BERN A OLA FESTIV AL

PROGRAMACIÓN NOVIEMBRE 2010
4 ENSEMBLE ESPACIO SINKRO (música contemporánea)
20:30h Jesús Guridi Musika Kontserbatorioa
5
ENSEMBLE ESPACIO SINKRO (música contemporánea)
20:00h Harresi aretoa. Agurain
EL COLUMPIO ASESINO (otras músicas)
20:30h Jimmy Jazz
6
7
FLEUR INVERSE (música contemporánea)
20:00h Artium. Plaza aretoa
CUARTETO BERENICE (jóvenes intérpretes)
20:00h Luis Aramburu Udal Musika Eskola
8
BICIVOLADORES (otras músicas)
9
TRÍO AMUDAGU (jóvenes intérpretes)
20:30h GORA TABERNA
20:00h Luis Aramburu Udal Musika Eskola
10 EMMANUEL SÉJOURNÉ (música contemporánea)
20:30h Jesús Guridi Musika Kontserbatorioa
11 JORDI SAVALL Y PEDRO ESTEVAN (música antigua)
20:30h Jesús Guridi Musika Kontserbatorioa
BERNAOLA FESTIVAL
12 IÑAKI PLAZA & ION GARMENDIA (otras músicas)
20:00h Luis Aramburu Udal Musika Eskola
13 HAMID KHABAZI Y MASSUD NADERI (otras músicas)
20:00h Luis Aramburu Udal Musika Eskola
14 MINISTRILES DE MARSIAS (música antigua)
20:30h San Vicente parrokia
15 ENSEMBLE KRATER (música contemporánea)
20:30h Jesús Guridi Musika Kontserbatorioa
16 NEOPERCUSIÓN (música contemporánea)
20:30h Jesús Guridi Musika Kontserbatorioa
17 INTONATIONES (música antigua)
20:30h San Vicente parrokia
18 MISO ENSEMBLE (música contemporánea)
20:30h Jesús Guridi Musika Kontserbatorioa
19 DUO MIRAMAR (jóvenes intérpretes)
20:00h Luis Aramburu Udal Musika Eskola
20 CAPILLA SANTA MARÍA (música antigua)
20:30h Jesús Guridi Musika Kontserbatorioa
21 CAPILLA SANTA MARÍA (música antigua)
18:00h San Anton ermita. Amurrio
1
E
n este año 2010, el BERNAOLA FESTIVAL
se configura nuevamente como un instrumento de dinamización de la cultura musical alavesa. El nombre de quien fue durante
años director de nuestro Conservatorio «Jesús
Guridi» se erige en referencia de una propuesta
múltiple e integradora. El centro de enseñanza
musical vitoriano está celebrando en estos meses
el 25 aniversario de su inauguración; y es que
su nacimiento tuvo como protagonista básico e
irreemplazable a Carmelo A. Bernaola, un músico que, desde su visión artística y su magisterio
académico, dejó en Vitoria la huella de una presencia inolvidable.
Por ello, esta edición del festival «la séptima que
llevaría su nombre pero la primera de esta nueva
y ambiciosa andadura» se presenta con algunas
características que recogen la herencia de Bernaola y, junto a ella, algunas de las aspiraciones
que animan las actividades culturales de la Diputación de Álava.
El BERNAOLA FESTIVAL de 2010, supone la
apertura hacia músicas de diferentes ámbitos
y condiciones. No se trata sólo de abrir nuestra
mirada hacia la creación del presente, como, una
vez más, haremos en el Ciclo de Música Contemporánea, sino de enfocarla también hacia la
historia, nuestra historia; y de dejarla vagar por
universos sonoros no habituales en los festivales,
a través de los conciertos del ciclo de Otras Mú2
sicas, o de procurar espacios a algunos de nuestros jóvenes músicos que, a pesar de su calidad,
no encuentran, a menudo, medio de expresión
pública, cosa que proponemos en el Ciclo de Jovenes Intérpretes.
Y lógicamente, cuando hablamos de músicas históricas, no podremos menos que tener en cuenta algunas de las efemérides más significativas.
Este año se celebra el quinientos aniversario del
nacimiento de Antonio de Cabezón, uno de los
maestros fundamentales en la historia de la música para tecla. A él hemos de dedicar, sin ninguna duda, uno de los conciertos de nuestro XXIX
Ciclo de Música Antigua.
Y, además, también estamos celebrando el trescientos aniversario de la muerte de Juan García
de Salazar, un compositor alavés «de Tuesta» que
supone, quizá, una de las cumbres en la música
religiosa del barroco hispano. Tampoco él podrá
quedarse fuera de nuestro recuerdo.
Todo ello porque pensamos que un festival como
éste debe servir para ampliar la cultura de los
alaveses; pero debe también utilizarse para poner en valor nuestro patrimonio: el documental,
existente en los archivos alaveses; el arquitectónico, descubriendo y utilizando espacios adecuados, y el patrimonio activo, esto es, los músicos
nacidos o formados entre nosotros.
Que lo disfrutemos todos.
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ENSEMBLE ESPACIO SINKRO
PROGRAMA
GABRIEL ERKOREKA
Muraiki
flauta sola
4
noviembre
Conservatorio
Jesús Guridi
20:30 h.
5
noviembre
HARRESI Aretoa
AGURAIN
20:00 h.
ANDRÉ JOLIVET
Suite Concert
flauta y 4 percusiones
SERGIO GUTIÉRREZ
Evocación *
piano solo
BRUNO MADERNA
Honeyreves
flauta y piano
CARMELO BERNAOLA
Traza
4 percusiones y piano/celesta
* estreno absoluto
ENSEMBLE SINKRO
Roberto Casado, flauta
Sergio Gutiérrez Rodríguez, piano
Félix Divar, percusión
Olaia Montoya, percusión
Jabi Alonso, percusión
Gorka Saez de Ibarra, percusión
Fernando Martinez de Eredita, iluminación
Alfonso García de la Torre, dirección artística
4
E
ensemble
espacio sinkro
E
NSEMBLE SINKRO ha presentado, desde su fundación en 1987, proyectos innovadores, estrenando numerosas obras contemporáneas,
prestando especial relevancia a la integración de sonido e imagen, al espacio acústico y escénico. La incorporación de nuevos componentes al grupo,
procedentes de otras disciplinas artísticas como el teatro la danza o el video,
aporta perspectivas heterogéneas. Así mismo se trata de una formación especializada en el ámbito de las nuevas tecnologías aplicadas a la creación
musical actual.
Uno de los objetivos fundamentales del ENSEMBLE SINKRO es que el trabajo realizado por compositores e intérpretes se vea reflejado en propuestas
especialmente concebidas para cada concierto. Encuentro con la diversidad
que ofrece la música de nuestro tiempo, creada e interpretada por músicos
comprometidos con las nuevas corrientes artísticas. Conciertos en los que se
combinan elementos sonoros y visuales en obras que buscan la complicidad
e interacción con el espectador.
5
ensemble
espacio sinkro
Actualmente ENSEMBLE SINKRO es grupo residente del Festival Sinkro de
Música Eletroacústica y del Festival Internacional de Música Carmelo Bernaola. También forma parte de la Capilla Santa María de la catedral de VitoriaGasteiz. En ellos, desarrolla proyectos junto a los compositores, trabajando
en la creación y difusión de nuevas obras con el objetivo de incorporarlas
al repertorio contemporáneo. Al mismo tiempo, ha establecido un punto de
encuentro internacional para compositores e intérpretes.
ENSEMBLE SINKRO ha participado en ciclos de conciertos y festivales, con
proyectos como Homenaje a Carmelo Bernaola, Ozendu, Viento del norte,
Mensajes cruzados, Oriente-Occidente, Perspectivas sonoras, Transiciones,
Bertolt Brecht y la música de entreguerras, Simpro 07, Música y Matemáticas,
Sirius–Homenaje a Stockhausen, Sujetos, RED, Soundpainting, Periferia, Homenaje a Luis de Pablo, etc. Espectáculos que encierran una mixtura de obras
instrumentales, electroacústica, improvisación, danza, video y teatro.
Durante 2008 ENSEMBLE SINKRO inicia una gira en México y Alemania, documentándolo con la publicación del CD Morfología Sonora (Sinkro Records).
En 2009 realizan nueva gira de conciertos por España, Italia y EEUU, publicando un nuevo CD titulado Sirius dedicado a la improvisación electroacústica. La próxima gira de conciertos prevista en 2010-11 les llevará a Madrid,
Valencia, Castilla y León, Navarra, Galicia y País Vasco, completándose con
una serie de conciertos de carácter internacional.
6
E
E
E
EL COLUMPIO ASESINO
l Columpio Asesino es una de las bandas más singulares, personales e
inclasificables del panorama pop-rock independiente actual español.
Con su cóctel de electrónica, espíritu punk, melodía, fuerza y pop se dieron
a conocer en 2001 tras ganar una serie de concursos, entre ellos la primera
edición del prestigioso Demo -organizado conjuntamente por el Festival Internacional de Benicàssim (FIB) y Radio 3 de Radio Nacional de España-, y
desde entonces no han parado de trabajar, grabando y girando en España y
México, participando en festivales junto a artistas de la talla de Sonic Youth,
Ocean Colour Scene o The Chemical Brothers; abriendo shows para Fangoria,
Jamiroquai o el gran John Cale (ex Velvet Underground) entre otros; y colaborando estrechamente con gigantes como Loquillo o David Kano .
El presente 2009 El Columpio Asesino cumple diez años de trayectoria musical y por ello en el comienzo del año la banda navarra comandada por los
hermanos Arizaleta ha celebrado su 10º ANIVERSARIO con un concierto muy
especial en Pamplona junto a Loquillo, David Kano, We Are Standard, Chema
Rey (Radio 3) y un montón de amigos más.
5
noviembre
Sala
Jimmy Jazz
20:30 h.
7
F
FLEUR INVERSE
música medieval – improvisación – live electronics
F
LEUR INVERSE nace del encuentro de músicos venidos de la música
medieval, del jazz, de la música árabe y de la contemporánea en torno a
la figura del compositor Grégoire Lorieux.
Cada uno de estos estilos musicales tiene sus propias maneras de interpretarse, sus propias capillas y su propio público. Fleur Inverse toma la decisión
de la transversalidad y de la libertad de tono: entre arreglos de canciones
medievales, improvisaciones libres sobre instrumentos antiguos e interpretaciones de obras originales, la Edad Media parte al encuentro del jazz, de la
música contemporánea y de la electrónica...
Asimismo, Fleur Inverse es la intención de provocar la resonancia de las
piedras frías en el canto o en los altavoces : es alzarse contra nuestro entorno
ruidoso, violento, eficaz ; dinamitar con el silencio frente al ruido, favorecer
lo errático frente al movimiento, preferir la intimidad de lo oscuro, de la
sordera, a la obscena claridad.
Ségolène Brutin, arpa
Nicolas Crosse, contrabajo
Miguel Henry, tiorba
Grégoire Lorieux, guitarrar eléctrica y electrónica,
Clément Marie, sonido
6
noviembre
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ARTIUM
Sala Este Alta
20:00 h.
CUARTETO BERENICE
PROGRAMA
J. Haydn, Cuarteto en re m , nº 2, op 76
M. Ravel, Cuarteto para cuerda
E
Luis Ibiricu, violín
Amaia Lasa, violín
Maider López, viola
Nuria Nieto, violoncello
7
noviembre
Escuela de Música
LUIS ARAMBURU
20:00 h.
E
l Cuarteto Berenice nace en Vitoria-Gasteiz en el año 2009. Sus integrantes, comenzaron sus estudios musicales en el conservatorio Jesús
Guridi de la capital alavesa, y a día de hoy son representativos de una generación de músicos que, nacidos en los ochenta, aprovecharon el nacimiento
de un nuevo y completo modelo de educación musical. Tras finalizar los
estudios superiores y de perfeccionamiento en diversos centros de prestigio
internacional, los cuatro integrantes se han reencontrado y han iniciado un
proyecto profesional que tiene como principal objetivo el estudio y la búsqueda de una interpretación personal del extenso y variado repertorio para
cuarteto de cuerda. Es su intención la de ofrecer recitales que muestren la
calidad de la música compuesta para esta formación, así como hacer llegar
al público nuestro enfoque del trabajo realizado, las ideas musicales que nos
ha inspirado y la absoluta admiración hacia esta repertorio que nos motiva.
El cuarteto Berenice ya ha actuado con éxito en diversos eventos como la
inauguración del Museo de Arqueología Bibat y el Ciclo de Conciertos del
Valle de Unciti (Navarra).
9
S
BICIVOLADORES
S
e juntan en Gasteiz a finales de 2009 para intentar dar salida a sus inquietudes musicales, y emprenden un camino incierto y riudoso hacia
horizontes aún por conocer.
Después de un año pedaleando y con un par de bolos a la espalda, se lanzan
de cabeza, sin complejos y hasta las orejas de EPO hacia ésta nueva etapa,
ansiosos por pasar por encima de lo que se les ponga en el camino, a conocer
lo que depara la siguiente curva.
Este equipo lo componen Ariyo a las cuerdas e Iker a los palos, que mostrarán
el post-rock pegajoso y psicodélico que tienen entre manos.
8
noviembre
10
GORA
Taberna
20:30 h.
9
noviembre
Escuela de Música
LUIS ARAMBURU
20:00 h.
TRÍO AMUDAGU
PROGRAMA
I
M. Arnold
Fantasía
B. Kovaks
Homenaje a Debussy
F.Poulenc
Sonata
Allegro- Romance- Final
F.Chopin
Scherzo Nº2
II
M.Glinka
Trio Pathétique
Allegro moderato
Scherzo (vivacissimo)
Largo (maestoso risoluto)
Allegro con spirito
Paquito D´Rivera
Danzón
TRÍO AMUDAGU
Pablo Davila, clarinete
Aitor Gullon, fagot
Iker Amuriza, piano
11
trío
amudagu
E
E
l Trio Amudagu compuesto por Pablo Davila (clarinete), AitorGullón (fagot) y Iker Amuriza (piano), nacieron en 2009 en el seno de la clase
de Música de Cámara de la profesora Angela Vilagran,en el Conservatorio
«Jesús Guridi», pronto se vió que su compenetración y a actitud entre ellos
era especial, por lo que se les animó a presentarse al Concurso Ciutat de
Manresa (Barcelona) de caracter Nacional en la categoría de hasta 21 años,
donde compitiendo con grupos de Conservatorios Superiores como Musikene
y Esmuc, obtuvieron el Primer Premio, más tarde se presentaron también al
Concurso de Jóvenes Músicos de Euskadi (categoríaA) obteniendo también
el Primer Premio. Han participado en Martes Musicales así como en algun
Concierto emblematico del Conservatorio y actualmente están preparando su
salto a la profesionalidad preparando las pruebas de acceso al Conservatorio
Superior.
12
EMMANUEL SÉJOURNÉ
PROGRAMA
STEVE REICH
Marimba Phase
2 marimbas
FRANÇOIS BERNARD MÂCHE
Phénix
vibráfono y 10 tom-toms
FRITZ HAUSER
Solo
marimba
STEVE REICH
Electric Counterpoint
marimba/vibráfono y electrónica
10
noviembre
Conservatorio
JESÚS GURIDI
20:30 h.
MARC MALLITS
Red
2 marimbas
EMMANUEL SÉJOURNÉ
Romántica
marimba
Percusionista invitado
Jabi Alonso
13
emmanuel
séjourné
E
E
studió piano, violín, historia de
la música y análisis en el conservatorio nacional de Estrasburgo. Más
tarde empezó percusión para después
especializarse en vibráfono y marimba. Emmanuel ha actuado con numerosas orquestas, incluyendo la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo, con el que grabó el concierto
para marimba y orquesta de Camille Kerger.
Fundó el Noco Music Ensemble junto al saxofonista Philippe Geiss, grabando
un disco «saxofón y percusión» que ganó el Gran Premio Audivisual Europeo
otorgado por la Academia del Disco de Francia. Como solista o con AccrocheNote Ensemble ha actuado en festivales como: Zurich, Archipel Genève, Ars
Musica, Música de Estrasburgo, Huddersfield, Ultima Oslo, Bienal de Zagreb,
Bienal de Venecia, etc. Ha grabado para diversos sellos: Montaigne, Accord,
Una Corda, Musifrance, Erato, MFP Berlin y Biber con la que grabó «Electric
Counterpoint for Mallets» de Steve Reich.
Desde 1981, ha sido también un compositor muy activo escribiendo obras
para escena: Théâtre des Drapiers, Wallgraben Theater (Alemania), Mal/Tjp
Company con el que ganó el premio Best Stage Music en el festival D’Avignon
off en 1985 por el show Légende des Siècles. Ha compuesto numerosas
obras de cámara, conciertos y solos (Edición Lemoine, Honeyrock, Combre,
Zimmermann, Alfonce Percusiones) que han sido interpretadas por Bob Van
Sice, Nancy Zeltsman, Marta Klimasara, Katarzyna Mycka, Jean Geoffroy,
Amsterdam Percussion Group, Drumming (Portugal), Percussions Claviers
de Lyon, Ju Percussion Group (Taiwán).
Es autor de varios métodos de vibráfono (Editions Leduc) y de varias piezas
para percusión. Sus clases magistrales son muy exitosas en los conservatorios de Europa, Asia y EE.UU. A menudo es jurado de numerosos concursos
internacionales (Ginebra, Luxemburgo, Japón ...) Emmanuel dirige el departamento de percusión del Conservatorio de Estrasburgo. Es profesor de
teclados de percusión, único curso de nivel avanzado en este campo en toda
Francia. Séjourné toca marimba y vibrafono Adams.
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JORDI SAVALL Y PEDRO ESTEVAN
PROGRAMA
LA LIRA D’HESPÉRIA
1100 - 1300
I
Alba (Anónimo-Araboandaluz)
Lamento (sefaraddi)
Danza de las espadas (Alger, El Kantara)
Istampitta: In Pro (Italia: trecento mss.)
II
Ductia (Galicia: Cantiga 353)
Berevs‚n Nikriz us¸les (Turquía, s. XVI)
Ritual (Alger, zendani)
Istampitta: La Manfredina
Saltarello (Italia: trecento mss.)
III
Rotundellus (Galicia: Cantiga 105)
Danza del viento (alger, bereber)
Nastaran (Afganistan: Naghma)
Istampitta: Lamento di Tristano
Saltarello (Italia: trecento mss.)
11
noviembre
Conservatorio
JESÚS GURIDI
20:30 h.
JORDI SAVALL
Lira (s XVI), Viella (s.XV)
& Rebab (s. XIV)
PEDRO ESTEVAN
percusión
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jordi savall
y pedro estevan
J
JORDI SAVALL
J
ordi Savall representa un caso excepcional en el panorama de la música
actual. Hace más de treinta años que da a conocer al mundo maravillas musicales abandonadas en la oscuridad de la indiferencia: hace más de
treinta años que las investiga, las lee y las interpreta con su viola de gamba,
o como director. Todo un repertorio esencial que él devuelve a los amantes
de la música de todo el mundo.
Con sus tres grupos musicales Hesperion XXI, La Capella Reial de Catalunya
y Le Concert des Nations, fundados junto a Montserrat Figueras, Jordi Savall
explora y crea un universo de emociones y belleza, y las proyecta al mundo
y a millones de amantes de la música dando así a conocer la viola de gamba
y las músicas olvidadas de aquí y allende, acreditándose así como uno de los
principales defensores de la música antigua.
Jordi Savall es una de las personalidades musicales más polivalentes de su
generación. Sus diversas y variadas actividades como concertista, pedagogo,
investigador y creador de nuevos proyectos, tanto musicales como culturales, le sitúan entre los principales artífices de la actual revalorización de la
música histórica. Con su fundamental participación en la película de Alain
Corneau Tous les Matins du Monde (premio César a la mejor banda sonora),
su intensa actividad de concertística (140 conciertos al año), discográfica (6
grabaciones anuales) y con la creación de Alia Vox –su propio sello editorial–,
está demostrando que la música antigua no tiene que ser necesariamente
elitista y que interesa a un público cada vez más joven y numeroso.
Como tantos músicos, Jordi Savall inició con seis años su formación musical.
Comenzó cantando en el coro de niños de Igualada (Barcelona) su ciudad
natal, y completó sus estudios musicales con la carrera de violonchelo que
finalizó en el Conservatorio de Barcelona (1964). En 1965 inicia de forma
autodidacta el estudio de la viola de gamba y la música antigua (Ars Musicae),
perfeccionando desde 1968 su formación en la Schola Cantorum Basiliensis
(Suiza) donde en 1973, sucede a su maestro August Wenzinger y con la cual
colaboró durante muchos años impartiendo cursos y clases magistrales.
Ha grabado más de 170 CDs. Entre las distinciones recibidas destacan:«Officier
de l’Ordre des Arts et Lettres» (1988), la «Creu de Sant Jordi» (1990), «Músico del año» por Le Monde de la Musique (1992) y «Solista del Año» de las
«Victoires de la Musique» (1993), «Medalla de Oro de las Bellas Artes» (1998),
«Miembro de Honor de la Konzerthaus» de Viena (1999), nombrado Doctor
Honoris Causa por la Universit» Catholique de Louvain (Bélgica) el 2000, por
la Universitat de Barcelona (Catalunya) 2006 y por la Universidad de Evora
(Portugal) 2007, «Victoire de la Musique» a su trayectoria profesional (2002),
16
jordi savall
y pedro estevan
«Medalla d’Or» del Parlament de Catalunya y Premio de Honor de la «Deustchen Schallplattenkritik» (2003), y varios «Midem Classical Awards» (1999,
2000, 2003, 2004, 2005, 2006 y 2008). En la edición del 2007, el álbum Don
Quijote de la Mancha: Romances y Músicas fue galardonado en la categoría
de «Música antigua», y también fue elegido «Disco del año 2006». Asimismo,
dicho álbum fue uno de los cinco nominados en los premios Grammy Awards
2006 en Los Angeles (USA). En el 2008, el álbum Christophorus Columbus
–Paraísos perdidos– recibió el premio de música antigua del Midem Classical
Awards.
Uno de su últimos trabajos, el libro disco Jerusalem. La Ville des deux Paix: La
Paix celeste et la Paix terrestre, ha sido acogido de forma extraordinaria por
la prensa nacional e internacional, recibiendo en el 2009 el premio Orhphée
d’Or de l’Académie du disque lyrique 2008 y el Caecilia 2008 como mejor
disco del año escogido por la prensa. Y muy recientemente ha recibido el
Midem Classical Award 2010.
En el 2008 Jordi Savall juntamente con Montserrat Figueras, fue nombrado
«Embajador de la Unión Europea para el diálogo intercultural» y «Artista
para la Paz» dentro del programa de «Embajadores de Buena Voluntad» de la
UNESCO. Para el 2009 fue nombrado nuevamente «Embajador del a«o 2009
de la creatividad y la innovación» por la Unión Europea.
El pasado año 2009, recibió el premio Hândelpreis der Stadt Halle 2009 en
Alemania y el Premio Nacional de Música otorgado por el Consell Nacional
de la Cultura i de les Arts de Cataluña, por su trayectoria profesional. En el
2010 ha recibido, de la mano de la Real Academia de las Artes y las CienciasPremios de la Música, el premio al mejor intérprete solista por el disco The
Celtic Viol y muy recientemente se le ha otorgado el Praetorius Musikpreis
Niedersachsen 2010 (Premio Praetorius de Música de la Baja Sajonia).
P
PEDRO ESTEVAN
P
edro Estevan cursa estudios de percusión en el Conservatorio Superior
de Música de Madrid. En Aix-en-Provence (Francia), estudia percusión
contemporanea con Sylvio Gualda y africana con el maestro senegalés Doudou Ndiaye Rose. Asimismo ha estudiado la técnica de «hand-drums» con
Glen Velez.
Fue miembro fundador de la Orquesta de las Nubes y del Grupo de Percusión
de Madrid. Ha colaborado, entre otras muchas orquestas, con la orquesta
Nacional de España, RTVE, Sinfónica de Madrid, Gulbenkian de Lisboa, Or17
jordi savall
y pedro estevan
chestra of the 18th Century; también con los grupos Koan, Sacqueboutiers de
Toulouse, Paul Winter Consort, Camerata Iberia, AnLeuT Música, Accentus,
Sinfonye, Ensemble Baroque de Limoges, The Harp Consort, Ensemble Kapsberger, Orphénica Lyra, Mudéjar y Orquesta Barroca de Sevilla.
Músico ecléctico, se dedica especialmente a la música antigua –Hespérion
XXI, Le Concert des Nations, Laberintos Ingeniosos– y a la música contemporánea con Rarafonía. Como solista ha actuado con la Orquesta de Cámara Nacional de España y con la orquesta Reina Sofía. Ha participado en el
festival Milano-Poesia, Festival of Music de Brisbane, Nafarroako-Jaialdiak
y en diversos ciclos de música actual con programas exclusivamente de percusión.
Ha intervenido en diversos montajes teatrales de Lluis Pasqual y de Núria
Espert. Ha compuesto la música para «Alesio» de Ignacio García May y para
«La Gran Sultana» de Cervantes, dirigida por Adolfo Marsillach. Ha sido director musical en el montaje de «El Caballero de Olmedo» de Lope de Vega,
dirigido por Lluis Pasqual para el Odeon-Théatre de l’Europe.
Ha grabado para radios y televisiones en España, Francia, Reino Unido, Noruega, Estados Unidos, Canadá, Japón y Australia y ha participado en más
de 100 discos entre los cuales destacan sus propios trabajos : «Nocturnos y
Alevosias» y «El aroma del Tiempo». Intervino en el disco de Paul Winter que
obtuvo un Grammy en el año 1993.
Es profesor de Percusión Histórica en el ESMUC (Escuela Superior de Música
de Catalunya)
18
I
IÑAKI PLAZA & ION GARMENDIA
I
ñaki Plaza y Ion Garmendia acumulan gran recorrido con los instrumentos
tradicionales de Euskal Herria. Han participado y colaborado con diferentes grupos (Berrogüetto, Ibon Koteron, Faltriqueira, Tejedor, Kepa Junkera…). Iñaki Plaza y Ion Garmendia han estado ofreciendo conciertos didácticos basados en los instrumentos tradicionales vascos, además de impartir
cursillos en Euskal Herria. A su primer trabajo y disco le han llamado «20
Hatz proiekt», que, dicho con otras palabras, significa, en resumen, la suma
de las experiencias musicales que han compartido en sus viajes y trabajos
musicales. El punto de arranque está en la importancia que le han dado a
los ricos ritmos del folklore vasco; renuevan el sentido clásico del folk, analizan y escudriñan la tradición musical vasca desde la óptica experimental,
y para ello utilizan el tubiogh de pvc como bajo, o diferentes instrumentos
vascos como la trikitixa, la alboka, el txistu y la txalaparta procesadas, o la
txalaparta de madera o piedra junto a bidones de plástico. El resultado es
concluyente: worldmusic experimental desde la tradición vasca. Una buena
escucha de este trabajo viene por la visión del directo de Iñaki Plaza y Ion
Garmendia; eso nos da el punto álgido de esta obra. «20 Hatz proiekt» es
visual por antonomasia, después de recibir el cálido sonido de la tradición
folklórica vasca y la experimentación, donde se recrean texturas quiméricas
y fantasías musicales.
Iñaki Plaza y Ion Garmedia han grabado
el disco «20 Hatz proiekt» durante 2008 y 2009
12
noviembre
Escuela de Música
LUIS ARAMBURU
20:00 h.
19
HAMID KHABAZI
&
MASSUD NADERI
M
M
ás allá de la imagen tan negativa que suelen ofrecer
los medios de comunicación o de la dramática situación de la política actual, no hay que olvidar que Irán
es uno de los países con una herencia cultural más rica
de todo el planeta. Es una perfecta muestra de la música
clásica persa, una de las tradiciones musicales más bellas
y bien conservadas de Oriente. Esta música se caracteriza por su íntimo vínculo con la poesía clásica persa,
que se cuenta entre las líricas más importantes de la
literatura universal. Los versos místicos de Hafez, Saadi,
Rumi, Attar o Nizami entre muchos otros son la fuente
principal de la música persa y de hecho se considera que
detrás de cualquier pieza tradicional, incluso en las instrumentales, hay una inspiración poética. El instrumento
principal de esta tradición musical es el tar, un laúd de
sonido delicado y potente a la vez. Su poder expresivo
es legendario y puede ser que por eso se dice que los auténticos intérpretes de tar son los que consiguen «hablar
con la punta de los dedos». Uno de los mejores solistas de
tar de las nuevas generaciones es Hamid Khabazi. Este
maestro de Teherán se ha convertido al mismo tiempo en
uno de los compositores jóvenes mejor valorados de su
país, del cual se ha exiliado recientemente. En sus obras
el espíritu clásico se enriquece con aportaciones del folklore iraní e incorpora también elementos de lenguajes
musicales modernos. Acompañado por el percusionista
Massud Naderi, Khabazi nos ofrece un recital virtuosístico y una excelente ocasión para descubrir una música
con una belleza inagotable.
20
13
noviembre
Escuela de Música
LUIS ARAMBURU
20:00 h.
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MINISTRILES DE MARSIAS
PROGRAMA
INVENCIONES DE GLOSAS, Antonio de Cabezón (1510-1566)
También se podrán aprovechar del libro los curiosos menestriles en ver
invenciones de glosas tratadas con verdad sobre lo compuesto, y ver la licencia que tiene cada voz, sin perjuycio de las otras partes. Y esto toparán
en muchos motetes, canciones y fabordones que ellos tañen, que con poca
dificultad podrán sacar de esta cifra en canto de órgano.
(Hernando de Cabeçón, del prólogo a la edición de las obras de su padre Antonio, Madrid, 1578)
Procesión de entrada
Diferencias sobre madama le demanda
Diferencias sobre la gallarda milanesa *
Diferencias sobre Guardame las vacas
Tiento del Primer Tono *
Prenez Pitié
Je pres en grey
Anchor che col partire *
Dulce memoria glosada de Hernando Cabeçon
Diferencias sobre el canto llano del cavallero *
Queramus moton, primera parte
Tiento del Quinto Tono *
Queramus moton, tercera parte
Procesión de salida
LAS OBRAS SEÑALADAS CON UN ASTERISCO SERÁN INTERPRETADAS POR EL ÓRGANO
22
14
noviembre
Parroquia
SAN VICENTE
20:30 h.
M
ministriles
de marsias
M
inistriles de Marsias es propiamente un conjunto de ministriles o instrumentos de viento, cuyo nombre alude a la disputa del civilizado
tañedor de uno de cuerda, Apolo, contra el ministril Marsias, bárbaro sileno
que soplaba en la tibia. Tal certamen fue evocado por Monteverdi y otros
contemporáneos al instrumentar sus obras con arreglo a la capacidad de los
ministriles para imitar y sostener a la voz humana. Y no sólo por los músicos
sino por ilustres pintores (Ribera, Rubens, Velázquez ...) y literatos de la época. El grupo está especializado en la interpretación de la música española,
no tan sólo instrumental sino sobre todo vocal y con ella recrea, añadiendo
cantantes y el órgano, la que fue plantilla típica en las capillas de nuestras
iglesias y catedrales, donde los ministriles resultaron indispensables desde
finales del s. XV hasta bien entrado el s. XVIII y donde germinó nuestra mejor
música (Anchieta, Peñalosa, Morales, Guerrero, Victoria, Cabezón, Correa de
Arauxo ...). Además de la española, Ministriles de Marsias ofrece la virtuosa
música italiana en stil moderno, publicada sobre todo en Venecia en las
primeras décadas del s. XVII, así como la música italianizada de Alemania
(de los Schütz, Rosenmüller, Schmelzer, Fux), hasta llegar al Arte de la Fuga
de Bach. Ministriles de Marsias ha actuado en buena parte de Europa y de
la geografía española en prestigiosos festivales de música antigua (Amberes, Utrecht, Gante, Perugia, San Sebastián, Segovia, Salamanca, Granada,
Daroca, Sajazarra, Murcia, Toledo, León ...) tanto en solitario como en colaboración con grupos vocales, tales como la Capilla Peñaflorida, o junto a
un solista, ya fuera tañedor de órgano (Javier Artigas, José Luis González
Uriol) o cantante (Marta Almajano), y ha grabado para varias radios, casas
de discos y televisiones. Sus componentes o imparten la docencia musical,
no sólo durante el año escolar sino también en cursos de verano, o bien
son miembros solistas de orquestas sinfónicas con el respectivo instrumento
moderno, a la vez que desarrollan labores de investigación musicológica u
ofrecen recitales en solitario.
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KRATER ENSEMBLE
PROGRAMA
GERARD GRISEY
Talea
LUIS DE PABLO
El manantial
AURÉLIO EDLER-COPES
Como el aire
FÉLIX IBARRONDO
Ekain
SALVATORE SCIARRINO
Centauro marino
GUILLERMO LAUZURIKA
Nono *
* estreno absoluto, obra escrita y dedicada a Krater Ensemble
15
noviembre
Conservatorio
JESÚS GURIDI
20:30 h.
KRATER ENSEMBLE
Iker Sánchez, director
Kiyoko Okada, soprano
Isabel Souto, flauta
Carlos Noain, clarinete
Alfonso Gómez, piano
Oihane Igerabide, arpa
Xabier Gil, violín
Rosa San Martín, viola
Estibalíz Oraá, violoncello
Iñaki Telleria Barrena, percusión y coordinación
Elixabete Etxebeste, estética
Aurélio Edler Copês, dirección artística
24
S
ensemble
krater
S
urge en Euskadi con la propuesta de dar a conocer e impulsar la producción musical de los compositores con los que compartimos tiempo
y espacio, configurando programas con obras de diversas generaciones de
compositores en activo, ofreciendo un repertorio destacado de la música de
los últimos 30 años y creando escenarios de colaboración con otras artes.
El grupo nace en el 2007, impulsado por el compositor Aurélio Edler, y el
director Iker Sánchez que ocupan la dirección artística y la dirección musical
respectivamente. Cuentan también con el percusionista Iñaki Tellería en las
labores de dirección ejecutiva y con la musicóloga Elixabete Etxebeste en las
de conceptualización y proyección estética. El ensemble está formado por una
decena de destacados solistas de Euskadi. Presenta una formación singular
que integra arpa, acordeón, saxo y electrónica a la tradicional formación
de flauta, clarinete, percusión, piano, violín, viola y violonchelo. Además de
comprometerse con la composición emergente e implicarse en proyectos
de naturaleza interdisciplinar, desde sus inicios y por razones estéticas, el
grupo escoge a F. Ibarrondo, R. Lazkano y G. Erkoreka como compositores
vinculados, e incluyen en todos su programas obras de Aurélio Edler.
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NEOPERCUSIÓN
PROGRAMA
RAMON HUMET
Petites catastrofes
5 movimientos
percusiones ad libitum
JO KONDO
Eigth Categories
trío de percusión
ROLF WALLIN
Stonewave
trío de percusión
16
noviembre
Conservatorio
JESÚS GURIDI
20:30 h.
PIERRE JODOLWSKY
24 Loops
trío de percusiones y electrónica
NEOPERCUSIÓN
Juanjo Guillem
Juanjo Rubio
Rafa Gálvez
26
neopercusión
E
E
l grupo NEOPERCUSIÓN fue creado en 1994 y su formación abarca
todos los ámbitos: clásico, étnico y contemporáneo. La actividad que
desarrolla es muy amplia y va desde la interpretación a la pedagogía, además
de la investigación y divulgación de todo lo referente a los instrumentos de
percusión.
Las propuestas de NEOPERCUSIÓN, siempre atractivas y adaptadas al planteamiento de cada escenario, han sido presentadas en todo tipo de eventos,
desde festivales de música clásica como el Festival de Santander, Festival
de Granada, Festival Otoño Musical Soriano, Festival de Galicia, Semana
Internacional de Música de Segovia a jornadas de música contemporánea
como el Festival de Alicante, Musiques d´Aujourd´hui en Perpiñán (Francia),
Quincena Musical Donostiarra, Fundación Juan March, Ensems, así como en
manifestaciones de diferentes artes escénicas como Madrid en Danza–Espacios Insólitos, Museo Reina Sofía, Aula de Nuevas Músicas(Valencia), Festival
Ritmo Vital, Artium, Atapercu y Museo de la Evolución Humana, siempre con
un éxito y aceptación por parte del público que han convertido a NEOPERCUSIÓN en un referente internacional de la percusión actual española.
Neopercusión colabora con creadores de las diferentes artes escénicas, encargando y estrenando piezas musicales de nueva creación. Compositores
como Turina, Sotelo, Torres, Sánchez Verdú, Humet, Erkoreka, A. Diaz, C.
Diez, Guajardo, Fernández Vidal, Filidei, Vadillo y Sturiale, entre otros, le han
escrito y dedicado sus obras.
Junto al Trio Arbós, participa en la dirección artística del ciclo Residencias
organizado por el Centro de la Difusión para la Música Contemporánea, cuyos
conciertos tienen lugar en el Centro de Arte Reina Sofía.
Desde 2008 es Grupo Residente del Distrito de Chamberí-Ayuntamiento de
Madrid actuando en el Centro Cultural Galileo donde organiza sus propios
festivales: Ritmo Vital y KoNeKT@rte Sonoro.
Ha editado con su sello Kusion Records 6 Cd’s: Todas las caras de la percusión (1997), Música hispanoamericana para percusión (1998), URBETHNIC
by Neopercusión (1998), Credo in Cage (2003), Juanjo Guillem-«Y todo esto
me ha ocurrido por culpa de la música» (2007), Juanjo Guillem-Deus ex
maquina (2007) y con el sello LIM «PERCUSIÓN PLUS» con música de Jesús
Villa Rojo.
NEOPERCUSIÓN toca exclusivamente con instrumentos y accesorios Malletech, Zildjian, Nova Pecusio, Promusín y JEFF Mallets
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INTONATIONES
Programa
Juan García de Salazar (1639-1710)
Magnificat Toni Irregularis; versos de órgano, anónimos
Christus Factus Est
Reyna y madre
Regina Coeli
Andrés LLorente (1624-1703)
Tiento de octavillo
Juan García de Salazar
Placare Christi
Salve Regina
Salve, Reina de los Cielos
Pange Lingua
Pater Superni
In manus tuas
Sanctus para órgano
Ut queant laxis
Vidi Aquam
Veni Sponsa Mea
28
intonationes
T
T
oma su nombre del segundo tratado sobre canto llano escrito por el
Maestro de Capilla y teórico vasco, Gonzalo Martínez de Bizcargui, que
vio la luz en Zaragoza en el año de 1538, con el título de: ««Intonationes
nuevamente corregidas según uso de los modernos que hoy cantan y entonan
en la iglesia romana».
Quiere dirigir su actividad hacia la interpretación, con
criterios musicológicos e históricos, del gran repertorio
europeo anterior al siglo XVIII, con una atención especial
a los compositores hispanos, especialmente hacia aquellas obras que permanecen desconocidas en los diversos
archivos musicales.
Se configura como un grupo de composición variable en
función de los repertorios que se acometen.
17
noviembre
Parroquia
SAN VICENTE
20:30 h.
INTONATIONES
Elena Carzaniga, contralto
Lluis Vilamajó, tenor
Daniele Carnovich, bajo
Pablo Martín, violone
Daniel Oyarzábal, órgano
David Sagastume, contratenor y dirección
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MISO ENSEMBLE
MIGUEL AZGUIME
Itinerário do Sal
Teatro Electroacústico - Opera Hipermedia
Miguel Azguime, performance, composición, textos y concepto
Paula Azguime, proyección de sonido, live-electronics, dramaturgia, dirección de video, puesta en escena
Perseu Mandillo, dirección de video & vídeo en directo
Andre Bartetzki, programación de vídeo
Violeta Barradas, directora de escena
Miso Studio, desarrollo técnico
Patrocinadores: Instituto das Artes/ Ministério da Cultura, DAAD Berliner
Künstlerprogramm & TU-Studio Technische Universität Berlin
18
noviembre
Presentación
Itinerário do Sal (Itinerario de Sal) trasciende los convencionalismos teatrales y musicales. Reflexionando sobre Arte
y Locura, gira en torno a los lenguajes, las palabras como
significado y las palabras como sonido. Ambas formas se
utilizan como extensión corporal y se funden en la construcción de la escena como una proyección tangible de la resonancia de las
palabras a través del sonido y la imagen.
Conservatorio
JESÚS GURIDI
20:30 h.
El procesamiento electrónico del audio y el vídeo en directo y la difusión de
la voz, poesía, gestos, música y dibujos crean una polifonía de sensaciones y
un contrapunto de significados.
30
miso ensemble
miguel azguime
Moldeando sonidos, luces, trazos y movimientos como si fueran dibujados,
pintados o esculpidos, Itinerário do Sal se presenta como una poderosa,
atractiva y desafiante combinación de música y drama, por un intérprete que
perfila nuevos campos en la música electrónica y rompe los límites entre la
música, el teatro, la ópera.
Itinerário do sal fue galardonada con el premio opera 2008 en el CONCURSO
MUSIC THEATRE NOW de Berlín en la categoría OTHER FORMS BEYOND
OPERA.
Sinopsis
Itinerário do Sal es el resultado final de un proyecto creativo sobre escritura:
sobre escritura musical, escritura poética, escritura gestual del músico/actor
y de su propia imagen, donde la voz es la extensión del cuerpo y del pensamiento del poeta. Aquí, entonces, se encuentra la simbiosis entre la esencia
de la palabra y la evolución del Ser, presentada en forma de una nueva dramaturgia denominada Opera Electroacústica.
La primera parte considera la cuestión de la ausencia del autor como un
despliegue y un movimiento de su personalidad creativa, y coloca la escena
misma en escena.
La segunda parte está dominada por la búsqueda del gesto de escribir, interpretado como instrumental y por lo tanto, musical, gestual. En la base del
gesto de escribir se encuentra el sonido de la palabra. La palabra subordinada a la vida. La palabra liberada de la palabra.
La tercera parte confiere sustancia e imagen a la palabra. La partitura del
poema compone tiempo. ¿Quién recuerda el tiempo? ¡Pero es el tiempo quien
nos recuerda! La creación se apodera del creador, y la cuestión de la locura
regresa... de sus límites, de la ceguera causada por el exceso de lucidez, el
exceso de Percepción. Es la ceguera del blanco que quema, el blanco de sal.
En la luz, ¡nadie lo ve!
En escena, el compositor y el poeta, juntos, en uno, nos conducen a través
de su mundo interior, su itinerario personal al que llama Sal – la misma Sal
que representa su resistencia, su voluntad, su esencia y su multiplicidad. Sal
(una sustancia esencial) que también percibimos como una manifestación
del conocimiento y del sabor; el itinerario que ciertamente es el del creador,
pero que también es al mismo tiempo la imagen y está en la imagen de tantos
otros itinerarios, caminos, intercambios, inspiraciones, discusiones…
31
miso ensemble
miguel azguime
M
M
ISO ENSEMBLE es esencialmente un dúo de flauta y percusión con
electrónica en tiempo real. En 1985, MISO ENSEMBLE fue fundada por
el percusionista y compositor Miguel Azguime y por la flautista y compositora
Paula Azguime. Este dúo ha construido por sí mismo un único camino, destacando la originalidad de su programa y la diversidad de su trabajo musical,
32
miso ensemble
miguel azguime
evidencia éste de un enfoque dependiente de las capacidades polifacéticas de sus miembros (compositores,
instrumentalistas e improvisadores). En este sentido,
MISO ENSEMBLE ha reafirmado desde su creación una
nueva manera de hacer y pensar la música; donde la
composición y la improvisación son las herramientas
utilizadas para crear trabajos de diversa índole; donde
el uso de la electrónica en tiempo real complementa y se
extiende por encima de los instrumentos acústicos. Esto
ha dado lugar a un trabajo pionero en investigación y
creación en el campo de la música electrónica.
Paula y Miguel Azguime son intérpretes y compositores
galardonados. Varias instituciones públicas y privadas,
nacionales e internacionales, han comisionado sus trabajos, tanto para MISO ENSEMBLE como para otras
formaciones. Más allá de sus actividades como músicos, desde 1992 han desarrollado un intenso trabajo
de promoción de música contemporánea y de compositores portugueses, tanto como directores del Festival
Internacional Música Viva y, más recientemente, como
fundadores del Centro de Información Online de Música
Contemporánea Portuguesa.
Aparte de su contribución incrementando el repertorio
para flauta y percusión, los trabajos conjuntos de Paula y Miguel Azguime también incluyen composiciones
para el cine, teatro y danza, e instalaciones de sonido
para exposiciones de arquitectura, escultura y pintura.
De forma paralela, Miguel Azguime desarrolla una actividad prolífica como compositor en un sentido más
clásico, componiendo para varias formaciones instrumentales y/o vocales.
Durante 18 años MISO ENSEMBLE ha desarrollado un
intenso trabajo en Portugal y el extranjero, con más
de 400 conciertos, interpretando de forma periódica
en distintos países de Europa y Asia. En la actualidad,
MISO ENSEMBLE está reconocido por la crítica y el público como uno en los más importantes ensembles de la
música contemporánea portuguesa y está considerado
como el más original, el más creador e innovador.
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DUO MIRAMAR
PROGRAMA
J. S. BACH,
Sonata para viola da gamba y clave. BWV 1027
L. V. BEETHOVEN,
7 Variaciones para piano y violonchelo en mi bemol mayor:
sobre el dueto Bei Männern, welche Liebe fühlen
de «la Flauta Mágica» de Mozart.
R. SCHUMANN,
Fantasiestücke Op. 73
J. BRAHMS,
Sonata para piano y violonchelo en mi menor, Op. 38
19
noviembre
Escuela de Música
LUIS ARAMBURU
20:00 h.
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Javier Huerta Gimeno, violoncello
Joana Otxoa de Alaiza Gracia, piano
J
duo miramar
J
avier Huerta Gimeno comienza su formación en la Unión Musical de L´Eliana.
Realiza estudios de Grado Medio en el Conservatorio Profesional de Valencia
de piano, percusión, trompa y violoncello que inicia a la edad de 13 años. Obtiene
Premio Extraordinario de Piano en Grado Medio, Mención de Honor.
En el 2007 estudia en el Conservatorio Superior de Música «Joaquín Rodrigo» de
Valencia las especialidades de Violoncello y Dirección de Orquesta y en el 2009
accede al Centro Superior de Música del País Vasco, Musikene.
Consigue los primeros premios en los concursos de cámara de Juventudes Musicales de Vinaroz, Fundación Actilibre de Madrid, «Ximén d´Urrea» de Alcora
y »Iª Trobada Internacional» de Ribarroja.
Realiza Giras de Conciertos por Andalucía y Castellón a cargo de Juventudes
Musicales de España.
Como miembro del Cuarteto Hermes, ha sido contratado por las Sociedades Filarmónicas en los Auditorios de Valencia y Castellón para la temporada 09/10
Actualmente, estudia en el Centro Superior de Música del País Vasco, Musikene, como alumno de D. Asier Polo.
Toca con un arco E. Sartory (Paris 1915) y un violoncello F. Toto -CremonaPrimer Premio y Medalla de Oro de Acústica en el Concurso Trienal Internacional Antonio Stradivari.
Joana Otxoa de Alaiza Gracia finaliza sus estudios superiores de piano a la
edad de 21 años en Junio del 2010 en Musikene, Conservatorio Superior de
Música del País Vasco, donde ha tenido el gran privilegio de estudiar con el
maestro Ricardo Requejo. Asimismo, estudia música de cámara con Benedicte Palko y acompañamiento vocal con Enrique Ricci, y recibe masterclasses
de música contemporánea de manos de Ricardo Descalzo y Moritz Eggert.
Además, ha recibido consejos pianísticos de Eldar Nebolsin.
Desde joven forma parte en distintas formaciones musicales, entre los cuales
se encuentran la EGO (Euskal Herriko Gazte Orkestra) o la Orquesta Philarmonia. Ha acompañado a varios coros y ha colaborado en la grabación de la
banda sonora de la exitosa película 80 egunean.
Como solista o acompañante vocal, ha actuado en distintos ciclos, congresos y festivales, entre los cuales cabe destacar el Musika-Música de Bilbao,
actuaciones en la Universidad del País Vasco o Ciclo de Jóvenes pianistas de
Olaz.
Ambos forman desde Julio del 2010 el «Dúo Miramar», con el cual ofrecerán
conciertos en distintos festivales próximamente.
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CAPILLA SANTA MARÍA
PROGRAMA
«Paribus Vocibus»
H. Purcell (1659-1695)
Here the Deitie’s
Here let my life
No, no, resistance is but vain
G.M. Bononcini (1642?-1678)
Cantata. «Lasciami un sol momento»
Aria-Recitativo-Aria
20
A. Cesti (1623-1669)
Cantata. «Era la notte»
Recitativo-Aria-Recitativo
Conservatorio
Jesús Guridi
20:30 h.
A. Lotti (1666-1740)
Dueto. Crudeltá rimproverata
noviembre
21
noviembre
Ermita San Antón
AMURRIO
18:00 h.
Capilla Santa María
David Sagastume, contratenor
Xisco Aguiló, violone de gamba
Eligio Quinteiro, tiorba
Daniel Oyarzábal, órgano y cembalo
Carlos Mena, contratenor y dirección.
36
capilla
santa maría
F. Couperin (1668-1773)
Leçons de Ténèbres pour le mercredi Saint a une et deux voix
Première Leçon
Incipit Lamentatio Jeremiae Prophetae
Aleph. Quomodo sedet sola civitas plena populo?
Beth. Plorans ploravit in nocte
Ghimel. Migravit Judas propter afflictionem
Daleth. Viae Sion lugent
He. Facti sunt hostes ejus in capite
Jerusalem, convertere ad Dominum Deum tuum.
Deuxième Leçon.
Vau. Et egressus est a filia Sion omnis decor ejus
Zain. Recordata Jerusalem dierum afflictionem suae
Heth. Peccatum peccavit Jerusalem
Teth. Sordes ejus in pedibus ejus
Jerusalem, convertere ad Dominum Deum tuum.
Troisième Leçon
Jod. Manum sua misit hostis ad omnia desiderabilia ejus
Caph. Omnis populus ejus gemens
Lamed. O vos omnes qui transitis per viam
Mem. De excelso misit ignem in ossibus meis
Num. Vigilavit jugum iniquitatum mearum
Jerusalem, convertere ad Dominum Deum tuum
37
capilla
santa maría
L
L
a Capilla Santa María inició tuvo su estreno ante el público en Septiembre del 2009 con motivo de la reapertura al público de la nave central
de la Catedral de Santa María de Vitoria-Gasteiz. Fundada bajo el impulsto
de la Fundación Santa María y formada en su mayor parte por músicos
relacionados con la ciudad de Vitoria-Gasteiz y su entorno, y especializados
en la interpretación de música antigua está dirigida por Carlos Mena. Su
repertorio abarca un gran abanico de la llamada «música histórica» desde
el siglo XV hasta finales del XVIII, destacando sus programas en torno a aniversarios conmemorativos de compositores como Georg Friedich Haendel,
Henry Purcell, Charles Avison, Giovanni Battista Pergolesi, Tomás Luis de
Victoria, etc... Entre sus objetivos se encuentra tanto la interpretación de
programas de autores reconocidos como de otros desconocidos para el gran
público y de autores que dejaron su testamento musical en el archivo de la
Catedral de Santa María de Vitoria-Gasteiz, y que constituye patrimonio vivo
de nuestra cultura.
La Capilla Santa Maria es grupo residente del Bernaola Festival de VitoriaGasteiz.
38
capilla
santa maría
Paribus vocibus
El programa que cierra el Bernaola Festival a cargo de la Capilla Santa Maria
consiste en una muestra de la música escrita en el barroco para dos voces
iguales, contratenores, en Inglaterra, Italia y Francia.
En las islas, la voz de referencia del periodo barroco hasta nuestros días ha
sido el contratenor, ya que es el único país donde el canto de contratenor
se mantuvo en la liturgia anglicana hasta el siglo XX . Y qué mejor compositor
que Henry Purcell, contratenor él mismo, para glosar este repertorio.
En Italia las cantatas a dúo fueron el germen de lo que luego se conocería como
la «sonata a trio». Grandes exponentes, a pesar de lo desconocidos, de esta
forma musical fueron los tres compositores transalpinos del programa Antonio Cesti, Giovanni Maria Bononcini y Antonio Lotti (del que se interpretará
imponente cantata a dúo «Crudeltá rimproverata»)
En Francia, uno de los autores que mejor supo tratar la fusión de dos voces
similares fué François Couperin, y su obra culmen Lecciones de Tinieblas para
el Miércoles Santo es un claro ejemplo de mostrar las cualidades de una voz,
Primera Lección, de una segunda voz, Segunda Lección, y de la capacidad
expresiva de ambas unidas, Tercera Lección
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