música para tener sex

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música para tener sex
No.0 / Septiembre 2009
USD. 3.oo
música en papel
AFUERA
ALEX ALVEAR
Entrevista con este gran
músico ecuatoriano
ÍCONO
Thriller
Todo lo
que debes
saber sobre
el álbum
más
importante
de la carrera
de Michael Jackson
ENTREVISTA
KEVIN
JOHANSEN
El músico
gringo-argentino
habla en exclusiva
con nosotros en su
visita al Ecuador
MAKING OF
CHINESSE
RUMBA
Cómo se filmó
el último video
de RoCola
Bacalao
ESPECIAL
MÚSICA
PARA TENER
SEXO
Hugo Ferro, Michelle Alvarado
y Catalina de la Torre
OPINIÓN: Riccardo Perotti - FOTOREPORTAJE: G3 Experience - TECH: Fender Jazz Bass 08 - DRALION: Circo Del Sol
contenido
contenido
18
ESPECIAL: Música para tener Sexo.
Hugo Ferro, Catalina de la Torre y Michelle Alvarado Dávila
escriben sus experiencias y puntos de vista acerca de la música
ideal para esos momentos íntimos.
24
AFUERA: Alex “El Colorao” Alvear.
35
FOTOREPORTAJE: G3 Experience
Feedback entrevistó al músico ecuatoriano que no vive en su país,
pero su país vive en él. Nos cuenta algo de lo que ha sido su vida
en el exterior y recordamos junto a él un poco de cómo era vivir la
música en el Ecuador.
El músico ecuatoriano Paúl Egas (Tomback, Anima Inside) nos
revela su pasión por la fotografía en este reportaje gráfico con
su visión de lo que fue el G3 Experience, tributo a los grandes
exponentes de la guitarra eléctrica.
22
¿Es este un buen momento para la música
en el país?
Riccardo Perotti, en su sección de opinión, nos comenta
acerca de la situación actual de la industria musical; el
artista, el mercado discográfico, la piratería y otros temas
de interés general para el músico y el público consumidor
de música en el país.
32
El humor de Kevin Johansen es cosa seria.
Nuestro colaborador, Diego Cazar, entrevista al artista
argentino en su paso por Quito.
48
Making of: Chinese Rumba
Detalles acerca de la realización del nuevo video de RoCola
Bacalao. Un resumen completo de la preproducción y
rodaje, con entrevistas al Codirector del video, Juan Carlos
Martínez y a Galo Pozo, trompetista de la banda.
54
Dralion: Circo del Sol
Nuestro colaborador en Europa, Edison Riofrío, nos cuenta
su experiencia al disfrutar en persona este espectáculo de
primer orden lleno de de magia, luces y música.
4
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Feedback agradece especialmente a
Fernando Escobar (Equilivre) por compartir
con nosotros su colección de guitarras
eléctricas para nuestras fotos.
El poder de la retroalimentación
En la actualidad, el ecuatoriano se informa “masivamente” del movimiento musical nacional a través de
un constante bombardeo de noticias faranduleras. Los proveedores de dicha información son programas
de televisión que abusan del intelecto de los televidentes, que muestran a los artistas como actores de un
jet set que no existe, que se mofan y satirizan su forma de proceder, que no se preocupan de indagar más
allá de lo evidente y que, sin embargo, consiguen material para copar horarios televisivos estelares con
programas que provocan indignación.
Hastiados de ver frente a nuestras narices cómo se desinforma a un público que necesita urgentemente
conocer sobre el trabajo musical y artístico, nos vimos motivados a crear este medio de comunicación
independiente, que esperamos sea una contribución para mejorar esta falencia comunicacional del país.
Feedback tiene la intención de ser un medio participativo que involucre a artistas, fanáticos, críticos,
periodistas, escritores, diseñadores, lectores, creativos y demás interesados en ser partícipes de una revista
que brinde un espacio al universo de acontecimientos que no son prioridad para los grandes medios
masivos de comunicación, que luchan por conseguir ese “rating” a base de chismes y amarillismo que nada
tienen que ver con música, arte o cultura.
La palabra “feedback” significa en castellano, “retroalimentación” (recibir respuesta a una transmisión).
Dentro de un proceso, el “feedback” permite compartir observaciones, preocupaciones y sugerencias para
recopilar información y mejorar o modificar diversos aspectos. Este concepto, además de dar nombre a
nuestra revista, es inspiración directa para ser parte del desarrollo y saneamiento de la industria musical
en el Ecuador. En el ambiente musical, el “feedback” es un acople de frecuencias que se produce cuando
una señal amplificada es recibida nuevamente por el instrumento o micrófono que originalmente la envió,
creando un sonido o ruido estridente al ser amplificado nuevamente.
Queremos ser ese “ruido” que llame la atención a un público interesado en conocer los aspectos de fondo,
los detalles técnicos y todo lo que consideramos que debe informarse masivamente sobre el movimiento e
industria musical del país.
Nuestra línea editorial parte de una retroalimentación informativa y de opinión entre los actores directos e
indirectos en la industria musical ecuatoriana: los que viven de la música (artistas y empresarios) y los que
viven la música (el consumidor). Feedback, como medio de comunicación, propone un espacio ideal para
que estos actores participen y se involucren como engranaje del proceso, enviándonos sus comentarios,
sugerencias y críticas.
Nuestros contenidos pretenden compartir con nuestros lectores la maravillosa particularidad que tiene
la música como arte: ser compatible con casi toda actividad humana como música y sexo, música y
diseño gráfico, música y video, música y fotografía; y la lista es larga. Queremos un lector que no se sienta
discriminado por detalles técnicos (típicos de publicaciones de música “para músicos”). Queremos que
los músicos sean quienes enseñen y compartan sus conocimientos y experiencias al público directamente
como colaboradores de la revista; así que el lector verá que un artista va más allá de un póster o un chisme
de “pseudo-farándula”; y se muestren como personas preparadas, trabajadoras y que luchan en una
industria musical llena de defectos y obstáculos.
Somos concientes que Feedback será una revista que mutará de acuerdo a las exigencias de sus lectores sin
descuidar su línea editorial y que evolucionará buscando posicionarse como un referente de la industria
musical ecuatoriana.
Así como Julio Cortazar, escritor argentino y fanático del jazz, escribió “El Perseguidor” buscando recrear
y proyectar la vida de uno de sus ídolos musicales Charly Parker, Feedback busca plasmar el papel la vida
de los músicos nacionales e internacionales, sus trabajos, anécdotas, experiencias y, sobre todo, resaltar
sus merecidos logros. Con honestidad buscamos transmitir y preservar en el tiempo el legado de la buena
música elaborada en el Ecuador.
- Guillermo Bixby - Juan Pablo Garcés
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CÓMPLICES
Colaboradores feedback
Michelle Alvarado Dávila
Quiteña pero “made in Playas”, tiene 23 años, es estudiante y se dedica a posar para fotografía artística. Su banda de día y de noche es The
Cure. Su disco favorito es “Galore”, obviamente de The Cure. No se acuerda cuál fue el último disco original que compró. No odia a nadie en
el mundo de la música, pero Arjona y todo ese grupo de cantantes llorones no son de su agrado. Para una noche de pasión, Gustavo Cerati
sería, sin duda, el primero.
Diego Cazar
Tiene 32 años, es un periodista quiteño, atiende un bar, promueve y produce eventos culturales de música. Sus preferencias musicales son
Pink Floyd, The Doors, Led Zeppelin, Queen, Sal y Mileto, Almendra, Spinetta, Sui Generis, La Máquina de Hacer Pájaros, Serú Giran, Fito,
Charly, Lebón, Aznar, Tanguito, Janis, Hugo Idrovo y Silvio Rodriguez. Son varios sus discos favoritos, destacando a “The Wall”, “Circo Beat” y
los de Sal y Mileto. Últimamente compró la “Antología de Soda Stereo” o el “Hellville Deluxe” de Bumbury o el de Joanne Vance. Ni a palos
soporta a Arjona, a Enrique Iglesias ni a Lupita D’alessio. No nos quiso contar con cuál artista tendría una noche de pasión...
Catalina De La Torre García
28 años, nació en Bogotá Colombia. Es coordinadora editorial en el portal de noticias de un canal de tv internacional. Hace prensa freelance.
Las bandas de su preferencia son Pink Floyd, Portishead, The Cure, NIN, Tori Amos y Bjork. Cree que el disco “Pulse” de Pink Floyd reúne más
de lo mejor. El último disco original que compró es “American Doll Posse” de Tori Amos. Ni en pintura soporta a Daddy Yankee. Su noche de
pasión podría ser con Trent Reznor, Kevin Johansen, Damon Albarn o Jared Leto.
Paúl Egas
Baterista, fotógrafo y diseñador gráfico, nacido en Quito hace 25 años. Sus bandas preferidas son Dream Theater, Maroon 5, Maná y Pink
Floyd. Su disco preferido es el “Pulse” de Pink Floyd. Se compró el disco “It Won´t Be Soon Before Long” de Maroon 5, el original. No le cree
nada a Ricardo Arjona. Tendría una noche de pasión con Aretha Franklin, mientras no se toquen... Pero con Christina Aguilera sí… lo que sea.
Gabriel Maldonado
Publicista, Creativo de Punto EC, es quiteño de 24 años. Sin dudarlo nos dice que su banda favorita es Metallica y su disco favorito, también
de Metallica, es el “And Justice For All”. El último disco original que compró es el “Reptielectric” de Zoe. Ni le gusta ni le asusta Marilyn
Manson. Su noche de pasión podría ser con Simone Simmons de EPICA.
Fabián Patinho
Nació hace 35 años junto a la Cruz del Vado, en Cuenca. Su música preferida está a cargo de los estadounidenses Yo La Tengo, Mercury Rev,
Galaxie 500, Slint; los australianos The Church; de Escocia, Mogwai y el francés Pascal Comelade. Su disco preferido es el concierto Nº 5 para
piano “El Emperador” de Beethoven. Además de ser el autor del cómic de la revista, nos dice que es asesor en asuntos éticos y morales (¿?)
El último disco original que compró es “Lado C” de Can Can, no soporta a Can Can y quisiera tener una noche de pasión con la cantante de
Can Can, Denisse Santos.
Riccardo Perotti
Aunque no necesita demasiada presentación, aquí les contamos un poco más de Perotti. Nació en Manta y tiene 45 años, obviamente es
músico a tiempo completo. Su música “top” está a cargo de Peter Gabriel, Elton John, Genesis, Yes, Rush, Led Zepellin, Police y muchísimos
más. Le parece imposible elegir un disco preferido, pero si tiene que ser uno, solamente uno y nada más, sería “Seconds Out” de Genesis. El
último disco original que compró fue “Rufus Does Judy At Carnegie Hall” de Rufus Wainwright. Sin dudarlo nos dice que no soporta a Ricardo
Arjona y también, sin dudarlo, nos dice que tendría una noche de pasión con Shania Twain.
Marielena Ramírez
Diseñadora y fotógrafa quiteña de 25 años, encuentra cosas buenas en varios géneros musicales (hasta en las bachatas y puñaleras). Jet y
Colplay son las bandas de su preferencia; Lily Allen como solista. No está segura cuál es su disco favorito pero escucha “Back To Black” de
Amy Winehouse 24/7. Dice pertenecer a la generación que “baja la música”. Sin embargo, el último disco que compró fue alguno de Nirvana.
No dudaría ni un segundo en tener una noche de pasión con Lenny Kravitz, lo que posiblemente explica su intolerancia a Ricardo Arjona.
Edison Riofrío
Según el cartón de la universidad es “Fotoperiodista especializado en viajes y artes audiovisuales”, vive en Francia pero nació en Quito hace
35 años. Su banda favorita es U2 (pero de los ochentas), creadores también de su disco favorito: “Joshua Tree”. Su músico preferido es
el señor Peter Gabriel. Gastó unos pocos euros comprándose el disco original de Me Valise, grupo francés que fusionan Ska con Pop. No
soporta a Paul McCartney (ni siquiera se acuerda como se escribe). Aunque parezca un viejo verde, le parecería fabuloso un rapidito con
Gabriela Cilmi; pues considera que sería “buenazo para los riñones”.
Daniel Varela
Diseñador Gráfico riobambeño de 27 años. La banda que más le gusta es Guns N’ Roses y su disco preferido es el “Live Era ’87-’93”. El último
disco original que compró fue uno de Bon Jovi. No mismo le gusta la música de Jorge Luis del Hierro, pero sueña con tener una noche loca
con Fergie.
David Vásquez Guerrero
Quiteño, hincha del Deportivo Quito, tiene 32 años, trabaja en Marketing y su banda favorita es U2. Su disco favorito es “Songs of Faith and
Devotion” de Depeche Mode. El último disco original que compró es “Quitarán Di Ahí” de Guardarraya. Hace caras feas si escucha a Ricardo
Arjona. No tendría una noche de pasión con una cantante, sino con tres: Kylie Minogue, noche romántica; Beyonce, noche animal y con
Fionna Apple, noche freak.
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[noticias
internacionales]
CHICKENFOOT
LA NUEVA MEGA-BANDA
Esta nueva banda reúne a Sammy Hagar (ex Van Halen)
cantante, Michael Anthony (ex Van Halen) bajista, Chad
Smith (Red Hot Chili Peppers) en la batería y al mismísimo
Joe Satriani en la guitarra. Estos 4 monstruos del rock,
debutaron el 5 de junio con el lanzamiento de su disco
Chickenfoot, el mismo que viene dentro de un envoltorio
sensible al calor, haciendo aparecer fotos de los miembros
del grupo al tocarlo. Los productores del disco son Andy
Jhons y Mark Fraser, fue grabado en el estudio de Hagar
en San Francisco. Más información la puedes obtener en la
página web: www.chickenfoot.us
SPINETTA GANÓ EL GARDEL DE ORO
“Una Mañana” es el disco que le
valió el Gardel de Oro a Luis Alberto
Spinetta. El disco fue grabado en los
estudios “La Diosa Salvaje” y detalla
12 canciones que reflejan el estilo
único de producir del Flaco; uno de los
grandes artistas que nos ha brindado
Argentina. No hubo ceremonia de
premiación debido a la gripe AH1N1.
Otros ganadores fueron: Mejor Álbum
Canción Testimonial y de Autor - Fito
Páez. Mejor Álbum Grupo Rock –
Babasónicos. Mejor Álbum Grupo Pop
– La Portuaria, entre otros.
el
Bono Vox, nombre con el que se rebautizó Paul Hewson; David Evans,
Larry
y
Clayton
Adam
bajista
el
Edge;
The
como
o
conocid
ista
guitarr
el
Mullen Jr, baterista; se conocieron a raíz de un anuncio colocado en
n
formaro
cuatro
Los
Dublín.
de
tablón del coro de la Mount Temple School
y
Hype
The
tarde
más
k,
Feedbac
The
de
una banda con el nombre
de
finalmente U2, tomado del nombre del avión de espionaje americano
Francis Gary Powers.
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FEEDBACK
MEGADETH: ENDGAME
La banda de Dave Mustaine inició el pasado
7 de enero la grabación del disco “Endgame”
en el estudio del grupo Vic’s Garage, en
California. El álbum fue producido por Andy
“Undie” Sneap quien trabajó también en el
Álbum anterior “United Abominations”.
“Endgame” es el primer disco con Chris
Broderick en Megadeth, quien reemplazó
en la guitarra a Glen Drover, quien dejó la
banda a finales del 2007. Por otra parte, el
29 de junio, Megadeth y Slayer iniciaron la
gira “Canadian Carnage” junto a otras bandas
como Machine Head y Suicide Silence.
BEASTIE BOYS
CANCELAN LANZAMIENTO
DEL NUEVO DISCO
Bryan May de joven siempre quiso una guitarra Fender
Stratocaster, pero al ser demasiado cara y al no contar
con suficiente dinero, diseñó y construyó con la ayuda
de su padre, la legendaria Red Special, el sonido inconfundible de Queen; utilizando para ello madera de caoba
del marco de su chimenea y unos muelles de una vieja
motocicleta.
ALICE IN CHAINS
NUEVO CANTANTE, NUEVO
DISCO, NUEVO ARRANQUE
Los neoyorquinos Beastie Boys anunciaron la cancelación
de su próxima gira y se pospone el lanzamiento de su
nuevo trabajo discográfico debido a que le detectaron un
tumor cancerígeno a Adam Yauch. El mismo Yauch anuncia
a través de un video publicado en la página web de la
banda (www.beastieboys.com) la decisión de cancelar sus
próximos conciertos y la salida del nuevo disco. Comenta
también la necesidad de someterse a una intervención
quirúrgica y explica que su voz no se verá afectada.
También pide disculpas a los fans que hayan planeado
asistir a la mencionada gira.
El álbum “Bad” de Michael Jackson
vendio más de 25 millones de
discos, convirtiéndose en el segundo
más vendido de la década de los 80,
tras “Thriller”.
La banda de grunge de los 90s vuelve con el disco
“A Looking in View” y estrena nuevo vocalista como
reemplazo de Layne Staley, quien murió en el 2002.
William DuVall será el encargado de reemplazar la
inconfundible voz y actitud de Staley. La banda
todavía tiene mucho que ofrecer a mano del guitarrista
principal Jerry Cantrell, quien aporta tanto en la música
como en las letras de la banda.
PEARL JAM
BACKSPACER
Luego de tanta expectativa sobre el trabajo que los integrantes del
reconocido grupo Pearl Jam se encontraban realizando dentro del
estudio, se ha revelado más información al respecto y es que su próximo
material discográfico saldrá bajo el nombre de “Backspacer”. Después
de tres años de presentar su último disco, regresan con este trabajo.
Su lanzamiento está previsto para el 22 de septiembre del 2009, cuya
producción estuvo a cargo de Brendan O’Brain, quien trabajó junto
al grupo en los primeros cuatro discos de su carrera. Así mismo, se
dio a conocer que el tema “The Fixer” será el primer sencillo y corte
promocional del álbum.
FEEDBACK
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LES PAUL
Junio 9, 1915 – Agosto 13, 2009
El 13 de agosto de 2009 falleció Lester William Polsfuss a los 94 años,
más conocido como “Les Paul” y considerado el padre de la guitarra
eléctrica y de las técnicas de grabación que revolucionaron el rock.
Murió por “complicaciones en una grave neumonía”, informó Gibson
Guitars, empresa a la que estuvo vinculado y en la cual participó
activamente desde la década de los 50. El artista, quien fue un músico
aclamado y un gran inventor, formó parte de los salones de la Fama
y de los premios Grammy. Permitió que el mundo conociera la serie
Les Paul Goldtop, de la cual forman parte guitarras como la “Black
Beauty”, “Les Paul Junior”, “Les Paul Special” y “Les Paul Standard”,
entre otros modelos que han seducido a artistas como Paul McCartney,
Keith Richards o B.B. King y a bandas como Pearl Jam, Santana, Led
Zeppelin, Metallica, etc.
ISMAEL SERRANO
FABULOSOS CADILLACS
Ismael Serrano se estrena como actor en la
película “El hombre que corría tras el viento”, del
director argentino Juan Pablo Martínez. La película
se estrenará el 3 de septiembre en Argentina.
Está basada en la canción “La Dulce Carola” del
mismo artista, quién ha participado también
como coguionista. La película cuenta la historia
de Daniel, interpretado por Ismael Serrano, un
gallego que se enamora perdidamente de una
mujer y que decide que debe decírselo, pero sus
miedos y temores se interpondrán en el camino.
“El Arte de la Elegancia de los Fabulosos Cadillacs”
es el nombre del segundo disco desde el regreso
de los Fabulosos Cadillacs. Es un CD/DVD que vio
la luz en agosto. El trabajo anterior se llama “La
Luz del Ritmo”. El arte de la tapa está a cargo
de la artista Marta Minujín, el disco incluye un
cover de Curtis Mayfield “Move On Up” y nuevas
versiones de “El Sonido Joven de América” y de
“Contrabando de Amor”, por supuesto, canciones
nuevas. La banda se presentó en Luna Park
(Buenos Aires) el 25 y 26 de agosto.
A LA PANTALLA GRANDE
JOAQUIN SABINA
NUEVO DISCO
“Vinagre y Rosas” podría ser
el nuevo disco de Joaquin
Sabina. Aunque no está
confirmado el nombre, la
grabación del disco lleva
más de seis semanas.
Sabina está muy motivado
trabajando para que su
nuevo disco salga con
un nivel sobresaliente. Se
espera que en septiembre
se pueda entregar el disco
terminado a la discográfica.
10
FEEDBACK
EL ARTE DE LA ELEGANCIA
Aunque parezca increible Axl Rose,
de Guns N’ Roses, siempre se declaró
un seguidor de Depeche Mode, tanto
que los persiguió hasta conseguir
invitarlos a su mansión de Beverly
Hills para un asado. El encontrarse
con un cerdo muerto no fue del
agrado de los británicos, quienes son
vegetarianos estrictos. Poco después del
incidente emitían un comunicado de
prensa en el que aseguraban que ‘el
grupo no quiere asociarse con nadie
que vaya por ahí matando cerdos sólo
por diversión’.
MADONNA
Y SU NUEVO GREATEST HITS
“Celebration” y “Revolver” serán los nombres de las nuevas canciones de
la Reina del Pop que se incluirán en un nuevo recopilatorio de 37 grandes
éxitos que han llegado al Top 10 durante toda la trayectoria de Madonna.
El artista Mr. Brainwash estará a cargo de la portada del álbum y el
concepto detrás de la ilustración fue el de “tirar a un ícono cultural dentro
de una licuadora y luego batir todo a máxima velocidad”. Este nuevo disco
saldrá a la venta el próximo 28 de septiembre.
JOHN LENNON
LETRAS INÉDITAS
David Gilmour en el tema Run Like Hell
utiliza doble delay, además de un pedal que
graba las repeticiones del primer delay, creando
una atmósfera de tres guitarras sin que el
“feedback” se sature.
CHARLY GARCÍA
VUELVE A LOS ESCENARIOS
Aparecen letras inéditas de John Lennon, su hijo
Julian las dió a conocer de su archivo personal y serán
exhibidas para “The Spirit of Lennon”, una muestra
sobre la historia del Beatle que tendrá lugar en Liverpool
en el Beatles Store Museum. Julian Lennon comentó
que en un futuro quizás le ponga música a esos versos
escritos por su famoso padre. “Creo que nunca se
utilizaron estas letras. Si todo marcha bien y si yo me
siento bien, consideraría trabajar con ellas y ponerles
música. Pero, obviamente, solo por honor a mi padre.
En algún aspecto sería algo así como regresar a casa”,
afirmó Julian.
En sesiones diarias y en jornadas programadas de
cuatro horas transcurren desde hace varias semanas
los ensayos de Charly García, que prepara su regreso
a los escenarios. Charly está al frente de una banda
numerosa que cuenta con dos potentes guitarras
(Kiuge Hayashida y Carlos Alberto “Negro” García),
teclados (Fabian “Zorrito” Quintero), batería (Toño Silva
Peña), bajo (Carlos Ludwig González) y la cantante
Hilda Lizarazu, quien cantó con Charly a fines de los 80
y comienzos de los 90. Aunque no está confirmado,
las gestiones avanzan para el regreso de Charly a los
escenarios públicos y esto podría darse en América
Latina a fines de septiembre.
Lo que más impresionó a John
Lennon acerca de Paul McCartney,
cuando se conocieron en 1956, fue
que este sabía afinar la guitarra.
FEEDBACK
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[noticias
nacionales]
FERNANDO PACHECO
EL PIRATA ORIGINAL
Este año ha sido importante y clave en la carrera
como solista de Fernando Pacheco. En marzo hizo el
lanzamiento formal de su primera producción discográfica
“Fantasías y Aventuras” en la que la radio EXA F.M. dio un
reconocimiento a todos los músicos y técnicos que fueron
parte de la grabación de este disco. Debido al fenómeno de
la indiscrimada piratería en el país, como es característica de
Pacheco, se le ocurrió una locura más: “El Pirata Original”.
Disfrazado de pirata salió a vender su disco en los semáforos
de la ciudad de Quito. Apoyado por varios medios de
comunicación y su club de fans, Pacheco tuvo una excelente
acogida en las calles de la capital. Esta original idea arrojó
sorprendentes resultados en cuanto a ventas del disco de
un artista ecuatoriano que se lanza por primera vez a la
aventura del negocio discográfico. El público circulante
prestó mucha atención a las peripecias del artista cuando
se asoció con los niños a hacer malabares o con las súper
promociones con los vendedores de frutas, pues vendía su
disco y una funda de mandarinas por 6 dls. Dentro de los
planes de Fernando Pacheco está la realización del video
de su cuarto promocional, “Fantasioso Tren”, dirigido por
el cineasta Rodrigo Haro quien invitó a Nelson Scartaccini a
realizar el guión de esta nueva aventura del artista.
ROCKVOX
VIDEO-CLIP
La banda de rock pop melódico Rock
Vox lanzó su nuevo sencillo “Amor
con Furia”. El video de la canción fue
producido con un “look glamero”. Este
trabajo lo dirigió Andrés “el pollo”
Revelo de Grupo.ec y la realización de
Blue Comunicación Global. Este sencillo
promete perfilarse en el “Top Ten” de
las radios como sucedió con los temas
“Siente” y “Me tienes o te vas”.
12
FEEDBACK
El nombre del tema Smoke
on the Water de Deep Purple
surgió debido a un incendio
causado por un inconsciente
que asistió a un concierto de
Frank Zappa en un casino, el
mismo que quedo en cenizas
y una nube de humo cubrió
el lago de la ciudad. Roger
Glover bajista de la banda
plasmó lo que vio en un papel
con las palabras del título de
la canción (humo en el agua).
DARÍO CASTRO
GRABANDO SU DISCO
Darío Castro se encuentra grabando lo que será su primer álbum
como solista. Después de cantarle al amor, como fórmula de
éxito en Verde 70, Darío evoluciona y prueba nuevos caminos en
cuanto a composición y letras. El disco va a tener 11 temas y es
muy diverso en estilos. Podremos encontrar en él, una fusión de
rock, pop y elementos andinos, -algo muy a lo world music- en
palabras del artista. Todos los temas son de autoría de Darío a
excepción de una canción del cubano Sergio Valdez, a la cual
Darío le puso su toque personal. El músico y productor cuencano
Renato Zamora, coproduce musicalmente el trabajo con Darío
Castro y está a cargo de la producción técnica del mismo. En la
grabación de los temas participaron como músicos, los bateristas
Sebastián Schmiedl y Fidel Vargas, los bajistas Ivis Flies y Toño
Cepeda, César Galarza en la guitarra, Arturo Chicaiza en los
teclados, Christian Mejía en el acordeón, Francisco Porras en el
cello, Pablo Vicencio en la percusión étnica, Carlos “Pantera”
Pizarro en la percusión latina y Norman Wray en la armónica.
Para todo el trabajo ejecutivo y administrativo de la carrera como
solista de Darío, está la empresa “Sello Independiente” a cargo
de Luis Castro, su hermano. El cantante escogió a Nacho Freire
y su estudio GRABA en la ciudad de Quito, para la grabación
de los temas. (Para información acerca del estudio GRABA y sus
seminarios ingresa a www.grabaestudio.com)
CHAUCHA KINGS
MAURICIO JÁCOME
Los Chaucha Kings lanzaron su disco “Corazones
Sufridores” el jueves 30 de julio en los exteriores del
Centro Comercial el Recreo, los acompañó Vivi Parra y
entusiasmaron a sus fans recordando también a los Cruks.
Fue un espectaculo gratuito al cual asistieron alrededor de
6000 personas.
Es un ecuatoriano/brasileño que tras 7 años de carrera
musical en los Estados Unidos, ha vuelto a Ecuador para
encontrar sus raíces y lanzarse como solista enfocando
su trabajo al mercado de habla hispana. Grabó un disco
de 10 temas inéditos con Ivis Flies como coproductor
musical. En estos días se lanzará su promocional “Para
Mi”, sencillo que cuenta con un video clip filmado 100%
en el Ecuador, bajo la dirección del mexicano Alejandro
Dávalos.
LANZAMIENTO CD
BRANDAO
FEEDBACK
13
PAPÁ RONCÓN
CONCIERTO EN QUITO
Papá Roncón es uno de los grandes referentes de la música
afroecuatoriana de la provincia de Esmeraldas. Ofreció un
concierto el viernes 14 de agosto dentro de la agenda de
aniversario de “La Estación”. Gracias a Papá Roncón, Petita
Palma y Segundo Quintero, entre otros, la música negra
ahora figura en el panorama de nuestra música nacional.
Cuentero y guardián de las tradiciones montunas de nuestro
pueblo negro, músico autodidacta de oído absoluto; este
modesto habitante de Borbón, (pueblo asentado en pleno
cruce de los ríos Cayapas y Santiago) ha recorrido el mundo
con su marimba y su grupo La Katanga, con quienes ha
hecho sonar sus caderonas, andareles y arrullos en América,
Europa y Asia.
GUSTAVO HERRERA
FESTIVAL ROCK N’ QUITO
“IDA Y VUELTA”
El resultado de una mala gestión por
parte de los organizadores derivó
en un espectáculo muy accidentado.
Bandas de la talla de Sal y Mileto
y Biorn Borg se desvincularon del
evento por problemas técnicos e
incumplimientos contractuales. Para la
banda Argentina “Hammer” tocar en
este escenario fue una tortura debido
a los contratiempos. Attaque 77 y
Todos tus Muertos pese a su entrega y
profesionalismo no lograron llamar la
atención del escaso público que se dió
cita a este concierto.
“Vuelve” es el título del nuevo sencillo
que presentó Gustavo Herrera, forma
parte de su primer disco “Ida y Vuelta”.
El disco cuenta con 13 canciones logradas
gracias a fusiones musicales basadas en
el piano. Sergio Sacoto estuvo a cargo
de la producción de 3 temas del primer
material discográfico y los otros 10 temas
se grabaron en Buenos Aires en el estudio
El Pie del productor argentino Diego
Ortell.
EQUILIVRE
NUEVO PROMO
Equilivre grabó su nuevo tema promocional titulado
“Más”. Para este trabajo, previo a su segundo
álbum, la banda decidió investigar sobre grabación,
y calidad de audio. Es por eso que este disco se
grabará en diferentes estudios con la participación
de varios técnicos e ingenieros de sonido como
Nacho Freire de Graba Estudio y Pierre Marroco de
Ozland, en Ecuador; Geoff Pisch de Abbey Road,
en Inglaterra y Andrés Mayo de Mayo Estudio,
en Argentina. “Más“ fue grabado y mezclado en
Ozland estudios por Pierre Marroco, y masterizado
en Argentina. El promo fue escrito por Fernando
Escobar y Erick Mujica, y producido por Fernando
Escobar y Equilivre.
14
FEEDBACK
PRIME MINISTERS
LANZAMIENTO
GUARDARRAYA
QUITARÁN DI AHÍ
Guardarraya, banda formada por Álvaro Bermeo (voz,
guitarra nylon y quena), Mateo Crespo (guitarras y coros),
Franco Aguirre (bajo, coros y bombo andino) y Andrés
Caicedo (batería y percusiones) lanzó su nuevo disco
“Quitarán Di Ahí”. Esta producción fue grabada en tres
estudios diferentes de la capital: La Increíble Sociedad del
Can, Graba Estudio y EQ Estudios. El trabajo mezclado en
este último se mandó a masterizar en Magneto Mastering
con Dave Gardner en Minneapolis, EEUU. La banda
está promocionando este disco mediante conciertos en
Quito, Guayaquil, Cuenca y Loja. Dentro de sus planes
está la realización de un video clip para reforzar la
promoción del siguiente single del disco y adelantan que
paralelamente ya se está trabajando en otro disco para el
próximo año.
Prime Ministers realizó el lanzamiento de su disco
“Take a ride”. La banda compuesta por Ernesto Estrada
(letras, guitarra, voz), Nacho Granja (letras, guitarra,
voz), Jorge Luis “Pala” Varela (guitarra), Pedro Arguello
(bajo) y Jaime “Chimo” Solorzano (batería) presentó su
trabajo producido por David Dominguez. Cuenta con
12 temas inéditos realizados completamente en inglés
y que reflejan una marcada influencia del rock de los
70s y 80s. Las mezclas del álbum estuvieron a cargo
del reconocido artista Randy Satub, quien ha trabajado
con bandas como: Nickelback, Metallica, Motly Crue,
Goo Goo Dolls, entre otros. La masterización del disco
estuvo a cargo de George Marino, quien ha trabajado
con Guns N’ Roses, Jimi Hendrix, Led Zeppelin, AC/DC,
entre otros. El primer sencillo promocional es “Smoking
Monkeys”, el cual tiene un video clip producido
en Ecuador por Franz Cordova y dirigido por Toño
Martinez.
LANZAMIENTO VERNEPIA
Vernepia es un proyecto musical de los hermanos Adrián
Sánchez (17 años) y Nínive Sánchez (22 años). Tienen un
disco que está próximo a salir a la venta, que incluye 10
temas de su propia autoría, producidos por Alexis Proaño
(Matico). El disco se grabó en GRABA Estudio por Nacho
Freire y en SI SOSTENIDO por Jerónimo Cilveti para luego
ser mezclado y masterizado en Miami por el ecuatoriano
Diego Acosta. El primer sencillo que están promocionando
se llama “Tu Calor”.
BATALLA DE LAS BANDAS PEPSI
Este concurso organizado por Pepsi para apoyar a nuevas
bandas nacionales presentó a los cuatro grupos finalistas,
escogidos vía internet por el público, en un evento
realizado el 6 de agosto en la Plaza de las Américas en
la capital. Las bandas finalistas fueron: “Preséntame a la
Gringa” (Uio), “Doble Click” (Gye), “TDTA” (Gye) y “Ariez”
(Gye). El evento culminó con la presentación de Fernando
Pacheco. El ganador del concurso fue el grupo quiteño.
FEEDBACK
15
My Michelle...
Ten mucho cuidado con esta
quiteña que te quitará el aliento en
cada fotografía de ésta revista. Y
si te atreves a soñar con conocerla
en persona, ten más cuidado
aún. No es fácil hacerse el galán
cuando la inteligencia, el talento
y la belleza están juntas como
cualidades naturales en una sola
mujer. Confórmate con admirarla
en los spots de televisión, fotografías
-comerciales y artísticas- o en uno
de los tres cortometrajes en los que
ha participado. Sin embargo, si haces
caso omiso a nuestra advertencia,
te puede servir de algo saber que, a
sus 23 años, cursa el último año de
Medios Masivos de Comunicación,
está en camino a convertirse en actriz
y que ama tanto la música como a los
animales.
Fotografía: Mauricio Cevallos - Modelo: Michelle Alvarado Dávila
MODELO
MIchelle
Alvarado
Dávila
MIchelle Alvarado Dávila
16
FEEDBACK
ESPECIAL
MÚSICA
PARA
TENER
SEX
POR:
Hugo Ferro
MUSICO
Catalina de la Torre
COMUNICADORA SOCIAL
Michelle Alvarado Dávila
MODELO
Fotografías: Mauricio Cevallos
18
FEEDBACK
ESPECIAL
MÚSICA PARA TENER SEX
Hugo Ferro
Sentado frente a la computadora con mi
pierna enyesada y en abstinencia por
algún tiempo, la invitación a escribir este
artículo me cayó como anillo al dedo,
en especial porque soy un mamífero
que siempre volatiliza sus sentidos con
todos los aditamentos inimaginables
para que sea absoluto e inolvidable el
ayuntamiento. Es entonces que le dejo
volar a mi imaginación para ambientar
las oportunidades más sórdidas o diáfanas
y con ellas quitarle clientes a la pastillita
azul y orgasmos fingidos a los sexólogos,
así que empecemos con ahínco: velas, leña
ardiendo en la chimenea, dos copas de vino
tinto y un disco pirata de Barry White; es
quizás el cliché perfecto para una noche
de pasión desenfrenada. Ella con ropa de
seda negra debajo de un vestido demasiado
elegante y tú, pues en ese rato te das cuenta
que estás con los mismos boxers de la vez
anterior… Y si por esas vamos, mejor aún
quizás Tom Jones diciéndole a tu pareja
que se “deje el sombrero “ mientras ella le
hace caso y se quita todo delante tuyo y tú,
con cara de idiota, terminas un Jack con
cola negra (¡dietética ojo!).
Para el refinado lector que no pretende
caer en lugar común, que no tiene
mucha plata y sobre todo que no vive
con sus viejos, podrá comprar una cajita
de quesos surtidos en el “súper” (que
ya vienen hasta picados), una botella
de vino blanco y, mientras va por la
victimada doncella, debe dejar conectada
por banda ancha su “portátil” a “Ares” o
“Lime Wire” (¡términos obvios del adulto
contemporáneo!) para descargar un par
de buenos discos de Miles Davis. Ahora
pongan mucha atención a los requisitos
para que esta velada funcione: que el vino
no sea de cartón, que su vecino tenga
destapacorchos y que se lo preste, porque
de seguro usted no tiene. Compre los
preservativos antes de recoger a la chica
porque en el “súper” ¡no venden! Y lo más
importante que sepa quien carajos es Miles
Davis.
En este punto nos volvemos salvajes y
temerarios. Pasando Quinindé y en ruta
para Atacames pones en el equipo nuevo
de tu Corsa 1.4 la selección MP3 de los
mejores temas de CD-DC, porque en Los
Bancos, a más de las fritadas, te compraste
dos “six pack” de cervezas light (pero que
igual te chuman) y se las tomaron mitad,
mitad con tu novia… ¡que irresponsables!.
Entonces piensas que vas en la “Route
66” y que no viene la Transesmeraldas
atrás tuyo con el paseo de sexto curso del
colegio Mejía, porque la convences de que
deje su cuerpo libre al sol y al calor casi
playero. Ella atrevida, empieza a jugar
contigo, con tu “guata” blanca peluda. En
eso recibes en tu oreja izquierda el claxon
de aire del mencionado bus y chiflidos
acertados e inoportunos de casi cincuenta
adolescentes. El resto del feriado pasarás
siendo objeto de las miradas inquietantes
y sobre todo de la admiración más
desenfrenada de aquellos jóvenes,
admiración y envidia que te mereces pero
no la quieres.
Y si de aventuras extremas hablamos,
pues no esta demás llevar a colación la
fantasía numero uno de cada una de
ustedes, liberadas y nefastas mujeres
de mi generación, y la que le sigue… Ya
pasadas las tres de la mañana, cuando en
la ciudad quedan menos bares abiertos
que vírgenes en ellos, ella, de quien no
sabes ni su nombre, entró al baño. Tú
(claro para efectos del relato) eres un galán
argentino (¡porque encima más tiene que
ser argentino el tarado de sus fantasías!)
la sigues y entre el ¡bum! ¡bum! ¡bum! de
Mauro Picachú o los track, track, track
del sueco calvo no.1 de no se que “stage
parade”. Se arrebatan una aventura
sexual, intensa, desbordante, brutal,
sensitiva, anónima y no se si también
precoz (¿eso nunca dicen no? Ja, ja, ja,
bandidas) mientras el tecno, el que sea,
mantiene bailando a los otros treinta en la
pista que sueñan con que les pase lo que
no le ha pasado nunca a nadie en estas
latitudes. Debo aclarar que de electrónica
soy un completo ignorante, un burro
frente al piano.
Bueno, y por último en mi caso prefiero
los sábados desde las dos de la tarde
con una lata de calamares en su tinta,
mucho limón y rodajas de pan francés y
soy bien latino en mi música, talvez el
disco “Infame” de Babasónicos o el disco
“Elevado” de Dante Spinetta ¡si! el hijo
rapero de Spinetta, ese, el que cantaba en
los Illya Kuryaki and The Valderramas ¡ese
mismo!. Prefiero tomármelo con calma
y con whiskey y sobre todo con mucho
amor que no me crean que soy tan ladino,
frívolo y superficial, porque la música en
el sexo es una bestia, pero la música para
hacer el amor es otro cuento…
Fotografía: Mauricio Cevallos - Modelo: Michelle Alvarado Dávila
POR:
FEEDBACK
19
ESPECIAL
MÚSICA PARA TENER SEX
POR:
Catalina de la Torre
Dos grandes y exquisitos placeres para el
hombre, buscados, apetecidos y necesarios
desde la aparición misma de nuestra
especie...
El sexo como expresión corporal de
sentimientos, pasiones químicas que atraen
e impactan como imanes, necesarias para el
natural devenir de los cuerpos... para que se
puedan percibir a través de los sentidos. Los
sentidos, el bien más preciado del hombre
que junto a su cerebro y corazón le permiten
una amalgama de infinitas posibilidades
de creación y de contacto -por ende tantos
mundos de palabras y pensamientos-, que
si no pierden su rumbo son auténticos
ejemplos una individualidad característica.
Fotografía: Mauricio Cevallos - Modelo: Michelle Alvarado Dávila
Es a partir de esa percepción del mundo
que aparece la música como catalizador de
sentimientos y recuerdos, como la catarsis
perfecta para que a través de nuestros oídos
se lleve a nuestra cabeza y a la piel, opuestos
radicales como la alegría o melancolía, rabia,
amor, etc.
20
FEEDBACK
Desde el sentido auditivo hay un mensaje
compuesto que nos atraviesa para que esos
sonidos no se sientan sólo superficialmente,
sino que en realidad alcancen profundidades
que a simple vista no se pueden “tocar” con
los otros cuatro.
Si por separado, tanto la música como el sexo
generan su debida “pasión”, juntos pueden
complementarse perfectamente para que
sonidos cómplices puedan entrelazarse entre
los cuerpos y llevarlos en un solo camino
a estado de éxtasis. Entonces se puede
pensar en muchos géneros y canciones,
pero depende de cada gusto, momento y el
ambiente en el que se decidan fundir.
Para los más románticos, una chimenea, dos
copas con vino, una probable cena íntima
pueden venir muy bien acompañados de
música de artistas como: Barry White (con su
sexy y gruesa voz), Sade, Simply Red, Sting,
Bryan Adams, Frank Sinatra... pasando por
los catalogados cursis Alejandro Sanz, Luis
Miguel, Vicente Fernández, entre otros.
Pero si se toca el tema de los bien llamados
“sexies”, no se pueden quedar por fuera
bandas como Skin, el afrodisiaco y
surrealista disco “Fun For Me” de Moloko,
el ecléctico Massive Attack, el enigmático
Enigma, el sorprendente Depeche Mode,
un deleitante George Michael, la basura
ideal de Garbage; bandas que manejan
ritmos “chillout” como St. Germain,
Buddha Bar, con algunos ejemplares que
pasan por el electro tango como Bajofondo
y Gotan Project; algunas canciones del
funky Bassement Jaxx (ya que sus discos
son en general muy rumberos y no todos
los temas dan); un viaje a la luna con
David Bowie y su “Moonage Daydream”;
también algunos temas de Portishead,
como por ejemplo Glory Box de su disco
en vivo “Roseland Live”, y Madonna con
su legendario “Erótica”, para dar algunos
ejemplos.
Para los considerados “oscuros” está el
genero gótico: grupos metal con coros de
mujeres, quienes cantan de fondo y alzan
sus voces hacia los vacíos de las tinieblas.
Therion, como claro ejemplo de una
banda que permite recrear un ambiente
bastante vampiresco. Para esto mismo se
puede incluír el soundtrack de la película
“Drácula” de Francis Ford Coppola, cuyos
sonidos clásicos se tornan bestiales y
acelerados por momentos.
Dentro de la mezcla folklórica y sensual
de una determinada región se encuentra la
música árabe, representada por su ritual de
danza para las mujeres en Medio Oriente;
con el que se realza artísticamente lo
erótico con lo íntimo. De igual manera, el
tango es una representación de lo sensual
y melancólico, un baile que remite a un
coqueteo constante.
Pero para ver cómo lo real y lo abstracto
se encuentran, basta con pensar la
siguiente analogía: música = arte = danza
= sentidos = interiorizar = pensar =
expresar; y el sexo = danza = exteriorizar
= cuerpos = expresar. Entonces, si la
música es igual a expresar y el sexo
también lo es, las dos terminan siendo una
misma cosa. Eso sí, por obvias razones no
se podrían catalogar de igual manera, pero
sí pensar que son el complemento ideal que
permitiría a la orquesta completar su más
auténtica sinfonía.
ESPECIAL
MÚSICA PARA TENER SEX
Michelle Alvarado Dávila
¿Quién puede vivir sin música? Existen
teorías que dicen que el mundo se creó
partir de ella. Y la verdad, no se me
hace difícil creerlo. Desde siempre, la
música ha sido la percusora de muchos
comportamientos humanos: rebeldía,
protesta, apatía, amor, igualdad, solidaridad,
agresividad, entre otros. Aristóteles
enseñaba que la música imita directamente
las pasiones o estados del alma:
apacibilidad, enojo, valor, templanza... sus
opuestos y otras cualidades. Por lo tanto,
cuando uno escucha música que imita cierta
pasión, es inspirado por la misma pasión.
Soy una mujer nacida en los 80s, amante de
la música. El rock es una de mis pasiones.
Robert Smith, vocalista del grupo inglés
The Cure, el amor de mi vida, su música
mi himno y mi diario vivir. Pero a la hora
del sexo, encuentro a la música de los 90s
con tendencias industriales, como Depeche
Mode, propicia para el preludio al excitante
juego de los amantes. La música suave y
seductora siempre se presta para que la
mente y el cuerpo se pongan en ambiente y
los músculos se relajen.
Un poco más entrado el asunto, soy
también bastante fan de Gustavo Cerati,
todo el disco “Siempre Es Hoy” se acopla
con mis necesidades de ritmo, intensidad
y frecuencia. La canción “Amo Dejarte
Así” es una de esas canciones que sólo con
nombrarlas me transporta automáticamente
a una de esas noches… esas noches.
El sexo es talvez una de las formas de
expresión mas grande que tiene el ser
humano y al igual que la música, imposible
abstenerse. El sexo desde siempre ha sido el
motor del universo y el culpable de guerras y
alianzas, de amor y de odio.
Otra “sesión” de mi preferencia, un poco
más intensa, sería con una de mis bandas
favoritas, A Perfect Circle, con el álbum
“Mer de Noms”. Música fuerte, pasiva, pero
con una fuerza que te llega al cerebro, a
perder la cabeza y con ese toque de maldad
y agresividad que, aunque no todas lo
admiten, nos encanta. Cada caricia, cada
mirada, cada movimiento debe ir con la
misma cadencia de estas canciones para
lograr el efecto desenfrenado. Pruébenlo con
“Magdalena”... inolvidable.
Por otro lado, como mujer sentimental,
también tengo mi lado romántico, el que
por falta de tiempo (o de persona) no es
uno que puedo explotar con la frecuencia
con la que quisiera o debería. Me encanta
la iluminación de las chimeneas, el sonido
crujiente de la madera y el olor que despide
cuando se quema. La danza promiscua que
el fuego perpetra con vida propia, y el calor
que incita a que la fuerza interna tome
riendas de las situaciones subsiguientes, son
simplemente irresistibles.
En ocasiones como esta, de absoluto
romanticismo, no puedo hablar de músicos
ni de bandas específicas, sino de esas
canciones que te hacen suspirar, como
“Wicked Game” de Chris Isaac, perfecta
para las despedidas. ¿Qué mejor que
besos y caricias suaves en todo el cuerpo,
acompañada de fuertes abrazos y con el
pensamiento en la cabeza de que talvez esa
sea la última vez? Esta puede ser nuestra
última vez...
Pero para todos estos “encuentros” debe
haber un común denominador... sea como
sea que lo hagas, con la música que lo
hagas, en el lugar que lo prefieras, sea
perfecto, digno de ser recordado, y repetido
una, otra y otra vez... y esa debe ser la
pasión. No hay nada mejor que entre la
persona con la que decidas hacerlo y tú
sientan esa necesidad de entregar y de
recibir, la necesidad de compartir cuerpo
y alma. Sin prejuicios, sin apuro, sin
remordimiento, con la mente despejada.
Pero en lo personal, todas las canciones de
las que hemos hablado y millones de otras
más quedan perfectas para el “foreplay”,
porque el verdadero y el mejor sonido para
hacer el amor es el silencio, acompañado
de los gemidos y la música que se crea con
nuestra respiración y nuestro cuerpo.
Fotografía: Mauricio Cevallos - Modelo: Michelle Alvarado Dávila
POR:
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21
OPINION
El rincón de Perotti
¿Es este un buen
momento para la
música en el país?
...me preguntaron hoy día en una entrevista, casi esperando más una
confirmación que una respuesta. Y conversamos un largo rato al aire
acerca de esto, haciendo un rápido recorrido por lo que han sido estos 20
años de la música pop del Ecuador, desde los inicios de ese movimiento
fuerte de fines de los 80s y principios de los 90s, del cual tuve la
fortuna de ser parte, hasta estos días. Tantas aventuras, tantos planes
descabellados, tantas cosas que parecían imposibles.
ninguno de estos esfuerzos va dirigido al artista (de hecho ¡muchos se
plantean casi como un atentado contra la profesión del mismo!), de
alguna manera el público está más expuesto a la cultura que antes.
Inclusive si se tratara de una cuestión de moda o de competencia
política entre los municipios (que no creo que sea cierto, al menos no
en su totalidad), el resultado es un público cada vez más culto que,
eventualmente, necesitará “consumir arte” cada vez más.
Pero visto así, en perspectiva, yo no estaba 100% convencido. ¿Es un
buen momento para el artista nacional? Veamos algunas de las cosas que
apuntarían a que sí: el público lo quiere.
La tecnología está, definitivamente, de nuestro lado. Hoy en día se
pueden realizar grabaciones en el dormitorio de la casa que no se
soñaban hace diez años. El talento es todavía necesario, quizás más
diversificado que antes, pero en todo caso, hoy es más fácil que nunca
llegar con el arte de uno al mundo. Con solo estos cuatro puntos,
parecería un paraíso comparado con el final de los 80s ¿no? Y si, claro
que es un buen momento para el artista ecuatoriano. Es solo que hay un
par de cosas de las que creo que tenemos que tener cuidado.
A punta de ser amados por todo el mundo, el Ecuador ha empezado a
quererse a sí mismo, a sentirse orgulloso de ser lo que es y a buscar en
su entorno al referente de su identidad. En el ecuatoriano se despierta
cada vez más la necesidad de conocerse, de reconocerse y de valorarse
a través de sus artistas; como quien, intuyendo su belleza, necesita
asomarse cada vez más al espejo y, con una leve sonrisa, aceptarse,
gustarse y quererse, cada día un poquito más. Para el joven ecuatoriano,
el artista nacional es su aliado en la búsqueda de autoestima, es parte de
su equipo, es a veces incluso el capitán y frecuentemente su inspiración.
Para el joven ecuatoriano, además, el artista nacional no es una sorpresa,
no es una cosa rara de hoy. El artista nacional es algo que le viene
“pasando” al entorno social ecuatoriano desde hace ya dos décadas.
“Música” ya figura en la lista de opciones de carreras de universidad.
Los medios de comunicación lo quieren. Bueno, ok, no lo adoran, pero
lo quieren. Especialmente la radio, la prensa escrita y la TV han tardado
un poco más en darse cuenta (es decir ¡no se han dado cuenta todavía!).
Pero el artista ecuatoriano tiene, en general, las puertas abiertas en la
mayoría de radios del país, que tiende a adoptar inclusive una actitud
casi paternalista hacia él. Por supuesto que hay unas cuantas, muy
conocidas, excepciones y por supuesto que habrán muchos artistas
cuya experiencia con las radios ha sido terrorífica, pero hay que ponerlo
en contexto: hace 20 años, era política del 95% de radios del país el
no aceptar artistas ecuatorianos, punto. No importaba si la música
era buena o mala; simplemente no pasaba. Muchas radios pasaron
mi música porque suponían que yo era italiano; algo similar pasó con
Ricardo Williams (el entonces “Dómino”), con su apellido también
extranjero (algún día habrá que hablar de ese 5% que, con visión,
con iniciativa y con riesgo, le dio un apoyo tan decisivo al músico
ecuatoriano a principios de los 90s). Hay que considerar, como contexto
también, que en la mayoría de países con industrias fuertes, es
imposible introducir una canción en la radio sin una chequera gorda que
la respalde. Los artistas ecuatorianos son, en general, queridos por la
radio ecuatoriana, seguramente por tener que respetar la voluntad de sus
oyentes, pero yo creo - yo he visto - que no es solamente por eso.
Hay un crecimiento en la actividad cultural, especialmente en lo que a
la gestión de los gobiernos locales se refiere. Si bien es cierto que casi
22
Por: Riccardo Perotti
FEEDBACK
La primera tiene que ver con cómo este no dar pie con bola de nuestro
país nos arrastra hacia su inmediatismo, hacia su pan para hoy. Poco
a poco se vuelve más importante ganar esta contratación aunque el
precio no sea el justo, sin pensar en que eso solo hará que mañana sea
peor. Poco a poco se vuelve imprescindible relacionarse con la radio que
está en su turno de los 15 minutos de gloria, aún siendo desleal con
quien nos dio nuestra primera gran oportunidad. Poco a poco es más
importante sacar un disco con el ritmo del momento que sacar un disco
del cual estar orgulloso por muchos años. Poco a poco es más importante
ser famoso ahora que ser famoso de mañana en adelante. Poco a poco
estamos siendo más un reflejo de la enfermedad que mata a nuestro
país: nos vamos haciendo desunidos, envidiosos, recelosos y egoístas.
Poco a poco somos menos lo que nuestra sociedad necesita de nosotros y
más lo que necesita combatir. Poco a poco.
El tema de la piratería sigue sin que nadie parezca poder o querer
detenerlo. ¿Es porque ya está todo tan infectado? ¿Habrá más de un 1%
de hogares en Ecuador que no tengan CDs y/o películas piratas? ¿Habrá
algún diputado que no los tenga? ¿Algún policía? ¿Algún músico? ¿Es
que hemos tranzado ya? Este es un tema tan grande, que tiene que ver
con tanto más que la industria musical o la del cine, que tiene tanto de
corrupción y de mafia, que tiene consecuencias mucho más profundas
que la violación de los derechos de quienes crearon las obras o quienes
la produjeron. En este tema, los artistas deberíamos ser los líderes de
la sociedad y la conciencia del gobierno. Si, quizás nos queda grande,
pero bastante menos que a muchos, y es una responsabilidad que
desatendemos todos los días y que nos afecta mucho más, y mucho más
directamente, de lo que estamos dispuestos a ver.
Son dos puntas de iceberg, solamente. Imposibles de afrontar solos.
Imposible de evitar que nos caigan encima en cualquier momento.
Imposibles de tratar en una sola entrega de esta columna.
AFUERA
ALEX
ENTREVISTA
“EL COLORAO”
Fotografía: Craig Bailey
ALVEAR
Feedback entrevistó al músico
ecuatoriano que no vive en su
país, pero su país vive en él.
¿Cómo ha evolucionado musicalmente Alex
Alvear desde la época de aquellas “Promesas
Temporales”?
Pienso que uno nunca deja de crecer y de
aprender. En ese entonces vivimos una época
muy linda y loca, buscando siempre una
identidad como artistas y un sonido original.
Yo era pelado y siempre con ganas de tocar.
El conocerlos y trabajar con los panas fue
muy positivo para mí musicalmente porque
ellos estaban a otro nivel y aprendí mucho de
ellos. Napo, guitarrista increíble, Huguito en
ese entonces ya era compositor establecido,
Juan Carlos González me enseñó mucho en
la guitarra. Estudiar formalmente luego me
ayudó mucho, pero debo confesar que lo que
más me ha llegado ha sido el tocar con músicos
mejores que yo. He tenido también la fortuna
de trabajar con algunos artistas de renombre
mundial con quienes también crecí mucho
musicalmente. Sin embargo, lo aprendido con
Promesas me marcó para toda la vida y hasta
hoy trato siempre de encontrar una manera
original para expresarme como compositor.
¿Cómo definiría su estilo musical actual?
Cuando era niño, mis padres tenían una
colección muy variada de música. Desde Bach
hasta Los Chalchaleros, desde los Beatles hasta
24
FEEDBACK
música de Broadway, desde Ohio Players hasta
Benny Goodman, etc. Hasta el día de hoy,
tengo un gusto musical muy ecléctico y es por
eso que en todo lo que hago siempre mezclo
influencias de distintos estilos de música. En
Mango Blue hay influencias de música africana,
folklore afro-latino, funk, jazz, R&B y hasta
una que otra sazoncita con sabor ecuatoriano.
En Equatorial trato de conservar las raíces
tradicionales de la música ecuatoriana pero
incluyendo además elementos de jazz, tango,
música clásica, rock y hasta funk. Siempre
buscando la manera de incorporar los tantos
estilos que me gustan, como cuando uno hace
una ensalada, echándole un poco de todo.
Sus trabajos incluyen innumerables ritmos
latinos, ¿por qué decidió inclinarse a este tipo
de géneros llenos de energía? ¿Quizás reflejan
un poco lo que es su personalidad?
Cuando era adolescente era principalmente
rockero (aún creo que soy rockero de corazón).
La primera vez que escuché salsa (El Preso de
Fruko y sus Tesos), fue como si me hubieran
dado un correntazo. No sé bien por qué
pero esa música me cautivó. Siempre me
he considerado un poco tímido, osea que
no necesariamente tendría que ver con mi
personalidad, pero más bien como un alterego.
La música folklórica, no importa de dónde sea,
tiene muchísima fuerza ya que representa una
energía y una sabiduría muy profunda. Puede
aprender y conocer más de cerca la música
afro-cubana y afro-caribeña, hasta el punto
que muchos de estos ritmos y estilos han
influenciado grandemente lo que hago.
¿Cuáles son sus mayores influencias
musicales?
La lista es larguísima… y sigue creciendo.
Como mencioné antes, tengo un gusto muy
ecléctico y aprecio música de todo el mundo,
siempre y cuando sea genuina y con “filin”.
En relación a mis proyectos actuales puedo
enumerar unas cuantas referencias. Mango
Blue: Youssou N’Dour, Salif Feita, NG La
Banda (lo viejo), Earth, Wind & Fire, Average
White Band, War, AfroCuba, Irakere y Los
Van Van. Equatorial: Ñanda Mañachi, Taller
de Música, Promesas Temporales, Yarina y
Caetano Veloso. Como bajista: Los inmortales
Jaco Pastorius y Cachao. También Victor Bailey,
M’Shell Ndegocello y Sal Cuevas.
¿Para quién compone?
Casi siempre compongo en respuesta a un
sentimiento, no necesariamente “para”
una persona en particular, pero también he
compuesto temas para mis hijos, mis padres
AFUERA
y una que otra musa. Al componer pienso
que hay que tratar de olvidarse del ego y del
mercado. En mi caso trato de hacer música
accesible y a su vez que tenga algo propio, que
por más influencias que tenga, suene siempre
a mí. Cuando uno compone exclusivamente
para “pegar” en el mercado, la cosa ya carece
de corazón. Es por eso que hay tantos artistas
comerciales que hacen la misma vaina y
suenan igualito todos. El mercado comercial es
muy limitado y no ofrece apertura para música
que no encaje con sus parámetros. Además,
los medios de comunicación masiva y los sellos
disqueros poderosos bombardean el mercado
con un puñado de artistas, casi siempre
tocando ad-nauseum las mismas canciones.
No me molestaría para nada si mi música
algún día pudiera generar grandes ventas, pero
esa no es mi motivación creadora.
Sabemos que ha empezado a grabar un nuevo
disco ¿Qué nos podría adelantar de este
nuevo material?
Este nuevo CD será de música para mi
banda Mango Blue. El repertorio incluye
composiciones de los últimos 10 años,
incluyendo un arreglo “rumbeado” del pasillo
“Sombras”, dos temas inspirados en la música
de santería, un cha-cha-ská en inglés, un tema
dedicado al Ecuador llamado “Décimas a Mi
Tierra”, un tema dedicado a mis hijos a ritmo
de soukus africano y otras cositas ricas. Como
todo lo que hago, es una música con muchas
influencias y distintos sabores ¡hasta una pizca
de reggaetón por ahí!
Comparativamente ¿Cómo era el movimiento
musical en el Ecuador a principios de los 80s
y cómo lo percibe ahora? ¿Talvez más puro?
¿Más “protesta”? ¿Más profundo?
De todos los ritmos que ha fusionado ¿Cuál es
el que más cómodo lo hace sentir? ¿Por qué?
Si consideramos tiempo dedicado y por lo
que hago con más frecuencia, creo que sería
salsa y jazz latino. Sin embargo me encanta
tocar también funk, música brasileña,
música africana, blues, rock y claro, música
ecuatoriana.
Cuando decidió armar el proyecto Ecuatorial,
¿Cómo se sintió con el resultado de trabajar
ritmos tradicionales del Ecuador afuera?
Este proyecto cubre más de 20 años de
producción de composiciones. Incluye
algunos temas que tocábamos con Promesas
Temporales. Luego en los EEUU compuse
más música hasta que me dí cuenta que tenía
suficiente material para más de un CD. A
partir del 2002 estuve buscando oportunidades
para realizar esta producción, pero nadie le
paraba bola. Gracias al FONSAL, en el 2007,
logré por fin hacer realidad este sueño. Me
hubiera gustado poder realizar la grabación
en Ecuador y con músicos ecuatorianos pero
por razones de tiempo y logística tuve que
hacerla en Boston y Nueva York. De todos
los 18 músicos que participamos, solamente
Roberto Cachimuel y yo éramos ecuatorianos.
Fue una experiencia hermosa realmente ya
que no solamente los músicos hicieron un
trabajo excepcional, pero la gran mayoría de
ellos, incluyendo mi productor Alain Mallet,
jamás habían escuchado música ecuatoriana
y tuvieron mucho placer en ser parte de la
producción. Algunos son ya fanáticos de
nuestra música. Al ofrecer conciertos de este
proyecto, más allá del placer personal de tocar
mi propia música, me da mucha satisfacción
poder promover la música ecuatoriana tanto
para ecuatorianos en la región como para noecuatorianos, quienes aprenden a apreciar
nuestra cultura.
Fuí secuestrado por la policía secreta del
angelito León Febres Cordero. Para mi fortuna
me llevaron en pleno día y delante de mucha
gente, por lo cual, al poco tiempo se corrió
la voz y familiares, colegas y amistades
trabajaron muy duro para poder encontrarme.
Tuve la fortuna de que tanta bulla se hizo
que esa misma noche me regresaron a
Quito y me dejaron en libertad. Nunca fui
miembro de ninguna organización ni partido
político y hasta el día de hoy, no sé porqué
me secuestraron. A los 10 días del suceso
estaba viajando a los EEUU con pasaje de ida
solamente. Yo tenía ya planificado ir a estudiar
en la escuela Berklee. Este suceso fué como una
sorpresiva patada en el culo y bueno, lo demás
es historia.
Fotografía: Ben Saren
¿En qué cree que se diferencia la escena
musical actual en Estados Unidos y en
Ecuador?
Yo pienso que la escena musical en Ecuador y
el Latinoamérica en general está ofreciendo una
música excelente. El nivel musical del Ecuador
ha subido considerablemente principalmente,
por el acceso a la información. En nuestros
países no existe la infraestructura que hay en
los EEUU o en Europa, pero las cosas se hacen
igual y en muchos casos, súper bien. Las artes
en general tienen mucho más apoyo en los
EEUU, no solamente por parte de programas
del gobierno, pero existe mucha filantropía de
parte de grupos de gente con mucho dinero,
quienes ofrecen un pedazo de sus grandísimas
fortunas para apoyar a organizaciones de arte y
a los artistas. En Ecuador, a pesar de la pobreza
mayoritaria, hay gente con muchísimo dinero.
Sin embargo son muy pocos los que invierten
en el bienestar de la gente o en las artes. En
Ecuador, a pesar de que hay programas vigentes
excelentes, muchos otros programas no logran
mantener una continuidad. Hay mucha
argolla, como en todo. Sin embargo, son los
artistas quienes siempre están a la vanguardia,
creando a pesar de todas las dificultades y
obstáculos.
Hablemos un poco de su pasado ¿La decisión
de salir del Ecuador estaba relacionada con
algún escenario político de la época?
Lo que me tocó vivir a mí fue una época
muy especial. No puedo hablar por todos
mis contemporáneos, pero la experiencia
de trabajar, convivir y crecer junto a mis
“bróderes” de Promesas fue inolvidable, loca e
intensa. A pesar de que mucha gente criticaba
cómo éramos y la música que hacíamos, nunca
dejamos de buscar nuestra identidad artística,
es más, ese mismo rechazo alimentaba
nuestras ganas de darle con más fuerza. Tal
vez no tuvimos un nivel técnico excepcional
pero el “filin” y el shungo lo complementaban
todo. Hoy vivimos una época diferente, ni
mejor ni peor, sino la que nos toca. Hay
mucha comercialización pero hay mucha más
gente buscando su propio camino, por lo cual
tengo mucha fe en lo que está todavía por venir
del Ecuador.
Hugo Idrovo y Hector Napolitano... imagino
que habrán tantas anécdotas como canciones
juntos. Pero normalmente hay una en
especial que “de ley” hay que contarla. Por
favor...
Hubo una época en la cual nos ganábamos
la vida tocando en peñas. Desde sus épocas
rockeras, Napo tenía un truco bacansísimo,
tocar la guitarra con los dientes. Una noche
estábamos tocando en una peña y al calor del
son, Napo decide hacer su consagrado truco
músico-dental. Luego de un fuerte ¡tak!, (el
cual pensamos fue una cuerda rota), Napo
dejó de tocar y buscaba frenético algo en el
piso. Mientras el resto seguimos tocando y el
público curiosamente observando, le pregunto
“¿qué pasa loco?” y me hace una medio sonrisa
en la que puedo ver que le falta un diente de
adelante. Empezamos a reírnos y poco a poco
se fue desbaratando la música. El condenado
diente no aparecía hasta que dentro del Tres de
Napo escuchamos un “trak”. Efectivamente,
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AFUERA
el diente estaba dentro del Tres. De tanto llorar y dolor de
estómago por tanta risa, tuvimos que terminar la tocada
acompañados por la risa general del respetable…
Escuché varios temas de Rumbasón en cassette. ¿Qué pasó,
por qué no grabaron un disco? ¿Qué tal le vendría una
propuesta de grabar esos temas ahora?
¡Wow! Yo no tengo nada de Rumbasón… ¿Me haces una
copia? Hicimos varios intentos de grabar, pero nunca se pudo
concretar nada formal. Sería cheverísimo poder hacer alguna
locura con los panas Rumbasónicos. Les voy a plantear a ver
qué dicen.
La migración (los migrantes), ha sido un tema acentuado
en sus composiciones (por lo menos en Mango Blue) ¿Es
una temática que inspira, una musa; o es un tema que
“había que plantearlo”, una necesidad?
La experiencia del inmigrante es siempre muy fuerte. El tema
“Immigrant Blues” lo compuse a raíz de varias medidas que
se estaban tomando para reprimir a los inmigrantes en los
EEUU, algo que ha seguido sucediendo y empeorándose con
los años, por lo cual es un tema con mucha vigencia, a pesar
de que lo compuse hace más de 10 años. Recientemente
fue escogido para una nueva campaña de reforma migratoria
a cargo de la organización America’s Voice. http://www.
maribelhastings.com/pages/privacidad
El tema “De Dónde Vengo” con Equatorial es un tributo a
nuestra tierra desde el punto de vista de quién ha tenido que
dejar su tierra y su gente, recordando con amor y orgullo a
nuestro Ecuador y celebrando nuestras raíces.
En algún concierto de Mango Blue, al tocar un pasillo,
escuché que dijo la frase “...salido directamente desde las
páginas centrales del manual del buen sufrir...” ¿Se sufre
como músico o se hace sufrir al público?
Entre los muchos apodos que me pusieron Napo y Hugo está
“La Sufrida”. Me llamaban así principalmente porque yo era
obsesionado con ensayar y hacer las cosas perfectamente y me
comía mierda porque no todos compartían mi obsesiva visión.
Esto fue degenerando, por supuesto, y el “Manual del Buen
Sufrir” hace referencia al método de mi sufrimiento. Muchos
de mis pasillos tienen carácter melancólico y muchos de ellos
nacieron de alguna experiencia sufridora.
¿Qúe piensa que heredó Matias (su hijo), únicamente la
afición a la música?
Amo a mis hijos Orissa y Matías con todo mi corazón
y por igual. El hecho de que Matías haya decidido ser
músico no hace ninguna diferencia. Sin embargo no deja de
sorprenderme su musicalidad y la velocidad vertiginosa de su
progreso.
¿Qué le falta por hacer musicalmente?
Mucho… Por lo pronto, “Ecuatorial Volumen II” Quiero
hacer algo con la marimba ecuatoriana y seguir componiendo.
Si todo va bien, una colaboración con Mariela Condo y los
Yarina. Quisiera poder hacer una gira por el Ecuador con
Equatorial.
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FEEDBACK
DISEÑO
En esta sección dedicada al diseño gráfico, Feedback escogió a
tres diseñadores y les encomendó una tarea especial: proponer su
versión del diseño de portada de un disco importante en la historia
de la música. Para esta edición el disco elegido es ABBEY ROAD de
Los Beatles, editado en 1969.
feedback invita a diseñadores que quieran participar en esta sección. Si estás
interesado, comunícate con nosotros a [email protected]
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DISEÑO
DANIEL VARELA
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DISEÑO
MARIELENA RAMIREZ
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DISEÑO
GABRIEL MALDONADO
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ENTREVISTA
El humor de
KEVIN JOHANSEN
es cosa seria.
Por: Diego Cazar Baquero
Fotografías: Omar Arregui
Desde las tablas de La Trastienda, ese café
concierto porteño enclavado en San Telmo que es
como su casa, el argentino-estadounidense Kevin
Johansen arribó a Quito para ser parte del jurado
de la séptima edición del festival de cine Cero
Latitud y también para presentar, junto al
dibujante Ricardo Liniers, el disco-libro “Oops!”
“Oops!” Es un compendio de letras de
canciones y de dibujos que transpiran una
ternura reflexiva que conmueve; están basados
en las cuatro placas de la discografía de este
“desgenerado” nacido en Alaska “producto de
un error natural, como somos todos”.
Fresco, relajado, de sonrisas fáciles y risas
escasas, Kevin Johansen es generoso con las
entrevistas, posa para todo fotógrafo y firma
cuanto autógrafo se le pida. Da la impresión
de ser un artista muy independiente, como
si el coloso de Sony no estuviera detrás de su
carrera artística. El mal humor aparece cuando
la comida no llega a tiempo, como ocurrió
minutos antes de la presentación de su show
en Quito, el pasado 16 de julio, en El Aguijón.
Pero poco después, vuelven las sonrisas y
los chascarrillos. Él aparece a un costado del
escenario, debajo de un cañón de luz, rasga
las cuerdas de un charango y hace sonar por
fin los primeros aplausos y su célebre “Sur o
no Sur”, sus tonos graves y precisos, mientras
las pinturas de Liniers se hacen dibujos en la
pantalla gigante.
De cantor a jurado del festival de cine Cero
Latitud, ¿cómo se dio ese salto?
Y, bueno, fue un gran ejercicio para mi porque
no estaba tan al tanto como quisiera respecto
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FEEDBACK
del cine latinoamericano, y estoy gratamente
sorprendido. Como jurado de cine, yo me
siento un poco un satélite por ser músico; si
bien soy cinéfilo, no soy cineasta, soy también
un desgenerado en el cine, soy fanático de
varios directores: Hitchcock para mí es lo
máximo. Desde Chaplin, pasando por Woody
Allen, Almodóvar, por ahí Andy Palma… La
música es lo mismo, puedes disfrutar de una
buena cumbia o de un tema de Bob Dylan o de
los Rolling Stones.
Puede ser, depende mucho de la crianza. A
veces yo veo gente que tiene un padre de una
cultura y una madre de otra y sí tienen un
desarraigo triste, pero depende mucho de los
viajes, de dónde encontrar un centro. Yo viví
una infancia plenamente gringa, en Alaska
viví hasta los cuatro años y tengo un recuerdo
blancuzco, y no solo por la nieve sino porque
recuerdo muy poco. Después viví hasta los
doce años en San Francisco, a fines de los
sesentas, setentas…
Tus orígenes están en Alaska, por tu padre
estadounidense, y en el otro extremo del
continente, en la Argentina de tu madre.
En tus canciones también se percibe esa
América completa. Entonces, eres como una
especie de apátrida…
¿Entonces, cuándo te encuentras con tu ser
latinoamericano?
No, yo creo que los hijos de un padre de un
país y de una madre de otro país, en realidad,
somos muchos. En mi caso es una cosa casi
poética, porque ser alasqueño y de madre
argentina es ser bipolar, literalmente, de los
dos polos. Pero no es que uno es mitad una
cosa y mitad la otra, uno es enteramente la
una cosa y enteramente la otra.
Y eso te da la capacidad de identificarte con
una amplísima gama de cosas…
Tuve la suerte de tener una madre muy
latinoamericanista, mi madre escuchaba
tango, folclores, música de Chile, la música
revolucionaria de Cuba, era muy socialista…
¿Y tú lo eres?
¡Sí, también, y a mucha honra!
Pero, se trataba de un acercamiento tan solo
en base a referencias, ¿no?
Sí. Después decidí volver a la Argentina,
y fue muy bueno porque fue justo cuando
terminaba la infancia y entraba en la
pubertad, y creo que eso me marcó. Recuerdo
ENTREVISTA
mucho algo que me dijeron alguna vez: que
uno es de donde vivió su adolescencia… En la
adolescencia es cuando tomas las decisiones
importantes de tu vida.
intelectual, la primera que conocí. Me daba
a leer los clásicos: George Orwell, 1984;
Stevenson, Cortázar. Ella era especialista en
la literatura inglesa y española, así que ella
también tenía los dos polos marcados.
Luego fuiste a Nueva York, y has dicho que
es una ciudad que no pertenece a Estados
Unidos, ¿por qué?
¿Y el cine?
El cine era parte de la actividad cultural en
casa, era frecuente ir al cine a ver una buena
película, y siempre hubo muy buen gusto,
debo decirlo.
Para mi fue muy importante ese viaje, que
duró 10 años (1990-2000). Yo me fui muy
enamorado de una bailarina argentina, estaba
muy cómodo, y de repente te encuentras con
la reunión de todo el mundo en una ciudad:
tenés italianos, hindúes, gente del caribe,
de todos lados, entonces, los timings de mis
viajes fueron siempre fortuitos, para así tener
una identidad y no lamentar una pérdida
total…
En tus temas también hay cierta relación
incestuosa entre idiomas, así como entre
géneros, entre el lunfardo porteño, la jerga
neoyorquina. ¿No te ha costado ganar la
aceptación del público debido a eso?
Como la pérdida de la chica a quien le
escribiste Timing…
La chica de Timing es… (risas) Yo tengo la
sensación de que ella debe haber ido a algún
recital mío en Buenos Aires y no se animó
a acercarse. Yo la vi en una propaganda de
sopas en Buenos Aires, y estaba igual, estaba
preciosa, joven… ¡Uh! Mejor que no la vea
(más risas).
Pero, Buenos Aires también ha recibido
muchos inmigrantes, peruanos, bolivianos.
Es como una casa de acogida de muchos
latinoamericanos, ¿no crees?
Mirá, yo creo que recién ahora estoy tomando
conciencia de eso, de la llegada de los
inmigrantes de los países vecinos a Buenos
Aires. Sé que hay mucha discriminación
en Argentina como en todas las sociedades
latinoamericanas… Ahora mismo, en el
festival de cine Cero Latitud, vimos una
película que hablaba sobre la hipocresía
de la sociedad peruana. Hay un tipo de
discriminación en Latinoamérica que me
parece triste, porque es como más sutil.
Afortunadamente, las generaciones nuevas en
toda Latinoamérica están más informadas, y
este mal ha dejado de estar tan enraizado en
nuestra sociedad.
¿Cuándo y cómo ocurren tus acercamientos
a la literatura y al cine, que son visibles en
tus canciones?
Bueno, soy muy edípico, porque hay una
influencia muy fuerte de mi madre, licenciada
en Filosofía y Letras. Ella era una cumbiera
Con respecto a los géneros, yo siempre digo
que soy un desgenerado, y yo creo que lo
que uno hacía hace veinte o quince años era
mucho más raro que ahora, muy alternativo.
Tomo como ejemplo a Café Tacuba, que
empezaron hace más o menos veinte
años como un grupo de culto, y ahora son
“mainstream”, o sea que, lo que alguna vez
era de culto pasó a ser mainstream. Creo que
hay un equilibrio muy interesante cuando se
encuentra el lenguaje universal del rock con
folclores. En mi caso, juego con los folclores
del norte que conozco bien y me gustan, como
el country y otros tipos de música folk, y
también con los folclores del sur.
Y está la cumbia…
¡Sí! Para mi la cumbia es un ritmo
precolombino, profundamente africano y muy
bailable y muy defenestrado, como todos los
grandes géneros, como le ocurrió al jazz…
¿Te consideras un reivindicador de la
cumbia?
Me encantaría ser considerado un
reivindicador de la cumbia, aunque no creo
que haya inventado la pólvora ni mucho
menos.
¿Trovador, cantor, folkman latino?
Compositor de canciones, cancionista,
“songwriter”. Me decía Rubén Rada, un
gran personaje de la música uruguaya: “No
te conviertas en un cansautor”. Y es que
el término cantautor a veces parece muy
solemne, y cansa esa solemnidad. Yo la trato
de evitar.
¿Te refieres a la monotonía, a lo repetitivo en
las composiciones?
Sí, y también a la onda de dar cátedra, de
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ENTREVISTA
decir: “yo les voy a decir la verdad”. ¡No,
pará! Vas a decir tu verdad, que no es toda la
verdad. Estar arriba de un escenario crea una
ilusión en la gente, es divertido jugar con eso
también, pero…
Pero tú diviertes y te diviertes en un
escenario…
El goce tiene que ver con una canción rítmica
o con una canción inteligente que también te
hace reír, como una buena canción de Sabina.
Irónica
Sí, muchos cantautores tienen mucho miedo
a trabajar con el humor o la ironía porque
temen no ser tomados en serio. Pero yo creo
que la ironía pasa por la crítica. Desde Les
Luthiers, Quino, Fontanarrosa, los hermanos
Marx, hasta lo que se ve hoy, como Borat,
trabajan con el humor y sin embargo, hacen
comentarios muy críticos…
Diviertes pero haces pensar…
Como un engaño. Sí, me gusta un poco el
engaño. Me gustan las melodías simples, pero
armónicamente te van llevando a diferentes
lados. Juego mucho con eso porque ya no es
tan simple. No es tan simple como aparenta.
FOTOREPORTAJE
Fotografías:
Paúl Egas Scarino
Desde el lente de Paúl Egas, músico y fotógrafo ecuatoriano, presentamos este fotoreportaje con imágenes de lo que fue
el G3 Experience. Este tributo a los grandes exponentes de la guitarra instrumental fue realizado por 301PRODUCCIONES
y contó con la participación estelar de 3 importantes guitarristas ecuatorianos: Renato Zamora (Cuenca), Andrés Yépez
(Quito) y Richard Rodríguez (Loja). Los acompañaron Frank Guerrero (batería), Jaime “Jake” Reyes (teclados), Chicho Garcés
(bajo) y Joe Rodríguez (bajo). El concierto se presentó en el Teatro Variedades Ernesto Albán de la ciudad de Quito, plaza que
-según la empresa encargada de la producción- dejó mucho que desear. El performance y la realización fueron óptimos.
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FOTOREPORTAJE
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FOTOREPORTAJE
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FOTOREPORTAJE
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ICONO
Mucho se puede hablar y decir sobre “Thriller”: el
disco más vendido en la historia de la música, según
Guinness World Records (un millón de ejemplares
en la primera semana de ventas y aproximadamente
110 millones a nivel mundial), el video con mayor
recordación de la cadena MTV (el sencillo “Thriller”,
mini filme de horror de 14 minutos de duración,
premiado como el video número 1 de los 100 mejores
videos musicales de la historia) etc., etc.. Pero ante
todo, e independientemente del “mainstream”, es un
disco realizado por un Michael Jackson a la defensiva.
Con 24 años a cuestas y atravesando por la separación
de sus padres, por una demanda de paternidad (prestar
atención a la letra de Billie Jean), y dejando de lado
falsettos infantiles utilizados en la placa antecesora y
primer trabajo solista “Off The Wall”, se muestra por
primera vez en su carrera viseral y crudo.
“Thriller” es lanzado a nivel mundial el 30 de noviembre
de 1982 bajo el sello discográfico Epic. Fue producido
por Quincy Jones (multipremiado productor que
trabajó con artistas de la talla de Frank Sinatra, Miles
Davis, entre otros, y realizador del famoso “We Are
The World”) y coproducido por el mismo Jackson
en Westakle Recording Studios de la ciudad de Los
Ángeles.
De un número aproximado de 300 canciones, solamente
9 fueron incluídas en la placa, 7 de las cuales fueron
lanzados como singles y estuvieron colocados dentro
del top 10 de la Billboard. Fueron grabados entre los
meses de abril y noviembre del 82 con un costo de
producción de 750.000 dólares.
“Thriller” fue conceptualmente inspirado en el
“cascanueces” de Tchaikovsky, Michael quiso crear
un álbum donde cada canción debía hablar de un
asesino o de un crimen, para esto reunió a varios de
los integrantes de la banda TOTO, así como músicos
invitados de primerísimo nivel como Eddie Van Halen,
guitarrista de Van Halen, y el ex Beatle Paul McCartney
para formar parte en la realización del proyecto.
Plagado de letras que hablan sobre la paranoia, lo
sobrenatural, y las relaciones; moviéndose dentro
de ritmos tan ricos y variados como el funk, el disco,
el rock y el rhythm & blues. “Thriller” se trata de la
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obra maestra de un artista que convirtió a su voz en
el instrumento más preciso y espectacular del pop
mundial y que durante 9 tracks emociona y sorprende
casi tanto como resultó verlo en un escenario… o fuera
de él.
ICONO
Tracklist
Wanna Be Startin’ Something
Primer y más largo corte del álbum. Es una
de las 4 canciones escritas por Michael
Jackson para el disco y es una declaración algo
paranóica de la persecución de la prensa en
clave de funk.
You’re a vegetable, you’re a vegetable
Still they hate you, you’re a vegetable
Your just a buffet, you’re a vegetable
They eat off of you, you’re a vegetable
Baby Be Mine
Con clara influencia de la música disco escrita
por Rod Temperton, mantiene aún la esencia
conceptual del “hola nena vamos a tener sexo”
de “Off the Wall”.
The Girl is Mine
Primer sencillo promocional del álbum, balada
que cuenta con la participación del ex Beatle,
Paul McCartney, en la que líricamente ambos
pelean por el amor de una mujer.
Don’t waste your time
Because the doggone girl is mine
She’s mine, she’s mine
No, no, no she’s mine
The girl is mine, the girl is mine
Escrita por Michael y quizás el corte menos
expresivo y más fácil de “Thriller”, sin duda,
un hit muy pegadizo, pero que contradice a la
esencia del álbum.
Thriller
En primera instancia escrita por Rod
Temperton bajo el nombre de “Starlight”
o “Midnight Man”, fue rebautizada como
“Thriller” porque acertadamente creyó
que era un nombre más comercial. Para la
producción del tema se quería contar con
alguien famoso para recitar el coro del final. Esa
responsabilidad fue aceptada por Vincent Price,
reconocido actor dentro del género de terror de
los 60s y 70s, que, además de ser dueño de un
muy particular tono vocal, terminó su labor
en solo en dos tomas durante las sesiones de
grabación.
Beat it
“Quería escribir una canción de rock que a mi
me gustaría comprar, pero al mismo tiempo
quería que fuera algo diferente de la música
rock que se escuchaba en el Top Forty”, dijo
Michael. El resultado fue este vibrante single
que se trata de una declaración abierta para
la época de “esto no es disco”. El primer
corte “rock” en la carrera del rey del pop que
cuenta con la brillante participación de Eddie
Van Halen responsable del solo de guitarra
y que en 1 minuto y 5 segundos muestra
toda su reconocida técnica; dicho sea de paso
en ese año sería considerado como el mejor
guitarrista por la reconocida revista “Guitar
Player”. Michael es el responsable de la batería
en el tema, un hecho del cual Van Halen no
sería testigo, ya que ambos no se hablarían
ni se verían durante el proceso de grabación;
coincidirían tiempo después sobre el escenario
en un concierto en la ciudad de Dallas.
Billie Jean
Jackson creó este tema en su casa con su
máquina de ritmo y ajustó su voz en una sola
toma. “Sabía que iba a ser algo grande. Estaba
absorbido por la composición a tal punto de no
darme cuenta de que mi Rolls se incendiaba
al manejarlo por una autopista californiana”,
acotó el artista. Quincy Jones pensó que este
no era un tema sólido como para incorporarlo
en el producto final, queriendo incluso acortar
el tiempo de duración del intro, pero Michael
insistió en que era el tiempo correcto porque
su pegadizo beat lo invitaba a bailar. Fue el
segundo sencillo promocional del disco y
que colocó al álbum en el tope de los charts
estadounidenses y del mundo.
Billie Jean is not my lover
She’s just a girl who claims that I am the one
But the kid is not my son
She says I am the one, but the kid is not my
son
Es la segunda ocasión en la que Billie Jean es
nombrada en el disco, aparece en el primer
corte “Wanna Be Startin’ Something”, tema
dedicado a los fans obsesivos.
“Billie Jean is always talkin’
When nobody else is talkin’
Tellin’ lies and rubbin’ shoulders…….”
Human Nature
Balada escrita por John Bettis y Steve
Porcaro. Fue la última canción seleccionada
para formar parte del álbum, dueña de un
coro simplemente irresistible y que ha sido
versionada y sampleada en múltiples ocasiones
por artistas de la talla de Miles Davis, Jason
Nevins, Boyz II Men, entre otros.
P.Y.T (Pretty Young Thing)
Quizás el último vestigio de la música disco
en la larga carrera de Michael Jackson,
escrita por James Ingram y Quincy Jones.
Es una ostentosa canción que cuenta con la
colaboración de dos de sus hermanas LaToya y
Janet en el trabajo coral.
The Lady In My Life
Balada escrita por Rod Temperton y
seleccionada como el tema que cierra al álbum.
So listen to my heart, lay you body close to
mine
Let me fill you with my dreams, I can make
you feel all right
And baby through the years, gonna love you
more each day
So I promise you tonight that you’ll always be
The Lady In My Life.
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MAKING OF
CHINESE
RUMBA
El último video clip de RoCola Bacalao
Fotografías: La Cuerda
Para cualquier artista o banda grabar un
video clip es siempre un acontecimiento y un
proceso complejo a la vez. Se puede pensar
que en la actualidad las cámaras de alta
definición y las facilidades de postproducción
hacen el trabajo más sencillo. En efecto, ya
no es necesario salir del país con una lata de
película bajo el brazo para revelar en Miami
o coger el punto del betacam en una editora
analógica, sin embargo, las nuevas tecnologías
comprenden para los realizadores nuevos retos,
nuevas oportunidades y, por ende, nuevas
complicaciones.
Ya sea que el presupuesto sea de varias decenas
o de un par de miles, grabado en cine o video,
con efectos especiales o sin ellos, el trabajo
siempre es intenso y requiere un gran esfuerzo
para las bandas, solistas y el equipo técnico,
que en el caso de nuestro país casi siempre
trabaja a costos para que los artistas alcancen
el sueño anhelado: MTV o, por lo menos, la
televisión nacional.
Making of
Este segmento es y será una breve reseña
de los entretelones y las peripecias, de los
procesos y las controversias que se dan durante
la grabación de los video clips de las bandas
y solistas nacionales. Quienes de antemano
merecen un voto de aplauso por arriesgar un
poco más y tratar de llevar a nuestro país a la
vitrina internacional.
RoCola Bacalao
RoCola Bacalo, la banda más chimba del
universo, produjo en 2007 su disco “Inferno”
y lo hizo al más alto nivel, trayendo a Tweety
Gonzales, el famoso productor argentino,
y haciéndolo descontar cada centavo. El
resultado, trece temas entre salsa, cumbia, saka
y rock ‘n roll.
El primer video clip de este nuevo disco fue
“Condominio de Cartón”, dirigido por el
cineasta ecuatoriano Sebastián Cordero. Fue
grabado en HDV con “night shot”. La locación
única: el terminal terrestre. Los actores: niños
de la calle y la banda.
El segundo tema: Chinese Rumba…
El concepto
Un “wedding planner” da los últimos toques a
la boda ideal para una pareja china, de padres
“extrañamente” occidentales. Las cosas se
ponen difíciles cuando meseros, cocineros y
demás personal de la fiesta empieza a disfrutar
con los invitados e inclusive más que ellos.
El “wedding planner” intenta controlar la
situación, pero eso es imposible cuando el
personal de servicio está conformado por nueve
músicos truhanes.
La entrada
La banda encargó este proyecto a tres de sus
integrantes, Galo Pozo, José Fabara y Santiago
Rosero, quienes se pusieron en contacto con
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FEEDBACK
MAKING OF
La Cuerda, productora de TV. Juan Carlos
Martínez y Roberto Sempértegui asumieron la
dirección del video clip, entonces empezaron
a surgir las ideas. El proceso de preproducción
tuvo varios pasos: el planteamiento de la idea,
la evolución de la idea, el guión, el “story
board” y el “break down”. Se quería hacer el
proceso lo más profesional posible dentro de
lo que el presupuesto permitiera. Fabio Ferro
elaboró lo bocetos del arte y dirigió el montaje
de la escenografía.
El plato fuerte
El día previo a la grabación el equipo de
producción, junto al director de arte, trabajó
duro para dejar la locación a punto. Se
instalaron mesas de ocho puestos, conexiones
eléctricas, lámparas chinas, pétalos de rosa
para la piscina (que no cubrieron ni la cuarta
parte), todos elementos indispensables para
una “clásica boda china”.
La jornada siguiente fue, como que se conoce
en jerga de producción: un día larguito. El
llamado a la locación –hogar de uno de los
miembros de la banda- fue a las seis de la
mañana. Aproximadamente 40 personas
fueron las convocadas entre banda, actores
y personal técnico. Pero alguien faltaba, la
modelo principal. La novia china llegó un poco
tarde directamente de otra boda (imagino),
en un estado que rayaba con la inconciencia,
finalmente un poco de café la ayudó a
sobrellevar el peso del matrimonio.
La primera complicación... el video se
grabaría en una cámara HDV Sony Z1, con
adaptador mini 35 con óptica intercambiable.
Por alguna razón, la cámara no estuvo
disponible, males para bienes. La Varicam
tomó su lugar rápidamente, con lo que el
resultado final fue superior al esperado. Un
poco de complicaciones hasta poner a punto
la cámara y preparar la primera locación (la
cocina), luego, todo fluiría… sino hubiese
aparecido la segunda complicación. El motor
para la iluminación simplemente no tuvo la
gentileza de encenderse. Hubo que recurrir a
los “breakers” para obtener la electricidad hasta
que llegara el motor de repuesto.
Las secuencias en interiores implicaron la
participación de una buena parte de la banda
–cocineros y meseros- y de los extras, invitados
a la fiesta. Las modelos fueron maquilladas al
más puro estilo chino-manaba.
Una vez finalizado el trabajo en interiores se
realizaron las tomas ambientadas en el patio con
piscina, donde se desarrollaba la recepción. El
proceso avanzó con normalidad hasta las seis de
la tarde, cuando se presentó otra complicación:
el cambio de luz. El equipo estaba a mitad de la
última secuencia de exteriores: día, cuando dieron
las seis de la tarde, por lo que hubo que esperar
que caiga la noche, el director de fotografía trató
de igualar la luz con HMIs, para que no haya
salto y se finalizó la secuencia. Ustedes dirán si se
nota o no.
La noche fue tan larga como el día. La banda
entraba en la casa y empezaba la fiesta como
tal. Centrando las tomas en el performance. La
integración de una coreografía le dio el toque de
farra.
A las cuatro de la madrugada del día siguiente: la
toma final y para Iván Mendienta, el vocalista, la
más penosa. Se termina la fiesta y los camareros
lo botan con todo y terno a la piscina. Para
colmo de males la toma se repitió tres veces.
Para realizarla se sumergió una cámara Sony PD
170 en un “housing” artesanal salido del ingenio
de Richard Montaña. Gran preocupación por la
productora porque la cámara salga seca. Éxito
final. Todos a sus casas.
El postre
Después de 22 horas de grabación el trabajo
continuó en su fase de postproducción.
Las complicaciones fueron menores, algo
de problemas para bajar el material HD,
pero nada que no pudo resolverse con una
reprogramación de la cámara.
Después de una semana “Chinese Rumba”
estaba listo para irse al exterior y lograr
estar entre los 10 más pedidos de MTV en
Latinoamérica.
Bocaditos
Este año RoCola Bacalao hace su gira Influenza
2009. Toda la banda se reunirá en Barecelona.
Se presentará en Francia, Alemania, Holanda,
España, Suiza y Bélgica. Estarán en festivales
en los que han tocado Rolling Stones, Café
Tacvba, entre otros grandes.
FEEDBACK
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MAKING OF
Entrevista
Juan Carlos Martínez
CODIRECTOR DEL VIDEO
¿Cómo se desarrolló el proceso de selección del tema y el concepto del
video clip?
Cuando la banda nos buscó ya tenía seleccionado un tema, llamado
“Chinese Rumba”. La idea inicial era que el video se grabara en un chifa,
donde se iba a realizar un performance de la banda con la intervención
de ciertos personajes propios del sitio: meseros, comensales, cocineros,
un grupo que amerizara el almuerzo, etc., pero la idea fue cambiando
y evolucionando. Una de las razones principales fue la locación, fue
un problema encontrar el chifa ideal en espacio y disponibilidad.
Por lo tanto se planteó que Chinese Rumba fuera una boda de una
pareja China y que se desarrollara en una locación tipo recepción de
matrimonio.
¿Cómo trabajas con nueve personas un video clip?
Cuando trabajas con una banda, por más grande que esta sea, siempre
hay dos o tres integrantes que toman el liderazgo del proyecto. En este
caso Galo Pozo (trompeta) fue quien tenía más clara la idea del producto.
Fue el miembro de la banda con el que más trabajamos. Posteriormente
el compartió el resultado del proceso con el resto del grupo para ver si
ellos estaban de acuerdo.
Cada miembro de la banda daba sus opiniones, pero no hubo una
interrelación entre los directores y todos los miembros de la banda. De
haberse dado, se habría dificultado el proceso, imagínate nueve personas
distintas, cada una dando su punto de vista. Pero en realidad no hubo
problema porque se partió de un concepto que todos tenían claro, el
desarrollo de una fiesta. Finalmente lo aprobaron.
Dentro de la planificación el “story board” es esencial ¿se lo respetó
en esta producción?
El “shooting” o “story board” es nuestro mapa de trabajo. En el caso de
Chinese Rumba se elaboró cuando ya estaba seleccionada la locación.
Esto se dio porque no había un presupuesto de arte para construír una
locación a gusto de los directores, mas sí para hacer ciertas adaptaciones.
Por lo tanto el proceso fue inverso al de las producciones de alto
presupuesto. Primero se encontró la locación, se definió la juguetería con
la que contaría (dolly, pluma, iluminación) y después se empezó a pensar
en los tiros de cámara y a adaptar las acciones de los personajes a los
espacios. Entonces se plasmó todo en el “shooting”.
Luego, al pasar del “shooting” a las tomas las consideraciones fueron
muy pequeñas, abrir o cerrar un poco más el plano, darle movimiento
a una toma que se planificó como fija. En fin, cosas muy pequeñas. Yo
diría qué la producción respetó en un 90% el “shooting”.
¿Cuáles fueron la mayores dificultades en la producción?
La mayor dificultad fue la cantidad de gente, nueve miembros de banda,
veinte extras, equipo técnico. En un momento tienes 50 personas en la
locación y es muy fácil dispersarse, sobre todo para las personas que en
ciertas ocasiones no están actuando.
50
FEEDBACK
Por otra parte en un video clip hay muchos aspectos que considerar y
controlar, maquillaje, fotografía, arte. Si todo el equipo no está muy claro
en lo que se quiere lograr, las cosas empiezan a cojear. Por lo tanto la
producción demandó mucho cuidado en cada una de las funciones como
dirección, producción, etc… sobre todo si tenemos en cuanta que esta
producción pasó de las 22 horas de trabajo seguido.
¿Qué tal trabajar con la RoCola?
Cuando haces un video clip hay dos factores escenciales que definen
el éxtio o fracaso. Primero el oficio de los técnicos, la dirección, la
iluminación, etc. y segundo, el oficio de los músicos, que es interpretar.
El momento que aprovechas las capacidades de unos y otros y las llevas
bien, el proceso fluye. Ro Cola Bacalao hizo lo suyo, interpretar el tema,
llevó la jornada de más de 22 horas de trabajo muy bien, haciendo
acotaciones puntuales de tal o cual tema, pero en general siguiendo las
directrices de los directores . Esto permitió que el producto final sea del
agrado de toda la banda.
MAKING OF
Entrevista
Galo Pozo
TROMPETA DE ROCOLA BACALAO
¿Cuántos videos ha hecho RoCola Bacalao?
Ya llevamos cuatro videos, el primero fue “La Calle”, dirigido por
Jorge Flores y María Fernanda Karolis; “Aquí me Huele a Pescado”,
por Iván Mora; “Condominio de Cartón” por Sebastián Cordero y el
cuarto “Chinese Rumba” dirigido por Juan Carlos Martínez y Roberto
Sempértegui.
¿Por qué hacen video clips en un país donde ya casi nos hay programas
musicales donde presentarlos?
Los dos últimos videos nunca fueron pensados para presentarlos en
Ecuador. Fueron hechos para presentarlos afuera y han sido muy exitosos
en plataformas alternativas como Myspace, Flicker, Facebook, etc., lo que
para nosotros fue una excelente promoción. En Europa la disquera que
está trabajando con nosotros se encarga de la difusión.
¿Por qué escogieron Chinese Rumba para el video?
¿Cuáles fueron las principales diferencias entre sus videos anteriores y
Chinese Rumba?
Este video tratamos de hacerlo lo más profesional posible. A diferencia de
los videos anteriores en este se planeó todo con mucho detalle, se trabajó
en el guión, el “shooting”, el “break down”, para hacer un producto que
realmente se vea profesional y pueda competir en Latinoamérica. Entró
mucho más equipo, más gente que en las producciones anteriores, que
eran relativamente pequeñas.
¿Cómo se sintió la banda en el proceso de filmación?
No es que seamos una banda mediática. No damos muchas entrevistas
no salimos mucho en cámara. Pero siempre le buscamos el lado divertido.
Todo el mundo estuvo apoyando, tratando de actuar lo mejor posible. Toda
la banda, antes de entrar a producción, sabía a lo que iba. Sabían que nos
íbamos a demorar mucho tiempo haciendo las cosas, entonces todo el
mundo fue con buena actitud.
Nosotros ya habíamos tenido problemas en mover el “Condominio de
Cartón” ya que es una salsa y al parecer no es del gusto de la gran mayoría
de la gente. Chinese Rumba, al ser un rock ‘n roll, es mucho más digerible,
más fácil de promocionar, al menos en Latinoamérica.
¿Cuáles fueron los alcances de esta producción?
¿Cuánto costó la producción y cómo la financiaron?
Este video estuvo en los 10 más pedidos de Latinoamérica en MTV.
Estuvo en MTV Europa y por las plataformas en la web.
Nosotros pusimos tres mil dólares. Con esto se cubrió la mitad de lo que
en realidad habría costado el video. La otra mitad fue acolite. Por ejemplo,
la gente que ponía la iluminación y el “gafer” (Richard Montaña) nos hizo
un precio preferencial, al igual que Luvín García, el director de fotografía,
igual con el maquillaje y el “catering”. La productora, los directores, no
cobraron nada, fue por puro deporte.
¿Cómo financia RoCola esta producciones?
Nosotros como banda tenemos un fondo, que se alimenta de un
porcentaje de las tocadas y de las multas por retrasos a ensayos. Esto es
importante ya que todas las bandas necesitan un fondo para trabajar, para
hacer videos y proyectos.
A nivel nacional no lanzamos el video. Cuando nos lo pedían para algún
canal lo llevábamos, pero la meta real era enviarlo afuera.
¿Para la gira Influeza 2009 van a preparar otro video?
Para esta gira no vamos a lanzar ningún video, pero va a viajar a
Europa con nosotros Santiago Paladines, con quien vamos a hacer un
documental acerca de la gira y la historia de RoCola Bacalao. Vamos a
topar temas como el maltrato al migrante. Para el próximo año se viene el
documental y los conciertos en vivo que se van a grabar, esperamos que en
multicámara.
A nuestro retorno pensaremos en el siguiente video clip que de hecho va a
ser necesario para la gira 2010.
FICHA TECNICA
Banda: Ro Cola Bacalao
Tema: Chinese Rumba
Productora: La Cuerda
Dirección: Roberto Sempértegui
R. / Juan Carlos Martínez
Dir. de Fotografía: Luvín García
Dirección de arte: Fabio Ferro
Gafer y equipo técnico: RM
Producciones
Cámara: Varicam
Soporte: Trípodes, Dolly
Mathews, Pluma
Iluminación: HMIs, Kino flo,
Tungsteno
Adicionales: Case para
sumergir la cámara (artesanal)
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TECH
FENDER JAZZ BASS
NEW AMERICAN STANDARD 2008 / 5 CUERDAS
Tres bajistas de la ciudad Quito nos cuentan su experiencia al tener un Fender
Jazz Bass New American Standard 2008 de 5 cuerdas como compañero de
trabajo y de vida.
Andrés Herbozo
Chicho Garcés
“Compré el bajo por tres razones:
me lo recomendaron, al probarlo
me gustó su versatilidad y porque
lo encontré en el país”.
“La verdad compré el bajo a raíz
de observarlo y escuchar muchos
trabajos realizados con ese tipo de
bajo y, decidí probarlo”.
“Siempre quise el bajo rockero por
excelencia: un Fender Precision,
pero en el Jazz Bass encontré el
mismo sonido y muchos más”.
Andrés dice haberse enamorado del Fender Jazz
Bass inmediatamente. “...El sonido era justo lo
que buscaba, gordo, brillante y a la vez clásico y
moderno. El ataque es perfecto, y la separación
entre cuerdas no es para nada incómoda para
el rato de ‘slapear’, es más, fue por eso que me
gustó”.
José Luis está muy contento con el bajo y
asegura que “le ha servido de una muy buena
manera”. En cuanto al sonido, el bajo resultó
ser exactamente lo que él esperaba. Consciente
de su “trasteo”, en lugar de ser un problema
para el bajista, esta particularidad propia del
Fender Jazz Bass New American Standard 2008
le da un sonido más humano al momento de
usarlo en vivo con una banda.
Chicho confiesa que el encontrar bajos Fender
americanos, sin uso, a la venta en el país era
casi imposible y que al saber que los estaban
vendiendo en Quito salió corriendo a ver si
encontraba el Fender Precision de sus sueños.
Se encontró con el Fender Jazz Bass New
American Standard 2008 y decidió probarlo.
“Estaba descalibrado, desafinado, no toqué los
volúmenes ni el tono, no ví en qué ‘ampli’ me
conectaron, peor su ecualización y cuando puse
la primera nota, sabía que no iba a salir del
almacén sin el bajo”.
Un bajista con la trayectoria tan variada en
estilos como la de Andrés, (Hittar Cuesta,
Martín Terán, Guille Martínez, entre otros)
necesita varios bajos o bien un bajo muy
versátil, y su Fender Jazz Bass New American
Standard 2008 parace ser el indicado. Afirma
estar “felizote” pese a que lo pesado del
instrumento y un poco de “trasteo nada grave”
son sus únicos comentarios negativos.
En cuanto al look dice: “Esta mezcla de blanco
con la placa en color vino me impactó de una.
Me he vuelto adicto al blanco y no soy ni
cristiano ni de la Liga, por si acaso”.
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José Luis Márquez
FEEDBACK
Como aspectos negativos, José Luis recalca el
peso del bajo, el modelo 5 cuerdas dice traerle
problemas en el mástil ya que encuentra poca
definición en la quinta cuerda y en algunas
notas siente escaso “sustain”. Piensa que con
una calibración realizada de manera muy
precisa y dedicada podría solucionar parte de
sus problemas, pero si esto no funciona le
cambiaría el mástil por uno fabricado a mano.
Está muy a gusto por su gran versatilidad en
los diferentes estilos que practica.
Lo tiene ya siete meses y lo usa a diario y
no deja de sorprenderle la versatilidad de su
sonido. La combinación de los pickups y el uso
del tono dice permitirle obtener sonidos que
van desde el “rocker sucio” perfecto para vitela,
hasta la precisión y profundidad que requiere
el “finger style” del pop. Concluye diciendo: “El
Jazz Bass me lo quedo... a lo bestia, pero igual
quiero el Fender Precision algún rato”.
TECH
American Standard
Jazz Bass® V (5-String)
Fender anotó una gran carrera en el mundo del bajo al
introducir en 1960 su modelo deluxe de cuatro cuerdas: el
Jazz Bass. Con su elegante cuerpo compensado, un mástil
estrecho y rápido y un sonido profundo, fue una auténtica
bomba que pronto se convirtió en un instrumento de primera
necesidad.
Los nuevos bajos American Standard Jazz Bass de cinco
cuerdas se caracterizan por el puente “vintage” de alta
densidad; un acabado de primera mano más fino que permite
al cuerpo respirar y mejora su resonancia; clavijas Fender
nuevas y mejoradas que mantienen el look clásico, pero son
un 30 por ciento más ligeras; una pintura del mástil más rica
y profunda para una apariencia más elegante; un estupendo
diapasón de arce o palo rosa brillante con la parte trasera
satinada para mejorar la capacidad de ejecución; y, un nuevo
estuche SKB exclusivo de Fender.
FEEDBACK
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ACTUALIDAD
DRALION
la magia de los 4 elementos
(aire, tierra, agua y fuego)
por: Edison Riofrío
Cuando escuché hablar del Cirque du Soleil
(Circo del Sol en castellano) por primera vez,
no tuve más remedio que rememorar aquellas
imágenes circenses de un desfile cualquiera
con un par de payasos malabaristas, seguidos
de un hombre de traje gris que usaba un gran
sombrero de copa y que regía como el jefe o
capataz, según la perspectiva, y unos cuantos
animales flacuchentos que dormitaban ante
la atroz mirada de la mujer araña pintada en
los latones de un viejo camión. Ese desfile era
más cercano a lo que conocía en aquella época
como circo, pero el Circo del Sol a parte de esta
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FEEDBACK
magia ancestral ha logrado ir más lejos todavía.
Están considerados los mejores y más brillantes
artistas del mundo. Tienen espectáculos
increíbles e impredecibles con los que recorren
gran parte del planeta. Aunque el día a día en
el Cirque du Soleil no es tan simple como se
podría creer, la vida nómada es tan divertida
como singular. Más de 30 nacionalidades
conviven en grandes caravanas, improvisadas
tiendas y habitaciones de hotel, dependiendo
de las ciudades que visitan. Estos artistas viven
en una especie de “pueblos caminantes”, que se
arman y desarman según las necesidades. En
los últimos tiempos han sido mínimo 7 veces,
que es la cantidad de espectáculos que estos
artistas realizan anualmente.
Entre artistas e ingenieros
Cuando se acerca la fecha para ver cualquiera
de sus espectáculos, siempre me pregunto cuál
será el motivo de mi admiración al salir de
la función. Pero no hace falta ver la función
para empezar a admirar el trabajo de este
circo. Ya solo con el montaje de las gigantescas
carpas blancas podemos darnos cuenta que
ACTUALIDAD
lo que conlleva formar parte del Circo del
Sol, no solo es el talento artístico sino que
todos quienes trabajan llevan el alma errante
al límite de la creatividad, desde los peones e
ingenieros que montan las carpas de 20.000
metros cuadrados, pasando por los cocineros
que alimentan a toda la compañía de más de
160 personas, hasta los componentes técnicos,
productores, artistas y directores de las
funciones más bellas del mundo.
El último espectáculo al que pude asistir fue
“Dralion”, con una tropa de 55 artistas, que
vienen de diez países diferentes y hacen
de esta obra un hechizo que fusiona
la antigua tradición china del circo
y el nuevo enfoque del Cirque
du Soleil. El nombre “Dralion”
proviene de dos fuertes símbolos
en la cultura oriental: el dragón,
representa al este, y el león,
representa al oeste.
Pero “Dralion” es mucho más
que filosofía oriental, es en sí una
búsqueda de la armonía entre el
hombre y su entorno, entre la vida
y sus elementos más primarios:
el aire, el agua, el fuego y la tierra.
El Cirque du Soleil y su propuesta
escénica logra, a través de danzas
orientales, malabares, expresión
corporal y música, un desafío de
detener el tiempo. Unos segundos
bastan para entender que mientras
vuelan en la escena los equilibristas,
los cánticos de las musas ancestrales
mantienen a flote y en el aire a estos
hombres y mujeres, mediante el juego
de luces y desfiles coreográficos perfectos,
formando así una verdadera muestra de lo que
hoy conocemos como arte multimedia, con
la guinda de que todo esto, en “Dralion”, lo
podemos apreciar en vivo, en un escenario, en
donde la capacidad de los sentidos es el único
recurso para
grabar tan
magistrales sonidos, lúdicos colores y
magnánimas sensaciones.
Una fusión verdadera
El concepto mismo de “Dralion” es entender
la naturaleza en los dos lados del mundo, en el
Este y el Oeste, todo este concepto se desarrolla
desde el mismo nombre, hasta la última nota
de la banda sonora que se interpreta en directo
mientras el público hace de las delicias de la
única magia válida: un espectáculo en todas
sus dimensiones. La música de “Dralion”,
dicen sus compositores, es una fusión entre
lo eléctrico y lo acústico, la misma que
posee motivos bastante rítmicos y, sobre
todo líricos. En los cantos pueden
parafrasearse momentos de diversas
regiones conocidas por todos, desde el
canto flamenco, la percusión del África
negra hasta los delirios de la música
gitana de la Europa del este.
Cuando intento relajarme con
música, el ejercicio que me ayuda a
lograrlo, es imaginar los instrumentos
sobrevolando en mi habitación, esa
misma sensación logran transmitir los
vocalistas de “Dralion”, Agnès Sohier
y el tenor Erik Karol, de una manera
tan fácil como efímera, ya que nos
remontan desde los sonidos básicos
hasta la orquestación más perfecta.
Logran transportarnos de un estilo a otro
sin ningún esfuerzo, logran una verdadera
fusión de los ritmos que escuchamos en
cualquier rincón.
FEEDBACK
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ACTUALIDAD
Una vida de artista
Además del gimnasio, los artistas suelen
practicar en las carpas instaladas del circo. Pero
antes del espectáculo lo que más cuesta es que
los camerinos se convierten en grandes salones
de maquillaje y pasarelas de “fashion week”
en donde se prepara el vestuario ideal para
cada acto. Para muchos de los artistas pasa
más de una hora para estar listos. Después
de esto, quien desea tiene un espacio para
relajarse antes de que el telón suba y el tenor
dé los primeros compases para que comience la
función.
La vida la hacen alrededor de las carpas
blancas, no hay necesidad de salir de este
espacio, los artistas tienen de todo, desde su
vivienda habitual hasta las lavanderías, incluso
para los niños que nacieron y viven en el Circo
del Sol, las majestuosas carpas se convierten en
escuela matutina.
Tantas nacionalidades que visualizo, tantas
lenguas que escucho, tantas miradas diferentes,
infinitos colores, incontables sonrisas
agradables que se entrecruzan, la vida del
Cirque du Soleil, es mi Torre de Babel ideal. Es
la globalización que realmente quisiera, pero
como la he vivido, sé que esa vida de circo
es el privilegio de pocos, es el privilegio de la
imaginación.
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FEEDBACK
BACK STAGE
Carlos Santana en Quito
Feedback estuvo en el “backstage”
del concierto de Carlos Santana
en Ecuador para que tú puedas ver
un poco más de cerca sus equipos,
instrumentos y demás detalles
que desde las gradas no se ven.
(Fotografías de Javier Villalba)
CÓMIC
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FEEDBACK

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