classics clásicos

Transcripción

classics clásicos

P RO G R AMA / P RO GR AME
CLASSICS
CLÁSICOS
PYAASA
India, 1957
Guru Dutt
TECHNICAL DATA
Director: Guru Dutt
Writers: Abrar Alvi
Stars: Guru Dutt, Mala Sinha,
Waheeda Rehman, Johnny Walker,
Rehman
Música: S. D. Burman
Running Time: 146 minutes
Language: Hindi
SYNOPSIS
DIRECTOR’s BIOGRAPHY
Vijay (Guru Dutt) is an unsuccessful poet whose works are not
taken seriously neither by publishers nor by his brothers, who
sell his poems as waste paper. Unable to bear them saying that
he is a good-for-nothing, he stays away from home and he is
often out on the streets, where he encounters a good-hearted
prostitute named Gulabo (Waheeda Rehman), who is enamored
with his poetry and falls in love with him. He also encounters
his ex-girlfriend Meena (Mala Sinha) from college and finds
out that she married a big publisher (Mr. Ghosh - Rehman) for
financial security. Then Mr. Ghosh hires him as a servant to find
out more about him and Meena. A dead beggar to whom Vijay
gave his coat and whom he tries to save unsuccessfully from
the path of a running train is mistaken for Vijay. Gulabo the
prostitute, ask then Ghosh to please publish Vijay’s poems and
Ghosh does so feeling he can exploit them and keep the money,
but Vijay is alive and in hospital after the train mishap.
Vasanth Kumar Shivashankar Padukone (9 July 1925 –
10 October 1964), popularly known as Guru Dutt, was an
Indian film director, producer and actor. He is often credited
with ushering in the golden era of Hindi cinema. He made
quintessential 1950s and 1960s classics such as Pyaasa
(Thirsty), Kaagaz Ke Phool (Paper Flowers), Sahib Bibi Aur
Ghulam (The King, the Queen and the Jack) and Chaudhvin
Ka Chand (The Fourteenth Day Moon). In particular, Pyaasa
and Kaagaz Ke Phool are now included among the greatest
films of all time, both by Time magazine’s “All-TIME” 100
best movies and by the Sight & Sound critics’ and directors’
poll, where Dutt himself is included among the greatest film
directors of all time. He is sometimes referred to as “India’s
Orson Welles”. In 2010, he has been also named in the list of
CNN’s “top 25 Asian actors of all time”.
He is most famous for making lyrical and artistic films within
the context of popular Hindi cinema of the 1950s, and
expanding its commercial conventions, starting with his 1957
film, Pyaasa. Several of his later works have a cult following.
His movies go full house when re-released; especially in
Germany, France and Japan.The latest book on him is Ten
Years with Guru Dutt: Abrar Alvi’s Journey by Sathya Saran
based on the recollections of Abrar Alvi, his chief scriptwriter
and friend.
When he gets out of the Hospital, Ghosh and Shyam, Vijay’s
close friend, refuse to recognise him and he is committed to
a mental asylum since he insists he is Vijay and is thought
to be mad. Vijay’s brothers too are bought off by Ghosh
not to recognize him and a memorial is held for the dead
poet. However Vijay, with the help of his friend Abdul Sattar
(Johnny Walker), escapes from the mental asylum and reaches
the memorial service where he denounces this corrupt and
materialistic world. Seeing that Vijay is alive his friend and
brothers take side with a rival publisher for more money and
declare that Vijay is Vijay and that he is alive. At a function to
honour him, Vijay becomes sick of all the hypocrisy in the world
around him and he declares he is not Vijay. He then leaves with
Gulabo to start a new life.
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PYAASA
India, 1957
Guru Dutt
FICHA TÉCNICA
Director: Guru Dutt
Guinista: Abrar Alvi
Intérpretes: Guru Dutt, Mala Sinha, Waheeda
Rehman, Johnny Walker, Rehman
Música: S. D. Burman
Duración: 146 minutes
Idioma: Hindi
SINOPSIS
DIRECTOR
Vijay (Guru Dutt) es una poeta sin éxito cuyo trabajo no es
tomado en serio ni por los editores ni por sus hermanos que
venden sus poemas como papel usado. Cansado de soportar
sus burlas y de que le digan que es un bueno para nada, se va
de casa y se pasa el día vagando por las calles donde conoce
a una prostituta de buen corazón llamada Gulabo (Waheeda
Rehman), que se enamora de sus poemas y de él. También se
reencuentra con su novia del instituto, Meena (Mala Sinha)
que se ha casado con un rico editor (Sr. Ghosh - Rehman)
por la seguridad económica que le da. Entonces el Sr. Ghosh
contrata a Vijay cono criado para saber más sobre su aventura
con Meena. Un mendigo muerto al que Vijay había regalado
su abrigo e intentado evitar sin éxito que fuera atropellado
por un tren, es confundido con Vijay. Gulabo, la prostituta,
convence a Ghosh para que publique entonces los poemas
de Vijay y este lo hace pensando ganar dinero con ellos y
quedárselo. Pero Vijay está vivo en un hospital recuperándose
del accidente del tren.
Vasanth Kumar Shivashankar Padukone (9 de Julio de
1925 – 10 Octubre de 1964), popularmente conocido como
Guru Dutt, fue un director de cine, productor y actor indio. Se
suele decir que fue uno de los impulsores de la Edad de Oro
del Cine indio. Sus importantes películas de los años 1950s
y 1960s, clásicos como Pyaasa (Sediento), Kaagaz Ke Phool
(Flores de Papel), Sahib Bibi Aur Ghulam (El rey, la reina y
el Jack) y Chaudhvin Ka Chand (Luna de catorce días). En
concreto, Pyaasa y Kaagaz Ke Phool han sido incluidas entre
las mejores películas de todos los tiempos por la lista de Time
magazine “Las 100 mejores películas de todos los tiempos”,
y por la encuesta Sight & Sound de críticos y directores,
en la que además Dutt ha sido incluido entre los mejores
directores. Se le ha calificado como el “Orson Welles indio”.
En 2010, ha sido también incluido en la lista CNN de los “25
mejores actores asiáticos”.
Cuando Vijay sale del hospital, Ghosh y Shyam, (un amigo
íntimo de Vijay), rehúsan reconocerle y acaba encerrado en
un centro psiquiátrico por decir ser Vijay. Los hermanos de
Vijay también son sobornados por Ghosh para no reconocerle
y se organiza un funeral por el poeta muerto. Sin embargo
Vijay, con la ayuda de su amigo Abdul Sattar (Johnny Walker),
logra escapar del centro psiquiátrico y llega al funeral donde
hace una crítica de este mundo materialista y corrupto. Viendo
frente a ellos al poeta vivo, los hermanos y el amigo de Vijay
se ponen de lado de un editor competencia de Ghosh para
conseguir más dinero con los poemas y declaran que el que
está ahí es Vijay que está vivo y no un loco. Entonces, se
consagra como poeta y en un acto que se celebre en su honor,
Vijay se enfurece y se pone enfermo por la hipocresía del
mundo que le rodea y declara no ser quien
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BARSAAT
India, 1949
Raj Kapoor
TECHNICAL DATA
Director: Raj Kapoor
Writers: Ramanand Sagar (dialogue),
Ramanand Sagar (screenplay)
Stars: Nargis, Raj Kapoor and Prem Nath,
K.N. Singh, Cuckoo, Nimmi
Running Time: 161 minutes
Language: Hindi
SYNOPSIS
dubbed into Russian. The theme song, Awaara Hoon, was
popular in the East for many years. Kapoor has been dubbed
“a great showman,” and a filmmaker in the purest Romantic
tradition, as he strove to entertain as well as address social
themes close to his heart. Awaara dealt with the question
of what forms an individual’s moral grounding, (“nurture
or nature”) while incorporating comedy and stirring love
scenes; in Shri 420 (1955) he addressed issues of poverty,
unemployment and national pride in the new Indian state
at the same time maintaining the audience’s interest in the
romantic plot. While never revolutionary in tone, many of
his films explore the ability of the individual to overcome
economic and environmental injustice while maintaining
his/her innocence and integrity. He is quoted as believing
that the individual’s struggles ultimately lead to the desire
for love, to care and be cared for. This is consistent with his
admiration of Charles Chaplin, and Kapoor’s own “tramp”
(Awaara, Shree 420, Mera Naam Joker (1972) is modeled
somewhat on his mentor, though with a definite individual
flair. His films demonstrate an understanding of music and
direction that continue to influence Bollywood filmmaking
today. Also a musician, his understanding of the musical feel
of his movies gives them a storytelling fluidity equal to that
of the best American movie musicals. He surrounded himself
with the foremost talents in filmmaking, acting, writing, music
composition, and playback singers. Kapoor continued to
make films of varying critical and popular success up until his
death in 1988, and apparently considered Mera Naam Joker
his personal favorite. He is still a well-known name not only in
India, but in the Middle East, SE Asia, and Eastern Europe. His
descendants have attempted to continue the RK Films banner.
Pran and Gopal are traveling in a convertible in the Indian
countryside but the car breaks down. Near Satpur they come
across a village and rest there for a few days. While there
Gopal meets with Neela, while Pran meets with Reshma, and the
couples fall in love with each other. Gopal, who fancies himself
a Casanova of sorts, has no qualms whatsoever of leaving
Neela and going out with other women, while Pran is unable to
get Reshma out of his mind. The two leave, promising to return
during the monsoon season. While in the city, Pran is unable
to make up his mind about returning to Reshma, and Gopal
prefers the company of two dancing girls, Lily and Ruby, not
knowing that Reshma is shortly to be married to Bholu, while
Neela, on the verge of killing herself, is anxiously awaiting
Gopal’s return. Watch what happens when Bholu takes Reshma
to the city.
Ranbir Raj Kapoor, (14 December 1924, Peshawar, British
India (now Pakistan) - 2 June 1988, New Delhi, India). Raj
Kapoor was the son of well-known Indian actor Prithviraj
Kapoor, who acted both in film and on stage. After
apprenticing in the Bollywood production studios of the
1940’s, at 24 years of age Raj Kapoor produced, directed
and acted in Aag (1948), with his new company, RK Films.
His next production, Barsaat (1949), was a smash hit. In 1951,
he also produced, directed and starred in Awaara (1951),
which was another megahit, and costarred Nargis, who
had appeared in Aag and Barsaat. Awaara also gained
popular acclaim in Russia, where the movie and songs were
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BARSAAT
India, 1949
Raj Kapoor
FICHA TÉCNICA
Director: Raj Kapoor
Guión: Ramanand Sagar y Ramanand Sagar
Reparto: Nargis, Raj Kapoor, Prem Nath, K.N.
Singh, Cuckoo, Nimmi
Duración: 161 minutos
Idioma: Hindi
Kidar Sharma. En 1948, con 24 años, estableció su propio
estudio, R. K. Films, convirtiéndose en el director-productor
más joven de su generación. Su primera película como
productor, Aag, fue una de las muchas que hizo con la
actriz Nargis, con quien se le relacionó sentimentalmente. Al
año siguiente con ella y Dilip Kumar protagonizó Andaz de
Mehboob Khan, la película más taquillera de su época.Su
carrera como actor-productor-director siguió de 1949 a 1985,
con películas como Barsaat (1949), Awaara (1951), Shri 420
(1955), Chori Chori (1956) o Sangam (1964).Tras el fracaso
en taquilla de Mera Naam Joker (Me llamo Joker), que le
llevó más de seis años, produjo y coprotagonizó con su hijo
mayor Randhir Kapoor Kal Aaj Aur Kal (1971) y más tarde con
su segundo hijo Rishi Kapoor, Bobby (1973) que no tuvo muy
buena acogida pero fue el debut de la famosa actriz Dimple
Kapadia. A finas de los años 1970 y en los 1980, Kapoor
no actuó en muchas películas y se dedicó más a dirigir
y producir películas centradas sobre todo en personajes
femeninos como Satya Shivam Sundaram (1978), Prem Rog
(1982) o Ram Teri Ganga Maili (1985). Actuó por última vez
en Vakil Babu (1982) con su hermano pequeño Shashi y en el
telefilm británico Kim de 1984. El director sufría un acusado
asma en sus últimos años y murió con 63 años en 1988 por
complicaciones relacionadas por esta patología cuando
rodaba su última película Henna que terminó su hijo Randhir
Kapoor. Raj Kapoor era aclamado por público y crítica, quien
lo comparaba como el Charlie Chaplin del cine indio. Y
sus películas no sólo fueron éxitos en India, sino también en
África, Oriente Medio, la antigua Unión Soviética, China y el
sudeste asiático. Muchas de sus películas tenían un marcado
tono patriótico: Aag, Shri 420 o Jis Desh Me Ganga Behti
Hai (En el país donde fluye el Ganges) celebraban la
independencia de la India, y animaban a la gente a ser
patriótica. Además de ser un gran cineasta, muchas de las
canciones que encargó para sus películas, fueron grandes
éxitos. También era famoso su estilo visual, empleaba
llamativas composiciones visuales, elaborados platós e
iluminaciones dramáticas para ambientar las escenas con la
música. Gracias a él, actores y actrices como Nimmi, Dimple
Kapadia o Mandakini, o sus hijos Rishi y Rajiv, consigueron
triunfar.
SINOPSIS
Pran y Gopal están en India haciendo un viaje en el que van
recorriendo pueblos, hasta que el coche en el que viajan se
estropea. Cerca de Satpur pasan por un poblado y deciden
quedarse allí a descansar unos días. En este pueblo, Gopal
conoce a Neela, y Pran conoce a Reshma, y ambas parejas
se enamoran. Gopal, que se considera un Casanova, no
tiene perjuicios a la hora de pensar en abandonar a Neela
y marcharse con otra mujer, mientras Pran es incapaz de
sacarse a Reshma de la cabeza. Los dos jóvenes se marchan,
prometiendo a sus respectivas enamoradas que volverán en la
estación del monzón. De vuelta en la ciudad, Pran es incapaz
de decidirse sobre si debe volver al pueblo a buscar a Reshma,
mientras Gopal prefiere la compañía de las bailarinas Lily y
Ruby, sin saber que Reshma va a casarse próximamente con
Bholu, mientras Neela, está a punto de suicidarse, mientras
espera ansiosa el regreso de Gopal. Algo ocurrirá entonces
cuando Bholu decide llevar a Reshma a la ciudad.
DIRECTOR
Ranbir Raj Kapoor, (Peshawar, 14 de diciembre de 1924 Nueva Delhi, 2 de junio de 1988) consagrado actor, director
y productor indio de películas de Bollywood. Raj Kapoor
comenzó como asistente de Kidar Sharma y en 1935, con
siete años, apareció por primera vez en la película Inquilab.
Su mayor éxito le vino después con Neel Kamal (1947) de
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MAHANAGAR
India, 1964
Satyajit Ray
TECHNICAL DATA
Director: Satyajit Ray
Written by: Satyajit Ray, from a story by Narendranath Mitra
Cast: Anil Chatterjee, Madhabi Mukherjee, Jaya Bhaduri,
Vicky Redwood, Sefalika Devi, Haren Chatterjee
Distributed: Edward Harrison
Running time: 131 minutes
Language: Bengali/English
Satyajit Ray (2 May 1921?- 23 April 1992) was an Indian
Bengali filmmaker. Ray is regarded as one of the greatest
auteurs of 20th century cinema.[1] Born in the city of Calcutta
(now Kolkata) into a Bengali family prominent in the world of
arts and letters, Ray studied at Presidency College and at the
Visva-Bharati University. Starting his career as a commercial
artist, Ray was drawn into filmmaking after meeting French
filmmaker Jean Renoir and viewing the Italian neorealist film
Bicycle Thieves during a visit to London.
SYNOPSIS
Ray directed thirty-seven films, including feature films,
documentaries and shorts. He was also a fiction writer,
publisher, illustrator, graphic designer and film critic. Ray’s
first film, Pather Panchali, won eleven international prizes,
including Best Human Document at the Cannes film festival.
Along with Aparajito and Apur Sansar, the film forms the Apu
trilogy. Ray did the scripting, casting, scoring, cinematography,
art direction, editing and designed his own credit titles and
publicity material. Ray received many major awards, including
32 National Film Awards, a number of international awards,
and an Academy Honorary Award in 1992.
Mahanagar is set in Calcutta during the 1950s. It explores
the evolving independence of a middle-class woman, Arati
Mazumdar (Madhabi Mukherjee), as she takes her first job
because of increasing financial pressure due to her husband’s
income not being enough for the family to live on. This decision
is purely a financial one and is made in spite of opposition
from both families. Arati subsequently grows to delight in
her newfound financial and psychological independence.
Eventually, her husband loses his job and she becomes the
sole breadwinner. Arati grows increasingly independent
and befriends an English-speaking, Anglo-Indian colleague
(representative of the legacy of the British Raj) Edith (Vicky
Redwood), a move which raises suspicion and increases conflict.
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MAHANAGAR
India, 1964
Satyajit Ray
FICHA TÉCNICA
Guión: Satyajit Ray, (basado en una historia
de Narendranath Mitra)
REparto: Anil Chatterjee, Madhabi Mukherjee,
Jaya Bhaduri, Vicky Redwood, Sefalika Devi,
Haren Chatterjee
Distribuidora: Edward Harrison
Duración: 131 minutos
Idioma: Bengalí/Inglés
SINOPSIS
DIRECTOR
Mahanagar se desarrolla en Calcuta durante los años
50. La película explora la creciente independencia que va
adquiriendo una mujer de clase media, Arati Mazumdar
(Madhabi Mukherjee), cuando encuentra su primer trabajo al
verse presionada por los problemas económicos de su familia,
debidos a que el sueldo de su marido no les alcanza para vivir.
La decisión de que comience a trabajar es tomada simplemente
por motivos económicos, a pesar de la oposición de las familias
de ambos cónyuges, sin embargo, Arati poco a poco comienza
a disfrutar más y más de su recién adquirida independencia
tanto económica como psicológica. Por otro lado, su marido
pierde el empleo y ella pasa a mantener a su familia y a ser
la única en la casa con ingresos. A medida que Arati se vuelve
más independiente, traba amistad con una colega anglo india
de habla inglesa (que representa el legado del Raj Británico)
Edith (Vicky Redwood); lo que provoca comentarios maliciosos y
hace crecer el conflicto familiar.
Satyajit Ray (2 de mayo 1921? - Calcuta 23 de abril 1992)
fue un director de cine indio, considerado uno de los grandes
artistas del siglo veinte, a causa de su estilo sutil, austero y
lírico de dirección de películas.
Ray nació en una importante familia bengalí de literatos
y artistas. Se graduó en el Presidency College de Calcuta
y estudió bellas artes en la Visva-Bharati University, en
Santiniketan. Fue atraído por la cinematografía tras conocer
al cineasta francés Jean Renoir y ver la película neorealista
italiana El ladrón de bicicletas durante una visita a Londres.
El debut cinematográfico de Ray, Pather Panchali (La canción
del camino), ganó once premios internacionales incluyendo el
Mejor Documento Humano en el Festival de Cine de Cannes.
Junto con Aparajito y Apur Sansar, Pather Panchali forma la
Trilogía de Apu, la obra maestra de Ray.
Ray estaba profundamente afectado por la gente y las
condiciones socio-económicas reinantes en Bengala, y
aunque sus películas tienen un interés humanista universal, la
vida de las diversas clases sociales de Bengala, el conflicto
de los nuevos y antiguos valores, y los efectos de las
rápidamente cambiantes condiciones económicas y políticas
de la India son algunos de los temas recurrentes en su obra.
Ray fue un cineasta prolífico y dirigió treinta y siete películas
en su vida, comprendiendo largometrajes, documentales y
cortos. Ray recibió muchos importantes premios de cine en su
ilustre carrera, incluyendo un Óscar Honorífico en 1992, poco
antes de morir.
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NAGARIK
India, 1952
Ritwik Ghatak
TECHNICAL DATA
Director: Ritwik Ghatak
Produced by: Pramode Sengupta, Bhupati Nandi,Ritwik Ghatak
Written by: Ritwik Ghatak
Cast: Satindra Bhattacharya, Prova Debi, Kali Banerjee, Sova Sen, Ketaki
Dutta, Geeta Shome, Ajit Banerjee, Keshto Mukherjee
Running time: 125 min
Language: bengalí
FICHA TÉCNICA
Director: Ritwik Ghatak
Producido por: Pramode Sengupta, Bhupati Nandi,Ritwik Ghatak
Guión: Ritwik Ghatak
Reparto: Satindra Bhattacharya, Prova Debi, Kali Banerjee, Sova Sen,
Ketaki Dutta, Geeta Shome, Ajit Banerjee, Keshto Mukherjee
Duración: 125 min
Idioma: bengalí
SYNOPSIS
SINOPSIS
Ramu, a fresh graduate is searching for a job like many others
in post Partition Kolkata. He lives in a lower-middle class
neighborhood with his mother, father, and sister. Ramu’s sister,
Seeta, is dressed up and paraded in front of prospective in-laws
who humiliatingly examine her. The mother is yearnful of older
times when the family used to live in a better house, but she
bears her suffering quietly. The father is full of cynicism and
does not share the idealistic aspirations of his two children that
better times will come. The light of Ramu’s life is his girlfriend
Uma, who lives in an equally precarious situation with her sister
Shephali and her mother. To make ends meet, Ramu’s mother
takes in Sagar, a poor chemist, as a paying guest. Ramu does
not get a job and cannot pay rent even with the meagre money
that he gets from Sagar and the family is evicted.
Ramu, un recién licenciado busca trabajo como muchos otros
jóvenes en la Calcuta de la época posterior a la Partición. Vive
en un barrio de clase media- baja con su madre, su padre y su
hermana. La hermana de Ramu, Seeta, se viste y desfila delante
de unos posibles futuros suegros que se burlan de ella mientras
la examinan para ver si es adecuada para su hijo. La madre se
deprime pensando constantemente en tiempos mejores, en los
que la familia vivía en una casa de más calidad, pero sufre en
silencio la mayor parte del tiempo. El padre es un cínico que no
comparte las aspiraciones idealistas de sus hijos que sueñan con
los buenos tiempos que están por venir. La alegría de la vida de
Ramu es su novia, Uma que vive en una situación tan precaria
como la suya, con su hermana Shephali y su madre. Para
poder pagar la casa en la que viven, la madre de Ramu alquila
una habitación a Sagar, un pobre farmacéutico, pero Ramu
sigue sin encontrar trabajo y como el dinero que paga Sagar
es poco, no pueden pagar el alquiler, por lo que el propietario
de la casa en la que viven, les echa. Justo antes de marcharse
a vivir a los suburbios, Ramu visita a Uma para avisarla y Uma
se ofrece para ayudarles a establecerse en la nueva vivienda.
Shephali, la hermana de Uma, no puede soportar vivir en la
pobreza y huye con un hombre sombrío. Seeta confiesa estar
enamorada de Sagar, un amor que es recíproco. Sin embargo
Sagar, que no tiene donde vivir y está en la miseria, no tiene
esperanzas de poder estar con ella. La película termina con
todos sus protagonistas caminando bajo la lluvia, un simbólico
signo de esperanza.
Just before the family has to leave to go stay in slums, Ramu
visits Uma and tells him they are moving. Uma offers to help
them set up in the new dwelling. Shephali, her sister, cannot
bear to live in poverty any longer, so she leaves home with a
shady man. Seeta confesses that she loves Sagar, a love that
Sagar reciprocates. However, Sagar, is homeless and destitute
and mentions that he does not have the audacity to expect them
to even be united. The film ends with the characters walking out
in the rain, a symbolic sign of hope and renewal.
Born in 1924 and deceased in 1976, Ritwik Gahtak was a
Bengali filmmaker and screen writer who is comparable
to Satyajit Ray. He stood outside the world of commercial
India films and was starting to be a great reference between
students when he died. Ghatak’s greatest commercial success
as a script writer was for Madhumati (1958), one of the
earliest films to deal with the theme of reincarnation.
DIRECTOR
Nacido en 1924 y fallecido en 1976, Ritwik Gahtak fue un
director y guionista bengalí de la misma envergadura que
Satyajit Ray. Se caracterizó por mantenerse fuera del cine
comercial y empezaba a ser toda una referencia entre los
estudiantes de su país cuando murió. Consiguió su mayor
éxito como guionista por Madhumati (1958), una de las
primeras películas sobre el tema de la reencarnación.
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SHAHIB BIBI AUR GULAM
India, 1962
Abrar Alvi
TECHNICAL DATA
FICHA TÉCNICA
Director: Abrar Alvi
Producer: Guru Dutt
Cast: Meena Kumari, Guru Dutt, Rehman, Wahida Rahman
Cinematography: V. K. Murty
Runime: 125 min
Language: Hindi
Director: Abrar Alvi
Productor: Guru Dutt
Reparto: Meena Kumari, Guru Dutt, Rehman, Wahida Rahman
Cámara: V. K. Murty
Duración: 125 min
Idioma: Hindi
SYNOPSIS
SINOPSIS
A Zamindar neglects his wife and prefers the company of
alcohol and dancing girls. The decadence of the Bengali
Zamindar milieu and the raising bourgeoisie in the late 19th
century, seen through the eyes of a young upward mobile rustic
seeking fortune in Calcutta, and fascinated by the lady of the
house...
Un terrateniente descuida a su esposa y prefiere la compañía
del alcohol y bailarinas. Procedente de la clase social de
decadentes terratenientes bengalíes muestra el hundimiento
de esta clase social en el siglo XIX y la llegada de la nueva
clase media con enorme empuje. Es la mirada de un jóven
de Calcuta buscando fortuna y fascinado con la señora de la
casa…
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CORTOS
de la Escuela Oficial
de Cine Satyajit Ray
FILMS
from Satyajit Ray Film and
Television Institute
Still Voices
P ROG R AMA 1 / P ROG R AM E 1 10 9 mi n
In the never ending battle for political power, the first casualty
is always the truth. CBI Internal Investigator Jaidev Mishra is
assigned a new case. The job is to verify the reports submitted of
an official police encounter and close the case. As he uncovers
more and more facts about the case, he will have to choose
between saving his career and doing what is right.
En la continua batalla por el poder político, la primera víctima
es siempre la verdad. El agente secreto Jaidev Mishra es el
encargado de una investigación interna en un nuevo caso. Su
trabajo es verificar la autenticidad de un informe policial sobre
un choque con la policía. Mientras avanza en el caso tendrá que
elegir entre salvar su puesto o hacer lo que es correcto.
Director / Director: Tamal Kumar Sen
Camera / Cámara: Manas Bhattacharyay
Editing / Edición: Sudipto S. Roy
Sound / Sonido: Sudipto Mukhopadhyay
POCHA APEL
A mentally challenged woman living on the Kolkata streets meets
a man in a similar condition on a rainy night. After her initial
refusals, the man succeeds in winning her friendship. Soon the
sociopolitical developments in the city affects their relationship
and leads to separation. Alone, she moves to deserted fields in
the outskirts and find solace. The man returns and looks for her.
When he eventually meets her, he realizes that things are not
same.
Una mujer disminuida mental que vive en las calles de Calcuta
se encuentra con un hombre en una noche lluviosa. Tras los
primeros rechazos el hombre consigue entablar amistad con ella.
Motivos sociopolíticos de la ciudad llevan un día a su separación.
Ahora ella se mueve sola y se establece en las afueras. Un día el
hombre vuelve y cuando finalmente la encuentra ve que las cosas
han cambiado.
Director / Director: Srinath Ravulapalli
Camera / Cámara: Arindam Bhattacharjee
Editing / Edición: Apratim Chakraborty
Sound / Sonido: Nairit Dey
PENCHALAMMA
Set against the backdrop of an upcoming Special Economic
Zone in Telengana region of Andhra Pradesh, Penchalamma is
the unheard voice of farmers across india. The film canvases
the growing affection of those towards Aparna, a “rational”
weather forecaster. On a rather sunny day, Penchalamma tells
Aparna that it will rain but Aparna thinks otherwise. Beautiful
clouds bring rain, Penchalamma wins. But she also loses the one
thing which kept her alive…
En relación con la construcción de Especial Área Económica
en la región de Telengana de Andhra Pradesh, Penchalamma
es la voz de los campesinos a lo largo de la India. Trata de
la creciente enemistad de los campesinos hacia Aparna quien
predice el tiempo que hará. En un día soleado Penchalamma
cuenta en contra de la opinión de Aparna que va a llover y
ocurre. Penchalamma gana pero también pierde algo que la
mantenía viva…
Director / Director: Madhavi Tangela
Camera / Cámara: Praveen Bangari
Editing / Edición: Sontosh Gupta
Sound / Sonido: Dhiman Karkmakar
2
KUSUM
A young woman transvestite prostitute, Kusum, locked up in
her room, gears up for a regular night like any other. Just then
enters Purab, an out of job English literature teacher suffering
from Tourette syndrome and obsessive compulsive behaviour,
without a clue of the local language.
Una transexual, Kusum, está en su habitación preparándose
para una noche como otras. Justo entonces entra Purab, un
profesor de literatura inglesa que sufre del síndrome de Tourette
y un comportamiento obsesivo compulsivo, sin hablar mucho el
idioma local.
Director / Director: Shumona Banerjee
Camera / Cámara: Raghavendra Matam
Editing / Edición: Manas Mittal
Sound / Sonido: Avik Chatterjee
THE BOXING LADIES
Zainab, Bushra and Sughra are sisters. They are muslim and they
are national level boxers. “The Boxing Ladies” is a story of this
incredible family of women, of their strong will to survive in the
society and make a mark.
Zainab, Bushra y Sughra son hermanas. Son musulmanas y
boxeadoras de primer nivel. “The Boxing Ladies” es la historia de
esta increíble familia de mujeres, de su deseo de sobrevivir en la
sociedad y dejar impronta.
Director / Director: Anusha Nandakumar
Camera / Cámara: Rahul Deep Balachandran
Editing / Edición: Diksha Sharma
Sound / Sonido: Sujoy Das
DOYAM
P ROG R AMA 2 / P ROG R AM E 2 10 0 mi n
This story is about a boxer Hatim who like his failed father is on
the verge of losing it all. He is in debt, he is losing his matches
and has stopped communicating with his wife. He struggles with
the guilt and the agony of having lost his father. Doyam in Urdu,
means “second”. But is it second failure or second chance?
Es la historia del boxeador Hatim quien como su desastroso
padre está a punto de perder todo. Tiene deudas, ha perdido
a sus amigos y ha dejado de hablar con su mujer. Carga con
la culpa y la agonía de haber perdido a su padre. Doyam en
Urdu significa “segundo”. Pero ¿es el segundo desastre o la
segunda oportunidad?
Director / Director: Shakeel Mohamad
Camera / Cámara: Rukma Readdy
Editing / Edición: Atanu Mukherjee
Sound / Sonido: Sudipto Mukhopadhyay
3
GERM
This is a story of a boy who is afflicted by cancer and makes an
album of Black and White passport picture that he found as a
child. His brother is a filmmaker and he sees this book. Inspired
after watching the pictures, he begins to collect pictures of the
metropolis where they live, observing the changing horizon of
the city.
La historia de un chico que padece de cáncer y se recrea en
hacer un álbum de fotos de pasaporte en blanco y negro. Su
hermano es director de cine y ve el álbum. Inspirado por las
fotos comienza a coleccionar fotos de la ciudad donde viven
observando los cambios del horizonte de la ciudad.
Director / Director: Snehal Nair
Camera / Cámara: Sayak Bhattacharya
Editing / Edición: Tinni Mitra
Sound / Sonido: Ayan Bhattacharya
CHARITHRAM
Parameswaran, a 60 years old widower, lives with his 30 years
old son Kannan in an old house. One night Kannan brings home
a muslim women named Shahina. Kannan conceals her religious
identity in order to be accepted in the house of his orthodox
Hindu father.
Parameswaran, un viudo de 60 años, vive con su hijo Kannan de
30 años en una casa vieja. Una noche Kannan trae a casa a una
mujer musulmana llamada Shahina. Kannan esconde su identidad
religiosa para que sea aceptada en la casa de su padre Hindú.
Director / Director: M.S.Parveen
Camera / Cámara: Nikhil Arolkar
Editing / Edición: Sounak Chakravorty
Sound / Sonido: Amit Kumar Dutta
CHAYAPATH
Some people always live in the self created world of isolation.
Somu, a citizen of this world, neither takes initiative nor lives
a normal life. This is the memory of individuals who have lost
everything in life.
Algunas personas viven en un mundo de soledad creado
por ellos mismos. Somu, ciudadano de este mundo, ni toma
iniciativas ni lleva una vida normal. Esta es la memoria de la
gente que ha perdido todo en la vida.
Director / Director: Ashim Paul
Camera / Cámara: Sakyadeb Chowdhury
Editing / Edición: Yagypriya Gautam
Sound / Sonido: Sulogno Banerjee
4
DOCTOR, NURSE
and THE
PATIENT
A terminally ill patient finds himself abandoned in a hospital
bed. As cancer spreads through his system, he is gripped by a
sense of claustrophobia. The doctor and the nurse attending
on him live, lust and laugh.
Un paciente terminal de cancer se siente abandonado en
su cama del hospital. Mientras el cáncer se expande por su
cuerpo, siente un enorme sentido de claustrofobia. Entretanto
el doctor y la enfermera viven alrededor de él, se quieren y
se ríen.
Director / Director: Angshuman Barkakoty
Camera / Cámara:Siddhart Diwan
Editing / Edición: Amyth Lamzel Sarki
Sound / Sonido: Binil C. Amakhadu
MY ARMENIAN NEIGHBOURHOOD
A look at the Armenian community of Kolkata, who originally had
arrived much before the city had its name. They are credited with
having built the oldest building of the city.
Una mirada a la comunidad Armenia de Calcuta que llegaron
mucho antes de que la ciudad tuviese este nombre. Son los constructores de los edificios más antiguos de la ciudad.
Director / Director: Samimitra Das
Camera / Cámara: K. Appalaswamy
Editing / Edición: Reshimima Dutta
Sound / Sonido: Avik Chatterjee
5
DOCUMENTARIES DOCUMENTALES
DHALLYWOOD
Spain / España, 2010
Javier Gómez Serrano
The Bangladeshi film industry, popularly known as Dhallywood
(a portmanteau of the words Dhaka and Hollywood), has been
based in Bangladesh’s capital, Dhaka (13 million people) since
1956. As of 2006, it produced approximately 100 movies a year.
The film is the history of the most important persons in this
industry: Animesh, Sagota, Abdur Razzak, Nasreen and Kabir
Bakul.
Dhallywood es como se conoce a la industria de cine de
Bangladesh, hecha específicamente en la capital Dhaka. Si antes
de la independencia en 1971 todas sus películas se hacían en
Calcuta, hoy en día más de 100 filmes se hacen en esta capital
densamente poblada.
Director / Director: Javier Gomez Serrano / Stephane Lenoir
Producer / Productor: Roberto Blatt / Javier G. Serrano /Juan Luis
Camera / Cámara: Naymuzzaman Khan
Runtime / Duración: 52 min.
El filme es un recorrido por los personajes más importantes de
esta industria: Animesh, Sagota, Abdur Razzak, Nasreen y Kabir
Bakul.
BANARAS ME
David Varela
Varanasi is one of the most ancient and holy places of the
World. A city where one can still smell the history of an ancient
and bygone past era.
Place of residence of Shiva – creator and destroyer of every
possible thing- where the liberation and the sense are the same.
But in the same city there is an hidden place which is looked
upong through fume, sand or water : Kashi, the city of light.
Benarés es una de las ciudades más antiguas y sagradas
del mundo; una ciudad donde pervive aún cierto eco de lo
ancestral.
Lugar de residencia de Shiva Dios creador y destructor de todo
lo posible, donde sentidos y liberación se dan la mano. En ella
se esconde esa otra ciudad que entrevemos a través de la
bruma, el humo, la arena: Kashi, la ciudad de la luz. Durante
un año completo –en un ciclo que se repite sin descanso– se
suceden los hechos y los ritmos que provocan cambios drásticos
en la fisionomía de este microcosmos de la India. Voces,
miradas, músicas, las manos de los hombres y los ritos a los
Dioses; la indiferencia está prohibida en esta ciudad. Cada cual
tiene su espacio y su tiempo.
Director / Director: David Varela
Producer / Productor: Lola Martinez / Alex Mulattieri / David Varela
Edition / Edición: Carlos Serrano Azcona
Camera / Cámara: David Varela
2
SMOKING BABAS
Alfredo de Braganza
Acercamiento humano al secretismo místico de la India.
Documentando la vida y costumbres de los sadhus (hombres
sagrados) de la India, con un personaje carismático como hilo
conductor de la historia. Dando a conocer el lado oculto de
estos hombres sagrados hindúes junto con los “niños sadhus”.
A human approach to the mystical secrets of India. Documenting
the life and customs of sadhus (holy men) as had rarely been
filmed, at different peculiar occasions. A charismatic character is
the thread of the story revealing a hidden side of these sacred
hindu sects : “children sadhus”.
Director / Director: Alfredo de Braganza
Producer / Productor: Alfredo de Braganza
COLOR EN MATRUCHHAYA
Jose Luis Gutiérrez
This is the story of José Luis Gutiérrez his colleagues from Fine
Art Faculty of Madrid Ramón Lopez, Lucía cristóbal and Sara
Pérez on their visit to Matruchhaya, an orphanage in India,
on November 2009. It showcases the work done during 7
years with the childrens at this institution. Histories which permit
us to make serious reflexions on our stance with the world
surrounding us.
Realizado por el compañero de la Facultad de Bellas Artes
Ramón López de Benito, con la ayuda de Lucía Cristóbal y
de Sara Pérez. Filmado en el orfanato indio denominado
Matruchhaya en noviembre de 2009, refleja el trabajo que,
desde hace 7 años, vienen realizando con los menores que
habitan en ese orfanato, y permite conocer un poco mejor su
vida y las circunstancias que les han conducido allí.Cada uno
hace su búsqueda.
Director / Director: Jose Luis Gutiérrez
Assistants / Realización: Ramón López de Benito
Lucía Cristóbal / Sara Pérez
3
FILMS ON THE
WRITINGS OF
RABINDRANATH
TAGORE
FILMES SOBRE
LA OBRA DE
RABINDRANATH
TAGORE
TEEN KANYA
India, 1961
Satyajit Ray
TECHNICAL DATA
Producer: Priya Films (Nepal Dutta, Asim Dutta)
Cast: Anil Chatterjee, Chandana Banerjee,
Kali Banerjee, Kanika Majumdar, Soumitra
Chatterjee, Aparna Das Gupta
Music: Satyajit Ray
Screenplay: Satyajit Ray, based on three short
stories by Rabindranath Tagore.
Runtime: 173 min
SYNOPSIS
Satyajit Ray (2 May 1921 - 23 April 1992) was an Indian
Bengali filmmaker. Ray is regarded as one of the greatest
auteurs of 20th century cinema.
This movie released in 1961 is composed by three different
stories: the Postmaster, Monihara (The lost jewels) and Samapti
(The Conclusion).
Born in the city of Calcutta (now Kolkata) into a Bengali
family prominent in the world of arts and letters, Ray studied
at Presidency College and at the Visva-Bharati University.
Starting his career as a commercial artist, Ray was drawn into
filmmaking after meeting French filmmaker Jean Renoir and
viewing the Italian neorealist film Bicycle Thieves during a visit
to London.
Synopsis o f th e P ostm aste r
Newly arrived from Calcutta, Nandalal takes a position as a
postmaster in a tiny village where Ratan, a young orphan and
illiterate girl becomes his servant. Nandalal teaches her to read
and write. When he feels ill, she nurses him back to health.
Nonetheless, he dreams of going back to Calcutta.
Synopsis o f Moni h ar a
Ray directed thirty-seven films, including feature films,
documentaries and shorts. He was also a fiction writer,
publisher, illustrator, graphic designer and film critic. Ray’s
first film, Pather Panchali, won eleven international prizes,
including Best Human Document at the Cannes film festival.
Along with Aparajito and Apur Sansar, the film forms the Apu
trilogy. Ray did the scripting, casting, scoring, cinematography,
art direction, editing and designed his own credit titles and
publicity material. Ray received many major awards, including
32 National Film Awards, a number of international awards,
and an Academy Honorary Award in 1992.
Near a sumptuous mansion, now abandoned, the village
schoolteacher recounts the history with a book holding in his
hand to a man seated on the stairs, concealed under a shawl.
It seems that the house was formerly inhabited by a man whose
wife had a consuming passion for jewels, which led to their ruin.
Synopsis o f Sam ap t i
Returning from Calcutta after passing his exams, Amulaya
spends a few days with his mother who wants him to marry the
daughter of a respectable family. The son resists and, in order to
forestall the marriage, suggests a different bride: a mischievous
teenager whose family has lost their home.
2
TEEN KANYA
India, 1961
Satyajit Ray
SINOPSIS
Estrenada en 1961, esta película está compuesta por tres
historias distintas: The Postmaster, Monihara (Las joyas perdidas)
y Samapti (La conclusión).
Synopsis o f th e P ostm aste r
Recién llegado de Calcuta, Nandalal ocupa el cargo de director
de correos en un pequeño pueblo donde Ratan, una joven
huérfana analfabeta le hace de criada. Nandalal le enseña
a leer y a escribir y cuando él cae enfermo, Ratan le prodiga
cuidados de enfermera para devolverle la salud. Sin embargo,
él sueña con volver a Calcuta.
Synopsis o f Moni h ar a
Cerca de una suntuosa mansión abandonada, el maestro del
pueblo cuenta la historia con un libro en la mano a un hombre
sentado en una escalera y que se esconde debajo de un chal.
Parece que la casa fue habitada por un matrimonio y que la
mujer tenía una pasión compulsiva por las joyas, lo que les llevó
a la ruina.
Sam a p ti
Cuando vuelve de Calcuta donde ha aprobado los exámenes,
Amulaya pasa unos días con su madre que pretende casarle
con la hija de una familia respetable. El hijo se niega y
para impedir esta boda, propone otra novia para él: una
adolescente pícara cuya familia ha perdido su casa.
DIRECTOR
Satyajit Ray (2 de mayo 1921, Calcuta 23 de abril 1992) fue
un director de cine indio, considerado uno de los grandes
artistas del siglo veinte, a causa de su estilo sutil, austero y
lírico de dirección de películas.
Ray nació en una importante familia bengalí de literatos
y artistas. Se graduó en el Presidency College de Calcuta
y estudió bellas artes en la Visva-Bharati University, en
Santiniketan. Fue atraído por la cinematografía tras conocer
al cineasta francés Jean Renoir y ver la película neorrealista
italiana El ladrón de bicicletas durante una visita a Londres.
El debut cinematográfico de Ray, Pather Panchali (La canción
del camino), ganó once premios internacionales incluyendo el
Mejor Documento Humano en el Festival de Cine de Cannes.
Junto con Aparajito y Apur Sansar, Pather Panchali forma la
Trilogía de Apu, la obra maestra de Ray.
FICHA TÉCNICA
Produción: Satyajit Ray
Guión: Satyajit Ray, basado en tres historias
cortas de Rabindranath Tagore.
Reparto: Anil Chatterjee, Chandana Banerjee,
Kali Banerjee, Kanika Majumdar, Soumitra
Música: Satyajit Ray
Duración: 173 min.
Ray estaba profundamente afectado por la gente y las
condiciones socio-económicas reinantes en Bengala, y
aunque sus películas tienen un interés humanista universal, la
vida de las diversas clases sociales de Bengala, el conflicto
de los nuevos y antiguos valores, y los efectos de las
rápidamente cambiantes condiciones económicas y políticas
de la India son algunos de los temas recurrentes en su obra.
Ray fue un cineasta prolífico y dirigió treinta y siete películas
en su vida, comprendiendo largometrajes, documentales y
cortos. Ray recibió muchos importantes premios de cine en su
ilustre carrera, incluyendo un Óscar Honorífico en 1992, poco
antes de morir.
3
CHAR ADHYAY
India, 1997
Kumar Sahani
TECHNICAL DATA
FICHA TÉCNICA
Director: Kumar Shahani
Camera: K. K. Mahajan
Editor: Sujata Narula
Music: Vanraj Bhatia
Cast: Nandini Ghosal, Kaushik Gopal, Shruti Yusufi, Ramchandra,
Pratihari, Sumanto Chattopadhyay
Runtime: 110 Min
Languages: Hindi-Bengali
Director: Kumar Shahani
Camara: K. K. Mahajan
Editor: Sujata Narula
Música: Vanraj Bhatia
Reparto: Nandini Ghosal, Kaushik Gopal, Shruti Yusufi, Ramchandra,
Pratihari, Sumanto Chattopadhyay
Duración: 110 Mins
Idiomas: Hindi-Bengali
SYNOPSIS
SINOPSIS
Char Adhyay is a subtle delineation of human relationships
based on a novel by Rabindranath Tagore. The energies of
painting, theatre, music and dance come together in this film,
set in Bengal of the 30s. Its narrative and its poetic depiction of
pain is unique to Indian art cinema.
Char Adhyay es una sutil representación de las relaciones
humanas basado en una novela de Rabindranath Tagore.
La energía de la pintura, el teatro, la música y la danza están
unidas en esta película que se desarrolla en la Bengala de los
años 30. Su narrativa y su poética descripción del dolor son
únicas en el arte del cine indio.
Kumar Shahani is a noted Indian film director, born in
Lakarna, Sindh (now in Pakistan), on 7 December 1940.
After the Partition of India his family shifted to Bombay (now
Mumbai). He received a BA from the University of Bombay
inPolitical Science and History and studied Screenplay
Writing and Advanced Direction at the Film and Television
Institute of India, where he was a student of Ritwik Ghatak.
He also studied under the renowned marxist historian D. d
Kosambi. He was awarded a French Government Scholarship
for further studies in France, where he studied at the Institute
des hautes études cinématographiques (IDHEC) and assisted
Robert Bresson on Une Femme Douce. He returned to India to
make his first feature film Maya Darpan in 1972 and had to
wait twelve years before he received funding to make his next
full length feature film, Tarang.
DIRECTOR
Kumar Shahani es un reconocido director de cine indio,
nacido en Lakarna, Sindh (hoy Pakistan), el 7 de diciembre
de 1940. Después de la Independencia y Partición de
India, su familia se instaló en Bombay (hoy Mumbai),
donde Shahani se graduó por la Universidad de Bombay
en Ciencias Políticas e Historia. También estudió guión y
dirección cinematográfica en el Instituto Indio de Cine y
Televisión (Film and Television Institute of India), donde fue
alumno de Ritwik Ghatak y del conocido historiador marxista
D. D Kosambi. Posteriormente obtuvo una beca del gobierno
francés para realizar estudios en Francia, en el Institute des
hautes études cinématographiques (IDHEC) donde asistió
a Robert Bresson en la película Une Femme Douce. Tras su
regreso a India, dirigió su primera película Maya Darpan en
1972 y tuvo que esperar doce años antes de poder recopilar
fondos para su siguiente largometraje, Tarang.
From 1976-1978 he held a Homi Bhabha Fellowship to
study the epic tradition of the Mahabharata, Buddhist
iconography, Indian Classical music and the Bhakti
movement.
Desde 1976-1978 estudió con la beca Homi Bhabha la
tradición épica del Mahabharata, Iconografía budista,
música clásica india y el movimiento hindú Bhakti.
4
CHARULATA
India, 1964
Satyajit Ray
TECHNICAL DATA
FICHA TÉCNICA
Cast: Madhabi Mukherjee, Soumitra Chatterjee, Sailen Mukherje, Syamal
Ghosal Mandakini, Gitali Roy.
Music: Satyajit Ray
Screenplay: Satyajit Ray form the short novel Nastanirh by Rabindranath
Tagore.
Runtime: 117 min.
Guión: Satyajit Ray basado en el cuento Nastanirh de Rabindranath
Tagore.
Reparto: Madhabi Mukherjee, Soumitra Chatterjee, Sailen Mukherje,
Syamal Ghosal Mandakini, Gitali Roy.
Música: Satyajit Ray
Duración: 117 min.
SYNOPSIS
SINOPSIS
Based on a story by Rabindranath Tagore, released in 1964
and set in Calcutta, Charulata is often considered as Ray’s
masterpiece. The story takes place in the late nineteenth century
when Bengal Renaissance is at its peak and India is under the
British rule. It pictures Charu and her husband Bhupati. Charu
belongs to the Bengali upper class and leads a life of idle
privilege. Bhupati has inherited wealth and uses the freedom
that he is thereby privileged to possess to publish a political
newspaper. He prides himself on not having become one of the
idle rich and is fully absorbed in the politics of his time.
Basada en una historia de Rabindranath Tagore, estrenada en
el año 1964 y rodada en Calcuta, Charulata está considerada a
menudo como la obra maestra de Satyajit Ray.
La historia se desarrolla a finales del siglo XIX cuando el
Renacimiento bengalí está en pleno auge y la India vive
bajo el dominio británico. Es el retrato de Charu y de su
marido Bhupati. Mujer de la alta sociedad bengalí, Charu es
una privilegiada ociosa. Bhupathi ha heredado un dineral y
aprovecha esa libertad económica para publicar un periódico
político. Está orgulloso de no haber caído en una vida
despreocupada y vive absorto en la política de su tiempo.
5
GHARE BAIRE
India, 1984
Satyajit Ray
TECHNICAL DATA
FICHA TÉCNICA
Produced by: NFDC
Written By: Satyajit Ray, from thenovel by Rabindranath Tagore
Cast: Swatilekha Chatterjee (Sengupta), Victor Banerjee, Jennifer Kendal,
Soumitra Chatterjee
Running time: 140 min
Language: Bengali
Productor: NFDC
Guión: Satyajit Ray, basado en una novela de Rabindranath Tagore
Reparto: Swatilekha Chatterjee (Sengupta), Victor Banerjee, Jennifer
Kendal, Soumitra Chatterjee
Duración: 140 min
Idioma: bengali
SYNOPSIS
SINOPSIS
The story, based upon the novel Ghare Baire (The Home
and the World) by Rabindranath Tagore, is set in early 20th
century India in the estate of the rich Bengali noble Nikhil
(Victor Banerjee), and in the chaotic aftermath of Lord Curzon’s
partition of Bengal into Muslim and Hindu states, when the
nationalist movement is trying to impose a boycott against
all foreign goods (by claiming that imports are at the root of
Indian poverty). He lives happily with his beautiful wife Bimala
(Swatilekha Chatterjee) until the appearance of his friend and
radical revolutionist, Sandip, (Soumitra Chatterjee, the Apu of
The world of Apu, and a principal actor in many Ray films).
La historia, basada en la novela homónima Ghare Baire (El
hogar y el mundo) de Rabindranath Tagore, ocurre en la India
de comienzos del S. XX, en el Estado del noble bengalí Nikhil
(Victor Banerjee), durante los caóticos momentos posteriores
a la partición de Lord Curzon’s del Estado de Bengala en
un estado musulmán y otro hindú, cuando el movimiento
nacionalista bengalí está llevando a cabo un boicot contra
los bienes extranjeros, por considerar la importación de estos
bienes como la raíz de la pobreza de la India. Nikhil vive feliz
con su bella esposa Bimala (Swatilekha Chatterjee) hasta la
llegada de su amigo y revolucionario radical Sandip, (Soumitra
Chatterjee, el actor que hace de Apu en el Mundo de Apu, y uno
de los principales actores de la mayoría de las películas de Ray).
Sandip, a passionate and active man, is a contradiction to the
peace - loving and somewhat passive Nikhil. He easily attracts
the innocent and unsuspecting Bimala, creating a love triangle.
Sandip, un hombre apasionado y activo, es radicalmente
opuesto al amante de la paz y en cierto modo pasivo Nikhil,
por lo que rápidamente atrae a la inocente Bimala, creando un
triángulo amoroso.
6
P ROGR AMA / P ROGR AME
ASIAN
SECTION
SECCIÓN
ASIÁTICA
DANCE TOWN
COREA DEL SUR, 2010
JEON KYU HWAN
TECHNICAL DATA
FICHA TÉCNICA
Director : Kyu Hwan Jeon
Producer : Miae Choi
Photography : Choi Yeong Seon
Music : Choi In Yang
Cast : Joon Hyuk Lee, Rha Mi Ran, Seong Tae Oh
Runtime : 95 min
Director : Kyu Hwan Jeon
Productor : Miae Choi
Fotografía : Choi Yeong Seon
Música : Choi In Yang
Reparto : Joon Hyuk Lee, Rha Mi Ran, Seong Tae Oh
Duración : 95 min
SYNOPSIS
SINOPSIS
Seoul, the present day. A former North Korean professional
table-tennis player, middle-aged Ri Jeong-rim (Ra Mi-ran)
defects to the South on a Chinese boat after her husband
is arrested. She’s provided with a flat by the government,
whose agents spy on her, and assigned a minder, Kim Songheui (Ju Yu-rang), who’s in charge of “new residents” in the
area. Feeling lonely and alienated, she goes on blind dates
which lead nowhere, and still hopes her husband may be
able to join her one day. After starting work at a laundry,
she’s befriended by Oh (Oh Seong-tae), a local policeman
who’s struggling to make ends meet and asks her out on
dates. Ri’s experiences are interwoven with the lives of Kim,
who’s in debt and living with her mother (Jang Yeong-ju), a
raving Christian; Ji-na (Noh Seul-gi), a schoolgirl who has
become pregnant and is considering suicide; and Lee Junhyeok (Lee Jun-hyeok), a lonely crippled man for whom she
makes kimchi.
Seúl, un ex jugador de tenis de mesa, profesional, de Corea del
Norte, Ri Jeong-rim (Ra Mi-ran) escapa al sur en un barco chino
después de que su marido es detenido. El gobierno de Corea
del Sur la aloja en un piso, y la asigna un cuidador, Kim SongHEUI (Ju Yu-rang), quien está a cargo de “nuevos residentes”
en la zona. Se siente sola y va citas ciegas que no conducen
a nada, y todavía espera que su marido puede ser capaz de
unirse a ella un día.
DIRECTOR
Jeon Kyu Hwan Nacido en Seúl en 1965, su debut fué con
el filme Mozart Town que fue invitado a numerosos festivales
de cine. Su siguiente filme Animal Town fue seleccionado en
el festival de San Sevastian, entre otros. Esta es su primera
participación en Imagineindia.
Jeon Kyu Hwan Born in Seoul on 16.1 .1965, his feature
film debut MOZART TOWN was invited to take part in
numerous film festivals. His next film ANIMAL TOWN
screened at the international film festival in San Sebastian,
among other venues.
2
WAILING WALL
TUNISIA, 2010
ELYES BACCAR
Elyes was Born in Tunisia. After graduating from film school
in Paris he did several Tunisian and international films as
assistant director (Stars Wars,Desert fire...) . Then he started
his experience as short films, TV commercials and stage
Play director. He directed around 80 TV commercials in
North Africa. From 2005 to 2009 he produced and directed
documentaries in Pakistan, India, Palestine, Turkey, Syria,
Algeria, France, USA... Some of them won international
prices. He produced also many TV programs for Arab TV
station such as Al jazeera children’s channel, Abu DHabi
TV, Tunisian TV... In 2006 he directed She & he, his first long
feature film and went to many international film festivals.
Since 2002 he founded and managed Gaia Production
(film and Tv production company) and Fikra for TV (a
content development company )which gave him a strong
management background.
SYNOPSIS
Hear the testimony of the people of Palestine as they voice
their stories of suffering centered around a wailing wall.
They cry of help, for peace and freedom. They demonstrate
against the separation wall that destroyed lives and
demolished homes. Listen to the people as they grieve for
the spilt blood of innocent children and loved ones, a lost
youth, and the horrific discrimination and tortures they have
endured since 1967. Listen to their stories about the wall veiled
in racism, a wall with an agenda of ethnic cleansing, a wall
that made it impossible to live a normal life. Their pleas must
not go unheard. Join them as they fight for their cause-a lost
homeland, the safety of their children, and for an end to
injustice. It’s a campaign that hopes to break down the wall,
and forever silent the wailing. Listen and learn.
TECHNICAL DATA
Director : Elyes Baccar
Assistant Director : Essan Billan
Producer : Gaia Films / Al Jazeera Children,s Channel
Camera : Elyes Baccar
Music : Rabii Zammouri
Runtime : 119 min
3
WAILING WALL
TÚNEZ, 2010
ELYES BACCAR
DIRECTOR
Elyes Nació en Túnez. Después de graduarse en la
escuela de cine en París, hizo varias películas tunecinas e
internacionales como asistente de dirección (Star Wars,
el fuego del desierto ...). Luego alargó su experiencia con
cortometrajes, comerciales de televisión y director de obra de
teatro. Ha dirigido alrededor de 80 comerciales de televisión
en el norte de África. De 2005 a 2009 ha producido y
dirigido documentales en Pakistán, India, Palestina, Turquía,
Siria, Argelia, Francia, EE.UU. ... Algunos de ellos ganaron
los premios internacionales. Ha producido también muchos
programas de televisión para la estación de televisión árabe
como el canal infantil de Al Jazeera, Abu Dhabi TV, TV de
Túnez ... En 2006 dirigió Ella y él, su primer largometraje y fue
a muchos festivales internacionales de cine.
Desde el año 2002 fundó la productora Gaia (cine) y Fikra
para la televisión.
SINOPSIS
Escuchar el testimonio del pueblo de Palestina, ya que
expresar sus historias de sufrimiento en torno a un muro de la
separación. Gritan para recibir ayuda, para la paz y la libertad.
Se manifiestan contra el muro de separación que destruyó
vidas y hogares. Escuchar a la gente, al duelo por la sangre
derramada de niños inocentes y seres queridos, una juventud
perdida, y la discriminación y torturas que han sufrido desde
1967. Escuchar sus historias sobre el muro del racismo, una
pared con un programa de limpieza étnica, un muro que hacía
imposible llevar una vida normal. Sus motivos no deben quedar
sin voz. Su lucha por su causa, una patria perdida, la seguridad
de sus hijos, y que se ponga fin a la injusticia. Filme que aspira
a romper el muro, y para siempre en silencio el llanto. Escuchar
y aprender.
FICHA TÉCNICA
Director : Elyes Baccar
Asistente de Director : Essan Billan
Productor : Gaia Films / Al Jazeera Children,s Channel
Cámara : Elyes Baccar
Música : Rabii Zammouri
Duración : 119 min
4
THE WAY WE ARE
CHINA, 2008
ANN HUI
Thus, Ann Hui has become in one of the most critically
acclaimed film director of Hong Kong.
SYNOPSIS
Directed by Ann Hui and starring Paw Hee-ching, Chan Laiwun, Leung Chun-Lung and Idy Chan, The Way We are is a
2008 Hong Kong film.
Tin Shui Wai is a place where bad things happen. A
northwestern New Territories town, the Tin Shui Wai New
Town emerged in the 1990s thanks to land reclamation
and financial help from the Hong Kong Government.
Unfortunately, the town currently suffers from widespread
unemployment, leading to domestic violence, suicide and
plenty of bad stuff.
TECHNICAL DATA
Director: Ann Hui
Script: Lou Shiu-Wa
Producer: Ann Hui
Cast: Hee Ching Paw, Chun-lung Leung, Idy
Chan,
Lai-wun Chan, Vincent Chui and Clifton Ko.
Editors: Chow Cheung-kan
Cinematography: Charlie Lam
Music: Chan Si-lok
Runtime: 90 min.
However, there is another side to Tin Shui Wai, namely the
side where people get up in the morning, live their lives,
and contribute the best they can to their communities.
The characters lives never threaten to become the stuff of
melodrama, and though details are revealed about the
history of the characters and the town, little qualifies as an
outright dramatic revelation. The emotions here are simple
and respectful ones, and show us that the people of Tin Shui
Wai have a heart and soul. Living there is like living anywhere
else; it’s full of ups and downs, small successes and setbacks,
and people who are worth getting to know if you just give
them a chance.
Ann Hui was born in China in 1947. She moved to Hong
Kong when she was five. She studied in St. Paul´s Convent
School. After graduating in English and Comparative Literature
from Hong Kong University, she spent two year at London
Film School. Returning to Hong Kong in 1975, she entered
TVB as a director, making many serials and documentaries
of 16 mm. During this time she in particular helped King Hu
as an assistant on television. The most notable feature she
made during this period was Boy From Vietnam (1978), which
was her first film on Vietnam and formed the first part of her
“Vietnamese trilogy”.
Paw Hee-Ching and Leung Chun-lung plays a mother
and son who live in Tin Shui Wai. Paw works in the local
supermarket while Leung is a student. Paw met Chan Lai-wun
as she also becomes on of the supermarket staff and begins
to help her out. Chan wants to buy a television set but is
turned off by the transport fee. Paw asks leung to come to the
electrical store and helps her carry it up to her public housing
apartment and saves the transport fee. She returns the favour
by giving Paw a bag of expensive chinese mushrooms.
Hui experimented with special effects and daring angles; her
preoccupation with sensitive political and social issues is a
recurrent feature in most of her subsequent films. Boat People
(1982), the third part of her Viernamese trilogy, is the most
famous of her early films. It examines the plight of Vietnamese
immigrants after the Vietnam War.
Through her deceased daughter, Chan has a grandson who
lives with her son-in-law, who has since re-married. Chan
purchased gifts for them and goes with Paw to meet them
in Shatin, but her grandson does not show up and her gifts
are rejected by her son-in-law. At the end of the movie, Paw,
Leung and Chan are seen happily having dinner together in
Tin Shui Wai.
In the mid-1980s Hui continued her string of critically acclaimed
works. Love in a Fallen City (1984), based on a novel by Eileen
Chang, was her next work. In 1990 saw one of her most
important works to date, the semi-autobiographical The Song
of Exile. The film looks into the loss of identity, disorientation
and despair faced by an exiled mother and a daughter. Also,
her Ordinary Heroes (1999), about Chinese and Hong Kong
political activists from 1970s to the 1990s, won the Best Feature
at the Golden Horse Awards. Her last works has been The
Way We Are (2008) and Night and Fog (2009).
This is a simple story about regular people, and Ann Hui
breathes credibility and affection into her characters and
their lives by choosing not to overdo the film. Her approach
is decidedly quiet, utilizing sparing amounts of music or
manipulative technique, and making no attempt to cajole
the audience into the role of active participant. The viewer’s
role here is passive, much like the characters themselves, who
react naturally and without forced emotion or incident.
5
THE WAY WE ARE
CHINA, 2008
ANN HUI
al Mejor Largometraje en los premios Caballo de Oro. Sus
últimos trabajos han sido The Way We Are (De la forma que
somos, 2008) y Night and Fog (Noche y niebla, 2009).
SYNOPSIS
Dirigida por Ann Hui y protagonizada por Paw Hee-ching,
Chan Lai-wun, Leung Chun-Lung y Idy Chan, The Way We
Are (De la forma que somos) es una película de Hong Kong
realizada en 2008.
Tin Shui Wai es un lugar donde suceden cosas malas. En los
Nuevos Territorios del noroeste de la ciudad, Tin Shui Wai es
una ciudad nueva que surgió en la década de los 90 gracias a
la recuperación de tierras y la ayuda financiera del Gobierno
de Hong Kong. Lamentablemente, la ciudad sufre, actualmente,
un desempleo generalizado, lo que lleva a la violencia
doméstica y muchas otras cosas peores.
FICHA TÉCNICA
Director: Ann Hui
Guión: Lou Shiu-Wa
Productor: Ann Hui
Reparto: Hee Ching Paw, Chun-lung Leung,
Idy Chan, Lai-wun Chan, Vincent Chui and
Clifton Ko.
Editores: Chow Cheung-kan
Fotografía: Charlie Lam
Música: Chan Si-lok
Duración: 90 min.
Sin embargo, Tin Shui Wai tiene otra cara, es decir, el lado
donde las personas se levantan por la mañana, viven su vida
y contribuyen lo mejor que pueden con sus comunidades. Los
personajes nunca ven amenazada su vida. Se revelan detalles
sobre la historia y vida de los personajes y la ciudad, pero no
se puede calificar como una revelación melodramática. Las
emociones son simples y respetuosas, y nos muestran que el
pueblo de Tin Shui Wai tiene un corazón y un alma. Vivir aquí
es como vivir en cualquier otro lugar ; está lleno de altibajos,
pequeños éxitos y reveses y gente que merece la pena conocer
dándoles una oportunidad.
BIOGRAFÍA
Ann Hui was Ann Hui nació en China en 1947. Se trasladó a
Hong Kong cuando sólo tenía 5 años. Estudió en el colegio
St. Paul. Después de graduarse en Inglés y Literatura en la
Universidad de Hong Kong, pasó dos años en el Colegio
de Cine de Londres. Regresó a Hong Kong en 1975 y
entró como directora en TVB, realizando muchas series y
documentales de 16 mm. Durante este tiempo, ayudó al Rey
Hu como asistente de televisión. El trabajo más notable que
hizo durante este tiempo fue Boy From Vietnam (Niño de
Vietnam,1978), su primera película sobre Vietnam y la primera
de su “trilogia vietnamíta”.
Paw Hee-Ching y Leung Chun-lung son una madre y un hijo
que viven en Tin Shui Wai. Paw trabaja en el supermercado,
mientras Leung es estudiante. Paw conoció a Chan Lai-wun,
pues ella también se convierte en personal del supermercado
y empieza a ayudarla. Chan quiere comprar un televisor,
pero no quiere pagar la tarifa de transporte. Finalmente, Paw
le acompaña a la tienda de electrodomésticos y le ayuda a
llevar el televisor a su apartamento. Ella le devuelve el favor
regalándola una bolsa de setas chinas.
Hui experimentó con efectos especiales y ángulos atrevidos;
su preocupación por la situación política y las cuestiones
sociales es una caracterísctica recurrente en la mayoría
de sus películas posteriores. Boat People (1982) la tercera
parte de su trilogía vietnamita, es considerada la mejor de
sus primeros trabajos. En ella se examina la situación de los
inmigrantes vietnamitas después de la guerra de Vietnam.
A través de su hija fallecida, Chan tiene un nieto que vive con
su yerno, quién se ha vuelto a casar. Chan compra una serie
de regalos para dárselos y va acompañada de Paw, pero su
nieto no aparece y sus regalos son rechazados por su yerno. Al
final de la película, vemos como Paw, Leung y Chan son felices
cenando juntos en Tin Shui Wai.
A mediados de los 80 Hui continuó su trabajo entre el
aclamo de la crítica. Love in a Fallen City (Amor en la Ciudad
Caída), basada en la novela de Eillen Chang, fue su siguiente
trabajo. Así, en 1990 vemos una de sus obras más importantes
hasta la fecha, la semi-autobiográfica The Song of Exile
(Canción del Exilio). En la película vemos la desorientación
y la desesperación a la que se enfrentan una madre y su
hija exiliadas. Además su Ordinary Heroes (Héroe ordinario,
1999), un film sobre los activistas políticos de China y Hong
Kong desde la década de los 70 hasta los 90, ganó el Premio
Es una historia simple sobre la gente común, y Ann Hui crea
una película creible dando lugar a unos personajes con unas
vidas que no exágeran lo real. Su enfoque es decididamente
tranquilo, evitando la utilización de grandes cantidades de
música o la manipulación técnica. De este modo, no intenta
que la audiencia tenga un papel activo. El role de los
espectadores es totalmente pasivo, al igual que los propios
personajes, que reaccionan de forma neutral y sin ningún tipo
de emoción forzada.
6
P ROGR AMA / P ROGR AME
FILMS ABOUT
GYPSIES
FILMES SOBRE
GITANOS
GYPSY WOMAN
INGLATERRA, 2001
SHEREE FOLKSON
TECHNICAL DATA
FICHA TÉCNICA
Director : Sheree Folkson
Producer : Justin Ackerman
Cast : Jack Davenport, Jack Warren, Neve
Mcintosh
Camera : Witold Stok
Productor : Justin Ackerman
Reparto : Jack Davenport, Jack Warren, Neve Mcintosh
Cámara : Witold Stok
BIOGRAFÍA
Sheree Folkson. More than 21 films contemplates to this
director from UK, many of them TV serials like Casanova,
Ugly Betty, My Family and other animals.
Sheree Folkson. Más de 21 filmes contemplan a esta
directora inglesa, muchos de ellos seriales de televisión como
Casanova, Betty la fea, Mi familia y otros animales.
SYNOPSIS
SINOPSIS
Although the plot is formulaic, the charm of the leads make
it a very pleasant romantic comedy. She is a Gypsy with a
young daughter, he is a snobbish Englishman with a young
daughter. They met in a very improbable way, and you can fill
in the rest. But even if the formula is adhered to, the beauty of
the English (Scottish?) countryside, and the obvious chemistry
between the leads lift this charming little picture above the
formulas and into its own territory. Highly recommended to
the fans of this genre.
Aunque bastante formulaica la trama, la calidez de los
actores hace del filme una comedia romántica muy agradable
de ver. Ella es una gitana con una hija, y él un snob inglés
a la vez con otra hija. Se encuentran de modo más que
imposible y ya puedes imaginar el resto. La fórmula se
compensa con la belleza del campo inglés o ¿era escocés?
La obvia química entre los dos lleva a este pequeño filme a
niveles mayores, a su propio terreno. Altamente recomendado
a los aficionados del género de comedia gitana.
2
ROMNIA
SPAIN, 2010
PABLO VEGA
TECHNICAL DATA
FICHA TÉCNICA
Director : Pablo Vega
Producer : Valentina Barbazza
Script : Pablo Vega, Valentina Barbazza
Photography : Iván Sánchez
Productor : Justin Ackerman
Reparto : Jack Davenport, Jack Warren, Neve Mcintosh
Cámara : Witold Stok
BIOGRAFÍA
Pablo Vega is one the most prominent gipsy directors in
Spain. Having worked in the publicity sector for the most
important commercial trademarks.
Pablo Vega es uno de los más prominentes directores
gitanos de España. Ha trabajado en el sector de publicidad
para las mejores marcas comerciales.
SYNOPSIS
SINOPSIS
I am Pablo Vega, and I am the director of this documentary.
I am a Gypsy. This is the beginning of this documentary about
the gypsy women from Huesca which reflects the other reality.
Gypsy women who confronts the esteretypes created on
them in our society. Women who have struggled to be placed
where there are now.
Me llamo Pablo Vega, soy director y realizador de este
documental. Soy gitano. Así comienza el documental sobre
las mujeres gitanas de Huesca que reflejen la otra realidad.
Mujeres gitanas que rompen los estereotipos creados en
esta sociedad. Mujeres que han luchado para llegar a
donde están.
3
OUR SCHOOL
ROMANIA, 2010
MONA NICOARA
TECHNICAL DATA
Director : Mona Nicoara
Producer : Mona Nicoara, Miruna
Coca Cozma
Photography : Ovidiu Marginean
Editors : Jonathan Oppenheim,
Erin Casper
FICHA TÉCNICA
Director : Mona Nicoara
Productor : Mona Nicoara, Miruna
Coca Cozma
Fotografía : Ovidiu Marginean
Editor : Jonathan Oppenheim,
Erin Casper
BIOGRAFÍA
Mona Nicoara. Romanian origin,
based in NY, Mona Nicoara has
produced apart from Our School
another children documentary:
Mona Nicoara. De orígen rumano, establecida en NY, Mona
Nicoara ha producido aparte de Our School otro filme
relacionado con los niños : Children Underground.
Su filme ha participado en numerosos festivales entre ellos el
de Tribeca.
Children Underground. Her second film made the cut at
Tribeca Film Festival.
SINOPSIS
Tres niños gitanos de un pueblo de Transilvania participan
en un proyecto para eliminar la segregación en la escuela
local, que luchan contra la indiferencia, la tradición y el
fanatismo con humor y optimismo. Nuestra escuela es una
historia fascinante y divertida acerca de la esperanza y
la raza, y una elegía sobre el prejuicio generacional y
oportunidades desperdiciadas.
SYNOPSIS
Three Roma children from a small Transylvanian town
participate in a project to desegregate the local school,
struggling against indifference, tradition and bigotry with
humor and optimism. OUR SCHOOL is a captivating and
often funny story about hope and race, and an elegy about
generational prejudice and squandered opportunities.
Un documental sobre cómo las políticas y los principios, este
documental vérité ilumina su funcionamiento día a día y las
complejidades emocionales de las relaciones raciales en
cualquier parte, a través del mundo aparentemente lejano
de “gitanos” y los campesinos de Transilvania . Al contar
una historia convincente que forma parte de un movimiento
más amplio de derechos, nuestra escuela está destinada a
movilizar nuevas energías en un momento que está maduro
para el cambio.
A primary document on how policies and principles play
out on the ground, this feature-length verite documentary
illuminates the day-to-day workings and emotional intricacies
of race relations anywhere in the world through the
deceptively distant world of “Gypsies” and Transylvanian
peasants. By telling a compelling human story that is part of
a broader rights movement, OUR SCHOOL seeks to mobilize
new energies at a moment that is ripe for change, when
Europe finally has its Brown vs. Board of Education moment.
4
AUSTRALIAN
ABORIGIN FILMS
CINE AUSTRALIANO
ABORIGEN
THE TRACKER
Australia, 2002
Rolf de Heer
TECHNICAL DATA
Director: Rolf de Heer
Cast: Gary Sweet, David Gulpilil
Music: Graham Tardiff, Rolf de Heer
Photography: Ian Jones, ACS
Runtime: 90 min
Rolf de Heer was born in 1951 in Heemskerk, Holland, and
migrated to Australia with his family in 1959. From eighteen,
he spent seven years working at the Australian Broadcasting
Corporation, until he decided it was time “to stop dealing
with other people’s programs and make some of my own”.
In 1977, he was granted entry into Australia’s prestigious
Film Television and Radio School, completing the three-year
course with Diplomas in Production and Directing. De Heer’s
first film was the children’s feature `Tail Of A Tiger’ (1984),
which attracted both critical and commercial success and
played at the Berlin Kinderfest. ‘Incident At Raven’s Gate’
(1987), de Heer’s second feature, was an atmospheric science
fiction mystery thriller, followed by `Dingo’ (1990), a musical
odyssey that travelled from outback Western Australia to the
streets of Paris starring Colin Friels and jazz legend Miles
Davis in his only film role. `Bad Boy Bubby’ (1993) marked
de Heer’s first collaboration with Italian producer Domenico
Procacci. Thirty-two different cinematographers were used to
chronicle the adventures of a child-man seeing the world for
the first time.
SYNOPSIS
It’s 1922; somewhere in Australia. When a Native Australian
man is accused of murdering a white woman, three white men
(The Fanatic, The Follower and The Veteran) are given the
mission of capturing him with the help of an experienced Native
Australian (The Tracker). In charge is the Fanatic (Gary Sweet),
cold, ruthless, calculating but complex. The second of the three
whites is the Follower (Damon Gameau), a greenhorn, new to
the outback. And there is the Veteran (Grant Page), a thinker
rather than a doer. But the real leader, whether the others know
it or not, is the Tracker himself (David Gulpilil), a mysterious
figure who clearly isn’t who he seems. So they start their quest
in the outback, not knowing that their inner wrestles against and
for racism will be more dangerous that the actual hunting for
the accused.
De Heer spent the next two years working on EPSILON (1995)
that made extensive use of motion control cinematography.
During a break in filming, THE QUIET ROOM was shot and
garnered critical acclaim and numerous awards from around
the world and was selected for Official Competition in the
1996 Cannes International Film Festival. .
The Tracker was shot entirely on location in the rugged
Gammon Ranges in outback Australia and debuted to a
standing ovation at the 2002 Adelaide Festival of Arts and
in Official Competition at the 2002 Venice International Film
Festival. The film won prizes all over the world, winning the
Special Jury Prize at the 2002 Valladolid International Film
Festival, and Best Screenplay at the Festival of Ghent. In
Australia it won numerous prizes, including Best Film at both the
2002 Circle of Film Critics Awards and the 2002 IF (people’s)
Awards.
The next film directed by De Heer was DANCE ME TO MY
SONG in 1997, and it was followed by THE OLD MAN
WHO READ LOVE STORIES in 1999, THE TRACKER in 2002,
ALEXANDRA’S PROJECT -de Heer’s tenth film as director-,
TEN CANOES and his last feature film DR PLONK, a black
and white silent comedy in the style of Charlie Chaplin and
Buster Keaton. The film closed the Adelaide Film Festival in
2007 and was selected into the Visions Section of the Toronto
International Film Festival.
2
EL RASTREADOR
Australia, 2002
Rolf de Heer
FICHA TÉCNICA
Director: Rolf de Heer
Reparto: Gary Sweet, David Gulpilil
Música: Graham Tardiff, Rolf de Heer
Fotografía: Ian Jones, ACS
Duración: 90 min
DIRECTOR
Rolf de Heer was born in 1951 in Heemskerk, Holland, and
migrated to Australia with his family in 1959. From eighteen,
he spent seven years working at the Australian Broadcasting
Corporation, until he decided it was time “to stop dealing
with other people’s programs and make some of my own”.
In 1977, he was granted entry into Australia’s prestigious
Film Television and Radio School, completing the three-year
course with Diplomas in Production and Directing. De Heer’s
first film was the children’s feature `Tail Of A Tiger’ (1984),
which attracted both critical and commercial success and
played at the Berlin Kinderfest. ‘Incident At Raven’s Gate’
(1987), de Heer’s second feature, was an atmospheric science
fiction mystery thriller, followed by `Dingo’ (1990), a musical
odyssey that travelled from outback Western Australia to the
streets of Paris starring Colin Friels and jazz legend Miles
Davis in his only film role. `Bad Boy Bubby’ (1993) marked
de Heer’s first collaboration with Italian producer Domenico
Procacci. Thirty-two different cinematographers were used to
chronicle the adventures of a child-man seeing the world for
the first time.
SINOPSIS
Australia, año 1922. Tres hombres blancos, contratados por
el gobierno, siguen la pista por el outback australiano para
atrapar a un nativo, supuesto violador y asesino de una
mujer blanca. En su búsqueda les ayuda un experimentado
rastreador, también aborígen.
A cargo de la empresa está el Fanático (Gary Sweet), de
carácter frío, despiadado y calculador, pero complejo. El
segundo de los tres blancos es el Seguidor (Damon Gameau),
novato en el outback. Y el tercero es Veterano (Grant Page),
que piensa más que actúa. Pero el verdadero líder, aunque los
demás no lo sepan, es el propio Rastreador (David Gulpilil), un
misterioso personaje que no es lo que parece. Así comienzan su
búsqueda por el árido interior de Australia, ignorando que lo
realmente peligroso no será ar caza al acusado, sino su propria
lucha interior por el racismo.
De Heer spent the next two years working on EPSILON (1995)
that made extensive use of motion control cinematography.
During a break in filming, THE QUIET ROOM was shot and
garnered critical acclaim and numerous awards from around
the world and was selected for Official Competition in the
1996 Cannes International Film Festival. .
The Tracker fue rodada íntegramente en exteriores de la
escarpada Cordillera Gammon, en interior de Australia, y
en su estreno en el Festival de Adelaida 2002 de las Artes y
en competición oficial en e Festival Internacional de Cine de
Venecia e 2002 fue recibida con una ovación en pie. La película
ha ganado premios en todo el mundo, entre ellos el Premio
Especial del Jurado en el Festival Internacional de Cine de
Valladolid de 2002, y al Mejor Guión en el Festival de Gante.
En Australia, ganó numerosos premios, incluyendo mejor
película, tanto en el Círculo de Críticos de Cine de 2002 y el
reconocimiento del público en los Premios IF 2002.
The next film directed by De Heer was DANCE ME TO MY
SONG in 1997, and it was followed by THE OLD MAN
WHO READ LOVE STORIES in 1999, THE TRACKER in 2002,
ALEXANDRA’S PROJECT -de Heer’s tenth film as director-,
TEN CANOES and his last feature film DR PLONK, a black
and white silent comedy in the style of Charlie Chaplin and
Buster Keaton. The film closed the Adelaide Film Festival in
2007 and was selected into the Visions Section of the Toronto
International Film Festival.
3
RABBIT-PROOF FENCE
Australia, 2002z
Phillip Noyce
SYNOPSIS
Based on Doris Pilkington’s autobiographical book Follow the
Rabbit-Proof Fence, this film is the true story of three Aboriginal
girls who are forcibly taken from their families in 1931 to be
trained as domestic servants as part of official Australian
government policy. Gracie and Daisy cling to Molly for support,
and Molly decides they need to return to their parents. Molly
plans a daring escape, and the three girls begin an epic journey
back to Western Australia, travelling 1,500 miles on foot with
no food or water, and navigating by following the fence that
has been build across the nation to stem an over-population
of rabbits. For days they walk north, following the fence
and eluding their pursuers, a native tracker and the regional
constabulary.
Noyce was born in Griffith, New South Wales, attended
Barker College, Sydney, and began making short films at
the age of 18, starting with Better to Reign in Hell, using his
friends as the cast. He joined the Australian Film & Television
School in 1973, and released his first professional film in
1977. Many of his films feature espionage, as Noyce grew
up listening from his father’s stories with the Z Special Force
during World War II, and has an interest in the theme.
After his debut feature, the medium-length Backroads (1977),
Noyce achieved commercial and critical success with
Newsfront (1978), which won Australian Film Institute (AFI)
awards for Best Film, Director, and Screenplay.
Noyce worked on two miniseries for Australian television
with fellow Australian filmmaker George Miller: The Dismissal
(1983) and The Cowra Breakout (1984).
Miller also produced the film that brought Noyce his greatest
acclaim in the United States — the thriller Dead Calm
(1989) which turned Nicole Kidman into a star. His greatest
commercial success to date has been the Tom Clancy spy
thriller Clear and Present Danger (1994) starring Harrison Ford.
After 1998’s The Bone Collector, Noyce decided to take
a break from Hollywood. He made in his native Australia
the “stolen generation” picture Rabbit-Proof Fence, which
achieved great acclaim and won the Australian Film Institute
Award for Best Film in 2002. Noyce also achieved great
acclaim in the United States for The Quiet American, a 2002
film which gave Michael Caine an Academy Award Best
Actor nomination. After doing Catch a Fire (2006) in South
Africa, Noyce decided to make another big budget studio
film with 2010’s Salt.
TECHNICAL DATA
Director: Phillip Noyce
Producer: Phillip Noyce, Christine Olsen, John Winter
Cast: Everlyn Sampi, Kenneth Branagh, David Gulpilil
Music: Peter Gabriel
Cinematography: Christopher Doyle
Runtime: 94 min
He has described Rabbit-Proof Fence as “easily” his
proudest moment as a director: “Showing that film to various
Aboriginal communities around the country and seeing their
response, because it gave validity to the experiences of the
stolen generations”.
4
RABBIT-PROOF FENCE
Australia, 2002z
Phillip Noyce
SINOPSIS
Basada en la novela autobiográfica de Doris Pilkington,
Follow the Rabbit-Proof Fence, esta película narra la historia
real de tres niñas aborígenes que, en 1931, fueron alejadas
forzosamente de sus familias para ser introducidas en la
sociedad blanca como trabajadoras domésticas. Ésta era
una práctica habitual en el marco de la política oficial del
gobierno australiano de aquellos años... Pero estas tres niñas,
Molly, Gracie y Daisy, decidieron volver junto a sus padres y
planeando una audaz fuga emprendieron un épico viaje de
regreso a casa.
Durante días caminaron hacia el norte, sin comida ni agua,
siguiendo la valla que se había construido a lo largo de todo
el país para contener una excesiva población de conejos.
Recorrieron más de 2.400 kilómetros de campo australiano
siempre un paso por delante sus perseguidores: un rastreador
nativo y la policía regional.
DIRECTOR
Noyce nació en Griffith, Nueva Gales del Sur, y comenzó
haciendo cortometrajes a la edad de 18 años. El primero de
ellos se titularía Better to Reign in Hell y utilizaría a amigos
para el reparto. Posteriormente, se uniría a la Escuela
Australiana de Cine, Televisión y Radio en 1973, realizando su
primer film para la televisión en 1977. Después de su debate,
se lanzó a la dirección con el mediometraje Backroads (1977),
pero Noyce obtendría su primer éxito comerical y de crítica
con Newsfront (1978), con el que ganaría el premio al mejor
director, a la mejor película y al mejor guión del Instituto
Australiano de Cinematografía (AFI, en sus siglas en inglés).
FICHA TÉCNICA
Director: Phillip Noyce
Productor: Phillip Noyce, Christine Olsen, John Winter
Reparto: Everlyn Sampi, Kenneth Branagh, David Gulpilil
Música: Peter Gabriel
Fotografía: Christopher Doyle
Duración: 94 min
Más tarde, Noyce trabajó en dos miniseries para la televisión
australiana con George Miller como productor: The Dismissal
(1983) y The Cowra Breakout (1984).
El salto de Noyce a la industria norteamericana llegaría
con el thriller Calma total (1989) con Nicole Kidman como
protagonista.
A continuación llegaron sus éxitos de taquilla dirigiendo las
películas basadas en los libros de espionaje de Tom Clancy
Juego de patriotas (1992) y Peligro inminente (1994) con
Harrison Ford en el papel de Jack Ryan. Sin embargo, sufrió
un tropezón comercial y de crítica con el thriller erótico Sliver
(1993), que fracasó a pesar del protagonismo de Sharon
Stone en su primer trabajo tras Instinto básico y en 1998,
después de dirigir El coleccionista de huesos, Noyce decidió
alejarse un poco de Hollywood. De modo que vuelve a su
Australia natal para rodar Rabbit Proof Fence, película sobre
la “generación robada” con la que ganó por segunda vez
el premio a la mejor película del Instituto Australiano de
Cinematografía en 2002.
5
THE CHANT OF JIMMIE BLACKSMITH
Australia, 1978
Fred Schepisi
TECHNICAL DATA
Director: Fred Schepisi
Producer: The Film House / Victorian Film
Cinematographer: Lan Baker
Cast: Tommy Lewis, Freddy Reynolds, Ray Barrett,
Jack Thompson, Angela Punch Mcgregor, Steve
Dodds, Peter Carroll, Ruth Cracknell
Music: Bruce Smeaton
Runtime: 120 Min
vvFred Schepisi (born in Melbourne, 1939) began his
production career in the advertising world and served as
head of the Film House for almost 20 years where he directed
both commercials and documentaries. His first feature-length
film was the semi-autobiographical The Devil’s Playground
(1976) which won 6 AFI awards including Best Film and
established Fred’s reputation as a talented director and
writer. The success of his second film The Chant of Jimmie
Blacksmith (1978) took Fred to the U.S. where he directed
Barbarosa (1981), Iceman (1983), Plenty (1985), and Roxanne
(1987) before returning to Australia to co-write and direct
Evil Angels (A Cry in the Dark, 1988). Evil Angels received
numerous awards and nominations including the AFI Best
Achievement in Direction and Best Screenplay Adaptation
and 2 Golden Globe nominations for Best Screenplay and
Best Director.
SYNOPSIS
The Chant of Jimmie Blacksmith is a shocking indictment of the
racism inflicted on the Indigenous people of Australia.
Jimmie is a half-white, half-Indigenous young man raised by
a Methodist minister. Feeling outcast among the Aboriginal
people, Jimmie moves to the city and gets a job working for a
white family.
Fred also directed the screen adaptation of John Guare’s
play Six Degrees of Separation (1993) starring Stockard
Channing, Donald Sutherland and Will Smith. His other film
credits include The Russia House (1990), Mr. Baseball (1992),
IQ (1994), Fierce Creatures (1996), Last Orders (2001) and It
Runs in the Family (2002).
When a white serving girl at the estate becomes pregnant,
everyone is convinced that Jimmie is the father; to spare the
girl’s honor, Jimmie marries her and is allowed to live with her
on the estate.
Fred’s most recent project was the film adaptation of the bestselling novel by Richard Russo Empire Falls (2004). Starring
Paul Newman, Ed Harris, Joanne Woodward, Robin Wright
Penn and Helen Hunt, the film debuted in the U.S. on HBO,
was nominated for a number of awards and and recently
won a Golden Globe for Best Mini-Series or Motion Picture
made for Television.
But after the child is born, everyone realizes that the father was
a white man, not Jimmie; he is still willing to accept the child
and stand beside his wife, but his employers now feel that he
married a white girl under false pretenses, and they bar him
from the estate.
Fred was recently awarded the Order of Australia for his
service to the Australian film industry as a director, producer
and screenwriter.
Forbidden to see his wife and fired without receiving his pay,
Jimmie finally explodes in a fury of violent revenge.
6
THE CHANT OF JIMMIE BLACKSMITH
Australia, 1978
Fred Schepisi
FICHA TÉCNICA
Dirección: Fred Schepisi
Productor: The Film House / Victorian Film
Reparto:Tommy Lewis, Freddy Reynolds,
Ray Barrett, Jack Thompson, Angela
Punch McGregor, Steve Dodds, Peter
Carroll, Ruth Cracknell,
Música: Bruce Smeaton
Duración: 120 min
DIRECTOR
Fred Schepisi (nacido en
Melbourne, 1939) comenzó
su carrera de producción en
el mundo de la publicidad y
fue director de la Casa de
la Película durante casi 20
años, donde dirigió tanto
anuncios publicitarios como
documentales. Su primera
película de largometraje fue la
semi-autobiográfica The Devil’s
Playground (1976), que ganó
6 premios AFI -incluyendo Mejor Película- y dió a Schepisi
una reputación de talentoso director y escritor. El éxito de su
segunda película The Chant of Jimmie Blacksmith (1978) llevó
a Fred a los EE.UU., donde dirigió Barbarosa (1981), Iceman
(1983), Plenty (1985), y Roxanne (1987) antes de regresar a
Australia para co-escribir y dirigir Evil Angels(Un grito en
la oscuridad, 1988). Evil Angels recibió numerosos premios
y nominaciones, entre ellas el AFI Achievement a la Mejor
Dirección y al Mejor Guión Adaptado y 2 nominaciones a los
Globos de Oro por el Mejor Guión y el Mejor Director.
SINOPSIS
El canto de Jimmie Blacksmith es una terrible acusación al
racismo infligido a los pueblos indígenas de Australia.
Jimmie es un joven, medio blanco medio indígena, criado por
un pastor metodista. Sintiéndose paria entre los aborígenes,
Jimmie se traslada a la ciudad y consigue trabajar para una
familia blanca.
Fred también dirigió la adaptación cinematográfica de
la obra de John Guare Six Degrees of Separation (1993)
protagonizada por Stockard Channing, Donald Sutherland
y Will Smith. Sus otros títulos cinematográficos incluyen The
Russia House (1990), Mr. Baseball (1992), IQ (1994), Fierce
Creatures (1996), Last Orders (2001) y It Runs in the Family
(2002).
Cuando una muchacha blanca que presta servicios domésticos
en la finca se queda embarazada, todo el mundo cree que
Jimmie es el padre y para preservar el honor de la joven,
Jimmie se casa con ella, adquiriendo así además permiso para
continuar viviendo en la finca, con ella.
El proyecto más reciente de Fred fue la adaptación
cinematográfica de la exitosa novela de Richard Russo,
Empire Falls (2004). Protagonizada por Paul Newman, Ed
Harris, Joanne Woodward, Robin Wright Penn y Helen Hunt,
la película se estrenó en los EE.UU. a través de HBO, fue
nominada a varios premios y ha recibido un Globo de Oro a
la Mejor Mini-Serie o Película hecha para Televisión.
Pero una vez de que el niño nace, todo el mundo se da cuenta
de que el padre era un hombre blanco, no Jimmie, que pese a
todo aún está dispuesto a aceptar al niño y estar al lado de su
esposa. Sin embargo, sus jefes empiezan a pensar que se casó
con una muchacha blanca de manera fraudulenta, y le expulsan
de la finca.
Fred ha recibido recientemente el galardón de la Orden
de Australia por su servicio a la industria cinematográfica
australiana como director, productor y guionista.
Despedido sin recibir paga y bajo la prohibición de ver a su
esposa, Jimmie estalla en una furia de violenta venganza.
7
BENEATH CLOUDS
Australia, 2002
Ivan Sen
TECHNICAL DATA
Director: Ivan Sen
Producer: Feature Films
Photography: Allan Collins
Music: Ivan Sen
Starring: Danielle Hall, Damian Pitt, Jenna Lee
Connors, Simon Swan, Mundurra Weldon
Runtime: 87 Min
Ivan Sen is an Australian filmmaker. Throughout the late
1990s Sen worked on numerous short films, before making his
feature film debut with Beneath Clouds in 2002. He studied
filmmaking at the Australian Film Television and Radio School,
where he produced his first short films, working with the crew
he continues to work with today. Sen was raised in Inverell,
New South Wales, Australia.
Sen drew on his own background as the child of an
Aboriginal mother and an absent white father for the
screenplay of his first feature-length work, Beneath Clouds,
filmed on a $2.5 million dollar budget. The film follows
two teenagers, Lena (Dannielle Hall) and Vaughn (Damian
Pitt) who are hitchhiking their way from a rural New South
Wales town to Sydney, each for different reasons. The film
explores many of the racial difficulties in their society as well
as the way the choices each makes can effect how they turn
out. The film was based on Ivan Sen’s own experiences of
growing up in Alice Springs with an Aboriginal mother and
absent European father. It won Sen global acclaim, screening
at the 2003 Sundance Film Festival and winning the Premiere
First Movie Award at the 2002 Berlin Film Festival and the
2002 Best Director Award at the Australian Film Institute
Awards.
SYNOPSIS
Beneath Clouds takes us on a journey with its two main
characters, as each tries to escape their past, and head into
a different future. Lena, the light-skinned daughter of an
Aboriginal mother and Irish father, and Vaughn, a Murri boy
doing time in a minimum security prison in North West NSW.
To Lena, Vaughn represents the life she is running away from.
To Vaughn, Lena embodies the society that has rejected him.
Dramatic events throw them together on a journey with no
money and no transport. An uneasy relationship begins to
form as they hit the road heading to Sydney, taking them on a
journey that’s as emotional as it is physical, as revealing as it is
desperate. Initially the two reluctant travelling companions are
suspicious and wary of each other, but their journey, mostly by
foot, and the odd life, builds an understanding between them.
And for a very short amount of time, they experience a rare
true happiness together.
In 2009, the Message Sticks Indigenous Film Festival held at
the Sydney Opera House has seen the world premiere of
Sen’s Fire Talker, a documentary biopic about political activist,
Aboriginal footballer, .It premiered at the 10th Anniversary
of the Message Sticks Indigenous Film Festival held at the
Sydney Opera House in May 2009.
Beneath Clouds is a successful and intelligent exploration into
issues surrounding aboriginality within Australia. Eloquent, rich in
humanity and deeply affecting, is a profound Australian film by
an authentic and strong new voice in world cinema.
Sen’s second feature-length film, Dreamland, screened at the
2010 Melbourne International Film Festival.
8
BENEATH CLOUDS
Australia, 2002
Ivan Sen
FICHA TÉCNICA
Director: Ivan Sen
Producción: Feature Films
Fotografía: Allan Collins
Música: Ivan Sen
Reparto: Danielle Hall, Damian Pitt, Jenna Lee
Connors, Simon Swan, Mundurra Weldon
Duración: 87 Min
SINOPSIS
DIRECTOR
Beneath Clouds nos lleva de viaje con sus dos personajes
principales, Lena- la hija de piel clara de una madre aborigen
y padre irlandés- y Vaughn- un muchacho Murri que cumple
pena en una prisión de mínima seguridad en el noroeste de
New South Wales-. Ambos tratan de escapar de su pasado, y
se dirigen a un futuro diferente. Para Lena, Vaughn representa
la vida de la que está huyendo, mientras que para Vaughn,
Lena encarna la sociedad que lo ha rechazado.
Ivan Sen es un director de cine australiano. A lo largo
de la década de 1990 Sen ha trabajado en numerosos
cortometrajes, antes de debutar en el cine con su
largometraje Beneath Clouds en el año 2002. Estudió cine en
el Australian Film Television and Radio School, donde realizó
sus primeros cortometrajes, en colaboración con el equipo
con el que todavía hoy trabaja.
Sen se basó en su propia experiencia como hijo de una
madre aborigen y padre blanco ausente para elaborar el
guión de su primera cinta, Beneath Clouds, filmada con
un presupuesto de $ 2,5 millones. La película sigue a dos
adolescentes, Lena (Danny Hall) y Vaughn (Damian Pitt),
quienes, por razones diferentes, están haciendo autostop
para llegar a un pueblo de Nueva Gales del Sur.
Dramáticos acontecimientos hacen que los dos se encuentren
en un viaje sin dinero y sin transporte. Una difícil relación
comienza a formarse entre ellos, que salieron a la carretera
rumbo a Sydney y comparten un viaje que es tan emocional
como físico, y tan revelador como desesperado. Inicialmente los
dos compañeros se miran con recelo pero durante el viaje, que
hacen mayormente a pie, un sentimiento de extrañeza ante la
vida les une y crea un entendimiento entre ellos. Y por un lapso
muy corto de tiempo, experimentan una rara pero verdadera
felicidad juntos.
El film explora muchas de las dificultades raciales de la
sociedad, así como la forma en que las elecciones que cada
uno toma pueden alterar la forma en que salen las cosas. Le
hizo ganar a Sen la aclamación mundial, proyectándose en
el Festival de Sundance 2003 y obteniendo la Premiere First
Movie Award en el Festival de Cine de Berlín en 2002 y el
Premio al Mejor Director en el Australian Film Institute Awards.
Debajo de las nubes es una exploración exitosa e inteligente
de las cuestiones relacionadas con lo aborigen en Australia.
Elocuente, rica en humanidad e intensamente emocional, es una
película profunda sobre Australia que nos llega con una nueva
voz, auténtica y fuerte, en el panorama de cine mundial.
El segundo largometraje de Sen, Dreamland, fue proyectado
en el 2010 en el Melbourne International Film Festival.
9
WALKABOUT
Australia, 1970
Nicolas Roeg
SYNOPSIS
Based on the novel by James Vance Marshall, Walkabout
deals with a teenage girl and her younger brother who are
stranded in the Australian outback after their father kills himself.
Abandoned in the harsh Australian outback they must learn to
cope in the natural world, without their usual comforts, in this
hypnotic masterpiece from Nicolas Roeg. Along the way, they
meet a young aborigine on his “walkabout,” a rite of passage in
which adolescent boys are initiated into manhood by journeying
into the wilderness alone.Forming a non-verbal friendship—
they don’t understand a word of each other’s languages,
other than “water” after some effort—the black boy toughens
them up and helps get them back to the civilisation. Roeg’s
Walkabout is a thrilling adventure as well as a provocative
rumination on time and civilization and its messages are clear
enough: the awesome power of nature (every other scene
appears to involve cuts to small animals of some kind), and how
technological ingenuity breeds an unhealthy reliance.
Nicolas Jack Roeg (born 15 August 1928 in London) is an
English film director and cinematographer. Contributing to the
visual look of Lawrence of Arabia and Roger Corman’s The
Masque of the Red Death, and co-directing Performance, he
would later become the guiding force behind such landmark
films as Walkabout, Don’t Look Now and The Man Who Fell
to Earth.
Roeg’s films are known for having scenes and images
from the plot presented in a disarranged fashion, out of
chronological and causal order, requiring the viewer to do
the work of mentally rearranging them to comprehend the
storyline. They seem, in the words of one critic, “to shatter
reality into a thousand pieces” and are “unpredictable,
fascinating, cryptic and liable to leave you wondering what
the hell just happened. . . .” Roeg displays a “freedom from
conventional film narration,” says another, and his films often
consist of, at least, an “intriguing kaleidoscopic multiplication
of images.” Often, Roeg will edit his stories in disjunctive and
semi-coherent ways that make full sense only in the film’s
final moments, when a crucial piece of information surfaces;
they are “mosaic-like montages [filled with] elliptical details
which become very important later.” These techniques, and
Roeg’s foreboding sense of atmosphere, have influenced later
filmmakers such as Steven Soderbergh, Tony Scott, Ridley
Scott, Christopher Nolan, François Ozon and Danny Boyle.
His later films, however, have received a colder reception by
critics and the viewing public.
TECHNICAL DATA
Director: Nicolas Roeg
Producer: 20Th Century Fox
Composer: John Barry
Cinematography: Nicolas Roeg
Cast: Jenny Agutter, Lucien John,
David Gumpilil, John Meillon
Runtime: 100 Min
Roeg’s influence on cinema is not limited to deconstructing
narrative. The “Memo From Turner” sequence in Performance
predates many techniques later used in music videos. And the
“quadrant” sequence in Bad Timing, in which the thoughts of
Theresa Russell and Art Garfunkel are heard before words
are spoken, set to Keith Jarrett’s piano music from the Köln
Concert, again stretched the boundaries of what could be
done with film.
10
WALKABOUT
Australia, 1970
Nicolas Roeg
SINOPSIS
Basada en la novela de James Vance Marshall, esta obra
maestra hipnótica de Nicolas Roeg es la historia de una
adolescente y su hermano menor que se encuentran atrapados
en el interior de Australia después de que su padre se suicide.
Abandonados en el áspero territorio del interior australiano
tienen que aprender a desenvolverse en la naturaleza, donde
no cuentan con sus comodidades habituales. Pero en el camino,
conocen a un joven aborigen en su “Walkabout”, un rito de
paso en el que los muchachos adolescentes se inician en la
edad adulta viajando al desierto solos para tomar conciencia
de sí mismos. Entre ellos se crea un vínculo de amistad basado
en la comunicación no verbal - pues no entienden una palabra
de sus respectivas lenguas, excepto “agua” después de un poco
de esfuerzo- y el muchacho negro les ayuda en su camino
de vuelta a la civilización. Walkabout es una emocionante
aventura, así como una provocadora reflexión acerca del
tiempo y la civilización cuyo mensaje está bastante claro: el
asombroso poder de la naturaleza y cómo el uso ingenuo de la
tecnología engendra una dependencia malsana.
DIRECTOR
Nicolas Jack Roeg (Londres, 15 de agosto de 1928) es
fotógrafo de cine y director de culto de origen inglés.
Muy polémico a veces por sus extrañas cintas de suspense,
dirigidas de una forma muy personal; De entre sus películas
cabe destacar su obra maestra Amenaza en la sombra
que, con Donald Sutherland y Julie Christie, lo encumbró
definitivamente, confiriéndole el estatus de director
extravagante. El film fue elegido por la prestigiosa revista de
cine Empire entre las 500 mejores películas de la historia. En
esta lista también aparecía su ópera prima “Performance”
que, con Mick Jagger en el reparto, fue un film que inspiró a
directores como Quentin Tarantino o Guy Ritchie. Otros films
suyos son “El hombre que vino de las estrellas”, con David
Bowie, “La maldición de las brujas”, con Anjelica Huston,
“Walkabout” o “Contratiempo”.
FICHA TÉCNICA
Director: Nicolas Roeg
Productora: 20Th Century Fox
Fotografía: Nicolas Roeg
Reparto: Jenny Agutter, Lucien John, David
Gumpilil, John Meillon
Música: John Barry
Duración: 100 Min.
En su carrera como fotógrafo de cine adquirió un gran
prestigio, con films como “Farenheit 451” de François Truffaut,
“Doctor Zhivago” de David Lean o “La máscara de la muerte
roja” de Roger Corman. Roeg ha sido una gran influencia
para directores de cine como David Lynch, quien heredó
parte de su estética y de su característico surrealismo.
También influyó al escritor de novelas gráficas Alan Moore
en trabajos como Watchmen, una de sus mejores obras.
11
P RO G R AME / P RO GR AMA
COMPETITION
COMPETICIÓN
RIDING THE STALLION OF DREAMS
India, 2010
Girish Kasaravalli
TECHNICAL DATA
Director: Girish Kasaravalli
Producer: Basantkumar Patil
Camera: Rameshchandra H.
Cast: Umasri, Vijanath Biradar, Sadashiv Brahmavar
Runtime: 110 min
SYNOPSIS
It is about grave digger and his wife on the one side and
urbanization impact on the other side sidelining the system
prevailing around us since ages.
Iriya (Biradar) is a dreamer. He is a grave digger. He gets in
his dream Guru Siddha and his intuition says there is going
to be death in so and so house in the village. This foreseeing
nature of Siddha on the one is irritating for the people and
they fear him almost considering messenger of death.
Iriya wife is Rudri (Umasri) who believes in hard work plucks
the flowers in the garden and earns her living.
The chieftain in the village is bedridden. His son Shivanna
wife Hema and grand daughter come to this village on
the pretext of seeing the old man. But they have something
else in mind. The papers pertaining to land has to get the
signature of the dieing old man. When the land papers are
ready at the registration office it is Iriya who comes and tells
that the old man is dead and he ask where to dig the grave.
Girish Kasaravalli graduated from FTII Pune in 1975, with a
specialization in ‘film direction’. The world of Kurosawa, Ray,
Ozu, Fellini and Antonioni inspired him and his conviction in
neo-realist cinema deepened.
His first film as an independent director was Ghatashraddha
in 1977, which won him the Golden lotus, and also won a
few international awards. He won his second Golden Lotus
for Tabarana Kathe in 1987. Considered as one of the bestedited films in India, the film deals with the futile efforts of
a retired government servant to earn his pension. In 1997,
he came up with, Thaayi Saheba which won him his third
Golden Lotus award. Thaayi Saheba is considered to be the
most mature work of the director, dealing with the transition
in the Indian socitey from the pre independence to the
post independence periods. He repeated his success with
Dweepa in 2002 starring late actress Soundarya. This film
won his fourth Golden Lotus award. Dweepa was different
from his earlier films. His last film Naayi Neralu dealt
with a very intense and bizarre concept of reincarnation,
based on the novel with the same name by S.L. Bhyrappa,
Girish Kasaravalli has given a different interpretation of the
subject. The International Film Festival of Rotterdam held a
retrospective of Girish Kasaravalli’s films in 2003.
It is more than a grave situation for assistant to village
chieftain Matadayya (Sadashiva Brahmavar). He keeps the
death of old man in the family as a secret and when Iriya is
right he says he is wrong. Stunned Iriya go away with small
tips.
Now the issue is whether to do the registration of papers
first or do the cremation. Doing registration of land papers
takes priority as the proceeds of sale is very important
for Shivanna because he starting a convent school in the
city. Final rites of the chieftain that is his father Shivanna
postpone.
In the end director Kasaravalli looks at the aspect of
practicality. Why not an alternative livelihood for Iriya he
thinks and he decide that superstitious belief does not fill the
empty stomach it is only the hard work essential in life.
On the other hand the inevitability of postponing the final
rites is discussed here is almost similar to the body laying in
‘Samskara’ (path breaking cinema of 70’s in Kannada) on the
streets.
2
RIDING THE STALLION OF DREAMS
India, 2010
Girish Kasaravalli
FICHA TÉCNICA
DIRECTOR
Director: Girish Kasaravalli
Productor: Basantkumar Patil
Cámara: Rameshchandra H.
Reparto: Umasri, Vijanath Biradar, Sadashiv Brahmavar
Duración: 110 min
Girish Kasaravalli se graduó por la FTII de Pune en 1975,
en la especialización de ‘dirección de cine’ . El mundo de
Kurosawa, Ray, Ozu, Fellini y Antonioni lo inspiró y profundizó
su convicción por el cine de neo-realista. Su primera
película como director independiente, fue Ghatashraddha
en 1977, que ganó el Golden lotus, y también ganó algunos
premios internacionales. Él segundo Golden Lotus le vino
por Tabarana Kathe en 1987. Considerada una de las
mejores película indias, trata de los esfuerzos inútiles de un
empleado del gobierno jubilado por ganar su pensión. En
1997, presentó Thaayi Saheba que lo ganó su tercer Goleen
Lotus. Thaayi Saheba se considera el trabajo más maduro
del director, ocupándose de la transición entre la preindependencia y post independencia en la sociedad india.
Repitió su éxito con Dweepa en 2002. Con esta película,
diferente a las anteriores, ganó su cuarto Goleen Lotus. Su
última obra Naayi Neralu trata del extraño concepto de la
reencarnación. Basado en la novela del mismo nombre de
S.L. Bhyrappa, Girish Kasaravalli ha dado una interpretación
diferente del objeto. El International Film Festival de
Rotterdam acogió una retrospectiva de las películas de Girish
Kasaravalli en 2003.
SINOPSIS
Es sobre un enterrador y su esposa por un lado, y el impacto de
la urbanización en el otro, subrayando el sistema imperante que
nos rodea desde hace siglos.
Iriya (Biradar) es un soñador. Es un sepulturero. Ve en su sueño
a Siddha Guru y su intuición dice que va a haber muerte en
tal o cual casa en el pueblo. Esta previsión de la naturaleza
de Siddha es irritante para la gente y que le temen casi
considerandole mensajero de la muerte.
Su esposa es Rudri, quien cree en el trabajo duro, y se gana la
vida recolectando flores en una granja cercana.
El jefe de la aldea está en la cama. Su hijo Shivanna, esposa
Hema y nieta han llegado al pueblo con el pretexto de ver al
viejo. Pero tienen algo más en mente. Los documentos relativos
a la tierra por los que tiene que conseguir la firma del anciano
moribundo. Cuando los documentos de la tierra están listos
en la oficina de registro, viene Iriya y le dice que el viejo ha
muerto y pregunta dónde ha de cavar la tumba.
3
KHUDA KUSHI
India, 2010
Rakesh Mehta
TECHNICAL DATA
Director: Rakesh Mehta
Producer: Rakesh Mehta
Cast: Sahil Ansari, Asif Khan, Sanjay Batra
Camera: Saurabh Vishwkarma
Music: Manish Tipu
Runtime: 70 min
SYNOPSIS
Young Imran in search of a job meets Wali Sheikh and gests
impressed by his lifestyle, little did he know that Wali is
working as sleeping cell for terrorist organization. Wali, living
under a trauma of imparity and injustice has his own reason
to make a free space for muslims in India. Wali Sheikh and his
mentor Bhaijaan are working on a longtime plan to blast the
CST in Mumbai.
FICHA TÉCNICA
Khuda Kushi is the first indian film to go to Buffalo Film
Festival, New York. There are only a few filmmakers who
gamble into arty films as a start to their career instead of
going the whole hog with commercial cinema. And the one
among the rare group is debutante Rakesh Mehta.
Director: Rakesh Mehta
Productor: Rakesh Mehta
Reparto: Sahil Ansari, Asif Khan, Sanjay Batra
Cámara: Saurabh Vishwkarma
Música: Manish Tipu
Duración: 70 min
However, Rakesh,s journey as a commercial filmmaker began
when K Sera Sera Productions got impressed with his stylish
and cult script titled “Crash”. From experimental cinema
to commercial one, Rakesh is surely a filmmaker with a
difference.
SINOPSIS
El jóven Imran en busca de un puesto de trabajo se reúne
Wali Sheikh y se queda impresionado por su estilo de vida,
poco sabe que Wali está trabajando con una célula dormida
de una organización terrorista. Wali, que vive bajo un trauma
de la marginación y la injusticia, tiene sus propias razones
para querer un espacio libre para los musulmanes en la
India. Wali Sheikh y su mentor Bhaijaan están trabajando en
un plan desde hace mucho tiempo para hacer explotar la
CST en Bombay.
Khuda Kushi is the first indian film to go to Buffalo Film
Festival, New York. There are only a few filmmakers who
gamble into arty films as a start to their career instead of
going the whole hog with commercial cinema. And the one
among the rare group is debutante Rakesh Mehta.
However, Rakesh,s journey as a commercial filmmaker began
when K Sera Sera Productions got impressed with his stylish
and cult script titled “Crash”. From experimental cinema
to commercial one, Rakesh is surely a filmmaker with a
difference.
DIRECTOR
Khuda Kushi es el primer filme indio en ir al Festival de Cine
de Buffalo, Nueva York. Hay sólo unos pocos cineastas que
apuestan por el cine artístico como un comienzo a su carrera
en vez de hacer todo el camino en el cine comercial. Y entre
ellos se encuentra el debutante Rakesh Mehta.
Sin embargo, el viaje de Rakesh como director de cine
comercial se inició cuando K Producciones Sera Sera
se quedó impresionado con su guión lleno de estilo y
considerado de culto, titulado “Crash”. Desde el cine
experimental al comercial, Rakesh es sin duda un cineasta
que marca la diferencia.
4
ARRANGED HAPPINESS
Germany / USA, 2010
Daniela Creutz
Born and raised in Germany, Daniela Dar-Creutz received
an MFA in Communication-Design from the University of
Munich before immigrating to the USA in 1995 in order to
study at The Graduate Film Program at New York University.
She has directed several documentary films, including “Nobel
Voices,” a 33-part series about Alfred Nobel and the most
distinguished Nobel laureates, for the Smithsonian Institute
and “Generation Klima” (Generation Climate), a 20-minute
short feature promoting environmental consciousness for the
government of Bavaria and exhibited at Museum Mensch
und Natur. Her short fiction film, “Captivated,” screened
at the Henry Miller Film Festival, World Short Film Festival
Toronto, Novi Sad Film Festival and Cinequest. Her short
fiction film, “Conman,” was awarded the Audience Award at
the International Film Festival Oldenburg, and Best Short Film
at the International Short & Video Festival, New York.
“Arranged Happiness” is Dar-Creutz’s first feature-length film.
TECHNICAL DATA
Director: Daniela Creutz
Producers: Joseph Reidinger, Carolin Dassel
Camera: Roland Vuskovic
Cast: The Dar family: Ashiq Dar, Waheeda, Iqbal.
Music: Ori Kaplan
AWARDS & HONORS
• [2006]: Film Program Cannes Intensive. Scholarship /
Robert Nickson Award
• [2003]: Room For Rent, Feature Screenplay, Scriptmag,
First Round Finalist for the Open Door Contest (Co-Writer:
Randi Barros)
SYNOPSIS
• [2000]: WGA-Writer’s Guild Membership.
WAHEEDA DAR, a 27-year-old Muslim woman lives in
Srinagar, and it’s time for her to get married. Until now, she
was a successful actress and singer, but as the third daughter
of four in a carpet-making family it is her turn to wed. The
search for a suitable husband must happen in accordance
with the traditions of her culture and in this case, the marriage
will be ‘arranged’ by her younger brother, Ashiq, who is
spending his life savings for the occasion.
• [1995]: Easter Campaign, BDA International Design Award
(Gold).
• [1990]: Prisoners of Conscience [in Turkey], Amnesty
International Award. Munich, Germany
Associations
The ‘arrangement’ of Waheeda’s future and, above all, the
search for a suitable husband and family to marry into, serves
as the narrative thread that weaves itself through the different
stages leading up to Waheeda’s wedding celebration.
www.danielacreutz.com
While filmmaker Dany Dar-Creutz remains a neutral observer
at the outset of the story, she slowly reveals more of herself
and her relationship to Ashiq, the protagonist. However,
it’s not until near the end of the film that they reveal their
personal relationship to the family.
http://regieverband.de/de_DE/bvr/membership
www.bluecirceproductions.com
www.arrangedhappiness.com
http://www.br-online.de
http://www.imdb.com/name/nm3434380
http://www.imdb.com/title/tt1424615
http://www.deutsche-in-amerika.net/index.php?diaid=1
wkcr 89.9 fm, New York
5
ARRANGED HAPPINESS
Germany / USA, 2010
Daniela Creutz
DIRECTOR
Nacida y criada en Alemania, Daniela Dar-Creutz estudió
en Comunicación-Diseño en la Universidad de Munich
antes de emigrar a los EE.UU. en 1995 para estudiar en
el Programa de Postgrado de Cine en la Universidad de
Nueva York. Ha dirigido varios documentales, incluyendo
“Voces Nobel”, una serie de 33 partes sobre Alfred Nobel
y los premios Nobel más distinguidos, por el Instituto
Smithsonian y “Generación Klima” (Generación Climático),
un cortometraje de 20 minutos para la promoción del
medio ambiente para el gobierno de Baviera y exhibido
en el Museo de Mensch und Natur. Su cortometraje de
ficción, “Cautivado,” se proyectó en el Festival de Cine de
Henry Miller, World Festival de Cortometrajes de Toronto,
Festival de Cine de Novi Sad y Cinequest. Su cortometraje
de ficción, “Conman”, fue galardonado con el Premio del
Público en el Festival Internacional de Cine de Oldenburg y
de corto Mejor Película en el Festival Internacional de cortos
de vídeo, Nueva York.
“Arranged Happiness” es el primer largometraje de Daniela
Dar-Creutz.
PREMIOS
• [2006]: Film Program Cannes Intensive. Scholarship /
Robert Nickson Award
FICHA TÉCNICA
Director: Daniela Creutz
Productores: Joseph Reidinger, Carolin Dassel
Cámara: Roland Vuskovic
Reparto: The Dar family: Ashiq Dar, Waheeda, Iqbal.
Música: Ori Kaplan
• [2003]: Room For Rent, Feature Screenplay, Scriptmag,
First Round Finalist for the Open Door Contest (Co-Writer:
Randi Barros)
• [2000]: WGA-Writer’s Guild Membership.
• [1995]: Easter Campaign, BDA International Design
Award (Gold).
SINOPSIS
• [1990]: Prisoners of Conscience [in Turkey], Amnesty
International Award. Munich, Germany
Waheeda Dar, una mujer musulmana de 27 años vive en
Srinagar, y es el momento para ella de casarse. Hasta ahora,
ella era una actriz y cantante de éxito, pero como la tercera
hija de cuatro, en una familia musulmana que se dedica
a la fabricación de alfombras, es su turno para casarse.
La búsqueda de un marido adecuado debe transcurrir de
acuerdo con las tradiciones de su cultura y en este caso, el
matrimonio se “arregla” por su hermano menor, Ashiq, que
está gastando sus ahorros para la ocasión.
Otros Links
www.danielacreutz.com
www.bluecirceproductions.com
www.arrangedhappiness.com
http://www.br-online.de
El “acuerdo” para el “futuro” de Waheeda y, sobre todo, la
búsqueda de un marido y familia adecuada para casarse
sirve como hilo narrativo que se teje a través de las distintas
etapas que condujeron a la celebración de la boda de
Waheeda.
http://regieverband.de/de_DE/bvr/membership
http://www.imdb.com/name/nm3434380
http://www.imdb.com/title/tt1424615
http://www.deutsche-in-amerika.net/index.php?diaid=1
Mientras la cineasta Dany Dar-Creutz es una observadora
neutral al comienzo de la historia, poco a poco revela más
de sí misma y su relación con Ashiq, el protagonista. Sin
embargo, no es hasta casi el final de la película que revelan
su relación personal a la familia.
6
DAAYEN YA BAAYEN
India, 2010
Bela Negi
FICHA TÉCNICA
Director: Bela Negi
Productor: Sunil Doshi
Cámara: Amlan Datta
Reparto: Aditi Beri, Bharti Bhatt, Jeetendra Bisht
Duración: 113 min
SINOPSIS
Comedia de circunstancias coincidentes, Ramesh Majila
(Deepak Dobriyal) regresa de la ciudad de Bombay a su
pequeña aldea remota en el Himalaya. Armado con un
entusiasmo incontenible espera ser el soplo de aire fresco que
el pueblo ha estado esperando. Pero por sus actos peculiares
y una inclinación para catalizar hacia sí el desastre, se
convierte en el hazmerreír de la aldea. En un dramático giro
de los acontecimientos sus posibilidades en la vida aumentan
con un concurso de televisión que le lleva a ganar un coche
de lujo. Adorado por los niños y ganado la admiración de
los demás, se convierte en el foco y la noticia de la aldea.
Sin embargo, las vueltas de la vida le llevan a una serie
de conflictos cómicos. Cuando el coche es robado, él se
embarca en un viaje para recuperar algo más que su preciada
posesión, su dignidad perdida, sobre todo ante su hijo.
TECHNICAL DATA
Director: Bela Negi
Producer: Sunil Doshi
Camera: Amlan Datta
Cast: Aditi Beri, Bharti Bhatt, Jeetendra Bisht
Runtime: 113 min
DIRECTOR
SYNOPSIS
Bela Negi, criada en Uttarakhand, después de la escuela
decidió asistir a la universidad de Delhi. Más tarde se
trasladó a Pune y se matriculó en Cine y Televisión del
Instituto de la India (FTII). Después de graduarse de allí
se trasladó a Bombay y ha estado trabajando allí desde
entonces. Tiene su propia productora llamada NITRIC FILMS
y Daayen Ya Baayen es el primer largometraje que produce
su compañía.
In a comedy of mismatched circumstances, Ramesh Majila
(Deepak Dobriyal) returns from the city to his small remote
village in the Himalayas. Armed with irrepressible enthusiasm
he hopes to be the breath of fresh air the village has been
waiting for. But instead his quirky traits and a penchant
for catalyzing disaster make him the joke of the village. In
a dramatic turn of events a chance entry into a television
contest wins him a swank luxury car elevating Ramesh to
heroic status overnight. Adored by children and grudgingly
admired by others he becomes the focal point of the village.
However his life spirals into a series of comic conflicts as he
struggles to match the rest of life to the car that adorns his
cowshed, undoing himself completely in the process and
losing the respect of his most ardent fan, his young son.
When the car is stolen, he sets out on a journey to recover
something more than his prized possession, his lost dignity...
Bela Negi, grown up in Uttarakhand but after schooling
she decided to attend college in Delhi. Later moved to Pune
and enrolled at Film and Television Institute of India (FTII).
After graduating from there she moved to Mumbai and has
been working and staying there ever since. She has her own
production house called Nitric Films and Daayen Ya Baayen
is the first feature film to be line produced.
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PINK SARIS
Inglaterra, 2010
Kim Longinotto
FILMS
• Pride of Place (1976) - Director / Camera (as Kim Longinotto
Landseer)
• Theatre Girls (1978) - Director/Cinematographer
• Underage (1982) - Director/Cinematographer
• Eat the Kimono (1989) - Director/Cinematographer
• Hidden Faces (1990) - Director/Cinematographer
• The Good Wife of Tokyo (1992) - Director
• Dream Girls (1994) - Director/Cinematographer/Producer
• Shinjuku Boys (1995) - Director/Cinematographer/Producer
• Rock Wives (1996) (TV) - Director / Camera
• Divorce Iranian Style (1998) - Director / Camera
• Gaea Girls (2000) - Director/Cinematographer/Producer
TECHNICAL DATA
• Runaway (2001) - Director/Cinematographer
Director: Kim Longinotto
Producer: Amber Latif, Girjashanker Vohra
Camera: Kim Longinotto
Music: Midival Punditz
Cast: Renu Devi, Niranjan Pal, Sampat Pal Devi
Runtime: 96 min
• The Day I Will Never Forget (2002) - Director/
Cinematographer
• Sisters in Law (2005) - Director/Cinematographer/Producer
• Hold Me Tight, Let Me Go (2007) - Director/
Cinematographer/Producer
• Rough Aunties (2008) - Director/ Cinematographer
SYNOPSIS
• Pink Saris (2010) - Director / Camera
‘ “A girl’s life is cruel...A woman’s life is very cruel,” notes
Sampat Pal, the complex protagonist at the centre of Kim
Longinotto’s latest foray into the lives of extraordinary
women. Sampat Pal should know – like many others she
was married as a young girl into a family which beat her
often. But unusually, she fought back, leaving her in-laws and
eventually becoming famous as a champion for beleaguered
women throughout Uttar Pradesh, many of whom find their
way to her door. Rekha, a 14 year old Untouchable, is 3
months pregnant and homeless – unable to marry her unborn
child’s father because of her low caste. 15 year old Renu’s
husband from an arranged marriage has abandoned her
and she’s threatening to throw herself under a train. Both
young women, frightened and desperate, reach out for their
only hope - Sampat Pal. PINK SARIS is an unflinching and
often amusing look at these unlikely political activists and
their charismatic leader. In extraordinary scenes, we watch
her launch herself into the centre of family dramas, convinced
her mediation is the best path for these vulnerable girls. Her
partner Babuji, who has watched Sampat Pal change over
the years, is less certain...’
AWARDS
• Shinjuku Boys (1995) was judged Outstanding Documentary
at the San Francisco Gay and Lesbian Film Festival.
• Divorce Iranian Style (1998) won the Grand Prize for Best
Documentary San Francisco International Film Festival and
the Silver Hugo Award at the Chicago International Film
Festival.
• Runaway (2001) received the Children Rights Award
(Filmpreis für Kinderrechte) at the Unabhängiges Filmfest
Osnabrück
• The Day I Will Never Forget (2002) was awarded the
Amnesty International DOEN Award at IDFA and Best Doc
UK Spotlight at Hot Docs.
• Sisters in Law (2005) won the Prix Art et Essai and Special
Mention Europa Cinemas at the Cannes film festival in
2005.
• Rough Aunties (2008) won the World Cinema Grand Jury
Prize at the Sundance Film Festival and was in the official
selection for Sheffield Doc/Fest 2009.
Kim Longinotto (born 1952), is a British documentary film
maker, well known for making films which highlight the plight
of female victims of oppression or discrimination. Longinotto
studied camera and directing at the National Film and
Television School in Beaconsfield, England, where she now
tutors occasionally.
• Pink Saris (2010) won the Special Jury Award at Sheffield
Doc/Fest 2010, where Longinotto also won the Inspiration
Award, a trophy given to a figure in the documentary
world who has championed the medium.
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PINK SARIS
Inglaterra, 2010
Kim Longinotto
FILMES
• Pride of Place (1976) - Director / Camera (as Kim
Longinotto Landseer)
• Theatre Girls (1978) - Director/Cinematographer
• Underage (1982) - Director/Cinematographer
• Eat the Kimono (1989) - Director/Cinematographer
• Hidden Faces (1990) - Director/Cinematographer
• The Good Wife of Tokyo (1992) - Director
• Dream Girls (1994) - Director/Cinematographer/Producer
• Shinjuku Boys (1995) - Director/Cinematographer/Producer
• Rock Wives (1996) (TV) - Director / Camera
• Divorce Iranian Style (1998) - Director / Camera
• Gaea Girls (2000) - Director/Cinematographer/Producer
• Runaway (2001) - Director/Cinematographer
• The Day I Will Never Forget (2002) - Director/
Cinematographer
FICHA TÉCNICA
• Sisters in Law (2005) - Director/Cinematographer/
Producer
Director: Kim Longinotto
Productor: Amber Latif, Girjashanker Vohra
Cámara: Kim Longinotto
Música: Midival Punditz
Reparto: Renu Devi, Niranjan Pal, Sampat Pal Devi
Duración: 96 min
• Hold Me Tight, Let Me Go (2007) - Director/
Cinematographer/Producer
• Rough Aunties (2008) - Director/ Cinematographer
• Pink Saris (2010) - Director / Camera
SINOPSIS
PREMIOS
El documental sigue la infatigable actividad de Sampat
Pal Devi, lider del movimiento Pink Saris, un grupo de
mujeres que ataviadas con sus elegantes saris rosas y
procedentes de las clases más bajas de la sociedad India
llevan varios años luchando en contra de la violencia
machista y los casos de corrupción en los juicios por
violencia femenina en Uttar Pradesh, al norte de la India.
Aunque los matrimonios por conveniencia están prohibidos
desde hace tiempo, Sampat fue obligada a casarse a los
nueve años y ha despertado la conciencia de la dignidad
de la mujer y la lucha por sus derechos en un lugar en el
que a las intocables se les negaba cualquier sitio en la
sociedad. La directora británica Kim Logitto, ampliamente
premiada (Cannes, BAFTA) y reconocida internacionalmente
por sus documentales en los que trata los temas de los y las
desvaforecidas, retrata sin aleccionar la experiencia vital de
estas luchadoras vestidas de rosa.
• Shinjuku Boys (1995) was judged Outstanding
Documentary at the San Francisco Gay and Lesbian Film
Festival.
• Divorce Iranian Style (1998) won the Grand Prize for Best
Documentary San Francisco International Film Festival and
the Silver Hugo Award at the Chicago International Film
Festival.
• Runaway (2001) received the Children Rights Award
(Filmpreis für Kinderrechte) at the Unabhängiges Filmfest
Osnabrück
• The Day I Will Never Forget (2002) was awarded the
Amnesty International DOEN Award at IDFA and Best Doc
UK Spotlight at Hot Docs.
• Sisters in Law (2005) won the Prix Art et Essai and Special
Mention Europa Cinemas at the Cannes film festival in
2005.
• Rough Aunties (2008) won the World Cinema Grand Jury
Prize at the Sundance Film Festival and was in the official
selection for Sheffield Doc/Fest 2009.
DIRECTOR
Kim Longinotto (nacida en 1952), es una directora británica
de documentales reconocida mundialmente por mostrar a las
mujeres víctimas de la opresión o discriminación. Longinotto
estudió cinematrografía y dirección en National Film and
Television School en Beaconsfield, Inglaterra, donde a veces
imparte cursos.
• Pink Saris (2010) won the Special Jury Award at Sheffield
Doc/Fest 2010, where Longinotto also won the Inspiration
Award, a trophy given to a figure in the documentary
world who has championed the medium.
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I AM SINDHUTAI SAPKAL
India, 2010
Ananth Mahadevan
TECHNICAL DATA
Director: Ananth Mahadevan
Producers: Bindiya Khanolkar, Sachin Khanolkar
Cinematography: K. Rajkumar
Cast: Tejaswini Pandit, jyoti Chandekar, upendra Limaye,
Nina Kulkarni
Music: Ashok Patki
Runtime: 114 min
Also credited as Ananth Narayan Mahadevan, is an actor
and director of Hindi films and television serials in India, who
hails from Kerala; a state down the south of India. He has
acted in at least Bollywood films since the 1980s, playing
character roles. He also acted in the television serials The
Sword of Tipu Sultan and Ghar Jamai.
SYNOPSIS
FILMES
The film is an inspiring, feminist, rooted Indian feature film. It
traces the true story of Sindhutai Sapkal, who dramatically
rewrites her destiny. Born into a poor, cattle-grazing family in
Wardha, Maharashtra state (of which Mumbai is the capital).
She is married at 12 to a 30 year old man, but is abandoned
by her husband and her own family following false
accusations of infidelity. About to commit suicide, she notices
a tree which still gives shelter. Moved, she sets out to pick
up the pieces of her life and embarks on a journey towards
dignity, sheltering abandoned new borns from the street and
creating a new life for them.
• Mee Sindhutai Sakpal (Marathi) (2010)
• Red Alert: The War Within (2009)
• Anamika: The Untold Story (2008)
• Aggar: Passion Betrayal Terror (2007)
• Victoria No. 203: Diamonds Are Forever (2007)
• Anjaam (2007)
• Staying Alive (2007)
• Aksar (2006)
• Dil Maange More!!! (2004)
• “Devi” (2003) TV series
• Dil Vil Pyar Vyar (2002)
• “Indradhanush” (1989) TV series
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I AM SINDHUTAI SAPKAL
India, 2010
Ananth Mahadevan
FICHA TÉCNICA
Director: Ananth Mahadevan
Productores: Bindiya Khanolkar, Sachin Khanolkar
Cámara: K. Rajkumar
Reparto: Tejaswini Pandit, jyoti Chandekar, upendra Limaye,
Nina Kulkarni
Música: Ashok Patki
Duración: 114 min
SINOPSIS
La película es una obra inspirante, feminista, que ahonda
sus raíces en la India profunda. Traza la historia real de
Sindhutai Sapkal, que de manera dramática reescribe su
destino. Nacido en una familia pobre, dedicada al pastoreo
en Wardha, estado de Maharashtra (de la que Bombay
es la capital). Se casó a los 12 a un hombre de 30 años de
edad, pero es abandonada por su marido y su familia tras
las falsas acusaciones de infidelidad. A punto de suicidarse,
se da cuenta de un árbol que todavía y el único ser que la
da cobijo. Emocionada, se dispone a recoger los pedazos
de su vida y se embarca en un viaje hacia la dignidad,
acogiendo a los recién nacidos abandonados en la calle y
creando una nueva vida para ellos.
DIRECTOR
También conocido como Ananth Narayan Mahadevan,
es un actor y director de las películas en hindi y series de
televisión en la India. Originario de Kerala, un estado al
sur de la India. Ha actuado en más de 50 películas de
Bollywood desde los años 1980, haciendo papeles variados.
También actuó en series de televisión La Espada de Tipu
Sultán y Jamai Ghar.
FILMES
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•
Mee Sindhutai Sakpal (Marathi) (2010)
•
Red Alert: The War Within (2009)
•
Anamika: The Untold Story (2008)
•
Aggar: Passion Betrayal Terror (2007)
•
Victoria No. 203: Diamonds Are Forever (2007)
•
Anjaam (2007)
•
Staying Alive (2007)
•
Aksar (2006)
•
Dil Maange More!!! (2004)
•
“Devi” (2003) TV series
•
Dil Vil Pyar Vyar (2002)
•
“Indradhanush” (1989) TV series
THE WAY HOME
India, 2010
Dr Biju Kumar
TECHNICAL DATA
Director: Damodaran Biju Kumar
Producer: B.C. Joshy
Camera: M.J. Radhakrishnan
Cast: Prithviraj, Indrajit, Govandhan, Uday Chandra
Music: Ramesh Narayan
Runtime: 91 min
Dr.Biju born on 31st may 1971 is professionally a Homoeopathic
Medical graduate.
He is a self-taught filmmaker. Dr. Biju debuted as Writer
and Director with Saira (2005) an award winning and
internationally recognized achievement. It was the opening film
in the section “TOUS LES CINEMAS DU MONDE” (CINEMA
OF THE WORLD) at the CANNES INTERNATIONAL FILM
FESTIVAL in 2007 and also participated in 21 other international
film festivals across the world. The film was also selected at
INDIAN PANORAMA 2006.
SYNOPSIS
The plot revolves around a doctor with a haunting past. Now
working at a Prison Hospital, the Doctor is assigned the case
of a woman a surviving member from a notorious terrorist
group. Before dying she entrusts him to find her five-year-old
son and unite him with his father who is the head of terrorist
group. Finding the boy from a village the Doctor and child set
out on a journey to find his father.The journey is happening
through the contemporary and mysterious path of the terrorist
network in the vast country with many incidents.
Dr.Biju followed suit writing and directing Raman – Travelogue
of Invasion (2008) his second feature, a controversial and much
debated over socio-political film. Raman was officially selected
at CAIRO INTERNATIONAL FILM FESTIVAL 2009 in the section
“INCREDIBLE INDIA” and also participated in 7 international
film festivals across the world.
VEETTILEKKULLA VAZHI (THE WAY HOME) (2010) is Dr.Biju’s
third film.
As a pan-Indian film, THE WAY HOME captures India’s
diverse topography and natural wonder with some
exhilarating photography. The most beautiful locations in
India at different states will be pictures for this film . This will
be the first Indian film which covers 5 states as the locations.
In a sense it can be called “A TRUE INDIAN FILM”.The film
will portray the essence and simple beauty of relationships,
diverse Indian cultures, its people and heritage while
revealing the effects of terrorism and change that the modern
times have brought with it.
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THE WAY HOME
India, 2010
Dr Biju Kumar
FICHA TÉCNICA
DIRECTOR
Director: Damodaran Biju Kumar
Productor: B.C. Joshy
Cámara: M.J. Radhakrishnan
Reparto: Prithviraj, Indrajit, Govandhan, Uday Chandra
Música: Ramesh Narayan
Duración: 91 min
Nacido el 31 de mayo de 1971, está graduado de Medicina
Homeopática.
Cineasta autodidacta, Dr. Biju debutó como escritor y
director con Saira (2005) logrando numerosos premios
internacionales. Fue la película inaugural en la sección “Tous
les Cinémas du MONDE” (CINE DEL MUNDO) en el Festival
de Cannes en 2007 y también participó en 21 festivales
internacionales de cine de todo el mundo. La película
también fue seleccionada en Indian PANORAMA 2006.
SINOPSIS
La trama gira en torno a un médico con un pasado bastante
inquietante. Ahora trabaja en el hospital de una prisión,
el médico se le asigna el caso de una mujer miembro
superviviente de un grupo terrorista. Antes de morir le confía
para encontrar a su hijo de cinco años, y llevarle con su
padre, quien es el jefe del grupo terrorista. El doctor y el niño
comienzan un viaje para encontrar al padre.
Dr.Biju también escribió y dirigió Raman - Cuaderno de
viaje de la invasión (2008) su segundo largometraje, una
muy debatida y polémica película socio-política. Raman ha
sido seleccionada oficialmente en el Cairo International Film
Festival 2009 en la sección de “Incredible India” y también
participó en siete festivales internacionales de cine de todo
el mundo.
Una película rodada en cinco, El Camino a Casa recoge la
diversa topografía de la India y con fotografías estimulantes.
Los lugares más bellos de la India en los diferentes estados
serán las imágenes de esta película. Esta es la primera
película india que abarca cinco estados como lugares de
rodaje. En cierto sentido se puede llamar “una verdadera
película india”. Retrata la esencia y la belleza de las
relaciones, distintas culturas indígenas, su gente y su
patrimonio al tiempo que revela los efectos del terrorismo y el
cambio que los tiempos modernos han traído consigo.
THE WAY HOME (EL CAMINO A CASA) (2010) es Dr.Biju ‘s
tercera película.
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classics clásicos

Transcripción

Documentos relacionados

SINOPSIS - Warner Bros