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P R INC IPA LES
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YA D E B E R I AS C O NC ER A . . .
1.FILTER
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Breakfast Media
Héctor Toledo, Carlos Verástegui, Milton Barboza
Director Editorial
Milton Barboza
[email protected]
Editor en Jefe
Andrés Díaz
Traducción y Redacción
Mara Vargas, Anna Stephens, Iván Coronel,
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FILTER México, Año 1, No. 3, (1º de febrero 2012 a 15 de marzo 2012), es una publicación de una periodicidad de cada 6 semanas editada y publicada
por Breakfast Media, S.A. de C.V. Mariano Escobedo 498, Piso 1, Colonia Anzures. CP 11590. México. Teléfonos 62650339 / 62650366 / 62650367
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y Revistas Ilustradas de la Secretaría de Gobernación. Registro de Padrón Nacional de Medios Impresos en trámite. Impresa por Compañía Impresora
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69, 2831-A, Colonia Ampliación Asturias, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06890, México, Distrito Federal. Este número se terminó de imprimir el 29 de
enero de 2012 con un tiraje de 25,000 ejemplares.
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VOL. 1, NO. 46, HOLIDAY 2011.
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2.FILTER
3.FILTER
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T E R M O
de lente de cámara
Por PAOLA DEL CASTILLO
4.FILTER
5.FILTER
Por tercera ocasión, “Moz” regresó a diferentes ciudades del país
donde se consagró como un gran artista, aunque no estuvo a salvo de
algunos tropezones.
Dividiremos esta mini gira de Morrissey en dos partes: la mala y la
buena. La primera definitivamente fue una experiencia rara para los que
pudieron ver las presentaciones de Monterrey (lunes 5 de diciembre)
y la primera fecha en la ciudad de México (miércoles 7), ya que el ex
vocalista de The Smiths, cantó algunos temas que terminaron por no
emocionar a sus fans. Incluso se podría decir que, fue un setlist que
sólo satisfizo a él, dejando a casi todos los asistentes con un sabor
agridulce. No faltaron canciones clave como “Meat is murder” o “There
is a light that never goes out”, pero no terminó por ser del todo contundente.
Tal vez hubo alguna plática por parte de los organizadores con “Moz”
para que cambiara un poco las canciones de su show, porque para el
jueves 8, en su segunda presentación en El Plaza Condesa del D.F. y el
sábado 10 en Puebla, las cosas fueron muy diferentes.
Desde “Irish blood, English heart”, pasando por “You have killed me”
o “Let me kiss you”, Morrissey logró conectar, ahora sí al cien, con los
presentes que en cada fecha llenaron los recintos donde se presentó.
Incluso podíamos ver a un cantante más emocionado e incrédulo con la
respuesta de la gente que coreó cada uno de los temas.
Había gente que pedía éxitos como “Suedehead”, pero para desgracia
de muchos es una canción que rara vez canta. Otros salieron molestos
por el poco tiempo que duró cada concierto (incluso hubo un conato
de pelea al término del primer concierto del D.F. entre público y staff de
Morrissey), pero así siempre han sido las presentaciones, incluso cuando vino por primera vez a México en el año 2000 al Auditorio Nacional,
el show del inglés sólo duró escasos 70 minutos.
Morrissey es uno de los vocalistas más influyentes de todos los tiempos, y como tal debemos respetarlo, pero de igual forma se le debe pedir que complazca con algunas de sus canciones más representativas.
Esta mini gira simplemente queda en la larga historia de conciertos de
nuestro país por todo lo que vimos y disfrutamos por lo que deben ser
puestos entre los mejores de 2011.
6.FILTER
Por IVÁN CORONEL Foto RODRIGO JARDÓN
Desde su llegada a México, Amanda Palmer
y Brian Viglione absorbieron a esta ciudad haciéndola suya y convirtiéndose en parte de ella
durante un fin de semana, al darnos un concierto
de más de tres horas, visitar el mítico Under y
rematar con un “ninja gig” sorpresivo en pleno
Parque España.
Un día antes de su presentación en el Teatro Fru
Fru, la banda asistió al concierto de Morrissey en
El Plaza, cuya música sin duda fue un elemento
presente durante toda su visita, casi un leitmotiv
cinematográfico. Una de las primeras señales: Al
día siguiente el teclado de Amanda Palmer amaneció con una estampa improvisada de la famosa frase “Je suis Morrissey”.
Pocos minutos antes de abrir puertas se sentía
una atmósfera especial gracias al entusiasmo de
los fans que, siguiendo la convocatoria de Amanda Palmer en Twitter (@AmandaPalmer), llegaron
con sus mejores atuendos acompañados de
elaborados peinados y minuciosos maquillajes,
sin olvidar flores que fueron arrojadas a la banda
justo al inicio de su presentación.
El viejo y kitsch Teatro Fru Fru esperaba ansioso
por la banda, quien sigilosamente salió al escenario
para tocar “Cosmic dancer” (original de T. Rex) que
estableció de inmediato un ambiente de intimidad
y confianza entre la banda y los fans, llevándolos
de un lado a otro como si se tratara de una puesta
en escena que iba de la tranquilidad de canciones
como “Deliah”, “Sing” o “Missed me”, hasta el frenetismo de “Sex changes” y “Girl anachronism”.
Los cóvers desfilaron prácticamente en todos los
conciertos, pero pocas veces se había visto una
selección tan precisa al realizar reinterpretaciones
de canciones de Black Sabbath, The Smiths, Nick
Cave, Neutral Milk Hotel, Cabaret y Richard O’Brien.
Como toda puesta en escena, el vestuario fue fundamental, Amanda Palmer comenzó ataviada en
un kimono que terminó en un corsé, mientras que
Brian Viglione vestía un traje fosforescente con su
particular bombín, para finalmente quedar con el
torso desnudo demostrando ser la base del frenético cabaret punk bostoniano que, irónicamente en
el Fru Fru, se sincronizó con el ambiente de cabaret
surreal y decadente de “La Tigresa”.
7.FILTER
12, 13, 14 Y 15
TEATRO FRU FRU
Por ANDRÉS DÍAZ
Fotos ÓSCAR VILLANUEVA
El anuncio de la visita de la canadiense a nuestro país se dio desde hace un año,
cuando el ahora extinto colectivo Broken Social Scene dio una presentación en
el Lunario con Leslie Feist como invitada. Los afortunados de aquella ocasión
tuvieron un adelanto de lo que posteriormente fue una realidad al cantar “I feel
it all”. Hoy, luego de un año y con un disco bajo el brazo que marcó su regreso
discográfico, Feist nos deleitó con una pequeña temporada en el exótico Teatro
Fru Fru, que pocas veces se ve tan lleno de vida (y gente) reviviendo sus épocas
de esplendor.
Con el simple hecho de que la canadiense se haya animado a abrir cuatro fechas, ya era una señal de que había muchas expectativas y emoción por lo que
pasaría. Es por ello que decidió traer su show completo con una banda que
hasta las mismas Julieta Venegas y Natalia Lafourcade –presentes en la primera
noche– desearían tener.
El inicio corrió a cargo de Mountain Man, que muy al contrario de lo que su
nombre indica, son tres chicas quienes entrelazaban sus relucientes voces para
crear diferentes armonías que iban desde un folk americano a cantar a capella.
Estas chicas reaparecieron minutos después como apoyo vocal para Feist,
quien desde que puso un pie en el escenario estuvo muy interesada en conocer
e interactuar con su público al pedirles sus coros o traducciones más coloquiales para palabras que no se encontraban en su pequeño diccionario de bolsillo.
En estas presentaciones Feist logró encarnar a la perfección el contenido de
Metals, álbum que se distingue por regresar a sus orígenes en donde la sencillez, exactitud y precisión de intensidad de instrumentos y voces lograron que la
audiencia inmediatamente se percatara de que era una presentación en laque
cada pequeño elemento que se escuchaba no era grabado, sino que una persona totalmente entregada estaba tocando en ese preciso instante. Un momento en el que se hizo notar esto fue con la nueva canción “A commotion”, una joya
secreta de su último disco.
Para los que aún seguían nostálgicos por The Reminder, Feist les hizo una jugada muy inteligente: entregó versiones totalmente diferentes respetando la esencia de sus canciones, pero compartiéndolas con su banda actual para que se
las apropiara; por lo que pareció que estábamos escuchando nuevamente y por
primera vez “Sea lion woman”, “My moon my man” o “I feel it all”.
Feist siempre mostró su interés por compartir ese momento al hablar con la
audiencia, desde dedicarle una canción al fantasma que habita el Fru Fru, invitar a unos dudosos fans al escenario que sólo buscaron tener su “momento
Facebook” al tomarse fotos con la cantante, hasta hacer un cierre “de canción
de cuna” –como ella misma dijo– con “Intuition”.
Dio gusto recuperar un foro y ver cómo se debe a una de las mejores cantantes
en la actualidad.
8.FILTER
Por ESAMIPAU!
Después de meses de arduo trabajo y ya con el primer
número de FILTER México en la calle, era momento de
hacer la presentación oficial de la revista e invitarlos a
una fiesta donde pudieran celebrar con nosotros a mitad
de la semana... porque somos bien punk.
Mientras empezaba a llegar la gente, se invitó a los asistentes a tomarse fotos en la alfombra azul de FILTER México y Dickies para tratar de ganar un outfit –cortesía de
la marca– a la foto que tuviera más likes en nuestro Facebook. Para cuando estaba la fiesta en su punto, se abrió
el telón de El Imperial para develar a una mujer con una
venda ensangrentada en los ojos que entonaba una canción: Descartes a Kant estaba listo para hacer lo suyo.
La banda de inmediato se llenó de energía y fuerza para
tocar sus instrumentos con la estridencia suficiente y lograr entrar en el personaje que sus atuendos dictaban:
muñequitas y soldaditos de porcelana provenientes de
alguna empolvada tienda de antigüedades. Los fans de
Descartes a Kant de inmediato se hicieron presentes y
no dejaron de bailar hasta que la banda terminó de tocar
su última canción. Para unirse a la celebración, los chicos de Descartes a Kant invitaron a algunos miembros
Fotos CLAUDIA OCHOA
de Vicente Gayo a subir al escenario, además de Elis Paprika, quien repartió la alegría navideña entre burbujas y
bolitas que simulaban nieve.
Al terminar la presentación de Descartes a Kant, nuestros invitados ya estaban calientitos y con ganas de fiesta, entonces, después de una breve pausa, la autora de
esta reseña subió al escenario para hacer un set que
garantizaría mucho baile. Entre “24 hour party people”,
“Killing an arab”, “Dreaming of you”, “Private Idaho”, entre
otras (muchas), la gente reía, brindaba, bebía y bailaba
como si en realidad fuera fin de semana. La fiesta de
FILTER México terminó con un DJ set de Milton Sound
Machine que mantuvo a los más necios aferrados al inmueble. Probablemente ellos sean los que al día siguiente sufrieron las consecuencias de esa noche más que
cualquiera.
Así terminó una noche de mucha alegría para el staff de
FILTER México. Esperamos que ustedes también hayan
disfrutado tanto como nosotros, aunque además de eso,
también tenemos que agradecerles por acompañarnos,
por ser parte de este proyecto y sobre todo, por unirse a
la familia de FILTER México.
9.FILTER
Por BERENICE ANDRADE
Foto ÓSCAR VILLANUEVA
Cuando Emily Haines y Jimmy Shaw comenzaron a
interpretar una versión acústica de “Combat baby”,
la última del concierto, el Auditorio Nacional sonó
como si hubiera estado en su máxima capacidad.
Al igual que hace casi cuatro años, cuando a Metric
le tocó la mala suerte de tocar el mismo día que
Groove Armada en la Alameda Poniente, la banda
liderada por Emily Haines no dejó espacios en blanco: tocó con la energía casi incansable de uno de
esos grupos coreográfico-musical de los noventa.
Abrieron con “Black sheep”, canción que fue parte
de la banda sonora de Scott Pilgrim Vs. The World,
y siguieron con un set armado principalmente con
canciones de Fantasies, cuarto disco de la banda.
Fue hasta “Poster of a girl” que el público se contagió de esa energía, y para “Empty” (en la que se
incluyó el coro de “Fight for your right” de los Beastie
Boys) el público estaba totalmente entregado,
sobretodo en “Stadium love”, la cual sonó como si
efectivamente hubiera sido tocada en un estadio.
10 . F I L T E R
Al final Emily Haines le pidió al público que la dejaran
cantar el cierre de la versión acústica de “Combat
baby”, ese que dice: “How I miss your ranting / Do
you miss my all time lows?”.
>
>
México se ha convertido en un imán gigante que ha atraído a bandas que tienen una gran
trayectoria, además de propuestas emergentes que en unos meses formarán parte de
la caravana de festivales de verano. En definitiva, un gran momento es el que vivimos en
cuanto a conciertos se refiere y, claro está, además existe la posibilidad de ir a otros países
y disfrutar de festivales ya clásicos en los que debemos estar.
Por eso te damos a conocer una mini guía de los conciertos que hasta ahora se han
confirmado y en los cuales Smirnoff te recomienda estar:
Nota: Por los juegos olímpicos se suspende este año Glastonbury.
Así que ya sabes, si de música se trata y Smirnoff te lo recomienda, definitivamente… Be There.
conocer es no excederse
11 . F I L T E R
Por ANDRÉS DÍAZ
Foto RODRIGO JARDÓN
Como resultado de la migración y de la absorción de géneros entremezclados que se ha
dado, la música latinoamericana ha dejado atrás
muchos clichés al dejar de ser sólo ritmos de
salsa o mariachi. Ahora nuevas generaciones de
músicos han aprendido a traducir las raíces de
la música latina a un nivel más contemporáneo,
por lo que lo “latino” ha permeado en la escena
independiente norteamericana. “Mi música es
latina porque es lo que soy, nunca lo negaría o
pretendería que fuera otra cosa porque yo crecí
bailando salsa en Miami con mi madre. Pienso
que hago música latina contemporánea”, comenta Roberto Carlos Lange, hijo de migrantes ecuatorianos pero criado en Estados Unidos y quien
se pone el disfraz de Helado Negro para subir al
escenario al lado de un excelente percusionista.
Roberto fue firmado por Asthmatic Kitty, sello
discográfico donde colabora Sufjan Stevens,
gracias a unos remixes que hizo. “Ellos tienen
mucho coraje y amor a lo que hacen, ya que
editar un disco en estos tiempos de música francesa hecha en África es muestra de que creen
en la música”.
Canta Lechuza marcó su regreso discográfico, pero para hacerlo decidió aislarse en una
cabaña en medio del bosque. “Estar ahí fue la
oportunidad perfecta para explayar mi mente y
mi música. En un estudio te rodeas de cosas ya
12 . F I L T E R
Diseño LÉMUR LIMÓN
hechas para crear música, en este caso tenía
a mi disposición muchos juguetes, por lo que
mis pensamientos me dictaron qué podía hacer
con ellos”.
Este disco representó una inversión de tiempo
que se convirtió en una cápsula en la que Roberto se sentía cómodo al escucharlo a solas, pero,
según cuenta, cuando alguien más se acercaba
se sentía algo incómodo porque fue un proceso
muy íntimo para él. “Fue una introversión en vez
de extroversión; en mi primer disco (Awe Owe)
trataba que todos estuvieran involucrados, en
este disco hice todo por mi cuenta”.
El corazón del sonido de Canta Lechuza lo
encontramos en la canción “Calculas”. “Tardé
semana y media en hacerla, me costó mucho
trabajo porque traté de crear una estética a
partir de esta canción; gracias a ella supe cómo
quería que sonara el resto del disco al compartir
la misma emoción por lo que se podría decir
que el resto son hijos, primos y hermanas de
esta canción”.
Con respecto al título del disco, el canto de la
lechuza fue un mito que él mismo creó como
una forma de ahuyentar cosas que lo tenían muy
viciado. “Fue como poner barreras a una catedral
para evitar que las palomas no se pararan en las
fachadas”.
Por ANDRÉS DÍAZ
Este proyecto se derivó de Soho Riots,
una ruidosa y explosiva banda que
se presentó en el emergente festival
MtyMx, que en 2010 llevó a la ciudad
regia algunos de los actos de SXSW.
“Éramos demasiados en Soho y era
difícil ponernos de acuerdo y sincronizar el tiempo de todos para grabar
un disco, por lo mismo fue más fácil
crear este proyecto porque éramos
nosotros dos, nos veíamos diario
y porque somos novios”, comenta
Lorena Quintanilla (Lorelle), quien junto
a Alberto González (The Obsolete) decidieron mudarse de Guadalajara para
radicar en la ciudad de México debido
al crecimiento que ha tenido la escena
independiente.
En esas primeras maquetas ambos
pudieron verter todas sus influencias
de My Bloody Valentine, The Cramps
y Black Mountain, y en las que Alberto
grababa baterías y teclados, mientras
Lorena llegaba con varias ideas de las
canciones y tocaba la guitarra y bajo.
“En Soho Riots sólo tocaba la batería
y yo quería involucrarme en otras
cosas, no podía hacerlo porque podía
herir los sentimientos de los demás y
pensarían que estaba tomando control
del proyecto”, nos dice Alberto.
Foto BRUNO DARÍO
Cuando fueron juntando el suficiente
material se dieron cuenta de que, de
entrada, tenían un propio proyecto al
cual bautizaron como Lorelle Meets
The Obsolete bajo la influencia de uno
de los enigmáticos capítulos de La
Dimensión Desconocida y un chiste
de Seinfield. Una vez terminadas estas
espesas canciones llenas de shoegaze
y un reverb que oculta estratégicamente las voces, las empaquetaron bajo el
nombre de On Welfare y lo mandaron
a algunas disqueras para ser editado
y distribuido. La disquera norteamericana Captcha Records –quien
también tiene firmados otros proyectos
mexicanos como Ratas del Vaticano–
fue quien decidió adoptarlos en todo el
sentido de la palabra, ya que a pesar
de la distancia han estado muy al tanto
de lo que han hecho.
A la par de que este material debut ha
ido evolucionando al ser tocado en
vivo en algunos escenarios del D.F. y
Guadalajara, decidieron mantenerse
activos creativamente grabando más
temas, por lo que lanzaron recientemente un EP titulado Ghost Archives
previo a su segundo disco, el cual está
contemplado que salga en marzo para
apoyar su participación en el SXSW.
13 . F I L T E R
Por MIKE HILLEARY Foto MARKUS & FRODE
La oportunidad de hacer algo diferente e intercambiar ideas con alguien que no fue una pieza clave
en su pasado musical, es lo que llevó al vocalista
de Shout Out Louds, Adam Olenius, acercarse a su
compatriota y artista musical Markus Krunegård (de
Laakso). “Es difícil juntar a dos vocalistas para trabajar juntos”, dice Krunegård. “Al tener estos egos
juntos, debes poner algunas reglas”.
Al principio, Olenius y Krunegård establecieron una
serie de reglas para grabar entre los dos una sola
canción en el transcurso del día. Entre sus políticas,
el dúo prometió que tratarían a su tiempo en el estudio como un trabajo de todos los días, por lo que no
podía haber trabajo extracurricular fuera del estudio.
“Fue bueno que tuviéramos un límite de tiempo para
cada día”, dice Krunegård. “Todos los días estábamos un poco apurados, como ‘Oh, mierda, ¡tenemos
que grabar la parte del coro!’ Estuvo bien. Porque
tenías que trabajar sobre sentimientos instantáneos
en vez de analizar las cosas. Creo que ése es el
problema con mucha de la música nueva, algunas
personas no tienen límite de tiempo”.
El LP resultante, titulado Criminal Heaven, está
repleto de una alegre y afortunada libertad que
normalmente se reservaría a chicos propensos a
jugar con amigos imaginarios. Con algunos rastros tomados de bandas como The Stone Roses
y Panda Bear, el álbum se divide a sí mismo en
capas de texturas brillantes, armonías vocales a
dúo y melodías exuberantes y simples. “Queríamos tener un sonido muy juguetón muy inspirado
en la universidad”, dice Olenius.
14 . F I L T E R
Inspirándose en himnos religiosos, las canciones de
Serenades fueron hechas originalmente para seguir
el diseño de un mantra espiritual, repitiendo una sola
frase o línea con cambios evolutivos en su entrega.
En algún momento, Olenius y Krunegård sintieron
durante el proceso de grabación que este tipo de
estructura alienaría a la mayoría de los escuchas, y
empezaron a construir esas líneas iniciales al mismo
tiempo que mantuvieron el sentido general de positividad y alegría de la canción.
Con el disco planeado para salir a la venta para la
primavera de 2012, Olenius cree firmemente que
mientras Serenades se convirtió en una nueva plataforma para dos artistas buscando algo nuevo,
Criminal Heaven trata sobre escapar de las normas.
“Es sobre viajar muy lejos”, dijo. En relación a ello,
Krunegård comentó que las actividades suelen ser
limitadas en Suecia. “Hace frío y está oscuro. O haces muchos hijos o mucha música”.
3 ÁLBUMES QUE INSPIRARON A
SERENADES A HACER MÚSICA
George Michael – Faith
The Gun Club - Fire of Love
The Stone Roses - The Stone Roses
15 . F I L T E R
Por MARISSA R.MOSS
A pesar de que Caroline Polachek, vocalista
de Chairlift, llega un poco tarde a nuestra cita
en la taberna The Pencil Factory en Brooklyn, el
hambre no puede esperar y compra una pizza
del local de en frente. “¿Quieren un pedazo?”,
Polachek pregunta. Minutos más tarde regresa con medio pay y Patrick Wimberly (amigo y
multi-instrumentalista de la banda). La razón por
la cual tiene tanta hambre se debe a que han
estado todo el día en el estudio trabajando en
el concepto del video de “Sidewalk Safari”, segundo sencillo del álbum Something. Polachek
tiene las uñas pintadas del mismo color del traje
que usó para el video de “Amanaemonesia”, una
rara interpretación davidlyncheniana del ballet
de Maurice Béjart, en donde realiza una rutina
de danza moderna, en la cual podemos observar su delgada figura balancearse entre lo sexy
y lo inquietante.
Esta canción, llena de letras sin sentido, es una
antítesis de “Bruises”, pieza que les otorgó algo
de fanfarrias populares cuando fue seleccionada para un comercial de iPod. Pero regresando
a su nueva canción: ¿Qué es amanaemonesia?
“Es una enfermedad inventada causada por la
sobre estimulación de navegar en internet que
da como resultado el olvido y la irresponsabilidad”, dice Polachek.
16 . F I L T E R
Fotos MARC LEMOINE
“¿La padeces?”, le pregunto.
“Viene y va”, responde Polachek.
Chairlift es una banda para la generación amanaemonesiaca. Su música moderna de synthpop, se extiende a ambos lados de la electrónica impulsada y experimental con canciones
con sonido disperso, que sólo puede existir aquí
y ahora, con un guiño nostálgico a sus pioneros
de dos décadas atrás.
Para Something, la banda se mudó al estudio londinense de Dan Carey (productor de Hot Chip),
un lugar del que en rara ocasión salían mientras
grababan, a excepción de cuando iban a clubes
de hip-hop alemanes. Después de salir de Columbia Records con la edición de Does You Inspire You en 2008, la presión fue menor respecto a
un sello grande y mayor por parte de la audiencia
que espera a escucharlos nuevamente.
Este álbum fue concebido durante las primeras
horas de la mañana: “Está cargado de café, porque estábamos en un estilo de vida de adulto;
dependiendo del café, trabajando de día y llegando a casa por la noche,” afirma Wimberly
quien termina su cigarro y lo tira por la ventana
para despedirse con un abrazo, mientras afuera
el cielo se oscurece. Polachek se para y se pone
su chamarra. “Finalmente”, dice, “se siente como
si fuera de noche.”
17 . F I L T E R
Por MIKE BELL
Foto MIKE BELL + AMY STRUBE
Después de la emoción que me dejó el festival Culture Collide de Los Ángeles, el siguiente paso para
este neoyorquino fue ir muy al norte del planeta para tranquilizarme en el Iceland Airwaves de Reikiavik.
Con más de 100 bandas tocando en los alrededores del centro de la ciudad, el festival subártico me
dio un auténtico escape en la tierra de los vikingos, volcanes, manantiales calientes y, por supuesto,
buena música.
Para empezar, querido viajero, no es tan difícil llegar a esta isla como uno pensaría; el viaje en la aerolínea Icelandair desde Nueva York dura lo mismo que un viaje en autobús a Boston. Debido al reciente
colapso económico el precio de todo ha bajado, así que para hacer gastos locales no tendrás que
romper el cochinito. La muy barata cerveza Kaffibarinn es más fácil (y deliciosa) de probar que un High
Life de cinco dólares en casa, así como visitar la famosa Laguna Azul (un spa geotérmico calentado por
capas de lava cercanas) que a pesar de costar en euros, es una visita obligada.
18 . F I L T E R
Por la duración de un fin de semana extendido, el organizado festival presenta una ecléctica muestra
de talento islándico como Amiina y la-próxima-a-ser-tu-favorita Lára, así como un cartel diverso estelarizado por Angel Deradoorian (Dirty Projectors), Dan Deacon, Hercules & Love Affair, James Blake,
Nive Nielsen and The Deer Children, The Antlers y Toro Y Moi. El escenario FILTER del festival (sí, así se
llamaba) empezó el sábado con los locales de The Esoteric Gender y para cuando Neon Indian subió
al escenario el lugar estaba completamente lleno hasta el final del día –que fue alrededor de las 4 de la
mañana. A esas horas necesitaba algo que comer, por lo que me recomendaron que fuera a un tesoro
culinario local en el restaurante más popular en todo Islandia: un puesto de hot dogs llamado Bæjarins
Beztu Pylsur con más de 70 años de antigüedad. ¿Quién diría?
Algo importante que obtuve de este viaje es un dicho que la gente de Islandia dice: “Si no te gusta el
clima, espera sólo 15 minutos porque el sol y la lluvia tienden a alterar varias veces al día con un poco
de calor”. Entonces, si no puedes confiarte de los pronósticos de tiempo islandeses, puedes contar con
amabilidad local de gente a quien le gusta la buena música y un entusiasta y festivo (por lo menos el fin
de semana que fui) estilo de vida. ¡Takk por todo!
19 . F I L T E R
Principales
La cantante de 25 años de edad, que ha forjado el
análisis de un público exigente –y de las publicaciones
que les gusta decirles qué escuchar– está tratando
de resolver el problema de su ascenso a la fama:
¿Dónde termina el personaje y empieza la persona? La
respuesta: “Me interesan esas historias”, dice Del Rey
al comprender la curiosidad que ha provocado, pero
quizá en cierta forma lo admite: “Son algunas de mis
lecturas favoritas.”
A continuación, algunos hechos sobre ella: Elizabeth
Grant nació en la meca turística de Lake Placid, Nueva
York, y comenzó a cantar a muy temprana edad en la
escuela y en la iglesia. Cuando cumplió 18 años se
mudó para comenzar a cantar por las noches bajo el
nombre de Lizzy Grant. Desde el principio, Del Rey
construyó un mundo en torno a un nombre a través de
un alias bañado en lujo. “Pudo haber sido cualquier
“cosa”, “dice Del Rey cuando se le preguntó acerca del
nombre que escogió, el cual evoca al glamour hollywoodese, los clubes de playa de los años cincuenta y un
origen étnico anestesiado. “Pudo haber sido cualquier
cosa. Sólo algo hermoso.” Ella comenzó a trabajar en
las canciones que la comprometieron a hacer su álbum
debut, arrastrando los arreglos orquestales anclados por
beats. Además de las canciones, hizo videos para acompañar a los tracks: “Estaba haciendo versiones aun más
escalofriantes de los videos que hago ahora con menor
narrativa”, dice acerca de sus primeras obras visuales.
Para entender su siguiente paso es importante reconocer que es igualmente una artista visual que una sonora. “Me encanta escribir y cantar, pero normalmente
me impresionan cosas, si veo algo bello, lo proceso en
mi interior.” Sin una intención clara en mente, Del Rey
se puso a trabajar armando un complemento visual a
“Video games”, una aturdida canción de amor que suena a una Cat Power vampiresa, o una Hope Sandoval
menos tranquilizada. Sobre la historia de una relación
pasada de Del Rey, contada en tiempo presente y
cargada de nostalgia como si estuviera pasando, dice:
“Yo llegaba a casa, él llegaba a casa, y se ponía a jugar
juegos de video. Nada estaba mal, y eso hacía que
estuviera bien. Se sentía romántico que no estuviera
pasando nada horrible, simplemente disfrutar de estar
en compañía de alguien.”
20 . F I L T E R
Principales
El video en sí es una serie de personas corriendo,
cayéndose y enamorándose: “Nunca pensé que sería
lo que ayudó a la situación”, dice Del Rey sobre lo
que sucedió después. En poco tiempo se encontró
con seguidores, un contrato discográfico y un nivel
de análisis que nunca pudo haber anticipado al darse
cuenta de que el tema de la canción era sobre un
momento en el cual carecía de ambición; ahora se
está dando cuenta de que con todas las entrevistas y
la atención lo que comenzó como un proyecto de arte
podría leerse justo como eso.
“La gente asume que hubo un salto del 2008 a ahora,
que asumí una identidad y una personalidad diferente.
Era más bien como un proyecto de arte para mí, no
un cambio en mi persona”, dice Del Rey. Ella decidió
usarse como una extensión de su música, elegir un
nombre cargado de nostalgia y una imagen que parece
vista a través de un lente borroso. Tal vez sea por los
suaves labios y grandes ojos o porque todavía quedan
espacios vacíos en el lienzo que Del Rey comienza a
llenar, tal vez es porque tiene un gusto por los sound
bites, pero a la gente le ha costado trabajo ubicarla y
entenderla.
Con el lanzamiento de su álbum Born To Die, Del Rey
espera resolver estas preguntas. Escrito en los últimos
dos años, el álbum representa esta polaridad. “Siempre he visto la belleza en todo. Creo que ahí viene mi
influencia cinematográfica al igual que algunos MCs
por la forma en que cuentan sus historias sobre beats
fuertes. Necesito el apoyo de algo fuerte y duro para
permanecer por debajo de mí misma –es una yuxtaposición muy importante para mí.”
Con el lanzamiento de un álbum completo, habrá un
mayor análisis sobre la historia Lana Del Rey y menos
espacio para los grandes proyectos de arte. Pero a estas alturas eso no le preocupa: “Sé que todo va a estar
bien. Soy exactamente la misma persona. Me llevo a
mí misma a donde vaya. En realidad nada cambia.”
“Me encanta escribir y cantar, pero
normalmente me impresionan cosas, si veo
algo bello, lo proceso en mi interior”
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Por ANDRÉS DÍAZ
Fotos cortesía ARTS & CRAFTS
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Podríamos pensar gráficamente en la forma en la que los movimientos musicales comienzan a convivir hasta recubrir a los que
los anteceden, al ver los anillos de un árbol partido a la mitad, en
donde cada anillo se va expandiendo comprendiendo a los más
chicos que a su vez representan una época. Algo así sucedió en los
noventa cuando había un tremendo crossover entre la nostalgia de
la música de sintetizadores plásticos y los guitarrazos de jóvenes
deprimidos.
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En medio de esta transición hubo otro
movimiento abanderado por la disquera
Elephant 6 que en cierta forma dio pauta al sonido que comenzó a dominar a
principios del siglo XXI. Bandas como
The Olivia Tremor Control, Neutral Milk
Hotel o The Apples in Stereo vieron que
más allá de la guitarra, bajo y batería se
podían involucrar instrumentos de viento, cuerda e inclusive algunos inventados
por ellos mismos, para crear nuevos sonidos y composiciones más armónicas
por el rango de instrumentalización.
No fue extraño que una banda como Of
Montreal se incluyera en este movimiento gracias a la habilidad de Kevin Barnes
(mente maestra de Of Montreal y maestro de ceremonias de cada concierto) de
hacer música juguetona y divertida que
fácilmente va de lo infantil y circense a
lo esquizofrénico, cuya influencia proviene de esa simple (pero a la vez compleja)
música de Beach Boys o The Beatles que
tenían la habilidad de imaginarnos surfeando en playas californianas así como
darnos un paseo en campos de fresas con
personajes dignos de un cuento de Hans
Christian Andersen. “Era una época
en que teníamos en común la inquietud
de hacer algo diferente y a pesar de que
desafortunadamente fue una ilusión que
terminó más pronto de lo que pensábamos, le mostramos a la gente que podía
imaginar cosas diferentes con la música”,
nos comentó Kevin.
Luego de diez discos de estudio, Kevin
Barnes ha adquirido la destreza necesaria para volverse un gran organizador
de sonidos, tanto así que se ha convertido en el productor de gran parte de la
discografía de la banda. Para su última
producción, Paralytic Stalks, se retó a sí
mismo empujando aún más sus límites
sónicos para crear nuevos sonidos y experimentaciones sonoras más desafiantes, por lo que se asesoró con Jon Brion,
músico y amplio productor musical que
ha trabajado desde Kanye West hasta
Brad Mehldau. “Jon me enseñó a trabajar por fragmentos la música para al final crear un gran mosaico atmosférico,
es decir, fue como ir creando pequeños
ladrillos que a la larga resultaron ser
una casa llamada Paralytic Stalks”.
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Afortunadamente para Kevin, el estudio estaba en su casa y como no había una fecha límite de entrega del disco, pudo trabajar en él todo el tiempo posible con jornadas de hasta
10 horas o incluso de algunos minutos. “Me volví muy meticuloso por lo mismo y regrabé
gran parte del disco hasta que quedara justo como lo imaginaba. Siento que me conecté
mucho con las canciones y transmití muchos significados personales. Como gran parte
del disco lo hice instintivamente –e incluso siento que estuve hipnotizado por la música– hay partes que vuelvo a escuchar y me sorprendo por las letras de las canciones que
escribí. Tal vez por eso sea menos digerible, pero aún así tiene más texturas y paisajes que
anteriormente no me había atrevido a experimentar”.
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A pesar de la complejidad que encontramos en canciones como el sencillo “Spiteful intervention” o “Ye, renew the plaintiff” (en donde compiló varias canciones en una), se sigue percibiendo esa fijación por el pop. Pero regresando a esta involuntaria –hasta donde
dejó entrever– exposición de pedazos ocultos de sí mismo, salieron a relucir algunos de
una forma cinematográfica y atmosférica en la canción de casi ocho minutos “Exorcismic breeding knife”, la cual probablemente ha puesto el alfiler más alejado dentro del
mapa sonoro de Of Montreal. “Este disco ha sido un muy buen ejercicio en el que quería
sentirme vivo. En cada canción veo una parte feliz, otras triste, enojada o de dolor de mi
ser. Hacer música es como crear arte y estoy contento porque he hecho canciones que se
pueden sincronizar con mucha gente en momentos que se sientan al límite de sus vidas”,
revela Kevin.
De primera impresión, el disco parece una compleja maqueta arquitectónica de un rascacielos diseñado por Gaudí, por lo que construirlo cada noche en su gira que no parará
ni un sólo día hasta mediados de abril será una labor minuciosa, mas no titánica: “No
vamos a reproducir el disco tal cual. Las canciones se van a ir acomodando solas en los
conciertos y van a ir diciéndonos cómo quieren que se toquen. Hemos estado ensayando las canciones desde ahora y haremos algo diferente para presentar este disco al ser
más provocativos y visuales, a lo mejor será algo más abstracto pero a la vez será más
cautivador”.
Esperamos con ansias cómo este ser vivo llamado Paralytic Stalks va a ir creciendo para
acomodarse en tu discoteca y en tus oídos.
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Los largometrajes de David Lynch retratan constantemente algo amenazador y perturbador que normalmente combina lo mundano con lo surreal, con
lo cual logra llegar a la médula del mal. Mientras el
film noir tradicional limitó el tema de la violencia en
grandes urbes, Lynch, a través de Twin Peaks probó
que el bosque era igual de amenazante que una selva
de concreto. Con Blue Velvet probó que ni los suburbios se salvaban de los asesinatos, el incesto, ni las
violaciones. Sin embargo no olvidó la ciudad y a través de una trilogía situada en L.A. conformada por
Lost Highway, Mulholland Drive e Inland Empire, logró
demostrar que este tipo de sentimiento puede ser escalofriante y fascinante al mismo tiempo.
Generalmente Lynch deja a un lado la narrativa ordinaria de las películas para dar paso a un punto de
vista que se asemeja mucho más a un sueño. Puede
ser brutal tanto con sus personajes como con su audiencia, al hacerlos testigos de secuencias tortuosas
que aparentemente nunca tienen una solución, pero
también es experto en crear escenarios misteriosos
de una forma exquisita. Los largometrajes más abstractos de Lynch no están planeados para ser fácilmente digeribles, en su lugar, Lynch prefiere desafiar
a la audiencia al dejar que resuelva e interprete las
historias por su cuenta.
Después tenemos a The Kills, un dúo vampírico al
cual sin duda Lynch invitaría si quisiera hacer una
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película amarillista y violenta de un grupo. Su música
es la banda sonora perdida de una película de la era de
la Nueva Ola francesa; son el equivalente musical de
Sailor y Lula de Wild At Heart donde se usan las pistolas y coches en lugar de guitarras y micrófonos. Los
labios de la cantante Alison Mosshart sobresalen de
su largo fleco que esconde unos ojos tan obscuros que
expresan bondad a pesar de que eso no sea lo evidente.
La palidez del guitarrista Jamie Hince sienta bien con
su estilo de pantalones de tubo, botas y chamarra de
cuero clásico de un músico inglés respaldado por sus
riffs bluseros.
Minimalistas y potentes, The Kills les permitirán
escuchar un poco de su arte cerrado y privado, aunque después les vuelvan a dar la espalda para seguir
creando; y si les gusta que bien. Si no, también.
Recientemente David Lynch diseñó el Club Silencio
en Montmartre, París, que se encuentra a seis pisos
bajo tierra, y permaneció muy fiel a su estilo al conceptualizar hasta los muebles. También acaba de lanzar su primer disco Crazy Clown Time que es igual de
hipnotizante que sus películas.
No es raro saber que Lynch y The Kills comparten una
atracción pues recientemente el director le preguntó a la
banda si estaban dispuestos a tocar en el Club Silencio y
de inmediato aceptaron. FILTER se reunió con ellos en
esa fecha para conversar con los tres en los confines del
club a más de seis metros bajo tierra.
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¿Pueden hablarnos de la vez que conocieron
el trabajo el uno del otro?
DAVID LYNCH: La primera vez que escuché a
The Kills fue en la radio. Después vi su presentación en el programa Live at Abbey Road, y ahí
fue cuando me convertí en un gran admirador.
Simplemente son una gran banda con muchísimo
poder—un poder muy complicado y minimalista;
la rudeza en sus guitarras y también su habilidad
para tocarlas de la manera más cool. Y a eso hay
que agregarle la belleza que aporta Alison.
ALISON MOSSHART: Yo lo conocí con Mulholland Drive que después me llevó a una obsesión con
Twin Peaks, siempre lo veía en el tour bus. Tiene una
estética increíble y los diálogos realmente me llegan.
JAMIE HINCE: Yo diría que mi primer acercamiento fue con Twin Peaks. Siento que es algo que
siempre ha estado dentro de mí. Siento que él ha
logrado crear un mundo real. Lo primero que la
gente percibe es lo tétrico y raro de sus películas,
aunque la música que usa ayuda a crear una experiencia tanto sonora como visual.
Parece que un punto central en el trabajo de
ambos son las atmósferas. ¿Cuáles son los ambientes que les gusta crear?
HINCE: Siempre me ha gustado el sentimiento de
grandeza y triunfo en las canciones, como cuando
has estado llorando durante una hora y después de
eso sientes euforia. Me gusta contrastar la obscuridad y el cielo despejándose.
MOSSHART: También existe el triunfo de cuando
tu corazón toma el control y ejecuta una idea mejor
de lo que tú podrías hacerlo aunque fueras el mejor
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guitarrista o vocalista. Cuando se logra eso con la
música, es ella quien te dice que ambientes crear.
LYNCH: Yo me guío más por ideas de las que a
veces me enamoro. Cuando tienes una idea, la escuchas, la ves y la sientes y después la traduces.
Así que una atmósfera viene de una idea, que más
adelante se manifiesta en un sonido o de un color.
¿Podrían decir que el sexo y la violencia son
una influencia?
HINCE: Tanto en el cine como en la literatura y la
música son cosas que los seres humanos gravitan.
Tal vez porque son la forma más sencilla de tratar
de entender la vida, la muerte y el amor. Además,
esos son dos de los instintos o pasiones animales
más vitales que aún nos quedan.
LYNCH: Toda historia tiene algo de violencia y
siempre hay un morbo hacia lo sexual. Estaba
viendo cómo mataron a Gaddafi en la tele, y era
como una manada de lobos atacando a su presa;
era increíble.
Es un elemento recurrente en su trabajo. ¿Por
qué es un tema tan fuerte?
LYNCH: Es parte de la naturaleza humana. Muchas veces ni siquiera intentas integrarla a la historia, solamente es parte de ella; es parte de una
serie de sucesos.
HINCE: Es algo completamente crudo e increíble
ver a dos personas teniendo sexo o ver a alguien
siendo linchado. Es extraño.
MOSSHART:Es algo que jamás perderá vigencia.
Siempre será algo interesante para todas las generaciones.
¿Cuáles son las diferencias entre sus figuras públicas y las artísticas?
HINCE: No puedes vivir tu vida de la misma forma que el personaje del escenario. Y no es un personaje tal
cual, pero tanto Alison como yo somos algo introvertidos en la vida normal. Cuando nos conocimos, Alison
era tan tímida que casi ni hablaba. Pero cuando la vi en el escenario era evidente que se sentía mucho más
cómoda.
MOSSHART: Creo que debes tener algo de ambos lados para poder ser así en un escenario. Siento que todo
lo que hago en mi vida es simplemente prepararme para salir a escena y darlo todo. Siempre termino exhausta
y sólo quiero irme a acostar.
LYNCH: La gente piensa que soy obscuro, raro y violento, pero en realidad soy como un niño de primaria.
Pero existe una contradicción entre aquel niño scout de Montana y el director de películas violentas y perturbadoras. ¿Cómo es que esas dos contrapartes existen?
LYNCH:Pues es sencillo: me gusta trabajar, quedarme en casa y registrar mis ideas. A veces me enamoro de
ideas que se convierten en películas. Me gusta adentrarme en esos mundos y experimentarlos, lo disfruto mucho.
¿De dónde viene esa obscuridad? ¿Qué lo inspira?
MOSSHART: Si pones atención, está en donde quiera que vayas, no es tan difícil de encontrar. Solamente
depende de qué tanto estés dispuesto a ver.
HINCE: Soy observador y entrometido. Me gusta lo sucio que hay detrás de las cosas
Con eso en mente, describan el Club Silencio para alguien de fuera.
MOSSHART: Cuando entré, sentí como si hubiese entrado a un pasadizo secreto. Es increíblemente hermoso. Hay mucho oro y espejos y es algo obscuro. Hay muchos libros y lámparas pequeñas. Es muy curvilíneo.
LYNCH: Todavía no conocen el lugar entero, estoy esperando a que Alison vaya al baño. Estoy muy orgulloso
de ese lavamanos.
HINCE: Es una obra de arte. Hay diferentes atmósferas en cada rincón, y es hermoso ver un club que no está
diseñado como los demás. La gente vendrá porque es muy bello, como de ensueño. ¿Un club nocturno con una
biblioteca? ¡Vamos!
¿Hay algo que les gustaría preguntarse entre ustedes?
HINCE: David, ayer recibí tu disco y comencé a escucharlo. Después lo escuché otra vez… y otra vez. Las
canciones son como pasajes sonoros con muchas capas. ¿Cómo fue que lo empezaste?
LYNCH: Todo es un experimento. No toco la guitarra de una forma ordinaria. Dean [Hurley] y yo empezábamos a improvisar o a veces usábamos letras que ya tenía escritas —a veces llegan después de la música. Es un
mundo muy bello el de la música.
HINCE: ¿Crees que el proceso de plasmar una idea en una canción es similar con las películas?
LYNCH: Creo que la pintura es más cercana a la música que el cine. Para el cine generalmente tengo una idea
y el guión se elabora con base en eso. Pero la pintura es una acción que provoca una reacción. Lo mismo con la
música, crece basado en reacciones de lo que acabas de crear y eso te da pie a lo que sigue.
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EN PORTADA / T H E BIG PI NK
EN PORTADA / T H E BIG PI NK
Parece que “Somebody that I used to know” de Gotye será una de las canciones más versionadas de
este año (tal cual pasó con “Rolling in the deep” de Adele en 2011). Gracias a su simplicidad y coro
contagioso, la canción captó la atención de Robbie Furze y Milo Cordell para ser los siguientes en
elegirla como tema para coverearla. La ocasión: interpretarla en vivo para el programa de la BBC
Radio 1’s Live Lounge en donde tendrán sólo una oportunidad para presentarla frente a miles de personas, por lo que los nervios y la incertidumbre inevitablemente llegaron ante la idea de interpretar
mal un tema ajeno.
“Me encanta tocar en vivo, pero esta presentación me tiene muy asustado en estos momentos. Es
una canción de alguien más, es en vivo y sólo tengo una oportunidad, si sale mal lo escucharán
como cuatro millones de personas. Es mucha presión tocar un tema por primera y única vez frente
a millones”, cuenta Robbie desde su estudio después de ponerle play a un pequeño fragmento del
cascaron de sintetizadores que tienen hasta el momento.
Por un lado se siente cierta inseguridad sobre si van por el camino correcto, por el otro, es inevitable imaginar a un niño pequeño mostrando emocionado su nuevo juguete, resaltando ese particular
sentimiento de un músico al crear una nueva pieza. “Primero nos encargamos de hacer los beats,
sintetizadores y todo eso. Después pasaremos dos o tres días ensayándola, tratando de descifrarla
junto a una banda y en una semana la tocaremos en vivo”.
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EN PORTADA
/ TH E BIG PI NK
Robbie se encuentra en su estudio en el sótano de la
parte trasera de su casa en Londres, un lugar donde
pasa gran parte de su tiempo, creando música sin interrupciones (casualmente, a favor de su creatividad
–y en contra de las entrevistas por teléfono– la señal
telefónica en ese lugar es deficiente).
Fue en este pequeño estudio donde Future This fue
creado, en la comodidad e intimidad de su casa,
lejos de la majestuosidad de los legendarios Electric
Lady Studios de Jimi Hendrix en Nueva York, por
los cuales pasaron figuras de la talla de John Lennon, Led Zeppelin, David Bowie, The Clash y donde
The Big Pink grabó su álbum debut. “Escribimos
todas las canciones en el estudio de mi casa. De
hecho lo hicimos bastante rápido porque teníamos
un conjunto enorme de canciones –y de ideas– sobre cómo queríamos que sonara. Además estábamos
muy felices de grabarlo en casa, porque llevábamos
casi tres años fuera. Fue muy bueno estar aquí, junto
a nuestras mascotas y cerca de nuestras familias.
Lo tratamos como un trabajo formal, y aunque
seguíamos con nuestras vidas le dedicábamos mucho
tiempo, sobre todo en las noches, cinco días a la
semana. Realmente nos gustaba estar ahí y convertir
todas esas ideas en realidad”.
Llegaron a los reproductores digitales y a adquirir
cierta fama gracias al contagioso coro de “Dominos”, canción que rápidamente fue usada en anuncios publicitarios, series de televisión y convertida
en casi un himno, de esos que pueden ser coreados
por estadios. “No sé realmente qué se necesita para
que una canción sea considerada un himno. Supongo que debes de poder identificarte con la letra. Es
muy importante mantener las cosas simples. Creo
que mientras más compliques la letra y la música,
puedes acabar diluyendo el mensaje. También necesitas tener suerte”, bromea el cantante con cierta
ingenuidad, denotando que ni siquiera ellos mismos
están completamente seguros de por qué su sencillo
explotó con tal magnitud.
Sin embargo, en este nuevo material discográfico
caminaron por esa misma senda, buscando mantenerse
en la línea de canciones ideales para musicalizar desde
una fiesta a altas horas de la madrugada hasta enormes
campañas publicitarias. Su arma secreta: Paul Epworth.
El brillante productor de fenómenos pop como Adele y
Friendly Fires ya había metido su cuchara anteriormente en los temas “Dominos” y “Stop the world”, pero
esta vez se convirtió en el guía de tiempo completo del
dueto británico en su camino hacia el futuro.
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EN PORTADA
/ TH E BIG PI NK
“Esta vez queríamos trabajar con un productor para
todo el disco. Queríamos hacer una especie de disco
pop artístico y él es la persona indicada para ello.
Tiene la mezcla perfecta de música rara, abstracta
y electrónica con una sensibilidad especial hacia el
pop y su estructura. Ha trabajado con muchas estrellas pop y sus antecedentes son muy variados. Nos
hizo mucho sentido trabajar con él. Además sabía de
dónde veníamos con nuestro primer disco”.
Para su primera placa, los ingleses optaron por
trabajar solos produciendo ellos mismos sus temas,
lo cual fue una tarea familiar para Cordell ya que su
padre, Denny Cordell, fue responsable de producir
grandes éxitos de los sesenta y setenta para Procol
Harum, The Moody Blues, Joe Cocker, entre otros.
Sin embargo, lograron una buena mancuerna con
Epworth, tal vez inspirados por la fama y éxito que
les trajo su sencillo más conocido. “Probablemente
los momentos más memorables del disco fueron
originados por haber trabajado con Paul. Los momentos más emocionantes eran cuando lográbamos
encontrar los coros para las canciones, en específico
recuerdo cuando sacamos los coros de “Rubbernecking” y “Give It Up”. Escuchábamos varias veces
los demos sin saber hacia dónde ir y Paul nos decía
de pronto qué hacer y lográbamos terminar las
canciones”.
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En general no hay un gran cambio entre A Brief
History Of Love y Future This: el dúo se mantiene
en la misma zona que exploraron anteriormente,
disfrutando del lugar en donde se encuentran. ¿Qué
si la mezcla de techno y rock sólo funciona a la larga
si eres Radiohead o Beck (como escribió hace unos
años Pitchfork sobre The Big Pink)? “Creo que hemos probado lo contrario. Creo que hay situaciones
difíciles de lograr como mezclar bien una batería
eléctrica con una batería en vivo… pero me parece
que lo hacemos bastante bien”.
Se mantiene cierta familiaridad entre “Dominos” y
“Stay Gold”; las canciones mantienen la simplicidad
y carisma que mostraban los tracks de su anterior
producción. “Es importante ser sutiles. Nuestras
canciones son muy sencillas, pero a la vez están
compuestas por muchas capas y detalles. Es como
pintar un cuadro; aunque la esencia del cuadro sea
muy simple, si te puedes identificar con la imagen y
retratar lo que quieres, eso es lo importante.”
Y probablemente esa es una de las principales
cualidades de esta banda: su sencillez y actitud
positiva, evidentes en el tono atento y amigable con
el que Robbie contesta a las preguntas (aunque para
este punto se escucha como si fuera manejando
en coche), ese tono que te hace sentir como si
EN PORTADA
/ TH E BIG PI NK
fuera alguien transparente, que conoces desde
hace años. Canciones como “Hit the ground
(Superman)”, “Jump music” y “Lose your mind”
reflejan esto. “Somos gente muy positiva. Nos
gusta hablar en nuestras canciones sobre creer
en ti mismo en la vida, y este disco es como una
celebración acerca de esas ideas. Somos personas
felices y queremos expresar eso. En general el
disco tiene esta idea central de ser fuertes, mantenerse unidos y lograr lo que quieres”.
Robbie y Milo se dejan llevar por sus corazonadas, dejan fluir sus decisiones sin darles muchas
vueltas. Su disco no es, ni pretende ser, futurista. El nombre proviene simplemente de otra
casualidad espontánea. “Nos gustó el juego de
palabras. Milo sacó la frase de un viejo anuncio
de patinetas que se encontró, no sé dónde. Es
como decir que esto es nuestro futuro actual,
nuestro nuevo disco”.
El momento más personal de Future This se presenta en la forma de un tema que habla sobre la
muerte: “77”, el cual hace alusión a 77 maneras
de decir adiós. “Es de Milo para su hermano
Tarka, (productor, escritor y músico quien se
suicidó en 2008). Milo leyó en la canción un
extracto del libro Ask The Dust de John Fante, el
cual también leyó en el funeral de su hermano.
Fue un pequeño tributo que le hicimos”.
Además, otra pieza literaria inspiró otro de
los temas; “Stay gold” viene de la frase “Stay
gold, Ponyboy” del libro de S. E. Hinton The
Outsiders (llevada después al cine por Francis
Ford Coppola). “Es sobre encontrar la luz a
través de la oscuridad”.
En cuanto a su canción favorita del disco,
Robbie cuenta que se trata de la más diferente
de los diez temas del material. “Me gusta
mucho ‘Lose Your Mind’. Usamos un sampleo
de Siouxie & The Banshees para ella y tiene
una vibra muy ochentera y pop pero a la vez
tiene una esencia garage. Además es la única
canción a la que le he incluido un solo de
guitarra. Nunca me había atrevido a grabar
uno, pero por fin lo hice y fue divertido. Si no
metes bien un solo puedes arruinar la canción
pero me parece que quedó bien”.
En la recta final de nuestra conversación,
Robbie insiste que quiere regresar a México
para volver a tocar en un escenario mexicano
después de aquella primera presentación que
tuvieron en el Indie-O Fest de 2010. “Me encantó tocar en México. He ido varias veces de
vacaciones porque me encanta el país; me cae
muy bien la gente y amo la comida mexicana.
¡Por favor llévenos de regreso a México!”
Contrario a lo que Robert Frost diría en el
poema Nothing Gold Can Stay, The Big Pink
parecen declarar con esta nueva placa que son
plenamente felices con lo que han logrado hasta llegar al punto donde están ahora. ¿Volverán
a escalar a la cima? ¿Caerán abruptamente? El
futuro es incierto, pero ellos no tienen miedo
construyen su futuro disfrutando cada paso
que dan en el presente.
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Pág.
Por ESAMIPAU!
38 . F I L T E R
Foto GILBERTO HERNÁNDEZ
Originario de Monterrey y residente de varias partes del mundo, Jaime Martínez es uno de los artistas
más prometedores de este país. Tal vez varios de
ustedes no ubiquen su nombre de inmediato, pero
si les damos la pista de que él fue el responsable de
esos geniales gifs en 3D que M.I.A. usó para promover su tercer disco /\/\/\Y/\, es probable que emitan
un pausado pero prolongado “Aaaahhhhh”; pero sepan que el talento de Jaime va mucho más allá que
tan sólo las fotos hechas a la británica.
Como toda persona apasionada por las artes, Jaime
cuenta que desde siempre quiso dedicarse a la fotografía. Como todo inicio en esta profesión, Jaime
mandó su portafolio a bastantes galerías sin recibir
respuesta, “hace algunos años estaba obsesionado,
pero me estresé mucho y casi todas las galerías a
donde iba no me hacían caso, y no contestaban mis
mails. Entonces pasé de eso a relajarme y nunca
volví a pedir que me dejaran exponer en algún lado
y empecé a concentrarme en hacer cosas; la gente
lo vio y fue al revés, ahora ellos me están buscando para invitarme a exponer. Entonces creo que no
debería preocuparme por hacer algo, sino por sacar
lo que tengo, que es mi inquietud por sacar ideas”.
Es esa necesidad de crear, explorar y experimentar
la que ha llevado a Jaime a no querer encasillarse
en un solo formato. De hecho, su inquietud por el
video se inició al mismo tiempo que la fotografía;
desde los 18 ya experimentaba con una cámara de
cinta. Dejó el video a un lado por un tiempo, hasta que en 2005 con su cámara digital lo retomó, y
es que dice sentirse atraído por este formato, pero
no siente la misma confianza como con sus fotografías. No obstante, se muestra ansioso por dejar
atrás esa inseguridad, y tal vez esta razón lo llevó a
realizar dos videos musicales para bandas mexicanas: Mentira Mentira y Lorelle Meets The Obsolete.
Estos videos surgieron por un interés genuino de
Jaime por ilustrar las canciones de los proyectos de
sus amigos que más le gustan. “A partir de los gifs
me entró mucho más la inquietud del movimiento
de la imagen. Ese es un punto medio entre la foto y
el video, esto me está llevando a querer alargar su
tiempo a través del video. Este año me quiero dedicar más a él, y dejar en pausa los gifs. No quiere
decir que vaya a dejarlos completamente, sólo hacerlos a un lado de momento.”
Jaime es un tipo cuya sola presencia te hace querer
guardar silencio y escuchar lo que tiene que decir.
Todo lo que expresa Jaime Martínez habla de una
persona sensata que es completamente sensible a lo
que su necesidad por crear le pide. Y si bien por momentos prefiere reservar sus palabras, para tener
una conversación con él tan sólo es necesario contemplar sus imágenes. Ya sea foto fija, en movimiento o gif, Jaime habla con los ojos, por medio de composiciones en exterior o en interior, que en cuanto se
crucen por la vista del espectador, éste comprenderá todo lo que Jaime Martínez quiere decir.
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Por ANDRÉS DÍAZ
“Me gusta tanto el hip hop cuando es tonto y estúpido como cuando es activista, del tipo que hizo Public
Enemy; no importa si se trata de hacer algo serio con
este género, el objetivo es lograr comunicarlo”, nos
comentó Josh Davis en su pasada visita a México.
Y vaya que su opinión cuenta, ya que lleva más de
20 años usando las tornamesas como instrumentos,
además de que le tocó vivir la época dorada del hip
hop a finales de los ochenta y ver cómo este género
ha pasado por diferentes facetas: desde la política a la
meramente divertida.“También hubo mucho rap político malo porque había muchas bandas que querían
copiar el intelecto de Chuck D, el ingenio de Flavor
Flav o simplemente sus habilidades musicales, lo que
no sabían era que cada elemento tenía una función
esencial que los hacía perfectos. Hoy en día la técni40 . F I L T E R
Fotos cortesía UNIVERSAL MUSIC
ca en el hip hop ha mejorado. Soy muy fan de Kanye
West porque se mantiene firme en sus convicciones,
ya que hoy en día internet hace que todos marchemos al mismo paso y dirección. Él es uno de los pocos
humanos entre un mundo de robots”, nos comenta
DJ Shadow.
Josh tiene un muy envidiable y amplio registro discográfico gracias a que ha recolectado viniles por más
de 30 años, por lo que al comenzar a trabajar en nueva música es como hacer una excavación profunda
en donde encuentra tesoros que sabe que nadie ha
descubierto. “Si un crítico descubriera un sampleo de
los miles que utilizo, lo consideraría muy inteligente
porque hay demasiadas cosas que vienen de materiales que nunca se editaron”.
Después de haber hecho discos como Endtroducing… o The Private Press se dio cuenta, a partir de la colaboración
que tuvo en el disco de UNKLE, Psyence Fiction, que invitar a alguien más en su trabajo daba unos resultados
muy interesantes ya que hacía que su música evolucionara. Con Outsider quiso regresar a la modalidad de hacerlo todo él mismo, incluso The Less You Know, The Better iba a ser totalmente instrumental, pero a última hora
decidió que muchas canciones funcionaban mejor si involucraba a alguien más. “Originalmente no quería que
fueran tantos invitados, pero a final de cuentas entraron algunos conocidos y nuevos amigos que no solamente
colaboraron, sino que se engancharon al proyecto. Pude haber buscado sampleos vocales, pero había canciones
como “Warning call” que necesitaban voces porque sólo así sería una mejor canción”.
El ejemplo más claro de cómo ha desarrollado la amistad a través de la música es Little Dragon, ya que conoce a
Yukimi Nagano desde hace varios años, incluso desde antes que estuviera en este proyecto.“Me gusta la banda y
establecí una relación con ellos más allá del trabajo. Cuando colaboró con Gorillaz me sentí celoso porque quería
hacer algo similar, pero cuando escuché lo que me mandó para la canción “Scale it back” era algo diferente y
encajaba perfectamente con lo que quería”.
Regresando a la labor como creador de
sonidos a partir de sampleos, la charla
recayó en “Otis” de Kanye West y Jay-Z,
la cual posiblemente contiene el sampleo
más caro en toda la historia de la música
al incluir “Try a little tenderness” de Otis
Redding, por lo que al preguntarle a DJ
Shadow cual utilizaría sin importar lo que
valiera nos dijo: “Es una auto censura que
me impongo porque sé que habrá muchos
problemas si uso uno que de antemano no
tengo el permiso, es por eso que evito a los
grandes nombres; por ejemplo, “I’m excited”, la colaboración que hice con Afrikan
Boy, la tuve que quitar del disco porque
estábamos en el proceso de que nos aceptaran la autorización”.
Hoy en día al hablar de DJs también aparecen nombres de mashuperos como Girl
Talk, el cual dista mucho de la labor de
un DJ por hacer un trabajo más “quirúrgico” al crear las canciones: “Para mí los
mash ups son como la comida rápida de la
música. Hacerlos es muy cansado. En el
hip hop no es algo nuevo, son sólo combinaciones que involucran una habilidad
para que funcionen dos melodías o voces
diferentes por medio de una computadora. No estoy diciendo que gente como
Soulwax, 2ManyDJs o Z-Trip sean poco
creativos, al contrario, han hecho cosas
interesantes pero a mí no me traería mucha satisfacción creativa hacerlos”.
Con respecto a la oleada dubstep, considera que es uno de los pocos géneros
que ha sido bien explotado y que ha sobrevivido entre tantas tendencias. “Posiblemente haya alguna influencia en este
disco, pero personalmente no escucho
algo en mi discografía que suene así. Entre más experiencia tengas, podrás tener
más herramientas para combinarlas, el
dubstep es sólo una de 50 que he ido incluyendo a lo largo de mi carrera”.
41 . F I L T E R
42 . F I L T E R
THE
SMITHS
Complete [compilation]
Rino
96%
At the record company meeting… / Oh, the plans they weave /
And oh, the sick eninggreed.—“Paint a Vulgar Picture”
Complete. Es un golpe maestro porque recolecta el
material de The Smiths que necesitas tener… que es
todo. Si faltara sólo una canción te sentirías engañado.
Hay una versión digital de este lanzamiento para los
incultos, CDs para los fans y viniles para aquellos que
leen poesía en cementerios.
¿Por qué?
Punto. No hay otra entidad musical que haya estado
cerca de representar un diseño tan literal para vivir.
Más que definir una era musical, hicieron la concepción de l’art de vivre para una generación entera que se
opone a los repugnantes mensajes de conformistas que
fácilmente podrían golpearlos por sus peinados, sus
ediciones rústicas de libros de Camus, por una gladiola
que sale del bolsillo trasero de sus jeans.
The Smiths. Confundidos por miserables vendedores
ambulantes gracias a despistados pontífices, en donde
irónicamente hicieron música gloriosa. “Meat Is
murder” volvió los derechos animales en un fenómeno
cultural. “The Queen is dead” retrata a Su Alteza Real
con su cabeza en un cabestrillo. (“It sounds like a
wonderful thing!”). Y “Shop lifters of the world unite”
le da a un insignificante crimen su elogio correcto.
Morrissey. Él posiblemente sea el maestro que une
millones de almas (“I am human and I need to be
loved…”), pero si no tienes el suficiente humor no podrás entenderlo. “Sweet and tender hooligan”, “Vicar
in a tutu”, “Bigmouth strikes again”… el fantasma de
Oscar Wilde se ha de haber erizado por celos gracias a
su habilidad y veneno lírico.
Johnny Marr, Mike Joyce, Andy Rourke. Ellos
conjuraron el drama sónico de la falta de esperanza
de la Inglaterra de Thatcher. Marr escribió melodías
y ritmos en la guitarra así como Nabokov escribía
oraciones. Tiene la música más triste (“Reel around
the fountain”), la más brillante (“Barbarism begins
at home”) y el pop más tormentoso (“There is a light
that never goes out”) jamás hecho.
Complete. Es, de hecho, el único documento histórico
aceptable del fenómeno incomprensible de The
Smiths. No retoma sólo a la banda, sino documenta
el fin del ideal de juventud, una creencia valiosa de
cómo la música podría ser un estandarte en contra de
la última catástrofe y derrota de la asimilación social.
Complete. Ahora ya sienten lo que Juana de Arco llegó
a sentir. KEN SCRUDATO
43 . F I L T E R
De sur a norte y de este a oeste, los grupos conformados por sólo dos integrantes siempre han existido, aunque no todos han sido talentosos. Decidimos
buscar a las mejores duplas y parejas para hacer un debate de los integrantes que
van desde los socios perfectos a los más inestables en la historia de la música.
44 . F I L T E R
GARY NUMAN
Dead Son Rising
Self-released
83%
DAVID LYNCH
Crazy Clown Time
Sunday Best/Pias
80%
LOU REED AND
METALLICA
Lulu
Warner
WTF%
Desde que la música hecha por bandas jóvenes puede ser categorizada como
“acústico cariñoso”, “electrónico cariñoso” o “retro cariñoso”, parece que recae
sobre los hombros de un músico renombrado hacer discos que no suenen a Paul
Simon. Gary Numan, conocido por su “aún-sigue-sonando-moderno” hit “Cars”,
ha estado editando álbumes consistentes desde finales de los setenta. Dead Son
Rising es un experimento oscuro que nos recuerda por qué Trent Reznor es su fan;
voces como si fueran suspiros sobre un piano con notas bajas siempre funcionarán
si quieres que tu resultado deseado sea “escalofriante”. La canción que abre (“Resurrection”) canaliza la sintética violencia de The Prodigy, aun así hay muchas
canciones bailables y momentos melódicos que dejará a los mayores de 40 años
recordando sus noches en los clubs. La gira del aniversario del disco The Pleasure
Principle comprobó que Numan no está tan lejos de estar fuera de moda, incluso
comprueba que sigue en aumento. ADAM POLLOCK
David Lynch no es lo suficientemente raro. Por lo menos no lo demostró en
su primer disco como músico. Esperarías que hubiera secuencias con cerdos,
zumbidos de instrumentos de dentistas o detonaciones de armas de fuego. Aun
así, estas canciones tienen ritmos y melodías y, en algunos casos, se adhieren a
la estructura de verso-coro-verso. Angelo Badalamenti le proveyó a Lynch música inolvidable y cautivadora para sus películas. Crazy Clown Time es un intento
de Lynch por igualar su habilidad de compositor al de director. (Posiblemente
haya más halagos a Badalamenti que a Lynch). Cuando no usa su vocoder del
estilo de Kraftwerk, la voz de Lynch luce herida e intrigante, particularmente
en “Football game”, en el que seguramente se inyectó novocaína en el rostro. El
álbum como un todo no es tan loco o divertido como sus fans esperarían. Aun
así cuando él decide cantar, debemos escucharlo. KURT ORZECK
Es difícil tratar de explicar Lulu sin que alguien lo escuche completo, por
lo que los datos duros funcionarán mejor: Un Lou Reed maduro escribe
un montón de canciones inspiradas por una par de obras alemanas de 1900
sobre una bailarina que fue abusada, luego Reed junta a los iconos de heavy
metal de Metallica para ponerle música. Desafortunadamente es un disco que
no hará felices a sus fans de antaño. Como un disco concepto, requiere más
pensamiento que el contexto que la mercadotecnia pudiera promocionar de
esta colaboración. Un problema que Lulu tiene es que, para que realmente funcionara, Metallica tuvo que haber dado sus mejores canciones posibles, pero no
pudieron o quisieron hacerlo. Tampoco sirve que la duración promedio de cada
canción sea de nueve minutos… Después de cinco minutos de Reed y James
preguntándose “¿Por qué me estafo a mí mismo?” (en la canción que sorpresivamente se llama “Cheat on me”/”Me estafo a mí mismo”) el escucha desea
que supieran el por qué, pero la canción no está ni a la mitad de su trayecto.
Aun así Reed canta –o mejor dicho dice– en “The View”: “I attract you and I
repel you/Yo te atraigo y yo te repelo.” Hay algo en Lulu que es intrigante, sólo
lo descubrirás si soportas el tiempo para escucharlo. JEFFREY BROWN
45 . F I L T E R
Una de las disqueras que le dieron un gran empuje a la música electrónica en
México desde inicios de este milenio fue Static Discos, quien este año llega a su
primera década de vida. Para celebrarlo decidieron editar esta recopilación, el
número 40 en su historia, de algunas piezas que han sido las más representativas en su historia. Entre las sorpresas que encontramos es Fax con su canción
“Impala”, Kampion con “Moscomonoblock”, Macario con “Algunos Días Son
Largos” (que tiene una influencia muy marcada al Vangelis de Blade Runner) y
VARIOS ARTISTAS el minimalismo de AAM con “Motorik Bitch (Cubenx’s Deep Rework)”. Muy
Residual Stock
Static Discos recomendable para los que gustan del electrónico ambiental que para nada llega
82% a terrenos para “antrear” ni a lo suficientemente abstracto para escucharse sólo
en galerías. ANDRÉS DÍAZ
No hay duda de que si hay algo que Lindstrøm domina es la pista de baile. Antes
de terminar el año, el sencillo “De Javu” fungió como carta de presentación
para un álbum de disco house cósmico que en tan sólo 7 tracks los hará bailar
tanto que quedarán exhaustos. Éste es un claro ejemplo de que una buena
producción no necesita tener más de 10 temas, ni arreglos musicales dignos de
una orquesta sinfónica para que sea de calidad. No hay un solo momento en
Six Cups of Rebel que Lindstrøm deje que el escucha pierda el interés; todo lo
LINDSTRØM contrario para el track 5 la emoción es tal que cuando entra el beat en acción
Six Cups of Rebel recordarán porqué nuestros ancestros bailaban hasta el amanecer. ESAMIPAU!
Smalltown Supersound
90%
El músico y productor canadiense, terminó con 2011 su trilogía de mixtapes
que se convirtieron en todo un suceso. Primero fue House Of Balloons, luego
Thursday y ahora Echoes Of Silence, el cual acapara la atención ante el gran
trabajo creativo que contiene. En todo momento se escucha ese R&B bien
logrado que le ha dado a The Weeknd reconocimiento en poco tiempo y que
deja más que claro que su carrera, aunque joven, apunta para ser una de las más
respetadas de esta década. Maravillosas resultan canciones como “Montreal”,
THE WEEKND “Same old song”, el primer sencillo, “Initiation” y la que le da nombre al disco,
Echoes Of Silence
Independiente que de igual forma cierra con broche de oro este trabajo redondo de nueve
78% temas. MILTON BARBOZA
JUAN MACLEAN
Everybody Get Close
DFA
76%
46 . F I L T E R
Con el eje de la DFA, James “LCD Soundsystem” Murphy, medio retirado del
juego, es momento de que, con toda la intención, los actos como de The Rapture y John “Juan” Maclean pongan orden a las pistas de baile. En su mayoría,
Everybody... trata sobre cortes remasterizados, remixes y tomas poco escuchadas
de sus previas sesiones eléctricas. Si no has oído esas grabaciones (el pop llamay-responde de “Find a way”; la canción techno-mecánica “The robot”; o los
pitidos dub de “Deviant device”) el esfuerzo de Juan Maclean y Nancy Whang es
tan nuevo como suena. Este olvidado hermano de la familia DFA ha producido
beats tan innovadores como cualquiera que haya hecho Murphy, y canciones
como la que le da el nombre al disco probaron por qué su funk curvilíneo tiene
inspiraciones de Roger Troutman. Aparte de eso, Everybody... vale la pena sólo por
escuchar “Fell so good” de la serie de DJ Kicks con beats grabados por el baterista
Jerry Fuchs. A.D. AMOROSI
Polanco
Hotel W
Habita
Celeste House
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Alianza Francesa de México
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Vasco
Galería Mexicana de Diseño
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Roma
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47 . F I L T E R
La primera vez que tomé fotos al dueto francés Kap Bambino fue la primera vez que vinieron al D.F. a finales del
2007. Me sorprendió mucho la potencia y energía de su acto porque no lo esperaba de un grupo que no fuera de
rock ni punk precisamente, sino uno más electrónico. Emocionaban tanto como si hubiera guitarras y baterías
en el escenario. Desde ese momento se convirtió en uno de mis grupos favoritos para fotografiar en el escenario.
En 2009 tuve oportunidad de verlos nuevamente en el festival SXSW en Austin donde conocí a Caroline y nos
hicimos amigos. Poco después me escribió para pedirme un par de fotos de ese concierto para ilustrar el arte de su
penúltimo LP, Blacklist. Esta foto se las tomé la última vez que vinieron al D.F., a finales de ese mismo año, donde
me invitaron a tomarles fotos desde el escenario.
48 . F I L T E R