4,2 MB - Festival Internacional de Cine de Gijón

Transcripción

FESTIVAL INTERNACIONAL
DE CINE DE GIJÓN
JUEVES 24
DE NOVIEMBRE
DE 2011
Nº 7
COLABORA:
PATROCINA:
ORGANIZA:
Foto: Isabel Permuy y Helena Exquis
LOS MUERTOS NO SE TOCAN, NENE
Página 2 | 49FICXixón
SECCIóN OFICIAL
VOL SPÉCIAL
MICHAEL
///Por Elena Duque
Por Elena Duque
Fernand Melgar, Suiza, 2011, 103 min.
Hay ciertas cosas incómodas de contemplar. El “primer mundo” evita mirarse
según en qué espejos, motivo que quizás puede explicar el revuelo que la película
de Fernand Melgar (hijo de inmigrantes españoles, por cierto) causó a su paso por
Locarno, donde Paulo Branco, director del jurado, la tachó de “fascista” sembrando el escándalo mediático. También se ha prohibido su exhibición en los colegios
de Suiza, lo cual da qué pensar.
Vol spécial hace referencia en su título a una realidad categorizada de manera
eufemística, que es, al final, ni más ni menos que la última medida para aquellos
que rehúsan abandonar Suiza después de pasar todos los meses estipulados en
los centros de retención ad hoc. Lo que se esconde detrás del término es un vuelo
en el que los deportados suben encadenados, y viajan atados a la silla (con pañales), y que puede durar hasta 40 horas porque el avión hace parada en varios
países. Una realidad chocante, en especial si se contrapone a la asepsia y a la
corrección del proverbial país neutral.
Melgar se centra, entonces, en el “mientras tanto”. Esto es, los centros en los que
se retiene a todos los “sin papeles” hasta que su situación se resuelve. Un lugar,
entre cárcel e internado, en el que deshojan la margarita, bien alimentados y con
relativo confort, los que van estirando el tiempo hasta que puedan salir de allí (los
menos) y lo que se ven abocados a tomar el “vuelo especial”. Es, así, como Melgar
describe la geografía humana que habita el centro, y examina de manera cercana
los casos de algunos de los detenidos. Muchos de ellos, además, con una familia
constituida en Suiza, personas que trabajan y pagan impuestos desde hace años
pero que no han podido regularizar su situación.
Seguimos la rutina del centro y de quienes allí trabajan, algo que, además, termina por poner el dedo en una llaga que quizás sea la cara más siniestra de este
mecanismo: las formas funcionariales con las que se despacha el destino y la
dignidad de seres humanos como si se tratase de mercancía. Melgar muestra la
realidad sin emitir juicios usando la observación pura. Ya hay bastante elocuencia en el contenido recolectado y montado, en la elección del tema y en el punto de
vista. Y eso ya lo saben de sobra quienes se han escandalizado por el film y han
visto en él algo así como lo que Dorian Gray vio al contemplar su retrato.
Hoy, a las 9.30 horas, en Cines Centro Sala 5 (Prensa y acreditados), y a las 20.00 horas, en Teatro
Jovellanos (ambientación musical Patri Chiquita). Repite mañana, a las 17.00 horas, en Cines Centro
Sala 3.
Markus Schleinzer, Austria, 2011, 96 min.
Hay algo podrido, escondido bajo la alfombra del primer mundo. Bajo una superficie
de orden escrupuloso y civilización supina, la deformidad de la neurosis. Sentimientos desordenados que crecen sin control, como un monstruo bajo la calma de unas
aguas pacíficas.
Michael, el protagonista de esta historia, es un hombre al que hemos visto mil veces
y ninguna. Uno de esos tipos anodinos que acuden cada día a trabajar encorbatados
a una oficina para desempeñar alguna actividad impersonal. Sólo que Michael tiene
encerrado en el sótano de su casa a un niño de diez años, al que cuida y mantiene
como quien engrasa una máquina de la que se sirve a diario. Pues Michael, de puertas adentro, y con las persianas bajadas, es pederasta.
Michael, la película, guarda en todo momento un aspecto seco y glacial, haciendo
desfilar por la pantalla una serie de actividades calladas y rutinarias. Porque lo que
realmente cuenta en Michael es lo que no se ve.
Schleinzer maneja el fuera de campo de una manera pasmosa, dosificando lo que
muestra y lo que no, dotando de una tensión sobrecogedora a acciones que, fuera del
contexto del film, no producirían ningún sentimiento en quien las contempla. Probando, además, que el experimento de Pavlov, con aquellos perros que salivaban al
tocar la campana que anunciaba la comida, se puede aplicar también al espectador,
produciendo una desazón difícil de explicar con la simple visión de un hombre que
se cepilla los dientes.
Pero hay aquí muchas pinceladas más. Como por ejemplo, cómo Schleinzer consigue
generar inquietud por el estado de salud de Michael pues, a pesar de ser el secuestrador, es el único medio de vida y conexión con el mundo del niño. O la tensión difícil
de soportar que hay en el hermetismo del sumiso comportamiento del niño. O cómo
las interacciones sociales de Michael se tiñen para el espectador de un color muy
particular al ser partícipes de su secreto.
Scheleinzer ha sido director de casting de Haneke, Seidl, Heisenberg o Glawogger.
Y se nota, en este sólido debut como director, que Schleinzer pertenece a la misma
estirpe de directores, todos austríacos, por cierto. Algo que da qué pensar sobre qué
hay detrás de los trajes tiroleses y los valses de Strauss, en un país que ha dado al
mundo celebridades tan dispares como Freud, Hitler, Mozart o Schwarzenegger.
Hoy, a las 12.30 horas, en Cines Centro Sala 3 (Prensa y acreditados). Repite mañana, a las 22.30
horas, en Teatro Jovellanos (ambientación musical Patri Chiquita) y el sábado, a las 17.00 horas, en
Cines Centro Sala 3.
WALK AWAY RENÉE
Jonathan Caouette, Francia/Reino Unido, 2011, 90 min.
(Artículo de Howard Feinstein extraído de Screen Daily)
La artística fragmentación de viejas películas domésticas de su propia e inusual
familia que habita en Tarnation (2004) puso a Caouette en la mira de todos los
cazadores de talento. Walk away Renée es un gigantesco paso adelante: un equipo
de rodaje y un metraje más refinado, pero con una estructura más accesible, en
una pseudo road movie con muchas más escenas naturalistas en la que Caouette
lleva a su madre, enferma mental, en coche desde su domicilio asistido en su
ciudad de origen en Houston, Texas, hasta su actual residencia en Nueva York.
La madre de Caouette, Renée Leblanc, de 58 años, sufre de un agudo desorden
bipolar y esquizofrenia. A los 12 años se le diagnosticó depresión, edad a la que
recibió el primero de los numerosos tratamientos de electroshock por los que ha
pasado. La vida de esta mujer, otrora bella y alegre, ha ido cuesta abajo desde entonces: con la reclusión en cientos de instalaciones, y un enorme régimen diario
de fármacos para frenar la conducta maniaca, pasiva-agresiva que le domina.
Cambiando los papeles, su hijo ha tomado el rol de padre, ahora aquejada de
daños cerebrales. A través de cambios de época en los que muestra a Leblanc a
varias edades y en estados diversos, así como de metraje de su propia interacción
en diferentes fases de sus vidas, llegamos a entender el fuerte vínculo que le une
a ella de forma tan intensa que sitúa sus propias necesidades a un lado para
asegurarse que no es maltratada por el sistema médico.
Entreverando las secuencias que documentan el duro trayecto (en el que la madre pierde sus pastillas), con hermosos planos de nubes pasajeras que ayudan a
estructurar el film, y que hacen un guiño a un culto llamado Cloudbusters (que
pretende legitimar la existencia de una cuarta dimensión y que sostiene que las
nubes son reservas de energía), que ha encargado a Caouette un vídeo de divulgación que éste trata en la película con refrescante sentido del humor.
Pocos cineastas en activo a día de hoy pueden unir la magia formal con una sólida
explicación de un tema personal serio. Con una banda sonora de suaves melodías
populares (Under the Boardwalk y la nostálgica canción que da título al film, popularizada por los Left Bank en los 60, entre otras) que acompaña a abstracciones
apocalípticas extremadamente imaginativas, Caouette ha conseguido un acto de
coherencia que bordea la genialidad.
Hoy, a las 17.00 horas, en Cines Centro Sala 5 (Prensa y acreditados), y a las 22.30, en Teatro
Jovellanos (ambientación musical Patri Chiquita). Repite, mañana, a las 17.00 horas, Cines Centro
Sala 5.
MAñANA
THE FORGIVENESS OF BLOOD
TERRI
filMO
NOChE DEL CORTO ESpAñOL
FESTIVAL DE CINE DE BOLSILLO
GANADORES
THE ASTRONAUT ON THE ROOF
LA HUIDA
Sergi Portabella, Alemania, 2010, 12 min.
Víctor Carrey, España, 2010, 11 min.
El juego metalingüistico es la clave de este cortometraje de Sergi Portabella finalista del Today Award
de la Berlinale. Pues los “protagonistas” son dos guionistas, 1 y 2, que partiendo de los elementos básicos
que según Godard debe tener una película –un héroe,
una mujer y una pistola- van jugando sobre la marcha
con la narración. Una pócima, la que confeccionan estos guionistas sedientos de fama, que irán aderezando
con robos, dedos amputados, una habitación de hotel,
personajes variopintos e incluso, si les apuran, hasta un
astronauta.
Muchas alegrías le ha dado a Víctor Carrey este
corto, merecedor de un buen número de premios, y
es que con un chicle, con una correa para perros, con
una mancha en la pared con la forma de Australia y
con un semáforo torcido, Carrey filma una historia
en la que cada uno de estos elementos tiene su propia
entidad, pero la unión entre sí de ellos forman otra
diferente.
filMO, Festival de Cine de Bolsillo organizado por
LABoral con la colaboración del Festival de Cine
de Gijón, ha dado a conocer ayer el nombre de los
ganadores de este año, elegidos entre un total de
más de 90 piezas.
En la categoría filMO cine amateur, resultó ganadora del Premio del Jurado la pieza Swamp
Angels Redemption (Part I), de Luzartica, y La
puerta del laberinto, de Ángel Méndez & Astor
Castro se hizo con el Premio del Público.
En Minuto secuencia, el Premio del Jurado recayó sobre Álex Agustí con Fly over fear, y el del
Público fue para Patos Calvos regresa a lo esencial con su Mujer leyendo en el suelo.
Para finalizar, en el apartado de Firmas Invitadas Chus Domínguez obtuvo el Premio del Jurado con su pieza pixelación laboral, y Pablo García
Canga fue el ganador del Premio del Público con
su obra Para Laika.
DESANIMADO
LIBRE DIRECTO
Bernabé Rico, España, 2011, 12 min.
Emilio Martí, España, 2011, 7 min.
Patos Calvos, ganador del premio del público,
en Minuto Secuencia.
El humor y la verborrea guían este refrescante cortometraje que emplea un recurso de lo más peculiar
para enfatizar de qué hablamos cuando hablamos de
neurosis, y de lo que significa saberse diferente en un
mundo muy poco receptivo a las disonancias. Desde
Woody Allen hasta ¿Quién engañó a Roger Rabbit?
caben en esta historia de un hombre que se siente
mal mirado por ser un dibujo animado. Empleando la
acción real matizada por su interacción con una animación vibrante, expresiva y francamente divertida,
Martí habla de los prejuicios con sana ironía.
A sus 60 años, Adela vive la vida que nunca quiso
tener: sin hijos, con un marido que la anula y, lo peor
de todo, sin nada por lo que ilusionarse. Hasta que un
día le ofrecen la oportunidad de ganar 300.000 euros
y dejar su antigua vida atrás…
OZ
Adrián López, España, 2011, 19 min.
DINERO FÁCIL
Carlos Montero, España, 2011, 11 min.
Luzartica, ganador del premio del jurado en
filMO cine amateur.
Pablo García Canga, ganador del premio del
público de Firmas Invitadas
Un casting sólido y una narración bien cimentada
son los pilares sobre los que se sostiene la solvencia
de Dinero fácil, de Carlos Montero (guionista de series
como Física o Química). La buena mano con el género
que maneja, los giros y la dirección de actores son
las claves de esta historia protagonizada por Mario
Casas en la que un joven seductor es contratado para
hacer un servicio sexual a domicilio, para terminasr
más bien implicado en una trama de cine negro.
El catalán Adrián López se aleja de sus registros
iniciales vinculados a la publicidad y el mundo del
videoclip para contar una historia de adolescentes
con problemas. Nicolás se reencuentra con Leo. Son
dos adolescentes solitarios, sufren la misma extraña
enfermedad: su piel es extremadamente delicada,
como la de las alas de una mariposa. Está escrito que
iban a encontrarse.
Hoy a las 22.15 horas, en Cines Centro Sala 4. Repite mañana, a
las 20.00 horas, en Gijón Sur.
LLENDES
MÚSICA CAMPESINA
Alberto Fuguet, Estados Unidos/Chile, 2011, 100 min.
ENTREVISTA
ALBERTO FUGUET, DIRECTOR
Y MIEMBRO DEL JURADO
INTERNACIONAL
RELLUMES
PUNK’S NOT DEAD
Vladimir Blazevski, Macedonia/Serbia, 2011, 104 min.
///Por Elena Duque
Es interesante ver el papel del idioma en la película…
///Por Marcelo Panozzo
Alberto Fuguet es escritor y es cinéfilo y camina hace
años por unos caminos que algún día se iban a cruzar,
no había modo de que no sucediera, y es justo decir
que la hermosa película llamada Música campesina
constituye una cumbre tanto de su escritura (en el
papel o en la pantalla) como de su pasión cinéfila.
Con una historia pequeña, Fuguet se consagra como
narrador grande, porque así tiene que suceder cuando un director se centra en su criatura con sensatez
y sentimientos. En este caso se trata de un joven
chileno que deja su país por cuestiones del corazón y
aterriza en Nashville, Estados Unidos, para saber de
verdad cómo es la soledad.
Música campesina es una película que tiene puntos
de contacto con el género musical que le da título, lleva impresa esa mezcla de luminosidad y tristeza del
country, una transparencia oscura que aparece en
las mejores canciones y que, naturalmente, es la que
marca el paso por Nashville del treintañero Alejandro, perdido en la traducción pero perdido también
en su propio idioma.
“Me interesaba en esta película llevar la crisis de
identidad al límite. Creo que una de las experiencias
más duras y atroces es emigrar. Va en contra de toda
salud mental”, explica Fuguet, chileno con su propia
historia de desarraigo a cuestas, un director que
cuenta a su personaje con delicadeza y revela su entorno con la dosis justa de sorpresa, registrando, con
gracia y respeto, ese punto en que las culturas chocan
y el viaje exterior es ensombrecido por un interior
que no atina a moverse.
Hoy, a las 19.45 horas, en Cines Centro Sala 1, con encuentro
con el público. Repite el sábado, a la misma hora, en Antiguo
Instituto.
La cinta es -para mí- acerca del lenguaje. No es una cinta
acerca de la inmigración, pues Tazo -el protagonista- no inmigra sino que se desplaza. Creo que la patria de uno es su
idioma. El lenguaje es tan clave que uno deja de ser quien
es, y cuando aprende otra lengua uno, de alguna manera,
es otro: parecido, pero otro. Música campesina no es tanto
sobre la imposibilidad de comunicarse sino las ganas de
hacerlo pero no poder. De ahí que en un momento se larga
no más a hablar o confesarse en castellano. O cuando se
topa con alguien que habla argentino, arma una intimidad
instantánea.
En Música campesina eliges un estilo que la hace parecer casi un documental, ¿por qué esa elección?
Por falta de dinero y por opción. Y porque soy fan del cine
americano de los 70. La nueva ola también fue así. Para mí,
el gran cine es aquél que además de ser ficción también es
documental en el sentido de que documenta una época, un
momento. En este caso, todo fue rigurosamente planeado
porque no teníamos permisos ni tiempo ni dinero. Rodamos seis días, por lo que estaba todo escrito y ensayado y
yo conocí antes todas las localizaciones.
Háblenos un poco de música: en realidad, ¿qué relación
tiene el protagonista con la música country?
Cero. O casi cero. Cuando me invitaron a filmar a Nashville,
capté que algo sabía pero, a la vez, nada: sólo clichés. Aparte
del Johnny Cash más intelectual (que no es el Johnny Cash
netamente country) o Dolly Parton o Jack Daniels, capté que
Nashville tenía una cultura global pero netamente local. Que
uno pensaba que sabía mucho de ella pero, a la vez, no. Y usé
eso a mi favor. Lo que sí sabía de ciertas películas sobre el
mundo country es que las canciones cuentan historias. De
ahí surgió la idea de la historia y del final: usar un tema de
nuestro folclor (que es en el fondo la música country que
cada país tiene). La canción del final es la típica canción que,
estando en tu país, te parece hasta cutre, un cliché acaso.
Es parte de tu inconsciente colectivo pero al escucharla o
cantarla afuera, captas que dices verdades y que eres parte
de esa cultura que representa, lo quieras o no.
///Por Alejandro Díaz Castaño
Tras realizar películas de gran éxito en Yugoslavia hace casi dos décadas, el cineasta macedonio
Vladimir Blazevski vuelve con esta oscura comedia,
que retrata las tribulaciones de un grupo de música
que, como él, retorna al ruedo tras un largo periodo
de inactividad.
El bajo presupuesto con el que fue rodada, lejos de
perjudicar al resultado final, dota a la propuesta
de un auténtico sabor underground, al que también ayuda el degradado paisaje de la ciudad de
Skopje. “Alcancé la madurez en una época en la que
la estética feísta de Baudelaire era una aproximación artística legítima. Para mí, los lugares feos son
hermosos”, ha declarado el cineasta, quien cita entre
sus referentes cinematográficos a Michelangelo
Antonioni.
Mirsa fue el carismático líder de una banda punk,
pero sus tiempos de gloria destructiva parecen ya
lejanos, pues hace lustros que sobrevive en un agujero de la capital de Macedonia. Hasta que el destino
quiere que le llueva la oferta de resucitar a su antigua
formación para un concierto filantrópico en tierras
albanesas.
A partir de ahí, Mirsa emprende dos viajes: el primero, para recuperar el contacto con los ex-miembros
del grupo, sumidos en situaciones personales de lo
más variopinto. El segundo, para dirigirse al bolo en
el que están dispuestos a dejar claro que, pese al tiempo transcurrido, mantienen intacta su dignidad y,
sobre todo, su actitud fuertemente iconoclasta frente
a las fachadas de corrección política que caracterizan
a los nuevos tiempos.
Hoy, a las 22.45 horas, en Cines Centro Sala 2, encuentro con el
público. Repite mañana, a las 12.30 horas, en Cines Centro Sala 3
(Prensa y acreditados), y a las 20.00 horas, en la misma sala.
ENFANTS TERRIBLES
PAPÁ, SOY UNA ZOMBIE
Daniel Torres, España, 2011, 80 min.
17 FILLES
Delphine y Muriel Coulin, Francia, 2011, 90 min.
LA PERMISSION DE MINUIT
Delphine Gleize, Francia, 2011, 110 min.
///Por Elena Duque
///Por Alejandro Díaz Castaño
///Por Marcelo Panozzo
Cualquiera que visite hoy una tienda de libros lo sabe
perfectamente: los zombies son lo más cool del mundo. Desde el comic The Walking Dead, devenido en
exitosa serie de TV, hasta la relectura carnívora de
todo aquello que hay entre Jane Austen y Star Trek,
la amenaza de un mundo (el del entretenimiento) dominado por zombies está haciéndose realidad.
Una clave del asunto es traicionar el legado del maestro George A. Romero y apostar a la impureza o, en
todo caso, a la superposición de legados. Por ese camino parecen internarse Ricardo Ramón y Joan Espinach con Papá, soy una zombie, una cuento delicioso
de terror animado en el que pueden detectarse pizcas
de la familia Addams, algo de Seis metros bajo tierra,
un poco del orgullo gótico a lo Emily The Strange y
la siempre vital influencia del cine de Henry Selick.
Y el componente zombie, claro... Porque la encantadora Dixie, protagonista de la película, ya tiene bastantes problemas cuando, literalmente de la noche a la
mañana, despierta convertida en zombie. Y su vida,
claro, cambia sin remedio.
Hoy, a las 11.45 hors, en La Laboral. Repite mañana, a las 11.30
horas, en Cines Centro Sala 5.
A vegaes la frase “basáu en fechos reales” nun ye sinónimu d’un tratamientu fílmicu ramplón nin de la
busca del sensacionalismu. A vegaes ye necesario pa
esclariar que nun se ta faciendo’l film a partir d’una
tesis, sinon que ye la pura realidá quien manda daveres nel desendolcu de los acontecimientos contaos.
La opera prima de les hermanes Coulin, presentada
na Selmana de la Crítica del Festival de Cannes, parte
d’un asocedíu d’un institutu de secundaria de Gloucester, Massachusetts, onde’l númberu d’embaranzos
de les alumnes cuatriplicó en 2008, barruntando
qu’había una pautu secretu ente les estudiantes. Dalgo que, d’otra miente, lo negó dalguna de les implicaes, pero sí almitió que teníen intención d’ayudase
ente elles pa curiar a los sos futuros fíos.
La adolescencia marca el comienzo de la prisa por
querer experimentarlo todo, de querer comerse el
mundo de un bocado. Algo que experimenta el protagonista de La permission de minuit convirtiéndolo
en un film vital aún cuando trata de alguien que tiene
una rara enfermedad sin cura. Un adolescente (casi
niño) que no puede ver la luz del sol por una enfermedad de la piel, que lleva lidiando con la idea de
la muerte prácticamente desde que nació, con lo que
la da por supuesta, y que concentra toda su rabiosa
energía en extraer todo lo que puede de la vida. No
es casual el parecido de Romain con el pequeño salvaje de Truffaut, pues su visceralidad y carácter poco
tienen que ver con el de un enfermo, algo que sólo se
matiza con la compañía de su dermatólogo de toda la
vida (un muy humano Vincent Lindon), con el que
forma un tandem de postizos padre/hijo, compuesto
a partir de elementos desparejados.
El film méntese nes reaiciones de les sos families
pa cola situación, que van dende la más absoluta incompresión y les rabietes de violencia, hasta la identificación cola revesosa decisión de les adolescentes.
Les direutores trabayen la estética del film con unos
moldos que puen facer pensar nel cine independiente
americanu y tamién pola so forma de tratar un rellatu de rebeldía xuvenil.
Gleize elabora con este material un film que rehuye
la previsibilidad y que atraviesa los avatares de la
vida de ambos cuando se precipita el momento de la
separación, y en gran medida el paso a la madurez
del adolescente. Más que ofrecer un relato cerrado,
con respuestas, Gleize recorre en momentos, a veces
poéticos, a veces vibrantes y a veces íntimos, un trozo
que marca una ruptura, sutil y determinante, en la
vida de médico y paciente. Y que se permite jugar
en ocasiones con un aspecto lunar y una irrealidad
(propiciadas por los trajes como de ciencia ficción que
deben usar los “niños de luna”) para crear una particular atmósfera, en un film que más que un drama
sobre enfermedades, es una historia que maneja con
delicadeza los azares del crecimiento emocional.
Güei, a les 9:30 horas, en Llaboral. Otra vuelta güei a les 20.30
horas, en Cines Centro Sala 2, con encuentro con el público.
Hoy, a las 22.30 horas, en Cines Centro Sala 3, con encuentro con
el público. Repite mañana, a las 9.30 horas, en La Laboral.
Dempués de l’anuncia del embaranzu de Camiller,
una de les moces más populares del institutu, delles
compañeres deciden de sópitu facer un plan que
va escontra les normes, que nesti casu ye’l suañu
d’entamar una maternidá en comuña.
RUEDAS DE pRENSA
MIA HANSEN-LØVE, DIRECTORA DE UN
AMOUR DE JEUNESSE
siempre ha tenido un lenguaje claro, aunque cuando escribo no tengo su escritura
presente. Intento encontrar mi vía, y cierro las puertas a todas las influencias.
Aún así, algo de eso queda. Nos diferencia el hecho de que su cine transita a
través de la palabra, y el mío alterna bloques de palabra y silencio”.
Un amour de jeunesse es un film que habla, de algún modo, de sentimientos
universales, de la manera irrepetible en la que se experimenta el amor a los 15
años. Mia Hansen-Løve, su directora, explicó cómo se llega de lo personal a lo
universal: “cuando empecé esta película fue por una necesidad íntima de hacer
balance de mi vida. Este deseo me abrió a lo universal; no partí queriendo hacer
una película en la que todo el mundo se pueda reconocer”.
Hansen-Løve habló también de su opción de elegir una actriz muy joven para
interpretar un personaje que tiene 15 años en pantalla y luego 23, algo que explicó
diciendo que “a los 15 se es más ingenuo y sensible. El erotismo de los personajes
viene ligado a esta ingenuidad de los 15 años. Lo que se expresa con esa edad es
algo tan efímero que tres años después, a los 18, ya no está. Lola (la actriz) supo
plasmar en su cara las heridas del tiempo cuando su personaje es mayor, cosa a
la que ella llegó sola, es muy intuitiva”.
///Por Elena Duque
Algo que, sin duda, logra su cine, es que no duda en indagar sobre cómo “dos
personas que se encuentran en el amor empiezan a darse cuenta de todo lo que
les separa”, en un film en el que la autora ha puesto mucho de sí misma y de su
relación con la naturaleza. “Nací en París, en un apartamento pequeño y sombrío,
y los veranos iba a casa de mi abuelo en las montañas. Hay una sorpresa casi
intacta en llegar allí, un espacio abierto en el que éramos libres: sin escuela, y
en medio de un paisaje salvaje, con mucha relación con el agua. Eso me ha hecho
como soy. Volver allí para hacer la película es como volver a mis orígenes”.
La ligazón con el modo de examinar los sentimientos de Rohmer es patente.
“Rohmer es uno de mis directores favoritos. Descubrí su obra a los 18. Rohmer
TEATRO / MÚSICA / CINE / EXPOSICIONES / CURSOS / CONFERENCIAS
MICHAEL
GLAWOGGER
DURECTOR HOMENAJEADO
///Por Elena Duque
La rueda de prensa con uno de los directores homenajeados en esta edición,
Michael Glawogger, estuvo casi por
entero tomada por sus documentales
y, en especial, por su último trabajo,
Whore’s Glory, que aborda el mundo de
la prostitución.
Glawogger habló, en este sentido, sobre
el posicionamiento político de su cine:
“Simplemente encuentro un lugar o
una cosa que puedo mostrar, y no me
planteo muchas cosas. Por ejemplo,
estoy muy orgulloso de la parte del
matadero de Workingman’s Death. Se
enfrenta al espectador con la muerte,
pero la muerte también tiene cierta belleza. Eso es lo que hace que tu cabeza
haga un “clic” y empieces a pensar en
todo ello. Si tuviera un posicionamiento claro no sería un director de cine,
sería un político o un trabajador social.
El moralismo es el enemigo del artista”.
En lo tocante a su película Whore’s
Glory, Glawogger expresó: “mi opinión
está en la película, no hay una conclusión concreta. Hay muchos prejuicios,
por lo que al filmar debes bloquear
tus opiniones para ir a ver la realidad.
Aunque si quieren mi opinión sobre la
prostitución, pienso que deberíamos
llegar a una prostitución como de “comercio justo”, pues es la ilegalidad lo
que provoca el crimen”. Reiteró, además: “lo que quiero ver no es el aspecto
político, sino saber qué piensa la gente
que se dedica a eso y descubrir a través
de eso qué clase de animales somos”.
Sobre la presentación del sexo en el
film, Glawogger comentó que lo que
quiere mostrar con “la atmósfera y las
estructuras de poder cliente-prostituta
no tiene tanto que ver con el sexo, sino
con el sufrimiento, a dónde va a parar
ese dinero. No es el sexo sino cómo se
gestiona el sexo”. Habló, además, de
hasta qué punto “el tema es un enemigo de los documentales. Me gustaría
que mi próximo proyecto fuese un documental sobre la nada, que se llamase
“Sin título”, lo que me gustaría es viajar
por el mundo y rodar lo que me vaya
encontrando”.
EXTENSIÓN
UNIVERSITARIA
El compromiso cultural
de la Universidad con
la sociedad asturiana
ESBILLA
CAFé CON…
pATROCINADO pOR:
ARRUGAS
JESSICA KRUMACHER, DIRECTORA DE TOTEM
Ignacio Ferreras, España, 2011, 80 min.
Arrugas es un largometraje de animación 2D para un público adulto basado en el
aclamado cómic del mismo título de Paco Roca (Premio Nacional de Cómic 2008). Narra la amistad entre Emilio y Miguel, dos ancianos recluidos en un geriátrico. Emilio,
que acaba de llegar a la residencia en un estado inicial de Alzheimer, será ayudado
por Miguel y otros compañeros para no acabar en la planta superior de la residencia,
el temido piso de los asistidos que es como llaman allí a los desahuciados. Su alocado
plan tiñe de comedia y ternura el tedioso día a día de la residencia porque aunque
para muchos sus vidas habían acabado, ellos acababan de empezar una nueva.
Arrugas surge de la necesidad de hablar de la vejez, un tema escasamente tratado
tanto en el cine como en la literatura. El actor Michael Caine se quejaba precisamente de ello cuando le entregaron un Oscar al mejor actor secundario. Decía que
llegado a su edad ya no había papeles protagonistas. “En nuestra sociedad la vejez
es como ser un actor secundario y Arrugas trata sobre lo que sienten estas personas
mayores alejadas en la vida de los papeles principales”, ha señalado Paco Roca, autor
del cómic, coguionista y diseñador.
Ignacio Ferreras es el director y coguionista de la cinta, y ha declarado que “me viene
a la memoria una conversación con un amigo, director de cine de animación que me
decía: Te pasas cinco o seis años trabajando en un largo de animación y luego lo ves
y piensas, para esto te has gastado cinco años de tu vida. Me bastaría con hacer al
menos una sola película que de verdad sea buena, que merezca la pena. Yo confío en
que Arrugas sea mi película que merezca la pena”.
Hoy, a las 20.00 horas, en Cines Centro Sala 5, con encuentro con el público. Pase único.
FLAMINGO PRIDE
Tomer Eshed, Alemania, 2011, 6 min.
Curtiumetraxe d’animación, ensin diálogos, onde la música
se fai protagonista dafechu. Porque, magar que la película
namás dura seis minutos, la música trata dellos estilos diferentes, caún con una formación distinta. Como curiosidá,
pa esta película emplegáronse dos orquestes con formaciones diferentes. Pal direutor lo más importante foi que la
música diexética Tecno/House que s’usó na película fuere
dafechu auténtica y creiyible como pa sintise nuna fiesta
multitudinaria gai (la película ambiéntase nel “Flamingo Christopher Street Day” o “Flamingo Pride”, por eso’l
títulu).
///Por Elena Duque
La tarde del miércoles la lluvia dejó paso al sol para la hora del café, que congregó
en el Patio de la Favorita a quienes querían saber más sobre Totem, la ópera
prima de Jessica Krumacher, que forma parte de la sección Rellumes.
Una obra, que según su directora contó, “no tenía claro desde el principio cómo
acabaría. Como primera idea, partí de querer abordar el tema de una mujer entrando como sirvienta en una casa. Había hecho con anterioridad un documental
del que surgió lo demás. Lo que quería hacer en la película, y en un libro que
escribí antes, era contar la vida de una persona”.
Krumacher utiliza el título Totem como una alegoría, como explicó “hay varios
conceptos de los que partí. Para empezar, la misma definición de la palabra
tótem. En la película aparecen varios animales que se pueden relacionar con los
miembros de la familia, y con el tótem que estos componen. También en alemán
“tot” significa muerto, y es una sílaba que forma parte de la palabra tótem. Otra
cosa que quería es que el título fuese una palabra universal, que fuese igual en
todos los idiomas”.
La visión perturbadora de los oscuros recovecos de una familia, que puede recordar al tema sobre el que se arma Teorema, de Pasolini, hace pensar en una crítica
a la sociedad. Algo que Krumacher matizó diciendo que la película es “una crítica
social, pero también una crítica a la vida. No se puede situar la película en una
época o lugar concreto, y de este modo, cualquiera puede identificarse con ello, lo
que la hace más universal”.
Un trabajo, el de Krumacher, cuyo brillo se descubrió en Venecia, y que según su
autora ha salido adelante con éxito gracias al trabajo invertido en ella.
Güei, a les 22.15 horas, en Cines Centro Sala 1. Repite, mañana, a les
20.30 horas, en Cines Centro Sala 2.
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FALTAN DOS DÍAS pARA COpITO DE NIEVE
ENTREVISTA
JULIO FERNÁNDEZ
Presidente de Filmax y Productor
///Por Susana Tejedor
Copito de nieve rescata a un personaje muy querido y apegado a Barcelona, con una historia muy
peculiar. Me gustaría que me comentara el proceso de elección de este personaje y esta historia.
Su interés en ella.
Copito de Nieve fue un animal muy querido en Barcelona pero también en el resto de España. Cuando
yo llegué a Barcelona, Copito ya vivía en el Zoo de la
ciudad. Ha sido todo un emblema y continúa siéndolo. La idea de hacer esta película surgió a raíz de
un sueño que tuve. Soñé que Copito de Nieve daba
suerte a todo el que lo veía y que además era un éxito
mundial. Expuse la idea al departamento de desarrollo que tenemos en Filmax y enseguida se pusieron
a trabajar en ella. Precisamente los guionistas de la
película, Albert Val y Amèlia Mora, dirigían el departamento de desarrollo. Es una película de la que
me siento muy orgulloso porque prácticamente todo
el equipo es de la casa; se puede decir que ha sido
hecha con la cantera de Filmax. Con Copito de Nieve
he cumplido un sueño. Además, es la única película
que hasta el momento se ha hecho sobre este animal
increíble, por lo que aún tiene mucho más valor. Estamos recuperando por primera vez la memoria de
Copito de Nieve tras su muerte y creo que le hemos
hecho un gran homenaje.
Quisiera que me comentara también el proceso de
rodaje, centrándose en la mezcla de imagen real y
animación. Las dificultades que esto supone.
Rodar una película de animación es muy difícil, es
un proceso muy complicado, largo y muy costoso. Si
a eso le añades un rodaje normal, la cosa se complica
aún más. Para llevar a cabo la película primero tienes
que rodarla utilizando los personajes que serán de referencia. Nosotros hemos hecho a Copito de Nieve y
el resto de personajes a escala, tal y como después saldrán en la película. Primero se rueda con ellos para
que los actores sepan a quién tienen delante y adónde
tienen que mirar para darles la réplica. A continuación, se graba todo con los actores y sin los peluches o
los puntos de referencia que hayas utilizado. También
has de rodar los fondos vacíos para poder colocar después a los personajes animados. Así que, imagínate,
la de tomas que has de hacer para rodar una película.
Después llega lo más complicado, que es integrar los
personajes animados en los fondos reales, y si lo has
hecho bien, tiene que coincidir. Es muy difícil, pero
Andrés G. Schaer es uno de los mayores especialistas que existen en esta técnica y ha hecho un trabajo
fantástico, tanto en el rodaje como en la dirección de
actores. Todos dan la réplica a Copito y al resto de
personajes animados como si estuviesen realmente
hablando con ellos. No es nada fácil.
¿Cómo ha sido la experiencia de contar con actores de la talla del veterano Pere Ponce, haciendo
de malo, y Elsa Pataky, como bruja?
Ha sido un lujo poder contar con ambos. Pere Ponce
es un gran actor, es muy versátil. Lo hemos visto haciendo de todo; aquí borda el papel del villano. Está
increíble. Con Elsa Pataky ya habíamos trabajado en
otras películas por lo que su elección ha sido muy
fácil y, nuevamente, ha sido un placer trabajar con
ella. Además en esta película la veremos como nunca
antes se ha visto a Elsa Pataky, que es muy pero que
muy fea. Aunque hay sorpresas.
Se ha rodado en el Zoo de Barcelona y en localizaciones de Barcelona. Eso da más credibilidad
y fuerza a la historia. Colocar al personaje en el
que fue su hábitat durante muchos años.
Por supuesto. Copito de Nieve está muy ligado a Barcelona. Todo el mundo sabe que vivió aquí pero eso
no impide que esté en el corazón de todos. La historia
que se cuenta en la película tiene mucha similitud
con la historia real de Copito de Nieve y por eso no se
podía explicar en otro contexto. Además, el hecho de
utilizar escenarios reales reclamaba hacerlo en Barcelona. Pero la historia que se cuenta en la película
es universal porque se habla de valores universales.
¿Cómo fue la elección de las voces de Manel Fuentes y Constantino Romero?, ¿se habían barajado
otros nombres o las voces estaban perfectamente
claras e identificadas con sus personajes desde el
primer momento?
Digamos que veíamos al personaje y escuchábamos
sus voces. Constantino Romero interpreta a Ron, el
gorila adulto. Es un gorila con mucho carácter, mucho genio, es un padre muy autoritario y merecía
una voz con mucho peso en la pantalla, que la llenase
completamente. Y ése sólo podía ser Constantino Romero. Que, por cierto, es quien dice en todas nuestras
películas aquello de: Filmax presenta… Con Manel
Fuentes habíamos trabajado en otra película, le había
puesto voz a El Cid, por lo que también lo conocíamos
y sabíamos de su gran facilidad para crear voces. Ha
trabajado en varios doblajes de películas de animación y sabíamos que se podía meter perfectamente en
la piel de Ailur, un panda rojo budista muy gruñón,
que es el personaje que interpreta en la película.
¿Qué mensaje pretende transmitir esta historia?
Las producciones familiares de Filmax siempre han
querido transmitir una serie de valores positivos
para todos los públicos y, en especial, para los más pequeños. Todas nuestras producciones de animación y
también nuestro reciente éxito en televisión, Polseres
Vermelles han seguido esta premisa. Copito de Nieve
quiere reivindicar el valor de la diferencia; dar a entender que todos somos diferentes y únicos, que todos
tenemos nuestras rarezas y nuestros puntos en común. Y que, precisamente, por eso todos tenemos que
aceptarnos y convivir en armonía. Si todos fuésemos
iguales este mundo sería muy aburrido.
Supongo que para quienes conocieron a Copito de
nieve ver su historia plasmada en la pantalla sea
una experiencia increíble.
Para los que conocieron a Copito será revivir un momento histórico y entrañable. Para los que no lo han
conocido, sobre todo para los más pequeños, será una
aventura increíble. Alucinarán con él. Sus padres
tendrán que explicarles que realmente existió, que
fue un animal único en todo el mundo.
¿Cree que el cine de animación está en su mejor
momento? y, concretamente en España, ¿cómo ve
a los profesionales?, ¿muy interesados en este
cine?
Yo creo que el cine de animación atraviesa un gran
momento en nuestro país. En España es impensable producir una película de animación de 60 ó 70
millones de euros como hacen los americanos. No es
viable, pero con nuestros medios somos capaces de
hacer películas tan dignas como Copito de Nieve. La
animación es un género que está yendo a más, cada
vez son más las productoras que cuentan historias a
través del dibujo y eso nos permite tener un lugar en
Europa y en el mundo. El resto del mundo empieza
a ser consciente de que aquí también se hace cine de
animación. Para Filmax ésta es la décima película de
animación, que se dice pronto. Además es que contamos con grandes profesionales, muchos de ellos nos
los “roban” desde los grandes estudios de Hollywood
porque son muy buenos. Espero que podamos seguir
mejorando y demostrando que en España existe un
hueco para la animación.
EL pIME CON FICxIxóN
El PIME nace con vocación de trabajar por la mejora
de la empleabilidad y facilitar la inserción laboral de
personas desempleadas que tienen dificultad de acceso
al empleo.
Este trabajo se consigue mediante la articulación de
itinerarios personalizados de inserción laboral que
incluyen formación especializada y experiencia laboral
en diferentes sectores y especialidades, entre ellos el de
audiovisuales.
Desde hace tres años los trabajadores del sector audiovisual colaboran de forma activa con la organización del
Festival Internacional de Cine de Gijón.
Desde que el FICXixón se pone en marcha, los trabajadores cubren cada rueda de prensa en la que
se adelantan los contenidos y la programación de la
próxima edición. De estas ruedas de prensa se elaboran unos vídeos en formato noticia que, posteriormente, se utilizan en la página web del Festival para
que la información recogida en las ruedas de prensa sea
accesible a todo el mundo.
NIñOS EN 3 D
Además, los dos últimos años, el equipo del
PIME Audiovisual, bajo
la coordinación técnica
del equipo del FICXixón,
ha elaborado entrevistas,
previas a la inauguración
del festival, con su director José Luis Cienfuegos.
Dicha entrevista se pone a
disposición de los medios
de comunicación para que
puedan hacer uso tanto
de su contenido como de
las imágenes y audio de la
propia entrevista.
Iniciado el Festival, todos los días se celebran varias
ruedas de prensa y encuentros con el público en las que
los trabajadores del Sector Audiovisual centran sus
tareas en tres aspectos fundamentales: cámara, realizador y mezclador. Los actos se cubren con una grabación
multicámara en la que, a la vez, se realiza el evento y
cuyas imágenes se utilizan a posteriori. Por otro lado,
las imágenes se archivan de manera que el Servicio de
Documentación del FICXixón puede utilizar a posteri
dicho material para la promoción y difusión del mismo.
En estas ruedas de prensa y encuentros con el público
también colaboran alumnos y profesores del CIFP Comunicación, Imagen y Sonido de Langreo (CISLAN) y
de la Escuela Taller Comunica de Avilés.
Este programa se enmarca dentro del Acuerdo para la
Competitividad, el Empleo y el Bienestar de Asturias
(ACEBA) 2008-2011 y del Acuerdo por la Innovación,
el desarrollo Económico y el Empleo “Gijón Innova”
2008-2011.
Coca-Cola con el Festival de Cine de Gijón
En la XV edición de Enfants Terribles concursan
trece largometrajes procedentes de Francia, España,
Alemania, Dinamarca, Bélgica, Reino Unido y Estados
Unidos. Todos ellos son estrenos en nuestro país y los
asuntos que se tratan este año son de máxima actualidad, como la violencia de género, el acoso escolar, la
diversidad racial y social, los embarazos prematuros,
la influencia de la droga sobre la conducta o la recuperación del amor a la naturaleza. Y todas se proyectarán en versión original con subtítulos en castellano.
Ayer una de las salas se llenó de gafas en 3 D.
ExTENSIONES
DEL FICxIxóN
CONCIERTOS
RUEDAS
HOY
11.30 h. Vol Spécial, con el
director Fernand Melgar.
HOY
12.00 h. Los muertos no se tocan,
nene, con el director José Luis
García Sánchez, Carlos Iglesias,
Silvia Marsó, Mariola Fuentes,
Tina Sainz y Blanca Romero.
19.00 h.: Proyección: Workingman’s Death (122’). A
continuación de la proyección tendrá lugar un diálogo
con Michael Glawogger (director homenajeado en el
FICXixón)
Introduce y conversa con Margarita Blanco Holscher,
profesora de Lengua y Literatura Alemana del
Departamento de Filología Anglogermánica y
Francesa de la Universidad de Oviedo.
Lugar: CCAI.
MAÑANA
Lugar: Centro Cultural de Extensión Universitaria
LAUDEO (Antigua Universidad de Oviedo), Edificio
Histórico, C/ San Francisco 1, Oviedo.
11.30 h. Terri, con el director
Azazel Jacobs.
12.00 h.: Michael, con el director
Markus Schleinzer.
HOY
TIKI PHANTOMS Y BUBBLEGUM
AYER
FERNANDO MELGAR EN LA UNIVERSIDAD
El realizador Fernand Melgar explicó ayer en los encuentros de la Universidad que su película La Forteresse, que se proyectó ayer, es “la primera parte de un
proyecto que incluye también a Vol Spécial”, cinta que
hoy se proyecta dentro de la Sección Oficial. Melgar
recordó sus raíces españolas por parte de padre, lo que
le sirvió para justificar “mi buen español”. El acto, que
contó con numeroso público que visionó la película y
participó, posteriormente, en un coloquio con Melgar,
fue preentado por Vicente Domínguez García, Vicerrector de la Universidad de Oviedo. Domínguez destacó
que “es un lujo contar con la presencia de alguien como
Melgar que tiene una obra poderosa”, y aprovechó para
“recomendar” su filmografía.
El concierto de esta noche propone un fantástico viaje del
power pop al surf de ultratumba. Bubblegum, cuarteto ovetense encabezado por Ángel Kaplan (Doctor Explosion, The
Cynics) vuelve a pisar los escenarios para el solaz de nuestros
oídos. Power pop sólido, enérgico y depurado durante sus diez
años de andadura hasta alcanzar el punto perfecto. Los exquisitos cadáveres llamados Tiki Phantoms, cuatro guerreros
de una ancestral corte hawaiana poseedores de extraños poderes, vendrán armados de guitarras con un reverb satánico
para embrujarnos con su surf entre Link Wray y Man or Astroman?, con un disco bajo el brazo cuyo título ya lo dice todo:
Los Tiki Phantoms Mueven el Esqueleto (Bcore, 2011).
Lugar: CCAI.
CAFéS
HOY
16.00 h.: Punk’s not Dead, con el
director Vladimir Blazevski.
Lugar: Patio de La Favorita.
MAÑANA
MAÑANA
16.00 h.: RUEDA DE PRENSA:
Walk Away Renée, con el
director Jonathan Caouette.
LÜGER Y ZA!
Lugar: CCAI.
Sala Acapulco
Sala Acapulco
HOY
MAÑANA
TEATRO JOVELLANOS
TEATRO JOVELLANOS
20:00
OFICIAL COMPETICIÓN
“Vol Spécial”103’
11:30
SOLO ESCOLARES / ENFANTS TERRIBLES
“No et moi” 105’
22:30
“Walk Away Renée”90’
17:00
PASE DE PRENSA / ACREDITADOS Y PÚBLICO
“The Forgiveness of Blood” 109’
20:00
“Terri” 105’
22:30
“Michael” 96’
ANTIGUO INSTITUTO
17:00
MARIE LOSIER
Programa 2 52’
19:45
RELLUMES
“Toomelah” 106’
22:15
ENTRADA LIBRE / ENCUENTRO CON EL PÚBLICO /
LLENDES
“Vikingland” 99’
GIJÓN SUR
20:00
ESBILLA
“Las Olas” 94’
ANTIGUO INSTITUTO
17:00
LLENDES
“Accidentes gloriosos” 58’
“Mantis estroboscópica” 3’
19:45
ENTRADA LIBRE
NO NOS CUENTES PELÍCULAS ¡HÁZLAS!
22:15
GÉNEROS MUTANTES
“Road to Nowhere” 121’
LABORAL
09:30
ENFANTS TERRIBLES
“17 Filles” 90’
11:45
ENFANTS TERRIBLES
“Papá, soy una zombi” 80’
CINES CENTRO SALA 1
17:00
OFICIAL CORTOS PROGRAMA 2
19:45
ENCUENTRO CON EL PÚBLICO / LLENDES
“Música Campesina (Country Music)” 100’
22:15
ESBILLA
“Flamingo Pride” 6’
“The Black Power Mixtape” 100’
GIJÓN SUR
20:00
LABORAL
09:30
ENFANTS TERRIBLES
“La permission de minuit” 110’
12:15
ENFANTS TERRIBLES
“Go for It!” 105’
16:00
18:15
BERTRAND BONELLO
“Tiresia” 115’
20:30
ENCUENTRO CON EL PÚBLICO / ENFANTS TERRIBLES
“17 Filles” 90’
22:45
ENCUENTRO CON EL PÚBLICO /RELLUMES
“Punk’s not Dead” 104’
CINES CENTRO SALA 3
12:30
PRENSA Y ACREDITADOS / OFICIAL COMPETICIÓN
“Michael” 96’
17:00
GÉNEROS MUTANTES
“Aquele querido mês de Agosto” 147’
20:00
22:30
OFICIAL NO COMPETICIÓN / MICHAEL GLAWOGGER
“Whores’ Glory” 119’
ENCUENTRO CON EL PÚBLICO / ENFANTS TERRIBLES
“La permission de minuit” 110’
CINES CENTRO SALA 4
17:00
ENTRADA LIBRE / ESBILLA ASTURIANA
“El sueño de Luis Moya” 45’
“Filandón Fornello” 41’
19:45
“Faust” 134’
22:15
NOCHE DEL CORTO ESPAÑOL 86’
A partir de las 12.00
horas de HOY pueden
adquirirse las entradas
para la Gala de clausura,
que tendrá lugar el sábado
26, a las 20.30 horas en
el Teatro de La Laboral
Ciudad de la Cultura.
La entradas pueden
comprarse en las taquillas
del Teatro Jovellanos en
horario: de 12.00 a 14.00
horas, y de 17.30 horas a
20.00 horas.
El día
en imÁgenes
CINES CENTRO SALA 1
17:00
RELLUMES
“Totem”86’
19:45
ENCUENTRO CON EL PÚBLICO
Studio Film Bilder 77’
22:15
LLENDES
“Stereo” 39’
“Palacios de Pena” 58’
CINES CENTRO SALA 2
BERTRAND BONELLO
“Where the Boys Are” 22’
“Quelque chose d’organique” 90’
NOCHE DEL CORTO ESPAÑOL 86’
ENTRADAS
PARA LA GALA
DE CLASURA
CINES CENTRO SALA 2
16:00
ENTRADA LIBRE MICHAEL GLAWOGGER
“Megacities” 90’ SUBTITULADO ASTURIANO
18:15
GÉNEROS MUTANTES
“Essential Killing” 83’
20:30
ESBILLA
“Flamingo Pride”6’
“Life Without Principle” 107’
22:45
RELLUMES
“The Stoker” 87’
CINES CENTRO SALA 3
Redacción:
Susana Tejedor, Elena Duque, Marcos
Gutiérrez, Alejandro Díaz
Fotografía:
Isabel Permuy , Helena Exquis
Diseño:
www.marcorecuero.es
12:30
PRENSA Y ACREDITADOS / RELLUMES
17:00
“Vol Spécial” 103’
Traducciones:
María Xosé Rodríguez
20:00
RELLUMES
Imprime:
El Comercio
22:30
“Hors Satan” 110’
PARA AYUDARLES
CINES CENTRO SALA 4
19:45
GÉNEROS MUTANTES
“Los pasos dobles”90’
22:15
ENCUENTRO CON EL PÚBLICO / ESBILLA ASTURIANA
“First We Take Milán” 60’
CINES CENTRO SALA 5
CINES CENTRO SALA 5
09:30
“Vol Spécial” 103’
09:30
“Terri” 105’
11:30
ENFANTS TERRIBLES
“A pas de loup” 77’ DOBLAJE ASTURIANO
11:30
ENFANTS TERRIBLES
“Papá, soy una zombi” 80’
17:00
“Walk Away Renée” 90’
17:00
“Walk Away Renée”90’
20:00
ENCUENTRO CON EL PÚBLICO / ESBILLA
“Arrugas” 80’
20:00
OFICIAL CORTOS PROGRAMA 3
22:30
ENCUENTRO CON EL PÚBLICO / OFICIAL COMPETICIÓN
“Un amour de jeunesse” 110’
22:30
ENCUENTRO CON EL PÚBLICO / LLENDES
“Mezzanine Films” 99’
En persona
Festival Internacional de Cine de Gijón
Cabrales, 82. 33201 - Gijón, Spain
Tel. (34) 985 18 29 40.
Fax. (34) 985 18 29 44.
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4,2 MB - Festival Internacional de Cine de Gijón

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