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STAFF 57
Dirección: Rubén Vidal. Diseño gráfico: Grafikproject. Moda: Anna Arroyo, Agustín Velasco. Música: Fernando Fuentes, Catalina Isis, Sara Morales.
Contenidos de diseño y arte: Tactelgraphics. Redacción: Rosario Muñoz. Arquitectura: Ester Giménez. Web: Domihost.
Corrección: Communico. Distribución: Walk & Paste. Street y eventos: Fátima Sancho, Antonio Orlandi, Nerea Coll.
Marketing: Paula Ortega: [email protected], Beatriz Acosta: [email protected], Javier Morán: [email protected]
Colaboradores: Jacobo Sánchez, Aída García, Subterfuge, Guillermo Galguera, Gustavo López Mañas, Lola Martínez, Eme Bribon,
Laura de Benito, Isabel Martínez, Marlene Agency, 5th Models.
Edita: Rubén Vidal. Depósito legal: V-4859-2008. - OCIMAG #57 / edición trimestral de mayo, junio y julio del 2013.
OCIMAG no se hace responsable de las opiniones o comentarios de nuestros colaboradores. Queda terminantemente prohibida la reproducción total o parcial de cualquier contenido escrito o gráfico aparecido en esta publicación o en su versión online sin la autorización expresa y por escrito del director.
Publicidad: [email protected].. Información: [email protected]. Tel.: 962 971 002
www.ocimag.com
#57
Fotografía: Gustavo López Mañas - www.glm-studio.com
Estilismo: Anna Arroyo - www.annaarroyo.es
Modelo: Yulia - 5th Models - www.5thmodels.com
Vestido Pablo Erroz, zapatillas Vans
BASICS 4. Cajón desastre. 68. Local-in: guía de locales. MODA 8. News moda. 54. All my life. Editorial por Gustavo López Mañas.
62. Entertainment. Editorial por Laura de Benito. DISEÑO 10. News diseño y proyectos. 12. Vondom. Vanguardia mediterránea. 14.
Antonio Fernández Alvira. Pop-ups posmodernos. 16. Milán Design Week 2013. 22. Lo más de lo más. 40. Mondo Camo. MÚSICA
24. News música. 26. Miss Kittin. 28. Lasers. 30. Idealipsticks. 32. Joe Crepúsculo. 34. Dorian (crónica). 36. Cyan (crónica). 38. De
analógico a digital.
ARTE 46. Crowds Genovés. 48. Arte y expos.
cajón desastre - por Guillermo Galguera
Y AHORA, COMPÓN UN DISCO
EL VALLISOLETANO GUILLERMO GALGUERA ALIAS BRAVO
FISHER! SIEMPRE QUISO HACER MÚSICA. EN EL INSTITUTO YA
EMPEZÓ A INTENTARLO EN SOLITARIO PERO NO FUE HASTA
2011 CUANDO COMENZÓ SU CARRERA GANÁNDOLO TODO CON
SU PRIMERA MAQUETA: N.º 1 DE LA REVISTA MONDO SONORO,
N.º 1 EN EL CONCURSO 43 MUSIC Y N.º 1 EN EL CONCURSO DEL
ARENAL SOUND FESTIVAL GRACIAS AL CUAL TOCÓ ANTE 50.000
PERSONAS. TRAS LA PUBLICACIÓN DE SU PRIMER ÁLBUM, WE
WERE OVERNIGHTERS, FICHA POR SUBTERFUGE RECORDS EN
2012. BRAVO FISHER! NOS PRESENTA SU SEGUNDO ÁLBUM, EL
VALLE INVISIBLE, QUE ÉL SIENTE COMO SI FUERA EL PRIMERO
Y, QUE CONTIENE LA BÚSQUEDA DEL POP PERFECTO A TRAVÉS
DE LETRAS CANTADAS EN CASTELLANO.
La labor de composición de un álbum es complicada. Me explico; muchos
de los discos se componen en el local, entre todos los miembros de una
banda. Otros se hacen en medio de giras interminables, entre bolo y bolo,
en un rincón de la furgoneta. Otros, guitarra en mano, en la soledad de tu
cuarto. Mi caso es un poco más complejo que todo eso porque se trata de
música electrónica (principalmente hecha a base de beats con un ordenador,
sentado en tu estudio) pero ahora con letras en español y desde un punto
de vista de canción pop. Es decir, como si fuera una banda, pero sin serlo.
Son muchos los elementos que se han de tener en cuenta, y una sola cabeza pensante. Pues bien, cuando por fin te pones a crear te planteas la gran
pregunta: ¿qué quiero contar? Desde el minuto uno me surge una y otra vez
la misma idea obsesiva. Quiero que mi disco sea una película. Me explico; si
algo me parecía interesante desde el principio era intentar llevar a música lo
que veo en la pantalla. El hecho de que mi propio nombre artístico Bravo
Fisher! sea fruto de una mezcla de elementos sacados de la película
Aacademia Rushmore, de Wes Andreson, no es casual. Muchas veces, en
entrevistas, me descubro siendo capaz de decir con soltura las últimas diez
películas que he visto, pero no así los diez últimos discos que he escuchado.
No es que no escuche música, para nada, pero creo que sin duda el cine me
ha influido mucho más en los últimos años que la música que escucho.
Las dos o tres primeras semanas no cogí una guitarra, o un teclado, ni
siquiera compuse letras. Pasé días enteros llenando cuadernos con esquemas sobre la historia que quería contar. Como si se tratara de un guion de
cine: personajes, historias, lugares, anécdotas, flechas conectándolo todo.
Caos, en definitiva. Yo quería contar algo, pero ¿qué contar si todo está
contado ya? Pues si todo está contado ya, vayamos a lo más universal, y
contémoslo desde una perspectiva más moderna. Aquí viene a colación una
película que tomo como ejemplo para explicarlo todo. ¿Por qué Drive ha
gustado tanto? No es más que una historia mil veces contada con anterio-
ridad: el antihéroe y su búsqueda de la felicidad: el viaje iniciático. Es obvio
que Drive es realmente una Odisea, un Quijote, un Jonás en el vientre de la
ballena. Pero la gracia es que Drive lo cuenta de una manera distinta; es
decir, no es tanto el contenido, como el continente. Una “triquiñuela” para
hacernos adorar algo que ya hemos oído mil veces. Bien. Pues yo cojo esta
idea, y la llevo a mi terreno. El viaje iniciático, la búsqueda del “yo”. Voy a
hablar de un antihéroe, y se las voy a hacer pasar canutas. Un soñador, un
luchador, que no se va a rendir, aunque por el camino tropiece bastantes
veces. ¿Y mi “triquiñuela”? ¿Cómo hago para que sea diferente? Pues voy
a hacer que no suceda ahora, voy a situar su historia en la España de 1936,
y de ahí, en adelante. Que sea un soldado republicano en la Guerra Civil,
que sea un pobre que se enamore de un rica, o un emigrante de los que se
fueron a buscar fortuna a las Américas y volvieron con una mano delante y
otra detrás. Que sea un loco recluido en un psiquiátrico. Que se sienta perdido. Que se encuentre. Que cree un nuevo hogar donde por fin sentirse
feliz. Y, por supuesto, voy a hacer que su final sea épico. Electrónica con una
historia situada en la España más deprimida. A mí me vale. Otro factor que,
quieras o no, ocurrirá en la composición de un disco es volcar tu personalidad en esas canciones. Si estás hablando de otra persona, si has creado un
personaje, inevitablemente parte de ti irá impregnado en dicho personaje.
Muchos amigos que ya han escuchado el disco me preguntan si me siento
identificado con este personaje (a pesar de que, como digo, es otra época).
Pero ¿cómo no? Creo que es importantísimo hablar de lo que uno conoce.
Por lo tanto, mucho de lo que ocurre en esos discos que escuchamos realmente le ha pasado al que lo ha compuesto. Pero yo siempre oí decir a mi
padre, novelista desde hace largo, que el buen escritor es aquel que sabe
mentir muy bien. Por eso, lo divertido de todo esto es que nunca sabremos
con absoluta certeza cuánto hay de verdad y de mentira en las canciones
que amamos. Ficción frente a realidad. De eso se trata ¿no?
REEBOK CLASSIC LEATHER
Las míticas zapatillas de Reebok cumplen 30 años
Reebok celebra este año 2013 el XXX aniversario del lanzamiento al mercado de unas zapatillas
icónicas, Classic Leather, el primer calzado deportivo que se convirtió en un fenómeno de moda y
estilo en los 80, y que desde entonces se instaló en el subconsciente colectivo juvenil de varias
generaciones. El origen de las Classic Leather está en Nueva York, cuando en abril de ese año, todos
los servicios de transporte de la ciudad permanecieron parados durante once días por la huelga de
transportes, lo que obligó a muchos viajeros a ir a pie a sus trabajos, e hizo que apareciese por
primera vez en las calles la imagen de mujeres trabajadoras en zapatillas de deporte. En el año 1983,
partiendo de un modelo preexistente en nylon, los diseñadores de Reebok decidieron construir una
zapatilla de deporte usando piel en el cuerpo de la zapatilla, de tal forma que la gente la podría vestir
de manera informal. El modelo Classic Leather es el primer calzado que juega la carta de la moda
casual a partir de un modelo de deporte, y que rápidamente se convirtió en un clásico en las calles,
llegando a ser el modelo de Reebok más vendido de toda su historia. En este 2013, Reebok
aprovecha la celebración del XXX aniversario de Classic Leather para recuperar un espíritu que va
más allá del deporte, y que está muy conectado
con la cultura, la música y el arte como parte de su
ADN. Vestir en aquellos 80 unas Reebok era casi
una actitud, algo que era muy evidente en el
Nueva York efervescente de Keith Haring y
Basquiat (con cuyas fundaciones la marca colabora
en la actualidad). Reebok potencia ese espíritu en
su línea Classic, apoyando y aliándose con todos
aquellos que, desde el punto de vista creativo,
tienen algo que aportar. Aquellos que hacen cosas,
que lo intentan, que viven la vida con intensidad y
tienen un espíritu LIVE WITH FIRE, el lema de
Reebok para este año. www.reebok.es
news moda / por Anna Arroyo
QUIKSILVER
BOARDSHORD COMPANY
Quiksilver ha preparado una colección para el verano 2013
en la que predominan los boardshorts de material diamond
dobby, un tejido muy técnico que evita rozaduras en las
costuras, con fit superstrech y de secado rápido además de
traspirable. Este año la firma apostará, además de por los
clásicos boardshorts perfectos para los surfers, por bañadores
cortitos estilo retrosurf, estampados de palmeras y flores
hawaianas y formas geométricas. Destacan también los
modelos Amphibiox, bañadores con aspecto similar a una
bermuda que se pueden utilizar directamente en la playa, y
las signatures series (modelos en los que han colaborado en
su fabricación y diseño prosurfers como Kelly Slater, Dane
Reynolds o Aritz Aranburu). Good vibes! www.quiksilver.es
EASTPAK AUTHENTIC LITTLE PRAIRE
EASTPAK nos presenta la colección Authentic Little Praire, en la que los estampados florales son los auténticos protagonistas. EASTPAK ha vuelto a mezclar
todos los ingredientes necesarios para crear una auténtica combinación de funcionalidad y sofisticación para el insider urbano. Los materiales naturales, colores brillantes y ricas texturas son elementos que recorren toda una colección para
vivir intensamente la ciudad. Tendrás que mantener lejos a los pájaros y las abejas con estos ensoñadores y fotográficos estampados. ¡El flower-power llega a la
ciudad! www.eastpak.com
MYTHE
CLOTHING
Mythe Clothing, tu nueva marca de moda
online. Diseñada y producida íntegramente
en Barcelona, esta firma apuesta por un
estilo fresco, único y especial, para que te
expreses a tu manera, dentro del mundo
street style. Esta joven marca tiene muy claro
que la moda no es solo una cuestión de
estilo, sino también de detalles. Por ello, sus
colecciones son pequeñas series casi
limitadas con el fin de mantener la
exclusividad del producto. El hecho de ser
online también le permite convertirse en una
marca aliada de los críticos tiempos en los
que vivimos. Ya sabes, ¡Mythe Clothing, del
pc a tu casa en un solo clic!
www.mytheclothing.com
DIESEL
Light exposure
CONVERSE
Diesel avanza un paso más, explorando
nuevas tecnologías y añadiendo
nuevos tonos de azul claro y
blanqueado a su nuevo ADN Light
Exposure. La técnica de doble foaming
o con láser all-over aporta el contraste,
así como la textura y los gráficos
tropicales, consiguiendo así un
resultado veraniego y un denim fresco.
Además, la colección five pocket
aporta denim en color y en 3D, por
ejemplo en el denim 111D stretch
disponible en naranja o en royal blue.
Por otro lado, suave al tacto y muy
ligero, tal y como nos gusta ir en
verano, podemos encontrar el 810W
en colores empolvados y pastel. ¡Y no
olvides completar tu look con los
accesorios Diesel! www.diesel.com
En los años 70, Converse se convirtió en un icono entre
legendarios jugadores del baloncesto, figuras del Rock&Roll y
skaters. Rememorando esta época y recuperando detalles de
las zapatillas originales, Converse lanza esta temporada su línea
First String Standards con la colección 1970’s Chuck Taylor All
Star, que presenta ligeras diferencias solo reconocibles por
coleccionistas y fans. Además, se han añadido detalles como
una puntera más sustancial y una suela de caucho ligeramente
más ancha, una placa de goma conmemorativa en el talón, una
loneta más gruesa y toques vintage en las costuras laterales.
¡Viste tus pies al ritmo de los 70 y siéntete una rock star con tus
nuevas Converse! www.converse.es
BOARDSHORD COMPANY
ROXY SUMMER 2013
La chica Roxy es una mujer viajera, de espíritu libre y que demanda la belleza natural. Es divertida, segura y le gusta seguir las tendencias de la moda mientras viaja
por el mundo, las playas y vive nuevas experiencias. Las prendas claves de la temporada son muy variadas y predominan los estampados coloridos que contrastan
con bikinis en blanco y negro. Las flores hawaianas de estilo vintage están muy presentes en bikinis con diferentes formas para adaptarse a cada estilo, con volantes
o cierre de lazo. Bikinis de croché en tonos fresa y marino, flores liberty y bañadores que estilizan la figura. Roxy adapta su estilo a cada mujer con una amplia selección de prendas de baño de diferentes estilos y formas: bandeau, lazos, triángulos,
copa, brasileño... ¿Preparada para un verano sin fin? www.roxy.es
news diseño y proyectos / por Tactelgraphics
PLEIX
Pleix es una comunidad de artistas digitales con sede en París. Esta asociación no ha dejado
de sorprendernos desde que en 2002 se juntasen con el fantástico dúo Plaid y nos regalasen
ese despropósito audiovisual que fue Itsu. Luego llegó Cish Cash en 2004 (Siouxsie
electrizada por unos Basement Jaxx más que sobresalientes) y un Matthew Barney del primer
Cremaster como referencia directa; para que definitivamente los adorásemos por su pieza
más artística: Birds (2006) para Vitalic. Pues bien, han pasado unos cuantos años -siete para
ser exactos- y sí, lo han vuelto a hacer. El nuevo vídeo de Discodeine, Aydin, es una auténtica
obra de videoarte muy vinculada al Seapunk. Una maravilla que muchos no acabarán de
comprender pero que vuelve a marcar un antes y un después en la forma de entender la
imagen vinculada a la música revienta pista. www.pleix.net
DESIGN SPEAKING
Design Speaking (revista de diseño afincada
en Milán) tuvo una enorme presencia en el
Salone del Mobile de Milano este año con la
muestra Talent´s Manifestó donde jóvenes
talentos y start-ups fueron convocados para
que juntos representasen la filosofía de Design
Speaking. Por ejemplo, desde Bélgica Thien Vo
presentó su perchero o la marca Avalon desde
Verona mostró su trabajo con un enfoque
muy pop. Cabe destacar el acierto por parte
de los organizadores de la localización de la
muestra: la incomparable Ventura Lambrate,
la zona más trendy de toda la Feria. También
cabe tener en cuenta su primera edición
impresa de la cual nosotros (Tactelgraphics)
fuimos partícipes en la creación de la portada.
Si eres diseñador y no te desplazas en estas
fechas a Milán, mejor dedícate a sexar pollos.
www.designspeaking.com
Adiós Valle Ortí
No todas las noticias son siempre maravillosas y
buenas. Valencia es una ciudad increíble, pero en
algunos casos puede llegar a ser agotadora y
nociva. La galería Valle Ortí de Valencia cierra sus
puertas tras casi cuarenta años. Nacho Valle ha
estado al frente los últimos doce años, cuando
tomó el relevo de su padre, creando una apuesta
con carácter propio que ha servido para
proyectar a nuevos valores artísticos valencianos
y abrir un camino de internacionalización.
Conforme se ha ido deteriorando la política
cultural en la Comunitat Valenciana, las galerías
han mostrado una mayor voluntad de asumir en
sus programaciones los riesgos y el apoyo a los
creadores que las instituciones públicas han
desatendido. Una situación que tiene su origen
en decisiones políticas anteriores a la llegada de
la crisis económica, pero que, como cualquier
veneno administrado progresivamente, va
mostrando sus efectos irreversibles.
www.valleorti.com
This is it
This is it son un grupo de personas que dirigen, escriben y
producen películas, así de claro. Vienen posiblemente del
underground del diseño y de la animación contemporánea, y a lo
largo de los últimos cuatro años han ido desarrollando proyectos
colectivos de lo más variopintos. El colectivo ya ha creado un nicho
de mercado bastante amplio con sus cortometrajes y sus dos
películas de éxito, las cuales han participado y ganado premios en
festivales de todo el mundo. Con más de un millón de
espectadores viendo estas películas en el canal 4 y más de 2,5
millones de visitas en línea, el colectivo ha generado un fuerte
seguimiento internacional, logrando un gran éxito a partir de
proyectos autofinanciados. This is it son Andy Baker, Laura Bird,
Rose Blake, Thomas Bolwell, Daniel Britt, Hugo Donkin, Chan An
Gee, Michael Knight, Nicos Livesey, Tom McCaughan, Azusa
Nakagawa, Joseph Pelling y Becky Sloan. www.thisisitcollective.com
A3 STUDIO
A3 es un estudio de diseño con sede en Lausanne, Suiza. Se compone
de Yvo Hählen, diseñador gráfico, y Priscilla Balmer, especialista en
comunicación visual. Están especializados en identidad corporativa,
ilustración, promoción cultural y comunicación de eventos; su trabajo
también incluye creación institucional y los medios de comunicación,
el diseño de catálogos y libros, la creación de portadas de discos, así
como el mundo de la señalética y las websites. Yvo Hählen, de 2006
a 2011, fue director artístico en una agencia de comunicación de
prestigio en Lausanne antes de asociarse con Priscilla Balmer para
fundar A3 studio. Es increíble cómo en países como Suiza los jóvenes
pueden cumplir sus sueños de montar empresas y no estar
supeditados a grandes tiburones opresores y cómo nuestro país obliga
indudablemente a la fuga de cerebros. www.a3studio.ch
M/M Paris Book
M/M (Paris) -probablemente el estudio de diseño más prestigioso del mundo- fue creado en
1992 por Michael Amzalag y Mathias Augustyniak. Este libro, publicado con motivo de su
vigésimo aniversario, es una monografía sobre su trabajo. Recoge proyectos clasificados en un
orden alfabético en particular: M, como Michael, a M, de Mathias. “El propósito de nuestro
trabajo es el de expresar el diálogo. Nos gusta incorporar elementos de la moda, la música y el
arte“. Sus colaboraciones con los principales protagonistas de los campos antes citados van
desde Balenciaga, Calvin Klein, Givenchy, Marc Jacobs o Yohji Yamamoto en moda; Benjamin
Biolay, Björk, Kanye West o Madonna en música; Vogue París, Arena Homme + e Interview en
cuanto a publicaciones o proyectos de arte y exposiciones en el Centro Pompidou, la Tate
Modern o el museo Guggenheim. Este monográfico es un documento único, una puerta de
entrada en el alma de los creadores más influyentes en el mundo. www.mmparis.com
VONDOM
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Vanguardia mediterránea
Texto: Tactegraphics
Una nueva forma de entender el mundo de la decoración y el diseño, esta podría ser la
perfecta definición de Vondom. Joven, innovadora, emprendedora y dinámica, así es
Vondom, una firma líder en diseño de mobiliario de vanguardia. La alta tecnología y los
materiales ecológicos empleados en sus procesos de fabricación, junto con un diseño
aparentemente simple, son factores diferenciadores de la marca valenciana. Las últimas
novedades que pudimos ver en el Salone Internazionale del Mobile Milán 2013 no
dejan lugar a duda de que la firma sigue apostando por un diseño de vanguardia que
ofrece y crea ambientes únicos y exclusivos al más puro estilo mediterráneo. F3
Collection de Fabio Novembre es una colección basada en superficies matemáticas que
fluyen de forma libre hasta conseguir la función perfecta de cada elemento. A través
de las distintas piezas de la colección se consigue aunar sus funciones estética y funcional. Líneas de belleza escultural que nos ayudan a fluir a partir de su forma. Ciencia
matemática convertida en diseño. Ufo por Ora Ito es el resultado de "experimentos de
mutación genética" entre los lenguajes icónicos de pagodas y ovnis. Se trata de una
butaca, mesa y sofá que permiten crear distintas composiciones altamente adaptables
a espacios de exterior gracias a su forma elegante y su material resistente a la intemperie y adversidades. Biophilia Collection de Ross Lovegrove explora el lenguaje de un
nuevo diseño que constituye un diálogo entre tiempo, forma y espacio y que combina
el diseño de vanguardia orgánica de la Sagrada Famila de Antonio Gaudí, los conocimientos avanzados de Vondom en la técnica del rotomoldeo y los estudios de investigación sobre el proceso de transferencia digital en el diseño contemporáneo. Y, por último, el nuevo concepto Outdoor Rugs traslada el confort propio del interior de un hogar
al espacio exterior; así surge una colección de alfombras, duraderas y resistentes a las
condiciones adversas, un complemento nuevo en el universo del mobiliario exterior.
1
3
4
1. Outdoor Rugs. Alfombra de exterior F3 diseño de Fabio Novembre. 2. Asiento
Ufo diseño de Ora Ito. 3. Silla Biophilia diseño de Ross Lovegrove. 4. Silla F3
diseño de Fabio Novembre. www.vondom.com
ANTONIO FERNÁNDEZ ALVIRA
POP-UPS
POSMODERNOS
EN LA FASCINANTE OBRA DE ANTONIO FERNÁNDEZ ALVIRA (NACIDO EN HUESCA EN 1977 Y LICENCIADO EN
BELLAS ARTES POR LA UNIVERSIDAD DEL PAÍS VASCO), ENCONTRAMOS TANTO LA EXPERIMENTACIÓN COMO LA
TÉCNICA QUE HACE QUE SE DIFERENCIE DE LOS ARTISTAS DE SU GENERACIÓN. POR UN LADO, LOS DIBUJOS
REALIZADOS CON TÉCNICAS MÁS TRADICIONALES DEL DIBUJO COMO LA ACUARELA, GOUACHE O TINTA Y, POR
OTRO LADO, LOS REALIZADOS CON HILO BORDADO A MANO SOBRE PAPEL: TODOS ELLOS CONVERTIDOS EN
COMPLEJOS POP-UPS POSMODERNOS. HA PARTICIPADO EN NUMEROSAS COLECTIVAS Y FERIAS COMO JUSTMAD,
SWAB, ARTJAÉN O ROOM ART FAIR, Y EN DIVERSAS GALERÍAS E INSTITUCIONES NACIONALES E INTERNACIONALES
COMO GALERÍA CASA CUADRADA DE BOGOTÁ (COLOMBIA), OPEN GALERIE DE BERLÍN, GALERÍA PARADA 54 DE
MÉXICO, ARTHAUS66 DE ESTADO O ESPAI TACTEL EN VALENCIA.
Entrevista: Tactelgraphics / Foto: Antonio Fernández Alvira
Cuéntanos cómo fueron tus comienzos en el mundo de la producción artística. Desde que terminé la Facultad de Bellas Artes y me fuí a vivir a Madrid
he realizado diversos proyectos y he experimentado con técnicas y medios
expresivos, pero desde siempre mi medio artístico de expresión ha sido el
dibujo y su experimentación, ligado a la instalación y a la inclusión de diferentes técnicas y materiales como el bordado a mano sobre papel, de hecho
hay gente que considera mi trabajo como un dibujo escultórico, ya que
cada vez me salgo más del típico soporte y mis dibujos tienden a expandirse y elevarse tendiendo cada vez más a una tridimensionalidad. En tu obra
nos encontramos principalmente con el dibujo. Parece que es donde mejor
te desenvuelves, ¿me equivoco? Así es. De hecho, el dibujo es lo que siempre me llama más la atención y en lo que más me fijo e investigo cuando
voy a ver exposiciones o museos. Hace pocos años hubo en España un
redescubrimiento del dibujo, ya que este parecía que había quedado relegado como una modalidad menor, sin embargo el boom que hubo ha
hecho que redescubramos las posibilidades de este y la gran carga expresiva que posee. Háblanos sobre tu obra. ¿Te consideras más esteta que político? Considero que mi trabajo posee una carga de significación y mensaje
social, unida a lo estético, evidentemente, ya que nos movemos en territorios artísticos. Pero todo en mi trabajo está por algo, todos los elementos,
incluido el bordado, poseen una significación y razón de ser. La combina -
ción del bordado y el recorte simulando Pop-ups es muy característica en tu
obra. No te limitas al dibujo puro y duro. Mucha gente se sorprende por el
bordado y me pregunta si es a máquina o se lo encargo hacer a alguien,
pero no, lo hago yo mismo a mano. De hecho, cuando la gente contempla
las piezas siempre surgen conversaciones y comentarios en torno al hecho
de bordarlo a mano sobre papel. Para mí, si se lo encargara a alguien o lo
hiciera con máquina no tendría significado dentro de mi obra. El hecho de
elegir el bordado no es algo dejado a lo meramente estético. A través de
este hago referencia al hecho de la autoconstrucción, de ir construyendo la
personalidad día a día, vivencia a vivencia, siguiendo un dibujo preestablecido, sin salirte de él. Al igual que en la vida real, donde uno tiene que
seguir unos roles, comportamientos y asimilando los clichés que se presuponen para no ser descalificado, y de ese modo construir con ese hilo los
patrones que conforman ese traje que se llama masculinidad. El bordado,
típicamente asociado a lo femenino, adopta en mi trabajo una connotación
irónica al referirse a lo masculino. Aun así, el bordado resalta mucho. ¿Lo
consideras un elemento primordial? En mis proyectos anteriores el bordado
era el elemento primordial. Debido a que estaban más centrados en la construcción de la identidad masculina, los roles y clichés que se presuponen al
hombre. Precisamente con Constructing my identity, me concedieron la
beca Ramón Acín de Artes Plásticas, una experiencia satisfactoria.
El cuándo empecé a investigar e incluir el bordado en mi trabajo, pues fue
durante el tiempo que viví en Italia, allá por el año 2007, que aunque no fue
muy largo sí creo que me influyó a nivel estético. Tanto por cierto tipo de
composiciones clásicas, como por el uso de ciertos materiales y sobre todo
por decantarme de un modo definitivo hacia el dibujo y sus posibilidades. La
violencia parece una temática que te interesa bastante. Pero no es la única
que percibimos en el conjunto de tus obras. Actualmente estoy centrado en
temáticas relacionadas con la violencia, no solo física, y la familiarización
actual con esta, como medio auspiciado para conseguir destacar, tener
poder, honor, reconocimiento… a costa de lo que sea, sin importar los efectos o a quién perjudique. En este tipo de proyecto la ironía, la sutileza y el
preciosismo es el elemento que destacar. Para ello estoy realizando composiciones e imágenes preciosistas mediante la acuarela y la técnica de los Popups, en los cuales también incluyo imágenes bordadas, que visualmente son
agradables, con colores pasteles, armoniosas... pero que realmente están
representando imágenes con una carga elevada de violencia, y de la cual
solo nos damos cuenta una vez que contemplamos la pieza con calma, de
este modo esta violencia se está introduciendo en nosotros sin daros cuenta. Al igual que en nuestros días, donde estamos familiarizados con una
gran carga de violencia, de la cual no nos percatamos, e incluso consideramos normal. ¿La minuciosaidad y el barroquismo de tu trabajo a qué se
deben? El hecho de que mis dibujos sean tan minuciosos creo que aporta
una personalidad al trabajo, ya que precisamente me interesa mucho esa
contraposición entre la técnica sutil, delicada, y la dureza de la imagen
representada, esa figuras recortadas, delicadas, que dan sensación de fragilidad al estar realizadas en papel, pero que, por otro lado representan imágenes duras, personajes con cabeza de pistola, de guante de boxeo, girnaldas de balas, medallas y condecoraciones de guerra... ¿En qué andas meti do ahora mismo? Actualmente estoy inmerso en varios proyectos, como dos
exposiciones colectivas en las que participaré en el centro de arte contemporáneo La Térmica, en Malaga, y el pasado 26 de abril inauguré Nobody
Said it Was Easy en la galería Espai tactel de Valencia.
MILÁN DESIGN WEEK 2013
El necesario buen diseño
QUE ESTAMOS EN CRISIS ES HARTO SABIDO POR TODOS. ES UN TEMA
RECURRENTE DONDE LOS HAYA Y A SU VEZ ES LO MÁS CANSINO QUE ME HA
PASADO EN LA VIDA. LA DICHOSA CRISIS HA HECHO ESTRAGOS EN EL MUNDO
DEL DISEÑO: ESTUDIOS QUE CIERRAN, AMIGOS EN EL PARO, FUGA DE
CEREBROS A TODOS LOS PUNTOS POSIBLES DEL GLOBO… ¡BUENO, YA VALE!
QUE ES UN MOMENTO HORRIBLE ESTÁ CLARO, PERO ESO NO TIENE QUE SER
EXCUSA PARA LA PRODUCTIVIDAD Y EL TALENTO, Y ESO ES LA FERIA DE
MILÁN: LA ESPERANZA DE UN MUNDO MEJOR EN EL QUE EL BUEN DISEÑO ES
ABSOLUTAMENTE NECESARIO Y LOS ESTUDIOS Y DISEÑADORES BRILLAN POR
SU EXCELENCIA. SERÍA IMPOSIBLE MOSTRAR EN SOLO SEIS PÁGINAS TODO LO
QUE NOS GUSTÓ DE LA SUSODICHA FERIA, PERO SÍ PODEMOS HACER UN
PEQUEÑO RESUMEN DE ALGUNAS DE LAS (POR LO MENOS PARA NOSOTROS)
PROPUESTAS MÁS INTERESANTES; TANTO DE LA FERIA EN SÍ MISMA COMO DE
LA NUEVA ZONA DONDE EL DISEÑO, EL ARTE Y LA VANGUARDIA MÁS
CORROSIVA SE DAN CITA: VENTURA LAMBRATE.
Texto y selección: Tactelgraphics y Rubén Vidal
Estuvimos desde el martes en la apertura y nos fuimos el sábado a medio día. Como
siempre, esta feria es espectacular y sobre todo muy vanguardista, así que aprovechamos para hacer algunas fotos y observar las tendencias e ideas que puedan servirnos para nuestro trabajo. La verdad es que la feria es enorme y llega a ser agobiante hasta decir basta: es la más importante del mundo, se compone de veinte pabellones, más cuatro de iluminación y el Salón Satélite, donde pueden verse los prototipos de jóvenes diseñadores y las propuestas más radicales de algunas de las mejores escuelas del planeta. En la feria destacaría el estand de Moroso, con mención
especial a todo lo que producen con Diesel, que por enésima vez demuestra estar a
la última no solo en tendencias de vestir; el de Vitra, cómo no, que presentó no solo
los nuevos productos de Hella Jongerius y de Ronan y Erwan Bouroullec. También
muchos de sus clásicos han sido rediseñados en sus materiales, colores y variantes.
Además, todo el estand de la feria se creó con combinaciones armónicas de colores
de la novedosa biblioteca cromática de Vitra. El de Kartell atrajo a miles de personas
aunque técnicamente (hablando principalmente de las ilustraciones que lo envolvían)
dejaba mucho que desear. La empresa murciana Sancal presentó su colección Tierra,
que recreaba las tradicionales paredes blancas, seca tierra y persianas verde oliva del
sudeste de España. En este caso consiguió crear espacios alejados de las modas pasajeras. Fuera de la feria y sus pabellones, en Via Savona 56, el estand de Moooi lucía
unos ploteados con la obra fotográfica de uno de los mejores fotógrafos del mundo:
Erwin Olaf. Queda decir que solo por eso valía la pena pasearse por él.
1
1. Bucket Lamp Floor. Diseño de Studio Job para Moooi. www.moooi.com
2. Mafalda. Diseño de Patricia Urquiola para Moroso. www.moroso.it
3. Clarisa Hood. Diseño de Patricia Urquiola para Moroso. www.moroso.it
4 y 5. Float. Diseño de Karim Rashid para Sancal. www.sancal.com
2
Que los estands de Moroso son increíbles es sabido por todos. Que sus colaboraciones con Diesel sientan precedentes también… Pero su trabajo con
la actual "Señora Todopoderosa y Omnipresente" del diseño (con permiso
de Jaime Hayón, que ostenta el título en su versión masculina, claro está) es
otro tema. La diseñadora española presentó una colección de sillones con
estructura de madera y minisillones con respaldo en tejido termoconformado para la marca italiana. Esta nueva colaboración tiene por nombre
Mafalda, comprende asientos de dos tamaños fabricados en madera de
haya y con respaldos curvos profundamente moldeados y creados a partir
de fibras de poliéster reciclado. Un maravilla, pero de ella qué menos cabría
esperar. Tenemos Patricia Urquiola para rato, gracias Moroso.
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Karim Rashid, el enfant terrible del diseño industrial, nos propone con Float
un asiento para espacios de uso colectivo. Este ligero asiento flotante, con
pared incorporada que hace las funciones de biombo, concede total privacidad en entornos abiertos. Una de las principales características de los diseños de Karim son sus, a priori imposibles, coloridas combinaciones. Los productos Sancal son, en cambio, menos estridentes. Con Float han conseguido encontrar un equilibrio perfecto, puesto que se le concede mayor protagonismo a las texturas y se reservan las notas de color para pequeños detalles, como los reposacabezas o los cojines. Para cojines y reposacabezas
Karim también ha diseñado una serie de estampados denominados Cairo.
La colección está inspirada en su Egipto natal.
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1. Longwave. Successful Living From Diesel para Moroso. www.moroso.it / 2. Dozequince. Diseño de Francesco Sillitti para Gandía Blasco. www.gandiablasco.com / 3. Textile. Diseño de Ana
Llobet para Gandía Blasco. www.gandiablasco.com / 4. Galaxy Tables. Successful Living From Diesel para Moroso. www.moroso.it
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La empresa valenciana de mobiliario y complementos Gandía Blasco participó también en la feria, como cada año, vamos. Cabe destacar la apuesta por
los diseñadores jóvenes establecida por su propuesta Young Talents, con
Textile, de Ana Llobet, Arumi, creación de Emmanuel Gardin o DozeQuinze,
de Francesco Sillitti. En cuanto a Gan, la división de textil de la firma, destaca la aportación de Mangas, la creación de Patricia Urquiola y Sail, obra del
diseñador Héctor Serrano. Además, y por si fuera poco, presentaron la
colección Tropez de Stefan Diez, que acaba de obtener el premio
Wallpaper* Design Awards 2013, y en sus propias palabras: “se presenta en
el mundo del mueble de exterior sin pretensiones y con sutileza, como lo
haría una crisopa que se posa en un jardín con una línea muy bien definida
por un aspecto informal y flexible, inspirada en el mundo de los deportes de
los años 20 y 30. Tropez utiliza un lenguaje elegante de barcos de vela y bastidores de tenis, y aporta el confort del mueble doméstico al exterior. Gracias
a su plataforma construida sobre una base de perfil de aluminio extrudido
en la que se pueden fijar varios elementos, la pieza ofrece un gran nivel de
flexibilidad. Este carácter “léger” le imprime una identidad especial en paisajes arquitecturales y paisajes que no lo son”. Gandía Blasco volvieron a
pasar de todo menos desapercibidos. En cuanto a las piezas (o debería decir
piezones) de Successful Living From Diesel with Moroso me quedo con el
sofá Longwave, con esa reminiscencia tan sixties y motera; hay que tener en
cuenta el "trato de lujo" que le dan a materiales como el cuero, o las Galaxy
Tables que, al igual que las superficies de los planetas y mediante sus tres
acabados combinan mármol y cristal en espejo dándole un efecto de película de serie B enfocada a la ciencia ficción. ¡Space disco never die!
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1. Masa Miina de Kaamos. www.kaamosgroup.fi / 2. P.O.V. Cookie jar. Diseño de Nightshop para Dhph. dhph.com / 3. Avalon Designers. www.avalondesigners.com / 4. Tipi. Diseño de Laure
Kasiers. www.tipikit.com / 5. Masks. Diseño de Kosmos Project. www.kosmosproject.com / 6. Oma Floor Lamp. Diseño de Katrina Nuutinen para Kaamos. www.kaamosgroup.fi
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¿Quién ha dicho que la gente joven está amuermada? Este año la creatividad va de la mano de los diseñadores más jóvenes: en el Salone Satellite me
dejaron alucinado los finlandeses Kaamos Group con piezas como Oma
Floorlamp, pero lo que realmente impresionaba eran los diferentes proyectos en determinadas zonas de la ciudad, como Tortona, que después de más
de una década se ha quedado en gran parte obsoleta, y, cómo no, Ventura
Lambrate. Me llamó sobre todo la atención y el entusiasmo de estos jóvenes diseñadores, muy educados y atentos con los visitantes, que con pocos
medios y mucha imaginación llevan a cabo sus proyectos en el tan competitivo (y muchas veces cruel) mundo del diseño. En Ventura Lambrate se presentó la revista Design Speaking, apoyada por el showroom en Daal Gallery,
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con gente como Avalon Designers, o la zona esponsorizada por Diesel y el
festival Elita, con gente como Nightshop y sus productos para DHPH o las
máscaras y cabezas de animales de Collective Unconscious by Kosmos
Project, una auténtica maravilla. Para terminar, la única conclusión posible
que se me ocurre en torno a la Feria de Milán 2013 es que un diseñador que
se precie no puede faltar a la cita más internacional del diseño industrial del
mundo. Digo industrial porque el gráfico no parece acabar de encontrar su
sitio, aunque poco a poco empieza a abrirse paso, porque hay que recordarle a todos los diseñadores industriales que si son capaces de crear buenos
muebles en general, también deberían ser capaces de delegar en buenos
gráficos para sus imágenes corporativas y colaboraciones.
lo más de lo más / por Jacobo Sánchez
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1. Nudie Jeans, alfombras recicladas. Nudie Jeans defiende la posibilidad de
trabajar con la moda y la buena calidad, y a la vez tiene como objetivo un
consumo más sostenible. La firma cree en la larga vida de sus prendas y esta
temporada ha ido más allá, creando alfombras con denim reciclado. Ha
creado una manera de darle una nueva y larga vida a los jeans viejos:
triturarlos y convertirlos en preciosas alfombras. Alfombras disponibles en
Nudie Jeans concept Store Barcelona. www.nudiejeans.com
2. Cereal Magazine. Cereal Magazine llega a España en su segundo
número y cosechando un gran éxito. Cereal es una revista hecha con pasión
por la comida, por los viajes y por los libros. Concebida como un libro, en
cada edición trimestral encontraremos reportajes sobre diferentes destinos,
lugares, experiencias y alimentos. Destaca por su diseño sencillo y limpio,
una auténtica delicia para todos los sentidos. Hasta la fecha solo se vende
en la librería Dadá de Valencia. readcereal.com, www.libreriadada.com
3. Camp Daybed. La diseñadora Stephanie Hornig ha diseñado Camp
Daybed, un sofá-cama inspirado en el estilo campamento de verano. Se
trata de un cojín acolchado doble que va atado sobre una estructura de
acero desmontable. La funda nórdica también es desmontable y lavable. De
momento solo es un prototipo, pero esperemos que no se quede en eso.
www.stephaniehornig.com
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4. Únic Daily Goodness. Únic se presenta como un lugar de referencia en la
ciudad de Valencia. Basado en la fusión de tendencias, arte, diseño y
música. Un vanguardista y original concepto hecho por y para un público
joven, urbanita e interesado por un mismo lifestyle. Situado en pleno centro
histórico y en una de las zonas más efervescentes del barrio del Carmen, se
encuentran las dos plantas recién reformadas de Únic, con una decoración
muy cuidada y cosmopolita que se integra a la perfección dentro del marco
de esencia donde se encuentra. www.unicdailygoodness.com
5. Tattoonie. Tattoonie son tatuajes temporales poco convencionales. No
solo tienen una base de diseños propios, sino que han reunido a
influencers, diseñadores y artistas. Ya hemos podido ver las colaboraciones
de los ilustradores Ricardo Cavolo o Agustín Esteso, la diseñadora Miranda
Makkaroff, o el dúo de humoristas Venga Monjas. Pero todavía tienen más
de 20 guardados en la recámara. Además, los tattoos son resistentes y
elaborados con tinta a base de soja. www.tattooniedesign.com
news música - por Fernando Fuentes
Bravo Fisher! y El valle invisible
Bravo Fisher! presenta ahora, a través de Subterfuge, El valle Invisible, un
segundo álbum que él siente como si fuera el primero, que contiene diez
hits que buscan aproximarse al pop perfecto a través de bellas melodías,
estructuras clásicas, ritmos bailables y trabajadas letras en castellano.
Hombre orquesta posmoderno, Bravo Fisher! toca sintetizadores, guitarras, bajos y ukelele consiguiendo canciones emocionantes sustentadas
por una voz personal e inconfundible. Su música se mueve con fuerza y
vitalidad entre el electro, el indie y el pop más fresco. Bravo Fisher!: el do
it yourself que termina en aplauso general. www.subterfuge.com
¿SOLO SEIS GRADOS...?
Solo seis niveles nos separan de cualquier persona del planeta. Da
igual que sea de un famoso dj, de una bailarina hawaiana o del
presidente de Corea del Norte. Seis pasos. Seis grados. Seis, solo.
Sixdegrees pretende ser un punto de encuentro de amigos llegados
de todo el planeta para disfrutar juntos de la buena vida y la soleada
libertad de una siempre apasionante Ibiza. Encontrarás todo tipo de
tendencias y placeres en un evento alternativo -y exclusivo- que
conectará el mundo en menos de seis pasos, seis grados, seis beats.
La inauguración de Sixdegrees se celebrará el próximo 19 de mayo, a
partir de las 17.00 de la tarde, en el nuevo Hotel Santos, con las
actuaciones de SIS y Bushwacka; con el warm-up de Francisco
Allendes y Paola Poletto. Además, Hugo M2M D-Day pinchará en el
Special Lounge Area. www.sixdegreesibiza.com
MyLittleDog
MyLittleDog es un sello español, capitaneado por los veteranos Sergio Parrado y
Óscar Barila, con base en Valencia y Santiago de Chile. A lo largo de sus cuatro
años de vida han publicado referencias de artistas internacionales de la talla de Edu
Imbernón, SIS, Pablo Bolívar, Marco Effe, Aldo Cádiz, David Herrero, Arnaud Le
Texier o Tony Dee. Tras un año cargado de éxitos, han decidido dar la bienvenida a
la primavera de 2013 con una web totalmente renovada: en la página podréis enteraros de todas las noticias del sello, disfrutar viendo los vídeos y fotos de la sección
multimedia o bailar al ritmo de los podcasts de los djs de la familia MyLittleDog.
Paralelamente nos presentan su nuevo servicio de booking. La agencia cuenta con
la exclusiva para España y Europa de artistas como Martin Eyerer, Aldo Cádiz,
Ronan Portela, Arnaud Le Texier, Tony Dee o Pawas. www.mylittledog.org
FIB 2013, SUMA Y SIGUE
La penúltima tanda de incorporaciones para el FIB 2013 -el festival
indie nacional por antonomasia- vino encabezada por Beach House,
los chicos de negro de Black Rebel Motorcycle Club y el electropop
emocional de Dorian. Además, Bigott, Rudimental, And So I Watch
You From Afar, Smile, Grupo Salvaje, Attic Lights, The Child of Lov,
Soledad Vélez, Alba Lua y Pleasant Dreams se unen a los ya anunciados Beady Eye, Johnny Marr, The Killers, Arctic Monkeys, Queens of
the Stone Age, Primal Scream, Dizzee Rascal, Miles Kane, La Roux,
Kaiser Chiefs, Hurts, Jake Bugg y Azealia Banks, entre otros. El FIB
2013 se celebrará, como siempre, en el recinto de conciertos de
Benicàssim y este año cumple su XIX edición. www.fiberfib.com
ARENAL SOUND & OCIMAG
La cuarta edición de Arenal Sound tendrá lugar, del 1 al 4 de agosto, en
la playa El Arenal de Burriana y volverá a contar con dos fiestas de
bienvenida previas (30 y 31 de julio). Más de 100 artistas, seis días de
acampada frente al mar, fiestas en barco, piscina y muchas sorpresas más
que lo convertirán en una experiencia inolvidable. En el line-up
confirmado destaca la presencia de The Kooks, Editors, Kakkmaddafakka,
The Fratellis, The Drums, Chase & Status (live), Steve Aoki, The Bloody
Beetroots (live), Dorian, The Zombie Kids, We Are Standard, The Suicide
of Western Culture, etc. OCIMAG será, un año más, medio oficial de este
festival que cada año se va consolidando como una de las mejores
apuestas sonoras a orillas del Mediterráneo. www.arenalsound.com
19 años bailando por el desierto
La organización de Monegros ha anunciado los primeros nombres para su 19.ª
edición, que se celebrará el próximo 20 de julio, como siempre, en el desierto
de Los Monegros, en Fraga (Huesca). El line-up está compuesto por Underworld,
que actuará en directo, Public Enemy, en su 25.º aniversario, Richie Hawtin con
un dj set y visuales de Ali Demirel, Vitalic y su Rave Age Tour, el live de Feed Me,
The Bloody Beetrots, Marco Carola, Loco Dice, Joris Vorn, Paco Osuna cerrando
el festival, etc. Pero esto es solo el principio, aún quedan muchos artistas por
confirmar y un cabeza de cartel que será anunciado en junio, los cuales completarán las 20 horas ininterrumpidas de música. El desierto te llama y te pone a
bailar. www.mongrosfestival.es
MISS KITTIN
Más allá
del electro-clash
LA GATITA HA MADURADO Y -YA SIN THE HACKER- SE MARCA UN ÁLBUM
DOBLE EN EL QUE, ADEMÁS DE SU HABITUAL REGUSTO POR EL ELECTROTECH CLUBBY, DEMUESTRA QUE SUS CONOCIMIENTOS Y SENSIBILIDADES
SOBRE EL AMBIENT Y LA IDM SON MÁS QUE SUFICIENTES COMO PARA
ATREVERSE CON ELLAS PERGEÑANDO SUS PROPIOS TEMAS… EN FIN, QUE
ESTO SE LLAMA CALLING FROM THE STARS (WSPHERE, 2013) Y ES EL
NUEVO DISCO, EN RIGUROSA SOLEDAD, DE MISS KITTIN.
Entrevista: Fernando Fuentes
Caroline, si calificamos este disco como electrónica, sin más etiquetas ni
rollos, ¿estaríamos en lo cierto? Aquí es donde uno se da cuenta de las mentalidades: cuando uno es dj y produce música, esta es forzosamente electrónica. Hay música electrónica allá donde mires, pero si una estrella del R'n'B
canta con música electrónica, se dice que hace “dance”. Yo siempre he
hecho pop, desde Frank Sinatra. La gente apenas ha empezado a asumir
que se pueden componer canciones con un ordenador como un cantante
folk lo hace con un piano o una guitarra. ¿Por qué has querido escribir y
componer tú sola los temas de este disco, sin apenas ayudas? ¿Qué has querido demostrar con ello? Se trataba de demos sobre las que he vuelto a trabajar. Ni siquiera yo sabía que iban a dar buen resultado. No tengo ningún
problema en trabajar con otros, lo he hecho durante toda mi carrera. No
tengo que demostrar nada; el objetivo es hacer buenos temas. Por supuesto, da mucha satisfacción descubrir que uno lo puede hacer bien solo, pero
no es un fin en sí mismo. Tu tercer álbum está dividido en dos partes; la primera dedicada al baile, en la línea de tus anteriores trabajos. En la otra
mitad sorprendes con composiciones de ambient e IDM… ¿son las dos caras
de la misma moneda sonora? Por supuesto, porque ambas parten de la
misma persona con el mismo pasado musical. La electrónica de principios de
los noventa es parte de mi entorno musical desde siempre. Ya pinchaba a
Autechre y a Aphex Twin en mis sets desde el principio. Nunca pensé en
componer cosas del mismo género, pero me divertía intentándolo. Estos son
fragmentos que compuse en una habitación de hotel en vacaciones. Tienen
la misma textura sonora. Amo esos sonidos, ya sea para componer canciones pop o más atmosféricas. He utilizado los mismos instrumentos. ¿Y con
qué máquinas y software has trabajado en estudio para pergeñar este
disco? Un Mac, Cubase, algunos sintetizadores, una caja de ritmos, plugins
y un micro. Una de las cosas curiosas de este álbum es ver cómo ha evolucionado tu voz en estos diez años… La voz es un instrumento como cualquier otro. Nunca he ido a clase de canto, excepto una vez para ver si estaba tratando bien mi voz. Cuando uno sabe que la voz es el reflejo del alma,
aprende a utilizarla de otra manera, no cantando, sino interpretando. ¿Qué
queda en la actual Miss Kittin de aquella de los tiempos del súper hitazo
Frank Sinatra? ¿Qué piensas cuando escuchas aquellas letras frivolotas y
chisposas que hablaban solo acerca de la fama? Pienso en la ironía de todo
aquello. Reírse de un ideal de masas desde un pequeño pueblo de provincias y adentrarse en la selva de la música salvaje para que una canción nos
propulse adentro de nosotros mismos… Pienso en que Kurt Cobain se suicidó porque no soportaba aquello a lo que el éxito le había llevado. ¿Te
gusta que la gente te siga considerando como la reina del electro-clash? ¿Es
una etiqueta que te acompañará de por vida? Por entonces eso me parecía
ridículo. Hacía electro puro, del de Detroit, el de Kraftwerk. La palabra clash
no existía. La electrónica hoy en día ha adquirido otro sentido, ha reemplazado a la palabra techno. Eso le da más clase, pero es absurdo.
¿Te consideras una artista del pasado que todavía tiene mucho que decir en
la actualidad? Nunca lo he pensado. Yo me dedico a actuar y no a mirarme
el ombligo. Estoy demasiado ocupada para eso. Los temas más propiamente clubbys -caso de Flash Forward, Come into my House o Bassline- son cla ros ejemplos de un bello electro-techno evolucionado y bien pergeñado,
sofisticado y canalla… pero sin mucho riesgo… ¿es mejor asegurar que
jugársela cuando ya lo tienes todo ganado? En mi opinión ha sido justo al
contrario. Creo que arriesgarse es tratar de hacer música pop que no se
encuadra en nada, con sonidos más experimentales que el pop clásico. Pero
cuando compongo, afortunadamente no me pregunto si esto “es muy o
poco experimental, si me he arriesgado mucho o poco”. Me gusta un sonido, creo una melodía. Punto final. Si alguien se ha arriesgado en los últimos
veinte años, esa soy yo. No conozco a ningún dj de mi entorno que haga la
música pop que yo hago. Para el mundillo de DJing puede sonar muy
comercial, pero nadie se atreve a hacerla por miedo a las críticas del mundo
underground, cuando en realidad ya no queda nada de underground den-
tro del mundo dj. Dinos la verdad, ¿cuánto has echado en falta a The Hacker
en este disco? ¿Qué tipo de relación mantienes -laboral y personal- ahora
con él? Tras un álbum juntos, cada uno ha hecho sus propios proyectos. No
somos un grupo al uso, nunca hemos estado juntos; tenemos una relación
fraternal y familiar, y por eso es duradera. Nos vemos a menudo y volvemos
a trabajar juntos en lo musical cuando empezamos a echarnos de menos.
¿Cómo es el live que has preparado para presentar los temas del disco? Es
un live con un gran megamix de todo lo que he hecho. No diré nada más,
hay que verlo. Para terminar, Caroline, hagamos un poco de feliz memoria,
¿qué recuerdas de aquellos tiempos maravillosos y salvajes de actuaciones
en el Sónar Noche que terminaban en la playa de la Mar Bella a altas horas
de la tarde del día siguiente? Un golpe de calor enorme… Cogí una insolación y no pude ni ponerme la gorra: tenía las orejas quemadas… Estuve
enferma durante una semana. ¡Pero valió la pena! Desde entonces no voy
a la playa sin crema y gorro. De hecho, ¡ya no voy ni de after!
LASERS
SIMPLE
Y PURO
SOSIEGO EN MEDIO DE LA TORMENTA, EVASIÓN MEDIANTE EL BAILE,
ESCAPISMO HACIA ESTANCIAS MÁS FELICES PERO DENTRO DE LO
COTIDIANO, LUZ SINTÉTICA QUE CALIENTA COMO EL SOL… ESTAS SON
ALGUNAS DE LAS SENSACIONES QUE PRODUCE LA ESCUCHA DE ESTE
NUEVO EXCHANGE LEVELS (2013, IRREGULAR) DE LOS CATALANES
LASERS. REINTERPRETAR Y CONTEMPORANEIZAR EL HOUSE, DESDE EL
POP Y ALEDAÑOS, LES SALE DE MARAVILLA A ESTOS TIPOS, OIGA.
Entrevista: Fernando Fuentes / Foro: Jordi Castells
Aló Lasers, en este Exchange levels giráis hacia una electrónica más terrenal,
urbana y carnal y eso os ha sentado de maravilla… ¿era necesario bajar de
aquella bella nube sintética que supuso ser Juno y enfrentaros a la realidad
pura y dura? No sabemos si era necesario bajar o no, pero es algo que nos
apetecía hacer, hacer las cosas más simples y con un sonido más puro, sin
tanta capa… Era algo premeditado el sonido de este disco. Teníamos ganas
de ver las cosas claras y pulir la producción. Sosiego en medio de la tormenta, evasión mediante el baile, escapismo hacia estancias más felices pero
dentro de lo cotidiano, luz sintética que calienta como el sol… Estas son
algunas de las sensaciones que me produce la escucha global de este
Exchange levels… ¿qué os parecen? ¡Son buenas sensaciones! Sí que puede
haber temas que transmitan diferentes estados de ánimo o sensaciones,
aunque no es algo premeditado, sino más relacionado con cosas que nos
apetecía hacer o con nuestra situación personal. Si realmente conseguimos
transmitir todo eso a la gente que escuche el disco, nosotros estamos más
que contentos. Antes de nada, lo que salta, a la primera escucha, es que
pergeñando este álbum os lo habéis pasado pipa… ¿estamos en lo cierto?
La verdad es que sí. Hemos hecho muy relajadamente todo aquello que queríamos hacer, sin ninguna prisa ya que ahora tenemos nuestro propio estudio y funcionamos sin la presión económica que supone normalmente grabar un disco con un límite de horas y días, etc. Eso ha hecho que, a pesar
del calor del verano, nos lo hayamos pasado muy bien haciéndolo. Además
lo hemos grabado y producido nosotros mismos, así que la diversión ha sido
doble. Pianitos, arpergios por doquier, ramalazos funkoides, sintes mayús culos… aquí hay mucho años noventa, ¿verdad? Nos hemos fijado en discos de esa época, pero también en cosas de ahora, actuales. El house siempre está presente, aunque adaptándolo a nuestra forma de ver las cosas, o
lo que podemos hacer dentro de nuestras posibilidades. Hay muchas cosas
de esa época increíbles. Pero algo de años ochenta también tiene, ¿no? Si
decimos que ese disco es, sobre todo, una reinterpretación y contempora neización del house… ¿nos habríamos vuelto tarumbas? Uf, igual son palabras mayores... Sí que lo hemos hecho a nuestro modo... pero desde luego
no pretendemos tampoco reinterpretarlo, igual sí que es un poco locura
decirlo… Una de las características y constantes de este disco es su perma nente groove… ¿cómo se logra mantenerlo durante todo el disco sea cual
fuere el tema y su naturaleza? Quizás es algo a lo que hemos dado más
importancia en este disco, sí pretendíamos que los bajos o las bases fueran
claras y entendibles... Simplificar las cosas nos ha ayudado. Comenzar con
ese house primigenio y subterráneo de … Roof down es toda una declara ción de intenciones, ¿es por eso que con este tema abrís el disco para dejar
las cosas claras desde el principio? Fue hecha con la intención de que fuera
una intro, y aunque es muy cruda, nos parecía muy representativa del disco.
Desde el principio te das cuenta de cómo va a ir todo, y tienes tiempo de ir
metiéndote en el rollo. Además nos encajaba con el disco.
No contentos con ello recibimos entre pecho y espalda Come over -quizá el
mejor tema del álbum- se trata de un hitazo houssie-dream-pop juguetón y
muy pinchable, al más puro estilo bRUNA o Shelby Grey… ¿parece evidente que la conexión catalana entre artistas que compartís prácticamente los
mismos gustos, e influencias, es clara, verdad? Es curioso. Sí que hay una
serie de artistas que hacen este tipo de música que puede guardar cierta
relación, y con los que compartimos influencias y tal, pero si te somos sinceros no tenemos contacto con prácticamente ninguno de ellos... al menos
directo. Respecto a Come over podría ser quizás el tema más directo, es más
clásico que los demás y más reconocible. ¡Lo tocamos desde hace tiempo en
nuestros directos y nos divertimos mucho con él! Finalmente, Lasers, a final
de este año va a haber tortas para disputarse el título de “mejor disco del
año”… ¿no es curioso que todos los candidatos a ello, y de momento, viváis
tan cerca y os conozcáis tan bien que parece que os habéis conjurado, al
frescor de unas cañas, para hacernos sufrir a los periodistas con una serie de
discazos de primer orden y máximo top? Nos hace ilusión que nos digas esto
y te lo agradecemos, no contábamos con nada de eso, si a alguien le gusta
el disco, nosotros ya estamos más que contentos y agradecidos, en serio.
Estamos en una época de mucha creatividad, no sé por qué, donde no
paran de aparecer discazos por doquier... ¡¡y los que quedan!!
IDEALIPSTICKS
Rock & Roll bipolar
NO SOLO NO OCULTAN SU LADO MÁS SALVAJE, SINO QUE ALARDEAN DE ÉL EN UN DOMINIO
PERFECTO DEL INSTINTO PRIMARIO. SUMERGIDOS EN EL CAOS CREATIVO, AUNQUE CON LAS
IDEAS MUY CLARAS, SON AMANTES DE LA IMPROVISACIÓN VITAL Y SÓNICA. MITAD
HUMANOS, MITAD ANIMALES BEBEN DE LA MOTOWN Y HACEN DE LO RETRO UNA
NECESIDAD. ACTITUD PUNK, BRILLANTINA Y SENSUALIDAD. CON HUMANIMAL, SU DISCO MÁS
ROTUNDO, EL DÚO DE GUADALAJARA REGRESA PROVOCADOR A LA ESCENA EN LA QUE
LLEVAN QUINCE AÑOS CONVIVIENDO CON LAS LUCES Y LAS SOMBRAS. INTIMIDAD VISIBLE.
ENTROPÍA QUE VA VESTIDA DE CUERO Y SUENA A ROCK & ROLL.
Entrevista: Sara Morales / Foto: Catws
¿Quiénes son Idealipsticks, de dónde habéis salido? Nosotros veníamos de
otra banda llamada Suitcase y acabamos un poco asqueados del mundillo.
Nos largamos y nos fuimos a vivir a Londres y allí empezó a tomar forma la
idea de montar una banda los dos. Hacerlo para nosotros, sin salir a la carretera ni dar conciertos. De aquella etapa salieron tres o cuatro canciones que
luego han ido incluyéndose en nuestros discos. ¿Qué conserváis de aquellos
inicios? Esto es como cuando un partido político asienta unas bases y unos
principios antes de empezar. Y eso sigue ahí. Vamos a tocar para divertirnos.
Vamos a tocar lo que nos dé la gana en cada momento, sin hacer caso a
nadie, sin dejarnos deslumbrar por nadie, ni discográficas, ni mánagers ni
gente que te encumbre ni que te chafe. Queríamos manejar esto nosotros.
¿Os autoproducís vosotros entonces? Sí, sí, desde el primer disco. Vamos
teniendo colaboradores, pero estamos siendo dictadores nosotros. Doble
esfuerzo, pero doble recompensa también, ¿no? Es más curro porque tienes
que organizarlo tú, moverlo tú… Y eso es más trabajo, más curro. Pero
cuando funciona es doblemente gratificante. Me sonáis a grupos como The
Ettes, The Long Blondes o incluso Hole… ¿Vuestras influencias musicales
parten de la new wave? Algo hay, sí. Tiramos mucho de los clásicos. Ten en
cuenta que musicalmente nacimos en los 90, Nirvana y todo este rollo de
Seattle es lo que escuchábamos con 14 y 15 años y de ahí hemos ido tirando para atrás. Sin embargo, a veces se notan ciertos dejes setenteros… Me
vienen a la cabeza grupos como The Runaways o el propio Johnny Cash…
Claro que sí. Un rollito country americano en algunos temas. Incluso cincuenteros. Con tantos palos como tocáis finalmente cómo definiríais vuestro sonido? Rock & roll. Es verdad que nos gusta jugar y explorar con todo.
A veces sonamos swing, blues, punk, pop… No nos cerramos. Pero lo nues-
tro es el rock & roll. El tiempo que estuvimos en Londres nos abrió mucho la
mente, abrimos las puertas a mucha música. Cuando surge Idealipsticks, en
España se mueve una escena que apuesta por la indie electrónica con gru pos con una actitud muy parecida a la vuestra como Cycle, Krakovia…
¿cómo convivisteis con ello? Siempre nos hemos visto más cerca de grupos
de rock, como pueden ser Cápsula. Nunca quisimos ni queremos ocupar el
nicho electro. Centrémonos en Humanimal, vuestro nuevo disco… Un concepto con dualidad, bipolaridad… ¿quién es el animal y quién el humano de
los dos? De humano tenemos poco los dos (risas). Y cada vez que conoces
más al humano, menos quieres tener parecidos con él. Nos gusta la parte
animal en el sentido de la intuición, la naturalidad con la que surge todo,
más improvisado, menos pensado todo. Tenemos una melodía en la cabeza
y ya empezamos a darle forma. A partir de ahí es cuando empieza nuestra
parte humana. El productor te coge por banda y te dice que hay que hacer
las cosas bien y más ordenadas, con un sentido. Nosotros somos más caóticos. Qué prima en vosotros, ¿letras o música? Normalmente la música.
Trabajamos con ello por separado y luego lo unimos. La música nos suele
decir lo que tienes que contar. Humanimal se ve que es un álbum más tra bajado, con respecto a los dos anteriores. Hecho más a conciencia. Sí. Nos
hemos desmarcado un poco del lo-fi y ahora presentamos un sonido más
complejo. Es un poco lo que buscaba también Paul Grau, nuestro productor. Queríamos más estudio y menos carretera. Trabajarlo todo más tranquilamente y salirnos un poco del sonido garage. ¿Esto significa que difiere
mucho el sonido del estudio del directo? Esto precisamente es lo que nos
dice Paul Grau. Que una cosa es el disco y otra el directo. Nos gusta ser muy
fieles al disco cuando estamos en el escenario.
Evidentemente la actitud en directo es mucho más potente. Pero en este
disco sí que tuvimos un poco más de miedo porque tiene mucho detalle, y
siempre entran las dudas sobre cómo llevar esos matices al directo. Y al final
lo estamos llevando muy bien. De hecho estamos metiendo más texturas en
el directo que en el propio disco. Nos sentimos cómodos e incluso improvisamos. From the Pavement, el primer single… Susurros, suspiros, silencios
bien escogidos, seducción… ¿es el tema que mejor os define en esta nueva
etapa? Quizás no es el que mejor nos defina en general, creemos que ese
es Very Very que es más nuestro rollo. Pero sí uno de los temas que más nos
ha gustado cómo ha quedado. Es un tema que salió en el estudio, sin
maqueta previa… Solo teníamos una melodía en la cabeza. Empezamos a
tocarla, a darle forma y salió. El disco empieza con Very Very, el segundo
single, pero sin embargo Front the Pavement es el último track. Sí, nos dio
la gana situarlo justo al final. Es una manera de acabar el disco por todo lo
alto, a lo grande, empiezas arriba y acabas arriba también. Luego volvéis a
vuestras raíces punk con Why Don't You Leave Me… ¿Con qué sonido os
sentís más cómodos? Con esta canción hubo dudas. Al principio a la gente
que le enseñamos este tema le parecía demasiado punk, como que se salía
un poco del tiesto en comparación con el resto del disco. Pero nos flipaba
precisamente por eso. ¡Así que para dentro también! Este tema es como un
resumen punk, y para el directo es bestial. Es un tema muy del estilo de
nuestro primer disco. Y, Jave, tú en Walking te atreves a cantar… ¿cómo te
sientes ante el micro?, ¿por qué no lo haces más? Está bien cantar alguna,
pero como las comparaciones son odiosas se lo dejo a ella que es lo suyo.
La seducción, la provocación y ciertas connotaciones sexuales, patentes en
vuestra imagen y vídeos… ¿teméis que se os tache de grupo de pose y no
paren a analizar vuestra música? A nosotros a estas alturas de la película nos
da igual. Con el primer disco sí se nos tachó un poco de prefabricados.
Parecía que con nuestra estética y venidos de ningún sitio no podíamos
hacer esta música. Así que ahora no nos preocupa en absoluto. Creemos
que quien opina eso es porque no nos ha visto en directo. Idealipsticks no
tiene trampa ni cartón. Que nos gusta hacer el chorra y la pose, sí. Creemos
que es espectáculo y que hay que salir elegante al escenario, como hacían
en los 50. Hay que prepararse, pero eso no está reñido con hacer buena
música. Darlo todo es darlo todo y estamos hablando de rock & roll.
Definidme con una palabra vuestros discos. Radio Days: animal, Sins &
Songs: humano y Humanimal: humanimal. ¿Cuáles son vuestras influencias
no musicales? Somos super fans de Woody Allen. Coffee & Cigarettes nos
encanta y nos inspira, y también la física. Leemos muchos libros de ello.
JOE CREPÚSCULO
Bestia ibérica baila
PERGEÑADO ÍNTEGRAMENTE DESDE TIERRAS MALLORQUINAS,
ESTE BAILE DE MAGOS DE JOE CREPÚSCULO REIVINDICA LA
MAJESTUOSIDAD DE LA ESCENA DANCE DE LOS 80 EN
MALLORCA FRENTE AL HORTERISMO IMPERANTE IBICENCO. Y
ADEMÁS CONTIENE UN HITAZO QUE PASARÁ A LA HISTORIA… Y
ES QUE “MI FÁBRICA DE BAILE” ES EL MEJOR QUEMAZAPATILLAS
NACIONAL DE LO QUE VA DE NUEVO SIGLO, OIGA.
Entrevista: Fernando Fuentes
En este adelanto de Baile de magos que es Mi fábrica de baile te muestras
más bailongo, electrónico y disco-popero que nunca… ¿se puede conside rar más que como una evolución propia de tu sonido como una salida de
armario, o de madre, puramente eurohousera? Ni una cosa ni la otra.
Simplemente he desarrollado una vertiente dance que en ocasiones despuntaba en los discos anteriores pero que nunca fue la columna central como
lo es aquí. ¿El dance español es uno de los géneros más vituperados vs. más
a reivindicar a través de trabajos como este? Cuando era más joven iba por
Chasis, Pont Aeri y Orbital y escuchábamos mucho este tipo de música bacalao. Luego vino el house soft y esas cosas nos hicieron ver que siempre habíamos sido muy puros y con mucho switch, pero dentro de nosotros aún se
esconde la bestia ibérica. ¿Es cierto que para el disco has utilizado vieja
maquinaria sintética, propia del dance noventero, para que todo fuera lo
más similar y puro posible? ¿El dance retro, para serlo de veras, tiene que
estar obligatoriamente hecho con cuatro duros? Hemos utilizado muchos
sintetizadores arcaicos y analógicos, también es verdad que podríamos
haberlo hecho con plugins pero en este caso no ha sido así. ¿Dónde radica
la brutal independencia del sonido de Joe Crepúsculo? He sacado lo que me
apetecía hacer sin fijarme en lo que cae o lo que se lleva o deja de llevar.
Reza tu web que la temática central es la pérdida de valores de la juventud
en una sociedad en declive, así como la dicotomía entre el poder y el que rer, y sobre todo el cada vez más intenso desarraigo de un conjunto de la
comunidad consigo misma… ¿y todo eso qué tiene que ver con el bailon go, el caderazo y el frenesí que destila este disco? Me hacía gracia e ilusión
juntar dos asuntos que creemos debieran ser opuestos, como la música de
baile y la canción protesta, hablar sobre todo de la juventud en sus distintas
vertientes y chaladurías. El disco cuenta con dos únicas colaboraciones de
lujo, Russian Red por un lado, que canta en Leyenda y Luis Troquel, perio dista y compositor, autor de la letra de Uno de los dos… ¿por qué ellos y
por qué no? Había muchas ganas de hacer cosas con ellos, se lo propuse y
me dijeron que vale. Es evidente, salta a la primera escucha, que Mi fábrica
de baile es un hitazo instantáneo… ¿hasta cuándo en España habrá que
pedir perdón por facturar clásicos populares imperecederos de esta talla? Yo
aún no he pedido perdón a nadie. ¿Qué remixeros -oriundos y foráneos- te
gustaría que pusieran las zarpas sobre los temas de este nuevo trabajo? Me
haría mucha ilusión oír remixes de Hidrogenesse, Skrillex, Cassius, The
Prophet y Zedd. ¿Y para cuándo un DJ Crepus dándolo todo en el Sónar?
Ya he pinchado varias veces en la isla, ahora espero dar el salto a la península. Para terminar, Joe, ¿es cierto que darías dos dedos de tu mano izquier da por haber firmado el Magic de Chucho, léase tu colega Fernando Alfaro?
¿Ha tenido algo que ver Alfacrepus en todo este descacharre eurohoussie?
Me encanta Magic de Chucho, es verdad; Alfacrepus estamos trabajando en
nuestro segundo ep y, aunque va por otros caminos, me imagino que al final
la música es como una red a la que todo escapa y se agarra a la vez.
DORIAN
Madrid tiembla con La velocidad del vacío
Crónica y foto: Sara Morales - 25/04/2013, Joy Eslava. Madrid
El llenazo estaba garantizado. Dos fechas consecutivas para satisfacer al
público madrileño, en una Joy Eslava abarrotada, con unos Dorian abrazados por el éxito y alzados ya a la categoría de imperecederos. La cita estuvo
precedida por BB Brunes, grupo francés de garage rock, elegidos para telonear esta gira en la que, precisamente, los de Barcelona han hecho su primera incursión seria en el país galo. Gran descubrimiento el de estos new
elegants parisinos que, por momentos, recordaban a The Bravery. Pero lo
que allí nos reunía era comprobar que, La velocidad del vacío, el disco
menos eléctrico de Dorian hasta la fecha, no perdía fuelle sobre el escenario. Por parte del público los deberes estaban hechos. Las canciones bien
aprendidas, expectación y ganas. Por parte de Marc y los suyos, definitivamente, potencia, actitud y entrega. Pero empecemos por el principio. La
génesis tuvo lugar con la instrumental Los placeres efímeros. Atmósferas
sónicas de color rojo, mientras los cinco de negro se acomodaban para
comenzar Ningún mar. Con la desgarradora Tristeza el líder, en un baile
espídico, puso a prueba su voz. Y para romper el ritmo de la novedad, Verte
amanecer. Estallido general en la Joy Eslava que continuó con dos joyas de
La velocidad del vacío, Soda Stereo y El temblor. El ritmo alcanzado era
imparable. Y ahí arriba, en ese clímax, un regalo para los fans veteranos,
Más problemas. Gracias. Horas bajas, La mañana herida, Cualquier otra
parte y Paraísos artificiales. Acertado recorrido por su discografía que remataron con Arde sobre Mojado, otra perla del nuevo disco, defendida por
Marc entre el público, guitarra en mano. La letra de Las palabras recitada a
modo de poesía fue uno de los momentos más emotivos de la noche. Con
La tormenta de Arena enloqueció la sala. Y mientras caían globos blancos y
pompas de jabón hicieron sonar enérgico el single Los amigos que perdí. El
inevitable adiós fue sorprendente. Un escenario vacío y cinco almas más
entre la masa, interpretando sin cables Tan lejos de ti, tema de su segundo
disco, con el que comulgaron con sus incondicionales y nuevos adeptos.
CYAN
El color de una energía oculta
Crónica y foto: Sara Morales - 11/04/2013, El Sol, Madrid
La llegada de Delapso, la tercera referencia discográfica de Cyan publicada
hace tres meses, alteró el orden mental de muchos. El considerable cambio
de tercio en su sonido, mucho más eléctrico y complejo si lo comparamos
con su primer y segundo álbum, Cyan e Historias para no romperse respectivamente, ha supuesto en el grupo barcelonés un punto de inflexión en su
trayectoria. Con él, por fin ponen de manifiesto su potencia; esa que se
dejaba entrever en temas pretéritos como En mi nave, pero que ahora pisa
arrolladora con creaciones como Ballet mental. Si su directo siempre ganó
con respecto al estudio, ahora, con Delapso se comen el escenario; este se
les queda pequeño, les sobra energía y les falta tiempo para seguir merendándose su propio producto bocado a bocado, canción a canción. Y así ocurrió en la madrileña sala El Sol, con un sold out de antemano que auguraba
una noche vibrante y épica que no decepcionó. El concierto comenzó con
Aquitania, tema del nuevo disco a medio camino entre lo que fueron y lo
que son. Toda una declaración de intenciones. Javi Fernández, alma y líder
de estas microhistorias, a veces sentado al piano, a veces devorando el espa-
cio, entregado siempre. Respaldándole, los otros tres de Cyan: aceleradas
guitarras de Jordi y Gorka, y una fuerza inagotable que venía desde atrás a
manos de Sebas, imparable drummer. También José Tejedor que, al bajo, los
acompaña en esta gira. El tránsito del pop melódico al rock alternativo trascendental y poliédrico de ahora quedó claro con temas como Frovocador,
Belva y las rescatadas Volando eléctrico y Mecanismos nocivos. Ese híbrido,
compuesto por un melancólico e intenso discurso y los apoteósicos golpes
de baqueta y riffs, tomó forma con Philippe Petit, Enfilando tu hoguera y Un
colectivo de raro propósito, las grandes apuestas de Delapso. No faltaron En
mi nave y Turistas heridos, tesoros de su segundo disco. Así como Salitre,
versión del original de Quique González, que lejos de sosegar el ambiente lo
arrasó. Los medios tiempos de Calma fueron la representación de su obra
más remota. Un pasado que arrastran con honestidad y elegancia, al que
han sabido darle forma hasta llegar a la rotundidad del espectro azul que
son hoy. Transparentes pero sólidos, como el color que los define.
de analógico a digital
CRIMEA / ANOTHER (HELL YEAH RECORDINGS)
Lo de amalgamar post-rock y cosmic-disco está muy de
moda, pero estos dos italianos, además de hacerlo
especialmente bien, ya lo pergeñaban antes de
convertirse en una especie de peste que atufa oídos
desprevenidos, oriundos y foráneos. El caso es que este
Another supone el segundo disco de Crimea y a través
de este siguen explorando la mejor forma de meter en
el mismo saco guitarrazos intergalácticos, pianitos
sintetizados, retro marcianadas varias y demás
parafernalia disco-rock y la cosa les sigue dando para ir
comiendo, vaya. El mejor ejemplo de ello son los temas
Essential, Yev y Floordance track, en los que el italiano
marida sin colisión con el house-disco y hasta con el
dream-pop. En fin, que nunca harás dos horas de cola
en la puerta del Nitsa para verlos, pero su apuesta
retrofuturista es chula, pintona y hasta atrevida por
naif. (Fernando Fuentes)
THE ASPHODELLS / RULED BY PASSION, DESTROYED BY LUST (ROTTERS GOLF CLUB)
Algo en lo que esté implicado Andrew Weatherall es,
como mínimo, brillante. Puede que se trate de uno de
los productores más influyentes de la música actual.
Quiero decir, este es el tipo que promocionó a Paul
Oakenfold de chaval; el productor del disco más
famoso de Primal Scream, creador de las remezclas
más conocidas de New Order o Björk. Un inglesito
cualquiera, vaya. En The Asphodells, Weatherall se ha
unido a Timothy J. Fairplay, al que conoció por Battant,
y ambos se han marcado un álbum debut inspirado en
la literatura, titulado Ruled by Passion, Destroyed by
Lust. Se reconoce la extraña necesidad de Weatherall
por una línea de bajo que navega como un timón cada
tema, cosa que le acompaña en casi cada proyecto.
Pero a él se añaden gamberros toques de
sintetizadores, guitarras que se lamentan sobre
algunos temas donde las voces, a veces, aparecen
canturreando de forma grave y lánguida. Un sonido
retro, repetitivo, crudo, oscuro e hipnótico para dejarse
llevar por la pasión. (Catalina Isis)
EKKOHAUS / NO SCHOOL (MOON HARBOUR)
El griego Ekkohaus debuta en larga duración con este
digno No School, en la disquera Moon Harbour, en la
que viene desde 2008 dándose unas cuantas alegrías
sintéticas en forma de EP. Esta nueva colección de
temas, jugando con maquinitas analógicas, plug-ins y
sintetizadores, logra sumergirnos en una nebulosa
house -más bien deepera y vespertina- en la que no
faltan líneas de saxo, pianos rhodes y todo eso que tan
bien le sienta al género de Chicago, aquí diestramente
revisitado. El disco en sí es fino y de agradable
escucha, a eso de la hora del café tras la cena, pero no
suma nada nuevo al asunto y se queda en una nueva
apuesta de 4/4 en el que se suceden el jazz, el funk, el
dub, el disco, etc. En fin, que te alegrará esos ratos
clubbys en los que “ni chicha, ni limoná” pero no será
nunca uno de tus álbumes favoritos del año. No es mal
comienzo, pero de momento de este Ekkohaus lo que
más nos mola es el nombre. (Fernando Fuentes)
LITTLE BOOTS / NOCTURNE (ON REPEAT)
¿A quién intentamos engañar? Esta chica quiere éxito.
Coge ingredientes de Kylie Minogue, Madonna y Lady
Gaga, añade un poquito de ABBA y busca un sonido
gay friendly diva-disco consiguiendo un trabajo que es
incluso resultón. A ratos. Y es que Victoria Christina
Hesketh lleva unos cuantos años haciendo música.
Desde un inicio con su grupo de chicas electro-punk,
Dead Disco; la vocalista más conocida como Little
Boots ha decidido hacer un plan de ataque a
discotecas y pretende subirse al carro que capitanean
La Roux o Ladyhawke. Para ello, cuenta con
productores como Andy Butler de Hercules and Love
Affair, Pascal Gabriel de Bomb the Bass y James Ford
de Simian Mobile Disco. Todo ello bajo el mando de
Tim Goldsworthy de DFA. ¿El resultado? Un disco al
que le faltan happy-hits como Headphones y tiene
demasiado medio-tiempo. O vas de serio, o vas de
bailongo. Ese lugar intermedio es confuso… Pero me
da un placer enfermizo escuchar la combinación
cencerro/láseres de Confusion. (Catalina Isis)
MAJICAL CLOUDZ / IMPERSONATOR (MATADOR)
Es inevitable. El lugar donde estás tiene que afectar a
quien eres. Sobre todo si es un sitio frío, vacío, donde
el viento agita los árboles desnudos mientras la nieve
serpentea hacia el suelo. Ahí es donde vive Devon
Welsch, un pequeño lugar entre Montreal y Ontario,
donde las primaveras estallan y los inviernos se
hinchan entre las hojas de arce caídas. Y ahí es donde
Devon creó su primer trabajo II, editado online, que
atrapó la atención de Merok Records, sello desde el
que ha saltado a Matador para su segundo largo.
Ahora, junto a Matthew Otto, han lanzado
Impersonator, donde pulen incluso más, si es posible,
los sonidos fantasmagóricos de II, rebajando su
intensidad, dando más protagonismo a la línea vocal y
hurgando en los sonidos, sus sombras y sus
significados. Con letras que versan sobre la muerte, la
soledad y el miedo, Majical Cloudz se adentran en la
oscuridad y la melancolía, acompañados de ligeros
sintetizadores y vagas melodías. Déjate llevar de la
mano hacia el frío. (Catalina Isis)
SANDWELL DISTRICT / FABRIC 69 (FABRIC RECORDS)
¡Oh, dos bestias pardas del technazo europeo Regis &
Function -bajo su alias común de Sandwell District- se
marcan un Fabric juntos! Pues ineludiblemente algo
bueno, camaradas. Y así es, en esta sesión enlatada
para la famosa discoteca y sello londinense estos dos
tipos demuestran que tras esas corazas technoides hay
corazoncito y una gran sensibilidad que les permite
introducir en un mismo set pasajes profundos, rarunos
y experimentales para ir avanzando hasta un final en el
que ya muestran, sin tapujos, su regusto por el techno
de pelo en pecho y amplio regusto a Birmingham,
Berlín… y Detroit, claro. Y es que si uno tira en el
track-list de gente como Carl Craig, Plastikman,
Surgeon, James Ruskin o Laurent Garnier es casi
imposible que la cabra no tire al monte… En definitiva:
un estupendo e inquietante mix de techno con menos
contemplaciones que Rajoy pegándole tijeretazos al
estado del bienestar patrio. (Fernando Fuentes)
SMALL BLACK / LIMITS OF DESIRE (JAGJAGUWAR)
No lo entiendo. De verdad. Este grupo era interesante,
curioso. Les picaba mezclar géneros, darle al electro
pop un toque de bases rotas del hip hop, un poco de
punk, algo de oscuridad vaporosa. Compré Small Black
y Chains hasta en vinilo, solo porque sí. Y ahora lanzan
un disco como Limits of Desire. ¿Qué les ha pasado?
¿Les ha dado mucho el sol? ¿Nueva York ha derretido
su creatividad? Es como si a Small Black les hubieran
pasado por un verano hippy playero y una compañía
de ascensores les hubiera pagado para hacer su nueva
banda sonora. Limits of Desire es electro pop
ambiental, bailable y bonito. Tiene baladitas monas
como Sophie, Canoe o Shook Loves y un puñado de
cortes pisteros. Pero es como si escucharas todo el rato
la misma canción. El problema es que no me parece
malo el disco, me parece aburrido. Y eso me da penita.
Voy a ponerme otra vez el disco de The Asphodells
para alegrarme el día. (Catalina Isis)
NICOLE MOUDABER / BELIEVE (DRUMCODE)
Esta emergente productora londinense -de nariz
aguileña y pelo rizado azabache- se ha propuesto
hacerse un hueco en la escena techno europea por
méritos propios y con este Believe -que le edita la
prestigiosa disquera technoide Drumcode- ha
escarbado muchos centímetros en esa pared de dura
piedra de la cueva tech. Este disco destila pista y baile
por los cuatro costados; en todas las pistas hay
bombo, oscuridad, sensualidad maquinal y los
suficientes gramos de underground para que haya
llamado nuestra atención. Temas como Come and Lady
-industrial y metálico hasta la médula- o Movin On con
ese bajo tremendo y pesado son armas de baile masivo
en cualquier dancefloor que se precie. En fin, que la
gente de Drumcode sabe muy bien, siempre, con
quién se juega los cuartos… qué duda cabe tras
escuchar este disco. (Fernando Fuentes)
MONDO CAMO
Texto y selección: Rosario Muñoz y Rubén Vidal
01
EL ARTE DEL CAMUFLAJE ES UNA DISCIPLINA QUE HA TRASPASADO LOS LÍMITES DE LA ESTRATEGIA MILITAR
PARA CONVERTIRSE EN UN IMPRESCINDIBLE EN EL CAMPO DEL DISEÑO. NO PODEMOS CERRAR FILAS EN
TORNO A LA INDUSTRIA DE LA MODA PORQUE EL CAMO VA MÁS ALLÁ DEL STREET WEAR, DE LAS
PASARELAS DE PRÊT-À-PORTER Y DE LA ALTA COSTURA, ESTA TENDENCIA SE HA COLADO EN NUESTROS
ESPACIOS PRIVADOS PARA ARROPARNOS CON SUS AIRES REBELDES Y BELIGERANTES. LA TRANSFORMACIÓN
DEL CONCEPTO CAMUFLAJE Y SU CORRESPONDIENTE LÉXICO TAMBIÉN SE HA DADO EN LAS BASES MISMAS
DE SU APARIENCIA PRIMITIVA. AHORA, ENCONTRAMOS PATRONES Y TEXTURAS REPETITIVAS, ALEJADAS DE
LOS MICROPATTERNS UTILIZADOS POR EL EJÉRCITO, QUE IMITAN LAS TEXTURAS MOTEADAS Y LOS LÍMITES
APROXIMADOS QUE SE ENCUENTRAN EN ENTORNOS NATURALES. LA TENDENCIA CAMO VA MÁS ALLÁ DE
LOS TRADICIONALES TONOS PARA OFRECERNOS TODO UN MUNDO DE POSIBILIDADES CROMÁTICAS Y DE
NUEVOS PATRONES, BASADOS EN EL PRINCIPIO DE REPETICIÓN, QUE NECESITAN SER APLICADOS MÁS ALLÁ
DE LAS LINDES DEL GUARDARROPA, YA SEA MILITAR, CIVIL O FASHION. HOY EN DÍA PODEMOS ENCONTRAR
TODA UNA GAMA DE MENAJE PARA EL HOGAR CON DISEÑOS “CAMUFLAJE” MUY COOL, ADEMÁS DE
PRENDAS DE ROPA DE MARCAS DE TODOS LOS NIVELES, E INCLUSO SE VA MÁS ALLÁ Y SE TRASPASA EL
DINTEL DEL ARTE PARA APROPIARSE DE LA SORPRENDENTE TÉCNICA DEL “TRAMPANTOJO”, “ROMPE-L'OIL”
PARA LOS MÁS RESABIDOS Y POLÍGLOTAS, DONDE UNO CREE VER LO QUE NO EXISTE. EL ARTE DEL
CAMUFLAJE, COMO VEMOS, YA NO ES SOLO CUESTIÓN DE LA SUPERVIVENCIA EN UN MEDIO HOSTIL, SINO
UN ELEMENTO MÁS DE NUESTRA IMAGINERÍA CONTEMPORÁNEA.
02
03
04
01. Adidas Originals Camouflage Pack spring summer 2013. www.adidas.es/originals / 02. Skull Style: Skulls In Contemporary Art And Design - Neon camouflage cover. Autor: Farameh Patrice. / 03. Carhartt Wip. Colección primavera verano 2013. Foto: Alexander Basile. www.carhartt-wip.com / 04. Camouflage 800,
diseño de Front Design para Zero. www.zerolighting.com
01
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04
01. Photoperformance Warrior II (2011) por Cecilia Paredes. ceciliaparedes.net / 02. y 04. Diesel. Primavera verano 2013. www.diesel.com / 03. Lámpara Camouflage. www.rewashlamp.com
01
03
02
04
05
06
01. Sillón Camouflage, diseño de Emiliano Godoy para Pirwi. www.pirwi.com / 02. Vans Old School Carhartt Wip x Vans Syndicate pro skateboarding. www.vans.com / 03 Transformatie Huisje
(2009). Instalación por Roeland Otten. Foto de Bas Helbers. www.roelandotten.com / 04. Genital Panik. Desiree Palmen 2011. www.desireepalmen.nl / 05. A Bathing Ape x Cover-it-all. Bape
Camouflage Fiberglass Shell Chair. www.cover-it-all.com / 06. Eastpak Padded Pak’r Camo. Colección primavera verano 2013. www.eastpak.com
arte y expos / por Tactelgraphics
CROWDS: GENOVÉS
La exposición del artista valenciano Juan Genovés, Premio de las Artes
Plásticas de la Generalitat (2002), ofrece una selección de 55 óleos y 2
esculturas que abarcan desde sus primeros años, en la década de los
sesenta, hasta obras de reciente creación. Enmarcada dentro del ciclo La
habitación de las musas y con la colaboración de la galería Marlborough, la
exposición revela algunas de las obras nunca expuestas al público
pertenecientes a los fondos del artista. El Consorcio de Museos inicia con
esta exposición un nuevo conjunto de muestras en las que se pretende dar
a conocer la faceta más íntima de artistas consolidados del panorama
contemporáneo español. La exposición se centra en las multitudes,
motivación que ha marcado la pintura de Genovés a lo largo de su carrera.
Más que como objeto de denuncia de un momento político concreto
revelan su preocupación por el individuo y la sociedad de masas, que sigue
vigente hoy en día. En palabras de Martin Coomer, autor del texto
introductorio del catálogo, “cuando uno contempla las obras tempranas de
esta exposición, muchas de las cuales datan de mediados de los sesenta, lo
primero que le llama la atención es el modo en que estas escenas de
Genovés, sin perder su contemporaneidad, de alguna manera, parecen
trascender su propio marco espacio-temporal. Objetivo (1968), realizado en
un tono gris verdoso con una capa superpuesta de un viridián más oscuro
que crea un círculo central a modo de mira telescópica, desde donde se
observa una corriente de figuras que parecen huir de un adversario
Centro del Carmen, Valencia - Hasta el 30 de junio del 2013
desconocido, indudablemente, nos está hablando de la agitación de aquella
época pero sin centrarse en una historia concreta. De igual manera, su
Estudio de la calle (1969), como si de una película fotográfica se tratase, con
sus divisiones horizontales que ilustran un relato de protesta y represión
violenta, captura tan vívidamente la expresión de aquella turbación que aún
hoy día nos sigue invitando a la reflexión”. Siguiendo el carácter intimista de
la exposición, el catálogo revisa la trayectoria de Genovés a través también
de las reflexiones del director del Consorcio de Museos, Felipe Garín, e
incluye una entrevista al artista. Formado en la Escuela de Bellas Artes de
Valencia, desde el inicio de su trayectoria profesional fue un pintor inquieto
y preocupado tanto por la necesidad de renovar el arte español como por la
función del arte y el artista en la sociedad. Su firme convicción sobre el arte
transformador y comprometido con el entorno le llevó a formar parte de
colectivos muy significativos en el panorama español de posguerra: Los Siete
(1949), Parpalló (1956) y Hondo (1960). En este último grupo, que supuso
nuevos planteamientos figurativos frente al informalismo dentro del arte
pop español, Genovés desarrolló una pintura de carácter expresionista y
provocador. Ha sido galardonado con la Mención de Honor (XXXIII Biennale
de Venecia, 1966), la Medalla de Oro (VI Biennale Internazionale de San
Marino, 1967), el Premio Marzotto (1968), el Premio Nacional de Artes
Plásticas (1984), el Premio de las Artes Plásticas de la Generalitat Valenciana
(2002) y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (2005).
arte y expos
YOSOYTUERESELESELLA
Juan Pablo Echeverri
INÉDITOS
Ana Ara, Juan Canela y Luisa Espino
Juan Pablo Echeverri (Bogotá, Colombia, 1978) estudió Artes Visuales en
la Universidad Javeriana y se especializó en fotografía. Desde 1998 se ha
dedicado a autorretratarse en cabinas fotográficas de un laboratorio
fotográfico que se encuentra por todo Colombia llamado Foto Japon. Al
principio lo hacía ocasionalmente, hasta que en julio de 2000 comenzó
a hacerlo a diario hasta el día de hoy. Estas fotografías componen la serie
“miss fotojapón”, que se ha convertido en el hilo conductor de su obra,
que consiste en su totalidad de autorretratos. Yosoytuereselesella, primera exposición individual de Echeverri, funciona como una pequeña
gran instantánea en la que convergen todos los soportes y estrategias
que el autor ha ido abordando en su trayectoria. Un representativo escaparate sobre la identidad contemporánea que suponen los ejercicios de
autorrepresentación fotográfica y videográfica del artista. Estilo, género,
estatus, consumo, star-system o subculturas establecen un amplio juego
de resonancias donde estereotipos sociales, sentido del humor, estética
e ideología detonan los límites entre alta y baja cultura, tradición y vanguardia, mainstream y underground, masculino y femenino, público y
privado. Un vasto catálogo visual que opera como relato de condición
atomizada de la identidad en nuestros tiempos.
La Casa Encendida acoge un año más el certamen Inéditos, convocatoria de ayudas a proyectos expositivos de arte actual. Un programa dirigido a jóvenes comisarios para la realización de proyectos expositivos
inéditos, que destaquen por la innovación, la calidad y la adecuación del
proyecto a los recursos disponibles. De entre los más de 50 proyectos
presentados, se han seleccionado los siguientes: Vergüenza, de Ana Ara,
es un proyecto expositivo que analiza, por medio del arte y desde un
enfoque filosófico, el concepto de la vergüenza entendido como uno de
los sentimientos fundamentales de ser un sujeto. Lanza una roca y a ver
qué pasa, de Juan Canela, nos propone reunir a un grupo de artistas
cuyos trabajos pivotan entre la trascendencia del material utilizado, su
relación con el tiempo, o una línea performativa que pone el cuerpo en
diálogo con el objeto, y que abordan temas de calado político, social, o
histórico. People Have the Power, de Luisa Espino. A través del testimonio de artistas y colectivos procedentes de distintas disciplinas, este proyecto disecciona los contenidos de una manifestación. Nos habla de sus
protagonistas, los elementos en los que se apoyan y el escenario en el
que actúan, haciendo hincapié en el valor del espacio público como
lugar de intercambio donde estas acciones se hacen visibles.
La Fresh Gallery, Madrid - Del 12 de junio al 20 de julio de 2013.
www.lafreshgallery.com
La Casa Encendida, Madrid - Del 24 de mayo al 8 de septiembre de 2013.
www.lacasaencendida.com
INVERTIDOS
Isidro López Aparicio
TOTS ELS OCELLS DEL MÓN
Xavi Déu
Invertidos, aprendiendo a relacionarse es una metáfora que pretende
que miremos y sintamos las cosas desde un ángulo distinto. La muestra
habla del cuerpo, de la propia consciencia que cada uno tiene de sí
mismo y de cómo se relaciona con su entorno. Invertidos versa sobre el
individuo como ser que se relaciona, como centro subjetivo que ve y es
visto. Analiza las relaciones entre las personas, las redes sociales y cómo
el individuo y estas reinterpretan el mundo. Es un diálogo de convivencia de personas que no se conocen, de diferentes procedencias, entornos y edades. El espacio expositivo se construirá a partir de fotografías
en gran formato, cajas de luz o collages que junto a vinilos intervendrán
en las paredes y techos aprovechando las comisuras de la sala, y a partir
de aparatos reciclados desarrollará holografías e instalaciones en movimiento. La exhibición tendrá continuidad fuera del espacio expositivo.
Para la realización del proyecto se llevaron a cabo acciones colectivas con
la congregación de unas 200 personas, colgadas cabeza abajo desde una
grúa en racimos en diferentes grupos, con la intención de que permanecieran juntas y mirando la realidad desde otro punto de vista, abandonando así cualquier rastro de intolerancia. Por tanto, más que la creación
de una obra, este proyecto es la construcción de un lugar de reflexión.
Xavi Déu reflexiona y agita los conceptos de agresividad y violencia en el
ámbito de la naturaleza. Fondre, Plom/Ploma son algunas de las instalaciones de Tots els ocells del món, un viaje auditivo y visual en torno a la
ornitología. Un refugio que en horas de oscuridad, cuando la privacidad
se revela brutalmente, da paso a lenguajes musicales -clásico, exótico,
antiguo, moderno y de vanguardia-. Un proyecto que encuentra su verdadero rostro olvidado, entre el bosque, el campo, la montaña, al borde
del mar, entre las aves, ahí es donde reside la música para Xavi Déu. La
música libre, anónima, improvisada por el placer, para saludar al sol
naciente, para seducir a la persona amada, para gritar por todo el prado
o para detener cualquier disputa, desacuerdo, rivalidad, para agotar el
desbordamiento de energía que rebosa de amor y alegría de vivir. Tots
els ocells del món, la muestra es una continuación de la expo individual
de Xavi Déu en el Art Santa Mónica de Barcelona. Se divide en tres partes: dos instalaciones y varios dibujos en tinta sobre acetato. Como avance, una de las instalaciones: la cúpula de vidrio de 3 mm de grosor que
hace resonar las balas de plomo convirtiendo la agitación de ellas mismas en sonido. Todas las obras que componen el universo del catalán
podrán verse hasta el 10 de agosto. Sin lugar a dudas, una delicia.
Twin Studio & Gallery, Madrid - Del 5 de junio al 5 de julio de 2013.
Espai Tactel, Valencia - Del 21 de junio al 10 de agosto de 2013.
www.espaitactel.com
www.twinstudio.es
arte y expos
TABLEAU VIVANT
Azucena Vieites
L’ART EN GUERRE. FRANCIA, 1938-1947
De Picasso a Dubuffet
El nuevo proyecto de la artista Azucena Vieites (Hernani, 1967), Tableau
vivant, se enmarca dentro del Programa Fisuras, un espacio abierto a la
creación por el que el Museo Reina Sofía apuesta de manera permanente. Esta muestra coincide en sus fechas finales con la celebración de
PhotoEspaña 2013. Este trabajo de Vieites, realizado ex profeso para la
ocasión, está compuesto por un conjunto de doce serigrafías (76 x 112
cm cada una), realizadas a partir de collages, y una serie de dibujos de la
artista que han sido coloreados por los participantes del taller infantil
Coloring Book, realizado con anterioridad a la inauguración de la exposición. A ello se une una pieza de vídeo y una proyección de imágenes
que, en diálogo con las anteriores, representan la primera incursión de la
artista en este campo. Tableau vivant es una aproximación a la cultura
visual contemporánea a través de recursos como el collage o el dibujo.
La noción de entretenimiento, la mezcla y la construcción de una iconografía visual donde el placer, el exceso y la fantasía están implícitos, también forman parte de este proyecto. A partir de la idea de “tableau
vivant”, Azucena Vieites ahonda en las diferentes vertientes de este término francófono hasta adoptarlo como título para este proyecto, por su
conexión con lo pictórico, con el teatro, y con algunas formas de baile.
Organizada por el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, ParisMusées y el Museo Guggenheim Bilbao, L’Art en guerre. Francia, 19381947 muestra cómo, ante el amenazador contexto de opresión vivido en
Francia durante la II Guerra Mundial y la ocupación nazi, los artistas de
la época se rebelaron frente a las consignas oficiales mediante novedosas respuestas estéticas que modificaron el contenido del arte. Más de
500 obras de un centenar de artistas, incluyendo documentos, fotografías y películas inéditas, se reúnen en esta exposición única que evidencia la forma en la que estos creadores resistieron y reaccionaron, haciendo la guerra a la guerra con formas y materiales casuales impuestos por
la penuria, incluso en los lugares más hostiles a toda expresión de libertad. Trabajos de grandes artistas como Pierre Bonnard, Victor Brauner,
Alexander Calder, Salvador Dalí, Óscar Domínguez, Jean Dubuffet, Max
Ernst, Jean Fautrier, Alberto Giacometti, Julio González, Vasily Kandinsky,
Paul Klee, Fernand Léger, André Masson, Henri Matisse, Henri Michaux,
Joan Miró, Francis Picabia, Pablo Picasso, Pierre Soulages o Yves Tanguy
entre muchos otros se exponen junto a obras de supervivencia que transmiten la energía desesperada de autores en un recorrido a lo largo de la
segunda planta del museo.
Reina Sofía, Madrid - Hasta el 22 de julio de 2013.
www.museoreinasofia.es
Guggenheim, Bilbao - Hasta el 8 de septiembre de 2013.
www.guggenheim-bilbao.es
ESCRITO EN EL VIENTO
Lawrence Weiner
NÚMERO FINITO DE ACCIONES
Itziar Okariz
En primicia mundial el MACBA acoge la primera exposición monográfica de uno de los artistas más emblemáticos de la segunda mitad del siglo
XX, Lawrence Weiner (Nueva York, 1942). Escrito en el viento es un recorrido exhaustivo por la trayectoria de Weiner a través de casi trescientos
dibujos realizados a lo largo de cincuenta años. La exposición se plantea
como un dibujo en sí misma y ha sido el propio Weiner el artífice de la
imagen gráfica. Los diversos soportes diseñados por el artista, como posters y banderolas, se distribuirán por toda Barcelona, ocupando el espacio público de la ciudad. La muestra presenta por vez primera los apuntes, dibujos y cuadernos de notas del artista, que conforman el origen y
son la base de toda su producción. Estos dibujos contienen los pensamientos iniciales, las primeras ideas que se van transformando hasta convertirse en nota y, a menudo, en obra. Dibujos realizados en mapas de
ciudades, en envoltorios de tabaco o en madera, entre otros soportes
diversos. Sus dibujos denotan una gran libertad creativa. El dibujo es lo
más cercano, inmediato y sincero que hace el artista. En este sentido,
pone de manifiesto la subjetividad de Weiner, algo que siempre ha evitado mostrar. Los dibujos representan sus obsesiones, pero también el
contexto y el proceso de creación.
Un número finito de acciones determinadas es el proyecto específico de
Itziar Okariz (San Sebastián, 1965) para la Sala 1 de MUSAC, que parte
de la idea de cuestionar y redefinir los límites de la práctica performativa, sus convenciones, así como la posibilidad de pensarla dentro del
espacio expositivo. El proyecto se articula a partir de tres ejes que buscan ir más allá de lo meramente expositivo para involucrar al público y a
la comunidad artística en la reflexión sobre el ejercicio performativo
como construcción cultural, planteado como herramienta para la producción de signos, la transgresión y la transformación de códigos. Estos
tres ejes son la propia exposición, el desarrollo de performances durante
la duración del proyecto y un taller, ambos inscritos en el propio espacio
expositivo. El trabajo de Itziar Okariz abarca la práctica performativa, el
vídeo, la fotografía y la instalación. Sus intereses se centran en la construcción de la identidad y la subversión de las estructuras de representación existentes así como de las relaciones cuerpo/espacio, ya sean públicas o privadas. La inmediatez de sus acciones entabla un diálogo constante con los lugares donde estas se llevan a cabo. La repetición de las
acciones en diferentes sitios y en distintos momentos también constituye un elemento esencial de su trabajo.
MACBA, Barcelona - Hasta el 24 de junio de 2013.
www.macba.cat
MUSAC, León - Del 22 de junio de 2013 al 5 de enero de 2014.
www.musac.es
arte y expos
MEMORIAS IMAGINADAS
Mitsuo Miura
Mitsuo Miura (Iwate, Japón, 1946) presenta en el Palacio de Cristal del
Retiro Memorias imaginadas, una instalación realizada específicamente
para este espacio cuyos protagonistas esenciales son las formas geométricas y los colores puros; dos elementos que se han convertido en los
principales componentes del vocabulario artístico de Miura en los últimos años. Con ellos, una vez más, el espacio del Retiro se convierte en
parte sustancial e integrante de la obra del artista. Memorias imaginadas
es una instalación compuesta por dieciocho objetos de madera en forma
de discos de distintos tamaños y colores dispuestos en el suelo, que
poseen su correlato formal y cromático en otros que se hallan suspendidos del techo, a distintas alturas. Entre ambos elementos se crea un
nuevo espacio arquitectónico imaginario que Mitsuo ha denominado
“columna invisible”. Este bosque de columnas que conforma la instalación alude directamente a los recuerdos que el artista ha ido teniendo de
las distintas exposiciones realizadas en el Palacio a lo largo de los años.
Además, Miura ha intervenido en el espacio distribuyendo franjas azules
en el zócalo del edificio, que sugieren el dibujo esbozado de un plano no
definido. La instalación recuerda que la arquitectura no es más que la
delimitación física de un espacio ya existentee
Palacio de Cristal, Madrid - Hasta el 2 de septiembre de 2013.
www.museoreinasofia.es
THE END OF CATHEDRALS
Jorge Fuembuena
La New Gallery presenta con motivo de su participación en Photo España
2013 al fotógrafo Jorge Fuembuena. El proyecto The End of Cathedrals
explora territorios intermedios, inhóspitos y se articula a través del seguimiento abierto de una manera ordenada y sistemática, registrando datos
de altitud, latitud, longitud y hora de una masa glaciar en Groenlandia:
Sermeq Kujalleq, la más activa y productiva del Hemisferio Norte, con esa
idea del movimiento como lectura del paisaje. La universalidad del mensaje, que nos remite directamente a las grandes problemáticas contemporáneas vinculadas con el deterioro medioambiental, nos hace pensar
en la idea del pasado como futuro, la idea de destrucción de ruinas como
sugiere Smithson. Un paisaje donde observamos un sentido trascendental del ciclo de la vida y la muerte. Existe una visión basada en el silencio, con un diálogo sobre otras disciplinas como la percepción, el cambio de escala y el lugar que el sujeto tiene en la naturaleza y en la contemplación. Son fotografías silenciosas. Como decía Roland Barthes, “no
es cuestión de discrección sino de música”. Hay que escuchar las fotografías más que mirarlas. Para que haya un diálogo entre los elementos
conscientes e inconscientes, entre lo racional y lo intuitivo.
La New Gallery, Madrid - Del 5 de junio al 20 de julio de 2013.
www.lanewgallery.com
DON'T BELIEVE A WORD I SAY!
Boris Hoppek
ART & LANGUAGE PAINTS A PICTURE
Art & Language
El espacio expositivo SC Gallery cumple su quinto aniversario y presenta
la obra más reciente de Boris Hoppek (Kreuztal, Alemania, 1970), uno de
los artistas urbanos más reconocidos internacionalmente. En la exposición titulada Don't believe a word i say!, el artista muestra una selección
de trabajos individuales como fotografías, dibujos e instalaciones.
Lenguaje visual muy específico y a menudo drástico. El aspecto achuchable de su personaje Bimbo, llevado al extremo en sus muñecos, plantea
un fuerte contraste con lo radical de los temas que el artista aborda: violencia, sexualidad, racismo y opresión. Hoppek ni se preocupa por ser
políticamente correcto ni intenta provocar: sencillamente muestra lo que
ve y lo que quiere que veamos en pinturas, fotografías, esculturas e instalaciones que se caracterizan por su franqueza, su frescura y su agilidad.
La mayoría de sus obras parecen accesibles a primera vista, pero una
segunda mirada suele tirar por tierra esta primera impresión. Hoppek,
quien por principios nunca explica sus obras más allá de lo visible, desafía al observador a realizar su propio análisis o interpretación individual.
El artista descontextualiza continuamente figuras iconográficas y las lleva
a un nivel de abstracción que le permite abordar temas políticos explícitos, como la inmigración, la violencia y la sexualidad.
El grupo Art & Language se fundó a finales de los sesenta en el Reino
Unido para designar el trabajo conjunto de los artistas ingleses Terry
Atkinson, David Bainbridge, Michael Baldwin y Harold Hurrell. El nombre
del colectivo proviene del magazine Art-Language, el primero que reconocía y analizaba el llamado arte conceptual. Entre 1969 y 1970 ingresan en el grupo Mel Ramsden, Joseph Kosuth y Charles Harrison.
Aunque el grupo llegó a tener hasta una treintena de integrantes, el
nombre siempre los protegió con cierto grado de anonimato. Desde
1977 el colectivo está integrado únicamente por los artistas Michael
Baldwin y Mel Ramsden, así como por el historiador del arte Charles
Harrison. El colectivo Art & Language desempeñó un papel fundamental
en el nacimiento del arte conceptual, planteando una nueva manera de
entender la obra de arte, al primar la idea sobre su materialización plástica. Art & Language jugó un papel clave en el nacimiento del arte conceptual, tanto en el aspecto teórico como en cuanto a la obra producida. La exposición Art & Language Paints a Picture, en la galería Juana de
Aizpuru de Madrid, presenta algunos trabajos de este colectivo, realizados entre 2002 y 2012. Ninguna de estas obras se ha visto antes en
España, una gran oportunidad para acceder a la obra de estos artistas.
Sc Gallery, Bilbao - Hasta el 5 julio de 2013.
Juana de Aizpuru, Madrid - Del 25 de mayo al 30 de julio de 2013.
www.juanadeaizpuru.es
www.scgallery.es
Fotografía: Gustavo López Mañas - www.glm-studio.com
Estilismo: Anna Arroyo - www.annaarroyo.es
Hair & Make Up: Lola Martínez para Sensilis - www.cargoclecitve.com/lolamartinezmakeup
Asistente de estilismo: Eme Bribon
Modelo: Yulia - 5th Models - www.5thmodels.com
body ZAZO&BRULL / leggin VOLCOM
total look ZAZO&BRULL / zapatillas ADIDAS ORIGINALS BY JEREMY SCOTT
camiseta VOLVOM / pantalón MARTIN LAMOTHE / gorra ADIDAS
camiseta VOLCOM / falda PABLO ERROZ / zapatillas REEBOK
camiseta VOLCOM
camiseta VOLCOM / chaleco PABLO ERROZ
Fotografía: Laura de Benito - www.lauradebenito.com
Estilismo: Anna Arroyo - www.annaarroyo.es
Hair&Mua: Isabel Martínez by RedLips MakeUp Studio
Modelo: KrautrockMan - Marlene Agency
chaqueta EL GANSO / camiseta ELEVEN PARIS / bermuda PROTEST
camiseta VOLCOM / camisa EL GANSO / pantalón ELEVEN PARIS
camiseta UNDIZ / chaqueta y pantalón GUESS BY MARCIANO / zapatillas ASH
jerséi SANDRO / pantalón BERNHARD WILLHEM
camiseta VOLCOM / camisa SANDRO / jerséis y jeans NUDIE JEANS
local-in
BOARDRIDERS BY QUIKSILVER
Enjoy the waves!
Después de Capbreton, Bercy, Ericeira y Chamonix, Quiksilver abrirá su nuevo concepto de tienda Boardriders frente a
la playa de la Barceloneta, en junio de 2013. Los Boardriders son entornos únicos, con diseños exclusivos y situados en
lugares cuidadosamente seleccionados. Quiksilver propone con las Boardriders un nuevo espacio donde se respira un
estilo de vida, el respeto por el medio ambiente dedicado al surf, el skate, el snowboard, el arte y la moda, un lugar
original, auténtico y acogedor. Ha sido creado como un espacio donde los amantes de los deportes de tabla pueden
reunirse y pasar el rato cerca del mar, con servicios exclusivos y lo más actual en productos de Quiksilver, Roxy, DC,
Moskova. Más que una tienda, esta nueva Boardriders es una ventana abierta al mundo Quiksilver. ¡Good vibes!
Carrer de la Drasana, 10 - Barcelona - www.quiksilver.com / www.roxy.com / www.dcshoes.com / www.moskova.com
LIBRERÍA DADÁ
STRAP
Dadá está ubicada dentro del Museo Valenciano de la Ilustración y la
Modernidad. Sus estanterías están repletas de joyas editoriales que
convierten este espacio en un centro imprescindible para los amantes de
las últimas tendencias en cualquier disciplina: arte, arquitectura, diseño,
publicidad, moda, interiorismo… También encontraremos artículos de
regalo y camisetas de firmas como Das Büffet. www.libreriadada.com
Si presumes de conocer lo último en streetwear, memoriza el nombre de
esta tienda. La mejor oferta de ropa street y zapas del momento en dos
puntos con personalidad propia, en los que encontrarás marcas como
Stüssy, Crooks & Castles, New Era, Nike, Adidas Originals, Fred Perry, Le
Coq Sportif, Vans o Lacoste Live entre otras. www.strapnews.com
Mu VIM - Calle Guillem de Castro, 8 - Valencia - Tel. 963 515 138
STRAP#6. Calle Gascó Oliag, 6, bajo - Valencia - Tel. 963 694 963
STRAP#21. Calle Ramon Llull, 21 - Valencia - Tel. 961 144 164
TRENDY ROOM
VANS SHOP MADRID
Espacio en el barrio de Ruzafa de Valencia con una exquisita selección de
productos que no te dejará indiferente. Sneakers y accesorios como
relojes, gafas de sol, bolsos o mochilas y firmas como New Balance,
Adidas Originals, Reebok, Eastpak o Sperry entre otras. No te pierdas sus
pajaritas de producción propia. Un espacio con personalidad y de visita
obligada. www.facebook.com/Trendy-Room-Valencia
Flagship store de la marca californiana en la capital. Situada en pleno
centro, la tienda ofrece las últimas propuestas en zapas tanto en líneas
clásicas de skate como en líneas de street wear, además de las últimas
novedades en ropa y complementos. Accesorios para tablas de skate,
cascos Protec y tablas Santa Cruz de skate y longboard, así como bicis
fixed de la marca Create. www.facebook.com/Vans.Shop.Madrid
Calle Doctor Sumsi, 4 (Ruzafa) - Valencia
Calle de la Montera, 47 - Madrid - Tel. 915 227 922
33/45 BAR & GALLERY
KAUF VINTAGE
Multiespacio donde se puede desayunar, comer, cenar, tomar café o
copas a cualquier hora del día. Dos espacios y diferentes ambientes
decorados entre lo industrial, el diseño actual y la moda vintage. Sin
duda alguna, el local de moda en la ciudad condal y también de los más
concurridos. Recomendamos sus crêpes, sus gin-tonics de sabores y su
carta de cócteles con tequila. De visita obligada. 3345.struments.com
Kauf Vintage es un espacio donde encontrar ropa, café y arte. Un lugar
del barrio de Ruzafa en Valencia dinámico, y donde no solamente
puedes comprar tesoros vintage, sino vivir una pequeña experiencia.
Adquirir una prenda única, disfrutar de un café sostenible, apreciar una
exposición, conciertos e inspiración. No dejes de visitar su web ya que en
breve inauguran su tienda online. www.kaufvintage.com
Calle Joaquin Costa, 4 - Barcelona - Tel. 931 874 138
Calle Cádiz, 38 - Valencia - Tel. 963 817 901
ENRIC ROSICH
RUFUS SKATESHOP
No sabemos si es por el colorido tan apetecible de sus macarons, por la
amabilidad de sus creadores o por el diseño de la tienda pero ¡Enric
Rosich engancha! La gente que ha probado estos pequeños pedacitos de
placer sabe de lo que hablamos. Ha sido la primera tienda en España en
dedicarse exclusivamente a los macarons. El secreto: los procesos, la
técnica y los ingredientes, de primerísima calidad. www.enricrosich.es
Rufus es la tienda de referencia para los skaters en la ciudad de
Barcelona. En pocos años se ha instaurado al lado del mítico MACBA y
ya tiene un equipo de skaters de gran nivel. Disponen de un half para
poder probar in situ tu skate antes de comprarlo. Si amas el skate
amarás Rufus: tablas, ruedas, ejes, rodamientos, zapas... Rufus es 100%
skateboarding. www.rufus.es
Gran Vía de les Corts Catalanes 373-385 - Barcelona - Tel. 933 279 872
Calle Ferlandina, 33 - Barcelona - Tel. 935 186 593
ZOMBIE BAR
FREE SKATE SHOP
Zombie Bar supone un cambio en la concepción de lo que entendemos
por dinner. Este local de Malasaña se concibe no solo como un lugar
único donde el paladar juzga y valora la exquisitez de sus platos, sino
también como un lugar de encuentro de músicos, diseñadores, dj,
fotógrafos, modelos o artistas. Una amplia variedad de opciones en una
atmósfera tan acogedora como atípica. www.zombiestudio.es
Tienda fundada en 1986 especializada en skate, longboard, snowboard y
surf. Free es una tienda en la que los riders no solo van a comprar, van a
sentirse cómodos con gente que tiene sus mismas inquietudes. No dejes
de visitar esta tienda, es posible que no solo vayas a comprar, que vayas
a pasar el rato, hablar de skate, de competiciones o de vídeos. Ni Free es
solo una tienda ni el skate es solo un deporte. www.freeskateshop.com
Calle Pez, 7 - Madrid - Tel. 910 111 952
Avenida Diagonal, 503 - Barcelona - Tel. 933 217 290
L’APPARTEMENT
MUNICH
L’Appartement es una experiencia global, donde el diseño y el arte son
una prioridad. Un lugar que se transforma para dar paso a nuevas ideas,
donde diseñadores emergentes de toda Europa juntan sus diversos
universos. Ubicado en uno de los barrios más dinámicos de Barcelona,
donde el diseño, la tendencia, el arte y el comercio forman parte
continua de la evolución modernista de la ciudad. www.lappartement.es
Flagship stores de la icónica marca MUNICH en la capital valenciana.
Podrás encontrar sus colecciones completas: modelos clásicos con nuevos
acabados y nuevas familias de zapas con diseños muy potentes.
Descubre también sus nuevas colecciones de bolsos y mochilas, que sin
duda se han convertido en el must del verano. www.munich.es
Calle Enric Granados, 44 - Barcelona - Tel. 934 522 904
Calle Jorge Juan, 10 - Valencia - Tel. 963 523 128
Centro comercial Aqua, Av. Menorca, 10 - Valencia - Tel. 963 304 458
SUSCRIPTION PROTEST
La temporada Spring Summer 2013 de PROTEST presenta una colección separada en temáticas. Mermaids y Fishermen,
American Desert y Origami son los nombres con los que la firma bautiza sus refrescantes propuestas para el verano.
Inspiraciones diversas para una paleta de colores infinita y gran innovación en tejidos y patrones en los que se aprecia un cambio de actitud hacia un nuevo uso de los prints, en pro de la simplicidad y la sofisticación. Es verano. Es Protest.
En nuestra edición #57 los primeros en suscribirse se llevan una prenda de lo nuevo de PROTEST.
Consulta condiciones y suscríbete online: www.ocimag.com