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Transcripción

INÉDITOS 20II
LORENZO SANDOVAL
ALREDEDOR ES IMPOSIBLE
COORDINADOR
PROYECTO
JURADO
INÉDITOS 20II
José Guirao Cabrera
Alicia Chillida
Guillaume Désanges
Maribel López
Ignacio Cabrero
COMISARIADO Y DISEÑO
Lorenzo Sandoval
COORDINACIÓN Y MONTAJE
Intervento
SEGUROS
MAPFRE Industrial
DISEÑO
Disismaineim
CRÉDTIOS
INÉDITOS 20II
EXPOSICIÓN
COORDINACIÓN
CATÁLOGO
TEXTOS
Alicia Chillida
Lorenzo Sandoval
TRADUCCIONES
Polisemia, S. A.
EDICIÓN EN ESPAÑOL
Antonia Castaño
IMPRESIÓN
V. A. Impresores
DEPÓSITO LEGAL
M-26475-2011
LORENZO SANDOVAL
INÉDITOS 20II
Jesús Acevedo
Peter Baldes & Marc Horowitz
Robin Hewlett & Ben Kinsley
Daniel Jacoby
Jodi
Regina de Miguel
Max Neupert
Nick Newcomen
Antonio R. Montesinos
Jon Rafman
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LORENZO SANDOVAL
Obra Social Caja Madrid presenta anualmente, desde el
año 2002, el certamen “Inéditos”, convocatoria de ayudas
a proyectos expositivos de arte actual; un programa dirigido a jóvenes comisarios para la realización de proyectos
expositivos inéditos que versen sobre cualquier faceta de
la creación artística actual y que destaquen por la innovación, calidad y la adecuación del proyecto a los recursos
disponibles.
Este año celebramos el décimo aniversario del proyecto y
nos sentimos especialmente orgullosos de haber apoyado
a más de 35 comisarios jóvenes, que han presentado 30
proyectos curatoriales en La Casa Encendida, y de haber
contribuido con la publicación de los catálogos correspondientes a la difusión de sus trabajos.
La necesidad de continuar con este tipo de convocatorias relacionadas con la práctica curatorial la corroboran
cada año no sólo el elevado número de participantes, sino
INÉDITOS 20II
JOSÉ GUIRAO CABRERA
igualmente la calidad de los proyectos presentados y la
profesionalidad de sus autores, así como el rigor de los
conceptos tratados.
Agradecemos a todos los jóvenes comisarios su participación al enviarnos sus propuestas expositivas, así como
a los miembros del jurado la rigurosa selección de los
proyectos ganadores en esta convocatoria: Después del
silencio, de Pedro Portellano, una reflexión en torno a la
imposibilidad del silencio en la sociedad contemporánea;
Seres inanimados, de Bárbara Rodríguez Muñoz, que otorga el protagonismo a los objetos y los procesos que los
crean y destruyen, y Alrededor es imposible, de Lorenzo
Sandoval, una exploración de lo inesperado a través de los
sistemas cartográficos de Google.
A todos ellos, nuestra más sincera felicitación y nuestro
deseo de contribuir con las exposiciones y el catálogo
que hoy se hacen realidad a que continúen su buen hacer
profesional.
COORDINADOR DE OBRA SOCIAL CAJA MADRID
World View II
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realiza servicios de seguimiento y vigilancia desde el espacio a través de varios satélites en órbita.
Este es uno de los modelos de satélite cuyos servicios contrata Google para Google Maps y Google Earth. La empresa a la que pertenece, Digital Globe,
desde donde saltar en busca de lo fantástico, una línea en la
que la imaginación abría sus puertas hacia los miedos y los
deseos de lo inesperado.
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ALCIA CHILLIDA
Había, por tanto, siempre un borde, un espacio alrededor
Lorenzo Sandoval
Es paradigmático que la estrategia común a la que hemos procedido, desde el jurado de “Inéditos 2011”, sea
la de dar voz a tres jóvenes comisarios haciendo convivir
temas clásicos, como son los objetos y el silencio, con
las nuevas tecnologías. Dos temas eternos confrontados
con un fenómeno tan reciente como Google, el nuevo
paisaje/herramienta cotidiano e imprescindible con el
que convivimos. No podemos olvidar que, en un tiempo
no tan remoto, nuestras herramientas de trabajo fueron
la máquina de escribir, incluso el calco, la fotocopiadora
y, más tarde, el fax. El progreso técnico ha sido vertiginoso; gracias a él, hoy es posible formar parte de esa red
global que permite mantenerse “conectado” aun lejos de
los grandes núcleos urbanos. Creemos, en definitiva –y
bros del jurado–, que los tres proyec-
Con una dilatada experiencia en el campo curatorial y
tos seleccionados dibujan un área de
en la organización de exposiciones a nivel internacional,
intereses significativa en la reflexión
Lorenzo Sandoval (Madrid, 1980), Licenciado en Bellas
artística actual desde la curaduría
Artes por la UPV y residente en Berlín, es el comisario
emergente.
de esta exposición de grupo que demuestra, a través
de diez proyectos, que el propio sistema Google puede
ser capaz de propiciar la posibilidad de un nuevo descubrimiento. El proyecto propone una paradoja dentro
de nuestro mundo supercartografíado y abre un nuevo
desafío desde la virtualidad del internauta, capaz de emprender un nuevo viaje en busca de un “territorio inesperado”, motivado por la idea del viaje como aprendizaje;
un impulso básico que empuja al hombre a precipitarse
a otras realidades.
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ALCIA CHILLIDA
hablo en nombre de los cuatro miem-
La idea completa del proyecto se materializa en formato
expositivo, al que acompañan un taller, un debate y una
performance. Jesús Acevedo desarrolla el concepto de
lugar como aquello que nace de la intersección del espacio con la idea. A través de Google Maps, el proyecto
Aquí realiza un desplazamiento físico aunque transmitido
como un simulacro superpuesto, a través de un diario
constituido por escuetos sucesos o hechos que se remiten a un lugar desconocido, no identificable en parámetros espaciales, pero con la intención final de generar un
nuevo lugar mental. El viaje virtual es protagonista del proyecto Google Maps Road Trip, que Peter Baldes & Marc
Horowitz desarrollan para realizar un viaje por Estados
Unidos. A lo largo de nueve días condujeron virtualmente
cruzando el país, presionando continuamente la tecla de
Google que indica el Este y haciendo un broadcasting de
toda la experiencia en tiempo real a través de la página
www.googlemapsroadtrip.com. Integrando ficción, imagiplataforma de acceso instantáneo
Cuando Daniel Jacoby percibió que quedaban algunos
de imágenes en 360 grados Google
puntos de Google Maps donde había una nube que
Street View, Street with a view, de
obstaculizaba la visión, realizó la acción de llevar a cabo
Robin Hewlett & Ben Kinsley, colabo-
un absurdo viaje a fin de descubrir qué quedaba oculto,
ra con la comunidad local para de-
para posteriormente elaborar un registro fotográfico con
finirse a ellos mismos y su entorno
la información encontrada, lo que dio como resultado la
usando la tecnología como una he-
pieza Location Unreachable to Google. De la mano del
rramienta de expresión propia.
colectivo Jodi, el Parc Royal de Bruselas se transforma,
en GeoGoo, en un Info-park que revela los símbolos y
misterios de la capital de Bélgica, a través de una intricada red de datos y asociaciones. El proyecto conecta la
larga tradición de la traza geométrica sobre el territorio con
la superposición de nuevas geometrías trazadas con herramientas on line como Google Maps y Google Earth, huellas
agitadas y libres que resultan de codificación y hacking
extremos. Los nuevos sentidos del tiempo y del espacio
generados por las comunicaciones han transformado la
percepción de las cosas, de manera que ya no son vividas
directamente, sino a través de su representación. Regina
de Miguel, en su proyecto El último término que alcanza la
vista, establece conexiones y visibiliza procesos psicológicos relativos a una pérdida de referentes (crisis de sentido
subjetivo y desertización de la experiencia), asociados a la
revisión de distintos arquetipos de escenificación cultural.
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ALCIA CHILLIDA
nería popular y performance en la
Algunas imágenes de Google Earth sin censura muestran
lo que fueron los lugares secretos del mundo. Como medio de reconocimiento militar, la tecnología de satélite
goza de la más alta prioridad de gasto. Pero, a partir
de 1983, las órbitas de satélites espías se volvieron a
declarar secretas. Hoy en día, un grupo de aficionados activos puede coordinarse mediante una lista de correo a partir
de sus observaciones para poder definir estas órbitas de los
satélites. En la instalación Following a birds perspective, del
artista Max Neupert, el espectador puede ver la información del satélite seleccionado en un monitor. La puesta
en escena de la instalación desarrolla la experiencia de la
imagen del satélite y la estética de la mirada analítica. Nick
Newcomen, que no forma parte del mundo del arte, ha realizado la performance sin ánimo de lucro World’s biggest
gente a leer a la filósofa y escritora
Los coches de Google Street View constan de nueve cá-
ruso-norteamericana Ayn Rand, auto-
maras y deambulan por la Tierra grabando de forma au-
ra de la Rebelión del Atlas. Para ello, ha
tomática lo que aparece ante ellas. Esta mirada individual
utilizado un coche y un dispositivo
de las cámaras supuestamente no actúa en la Historia.
de localización GPS que, a modo de
Al carecer de contexto, de historia o de significado, lo
“pluma”, genera una escritura: “Leer
único que las amalgama es la continuidad geoespacial.
a Ayn Rand” contiene 12.328 millas
9-eyes recoge esta mirada, y su autor, Jon Rafman, des-
recorridas y se extiende desde el
de la consideración de que estos mismos instrumentos
Pacífico hasta el Atlántico, abarcan-
que nos alienan son también los que nos informan sobre
do treinta estados americanos.
la naturaleza de esta alienación, propone una reelaboración de esta mirada creando una nueva posibilidad
de libertad a partir de la alteración de la estructura de
nuestra percepción. Como lo hicieron los situacionistas
a mediados del siglo XX, Antonio R. Montesinos desarrolla, en su trabajo (1:1) Juego de escala, un ejercicio
sobre la propia ciudad que pretende utilizar el paseo
como forma de pensar y apropiación del espacio urbano. A través de la herramienta Google Maps, cuestiona
y subvierte su planteamiento básico, el de encontrarnos
en el mundo representado como mapa, para generar un
recorrido que nos permita perdernos, en este caso, en
la ciudad de Madrid.
10
ALCIA CHILLIDA
writing con el motivo de animar a la
En la sobreabundancia de información e imágenes que
y discriminación se han convertido en prioridad. Y es a
través de esta manipulación y de la proyección de la imaginación sobre la omnipresencia que representa Google,
desde donde los diez artistas que integran este proyecto plantean la contrapropuesta a esa idea de un mundo
virtual homogeneizado e intentan escapar al diseño del
planeta como un todo idéntico; y lo hacen desarticulando y subvirtiendo el propio sistema, al utilizar la idea de
desorden implícita en él y su planteamiento de voracidad
absoluta, en complicidad con la revolución digital que
representa la nueva herramienta.
11
ALCIA CHILLIDA
caracteriza la sociedad actual, los procesos de edición
los Colegios de Cartógrafos levantaron un Mapa del Imperio,
que tenía el Tamaño del Imperio y coincidía puntualmente
12
con él.
Jorge Luis Borges, “Del rigor de la ciencia”, Narraciones, Madrid, Cátedra, 1981.
Jorge Luis Borges, Del rigor de la ciencia1
1
LORENZO SANDOVAL
Con el tiempo, estos Mapas Desmesurados no satisficieron y
El concepto de terra incognita se usó en cartografía desde el s. XVI hasta el
s. XIX para designar las zonas no exploradas del mundo. Dejó de escribirse
en los mapas a partir del periodo en el que las asociaciones geográficas
comenzaron a proliferar y la Tierra pasó a ser por entero conocida y
representada. Esa zona desconocida y peligrosa también se representaba
mediante criaturas monstruosas (el clásico Here be dragons). El término se
utilizaba tanto para el más allá de los confines de la Tierra como para zonas
interiores de continentes, como el África interior. Había, por tanto, siempre
un borde, un espacio alrededor desde donde saltar en busca de lo fantástico,
una línea en la que la imaginación abría sus puertas hacia los miedos y los
deseos de lo inesperado.
Entre el diseño del mundo mediante la cartografía y el cielo existía una
relación de continuidad: los primeros mapas conocidos son aquellos que
representaban las constelaciones celestes; la forma esférica de la Tierra fue
hallada en relación matemática con las sombras proyectadas por el Sol, y
la Estrella Polar ha sido la que en el hemisferio norte –en el cual se ha
desarrollado la tecnología de los mapas– ha marcado el Norte. Hay, por tanto,
una relación próxima entre cartografía y astronomía; diríamos, incluso, entre
cartografía y astrología: diseñar el mundo era casi un equivalente a dibujar
con ojos divinos situados en la esfera celeste. Un punto de vista igual al de
los satélites.
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LORENZO SANDOVAL
Una exploración de lo inesperado por los sistemas cartográficos de Google
Existe una correspondencia directa del diseño de ma-
Estrella de Diego, Contra el mapa, Madrid, Siruela, 2008.
Juan Freire, “Las paradojas de Internet”, El País, edición digital, 29 enero 2011 [www.elpais.com/articulo/portada/paradojas/Internet/elpepuculbab/20110129elpbabpor_1/Tes].
2
3
sea como tecnología militar de conquista, o como herramienta del desarrollo económico o la catalogación
científica del total del mundo bajo los parámetros colonialistas. Mediante la lectura de la dirección IP cuando el perfil de Google se encuentra activo, tenemos un
posicionamiento espacial controlado. Incluso, según los
datos de nuestro perfil o la situación de la IP, el mapa
dibuja su centro.
Los sistemas de cartografía de Google son una herramienta total: en su voracidad absoluta de representación
de todos los rincones incluyen incluso lo que fueron las
formas de enfrentarse a las representaciones colonialistas. Como nos cuenta Estrella de Diego en el libro Contra
LORENZO SANDOVAL
el mapa2, Joaquín Torres García
ilustra con un mapa invertido de
[...] todos estos factores determinarán las consecuencias para
Sudamérica su artículo “La es-
cada ámbito de nuestras vidas afectado por lo digital. Es una evo-
cuela del sur” en 1935 para revi-
lución en que las herramientas no determinan por sí mismas el
sar las propuestas occidentales
resultado final.3
de ordenación territorial. Entre
las opciones de Google Maps,
Evitando un posicionamiento laudatorio que celebre
esta forma de desordenación
el conocimiento técnico (o lo que se denomina
está incluida.
comúnmente nuevos medios), la necesidad de este
proyecto se localiza en la narrativa sobre este fenómeno
desde una fascinación crítica: al igual que los mapas
tradicionales, las producciones cartográficas de Google
no tienen nada de neutro. En un momento en el que
la asimilación en la consciencia de la información del
espacio digitalmente generado comienza a ser ubicua
–creando capas de datos sobre el espacio físico a
través de las prótesis que suponen los sistemas de los
móviles de tercera generación y los diversos dispositivos
digitales
de
captura
audiovisual
en
combinación
con la geolocalización–, se hace urgente analizar la
aplicación de este tipo de tecnología a la vida cotidiana,
la mediatización interesada de las emociones y las
construcciones ideológicas de unos nuevos productores
culturales amateur que han abandonado su pasividad de
espectadores para producir unos contenidos, que han de
pasar una serie de filtros y protocolos, marcando lo que
formará parte de la representación del mundo y lo que no.
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pas con el control de los territorios y las personas, ya
se señalan en relación a la privacidad, hay que preguntarse
sobre cómo se construye selectivamente esa representación
del mundo en función de restricciones territoriales
que incluyen, excluyen y alteran datos e imágenes por
cuestiones ideológicas. Frente a un aplanamiento del
mundo a partir del sistema omnipresente de Google,
frente a los recorridos hegemónicos que se nos asignan,
volver a buscar lo inesperado (o producirlo) en esas
representaciones del mundo, como hacen los artistas
incluidos en este proyecto, es la manera de escapar al
diseño del planeta como un todo idéntico.
15
LORENZO SANDOVAL
Además de los diversos problemas que normalmente
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Dodeca 2360 Camera System
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Modelos de cámara como ésta, fabricados por la empresa dedicada a sistemas de seguridad Inmersive Media, son los que hacen posible Google Street View
2011
Impresión / vídeo
Aquí surge de un error informático que produjo un
fuerte sentido de desorientación: al buscar un lugar en
Google Maps, la página no se cargó y dejó un punto sin
referencias señalado en un desierto gris. Aquí juega a
redefinir los enunciados que derivan de esta cartografía
y que aparentan ser, como toda cartografía, consecuencia
directa de la realidad que representa. De la impresión
del desierto referencial directamente capturado de
Google Maps, la pieza evoluciona a un vídeo que integra
una interrogación abierta sobre la fenomenología en la
creación de un lugar y la geonarratividad de la localización
de la intimidad en el movimiento a través de los mapas.
Aquí es, en cierto sentido, un simulacro que se superpone
18
AQUÍ
JESÚS ACEVEDO
a otro.
19
20
GOOGLE MAPS ROAD TRIP
PETER BALDES & MARC HOROWITZ
2011
Vídeo, registro de la performance
Marc vive en Los Ángeles y Peter en Richmond, Virginia.
Siempre quisieron hacer el clásico viaje beatnik cruzando
los Estados Unidos de costa a costa, pero, por problemas
de financiación y de agenda, nunca consiguieron realizarlo. Hasta que un día decidieron ponerse en marcha y hacerlo juntos cada uno desde su casa utilizando las tecnologías cartográficas de Google y visitando aquellos lugares
extraños que la gente les señalaba a través del chat –por
ejemplo, la réplica del Partenón en medio de Nashville–,
recogiendo autoestopistas, parando a comer y dormir en
los restaurantes y hoteles de los sitios por los que pasaban... Esta vez, realizan otro viaje virtual para darse cita en
Madrid y encontrar los sitios más increíbles de la ciudad
con a la ayuda del público asistente.
http://www.googlemapsroadtrip.com
21
2008
en Google Street View
El 3 de mayo de 2008, los artistas Robin Hewlett y Ben
Kinsley invitaron al equipo de Google Street View y a los
residentes de la zona norte de Pittsburgh a colaborar en
una serie de tableaux vivants a lo largo de Sampsonia
Way. Vecinos y otros participantes de toda la ciudad
protagonizaron escenas que van desde un desfile o una
maratón al ensayo de una banda de barrio, de una lucha
de espadas del siglo XVII a un rescate heroico, entre
otras muchas escenas. Este proyecto introduce la ficción,
sutil y espectacular, en el mundo doppelgänger (doble
fantasmagórico) de Google Street View.
http://www.streetwithaview.com
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STREET WITH A VIEW
ROBIN HEWLETT & BEN KINSLEY
Vídeo monocanal. Performance colectiva / intervención
23
2010
Impresión en papel Lambda
de que quedaban algunos puntos en Google Maps
donde había una nube que obstaculizaba la visión. El más
cercano que encontró en Europa fue el de Versonnex, un
pequeño pueblo francés cercano a la frontera con Suiza.
Realizó entonces la acción de embarcarse en un absurdo
viaje en busca de la información que quedaba oculta bajo
la nube. Una vez allí, se fotografió mirando al cielo, como
si el satélite de Google aún estuviera detenido en ese
punto. La imagen va acompañada del siguiente texto: “In
Google Maps’ satellite view, Versonnex - a small town in the
French department of Ain, in the region Rhône-Alpes, located
2 km away from the Swiss frontier - appears hidden under
a cloud”.
24
DANIEL JACOBY
LOCATION UNREACHABLE TO GOOGLE
Daniel Jacoby realizó esta pieza a raíz de darse cuenta
25
2008
Vídeo, 2 canales / hackeado de
Google Maps y Google Earth
Tomando como punto de partida
en su proyecto la localización de la
simbología masónica inscrita en el
Parc Royal de Bruselas, Jodi señala
cómo se perciben de forma clara
las relaciones que se establecieron
entre la geometría y el diseño del
territorio y de la ciudad con el
cruce
de
intereses
económicos
e ideológicos. Para ello, trabaja a
partir de las nuevas perspectivas
cenitales aportadas por los sistemas
de cartografía recientes, que, a su
vez, vuelven a inscribir una serie de
intereses en la reconfiguración del
espacio mediante las imágenes por
satélite. Hackeando los sistemas de
Google, con GeoGoo introduce, al
geométrico a través de iconos que
muestran esas relaciones entre el
diseño de los espacios y los intereses
ocultos tras él.
http://www.geogoo.net
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JODI
GEOGOO
más puro estilo “Jodi”, un juego visual
27
2010
Dispositivo museístico, 3 cajas de luz y 8 dibujos digitales
En este proyecto se realiza un juego de correspondencias
entre la construcción del paisaje y la información. El
territorio es presentado como un depósito donde las capas
que sedimentan vienen de los sistemas de visualización de
conocimiento: los dispositivos museísticos, los sistemas
de encuestas del Eurostat o la compilación cartográfica
que abarca desde las cosmologías de Humboldt, pasando
por las representaciones del fin del mundo en los polos,
hasta diferentes sistemas de Google: con Google Maps se
localizan lugares que reciben nombres de dolencias en
varios idiomas y con Google Earth se realiza un descenso
a las profundidades de las fosas Marianas. A través de
estas diversas orografías híbridas, se llevan a cabo una
serie de operaciones metafóricas mediante las cuales
última generación, existe una pérdida de referentes que
aparece al comprobar cómo queda sin explorar la terra
incognita emocional que constituye nuestra singularidad.
28
REGINA DE MIGUEL
EL ÚLTIMO TÉRMINO QUE ALCANZA LA VISTA
llegamos a la percepción de que, en el capitalismo de
29
REGINA DE MIGUEL
30
EL ÚLTIMO TÉRMINO QUE ALCANZA LA VISTA
31
2011
Proyección HD sobre alfombra /
hackeo de la trayectoria en tiempo
real del satélite QuickBird en Google
Earth
En el Barroco, los frescos de los techos tenían por objeto que el espectador dirigiese su mirada con devoción
hacia el creador. La Ilustración permitió que el hombre mirase al horizonte
con autoconsciencia; la pintura de
paisaje era el medio de masas de la
época. Hoy, la mirada recae sobre nosotros. La fotografía desde la órbita
nunca había sido tan accesible como
ahora gracias a Google Earth. Como
una experiencia “fuera del cuerpo”,
la perspectiva apunta hacia nosotros
se aleja claramente de la inmersión
en el espacio de ilusión propia de la
pintura de paisaje. El medio no trata de esconder su origen militar: los
lugares de interés para los servicios
de inteligencia, como Corea del Norte, Iraq e Irán están disponibles con
imágenes de mayor resolución que
las planicies de Mongolia o el norte
de Canadá. La mirada hacia abajo,
hacia nosotros mismos, ha cambiado
nuestra propia autoconsciencia. Desde que la imagen mágica del “planeta
azul” fuera tomada por el Apollo XVII,
se ha fomentado un punto de vista
global sobre las cuestiones sobre el
medioambiente o lo social, así como
un sentimiento sobre la fragilidad de
nuestro planeta. El punto de vista de
esta pieza proviene de la posición
en tiempo real del satélite comercial
llamado QuickBird, propiedad de la
empresa DigitalGlobe, que es uno
de los que proporciona las imágenes
utilizadas por Google.
32
MAX NEUPERT
FOLLOWING A BIRDS PERSPECTIVE
mismos. La mirada militar analítica
33
2010
Impresión de una ruta GPS / vídeo
Aunque Nick Newcomen no forma
parte del mundo del arte, ha realizado una performance totalmente
autofinanciada, sin ánimo de lucro,
simplemente por el hecho a animar
a la gente a leer a una autora que él
considera una posible fuente de inspiración para solucionar ciertas cuestiones en Estados Unidos. Ha creado
el mayor escrito del mundo mediante
el uso de un coche y un dispositivo de
localización GPS empleado a modo
de “pluma”. La escritura –“Leer a Ayn
Rand”– consta de 12.328 millas recorridas y se extiende desde el Pacífico
hasta el Océano Atlántico abarcando
documentación, se ha grabado a sí
mismo en decenas de lugares diferentes a lo largo de la ruta como forma de demostrar que ha pasado por
allí y que toda esta acción no ha sido
un fotomontaje.
http://www.worldsbiggestwriting.com
34
NICK NEWCOMEN
WORLD´S BIGGEST WRITING
treinta estados americanos. Para la
35
2011
Página web y mapa con los resultados del workshop
realizado con el apoyo de Rampa
[véase “Actividades paralelas”, p. 42]
El camino que va del espacio narrado al tiempo de la
experiencia se construye a partir de la génesis de una
ficción. Los materiales presentados en la exposición son
el resultado del workshop realizado por zonas de Madrid
elegidas entre los participantes en el mismo. Este proyecto
busca, mediante la narración del recorrido y la cartografía
subjetiva, subvertir las configuraciones de recorrido que
se presentan desde Google sobre la ciudad de Madrid,
utilizando para ello el juego sobre las experiencias
reglamentadas.
36
(1:1) JUEGO DE ESCALA
ANTONIO R. MONTESINOS
http://www.juego-de-escala.net
37
2010
Vitrina / 10 impresiones de vistas extraídas de Google
Street View
A través de las diez capturas que se presentan en la
exposición –parte de una serie más numerosa disponible
en la página web del proyecto–, Jon Rafman apunta hacia
la transformación de los paisajes que constituyeron la
idea romántica de lo sublime en un registro automático
que ya no es el reflejo de la naturaleza interiorizada por
la persona ni de su libertad. Este fenómeno articula un
cambio en la formación de la consciencia a través de esta
“hiper-panoramización” del mundo. El sistema técnico que
permite esta imagen es la configuración de una película que
se recorre literalmente en su virtualidad. Cada paseo supone
ir viendo los diferentes frames que han compuesto el film;
una sucesión de fotografías que registran el movimiento
de la propia cámara por el espacio en un tiempo detenido.
Ir extrayendo las poses registradas casualmente en los
encuadres de esta película es la manera en la que este
proyecto utiliza la alienación implícita en el registro total
del mundo como forma de poner de manifiesto nuestra
http://www.9-eyes.com
38
9-EYES
JON RAFMAN
propia percepción.
40
41
Workshop a cargo de Antonio R. Montesinos
Rampa, 11 y 12 junio 2011
Este taller se presenta como un ejercicio contradictorio
que pretende generar una serie de experiencias, a medio
camino entre la realidad y la ficción, mediante la utilización
de las posibilidades que Google Maps ofrece para el control del territorio. Por último, se propone demostrar cómo
esa misma experiencia puede negarse a ser presentada/
controlada en su totalidad por Google-Maps.
Desde un planteamiento entre el taller y juego, el ejercicio propuesto toma elementos de ambos formatos –en
el fondo, muy parecidos– : una experiencia reglamentada
y simplificada, dirigida o coordinada por un “maestro de
ceremonias”.
La idea se basa en cómo ciertos juegos de rol y de estrategias construyen una historia a partir de una cartografía estableciendo una relación dinámica y retro-alimentada entre
así, realizar un ejercicio que utiliza el espacio cartográfico
y virtual de Google Maps y el espacio real de las calles de
Madrid para construir una serie de narraciones que después se representan/ocultan en un plano, que constituye
la pieza final.
El proceso de la actividad se desarrolla en tres fases principales:
1. Creación de una historia/cartografía utilizando Google
Maps, exploraciones en el espacio urbano de Madrid y métodos de narración colectivos.
2. Creación de la cartografía final y establecimiento de un
título para la narración construida.
3. Ocultación de los datos geoetiquetados, dejando sólo
los tracks y tags, pero sin información alguna.
42
(1:1) JUEGO DE ESCALA
ACTIVIDADES PARALELAS
la creación de un territorio y una narración. Se pretende,
La Casa Encendida, 30 junio 2011
Desde el Renacimiento al periodo de las pinturas ilusionistas barrocas había siempre frescos en los techos representando los cielos con ángeles y putti. Con la iluminación,
la vista se desplazaba hacia el horizonte junto a imágenes
tamos fascinados por el punto de vista autocontemplativo
sobre nuestro planeta. Las aplicaciones informáticas que
representan un mundo virtual instaladas en el escritorio
de nuestro ordenador hacen que la exploración de este
punto de vista esté disponible para cualquiera, mientras
que las fuentes permanecen intensamente militarizadas y
oscuras. No sabemos muchas cosas acerca de los satélites que proporcionan las imágenes, ni somos conscientes
de nuestra dependencia de esa tecnología.
La conferencia pone de relieve algunos aspectos de interés histórico en el ámbito de la perspectiva, que se interconectarán para construir una imagen mayor. El contenido
combinará la tesis de Max Neupert1 y su investigación actual, Satellite Zodiac y el punto de vista orbital2.
Performance a cargo de Peter Baldes & Marc Horowitz
La Casa Encendida, 28 junio 2011
En esta nueva performance del proyecto Google Maps
Road Trip, Peter Baldes y Marc Horowitz exploran Madrid
cada uno por su parte, para acabar encontrándose en el
opening en La Casa Encendida.
Los visitantes a la exposición están invitados a participar a
través de chat de vídeo o de texto, como si fuesen personas
encontradas en la calle, de la misma forma que los artistas
hacen el recorrido hacia La Casa Encendida “andando” en
el sistema cartográfico de Google Street View.
43
hacia abajo, hacia la Tierra, desde una nave espacial, es-
http://www.maxneupert.de/satellite_zodiac
to de hoy es de signo orbital. Desde que Gagarin miró
http://medienkunst.burg-halle.de/km/proj_neupert_ueber-blick.html
realizados por el hombre. La perspectiva del pensamien-
2
panorámicas de batallas, ciudades o hacia otros milagros
1
PUNTO DE VISTA Y PERSPECTIVA: POR QUÉ NOS GUSTA MIRAR DESDE LA ÓRBITA
GOOGLE MAPS ROAD TRIP / MADRID. EL CAMINAR
Charla y debate a cargo de Max Neupert
Lorenzo Sandoval (Madrid, 1980) works in a
trado en un campo difuso en el que se encuentran
very broad field comprising different strands of
elementos que provienen de varias estrategias de
cultural production which range from investigating
producción cultural, se desarrolla en diversos cam-
collective processes and self-managed structures
pos, como la investigación de procesos colectivos y
to curatorship, freelance research, personal artistic
estructuras autogestionadas, la curaduría y la inves-
creation and mediation processes. The primary
tigación independiente, la creación artística indivi-
themes he addresses, both individually and as a
dual y los procesos de mediación. Entre las temáti-
part of a team, in these varying areas of interest
cas donde se focalizan sus áreas de interés, en las
include displacement, fiction strategies, archiving,
que trabaja tanto personalmente como en grupo,
cartography, microhistory, territorial representation,
se encuentran el desplazamiento, las estrategias de
architecture, analysis of representation technologies,
la ficción, el archivo, la cartografía, la microhisto-
and the choreographies resulting from movements
ria, la representación del territorio, la arquitectura,
dictated by urban planning and territory design.
el análisis de las tecnologías de representación y
After graduating from the Faculty of Fine Arts at
las coreografías resultantes de los movimientos
the Polytechnic University of Valencia, the same
dirigidos por el urbanismo y el diseño del territorio.
institution for which he is writing his dissertation
Tras graduarse en Facultad de Bellas Artes de la
awarded him a grant to obtain a master’s degree in
UPV, ha cursado –con una beca del propio máster–
Photography, Art and Technique. He has completed
el Máster en Fotografía, Arte y Técnica de la misma
three international residencies: in Berlin in 2010, as
universidad, para el que escribe la tesina. Ha rea-
a member of the GlogauAIR Programme (with a
lizado residencias internacionales en Berlín - Glo-
grant from the Regional Government of Madrid); in
gauAIR (becado por la Comunidad de Madrid) en
Vila Nova, Portugal, at the house of the late painter
2010; en Vila Nova de Portugal, en la Casa del Pintor
Jaime Isidoro, where he received a grant from the
Jaime Isidoro, residencia Gravedad en Serio beca-
University of Oporto to participate in the Gravedad
da por la Universidad do Porto, y en Nairobi – Kuo-
en Serio artist-in-residence programme; and in
na Trust Studio, en 2007. En 2009 desempeñó la
Nairobi in 2007, at the Kuona Trust Studio. In 2009
función de encargado de producción en el EACC,
he was production manager at the EACC (Espai
desde donde pasó a vivir en Berlín para trabajar en
d’Art Contemporani de Castelló) before leaving
Maribel López Gallery. Es miembro fundador de los
Spain for Berlin to work at the Maribel López Gallery.
colectivos LaTejedoraCCEC y BarraDiagonal; en
He is a founding member of the LaTejedoraCCEC
Berlín, fue invitado a unirse al colectivo Piso, junto
and BarraDiagonal collectives, and in Berlin he was
al que inició el project space Altes Finanzamt. A tra-
invited to join the Piso collective with the artists
vés de estas diferentes plataformas, desarrolla un
who launched the Altes Finanzamt project space.
trabajo artístico de colaboración, investigación de
These various platforms provide the basis for
estructuras autogestionadas, producción cultural,
his collaborative artistic work, research into self-
workshops y proyectos curatoriales en arte y músi-
managed structures, cultural production, workshops
ca. Actualmente, ha expuesto el proyecto en curso
and curatorial projects in the fields of art and music.
Sketches for building up a Paradise. Dentro de su
Sandoval recently exhibited the project-in-progress
faceta como comisario, acaba de presentar el pro-
Sketches for building up a paradise, and in the
yecto Visualizing Transnationalism en el marco del
curatorial field he has just organised Visualising
Transeuropa Festival. Además, trabaja en la edición
Transnationalism at the Transeuropa Festival. He
del libro MontañaIslaGlaciar, del grupo de trabajo
is currently involved in the publication of a book
“Correspondencias desde Eyjafjalla”.
entitled MontañaIslaGlaciar by the working group
Correspondencias desde Eyjafjalla.
44
BIOGRAFÍAS
Lorenzo Sandoval (Madrid, 1980). Su trabajo, cen-
Jesús Acevedo (Madrid, 1967) has pursued an
y trabaja en Berlín. Desarrolla su trabajo artístico
artistic career since the mid-1990s, regularly
desde mediados de los noventa, mostrando su
exhibiting his work at independent venues. His entire
obra habitualmente en espacios independientes.
oeuvre has strong conceptual undertones, and he
La base de su trabajo tiene una dominante con-
uses a wide variety of media: video, intervention in
ceptual, bajo el uso de medios diversos, como el
different spaces, performance, drawing and writing.
vídeo, la intervención en espacios, la performance,
The raw material of Acevedo’s creations is usually
el dibujo o la escritura. Suele partir de experiencias
ordinary, prosaic, one-dimensional experiences,
o elementos de lo cotidiano, banales, sin “relieve”,
which he then subjects to a process of re-
que somete, sin violentar apenas su naturaleza, a un
signification that barely distorts their original nature.
proceso de re-signifación. En ese proceso no sólo
In this process, he questions not only the purpose
se cuestiona la función o el carácter del objeto o el
or nature of the object or issue at hand but also the
asunto tratado, sino la propia noción de realidad que
very notion of reality that flows from it.
mana de él. En paralelo al desarrollo de su trabajo
Parallel to his artistic efforts—or as an extension
artístico, o como parte de él, ha participado en la
of them—Acevedo has also participated in the
gestión de proyectos vinculados a la creación; así,
management of art-related projects. This was the
entre 1997 y 1998, formó parte de la comisión de
case of his involvement in the cultural committee
cultura del espacio Cruce (Madrid). Posteriormen-
for Espacio Cruce (Madrid) in 1997-1998. He
te participó en la fundación del Circo Interior Bru-
later helped to found Circo Interior Bruto (CIB)
to (CIB), proyecto autogestionado que se inició en
[Gross Domestic Circus], a self-managed project
1999 para la investigación creativa independiente y
begun in 1999 for independent and autonomous
autónoma dentro del ámbito de la performance, el
creative research into the fields of performance,
teatro experimenental, la polipoesía, el happening y
experimental theatre, polypoetry, happenings and
el arte de acción, y que sobrevivió hasta 2004. Entre
action art which survived until 2004. In 2009-2010
los años 2009 y 2010 colaboró en la gestión de Den-
Acevedo co-managed DentroFuera [InsideOutside],
troFuera, espacio independiente para el desarrollo
an independent space for developing artistic
de proyectos artísticos que aprovecha el contexto
projects which used the context of a homeless
de una residencia para personas sin techo con el
shelter to generate currents of mutual influence
objetivo de generar corrientes de influencia mutua y
and other synergies.
otro tipo de sinergias.
Acevedo currently lives and works in Berlin.
Peter Baldes (Portland, Indiana, 1971). Actualmente
Peter Baldes (Portland, Indiana, 1971) is an
vive y trabaja en Richmond (Virginia). Artista inter-
interdisciplinary artist currently living and working
disciplinar, obtuvo un máster en Bellas Artes en el
in Richmond, Virginia. As a media arts instructor
programa de Artes Electrónicas Integradas de la Al-
in the Virginia Commonwealth University’s Painting
fred University y se dedica a la docencia desde 2001.
and Printmaking programme, his teaching focuses
Como profesor de Arte de Nuevos Medios del progra-
on linking current technologies with the history
ma de Pintura y Grabado de la Virginia Commonwealth
of printmaking, performance and video art. His
University, su enseñanza se centra en el vínculo exis-
own work engages alternative uses of software
tente entre las tecnologías actuales y la historia del
and systems as a way to critique and subvert
grabado, la performance y el videoarte. Su propia
the defaults and assumptions of our networked
obra aborda los usos alternativos del software y
culture. Peter received an MFA in Integrated
los sistemas como forma de criticar y subvertir los
Electronic Arts from Alfred University and has been
supuestos y las ideas preconcebidas de nuestra
teaching since 2001.
cultura en red.
45
BIOGRAFÍAS
Jesús Acevedo (Madrid, 1967). Actualmente vive
Robin Hewlett (Pittsburgh, 1980). Artista y organi-
Robin Hewlett (Pittsburgh, 1980) is an artist/
zadora de proyectos, su obra crea espacios de
organiser
debate, intercambio y aprendizaje colectivo. Des-
discussion, exchange and collective learning.
de julio de 2008 dirige un café y un centro social
Since July 2008, Robin has operated a cafe and
en la zona sur de Chicago. Entre 2005 y 2006 fue
social centre on the South Side of Chicago. In
coordinadora de arte de la Escuela Baan Unrak de
2005-2006, she was the Arts Coordinator for Baan
Sangklaburi (Tailandia). También ha organizado ta-
Unrak School in Sangklaburi, Thailand. Robin has
lleres, conferencias y eventos en colaboración con
also organised workshops, conferences and
el STUDIO for Creative Inquiry, The Brew House
events in conjunction with the STUDIO for Creative
y el Mattress Factory Museum de Pittsburgh; el
Inquiry, The Brew House and the Mattress Factory
Taller Internacional de Artistas de Khoj en Kolkata
Museum in Pittsburgh; the Khoj International
(la India) y el NY Forum en Chiang Mai (Tailandia).
Artist Workshop in Kolkata, India; and the NY
Actualmente colabora además con The Howling
Forum in Chiang Mai, Thailand. Other ongoing
Mob Society de Pittsburgh (Pensilvania) y One Mile
collaborations include The Howling Mob Society
Garden de York (Alabama).
in Pittsburgh, Pennsylvania, and One Mile Garden
whose
work
creates
spaces
for
Marc Horowitz (Westerville, Ohio, 1976). Reside
Marc Horowitz (Westerville, Ohio, 1976) is a Los
actualmente en Los Ángeles. Artista interdiscipli-
Angeles-based interdisciplinary artist, working
nar, trabaja fundamentalmente en el ámbito de la
primarily with performance, video and installation.
performance, el vídeo y las instalaciones. La idea
The central concerns driving most of his work have
que subyace en la mayor parte de su obra es la
to do with engaging strangers in public and on the
de lograr la participación de personas anónimas,
internet around an absurdist principle. His projects
ajenas al mundo del arte, ya sea en público o en
also aim to engage in a dialogue with a diverse
Internet, en torno a algún principio absurdo. Sus
range of subjects from entertainment, advertising,
proyectos pretenden, además, entablar un diálo-
architectural environments, and commerce to
go sobre una amplia gama de cuestiones que van
how to find joy and happiness on a day-to-day
desde el ocio, la publicidad, los entornos arquitec-
basis. Continually, the work carries a makeshift,
tónicos y el comercio hasta el modo de encontrar
DIY aesthetic; and within this world, he is able to
la alegría y la felicidad en el día a día. Su trabajo
encourage and facilitate exchanges of laughter,
está siempre impregnado de una estética impro-
provocation, problem-solving and “improved” ways
visada y casera, y dentro de este mundo logra im-
of living. He is constantly making lists of potential
pulsar y facilitar intercambios de risa, provocación,
inventions, neologisms, money-making schemes,
resolución de problemas y formas de vida “me-
jokes, absurdist drawings and impromptu actions,
joradas”. Crea sin descanso listas de posibles in-
which often inform larger projects or reside on his
venciones, neologismos, planes para ganar dinero,
website. His work speaks to “the moment,” reflects
chistes, dibujos absurdos y acciones improvisadas
and critiques American idealism, expansionism,
que, en muchos casos, se integran en proyectos
and capitalism, and parodies pop culture so
más amplios o residen en su sitio web. Su obra
successfully that it becomes re-appropriated by it.
establece un diálogo con “el momento”, refleja y
critica el idealismo, el expansionismo y el capitalismo estadounidenses, y parodia la cultura pop
con tal éxito que ésta termina apropiándose de él.
46
BIOGRAFÍAS
in York, Alabama.
Daniel Jacoby (Lima, 1985). After earning a
en Producción Artística e Investigación de la Un-
master’s degree in Artistic Production and
verstitat de Barcelona, ha complementado su for-
Research from the University of Barcelona, Jacoby
mación con residencias en Japón (Tokyo Wonder
went on to participate in residency programmes in
Site) y Holanda (ARE), donde aún se encuentra ac-
Japan (Tokyo Wonder Site) and the Netherlands
tualmente. Su trabajo ha sido mostrado individual-
(ARE), where he currently lives. He has had
mente en espacios como la Galeria Toni Tàpies
individual exhibitions at venues such as Galeria
(Barcelona), el Museu de l’Empordà (Figueras)
Toni Tàpies (Barcelona), the Museu de l’Empordà
y L’Aparador (Mollet del Vallès); y colectivamen-
(Figueres) and L’Aparador (Mollet del Vallès), and
te en el Centro Cultural São Paulo (São Paulo),
his work has been included in group shows at the
el Midway Contemporary Art (Minneapolis), el
Centro Cultural São Paulo (São Paulo), Midway
Centro de Arte 2 de Mayo (Madrid) y el Centre
Contemporary Art (Minneapolis), the Centro de
d’Art La Panera (Lérida), entre otros. Sus proyec-
Arte 2 de Mayo (Madrid) and the Centre d’Art
tos han sido producidos gracias a subvenciones
La Panera (Lleida), among other locations. His
como la Beca Cajasol (Sevilla), las Beques Agita
projects have been produced thanks to grants
(Figueras) y la ayuda otorgada por la Fundació
such as the Cajasol Grant (Seville), the Agita Grant
Guasch Coranty (Barcelona). También ha sido ga-
(Figueres) and the funding provided by Fundació
nador de certámenes como el Premio Fundación
Guasch Coranty (Barcelona). Jacoby has also won
José García Jiménez (Murcia) y el Premi Miquel
various awards, including the Fundación José
Casablancas (Barcelona). Para el año 2012, prepa-
García Jiménez Prize (Murcia) and the Miquel
ra una individual en el Project Room Aquarium de
Casablancas Prize (Barcelona). For 2012, Jacoby is
Casino Luxembourg (Luxemburgo).
currently preparing a solo exhibition for the project
BIOGRAFÍAS
Daniel Jacoby (Lima, 1985). Tras obtener el Máster
Casino Luxembourg – Forum d’art contemporain
(Luxembourg).
Jodi / jodi.org. Colectivo integrado por dos ar-
Jodi, or jodi.org, is a collective of two internet
tistas de Internet: Joan Heemskerk (Kaatsheuvel,
artists: Joan Heemskerk (born 1968 in Kaatsheuvel,
Países Bajos, 1968) y Dirk Paesmans (Bruselas,
the Netherlands) and Dirk Paesmans (born 1965
Bélgica, 1965). Ambos proceden de los campos
in Brussels, Belgium). Their background is in
de la fotografía y el videoarte. A mediados de la
photography and video art; in the mid-1990s they
década de 1990 empezaron a crear obras de arte
started to create original artworks for the World
originales para la World Wide Web. Unos años
Wide Web. A few years later, they also turned
más tarde, se iniciaron además en el software art y
to software art and artistic computer game
la modificación artística de juegos para ordenador.
modification. Since 2002, they have been in
Desde 2002 están inmersos en lo que se ha dado
what has been called their “Screen Grab” period,
en llamar su periodo “Screen Grab” (captura de
making video works by recording the computer
pantalla) y crean obras en vídeo grabando la ima-
monitor’s output while working, playing video
gen del monitor del ordenador mientras trabajan,
games, or coding.
juegan con videojuegos o escriben código. En al-
In more recent [when?] works, they modified old
gunas obras más recientes han modificado vide-
video games such as Wolfenstein 3D, Quake, Jet
ojuegos antiguos como Wolfenstein 3D, Quake,
Set Willy, and the latest, Max Payne 2 (2006) to
Jet Set Willy y, por último, Max Payne 2 (2006),
create a new set of art games. Jodi’s approach to
para crear un nuevo conjunto de juegos artísti-
game modification is comparable in many ways
cos. En muchos sentidos, la estrategia que Jodi
to deconstructivism in architecture, because they
47
room @ aquarium artist-in-residence programme at
would break the game down to its basic parts and
deconstructivismo arquitectónico: descomponen
reassemble it in ways that do not make intuitive
el juego en sus partes básicas y lo vuelven a en-
sense. One of their more well-known modifications
samblar de maneras que no incluyen el sentido
of Quake places the player inside a closed cube
intuitivo. En una de sus modificaciones más cono-
with swirling black-and-white patterns on each
cidas de Quake, el jugador se sitúa dentro de un
side. The pattern is the result of a glitch in the
cubo cerrado con patrones giratorios en blanco y
game engine discovered by the artists, presumably
negro a cada lado; el patrón es el resultado de un
through trial and error; it is generated live as the
fallo técnico del motor del juego descubierto por
Quake engine tries, and fails, to visualise the
los artistas, supuestamente mediante un proceso
interior of a cube with black-and-white checked
de prueba y error. Se genera en directo cuando
wallpaper.
el motor de Quake intenta, sin éxito, visualizar el
Jodi’s “Screen Grab” period began with the four-
interior de un cubo cuyas paredes están forra-
screen video installation My%Desktop (2002),
das con un papel de cuadros blancos y negros.
which premiered at the Plugin Media Lab in Basel.
El periodo “Screen Grab” de Jodi se inició con la
The piece appeared to depict mammoth Mac OS
videoinstalación de cuatro pantallas My%Desktop
9 computers running amok: opening windows
(2002), que se presentó en el Plugin Media Lab de
cascaded across the screen, error messages
Basilea. La obra parecía reproducir gigantescos
squawked,
ordenadores Mac OS 9 funcionando sin control:
endlessly. Yet this was not a computer gone
ventanas que se abrían en cascada por la pantalla,
haywire, but a computer user gone haywire. To
mensajes de error que gritaban y archivos que se
make this video, Jodi simply pointed-and-clicked
replicaban sin descanso. Pero no era el ordena-
and dragged-and-dropped so frantically, it seemed
dor, sino el usuario, el que había perdido la ca-
that no human could be in control of such chaos.
beza. Para realizar este vídeo, Jodi simplemente
As graphics exploded across the screen, the viewer
seleccionaba / pulsaba / arrastraba / soltaba de
gradually realised that what had initially appeared
una forma tan frenética que no parecía que un
to be a computer glitch was really the work of an
humano pudiera estar detrás de semejante caos.
irrational, playful, or crazed human being.
and
files
replicated
themselves
Mientras los gráficos desbordaban la pantalla, el
espectador se daba cuenta gradualmente de que
lo que al principio parecía un fallo del ordenador
era realmente obra de un humano irracional, travieso o enloquecido.
Ben Kinsley (Columbus, Ohio, 1982). Reside ac-
Ben Kinsley (Columbus, Ohio, 1982) is a
tualmente en Pittsburgh (Pensilvania). Artista mul-
multidisciplinary artist who creates site-specific
tidisciplinar, crea respuestas específicas de cada
responses to particular situations, often through
entorno ante situaciones concretas, a menudo a
collaboration and playful exchange with local
través de un intercambio lúdico y una colaboración
residents.
con los residentes locales. Sus proyectos incluyen
conducting an orchestra of screaming humans
desde dirigir una orquesta de personas que gritan
and directing a maritime-themed play for boaters
o una obra de temática marítima representada por
on a lake in Maine to organising a shadow play
las personas que navegaban en un lago de Maine
in the middle of the California High Desert and
a organizar un teatro de sombras en medio del
choreographing a neighbourhood intervention
desierto del Mojave de California o coreografiar
into Google Street View.
la intervención de un vecindario en Google Street
Ben’s work has been exhibited internationally
His
projects
have
ranged
from
48
BIOGRAFÍAS
sigue para modificar los juegos es comparable al
at museums, galleries, and film festivals and
rías y festivales de cine internacionales, y forma
is included in the permanent collection of the
parte de la colección permanente del Cleveland
Cleveland Museum of Art. He received his BFA
Museum of Art. Se licenció en Bellas Artes en el
from the Cleveland Institute of Art and his MFA
Cleveland Institute of Art y realizó un máster en la
from Carnegie Mellon University. He has been
misma disciplina en la Carnegie Mellon University.
an artist-in-residence at the Skowhegan School
Ha sido artista residente en la Skowhegan School
of Painting and Sculpture, the Bemis Center for
of Painting and Sculpture, en el Bemis Center for
Contemporary Arts, and several artist residency
Contemporary Arts y en varios programas de resi-
programmes in Iceland. He was named a 2010
dencia de artistas en Islandia. En 2010 fue incluido
“Hot Pick” by Smack Mellon’s Artist Studio
en la lista “Hot Pick” del Artist Studio Program de
Program in Brooklyn, New York.
Smack Mellon, con sede en Brooklyn (Nueva York).
Ben currently resides in Pittsburgh, Pennsylvania.
Regina de Miguel (Málaga, 1977). Trabaja y
Regina de Miguel (Málaga, 1977) Works and lives
reside en Berlín. Realizó su formación en la
in Berlin.De Miguel obtained a degree in Fine
Facultad de Bellas Artes de Valencia (UPV, 2001).
Arts from the Polytechnic University of Valencia
Desde entonces ha trabajado en contextos de
in 2001. Since then she has worked on a number
producción como Aptitud para las armas (Injuve,
of production projects, including Aptitud para las
Madrid, 2008), Otro Espacio (Valencia (2008-2010),
armas (Spanish Youth Institute-INJUVE, Madrid,
Avam Procesos (Madrid, 2008), Sic (Societat i
2008), Otro Espacio (Valencia, 2008-2010), Madrid
cultura, Valencia, 2009) y Manifesta (Murcia, 2010),
Procesos 08 – AVAM (Madrid, 2008), Sic (Societat
con el proyecto colectivo “Correspondencias
i cultura, Valencia, 2009) and Manifesta (Murcia,
desde Eyjafjalla”. Su trabajo, que integra dibujo,
2010) with the collective project Correspondencia
instalación, fotografía, vídeo y texto, ha sido
desde Eyjafjallajökull: Reflections on the Idea of
presentado en salas institucionales como Artium
Europe. Her work combines drawing, installation,
(Vitoria, 2010), Círculo de Bellas Artes (Madrid,
photography, video and text. De Miguel’s creations
2010), Bastero (San Sebastián, 2009), Laboratorio
have been shown in publicly-managed venues
987, Musac (León, 2008-2009) o La Panera (Lérida,
such as Artium (Vitoria, 2010), the Círculo de Bellas
2008), así como en espacios independientes
Artes (Madrid, 2010), Bastero (San Sebastián,
como Halfhouse (Barcelona, 2010), Altes Finanzamt
2009), Laboratorio 987, MUSAC (León, 2008-09),
(Berlín, 2010), Otro Espacio (Valencia, 2009) o Le
La Panera (Lleida, 2008), and at independent
Commissariat (París, 2006). Trabaja con las galerías
centres like Halfhouse (Barcelona, 2010), Altes
Maisterravalbuena (Madrid) y Valle Ortí (Valencia),
Finanzamt (Berlin, 2010), Otro Espacio (Valencia,
con las que ha expuesto individualmente y ha
2009) and Le Commissariat (Paris, 2006).
participado en ferias como Volta (Basilea, 2008-
She works with the Maisterravalbuena (Madrid)
2010), Preview (Berlín, 2007), Arco (Madrid, 2006-
and Valle Ortí (Valencia) galleries, with which she
2011). Igualmente, ha formado parte o intervenido
has organised solo exhibitions and participated in
como conferenciante en proyectos como Kunst
fairs such as Volta (Basel, 2008-10), Preview (Berlin,
Apotheke Salon (Berlín, 2010), MODIFI (Patio
2007) and Arco (Madrid, 2006-11). She has also
Maravillas, Madrid, 2009), Todo para los artistas
participated in or given lectures for projects such
pero con los artistas (Colegio Mayor Rector
as the Kunst Apotheke Salon (Berlin, 2010), MODIFI
Peset, Valencia, 2008) o Estancias Injuve (Málaga,
(Patio Maravillas, Madrid, 2009), “Todo para los
2007-2009). Se encuentra representada en las
artistas pero con los artistas” (Colegio Mayor
colecciones Fundación ARCO, ABC, Artium, Caja
Rector Peset, Valencia, 2008), and Estancias
49
BIOGRAFÍAS
View. Su obra se ha exhibido en museos, gale-
Madrid, La Panera, Injuve y Museo Nacional Centro
INJUVE (Málaga, 2007-09). De Miguel’s work can
de Arte Reina Sofía. Actualmente trabaja entre
be found in the collections of Fundación ARCO,
Holanda y Eslovenia, con una beca de la CAM, en
ABC, Artium, Caja Madrid, La Panera, the Spanish
el proyecto Nouvelle Science Vague Fiction.
Youth Institute (INJUVE) and the Museo Nacional
Centro de Arte Reina Sofía.
Thanks to a grant received from the CAM, she is
currently working on a project entitled Nouvelle
Science Vague Fiction in the Netherlands and
Max Neupert (Stuttgart, 1978). Estudió Arte de
Max Neupert (Stuttgart, 1978) studied media art
Nuevos Medios con la profesora Ute Hörner en la
with Prof. Ute Hörner at the Burg Giebichenstein
Universidad Burg Giebichenstein de Arte y Diseño
University of Art and Design in Halle and Prof. Luc
de Halle y con el profesor Luc Courchesne en la
Courchesne at the University of Montreal. He has
Universidad de Montreal. Ha realizado residencias
held residencies and exhibitions at the Society
y exposiciones en la Society for Arts and
for Arts and Technology (SAT) in Montreal, the
Technology (SAT) de Montreal, el Centro Arte Hoy
Art Today Center for Contemporary Art in Plovdiv,
de Arte Contemporáneo de Plovdiv y el Goethe
and the Goethe Institut in Sofia, Bulgaria. His
Institut de Sofía (Bulgaria). Sus proyectos han
projects have been acquired by the collections
sido adquiridos por las colecciones del Ministerio
of the German Ministry for Environment, the
de Medio Ambiente alemán, el Aeropuerto
International
Internacional Pierre-Elliot Trudeau de Montreal y
Montreal, and the Museum of Civilisation,
el Museo de la Civilización de Quebec (Canadá).
Quebec, Canada. Since 2008 Neupert teaches
Desde 2008 enseña Arte de Nuevos Medios en
Media Arts at the Bauhaus-Universität in Weimar.
la Bauhaus-Universität de Weimar. Su entorno
His recent audiovisual environment Breakup was
audiovisual Breakup, creado recientemente, se ha
presented in the Museum of Image and Sound
presentado en el Museo de Imagen y Sonido (MIS)
(MIS) São Paolo, RMIT Melbourne, the General
de São Paulo, el RMIT de Melbourne, el General
Store for Contemporary Art, Sydney and the Neue
Store for Contemporary Art de Sídney y el Neue
Museum, Weimar. Besides real-time A/V works,
Museum de Weimar. Además de sus trabajos
satellites have been a focus of his research in
audiovisuales en tiempo real, en los últimos años
recent years.
Airport
Pierre-Elliot
Trudeau,
ha dedicado parte de su actividad investigadora a
los satélites.
Nick Newcomen. Vive cerca de Houston (Texas).
Nick
Es programador independiente de software.
developer living near Houston, Texas. I discovered
“Descubrí los textos de Ayn Rand a principios de
Ayn Rand’s writing in the early 1990s, and I owe
la década de 1990 y debo a su filosofía buena
much of the success I’ve achieved in my life to
parte del éxito que he alcanzado en la vida.
her philosophy. Some of my favourite websites
Éstos son algunos de mis sitios web favoritos:
include: Consumer Reports, Viewpoints, Sleep
Consumer Reports, Viewpoints, Sleep Like The
Like The Dead, Consumer Search, CNET mac
Dead, Consumer Search, CNET mac forum, Trip
forum, Trip Advisor, Colonial Williamsburg Official
Newcomen
is
a
freelance
software
50
BIOGRAFÍAS
Slovenia.
Advisor, Colonial Williamsburg Official History Site,
History Site, Houston Chronicle. I enjoy travelling,
Houston Chronicle. En mi tiempo libre me encanta
writing and reading in my spare time.
viajar, escribir y leer.”
Antonio R. Montesinos (Ronda, Málaga, 1979). Ha
Antonio R Montesinos (Ronda, Málaga, 1979)
cursado estudios en Sevilla, Valencia, Múnich y
studied in Seville, Valencia, Munich and Barcelona.
Barcelona. Es Máster de Aplicaciones Multimedia
He has a master’s degree in Multimedia Internet
para Internet por la EUTI de Valencia y Máster de
Applications from the University School of
Artes Digitales por la Universidad Pompeu Fabra
Technical Industrial Engineering of Valencia and
de Barcelona. Es además miembro fundador del
a second master’s degree in Digital Arts from
colectivo de artes digitales D_forma y miembro
Pompeu Fabra University in Barcelona. He is
coordinador del espacio de producción indepen-
also a founding member of the D_forma digital
diente Rampa. Recientemente ha participado en
arts collective and a coordinating member of the
proyectos para el Espacio Emergente de Málaga,
independent production space known as Rampa.
el CAAC y el I+CAS de Sevilla, Hangar o Centro
Montesinos recently participated in projects for
de Arte Santa Mónica en Barcelona, Injuve, Re-
Espacio Emergente in Málaga, the CAAC and
sidencia de Estudiantes y el C arte C de Madrid,
I+CAS in Seville, Hangar at the Centro de Arte
o el EACC de Castellón. Forma parte también de
Santa Mónica in Barcelona, the Spanish Youth
procesos colectivos –El deseo de andar– y trabaja
Institute (INJUVE), the Residencia de Estudiantes
como docente en el Instituto Europeo di Design.
and C arte C in Madrid, and the EACC in Castellón.
BIOGRAFÍAS
He is also involved in the El deseo de andar
Istituto Europeo di Design.
Jon Rafman (Montreal, 1981). Artista, realizador
Jon Rafman (Montreal, 1981) is an artist, filmmaker
y ensayista. Obtubo la licenciatura en Filosofía y
and essayist. He holds a BA in Philosophy and
Literatura en la McGill University y un Máster en la
Literature from McGill University and an MFA from
School of the Art Institute de Chicago. Sus películas
the School of the Art Institute of Chicago. His films
y su trabajo en nuevos medios han conseguido
and new media work have attracted international
atención internacional y han sido expuestos en
attention and have been shown at Slamdance Film,
Slamdance Film, el Festival Ars Electronica en Linz,
the Ars Electronica Festival in Linz, the Museum of
el Museo de Arte Contemporáneo de Roma y el
Contemporary Art of Rome, and the New Museum
New Museum de Nueva York. Su proyecto 9-eyes
in New York. Rafman’s Nine Eyes of Google Street
of Google Street View ha sido publicado, entre
View project has been featured in Modern Painter,
otros medios, en Modern Painter, Der Speigel,
Der Spiegel, Libération, The New York Times and
Wired, NPR, Libération, New York Times y Harper’s
Harper’s Magazine.
Magazine.
51
collective processes and gives classes at the
52
Obra Social Caja Madrid has been organising the “Inéditos”
competition, which awards funding for the organisation of
contemporary art exhibitions, on an annual basis since
2002. Targeted at young curators, the programme sponsors
brand-new [inéditos] exhibition projects that address any
aspect of contemporary artistic creation; these projects
are evaluated according to their quality, originality and
ability to be produced with the available funds.
This year marks the tenth anniversary of the competition,
and we are especially proud to have supported over
35 young curators, who have presented 30 curatorial
projects at La Casa Encendida, and to have contributed
to the dissemination of their work by publishing the
corresponding catalogues.
The need to keep organising this kind of competition
related to curatorial practice is reaffirmed every year not
only by the number of participants it attracts but also by
of the authors, and the importance and relevance of the
concepts explored.
We are grateful to all the young curators who have sent us
their exhibition projects, and to the members of the jury for
their rigorous selection of the winners: Bárbara Rodríguez
Muñoz for Seres inanimados [Inanimate Beings], which
examines objects and the processes that create and
destroy them; Pedro Portellano for Después del silencio
[After Silence], a reflection on the impossibility of silence in
contemporary society; and Lorenzo Sandoval for Alrededor
es imposible [Around is Impossible], an exploration of the
unexpected through Google map systems.
Our sincere congratulations go to all of them, and we
hope that the exhibitions and this catalogue will help these
promising young curators to continue producing such
excellent work.
Coordinator of Obra Social Caja Madrid
53
INÉDITOS 20II
the quality of the projects presented, the professionalism
that compels human beings to delve into other
[AROUND IS IMPOSSIBLE]
realities.
The complete project includes an exhibition, two
“This meant there was always a brink, a ledge
workshops and a performance. Jesús Acevedo
from which to leap in search of the fantastic, a
explores the concept of space as something
line at which the imagination opened its doors
which emerges in the interstices between
to the fears and yearnings of the unexpected.”
space and the idea. The project entitled Aquí
[Here] uses Google Maps to undertake a
Lorenzo Sandoval
physical journey which is then conveyed as a
concise events or facts which bear no relation
adopted by all of us on the jury of Inéditos
to any known place identifiable in spatial
[Brand New] 2011 has been to give a voice to
parameters, but whose ultimate aim is to create
three young curators and combine traditional
a new mental place. The virtual journey is the
themes such as objects and silence with new
protagonist of the project Google Maps Road
technologies: two eternal themes that contrast
Trip in which Marc Horowitz and Peter Baldes
with a recent phenomenon like Google, the new
travel around the United States. Over the course
landscape-cum-vital-daily-tool that has become
of nine days, the two artists took a virtual drive
a part of our lives. For let us not forget that in
across the country by constantly pressing the
the not-so-distant past our habitual tools were
Google key indicating East and broadcasting
the typewriter, carbon paper, the photocopier
the entire experience in real time via www.
and, later on, the fax machine. Technology
googlemapstrip.com. Combining fiction, popular
has advanced by great leaps and bounds, and
imagery and performance on Google Street
thanks to this progress today we are able to
View, the platform that provides instant access
participate in a vast global network and stay
to 360-degree images, Street with a View by
“online” even in the remotest locations. We
Robin Hewlett and Ben Kinsley, invited the
believe—and I am speaking on behalf of all three
local community to define themselves and their
jury members—that the three chosen projects
environment by using technology as a tool of
represent an intersection of interests that is
self-expression.
highly relevant to current artistic reflection and
emerging curatorship.
When Daniel Jacoby discovered that certain
points on Google Maps were hidden from view
Lorenzo Sandoval (Madrid, 1980), a Fine Arts
by clouds, he set out on an absurd journey to
graduate from the University of Valencia with
find out what the clouds were hiding and created
extensive experience in the curatorial field and
a photographic record of the information he
the organisation of international projects, currently
found. Meanwhile, the Royal Park in Brussels
a resident of Berlin, is the curator of this group
was renamed Geo-Goo and turned into an
exhibition featuring ten projects which show how
INFO-park in which an intricate network of data
the Google system can lead to new discoveries.
and associations revealed the symbols and
The curatorial project presents a paradox within
mysteries of the Belgian capital. Jodi, its author,
our hyper-mapped world and creates a virtual
connected this long tradition of geometric
challenge for internet users who want to embark
analysis on the ground with the new geometries
on a new journey in search of an “unexpected
that use online tools such as Google Maps and
territory”. It is underpinned by the idea of the
Google Earth, shaky, loose traces produced
journey as a learning experience, as a primal urge
by extreme encoding and hacking. The new
54
ALICIA CHILLIDA
superimposed simulacrum through a diary of
It is significant that the common strategy
meanings of time and space generated by
together is geospatial continuity. 9 Eyes captures
modern communications have transformed
these views and its author, Jon Rafman, believes
our perception of things to such an extent that
that these same tools which alienate us also tell
we no longer experience them directly but
us something about the nature of our alienation.
rather through their representations. Regina de
The artist reworks the views and, by altering
Miguel’s project El último término que alcanza
the structure of our perception, creates a new
la vista [As Far As the Eye Can See] establishes
possibility of freedom. In his work Perimetrías
connections
psychological
[Perimetries], Antonio R. Montesinos—like the
processes related to a loss of points of
Situationists of the mid-20th century—engages
reference (crisis of subjective meaning and
in an exercise about the city itself, in which taking
desertification of experience) when reviewing
a walk becomes a method for rethinking and
different archetypes of cultural representation.
appropriating urban space. Using the Google
and
visualises
Maps tool, he questions and subverts his basic
Certain uncensored images on Google Earth
premise: finding yourself in a world represented
show hitherto secret locations. As a method
as a map and creating a route that allows you to
of military reconnaissance, satellite technology
lose your way, in this case in the city of Madrid.
of spy satellites were classified as secret again.
Given the overabundance of information and
Nowadays, any group of amateurs who put their
images that characterises modern society,
mind to it can coordinate their observations
editing and discrimination processes are now
through a mailing list and map these satellite
more important than ever. It is through this
orbits. In the installation Following a birds
manipulation and the projection of imagination
perspective [The Uber/Over-View] by the artist
onto the ubiquity represented by Google that
Max Neupert, observers can see the data for
the ten artists involved in this project address
the chosen satellite on a computer screen.
the counter-idea of a homogenised virtual world
The way the installation is staged enhances
and attempt to escape the design of the planet
the experience of the satellite image and
as an identical whole. They achieve this by
the aesthetics of analytical observation. Nick
deconstructing and subverting the system itself,
Newcomen is not an artist but he created a
using both the idea of chaos implicit in it and the
non-profit performance to encourage people
idea of absolute voracity, in complicity with the
to read the Russian-American philosopher and
digital revolution that the new tool represents.
writer Ayn Rand, author of Atlas Shrugged. To
broadcast his message, he used a car and a
GPS device as a pen to write “Read Ayn Rand”.
The words cover the 12,328 miles driven by
Newcomen and stretch from coast to coast
across thirty American states.
Google Street View cars are fitted with nine
cameras and roam the Earth, automatically
recording
everything
they
come
across.
Allegedly, the individual perspectives of the
cameras have no effect on history: because
they have no context, background or special
significance, the only thing that binds them
Alicia Chillida
55
ALICIA CHILLIDA
is a top budget priority, but in 1983 the orbits
Alrededores imposible
[Around is Impossible]
(An exploration of the unexpected through
Google map systems)
A project by Lorenzo Sandoval for Inéditos
[Brand New] Cajamadrid 2011
In time, those Unconscionable Maps no longer
satisfied, and the Cartographers’ Guilds struck
a Map of the Empire whose size was that of the
Empire, and which coincided point for point
with it.1
Alrededor es imposible [Around is Impossible]
An exploration of the unexpected though
Google map systems
Terra incognita was a concept used in
to designate uncharted areas of the world. It
disappeared from maps when geographic
societies began to proliferate and the Earth
had been fully explored and documented.
Those unknown, dangerous areas were also
represented by monsters (the classic “Here
be dragons”), and the term was used to refer
not only to the world beyond the confines of
the Earth but also to the innermost regions of
continents, such as the heart of Africa. This
meant there was always a brink, a ledge from
which to leap in search of the fantastic, a line at
which the imagination opened its doors to the
fears and yearnings of the unexpected.
There was a certain continuity between the
design of the world through cartography and
the heavens: the first known maps were of the
stars and their constellations; the spherical
shape of the Earth was discovered thanks to
its mathematical relation with the shadows
projected by the Sun; and in the northern
hemisphere,
where
mapping
technology
was first developed, the Pole Star has always
indicated which way is north. Thus, there is a
very close relationship between astronomy
56
LORENZO SANDOVAL
cartography from the 16th to the 19th centuries
and cartography, and perhaps even astrology:
creating layers of data about physical space
designing the world was almost tantamount
through the prostheses of 3G mobile systems
to drawing from a divine point of view in the
and different digital audio and video recording
celestial sphere—an identical perspective to
devices
that of satellites.
an urgent need to examine the application of
There is a direct correspondence between the
this type of technology to daily life, the biased
design of maps and the control of territories
mediatisation of emotions, and the ideological
and people, be it through military conquest
constructs of new amateur cultural producers
technology, economic progress or the scientific
who are no longer passive spectators but
classification of the entire world according to
creators of contents which must pass through
colonialist parameters. Reading the IP address
a series of filters and protocols that determine
when the Google profile is active provides a
what will be included in the representation of
controlled spatial position, and depending
the world and what will be excluded.
with geolocation capacity, there is
on the data associated with the profile or
the situation of the IP address, the map can
In addition to the various concerns that are often
actually home in on the exact location.
mentioned with regard to privacy, we must also
Google map systems are a total tool: in
world is selectively constructed on the basis
their absolute voracity to leave no corner
of territorial restrictions which include, exclude
unmapped, they even include the old ways of
and alter data and images for ideological
subverting colonialist maps. As reported by
reasons. Faced with this flattening of the world
Estrella de Diego in her book Contra el mapa,2
produced by the ubiquitous Google system
Joaquín Torres García illustrated his 1935
and the hegemonic routes assigned to us, we
article “La escuela del sur” with an inverted
need to resume our search for (or produce)
map of South America as a revision of western
the unexpected in those representations of
approaches to territorial organisation. This
the world, as the artists involved in this project
form of disorganisation is one of the options
have done, and thus escape the design of the
offered by Google Maps.
planet as an identical whole.
(…) all these factors will determine the
1
consequences for every sphere of our lives
ciencia [English title: On Exactitude in
affected by digital media. It is an evolution in
Science],
which the tools do not, of themselves, dictate
Cátedra, Madrid, 1981.
BORGES, José Luis, Del rigor de la
in
Narraciones,
Ediciones
the end result.3
2
Rather than adopt the typical laudatory position
DE DIEGO, Estrella, Contra el mapa,
Siruela, Madrid 2008.
that celebrates technical knowledge (or what
is commonly known as the new media), this
3
project attempts to create a narrative about
at http://www.elpais.com/articulo/portada/
the phenomenon from a perspective of critical
paradojas/Internet/elpepuculbab/20110129
fascination: like traditional maps, there is
elpbabpor_1/Tes
nothing neutral about the cartographies that
Google produces. At a time when the conscious
assimilation of information about digitally
generated space is becoming ubiquitous,
FREIRE, Juan, Las paradojas de Internet,
57
LORENZO SANDOVAL
stop to consider how that representation of the
List of works and texts for each work
Robin Hewlett & Ben Kinsley with Street with a
Single-channel video. Group performance/
Print-out, video
intervention on Google Street View
2011
2008
Aquí was inspired by a computer error that
On 3 May 2008 artists Robin Hewlett and Ben
produced a strong sensation of disorientation:
Kinsley invited the Google Street View team and
when looking for a place on Google Maps the
residents of Pittsburgh’s Northside to participate
page failed to load, instead creating a dot with
in a series of tableaux vivants along Sampsonia
absolutely no points of reference in the middle
Way. Neighbours and other participants from
of a grey desert. Aquí redefines the messages
around the city staged a variety of scenes, from
issued by the map system which, as in any
a parade and a marathon to a garage band
form of cartography, are supposedly a direct
rehearsal, a 17th-century sword fight, a heroic
consequence of the reality they represent. The
rescue and much more. This project introduces
print-out of the referential desert lifted directly
fiction, both subtle and spectacular, into the
from Google Maps is accompanied by a video
doppelganger (ghostly double) world of Google
which questions phenomenology in the creation
Street View.
of a place and geonarrativity in the location of
privacy while moving from map to map. In a
http://www.streetwithaview.com
way, Aquí is one simulacrum superimposed on
another.
58
LIST OF WORKS AND TEXTS FOR EACH WORK
View
Jesús Acevedo with Aquí
Marc Horowitz & Peter Baldes with Google
Daniel Jacoby with Location Unreachable to
Maps Road Trip. Caminamos
Google
Video, recording of the performance
Print-out on Lambda paper
2011
2010
Marc lives in Los Angeles and Peter in Richmond,
Daniel Jacoby was inspired to make this piece
Virginia. They always wanted to do the classic
when he realised that certain points on Google
Beatnik road trip, crossing the United States
Maps were obscured from view by a cloud. The
from coast to coast, but due to a lack of funds
closest he found in Europe was Versonnex, a
and conflicts of schedule they never realised
small town near the border between France and
their dream. That is until the day they decided to
Switzerland. He then embarked on an absurd
take off and do it anyway, each in his own home,
journey to find out what was hidden beneath the
using Google map technologies and visiting all
cloud. When he reached Versonnex, he took a
the bizarre places that people told them about
photograph of himself looking up at the sky, as if
in online chats (for example, a copy of the
the Google satellite were still hovering up there.
Parthenon in the middle of Nashville). They even
The image is accompanied by the following text:
picked up hitchhikers and stopped off to eat and
“In Google Maps’ satellite view, Versonnex—a
sleep at motels and restaurants along the way…
small town in the French department of Ain,
On this occasion they take another virtual
in the region Rhône-Alpes, located 2 km away
trip and meet up in Madrid where, aided by
from the Swiss frontier—appears hidden under
the audience, they discover all the weird and
a cloud.”
wonderful sights of the city.
http://www.googlemapsroadtrip.com
Max Neupert with Following a birds perspective
Two-channel video, hack of Google Maps and
HD projection on a rug, hack of the real-time
Google Earth
trajectory of the QuickBird satellite in Google
2008
Earth
Taking the location of a Masonic inscription
2011
in the Parc Royal of Brussels as their starting
In the Baroque era, ceiling frescos compelled
point, the Jodi collective demonstrates how
the spectator to look in devotion up to the
easy it is to see the relationships between the
creator. The Enlightenment allowed people
city’s geometry, layout and urban planning on
to contemplate the horizon self-consciously.
the one hand and economic and ideological
Panorama paintings were the mass media of the
interests on the other. The collective works with
day. Today the view points down on us. Orbital
the new bird’s-eye views offered by the latest
photography has never been as accessible as
mapping systems, which in turn reinsert a series
it is now with Google Earth. Just like an “out-of-
of interests in the reconfiguration of space using
body experience”, we look down on ourselves.
satellite images. By hacking Google systems,
The military, analytical view is one thing and
Geo-Goo creates a typical Jodi-style geometric
the immersion of the illusion-space Panorama
visual game based on icons which highlight the
another.
relationships between the way space is designed
However, the medium doesn’t try to hide its
and the hidden interests that underlie it.
military origins: places of interest to intelligence
services, such as North Korea, Afghanistan,
http://www.geogoo.net
Iraq and Iran, are available in higher resolution
imagery than the Mongolian plains or the
Canadian north.
Regina de Miguel with El último término que
Looking down onto ourselves has changed
alcanza la vista
our self-perception. Ever since the magic Blue
Exhibition device, 3 light boxes and 8 digital
Marble image was taken by Apollo 17, it has
drawings
fostered a global view of environmental and
2010
social issues and a sense of the fragility of our
This project explores the relationships between
planet.
the construction of landscape and information.
The viewpoint is locked to the real-time position
The land is presented as a deposit in which the
of a commercial satellite called QuickBird,
sedimentary layers are derived from knowledge
owned by DigitalGlobe. This satellite is providing
display systems: exhibition devices, Eurostat survey
some of the imagery used by Google.
systems and compilations of maps ranging from
Humboldt’s cosmologies and representations
of the end of the world at the poles to different
Google systems—Google Maps to identify places
Nick Newcomen with World´s Biggest Writing
named after ailments in different languages and
Print-out of a GPS route, video
Google Earth to reach the depths of the Mariana
2010
Trench. A series of metaphorical operations are
Nick Newcomen is not an artist at all, but
conducted using this variety of hybrid orographies
he
that gradually make us aware of a loss of references
profit “performance” for the sole purpose
in modern capitalism, a loss made apparent by the
of encouraging people to read an author he
realisation that the emotional terra incognita which
believes might provide a source of inspiration
defines us is still uncharted.
for solving certain things in the USA. Using a
created
a
totally
self-financed,
non-
59
Jodi with Geo-Goo
car and a GPS device as a “pen”, he wrote the
Antonio R. Montesinos with (1:1) Juego de
largest message in the world. The words “Read
escala
Ayn Rand” cover the 12,328 miles Newcomen
Website and map with the results of the
travelled, stretching from the Pacific to the
workshop organised with the assistance of
Atlantic Ocean across 30 American states. To
Ramp on 11 and 12 June 2011
document the action, he recorded himself in
2011
scores of different places en route as a way of
The path that stretches from the narrated
proving that he had really passed through those
space to the time of experience is created by
locations and that the whole thing wasn’t just a
generating a story. The results presented in the
photomontage.
exhibition were produced during the workshop
held in different parts of Madrid chosen by
http://www.worldsbiggestwriting.com
the workshop participants. By examining the
narrations of the routes taken by the participants
and
practising
subjective
cartography,
the
Jon Rafman with 9 Eyes
for the city of Madrid by playing with regulated
Display case, 10 print-outs taken from Google
experiences.
Street View
2010
http://www.juego-de-escala.net
Using the 10 screenshots featured in the
exhibition (there are many more on his website),
Jon Rafman explores the transformation of
landscapes that once embodied the romantic
ideal into an automatic record that reflects
neither the interior human notion of nature nor
personal freedom. This phenomenon expresses
a change in the formation of consciousness
through this ultra-panoramisation of the world.
The technology that makes such images possible
is the confirmation of a film whose virtual nature
allows us to literally travel through it. Every
stroll means viewing the different frames that
make up the film, a succession of photographs
which record the camera’s movement through
space in a frozen time. By extracting the poses
randomly recorded in the frames of this film, the
project uses the detachment inherent to the act
of documenting the entire world as a way of
revealing our own perception.
http://www.9-eyes.com
60
project attempts to subvert the Google routes
61
INÉDITOS 2002
INÉDITOS 2005
Jurado: José Luis Brea, María Corral,
Jurado: Victoria Combalía, Carmen
Rafael Doctor, Simón Marchán Fiz y
Estrada y José Guirao
José Marín-Medina
Postbosq. Una Expoexpedición
I(De)Ntimidados
Comisariada por Patricia Hernández
Comisariada por Cèlia del Diego
Tejada, Fernando Muñoz Gómez y
i Thomas y Christian Añó Frohlich
Miguel Ángel Sánchez Rico
Cultivos
En Algún Lugar Alguien Está Viajando
Comisariada por Víctor del Río
Furiosamente Hacia Ti
Ninguna Persona Es Ilegal
Comisariada por “los 29 enchufes”
Comisariada por Paloma Blanco
Transurbancia
Comisariada por Alba Lucía Romero
INÉDITOS 2003
y Fernando Rubio Ahumada
Fernández Cid, José Miguel García
INÉDITOS 2006
Cortés, Félix Guisasola y Ana
Jurado: María Corral, Víctor
Salaverría
Fernández-Zarza, José Guirao,
...Como Perros-Trauma, Humillación
Mariano Navarro y Tonia Raquejo
Y Producción Del Sujeto
Derivados, Nuevas Visiones
Contemporáneo
Financieras
Comisariada por Silvia Estarás e
Comisariada por Mar Canet, Jesús
Ignacio Estella
Rodríguez y Daniel Beunza
Identidad desvelada y Álter Ego
Terraplane Blues
Comisariada por Ana Urroz Osés
Comisariada por Kamen Nedev
¡Vete a tu habitación!
Empieza el juego
Comisariada por Mónica Blas y
Comisariada por David Arlandis y
Susana Blas
Javier Marroquí
INÉDITOS 2004
INÉDITOS 2007
Jurado: Carlota Álvarez Basso, Juan
Jurado: María Corral, José Guirao,
Carrete, Manel Clot, José Jiménez y
Mariano Navarro, Tonia Raquejo y
Armando Montesinos
Víctor Zarza
Afinidades secretas
Ruidos, Silencios Y La Transgresión
Comisariada por Amaya de Miguel
Mordaz. De Fluxus Al Techno-Noise
Sanz
Comisariada por Alberto Flores
Interferencias urbanas
MundoUrbano. Laboratorio de
Comisariada por Óscar Moreno
Hiperrealidad
Bofarull
Comisariada por Izaskun Etxebarría
Organismos: esto es vida
y Javier Martínez-Luque
Comisariada por Mónica Bello
Habitance
Bugallo
Comisariada por Laura de Miguel
Álvarez y Esther Carmona Pastor
62
INÉDITOS
CRONOLOGÍA 2002-20II
Jurado: Estrella de Diego, Miguel
INÉDITOS 2008
INÉDITOS 20II
Jurado: Ferran Barenblit, Horacio
Fernández, José Guirao, Agustín
Jurado:
Pérez Rubio y Rocío de la Villa
Alicia Chillida, Guillaume Désanges,
Así se escribe la historia
Maribel López
Atasco de papel. ¿Qué es
Seres inanimados
exactamente lo que hace de
Comisariada por Bárbara Rodríguez
las oficinas de hoy lugares tan
Muñoz
diferentes, tan atractivos?
Obras de Greta Alfaro, Matthew
Comisariada por Alex Brahim
Buckingham, Mariana Castillo Deball,
El mundo y el pantalón
Heman Chong, Harun Farocki, Uriel
Comisariada por Cecilia Casares
Orlow & Ruth Maclennan, Michael
y Luz Santos
Rakowitz y Jorge Satorre
INÉDITOS 2009
Alrededor es imposible
Jurado: José Guirao, Javier Hontoria,
Comisariada por Lorenzo Sandoval
Marta Rincón e Isabel Tejeda
Obras de Jesús Acevedo, Peter
SIN-TAG. Anónimos, Pseudónimos y
Baldes & Marc Horowitz, Robin
Álter egos
Hewlett & Ben Kinsley, Daniel
Comisariada por Emma Brasó y
Jacoby, Jodi, Regina de Miguel, Max
Héctor Sanz Castaño
Neupert, Nick Newcomen, Antonio R.
Como diría Roland Barthes, ni te
Montesinos y Jon Rafman
cases, ni te embarques
63
INÉDITOS
Comisariada por Chema González
Comisariada por Beatriz Alonso
Después del silencio
y Victoria Gil-Delgado
Comisariada por Pedro Portellano
A la vuelta de la esquina
Obras de Alphonse Allais, Lewis
Comisariada por Direlia Lazo
Baltz, Manon de Boer, Pavel Büchler,
John Cage, Nicolas Collins, Jeroen
INÉDITOS 20I0
Diepenmaat, Escoitar, Raymond
Jurado: José Guirao, Iván de la Nuez,
Gervais / Rober Racine / Irene F.
Tania Pardo y Manuel Segade
Whittome, Pierre Huyghe, Juan
Oscuro y Salvaje
Matos Capote, Nam June Paik, Erwin
Comisariada por Edu Hurtado
Schulhoff, Pablo Serret de Ena y
Everything is out there
Stephen Vitiello
Comisariada por Rosa Lleó y Zaida
Trallero
De Zines
Comisariada por Roberto Vidal y
Óscar Martín
INÉDITOS 20II
1
PEDRO PORTELLANO
DESPUÉS DEL SILENCIO
COORDINADOR
PROYECTO
JURADO
INÉDITOS 20Il
Alicia Chillida
Maribel López
Guillaume Désanges
Ignacio Cabrero
Pedro Portellano
Intervento
SEGUROS
MAPFRE Industrial
DISEÑO
Disismaineim
TEXTOS
Guillaume Désanges
2
INÉDITOS 20II
EXPOSICIÓN
COORDINACIÓN
CATÁLOGO
Pedro Portellano
TRADUCCIONES
Polisemia, S. A.
Antonia Castaño
IMPRESIÓN
V. A. Impresores
DEPÓSITO LEGAL
M-26470-2011
ALPHONSE ALLAIS
LEWIS BALTZ
MANON DE BOER
JOHN CAGE
NICOLAS COLLINS
JEROEN DIEPENMAAT
ESCOITAR
R. GERVAIS / R. RACINE / I. F. WHITTOME
PIERRE HUYGHE
JUAN MATOS CAPOTE
NAM JUNE PAIK
ERWIN SCHULHOFF
PABLO SERRET DE ENA
STEPHEN VITIELLO
3
PEDRO PORTELLANO
INÉDITOS 20II
PAVEL BÜCHLER
4
INÉDITOS 20II
disponibles.
conceptos tratados.
profesional.
COORDINADOR DE OBRA SOCIAL CAJA MADRID
5
INÉDITOS 20II
6
7
Mediante una selección delimitada y precisa de obras de
arte, la exposición Después del silencio se replantea el
concepto de silencio y, más concretamente, su desaparición e imposibilidad en el mundo contemporáneo. En
un intento de descubrir determinadas zonas del silencio
como espacio de reflexión y posiblemente de meditación, de medir su supervivencia y sus actualizaciones, la
muestra se articula en torno a varios temas que conviven
en el espacio expositivo:
- un recuerdo histórico de las representaciones del silencio en el arte contemporáneo (Allais,
Schulhoff, Cage)
- la inexistencia del silencio en términos acústicos (Vitiello, Serret de Ena, Collins)
- el silencio representado visualmente (Baltz, De Boer, Huyghe, Paik, Gervais/Racine/Whittome)
- las implicaciones sociales de la pérdida del silencio (Diepenmaat, colectivo Escoitar)
Es evidente que esta exposición no pretende limitarse
a celebrar el silencio como ideal o paraíso perdido aniquilado por el furor de la modernidad; por el contrario,
presenta una visión crítica del mismo. Y es que, como
ya señaló John Cage, el silencio auténtico no existe o,
en todo caso, no existe una percepción pura del mismo,
porque, aunque esté perfectamente aislado del estruendo del mundo, el hombre siempre percibirá el flujo interno de sus vasos sanguíneos y los latidos de su corazón;
es decir, el movimiento de toda una maquinaria orgánica. Como si la vida sólo pudiese manifestarse mediante
el ruido, por mínimo que éste sea. En consecuencia, el
silencio sigue siendo una utopía, un horizonte ideal y
absurdo a la vez, como demuestra a la perfección la célebre obra de John Cage: esos famosos cuatro minutos
y treinta y tres segundos que no son de silencio sino, por
el contrario, la revelación del zumbido profuso del mundo como sustituto de la composición musical.
8
GUILLAUME DÉSANGES
- el silencio en el lenguaje (Matos Capote, Büchler)
Dado que hablamos de un concepto al margen de cualquier experiencia real, el silencio ha de entenderse más
bien como una metáfora; una metáfora de la ausencia,
de la desaparición, de un reverso del ser que representaría su negación absoluta. Por eso, el silencio siempre ha
fascinado a las distintas tradiciones místicas. Es sabido
que la simplificación, la reducción y la ascesis son las
del peso material del mundo para abrazar la perfección.
Por lo tanto, el silencio, equivalente acústico de esa nada
absoluta, está estrechamente ligado a la purificación que
–se supone– conduce a estadios espirituales superiores.
Y puesto que el silencio es inexperimentable, al menos
será representable; y es precisamente aquí donde entran
en juego las artes plásticas. De acuerdo con la lógica
sinestésica, el equivalente visual del silencio sería, pues,
el blanco; su equivalente físico, el vacío, y su equivalente
performativo, la retirada o la desaparición. Cabe preguntarse si fue fruto de la casualidad que, antes de realizar
la partitura muda que se presenta en la exposición, Alphonse Allais crease en 1893 uno de los primeros monocromos de la historia, una superficie blanca titulada
Première communion de jeunes Filles chlorotiques par
un Temps de Neige [Primera comunión de jóvenes cloróticas durante una nevada].
9
GUILLAUME DÉSANGES
operaciones místicas por excelencia en pro de liberarse
El amplio espectro histórico de la exposición –que abarca de 1897 a 2011–, los diversos medios y
estilos presentes, denotan la voluntad de aprehender este concepto a escala del siglo XX, como
un reto transversal de la modernidad artística. Y es que, en definitiva, el silencio podría ser la gran
cuestión del arte del siglo XX. Ésta es, en cierto modo, la tesis de Susan Sontag en su famoso y
brillante ensayo sobre la “estética del silencio”1. Para la escritora estadounidense, el “arte” es,
ante todo, la metáfora perfecta de lo que constituiría un proyecto espiritual moderno: la espiritualidad, enunciada aquí como los “planes, terminologías e ideas de comportamiento que pretenden
resolver dolorosas contradicciones estructurales inherentes a la condición humana, al pleno desarrollo de la conciencia humana y a la trascendencia”.
Y precisamente en lo que Sontag denomina “silencio”
dono, pero también como incomprensión, inaudibilidad y
vacío que conduce naturalmente al arte hasta su propia
negación– es donde, desde la modernidad, la obra de
10
arte toma su fuerza y su poder, y se muestra activa y
eficiente. La supresión de la audiencia, la sustracción del
objeto a la mirada, la inaccesibilidad radical y el mutismo como decisión fundamental, entre otras estrategias,
están en la base de este maravilloso poder de negación.
Un silencio que, no obstante, nunca es absoluto ni pleno,
sino que permanece como un horizonte que se escabu-
se entiende aquí más como uso que como significado:
un uso que lleva precisamente hacia un agotamiento del
sentido y del significado, y que deviene su significado
mismo.
1
diversidad y la fertilidad de sus aplicaciones. Así, el arte
Susan Sontag, “The aesthetics of silence”, en Styles of radical will,
lle incesantemente y al que la obra se aproxima desde la
Nueva York, Picador USA, 2002.
GUILLAUME DÉSANGES
–entendido unas veces como reducción, retirada o aban-
Por tanto, el arte absoluto, el más ambicioso y el más
edificante, es un arte privativo, de la desaparición, del
reverso; un arte de las melodías no oídas que perduran
frente a las evanescentes que silban al oído de los sentidos, según explica Sontag en alusión a un poema de
Keats. En definitiva, lo que propone el silencio es una
liberación total y una superación de los límites perceptivos e intelectuales. Porque estos fenómenos de una
ausencia presente, inauditos en todas las acepciones
del término, ofrecen un conocimiento concreto aunque
menos que nuevas formas de pensar.
Es evidente que el tema del silencio supera el ámbito del sonido y la acústica, para circunscribir
el escenario mismo de una determinada modernidad artística. Más profundamente, la exposición
Después del silencio juega, tal vez discretamente, tanto con lo absurdo como con el aspecto
trágico y grave de la cuestión. Porque lo neutro, el afuera y la noche, que son conceptos literarios
y filosóficos (recordemos a Blanchot y Lévinas), hallan en el concepto de silencio un equivalente
acústico. Desde esta perspectiva, el silencio se presenta como una “experiencia límite”, definitiva,
de lo inefable. No es, pues, sólo calma y serenidad, sino que también representaría, en un régimen más “cruel”, la imposibilidad de la palabra, o de la acción, frente al dolor infinito. Por lo tanto,
en el horizonte de ese absoluto intelectual y sensible, merodea la sombra de la muerte como manifestación única del auténtico silencio. Puede que esa gravedad metafísica subliminal sea el hilo
conductor de las obras de la exposición. Incluso de la más irónica de todas ellas: la de Alphonse
Allais, que, a pesar de su aspecto cómico, adopta la forma de un réquiem.
11
GUILLAUME DÉSANGES
siempre por venir y, en consecuencia, nada más ni nada
12
Cortesía de Galerie Thomas Zander, Colonia. © Lewis Baltz
De la serie “89-91 (Sites of Technology)”, C-Print, Diasec, 108 x 144 cm
Lewis Baltz, Anechoic Chamber, France Telecom Laboratories, Lannion, France, 1989-1991
13
En la antigüedad sólo había silencio. En el siglo XIX, con la invención
de la máquina, el Ruido nació. Hoy, el Ruido ha triunfado y ejerce un
dominio supremo sobre la sensibilidad de los hombres.
Después del silencio es un proyecto expositivo que propone una reflexión en torno a la imposibilidad del silencio en la sociedad contemporánea. La experiencia
física del silencio ha desaparecido prácticamente de nuestra realidad cotidiana,
mientras que los usos del silencio se han ido restringiendo hasta casi desaparecer: el silencio como espacio de reflexión, calma e introspección, o como forma
de resistencia frente al ritmo vertiginoso de los avances tecnológicos y sus implicaciones políticas y sociales, ha ido diluyéndose progresivamente en la cultura del
consumo y la distracción.
Tan sólo algunas formas de silencio (conmemorativo, como experiencia de consumo o como forma de represión y control) sobreviven, mientras que sus formas
más introspectivas son relegadas a un segundo plano, inservibles por su falta de
carácter práctico. Numerosos artistas, en cambio, viven, trabajan y reflexionan en
torno al silencio, utilizándolo como medio, materia o inspiración para sus creaciones. Ante la creciente imposibilidad de experimentar el silencio, surgen algunas
cuestiones: ¿qué maneras tienen hoy en día los artistas de representar las distintas formas del silencio?, ¿es el arte uno de los últimos refugios del silencio como
espacio de reflexión?, ¿vivimos, pues, en una época post-silenciosa?, es decir,
¿vivimos después del silencio?
En busca de respuestas a estas cuestiones, Después del silencio propone un
acercamiento a las representaciones del silencio en relación con su imposibilidad
a través de quince obras de los siguientes artistas internacionales: Pierre Huyghe,
Manon de Boer, Raymond Gervais / Rober Racine / Irene F. Whittome, Lewis Baltz,
John Cage, Nam June Paik, Stephen Vitiello, Alphonse Allais, Erwin Schulhoff,
Jeroen Diepenmaat, Pavel Büchler y Nicolas Collins; y nacionales: Juan Matos
Capote, Pablo Serret de Ena y el colectivo Escoitar.
14
PEDRO PORTELLANO
DESPUÉS DEL SILENCIO: EL RUIDO, LA VELOCIDAD, LA INCONSCIENCIA
Luigi Russolo, The art of noises, 1913
El núcleo de este proyecto tiene su base en el concepto de imposibilidad del
silencio popularizado por John Cage. Cuando, en 1951, entró en la cámara anecoica (una habitación construida con materiales especiales que la convierten en
el lugar artificial más silencioso del mundo) de la Universidad de Harvard, se vio
sorprendido por un descubrimiento:
Yo había pensado, real e ingenuamente, que existía de verdad el silencio. Pero nunca había intentado situarlo, localizarlo. Jamás había in-
PEDRO PORTELLANO
vestigado su imposibilidad. Cuando entré, por lo tanto, en esa cámara
anecoica, esperaba realmente no oír nada. Y en el instante en que me
oí a mí mismo producir sonidos, el de los latidos del corazón y el de
lémica en su momento como inspiradora en la segunda mitad del siglo XX y que,
más de cincuenta años después, si bien su fuerza inicial se ha desactivado, sigue
funcionando a modo de profecía de los tiempos que estaban por llegar, en los
que más que nunca es necesario tratar de recuperar el silencio como experiencia
cotidiana.
John Cage y Daniel Charles, For the Birds: John Cage in Conversation with Daniel Charles,
Un año más tarde, John Cage compondría su obra más conocida, 4’33’’, tan po-
Boston/Londres, Marion Boyars, 1981, p. 136.
para mí el giro decisivo.1
15
mi sistema nervioso en funcionamiento, quedé estupefacto. Eso fue
1
“There’s no such thing as silence”
El silencio como metáfora
La anécdota de John Cage en Harvard funciona a modo de metáfora de la imposibilidad de experimentación de quietud y reflexión en nuestra sociedad. La
velocidad del progreso tecnológico, la sobreabundancia de información y el consiguiente déficit de atención provocado por la multiplicación de dispositivos nos llevan a una situación de permanente estado de alerta frente al océano de estímulos
(publicidad, redes sociales, multiplicidad de pantallas) que reclaman nuestra atención, lo que tiene como resultado el bloqueo de cualquier intento de introspección
Numerosos teóricos han investigado las implicaciones de esta pérdida de experiencia silenciosa. Jean Baudrillard explica este fenómeno en el contexto de
los medios de comunicación, analizando la influencia que ejercen sobre nuestra
capacidad de pensamiento: “El silencio está expulsado de las pantallas, expulsado de la comunicación. Las imágenes mediáticas (y los textos mediáticos son
crítica, consecuencia de un sistema represivo que utiliza el constante bombardeo
de información como mecanismo de silenciación (“la máquina de la repetición
ficado en la idea de silencio, desde forma de disconformidad o rechazo hacia
mera muestra de aceptación y resignación, trazando un paralelismo con el fin de
las “artes silenciosas” –en referencia a Las voces del silencio (1951), de André
Malraux– a manos de la maquinaria audiovisual (“hace cerca de medio siglo
el silencio perdió su voz”4). Por su parte, Susan Sontag considera el silencio el
único fin éticamente válido al que puede aspirar un artista (“el arte debe orientarse hacia el anti-arte, hacia la eliminación del sujeto, hacia la sustitución de la
intención por el azar, y hacia la búsqueda del silencio” 5).
Así, el denominador común de estas visiones es la constatación de que el silencio,
en términos de espacio reflexivo, vive en horas bajas, así como la consecuente
urgencia de restaurar su estatus como elemento de resistencia frente al “ruidoso”
modelo social dominante.
2
Adentrándonos en el campo del arte, Paul Virilio denuncia un cambio de signi-
Jean Baudrillard, La transparencia del mal, Barcelona, Anagrama, 1993, p. 6.
produce silencio” 3).
16
Paul Virilio, Art and Fear, Londres, Continuum, 2003, p. 71.
una doble función de productores y consumidores de ruido. Jacques Attali va
un paso más allá al explicar el silencio en términos de ausencia de capacidad
Susan Sontag, “The aesthetics of silence”, en Styles of Radical Will, Nueva York, Picador USA, 2002, cap. 1, p. 1.
mensajes, sino que pasemos a ser nosotros mismos los que los generemos, en
5
Twitter, etc.), que han logrado no sólo mantener esta sucesión interminable de
4
nunca, con el acceso masivo a Internet y las herramientas sociales (Facebook,
Jacques Attali, Noise: The Political Economy of Music, Minneapolis, University of Minnesota Press, 1985, p. 122.
discontinuidad” 2. Si bien esta afirmación data de 1993, es hoy más vigente que
3
como las imágenes) no callan jamás: imágenes y mensajes deben sucederse sin
PEDRO PORTELLANO
o simple reposo cognitivo.
Después del silencio: contextualizar, visualizar, experimentar, subvertir
A partir de aquí, la selección de obras que compone Después del silencio es
fruto de una investigación en torno a las formas que los artistas tienen hoy de
representar el silencio. Utilizando 4’33’’, de John Cage, como punto de partida,
por su gran influencia en las interpretaciones artísticas del silencio aún en nuestros días, las quince piezas que se muestran en la exposición dialogan entre sí
haciendo emerger una doble visión en torno a la imposibilidad del silencio: física, a través de aquellas obras que permiten experimentar su inexistencia en términos de acústica, y metafórica, mediante otras que ofrecen un planteamiento
implicaciones sociales.
Así, podemos contextualizar el origen de las representaciones del silencio en el
arte a través de las obras de Alphonse Allais (Marche funèbre composée pour les
funérailles d’un grand homme sourd, de 1897), Erwin Schulhoff (In Futurum, de
1919, broma dadaísta en forma de partitura abarrotada de símbolos de silencio),
y la partitura de 4’33’’. Otras piezas nos acercan al silencio en clave visual, como
Anechoic Chamber (1989-1991), de Lewis Baltz, una fotografía tomada desde el
interior de una cámara anecoica; Zen for Film (1962-1964), película de Nam June
Paik inspirada tanto por la partitura silenciosa de Cage como por las White Paintings (1951) de Robert Rauschenberg; Silence score (1997), obra de Pierre Huyghe en la que vemos la representación en notación clásica del ambiente sonoro
de una grabación en CD de 4’33’’, o Two Times 4’33’’, de Manon de Boer, quien,
mediante un vídeo que recoge una interpretación de esta composición, cuestiona su vigencia al mostrar el carácter ritual que tiene en nuestros días, muy alejado
de su intención provocativa original. Por último, los artistas Raymond Gervais,
Rober Racine e Irene F. Whittome utilizan el conocido interés de Samuel Beckett
por el silencio para poner de relieve las conexiones interdisciplinares en la forma
de representar el silencio mediante la pieza Trio pour Samuel Beckett (1989).
17
PEDRO PORTELLANO
en torno a la pérdida del silencio como espacio de reflexión y sus consiguientes
Por otro lado, A Call for Silence (2004), la recopilación realizada por Nicolas Collins de 33 grabaciones de distintos tipos de silencio, pieza de una gran carga conceptual (y en la que hay realmente
poco silencio), y Una inconveniente aproximación al estado interno de un cortafuegos (2009), de
producen sonido, nos permiten experimentar físicamente la inexistencia del silencio. De la misma
manera, la escultura colgante de Stephen Vitiello Fear of High Places and Natural Things (2004) nos
enfrenta con nuestras propias limitaciones perceptivas: si bien vemos las vibraciones de sus altavoces a todo volumen, las frecuencias emitidas están por debajo del espectro auditivo humano, y no
somos capaces de escuchar ningún sonido... ¿Qué es, por tanto, el silencio: la ausencia de sonido o
nuestra propia incapacidad para escuchar?
Pero el silencio es también una forma de comunicación.
Algunos silencios son más elocuentes que el más elocuente de los discursos; existen silencios incómodos,
solemnes, temerosos, irónicos... El silencio es un potente
método para expresar desacuerdo o conformidad, pero
también para atemorizar o acallar voces disidentes. La
obra La Musa, de Pavel Büchler, es una vieja máquina de
escribir Olivetti que tan sólo conserva las teclas necesarias
para escribir la palabra “silencio”. En un mundo saturado
de información, esta vieja “máquina de escribir silencio” se
aparece como tremendamente necesaria, de la misma forma que las “h” (letra muda del alfabeto) amontonadas en
los lienzos de Juan Matos Capote nos recuerdan lo desvalorizado que está el silencio como forma comunicativa.
18
PEDRO PORTELLANO
Pablo Serret de Ena, escultura compuesta de viejos aparatos musicales cuyos circuitos gastados
Pero... ¿si el silencio no existe, qué es aquello que llamamos silencio?, ¿y qué implicaciones sociales tiene esta pérdida gradual de la experiencia silenciosa? Pour des dents
es, en este sentido, una obra paradigmática: un pájaro posado
en un viejo tocadiscos reproduciendo con el pico su propio entorno sonoro perdido. Este pájaro en busca de su
propio canto, del ambiente de su hábitat natural, alude a
nuestro propio alejamiento progresivo de la naturaleza. En
esta misma línea, el colectivo Escoitar lleva desde 2004
registrando los “sonidos en peligro de extinción” de la
región de Galicia, en un proyecto en forma de web donde
podemos rastrear sonidos de oficios ancestrales, paisajes
sonoros rurales y, por supuesto, parajes naturales silenciosos.
19
PEDRO PORTELLANO
d’un blanc éclatant et saines (2005), de Jeroen Diepenmaat,
Es, por tanto, Después del silencio una llamada de atención sobre la sociedad post-silenciosa que
hemos creado, y en la que hemos aceptado vivir, inconscientes –o tristemente conscientes– de la
pérdida del valor implícito en la experiencia del silencio, y de la urgente necesidad de espacios de
calma y de introspección del individuo contemporáneo. Después del silencio pretende provocar la
reflexión, y desde allí la necesidad, de recordar que hubo un tiempo no tan lejano en el que, parafraseando al músico futurista Luigi Russolo, “el Ruido aún no reinaba sobre la sensibilidad de los
hombres”.
Paul Virilio, Art & Fear,
20
Cortesía de Continuum International Publishing Group
Londres, Continuum, 2004
21
22
23
John Cage, 4’33’’, 1952
24
Cortesía de Edition Peters
Partitura reimpresa por Edition Peters, Londres, 1993
25
26
27
28
29
30
31
Cortesía del artista
32
Instalación. Tocadiscos, altavoces y otros aparatos musicales, dimensiones variables
Pablo Serret de Ena, Una inconveniente aproximación al estado interno de un cortafuegos, 2009
33
34
Cortesía de Juan Luis Moraza
Obra reproducida en el libro de Alphonse Allais Album Primo-Avrilesque, París, Bellenand, 1962
Alphonse Allais, Marche funèbre composée pour les funérailles d’un grand homme sourd, 1897
Erwin Schulhoff, In Futurum, 1919
35
Cortesía de Ries & Erler
Partitura incluida en la obra de Erwin Schulhoff Fünf Pittoresken (1919), Berlín, Ries & Erler, 1991
Pavel Büchler, La Musa, 2011
36
Cortesía del artista. © Daniel Uldry
Máquina de escribir Olivetti Lettera 32 modificada, 34 x 35 x 10 cm
37
38
Cortesía de Electronic Arts Intermix (EAI), Re:Voir y Gartenberg Media Enterprises
8 min, blanco y negro, silencio
Nam June Paik, Zen for Film, 1962-1964
39
Manon de Boer, Two Times 4’33’’, 2008
40
Cortesía de Galerie Jan Mot, Bruselas
Película de 35 mm transferida a vídeo. Color, sonido Dolby Surround, 12 min 30 s
41
42
2 piezas. Lápiz Prismacolor y fijador sobre papel montado en panel de aluminio 25,5 x 23 cm c/u
También en exposición: Sin título 1 & 2 (de la serie “H”), 2002
5 piezas. Pintura de laca y óleo sobre lienzo, 25,5 x 23 cm c/u
[arriba y abajo:] Juan Matos Capote, Sin título (de la serie “H”), 2002
43
Archivos MP3 y libreto
Nicolas Collins, A Call for Silence, 2004
Stephen Vitiello, Fear of High Places and Natural Things, 2004
44
Instalación. Altavoces, hilo de pescar y sonido inaudible, dimensiones variables
45
Cortesía del artista y Oboro, Montreal. © Oboro
Cofre con funda de vinilo, sonido e impresión en gelatina de plata, 36 x 36 cm
Raymond Gervais / Rober Racine / Irene F. Whittome, Trio pour Samuel Beckett, 1989
46
Pierre Huyghe, Silence score, 1997
Cortesía del artista y Marian Goodman Gallery, Nueva York. © Ellen Page Wilson
4 impresiones sobre papel con anotaciones, 41,9 x 29,6 cm c/u
Colectivo Escoitar, Fonotopías de Galicia, 2006
Página web, buscador de sonidos en peligro de extinción
47
48
Jeroen Diepenmaat, Pour des dents d’un blanc éclatant et saines, 2005 [detalle]
Cortesía49
del artista
Pieza 2: 45 x 42 x 25 cm
Pieza 1: 48 x 45 x 43 cm
Instalación. Tocadiscos, vinilos de 7 pulgadas y pájaros disecados (urraca, avefría)
Pedro Portellano:
(Oviedo, 1979) Comisario y coordinador de proyectos en el campo de las
Alphonse Allais
artes visuales y la música. Vive y tra-
(1854-1905) Escritor y periodista fran-
baja en Madrid, esa ciudad tan poco
cés perteneciente al grupo Les Arts
silenciosa.
Incohérents.
Lewis Baltz
Manon de Boer
Nació en California en 1945 y es uno
Nació en Kodaikanal, India, en 1966.
de los representantes del movimiento
Vive y trabaja en Bruselas, y en su
New Topographics, clave en el desa-
trabajo aborda la relación entre la
rrollo de la fotografía conceptual. Vive
memoria y sus mecanismos de visua-
y trabaja entre Venecia y París.
lización.
Pavel Büchler
nacido en 1952 y afincado en Manchester. Trabaja en torno a una idea
BIOGRAFÍAS
central: “hacer que no pase nada”.
50
Artista y profesor universitario checo
John Cage
Una de las figuras clave de la música
y las artes plásticas del siglo XX. Una
de sus principales aportaciones fue
su trabajo en torno al silencio y sus
implicaciones sociales.
Jeroen Diepenmaat
Nicolas Collins
Artista y músico nacido en Deventer,
Artista y compositor nacido en Nueva
Holanda, en 1978. Su trabajo gira en
York. Es profesor en el Departamen-
torno a las relaciones entre sonido y
to de Arte Sonoro del Art Institute de
naturaleza.
Chicago.
Pablo Serret de Ena
(Madrid, 1975) Trabaja en torno a usos
alternativos de la tecnología, creando
nuevas formas de acercamiento a ellas.
Nam June Paik
(1932-2006) Artista y compositor surcoreano ligado al movimiento Fluxus.
En la actualidad es considerado el padre del videoarte.
Stephen Vitiello
Escoitar
Artista sonoro y músico experimental
Colectivo gallego de artistas y activis-
de Nueva York. A través de sus obras y
tas sonoros que trabaja en torno a las
composiciones, trata de alterar nues-
implicaciones sociales y políticas del
tra forma de percibir el paisaje sonoro
sonido.
que nos rodea.
Pierre Huyghe
han marcado con más fuerza las prácticas creativas en la última década, a
BIOGRAFÍAS
través de sus investigaciones en el
desarrollo de nuevas formas de acercamiento al espacio expositivo.
Erwin Schulhoff
(1894-1942) Compositor alemán vinculado al movimiento Dada y poco
reconocido por su obra musical.
Juan Matos Capote
Raymond Gervais / Rober Racine /
(Santa Cruz de Tenerife, 1966) Artis-
Irene F. Whittome.
ta y músico experimental afincado
Raymond Gervais nació en Montreal
en Barcelona. Estudia las relaciones
y trabaja desde hace veinte años
entre arte sonoro y sus equivalencias
en torno a la idea de silencio como
visuales.
forma de creación y resistencia.
Rober Racine (Montreal, 1956) es escritor,
artista y compositor, además de profesor
de Artes Visuales en la Quebec University
de Montreal.
Irene F. Whittome (Vancouver, 1952) es
artista multidisciplinar y profesora en
la Concordia University de Montreal.
51
(París, 1962) Uno de los artistas que
52
Obra Social Caja Madrid has been organising the “Inéditos” competition, which awards funding for the organisation of contemporary art exhibitions, on an annual basis
since 2002. Targeted at young curators, the programme
sponsors brand-new [inéditos] exhibition projects that
address any aspect of contemporary artistic creation; these projects are evaluated according to their quality, originality and ability to be produced with the available funds.
and we are especially proud to have supported over 35
young curators, who have presented 30 curatorial projects
at La Casa Encendida, and to have contributed to the dissemination of their work by publishing the corresponding
catalogues.
The need to keep organising this kind of competition related to curatorial practice is reaffirmed every year not only
by the number of participants it attracts but also by the
quality of the projects presented, the professionalism of
the authors, and the importance and relevance of the con We are grateful to all the young curators who have sent us
their exhibition projects, and to the members of the jury
for their rigorous selection of the winners: Bárbara Rodríguez Muñoz for Seres inanimados [Inanimate Beings],
which examines objects and the processes that create and
destroy them; Pedro Portellano Fernandez for Después del
silencio [After Silence], a reflection on the impossibility of
silence in contemporary society; and Lorenzo Sandoval for
Alrededor es imposible [Around is Impossible], an exploration of the unexpected through Google map systems.
Our sincere congratulations go to all of them, and we hope
that the exhibitions and this catalogue will help these promising young curators to continue producing such excellent work.
Coordinator of Obra Social Caja Madrid
53
INÉDITOS 20II
cepts explored.
tached from real experience, silence must be
[After Silence]
understood as a metaphor: a metaphor for abbeing which would represent its absolute nega-
means of a compact and precise selection of
tive. This is why the various mystical traditions
works of art, to reconsider the notion of silen-
found silence so fascinating. Everyone knows
ce, and more specifically the disappearance
that simplification, reduction and asceticism
and impossibility of silence in the contemporary
are the mystical operations par excellence: we
world. In an attempt to rediscover certain areas
must shed the world’s material weight in order
of silence as spaces of reflection and possibly
to embrace perfection. Silence, as the acous-
of meditation, and to gauge its survival and re-
tic equivalent of this absolute nothingness, is
visions, the show is structured around several
therefore closely linked to purification, which
themes which coexist in the exhibition space:
supposedly leads to greater spiritual heights.
-a historical overview of the representation of
And although silence cannot be experienced,
silence in contemporary art (Allais, Schulhoff,
it can at least be represented, and this is pre-
Cage);
cisely where the visual arts come into play. If
-the non-existence of silence in acoustic terms
we apply a synaesthetic logic, the visual equi-
(Vitiello, Serret de Ena, Collins);
valent of silence would be the colour white, its
-visually transposed silence (Baltz, de Boer, Hu-
physical equivalent would be the void, and its
yghe, Paik, Gervais/Racine/Whittome);
performative equivalent would be withdrawal or
-silence in language (Matos Capote, Büchler);
disappearance. Is it mere coincidence that Al-
-the social implications of the loss of silence
phonse Allais, before producing the silent score
(Diepenmaat, Colectivo Escoitar).
included in this exhibition, had created one of
the first monochromes in history, a white sur-
It is obvious that this exhibition does not merely
face entitled Première communion de jeunes
aim to celebrate silence as an ideal or as a lost
Filles chlorotiques par un Temps de Neige [First
paradise razed by the frenzy of modernity; ra-
Communion of Chlorotic Young Girls in Snowy
ther, it proposes a critical appreciation of silen-
Weather] (1893)
ce. This is because, as John Cage pointed out,
there is no such thing as real silence, or at least
The exhibition’s broad historical spectrum
the pure perception of silence; even when he
(spanning the period from 1897 to 2011) and
is perfectly isolated from the world’s din, man
the varied media and styles featured here are
will always perceive the blood flowing through
indicative of a desire to comprehend this con-
his veins and the beating of his heart—in short,
cept on the scale of the entire 20th century, like
the sounds of an entire organic machine in mo-
grand theme running through artistic modernity.
tion. It almost seems as though life cannot exist
For silence could ultimately be the pivotal ques-
without noise, however minimal it may be. Si-
tion of 20th-century art. This is more or less the
lence therefore remains a utopia, a horizon that
theory put forward by Susan Sontag in her fa-
is both ideal and absurd, as John Cage’s well-
mous and brilliant essay on “the aesthetics of
known work (those famous four minutes and
silence.”1 For the American writer, “art” is first
thirty three seconds that are not silence at all,
and foremost the perfect metaphor for what
but rather a revelation of the hectic hum of the
would constitute a modern spiritual project,
world as a substitute for musical composition)
spirituality being defined here as the “plans,
made patently clear.
terminologies, ideas of deportment aimed at re-
As we are dealing with a concept that is de-
solving the painful structural contradictions in-
54
AFTER SILENCE
GUILLAUME DÉSANGE
sence, for self-effacement, for the other side of
The exhibition Después del silencio intends, by
herent in the human situation, at the completion
chot or Lévinas), find in the notion of silence
of human consciousness, at transcendence.”
an acoustic equivalent. From this perspective,
And it is from the very thing Sontag which calls
silence appears as a definitive “extreme expe-
“silence”—sometimes understood as reduction,
rience” of the ineffable. Therefore, it is not just
withdrawal or abandonment, but also as incom-
calm and serenity, but it could also represent,
prehension, inaudibility and emptiness, the na-
in a “crueller” regime, the impossibility of the
tural consequence of which is the self-negation
word, or of action, when faced with infinite pain.
of art—that artworks of the modern period draw
Thus, the shadow of death, as the only mani-
their strength and power and show themselves
festation of true silence, lurks on the horizon
to be active and efficient. At the root of this
of that intellectual and tangible absolute. This
marvellous power of negation is the elimina-
subliminal metaphysical gravity may be what
tion of the audience, removing the object from
ties the works in the exhibition together. Even
view, radical inaccessibility and muteness as a
Alphonse Allais’s creation, the most ironic of the
fundamental decision, among other strategies.
entire group, adopts the form of a requiem des-
However, this silence is never absolute or com-
pite its slapstick appearance.
plete; it persists as an eternally elusive horizon,
a horizon which the work approaches from the
diversity and richness of its applications. This is
because art is understood here more as use
a depletion of sense and meaning, thus becoming its own meaning. Absolute art, that which
is the most ambitious and most edifying, is therefore an art of deprivation, of self-effacement,
55
AFTER SILENCE
GUILLAUME DÉSANGE
than as meaning—a use which actually leads to
of the flip side: an art of the unheard melodies
that endure, unlike the evanescent melodies
which pipe to the sensual ear, as explained
by Sontag in reference to a poem by Keats. In
short, what silence proposes is a total liberation,
an invitation to defy the limits of perception and
intellect, for these phenomena of a present absence, unheard-of in every sense of the word,
offer a concrete knowledge that is always yet to
come, and therefore nothing more and nothing
less than new ways of thinking.
As we can see, the concept of silence extends
beyond the realm of sound and acoustics, delimiting the very stage of a certain artistic modernity. In an even deeper sense, the exhibition
Después del silencio plays, perhaps discreetly,
on the absurd as well as on the more tragic and
serious side of the issue. For the neutral, the
1
outside, the night, which are literary and philo-
in Styles of Radical Will, New York: Picador
sophical concepts (recall the musings of Blan-
USA, 2002.
Susan Sontag, “The Aesthetics of Silence”
Después del silencio: el ruido, la velocidad, la
Raymond Gervais, Lewis Baltz, John Cage, Nam
inconsciencia
June Paik, Stephen Vitiello, Alphonse Allais,
[After Silence: Noise, Speed, Unawareness]
Erwin Schulhoff, Jeroen Diepenmaat, Pavel Büchler and Nicolas Collins; and Spanish artists
Ancient life was all silence. In the nineteenth
Juan Matos Capote, Pablo Serret de Ena and
century, with the invention of the machine, noi-
the Escoitar collective.
se was born. Today, noise triumphs and reigns
supreme over the sensibilities of men.
“There’s no such thing as silence”
Luigi Russolo. The Art of Noises, 1913
At the heart of this project is the concept of
Cage. When Cage entered the anechoic cham-
bition project which reflects on the impossibi-
ber (a room built with special materials to make
lity of silence in modern society. The physical
it the most silent artificial place in the world) at
experience of silence has practically vanished
Harvard University in 1951, he made an unex-
from our daily reality and the uses of silence
pected discovery:
have progressively diminished and all but disappeared as well: silence as a space for reflec-
“I had honestly and naively thought that some
tion, peace and introspection, or as a form of
actual silence existed. I had not really put silen-
resistance to the heady pace of technological
ce to the test. I had never looked into its im-
progress and its political and social implica-
possibility. So when I went into that sound-proof
tions, has slowly evaporated in the culture of
room, I really expected to hear nothing. The
consumerism and distraction.
instant I heard myself producing two sounds,
my blood circulating and my nervous system in
Only a few rare forms of silence have survived
operation, I was stupefied. For me, that was the
(as remembrance, as a consumer experience
turning point.”1
or as a form of repression and control), while
its more introspective forms have been rele-
One year later Cage would compose his best-
gated to the background as obsolete and ser-
known work, 4’33’’, controversial when it was
ving no practical purpose. And yet numerous
released and enduringly inspiring throughout
artists work with and reflect on silence, using
the second half of the 20th century. Fifty years
it as a medium, material or inspiration for their
later, and despite the loss of its initial impact, it
creations. The increasing impossibility of expe-
remains as prophetic as ever of the times that
riencing silence raises several questions: What
were to come, especially today when attempting
means are available to artists today for repre-
to recover silence as a daily experience has be-
senting the different forms of silence? Is art
come more necessary than ever.
one of the last redoubts of silence as a space
for reflection? Does this mean we are living in
Silence as a Metaphor
a post-silent era? In other words, are we living
John Cage’s anecdote about the incident at
after silence?
Harvard can be seen as a kind of metaphor
about the impossibility of experiencing mo-
In search of answers to these questions, Des-
ments of quiet and contemplation in modern
pués del silencio explores different ways in
society. The speed of technological progress,
which silence and its impossibility are represen-
the surfeit of information and the deficit of at-
ted through 15 works by the following interna-
tention produced by the multiplication of de-
tional artists: Pierre Huyghe, Manon de Boer,
vices have placed us in a permanent state of
56
PEDRO PORTELLANO
AFTER SILENCE: NOISE, SPEED, UNAWARENESS
the impossibility of silence popularised by John
Después del silencio [After Silence] is an exhi-
alert to the sea of stimulants (advertising, social
in common: the realisation that silence is di-
networks, abundant screens) that demand our
sappearing as a space for reflection, and that
attention and block any attempt at introspection
consequently there is an urgent need to restore
or simple mental repose.
its status as a means of opposing the “noisy”
social model that currently reigns supreme.
cations of this lost experience of silence. Jean
After Silence: Contextualising, Visualising, Ex-
Baudrillard explains the phenomenon in the
periencing, Subverting
context of the mass media and their influence
The works featured in Después del silencio were
on our capacity for thought: “Silence is banis-
chosen as the result of an investigation into the
hed from our screens; it has no place in com-
means of representing silence that artists have
munication. Media images (and media texts
at their disposal today. Taking John Cage’s 4’33’’
resemble media images in every way) never fall
as the starting point, given that it continues to
silent: images and messages must follow one
exert a strong influence on artistic interpreta-
upon the other without interruption.”2 Although
tions of silence even today, the 15 pieces in the
this statement dates from 1993, it is more rele-
exhibition establish a mutual dialogue and offer
vant today than ever before, when widespread
a dual take on the impossibility of silence: phy-
access to the internet and social networks such
sical, through the works that invite observers to
as Facebook, Twitter, etc., not only maintain
experience the absence of acoustics; and meta-
this endless succession of messages but have
phorical, through other works that reflect on the
made us the ones who generate them, playing
loss of silence as a space of reflection and the
a dual role as producers and consumers of
social implications of that loss.
noise. Jacques Attali goes one step further by
explaining silence in terms of the absence of
For example, we can contextualise the origin
critical capacity, the consequence of a repres-
of representations of silence in art through the
sive system which uses the constant barrage of
works of Alphonse Allais (Marche Funèbre com-
information as a silencing mechanism (“the re-
posée pour les funérailles d’un grand homme
peated noise of machines imposing silence”).3
sourd [Funeral March for the Obsequies of a
Deaf Man], 1897), Erwin Schulhoff (In Futurum
In specific relation to the field of art, Paul Virilio
from 1919, a Dadaist jape in which the score
points out that the significance of the notion of
is made up entirely of rest symbols), and the
silence has evolved from a form of dissension
score of 4’33’’. The following pieces provide a
or rejection to a mere display of acceptance or
visual insight into silence: Anechoic Chamber
resignation. He compares it to the death of the
(1989-91) by Lewis Baltz, a photograph taken
“silent arts”—in reference to André Malraux’s
from inside a sound-proofed room; Nam June
The Voices of Silence (1951)—at the hands of
Paik’s Zen for Film (1962-64), inspired by Cage’s
the audiovisual machine (“Silence […] lost its
silent score and Robert Rauschenberg’s White
voice half a century ago”),4 while Susan Sontag
Paintings (1951); Silence Score (1997) by Pierre
believes that silence is the only ethically va-
Huyghe, a transcription in classical music nota-
lid aim an artist can aspire to (“art must tend
tion of the ambient noises at a CD recording of
toward anti-art, the elimination of the ‘subject’
4’33’’; and Two Times 4’33’’, in which Manon de
[...], the substitution of chance for intention, and
Boer films a performance of Cage’s composi-
the pursuit of silence”).5
tion and questions its relevance by highlighting
the ritual status it enjoys today, which is far re-
All of these views of silence have two things
moved from its original provocative intention.
57
PEDRO PORTELLANO
Numerous theorists have explored the impli-
Finally, Piano pour Samuel Beckett [Piano for
plications of this gradual loss of the silent ex-
Samuel Beckett] (1989), a blank vinyl record by
perience? In this respect, Pour des dents d’un
the conceptual artist Raymond Gervais, plays on
blanc éclatant et saines [For Shiny White and
Samuel Beckett’s well-known interest in silence
Healthy Teeth] (2005) by Jeroen Diepenmaat
to reveal the interdisciplinary links between the
is a paradigmatic work: a bird perched an old
ways in which silence is represented.
record player using its beak to play its own lost
own song and the ambience of its natural habi-
Collins, a highly conceptual anthology of 33 re-
tat reminds us of our own progressive alienation
cordings of different types of silence (in which
from nature. In the same line, since 2004 the
there is actually very little silence), and Una in-
Escoitar collective has been recording “sounds
conveniente aproximación al estado interno de
in danger of extinction” in the region of Galicia.
un cortafuegos [An Inconvenient Approximation
The resulting web project allows users to track
to the Inner State of a Firewall] (2009) by Pablo
the sounds of age-old crafts, rural soundscapes
Serret de Ena, an installation comprising old
and, of course, silent natural enclaves.
ce noises, allow us to physically experience the
Después del silencio is therefore a wake-up call
non-existence of silence. In a similar vein, Fear
which draws our attention to the post-silent so-
of High Places and Natural Things (2004), Ste-
ciety that we have created and learned to live
phen Vitiello’s hanging sculpture, confronts us
in, unaware—or sadly aware—of the loss of the
with our own perceptive limitations: although we
inherent value of the experience of silence, and
have no problem seeing the vibrations of his lo-
of the contemporary individual’s pressing need
udspeakers at full volume, the frequencies they
for quiet spaces of introspection. The exhibition
emit are too low for the human ear to pick up
aims to provoke reflection and urges us to re-
and we can’t hear a single sound… So what is
call a not-so-distant past when, to paraphrase
silence? Is it the absence of sound or our own
futurist musician Luigi Russolo, noise did not yet
inability to hear it?
“reign supreme over the sensibilities of men”.6
But silence is also a form of communication.
Some silences are more eloquent than the most
1
eloquent speech. Silence can be uncomforta-
John Cage in Conversation with Daniel Charles
John Cage and Daniel Charles. For the Birds:
ble, solemn, fearful, ironic... It is a powerful me-
(p. 136). Marion Boyars Publishers Ltd, 1981.
thod of expressing disagreement or consent,
2
but also of frightening or suppressing dissident
[English title: The Transparency of Evil] (p. 6).
voices. Pavel Büchler’s The Muse is an old Oli-
Barcelona: Anagrama, 1993.
vetti typewriter whose only remaining keys are
3
S, I, L, E, N and C. In a world inundated with in-
of Music (p. 122). University of Minnesota Press,
formation, this old typewriter that can only write
1985.
“silence” is tremendously necessary, just as the
4
piles of “h” letters (silent in the Spanish alpha-
tinuum, 2003.
bet) in Juan Matos Capote’s canvases remind
5
us of the degree to which silence has been de-
1), in Styles of Radical Will, chap. 1. New York:
Jean Baudrillard. La transparencia del mal
Jacques Attali. Noise: The Political Economy
Paul Virilio. Art and Fear (p. 71). London: Con-
Susan Sontag. “The Aesthetics of Silence” (p.
valued as a form of communication.
Picador USA, 2002.
But if silence doesn’t exist, what is the thing
6
we call silence? And what are the social im-
UbuWeb.
Luigi Russolo. The Art of Noises, 1913.
58
music devices whose worn-out circuits produ-
PEDRO PORTELLANO
sound environment. This bird in search of its
Meanwhile, A Call for Silence (2004) by Nicolas
Pedro Portellano:
Nicolas Collins:
(Oviedo, 1979) curates and coordinates projects in the
Is an American artist and composer born in New York.
fields of visual arts and music. He lives and works in
He is currently a professor in the Sound Department
Madrid, that exceptionally unquiet metropolis.
of the Art Institute of Chicago.
Raymond Gervais, Rober Racine
Jeroen Diepenmaat:
and Irene F. Whittome:
Born in Deventer, the Netherlands, in 1978, is an artist
Raymond Gervais was born in Montreal and has
and musician whose work revolves around the rela-
spent the last 20 years investigating the notion of si-
tionships between sound and nature.
lence as a form of creation and resistance. Rober Racine (Montreal, 1956) is a writer, artist and composer
Escoitar:Is a Galician collective of sound activists and
as well as a professor of Visual Arts at the University
artists who explore the social and political implications
of Quebec at Montreal. Irene F. Whittome (Vancouver,
of sound.
1952) is a multidisciplinary artist and a professor at
Concordia University in Montreal.
Pierre Huyghe:
the last decade, whose investigations into developing
(1854-1905) was a French author and journalist and a
new approaches to the exhibition space have had a
member of the Les Arts Incohérents movement.
lasting impact on artistic practice.
Lewis Baltz:
Juan Matos Capote:
Was born in California in 1945 and is one of the fore-
Santa Cruz de Tenerife, 1966) is an experimental mu-
most representatives of the New Topographics move-
sician and artist based in Barcelona. He studies the
ment, which played a pivotal role in the development
relationships between sound art and its visual equi-
of conceptual photography. He lives and works in
valents.
Venice and Paris.
Nam June Paik:
Manon de Boer:
(1932-2006) was a South Korean artist and composer
was born in Kodaikanal, India, in 1966. She lives and
with ties to the Fluxus movement. Today he is regar-
works in Brussels, and her work explores the rela-
ded as the father of video art.
tionship between memory and its mechanisms of
visualisation.
Erwin Schulhoff:
(1894-1942) was a German composer linked to the
Pavel Büchler:
Dada movement who received little recognition for his
Is a Czech artist and university professor who was
musical work.
born in 1952 and currently resides in Manchester. His
work revolves around one central theme: “making no-
Pablo Serret de Ena:
thing happen”.
(Madrid, 1975) explores alternative uses for technology, creating new approaches and perspectives.
John Cage:
Is one of the most prominent figures of the 20th cen-
Stephen Vitiello:
tury in the fields of music and the visual arts. One of
is a sound artist and experimental musician based in
his greatest contributions to 20th-century art was his
New York. Through his works and compositions, he
work on the concept of silence and its social impli-
attempts to alter our perception of the soundscape
cations.
around us.
59
BIOGRAPHIES
(Paris, 1962) is one of the most influential artists of
Alphonse Allais:
60
A Zoé y a todos los que me soportan habitualmente –ellos saben a quienes me refiero–. También a
los que me han ayudado puntualmente: Ana Matilla, Amaya y Juan Luis Moraza. Y a todos los artistas
que forman parte de la exposición, por lo que cada una de sus obras me ha enseñado.
Después del silencio, Facebook, Sergio Dalma y las compañías de telefonía móvil
En un claro ejemplo de coherencia conceptual entre este proyecto y mi vida personal, quiero compartir aquí algunas de las circunstancias cotidianas que, durante el desarrollo del mismo, me llevaron
a una profunda reflexión en torno a la imposibilidad del silencio, y que tuvieron una fuerte influencia
en la materialización del proyecto:
1.
Los ruidos del vecino de arriba “moviendo muebles” que
impidieron mi silencio.
Los gritos y carcajadas del bar de la esquina (“Santos”),
que desde la Ley Antitabaco saca una mesa a la calle, interrumpiendo mi silencio.
3.
Facebook, Twitter, Gmail y otras redes que interrumpieron
mi trabajo e impidieron repetidamente mi concentración
silenciosa.
4.
Interrupciones de Spotify Free (por no pagar 5 euros)
que interrumpieron mi concentración, también repetidamente. Especial mención al anuncio de Sergio Dalma y
a la casa de apuestas Betfair (o algo así).
5.
Llamadas insistentes de diversas compañías telefónicas
que misteriosamente conocían mi número y me ofrecían
cosas que no necesitaba, interrumpiendo mi concentración y poniendo a prueba mi paciencia.
6.
Llamadas y SMS progresivamente menos insistentes
(según avanzaba el proyecto) de mi pareja, familiares y
amigos, que interrumpían mi concentración y mi silencio.
Especial mención a mi santa madre llamando para preguntarme (repetidamente) si “he comido algo”.
7.
Ruido mental acumulado (consecuencia de ser freelance
en el mundo de la cultura en España), que impedía mi concentración y me obligaba a interrumpir mi propio silencio
para maldecir en voz alta.
61
AGRADECIMIENTOS Y ANEXO
2.
INÉDITOS 2002
INÉDITOS 2005
José Marín-Medina
I(De)Ntimidados
Cultivos
Transurbancia
INÉDITOS 2003
INÉDITOS 2006
Salaverría
Contemporáneo
Financieras
Ignacio Estella
Terraplane Blues
Empieza el juego
Susana Blas
Javier Marroquí
INÉDITOS 2004
INÉDITOS 2007
Armando Montesinos
Víctor Zarza
Afinidades secretas
Sanz
Hiperrealidad
Bofarull
Habitance
Bugallo
62
INÉDITOS
INÉDITOS 2008
INÉDITOS 20II
Jurado:
Maribel López
Seres inanimados
Muñoz
y Luz Santos
INÉDITOS 2009
Álter egos
63
INÉDITOS
INÉDITOS 20I0
Oscuro y Salvaje
Stephen Vitiello
Trallero
De Zines
Óscar Martín
64
INÉDITOS 20II
BÁRBARA RODRÍGUEZ MUÑOZ
SERES INANIMADOS / INANIMATE BEINGS
COORDINADOR
PROYECTO
JURADO
INÉDITOS 20II
Alicia Chillida
Guillaume Désanges
Maribel López
INÉDITOS 20II
EXPOSICIÓN
CATÁLOGO
COORDINACIÓN
Ignacio Cabrero
Bárbara Rodríguez Muñoz
Intervento
SEGUROS
MAPFRE Industrial
DISEÑO
Disismaineim
TEXTOS
Maribel López
TRADUCCIONES
Polisemia, S. A.
Antonia Castaño
IMPRESIÓN
V. A. Impresores
DEPÓSITO LEGAL
M-26474-2011
INÉDITOS 20II
SERES INANIMADOS / INANIMATE BEINGS
Greta Alfaro
Matthew Buckingham
Mariana Castillo Deball
Heman Chong
Harun Farocki
Uriel Orlow & Ruth Maclennan
Michael Rakowitz
Jorge Satorre
disponibles.
INÉDITOS 20II
conceptos tratados.
profesional.
Coordinador de Obra Social Caja Madrid
Obra Social Caja Madrid has been organising the “Inéditos” competition, which awards funding for the organisation of contemporary art exhibitions, on an annual basis
since 2002. Targeted at young curators, the programme
sponsors brand-new [inéditos] exhibition projects that address any aspect of contemporary artistic creation; these
projects are evaluated according to their quality, originality and ability to be produced with the available funds.
and we are especially proud to have supported over 35
young curators, who have presented 30 curatorial projects at La Casa Encendida, and to have contributed to
the dissemination of their work by publishing the corresponding catalogues.
The need to keep organising this kind of competition related to curatorial practice is reaffirmed every year not
only by the number of participants it attracts but also by
INÉDITOS 20II
the quality of the projects presented, the professionalism
of the authors, and the importance and relevance of the
concepts explored.
We are grateful to all the young curators who have sent us
their exhibition projects, and to the members of the jury
for their rigorous selection of the winners: Bárbara Rodríguez Muñoz for Seres inanimados [Inanimate Beings],
which examines objects and the processes that create
and destroy them; Pedro Portellano for Después del silencio [After Silence], a reflection on the impossibility of
silence in contemporary society; and Lorenzo Sandoval
for Alrededor es imposible [Around is Impossible], an
exploration of the unexpected through Google map systems.
Our sincere congratulations go to all of them, and we
hope that the exhibitions and this catalogue will help these promising young curators to continue producing such
excellent work.
Coordinador de Obra Social Caja Madrid
Seres inanimados propone un dispositivo narrativo basado en la biografía
de los objetos y los procesos que los crean y destruyen, instigando su
elocuencia y desempacando la pluralidad de acciones que los producen. La
exposición parte del concepto de metamorfosis para explorar las mutaciones,
ya sea literales, materiales o simbólicas, que sufren estos seres de compleja
Seres Inanimados [Inanimate Beings] proposes a narrative device based on
the biography of objects and the processes that create and destroy them, thus
activating their eloquence and unpacking the myriad actions that produce them.
Adopting the concept of metamorphosis as its central theme, the exhibition
explores the literal, material and symbolic mutations that these complex,
equivocal beings undergo during their life cycle.
Seres inanimados no podria haberse realizado sin el apoyo y confianza de los artistas participantes; muchas gracias a todos.
Me gustaría agradecer también a La Casa Encendida, Alicia Chillida, Maribel López y Guillaume Désanges el haber creído en
el proyecto y darme la oportunidad de llevarlo a cabo.
Infinitas gracias a Vanessa Boni, Tom Haines, Lorena Muñoz-Alonso y Helena Vilalta, por su ayuda y consejos.
6
SERES INANIMADOS
clasificación a lo largo de su recorrido.
[...] no ya la persona individual desplazándose a través de un sistema de objetos,
sino el objeto avanzando a través del sistema de las personas [...]
Sergei Tretiakov, La biografía del objeto (1929)
El ensayo Biografía del objeto (1929), del escritor constructivista ruso Sergei
Tretiakov, surge como renuncia a la clásica novela psicológica basada en
la biografía del héroe individual, que lo sitúa en el centro de la estructura
literaria condensando en él la totalidad de la experiencia humana. Tretiakov
propone un método alternativo para desactivar la densa acumulación de
narrativas localizada en la tradicional figura del héroe: relatar las “acciones”
de la humanidad, entendidas como los objetos producidos y consumidos por
ella. Así, la estructura literaria de la Biografía del objeto se hila siguiendo el
y clasificación en un producto de consumo y posterior desecho o reciclaje.
Se trata, por tanto, de un método de construcción narrativa que propone
seguir el recorrido de los objetos para comprender las realidades que los
crean y relatar así los procesos sociales, políticos y económicos que afectan
a amplias capas de la población.
7
Ladrillos, dátiles, megalitos y otros seres
recorrido de una unidad de materia prima y sus procesos de transformación
[...] not the individual person moving through a system of objects,
but the object proceeding through the system of people [...]
Sergei TretIakov, Biography of the object (1929)
The essay Biography of the Object (1929) by the Russian Constructivist
author Sergei Tretiakov exists as a reaction against the classic psychological
novel revolving around the life of a protagonist, in whom the whole of human
experience is condensed. Tretiakov proposes an alternative method for
deactivating the dense mass of narratives centred on the traditional figure
of the protagonist: relating the deeds of humanity, and interpreting them as
objects produced and consumed by society. Thus, the literary structure of
Biography of the Object is built around the life of a piece of raw material as
it is transformed, becomes a consumer product and is finally thrown away or
recycled. This method of narrative construction invites the reader to explore the
life cycles of objects in order to understand the realities that create them and,
in so doing, discover the social, political and economic processes that affect
broad sectors of the population.
8
Las simétricas formaciones de ladrillos, aparentemente
compuestas de objetos pasivos, mudos e inertes, son
entendidas por Harun Farocki como conglomerados de
energía cultural y agentes organizadores del espacio
urbano y de las relaciones sociales. Comparando las
distintas tradiciones y ritmos de producción de los
ladrillos en países como Burkina Faso, India, Francia
y Alemania, emergen retratos de las sociedades que
los producen y divergentes interpretaciones de los
9
conceptos de trabajo y tiempo.
Symmetrical brick formations apparently made up of
passive, silent, lifeless objects are interpreted by Harun
Farocki as conglomerations of cultural energy and
agents that organise urban space and social relations.
If we compare the different traditions and paces of
brick production in countries such as Burkina Faso,
India, France and Germany, a portrait soon emerges
of the societies that produce them and their divergent
interpretations of the concepts of work and time.
El accidentado viaje de un cargamento de dátiles desde
Irak hasta Nueva York, incluyendo la descomposición de
la primera partida, que nunca pudo traspasar la frontera
Siria, sirve como termómetro para medir las relaciones
políticas entre Estados Unidos e Irak. El artista Michael
Rakowitz, siguiendo la tradición familiar, estableció un
negocio de importación y exportación de bienes entre
ambos países y esperaba pacientemente en su tienda de
Brooklyn la llegada de los preciados dátiles, claramente
etiquetados como “Producto de Irak”. En la pared de su
tienda se exhibía el primer acuerdo comercial entre Irak
y Estados Unidos en veinticuatro años.
The eventful journey of a cargo of dates from Iraq to New
York, including the decomposition of the first shipment
which never made it past the Syrian border, serves as
a barometer for gauging political relations between the
USA and Iraq. Keeping up the family tradition, the artist
Michael Rakowitz set up an import-export business
between the two countries and then waited patiently in
his Brooklyn shop for the arrival of the precious dates,
clearly labelled “product of Iraq”. On the wall of his shop
the USA in 24 years.
10
he displayed the first trade agreement between Iraq and
12
En los Archivos Nacionales Británicos se denomina “producción del documento” al recorrido
mecanizado de los documentos desde su carpeta de origen hasta el lector o solicitante, atravesando
pasillos, falsos techos, muros, y sobrevolando a los trabajadores. Esta montaña rusa a través de las
entrañas del edificio revela, en la obra de Uriel Orlow & Ruth Maclennan, un sistema neofordista de
producción en línea de lo inmaterial, del conocimiento, estableciendo poéticas relaciones entre el
archivo y el edificio que lo acoge.
13
In the National Archives of the United Kingdom, the mechanical journey of physical documents
as they travel from the folder where they are kept through corridors, false ceilings, walls and over
the heads of workers to the reader or requester is known as “document production”. In the work
of Uriel Orlow & Ruth Maclennan, this roller-coaster journey through the entrails of the building
reveals a neo-Fordist system of assembly-line production applied to the immaterial, to knowledge,
creating a poetic relationship between the archive and the building in which it is housed.
En La vida, instrucciones de uso, la mirada clasificatoria del escritor y poeta Georges Perec
recorre la distribución de los objetos domésticos en las estancias de una finca burguesa parisina,
prácticamente eliminando las emociones y dilemas de los seres humanos que la habitan. Como
un arqueólogo de lo cotidiano, Perec transita en cada capítulo por una estancia del edificio,
describiendo sus muebles, adornos, cuadros... y, si en su camino topara con algún ser humano,
nos detalla minuciosamente su vestuario, modales y brevemente su biografía. La exhaustiva
descripción de cada espacio va tejiendo un entramado de relaciones entre sus habitantes,
reconstruyendo así la historia política, social y cultural del siglo XX. En la novela, los agentes no
14
son humanos, sino inanimadas colecciones cargadas de significado cultural.
15
In Life: A User’s Manual, the writer and poet Georges
Perec casts his shrewd eye over the household objects
in the rooms of a well-to-do Parisian apartment block,
practically eliminating the emotions and dilemmas of the
human beings who live there. Like an archaeologist of
the ordinary, Perec devotes every chapter to a different
room in the building, describing the furniture, ornaments,
pictures, etc., and whenever he comes across a person,
he gives a blow-by-blow account of their clothes and
manners and a brief summary of their life. The exhaustive
descriptions of every space gradually weave an intricate
tapestry of relations between the occupants of the
house, simultaneously reconstructing the political, social
and cultural history of the 20th century. In this novel the
agents are not humans but inanimate collections imbued
with cultural significance.
Los libros ya leídos y los vasos que
acompañan las lecturas nocturnas
de Heman Chong se fueron apilando
accidentalmente junto a la cama del
artista, marcando de esta manera el
paso del tiempo. Estos tótems a la
literatura consumida confieren una
densidad inesperada a los objetos
cotidianos; en ellos resuenan las
actividades privadas de su usuario,
formando un retrato del artista.
Books that he has read and the
glasses he used for night-time
reading are piled up haphazardly
next to Heman Chong’s bed, thus
marking the passage of time. These
totems
to
consumed
literature
confer an unexpected substantiality
on
the
ordinary
objects,
which
resonate with the private activities
of their user and form a portrait of
16
the artist.
17
18
En 2004, Greta Alfaro encontró, en un mercadillo valenciano, un negativo en un
sobre etiquetado con la sugerente combinación de palabras “Budapest y Viena”.
El negativo estaba compuesto de dos imágenes superpuestas que mostraban una
cena tradicional, seria y elegante. A partir de esta imagen, se crea una instalación
en la que una serie de acontecimientos han alterado y modificado la disposición de
la cubertería y objetos en la mesa, sugiriendo escenas de pasión y violencia entre
los comensales.
Rummaging around a flea market in Valencia in 2004, Greta Alfaro found a negative
negative turned out to be two superimposed images of a formal, elegant dinner
party. The artist used this image to create an installation in which a series of events
have altered the arrangement of the cutlery and objects on the table, suggesting
scenes of passion and violence between the diners.
19
in an envelope labelled with the evocative words “Budapest and Vienna”. The
20
Ruinas y monumentos pueden parecer, a primera vista,
testigos petrificados del pasado, pero están vivos en la
medida en que han sido construidos, adorados, falsificados, temidos, destruidos y olvidados, condensando
discursos que se repiten y contradicen infinitamente. La
estatua ecuestre de Absalón, guerrero y obispo danés, y
mítico fundador de Copenhague, es un contenedor de
memorias y batallas en continua metamorfosis: por un
lado, las históricas, que le convirtieron en un símbolo de
orgullo nacional, y por otro, las más recientes batallas civiles en torno a la construcción de este polémico monumento. En la imagen de Matthew Buckingham, Absalon
se desvanece, hasta convertirse en un frágil recuerdo a
21
la mutabilidad de la historia.
At first glance, ruins and monuments can sometimes seem like petrified
witnesses of the past, but in fact they are living beings insofar as they have
been built, worshipped, falsified, feared, destroyed and forgotten, condensing
infinitely repeating and contradictory discourses. The equestrian statue of
Absalon, the Danish warrior, bishop and legendary founder of Copenhagen, is
a repository of memories and battles in constant metamorphosis: on the one
hand, the monument is a symbol of national pride because of its historical
connotations, while the more recent civil battles regarding its construction
have shrouded it in controversy. In Matthew Buckingham’s image, Absalon
fades away, becoming a fragile memorial to the mutability of history.
The arrangement and significance
of megaliths and dolmens has changed over the course of history. Originally built as funerary monuments,
these predominantly underground
structures were destroyed over time
and then rebuilt by archaeologists
according to their own criteria of
historical accuracy. In his travels
across Europe, Jorge Satorre visited
the sites of several of these monuments and investigated their desLa disposición y significado de los megalitos y dólmenes
truction and use through the ages.
también ha mutado a través de la historia. Originalmente erigidos como monumentos funerarios y, en la mayor
parte de los casos, bajo tierra, fueron destruidos y posteriormente reconstruidos por arqueólogos siguiendo sus
propios criterios de verosimilitud. En sus viajes por Europa,
Jorge Satorre ha visitado las localizaciones de varios de
estos monumentos, donde ha realizado distintos estudios
de investigación en torno a la destrucción de los mismos y
22
su utilización a lo largo del tiempo.
23
Sólo unos cuantos códices producidos por los Aztecas, Mayas, Mixtecas y otras
civilizaciones prehispánicas sobrevivieron a las llamas de los inquisidores.
De mano en mano, estos documentos, como revela Mariana Castillo Deball,
fueron cambiando de identidad, mutando según las distintas teorías que
aspiraban a comprender su significado y existencia. Paradójicamente, los
ejemplares más importantes se encuentran en Italia, en colecciones privadas
como la del Vaticano.
Only a handful of the codices produced by the Aztecs, Mayans, Mixtecs and
other pre-Hispanic civilisations survived the flames of the Spanish Inquisition.
Mariana Castillo Deballs shows how these documents gradually acquired
new identities as they passed from hand to hand, changing with each new
theory proposed in an attempt to understand their significance and existence.
Paradoxically, the most important examples are found in Italy, in private
collections such as that of the Vatican.
Seres inanimados, el proyecto del cual arranca esta presentación, recoge algunas ideas que, no por presentes en el discurso actual, son recién llegadas,
ni están de moda. El punto de partida de la exposición es heredero de una
tradición de pensamiento que reflexiona en torno a cómo la producción y la
circulación de las cosas es un reflejo de los contextos económicos y sociales
que las crean. Al mismo tiempo, recoge un estado de la creación, una preocupación por el objeto como marco de sentido y “emanador” contextual que se
encuentra muy presente en la producción artística más reciente.
A través de diversas obras y en una interpretación libre que utiliza como
productos alienados. Son y condensan la totalidad de
las fuerzas sociales, los deseos, los afectos y las proyecciones de esperanza que invertimos sobre ellos. Actúan como contenedores de energía social acumulada
[...]. Nuestras propias proyecciones y deseos se suman o
proyectan en los objetos.
Hito Steyerl2
24
no son únicamente objetos pasivos, fósiles inertes o
MARIBEL LÓPEZ
Historias del arte a través de los objetos
Las cosas, tal como las conocemos, no son sólo cosas,
exposición en la Chisenhale Gallery, Londres.
[“Things as we know them are not only things, they are not just passive objects, they are not just lifeless fossils or alienated commodities.
2
historia y las historias del arte utilizando el objeto como eje.
Hito Steyerl, extracto de su presentación en la mesa redonda “Biography of the object”, celebrada el 2 diciembre de 2010 con motivo de su
Véase su texto en este mismo catálogo.
1
Hito Steyerl de esa misma idea, vamos a intentar trazar un recorrido por la
They are and they condense the totality of social forces, of desires, of affects, of projections of hopes we invest into them. They act like a
Rodríguez Muñoz habla en su texto1, unida a la interpretación por parte de
container of stored social energy. [...] There’s our own projections and fantasies and desires which get attached or projected onto the object.”]
marco y punto de partida la idea de Sergei Tretiakov sobre la que Bárbara
Seres inanimados [Inanimate Beings], the project discussed in this introduction, explores a series of ideas which, though present in modern discourse,
are neither novel nor particularly trendy. The central theme of the exhibition is
influenced by the school of thought that views the production and circulation
of objects as a reflection of the socio-economic contexts that create them.
At the same time, the show also examines a state of creation that is clearly
present in many of the most recent artistic manifestations—an interest in the
object as a framework of meaning and generator of context.
Using a selection of artworks, a loose interpretation of Sergei Tretiakov’s idea
(which Bárbara Rodríguez discusses in her essay)1 and Hito Steyerl’s interExcerpt from Hito Steyerl’s presentation at the panel discussion “Biography of the Object” held on 2 December 2010 at Chisenhale Gallery,
ii
Things as we know them are not only things, they are
not just passive objects, they are not just lifeless fossils
the totality of social forces, of desires, of affects, of projections of hopes we invest into them. They act like a
container of stored social energy. (...) There’s our own
projections and fantasies and desires which get attached
MARIBEL LÓPEZ
Histories of Art through Objects
or alienated commodities. They are and they condense
or projected onto the object.
Hito Steyerl2
London, on the occasion of Steyerl’s exhibition.
See text in this same catalogue.
i
and histories of art through objects.
25
pretation of that same idea as our starting point, we aim to chart the history
Marcel Duchamp. Fountain, 1917
Aunque produzca cierta inquietud, parece casi esencial
empezar esta selección por el Urinario. Polémicas del
momento y proyecciones posteriores aparte, este objeto, entendido como tal, y siguiendo las referencias anteriores, es en sí mismo un nodo que reúne referencias
históricas tanto en términos de producción de objetos
como de gestión de géneros. El urinario es un elemento
creado para los hombres; presentar un urinario y no un
váter tiene connotaciones.
Andy Warhol, Soup Cans, 1962
latas de sopa Campbell la obra en la que Warhol parecía
estar celebrando la cultura americana del consumo rápido,
del escaparate y del desapego. El movimiento que genera
con esta obra para el resto de la historia es doble. Siempre
veremos ya arte en lo que antes era un objeto de consumo
casi improvisado. Por otro lado, volver a esta obra tras una
revisión de la totalidad de su creación da pistas claras de
que la celebración no era tal.
Marcel Duchamp. Fountain, 1917
Disconcerting as it may be, it seemed almost necessary to begin this selection
with Duchamp’s Fountain. Quite apart from the scandal it caused at the time
and all its subsequent projections, this object, viewed as such and in light of
the above references, is a node with historical associations connected both
to the production of objects and the management of genders. The fountain, or
urinal, is an element created for men. Presenting a urinal rather than a toilet
has connotations.
Andy Warhol, Soup Cans, 1962
Although Brillo Box was paradigmatic of a specific purpose, it was
nevertheless the Campbell’s Soup Cans which seemed to suggest that
Warhol was celebrating the modern American culture of rapid consumption,
showcases and insouciance. With this seminal work Warhol launched a dual
movement: from now on, we will always see art in what was previously an
almost improvised consumer item, but revisiting this work after reviewing
his complete oeuvre furnishes clear clues that suggest he wasn’t actually
celebrating anything.
26
MARIBEL LÓPEZ
No son las Brillo Box, paradigmáticas de cierto fin, sino las
Haim Steinbach
En el caso de Steinbach, no parece conveniente elegir
una sola pieza, sino señalar la idea de presentar objetos
comunes como objetos preciosos. Dignificarlos, dotarlos
de presencia escultórica a través de la presentación es
una estrategia mediante la cual sustituye y desplaza las
cargas simbólicas que cada uno de esos objetos originalmente poseía.
Michael Landy, Break Down, 2001
Casi de manera demasiado obvia, la pieza de Landy
está dirigiendo su atención a otro lugar. Si intentamos
establecer alguna relación entre las piezas aquí referidas, podríamos decir que en esta obra se está llevando
a cabo un anti-Warhol –entendido a la manera obvia que
el consumo. Es muy posible que sea así, pero también
es probable que se trate de un ejercicio en el que se
reclame y se rechace una potencia y una presencia de
los objetos de los que es necesario desprenderse para
MARIBEL LÓPEZ
poder seguir, porque están demasiado cargados.
27
antes ya señalamos como frágil–, un agente crítico con
Haim Steinbach
In the case of Steinbach, it seems more appropriate to highlight his idea of
presenting ordinary things as precious objects instead of singling out one
piece. Dignifying them, imbuing them with a sculptural presence merely by
presenting them, is one of the strategies this artist uses to substitute and
displace the symbolism that each of these objects originally possessed.
Michael Landy, Break Down, 2001
Landy’s piece almost too obviously directs its attention elsewhere. In terms
of a possible connection with the other pieces listed here, we might say that
this work is anti-Warholian—in the most obvious sense, whose fragility we have
already noted—in that it is critical of consumerism. However, while that may
very well be the case, it might also be an exercise in claiming and rejecting
the power and presence of objects of which we must rid ourselves in order to
go on because they are too heavy.
Florian Slotawa, Besitzarbeit IX: Verkündigung, 2003
Con Slotawa se podría, en cierto modo, seguir la misma estrategia que con
Steinbach, pero este caso específico señalará alguno de los aspectos más
interesantes del hecho de haber seleccionado a este artista. La Anunciación
es, de hecho, la única obra de esta serie que he podido encontrar en Internet. Cuando, en 2003, Florian Slotawa reproduce ésta entre otras escenas
clásicas de la historia de la Biblia con todos sus muebles está, a la vez,
desactivando y reactivando el sentido de esos objetos. En este caso, reproduce de algún modo la idea de desprendimiento radical de Landy al vender
todos sus objetos a un coleccionista, quien, interesado en comprar una de
las instalaciones, decide, junto al artista, que debe poseer todos los objetos
presentados, es decir, todas las propiedades del artista.
Ryan Gander, We Don’t Have a Plan so Nothing Can go Wrong – (Alchemy
La manera en que Ryan Gander se relaciona con los objetos es, al mismo
tiempo, directa y evasiva, y por ello poderosa. Toda la serie de “Alchemy Boxes” sigue el mismo esquema: objetos, notas, obras, material del trabajo del
artista, se encuentran ocultos en el interior de estructuras. En este caso, la
estructura está formada por una colección de ejemplares de la revista Frieze.
En general, las piezas constituyen paradojas y, en este caso, la paradoja se
duplica. Para descubrir el contenido de la pieza hay que romperla, para leer
el contenido de las revistas hay que desvelar la pieza. El deseo generado
tanto por la pieza como por la información constituye un ejercicio de poder
e impotencia.
28
MARIBEL LÓPEZ
Box # 16), 2009
To a degree, we can use the same strategy with Slotawa as we did with
Steinbach, but this specific case highlights some of the most interesting
aspects which explain why this artist was chosen. The Annunciation is, in fact,
the only work in this series that I have been able to find online. Back in 2003
when Florian Slotawa reproduced this and other classical scenes from the
Bible with all his furniture, he was simultaneously deactivating and reactivating
the meaning of those objects. To a certain extent, in this case he reproduces
Landy’s radical idea of renunciation by selling all his objects to a collector
who, keen to buy one of the installations, decides—with the artist’s consent—
that he needs to possess all the objects on display, that is, all of the artist’s
belongings.
Ryan Gander, We Don’t Have a Plan So Nothing Can Go Wrong – (Alchemy
Box # 16), 2009
The way in which Ryan Gander engages with objects is direct yet evasive,
which makes it all the more powerful. The entire Alchemy Boxes series follows
the same pattern: objects, notes, works and the artist’s tools are hidden inside
structures. In this case, the structure is made out of a collection of different
issues of Frieze magazine. In general, all of the pieces are paradoxes, but in
this case there is a double paradox. In order to discover the contents of the
piece, you have to break it; in order to read the contents of the magazines,
you have to unveil the piece. The desire generated both by the piece and by
the information is an exercise in power and impotence.
29
MARIBEL LÓPEZ
Florian Slotawa, Besitzarbeit IX: Verkündigung, 2003
Maria Loboda, The Abstract Rug, 2009
Esta obra se sale un poco de la lógica básica de la selección. El objeto, la alfombra, es, en realidad, una pieza
realizada por la artista y no un objeto “pre-existente”. Sin
embargo, concentra lo que se intenta desentramar en este
texto. La obra, con un estampado que parte de diseños
de Sonia Delaunay, funciona prácticamente como objeto
“espiritual”. La potencia de esta obra se encuentra en la
identificación del objeto como elemento doméstico y su
carga mágica, dado que, cuando se presenta en el marco
de una exposición, debe cambiar cada día de ubicación,
y esa lógica, propuesta por la artista, acaba generando su
propia existencia, casi independiente.
Wikipedia. Malinterpretando “rock series #1” (1968) de
Donald Burgy, 2010
La performance, presentada en el mismo edificio donde
la exposición Seres inanimados tiene lugar, representa,
de algún modo, una síntesis de lo que este texto propo-
MARIBEL LÓPEZ
ne. La investigación sobre el origen, las propiedades y
las posibles historias en torno a la piedra, objeto y centro
de la performance, recoge tanto posibilidades de contextualización política de un objeto como recreativas o
proyectivas.
Maria Loboda, The Abstract Rug, 2009
This work does not quite fit the logic behind our selection process. The object—the rug of the title—
is actually a piece made by the artist rather than a pre-existing object. And yet it is the essence
of what this text aims to elucidate. With its Sonia Delaunay-inspired pattern, the work effectively
functions as a “spiritual” object. Its power lies in the identification of the object as a household
item and in its magical quality: whenever it is presented at an exhibition, the work is moved to a
different location every day and that logic, proposed by the artist, ultimately generates its own,
almost independent existence.
Rubén Grilo, Obra informacional: viaje psicodélico por Wikipedia. Malinterpretando “rock series #1”
(1968) de Donald Burgy, 2010
In a way, this performance, presented in the same building as the Seres inanimados exhibition,
constitutes a synthesis of what this text proposes. The exploration of the origin, properties and
possible histories of the stone that is the object and centre of the performance reveals the object’s
potential in terms of political contextualisation, recreation and projection.
30
Rubén Grilo, Obra informacional: viaje psicodélico por
Todos estos objetos, y todos aquellos que han quedado
fuera de esta selección pero deberían estar, contienen
historias, significados y proyecciones en potencia. Son
real, o, más precisamente, de un día a día desactivado
tanto políticamente como en cuanto a espacio para la
proyección de deseos y valores.
All these objects, and all those that have not been included
but should be here, contain potential histories, meanings
and projections. They are exercises in meaning that move
art closer to the real and pull it back again. Or, to put it
more precisely, they push art towards and away from an
everyday reality which has been deactivated, not just in a
political sense but also as a space for projecting desires
and values.
31
MARIBEL LÓPEZ
ejercicios de sentido que acercan y alejan el arte de lo
[Ed. original: Sergei Tretiakov, “Biografiia veshchi”, en Literatura fakta (ed.
Nikolai Chuzhak), Moscú, Federatsiia, 1929, pp. 66-70. Traducción al español
a partir de la versión en inglés de Devin Fore, “The Biography of the Object”,
32
SERGEI TRETIAKOV
La biografía del objeto
que apareció en el n.º 118 de October, en otoño de 2006.]
En la novela clásica basada en la biografía del héroe individual, las dimensiones relativas de los personajes guardan gran semejanza con las de las pinturas murales egipcias. El faraón, colosal, ocupa el trono en el centro; cerca de
él, de un tamaño ligeramente más pequeño, está su esposa; más pequeños
aún son los ministros y los jefes militares, y por último, como montones de
monedas de cobre sin rostro, se encuentra toda la masa variada de la población: los criados, los soldados, los esclavos.
Es el héroe lo que mantiene unido el universo de la novela. El mundo entero
es percibido a través de él. Además, el mundo entero es, esencialmente, una
mera colección de detalles que son de su pertenencia.
–”el hombre: ¡qué soberbio suena!”1–; “cuando muere el hombre, muere también el mundo”: esta filosofía idealista domina, soberana, sobre la estructura
de la novela. Y es que tales fórmulas no son más que los granos de arena
alrededor de los cuales cristaliza el arte burgués: el arte propio de una época
emociones y de las experiencias).
Los Onieguins, Rudins, Karamazovs y Bezujovs son soles de sistemas planetarios independientes, alrededor de los cuales orbitan sumisamente personajes, ideas, objetos y procesos históricos. Más exactamente, ni siquiera son
soles, sino planetas corrientes que se han creído soles y no han encontrado
aún a un Copérnico que los ponga en su sitio. Cuando los obedientes estudiantes actuales de la literatura idealista intentan “reflejar sintéticamente la
realidad” construyendo sistemas literarios con Samgins, Virineias y Chumalovs ocupando el centro de los mismos, terminan reproduciendo el mismo
antiguo sistema ptolemaico de literatura.
publicado en el mismo número de October.]
y de los procesos) en relación con la del mundo subjetivo (el mundo de las
Cita tomada de Los bajos fondos, de Máximo Gorki; véase “Art in the Revolution and the
la importancia que en ella tiene el mundo objetivo (el mundo de las cosas
Revolution in Art”, p. 13, nota 4. [N. de la ed.: se trata de otro artículo de Sergei Tretiakov
Para determinar el poder de este idealismo en la novela basta con considerar
33
de rivalidad declarada y de competencia voraz.
1
SERGEI TRETIAKOV
La filosofía idealista afirma que “el hombre es la medida de todas las cosas”
En la novela, el héroe principal devora y fagocita toda la realidad. El arte
de diferentes épocas muestra al individuo desde diferentes perspectivas, o
mejor dicho muestra su integración en una variedad de sistemas que pueden ser económicos, políticos, técnico-productivos, cotidianos, biológicos o
psicológicos.
Al novelista clásico no le interesa la persona como partícipe de un proceso
económico. No hay que olvidar que el arte idealista está enraizado en el feudalismo, en el que la figura dominante es la de un rentista ocioso, autoritario
y privilegiado. ¿Acaso no es éste el origen del desprecio típico de la novela
por la persona trabajadora? Véase, si no, qué poco espacio se da en ella a la
especialización técnica y productiva del héroe. En ella aparecen, naturalmente,
ingenieros, doctores y financieros heroicos, pero, por regla general, sólo se
suele dedicar una cantidad mínima de líneas a lo que hacen y a cómo lo hacen. Eso sí: por supuesto, la novela tiene mucho que decir sobre cómo besan,
Dado que sus personajes han sido sustraídos a los sistemas de producción y
trasladados a los sistemas psicológicos de lo cotidiano, la novela suele transcurrir durante el tiempo libre del héroe. Ello produce resultados particularmente monstruosos en las novelas contemporáneas obra de “estudiantes de
los clásicos” que escriben acerca del “sufrimiento de los Werthers proletarios
en sus horas de ocio”.
La novela clásica, que apenas llegaba a tratar de la persona activa en su vida
profesional, tampoco estaba dispuesta, análogamente, a analizarla en el marco de los sistemas político, social o psicológico. Si recordamos que las normas estéticas de la novela inventaron una enfermedad imaginaria específica
para el héroe y para la heroína –la fiebre nerviosa– y que también se aseguraron de que ninguna herida o enfermedad grave afectara nunca al héroe por
debajo de la cintura, nos daremos cabalmente cuenta de lo arbitraria que es,
en realidad, la fisiología de la novela.
Con sus doctrinas de la predeterminación y del destino; con su predominio
absoluto de fuerzas elementales, la filosofía idealista se llevó al huerto a la novela, que empezó a interpretar al ser humano desde una perspectiva fatalista.
La novela cultivó los rasgos psicofisiológicos genéticos en vez de las enfermedades profesionales características de los grupos sociales. Recuérdense
todas las tragedias de los epilépticos, los anormales, los enfermos, los dementes y los tullidos. La novela sólo se interesaba por los reflejos incondicionados.
De ahí las tragedias del hambre, del amor y de los celos “como tales”.
34
SERGEI TRETIAKOV
cómo comen, cómo se divierten, cómo languidecen y cómo mueren.
camente se concebían como quebrantamientos de la ética (engaño
y traición) y desde el punto de vista
de los trastornos nerviosos que de
éstos se derivaban (los remordimientos de la conciencia). Al seguir
esta trayectoria, la persona se volvía
completamente irracional dentro de
la novela. Una hipertrofia emocional
de carácter patológico la sustraía a
los sistemas sociales e intelectuales.
¿En dónde sino en la novela pueden
celebrar los sentimientos una victoria tan absoluta e insolente sobre el
to, sobre la experiencia técnica y organizativa?
Resumiendo: la novela basada en la biografía del héroe humano está fundamentalmente viciada, y constituye, en la actualidad, el mejor método para
hacer contrabando de idealismo.
Ello también se aplica a los intentos de personificar al héroe empleando diferentes métodos que lo enfocan desde una perspectiva profesional, social y
fisiológica. Tan grande es el poder del canon novelístico que todo momento
profesional es percibido como una molesta interrupción de la trama habitual de
la novela, y toda información fisiológica se considera bien como síntoma de una
experiencia psicológica, bien como tediosa desviación de la atención del lector.
Me enfrenté a esto en mi propia práctica cuando escribí la entrevista biográfica
Den Shi-khua, biografía de una persona real a la que seguí con el mayor grado
posible de objetividad. El lector se ve constantemente tentado de caer en las
rutinas habituales del psicologismo biográfico, y las cifras y las observaciones
objetivas son ya el umbral de la metáfora y de la hipérbole de carácter estético.
Pese a haberse incorporado a la narración una cantidad sustancial de objetos
y de procesos de producción, la figura del héroe está sobredimensionada,
por lo que, en vez de verse condicionada por tales objetos e influencias, es
ella misma la que empieza a condicionarlos.
35
SERGEI TRETIAKOV
entendimiento, sobre el conocimien-
Boris Ignatovich, “Bosque de exportación”, en Dayesh [Produzcamos], n.º 4, 1929.
Los conflictos sociopolíticos úni-
La “biografía del objeto” constituye un método adecuado para una construcción narrativa que luche contra el idealismo de la novela. Se revela tremendamente útil cual ducha de agua fría para los escribidores, como un
medio formidable para transformar al escritor –ese eterno “anatomista de
la realidad” y “domador de los elementos”– en alguien formado, siquiera
medianamente, en lo presente. Pero –lo que resulta aún más importante– la
“biografía del objeto” se revela útil porque pone en su sitio al personaje sobredimensionado de la novela.
La estructura compositiva de la “biografía del objeto” es una cinta transportadora a lo largo de la cual una unidad de materia prima se mueve y se transforma en un producto útil gracias al esfuerzo humano (así construye sus obras
Pierre Hamp, especialmente su Svezhaia Ryba [Pescado fresco]).
La “biografía del objeto” posee una capacidad extraordinaria de incorporar
material humano. Las personas se acercan al objeto en una sección transversal de la cinta transportadora. Cada segmento de ésta introduce un nuevo
grupo de personas. Desde el punto de vista cuantitativo, puede seguir la
la narración. Dichas personas entran en contacto con el objeto a través de
sus cualidades sociales y de sus habilidades productivas. El momento del
consumo ocupa tan sólo el último tramo de la totalidad de la cinta transporles y distintivas de las personas dejan de ser pertinentes aquí. Los tics
y las epilepsias del individuo pasan
desapercibidos. Por el contrario, las
neurosis sociales y las enfermedades profesionales de un grupo determinado ocupan el primer plano.
Mientras que se necesita bastante violencia para obligar al lector
de una novela biográfica a percibir
como social alguna de las cualidades del héroe, en la “biografía del
objeto” sucede precisamente lo
contrario: en ella, el lector tendría
que violentarse a sí mismo para
imaginar un determinado fenómeno
como un rasgo de la personalidad
individual de un personaje.
36
tadora. Las características individuaBoris Ignatovich, “Transporte de tablas”, en Dayesh [Produzcamos], n.º 4, 1929.
SERGEI TRETIAKOV
evolución de una gran cantidad de personas sin alterar las proporciones de
En la “biografía del objeto”, el sentimiento tiene su lugar adecuado, y no es
percibido como una experiencia privada. En ella aprendemos la trascendencia social de un sentimiento al considerar el efecto que éste ejerce sobre el
objeto en curso de fabricación.
Recuérdese también que la cinta transportadora que traslada el objeto tiene
personas a ambos lados. Esta sección longitudinal de las masas humanas
trasciende las clases. Los encuentros entre patronos y trabajadores no son
momentos de contacto catastróficos, sino orgánicos. En la “biografía del objeto” podemos contemplar la lucha de clases de forma sinóptica, en todas
las fases del proceso de producción. No hay motivo para trasladar la lucha
de clases a la psicología del individuo erigiendo una barricada específica a la
que éste pueda encaramarse para ondear una bandera roja.
En la cinta trasportadora del objeto, la revolución suena más decidida, más
convincente, y como un fenómeno de masas. Y es que las masas participan
necesariamente de la “biografía del objeto”.
de objetos, sino el objeto avanzando a través del sistema de las personas:
éste es, en literatura, el recurso que nos parece más progresista que los de
las “bellas letras” clásicas.
Necesitamos con urgencia libros que traten de nuestros recursos económicos, de objetos hechos por personas y de personas que hacen objetos.
Nuestra política tiene su origen en la economía, y no hay un solo segundo
en la jornada diaria de una persona que no se vea afectado por la economía
o por la política. Aún están por escribir libros como El bosque, Pan, Carbón,
Hierro, Lino, Algodón, Papel, La locomotora y La fábrica. Los necesitamos,
y sólo a través de la “biografía del objeto” podrán ser convenientemente
realizados.
Además, una vez que hagamos pasar por la cinta transportadora narrativa a
un ser humano como si de un objeto se tratara, aparecerá ante nosotros bajo
una nueva luz y en todo su valor. Pero esto podrá suceder únicamente cuando hayamos reorientado las prácticas de recepción de los lectores educados
en las “bellas letras” hacia una literatura estructurada según el método de la
“biografía del objeto”.
37
SERGEI TRETIAKOV
Entonces, no ya la persona individual desplazándose a través de un sistema
In the classical novel that is based upon the individual hero’s biography,
the relative scale of the characters is largely reminiscent of Egyptian
wall paintings. The colossal pharaoh is on the throne at the center; near
him, in a slightly smaller size, is his wife; still smaller are the ministers
and army commanders; and finally, in faceless heaps of copper coins,
is the entire varied mass of the population: the servants, the soldiers,
the slaves.
The hero is what holds the novel’s universe together. The whole world
is perceived through him. The whole world is, furthermore, essentially
just a collection of details that belong to him.
Idealist philosophy asserts that “man is the measure of all things”;
“man— how proud that sounds”;3 “when man dies, so too dies the
world”; this idealist philosophy is sovereign in the novel’s structure.
Indeed, these formulas are nothing other than the grains of sand
around which bourgeois art crystallizes—the art of an epoch of open
In order to determine the power of this idealism in the novel, you have
only to consider the weight within it of the objective world (the world of
things and processes) relative to the weight of the subjective world (the
world of emotions and experiences).
38
SERGEI TRETIAKOV
The Biography of the Object
rivalry and rapacious competition.
The Onegins, Rudins, Karamazovs, and Bezukhovs are the suns of
independent planetary systems around which characters, ideas,
objects, and historical processes orbit submissively. More accurately,
they aren’t even suns, but just common planets that have mistaken
themselves for suns and have not yet come into contact with a
Copernicus who will put them in their place. When today’s obedient
students of idealist literature try to “reflect reality synthetically” by
constructing literary systems with Samgins, Virineias, and Chumalovs
at their center, they end up re- creating the same ancient Ptolemaic
system of literature.
In the novel, the leading hero devours and subjectivizes all reality. The
art of different periods shows the individual from different perspectives.
More precisely, it shows his integration into a variety of systems. These
systems can be economic, political, productive-technical, everyday,
biological, or psychological.
The classical novelist is not interested in the person as a participant in an
economic process. Do not forget that idealist art has its roots in feudalism,
where the dominant figure is that of an idle, magisterial, and privileged rentier.
Isn’t this the origin of the novel’s contempt for the laboring person? Do
you see how little space is accorded to the hero’s technical and productive
specialization. Heroic engineers, doctors, and financiersdo exist in the novel,
but typically only a minimal number of lines are given to what they do and
how they do it. But then again, the novel has a lot to say about how they kiss,
how they eat, how they enjoy themselves, how they languish, and how they
die.
Because the novel’s characters have been removed from the systems of production and transposed into the psychological systems of the everyday, the
novel usually takes place in the hero’s leisure time. This produces particularly
mon- strous results in contemporary novels by “students of the classics” who
write of the “suffering of proletarian Werthers in their leisure hours.”
professional life, was similarly unwilling to analyze him within political, social,
or physiological systems. If we recall that the novel’s aesthetic rules invented
a particular fantastic illness for the hero and the heroine—the nervous fever—
and that it also made sure that wounds and grave illnesses never afflicted
the hero below the belt, we come to realize just how arbitrary the novel’s
physiology actually is.
With its doctrines of predetermination and doom, with its absolute dominance of elementaryforces, idealist philosophy had its way with the novel,
which beganto interpret the human from a fatalist perspective. The novel
cultivated genetic psychophysiological traits rather than the professional
diseases characteris- tic of social groups. Recall all the tragedies of the
epileptics, the freaks, the sick, the insane, and the cripples. The novel was
interested only in unconditioned reflexes. Hence the tragedies of hunger,
love, and jealousy “as such.”
Sociopolitical conflicts were conceived only as breaches of ethics (betrayal
and treason) and in terms of the nervous disorders that arose from them (the
pangs of conscience). Following this course, the person became completely
irrational within the novel. Pathological emotional hypertrophy removed
him from social and intellectual systems. Where else but in the novel can
emotions celebrate such an absolute and insolent victory over the intellect,
over knowledge, over technical and organizational experience?
39
SERGEI TRETIAKOV
The classical novel, which barely even touched upon the active person in his
In a word: the novel based upon the human hero’s biography is fundamentally
flawed and, currently, the best method for smuggling in the contraband of
idealism.
This applies even to those attempts to incorporate the hero using different
methods, which approach him from a professional, social, and physiological
perspective. The power of the novel’s canon is so great that every professional
moment is perceived as an annoying digression from the novel’s usual plot,
and everypiece of physiological information is regarded either as a symptom
of a psychological experience or a tedious diversion of the reader’s attention.
I came up against this in my own practice when I wrote the bio-interview Den
Shi-khua, the biography of a real person whom I followed with the highest
possible degree of objectivity. The reader is constantly tempted to lapse into
the habitual routines of biographical psychologism, and the factual numbers
and observations are on the threshold of aesthetic metaphor and hyperbole.
processes have been incorporated into the narrative, thefigure of the hero is
distended. Thus, this figure, instead of being conditioned by these objectsand
influences, begins to condition them himself.
The biography of the object is an expedient method for narrative construction
that fights against the idealism of the novel. It is extremely useful as acold
shower for littérateurs, a superb means for transforming the writer—that eternal
“anato-mist of chaos” and “tamer of the elements”—into someone at least
somewhat educated about the present. And most important, the biography
of the object is useful because it puts the novel’s distended character in his
place.
The compositional structure of the “biography of the object” is a conveyer
belt along which a unit of raw material is moved and transformed into a useful
product through human effort. (This is how Pierre Hamp constructs his works,
in particular his Svezhaia Ryba[Fresh Fish].)
The biography of the object has an extraordinary capacity to incorporate human
material. People approach the object at a cross-section of the conveyer belt.
Every segment introduces a new group of people. Quantitatively, it can track
the development of a large number of people without disrupting the narrative’s proportions. They come into contact with the object through their social
aspects and production skills. The moment of consumption occupies only the
final part of the entire conveyer belt. People’s individual and distinctive characteristics are no longer relevant here. The tics and epilepsies of the individual
go unperceived. Instead, social neuroses and the professional diseases of a
given group are foregrounded.
40
SERGEI TRETIAKOV
Despite the fact that a sub- stantial number of objects and production
While it takes considerable violence to force the reader of a biographical
novel to perceive some quality of the hero as social, in the “biography of
the object” the opposite is the case: here the reader would have to force
himself to imagine agiven phenomenon as a feature of a character’sindividual
personality.
In the “biography of the object” emotion finds its proper place and is not felt
as a private experience. Here we learn the social significance of an emotion
by considering its effect on the object being made.
Remember too that the conveyer belt moving the object along has people on bothsides. This longitudinal section of the human masses is one
that cuts across classes. Encounters between employers and workers are
not catastrophic, but organic moments of contact. In the biography of the
object we can view class struggle synop- tically at all stages of the production
process. There is no reason to transpose class struggle onto the psychology
of the individual by erecting a special barricade that he can run up to waving
On the object’s conveyer belt, the revolution is heard as more resolute, more
convincing, and as a mass phenomenon. For the masses necessarily share in
the biography of the object.
Thus: not the individual person moving through a system of objects, but the
object proceeding through the system of people—for literature this is the
methodological device that seems to us more progressive than those of
classical belles lettres.
We urgently need books about our economic resources, about objects made
by people, and about people that make objects. Our politics grow out of
economics, and there is not a single second in a person’s day uninvolved
in economics or politics. Books such as The Forest, Bread, Coal, Iron, Flax,
Cotton, Paper, The Locomotive, andThe Factory have not been written. We
need them, and it is only through the “biography of the object” that they can
be adequately realized.
Furthermore, once we run a human along the narrative conveyer belt like an
object, he will appear before us in a new light and in his full worth. But that
can happen only after we have reoriented the reception practices of readers
raised on belles lettres toward a literature structured according to the method
of the “biography of the object.”
41
SERGEI TRETIAKOV
a red banner.
42
(Madrid, 1979)
Comisaria independiente. Vive y trabaja en Londes. Licenciada en Humanidades por la Universidad de Alcalá de Henares, Madrid, realizó un máster en
comisariado en el Royal College of Art, Londres. Ha comisariado y/o co-comisarido proyectos como Shadowboxing, Royal College of Art, Londres; Ulises
Carrion: Gossip, Scandal and Good Manners, The Showroom, Londres; Visionary Trading Project, Guest Projects, Londres, y Constitution of the Dammed,
Landings, Oslo. Durante 2008/2009 fue co-directora de la galería Paradise
Row en Londres y recientemente ha colaborado como investigadora y editora
con el colectivo tranzit.org para Manifesta 8, Murcia, y con el Museo Carrillo
Gil en México. En 2010 recibió la beca de la Fundación Marcelino Botín para
realizar estudios de comisariado en el extranjero. Su investigación actual se
centra en la relacción entre dispositivos literarios y arte, así como en explorar
43
SERES INANIMADOS
BIOGRAFÍAS Y FICHAS TÉCNICAS
diferentes mecanismos de construcción narrativa y storytelling.
(Madrid, 1979)
Bárbara Rodríguez Muñoz (Madrid, 1979) is a freelance curator who lives and
works in London. She has a degree in Humanities from the University of Alcalá
de Henares, Madrid, and a master’s degree in Curating Contemporary Art
from the Royal College of Art, London. Bárbara has curated and/or co-curated
projects such as Shadowboxing, Royal College of Art, London; Ulises Carrión: Gossip, Scandal and Good Manners, The Showroom, London; The Visionary Trading Project, Guest Projects, London; and Constitution of the Dammed, Landings, Oslo. In 2008/2009 she co-directed the Paradise Row Gallery
in London and she has recently worked as a researcher and editor with the
tranzit.org collective for Manifesta8, Murcia, and with the Museo Carrillo Gil in
Mexico. In 2010 she received a grant from the Marcelino Botín Foundation to
study curating abroad. She is currently researching the relationship between
literary devices and art, as well as exploring different mechanisms for narrative construction and storytelling.
GRETA ALFARO
(Pamplona, 1977)
Vive y trabaja en Londres. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia y Máster en Fotografía por el Royal College of Art de
Londres. Ha recibido numerosas becas para producción de proyectos y residencias en España y en el extranjero, como las Becas CAM de Artes Plásticas,
Genesis Foundation de Londres, Matadero-Área de las Artes del Ayuntamiento de Madrid, Casa de Velázquez, Gobierno de México, Gobierno de Navarra,
Fundación Bilbao Arte y Rogaland Art Centre de Noruega. Entre sus exposiciones recientes destacan las colectivas Bloomberg New Contemporaries,
ICA, Londres, y Visionary Trading Project, Guest Projects, Londres, así como
las individuales Elogio de la Bestia, Centro de Arte Contemporáneo Huarte;
In ictu oculi, Carpe Diem Arte & Pesquisa, Lisboa, y Ricorrenza, Dryphoto Arte
Contemporanea, Italia, junto a screenings en el Centro Pompidou de París, en
el Caixa Forum de Madrid y en el Festival Internacional de Cine de Róterdam.
“En continua búsqueda del equilibrio, como funambulistas, como al borde
inesperado se hacen presentes a pesar de las reglas creadas para controlar
la violencia y la vulnerabilidad. En un resquicio entre la vida pública y la vida
privada visualizamos nuestra hipocresía cotidiana.”
44
SERES INANIMADOS
del abismo, estamos siempre a punto de caer en el caos. Lo oculto y lo
[pp. 18-19]
Budapest y Viena, 2007
Fotografía, 100 x 210 cm
Instalación con muebles y objetos,
dimesiones variables
Cortesía de la artista
Greta Alfaro
(Pamplona, Spain, 1977)
Lives and works in London. She graduated with a degree in Fine Arts from the
Polytechnic University of Valencia and earned a master’s degree in Photography
at the Royal College of Art in London. She has been awarded numerous production grants and residencies in Spain and abroad, such as the CAM Visual
Arts Grants, the Genesis Foundation (London), Matadero–Madrid City Council
Arts Department, Casa de Velázquez, the Government of Mexico, the Regional
Government of Navarre, Fundación Bilbao Arte and the Rogaland Art Centre in
Norway. Her recent exhibitions include the group shows Bloomberg New Contemporaries at ICA, London, and Visionary Trading Project at Guest Projects,
London, and the solo exhibitions Elogio de la Bestia at the Centro de Arte Contemporáneo Huarte, In ictu oculi at Carpe Diem Arte & Pesquisa in Lisbon, and
Ricorrenza at Dryphoto Arte Contemporanea in Italy. Her films have also been
shown at the Centre Pompidou in Paris, the Caixa Forum in Madrid, and the
“In our constant quest for balance, like tight-rope walkers, like people teetering
on the brink of the abyss, we are always on the verge of falling into chaos. The
hidden and the unexpected surface despite the rules created to control violence and vulnerability. In the gap between public and private life, we glimpse our
everyday hypocrisy.”
45
INANIMATE BEINGS
BIOGRAPHIES AND TECHNICAL DETAILS
International Film Festival Rotterdam.
[p. 18-19]
Budapest y Viena, 2007
Photograph, 100 x 210 cm
Installation with furniture and objects
Dimensions variable
Courtesy of the artist
Matthew Buckingham
(Nevada, Iowa, 1963)
Vive actualmente en Nueva York. Estudió en el Art Institute of Chicago y completó una licenciatura en arte en la Universidad de Iowa y un máster en Bellas
Artes en el Bard College, además de asistir al programa Independent Study
del Whitney Museum of American Art. Su trabajo, que combina la fotografía,
el cine, el vídeo, el audio, la escritura y el dibujo, cuestiona el papel que la
memoria social desempeña en la vida contemporánea. Al examinar las formas en que el pasado aparece en el presente, Buckingham analiza, además,
el poder y los efectos de la representación histórica. Sus proyectos trabajan
con el espacio, real e imaginario, para crear contextos físicos y sociales en
los que se anima a los espectadores a cuestionar las ideas recibidas, a menudo las cuestiones más familiares. Sus obras han investigado el pasado y el
presente indígena en el valle del río Hudson, la “destrucción creativa” de la
ciudad de St. Louis, la elaboración del primer diccionario inglés y los efectos de los pensamientos radicales de Mary Wollstonecraft en nuestra propia
espacios: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Museum of
Contemporary Art (Denver), Camden Arts Centre (Londres), Charles H. Scott
Gallery (Vancouver), Dallas Museum of Art (Dallas), Des Moines Arts Center
(Des Moines), Dundee Contemporary Art Centre (Dundee), FRAC Bourgogne
(Dijon), Fundación Telefónica (Madrid), Hamburger Bahnhof y Galería Nacional (Berlín), Lunds Konsthall (Lund), Midway Contemporary Art Center (Minneapolis), Moderna Museet (Estocolmo), Museum Moderner Kunst (Viena),
P.S.1 Contemporary Art Center (Nueva York), St. Louis Museum of Art (St.
Louis), Statens Museum for Kunst (Copenhague), The Kitchen (Nueva York),
Westfälischer Kunstverein (Münster) y Kunstmuseum (San Galo). Participó en
la Bienal de Liverpool en 2006 y en la III Trienal de Cantón en 2008. Su representante es Murray Guy, de Nueva York. Tomó parte como invitado en el
programa Artist-in-Berlin del DAAD en 2003 y recibió la beca Freund de la
Washington University de Saint Louis en 2004; fue artista residente en la Universidad de Wisconsin en Madison en 2006, residente del programa IASPIS
en Estocolmo en 2007, artista residente en Artpace (San Antonio) en 2007
y ganador de un galardón de la Louis Comfort Tiffany Foundation en 2009.
Además, ha recibido becas y premios de The New York State Council on the
Arts y The New York Foundation for the Arts.
[pp. 20-21]
Image of Absalon to Be Projected Until it Vanishes, 2001
Proyección continua de diapositivas en color de 35 mm,
texto enmarcado, dimensiones variables
Cortesía del artista y de Murray Guy
46
SERES INANIMADOS
época. Su obra ha sido objeto de exposiciones individuales en los siguientes
Matthew Buckingham
(Nevada, Iowa, 1963)
Currently lives in New York City. He studied at the Art Institute of Chicago, received a Bachelor of Arts from the University of Iowa, a Master of Fine Arts from
Bard College and attended the Whitney Museum of American Art Independent
Study program. Utilising photography, film, video, audio, writing and drawing, his
work questions the role that social memory plays in contemporary life. By examining ways in which the past appears in the present, Buckingham also scrutinises
the power and effects of historical representation. His projects work with space,
both real and imaginary, to create physical and social contexts where viewers
are encouraged to question received ideas—often the things that are most familiar. His works have investigated the indigenous past and present in the Hudson River Valley; the “creative destruction” of the city of St. Louis; the inception
of the first English dictionary; and the effects of Mary Wollstonecraft’s radical
thoughts in our own time. His work has been featured in solo exhibitions at the
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid; Museum of Contemporary
Dallas Museum of Art, Dallas; Des Moines Arts Center, Des Moines; Dundee
Contemporary Art Centre, Dundee; FRAC Bourgogne, Dijon; Fundación Telefónica, Madrid; Hamburger Bahnhof, National Gallery, Berlin; Lunds Konsthall, Lund;
Midway Contemporary Art Center, Minneapolis; Moderna Museet, Stockholm;
Museum Moderner Kunst, Vienna; P.S.1 Contemporary Art Center, New York; St.
Louis Museum of Art, St. Louis; Statens Museum for Kunst, Copenhagen; The
Kitchen, New York; Westfälischer Kunstverein, Munster; and Kunstmuseum St.
Gallen. He participated in the 2006 Liverpool Biennial and the Third Guangzhou
Triennial in 2008. He is represented by Murray Guy, New York. He was a guest of
the DAAD Artist-in-Berlin Programme, 2003; recipient of the Freund Fellowship,
Washington University, St. Louis, 2004; Artist-in-Residence at The University of
Wisconsin at Madison, 2006; resident of the IASPIS programme, Stockholm,
2007; Artist-in-Residence at Artpace, San Antonio, 2007; and recipient of a Louis
Comfort Tiffany Foundation award, 2009. He has also received fellowships and
awards from The New York State Council on the Arts and The New York Foundation for the Arts.
[p. 20-21]
Image of Absalon to Be Projected Until It Vanishes, 2001
Continuous colour 35mm slide projection, framed text,
dimensions variable
Courtesy of the artist and Murray Guy
47
INANIMATE BEINGS
Art, Denver; Camden Arts Centre, London; Charles H. Scott Gallery, Vancouver;
(Ciudad de México, 1975)
Estudió Artes visuales en la Escuela Nacional de Artes Visuales en la ciudad
de México. Realizó estudios de postgrado en la Jan van Eyck Academie en
Maastricht, Holanda. Entre sus proyectos recientes se incluyen: Este desorden construido autoriza geológicas sorpresas a la memoria más abandonada,
Museo Experimental El Eco, Ciudad de México; Figures don’t lie, but liars can
figure, Pinksummer, Génova, Italia; Shadowboxing, Royal College of Art, Londres; 54th International Art Exhibition, ILLUMInations, Venecia; Kaleidoscopic
Eye, Kunsthalle Sankt Gallen, Suiza; Do ut Des, Objectif_exhibitions, Amberes;
Estas ruinas que ves, Museo Carrillo Gil, Ciudad de México; Interlude: the
reader’s traces, intervención en las bibliotecas públicas en Berlín, París y
Nueva York; Institute of Chance, Instituto Internacional de Historia Social en
Ámsterdam; Never odd or Even, una compilación de 25 portadas de libros
inexistentes. Junto con Irene Kopelman, es miembro fundador de Uqbar.
“Durante los últimos años, mi práctica supone una aproximación caleidoscóel mundo coexisten, generando una voz polifónica. Un aspecto esencial en
mis proyectos es la colaboración con instituciones y museos, no necesariamente relacionados con el arte contemporáneo, con los cuales establezco
diálogos. En mi trabajo trato de abrir un espacio que conecta diversas formas
de conocimiento.”
48
SERES INANIMADOS
pica al lenguaje, en la medida que distintas disciplinas y formas de describir
[p. 23]
El “dónde estoy” va desapareciendo, 2011
Vídeo en DVD, sonido en náhuatl, español, italiano,
alemán e inglés
20 min
Cortesía de la Galería Wien Lukatsch y de la artista
(Mexico City, 1975)
Studied Visual Arts at the National School of Visual Arts in Mexico City and
completed her graduate studies at the Jan van Eyck Academie in Maastricht, the
Netherlands. Some of her recent projects include: Este desorden construido,
autoriza geológicas sorpresas a la memoria mas abandonada, Museo Experimental El Eco, Mexico City; Figures Don’t Lie, but Liars Can Figure, Pinksummer,
Genova, Italy; Shadowboxing, Royal College of Art, London; 54th International
Art Exhibition, ILLUMInations, Venice; Kaleidoscopic Eye, Kunsthalle Sankt Gallen, Switzerland; Do ut Des, Objectif_exhibitions, Antwerp; Estas ruinas que ves,
Museo Carrillo Gil, Mexico City; Interlude: The Reader’s Traces, intervention in
the public libraries of Berlin, Paris and New York City; Institute of Chance, International Institute of Social History, Amsterdam; Never Odd or Even, a compilation of 25 non-existent book covers. Together with Irene Kopelman, Castillo is a
“In recent years my artistic praxis has taken a kaleidoscopic approach to language, insofar as different disciplines and ways of describing the world coexist and
come together to generate a polyphonic voice. An essential aspect of my work
is collaboration with institutions and museums that are not necessarily related
to contemporary art, with which I establish dialogues and cooperative relationships. In my work I attempt to open up a space that interconnects different forms
of knowledge.”
49
INANIMATE BEINGS
founding member of Uqbar.
[p. 23]
El “dónde estoy” va desapareciendo, 2011
Video on DVD, sound in Nahuatl, Spanish, Italian, German
and English; duration 20 min
Courtesy: Gallery Wien Lukatsch and the artist
Heman Chong
[pp. 16-17]
(Muar, Malasia, 1977)
[p. 16-17]
Artista, comisario y escritor, vive actualmente entre Nue-
Thinking about Exhibitions, Unders-
va York y Singapur. Su práctica artística gira en torno a
tanding Media, Living in Singapore,
una investigación de las filosofías, las razones y los mé-
An Artist of the Floating World, 2003
todos de los individuos y las comunidades que imaginan
4 libros y 5 vasos, pieza única
el futuro. Esta investigación cargada de fuerza concep-
Cortesía del artista y Vitamin Creative
tual se transforma posteriormente en objetos, imágenes,
Space
instalaciones, situaciones o textos. En 2006 organizó un
4 books and 5 glasses, 2003, Unique
taller de escritura con Leif Magne Tangen en el Project
Courtesy of Heman Chong & Vitamin
Arts Center de Dublín y de él surgió PHILIP, una novela
Creative Space
rial Waller, Cosmin Costinas, Rosemary Heather, Francis
Down and Out In the Magic King-
McKee, David Reinfurt y Steve Rushton. Heman Chong
dom, The Book of Revelation, Eleven
ha celebrado exposiciones individuales en NUS Museum
Kinds of Loneliness, The Book of
(Singapur), Kunstverein Milano (Milán), Motive Gallery
Laughter and Forgetting, 2009
(Ámsterdam), Hermes Third Floor (Singapur), Vitamin
Creative Space (Cantón), Art In General (Nueva York),
Project Arts Centre (Dublín), Ellen de Bruijne Projects
Space
(Ámsterdam), The Substation (Singapur), Künstlerhaus
Bethanien (Berlín) y Sparwasser HQ (Berlín). Su obra
ha formado parte, además, de numerosas exposiciones
Creative Space
colectivas que han tenido lugar en espacios como los
50
SERES INANIMADOS
de ciencia ficción creada en colaboración con Mark Ae-
siguientes: Museu d’Art Contemporani de Barcelona,
Against the Day, Stopping the
Kröller-Müller Museum, Stedelijk Museum Bureau, Nam
Process, All Tomorrow’s Parties, The
June Paik Art Center, Gertrude Contemporary, Arnolfi-
Man in the High Castle, 2007
ni, Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, Museum of
Contemporary Art Denver, Museum of Contemporary
Colección particular
Art North Miami, Hamburger Bahnhof, Museo de Arte
4 books, 7 glasses, 2007, Unique
Asiático de Fukuoka, Kadist Art Foundation y Museo de
Private Collection
Arte de Daejeon. Ha participado en diversas bienales
internacionales como Momentum 6 (2011), Manifesta 8
Too Brief a Treat, Cruising Paradi-
(2010), II Bienal de Singapur (2008), Bienal SCAPE de
se, Robinson Crusoe, Lord Jim, 2011
Christchurch (2006), Bienal de Busan (2004) y X Trienal
de la India (2000), y representó a Singapur en la L Bienal
Cortesía del artista y Motive Gallery
de Venecia (2003). Representan a este artista la Motive
Gallery (Ámsterdam) y Vitamin Creative Space (Pekín/
Courtesy of Heman Chong & Motive
Cantón).
Gallery
Heman Chong
(Muar, Malaysia, 1977)
The Wind-Up Bird Chronicle, A Fall
Is an artist, curator and writer. His art practice involves an
of Moondust, Correction, Blindness,
investigation into the philosophies, reasons and methods
2008
of individuals and communities imagining the future. Char-
ged with a conceptual drive, this research is then adapted
into objects, images, installations, situations or texts. In
Space.
2006, he produced a writing workshop with Leif Magne
Tangen at the Project Arts Centre in Dublin where they co-
authored PHILIP, a science fiction novel, with Mark Aerial
Creative Space
Waller, Cosmin Costinas, Rosemary Heather, Francis McThe artist has had solo exhibitions at NUS Museum (Sin-
tary Particles, Pattern Recognition,
gapore), Kunstverein Milano (Milan), Motive Gallery (Am-
What we talk about when we talk
sterdam), Hermes Third Floor (Singapore), Vitamin Creative
about love, 2004 (2010)
Space (Guangzhou), Art In General (New York), Project Arts
4 libros y 5 vasos, pieza única.
Centre (Dublin), Ellen de Bruijne Projects (Amsterdam), The
Cortesía del artista y Motive Gallery.
Substation (Singapore), Kuenstlerhaus Bethanien (Ber-
4 books and 5 glasses, 2004 (2010),
lin), and Sparwasser HQ (Berlin). His work has also been
Unique
shown extensively in group exhibitions at the Museu d’Art
Courtesy of Heman Chong & Motive
Contemporani de Barcelona, Kroeller-Muller Museum,
Gallery
Stedelijk Museum Bureau, Nam June Paik Art Center,
Gertrude Contemporary, Arnolfini, Thyssen-Bornemisza
Everyday Life in the Modern
Art Contemporary, Museum of Contemporary Art Denver,
World, What is the artist’s role
Museum of Contemporary Art North Miami, Hamburger
today?, Protest, Intimacy, 2005
Bahnhof, Fukuoka Asian Art Museum, Kadist Foundation,
4 libros y 4 frascos de perfume,
and Daejeon Museum of Art. He has participated in nume-
pieza única.
rous international biennales including Momentum 6 (2011),
Manifesta 8 (2010), 2nd Singapore Biennale (2008), SCAPE
Space.
Christchurch Biennale (2006), Busan Biennale (2004) and
4 Books and 4 perfume bottles,
the 10th India Triennale (2000), and he represented Singa-
2005, Unique
pore at the 50th Venice Biennale (2003). Heman Chong
is represented by Motive Gallery (Amsterdam) and Vitamin
Creative Space
Creative Space (Beijing/Guangzhou). He is currently based
in New York City and Singapore. The Stone Gods, A Portrait of the Artist as an Old Man, Man in the Dark,
Death with Interruptions, 2010
De la serie “Stacking”
Colección particular
Private Collection
51
INANIMATE BEINGS
Kee, David Reinfurt and Steve Rushton. Foucault’s Pendulum, The Elemen-
Harun Farocki
(Nový Jicin, Neutitschein, República Checa, 1944)
Cineasta, videoartista e investigador de la Akademie für Bildende Künste de
Viena, vive en Berlín. Entre sus exposiciones individuales pueden citarse las
siguientes: Seven Screens: Harun Farocki—Umgießen, Osram Art Project,
Múnich, 2010; Harun Farocki: Soft Montages, Kunsthaus Bregenz, Bregenz,
2010; Harun Farocki. Against What? Against Whom?, Raven Row, Londres,
2009; Harun Farocki. 22 Films 1968-2009, Tate Modern, Londres, 2009; Harun
Farocki, Museum Ludwig, Colonia, 2009; Harun Farocki. Nicht ohne Risiko,
Sprengel Museum, Hanover, 2009; Eye / Machine I-III y On Construction of
Griffith’s Films, Galerie Thaddaeus Ropac, Salzburgo, 2007; Harun Farocki,
MUMOK - Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig, Viena, 2007; Auge / Maschine I–III, ZKM | Museum für Neue Kunst & Medienmuseum, Karlsruhe, 2004.
Así mismo, ha participado en numerosas muestras colectivas, entre ellas:
Exposed-Voyeurism, Surveillance, and the Camera since 1870, Tate Modern,
Londres, SF MOMA (San Francisco Museum of Art), Walker Art Center, Minneapolis 2010/2011; Platform 2010 “Projected Image”, Artsonje Center, Seúl,
e diffusione delle Arti, Trieste, 2010; Principio Postosí / Das Potosí-Prinzip,
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 2010; Haus der Kulturen
der Welt, Berlín, 2010; XXIX Bienal de São Paulo, São Paulo, 2010; MyWar. Partizipation in Kriegszeiten, Edith-Ruß-Haus für Medienkunst, Oldenburg, 2010;
HF/RG. Harun Farocki / Rodney Graham, Jeu de Paume, París, 2009; Bilderschlachten, Kunsthalle Dominikanerkirche, Osnabrück, 2009; Antje Ehmann,
Harun Farocki. Feastings or Flying, Moderna Galerija, Liubliana, 2009, o Deep
Play, Documenta 12, Kassel, 2007. Entre sus publicaciones destacan: Rote
Berta Geht Ohne Liebe Wandern, Colonia, 2009; Kino wie noch nie / Cinema
like never before (con Antje Ehmann), Colonia, 2006, e Imprint / Nachdruck,
Berlín y Nueva York, 2001.
[pp. 8-9]
Comparison Via a Third [Vergleich über ein Drittes], 2007
Película de 16 mm, color, sonido. 24 min
© Harun Farocki, 2007
52
SERES INANIMADOS
2010; Transitland in Trieste, Studio Tommaseo - Istituto per la documentazione
Harun Farocki
(Nový Jicin, Neutitschein, Czech Republic, 1944)
Author, filmmaker, video artist and scholar at the Akademie für bildende Künste, Vienna; lives in Berlin. Solo exhibitions (selection): Seven Screens: Harun
Farocki—Umgießen, Osram Art Project, Munich 2010; Harun Farocki: Soft Montages, Kunsthaus Bregenz, Bregenz 2010; Harun Farocki. Against What? Against
Whom?, Raven Row, London 2009; Harun Farocki. 22 Films 1968-2009, Tate
Modern, London 2009; Harun Farocki, Museum Ludwig, Cologne 2009; Harun
Farocki. Nicht ohne Risiko, Sprengel Museum, Hanover 2009; Eye / Machine I–III
& On Construction of Griffith’s Films, Galerie Thaddaeus Ropac, Salzburg 2007;
Harun Farocki, MUMOK – Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig, Vienna
2007; Auge / Maschine I–III, ZKM | Museum für Neue Kunst & Medienmuseum,
Karlsruhe 2004.
Group exhibitions (selection): Exposed—Voyeurism, Surveillance, and the Camera since 1870, Tate Modern, London, SF MOMA (San Francisco Museum of Art),
Walker Art Center, Minneapolis 2010 / 11; Platform 2010 “Projected Image,” Artla documentazione e diffusione delle Arti, Trieste 2010; Principio Postosí / Das
Potosí-Prinzip, Museo Reina Sofía, Madrid; Haus der Kulturen der Welt, Berlin
2010; 29th Bienal de São Paulo, São Paulo 2010; MyWar. Partizipation in Kriegszeiten, Edith-Ruß-Haus für Medienkunst, Oldenburg 2010; HF/RG. Harun Farocki
/ Rodney Graham, Jeu de Paume, Paris 2009; Bilderschlachten, Kunsthalle Dominikanerkirche, Osnabrück 2009; Antje Ehmann, Harun Farocki. Feastings or
Flying, Moderna Galerija, Ljubljana 2009; Deep Play, documenta 12, Kassel 2007.
Publications (selection): Rote Berta Geht Ohne Liebe Wandern, Cologne 2009;
Kino wie noch nie / Cinema Like Never Before (with Antje Ehmann), Cologne
2006; Imprint / Nachdruck, Berlin and New York 2001.
[p. 8-9]
Comparison Via a Third [Vergleich über ein Drittes], 2007
16 mm film, colour, sound. 24 min
© Harun Farocki, 2007
53
INANIMATE BEINGS
sonje Center, Seoul 2010; Transitland in Trieste, Studio Tommaseo – Istituto per
Ruth Maclennan
(Londres, 1969)
Artista visual cuya obra incluye videoinstalaciones, fotografía, libros de artista,
dibujos, espectáculos en vivo y proyectos de comisariado. Cuenta con un
máster en Bellas Artes del Goldsmiths’ College y otro en Lenguas Modernas
de la Cambridge University. Sus videoinstalaciones monocanal y multicanal
usan las performances ante la cámara y el comportamiento de la propia cámara para explorar la colisión de perspectivas dentro de una arquitectura
física, lingüística y social. Su proyecto de arte en colaboración Polytechnical
Institute for the Study of the Expanding Field of Radical Urban Life analiza el
presente y especula sobre el futuro a través de la escritura, la performance,
el cine y espectáculos desarrollados en la ciudad (www.archwaypolytechnic.
org). Su obra se ha mostrado en un gran número de exposiciones y festivales
de arte internacionales, y forma parte de diversas colecciones públicas y
privadas. Su exposición individual Anarcadia, organizada por Film and Video
Umbrella y John Hansard Gallery de Southampton, se presenta en la Stills
Gallery de Edimburgo, la Ffotogallery de Cardiff, Castlefield en Manchester
cies, The Arts Catalyst, Cornerhouse (Manchester) y A Foundation (Londres);
Central Asian Project, Cornerhouse y Space (Londres), con una gira por Asia
Central; Overawe, Foxy Production (Nueva York); Medicine Now, Wellcome
Collection; The Body. The Ruin, Ian Potter Museum (Melbourne), y State of
Mind, LSE (Londres). Ha participado, así mismo, en los festivales de cine Migrating Forms y New York Underground Film Festival. Entre las publicaciones
centradas en su obra se incluyen una nueva monografía sobre su trabajo
reciente (junio 2011, FVU y John Hansard Gallery) y un libro, Hide (junio 2011,
AIR, Central Saint Martins). Además, su obra ha sido incluida en varias monografías como Ghosting, The Role of the Archive within Contemporary Artists’
Film and Video, J. Connarty y J. Lanyon, 2006, y Potential: Ongoing Archive
(ed. de A. Harding), John Hansard Gallery, 2002. Entre sus libros de artista
pueden citarse: Polytechnical Institute for the Study of the Expanding Field
of Radical Urban Life: A Manifesto (Londres, AIR, 2007); Re: the archive, the
image, and the very dead sheep, con Uriel Orlow (Londres, Double Agents,
2004), y Style/Substance: The MaxMara Coat Project, en colaboración con
Volker Eichelmann (MaxMara, 1999).
[pp. 12-13]
Satellite Contact, 2005
Vídeo, 2 canales, sonido. 60 min
Cortesía de los artistas
54
SERES INANIMADOS
y el festival Loop en Barcelona. Entre sus exposiciones se incluyen Interspe-
Ruth Maclennan
(London, 1969)
is a visual artist whose work includes video installations, photography,
bookworks, drawings, live events, and curatorial projects. Her single
and multi-channel video installations use performance in front of the
camera and the behaviour of the camera itself to explore the collision of perspectives within a physical, linguistic and social architecture. Her collaborative art project Polytechnical Institute for the Study
of the Expanding Field of Radical Urban Life interrogates the present
and speculates on the future through writing, performance, film, and
events in the city. (www.archwaypolytechnic.org) Ruth Maclennan has
a master’s degree in Fine Art from Goldsmiths’ College and another
in Modern Languages from Cambridge University. Ruth Maclennan’s
work is shown internationally in exhibitions and film festivals, and
held in public and private collections. Her solo exhibition Anarcadia,
co-commissioned by Film and Video Umbrella and John Hansard
Cardiff, Castlefield, Manchester, and Loop, Barcelona. Exhibitions
include Interspecies, the Arts Catalyst, Cornerhouse, Manchester
and A Foundation, London; Central Asian Project, Cornerhouse, and
Space, London, touring Central Asia; Migrating Forms and New York
Underground Film Festivals; Overawe, Foxy Production, New York;
Medicine Now, Wellcome Collection; The Body. The Ruin. Ian Potter
Museum, Melbourne; State of Mind, LSE, London. Publications include a new monograph on Maclennan’s recent work, (June 2011, FVU
and John Hansard Gallery) and a book, Hide (June, 2011, AIR, Central
Saint Martins). Maclennan’s work is included in several monographs,
including Ghosting, The Role of the Archive within Contemporary
Artists’ Film and Video, J. Connarty and J. Lanyon, 2006; Potential:
Ongoing Archive, ed. A. Harding, John Hansard Gallery, 2002. Artist’s
books include Polytechnical Institute for the Study of the Expanding
Field of Radical Urban Life—A Manifesto, (AIR, London, 2007); Re:
the archive, the image, and the very dead sheep with Uriel Orlow
(London, Double agents: 2004); and Style/Substance—The MaxMara
Coat Project with Volker Eichelmann (MaxMara, 1999).
[p. 12-13]
2-channel video with sound, 60 min
Courtesy of the artists
55
INANIMATE BEINGS
Gallery, Southampton, tours to Stills Gallery, Edinburgh, Ffotogallery
Uriel Orlow
(zúrich, 1973)
Su obra explora los puntos ciegos de la representación e investiga las condiciones espaciales y pictóricas de la historia y la memoria. Trabaja con diversos medios, como el vídeo, la fotografía, el sonido y el dibujo, y crea instalaciones multimedia modulares que establecen una correspondencia entre
la investigación archivística y diferentes regímenes de imágenes y modos
narrativos. Entre sus proyectos expositivos actuales se incluyen los celebrados en el pabellón sueco de la LIV Bienal de Venecia, la VIII Bienal Mercosul
de Brasil, ACAF (Alejandría), La Rada (Locarno), Frac Aquitaine (Burdeos) y
Fondation Ricard (París). Ha realizado exposiciones y proyecciones en espacios como la Tate Modern (Londres), la III Trienal de Cantón (Museo de Arte
de Guangdong), Gasworks (Londres), South African National Gallery (Ciudad
del Cabo), el festival Loop (Barcelona), Kunsthalle (Budapest), ICA (Londres),
Jewish Museum (Nueva York), Les Complices* (Zúrich), International Short
56
SERES INANIMADOS
Film Festival (Oberhausen) y Argos (Bruselas).
[pp. 12-13]
Vídeo, 2 canales, sonido. 60 min
Cortesía de los artistas
Uriel Orlow
(Zürich, 1973)
His practice explores blind spots of representation and investigates the spatial
and pictorial conditions of history and memory. He works across media in video,
photography, sound and drawing and creates modular, multimedia installations
that bring archival research and different image-regimes and narrative modes
into correspondence. Current exhibition projects include the Swiss Pavilion at
the 54th Venice Biennale, the 8th Mercosul Biennial Brazil, ACAF Alexandria, La
Rada Locarno, Frac Aquitaine Bordeaux and Fondation Ricard Paris. Previous
exhibitions and screenings include Tate Modern London, the 3rd Guangzhou
Triennial at Guangdong Museum of Art, Gasworks London, South African National Gallery Cape Town, Loop Festival Barcelona, Kunsthalle Budapest, ICA
London, Jewish Museum New York, Les Complices* Zurich, International Short
57
INANIMATE BEINGS
Film Festival Oberhausen and Argos Brussels.
[p. 12-13]
2-channel video with sound, 60 min
Courtesy of the artists
Michael Rakowitz
(Nueva York, 1973)
Artista afincado en Chicago y Nueva York, es profesor adjunto de Teoría y
Práctica del Arte en la Northwestern University. En 1998 puso en marcha
paraSITE, un proyecto en desarrollo en el que el artista construye refugios
hinchables a medida para personas sin hogar, que se acoplan a las tomas
de ventilación del sistema de calefacción, ventilación o aire acondicionado
de un edificio. Su obra se ha presentado en espacios y certámenes de todo
el mundo, como los siguientes: P.S.1, MoMA, MassMOCA, Castello di Rivoli,
XVI Bienal de Sídney, X Bienal de Estambul, VIII Bienal de Sharjah, Bienal de
Tirana, National Design Triennial, celebrada en el Museo Nacional de Diseño Cooper-Hewitt, y Transmediale.05. Ha realizado exposiciones individuales
en Lombard-Freid Projects (Nueva York), Alberto Peola Arte Contemporanea
(Turín) y Stadtturmgalerie/Kunstraum (Innsbruck). Su proyecto público Return
fue presentado por Creative Time en Nueva York en 2006. Recibió una beca
de Creative Capital en 2008, un premio del jurado de la Bienal de Sharjah,
una beca de investigación en arquitectura y estructuras medioambientales de
Foundation y el galardón Design 21 Grand Prix de la UNESCO en 2002. Su
exposición individual The worst condition is to pass under a sword which is
not one’s own se exhibió en la Tate Modern de Londres en 2010. Su proyecto
reciente Breakup fue presentado por la Al Ma’mal Foundation for Contemporary Art en Jerusalén en octubre, y en la actualidad está trabajando en
un nuevo encargo que se mostrará por primera vez en SALT (Estambul) en
septiembre de 2011.
[pp. 10-11]
Return, 2004 - en desarrollo
Cortesía del artista y de
Lombard-Freid Projects
58
SERES INANIMADOS
la New York Foundation for the Arts en 2006, el premio de 2003 de la Dena
Michael Rakowitz
(New York, 1973)
Is an artist based in Chicago and New York City. In 1998 he initiated paraSITE,
an ongoing project in which the artist custom-builds inflatable shelters for homeless people that attach to the exterior outtake vents of a building’s heating,
ventilation, or air-conditioning system. His work has appeared in venues worldwide including P.S.1, MoMA, MassMOCA, Castello di Rivoli, the 16th Biennale of
Sydney, the 10th Istanbul Biennial, Sharjah Biennial 8, Tirana Biennale, National
Design Triennial at the Cooper-Hewitt, and Transmediale 05. He has had solo exhibitions at Lombard-Freid Projects in New York, Alberto Peola Arte Contemporanea in Torino, and Stadtturmgalerie/Kunstraum Innsbruck. His public project
Return was presented by Creative Time in New York in 2006. He is the recipient
of a 2008 Creative Capital Grant; a Sharjah Biennial Jury Award; a 2006 New
York Foundation for the Arts Fellowship Grant in Architecture and Environmental
Structures; the 2003 Dena Foundation Award; and the 2002 Design 21 Grand
sword which is not one’s own was on view at Tate Modern in London in 2010.
His recent project, The Breakup, was presented by Al Ma’mal Foundation for
Contemporary Art in Jerusalem in October, and he is currently working on a
new commission to premiere at SALT in Istanbul in September 2011. Rakowitz
is an associate professor of Art Theory and Practice at Northwestern University.
59
INANIMATE BEINGS
Prix from UNESCO. His solo exhibition, The worst condition is to pass under a
[p. 10-11]
Return, 2004 - Ongoing
Courtesy of the artist and LombardFreid Projects
Jorge Satorre
(México D.F., 1979)
Vive entre México y Ámsterdam. Tras desarrollarse como ilustrador editorial,
su trabajo recupera y pervierte métodos propios de ese campo, utilizando
las relaciones tácitas establecidas entre creador, historia, imagen y lector/
espectador como punto de partida para relacionarse e intervenir en los sitios
elegidos para su proceso. Los modos escasos de presentación que acostumbra utilizar, donde el dibujo funciona como medio principal, propician
un tipo de trabajo cuya existencia se basa más en las posibilidades de comunicación oral que en sus elementos visuales. Ha presentado su trabajo
individualmente en Le Grand Café, St-Nazaire; FormContent, Londres; Centro
Cultural Montehermoso, Vitoria; Labor, México (2010); galería Xippas, París
(2008); Process Room / Irish Museum of Modern Art, Dublín (2007) y La Casa
Encendida, Madrid (2006). Entre las muestras colectivas en las que ha participado recientemente destacan: The circulating actions of things, Bard College,
Nueva York (2011); Portscapes, Museum Boijmans van Beuningen, Róterdam;
Antes que todo, CA2M, Móstoles, Madrid (2010) y Re-Construction, 3th Young
Gasworks, Londres (2010); Le Pavillon / Palais de Tokio, París (2007-08) e Irish
Museum of Modern Art, Dublín (2007). Desde 2009 desarrolla el proyecto
Modelling standard, en colaboración con el artista Erick Beltrán.
60
SERES INANIMADOS
Artists’ Biennial, Bucarest (2008). Ha participado en residencias artísticas en
[p. 22]
The Indirect Gaze, 2009-2010
Notas del artista y proyección
de diapositivas
La clase de dibujo, 2009-2010
2 dibujos, 21 x 14,7 cm c/u
D53 (1918-2009), 2009
2 fotografías en blanco y negro,
43 x 25,3 cm c/u
Jorge Satorre
(Mexico City, 1979)
Lives in Mexico and Amsterdam. After working as a book illustrator, Jorge Satorre decided to revisit and pervert the typical methods used in this field, where
the tacit relationships established between artist, story, image and reader-spectator serve as the starting point for interrelating and intervening in the locations
where he carries out his work. Satorre’s customary repertoire of modes of presentation is quite limited, and drawing is his primary medium; the result is a type
of work based more on the possibilities of oral communication than on its visual
elements. His work has been featured in solo exhibitions at Le Grand Café, StNazaire; FormContent, London; Centro Cultural Montehermoso, Vitoria; Labor,
Mexico (2010); Xippas Gallery, Paris (2008); Process Room/ Irish Museum of
Modern Art, Dublin (2007); and La Casa Encendida, Madrid (2006). Satorre has
also participated in a number of group shows, most recently: The Circulating
Actions of Things, Bard College, New York (2011); Portscapes, Museum BoijRe-Construction – 3rd Young Artists’ Biennial, Bucharest (2008). He has been an
artist-in-residence at Gasworks, London (2010), Le Pavillon/ Palais de Tokyo, Paris (2007-08) and the Irish Museum of Modern Art, Dublin (2007). Since 2009 he
has been working on the project Modelling Standard with the artist Erick Beltrán.
61
INANIMATE BEINGS
mans van Beuningen, Rotterdam; Antes que todo, CA2M, Móstoles (2010); and
[p. 22]
The Indirect Gaze, 2009-2010
Artist’s notes and slide projection
La clase de dibujo, 2009-2010
2 drawings, 21 x 14.7 cm each
D53 (1918-2009), 2009
2 black-and-white photographs,
43 x 25.3 cm each
INÉDITOS 2002
INÉDITOS 2005
José Marín-Medina
I(De)Ntimidados
Cultivos
Transurbancia
INÉDITOS 2003
INÉDITOS 2006
Salaverría
Contemporáneo
Financieras
Ignacio Estella
Terraplane Blues
Empieza el juego
Susana Blas
Javier Marroquí
INÉDITOS 2004
INÉDITOS 2007
Armando Montesinos
Víctor Zarza
Afinidades secretas
Sanz
Hiperrealidad
Bofarull
Habitance
Bugallo
62
INÉDITOS
INÉDITOS 2008
INÉDITOS 20II
Jurado:
Maribel López
Seres inanimados
Muñoz
y Luz Santos
INÉDITOS 2009
Álter egos
63
INÉDITOS
INÉDITOS 20I0
Oscuro y Salvaje
Stephen Vitiello
Trallero
De Zines
Óscar Martín
64

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