N41. NOV/DIC 09.

N41. NOV/DIC 09.
FREE ISSUE. REVISTA GRATUITA
Ilustración portada + estas páginas:
GRZEGORZ DOMARADZKI / GABZ www.iamgabz.com
III MUESTRA DE TEATRO ANDALUZ
El Puerto de Santa María, en Cádiz, vuelve a colarse en las agendas
culturales con motivo de la celebración en dicha localidad de la III
Muestra de Teatro Andaluz, organizada por la Consejería de Cultura. Entre
el 10 y el 13 de noviembre podrán verse 22 proyectos, exclusivamente
andaluces, de todas las modalidades escénicas: danza, teatro de sala,
de calle, infantil, circo y musicales; algo así como un Monkey Week de
las artes escénicas, pensado principalmente para favorecer el contacto
entre las compañías y el mercado. Nombres ya consolidados como Teatro
del Velador, que acude para estrenar “Dröppo”, o Histrión Teatro, que
bajo autoría y dirección de Daniel Veronese presenta “Del Maravilloso
Mundo de los Animales, los Corderos”, comparten programación con
agrupaciones menos conocidas como Remiendo Teatro y su “NN12”,
texto ganador del Premio SGAE de Teatro 2008. La Sala Levante, la Sala
Alfonso X, la Sala San Luis, el Espacio 7 Esquinas, el Hotel Santa María y
el Teatro Pedro Muñoz Seca sirven como sedes. Las entradas, a la venta
en el Teatro Pedro Muñoz Seca desde el 4 de noviembre. Más info en
www.circuitosandaluces.es > Vicente Durá
MINI-MES DE DANZA
El Mes de Danza despedía su anterior edición anunciando el riesgo de
que en 2009 no pudiese acudir a su cita de cada noviembre en Sevilla.
Pero el impulso obtenido con el Premio Max de la Crítica, la firmeza de la
gente de trans-forma, que continúan organizándolo, y los apenas noventa
mil euros aportados por Ayuntamiento y Consejería de Cultura, han dado
para que este año podamos asistir entre el 13 y el 22 de noviembre a
una especie de “Mini-mes de Danza”, bajo el título de “En Creación”. La
idea es ofrecer principalmente una serie de trabajos no estrenados, en
proceso de creación, de artistas como Manuela Nogales, María Martínez
Cabeza de Vaca o Guillermo Weickert, entre otros. De esta forma se permite al público observar cómo se van configurando estas producciones
(alguna de las cuales se estrenarán durante el Mes de Danza 2011) en
pases que contarán con la explicación por parte de los coreógrafos de
cuáles fueron sus puntos de partida y en qué situación se encuentran
en este momento. Además, se ofrecerán otros montajes ya terminados
como “No Levanto Polvo para Caminar” y “No Sólo (de Neuronas Vive
el Cerebro Enamorado)”, a cargo de varios miembros del colectivo Erre
Que Erre; “Orfeo No Está”, por la compañía francesa Manifeste; o “Los
Bancos”, de los también franceses Cía. Ex Nihilo. Más info en www.
trans-forma.es > Vicente Durá
04
ESCENA
START clone.41 - nov.dic 2009 “PLEASURE”
ACCIÓN!MAD
DIVERSOS ESPACIOS DE MADRID. DEL 5 AL 22 DE NOVIEMBRE
El artista entendido no sólo como mensajero, artesano, creador de
belleza. El artista como mucho más. Intérprete, traductor y catalizador de
nuestros pensamientos y anhelos. Esa es la clave del arte de acción. Una
vuelta de tuerca al arte tradicional que tuvo su génesis en las primeras
décadas del siglo pasado con el nacimiento de las vanguardias. Ahora,
casi cien años después, el arte de acción, interacción y movimiento se
ancla en los cimientos de disciplinas como el teatro, el cine, la danza o
la creación audiovisual. Un sueño vital y creativo, ecléctico y transgresor
que se tornará en realidad en las calles de Madrid con la celebración
de la sexta edición del festival Acción!MAD. El Círculo de Bellas Artes,
La Casa Encendida, Matadero Madrid y Off Limits serán los espacios de
creación contemporánea que acogerán los seis ciclos que conforman
Acción!MAD 09: Acción, Jóvenes, Coprodución, Transmisión, Teórico
y Público. Consolidado como uno de los encuentros más renombrados
de su género, Acción!MAD acercará a Madrid diferentes sensibilidades
plásticas y visuales y distintas generaciones de artistas, tanto nacionales
como internacionales, entre los que destacan figuras como Anna
Kalwajtys, Catie de Balman, Antonio Gómez, J.M. Calleja, Nezaket Ekizi o
John G. Boheme. Además, este encuentro prestará una especial atención
al trabajo de las mujeres, cuya aportación al mundo de la performance ha
sido enormemente fecunda y original. Esther Ferrer, Premio Nacional de
Artes Plásticas en 2008 y fundadora del grupo ZAJ, formación responsable de haber introducido el arte contemporáneo en la España de los años
60, se presenta como la gran “performer” del encuentro. Más info en
www.accionmadrid.org
Textos starts: Maru Sánchez
<[email protected]>
START clone.41 “START”
DESABROCHANDO A...
es vuestro método de composición? Ha ido evolucionando con el paso
del tiempo. Al principio, muchos de los temas ya estaban completamente
arreglados, así que se trataba de recrearlos lo mejor posible, dentro de
nuestras posibilidades, para que resultaran convincentes de cara al directo.
Pero cada vez más, y especialmente en los nuevos temas, cada cual
tenemos nuestra propia parcelita.
Una australiana, una americana y una española, con Madrid como
fondo... Suena idílico para un grupo de estas características, ¿no creéis?
Pues exactamente así (idílico, queremos decir) suena “Puzzle Shapes”
(Origami, 2009), el álbum de debut del trío femenino Boat Beam, a quien
desabrochamos en esta edición de CLONE magazine.
Ya teníais una buena legión de seguidores esperando el disco...
¿Cómo ha sido la gestación de este “Puzzle Shapes”? Este disco,
como bien indica su título, es un auténtico puzle de momentos vitales
diferentes, en este caso concreto de Josephine, que es quien compuso las
canciones. Comenzó en un estudio de Sidney, donde grabó la mayor parte
de los temas con la ayuda de algunos de sus amigos australianos, y poco
después se vino a Madrid con todo ello bajo el brazo y una maleta llena de
cables, pedales y su guitarra. El resto fue grabado en la habitación de su
casa, y a raíz de conocer a Alisha y Aurora, las cuerdas empezaron a cobrar
su relevancia e incluso adquirieron gran protagonismo en ciertos temas.
Os ha salido un disco muy bonito, suave y bien arreglado, pero a
medida que lo escuchas te vas dando cuenta de que las canciones
son más complejas de lo que parecen a primera instancia. ¿Cómo
Texto_ Jorge Montes / Foto_ Rubén García
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¿Cómo son los conciertos de Boat Beam, en qué se diferencian del
disco? La diferencia primordial estriba en que la mayoría de las canciones
del disco, si hubiera que interpretarlas tal cual, exigirían un formato completamente eléctrico, mientras que hasta ahora los hemos estado presentando
de manera acústica. Esto supone desnudar las canciones, y por tanto,
mostrar su lado más íntimo y delicado.
¿Consideráis que es importante la estética en un grupo pop? No
sería justo decir que es importante. Sin embargo, lo cierto es que tanto en
aquellos grupos que la desarrollan deliberadamente como en aquellos que
la intentan esquivar, siempre se puede seguir su rastro por exceso o por
defecto. La estética, o la supuesta ausencia de ella, no dejan de ser formas
de expresar la identidad del grupo.
Y, relacionado con la pregunta anterior... ¿A quién os gustaría desabrochar? Bueno, en estos días que corren, casi hace más falta abrochar
que desabrochar, je, je...
DOPAMINE
INSIGHT, PREMIO A LA MEJOR CAMPAÑA DE PUBLICIDAD EN EUROSIMA 09
No es sólo un reconocimiento a su genial apuesta creativa y estupenda
factura. A una campaña con planos que deberían pasar a la historia de la
publicidad y, por qué no, del surf. Este premio es el reconocimiento de la
Eurosima, es decir, la European Surf Industry Manufacturers Association.
En ese sentido el premio a la mejor campaña publicitaria por Dopamine
–que recibió más de mil votos- supone también el espaldarazo de la
industria del viejo continente a la firma australiana de ropa surf que poco
a poco va ganando terreno en más países europeos. Onírica, surrealista
y muy, muy cañera, la campaña Dopamine se lanzó en agosto del 2008 e
incluye, entre otros protagonistas, a reconocidos surfers del WCT (World
Competition Tour) como Kai Otton, Luke Stedman o el fancy dancy longboarder californiano Jared Mell. Dicho esto, ya estás tardando en teclear
en tu ordenador ‘dopamine’ y deleitarte con la potencia visual de esta
singular campaña. Más info en www.insight51.com/dopamine
EASTPAK
ZED AND THE PARTY BELT
Ya lo hemos dicho anteriormente y con esta nueva acción promocional
se subraya. Hablamos de la unión de caminos entre el mundo de la
moda, la música y su repercusión a través de la red. Las tendencias más
trendy, al fin y al cabo, y su nueva forma de desarrollarse. En este caso
concreto, Eastpak ha vuelto a sorprender a propios y extraños lanzando
una campaña-cóctel capitaneada por un DJ zombie, un hit veraniego,
un dúo humorístico de lo más freak y la isla más fiestera de cuantas se
conocen. Zed, que así se llama nuestro protagonista, “Chocolate” su hit
disco punk -escrito específicamente para Eastpak y producido por John
Stargasm (Ghinzu)-, los Vengamonjas sus mayores fans y la isla pitiusa,
Ibiza, son los ingredientes de una serie de acciones que invitan a todo
menos a quedarse sentado en el sofá. Tras este personaje irreverente
que ha llegado de otro mundo, se esconde la figura de Bill Toon Rustin,
ligado desde siempre al mundo de la música a través de nuevos
instrumentos y sonidos. Este hombre-orquesta que adora las fiestas es
reconocido en la escena nocturna de L.A. por su insaciable apetito de
música, baile y buen vivir. Después de ‘morir’, ZED firmó contrato para
resucitar en el escenario durante un festival de verano en 2008. PIAS, el
sello indie más grande de Europa que lleva artistas como Laurent Garnier,
Nouvelle Vague, Chicks on Speed o Ghinzu, es su actual benefactor.
Buena fiesta de ultratumba ahora que se acerca la época de Halloween,
¿no? Más info en www.party-belt.com y en www.eastpak.com
08
STREET WEAR
START clone.41 “PLEASURE”
10º ENCUENTRO DEL CÓMIC Y LA ILUSTRACIÓN DE
SEVILLA. DEL 20 AL 22 DE NOVIEMBRE
Para su décimo aniversario, este encuentro, uno de los más singulares de cuantos
se celebran en Sevilla, regresa con la ambición que le otorga el saberse uno de
los festivales más importantes de su temática en España. En ese sentido, y ante
el éxito de público de la pasada edición –unos 24.000 visitantes-, el Encuentro
del Cómic y la Ilustración de Sevilla ha querido ampliar su programación
expandiéndose en fechas en el calendario y estrenando espacios de interacción.
Así, aunque las principales actividades tendrán lugar los días 20, 21 y 22 de
noviembre en el Casino de la Exposición –pasacalles de personajes de cómics,
zona de videojuegos, talleres de manga etc.-, la organización ha previsto también
una gran fiesta de clausura en enero del año próximo en el Teatro Lope de Vega,
con conciertos de jazz y pintura de tebeos en directo, así como una exposición
en la que hasta ahora había sido su sede habitual: la Casa de la Provincia. La
artista Sonia Pulido será, en ese sentido, la protagonista de una muestra que se
celebrará en dicho espacio. Otra novedad es la creación de la selección oficial de
cómics del Encuentro, en la que se incluirán los veinte mejores cómics publicados
durante el 2009 en nuestro país. Esta selección se podrá leer en la tebeoteca del
Encuentro, en las librerías especializadas Nostromo y Cards and Cómics y en la
FNAC, donde además habrá una exposición con muestras de estos cómics. Más
info en www.encuentrocomicilustracionsevilla.com
“MÁQUINAS DE MIRAR. O CÓMO SE ORIGINAN LAS IMÁGENES”. CAAC. DEL 17 DE SEPTIEMBRE DE 2009 AL 10
DE ENERO DE 2010
FINGERS (The Twisted Originals) en Las Vegas
LEVI’S. NOVEDADES
Es, sin duda, su gran año. El décimo aniversario de los ya
míticos Levi’s Engineered Jeans está siendo un continuo de
acciones, novedades y ediciones singulares de muchas de las
prendas de la temporada. En ese caso, y con el otoño pisándonos los talones, Levi’s ha ideado una colección inspirada
en el espíritu suburbano de ‘Black Label Bicycle Club’, un club
formado hace diez años por un grupo de jóvenes neoyorkinos
en oposición a la sociedad tradicional y con las bicis como
principal arma de ‘guerrilla’. Un perfecto ejemplo de la máxima
‘Fredoom to Express’ que Levi’s ha hecho suya en los últimos
años. Marcadas por un estilo y una actitud claramente personal y diferente, estas prendas buscan además la libertad de
movimiento básica para expresar aquello que queremos. Jeans
muy trash y underground, con rotos y un claro predominio de
colores oscuros como el negro o el gris son el must para esta
temporada. A todo ello hay que sumar, además, el retorno de
los Twisted Originals, unos personajes que, esperamos, se
queden para siempre con Levi’s. Hablamos de Fingers, Bernie
y Hopper, que este curso protagonizan una vuelta triunfal a la
ciudad más Twisted: Las Vegas. Bodas estilo rock’n’roll y disco
bars de streaptease son algunos de los escenarios de sus
nuevas aventuras. No te los puedes perder. Más info en www.
thetwistedoriginals.com
10
Mirar sin ser visto. Mirar sabiéndose observado. Mirar, mirar, mirar... ¡Qué gran
placer! Imaginemos los comienzos del cine. No, mejor la prehistoria del cine. Esos
aparatos, inventos y cachivaches destinados sólo a crear la ilusión, al menos así
había sido hasta entonces, de la imagen en movimiento. Era como jugar a ser
Dios y ser autor de una nueva y efímera creación. De hecho no faltó quien se
escandalizó ante semejante atrevimiento. Pues bien, para entender estos comienzos, el CAAC acoge hasta enero del próximo año una interesante exposición que
ahonda en estos primeros pasos de la creación audiovisual. A través de 200 piezas procedentes de la colección del cineasta experimental alemán Werner Nekes
y junto a una selección de obras realizadas a partir de los años setenta del siglo
pasado por 45 artistas internacionales (Sigmar Polke a Robert Smithson, desde
William Kentridge a Ed Ruscha o Giulio Paolini), esta muestra permite comprender
cómo y cuáles fueron los pasos que dieron lugar al séptimo arte. Nacidos del
afán investigador y del espíritu de experimentación, los objetos, instrumentos e
ingenios mecánicos que alberga la Colección Nekes -linternas mágicas, cámaras
oscuras, trampantojos, espejos deformantes, caleidoscopios, fenaquistiscopios...
- pueden concebirse como precedentes históricos del cine, la televisión y los
medios digitales. Los artistas contemporáneos que participan en esta muestra
se han interesado por ellos y los ha incorporado a algunas de sus obras, en
muchos casos combinándolos con medios actuales como el vídeo, las cámaras
digitales o los ordenadores. Esta muestra, que se ha presentado en el Museum
für Gegenwartskunst de Siegen (Alemania) y en la Mücsarnok Kunsthalle de
Budapest (Hungría), llega a España gracias al patrocinio del programa Cultura
de la Comisión Europea, la Fundación Federal de Cultura, la Fundación cultural
suiza Pro-Helvetia, el Consulado General de la República Federal de Alemania en
Sevilla y la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía. Más info en www.
juntadeandalucia.es/cultura/caac y www.maquinasdemirar.es
GRÁFICA - EXPOS
START clone.41 “PLEASURE”
BEBE CON MODERACIÓN. ES TU RESPONSABILIDAD
EXPOS
START clone.41 “PLEASURE”
Concrete floor 2008
Vista de la performance en la exposición Kirkhoff,
Contemporary Art, Copenhagen (2008)
Cortesía A Kassen
“WINDOW TO THE WORLD”. A KASSEN.
LABORATORIO 987 DEL MUSAC
DEL 24 DE OCTUBRE AL 10 DE ENERO DE 2010
“Seguro de afiliación al paro”, esa es la traducción al español de A Kassen,
el nombre del grupo danés que intervendrá de forma visible el exterior del
edificio ganador del Premio Mies van der Rohe de Arquitectura Europea
(2007). Inscrito dentro de la programación de Laboratorio 987 -sala de proyectos artísticos específicos del MUSAC en un espacio anexo independiente
de la programación general-, Window to the World alude, en sentido literal,
a un elemento arquitectónico y a un concepto social. Una obra en la que
el espectador completará las significaciones metafóricas y conceptuales,
convirtiéndose en un elemento clave dentro de la muestra. Será la primera
vez en la historia del MUSAC que el exterior del edificio será alterado
visiblemente. Otro de los trabajos desarrollados para esta muestra será
“Permanent Reflection”, en la que, a través de juegos de engaño óptico,
se incidirá en la dilución entre los géneros en el arte actual: fotografía,
instalación y performance se dan la mano con el fin de alterar la percepción
del espectador. Finalmente, en la pieza “Mural (Striped)”, harán referencia
a la propia historia de la sala Laboratorio 987. Para ello, los artistas, como
si de arqueólogos se tratase, irán descubriendo en una de las paredes de la
sala expositiva las diferentes capas de pintura que se han aplicado en las
distintas exposiciones que han tenido lugar en el espacio desde la inauguración de MUSAC en 2005. Más info en www.musac.com
WUZONE
EXPOSICIÓN TOYZ EN TRENDY SNEAKERS
DEL 20 DE NOVIEMBRE A FINAL DE DICIEMBRE
American Paw!
Uno de los Toyz de WUZONE
12
El colecionismo es una de los primeros pasos que mueven a personas, hasta
entonces ajenas al mundo del arte, a inmiscuirse de lleno en este terreno.
Es el caso de WuzOne, un joven sevillano que comenzó a coleccionar Art
Toys hace dos años y que en breve estrenará exposición en su ciudad natal.
La curiosidad le llevó a dar rienda suelta a su imaginación pintando algunos
toys para su propia colección y, tras la gran aceptación que tuvieron estos
primeros trabajos en internet, pronto tuvo sus primeras ventas. Actualmente
ha vendido más de 300 customs por todo el mundo, principalmente en
Estados Unidos, Inglaterra y España, y ha expuesto en el último San Diego
Comic Con, así como en la galería Garabat de Bilbao. También acepta
encargos, de particulares y empresas, como los que hizo para la Diputación
Foral de Vizcaya, Picnic Bar en Madrid o para la Fundación Ingenio.
Más info en http://www.flickr.com/photos/25006943@N06 y
www.trendysneakers.es
CONOCE A cocoladas
EN CORTO
Nombre: Coco Capitán, Cocoladas
Edad: 17 años
Lugar de nacimiento: Sevilla.
Profesión: estudiante y fotógrafa.
Autoretrato: Cocoladas
www.cocoladas.blogspot.com
1. Un concepto: precisión.
2. Un concepto sobrevalorado: la juventud.
3. Una edad de oro: años sesenta estado
unidenses.
4. Un personaje de ficción que te hubiera
gustado conocer: Calvin, de Calvin and
Hobbes.
5. Un maestro/a: Rineke Dijkstra
6. Un momento del día que no cambiarías:
por la mañana, cuando todavía no ha amanecido, en el bus escolar, mirando por la
ventana, mientras escucho música y pienso
en todo lo que haré en el día.
7. Un libro que no falta en tu habitación:
Yo, etc... de Susan Sontag.
8. Una obsesión solitaria: cuando viajo en
coche, mirar las matrículas de los otros y
pensar qué operación matemática he de realizar para convertirlas en números capicúas.
9. Un sueño repetido: habitaciones amplias,
con distinta decoración y mobiliario, que se
suceden unas a otras interminablemente.
10. Un objetivo por conseguir: ser capaz de
encajar en el tiempo todo lo que me apetece
hacer, aprender y descubrir.
11. Tus pupilas se dilatan cuando... Veo
materializada una idea.
Voodooetnies & Toroweins. Electrochock (US)
ELECTROCHOCK (US) 2009
POR EL PODER DEL JANDER
Electrochock -con ‘c’ de CICUS, no confundir con el reciente Electroshock
con ‘s’ que ha traído a Housemeister a la ciudad- nació el pasado año con
la idea de organizar un ciclo de música electrónica desde la Universidad
de Sevilla. A principios de noviembre, artistas como Various Production,
Joakim & The Discos, Lindstrøm, Brunetto o First Aid Kit protagonizaron
magníficos directos en el Patio del Rectorado, donde máquinas e
instrumentos tradicionales se daban la mano. Además, las sesiones de
DJ de Puto Amo, Marc Piñol, Joakim y Cisco Kid & The Music Komite
tendieron puentes entre estas propuestas más, digamos, intelectuales,
y la escena de clubs de la ciudad, con la sala Obbio como representante.
Tras esa primera edición de 2008, Electrochock (US) vuelve con más
fuerza todavía, interesado ya no sólo en la interacción entre ordenadores
y guitarras, sino en estudiar las propias fuentes de inspiración de la
electrónica moderna: las músicas clásicas y contemporáneas. Es por ello
que, del 5 al 7 de noviembre, se sucederán cinco interesantísimos conciertos en Pistadigital (una sala multidisciplinar sita en la Avenida de Marie
Curie s/n, en la Isla de la Cartuja, que fue ganadora del Creativa’07):
dos de representantes locales, con Voodooetnies & Toroweins el
jueves 5 y TENSION Co. el viernes 6; y tres internacionales, con la
IDM del británico Christ., miembro inicial de Boards of Canada, el
alemán Hauschka y su espectáculo de cuerdas y piano preparado,
y la espectacular conjunción sobre las tablas de los cuatro miembros
fundadores del capital sello experimental islandés Bedroom Community:
Nico Muhly, Ben Frost, Valgeir Sigurðsson y Sam Amidon. Serán
del 5 al 7, respectivamente. Además, como Electrochock sigue queriendo
enlazar con la faceta más hedonista de los clubs, dos DJs barceloneses
animarán las noches de viernes y sábado en la recientemente inagurada
sala WAM by Abril: bRUNA, quien nos ha cautivado con su reciente “And
It Matters to Me to See You Smiling” (ver CLONE.40), y Undo, de quien
ya conocemos virtudes gracias a su participación en una de nuestras
fiestas. Todo bueno, bonito y muy barato: seis euros para la gente del
calle y sólo 3 para los miembros de la comunidad universitaria. Más info
en www.cicus.us.es
16
MÚSICA
START clone.41 “PLEASURE”
Hauschka. Electrochock (US)
WAM BY ABRIL
THE PLACE WHERE IT HAPPENS
La escena de clubs de Sevilla no está mal del todo, pero no puede ser
menos que motivo de regocijo la irrupción de una nueva sala, sobre
todo si, como esta, pretende servir una programación de irreprochable
calidad, en un ambiente lujoso y al mismo tiempo amable y distendido.
WAM by Abril nace, como su propio nombre indica, en Abril Copas, en
la calle Luis Montoto junto al Hotel Los Lebreros, pero que el público
más moderno no se asuste: la discoteca Abril, escaleras abajo, tiene una
selección bien diferente, mientras que WAM ocupará la zona de arriba y
las terracitas... Lejanos quedan pues los tiempos de El Coto (ah, nuestros
padres ahí) y WAM by Abril pretende servir en bandeja electrónica
puntera e interesante, alejada de minimalismos houseros de garrafón y
demás expresiones gastadas. Para demostrarlo, se inauguró con el warm
up de nuestro querido colaborador Vidal Romero y la incendiaria sesión de
la muy pin-up Vinila von Bismark (ver sección Posts), quien demostró
su herencia como cantante de Krakovia uniendo rock y electrónica con
un set arrebatador. La lista de artistas que pasaron en octubre por WAM
gusta mucho: Marc Piñol, Mendetz, Puto Amo... Y unos residentes
y/o sospechosos habituales entre los que encontraremos a los CLONEros
Vidal Romero, Pablo Vinuesa y David Pareja, Fran DJ, Lektrono, Profesor
Franz o Juan Perla. Sospechamos que vamos a pasar media vida en
WAM by Abril, a partir de ahora... ¡Y muy a gustito! Podéis consultar su
programación en la agenda de CLONE o en las webs www.wam-abril.
com y www.facebook.com/WAMbyAbril
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ANIVERSARIO
SUBTERFUGE
RECORDS
Líneas Albiés (Subferfuge)
VEINTE AÑOS EN LA POMADA INDIE
En estos tiempos de MP3, Spotify, P2P y demás, parece casi una locura
pensar en que un sello, y es más, un sello independiente, pueda durar
veinte años. Pero sí, señores, Subterfuge cumple veinte años de vida
y los indies nacionales bien pueden alegrarse de haberlos visto crecer
desde el principio. Nació la idea como un fanzine musical, con las
maquetas de sus bandas amigas más cercanas asociadas a la versión en
papel, para poco a poco ir convirtiendo aquella red en un label con personalidad propia, rockera, contestataria y con una imagen muy poderosa.
Grupos como Fangoria, Australian Blonde o Dover empezaron a
marcar la senda de Subterfuge, siendo además de las primeras casas
independientes de nuestro país en tener que lidiar, con sus buenas y
malas cosas, con las multinacionales. A lo largo del tiempo, por el sello
han pasado grupos tan reseñables para la escena de aquí como Manta
Ray, Nosoträsh, Fresones Rebeldes o Ellos, e incluso proyectos más
mainstream como Marlango o NajwaJean. Pero, además, el presente
y futuro de Subterfuge está garantizado con nuevas propuestas como
las de Líneas Albiés o Krakovia, que siguen aportando ese punto de
frescura y actitud punk. Para celebrar este vigésimo aniversario, están
editando la colección Subterfuge Classics, que incluye en casi todos sus
títulos señeros repescados un segundo álbum con rarezas, versiones,
directos o canciones inéditas. Tiempo pues de desearles que cumplan
muchos más... Más info en www.subterfuge.com
JACK DANIEL’S
BACKSTAGE
V CONCURSO MAQUETAS
DEL 1 DE NOVIEMBRE AL 15 DE MARZO PARA ENVIAR MAQUETAS
Nuevamente llega al panorama patrio uno de los concursos de maquetas
más rockeros de cuantos se celebran. El V Concurso de Maquetas Jack
Daniel’s Backstage regresa con una novedad principal: las redes sociales
y plataformas en internet son ya más que una realidad que hay que
tener en cuenta, son actores que configuran el futuro. Por ello, la red
social y musical MySpace será protagonista en la edición de este nuevo
concurso. Este será el espacio ideal para seguir el día a día del concurso,
donde se colgarán algunos de los temas de los finalistas, la selección de
los favoritos de cada semana, vídeos enviados por las bandas, etcétera.
Con la creación de este MySpace, la marca pretende ofrecer un altavoz
publicitario a las bandas, que podrán utilizar la red para darse a conocer
a través de sus vídeos y temas enviados. Otra gran novedad de esta
edición es el premio. Por primera vez, la marca de whiskey de Tennessee premiará al ganador del concurso de maquetas con un backline
profesional valorado en 6.000 euros. Sin duda, una gran oportunidad
para todas aquellas bandas que deseen profesionalizar su pasión por la
música. Más info en www.jackdanielsmusic.es
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MÚSICA
START clone.41 “PLEASURE”
VIDA DE UN PERLITA
Texto_ Vidal Romero
Ahora que se nos ha ido John Hughes y que todo el mundo tiene en
la boca a los jóvenes valores de la comedia gamberra estadounidense
(Judd Apatow, Greg Mottola, pero también Ben Stiller y Owen
Wilson) parece el momento perfecto para recuperar la figura de John
Belushi. A fin de cuentas, fue él quien, gracias a sus intervenciones
en los primeros tiempos de Saturday Night Live y, sobre todo, a
su papel en la alocada “Desmadre a la Americana”, dio carta de
naturaleza a ese humor golfo y físico, basado antes en la expresividad
de una cara, en el auto-maltrato de cuerpo y mente, en el abuso de
sexo, drogas y alcohol, que en la brillantez de diálogos y guión. De
hecho, Bluto, el personaje que interpretaba en la citada película, fue
el primer perlita que Hollywood se atrevió a retratar en toda la gloria
del Cinemascope: un tipo fiestero y carente de moral, aficionado al
rocanrol, los tacos y las tetas gordas, capaz de vender a su abuela
por una caja de cervezas y una bolsa de marihuana.
La tragedia de “Como Una Moto. La Vida Galopante de John Belushi”
(Global Rhythm) es en realidad esa: que Bluto funcionaba como un
trasunto del propio Belushi, a través de un juego de espejos en el que
no quedaba claro dónde terminaba la persona y dónde comenzaba
el personaje. Una bipolaridad en la que se fundamenta la biografía
de un actor de facultades y carisma prodigiosos, cuya afición por los
excesos le llevó primero a la cima y luego a la tumba (y que le quiten
lo bailao). Tan complicada historia la hilvana a la perfección Bob
Woodward, periodista especializado en temas políticos (fue él quien
destapó el escándalo Watergate, junto a Carl Bernstein) que, gracias
a ese alejamiento del mundo de la farándula, es capaz de analizar
desde una perspectiva clínica y fría la montaña rusa de fiestas,
películas, fiestas, conciertos, drogas, viajes, apariciones en televisión
y teatro, más drogas y más fiestas en que consistió la carrera de Belushi. Mezcla a partes iguales de exceso, humor y patetismo, trufada
de anécdotas y declaraciones impagables de los actores secundarios
(la imagen de Coppola y Keith Richards poniendo copas en la
inauguración del bar de los Blues Brothers, por ejemplo), la narración
avanza siguiendo los trompicones y cambayás del propio Belushi,
que en ciertas ocasiones estaba lanzado como (ejem) una moto (con
episodios como el de los catorce días que estuvo sin dormir “para
poder firmar un contrato sin que me engañen”) y otras se sumía en
depresiones de (otra vez ejem) caballo. Todo ello cada vez más rápido
y más alto, hasta alcanzar el clímax de sus dos últimas semanas de
vida (reconstruidas aquí con un detallismo enfermizo, casi forense),
en las que Belushi consumió cantidades suficientes de droga como
para acabar con las existencias de varios carteles colombianos.
Perlita, sí, pero siempre a lo grande.
LIBROS
JOHN
BELUSHI
FESTIVALES
START clone.41 “PLEASURE”
LUX 2009
Vladislav Delay - LUX
Rustie -HIPERSOUNDS
ARTE VISUAL EN VIVO
Del 26 al 28 de noviembre llega a la Fundación Tres Culturas la tercera
edición de Lux, encuentro internacional que mostrará la riqueza y variedad
de videoartistas y videojockeys de todo el mundo y que cuenta con diversas líneas de actuación y proyectos simultáneos, con diferentes patrocinios
culturales. El Festival Internacional de Visualistas y Live Cinema de Sevilla,
Lux 2009, se consolida en su tercera edición como referente internacional
del arte visual en vivo. Una vez más se va a desarrollar un encuentro internacional pionero en el territorio nacional, que mostrará la riqueza y variedad
de algunos de los videojockeys y artistas visuales más importantes del
mundo. El festival indaga en aquellos que están ensanchando los límites
del arte visual y los reivindica como los verdaderos creadores que están
proyectando el futuro del arte, como Vladislav Delay y Lillevan (es decir,
Rechenzentrum), Ryoichi Kurokawa, Hecq o el egipcio Mahmoud
Refat. Lux contará con la presencia de artistas de países como Japón,
Alemania, Holanda o España, con una especial incidencia en la vanguardia
local andaluza a través de dos espectáculos audiovisuales en vivo con la
participación de TENSION Co. + JVH2Ó y Carrier to Noise Ratio,
entre otros. Todo ello se celebrará en la sede de Tres Culturas, el Pabellón
de Hassan II (Isla de la Cartuja) y acogerá a un aforo reducido, de unas
200 personas, con una entrada limitada a diez euros. Más info en www.
myspace.com/luxfestivalsvq
HYPERSOUNDS
Various Prod. -HIPERSOUNDS
20
CICLO SÓNAR DE ACTIVIDADES EN TORNO A
LA INVESTIGACIÓN SONORA
El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, en colaboración con
Advanced Music (ya saben, los organizadores del Sónar), acoge
HyperSounds, un ciclo de conciertos, sesiones de DJ, instalaciones,
proyecciones y ponencias a cargo de artistas que destacan por su trabajo
en el campo de la investigación sonora. El ciclo tendrá lugar en cinco
espacios de los dos edificios del MNCARS, en Madrid, durante los días
13 y 14 de noviembre. HyperSounds presenta más de una veintena de
actividades entre las que destacan los directos de Various Production (a quien ya pudimos ver por Electrochock (US) 2008 en Sevilla), la
siempre animosa Tender Forever o Shit & Shine, más sesiones de DJ
como Rustie y Mary Anne Hobbs (la locutora de la BBC más puesta en
dubstep) y dos instalaciones sonoras del artista holandés Edwin Van Der
Heide. La programación se completa con el estreno en España del film
“Amplified Gesture”, documental que acompaña a “Manafon”, nuevo álbum
del músico británico David Sylvian, y conferencias a cargo de dos plataformas españolas de investigación tecnológica en torno a la música y la
creación multimedia: MediaLab Prado de Madrid y el Grupo de Tecnología
Musical de la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona. HyperSounds
refuerza el nuevo uso activo del museo Reina Sofía, abierto a la creación, la
experimentación y el entretenimiento.
Más info en www.hypersounds.es y en www.museoreinasofia.es
START clone.41 “PLEASURE”
SEVILLA FESTIVAL DE CINE EUROPEO
DEL 6 AL 14 DE NOVIEMBRE
Ya está aquí, ya se acerca. Se trata de uno de los festivales que, a pesar
de su escaso tirón publicitario –apenas si se sabe de él fuera de la ciudad-,
es uno de los más valorados por el público en general. Será quizá por esta
cercanía al ‘pópulo’ que el Star System patrio apenas se persona y las
alfombras, en lugar de rojas, son azules. En fin, divagaciones aparte, el caso
es que este año más de 150 películas europeas podrán verse del 6 al 14
de noviembre en los espacios ya habituales en este encuentro, los cines
del Nervión Plaza y el Teatro Lope de Vega, y eso nos encanta. Con Reino
Unido como país invitado, serán numerosos los miembros de su industria
que asistan al festival, entre ellos Jeremy Thomas o Nicolas Roeg, quien
protagoniza “Cine de Culto”, y además, también se presentarán las joyas
del British Film Institute, con la presencia de su directora, Amanda Nevill.
En los encuentros profesionales destaca la presencia del productor de “Millennium”, Sören Staermose, que abrirá el Foro de la Industria y abordará
los nuevos modelos de producción. Por su parte, la Universidad de Sevilla
estará este año más presente en el día a día del festival ya que ha firmado
un convenio con la organización por el que se crea el Festival Cam_US.
Sin embargo, no todo van a ser flores. Y es que a pesar de considerar este
evento como uno de los más enriquecedores de los que acoge Sevilla a lo
largo de todo el año, no podemos pasar por alto una cuestión que al equipo
de dirección de arte de CLONE magazine le viene dando vueltas en la cabeza desde hace un tiempo. Comprometidos como estamos con la promoción
del diseño y la creación contemporánea de aquí y de allá, consideramos que
el cartel presentado para esta edición –y no tenemos nada contra Saura, lo
juramos- es de las cosas más feas que se han hecho hasta ahora. CLONE,
dixit. Más info en www.festivaldesevilla.com
OSCAR NIEMEYER
LA VIDA ES UN SOPLO
Lo que más fascina de la vida de Oscar Niemeyer no es su obra (que
asombra, vaya que sí), ni su carrera, ni la cantidad de países en los que ha
firmado obras maestras que han conseguido formar parte de la identidad
del lugar donde fueron construidas. Lo que más seduce de la vida de Oscar
Niemeyer es su sencillez, la simpleza y la elegancia que se esconden
detrás de su majestuosa obra; su tesón por vivir la vida y rodearse de sus
amigos. “¿Qué es lo más importante de todo, Dr. Niemeyer?”, le pregunta el
realizador del documental, Fabiano Maciel, y el maestro responde: “lo único
importante es la mujer. Fin de la entrevista”. Detrás del gran arquitecto,
el hombre, consciente en todo momento de que la vida es un instante,
de que la notoriedad es un recurso para imbéciles y que lo importante es
vivir la vida. Un detalle de humanidad del artista que ha revolucionado la
arquitectura sudamericana contemporánea, responsable entre otros de la
arquitectura gubernamental y la catedral de Brasilia, el edificio de las Naciones Unidas en Nueva York, el museo de arte contemporáneo de Niterói en
Río de Janeiro... No se lo pierdan.
Más info en www.avalonproductions.es > David Pareja
La Cuestión Humana
NICOLAS KLOTZ
LA CUESTIÓN HUMANA
Tras su reciente recuperación para las salas de cine, Intermedio edita ahora
una de las obras maestras del cine francés contemporáneo: “La Cuestión
Humana”, del tandem formado por el director Nicolas Klotz y la guionista
Elizabeth Perceval. La película pone en escena un viaje al corazón de las
tinieblas, a ese pasado donde la comunicación era sanguinaria, animal, tortuosa, y la carrera por la superviviencia humana era cada vez más industrial,
fría y despiadada. “La Cuestión Humana” nos mete de lleno en el recorrido
policial de Simon, un psicólogo que trabaja en el departamento de recursos
humanos de una multinacional petroquímica. En un ambiente calculador
y posmoderno, Simon organiza perversos juegos de rol y raves de música
electrónica para llevar a los empleados a una situación límite y poder evaluar
su rol dentro de la empresa. Este recorrido le llevará hasta el Sr. Just, el
director de la empresa, que lo pondrá en contacto con un pasado tormentoso
emparentado con el genocidio nazi. Un pasado que se cruza con el presente
y enfrentará a Simon a un espejo terrible que explica la raíz de los métodos
que aplica en la empresa. Un espejo que se amplia hasta la sociedad actual,
el ascenso deshumanizado del capitalismo y las relaciones de poder. La
eterna cuestión: verdad o mentira. Una obra maestra.
Más info en www.intermedio.net > David Pareja
START CINE
MÚSICA
START clone.41 “PLEASURE”
ABSOLUT ROCK EDITION
Cuántas canciones nos habríamos perdido sin las musas y los efluvios
del alcohol. Cuántas noches de fiesta, autoexploración y hedonismo.
Pues bien, Absolut Vodka parece que se ha dado cuenta de tan
antigua relación de convivencia y ha decidido embotellarla. Como lees.
Como si de una más del grupo se tratase, la nueva botella de edición
limitada ABSOLUT ROCK EDITION, con su llamativo perfecto de cuero
envejecido con tachuelas, diseñada por Natalia Brilli, se ha colado en
el día a día de Wolfmother, en sus ensayos, grabaciones y descansos.
Y el legendario fotógrafo musical Danny Clinch se ha encargado de
inmortalizar el encuentro en una serie de poderosas instantáneas que
rinden tributo al mundo del rock para la campaña de lanzamiento de
la botella. Juntos ofrecen una visión de este universo rock a través
de una serie de extraordinarias imágenes que ilustran la campaña
publicitaria. Los australianos Wolfmother se dejaron retratar por
Clinch, acompañados, y casi fusionados, con la botella ROCK EDITION
durante las jornadas de ensayos de su nuevo album, “Cosmic Egg”. El
fabuloso documento fotográfico les reúne a los tres (botella, artista y
banda) en el legendario Sunsent Sound Studio en Hollywood y en el
no menos mítico Roosevelt Hotel. Más info en www.absolut.com/
products/rockedition
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DORIAN
LA CIUDAD SUBTERRANEA
Texto_ Antonio Bret
Hay que ver cómo le gusta a la gente rajar de Dorian. Pero yo defenderé,
a capa y espada, el hecho de ser uno de los pocos conjuntos que, en este
rancio y apolillado país nuestro, apuestan por el synthpop clásico: esto es,
aire melancólico, con un puntillo siniestro, en el que los ritmos machacones
se mezclan con estribillos pegadizos. “La Ciudad Subterránea” ([PIAS] Spain,
2009) es su tercer disco (cuarto si obviamos aquel de remezclas que siguió
a su debut) y cuentan en la producción con todo un señor del hip-hop como
Dive Dibosso, junto con Álex Ferrer AKA Sidechains. Nada parece que
vaya a cambiar, a pesar de ser su mejor disco: es compacto, homogéneo,
las melodías son de enmarcar... ¿Pero, qué pasa? Pues que el tecnopop
es para maricas, para inmaduros, o para grupis que crecieron, mal, con
OBK clavado con chinchetas en la pared de su dormitorio. Pocos dedos de
frente para no darse cuenta de que tras temas como “Verte Amanecer”,
“Paraísos Artificiales”, “La Tormenta de Arena” o “Veleros” se esconde
una composición adulta en la que el piano toma especial protagonismo.
Podemos volver al pero de las letras, sí, bisoñas e ingenuas hasta decir
basta, e incluso del tono de voz del señor Gili que, por momentos, parece
sacada de una boy band. Pero mejor nos quedamos conque, a día de hoy,
son, junto a Anorak, el único exponente synthpop que nos queda en este
rancio y apolillado país nuestro.
ARQUITECTURA reviews
TOYO ITO. TOYO ITO (PHAIDON, 2009)
VARIOS AUTORES. SOU FUJIMOTO (GUSTAVO GILI, 2009)
En pocos países como en Japón se vive con tanta intensidad la esquizofrenia de querer ser a la vez moderno y tradicional (extremadamente moderno y extremadamente
tradicional, es decir). Una bipolaridad que en el mundo de la arquitectura produce
obras singulares, cargadas de significados y aspectos atávicos, pero ejecutadas con la
misma precisión que se utiliza en el montaje de algún cacharro electrónico de tamaño
diminuto.
De todo esto sabe mucho Toyo Ito, uno de los arquitectos de mayor prestigio del
país, cuya carrera ha ido derivando desde las casas-cueva que diseñó en la década
de los setenta, cajas abstractas y ensimismadas, con muros de hormigón y huecos
muy controlados, hasta sus recientes edificios públicos, tan limpios y livianos que en
ocasiones son poco más que una cubierta orgánica que flota varios metros por encima
del terreno. En paralelo a ese proceso, Ito ha ido desarrollando un interés creciente por
la disolución entre el mundo físico y el mundo virtual: un mundo físico representado
por las fachadas y las cubiertas, que actúan como elementos de conexión entre
el interior y el exterior de los edificios, y un mundo virtual en el que el habitante
del edificio pierde de alguna manera el sentido de la realidad. Para conseguirlo, ha
trabajado precisamente sobre esa membrana que separa al edificio del exterior: pieles
extravagantes, muros y ventanas que desafían y pervierten su formulación clásica o
que directamente se hacen transparentes, elementos que se extienden o retraen de
forma caprichosa, añadiendo un acento de inestabilidad y extrañeza a la atmósfera de
los edificios. Todo este corpus se desarrolla en el estupendo “Toyo Ito”, posiblemente
la monografía más completa, y también más interesante, que se ha editado hasta la
fecha del arquitecto japonés. Y es que, al atractivo de los edificios en sí (están todos:
desde la Mediateca de Sendai a la Torre de los Vientos, desde el Serpentine Gallery
Pavilion al Mikimoto Ginza 2), el volumen añade una ordenación temática, realizada por
el propio Ito, y reforzada con textos explicativos donde desarrolla pequeñas píldoras de
su particular filosofía, siemper utilizando un lenguaje sencillo y muy directo.
Toyo Ito también escribe la introducción a la monografía de “Sou Fujimoto”, uno de
los arquitectos jóvenes más interesantes que hay ahora mismo en Japón. Y es algo
que tiene mucho sentido, porque ambos comparten algunos puntos de vista sobre
la arquitectura, en concreto acerca de cómo se habitan los edificios y qué relación
tienen con su entorno inmediato. La diferencia es que, mientras Ito concentra todo
su esfuerzo en disolver el significante de la membrana que separa interior y exterior,
Fujimoto investiga una arquitectura con mucha presencia, que incorpora el exterior a la
experiencia de vivir sus edificios: en vez de limitarse a la membrana, es decir, disuelve
la propia concepción de exterior e interior. El resultado son proyectos tan poéticos
como la Casa N, envuelta en tres cáscaras progresivas, agujereadas en todas sus
caras, o la preciosa House Before House (en la fotografía), que separa las habitaciones
en cajitas distintas, apiladas alrededor de un jardín, revolucionando por completo el
habitual concepto de casa. Otra virtud de Fujimoto es su capacidad para controlar los
espacios interiores: tanto en la Casa O en Chiba, como en la Casa T en Maebashi las
tradicionales separaciones interiores se hacen desaparecer, para favorecer un juego de
miradas cruzadas y perversión espacial. La casa 7/2 en Hokkaido, en cambio, investiga
las posibilidades que tiene el espacio secuencial: juega antes con la sección que con
la planta, introduciendo un giro inesperado con un mecanismo extremadamente sencillo. Y lo mejor es que Fujimoto no se contenta con exprimir esas fórmulas, sino que
busca ampliar su vocabulario, como demuestra la tríada de proyectos (dos bibliotecas
y la nueva sede de Benetton en Teherán) que cierran el libro, y que están ahora mismo
en fase de desarrollo. Una inmersión en la obra pública (es decir: más tamaño y más
presupuesto) de la que sólo es posible esperar cosas buenas.
ARQUITECTURA
ESCRITA
Texto_ Vidal Romero
ARQUITECTURA
hasta comprarte una camiseta de skate o una tabla nueva. Además, si no
querías conformarte con la poca infraestructura que había, por no decir
ninguna en algunos sitios, ibas construyendo lo que podías.
Promesas y más promesas de todos los colores. Esta es la única
respuesta por parte de los políticos que vuestras demandas de
construcción de un skatepark acorde con el volumen de patinadores de la ciudad de Sevilla han obtenido hasta el momento.
¿La lucha continúa o estáis cansados de que os vendan la moto?
Durante más de diez años hemos escuchado muchas promesas que
nunca se han cumplido. Ahora parece que la administración pública quiere apostar por los skaters y estamos viendo que mediante el diálogo hay
un mejor entendimiento. Sin embargo, hasta que no veamos el skatepark
de Plaza de Armas ampliado habrá mucha gente que no se creerá esas
promesas y si no se cumplen se seguirá patinando en la calle, que es
donde nació el skateboard y donde siempre se seguirá practicando.
Texto_ C. Guerra Guerrero
Desde la lija de la tabla hasta el uretano de las ruedas, “Sevilla 89-09” es
un sentido homenaje a toda una generación de skaters que han crecido
y se han desarrollado como profesionales (o aficionados) del patinaje en
una ciudad sin apenas medios para ello.
Eduardo García-Villalón, skater y co-fundador de SKATEflims.tv, es el
responsable de este documental en el que se muestra a los skaters
de la ciudad de Sevilla entre bambalinas. 35 nostálgicos minutos que
revelan un mundillo lleno de trucos como flips, ollies y flatlands, pero
también de ilusiones, reivindicaciones y caídas, muchas caídas. Y es que
los skaters de la capital andaluza no sólo han sufrido las magulladuras
físicas inevitablemente unidas a la práctica de este deporte, sino también
las persecuciones policiales, las quejas vecinales y las decepcionantes
promesas políticas sobre construcciones o ampliaciones de skateparks
que nunca vieron la luz.
Eduardo es uno de esos skaters míticos que puede decir con la tabla bien
alta que lleva más tiempo sobre ruedas que sobre el asfalto, además,
desde hace unos años es también el autor de numerosos vídeos de skate
como “Patinagonia” o “Jauh Forever” (premio a la originalidad creativa
en el XI Festival de cine “Jóvenes Promesas” en la ciudad de Zaragoza y
clasificado finalista en varios certámenes audiovisuales como Átalo en
Corto o Zemos98). Su última creación, “Sevilla 89-09”, es una historia
real contada en primera persona del plural.
Da la sensación de que las nuevas generaciones han ganado en
ropa de marca y han perdido en esa inocencia macarra que os
llevaba a construir vuestras propias half pipes y a transportarlas
sobre cubos de basura. Antes se vivía todo de una manera distinta.
Todo era más difícil, desde conseguir el último vídeo que había salido
24
Una de las cosas que más me ha llamado la atención del
documental es la época de las persecuciones policiales. ¿Qué tal
se lleva que la policía te persiga mientras practicas tu deporte
favorito? ¿Siguen los agentes requisando tablas en la actualidad
o ahora resultáis menos peligrosos? La verdad es que como el
skate siempre ha estado perseguido y poco aceptado, el hecho de que
la policía nos persiguiera era algo normal para nosotros. Ahora, después
de varias generaciones, el skate ya no es algo nuevo y parece que se
tolera más, aunque siempre me ha dado la impresión de que los policías
se preocupan de cosas poco importantes y miran para otro lado cuando
hay otros problemas más serios. Creo que nos deberían dejar tranquilos
de una vez. Todo ha cambiado y además hay mucha gente que se gana la
vida patinando como skater profesional, filmer, fotógrafo...
¿Cómo es que en 20 años de skate en Sevilla no haya referencia
a ninguna chica? ¿Son demasiado tímidas para salir en los
vídeos o la skate-woman es una mera utopía? Claro que ha habido
chicas skaters desde los comienzos, como Cristina, que sale en algunas
imágenes del documental, pero es cierto que ahora cada vez son más
numerosas, no sólo en Sevilla, también en la escena nacional.
El movimiento skate está muy ligado no sólo a una estética, sino
también a un estilo musical muy concreto. ¿Es mi impresión o es
verdad eso de que mientras que en el universo anglosajón skate
y cafrepunk californiano van de la mano, en España el monopatín
está bastante ligado al mundo del hip-hop? La verdad es que hay
varias vertientes musicales muy ligadas a esta forma de vida. Muchas
marcas o compañías de skate tienen una imagen muy relacionada con
cada una de estas vertientes, incluso en distintas ciudades la escena
es muy distinta. Por ejemplo, en las grandes capitales como Madrid y
Barcelona está todo más influenciado por la cultura del hip-hop, mientras
que en otras ciudades como Bilbao es todo más punk o rockero.
Más info: www.SKATEflims.tv
SKATE
ENTREVISTA edu garcía villalón
ILLUSIVE III
LA GUÍA DEFINITIVA (HASTA AHORA)
(DIE GESTALTEN)
01
03
De seguir así, va camino de convertirse en el oráculo
al que habrá que acudir dentro de unos años para ver
qué se cocía en el mundo de la ilustración a principios
del siglo XXI. “Illusive III” (Die Gestalten) llega, como
sus antecesores Illusive I y II, con un cuidado catálogo
de cerca de 200 artistas seleccionados por expertos
de la prestigiosa firma editorial a lo largo de todo el
globo. EE.UU., Europa, África, Asia y Oceanía están
aquí representados a través del virtuosismo de sus
ilustradores. Algunos más consagrados, otros emergentes, esta guía contemporánea permite también
vislumbrar las tendencias que, al margen de idiomas,
culturas y religiones, se repiten en uno y otro país, en
una y otra esquina del mundo. Así, “Illusive III” aborda
las inagotables posibilidades de estilos y técnicas
que conviven en la ilustración contemporánea y que
comprenden desde la ilustración de moda actual al
coqueteo incipiente con la pintura figurativa, así como
la deconstrucción y el collage. Como ya hicieran las
dos ediciones anteriores de este libro-referencia, en
“Illusive III” queda de manifiesto algo que venimos
observando desde que el hombre sintió la necesidad
de comunicar y vender, de seducir y gustar. Savia
fundamental de la que se nutre la actual sociedad de
masas, donde la ilustración ocupa un lugar prevalente
por su potencia expresiva y poética. Una voz protagonista, al fin y al cabo, sin la que no se podría entender
la cultura visual contemporánea.
Más info en www.gestalten.com
01_ Emmanuele Polanco
02 + 03_ Tommer Hanuaka
04_ Ini
02
04
ILUSTRACIÓN
UTE KLEIN
Untuosos. Portadores de esperanzas. Implosivos. Secuestradores y abusivos. Impulsados. Acaparadores. Eternos. Completos. Arquetípicos al fin que llegan
a fundirse como en un Big Crunch de torsos. El cuerpo como refugio y como el mejor de los destinos posible. Admirable catálogo de ternura el de esta serie
de la fotógrafa alemana Ute Klein que, más que un compendio anatómico, parece un Test de Rorschach –aquel de las manchas de tinta–. Y es que, ¿te has
parado a pensar en qué ves tú detrás de cada composición?
Más info en: www.uteklein.com y www.kd-diplom.de/diplom0901/klein.html
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RESONANZGEFLECHTE
ARTE
ENTREVISTA terry rodgers
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ENTREVISTA terry rodgers
EL MURALISTA
DE LAS GRANDES
CUESTIONES
Texto_ Maru Sánchez
A simple vista, lo que más llama la atención de sus impresionantes pinturas son
esa cantidad de cuerpos esculturales,
Adonis y Afroditas contemporáneas que
vagan por estancias de nuestra imaginación más recóndita y en cuyas caras,
gestos y posturas podemos reconocernos a nosotros mismos. Precisamente
los detalles son el diccionario de bolsillo
al que debemos recurrir para encontrar
algo de mundano y real. Reconocido
como uno de los pintores eróticos más
importantes del mundo, Terry Rodgers
(EE.UU.) dice necesitar grandes lienzos
para acercarse mejor a la complejidad
del mundo que nos rodea. Un escenario
en el que, como en sus pinturas y respuestas, confluyen las grandes interrogantes del hombre.
ARTE
ENTREVISTA
Como un caleidoscopio del sueño occidental, así describes tus
pinturas. ¿Es válido para ambas orillas del Atlántico o crees que hay
elementos diferenciadores entre América y Europa? Estoy seguro de
que puede valer para ambos lados del Atlántico, el mar de Japón e incluso
hasta el estrecho de Ormuz. Todos tenemos sueños que son resultado de
una confusa combinación a partir de lo que nos dictan los grandes medios
y fuentes. Estoy seguro de que hay bastantes diferencias, pero no estoy
familiarizado con esos pequeños matices.
¿La distinción entre mito y realidad es algo que te preocupa desde el
momento de la concepción de la obra o es algo que inevitablemente
forma parte del juego artístico? El mito y la propia matriz de la realidad
están presentes todo el tiempo. Los coches en la calle, la inflexión de la voces que me rodean o las caras que estoy diseñando... Todo está rebosante
de dualidad. Son inseparables, como las dos caras de una moneda de tres
lados. En ese sentido, cuando estoy realizando mi trabajo me siento menos
consciente de ese juego que de la integridad que lo define.
Como en los últimos años del imperio romano, parece que occidente
está atravesando una crisis no sólo económica, también de valores
y moral. ¿A dónde crees que podemos agarrarnos ahora que vienen
turbulencias? ¿Cuáles son nuestras fortalezas? Mi sospecha es que
esto es sólo otra fluctuación más que al final se establecerá, muchos se
harán daño e incluso desaparecerán, pero todo pasará. Wall Street, por
ejemplo, ya ha obtenido ganancias tras los rescates. En cuanto a la gran
crisis moral a la que haces referencia, yo no estoy totalmente seguro de que
eso sea así. Siempre ha habido algunos que pueden sentir este momento
así, pero no la mayoría. En ese sentido, me imagino que la luz que brilla
en los rincones oscuros es el único remedio. Incluso los peores hombres
actúan de diferente manera cuando todo el mundo está atento, está
mirando. Nuestra fuerza es, quizá, que contamos con un sentido innato de
la integridad y por tanto, y probablemente con la difusión de la tecnología,
podamos mantener la claridad donde algunos prefieren la oscuridad que
oculta sus movimientos.
Como uno de esos impresionantes lienzos de escenas bíblicas, tus
pinturas están repletas de pequeños pero transcendentes detalles.
¿No existe una guía para navegar dentro de ellas y no perderse?
¡Sería una gran idea! Debería imprimir una guía para cada una de las pinturas, con números, una lista adjunta de motivos y un diagrama de vectores
para aclarar la red interconectada de influencias, asociaciones y emociones.
En definitiva, como en un libro, notas al pie de las pinturas. Los detalles me
fascinan. Darse cuenta o no de su presencia es un baremo imprescindible
para calibrar la atención que alguien te está prestando.
La profusión de detalles también puede llevar a acordarse de las
pinturas románticas sobre escenas épicas que proliferaron durante
el siglo XIX. Sin embargo, en tus obras parece que la acción, el
momento álgido, el éxtasis... Ya ha sucedido. ¿Qué llega tras el
placer-acción? ¿Un nuevo punto de partida? No lo sé. Estoy muy
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centrado en el dilema al que nos enfrentamos cuando nuestras fantasías
no se corresponden con nuestra experiencia, lo difícil que es para nosotros
saber dónde buscar respuestas. Y es que todo el mundo tiene respuestas
contradictorias: la iglesia, los cienciólogos, el marketing, los libros y servicios
de autoayuda...
Apolíneos en su figura, dionisíacos en sus posturas, los personajes
que reflejas, ¿están inspirados en figuras reales o son representaciones idealizadas y, por ende, mitificadas? Yo siempre me siento
inspirado por el mundo que me rodea, las figuras y el patetismo. Ellas son,
en gran parte, mitológicas, ya que forman parte del sueño al que inevitablemente estamos sometidos. Las mágicas estancias que habitan son el reino
de nuestra alegría ficticia. Los detalles somos nosotros, también los rostros
y los gestos; pero el ritmo, el flujo y la magnificencia son la verdadera
energía que poseemos que tomamos por una verdadera posibilidad.
Tus composiciones son obras de gran envergadura. ¿Qué te aporta
en especial este formato? ¿Has pensado alguna vez en probar otras
técnicas y procesos? Veo la complejidad infinita interconectada. La
historia de la camiseta que llevas, por ejemplo, incluye al equipo de diseño
de Italia que discutió acerca de sus detalles; al fabricante chino que luchó
junto a su esposa el día en que le robó parte del dinero a un directivo de la
fábrica; al inversor en Francia que luchó con una compañía de electricidad
por una importante pérdida... Y así sucesivamente. Y en todo esto no
importan los combates en Gaza, los incendios al norte de París y los arrestos
terroristas en Boston. El gran tamaño y la complejidad parecen la única
manera de hacer una representación más fiel de todas nuestras influencias.
Por otro lado, sí que he probado diversas técnicas: pintura, fotografía, dibujo,
escultura, cine y vídeo... Pienso que cualquier herramienta es buena para dar
sentido al mundo.
Finalmente, y ante la decadencia, como hemos comprobado, del
sueño capitalista occidental, ¿cuál crees que será la próxima
‘panacea’ del hombre? ¡El sueño capitalista occidental no morirá jamás!
Tampoco las cucarachas podrán ser nunca eliminadas. A este respecto,
pienso que ambos son factores de nuestra vida, nos guste o no. No creo que
podamos hacer que la gente sea agradable. O que no peleen. O que sean
inteligentes. Es sólo una cuestión de lo que hacemos con nosotros mismos
en este apuro encantador.
Más info en su página web, www.terryrodgers.com
Silvia Rubi
Barvara Vamp
Fotografía: AITOR LARA - www.aitorlara.com
Barvara Vamp
Jessica Blue
Jade
EROS NO ESTÁ EN LAS LISTAS DEL INEM
Texto_ Maru Sánchez
Podría suponerse que el backstage de una película porno es el lugar en el que la ropa vuelve a ejercer su función habitual, en el que los actores, prestidigitadores psicológicos, y en este caso, también corporales delante de las cámaras, vuelven a ser fulano y mengana. Es lógico pensar que sería el espacio en el
que Lady XX y Lord Big Dick se desquitan de sus títulos nobiliarios para ser simplemente Aurora y Juan, o Silvia y Ramón, que llaman a sus madres o incluso
abuelas por el móvil para comentar cómo les va el día. También la postura, o impostura, se quedaría en el set de rodaje; o los múltiples aparatos de juego:
vibradores, bolas chinas, esposas, vaselinas y demás ungüentos... Son material laboral. Sin embargo, nada de eso se transcribe de estas imágenes.Tomadas
en Eros Andalucía, el I Festival Erótico de Andalucía celebrado en FIBES (Sevilla) a principios de octubre, estas fotografías muestran una faceta más de su
trabajo: la de la continua necesidad de venderse. Como las modelos, los estilistas, las grandes divas... Estas profesionales de la industria del porno español
saben que un paso en falso puede hacer que las vean como una de tantas chicas vestidas de Zara que pueblan las calles de cualquier ciudad. No. Ellas son
actrices, profesionales de lo suyo y, como tales, saben que su mejor carta de presentación es la que la naturaleza les dio. Una herencia que se dispara a la
enésima potencia en presencia de cualquier objetivo. Y es que el dios del erotismo no se va de vacaciones. Incluso en épocas de vacas flacas como esta,
Eros sigue cotizando en todos los mercados de valores como un ancestral bien de consumo primario.
Reconocido ‘cuentista’ sin necesidad de palabras, el fotógrafo Aitor Lara es el autor de esta serie. Su mirada y su increíble capacidad para contar historias a
través de sus imágenes y protagonistas le ha llevado a consagrarse como uno de los fotógrafos documentales más reconocidos de nuestro panorama.
Más info en: www.aitorlara.com
Diana Dean
Lady Mae
ARTÍCULO the bloody beetroots
El año pasado Italia, mal que nos pese a muchos españolitos de a
pie, se puso muy de moda en el ambiente electrónico. No sólo se
lanzaba a la pomada un sello de New Jersey llamado Italians Do It
Better, sino que, de buenas a primeras, dos nombres del país de
Valentino Rossi empezaban a soltar candela por los clubes de medio mundo: Crookers y The Bloody Beetroots. Tras singles apoteósicos como “Butter”, “Romborama” (Dim Mak/Nuevos Medios,
2009) es la canallada de estos últimos en formato largo. Pasen,
echen la pota por el pestazo y flípenlo, camaradas.
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ARTÍCULO the bloody beetroots
THE BLOODY
BEETROOTS
DOS ROMBOS
Texto_ Jorge Montes
ITALIANS DO IT (BUTTER)
Sí, es cierto. Por mucho que nos joda, los italianos son chulos. Y los italianos
molan. Pasa con el gran Rossi, contra quien nuestro Jorge Lorenzo no
ha podido aunque le falte poco, y con el vaina de Jonathan en “Fama ¡A
bailar!”. Nos fastidia, para qué negarlo si es verdad, pero como entre países
vecinos el odio es moneda corriente, también nos alegra que una nueva
hornada de perlitas con acento siciliano le haya pateado el culo a Justice y
sus secuaces de Ed Banger. Abajo el croissant y arriba esa pizza, coño ya, y
si la regamos anteriormente con cositas de las que te hacen alucinar, mejor
que mejor. Hace cosa de un año, o al menos fue por esa época cuando el
menda que firma se enteró de la movida, los blogueros más -ejem- puestos
en la cosa canalla nos dieron la pista en forma de país con ídem de bota.
Crookers ficharon por Southern Fried Records, sello de Fatboy Slim, y
sacaron su ya clásico “Knobbers EP”, candela fina. Por su parte, The Bloody
Beetroots destrozaban oídos, ya fuera con pepinos del calibre de “Butter”,
ya fuera con remezclas asesinas a tipos tan intimidantes (por el talento y por
el físico) como Timbaland.
PORQUE YO LO VALGO
De la noche a la mañana, The Bloody Beetroots eran la nueva mierda: giras
con el DJ más cool del planeta libre, Steve Aoki, fiestuquis donde la Hilton
y la Lohan se lo pasaban teta entre pelea choni y paseos al baño, y un largo
etcétera dentro del catálogo de ‘cómo molo, coño’. Pa darles fuerte en las
encías, por supuesto. Pero es, claro, el Aoki sabe más que los ratones coloraos (o en este caso más bien amarillos, pero bueno) y el sello que dirige,
Dim Mak, es buena prueba de ello. En su catálogo, que a primera vista
parece una cosa casual, como de fiesta de barriá entre colegas, conviven
gentuzos del calibre de Diplo, Motor, MSTRKRFT o nuestros protagonistas
de artículo. Sírvase usted añadir que la imaginería estética del sello es perita
fina, que Dim Mak no es otra cosa que el famoso ‘golpe mortal en los puntos
de presión’ que tan famoso hiciera Tarantino con la segunda parte de “Kill
Bill” y que esos coleguitas del amigo sirven caña de lomo en formato vinilo
con una facilidad que asusta y, claro, ya la hemos liado.
ENTRE ENMASCARADOS ANDA EL JUEGO
Miren, de verdad, que es que esto no para. Daft Punk no sólo son la madre
de todos estos angelitos, desde Justice a Simian Mobile Disco pasando
por Crookers y The Bloody Beetroots, sino que además de haber dictado
las reglas del juego dance, encima son irreprochables a nivel estético.
Porque, verán, ¿es que ahora a todo el mundo le pone el rollito máscara? Lo
demuestra Deadmau5 (leer sección de reviews) y lo abrazan también, con
todo el cariño, The Bloody Beetroots, aunque en un palo más comiquero,
como de Venom enzarpao. Encima, el rollo máscara les viene a los Beetroots
de perlas porque, un momento, ¿Bloody Beetroots es uno o son dos? ¡Incógnita! La solución es que, aporreando los samplers para crear mandanga de la
buena, Bloody Beetroots es Bob Rifo, así a secas. Pero chorreando ácido por
esas pistas de Dios, con los Pioneers por delante, Bloody Beetroos son dos,
Bobby Rifo y DJ Tommy Tea. ¿Aclarado? ¿Alguna duda? ¿Te parto los piños o
qué pasa ya con tu rollo?
CUAL RANKXEROX IN DA DANCEFLOOR
Todo esto de las mascaritas y de la mugre cobra aún más sentido cuando
vemos la portada de “Romborama” y descubrimos una guarrería pictórica
que nos resulta muy familiar. Investigando, hallamos la razón: Tanino Liberatore, creador del mítico RankXerox, ha sido el encargado de poner imagen
a este artefacto asilvestrado y demoledor. Es un detalle precioso para todos
aquellos que, como este servidor de ustedes, creció mangándole los cómics
para adultos a su papá, para leerlos luego a escondidas en la comodidad
de la soledad. Dice Rifo que leer a Liberatore cuando era cani le cambió la
vida, así que plas, plas, aplaudimos la jugada y envidiamos el nuevo acierto,
porque no me negarán que muchos de esos muchachos que juegan a ser
Dios en las pistas de baile, a tope la maquinaria, tienen un puntito RankXerox
en la carita que qué... Si no se lo creen, visiten el Panorama berlinés a las
y pico de la mañana o, si tienen aun más valor, dénse una vuelta por sus
cuartos de baño. Una epifanía en toda regla.
A TI TE GUSTA LA MANTEQUILLA
“Butter” es una de las pedradas cluberas más grandes de la Historia de la
Vida, y punto. Como no podía ser de otra forma, viene bien incluida con sus
teclados catedralicios y su mastodóntico y marcial ritmo en este “Romborama”, e incluso se ha estrenado con un bonito vídeo. Bonito, por cierto, hay
poco ahí, excepción hecha con la tierna “2nd Streets Have No Name” que
precisamente precede a “Butter” en el tracklist. Bien es cierto que el álbum
termina un pelo nostálgico, con detallitos como “Mother” (¿tiene madre este
tunante?) o la divertida “I Love The Bloody Beetroots”, pero para que nadie
se llame a engaño, lo último que escuchamos es “Anacletus”, un tiro en la
nuca sólo comparable en óxido a “Thelonius” y “Yeyo”, que les encantarían
a los pastilleros de la vieja escuela (lo cual no es un insulto). En estas veinte
piezas hay tiempo para todo, featurings de caché incluidos como los de The
Cool Kids, papá Aoki o Lisa Kekaula, cantante de los punk-souleros Bellrays
y habitual también en hits de Basement Jaxx como la apoteósica “Good
Luck”. “Romborama” empieza como un trueno y termina aun peor, y por medio podemos morir de asfixia. Pero claro, ¿quién tiene cojones de escucharse
esto de un tirón? Lo mejor está en la mezcla, y para dominar los clubs aquí
hay estopa para rato. La mugre mola, perras, y si es italiana, pos ya te digo.
“Romborama” está editado en Dim Mak y está distribuido en nuestro
país por Nuevos Medios.
MÚSICA
ENTREVISTA vitalic
VITALIC
DAME MÁS GASOLINA…
Entrevista_ David Pareja
ilustración_ Saul Zanolari (www.saulzanolari.com)
Ha regresado. El calvo de oro lo ha vuelto
hacer. “Flashmob” (Citizen Records/
PIAS Spain, 2009) es todo lo que podías
esperar de un disco de Vitalic: techno
francés trufado de seductoras melodías,
música house y toda la energía sucia y
descarada de la música rock. No falta ni
disco. Pascal ha vuelto.
La música electrónica parece haber entrado en un callejón sin salida: cada
vez más las sesiones de club se están convirtiendo en algo mucho más
abierto, freestyle, mezcla de rock con temazos de toda la vida. Los festivales
cada vez apuestan más por el rock en directo en detrimento de la electrónica
(Justice, los últimos reyes del asunto, tienen una puesta en escena con un
mausoleo de amplificadores Marshall) y parece que pasamos por una época
en la que el indie es el patrón a seguir (y DJ Amable un gurú nacional). Aun
así, todavía hay artistas que sobreviven a la épocas. Sin lugar a dudas, Pascal
Arbez, más conocido como Vitalic, es uno de ellos. Sus directos son conocidos mundialmente como un ejercicio de estilo, y su sonido a medio camino
entre el electro y techno es uno de los referentes de la electrónica europea.
“Flashmob” es su último trabajo, el que nos los traerá de vuelta a las cabinas.
Un trabajo donde siguen muchas de sus constantes, ese sonido envolvente
y refinado que saca brillo y magia de los sintetizadores, perlas contundentes
con hambre de pista de baile y una elegancia innata para clavar temazos
que bien podrían entrar en la rave belga más macarra o en el más pijo de los
clubes de diseño. Perlas como “Poison Lips”, el primer single del disco, o las
tralleras “Terminateur Benelux” y “One Above One” le levantan el ánimo a un
muerto. Baja el tempo en gemas como “Still”, que recuerda a Sally Shapiro.
Retoma el electro con “Your Disco Song” o “Flasmob”, otro de los grandes
temas del disco. Hablamos con Mr. Pascal Arbez...
Desde “Poney” (2001) hasta “Flashmob” has compuesto infinidad
de tracks, todos contundentes y con un punto en común: el techno.
En tu último álbum, podemos encontrar grandes diferencias de
tempo en el sonido, a veces más disco, como ese temazo llamado
“Posion Lips”. ¿Por qué este cambio? Es importante evolucionar como
músico. “Poney”, “La Rock”, “Dario”... Ya existen y están escritas. No hay
necesidad de hacerlas de nuevo. Asumir algunos riesgos es excitante a la
hora de componer música. Este cambio es también debido al hecho de que
mis propios gustos también evolucionan con el tiempo, no son siempre los
mismos. Es algo natural.
¿Crees que el presente de la música electrónica y los directos cada
vez se están alejando más de los patrones techno que han marcado
42
la pasada década? Ahora mismo la mezcla es mucho más amplia: hip-hop,
house, techno, hard rock... Nada está mas cercano o alejado de la música
techno, simplemente los patrones van cambiando. Todo ha surgido y es
posible, en parte gracias a DJs como 2 Many DJ’s. Música electrónica
significa realizar música con instrumentos electrónicos, nada más. A partir
de ahí eres libre de hacer lo que quieras. El techno, hablando en términos de
purismo, existe desde hace mucho tiempo, por lo que tiene que ir buscando
nuevos territorios y espacios para sobrevivir.
¿No estarás empezando a estar un poco aburrido del techno? ¿No
crees que “Flashbomb”, “See The Sea Red” y “Terminator Benelux” [canciones de su último disco] son techno?
Mucha gente esperaba encontrar “Anatoles” en este nuevo album.
¿La publicarás alguna vez? Sé que mucha gente espera que publique
este track y he pensado en publicarlo muchas veces, pero creo que
finalmente no lo haré. Es un track en directo y toco una nueva versión en mi
nuevo show, así que está bien como está. Prefiero hacer cosas nuevas antes
que publicar algo del pasado. El nuevo live es, digamos, diferente.
En tus directos es imposible ver ningún ordenador. No hay muchos
artistas como tú en el presente, es casi imposible. Cuando trabajas
en casa o el en el estudio, ¿tampoco utilizas ordenador? Actualmente
he incorporado un ordenador a mis directos, y también lo utilizo mucho
en el estudio. No puedes hacer sonido que suene actual y moderno sin un
ordenador, es imprescindible. Si tuviera que llevar siempre 10 compresores,
3 cajas de ritmos, 5 sintetizadores... Sería realmente loco. Ya llevo alrededor
de 300 kilos de equipo cuando viajo para hacer un show, más que eso
sería una locura. Normalmente utilizo Ableton, pero también llevo algunos
sintetizadores conmigo.
¿Has pensado alguna vez en actuar como DJ en lugar de hacer
siempre directos? A veces lo he hecho. Sobre todo al principio y más
que nada por diversión, en algunas fiestas privadas. La verdad es que me
encanta, sobre todo ahora. De hecho muy pronto lo haré en España.
Hablando de nuestro país, creo que tu padre es español... ¿Es esto
cierto? Sí, tiene ascendencia española, por lo que ha debido de dejarme
algún parentesco en la sangre. Me encanta España, es siempre un placer
visitarla. Siempre que actúo en vuestro país me suelo quedar unos días más
para comer en buenos restaurantes y estar con los amigos.
Me han informado de que estás preparando un set realmente
espectacular para tus nuevos directos, provisto de pantallas y unas
visuales espectaculares. ¿Podrías contarnos algo al respecto? Tendré dos pantallas detrás de mí. Estas pantallas serán también espejos, por lo
que me reflejarán de espaldas y a todo el público. Es un poco complicado de
explicar, pero lo llamamos ‘realidad aumentada’ porque crea un espacio en
tres dimensiones que no existe realmente.
“Flashmob” está editado por Citizen Records y distribuido en nuestro
país por [PIAS] Spain.
ENTREVISTA vitalic
MÚSICA
ENTREVISTA editors
EDITORS SE OSCURECEN
Cuentan con una de las mejores voces masculinas del
panorama musical y algunas grandísimas canciones
pero esto no les ha servido para evitar este último
traspiés llamado “In This Light and On This Evening”
(PIAS Spain, 2009). Los británicos Editors acaban de
poner a la venta el que, sin duda, es su peor disco hasta el momento. Un desacertado cambio de rumbo que,
no sólo no aporta nada sino que les resta efectividad.
Sobre este nuevo rumbo que han tomado estuvimos
hablando con Russell Leetch, bajista del grupo.
44
ENTREVISTA editors
EDITORS
Texto_ Angélica Guzmán Miralles / Foto_Kevin Westenberg
¿Cómo describirías la música que hacíais antes? No lo sé. Simplemente somos un grupo con guitarras y escribimos grandes canciones,
supongo. En esencia una banda que hace pop.
Así que, ¿diríais que sois un grupo pop? Sí, totalmente. Nos gusta esa
música y es la que hacemos.
Y ¿cómo describirías, bajo tu punto de vista, este nuevo trabajo?
Seguimos queriendo hacer grandes canciones, sólo que desde una perspectiva diferente, con sintetizadores en lugar de con guitarras como base de las
mismas, lo que nos ha parecido muy interesante.
¿Qué significa este álbum en la carrera de los Editors? No lo sé.
Todavía es pronto para decirlo. Todavía no ha salido a la venta así que no
podemos saber cómo va a reaccionar la audiencia. Por el momento el sencillo ha atraído a mucha gente y les está gustando mucho, así que parece
que es algo bueno.
Y desde una perspectiva personal, ¿qué significado tiene? Nos ha
encantado hacer este disco. Nos hemos divertido mucho y ha sido una
experiencia excitante, así que estamos contentos de que la gente lo oiga.
Este último trabajo es muy diferente de los dos anteriores. ¿Supone
un nuevo comienzo, un cambio, una evolución o una involución?
No lo sé. Creo que sólo podemos hablar de estas cosas con la perspectiva
del tiempo, ya sabes, en un año o dos podremos decir qué es lo mejor que
hemos hecho. Hasta ahora lo que hemos hecho nos parece bueno.
¿Por qué un cambio ahora, después de todo el éxito que habéis
tenido? Podríamos haber seguido con el mismo estilo pero ya no nos
estimulaba como músicos. Habría sigo muy aburrido hacer lo mismo. No sé,
nos apetecía hacer algo distinto incluso si no tienen éxito, al menos hemos
hecho algo diferente.
“In This Light and On This Evening” posee un sabor muy ochentero.
¿Por qué un cambio hacia este estilo gótico y oscuro? No sé. Es un
sonido que surgió. Espero que también haya sonidos felices como los de un
disco verdaderamente moderno. Sí, también hay mucho sintetizador de los
ochenta aunque también de los modernos. En ese sentido tiene la esencia
que el sello quería darle al trabajo pero pensamos que, a pesar de ese sabor
a los ochenta, es un sonido muy moderno.
Se os ha comparado con muchos artistas. ¿Con quién os gustaría
que lo hicieran? No lo sé. Nos sé muy bien con quién nos comparan.
Siempre y cuando nos comparen con buenos grupos, no nos importa.
Hay quienes os comparan con Joy Division, que este último disco
suena mucho como Ian Curtis. ¿Es bueno o malo? No conozco a Ian
Curtis. Nunca he oído nada de él.
¿En qué os inspirasteis a la hora de componer las canciones de “In
This Light and On This Evening”? No lo sé. Empezamos escuchando
bastantes bandas sonoras y entonces nos metimos en el estudio y oímos
cosas muy distintas, desde Talking Heads a LCD Sound System.
¿Bandas sonoras? Sí, queríamos escribir algunos temas con estilo
cinematográfico.
¿Buscabais un sonido de música de película a propósito? Sí,
totalmente.
Explícanos el porqué del título. Antes de que empezáramos a grabar realizamos una sesión de demostración y este fue uno de los primeros temas
que grabamos. Guarda un sentido de todas las direcciones en las que nos
hemos dirigido en este nuevo disco: sintetizadores, voz, un sonido particular.
Si lo pensamos tiene un sentido general.
Por lo general, ¿quién decide los nombres de las canciones y de los
trabajos? ¿Hay un quórum general o lo decide Tom, el cantante? Sí,
el título de este nuevo disco se decidió entre Tom y yo, mientras que los dos
anteriores fueron un trabajo más colectivo.
¿Qué haréis si este disco no alcanza las cotas de éxito del anterior?
No lo sé. Todavía es pronto para decirlo.
¿Volveréis a vuestro antiguo estilo? No, seguiremos hacia delante. No
creo que no vaya a tener éxito. Tiene muchas canciones pop. Hemos recorrido un largo camino para obtener influencias de música alternativa.
¿Estáis pensando ya en cuál será el rumbo que tomará vuestro
próximo trabajo? No, en absoluto. Acabamos de terminar este y el proceso completo no ha terminado todavía. Vamos a hacer una gira y entonces
pensaremos en ello.
¿Tenéis previsto venir a España? Sí, por supuesto. Estaremos allí en el
mes de noviembre.
Primero os llamásteis The Pilot, luego cambiásteis este nombre por
el de The Pride, luego pasásteis a ser Snowfield y luego Editors (a
secas). ¿Por qué este baile? Sí. Todos los nombres que tuvimos antes
fueron sólo para actuar. No llegamos a grabar ningún disco con ninguno de
ellos. Estábamos buscando nuestra identidad. Eran nombres temporales que
nos íbamos poniendo. Ya cuando tuvimos un sello, este fue el nombre que
nos gustó y es con el que nos quedamos.
“In This Light and On This Evening” está editado por [PIAS] Spain.
MÚSICA
ENTREVISTA g.a.s. drummers
“Decalogy” es el nuevo disco de los jerezanos G.A.S. Drummers, sin lugar a dudas su mejor trabajo. Una nueva vuelta
de tuerca en una trayectoria caracterizada por la pasión y la entrega.
Texto_ David Pareja
Once años de carrera, del hardcore al rock pasando por el powerpop. Mucha carretera, sellos, cambios, y una canción “Teenage
Wasteland” -presumiblemente uno de los singles de este disco- que
reza que no hay nada que temer y aún no es demasiado tarde.
¿Quedan G.A.S. Drummers para rato? Tengo la sensación con G.A.S.
Drummers [nos cuenta Dani Llamas, cantante y compositor de la banda] de
que una vez resignados a ser unos supervivientes, una vez resignados a ser
felices con vernos las caras y poder irnos a tocar y seguir haciendo discos,
de que hemos alcanzado un nivel extratemporal. Para nosotros, seguir con
esto es un regalo, y es la válvula de escape que tenemos para nuestros
quebraderos de cabeza diarios, aunque también el grupo se convierte en un
problema a veces. De momento aquí seguimos, y si hemos llegado hasta
aquí no hay nada que nos haga pensar que hemos de tirar la toalla justo
ahora.
¿Porqué habéis tardado tanto tiempo en sacar otro disco? ¿Os ha
resultado complicado? Esta vez ha sido la más difícil de todas. Han exis-
G.A.S.
DRUMMERS
KEEP ON ROCKING
46
tido muchos contratiempos, empezando por nosotros mismos que hemos
intentado ir mucho más lejos con el proceso de composición del álbum.
Hemos querido saber hasta dónde éramos capaces de llegar, y para ello
hemos maquetado 45 canciones, grabado 20 y finalmente incluido 13 en el
disco. Han existido ciertos daños colaterales en el camino, pero creo que ha
merecido la pena. Ahora podemos contemplar el horizonte desde la cima.
Hablábamos de los cambios estilísticos del grupo. Obviamente vuestra raíz sigue patente, seguéis planteando una alternativa enérgica
(“25th Hour”, “American Bliss”) pero ahora vuestras canciones
tienen una redondez más apegada a géneros como el rock. Pienso
en la canción “Paper Tigers” o en “Black Wind”. ¿Ha sido fruto de
que os habéis tomado más tiempo a la hora de componer? No hay
duda de que hemos reposado más los temas, y al mismo tiempo hemos
hecho canciones que pudiesen defenderse sólo con guitarra y voz. Por eso
son canciones muy atemporales, y que se guardan todas sus armas para el
directo. Por esta razón es por la que decidimos grabar el disco en directo, las
canciones son estructuras sencillas y melodías muy directas, no hay trampa
ni cartón.
La colaboración con Muni Camon luce espectacular y la letra de
esa canción habla de un viento que en Cádiz supongo conocéis de
cerca... Háblanos acerca de esta colaboración y de las letras. Detecto un noto un tanto oscuro en general... Siempre que vamos a gra-
ENTREVISTA g.a.s. drummers
bar a casa de Paco y Muni intentamos que ella colabore. Ya en “Dialectics”,
hicimos juntos “Recreation of Myths” y fue espectacular. Esta última vez
ella escuchó todas las canciones y decidió entrar en “Black Wind”. Es cierto
que hay un lado oscuro en el que me tambaleo en algunas canciones como
“Black Wind”, “Where to Go” o “American Bliss”, son quizás cicatrices de
guerra de lo cotidiano. Las canciones tristes siempre me han parecido más
apasionantes que las alegres, es un defecto de fábrica. Mi palo preferido del
flamenco es la soleá.
Quizás el giro más llamativo es el paso al folk, algo que se entiende
es gradual, pero no deja de asombrarnos. Caso de “Back Among the
Dead” o “Family Day”. ¿Están emparentadas también con el disco
en solitario de folk que acabas de publicar? Desde hace algunos años
vengo dando un pequeño viaje hacia el folk, por lo instantáneo y lo básico
de coger una guitarra y cantar sin necesidad de otro artificio. He trillado los
discos de Nick Drake o de Neil Young y eso ha repercutido en G.A.S. Drummers en los últimos tres discos, cada vez más abiertamente. El último paso
ha sido hacer mi propio disco en solitario, que bebe mucho más de todo ese
mundo folk, y pop de autor que de lo que se nutre al grupo. Así G.A.S. Drummers puede cerrarse más a unos sonidos más eléctricos y yo puedo seguir
explorando el pop y el folk con mi proyecto en solitario, aunque seamos
todos parte de lo mismo.
Habéis transformado la Red Vanette con la que recorristeis carret-
eras de España y media Europa y la habéis transformado en un sello
con el sobrenombre de “Music from The South”. ¿Por qué habéis
optado por la autoedición? ¿Cuáles son vuestros objetivos con el
sello? Nuestra forma de ser es a veces muy impulsiva. A veces hacemos
cosas y no somos capaces de explicar los porqués de esas actitudes. A mí
me da por creer que oimos voces interiores que nos piden esos cambios a
gritos. Con “Decalogy” íbamos encaminados a algo totalmente diferente.
Estábamos apuntando alto con los sellos, incluso internacionalmente,
teníamos un manager canadiense y un supuesto largo camino que recorrer
entre despachos y reuniones en la cumbre. Al final dejamos todo eso al
lado y optamos por lo más cercano, editar nuestros discos en España y
licenciarlos en el extranjero. De momento muy contentos con la acogida del
disco de G.A.S. Drummers, y con la edición de mi disco en Francia. En breve
se invertirán los papeles y editaré el mio en España y el de G.A.S. Drummers
será editado a nivel europeo en enero de 2010.
Cuentanos cuáles serán vuestras próximas fechas y cuándo tendremos
oportunidad de ver “Decalogy” en directo... G.A.S. Drummers estaremos
tocando a lo largo y ancho de España y también en Europa desde ahora hasta
finales de 2010. Hay fechas cerradas en Barcelona, Madrid, Sevilla, Granada,
Málaga, Jerez, Mallorca, Zaragoza, Valencia, etc. Lo mejor será que estéis al tanto
en el myspace del grupo: www.myspace.com/gasdrummers
“Decalogy” editado por Red Vanette.
MÚSICA
ENTREVISTA nico muhly
Nico Muhly es un geniecillo que, a pesar de
su juventud, ya puede
presumir de logros tan
llamativos como haber trabajado para Philip Glass,
compuesto bandas sonoras
para películas de tanto
éxito como “El Lector”, arreglado temas para Björk
o Antony o, lo que más
nos interesa a nosotros,
regentado el exquisito
sello islandés Bedroom
Community junto a Ben
Frost, Valgeir Sigurðsson
y Sam Amidon. Los cuatro
actuarán en Sevilla durante la segunda edición del
festival Electrochock (US).
48
ENTREVISTA nico muhly
NICO
MUHLY
CONTEMPLANDO BALLENAS
Texto_ Jorge Montes, con la inestimable ayuda de Vidal Romero
Fotografía_ Peter Ross
Con un currículum tan impresionante, suponemos que tienes una
formación clásica potente... Empecé a estudiar música de una manera
formal a los catorce, pero la parte más importante de mi educación
fueron las clases de piano y cantar en el coro de la iglesia, ambas tareas
emprendidas a los diez años, más o menos. La música que escuchaba en
el coro cambió mi vida, todos esos compositores de los siglos 15 y 16 me
impactaron... Y más tarde, empecé a escuchar más a Philip Glass, Steve
Reich y Stravinsky y me quedé fascinado con todos ellos.
Desde muy joven te enrolaste con la Philip Glass ensemble, tocando
en discos como “Naqoyqatsi” y haciendo giras con él... No es un
crecimiento usual para un músico más o menos ‘indie’... Bueno, en
realidad nunca toqué con su Ensemble. Trabajé en el estudio, es decir: toqué
en discos, conduje ciertas partes y sobre todo hice mucha edición con el
ordenador. Una de las cosas más llamativas de Philip es que se auto-publica,
tiene su propio ensemble, una productora y recientemente hasta un estudio
de grabación en Manhattan. Es una relación de ida y vuelta entre él y sus
empleados. Aprendí lo indecible gracias a mi participación en varias de sus
bandas sonoras, y una de las cosas más admirables es su capacidad para
tirar a la basura música que cree que no va a funcionar. Hay que ser muy
valiente para desechar tanto material.
¿Cómo es tu método compositivo? ¿Planeas antes una historia,
luego la arreglas y por último mezclas todo lo conseguido? Más o
menos, exceptuando que lo primero y lo segundo suele suceder al mismo
tiempo. Los arreglos, de hecho, a veces vienen antes que cualquier otra
cosa. Por ejemplo, en “Clear Music” tenían tanta importancia los instrumentos usados como las notas tocadas con ellos. “Mothertongue” (Bedroom
Community, 2008) fue un poco más complejo, y ahí sí que había una voz
narrativa, luego un flujo común entre el desarrollo y los arreglos, y al final el
estudio también se convierte en una herramienta en sí mismo. Esta última
es además la parte más colaborativa, pues es el momento donde dejo que
Valgeir husmee a gusto.
¿Qué podemos esperar de ti próximamente? Pues no sabría decirte...
Ahora mismo estoy trabajando en una ópera, un trabajo tan complicado que
no me deja pensar en nada más. Sí tengo muy claro que me gustaría hacer
algo más íntimo que “Mothertongue”, sobre todo de cara a los directos.
Actualmente, un concierto puede involucrar a seis o siete personas en gira,
y la verdad es que, aunque sea por cambiar un poco, no estaría nada mal
escribir algo de música sólo para mí, o para mí y una persona más.
Has compuesto arreglos para artistas como Björk, Antony o Bonnie
‘Prince’ Billy, ¿qué supone para ti trabajar para músicos de ese calibre? A veces es difícil, no te lo negaré, pero también algo bonito, teniendo
en cuenta que componer música es un trabajo usualmente solitario. Con la
ópera, por ejemplo, mi método es despertarme, escribir durante doce horas
seguidas, salir a comer algo y acostarme. Todo lo opuesto que enfrentar tus
ideas con otros artistas, es una manera de pensar muy distinta.
También es una colaboración bidireccional, porque alguno de esos
músicos luego aparece en tus propios discos... Sí, y es algo que me
encanta. Componer arreglos para otros es como vestirlos, en cierto sentido,
y también es bonito que aparezcan ellos por tu casa.
Has colaborado en el reciente y maravilloso “Veckatimest” de
Grizzly Bear, y ellos comentaban que tienes una capacidad para
proponer ideas asombrosa, que siempre estás saltando con mil
posibilidades... Sí, reacciono rápidamente cuando estoy arreglando temas,
es una de mis principales virtudes, supongo.
¿Qué diferencias hay, entonces, entre componer tu propia música y
trabajar para otros, sea arreglando o escribiendo bandas sonoras?
Pues el trabajo colaborativo significa que te comportas como si fueras
miembro de una comunidad, mientras que hacerlo solo implica que puedes
dejarte llevar por cualquier cosa que se te cruce por la mente. En lo que
respecta a las bandas sonoras, es un proceso muy transparente: no hay
mucho lugar para la auto-indulgencia, la inspiración o lo que sea... Sólo
tienes que producir y asegurarte de que estás haciendo algo aceptable, ya
que tienes por encima como a diez personas que han de aprobar tu trabajo.
Háblame un poco de Bedroom Community... Pues tengo una relación
especial con el sello, por supuesto, dado que mi disco “Speaks Volumes”
(2006) creó las condiciones para que este naciera, y a la inversa. Además,
el estudio de Valgeir es un lugar maravilloso para trabajar, un lugar donde
además estamos muy cómodos currando todos juntos, pero a la vez todos
un poco a nuestro aire.
¿Y cómo llevas eso de vivir entre Reikiavik y Nueva York? Pues ciertamente es un poco esquizofrénico... Te diría que Nueva York es ahora un poco
más ‘hogar’ para mí, aunque pase allí temporadas muy cortas.
Por último, descríbenos un poco cómo será el show que veremos en
Electrochock. Pues no lo tengo muy claro, la verdad. Por mi parte, seguro
que caen un par de piezas de “Mothertongue”, algunos estudios de viola y
nuevos ejercicios con loops de piano con los que he estado jugando...
Nico Muhly estará actuando al frente del showcase “The Whale
Watching Tour” de Bedroom Community, el sábado 7 de noviembre en
Pistadigital, durante el II Ciclo de Música Electrónica de la Universidad
de Sevilla, Electrochock (US) 2009. Más info sobre el festival en www.
facebook.com/ElectrochockUS y sobre el sello en www.bedroomcommunity.net
MÚSICA
ENTREVISTA orthodox
El disco anterior empezaba con saxofón y este con trompetas,
¿creéis que los vientos le dan un toque especial a las canciones?
Bueno, era un clarinete, no un saxofón. Y no sé si lo definiría como ‘especial’,
simplemente pensamos que eran temas que lo necesitaban.
¿Por qué ese texto de Edmund Burke sobre España en el libreto?
Porque cerraba y concluía perfectamente los conceptos que giran en torno
al disco: Moby Dick, la tradición española con todo lo que ello conlleva (religión, folclore... ). Era una cita perfecta que, por un error, no ha sido incluida
en la versión en vinilo.
El disco se compone de una sola canción, “Sentencia”, de 33
minutos y 33 segundos, dividida en 3 movimientos. ¿Por qué tanto
3? ¿Os gusta la numerología u os influye “Perdidos”? No, no nos gusta
“Perdidos”. Pero en las religiones y a lo largo de la historia del pensamiento
el número tres ha sido crucial y se le ha cargado de significado. Era el tercer
disco de un grupo que funciona como trío, teníamos tres temas... La verdad
es que todo fue surgiendo de forma natural y nos dejamos llevar.
Igual en “Sentencia” es más claro, pero juro que en “Amanecer
en Puerta Oscura” (Alone, 2007) a veces no sabía si esos gritos
guturales y modificados con efectos eran inglés, español o latín.
Y teniendo en cuenta vuestra estética y los temas reflejados, ¿no
creéis que quedaría mejor el castellano? A veces usamos el latín,
otras el inglés, los títulos casi siempre en español... ¿Conoces los motetes
politextuales? Pues por ahí van los tiros. En español lo que suena bien es el
flamenco y ya hemos hecho algunas cosas con Fernando Terremoto e Inés
Bacán. Alguna saeta, un martinete...
Aunque en los otros hubiera cierta ligazón entre los temas, creo que
“Sentencia” definitivamente es una obra que se tiene que entender
como un todo, a lo que contribuye haber unido de las canciones.
¿Lo planteásteis como un disco-concepto? ¿Qué teoría hay detrás
de este álbum? Bueno, volvemos a la triada. El concepto se desarrolla a lo
largo de tres discos: “Sentencia” es el tercer capítulo, “Gran Poder” (Alone,
2006) se remonta al paganismo oscuro y al nacimiento de la religión, y
“Amanecer en Puerta Oscura” trata de la llegada de la luz, el apogeo de esa
espiritualidad. Pero “Sentencia” es la autodestrucción, de cómo el cristianismo muere engullido por su propia luz, el terror blanco.
Aquí más que nunca se dejan notar las influencias del free jazz,
la contemporánea e incluso los compositores españoles clásicos.
¿Cómo componéis, cómo sois capaces de compactar todas estas
ramificaciones? En Orthodox hablamos mucho entre nosotros, no tenemos
miedo de proponer nada. Hablamos constantemente de cada cosa
que nos supone un descubrimiento o cualquier cosa que nos inquieta. Somos respetuosos cuando alguno de los tres miembros cree a
muerte en alguna idea. Somos el grupo más ‘grupo’ que he visto en
mi vida, en parte porque la formación de trío te da un equilibrio perfecto. Los tres componemos y nos implicamos en las ideas de los
demás. Escuchamos mucha música diferente pero siempre desde
una óptica similar, por eso todo se filtra de forma natural.
50
¿Qué tal os va con el sello malagueño Alone Records? Es nuestro
hogar. Somos un grupo pequeño en un sello pequeño, así que el trabajo es
muy duro para ambos... Pero la relación es buena.
¿Os sentísteis orgullosos de que Southern Lord se encargara de la
distribución de vuestros discos? Yo no diría orgulloso. Nos ha ayudado a
que mucha más gente se fije en nosotros. Parecía una especie de garantía
de calidad. Pero sinceramente, no creo que nos haya pasado nada que no
nos merezcamos.
Hablando de eso, ¿cómo veis, retrospectivamente, aquella famosa
reseña de Julian Cope? De eso sí que nos sentimos orgullosos. Gozar del
apoyo de alguien como Julian Cope fue el golpe de gracia para que la bola
empezara a rodar.
Siempre se os compara, por aquello de hacer metal ‘raro’, con
grupos como Sun O))), Boris o Earth, pero luego, cuando leo vuestras entrevistas, siempre decís que sois jevis de la vieja escuela...
¿Seguro que no os consideráis una rara avis dentro del mercado, al
menos, del nacional? Pero es que en el fondo, los grupos que mencionas
trabajan con la mentalidad de las bandas clásicas. Por eso los resultados son
diferentes. Las bandas clásicas del metal como Black Sabbath, Iron Maiden
o Celtic Frost quisieron crear algo nuevo y propio. Es como cuando la gente
decía que Oasis eran los nuevos Beatles. Me parece una gilipollez enorme,
si suenan a los Beatles no son los nuevos Beatles. Los nuevos Beatles serían
algo diferente y lo pondrían todo patas arriba haciendo cambiar la visión del
gran público. Los nuevos Black Sabbath no sonarán a Black Sabbath, tendrán
su esencia, pero no la misma forma. Y ese es nuestro caso.
Estuve en la inauguración de aquel Zemos98 donde abrísteis en
el Lope de Vega junto a Israel Galván y el Terremoto... ¿Os habéis
planteado más colaboraciones de este tipo para el futuro? De hecho
no hemos dejado de trabajar con Israel. Formamos parte de uno de sus
espectáculos y llevamos varios años dando vueltas por Europa. Así que sí,
seguiremos haciendo cosas en esa línea.
Hace tiempo que no os veo en directo, y por lo tanto no sé si seguís
llevando vuestro atuendo nazareno... ¿Os mosquea u os hace
gracia que por ahí se hable de vosotros como de un grupo de ‘metal
capillita’, ‘sacrodoom’ y todas esas cosas? Bueno, lo del ‘doom cofrade’
fue cosa nuestra y lo de ‘sacro doom’ cosa del sello. Es obvio que son
definiciones penosas y etiquetas bastante ridículas. Pero no nos mosquea,
tenemos más sentido del humor de lo que puede parecer. Incluso a pesar
de la seriedad de la música siempre hay algo del espíritu bastardo de Loki
pululando.
“Sentencia” está editado en Alone Records.
ENTREVISTA orthodox
ORTHODOX
ESPERANDO SENTENCIA
Texto_ Pablo Vinuesa
¿Quién nos iba a decir que uno de los grupos
más innovadores de la escena metal saldría
de Sevilla? Orthodox han sabido evolucionar,
tanto en lo sonoro como en la teoría que anida en lanzamientos tan brutales como “Sentencia” (Alone Records, 2009), un tercer disco
que nos sirve de excusa para mantener una
intesa charla con una de las bandas favoritas
del insigne Julian Cope.
MÚSICA
REVIEWS
01
02
03
04
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06
07
08
01. ANTIKOM. ARIES (FLUMO FLUIDOS)
No es novedad que en esta casa apoyemos a dos netlabels andaluces que llevan ya un buen tiempo trabajando excelentemente la cantera autonómica:
hablamos de los malagueños Miga y de los sevillanos Flumo. Centrándonos en los segundos, su división más experimental, Flumo Fluidos, llega a su referencia número 15 con el largo “Aries” de Antikom, también conocido como Photoclick. Como el mismo artista reconoce y en su música se demuestra, su nuevo
AKA es deudor de Anticon, el sello que trajo el indie-rap a las portadas de las revistas. Y hay rap ‘raro’ en “Aries”, por supuesto que sí, con una querencia
evidente por el hip-hop abstracto, pero quizás acertaríamos al afirmar que a donde más apunta este disco es al dubstep. Más cercano a Milanese que a
Burial, para que se hagan una idea, Antikom produce temas pausados y bastante oscuros, con inquietantes atmósferas que flotan tras ritmos titubeantes.
No apabulla “Aries”, porque se reconocen mucho sus influencias y también porque se nota cierta homogeneidad en los beats, pero el intento es loable (y
notable). Además, ¿quién va a resistirse, cuando está disponible para descarga gratuita a través de la web de Flumo? Habrá que estar atentos y seguirle la
pista.>Pablo Vinuesa
02. ARBOL & FIBLA. BU SAN (EMILIRECORDS-spar.RK)
Arbol y Fibla han coincidido en sus carreras en un momento inmejorable para ambos. Por una parte, Miguel Marín consiguió zafarse del legado post-Piano
Magic y conseguir con Arbol un acento propio; por la otra, Vicent Fibla ha demostrado ser uno de los productores de electrónica nacional con mayor elegancia, y la trayectoria de su sello, spa.RK, es igualmente reseñable. Juntos, el equilibrio es perfecto. “Bu San”, lanzamiento a pachas de los dos, es la traslación
al CD de un espectáculo que ya pudimos presenciar durante Territorios Digitales 2008, en las Reales Atarazanas. Se trata de una banda sonora que ambos,
con la ayuda de la violinista Sara Fontán, han compuesto inspirándose en la película “Goodbye, Dragon Inn”, del director medio taiwanés medio malayo
Tsai Ming-Liang. La grabación, además, es una iniciativa del Festival de Cine Asiático de Barcelona, BAFF. Una iniciativa que aplaudimos, porque los que ya
conocemos el espectáculo por su vertiente del directo conocemos perfectamente las virtudes del mismo... Las cuerdas de Sara se mezclan a la perfección
con los mantos electrónicos y orgánicos que tejen Arbol y Fibla, respetando además los aromas de la película homenajeada. Dicho en claro, “Bu San” es una
auténtica gozada para los sentidos.>Pablo Vinuesa
11. THE TWILIGHT SAD. FORGET THE NIGHT AHEAD (FAT CAT)
Escuchar un disco que comienza con acoples de guitarras y ritmos oscuros, deudores de la escuela de Joy Division, es algo que sólo puede sentar bien. Se
presiente la crudeza, la energía, que dirían algunos. Si encima el disco es capaz de mantener el nivel de atención creado durante sus primeros segundos,
entonces es que realmente estamos ante algo grande. Tomen como ejemplo la bofetada en la cara que supone el single “I Became a Prostitute”, permítanme
la posible exageración, pero canciones como esta dejan a la altura de juguetito a Interpol y al resto de nuevos adalides del rock depresivo. La colección de
canciones resulta estar minada de grandes candidatas a himnos generacionales, como la pegadiza y pop “Made to Disappear” o la ultra épica “That Room”,
protagonista de uno de los crescendos más emotivos que uno ha escuchado en mucho tiempo. The Twilight Sad son escoceses, se les nota, y han facturado
un disco que ya quisieran para sí muchas bandas de estas que aparecen en las portadas de los semanarios británicos.<J. Perepi
DISCOS - CRÍTICAS
REVIEWS
04. DANI LLAMAS. SPEAKING THRU THE OTHERS (RED VANETTE MUSIC)
No sólo G.A.S. Drummers han dado un estupendo giro a su ya larga trayectoria introduciendo matices folk en su rock poderoso e intenso, el vocalista y líder
de la banda, Dani Llamas, aparece ahora en solitario demostrando una variedad de registros vocales apabullante. Suena a Drake en su primer corte de título
homónimo, tiene ecos de Neil Young y Gram Parsons en canciones como “Red Moon” o “Me Too” y es capaz de componer luminarias folk como “All Is Gone”,
cálida e inspiradora y que recuerda al mejor Gary Louris. Desboca un aire country en “Kiss Me When I’m Dead” y es sorprendentemente íntimo y oscuro en
“Back to Back”. Se alimenta de lo mejor de la chanson en “Sur Le Chemin” y cierra con una espectacular “Tied Hands”. Atrapa este debut de un artista ya
curtido en géneros como el hardcore y el punk melódico a quien el paso de los años le dota de madurez y elegancia (sin apenas contar los 30). Con la producción de Ken Stringfellow (R.E.M., The Posies, Big Star... ) y Paco Loco, “Speaking Thru The Others” es la nueva faceta de un cantante que ha contado con
colaboraciones como Muni Camon, Leda Tres o los propios G.A.S. Drummers y que, seguro, dará mucho que hablar. Bienvenido sea.>David Pareja
05. JOAKIM. MILKY WAYS (!K7/POP STOCK!)
Impresionante el cambio ofrecido por el francés Joakim en su nuevo largo, “Milky Ways”. Nos tenía acostumbrado el espigado tipo de gafas setenteras y
jerselitos de lana a ofrecer sus mejores virtudes en formato single o, lo que es peor, mediante remezclas a artistas ajenos (su reconstrucción del “Hearts on
Fire” de Cut Copy sigue puntuando alto en toda sesión gamberra que se precie), mientras que en discos suyos como “Fantomes” (Versatile, 2003) o “Monsters & Silly Songs” (!K7, 2007), aunque había buen material, siempre nos dejaba con la mosca tras la oreja. Atrás quedaron pues sus tiempos de indefinición
y eclecticismo, ya que por fin ha aceptado que The Disco, la brutal banda que le acompaña en directo y con la que le pudimos disfrutar en Electrochock (US)
2008, es lo que necesitaba para redimirse en el estudio. Así, “Milky Ways” busca menos el single y más la contundencia, de la cual deja buena muestra el
tema inicial, “Back to Wilderness”, que ya desde el título adelanta que aquí escucharemos pop moderno y kraut espacial, sí, pero también rock embrutecido y
con un punto casi hardcoreta. Casi con la excepción de la anormalmente adhesiva “Spiders”, la mayor parte de “Milky Ways” es oscura, rotunda y opaca. Lo
cual, por supuesto, no tiene nada de malo.>Pablo Vinuesa
06. MAGNOLIA ELECTRIC CO. JOSEPHINE (HOUSTON PARTY)
Cómo ha pasado el tiempo... Parece que fue ayer cuando vi a Songs: Ohia en un BAM barcelonés, con Jason Molina entonando sus lamentos sólo armado de
guitarra y con el acompañamiento de un excelso batería. Pero no, no fue ayer, fue hace un porrón de años ya. Molina es aquel hombre que convenció a Will
Oldham para fichar por Palace Records. Aquel que editó discos tan intensos como “Ghost Tropic” o “The Lioness”, uno de los puntales del sello Secretly Canadian. Aquel hombre es ahora parte de una banda estable y pulcra, Magnolia Electric Co. Un hombre que, pese a lo que parezcan dictar sus discos actuales,
sigue sufriendo reveses como la pérdida de uno de sus músicos, Evan Farrell. Es Magnolia Electric Co. una banda fantástica, todo hay que decirlo, que aunque
en este “Josephine” parezca más amansada sabe conjurar el espíritu de la Crazy Horse de Neil Young cuando es necesario, algo que Steve Albini transcribe
al disco con su contundencia y limpieza habituales. Es “Josephine” un disco muy bonito, desde luego que sí, pero ahora, en estos momentos melancólicos
de domingo por la mañana, mientras escribo esta reseña, no puedo hacer otra cosa que añorar el pasado. Y con Songs: Ohia, lo sentimos, ese pasado fue
mejor.>Pablo Vinuesa
07. MSTRKFRT. FIST OF GOD (DIM MAK/NUEVO MEDIOS)
Dim Mak, el sello de Steve Aoki, el DJ gambitero por excelencia de la gente in norteamericana, se está especializando en fichar a los productores más
macarras del planeta. Lo certifica con los Bloody Beetroots (ver en este mismo CLONE) y se afianza con MSTRKFRT. El dúo canadiense formado por Jesse F.
Keeler y Al-P, ya conocido por su anterior largo, “The Looks” (2006), y sobre todo por ser responsable de uno de los vídeos más perlitas de la historia, el de
“Easy Love”, lanza este segundo álbum en un momento en el que la música de club parece estar en plena forma, con los vinilos calentitos de Deadmau5 y
The Bloody Beetroots también en nuestras manos. “Fist of God”, concretamente, es bastante salvaje, aunque contribuye a que empecemos a estar bastante
hartos de todos estos grupos post-Daft Punk que, al final, terminan sonando similares unos a otros. Aunque eso no quita que temas como “It Ain’t Love”,
“Bounce”, el single “Heartbreaker” (con John Legend al micro) o “Breakaway” sean bien capaces de liarla parda en la pista de baile, por supuesto. En definitiva: aburrido en global, magnífico por momentos.>Pablo Vinuesa
08. PROJECT SKYWARD. MOVED BY OPPOSING FORCES (ROCKET GIRL)
Odio tener que comenzar una reseña usando una maldita etiqueta, pero el caso es que la primera vez que escuché “Moved by Opposing Forces” pensé:
‘¡Cáspita -un servidor jamás usaría una palabra fea-, esto podría etiquetarse como discogaze!’. Pues sí, si han estado una temporada bombardeándonos con el
mal llamado ‘metalgaze’, ¿por qué no hablar ahora del discogaze? La idea es bastante atractiva: imagínense a unos Saint Etienne en su mejor momento, a los
que les han colocado a un Robin Guthrie y a un Ulrich Schnauss en todo el cogollo de la banda. Añadan un poco de inspiración matemática, cierto rollo astral
(cuenta la leyenda que Ryan Field, el cerebro detrás de Project Skyward, cuenta con una titulación en Ciencias y Astronomía en su poder), además de unas
portadas misteriosas y el resultado difícilmente será mejorable. En fin, si en este mundillo hubiese algo de justicia, canciones como “Hungry Ghost” o “Sirius
The Brightest Star” tendrían que estar sonando a cascoporro en todos los clubes del planeta.>J. Perepi
DISCOS - CRÍTICAS
REVIEWS
09. SUNNY DAY REAL ESTATE. DIARY/LP2 (SUB POP/POP STOCK!)
Antes de que a la MTV le diera por grupos como Tokio Hotel o My Chemical Romance y los emos se convirtieran en quinceañeros maquillados en constante
rebelión -ejem- contra el mundo, hubo otra cosa emo en la que el término sí era correcto. El emocore fue la evolución del hardcore cuando la lucha política
(esa que encabezaban Fugazi) fue sustituida por historias personales. Punkis ‘tristes’ como Jawbox o Sunny Day Real Estate ponían la carne de gallina a
guitarrazos, y son precisamente estos últimos los que cobran relevancia puesto que, quince años después, el mítico sello Sub Pop ha reeditado los dos
primeros y capitales largos de la banda, “Diary” (1994) y “LP2” (1995), este último conocido básicamente como ‘el disco rosa’, aprovechando que la banda
original (Jeremy Enigk, Dan Hoerner, Nate Mandel y William Goldsmith) parece que se está pensando volver a las andadas. Curioso que en el pasado CLONE
reseñáramos el “Vale Oso” de Enigk en solitario, y dos meses después toque hablar de su más glorioso pasado... Porque hay que decir que ninguno de los dos
álbumes ha perdido con el tiempo ni un ápice de intensidad o -me permitan el chascarrillo- emoción. Además, vienen remasterizados de las cintas originales,
incluyen jugoso libreto y se completan con dos temas nuevos por barba. Gloria pura, que diría aquel.>Pablo Vinuesa
10. SYNTAKS. YLAJALI (GHOSTLY INTERNATIONAL)
Poco a poco, Ghostly International se está confirmando como uno de esos sellos a los que hay que seguir ciegamente, y si no, repasemos algunos de sus más
memorables lanzamientos de la última temporada: primero fue el feliz debut de School of Seven Bells, luego el enigmático “Glider” de The Sight Below, más
recientemente el enorme “A Certain Distance” de Lusine, y ahora nos vuelven a dejar boquiabiertos con este “Ylajali”, de Syntaks. ¿Se acuerdan ustedes de Limp,
de la época gloriosa de Morr Music? Pues detrás de Syntaks se encuentra el mismo gurú de las baterías ultraprocesadas, el danés Jakob Skott, que para esta
ocasión ha tirado de las sutiles texturas vocales de su compañera Anna Cecilia, que aportan ese punto etéreo, fantasmagórico y casi ‘seefeelesco’ al conjunto. El
disco viene a ser lo que llaman por ahí un álbum conceptual, basado en la novela “Hunger”, del noruego Knut Hamsun, en la que Ylajali es ‘la mujer de los sueños’,
y grabado en el mismo lugar en el que este escribió su obra. ¡Ah! El misticismo escandinavo... Déjense hipnotizar, esto es ambient pop para las masas.>J. Perepi
11. CALVIN HARRIS. READY FOR THE WEEKEND (COLUMBIA/SONY BMG)
El otro día, mi hermano se montó en el coche y, tras escuchar un minuto la espectacular “Flashback”, me preguntó alarmado: “esto qué es, ¿la Maxima
FM?”. Tras mi carcajada, vino la reflexión: “no es la Maxima, pero sí lo que debería de ser la Maxima”. Y digo esto porque esa canción es un auténtico pepino
comercial, con inicio eurobeat, ritmo reguetón, delirios tranceros, estribillos espaciales y todo lo necesario para triunfar entre las gentes del calle. Además,
“Flashback” no es la única, ni mucho menos: “You Used to Hold Me” y “I’m Not Alone” son otras dos grandes opciones para encender la pista de baile. Le
pasa a “Ready for The Weekend”, segundo disco largo del altísimo gambitero escocés, lo mismo que a su debut, el también cargadísimo de singles “I Created
Disco” (2007), que resulta una colección un tanto amorfa de estilos, maneras y conceptos, pero que funciona canción a canción como si fuera una bomba de
relojería. Da igual que el gamberro le dé al pop oscurete, a la disco music setentera o incluso a los baladones; Harris es un productor superdotado y, lo que es
más estimable, un auténtico sinvergüenza, como bien demuestran el vídeo de la citada “Flashback” o la broma que se inventó con ese “Humanthesizer” que
han copiado hasta en El Hormiguero... No podemos ser más fans, la verdad.>Pablo Vinuesa
12. BLK JKS. AFTER ROBOTS (SECRETLY CANADIAN/NUEVOS MEDIOS)
Convertidos en una suerte de nuevo hype desde la aparición de su EP “Mystery”, BLK JKS, como black jacks pero sin consonantes y a lo bruto, demuestran
al mundo que los que apostaban por ellos no estaban equivocados. Los componentes del grupo, Lindani Buthelezi, Mpumi Mcata, Molefi Makananise y
Tshepang Ramoba, ponen a Johannesburgo en el mapa poco después de que sirviera como escenario en el fantástico film “District 9”. Parece justo, por eso
de que ahora está muy de moda entre indies modernos del tipo Vampire Weekend lo de reivindicar Sudáfrica, no sólo que BLK JKS triunfen, sino que además
lo hagan fichando por un sello norteamericano con tanto prestigio como Secretly Canadian. “After Robots”, eso sí, tampoco es un disco fácil. A la evidente
influencia de la música africana se unen un cierto interés por investigar las ramificaciones menos evidentes del pop moderno y una clara fascinación por el
rock progresivo. Eso hace de su álbum de debut un collage admirable, polirrítmico y poliédrico, que a buen seguro les garantizará una larga y próspera carrera
musical. Y dicen que en concierto son fantásticos... >Pablo Vinuesa
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REVIEWS - DESTACADO
Foto: Spiros Politis
FUCK BUTTONS
DEADMAU5
MÁS VALE SERCABEZA DE RATÓN...
MÁS VALE SERCABEZA DE RATÓN...
Texto_ Pablo Vinuesa
Texto_ Fernando Fuentes
Andrew Hung y Benjamin John Power son dos chavales de Bristol que se
han puesto el mundo por montera, y cuando decimos ponerse el mundo por
montera nos referimos a que a media escena indie se le cae la baba con
ellos y a que están en uno de los sellos más selectos del planeta independiente: ATP Recordings. Y nos parece normal que a la división discográfica
del intachable festival All Tomorrow Parties se les ocurriera ofrecerles el
oro y el moro, puesto que la propuesta de Fuck Buttons es magnífica, ya
empezando por haberse bautizado con uno de los nombres más geniales
del rock (¿cómo lo traducirían ustedes? A mí personalmente me encanta
‘los botoncitos del joder’). En 2007 editaron el esperanzador single “Bright
Tomorrow”, que los puso en la órbita de nuevos psicodélicos tipo Animal
Collective. Su primer largo, “Street Horrrsing” (ATP, 2008), fue producido por
John Cummings, de Mogwai, algo que se notaba para bien. Pero ha sido
Andrew Weatherall, mítico pensador tras Two Lone Swordsmen y Sabres of
Paradise, quien ha conseguido el lustre necesario para convertir a Fuck Buttons, no ya en una alegre noticia, sino en una incontestable realidad. Suena
“Tarot Sport” a rock espacial, por supuesto, y también se nota su nacimiento
en Bristol por las brumas sonoras y esos feedback eternos que no andan
muy lejos del legado de los capitales Flying Saucer Attack, pero también han
conseguido destilar un aroma pelín pistero que les beneficia enormemente.
De esta forma, no sólo se puede escuchar “Tarot Sport” mientras se lee el
Wire cómodamente en el sofá, sino también como final melancólico para un
afterhours perfecto tras una sesión de, pongamos, Ewan Pearson. Material
de primera, sin duda alguna.
A pesar de la mascarita ciber-roedora -!qué caló, mi arma!-, la súperpuesta en escena cuasi eurovisiva y ese rollito DJ residente del Disney
Channel, aquí no hay minino encerrado... De momento. Resulta que el
famoso electro-ratón canadiense -léase Deadmau5- se saca ahora, de los
mismísimos agujeros del queso de bola mainstream, una colección de temas
nada inéditos -por ampliamente pinchados y testados en vivo por todos
los multifestis del mundo- y se lleva el gato al agua. Parece que ha dejado
atrás, sólo en parte, esa perenne y atufante pátina trancerosa, chandalense
y poligonera, que tanto gustaba a los fieles profanos y molestaba a los
supuestos eruditos que, por cierto, nunca se agencian un disco pagando
porque viven de la limosna en forma de roídas promos, amén. Lo primero
que entendemos, deshollando el track-list del disco, es que el pintón orejudo
enmascarado ha espabilado y de qué forma. Se ha dado cuenta de que no
sólo de subidones y cantaditas, alunizajes sintéticos y serruchazos finos vive
el hombre moderno y parece alejarse del hediondo progressive, para fortuna
propia e higiene sonora de los demás. Seguramente, sus padrinos Tiësto
y Armin Van Buuren ya lo hayan tachado de la agenda del móvil, ese que
cuando les suena suelta los ragafazos electro del pegajoso “Ghosts ‘n’ Stuff”
a diestro y siniestro. Aclaremos, no obstante, que tras la efervescencia
alegre que provocan las primeras escuchas de los presuntos hits de este
flamante “For Lack of a Better Name” (EMI, 2009), cuando introducimos los
trastos quirúgicos en las tripas del entramado mousero nos topamos con
un tumor, poco curable, conocido coloquialmente como ‘me gustan más los
billetes que comerme un gouda de tres kilates’. Lo cierto es que este álbum
-que, insisto, no lo es tal- parece más un recopilata de éxitos estivales en el
que participan diferentes artistas del digi-jaleo radioformulero unidos por un
mismo estilo que ni ellos saben cuál es. Cada pista parece tener un origen
distinto -vamos que es de diferente padre, que no de madre- y por ello el
resultado final es un tanto difuso, raruno y definitivamente artificial. Lo único
que está claro aquí es que cada golpetazo de sinte de este nueva entrega
ratuna está tan bien trabajado y planeado que casi molesta. Dicen que el
agujero hace al ratón... Y esto es un socavón, amigos.
DISCOS - CRÍTICAS
PROGRAMA teatro danza
JAN FABRE Y SU TEORÍA DEL CAOS
Jan Fabre es conocido como artista de performance, pintor, escultor, diseñador de instalaciones multimedia, director de ópera y, por supuesto, como
dramaturgo, coreógrafo y director de teatro, que es lo que aquí interesa. A
sus cincuenta y dos años todavía se le considera ubicado entre las posiciones más radicales de renovación del teatro y la danza. Quizás por ser nieto
de un famoso entomólogo francés, se ha interesado apasionadamente por
los insectos, en cuyos hábitos ha encontrado parte dew la inspiración que
determina un universo tan misterioso y personal, donde también encuentra
cabida un fuerte compromiso político.
Durante el 2009, Troubleyn, la compañía junto a la que trabaja desde 1986,
anda de gira por todo el mundo presentando su último espectáculo, “Orgy of
Tolerance”, que pudimos ver este verano en España dentro del Festival Internacional de las Artes de Castilla y León, y también en Avignon, por donde el
belga suele dejarse caer casi cada año. A mediados de noviembre podremos
asistir a dos representaciones en Andalucía de una obra que ha obtenido ya
varios premios, entre los que destaca el del Jurado de Danza del Sindicato
de la Crítica francés al mejor espectáculo de la temporada 2008/2009.
Mr. Fabre presenta la obra al otro lado del teléfono explicando: «podemos
adelantar que “Orgy of Tolerance” es un montaje de danza-teatro, en
el que participan nueve artistas, que intercambian sus papeles de
actores y bailarines, y alguno de los cuales también actúa como músico,
interpretando en directo la música que ha compuesto para nosotros
Dag Taeldeman. Tanto los textos como la coreografía han sido creados
en estrecha colaboración con los actores. Yo tenía una coreografía y un
texto de partida, pero cada uno de ellos fue haciendo aportaciones a sus
personajes. Con alguno de estos artistas llevo más de diez años, por lo
que me sentí muy cómodo trabajando así. Además, queríamos que la
obra fuera un manifiesto conjunto de todos nosotros». En cuanto al argumento, «se trata de un espectáculo enérgico y trepidante en el que se
crítica la aceptación por parte de nuestra sociedad de unos criterios de
tolerancia extrema, que dan lugar a la “orgía”, al exceso en el consumo
y en todas las facetas de la vida».
Le comento que, según mi punto de vista, en el título “Orgy of Tolerance”
aparecen dos dimensiones distintas. La dimensión “orgy” haría referencia al
consumo desenfrenado y sus consecuencias. Esta sería una dimensión social, que apunta hacia el consumo como el elemento central de una serie de
relaciones sociales completamente vacías. Por otro lado, el concepto “tolerance” haría referencia a la dimensión política, al marco jurídico que permite
esta “orgy”, este descontrol que se vende como requisito indispensable para
vivir en libertad. Al parecer entiende mi razonamiento y me responde que,
efectivamente, tiene en cuenta estas esferas en su trabajo.
Sobre los recursos que utiliza para articular su crítica cuenta que «en
diferentes escenas censuramos esta situación haciendo uso deliberado
de un lenguaje políticamente incorrecto. Decimos jódete a los judíos,
decimos jódete a los palestinos, decimos jódete a los americanos, decimos jódete a los gays... Decimos jódete a todo el mundo porque todo el
mundo es culpable». También alude de forma algo más imprecisa al empleo
de técnicas aprendidas de Monty Python, para añadir algo de comedia y
absurdo a la embotada atmósfera que se origina.
Poniendo atención en aspectos más concretos, le comento que en la nota
de prensa se dice que los personajes que aparecen en esta obra están
solos, que la obra habla sobre su soledad. Entonces le pregunto que al ser
nueve los artistas en el escenario, cómo se refleja esta soledad en sus
relaciones. «Es cierto que en escena hay nueve artistas, y aun más, entre
los nueve interpretan hasta cincuenta papeles diferentes. Pero las cosas
ocurren en niveles independientes, cada uno se mueve en diferentes
capas. Es como en la vida, tú puedes estar en la calle rodeado de cinco
mil personas y sentir la soledad, o estar en tu trabajo rodeado de treinta
y sentir igualmente esta soledad. Es la diferencia entre estar solo y
la soledad. Los personajes están rodeados de otros personajes pero
sienten esa soledad».
La nota de prensa también advierte de que algunas imágenes de este
espectáculo pueden herir la sensibilidad del público, refiriéndose probablemente a los minutos que los protagonistas dedican a masturbarse sobre
el escenario. Asimismo, la nota señala que la obra se representa en inglés
con subtítulos en español, aunque según afirma Mr. Fabre, «durante la
representación se habla en inglés, en francés, en húngaro, en búlgaro,
en croata, etc. Pero es cierto que los idiomas que más se utilizan son el
inglés y el francés, porque son los idiomas de los negocios. Además el
francés tiene ese toque “chic”, de distinción, que tanto gusta a quienes
queremos criticar con este montaje».
RESTO DE PROGRAMACIÓN
Un cierto exceso se advierte también en el resto la agenda de teatro danza
de las próximas semanas. Los teatros Central, Cánovas y Alhambra, de
Sevilla, Málaga y Granada, han presentado una programación que concentra
en los meses de noviembre y diciembre nombres como los de la compañía
surafricana Handspring Puppet Company, famosos por su peculiar empleo
de las marionetas y los recursos audiovisuales; Animalario, que vuelven a la
carga con su interpretación de la biografía de “Urtain”; o los belgas Peeping
Tom, cuyo nuevo trabajo ha despertado una enorme expectación, tras los
éxitos obtenidos con “Le Jardin”, “Le Salon” y “Le Sous Sol”.
Por otro lado está la cita con el Festival de Otoño de Madrid, del 4 al 29 de
noviembre; el último Festival de Otoño, ya que a partir del año que viene
pasará a celebrarse durante la primavera. En esta edición destacan, en
teatro, el espectáculo “The Blue Dragon”, último engendro de Robert Lepage
para Ex Machina, y “Sonja”, nueva producción del Jaunais Rigas Teatris (los
de “Long Life”). En danza repiten artistas que pudimos ver por aquí la pasada
temporada, como el ballet Rosas y Les Ballets C. de la B., junto al proyecto,
“Dunas”, colaboración de María Pagés con Sidi Larbi Cherckaoui.
PROGRAMA teatro danza
ESCENA
Orgía
Texto_ Vicente Durá
El análisis de los niveles de tolerancia que rigen determinadas esferas de la sociedad contemporánea son el punto de partida de “Orgy of Tolerance”, producción
de la compañía belga Troubleyn, dirigida por Jan Fabre, que destacamos en este
número. ¿Se debe tolerar el actual tratamiento del sexo o la prostitución en prensa,
televisión e internet? ¿Los regímenes democráticos deben permitir el ascenso al
poder de elementos populistas o de extrema derecha contrarios a la democracia?
¿El mantenimiento de una ilimitada oferta de bienes de consumo resulta sostenible
para el medio, indispensable para nuestra felicidad, es la única forma de mantener a
la gente produciendo y trabajando para poder vivir luego?
En la imagena: “ORGY OF TOLERANCE”. Fotografía_ Jean Pierre Stoop
Los espectáculos recomendados aparecen en nuestra agenda de la última página con indicación de las fechas,
ciudades y teatros correspondientes.
ESCENA
ARTÍCULO dvd - cine
SEIJUN SUZUKI
BORN TO KILL
DVDs textos_ David Pareja
Mucho antes de que Tarantino mezclara el cine de artes marciales
con géneros como el western o el cine de terror de serie B hubo un
cineasta en Japón que hacía todo esto y más. Las películas de Seijun
Suzuki son una mezcla de cine yakuza con prostitutas, drogas y una
puesta en escena propia del teatro kabuki. Un cóctel explosivo que
lo desterró al malditismo y lo llevó a ser expulsado de los estudios
Nikkatsu donde filmaba sus películas.
Si pensamos en ese cine negro de Jarmusch, inconexo y a veces
godardiano, en el colorido pop de las películas de Wong Kar-Wai, en
los saltos temporales de la narrativa de Tarantino o en el surrealismo
asiático y violento de Kitano, todo tiene herencia de Seijun Suzuki, un
cineasta cuyo legado ha sido rescatado por otro todoterreno del cine
japonés: Takashi Miike. Suzuki es visionario, capaz de mezclar cine
noir de yakuza con jazz y erotismo o musical con sado.
El pack que acaba de editar Avalon contiene tres de sus obras maestras: “Gate of Flesh”, “Branded to Kill” y “Tokyo Drifter”. La primera
de ellas es un film colorido al extremo, en el que los colores juegan
un papel conceptual. Una historia de prostitución y erotismo y una
de sus mejores obras. “Branded to Kill” es un film innovador hasta
decir basta, libre como una sesión de jazz que mezcla el sado con el
surrealismo y el teatro kabuki, con una narrativa que asume las elipsis
como un punto y seguido. En un glorioso blanco y negro, “Branded
to Kill” es la quintaesencia Suzuki, un increíble despliegue estético y
audiovisual. Toda una experiencia formal. El pack finaliza con “Tokyo
Drifter”, otro ejercicio de estilo, igualmente teatralizado y rodado en
color, haciendo gala de una paleta cromática rica y expresiva. Es esta
película, que cierra un cofre apto para los paladares más inquietos, un
film de género negro que mezcla el musical y el absurdo con una brillantez sólo a la altura de los grandes. La colección viene acompañada
de extras entre los que se encuentra una entrevista a Jesús Palacios
titulada “El Cine según Suzuki”.
“Gate of Flesh”, “Tokyo Drifter” y “Branded to Kill” están editadas
en el pack de Seijun Suzuki que Avalon ha editado para la
Filmoteca FNAC.
READ
CRÍTICAS
IT críticas
dvd -libros
cine
MARGUERITE DURAS. INDIA SONG (INTERMEDIO)
El caso de un escritor que domine la sintaxis literaria tanto como la puesta en escena cinematográfica es muy poco frecuente (pensemos en Paul Auster), pero hay excepciones. Una
de ellas es la de Marguerite Duras (que ya escribió guiones como “Hiroshma Mon Amour”,
de su admirado Resnais). Intermedio edita en edición de coleccionista “India Song”, un
cofre que acompaña la película del texto originario editado en libro, otra de sus mejores
películas: “Baxter, Véra Baxter”, “Lai” una película de Núria Aidelman y Gonzalo de Lucas,
que también firma un artículo sobre la autora. Marguerite Duras es una cineasta que se hizo
con un lenguaje propio detrás de la cámara, un lenguaje desnudo, sobrio, caracterizado por
una fuerte musicalidad. Los sonidos, el idioma, el texto son protagonistas de “India Song”,
un texto sobre la soledad y el deseo del cuerpo amado. Una lección de cine.
INDIA SONG
PARANOID PARK
DARIO ARGENTO
ERIC ROHMER. PERCEVAL EL GALÉS (INTERMEDIO)
Adaptación del clásico “Los Cuentos del Grial”, de Chrétien de Troyes, Eric Rohmer realizó
aquí una de las mejores adaptaciones cinematográficas que se han realizado nunca de
una obra clásica. Partiendo de la base de un decorado no realista, afín en las representaciones de la época y que hace apología de una desnudez formal que engrandece el texto.
Emparentada con “Lancelot du Lac”, de Robert Bresson, en cuanto a la sobriedad de los
medios utilizados y la belleza resultante, muy fiel a la obra, “Perceval el Galés” es uno de los
mejores acercamientos al tema del Santo Grial y los manuscritos medievales y está inspirado, según palabras del propio Rohmer, en el teatro de la época. Fotografiada por el gran
Nestor Almendros, la película consigue representar el espíritu y las liturgias de una época,
un ejercicio de rigor histórico que acaba convenciéndonos por su belleza formal.
GUS VAN SANT. PARANOID PARK (AVALON)
Adaptación de una novela homónima de Blake Nelson, la última película de Gus Van
Sant –estrenada tarde en España y que ahora ve la luz en DVD- es la historia de un joven
adolescente de Kentucky cuya principal ilusión es ir a Paranoid Park, el parque para skaters
que hay a las afueras de la ciudad. En una de estas visitas, tendrá un altercado y habrá un
asesinato en el que se ve fortuitamente involucrado. Una historia aparentemente sencilla
que Van Sant retrata de forma magistral en parte gracias a la dirección fotográfica del gran
Chistopher Doyle (operador habitual de Wong Kar-Wai) y a un característico diseño del
sonido. Ambos consiguen una poética hipnótica alrededor del tema de la culpa (el propio
Van Sant describió la película como ‘Crimen y Castigo, pero con skaters’) y se acerca de
nuevo al espíritu adolescente que ya protagonizó obras reciente como “Elephant”. Como
siempre, no defrauda. Todo lo contrario.
ESSENTIAL DARIO ARGENTO (MANGA FILMS)
Dario Argento es uno de los directores de terror más prestigiosos del cine europeo, en
parte gracias a su sabia combinación de erotismo y terror, densidad plástica y dominio del
suspense basado en atmósferas asfixiantes. Este pack de la colección Essentials de Manga
Films recoge algunas de sus mejores obras: “El Pájaro de Las Plumas de Cristal”, su ópera
prima y una de sus mejores obras, la que inició la trilogía de los animales. “El Gato de las
Nueve Colas” es la segunda parte de la trilogía y su segunda película, que tuvo la mala
fortuna de ir después de una película aclamada en medio mundo. “Suspiria” es su obra
maestra y la primera de la trilogía de las madres. Uno de los estandartes del cine de horror
contemporáneo. “Phenomena”, protagonizada por Jennifer Conelly y “El Fantasma de la
Ópera”, su personalísima adaptación del género. Una oportunidad irrepetible de recuperar la
obra de un clásico moderno.
LANZAMIENTOS
CRÍTICAS
LITERATURA
DVD - CINE
SEE IT críticas cine
MALDITOS BASTARDOS
(“INGLORIOUS BASTERDS”, EEUU/ALEMANIA, QUENTIN TARANTINO, 2009)
Para cuando leas esto, es probable que ya hayas visto esta película, sin duda uno
de los estrenos del otoño, y también que ya hayas leído un montón de cosas sobre ella. Por lo tanto, me limitaré a afirmar y justificar por qué Quentin ha vuelto
a salirse con la suya. A partir de una supuesta revisión de los films bélicos de
entretenimiento puro que abundaron a caballo de los años 60 y 70, Tarantino se
embarca en un ejercicio cinéfilo extremo, que se atreve también con el spaghetti
western, el cine de espías o el cine de la Ocupación, subgénero característicamente francés, para llevar a cabo una operación tremendamente audaz: la
reivindicación del cine como herramienta que puede cambiar la Historia, tanto en
sentido metafórico, como en el puramente físico. Pero además, el italoamericano
realiza su primera película ‘europea’ y lo hace respetando la babel de idiomas que
era el continente durante el desarrollo de la Segunda Guerra Mundial. Casi por
primera vez en el cine yanki, los alemanes hablan alemán, los franceses francés,
los americanos declinan los diferentes acentos que caracterizan a tan vasto
país, y los ingleses se comunican en un perfecto inglés. En este caso más que
nunca, el visionado de la película en V.O. resulta indispensable. Basta comparar
el grotesco tono de paleto sureño con el que Brad Pitt dibuja perfectamente a
su personaje con los infinitos matices que el coronel de las SS Hans Landa da
a su discurso en todas las lenguas que en la película aparecen, componiendo
así uno de los malvados más hiperbólicos y atractivos de la historia del cine.
Son demasiados los asuntos que me dejo en el tintero al hablar de esta película
larga que se hace corta, aparentemente menos tarantiniana de lo habitual, pero
que resulta a la postre un compendio de todo su cine anterior, y sobre todo un
logrado homenaje al cine en todas sus potencialidades. Recomendación segura
para todo aquel que se deje los prejuicios y las expectativas tarantinianas fuera
de la sala.>Juan Pablo Ramos Fernández
ESTRENO
CINE
Algunos personajes de MALDITOS BASTARDOS.
De izquierda a derecha: Melanie + Eli + Diane.
EL SECRETO DE SUS OJOS
(ARGENTINA, JUAN JOSÉ CAMPANELLA,
2009)
Puede resultar ridículo decir que ya no se hace cine como el de Juan
José Campanella. Pero es que es verdad. Estamos hablando de un cine
sencillo, nacido para contar historias que emocionan, sin aparentes
pretensiones artísticas. Cine bien hecho, con diálogos que transmiten y
actuaciones meritorias. Campanella se ha hecho un hueco en la cinefilia
universal haciendo fácil lo difícil. Siendo un autor en solitario, con una
propuesta estándar que todos conocíamos y valorábamos en su justa
medida. Pero “El Secreto de sus Ojos” (2009) es un paso más allá. Aquí
sí encontramos pretensiones artísticas (prodigioso el plano-secuencia
en el estadio de fútbol) y captamos un atrevido conocimiento del medio
fruto del reciente bagaje televisivo. Campanella se somete a las reglas
del género, de todos ellos a la vez, y triunfa. “El Secreto de sus Ojos”
es un acierto en pleno. Es una película redonda, que no quiere decir
perfecta. Es un compendio de cine en estado puro diseñado para que
todas sus partes brillen por sí mismas. Es también la película más sólida
y compleja de la filmografía del argentino. Decíamos que ya no se hace
cine como el de Campanella, pero es que hacer las cosas así de bien,
y que no lo parezca, es muy complejo. “El Secreto de sus Ojos” es,
simplemente, un regalo para cualquier espectador.>Fran G. Matute
READ IT críticas libros
JOSÉ MARÍA MIJANGOS. SOUL MAN
(LENGUA DE TRAPO, 384 PÁGINAS, 2009)
Qué gran historia ha inventado José María Mijangos en “Soul Man”. La de una herencia, que se lleva en
la sangre, que fluye sin control y va dejando un poso invisible allí dónde se la escucha. Es la historia del
creador que no percibe regalías. De la influencia no reconocida en los libros. Desde Memphis hasta el Averno
pasando por Madrid, “Soul Man” nos relata el viaje vital de Cleophus Taylor Porter, que no es otro que el del
nacimiento del rock. De Ray Charles a los Kinks, de Big Bill Bronzy a los Brincos. Qué gran historia tenía Mijangos en la cabeza y qué lástima que su plasmación no haya sido más certera. Permítaseme discernir sobre
la obsesión del autor en adjetivar la narración de forma rimbombante ad absurdum (jamás debieron regalarle
el diccionario de sinónimos); permítaseme también poner en tela de juicio la calidad del sentido del humor
que gasta el señor Mijangos (podríamos argumentar, siguiendo su peculiar estilo, que la musa del chascarrillo
no ha anidado nunca en el pecho de este prosista). Podrían ser estas cuestiones baladíes si no despistaran
tanto al lector que, entregado en cuerpo y alma, lucha por escapar de tanto tópico mal avenido. ‘Escribir
sobre música es como bailar sobre arquitectura’, dicen que dijo en su día Frank Zappa, y reconocemos esa
dificultad en “Soul Man”, cuya lectura se nos antoja, cuanto menos, frustrante.>Fran G. Matute
JONATHAN COE. LA LLUVIA ANTES DE CAER
(ANAGRAMA, 256 PÁGINAS, 2009)
Una anciana soltera muere y, entre los trastos que deja en herencia, aparecen veinte fotografías y un puñado
de cintas de casete dirigidas a una persona desconocida. Meses después, y al no encontrar a la destinataria,
la sobrina de la anciana se enfrenta al legado junto a sus dos hijas, y descubre la verdad oculta sobre varios
de sus parientes. Sin embargo, y más allá de la historia que cuenta, una dramática saga familiar, que se
extiende por varias generaciones y que implica sobre todo a las mujeres, el gran interés de “La Lluvia Antes
de Caer” reside en su original estructura. A caballo entre el género epistolar, la novela histórica y el monólogo
interior, la novela de Jonathan Coe elude la narración lineal y va saltando en el tiempo con la misma
fugacidad y fragilidad con la que funcionan los resortes de la memoria: fogonazos de intensidad brutal, en la
que muchos detalles están minuciosamente descritos y otros se han borrado de manera dolorosa, dejando
puntos negros de difícil resolución. Cada una de esas veinte imágenes funciona así como una pieza de un
rompecabezas emocional, que además resuena en la cabeza de las tres oyentes casuales, modificando la
manera en la que se habían enfrentado al mundo hasta ese momento. Construida con la precisión de un
relojero, “La Lluvia Antes de Caer” se convierte así en un notable (y absorbente) ejercicio de narrativa, al que
sólo le sobra un cierto tufillo cosmogónico: la memoria, después de todo, es algo fragmentario y casual. Y
está bien que sea así.>Vidal Romero
CHARLOTTE ROCHE. ZONAS HÚMEDAS
(ANAGRAMA, 206 PÁGINAS, 2009)
Las redes sociales han vuelto a poner de moda los relatos en primera persona, la vida publica y la privada
se entrecruzan y todo pasa a formar parte de un gran relato 2.0. En plena era Facebook, Charlotte Roche ha
escrito un nuevo boom literario, éxito de ventas en países como Francia, Inglaterra o Alemania, su país de
origen, y traducido a más de 25 idiomas. Helen, la protagonista, tiene una flora de hemorroides instalada
alrededor del ano. En un intento de culminar la depilación anal, se causa una fisura que la lleva hasta el hospital. Desde allí, postrada en la cama y con un tajo en el ojo del culo, cimienta la historia de “Zonas húmedas”,
un relato confesional sobre el sexo y el cuerpo femenino. Una comedia que revienta la base de todos los
tabúes de la sociedad contemporánea y que pone en escena temas como la masturbación y el sexo (anal,
claro). Un libro a la par ameno y de ágil lectura de una autora que algunos ya se atreven a comparar con
Salinger y Ballard. Tiempo al tiempo. > David Pareja
CRÍTICAS
LITERATURA
COMPRAS shopping
MADE OF JAPAN
LA NUEVA REVISTA DE ONITSUKA TIGER
Para celebrar su 60 aniversario, la marca deportiva
japonesa Onitsuka Tiger publicará Made of Japan, una
revista exclusiva de edición limitada. Con la participación
de líderes de opinión del mundo del deporte, la moda, la
música y el arte, la revista será una puerta de entrada a
la exclusiva e intrigante cultura nipona. Made of Japan,
creada en estrecha colaboración con el equipo creativo
de Zoo Magazine, también embarcará a los clientes en
un viaje íntimo a través de los 60 años de historia de
Onitsuka Tiger, creando simultáneamente un registro de
los visionarios que comparten los valores personales de
esta marca. Estamos ante un nuevo ciclo de vida, una
nueva generación Made of Japan.
Más info en www.onitsukatiger.com
Made of Japan: © Fumino Osada
VON ZIPPER
Por si vas a la sierra esta tempora a surfear.
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Lifted Research Group para el invierno!
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62
Camiseta por Cameron Smith
KR3W X PHANTOM WATCH
¿Quieres tener una pantonera todo el día a mano?
Bueno, pues no tienes más que mirar las nueva
colección de relojes que nos ofrece la marca
KR3W con nuevos y divertidos relojes de tonos
realmente insuperables.
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AUSSIEBUM
También por dentro...
www.aussiebum.eu.com.com
Camiseta por Guido Crepax
EASTPAK
Y ED BANGER RECORDS
Forma parte de la iconografía norteamericana y, por extensión, la conocemos como si fuera la nuestra propia: hablamos del garaje de la puerta
trasera, el de las casitas con jardín a la entrada. En España pocos (o muy
pocos, me atrevería a decir) habrán comenzado sus pinitos musicales en
este espacio, sin embargo, este lugar, mitológico para muchos de nosotros,
es más que una realidad en EE.UU., donde incluso ha dado nombre a un
estilo musical. Pues bien, en este empeño por rendir pleitesía a los comienzos de grandes nombres, la firma Insight ha creado una colección cuyo
leit motiv vive precisamente en ese viejo garaje. “Garage Artists” es una
extensión y un remanente de la ya conocida “Art by Friends”. Un humilde
homenaje a un grupo de artistas emergentes y a otros ya conocidos que
participarán en proyectos especiales, colecciones de temporada y cápsulas
exclusivas en las tiendas de Insight... Algunos de los muchos artistas de
garaje que estarán presentes en esta colección serán Guido Crepax, Nilkita
Sorokin, Cameron Smith, Steve Uren y Cameron Allan McKean.
Más info en www.insight51.com
No es nada nuevo. Las colaboraciones entre firmas
de moda y casas discográficas es una de esas
‘viejas’ amistades que tan buenos resultados han
dado en cuestiones de marketing. En este caso los
protagonistas no son otros que la archiconocida Eastpak –su mochila Padded Pak’r y bandolera Delegate
son ya verdaderos iconos- y el sello discográfico
francés Ed Banger Records. Para la ocasión, So Me,
director creativo de la casa de discos, ha diseñado
un potente estampado en morado y gris que, sobre
los míticos productos de Eastpak, revive el espíritu
rebelde y colorista de la década de los 70. Además,
en cada bolsa hay un código de registro con el que
podrás acceder a contenidos exclusivos de internet
de ambas marcas.
Más info en www.e-eastpak.com
Total look: Insight Dopamine
INSIGHT
GARAGE ARTISTS
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NUDIE JEANS
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TRENDY SNEAKER
Dj Wilor en Trendy
64
NUEVA TIENDA EN SEVILLA
Cuántas veces no nos habrá pasado que a la hora de
buscar unas zapatillas sólo encontramos las mismas
que lleva todo el mundo. La originalidad es difícil de
conseguir si se trata de calzado en esta ciudad. Pues
bien, eso va a dejar de ser un problema, porque ha
abierto sus puertas un nuevo espacio, Trendy Sneakers,
donde el diseño y las tendencias internacionales sí
están presentes. FENCHURCH, SIXPACK FRANCE,
VICELONA, INSIGHT, LRG, CLAE, SUPRA NS,
NIKE,MERC, IM KING, STUSSY... Son sólo algunas de
las prestigiosas marcas que encontrarás, no sólo en zapatillas, también en moda y complementos. Situada en
el ‘boulevar’ del street wear sevillano, la céntrica Calle
Arjona, en Trendy Sneaker encontrarás además las
camisetas de Sixpack, Grotesk o las de Im King (muy
exclusivo) y numerosas actividades y exposiciones,
como la de los divertidos muñecos de Custom Comisión, shows de DJs de la escena sevillana, etcétera.
Además tienen mucho del material que encontrarás
en la tienda subido a su website -donde podrás ver y
elegir tranquilamente antes de pasar por Trendy.
Más info en www.trendysneakers.es
STUSSY
Punk Girl camiseta 2009-10.
www.stussy.com
NOVIEMBRE
Viernes 06
LA ANTONIA PINCHA
www.myspace.com/laantoniapincha
Sábado 07
Viernes27
ONE M AGNESS DJ (clone)
LA ANTONIA PINCHA
www.myspace.com/laantoniapincha
Sábado 28
PLEXIGLÁSS. “She said YEAH!” FIESTA DE LA MUJER
GRUPI DE MIERDA + STEBARBUDA
REOFAN + XTINA TURNER +
DICIEMBRE
YOUR GIRLFRIEND
Viernes 13
ESTILO IMPERIO
Sábado 14
BUENAVISTA
(RAZZ - BCN)
www.myspace.com/buenavistaentertainment
+ LA ANTONIA PINCHA
Viernes 20
CHEMA REY:
DJ BULEVAR (RNE3)
Sábado 21
ERDIYEI vs SOUVERDJ
(Somoslas, La _[2] de Apolo,
Barcelona)
www.myspace.com/souver
CALLE TRASTAMARA, 29. SEVILLA
www.myspace.com/salaobbio
Viernes 04
DAVID KANO DJ (CYCLE)
www.myspace.com/davidkano
Viernes 04
10º ANIVERSARIO OBBIO
NACHO CANUT
ROBERTA MARREO
(FANGORIA)
Sábado 19
10º ANIVERSARIO OBBIO
HIDROGENESSE live!
www.myspace.com/hidrogenesse
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VISION
www.visionstreetwear.com
D.A.T.E.
www.date-sneakers.com
NIKE SPORSWEAR
www.nike.com/sportswear
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www.vans.es
SUPRA
www.suprafootwear.com
CONVERSE
www.converse.es
66
Más fotos en http://www.flickr.com/photos/clonemagazine/
POST
FESTIVAL SOUTH POP ISLA CRISTINA
INVADA INVASION
(DEL 11 AL 12 DE SEPTIEMBRE, ISLA CRISTINA, HUELVA)
El hecho de que los festivales de verano sean un cúmulo de incomodidades
que a veces ni siquiera compensan un buen cartel es algo cada vez más
constatable, sobre todo a medida que vamos cumpliendo años. Los chicos
de Green Ufos, que son gente astuta, le han dado la vuelta a la tortilla a esta
realidad y han apostado por un concepto de festival donde lo primero sea la
comodidad del espectador. Desde el alojamiento, hasta las instalaciones del
recinto de conciertos, pasando por otras actividades lúdico-festivas, como
barbacoas gratuitas y sesiones de DJ junto a la piscina, todo está cuidado
hasta el último detalle. Si a eso encima se le añaden un cartel coherente
y atractivo, y unos precios realmente populares, el éxito está más que
asegurado. En lo estrictamente musical, habría que hablar de unos Piano
Magic rejuvenecidos y con más fuerza que nunca, de unos Tannhäuser que
confirman que son una de las bandas nacionales con más proyección, y de
unos Punsetes que demuestran con su directo que el éxito no les ha caído
del cielo porque sí, sino porque son muy grandes. Esperemos que todo
sea igual el año que viene, aunque francamente dudo que esto pueda ser
mejorado.>J. Perepi
(26 DE SEPTIEMBRE, BRISTOL COLSTON HALL, BRISTOL, UK)
Aprovechando la reciente reforma de uno de los teatros más importantes
de Bristol, el siempre inquieto Geoff Barrow ha comisionado un minifestival
compilando el grueso de artistas de su sello discográfico, Invada, y aderezando el cartel con algunas bandas de más renombre, que al fin y al cabo
representaban el plato fuerte de la jornada. A destacar: Zu, Mogwai y Fuck
Buttons. Cualquiera que haya visto a los italianos Zu sabrá que son unos
animales sobre el escenario, y realmente no hace falta ser un aficionado al
hardcore para apreciar lo que hacen. Animales con clase. Otros animalitos
son Mogwai, pero no debería escribir más sobre ellos porque voy a terminar
perdiendo mi credibilidad con tanto elogio, en cualquier caso valió la pena
poder oírlos por fin al volumen al que realmente se supone que deben sonar.
Pero para animales, y la gran sorpresa de la noche para un servidor, el
premio se lo deberían llevar Fuck Buttons. Es increíble que alguien pueda liar
la que liaron estos, contando tan sólo con dos o tres tecladitos de juguete,
un sampler y un par de pedales de guitarra tipo Metalzone. La animalada
mayúscula.>J. Perepi
INAUGURACIÓN WAM BY ABRIL
ANDALUCIA SABOR 2009. TODO LO QUE CABE
EN UN PLATO...
(DEL 22 AL 29 DE SEPTIEMBRE, FIBES, SEVILLA)
Lomos de grandes chefs confitados a baja temperatura en aceite virgen
extra de Jaén sobre espuma de expositores de consejos reguladores de
Denominaciones de Origen de Andalucía, con una lluvia de estrellas Michelin
y reducción de concurso “mejor cocinero novel de Andalucía”. Acompañado
de bouquet de excelentes materias primas andaluzas envueltas en constitución de la academia iberoamericana de gastronomía y kenel de grandes
ponencias y escamas de show-cookings a cargo de 36 de los mejores
chefs del mundo. Esto y mucho más, cabe en el plato de Andalucía Sabor.
Del 22 al 29 de septiembre se celebró en FIBES la segunda edición de la
bienal de alta cocina andaluza. Este encuentro para profesionales del sector,
organizado por la Junta de Andalucía, ha servido de marco para demostrar
que los maravillosos productos de la tierra están en la cumbre de la pirámide
en cuanto a variedad y calidad: jamones, pescados, verduras, carnes, vinos
olorosos... Y todos ellos regados con nuestro inmejorable aceite virgen
extra, han dejado a propios y extraños encantados. Paralelamente, se ha
celebrado el congreso de alta cocina para profesionales, donde pudimos deleitarnos con los show cookings en directo de estos alquimistas de blanco.
Desvelaron sus secretos y sus técnicas, demostrando así el porqué de que
sean la vanguardia de la cocina actual y deslumbrando a todos con sus reinterpretaciones y adaptaciones de algo tan nuestra como la tapa que, como
dijo Ferran Adrià, “son el vehículo exportador de la calidad de los alimentos
de Andalucía”. También hay que hacer mención a otros eventos celebrados
como el concurso de corte de jamón, el concurso benéfico Mejor Gazpacho
Solidario, la presentación del libro “Alimentación y Dieta Mediterránea” o el
VIII concurso al Mejor Cocinero Novel del Año, que cayó en las manos de
Juan José Ruiz. Por último y para rememorar al gran Adrià cuando dijo que
“Andalucía merece la pena ser cocinada”, me bajo al bar a por una cerveza y
un serranito. Bon appétit... >Julián Medina
(16 DE OCTUBRE, WAM BY ABRIL, SEVILLA)
Bueno, pues los perlitas ya pueden darse abrazos y la enhorabuena mutua,
ya que la existencia de otro club de música electrónica, y más en concreto
de BUENA música electrónica, es una noticia fantástica para la ciudad.
WAM by Abril, que así se llama el invento, viene a ocupar un espacio, las
terrazas y la planta a nivel del suelo de la discoteca Abril Sevilla, anteriormente conocida como El Coto, que puede dar cierta grima a los modernos,
por eso de que Abril les puede parecer sinónimo de niñas siliconadas,
petaditos de gimnasio y mucha, mucha Máxima FM. Pero no se llamen a
equivocación, perras de la noche, porque ya desde la imagen corporativa,
WAM by Abril avisa de que lo suyo no es impostación: calidad musical en
un ambiente privilegiado, y punto. Para presentarse en sociedad, el viernes
16 de octubre se reunió allí la nata y la crema de la cosa in hispalense, y
para amenizar el ambiente se plantearon dos sesiones la mar de apañás...
A las horas de padres, Vidal Romero, ese workahólico nocturno al que ven
ustedes asomarse por estas páginas mes sí y mes también, sentó las bases
del catálogo musical de WAM: electrónica vanguardista y amable, bailable
pero no embrutecida, elegante pero no moña. Y a la hora bruja, la pin-up
y cantante de Krakovia, Vinila von Bismark, asaltó la cabina para, primero,
soltar una andanada de rock y punk primigenio, y segundo, para empezar
a desperdigar candela bailonga de la buena. Aquello, sobre todo cuando
su amigo Puto Amo (quien pinchaba también al día siguiente) se puso a
ayudarla y, no contento con eso, se empetó máscara de luchador y lució
talega al aire, se puso de lo más candente... Y sí, ciertamente la noche
terminó un poco alejada de las supuestas coordenadas de lo que va a ser
el club habitualmente. Y sí, la gente que abarrotaba el club iba navegando
por el hiperespacio sensorial... Pero aquello, señores, fue un fiestón de los
buenos, y al fin y al cabo, un poco de descontrol nunca hizo mal a nadie.
Sobre todo a un buen perlita. WAM, ¡bienvenido!>Jorge Montes
Vinila Von Bismark - WAM by Abril
Tolas las fotografías de esta página: Piter Pank
Público, amigos, funny...
CHRIST. Festival Electrochock (US)
QBERT (USA)
EDITORS
PROGRAMA MÚSICA, ARTE, ESCENA...
MÚSICA
01/11. KINGS OF CONVENIENCE. Teatro Circo Price. Madrid
03/11_07/11. VETUSTA MORLA. Varios espacios. Madrid
03/11. EVANGELISTA. Moby Dick. Madrid
04/11. ZU + BLOOMING LATIGO. Sala Malandar. Sevilla
04/11. DO MAKE SAY THINK. Kafe Antzokia. Bilbao
05/11. CHRIST. + VOODOOETNIES & TOROWEINS. Pistadigital. Festival Electrochock (US) 2009. Sevilla
06/11. REX THE DOG (UK) + HOMEBOY. Low Club. Madrid
06/11. PONY BRAVO. Rizerca e Cooperazione. El Cairo. Egipto
06/11. CLÂ. Sala El Sol. Madrid
06/11. SWAN FYAHBWOY. Sala Kimbara. Santander
06/11. HAUSCHKA + TENSION CO. Pistadigital. Festival Electrochock (US) 2009. Sevilla
06/11. bRUNA DJ set. WAM by Abril. Festival Electrochock (US) 2009. Sevilla
07/11. BEDROOM COMMUNITY showcase. Pistadigital. Festival Electrochock (US) 2009. Sevilla
07/11. UNDO DJ set. WAM by Abril. Festival Electrochock (US) 2009. Sevilla
07/11. PLEXIGLÁSS -She said YEAH!. GRUPI DE MIERDA + STEREOFAN + XTINA TURNER +
YOUR GIRLFRIEND. OBBIO La Sala Club. Sevilla.
07/11. BREAKBOT (Ed Banger/FRA) + HOMEBOY. Low Club. Madrid
07/11. ABLETON LIVE NIGHT. Mondo Club. Barcelona
07/11. MENDIGO + MANUEL DOPICO + artistas especiales invitados. Sala Malandar. Sevilla
07/11. KINGS OF CONVENIENCE. Teatro Victoria Eugenia. San Sebastián
07/11. DORIAN. Sala Apolo Levi´s® 501® Live!). Barcelona
07/11. EXTRAPERLO. Nasti. Madrid
08/11. CAMERA OBSCURA + MAGIC ARM. Sala Heineken. Madrid
10/11. LOVELY LUNA. Teatro Nuevo Lara. Madrid
11/11. THE MATT HARDING PROJECT. Salón de Actos Politécnica. Algeciras
11/11. RYUICHI SAKAMOTO. Festival de Otoño. Teatro Circo Price. Madrid
12/11. ZOO. Sala Moby Dick. Madrid
12/11. QBERT (USA). Sala Q. Sevilla
12/11_15/11. DAMIEN JURADO + GROUPER + EARLY DAY MINERS y más. Fiestas de presentación
Tanned Tin 2010. Varios espacios. Madrid y Barcelona
13/11. QBERT (USA). Sala Industrial Copera. Granada
13/11_14/11. HYPERSOUNDS. Sonidos contemporáneos. Museo Reina Sofía. Madrid
13/11. ALONDRA BENTLEY. Auditorio Fonseca. Salamanca
13/11. SIMIAN MOBILE DISCO DJ set (UK) + HOMEBOY. Low Club. Madrid
14/11. BUENAVISTA (RAZZ) + LA ANTONIA PINCHA. OBBIO La Sala Club. Sevilla.
14/11. BRODINSKY (FRA) + HOMEBOY. Low Club. Madrid
14/11. NO APTO + HAREM. Sala Malandar. Sevilla
14/11. ANNI B SWEET. Festival Rioja Fusión. La Rioja
14/11. SOULSAVERS. Ramdall. Madrid
16/11. RICKIE LEE JONES. Aulario La Bomba. Cádiz
18/11. MICHACHU AND THE SHAPES. Razzmatazz sala 3. Barcelona
18/11. YANN TIERSEN. Ratzzmatazz sala 1. Barcelona
19/11. YANN TIERSEN. La Riviera. Madrid
20/11. CHEMA REY DJ BULEVAR (RNE3). OBBIO La Sala Club. Sevilla.
20/11. AMABLE + ICO. Low Club. Madrid
20/11. WIKO JOHNSON BAND. Aulario La Bomba. Cádiz
21/11. SOMOSLAS (APOLO, BCN). OBBIO La Sala Club. Sevilla.
21/11. APPARAT + SKATE + DANIEL METEO. Shitkatapult night. Low Club. Madrid
21/11. CODE ON TOUR. Granada
21/11. TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO. Nasti. Madrid
21/11. ANDREW BIRD. Joy Slava. Madrid
23/11. SIX ORGANS OF ADMITTANCE. Moby Dick. Madrid
24/11. ANDREW BIRD. Apolo. Barcelona
24/11. THE HORRORS. Razzmatazz. Barcelona
25/11. THE HORRORS. Joy Eslava. Madrid
25/11. MAYER HAWTHORNE & THE COUNTY LONELY HEARTS CLUB TOUR. Festival de cine de Gijón.
26/11_28/11. RECHEZENTRUM + RYUICHI KUROKAWA + HECQ y más. Festival Lux 2009. Fundación
Tres Culturas en el Pabellón de Hassan II. Sevilla
27/11. ONE MAGNESS DJ + LA ANTONIA PINCHA. OBBIO La Sala Club. Sevilla.
27/11. ‘KING’ YELLOWMAN & THE SAGITTARIUS BAND. Sla Bikini. Barcelona
28/11. FIESTA DE LA MUJER BARBUDA. OBBIO La Sala Club. Sevilla.
04/12. DAVID KANO DJ (CYCLE). OBBIO La Sala Club. Sevilla.
04/12. FRAND FERDINANZ. Pabellón Príncipe Felipe. Zaragoza
08/12. EDITORS + MACCABEES. Razzmatazz 1. Barcelona
09/12. EDITORS + MACCABEES. La Riviera. Madrid
09/12. WE ARE STANDARD. Sala El Sol. Madrid
09/12_13/12. DEVENDRA BANHART + SCOUT NIBBLETT + SCHOOL OF SEVEN BELLS y más.
Festival Primavera Club. Varios espacios. Madrid y Barcelona.
09/12. WILLIAM FITZSIMMONS. Sidecar. Barcelona
10/12. WILLIAM FITZSIMMONS. Moby Dick. Madrid
15/12. DORIAN. Centro cultural provincial. Málaga
17/12. LA HABITACIÓN ROJA. Teatro Calderón de Alcoy. Alcoy. Alicante
18/12. 10º ANIVERSARIO OBBIO. NACHO CANUT Y ROBERTA MARREO. OBBIO La Sala Club. Sevilla.
19/12. 10º ANIVERSARIO OBBIO. HIDROGENESSE live! OBBIO La Sala Club. Sevilla.
21/01. DELOREAN. Teatro Calderón de Alcoy. Alcoy (Alicante)
ARTE Y AUDIOVISUAL
11/09_15/11. ROBERT MAPPLETHORPE. Centro de Arte contemporáneo de Málaga. Málaga
17/09_10/01. ‘MÁQUINAS DE MIRAR. O CÓMO SE ORIGINAN LAS IMÁGENES’. CAAC. Sevilla
18/09_07/11. MARTIN ASSIG. La presa / Die Beute. Obras 1995-2008. Centro de la Artes de Sevilla
(caS). Sevilla
21/09. ALIAS LILO. So Bin Ich. Galería Weber-Lutgen. Sevilla
24/09_30/11. LUIS CRUZ SUERO. Sala Kstelar 22. Sevilla
02/10_03/11. JAVIER MARTÍN. El ojo y la barriga. Galería Birimbao. Sevilla
02/10_12/12. AXEL VOID. Homeless. Montana Shop & Gallery. Sevilla
09/10_07/11. EXPOSICIÓN CARLOS FRANCO. Galería Concha Pedrosa. Sevilla
09/10_24/01. CHEMA COBO. Centro de Arte Contemporáneo de Málaga. Málaga
09/10_22/02. JOËLLE TUERLINCKX. CRYSTAL TIMES. Reflexión sin sol / Proyecciones sin objeto.
Museo Reina Sofía. Madrid
10/11_09/01. JOSÉ MARÍA BAEZ. Obsesión. Galería Rafael Ortiz. Sevilla
19/10_21/11. SOPHIE TAEUBER-ARP. Caminos de vanguardia. Museo Picasso. Málaga
21/10_11/01. RODCHENKO Y POPOVA. Definiendo el constructivismo. Museo Reina Sofía. Madrid
25/10_10/10. ‘WINDOW TO THE WORLD’. A Kassen_Laboratorio 987 del MUSAC. León
29/10_01/11. ARTFUTURA. Varios espacios. Barcelona, Alicante y Madrid
29/10_08/11. 7º Festival Internacional de Cine y Documental Musical de Barcelona IN.EDIT BEEFEATER
2009. Varios espacios. Barcelona
05/11_22/11. ACCIÓN MAD!. Diversos espacios. Madrid
06/11_14/11. FESTIVAL DE CINE EUROPEO. Sevilla
13/11_05/12. DANI ENSESA. Pájaros y peces. Galeria Concha Pedrosa. Sevilla
20/11_28/11. CINEMAD. XVI Festival de Cine Independiente y de Culto. Madrid
20/11_22/11. 10º ENCUENTRO DEL CÓMIC Y LA ILUSTRACIÓN DE SEVILLA. Diversos espacios. Sevilla
21/11. LOVERBOOKING. Showroom de moda. Hotel RoomMate Lola. Málaga
21/11_29/11. HOCUS POCUS Festival Internacional de Magia de Granada. Varios espacios. Granada
27/11_23/01. APRENDIENDO A MIRAR. 25 años de la galería de Rafael Ortiz. CaS. Sevilla
03/12_12/12. 14ª Edición del FESTIVAL DE CINE DE ZARAGOZA. Varios espacios. Zaragoza.
AGENDA TEATRO DANZA
Durante todo el mes de noviembre la SALA CERO, en Sevilla, celebra su X Aniversario con una programación especial . Información y venta de entradas en www.salacero.com
XXVI EDICIÓN FESTIVAL DE OTOÑO DE MADRID. Teatro, Danza, Música y Circo
04/11_29/11. Varios espacios en la provincia de Madrid
Información y venta de entradas en www.madrid.org/fo/2009/es
III MUESTRA DE TEATRO ANDALUZ
10/11_13/11. Varios espacios en el Puerto de Santa María (Cádiz)
Información en www.circuitosandaluces.es
MES DE DANZA: “EN CREACIÓN”
13/11_22/11. Varios espacios en la ciudad de Sevilla
Información en www.trans-forma.es
“ORGY OF TOLERANCE”. Troubleyn / Jan Fabre
13/11_14/11. Teatro Central. Sevilla
“WOYZECK ON THE HIGHVELD”. Handspring Puppet Company
14/11_15/11. Teatro Alhambra. Granada
18/11. Teatro Cánovas. Málaga
20/11_21/11. Teatro Central. Sevilla
“EVENT (2009)”. Merce Cunningham Dance Company
17/11_22/11. Mercat de les Flors. Barcelona
“EL MARAVILLOSO MUNDO DE LOS ANIMALES: LOS CORDEROS”. Histrión Teatro. Escrita y Dirigida
por Daniel Veronese
04/12_06/12. Teatro Cánovas. Málaga
“URTAIN”. Animalario / Centro Dramático Nacional
04/12_05/12. Teatro Central. Sevilla
12/12_13/12. Teatro Alhambra. Granada
“32 RUE VANDENBRANDEN“. Peeping Tom.
11/12_12/12. Teatro Central. Sevilla
16/12_17/12. Teatro Alhambra. Granada
19/12_20/12. Sala Gades del Teatro Cánovas. Málaga
HIDROGENESSE
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AGENDA
Noviembre - Diciembre 2009
Propuestas agenda CLONE: [email protected] / Escena por Vicente Durá
10º ENCUENTRO DEL CÓMIC Y LA ILUSTRACIÓN DE SEVILLA
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AGENDA CULTURAL
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