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Año 3 # 14. Marzo - Mayo 2008 35.000 Ejemplares. Distribución gratuita ISSN: 1794-9653 ”El arte tiene la bonita costumbre de echar a perder todas las teorías artísticas”. Marcel Duchamp Informaciones, opiniones y todo lo que necesita saber sobre el arte en Colombia. Cortesía: Galería Alcuadrado. Fotografía: Carlos Mario Lema. Cortesía: Mapa Teatro. Arte para los sentidos Las artes siempre han estado emparentadas; sin embargo en el presente ofrecen mayores posibilidades, elementos sugestivos que atacan los sentidos y los escenarios y para hacerlo se multiplican cada vez con mayor velocidad. Págs. 8 y 9. María Teresa Hincapié “Sus manos conocían a la perfección todos los gestos fundamentales de la vida. Su arte, como dice Zeami de los grandes artistas, atravesó la edad de la piel y la edad del músculo hasta llegar a la edad del hueso”. Rolf Abdelharden. Pág. 19. Cortesía: Fundación Cu4rto Nivel Arte Contemporáneo. Entre gustos... Obra: Jaime Gili, Luis Romero, Ghetto Creativo y Hase. Fotografía: Suwon Lee. José Alejandro Restrepo “El arte desde el Concilio de Trento aparece como una herramienta fundamentalmente ideológica para contrarrestar los brotes reformistas. Desde entonces en el arte el componente ideológico es evidente”. Pag. 6. ¿Cuál es la diferencia entre una “obra de arte” y los objetos que venden en los almacenes de decoración? Si hace un par de siglos existía una línea difusa entre arte y decoración, esta se borró con la aparición de la pintura abstracta. La obra de muchos artistas funciona principalmente como objeto decorativo. Págs. 12 y 13. Cortesía: ArtBasel’05. Profesión: Galerista Históricamente los galeristas han logrado desarrollar y mantener unas relaciones estrechas, estratégicas e inteligentes con sus artistas y los demás agentes del mercado. Págs. 16 y 17. Informaciones, opiniones y todo lo que necesita saber sobre el arte en Colombia. Directora Nelly Peñaranda R. [email protected] Asistentes Eliana Mariño. Diego Márquez. Editor Ejecutivo Sergio Ramírez. [email protected] Consejo Editorial Jaime Cerón, Carlos Andrés Hurtado, María Belén Sáez de Ibarra, Santiago Rueda. Asesor José Roca. Colaboran en esta edición José Horacio Martínez, Danny González, Lucas Ospina, Óscar Monsalve, Adriana Mejía, José Alejandro Restrepo, Miguel González, María Inés Rodríguez, Gloria Cristina Samper, Conrado Uribe, Lucrecia Piedrahita, Eduardo Domínguez Gómez, Camilo Monsalve, Andrés Gaitán T. Concepto Editorial Paulo Ramírez. Los Angeles Times, CA. Diseño Gráfico María Quiroga. Agradecimiento Especial Margarita Castro. Fotografía Óscar Monsalve. Suscripciones: $19.000 Bogotá. $30.000 resto del país. 1 año (5 ejemplares) Contactos: [email protected] [email protected] Periódico Arteria es una publicación de Colombian Art Crafts Ltda. Carrera 50 # 123 A - 33, Of. 102 Tels. (1) 620 2446 - 758 9153 Bogotá - Colombia Por: Nelly Peñaranda 3 periodicoarteria.com 2 EDITORIAL ¿ Hasta dónde llegan las fronteras en las artes? La respuesta puede buscarse por medio de alusiones a diferentes maneras de abordar todas las especialidades que agrupa la palabra “arte”. Escénicas, plásticas, visuales, musicales, literarias o cinematográficas, cargan con la responsabilidad de tener las cualidades determinantes y diferenciadoras que establecen una disciplina, conocimiento o especialidad en cada una. Podría entenderse que los límites entre las manifestaciones en las artes se evidencian en el uso de procesos de exploración técnica, que producen, por ende, resultados diversos; distinciones entre lo que se conoce como expresiones culturales que en últimas se agrupan en una determinante artística preocupada por la estimulación de lo sensible tras la presentación, representación o interpretación. Al hablar de artes plásticas los medios tradicionales, como la pintura, el dibujo y la escultura, se mantuvieron vigentes a través de los siglos, y solo hasta el siglo pasado se permitió la vinculación de nuevas técnicas, hijas de la tecnología de la modernidad, como la fotografía, el video y otras ramificaciones de las artes electrónicas y del tiempo a nivel de las acciones performáticas. Fue a partir de esos momentos, en los que nuevas alternativas se desplegaban para los artistas plásticos, que las delimitaciones comenzaron a desdibujarse y la pregunta sobre las fronteras del arte se hizo cada vez más pertinente. ¿Desde y hasta dónde el video estaría más ligado a las artes cinematográficas; el performance a las escénicas y las expresiones sonoras a las musicales?, ¿estaríamos hablando de un proceso interdisciplinario en el que la permisividad y el intercambio serían emblemas? El punto de quiebre bien podría establecerse en el rompimiento del modelo tradicional que caracterizaría a la modernidad artística y sus vanguardias desde finales de 1800 y a través de buena parte de 1900. La aparición de una nueva vanguardia se daba como reacción o como propuesta de perfeccionamiento estilístico frente su antecesora (pero siempre con constancia de técnicas y medios); una línea de continuidad estética que aún al mantenerse dentro de los lineamientos de lo que ya la historia conoce como modernidad, llegaría a pronosticar la necesidad de comuniones entre distintas disciplinas a través de medios como el collage y su presentación. Durante la segunda década del siglo XX artistas como Max Ernst hablaban del collage como el medio de “encuentro entre dos realidades distantes en un plano ajeno a ambas”. La incursión del término contemporáneo en la historia de las artes plásticas llegaría entonces con nuevas maneras de transgredir el orden imperante y determinado en el tiempo bajo el nombre de modernidad. La estética contemporánea se volcaría a una libertad permisiva de experimentaciones, incursiones y adopciones de los lenguajes y medios ya usados por sus otros parientes del arte. De la tecnología como nueva técnica, de la práctica del arte como idea y referente de progreso, de los medios de comunicación como semejantes en la transmisión y del abandono de los límites tradicionales comenzó a evidenciarse la amplitud de territorios a descubrir, explorar y conquistar. Hoy día, interdisciplina y transdisciplina van y vienen a sus anchas por los espacios de la expresión artística contemporánea; y es justamente a nivel de las “visuales” en donde la efectividad exploratoria se hace ilimitada; la apropiación se ha hecho como método y las categorías o leyes quebrantables y agrupables. Aun en la entropía actual, lo que queda en evidencia es la presencia cíclica del recurso de laboratorio como construcción. Desde el interior de ARTERIA y a través de sus 14 ediciones publicadas, hemos procurado abordar diferentes manifestaciones de esta contemporaneidad, entendida en el más estricto de sus significados como hija de la época actual. Así, la presente edición abarca desde diferentes perspectivas algunos de los muchos ejemplos de la actualidad artística y su tendencia discontinua. Agradecemos la colaboración de quienes desde diferentes disciplinas han contribuido en la elaboración de documentos que ratifican la transdisciplinariedad; agradecemos también al artista Mateo López, nacido en Bogotá en 1978, ganador de la IX versión de la Bienal Internacional de Cuenca, Ecuador en 2007 y recientemente del Grant Program de la Cisneros Fontanals Art Foundation CIFO, por su participación en la sección Colección de Arte Arteria y que ya va en su novena entrega. sus sugerencias y comentarios son importantes Opine en: www.periodicoarteria.com LIBROS Ornatos de emergencia A propósito del libro “La memoria decapitada”, de la museóloga Lucrecia Piedrahita De la violencia hemos aprendido muchas cosas. Entre ellas que la dignidad encuentra sus modos de presentarse, aun en las circunstancias atroces del desarraigo. Que el encanto, la tranquilidad y la esperanza pueden salir de la vida por voluntad ajena pero no la valentía de volver a empezar con decoro, decisión que nuestros expulsados sólo pierden con la muerte. En el espacio conquistado o recibido como reemplazo de la casa abandonada, este nuevo ser humano a quien le toca reconstruirse con los suyos, al disponer los materiales para su nueva vivienda, sin caer en cuenta de ello, deja brotar los restos de ternura que la afrenta no logró extirpar. Pero la enfermedad psicológica de la indiferencia siempre encontrará personas capaces de llamarnos la atención desde distintas perspectivas; en este caso, desde el arte y las teorías de los signos, como lo hace Lucrecia Piedrahita en “La memoria decapitada”. El dolor colectivo de la expulsión que avergüenza a Colombia no morirá para la historia como no ocurrió con los “transterrados” o refugiados de otras partes del mundo, gracias a que las cámaras, las libretas de apuntes y la voluntad férrea de los analistas comprueban que tampoco es suficiente con ver el drama, sentir erizada la piel, indignarnos o injuriar. Hay que ir al fondo: comprender a los protagonistas en sus jornadas rutinarias por evitar el pisoteo, la exclusión y la desnaturalización. La autora nos ofrece la oportunidad de abandonar la parálisis acobardada y cómplice en beneficio de la acción interpretante que nos permitirá reclamar con voz decidida la verdad, la justicia y la reparación que hoy parecen tan desterradas como los mismos coterráneos despavoridos. Eduardo Domínguez Gómez Historiador NOTICIAS Obituario Por: Conrado Uribe El pasado 10 de febrero murió Adolfo Bernal como consecuencia de una complicación cardio-respiratoria. Uno de los artistas antioqueños más importantes e influyentes, Bernal fue de los primeros en formular propuestas de arte participativo en Medellín. Fue cofundador del Museo de Arte Moderno de Medellín, diseñador y docente universitario por más de 18 años. El artista de los homenajes a Medellín, al Cometa Halley, a los cerros del Valle de Aburrá, a la llegada del nuevo día, al solsticio de verano, recibió un de par de merecidos reconocimientos a su labor durante el 2007. El primero de ellos tuvo lugar en el marco del Encuentro Internacional Medellín 2007/Prácticas Artísticas Contemporáneas (MDE07) cuando fue escogido como artista-eje en la línea curatorial denominada “Habitantes Urbanos”; los otros artistas que tuvieron este reconocimiento, cada uno en un eje diferente, fueron Cildo Meireles, Antoni Muntadas, María Angélica Medina y Antonio Caro. El segundo fue cuando Gloria Posada, curadora para Antioquia del Salón Regional de Artistas Zona Centro Occidental, lo invitó junto con otros artistas destacados del arte local a conformar la muestra “Confluencias”. En este contexto Bernal realizó la pieza “Caballos de Hierro”, acción simbólica y participativa en la que reactivó el tren en el Valle de Aburrá luego de años de suspensión; esta sería su última obra. En el MDE07 la presencia de Bernal fue muy destacada. Las siglas que identificaron el evento fueron retomadas de la obra “Señal Sonora”, pieza con la que participó en el “Primer Coloquio Latinoamericano de Arte No Objetual” en 1981, que consistió en la emisión de un sonido en clave morse con la sigla MDE -el código con el cual se identifica internacionalmente a Medellín-por el espacio radial de los 1690 kilociclos del A.M. Para el encuentro, además, la obra Señal Sonora se actualizó a través del empleo de la tecnología de la telefonía móvil, lo que convirtió a la pieza en un ring-tone descargable. Igualmente dos obras suyas fueron propuestas por el equipo curatorial para marcar el inicio y el final del Encuentro. Lo primero se hizo con “Alborada”, una interlocución musical entre dos grupos de percusionistas que se ubicaron en los dos cerros más importantes de Medellín: el Nutibara y el Volador. Tanto la comunicación entre los grupos de intérpretes como la transmisión pública del evento se lograron por medio de la televisión local a las 6 a.m. del 13 de abril. El objetivo era dar un saludo de bienvenida y preparar a los públicos no sólo para el nuevo día sino también para el primer ciclo expositivo del MDE07 que se inauguraba ese día en la tarde. La despedida del MDE07 se hizo con la obra “The End”, que consistió en el lanzamiento de 100.000 volantes -con esta inscripción- desde una avioneta y sobre tres distintos sectores de la ciudad. ”The End” había sido también ejecutada por primera vez en 1980 como un homenaje al cine. Entre estos dos momentos se hizo una gran muestra retrospectiva de su trabajo, “Señales”, en el Museo de Antioquia, así como otras obras públicas. En las calles de la ciudad se vieron carteles con la palabra MEDELLÍN; un vagón completo del metro se intervino con palabras impresas digitalmente que ocuparon los espacios destinados a la publicidad; las pantallas gigantes ubicadas en los intercambios viales más transitados de la ciudad pasaban a intervalos animaciones gráficas con pares de palabras como AMANTE/CHICAGO. El sentido de muchas de estas piezas está en la inserción de una sutil interrupción (poética) en los procesos de visibilización convencional de la urbe. Lo sucedido en el 2007 dejó a Bernal como un artista plenamente vigente y, ante todo, permitió que las generaciones más jóvenes de artistas conocieran su trabajo. Además de lo mencionado, Bernal estaba trabajando en una nueva intervención urbana titulada “14 cañonazos”, tenía a su cargo un proyecto curatorial y comenzaría pronto con unos talleres en el Museo de Arte Moderno de Medellín. Nuevo espacio Punto de fábrica Arte Contemporáneo es una bodega de 1000 metros cuadrados ubicada en el barrio Santafe, uno de los sectores en recuperación en el centro de Bogotá. Anteriormente era la sede de Peláez Hermanos. Artistas y graffiteros, bajo el liderazgo de Giovanny Sánchez, han sido invitados para intervenir su fachada en la calle 20 con Avenida Caracas. En un futuro se espera que se convierta en la galería Punto de Fábrica, un espacio para fomentar el arte urbano, especialmente el cartel, el graffiti y el llamado post-graffiti. Desde Barcelona La Fundación de las Artes y los Artistas de Barcelona convoca al tercer concurso de pintura y escultura figurativas. Podrán participar todos los artistas. El Concurso ofrece un premio de pintura de 36.000 Euros y en la modalidad de escultura de 44.000 Euros. Fecha límite: mayo 31 de 2008. Mayores informes: www.fundaciondelasartes.org Convocatorias “Alicia / Aicila identidades digitales” es el nombre de la convocatoria organizada por Nap Gallery en la cual se propone una reflexión acerca de la identidad dentro del territorio virtual de la internet. Sus organizadores buscan promover y difundir el uso de la tecnología y la apropiación de los nuevos medios para el desarrollo de proyectos artísticos en Internet, a través de la creación de un espacio virtual para la exhibición de obras de Net.Art. Mayores informes www.napgallery.com Con el objetivo de fomentar el intercambio cultural y multidisciplinario, propiciando la conformación de redes artísticas y reunir en un mismo espacio a artistas de diferentes expresiones, se abre la convocatoria a países miembros de la comunidad Iberoamericana para realizar residencias en México durante tres meses en las disciplinas de Artes Visuales, Danza, Letras, Medios Audiovisuales, Música y Teatro. Organiza la Agencia española de Cooperación Internacional para el Desarrollo, a través del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, el Centro Nacional de las Artes y la Secretaría de Relaciones Exteriores de la Embajada de México en Colombia. Fecha límite de recepción de solicitudes, abril 18. Mayores informes: Oficina de Servicios Culturales, Embajada de México y España. Cuadernos de Curaduría Con el objetivo de divulgar los resultados de las investigaciones que se realizan en el Museo Nacional de Colombia, enriquecer la información sobre las colecciones del Museo y ampliar las historias que se narran por medio de los objetos, son realizados los Cuadernos de Curaduría; un proyecto virtual de carácter semestral, editado por la Curaduría de Arte e Historia. Desde el pasado 1 de enero se pueden encontrar “Aproximaciones a la Historia del Museo Nacional”, realizado por María Paola Rodríguez Prada; “Existencias ‘miserandas’ y espacios del panóptico” por Francisco Guerrero; “Breve historia de la Biblioteca del Museo Nacional de Colombia” por Antonio Ochoa y “El Monumento a Epifanio Garay”, por Carolina Vanegas. www.museonacional.gov.co/cuadernos.html Colombianos en Atlanta María Fernanda Cardoso y Doris Salcedo fueron invitadas al lado de otras figuras del continente, como Félix González-Torres, Vik Muniz, Francis Alÿs, José Bedia, Enrique Chagoya, Iran do Espírito Santo, Alfredo Jaar, Gabriel Kuri, Gabriel Orozco, Rubén Ortiz Torres, Marcos Ramírez y Perry Vasquez, a participar en la muestra “TRANSactions: Contemporary Latin American and Latino Art”, que, tras haberse expuesto en el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego y la Memorial Art Gallery, de la Universidad de Rochester; estará abierta en el High Museum of Art, de Atlanta, hasta el 4 de mayo, antes de viajar el Museo de Arte de la Universidad de Carolina del Norte, donde terminará su intinerancia el 21 de septiembre. Cursos en La Localidad Conocer el arte del siglo XX, a cargo de Natalia Gutiérrez y Ana María Lozano; Laboratorio de Creación y Clínica de Video Experimental, a cargo de Andrés García Larota; Taller de Cine, ciclo “Otros cines, otras miradas”, a cargo de Augusto Bernal, son los cursos abiertos actualmente en La Localidad Galería. Próximamente se estarán realizando “Del Video Clip al Arte Transgénico”, dictado por Sergio Roncallo, y Fotografía, a cargo de Clemencia Poveda. Mayores informes (1) 620 6246, 801 7349. Convenio entre el Ministerio de Cultura y el Smithsonian En días pasados se firmó un convenio de cooperación entre el Ministerio de Cultura y el Smithsonian, el complejo de museos más grande del mundo, para la participación del país en el “Smithsonian Folklife” que se realizará en 2011. A través de este primer acercamiento, se busca la alianza con esta entidad de manera que se pueda posicionar a Colombia como potencia cultural de América Latina. Seminario de Crítica en Medellín “Miradas” es el nombre del programa patrocinado por la embajada de España en Colombia en cuyo marco se realizará el primer seminario “Crítica”, los días 1 y 2 de abril en la Casa del Encuentro del Museo de Antioquia. Este evento contará con la participación de los españoles Laura Revuelta Sanjurjo, jefe de la sección de arte del suplemento cultural ABCD las Artes y las Letras de España; Fernando Castro Flórez, profesor de Estética y Teoría de las Artes en la Universidad Autónoma de Madrid, y Alberto Ruiz de Samaniego, filósofo, profesor de Estética de la Universidad de Vigo. La conducción del Seminario estará a cargo de Marianne Ponsford, directora de la revista Arcadia. Entre los meses de mayo y junio se desarrollará el modulo “Artistas” y posteriormente “Curadores”. Mayores informes [email protected] Colombianos en Nueva York Los artistas colombianos Francois Bucher, residente en Berlín, y Carlos Motta, residente en Nueva Cork, hicieron parte de la muestra “Unmasked: A Marathon of Artist videos and Films Contesting Systems of Rule”, realizada en el New Museum de la ciudad de Nueva York en febrero pasado. Los videos participantes se caracterizaron por su postura política emitiendo comentarios hacia la opresión, la violencia y la desigualdad. Óscar Muñoz en Tokio “Arte y Vida”, exposición dividida en tres secciones: “Body”, “Builtwork” y “Space” estará abierta al público hasta el 6 de abril en el Mori Art Museum de Tokyo. Este muestra está conformada por piezas de más de setenta artistas pertenecientes a la colección de Arte de UBS, entre las cuales se encuentran las obras “Pixeles” y “Proyecto para un memorial”, del artista caleño Óscar Muñoz. Apertura colombiana en Fotofest Hasta el 21 de abril estará abierta al público la muestra “Apertura Colom- bia” en el Museo Station de Arte Contemporáneo en Houston. La exhibición, realizada en el marco de XII Versión de Fotofest, cuenta con la participación de los artistas Juan Fernando Herrán, María Elvira Escallón, Francois Bucher, Jaime Ávila, Luis Fernando Peláez, Luigi Baquero, José Alejandro Restrepo, Andrés Sierra, Jesús Abad Colorado, Miguel Ángel Rojas, Libia Posada y Luz Helena Castro. Adquisiciones Recientemente fueron adquiridas por dos importantes colecciones internacionales obras de los artistas colombianos María Elvira Escallón y Nadín Ospina. Escallón ingresó a la colección de Arte Contemporáneo de la Art Gallery of New South Wales, en Sydney, Australia, con una selección de obras pertenecientes al proyecto “Desde Adentro”. Por su parte, Ospina ingresó a la colección de La Consejería de Cultura de Murcia en España con su obra “Colombia Land: Guerrero 2”. Becas del Ministerio de Cultura Desde enero pasado se encuentran abiertas las convocatorias del Ministerio de Cultura en investigación; producción de Libro – Arte; Tesis en Cultura y Convivencia; tesis en Infraestructura Cultural, Becas para artistas: Ministerio de Cultura–Fulbright Colombia; Pasantías en Colombia, Cuba y Valencia, España; Pasantías y Residencias Artísticas Nacionales, 41 Salón Nacional de Artistas, Cali; Premio Nacional a la Gestión Cultural; Premio Nacional Colombo – Suizo de Fotografía, Cultura y Convivencia; Premio Nacional de Crítica: Ministerio de Cultura – Universidad de los Andes – Ensayos sobre Arte Contemporáneo en Colombia; Premio Nacional Sin Formato (áreas: Cine, Video, Cómic y Fotografía); Residencias Artísticas Colombia–Canadá; Colombia –México; Residencias Artísticas Nacionales; Premio Nacional para Espacios Web Temáticos y Medios de Comunicación Digitales; Beca Guggenheim para América Latina y el Caribe; Fundación Carolina; Instituto de Cooperación Iberoamericana de Madrid; Programa de Becas Mutis; Becas MAE. Mayores informes: Ministerio de Cultura(1) 342 4100, [email protected]. co,www.mincultura.gov.co Slideluck Postshow El pasado 27 de febrero se realizó en la Galería Evolución la primera presentación en Colombia del evento Slideluck Postshow; foro especialmente diseñado para que artistas, curadores y editores muestren su obra por espacio de cinco minutos cada uno. Slideluck Postshow se ha llevado a cabo con éxito a nivel mundial en ciudades como Nueva York, Berlín, Madrid, Barcelona, Londres y Milán entre otras. Este evento fue fundado en el 2000 por Casey Kelbaugh, fotógrafo del sector editorial y publicitario. Burman en el Borges Hasta el 16 de marzo se presenta en el Centro Cultural Borges de Buenos Aires “Corpus”, exhibición individual de la colombiana Catharina Burman. A través de esta serie y en fotografía y escultura se aborda la problemática del cuerpo femenino como instrumento de canje y artículo de lujo; una puesta en evidencia que en palabras de Gabriela Francone, la curadora de la muestra, “la artista refiere una vez más a las espirales de turno de la belleza ideal y a la extrañeza de una realidad prèt a porter”. 4 5 Por: Lucas Ospina. Las enseñanzas de don CÉsar (El Secreto de la Real-Politik) Por: José Alejandro Restrepo. (ENTRE)DISCIPLINAS Creo que Carlos Andrés (Hurtado) debería hablar más con César (Gaviria) y aprender de él y de su discurso pragmático; ya lo está haciendo, el párrafo final de su texto es muestra de un alumno que se esfuerza en aprender las enseñanzas y secretos de un maestro de la real-politik: “—¿Qué clase de objetos son, don Juan? —No son en realidad objetos; más bien son modos de poder. —¿Cómo puede uno obtener esos modos de poder, don Juan? —Depende de la clase de objeto que quieras. —¿Cuántas clases de objetos hay? —Ya te dije, docenas. Cualquier cosa puede ser un objeto de poder. —Bueno, entonces, ¿cuáles son los más poderosos? —El poder de un objeto depende de su dueño, de la clase de hombre que sea. Un objeto de poder cultivado por uno de esos brujos de mala muerte es una idiotez; en cambio, un brujo fuerte y poderoso da su fuerza a sus herramientas. —¿Cuáles son entonces los objetos de poder más comunes? ¿Cuáles prefieren la mayoría de los brujos? —No hay preferencias. Todos son objetos de poder, todos son lo mismo. —¿Usted tiene alguno, don Juan? No respondió; sólo me miró y se echó a reír. Permaneció callado largo rato, y pensé que mis preguntas lo molestaban.” Las enseñanzas de don Juan Carlos Castañeda I. D os de las respuestas que dio el coleccionista César Gaviria, con motivo de la apertura de su Galería Nueve Ochenta, en una entrevista publicada en el periódico Arcadia (“Periodismo Cultural”), pueden servir para responder a los cuestionamientos que hace Carlos Hurtado sobre la crítica de arte en Colombia en su texto publicado en el número 11 del periódico Arteria (“Todo lo que usted necesita saber sobre arte”): […] Periodista: Si se ha pasado tantos años viendo arte, tiene que haber desarrollado un sistema de alarmas sobre la mala calidad. ¿Nos podría decir algo que le moleste de una obra, que lo haga sospechar o desechar un cuadro? Coleccionista: Tal vez lo que más se aprende a reconocer recorriendo eventos artísticos no es tanto la calidad estética como la capacidad propositiva de los artistas. También se aprende de las tendencias, se aprende de las muchas maneras que se crean para reflejar una situación social o política. Es increíble, pero de ese cotorreo que se genera en ferias y bienales le va quedando a uno una visión un poco más amplia, se hace uno consideraciones que nunca se le hubieran ocurrido. Vuelvo a mi afirmación: nadie puede creer que es capaz de señalar lo bueno y desechar lo malo. Lo que hay es un proceso de aprendizaje colectivo que va encontrando intérpretes en los curadores o en los galeristas. De eso también se alimentan los artistas. […] Periodista: ¿Es el galerista el que hace famoso al artista o el artista famoso al galerista? Coleccionista: Tanto el artista como el coleccionista necesitan del galerista, quien cumple un papel principal en el mundo del arte. A él, a los museos, a los curadores, les corresponde el papel de estructurar, de forjar el mundo del arte. Es un mundo complejo. Pero todos están obligados a entender su papel. En todo caso el galerista no soy yo. No tengo pretensiones de curador o galerista. Carlos Andrés ha sido capaz de acompañar a un grupo de jóvenes valores colombianos y darle fundamentos y estructura a este proyecto. II. Las respuestas de César Gaviria son claras y si se usan con respecto al problema de la crítica, que tanto parece inquietar a Carlos Andrés (Hurtado), pueden contribuir a que ambos socios de la Galería Nueve Ochenta se liberen de los cuestionamientos y alcancen el mismo nivel reposado de pragmatismo. En la primera respuesta Gaviria reconoce que privilegia en el arte no “tanto la calidad estética” sino “la capacidad propositiva de los artistas” y afirma que “nadie puede creer que es capaz de señalar lo bueno y desechar lo malo”, y pasa a denominar como intérpretes de las obras a los curadores o a los galeristas. Luego, en la segunda respuesta, tras mencionar a los coleccionistas, dice que a los galeristas “a los museos, a los curadores les corresponde el papel de estructurar, de forjar el mundo del arte.” Gaviria en ningún momento se refiere a los críticos de arte pero, ¿para qué hacerlo? ya sus afirmaciones han dejado por fuera la estética y el discernimiento, dos capacidades que quedan entonces sin mayor margen de acción, de manera que toda crítica que quiera persistir en su labor tendría que convertir su escritura en ese arte de la omisión que algunos llaman “curaduría” (¿o será “gestión cultural”?). Y si Gaviria no menciona a la crítica en la entrevista, menos aún se preocupa por comentarla, así que las esmeradas adjetivaciones de Carlos Andrés (Hurtado) en su crítica a la críticos estarían de más: “mentes inteligentes que han preferido quedarse en posiciones cómodas y superfluas”, “decoradores de interiores”, hippies disfrazados, “pseudointelectuales”, rebeldes trasnochados, enemigos del coleccionismo y del mercado, universitarios a la moda… “Por esto, creo que es fundamental que hoy los críticos también se inscriban en el ejercicio de repensar su labor y su inmenso compromiso con las artes de este país, que día a día demandan un público mejor informado y una crítica más estructurada, que en vez de concentrarse en satanizar todo, sean generadores de un pensamiento dinámico y proactivo.” Sin embargo, “es un mundo complejo” (como lo señala César Gaviria) y todavía nos queda mucho por aprender… III. Un pensamiento “dinámico y proactivo”, según Hurtado, sería aquel que no se detiene “en debatir temas de tan poco interés o impacto como las condiciones físicas de una sala de exhibición (la existencia o no de un guarda escobas, por ejemplo) o los tonos de pintura de un muro en los montajes” —exigirle a la crítica que deje esas pequeñeces y que se comprometa inmensamente “con las artes de este país” es tan inapropiado como dejar un niño rollizo al cuidado de un caníbal. El paraíso de mermelada de la cultura no necesita de la presencia disonante, diletante y limitante de la crítica, la fiesta del arte ya cuenta con una serie completa de invitados: coleccionistas, galeristas, museos, curadores (según el listado hecho por Gaviria) y toda una ingente cantidad de “dinamizadores” y “recreacionistas”, o gestores y periodistas culturales, que forman al público con información —usan un lenguaje correcto y apropiado a las necesidades ideológicas del momento, “hacen amables” los contenidos, favorecen la falta de pretensión y alimentan una aprensión a lo “intelectual”. En el reino de la información se encuentra “todo lo que usted necesita saber del arte”; al matrimonio de la cultura, donde espectáculo tras espectáculo se obra la unión de arte y vida, la crítica de arte, con su “mala leche”, no debe ser invitada. La crítica es insaciable, impertinente, impenitente, jamás aprenderá a omitir elementos, a obviar detalles, por superficiales que estos sean (“Dios está en los detalles” decía un arquitecto senil). La crítica exaspera por su afán de ser específica, no le basta con generalizar y pierde el tiempo con minucias, es como si alguien ante una fruta en vez de decir “la fruta” dijera “el tamarindo”. La crítica tiene el vicio de recolectar sistemáticamente pequeñas evidencias y contrastar toda una serie de hallazgos con los hechos del arte; una obra, una exposición, serán sopesadas no sólo desde sus “contenidos” (el famoso y por supuesto suficiente “¿qué nos quiso decir el autor?”) sino desde todo aquello que forma parte de la lectura de los hechos del arte: un guarda escobas, el color de un muro, una invitación, el “cambio extremo” de una casa a espacio expositivo, el texto de presentación de una exposición, el video en formato de “reality” con que una galería promociona a un grupo selecto de artistas jóvenes, la exposición navideña “Colección Privada” con que la misma galería “consiente” a un grupo de coleccionistas dejándolos exponer “su primera obra”… Para la crítica las cosas no son “puras”, no significan sólo en si mismas; las cosas significan en relación a otras cosas y mientras más palpables sean las influencias “externas” en la lectura del arte, más énfasis hará la crítica en señalar esos factores —¡hay críticos que creen que el precio de una obra, el posicionamiento social de un artista o el prestigio de una institución no se bastan por si mismos!. La crítica es un proceso de análisis escéptico, desecha las convicciones ideológicas (sean morales, neoliberales, comunistas, patrióticas o de la nueva era) para rendirse únicamente ante la evidencia del lenguaje. El arte de la crítica es un acto profundamente superficial, permanece en un umbral entre la teoría y la forma, ve lo extraordinario en lo ordinario, y donde sólo hay rastros mundanos la crítica persiste en ver detalles —por eso cuando el detective —y por cierto morfinómano— Sherlock Holmes le dice “Elemental” a su querido Watson, le esta dando a la percepción espacial y al espíritu insufrible de la razón el crédito por sus hallazgos. Fragmento de un texto publicado por la revista ASAB, No. 4-5, Abril de 2004. E l sonido o los bloques sonoros en el espacio, son fuerzas en acción. Tiempo y espacio afirman su coexistencia en la música y de ahí sus posibilidades en las experimentaciones escénicas. Romper esquemas perceptivos ordinarios de espacio-tiempo es un recurso muy común en el video-arte o en los espectáculos teatrales. Romper radicalmente el “sentido” (dirección, sensación, razón) juega con las expectativas y percepciones domesticadas. El espacio “entre” las disciplinas abre un abismo contra la “pureza” de las artes individualizadas. Con las nuevas tecnologías también han cambiado las formas de trabajar: los problemas de forma y contenido pueden ceder su lugar al sonido como acción y como fuerza. De la dupla materia-forma se pasa a materia-fuerza. Aquí la fuerza activa es el tiempo. Las “artes del tiempo” tendrían que ver con esta materia prima que articulan y movilizan las partes en términos de montaje más que de collage, modulaciones más que yuxtaposiciones, acorralar el relámpago en el nido (Saint John Perse) más que colocar el paraguas al lado de la máquina de coser (Lautreamont). “No soy compositor sino fonometrógrafo” solía decir Satie. No es solamente una posición frente a los compositores de oficio, es también una visión frente a las posibilidades del universo de lo acústico (fuera de lo estrictamente “musical”) donde arte y tiempo se conjugan para experimentar(se). Es en las artes escenicas dónde se dan las condiciones ideales para la experimentación interdisciplinaria. En 1917 compone la música para el ballet “Parade” con argumentos de Cocteau, decorados y vestuario de Picasso y el ballet ruso de Diaguilev. La música se mezclaba con sonidos concretos de máquinas de escribir, silbatos de vapor y disparos. También compuso la música para “Relache”, ballet “instantaneista” en dos actos (1924), con decorados de Picabia. En el intermedio se proyectó la película “Entr´Acte” de René Clair. En “Mercure, poses plásticas” (1924) los decorados y vestuario fueron de Picasso. El grupo Fluxus hizo su primer “concierto” en 1962. Además de ser un grupo internacional, multicultural e interdisciplinario, políticamente Fluxus tenía un derrotero bastante claro: sus fines no eran propiamente estéticos sino sociales. Eliminando progresivamente las “bellas artes” y dirigiendo sus esfuerzos hacia la sociedad utilizarán todo tipo de medios y disciplinas: músicas y eventos de acción, textos, múltiples, películas, performancias, vaudeville, eventos multimediales etc. Esta conciencia política tenía sus antecedentes en movimientos como Arts & Krafts a finales del siglo XIX y la Bauhaus en el siglo XX. John Cage participó en varios conciertos Fluxus. Inició estudios tradicionales de música (en una época fue alumno de Schonberg) pero muy pronto sus obras sobrepasaron la composición como tradicionalmente se entiende. Sus materiales de trabajo dejaron de ser los sonidos y trabajó con elementos y fuerzas como el silencio, la indeterminación, el humor y el no-sentido. Es una época en la historia del arte occidental donde una serie de nociones comienzan a asimilarse en profundidad: liberación del automatismo como herramienta creativa (Dadá y Surrealismo), experimentación del absurdo y el no-sentido(Beckett), filosofías como la de Wittgenstein y su lucha “contra la fascinación que ejercen las formas de representación” y la influencia de las filosofías orientales (Tao, Zen y Sufismo entre otras). Contra el dilema azar o voluntad, Cage propone azar y necesidad. No estamos frente al azar como accidente indeseable, no se trata de sopesar las probabilidades de ganar o perder en algún juego de azar, se trata de la afirmación del azar contra las relaciones causales deterministas. Es un azar que se ramifica permanentemente, como una aceptación y una imitación de la vida en sus procesos. En 1965, Sony lanza por primera vez un equipo portátil de video. Un artista coreano llamado Nam June Paik, miembro del grupo Fluxus, fue el primer artista en grabar imágenes y sonido con este aparato. Ya otros artistas plásticos como Vostell y Kienholls habían utilizado el aparato de televisión como objeto escultórico, pero es Paik el que desde un comienzo se interesa en las imágenes en movimiento, en la búsqueda de la especificidad del nuevo medio y las colaboraciones con performers. Los materiales pre-grabados de la televisión comercial de muchos países son la materia prima para su particular manera de componer (Paik era compositor de formación). Su carácter de músico experimental encuentra en el video un medio propicio para trabajar con imagen y sonido, desde una perspectiva interdisciplinaria. Con la cellista Charlotte Moorman trabaja en obras de colaboración: “T.V.Cello” (1971) un cello hecho con tres monitores que difunden imágenes intervenida sen circuito cerrado. Es claro, para “forjar el mundo del arte” los ensayos de la crítica no son necesarios, la crítica no busca a un autor o hace un juicio final (los juicios de la crítica siempre son efímeros, los tiempos cambian); o en otras palabras, los juicios de la crítica no sirven para posicionar de manera permanente a un artista o validar para siempre una obra. El público debe ser protegido, no está preparado para comprender que la perfección no existe y la crítica, por su carácter incrédulo, inestable e imprudente, es incapaz de ajustarse al libreto que un paternalismo responsable exige. La crítica estará por siempre en el limbo, será satánica, parasitaria, vivirá del desajuste en ese espacio que queda entre la promesa y los hechos; tal vez por ese mismo carácter impráctico, disfuncional, la crítica sólo puede ser ejercida por unos pocos diletantes que viven de la renta o por algunos estudiantes y profesores que se lucran del ocio universitario —a nadie se le ocurre crear un puesto de crítico en la nómina de una institución o en una publicación cultural (además, se sabe que el crítico siempre termina mordiendo la mano que lo alimenta). La crítica, a fin de cuentas, es un rezago, un anacronismo, un limite a superar. Pensar que la crítica puede cambiar su naturaleza es sobre todo una falta de autocrítica o una inseguridad que alguien conocedor de “El Secreto” no debería detenerse a contemplar; el éxito social y los indicadores económicos ya bastan, la fama y la solidez de las cifras refutan y hacen innecesarias las interpretaciones enfermas, resentidas y elitistas de la crítica —ya lo decía, con suficiencia, Carlos Andrés Hurtado en el primer párrafo de su texto “El síndrome del pobre niño rico”: “Para nadie es un secreto que el arte contemporáneo nacional está pasando por uno de sus momentos más fructíferos, y que cada vez con mayor entusiasmo coleccionistas y curadores locales e internacionales posan su atención sobre las propuestas plásticas de nuestros artistas.” Y continua Rhonda Byrne, conocedora de “El Secreto”: “Esta época de nuestro glorioso planeta es el momento más excitante de la historia. Vamos a ver y experimentar lo imposible haciéndose realidad, en todos los campos del empeño humano y en todos los temas. A medida que vayamos abandonando todos los pensamientos de limitación y seamos conscientes de que somos ilimitados, iremos experimentando la ilimitada magnificencia de la humanidad, expresándose a través del deporte, la salud, el arte, la tecnología, la ciencia, y en todos los campos de la creación.” La formación musical de muchos de los video-artistas (Paik y Bill Viola por ejemplo) dirige la experimentación hacia las complejas relaciones entre imagen y sonido. Tanto para la música como para el video se trata de trabajar tiempo y tempos, ritmos, dinámicas , duraciones y silencios. Pero no solo la cámara está ligada a la imagen ni el micrófono al oído. Todos los sentidos funcionan simultáneamente en una experiencia sinestésica de manera que los sonidos son imágenes y las imágenes son audibles. Obra: José Alejandro Restrepo. Fotografía: Camilo Monsalve. La utilización del video como herramienta interdisciplinaria se ha mostrado muy recursiva desde sus inicios. En performancias, danza y teatro participa activamente en las propuestas. La incorporación de la tecnología video dentro de los espectáculos mismos constituye un elemento más de la búsqueda dramatúrgica tras ese sueño de la obra de arte total. El vocablo teatro viene del verbo griego Theaomai que significa ver y video viene del verbo latino video que también significa ver. Studio Azzurro, Gaya ciencia, Wooster Group y Bob Wilson, fueron entre otros los primeros que exploraron en esta dirección, pero ya Piscator y Brecht habían proyectado cine en sus montajes y Beckett y Pinter habían escrito piezas específicamente para televisión. 6 7 CUERPO TEOLÓGICO-POLÍTICO AM: La definición de performance ha sido difícil de consensuar no solo para los artistas, sino también para los teóricos, justamente porque es un lugar donde predomina lo transdisciplinar. ¿Qué nuevas perspectivas en nuestro contexto abre este campo para las intervenciones estéticas, sociales, teóricas? Fotografía: Camilo Monsalve. El pasado 13 de febrero José Alejandro Restrepo estrenó en la Casa del Teatro Nacional su último trabajo: “Vidas Ejemplares”, performance realizado con el Colectivo Punto Org. Grupo conformado para esta obra por: Cesar Badillo–actor, Heidi Abderhalden–actriz, Idali Franco–actriz, Zoitsa Noriega–bailarina, Eduardo Ruiz–bailarín, Juan Carlos Aldana–artista plástico, Esteban Rey–artista plástico, y “El Gitano”; artistas de diferentes formaciones y experiencias. Esta obra es un recorrido sensorial por imágenes, sonidos y actuaciones en constante interacción de donde emergen los complejos entramados culturales provenientes de la atávica relación que tenemos con las prácticas católicas y el poder de su iconografía. Esta entrevista fue realizada especialmente para ARTERIA. Adriana Mejía: ¿Cómo se dio el proceso en la creación de esta obra? José Alejandro Restrepo: La obra tiene una genealogía que se remonta al año 2000, con la obra “Iconomia”, donde trataba de ver de qué manera la lucha entre iconófilos e iconoclastas tenía que ver con el control sobre las imágenes. En ese cruce de intereses me parece que la religión católica ha jugado un papel muy importante, no solamente como productor de imágenes sino también utilizando el poder que ellas pueden tener, y ahí en ese enclave político se ha dado una lucha por quién controla y quién se ampara de las imágenes. Esa obra dio paso a una investigación un poco mas específica que se centraba en el arte religioso Barroco Latinoamericano, “Santoral”, en el 2005. Aquí se trata de ver de otra manera las imágenes que nos han acompañado desde la infancia en este contexto católico. La posibilidad de verlas con otros ojos y, sobre todo, de establecer conexiones con la violencia política. Había conexiones muy interesantes entre las técnicas del cuerpo y las violencias sobre el cuerpo, desde el punto de vista de la iconografía religiosa, con algunas prácticas comunes durante la violencia de los cincuenta y luego con la violencia paramilitar. Esta investigación se tituló “Cuerpo Gramatical” una publicación que hizo la universidad de los Andes. A comienzos del 2007 hice un video con la presencia de la mayoría de actores que hacen parte de esta obra que se llamó “Protomártires”, donde comencé a grabar improvisaciones sobre personajes y figuras míticas, o figuras del santoral. A partir de ese video pensé en la posibilidad de llevar este trabajo a escena y lo interesante que podría ser la propuesta con los actores en vivo. Esto fue posible gracias a una beca de grupo del Ministerio de Cultura. Empezamos a trabajar en septiembre del año pasado. AM: ¿Por qué considera necesaria la incorporación de actores, la interacción de otros lenguajes? …el performance? JAR: No es la primera vez que incursiono en el performance. Desde el año 87 con María Teresa Hincapié lo abordamos con el montaje “Parquedades. Escenas de parque para actriz, video y música”; después, también con ella, “Intempestivas” en el 92. Luego tuve otras experiencias: “Teoría del color. Una contribución al desorden en las taxonomías” en 1998, y “Humboldt y Bonpland, taxidermistas”, en 2001. En el caso particular de esta obra me parece que hay una fuerza en la corporeidad. El cuerpo en vivo que emite esos signos del dolor que pasan por la violencia y por esa estética del Barroco con sus extremos figurativos y con esa “locura de mostrar“ como decía Michel De Certeau. AM: ¿Cómo juegan en la obra el imaginario de los santorales católicos, la imaginería popular y cómo se reconfiguran con la presencia en escena de los personajes? JAR: Ahí hay dos categorías: una que está en referencia directa y fácilmente identificable, como Santa Lucía, con sus ojos afuera, Santa Bárbara con sus senos cercenados, por ejemplo. Pero hay otras figuras que son híbridos, que sí se enmarcan dentro de cierta atmósfera y manejo de signos del santoral pero que no son referencias directas a ninguno, allí hay asociaciones libres ocultas. AM: ¿Cómo armoniza los diversos lenguajes disciplinares en este performance? JAR: Esa es una de las grandes dificultades. Muchas veces el video en escena se vuelve demasiado protagónico, tiene una presencia física y lumínica que hace que el ojo privilegie la imagen video. Entonces el problema está en cómo establecer las relaciones entre la imagen y la presencia física. Hay en ese sentido diferentes vías, una es cuando la imagen simplemente está como paisaje de fondo, otra es que la imagen esté en un diálogo con el performer, o que la imagen encarne un personaje, o en el circuito cerrado es una manera de ver lo micro. Estas diferentes alternativas o tácticas están dictadas por un lado por el material mismo, y por otro lado por la manera en que se quiere construir esas dramaturgias en donde haya interacción, buscando diálogos, resistencias , resonancias y en algunos momentos francas colisiones . AM: El performance es una posibilidad, en tanto facilita las estructuras discontinuas, la no linealidad, la organicidad entre unidades de sentido independientes, ¿es una herramienta interesante para la creación polifónica? JAR: Yo creo que esto revindica la no linealidad, lo fragmentario no como un déficit si no como una apuesta afirmativa, y esto es una búsqueda que viene desde los años setenta, que propende por una obra abierta, tratado plenamente en los textos de Roland Barthes y que encuentra en lo fragmentario y en cierta reticencia una manera de retener el sentido para luego dispararlo en diferentes direcciones. Esta manera de trabajar tiene mucho mas que ver con un tipo de estructura musical que con la dramaturgia convencional del teatro de texto. JAR: Yo pienso que en esta propuesta lo performativo es el espacio de la contaminación, ahí hay un ir y venir de lo teatral a lo no-teatral, de la representación a la presentación. Hay una invitación a la mezcla de los regímenes de signos, de acciones, discursos, que hace que lo preformativo no riña con lo teatral, sino que se propicien intercambios, simultaneidades, coexistencias. AM: Un trabajo como este puede estar prejuiciado por las diversas nociones disciplinares de lo que debería ser o no un espacio escénico, delimitado por consideraciones acerca de lo que debería ser el teatro, lo que debería ser la plástica y lo que constituye el performance. ¿En dónde quedan los requerimientos propios de la obra? JAR: En cierto sentido hay unos parámetros ciertamente teatrales: la caja negra, las luces, el vestuario... en ese sentido pienso que la propuesta propone algo desde ciertas relaciones en la estructura, cierta dramaturgia de los signos que allí están en juego. La teatralidad en el sentido en que tuve las primeras experiencias que marcaron mi vida, el encuentro con la danza-teatro de Pina Bausch cuando vino a Colombia en el 82 o con las obras de Bob Wilson por ejemplo. Allí me encontré con elementos que me seducían, sentía que de alguna manera hacían parte un vocabulario y de un lenguaje que me tocaban muy fuertemente. AM: “Vidas Ejemplares”, saca a la superficie las contradicciones de las practicas religiosas católicas mas arraigadas en nuestro contexto. ¿Cómo opera en la obra esa política de la religiosidad? JAR: Ese es el espacio al que me refiero como teológico-político. Hay un cruce de intereses muy desafiante, a veces de manera muy sutil. Entender cual es el poder político que tienen las imágenes, cómo se vuelven verdaderas porque tienen poder de seducción y no son poderosas porque sean verdaderas y siempre han estado al servicio del poder. La primera gran productora de imágenes, el aparato mediático más sorprendente ha sido la iglesia católica después del Concilio de Trento, donde aparece esta prodigiosa producción de sensibilización e ideología a través de la imagen. AM: ¿Hay una imposición de la voz del autor, del discurso del director? JAR: Yo creo que las obras tienen diferentes etapas. En una primera fase es posible que los puntos de partida sean propuestos por mí, pero después el trabajo comienza a fragmentarse, a ramificarse, y los actores comienzan a intervenir. Las propuestas de los actores, la parte sonora y el video van adquiriendo autonomía y vida propia, señalando direcciones a tomar en los momentos críticos donde hay más confusión. El trabajo está allí, en canalizar una serie de lenguajes y discursos, articulando los elementos para configurar una propuesta que no necesariamente da cuenta del discurso del autor si no más bien sea un aparato de extrañamiento, una caja de resonancias. AM: A propósito de Barthes ¿en dónde se encuentra el punctum, el lugar que se resiste a la legitimación de la imagen hegemónica, el punto de fisura ¿en que vértice? JAR: Yo creo que estoy circunscribiendo un terreno que me seduce mucho y es el espacio teológico-político. Hay un maridaje entre Dios y Patria, el estado y el aparato religioso, entre las ideologías religiosas y las ideologías del poder. En el caso colombiano ha jugado un papel fundamental dentro de la historia desde la conquista, pero que particularmente durante la violencia de los años cincuenta y en la violencia actual sigue muy presente en los discursos. Reaparece una y otra vez esa noción tan arraigada en los sistemas fascistas de Dios y Patria en estas épocas de cruzadas contra los imperios del mal. Dios le habla al oído a los mandatarios. Como dice Bush, “Dios no es neutral”, entonces nos preguntamos ¿de que Dios Obra: José Alejandro Restrepo. Fotografía: Camilo Monsalve. AM: La tortura, el victimizar, han sido mecanismos de control y sometimiento del otro. ¿Por qué cree que en Latinoamérica hoy en día las reivindicaciones sociales, el buscar redimirse, el redimir, sigue siendo por medio de el dolor como estrategia y el cuerpo como dispositivo? JAR: En Colombia se vive una religiosidad atávica muy profunda, sobre de todo de referentes católicos. Suceden cosas muy exacerbadas, como por ejemplo que los comandantes del ELN fueron curas que estaban reivindicando a través de la lucha armada los derechos de los mas débiles; o recientemente un intercambio de vírgenes entre un ex-guerrillero y un paramilitar desmovilizado. Siempre hay un mesianismo ya sea por la vía armada, o por discursos como el del actual presidente que hace gala de este tipo de visión del mundo. Las luchas populares sistemáticamente ignoradas tienen como única manera de visibilizarse pasar por estas imágenes de dolor y de sacrificio de origen católico como crucificarse, enterrarse, coserse los labios, etc., que por lo menos a nivel de los medios tienen resonancia, aunque a la postre se quedan en rituales rápidamente olvidados y no son tenidos en cuenta. AM: Hay sectores que hablan de abuso de las imágenes violentas y consideran que esto ha contribuido a que el espectador se vuelva impermeable a ellas, a que el uso excesivo las haya convertido en significantes vacíos y promotores de la violencia. ¿Ésas imágenes siguen incidiendo en el espectador? JAR: De alguna manera esas imágenes siguen hablando, siguen diciendo cosas. A pesar de vivir inundados de imágenes hay cosas que exigen ser vistas con detenimiento, no a la velocidad del consumo. El discurso en contra de las imágenes de violencia le ha servido a la violencia misma para obligar a acallar, para obligar a no ver cosas donde se podría vislumbrar algo o entender algo. Estos discursos contra la imagen violenta, contra la insensibilidad, la saturación, también le han servido a ciertos intereses políticos que no quieren que aflore la verdad, que no quieren que la historia entre en un cuestionamiento basado en la justicia y la verdad, e imponen la censura o una auto censura disimulada. Yo creo que la tarea del arte es también poner en la palestra estas imágenes. Invitar a volverlas a ver, no de una manera frontal, como sería la trampa de la Medusa que petrifica a aquel que la mira, sino más bien de maneras tangenciales, diagonales, o en claroscuro que permitan ver otros aspectos y relaciones que la luz plena no deja ver. Más pornología que pornografía. AM: ¿En dónde estaría la diferencia entre el dolor para redimir y el dolor para someter en una dimensión estética? JAR: Ideológicamente creo que están emparentados. El arte desde el Concilio de Trento aparece como una herramienta fundamentalmente ideológica para contrarrestar los brotes reformistas. El catolicismo echa mano a todo lo que pueda seducir y reencausar el rebaño por el buen camino, desde entonces en el arte el componente ideológico es evidente. Obra: José Alejandro Restrepo. Fotografía: Camilo Monsalve. Por: Adriana Mejía. estamos hablando? ¿del lado de quién está? ¿del lado de los buenos? ¿del lado de los poderosos? AM: Nuestro Santoral Latinoamericano es enorme, ¿cómo seleccionó estos para que sean los referenciados, los que nos interpelen? JAR: Hubo diferentes filtros. Hay uno en particular que fue el que me inició en esta investigación y fueron los parentescos entre la violencia política de los años cincuenta y las representaciones iconográficas de los mártires. Por ejemplo, cortar la cabeza del enemigo no solamente fue una práctica muy usual en los cincuenta, sino también en las décadas del ochenta y noventa. En la iconografía católica existen imágenes absolutamente extraordinarias como la de Salomé y San Juan Bautista, como la de San Dionisio portando su propia cabeza y otras prácticas muy violentas que hacen parte de la tradición mítica, como el cortar el seno de una mujer (Santa Águeda o Santa Bárbara) que en la violencia de los cincuenta y los ochenta se replican como formas de violencia simbólica que no pasa por la muerte misma sino como una pedagogía que dura en el tiempo, como castigo ejemplarizante. El cortar la lengua para castigar a aquel que habló, o sacarle los ojos son prácticas que se emparentan con la imagen de Santa Lucía o San Juan Nepomuceno, que prefiere cortarse la lengua antes que revelar el secreto de la confesión. Estas analogías no se extrapolan simétricamente pero se cruzan en el lenguaje de los cuerpos y de la violencia sobre los cuerpos. 8 ARTES Por: Miguel González Obra: Doris Salcedo. Fotografía: Archivo ARTERIA. PARA LOS SENTIDOS Obra: Feliza Bursztyn. Fotografía: Ernesto Monsalve. Cortesía: MAMBO. M uchas de las obras más excitantes, pertinentes y conmovedoras que se presentan en distintos escenarios, llámense estos museos, galerías, teatros, iglesias, espacios alternativos, estadios o la plaza pública, parecen no sólo desbordar los géneros y la especificidad acostumbrada, sino que aspiran a autoafirmarse como opción distinta. La hibridación, el camuflaje, las interferencias y apropiaciones en distintos sentidos son los síntomas de las respuestas artísticas que se tornan inclasificables en sus resultados finales aunque en su primera intención y por el espacio que ocupan para resolverse se presentan como instalaciones, performance, video arte, ópera, obra de teatro, danza contemporánea, cine experimental o una etiqueta más incluyente pero un poco difusa como multimedia. Seguramente ese deseo de expandir los límites, desmontar fronteras, metamorfosearse y parecerse al otro u otros es una antigua aspiración de las vanguardias históricas. Éstas tienen a su vez la influencia de las ideas wagnerianas del siglo XIX y su teoría del Gesamtkunstwerk, obra de arte total, desprendida del concepto schopenhaueriano de “genio” que Wagner aplicó para sí mismo insistiendo en la fusión de las diferentes artes. Kandinsky proyecta el teatro de imágenes en “La sonoridad amarilla”; Balla idea el ballet sin actores para una pieza de Stravinsky; Apollinaire, Cocteau, Léger y Picasso colaboran con los ballets rusos y suecos; Schwitters con su teatro collage Merz; Schlemmer desde la Bauhaus predica el “Arte y tecnología: una nueva unidad” y realiza el ballet triádico; Moholy-Nagy allí mismo planea escenografías, fiestas y nuevos espacios para las representaciones visuales y lúdicas. La contemporaneidad que se desprende de la posguerra, a partir seguramente de 1949, reanima los eventos del futurismo italiano, la vanguardia rusa, la Bauhaus, el dadá y el surrealismo para constituirse en happening y después en el performance. Recordemos que Jhon Cage debutó en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1943. Su colaboración con el bailarín y coreógrafo Merce Cunningham ha sido proverbial. Así como también la de estos con Duchamp, Rauschemberg, Kaprow, Vostell y Robert Whitman. Las acciones incluyeron proyecciones cinematográficas, protagonismo del cuerpo, participación activa de los espectadores y escenografías con objetos, pintura y elementos perdurables y efímeros. Se dio también la relación de danza y minimalismo como el performace de Robert Morris “Site”, en 1965 o la acción de Meredith Monk en el Museo Guggenheim en 1969. Debemos pensar en las “Antropometrías” (1960) de Klein o las “Esculturas vivientes” (1961) de Manzoni, en las acciones de Beuys con la liebre muerta (1965) o “Coyote” en la Galería Block de Nueva York (1974). ¿Qué era eso? Teatro pánico de Artaud, eventos neo-dadá, remasterización de Schopenhauer y su concepto de voluntad asociado a la esencia del mundo, repensar el arte como un ritual social o privado o secreto o incluso impúdico y cerrado. Seguramente algo de todo eso y más. Sacrificio, tormento, inmolación como en Brus, Rainer, Nitsch, Schwartzkogler o Valie Export en el accionismo vienés. Cuando el video como medio apareció se comenzó a operar un gran estremecimiento en la esfera audiovisual que ha enriquecido los lenguajes no sólo en el ámbito del exclusivo video-arte, sino en las posibilidades cinematográficas del mismo y su aplicación Obra: María Teresa Hincapié. Cortesía: Galería Alcuadrado. 9 y en el caso de Madonna, sus videos oscilan entre lo políticamente correcto y la provocación sexual bordeando la contundencia sado, colman lo que se puede pedir de una experiencia. Que es finalmente lo que buscamos siempre. en el teatro, la ópera, la danza, los conciertos. La capacidad de manejar imágenes y de que éstas se comporten como medios persuasivos ha sido de gran impacto en las distintas audiencias. Nada es igual después de usar este recurso. Ciertas proyecciones de video, como antes el cine, generan la ilusión de verdades, tanto reales como fantásticas. Esa verosímil virtualidad singulariza y sustenta emociones y facilita la transmisión de las ideas que se quieren comunicar. Aran un espacio para presentar oportunamente el conflicto entre materia y espíritu que al decir de Artaud era el tema eterno del teatro y en general del arte. Pero el abogar por la interdisciplinaridad es también encausar hacia lo multidisciplinario. Ahora aunque no podemos del todo situarnos en un contexto seguro, y todos los estamentos están sometidos a redefiniciones y lecturas trasversales, la pregunta que surge siempre no es ¿cuál es la especificidad o a qué lenguaje pertenece?, sino donde reside su efectividad. Significados y significantes que nos conducen a pensar que el producto que presenciamos y comprendemos es un trabajo artístico, tramitado por múltiples asociaciones y basado en distintas experiencias. En otro sentido el escenario mismo donde es acogido el evento nos obliga a reflexionar sobre su validez y pertinencia. En una sala de conciertos un evento sin sonidos, o sin melodías, sigue siendo un acontecimiento “musical” para la reflexión. Igual que teatro sin actores, sin argumento y solo con sonidos o imágenes, sigue cuestionando su integridad. Exhibiciones de corte antropológico, sociológico o de cualquier aspecto de los estudios culturales se ofrecen como artes visuales en los recintos tradicionales para este menester o en los alternativos que se autorreferencian como patentadotes idóneos. Esas fracturas en las definiciones, y esa atomización de los límites, seguramente han abierto fronteras y son una invitación a dejar los monótonos circuitos que sugieren los clanes. Un concierto rock es tan excitante como el teatro contemporáneo, una discoteca es tan absorbente como la antología de Matthew Barney de sus videos y objetos, los montajes de las obras de teatro y ópera de Roberth Wilson son escultura, performance, visceralidad y aturdimiento, pero también una poética contemporánea a toda prueba. Los conciertos de los Rollings Stones (Voodoo Lounge), Metállica con la sinfónica y Madonna (Confessions), éstos dos últimos en el Madison Square Garden, unos espectáculos entre el circo neroniano y las concentraciones hitlerianas, que presencié, se me antojaron igualmente como las óperas de Wagner por su magnificencia Las galerías y museos, incluso los mega eventos de las artes como las bienales y ferias son tan estáticas y pasivas si las comparamos con lo que sucede en el teatro contemporáneo, la ópera, danza y el cine de los grandes realizadores de hoy. Cuando voy como asiduo e impenitente visitante a los museos de arte contemporáneo cada vez me siento más visitando anticuarios. Pienso que la vida, la verdadera emoción de la vida está en otra parte. Seguramente un gran sector de lo más interesante en todos los órdenes nos enseña los conflictos contemporáneos, la guerra, los desgarramientos, la hecatombe ecológica, las periferias y las desterritorializaciones. Los nuevos medios y la tradición renovada siempre dispuestos a actuar de manera palpitante. Cuando tenemos la visita al país de gente como Jan Fabre, Bob Wilson, el teatro o danza del Japón o los espectáculos que incluyen la tecnología, la música electrónica y los efectos del holograma, es oportuno presenciarlos para saber más sobre la interpretación de las ideas y sobre la diversidad de las miradas. Incluso la Björk de noviembre pasado, con sus teclados sintonizados a la intensidad y colorido de las luces y su banda de diez mujeres con cornetas y trompetas, ¿cantante, actriz, performista? Seguramente todo eso, y algo más. En el arte nacional el performance que en muchos casos dejó de ser algo realizado por el propio artista para convertirse en evento con ayuda de personal distinto proveniente de la música, la danza, el teatro o incluso alienados mentales, menesterosos, desplazados, soldados, como se pudieron ver en los festivales que se han realizado en Cali. Donde incluso hubo sangre, eventos escatológicos y mutilación. Las fronteras parecieron borrarse, entre el arte y la vida, entre lo real y lo ilusorio, entre lo políticamente correcto y lo ético cuestionable. Cuando María Teresa Hincapié ganó el premio nacional por su evento performático “Una cosa es una cosa”, se evidenció además su experiencia teatral. Cuando el grupo Mapa Teatro de Rolf y Heidi Abderhalden ofrecen sus espectáculos de escenario se tornan como performance. Y las proyecciones a manera de instalación de Rolf son absolutamente teatrales y su dirección de “Medea Material” era operática, y la puesta en escena de “La flauta mágica” de Mozart fue una realización donde el video y la concepción visual restituían nuevos imaginarios al tiempo que hacían un guiño a Magritte y Lichtenstein. Cuando Rolf ganó el premio en la Bienal del Museo de Arte Moderno de Bogotá muchos artistas se preguntaban por los orígenes teatrales del autor. Su puesta en escena de la instalación con video, desconcertó. La cama con el hombre filmado que se incorporaba era para muchos inclasificable. Como lo fue en el mismo museo muchos años antes la exhibición de las “Camas” de Feliza Fotografía: Carlos Mario Lema. Cortesía: Mapa Teatro. Obra: Mapa Teatro. Fotografía: Carlos Lema. Cortesía: Mapa Teatro. Bursztyn o de ella misma su última gran instalación en Garcés Velásquez, y luego en el Museo La Tertulia de “La Baila mecánica”. No era escultura, se decía, era un montaje escenográfico teatral con sonido y movimientos mecánicos reales. José Alejandro Restrepo y María Teresa Hincapié colaboraron juntos en obras performáticas que incluían videos. Recuerdo “Parquedades”, presentada en la sala Beethoven de conciertos, cuando José Alejandro era profesor de la Escuela de Bellas Artes de Cali, dirigida en ese entonces por Doris Salcedo. En el escenario para la música y el teatro, algo de ambos tenía su acción. Seguramente las instalaciones de José Alejandro Restrepo con los grandes racimos de plátano en el Museo de Arte Moderno, el cocodrilo de Humbolt en la Luis Ángel Arango, la capilla del Museo de Arte Colonial a su disposición o en su antología donde se evidenciaba las trampas de la fe y de la política de la galería Valenzuela han sometido a repensar el papel del sonido, de la imagen, del uso del espacio y de las cualidades específicas y de apertura hacia otros lenguajes. ¿Qué era exactamente el evento de Doris Salcedo en el Palacio de Justicia? Alegoría, dolor, memoria, impotencia, desgarramiento, paso del tiempo, suspenso, señalamiento, carga política y un performance del silencio en el aturdimiento de la plaza de Bolívar y la carrera séptima. La imagen poética de la inmolación y la perturbación en el lugar de los acontecimientos. El antimonumento en el monumento. Otro artista muy singular es el bailarín, coreógrafo, gestor, promotor, profesor y muchas actividades más, Álvaro Restrepo. ¿Danza, teatro, performance? Siempre valiéndose de cualquier medio, la tradición, lo ancestral, lo contemporáneo, la reivindicación del otro, para hacer un trabajo visceral resulto en el gesto, en el poder de los sonidos y también de los silencios. Interiorizando para poder exteriorizar. Estos serían algunos ejemplos nacionales donde las definiciones parecen desplazarse de sus pretendidos ejes y desmembrarse de clasificaciones ciertas. Las artes siempre han estado interconectadas, no es privilegio de nuestro tiempo, aunque el presente ofrecen mayores posibilidades de elementos sugestivos y en los cuales podemos seguir desentrañando significantes. Ellas atacan los sentidos y los escenarios, para hacerlo se multiplican cada vez más con mayor velocidad. “You are here, Vous-ëtes ici, Usted está aquí” es el nombre de la muestra de Saúl Sánchez que puede verse por estos días en la sede Chicó de la Alianza Colombo Francesa. Sánchez, quien con su exposición “Paisajes” resultó ganador del ciclo de jóvenes artistas 2006 en el apartado de nuevas propuestas, recibió como premio una residencia artística en París durante el año pasado, esta muestra es el resultado del trabajo realizado por el artista durante esa residencia. El proyecto se inicia en Nueva York, pasa por París y Madrid y evidencia cómo las imágenes urbanas no pertenecen a las ciudades sino a la relación que se tiene con ellas. Surge a partir de la experiencia en el Metro, un conjunto de ramificaciones, de líneas que se cruzan y unen un punto con otro. Carlos Chacín en la Alianza de Cedritos Hasta el 19 de abril Carlos Chacín exhibe su serie “Caminos y Quebradas” en la sede de exposiciones de la Alianza Colombo Francesa sede Cedritos. Según Eduardo Serrano, curador de la muestra, “Caminos y Quebradas” es ampliamente ilustrativa de los intereses plásticos que han marcado su producción, así como del tipo de reflexiones que, no sólo la originan, sino que también suscitan en el observador. “Su trabajo, sin embargo, no es producto de conceptos a priori ni de prolongadas lucubraciones, sino de las sugerencias o señales que le deparan las imágenes; imágenes que pueden surgir espontáneamente de los dibujos con los que en ocasiones complementa sus instalaciones, que la realidad pone ante sus ojos, o que pueden brotar de su imaginación”. Arte y tecnología en la Alianza del centro Hasta el 12 de abril “Vida Lab. Objetos para un presente cercano”, es el resultado de un taller desarrollado por Alejandro Tamayo que buscaba reunir en una sola actividad el diseño, las artes, las ciencias y las tecnologías en favor de proyectos aplicados a la vida cotidiana. En esta muestra, curada por el arquitecto Carlos Betancourt, el espectador se podrá topar con una mascota que juega cartas, una camiseta que suda, una ducha que se activa con la voz, una planta que se rocía agua a sí misma, un kit de cocina, entre otros elementos que a partir de tecnologías de “hágalo usted mismo” cuestionan la relación del hombre contemporáneo con su cotidianidad. Bogotá Fotografías de Carlos Doménech en el Museo de Arte Moderno Hasta abril 13 Bajo el nombre de Imagem está reunida la muestra de 50 fotografías en formato análogo de Carlos Doménech procedentes de las colecciones permanentes de varios museos, especialmente de los Estados Unidos. Dos series componen la muestra: la primera es de naturaleza muerta debajo de agua y la segunda de construcciones. Para Carlos Doménech lo bello es esencial, no accidental; equivale al sentido profundo de las cosas, a la expresión de su unicidad. La exposición, que pretende indicar una alternativa ante la proliferación de imágenes del mundo actual, se realiza gracias al apoyo del Ministerio de Cultura de Colombia. Barranquilla El XV BBVA en el MAM Hasta 29 Marzo Por: Danny González Bogotá Fotografía y video contemporáneo en el Museo Bolivariano Hasta abril 7 Tres visiones, tres artistas y tres mujeres, es el nombre de la muestra que desde el pasado seis de marzo realiza el Centro Colombo Americano de Cali. En la exposición participan Esperanza Castro Castro, María Margarita Parra y Cristina De Castro. La obra de Esperanza muestra elementos que simulan la cotidianidad mediante el uso de símbolos y elementos constructivistas; María Margarita Parra complementa su obra con escritos, muchos de ellos poesía, que convierte en una extensión de la obra pictórica. Las obras de 32 artistas que participaron en la convocatoria del XV Salón de Arte BBVA están expuestas en las dos salas de exposición del Museo de Arte Moderno de Barranquilla (MAMB). Inaugurado de forma previa a los festejos del Carnaval de Barranquilla, con la idea de programar actividades artísticas abarcando esos días en que se celebra una de las expresiones de patrimonio cultural inmaterial de la Humanidad. Entre los exponentes se encuentran algunos artistas del Caribe colombiano: los barranquilleros Sigrid Ferrer y Luis Romero (Colectivo Indocumentados); Edwin Padilla; Carolina Acosta; Gabriel Acuña y los cartageneros Wilger Sotelo y Rafael Ortiz. El BBVA llegó a Barranquilla proveniente de Medellín, después que se inaugurara en noviembre en Bogotá, en donde se dieron a conocer los ganadores de la bolsa de premios que otorga el salón por valor de 30 millones de pesos y el viaje de estudios por galerías y museos europeos a los artistas ganadores. Al celebrar sus quince años de historia, el BBVA ha logrado convocar a más de 320 artistas de todo el país, en un abanico de tendencias que incluyen, no sólo la pintura, sino también técnicas contemporáneas que utilizan la fotografía, el video y el audio como base para que los artistas planteen sus ideas y proyectos. Con la presencia del BBVA en Barranquilla, el programa itinerante del salón recorre con éxito el país, siguiendo próximamente a Cali. Goce plástico en medio del goce festivo. “Asomados – La mirada tuerta” es la exposición de fotografía y video contemporáneo que puede verse en el Museo Bolivariano de Arte Cotemporáneo desde el pasado 21 de febrero. La muestra, curada por Alcides Figueroa, incluye trabajos de Lisette Urquijo, Maria Isabel Rueda, Edwin Padilla, Gabriela Pacific, Stephen Ferry, Leonor Espinosa y Juan Bonilla, quienes a través de los soportes fotográfico y vídeo -en instalaciones- ostentan diversos intereses técnicos, expresivos y prácticas disímiles para una incursión compleja en la contingencia individual y creativa. Medellín Regina Silveira en el Museo de Antioquia Hasta el 4 de mayo La muestra Sombra luminosa de la artista brasilera Regina Silveira que pudo verse en la sala de exposiciones de la Bibioteca Luis Ángel Arango llega ahora a Medellín. Las obras de esta artista transportan al Regina Silveira y su obra. Cortesía: Museo de Antioquia. espectador a un mundo que parece estar a medio camino entre lo imaginario y lo real. Silveira ha seguido las sombras, las ha materializado y convertido en el eje de su obra. A juicio del curador y artista plástico español Adolfo Montejo Navas: “las sombras nunca llegaron tan lejos”. Esta exposición curada por José Roca permite apreciar una selección de la producción plástica de una de las artistas vivas más importantes de nuestro tiempo, hechas en técnicas diversas que van desde bocetos en dibujo, grabados, maquetas y proyecciones hasta intervenciones en vinilo adhesivo sobre pared. San Andrés Isla Butterflies by Rosie Mendoza en “La Casa” Por: Danny González Situada en el tranquilo sector de San Luis, en donde la naturaleza está en comunión constante con las tradiciones culturales, “La Casa” es una de las nuevas propuestas culturales de la isla de San Andrés. Se encuentra ubicada al lado de la Sede Caribe de la Universidad Nacional de Colombia, con el mar en frente, en uno de los lugares donde todavía es posible hallar las raíces de la práctica de la lengua raizal, el creole, así como los templos adventistas, bautistas y católicos a lo largo de la carretera. La propietaria, Lully Camargo, una de las gestoras e impulsoras del arte popular del archipiélago, restauró la bella edificación, adaptándola y recuperando sus espacios. Para la inauguración se exponen las mariposas de la artista colombiana, residente en California (EE.UU.), Rosie Mendoza. Las mariposas que son la base de la creación de la artista provienen de Brasil, Perú, África, Malasia, Japón, Europa y otros rincones del mundo, santuarios de diversidad, lugares donde son criadas en mariposarios hasta cumplir su ciclo de vida. La belleza que muere se prolonga gracias a la intervención de Mendoza, quien selecciona con delicadeza cada ejemplar asegurando su durabilidad, en un procedimiento de 48 horas de trabajo. Las especies en peligro de extinción son reservadas en el mariposarios hasta obtener una reproducción que garantice su conservación. Obra: Carlos Domenéch. Cortesía:MamBo. Obra: Saúl Sánchez. Cortesía: Alianza Francesa. Bogotá “Usted está aquí”, de Saúl Sánchez, en la Alianza Francesa Hasta el 22 de abril La Cárcel de Caseros, inaugurada durante la presidencia de Videla y sitio de reclusión de muchos de los perseguidos por la dictadura argentina, ahora en proceso de demolición, sirvió de escenario para que el escultor estadounidense residenciado en Buenos Aires Seth Wulsin realizara una intervención en el llamado Campo de Recreación del penal, sobre 48 ventanales, cada uno compuesto por 209 circunferencias de grueso vidrio. El artista descubrió que eliminando algunos de los círculos podía generar, visto desde determinado ángulo, la percepción de rostros humanos, parecidas a las imágenes pixeladas en la pantalla de una computadora. Para poder observar las imágenes el público debía pararse en lugares específicos en horas específicas (10:30 a.m. y 2:30 p.m.). El registro fotográfico de esa experiencia es lo que podrá observarse en Casa Tres Patios hasta el 24 de mayo. 11 CALI Mujeres en el Colombo Americano Hasta abril 11 Obra: Aníbal Vallejo. Cortesía: Lucrecia Piedrahíta. Medellín Museo del Castillo Aníbal Vallejo, imaginar contra las imágenes Hasta Marzo 31 Por: Lucrecia Piedrahíta. En su obra hay una dignidad que no ostenta. Son las primeras lluvias en las estepas de Siberia. El frío se respira, la ventisca golpea fuerte. Sus personajes se desploman en el vacío. Paisajes del espacio definidos por lomas de color, líneas dibujadas, desdibujadas, pintadas, penetradas con los hilos. El hilo que es dibujo, masa, mancha. El acto de tejer, de bordar, de repetir una acción monotemática para construir una escena, para definir un gesto, para subrayar un estado de ánimo, pero sobre todo para construir una imagen que nos revela su dimensión estética. La imagen en el arte que tiene un origen y un destino: el origen ligado a su contenido de verdad y el destino que referencia los usos a los que sirven y los efectos que inducen. La imagen como versión abstracta (representación) de lo recibido como realidad. La imagen: objeto en circulación, objeto en tránsito. En la obra de Aníbal Vallejo hay una clara referencia al coleccionismo de infancia: un tambor, un barco, el perro, el mar, el cielo abierto, recuerdos muchas veces en el olvido, que hacen presencia en la iconografía de su propuesta. La épica de sus cuadros se refleja en sus personajes sin tiempo, algunos miran con tristeza infinita. Elementos simbólicos: la silla cortesana, el ciervo con su elegancia, el bosque consumido por el frío, todo con un sabor a escepticismo que se subraya en el espacio vacío en el que se instalan sus personajes. Federico Fellini afirmaba: “Nuestros sueños son nuestra única vida real”. La obra de Aníbal Vallejo escribe su propia autobiografía. CALI Imágenes de templos en el Museo de Arte Religioso Desde el 13 de marzo Fotografías, pinturas y esculturas de y sobre siete de los templos católicos más representativos de la capital del departamento del Valle se exhiben desde este 13 de marzo en el Museo de Arte Religioso. La muestra, denominada “La ruta de la buena fe”, forma parte de la presentación del libro Arte y arquitectura religiosa en el Valle del Cauca, de la fotógrafa Sylvia Patiño, e incluye una recopilación de Carlos Alberto Roldán, de los archivos fotográficos de don Alberto Lenis, J. Fernando Ortega y Hugo Suárez Fiat entre otros. La exposición está realizada con el auspicio de la Secretaría de Cultura y Turismo de Cali. Bogotá Pintura fresca en Arte Cámara Desde marzo 5 Obra: Sebastián Camacho. Cortesía: CCB. Seis jóvenes artistas conforman la muestra Pintura Fresca III que se exhibe en la sala Antecámara de la sede Salitre de la Cámara de Comercio de Bogotá. La muestra está conformada por unas 20 piezas de los artistas Sebastián Camacho, Mateo Cohen, Lucas Forero, Edwin Monsalve, Luis Francisco Pérez y Orlando Rojas. El curador de la muestra, Eduardo Serrano, manifiesta que “el arte por medio de la pintura ha hecho suyas muchas de las contribuciones que se han derivado de prácticas como las instalaciones y los performances al igual que la inserción tecnológica en la plástica, y la pintura, donde ésta última se ha ido acoplando a las nuevas circunstancias del mundo y del arte, ejerciendo una gran atracción para las nuevas generaciones de artistas”. CIRCULAR No.14 Obra: María Isabel Rueda. Cortesía: Museo Bolivariano. BOGOTA Cristo Hoyos en el Museo de Arte de la Universidad Nacional Hasta abril 1 En la sala Pizano del Museo de Arte de la Universidad Nacional se encuentra instalada la obra de Cristo Hoyos titulada “Uré: pezuña y bahareque”. Las cuarenta piezas creadas, diseñadas y construidas a partir de sus investigaciones estéticas y culturales en la localidad de nombre Uré (embera-katío), conforman un continuo de simbologías y sentencias. Elaboraciones complejas de pinturas clásicas al óleo sobre lienzo: las pezuñas, con ensambles de hierros, alambres, estiércol de ganado y cal; el bahareque, presentadas como suma de temporalidades e híbridos culturales contemporáneos que tocan diversos tópicos: pasado y presente, lo propio y lo ajeno, lo bello y lo feo, lo puro y lo mestizo, lo primitivo y lo moderno, lo ancestral y el hoy, lo central y lo periférico; pero sobre se nos develan como un conjuro contra una realidad triste, donde la injusticia y la inequidad rayan en lo obsceno. El audio son mezclas y fusiones de grabaciones in-situ que recogen las expresiones de los afrodescendientes en una poéticas de la resistencia y la memoria a través de sus cantos litúrgicos y paganos, como trisajios, salves y alabaos, cantos de diablo, cucambas y tapaguevas. Bogotá Muestras en la Fundación Santillana Hasta el 29 de mayo Hasta el 28 de marzo la Fundación Santillana para Iberoamérica expondrá la obra del artista bogotano Bernardo Montoya Chaux. Se trata Obra: Bernardo Montoya. Cortesía: Fundación Santillana. de una serie de dibujos y pinturas en blanco y negro agrupados bajo el nombre de La Jiménez, que incluye 36 óleos sobre tela y papel de lija. A partir del 10 de abril y hasta el 2 de mayo se realizará una muestra con los retratos de las artistas Rossina Bossio y Ana María Gutiérrez de Piñeres. La bogotana Bossio pinta “rostros de gran fuerza sicológica”, según la presentación de la exposición; mientras que la barranquillera Gutiérrez de Piñeres se inspira en la historia y el graffiti para realizar sus personajes. Finalmente, entre el 8 y el 29 de mayo se abrirá al público la exposición de pintura abstracta de Rosa Sanín. Una serie de pinturas sobre tela y papel que son el producto de una seria investigación sobre el color. Bogotá Proyecto curatorial en la Universidad Nacional Hasta abril 1 El equipo curatorial Colectivo las Vegas, compuesto por Andrés Gaitán Tobar y Claudia Salamanca Sánchez, con la asistencia de Federico Daza y la colaboración de Renata Bolívar, emprendió el proyecto titulado “El Espejo. Ni sí, ni no… sino Obra: Sandra Bermúdez. Cortesía: Ministerio de Cultura. todo lo contrario”, que aborda el límite entre lo verdadero y lo falso, entre lo real y lo ficticio, entre el original y la copia, y entre todo ello que día a día confunde o distorsiona un plano general de realidad para adentrarnos en varias realidades. Con el photoshop, con las cirugías estéticas y con la suplantación CALI de identidades, entre otros, la pregunta sobre “lo real” esta siempre en duda. Esta curaduría seleccionó 24 obras Cali invernal prepara un gran evento Obra: Miguel Rodríguez Sepúlveda. Cortesía: Artista. entre 160 propuestas que materializaron, en el transcurso del proyecto dichas paradojas de sentido. La convocatoria Por: José Horacio Martínez se divide en cuatro ejes: Lo Político, la Farándula, Lo Ilegal, y la Escala, que, a su vez, estarán introducidos por unos textos y unos videos cuyos objetivos son los de ofrecer una información acerca del entorno visual que atañe “Urgente”. Es el nombre escogido por el comité curatorial del 41 Salón Nacional de Artistas. directamente, tanto a la exposición como a nuestro cotidiano. Tendrá lugar en Cali. El Ministerio de Cultura, Proartes, Comfandi y las más importantes entidades de la ciudad se han unido en torno a este objetivo común. “Urgente” está programado para el mes de octubre de 2008 y su lanzamiento, con la ministra de Cultura y los más importantes empresa- Bogotá rios Colombianos se realizó el pasado 5 de marzo en el flamante centro de Convenciones de la De todo un poco en la Academia Cámara de Comercio de Cali. “Urgente” nos presentará tres exposiciones articuladas en torno a Superior de Artes igual número de ejes conceptuales. El comité curatorial está integrado por la curadora argentina Hasta abril 17 Victoria Noorthon, Óscar Muñoz, Wilson Díaz, José Horacio Martínez y Bernardo Ortiz. El Museo de Arte Moderno La Tertulia y Espacio Temporal presentan tres exposiciones: “Nosotros Desde el próximo 26 de marzo la sala de exposiciones de la Facultad de Artes – ASAB de la los otros”, de los premiados artistas realizadores italianos Massimiliano y Gianluca De Serio, Universidad Distrital Francisco José de Caldas, exhibirá la muestra “Sin borrador”, la cual recoge quienes además visitaron la ciudad de Cali recientemente. El artista mexicano Miguel Rodríguez prácticas artísticas basadas en el dibujo, manifestación tradicional, con medios electrónicos y Sepúlveda con “la irresistible persistencia de la memoria” y el colombo mexicano Fernando Ma- formatos poco convencionales; materiales y herramientas como telas, tintas, papeles, pantallas, chado con “1948”. Las intensas actividades de este 2008 proponen a Cali como el epicentro de computadores. Temas caricaturizados, banales o trascendentales hacen parte de esta exposición colectiva en la que participan artistas como Felipe Cortés y Miguel Jara, entre otros. las Artes Plásticas en Colombia. Obra: Felipe Cortés. Cortesía: ASAB. Medellín Fotografías en Casa Tres Patios Desde mayo 6 Medellín Fotografía en la colección del Museo de Arte Moderno Hasta abril 16 ¿Cómo determinar que una imagen fotográfica es materia de arte o no? Este es realmente el problema contemporáneo del arte en todas la expresiones aceptadas y, en buena medida, la respuesta está dada en la misma naturaleza del ejercicio fotográfico, porque fotografiar es decidir, decidir básicamente qué queremos que salga en la imagen final. Las 15 obras expuestas en Panorama: Fotografía en la colección del MAMM, son precisamente una decisión que busca recrear los momentos de esta colección, que está por cumplir ya 30 años, en la que podemos encontrar desde registros de acciones performáticas, pasando por la imagen como fin último de la creación artística hasta llegar a la implementación de la imagen como medio y a través de una instalación llegar a un comunicado mucho más complejo. Bogotá Obra gráfica en el MAC Hasta abril 30 El Museo de Arte Contemporáneo de Bogota (MAC), posee una extensa colección de obras realizadas por artistas colombianos y latinoamericanos en las diferentes técnicas del grabado, que abarcan desde la década del 60 hasta la actualidad. Desde el pasado 5 de marzo se exhibe Grafi-K-Mac, que muestra los trabajos gráficos de artistas pioneros en el grabado como Luis Ángel Rengifo, Augusto Rendón y Umberto Giangrandi. Igualmente trabajos de Cárdenas, Hoyos, Mariadelapaz, Zárate, Paz, Otero, Cruz-Diez, Cuevas, Roda, Hernández y Quijano, para conformar un panorama de mas de 60 artistas de la segunda mitad del s. XX. Durante el mes de abril se han convocado a los talleres de grabado de las universidades y los particulares para mostrar como estás técnicas de la imagen seriada continúan vigentes y amplían constantemente sus posibilidades de expresión gráfica. Bogotá Artistas contemporáneos en Fenalco Hasta el 10 de abril Hacer un colectivo de artistas contemporáneos siempre es un reto para un espacio del perfil de Galería Fenalco. Es nuestro deber establecer un rango lo mas amplio posible para difundir las diferentes tendencias del arte en la actualidad. Por ello en este caso en particular los artistas presentes en su trabajo muestran arte contemporáneo con una fuerte tendencia conceptual, lo cual siempre será refrescante para el espectador. Valorar el concepto en una obra de arte es primordial en esta oportunidad la idea va ligada a una destreza técnica que complementa el discurso artístico. Obra: Juan C. Segura. Cortesía: Margarita Mora. Bogotá El río Magdalena en el Museo Nacional Hasta mayo 4 La muestra recrea un viaje a lo largo del río Magdalena y evoca, a través de un recorrido por veinte puntos geográficos, los momentos más significativos de su historia que están ligados a la construcción de la nación colombiana. La exposición recorre el río desde su nacimiento hasta la desembocadura y presenta 20 puntos geográficos. Se realizarán visitas guiadas. Bogotá Gastón Lelarge en las Universidades Hasta el 15 de mayo “Gastón Lelarge, itinerario de su obra en Colombia” es el nombre de la muestra que por estos días recorre varias universidades de Bogotá. La exhibición consta de paneles que contienen información sobre las diferentes facetas de la vida del arquitecto. Se encuentran los bocetos, fotografías y textos descriptivos de su obra en Bogotá (Palacio Echeverri, Palacio del Liévano, Palacio San Francisco, Capitolio Nacional, Edificio Hernández, entre otras), y en Cartagena (Casa Lecompte, Casa Obregón y el Club Cartagena). También se exhiben los planos de las obras intervenidas por Lelarge en el país, como la Catedral de Cartagena y el Claustro Santa Clara, ubicado en esa misma ciudad; así como los proyectos que no logró llevar a cabo, entre ellos el Monumento Conmemorativo de la Independencia, el Monumento Antonio Ricaurte en Bogotá y la Gobernación de Santander. La Facultad de Arquitectura de la Pontificia Universidad Javeriana tendrá la exposición abierta al público hasta el próximo 3 de abril. Luego se trasladará a la Universidad Manuela Beltrán, donde estará hasta el mes de mayo. Obra: Adriana Duque. Cortesía: Museo de Arte Moderno de Medellín. Obra: Seth Wulsin. Cortesía: Casa Tres Patios. 10 Por: Humberto Junca y Jaime Cerón. 12 ENTRE GUSTOS... H ace un par de meses, en medio del afán de las compras navideñas, encontramos en un almacén de muebles unas curiosas “pinturas” listas para ser empacadas en papel regalo. De lejos parecían ser representaciones de patrones geométricos repetidos, realizadas con sumo detalle. De cerca, esquivando sofás, mesas de centro, escritorios y comedores descubrimos que lo que parecía ser un cuadro pintado a mano era una tela de lycra estampada, que simplemente se templó sobre un bastidor. Circulando por esa exhibición de muebles y artículos para el hogar, aparecían más de estos extraños objetos. Algunos con el tamaño de un libro para niños, otros grandes como una puerta de armario. Sus estampados variaban y todos estaban ligeramente intervenidos con lentejuelas o encajes, cintas, cordones y ribetes de cortinas. Ya de salida, cerca a los puntos de pago, vimos en el piso cómo se amontonaban más de estas “falsas pinturas”, cada una con su etiqueta a manera de ficha técnica, con su precio, sus dimensiones y su “título”: “Cuadro en Tela Manuela”, “Cuadro en Tela Dioptic”, “Cuadro en Tela Vanessa”. Pero así como la industria se basó en el arte abstracto; en los años noventa, algunos de los pintores que buscaban cerrar la brecha entre la abstracción y el mundo real, echaron mano de superficies o materiales que evocaran o hicieran referencia a algún detalle reconocible de la vida diaria, haciendo más difícil separar el arte de una dimensión cultural más amplia. Fórmicas, cordobanes, telas estampadas, tejas, enchapes o listones de madera, fueron entre otros, los materiales con que ellos “pintaron”, por decirlo así, sus cuadros. Incluso algunos utilizaron a su “enemiga” la fotografía. Danilo Dueñas, ha propuesto obras mediante la inclusión y transformación de objetos y materiales como llantas, tubos de neón, madera laminada o fórmica. Desde finales de los ochenta ha empleado esos materiales para conectar la pintura con la arquitectura y facilitar una experiencia “más concreta” de la abstracción. Pero ¿es éste el tipo de arte que la gente del común pensaría que es decorativo y desearía adquirir para su casa? Al principio uno puede sentirse engañado ante lo que parece ser y no es. Pero lo cierto es que estos objetos perfectamente reemplazarían una pintura. Son bonitos, lucen bien en una pared y son sumamente económicos. Claro, son algo más caros que un afiche, pero evitan parecer reproducciones y por eso los compran. Una “pintura convencional” no es tan lejana a ellos porque también es un engaño. En un cuadro creemos ver cosas donde solo hay trazos de colores. ¿Habrán cambiado tanto así las pinturas y los gustos? Por tradición la palabra “pintura” remite a cosas como un retrato, un paisaje o un bodegón. Tres tipos de proyecciones, realizadas con pigmentos aplicados sobre superficies planas que se ubican luego de tal forma que generan la ilusión de que podríamos ingresar en ellas, como si fueran ventanas a un espacio contiguo. Ese engaño visual aparece tanto en “Las Meninas” de Diego Velásquez como con los paisajes de William Turner o los girasoles de Vincent van Gogh. Sin embargo, la confluencia de fenómenos históricos, políticos y culturales, provenientes del auge del capitalismo y de la emergencia del socialismo, transformaron el papel de “la pintura” y “los pintores” dentro del campo social. Para no ser absorbidos por el sistema de producción industrializada del capitalismo, los artistas se vieron obligados a dar vital importancia a todas las huellas dejadas por ellos en sus obras –es decir los errores y accidentes que antes se evitaban porque derrumbaban la ilusión de realismo– como si se tratara de invaluables evidencias de humanidad. Así, trazos, manchas, salpicaduras, se asociaron con emociones y estados de ánimo del pintor (en la modernidad existía la presunción de que el buen artista era siempre de sexo masculino) y parecían garantizar su irrepetibilidad, su originalidad, dentro de un mundo poblado por objetos producidos en serie. Uno podría pensar entonces, que la diferencia entre una pintura realizada según las características anteriormente descritas y los objetos decorativos del almacén, radicaría en que estos últimos son producidos sin la intención de ser originales. Por supuesto no son bodegones o paisajes, pero tampoco semejan pinturas especialmente expresivas, llenas de rastros “de autoría”. Son cuadros que repiten patrones geométricos simples, en colores planos. Si un par de siglos atrás existió una línea difusa entre el arte y la decoración, se terminó borrando en el siglo XX con la emergencia de la pintura abstracta. Un artista como Jackson Pollock tuvo que vivir evadiendo la idea de que su trabajo fuera decorativo o trivial. Como consecuencia la abstracción terminó pareciéndose a sí misma y perdió todo contacto con la realidad cuando exacerbó su “contenido” filosófico para marcar su diferencia. Paradójicamente, muchos diseñadores y publicistas, en busca de la novedad, se apropiaron de sus resultados para fabricar muebles y accesorios provocando nuevamente la identificación del arte abstracto con la decoración. La postura del trabajo de una pintora como Bridget Riley, por ejemplo, perdió credibilidad cuando su obra se empleó para producir telas estampadas. 13 Obra: Ricardo León. Cortesía: Fundación Cu4rto Nivel Arte Contemporáneo. Sobre el trasfondo de esta breve y somera historia, revisemos la escogencia de las telas que originaron los curiosos “objetos pictóricos” descritos al inicio. Podría decirse que durante un periodo histórico el arte y la decoración parecían enemigos, pero luego se imitaron mutuamente. Lo peculiar de los objetos en cuestión es que son piezas decorativas que se apropiaron de una forma de arte, que a su vez se adueño de la decoración. ¿Cómo encaja el gusto de los compradores en esta circunstancia? El gusto, popularmente hablando, parece distintivo de la capacidad innata de una persona para distinguir las características de las diferentes cosas que la rodean, pero analizado desde un punto de vista mas preciso tiende a revelarse como una construcción cultural del grupo social en que esa persona se desenvuelve. Nuestras preferencias de comida y música así lo comprueban. Por esa razón el gusto se puede “educar” como ocurre cuando aprendemos a comer o escuchar otras cosas. En relación a lo que nos gusta ver, el arte ha sido determinante. ¿A cuanta gente le gusta hoy Picasso y a quienes 100 años atrás? Para entender con mayor precisión los desplazamientos en el gusto e intereses de quienes desean llevarse un “Cuadro en Tela Dioptic”, debemos ver el tipo de muebles que vende ese almacén. Se trata de muebles modernos, que llevan implícito un estilo de vida sofisticado y de “buen gusto”. Obra: Ricardo León. Cortesía: Fundación Cu4rto Nivel Arte Contemporáneo. Obra: Ricardo León. Cortesía: Fundación Cu4rto Nivel Arte Contemporáneo. Evidentemente el gusto que estas piezas representan es distinto del gusto dominante décadas atrás, cuando los muebles eran Luis XV o cuando en las casas de estratos sociales altos colgaban dibujos realistas de gamines de Omar Gordillo. Los muebles remiten a Francia, una de las fuentes culturales más influyentes en la colonización europea y los dibujos simbolizan los residuos de lo que no encajó en los moldes de la “civilización”. De igual manera, estos últimos representan, para quien los posee, un acercamiento aceptable, a un hecho que produce cierta culpabilidad social. Como visiones refinadas de una realidad cruda, empatan con el mismo patrón de gusto, la misma intención, de los muebles afrancesados, cuyas volutas, tallas y enchapes embellecen y hacen dócil a la implacable naturaleza. Al parecer hemos aprendido a disfrutar de lo que aparenta domesticar nuestro caos. Obra: Ricardo León. Cortesía: Fundación Cu4rto Nivel Arte Contemporáneo. Obra: Ricardo León. Cortesía: Fundación Cu4rto Nivel Arte Contemporáneo. Desde mediados de los noventa, el trabajo del pintor Carlos Jacanamijoy funciona desde el mismo principio, por su origen indígena y porque sus enormes telas parecen adquirirse por un doble juego, decorativo y simbólico a la vez. Su atmósfera cromática replica las huellas expresivas que el arte moderno validó, aunque intenta referirse a la selva de la que es originario. Además, activa una circunstancia similar a la que evidenciaban los dibujos de Gordillo que José Roca señala de la siguiente manera: “Las malas conciencias colectivas –resultado de años de expoliación y discriminación de las comunidades indígenas– han encontrado en la obra de Jacanamijoy una vía para su expiación; Jacanamijoy provee una salida digna a este problema, validada socialmente por el mercado, que le ha abierto sus puertas de manera generosa.” Mientras esperamos un nuevo producto que oriente el gusto colectivo y avive el mercado, las telas de Jacanamijoy circulan casi industrialmente, como costosos estampados, pero quienes no tienen el poder adquisitivo suficiente siempre podrán encontrar un “Cuadro en Tela Vanessa”, que combine con sus muebles. 14 15 Obra: Juan Raúl Hoyos. Cortesía: Entrearte Galería. Bogotá Galería Espacio Alterno Uniandinos “Atréveme” Adriana Espitia Hasta marzo 28 Obra: Anna María Botero. Cortesía: Quinta Galería. “Travesía” es una selección de alrededor de 900 piezas en cerámica, madera y piedra que invitan al espectador a sumergirse en un viaje rico en aventuras y experiencias. Según Eduardo Serrano, “Travesía” es una exposición que, “partiendo de enseñanzas del pasado, logra transmitir las inquietudes de una artista de este tiempo, y que al igual que conduce a reflexiones sobre el transcurso y prioridades de la vida, permite comprobar la paradoja de una versatilidad sin restricciones puesta al servicio de un propósito claramente unificado y consistente”. Anna María Botero realizó estudios de cerámica e historia del arte en Londres, Japón y México. Su trabajo se ha expuesto de forma individual en galerías de México y Colombia. Asimismo, ha participado en exhibiciones colectivas en México, Nueva York, la antigua Yugoslavia y en Colombia en ciudades como Medellín, Cali, Manizales y Bogotá. Adriana Espitia muestra una serie de pinturas y objetos, a modo de anillos y maniquíes intervenidos, donde el color y la línea se mimetizan generando figuras casi zoomorfas, lúdicas; propiciando un diálogo en el formato entre sus formas y símbolos. En palabras de la artista: ”Mi obra surge de una interiorización. Mi instinto animal se refleja a través del color y las formas, un espejo, una conexión muy íntima de lo sensual, lo sereno, lo intuitivo. Es el alma que se conecta y se libera.” Curada por Ana María Lozano esta expposición presenta parte de las reflexiones que tuvieron que ver con el trabajo de grado de Diego León como artista plástico y mediático en la Universidad de los Andes. La muestra enfoca como elemento central el ejercicio de la Mirada. La cultura occidental, aposentada como lo ha estado en un régimen que privilegia la visualidad por encima de los demás sentidos, ha trazado un escenario en el cual se entrelazan profundamente el conocimiento y el ver. Hoy, nuestro día a día está marcado por el computador y la televisión. Estos dispositivos modulan la mirada, la hacen dócil a sus supuestos, la informan dentro del sistema de ideas en el marco de las cuales se encuentran inmersos. Como complemento de la muestra el artista llevará a cabo un taller-conferencia el sábado 5 de abril. Obra: Adriana Espitia. Cortesía: Uniandinos. Bogotá Quinta Galería “Travesía” Anna María Botero Hasta marzo 29 Obra: Diego León. Cortesía: LaLocalidad. Bogotá La Localidad Galería “MyM” Diego León Hasta abril 13 Según Luis Fernando Valencia los dibujos de Mario Vélez no remiten a situaciones reconocibles, ni existe ninguna relación con un objeto real o con escenas vividas. “Separados radicalmente de la realidad dada, crean un mundo autónomo que se mueve en el terreno que los mismos dibujos levantan, es decir, en un campo artístico que crea una realidad otra, que ya no es espejo ni reflejo, sino entidad con vida propia”. Sin fondo ni figura, el trabajo de Mario Vélez se aleja de los terrenos trillados y se instala con seguridad en esa delgada superficie, que sin entrar ni salir, nos deja en la plenitud del concepto bidimensional de área. Obra: Rosemberg Sandoval. Cortesía: Galeria Casas Riegner. Sandoval, nacido en Cartago, Valle, está interesado en hacer política desde el arte como parte de un gran proyecto estético. Así lo ha expresado desde 1980, cuando ejecutó “Labriego”, un performance en el que arrastró el cadáver de un preso político en la Plaza de Bolívar de Bogotá. Ahora presenta “Acciones políticas”, en donde ilustra la agonía y la muerte como amenazas irreversibles, como hechos comprobables. Este conjunto de veintiun performances (acciones corporales) registradas en video y fotografía es un resumen de un trabajo de casi 30 años de propuestas sociales desde la actividad artística. Bogotá Dibujos de Mario Vélez Alonso Garcés Galería Desde abril 12 Obra: Mario Vélez. Cortesía: Alonso Garcés. La fundación para el pensamiento creativo contemporáneo, Casa Imago abrió su sala de exhibición el sábado 8 de marzo con el proyecto titulado “Amigo imaginario”, desarrollado por Carlos Barrero y Rebeca Lisman. Este proyecto se instaura en la línea del arte contemporáneo que se cruza con las prácticas del diseño y los medios de masas, a través de referentes infantiles que los dos artistas resemantizan y apropian. Su reflexión se inscribe en el imaginario infantil, pero asume una cuestión más amplia: el papel de la imaginación en la constitución de la identidad y la conciencia. Obra: Jaime Iregui. Cortesía: Cu4rto Nivel. GALE RÍAS Bogotá Montealegre Galería “Espacios en movimiento” Enrique Careaga Hasta mayo 15 Enrique Careaga es considerado como uno de los artistas más importantes del Paraguay. Sus inicios se dieron en el informalismo y expresionismo abstracto, recorrió los senderos del op art. También se resalta su papel como inspirador de la instalación y la performance. Sin embargo, el terreno en el que su obra es más ampliamente identificada es el de la exploración sobre los espacios y la geometría. “Espacios en movimiento” es la exposición que por primera vez en Bogotá presenta trabajos de Enrique Careaga. Son veinte obras elaboradas entre 2005 y 2007, que resumen claramente las inquietudes creativas de este artista que, como Jesús Rafael Soto, ha promovido una rica vertiente que articula de manera decidida la ciencia con el arte. Obra: Dilsa Jiménez. Cortesía: La Calleja. Bogotá Galería La Calleja “Mañana, tarde, ncohe” Pinturas y dibujos de Dilsa Jiménez Hasta marzo 26 Con unas imágenes que presentan un espacio de legibilidad ilimitada, sin distancia entre escritura e imagen, donde el único límite es la ordenación de superficies referenciales del cuadro –reflejo preciso y concreto de piezas que juegan con varias dimensiones-; enriqueciendo la experiencia pictórica, colmándola de distancias posibles; inconcebible proximidad entre un autor y un personaje, secreto profundo entre un cuerpo y otro. Personajes implícitos en las telas, casi personas, resultan conocidos; luego nadie (soledad). Un estilo que se despliega en torno a la materia como único soporte y que invita a lanzarse a la atmósfera de color en un asalto sublime dirigido más al alma que a los sentidos, sin temor a ahogarse en la extensión pictórica que se derrama con amplitud infinita. Obra: Ángela Ramírez. Cortesía: Atena Estudio de Arte. Obra: Miler Lagos. Cortesía: Galería Nueveochenta. Bogotá Galería Nueveochenta “El papel aguanta todo” Miler Lagos Hasta abril 26 En su proyecto más reciente Miler Lagos realiza un interesante análisis del papel como soporte formal para el desarrollo del conocimiento y comunicación en la sociedad. Instalaciones, video y piezas magistrales construyen el proyecto que apunta a hacer señalamientos sobre estructuras de poder, y donde al igual que en sus trabajos anteriores como “Cimiento” y “Levedad insoportable” la materia de los objetos se carga de valor y genera un engaño visual. Posteriormente, se presentará la primera muestra individual del argentino residente en Sao Paulo Nicolás Robbio; uno de los más destacados artistas contemporáneos de la escena brasilera. Ha sido reseñado en importantes publicaciones como la mas reciente compilación de Phaidon: ¨Ice Cream¨. Su trabajo, expresa de manera poética el entorno descubierto por el artista, haciendo interesantes señalamientos sobre la cotidianeidad a partir de dibujos no convencionales, objetos y envolventes instalaciones. Bogotá Galería Obra “Noinuiko” Muestra colectiva Hasta abril 12 Obra: Luis Caballero. Cortesía: El Museo. Obra: Iván Rodríguez. Cortesía: Galería Obra. Bogotá Galería El Museo “Cuerpos” Luis Caballero Hasta abril 12 La exploración del cuerpo siempre motivó a Luis Caballero. Centró su obra plástica en las tensiones anatómicas de músculos, formas y proporciones, inicialmente de manera esquemática y posteriormente cargada de erotismo. Con sus dibujos y pinturas expresó sentimientos ambiguos, místicos y, a la vez, lujuriosos, para establecer paralelos de las relaciones humanas, demostrar pasión y lograr conmover. Caballero fue siempre un pintor de cuerpos. La figura humana fue su obsesión pictórica. Dibujó partes de la anatomía, de diversas maneras, siempre aproximándose a la exaltación misma del cuerpo humano, y son precisamente estos fragmentos corporales los que expresan por sí mismos lo que el artista pretendía transmitir. Medellín Casa Imago “Amigo imaginario” Carlos Barrero y Rebeca Lisman Hasta marzo 29 Noinuiko comprende una exposición que reúne una selección de artistas que trabajan el amplio abanico de expresiones que utilizan la madera como cuerpo artístico, y un taller de “Arte y transformación” con el maestro Isaías Román, quien dictará charlas sobre la cosmovisión huitoto y su expresión por medio de la talla en madera. Isaías Román, indígena de la nación huitota, por primera ves reúne parte de su obra para exponer al público. Lo acompaña en esta muestra el artista Iván Rodríguez, con una poética ritualista y básica en su relación con la naturaleza y su expresión abarcando así lo abstracto. Héctor Sanabria crea mundos constructivistas con material reciclado, y Sophie Negrin; abstractos contemporáneos basados en la naturaleza, convierte la madera en material blando, expresionista y exuberante. Bogotá Galería Sextante “Cambio extremo” Dibujos y gráficas de Camilo Villegas Hasta marzo 29 Obra: Camilo Villegas. Cortesía: Galería Sextante. Bogotá Galería Casas Riegner “Acciones políticas” Rosemberg Sandoval Abril 3 a mayo 10 “Mall & Museos” está conformada por la última producción de Jaime Iregui. Este artista, investigador y docente se ha dedicado en los últimos años a investigar la producción de imágenes de la ciudad, provenientes éstas de las más disímiles fuentes, tales como la cultura popular, el arte, la publicidad y la información. En una sociedad de hipertrofia de la imagen como es la nuestra, la ciudad se ve impregnada en todos sus rincones por informaciones visuales que de diversas maneras nos interpelan de forma constante. Iregui desarrolla respecto a este tema, una propuesta cruda con una perspectiva crítica, observa la ciudad desde la exhibición de la mercancía en los diversos lugares de emergencia y divulgación de la misma. Así, hermana el mall, el centro comercial, con el museo. A ambos lugares se ingresa con devoción y admiración, observando objetos fetichizados, mercancías que poseen un valor simbólico tanto como un valor de cambio. Como complemento de la Exposición se llevará a cabo un grupo de cuatro conferencias el sábado 12 de abril a las 11:00 a.m. a cargo de Dedtmar Alberty Garcés, Manuel Hernández, Jaime Iregui y Ana María Lozano. Obra: Enrique Careaga. Cortesía: Casa Imago. Bogotá Cu4rto Nivel “Malls y Museos” Jaime Iregui Este artista colombiano radicado cerca de París asegura que no le interesa el arte abstracto. Su nueva muestra, “De metáforas y espejos”, que se exhibe por estos días en la Galería Baobab, mezcla referencias precolombianas con su experiencia como pintor en París dando como resultado una obra que, en palabras de Jacques Toulemonde, se convierten en “reflejos de lo que tenemos dentro. Espejos”. La exposición del artista colombiano Juan Raúl Hoyos, “Sabor Natural”, es una mezcla trabajos pictóricos y serigrafías. En su obra hace evidente la contraposición de escenas y personajes con una visión que no es crítica, social ni voyerista, simplemente la de un observador fascinado con las situaciones opuestas y simultáneas que se presentan en diversos ambientes. La obra de Hoyos no esta inscrita en ningún movimiento específico, es una mezcla entre arte pop y expresionismo. Luego de su participación en PopularPop en el 2007, Juan Raúl Hoyos presenta su más reciente trabajo en una muestra individual que cuenta con más de 50 trabajos entre los cuales se encuentran serigrafías y polípticos y algunas pinturas (intervenidas con serigrafía) en gran formato. Obra: Carlos Barrero. Cortesía: Casa Imago. Obra: Germán Rodríguez. Cortesía: Galería Baobab. Bogotá Galería Baobab Pinturas de Germán Rodríguez Desde marzo 10 Bogotá Entre Arte Galería “Sabor Natural” Juan Raúl Hoyos La exposición consta de diecisiete dibujos —doce en pergamino y cinco en papel de algodón—, cinco gráficas y una publicación. Camilo Villegas viene trabajando desde hace un año en una serie de retratos, a partir de la técnica del collage. Se trata de una búsqueda para entender el misterio que hay detrás de cada individuo, encontrar qué lo caracteriza, qué lo diferencia, y qué motivos lo llevarían a enfrentarse a un “cambio extremo”. Asumiendo el papel de un cirujano plástico, Villegas elige la nariz, los ojos o la boca de unos personajes y se los asigna a otro, para concluir que “ese otro”, atrapado en la máscara, nunca desaparece. Bogotá Atena Estudio Arte “Árboles de la sabana” y “Retratos a través del prisma” Ángela Ramírez y Clara Torres Abril 2 al 30 La pintora y fotógrafa Ángela Ramírez Franco presenta su obra llamada “Árboles de la Sabana ”. Esta artista que ha venido combinando la tecnología de los nuevos medios y la pintura tradicional al óleo, altera la realidad creando nuevos mundos pictóricos en los que el color y la pincelada suelta son sus protagonistas. Estos paisajes de la sabana de Bogotá nos recuerdan el manejo de la luz de la escuela impresionista y en especial a Vincent Van Gogh por su pincelada. “Retratos a través del prisma” es el nombre de la muestra de la artista Clara Torres Cadena. Son pinturas al óleo que centran su atención en el manejo del color y la expresión del rostro de sus personajes. Abstrae de sus modelos las formas de su fisonomía, sus zonas de luz y sombra para convertirlas en construcciones de planos de colores complementarios que hacen surgir la vibración de los mismos. Se ha inspirado en la obra cubista de Pablo Picasso y el arte Pop de Andy Warhol. Los personajes retratados forman parte de la vida artística nacional e internacional de todos los tiempos, clásicos del arte y el jet set, entre otros. Bogotá – Zurich Galería Casa Cuadrada Marzo 6 a mayo 3 Seis muestras realiza la galería casa cuadrada en sus sedes de Bogotá y Zurich hasta el próximo tres de mayo. La primera muestra abierta en Colombia es “Múltiplo Común”, una exposición de pinturas y dibujos basada en la semiótica de la imagen del artista Johan Barrios, que se inauguró el pasado seis de marzo. El 27 de marzo se abre al público la muestra “El totazo”, una exhibición colectiva de los artistas jóvenes contemporáneos representados por la galería que estará colgada hasta el 13 de abril. “Huellas urbanas” es el nombre de la exposición que se inaugurará el próximo 16 de abril con obras de Giovanny Sánchez, reconocido por su trabajo en arte urbano, street art y expresionismo abstracto. En Zurich paralelamente se realizarán las muestras “Mutaciones”, de Mauricio Zequeda (hasta el 31 de marzo), Anni Rapinoja (abril 5 al 30) y “Múltiplo común”, que podrá verse en Suiza entre el 3 de mayo y el 5 de junio. Obra: Gabriel Antolinez. Cortesía: LA Galería. Obra: Invitación. Cortesía: Casa Cuadrada. Bogotá LA Galería “Vida salvaje” Adriana Salazar y Gabriel Antolinez Hasta abril 12 La invitación de realizar un proyecto específico para la Galería sirvió para que estos dos jóvenes artistas presentaran sus más recientes propuestas. Adriana Salazar exhibe sus “Máquinas maleducadas”, una particular pieza en la que mezcla con humor e irreverencia la frialdad de la máquina con una reflexión sobre las costumbres humanas. Gabriel Antolinez continúa en su proceso de reunir elementos completamente diferentes. En esta oportunidad mezcla materiales orgánicos e inorgánicos en lo que parece ser un elemento natural completamente nuevo: además presenta pieles naturales teñidas con colores imposibles y figuras de animales realizadas con materiales artificiales. Aunque la intención original de esta muestra no contemplaba una necesaria concordancia de los proyectos de Salazar y Antolínez, se encuentran múltiples vínculos entre ellas: ambos se exploran los bordes entre la existencia civilizada y la vida salvaje. El glamour y la barbarie, lo humano, lo animal y lo salvaje se tensionan hasta que sus extremos se tocan y confunden, mediante el hallazgo de comportamientos y destinos paradójicos de los “bichos domésticos”. 17 TRABAJO EXIGENTE Profesión: Galerista 16 Por: Gloria Samper Por definición, una galería es el lugar donde se exhibe arte con el fin de venderlo. El galerista desarrolla una serie de tareas vinculadas con el mercado (compra, venta y reventa), la formación del público, la promoción de sus artistas, el desarrollo de publicaciones, el trabajo con curadores y, en general, el posicionamiento del arte con que trabaja tanto en el mercado como a nivel académico. La primera observación es que para poder conocer el arte contemporáneo en Colombia es necesario hacer un recorrido periódico por las principales galerías comerciales y estar pendiente de la programación anual que cada una maneja. Son ellas las que presentan, a veces de manera única, el trabajo más reciente de los artistas contemporáneos colombianos. Con mucha frecuencia es en las galerías comerciales donde se logra ver la primera muestra de algún artista. Sin embargo se debe ser cuidadoso y asesorarse bien, pues hay varias galerías con una programación muy variable en la cual no se maneja siempre la misma calidad de muestras. Fuera de Bogotá, la labor de las galerías es fundamental y casi quijotesca al recaer en ellas funciones más amplias de creación de públicos y desarrollo del mercado. En algunas de ellas, como en Cuarto Nivel o Galería La Cometa, resulta interesante ver los trabajos dentro de muestras que han pasado por la mirada de curadores asociados, lo cual da argumentos y criterios adicionales para acercarse a las obras. Fotografía: María Quiroga. Podríamos decir que un buen galerista es aquel que logra mantener un balance adecuado entre la venta y la promoción de sus artistas. Se convierte en el punto de engranaje entre el artista y el público (llámese compradores, coleccionistas, instituciones o académicos). Tratándose de un negocio, las galerías tienen perfiles diferentes y, entre más se especialicen, más afinada tiende a ser su labor. Históricamente, los grandes galeristas han logrado desarrollar y mantener unas relaciones estrechas, estratégicas e inteligentes con sus artistas y los demás agentes del mercado. Se trata de un trabajo de acompañamiento en el proceso productivo, el cual puesto en la plataforma comercial, se materializa en la generación de ingresos para el artista para que éste pueda seguir creando. El galerista debe ser un negociante hábil, debe poder anticiparse a las tendencias de interés en arte y debería lograr influir en el mercado a través de su labor profesional. De ahí que deba también ser un excelente relacionista público y cultivar unas relaciones cercanas con los coleccionistas, a la vez que con las instituciones museales. En ellas, además de buscar incluir piezas importantes de sus artistas, busca para ellos oportunidades de exhibición o participación en eventos. Este esquema general, se aplica a nivel internacional en el mundo de las galerías de arte del mejor perfil. El periódico ARTERIA me ha pedido que evalúe cómo se aplica para las galerías de arte en Colombia, especialmente para aquellas de arte contemporáneo. Sin querer ser crítica sino más analítica, he revisado algunos de los aspectos del funcionamiento actual de las galerías, especialmente en Bogotá, para los cuales doy algunos ejemplos que no pretenden ser excluyentes. En cuanto a la labor de formación de públicos y publicaciones, las galerías colombianas tienden a desarrollar una labor más bien básica. La galería Casas Riegner tuvo una iniciativa interesante, Access-Arte, de charlas paralelas a las muestras (con fólder para tomar notas y pequeña guía impresa de cada muestra), la cual, tristemente, se vio interrumpida más por escasez de público que por constancia de la galería. Algo similar ha querido desarrollar la recientemente inaugurada Galería La Localidad en Usaquén. Hay galerías como Mundo, Nueveochenta o Alcuadrado que han desarrollado una serie de publicaciones consistente e igual para todas las muestras. La primera, a través de la Revista Mundo, que trata en diferentes columnas los temas relacionados con cada muestra. La segunda, produce un video documental con entrevistas y registro de la producción de las obras, proyectado en paralelo a la exposición. La tercera, acompaña cada exposición con una publicación de dos páginas con reproducciones de las obras, vistas del montaje y uno o dos textos de referencia. En muchas galerías no se producen catálogos de manera sistemática y con frecuencia se hacen con financiación importante de los artistas. Seguimos viendo aún que la única bibliografía que se termina teniendo de alguna muestra es la invitación a la exposición. Así, se podría complementar esta labor con el apoyo en el futuro de proyectos editoriales externos sobre los artistas de cada galería o de eventos académicos que reflexionen alrededor de los temas que le interesen a cada una. El perfil de las galerías es uno de los criterios que desde la plataforma de las asesorías, revisamos permanentemente. Un gran artista, inclusive siendo buen negociante y estratega, necesitará siempre de un buen galerista para encontrar un lugar adecuado dentro del circuito del mercado. Un buen coleccionista, además de buenos asesores, necesitará siempre de buenos galeristas que respondan a sus intereses de manera informada. Es definitivo que en la última década se ha visto una profesionalización de las galerías. Hay nuevas galerías más especializadas y galerías tradicionales que han afinado mucho su proceder. Hemos visto un entusiasmo por la presencia en ferias internacionales y por recibir con brazos abiertos a curadores y administradores de colecciones internacionales que han puesto sus ojos en el arte colombiano. De ahí se han explorado vínculos con el mercado internacional, pues todos somos concientes de que en ese punto aún falta mucho camino por recorrer. La labor de la Galería El Museo con su hermana en Madrid Galería Fernando Pradilla, ha sido exitosa, logrando generar entre ellas un flujo de artistas colombianos hacia un coleccionismo no local. Sin embargo, el mercado sigue siendo reducido. Se ve una especie de homogeneidad en el perfil de nuestras galerías las cuales tienden poco a promover el arte contemporáneo de vanguardia, o sectores especializados del arte, y se quedan con propuestas más comerciales y complacientes con las exigencias poco informadas del público. Dos fenómenos se manifiestan de manera abierta e inquietante: la venta de obras en los talleres de los artistas sin acuerdo con las galerías y el cambio permanente de galería de los artistas colombianos. Estos dos aspectos resultan muy dicientes del manejo de las relaciones de los artistas con la plataforma comercial, pero también del manejo de las relaciones entre los galeristas y sus artistas. Una última reflexión se orienta a señalar que son pocas las galerías en Colombia con perfiles restrictivos a épocas o artistas específicos, lo cual lleva a que de alguna manera el mercado se confunda en las mismas manos y sea poco especializado: ¿Donde adquirir obras del arte colombiano de la primera mitad del siglo 20? ¿Y de los grandes nombres del arte moderno colombiano? No es que no tengan mercado. Es que tal vez el mismo se mezcla con el de propuestas más jóvenes que se confunden entre sí en el pequeño universo de las galerías comerciales del país. 18 MARÍA TERESA HINCAPIÉ Alberto Baraya Madrid, 2008. Barranquilla La primera vez que ví y oí a María Teresa fue en la Luis Ángel, para ese entonces de mi rebeldía idealista –1995– me parecía una contradicción que estuviese allí, cobrando plata, por hablar de su ideal en la Sierra, compartiendo su proyecto de vida de dejar atrás lo material y regresar a lo básico, a lo natural. Hmm, ahora me encuentro recorriendo el mismo camino que ella tantos años atrás quiso mostrarme y no pude ver–entender. Ahora doce años después comprendo que la rebeldía toma fuerza cuando somos capaces de empezar por nosotros mismos y cuestionar nuestras más arraigadas convicciones, éticas y costumbres. Ironía– como en vida nunca pude identificarme con ella y bastó su paso al mundo inmaterial para sentirla mi hermana, mi madre, mi maestra. Carolina Caycedo Puerto Rico, 2008. Cortesía: Galería Alcuadrado. E l pasado 18 de enero, María Teresa Hincapié se marchó de esta tierra emprendiendo un nuevo camino que la llevará a lugares que aún no conocemos. Espontáneamente, esa mañana surgió la idea de crear una página en facebook para compartir con algunos amigos ese momento de tristeza y para crear un pequeño espacio en el que cada uno pudiera dejar plasmados recuerdos, imágenes de su trabajo, impresiones varias acerca del arte y de la vida, que en el caso de María Teresa eran uno solo, ya que como ella misma lo decía no habia separación entre el acto artístico y el comportamiento cotidiano. Este espacio virtual fue rápidamente ocupado por mas de 300 personas que manifestaron con su presencia, con sus textos, con sus videos, el aprecio a la artista, la amiga, la mujer, la maestra. Algunos de ellos, autorizados por sus autores, son publicados en esta página, todos podrán leerse en In “Memoriam Maria Teresa Hincapié” en facebook. MIR París, 2008. Me cuesta hablar de Tere como se habla de una artista reconocida de la que hay que hablar ahora porque ya no está. Conocí a Tere hace veintidós años, en 1986. Yo acababa de regresar a Colombia después de doce años de ausencia y no conocía a nadie, excepto a José Alejandro Restrepo, que había conocido en Paris mientras estudiábamos. Tere vivía con él desde hacía poco tiempo en la Candelaria. Iban a arrendar una casa y buscaban gente para compartirla. Era una casa enorme en la esquina de la calle 11 con carrera 3. En esa casa coincidieron muchos artistas que regresaban del exterior y Heidi, que regresaba también por esa época, terminó viviendo con ellos. Durante el día, pasaban a hacer visita y a conversar Doris Salcedo, Victor Laignelet, Álvaro Restrepo, todos recién llegados. Mientras Tere y José Alejandro ensayaban “Parquedades” en un cuarto, Heidi y yo montábamos Casa Tomada. Ni lo suyo ni lo nuestro era considerado plástica o teatro. Solo Carolina Ponce, asidua de esa casa, defendía a capa y espada nuestra obra, por fuera de las categorías rígidas de la época. Tere descubría en ese momento esa zona híbrida de creación que le permitiría hacer el duelo del teatro con el que había trabajado durante muchos años: El Acto Latino. Fue para ella una tabla de salvación: no depender ya de un grupo, de un teatro, de una idea fija de la creación artística. Aunque, en el fondo, Tere siguió siendo profundamente una actriz, volcó toda su orfandad (profesional, social y afectiva) en lo que los otros llamarían en su lugar performance. La recuerdo todavía pidiéndome bibliografía, en esa época, sobre ese término. José Alejandro la inundaba de conceptos que ella no conocía pero de los que estaba ávida, no por un afán de conocimiento intelectual sino por un afán de supervivencia, presagiando tal vez con lucidez la soledad en la que tendría que proseguir su camino. Pasábamos horas en la cocina de esa casona. A veces pienso que Tere gestó allí los embriones de sus futuras acciones mientras hablábamos de nuestras obras pelando lentamente y durante horas papas, plátanos y yucas; desgranando mazorcas y arvejas. Ella preparaba unos fríjoles deliciosos y un legendario sancocho. Sus manos conocían a la perfección todos los gestos fundamentales de la vida. El gesto como medialidad, como diría Agamben, no como finalidad. Por eso nunca me sorprendió verla pasar de la situación dramática a la acción plástica, del movimiento al gesto, de la voz hablada a la voz cantada, del texto al silencio, del sonido al aliento. Su arte atravesó, como dice Zeami de los grandes artistas, la edad de la piel y la edad del músculo, hasta llegar a la edad del hueso. Rolf Abdelharden Bogotá, marzo de 2008. Guía Nacional Tras pasar por sus talleres lentos, y asistir a la presentación de María Teresa de “Una cosa es una Cosa”, sucedió algo que cambio mi día a día. Con su proposición se cayeron las formas de la mesa. Eso que Carreño inscribe en su tratado de urbanidad, la cultura de la etiqueta y las maneras, fue reformulada, y el ejercicio de poner los cubiertos y platos, esa “educación” de la mesa se convirtió para mi en un acto diario con posibilidades. El tenedor dejó su lado derecho francés, el cuchillo de mi puesto se juntó con el cuchillo de mi hermano, las cucharitas inglesas hacían corro todas juntas, y la simetría y el espejo daban libertades, proponían cada día una forma diferente de pensar, de comportarse, en su ejercicio como cosas. Ahora que me doy cuenta, tantos años después de haberle visto, todos los días pasa por aquí. Conocí a María Teresa Hincapié en 1989 cuando realizaba un trabajo experimental titulado “Punto de Fuga” en el Museo de Arte de la Universidad Nacional. Por esos años no sabía quien era ella, ni de donde venía, pero la fuerza de su acción que se llevó a cabo durante tres días consecutivos y durante doce horas seguidas, me tuvo sentada en el museo por muchas horas y durante dos días. A partir de ese momento quedé impactada por la disciplina y la concentración con la que realizaba sus movimientos con suma lentitud. Después hablando con ella me enteré que venía del teatro, que se había formado con la “práctica del artista” del teatro antropológico de Eugenio Barba y con las lecciones de Grotowski sobre el “actor santo” y el “teatro pobre”. A partir de esa intervención hice una reseña para Arte en Colombia. Una de las presentaciones más impresionantes se llevó a cabo en la galería Valenzuela y Klenner cuando presentó una de las versiones de “El tiempo se mueve despacio”, con su hijo Santiago Zuluaga, creo que allí hizo presencia lo que Grotowski llamó “el actor santo”. Según Raúl Kreig, en el teatro de Grotowski “el actor no actúa, no finge, ni imita. Debe ser él mismo en un acto público de confesión. La representación debe servir a la manifestación de lo que cada actor es en su interior. Por eso cuando Ryszard Cieslak –quizás el único actor que cumplió acabadamente con el modelo grotowskiano– dice: “Te mostraré mi hombre”, y Grotowski le responde: “Muéstrame tu hombre y te mostraré tu Dios”, quieren expresar que el actor dentro de la obra, del espectáculo, ofrecerá su confesión, su cuerpo y alma desnudos, su yo intelectual y biológico. Mostrará todo aquello que la cultura y la vida cotidiana le impiden mostrar. Esa noche María Teresa en una acción en la que predominaba la quietud, ofreció la confesión de su cuerpo y su alma con la fuerza, la convicción y la disciplina que caracterizaron su vida y su obra. Marta Rodríguez Bogotá, 2008. La ví pasar de lejos, la primera vez con un costal al hombro trocha de bajada, bien de mañana. Sabía que se trataba de ella porque no había más vecinos selva arriba. Horas después regresaba conservando el ritmo y sin distraer la mirada. A la mañana siguiente supe que en el costal llevaba naranjas, que madrugaba y bajaba a venderlas en la playa. Esa mañana desayunamos con jugo de naranja. Todos los días la veía atlética subir, atlética bajar. Una mañana coincidimos en la playa, yo estaba leyendo, se me acercó y me contó que ella en cambio, leía las hojas de los árboles. Los amigos la invitaron a quedarse, ella respondió que tenía que ir a comprar pilas para el radio. Al otro día nos volvimos a encontrar, yo seguía leyendo, ella caminando (trocha arriba y trocha abajo). Dos años después en mi tarea de escoger de un listado de artistas al de la reseña, recibí la foto de unos pies, en la ficha técnica el dato: María Teresa Hincapié: “Divina proporción” (detalle) 1996. Performance. Pregunté, la encontré, y charlamos una mañana completa junto a la cocina de su casa, tomando tinto de una sola taza que luego ella cuidadosa lavó con limón, mientras hablamos de Peregrinos. Salí de su casa con el sabor a tinto, justo en el momento en que empezaron a llegar sus alumnos para seguirla en fila india, en un trayecto lento que iba marcando sobre el piso de madera, caminando. Catalina López Bogotá, 2008. La ví en Caracas en los noventa como participante en un festival de performance y me quedé impresionada por su energía, su capacidad para generar un campo de fuerzas, desplegado sólo por la conjunción de su cuerpo y su voluntad. Gabriela Rangel Nueva York, 2008. “El instante es la eternidad” María Teresa Hincapié MUSEO DE ARTE MODERNO DE BARRANQUILLA Carrera 56 # 74 - 22 Tels. (5) 369 0101 - 3609952 [email protected] [email protected] Bogotá ALIANZA COLOMBO FRANCESA www.alianzafrancesa.org.co (Sede Centro) Carrera 3 # 18 - 4 5 Tels. (1) 336 09 64 - 334 22 63 341 13 48 - Hasta Abril 12. “V*i*d*a Lab muestra de proyectos, primeros dos años de vida – objetos para un presente cercano”: Alejandro Tamayo. Curaduría: Carlos Betancourt. (Sede Chicó) Carrera 7ª A # 84 – 72 Tels. (1) 236 94 74 – 236 86 05 691 56 84 - Marzo 12 a Abril 22. “You are there, vous-êtes ici, usted está aquí”:Saúl Sánchez. (Sede Cedritos) Av. 19 # 134 – 39 Tels. (1) 216 88 98 – 258 83 94 216 87 34 - Hasta Abril 19. “Caminos y Quebradas”: Carlos Chacín. Curaduría Eduardo Serrano. ALONSO GARCÉS GALERÍA Cra 5 # 26 – 92 Tel. (571) 3375827 – 3375832 www.alonsogarcesgaleria.com [email protected] - Marzo 17 - Abril 05. Exposición Colectiva de Dibujo. - Abril 12 - Mayo 12. “Los Caminos Dorados”: Mario Vélez. José del C. Hernández y Héctor Lombana entre otros. ATENA ESTUDIO DE ARTE Calle 123 # 7 – 19 Tels. (1) 2135504 [email protected] - Abril 2 – 30. “Pinturas recientes”: Ángela Ramírez, Clara Torres. - Hasta Junio Cursos: Mejorando su dibujo (Liliana Durán); Investigación y procesos (Liliana Durán); Épocas y movimientos del arte (Ricardo Toledo); Concepto, técnica y color (León Trujillo); Dibujar con el lado derecho del cerebro (Hernando González); Taller de pintura (Hernando González. Después con profesores invitados); Paisaje como elemento de creación (Claudia Rojas); Talleres de pintura; Taller de los sábados (Hernando González). BALLA’S ART GALLERY Avenida, carrera 15 # 106-32, M8 Tels. (1) 6127029 [email protected] - Exposición permanente de la artista Milka Balla. - Obras originales en óleo, acuarela, pastel, grabado y acrílico. ENTREARTE GALERIA Calle 22 # 5 – 88. Oficina 301 Tel. (1) 2824375 christopher.paschall@entrearte. net www.entrearte.net - Hasta Mayo 6. “Sabor Natural”: Juan Raúl Hoyos. ART ROOM GALERIA Carrera 7C # 126ª – 08 Cita previa (310)2675234 www.artroomgaleria.com FUNDACIÓN CUARTO NIVEL ARTE CONTEMPORÁNEO Calle 93 B # 11 A – 84, piso 4 Tel. (1) 6355153 Fax. (1) 6355235 www.cu4rtonivel.com - Abril 2 – 30. “Mall & museos”: Jaime Iregui. Curaduría: Ana María Lozano. Conferencia: Abril 12, 11:00 a.m. Conferencistas: Dedtmar Albertu Garcés, Manuel Hernández, Jaime Iregui, Ana María Lozano. ARTESPACIO GALERÍA Carrera 7 A # 127 A - 30 Bella Suiza Tels. (1) 2583270, 6251895 (cita previa) [email protected] - Exposición permanente: “Gran muestra colectiva”: Edgar Negret, Saturnino Ramírez, Fernando Oramas, Carlos Santacruz, Alfredo Araujo Santoyo, Demetrio Jiménez, GALERÍA ARTE FENALCO – GAAF Carrera 4 # 19 – 85, piso 2 Tel. (1) 3500699, ext. 6656 Fax. (1) 3500699, ext. 6660 [email protected] - Marzo 27 - Abril 17. “Artistas Contemporáneos”: Andrea Aguía Agudelo, Vicenta Gómez, José Ignacio Cadena, Carlos Andrés Murillo, Camilo Calderón, Andrés Contreras y el artista tridimensional invitado: José Manuel Gutiérrez. - Abril 18 - 25. “Cinco trabajos de estudiantes en tesis de grado Universidad Javeriana” GALERIA CASA CUADRADA Carrera 7 # 83 – 20, Edificio Saturno. Tels. 2576541, 2186987 www.casacuadrada.com - Hasta marzo 23. “Múltiplo común”: Johan Barrios. - Marzo 27 – Abril 13. “El totazo”: Exposición colectiva de artistas jóvenes. - Abril 16 – Mayo 3. “Huellas Urbanas”: Giovanny Sánchez – TOT. FHARA GALERÍA Carrera 14 A # 82-80, Piso 2. Vía del Sol Tels. (1)4837522, 6350012 [email protected] www.fharagaleria.com GALERÍA EL MUSEO Carrera 11 # 93A – 43 Tels. (1) 6107301, 6107451 Fax. (1) 2570329 [email protected] www.galeriaelmuseo.com - Hasta Abril 12. “Cuerpos”: Luis Caballero. - Abril 16 - mayo. Mónica Meira. GALERÍA ESPACIO ALTERNO, UNIANDINOS Calle 92 # 16 – 11 Tel. (1) 6019666. Ext. 107, 135 - Hasta Marzo 28. “Atréveme”: Adriana Espítia. - Abril 10 – 29. “Delirio de las monjas muertas”: Homenaje póstumo al maestro Juan Antonio Roda. LA PARED GALERÍA Carrera 15 # 88- 64 Pbx. (1) 2185382 Fax. (1) 6163052 www.laparedgaleria.org [email protected] MONTEALEGRE GALERIA Carrera 17ª No. 100 – 15 Tel: 6917007 Fax: 6917006 www.montealegregaleriadearte.com.co - Abril 10 – Mayo 31. “Espacios en movimiento”: Enrique Careaga pintor Paraguayo. Curaduría: Eduardo Serrano. 19 QUINTA GALERIA Calle 70ª # 5 – 67 Tel. (1) 3127368/69 Fax. (1) 2495714 [email protected] www.quintagaleria.com - Hasta Marzo 31. “Travesía”: Anna María Botero. UROTI ART GALLERY Cel. (300) 8378472 [email protected] www.urotiartgallery.com Santa Marta FUNDACIÓN MUSEO BOLIVARIANO DE ARTE CONTEMPORÁNEO Quinta de San Pedro Alejandrino Tels. (5) 4332994 / 1021 [email protected] - Marzo 13. “Esto también es violencia”: Cecila Lizcano. Galería Espacio Abierto. - Marzo 26. “La casa de Asterión”: Oscar Leone. Plaza de Banderas. - Mayo 14. “Casa Tomada”: Rafael Gómez. Plaza de Banderas. OTROS PAISES Madrid – España GALERIA FERNANDO PRADILLA C/. Claudio Coello 20 Madrid, 28001 Tel. 34 (91) 5754804 Fax. 34 (91) 5776907 - Abril: Alejandra Seeber: “Pinturalia”. - Mayo: Emilio Gañan Espacio Proyectos: - Abril: “Cinco jóvenes argentinos: Celeste Martínez, Ana Vogel Fang, Ana Gallardo, Ariel Kusnir, Ruy Krygier. Zurich- Suiza GALERÍA b 146 CASA CUADRADA Brandschenkestrasse 146 8002 Zürich – Suiza 0041-44-8109163 www.casacuadrada.com [email protected] Zürich, Schweiz - Hasta marzo 31. “Mutaciones”: Mauricio Zequeda. - Abril 5 – 30. “Anni Rapinoja”. - Mayo 3 – Junio 5. “Múltiplo común”: Johan Barrios. Colección de Arte ARTERIA A pesar de no saber muy bien cómo explicar cuál es el Mateo López que conozco, estoy seguro que es el que nació en Bogotá en 1978 y estudió Artes Plásticas en la Universidad de Los Andes, y no aquél que nació en Bogotá en 1978 y estudió Artes Plásticas en la Universidad de Los Andes. Cualquiera pensaría que es la misma persona por sus precisas similitudes pero he aprendido con el tiempo, desde que le vi, a uno de los dos Mateo López que menciono, sus primeras obras en una exposición en el Museo de Arte Moderno de Bogotá poco antes de obtener su título universitario en el año 2003. Desde ese instante este Mateo López no ha dejado de mostrar, en diversos ámbitos nacionales e internacionales, dibujos con precisión fotográfica, proyectos de recorridos en motocicleta, talleres de dibujo y objetos que simulan ser los objetos originales. Como dije, cualquiera pensaría que es la misma persona por sus precisas similitudes pero he aprendido con el tiempo, desde que le vi, al otro Mateo López que mencioné anteriormente, sus primeras obras en una exposición en el Museo de Arte Moderno de Bogotá poco antes de obtener su título universitario en el año 2003. Desde ese instante este otro Mateo López no ha dejado de mostrar, en diversos ámbitos nacionales e internacionales, dibujos con precisión fotográfica, proyectos de recorridos en motocicleta, talleres de dibujo y objetos que simulan ser los objetos originales. Como bien se puede apreciar tengo fe en que, con esta introducción, podamos darnos cuenta de cuál es el verdadero Mateo López y cual es su reflejo. Asímismo, bien podremos, en adelante, constatar qué obras pertenecen al artista y cuales pertenecen a Mateo López… el otro. Andrés Gaitán T. La obra que ofrece hoy el periódico Arteria a sus lectores será firmada y numerada por el artista a todo aquel que la envíe a nuestras oficinas (Carrera 50 # 123 A 33, of. 102) no más tarde del 25 de mayo. El impreso deberá estar debidamente empacado en un sobre con el nombre, teléfono y dirección del interesado. Las obras se regresarán seis semanas después por correo y el importe deberá ser pagado por el destinatario contra entrega. Fotografía: Óscar Monsalve
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