59 muestra internacional de cine - Secretaría de Cultura del Estado

Transcripción

59 muestra
internacional DE CINE
LAS ELEGIDAS 02
MUSTANG: BELLEZA SALVAJE 04
SAINT LAURENT 06
CARNEROS 08
NUESTRA PEQUEÑA HERMANA 10
MUERIERON POR ENCIMA DE SUS POSIBILIDADES 12
MI MADRE 14
EL CLUB 16
EISENSTEIN EN GUANAJUATO 18
LAS MONTAÑAS DEBEN PARTIR 20
3 CORAZONES 22
45 AÑOS 24
UNA PALOMA REFLEXIONA SOBRE
LA EXISTENCIA DESDE LA RAMA DE UN ÁRBOL 26
STEVE JOBS 28
Las elegidas
David Pablos Tijuana | México | 1983
David Pablos | México-Francia | 2015 | 105 min.
G: David Pablos. F en C: Carolina
Costa. M: Carlo Ayhllón. E:
Miguel Schverdfinger y Aina
Calleja. Con: Nancy Talamantes
(Sofía), Óscar Torres (Ulises),
Leidi Gutiérrez (Marta). José
Santillán Cabuto (Héctor),
Alicia Quiñónez (Perla), Edward
Coward (Marcos), Raquel Presa
(Eugenia). CP: Canana. Prod:
Pablo Cruz. Dist: Canana.
Premios y Festivales
2015 Selección oficial sección
Una cierta mirada. Festival de
Cannes. Francia. | Selección
oficial. Festival de Cine de
Zúrich. Suiza.
La relación de Ulises y Sofía, dos adolescentes enamorados,
se tensa cuando el padre del chico lo obliga a prostituir a muchachas jóvenes. Sofía se convierte en su primera víctima y
para sacarla de allí, Ulises tendrá que reemplazarla por otra
chica. El segundo largometraje de David Pablos es un drama
que gira en torno a la prostitución de menores en la ciudad
fronteriza de Tijuana. A pesar de la sordidez del tema, Pablos
opta por un tratamiento sutil en la puesta en escena que sugiere la brutalidad de los actos, evitando así los excesos de la
crueldad explícita.
2/
59 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE
Fragmentos de un
texto de Kosti Baute
Cine Maldito
(cinemaldito.com)
22 de mayo de 2015
Son contadas las veces en las que uno se encuentra un cine
comprometido, un cine que trasciende lo artístico para denunciar situaciones inadmisibles. En América Latina es prácticamente un género en sí mismo, fuertemente explotado, y
Las elegidas de David Pablos da buena cuenta en ese aspecto.
Su historia nos sitúa con una familia aparentemente normal.
Ulises es el hijo menor, y está comenzando una relación con
Sofía. Lo que ella no sabe es que está a punto de entrar en el
negocio familiar a la fuerza.
El mexicano David Pablos firma una cinta-denuncia que
pone el acento en la trata de blancas. Rodada en su Tijuana
natal, nos transporta a los bajos fondos de un negocio sin escrúpulos, donde las menores sólo sirven como mercancía en
manos de usuarios inertes. Pablos se centra en las víctimas de
rostro languidecido, de expresiones desaparecidas, de carmín
y máscara de pestañas, de inocencia interrumpida, de hieratismo gélido. Para ello se vale de la sutileza, arma indispensable a la hora de relatar el infierno de estas niñas obligadas a
jugar en un mundo de adultos que las utilizan como juguetes
rotos para satisfacer su ansia, su sed y su poder.
Las elegidas consigue revolver el estómago, sacar la rabia
desde dentro, pero también se permite ciertas licencias narrativas para presentarnos un thriller muy digno. Ulises, desesperado por recuperar a Sofía, intentará, por todos los medios,
sacarla del lúgubre burdel en el que él mismo la ha colocado.
La historia se repite una y otra vez, pero Ulises no tiene más
remedio que ceder ante un padre y un hermano autoritarios
y amenazantes, porque sabe que la traición en su familia tiene
un alto precio.
En toda esta visión plagada de frivolidad y de una calculadora atmósfera, Pablos deja la rienda suelta para un atisbo de
calor, el único resquicio de esperanza que Las elegidas nos deja
ver. Lo demás no son sino sórdidas perversiones que sólo dan
paso a arranques violentos de ira, dentro y fuera de la pantalla. Y es que, al final, Las elegidas no es más que una historia de
ficción que ocurre todos los días en nuestra realidad.
CINETECA NACIONAL
/3
Mustang:
belleza salvaje
Deniz Gamze Ergüven
Ankara | Turquía | 1978
Mustang | Deniz Gamze Ergüven | TurquíaFrancia-Alemania-Qatar | 2015 | 97 min.
G: Deniz Gamze Ergüven y Alice
Winocour. E: Mathilde Van de
Moortel. F en C: David Chizallet
y Ersin Gok. M: Warren Ellis.
Con: Güne
ensoy (Lale), Do a
Zeynep Do u lu (Nur), Tu ba
Sunguro lu (Selma), Elit can
(Ece), layda Akdo an (Sonay),
Nihal G. Kolda (la abuela). CP:
CG Cinéma, Vistamar Filmproduktion, Uhlandfilm, Bam Film.
Prod: Charles Gillibert, Emre
Oskay. Dist: Caníbal.
2015 Premio Label Europa
Cinemas. Festival de Cannes.
Francia. | Gran Premio y Premio
al Mejor Director. Festival
Internacional de Cine de Odessa.
Fragmentos de un texto
Ucrania. | Premio Corazón de
Sarajevo al Mejor Director y
Mejores Actrices. Festival de
Cine de Sarajevo. Bosnia-Herzegovina. | Selección oficial de la
sección Freihafen. Festival de
Cine de Hamburgo. Alemania.
4/
El comienzo del verano. En un pueblo en el norte de Turquía,
Lale y sus cuatro hermanas están caminando a casa desde la
escuela, jugando inocentemente con algunos chicos. La supuesta inmoralidad de su juego pone en marcha un escándalo
que tiene consecuencias inesperadas. Obligadas a prepararse
para el matrimonio, la casa de la familia se transforma progresivamente en una prisión para ellas. Las cinco hermanas, que
comparten una pasión común por la libertad, encontrarán
la manera de librarse de las restricciones que la sociedad les
impone.
de Fabien Lemercier
Cineuropa (cineuropa.org)
Bruselas, mayo de 2015
Ellas son cinco hermanas huérfanas de edades comprendidas
entre los 12 y los 16 años y su vida es un jardín paradisíaco de
risas y juegos sobre las olas del Mar Negro con los chicos
de la escuela de su pequeño pueblo, situado al norte de Turquía. Sin embargo, la condición de la mujer en el país no tardará en cernirse sobre este gineceo («todo el pueblo habla de
vuestra obscenidad») y su familia (la abuela y el tío) decide
hacerse cargo del asunto, esto es, prepararlas y precipitarlas
hacia su destino de futuras esposas.
La directora esquiva perfectamente la trampa de la queja y la
dramatización a ultranza trazando un cuadro preciso sobre la
reclusión progresiva de estas jóvenes a cargo de una sociedad
de férula masculina a la que bendicen las tradiciones. La cineasta elige contar esta historia a través de la mirada (y la voz
en off) de la más joven de las hermanas, la rebelde e irreverente
Lale (Günes ensoy), e inyecta en su película un humor salvador, un dinamismo reivindicativo y un optimismo solar que
sirven de contrapeso frente a los aspectos más sombríos del
relato. Todo ello aparece empaquetado por un desarrollo
de guión (escrito por la propia cineasta y la francesa Alice
Winocour) lleno de ritmo y discretamente inspirado en la
estructura clásica de los cuentos (la heroína debe pasar una
serie de pruebas para conseguir liberarse).
Tras la denuncia del vecindario por su comportamiento
inocente pero percibido como escandaloso, las cinco hermanas ven cómo su día a día se transforma radicalmente:
transcurre entre cursos de cocina y tareas del hogar, pasando
por pequeñas salidas al pueblo organizadas por la abuela para
llamar la atención de hombres que puedan casarse con ellas.
Impulsada por un ritmo sostenido, Mustang llama la atención sobre una directora dotada de un incontestable talento
para la puesta en escena, logrando dejar que el encierro al que
somete a sus protagonistas respire gracias a los recursos naturales que lo circundan (el mar, los bosques, la luz del verano…).
El carisma de las actrices hace del resto una película muy prometedora a la que pone música el australiano Warren Ellis y
que destaca por su poderoso mensaje feminista.
CINETECA NACIONAL
/5
Saint Laurent
Bertrand Bonello
Niza | Francia | 1968
Bertrand Bonello | Francia-Bélgica | 2014 | 150 min.
G: Thomas Bidegain y Bertrand
Bonello. F en C: Josée Deshaies.
M: Bertrand Bonello. E: Fabrice
Rouaud. Con: Gaspard Ulliel
(Yves Saint Laurent), Jérémie
Renier (Pierre Berge), Louis
Garrel (Jacques de Bascher), Léa
Seydoux (Loulou de la Falasie),
Amira Casar (Anne-Marie Munoz),
Valeria Bruni Tedeschi (Madame
Duzer), Aymeline Valade (Betty
Catroux). CP: Mandarin Cinéma,
Europacorp, Orance Studio, Arte
France Cinéma, Scope Pictures.
Prod: Christophe Lambert, Eric
Altmayer y Nicolas Altmayer.
Dist: Nueva Era Films.
Premios y festivales
2014 Premio ICS de la Sociedad
Cinéfila Internacional. Festival
de Cannes. Francia. | Selección
Oficial del Premio Louis
de Victor Blanes Picó
Delluc. Francia
El antepenúltimo mohicano
2015 César al mejor vestuario.
Academia de las Artes y Técnicas
del Cine de Francia.
6/
Centrada en el periodo que va de 1965 a 1976, Saint Laurent
retrata los años que marcaron el apogeo creativo del diseñador argelino Yves Saint Laurent, que culminaron con su
célebre Colección Rusa, considerada por muchos como una
de las más importantes de su carrera. Pese al éxito, su genio
y su creatividad se vieron coartados debido a que su vida
personal se demoronaba entre el peso de su trabajo, los negocios y sus relaciones amorosas. Fiel a su biografía, la cinta
traduce la visión innovadora de este diseñador, bajo su célebre premisa: «yo amo los cuerpos sin alma, porque el alma
está en otra parte».
(elantepenultimomohicano.com)
Barcelona, 25
de abril de 2015
Dos son los filmes que el año pasado explotaron a un genio:
Yves Saint Laurent. Mientras que Jalil Laspert (en Yves Saint
Laurent, 2014) se decanta por una concepción más ortodoxa,
organizada como un relato de los hitos que marcan la vida del
diseñador, Bertrand Bonello prefiere empezar desde dentro,
desde el gesto mínimo y el detalle para construir la vida de
Yves Saint Laurent y pasar así del personaje a la persona. En
este sentido, la película de Bonello consigue plasmar los dos
leitmotiv del diseñador de origen argelino: el tejido y la carne.
Ante todo, cabe destacar el respeto con el que el director se
acerca a la figura de Yves Saint Laurent. La escena inicial nos
muestra una figura de espaldas en la recepción de un hotel
parisino. Después, el diseñador habla con un periodista para
aceptar una entrevista. Bonello evita mostrarnos el rostro
atormentado del personaje ya que, al recuperar esta escena,
siendo consciente de sus viscisitudes, nos lo mostrará frontalente, sin ambigüedad. Sin embargo, este respeto no significa que Bonello lo trate de forma condescendiente: la puesta
en escena se vuelca a mostrar su genialidad y su visión de la
moda, pero también sus relaciones, obsesiones y pesadillas.
La cámara se muestra curiosa, atenta al lápiz con que el
diseñador hace sus trazos y sus bocetos; pero también mira
el gesto pausado del cigarro entre sus dedos y la mirada perdida del creador. Estos detalles de elementos mínimos permiten
a Bonello no sólo retratar a Saint Laurent, sino también la
burbuja que constituye su mundo creativo, como en la forma
de la escena que retrata la presentación de su colección de
1968 y 1969. La realidad de las imágenes de archivo contrasta
con un mundo frivolo que da la espalda a la calle.
La película piensa y observa como Yves Saint Laurent. Un
momento aburrido para el diseñador también se hace insípido para el espectador. Y es que Saint Laurent no es solamente el personaje, es el alma que mueve todo lo que ocurre en
las imágenes. Lo que Bonello consigue con esta película es
trascender la representación del genio y encaminarla hacia la
identificación con la persona a quien se acerca, cumpliendo
así el verdadero objetivo de una biopic.
CINETECA NACIONAL
/7
Carneros
Grímur Hákonarson
Islandia | 1977
Hrútar | Grímur Hákonarson |
Islandia-Dinamarca | 2015 | 93 min.
G: Grímur Hákonarson. F en
C: Sturla Brandth Grøvlen.
M: Atli Örvarsson. E: Kristján
Loðmfjörð. Con: Sigurður
Sigurjónsson (Gummi), Theodór
Júlíusson (Kiddi), Charlotte Bøving (Katrin), Jon Benónýsson
(Runólfur), Guðrún Sigurbjörnsdóttir (Hildur), Sveinn
Ólafur Gunnarsson (Bjarni),
Gunnar Jónsson (Grímur),
Jörundur Ragnarsson (Villi),
Þorleifur Einarsson (Sindri).
CP: Netop Films. Prod: Grímar
Jónsson. Dist: Interior XIII.
Fragmentos de un
texto de Alissa Simon
2015 Premio Una cierta mirada.
Variety (variety.com)
Festival de Cine de Cannes.
Los Ángeles, 15 de
Francia. | Premio Especial del
mayo de 2015
Jurado y Premio del Público.
Trad. Israel Ruiz Arreola
Festival Internacional de Cine
de Transilvania. Cluj-Napoca y
Sibiu. Rumania. | Golden Tower.
Festival de Cine Europeo de Pali.
Subotica, Serbia. | Ojo de oro.
Festival de Cine de Zúrich, Suiza.
8/
Carneros es un conmovedor drama humanista situado en un
remoto valle agrícola donde dos hermanos distanciados deben unirse para salvar lo que es más querido para ellos: sus
carneros. Grímur Hákonarson, un documentalista experimentado, saca provecho de su amplio conocimiento de los
granjeros islandeses y los paisajes únicos de su tierra natal;
complementando los eventos con algunos encantadores momentos de humor seco. Al igual que su compatriota, Benedikt
Erlingsson en Historias de caballos y hombres (Hross í oss, 2013),
Hákonarson captura amorosamente una cultura rural profundamente arraigada que está estrechamente conectada con
el espíritu nacional de Islandia.
Con un buen ojo para los detalles, el director presenta de
forma naturalista los rigores del trabajo agrícola, la sencillez
de sus solitarios protagonistas y su profundo afecto por sus
carneros. El diseño de producción de Bjarni Massi Sigurbjörnsson presenta los interiores como si no hubieran cambiado desde la década de 1940, pero que también proporcionan
información sobre los personajes. Los suéteres gastados y franelas rasgadas también dicen mucho acerca de estos hombres
que viven sin mujeres.
A medida que la película de Hákonarson se desarrolla, imágenes recurrentes contrastan y resuenan conmovedoramente
con significado. Aunque parte de la acción es desgarradora,
Hákonarson mantiene un tono respetuoso de admirable moderación a través de toda la película. Por su puesto que la razón
principal de que la película resulte efectiva es el casting de dos
de los mejores actores de Islandia. Como el mayor y más enojado de los hermanos, Júlíusson muestra un rango que lo hace
ver como El rey Lear. Pero las simpatías del público las lleva
Sigurjónsson, a través de cuyos ojos se desarrolla la historia.
Sin dirigirse la palabra en 40 años, Gummi y su hermano
mayor Kiddi viven en granjas vecinas en un valle agrícola de
Islandia. Ambos crían carneros del mismo linaje ancestral y
cada año son rivales en una competición que premia al mejor cordero. Cuando una enfermedad letal infecta al ganado,
las autoridades deciden sacrificar a todos los animales para
contener el brote. Esta es una sentencia de muerte para ellos,
cuyas ovejas son su principal fuente de ingresos. Pero los hermanos no se rinden tan fácilmente y cada uno tratará de evitar el desastre a su manera. Entre el drama y el humor negro,
esta película captura la esencia de la zona rural islandesa y su
estrecha conexión con los carneros.
CINETECA NACIONAL
/9
Nuestra
pequeña hermana
Hirokazu Kore-eda
Tokio | Japón | 1964
Umimachi Diary | Hirokazu Kore-eda |
Japón | 2015 | 126 min.
G: Hirokazu Kore-eda, basado en
la novela gráfica homónima de
Akimi Yoshida. F en C: Takimoto
Mikiya. M: Y ko Kanno. E: Hirokazu Kore-eda. Con: Haruka Ayase
(Sachi), Masami Nagasawa (Yoshino), Kaho (Chika), Suku Hirose
(Suzu), Ryô Kase (Sakashita),
Takafumi Ikeda (Hamada).
CP: Toho Company, Gaga Films,
Le Pacte, Shogakulkan,
TV Man Union. Prod: Kaoru
Matsuzaki y Hijiri Taguchi.
Dist: ND Mantarraya.
2015: Premio de la Audiencia.
de San Sebastián. España. |
Selección oficial. Festival de
Fragmentos de un
Cannes. Francia | Selección
texto de Ignacio Navarro
oficial. Festival Internacional
El antepenúltimo mohicano
(elantepenultimo-
de Cine de Toronto. Canadá. |
Selección oficial. Festival Internacional de Cine de Calgary.
Canadá. | Selección oficial.
de Ghent. Bélgica.
10 /
Sachi, Yoshino y Chika son tres hermanas que viven juntas
en la ciudad de Kamamura, Japón. Un día, son notificadas de
la muerte de su padre –que las abandonó quince años atrás–,
viéndose obligadas a asistir a su funeral y rendirle honores.
Ahí conocen a su pequeña hermanastra Suku, a quien invitarán a vivir con ellas. Esta película, el cuarto largometraje con
el que Hirokazu Kore-eda compitió por la Palma de Oro en el
Festival de Cannes, presenta un examen de las relaciones familiares y el matrimonio, con una mirada cálida que también
retrata las tradiciones de la sociedad japonesa.
mohicano.com)
Madrid, 17 de octubre de 2015
Uno de los muchos dilemas que plantea el cine de ficción es
hasta qué punto lo que retrata es inventado y hasta qué punto
es real. El cineasta que crea una historia inevitablemente
toma experiencias de su propia vida, y puede ser más o menos consciente en cuanto a sus intenciones autobiográficas.
En pocas filmografías como la del director japonés Hirokazu
Kore-eda puede rastrearse con mayor claridad una narrativa que corre paralela a sus propias vivencias. Por ejemplo,
él mismo confesaba que su reciente paternidad había sido
determinante en la concepción de su anterior filme, De tal
padre, tal hijo (Soshite chichi ni Naru, 2013), la historia de dos
familias cuyos hijos fueron intercambiados al nacer. Una paternidad que ya venía anticipada en Kiseki (2011), el relato de
dos hermanos separados por el divorcio de sus padres. Vemos
ya cómo a este cineasta le interesan tanto los fuertes y duraderos lazos familiares como las rupturas que pueden provocar
sus vicisitudes.
Esta otra vertiente trágica e inevitable de la familia también
está pues presente en la visión de Kore-eda, y así lo recoge
en su última obra, Nuestra pequeña hermana. Estamos ante
un trabajo que vuelve a insistir en las intrincadas relaciones
que pueden derivar del matrimonio bajo la historia de cuatro
hermanas que asisten al entierro de su padre y acogen a su pequeña hermana que se ha quedado huérfana. Con este trabajo,
Kore-eda ha ido perfeccionando un estilo que sabe mezclar
con sabiduría la profundidad del mensaje con la ligereza del
drama. Cuando en la cinta parece que no está pasando nada,
en el fondo sí está presente el conflicto. Esta combinación
temática, unida a su estilo a la vez naturalista y poético, le
ha valido frecuentes comparaciones con el maestro japonés
Yasujir Ozu o la influencia de Ken Loach o Mikio Naruse.
En Nuestra pequeña hermana, se sigue divisando su capacidad para dibujar una historia con envidiable espontaneidad,
uniendo una diversidad de elementos para componer un fresco representativo de una cultura y un pueblo característico,
al que gracias a él conocemos mucho mejor y sentimos como
parte de nuestra humanidad.
CINETECA NACIONAL
/ 11
Murieron por
encima de sus
posibilidades
Isaki Lacuesta
Gerona | España | 1975
Isaki Lacuesta | España | 2014 | 96 min.
G: Isaki Lacuesta. F en C: Diego
Dussuel, Marc Gómez del Moral.
E: Domi Parra. M: Judit Farrés
y Albert Pla. Con: Raúl Arévalo
(Miguel), Imanol Arias (Gerardo), Bruno Bergonzini (Piti),
Àlex Brendemühl (negociador),
José Coronado (José Javier),
Eduard Fernández (presentador
del noticiero), Ariadna Gil
(directora del colegio). CP:
Alicorn Films, La Termita Films,
Sentido Films. Prod: Isa Campo,
Marc Cases, Víctor Cavaller.
PC: Cineteca Nacional.
Fragmentos de un
texto de Jordi Costa
El País (cultura.elpais.com)
España, 24 de abril de 2015
Desde su mismo título, el último largometraje de Isaki
Lacuesta juega con la inversión de esa frase, tristemente
célebre, con la que, en su día, el poder vigente jugó a
culpabilizar de la crisis económica a esa ciudadanía que iba
a ser víctima insalvable de sus efectos más devastadores. Casi
al principio del metraje, el personaje interpretado por José
Sacristán también habla de culpa, pero en otros términos: «La
culpa es nuestra… por ser españoles», afirmación que precede
a una concisa reflexión sobre la siguiente ronda de cañas
[cervezas] como reiterado limbo nacional desde el aplazar,
eternamente, la revolución.
Murieron por encima des sus posibilidades es, en sí misma, un
fascinante problema de lenguaje: un inesperado (aunque sólo
aparente) borrón o exabrupto en forma de comedia bruta y
desarrapada en medio de la carrera de un autor respaldado
por la crítica exigente, empeñado en cambiar siempre de piel
pero con cierta base estable de operaciones en las encrucijadas entre realidad y ficción. Aquí, Lacuesta parece haber
planeado, a lo [Takeshi] Kitano, la disidencia de sí mismo o
la voladura de la idea que se habían formado de él, aunque el
humor ya había estado presente en trabajos anteriores como
Los pasos dobles (2011), Tres tristes triples (2013) e incluso Las
variaciones Marker (2008).
El director parece haber usado como combustible esa indignación colectiva —la potencialidad de una revolución
que no tuvo lugar— para construir, de forma abrupta y fragmentaria, una suerte de respuesta trash a El mundo está loco,
loco, loco [Stanley Kramer,1963], con reparto panorámico de
película de catástrofes, tono de historieta contracultural y
ecos de Con el culo al aire (1980), la comedia fallera y frenopática de Carles Mira. No todo funciona, pero hay momentos de
provocadora fuerza –el monólogo de Albert Pla– y un muy saludable reciclaje de la cultura popular para la justicia poética.
En un país parecido a la España de nuestros días, cinco ciudadanos comunes y corrientes ven destrozadas sus vidas por
una severa crisis económica. Sin nada ya que perder, elaboran un enloquecido plan para salvar la economía nacional y
mundial: secuestrar al presidente del Banco Central y exigirle
que todo vuelva a ser como antes. Con un reparto estelar que
igual incluye a reconocidos actores españoles como Eduard
Fernández, José María Pou, Luis Tosar, Raúl Arévalo o Imanol Arias que al cantautor catalán Albert Pla, esta «comedia
punk» –como la define su director– constituye una oscura
sátira de la recesión económica que ha azotado a varios países
en los últimos años.
12 /
CINETECA NACIONAL
/ 13
Mi Madre
Nanni Moretti
Brunico | Italia | 1953
mia madre | Nanni Moretti | Italia-Francia | 2015 | 107 min.
G: Nanni Moretti, Francesco
Piccolo y Valia Santella. F en C:
Arnaldo Catinari. M: Piezas de
Arvo Pärt, Leonard Cohen, Philip
Glass, Arnor Dan Arnorson, Mario Cantini y Nino Rota. E: Clelio
Benevento. Con: Margherita Buy
(Margherita), John Turturro
(Barry Huggins), Giulia Lazzarini
(Ada), Nanni Moretti (Giovanni),
Beatrice Mancini (Livia), Enrico
Ianniello (Vittorio). CP: Sacher
Film-Fandango, RAI Cinema, Le
Pacte-Arte France Cinéma. Prod:
Nanni Moretti y Domenico Procacci. Dist: ND Mantarraya.
2015 Premio del Jurado
Ecuménico. Festival de Cannes.
Francia. | David a la Mejor
Actriz (Margherita Buy) y a la
Fragmentos de un
Mejor Actriz de Reparto (Giulia
Lazzarini). Premios David di
Donatello. Italia. | Selección
oficial de la sección Perlas. Festival Internacional de Cine de
Donostia-San Sebastián, España.
| Selección oficial. Festival
Internacional de Cine de Chicago. Estados Unidos.
14 /
Margherita, una cineasta comprometida con el rodaje de una
película, debe lidiar con la disolución de su matrimonio, su
problemática hija adolescente y con un pretencioso actor estadounidense quien protaginazará su cinta. No obstante, sus
problemas crecen aún más cuando junto a Giovanni, su hermano, tenga que cuidar a su madre, quien está gravemente
enferma en el hospital. El más reciente largometraje de Nanni
Moretti es un retrato íntimo y semibiográfico inspirado en
la muerte de su madre, y deposita en su protagonista –una
especie de alter ego del director– la sensación de miedo, rabia
e incertidumbre que significa la pérdida de un ser querido.
texto de Vittoria Scarpa
Italia, abril de 2015
Trad: Edgar Aldape Morales
Casi se experimenta pudor al ver algunas escenas de la más
reciente obra de Nanni Moretti, Mia madre. Se siente una violación a la intimidad más profunda de su autor, frente a los
pequeños gestos, las incertidumbres, la rabia y la sensación
de vértigo de un hijo que está a punto de perder a su progenitora, porque sabemos que ella se inspira en la verdadera
madre del director, fallecida durante el montaje de Habemus
Papam (2011), y que detrás de este alter ego en la pantalla se
encuentra Moretti, con el corazón desnudo. Sobrio y sincero,
realiza un diario de esta pérdida sin alcanzar la conmoción: de
las lágrimas se pasa a las risas, sobretodo en las extraordinarias secuencias protagonizadas por John Turturro.
Un hospital y un plató de filmación; lo público y lo privado. Sobre estas dos dimensiones se balancea la historia de
Margherita, una directora de cine comprometida en el rodaje de una película sobre unos obreros que pueden perder su
trabajo. Hija, madre, compañera y hermana, Margherita se
encuentra cuidando a su madre de una grave enfermedad,
coincidiendo con la llegada de un actor estadounidense que
se muestra pretencioso. El director sigue al personaje en su
furia, donde intuimos su dolor contenido. «Todos piensan
que yo soy capaz de entender lo que ocurre, de interpretar
la realidad… pero yo ya no entiendo nada», sentencia el alter
ego de Moretti.
Este sentimiento de lejanía, explícito en su filmografía,
se hace aún más presente en esta cinta, tanto en la esfera
pública (la crisis creativa de Margherita) como en la privada (la impotencia para con la enfermedad de su madre). Los
sueños, recuerdos y fantasías de la protagonista parecen una
intrínseca reflexión del mismo Moretti, y se puede percibir el
modo de hablar y actuar del director en la interpretación de
Margherita Buy, quien sostiene el peso de la película de forma
excepcional. Para el espectador, el pudor trasciende al evidenciar nuestros temores, al revisar nuestro rol como hijos, bajo
la música del compositor Arvo Pärt, que llena al espectador
de pensamientos que no le abandonarán en mucho tiempo.
CINETECA NACIONAL
/ 15
El club
Pablo Larraín
Santiago de chile |
Chile | 1976
Pablo Larraín | Chile | 2015 | 98 min.
G: Guillermo Calderón, Daniel
Villalobos y Pablo Larraín. F en
C: Sergio Armstrong. M: Carlos
Cabezas. E: Sebastián Sepúlveda.
Con: Marcelo Alonso (padre
García), Antonia Zegers (hermana Mónica), Alfredo Castro (padre Vidal), Jaime Vadell (padre
Silva), Alejandro Goic (padre
Ortega), Alejandro Sieveking
(padre Ramírez), Roberto Farías
(Sandokán). CP: Fábula. Prod:
Juan de Dios Larraín.
PC: Cineteca Nacional.
2015 Gran Premio del Jurado.
Festival Internacional de
Cine de Berlín. Alemania. |
Premio a Mejor Película. Austin
Fragmentos de un
Fantastic Fest. Estados Unidos.
texto de Diego Lerer
| Selección oficial. Festival In-
Otros Cines (otroscines.com)
ternacional de Cine de Chicago.
Berlín, 9 de febrero de 2015
Si bien nunca se le llama así, “el club” parece ser un lugar secreto, uno que la sociedad civil parece desconocer y
que se maneja con sus propias reglas. ¿Qué misterio encierra
ese lugar? Uno podría decir, simplificando, que allí se ocultan,
se tapan, se esconden los pecados de la Iglesia, o de los “curitas” que estuvieron involucrados en distintas y problemáticas
cuestiones a lo largo de las últimas décadas. Una suerte de
prisión domiciliaria bastante flexible en la que la institución
“esconde” a los que cometieron delitos aunque, en realidad,
más bien parece protegerlos de ser enjuiciados de una manera
más propia de una sociedad democrática.
Nada es exactamente lo que parece ser en El club y en eso reside, en gran parte, su atractivo y su fuerza. Como lo ha hecho
en casi todos sus filmes, Pablo Larraín apuesta a confundir
expectativas todo el tiempo. Lo hace desde el look mismo de la
película –una suerte de digital pasado por unos viejos lentes
anamórficos rusos que le dan a la película una permanente
imagen brumosa, entre el smog y el simbolismo– y desde la
personalidad y psicología de los personajes.
La película avanza hasta llegar a una zona de conflicto
que obliga a Larraín a poner en juego hasta dónde realmente
la Iglesia intenta renovarse y cuánto de “cosmético” hay en
ésta, si se quiere, más nueva y limpia etapa de la institución.
Pero lo interesante de El club –algo que sucedía también en No
(2011)– es que los intereses de unos y otros no son realmente
claros y, en el fondo, la idea que planteaba esa película (la de
los cambios políticos que modifican menos cosas de las que
parecen) vuelve aún con más fuerza en ésta, en la que la figura
de Sandokán parece representar la ambigüedad con la que la
propia sociedad chilena se maneja con estas situaciones, a mitad de camino entre la denuncia y la culpa, entre la necesidad
de justicia y la autoflagelación.
Estados Unidos.
Un grupo de sacerdotes católicos viven aislados en una pequeña casa de un pueblo costero. Cada uno de ellos cometió
un pecado que lo ha convertido en fugitivo; ahora deben vivir de acuerdo a un estricto régimen, bajo la atenta mirada
de una mujer que los cuida. La frágil estabilidad de su rutina
se verá interrumpida por la llegada de un nuevo compañero
de desgracias, quien traerá consigo el pasado del cual todos
creen haber escapado. Poco a poco saldrán a la luz los oscuros secretos de estos siervos de Dios, revelando sin piedad
las contradicciones de la Iglesia Católica.
16 /
CINETECA NACIONAL
/ 17
Eisenstein
en Guanajuato
Peter Greenaway
New Port | Reino
Unido | 1942
Peter Greenaway | México-Países Bajos | 2015 | 105 min.
G: Peter Greenaway. F en C:
Reinier Van Brummelen. M:
Alejandro L. Madrid, Ruy García.
E: Elmer Leupen. Con: Elmer
Bäck (Serguéi Eisenstein), Luis
Alberti (Palomino Cañedo), Maya
Zapata (Concepción Cañedo), Lisa
Owen (Mary Sinclair), Stelio
Savante (Hunter S. Kimbrough),
Rasmus Slätis (Grisha Alexandrov), Jakob Öhrman (Eduard
Tisse). CP: Submarine, Paloma
Negra Films, Fu Works. Prod:
Bruno Felix, Femke Wolting, San
Fu Maltha, Cristina Velasco.
Dist: Piano.
de Gonzalo Hernández
El Antepenúltimo mohicano
(elantepenultimo-
2015 Selección oficial.
Berlín, 12 de febrero
de 2015
mohicano.com)
Era de esperar que Greenaway estrenara en Berlín con su habitual libertad estilística. Desencajando las expectativas de
muchos, y despertando ovaciones a su término con un ejercicio de brutales licencias creativas, con secuela confirmada en
torno a la figura de Serguéi Eisenstein y su estancia en México
para el frustrado rodaje de una película que finalmente nunca se materializó oficialmente a pesar de los montajes que,
posteriormente, se han realizado con el material sobrante. La
idea es abordar, desde la peculiar perspectiva del cineasta, la
homosexualidad y locura de un personaje escrito a la manera
de un Amadeus del nuevo siglo, verborreico y excéntrico, y
su historia de amor con un nativo de la zona en un affaire que
duró un total de diez días, aludiendo al subtítulo de su filme
Octubre: “Diez días que sacudieron al mundo”.
Todo es tan caótico que es difícil ver una lógica en las
elecciones formales, en pantallas triplicadas en vertical que
muestran la misma imagen, o en la manera tan diferente de
afrontar cada escena, destacando una secuencia central con
Eisenstein y su pareja en la cama, rodada en continuo travelling circular, con gran angular y casi como si fuera el montaje
de un escenario con los actores deambulando acorde al recorrido de la cámara.
El filme parece no responder a un patrón claro más allá de
la experimentación y el vuelo libre, jugando con un personaje
carismático tratado sin la solemnidad que se suele atribuir a
estas figuras en los biopics más convencionales, género en el
que no me atrevería a incluirla a pesar de reunir todos los ingredientes. En Eisenstein en Guanajuato la buena composición
visual sigue presente y da lugar a imágenes muy poderosas,
algo en lo que Greenaway pocas veces ha defraudado a pesar
de la extravagancia de sus trabajos.
de Berlín. Alemania. | Selección
de Cine de Hong Kong. China. |
Selección oficial. Festival de
Cine de Estambul.
18 /
En 1931 el icónico director soviético Serguéi Eisenstein
viaja a Guanajuato para dirigir la película ¡Qué viva México!, uno de los proyectos más ambiciosos de su carrera. Ahí
descubre una nueva cultura y la muy particular relación del
pueblo mexicano con la muerte. Pero además de las revelaciones que se le presentarán a lo largo de los diez días que
pasará en la ciudad, Eisenstein también se enfrenta con otra
revolución: la de su propio cuerpo. La más reciente película
de Peter Greenaway representa una lectura controvertida y
experimental de uno de los episodios más significativos en
la vida del director de El acorazado Potemkin.
CINETECA NACIONAL
/ 19
Las montañas
deben partir
Jia Zhang-ke
Fenyang | China | 1970
Shan he gu ren | Jia Zhang-ke |
China-Francia-Japón | 2015 | 131 min.
G: Jia Zhang-ke. E: Matthieu
Laclau. F en C: Yu Lik-wai. M:
Yoshihiro Hanno. Con: Zhao
Tao (Tao), Zhang Yi (Zhang
Jinsheng), Jing Dong Liang
(Liangzi), Zijian Dong (Dollar),
Sylvia Chang (Mia). CP: XSTREAM
Pictures, Office Kitano, Beijing
Runjin Investment. Prod: Shôzô
Ichiyama, Patrick Andre, Olivier
Père. Dist: ZatMeni Distribución.
Premios Y FESTIVALES
2015 Premio de la Audiencia.
de DONOSTIA-San Sebastián. España. | Selección oficial. Festival
de Cannes. Francia. | Selección
de Cine de Shanghái. China.
| Selección oficial. Festival
Internacional de Cine Karlovy
Vary. República Checa.
20 /
China, 1999. Dos amigos desde la infancia, Zhang y Liangzi, cortejan a Tao, una joven de la ciudad de Fenyang. Zang
es dueño de una gasolinera y tiene un futuro prometedor,
Liangzi trabaja en una mina de carbón. Tao tiene el corazón dividido entre ambos, pero deberá tomar una decisión
que marcará su vida y la de Dollar, su futuro hijo. De una
China contemporánea en plena transformación a una Australia como promesa de una vida mejor, la película sigue
las esperanzas y amores de estos personajes a lo largo de
varios años.
Fragmentos de un texto de
Carles Matamoros Balasch
Transit (cinentransit.com)
Cannes, mayo de 2015
Se ha especulado mucho con los significados ocultos que esconde la letra de “Go West” pero seguramente el que mejor se
ajusta a Las montañas deben partir sea el que alude al deseo de
abandonar los regímenes comunistas y viajar hacia Occidente para empezar de cero. La nueva película de Jia Zhang-Ke
arranca con esa canción, que escuchamos en una coreografía
desatada de la profesora Tao (interpretada por la inconmensurable Zhao Tao) junto a sus estudiantes. Son tiempos felices, de juventud, en Fenyang, la localidad natal del cineasta, y
la llegada inminente de 1999 parece de lo más prometedora
para Tao y sus dos amigos: Zhang (Zhang Yi), un capitalista
emergente, y Liangzi (Jing Dong Liang), un trabajador en la
minería.
En esa etapa inicial ya intuiremos en Zhang la voluntad
de partir hacia el extranjero para hacer fortuna, de «volar
muy alto, decir adiós a todos los amigos y empezar una nueva vida», como cantaban los Pet Shop Boys. Pero para ello
tendrá que encontrar antes una compañera vital. Las disputas entre Zhang y Liangzi por el corazón de Tao estarán
servidas y el cineasta chino, que se decanta en este bloque
de 1999 por un formato cuadrado, convierte sus encuadres
en un sofisticado juego de entradas y salidas laterales de los
dos hombres, que lucharán por formar parte del plano y
compartirlo con Tao.
Si las melodías viajan, también lo hacen los personajes
y la película de Jia se toma la libertad de seguirlos, abandonarlos o recuperarlos según convenga. Es más, Las montañas
deben partir funciona como una narración por relevos, en
la que el protagonismo es cambiante en cada capítulo y
en la que no se busca atar todos los cabos, pues el cineasta
privilegia una estructura expansiva sobre una concentrada.
No cabe duda de que estamos ante una película apasionante; una exhibición de las capacidades narrativas
de Zhang-ke que, siguiendo la vía de su anterior Un toque de
pecado [Thian zu ding, 2013] parece haberse convertido ya en
un cineasta más frontal, más directo, que ha dejado atrás la
etapa contemplativa que le hizo célebre con obras maestras
como Shijie [2004] o Naturaleza muerta [Sanxia haoren, 2006].
CINETECA NACIONAL
/ 21
3 corazones
Benoît Jacquot
París | Francia | 1947
3 coeurs | Benoît Jacquot | Bélgica-FranciaAlemania | 2014 | 106 min.
G: Julien Boivent, Benoît
Jacquot. F en C: Julien Hirsch.
M: Bruno Coulais. E: Julia Gregory. Con: Benoît Poelvoorde
(Marc Beaulieu), Charlotte
Gainsbourg (Sylvie Berger),
Chiara Mastroianni (Sophie
Berger), Catherine Deneuve
(Madame Berger).
CP: Rectangle Productions.
Prod: Alice Girard, Edouard
Weil. Dist: Alfhaville Cinema.
2014 Selección oficial.
Muestra Internacional de Arte
Cinematográfica de Venecia.
Italia. | Presentación especial.
de Toronto. Canadá.
de Arantxa Acosta
Cine divergente
En una ciudad francesa de provincia, una noche Marc conoce a Sylvie después de perder su tren a París. En armonía
casi coreográfica, ambos vagan por las calles hasta el amanecer, hablando de todo menos de ellos mismos. Marc toma
el primer tren de regreso y agenda una cita para ver a Sylvie
unos días más tarde en la capital. Ninguno sabe nada acerca
del otro, y cuando una dramática situación imposibilita a
Marc de asistir al encuentro, quedarán incomunicados. La
búsqueda de Sylvie llevará a Marc a otra mujer, Sophie, sin
saber del vínculo que ambas tienen entre sí.
22 /
(cinedivergente.com)
Venecia, 31 de agosto de 2014
Si se define la tragedia griega como «el resultado de la
confrontación entre la casualidad y el deber», es fácil comprender que su temática girase en torno al destino del hombre
y su lucha por cambiar los acontecimientos que marcarán su
vida. Una lucha que, irremediablemente, y debido a sucesos
que escapan de su control, siempre acabará perdiendo a no
ser que, precisamente, entre en escena un dios que le ayude.
Marc perderá el último tren que le lleve a la ciudad tras
una jornada de trabajo en las afueras. Mientras busca hotel
conocerá a una misteriosa mujer con la que pasará hablando toda la noche. Sin conocer su nombre, sin saber nada de
ella, quedarán en verse en unos días. En un lugar concreto, a
una hora concreta. Pero el destino impedirá a Marc acudir
a tiempo a la cita, sin posibilidad de reencontrarse con el
que seguro es el amor de su vida. La tragedia está ya servida… pero el capricho del destino, que nos puede parecer
mucho más cruel que benevolente, hará que Marc se reencuentre con la mujer de la peor forma posible: habiéndose
convertido en la pareja de su hermana.
Lo que podría haber sido un típico melodrama a tres
bandas es recogido por un Benoît Jacquot que decide jugar
con el material de partida de 3 corazones y transformar la mirada del espectador, obligándolo a presenciar, contra todo
pronóstico e introduciendo el género de forma gradual, un
thriller psicológico.
Como en su anterior Villa Amalia (2009), los elementos
presentes en la más reciente película de Benoît Jacquot
componen un filme íntimo, centrado en sus personajes y
que brinda al espectador una temática que le permita reflexionar sobre qué haría él en el caso propuesto. El trío de
actores seleccionado, formado por Charlotte Gainsbourg,
Benoît Poelvoorde y Chiara Mastroianni están a la altura
del drama pasional, cerrando el casting una Catherine Deneuve que, aunque no tiene muchos minutos, es clave para
el avance de la historia.
CINETECA NACIONAL
/ 23
45 años
Andrew Haigh
Harrogate | Reino
Unido | 1973
45 Years | Andrew Haigh | Reino Unido | 2015 | 95 min.
G: Andrew Haigh. F en C: Lol
Crawley. E: Jonathan Alberts.
Con: Charlotte Rampling (Kate
Mercer), Tom Courtenay (Geoff
Mercer), Geraldine James (Lena),
Dolly Wells (Charlotte), David
Sibley (George), Sam Alexander
(Chris, el cartero), Richard
Cunningham (señor Watkins),
CP: The Bureau. Prod: Tristan
Goligher. Dist: ND MANTARRAYA
2015 Premios al mejor actor y
la mejor actriz (Tom Courtenay
y Charlotte Rampling). Festival
Internacional de Cine de Berlín.
Alemania. | Premio a la mejor
actriz (Charlotte Rampling).
de Stephen Dalton
de Edimburgo. Escocia.
The Hollywood Reporter
(hollywoodreporter.com)
6 de junio de 2015
Trad. Fernando Torres
Belmont
Andrew Haigh, un serio contendiente en el pasado festival
de Berlín, presenta un poderoso estudio sobre un largo matrimonio sacudido desde sus cimientos por los celos de un
amor lejano. 45 años es un drama británico contemporáneo
que recuerda a Ingmar Bergman por la certeza con la que el
director sueco trataba la fragilidad en el amor y el matrimonio. Tom Courtenay y Charlotte Rampling protagonizan un
matrimonio en plena satisfacción otoñal que se ve derrumbado súbitamente por una silenciosa desesperación. Sin hijos, y
en el cruce de sus años de jubilación, ambos comparten una
casa rural en las pintorescas tierras llanas de Norfolk, en el
este de Inglaterra. Una semana antes de su 45 aniversario de
bodas, Geoff (Courtenay) recibe una extraña carta explicando
que el cuerpo de Katia, su novia alemana durante la juventud,
se ha encontrado perfectamente preservado en un glaciar
suizo. Ella murió en un accidente de senderismo alpino y
había estado desaparecida durante 50 años.
Kate (Rampling) resulta profundamente aturdida cuando
se entera de que su esposo fue catalogado oficialmente como
un familiar; devorada lentamente por los celos y la duda, se
empieza a desmoronar mientras es forzada a mantener una
buena cara para las obligaciones sociales y los preparativos
de la fiesta.
A pesar de que Kate es quien lleva el foco dramático y emocional de la película, el director fue meticuloso de no convertir a Geoff en un marido en vías de ser un patán que pisotea
los tiernos sentimientos de su esposa. Ambos son proyectados como personas con defectos, pero simpáticos. Sin duda,
uno de los aciertos es la forma en que 45 años captura la convincente cotidianeidad de un matrimonio en el que coexiste
una comunicación no verbal: frases inacabadas y tensiones
semienterradas; texturas que aderezan sutilmente la película.
Ese cuerpo congelado en el glaciar sirve como metáfora poética, así como recurso argumental literal.
Kate está a mitad de los preparativos del 45 aniversario de
su boda con Geoff, cuando de repente, él recibe una noticia
que lo arroja al pasado. Hace 50 años su entonces novia tuvo
un accidente en los Alpes suizos; finalmente su cuerpo ha
sido encontrado, congelado y perfectamente preservado. La
pareja está en shock, pero mientras Geoff se sumerge en un
distante universo de recuerdos, Kate se empeña en reprimir
su ansiedad y sus celos crecientes. A partir de la historia de
dos personas enfrentadas a sentimientos extraños, 45 años
explora la manera en que una tranquila coexistencia puede
salirse de control.
24 /
CINETECA NACIONAL
/ 25
una paloma
reflexiona sobre la
existencia desde la
rama de un árbol
Roy Andersson
Gotemburgo |
Suecia | 1943
En duva satt på en gren och funderade
på tillvaron | Roy Andersson | SueciaAlemania-Noruega-Francia | 2014 | 100 min.
G: Roy Andersson. F en C: István
Borbás y Gergely Pálos. M:
Hani Jazzar y Gorm Sundberg. E:
Alexandra Strauss. Con: Holger
Andersson (Jonathan), Nils
Westblom (Sam), Charlotta Larsson (Lotta, la coja), Viktor Gyllenberg (rey Carlos XII), Lotti
Törnros (maestra de flamenco),
Jonas Gerholm (el coronel solitario), Ola Stensson (el capitán
/ barbero), Oscar Salomonsson
(bailarín), Roger Olsen Likvern
(portero). CP: Roy Andersson
Filmproduktion. Prod: Pernilla
Sandström. Dist: Circo 2.12
de Domenico La Porta
Bruselas, 2 de septiembre
de 2014
2014 León de Oro. Muestra
Una paloma reflexiona sobre la existencia desde la rama de un árbol obedece al principio de la narración en tableaux vivants,
con 39 miniescenas y otros tantos planos fijos minuciosamente compuestos de manera que recuerdan a las pinturas
de Otto Dix y Georg Scholz, dos artistas alemanes cuyo trabajo fue inspirado por la [Primera] Guerra Mundial. Aparte de
la evidente persecución de una reflexión existencial sobre la
condición del ser humano en el espacio, también subrayada
por el título (literalmente, y figurativamente en la pantalla),
la película es, también muy claramente, una obra cómica de
principio a fin. Las escenas operan como sketches que podrían
funcionar absolutamente de manera individual, pero que
componen vagamente una historia interpretada por personajes que trazan la unión entre las secuencias.
El humor cínico, típicamente escandinavo, funciona muy
bien, sobre todo en la primera parte, en donde el espectador
cuenta con el elemento de la sorpresa. La seriedad de los protagonistas hace explotar el triste absurdo de las situaciones
que alcanzan a veces un surrealismo a lo Monty Python,
como en la secuencia en la cual un ejército del siglo XVIII
irrumpe a caballo en un bar contemporáneo para satisfacer
los impulsos homosexuales de su rey. El director maneja hábilmente el running gag (variaciones de una secuencia al teléfono) y distingue su última obra de sus precedentes, trabajando su ritmo para que parezca un poco menos que un simple
encadenamiento de imágenes inclinadas a la abstracción.
En el ejercicio de composición de los planos secuencia
(o los tableaux), se aplica un cuidado especial a la paleta de
colores (beiges, grises, ocres y matices de blancos crema), a la
música lírica y a las coreografías de sus movimientos, aun en
lo rígidos que puedan ser. La mayoría de los personajes están
pintados de blanco, casi reducidos al estado de cadáveres ambulantes. ¿Quién sino los casi muertos para reflexionar sobre
su vida pasada y lo que queda de ella, para considerar razones
para celebrar ambas cosas, estando, a pesar de todo, «felices de
escuchar que todo va bien»?
Internacional de Arte Cinematográfico de Venecia. Italia
2015 Premio Guldbagge a Mejor
Escenografía. Instituto Sueco
del Cine. Suecia. | Selección
oficial. Festival de Cine de
Sídney. Australia
26 /
Sam y Jonathan, un par de desventurados vendedores de artículos de diversión, nos llevan en un viaje caleidoscópico
a través de una serie de episodios donde salen a relucir los
absurdos de la condición humana. Con un estilo que recuerda
los tableaux vivants, cada viñeta que compone la película está
poblada por extraños personajes en situaciones singulares
que revelan la belleza, el humor y la tragedia de la vida. Antecedida por Canciones del segundo piso (2000) y Tú que estás vivo
(2007), esta película culmina “La trilogía viva” del director
Roy Andersson, dedicada a mirar la tragicomedia en que consiste la existencia de los seres humanos.
CINETECA NACIONAL
/ 27
Steve Jobs
Danny Boyle
Manchester |
Reino Unido | 1956
Danny Boyle | Estados Unidos | 2015 | 122 min.
D: Danny Boyle. G: Aaron Sorkin
basado en la biografía homónima por Walter Isaacson. E:
Elliot Graham. F en C: Alwin H.
Küchler. M: Daniel Pemberton.
Con: Michael Fassbender (Steve
Jobs), Kate Winslet (Joanna
Hoffman), Seth Rogen (Steve
Wozniak), Jeff Daniels (John
Sculley), Michael Stuhlbarg
(Andy Hertzfeld) y Katherine
Waterston (Chrisann Brennan).
CP: Decibel Films, Cloud Eight
Films, Management 360, Mark
Gordon Company y Scott Rudin
Productions. Prod: Guymon
Casady, Christian Colson, Mark
Gordon y Scott Rudin. Dist:
Universal Pictures.
Fragmentos de un
texto de Robbie Collin
2015 Selección oficial de la
sección Main Slate. Festival de
Cine de Nueva York. Estados Unidos. | Selección oficial. Festival
de Cine de Telluride. Estados
Unidos. | Sección Panorama.
de Leiden. Países Bajos.
28 /
Steve Jobs nos lleva tras los bastidores de los lanzamientos
de tres de los productos más representativos del gigante de
la informática Apple, culminando con la presentación del
popular iMac en 1998. Esta película construye un retrato
íntimo del hombre detrás de la revolución digital, quien
para reinventar los ordenadores se sometió a una serie de
sacrificios que afectaron su vida familiar y, posiblemente, su
estado de salud. Éste, el más reciente largometraje del director
de La vida en el abismo, explora los ensayos y los triunfos de
un genio contemporáneo.
The Telegraph
(telegraph.co.uk)
Londres, octubre de 2015
Traducción Julio
César Durán
Cuando Alan Turing, el inventor de la computadora, fue encontrado muerto por envenenamiento con cianuro en 1954,
una manzana a medio comer estaba al lado de su cama. Es
significativo que Steve Jobs, el reinventor de la computadora,
haya elegido ese mismo objeto como su logotipo empresarial,
con una mordedura fatídica.
El método fascinante detrás de la película de Boyle, protagonizada por Michael Fassbender y escrita por Aaron Sorkin,
es convertir la caóticamente variada, pero finalmente triunfante, carrera de Jobs en una gran historia. Ninguna coincidencia es sólo una coincidencia. Cada detalle nos dice algo
acerca de la mente que lo concibió. Boyle, Fassbender y Sorkin
han fijado el proceso de crear arte con la acerada escrupulosidad de un maestro maquinista, mientras que el filme que
han realizado hace hincapié en la ingeniería como una forma
de arte.
El filme se divide en tres actos, cada uno de los cuales
se lleva a cabo entre bastidores en tiempo real antes de un
lanzamiento de producto de Apple. La sección de apertura,
ambientada en 1984, anuncia la llegada del Macintosh –la
computadora de escritorio que se convirtió en la mascota de
la compañía a lo largo de los años 80. Entonces la película
salta hacia 1988, momento en el cual Jobs y Apple se han separado, y se prepara la inauguración de su nueva creación –el
monolítico NeXT–; finalmente a 1998, donde se encuentra
el iMac, la primera prueba de la dominación por venir.
Las diferentes atmósferas de cada período de tiempo están bien codificadas en el tejido de la película. El score de Daniel Pemberton se mueve desde pitidos digitales y palpita
hacia una arrogancia orquestal que está cerca de lo electrónico; mientras que el director de fotografía, Alwin Küchler,
filma el primer acto en un áspero 16 mm, el segundo en un
suave y glamoroso 35, y finalmente el tercero en un frío formato digital.
La película de Boyle hace que la tecnología tenga sangre
caliente y nos recuerda que cada máquina tiene un alma.
CINETECA NACIONAL
/ 29
59 muestra internacional de cine
Cineteca Nacional
Del 6 al 23 de noviembre
las elegidas
el club
CIRCUITO 1
(david pablos, méxico-francia, 2015)
(PABLO LARRAÍN, CHILE, 2015)
D.F. y área METROPOLITANA
Del 6 AL 11 DE noviembre
INSTITUTO POLITÉCNICO NACIONAL
Escuela Superior de Medicina
CINÉPOLIS
Plan de San Luis y Diaz Mirón
www.cinepolis.com.mx
Col. Casco de Santo Tomás, México D.F.
mustang: belleza salvaje
eisenstein en guanajuato
(deniz gamze ergüven, turquía-
(PETER GREENAWAY, MÉXICO-PAÍSES BAJOS, 2015)
Cinépolis Perisur
francia-alemania-qatar, 2015)
Centro Comercial Perisur
Centro Cultural Jaime Torres Bodet
Anillo Periférico Sur núm. 4690,
Av. Wilfrido Massieu s/n casi esquina
México D.F.
con Av. IPN, Col. Lindavista, México, D.F.
www.esm.ipn.mx
las montañas deben partir
saint laurent
(JIA ZHANG-KE, CHINA-FRANCIA-JAPÓN, 2015)
Cinépolis Diana
seminario de cultura mexicana
(bertrand bonello, francia-bélgica, 2014)
Av. Paseo de la Reforma núm. 423
Presidente Masaryk NÚM. 526,
Col. Cuauhtémoc, México D.F.
Zona Polanco, México D.F.
www.culturamexicana.org.mx
3 corazones
Cinépolis VIP Plaza Carso
carneros
(bENOÎT JACQUOT, BÉLGIcA-FRANCIA-ALEMANIA, 2014)
Lago Zúrich núm. 245,
(grímur hákonarson, ISLANDIA-DINAMARCA-2015)
Col. Granda Ampliación, México D.F.
Cinépolis VIP Samara
45 años
Av. Antonio Dovalí Jaime núm. 70
nuestra pequeña hermana
(andrew haigh, reino unido, 2015)
Col. Santa Fe, méxico D.F.
(hirokazu kore-eda, japón, 2015)
Cinépolis Plaza Satélite
Plaza Satélite
una paloma reflexiona sobre
Circuito Centro Comercial núm. 2251
murieron por encima
la existencia desde la rama de un árbol
(entre Pafnuncio Padilla y Carlos
de sus posibilidades
(roy andersson, suecia-alemania-
Arellano), Estado de México
(ISAKI LACUESTA, ESPAÑA, 2014)
noruega-francia, 2014)
UNIVERSIDAD NACIONAL
AUTÓNOMA DE MÉXICO
mi madre
steve jobs
FES Acatlán
(NANNI MORETTI, ITALIA-FRANCIA,2015)
(danny boyle, estados unidos, 2015)
Av. Alcanfores y San Juan Totoltepec s/n
Col. Santa Cruz Acatlán, Naucalpan,
Estado de México
www.acatlan.unam.mx
CIRCUITO 2
Cinematógrafo del Chopo
D.F. y área METROPOLITANA
Enrique González Martínez núm. 10
Col. Sta. María la Ribera, México, D.F.
CINEMEX
www.filmoteca.unam.mx
www.cinemex.com
Sala Julio Bracho
Cinemex Pabellón Polanco
Ciudad Universitaria
Av. Ejército Nacional nÚM. 980
Insurgentes Sur núm. 3000, méxico D.F.
Col. Chapultepec Morales, México, D.F.
www.filmoteca.unam.mx
Cinemex Altavista
Pabellón Altavista, Camino al Desierto
de los Leones NÚM. 52 (Altavista esq.
Revolución) Col. San Ángel, México, D.F.
Cinemex duraznos
Bosques de duraznos nÚM. 39,
Col. Bosques de las Lomas, México D.F.
Cinemex Plaza Insurgentes
San Luis Potosí NÚM. 214
(esq. Insurgentes)
Col. Roma, México, D.F.
Cinemex Reforma
Río Guadalquivir NÚM. 104
Col. Cuauhtémoc, México, D.F.
UNIVERSIDAD NACIONAL AUTÓNOMA DE MÉXICO
centro cultural universitario Tlatelolco
Ricardo Flores Magón núm. 1,
Col. Nonoalco-Tlatelolco, México, D.F.,
www.tlatelolco.unam.mx
FES Aragón
Av. Rancho Seco s/n, Col. Impulsora,
Nezahualcóyotl, Estado de México
www.aragon.unam.mx

59 muestra internacional de cine - Secretaría de Cultura del Estado

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