Festibaixas. Festival Internacional Rías Baixas

Transcripción

www.festibaixas.org
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internacional
Música, Danza e Teatro
IndIce
Presentación
El Proyecto
Propuesta de programación
Compañías y Espectáculos
Memoria de Actividades (Lusa Films/Producciones Teatrales Faraute)
Infraestructuras
Equipo Artístico
Organigrama Festival Internacional Rías Baixas
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PReSenTAcIÓn
El proyecto de crear un Festival de Música, Teatro y danza en la provincia de Pontevedra surgió
como una iniciativa del actor Sancho Gracia, el productor celestino Aranda y el director de escena
Miguel narros. Estas tres figuras del panorama cultural español son bien conocidas por su labor profesional en las distintas disciplinas teatrales y la calidad de sus trabajos ha sido y sigue siendo modelo
para muchas generaciones.
La figura de Sancho Gracia y lo conocido de su trayectoria profesional, así como su dilatada carrera
en teatro cine y televisión, hablan por sí mismos. No en vano, el actor ha sido declarado como uno de
los iconos de referencia de nuestro país.
Algo similar ocurre con el prestigioso director Miguel narros, figura indispensable durante más de sesenta
años en el panorama cultural español. Los méritos de ambos artistas han sido largamente reconocidos mediante la concesión de numerosos premios y distinciones, tanto nacionales como internacionales, y tanto institucionales como de entidades de toda índole. Su palmarés es extensísimo.
Y por último decir, que también ambos llevan toda la vida colaborando con el productor celestino Aranda, con
la que han producido numerosos espectáculos de diversa índole dentro del mundo de las artes escénicas.
Las acreditadas y extensas carreras profesionales de estos tres hombres de teatro, dedicados durante todas sus vidas
a la creación artística, han contribuido de manera decisiva al desarrollo y la difusión de la cultura en nuestro país.
Por otro lado son bien conocidos los vínculos de Sancho Gracia con Galicia en general, con Pontevedra en particular y más concretamente con Mondariz donde el actor posee una casa en la que vive gran parte del año.
Hacía tiempo que Sancho barajaba la idea de elaborar un proyecto que contribuyera a la difusión cultural y el
desarrollo económico de la provincia de Pontevedra. En el interés del proyecto está, naturalmente, el contar
con el apoyo de las distintas infraestructuras y los sectores empresariales (hostelería y servicios, comercios, empresas suministradoras de materiales…) que podrían beneficiarse de la celebración del Festival.
Tras comentar la idea se decidió que la aventura cultural merecía la pena y resolvieron afrontar el reto de
crear este Festival Internacional Rías Baixas, hablando primero con las instituciones pertinentes - El
apoyo institucional a través de la diputación de Pontevedra, Xunta de Galicia, Ministerio de cultura
y Secretaría General Iberoamericana (SeGIB) han sido indispensables para la materialización de un
proyecto de semejante envergadura.
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internacional
el PRoyecTo
El planteamiento del proyecto es llevar a cabo la creación de un Festival Internacional en el mes de julio
ya que la afluencia de turismo nacional e internacional tiene gran incidencia en toda la zona de las rías
bajas. La relevancia que puede tener para el desarrollo de toda la provincia un evento de tal magnitud será,
a todas luces, muy beneficioso y no sólo desde el punto de vista cultural sino también económico y social.
Los lugares que albergarán los distintos espacios escénicos serán:
Teatro-Sala de conciertos del centro cultural de novacaixagalicia de Vigo
centro Social novacaixagalicia de Pontevedra
Auditorio centro cultural novacaixagalicia de Vigo
Sala de conferencias del centro cultural novacaixagalicia de Vigo
En estas fechas se programan también en el territorio español, varios festivales de gran interés: Almagro,
Mérida, Sagunto, Santander, Segovia, Perelada o el Grec… El Festival Internacional Rías Baixas pasará por tanto, a engrosar la lista de festivales que se celebran en nuestro país con los que podríamos colaborar y de los cuales, a su vez, podría beneficiarse nuestro festival. A estos acontecimientos concurren
espectáculos de gran calidad, proyección internacional (hay espectáculos de gran interés artístico en Europa
que pueden programarse conjuntamente con otros festivales). Estos espectáculos podrían también ser programados por nosotros porque al ofrecer una mayor continuidad a las compañías de teatro, danza y música
que participan en los distintos festivales, los costes de los cachets de estas compañías -normalmente elevados dado el alto nivel artístico de los mismos- podrán abaratarse.
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PRoPueSTA de PRoGRAMAcIÓn
JULIO 2011
VIeRneS 1
InAuGuRAcIÓn del PRIMeR FeSTIVAl InTeRnAcIonAl
de MúSIcA, dAnzA y TeATRo RíAS BAIXAS
Lugar:
Hora:
12:00 horas
Una agrupación de Gaiteiros acompañará la presentación del acto
Evento:
AIReS de IdA y VuelTA
Recital lírico con canciones de compositores hispanoamericanos
para voz y piano. (españa)
Intérpretes:
Voz: carmen Acosta
Piano: Ross craigmile
Lugar:
Hora:
12:30 horas
VIeRneS 1 y SáBAdo 2
Evento:
l’oRcHeSTRe d’HoMeS oRcHeSTReS (canadá)
Intérpretes:
Bruno Bouchard
Jasmin cloutier
Simon drouin
Simon elmaleh
Gabrielle Bouthillier
danya ortmann
Lugar:
Hora:
20:30 horas
luneS 4
Evento:
MeSA RedondA del FeSTIVAl
“ocio, cultura y periodismo”
Participantes:
carlos G. Reigosa
Miguel ángel Aguilar
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Lugar:
Sala de Conferencias del Centro Cultural Novacaixagalicia de Vigo
Hora:
11:30 horas
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MARTeS 5 y MIéRcoleS 6
Evento:
Woyzeck, dirigido por do-Wan Im (corea)
Intérpretes:
Woyzeck: Seung-Gyun Hong
Marie: Ji-Sun lee
capitán: Sang-Il lee
Sargento Mayor: yang-Ju Shin
Médico: Jae-Hong cheon
Lugar:
Hora:
20:30 horas
VIeRneS 8 y SáBAdo 9
Evento:
A ÓPeRA doS TReS ReáS, con luis Tosar (españa)
centro dramático Gallego
director artístico: Francisco cadaval
director musical: carlos Ariel Gracia Baez
Lugar:
Hora:
20:30 horas
luneS 11
Evento:
MeSA RedondA del FeSTIVAl
lA IMPoRTAncIA del ARTe en lA SocIedAd
Participantes:
Verónica Forqué
Julio Bocca
luis Tosar
Lugar:
Sala de Conferencias del Centro Cultural Novacaixagalicia de Vigo
Hora:
11:30 horas
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continuación
JULIO 2011
MARTeS 12
Evento:
nocHe de dAnzA, (uruguay)
director: Julio Bocca
Intérpretes:
Ballet nacional del uruguay
Lugar:
Teatro-Sala de conciertos del centro cultural novacaixagalicia de Vigo
Hora:
20:30 horas
Evento:
“loS neGRoS”, de Jean Genet (españa)
Adaptación: Juan caño Arecha
director: Miguel narros
Lugar:
Hora:
20:30 horas
MIéRcoleS 13
Evento:
SHIRley VAlenTIne
Autor: Willy Russell
Intérpretes:
Verónica Forqué
Lugar:
Hora:
20:30 horas
Evento:
SondeSeu, orquesta Folk de Galicia (españa)
Lugar:
Hora:
20:30 horas
JueVeS 14, VIeRneS 15 y SáBAdo 16
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Evento:
MASTeR clASS, a cargo de la mezzosoprano Teresa Berganza
Lugar:
Hora:
16:30 horas
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VIeRneS 15
Evento:
Blue lAdy (Francia)
coreografía: carolyn carlson
Intérpretes:
Jacky Berger
Lugar:
Hora:
20:30 horas
Evento:
BAlleT nAcIonAl de eSPAñA
danza y Tronío (coreografía: Mariemma)
caprichos (coreografía: Fernando Romero)
Ritmos (coreografía: Alberto lorca)
Solo
director: José Antonio
Lugar:
Hora:
20:30 horas
SáBAdo 16
Evento:
Blue lAdy (Francia)
coreografía: carolyn carlson
Intérpretes:
Jacky Berger
Lugar:
Hora:
20:30 horas
Evento:
Solo
Lugar:
Hora:
20:30 horas
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continuación
JULIO 2011
MARTeS 19 y MIéRcoleS 20
Evento:
dIdo y eneAS (canadá)
director Artístico: édouard lock
Intérpretes:
compañía: la, la, la Human Steps
Lugar:
Hora:
20:30 horas
MIéRcoleS 20
Evento:
VeRSoS BAndoleRoS y cAncIoneS eScondIdAS (españa)
eSTReno ABSoluTo
Guión: Manolo Matji
Intérprete:
Sancho Gracia
Lugar:
Hora:
20:30 horas
JueVeS 21
Evento:
MúSIcA cAllAdA (españa)
Intérpretes:
Voz: Ana Belén
Piano: Rosa Torres-Pardo
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Lugar:
Hora:
20:30 horas
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VIeRneS 22
Evento:
VeRSoS BAndoleRoS y cAncIoneS eScondIdAS (españa)
Guión: Manolo Matji
Intérprete:
Sancho Gracia
Lugar:
Hora:
20:30 horas
SáBAdo 23
Evento:
concIeRTo luz cASAl (españa)
Lugar:
Hora:
20:30 horas
eXPoSIcIÓn
loS cláSIcoS y lA ModA
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eSPecTáculoS/coMPAñíAS
“AIRES DE IDA Y VUELTA (ESPAñA)
Recital de Música española e Iberoamericana
cARMen AcoSTA - soprano
RoSS cRAIGMIle - piano
Sinopsis
Este programa propone un recorrido por la Música Española y del Sur de America del siglo XX, incluyendo algunas de las
piezas más alabadas y representativas. Canciones de Argentina, Cuba, Brasil, desde Heitor Villalobos, Montsalvatge, Obradors, Guastavino y Lecuona entre otros…
cARMen AcoSTA
Soprano coloratura, nace en Santa cruz de Tenerife y realiza sus estudios de clarinete y canto en el Conservatorio
Superior de Música de dicha ciudad. Como clarinetista
fue becaria de la Orquesta Sinfónica de Tenerife. Posteriormente perfecciona sus estudios de canto en Londres
con Peter Harrison (Guildhall School) y de arte dramático
con Delia Lindon (Royal Academy) y en Miláncon Sara
Sforni_Corti. Se licencia en canto por el Conservatorio del
Liceo de Barcelona con Carmen Bustamante recibiendo
premio de honor fin de carrera.
Canta regularmente en teatros de ópera españoles y alemanes entre ellos el Teatro de La Zarzuela de Madrid, Teatro Cervantes de Málaga, Teatro de Alicante, Teatro Cuyás
de Las Palmas de Gran Canaria, Teatro Guimerá, Auditorio
Manuel de Falla de Granada, Teatro de la Opera de Halle,
Städtische Bühnen Münster, Festival Rossini im Wildbad, el
Festival de Verano de San Lorenzo del Escorial, Pfalztheater
Kaiserslautern, la Liederhalle de Stuttgart, Konzertsaal Dortmund, Teatro de la opera de Duisburg, Philharmonie de Essen, Tonhalle de Dusseldorf, Konzerthaus de Berlín, Victoria Hall de Ginebra, Auditorio de la Chaux de fonds en Suiza… dónde
ha interpretados a las grandes personajes del Belcanto como por ejemplo de Rossini – Corinna de “Il viaggio a Reims”, Cristina de “Eduardo e Cristina”, Fiorilla de “Il turco in Italia, de Donizetti Lucia de “Lucia de Lammermoor”, Marie de “La Hija del
Regimiento”, Adina de “L’elisir d’amore”. De Mozart ha cantando el papel de “Blonde” de “Un rapto en el serrallo”, Reina de
la Noche “La flauta mágica”, Zerlina de “ D. Giovanni, Rosina de “La finta semplice”, de Haendel Cleopatra de “Julio Cesar”y
de Meyerbeer, Berthè de “El Profeta. “Jugar con Fuego” de Barbieri, esta última bajo la dirección de Miguel Narros, la Norina
de “Don Pasquale “ de Donizetti y la Manon en “Manon” de Massenet.
Asimismo desempeña una labor de concierto con obras como:”La Creación” de Haydn, “Las Estaciones” de Haydn, “El Mesias” de Haendel “Carmina Burana” de Carl Orff, “La Kaffee kantate” de Bach, “La Visperae Solemme de Confesori” Mozart
etc.. con directores de la talla de A. Ros Marbá, Arturo Tamayo, Alberto Zedda , Víctor Pablo Pérez, Adrian Leaper, Herbert
Handt, Ivan Törz, John Lubbock, junto a Orquestas como las Orquesta de Cámara de Lausanne, Los Virtuosos de Praga,
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Orquesta Sinfónica de Tenerife, Orquesta Sinfonica de Málaga, Filarmónica de Gran Canaria, Orquesta de la Comunidad de Madrid, Orquesta des Opernhaus Halle, Ulster Symphony Orchestra, Orquesta de Radio Televisión Española..
Ha grabado en CD para Bongiovanni “Eduardo e Cristina” de Rossini (Cristina) en la única representación mundial de la
obra y que fue retranmitida en directo por la Radio de Berlín y para Hänsler Clasic “Gran Misa de Gloria de Rossini” junto
al tenor William Mateuzzi. La Cantata del Café y el estreno mundial de “Vida maravillosa y Burlesca del café” de Jorge
Pepi con la Orquesta de Camara de Laussane dirigida por Arturo Tamayo. Ha grabado recientemente en Barcelona, obras
inéditas del belcanto relacionadas con España, con canciones de Pauline Viardot, Isabel Collbran, María Malibrán y Rossini y Manuel García.
Ha sido invitada a participar en la Gala 150 Aniversario del Teatro de la Zarzuela de Madrid junto a los mejores cantantes
de la lírica nacional. Ha inaugurado en Barcelona el Auditori del Conservatorio del Liceu junto a la Orquesta de Cámara
del Liceu ante Su Majestad la Reina Doña Sofía interpretando arias de concierto de Mozart. Recientemente ha realizado
un recital homenaje para la fundación ACNUR con canciones de compositores catalanes en el Auditorio del Liceo en Barcelona y ha inaugurado el Festival de verano San Lorenzo del Escorial con el Carmina Burana junto a la Orquesta de Radio Televisión Española, dirigida por Adria Leaper.
RoSS cRAIGMIle, pianista
Ross Craigmile se graduó en el Royal College of Music y ganó una
beca para estudiar en Italia durante dos años. Enseñó piano y dio
varios conciertos como solista – entre otros en el conocido ciclo
del Maggio Fiorentino y como pianista acompañante en el Festival de Mai de Bordeaux, Palau de la Música Catalana, Auditorio Nacional de Madrid etc.
Pronto descubrió el mundo fascinante de la ópera y trabajó como
correpetidor durante seis años en el Teatro Bellini de Catania. A continuación colabora con diferentes teatros, destacando Gran Teatre
del Liceu de Barcelona, Teatro de La Fenice de Venecia, Teatro de
La Monnaie de Bruselas, Teatro Municipal de Santiago de Chile,
Opera de la Coruña, Festival de Peralada, Opera de las Palmas, L’Opera de Strasbourg, L’Opera de Liège etc. También colabora en los
concursos Francesc Viñas, Jaume Aragall etc.
Hace un máster en Pedagogía en la Universidad de Southampton y trabaja como Director de Música del Brockenhurst
College, Director de Música del Brockhurst School, también en el Conservatorio del Liceu y actualmente en el ESMUC de
Barcelona. Durante su carrera profesional ha trabajado con los grandes intérpretes de la lírica internacional. Cantantes
como Alfredo Kraus, Jaume Aragall, Eduard Giménez, Carlos Chausson, Alicia Nafé, María Bayo, David Rendall, Diana Montegue, Sumi Jo, Àngel Òdena, Katia Ricciarelli, Elena de la Merced, Miquel Ramón, etc. Directores como Richard Bonynge,
Daniel Oren, Georges Prêtre, Marcello Viotti, Alberto Zedda, Spiros Argiris, Gabor Otvos, Marco Armigliato etc.
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LA ORQUESTA DE LOS HOMBRES ORQUESTA (CANADá)
“Interpretando a Tom Waits”
Tocan uno delante del otro, uno encima de otro, intercambian las voces, se ponen los dedos entre las cuerdas, se
obstaculizan, se ponen la cuerda al cuello. Los intérpretes reactivan el universo de Tom Waits con flores y cuchillos puntiagudos, con justeza y originalidad. Se dice de ellos que hacen “música que se ve”.
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¿Qué es la orquesta de los Hombres orquesta?
En 2002, cuando fundaron en Quebec La Orquesta de los Hombres Orquesta, los miembros del colectivo no sabían todavía que ponían las bases de una verdadera cantera de las artes del espectáculo (música, actuación, teatro de calle,
intervenciones urbanas).
Originalmente, La Orquesta de los Hombres Orquesta es una formación musical, aunque los miembros que evolucionan
en ella practican disciplinas artísticas variadas. Pero al hilo de los distintos proyectos llevados a cabo, constatando la riqueza de esta colaboración y la originalidad de las producciones, el colectivo se metamorfoseó poco a poco en taller de
bricolaje interdisciplinario. Gravitando alrededor del personaje del hombre orquesta (hombre para todo, que no tiene otro
talento particular que saber hacer un poco de todo, pero todo a la vez), el colectivo hace de todo, sin poseer por ello los
talentos particulares o los conocimientos requeridos; hace falta, pues, salir a buscar soluciones no trilladas, reinventar la
virtuosidad en otro sitio. Aproximándose así al bricolaje, el colectivo se aleja de la uniformidad y de la normalización. Se
trata, de alguna manera, de abogar a favor de arreglárselas con lo que se tiene y de la inteligencia. También es una esperada reconciliación entre arte actual y cultura popular.
La Orquesta de los Hombres Orquesta también propone una mirada oblicua sobre la actuación y la presencia del actor,
por la fuerza de un juego bruto que provoca desequilibrios que desarman y una relación sin artificios con el espectador. ¡Lo que importa es que cada espectáculo sea un acontecimiento que nunca más se repetirá!
La Orquesta de los Hombres Orquesta busca texturas sonoras utilizando instrumentos de música inusitados, inventados o pescados en el barreño de la vida cotidiana. Corre riesgos provocando en escena accidentes sonoros, con los que
juegan hábilmente los intérpretes.
Se dice de ellos que hacen “música que se ve”.
los espectáculos
• INTERPRETANDO A TOM WAITS (música)
“…cubo de agua, spaguetti, cajas de madera: de hecho, todo lo que puedan imaginar se transforma en instrumentos de
música en esta feria bien calibrada. Si el universo sonoro es hechizante, la presencia escénica alisa: simpático espectáculo de circo, la OdeHO ofrece una prestación a medio camino entre la actuación y la payasada, donde cada desorden
es un pretexto para la fiesta.” – periódico Voir
• CARAVANA ESTRUENDO (arte callejero)
Seis manitas multi-instrumentistas transforman un vehículo Chevrolet de 1963 en verdadero camión de Berbería en
una “feria bien calibrada”. Órgano de bocinas, zapato de claqué sobre el techo, alerón musical, puertas que chirrían, antena magnética, canción tirolesa virtuosa, motor que zumba al servicio del genio de la recuperación musical, con ayuda
de una ciencia muy aproximativa.
• EL MOVILOSCOPIO (arte callejero, actuación de video)
Un público restringido es invitado al interior de un camión Chevrolet de 1963, transformado en generador de memoria
colectiva. Durante un paseo inmóvil, por medio del video “en directo” difundido por las ventanas/pantallas de televisión,
los participantes ven injertarse recuerdos artificiales, fabricados de la nada ante los ojos de los espectadores, que se
quedan al exterior, asistentes “al reverso de un decorado” estruendoso.
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LA ORQUESTA DE LOS HOMBRES ORQUESTA (continuación)
los intépretes
Bruno Bouchard: voz, hombre-orquesta, guitarra, gazoo, maleta, espagueti, violón, etc.
Hizo estudios colegiales en comunicaciones visuales en el Collège de Lévis, se licenció en estudios teatrales, especialidad
dramaturgia y puesta en escena, en la Universidad Laval, en diciembre de 2005. Luego practicó activamente la puesta
en escena de espectáculos teatrales e interdisciplinarios, en el seno del colectivo Théâtre Rude Ingénierie, combinando
música y actuación en diversas colaboraciones artísticas. Bruno se interesa en la reunión de disciplinas dentro del acto
teatral. También es un hombre-orquesta.
Jasmin Cloutier: voz, guitarra, banjo, megáfono, botas, etc.
En 2004 terminó estudios de música jazz en el cégep de Drummondville. Desde hace 4 años, inicia y participa en distintos proyectos musicales componiendo e interpretando. Es co-fundador del colectivo musical .d’escabeaux (exploración, investigación y composición musical). Aseguró la concepción musical de distintos proyectos teatrales. En 2006 fue
becario del Conseil des Arts et des Lettres du Québec para Musique imprudente, un proyecto de composición del que es
director musical. Desde hace varios años, perfecciona distintas técnicas guitarrísticas surgidas de las Américas. También
es un hombre-orquesta.
Simon Drouin: voz, armónicas, sierra musical, tijeras, guantes de boxeo, pera de zumo, etc.
Es músico, director teatral, escritor, actor, licenciado por la Universidad Laval en estudios teatrales, con bloques complementarios en filosofía y en creación literaria. Desde 2003, se consagra a los diferentes laboratorios de creación musical
del colectivo .d’escabeaux (exploración, investigación y composición musical), del que es co-fundador. Es co-director artístico del Bureau de l’APA (teatro), que con el apoyo del Conseil des Arts et des Lettres du Québec, explora voces originales de la creación teatral y relaciones no tradicionales con los espectadores. También es un hombre-orquesta.
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Simon Elmaleh: voz, bajo eléctrico, contrabajo, carrito, martillo, etc.
Es músico, compositor y artista de audio. Estudió literatura y composición electro-acústica en el conservatorio de música de Quebec. Toma parte como creador en múltiples acontecimientos interdisciplinarios (teatro, video, poesía…).
Firmó una emisión radiofónica sobre las músicas negras en las ondas de CKRL, de 2005 a 2007. También es un hombre-orquesta.
Gabrielle Bouthillier
Ante todo cantante (aunque a veces instrumentalista), Gabrielle Bouthillier hace música antigua con cilindros de cera.
En confluencia de una formación clásica y de un saber hacer que está desapareciendo, ambos adquiridos en contacto
con portadores de tradiciones, ha adquirido al arte de manipular la música que se ve, ella posee una voz preciosa, potente y con matices a la que ella presta mil caras para crear otras tantas imágenes. Se la habrá reconocido (o no) en Serre
L?Ecoute, Strada, .d’escabeaux, le Duo Bouthillier-Elmaleh, Musiques Chaudes et les New Cackle Sisters. Ella es una mujerorquesta.
Danya Ortmann
Ante todo cantante (aunque a veces instrumentalista), Gabrielle Bouthillier hace música antigua con cilindros de cera.
En confluencia de una formación clásica y de un saber hacer que está desapareciendo, ambos adquiridos en contacto
con portadores de tradiciones, ha adquirido al arte de manipular la música que se ve, ella posee una voz preciosa, potente y con matices a la que ella presta mil caras para crear otras tantas imágenes. Se la habrá reconocido (o no) en Serre
L?Ecoute, Strada, .d’escabeaux, le Duo Bouthillier-Elmaleh, Musiques Chaudes et les New Cackle Sisters. Ella es una mujerorquesta.
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WOYZECK, DE BÜCHNER SADARI MOVEMENT LABORATORY (COREA)
dirigido por do-Wan Im
director, do-Wan IM
Fundador y Director, graduado en L’Ecole Internationale de Theatre Jaques Lecoq, en La Troisieme annee Pedagogique (Set
Design y Teaching Method) y en Laboratoire d’etude du Movement, en el departamento de escenografía de la escuela.
Sadari Movement laboratory desarrollada a partir del Sadari Theater Company, fundada en 1988 por Im Do Wan y You Hong
Young. Después de completar sus estudios en L’École Internationale de Théatre Jaques Lecoq en Paris, Im Do Wan regresó a Corea
donde comenzó sus experimentos con el teatro físico no verbal. En 1999 fundó el Sadari Movement Laboratory.
Una de las características principales del Sadari Movement Laboratory es la plena colaboración de todos los miembros de la compañía durante el proceso creativo, a partir del análisis del texto y su traducción, al traer el texto a la vida a través de imágenes
cinéticas, produciendo una experiencia teatral en la versatilidad del movimiento.
Asianow
AsiaNow es una compañía fundada en 2005 para desarrollar, producir y presentar creativamente un innovador y excitante teatro físico asiático contemporáneo, danza y artes interdisciplinares.
La compañía está totalmente involucrada en el desarrollo creativo, consulta y gestión de las artes escénicas.
Woyzeck
de Georg Büchner
Woyzeck se basa en un crimen verdadero. El 3 de junio de 1821, J. C. Woyzeck, un ex soldado y barbero de baja clase social que
apuñaló hasta matar a la mujer con la que vivía. Durante su proceso, el médico que estuvo examinando la vida y el estatus social de Woyzeck, especuló que la privación social y la baja posición social dan lugar a una persona sin acceso a una moralidad
coherente. Woyzeck testifica alegando alucinaciones horribles y voces que le ordenan matar a su amante. Fue decapitado públicamente en 1824.
Georg Büchner adaptó libremente la historia de Woyzeck creando el primer drama expresionista del mundo, un drama compuesto de fragmentos radicalmente individualizados sobre la vida de un humilde soldado, que se vuelve loco por culpa del Capitán que le esclaviza y el doctor que lo obliga a someterse a experimentos médicos deshumanizantes.
La pieza estructura la vida en una serie de traumas valientemente simplificados: la servidumbre de Woyzeck hacia el capitán que
le humilla brutalmente; la relación de Woyzeck con Marie, una prostituta con la que tiene un hijo ilegitimo; la traición de Marie
con el Sargento Mayor con el que tiene una relación sexual; la serie de experimentos sociológicos y médicos a los que el doctor
obliga a Woyzeck; y las alucinaciones que siguen torturándole.
el Woyzeck de Sadari Movement laboratory
El Woyzeck de Georg Büchner sigue siendo uno de los más enigmáticos e influyentes trabajos del teatro moderno. El Sadari Movement Laboratory acepta crear una nueva interpretación dinámica de la pieza, subrayando los potenciales ocultos originales
mientras anticipa un nuevo lenguaje físico teatral. El SML se basa en las aportaciones creativas de todos los miembros de
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la compañía.
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El Sadari Movement Laboratory pone de moda nuevas técnicas al de redescubrir y revitalizar esta obra expresionista sobre la
vida de un pobre soldado que es conducido a la locura por el orden social que le domina. Utilizando sillas como una metáfora
cambiable, los artistas configuran el espacio dramático y revelan los estados emocionales de los personajes, mientras el tango
de Astor Piazzolla se convierte en parte integral del flujo narrativo.
Fundado en 1998, el Sadari Movement Laborator es una de las más celebres compañías de teatro contemporáneo de Corea.
Esta producción se representó en el 2008 en el Edimburgh Fringe Festival, ganando un Herald Angel y un Total Theatre Awards.
Realiza giras en todo el mundo, New York, Londres, Moscú y Beijing.
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WOYZECK (continuación)
créditos
equipo creativo
Autor
George Büchner
Director
Do Wan Im
Música
Astor Piazzolla
Dramaturgo
Kyu Choi
Diseño de iluminación
Tae-Hwan Gu
Diseño del sonido
Yo-Chan Kim
Diseño del decorado
Jae-Yun Cho
Diseño del vestuario
Joo-Hee Lee
Maquillaje
Song-Wha Chae
Director de escena
Mee-Ryeong Kim
Técnico de iluminación
Dong-Hun Kim
Asistente al director
Eun- Young Joung
Asistente al dramaturgo
Earl Jackson
Productor
Kyu Choi
Tour Manager
Hee-Jin Lee
Fotografías
Eun-Sun Choi
Intérpretes
Woyzeck
Seung-Gyun Hong
Marie
Ji-Sun Lee
Capitán
Sang-Il Lee
Sargento Mayor
Yang-Ju Shin
Médico
Jae-Hong Cheon
Coro
Jin-Hee Yun, Byeong-Hun Jeong, Jae-Sun Shim, Sung-Won
Jang, Min-Jung Kang, Da-Hee Kim
Representante en España
Pilar de Yzaguirre- Ysarca Art Promotions
Esponsorizado por el Ministerio de Cultura, Deportes y Turismo KAMS (Korea Art Management Service)
Presentado en asociación con AsiaNow Productions
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A ÓPERA DOS TRES REÁS (CENTRO DRAMáTICO GALEGO)
Autoría: Bertolt Brecht (texto) e kurt Weill (música)
dramaturxia e dirección escénica: Quico cadaval
dirección musical: carlos Ariel Gracia Báez
Protagonizada por luis Tosar
Coincidindo co Ano Internacional da Música, e dentro do plan de produción propia, o Centro Dramático Galego presenta
A ópera dos tres reás, a súa segunda proposta escénica para esta temporada 2010-2011 cuxa estrea terá lugar en Santiago de Compostela no mes de xuño.
A compañía pública galega actualiza o clásico de Bertolt Brecht baixo a dirección escénica de Quico Cadaval -quen
asume tamén a dramaturxia-, e a dirección musical de Carlos Ariel Gracia Báez.
Luis Tosar, a cara máis recoñecida do panorama cinematográfico actual e un dos actores máis solicitados, encabezará
o elenco deste drama musical. O resto do equipo será seleccionado no mes de febreiro e a data de inicio dos ensaios está
prevista para abril.
Baseada na peza do dramaturgo inglés John Gay A ópera do mendigo (1728), a obra constituíu o éxito teatral máis importante de Brecht. ás formulacións escénicas do dramaturgo alemán uniuse unha fascinante partitura composta por kurt Weill, na que incorporou cabaré, jazz e música culta, aínda que satirizada. Algúns dos
seus temas musicais adquiriron grande éxito por si mesmas, como A balada de Mackie o Navalla, Jenny a dos
piratas, A canción dos canóns, Barbara song e A balada do bordel que foron inmortalizados por grandes cantantes como louis Armstrong, edith Piaff, nina Hagen, Tom Waits, ute lemper, Sting...
Brecht sitúa na Alemaña dos anos 30 un mundo de delincuencia, crise, prostitución, miseria e abusos, no que o popular
delincuente Mackie Messer seduce a filla do rei dos mendigos. Unha voda nunha corte é o detonante dunha carreira vertixinosa en que os mendigos, as prostitutas e a policía comparten protagonismo, audacias e un final sorprendente. Música e palabra, da man, ofrecen unha obra que busca o goce xunto á reflexión.
Bertolt Brecht, autor
Bertolt Brecht é un dos dramaturgos máis destacados e anovadores do século XX. Estudou Medicina en Munich e durante a I
Primeira Guerra Mundial traballou como enfermeiro nun hospital militar. Ao rematar a guerra, entrou en contacto cos círculos
artísticos vencellados ao expresionismo e viron á luz as súas primeiras obras dramáticas: Baal (1920), Tambores na noite
(1922), Na espesura das cidades (1921-1924) e Un home é un
home (1927).
En 1926 comezou a súa dedicación intensiva ao marxismo ao
establecer un estreito contacto con Karl Korsch e Walter Benjamin. A súa Ópera de catro cuartos (1928) –con música do compositor alemán Kurt Weill– obtivo o maior éxito coñecido na Re22
pública de Weimar. Ese ano casou coa actriz Helene Weigel. Daqueles anos datan a ópera Grandeza e decandencia da cidade
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de Mahagonny (1929), tamén con música de Weill, e as chamadas obras didácticas (A decisión, O que dice si, o que dice non,
A excepción e a regra...).
Será en 1930 cando empece a ter máis que contactos co Partido Comunista Alemán. O 28 de febreiro de 1933, un día despois
da queima do Parlamento alemán, Brecht comezou o seu camiño cara ao exilio e tras unha breve temporada en Austria, Suíza
e Francia, marchou a Dinamarca. En 1935 viaxou a Moscú, Nova York e París, onde interveu no Congreso de Escritores Antifascistas, suscitando unha forte polémica.
En 1939, temendo a ocupación alemá, marchou a Suecia; en 1940, a Finlandia, país do que tivo que escapar ante a chegada
dos nazis; e en 1941, a través da Unión Soviética (vía Vladivostok), a Santa Mónica, nos Estados Unidos, onde permaneceu aillado seis anos, vivindo de guións para Hollywood. Nesta etapa de exilio escribiu, entre outras, as súas catro obras máis célebres:
Galileo Galilei (1938), A boa persoa de Sezuán (1938-1940), Nai coraxe e os seu fillos (1941) e O círculo de tiza caucasiano
(1944-1945). En 1947 levouse á pantalla Galileo Galilei, con moi pouco éxito. A raíz da estrea deste filme, o Comité de Actividades Antinorteamericanas considerouno elemento sospeitoso e tivo que marchar a Berlín Este (1948), onde organizou primeiro
o Deutsches Theater e, posteriormente, o Theater am Schiffbauerdamm.
En Berlín, xunto coa súa esposa Helene Weigel, fundou en 1949 o coñecido Berliner Ensemble, e dedicouse exclusivamente ao
teatro ata a súa morte en 1956.
kurt Weill, compositor
Nacido en Dessau (Alemaña) no seo dunha familia xudía (o seu
pai era cantor nunha sinagoga), Kurt Weill mostrou un talento
musical desde pequeno. Estudou composición musical no Conservatorio de Berlín con Ferruccio Buson e compuxo a súa Primeira sinfonía, influída polo estilo expresionista de moda
naqueles tempos en Berlín.
Aínda que tivo certo éxito coas súas primeiras obras, Weill tendía cada vez máis cara á música instrumental e o teatro musical. En 1926, estreou en Dresde a súa primeira ópera, O
protagonista, nun só acto e con libreto de Georg Kaiser. Pero foi
o seu O novo Orfeo (1925), unha cantata para soprano, violín e
orquestra baseada nun poema de Iwan Goll, o que marcou un momento crucial na súa carreira. A estética moderna fíxose máis
evidente na ópera surrealista dun só acto Palacio Real (1926) sobre un libreto de Iwan Goll así como na ópera bufa O tsar déixase fotografar (1927), cun libreto de Georg Kaiser.
Weill obtivo o éxito definitivo con A ópera dos catro cuartos (1928), escrita en colaboración co dramaturgo Bertolt Brecht, na
que a feroz crítica social que a obra contén se expresa por medio dunha música composta para unha orquestrina de cabaré. Dous
anos despois desenvolveu aínda máis este estilo en Grandeza e decadencia da cidade de Mahagonny, obra dunha ácida sátira social de Brecht, con quen Weill tamén colaborou en Final feliz (1929).
Cada vez máis incómodo coas restricións que impoñía Brecht ao papel da música no seu teatro político, Weill buscou outros colaboradores, como o escenógrafo Caspar Neher, que escribiu o libreto da súa ópera épica en tres actos O aval (1931), e volveu
colaborar con Georg Kaiser na comedia musical O Lago de Prata (1932).
23
A ÓPERA DOS TRES REÁS (continuación)
A música de Weill non era do agrado dos nazis, que provocaron alborotos durante as súas representacións e organizaron campañas de boicot para impedir a montaxe das súas obras. Esta situación obrigou a Weill e á súa esposa, a cantante Lotte Lenya,
a abandonaren Alemaña en marzo de 1933 e establecerse en París, onde continuou brevemente a colaboración con Brecht en
Os sete pecados capitais, un "ballet cantado" para a compañía de George Balanchine. Tamén escribiu a música para a obra
de Jacques Deval Marie galante.
En setembro de 1935, Weill viaxou aos Estados Unidos para supervisar a montaxe de Max Reinhardt da obra épica de Franz Werfel, para a que escribira a música. Tras moitos atrasos, a obra representouse, parcialmente truncada, en 1937 como A estrada
eterna. Entrementres, o Group Theatre recrutou a Weill para colaborar co libretista Paul Green no musical Johnny Johnson, baseado libremente na novela O bo soldado Schweik, do autor checo Jaroslav Hašek. A súa música, aínda recoñeciblemente "europea", foi un éxito e consolidou a Weill no panorama musical norteamericano. Animado polo seu triunfo, e convencido de que
o teatro comercial ofrecía máis posibilidades que a ópera tradicional, Weill e Lenya decidiron quedar nos Estados Unidos e solicitar a nacionalidade norteamericana, que obtiveron en 1943.
Durante os anos seguintes, Weill compuxo musicais da importancia de Knickerbocker Holiday (1938), que foi un éxito relativo,
pero que consagrou a súa famosa September Song, Lady in the dark (1941), con letras de Ira Gershwin, One touch of Venus
(1943), Street scene (1947), Love life (1948) e Lost in the stars (1949).
Weill estaba a traballar nunha versión musical de Huckleberry Finn de Mark Twain cando sufriu un ataque ao corazón. Morreu
o 3 de abril de 1950, un mes despois de facer os cincuenta anos.
Quico cadaval, director escénico
Actor, director e adaptador teatral, foi o impulsor do movemento
de contacontos xurdido en Galicia na década dos noventa.
Aprendeu a contar contos desde moi neno grazas a unhas vellas que se encargaron de transmitirlle historias, e tamén grazas
ás persoas, da máis variada índole, que pasaban pola taberna
da súa nai.
Nado en Ribeira en 1960, comezou na interpretación teatral a
finais dos setenta e xa a mediados dos oitenta, funda a súa propia compañía, O Moucho Clerc. Na súa faceta de dramaturgo
produciu os textos Un códice clandestino, unha dramaturxia dos
poemas medievais galaicoportugueses, O rouxinol da Bretanha sobre BD de Hugo Pratt, A caza do snark, sobre o poema de Lewis
Carrol, Se o vello Simbad volvese ás illas e O ano do cometa, ambos os dous dos romances homónimos de álvaro Cunqueiro ou
Rapatú, do conto popular europeo A sogra do diablo, ou Espantoso!!!, que foi premiado co María Casares ao mellor texto orixinal do teatro galego en 2002.
Como director escénico, púxose á fronte de montaxes como A cor das cerejas, Doberman, Squash, A cigana vermelha da Ilha
Terceira, A cantiga do desterro. Chanson déxil, Speer, A voda dos moinantes...
É ademais guionista e director dos espectáculos de Mofa e Befa (Para ser exactos, Cultura para dar e tomar e Finis Mundi Circus) e recentemente dirixiu Pressing Catch para a compañía Berrobambán e as pezas No comment (Obra), Shakespeare para
ignorantes, Un cranio furado (A skull in Connemara) e Fantasmas familiares para Producións Teatràis Excéntricas.
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internacional
Para o CDG dirixiu as producións Como en Irlanda (1996), O ano do cometa (2004) e Noite de Reis. Ou o que queirades (2007),
que lle valeu o Premio María Casares 2007 á Mellor Dirección, e As dunas (2009). Participou en diferentes producións da TVG,
así como en curtas e longametraxes. Continúa a traballar no audiovisual como actor e como guionista. Foi profesor de
interpretación de "Operação Triunfo" (Portugal, 2003).
carlos Ariel Gracia Baez, director musical
"Unha interpretación poética extremadamente musical e a súa
carismática batuta, caracterizan a proposta de Carlos Ariel, expresada durante a execución cunha mensaxe profunda, vibrante e inspirada", documentan algúns medios durante os
Festivais Bach, Edinburgh Fringe, Music@Drumcliffe, L'heure Musicale du Marais, Texas MF, Noches y Almenas de ávila ou Passarel.la Gaudí, entre outros.
Como director do Collegium Musicum de Galicia, promove a
música e integración de mozos que colaboran con entidades
públicas e privadas en Castela e León, Canarias e Baleares, durante a Bienal en Arcos de Valdevez. En Italia é Cittadino Onorevole de Tuili polo seu traballo como mestre de capela en San Pietro. Tamén asistiu ao congreso multidisciplinar de Reggio
Calabria e traballa de xeito permanente coa Orchestra di Camera della Sardegna e o conxunto británico Academy of St Matthew's. Así mesmo, mantén unha estreita relación cos compositores Leonardo Coral, Rafa Cavestany e David Johnstone na estrea e edición das súas obras, ademais de musicalizar numerosos espectáculos escénicos e retransmisións para radio e televisión,
como o documental La columna de los ocho mil ou a Gala María Casares.
Tras a súa exitosa incursión na dirección de orquestra con Messiah de Handel e no bicentenario da morte de Mozart, é considerado
un dos directores máis destacados da súa xeración, obtendo os premios Post Office Young Conductors Award, Hugh S. Roberton
en Escocia e Ralph Nordell en Londres. Foi director artístico da sinfónica e sociedade coral da Universidade de Glasgow, o Genesis
Ensemble, a Camerata de Zacatecas, así como hóspede das sinfónicas Nacional, a Carlos Chávez, de Cámara de Belas Artes, filharmónica de Zli ou a sinfónica de Xove, e durante o encontro coa Nova Orquestra Nacional de España nas Navas del Marqués.
No teatro, Carlos Ariel dirixiu as óperas The Rape of Lucretia, Faust (co Mayer-Lismann Opera Centre), a estrea mundial de Dona
Zenaida con Solistas de Morelos, unha clase maxistral para Friends of Covent Garden, no concurso internacional de Ópera do
Teatro Real de Madrid, e como asistente do mestre Guido Maria Guida, durante a produción do Der Ring des Nibelungen de
Wagner na Ópera Nacional de Belas Artes de México.
Dirixiu, á fronte da Athens State Orchestra no Megarón, con Natalia Gutman como solista e, máis tarde, á fronte da London
Symphony Orchestra no Barbican Hall, durante unha clase maxistral como discípulo de sir Colin Davis. Carlos Ariel actuou para
distinguidas personalidades como a duquesa de Gloucester, o nuncio do Vaticano e lexisladores de México en actos solemnes
e conmemorativos. Estudou violoncello desde pequeno no Conservatorio Nacional de México e como bolseiro do Consello Británico no London College of Music. Realizou o posgrao en dirección de orquestra na Royal Scottish Academy of Music de Glasgow. Entre os seus profesores destacan Markson, M. Tortelier, Claret, Saradjián, Truemann, Davies, Zimmerman, Lozano, Webb,
Seaman, López Cobos e Pehlivanian.
Naceu na Cidade de México en 1973, no seo dunha familia emigrante. Reside en Compostela e ten nacionalidade mexicana
e española.
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A ÓPERA DOS TRES REÁS (continuación)
luis Tosar, actor protagonista
Nacido en Lugo (Xustás, Cospeito, Terra Chá) en 1971, iniciou a
súa carreira no mundo da interpretación no campo da curtametraxe con directores como Jorge Coira, José Carlos Soler ou
Alber Ponte. Despois de estudar Historia en Santiago de Compostela entrou no mundo do teatro e máis tarde colaborou nas
primeiras tempadas da serie da TVG Mareas Vivas interpretando o xuíz, papel que o lanzou á fama en Galicia.
A partir de aí a súa carreira foi imparable. A finais dos noventa
deu o salto ás longametraxes sen abandonar as curtas. En
menos de dez anos pasou de ser personaxe nun pequeno papel
de Atilano Presidente a obter en tres ocasións o Premio Goya, en
2003 como actor de reparto por Los lunes al sol, de Fernando
León de Aranoa; en 2004 como actor principal en Te doy mis
ojos, de Icíar Bollaín, coa que ademais gañou a Concha de Plata
do Festival de San Sebastián; e o último con Celda 211 de Daniel Monzón, de novo como mellor actor pola súa interpretaciónde "Malamadre". Cruzando o charco participou en 2006 no
remake da serie dos anos 80 Corrupción en Miami, xunto a Colin
Farrell e Jamie Foxx baixo a dirección de Michael Mann.
Entre outros premios, cómpre destacar tamén o galardón á mellor interpretación masculina protagonista nos XVIII premios da Academia das Artes e Ciencias Cinematográficas de España (2004) por Te doy mis ojos, filme que lle valeu tamén o Cisne de Ouro ao
mellor actor no Festival de Cine de Copenhague (2004). Gañou o premio RNE-Sant Jordi, que concede a crítica catalá ao mellor
actor español do ano 2002. Por Un asunto pendiente recibiu os premios ao mellor actor no Festival Plataforma de Nuevos Realizadores e no Festival Internacional de cine de Elxe en 2001. Tamén en 2001 o Festival de Curtametraxes de Noia premiou a súa
prolífica carreira. Obtivo igualmente o galardón á mellor interpretación masculina protagonista nos Premios Mestre Mateo 06 por
Cargo, así como o premio á mellor actuación masculina protagonista por Celda 211 (Asociación de Críticos Latinoamericanos de
Nova York, 2010). Por este mesmo filme foi recoñecido como o mellor actor na XV edición dos Premios José María Forqué (2010),
levou o Mestre Mateo 09 da Academia Galega e tamén foi galardoado no Festival Internacional de Cine de Seattle (EUA, 2010).
En 2010 recibiu a insignia de ouro da Deputación Provincial de Lugo en recoñecemento aos seus traballos.
En 2010, Celda 211 foi escollida pola Academia das Artes e as Ciencias Cinematográficas para representar a España nos
Oscar, xunto con Lope, de Andrucha Waddington, e También la lluvia, de Icíar Bollaín, película esta última pola que Luis
Tosar vén de recibir unha nova nominación aos Premios Goya. Ademais, acaba de protagonizar Mientras duermes, o último thriller de terror de Jaume Balagueró —director do éxito internacional da dupla formada por [REC] e [REC]2—e cuxa
estrea está prevista para principios de 2011.
Sobre as táboas, as últimas montaxes que protagonizou foron Hamlet (2006), dirixida por Lino Braxe para RTA Produccións, El zoo
de cristal (2005), de Tennessee Willians, baixo as ordes de Agustín Alezzo para Producións Cristina Rota, e La cena de los idiotas
(2001), de Francis Veber, con dirección de Paco Mir. É membro do dúo cómico The Magical Brothers, así como cantante do grupo
The Ellas.
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internacional
centro dramático Galego
Unidade de produción teatral compañía de teatro adscrita á Xunta de Galicia, o Centro Dramático Galego (CDG) comezou a
súa traxectoria en 1984 co obxectivo de contribuír á normalización e regularización da actividade teatral galega. Desde entón,
o CDG vén desenvolvendo un constante traballo de produción e distribución de espectáculos teatrais.
Foi en 1991 cando a compañía pública se presentou diante dos espectadores como centro artístico de produción do Instituto Galego das Artes Escénicas e Musicais (IGAEM). A súa adscrición a este organismo da Consellería de Cultura e Deporte facilitou a consolidación do teatro institucional como un proxecto complementario e harmónico respecto do resto
da escena galega. Desde xuño de 2008, o CDG forma parte da Axencia Galega das Industrias Culturais (Agadic), entidade que sucede ao IGAEM segundo a Lei 4/2008 de 23 de maio, de creación da Axencia Galega das Industrias Culturais, aprobada polo Parlamento de Galicia.
Nestes máis de 25 anos de historia, as principais liñas de programación do Centro, cunha media de tres producións por temporada, seguiron varias direccións: recuperación dos nosos autores fundamentais, presenza dos dramaturgos galegos contemporáneos, incorporación á escena galega de grandes nomes da literatura dramática universal de todos os tempos, promoción
do teatro infantil e proxección exterior do noso teatro, entre outras.
O sistema habitual de funcionamento da compañía é o concurso dun director de escena convidado xunto co elenco interpretativo e o equipo artístico que se contratan segundo as necesidades de cada unhas das producións. Nelas tamén se involucra
un equipo técnico da Agadic (talleres, son e iluminación, estrutura escénica, tremoias, vestiario, etc.).
O CDG encárgase ademais da xestión do Salón Teatro de Santiago, único espazo de exhibición escénica de titularidade exclusiva da Xunta de Galicia. Nel a compañía pública desenvolve desde 1999 un amplo período de representacións con cada un dos
seus novos espectáculos.
As últimas representacións do CDG foron Salomé (2010), dirixida por Carlos Santiago a partir do texto de Oscar Wilde, As actas
escuras (2009), obra de Roberto Vidal Bolaño que subía por primeira vez aos escenarios da man do director Xúlio Lago e As dunas
(2008), peza escrita por Manuel Lourenzo como dramaturgo residente e con dirección escénica de Quico Cadaval.
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SONDESEU
LA ORQUESTA FOLK, UN NUEVO REFERENTE EN GALICIA
dirigido por:
Rodrigo Romaní. director ejecutivo de Sondeseu orquesta Folk de Galicia. dirige la sección de arpas.
Anxo Pintos. director de la sección de zanfonas. Presidente de la Fundación Sondeseu.
Xosé liz. coordinador de las secciones de Flautas y Bouzoukis.
Alfonso Franco. Responsable de la sección de violines.
Francisco Javier Feijoó, “chisco”. director de la sección de canto de la orquesta.
Xaquín Xesteira. director de las secciones de percusión y gaitas.
Fruto de una experiencia didáctica llevada a cabo en el Departamento de Música Tradicional y Folk de la Escuela de Artes y Oficios de Vigo (actual e-Trad), nace Sondeseu como la primera orquesta estable de Europa con repertorio folk: una formación de
cuarenta músicos que interpretan música tradicional de Galicia arreglada especialmente para una amplia variedad de instrumentos: zanfonas, arpas, gaitas, voces, percusiones, violines, bouzoukis, contrabajo y flautas traveseras.
Su irrupción en el panorama folk, en la edición de 2004 del Festival del Mundo Celta de Ortigueira, fue refrendada por una
enorme aceptación entre los públicos máis heterogéneos tanto de España como de Europa. La combinación de instrumentos
tradicionales y otros procedentes del folk da lugar a un timbre único, tan característico de esta formación como la energía que
se desprende del escenario y que siempre acaba contagiando a la audiencia.
En su currículo destacan los conciertos en el CeltFest de Cork (Irlanda, 2005 y 2006), en el festival Etnohelmántica (Salamanca), FolkSegovia, Intercéltico de Lorient (Bretaña, 2006 y 2009), Folk- Invierno, en Las Rozas, Orejo (Santander) o
en el Teatro Circo Price de Madrid, así como los realizados en diversas ciudades de las rutas jacobeas por encargo de la
S.A. de Xestión do Xacobeo.
Actualmente Sondeseu lidera la ENFO (siglas en inglés de la Red Europea de Orquestas Folk), un proyecto encaminado a la
constitución en Europa de nuevas orquestas de música folk en las que se vincule el campo educativo y el ámbito profesional.
A propósito de Sondeseu...
“Escuchando este <Mar de Vigo> uno no puede más que felicitarse por vivir en este país de la alegría que hace de la música un sonido propio (traducción de <Son de Seu>). ¿Quién ha dicho que no tenemos motivos para la esperanza?” Manuel Bragado. Faro de Vigo.
“Un espectáculo sin precedentes”. Begoña Balado. diario de Pontevedra.
“Cualquier oportunidad de ver y oír a Sondeseu en directo será una ocasión única”. Jorge lamas. la Voz de Galicia.
“Esta orquesta nacida de la Escuela de Música Tradicional de Vigo constituye una de las experiencias sonoras más vivificantes, contagiosas y alentadoras que han pisado la capital. Sin ínfulas; sólo con unas ganas enormes de transmitir pasión”. Fernado neira. el País.
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internacional
Rodrigo Romaní
Director ejecutivo de Sondeseu Orquesta Folk de Galicia. Dirige la sección de arpas. Fundador y ex-componente de Milladoiro, fundador y director de la Escuela Municipal de Música Folk y Tradicional de Vigo, e-Trad, donde imparte
clase de Arpa y de Historia de la Música Gallega. Ha colaborado con nombres como The Chieftains, Alan Stivell, Paul Winter, Bill Whelan, Liam O'Flynn, la Real Filharmonía de Galicia, la Orquesta de Cámara Reina Sofía, la Orquesta Sinfónica
de Galicia o la irlandesa RTE. Ha sido coordinador del Archivo Sonoro de Galicia y miembro de la sección de Música y
Artes Escénicas del Consello da Cultura Galega. Fue productor de Susana Seivane y Treixadura. Ha publicado 16 discos
con Milladoiro y 2 en solitario.
Anxo Pintos
Director de la sección de zanfonas. Presidente de la Fundación Sondeseu. Músico, compositor y profesor. Cofundador de
Matto Congrio, con el que gravó su único trabajo en 1991, y también de Berrogüetto, con quien ha grabado cinco discos y recibido numerosos premios y distinciones, entre las que destacan el premio al mejor grupo folk europeo (1997),
el Premio de la Crítica en Alemania, premio a la mejor banda sonora por la película La Rosa de Piedra y una nominación
a los Grammy Latinos. Compositor de numerosas piezas instrumentales, a día de hoy alterna su labor en Berrogüetto,
Lizgairo y Sondeseu con la de profesor de zanfona de la e- Trad.
Xosé liz
Coordinador de las secciones de Flautas y Bouzoukis. Profesor de Requinta y Flauta y de Cuerda Pulsada en la e-Trad. Fundador
de los grupos Salterium, Beladona y Aran. Actualmente es miembro de: Riobó, Lizgairo, Ardentía, Entretrastes y Anxo Lorenzo
Grupo. Ha colaborado con músicos como Uxía Senlle, en las presentaciones del álbum “Danza das areias”, o Rodrigo Romaní,
con el espectáculo audiovisual dedicado a Antón Avilés de Taramancos. Ha participado en la gravación de más de veinte álbumes en el panorama folk gallego (Susana Seivane, Suso Vaamonde, Cristina Pato) e internacional, además de en la gravación
de la banda sonora de diversas películas, como El Lápiz del Carpintero y Días de boda.
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SONDESEU (continuación)
Alfonso Franco
Responsable de la sección de violines. Posee el título profesional de violín y cuenta con estudios de postgrado en Música Tradicional por la Universidad de Santiago de Compostela. Ha participado en numerosos cursos y master class en Europa y Norteamérica. Es miembro de la American String Teacher Asociation. Ha presentado ponencias, talleres y workshops de violín tradicional
gallego en Barcelona, Francia, Canadá, St Johns y Aberdeen. Profesor de Violín Folk en la e-Trad, a nivel escénico es componente
del trío Bulla Timpánica y del cuarteto Ancestral.
Francisco Javier Feijoó, “chisco”
Director de la sección de canto de la Orquesta. Profesor de Canto Popular de la e-Trad. Fundador, componente y director hasta 2008 del grupo artístico de a A.C.F. O Fiadeiro, con quien ha desarrollado un amplio trabajo de campo, recogiendo músicas, bailes y cantos tradicionales por toda la geografía gallega. Fue director del grupo de acompañamiento
de la agrupación folclórica Lembranzas Galegas, y miembro de los grupos folk Trisquel y Trebón. Ha colaborado con músicos como Rodrigo Romaní, Lizgairo, Quempallou, Suso Vaamonde, Mercedes Peón, o Xosé Manuel Budiño, de cuyo
grupo forma parte. Coordinó y presentó la sección dedicada a música y baile tradicional del programa Luar, de la Televisión de Galicia. Dirige las secciones de canto de O Fiadeiro.
Xaquín Xesteira
Director de las secciones de percusión y gaitas. Cursó estudios de gaita en el Conservatorio Superior de Música de Vigo.
Ha colaborado con artistas como Milladoiro, Na Lúa, Fuxan os Ventos, Rodrigo Romaní o Malvela. En 2007 publicó su
Método de Gaita Galega en formato libro-cd, editado por Edicións do Cumio. Profesor de gaita y percusión del Departamento de Música Tradicional de la Escuela de Artes y Oficios de Vigo, en la actualidad es profesor de gaita en la e-Trad
y miembro de los grupos de gaitas Os Faíscas de Solobeira y Treixadura.
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LOS NEGROS
Autor: Jean Genet
Sinopsis
Un grupo de hombres y mujeres de raza negra celebra un ritual, a modo de funeral, ante un catafalco cubierto con
un paño blanco. Cinco de ellos cubren sus rostros con máscaras blancas. El resto forman parte del ceremonial que
va a desarrollarse en torno al catafalco donde, se supone, yace el cuerpo de una mujer blanca asesinada. A lo largo
del ritual se representa un juicio donde se pretende encontrar al culpable. Ese hombre debe ser ajusticiado por una
corte de blancos.
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Reparto: (por orden alfabético)
Village: Boré Buika
El Juez: ovono candela
La Reina: claudia coelho
Felicité: d’noé
Bobó: carmen Mangue
La Pianista: eloisa Martín
Ville de Saint-Nazaire: Mansueto Manel
Valet: Patrick Mitogo
Archibald: elton Prince
Vertu: Jennifer Rope
El Gobernador: leonid Simeón
Diouf: Malcolm Sité
Neige: Marilyn Torres
El Misionero: Isaac Vidjrakou
equipo Artístico:
Diseño Gráfico: Arteaga & San José
Fotografía: luis Malibrán
Ayudante de Escenografía: Mónica Boromello
Ayudante de Dirección: luis luque
Coreografía: Marta Gómez
Vestuario: Paco delgado
Música: luis Miguel cobo
Iluminación: Juan Gómez cornejo
Escenografía: Andrea d’odorico
Autor: Jean Genet
Dirección: Miguel narros
equipo Técnico:
Realización decorados: odeón
Transportes: Transdecor S.A.
Peluquería/ Sastrería: Bárbara Quero
Sonido: Alberto Alejos
Maquinaria: Andrés Martín
Regiduría: laura zamudio
Dirección Técnica/Electricidad: Antonio Regalado
equipo de Producción:
Gerencia: José González
Adjuntos Producción: José casero, Víctor Manuel dogar
Productores: celestino Aranda, Sancho Gracia
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LOS NEGROS (continuación)
Autor, Geab Genet (1910-1986)
Novelista y dramaturgo francés, cuyas obras, tomando como referencia tanto los aspectos pintorescos como grotescos de la existencia humana, expresan una profunda rebelión contra la sociedad y sus convenciones.
Nació en Paris el 19 de diciembre de 1910. Pupilo de la Asistencia Pública, únicamente conoció otra cosa que su estado civil, en cuando a datos personales. No fue sino hasta los 20 años cuando logró obtener una partida de nacimiento.
Así averiguo que su madre se llamaba Gabrielle Genet, y que era hijo de padre desconocido. Su nacimiento tuvo lugar
en el numero 22 de la Rue d'Assas, que es donde estaba la maternidad de beneficencia. Jean Genet fue abandonado
por su madre el 28 de julio de 1911, y paso a ser pupilo de la Asistencia Publica, con numero de matricula 192.102. Fue
confiado a Eugenie y Charles Regnier, una familia de Alligny-en-Morvan, el 30 de julio de 1911.
La primera novela de Genet, un trabajo autobiográfico acerca de la homosexualidad y la vida en los bajos fondos, fue
Nuestra Señora de las flores (1944). El 15 de febrero de 1943 en un encuentro de intelectuales, tuvo la ocasión de ser
presentado a Jean Cocteau. En el mes de mayo de 1944, se tomo la fotografía de su encuentro con Jean Paul Sartre que
aparece en esta página.
El 19 de agosto de 1944, su compañero Jean Decarmin muere luchando contra los nazis, en las barricadas, por la liberación de Paris). Este hecho causa una profunda impresión en Genet, que acusa la perdida consolidando de alguna
manera sus convicciones políticas. Durante todo este periodo, Genet ha estado entrando y saliendo de la cárcel, en base
a múltiples condenas, por diferentes causas. Incluso llegó a ser condenado a cadena perpetua, en aquellos tiempos revueltos de la guerra mundial, estando Francia bajo la dominación nazi. Mientras estaba en la cárcel, Genet escribió y publicó varios libros, y su creciente prestigio literario movió a un amplio grupo de autores franceses a pedir su liberación,
que finalmente fue concedida en 1948 por el presidente de Francia.
Entre sus novelas posteriores se cuentan El diario de un ladrón (1949), El milagro de la rosa (1951) y Pompas fúnebres (1953). Su prosa se caracteriza por su gran cantidad de imágenes líricas y por el empleo del lenguaje propio de los
bajos fondos.
En 1947 Genet volvió a escribir teatro, medio en el cual llevó a cabo sus obras más impactantes. Su primera obra, Las
criadas (1947), una de las más exitosas de su autor, marcó su entrada en el movimiento llamado el teatro del absurdo.
En esta obra, dos criadas se van turnando para interpretar el papel de su señora, buscando sus identidades en un medio
que fluctúa sin cesar entre la realidad y la fantasía. En Estricta vigilancia (1949), El balcón (1957), Los negros (1959) y
Los biombos (1961) Genet utilizó frecuentemente el cambio de papeles y la inversión entre el bien y el mal, como técnicas para subrayar la falsedad de los valores sociales y políticos.
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internacional
Después de haber rechazado algunas demandas de indulto, gracias a un articulo de Jean Cocteau que procede a calificarlo como "el mas grande escritor de la época moderna", su condena es reducida y condonada a cuatro meses de prisión. AL final de la misma, no es liberado sino trasladado al campo de Tourelles (antecamara de los campos de
concentración) controlado por la Milicia. Gracias a Marc Barbezat y a numerosas intervenciones de intelectuales finalmente es liberado en 1944.
En 1948, aun es condenado a diez meses de cárcel por antiguos delitos. Pero la iniciativa de Jean Cocteau y de JeanPaul Sartre, tras una serie de procedimientos de recursos y demanda de gracia enviados al Presidente de la Republica, y
una demanda publicada en el periódico Combate del 16 de abril de 1948, le es concedido el indulto el 12 de agosto de
1949, por el presidente Vincent Auriol. La concesión definitiva de su gracia aparece en el diario oficial mediante un decreto de fecha 12 de mayo de 1951 .
En 1956, Genet conoce a Abdallah Bentaga, un joven equilibrista de 18 años nacido de padre argelino y madre alemana,
que trabaja en los circos como acróbata. Para pagarle los cursos de funambulista, Genet vende los derechos de la obra "Les reves
interdits". Pero el 12 de marzo de 1964, a los 26 años de edad, el cuerpo de Abdallah es encontrado con las venas abiertas. Jean
Genet asiste a su entierro que tiene lugar el 20 de marzo y profundamente deprimido abandona Francia. Aplastado por esta
muerte, el escritor comenta que ha destruido sus manuscritos y que renuncia a la literatura.
En 1965, Genet entra en conflicto con su agente literario y traductor americano Bernard Frechtman. En 1967, después
de una larga depresión, este amigo y persona de confianza de Genet se suicida en el mes de marzo. No obstante estos
sucesos y su melancolía, el escritor continua una activa participación el diferentes luchas contra las injusticias y apoyando reivindicaciones de grupos marginados socialmente.
El 10 de enero de 1979, junto a Marguerite Duras, ocupa la sede de la CNPF, protestando contra las condiciones de
vida lamentables de los trabajadores inmigrantes.
Cuando unos dirigentes de los Panteras Negras son encarcelados en Estados Unidos, un representante de este movimiento le solicita que apoye la demanda de libertad para los mismos. En vez de limitarse a firmar un manifiesto, Genet
intenta el viaje a USA para mostrar su beligerancia activa. Habiéndosele negado la vida de entrada al país, decide trasladarse a Canadá entrando clandestinamente en los Estados Unidos el 1 de marzo de 1970.
El 1 de mayo, en el campus de la Universidad de Yale, Jean Genet pronuncia uno de sus mas importantes discursos.
Buscado por las autoridades americanas para ser detenido, abandona los Estados Unidos el 3 de mayo.
Entre 1970 y 1974, participa en múltiples manifestaciones en favor de los inmigrantes magrebís En septiembre de
1974, conoce a Mohamed El- Katrani en Tanger. Este será su ultimo compañero.
En 1976, Genet comienza la escritura de una obra, a partir de un personaje inspirado por Mohamed. Su titulo será "La
nuit venue" Uno de sus ultimas y mas dolorosas intervenciones a favor de los marginados se da cuando los días 16 y 17
de septiembre de 1982 se desplaza a Beirut (Líbano), a ver de primera mano las masacres de los palestinos en los campos de refugiados de Chabra y Chatila. Genet entra en Chatila el 19 de septiembre por la mañana, y es uno de los primeros occidentales que se enfrentan al horror de esa visión, plasmando lo que ha quedado marcado en su espíritu en
uno de los mas importantes artículos políticos escritos por el. Se trata de "Cuatro horas en Chatila".
Todas las obras de Genet expresan su profunda simpatía hacia los desheredados y los marginados de la sociedad, expuestos como se encuentran a los siempre omnipresentes sexo, delito y muerte. Contienen invariablemente rituales,
crueldad y la convicción del autor acerca de lo absurdo de los conceptos morales. Aunque sus escritos fueron considerados al principio como pornográficos, Genet fue definido muy pronto como un existencialista preocupado por los problemas de la identidad y la alienación, y ha sido reconocido como uno de los más importantes escritores del siglo XX.
En 1983 se le concedió el Grand Prix National des Lettres, premio nacional de las letras francesas.
Jean Genet fue enterrado el 25 de abril de 1986 en Larache (Marruecos), en un viejo cementerio español, mirando
al mar, como era su deseo.
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LOS NEGROS (continuación)
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notas al programa de mano
Escribo teatro para cristalizar una emoción teatral, dramática. No me interesaría escribir esta obra si, por ejemplo, “Los Negros,” les sirviera a los negros. Los personajes de “Los Negros,” son como personas culpables que juegan
a ser culpables y los colonizadores son negros con máscaras blancas. En la lucha de los negros contra el colonialismo creo que la acción directa, hace más por ellos que cualquier obra de teatro. En mis obras trato de dar voz a algo
que los negros y otros pueblos marginados son incapaces de expresar. Un crítico dijo “Los negros no hablan así”.
Bueno, sí lo hacen: pero sólo a mí, cuando estoy solo. Si alguien me dijera a mí personalmente que los negros no hablan así, le contestaría que si pusiera su oído contra el corazón de uno de ellos, escucharían lo que escribí. Uno tiene
que ser capaz de escuchar lo no dicho. Puede ser que haya escrito esta obra contra mí mismo. Puede ser que yo sea
los blancos, el patrón, el empleado y trato de aislar los elementos de idiotez que hay en esas cualidades.
Toda la vida es un juego, y el origen de la mascarada es la creación misma: “Para Genet -escribe Sartre- el origen
del mundo consiste en jugar y la sociedad se organiza cuando fijan las reglas del juego”. Una nación, por ello es una
entidad que “ha perpetuado una imagen” durante siglos. El orden establecido consiste en los papeles del drama nacional. Y “las reglas del juego” son las leyes y las normas de una nación” Quebrantar estas leyes, sin embargo, no es
sino comprometerse en otra clase de juego, con otra serie de reglas “El código del submundo” que Genet considera
absurdo.
…Genet está ansioso de llamar la atención del mundo…
…Lograr armonía en el mal gusto es en sí la cima de la elegancia…
Los criminales de Genet también son actores y se sienten atraídos por los convictos porque ellos son como niños
en su amor a la mascarada. Todo el mundo representa su papel: policías y asesinos, funcionarios y rebeldes, santos
y pecadores. “Mis personajes son máscaras” escribe Genet “¿Cómo queréis que diga, si son verdaderos o falsos?”
“En las obras de Genet, cada personaje debe hacer el papel de un personaje que hace un papel”. Y así los negros son “como personas culpables que juegan a ser culpables”
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SHIRLEY VALENTINE, con Verónica Forqué
Autor: Willy Russell
dirección: Manuel Iborra
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una comedia que sigue haciendo historia
Shirley VAlenTIne es, tal vez, el mayor éxito de la historia del teatro actual. No hay estadísticas precisas, pero sí es conocido que desde su estreno en 1986 esta “comedia perfecta”, como fue definida por la crítica, es cada día más joven. En
todos estos años parece que haya ido ganando en frescura y universalidad, según ha ido creciendo el protagonismo de la
mujer en los profundos cambios de los convencionalismos sociales. Por eso, tal vez, la obra del entonces joven autor de Liverpool Willy Russell no se ha dejado de representar ni un solo día en algún lugar del mundo. No hay país con cierta tradición teatral, o incluso sin ella, donde no se conozca. No hay lengua, por lo tanto, a la que no haya sido traducida. Y sigue y
sigue creciendo su récord histórico.
Eso es lo que nos animó a acometer su revisión entre nosotros. Además su nuevo montaje en Londres, donde ha vuelto en
olor de éxito al West End como si fuera ayer. Y es que “Shirley” va mucho mas allá del clásico monólogo. De hecho, no es
un monólogo al uso.
El teatro de habla inglesa distingue muy bien el monólogo del “solo play”. El “solo”, la palabra se utiliza en castellano, se aplica
cuando lo que se representa es una comedia o una tragedia donde un solo personaje va contando lo que podría ser representado por todos los personajes que entran y salen de su vida. Por eso la dificultad de la única actriz para enfrentarse
al reto. Por eso la hacen las grandes actrices del mundo.
Nosotros tenemos una gran suerte: Verónica Forqué se enamoró del proyecto. Y es, pese a su juventud, una de nuestras
grandes cómicas con un sentido del humor único y especial, con el que toca todos los palos. Probado está su talento en todos
los géneros y formatos, pero últimamente es en el teatro donde mejor se siente, y con este papel tiene la prueba de fuego
para estar “mejor que en casa”.
Sobre el Show
Y es que “Shirley Valentine” tiene todos los mimbres para hacernos reír, pensar, emocionarnos, tratando de que comprendamos a esa mujer que quiere ser ella misma y libre. Que se sienta viva, no importa a qué edad, y que sea capaz de
tomar las riendas de su vida por encima de cualquier convencionalismo. Parece como si el autor conociese de toda la vida
a la Forqué y escribiera para ella.
Verónica, como nosotros, tiene la gran suerte de contar con la “ayuda” de su compañero Manuel Iborra, de larga carrera
en el cine y la televisión como guionista y director, que además la dirige por primera vez en el teatro. Nos alegra su incorporación a este formato. Seguro que no se irá de el.
De Willy Russell, el también afortunado autor, decir que escribió muy pocas obras, pero todas de gran, gran éxito. Es un
hombre de gran talento: es actor, canta, compone, escribe también para el cine, publica novelas y fue un gran amigo de
The Beatles desde sus comienzos en Liverpool. Añadir que sus tres obras, ha estrenado otra más, son, aparte de “Shirley”,
“Educando a Rita” y el musical “Hermanos de Sangre”. El musical lleva 23 años en un teatro de Londres y no parece que vaya
a irse nunca. Y que las tres obras se estrenaron en España con notable éxito, como sucede en el resto del mundo.
Con este magnífico equipo esperamos revivir a Shirley, acercarla aún más a nuestro tiempo y a nuestros cambios culturales, y que “esta comedia perfecta” tenga en su nuevo “estreno” la gran acogida que está recibiendo en cualquier país, todos
los días del año, porque nunca dejará de representarse. Es lo que se dice todo un gran clásico universal.
nacho Artime
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SHIRLEY VALENTINE (continuación)
Sinopsis
Shirley VAlenTIne es, sólo en apariencia, una mujer igual a millones de amas de casa que tienen vidas similares y paralelas en cualquier país del mundo. Sólo que ella vive en un adosado en un típico barrio obrero londinense.
A través de un ingenioso recurso teatral, vamos conociendo su mundo y su vida en una especie de confesiones que va compartiendo en total complicidad con el público y con… la pared de su cocina. La pared es su mejor amiga, dada la soledad
de un matrimonio fracasado
Pierde su apellido de soltera, al casarse con Joe Smith. Se casó por amor. Pero su marido salió autoritario, machista, maniático
y egoísta.
Tienen dos hijos. Y en ese camino de criar a sus hijos y soportar estoicamente las brusquedades de su marido, se le va escapando el amor y la vida. A los cuarenta y tantos años quiere irse de casa, pero no se arma del valor suficiente. Sin embargo, al conocer a una nueva amiga que se acaba de divorciar y que la invita a pasar unas vacaciones en la famosa isla
griega de Mykonos, Shirley se replantea su vida.
No se atreve a decirle a su marido que se va a Grecia porque sabe que jamás le dará permiso para ese viaje. Pero se enfrenta al desafío sencillamente con una nota: vuelvo dentro de 15 días.
Sus vacaciones en la isla griega cambian completamente sus puntos de vista sobre la vida, el amor, la convivencia y ella
misma. Intenta saber que fue de aquella Shirley de soltera y si la puede recuperar.
Cambia la pared de su cocina por la roca de una playa. Y la roca es ahora la confidente, sin perder la complicidad con el espectador, de sus nuevos descubrimientos. La amiga de Shirley se pierde en la isla al conocer en el avión al hombre que podría hacerle olvidar a su exmarido. Así que Shirley tiene que buscarse la vida sola.
El conocimiento del dueño de una típica taberna costera es clave para encontrar nuevas claves. Va surgiendo la Shirley que
se apellidó Valentine al vivir de nuevo, al sentirse viva y deseada. Pero llega el final de las vacaciones. Va al aeropuerto con
su amiga. Hay que volver a casa, a la rutina del fracaso. Ella no sabe decir que no. Facturan las maletas. Y a punto de embarcar, debe tomar la gran decisión. Volver a Joe o quedarse a vivir en la isla. Y echa a correr con lo puesto. Y a querer ser
Shirley VAlenTIne.
Joe la llama desesperado desde Londres. La perdona y le pide que vuelva. Se da cuenta de que la quiere. Ella incluso acepta
que Joe vaya a la isla para una última cita. Ella le espera en la playa de la roca tomando un vino. El no la reconoce y pasa
de largo. Es ella la que le llama y la que le hace entender que había venido a buscar a su esposa y a la madre de sus hijos.
Pero ella no regresará porque es otra mujer. Vuelve a ser para siempre Shirley VAlenTIne.
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Verónica Forqué
Verónica Forqué, actriz, directora y psicóloga, nació el 1 de diciembre de 1955
en Madrid. Es hija del director y productor
Jose María Forqué y hermana del director Alvaro Forqué y de la actriz Carmen
Vázquez Vigo.
Está casada desde 1981 con el director Manuel Iborra.
Ha participado como actriz en más de 50 películas y de 30 obras de teatros,
además de en numerosas series de televisión.
También ha dirigido varios montajes teatrales, entre los que destaca ADULTERIOS, la comedia de Woody Allen.
Es ganadora de 5 premios Goya.
Manuel Iborra
Nació en Alicante en 1952. Es licenciado en Ciencias de la Información, rama
de Imagen, por la Universidad Complutense de Madrid y tiene estudios de Teatro, realizados en el TEI. (Teatro Español Independiente).
Paralelamente, estudia vídeo en el CIPLA de Barcelona. Ha trabajado en el
terreno de la imagen y como periodista en temas de comunicación visual, simultaneando estas actividades con la realización de spots publicitarios. Ha colaborado para televisión en las series Las chicas de hoy en día y La mujer de
mi vida.
Es conocido por películas como “Orquesta Club Virginia”, “El Tiempo de la Felicidad” o su adaptación de “La Dama Boba”
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NOCHE DE DANZA (URUGUAY)
Ballet nacional de uruguay
director: Julio Bocca
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Primera Gira europea realizada por el Ballet nacional en su 75 aniversario .
– duración aprox. 1.45 con intermedio incluido – danza clásica y contemporánea –
30 Bailarines en escena, para presentar un programa, que, incluirá obras como nuestros Valses” del maestro Vicente nebrada, “doble corchea” ,”Percusiones” y Fusión Tango/ candombe obra de Ana María Stekelman, entre
otras…
Desde su fundación el 27 de agosto de 1935 el Cuerpo de Baile del Sodre ha sido el organismo artístico encargado de desarrollar la pasión por el ballet en Uruguay y de llevar el vasto repertorio de la danza clásica a un amplio abanico de público
con cierta regularidad.
No era del todo inimaginable que una compañía profesional surgiera en Uruguay, que en aquellos años era frecuentado
por prestigiosos elencos y figuras internacionales. El comienzo fue bajo la dirección del maestro Alberto Pouyanne que llevó
a escena el primer espectáculo de ballet: Nocturno Nativo, inspirado en elementos folclóricos.
El esteticismo francés llegó a estas latitudes de la mano de Roger Fenonjois y la expresividad amplificada de la escuela rusa
relumbró el elenco nacional con los aportes de Gala Chabelska y Tamara Grigorieva. También Vaslav Veltcheck, Yurek Shabelevsky, María Ruanova y William Dollar –entre otros destacados maestros del siglo XX- fueron responsables de delinear
y cultivar en estas tierras esa caligrafía de la levedad y la gracia capaz de representar la totalidad de la experiencia humana
que es el ballet.
La presencia y efervescencia de experiencias propiciadas por bailarines y maestros provenientes de escenarios europeos,
así como el empeño de las primeras figuras, permitieron que el arte del ballet
llegara a formar parte de la vida misma de los montevideanos. Luminarias francesas como Marianne Ivanov y Lolita Parent –por mencionar sólo algunas de las étoiles de la época- encarnaron los personajes fantásticos, reales e irreales que pueblan el repertorio clásico.
Entre las integrantes del elenco uruguayo de primeras épocas hay que mencionar a Olga Banegas y Flor de María Rodríguez, que hoy se ven en las fotos de la época como delicadas muñequitas de porcelana y supieron interpretar los momentos cúspide de emoción poética. Al igual que Tola Leff, Hebe Arnoux, Lía DellÁra, Sunny Lorinczy, Alfredo Corvino,
Miguel Therekov, Raúl Severo, Micha Dimitrievich, Eduardo Ramírez, Marina Korolkov, Olga Bérgolo, y Sara Nieto, que protagonizaron galas que quedaron en el mejor recuerdo de los amantes del ballet.
Capítulo aparte en la historia del Cuerpo de Baile del Sodre, merece la legendaria pareja de primeros bailarines conformada
por Margaret Graham y Tito Barbón, proveniente del Teatro Argentino de La Plata, que supo inspirar a sucesivas generaciones.
Mientras tanto, las galas al aire libre en el Parque Rivera o el Lago del Parque Rodó acompañadas de la orquesta del Sodre,
se convirtieron en el espectáculo favorito de los montevideanos de la época. Cuentan los más memoriosos que “la gente
iba colgada de los ómnibus a verlos”. Igualmente exitosos fueron los espectáculos gratuitos para obreros para que “las
masas de trabajadores de la capital pudieran cultivar sus sentimientos más elevados en las bellezas del arte”.
De esa etapa datan obras como Istar, Sueño de una noche de Verano, Chopiniana, Les Shylphides, El lago de los cisnes, El
gallo de oro, El sombrero de tres picos, La Perí, El moro de Venecia, Coppelia, Las dos palomas, entre otras.
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NOCHE DE DANZA (continuación)
La década del 70 inauguró un nuevo periodo para la compañía que tardó décadas en recuperarse de la noche que la dejó
sin teatro. Aun así no cesó de enriquecerse con el aporte de personalidades de la danza como el soviético Vilen Galstian,
la carismática francesa Françoise Adret, la cubana Elena Madan Vera y los argentinos Rodolfo Lastra, Adriana Coll y Graciela Piedra. Posteriormente, el inquebrantable ánimo de primeros bailarines uruguayos como Eduardo Ramírez, Sandra
Giacosa, Alejandro Godoy y Rossana Borghetti mantuvo viva la llama del ballet durante las siguientes décadas pese a las
dificultades. De ese período datan las colaboraciones de notables coreógrafos de renombre internacional como los argentinos Oscar Araiz, Mauricio Wainrot y el rumano-francés Gigi Caciuleanu que dieron nuevos bríos a la expresión coreográfica y aportaron una importante cuota de renovación.
Actualmente, instalado en el flamante Auditorio Nacional Adela Reta recientemente reinaugurado y bajo la dirección artística del maestro JulIo BoccA (que se efectivizó el primero de junio de 2010) el Ballet Nacional Sodre (BNS) –tal es
su nueva denominación- abrió para sí nuevos y desafiantes horizontes. Bocca, dedicado en cuerpo y alma a revitalizar el
elenco estatal y dotarlo de un nivel internacional, retomó la antigua tradición de vincularlo con importantes figuras del
mundo de la danza y tornar más accesible el placer de ver un buen espectáculo de ballet.
En los últimos meses participaron del proyecto prestigiosos maestros como Wilhelm Burmann, coreógraos y repositores
como Yanis Pikieris, Zane Wilson, Raul Candal y Sara Nieto.
Más de 20 mil espectadores disfrutaron del estreno de Giselle en Montevideo y cerca de 12 mil personas aclamaron a los bailarines durante la gira por el interior del país que visitó varias de las ciudades más alejadas de la capital. Pero esas hazañas constituyen sólo el proemio de lo que ya se anuncia como una nueva época de oro en la que la
compañía estatal se acerca cada vez más a lo que antes veía como un futuro utópico. El ballet, destinado a trascender lo
real, devolver la armonía al universo y recrear los sentidos de sus seguidores, está en Uruguay más vivo que nunca.
Silvana Silveira
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MASTeR clASS, a cargo de la mezzosoprano Teresa Berganza
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Es titánico comprimir en un espacio limitado el perfil artístico y humano de Teresa Berganza, sintetizar su trayectoria internacional, mantenida y aclamada en una carrera superior a medio siglo de actividad profesional que la emplaza entre los primeros cantantes del siglo XX, por sus atributos extraordinarios.
Su eco permanecerá vivo y vibrante en los Teatros más representativos del mundo: desde la Ópera de París a la Escala de Milán, del Covent Garden al Metropolitan, Colón de Buenos Aires, Ópera de Roma, Viena, Hamburgo, Estocolmo, Chicago, Dallas, San Francisco, etc.
Reclamada por las más grandes batutas del siglo recién terminado: Giulini, Rescigno, Von Karajan, Solti, Metha, Abbado, Baremboim, Muti, Adler…
Su presencia escénica, su fuerza y su capacidad interpretativa siempre admiradas, valoradas y solicitadas por los directores escénicos de mayor rigor y proyección mundial: Zeffirelli, Ponelle, Rennert, Strehler, Faggioni…
Ercanando a: Cherubino, Zerlina, Dorabella, Rossina, Angelina, Isabella, La Perichole, Dulcinea, Charlotte, Carmen…
Personajes atemporales y únicos como los soñaran sus propios compositores (desde Mozart, Haendel, Rossini, Purcell, Offenbach, Bizet y Massenet hasta Bizet) logrando consumarlos como auténticos arquetipos.
Su impecable forma de canto, su exquisito estilo y nítida emisión, le han permitido construir un fraseo apoyado
hasta el máximo virtuosismo; desde el legato implacable a las cadencias únicas por su agilidad y sutileza de orfebre. Legatos tan significativos como los exigidos por Mozart, en los que, además de su difícil “línea de canto” a través de una emisión en la que el virtuosismo del “legato” exige delilcadeza musical, proyección de la palabra,
interiorización y fantasía poética, amén de simbiosis absoluta con el personaje, que quedarán vibrantes en la historia del canto mozartiano de todos los tiempos.
En la actualidad Teresa Berganza, además de su carrera interpretativa activa imparte Master Classes en los centros
más representativos nacionales e internacionales como Madrid, Santander, París, San Petersburgo, Roma, EE.UU., y
un largo etc.
Más de cien condecoraciones guarda en su hogar. Pero, emocionada, muestra como especialmente significativa
para ella, la medalla de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando que la reconoce como su primera mujer
Académica de Número.
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TERESA BERGANZA (continuación)
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BLUE LADY (FRANCIA)
CENTRO COREOGRÁFICO NACIONAL ROUBAIX NORD- PAS DE CALAIS
CAROLYN CARLSON
creado en 1983 Teatro la Fenice, Venecia
Recreación 2008 bienal de la danza de lyon
Producción Centro Coreográfico National Roubaix Nord-Pas de Calais,
Con la colaboración de Fresnoy, de l’Atelier de Paris - Carolyn Carlson
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BLUE LADY (continuación)
Coreografía, carolyn carlson
Interpretación, Jacky Berger
Música original, René Aubry
Escenografía original, Frédéric Robert
Luces (recreación ), Peter Vos
Luces originales, John davis; claude naville
Vestuario (recreación ) chrystel zingiro
Montaje archivos, Baptiste evrard
Créditos archives, claude le-Anh (fotos ), André labarthe (film), charles Picq (film)
Asistente artístico, Henri Mayet
Regidor de luces, Freddy Bonneau
Regidor de sonido, Rémi Malcou
Regidor de escenario, Jean-claude dage
Retour à Blue lady
Carolyn Carlson revisite Blue Lady, son solo mythique, en le transmettant à Jacky Berger et Tero Saarinen.
Carolyn Carlson porte en elle le projet d’une revisitation de Blue Lady depuis plusieurs années. Cette démarche constitue un processus rare dans sa carrière. Chorégraphe peu portée vers son propre répertoire, elle n’a jusqu’ici transmis qu’un
seul de ses soli : Density 21,5 aux danseurs de l’Opéra de Paris, Michaël Denard et Jean-Christophe Paré.
Le 11 octobre 1983, Carolyn Carlson crée Blue Lady au Théâtre Fenice à Venise. La pièce connait un retentissement
énorme et sera représentée pendant dix ans, dans le monde entier. Blue Lady marque l’épanouissement d’une créatrice
et d’une interprète majeure, parvenue à une maturité artistique et une plénitude du mouvement remarquables. La musique de René Aubry, d’immenses stores vénitiens, un arbre, un tourbillon de robes et de chapeaux dessinent le cadre
poétique d’une danse flamboyante. Les virevoltes et les bras de Carolyn Carlson ont imprimé les mémoires à travers ce
solo, à la fois somme et exploration des possibles.
L’inspiration de la pièce est marquée par Venise et par un élément biographique : la maternité de Carolyn Carlson. Cet
événement a modifié en profondeur sa conscience du monde et de l’existence. Cette perception des horizons humains
tisse la structure de Blue Lady, fascinante galerie de portraits féminins qui embrasse l’espace d’une vie.
Progressivement s’est imposée l’idée d’une inversion de genre dans le choix de l’interprète. Carolyn Carlson est fascinée
par la culture japonaise, et en particulier par le kabuki. Elle appuie sa démarche sur la figure de l’onnagata, acteur masculin travesti pour interpréter les rôles féminins, avant de glisser vers un danseur qui puisse apporter une ambivalence
particulièrement expressive à Blue Lady
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BALLET NACIONAL DE ESPAÑA
Solo
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José Antonio, director del Bne
Nace en Madrid y comienza sus estudios de danza muy joven. Debuta con ocho años en Buenos Aires e inicia su carrera artística en nuestro país en la Compañía de María Rosa. A lo largo de su trayectoria profesional destacan dos aspectos fundamentales: su profunda vocación como bailarín y una extensa labor de dirección.
En 1965, entra a formar parte de “Antonio y los Ballets de Madrid” como Primer Bailarín y más tarde (1972), funda junto a Luisa
Aranda su propia compañía, el “Ballet Siluetas”. Es Primer Bailarín del Ballet Nacional de España (BNE) en la fundación de la compañía (1978) bajo la dirección de Antonio Gades y, en 1982, Primer Bailarín y codirector artístico del Ballet Español de Madrid.
Tres años más tarde, regresa como Bailarín Estrella al BNE, dirigido por María de ávila. Posteriormente, dirige el Ballet Nacional
de España de 1986 a 1992.
En 1994, crea la compañía “José Antonio y los Ballets Españoles” y en 1997, es nombrado director del Centro Andaluz de Danza
y de la Compañía Andaluza de Danza (CAD). En 2004, es de nuevo Director del Ballet Nacional de España.
Asimismo, compagina su trabajo como bailarín con la creación coreográfica. De su extensa producción, destacan las obras creadas para Carla Fracci (La Gitana), el Teatro Kirov (Goya divertissement), Julio Bocca y el Ballet Argentino (Versus Vitae), el Ballet Nacional de España (Laberinto, Con mi soledad, Romeras, El Sombrero de Tres Picos, Fandango de Soler, Don Juan, Romance
de Luna y Carmen), el Ballet Español de María Rosa, la Compañía Andaluza de Danza y el Centro Andaluz de Danza. En 2004,
estrena El Sombrero de Tres Picos y El Café de Chinitas en el Festival Castell de Peralada. El Corazón de Piedra Verde, obra inspirada en la novela de Salvador de Madariaga y música de José Nieto, es su más reciente creación estrenada en octubre de 2008
en el Teatro de la Zarzuela de Madrid.
En 2005, es condecorado con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, concedida por el Ministerio de Cultura. Posee, entre
otros galardones, el Premio Nacional de Danza, concedido por el Ministerio de Cultura en 1997, la Medalla de Honor del Festival de Granada en 1999 y la Medalla de Honor 2004 de la Fundación de Danza Alicia Alonso. Es Miembro del Consejo Internacional de la Danza (CID) de la UNESCO y nombrado “Patrimonio Español” por la Sección Córdoba (Argentina).
El Festival Internacional del Cante de las Minas concede, en agosto de 2010, el Premio Extraordinario a las Artes Escénicas al Ballet Nacional de España, en la persona de su Director José Antonio, por su magnífica contribución a la preservación y difusión
del mejor flamenco. Recientemente, José Antonio ha sido galardonado además con el Premio de Danza de la edición XIX Premios Nacionales Cultura Viva y el Premio Actúa de la Fundación AISGE..
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BALLET NACIONAL (continuación)
dAnzA y TRonIo
Coreografía:
Mariemma
Música:
Antonio Soler, Luigi Boccherini, Antón García Abril
Editor Musical:
Bolamar Ediciones Musicales
Diseño de iluminación:
Freddy Gerlache
Diseño de Vestuario:
Juan Gutiérrez Reynolds, Pedro Moreno
Diseño de escenografía:
Juan Gutiérrez Reynolds
estreno absoluto en el Teatro de la zarzuela el 13 de julio de 1984 por el Ballet nacional de españa.
cAPRIcHoS
Coreografía:
Fernando Romero
Música:
Juan Manuel Cañizares y Juan José Amador
Diseño de Iluminación:
Joan Teixidó
Diseño de Vestuario:
Sonia Grande
estreno en el Teatro de la zarzuela de Madrid, el 15 de marzo de 2007 por el Ballet nacional de españa.
Caprichos es un espectáculo de baile flamenco, sin argumento, coreografiado para el Ballet Nacional de España en
el que se pretende, sólo y exclusivamente, dar una visión personal y abstracta del flamenco.
Esta coreografía no alude en su título a una apuesta antojadiza de las piezas que la componen, sino que intenta mostrar unas estructuras coreográficas y estilos musicales flamencos no convencionales. Viaja desde piezas clásicas de
guitarra flamenca de maestros como R. Montoya, Sabicas y “Niño Ricardo” a composiciones flamencas contemporáneas. Todo esto siempre mostrando la raíz profunda y sin adulterar de la base del flamenco con una perspectiva
contemporánea en su puesta en escena.
En el proceso de creación, tanto en lo coreográfico como en lo musical, se ha trabajado paralelamente a lo tradicional
pero conservando la libertad del artista .
Fernando Romero
RITMoS
Coreografía:
Alberto Lorca
Música:
José Nieto
Diseño Iluminación:
Freddy Gerlache
Diseño de vestuario:
Pin Morales, Román Arango
Realización de Vestuario:
Juanita Muro, González
Calzado:
Gallardo, Artefyl
estreno absoluto en el Teatro de la zarzuela el 13 de julio de 1984, por el Ballet nacional de españa.
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El Ballet Nacional de España (BNE) aborda en la actualidad nuevos proyectos bajo la dirección de José Antonio, nombrado por
el Ministerio de Cultura en 2004 en la que es su segunda etapa al frente de la compañía.
El BNE es, de las unidades de producción del Instituto Nacional de la Artes Escénicas y de la Música (INAEM), una de las de mayor
proyección internacional como embajadora de nuestra cultura en el mundo. Fundado por la Dirección General de Teatro y Espectáculos del Ministerio de Cultura en 1978 bajo el nombre de Ballet Nacional Español con Antonio Gades como primer director (1978-1980), el BNE ha estado regido por Antonio (Ruiz Soler) (1980-1983), María de ávila (1983-1986) José Antonio
(1986-1992), Aurora Pons, Nana Lorca y Victoria Eugenia (1993-1997), Aída Gómez (1998-2001) y Elvira Andrés (2001-2004).
La Compañía ha evolucionado en concordancia a los tiempos y ha sabido preservar el interés por todos los estilos del baile español, interpretando coreografías de Escuela Bolera, flamenco, danza española estilizada, entre otros. Por otro lado, se ha conjugado tradición con modernidad y no se han olvidado aspectos fundamentales como la formación.
A lo largo de sus 32 años de funcionamiento, se han interpretado en los teatros más prestigiosos del mundo obras emblemáticas como “Medea” de José Granero, “Danza y Tronío” de Mariemma, “Ritmos” de Alberto Lorca, “Fandango de Soler” de José
Antonio, “El Sombrero de Tres Picos” en las versiones de Antonio y de José Antonio, “El Concierto de Aranjuez” de Pilar López o
“Bodas de Sangre” y “Fuenteovejuna” de Antonio Gades. En sus giras más recientes, el BNE ha presentado coreografías como
“La Leyenda”, “El Café de Chinitas” o “El Corazón de Piedra Verde”, todas ellas de José Antonio.
El Ballet Nacional de España ha obtenido el reconocimiento internacional de crítica y público con la concesión de diversos premios, destacando entre otros el Premio a la Crítica al Mejor Espectáculo Extranjero (1988) en el Metropolitan de Nueva York;
Premio de la Crítica Japonesa (1991); Premio de la Crítica al Mejor Espectáculo (1994) en el Teatro Bellas Artes de México; Premio del Diario “El País” (1999) al espectáculo “Poeta” y los Premios de la Crítica y del Público (2002) a la coreografía Fuenteovejuna, de Antonio Gades en el VI Festival de Jerez.
En 2008, el BNE ha sido galardonado con los XVIII Premios Teatro de Rojas (Toledo) al Mejor Espectáculo de Danza, concedido
por el público y, en agosto de 2010, el Festival Internacional del Cante de las Minas ha concedido al Ballet Nacional de España
el Premio Extraordinario a las Artes Escénicas por su magnífica contribución a la preservación y difusión del mejor flamenco.
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LA LA LA HUMAN STEPS (CANADá)
“dido y eneas”
(título provisional, estreno mundial en el Het Muziektheater de Amsterdam en enero 2011)
Coreografía: édouard lock
Música: Gavin Briars
Diseño de luces: édouard lock
Escenografía: Armand Vaillancourt
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nuevo trabajo
Propongo un re análisis contemporáneo de “Dido y Eneas” de Purcell y “Orfeo” de Gluck. Explicaré como estas dos obras
no relacionadas interactúan más adelante en esta propuesta. Para empezar voy a dar la razón de porque me interesa trabajar con el barroco. Las estructuras musicales barrocas tienden a prestarse para la danza contemporánea por su inherente
frialdad y su construcción musical. Estos ritmos definidos ofrecen puntos a los cuales la coreografía contemporánea puede
apoyarse evitando la emotividad periódica y gestos, que no serían pertinentes en la estética de hoy.
La frialdad inherente a las estructuras barrocas permiten una coreografía precisa para convivir con una composición
precisa que alienta a la coreografía de mirar el tema con cierta distancia.
“Dido y Eneas” y “Orfeo” desde luego son obras maestras, que representan el auge de la ópera barroca.
Acabo de terminar una colaboración con el compositor británico Gavin Bryars que trata la desconstrucción de” El lago
de los cisnes” y “La bella durmiente” de Tchaikovsky. Ahora me propongo observar y reafirmar estas óperas por Purcell y Gluck.
La narrativa en el ballet puede ser peligrosa, porque a menudo se sobrecarga la coreografía con el hilo de la historia y
se simplifica la estructura a costa de la historia. Este será mi intento de ver si la narración de historias y las estructuras de
movimiento pueden ser independientes la una de la otra. Un propósito intuitivo que creo que merece la pena. ¿Puede la
estructura coreográfica quedar independiente de la narrativa que la lleva? En otras palabras, ¿puede la complejidad de coreografía coexistir con la claridad del tema?
Y además, ¿pueden estructuras puramente narrativas (actuar, contar historias, etc.) existir al mismo tiempo en el escenario como estructuras de danza abstractas, para el refuerzo mutuo de ambas?
¿Puede el decorado adelantar la historia separadamente del baile para enfocar el argumento, como una lente enfoca la luz?
la referencia
La pieza va a empezar con “Dido y Eneas”. Cuando Dido muere, el ballet cambiará inmediatamente a “Orfeo”. De la
muerte de Dido al aislamiento de Eurydice en Hades esperando la llegada de Orfeo. En mi opinión, estas dos obras consideradas sin relación alguna, van a animar al público a relacionarlas estructural y perceptivamente. La audiencia esencialmente va a inventar una nueva historia, hecha de dos antiguas e independientes.
Esto sucede porque en mi opinión, observar está en la naturaleza. Una audiencia siempre va a juntar cosas, sin importar si están realmente relacionadas entre ellas. De la misma forma que relacionamos árbol y viento o sol y luna o tierra y cielo. En mi opinión, desde que vemos algo deja de ser parte de una realidad subjetiva para convertirse en símbolo.
Los símbolos tienen propiedades que son fluidas y por tanto pueden ser distorsionados para encajar en nuestras propias
realidades.
Esto es de particular interés para mí, porque creo que la memoria cultural funciona de esta manera. Al cabo del
tiempo los eventos se deforman y se desdoblan para formar nuevas variaciones.
Estos híbridos son de alguna manera traslucidos. Podemos ver la cultura como capas de la historia que se combinan
y se influyen entre ellas. Eventos separados que no tienen ninguna relación, uniéndose en un único espacio cultural o en
una única memoria.
Orpheus para esto va a ser influenciado y visto por Dido y Aeneus.
En adición a esto, voy a introducir también una distorsión perceptual o elemento en el proceso.
Un punto de vista “extraño” que tendrá la función de observar la segunda parte del ballet “Orfeo” desde un punto
en la distancia.
Lejano en el sentido del conocimiento, entendimiento o contexto cultural.
Ocurriría paralelamente a la narrativa de Orpheus y consistiría en una transcripción visual de este mimo ballet/narrativa en forma de película (en el escenario) representando el punto de vista de Cerberus.
57
LA LA LA HUMAN STEPS (continuación)
Por supuesto Cerberus es el perro de tres cabezas que vigila el camino a Hades. Una película seria proyectada a tiempos en el escenario, representando el ballet y la historia del escenario de la segunda mitad a través de los ojos de Cerberus. Los ojos del perro.
La distorsión, tanto visual como temática, derivada de la observación de la obra a través de la imaginaria visión del
perro tendría como objetivo algo fuera de la cultura y fuera del punto de vista “normal” pero manteniendo la temática
de Orpheus(el perro como Cerberus). Este mecanismo tendría la ventaja de representar los dos puntos de vista, la del
perro temático (Cerberus) y la del salvaje y distante punto de vista de un perro salvaje.
Cada cabeza de Cerberus seria representada por un color. Rojo, azul y verde formando la paleta de colores RGB al completo. Cada color o cabeza simbolizaría un punto de vista fragmentado o parcial.
Fusionándolos se podrían recrear el espectro completo de colores, que representan la unión y la comprensión.
los efectos sobre la danza
Esta película va a extender su influencia en el escenario afectando a la luz, a la música y a la coreografía.
Las luces del escenario cambiaran de su uso normal (para mí) en blanco monocromático y escultural a reflejos de los
colores que se utilizan en la película. En otras palabras, las luces cambiaran entre su utilización normal, que es iluminar
el baile, a un modo de narrativa y se convertirán en una extensión de la película.
Como ejemplo:
El verde simboliza la naturaleza y la ambivalencia. Eurydice, mordido por una serpiente.
El rojo simboliza la inconsciencia. Pluto está de acuerdo en liberar a Eurydice, bajo la condición de que Orpheus la
saque de Hades sin mirarla ni una sola vez. De lo contrario se perderá para él. Eurydice simboliza la inconsciencia, a la
cual no se puede mirar directamente sin disiparse.
El azul simboliza una realidad más amplia y distante. Orpheus y Eurydice reunidos en la muerte.
Así como la película va a influir en la iluminación también va a influir en la música. Las texturas de la música que emanen de esta película introducirán distorsiones en la música, una interferencia que la audiencia tendrá que superar para
“escuchar” la música.
El compositor responsable de estas texturas no estará en contacto con el compositor responsable de la obra principal, lo que asegura una no-cooperación, inherente a este tipo de propuesta.
Dos variaciones musicales serán ofrecidas. Una para la orquesta y otra para el cuarteto en gira. Los productores tendrán la opción de ambos. La orquesta estará compuesta por veinte músicos no especializados en música barroca y
usando instrumentos convencionales.
Las texturas de sonido discutidas anteriormente, estarán presentes en ambos perfiles de composición.
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Edouard Lock
internacional
edouARd lock – coreógrafo
Fundador de La La La Human Steps, Director artístico y coreógrafo Edouard Lock comenzó su carrera coreográfica con
20 años, creando piezas del 1974 a 1979 para una variedad de compañías de danza canadienses e instituciones, incluyendo Groupe Nouvelle Aire, Les Grands Ballets Canadiens de Montreal, El Museo de Fine Arts de Montreal, y el Museo
de Arte Contemporáneo de Montreál. En 1980 fundó La La La Human Steps, una compañía de reconocimiento nacional e internacional que celebró su 25 aniversario en 2006.
Edouard Lock ha sido invitado a crear obras para las compañías más importantes del mundo, incluyendo el Ballet de
la Opera de Paris, el Nederlands Dans Theater y el Het Nationale Ballet de Hollanda. Sus trabajos han ganado muchos
premios, incluyendo el premio más importante de coreografía canadiense, el Chalmers choreographic prize (1982,
2001); el premio coreográfico de Nueva York, el Bessie (1983, 1986); el premio Denise-Pelletier 2001, que es la condecoración más relevante de las artes escénicas del Quebec; el Governor General of Canada´s National Arts Centre Award
(2001); y el premio Benois de la Danse a la mejor coreografía por AndréAuria, un ballet aclamado por la crítica que se
creó para el Ballet de la Opera de Paris en octubre 2002 y en 2006.
El Sr Lock concibió y fue el director artístico de la gira mundial de David Bowie, Sonido y Visión, en 1990. También
ha colaborado con Frank Zappa en el concierto del “Yellow Shark”- junto al Ensemble Modern de Alemania, la Alte Opera
de Frankfurt, la Filarmónica de Berlín y el Konzerthaus de Viena.
Invitado por la Opera de Paris, el Sr Lock coreografió la producción en 2003 de Les Boréades, interpretado por La La
La Human Steps en el Palais Garnier.
Se han producido dos peliculas artísticas basadas en el trabajo del Sr Lock: el dúo de La La La Human Sex en 1987, dirigido
por Bernar Hébert y ganadora de seis premios internacionales; y Velazquez Little Museum en 1994, también de Hébert.
En septiembre de 1997, el Festival internacional de cine de Toronto presentó las inspiraciones documentales del director británico Michael Apted, sobre Edouard Lock junto con otras figuras del arte contemporáneo y la arquitectura
como el pintor Roy Lichtenstein y el arquitecto Tadao Ando. Lock coreografió a David Bowie y Louise Lecavalier como
conmemoración del Decimo Aniversario del Instituto de Arte Contemporáneo de Londres. La pieza fue filmada por el
video artista Nam June Paik.
La adaptación de la película AMELIA, dirigida por Lock, tuvo su estreno Americano en el Festival de Cine Tribeca
2004 y en el Festival de Slamdance en el Park City, Utah, y su estreno europeo en el Karlovy Vary International Film Festival, el Festival La Rosa de Oro de Suiza y el Festival de Cine internacional de Praga. Recibió también el Premio especial
del jurado para todas las categorías en el Banfff World Television Festival, y fue el ganador de dos premios a la mejor
dirección y la mejor edición de un programa de Artes escénicas. También ganó dos premios ICE de la Asociación Nacional de Broadcasters en las categorías de Mejor Fotografía/Videografía y la categoría de Mejor Edición. La película se
nominó también en los premios internacionales EMMY.
Edouard Lock es Caballero de la Orden de Québec desde 2001, Oficial de la Orden de Canadá desde 2002 y miembro de la Real Sociedad de Canadá desde 2006.
GAVIn BRyARS: música del nuevo trabajo con édouard lock
Este texto representa una descripción preliminar de la posible, quizá probable, dirección que la música va siguiendo
y está sujeto a cambios en función de futuros estudios entre Édouard y yo. Se estructura siguiendo el hilo de las conversaciones y cambios que hemos tenido hasta Junio 2009.
La música se inspira en dos obras: por un lado está el Dido y Aeneas de Purcell, de época barroca y por el otro el Orfeo
de Telemann o el Orfeo de Euridice de Gluck, de la primera época clásica - de momento tendemos hacia Gluck. La obra
será un programa de tarde completo, con una duración alrededor de los 80 minutos sin ningún intervalo.
De hecho hay dos realizaciones musicales, aunque eso no afecte ni a la danza ni a la duración del trabajo.
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Versión 1.
La versión de cámara consiste en una reproducción musical en directo por 4 músicos en escenario: saxofón(es), viola, violoncelo
y clavicémbalo. El aparentemente inauténtico saxofón substituye a la voz humana en la más clara y airada obra de Purcell, y
forma parte del “continuo” del más obscuro Orfeo (teniendo en cuenta que el continuo ha ido haciéndose obsoleto desde el primer período clásico). En la primera parte el saxofón cubre la función de soprano o alto, y en la segunda de barítono. Este conjunto en escena se amplifica como parte de un diseño de sonido global, como todos los proyectos de Édouard, y será dirigido
usando el clavicémbalo.
Aunque la elección del saxofón, inventado en el siglo XIX, como instrumento principal puede parecer rara, hay varios aspectos que la justifican. Generalmente el solista suele ser interpretado por una voz humana; en este caso el saxofón resulta ser un
instrumento esencialmente “vocal” – cubriendo toda gama vocal (soprano, alto, tenor, barítono, bajo etc) así que un solo músico consigue llevar más papeles dentro de la misma función, imposible de conseguir por la voz humana. Cuando escribí mi primera ópera hace 28 años anoté cuidadosamente las ideas instrumentales de Percy Grainger, que solía utilizar saxofones junto
a grupos corales mezclando voces e instrumentos con el mismo nombre (saxos sopranos con voces sopranos y así), mientras un
equipo de saxo solía presentarse como “coro” de saxofones. Al mismo tiempo la gama de saxo, al tener que cubrir la misma extensión vocálica de la equivalente voz humana, resulta ser impresionantemente extensa (el alto, por ejemplo, puede interpretar al menos dos octavas más). Con el saxofón también está la posibilidad de alcanzar una duración aún mucho más larga de
que la que conseguiría la voz humana, incluso sin el uso de respiración circular – que permite al actor de producir largas frases
sin ninguna pausa perceptible en el medio. El sonido del saxo es un híbrido y no queda fijado en ningún período – Grainger llegó
a un buen acuerdo de músicas para saxofones que funciona muy bien.
Los otros instrumentos en el conjunto de cámara están claramente más en línea con el barroco. Aunque no parecería necesario trabajar de una manera totalmente “auténtica” (la afinación barroca, por ejemplo, sería problemática para el saxofón, sin
utilizar una posterior transposición), el uso de reverencias barrocas y de particulares tipos de cuerdas (no necesariamente de intestino) podría dirigirse de alguna manera en esta dirección. Hay una fuerte presión contemporánea hacia el simple uso de
estas reverencias barrocas y, para dirigirse además hacia una sensibilidad barroca (artículo en temas actuales de the Strad)
Versión 2
Además, para algunas ciudades, habrá una versión orquestal en la que el cuarteto en escena se junte, en el foso, a una pequeña orquesta de dimensiones barrocas – en línea con el concepto de música orquestal de los “24 violines” que James II trajo
desde la corte de Louis XIV. Es esencialmente una orquesta de 24 cuerdas (6.5.5.5.3), podría ser un conjunto barroco especialista en lo posible. Además hay unos timbales, dos cuernos franceses y un fagot – que ciertamente no son barrocos. El grupo de
escena empieza, In effect, el “solo” dentro de una especie de “concerto grosso”. Para equilibrar estos dos conjuntos, la orquesta
necesita reforzar el sonido. Esa versión orquestal va a ser dirigida por Gavin Bryars en algunas ocasiones, en otras por un Maestro distinto, que ensaye junto a Gavin Bryars hasta la primera función.
La orquesta se utilizará de distintas maneras. Claramente será capaz de reforzar las líneas del conjunto de cámara, para ponerlas en relieve, como tutti versus soli. Pero igualmente proveerá diferentes colores – el uso de cuerdas divisi extremas, por ejemplo, confiere texturas diferentes que no pueden ser alcanzadas en la versión de cámara. La orquesta no tocará en cada sección
de la obra, y habrá períodos de silencio dentro de la versión de cámara. El uso de timbales suma un borde de ritmos extras a la
música y, con los dobles bajos, añade el registro inferior. Los tres instrumentos de viento permiten armonías prolongadas, tanto
si hay un órgano (el instrumento del mismo Purcell) en el continuo como un clavicémbalo.
Aunque este texto es preliminar, va intentando aclarar las ideas del carácter musical de la obra.
Gavin Bryars
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internacional
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Historia de la compañía
LA LA LA HUMAN STEPS fue fundada en 1980 después de una serie de tres semanas de actuaciones en un pequeño
teatro lÉskabel en el distrito de St Henri de Montreal, lo que llevó a la compañía a THE KITCHEN en la ciudad de Nueva
York, epicentro de la danza contemporánea en ese momento. Desde entonces la compañía se convirtió en una de las
compañías de danza más reconocidas, gracias a su lenguaje único coreográfico que desarrolló y ha reinventado desde
su creación.
Complejidad coreográfica, alteración de estructuras balletísticas e interacción de filamentos coreográficos, musicales
y cinematográficos se encuentran entre los elementos que crean un sentido de distorsión perceptiva y renovación que
anima al público a reinventar y redescubrir el cuerpo y su danza.
La compañía exige que sus bailarines redefinan constantemente, se cuestionen y renueven ellos mismos, para sacar
actuaciones que se mueven del reto físico extremo al máximo del lirismo. La compañía ha colaborado con instituciones
tan prestigiosos y eclécticas como la Opera de París y Frank Zappa.
Desde Human Sex en 1985, qué catapultó a La La La Human Steps a la vanguardia de la escena internacional de la
danza, la compañía ha realizado espectáculos – New Demons (1987), Cést Destroy (1991), 2 (1995), Exaucé/Salt (1998)
y Amelia (2002) – en gira internacional, con dos años para cada creación, que se han presentado en las capitales más
importantes de Europa, Asia y América. En los últimos 20 años la compañía ha recibido el apoyo de co-producción de
festivales de danza internacionales para producir creaciones de Edouard Lock, tales como el Théâtre de la Ville de Paris,
deSingel de Antwerpen, the Het Muziektheater en Amsterdam, el Impulztanz de Viena, el National Arts Centre en Ottawa,
el Festival High Lights de Montreal, el LG Arts Centre de Seoul y el Saitama Arts Theater de Japón.
un texto para los medios
"La esencia del lenguaje de Lock es extraordinaria, pasos clásicos conectados a extremos de velocidad y expresión. Y la
concentrada convicción con la que actúan tanto bailarines como músicos lo convierten en un verdadero homenaje a sus
fuentes clásicas." The Guardian, Londres
La técnica del ballet, acelerada, precisa y al servicio de una narración deconstruida proveniente de dos óperas icónicas.
Dos historias de amor trágico inundado con las partituras de Gavin Bryars. Compleja danza temporizada en micro momentos uniendo dos óperas en una oda perfecta. Dos óperas cuyas historias y música son suficientemente conocidas
por el público y cuyo inventario de sus propias memorias creará nuevas e impredecibles historias.
Una nueva obra romántica y desafiante técnicamente para conmemorar el 30 aniversario de La La La Human Steps.
Fundada en Montreal en 1980, La La La Human Steps debe su fama internacional y numerosos premios al lenguaje coreográfico único desarrollado y reinventado constantemente por el fundador de la compañía y director artístico, Édouard
Lock. Estructuras alteradas de ballet dentro de una compleja amalgama de coreografía, música y cine son los ingredientes principales del estilo de Lock. El resultado es una impresión de la perpetua distorsión y renovación, incitando a
los expectadores a ver el cuerpo en movimiento en formas completamente nuevas. Los bailarines de la compañía, todos
los maestos de ballet, están continuamente obligados a cuestionarse y redefinirse a sí mismos; sus actuaciones van
desde el virtuosismo límite de pruebas hasta el lirismo más exquisito.
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“VERSOS BANDOLEROS… Y CANCIONES ESCONDIDAS…”
(RECITAL SANCHO GRACIA)
espectáculo Basado en Textos, Historias y Poemas Interpretados por Sancho Gracia.
dirección: Miguel narros
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RECITAL SANCHO GRACIA (continuación)
Sinopsis
“Canciones escondidas, Versos Bandoleros… Es un espectáculo poético concebido y pensado a la medida del versátil y sorprendente talento de Sancho Gracia, a quien veremos relatando historias de su vida; contar verdades
y mentiras; canturrear tangos y boleros; y recitar los poemas que le hayan envenenado a lo largo de sus innumerables vidas.
Hemos dicho espectáculo, pero ¿qué espectáculo puede organizarse con un solo actor en el escenario y un fondo
negro… o de incendios…; o de ciudades devastadas y cementerios de coches; o paisajes desolados…?
¿Hablamos de los restos del naufragio en que vivimos?
¿Acaso hablamos del mundo que viene?
Hablamos del esencial, el íntimo y dinámico espectáculo del hombre enfrentado al miedo con las armas que
brinda la memoria:
La verdad y la mentira.
El deseo y la realidad.
Lo vivido y lo imaginado.
El actor hablará de su vida, y de las palabras que le identifican, puede que recite a Rosalía de Castro (puesto que
el actor es gallego y canta a Galicia como Julio Iglesias) o puede que recite tangos como CAMINITO, el favorito
de su añorado amigo pelirrojo: Se hablará de muchas cosas y nada importa que sean invenciones o que sean de
esas verdades que surgen, después de haber estado mucho tiempo ocultas y que parecen mentiras. Nunca lo sabremos.
el espectáculo
¿Canciones, Relatos y Versos A Estas Alturas…?
Y por qué no… la experiencia nos enseña que en los buenos recitales de poesía siempre ocurre ALGO.
De manera que quizás sea mejor imaginar este espectáculo como augurio del tiempo que empieza, porque siempre lo
hay, siempre hay un tiempo nuevo.
Sancho el Actor… Sancho el Hombre, es en sí mismo el relato, el hilo conductor del argumento de este espectáculo en
donde uno tras otro se engarzan los poemas, relatos escritos o pasajes improvisados. Algo de autobiografía y mucho de
fantasía, que de lo que se trata es de entretener.
El espectáculo explora y explota el halo que envuelve a las figuras públicas y en especial a los actores que son a quienes
el público distingue como espejos de fantasías, deseos y miedos.
Así que en el escenario tendremos a Sancho Gracia que fue, en los años de la transición, el bandolero que combatía
nuestros males endémicos de injusticia, corrupción, caciquismo.
Pero también el hombre que ha superado una grave enfermedad con el mismo valor con que el bandolero se enfrentaba
a los invasores hasta derrotarlos. Tanto como decir que aparecerá sobre el escenario la sombra de la muerte y los ecos
que despierta alcanzarán la platea. Los trapecistas, los domadores y los luchadores del circo romano traían también los
mismos ecos porque cualquier espectáculo es la experiencia simbólica de la muerte.
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internacional
En el espectáculo también se encuentran unas Canciones Escondidas. En ellas el actor se introduce como personaje y
solicita del público licencia para mentir.
Es también un espectáculo de improvisación, de encantamiento, de simulación. De revelaciones falsas. De secretos.
Que sean verdad o mentira, ¡que importa!
Lo que importa es la emoción.
Somos el miedo que se esconde en las letras que cantamos y en los versos que musitamos en las noches oscuras
para seguir adelante.
Esas noches en las que hay que elegir entre el dolor y la nada. Cuando las palabras son algo más que sonidos…
más que palabras…
Y la vida, lo único que de verdad poseemos.
Manolo Matji
Intérprete
Sancho Gracia
equipo Artístico
Diseño Gráfico:
Arteaga & San José Comunicación
Fotografía:
Luis Malibrán
Ayudante de Dirección:
Luis Luque
Música:
Varios Autores
Iluminación:
Juan Gómez Cornejo
Escenografía:
Andrea D’Odorico
Dramaturgia:
Manolo Matji
Dirección:
Miguel Narros
equipo Técnico
Realización decorados:
Odeón
Transportes:
Transdecor S.A.
Sonido:
Alberto Alejos
Maquinaria:
Regiduría:
Laura Zamudio
Dirección Técnica/Electricidad:
Antonio Regalado
Equipo de Producción:
Gerencia:
José González
Adjuntos Producción:
José Casero/Víctor Manuel Dogar
Productores:
Celestino Aranda / Sancho Gracia
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MÚSICA CALLADA (ESPAñA)
Voz: Ana Belén
Piano: Rosa Torres-Pardo
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la música callada,
la soledad sonora…
Un espacio sonoro, no escénico, no visual.
Combinaciones de notas, armonías, silencios y también rumores, murmullos, susurros y ecos y sobre todo ideas,
imágenes sugeridas, palabras, la palabra…. lo constituirían.
Las manos de Rosa, las teclas del piano, el propio piano y la cara y boca de Ana, su cuerpo, su voz. Lo palpable.
Un intento de crear un mundo impalpable que trate de alcanzar el interior menos manipulable del espectador. Sorprender, provocar extrañamiento, inquietud y sosiego, evocación, abstracción… en definitiva sensaciones que exijan un esfuerzo de nuestra imaginación y la necesidad de que nosotros espectadores seamos los creadores de
nuestras propias imágenes y particulares escenografías. Creadores de emociones y hacedores de su análisis posterior.
Mozart, Juan de la Cruz, Mompou, Cernuda, Alberti o Chopin entre otros, muchos otros penetran nuestros oídos
plácidamente, sin presiones y sin tiempo… Engranados en un hilo invisible y poético, como no podía ser menos ,
de Luis García Montero. Interpretado por Rosa Torres-Pardo y Ana Belén. Sin calificativos.
José carlos Plaza
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LUZ CASAL
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luz & BAndA
luz
Tino dI GeRAldo
BATERÍA
Juan ceRRo
GUITARRAS
Jorge FeRnández
GUITARRAS
Fran RuBIo
PIANO & TECLADOS
Pedro oTeo AGuIlAR
BAJO & CONTRABAJO
Pedro Pablo RodRíGuez
PERCUSIÓN
Manuel MAcHAdo
TROMPETA
Joulien FeRReR
TROMBÓN
Martín GARcíA
SAXOFÓN
eunice SAnToS
VIOLÍN
Belén VIllAnueVA
VIOLA
Iván GARcíA
VIOLïN
Sebastián loRcA
CHELO
Biografía
Cuando en 1991 Luz se aventuró a aceptar la proposición de Pedro Almodóvar para interpretar la adaptación de una
canción de Mina, Un año de amor, y un bolero de Agustín Lara, Piensa en mí, pocos supieron vaticinar el éxito que
ambos temas cosecharon. Por entonces la atractiva cadencia del bolero ya había atrapado a Luz y las tentaciones para
grabar un disco de canciones latinoamericanas eran cada vez mayores. Empujada sin embargo por su convicción de no
ceder nunca ante el especulador, Luz continuó grabando temas propios. Casi dos décadas después, como una suerte de
círculo abierto en ese 1991 y que ahora ha de cerrarse, Luz materializa ese antiguo deseo en La pasión, su duodécimo
álbum, un ramillete de trece canciones procedentes del otro lado del océano que encuentran en el bolero su hilo conductor.
Luz siempre tuvo claro que La pasión debía ser, ante todo, un sentido homenaje, un acercamiento al género que dominó
el universo musical latinoamericano durante la mayor parte del siglo XX, y es este matiz el que hace que el álbum esté
concebido desde el respeto, despojándolo así de innovaciones superficiales y de impostadas fusiones. El poderío vocal
de Luz y su capacidad de inmersión como intérprete, sumados a los arreglos de Eumir Deodato, arreglista de Frank Sinatra, Björk o Kool & The Gang, y una nómina de músicos entre los que destacan los percusionistas Alex Acuña (Ella Fitzgerald, Paul McCartney) y Luis Conte (Madonna, Ray Charles), hacen de La pasión un disco hondo y sofisticado,
impermeable a las modas y los años, que destierra al bolero del olvido para devolverlo al ambiente elegante y atractivo
que le corresponde, lejos de la percepción de música vacua que en ocasiones le otorga la ignorancia, y logra poner en
los oídos de un público insospechado un repertorio de canciones clásicas que son la puerta a una de las más importantes
contribuciones artísticas y culturales de Latinoamérica.
Propone Luz un hermoso viaje que se inicia a principios de los años 40, donde se datan Sombras y Alma mía, las dos
canciones más añejas del disco. Sombras tiene su origen en un poema de la mexicana Rosario Sansores, Cuando tú te
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LUZ CASAL (continuación)
hayas ido, que Carlos Brito musicalizó hasta convertirlo en un pasillo ecuatoriano de popularidad masiva en el país suramericano. Al mismo tiempo, Bola de Nieve, cantante cubano que llegaría a ser uno de los más geniales intérpretes
que ha dado la isla caribeña, popularizaba aquello de “a veces me pregunto qué pasaría / si yo encontrara un alma
como la mía”, del tema compuesto y escrito por la mexicana María Grever y que en la voz de Luz y el piano de Otmaro
Ruiz adquiere emocionantes matices.
Es en la década de los 50, los años dorados del bolero, cuando nacen la mayoría de canciones que conforman La pasión. Francisco Flores, compositor y actor chileno, realiza un canto al amor en Nieblas, introducida por un bello arreglo
de cuerda. Por el contrario, el desamor atraviesa los temas Mar y cielo, del puertorriqueño Julio Rodríguez, integrante
de Los Panchos; y Cenizas, del compositor mexicano Wello Rivas, una de las letras más viscerales del álbum: “si pretendes remover las ruinas que tú mismo hiciste / sólo cenizas hallarás de todo lo que fue mi amor”. La impronta musical de
Cuba se hace sentir con las canciones que aporta el celebrado Osvaldo Farrés: No me vayas a engañar y No, no y no,
dos vigorosos boleros-chás que gozan de toda la energía instrumental de la orquesta. En Con mil desengaños, compuesta por el también cubano René Touzet, el piano y la cuerda establecen una intimidad que explota en un sublime
puente de metales mientras Luz torna cada verso en escalofrío: “con mil desengaños / no podrías pagar el desengaño
mío. / Con mil sufrimientos / no podrías sufrir lo que he sufrido yo”. Encadenados, del mexicano Carlos Arturo Briz, fue
popularizada por Lucho Gatica, uno de los mayores representantes del vasto marco de boleristas de los que Luz ha bebido, entre quienes destacan mujeres de poderosa personalidad como La Lupe, Toña La Negra u Omara Portuondo. A
mediados de los 50, Carlos Eleta firma el que es probablemente el tema más conocido del disco, la elegíaca Historia de
un amor, escrita a raíz de la muerte de la cuñada del autor panameño y dotada en el álbum de la sensibilidad de Luz y
de un conmovedor puente musical.
De la década de los 60 Luz rescata Qué quieres tú de mí, del fructífero tándem formado por los brasileños Jair Amorín
y Evaldo Gouveia, una pieza de sosegada melodía escrita desde el rencor del amor acabado. Ya a los 70 pertenece
Adónde va nuestro amor, de los mexicanos Eduardo Magallanes y Mario Molina, un canto sobre la incertidumbre que
precede al desamor en el que la voz de Luz, reflexiva y serena, entra como un bisturí en la carne tras una intensa introducción de percusión y metales. Como la cigarra, de la poeta y compositora argentina María Elena Walsh, es probablemente la canción que más se aleja de la temática amorosa y del género bolerístico para abrir paso a la esperanza
tras la herida: “tantas veces me mataron / tantas veces me morí / sin embargo estoy aquí / resucitando”.
Producido intachablemente por Renaud Letang, que ha trabajado, entre otros, con Feist y Manu Chao, La pasión es un
viaje al pasado, no para arrastrar los temas hasta el presente sino para interpretarlos desde el origen, volviendo al afán
de pureza que denotan estos boleros de influencia romántica y dimensiones abismales. Se trata así de un disco especial, canciones en blanco y negro que conservan la espontaneidad propia del género, con letras directas y rotundas, libres de inútiles pudores, que versan sobre el amor en estado puro, con sus luces y sombras, su gloria y su ruina. No
podía, por tanto, ser otro el título, pues es pasión lo que transpira cada frase, cada nota, y la voz de Luz, espléndida, que
canta libre de dramatismos innecesarios, con inmensa emoción, sosteniendo cada palabra antes de lanzarla; extrayendo de todo, como un buen bolero, la sonrisa y la lágrima.
A. Gómez Almendres
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Memoria
ACTIVIDADES
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luSA FIlMS
En 1998 se constituye LUSA FILMS, S.L. teniendo en proyecto la serie de dos episodios de 90’ cada uno,
“LA ULTIMA BANDERA” (Los últimos de Filipinas), y una serie de 13 episodios para la Televisión de
Galicia titulada “EN RUTA”. Tiene concedido los derechos de antena del largometraje titulado provisionalmente “OPERACIÓN DINOSAURIO”.
LUSA FILMS tiene como asesor a Sancho Gracia que ha producido la serie de 40 capítulos para T.V.E.
“CURRO JIMÉNEZ”, en la que trabaja como actor. También produce e interpreta la serie LOS CAMIONEROS.
Interpreta y produce la serie de 6 episodios “LOS DESASTRES DE LA GUERRA” (Goya) para T. V. E.
Produce un documental de 60 minutos de duración titulado “SAUDADE” para los Ayuntamientos del
Condado de Ponteareas, Mondariz Balneario de Galicia.
Produce el largo titulado “GALLEGO”, coproducción realizada con Cuba y T.V. Galicia.
Produce el largometraje titulado “HUIDOS” distribuido por Columbia Tri Star, y la miniserie de 3 capítulos titulada “EL ULTIMO MAQUIS”, para Canal Sur y Telemadrid.
Produce la serie de 13 capítulos para A3, titulada “EL REGRESO DE UNA LEYENDA” (Curro Jiménez).
Actualmente, LUSA FILMS, se encuentra en fase de desarrollo, producción y rodaje de películas basadas en las vidas de los “LIBERTADORES” de las Repúblicas Latinoamericanas.
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internacional
PRoduccIoneS TeATRAleS FARAuTe S.l.
Nace en el año 1997 con la intención de producir un teatro que aúne calidad y comercialidad poniendo en
escena textos de autores universalmente reconocidos así como apuestas más arriesgadas, pero siempre con
el empeño de difundir a través de sus espectáculos lo que para esta productora supone el hecho teatral: la
perfecta simbiosis entre ocio y cultura. Para ello Producciones Teatrales Faraute S.l. cuenta con la inestimable participación en su empresa del consagrado director Miguel narros al frente del equipo y del igualmente reconocido escenógrafo Andrea dódorico como colaborador habitual.
Los trabajos realzados hasta la fecha por esta productora han sido los siguientes:
2000/ 2001 lA ReAlIdAd IluMInAdA. Sobre textos de Buero Vallejo. Dirección: Miguel Narros.
Espacio Escénico: Andrea DÒdorico. Reparto: María Asquerino, Lola Cardona, Marisa de Leza, María
Jesús Valdés, Teófilo Calle, Manuel de Blas, Juan Ribó, Francisco Valladares, entre otros.
2001/ 2002. lA dAMA no eS PARA lA HoGueRA. De Christopher Fry. Versión de Rosa Chacel.
Dirección: Miguel Narros. Escenografía: Andrea DÒdorico. Iluminación: Juan Gómez Cornejo. Reparto:
Pablo Salaberri, Alberto Berzal, Ana Berrade.
2001/ 2002. PAnoRAMA deSde el PuenTe. De Arthur Miller. Producción Ejecutiva. Dirección: Miguel Narros. Versión: Eduardo Mendoza. Escenografía: Andrea DÒdorico. Reparto: Sancho Gracia ( sustituido por
Helio Pedregal )Ana Marzoa, Chema Muñoz.
2002/ 2003. loS PuenTeS de MAdISon. De Robert James Waller. Dirección: Miguel Narros. Adaptación:
Josep Costa. Vestuario: Tony Benitez. Iluminación: Juan Gómez Cornejo. Reparto: Charo López, Manuel de
Blas y Natalia Garrido.
2004/ 2005. cARMen, cARMelA (Suite de “carmen” sobre la ópera de Bizet.)
Dirección: Miguel Narros. Coreografía: Antonio Canales. Escenografía: Andrea DÒdorico. Iluminación:
Sergio Spinelli. Ficha Artística: Antonio Canales, Lola Greco y Diego Llori.
73
2006/ 2007. Ay cARMelA. De José Sanchís Sinisterra. Dirección: Miguel Narros. Escenografía: Andrea
DÒdorico. Coreografía: Teresa Nieto. Iluminación: Juan Gómez Cornejo. Reparto: Verónica Forqué,
Santiago Ramos.
2007/2008. MÓVIl de Sergi Belbel. Dirección: Miguel Narros. Escenografía Andrea D’Odorico. Iluminación:
Juan Gómez Cornejo. Reparto: María Barranco, Nuria González, Marina San José y Raúl Prieto.
2008/2009. el BeSo de JudAS. De David Hare. Dirección: Miguel Narros. Escenografía Andrea D’Odorico.
Iluminación: Juan Gómez Cornejo. Reparto: Joaquín Kremel, Juan Ribó, Enrrique Alcides.
2008/2009 lA cenA de loS GeneRAleS. De José Luis Alonso de Santos. Dirección: Miguel Narros.
Escenografía Andrea D’Odorico. Iluminación: Juan Gómez Cornejo. Reparto: Sancho Gracia, Juanjo
Cucalón, Ana Goya, Víctor Manuel Dogar, Lucia Bravo, Virginia Mateo, Jesús Prieto, Tomás Calleja, Luis
Garbayo, César Oliver, Candela Arrollo, Antonio Escribano, Lorenzo Area.
2008/2009 lA ABeJA ReInA. De Charlotte Jones. Dirección: Miguel Narros. Escenografía Andrea
D’Odorico. Iluminación: Juan Gómez Cornejo. Reparto: Verónica Forqué; Miguel Rellán; Juan Díaz;
Marta Fernández Muro; Alba Alonso; Juan Carlos Sánchez.
2009 / 2010 FedRA Ballet flamenco con música de Enrique Morente y coreografía de Javier Latorre.
Dirección: Miguel Narros. Escenografía Andrea D’Odorico.Lola Greco; Amador Rojas; Alejandro Granados;
Carmelilla Montoya; Estefanía Ruiz y un cuerpo de baile de 8 bailarines.
2010 “loS neGRoS.” De Jean Genet dirección de Miguel Narros.
en FASe de PRoduccIÓn:
2011 “VeRSoS BAndoleRoS y cAncIoneS eScondIdAS” Guión de Manolo Matji.
Dirección Miguel Narros.
74
internacional
InFRAeSTRucTuRAS
- Teatro Sala de conciertos del centro cultural de novacaixagalicia de Vigo
- centro Social novacaixagalicia de Pontevedra
- Auditorio centro cultural novacaixagalicia de Vigo
- Sala de conferencias del centro cultural novacaixagalicia de Vigo
75
eQuIPo ARTíSTIco
SAncHo GRAcIA
TeATRo
Debuta en Uruguay
1957 “SUEñO DE UNA NOCHE DE VERANO”
Directora: Margarita Xirgú
“PERIBAñEZ Y EL COMENDADOR DE OCAñA”
Lope de Vega
“EL CARDENAL DE ESPAñA”
Monterland
“UN SOMBRERO DE PAJA DE ITALIA”
Labiche
1961 “BODAS DE SANGRE”
Directora: Margarita Xirgú
deBuTA en eSPAñA
1962 “CALIGULA”
Director: José Tamayo
dAToS PeRSonAleS
“DIVINAS PALABRAS” - Valle Inclán
Nombre: Félix
“El CABALLERO DE OLMEDO”
Apellidos: Sancho Gracia
“LOS INTERESES CREADOS” - Benavente
Lugar nacimiento: Madrid
1964 “EL SIRVIENTE” Robin Maughn
1966 “LA COLECCION” Harold Pinter
“MAñANA TE LO DIRE” Jeremy Saunders
1969 “FORTUNATA Y JACINTA” Pérez Galdós
1970/71
“LA MAMMA” (“Il Bello antonio”)
Albert Roussin
1972/73
“TIEMPO DE ESPADAS” Jaime Salom
1990 “COMBATE DE NEGRO Y PERROS”
Director: Miguel Narros
76
internacional
1995/96
“DON JUAN TENORIO”
Director: Gustavo Pérez Puig
1996 “GOYA” Director: Carlos Martín
Texto: Alfonso Plou
2000/01
“PANORAMA DESDE EL PUENTE”
1979 “CURRO JIMENEZ”
Director: Mario Camus
1984 “DE TRIPAS CORAZON”
Director: Julio Sánchez Valdés
1987 “GALLEGO”
cuba Director: Manuel Octavio Gómez
1992 “HUIDOS” Director: Félix Sancho Gracia
2008/10
“LA CENA DE LOS GENERALES”
1995 “CACHITO” Director: Enrique Urbizu
cIne
1997 “LA MIRADA DEL OTRO”
Director: Vicente Aranda
1962 “PAMPA SALVAJE”
Director: Hugo Fregonese
1964 “GUERRERAS VERDES”
“LOS DUENDES DE ANDALUCIA”
“LA CHICA DE LOS ANUNCIOS”
“CLUB DE SOLTEROS”
1965 “TRAMPA EN LUNA DE MIEL”
“LA OTRA MUJER”
1996 “MARTIN HACHE” Director: Adolfo Aristarain
1998 “THE LONG KILL”
Director: William J. Corcoran
1999 “INFERNO”
Portugal Director: Joaquim Leitao
1999 “A GALOPE TENDIDO”
Director: Julio Suárez
2000 “LA COMUNIDAD” Director: Alex de la Iglesia
1968 “CIEN RIFLES” (“A Hundred Rifle”)
Director: Tom Gries
1969 “EL ULTIMO DIA DE LA GUERRA”
Director: Juan Antonio Bardem
1970 “VERANO POLVORIENTO”
Director: A. Lubin
1971 “MARCO ANTONIO Y CLEOPATRA”
Director: Charlton Heston
1972 “LA SELVA BLANCA” (“Call of the Wild”)
noruega Director: Ken Annakin
2000 “NO TE FALLARE” Director: Manuel Rios
2000 “LA CAJA 507” Director: Enrique Urbizu
2001 “EL ROBO MáS GRANDE JAMáS
CONTADO” Director: Daniel Monzón
2001 “HASTA AQUÍ HEMOS LLEGADO”
Directora: Yolanda García Yolanda
2001 “EL CRIMEN DEL PADRE AMARO”
México Director: Carlos Carrera
2002 “800 Balas” Director: Alex de la Iglesia
1973 “LAS ULTIMAS HORAS”
“LA PIMPINELA DE CALIFORNIA”
“EL SHERIFF NO DISPARA”
2002 “EL FURGÓN” Director: Benito Rabal
77
2002 “EL ORO DE MOSCÚ” Director: J. Bonil
2003 “PERFECTO AMOR EQUIVOCADO”
cuba Director: Gerardo Chijona
2003 “BAILANDO CHA-CHA-CHA”
cuba Director: Manuel Herrera
2003 “MALA UVA” Director: Javier Domingo
2003 “EL CID” - La Leyenda
Largometraje Animación
Voz al personaje: “Conde Gormaz”
2005 “LOS MANAGERS”
Director: Fernando Guillén Cuervo
2005 “LA BICICLETA” Director: Sigfrid Monleón
2010 “ENTRE LOBOS” Director: Gerardo Olivares
2010 “BALADA TRISTE DE TROMPETA”
Director: Alex de la Iglesia
1983 “ISLAND TRADER”
Australia Director: Howard Rubie
1984 “RUNAWAY ISLAND”
Australia Director: Howard Rubie
1985 “LA HUELLA DEL CRIMEN”
Episodio: “EL JARABO”
Director: Juan Antonio Bardem
1985 “MALA RACHA”
Largometraje. Director: José Luis Cuerda
1986 “LA TIA DE FRANKESTEIN”
Austria Director: Jury Jakuvisko
1987 “GALLEGO” 3 Episodios
Director: Manuel Octavio Gómez
1990 “LA SELVA NERA”
India Director: Kevin Connor
Australia “LA ISLA DE LOS PIRATAS”
Largometraje
TeleVISIÓn
1963 “MURIÓ HACE QUINCE AñOS”
“DOCE HOMBRES SIN PIEDAD”
1990/91
“TANGO” 8 Episodios
Director: Miguel Hermoso
1969 “YO SOY ESPIA” (“I Spy”)
u.S.A. Bill Cosby - Robert Culp
1992 “EL ULTIMO MAQUIS” 3 Episodios
Director: Félix Sancho Gracia
1970 “LOS TRES MOSQUETEROS” 20 Episodios
1994 “EL REGRESO DE UNA LEYENDA”
(Curro Jimenez)
uruguay 13 Episodios
1973 “LOS CAMIONEROS” 13 Episodios
Director: Mario Camus
1977/78
“CURRO JIMENEZ” 40 Episodios
Directores: Mario Camus, Joaquín y
Rafael Romero Marchent
78
1996 “HOSTAL ROYAL MANZANARES”
1 Episodio
“LA VIRTUD DEL ASESINO” 13 Episodios
Director: Roberto Bodegas
1980 “LA MáSCARA” 6 Episodios
Director: F. Gimenez Rico
1997/98
“PUERTA CON PUERTA” 13 Episodios
1982 “LOS DESASTRES DE LA GUERRA”
6 Episodios Director: Mario Camus
1998 “EL SECRETO DE LA PORCELANA”
2 Episodios Director: Roberto Bodegas
internacional
2000 “CALÍGULA” de Albert Camus
Director: Eloy de la Iglesia
2002 MedAllA de oRo
de lAS BellAS ARTeS
2004 “SIETE VIDAS” 1 Episodio
PReMIo ondAS
2004/05
“LOBOS” 9 Episodios
Antena 3
nominación al GoyA – “800 Balas”
PReMIoS
1973 ARo de PlATA
(Mejor Actor/Best Actor)
1973 PlAcA RoMeo y JulIeTA
(Mejor Actor/Best Actor T.V. and Theater)
1974 MouSTAcHe de HonoR
1977 MeJoR AcToR nAcIonAl
(Best National Actor)
Premio Ace
(Asociación de Cronistas de
Espectáculos de Nueva York)
“El Crimen del Padre Amaro
2010 TP de oRo
PRoducToR de:
“CURRO JIMÉNEZ”
Serie de 40 capítulos para T.V.E.
“LOS DESASTRES DE LA GUERRA”
Coproducción con Francia para T.V.E.
Serie de 6 capítulos
IMPoRTAnTe de RAdIo PenInSulAR
1978 TRoFeo coSTA de AzAHAR
“GALLEGO”
Largometraje y serie de 3 capítulos
Coproducción con Cuba
FAMoSo nAcIonAl lAS PAlMAS
ARo de PlATA T.V.e.
“ISLAND TRADER”
Coproducción con Australia (Grundy)
1979 TRoFeo oTeMA Ciudad de Cuenca
lA Voz de lA ISlA de lA PAlMA
FAMoSo del BoTo
FAMoSo eSPAñol
“HUIDOS”
Largometraje
Coproducción con Canal Sur y Telemadrid
Distribuida por Columbia
“EL ULTIMO MAQUIS”
Premio ondAS a la serie
“CURRO JIMENEZ”
como producción y labor de conjunto
79
eQuIPo ARTíSTIco
MIGuel nARRoS
MonTAJeS MáS IMPoRTAnTeS Que
HA dIRIGIdo:
“Réquiem por una mujer” de W. Faulkner
“Soledad” de Unamuno
“Quiere usted jugar conmigo?” De Achard
“El triunfo del amor” de Marivaux
“Historia de un soldado” de Strawinsky-Ramus
“Sabor a miel” de Shelag Delaney (primera versión)
“Fedra” de Unamuno
“Antígona” de Anouilh (primera versión)
“La rosa tatuada” de Tenesse Williams
“El auto de la pasión” de Lucas Fernández
“La señorita Julia” de Strindberg
“Las tres hermanas” de Chejov
“Las mujeres sabias” de Moliere
“El caballero de Olmedo” de Lope de Vega
(primera versión)
“La dama duende” de Calderón
“Antígona” de Anouilh (primera versión)
“La posadera” de Goldoni
TeATRo eSPAñol: 1967-71
Nace en Madrid, donde cursa estudios en el Real Conservatorio de Música y Declamación. Continúa su formación con una beca en Francia, para posteriormente convertirse en Catedrático de la Real Escuela Superior de
Arte Dramático.
Dirige montajes par el Teatro Español Universitario (T.E.U.)
Crea en Barcelona el “Pequeño Teatro”, posteriormente en
Madrid, el “Teatro Estudio de Madrid” (T.E.M) y el “Teatro
Estable Castellano (T.E.C). Participa como director en la
Feria Mundial de Nueva York, en los Festivales de España y
en Europalia 85. Ha sido Director del Teatro Español en dos
ocasiones.
“Numancia” de Cervantes
“El burlador de Sevilla” de Tirso de Molina
“El rey Lear” de Shakespeare (primera versión)
“El rufián castrucho” de Lope de Vega
“Las mocedades del Cid” de Guillén de Castro
“El sí de las niñas” de Moratín (primera versión)
“La paz” de Aristófanes
“La marquesa Rosalinda” de Valle Inclán
“El condenado por desconfiado” de Tirso de Molina
oTRoS TRABAJoS de dIReccIÓn
“Sabor a miel” de S. Delaney (segunda versión)
“Heda Gabler” de Visen
“El hospital de los locos” de Valdivielso
“La cocina” de Wesker
“Antígona” de Anouilh (segunda versión)
“Los gigantes de la montaña” de Pirandello
“Retrato de dama con perrito” de Luis Riaza
“Macbeth” de Shakespeare
“Hederá” de Ignacio Amestoy
“El rey de Sodoma” de Arrabal
“La Chunga” de Vargas Llosa
TeATRo eSTABle cASTellAno 1978-80
80
“Así que pasen cinco años” de Lorca (primera versión)
“El tío Vania” de Chejov
“La dama boba” de lope de Vega
internacional
TeATRo del ARTe 1981-83
“Danza Macabra” de Strindberg
“Seis personajes en busca de autor”
de Pirandello (primera versión)
“El rey Lear” de Shakespeare (segunda versión)
“Don Juan Tenorio” de Zorrilla
“Final de partida” de Beckett
TeATRo eSPAñol: 1984-89
“Bohemios” de Perrin y Palacios
“El castigo sin venganza” de Lope de Vega
“El concierto de San Ovidio” de Buero Vallejo
“El sueño de una noche de verano” de Shakespeare
“La malquerida” de Benavente
“Largo viaje del día hacia la noche” de OŃeill
“Así que pasen cinco años” de Lorca (segunda versión)
“Rosa de amor y fuego” conciertos de Ana Belen
“Homenajes a Lorca” Yerma
oTRoS TRABAJoS de dIReccIÓn
“Medea” para el Ballet Nacional de España
“Don Juan Tenorio” de Zorrilla.
Teatro Nacional de Venezuela
“Yo elegí el flamenco” Ballet de Yoko Komatsubara
“Combate de negro y perros” de Koltés (C.D.N.)
“El caballero de Olmedo” de Lope de Vega
(segunda versión) (C.N.T.C.)
“Las de Caín” de Hnos. álvarez Quintero (C.A.T.)
“La gallarda” de Alberti, EXPO 92
“Fiesta Barroca” Madrid Capital Cultural de Europa 1992
“La truhana” de Antonio Gala
“Casi una diosa” de Jaime Salom
“A puerta cerrada” de Sartre
“Marat-Sade” de Peter Weiss (C.D.N.)
“Los bellos durmientes” de Antonio Gala
“La gitanilla” de Cervantes,
para el Ballet Nacional de España
“El yermo de las almas” de Valle Inclán (C.N.T.C.)
“Yerma” de F. G. Lorca (C.A.T.)
“La estrella de Sevilla” de Lope de Vega (C.N.T.C.)
“Jugar con fuego” de Barbieri, Teatro de la Zarzuela
“La ralidad iluminada”, Homenaje Buero Vallejo
“La dama no es para la hoguera” de Christopher Fry
“los puentes de Madison” de Robert James Waller
“El Burlador de Sevilla” de Tirso de Molina, (C.N.T.C)
“Carmen Carmela”, con Antonio Canales
“Ay Carmela” de José Sanchís Sinisterra
PRoduccIoneS A. dódoRIco
“cIA. MIGuel nARRoS” 1993-2006
“La doble inconstancia” de Marivaux
“Seis personajes en busca de autor” de Pirandello
“La discreta enamorada” de Lope de Vega
“El sí de las niñas” de Moratín (segunda versión)
“La vida que te dí” de Pirandello
“El rey Lear” de Shakespeare (tercera versión)
“Los enamorados” de Goldoni
“Mañanas de abril y mayo” de Calderón
“Panorama desde el puente” de Arthur Miller
“Tío Vania” de A. Chejov
“El sueño de una noche de verano” de Shakespeare
“Doña Rosita la soltera” de Lorca
“Salomé” de Oscar Wilde
PRoduccIoneS FARAuTe
2000-2010
2000/2001 LA REALIDAD ILUMINADA
2001/2002. LA DAMA NO ES PARA LA HOGUERA
2001/2002. PANORAMA DESDE EL PUENTE
2002/ 2003. LOS PUENTES DE MADISON
2004/ 2005. CARMEN, CARMELA
2006/ 2007. AY CARMELA
2007/2008. MÓVIL
2008/2009. EL BESO DE JUDAS
2008/2009 LA CENA DE LOS GENERALES.
2008/2009 LA ABEJA REINA
2009/2010 FEDRA
2010/2011 LOS NEGROS
PReMIoS
Ha obtenido numerosos premios, entre los que
destacamos:
Medalla de oro de la ciudad de Valladolid
(tres ocasiones)
Premio Nacional de Teatro (dos ocasiones)
Premio el espectador y la crítica (dos ocasiones)
Chevalier de LÓrdre des Arts et des Lettres de Francia
Premio MAX de teatro, mejor dirección por “Panorama
desde el puente”
Premio de la Comunidad de Madrid
Premio de las Artes 2004 de Castilla la Mancha, por su
trayectoria profesional
Premio MAX de Honor, 2008
81
eQuIPo ARTíSTIco
celeSTIno ARAndA
Entre sus trabajos como productor se cuentan:
“la Realidad Iluminada“
sobre textos de Buero Vallejo
“la dama no es para la Hoguera“
de Christopher Fry
“Panorama desde el Puente”
de Arthur Miller
“los Puentes de Madison“
de Robert James Waller
“carmen, carmela”
(Suite de “Carmen” sobre la ópera de Bizet)
Coreografía: Antonio Canales
“Ay carmela”
De José Sanchís Sinisterra
Celestino Aranda, nace en Guadalajara, llega a Madrid y desde muy joven estuvo vinculado al mundo
empresarial. Sus primeros pasos en el negocio del espectáculo los realizó de la mano de Miguel Narros
durante su etapa de director del Teatro Español de
Madrid. Posteriormente tuvo ocasión de ampliar su
experiencia realizando trabajos de producción ejecutiva y distribución con distintas empresas. En este
sentido habría que destacar sobre todo, la estrecha
relación profesional con Producciones Andrea D’Odorico para la que ha hecho producción ejecutiva y distribución a lo largo de numerosísimos montajes. Del
mismo modo en el campo de la producción ejecutiva
Celestino Aranda tiene en su haber varias colaboraciones tanto con organismos públicos como con compañías privadas.
82
“Móvil”
de Sergi Belbel
“el Beso de Judas”
de David Hare
“la cena de los Generales”
de José Luis Alonso de Santos
“la Abeja Reina”
de Charlotte Jones
“Fedra”
“los negros”
de Jean Genet
Todas ellas bajo la dirección de Miguel Narros
internacional
oRGAnIGRAMA
FeSTIVAl InTeRnAcIonAl RíAS BAIXAS
Dirección del Festival:
Sancho Gracia / celestino Aranda
Director artístico:
Miguel narros
Adjunto Dirección:
Víctor Manuel dogar
Gerencia:
José casero
Coordinadora Institucional:
Marta lucio
Dirección Técnica:
Antonio Regalado
Coordinador técnico:
José González
Coordinadora de Producción:
lucía Abril
Ayudante de Producción:
Félix Sancho
Comunicación y Prensa:
Publiescena
Diseño Gráfico y web:
Arteaga y San José comunicación
Fotógrafo:
luis Malibrán
Administración:
SGcA Producciones Artísticas
83

Festibaixas. Festival Internacional Rías Baixas

Transcripción

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