enfance à vendre,
selected and awarded at international festivals. Additionally, she has worked in production, editing, and at the Académie de France à Rome Villa Médicis.
Gilles Bataillon (1956) es sociólogo, especialista en los temas de América Latina
contemporánea. Es catedrático de la École
des Hautes Études en Sciences Sociales
(EHESS), así como profesor invitado de
historia en el Centro de Investigación y Docencia Económicas (CIDE). Ha publicado numerosos libros y artículos en
revistas especializadas en Francia y en el extranjero.
Gilles Bataillon (1956) is a sociologist, specializing in contemporary Latin American issues. He is faculty at École des
Hautes Études en Sciences Sociales (EHESS), and guest
history teacher at the Centro de Investigación y Docencia
Económicas (CIDE). He has published diverse books and articles in trade magazines in France and abroad.
Dirección: Adolfo Dufour Andía
Producción: New Atlantis, Maite Ibáñez
Dirección de fotografía: Mariano Izquierdo
y Pablo Mínguez
Montaje: Berta Frías
Música: Pablo Miyar
Sonido: Enrique González y Nerio Gutiérrez
Colaboración: José Luis Sampedro
Cuando la empresa española Sintel se desplomó y se declaró
en quiebra total, se produjo una verdarera conmoción entre
sus empleados. Siete de ellos se quitaron la vida. Muchos otros
fallecieron prematuramente. Poco a poco, los sobrevivientes
se organizaron para crear un movimiento solidario que conmovió a toda España. De la nada, sin experiencia sindical,
sin conocer de verdad una movilización obrera, el puñado de
heroicos resistentes caminaron kilómetros hasta Madrid e
instalaron un enorme campamento en la principal avendida
de la capital, el elegante Paseo de la Castellana, donde acamparon en casas de cartón y durmieron durante meses a la intemperie hasta arrancar, lentamente, promesas muy vagas del
gobierno y luego respuestas un poco mejores. La lucha siguió
durante once años y aún sigue adelante. Nada ha conseguido
paralizarlos y se convirtieron en un ejemplo de lucha contra la
irresponsabilidad de los empresarios, la indolencia de los políticos y el despertar de la consciencia dormida de una España
herida por la crisis. Una película ejemplar, sin pretensiones,
bien contada, de un batallón de familias ordinarias, llenas de
moral y de indignación. Una obra modesta repleta de buena fe
que nos emociona y nos devuelve la confianza de que las cosas
pueden cambiar cuando hay unidad entre todos y obstinación.
Gran premio en Valladolid en 2009. P.G.
When the Spanish company Sintel crashed and declared
complete bankruptcy, there was true commotion among its
employees. Seven of them took their own lives. Many others
passed prematurely. Little by little, the survivors organized
to create a solidarity movement that shook all of Spain. Out
of nowhere, without syndicate experience, without truly
knowing the workings of a labor movement, the handful of
heroic demonstrators walked over kilometers to Madrid
and set up an enormous camp on the capital’s main avenue,
the elegant Paseo de la Castellana, where they camped in
cardboard houses and slept for months outdoors, until they
slowly wrested very vague promises from the government
at first, and better answers later. The struggle continued
for eleven years, and still carries on. Nothing has been able
to paralyze them, and they have become an example in the
struggle against corporate irresponsibility, the apathy of
politicians and the awakening of consciousness in a Spain
aggrieved by the crisis. This is an exemplary film, without
pretensions, well-narrated, about a battalion of ordinary
families full of morals and indignation; a modest work full of
good faith, that touches us and returns us the confidence that
things can change when there is unity and obstinacy. Grand
Prix in Valladolid 2009. P.G.
Adolfo Dufour Andía (Madrid, 1955) es guionista y director de los reconocidos documentales Septiembre del 75 y Viva la escuela moderna. Ha trabajado en las series de TV Esta
es mi tierra y Paraísos cercanos, entre otras.
Ha realizado labores académicas en la Escuela Internacional de
Cine de San Antonio de Los Baños de Cuba y en la ECAM.
Adolfo Dufour Andía (Madrid, 1955) is a scriptwriter and
director of the renowned documentaries, Septiembre del
75 and Viva la escuela moderna. He has worked on the TV
series Esta es mi tierra and Paraísos cercanos, among
others. He has taught at the International Film School at
San Antonio de Los Baños de Cuba and at ECAM.
87
Tous au Larzac
Todos en Larzac / Francia, 2010
Dirección: Christian Rouaud
Producción: Elzévir Films
Dirección de fotografía: Alexis Kavyrchine
Montaje: Fabrice Rouaud
Sonido: Martin Sadoux
Montaje de sonido: Jean Mallet
Postproducción de sonido: Jean-Pierre Laforce
Esta película extraordinaria realizada entre los años 1970 y
1981 y filmada en el inmenso paisaje de las mesetas de Larzac (centro de Francia) y también en París, muestra los once
años de combates no violentos organizados por los campesinos de la zona contra la expulsión de sus tierras para
agrandar un campo de entrenamiento militar. El mismo
realizador, Christian Rouaud, ya había echo otra gran obra
sobre las luchas sociales: Los LIP, la imaginación al poder,
en 2007, el primer ejemplo de autogestión de una industria
en Francia que movilizó más de cien mil personas. Ahora, en
Todos a Larzac, este director muestra de qué forma un grupo de campesinos y campesinas conservadores y católicos
se dan vuelta con sorpresa y a veces con miedo. Se rebelan
contra la expulsión y son apoyados por docenas de miles de
personas que desde entonces les ayudarán a evolucionar
para formar una clase distinta de agricultores. Organizan
desfiles de tractores, ocupan granjas delante de los soldados, abandonan rebaños de ovejas debajo de la Torre Eiffel,
mientras las autoridades no saben qué hacer y van con retraso. Apenas Mitterand es elegido, el proyecto se entierra.
Pero el movimiento continúa: se crea una confederación nacional campesina, empieza el combate contra los productos
OGM, el líder José Bové inicia el movimiento “altermundialista”. Los corderos ya nunca más volverán al rebaño. Un documental que propone una reflexión sobre las acciones de
los campesinos que chocan con el Estado. Pone en evidencia
dos sistemas de valores: la legalidad encabezada por los poderes y la legitimidad del combate ciudadano. En resumen:
una película instructiva, movilizadora, que demuestra a los
indiferentes que las cosas siempre se pueden cambiar. Recomendada para todos los públicos y muy especialmente
para Michelle Bachelet. Estrenada en la selección oficial de
Cannes 2011; Gran Premio en Pessac; César al mejor documental en 2012; Estrella de la prensa francesa ese mismo
año y Premio del Público en Los Ángeles. P.G.
Christian Rouaud (París, 1948) es escritor y director de cine documental. Entre
sus obras destacan, principalmente, el
premiado documental Les Lip, l’imagination au pouvoir o las producciones televisivas Paysan & Rebelle, Un portrait de Bernard Lambert y Dans la maison radieuse.
This extraordinary film, made between 1970 and 1981,
and shot in the immense landscape of the Larzac plateau
(central France) and in Paris, shows eleven years of nonviolent combat organized by the area’s peasants against
attempts to expel them from their lands in order to expand
a military training camp. Filmmaker Christian Rouaud
had already shot a great piece about social struggle: Les
Lip – L’imagination au pouvoir, in 2007, a first example
of self-management in French industry, which mobilized
over one hundred people. Now, in Tous au Larzac, the director shows how the conservative, Catholic peasant group
turns, sometimes in surprise, sometimes in fear. They rebel
against expulsion and are backed by tens of thousands of
people, whom from then on will assist them to evolve into a
different kind of farmers. They organize tractor parades, occupy farms in front of the soldiers, abandon herds of sheep
under the Eiffel Tower, while the authorities do not know
what to do. As soon as Miterrand is elected, the project is
buried. But, the movement continues: a national peasant
confederation is created, the struggle against GMO products begins, and leader José Bové starts the “Alter-Globalization” movement. These sheep will never again return to
the herd. This documentary proposes a reflection regarding
the actions of peasants that clash with the State, and high-
Pessac, the Caesar to the Best documentary, the Star of the
French press, and the Audience Award at Los Angeles. P.G.
Christian Rouaud (Paris, 1948) is a writer and documentary filmmaker. Among his noted Works are the awarded
documentary Les Lip, l’imagination au pouvoir and the
TV productions, Paysan & Rebelle, Un portrait de Bernard Lambert and Dans la maison radieuse.
lights two value systems: legality, as headed by the powersthat-be, and the legitimacy of the citizen struggle. In short:
it is an instructive, mobilizing film that shows those that
are indifferent that things can always change. It is recommended for all audiences, and especially for former Chilean
president Michelle Bachelet. Premiered at the Official selection in Cannes 2011, in 2012, it received the Grand Prize at
89
Il nous faut du bonheur
L’Oumigmag ou l’objectif documentaire
Necesitamos felicidad/ Francia, 2011
Oumigmag, o el objetivo de documentar / Canadá, 1993
Dirección: Alexander Sokourov y Alexei Jankowski
Producción: Alexei Jankowski
Director de fotografía: Sara Cornu
Montaje: Alexei Jankowski
Música: Mehdi Hosseini
Sonido: Makar Akhpachev y Dominique Vieillard,
Vladimir Ozemkov
Destruidos por su propia historia, la comunidad Kurda se
une nuevamente durante su festival de la primavera, un ritual preislámico que marca el camino a la adultez. El relato
se centra en Senia, la vieja matriarca de una familia extendida, en la villa de Gawilan Botan, región de Bardarash, a una
hora en vehículo desde Erbil, la capital de Kurdistán Iraquí.
El reto de este filme, además de contradicciones aparentes,
fue describir una comunidad musulmana del medio oriente
vía el retrato de una mujer, una que dirige a su familia con
mano de hierro. R.
Torn apart by history, the Kurdish community becomes one
again during its spring festival, an ancient, pre-Islam ritual that marks the passage to adulthood. The story centres
around Senia, the elderly matriarch of an extended family in
the village Gawilan Botan in the Bardarash region, about an
hour’s drive from Erbil, the capital of Iraqi Kurdistan. The
challenge the film faced, aside from its apparent contradictions, was to describe a Middle-East Muslim community
through the portrait of a woman, one who runs her family
with an iron fist. R.
Alexander Sokurov, titulado en historia y filosofía en la Lobachevsky State
University de Gorky. Después de trabajar
como documentalista para TV, se gradúa
del prestigioso Instituto de Cinematografía All-Union State en 1979. Sus filmes han sido galardonados en varios festivales, incluyendo Berlín, Cannes, Moscú,
Toronto, y Locarno (Leopard of Honour 2006).
Alexander Sokurov graduated in History and Philosophy from the N. I. Lobachevsky State University of Gorky in
1974. After working as a television-documentary maker, he
graduated from the prestigious All-Union State Institute of
Cinematography in 1979. Sokurov’s films have been awarded
prizes at a host of festivals, including Berlin, Cannes, Moscow, Toronto, and Locarno (Leopard of Honour 2006).
Alexei Jankowski se tituló en historia
antigua y prosiguió con estudios de dirección de cine en La Femis Film School,
Paris, graduándose en 1995. Más tarde trabajó con Alexander Sukorov como actor y
asistente en varios filmes, incluyendo The Days of Eclipse,
The Evening Sacrifice, Moloch, y Dolce. Fue coproductor y
asistente de dirección en Elegy of a Voyage. También ha escrito y dirigido varios documentales y cortometrajes.
Dirección: Pierre Perrault
Producción: Eric Michel, ONF
Investigación y guión: Pierre Perrault
Director de fotografía: Martin Leclerc
Montaje: Camille Laperrière y Claire Boyer
Música: Ginette Bellavance y Daniel Toussaint
Sonido directo: Esther Auger
En lo profundo de Ungava Bay, en el extremo norte de Quebec,
un cineasta vigila atento a los Oumigmag, manada de bueyes
almizcleros que habitan la zona. Pierre Perrault recorre la
tundra mientras medita sobre su concepción del documental.
Una película que muestra el pensamiento de un humanista
insaciablemente curioso. R.
In the depths of Ungava Bay, at Quebec’s northernmost
point, a filmmaker carefully watches the Oumigmag; a herd
of muskoxen that inhabit the area. Pierre Perrault traverses
the tundra while meditating about his conception of a documentary. A film that portrays the thought of an insatiably
curious humanist. R.
Pierre Perrault (Montreal, 1927-L’Isleaux-Coudres, 1999), director y poeta, fue
uno de los cineastas más importantes de
Canadá, codirector de la película Pour la
suite du monde y autor de series como
Un royaume vous attend o Le Goût de la farine. Publicó,
también, trabajos de poesía y teatro y diversos libros sobre
análisis cinematográfico. A lo largo de su trayectoria, recibió
notables reconocimientos, como el Premio Albert-Tessier o
el National Order de Québec.
Pierre Perrault (Montreal, 1927-L’Isle-aux-Coudres,
1999), a director and poet, is one of the most important Canadian filmmakers, co-director of Pour la suite du monde,
and author of series, such as Un royaume vous attend and
Le Goût de la farine. He published works on poetry and
theater, along with several books about cinematographic
analysis. Throughout his career, he received prominent accolades, like the Albert-Tessier Award and the National Order of Québec.
Alexei Jankowski graduated in Ancient History and went
on to study Directing at La Femis Film School, Paris, graduating in 1995. He later worked with Alexander Sukorov as an
actor and an assistant in a number of films, including The
Days of Eclipse, The Evening Sacrifice, Moloch, and
Dolce. He was Co-Producer and Assistant Director on “Elegy of a Voyage”. He has also written and directed a number
of documentaries and short films.
91
La mosquée royale d’Ispahan
La mezquita real de Ispahan / Francia, 2011
Dirección y guión: Richard Copans
Producción: Les Films d’Ici
Dirección de fotografía: Richard Copans
Montaje: Catherine Mabilat
Música: Yann Pittard
Postproducción de sonido: Stephane Larrat
Maquinistas: Rouzbeh Raygah y Alvin Andon
La imagen impresionante con que empieza este documental no se olvida nunca. Una masa de veinte mil peregrinos
inclinados en el patio de la gran Mezquita Real de Ispahan,
construida en 1598 por el arquitecto Ali Akbar Esfahani.
Se trata de una exquisita combinación de patios, espejos
de agua, cuatro minaretes y una gran cúpula. Es una película concebiba para la serie Arquitecturas que encabeza
Richard Copans y Stan Neuman (ambos invitados por FIDOCS en años anteriores y ambos grandes documentalistas). La película es una simple descripción, exacta, limpia y
sin adornos, que penetra en la forma y alma musulmanas.
Una voz muy sobria explica paso a paso los espacios, muros,
techos y abismos de este enorme planeta concebido para la
comunicación con Alá y con uno mismo. Ispahan es la tercera ciudad de Irán, a 340 kilómetros de Teherán. En sus
tiempos de esplendor vivía entre dos grandes peligros: el
gran imperio Mogol de la India y el imperio turco otomano.
Era una ciudad atravesada por las caravanas de la antigua
Persia. Su monarca Shah Abbas I la transformó en su capital. En su centro construyó una plaza de 600 por 160 metros,
cuatro veces más grande que la plaza de Voges, hecha en la
misma época en París. Ayudado por maquetas muy exactas,
el filme narra la reconstrucción de la ciudad, pero sobre
todo del templo. La colección Arquitecturas alcanza un
estilo sublime cuando explica los espacios. Es la mejor serie del mundo en esto. Una música “geométrica” y los ruidos
ayudan a entrar en los espacios para la meditación, así como
las sombras del sol, que se mueven entre los muros vegetales y minerales. La cámara, montada en un brazo mecánico,
parece volar muy lentamente. P.G.
Richard Copans (París, 1947) es director de fotografía, productor y realizador de cine. Durante los años setenta
fue asistente de cámara para Andréas
Winding, Philippe Rousselot y Pierre
Lhomme. Participó, además, del colectivo cinematográfico
Cinélutte como camarógrafo y realizador, y fundó las productoras Les Films du passage y Les Films d’ici.
The impressive image at the beginning of this documentary
is unforgettable: a mass of twenty thousand pilgrims bowed
in the yard of the Royal Ispahan Mosque, built in 1598 by architect Ali Akbar Esfahani. The site is an exquisite combination of courtyards, water mirrors, four minarets and a great
dome. This film was conceived for the Architectures series,
headed by Richard Copans and Stan Neuman (both great
documentary artists and both guests at FIDOCS in previous
years). The film is a simple description, exact, clean, without ornaments, that penetrates into the Muslim form and
soul. A very sober voice explains, step by step, the spaces,
walls, roofs and abysses in this enormous planet conceived
for communication with Allah and with oneself. Ispahan is
the third city in Iran, 340 kilometers from Tehran. During
its splendor, it existed between two dangers: the great Mongol Empire in India and the Ottoman Empire. It was a city
visited by caravans from ancient Persia. Its monarch, Shah
Abbas I, transformed it into his capital. In its center, he built
a square of 600 by 160 meters, four times larger than Voges
Square, built at the same time in Paris. With the aid of very
exact models, the film narrates the reconstruction of the city,
and especially of the temple. The Architectures collection
reaches sublime style in describing spaces. It is the best series in the world, in this regard. A “geometric” music and the
Richard Copans (Paris, 1947) is a director of photography, producer and filmmaker. During the 70s, he worked as
assistant camera for Andréas Winding, Philippe Rousselot
and Pierre Lhomme. Additionally, he was a member of the
cinematographic collective Cinélutte, as camera operator
and director, and founder of production houses Les Films du
passage and Les Films d’ici.
noises help us go into spaces for meditation, as do the shadows of the sun, that move between the mineral and vegetable
walls. The camera, mounted in a mechanical arm, seems to
fly slowly. P.G.
93
Desde otra (p)arte
From another (p)art
Bertsolari
Bloody Daughter
Bertsolari / España, 2011
Bloody Daughter / Suiza - Francia, 2012
Dirección: Asier Altuna
Producción: Txintsua Films
Guión: Asier Altuna
Fotografía: Galzka Bourgeaud
Música: Herrikojak
El nombre de esta película designa a los cantores vascos que
interpretan un tema completamente improvisado a partir
de cuatro o cinco ideas que el jurado les transmite. Es una
especie de competición vocal de gran belleza. Se trata de un
canto libre, sin instrumentos, que exige a cada intérprete
una enorme concentración e inventiva. Es una competencia
dura y a la vez poética. El filme refleja una extraña emoción
y transmite una parte de la cultura vasca que muy pocos conocen en el mundo. Es una dimensión entrañable de un país
que tiene manifestaciones culturales marcadas por el misterio. Esta práctica artística se inició hace siglos y se ha hecho
cada vez más compleja: inventar y cantar versos de acuerdo
a unas reglas de rima y métrica específicas. La película es un
espejo de la soledad de los intérpretes y a la vez nos entrega
una atmósfera épica en su culminación, cuando nos muestra
un concurso gigantesco que reunió a más de catorce mil personas en un estadio techado en el año 2009. P.G.
Asier Altuna (Bergara, 1969) realizó estudios audiovisuales en la escuela de Cine
de Andoain y en Caracas (Venezuela) y
talleres de guión en la Escuela de San Antonio de los Baños (Cuba). Se inició en el
mundo del audiovisual como técnico de iluminación, pero
tras el éxito de su primer cortometraje Txotx, codirigido por
Telmo Esnal, dio el salto a la dirección y escritura de guiones.
Ha realizado numerosos cortometrajes, series de televisión,
publicidad y en 2005, dirigió junto a Esnal su primer largometraje, Aupa Etxebeste! con el que ganaron el Premio de la
Juventud en el Festival de San Sebastián y fueron nominados
al Goya a la mejor dirección novel. 96 %FTEFPUSBQ
BSUFtFrom another (p)art
The name of this film is the designation for Basque singers
who perform completely improvised songs out of four or five
ideas a jury provides. It is a kind of vocal competition of great
beauty. It is free singing, without instruments, demanding
enormous concentration and creativity from each participant – a competition that is both hard and poetic at the same
time. The film reflects a strange emotion, and transmits
part of the Basque culture that few in the world are familiar
with. It shows an endearing facet of a country whose cultural
manifestations are steeped in mystery. This artistic practice began centuries ago, and has grown progressively more
complex – to invent and sing verses according to specific
rules of rhyme and meter. The film is a mirror for the singers’
solitude, but it delivers an epic atmosphere in the end, when
it shows a gigantic contest that brought together over fourteen thousand people to a stadium, in 2009. P.G.
Asier Altuna (Bergara, 1969) studied audiovisual arts at
the Andoain Film School, and in Caracas, Venezuela, also
took script workshops at the San Antonio de los Baños film
school (Cuba). He began working in the audiovisual field as a
light technician, but following the success of Txotx, his first
short film co-directed by Telmo Esnal, he shifted to script
writing and directing. He has directed several short films,
TV series and publicity spots and in 2005, he directed along
with Esnal his first feature film, Aupa Etxebeste! Which
won the Youth award at San Sebastian Film Festival, and
were also nominated to the Goya for best new directors.
Dirección: Stéphanie Argerich
Producción: Luc Peter y Pierro-Olivier Bardet
Guión: Stéphanie Argerich
Director de fotografía: Luc Peter y Stéphanie Argerich
Montaje: Vincent Pluss
Sonido: Marc von Stürler
Edición de sonido: Nicolas Lefebvre
Postproducción de sonido: Didier Rey
Martha Argerich es una de las pianistas más importantes de
todos los tiempos. Con tres hijas de diferentes maridos –todos grandes personajes de la música–, su biografía es como
un campo minado: lleno de baches, humos y silencios. De
uno de sus viajes, Martha trae una cámara de video a su hija
Stephanie, de once años, que ella usa para filmar la vida doméstica. Recopilando y ordenando dicho material pero produciendo también situaciones nuevas, Bloody Daughter
logra rodear la fama, los conciertos, los premios y las giras
para ofrecer un retrato vivo sobre el mundo íntimo y familiar
de esta destacada pianista.
En una década en que priman los documentales autobiográficos, Bloody Daughter logra evitar las tentaciones
del género y evade cualquier toque de narcisismo. En las
entrevistas y en el uso de la cámara no hay explotación, sino
curiosidad y respeto, y Stephanie maneja con delicadeza la
vida de una diosa que se levanta con pelo enmarañado y responde preguntas en pijama a una hija curiosa por completar
el rompecabezas familiar. Un filme profundo de sinceridad
abrumadora. R.G.
Stéphanie Argerich (Berna, 1975) es
hija de los célebres músicos Martha Argerich y Stephen Kovacevich. Estudió
ruso en Moscú y fotografía en la Escuela
de Diseño Parsons de Nueva York. Realizó numerosos cursos de realización de cine en París, para
posteriormente dirigir el que es su primer largometraje,
Bloody Daughter.
Martha Argerich is one of the most relevant pianists of all
times. She has three daughters from different fathers -all
great characters of the music world-, her biography is like a
minefield: full of holes, smoke and silence. Martha brings her
11 year-old daughter Stephanie a video camera from one of
her trips, which she uses to record domestic life. she collects
and categorizes the material, but also creates new situations, Bloody Daughter courts fame, concerts, awards and
tours, to offer a live portrait about the intimate and familiar
world of this noted pianist.
In this decade, in which auto-biographical documentaries rule, Bloody Daughter manages to avoid genre temptations and rejects any hints of narcissism. In interviews
and use of camera there is no exploitation, but curiosity and
respect, and Stephanie delicately maneuvers the life of a goddess that wakes up with messy hair and answers questions
in pajamas, to a curious daughter who wants to complete the
family puzzle. A deep film about overwhelming sincerity. R.G.
Stéphanie Argerich (Bern, 1975) is the daughter of celebrated musicians Martha Argerich and Stephen Kovacevich. She studied Russian in Moscow, and photography at the
Parsons Design School, in New York. After attending several
filmmaking courses in Paris, she directed Bloody Daughter, her first feature.
%FTEFPUSBQ
97
Corman’s World
Entre les Bras
El mundo de Corman / Estados Unidos, 2011
Entre los Bras / Francia, 2012
Dirección: Alex Stapleton
Producción: Stone Douglass, Mickey Barold,
Alex Stapleton, Jeffrey Frey e Izabela Frank
Guión: Alex Stapleton y Gregory Locklear
Director de fotografía: Patrick Simpson
Montaje: Victor Livingston y Philip Owens
Música: Air
Rey indiscutido del cine-B, Roger Corman es sin duda una
pieza clave de la historia de Hollywood. Dirigió más de cincuenta largometrajes, produjo más de cuatrocientos, desafió
al macarthismo, fundó estudios de cine, ganó un Oscar honorífico en 2009 y fue quien le dio su primera oportunidad
a figuras como Francis Ford Coppola, Jack Nicholson, Joe
Dante, Paul W.S. Anderson, Nicolas Roeg, David Carradine,
Dennis Hopper, Peter Bogdanovich, Robert De Niro, Peter
Fonda, Pam Grier, Ron Howard, Martin Scorsese, William
Shatner y James Cameron, por nombrar algunas.
Testimonios de dichos personajes son recolectados en
este fascinante biopic, en el cual el propio Corman, ya de 87
años, devela secretos de Hollywood, la industria y el cine.
Corman’s World logra adentrarse en la complejidad de un
hombre que reformuló un género barato, de efectos visuales
artesanales, barriles de sangre artificial y rodajes express, introduciendo en él la sátira y la crítica social. Un documental
entretenido y preciso que, con justicia, remarca la importancia
del “legado Corman” en el cine norteamericano actual. R.G.
The undisputed king of B Movies, Roger Corman is no doubt
a key piece in Hollywood history. He directed over fifty features, produced over four-hundred of them; he challenged
McCarthyism, founded film studios, won an honorary Oscar
in 2009, and gave their first chance to figures like Francis
Ford Coppola, Jack Nicholson, Joe Dante, Paul W.S. Anderson, Nicolas Roeg, David Carradine, Dennis Hopper, Peter
Bogdanovich, Robert De Niro, Peter Fonda, Pam Grier, Ron
Howard, Martin Scorsese, William Shatner and James
Cameron, just to name a few.
Testimonies by these personalities are collected in this
fascinating biopic, in which Corman himself, now 87 years
old, reveals secrets from Hollywood, the industry and cinema.
Corman’s World delves into the complexities of a man that
reformulated this low-budget genre with homemade visual
effects, barrels of artificial blood and express productions, by
infusing it with satire and social criticism. This entertaining
and precise documentary justly highlights the importance of
Corman’s legacy to current American cinema. R.G.
Alex Stapleton es directora y productora de cine. Además de sus trabajos cinematográficos, ha realizado otras labores
relacionadas con el audiovisual; fue la
encargada de registrar para Levi’s la exposición de arte urbano Outside In: The Story of Art in the
Streets, con la participación de Banksy o Shepard Fairey, y
grabó para Nike las olimpíadas de 2008. Como productora,
debutó con Just For Kicks y su ópera prima como directora,
Corman’s World: Exploits of a Hollywood Rebel, ha obtenido excelentes críticas.
Alex Stapleton is a film director and producer. She documented for Levi’s the urban art exhibition Outside In: The
Story of Art in the Streets, and recorded the 2008 Olympic
Games for Nike. She debuted as producer with Just for
Kicks, and Corman’s World: Exploits of a Hollywood
Rebel, her opera prima as director, received excellent reviews.
98 %FTEFPUSBQ
Dirección: Paul Lacoste
Producción: Everybody On Deck
Dirección de fotografía: Yvan Quéhec
Montaje: Anthony Brinig
Música: Florian Delafourniere
Sonido: François Labaye
Postproducción de sonido: Jean-Marc Billand
Una película llena de poesía, condimentada por ligeros acordes
de piano que entran en la vida de una familia de la provincia
francesa. Una obra llena de ligeras observaciones, hermosos
paisajes y las manos delicadas de varios hombres que construyen los platos más deliciososo de la región. Una película bien
narrada, bien articulada, amena, liviana, que está enriquecida
por hermosas reflexiones sobre la vida de un equipo de cocineros. Es también la historia de uno de los mejores restaurantes
de Europa, en el sur de Francia, donde Michel Bras (el gran fundador del establecimiento) cede poco a poco su lugar a su hijo
Sebastián, otro gran cocinero inventivo. He aquí una película
sobre la cocina, la transmisión del padre al hijo, sobre cómo los
conocimientos del más viejo tienen que pasar al más jóven, sin
perder su sabor y dejándole plena libertad al heredero para que
invente nuevos platos y otro estilo para cocinar. Una pareja que
se inspira, a su vez, en los ancianos abuelos, buenos cocineros
también, modestos, que empujaron a sus hijos y nietos hasta el mundo de la cocina. Al principio, el restaurante familiar
era normal, como tantos otros, pero gracias al vigor de Michel
Bras, se convierte en un sitio de “alta cocina” famoso en toda
Europa y después incluso en Japón. Es la historia de la cocina,
pero también la historia de dos buenos empresarios. Una pequeña joya que se contempla con placer y ojalá con una copa
de buen vino en la mano. Celebrada y seleccionada por la Berlinale, San Francisco, Seattle, Sao Paulo y San Sebastián. P.G.
Paul Lacoste (Francia, 1966) es profesor
de dirección cinematográfica en la ESAV de
Toulouse. Escribió la obra teatral Les Eaux
fortes (2010), que dirigió y adaptó al cine.
Entre les Bras es su primer documental.
Here is a film full of poetry, seasoned with light piano chords,
that enters into the life of a family in the French countryside.
It is a piece full of light observations, beautiful landscapes and
the delicate hands of several men that concoct the most delicious
dishes in the region. It is a finely narrated film, well-articulated,
entertaining, light, enriched by the beautiful reflections about
life of a teach of cooks. It is also the story of one of the best restaurants in Europe, in southern France, where Michel Bras (the
renowned founder of the establishment) is slowly giving up his
spot to Sebastian, his son, another outstandingly inventive cook.
This is a film about the kitchen, about the transmission from father to son, about how the knowledge from the elder must pass
on to the young, without losing its flavor, while giving the young
heir complete freedom to invent new dishes and another cooking
style. This couple is inspired in turn by their elderly grandparents, modest yet great cooks in their own right, who drove their
sons and grandchildren into the world of the kitchen. In the beginning, it was a normal family restaurant, as so many others,
but thanks to Michel Bras’s vigor, it became a place of haute cuisine, famous throughout Europe, and later, even in Japan, where
they opened a similar establishment. It is a story about cuisine,
but also about two fine entrepreneurs. This little jewel is to be
contemplated with pleasure and hopefully with a glass of fine
wine on hand. It has been celebrated and selected at Berlinale,
San Francisco, Seattle, Sao Paulo and San Sebastián. P.G.
Paul Lacoste (France, 1966) is a professor of film direction at ESAV, in Toulouse. He has directed fiction short- and
medium-length films. He wrote the play Les Eaux fortes
(2010), which he directed and adapted for the screen. Entre
les Bras is his first full-length documentary.
%FTEFPUSBQ
99
Eames: The Architect & The Painter
Eames: The Architect & The Painter / Estados Unidos, 2011
Dirección: Jason Cohn y Bill Jersey
Producción: Jason Cohn y Bill Jersey
Guión: Jason Cohn
Director de fotografía: Ulli Bonnekamp, Edgar Boyles,
Brian Dowley, Andrew Dryer, Vicente Franco,
Tom Hurwitz, Edward Marritz, Jon Shenk, Peter Stepanek,
Thaddeus Wadleigh, BrettWiley y Brian Wingert.
Montaje: Don Bernier
Música: Michael Bacon
Mezcla de sonido: James Lebrecht y Dan Olmsted
Diseño de sonido: Berkeley Sound Artists
El matrimonio Eames emergió en el período de post-guerra
y rápidamente se instaló como uno de los puntales creativos
de Estados Unidos. Su trabajo tuvo una influencia enorme en
campos como la arquitectura, el cine, la fotografía y el diseño, y este documental explora su historia con ritmo vertiginoso y sin dejar detalle fuera de cuadro: sus obras para firmas
como IBM y Polaroid, las dinámicas de trabajo, los egos, las
amantes y las tensiones circundantes son algunos de los muchos temas en los que se profundiza con cuidadas entrevistas y buen material de archivo.
Especialmente interesante es la apuesta que se hace por
la figura de Ray Eames. Absolutamente desplazada a un segundo lugar, en un tiempo y lugar dominado por hombres, su
trabajo y mirada fue, sin embargo, esencial para el éxito e innovación del estudio. De modo justo, los directores han querido reivindicar su legado, otorgándole de paso una agenda
política y un nivel de profundidad inesperado al documental.
Narrado por James Franco, Eames: The Architect &
The Painter será sin duda un placer para los fans de Mad
Men y todos quienes trabajan en esa industria hoy llamada “creativa”. Porque sépanlo: he aquí quienes les abrieron
camino. R.G.
Jason Cohn es periodista, productor y
editor en jefe de Pacific Time Ha escrito
documentales para National Geographic
y PBS, y sus artículos han aparecido en
la sección National Affairs de la revista
Rolling Stone, Los Angeles Times, LA Weekly, San Francisco
Chronicle y otros periódicos importantes.
100 %FTEFPUSBQ
Bill Jersey ha producido documentales
para programas de TV por cuarenta años.
En los principios de los años sesenta estableció su reputación como uno de los
pioneros del movimiento cinema-verité.
Desde entonces ha producido documentales para las más
grandes cadenas y en asociación con PBS, WNET New York,
KCET Los Angeles, WGBH Boston, entre otras.
The Eames partnership arose in the post-war period and
quickly established itself as one of the creative powerhouses
in the United States. Their work had an enormous influence
in fields such as: Architecture, film, photography and design,
and this documentary explores their history with a giddy
rhythm and without leaving any details out of frame. Works
for companies like IBM and Polaroid, work dynamics; egos,
the lovers and surrounding tensions are some of the many
subjects they ponder with careful interviews and good quality file footage.
It’s especially interesting the place given to the figure of
Ray Eames, absolutely displaced to a secondary position, in
a place and time dominated by men. However, her work and
points of views were essential for the success and innovation
of the study. To be fair, the directors wanted to vindicate her
legacy, bestowing a political agenda and unexpected depth to
the documentary.
Narrated by James Franco, Eames: The Architect &
The Painter will be without a doubt a pleasure for all fans of
Mad Men and all those that work in this “creative” Industry.
People must know: here are those who paved the way. R.G.
Bill Jersey has been producing documentaries for broadcast
television for over forty years. In the early 60’s he established
his reputation as one of the pioneers of the cinema-verité
movement. Since then he has produced documentaries for all
of the major networks and in association with PBS, WNET
New York, KCET Los Angeles, WGBH Boston, and others.
Jason Cohn, as a public radio reporter, producer and managing editor, Jason covered the culture of technology for
Beyond Computers and issues of Asian art, culture and
politics for the nationally syndicated program Pacific Time.
As a writer, he has written documentaries for National
Geographic and PBS, and his articles have appeared in the
National Affairs section of Rolling Stone, the Los Angeles
Times, LA Weekly, the San Francisco Chronicle and other
major periodicals.
%FTEFPUSBQ
101
Free Radicals
Radicals libres / Francia, 2011
Dirección: Pip Chodorov
Producción: Ron Dyens
Guión: Pip Chodorov
Dirección de fotografía: Pip Chodorov y Nicolas Rideau
Montaje: Nicolas Sarkissian y Jackie Raynal
Sonido: Xavier Thibault y Jean-Marc Schick
El cineasta y compositor de música Pip Chodorov (Nueva
York, 1965), creador también de una casa de distribución
de cine experimental llamada “Re:voir”, nos entrega ahora
un filme sobre sus amigos de todas las épocas. Se trata de
un grupo de cineastas que a partir de los años veinte hasta
ahora, han hecho un cine de sensaciones, ideas, impactos,
impresiones, conceptos, con procedimientos únicos y adelantados a su tiempo, a menudo incomprendidos y etiquetados con la palabra “experimental”. Mediante esta notable antología, Pip Chodorov nos pone al día acerca de este
cine casi inédito. Echemos una ojeada a algunos de sus
héroes: Hans Richter (1888-1976) fue un pintor alemán
influenciado por el cubismo y el expresionismo. Defendió
y practicó un arte vinculado al movimiento dadá formado
por películas de figuras geométricas en movimiento. Sus
cortometrajes muestran abstracciones a través de formas
simples siguiendo un compás. Por ejemplo, en Rhythm.2,
un fondo negro es cruzado por líneas blancas seguidas por
rombos, rectángulos que se agrandan y crecen, a veces salen de cuadro y más tarde son reemplazados por líneas paralelas o por rayas en forma de cuña. Sobre este autor y su
obra se ha escrito una verdadera montaña de teorías. Otro
autor experimental, Len Lye (1901-1980), de origen neozelandés, comenzó con filmes pintados en la superficie del
celuloide (como después continuaría Norman McLaren).
Pero en su Kaleidoscope practica también la animación y
traduce en figuras la música cubana con diseños, leyendas,
texturas y conjuntos de colores; es un cine de efectos interminables. Stan Brakhage (1933-2003), autor estadounidense, también hizo filmes pintados a mano. Jonas Mekas
(nacido en 1922), de origen lituano, es la gran figura del
102 %FTEFPUSBQ
cine experimental basado en Nueva York, amigo de Warhol, Ginsberg, Lennon y Dalí, autor de más de cincuenta
obras en todos los soportes y formatos. Hizo un documental extraordinario sobre su vida, Recuerdos de un viaje a
Lituania, donde regresa a la tierra de sus orígenes acompañado de su hermano. Sin ninguna duda, Radicales libres es la antología necesaria que todos esperábamos. P.G.
Pip Chodorov (Nueva York, 1965) es
compositor musical y director de cine.
Trabajó en distribución de filmes en
Orion Classics, UGC o Light Cone, y actualmente desempeña su labor en Re:Voir
Video, empresa que fundó en 1994, y en la galería de cine experimental The Film Gallery.
Filmmaker and music composer Pip Chodorov (Nueva
York, 1965), also the creator of a film distribution company
called Re:voir, presents us with a film about his all-time
friends; that is, about a group of filmmakers that beginning
in the 1920s, up to our days, have made a cinema of sensations, ideas, impacts, impressions, concepts, with unique,
pioneering procedures, often misunderstood and labeled
“experimental.” Through this amazing anthology, Pip
Chodorov gives us an update regarding this almost unprecedented kind of cinema. Let’s look at some of his heroes: Hans
Richter (1888-1976) was a German painter influenced by
cubism and expressionism. He defended and practiced an
art linked to the Dadaist movement, making films about
geometric shapes in motion. His shorts show abstractions
through simple shapes that move to a beat. For example,
Rhythm.2: a black background is crossed by white lines,
followed by diamonds and rectangles that grow, sometimes
out of the frame, and that are later replaced by parallel lines
or scribbles like wedges. This author and his work have been
the object of a veritable mountain of theories. Another experimental author, New Zealander Len Lye (1901-1980),
began with movies painted on the surface of film (as Norman McLaren would later do). But in his Kaleidoscope, he
also delves into animation, translating Cuban music into
dinary documentary about his life, Reminiscences of a
Journey to Lithuania, where he returned to his homeland, with his brother. Undoubtedly, Free Radicals is the
necessary anthology we have all been waiting for. P.G.
Pip Chodorov (New York, 1965) is a musical composer and
film director. He worked in film distribution at Orion Classics, UGC and Light Cone. At present, he carries out his work
at Re:Voir Video, a company he founded in 1994, and also at
The Film Gallery, an experimental cinema gallery.
shapes, with designs, texts, textures and color collections
– a cinema of interminable effects. American author Stan
Brakhage (1933-2003) also made films painted by hand.
Lithuanian Jonas Mekas (born in 1922) is the great figure
of experimental cinema; based in New York, he was a friend
of Warhol, Ginsberg, Lennon and Dalí. The author of over
50 works, in every medium and format, he made an extraor-
%FTEFPUSBQ
103
Emak Bakia baita
Museum Hours
La casa Emak Bakia / España, 2012
Horas de Museo / Austria, 2012
Dirección: Oskar Alegría
Guión: Oskar Alegría
Imagen: Oskar Alegría
Montaje: Oskar Alegría
Producción : Oskar Alegría
En 1926, el famoso artista estadounidense Man Ray hizo un
hermoso filme experimental en las costas del País Vasco.
Ochenta y siete años más tarde, el cineasta Oskar Alegría
intenta buscar la casa donde Man Ray filmó aquella película
de leyenda. Para tener una idea de qué camino tomar, el joven
director nos muestra numerosos fragmentos de aquella película fascinante, abstracta y misteriosa, que describe algunas
playas de la costa de Biarritz. Por supuesto, nadie sabe nada
de esa película. Ningún archivo, ninguna institución le puede
ayudar. Solamente tiene a su favor la intuición, el viento y el
azar. Es el arranque de una búsqueda llena de fantasía, música,
imágenes fugitivas, que provocan hechizo en el público. Cada
imagen estimula la imaginación del espectador. Nunca sabemos adónde vamos; la película es un viaje imaginario que nos
mantiene en vilo todo el tiempo. Oskar Alegría realiza unas excelentes “Variaciones Man Ray” tal como Bach hizo las legendarias “Variaciones Goldbeg” con un “final extraordinario”,
según palabras de Víctor Erice. Seleccionada en Edimburgh,
Telluride, Bafici, Docslisboa, Valdivia, San Sebastián y Morelia. Premiada en Montréal. P.G.
Oskar Alegria (Pamplona, 1973) es periodista de formación, comenzó trabajando
de reportero en Madrid en los informativos de Canal Plus y CNN+. En el terreno
del documental gastronómico, ha escrito
y co-dirigido la serie de Maestros de la cocina vasca para
ETB-televisión. Desde el 2009, es profesor de guión de documentales en el máster de guión audiovisual de la Universidad
de Navarra y ha dirigido un Taller de Fotografía Abstracta
para niños en el Museo Chillida-Leku.
104 %FTEFPUSBQ
In 1936, the famous American artist Man Ray made a beautiful experimental film on the coasts of the Basque Country.
Eighty-seven years later, filmmaker Oskar Alergría tries to
find the house where Man Ray shot the legendary movie. To
get an idea of where to begin, the young director shows us numerous fragments of that fascinating film, abstract and mysterious, which describes some of the beaches along the Biarritz coast. Of course no one knows anything about the movie.
No archive, no institution can help him. Only intuition, luck
and the wind are on his side. Here is the beginning of a search
full of fantasy, music and fleeting images that mesmerize the
audience. Each image stimulates the viewer’s imagination.
We never know where we are headed; the film is an imaginary
voyage that keeps us in suspense throughout. Oskar Alegría
makes excellent “Man Ray Variations” –much like Bach
composed the legendary “Goldberg Variations”– with an
“extraordinary ending,” according to Victor Erice. Selected
at Edinburgh, Telluride, Bafici, Docslisboa, Valdivia, San Sebastián and Morelia. Awarded in Montreal. P.G.
Oskar Alegria (Pamplona, 1973) Journalist, he began
working as a reporter for news programs of Canal Plus and
CNN+, in Madrid. In the field of gastronomy documentaries, he has written and co-directed the series Maestros de
la cocina vasca (Masters of Basque Cuisine) for ETBTelevision. Since 2009 he teaches scriptwriting for documentaries at the Audiovisual Script Master of the Navarra
University, and he has directed the Abstract Photography
Workshop for children at the Chillida-Leku museum.
Dirección: Jem Cohen
Producción: Paolo Calamita, Jem Cohen, Gabriele
Kranzelbinder, Guy Piccioto y Patti Smith
Guión: Jem Cohen
Director de fotografía: Jem Cohen y Peter Röhsler
Montaje: Jem Cohen y Marc Vives
Sonido directo: Bruno Pisek
En un primer nivel, esta película trata sobre la genuina amistad que se tiende entre Johann (Bobby Sommer), guardia del
Museo de Historia del Arte de Viena, y Anne (Mary Margaret O’Hara), una canadiense de paso por la ciudad. Ambos caminan por los pasillos, admirando y comentando los cuadros
del museo –particularmente a Bruegel–, para salir luego a
la ciudad y deambular sin rumbo fijo, buscando en las calles
ecos lejanos de dichas obras. De algún modo, con ello señalan
que lo que hay dentro de esos muros no es inerte, sino que se
conecta con la humanidad que transcurre allá afuera.
Alrededor de esa trama, Jem Cohen construye un filme
que no es ficción, documental ni cine ensayo, sino todas a la
vez. En casi dos horas, y con un montaje preciso, la trama se
va complementando con reflexiones sobre el rol y consumo
del arte y también con un buen número de inesperadas tomas callejeras. Una película graciosa y analítica que formalmente se aleja del cine al que Cohen nos tenía acostumbrados, pero que se mantiene fiel a sus temas fundamentales:
desvaríos urbanos, crítica a la vida contemporánea, la escena punk, el acceso a lo público y el extravío. Probablemente
su mejor trabajo a la fecha. R.G.
Jem Cohen (Kabul, 1962) es un director
norteamericano conocido, sobretodo, por
sus personales retratos de paisajes urbanos. Sus obras se han expuesto en prestigiosas instituciones como el MoMA o The
Whitney, y grandes festivales como el BAFICI o el Festival
de Gijon le han dedicado retrospectivas. En sus obras ha
contado con colaboraciones de artistas musicales de la talla
de Fugazi, Patti Smith o R.E.M.
On a first level this movie deals with the genuine friendship
between Johann (Bobby Sommer), Vienna Art History Museum’s guard, and Anne (Mary Margaret O’Hara), a Canadian passing through the city. They walk the corridors
admiring and commenting on the museum pictures- particularly Brueghel-, and later go out in the city and ramble the
streets with no destination, searching for the distant echoes
of those pieces. In some way, with this action they point to
the fact that what is on those walls is not inert, it happens
on the outside.
Jem Cohen builds a film around the subject and is not
fiction, nor documentary, or film essay, but all three. In almost two hours and with precise editing, the plot gets complemented with thoughts on the art’s role and art consumption, and also several street shots. A funny and analytical
film that formally moves away from the films Cohen had us
used to, but stays loyal to fundamental themes: urban variance, criticism to contemporary life, the punk scene, public
access and mislaying. Probably his best work to date. R.G.
Jem Cohen (Kabul, 1962) is an American director, well
known for his personal portraits of urban landscapes. His
works have shown at MoMA and The Whitney, and festivals like Bafici and Gijón have hosted retrospectives of his
films. Important music artists, of the stature of Fugazi, Patti
Smith and R.E.M., have collaborated in his productions.
%FTEFPUSBQ
105
Regilaul - Lieder aus der luft
Regilaul, canciones del aire / Suiza, 2010
Dirección y guión: Ulrike Koch
Producción: SRF Schweizer Radio und Fernsehen, Doc Productions GmbH, Zurich, Rühm
Null OÜ y Tallinn
Dirección de fotografía: Pio Corradi
Montaje: Magdolna Rokob
Música: Märt-Matis Lill
Sonido: Mart Kessel-Otsa
Ulrike Koch vive en Suiza. Ha estudiado sinología, estudios japoneses y etnología en la Universidad de Zurich.
También chino moderno, literatura y filosofía en la Universidad de Pekín. Ha sido asistente de dirección de Nikita
Mikhalkov para Urga y asistente de dirección de Bernardo
Bertolucci en El último emperador y Pequeño Budha. Ha
realizado dos documentales excepcionales exhibidos anteriormente en FIDOCS: Los hombres de la sal del Tibet
y Ässhäk, historias del Sahara (esta última ganadora del
gran premio en Filadelfia y Rotterdam). Ahora nos entrega
Regilaul, otra obra enigmática y única, tal vez la más compleja de todas. Es una película de canciones (“canciones
del aire”) que se basan en ocho sílabas llamadas “regi”. Su
origen está en la antigua imagen del mundo fino-ugrio. Son
la base para la famosa cultura del canto estonio. Su sonoridad monótona contiene una fuerza misteriosa y anima
la confrontacion de cada persona con sus propias raíces
y la búsqueda de nuevas formas de transformacion de esa
misma cultura. Esto ocurre especialmente en los tiempos
de cambios elementales de la vida, que para muchos significan la pérdida de la identidad, y responde a la pregunta
¿cómo uno puede integrarse a este mundo?, que nos concierne a todos. Estonia ofrece campos de energías fílmicas
para presentar este tejido único entre naturaleza, hombre
y canciones. La imagen que se repite una y otra vez a lo largo de la película posee una rara seducción: es un águila que
vuela hasta su nido. La fotografía y encuadre de este filme
pertenece a uno de los grandes fotógrafos documentales
del mundo, Pio Corradi, que también trabaja –entre otros–
con Richard Dindo. P.G.
106 %FTEFPUSBQ
Ulrike Koch (Birkenfeld/Nahe, 1948) es
periodista y realizadora de cine. Estudió
Sinología, Japanología, y Etnología en la
Universidad de Zurich, así como Literatura China y Filosofía en la Universidad
de Beijing. Empezó publicando artículos y reseñas cinematográficas en medios como Weltwoche o Positif. Posteriormente realizó labores como directora de casting y asistente
de dirección para obras como El último emperador de
Bernardo Bertolucci o Urga de Nikita Mikhalkov. Entre sus
films destacan The Saltmen of Tibet o Regilaul.
Ulrike Koch lives in Switzerland. She has studied Sinology,
Japanese studies and ethnology at Zurich University, and
also modern Chinese language, literature and philosophy
at Beijing University. She has been assistant director for
Nikita Mikhalkov in Urga, and for Bernardo Bertolucci
in The Last Emperor and Little Buddha. She has made
two exceptional documentaries previously screened at FIDOCS: The Saltmen of Tibet and Ässhäk, Tales from the
Sahara (the latter, winner of the Grand Prize at Philadelphia and Rotterdam). Now, she gives us Regilaul, another
enigmatic and unique picture, probably the most complex
of them all. It is a film about songs (“songs of the air”) based
on eight syllables called “regi.” Their origin is in the ancient
Ulrike Koch (Birkenfeld/Nahe, 1948) is a journalist and
film director. She has published articles and film reviews in
Weltwoche and Positif, and was casting director and assistant director in movies like The last emperor, by Bernardo
Bertolucci, and Urga, by Nikita Mikhalkov. Some of her important films include The Saltmen of Tibet and Regilaul.
image of the Finno-Ugric world. They are the basis for the
famous Estonian singing culture. Its monotonous sonority
contains a mysterious strength, and it fuels the confrontation of each person with its own roots and the search for
new forms of transformation in this culture. This especially occurs at times of elemental changes in life, which
for many mean a loss of identity, and answers the question
“how can one become part of this world?” which touches
us all. Estonia offers fields of film energy to present this
unique intertwining between nature, man and song. The
image that repeats over and over throughout the film possesses a strange seduction: an eagle flying to its nest. The
cinematography and framing on this movie belong to one of
the great documentary DoPs in the world, Pio Corradi, who
also works with Richard Dindo, among others. P.G.
%FTEFPUSBQ
107
Horizontes
Horizons
Horizontes
Horizons
Mariana Otero
Mariana Otero es una destacada cineasta francesa de origen español que
pertenece a una familia de artistas.
Su hermana es la actriz Isabel Otero y
ambas son hijas de la notable pintora
Clotilde Vautier y del artista gráfico
Antonio Otero. Su abuelo paterno, antiguo periodista republicano en Madrid, se refugió en Francia en los años
cincuenta. Mariana estudió literatura
y más tarde se diplomó como realizadora en el IDHEC de París (Instituto
de Altos Estudios Cinematográficos).
Ha hecho una relevante colección de
documentales, entre los que sobresale
La Ley del colegio, Historia de un
secreto y Entre sus manos, que se
caracterizan por un lenguaje sensible,
claro y poético. Mariana Otero ha tratado con éxito diversos temas de gran
complejidad, muy difíciles de desarrollar, gracias a su personalidad atrevida,
fuerte y rebelde. Ella no sólo posee
una mirada elegante, sino que su obra
es también una forma de lucha, indignación, denuncia, hacia una sociedad
inhumana, cruel y llena de prejuicios.
Es un verdadero honor tener entre nosotros a una cineasta sobria, convincente, que conoce el verdadero arte de
la transmisión. P.G.
110 )PSJ[POUFTtHorizons
Bruno Monsaingeon
Mariana Otero is a renowned French
filmmaker of Spanish origins that belongs to a family of artists. Actress
Isabel Otero is her sister, and both are
daughters of noted painter Clotilde
Vautier and graphic artist Antonio
Otero. Her paternal grandfather, an
old republican journalist in Madrid,
sought refuge in France during the 50s.
Mariana studied literature, and later
received her degree as filmmaker from
IDHEC (Institut des hautes études cinématographiques), in Paris. She has
a distinguished collection of documentaries, including the remarkable La
loi du collège, Histoire d’un secret
and Entre nos mains, characterized
by a clear and sensitive poetic language. Thanks to a strong and daring
rebel personality, Mariana Otero has
successfully broached diverse, greatly
complex, hard-to-take-on topics. Not
only does she possess an elegant gaze;
her work is also a form of struggle, indignation and denouncement, towards
an inhuman and cruel society, full of
prejudices. It is a real honor to have
with us this sober, convincing director,
who knows the true art of transmission. P.G.
Bruno Monsaingeon, con toda seguridad, es el más grande autor de documentales de música clásica de hoy.
Además de ser un destacado musicólogo, es también un gran intérprete de
violín, investigador, escritor, ensayista, profesor y maestro del documental. No hace “amables” programas de
televisión sobre música clásica, sino
que construye grandes murales de los
más destacados genios musicales de la
modernidad, como Glen Gould, Sviatoslav Richter, David Oistrakh y Yehudi Menuhin, obras que sin duda perdurarán en el tiempo como los mejores
retratos cinematográficos realizados
sobre la materia, poniendo en práctica
una manera distinta de tratar la música en el cine, donde el rigor y la imaginación se conjugan. A sus 68 años este
documentalista ha realizado 84 obras
(que él clasifica con la palabra “Opus”,
igual como lo hacen los compositores).
Algunos de sus “Opus” continenen
hasta tres obras cada uno. Es autor de
diecisiete textos sobre sus héroes. En
su página figuran veinticuatro álbumes DVD en plena distribución. Sin
duda alguna, Bruno Monsaingeon es el
gran “compositor del cine documental” de nuestro tiempo. P.G.
Raoul Peck
In all certainty, Bruno Monsaingeon
is the greatest author of classical music documentaries today. In addition
to being a renowned musicologist, he
is also a magnificent violin player, researcher, writer, essayist, professor and
documentary master. He doesn’t make
“lovable” programs for TV about classical music, but rather, he constructs
great murals about the most remarkable musical geniuses of modernity,
such as Glen Gould, Sviatoslav Richter,
David Oistrakh and Yehudi Menuhin.
These pieces will undoubtedly live on
Es imposible resumir la trayectoria
de Raoul Peck en cuarenta líneas de
texto. Ha pasado por el Congo, Estados
Unidos, Francia y Haití (su patria), entre otros países, donde siempre se ha
destacado en actividades relacionadas
con el cine, la pedagogía, el trabajo sindical, la política y los derechos humanos. Fue diplomado por la Academia del
Cine de Berlín, profesor en la Universidd de Nueva York, Ministro de Cultura en Haití, miembro del jurado de la
Berlinale. Raoul Peck es una personalidad multifacética. Es ingeniero, econo-
as the best cinematographic portraits
on the subject, where he put in practice
a different way of approaching music
in cinema, one where rigor and imagination combine. At 68, this documentary artist has made 84 movies (which
he classifies as “Opus,” like composers
do). Some of his opuses group three
pieces together. He is also the author
of seventeen texts about his heroes. No
doubt, Bruno Monsaingeon is the great
“composer of documentary cinema” of
our time. P.G.
mista, periodista, fotógrafo y en 1994
obtuvo el premio Néstor Almendros
en Nueva York por su trabajo en favor
de los derechos humanos. Actualmente es director de la escuela de cine de
París, La Fémis. Posee una sala de cine
en Puerto Príncipe que logró sobrevivir
al terremoto. En su sexta edición, este
festival ya mostró una película extraordinaria de este autor, La ganancia y
nada más. En la actualidad, prepara
una ficción sobre la juventud de Carlos
Marx, razón que le impidió venir personalmente a Santiago. P.G.
It is impossible to summarize the career of Raoul Peck in forty lines of text.
He has lived in Congo, the US, France
and Haiti –his homeland–, among other countries, where he has always stood
out in activities that relate to cinema,
teaching, union work, politics and human rights. He received a degree from
the Berlin Film Academy, has taught
at New York University, was Culture
minister in Haiti, and jury member at
Berlinale. Raoul Peck is a multi-faceted personality: an engineer, economist, journalist, photographer, and, in
1994, he received the Nestor Almendros Award in New York for his human
rights work. Currently, he is director of
the famed La Fémis film school, in Paris. He also owns a movie house in Portau-Prince, which survived the earthquake. In its sixth edition, our festival
screened his extraordinary film Profit
and nothing but! At present, Peck is
preparing a fiction about Karl Marx’s
youth, reason why he could not come to
Santiago personally. P.G.
)PSJ[POUFTtHorizons
111
Assistance mortelle
Entre nos mains
Asistencia fatal / Haití-Francia-Estados Unidos, 2012
Entre nuestras manos / Francia, 2010
Dirección: Raoul Peck
Producción: Velvet film y Figuier
Guión: Raoul Peck
Dirección de fotografía: Rachèle Magloire,
Kirsten Johnson y Antoine Struyf
Montaje: Alexandra Strauss
Sonido: Judith Karp y Jaime Reyes
Postproducción de sonido: Jean-Pierre Laforce
Tres años después del terremoto de Haití, que causó 230.000
muertos, 300.000 heridos y un millón y medio de personas
sin casa, es un aniversario trágico porque deja al desnudo
una hecatombe de tipo moral, económico y político. Primero, porque pocos han cumplido con el deseo de ayudar.
Y segundo, los gobiernos e instituciones del mundo que
han actuado, no han preguntado nunca a los hatianos qué
es lo que necesitaban. En su mayoría, los países extranjeros creyeron que los haitianos se robarían el dinero y nunca
trabajaron con los habitantes de la isla. En resumen: una reconstrución atrasada, un gran marasmo económico, numerosos campamentos provisionales transformados en nuevas
poblaciones callampas. Este es un fracaso monumental filmado por Raoul Peck durante dos años dirigiendo su mirada
hacia la llamada “ayuda internacional” que, a su juicio, es la
principal responsable. El director entra con su cámara a las
reuniones de los ministros con las empresas capitalistas, al
terreno donde trabajan los jóvenes voluntarios de las ONG,
a las negociaciones de las Naciones Unidas, etc. Muestra el
conjunto del disfuncionamiento de la asistencia, un mundo
que gira sobre sí mismo, donde más de la mitad del dinero se
convierte en salarios, vehículos lujosos 4x4, seminarios de
evaluación con aire acondicionado, inauguración de proyectos y cócteles con “estrellas” como Bill Clinton, Sean Penn,
Angelina Jolie y su inalterable buena conciencia. P.G.
Three years after the earthquake in Haiti resulted in
230,000 dead, 300,000 wounded and a million-and-a-half
people loosing their homes, a tragic anniversary bares a
moral, economic and political catastrophe. First of all, few
have come through with their desire to help. Secondly, the
governments and institutions around the world that have
acted, have never asked the Haitians what they need. The
majority of foreign countries thought Haitians would steal
the money, and they never worked with the island inhabitants. The summary amounts to delayed reconstruction,
great economic stagnation and numerous provisional
camps that have turned into new shantytowns. This is a
monumental failure that has been captured by Raoul Peck
during two years, directing his gaze toward the so-called “international aid” that, in his opinion, is the main culprit. The
filmmaker and his camera go into meetings of ministers with
capitalist companies, into the field, where young NGO volunteers work, into the UN negotiations, etc. There, he shows
the collective “dys-functioning” of the aid, a world that turns
on itself, where more than half the money becomes salaries,
luxury 4x4 vehicles, air-conditioned assessment seminars,
project inaugurations and cocktails with “stars” like Bill
Clinton, Sean Penn, Angelina Jolie and their unaltered good
conscience. P.G.
Dirección y cámara: Mariana Otero
Montaje: Anny Danche
Montaje de sonido: Benjamin Bober
Mezcla: Yann Legay
Música: Fred Fresson
Producción: Thomas Alfandari
Productor: Denis Freyd y Archipel 33
El gran mérito de esta película es haberse anticipado casi
cinco años a la hecatombe de la industria francesa de hoy,
igual como hace muchos años se anticipó Coute que coute,
de Claire Simon, a otra crisis del capitalismo y que FIDOCS
exhibió en 1997. Ahora la situación es mucho peor. La catástrofe tiene dimensiones nacionales. Pero la forma de expresarla es también con la máxima intimidad. Gracias a Mariana
Otero podemos convivir noventa minutos con un grupo de
obreras francesas como si se tratara de nuestra propia familia. Consigue entregarnos una convivencia tan íntima, una
cercanía tan entrañable, donde cada personaje parece ser un
pariente próximo del espectador. Las mujeres atraviesan por
muchos estados de ánimo, pero sobre todo nos proyectan una
sensación de optimismo, honradez, ganas de vivir y ganas
de trabajar bien. Es una película recomendable para todos
los empresarios del mundo que nunca entran a los talleres
para conocer la materia prima humana. Una fábrica de ropa
interior femenina –Staríssima– se encuentra al borde de la
quiebra. Para superar la situación, los trabajadores, en su gran
mayoría mujeres maduras, tratan de formar una cooperativa y
sacar adelante la empresa. Casi lo consiguen. No obstante, la
compañía pierde a sus principales clientes cuando el proyecto
está a punto de cuajar. La película no aclara si han sido maniobras del viejo patrón o azares del mercado. En todo caso, ahora
The great merit of this movie is having anticipated the current catastrophe in French industry by almost five years,
just like many years ago, Coute que coute by Claire Simon
anticipated another capitalism crisis, a film we screened at
FIDOCS in 1997. Now, the situation is much worse. The catastrophe has national dimensions, but the way in which it is
expressed is with the utmost intimacy. Thanks to Mariana
Otero, we can coexist for 90 minutes with a group of French
laborers as if they were our own family. She manages to deliver such an intimate coexistence, a closeness so endearing,
that each character seems like a close relative of the spectator. The women go through many moods, but above all, they
project a sense of optimism, honesty, joie de vivre and a wish
to do their job well. The film is recommended for all the entrepreneurs of the world that never go into the workshops to
learn about their human raw material. It is about a factory
of female undergarments –Staríssima– which is on the verge
of bankruptcy. To overcome the situation, the laborers, most
of them mature women, try to put together a cooperative
to help the company pull through. They almost accomplish
it. However, the company loses their main clients when the
project is about to coalesce. The film does not clarify if this
is the result of the old owner’s maneuvering or the ups-anddowns of the market. At any rate, now comes the big surprise.
viene la gran sorpresa. En la última secuencia, las obreras se
ponen a cantar igual como en las comedias musicales. Esta
idea genial y osada de Mariana Otero da vuelta la película.
Todo acaba mal. Pero todo acaba bien, pues difícilmente este
grupo de seres humanos se dejará derrotar por la vida. En noviembre de 2009 la empresa cerró y despidió a sus cincuenta
trabajadores. Una obra sobresaliente de la Francia actual. P.G.
In the last sequence, the laborers start singing just like in a
musical. This brilliant and daring idea by Mariana Otero
turns the film around. Everything ends badly. But, everything ends well, because this group of human beings will
hardly let themselves be beaten by life. In November 2009,
the company went bankrupt and fired all its fifty workers.
This is an outstanding piece about present-day France. P.G.
)PSJ[POUFTtHorizons
113
Glenn Gould, au delá du temps
Glenn Gould, más allá del tiempo / Francia - Canadá, 2006
Dirección y guión: Bruno Monsaingeon
Producción: Idéale Audience y Rombus Media
Dirección de fotografía: John Minh Tran
Cámara: Mikael Lubtchansky
Montaje: Bruno Reiland
Sonido: Timothé Alazraki, Nicolás Guérin, Furuya Masashi
y Sanyay Mehta
Postproducción de sonido: Jean-Pierre Laforc
Postproducción de imagen: Eric Salleron
Después de haber hecho siete películas sobre el pianista
Glen Gould, Bruno Monsaingeon realiza ahora una obra
maestra sobre su héroe musical. ¡Después de haber recorrido siete veces su vida, vuelve a la carga con un octavo
filme! Luego de volver a ver cientos de horas de otros filmes
consagrados a este pianista canadiense hasta su muerte en
1982, decenas de biografías y de tesis universitarias que le
dedicaron muchas personas. ¿De qué manera renovar el
tema? Monsaingeon, que tal vez es la persona que conoce
mejor en el mundo a Gould, volvió a investigar otros posibles detalles inéditos, a revisar los copiones de sus propias
películas. Y encontró tesoros, igual como un arqueólogo
que busca treinta años en la misma pirámide y continúa
hallando nuevos objetos en el mismo lugar. Pero en realidad, ¿qué cosa nueva decir? Algo que nunca antes se había
dicho: analizar la genialidad de Gould en toda su integridad.
¿Y de qué manera? Primero, revivir a Gould con su propia
voz, pero también con otra voz (la voz de Mathieu Amalric)
para leer muchos textos de Gould que nunca se grabaron.
Entonces Gould recobra vida. Es como una máquina del
tiempo que lo atrapa completamente vivo (sin actores disfrazados de Gould, como hacen ahora las docuficciones).
La película le hace revivir de nuevo con la integridad de
sus textos originales y con las fotos en blanco y negro, las
partituras llenas de correcciones, el viejo piano solitario,
los archivos tirados en su estudio, lápices, objetos, bocetos
pegados en los muros y los maravillosos planos de archivo de Glenn Gould dirigiendo, hablando o tocando a Bach,
Beethoven o Prokofiev. Y también cuando canta mientras
toca, a veces de manera inaudible, o bien a gritos, imitando
la voz de un tenor italiano. Gould no podía dejar de mover
los labios mientras tocaba, inventando una letra inexistente,
como después lo hizo Keith Jarret y que se puede oír de forma imperceptible en algunas grabaciones. Todo eso, más el
arte de la narración, la unidad, el desarrollo, la variedad que
el maestro Bruno Monsaingeon domina tan bien en el campo del cine como Gould lo domina en el piano. ¡Que nadie se
pierda esta joya! Premiada con un FIPA de Oro y celebrada
mundialmente, así como bien distribuida. P.G.
After having made seven films about pianist Glenn Gould,
Bruno Monsaingeon made a masterpiece about his musical
hero. After having delved in his life seven times, he charges
once more to make a eighth film! After watching again
hundreds of hours in other films devoted to this Canadian
pianist until the moment of his death in 1982, tens of biographies and university theses that many dedicated to him, how
to renew the subject matter? Monsaingeon, who is probably
the person that best knows Gould in the world, started investigating other possible unpublished details, reviewing again
the rushes of his own films. And, he found treasure, just like
an archeologist that seeks for thirty years in the same pyramid, and continues to find new objects in same place. But, in
reality, what new things to say? Something that had never
been said before: analyzing Gould’s genius in all its integrity. And, how? First, reliving Gould with his own voice, but
also through the voice of another –Mathieu Amalric– reading many of Gould’s texts that were never recorded. Then,
Gould comes back to life for us. It is like a time machine that
captures Gould completely alive (without actors dressed
as Gould, as is done now in docufictions). The film brings
him back to life with the integrity of his original texts, and
also, through the black and white pictures, the sheet music
full of corrections, the lonely old piano, the folders strewn
heard almost imperceptibly in some recordings. All of this is
added to the art of narration, the unity, the development, the
variety that master Bruno Monsaingeon dominates as well
in the field of cinema, as Gould did on the piano. Let no one
miss out on this jewel! Celebrated and distributed the world
over, it received the Golden FIPA award. P.G.
on his studio, pencils, objects, sketches pasted on walls, and
marvelous archive footage of Glenn Gould directing, talking
or playing Bach, Beethoven or Prokofiev; and also, when he
sings while playing, sometimes barely audible, and others,
screaming, imitating the voice of an Italian tenor. Gould
could not stop moving his lips while he played, inventing
nonexistent lyrics, as Keith Jarret did later, and that can be
)PSJ[POUFTtHorizons
115
Histoire d’un secret
La loi du collège
Historia de un secreto / Francia, 2003
La ley del colegio / Francia, 1994
Dirección : Mariana Otero
Guión : Mariana Otero
Imagen : Helene Louvart
Montaje : Nelly Quettier
Música : Michael Galasso
Productor : Denis Freyd, Archipel 35
“Cuando yo tenía cuatro años y medio mi madre desapareció. Nuestra familia nos dijo a mi hermana y a mí que ella
había salido a trabajar en dirección a París y que luego había
muerto de una operación de apendicitis. En nuestra infancia y juventud nuestro padre nunca habló de nuestra madre,
salvo para repetir que ella había sido una pintora y una mujer extraordinaria. Más tarde nos reveló las circunstancias
reales de su fallecimiento. Este secreto que mi padre sobrellevó durante 25 años le impidió contarnos su vida y de mostrarnos su obra. Yo sentí la necesidad de reconstruir esta
historia, de volver a encontrar a la madre que me había sido
doblemente arrancada por la muerte y el secreto”. Con estas
palabras la directora francesa de origen español Mariana
Otero define su obra, a mi juicio, la mejor película documental europea que yo he visto en 2003, que también consiguió
la adhesión del público con 120.000 entradas solamente en
Francia. Una obra filmada con pasión, ternura y rigor, llena
de fuerza y sensibilidad, con una estructura impecable. P.G.
“When I was four-and-a-half years old, my mother disappeared. Our family told my sister and I that she had gone
to work in Paris, and that later she had died during an appendectomy. During our childhood, our father never talked
about our mother, except to repeat that she had been a painter, an extraordinary woman. Later, he revealed the real circumstances behind her passing. This secret my father carried for 25 years prevented him from telling us about her life
and showing us her work. I felt the need to reconstruct this
story, to find my mother who had been doubly taken from
us, by death and secret.” With these words, Mariana Otero,
a French director of Spanish origin, defines her work, in my
opinion, the best European documentary I saw in 2003, and
which also garnered the appreciation of the audience, with
120,000 tickets sold in France alone. Here is a film made
with passion, tenderness and accuracy, full of strength and
sensibility, and with an impeccable structure. P.G.
Dirección: Mariana Otero
Producción: Denis Freyd, Archipel 33
Guión: Mariana Otero
Dirección de fotografía: Mariana Otero
Montaje: Anne Weill
Música: Hugues Lebars
Sonido: Manuel Naudin
Postproducción de sonido: Nicolas Joly
Narrador: Anne Weill
Comentario: Jérôme Prieur
Con una pequeña cámara de video y sentada al fondo de una
sala de clases, la directora Mariana Otero filmó un año escolar completo en la vida de un liceo en un barrio difícil de
París (Saint-Denis), captando los momentos más duros de
la vida del establecimiento. Realizada hace quince años, esta
serie documental se revela hoy con una cruel actualidad. Sus
personajes son los alumnos, profesores, padres, inspectores
y la vida entera que entra por su cámara gracias a su sensibilidad y obstinación. La obra obtuvo una gran resonancia. La
serie involucró a casi toda la sociedad francesa. Por vez primera, todo el mundo vio realmente lo que ocurría detrás de
los muros de un liceo. A partir de La ley del colegio se hicieron otras muchas obras sobre el mismo tema, sin superarla
nunca. Otero filmó muchos meses en el liceo García Lorca y
cuenta de qué manera su encuentro con el director fue determinante (en 1994) cuando la mayoría de los otros establecimientos rechazaron abrir sus puertas para su cámara. Este
valeroso director, el señor Duattis, es el héroe de una serie
que es pionera en mostrar la cotidianidad y la “normalidad”
de todos los días de un liceo con una autenticidad inédita. La
obra separa el indivuo del grupo para acercarse mejor a las
causas de cada problema, ya sea un muchacho que miente
sobre la muerte de su abuela para escaparse del liceo, ya sea
frente a los profesores estresados, agotados, que se atreven
hacer una huelga para enfrentar a la administración. De gran
parte de la obra emana una sensación de caos incontrolable
que tiene una enorme proximidad con el presente. Ofrecemos ahora la integralidad de La ley del colegio: dos sesiones
de 80 minutos aprox. cada una. P.G.
With a small video camera, sitting at the end of a classroom, director Mariana Otero filmed an entire school year
at a public school in a rough Parisian neighborhood (SaintDenis), capturing the harshest moments in the life of the
institution. Made fifteen years ago, this documentary series
is revealed today with current cruelty. Its characters are the
students, the teachers, parents, councilors and the entire life
that goes into Otero’s camera, thanks to her sensibility and
obstinacy. The series received great resonance: it involved
almost the entire French society. For the first time, everyone
saw what really happened behind the walls of a public school.
Beginning with La loi du collège, many other pieces on the
subject were made, but none surpassed it. Otero filmed many
months at the García Lorca School, and she tells how her
meeting with the headmaster (in 1994) was decisive, when
the majority of the other establishments had rejected opening their doors to her camera. This courageous headmaster, Mr. Duattis, is the hero of the series: for the first time,
he shows the daily “normality” of every-day at the school,
with unprecedented authenticity. The series separates the
individual from the group, in order to get close to the roots of
each problem, whether it is a kid that lies about the death of
his grandmother to get out of school, or stressed, exhausted
teachers that dare to demonstrate to face the administration. From a large portion of the work a sensation of incontrollable chaos emanates, which has an enormous proximity
to the present. We offer La loi du collège in its entirety: two
78-minute sessions. P.G.
)PSJ[POUFTtHorizons
117
Piotr Anderszewski: Unquiet Traveller
Piotr… viajero intranquilo / Suiza, 2009
Dirección: Bruno Monsaingeon
Producción: Hélène Le Coeur, Idéale Audience
Dirección de fotografía: Adam Rozanski
Montaje: Jean-Pierre Bloc
Sonido: Henri Maïkoff
Este joven pianista de nombre difícil (Piotr Anderszewski) viaja por toda Europa a bordo de un tren con su propio
piano. La compañía ferroviaria de Polonia accedió a instalar su enorme piano de cola en un vagón de un tren. Es un
vagón especial, completamente vacío, donde está el piano,
la cama, el baño, el salón y la cocina de Piotr. Con eso le basta para ir ensayando mientras viaja en compañía del gran
cineasta Monsaingeon, que le pide explicar cada pieza que
toca mientras toca, es decir, la película nos transmite cada
idea de Bach, Mozart o Chopin mientras escuchamos algunos pedazos de estos autores; es un “road movie” musical.
A veces, Piotr se traslada a la locomotora para acompañar
al maquinista y observar el paisaje. En los pueblos que visita se pasea por los mercados, a veces acompañado por su
abuela de noventa años. Es un intérprete que funciona lejos
de las normas; su talento, su repertorio, todo representa en
él una manera de investigar, cuestionar y buscar una interpretación distinta. Piotr, mitad polonés y mitad húngaro,
con poco más de 40 años, está considerado como una figura
mundial. Por su parte, Bruno Monsaingeon, piensa que los
artistas-intérpretes con los cuales él siente “una verdadera
afinidad, los únicos verdaderamente importantes, son los
que superan el instrumento que practican; los que, viajando
al interior de ellos mismos, no se contentan con utilizar los
parámetros del instrumento para ofrecer la música”. P.G.
This young pianist with a difficult name –Piotr Aderszewski– travels throughout Europe onboard a train with his
own piano. The railway company of Poland agreed to set up
his large grand piano in one of the train cars; a special car
– completely empty, but for Piotr’s piano, bed, bathroom,
living room and kitchen. That is enough for him to rehearse while he travels along, accompanied by great filmmaker
Bruno Monsaingeon, who requests that he explain each
piece while he plays; in other words, the film transmits each
idea by Bach, Mozart or Chopin, while we listen to extracts
by each author, in a kind of “road musical.” Sometimes, Piotr
goes into the locomotive, to keep the machinist company and
observe the landscape. On the towns he visits, he goes to the
markets, sometimes with his ninety-year-old grandmother.
He is a player that functions far from the norms: his talent,
his repertoire, everything in him represents a way of researching, questioning and searching for different interpretations. Piotr, half Polish, half Hungarian, slightly over 40, is
a world-renowned figure. On his part, Bruno Monsaingeon
thinks that the artist-players to whom he feels “a real affinity –the only truly important ones– are those that transcend
the instrument they practice; the ones that, traveling inside
themselves, are not content to merely use the parameters of
their instrument to offer music”. P.G.
Función Especial
Special Screening
Fuck for Forest
Fuck for Forest / Polonia, 2012
Dirección: Michał Marczak
Producción: Mikołaj Pokromski
Guión: Michał Marczak y Lukasz Grudzinski
Director de fotografía: Michał Marczak
Montaje: Dorota Wardeszkiewicz
Música: Marcin Masecki
Sonido: Jan Pasemann
Danny, un joven noruego adinerado y de familia conservadora, deja todo de lado para comenzar una nueva vida en Berlín.
Ahí se une a Fuck for Forest, una ONG dedicada a luchar por
causas medioambientales y anti-capitalistas, para lo cual
produce y vende porno amateur por internet. Con más de
mil trescientos activistas y millares de socios alrededor del
mundo, FFF pone videos caseros a disposición de sus socios
por sólo quince dólares mensuales.
Danny se integra al equipo y pronto se entusiasma con el
proyecto: salvar al mundo y librarse de los valores burgueses
a través del sexo comunitario. El documental lo sigue a él y
al resto de los personajes hasta que juntan suficiente dinero
para comprar un pedazo de bosque amazónico y devolvérselo, gratis, a la comunidad indígena. Sin idealizar su trabajo
pero tampoco ridiculizándolo, Fuck for Forest muestra la
gesta de esta ONG, su muy particular sentido de la realidad
y el choque cultural que ocurre cuando comienza a relativizarse la vieja distinción entre lo salvaje y lo civilizado. R.G.
Michał Marczak (Varsovia, 1982) estudió filosofía en la Universidad de Varsovia, dirección en el Instituto de Artes de
California en Los Ángeles y fotografía
y multimedia en la Academia de Bellas
Artes de Poznan, Polonia. Su documental At the Edge of
Russia (2010) ganó premios en varios festivales internacionales de cine.
120 'VODJØO&TQFDJBMtSpecial Screening
Danny, a young, wealthy Norwegian, from a conservative
family, leaves everything behind to start a new life in Berlin. There, he joins Fuck for Forest, an NGO dedicated to
the struggle for environmental and anti-capitalist causes
by producing and selling amateur porn over the Internet.
With over 1,300 activists and millions of affiliates around
the world, FFF makes homemade videos available to their
members for just fifteen dollars a month.
Danny joins the team and soon becomes enthusiastic
about the project: to save the world and become free from
bourgeois values through communal sex. The documentary
follows him and the rest of the characters as they gather the
sufficient funds to buy a portion of the Amazon rainforest,
and return it to the indigenous community for free. Without
idealizing their work, but without ridiculing it either, Fuck
for Forest shows this NGO’s quest, its very peculiar sense
of reality, and the cultural clash that happens when the old
distinction between what is wild and what is civilized is seen
in rather relative terms. R.G.
Michał Marczak (Warsaw, 1982) studied philosophy at
Warsaw University, film direction at CalArts, in Los Angeles, and multimedia at the Poznan Fine Arts Academy, in
Poland. His documentary At the Edge of Russia (2010)
received awards at several international film festivals.
Foco Juan Carlos Rulfo
Focus Juan Carlos Rulfo
Juan Carlos Rulfo (México, 1969)
De Panzazo
De Panzazo / México, 2012
En Del olvido al no me
acuerdo (1999), un amigo
de Juan Rulfo (papá de Juan
Carlos), dice que el célebre escritor era un gran mentiroso,
un fantasista que jamás contó
nada sobre sus orígenes. El do-
In Del olvido al no me acuerdo (1999), a friend of Juan
Rulfo’s (Juan Carlos’s father), says the famous writer was a
great liar, a fabricator that never said anything about his origins. The documentary, a kind of continuation to El abuelo
Cheno y otras historias (1995) –where Juan Carlos Rulfo
began delving in his family’s secrets– does not obsess with
finding out who his father really was, but with rescuing loose
cumental, que es una suerte de
continuación de El abuelo Cheno y otras historias (1995)
–donde Juan Carlos Rulfo empezó a sondear los secretos
de su familia–, no se obsesiona con descubrir realmente
quién era su padre, sino con rescatar frases sueltas, hechos
borrosos y fantasías varias. En su conjunto, todas estas digresiones, más que ofrecer una respuesta, dan cuenta de qué
recordamos y cómo olvidamos. Para Rulfo no importa que la
memoria sea incapaz de vivificar el pasado de manera fidedigna, lo que importa es que el relato fragmentario e incompleto de esa experiencia haga sentir el pulso y corazón de un
momento, de una época y de quienes la habitan.
En Carrière, 250 metros (2011), el guionista y escritor Jean-Claude Carrière recorre un hotel abandonado y se
sienta en el aire rememorando la silla y la mesa de un restaurant ahora inexistente donde pasó cientos de veladas junto
a Luis Buñuel. ¿Importa acaso si ese hotel existe o existió
como la evocación de ese recuerdo? A Rulfo le interesa menos conocer a los inmigrantes que partieron a EE.UU que
explorar el vacío que dejaron tras su partida en Los que se
quedan (2008); ni quiere saber tanto de la monumental faena laboral de los obreros que construyen una autopista como
de sus creencias y deseos como En el hoyo (2006). En el cine
de Rulfo importan menos los hechos (el qué y el cómo pasó)
que los sedimentos que flotan dispersos entre la conciencia
y los sueños. Parafraseando a su padre, el cineasta mexicano
quiere escuchar ese ruido que es el silencio; quiere ver lo que
queda. J.M.
phrases, blurry events and various fantasies. As a group, all
these digressions, more than offering an answer, give an account of what we remember and how we forget. For Rulfo, it
does not matter that memories are incapable of enlivening
the past in any reliable way; what does matter is that those
incomplete, fragmented narratives of an experience express
the pulse of a moment, the heart of an era, and of those who
inhabit it.
In Carrière, 250 metros (2011), scriptwriter and author Jean-Claude Carrière walks through an abandoned hotel, sitting on air while remembering the chair and table of a
bygone restaurant, where he spent countless nights with Luis
Buñel. Does it matter whether that hotel exists or existed as
the evocation of that memory? Rulfo cares less about knowing the immigrants that left for the US, than about exploring
the emptiness they left behind in Los que se quedan (2008);
he doesn’t want to learn much about the monumental work of
laborers building a highway, but is truly interested in their
beliefs and hopes in En el hoyo (2006). In Rulfo’s cinema,
facts –what happened and how– matter less than the sediments floating about, dispersing between consciousness and
dreams. Paraphrasing his father, the Mexican filmmaker
wants to hear that noise that is silence; he wants to see what
is left. J.M.
122 'PDP+VBO$BSMPT3VMGPtFocus Juan Carlos Rulfo
Dirección: Juan Carlos Rulfo y Carlos Loret de Mola
Producción: Daniela Alatorre
Guión: Carlos Loret de Mola y Mario Gutiérrez Vega,
con el apoyo de Mexicanos Primero
Investigación: Mexicanos Primero y Mario Gutiérrez Vega
Fotografía: Juan Carlos Rulfo
Montaje: Felipe Gómez, Juan Carlos Rulfo y Martha Uc
Sonido directo: Mauricio Santos
Postproducción de sonido: Valeria Mancheva
y Nerio Barberis
Supervisión musical: Lynn Fainchtein
Música original: Leonardo Heiblum y Jacobo Lieberman
Diseño gráfico y animaciones: Butic
De 2011 en adelante, Latinoamérica se ha ido prendiendo de
marchas populares y demandas colectivas por una educación gratuita, pública y de calidad. Brasil, Guatemala, Chile
y México son algunos de los países donde la inequidad en el
acceso a la educación repercute en estructuras desiguales
que es preciso cambiar. De Panzazo aborda este fenómeno
para el caso mexicano, ofreciendo una radiografía profunda
sobre cómo funciona su sistema educacional, con sindicatos,
profesores, alumnos y políticos negociando por espacios y
poderes. Producido para TV, es una obra que destaca por su
urgencia y que sin duda aportará a la discusión en Chile y en
el resto del continente. R.G.
Since 2011, Latin America has been stormed by popular
movements and collective demands for free, quality public
education. Brazil, Guatemala, Chile and Mexico are some
of the countries where inequality in the access to education
resounds on unequal structures that must be changed. De
Panzazo takes on the Mexican case in this phenomenon,
offering a deep analysis about how their educational system
works, with unions, professors, students and politicians vying for space and power. Produced for TV, this piece stands
out with its urgency, and no doubt will contribute to the discussion in Chile and the rest of the continent. R.G.
'PDP+VBO$BSMPT3VMGPtFocus Juan Carlos Rulfo
123
Carrière, 250 metros
Del olvido al no me acuerdo
Carrière, 250 metros / México, 2011
Del olvido al no me acuerdo / México, 1999
Dirección: Juan Carlos Rulfo
Producción: Marco Polo Constandse,
Simón Bross y Alex García
Guión: Juan Carlos Rulfo
Argumento: Jean-Claude Carrière
Idea original: Natalia Gil Torné
Director de fotografía: Juan Carlos Rulfo
Montaje: Valentina Leduc Navarro
Música: Jacobo Lieberman y Leo Heiblum
Sonido Directo: Jaime Baksht
Postproducción de sonido: Matías Barberis, Michell
Couttolenc y Valeria López Mancheva
La trayectoria de Jean-Claude Carrière como escritor, dramaturgo y guionista es impresionante. Ha participado en
más de 130 películas con directores tan legendarios y variopintos como Volker Schlöndorff, Andrzej Wajda, Pierre
Étaix, Louis Malle, Nagisa Oshima, Milos Forman y Jesús
Franco. Pero por lejos la relación más fructífera la tuvo con
Luis Buñuel, con quien filmaron seis películas y dejaron tres
guiones inéditos. Una amistad tan estrecha que cuando Carrière camina en Toledo por los lugares que Buñuel habría
recorrido en compañía de Federico García Lorca y Salvador
Dalí, es capaz de reproducir las travesuras heréticas del trío
que él nunca presenció. Esa es quizás la búsqueda que Rulfo intenta filmar; no las claves del cine de las que Carrière
podría dictar cátedra, sino la pasión con que las aprendió.
Viajando por siete países donde el guionista vivió, este documental es menos un recuento de su vida cinematográfica
que de una vida cruzada por el cine. Un viaje por el exterior
para llegar al interior de sus principios y emociones. La
sencillez y humanidad de Carrière queda reflejada en una
cifra simbólica: los 250 metros que separan su casa natal en
Colombières-sur-Orb del pequeño cementerio del pueblo
donde una tumba lo espera. J.M.
Jean-Claude Carrière’s career as an author, playwright
and screenwriter is impressive. He has participated in over
130 movies with directors as varied as they are legendary,
including Volker Schlöndorff, Andrzej Wajda, Pierre Étaix,
Louis Malle, Nagisa Oshima, Milos Forman and Jesús
Franco. But the most fruitful relationship he had, by far, was
with Luis Buñuel, with whom he filmed six pictures, and left
three unpublished scripts. This was such a close friendship
that, when Carrière walks around the places in Toledo that
Buñuel would have visited with Federico García Lorca and
Salvador Dalí, he is able to reproduce the trio’s heretic mischief, which he never witnessed. That is the search Rulfo attempts to shoot – not the keys to cinema that Carrière could
teach lessons on, but the passion with which he learned them.
Traveling through seven countries where the scriptwriter
has lived, this documentary is less a retelling of his cinematographic life, than that of a life that has been deeply touched
by cinema. It is a journey through the exterior, to reach his
innermost principles and emotions. Carrière’s humility and
humanity are reflected in a symbolic figure: the 250 meters
that separate his birthplace, a home in Colombières-surOrb, from the small cemetery where a tomb awaits him. J.M.
Producción: Alejandro González Padilla, María Fernanda
Suarez y Juan Carlos Rulfo.
Director de fotografía: Federico Barbabosa
Montaje: Ramón Cervantes y Juan Carlos Rulfo
Música: Gerardo Tamez
Sonido: Evelia Cruz, Antonio Diego, Lena Esquenazi, Toño
Diego Hernández y Daniel Hidalgo
Qué duda cabe que ser hijo de un escritor tan connotado
como Juan Rulfo y llevar su nombre no es tarea sencilla. Pero
Juan Carlos Rulfo no sólo carga orgullosamente esa herencia, sino que además parte de su trabajo ha estado enfocado
en indagar sus raíces. En esta película, el cineasta mexicano
trata directamente de entender quién era su padre en la reminiscencia de sus amigos más cercanos, de ancianos que lo
conocieron de chico, e incluso de su suegra y su esposa (la
abuela y mamá de Juan Carlos). Los recuerdos que evocan
quizás no sean suficientes, pero justamente transparentan
algo de su esencia y al mismo tiempo dan cuenta de lo perdurable, incierta, caprichosa e imprecisa que puede ser la
memoria. “Resulta fácil ver las cosas desde aquí meramente traídas del recuerdo donde no tienen parecido ninguno”,
como dice el mismo Juan Rulfo. Entre anécdotas algo vagas,
hechos importantes y muchos “no me acuerdo”, y con la voz
profunda y poderosa del escritor leyendo su prosa a lo largo
del documental, el realizador descubre lo más importante: su
padre era un completo misterio. J.M.
Is there any doubt that being the son of such a renowned
writer like Juan Rulfo, and carrying his last name are no
easy tasks? But, Juan Carlos Rulfo not only carries that
legacy with pride; he has devoted part of his work to delve
into his roots. In this movie, the Mexican filmmaker directly
tries to understand who his father was, in the memories of
his closest friends –old-timers that met him when he was
a child– and even in those of his wife and mother-in-law
(Juan Carlos’s mother and grandmother). The memories
they conjure might not be sufficient, but they do make clear
some of his essence, and at the same time, they give an account of how long-lasting, uncertain, willful and imprecise
memory can be. “It is easy to see things from here, merely
brought up by memory, where nothing resembles them,” as
Juan Rulfo himself puts it. Among somewhat vague anecdotes, important events and many instances of “I don’t remember,” and with the deep and powerful voice of the writer
reading his prose throughout the documentary, the filmmaker discovers what is most important: that his father was
a complete mystery. J.M.
125
En el hoyo
Los que se quedan
En el hoyo / México, 2006
Los que se quedan / México, 2008
Producción: Juan Carlos Rulfo y Eugenia Montiel
Productora: La Media Luna Producciones
Montaje: Valentina Leduc
Música: Leonardo Heiblum
Siguiendo de cerca la construcción de una colosal autopista elevada de larga longitud en Ciudad de México, conocida
como El segundo piso, Rulfo busca compenetrarse más que
en el aspecto material de la obra arquitectónica –que sin embargo aparece expuesta en toda su complejidad y monumentalidad–, en las vidas de los obreros que la construyen. Un
grupo de trabajadores que parecen indiferentes a la gigantesca construcción que están edificando, más preocupados de
satisfacer sus sueños, en su gran mayoría alejados de la urbe.
No se trata de hombres necesariamente virtuosos ni particularmente sensibles, simplemente es gente común y corriente
intentando vivir a su modo con sus virtudes y defectos, con
distintas creencias religiosas y místicas superficiales o profundas. Un grupo humano que con gran dosis de humor trata
de pasar el día de un empleo agotador y demandante. En el
hoyo quiere dar voz y cuerpo a esa humanidad inadvertida
del México metropolitano que vive y muere en una ciudad en
eterno crecimiento y caos sin remedio. Premiado en un sinfín de festivales como Sundance, Bafici, Biarritz, La Habana,
entre otros. J.M.
In closely following the construction of a colossal –and quite
long– elevated highway in Mexico City, known as The second floor, Rulfo tries to delve more into the lives of those
working at the building site, rather than in the material aspect of the architectural work, which nevertheless is shown
in all its complexity and monumental dimension. This
group of workers seems indifferent towards the gigantic construction they are undertaking, focusing instead on satisfying their individual dreams, which for the most part are far
from the big city. These are not necessarily virtuous or particularly sensitive men; they are simply regular folk trying
to live their own way, with their virtues and defects, and with
their different, superficial or profound, religious or mystical beliefs. They make up a human group that, with a large
dose of humor, tries to get through the days in an intense and
demanding job. Awarded at countless festivals including
Sundance, Bafici, Biarritz, Havana, and others, En el hoyo
wants to give voice and body to that unnoticed humanity in
metropolitan Mexico that lives and dies within a city in continual growth and incurable chaos. J.M.
Dirección: Juan Carlos Rulfo y Carlos Hagerman
Producción: Nicolás Vale, Carlos Hagerman
y Juan Carlos Rulfo
Guión: Juan Carlos Rulfo y Carlos Hagerman
Montaje: Valentina Leduc
Música: Santiago Ojeda y Café Tacuba
Sonido: Ruy García, Valentina Leduc y Mauricio Santos
Aunque la tasa de inmigrantes mexicanos ilegales a Estados
Unidos ha bajado sustantivamente, no se detiene. Miles de
personas cruzan la frontera buscando un trabajo que les
permita vivir con dignidad y enviar dinero a sus seres queridos. Y es precisamente la ruptura de las familias una de las
situaciones más apremiantes en términos emocionales que
conlleva el destierro. Los que se quedan trata de quienes
permanecen en México soportando el dolor de la separación
de sus familiares que partieron. Pero el título también alude a los que regresaron y a aquellos que nunca han querido
irse. Lo paradójico es que parece imposible librarse de ese
paradigma, como si el exilio fuese una alternativa que nunca se puede descartar. Rulfo sólo busca el testimonio de los
que se quedaron, que hablan de esos familiares expatriados
como si estuvieran muertos o desaparecidos, acrecentando la sensación de vacío e incertidumbre que los perturba.
“¡Alejarse! ¡Quedarse! ¡Volver! ¡Partir! Toda la mecánica
social cabe en estas palabras”, escribía el poeta César Vallejo. Este documental habla de la ausencia, pero también del
desarraigo, de ver en el viaje, más que una aventura, la única
oportunidad de sobrevivir, un sacrificio que no paga tanta
desolación. J.M.
Even though the rate of illegal Mexican immigrants in the
United States has decreased substantially, it does not cease.
Thousands of people cross the border, looking for a job that
allows them to live with dignity and send money to their
loved-ones. And in emotional terms, the separation from their
families is precisely one of the most pressing situations that
stems from uprooting. Los que se quedan is about those
that stay in behind Mexico, enduring the pain of separation
from relatives that left. But, the title also alludes to those that
returned, and to those that never have wanted to leave. The
paradox is it seems impossible to be free from the paradigm,
as if exile was an alternative one can never rule out. Rulfo
only seeks the testimony of those that stayed, those who speak
about those expatriate relatives as if they were dead or disappeared, heightening the feeling of emptiness and uncertainty
that disturbs them. “Move away! Stay! Return! Leave! All the
social mechanics seem to fit in those words,” wrote poet Cesar
Vallejo. This documentary speaks of absence, but also of uprooting, of seeing in the journey, more than and adventure, the
only chance for survival, a sacrifice that doesn’t seem to compensate for such desolation. J.M.
127
El abuelo Cheno y otras historias
El abuelo Cheno / México - Cuba, 1995
Producción: Gustavo Montiel Pagés y “Mafer” Suárez
Productora: Centro de Capacitación Cinematográfica
(CCC), Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE),
Universidad de Guadalajara, Secretaría de Cultura del
Estado de Jalisco y Escuela Internacional de Cine y TV
(EICTV)
Director de fotografía: Federico Barbabosa
Música: Gerardo Tamez
Sonido directo: Jaime Baksht
“No hay más que recordar si acaso su muerte”, decía Juan
Rulfo sobre el homicidio de su padre. A inicios de la década
del veinte, Nepomuceno Pérez Rulfo fue asesinado en extrañas circunstancias por un tal Guadalupe Nava, razones que
el afamado escritor desconocía o nunca quiso explicar a sus
hijos. En este cortometraje, el cineasta mexicano intenta
desentrañar el crimen de su abuelo, y casi contradiciendo
a su papá, encuentra muchísimas vivencias para recordar.
Aunque no hay una única versión sobre su deceso, los relatos
de los nonagenarios de su pueblo, al sur de Jalisco, permiten
conocer un mundo ya desaparecido, pero que a través de sus
remembranzas revive instantáneamente. Como dice uno de
los viejos, “todos vivimos de recuerdos; el recordar es vivir”.
Y así, un pacífico anciano que no parece romper un huevo,
vuelve a ser un desalmado matón rememorando, sin ningún
remordimiento y hasta con algo de picardía, cómo mató a
balazos a una de sus víctimas. Rulfo descubre que poco importa la verdad de los hechos como las interpretaciones que
cada uno integra sobre esos episodios, y que el relato coral
de una leyenda es tan fuerte y duradero como esa cruz que
medio siglo después todavía resiste a la vereda del camino
como muda evocación del crimen de su abuelo Cheno. J.M.
“You have but to remember his death,” Juan Rulfo used to
say about his father’s homicide. At the beginning of the 20s,
Nepomuceno Pérez Rulfo was murdered under strange circumstances by this man, Guadalupe Nava, for reasons unknown to the famous writer, or which he never explained to
his children. In this short, the Mexican filmmaker tries to
unravel his grandfather’s crime, and almost contradicting
his father, finds many experiences to remember. Although
there is more than one version of his death, the tales of the
ninety-year-olds in his town, south of Jalisco, portray a
bygone world that has since disappeared, but that, through
their ruminations, comes back to life instantaneously. As
one of the elderly says, “We all live from memories; remembering is living.” And thus, a peaceful old man that wouldn’t
seem able to hurt a fly is once again the heartless thug, remembering without remorse, but with a kind of mischievousness, how he shot and killed one of his victims. Rulfo
discovers that the truth about the events and the interpretation one integrates from these episodes matter little, and
that a choral narrative of a legend is as strong and lasting
as the cross that, half a century later, still stands on the side
of the road, the mute evocation of the crime of Cheno, his
grandfather. J.M.
Foco Cao Guimarães
Focus Cao Guimarães
Cao Guimarães (Brasil, 1965)
Acidente
Accidente / Brasil, 2006
Hay una cierta idea instalada
que entiende el cine documental como un agregado de
hechos objetivos, recolectados
para defender un argumento
y valorado en tanto es capaz
de descubrir datos y cuantifi-
There is a certain established idea that conceives a documentary film as an aggregate of objective events, collected
to defend an argument, and valued if it can uncover data
and quantify reality. Cao Guimarães cinema points precisely in the opposite direction: trying not to explain but
to understand. Raising issues about inhabiting, about precariousness, solitude and time, his work questions the false
car la realidad. El cine de Cao
Guimarães apunta justamente en la dirección contraria, intentando no explicar sino comprender. Levantando interrogantes sobre el habitar, lo precario, la soledad y el tiempo, su
obra cuestiona la falsa dicotomía entre comprender y sentir,
reconociendo que la mente no puede construir sentido sin la
experiencia sensorial del cuerpo.
Las obras de Cao han estado presente en los mejores
festivales y galerías del mundo, entre ellos el Guggenheim de
Nueva York, la Bienal de Sao Paulo, el museo Thyssen-Bornemisza, Sundance, Locarno, Cannes y el MOMA. Su visita
a FIDOCS viene a marcar el punto de inflexión en el cual el
festival comienza a poner en cuestión sus límites y acoge deseoso las preguntas y herramientas de otros géneros. La selección de trabajos busca darlo a conocer al público chileno y
reivindicar un tipo de cine subjetivo y plástico que imagina,
desea, siente y finalmente nombra lo invisible, y con ello –tal
como al Gólem de Praga– logra insuflarle vida. R.G.
dichotomy between understanding and feeling, recognizing
that the mind cannot derive meaning without the sensorial
experience of the body.
Cao’s work has been present at the most relevant festivals and galleries in the world, including the Guggenheim, in
New York, the Sao Paulo Biennale, the Thyssen-Bornemisza
Museum, Sundance, Locarno, Cannes, and MoMA. His visit
to FIDOCS marks an inflection point where the festival is
starting to question its boundaries, and welcomes the questions and tools of other genres. The selection of his works
seeks to familiarize Chilean audiences with Guimarães, and
to vindicate a style of cinema that is subjective and artistic, one that imagines, desires, feels and finally, names that
which is invisible, and through this –just like with Prague’s
Golem– it becomes infused with life. R.G.
130 'PDP$BP(VJNBSÍFTtFocus Cao Guimarães
Dirección: Cao Guimarães y Pablo Lobato
Producción: Beto Magalhães y Pablo Lobato
Director de fotografía: Cao Guimarães y Pablo Lobato
Montaje: Cao Guimarães y Pablo Lobato
Música: O Grivo
Sonido directo: O Grivo
Postproducción de sonido: O Grivo
Heliodora / Virgem da Lapa / Espera feliz / Jacinto olhos
d’ água.
Entre folhas / Ferros, Palma, Caldas / Vazante.
Passos / Pai Pedro abre campo / Fervedouro Descoberto
/ Tiros, Tombos, Planura / Águas vermelhas / Dores de
campos.
Sólo por el sonido y el sentido de sus nombres, los cineastas Cao Guimarães y Pablo Lobato escogen veinte pueblos
de Minas Gerais y con ellos componen un poema. Luego,
sin saber nada de esas localidades y abandonándose por
completo al territorio, toman la cámara y se embarcan en
un viaje poético y accidental, contemplando la vida que se
extiende frente al lente. Usualmente, nada particular ocurre: movimientos del sol y las nubes, hojas al viento, cruces de ciudadanos, perros y niños, la superficie del agua y
caminatas a la luz de la vela son algunos de los episodios
de esta micro-épica sobre el paso del tiempo y los tiempos
de paso. Un ensayo poético sobre el azar y la vida cotidiana
que establece una relación misteriosa con el mundo, hecha
de silencios y saltos al vacío. R.G.
Filmmakers Cao Guimarães and Pablo Lobato picked up
the names of twenty towns in Minas Gerais –because of
their meanings and the way they sound– and made a poem.
Afterwards, without knowing anything else about them,
and completely surrendering to the territory, they took the
camera and embarked on a poetic and accidental journey,
contemplating the life that extends in front of the lens. Usually, nothing peculiar happens: the movement of the sun and
clouds, leaves in the wind, the meanderings of citizens, children and dogs, the surface of the water, and walks by candlelight are some of the episodes in this micro-epic about the
passage of time, and about the times of passage. It is a poetic
essay about randomness and about daily life that establishes
a mysterious relationship with the world, made up of silences and jumps into the abyss. R.G.
'PDP$BP(VJNBSÍFTtFocus Cao Guimarães
131
Andarilho
Nueve cortos de Cao Guimarães
Caminante / Brasil, 2006
Dirección: Cao Guimarães
Producción: Beto Magalhães
Director de fotografía: Cao Guimarães
Arte: Hardy Design
Montaje: Cao Guimarães
Sonido directo: O Grivo
Postproducción de sonido: O Grivo
Aparentemente expulsados del mundo social, tres vagabundos recorren, a pie y cada uno por separado, las autopistas
rurales del noreste de Minas Gerais, Brasil. Durante más de
una hora los seguimos mientras dibujan sus trayectorias sin
rumbo fijo, deambulando como si estuvieran suspendidos en
el tiempo mientras hablan con dioses y espíritus, apenas recortando el paisaje.
Con una fotografía lúcida y una aproximación novedosa, Cao Guimarães nos presenta una película sobre lo
permanente y lo transitorio, sobre la fragilidad humana y la
vastedad de la naturaleza, sobre el perderse y el no volverse a
encontrar porque ya no hay búsqueda, sino sólo andar. Filme
de apertura de la XXVII Bienal de San Pablo, selección oficial
de la Mostra de Venecia y galardonada en numerosos festivales, nos honra programar Andarilho en FIDOCS 2013. R.G.
Apparently expelled from the social world, three vagabonds
travel, separately and on foot, through the rural highways
of northeast Minas Gerais, Brazil. We follow them for over
an hour, as they establish their path without fixed heading,
roaming around as if suspended in time, while they converse
with gods and spirits, barely cutting through the landscape.
With an amazing cinematography and a novel approach, Cao Guimarães presents us with a film about things
permanent and transitory, about human frailty and the
vastness of nature, about losing oneself, and about never
finding oneself again because there is no search anymore,
only walking. Opening film at the 27th Sao Paulo Biennale,
official selection in Venice, and awarded at numerous festivals, we are proud to program Andarilho at FIDOCS 2013.
R.G.
Drawing, 1 minuto (2011)
Sin peso, 7 minutos (2007)
O inquilino, 10 minutos (2010)
Peiote, 4 minutos (2007)
From the Window of my Room, 5 minutos (2004)
Quarta, Feira de Cinzas, 6 minutos (2006)
Coletivo, 3 minutos (2002)
Inventario de raivinhas, 11 minutos (2002)
Brasilia, 13 minutos (2011)
Trabajando distintos personajes, materiales y localidades,
los cortometrajes que conforman esta muestra comparten
un tratamiento lírico de las imágenes, un perfecto trabajo sonoro y un conjunto de interrogantes sobre lo visual, el
espacio y el territorio. Presentando nueve cortos que han
sido exhibidos en algunos de los grandes museos y festivales
del mundo, esta pequeña pero inquisitiva selección abre un
espacio para discutir las inquietudes y respuestas que han
marcado la obra de Cao durante las últimas décadas. R.G.
Working with different characters, materials and places,
these nine short fims share a lyrical treatment of images,
perfect sound work and a collection of questions regarding
the visual aspect, space and territory. Presenting nine shorts
that have screened at some of the most important museums
and festivals in the world, this small yet inquisitive selection
opens the space to discuss the issues and responses that have
marked Cao’s work over recent decades. R.G.
'PDP$BP(VJNBSÍFTtFocus Cao Guimarães
133
Otto
Otto / Brasil, 2012
Director: Cao Guimarães
Producción: Cao Guimarães, Marimbondo
Produções Artísticas Literárias e Audiovisuais Ltda.
Fotografía: Cao Guimarães y Florencia Martínez
Montaje: Cao Guimarães y Florencia Martinez
Sonido: O Grivo
Música: O Grivo
Cao Guimarães conoce a su actual mujer, Florencia, en el
Cine Casablanca de Montevideo, cuando ella era la única
espectadora de su filme Andarilho. En Otto, su más reciente película, Cao acompaña a Florencia en el embarazo de su
primer hijo utilizando una aproximación sensual y subjetiva
que evita toda gran hipótesis sobre la maternidad o la familia. Guimarães se concentra, más bien, en transmitir una
cierta experiencia del embarazo y la vida en pareja, confiando y haciendo uso de los múltiples recursos que el lenguaje
audiovisual pone a su disposición.
Las bellas y decididas imágenes son acompañadas de
un texto rico en significado, que renuncia a lo narrativo
para apostar por lo estético. Con ello, Cao se inscribe en la
tradición instalada por Brakhage con Window Water Moving Baby y Thigh Line Lyre Triangular y en la tradición
ensayística y formal de Terrence Malick. Otto es una carta íntima y biográfica escrita por Cao para su familia, pero
lanzada al mundo como testimonio de la vida, la memoria y
las imágenes. R.G.
Cao Guimarães met Florencia, his present wife, at the Casablanca Cinema in Montevideo, when she was the only spectator of his film Andarilho. In Otto, his most recent movie,
Cao accompanies Florencia throughout her pregnancy with
their first son, utilizing a subjective, sensory approximation that avoids any grand hypothesis about maternity and
family. Guimarães focuses, rather, in transmitting a certain
experience of pregnancy and life as a couple, trusting and
making use of the many resources the audiovisual language
puts at his disposal.
The beautiful and decisive images are accompanied by
a text rich in meaning, which renounces the narrative and
turns instead to the aesthetic. Thus, Cao aligns himself in the
tradition Brakhage developed, with Window Water Moving
Baby and Thigh Line Lyre Triangular, and in Terrence Malick’s essayist legacy. Otto is an intimate biographical letter that Cao wrote to his family, but then thrust out into the
world as a kind of testimony of life, memory and images. R.G.
Foco Chris Marker
Focus Chris Marker
Chris Marker (Francia, 1921 - 2012)
A Valparaíso
A Valparaíso / Chile - Francia, 1962
Nacido
como
Christian
François Bouche-Villeneuve,
Chris Marker era conocido
en Youtube como Kosinski,
su login en Flickr era Sandor
Krasna y en sus películas firmó
como Jacopo Berenzi, Michel
Born Christian François Bouche-Villeneuve, Chris
Marker was known in Youtube as Kosinski, his login on
Flickr was Sandor Krasna and on his films, he signed as Jacopo Berenzi, Michel Krasna, Fritz Markassin and Hayao
Yamaneko, among many incarnations. His works also
rejected taxonomies and are impossible to situate in stagnated categories like “documentary cinema,” “fiction,” “ex-
Krasna, Fritz Markassin y Hayao Yamaneko, entre otras encarnaciones. Su obra también
rehuía las taxonomías y es imposible situarla en categorías
estancas como “cine documental”, “ficción”, “experimental”
o “video arte”. Incluso sus formatos y plataformas fueron
múltiples: video, cine, fotografía, instalaciones, caricaturas,
ensayos, CD-ROM, animaciones flash y realidad virtual. De
todas ellos hizo combinaciones inesperadas y sorprendentes, moviendo los elementos de un territorio a otro, camuflándolos y transmutándolos hasta que sólo quedaran rastros y ruinas. Una obra inasible, como las sombras del siglo
que con tanto ahínco exploró.
A menos de un año de su muerte, la presente edición de
FIDOCS está dedicada a su vida y obra. La publicación del
libro La Zona Marker, el lanzamiento de la nueva Competencia Internacional de Cortometrajes “Monsieur Guillaume” y
un foco de seis documentales buscan revisitar las distintas
maneras en que trabajó lo audiovisual y enfrentó las grandes
preguntas políticas y estéticas del siglo que nos dejó. A través
de películas y textos hemos querido rememorar el legado de
alguien para quien las imágenes, las palabras y los recuerdos
fueron, precisamente, su gran preocupación. R.G.
perimental,” and “video art.” Even his formats and platforms
were myriad: video, cinema, photography, installations,
comics, essays, CD-ROM, flash animations and virtual reality. He made unexpected and surprising combinations out of
all of them, moving elements from one territory to another,
camouflaging and transmuting them, until there are only
traces and ruins. His work is ungraspable, like the shadows
of the century he so eagerly explored.
Less than a year after his death, the present FIDOCS
edition is dedicated to his life and work. The publication of
the book La Zona Marker (The Marker Zone), the launch
of the new Monsieur Guillaume International Short Film
Competition, and a focus on three of his documentaries seek
to revisit the different ways he worked with the audiovisual
language, and how he faced the great political and aesthetic
quandaries the last century left us. Through the films and
texts, we have wanted to remember the legacy of someone for
whom images, words and memories were precisely his greatest concern. R.G.
136 'PDP$ISJT.BSLFStFocus Chris Marker
Dirección: Joris Ivens
Producción: Luis Cornejo, Argos Film y
Cine Experimental Universidad de Chile
Guión: Chris Marker
Director de fotografía: Georges Strouve
Montaje: Jean Ravel
Música: Gustavo Becerra
Dirigido por el documentalista holandés Joris Ivens y con
guión de Chris Marker, este documental ofrece una sinfonía
urbana hermosa y políticamente comprometida con el puerto de Valparaíso. Ivens se introduce en el singular paisaje de
una ciudad que habita con un pie en el cerro y otro en el mar,
entre un pasado de glorias y un presente de deterioro y carencias. Con perfecto ritmo visual, el director evita la postal
turística y recalca sus contradicciones y singularidades, indagando en la vida cotidiana de sus habitantes y ofreciendo,
finalmente, un panorama complejo y diverso sobre la vida en
el puerto. R.G.
Directed by the documentary filmmaker Joris Ivens and
scripted by Chris Marker, this documentary offers a beautiful urban symphony politically committed to Valparaiso
harbor. Ivens dives into the singular landscape of a city that
lives with one foot on the hills and another in the ocean, between a glorious past and a deteriorated present that lacks
plenty. With perfect visual rhythm, the director avoids the
tourist postcard and highlights its contradictions and singularities, exploring its resident’s daily life and offering
finally, a complex and diverse panorama about life on the
port. R.G.
'PDP$ISJT.BSLFStFocus Chris Marker
137
Le tombeau d’ Alexandre
Chats perchés
El último Bolchevique / Francia, 1992
Gatos encaramados / Francia, 2004
Dirección: Chris Marker
Producción: Michael Kustow, Les Films de l’Astrophore
Director de fotografía: Chris Marker
Montaje: Chris Marker
Música: Alfred Shnitke
Aleksandr Ivanovich Medvedkin fue un cineasta ruso nacido en 1900. A los 17 años, fue testigo de la Revolución bolchevique; a los 20 participó en la Guerra Civil, dentro del Ejército Rojo; a los 38 vivió las purgas estalinistas, y vio cómo su
mejor película, La felicidad, era condenada; con 41 años
luchó en primera línea en la II Guerra Mundial, cámara en
mano; y murió, en 1989, en plena “perestroika”, convencido
de que el comunismo, al que él había consagrado su vida, alcanzaba, por fin, su culminación. R. 138 'PDP$ISJT.BSLFStFocus Chris Marker
Aleksandr Ivanovich Medvedkin was a Russian filmmaker
born in 1900. At 17 he witnessed the Bolshevik revolution: at
20 he participated in the civil war in the red army along with
Isaac Babel; at 38 he survived the Stalin’s purges and saw
how his best film Happiness was condemned for conveying
Bujarin influences; when he was 41, he fought on the front
lines in the Second World War, camera on hand; and died in
1989 in the middle of “perestroika”, convinced that the communism he devoted his life to, finally reached its pinnacle. R.
Producción: Laurence Braunberger
Música: Michel Krasna
Un cineasta sale a la calle con su cámara a tratar de descubrir
el misterio de unos gatos sonrientes que comienzan a aparecer dibujados en las paredes de París. Pero el misterio no es
quién los hace, sino qué es lo que quiere decir ese gato. Y qué
es lo que sucede en esas calles, esa ciudad y ese mundo en los
que el gato se manifiesta. R. A filmmaker goes out in the Street with his camera to try to
discover the mystery of smiling cats that are drawn on Paris’
walls. The mystery is not who draws the cats, but what the
cat wants to say, what happens on the streets, the city and
the world of the cat expressions. R.
139
Level Five
Le souvenir d’un avenir
Level 5 / Francia, 1997
Recuerdos del porvenir / Francia, 2001
Producción: Michel Krasna
Director de fotografía: Yves Angelo, Gérard de Battista
y Chris Marker
Sonido Directo: Florent Lavalle
Postproducción de Sonido: Florent Lavalle
Laura recibe el encargo de terminar el guión de un videojuego dedicado a la batalla de Okinawa (tragedia casi desconocida en Occidente, pero determinante en el fin de la
Segunda Guerra Mundial). El objetivo del juego no consiste
en modificar el curso de la Historia, sino reproducirla tal y
como fue. Pero, al trabajar sobre Okinawa, Laura se topará
en Internet con una misteriosa red paralela de informadores
y testigos de la batalla. Así, conocerá aspectos de la tragedia
que empezarán a interferir en su propia vida. Como todos los
videojuegos, Level Five avanza por niveles. Laura y su interlocutor, intoxicados por su misión, acabarán por componer
una metáfora de la vida, distribuyendo los “niveles” a todo lo
que les rodea. ¿Alcanzará Laura el Nivel Cinco? R. 140 'PDP$ISJT.BSLFStFocus Chris Marker
Laura receives the mission of finishing the script for a video
game dedicated to the battle of Okinawa (a tragedy barely
known in the west, but a determining one at the end of the
Second World War). The game objective is not to modify the
course of history, but to reproduce it as it was. While working on Okinawa, Laura will come across on Internet with a
mysterious parallel network of informers and witnesses of
the battle. That’s how she becomes aware of some tragedy
aspects that will begin to interfere with her own life. As in
all videogames, people advance levels to reach level 5. Laura
and her spokesman, intoxicated by their mission, will end up
composing a metaphor for life, distributing those levels to all
that’s around them. Will Laura reach level 5? R.
Dirección: Chris Marker y Yannick Bellon
Producción: Les Films de l’Equinoxe
Guión: Chris Marker y Yannick Bellon
Director de fotografía: Denise Bellon (B&N)
Sonido: Florent Lavallée
A partir de los archivos de la fotógrafa Denise Bellon (19021999), Chris Marker y Yannick Bellon, hija de la fotógrafa,
reviven la Francia de la preguerra, del África colonial, y recuerdan a los protagonistas de guerras y revoluciones, tanto
a los célebres como a los anónimos. Un lúcido repaso a la historia a partir de los excepcionales retratos de una mujer que
supo captar un presente convulso que contenía ya las huellas
del porvenir. R. From the archives of photographer Denise Bellon (19021999), Chris Marker and Yannick Bellon, the photographer’s
daughter, revive pre-war France and colonial Africa, and
remember the characters of wars and revolutions, the famous and the unknown. A lucid review of history, based on
the exceptional pictures of a woman that knew how to catch a
tumultuous present that already contained the tracks of the
future. R.
141
Sans soleil
Sin sol / Francia, 1983
Producción: Argos Films
Sonido directo: Paul Bertault y Antoine Bonfanti
Tres niños en una carretera en Islandia, una tripulación
somnolienta a bordo de un ferry, un emú en Île de France,
un bello rostro de las islas Bijagos, un cementerio de gatos
a las afuera de Tokio, vagabundos en Namidabashi, los habitantes de la Isla de Fogo, Cabo Verde, un carnaval en Bissau...
Así inicia el relato una mujer desconocida que lee las cartas
remitidas por un operador de cámara, Sandor Krasna, que a
través del registro de las imágenes de sus viajes se interroga
sobre la memoria y la función del recuerdo, “que no es lo contrario del olvido, sino su opuesto”, para conformar su particular lista de “cosas que hacen latir el corazón”. R.
142 'PDP$ISJT.BSLFStFocus Chris Marker
Three children on a highway in Iceland, a sleepy crew aboard
a ferry, un emú en Île de France, a pretty face of the Bijagos
islands. A cat cemetery on the outskirts of Tokyo, bums in
Namidabashi, the Fogo Island residents, Cabo Verde, a carnival in Bissau... That’s how the tale begins by an unknown
woman reading letters sent by a camera operator, Sandor
Krasna, whom through a registry of images from his trips,
asks himself about memory and the role of remembrance,
“which is not the contrary of forgetting, but the opposite”, to
compose as Sei Shônagon, his particular list of “things that
make the heart beat”. R.
Cuarenta años a la distancia
Forty years away
La batalla de Chile I-II-III
La batalla de Chile I-II-III / Chile, 1972-1979
Producción, guión y dirección: Patricio Guzmán
Director de fotografía y cámara: Jorge Müller Silva
Montaje: Pedro Chaskel
Sonido directo: Bernardo Menz
Ayudante de dirección: José Bartolomé
Jefe de producción: Federico Elton
Casa de producción: Equipo Tercer Año (Patricio Guzmán)
En el transcurso de un año, filmé los acontecimientos durante
el gobierno de Allende en Santiago y otras ciudades. Comencé
a filmar el 15 de octubre de 1972 y terminé el 11 de septiembre
de 1973. El rodaje concluyó con el golpe de Estado y la muerte de Allende. Utilicé una cámara Eclair de 16 milímetros,
dos chassis, un trípode, un grabador Nagra-4 y un micrófono Sennheiser. Es una película documental filmada en el momento mismo de producirse los hechos. No es una película de
archivo. Por primera vez, un proceso revolucionario latinoamericano fue filmado paso a paso por un equipo homogéneo.
El material virgen fue proporcionado por el cineasta francés Chris Marker (44.000 pies de material, equivalentes a 18
horas de película) y 134 cintas de sonido. El proceso duró siete años en total: uno de rodaje y seis de montaje. Este último
se hizo en el Instituto del Arte y la Industria Cinematográficos de Cuba.
Jorge Müller Silva, el director de fotografía y cámara, fue
secuestrado por la policía militar de Pinochet en noviembre
de 1974. Hasta hoy se desconoce su paradero. Es uno de los
3.200 desaparecidos y ejecutados de la dictadura.
Federico Elton, el jefe de producción del filme, estuvo
detenido 24 horas en la Escuela Militar en los días posteriores al golpe. Yo estuve detenido dos semanas en el Estadio Nacional de Santiago, incomunicado y amenazado de
fusilamiento.
Esta trilogía ha sido objeto de la censura en Chile, pues nunca ha sido emitida por la televisión pública ni estrenada cinematográficamente en las salas chilenas. El filme dio la vuelta al
mundo en los años setenta y ochenta, y fue exhibido en salas de
cine de 35 países. La revista de Nueva York Cinéaste la nominó
entre los “mejores 10 filmes políticos del mundo”. P.G.
144 $VBSFOUBB×PTBMBEJTUBODJBtForty years away
For a year, I filmed the events during Allende’s government
in Santiago and other cities. I began filming on October 15,
1972 and concluded on September 11, 1973. The film ends
with the coup and Allende’s death. I used an Eclair 16mm
camera, two rack-mounts, one tripod, a Nagra-4 recorder
and a Sennheiser microphone. It’s a documentary film done
at the precise moment of the events. It’s not a movie made
from archives. For the first time, a revolutionary process in
Latin America was shot step by step by a stable crew.
The virgin tapes were given to us by the French filmmaker
Chris Marker, (44,000 feet of material, equivalent to 18
hours of film) and 134 sound ribbons. The process lasted seven years total: one for shooting and six for editing. The latter
was done at Cuba’s Art and Film Industry Institute (Instituto del Arte y la Industria Cinematográficos de Cuba).
Jorge Müller Silva, the cinematographer, was kidnapped
by Pinochet’s military police in November 1974. His whereabouts are still unknown. He’s one of the dictatorship’s 3,200
missing or executed.
Federico Elton, the film’s production manager, was detained for 24 hours inside the Military School in the days
after the coup. I was detained for two weeks at the National
Stadium in Santiago, incommunicado and under threat to be
executed.
This trilogy has been an object of censorship in Chile; it
has never been aired on public TV or screened in any Chilean
film theaters. The film went around the world in the 70s and
80s, and was screened in 35 countries. The New York Magazine Cinéaste nominated it among the “10 best political films
in the world”. P.G.
PREMIOS Y ALGUNOS FESTIVALES:
Estreno: Quincena de los realizadores, 1975 y 1976
Segunda exhibición: Forum de la Berlinale, 1975, 1976 y 1979
Grand Prix, Festival de Grenoble, Francia 1975
Premio del Jurado, Festival de Leipzig, Alemania 1976
Grand Prix, Festival de Grenoble, Francia 1976
Grand Prix, Festival de Bruselas, Bélgica 1977
Grand Prix, Festival de Benalmádena, España 1977
Grand Prix, Festival de La Habana, Cuba 1979
AWARDS and some FILM FESTIVALS:
Premiere: The Director’s Fortnight, 1975 and 1976
Second screening: Berlinale Forum, 1975, 1976 and 1979
Grand Prix, Grenoble film Festival, France, 1975
Jury Award, Leipzig Film Festival, Germany, 1976
Grand Prix, Grenoble Film Festival, France, 1976
Grand Prix, Brussels Film Festival, Belgium, 1977
Grand Prix, Benalmadena Film Festival, Spain, 1977
Grand Prix, La Habana Film Festival, Cuba 1979
SELECCIÓN DE CRÍTICAS:
“Grandes filmes raras veces llegan sin anunciarse, como La
Batalla de Chile. Un documental de tres partes y con una
duración de muchas horas, sobre los hechos que precedieron
a la caída de Allende. ¿Cómo un equipo de cinco personas,
algunos de ellos sin experiencia previa (...) pudo producir un
trabajo de esta magnitud? Patricio Guzmán ha dicho en una
entrevista (...) que durante las luchas callejeras, él podía anticipar lo que iba a ocurrir y que, situado detrás del operador, le
decía cuándo adelantarse, mostrar un sector, bajar la cámara
y subirla. Esto es, él estaba tan impregnado con las posibilidades de la situación que era como si estuviera dirigiendo la
acción. Podía usar los métodos del cine de ficción que había
estudiado en la escuela de Madrid a fines de los años sesenta
...”. Pauline Kael, The New Yorker, EE.UU., 1978.
REVIEW SELECTION:
“Great films rarely arrive without warning, such as La
Batalla de Chile. A three-part documentary of long duration, it’s about the events that proceeded the fall of Allende.
How could a 5 person crew, some without any prior experience (…) be able to produce work of this magnitude? Patricio Guzmán stated in an interview (…) that during street
confrontations, he could anticipate the events, and staying behind the camera operator, he would tell him when to
move forward, focus on a sector, lower the camera and move
it upward. He was so taken by the situation possibilities,
that it felt like he was directing the action. He could use the
methods of fiction filmmaking that he studied in Madrid
at the end of the 60s…” Pauline Kael, The New Yorker,
EE.UU., 1978.
“Este filme es la primera obra de arte de una nueva forma de analizar la política. Nos ofrece una lección de historia como nunca nos la ha ofrecido el cine. Aunque diversos
cineastas muy conocidos están inscritos en la rúbrica del
guión, como Pedro Chaskel, otro director chileno, Julio García Espinosa, director cubano, y Chris Marker, la obra, muy
evidentemente, se debe a un solo hombre. No por motivos de
procedencia, sino, tal vez, porque el trabajo de creación, de
realización, de montaje, valen bien el de un Bresson o un Fellini”. Louis Marcorelles. Le Monde, París, 1975.
“This film is the first piece of art work of a new way to
analyze politics. It offers a history lesson, as filmmaking
has never done. Although different well known filmmakers
adhere to scriptwriting, such as, Pedro Chaskel, another
Chilean director, Julio García Espinosa, Cuban director,
and Chris Marker, the work is clearly credited to one man.
Not because of its origin, but maybe, because the work of creation, production and edition are well worth that of Bresson
or Fellini”. Louis Marcorelles. Le Monde, París, 1975.
“Dos momentos extraordinarios de la segunda parte:
fragmentos de antología, se podría decir (...). Bajo los sones
de marcha fúnebre, el funeral del edecán asesinado de Allende. La cámara escudriña los rostros. Un comentario incisivo
nos invita a leer bajo esos rostros herméticos: el golpe final
se prepara. Segundo momento histórico: la gigantesca manifestación del 4 de septiembre de 1973, una semana antes del
golpe...”. Louis Marcorelles, Le Monde, París, 1976.
“Sea cual sea la reacción que uno tenga frente a La Batalla de Chile III, es indiscutiblemente un filme épico”. Vincent Camby, The New York Times, EE.UU., 1978.
“Two extraordinary moments in the second part:
anthology fragments, one could say (…). At the sound of Allende’s murdered personal guard’s funerary procession. The
camera scrutinizes the faces. A sharp commentary invites
us to read those tight faces: the final coup is coming. Second
historical moment: the giant demonstration on September
4, 1973, a week before the coup…” Louis Marcorelles, Le
Monde, París, 1976.
“Whatever your reaction to La Batalla de Chile III, it’s
without discussion an epic film”
Vincent Camby, The New York Times, EE.UU., 1978.
$VBSFOUBB×PTBMBEJTUBODJBtForty years away
145
Sinopsis de la primera parte
(La insurrección de la burguesía, 100’)
Sinopsis de la segunda parte
(El golpe de Estado, 90’)
SYNOPSIS, FIRST PART (La insurrección de la burguesía, 100’) (The bourgeoisies’ insurrection)
SYNOPSIS, SECOND PART (El golpe de Estado, 90’) (The coup)
Salvador Allende pone en marcha un programa de transformaciones sociales y políticas para modernizar el Estado y
frenar la pobreza. Desde el primer día, los sectores más conservadores organizan contra él una serie de huelgas salvajes
mientras la Casa Blanca le asfixia económicamente. A pesar
del boicot económico y el bloqueo parlamentario (la oposición rechaza casi todos los proyectos de ley), los partidos
que apoyan a Allende obtienen un resultado sorprendente:
el 43,4 por ciento de los votos en marzo de 1973. La derecha,
en su conjunto, comprende que los mecanismos legales ya no
les sirven. De ahora en adelante, su estrategia será la del golpe de Estado. La batalla de Chile es un fresco que muestra
paso a paso estos hechos que conmovieron al mundo. Entre marzo y septiembre de 1973 la izquierda y la derecha
se enfrentan en todas partes: en la calle, las fábricas, los tribunales, las universidades, el parlamento y los medios de
comunicación. El gobierno de Nixon, secundado por Kissinger, continúa financiando las huelgas principales (huelga
del cobre, huelga del transporte) a la vez que fomenta el caos
social. Allende trata de llegar a un acuerdo con las fuerzas del
centro político –la Democracia Cristiana–, sin conseguirlo.
Las contradicciones de la izquierda aumentan la parálisis.
Los militares empiezan a conspirar en Valparaíso. Un amplio
sector de la clase media alienta la “desobediencia” y apoya la
guerra civil. Los militares inician el allanamiento sistemático de fábricas en busca de armas (que no encuentran). Casi
un millón de personas desfila ante Allende el día 4 de septiembre. Siete días más tarde, Pinochet bombardea el palacio
de gobierno con el presidente adentro. 146 $VBSFOUBB×PTBMBEJTUBODJBtForty years away
Salvador Allende set in motion a social and political transformation program to update the State and control poverty.
From the first day, the more conservative sectors organized
against him with a series of hunger strikes, while the white
house choked the economy. Despite the economical boycott
and parliament’s blockage (the opposition rejected all law
bills), the parties that supported Allende obtained a surprising result: 43,4% of the votes in March 1973. The right
wing and its circles realized that legal mechanisms no longer served them. From now on their strategy would be a coup
d’état. La batalla de Chile is a portrait that shows step by
step the events that shook the world.
Between March and September 1973, the left and the right
were confronted everywhere: in the streets, industries, courthouses, universities, the parliament, and the media. Nixon’s
government supported by Kissinger, continued financing the
most relevant strikes (copper worker’s strike, transportation worker’s strike) and at the same time promoting social
chaos. Allende tried unsuccessfully to reach an agreement
with the central party forces, the Christian Democrats. The
left wing contradictions increased the shock. The military
began plotting in Valparaiso. A wide middle class sector
encourages “public disobedience” and supports a civil war.
The military initiate a systematic invasion of industries
searching for armament (which they didn’t find). Almost a
million people march before Allende on September 4. Seven
days later, Pinochet bombards the presidential palace with
the president inside.
$VBSFOUBB×PTBMBEJTUBODJBtForty years away
147
Sinopsis de la tercera parte
(El poder popular, 82’)
SYNOPSIS, THIRD PART (El poder popular, 82’) (Power to the people)
Al margen de los grandes acontecimientos que narran los
filmes precedentes, ocurren también otros fenómenos originales, a veces efímeros, incompletos, que recoge la tercera parte. Numerosos sectores de la población, y en particular las capas populares, organizan y ponen en marcha
una serie de acciones colectivas: almacenes comunitarios,
cordones industriales, comités campesinos, etc., con la
intención de neutralizar el caos y apoyar a Allende. Estas
instituciones, en su mayoría espontáneas, representan un
“estado” dentro del Estado.
148 $VBSFOUBB×PTBMBEJTUBODJBtForty years away
Aside from the big events that the films narrate, there are
other sometimes brief and incomplete original phenomena collected in the third part. Vast sectors of the population and especially the popular segments, organize and set
in motion a series of collective actions: community stores,
industrial networks, farmer committees, etc., with the intention of neutralizing chaos and support Allende. These
mostly spontaneous institutions represent a “state” within
the state.
Actividades de Formación
Educational Activities
Debate sobre la ficción en el documental
(y viceversa)
Escuela FIDOCS
FIDOCS School
Debate: Fiction in documentary (and vice versa)
Durante los últimos años, FIDOCS ha recibido y programado varias películas, como La rencontre, El Salvavidas o A
primera hora, que utilizan dispositivos originales del cine
de ficción para producir y narrar historias en documental.
Utilizando como punta de lanza el filme No, de Pablo Larraín, discutiremos en una mesa redonda recursos como la
guionización, el uso de archivo y de actores, las recreaciones
y otras estrategias narrativas y estéticas que circulan de género en género.
Invitados
Pablo Larraín (cineasta), Wolfgang Bongers (profesor asociado, Universidad Católica de Chile), Iván Pinto (editor
revista La Fuga) y Cecilia Barrionuevo (programadora Festival Mar del Plata).
During the last few years, FIDOCS has received and programmed several movies, like La rencontre, El salvavidas
and A primera hora, which utilize devises that originally
belong to fiction cinema, in order to produce and narrate
stories in documentaries. Using No, by Pablo Larraín, as
spearhead film, we will discuss at a round table resources
like scripting, the use of archive footage and of actors, recreations and other narrative and aesthetic strategies that
circulate from genre to genre.
Modera: Ricardo Greene (director FIDOCS)
Moderator: Ricardo Greene (FIDOCS director)
150 "DUJWJEBEFTEF'PSNBDJØOtEducational Activities
Guests
Pablo Larraín (filmmaker), Wolfgang Bongers (associate
professor, Universidad Católica de Chile), Iván Pinto (editor
La Fuga magazine) and Cecilia Barrionuevo (programmer,
Mar del Plata Festival).
En esta 6º versión de Escuela FIDOCS, el objetivo continúa
siendo el mismo: incentivar la formación y el conocimiento
del lenguaje documental entre los futuros realizadores mediante exclusivas clases expositivas con los principales realizadores invitados del FIDOCS. Es una actividad creada y
producida por el Festival, donde se convocan a las distintas
escuelas de cine y comunicaciones de Santiago para que sus
alumnos más destacados sean becados en las actividades a
realizar. Existe un compromiso con FIDOCS para que en
esta semana los estudiantes puedan tener la disponibilidad
de participar en el Festival sin tope de horarios con sus carreras y actividades académicas; por ello, las actividades de
Escuela FIDOCS son de asistencia obligatoria y controlada,
incluyendo charlas y visionados de películas.
In this 6th edition of FIDOCS School, the objective is still the
same: To incentivize training and knowledge of documentary language in future directors, through classes imparted by
the main guest directors at FIDOCS. It’s an activity created
and produced by the festival, with an open call to the different
film and communications schools in Santiago, so that their
best students can earn scholarships to FIDOCS activities.
There is an arrangement in place with FIDOCS during the
festival week. The students have the availability to participate in the Festival, without limitations from other school
commitments. For this reason these activities at FIDOCS
School, including lectures and film screenings, are mandatory and attendance is kept.
Invitados Escuela FIDOCS 2013
2013 FIDOCS School Guest
·Juan Carlos Rulfo, director de El abuelo Cheno y otras historias
·Laurent Hasse, director de Le bonheur… terrepromise
·José Luis Torres Leiva, director de ¿Qué historia es esta y
cuál es su final?
·Alejandra Moffat, directora de Candelaria
·Francisco Javier Rodríguez, director de The third person
·Juan Carlos Rulfo, director of El abuelo Cheno y otras historias
·Laurent Hasse, director of Le bonheur… terre promise
·José Luis Torres Leiva, director of ¿Qué historia es ésta y
cuál es su final?
·Alejandra Moffat, director of Candelaria
·Francisco Javier Rodríguez, director of The third person
"DUJWJEBEFTEF'PSNBDJØOtEducational Activities
151
Master Class
Master Class
Este año ofrecemos al público del festival tres charlas magistrales gratuitas de directores internacionales: abre Juan
Carlos Rulfo, que hablará sobre memoria, lenguaje y cine;
le sigue Mariana Otero sobre las posibilidades del cine documental y por último Cao Guimarães , quien hará un paralelo entre la experimentación audiovisual y la práctica de
cocinar.
This year we offer 3 free Master Classes from international
directors to our festival audience: the opening is by Juan
Carlos Rulfo, who will talk about memory, language and
film; followed by Mariana Otero on documentary film possibilities and last, Cao Guimarães, who will draw a parallel
between audiovisual experimentation and the practice of
cooking.
“Los usos de la memoria” (The uses of memory)
Expositor: Juan Carlos Rulfo
Presenta: Jorge Morales
Lugar: Biblioteca Nicanor Parra, Vergara 324, UDP
Horario: Martes 25, 11:30 hrs.
“El cine de las imágenes verdaderas” (Cinema of True images)
Expositor: Mariana Otero
Presenta: Patricio Guzmán
Lugar: GAM, Sala Conferencia 1
Horario: Martes 25, 15:00 hrs.
“Cine de Cocina” (Cooking Cinema)
Expositor: Cao Guimarães
Presenta: Andrea Pacheco
Lugar: GAM, Sala Conferencia 1
Hora: Viernes 28, 15:00 hrs.
152 "DUJWJEBEFTEF'PSNBDJØOtEducational Activities
Santiago, Ciudad Abierta
Santiago, Open City
Desde sus comienzos, FIDOCS ha
sido un festival comprometido políticamente y que intenta marcar, en todas
sus decisiones, una línea editorial responsable. En miras de colaborar con
el acceso equitativo a la cultura, este
año hemos abierto una nueva sección
llamada “Santiago, ciudad abierta”:
seis funciones gratuitas en las que cineastas chilenos y chilenas presentarán sus obras a estudiantes y personas
de la tercera edad, respondiendo sus
preguntas e inquietudes. Con esta actividad buscamos seguir colaborando
en la formación de nuevas audiencias y
revitalizar nuestro compromiso activo
con la comunidad.
Since its beginnings, FIDOCS has
been a politically committed festival
that inscribes each decision with a responsible editorial line. Aiming to collaborate with a fair access to culture,
we have created a new section called
“Santiago, Ciudad abierta” (Santiago,
open city): six free of charge screenings, where Chilean filmmakers will
present their films to students and
senior citizens and will answer their
questions. With this activity, we hope
to continue adding to the new audience
formation efforts, and to refresh our
active commitment to the community.
Arcana
El edificio de los chilenos
Arcana / Chile, 2006
El edificio de los chilenos / Chile, 2010
Dirección: Cristóbal Vicente
Producción: Cristóbal Vicente
Fotografía: Cristóbal Vicente
Sonido: Mario Díaz
Montaje: Cristóbal Vicente y Carlos Klein
Música: Carlos Canales y Luis Toto Alvarez
Arcana es una película que recoge el último año de funcionamiento de la antigua cárcel de Valparaíso (Chile), cerrada
en abril de 1999. Es un homenaje al lugar y a los valores y
costumbres de los hombres que por ciento cincuenta años lo
habitaron ocultamente, fuera de todo conocimiento exterior
de la ciudad.
Arcana is a film that records the last year in use of the old
Valparaíso jailhouse (Chile), closed on April 1999. It is a
tribute to the place, values and habits of the men hidden
there for the last hundred and fifty years, lacking any knowledge of the city’s exterior.
Cristóbal Vicente (Viña del Mar, 1975)
es arquitecto de la Universidad Católica
de Valparaíso. También estudió dirección de fotografía cinematográfica con el
destacado director de fotografía Héctor
Ríos. En 1998 comienza el proyecto Arcana, que finaliza y se estrena el 2006, con importante participación en festivales nacionales e internacionales.
Cristóbal Vicente (Viña del Mar, 1975) is an Architect,
graduate of the Universidad Católica de Valparaíso. He
studied cinematography with the noted Director of Photography Hector Rios. In 1998 begins the project Arcana, which
is completed and premiered in 2006, later participating in
relevant national and international film festivals.
154 4BOUJBHP$JVEBE"CJFSUBtSantiago, Open City
Dirección: Macarena Aguiló y Susana Foxley
Producción: Juan Manuel Egaña y Macarena Aguiló
Producción ejecutiva: Juan Manuel Egaña
Guión: Macarena Aguiló y Susana Foxley
Fotografía: Arnaldo Rodríguez
Sonido: Mauricio Molina
Música: Elizabeth Morris
Montaje: Catherine Mabilat, Macarena Aguiló,
Ilán Stehberg, Ismael Miranda y Galut Alarcón
A fines de los años setenta, los militantes del Movimiento
de Izquierda Revolucionaria (MIR) exiliados en Europa
regresaron a Chile a luchar clandestinamente contra la dictadura. Muchos tenían hijos que no podían llevar con ellos.
Para esos hijos nació el Proyecto Hogares, un espacio de vida
comunitaria que reunió cerca de sesenta niños que fueron
cuidados por veinte adultos llamados Padres Sociales.
The militants of the MIR (Revolutionary Leftist Movement)
who were exiled in Europe returned to Chile at the end of
the 70s to fight covertly against the dictatorship. Many had
children they couldn’t take with. The “Proyecto Hogares”
(Homes Project), was created for those children. A community that gathered over sixty children who were cared for by
twenty adults called “Social parents”.
Macarena Aguiló (Santiago, 1971) estudió comunicación audiovisual en el
Instituto Profesional ARCOS. En 2004
comienza a desarrollar su ópera prima
documental El edificio de los chilenos,
que obtiene Mención Honrosa en su estreno en DOK Leipzig 2010. Ha ganado más de quince premios, entre ellos el Gran Premio FIDOCS 2010.
Macarena Aguiló (Santiago, 1971) is a graduate of ARCOS Professional Institute in Audiovisual Communication.
In 2004 she started developing her opera prima, the documentary, El edificio de los chilenos, which received an
honorable mention when it premiered in DOK Leipzig 2010.
It has obtained more than fifteen awards, among them, the
great FIDOCS Great Award, 2010.
4BOUJBHP$JVEBE"CJFSUBtSantiago, Open City
155
MAFI. tv - Mapa fílmico de un país
Profes
MAFI. tv - Mapa fílmico de un país / Chile, 2012
Profes / Chile, 2012
Dirección: Sebastián Moreno
Producción: Gonzalo Rodríguez
Producción ejecutiva: Ricardo Larraín
Guión: Sebastián Moreno y María Paz González
Investigación: María Paz González
Música original: Andreas Bodenhöfer
Fotografía: Sebastián Moreno
Montaje: Valentín Atías
Director general: Christopher Murray
Director de contenidos: Antonio Luco
Creadores: Christopher Murray, Antonio Luco, Pablo
Carrera e Ignacio Rojas
Director web: Tamara Uribe
Producción general: Francisca Barraza
Dirección de fotografía: Diego Lazo y Matías Illanes
Sonido: Carlos Collio y Carlos Pérez
Montaje: Tania Ramírez, Josefina Buschmann y
Macarena Yurjevic
Investigación: Constanza Miranda
Formato de exhibición: Presentación Web
MAFI.tv es una plataforma web compuesta por piezas documentales acerca del Chile actual. El formato de las obras
es simple: encuadre fijo, duración breve y el sonido limpio del registro. Sus realizadores, tanto consagrados como
emergentes, provienen de todo el país. El objetivo es capturar fragmentos de la realidad nacional para ir creando un
mapa fílmico de nuestra contingencia través de una mirada
autoral, reflexiva y de alta calidad visual.
MAFI.tv is a web platform composed by documentary
pieces about present day Chile. The work format is simple:
still frame, brief duration and a clean sound registry. The
directors, whether renowned or emerging, come from all
over the country. The objective is to catch fragments of our
national reality, to create a film map of our contingency
through an authorship’s viewpoint, sensible and high visual
quality.
Directores
Ignacio Rojas, Maite Alberdi, Pablo Carrera, Iván Osnovikoff, Bettina Perut,
José Luis Torres Leiva, Antonio Luco,
Cristián Jiménez, Fernando Lavanderos,
Christopher Murray, Camilo Corbeaux, Israel Pimentel,
Juan Jullian, Valeria Hofmann, Colectivo Miope, Daniela
Camino, Felipe de Ferrari, Gustavo Castro, Orlando Torres,
Andrés Montenegro, Simón Vargas, Ignacio Agüero, Carlos
Araya, Jeremy Hatcher, Juan Francisco González y Tomás
Quintana.
Directors
Ignacio Rojas, Maite Alberdi, Pablo Carrera, Iván
Osnovikoff, Bettina Perut, José Luis Torres Leiva, Antonio
Luco, Cristián Jiménez, Fernando Lavanderos, Christopher
Murray, Camilo Corbeaux, Israel Pimentel, Juan Jullian,
Valeria Hofmann, Colectivo Miope, Daniela Camino,
Felipe de Ferrari, Gustavo Castro, Orlando Torres, Andrés
Montenegro, Simón Vargas, Ignacio Agüero, Carlos Araya,
Jeremy Hatcher, Juan Francisco González and Tomás
Quintana.
Mientras la educación se discute en las calles, Evelyn, Esteban, Andrea, Ema, Oscar y Eli nos abren las puertas de sus
salas de clases para ver de qué se trata enseñar. Profes es
una invitación a volver al aula para observarla, esta vez, desde los ojos de los profesores. Junto a estos maestros regresaremos por un año a ese lugar en el que una persona puede
marcar, para siempre, nuestro futuro y el de Chile.
While education is discussed in the streets Evelyn, Esteban,
Andrea, Ema, Oscar and Eli open their classroom doors to
us to see what is teaching all about. Profes is an invitation
to return to the classroom and observe it this time, from the
teacher’s point of view. We will return for one year, along
with these masters, to that place where someone’s life, our
future and Chile’s future can be touched forever.
Sebastián Moreno (Santiago, 1972) es
comunicador audiovisual del Instituto
Profesional ARCOS y director de fotografía en cine de la Escuela de Cine y TV de
San Antonio de los Baños, Cuba. Su primer
largometraje documental, La ciudad de
los fotógrafos (2006), elogiado por la crítica y premiado en
festivales, trata sobre la fotografía en tiempos de Pinochet.
Sebastián Moreno (Santiago, 1972) is a graduate of ARCOS Professional Institute in Audiovisual Communication
and Cinematographer from the Film and TV School of San
Antonio de los Baños, Cuba. His first feature documentary,
La ciudad de los fotógrafos (2006), praised by the critics
and awarded at many festivals, is about photography during
the Pinochet era.
157
Sibila
Un hombre aparte
Sibila / Chile - España, 2012
Un hombre aparte / Chile, 2002
Dirección: Bettina Perut e Iván Osnovikoff
Producción ejecutiva: Bettina Perut
Fotografía y cámara: Sebastián Moreno
Sonido: Iván Osnovikoff
Postproducción de sonido: Antonio Gildemeister
Montaje: Bettina Perut e Iván Osnovikoff
Dirección: Teresa Arredondo
Montaje: Martín Sappia
Producción general: Viviana Erpel
Producción ejecutiva: Casimúsicos Cine
Guión: Teresa Arredondo y Martín Sappia
Cámara: Teresa Arredondo y César Boretti
Música original: Esteban Anavitarte
Sonido directo: María Elisa Cánobra
Postproducción de sonido: Roberto Espinoza
Recuerdo la noche en que la historia de mi familia cambió.
Llamaron desde Perú para avisar que mi tía, Sibila, estaba
presa, acusada de ser miembro de “Sendero Luminoso”. Yo
tenía siete años y el silencio protector de mis padres ayudó
a que su figura se convirtiera en un gran misterio en mi
vida. Su encierro duró quince años. Hoy está libre y quiero
acercarme a ella, escucharla, entender. Sibila es un viaje que
construye el presente mirando el pasado. Es también el encuentro entre dos generaciones que buscan dialogar.
Teresa Arredondo (Lima, 1978) es licenciada en psicología y magíster documental en la UAB (España). Su cortometraje Días con Matilde ganó el premio
al Mejor Documental y al Mejor Guión
en el DIVA. Sibila, su primer largo, fue
galardonado en el BAFICI, el Festival de Málaga y el de La
Habana de Nueva York, y obtuvo el premio Mejor Película
en FIDOCS 2012.
I remember the night when my family’s history changed.
A call came from Peru, to let us know that my aunt Sibila
had been arrested accused of being a member of “Shining
path”. I was seven years old, and my parent’s protective silence helped to make her figure become the great mystery
of my life. Her confinement lasted fifteen years. Today she’s
free and I want to get close to her, hear her, and understand.
Sibila is a journey that builds on the present by looking into
the past. It’s also the meeting point between two generations
that want to dialog.
Teresa Arredondo (Lima, 1978) has a title in Psychology
and a Master’s degree (documentary) from UAB (Spain).
Her short film Días con Matilde won Best Documentary
and Best Script at DIVA. Sibila, her first feature film was
recognized at BAFICI, Malaga Film Fest, New York’s La
Habana Film Fest, and received the Best Film Award at FIDOCS 2012.
Un hombre aparte es Ricardo Liaño, un emigrado español
radicado en Chile, quien a lo largo de su vida fue promotor de
boxeo, productor de espectáculos, periodista de política internacional e inventor de un sinnúmero de negocios turbios.
Antiguo vividor y fabulador, y ahora octogenario y pobre,
Liaño circula con la obsesión de seguir siendo un triunfador que por tercera vez en su vida logrará ser millonario en
“dólares” mediante el lanzamiento de la Primera Campaña
Mundial Infantil Juvenil Antidrogas.
Un hombre aparte is Ricardo Liaño, a Spanish immigrant who settled in Chile, and along his life he has been
a boxing promoter, an event producer, international politics’ journalist and inventor of a number of shady business. An old player and storyteller now in his 80’s and
poor. Liaño is obsessed with continuing to be a winner
that for a third time in his life, can be a millionaire (in
dollars), via the launching of the first world wide children and teens anti-drug campaign.
Bettina Perut (Roma, 1970) e Iván Osnovikoff (Puerto Montt, 1966) han co-dirigido diversos documentales: Chi-chi-chi
Le-le-le Martín Vargas de Chile (2000),
Un hombre aparte (2002), El astuto
mono Pinochet contra los cerdos de la
moneda (2004), Welcome to New York
(2006), Noticias (2009) y La muerte de
Pinochet (2011).
Bettina Perut (Roma, 1970) and Iván Osnovikoff (Puerto Montt, 1966) have co-directed several
documentaries: Chi-chi-chi Le-le-le Martín Vargas
de Chile (2000), Un hombre aparte (2002), El astuto mono Pinochet contra los cerdos de la moneda
(2004), Welcome to New York (2006), Noticias (2009)
and La muerte de Pinochet (2011).
159
Ediciones FIDOCS
FIDOCS Books
Título del libro: La Zona Marker
Editado por: Ricardo Greene e Iván Pinto
Book Title: La Zona Marker (The Marker Zone).
Editors: Ricardo Greene and Iván Pinto
Titulo del libro: Filmar lo que no se ve.
Una manera de hacer documentales.
Método, artículos, reseñas.
Autor: Patricio Guzmán
Filmar lo que no se ve (Filming what cannot be seen)
A way of making documentaries
Method, articles, reviews
Author: Patricio Guzmán
Además de lanzar una nueva competencia de cortometrajes en su honor y de presentar una muestra de sus películas, este año hemos decidido honrar a Chris Marker con La
Zona Marker. Dividido en tres capítulos, cada uno de ellos
está dedicado a las distintas “vanguardias” que pueden encontrarse en su vida y obra: la primera, sobre el militante
comprometido, cuenta con artículos de Trevor Stark, Carolina Amaral De Aguiar y del propio Chris Marker; el segundo,
sobre el explorador que se adentra en culturas desconocidas,
presenta trabajos inéditos de María Paz Peirano, Maria Luisa Ortega y Gonzalo De Lucas; el tercero, por último, es sobre
sus innovaciones en el lenguaje audiovisual y edita artículos
de Raymond Bellour, Eduardo Russo y Wolfgang Bongers.
A ellos se suma un trabajo introductorio de los editores y
una carta de Patricio Guzmán, además de ilustraciones y
fotogramas. Una obra dedicada no sólo a especialistas sino a
cualquiera que quiera adentrarse en los bordes difusos de su
enorme legado. R.G.
160 &EJDJPOFT'*%0$4tFIDOCS Books
Aside from launching a new short film competition in his
honor, and screening a retrospective of his work, this year
we have decided to play a tribute to Chris Marker with The
Marker Zone. It’s divided in three chapters, each one of them
dedicated to a different cutting edge point that can be found
throughout his life and works: the first about the committed
militant, includes articles by Trevor Stark, Carolina Amaral
De Aguiar and Chris Marker himself; the second about the
explorer that ventures into unknown cultures, with unedited works by María Paz Peirano, Maria Luisa Ortega and
Gonzalo De Lucas; the third and last is about his innovation
on the audiovisual language and has edited articles by Raymond Bellour, Eduardo Russo and Wolfgang Bongers. Furthermore, an introductory piece by the editors and a letter by
Patricio Guzmán, besides illustrations and video frames. A
book not just dedicated to the adept, but to anyone who wants
to delve into the vague fringes of his huge legacy. R.G.
El presente volumen está dedicado a los amantes del cine
documental, tanto profesionales como amateurs. Es un
sencillo manual sobre los agentes narrativos. No es un libro teórico. Es un texto basado en la experiencia directa.
Tampoco es un libro sobre mis películas. Me intrigan más
las obras de mis amigos que las mías. Es un texto sobre el
corazón artístico de un filme, pero especialmente sobre los
ladrillos, la materia, los átomos, la fabricación, que dan vida
a una obra. P.G.
This volume is dedicated to documentary film lovers, both
professional and amateur. It is a simple manual about narrative agents. It is not a theoretical book. It is a text based
on direct experience. It is not a book about my films either; I
am more intrigued about my friends’ work than mine. It is
a text about a film’s artistic heart, especially, the building
blocks, the matter, the atoms, the crafting that give life to a
piece. P.G.
&EJDJPOFT'*%0$4tFIDOCS Books
161
Industria FIDOCS
FIDOCS Industry
Observatorio Documental
Primer Corte: 3
Observatory of Documentary Filmmaking
First Cut: 3
Durante FIDOCS se exhibirán los resultados de dos investigaciones recientes sobre comportamientos y posicionamiento competitivo del documental en la industria audiovisual. Las investigaciones, realizadas por ADOC –“Panorama
de la situación competitiva del documental en la industria
audiovisual”– y por ChileDoc – “Estado de la distribución
y comercialización del documental chileno del año 2000 al
2010”– , tienen como propósito examinar el posicionamiento del documental desde el punto de vista de su competitividad en el ámbito de la industria audiovisual y diagnosticar el
estado de la distribución documental en Chile, con el fin de
generar iniciativas y propuestas para mejorar la comercialización y la difusión de nuestras obras.
During FIDOCS, the results of two recent research projects
will be presented, regarding the performance and competitive positioning of documentaries within the audiovisual industry. The purpose of this research, carried out by
ADOC –“Panorama regarding the competitive situation of
documentaries in audiovisual industry”– and by ChileDoc
–“State of the distribution and commercialization of Chilean documentaries, from 2000 to 2010”– is to examine the
positioning of documentary films in terms of their competitiveness in the scope of the audiovisual industry, and to
diagnose the state of documentary distribution in Chile, in
order to generate initiatives and proposals to improve commercialization and promotion of our works.
Organizan: ADOC + CHILEDOC
Exponen: Viviana Erpel, Pachi Bustos, Flor Rubina y Paola
Castillo.
Organizing: ADOC + CHILEDOC
Presenting: Viviana Erpel, Pachi Bustos, Flor Rubina and
Paola Castillo.
Primer Corte FIDOCS es una competencia Work in Progress para películas documentales, de realizadores o corealizadores, chilenos o extranjeros residentes, que hayan
terminado su etapa de filmación y que se encuentren en
montaje o postproducción, sin terminar. El espíritu de esta
competencia es que los realizadores seleccionados reciban
retroalimentación por parte del Festival ( jurados y programadores), por lo tanto es exigencia esencial que las obras
no hayan sido exhibidas públicamente en ninguna muestra
o festival de cine, ni en televisión abierta ni por cualquier
otra vía tecnológica (Internet, etc.) anteriormente a las fechas en que se realiza FIDOCS. Sólo se eximen otras instancias de Work in Progress en otros festivales o instancias
de pitching documental.
The selected documentaries are:
Los cortes seleccionados son:
Después del amanecer, Peter McPhee
El vals de los inútiles, Edison Cájas
Los árboles, Carlos Vásquez Méndez
Los castores, Nicolás Molina y Antonio Luco
Surire, Bettina Perut e Iván Osnovikoff
Venían a buscarme, Álvaro De La Barra
164 *OEVTUSJB'*%0$4tFIDOCS Industry
FIDOCS First Cut (Primer Corte FIDOCS) is a Work in
Progress competition for documentary films by Chilean or
resident foreign directors or co-directors, which have completed the filming stage, and are currently in editing or postproduction. The spirit of this competition is that the directors of the selected films receive feedback from the Festival
(jury and programmers). Therefore, it is essential that these
works have not been screened publicly at any other show or
film festival, nor in open TV screenings, or any other form of
exhibition (internet, video on demand, streaming, etc), prior
to FIDOCS. Participation in other work in progress competitions at other Film Festivals, or instances of documentary
pitching are excluded from this requirement.
Después del amanecer, Peter McPhee
El vals de los inútiles, Edison Cájas
Los árboles, Carlos Vásquez Méndez
Los castores, Nicolás Molina y Antonio Luco
Surire, Bettina Perut and Iván Osnovikoff
Venían a buscarme, Álvaro De La Barra
*OEVTUSJB'*%0$4tFIDOCS Industry
165
Jurado Primer Corte
First Cut Jury
Cynthia García Calvo
Haruka Hama
Francisco Mena
Patricia Zavala
Theodore Grouya
Cynthia García Calvo es periodista
y productora audiovisual. Con más de
diez años de experiencia como cronista
cinematográfica, trabajó en radio, gráfica y medios electrónicos, realizando
coberturas de más de 30 festivales
internacionales como Cannes, Bafici, Guadalajara, Mar del Plata, Sanfic,
Cartagena y Valdivia. Actualmente es
redactora jefe de LatAm cinema, revista digital para profesionales de la industria cinematográfica latinoamericana, y productora ejecutiva en Grita
Medios.
Haruka Hama es coordinadora en el
Yamagata International Documentary
Film Festival y miembro del Comité
de Selección. Ha coordinado secciones como la Nexus of Borders: Ryukyu
Reflections, la New Asian Currents, y
programas especiales como Islands/I
Lands-Cinemas in Exile y Vista de
Cuba. Ha organizado festivales de cine
en Tokio y Okinawa.
Francisco Mena Molina es comunicador audiovisual. Ha realizado labores de producción y postproducción
en series como Bim Bam Bum, El
ejército de los helechos o Las cosas
como son. Es socio productor ejecutivo de Libélula Producciones y ha sido
jurado Work in Progress en el Festival
Internacional de Cine de Viña, DIVA,
CINE//B y FEM Cine.
Theodore “Teddy” Grouya es director del American Documentary
Film Festival y presidente de la productora Cinema Arts Magic. Estudió
cine y televisión en la Universidad de
California y trabajó en numerosos filmes en Hollywood. Posteriormente
empezó a dirigir y producir sus propios filmes, entre los que se encuentran Jerks o Icon.
Haruka Hama is the coordinator of
the Yamagata International Documentary Film Festival and member of
the selection committee. He has overseen the sections: Nexus of Borders:
Ryukyu Reflections, New Asian Currents, and special programs such as:
Islands/I Lands-Cinemas in Exile and
Vista de Cuba. He has organized film
festivals in Tokyo and Okinawa.
Francisco Mena Molina is an Audiovisual Communications graduate.
He has worked in production and postproduction for series such as: Bim
Bam Bum, El ejército de los helechos o Las cosas como son. Partner and executive producer of Libelula
Productions, he has been a juror for
works in progress at the Viña International Film Festival, DIVA, CINE//B y
FEM Cine.
Patricia Zavala es licenciada en comunicación social, especializada en estudios de cine y educación. Realiza proyectos de formación audiovisual para
niños y jóvenes desde 2005. Ha programado y gestionado cineclubes y ciclos
de cine para Circo 2.12 en Ciudad de
México, donde trabajó en el desarrollo
del área de vinculación comunitaria
de la Cineteca Nacional. Es parte de la
distribuidora Latinópolis Filmes y colabora con los festivales Distrital cine y
otros mundos y Cinema Planeta.
Cynthia García Calvo is a journalist
and audiovisual producer. With over
ten years’ experience writing cinema
chronicles, she has worked in radio,
graphics and electronic media, covering over 30 international festivals, like
Cannes, Bafici, Guadalajara, Mar del
Plata, Sanfic, Cartagena and Valdivia.
At present, she is chief writer at LatAm
cinema, a digital magazine for Latin
American film industry professionals,
and executive producer at Grita Medios.
Patricia Zavala, has a bachelor’s degree in Audiovisual
Communication, specializing in Film
Studies and Education. Since 2005,
she develops audiovisual training
projects for children and teens. She has
been a programmer and produced film
clubs and film series for Circo 2.12 in
Mexico City, where she worked in the
development of community outreach
Theodore “Teddy” Grouya is director of the American Documentary Film
Festival and president of Cinema Arts
Magic, production house. He studied
Film and Television at the University
of California and worked on several
Hollywood’s films. He later began producing and directing his own films,
among which are Jerks and Icon.
programs for the National Film Archive. She’s part of Latinópolis Filmes
distributors, and collaborates with
Distrital cine y otros mundos and Cinema Planeta festivals.
*OEVTUSJB'*%0$4tFIDOCS Industry
167
FIDOCS Online
FIDOCS Online
www.cinepata.com/fidocsonline
En esta nueva edición de FIDOCS, Cinépata no solo es un
partner, también es el anfitrión de esta competencia online,
que concederá un premio de 500 dólares a la película ganadora. Estamos orgullosos de ser el primer festival de cine de
Chile en tener una sección online, en la que el mismo público
otorga vía votación popular un premio a nuestras películas.
El premio FIDOCS+CINEPATA es otorgado por el público a
la película con mayor votación en sus funciones online.
Las película estarán en línea durante un solo día. Además de un día adicional, donde todos los documentales de
esta competencia estarán disponibles on demand. Cada función online se realizará vía streaming, sin posibilidad de descarga y en la mejor calidad posible.
Esta es una gran oportunidad para que las películas del
Festival crucen fronteras, estén disponible en regiones y en
todo el mundo.
In this coming edition of FIDOCS, Cinépata is not only a
partner, but also the host of an online competition, which will
grant a US$ 500 award to the winning film. We are proud to
be the first Film Festival in Chile to have an online section, in
which the public itself grants an award to a film via popular
vote. The FIDOCS+CINÉPATA Award will be granted by the
audience, to the film with the most votes during their online
shows.
The films will be online for only a day, plus an additional day where all the documentaries in competition will
be available on-demand. All online shows will be offered via
streaming, without the possibility of downloading, and in
the best quality possible.
This is a great chance for films at the Festival to cross
borders, access the rest of the country, and the entire world.
Contactos
Contacts
Película Inaugural
Opening Film
La Casa de la Radio
Marine Goulois (Festivals Manager)
[email protected]
+33 6 84 21 74 53
www.filmsdulosange.fr
Competencia Chilena
Chilean Competition
La última estación
The Last Station
Catalina Vergara
[email protected]
+56 9 9653 0493
www.laultimaestacion.cl
Las cruces de Quillagua
The Crosses of Quillagua
Jorge Marzuca Venegas
[email protected]
+56 9 8361 4965
A primera hora
Early
José Miguel Matamala
[email protected]
+ 56 9 9457 4074
Don Ca
Mr. Ca
Patricia Ayala Ruiz
[email protected]
www.doncaeldocumental.com
El otro día
Huellas
The other day
Amalric De Pontcharra
[email protected]
Traces
Miguel Colombo
[email protected]
+54 9 11 55115467 / +54 11 45537341
www.atomomedia.com.ar
Quiero morirme dentro de un tiburón
I want to die inside a shark.
Sofía Paloma
[email protected]
+56 9 9944 8166
Latin American Competition
Mitote
Mitote
Eugenio Polgovsky.
[email protected]
www.tecolotefilms.com
Los Rockers, Rebelde Rock & Roll Los Rockers, Rebellious Rock & Roll
Matías Pinochet
[email protected]
+56 9 9573 7802
www.losrockers.cl
Doméstica
Housemaids
Sandro Fiorin
[email protected]
www.figafilms.com
¿Qué historia es esta y cuál es su final?
What story is this and what is its ending?
Patricio Muñoz G.
[email protected]
56-32-2735674
www.dereojo.cl
El charco azul
The blue pond
Tatiana Villacob
[email protected]
+57 3135320286
www.elcharcoazul.co - www.ojodepez.co
Pena de muerte
Death Penalty
Tevo Diaz
[email protected]
+56 9 8454 6932
www.trebol3prod.com
No habrá revoluciónsincanción
There will be no revolution without songs
Mélanie Brun
[email protected]
170 $POUBDUPTtContacts
La Multitud
The Crowd
Laura Bruno
[email protected]
0054 11 9 60031819
https://www.facebook.com/pages/La-Multitud/492642070774847
La gente del río
The River People
Pablo Aparo y Martin Benchimol
contacto:[email protected]
+54 11 4982 5832
www.caravanacine.com.ar
Mejunje
Concoction
Victoria Paz Alvarez
[email protected]
www.maskinproducciones.com
La cigüeña metálica
The Metal Stork
Marta Ruiz
[email protected]
+34 934815737
www.framezero.es
Competencia Internacional Cortometrajes
“Monsieur Guillaume”
“Monsieur Guillaume” International Short
Film Competition
Cherry Blossoms
Flores de cerezo
An van Dienderen
[email protected]
Estábamos muertos y podíamos respirar
We were dead, and we could breathe
Enrique Stindt
[email protected]
56 9 90504516
www.k-i.cl
Nuestro pan de cada día
Our daily bread
Esme Jofre
esme.jofre @gmail.com
053 5828 9171
A story for the Modlins
Una historia para los Modlins
Sergio Oksman [email protected]
www.astoryforthemodlins.com
Bela Vista
Bela Vista
Filipa Reis
[email protected]
+351 213 913 524 www.vende-sefilmes.com
En tus Ojos
It’s in your Eyes
Sergio García Locatelli
[email protected]
+34 9 1446 9786
www.quechuafilms.com
The third person
La tercera persona
Francisco Javier Rodríguez
+32 484 736 124
[email protected]
$POUBDUPTtContacts
171
Montaña en sombra
Mountain in shadow
Lois Patiño
[email protected]
0034 652 315 417
www.loispatino.com
A propósito del Dr. Alfonso Sandoval
About Dr. Alfonso Sandoval
Martha Naranjo Sandoval
[email protected]
www.mnaranjosandoval.net
Candelaria
Todos a Larzac
Chloe Souchet (Producción)
[email protected]
+33 (0) 155312751
Museum Hours
Anne Laurent
[email protected]
Dos metros de esta tierra
Ahmad Natche
Regilaul, canciones del aire
Renate Sachse y Rose-Marie Schneider
[email protected]
[email protected]
Five Broken Cameras
Rodrigo Brandão
[email protected]
www.kinolorber.com/5brokencameras
Bertsolari
Marian Fernández Pascal
[email protected]
Esperanza
Esperanza
Maider Oleaga
[email protected]
Candelaria
Alejandra Moffat
[email protected]
76485644
Maya
Maya
Pedro Pío
[email protected]
+57 3214968548
www.vimeo.com/pedropio
Confeti
Confetti
Mariana Kaufman
[email protected]
+55 21 21171006
www.fagulhafilmes.com.br
Carsten Aschmann
[email protected]
+49-511-7011387
www.hula-offline.de
International Panorama
Preludios/DiariMallorquí
Preludes/Majorcan Diary
Carlos Vásquez Méndez
[email protected]
www.obradorlafaz.com
Nosotros
Pablo Mínguez
[email protected]
Desde otra parte
From a Different Part
El genio suizo
Adrien Blaser
[email protected]
Eames: The architect and the painter
John Nadai
[email protected]
Nicaragua una revolución confiscada
Clara Ott
[email protected]
Free Radicals
Guillaine Bergeret
[email protected]
L’Oumigmag ou l’objectif documentaire
Danielle VIAU
[email protected]
Corman’s World
Laura Talsma
[email protected]
Accidente
Andarilho
Otto
Drawing
Sin Peso
O inquilino
Peiote
From the Window of my Room
Quarta, Feira de Cinzas
Coletivo
Inventario de raivinhas
Brasilia
Forget me not
Isabel Mardones
[email protected]
Bloody Daughter
Patricia Trinca
[email protected]
Cao Guimarães
[email protected]
www.caoguimaraes.com
¿Olvida usted algo?
Forgot something?
Dalia Huerta Cano
[email protected]
04455 49556594
Reality 2.0
Reality 2.0
Victor Orozco Ramirez
[email protected]
www.orozcovictor.com
Le bonheur… terre promise
Laurent Hasse
[email protected]
Los monstruos de mi casa
QUINDROP Producciones Audiovisuales
[email protected]
+34 971 07 09 42
La rencontré
Pascale Ramonda
[email protected]
Une jeunesse amoureuse
[email protected]
www.unejeunesseamoureuse.fr
Entre les bras
[email protected]
La casa Emak Bakia
Oskar Alegria
[email protected]
Función Especial
Fuck for Forest
Shoshana Eilon
[email protected]
Foco Cao Guimarães
Focus Cao Guimarães
$POUBDUPTtContacts
173
Foco Juan Carlos Rulfo
Focus Juan Carlos Rulfo
Carriere, 250 metros
El abuelo Cheno
Del olvido al no me acuerdo
En el hoyo
De Panzazo
Los que se quedan
Juan Carlos Rulfo
[email protected]
http://lamedialunaproducciones.com/
Cuarenta años a la distancia
Forty Years Away
La batalla de Chile 1
[email protected]
www.labatalladechile.cl
Santiago, Ciudad abierta
Santiago, Open City
El edificio de los chilenos
Macarena Aguiló
[email protected]
Arcana
Cristóbal Vicente
[email protected]
MAFI
Christopher Murray
[email protected]
Un hombre aparte
Iván Osnovikoff
[email protected]
Profes
Paola Hernández
[email protected]
Sibila
Teresa Arredondo
[email protected]
Presentación Industria
Industry Presentation
Paola Castillo
[email protected]
Flor Rubina
[email protected]
Viviana Erpel
[email protected]
FIDOCS Online
FIDOCS Online
[email protected]
Equipo FIDOCS
FIDOCS Team
Ricardo Greene / Director
[email protected]
Andrea Pacheco / Producción Ejecutiva
[email protected]
Astrid Aburto/ Producción General
[email protected]
Andrés Valdés / Producción Técnica
[email protected]
Pachi Bustos
[email protected]
Isidora Cuevas / Producción Gráfica
[email protected]
Primer Corte
First Cut FIDOCS
Claudia Huaiquimilla / Producción Catálogo
[email protected]
Después del amanecer
Peter McPhee
[email protected]
Pablo Greene / Producción de Eventos
[email protected]
El vals de los inútiles
Edison Cájas
[email protected]
Sole Morales / Guest Office
[email protected]
Los árboles
Carlos Vásquez Méndez
[email protected]
Felipe Fernández / Tráfico
[email protected]
Los castores
Antonio Luco y Nicolás Molina
[email protected], [email protected]
Camila Manns/ Acreditaciones y Escuela FIDOCS
[email protected]
Surire
Bettina Perut e Iván Osnovikoff
[email protected]
Venían a buscarme
Álvaro De La Barra
[email protected]
$POUBDUPTtContacts
175
Obras exhibidas
Past festival films
1° FIDOCS 1997 (6 al 17 de mayo)
Sección Internacional
Ché, el diario de Bolivia (1994), Richard Dindo (Suiza,
Francia)
Baka (1995), Thierry Knauff (Bélgica)
A veces miro mi vida (1979), Orlando Rojas (Cuba)
MoTher Dao (1995), Vincent Monnikendam (Holanda)
La batalla de Chile I, II, III (1973 - 79), Patricio Guzmán
(Chile)
Los fuegos de Satán (1992), Werner Herzog (Alemania)
El sonido de Hollywood (1995), Joshua Waletzki (EE.UU.)
Alejandro (1994), Guillermo Escalón (El Salvador)
Asaltar los cielos (1996), López Linares, Javier Rioyo
(España)
La vida inmensa llena de peligros (1994),
Denis Gheerbrandt (Francia)
Un animal, los animales (1995), Nicolás Philibert (Francia)
Aquí o acá (1995), Sandra Kogut (Brasil)
Aire (1994), Vélu Viswanadhan (India)
El convoy (1995), Patrice Chagnard (Francia)
Cuesta que cuesta (1995), Claire Simon (Francia)
Una jornada donde mi tía (1996), Christophe Otsenberger
(Francia)
Jaime de Nevares, último viaje (1995), Guarini y Céspedes
(Argentina)
El país de los sordos (1992), Nicolás Philibert (Francia)
La resistencia de la luna (1985), Otávio Bezerra (Brasil)
Ciudadano Langlois (1995), Edgardo Cozarinsky (Argentina)
La ciudad Louvre (1990), Nicolás Philibert (Francia)
Chile, la memoria obstinada (1997), Patricio Guzmán (Chile)
Arthur Rimbaud, una biografía (1991), Richard Dindo (Suiza)
Ruta número uno (1989), Robert Kramer (EE.UU.)
Kieslovski, diálogos (1991), Rubén Korenfeld (Francia)
Adiós Babushka (1997), Rebeca Feigg (EE.UU.)
La flaca Alejandra (1994), Carmen Castillo (Chile)
Primera Retrospectiva Chilena
Andacollo (1958), Jorge di Lauro, Nieves Yankovich
Láminas de Almahue (1961), Sergio Bravo
Herminda de la victoria (1969), Douglas Hübner
Venceremos (1970), Pedro Chaskel, Héctor Ríos
Compañero Presidente (1970), Miguel Littín
El Charles Bronson chileno (1981), Carlos Flores del Pino
178 0CSBTFYIJCJEBTtPast festival films
Una foto recorre el mundo (1981), Pedro Chaskel
El Maule (1981 - 1982), Juan Carlos, Patricio Bustamante
El Willy y la Mirian (1983), David Benavente
Santiago blues (1984), Francisco Vargas
Carrete de verano (1984), Patricia Mora, Marcos de Aguirre
Dulce patria (1984 - 1985), Juan Andrés Racz
Somos + (1985), Pablo Salas, Pedro Chaskel
Romance de valentía (1994), Sonia Herman Dolz (Holanda)
El abuelo Cheno y otras historias (1995), J.C. Rulfo (México)
La herida de mi ojo (1994), Cecilia Barriga (España)
La verídica historia del sub - comandante Marcos (1996),
Tessa Brissac, Carmen Castillo (Francia)
Dario Fo, El juglar (1997), Chrevallay y Boutang (Italia)
La Odisea del corredor de fondo (1997), J.C. Rosé (Francia)
Retrospectiva Chilena
Memorias de una guerra cotidiana (1986), Gastón Ancelovici
Eran unos que venían de Chile (1985 - 1987), Claudio Sapiaín
Cien niños esperando un tren (1988), Ignacio Agüero
Fantasmas del desierto (1997), Leo Kocking
Aquí donde yo vivo (1994), Carlos Puccio
Pepe Donoso (1977), Carlos Flores Del Pino
Cachureo (1980), Guillermo Cahn
No olvidar (1982), Ignacio Agüero
Caminito al cielo (1989), Sergio Navarro
Pepe Duvauchelle (1986), Héctor Ríos
Huellas de sal (1990), Andrés Vargas
Los guerreros pacifistas (1984), Gonzalo Justiniano
Muerte en Santa María Iquique (1986),Tatiana Gaviola
Carbón (1990), Claudio Di Girólamo
2°FIDOCS 1998 (6 al 14 de mayo)
Ámsterdam ciudad global (1996), Johan Van Der Keuken
(Holanda)
Retratos (1991), Alain Cavalier (Francia)
El misterio Picasso (1955), Henri - Georges Clouzot
(Francia)
Contactos (1989 - 1993), Willian Klein (Francia)
El recreo (1993), Claire Simon (Francia)
A Valparaíso (1962), Joris Ivens (Holanda)
Bernard Lubat Jazzman (1996), Eric Pittard (Francia)
Lágrimas negras (1997), Sonia Herman Dolz (Holanda)
Pueblo en vilo (1996), Patricio Guzmán (México, Francia)
Al pueblo Alemán (1997), Hissen y Hissen (Alemania)
El congreso de los pingüinos (1993), Ulrich Schlumpf (Suiza)
Yo soy, yo fui, yo seré (1974), Heynowski y Scheumann
(Alemania)
Miércoles (1997), Víctor Kossakovski (Rusia)
Retrato de Gesualdo, tinieblas (1997), W. Herzog (Alemania)
Documentales Chilenos Recientes
Los hombres de la sal del Tíbet (1997), Ulrike Koch (Suiza)
La ley del colegio (1994), Mariana Otero (Francia)
África ¿cómo va ese dolor? (1996), Raymond Depardon
(Francia)
Evita, la tumba sin paz (1996), Tristán Bauer (Argentina)
Fuera del presente (1995), Andrei Ujica (Rusia, Alemania)
Nuestras guerras imprudentes (1995), Randa C. Sabbag
(Francia)
La muerte programada (1995), Friedman y Brunet (Francia)
Fotos de una revolución (1991), Susan Meiselas (EE.UU.)
El Sena ha encontrado París (1958), Joris Ivens (Holanda)
Espejos de Túnez (1994), Raúl Ruiz (Francia)
El fado, una nostalgia atlántica (1997), Evelyne Ragot
(Portugal)
La montaña de la verdad (1996), Henry Colomer (Francia)
Tupamaros (1996), Heidi Specogna, Rainer Hoffman
(Alemania)
La línea paterna (1925 - 1995), José Buil y Marisa Sistach
(México)
Fe grande (1997), Claudia Iglesias
Louta (1997), Reinaldo Torres
Cardenal Raúl Silva Henríquez (1996), Ricardo Larraín
Los ojos del carbón (1997), José Miguel Cavalerie
El día del roto chileno (1994), Claudio Rojas
La parte por el todo (1997), Cristóbal Valderrama
El mago (1997), Oscar Fernández
Divertimento (1998), Diego Meza
Chilenos en tierra Santa (1997),Cristián Leighton
Pasos de baile (1985 - 1997), Ricardo Larraín
Neruda en el corazón (1997), Pedro Chaskel,
Gastón Ancelovici
De todo el universo entero (1996), Claudio Mercado
Yumbel en San Sebastián (1997), Ernesto P. Cuadra C.
Santo carnaval (1997), Esteban Abdala
Patio 29: Historias de silencio (1998), Esteban Larraín
Los hijos de Nebraska (1997), Sergio Gándara
Raíz de Chile (1992), David Benavente
Punalka (1995), Jeannette Paillán
Algunos Documentales Chilenos Recientes
Los belgas de la Patagonia (1994), Francisco Gedda
Ibycus, un poema de John Health - Stubbsy (1997),
Carlos Klein
Desde siempre (1996), Marialy Rivas
Correcto... o el alma en tiempos de guerra (1993),
Orlando Lübbert
Reportaje a Lota (1970), José Román
Campamento sol naciente (1972), Ignacio Aliaga
Las callampas (1957), Rafael Sánchez
Días de organillo (1957), Sergio Bravo
Casas viejas (1972), David Vera
Documentales Inacabados
Los aviones bombardean La Moneda (1973), Pedro Chaskel
Casi campeones (1980), Carlos Flores Del Pino
Dictadura militar (1980), Pablo Salas
3° FIDOCS 1999 (6 al 16 de mayo)
Metal y melancolía (1995), Heddy Honigmann (Holanda)
El ojo del halcón (1998), Mikael Kristersson (Suecia)
Eisenstein en México: El círculo eterno (1996), Alejandra
Islas (México)
La orquesta subterránea (1998), Heddy Honigman
(Holanda)
Los caminos de Don Juan (1999), Juan Carlos Rulfo
(México)
Selva adentro (1991), Mireya Terán (Colombia)
Ensayos de Anatoli Vassilied (1997), Emilio Alcalde
(Colombia)
Fernando ha vuelto (1998), Silvio Caiozzi (Chile)
Eclipse (1998), Bartabás (Francia)
El bolero, una educación amorosa (1999), Carmen Castillo
(Francia)
Neruda, todo el amor (1998), Ignacio Agüero (Chile)
El último combate de Salvador Allende (1998), Patricio
Henríquez (Canadá)
0CSBTFYIJCJEBTtPast festival films
179
Volantines y volantineros (1998), Pedro Chaskel (Chile)
Diario de Medellín (1998), Catalina Villar (Colombia)
Memoria de los inmigrantes I – II – III (1997),
Yamina Benguigui (Francia)
Babilee 91 (1992), Willian Klein (EE.UU.)
Nacimiento de un hospital (1991), Jean - Louis Comolli
(Francia)
Ahinamchay (1998), Rodrigo Sepúlveda
Anita Domeyko, la nieta del polaco (1997), Pamela Acuña
Añoranzas salitreras (1998), Grupo Piquichuqui
Atacama, los sueños del desierto (1999), Daniel Evans
Barrilete a los difuntos (1998), Angelina Nuño
El ciudadano del olvido (1998), Ovidio Rodríguez
El derecho de vivir en paz (1999), Carmen Luz Parot
Campos de concentración de Franco (1999), Robledo y
Tomás (España)
Los libros y la noche (1999), Tristán Bauer (Argentina)
Memoria de mi padre (1999), Patrick Zachmann (Francia)
Mister Karim... (1997), Lauren Chevalier (Francia)
Mobutu, Rey del Zaire (1999), Thierry Michel (Bélgica)
Royal de Luxe, regreso de África (1998), Dominique Deluze
Yo soy, yo fui, yo seré (1974)
La guerra de los momios (1974)
El golpe blanco (1975)
Un minuto de sombra no nos enceguece (1976),
Más fuerte que el fuego (1978)
Los muertos no callan (1978)
Salmo 127 (1978)
La cruz del sur (1989 - 1992), Patricio Guzmán (España)
Árboles envueltos (1997), Hissen y Hissen (Alemania)
Alain Cavalier... (1995), Jean - Pierrelimousin (Francia)
Contactos (1989 - 1993), Eduard Boubat (Francia)
Contactos (1989 - 1993), Robert Doisneau (Francia)
Una pasión mexicana (1992), François Reichenbach
(Francia)
Razón de Estado (1991), Allegret y Benkemoun (Francia)
Breton por A. Breton (1994), Pamart y Rabourdin (Francia)
Louvre, el tiempo un museo (1993), Stan Neumann
(Francia)
El niño Dios de Sotaquí (1999), Sergio Olivares
1879 - 2001: Epitafio de una guerra (1997), Hernán
Dinamarca
Extraterrestres y árboles sagrados (1996), C. San Martín
Humedece tus sentidos (1998), Obra Colectiva
Maestro (1998), Mauricio Vega
Memoria los de collas (1998), Roberto Concha
Nunca digas nunca jamás (1998), Álvaro Díaz, Pedro
Peirano
Primeros pasos (1998), Claudia Aravena, Paula Rodríguez
Ricardo Bezerra, Manual de la resistencia (1999), M.
Ojeda
Romeo, Julieta y las tinieblas (1998), José Luis Torres
Roser Bru (1999), L. Rosenfeld, L. Gálvez
Sin ceder (1998), Mauricio Álamo
(Francia)
Tiurana (1999), Marta Alborná, Ariadna Pujol (España)
Una historia de amor en América (2000), Jennifer Fox
(EE.UU.)
Vacaciones prolongadas (2000), Johan Van Der Keuken
(Holanda)
Ciudadanos de mi patria (1975)
Problemas de dinero (1975)
Homenaje a Claude Lanzmann
Shoah versión Integral (9 Horas), Claude Lanzmann
(Francia)
4° FIDOCS 2000 (2 al 12 de Noviembre)
El día del pan (1998), Sergei Dworzewoi (Rusia)
Torneo de maestros (1998), Lutz Danmbeck (Alemania)
Para que no duela (1997), Marcel Lozinski (Polonia)
La historia de Pedro y Clara... (1997), Sandra Kogut (Brasil)
Un romance en Jerusalén (1998), Víctor Kossakovsky
(Rusia)
Submundo (1997), Matti Kütt (Estonia)
El golpe blanco (1974),
Problemas de dinero (1975),
Yo soy, yo fui, yo seré (1974),
Ciudadanos de mi patria (1974),
Un minuto de sombra no nos enceguece (1976)
Documentales Chilenos Recientes
A mi manera (1999), Mario Sánchez
Bombay (1999), Carole Equier (Francia)
Jerusalem (1999), Patrice Chagnard (Francia)
Lisboa (1998), Yves de Peretti (Francia)
Isla de Robinson Crusoe (1999), Patricio Guzmán (Chile)
Vientiane (2000), Didier Nion (Francia)
Colección 100 fotos del siglo
Selección Premiada en el Festival Leipzig
Primera Retrospectiva de Heynowski & Scheumann
(Alemania)
Colección Voyayes Voyayes
Agujetas, cantaor (1998), Dominique Abel (España)
Azúcar Amargo... (2000), Bernard Mangiante (Francia)
Bienvenidos a la gran almacén (1999), Julie Bertucelli
(Francia)
Compay Segundo (1998), Claude Santiago (Francia)
Los niños de Hillbrow (1999), Hammon y Görgen
(Alemania)
Hospital (1970), Frederic Wiseman (EE.UU.)
El carrusel de Kurt Gerron (1999), Ilona Ziok (Alemania)
El caso Grüninger (1999), Richard Dindo (Suiza)
La comisión de la verdad (1999), André Van In (Alemania)
En la puerta de la caverna... (2000), Pierre Oscar Lévy
(Francia)
El renacimiento del circo (1999), Bernard Tournoir
(Francia)
El mesías (1999), William Klein (EE.UU. - Francia)
Los amantes de la aventura (1999), Michel Viotte (Francia)
Los ojos en los azules (1998), Stéphane Meunier (Francia)
Las víctimas de Pol Pot (1998 - 1999), Nhem Ein, M. M.
Robin (Francia)
La caída del muro (1998 - 1999), Raymond Depardon, M. M.
Robim (Francia)
Daniel Cohn Bendit (1998 - 1999), Giller Caron, M. M.
Robin (Francia)
Colección del Atelier Varan (Colombia)
Voy por voz (2000), Diego Fernández Hernández
Discreto encanto (2000), Daniela Luque
Competencia Nacional
18 en el parque (1999), Andrés Waissbluth
Aquí se construye (2000), Ignacio Agüero
Martín Vargas de Chile (2000), D. Bravo, I. Osnovikoff, B.
Peirut
Como ángel se asienta hacia el 2000 (2000), Simón
Bergman
Embrujos del Choapa (1999), Sergio Olivares
En el nombre de la madre (2000), Rodrigo Sepúlveda
Este año no hay cosecha (2000), G. Vergara, F. Lavanderos
Fantasmas de la victoria (1999), Ronnie Ramírez
La cueca brava de Nano Núñez (2000), Mario Rojas
La minga que movió la vieja... (1998), Carrasco, Chaskel,
Gedda
La venda (2000), Gloria Camiroaga
Los escolares se siguen amando (2000), Paco Toledo
Mapuche Kütran (1999), Manuel Gedda, Gilberto Ortiz
Matta, un siglo D’ Mente (2000), Pablo Basulto
Los niños del paraíso (2000), Paola Castillo
¿Qué es para usted la poesía? (1999), Cecilia Vicuña
Ralco (1999), Esteban Larraín
Salir adelante (1999), David Benavente
Señales de ruta (2000), Tevo Díaz
Valparaíso en el corazón (1999), Gastón Ancelovici
Retrospectiva de Nicolas Philibert (Francia)
5° FIDOCS 2001 (7 al 14 de noviembre)
La Ville Louvre (1990),
El país de los sordos (1992),
Un animal, los animales (1994),
La más pequeña de las cosas (1997)
Segunda Retrospectiva de Heynovski & Scheumann
(Alemania)
Los terrícolas (1999), Ariane Doublet (Francia)
El circo Baobab (2000), Laurent Chevalier (Francia, Guinea)
Oscar Niemeyer (2001), Marc - Henri Wajnberg (Bélgica,
Brasil)
181
El caso Pinochet (2001), Patricio Guzmán (Francia, Bélgica,
Chile)
Noche del golpe de Estado (2001), Ginette Lavigne
(Francia, Portugal)
El evangelio según los Papúes (2000), Thomas Balmès
(Francia, Guinea)
Le espalda del mundo (2000), Javier Corcuera (España)
Perfiles campesinos (2000), Raymond Depardon (Francia)
Un día con Andrei Arsenevitch (2000), Chris Marker
(Francia)
Saudade do futuro (2000), César Paes (Brasil, Bélgica,
Portugal)
Septiembre chileno (1973), Bruno Muel (Francia)
Una entrada a los baños públicos (2000), Didier Cros
(Francia)
La Habana mi amor (2000), Uli Gaulke (Alemania)
Georges de la Tour, El Tramposo (1999), Alain Jaubert
(Francia)
Encuentro con América Latina
Botín de guerra (1999), David Blaustein (Argentina)
Camal (2000), Miguel Alvear (Ecuador)
Evita, la tumba sin paz (1997), Tristán Bauer (Argentina)
Glauber, La película, el laberinto (2001), Silvio Tendler
(Brasil)
Inasible María Felix (2000), Carmen Castillo (Francia,
México)
Los zapatos de Zapata (2000), Luciano Larobina (México)
Manuel Alfredo Yasig (1997), Manolo Sarmiento (Ecuador)
Marineros (1997), Juan Martín Cueva (Ecuador)
P. Guzman, una historia chilena (2000), Catalina Villar
(Francia)
Toros populares... (2001), Larrea y Anhalzer (Ecuador)
Chacabuco, memoria del silencio (2001), Gastón Ancelovici
Concierto para un hermano... (2001), Pablo Krögh
Delia Del Carril... (2001), Lily Gálvez
Doble retrato (2000), Marilú Mallet
En la cuerda floja (2001), Germán Liñero
Estadio Nacional (2001), Carmen Luz Parot
Faramak Zahraie (2001), Pablo Leighton
La furia de los caballos sin patas (2001), Francisco Schultz
La hija de O’Higgins (2001), Pamela Pequeño
La última huella (2001), Paola Castillo
Nema problema (2001), Susana Foxley, Cristián Leighton
Subida Carvallo 200 (2001), Ángel Carcavilla, Verónica
Neuman
Un hombre aparte (2001), Iván Osnovikoff
Aportes de la Televisión al Documental
Aldo Poy y los canallas (2000), Álvaro Díaz
Boxeo (2001), Jaime Sepúlveda
El 285, la vida puertas adentro (2001), Alejandra Toro
El cuerpo del deseo (2001), Cristián Leighton
La minga que movió la vieja Iglesia de Tey (1998), R.
Carrasco, P. Chaskel, F. Gedda
Posta central (2001), Rodrigo Sepúlveda
Documentales de Escuela
El ocaso de un gigante... (2001), Paola Villagra Rivas
Wanglen (2001), Edgar Endress
Propiedad privada (2001), Cristián Calderón, Juan Ignacio
Sabatini
Omkudche (2001), José Francisco Fonseca
La cruz (2001), Sergio Cantillana
Newen Domo (2001), Sandra Hoffman
El fantasma de Quintay (2001), Rodrigo Escaff
Cuando los hombres callamos, Dios habla (2001), M. Rivas
El duelo de la memoria (2001), Colectivo
Llamadas de espera (2001), Colectivo
6° FIDOCS 2002 (25 noviembre al 2 de diciembre)
Nómades del viento (2002), Jacques Perrin (Francia,
Alemania)
Ser y tener (2000), Nicolás Philibert (Francia)
El peluquero de Picasso (2001), Breisach y Czernin
(Alemania)
Autopista (1999), Sergueï Dvortsevoy (Rusia)
Diario de un fotógrafo (2002), Patrick Zachmann (Francia)
Caminantes (2002), Fernando León de Aranoa (España,
México)
Babussia (2002), Elsa Quinette (Francia)
El camino de Tomas (2002), Camila Guzmán (Francia)
Homi D. Sethma, cineasta (2000), Sepideh Farsi (Francia)
La ganancia y nada más (2000), Raúl Peck (Francia, Haití)
Memoria de tierra del fuego (2000), Emilio Pacull
(Francia)
Blue Jay, notas del exilio (2001), Leopoldo Gutiérrez
(Canadá)
Madrid (2002), Patricio Guzmán (Francia, España, Chile)
La colonia (2001), Sergueï Loznitsa (Rusia)
Miotte visto por Ruiz (2001), Raúl Ruiz (Francia, Rusia)
En construcción (2002), José Luis Guerin (España)
Les Glaneurs et la Glaneuse (2001), Agnes Vardá (Francia)
Mi vida en juego (2001), Brian Tilley (Sudáfrica)
Raíces (2001), Richard Copans (Francia)
Vinilo azul (2001), Judith Helfand, Daniel B. Gold (EE.UU.)
Muestra Latinoamericana
Sol de noche (2001), Pablo Milstein, Norberto Ludun
(Argentina)
Rerum Novarum (2002), Schindel, Batlle Molnar
(Argentina)
El lugar donde se juntan los polos (2001), J. M. Cueva
(Ecuador)
Andacollo, Chile: El oro y la miseria (2000), J. P. Sánchez
Aymara (2002), Sebastián Moreno
Gitanos sin carpa (2002), Iván Tziboulka
I Love Pinochet (2002), Marcela Said
Juchitán de las locas (2002), Patricio Henríquez
Mi hermano y yo (2002), Sergio Gándara, Paula Sánchez
Pornostars (2002), Rolando Opazo y Carolina Disegni
Volver a vernos (2002), Paula Rodríguez
Wallmapu ( 2002), Jeannette Paillán
Yikwa Ni Selk’nam (2002), Cristián Aylwin
Muestra Nacional
Antofagasta, el Hollywood de Sudamérica (2002),
Adriana Zuanic
Dolores, el arte de modelar ( 2002), María Teresa Larraín
Patas de kiltro (2002), Guillermo González, Alina Astudillo
Transterrados Españoles (2001), David Benavente
Video sombra: De la galaxia a la modelo (2000), Patricia
Bustos
Villa Grimaldi: Parque por la paz (2002), Juan Pablo Zurita
Yague, condición crítica (2002), Pablo Lavín
Sudamerican Rockers (2002), Eduardo Bertrán
Descubriendo la oscuridad (2001), Ángel Torres
Vagos (2002), Patricio Infante
Armando Uribe Arce (2001), Alfredo Rojas
En la miseria (2002), Vladimir Rivera
1/2 suela y una tapilla (2002), Claudio Sepúlveda
El diario de mente (2002), C. Donoso, L. Lorenzo, D.
Sclaccaluga
Zoolocausto (2002), Agurto, Aguilar, Ríos, Vázquez
Golpe de Estado contra Chávez (2003), Bartley y O’brian
(Irlanda)
Espuma dispersa (2002), Céline Loiseau (Francia)
La sociología es un deporte de combate (1999), Pierre
Carles (Francia)
José Saramago, El tiempo de una memoria (2003),
Carmen Castillo (Francia, Portugal)
El ruido, el olor y algunas estrellas (2002), Eric Pittard
(Francia)
Castañuelas de Notre Dame (92 - 01), D. García Moreno
(Colombia)
Bienvenidos a Colombia (2002), Catalina Villar (Francia,
Colombia)
Éter (2002), Vélu Viswanadhan (India - Francia)
La máquina de muerte khmer roja (2003), Rithy Pan
(Francia)
La guerrilla de la memoria (2001), Javier Corcuera
(España)
Chenalho, el corazón de los altos (2002), Isabel Cristina
Fregoso (México)
Balseros (2002), Carlos Bosch, Josep M. Doménech
(España)
Muestra Suiza
Bien hecho (1994), Thomas Imbach
183
El congreso de los pingüinos (1993), Hans - Ulrich
Schlumpf
Step Across The Border (1990), Nicolás Humbert y
Werner Penzel
Ernesto «Ché» Guevara: El diario de Bolivia (1994),
Richard Dindo
Mano armada (2003), José Luis Sepúlveda
Peñalolén, un 18 de septiembre (2003), Felipe Herreros
Mitografía (2002), Javier Cuneo, Paula Pedreira, Julián
García - Reyes
Memoria (2002), Jorge Pablo Díaz Soler
Imán ( 2003), Darwin Campos, Juan Ignacio Rubio
Ceci n’est pas un critique (2003), Matías Cruzat Villegas
Gigi y Mónica (2003), Benoît Dervaux, Yasmina Abdellaoui
(Francia, Rumania)
Déjame, tengo 51 hermanos y hermanas (2003), Dumisani
Phakhati (Francia Sudáfrica)
Palestina, los que guardan la llave (2003), Ronnie Ramírez
(Francia, India)
Muestra Nacional
Efecto invernadero (2002 - 2003), Rodrigo Moreno, Jaime
Sepúlveda
El otro espacio (2002), Paulina Lagos, Elizabeth Ramírez,
N. Rojas
Ciudad paréntesis (2003), Michelle Carrere
Un metro 10 (2003), Josefina Ossa
Como viene (2003), María Ignacia Court
La reja de Berlín (2003), Constanza Fernández
Viola chilensis (2004), Luis R. Vera
Uno es para lo que nace (2003), Roberto Berliner (Brasil)
Grissinopoli (2003), Darío Doria (Argentina)
Raymundo (2003), Ernesto Ardito, Virna Molina
(Argentina)
El prisionero de las barras de acero (2003). Paulo
Sacramento (Brasil)
Nietos (2003), Benjamín Ávila (Argentina)
Sólo un cargador (2003), Alejandro Ramírez (Perú)
La isla de los niños perdidos (2001), Florence Jauguey
(Nicaragua)
La quimera de los héroes (2003), Daniel Rosenfeld
(Argentina)
Aparte (2002), Mario Handler (Uruguay)
Ciudad de María (2000), Enrique Bellande (Argentina)
Problemas Personales (2002), Manolo Sarmiento Muestra
Internacional
Choropampa, El precio del oro (2000), Boyd y Cabellos
(Perú)
El labriego que creyó en Dios (2001), José R. Pedroza
(México)
Raúl Barboza, El sentimiento de abrazar (2003), Silvia Di
Florio (Argentina)
Muestra Internacional
Apgar 11 (2003), Cristián Leighton
Bajo Tierra (2003), Felipe del Río
Cero (2003), Carlos Fuentes, Sebastián Campos
El Astrónomo y el Indio (2000), Sylvie Blum, Carmen
Castillo
Jeanne (2003), Jean - François Gouet
Tierra de agua (2003), Carlos Klein
Modos de muerte (2003), Patricio Henríquez
Locos del alma (2002), Joanna Reposi
En algún lugar del cielo (2003), Alejandra Carmona
Una señal de victoria (2003), Pedro Órdenes
Competencia Escuelas
Chuquicamata, El Último Campamento... (2003), M. A.
Rebeco
Caminos en la arena (2001), Lorena González
Restos del naufragio (2002), Silvana Fritz
Fray Andrés, historia de un ejemplo (2002), Marcos Yánez
La huella del Yagán (2003), Patricio Díaz, Enrique León
El pulso de una generación (2002), José Tomás Videla
Alpha Omega (2003), Rodrigo Salazar
Reacción sísmica (2003), Felipe Velasco
Manchas en la muralla (2003), C. Sepúlveda, R. Cárdenas
Letras de otro mundo (2002), Sebastián Yánez
Teresa en la cruz (2003), Carmen Gloria García Pezo
Salvador Allende (2003), Patricio Guzmán (Francia, Chile,
España, México, Bélgica, Alemania)
Historia de un secreto (2003), Mariana Otero (Francia)
La lengua no miente (2003), Stan Neuman (Francia)
Dile a mis amigos que he muerto (2003), Nino Kirtadze
(Francia, Georgia)
Massoud, El Afgano (1998), Christophe de Ponfilly
(Francia, Afganistán)
Mientras pasa la vida (2003), Jean - Henri Meunier
(Francia)
Los maestros locos (1955), Jean Rouch (Francia)
La caza del león al arco (1965), Jean Rouch (Francia)
Margarita tal como es (2003), Dominique Auvray (Francia)
No somos marcas de bicicletas (2002), Pierre Thorn
(Francia, Argelia)
La vida sin Brahim (2002), Laurent Chevallier (Francia,
Marruecos)
Silencio (2001), Victor Kossakovsky (Rusia)
Ni olvido ni perdón: Tlatelolco (2002), Richard Dindo
(Suiza, México)
Los huérfanos del cóndor (2002), Emilio Pacull (Francia,
Uruguay)
Diecisiete años (2002), Didier Nion (Francia)
Comandante (2003), Oliver Stone (España - EE.UU., Cuba)
Love y Diane (2003), Jennifer Dworkin (Francia, EE.UU.)
Actores secundarios (2004), Pachi Bustos, Jorge Leiva
Algún día domingo (2004), Carlos Cabezas Gazaga
El astuto mono Pinochet contra La Moneda de los cerdos
(2004), Bettina Perut e Iván Osnovikoff
El corredor (2004), Cristian Leighton
El Chile de mi padre (2004), Carmen Castillo
Jorge Peña Hen: su Música y los niños (2004), Guillermo
Milla Figueroa
La mamá de mi abuela le contó a mi abuela (2004), Ignacio
Agüero
La península de los volcanes (2004), Francisco Hervé
Lo que recordarás de septiembre (2004), Cecilia Cornejo
Malditos, La historia de los Fiskales Ad - Hok (2004),
Pablo Insunza
Nikosia (2004), Cristian Carmona
Ningún lugar en ninguna parte (2004), José Luis Torres
Leiva
Retrato de Kusak (2004), Pablo Leighton, Diego Kusak
Trago dulce, trago amargo (2003), Daniel Evans
Volver (2003), Cristián Calderón
Don Chosto Ulloa, guitarronero de Pirque (2004), Claudio
Mercado
La música del cielo (2004), Gerardo Silva
Utopía en re menor (2004), Margarita Campos
Üxüf Xipay: El despojo (2004), Dauno Tótoro
7 en un rolabola (2004), Isabel Agurto, Nicolás Tapia
Cómics!!! (2004), Eduardo Vásquez
Ensayo sobre la ceguera (2004), Rodrigo Jiménez Susarte
Con el ojo en el visor (2004), Sebastián Larraín, Marcos
Quiroz
Mujeres del silencio (2004), Catalina Vergara Arthur
El sueño del habitante de Valparaíso (2004), Paulina
Obando Martínez
La soledad oxidada (2004), Sebastían Cofré
Fiesta del Nazareno (2004), César Velásquez
Los colores que puede ser el mar (2004), Macarena
Fernández Curotto
Vereda sur (2004), Ximena Poblete, Alejandra Sáenz
Viajes especiales (2004), Juan Esteban Soffia, Carolina
Vergara
Prisión política (2004), Christopher Simpson
9°FIDOCS 2005 (1 al 7 de diciembre)
La pesadilla de Darwin (2005), Hubert Sauper (Suiza,
Francia)
Los chicos malos (2004), Carr–Brown, Bourgeois, Bodet
(Francia)
Mi Julio Verne (2005), Patricio Guzmán (Francia)
Compadre (2005), Mikael Wiström (Suecia)
Assak, El alma del desierto (2003), Ulrike Koch (Suiza)
Muro (2004), Simone Bitton (Francia)
Invierno en Bagdad (2005), Javier Corcuera (España)
El caso Valérie (2005), François Caillat (Francia)
El tren de la memoria (2004), Marta Arribas, Ana Pérez
(España)
Paraíso (2004), Marie - Hélène Rebois (Francia)
185
La piel perforada (2004), Julien Samani (Francia)
Sigue el ritmo (2005), Thomas Grube, Enrique Sánchez
(Alemania)
La vida de Pablo (2005), Rémi Mauger (Francia)
Arvo Pärt, 24 Preludios para una fuga (2005), Dorian
Supin (Estonia, Alemania, Rusia)
La fábrica (2005), Serguei Loznitsa (Rusia)
Odessa Odessa (2004), Michale Boganim (Israel, Francia)
Estado de miedo (2004), Pamela Yates (EE.UU., Perú)
Por amor al pueblo (2004), Slvan y Audrey Maurion
(Alemania, Francia)
El «Liberace» de Bagdad (2004), Sean Mcallister (Reino
Unido)
Dinero hecho en casa (2004), Alejo Hoijman (Argentina)
Vocación de poder (2005), Eduardo Escorel, José Joffily
(Brasil)
La desazón suprema (2003), Luis Ospina (Colombia)
Peones (2004), Eduardo Coutinho (Brasil)
Ácratas (2000), Virginia Martínez (Uruguay)
El baile rojo (2003), Yezid Campos Zornosa (Colombia)
Óscar (2004), Sergio Morkin (Argentina)
Trópico de Cáncer ( 2004), Eugenio Polgovsky
Muestra Especial Finlandia
Navidad a la distancia (1994), Anu Kuivalainen
Vida de escolar (2002), Lasse Naukkarinen
Dime lo que viste (1993), Kiti Luostarinen
La cara de la muerte (2003), Kiti Luostarinen
Un mundo ausente (2004), Ronnie Ramírez
Distantes crónicas documentales: Isla Chaullín (2005),
Sebastián Melo, Mauricio García, Felipe Correa
Viejo zorro (2005), Rolando Opazo
El velo de Berta (2004), Esteban Larraín
El Ché de los gays (2004), Arturo Alvarez Roa
Antes que todo (2005), María Paz González Guzmán
Desobediencia (2005), Patricio Henríquez
El cachorro y la mariposa (2005), Daniel Evans
Personas y cosas (2005), Martín Seeger
Ovas de oro (2005), Anahí Johnsen, Manuel González
La historia pasó (2005), Jorge Madrid Jofré
Perspecplejia (2005), David Albala
Muestra Nacional
La tumba abierta de Vicente Huidobro (2004), R.Moreno,
J.Reposi
Nuestro Quijote, Clotario Blest (2004), Gloria Camiruaga
Bajo el sur (2005), Guillermo González
Miguel: La humanidad de un mito (2004), Víctor Gómez
Si quieres hacer reír a Dios (2005), Mauricio Claro
Cotidiano (2005), Patricio Muñoz G.
Chile traspuesto (2005), Verónica Quense
Raíz desterrada (2005), Carlos Vásquez
Las dos vidas de Eva (2005), Esther Offenberg (Francia)
Si sos brujo: Una historia de tango (2005), Caroline W.
Neal (Argentina)
Bloqueada (2005), Sergei Loznitsa (Rusia)
El cielo gira (2004), Mercedes Álvarez (España)
Vivir en Tazmamart (2005), Davy Zylberfajn (Francia)
Nablus, ciudad fantasma (2004), Alberto Arce, María
Moreno (España)
En el hoyo (2006), Juan Carlos Rulfo (México)
Retratos campesinos, la vida cotidiana (2005), Raymond
Depardon (Francia)
Una fábrica honesta (2004), Thomas Balmés (Finlandia,
Francia)
La multinacional (2004), Jennifer Abbott, Mark Achbar
(Canadá)
Meykinof (2005), Carmen Guarini (Argentina)
La salvaje y azul lejanía (2005), Werner Herzog (Alemania,
Inglaterra, Francia)
Los niños de la cámara (2004), Zana Briski, Ross Kauffman
(EE.UU.,India)
Por uno solo de mis ojos (2004), Avi Mograbi (Israel,
Francia)
Manu Chau gira Mundo Tour (2001), François Bergeron
(Francia)
Los 10 mejores filmes extranjeros en 10 años
Las callampas (1957)
Ernesto «Ché» Guevara, El diario de Bolivia (1997),
Richard Dindo (Suiza, Francia),
Baka (1997), Thierry Knauff (Bélgica)
Mother Dao, La tortuga (1995), Vincent Monnikendam
(Holanda)
Homenaje a Gloria Camiruaga
La odisea del corredor de fondo (1997), Jean – Christophe
Rosé (Francia)
Lágrimas negras (1997), Sonia Herman Dolz (Holanda)
Metal y melancolía (1995), Heddy Honigmann (Holanda)
El caso Pinochet (2001), Patricio Guzmán (Francia, Chile,
Bélgica, España)
Nómades del viento (2002), Jacques Perrin (Francia, Italia,
España, Alemania),
Ser y tener (2000), Nicolas Philibert (Francia)
Los recolectores y la recolectora (2001), Agnès Varda
(Francia)
S - 21, La máquina de muerte Khmer Roja (2003), Rithy
Panh (Cambodia, Francia),
Muestra Nacional
El lado oscuro de la Dama Blanca (2006), Patricio
Henríquez (Canadá)
80’s (2006), Eduardo Bertrán (Chile - España)
Welcome to New York (2006), Bettina Perut, Iván
Osnovikoff (España, Chile, Italia)
Arcana (2005), Cristóbal Vicente
La ciudad de los fotógrafos (2005), Sebastián Moreno
La hija del General (2006), María Elena Wood
Reinalda del Carmen, mi Mamá y yo (2006), Lorena
Giachino
Rebote (2006), Estéban Gómez
Opus Dei, Una cruzada silenciosa (2006), Marcela Said,
Jean De Certeau
A La Calle, Los últimos días de Diario 7 (2006), Cristián
Labarca
Homenaje a Rafael Sánchez
Deiktik (1978)
Florescencia en el desierto (1979)
Casa particular (1990)
Las minas de las minas (1993)
La venda (2000)
11° FIDOCS 2007 (20 al 24 noviembre)
M (2006), Nicolás Prividera (Argentina)
Mbya tierra en rojo (2006), Philip Cox, Valeria Mapelman
(Argentina)
Pulqui, Un instante en la patria de la felicidad (2006),
Alejandro Fernández Mouján (Argentina)
Cada uno calla algo (2006), Marc Bauder, Dörte Franke
(Alemania)
Un tigre de papel (2007), Luis Ospina (Colombia)
Diez minutos de silencio por Jonh Lennon (1980),
Raymond Depardon (Francia)
Los años de «Clic» (1985), Raymond Depardon (Francia)
Tierra Negra (2005), Ricardo Iscar (España)
La escuela del circo (2006), Guo Jing y Ke Dingding (China)
Vivir en paz (2004), Antoine Cattin, Pavel Kostomarov
(Suiza, Rusia)
El papel no puede envolver la brasa (2006), Rithy Panh
(Francia, Cambodia)
Cuba, una odisea africana (2006), Jihan El – Tahri
(Francia, Cuba)
Viaje en sol mayor (2006), Georgi Lazarevski (Francia)
Un salto al vacío (2007), Pablo Lavín
Toma de razón (2006), Andrés Aros González
Señorita Gladys Peake (2007), Gabriel Gallardo
La sombra de Don Roberto (2007), J. D. Spoerer, H.
Engström
La promesa de mi madre (2007), Marianne Hougen Moraga
El tiempo que se queda (2007), José Luis Torres Leiva
El juicio de Pascual Pichún (2006), María Teresa Larraín
Diario de guerra de un payaso (2007), Mikio Tsunekawa
187
Circunstancias especiales (2007), Marianne Teleki
Can Tunis (2006), Paco Toledo, José González Morandi
Ángeles Negros (2007), Pachi Bustos, Jorge Leiva
Por sospecha de comunista (2007), Cirstóbal Cohen,
Marcelo Hermosilla
Carne sobre carne: Intimidades de Isabel Sarli (2008),
Diego Curubeto (Argentina)
Película Inaugural
Embrujada (1969), Armando Bo (Argentina)
Intimidades de Shakespeare y Víctor Hugo (2008), Yulene
Olaizola (México)
Iraqi Short Films (2008), Mauro Andrizzi (Argentina)
Nación Mapuche (2007), Fausta Quattrini (Argentina,
Suiza, Italia)
Tambogrande: mangos, muerte, minería (2004) Ernesto
Cabellos, Stephanie Boyd (Perú)
Vengo de un avión que cayó en las montañas (2007),
Gonzalo Arijón (Francia, Uruguay)
El Diario de Agustín (2008), Ignacio Agüero (Chile)
De larges details: Sur les traces de Francis Alys (2006),
Julien Devaux (Francia)
Desde su departamento (2007), Jean–Claude Rousseau
(Francia)
El puente de las flores (2008), Thomas Ciuleu (Rumania)
Flor de lila (2007), Volker Koepp (Alemania)
Hecho en Los Ángeles (2007), Almudena Carracedo (EE.UU.)
La lengua no miente (2004), Stan Neumann (Francia)
Los hijos de Chechenia (2006), Florent Marcie (Francia)
Rafah, crónica de una villa en La Franja de Gaza (2006),
Stéphane Marchetti, Alexis Monchovet (Francia)
Regreso a Normandía (2006), Nicolas Philibert (Francia)
Slacker Uprising (2008), Michael Moore (EE.UU.)
Standard operating procedure (2008), Errol Morris (EE.UU.)
Tweety Lovely Superstar (2005), Emmanuel Gras, Eman
Oktai (Francia, Siria)
Ada y Kabir (2008), Macarena Ovalle
Bajo la capucha: Un viaje al extremo de la tortura (2008),
Patricio Henríquez
Ciudad de papel (2007), Claudia Sepúlveda
El arenal (2008), Sebastián Sepúlveda
En busca de Aldo (2007), Francisca Silva
¿Habrán esperanzas? (2008), Felipe Monsalve
La Fiesta (2007), Verónica Quense
La revolución de los pingüinos (2008), Jaime Díaz
Lavanchy
Lee Kyung Hae (2007), Daniel Tromben
Los Blue Splendor (2007), Manuel González
Mientras en la oscuridad de la tierra (2008), Juan Vicente
Araya
Muestra Nacional
Al fondo de todo esto duerme un caballo (2007), Soledad
Cortés
El juez y el general (2008), Elizabeth Farnsworth, Patricio
Lanfranco
Isabel Allende (2007), Paula Rodríguez
La mudanza del poeta Adán Méndez (2008), Julio Carrasco
Nostalgias del Far West (2007), Colectivo de Cabo Astica
Paraíso al camino, una bitácora sobre Claudio Bertoni
(2008), Yeniffer Rojas, Evelyn Vera
Pedro Lemebel: Corazón en fuga (2008), Verónica Quense
Un diplomático francés en Santiago (2008), Patricio
Paniagua
Homenaje
(Chile)
Homenaje a Claudio Martínez
El telón azúcar (2006), Camila Guzmán (Cuba, Francia,
España)
Cuba, el año 50 (2007), Pierre Beccu (Francia, Cuba)
Escuela de Espectadores
El corredor: La historia mínima de Erwin Valdebenito
(2004), Cristián Leighton
Leiva
El amor y la muerte del tío Lalo Parra (2009) Cristián
Calderón, Carlos Fuentes
El poder de la palabra (2009), Francisco Hervé
El vagido (2008), Juan Luis Tamayo
En defensa propia (2009), Claudia Barril
13° FIDOCS 2009 (8 al 14 de junio)
Película Inaugural
Las playas de Agnes (2008), Agnès Varda (Francia)
En Enero, quizás (2008), José Domingo Rivera, Diogo Costa
En un rincón (2008), Peter Mcphee Cruz, Daniela Ibaceta
La batalla de Plaza Italia (2008), Renato Villegas
La mujer metralleta (2009), Francisco López Ballo
Más allá de estos muros (2009), Juan Sabatini
Registro de existencia: Un tal Hugo Cortés (2009),
Guillermo González Stambuk
Remitente: Una carta visual (2008), Tiziana Panizza
Foco Luis Ospina (Colombia)
Bajo el nivel del mar (2008), Gianfranco Rosi (EE.UU.,
Italia)
Barba Azul (2009), Jeanne Gailhoustet, Anne Paschetta
(Francia, Chile)
Calatrava, Dios no juega a los dados (1999) Catherine Adda
(Francia, España)
Difamación (2009), Yoav Shamir (Israel)
Caminante (2009), Jean - Noël Cristianu (Francia)
El olvido (2008), Heddy Honigmann (Holanda, Perú)
El país al revés (2009), Sylvaine Dampierre (Francia,
Guadalupe)
La vida moderna (2009), Raymond Depardon (Francia)
Los nietos (2008), Marie - Pauli Jeunehomme (Bélgica)
Noche y niebla (1955), Alain Resnais (Francia)
Robinsones de Mantsinsaari (2008), Victo Asliuk
(Alemania, Finlandia, Polonia)
Material (2009), Thomas Heise (Alemania)
Bagatela (2008), Jorge Caballero (Colombia)
El árbol olvidado (2009), Luis Rincón (México)
Imagen final (2009), Andrés Habegger (Argentina, Chile,
Dinamarca, Suecia)
Los herederos (2008), Eugenio Polgovsky (México)
Un lugar bajo el sol (2009), Gabriel Mascaro (Brasil)
El país del diablo (2008), Andrés Di Tella (Argentina)
Agarrando pueblo (1978)
Ojo y vista: Peligra la vida del artista (1987)
Nuestra película (1993)
La desazón suprema: Un retrato incesante de Fernando
Vallejo (2003)
Un tigre de papel (2007)
Andrés Caicedo: Unos pocos buenos amigos (1986)
Foco Werner Herzog (Alemania)
El gran éxtasis del escultor Steiner (1973)
Gesualdo – Muerte para cinco voces (1995)
El diamante blanco (2004)
Gasherbrum: La montaña luminosa (1984)
Hércules (1962)
Wodaabe – Los pastores del sol (1989)
Las alas de la esperanza (2000)
Últimas palabras (1967)
Medidas contra los fanáticos (1969)
Fé y moneda (1980)
El sermón de Huie (1980)
La balada del pequeño soldado (1984)
Las campanas del alma (1993)
La soufrière (1977)
La salvaje y azul lejanía (2005)
Lecciones en la oscuridad (1992)
La Fata Morgana (1979)
Ecos de un reino (1990)
189
La incomparable defensa de la fortaleza Deutschkreutz
(1967)
Cuánta madera podrá roer una marmota (1976)
La rueda del tiempo (2002)
El país del silencio y la oscuridad (1971)
El pequeño Dieter necesita volar (1997)
Nostalgia de la luz (2006 - 2010), Patricio Guzmán (Chile,
Francia, España, Alemania)
Foco Bicentenario
Kommunalka (2009), Françoise Huguier (Rusia, Francia)
Ya que hemos nacido (2008) Jean - Pierre Duret, Andrea
Santana (Brasil, Bélgica)
Accentus: Laurence Equilbey (2008), Andy Sommer
(Francia)
Nenette (2010), Nicolas Philibert (Francia)
Raquel (2009), Simone Bitton (Palestina, Israel, Francia)
El conocimiento es el principio: La orquesta este - oeste
de Baremboim (2006), Paul Smaczny (Alemania, Palestina,
Israel)
De un muro al otro: Berlín - Ceuta (2008), Patric Jean
(Bélgica, Alemania, España)
Barcelona o la muerte (2008), Idrissa Guiro (Senegal)
Irene (2009), Alain Cavalier (Francia)
La danza, el ballet de la ópera de Paris (2009), Frederick
Wiseman (EE.UU.)
Nuestros lugares prohibidos (2008), Leïla Kilani
(Marruecos, Francia)
Un paseo a Playa Ancha (1903)
El corazón de una nación (1928), Edmundo Urrutia
Viña del Mar, ciudad jardín (1930), Eric Page
Panoramas sureños (1954), Armando Sandoval
Colonización en Chile (1957), Fernando Balmaceda
Aquí vivieron (1964), Pedro Chaskel, Héctor Ríos
Chile paralelo 56 (1964), Rafael Sánchez
Funerales de Luis Emilio Recabarren (1924)
Funerales de Pedro Aguirre Cerda (1941)
Qué es la chilenidad (1939), Emilio Taulis
Andacollo (1958), Nieves Yankovic, Jorge Di Lauro
La feria volandera (1963), Armando Parot
Recuerdos del mineral El Teniente (1919), Salvador
Giambastiani
Un 18 en Chuquicamata (1947), Pablo Petrowitsch
Reportaje a Lota (1970), José Román
Crónica del salitre (1971), Angelina Vásquez
El sueldo de Chile (1971), Fernando Balmaceda
Las callampas (1958), Rafael Sánchez
Casa o mierda (1969), Carlos Flores, Guillermo Cahn
Hermindia de La Victoria (1969), Douglas Hubner
Campamento Sol Naciente (1972), Ignacio Aliaga
La revolución de los pingüinos (2008), Jaime Díaz
Lavanchy
La sombra de Don Roberto (2007), Juan Diego Spoerer,
Hakan Engstrom
Película Inaugural
Ariane Mnouchkine: La aventura del teatro del sol
(2009), Cathrine Vilpoux (Francia)
9 meses 9 días (2009), Ozcar Ramírez (México, Holanda)
La tierra se quedó (2010), Juan Sarmiento (Colombia,
Alemania)
Tres semanas después (2010), José Luis Torres Leiva
(Chile)
Avenida Brasilia Formosa (2010), Gabriel Mascaro (Brasil)
Viajo por que te necesito y vuelvo por que te amo (2009),
Marcelo Gomes, Karim Aïnouz (Brasil)
Los jóvenes muertos (2010), Leandro Listorti (Argentina)
El ambulante (2009), Eduardo De La Serna, Lucas
Marcheggiano, Adriana Yurcovich (Argentina)
Historia de un día (2009), Rosana Matecki (Venezuela,
Colombia)
Noticias (2009), Bettina Perut, Iván Osnovikoff (Chile)
Mi vida con Carlos (2010), German Berger (Chile, España,
Alemania)
Aniceto, Razón de Estado (2009), Guido Brevis
El edificio de los chilenos (2010), Macarena Aguiló (Chile,
Cuba, Francia, Bélgica)
El soldado que no fue (2010), Leopoldo Gutiérrez (Canada)
Escape al silencio. Notas de vida de Alfredo Espinoza
(2009), Diego Pequeño
A la sombra del Moai (2009), Lorenzo Moscia
Aguas calientes (2010), Cristian Vidal López (Perú, Chile)
Lugar de encuentro (2009), Edgar Doll Castillo
Nosotros (2009), Cristóbal Cohen, Marcelo Hermosilla
Ojos rojos (2010), Juan Sabatini, Juan Pablo Sallato, Ismael
Larraín Maclure
Santas putas (2010), Verónica Quense
Primera retrospectiva de Patricio Guzmán en Chile
Serie México Precolombino. 5 capítulo x 30 Min. (1985)
Serie El proyecto ilustrado Carlos III. 4 capítulos x 60 min
(1987)
Serie Nostalgia de la luz 4 cortometrajes (2010)
La batalla de Chile I - II y III. 272 Minutos (1972 - 1979)
Capítulo I: La insurrección de la burguesía (1975, 100 min)
Capítulo II: Golpe de Estado (1976, 90 min)
Capítulo III: El poder popular (1978, 82 min)
En nombre de Dios. 95 Min. (1985 - 1986)
La cruz del sur. 75 Min. (1989 - 1992)
Isla de Robinson Crusoe. 42 min (1999)
Pueblo en vilo. 52 Min. (1995)
Chile, La memoria obstinada. 58 Min. (1996 - 1997)
El caso Pinochet. 108 Min. (2000 - 2001)
Madrid. 41 min (2002)
Salvador Allende. 100 Min. (2003 - 2004)
Mi Julio Verne. 58 min. (2005)
Chile, Una galaxia de problemas. 32 Min. (2008 – 2010)
Foco: Derechos Humanos
Éramos invisibles (Venezuela), Ana Laura Pereira (2009)
Las piedras no se mueven solas (Chile - Francia), Emanuela
Nelli (2009)
Ojos bien abiertos: Un viaje por la Sudamérica de hoy
(Uruguay, Argentina, Francia), Gonzalo Arrijón (2009)
Chao pescao (Chile), Raimundo Gómez Vergara (2008 2009),
Octubre pilaga, Relatos sobre el silencio (Argentina),
Valeria Mapelman (2010)
Freddy Ilanga: El traductor del Ché (Cuba, Sudáfrica,
EE.UU.), Katrin Hansing (2009)
Los resistentes (Argentina), Alejandro Fernández Mouján
(2009)
Función Especial
Lucrecia y el león de oro (Chile), Andrés Chapero, Pablo
Martínez (1990 – 1991)
Actores secundarios (Pachi Bustos)
Remitente, una carta visual (Tiziana Panizza)
Noticias (Ivan Osnovikoff, Bettina Perut)
Nostalgia de la luz (Patricio Guzmán)
Escuela FIDOCS
· Patricio Guzmásn sobre Nostalgia de la luz y Retrospectiva
documental
· Katell Djian y Olivier Schwob sobre el trabajo de cámara y
Sonido en el cine documental
Alejandro Fernández Moujan sobre Los Resistentes
Lorena Muñoz sobre la Producción documental y Los
Jóvenes Muertos
Master Class
Katell Djian y Olivier Schwob
Patricio Guzmán
Doc Santiago
Taller presentación proyectos
Sesión pitching
Película Inaugural
Boxing Gym (2010), Frederick Wiseman (EE.UU)
191
Película de Clausura
El Tesoro de América, el oro de Pascua Lama (2010),
Carmen Castillo (Francia, Chile)
margos (2010), Iñaki Moulian
La batalla de Hanga Roa (2011), Rodrigo Pacheco, Michael
Jacob
Calafate, zoológicos humanos (2010), Hans Mülchi
La clausura del desierto (2010), Mixie Araya Soler
Cave of Forgotten Dreams (2010), Werner Herzog (EE.
UU., Alemania)
Die Frau mit den 5 Elefanten (2009), Vadim Jendreyko
(Suiza, Alemania)
Traduire(2011), Nurith Aviv (Francia)
Tanzträume (2010), Rainer Hoffmann, Anne Linsel
(Alemania)
Ché, un hombre nuevo (2010), Tristán Bauer(Argentina,
Cuba, España)
Berlin-Stettin (2009), Volker Koepp (Alemania)
Miesten Vuoro (2010), Joonas Berghäll, Mika Hotakainen
(Finlandia, Suecia)
Qu’ils reposent en revolt (des figures de guerre I) (2010),
Sylvain George (Francia)
Foreign Parts (2010), Véréna Paravel, J.P. Sniadecki (EE.
UU., Francia)
Surviving Amina (2010),Bárbara Celis (EE.UU., Francia)
Gerpin (2010), Naomi Kawase (Japón)
El eco de las canciones (2010), Antonia Rossi
Hija (2011), María Paz González
La hormiga roja (2010), Cristián Tàpies
Lo que falta (2010), Camilo Matiz Zamorano
Mocha (2010), Guillermo Ribbeck
Newen Mapuche, la fuerza de la gente de la tierra (2010),
Elena Varela
Foco François Caillat
Carne, osso (2011), Caio Cavechini, Carlos Juliano Barros
(Brasil)
Color perro que huye (2011), Andrés Duque (Venezuela,
España)
Diário de uma busca (2010), Flavia Castro (Brasil, Francia)
El mocito (2011), Marcela Said, Jean de Certeau (Chile)
Hacerme feriante (2010), Julián D’Angiolillo (Argentina)
Impunidad (2011), Juan José Lozano (Suiza, Francia,
Colombia)
Noche sin fortuna (2010), Francisco Forbes, Álvaro
Cifuentes (Argentina, Colombia)
Novena (2010), Enrique Collar (Paraguay, Holanda)
Retratos de la ausencia (2011), Camila Rodríguez Triana
(Colombia)
You Don’t Like The Truth: 4 Days Inside Guantanamo
(2010), Luc Côte, Patricio Henríquez (Australia, Canadá,
Reino Unido)
J-M.G. Le Clézio, entre les mondes (2008), Francia
Julia Kristeva, étrange étrangère (2005), Francia
L’Affaire Valérie (2004), Francia
Trois Soldats Allemands (2001), Francia, Bélgica
Retrospectiva Richard Dindo
Gauguin à Tahiti et aux Marquises (2010), Francia
Les rêveurs de Mars (2009), Suiza, Francia
Ni olvido ni perdón: Tlatelolco (2002), Suiza, México
L’Affaire Grüninger (1999), Suiza
Ernesto «Ché» Guevara, le journal de Bolivie (1994),
Suiza, Francia
Charlotte – «vie ou théâtre?» (1992), Suiza
Inside Job (2010), Charles Ferguson (EE.UU.)
Agnus Dei, cordero de Dios (2011), Alejandra Sánchez
(México, Francia)
180o South (2010), Chris Malloy
Page One: A Year Inside the New York Times (2011),
Andrew Rossi (EE.UU.)
Finding Fidel: The Journey of Erik Durschmied (2010),
Imágenes de una dictadura(1999), Patricio Henríquez
(Canadá)
El edificio de los chilenos (2010), Macarena Aguiló, Susana
Foxley (Chile, Cuba, Francia, Bélgica)
¿Con qué sueñas? (2010), Paula Gómez Vera (Chile)
Bay Weyman (Canadá, Austria, Finlandia)
The Shock Doctrine (2009), Michael Winterbottom, Mat
Whitecrosse (Reino Unido)
Noticias (2009), Bettina Perut, Iván Osnovikoff (Chile)
16° FIDOCS 2012 (26 de Junio al 2 de Julio)
Foco Talentos
Electrodomésticos: el frío misterio (2010), Sergio Castro
San Martín (Chile)
La tierra señalada (2010), Soledad Cortés (Chile)
Redó (2010), Cristián Parker, Gabriela Flores(Chile)
Ríos de luz (2010), Maga Meneses (Chile)
Las horas del día (2010), Christian Ramírez(Chile)
Ofrenda (2010), Oscar Carrillo Ortíz (México)
Amateur (2011), Néstor Frenkel (Argentina)
Cinematoso (2010), Bruno de Oliveira (Brasil)
Foco Derechos Humanos
Foco Esa cosa llamada educación
Waiting For Superman (2010), Davis Guggenheim (EE.UU.)
Être et avoir (2002), Nicolas Philibert (Francia)
(Chile)
Foco Personalidades
Deux de la vagne (2010), Emmanuel Laurent (Francia)
LENNONYC (2010), Michael Epstein (EE.UU.)
Conan O’Brien Can’t Stop (2010), Rodman Flender (EE.
UU.)
Foco Abre los Ojos
Abuelos (2010), Carla Valencia Dávila (Chile, Ecuador)
Nguenén: el engaño (2011), Ítalo Retamal, Dauno Tótoro
(Chile, Alemania)
Sitio 53 (2010), Rodolfo Gárate (Chile)
Inconsulta (2011), Yerko Oblinovic, Felipe Álvarez (Chile)
Las manos en la tierra (2010), Virginia Martínez (Chile)
Lecciones para Zafirah (2011), Carolina Rivas, Daoud
Sarhandi (México)
La cicatriz de Paulina (2010), Manuel Legarda, Genciana
Cortés (Suiza)
Funciones Especiales
Chela: sobre sueños, amores y lucha en Chile (1986), Lars
Palmgren (Suecia)
Arcana (2006), Cristóbal Vicente (Chile)
Somos + (1985), Pablo Salas, Pedro Chaskel (Chile)
Invitados Especiales
Ginette Lavigne
Davy Zylberfajn
Carlos Flores
Jurado de Competencia Latinoamericana
Flavia de la Fuente
María Paz González
Álvaro Bisama
Jurado Competencia Nacional
Jean de Certeau
Paula Gómez Vera
Claudio Cordero
Jurado Primer Corte
Eduardo Antin
Erick González
Javier Packer-Comyn
Película Inaugural
Chile: ¿hasta cuándo? (1985) David Bradbury (AustriaChile)
Crazy Horse (2011), Fréderick Wiseman (Francia)
L’éte de Giacomo (2011), Alessandro Comodin (ItaliaBélgica-Francia)
Kinshasa Symphony (2010), Martin Bauer y Claus
Wischmann (Alemania)
Vivir en Tazmamart (2005), Davy Zilberfajn (FranciaMarruecos)
193
Tahrir (2011), Stefano Savona (Italia)
Mercado de futuros (2011), Mercedes Álvarez (España)
Au bonheur de dames (2011), Christine Le Goff y Sally
Aitken (Francia)
Sur les traces de Marguerite Yourcenar (2011), María
Luisa Mallet (Canadá)
The Nine Muses (2010), John Akomfrah (Reino Unido)
Foco Carlos Flores
Duch, Master Of The Forges Of Hell (2011), Rithy Panh
(Cambodia)
Vikingland (2011), Xurxo Chirro (España)
Photographic Memory (2011), Ross McElwee (EEUUFrancia)
Sleepless Night Stories (2011), Jonas Mekas (EEUU)
Into The Abyss (2011), Werner Herzog (EEUU)
Recado de Chile (1979), Carlos Flroes (Chile)
El Estado soy yo (1981), Carlos Flores (Chile)
Satelitenis (1984), Carlos Flores (Chile)
Macías, ensayo general sobre el poder y la gloria (1985),
Carlos Flores (Chile)
Donoso por Donoso (1994), Carlos Flores (Chile)
Cinco hipótesis acerca de las turbulencias en una pieza
de hotel (2012), Carlos Flores (Chile)
Teatro callejero, mi capitán (2011), Carlos Flroes (Chile)
En torno al video (1985-1990), Carlos Flores (Chile)
Foco Ginette Vavigne
Davy Zylberfajn, director de Vivir en Tazmamart
Juan Ignacio Fernández Hoppe y Carolina Campos, director
y productora de Las flores de mi familia
Wolney Oliveira, director de Os últimos cangaceiros
Jorge Gaggero, director de Montenegro
Républica, Journal du peuple (1998), Ginette Lavigne
(Francia)
La noche del golpe de estado (2001), Ginette Lavigne
(Francia)
Deux histoires de prison (2004), Ginette Lavigne
(Francia)
Foco David Bradbury
Masterclass
Con mi corazón en Yambo (2011), María Fernanda
Restrepo (Ecuador)
Corta (2012), Felipe Guerrero (Colombia-ArgentinaFrancia)
Cuates de Australia (2011), Everardo González (México)
Ensayo final para utopía (2012), Andrés Duque (España)
Escuela normal (2012), Celina Murga (Argentina)
Las flores de mi familia (2012), Juan Ignacio Fernández
(Uruguay)
El lugar más pequeño (2011), Tatiana Huezo (México)
Montenegro (2011), Jorge Gaggero (Argentina)
Os últimos cangaceiros (2011), Wolney Oliveira ()Brasil)
Donde vuelan los cóndores (2012), Carlos Klein (Suiza)
A mano limpia (2011), Rodrigo Contreras (Chile)
Curruca y Pitbulls (2012), Sebastián Barahona y Celia
Rothmund (Chile-Alemania)
Hardcore: la revolución inconclusa (2011), Susana Díaz
(Chile)
Las mujeres del pasajero (2012), Patricia Correa y
Valentina Mac-Pherson (Chile)
Palestina al sur (2011), Ana María Hurtado (Chile)
Población obrera (2011), Rodrigo Fernández (Chile)
El salvavidas (2011), Maite Alberdi (Chile)
Sibila (2012), Teresa Arredondo (Chile)
El sonido del eco (2012), Manuel González (Chile)
Nütuayin Mapu (1969), Carlos Flores (Chile)
Descomedidos y chascones (1973) Carlos Flores (Chile)
Pepe Donoso (1977), Carlo Flores (Chile)
El Charles Bronson chileno (O idénticamente igual)
(1976-1984), Carlos Flores (Chile)
Nicaragua: no pasarán (1984), David Bradbury (AustriaNicaragua)
Fond Memories of Cuba (2001), David Bradbury (AustriaCuba)
Raúl el terrible (2005), David Bradbury (AustriaArgentina)
Foco Personajea y Dilemas
David Wants to Fly (2010), David Sieveking (Alemania)
How to Make a Book with Steidl (2010), Gereon Wetzel y
Joerg Adolph (Alemania)
Bill Cunningham New York (2010), Richard Press
(EEUU)
Four Horsemen (2011), Ross Ashcroft (Reino Unido)
Gran Sur: Fernando Prats (2011), Enrique Stindt Guión:
Enrique Stindt y Fernando Prats (Chile)
Balmes, el doble exilio de la pintura (2012), Pablo Trujillo
(Chile)
Actividades de Formación
Escuela FIDOCS
Publicaciones
Idénticamente Desigual: El cine imperfecto de Carlos
Flores. (Gonzalo Maza y Jorge Morales)
PRINCIPALES PREMIOS OTORGADOS POR LA
Escuela de espectadores
Eduardo Cruz-Coke
Pablo Valdés
Sebastián Moreno
David Bravo
Master Class Eduardo Antin (Quintín),crítico de cine
argentino.
Master Class Ginette Lavigne, realizadora francesa Master
Class.
Lanzamiento de Libro Carlos Flores, realizador chileno.
Presentaciones Industria
Ideame
Kiné-Imágenes
Chinemachile
Primer Corte FIDOCS
Quiero morirme dentro de un tiburón, Sofía Gómez
Brigada, Alan Ferszt
Campamento Esperanza, Miguel Soffia
El hombre E, Cristóbal Durán
Locaciones: en busca de Rusty James, Alberto Fuguet
El ruido de los trenes, Cristián Saldía
El otro día, Ignacio Agüero
Respirar helado, Carolina García
COMPETENCIA NACIONAL
Major Awards Bestowed In The National Competition
4° FIDOCS 2000
Gran Premio
Aquí se construye (2000), Ignacio Agüero
Mejor Investigación
Martín Vargas de Chile (2000), D. Bravo, I. Osnovikoff, B.
Peirut
Mejor Sonido
Matta, Un siglo d’ mente (2000), Pablo Basulto
Mejor Montaje
Los niños del paraíso (2000), Paola Castillo
Premios jurado alternativo Colegio Francisco Miranda
Señales de ruta (2000), Tevo Díaz
La cueca brava de Nano Ñuñez (2000), Mario Rojas
5° FIDOCS 2001
Primer lugar
Nema problema (2001), Susana Foxley, Cristián Leighton
Segundo lugar
Estadio Nacional (2001), Carmen Luz Parot
Tercer lugar
Un hombre aparte (2001), Iván Osnovikoff
Premio especial del jurado
La furia de los caballos sin patas (2001), Francisco Schultz
195
6° FIDOCS 2002
Primer lugar
Volver a vernos (2002), Paula Rodríguez
Segundo lugar
Gran Premio Competencia de Escuelas
Mujeres del silencio (2004), Catalina Vergara Arthur
Segundo lugar / Competencia de Escuelas
Ensayo sobre la ceguera (2004), Rodrigo Jiménez Susarte
12° FIDOCS 2008
Gran Premio Embajada de Francia
La Revolución de los pingüinos (2000), Jaime Díaz Lavanchy
Premio Especial del Jurado
El Arenal (2008), Sebastián Sepúlveda
9° FIDOCS 2005
Tercer lugar
Mi hermano y yo (2002), Sergio Gándara, Paula Sánchez
Premio especial del Jurado
Pornostars (2002), Rolando Opazo, Carolina Disegni
Distantes, crónicas documentales: Isla Chaullín (2005),
Sebastián Melo, Mauricio, García, Felipe Correa
7° FIDOCS 2003
Antes que todo (2005), María Paz González
Gran Premio
En algún lugar del cielo (2003), Alejandra Carmona
Mención Especial
Viejo zorro (2005), Rolando Opazo
Premio especial del Jurado
Locos del alma (2002), Joanna Reposi
10° FIDOCS 2006
Mejor Realización
Tierra de agua (2003), Carlos Klein
Gran Premio - Competencia Escuelas
Mano armada (2003), José Luis Sepúlveda
Segundo lugar / Competencia Escuelas
Letras otro mundo (2002), Sebastián Yánez
Tercer lugar / Competencia Escuelas
La huella del Yagán (2003), Patricio Díaz, Enrique León
Rebotes (2006), Esteban Gómez
Mención Honrosa
Opus Dei, una cruzada silenciosa (2006), Marcela Said, Jean
De Certeau
8° FIDOCS 2004
Malditos, la historia de Fiskales Ad - Hoc (2004),
Pablo Insunza
Mención Especial
Leiva
La sombra de Don Roberto (2007), J.D. Spoerer, H. Engström
Circunstancias especiales (2007), Marianne Teleki
Primera Mención Especial
El tiempo que se queda (2007), José Luis Torres Leiva
Segunda Mención Especial
Can Tunis (2006), Paco Toledo, José González Morandi
Premio Especial del Jurado - Competencia
Latinoamericana
Viajo porque te necesito, vuelvo por que te amo (2009),
Marcelo Gomes Karim Aïnouz (Brasil)
15° FIDOCS 2011
Segunda Mención Especial
Bajo la capucha (2008), Patricio Henríquez
13° FIDOCS 2009
Gran Premio Embajada de Francia – Competencia
Nacional
Remitente: Una carta visual (2008), Tiziana Panizza
Premio Especial del jurado
El poder de la palabra (2009), Francisco Hervé
Mejor Película - Competencia Latinoamericana
Los herederos (2008), Eugenio Polgovsky (México)
Premio Especial del jurado - Competencia
Latinoamericana
Un lugar bajo el sol (2009), Gabriel Mascaro (Brasil)
Gran Premio Embajada de Francia - Competencia
Nacional
Hija (2010), María Paz González
Premio Especial del Jurado - Competencia Nacional
Lo que falta (2010), Colectivo Miope
Mención Especial - Competencia Nacional
Premio del Público - Competencia Nacional
Noche sin fortuna (2010), Francisco Forbes, Álvaro
Cifuentes (Argentina, Colombia)
14° FIDOCS 2010
Premio Especial del Jurado - Competencia
Latinoamericana
Hacerme feriante (2010), Julián D’Angiolillo (Argentina)
Nacional
El edificio de los Chilenos (2010), Macarena Aguiló (Chile,
Cuba, Francia, Bélgica)
Mención Especial - Competencia Latinoamericana
El Mocito (2010), Marcela Said, Jean de Certeau (Chile)
11° FIDOCS 2007
Gran Premio Embajada Francia
El corredor (2004), Cristian Leighton
Primera Mención Especial
Ada y Kabir (2008), Macarena Ovalle
El ambulante (2009), Eduardo De La Serna, Lucas
Marcheggiano, Adriana Yurcovich (Argentina)
Premio Especial del Jurado - Competencia Nacional
Nosotros (2009), Cristóbal Cohen, Marcelo Hermosilla
Mención Especial - Competencia Nacional
A la sombra del Moai (2009), Lorenzo Moscia
Premio del Público - Competencia Latinoamericana
Impunidad (2010), Hollman Morris, Juan José Lozano
(Colmbia, Suiza, Francia)
Primer lugar – Primer Corte FIDOCS
La última estación (2010), Catalina Vergara y Cristian Soto
(Chile)
Premio del Público - Competencia Nacional
Escape al silencio. Notas de vida de Alfredo Espinoza
(2009), Diego Pequeño
197
16º FIDOCS 2012
Mejor Película- Competencia Latinoamericana :
“Por habitar los espacios de la intimidad y convertirlos en
una historia de la cultura, la familia y el arte”, sentencia el
jurado, la película Las flores de mi familia de Juan Ignacio
Fernández, de Uruguay.
El Premio a la Mejor Película Latinoamericana de FIDOCS
consiste en $500.000.
Premio Especial del Jurado- Competencia
Latinoamericana
“Por su capacidad para transitar entre el caos de las
instituciones y la arquitectura de la tradición”, a la película
Escuela normal de Celina Murga, de Argentina.
Premio del Público a la Mejor Película Competencia
Latinoamericana Para la película Con mi corazón en Yambo
de María Fernanda Restrepo, de Ecuador.
Nacional
De forma unánime el jurado seleccionó a Sibila, de Teresa
Arredondo (Chile-España) por “atreverse a remover en
forma honesta y valiente la historia de su familia y a través
de ello las heridas que siguen abiertas en América Latina”.
La ganadora recibe el “GRAN PREMIO EMBAJADA DE
FRANCIA” consistente en 1 pasaje y estadía a un Festival
de Documentales Francés a elección del ganador; y además
recibe la suma de $500.000.
Mención Especial del Jurado- Competencia Nacional
El jurado la distinguió por “el realismo del registro
documental” a la película Curruca y Pitbull de Sebastián
Barahona y Celia Rothmund (Alemania-Chile).
Premio del Público a la Mejor Película- Competencia
Nacional
Las mujeres del pasajero de Patricia Correa y Valentina
Mac Pherson
Premio Mejor Documental en Desarrollo- Primer Corte
FIDOCS
Distinguió a la película El otro día de Ignacio Agüero
(Chile) por “haber convencido al jurado de que su serenidad
no es academisismo”.
El documental recibe Premio que Otorga Kiné Imágenes y
consiste en la Post Producción de imagen por 25.000USD.
Equipo del Festival
Festival Team
Mención Especial Primer Corte FIDOCS
Para la película Respirar helado de Carolina García (Chile).
Premio del Público ONLINE – Mejor documental
FIDOCS ONLINE+CINEPATA para la película
Hardcore: la revolución inconclusa de Susana Díaz
Recibe 500USD entregados por CINEPATA.
Presidente: Patricio Guzmán
Presidenta Directorio CULDOC: Verónica Rosselot
Director: Ricardo Greene
Producción ejecutiva: Verónica Rosselot
Producción ejecutiva: Andrea Pacheco
Producción general: Astrid Aburto
Gestión internacional: Renate Sachse
Productor Asociado: Bruno Bettati
Administración y finanzas: Gilda Cid
Equipo curatoría y programación:
Patricio Guzmán
Renate Sachse
Ricardo Greene
Raúl Camargo
Jorge Morales
Cristóbal Vicente
Equipo de producción técnica
Productor técnico: Raimundo Valdés
Encargado técnico: Andrés Valdés
Asesor de sonido: Roberto Espinoza, Sonamos.
Agradecemos a los equipos de producción ejecutiva y
técnica de GAM, Sala Cine UC y Centro Arte Alameda.
Registros audiovisuales: DUOC UC / Coordinador
Jensen Godoy
Fotografía fija: Alex Molina
Subtitulaje: Francisco Javier Rodríguez
Difusión y comunicaciones: Plaza Espectáculos
Página web y Difusión de redes sociales:
Noise Media – Cinépata
Ediciones FIDOCS
Editora de impresos: Gabriela Precht y Bernardita Bravo
Producción de catálogo: Claudia Huaiquimilla
Traducción de catálogo: Bettina Bettati, Lexinout
Equipo de producción general
Tráfico de películas: Felipe Fernández
Asistente de tráfico de películas: Eduardo Streeter
Administrador de salas: Rolando Carrasco
Productor de eventos: Pablo Greene
Asistente producción de eventos: Pamela Hrepic
Productora gráfica: Isidora Cuevas
Diseño gráfico: Max Grum y Natalia Geisse
Guest office: Soledad Morales
Asistente guestt office: Tariq Porter
Productora escuela FIDOCS: Camila Manns
Animador digital: Sebastián Urcelay
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Boleteria: Lu a Do — 11 a 21 h
Lu a Mi — cerrado de 13 a 14 h
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