3 MB - Festival Internacional de Cine de Gijón

Transcripción

FESTIVAL
INTERNACIONAL
DE CINE
DE GIJÓN
[4] Domingo
27 de Nov.
[ 2 ] EL 43 FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE GIJÓN
DOMINGO 27 DE NOVIEMBRE
TEATRO
JOVELLANOS
ANTIGUO
INSTITUTO
CINES CENTRO CINES CENTRO
SALA 4
SALA 2
17:00 h.
UNIVERSO MEDIA
17:00 h.
NUEVO CINE ITALIANO
17:00 h.
ENCUENTRO CON EL PÚBLICO
LLENDES
"Amanecer" 95'
20:00 h.
SECCIÓN OFICIAL
"Bébé Requin" 15'
"The Great Ecstasy of Robert
Carmichael" 96'
22:30 h.
SECCIÓN OFICIAL
"Pure Youth" 15'
"Como un avión estrellado"
80'
"La clase obrera va al
paraíso" 125'
20:00 h.
ENTRADA LIBRE
LLENDES
"El Paisano: Un retrato
colectivo" 88'
20:00 h.
Y COLOQUIO
DESORDEN Y CONCIERTO
"Pretérito pluscuamperfecto" 7'
"In Memoriam" 7'
"Cambia de vida: El viaje del
"Lai" 42'
Xixón Sound" 95'
22:15 h.
ENTRADA LIBRE
NUEVO CINE ITALIANO
"La Commare Secca" 98'
22:30 h.
ENTRADA LIBRE
ESBILLA
17:00 h.
ENTRADA LIBRE
ENFANTS TERRIBLES
SESIÓN ESPECIAL
"Star Wars: las guerras clon"
120'
En colaboración con Cartoon Network
20:00 h.
NUEVO CINE ITALIANO
"Marcha Nupcial" 85'
22:30 h.
TODD SOLONDZ
"Palíndromos" 100'
"58%" 47'
"Al Hamama" 28'
En colaboración con Comité de Solidaridad
con la Causa Árabe
GIJÓN SUR
17:00 h.
NUEVO CINE ITALIANO
SALA GALLERY CINES CENTRO CINES CENTRO
SALA 5
SALA 3
ART&FOOD
"Mama Roma" 114'
17:00 h.
19:45 h.
ENTRADA LIBRE
ENFANTS TERRIBLES
SESIÓN ESPECIAL
"Maria Bethânia: música y
perfume" 82'
"Star Wars: las guerras clon"
120'
En colaboración con Cartoon Network
22:15 h.
UNIVERSO MEDIA
"Ghosts" 85'
19:45 h.
PIRJO HONKASALO
17:00 h.
PRENSA Y ACREDITADOS
SECCIÓN OFICIAL
10:00 h.
SECCIÓN OFICIAL
"Pure Youth" 15'
80'
"Bébé Requin" 15'
Carmichael" 96'
"Tanjuska y los siete diablos" 19:45 h.
SECCIÓN OFICIAL
80'
"Adam & Paul" 85'
22:15 h.
ESBILLA
"The Girl from Monday" 84'
22:15 h.
SECCIÓN OFICIAL
"Murderball" 86
17:00 h.
SECCIÓN OFICIAL
(No comp)
"Keane" 93'
19:45 h.
CLAIRE DENIS
"Trouble Every Day" 101'
22:15 h.
"Let's Rock Again" 67'
Redacción:
Fotógrafos:
Irene Tremblay, Pedro Menéndez, Susana
Tejedor, Isabel Lueje
Palmira Escobar y Marco Villabrille
Diseño y maquetación:
www.marcorecuero.com
Imprime:
El Comercio
UNIVERSO
MEDIA
Coorganizado POR:
AMANECER
GHOSTS
Friedrich W. Murnau, USA, 1927, 95 min.
Christian Petzold, Alemania, 2005, 86 min.
Un pueblo pequeño con gente corriente, una granja propiedad de un joven matrimonio, vida
plácida, monótona, trabajo constante y mucho, mucho amor. Pero en este decorado
bucólico, de la mano de una mujer en busca de vacaciones, irrumpe la sofisticación de la
ciudad. Una ‘femme fatale’ (Margaret Livingston) que ha puesto los ojos en el joven
marido, seduciéndolo con paciencia y sin recato. El pueblo murmura, la pareja se
tambalea: ella (Janet Gaynor) llora y él (George O’Brien) cae. Arrastrado a la perdición, se
vuelve descuidado y débil, cruel, dejándose convencer por su amante de que la mujer con
quien se casó no es más que un estorbo, y llegando a desear la muerte de su esposa.
Todos los años ella viaja de París a Berlín en busca de la hija que desapareció sin dejar
rastro en 1989. Y todos los años, su marido la trae de vuelta a casa. Pero en esta ocasión
todo es diferente, ella ha encontrado a Nina, una joven sin hogar que vagabundea en
compañía de un alma gemela, viviendo de pequeños hurtos e improvisando día sí y día
también. Ella cree que Nina, la vagabunda criada en un orfanato, con la calle como casa
y el mundo por montera, podría ser su niña perdida.
Murnau, uno de los grandes, debutó en Hollywood con Amanecer, un guión de Carl Meyer
y uno de sus títulos más y mejor considerados por la crítica mundial de todos los tiempos.
Y lo hizo cuando quedaban sólo dos semanas para que las pantallas empezaran a sonar con
El cantor de Jazz, lo que añade otro mérito a su carrera: firmar magníficamente el
testamento del cine mudo, con el reconocimiento de tres Oscar. Belleza, lirismo, estética
romántica y redención sentimental para la pasión ilícita –pero cómo resistirse a Margaret
Livinston– en una obra maestra de la exploración psicológica y emocional que decae en el
tramo final, un postizo de William Fox.
A las 17:00 en el Teatro Jovellanos.
Petzold, que con Wolfsburg recibió el premio del jurado de Berlín y el calificativo de
imprescindible en la escena cinematográfica alemana, transmite en Ghosts un dolor
provisto de una extraña dulzura, que habla de unos cuerpos carentes de hogar y de unas
almas huérfanas de definición social, de una identidad anhelada. El realizador alemán
construye el film sobre los cimientos de un original y sólido guión, amalgama literaria de
los hermanos Grimm, Pavese, la novela Rave, de Rainal Goetz y unos anuncios sobre niños
desaparecidos en Francia.
A las 22:15 en Gijón Sur.
LLENDES
In Memoriam / Lai / Pretérito
Pluscuamperfecto
LAI
Núria Aidelman y Gonzalo de Lucas, España / Francia,
2005, 42 min.
A las 20:00 en el Antiguo Instituto.
ENCUENTRO CON EL PÚBLICO Y
ENTRADA LIBRE.
IN MEMORIAM
Hernán Talavera, España, 2005, 7 min.
El Ayuntamiento de La Roda construye un nuevo
cementerio y solicita a los vecinos que trasladen a sus
muertos. El ruido de las máquinas excavadoras sustituye el
‘descanse en paz de los últimos 93 años. In memoriam es
una poética ficción documental que rinde homenaje a las
personas y objetos que se van, a lo que renunciamos para
seguir adelante. Unas veces no podemos hacer nada por
impedir estas pérdidas. Otras sí. Hay historiadores,
restauradores, arqueólogos, médicos,… que se dedican
exclusivamente a tratar de que esto no suceda, aunque al
final, la decisión determinante se toma tras la mesa de un
despacho.
El lai es una canción compuesta en el norte de Europa,
principalmente en Francia y Alemania, entre el siglo XII y
finales del siglo XIV. Su característica principal, y que la
diferencia de otros versos musicales de la época, como el
rondó y la balada, es la no repetición de las stanzas, por lo
que el acompañamiento musical consiste en partes siempre
distintas.
Y es un lai, “Laüstic” (“Ruiseñor”), de la escritora
normanda del siglo XII Marie de France, el hilo conductor
de una cinta que combina pintura y literatura medieval, la
importancia del color y de la forma en una naturaleza y
unas geometrías tan cuidadas y precisas como los trabajos
del Servicio de Restauración de Béns Mobles que ilustran
el relato. En su primera película, el catalán Gonzalo de
Lucas y la bonaerense Núria Aidelman apuestan por una
compleja amalgama de géneros y disciplinas artísticas que
ha sorprendido, y con nota, a propios y extraños en el
Cinèma du Reel de París. La sencillez temática del lai –la
dama y el caballero enamorados, separados tan sólo por un
alto muro de piedra-, la reiteración de encuadres y motivos,
no esconden la dificultad de lograr una correspondencia
poética entre imágenes y sonidos, y un paralelismo entre el
muro que imposibilita el amor y ese otro que la
minuciosidad del restaurador debe salvar entre la obra
original y las imperfecciones añadidas por el tiempo.
La originalidad de la cinta se completa con un sugerente
montaje y una cálida y musical voz narrativa, a cargo de
Elisa Buccellato, que rescata la lengua anglonormanda
natal de la autora de la canción. En definitiva, y citando a
Jaime Pena, “estamos ante una de las más pertinentes y
plausibles adaptaciones literarias que el cine español ha
abordado en los últimos tiempos, al menos desde el
principal referente de la película de Aidelman y Lucas, El
sol del membrillo”.
PRETÉRITO
PLUSCUAMPERFECTO
Iraida Lombardía, Asturias, 2005, 7 min.
Tras triunfar en la pasada edición del Festival con la
experimental Bon Voyeur, la ganadora del Día D’Asturies en
2004 regresa a Gijón con su último cortometraje. Iraida
Lombardía indaga en la recuperación de la memoria infantil
a través de una película casera que rescata, de un ya lejano
1982, los primeros cinco años de vida de la realizadora
asturiana en un pueblo de Lena. Un material al que Iraida
regresa en busca de su “paradigma de la felicidad”.
El Paisano: Un Retratu Colectivu
Ramón Lluís Bande, Asturies, 2005, 88 min.
La figura de quien fuera secretario general del Partido Comunista de
Asturias, Horacio Fernández Inguanzo, es la elección del gijonés
Ramón Lluís Bande para continuar su ciclo dedicado a la
recuperación de la memoria colectiva, del que ya forman parte
Estratexa y Aida, éste último, semblanza de la revolucionaria
asturiana del 34, presente en la pasada edición del Festival. La cinta
rescata la altura moral de El paisano, sus años de vida clandestina,
de guerrilla, de reivindicaciones laborales y huelgas revolucionarias,
de represión,... Y lo hace a través de los recuerdos de quienes
convivieron con él, casos de su hermana Clementina, de su amigo
Juan Fernández Ania y de su compañero Senén el de Polio.
Testimonios que encuentran soporte en la música –incluye el tema
de Víctor Manuel–, en imágenes del pasado, fotografías antiguas,
documentos históricos que hablan de Horacio, de los años de lucha,
de cárcel, de ausencia; del hombre y del símbolo que, en palabras
de Ramón Lluís Bande, tuvo “la capacidad de anularse como persona
para representar una labor colectiva”.
A las 17:00 en Cines Centro, sala 2.
ENTREVISTA
CON EL DIRECTOR
Ramón Lluís Bande repite presencia en el Festival, tras la proyección de Aida en
2004, con el documental El Paisano: un retratu colectivu, semblanza de la figura
de Horacio Fernández Inguanzo y tercera parte de su proyecto sobre La memoria
colectiva
¿Qué buscas con La memoria colectiva?
Es un ‘work in progress’, son películas de no ficción que iniciamos con Estratexa, y
que en un principio acababa ahí. Pero nos dimos cuenta de que no tenía porque
concluir, que podíamos continuar con testimonios nuevos. Se trata de retratos
relacionados con la Guerra Civil, una realidad muy epidérmica aún hoy en la sociedad
asturiana, que responden a la idea de que un país que no tiene cine documental es
como una familia sin álbum de fotos. Esa es la pretensión, recuperar el álbum de fotos
de los asturianos.
Tras Estratexa y Aida de la Fuente, eliges para la construcción de esa
memoria colectiva la figura de El Paisano. ¿Cómo la abordas?
A través de 14 testimonios, o mejor dicho, de 14 retratos, 14 primeros planos en los
que los rostros dicen tanto como las voces, conforman la geografía de la historia y de
la película. Además, planteo también una nueva estructura narrativa, una
deconstrucción del lenguaje documental. Intento, a través de esos 14 rostros, una
carta, una canción y de fundidos a negro (los signos de puntuación), lograr el espacio
fílmico de la memoria, una especie de memoria colectiva fílmica en la que, como en
la mente humana, las anécdotas tiene la misma importancia que el dato más
importante, sin un orden cronológico. Es algo que forma parte de la propuesta
artística, a veces oculta por el mensaje histórico y político.
¿Cuáles son las distintas aportaciones de cada figura retratada en esta
trilogía?
En el caso de Estratexa, Manuel Alonso, uno de los últimos fugaos que aún vive,
encarna a un movimiento colectivo, el de los maquis, y su testimonio puede recuperar
ese trozo concreto de la historia. Aida de la Fuente aporta un valor icónico de la
Revolución del 34, presente en la cultura popular, en la música; y en cierto modo
compartimos adolescencia, porque yo no paraba de escuchar la canción de Nuberu.
Por último, la figura de Horacio, como partidario del abandono de las armas tras la
derrota y de la huelga general revolucionaria, enlaza con Estratexa y nos lleva hasta la
transición, justo cuando, en febrero, se cumple el décimo aniversario de su muerte.
El cine hecho en Asturias / asturiano, ¿tiene en Gijón su tabla de salvación,
hay vida más halla del festival o no hay quien lo salve?
Yo no me puedo quejar, mis películas tiene pases en Festivales como el de Buenos
Aires y por las filmotecas del Estado. Pero para mí el Festival, sobre todo en esta
etapa, con José Luis Cienfuegos y Fran Gayo al frente, ha sido como una escuela. Creo
que mi evolución como cineasta ha sido paralela a la del festival, y sería difícil que
hiciera el cine que hago si no existiera el certamen, en el que siempre hay una Pirjo
Honkasalo o un director muy afín a mi cine. Además, hay una cuestión emocional, por
la que intento acabar las películas antes del Festival, lo siento como mi casa, como
el sitio natural de arranque.
En 2003, Extratexa; en 2004, Aida; en 2005, El Paisano; en 2006…
El proyecto que puede materializarse más pronto es una película, dentro de esta serie
sobre la memoria colectiva, en la que, ya alejada de la Guerra Civil, la protagonista es
la tonada, a través de la figura de Diamantina Rodríguez y las cantantes más jóvenes.
También estoy escribiendo un guión de ficción, tal y como yo entiendo la ficción, no
muy lejos de la no ficción.
SECCIÓN
OFICIAL
THE GREAT ECSTASY
OF ROBERT
CARMICHAEL
www.boudufilm.com
Thomas Clay, UK, 2005, 96 min.
Pueblo costero inglés, clase media, gente
educadita, culturalmente inquieta, con sus
pubs donde poner verde al equipo de fútbol
contrario, sus coquetas casitas adosadas,
sus flemáticos policías y su niños
uniformados rascando el violonchelo o
haciendo prácticas de cinema verité. Pero
hay roña bajo tanto verde bucólico, indicios
perversos, garbanzos negros, hormonas mal
canalizadas, complejos de Edipo mal
digeridos y en la televisión, el
derrocamiento de Sadam Hussein en directo
y para nada. Se avecina el éxtasis. Thomas
Clay se estrena con este sibilino emético
(para el que ha reclutado al director de
fotografía de Angelopoulos y la Breillat) que
retoma La Naranja Mecánica, Funny Games
y hasta Blue Velvet y que fue el escándalo
de la Semana de la Crítica en Cannes.
BÉBÉ REQUIN
Pascal-Alex Vincent, Francia, 2005, 15 min.
Presentado en Sección Oficial en Cannes.
Dos chicos Kids, dos adolescentes con
aburrimiento mortal matándolo a la deriva
moderna: sexo y juegos de vídeo.
RUEDAS DE PRENSA
ERIC KHOO
Director de Be with me
El director Eric Khoo habló de su película Be with me, proyectada el pasado viernes
en el Festival, y explicó que la idea surgió en 2001 cuando su sobrino, mitad francés,
fue a pasar unas vacaciones con él y le comentó que le gustaba una chica. “Pensé
entonces en mi primer amor de adolescente y en cómo era yo entonces. Decidí hacer
una película sobre ello”.
La historia se estructura en tres etapas: la adolescencia, la mediana edad y la vejez.
“Quería hacer una película casi muda, en la que los personajes se movieran por la vida
con esperanza. Busqué a dos personajes que ya hubieran estado enamorados
anteriormente y destinados a estar juntos”.
Be with me fue rodada en alta definición con un guión que sólo contiene 17 páginas
porque apenas hay diálogos. Khoo se encargó él mismo de hacer el storyboard. “En
un principio, Theresa, la protagonista, iba a interpretar a la enamorada del anciano,
pero ella me propuso hablar de sí misma, de su historia. Fue un desafío mostrar
documental y ficción y el hecho de que los actores fueran todos novatos, excepto una
de las actrices que había trabajado algo en televisión. No ensayamos mucho, sino que
estudiamos la expresión facial, la forma en que los personajes muestran sus
sentimientos”.
Khoo destaca el trabajo de Theresa Chan, que modificó el concepto inicial de la
película. “Fue toda una inspiración trabajar con Theresa. Es muy inteligente. Entre
plano y plano improvisaba continuamente, y cuando aparece en pantalla, empieza a
ser una película diferente”.
El realizador, nacido en Singapur y presente ya en la 41 edición del festival, señaló
que no buscaba hacer algo tradicional ni comercial, sino personal; además, disponían
de muy poco dinero. El esfuerzo obtuvo sus frutos: la película ha tenido una acogida
muy positiva tras haberse proyectado en el Festival de Cannes. “Hubo hombres que al
término de la película se abrazaron a mí y lloraban. Quisimos demostrar que, a pesar
de todo, la vida merece la pena vivirla”.
A las 22:30 h.
En el Teatro Jovellanos.
COMO UN AVIÓN ESTRELLADO
www.2manyproducers.com/avion
Ezequiel Acuña, Argentina, 2005, 80 min.
El avión estrellado que mató a los padres de Nico fue el inicio de la cuesta abajo. Con
dieciocho años quedó bajo la tutela de su hermano mayor, al que ayuda en una clínica
veterinaria y con el que no se entiende, y por toda herencia obtuvo el desarraigo y una casa
de veraneo que no puede mantener. La comunión, la vida, está en otra parte, se la trae
Santi, su amigo del alma, su opuesto: arriesgado, adicto a la automedicación y a la
planificación de posibles delitos. La oscuridad y el caos de Santi son compensados por la
luz, la bondad y la inocencia de Luchi, la florista, la dueña del conejo Arturo, la titiritera
vocacional…la chica de la que Nico se ha enamorado.
Si Nadar solo convirtió a Ezequiel Acuña en una joven promesa y al filme en una peli de
culto, Como un avión estrellado (Premio a la mejor película argentina en el festival de cine
independiente de Buenos Aires) puede asentarle en el mapa cinematográfico argentino. El
joven realizador bonaerense atrapa una historia sobre adolescentes que, carcomidos por el
tedio, se siente malditos, más aún cuando ya no hay escuelas perversas ni padres
incomprensibles. Atención especial a Manuella Martelli, Luchi en el filme, que ya
despuntara con su descaro en Machuca.
CORTOMETRAJE: PURE YOUTH
Ektoras Lyghizos, Grecia, 2005, 15 min.
“Ahora se estremece. La tierra tiembla. Pero no tenemos miedo. Estamos aquí, refugiados
en nuestro pequeño nido”.
RUEDA DE PRENSA
LENNY ABRAHAMSON
Director de Adam y Paul
El primer largometraje del irlandés Lenny Abrahamson habla de un día en la vida de
dos yonquis y de sus peripecias para conseguir dinero, aunque sea a base de estafar
a la gente. “La idea original procede del guionista, que es de Dublín, y veía desde una
ventana la zona principal donde se reunían los heroinómanos. Nos fascinó la historia
y decidimos filmarla”.
La primera intención fue mirar la parte externa de las personas, cómo se mueven, qué
hacen. “Queríamos demostrar que los heroinómanos están en el fondo de la sociedad
y buscábamos explorar el mundo de esos marginados”.
El realizador comentó que “decidimos contar una historia lineal, la motivación era
grande y elegimos una línea a seguir”. La inspiración la extrajo de las películas mudas
de Charles Chaplin y Laurel y Hardy. “Intentábamos jugar con el público. La película
se mueve en diferentes estilos y en la parte final desaparece el humor, hay un dialecto
cerrado, pero siempre persiste la música que da un equilibrio a la película”.
La selección de los actores fue relativamente sencilla porque se eligieron a los dos
protagonistas por separado y enseguida se pudo comprobar que entre ellos había un
entendimiento total. “Cuando una persona va a ver una película de yonquis tiene
varias opciones: ver el glamour, tipo Transpotting, o el realismo sórdido de Ken Loach.
Yo quería incluir cierta ternura. Utilicé humor, pero tierno, no cruel, y rehuí de las
bromas fáciles”.
Abrahamson comentó que las anécdotas durante el rodaje se sucedieron. “Como
teníamos poco presupuesto, rodábamos en la calle. Los actores parecían yonquis. Se
produjeron situaciones verdaderamente cómicas, como cuando algunos drogadictos
de verdad se les acercaron para pedirles trabajar también en una película, o personas
residentes en la zona llamaron a la policía para que se los llevasen. También recuerdo
el caso de una niña que se acercó a ellos y que dijo que quería que la abrazaran. Fue
un caso tierno en medio de mucha confusión”.
DESORDEN
Y CONCIERTO
CAMBIA DE VIDA: EL VIAJE DEL XIXÓN SOUND
LET’S ROCK AGAIN
Elena Medina / José A. Fernández, España, 2005, 95 min.
Dick Rude, USA, 2005, 67 min.
Principios de los años noventa. Una pequeña ciudad del norte deprimida cultural y
económicamente. Unos jóvenes que juegan a inventarse una realidad paralela y escapista
a través de sus sufridos instrumentos musicales y sobre las premisas del “no” a muchas
cosas. Una prensa musical y de tendencias necesitada de material para sus páginas. Y
minutos de radio. Se agita la coctelera y ¡chas!: nace el Xixón Sound. He aquí una pequeña
historia acerca de lo que ocurre cuando se juntan el hambre y las ganas comer. Letras
mayúsculas con trazo minúsculo para dibujar unos días de los que se puede, según sea el
caso, renegar, observar con la indulgencia con la que se miran las fotos del instituto o
lamentarse por lo que pudo ser y no fue. Algunos de los protagonistas repasan la génesis,
el desarrollo y los estertores de la escena musical (¿de “clase”?... social, claro) que
encendió la mecha del movimiento indie en España y situó a Gijón en el mapa de los
universitarios españoles de clase media con inquietudes. Aunque, eso sí, la ciudad ni se
enterara.
Justificando el dicho de que el cielo está lleno de talentos jóvenes y los escenarios de viejas
glorias reumáticas, en diciembre de 2002, a Joe Strummer, solista de esa maravilla
seminal que fueron los Clash, se lo llevó por delante una enfermedad cardiaca congénita.
Tenía 50 años. Casi tres años más tarde, su amigo Dick Rude, muy cercano a él en su
última época, acaba este cuadro que el propio Joe apoyó en sus inicios como productor,
antes de que la muerte le llamase. Escrito sobre él y para él, este documental habla de sus
tiempos de los Clash y de su último año de vida al frente de una banda llamada los
Mescaleros. Rude desempolva un metraje rescatado tras los escenarios, sobre ellos, sobre
anécdotas casi patéticas y ocultas: Strummer, la voz de todo un movimiento, intenta que
le pongan su cd en una emisora de radio pero no lo consigue, ganan los intereses
crematísticos y los directivos de los sellos discográficos y, con Joe, mueren también los
ideales.
Jairo Moreno
A las 20:00 en los Cines Centro, sala 2.
ENCUENTRO CON EL PÚBLICO Y COLOQUIO
A las 22:15 en los Cines Centro, sala 5.
ESBILLA
PATROCINADO POR:
Al Hamama
Zouahir El Hairam, Isaac Lupiáñez, Oscar Vega. España, 2005, 28 min.
58 %
Vincenzo Marra, Italia, 2005, 47 min.
Hoy a las 22:30 en Cines Centro, sala 2.
En colaboración con el Comité por la Solidaridad con la Causa Árabe.
SOBRE LAS CONCIENCIAS LIBRES
El año pasado, cuando la organización de este festival me invitó a escribir sobre Vento di terra,
la película de Vincenzo Marra, mientras veía sus imágenes aceradas y cortantes, ni siquiera
se me pasó por la cabeza que aquella iba a ser la gran triunfadora del certamen. Ahora creo
saber por qué esa peripecia, en apariencia sencilla y humilde llegó a conquistar tanto el favor
del público como la aquiescencia del jurado. En pocas palabras, su decidida vocación política
no se sustenta en el aire, ni en consignas grandilocuentes, sino en la descripción esforzada y
sutil de unas cuantas vidas marcadas por la miseria de estos tiempos que nos ha tocado vivir.
Pues bien, ése es también el camino escogido por Marra en su siguiente trabajo, un
mediometraje acerca de la situación en los territorios palestinos ocupados. No hay voz en off,
ni siquiera un hilo conductor que dé lugar a un discurso más o menos estructurado. Precedida
de una intervención de Yassir Arafat en la que declara que el 58% de la tierra palestina se
halla en manos de Israel en virtud del levantamiento del muro, se trata simplemente de una
sucesión de imágenes que conforman un pequeño mosaico, tan revelador como la más feroz
de las diatribas. La anécdota de ese muchacho al que no le es permitido cruzar la frontera de
ALBERTO VÁZQUEZ GARCÍA
El CONTUBERNIU
su propio país, o la historia de la chica que dedicó su vida a la lucha armada, o el
espeluznante relato del niño que ha visto morir a sus amigos en una refriega callejera, son
narraciones que no pertenecen al gran relato de la política oficial, ni tampoco pretenden
despertar malas conciencias, ni masajear el lagrimal del espectador sensibilizado. Su gran
virtud consiste en recordarnos que el espanto no se oculta tanto en los grandes sucesos que
llenan los noticiarios como en la horrible banalidad del día a día.
Igualmente, Al Hamama, realizada en el marco del departamento de Comunicación
Audiovisual de la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona y dirigida por Zouhair El Hairan,
Isaac Lupiáñez y Óscar Vega, aborda la misma estrategia desde otro punto de vista. En este
caso se trata de indagar en las razones que llevaron a un grupo de jóvenes árabes a
autoinmolarse en un piso de Leganés tras los atentados del 11-M. Y para ello los responsables
se trasladan a los lugares donde pudieron vivir los implicados, y hablan con la gente, con todo
aquél que tenga algo que decir al respecto. De nuevo se trata de poner en duda la versión
oficial a través de la cotidianeidad, de la vida misma. Y el resultado consiste más en
preguntas que en respuestas. ¿No será que los “fanatismos” surgen de un caldo de cultivo en
el que puede que tenga mucho que ver la cuestión de la distribución de la riqueza?, ¿son esos
“fanáticos” elementos representativos de la religión musulmana?, ¿puede identificárselos con
el Islam?, ¿por qué los medios de comunicación occidentales se empeñan en estigmatizar esa
civilización a partir de sus elementos más conflictivos?, ¿cómo influye todo eso en el
problema de la inmigración visto por el ciudadano común? En Al Hamama tampoco hay
conclusiones, pero la mirada que se propone sobre el tema es mucho más elocuente que
cualquier informe oficial. Y, como en el caso de 58%, el convencimiento de que la realidad
es más inexpugnable de lo que parece no impide el tozudo empeño de asediarla allá donde
pueda resultar más vulnerable. En el fondo, ésa es la misión de todas las conciencias libres
de este mundo.
Carlos Losilla
Contará con la presencia de Isaac Lupiáñez y Óscar Vega.
CLAIRE
DENIS
EN COLABORACIÓN CON:
INSTITUT VALENCIÀ DE
CINEMATOGRAFÍA
RICARDO MUÑOZ SUAY
CENTRO GALEGO DE ARTES DA IMAXE
FILMOTECA DE CANTABRIA
TROUBLE EVERY DAY
Claire Denis, Francia, 2000, 101 min.
Montada a partir de planos que, por su agresividad y por el
modo en el que están cortados, son hemorragias que
convierten la película en una obra orgánicamente
metafórica. Trouble Every Day (Amor Caníbal) es una obra
sobre el cuerpo... y sobre el dolor.
Narra la historia de dos parejas relacionadas por el pasado
y ahora unidas por la enfermedad que convierte su
sexualidad en un ansia cánibal. Se muestran dos formas de
enfrentarse a este deseo: el que intenta no consumir lo
FESTIDIARIO
TERRENO DE JUEGO
por Billy Pendiado
Da gusto comprobar cómo, después de casi cuarenta
años, el tándem Ferreri-Azcona sigue repartiendo juego
desde la pantalla y cómo, abordando un tema complejo,
como es el caso de las relaciones intersexuales en El
propio y así mantener un atisbo de normalidad, y el que los
devora todo, incluida la gente que se ama o que se amó.
En Trouble Every Day el deseo y la enfermedad son
dolorosamente inseparables. Sus personajes viven
enfermizamente su pasión en el sentido literal, tratando así
de saciar el vacío que llevan dentro. La carne se convierte
en una senda de búsqueda incansable, en una forma de
vida.
Es una película sencilla y atrevida, una increíble mezcla de
colores y olores, y como fondo la sangre para recordar la
muerte. La carne como símbolo de deseo, de idolatría y de
poder. La
cámara una observadora intensa, hasta
quisquillosa. París aparece como radiografía del mundo
harén, no lo hace de la forma complaciente y simplista
a que nos tienen acostumbrados muchos cineastas de
última hora, aun a costa de ser tachados de misóginos.
Bien situados en el centro del campo,
saben mirar a todas partes y de distintas maneras.
Nunca sabemos a quién le pasarán la pelota. Su juego
es imprevisible, incómodo. Por eso son unos maestros.
Berdejo y Dorado, que firman el corto de la
inauguración, La Guerra, sorprenden por su ágil descaro:
en dos pases se plantan en el área y dicen lo que tienen
que decir pegando donde más duele y, por si lo
habíamos olvidado, a pesar de que ahora las guerras se
pueden televisar igual que la Liga de Champiñones, nos
recuerdan quiénes son sus víctimas más sangrantes.
mundano, y se incluyen alteraciones electrónicas de la
imagen, además de variados cambios de ritmo y
congelados, con el fin de mostrar lo provisional, aleatorio y
fugaz del instante y el ángulo escogido.
La primera escena de Trouble Every Day, la escena del beso
con la canción de Tindersticks de fondo, es de una gran
belleza. Un beso que no estaba en esa parte del guión, pero
que por un incidente, no fue filmado en el lugar elegido
primeramente. Y el beso es la película.
A las 19:45 h. en los Cines Centro Sala 5
Juego poético, alado es el de Jan Cvitkovic en
Defosaenfosa. El año pasado ya nos había fundido con
Heart is a piece of meat, cortometraje ganador, y ahora
nos maravilla con esta historia agridulce que,
manteniendo un nivel de juego envidiable desde el
pitido inicial, deja para los minutos finales gemas tan
exquisitas como el plano de la queja muda del acordeón
sobre el regazo de la mujer violada poco antes, o ese
llanto sin palabras (¡por fin!) del protagonista que nos
enseña que el lenguaje es un artificio poderoso que se
viene abajo cuando el dolor es auténtico…Todos
pedíamos una prórroga sin gol de oro ni hostias de esas.
TODD
SOLONDZ
PALÍNDROMOS
USA, 2001, 100 min.
Última película de Solondz que continúa
por los derroteros de sus tres títulos
anteriores y en la que cabe destacar el
trabajo musical de Nathan Larson (ex
Shudder To Think). Aviva tiene doce años y
es como los palíndromos, esas palabras que
se leen igual del derecho que del revés. La
leas por donde la leas el mensaje es
siempre el mismo: quiero, deseo, espero ser
madre. Aviva es más un personaje que un
ser real, la representación de un estado de
cosas y por eso, Solondz, al igual que
hiciera Buñuel en Ese oscuro objeto de
deseo, la hace interpretar por ocho actores
diferentes, entre ellos dos adultos, un chico
y hasta una niña de seis años. Ese anhelo
de Aviva por cumplir su sueño se convierte
en una odisea que transcurrirá a través de
mundos donde el sexo es pecado, los
embarazos adolescentes a millares y no
deseados y el aborto una solución
vergonzante. En definitiva, mundos no muy
distintos de éste.
RUEDA
DE PRENSA
No podía haber un escenario más apropiado que la presentación del libro Todd
Solondz: en los suburbios de la felicidad para escuchar explayarse al realizador
estadounidense, que lo hizo y bien. Durante el acto, en el que intervinieron el
director del Festival, José Luis Cienfuegos, y el autor del libro, Jordi Costa, el
cineasta neoyorquino diseccionó, explicó su cine, su modo de verlo, bromeó con
y sobre él y realizó una visita guiada por los ‘making of’ de algunos de sus títulos.
Palíndromos, que Gijón estrena en España, acaparó gran parte de las
comentarios. Solondz pasó revista a la protagonista del filme, un personaje
“universal”, interpretado por ocho actores y fruto de la identificación unánime
con la Dawn Wiener de Bienvenidos a la casa de muñecas por parte de un
público tan dispar como “una modelo y un obrero de la construcción”; reivindicó
para su filmografía el concepto de comedia en la misma medida que el del
pathos, la tragedia, elementos presentes a partes iguales en su percepción de la
vida; relató, con un humor contenido, las dificultades que la Universal añadió en
la producción de Happiness debido a ciertos contenidos ‘inmorales’ y atacó sin
reservas el código moral de un Hollywood hipócrita cuando el único código que
conoce es el de “tú pierdes dinero, eres malo; tú ganas dinero, eres bueno”. Por
el medio, sus chanzas sobre las cajas rojas y los beeps opacos en escenas y
sonidos, cajas y beeps que ayudaron a evitar la clasificación X de Storytelling en
Estados Unidos y que echa de menos en las proyecciones europeas, porque, dice,
alertan al espectador; su vergüenza y su afecto por sus cortos universitarios como
Feelings, que trajo a Gijón como un detalle al esfuerzo de Jordi Costa y al Festival
por la edición del libro; su particular selección de los actores infantiles; su
negativa a su hipotético hijo de protagonizar un anuncio para GAP o Starbucks,
ejemplo de obscenidad y utilización consumista, frente al afecto y a la dignidad
que, a pesar de todo, ofrece en sus filmes. En definitiva, retazos de un director
íntegro que, cómo el dice, paga el precio por hacer lo que quiere.
NUEVO
CINE
ITALIANO
EN COLABORACIÓN CON:
FILMOTECA ESPAÑOLA
INSTITUT VALENCIÀ DE CINEMATOGRAFÍA
RICARDO MUÑOZ SUAY
CENTRO GALEGO DE ARTES DA IMAXE
LA COMMARE SECCA
Bernardo Bertolucci, 1962, 98 min.
No nos confundamos, antes de lindezas
coyunturales como El Último Tango en
París, El Último Emperador o El Pequeño
Buda, existió un genio que rodó El
Conformista, La Estrategia de la Araña,
Antes de la Revolución o La Commare
Secca, su primera película. Tenía 21 años.
Pasolini le cedió una historia original: una
prostituta aparece muerta en el Tevere
romano, la investigación policial lleva a la
detención de los sospechosos de turno en el
submundo de ladronzuelos y chulos. El
asesino no está entre ellos, el asesino no
siente culpa por haber matado a alguien a
quien ya consideraba moralmente muerto.
A las 22:15 en el Antiguo Instituto.
ENTRADA LIBRE
LA CLASE OBRERA VA
AL PARAÍSO
(La classe operaia va in paradiso)
Elio Petri, 1971, 125 min.
Lulú (Gian María Volonté), obrero comunista
de la rama del metal, impone ritmo de
producción frenético en la empresa (tal y
como mandaba la madre Unión Soviética)
con la aprobación de la patronal y el
descontento generalizado del resto de los
trabajadores. Odiado por los compañeros,
peleado con el sindicato y con el partido, el
día que una máquina se le lleva un dedo
empieza el delirio: tiene que derribar el
muro tras el que se halla el paraíso de la
clase obrera. Petri, militante comunista, tira
de pesimismo grotesco y se carga la bondad
de la clase obrera a rimo narrativo de un
policíaco a la americana.
A las 17:00 en el Antiguo Instituto
CAFÉ CON... ÓSCAR JAENADA
Actor
Con un look diferente al que sale en su última película, Camarón, el barcelonés Óscar
Jaenada compartió ayer café con el público, al que explicó que para ser actor “hay que
trabajar duro y luchar mucho”. Galardonado con el Premio al Mejor Actor en el Festival
Cinespaña de Toulouse 2004, por su actuación como protagonista en la película
Noviembre, de Achero Mañas y nominado al Goya como mejor actor revelación por la
misma película, Jaenada reconoció sentir pasión por el cine, al que se refirió
continuamente “con mucho respeto”.
Hizo un repaso de sus principales películas. XXL, de Julio Sánchez Valdés, fue tachada
de machista. “Yo quiero hacer cine, no me gusta el comercial, pero te ves obligado a
hacer películas que a veces no te atraen demasiado. Me tocó hacer XXL y me ayudó más
de lo que creía. De El juego de la verdad, de Álvaro Fernández Armero, dijo, “me atrajo
mucho el director, el guión y los compañeros. Es una comedia española y creo que es al
cine español al que hay que defender”.
Noviembre, de Achero Mañas, supuso un paso muy importante en su filmografia, y un
montón de reconocimientos, y Camarón, de Jaime Chavarri, una oportunidad para
demostrar su gran talento. “Cuando me propusieron hacer el papel tuve que llamar a mi
hermano porque yo no sabía ni quién era Camarón. Fui descubriéndolo poco a poco. Es
alucinante. El cine te permite conocer a gente de la que no sabes nada. Con esta película
aprendí mucho del cantaor”.
La preparación no le supuso un gran esfuerzo. “Tuve que revisar muchos vídeos y, en ese
aspecto, ha sido laborioso, y estudié más de cuarenta play back. Pero lo afronté con
respeto. La suerte es que su mujer y sus amigos siguen vivos y me han ayudado mucho.
Fui a su casa e intenté que me llamarán José. La Chispa, cuando me vio, se echó a llorar,
porque sigue muy unida a su marido; luego, he hablado con ella y está muy contenta con
la película”.
Óscar Jaenada se mostró defensor a ultranza del corto, de hecho, dijo que de Achero
Mañas había visto todos sus cortos antes de rodar con él. “Seguiré haciendo cortos. Este
año he rodado cinco y quiero seguir haciéndolos. En los cortos se ve mucho talento”. Su
proyecto más inmediato es “descansar, después de haber protagonizado tres películas
durante este año”.
Hoy Café con...
LUCÍA JIMÉNEZ (ACTRIZ)
A las 16:00 en el Café del Sol
MARCHA NUPCIAL
MAMÁ ROMA
(Marcia nuziale)
Marco Ferreri, 1965, 85 min.
El inolvidable autor de El cochecito y El
pisito construye cuatro historias que se
burlan del matrimonio. El realizador se
apoya en un guión de Azcona en el que no
falta la pareja que se conoce en la consulta
de un veterinario, ni los modernos amantes
de Nueva York que planifican al detalle su
vida sexual. Una familia de la pequeña
burguesía llena de tabúes y maniquíes que
retozan cual humanos completan los
episodios de Marcha nupcial.
(Mamma Roma)
Pier Paolo Pasolini, 1962, 114 min.
El regalo de Pasolini a Anna Magnani, el
León de Oro en Venecia y el
encumbramiento definitivo de la crítica.
Los suburbios de Roma con sus casas
baratas de protección oficial, el
proletariado urbano de los sesenta, los
fruteros del mercado de Cecafumo, las
prostitutas milagreras, los adolescentes
perdidos, hermosos y casi mártires, los
curas modernos y amargamente lúcidos y
los burgueses pequeños. Y presidiendo
tanta poesía sucia, Mamá Roma, la mujer
que tras casarse su chulo decide llevar
vida honesta y sacar del fango a su hijo
Ettore.
A las 17:00 en Gijón Sur.
FIESTAS
.
STANDARD
primer disco, para que salga a la calle,
con el sello Mushroom Pillow, si todo va
bien, por marzo o abril.
Ganadores del proyecto DEMO
2005...
Hemos aprendido mucho y nos ha
ayudado más. Estuvimos en un festival
en Italia (Soundlabs), hemos tocado en
la sala Arena con gente hasta atrás y lo
que fue la de dios fue el FIB. Nos
fuimos encantados de cómo nos
trataron, del escenario y del concierto
que dimos, y por supuesto del fiestón
que es.
¿Electricidad vs. electrónica?
No creo que un DJ o varios superen en
directo la visualidad y la teatralidad de
un concierto de rock y las emociones
que provoca el ver tocar en directo
instrumentos en grupo, para mí es como
hacer magia.
Un directo Standard es…
Si vienes a un concierto de Standard
encontrarás buen rollo, fiesta, rock and
roll, ritmos para bailar hasta la última
gota, de nuestro sudor claro, no seas
mal pensado. Nosotros esperamos que
la gente baile y se lo pase bien.
Cinefilias musicales.
En On The Floor, uno de nuestros temas
hay unas guitarras con ese marcado aire
western proveniente de aquellos
sonidos que iniciaron The Shadows y
que Ennio Morricone supo colocar
perfectamente para las bandas sonoras
de Sergio Leone en los sesenta, con
Clint Eastwood… Bruce Lee es uno de
nuestros ídolos y todas esas pelis de
Kung-Fu nos encantan desde pequeños.
Planes a corto plazo.
Estamos terminando una maqueta con
los temas que vamos a meter en nuestro
Jairo Moreno
CAFÉ EL SOL
“La comedia del sol 2: normal, o la conveniencia
de ser anormal par ser feliz”.
Monólogos de Israel Heres, Nuria Santos, Nayra y
David-dedalo.
A partir de las 21:00 h.
CAFÉ BAMBARA
En directo: Standard
+ Las Perras del Infierno
A partir de las 00:30 h.
Entrada gratuita.
BULEVAR
Dj Pimp.
Sus sesiones recogen diversos estilos musicales (hip
hop, funk, jazz, drum&bass, electro, rock&roll, ) con
dosis de turntablism virtuoso y una naturalidad
rítmica pasmosa.
A partir de la 1:45 h.
Entrada gratuita
POR SI TE LO PERDISTE...
MAÑANA LUNES 28 DE NOVIEMBRE
TEATRO
JOVELLANOS
09:30 h.
ENFANTS TERRIBLES
"Popular Music" 105'
En colaboración con el Stockhom Film
Festival Junior
ANTIGUO
INSTITUTO
CINES CENTRO CINES CENTRO
SALA 2
SALA 4
18:00
LLENDES
17:00 h.
SECCIÓN OFICIAL
17:00 H.
TODD SOLONDZ
"Chain" 99'
80'
"Palíndromos" 100'
12:15 h.
ENFANTS TERRIBLES
20:00 H.
UNIVERSO MEDIA
"La profecía de las ranas" 90'
"Ring of Fire" 87'
17:00 h.
CLAIRE DENIS
22:15 H.
CLAIRE DENIS
"L'intrus" 129'
20:00 h.
PIRJO HONKASALO
20:00 H.
NUEVO CINE ITALIANO
"Pocilga" 98'
"Fire Eater" 100'
"Man No Run" 107'
H.20:00 h.
SECCIÓN OFICIAL
22:30 h.
NUEVO CINE ITALIANO
22:30 H.
ENTRADA LIBRE
ESBILLA
"La isla de Arturo" 92'
"Apaga y vámonos" 87'
En colaboración con Amnistía Internacional
"Sofía" 18'
"Thumbsucker" 94'
22:30 h.
SECCIÓN OFICIAL
"Bek" 12'
"Dark Horse" 109'
GIJÓN SUR
17:00 h.
NUEVO CINE ITALIANO
SALA GALLERY CINES CENTRO CINES CENTRO
SALA 5
SALA 3
ART&FOOD
"Marcha Nupcial" 85'
17:00 H.
UNIVERSO MEDIA
17:00 H.
PRENSA Y ACREDITADOS SO
19:45 h.
"Petite Chérie" 106'
"Bek" 12'
"Dark Horse" 109'
"Cambia de vida: el viaje del
Xixón Sound" 95'
19:45 H.
NUEVO CINE ITALIANO
22:15 h.
LLENDES
"El Paisano: Retrato
colectivo" 88'
"La clase obrera va al
paraíso" 125'
22:15 H.
CLAIRE DENIS
"Trouble every day" 101'
19:45 H.
SECCIÓN OFICIAL
(No comp)
"Sugar" 8'
22:15 H.
SECCIÓN OFICIAL
Carmichael" 96'
10:00 H.
SECCIÓN OFICIAL
"Sofía" 18'
"Thumbsucker" 94'
17:00 H.
NUEVO CINE ITALIANO
"Banditi a Orgosolo" 98'
19:45 H.
ESBILLA
"Oyun" 70'
En colaboración con Tertulia Feminista
"Les Comadres"
22:15 H.
SECCIÓN OFICIAL
(no comp)
"Police Beat" 81'
MAÑANA
Ayer Jem Cohen mantuvo un coloquio con
los espectadores de Chain. Este trabajo, del
que pudimos ver un poco en Gijón 2002, es
una de las joyas por descubrir del festival.
Volverá a proyectarse mañana, lunes 28, a
las 18:00 h. en el Antiguo Instituto.
MOSTRENCO & CO.
LLEGAN AL BARRIO
No me gusta nada tener que leer un libro en formato PDF, por mucho que me
divierta pasar las páginas con un botón, pero si ése libro es el libro de un amigo
y además tienes que escribir algo sobre él mientras se está imprimiendo, no
queda otro remedio. Eso es lo que hice con “Todd Solondz. En los suburbios de
la felicidad”, el libro que el Festival de Cine de Gijón encarga a mi amigo, Jordi
Costa, con motivo del ciclo sobre el director norteamericano. Lo curioso es que
me encontré dándole al botón durante horas con la mirada fija en la pantalla de
ordenador, redescubriendo a un personaje fascinante, bueno, a dos si contamos
a Jordi, que también se desnuda un poco en el libro. Y es que éste no es otro
tocho de la subespecie “libro de festival”, sino la última quijotada del mostrenco
articulista (Costa) y su fiel “ilustrero” Darío Adanti, una especie de dúo cómico
del periodismo bizarro que viene dando caña desde hace tiempo en diferentes
medios (véase, últimamente, el fanzine Mondo Brutto). “Todd Solondz. En los
suburbios de la felicidad” vendría a ser un sincero homenaje al perturbador y, a
partir de este libro, entrañable, creador de Bienvenido a la casa de muñecas o
Happiness, pero homenaje no al estilo académico, sino más bien al estilo
variopinto, bullanguero y caótico de un recibimiento municipal a un vecino
ilustre. Por eso Jordi ha convocado a colegas como Marcos Ordóñez, Rodrigo
Fresán, Francisco Casavella, Jorge Riera o Grace Morales para que interpreten su
número personal en el evento. Iba a añadir que lo que he leído me ha parecido
genial, inteligente, estimulante y muy refrescante, pero como ya he confesado
que el autor es amigo mío, me limito a constatar que el libro tiene dibujos,
chistes, cotilleos, cuentos, entrevistas, tebeos, fotos, toneladas de información y
que, además, ¡me dicen que sólo cuesta 10 euros! ¡Ay! Si los libros de festival
fueran siempre así...
Álex Zinéfilo

3 MB - Festival Internacional de Cine de Gijón

Transcripción

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