Nº12 JUN 2015 · 2001, en 70 mm · Ciclo Stanley
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Nº12 JUN 2015 · 2001, en 70 mm · Ciclo Stanley
Nº12 JUN 2015 PUBLICACIÓN GRATUITA CICLO MUNDOS FUTUROS CICLO PLANETA PROHIBIDO PERSEGUIDO + MUNDO FUTURO GUARDIANES DE LA GALAXIA DUNE 12 MONOS EL QUINTO ELEMENTO STANLEY KUBRICK 2001:UNA ODISEA EN 70mm y además: EYES WIDE SHUT · SENDEROS DE GLORIA · EL RESPLANDOR ¿TELÉFONO ROJO?, VOLAMOS HACIA MOSCÚ · BARRY LYNDON ATRACO PERFECTO · LA NARANJA MECÁNICA · LA CHAQUETA METÁLICA MASTER CLASS CON EL PRODUCTOR DE STANLEY KUBRICK: JAN HARLAN SUMARIO EDITORIAL 04 CICLO STANLEY KUBRICK Mi primera vez con 2001 fue en la minúscula pantalla de mi casa, en Super 8 y con sonido mono, por supuesto. La alquilé pensando en Star Wars y me encontré con una peli rara de narices, abstracta y muy terrorífica. Contra todo pronóstico me rendí a sus encantos. No sé, tal vez caí hipnotizado con sus psicodélicas imágenes; efecto curioso para un chaval de 12 años que no entendía absolutamente nada. Ni falta que hacía, por cierto. Sus secuencias al ritmo de Strauss, con naves espaciales surcando el firmamento, eran una orgía para los sentidos. Pensaba que tras tanta fanfarria se oiría el motor de las naves, pero había un silencio brutal. Miré el proyector por si estaba averiado, pero no… era la decisión de su director. De Kubrick sabía más bien poco, tan solo recordaba un extraño poster en la fachada de un cine de Barcelona con un tipejo de párpados postizos. Era La Naranja Mecánica. Y encima era la película que había sustituido a mi amada Tiburón en ese mismo local. Yo creo que fue 2001 la que me introdujo otra forma de ver y entender el cine. La curiosidad por descubrir quién era ese tal Kubrick me llevó a alquilar sus películas en Betamax, porque eso del Super 8 andaba ya de capa caída. Y así fue como disfruté de las otras muchas joyas de este director. Eso sí, nunca las pude ver en pantalla grande. La oportunidad que nos brinda ahora Phenomena resarcirá muchos deseos cinéfilos. Creo que, como yo, otros podrán descubrir sus obras como fueron concebidas. Motivo de satisfacción es, además, contar con una copia en 70mm de 2001, formato que su director eligió para rodar y proyectar su obra maestra. Y por si fuera poco, nos visita un antiguo colaborador, amigo y familiar del mismísimo Kubrick, su productor Jan Harlan. En verdad la vida da muchas vueltas y con este ciclo presiento que se cierra un círculo muy importante para muchos de nosotros. 10 2001: UNA ODISEA EN EL ESPACIO 16 EL RESPLANDOR 20 LA NARANJA MECÁNICA 24 CICLO ALFRED HITCHCOCK 26 LA VENTANA INDISCRETA 28 VÉRTIGO 30 LOS PÁJAROS 32 BEER & PIZZA NIGHT: BRAINDEAD 36 ÉRASE UNA VEZ EN AMÉRCIA 44 EL SÉPTIMO SELLO 48 PROGRAMACIÓN Director Nacho Cerdà Editora Sandra S. Lopera Redacción Pablo Mérida, José Antonio Pérez Guevara, Carlos Murcia, Jaume Miranda, Erika Tiburcio Moreno, Coral Ferrero, Pablo García Márquez, Misael Sanroque, Bartholomew Quint, La reina Margot, Faust de Winter Diseño y maquetación: Miki Edge Nacho Cerdá Director de Phenomena Experience Contacto [email protected] 2 3 Phenomena acoge un extenso ciclo dedicado a uno de los directores más perfeccionistas y brillantes del cine: Stanley Kubrick. A lo largo del mes de junio, la sala proyectará La naranja mecánica, El resplandor, Senderos de gloria, Barry Lyndon, Eyes Wide Shut, La chaqueta metálica, ¿Teléfono rojo?, volamos hacia Moscú, Atraco perfecto y una magnífica copia en 70 mm de 2001. Odisea del espacio. Además, Jan Harlan, productor de Kubrick, visitará Phenomena para ofrecer una Master Class el 20 de junio. Domingo 7 · 18h EYES WIDE SHUT Sábado 13 · 18:45h SENDEROS DE GLORIA Sábado 13 · 23h EL RESPLANDOR Sábado 20 · 17h ¿TELÉFONO ROJO?, VOLAMOS HACIA MOSCÚ Miércoles 24 · 21h BARRY LYNDON Sábado 27 · 19h ATRACO PERFECTO Sábado 27 · 20:45h LA NARANJA MECÁNICA Domingo 28 · 18:30h LA CHAQUETA METÁLICA Sábado 20 · 19:30h MASTER CLASS CON EL PRODUCTOR JAN HARLAN 2001: UNA ODISEA EN EL ESPACIO Miércoles 10 21h 4 Jueves 11 21h Viernes 12 17h Sábado 20 22h (con la presencia de Jan Harlan) Domingo 21 19:30h 5 Por Carlos Fernández Castro (www.bandejadeplata.com) STANLEY KUBRICK: EL CINEASTA QUE DIRIGÍA CON EL CEREBRO Hablar de Stanley Kubrick es hacerlo de uno de los directores más relevantes de la historia del cine. Como suele ocurrir con este tipo de genios, su personalidad distaba mucho de la normalidad y su talento empezó a florecer desde una temprana edad. Con dieciséis años ya era fotógrafo de la revista Look y comenzaba a ofrecer su particular visión del mundo a través de instantáneas que le convertirían en uno de los profesionales más respetados de su sector. UN DIRECTOR CON LAS IDEAS CLARAS A partir de ese momento, Kubrick empezó a jugar en primera división. Había llegado el momento de hacerse respetar dentro del oficio. El primer día de rodaje de Atraco perfecto, ordenó a Lucien Ballard, el prestigioso director de fotografía que habían puesto a su cargo, la disposición de la cámara y los railes para la ejecución de un largo travelling. Ballard preparó el plano de una manera diferente a la indicada, argumentando la imposibilidad logística de la planificación y esgrimiendo, con aires de superioridad, su amplia experiencia en el sector y sus numerosos premios. Cambió el objetivo de 25 milímetros por uno de 50 y aumentó la distancia entre la cámara y los actores. Tras una acalorada discusión, Kubrick hizo caso omiso de las indicaciones del fotógrafo y procedió al rodaje del plano tal y como había previsto desde el principio. Ballard asistió atónito a la exhibición y no volvió a cuestionar sus decisiones. Su carácter obsesivo y enfermizamente controlador fue una de las constantes en la vida personal y laboral del director. Tal y como demostrarían sus películas, el conformismo no tenía cabida en el diccionario de Kubrick. Frente al click de una fotografía, los veinticuatro fotogramas por segundo suponían ese tipo de retos que el neoyorquino estaba deseando convertir en la única razón de su existencia. Su prestigio como fotógrafo le ayudó a conseguir su primer trabajo como documentalista. A base de mucho ahorro y la ayuda económica de sus allegados, reunió el dinero suficiente para debutar con Fear and Desire. El resultado fue tan desastroso, y su nivel de exigencia tan alto, que su próximo objetivo consistió en hacer desaparecer todas las copias de su primer largometraje. No lo consiguió. 6 Su carácter obsesivo y enfermizamente controlador fue una de las constantes en la vida personal y laboral del director. Pero el inexperto Kubrick tuvo que ganarse el derecho a imponer sus caprichos y a exigir su propio modus operandi, a una industria que existía mucho antes de que él hubiera nacido. En definitiva, dos lujos que un recién llegado a la meca del cine no podía permitirse. El beso del asesino, su segunda película, fue producida de forma independiente, pero llamó la atención de la United Artists. En ella, se empezaban a vislumbrar las grandes virtudes de su cine, lo que le permitió realizar su primera película de estudio: Atraco perfecto. Y es que Stanley siempre tuvo las ideas muy claras. Sabía qué tipo de cine quería hacer, cómo quería hacerlo, y cuándo. A lo largo de las cinco décadas en las que dirigió, intentó abordar todos los géneros posibles y les dio la vuelta de tuerca necesaria para que todo el mundo supiera que se trataba de una obra “made in Kubrick”. La ciencia-ficción no volvió a ser la misma después de 2001. Una Odisea en el espacio. Barry Lyndon supuso una nueva categoría dentro del cine de época. Y Eyes Wide Shut arrojó una mirada diferente a la de cualquier otro director sobre las relaciones de pareja. Los géneros tradicionales tampoco consiguieron burlar la megalomanía del director. Bajo su batuta, el cine negro (Atraco perfecto) estrenó una estructura narrativa tremendamente novedosa, que influiría cincuenta años más tarde a cineastas como Quentin Tarantino; el cine bélico (Senderos de gloria) ofreció un punto de vista diametralmente opuesto al habitual, denunciando el sinsentido de la guerra desde los despachos, y no desde el campo de batalla; el cine épico (Espartaco) tampoco escapó de sus garras y mostró un aire más solemne y profundo, aunque se tratara de un trabajo de encargo y el propio director renegara del resultado final debido a las injerencias del entrometido e igualmente manipulador Kirk Douglas; las adaptaciones literarias de difícil ejecución (Lolita, La naranja mecánica) también encontraron en Kubrick al único director que supo trasladar sus páginas a la gran pantalla, sin perder la carga conceptual propia del medio escrito. Pero el genio neoyorquino tampoco escatimó esfuerzos a la hora de probar suerte con la comedia, aparentemente el género más alejado de su estilo. Como no podía ser de otra manera, Kubrick escogió la sátira para intentar salir airoso de semejante reto, y según muchas opiniones autorizadas, entre las que se encuentra la de Martin Scorsese, lo consiguió sobradamente. Sin embargo, cuando recurrimos a nuestra memoria, no solemos incluir ¿Teléfono Rojo? Volamos hacia Moscú entre nuestras comedias favoritas. Y es que Kubrick siempre marcó la diferencia, pero no siempre dejó la huella que hubiera deseado. Curiosamente, ocurre lo contrario cuando intentamos elegir la película que más nos ha aterrorizado en nuestras vidas. Sin lugar a dudas, Jack Torrance interpretó las peores pesadillas de los que nacimos en la década de los 70, y como consecuencia de ello, El resplandor se erigió en uno de los estandartes del cine de terror, a la altura de películas emblemáticas del género como La semilla del diablo o El exorcista. 7 LA CARA OCULTA Pero hay una película que ustedes no verán en este ciclo y que sí vieron millones de espectadores en 1969 a través de sus televisores: el primer aterrizaje del ser humano en la luna. Atendiendo a numerosos rumores, el director participó en uno de los mayores fraudes de la historia reciente, recreando el famoso desembarco de Armstrong en la superficie lunar, como contrapartida de unas lentes que la NASA había cedido para el rodaje de 2001 Una odisea en el espacio. Según se indica en el documental The Shining Code, que se puede encontrar actualmente en Youtube, El resplandor es una auténtica confesión, en la que Kubrick ofrece una cantidad ingente de pistas sobre la falsedad de la famosa misión espacial. Casualmente, después de este montaje, el neoyorquino decidió emigrar a Inglaterra y comprar una finca inexpugnable, desde la que dirigió el resto de sus proyectos cinematográficos. Semejante aislamiento (según el documental La cara oculta de la Luna, el director temía por su vida al ver lo que había sucedido con muchos de sus colaboradores) no impidió que siguiera ejerciendo el control absoluto de sus producciones, bien a través de las facilidades que ofrecían las nuevas tecnologías, bien a través de personas de su completa confianza. La magia del cine, capaz de falsificar cualquier lugar y circunstancia, se encargó de imprimir la autenticidad necesaria para que estas limitaciones no afectaran al resultado final. Como ven, Kubrick fue todo cerebro, y, si acaso, un poquito de corazón. Si buscan ternura, compasión, o declaraciones de amor en sus películas, no las encontrarán. Pero si lo que quieren es un cine técnicamente deslumbrante, narraciones que atrapen su atención de principio a fin, y un estudio pormenorizado de la condición humana, éste es, sin lugar a dudas, el mejor director posible. 8 9 POEMA ÉPICO DE LA HUMANIDAD Por Carlos Murcia Sánchez Existe un pequeño número de películas que se han alzado en la historia del cine como obras maestras, a las que todo adjetivo positivo les viene corto y cuyo título ha constituido un sinónimo de perfección cinematográfica. Entre estas obras se encuentra probablemente la mejor película de ciencia ficción de la historia del cine: 2001: Una odisea en el espacio. Lo que realmente hace fascinante el cine de Stanley Kubrick es su inserción y su capacidad exploratoria de prácticamente todos los géneros cinematográficos. Dicen que Howard Hawks ha realizado la mejor película de cada género pero Kubrick ha sido la persona capaz de revolucionar todas las categorías y subcategorías con las que se cataloga el cine. El péplum, el thriller, el cine bélico, los romances, la comedia, el terror, la ciencia ficción… Kubrick se atrevía con todo y aunque cambiase de género cada dos por tres, era un fiel seguidor de un estilo particular, de unos ideales fílmicos muy claros y de transformar el panorama cinematográfico con cada una de sus incursiones en el cine. 10 10 11 11 No tiene sentido alguno explicar a nivel argumental 2001: Una odisea en el espacio¸ básicamente porque es la película que más temas trata de la historia del cine: desde el nacimiento del hombre (vinculado al nacimiento del asesinato), hasta exploraciones científicas y sublevaciones de máquinas. Kubrick consigue explicar la historia de la humanidad con sus obsesiones, sus miedos, sus aventuras, sus crímenes… sin recurrir a ningún hecho histórico real. Es mucho más revelador y más interesante adentrarse en la figura del hombre del pasado y del futuro, partir de nuestra herencia para conocer nuestro mañana. Y como Kubrick no quiere dejar nunca nada fortuito, decide enlazar estos dos tiempos con la elipsis más larga e importante de la historia del cine. El prehombre que disfruta y se recrea en la destrucción de un esqueleto, lanza un hueso al aire y se convierte en nave espacial, vehículo del posthombre, que sigue sintiendo la necesidad de invadir y extender su imperio más allá de las fronteras del espacio. Kubrick se esfuerza en que no nos olvidemos de esta idea haciendo aparecer al enigmático monolítico en los diferentes momentos históricos de la película. Pero más allá de explicar en tan solo dos horas y media prácticamente todo lo que concierne a la historia del ser humano, 2001 es sobre todo una odisea visual y una experiencia inigualable. Han pasado 47 años desde el estreno del film y, pese al gran número de avances tecnológicos y de efectos visuales, ninguna película ha sabido representar el espacio y el universo mejor que Kubrick. Acompañados de las deliciosas partituras de Strauss, el espectador se sumerge en un viaje único, deleitándose en el baile y la danza que satélites y otras naves dibujan en el universo, adentrándose en estos navíos de arquitecturas imposibles y que desafían todas las leyes de la gravedad, acudiendo a misiones lunares, a los espectáculos pirotécnicos de luz y de color que el espacio nos ofrece, e incluso a enfrentarnos contra HAL 9000, uno de los personajes más malvados y siniestros de la historia del cine. 12 12 2001: Una odisea en el espacio ha conseguido convertirse en obra maestra gracias a la gran cantidad de emociones y sensaciones que consigue transmitir al espectador. Todo está milimétricamente pensado en esta película. Los veinticuatro minutos iniciales son mudos ya que las palabras son innecesarias ante lo que las imágenes transmiten. La luna se recreó con arena pintada de blanco para aportar verosimilitud, hecho que hace creíble la teoría conspiratoria que implica a Kubrick en la llegada del hombre a la luna al año siguiente del estreno. Incluso el espacio, cuando no es invadido por las melodías de Strauss, es conquistado por un inmenso silencio, tan real como terrorífico. Stanley Kubrick no deja nada en manos del azar y eso es lo que le convierte en uno de los mejores directores de cine. El esmero con el que realizó 2001: Odisea en el espacio, le ha valido para ser no solamente un referente dentro de la ciencia ficción, sino en conseguir que su película sea merecedora de entrar en cualquier lista de las mejores películas de la historia del cine. 2001: Una odisea en el espacio ha conseguido convertirse en obra maestra gracias a la gran cantidad de emociones y sensaciones que consigue transmitir al espectador. No tiene sentido alguno explicar a nivel argumental 2001: Una odisea en el espacio¸ básicamente porque es la película que más temas trata de la historia del cine 13 13 CURIOSIDADES SOBRE 2001: ODISEA EN EL ESPACIO Por Coral Ferrero 01 02 Como era habitual en Kubrick, él mismo se encargó de muchos elementos del diseño, como la elección de la tela del vestuario de los actores o de la mayoría de los muebles. El director marcó tendencia, ya que sus diseños se popularizaron y muchos artistas se inspiraron en él. 03 Kubrick odiaba volar, así que para la secuencia de “El amanecer del hombre”, envió a la Segunda Unidad de grabación a África en su lugar. El equipo y Kubrick se comunicaron a través del teléfono para conseguir los planos fijos que él quería. 04 05 06 14 14 Kubrick y el co-guionista Arthur C. Clarke nombraron temporalmente a 2001: una odisea en el espacio como How the solar system was won, en referencia a la clásica How the west was won (La conquista del oeste). Otros títulos considerados fueron Journey beyond the stars, Universe, Tunnel to the stars y Planetfall. No llegarían al título definitivo hasta 11 meses después. Los actores interpretaban sus papeles sin terminar de entender las escenas, ya que Kubrick prefería no explicarlas. Keir Dullea (Dr Dave Bowman) pasaba 12 horas en la sala de maquillaje para conseguir la apariencia de anciano. Una gran parte de la audiencia creyó que los simios que aparecían en la película eran reales. De hecho todos los primates fueron interpretados por personas, excepto por dos crías de chimpancé. 07 Originalmente HAL iba a tener voz femenina, pero después de buscar insistentemente no encontraron la voz apropiada y decidieron cambiar su género. Al final se decantaron por la voz del actor Douglas Rain, quien dobló a la computadora en post-producción. 08 El actor Gary Lockwood (Dr. Frank Poole) comentó que durante los tours que hizo años después del estreno de 2001: Una odisea en el espacio se encontró con una constante: hombres de 40 y 50 años le confesaban que cuando vieron la película de jóvenes se sintieron totalmente fascinados por los ordenadores que aparecían, lo que provocó que muchos quisieran adquirir un ordenador doméstico e incluso que decidieran dedicarse a la informática. 09 10 11 12 13 14 15 16 Se suele citar a HAL 9000 con la frase “Buenos días, Dave”, pero en realidad nunca llega a decir esto en la película. De los 149 minutos que dura la película sólo tienen diálogo 40. El primero no se escucha hasta transcurrida media hora, y el último 23 minutos antes de que termine el film. Douglas Trumbull, el supervisor de efectos visuales, indicó que el material grabado en total para 2001: Una odisea en el espacio era unas 200 veces mayor que la duración final de la película. Aunque muchos sostienen que las siglas de HAL fueron intencionadamente elegidas por ser las letras anteriores de IBM, el guionista Arthur C. Clarke aclaró que el nombre es simplemente la abreviación de Heuristically Programmed Algorithmic Computer. En 1977 George Lucas admitió que 2001 era “la película de ciencia ficción definitiva” y que le parecía mucho mejor que Star Wars. Fue una de las primeras películas que no incluían los créditos al inicio. Kubrick solía quemar los negativos una vez finalizada la película, pero en 2010 se encontraron 17 minutos de material exclusivo dentro de una mina de sal de Kansas. Aunque los archivos se encuentran en perfectas condiciones, de momento no han llegado a ver la luz. Hal 9000 inauguró el Paseo de la Fama Robot, que incluye entre otros a RD2D y C3PO, Terminator, Maria de Metropolis o Wall-E. 15 15 Por Jaume Miranda Si uno siente tiene cierto interés hacia el cine de terror, sabrá que son incontables los ránkings, listas y top tens de este género desarrollados a lo largo de la historia cinematográfica, tanto por parte de aficionados como de entendidos en la materia. Sin embargo, sea como sea, es fascinante observar como en ninguno de estos catálogos de favoritos falta uno de los considerados mayores clásicos de miedo de la historia: El resplandor (1980). Este dato, más allá de ser una mera anécdota, tal vez refleje una realidad más trascendente acerca de la susodicha película: El resplandor es uno de los pocos títulos de terror que, a diferencia de muchas de sus compañeras de género (y a pesar del paso del tiempo), se ha mantenido tan terrorífico como el año de su estreno; sin sufrir el olvido o desprecio de los espectadores. Tal vez esto sea (en gran parte) debido a que la película no la hizo cualquier mediocre director: el grandísimo Stanley Kubrick, quién, por aquel entonces, ya recibía un trato casi divino tras Lolita (1962), 2001: una odisea en el espacio (1968) o La naranja mecánica (1971), decidió explotar su lado más perturbador e inquietante. Puede que fuera debido a su arrepentimiento tras rechazar, años atrás, el guión de El exorcista (William Friedkin, 1973), pero el director tenía una espina clavada que se quitó adaptando la novela homónima del superventas Stephen King, autor de éxitos espeluznantes tales como Carrie o Misery. Eso sí, el realizador no se contentó con hacer un simple producto de miedo acerca de la típica familia enjaulada en un hotel embrujado. Tras la lectura de textos de Freud, Kubrick enriqueció la narración con la particular y habitual carga simbólica e imaginario alegórico de su firma. Difíciles de olvidar son muchas imágenessímbolo como la de las tenebrosas gemelas, el ascensor sangrante o el hombre-oso, entre otras. De este modo, ya sea gracias a King o a Kubrick, El resplandor cuenta con una milimetrada e impecable estructura narrativa, repleta de capas y subcapas de lectura, con la que es imposible que uno desconecte. De forma casi frenética, el film abre continuamente nuevos interrogantes al espectador; algunos de ellos se responden de una forma ingeniosa... pero muchos otros se quedan magistralmente sin respuesta. Como propuesta pionera, el equipo fotográfico decidió rodar esta película de terror sin jugar casi nunca a las sombras o al claroscuro: es decir, prácticamente toda se desarrolla a plena luz del día, sin escondites oscuros donde pueda confundirse el peligro. Esto, a pesar de 16 16 17 17 que podría jugar en su contra, curiosamente transforma el Hotel Overlook en un espacio en contínuo malestar: no hay alivio una vez llegada la mañana... en cualquier momento puede aparecer la amenaza. De hecho, muchos de los decorados del hotel se pudieron diseñar gracias a las amplias posibilidades de la Steadicam porque ya no era necesario quitar paredes para mover la cámara. Así, el equipo de Roy Walker (diseñador de producción) tuvo cancha libre para la creación del barroco interior del Hotel Overlook: sus interminables pasillos, sus inquietantes escalinatas, sus escalofriantes cocinas,... Sin embargo, no es la única novedad técnica que propone El resplandor: Kubrick, para poder seguir los paseos en triciclo de Danny (el niño protagonista), hizo llamar a Garrett Brown, inventor de la novedosa Steadicam (un brazo-estabilizador adaptado para mover la cámara), para que operase su propio invento sentado sobre una silla de ruedas y siguiendo el recorrido del chico. Incluso, el supuesto laberinto exterior se grabó en un estudio por cuestiones prácticas. Así, el departamento de Walker pudo, con total libertad creativa, construir la claustrofóbica y embrollada forma de tal laberinto, simulando la nieve con porexpan y sal y utilizando vapor de aceite para la bruma. No debe obviarse tampoco la fabulosa y, a la vez, terrorífica banda sonora escrita por Rachel Elkind y Wendy Carlos, que añade e intensifica el aire “pesadillesco” del film desde el minuto uno; en esos planos aéreos de los deshumanizados paisajes de Montana donde se adentra la familia Torrance. Sin embargo, no todo el mérito recae en Kubrick y su equipo técnico: muy a pesar del maltrato al que les sometía el director (mentiras contínuas, repeticiones eternas,...), el reparto de El resplandor brilla por su excelencia, especialmente Danny Lloyd como el extraño niño-médium o Jack Nicholson como Jack Torrance (uno de los mejores villanos cinematográficos de la historia, sin duda). Incluso la pobre Shelley Duvall, a quién Kubrick “ayudaba” a meterse en el papel de la asustadiza Wendy a base de incesantes insultos y maltratos psicológicos, destaca por su agonizante y enajenada interpretación, muchas veces producida por el sufrimiento real al que la actriz se veía sometida por el director. A pesar de todo ello y del amplio éxito de público y crítica, es curioso observar como, en el año de su estreno, El resplandor no estuvo nominada a ningún Oscar o premio prestigioso, algo inusual en las películas del director. Incluso obtuvo dos nominaciones para los Premios Razzie a Peor Director y Peor Actriz (Duvall). Jack Nicholson como Jack Torrance (uno de los mejores villanos cinematográficos de la historia, sin duda) 18 18 Aún así, haciendo caso omiso al desprecio de los Óscar, la obra maestra se transformó en una auténtica película de culto desde su estreno, llegando su prestigio hasta día de hoy, en gran parte debido a que, como se ha comentado, se mantiene aún ahora su terrorífica esencia. Tal vez sea una perfecta oportunidad para revisitarla y disfrutar de miedo... 19 19 EL ESCÁNDALO DE 1971 Por Coral Ferrero En nuestro país también causó un gran impacto. El público español no había visto hasta entonces imágenes de naturaleza tan violenta reflejadas en la gran pantalla. El film llegó a tiempo para atestiguar el fin de la dictadura, estrenándose en salas independientes el mismo año de la muerte de Franco. La naranja mecánica representó, en cierto modo, la mitigación del conservadurismo predominante en pos del descubrimiento de realidades hasta entonces muy alejadas a las de España. Para cuando se estrenó de manera comercial, en 1978, la película ya se había convertido en el boca a oreja de las calles, y la polémica que la envolvía no hizo sino difundirla y acrecentar el interés que el público sentía por ella. Lo que está claro es que toda esta polémica no afectó a la película, más bien al contrario; la controversia a la que siempre ha estado ligada resultó ser una buena oportunidad publicitaria, no en vano, La naranja mecánica fue uno de los estrenos que más dinero recaudó en 1971. Tampoco acabó desvirtuando la opinión de la crítica: estuvo nominada a siete premios BAFTA, a tres Globos de Oro y a cuatro premios Oscar y ha acabado siendo un verdadero film de culto. En otros países como Estados Unidos, el film fue clasificado X. Kubrick decidió editar algunas de las escenas de contenido más fuerte, en concreto la orgía a cámara rápida y la violación que aparece durante el tratamiento Ludovico. Después de estos cambios, la clasificación pasó a R y se pudo exhibir con más libertad. Como era de esperar, la película también topó con la iglesia. La Oficina Católica Nacional que se encarga en Estados Unidos de calificar las películas para guiar a los feligreses la valoró con una C de “condenada”. Años más tarde, la C quedó anulada y la cambiaron por una O de “moralmente ofensiva”. “Las aventuras de un joven cuyos principales intereses son la violación, la ultra-violencia y Beethoven”. De esta manera presentó Stanley Kubrick –literalmente, ya que se encargó del diseño y de la publicidad- una de las películas más destacadas de su filmografía, La naranja mecánica (1971). El vandalismo que practicaban Alex y sus drugos en el film pronto despertó la polémica por todo el mundo, en especial en su nativo Reino Unido. Aunque las clasificaciones de este país permitieron la exhibición de la película, ésta fue duramente criticada por su explícito contenido violento y sexual, razón por la que los movimientos conservadores se postularon manifiestamente en contra. Responsabilizaban a Kubrick del crecimiento de actividades criminales que se había producido en Londres desde su estreno. A pesar de que muchos jóvenes la defendían, alegando que la película no inducía a las prácticas violentas sino que esa realidad ya existía y el film simplemente la mostraba, hubieron dos casos específicos que provocaron, después de 61 semanas, que Kubrick decidiera detener la exhibición de la película: por un lado, la violación de una joven holandesa por parte de un grupo de hombres que entonaban el tema de Cantando bajo la lluvia, y por el otro el de la paliza que un adolescente, vestido como los personajes del film, propinó a un niño. Otra razón crucial que hizo que Kubrick se decidiera por retirar el film fueron las amenazas de muerte que recibieron él y su familia. Después de esto, La naranja mecánica no volvió a comercializarse en Reino Unido hasta el 2000, un año después de la muerte del director, siendo prohibida allí durante 27 años. 20 20 21 21 Por Misael Sanroque Phenomena recupera tres de los mejores trabajos de Alfred Hitchcock. Tres títulos que reúnen la esencia del cine que le convirtió en el maestro del suspense: Vértigo. De entre los muertos, Los pájaros y La ventana indiscreta. HITCHCOCK, EL INVENTOR Durante décadas, la crítica cinematográfica ha llamado a Hitchcock el “maestro”. Y no es un título al azar, ya que de Hitchcock proviene casi todo el cine moderno. Pero un maestro es un intermediario entre el conocimiento y el alumno. Y Hitchcock era algo más que un maestro: era un inventor. Un inventor de formas, un inventor de lenguajes. Un primer plano en Hitchcock adquiría toda la pompa e inquietud que el primer plano que inventara Griffith. Hitchcock reinventaba el cine a cada película. Aunque los americanos sólo vieran en él a un director de thrillers para pasar la tarde. He aquí la gran injusticia. muda. Y es un dato significativo, de ahí surgirá su interés primordial por la imagen, el montaje y la mirada. Por el cine puro. El propio Hitchcock se ha confesado admirador del cine soviético y de Kulechov. Como hombre pragmático que era, aprendió con aquellas películas mudas que la base del cine es el corte de plano a plano. Años después dirigiría La soga (The Rope, 1948), una película que por imposibilidades logísticas de la época (las bobinas de celuloide sólo duraban 20 minutos) se rodó en un falso plano secuencia. El mismo hombre que había basado su arte en el campocontracampo, en la ideología que sugiere un plano intercalado en una secuencia, se atrevió con un ejercicio absolutamente contrario a sus ideas. Y consiguió una de sus mejores películas. Pero no se había traicionado. Hitchcock dominaba tanto el cine que era capaz de doblegarlo a su voluntad, retorcerlo y lograr salir a flote sin esfuerzo ni cansancio. Su interés por el cine de suspense (¡que no de sorpresa!) residía en que, con él, podía manipular la mirada del espectador hasta límites insospechados. El cine no existiría si no hubiera público; una película desaparece cuando nadie la mira. Y Hitchcock sabía que la mejor forma de ser eterno era conseguir que los espectadores jamás apartaran la vista de la pantalla, por muy violento o pornográfico que fuera lo que se les mostraba. Orson Welles dijo que el cine de Hitchcock no interesaría a nadie dentro de cien años. Pero nosotros seguimos hablando de él. 24 24 Alfred Hitchcock, nacido en Reino Unido a finales del siglo XIX, fue uno de los pioneros del cine. Tras varios años de rotulador de diálogos para películas mudas, se puso manos a la obra con su primera película: una película Orson Welles dijo que el cine de Hitchcock no interesaría a nadie dentro de cien años. Pero nosotros seguimos hablando de él. Y sus películas siguen exhibiéndose. La sala de Phenomena se prepara para acoger al Maestro. Al Inventor. A Hitch. 25 25 LA VENTANA INDISCRETA (Rear Window, 1954) LOS OJOS DEJAN HUELLA “A usted le gusta La ventana indiscreta porque, no siendo habitual de Nueva York, no conoce bien Greenwich Village. Le respondí: La ventana indiscreta no es una película sobre la ciudad sino, sencillamente, una película sobre el cine, y yo conozco el cine”.1 De este modo François Truffaut zanjó una discusión con un crítico norteamericano, y no hay más satisfacción que acertar con la verdad por delante. Pocas películas encarnan la frase de Gonzalo Suárez según la cual el cine no es imagen: es mirada. La ventana indiscreta nos presenta al personaje de James Stewart, cojo, estático, atrapado en su apartamento, sin otra compañía que su cámara de fotos y un enorme ventanal que da a un patio de vecinos. Es verano en Nueva York y las cortinas y las persianas están también de vacaciones. Stewart mata el rato espiando a sus vecinos. ¿Quién no ha querido nunca mirar lo que pasa a través de una ventana? Todos. Y esa es la razón de que exista el cine, para poder colarnos en las casas de los demás y ver a la chica que se desviste, al músico deprimido y al asesino que se creía impune. La mirada de Stewart, una mirada guiada por el morbo, el deseo, la curiosidad y el aburrimiento, nos muestra a todos y cada uno de los vecinos en la intimidad de sus apartamentos. Y es también la mirada del espectador guiada por Hichtcock. No hay nada más literal y metafórico que esa cámara de fotos; cuando Stewart hace un paneo, también la cámara de Robert Burks (director de foto de la película) hace un paneo. Hitchcock se identifica con la cámara. Él es Stewart, su cámara es la cámara de Stewart y el público somos... los que estamos siendo espiados. Somos las víctimas. Casi medio siglo antes de que surgiera Internet, Hitchcock ya nos había mostrado un escritorio de Windows lleno de ventanitas. De ahí surgen las pantallas partidas de Brian De Palma, el alumno aventajado, o incluso películas actuales como la Open Windows (2014) de Nacho Vigalondo. El placer de observar sin ser visto, tan primario, tan inconfesable, es la esencia de La ventana indiscreta, una película casi amoral. De hecho, el vouyerismo, el entrometimiento de Stewart (ayudado por Grace Kelly, su amigo detective y la criada) sirve para descubrir que se ha cometido un crimen y detener al asesino. El espionaje como algo positivo, en plena Guerra Fría. Pero Hitchcock no iba tan lejos, simplemente había dedicado toda una película a explicar que si la gente va al cine, si nos entusiasmamos con los éxitos de nuestros héroes y nos apasionamos con los besos de los amantes en la pantalla, es porque deseamos conocer otros mundos, otras vidas. Porque todos queremos mirar por el ojo de una cerradura. Y eso es el cine, mirar por el ojo de una cerradura y no querer abrir la puerta. 26 26 1 François Truffaut. El cine según Hithcock (1983) 27 27 DE ENTRE LOS MUERTOS (Vertigo, 1958) DE ESPIRALES VERDES Y OTRAS OBSESIONES Actualmente considerada la mejor película de la historia del cine, Vértigo, basada en una novela de Boileau y Narcejac, es el mejor ejemplo de una de las bases narrativas de Hitchcock. La dicotomía sorpresasuspense. Mientras en la novela de Boileau y Narcejac el espectador no sabe hasta el final que Judy y Madelaine son la misma persona, en la película tenemos esta información a mitad de película. Suspense. En Vértigo, James Stewart, otra vez, es Scotty, otra víctima atrapada, obsesionada, por una mujer. Como en Borges, “me duele una mujer en todo el cuerpo”, Stewart está obsesionado con Madelaine; primero le salva la vida, se enamora y luego ella muere. Pero, tiempo después, Scotty cree ver por la calle a Madelaine... sólo que en realidad es sólo una empleada de una tienda llamada Judy. Y he ahí la obsesión de Stewart. 28 28 La película está construida alrededor de la imagen de la espiral. Ya desde los créditos de Saul Bass, las espirales las econtramos en el moño de Madelaine, en los anillos de la secuoya, en la persecución por San Francisco... La espiral, se supone, simboliza la obsesión romántica. Pero para Stewart la obsesión va más allá. Cuando Scotty conoce a Judy intenta convertirla en Madelaine: peinarla igual, vestirla igual... El mito de la novia cadáver, la novia resucitada. Y he ahí el verde. El color de la putrefacción, el color del humo de los villanos Disney. Vértigo está trufada de paneos circulares, una forma brillante de incluirnos en el entorno verde y circular de Scotty, ese San Francisco donde las rubias muertas resucitan. Por supuesto, la sorpresa es para Scotty, porque el público ya sabe que Judy y Madelaine son la misma persona. Pero, ¿qué hará Scotty cuando lo sepa? No nos importa. El final de Vértigo es probablemente uno de los más lamentables que hayamos visto jamás en una película importante. Pero cuando hemos llegado allí estamos tan alucinados y anestesiados como Stewart y cuando acabamos de ver la película, al cerrar los ojos, sólo vemos espirales verdes, espirales verdes, espirales verdes... 29 29 Por Sandra S. Lopera LOS PÁJAROS (Alfred Hitchcock’s The Birds, 1963) EL PUEBLO DE LAS GAVIOTAS Los pájaros fue una rareza dentro de la filmografía de Alfred Hitchcock. El director renunció a su predilección por los decorados de estudio y rodó en localizaciones que le daban mucho mayor realismo a lo que él consideraba su film más terrorífico. Hitchcock tampoco incluyó en la película sus elementos preferidos: el falso culpable, el famoso McGuffin que desencadena toda la trama y las persecuciones. Eso sí, en el papel protagonista se mantenía una de sus rubias musas: Tippi Hedren. El film ofrece además un final abierto, en el que el director quiso dejar claro que la naturaleza puede vengarse del hombre si éste no la respeta y que no habrá lugar en el que esconderse. Otra excepción en las pautas de rodaje habituales de Hitchcock fue que, tras unos cuidados preparativos y continuas supervisiones de guión, el realizador nunca lo consultaba una vez había comenzado el rodaje, algo que él consideraba la parte menos importante de una película. Sólo hubo una excepción: Los pájaros. En este caso, el director, que hasta el momento siempre se había negado a dejar a los actores espacio para la improvisación, revisó los diálogos en el mismo set y permitió cierta libertad a sus actores en el ataque de las aves a la casa. Incluso hubo cambios importantes de guión durante el rodaje, ya que la imagen más turbadora de Los pájaros, el granjero con los ojos arrancados a picotazos, fue añadida por el propio Hitchcock cuando se enteró de que cerca de Bodega Bay, el pueblo donde rodaban, unos cuervos habían atacado a unos corderos tratando de picarles en los ojos. 30 30 31 31 Una nueva pasión por la sangre Por Erika Tiburcio Peter Jackson se ganó fama mundial entre los amantes del terror con esta sangrienta comedia que reinventaba la fórmula de los zombis de la forma más divertida y disparatada. Un título perfecto para la sesión Beer & Pizza Night del jueves 25 de junio. La entrada incluye una cerveza y una porción de pizza. 32 32 33 33 Con Braindead: tu madre se ha comido a mi perro (también llamada Dead Alive en Estados Unidos), Peter Jackson conseguía asegurarse un hueco definitivo en el mundo de la producción cinematográfica a nivel internacional. El 30 de junio de 1994, a través de la distribuidora Oro Films, llegó a España esta película que se ha convertido en un título de culto. El argumento es sencillo: Paquita y Lionel se conocen y quedan para ir al zoo. La madre de él, que es muy controladora, les sigue y acaba siendo mordida por una especie de mono rata de Skull Island, dando lugar a una invasión de zombies, totalmente alocados, dando lugar a la acción, el amor y mucho, mucho gore. Esta fue su tercera inmersión en el mundo del cine de manera profesional, tras haber hecho Bad Taste (1987) y Meet the Feebles (1989). Braindead se convirtió en un punto de inflexión en su carrera, ya que, con él ponía punto y final a su aportación dentro del género gore. La película que llegó más allá del “Splatstick” El Splatstick es un subgénero en el cual se hibridan diferentes géneros: por un lado, el conocido como Slapstick, que es aquella comedia que basa su humor en la presentación de gags visuales; y, por otro, el que se conoce con el nombre de Splatter, que es aquel que, uniendo temáticas de terror y cine exploitation, cuenta historias con una violencia extrema y presta la mayor parte de la atención a las vísceras y a la destrucción del cuerpo. El Splatstick es una mezcla de ambos nombres y consiste en la presentación de una historia a través la violencia y la evisceración más extremas, para crear situaciones visuales irreales que provoquen la risa en el espectador, o que, al menos, no sean tomadas en serio. Bibliografía BOTES, Costa “Peter Jackson”, publicado el 30 de mayo de 2002 en http://www.nzedge.com/peter-jackson/ GUILLOT, Eduardo, VALENCIA, Manuel (1996). Sangre, sudor y vísceras. Historia del cine Gore. Valencia: la Máscara. HELMS, Michael (1992). “Son de las antípodas ¡Y están muertos!, en Fangoria, núm. 12, pp. 26-29. JOYCE, Hester (2006). “Hollywood Bound: Peter Jackson’s Braindead in Development”, en Metro Magazine, 01/2006. PALACIOS, Jesús (1999). Goremanía. La guía definitiva del cine gore. Madrid: Alberto Santos Editor. Junto con Terroríficamente muertos (Sam Raimi, 1987), o incluso la propia Bad Taste, Braindead es uno de los títulos indispensables del género. Aunque obviamente, esta película bebe de unas influencias que proceden de grandes maestros con mayúsculas. El primero es George A. Romero, quien modernizó al zombie con La noche de los muertos vivientes (1968). Stuart Gordon es otra de las influencias directas conocido, sobre todo, por su obra cumbre, Reanimator (1985), que tomaba el mundo de Poe a su antojo para dar lugar a esta obra que se sitúa en el podio del Splatstick. Por último, Sam Raimi, con las dos primeras partes de la trilogía de Evil Dead (1985, 1987), la cual sigue teniendo multitud de referencias hoy en día, y que se ha asegurado su posición en ese mismo podio. No sólo fijarse en los grandes ha hecho convertirse a Braindead en una de las obras más importantes del género, sino que, hasta la fecha, ha sido considerada por muchos como la mejor película gore. Quizás ayudó el hecho de que, como el propio Jackson ha reconocido, el film fue escrito teniendo en cuenta el presupuesto con el que contaban (uno tres millones de dólares aproximadamente) y los efectos especiales. Además, el guion responde a las propias convenciones del género, y se pueden ver guiños a lo largo de toda la historia, e incluso consigue modernizar un género tan manido como es el del zombie. De esta manera, recurre al humor para conseguir crear unos zombies bastante simpaticotes, y es sabido que la escena favorita del director es la de Lionel con el bebé, que fue realizada gracias al dinero sobrante de la inversión en la película. Sin ella, Peter Jackson no sería lo que ha sido hoy en día Como hemos comentado, esta película supuso para Peter Jackson un punto y aparte en su carrera. La recaudación de Meet the Pheebles le permitió concluir su proyecto. Además, la New Zealand Film Commission sirvió para que el realizador contara con un presupuesto de unos 3 millones de dólares, lo por lo que pudo hacer lo que quiso e, incluso, trabajar en un ambiente más sencillo de lo que había sido Bad Taste. La película pasó con éxito por festivales como Fantasporto, donde se llevó el premio a la mejor película, y el Festival de Sitges, donde recibió un galardón por sus efectos especiales. La recepción inicial del film fue menor de la esperada, pero, sobre todo gracias a su distribución en vídeo, fue adquiriendo mayor fama. Este título le permitió a Peter Jakson abandonar el género y realizar Criaturas celestiales (1994), un drama basado en hechos reales. Y una curiosidad... Algo de lo que, quizás, nos tengamos que arrepentir es de la fallida coproducción que iba a existir entre España, de la mano de Fernando Trueba y Andrés Vicente Gómez, y Peter Jackson para la realización de Braindead. Finalmente no pudo ser, pero, gracias a esta conversación, tenemos a una estupenda Diana Peñalver haciendo un gran papel de Paquita, ya que, entre los requisitos de la coproducción se encontraba la presencia de actores españoles en el film. Otro hecho destacable es que es la película que utiliza más litros de sangre falsa de toda la historia del género. En total se utilizaron unos 3000 litros que fueron empleados, fundamentalmente, en la secuencia final, en la que se puede ver una masacre que dura casi unos 25 minutos, donde la sangre y los gag visuales están por todas partes. Filmografía BOTES, Costa “Peter Jackson”, publicado el 30 de mayo de 2002 en http://www.nzedge.com/peter-jackson/ Ficha de la película en IMDB: http://akas.imdb.com/title/tt0103873/?ref_=ttrel_rel_tt 34 34 35 35 Por Pablo Mérida ÉRASE UNA VEZ EN ÁMERICA EL ÚLTIMO CLÁSICO El proyecto más deseado de Sergio Leone se convirtió en el último film del director. Un extraordinario recorrido a lo largo de cincuenta años de la historia de Estados Unidos que regresa a la gran pantalla el 3 de junio. 36 37 Depardieu y Richard Dreyfuss como protagonistas. El reparto contaría además con una extensa nómina de invitados especiales, entre los que destacarían estrellas tan variopintas como James Cagney, Glenn Ford, Lee Marvin o Klaus Kinski. Sin embargo, llegada la hora de la verdad, Alberto Grimaldi continuó dando largas al director. Al final, Leone se hartó, consiguió hacerse con la totalidad del proyecto y empezó a buscar financiación. Por fin, logró involucrar en el proyecto a un joven productor de Estados Unidos llamado Arnon Milchan, quien se encargaría de contar además con el respaldo de The Ladd Company. CANDIDATOS PARA UN GÁNGSTER Lo primero que hizo Sergio Leone al saber que por fin iba a poder rodar la historia de Érase una vez en América fue concertar una entrevista con el auténtico protagonista de la historia. La breve entrevista que logró mantener con un ya anciano Harry Grey, le impactó: Cuando hoy nos invade el cine digital y las películas generadas (casi en su totalidad) por ordenador, no podemos dejar de echar de menos a aquellos grandes maestros del cine que sabían crear maravillosas historias sin necesidad de artificios tecnológicos. Uno de ellos fue el cineasta italiano Sergio Leone, impulsor del western europeo, y autor de lo que podríamos considerar uno de los grandes últimos clásicos del cine: Érase una vez en América. UNA VIDA DE NOVELA Esta fascinante historia sobre gángsters, Ley Seca, amistad y celos tiene su origen en una novela publicada en 1952 bajo el título de Los maleantes (The Hoods). Su autor, Harry Grey (seudónimo de Herschel Goldberg), la había escrito durante los años que pasó encarcelado en la famosa prisión de Sing-Sing, recordando sus andanzas como miembro de una banda de gángsters. Una década después, las casualidades de la vida hicieron que Sergio Leone conociera esta obra. Lo cierto es que le impresionó su calidad literaria, pero sí el hecho de que narrara la historia de un auténtico gángster. Entre el rodaje de El bueno, el feo y el malo (1966) y Hasta que llegó su hora (1968), el cineasta romano hizo el primer intento de rodar lo que sería Érase una vez en América. Sin embargo, los problemas a la hora de adquirir los derechos de la novela le obligarían a esperar lo que a él le pareció una auténtica eternidad. 38 NATA O SEXO Érase una vez en América contiene muchos momentos magistrales. Pero cualquier aficionado al cine coincidirá en que la maestría de Sergio Leone se pone sobre todo de manifiesto en esa memorable secuencia protagonizada por Patsy, uno de los chicos de la banda, que compra un pastel de nata con el que pagar los favores sexuales de su promiscua vecina Peggy. El chico ha de esperar a que la muchacha termine de bañarse en el rellano de la escalera. Aburrido, no se le ocurre nada mejor que probar un poco de nata. Y, en sus ojos, enseguida se dibuja una inesperada duda: ¿superará un revolcón con la oronda Peggy el delicioso sabor de ese pastel? ¡Menudo dilema para el pobre Patsy! Suerte que para resolverlo cuenta con la ayuda de un genio no exento de sensibilidad como es Sergio Leone. «Partiendo de la nada —explicaría el propio Leone—, este tipo, pequeño como una pulga, intentó triunfar con el cuchillo y la metralleta en una época en que el alcohol estaba prohibido y el juego de la violencia urbana aún era joven. Después de una salvaje cabalgada a través LA HISTORIA INTERMINABLE Mientras Leone soñaba ya con algunos planos de Érase una vez en América, Francis Ford Coppola revolucionó el cine de gángsters al adaptar a la pantalla la obra de Mario Puzo El padrino (1972). El gran éxito de este largometraje, animó a Leone a acercarse al todopoderoso productor italiano Alberto Grimaldi para que consiguiera por fin los derechos de Los maleantes, en manos de un director y productor estadounidense llamado Dan Curtis. A cambio de una generosa oferta económica y de la posibilidad de producirle un filme como director, Pesadilla diabólica (1976), Grimaldi consiguió los derechos de la novela. Sin embargo, no le dio luz verde a Leone al estar completamente enfrascado en el largo rodaje de Federico Fellini Casanova (1976). Por fin se anunció que el rodaje de Érase una vez en América arrancaría en marzo de 1977 con Gérard 39 de una América mitad tierra maravillosa mitad museo de los horrores, acabó sin tener nada, sin dinero y sin amigos». (1) El director había pensado en Paul Newman para que protagonizara al personaje en su madurez, y en Tom Berenger para sus días de juventud, mientras que Dustin Hoffman le parecía una buena opción para hacer de Max, el íntimo amigo del personaje principal. Sin embargo, la elección final para encabezar el reparto fue Robert De Niro, que por entonces ya había demostrado su capacidad camaleónica al hacer de Toro salvaje (1980), a las órdenes de Martin Scorsese. De Niro propuso a Harvey Keitel o Christopher Walken como coprotagonista, pero el director prefirió apostar por James Woods, un actor que le había impresionado por su papel en el thriller El campo de cebollas (1979). «El hecho de que cada vez tarde más en rodar — admitió el cineasta en una entrevista— se debe a mi perfeccionismo. Necesito mucho tiempo para reflexionar, escribir y reescribir hasta que estoy satisfecho. Además. En mis películas la banda sonora juega un papel muy importante, y es que en ellas hay muy poco diálogo. Mis películas se pueden entender sin poner una sola palabra». (3) MONTAJES Y VERSIONES Tras un rodaje tan extenso, el realizador se encontró con metros y metros de celuloide en la sala de montaje. Tanto fue así que el montaje original de la película superada las seis horas de duración. Como era de suponer, ningún distribuidor se atrevió a hacerse cargo de semejante largometraje y comenzaron las peticiones para acortar la duración de la película. Sin duda, ese afán perfeccionista provocó que 20 semanas de rodaje y 24 millones de dólares de presupuesto resultaran insuficientes para terminar la película. A partir de aquí, el sueño de Érase una vez en América se convirtió en pesadilla. Una pesadilla que atormentó a su director hasta el punto de crearle serios problemas de salud. DUELO DE PERFECCIONISTAS El inicio del rodaje de Érase una vez en América se fijó para enero de 1982. El equipo recorrería hasta cuatro países diferentes durante la filmación: Montreal (Canadá), Nueva York y la playa de Saint Petersburg en Florida (EE UU), París (Francia) y Bollagio, Pietralata y el Lido de Venecia (Italia). (2) A lo largo del rodaje las pequeñas escaramuzas entre Sergio Leone y Robert De Niro fueron constantes. Era difícil encontrar en el mundo del cine a dos personas más perfeccionistas. Aunque, por supuesto, cada uno tenía un concepto diferente de la perfección. Sergio Leone tuvo que formar una compañía propia y encontrar 6 millones de dólares más para conseguir 10 semanas adicionales de rodaje. Con mucho esfuerzo, Leone presentó un nuevo montaje de cuatro horas y media. Los distribuidores europeos le pidieron eliminar 50 minutos más y estrenar la película en dos partes. Peor suerte corrió la película en Estados Unidos. Warner Bros., que se había hecho con la distribución del filme, se encargó de hacer un montaje cronológico de la película de 135 minutos de duración. A Leone casi le dio un síncope porque costaba hasta seguir el argumento del filme. LO PRIMERO, LA MÚSICA Cuando el espectador ve por primera vez Érase una vez en América, seguro que queda impactado por la historia, las magníficas interpretaciones y esa brillante planificación del maestro Leone. No obstante, después de dejar la sala de proyección hay algo que a uno le persigue rato y rato: la espectacular banda sonora que Ennio Morricone compuso para la película. El tándem formado por ambos se mantuvo con enorme éxito desde la producción de Por un puñado de dólares, allá por 1964. «A Ennio le hago componer la música antes, para que no se influencia por la película —reveló el director—. Yo le cuento temas, adjetivos, caracteres, sin llegar a dejarle el guión. Esto me permite ensayar después y hasta rodar a veces con la música en el plató» (5) Fue lo que ocurrió con Érase una vez en América. Sergio Leone tenía tan claro que quería hacer la película que animó a Morricone a que comenzara a trabajar en la banda sonora en cuanto concluyera la de ¡Agáchate, maldito! (1971). El músico tenía compuesta la banda sonora de Érase una vez en América desde 1976, varios años antes incluso del comienzo del rodaje. 40 41 Érase una vez en América se presentó en el Festival de Cannes, el 20 de mayo de 1984. El director insistió en que con este proyecto finalizaba su homenaje a un país que le había fascinado desde su más tierna infancia. «América se ha formado como una gran mezcla de muchos pueblos. Es un país sin historia, pero donde se junta la historia de otros con orígenes confundidos, llenos de contradicciones, que son los que le dan fuerza. América es un gran país, condicionado por su incultura y consciente de ser muy rico. Lo que más me gusta de todo es su irracionalidad». (4) Europa aplaudió lo que fue el último testimonio cinematográfico de Sergio Leone, mientras que en Estados Unidos resultó un estrepitoso fracaso. A día de hoy, se la considera una de las grandes películas de la historia del cine. Quizá, el último clásico. LA CULPA FUE DE LEONE Notas 1. Sergio Leone, de Carlos Aguilar (Cátedra, 2009). 2. Sergio Leone. Algo que ver con la muerte, de Christopher Frayling (T & B Editores, 2002). 3. Entrevista con Sergio Leone. Diario 16. 31 de mayo de 1987. 4. Idem. 5. Idem. 42 Cuando uno llega a la mediana edad, o un poco más allá, suele hacer balance. Mala idea en mi caso, porque no encuentro en la mochila demasiados triunfos a los que agarrarme. Esto nos suele hacer pensar en que quizá cometimos errores en el pasado, tomamos decisiones equivocadas, o no supimos aprovechar bien las oportunidades. En mi caso, la responsabilidad de mis fracasos es compartida. Una parte es mía, lo admito. Pero la otra le corresponde a Sergio Leone. Sí, porque ya cuando cursaba EGB, me escapaba del colegio para meterme a escondidas en un cine de la madrileña calle Bravo Murillo para disfrutar una y otra vez del reestreno de El bueno, el feo y el malo. En el instituto, las cosas no mejoraron. Cuando llegó el estreno de Érase una vez en América y, en lugar de pasarme las tardes estudiando, recuerdo que iba (en esta ocasión a la calle Fuencarral) a disfrutar de estas películas. Perdí la cuenta de las veces que llegué a verlas. Entonces tomé la insólita decisión de escribir un libro sobre Sergio Leone. Un auténtico disparate porque era una época en la que nadie (o casi nadie) escribía libros de cine en España. Y menos un estudiante. Lo publicó la hoy desaparecida editorial Júcar. «Me voy a dedicar a escribir libros sobre cine», me dije en cuanto lo vi impreso. Pero si esa idea era de por sí equivocada, mi futuro estaba destinado a empeorar más cuando me llamó mi gran amigo Javier Alonso para alertarme de que el mismísimo Sergio Leone estaba en Madrid participando en un coloquio poco publicitado sobre cine europeo. Se alojaba en el hotel Palace. Javier con su cámara de fotos y yo con una grabadora, nos colamos en el hotel hasta que conseguimos hacerle una entrevista. Fue una de las experiencias más emocionantes de mi vida. Algo tan vertiginoso como inolvidable. ¡Qué maravilla! Después, Javier le ofreció la entrevista al antiguo periódico Diario 16. Cuando se publicó al día siguiente, me dije: «Además de escribir libros de cine, voy a ser periodista». Así me ha ido. Pero a mí… que me registren. Como todos ustedes comprenderán, la culpa fue de Leone. 43 el SEPtImo SeLLO por Faust de Winter (www.elcinedesdelacuna.com) Una partida de ajedrez marcó la fimografía de Ingmar Bergman. Phenomena recupera su obra maestra: El séptimo sello, el jueves 4 de junio. 44 45 46 La célebre película de Bergman tiene como punto de partida metafísico y filosófico la apertura del séptimo de los sellos del Apocalipsis, lo que los teólogos llaman el “septenario de las trompetas”, símbolo de la victoria del hombre sobre la muerte. Es justo recordar que Bergman era hijo de un pastor luterano y que de no haber recibido una educación religiosa basada en conceptos cristianos como el pecado, la confesión, el castigo y el perdón, su arte hubiese sido distinto. El séptimo sello (1957) fue su primer film de alcance internacional, y uno de los más difíciles intelectualmente a la vez que de los más elaborados visualmente. Bergman solía empezar el día escuchando Carmina Burana, de Carl Orff, a todo volumen. Dicha obra está basada en las baladas de los juglares de los años de la peste y guerras sangrientas, cuando gentes sin casa se reunían y vagabundeaban juntos. El hecho de que unos personajes vagaran, en plena decadencia de la civilización y de la cultura, componiendo nuevas canciones, le parecía un material tentador y se le ocurrió que eso sería su próxima película. La idea central le sobrevino a Bergman a partir del texto Pintura en madera (Trämalning), una pieza teatral en un acto que ensayaba frecuentemente con sus alumnos de arte dramático de la escuela de teatro de Malmö. A la hora de la verdad, El séptimo sello fue por otro camino y se convirtió en una especie de road movie (en palabras del director) que evolucionaba con todo desparpajo en el tiempo y en el espacio, permitiéndole grandes libertades. Aunque la ambientación sea medieval, se ha dicho del film que la alegoría es plenamente moderna y refleja el “miedo al holocausto nuclear en los años centrales de la Guerra Fría”. El mismo Bergman lo explicó diciendo que el film no pretendía dar una imagen de la vida en Suecia durante la Edad Media. El caballero Antonius (Max von Sydow) regresa de las Cruzadas como en nuestros días vuelve de la guerra un soldado. “En la Edad media vivían aterrados por la peste, y hoy en día, viven aterrorizados por la bomba atómica”, aclaraba Bergman. El séptimo sello es, por tanto, una alegoría con un tema sencillísimo: el hombre y su búsqueda de Dios, con la muerte por única respuesta como única verdad palpable. El cineasta sueco explica que “la idea me vino contemplando los motivos de las pinturas medievales como los juglares, las hogueras para quemar a las brujas y las Cruzadas”. En concreto, la escena más icónica del film, la de la célebre partida de ajedrez entre el caballero Antonius y la Muerte (interpretada por Bengt Ekerot), la vio de niño en una iglesia al sur de Smaland, una de las muchas localidades suecas que visitó junto a su padre, en calidad de predicador luterano. Aquella imagen, de enorme fuerza simbólica, le acompañaría toda su vida y fue el germen de la película, tanto de su argumento como de la ambientación. Concretamente, la escena está inspirada en un mural del pintor medieval de iglesias Albertus Pictor, quien también aparece como un personaje de la película, interpretado por Gunnar Olsson. A inicios de la década de los cincuenta, convirtió la obra dramática en guión de cine, el cual fue rechazado en diversas ocasiones por el productor jefe de Svensk Filmindustri, Carl Anders Dymling, que lo consideró difícil y poco comercial. El éxito posterior en el Festival de Cannes de Sonrisas de una noche de verano (1955) ayudó a que el proyecto finalmente tomara forma. Tuvo que prometer que rodaría la película con rapidez, en treinta y seis días menos los viajes de ida y vuelta de los exteriores. A excepción del prólogo, filmado en la colina de Hovs-Hallar y la cena de fresas silvestres de Jof (Nils Poppe) y Mia (Bibi Andersson), que también se filmó allí, todo lo demás está rodado en Filmstaden en Solna. El cineasta relata un episodio de su vida: “un buen día me operaron, una intervención sencilla. Por equivocación me dieron una anestesia demasiado fuerte y desaparecí del mundo de los sentidos. De repente comprendí que así es. La idea de que uno pasa de ser a no ser es difícil de concebir. Para una persona con constante miedo a la muerte, es extraordinariamente liberadora. Al mismo tiempo es un poco aburrido: uno piensa que podría ser divertido encontrar nuevas experiencias cuando le tocase descansar al alma después de separarse del cuerpo. Pero no creo que sea así. Primero se es y después no se es. Esto es extraordinariamente satisfactorio”. El séptimo sello es una obra maestra que demuestra que Bergman, además de ser un enorme cineasta que dominaba la técnica con la cámara y la dirección de actores, fue un escritor prolífico que escribía unos guiones concisos y directos que añadían al valor visual extraordinario de la filmación una asombrosa capacidad de síntesis. Bibliografía: “Imágenes”, de Ingmar Bergman. Editorial Tusquets. Colección Fábula. P. 201, P.4 y P.209. El séptimo sello es, definitivamente, una de las últimas expresiones de profesión de fe manifiesta que había heredado de su padre y que le acompañaba desde la infancia. Desde siempre, Bergman llevó consigo un profundo miedo enfermizo a la muerte, miedo que durante la pubertad y hasta los veinte y poco años llegó a hacérsele insoportable. El pensamiento de que al morir iba a desaparecer era para el cineasta un motivo de horror constante. “Que de repente lograse darle a la Muerte la imagen de un payaso blanco, un personaje que conversaba, jugaba al ajedrez y que no tenía secretos, fue el primer paso en la victoriosa lucha contra el miedo a la muerte”. 47 PROGRAMACIÓN JUNIO 2015 Ciclo Mundos Futuros 16:30h ASTÉRIX. LA RESIDENCIA DE LOS DIOSES Astérix: Le domaine des dieux Louis Clichy, Alexandre Astier, 2014. FRANCIA · 85’ · DCP · VE El cómic de Albert Uderzo y René Goscinny vuelve a convertirse en un dibujo animado (tras las películas con actores de carne y hueso protagonizadas por Gerard Depardieu). El César construye una finca de lujo junto al pueblo de Astérix para que los galos dejen de luchar contra su imperio. 18:30h POR UN PUÑADO DE DOLARES Per un pugno di dollari Sergio Leone, 1965. Int: Clint Eastwood, Gian Maria Volonté, Marianne Koch. ITALIA · 99’ · 35mm · VOSE Sergio Leone reinventó las reglas del western con la Trilogía del dólar. Este fue el primer film de la saga, donde Clint Eastwood hizo popular su personaje sin nombre, cuyo enfrentamiento final sigue siendo una lección magistral de dirección. 21:00h PASE PRIVADO SOCIOS CLUB PHENOMENA JUEVES 4 16:15h EL SÉPTIMO SELLO Det sjunde inseglet Ingmar Bergman, 1957. Int: Max von Sydow, Gunnar Björnstrand, Bengt Ekerot. SUECIA · 96’ · 35mm · VOSE La partida de ajedrez más famosa de la historia del cine. Un caballero le propone una partida a la muerte cuando ésta viene a buscarlo. Una obra maestra llena de referencias bíblicas y simbología medieval que reflexiona sobre el sentido de la vida y el miedo a saber qué habrá más allá de ella. 18:00h 10.000 KM Nicholas Ray, 1954. Int: Joan Crawford, Sterling Hayden, Mercedes McCambridge. USA · 110’ · 35mm · VOSE Los aires de diva de Joan Crawford no se lo pusieron nada fácil a Nicholas Ray, director que consolidaría su fama justo un año después con Rebelde sin causa. Este western atípico sobre celos y venganza no tuvo una buena acogida en su estreno, pero con el tiempo ha sido admirado por directores como Almodóvar. 18:30h MAGIA A LA LUZ DE LA LUNA Magic in the Moonlight Woody Allen, 2014. Int: Colin Firth, Emma Stone, Marcia Gay Harden. USA · 97’ · DCP · VOSE Woody Allen hace que Colin Firth, un excéptico mago, trate de desenmascarar los trucos de la pitonisa Emma Stone en esta comedia romántica, ambientada en la Costa Azul francesa de los años veinte. Pequeño cameo en el cabaret a cargo de la cantante Ute Lemper. 20:30h ÉRASE UNA VEZ EN AMÉRICA 48 16:30h · EL BUQUE MALDITO PRESENTA: NO PROFANAR EL SUEÑO DE LOS MUERTOS Non si debe profanare il sonno dei morti Jordi Grau, 1974. Int: Cristina Galbó, Ray Lovelock, Arthur Kennedy ITALIA · 93’ · DCP · VOSE Tras llamar poderosamente la atención con Ceremonia sangrienta, Jorge Grau dirigió esta película de terror, influenciada por La noche de los muertos vivientes, de George A. Romero. Unos efectivos efectos de maquillajes y una lograda atmósfera la hacen destacar en el género de la época. Con la presencia de su director Jordi Grau y debate posterior Mucho antes de que Leslie Nielsen saltara a la fama con Agárralo como puedas, fue el líder de esta misión de rescate espacial. Original adaptación de La tempestad, de Shakespeare, convertida en un clásico de la cienciaficción por sus efectos especiales, increíbles para su época, y por el personaje de Robby el Robot. MIÉRCOLES 10 16:15h LA PASIÓN DE LOS FUERTES My Darling Clementine John Ford, 1946. Int: Henry Fonda, Linda Darnell, Victor Mature USA · 102’ · 35mm · VOSE El duelo en el famoso OK Corral, narrado a través de la biografía del mismísimo Wyatt Earp que se publicó en 1931. El director John Ford aseguraba que el propio sheriff le explicó cómo ocurrió todo y que este western era la reproducción más fiel de los hechos Esta película sobre una pareja que mantiene una relación a distancia (separados por esos 10.000 kilómetros entre Barcelona y Los Angeles) conquista gracias al gran trabajo de sus dos protagonistas. Una histora intimista y muy bien explicada a través de las tecnologías que usan para comunicarse. 18:15h LA TEORÍA DEL TODO The Theory of Everything 20:00h · ÓPERA EN DIFERIDO TOSCA Giacomo Puccini Biopic sobre el científico Stephen Hawking, centrado sobre todo en su relación con su mujer y en su paso por la universidad, donde empezó a sufrir los síntomas de una enfermedad degenerativa. Esforzado trabajo del actor Eddie Redmayne, que esquivó clichés y ganó un Oscar con este papel. James Marsh, 2014. Int: Eddie Redmayne, Felicity Jones, Tom Prior USA · 123’ · DCP · VOSE Conductor: Fabrio Luisi. Director: Luc Bondy Int: Karita Mattila, Jonas Kaufmann, Juha Uusitalo. Desde la Bavarian State Opera Munich · 130’ · DCP · VOSE VIERNES 5 16:15h JOHNNY GUITAR Johnny Guitar SÁBADO 6 Carlos Marques-Marcet, 2014. Int: Natalia Tena, David Verdaguer. ESPAÑA · 99’ · DCP El trágico final de la obra de Puccini, y piezas como el aria E lucevan le stelle, han hecho de Tosca una ópera tan poderosa como popular. Fabio Luisi dirige el montaje grabado en la Bavarian State Opera de Munich. MIÉRCOLES 3 21:00h PLANETA PROHIBIDO Forbidden Planet Fred M. Wilcox, 1956. Int: Walter Pidgeon, Anne Francis, Leslie Nielsen. USA · 98’ · 35mm · VOSE Ciclo Cine Infantil LUNES 1 PROGRAMACIÓN JUNIO 2015 17:00h · Ciclo Alfred Hitchcock VÉRTIGO. DE ENTRE LOS MUERTOS Vertigo Alfred Hitchcock, 1958. Int: James Stewart, Kim Novak, Barbara Bel Geddes. USA · 128’ · Versión Restaurada DCP · VOSE Considerada la obra maestra de Alfred Hitchcock, por mucho que el director no estuviera satisfecho con la presencia de Kim Novak. Un traumatizado James Stewart se obsesiona con una misteriosa mujer. El magnífico trabajo de iluminación permitió darle a las imágenes un elegante tono onírico. 20:00h · PROGRAMA DOBLE ESPECIAL VENGADORES LOS VENGADORES The Avengers Joss Whedon,2012. Int: Robert Downey Jr., Chris Evans, Scarlett Johansson. USA · 143’ · DCP · VOSE LOS VENGADORES: LA ERA DE ULTRÓN Avengers: Age of Ultron Joss Whedon, 2015. Int: Robert Downey Jr., Chris Evans, Mark Ruffalo. USA · 141’ · DCP · VOSE Iron Man, Hulk, Thor, el Capitán América, la Viuda negra y Hawkeye, los héroes de la Marvel, se unen para proteger al mundo en estas dos espectaculares superproducciones dirigidas por Joss Whedon, creador de la serie Agents of S.H.I.E.L.D. 19:30h EVITA Evita Alan Parker, 1996. Int: Madonna, Jonathan Pryce, Antonio Banderas USA · 135’ · 35mm · VOSE Madonna luchó por conseguir el papel que había soñado toda su vida: Evita Perón. Oliver Stone colaboró en el guión, basado en el musical de Tim Rice y con canciones de Andrew Lloyd Webber. La cantante ganó un Globo de oro por su interpretación. 22:45h · NOCHE DE KARAOKE GREASE (BRILLANTINA) Grease 18:30h DIOS MÍO, ¿PERO QUÉ TE HEMOS HECHO? Qu’est-ce qu’on a fait au Bon Dieu Philippe Chauveron, 2014. Int: Christian Clavier, Chantal Lauby, Ary Abittan. FRANCIA · 97’ · DCP · VOSE La comedia del año en Francia, con más de doce millones de espectadores. Un matrimonio muy tradicional ve cómo sus hijas se casan con jóvenes de diferentes razas y religiones, lo que generará algunas situaciones inesperadas en la familia. 21:00h · Ciclo Stanley Kubrick 2001: ODISEA EN EL ESPACIO 2001: A Space Odissey Stanley Kubrick, 1968. Int: Keir Dullea, Gary Lockwood, William Sylvester. REINO UNIDO · 139’ · VOSE 70 mm y sonido DTS Ver reseña del día 10 · Repeticiones los días 12, 20 y 21 VIERNES 12 17:00h · Ciclo Stanley Kubrick 2001: ODISEA EN EL ESPACIO 2001: A Space Odissey Stanley Kubrick, 1968. Int: Keir Dullea, Gary Lockwood, William Sylvester. REINO UNIDO · 139’ · VOSE 70 mm y sonido DTS Ver reseña del día 10 · Repeticiones los días 20 y 21 21:00h · PROGRAMA DOBLE GRINDHOUSE PERSEGUIDO The Running Man 21:00h · Ciclo Stanley Kubrick 2001: ODISEA EN EL ESPACIO 2001: A Space Odissey Paul Michael Glaser, 1987. Int: Arnold Schwarzenegger, Maria Conchita Alonso, Yaphet Kotto . USA · 101’ · 35mm · VOSE Stanley Kubrick, 1968. Int: Keir Dullea, Gary Lockwood, William Sylvester. REINO UNIDO · 139’ · 70 mm y sonido DTS · VOSE MUNDO FUTURO Futureworld Richard T. Heffron, 1976. Int: Peter Fonda, Blythe Danner, Arthur Hill. USA · 108’ · 35mm · VOSE Stanley Kubrick y el escritor de ciencia-ficción Arthur C. Clarke repasaron grandes clásicos del género, en especial La conquista del espacio, de George Pal, para escribir el guión de esta epopeya espacial, inspirada en un relato del propio autor titulado El centinela. 70 mm y sonido DTS Repeticiones los días 11, 12, 20 y 21 Programa doble dedicado a futuros distópicos. Primero, Arnold Schwarzenegger deberá huir de las sangrientas pruebas de un reality en esta adaptación de un relato de Stephen King. Después, un par de reporteros investigarán qué se esconde en las instalaciones de un parque temático de androides. Tras el sonado éxito en Broadway, este musical saltó a la gran pantalla y lanzó a la fama a sus protagonistas, volviendo a poner de moda los musicales. La banda sonora batió récords de ventas y las coreografías de Patricia Birch siguen entusiasmando al público. Podrás cantar tus canciones favoritas en versión karaoke. El último trabajo de Sergio Leone fue este extraordinario recorrido a lo largo de cincuenta años de la historia de Estados Unidos, centrado en los negocios del hampa en los que se mete Robert de Niro. La composición visual del film se inspira en cuadros del pintor costumbrista Edward Hopper. El último film de Kubrick hacía que Tom Cruise se adentrara en un mundo de deseos inconfesables y sectas secretas que se esconden tras elegantes máscaras para dar rienda suelta a sus fantasías sexuales. Atención al espléndido monólogo interpretado por Nicole Kidman. Sam Peckinpah, 1971. Int: Dustin Hoffman, Susan George, Peter Vaughan. USA · 113’ · 35mm · VOSE Sam Peckinpah consiguió sacar el lado más salvaje de Dustin Hoffman para defender a su mujer. Un film angustioso, cuya áspera atmósfera se vuelve cada vez más perturbadora hasta desembocar en una espiral de violencia. 23:00h · Ciclo Stanley Kubrick EL RESPLANDOR The Shining Stanley Kubrick, 1980. Int: Jack Nicholson, Shelley Duvall, Danny Lloyd. USA · 144’ · DCP · VOSE La imagen de Jack Nicholson rompiendo la puerta con un hacha o las gemelas que aparecen en medio del pasillo son sólo algunas de las aterradoras imágenes que poblarán nuestras pesadillas tras ver esta adaptación del libro de Stephen King en la que Kubrick se permitió cambiarle el final. DOMINGO 14 16:30h EN BUSCA DEL VALLE ENCANTADO The Land Before Time Don Bluth, 1988 . USA · 69’ · DCP · VOSE Don Bluth, responsable de joyas de la animación como Fievel y el nuevo mundo o Nimh. El mundo secreto de la señora Brisby, contó con el apoyo de Spielberg para producir esta preciosa película en la que un grupo de crías de dinosaurio deben encontrar el camino hasta el valle donde están sus familias. 18:15h LOS CAZAFANTASMAS Ghost Busters James Gunn. 2014. Int: Chris Pratt, Zoe Saldana, Michael Rooker USA · 121’ · DCP · VOSE Javier Fesser, 2014. ESPAÑA · 91’ · DCP Stanley Kubrick, 1999. Int: Tom Cruise, Nicole Kidman, Todd Field USA · 159’ · DCP · VOSE 20:30h PERROS DE PAJA Straw Dogs 20:30h GUARDIANES DE LA GALAXIA Guardians of the Galaxy 16:15h MORTADELO Y FILEMÓN CONTRA JIMMY EL CACHONDO Once Upon a Time in America Sergio Leone, 1984. Int: Robert De Niro, James Woods, Elizabeth McGovern. USA · 229’ · 35mm · VOSE Escenas repetidas hasta setenta veces, más de una tonelada de explosivos utilizados durante el rodaje y un guión que ninguna productora se atrevió a financiar hasta que Kirk Douglas se empeñó en apoyar el proyecto. Kubrick consiguió un magistral alegato antibelicista que causó gran polémica al mostrar lo absurdo de la guerra con esta historia de tres soldados acusados de cobardía por una misión fracasada. Harold Ramis y Dan Aykroyd (recién salido del programa Saturday Night Live) escribieron esta comedia en la que Bill Murray lideraba una pandilla de científicos dedicados a capturar espíritus molestos. Uno de los grandes títulos que marcaron el cine de los ochenta. DOMINGO 7 18:00h · Ciclo Stanley Kubrick EYES WIDE SHUT Eyes Wide Shut Stanley Kubrick, 1957. Int: Kirk Douglas, Ralph Meeker, Adolphe Menjou. USA · 88’ · DCP · VOSE Ivan Reitman, 1984. Int: Bill Murray, Dan Aykroyd, Sigourney Weaver. USA · 105’ · DCP · VOSE Randal Kleiser, 1978. Int: John Travolta, Olivia Newton-John, Stockard Channing. USA · 126’ · DCP · VOSE Los agentes de la T.I.A. se enfrentan a un peligroso criminal que quiere que la gente se muera literalmente de risa. Javier Fesser dirige esta adaptación de los populares tebeos de Ibáñez, creada por animación 3D y galardonada con el Goya a Mejor película de animación y Mejor guión adaptado. 18:45h · Ciclo Stanley Kubrick SENDEROS DE GLORIA Paths of Glory SÁBADO 13 JUEVES 11 16:15h GIGI Gigi Vicente Minnelli, 1958. Int: Leslie Caron, Maurice Chevalier, Louis Jourdan. USA · 115’ · 35mm · VOSE Este musical romántico, sobre una joven pareja de enamorados de la clase alta del París del siglo pasado, fue uno de los mayores éxitos de Vincente Minelli. Ganador de nueve Oscar, el film fue escrito por el letrista Alan Jay Lerner, autor de musicales como Brigadoon y My Fair Lady. 16:30h E.T. E.T. The Extraterrestrial Si Han Solo fuera todavía un poco más canalla y escuchara música de los años ochenta, se acercaría bastante al protagonista de esta divertida película de aventuras espaciales basadas en los tebeos de Marvel. Una original pandilla de superhéroes que tienen todas las de perder y que tendrán que salvar la galaxia. Pegadiza banda sonora y gran diseño de personajes como el castor Rocket y el árbol parlante Groot. Steven Spielberg, 1982. Int: Drew Barrymore, Peter Coyote, Henry Thomas. USA · 120’ · Versión Restaurada DCP · VOSE La amistad entre un niño y un extraterrestre consolidó a Spielberg como uno de los cineastas más poderosos de la industria. La entrañable criatura creada por Carlo Rambaldi es ya un icono del cine y John Williams compuso para el film una de sus partituras más emotivas. 49 PROGRAMACIÓN JUNIO 2015 MIÉRCOLES 17 VIERNES 19 16:15h RÍO ROJO Red River 16:15h SABRINA Sabrina Howard Hawks, Arthur Rosson, 1948. int: John Wayne, Montgomery Clift, Joanne Dru. USA · 133’ · 35mm · VOSE Billy Wilder, 1954. Int: Humphrey Bogart, Audrey Hepburn, William Holden. USA · 113’ · DCP · VOSE John Wayne y Montgomery Clift guiando al ganado a través de un largo camino dieron paso a uno de los mejores westerns de la historia, en el que Howard Hawks fue capaz de buscar originales ángulos de cámara. El encantador glamour de Audrey Hepburn, ayudado por el exquisito vestuario de la veterana Edith Head, enamora a un serio Humphrey Bogart que trató de mostrar un nuevo registro a las órdenes de Billy Wilder. 18:45h 10.000 KM 18:20h · Ciclo Alfred Hitchcock LA VENTANA INDISCRETA Rear Window Carlos Marques-Marcet, 2014. Int: Natalia Tena, David Verdaguer. ESPAÑA · 99’ · DCP Ver reseña del día 4 Alfred Hitchcock, 1954. Int: James Stewart, Grace Kelly, Thelma Ritter USA · 112’ · DCP · VOSE 21:00h DUNE Dune James Stewart y Grace Kelly se convierten en detectives aficionados para investigar si el asesinato que han creído ver ocurrió de verdad. La excusa perfecta para que Hitchcock pudiera jugar con elementos como el vouyerismo, las falsas apariencias y los crímenes imperfectos. David Lynch, 1984. Int: Kyle MacLachlan, Virginia Madsen, Francesca Annis. USA · 137’ · 35mm · VOSE David Lynch rechazó dirigir El retorno del Jedi para poder llevar a la pantalla la novela futurista de Frank Herbert sobre un joven en busca de venganza. Debut en el cine del actor Kyle MacLachlan (el agente Cooper de Twin Peaks), muy bien acompañado por secundarios como Max Von Sydow o el cantante Sting. 21:00h · MARATÓN DE TERROR CREEPSHOW Creepshow George A. Romero, 1982. Int: Hal Holbrook, Leslie Nielsen, Adrienne Barbeau. USA · 120’ · 35mm · VOSE EL SUPERVIVIENTE The Survivor David Hemmings, 1981. Int: Robert Powell, Jenny Agutter, Joseph Cotten. AUSTRALIA · 87’ · 35mm · VOSE EL TERROR NO TIENE FORMA The Blob Chuck Russell, 1988. Int: Shawnee Smith, Kevin Dillon, Donovan Leitch Jr. USA · 95’ · 35mm · VOSE JUEVES 18 16:00h BRIGADOON Brigadoon Noche de terror ochentero. Los cinco relatos de Creepshow, dirigidos por George A. Romero y escritos por Stephen King, darán paso a El superviviente, un film a redescubrir sobre un piloto que, misteriosamente, sale ileso de un grave accidente. Por último, la masa devoradora de El terror no tiene forma lo arrasará todo a su paso en este remake del clásico de los años cincuenta. Vicente Minnelli, 1954. Int: Gene Kelly, Van Johnson, Cyd Charisse USA · 108’ · 35mm · VOSE Daniel Guzmán, 2015. Int: Fernando Albizu, Iris Alpáñez, Beatriz Argüello. ESPAÑA · 93’ · DCP El tenor Plácido Domingo protagoniza este montaje de la ópera de Verdi, con una orquesta dirigida por el prestigioso Daniel Barenboim desde el Berlin State Opera. 50 El productor de Stanley Kubrick, Jan Harlan, visita Phenomena para hablar de las experiencias vividas junto al perfeccionista director, con quien trabajó desde Barry Lyndon hasta Eyes Wide Shut. Stanley Kubrick, 1975. Int: Ryan O’Neal, Marisa Berenson, Patrick Magee. REINO UNIDO · 184’ · DCP · VOSE Dr. Strangelove or: How I learned to Stop Worrying and Love the Bomb Stanley Kubrick, 1964. Int: Peter Sellers, George C. Scott, Sterling Hayden. USA · 95’ · DCP · VOSE Única incursión de Stanley Kubrick en el género de la comedia, con un grandísimo Peter Sellers que se desdobla en tres personajes: el presidente, el doctor Strangelove y un funcionario militar. Una disparatada locura que tiene como trasfondo una posible guerra nuclear entre Estados Unidos y la Unión Soviética. 17:00h BIG HERO 6 Big Hero 6 Don Hall, Chris Williams, 2014. USA · 102’ · DCP · VOSE Disney buceó en el universo Marvel para crear a este robot hinchable, que animará a un grupo de amigos a crear una banda de superhéroes con tecnología de última generación, en una ciudad del futuro llamada San Fransokyo. 21:00h EL QUINTO ELEMENTO The Fifth Element Luc Besson, 1997. Int: Bruce Willis, Milla Jovovich, Gary Oldman FRANCIA · 126’ · 35mm · VOSE Deslumbrante y excesiva, Luc Besson fue un paso más allá en la cienciaficción, utilizando para la estética de su película elementos del cómic, de los musicales y de los videojuegos. Un festín visual que roza la parodia y que se ha proclamado film de culto por derecho propio. Oskar Santos, 2013. Int: Javier Gutiérrez, Raúl Rivas, Daniel Cerezo ESPAÑA · 97’ · DCP Los misterios que esconde el colegio serán la gran aventura que vivirán Zipi y Zape junto con sus amigos en esta película familiar, inspirada en el popular tebeo de Escobar. Uno de los últimos papeles del desaparecido Álex Angulo. 22:00h · Ciclo Stanley Kubrick 2001: ODISEA EN EL ESPACIO 2001: A Space Odissey Stanley Kubrick, 1968. Int: Keir Dullea, Gary Lockwood, William Sylvester. REINO UNIDO · 139’ · VOSE Con la presentación de Jan Harlan 70 mm y sonido DTS Ver reseña del día 10 · Repetición el día 21 DOMINGO 21 17:00h LA HISTORIA INTERMINABLE Die unendliche Geschichte Wolfgang Petersen, 1984. Int: Noah Hathaway, Barret Oliver, Tami Stronach. ALEMANIA · 94’ · 35mm · VOSE Título esencial del cine de los años ochenta. La lectura de un libro guiará al protagonista por un mundo de fantasía que se desmorona, habitado por criaturas inolvidables como el dragón volador Fujur. Basado en la novela de Michael Ende. How to Train Your Dragon 2 Dean DeBlois, 2014. USA · 102’ · DCP · VOSE 17:00h · Ciclo Stanley Kubrick ¿TELÉFONO ROJO?, VOLAMOS HACIA MOSCÚ SÁBADO 27 16:30h ZIPI Y ZAPE Y EL CLUB DE LA CANICA 16:15h COMO ENTRENAR A TU DRAGÓN 2 SÁBADO 20 Casi dos años de rodaje y una compleja postproducción hacen de Barry Lyndon uno de los retos de Kubrick, que quería convertir cada escena en un cuadro del siglo XVIII. Aunque se dice que se rodó solo con luz natural, lo cierto es que el equipo utilizó algún pequeño apoyo técnico. JUEVES 25 MIÉRCOLES 24 El actor Daniel Guzmán escribe y dirige su primera película, una historia sobre la adolescencia, la rebeldía y las segundas oportunidades. Gran ganadora del pasado Festival de Málaga, donde se llevó, entre otros premios, la Biznaga de oro a la mejor película, la Biznaga de plata al director y la del jurado de la crítica. Conductor: Daniel Barenboim. Director: Philip Stölzl Intérpretes: Placido Domingo, Anna Netrebko, Gaston Rivero, Marina Prudenskaya. Desde la Berlin State Opera at Schillertheater 137’ · DCP · VOSE 21:00h · Ciclo Stanley Kubrick BARRY LYNDON Barry Lyndon Stanley Kubrick, 1968. Int: Keir Dullea, Gary Lockwood, William Sylvester. REINO UNIDO · 139’ · VOSE 70 mm y sonido DTS Ver reseña del día 10 18:00h A CAMBIO DE NADA 20:00h · ÓPERA EN DIFERIDO IL TROVATORE 19:30h · MASTER CLASS CICLO STANLEY KUBRICK MASTERCLASS CON JAN HARLAN 19:30h · CICLO STANLEY KUBRICK 2001: ODISEA EN EL ESPACIO 2001: A Space Odissey Gene Kelly y Cyd Charisse, dos grandes estrellas del musical, se enamoran en un mágico lugar que sólo aparece cada cien años en medio de los bosques de Escocia. Rodado en Cinemascope y con una colorida dirección artística. PROGRAMACIÓN JUNIO 2015 Pocas veces un film de animación ha conseguido la ternura, belleza y emoción que logró Cómo entrenar a tu dragón. En esta segunda entrega, Desdentado y el resto de los dragones viven en paz con el pueblo vikingo, hasta que un descubrimiento inesperado pondrá en peligro este equilibrio. 18:30h LOS VENGADORES: LA ERA DE ULTRÓN Avengers: Age of Ultron Joss Whedon, 2015. Int: Robert Downey Jr., Chris Evans, Mark Ruffalo. USA · 141’ · DCP · VOSE James Spader es el villano al que tendrán que detener los superhéroes de la Marvel que se reúnen de nuevo en esta esperada secuela, cuyo tráiler llegó a superar los 34 millones de visitas en Youtube en apenas 24 horas. 18:30h CAMINO A LA ESCUELA Sur le chemin de l’école Pascal Plisson, 2013. Int: Jackson Saikong, Salome Saikong, Samuel J. Esther. FRANCIA · 75’ · DCP · VOSE Documental que recoge las dificultades que deben pasar cada día para ir a la escuela niños como Carlitos y su hermana, que recorren a caballo 18 kilómetros para poder ir a clase, o Jackson, que camina durante horas por la sabana de Kenia para llegar al colegio. 21:00h · BEER & PIZZA NIGHT BRAINDEAD: TU MADRE SE HA COMIDO A MI PERRO Braindead Peter Jackson, 1992. Int: Timothy Balme, Diana Peñalver, Elizabeth Moody. USA · 104’ · 35mm · VE Comedia gore con la que el director Peter Jackson se ganó fama mundial entre los amantes del género. La mordedura de una extraña criatura hará que la querida madre del protagonista empiece a caerse a trozos y a tener hambre de carne humana. Considerada una de las películas más sangrientas de la historia. VIERNES 26 17:00h CENICIENTA Cinderella Kenneth Branagh, 2015. Int: Lily James, Cate Blanchett, Richard Madden. USA · 105’ · DCP · VE Kenneth Brannagh dirige esta adaptación del cuento de Cenicienta, protagonizada por actores de carne y hueso, donde destaca una malévola Cate Blanchett como la madrastra y Helena Bonham Carter como hada madrina. 19:15h · Ciclo Alfred Hitchcock LOS PÁJAROS The Birds 19:00h · Ciclo Stanley Kubrick ATRACO PERFECTO The Killing Stanley Kubrick, 1956. Int: Sterling Hayden, Coleen Gray, Vince Edwards. USA · 85’ · DCP · VOSE El tercer film de Kubrick respiraba puro cine negro. El director se basó en una novela de Lionel White (autor pulp que ha influido a cineastas como Tarantino) y contó con la ayuda del escritor Jim Thompson para escribir los diálogos de este robo. 20:45h · Ciclo Stanley Kubrick LA NARANJA MECÁNICA A Clockwork Orange Stanley Kubrick, 1971. Int: Malcolm McDowell, Patrick Magee, Michael Bates. REINO UNIDO · 136’ · DCP · VOSE HORARIO Abierto de miércoles a domingo y festivos. Taquilla abierta de 16:00 a 23:30h. PRECIOS Sesión individual 6€ / Sesión doble 9€ / Maratones 12€. Estas tarifas no son aplicables a sesiones puntuales como óperas, eventos especiales o preestrenos. Film controvertido debido a la violencia de sus imágenes, Kubrick consiguió que La naranja mecánica fuera puro impacto visual. La paliza al son de Cantando bajo la lluvia o las técnicas del método Ludovico, que llegaron a causar lesiones en la córnea al protagonista, quedan grabadas en la retina. DESCUENTOS Y ABONOS 23:15h PINK FLOYD. THE WALL Pink Floyd. The Wall Abono P-10: 50€: Tarjeta recargable, personal e intransferible. Válido para 10 sesiones individuales. También será válido para las sesiones dobles abonando 3€, y 5€ en el caso de las maratones. Alan Parker, 1982. Int: Bob Geldof, Christine Hargreaves, James Laurenson. USA · 95’ · 35mm · VOSE La obra cumbre de Pink Floyd, con una mítica banda sonora. Roger Waters, vocalista y bajista del grupo, creó el guión a partir de su propio álbum, The Wall, para retratar el descenso a la locura de una estrella de la música. Mayores de 65 años y Menores de 12 años: Sesión individual 5€ / Sesión doble 8€ / Maratones 10€. Socios del Club Phenomena: hasta un 50% de descuento según sesión. PHENOMENA DOMINGO 28 16:30h LA OVEJA SHAUN. LA PELÍCULA Alfred Hitchcock, 1963. Int: Rod Taylor, Tippi Hedren, Suzanne Pleshette. USA · 119’ · DCP · VOSE Shaun the Sheep Movie Mark Burton, Richard Starzak, 2015. REINO UNIDO · 85’ · DCP · VE El propio Hitchcock decía que esta era la película más terrorífica que había dirigido. Tan interesado estaba en esta historia de unos pájaros atacando a los habitantes de un pueblo que hasta renunció a su predilección por rodar en estudio y filmó en localizaciones que le daban mayor realismo. La serie de televisión producida por los estudios Aardman, los creadores de Wallace & Gromit, se convierte en una divertida película que recoge tanto el humor como las técnicas de animación stop-motion que han hecho conocido al estudio. 22:00h DOCE MONOS Twelve Monkeys 18:30h · Ciclo Stanley Kubrick LA CHAQUETA METÁLICA Full Metal Jacket Terry Gilliam, 1995. Int: Bruce Willis, Madeleine Stowe, Brad Pitt USA · 129’ · DCP · VOSE Stanley Kubrick, 1987. Int: Matthew Modine, R. Lee Ermey, Vincent D’Onofrio. REINO UNIDO · 120’ · DCP · VOSE Terry Gilliam se inspiró en La jettée (1962), de Chris Marker, para crear un film de ciencia-ficción que supone todo un reto para el espectador. Un hombre viaja en el tiempo tratando de evitar la epidemia que va a acabar con la humanidad. Una película fascinante con uno de los mejores guiones del género. Alegato de Kubrick contra la guerra, mostrando sus devastadoras consecuencias a través de un batallón de jóvenes soldados. El film se divide en dos partes, el entrenamiento y el campo de combate en Vietnam. Impresionante trabajo de Vincent D’Onofrio como soldado patoso. C/ Sant Antoni Maria Claret, 168 · 08025 Barcelona Tel. 93 252 77 43 [email protected] METRO L5 Sant Pau / Dos de Maig L2 Sagrada Familia L4 Alfons X / Joanic AUTOBUSES 19 / 20 / 45 / 47 / 92 / H8 / V21 / N1 Síguenos en www.phenomena-experience.com 51 Nº12 JUNIO 2015 www.phenomena-experience.com