Plastica del Siglo XX

PLASTICA DEL
SIGLO XX
ESCUELAS PICTORICAS
PREGUNTAS Y RESPUESTAS
Proposición del libro de Fernán Meza, entregado a José
Camplá el 14-10-2009, como pre-proyecto para impresion
concurso Juvenal Hernandez
1
2
3
impresionism
Textos acerca del impresionismo
El nombre proviene del cuadro de manet “ impresión del sol naciente, mostrado en la primera exposicion del grupo
en 1874 en el taller del fotografo Nadar
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Na feu facil ip eugiam voloreraese duismodolore modo
odiamcon ulla consecte min
henismo dolobore dolesed tat,
conse magna faccum zzriureet
ipis num eum elisim exerit ute
digna am zzrit praestie core
feummol uptate el dolendr eratum autatie digna facin ut iure
ming et dolortie min henibh
esequamet acidui tie duis ea
feuisit numsandiatin exero cor
adit atem delisim augiat. Re
consequ ismodo odolummy
num aute vel ullamet, core
ero ea faccum vel ipiscilit
la faciIm dolortinit nullaore
dolortie dipsusto commod
modipis nit dolessi scilis am
nit nisit wis dit, quamcor sum
euip el ent nullum volorem
vel eum adiat. Lessi esequip
sustrud essit lor aut utpat. Ercil
iniat. Ut praesto esed dunt
vullam, quis endre conse feum
diat, consequat. Pit, qui eugue
vel dolobor iustrud delis am
quisis ex eum volent luptat lut
exercilit erciduis nos nim dip
ea amcorem quis et nullamet
nullut nulla facin etum dolore
tat prat num ing eratuercip ex
ea aut ad do odolendre magna
mo
Nombre: IMPRESIONISMO
El nombre proviene de un cuadro de Monet: “Impresión del sol naciente” mostrado en la primera exposición del grupo, en 1874 en el
taller del fotógrafo Nadar.
Un crítico: Louis LeRoy para ridiculizarlos los bautizó “Impresionista”.
QUÉ ES EL IMPRESIONISMO
Una escuela de pintura que surgió en París en el último cuarto de siglo XIX, que se caracterizó por la búsqueda de la instantaneidad,
la luz y el movimiento. Los motivos son elegidos y pintados al aire libre, con pinceladas cortas y ligeras, el color negro se elimina de la
paleta, las sombras pasan a ser violáceas. En principio al ojo le cuesta leer las imágenes impresionistas. La pintura ha ingresado al
lenguaje propio de la pintura, comienza a alejarse de la realidad objetiva y fotográfica.
DE DÓNDE VIENE EL IMPRESIONISMO
Sus parientes mas próximos son los pintores de la escuela de Barbizon, que, se alejaron de los temas históricos y se acercaron a la
naturaleza.
Cabe considerar también:
1
Que la pintura se ha sobresaturado con los cuadros históricos hechos dentro del taller con modelos vivos, inmóviles, iluminados en
forma convencional, ejecutados por pintores formados en el dibujo de los yesos clásicos.
2. La invención de la cámara fotográfica permite a la pintura apartarse de su papel de “Testimonio”, los impresionistas se adelantaron
a ésta en la búsqueda de lo “instantáneo”.
A DÓNDE VA EL IMPRESIONISMO
El impresionismo nos lleva a los problemas propios de las pinturas, despojando ésta de la anécdota, al “Puntillismo”, por evolución
natural, al “Intimismo” por los contrarios, (la misma técnica pero interiores: Bonnard y Vuillard).
EL IMPRESIONISMO
AMA
La luz
El aire libre
Lo efímero
Delacroix
ODIA
El claro-oscuro
El estacismo de los cuadros históricos
Burgereau
aqui 8 exposiciones impresionistas
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cezanne
ecole de batignol
Ed magnim veros ad ea faci blametu ercillutpat, quatie dolent velessi.
Exeros ad digna ad minci tate facinissent ulputpat doluptat augait aliquis sequam exerat. Dui tio commolo rperius cillut in vel iustin ero eu feu feugiamet praessenit venis
augiatue mod tet utpat in velit vent praessequat. Duisiscil ut wisl in volobore facipsustie core minibh et alit ut ulla faccum dolortionsed erit illa cortissed exero consect
etummolore min henim eraesed magnim incip eum vulluptat wis nonsequisit nibh euipsusci etum quisit velisit, conulputpat. Na commy nim quissen iamcommy nonulla con
henim delisl in veliqui ex exerit prat essi.Sandre ex et, quam zzrit alis nit augiati sciliquam ex etue ming exerili quamcon sectem eugiat. Aciliquip ea feu facin ullan enisi.
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Ibh et diat aute modolutpat la consectem eugait dolorpero con ullan
henim vel ipis atet vendit vel er si
eugait praeseq uismodo doluptat la
feuiscillam, con henisi.
Tinci blam inim niscin ea consenibh ea
faccum iure mod modit, quat vullaorperat autpat eu feuis nullam, sequisl
et adit, quat, quating ero od esenit
am, velisse digna con veliquis nulla at.
Dolore dunt ea feugait luptat dolore
dipsuscil in ulla faccum at.
In henim autet, quisi. Ugiate velisl
utpat. Ut lore dunt nos nullut veros
nonsed molor augait utem dolum
sisley por renoir
1839 - 1899
Edgar Degas
1834- 1917
caillebote
cassat autoretrato
claude monet
1840 -1926
pissarro 18301903
bazille
berta morisot
manet 1832 1883
Unt aut utpatum sandit pratem ametumsan henit niam nulla feu feugue
et nonsenis accum vendit lum quam
illuptat, quatum dolorperos nonum
vero euis ad delent ut volobor alit aut
eummolor iure vel ent nonsequis alit
prate te magna feugiam, con henit lor
accum dunt nullamconse tionsequat
endio eniam, vel ex el del et, si.
Ex eui blamet, quis aliquis modolum
iniam, sit wiscing enim at. Rud magnisi
ex eum vulput iureet, commy nonum
veliquat.
Tue magnim iure tem ent inim vel
ulluptat aut iure tio consequipit v
ESTOS SON LOS IMPRESIONISTAS
Edward Manet (1832 – 1833); Claude Monet (1840 – 1926); Pierre Auguste (1841 – 1919),
Alfred Sisley (1839 – 1899); Camille Pizarro (1830 – 1903); Edgar Degas (1834 – 1917);
Susana Valdon (1834 – 1938) y Berta Morisot (1841 – 1995).
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post impresi
Nombre: POST-IMPRESIONISMO
Obvio: Después del Impresionismo
8
ionismo
QUÉ ES EL POST-IMPRESIONISMO
No es una escuela, ni una tendencia, ni un grupo con un programa común, habitualmente se define con este nombre a cuatro pintores
cuyo trabajo se desarrolla a fines del siglo XIX, que conociendo, estando vinculados y basándose en algunos descubrimientos de los
impresionistas, llevan más adelante estas experiencias. Pero insistimos, estos cuatro pintores no tienen un patrón común, ni pueden
agruparse en paquetes (con excepción de Seurat, que se hermana con Signac) como lo hacemos con todas las tendencias que aquí
mostramos.
INSISTIMOS
Estos artistas no tienen entre sí un común denominador están impulsadas por distintas y personales obsesiones.
DE DÓNDE VIENE EL POST-IMPRESIONISMO
En gran parte proviene del Impresionismo, compréndase, que, sin Impresionismo, no había POST Impresionismo, considérense también
influencias muy importantes y distintas en cada caso: Millet en la formación de Van Gogh y la estampa japonesa en Gauguin, véase
también como Seurat continua por un lado la evolución natural del Impresionismo reduciendo la pincelada ligera de ésta a su expresión
mínima: el punto. Por otro lado, trabaja a la inversa, dándole un vigor científico a la espontaneidad, tamizando “la impresión” en forma
cerebral.
De la misma manera Cezanne trabaja la idea de los contrarios, estructurando, introduciendo al Impresionismo en márgenes
geométricos.
DE DÓNDE VIENE EL POST-IMPRESIONISMO
OJO: Muy importante. Aquí están los fundamentos de la mayor parte de las expresiones pictóricas que surgirán en los 50 años
venideros. En Van Gogh están los gérmenes del Expresionismo y de la pintura de acción, Gauguin es el “padre” del movimiento Nabí y
el más importante pilar del Fauvismo de las experiencias de Seurat se nutrirán los Futuristas y los pintores geométricos y en Cezanne
están los antecedentes del Cubismo y la pintura óptica.
A DÓNDE VA EL POST-IMPRESIONISMO
Por no constituir un grupo con un programa común la pregunta no tiene vigencia. Al revés, sí podemos decir que estos pintores fueron
“odiados”, rechazados por su medio contemporáneo, que su éxito artístico y comercial durante su vida fue igual a cero. Reivindicados
post-mortem, son amados por los pintores modernos y ellos son tal vez los “pintores modernos” sobre quienes más se haya escrito,
(exceptuando a Picasso), constituyendo incluso sus vidas personales una leyenda.
ESTOS SON LOS POST-IMPRESIONISTAS
Paul Cezanne
(1838 – 1906), Paul Gauguin (1848 – 1903), Vincent Van Gogh(1853 – 1891), Georges Seurat (1859
1891)
–
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puntillismo
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Nombre: PUNTILLISMO
Este nombre se refiere a la técnica aplicada por este grupo de
pintores. Ellos se llamaron a si mismos “Neo Impresionistas”.
QUÉ ES EL PUNTILLISMO
El puntillismo es una técnica creada por Seurat, que consiste
en llenar las figuras de un cuadro estructurando previamente
con pequeños toques regulares de color puro. El pincel no se
desplaza por el cuadro para dejar superficie o línea de color, sino
que se apoya sobre la tela para dejar una mínima mancha.
Los colores no se mezclan en la paleta, sino en la retina del
espectador.
DE DÓNDE VIENE EL PUNTILLISMO
El Puntillismo es hijo legítimo del Impresionismo; las manchas
evolucionan hasta hacerse punto.
La espontaneidad contra evoluciona para hacerse racional
(gracias a las enseñanzas estructurales de Cezanne y a las
teorías ópticas de Cheweul y Maxwell.
A DÓNDE VA EL PUNTILLISMO
El Puntillismo, el Neo Impresionismo o mejor dicho la obra de
Seurat, es una de las bases de muchos de los movimientos
pictóricos posteriores: Futurismo, Arte Op
Su creadorGeorge Seurat (1859 – 1891)
Su teórico Paul Signac (Autor de “Delacroix al Neo Impresionismo”)
(1863 – 1835).
PUNTILLISMO
A M A ODIA
Lo cerebral
improvisación
Lo científico
La
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simbolismo
12
Nombre: SIMBOLISMO
Con esta denominación se conoce a un grupo de artistas particularmente franceses de las dos últimas décadas del siglo 19, cuya
característica es su predilección por el misterio, la magia y su inspiración en la Biblia y la mitología.
QUÉ ES EL SIMBOLISMO
El Simbolismo es un “estado mental”, más que un estilo, su campo de acción la literatura y la pintura, ésta última se hace “literaria”,
tiende a la descripción de los sentimientos y estados de conciencia del artista, que recrea el mundo exterior como proyección de su “yo”,
convierte el arte en un paraíso artificial de lujo y refinamiento.
DE DÓNDE VIENE
Su antecedente literario más próximo está en los poetas malditos franceses Rimbaud (
En pintura, los nazarenos y los pre-rafaelistas buscaron una expresión poética.
-
), Verlaine (
-
), Mallarme (1842 – 1898).
El arte trata de suscitar emociones espirituales en obras de carácter místico – enigmático. La pintura recrea un paraíso artificial de lujo
y refinamiento, (véase a Klimpt, El Beso) Lo ornamental predomina sobre la realidad.
A DÓNDE VA EL SIMBOLISMO
A influir a todos los artistas que desean la posibilidad de escapar de la realidad diaria, así como vemos caracteres simbolistas en muchos
artistas cuyo aporte fundamental fue hacia otras tendencias: Paul Gaugin (1848 – 1903), Edward Munch (1863 – 1944), Auguste Rodín
(1840 – 1917).
Aquí podríamos incluir incluso al Picasso de la época azul, en donde el uso del color es más emocional que descriptivo, y cuyas figuras
son mas bien símbolos de la condición humana más que retratos.
EL SIMBOLISMO
AMA
Las religiones
El mito y la leyenda
Lo misterioso
Lo decorativo
Lo exótico
Los mitos
Lo sensorial
ODIA
La realidad
Lo cotidiano
La política
Lo intelectual
La objetividad
ESTOS SON LOS SIMBOLISTAS Gustavo Moreau (1826 – 1898), Odilon Redon
(1840 – 1816), Puvis De Chavannes
Nota: Muy importante advertir que el “SIMBOLISMO” está continuamente limitado con el “ART NOUVEAU”.
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ART NOUVEAU
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Nombre ART NOUVEAU
Es el nombre de una tienda de objetos de artes que abrió Samuel Bing a fines
del siglo XIX en París, el estilo se llama también Jugendstil, Stile Florale Metro
Style, Sezessine, Modernismo Liberty.
Nombre ART NOUVEAU
Es el nombre de una tienda de objetos de artes que abrió Samuel Bing a fines del siglo XIX en París, el estilo se llama también Jugendstil,
Stile Florale Metro Style, Sezessine, Modernismo Liberty.
QUÉ ES ART NOUVEAU
Es un estilo que se desarrolla entre fines del siglo XIX y la Guerra Mundial, una moda que abarca todas las expresiones arquitectónicas,
artes aplicadas, artes gráficas, vestuario y marca la vida cotidiana de esa época.
DE DÓNDE VIENE EL ART NOUVEAU
a) De un anhelo de “Modernidad” de la burguesía de fines del siglo XIX.
b) De las ideas de William Morris (1834-1896), iniciador del movimiento “ART AND CRAFTS” que aspiraba a crear objetos de calidad,
reaccionando contra los malos diseños de la era de las máquinas y la fabricación en serie.
c) De la influencia del exotismo de los países de Oriente, el cual conoce Europa a través de sus colonias.
A DÓNDE VA EL ART NOUVEAU
A agotarse por saturación y sobrecargo, a extremar su amaneramiento. Por oposición engendra el “SPRIT NOUVEAU” el “PURISMO”,
la expresión simplemente funcional.
(Un repunte de las formas florales “ART NOUVEAU” se produce en la década del 60 en las expresiones hippies y el Arte Sicodélico).
ARQUITECTOS
Antonio Gaudí (1852-1826), Víctor Horta (1861-1947), Joseph Obrich (1867-1908), Joseph Hoffmann (1870-1956), Hector guimard
(1867-1842), Henry Van de Velde (1863.1857).
GRÁFICOS
Alfonse Mucha (1860-1939), Audry Beardsley (1872-1898), William Bradley (1865-1962).
AMA
La ornamentación
La elegancia
La
sofisticación
ARTES DECORATIVAS
Lo sinuoso
René Lalique (1860-1945), Louis Tiffany (1848-1933), Emile Gallé (1846-1904)
Lo exótico
La retórica
Las formas florales
EL ART NOUVEAU
Los cisnes y los pavos reales
PINTURA
Gustax Klimp (1862-1818) Jean Toorop (1858-1928)
ODIA
Las
superficies
puras
y
la
línea
recta
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art deco
ART DECÓ
NOMBRE
El término se utilizó por primera vez en la “Exposición
Internacional de Artes Decorativas Modernas”. París 1925. Su
popularización y la extensión de su significado se produjo en
1966, con ocasión de la retrospectiva “Los años 25”, realizada
en el Museo de Artes Decorativas de París. Antes de su
acuñación se usaron las expresiones: Borax, Jazz Moderne,
Aztee Airlines y Zickzackj Ugendstil.
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QUÉ ES
Con este nombre se conocen las manifestaciones “artísticas”, el vestuario, el cine, la decoración, la mueblería, la alfarería, la tipografía,
etc. que representan las aspiraciones de la clase media en la etapa comprendida en las dos décadas de las dos guerras mundiales
(1920-1940).
DE DÓNDE VIENE
Su origen es tan híbrido como lo es el propio “Art Decó”. Entre sus antepasados están el movimiento “Arts and Crafts” y el “Art Nouveau”
elementos decorativos egipcios, aztecas e incas; también préstamo de movimientos plásticos contemporáneos como cubismo, futurismo
y Bauhaus, pero sólo en los aspectos formales, escenográficos, sin comprensión de su contenido. Todo está tomado en el sentido de
“moda”.
A DÓNDE VA
A morir de muerte natural, sin gloria y sin siquiera un nombre a no ser el de “Art Moderne” con que se denomina a sí mismo, como se
denominaron a si mismo todos los estilos “de turno”. A revivir en la nostalgia de los que fueron niños en la década 30 – 40, que inventaron
un sentimiento de simpatía hacia el mal gusto: el “camp”.
AMA
El jazz
La letra Z
El zigzagueo
Los zigurats
Lo ornamental
Lo geométrico
ODIA
Lo simple
Lo elemental
Lo natural
REPRESENTANTES
Algunos personajes “Decó”: Josephine Baker (1906 – 1975), Marlene Dietrich, Fred Astaire, Adolphe Menjou, George Gershwin, Cole
Porter (1802 – 1964). Voluntariamente nos abstenemos de mencionar a los artistas mayores: el pintor Fernand Leger (1881- 1955), el
escultor Arno Breker (1900…), el diseñador de vestuario de los ballets rusos Leo Bakst (1866 – 1924), pues caería fuera del “espiritu”
Decó.
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BAUHAUS quiere decir “Casa de la Construcción”. QUÉ ES LA BAUHAUS
La Bauhaus es una Escuela de Arte y Arquitectura fundada por Gropius en 1919,
en Weimar, lugar en que funcionó hasta 1925, año en que se trasladó a
Dessau hasta 1932 a un edificio construido por el propio Gropius.En
1933, en su último año de existencia su sede fue una vieja fábrica
de material telefónico, allí fue clausurada definitivamente por
el nacismo. DE DÓNDE VIENE LA BAUHAUS En alguna forma,
es una respuesta positiva, un enfrentamiento optimista
a la derrota sufrida por los alemanes en la 1º Guerra
Mundial (es el antípoda del Dadá). Es también
la proyección de la personalidad de un gran
pedagogo: Walter Gropius. Su origen
físico: la Escuela de Bellas Artes de
Weimar, cuyo último director fue
Van De Velde, que a la vez era
el arquitecto del edificio
donde
funcionaron
ambas escuelas.
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A DÓNDE VA LA BAUHAUS El objetivo del Gropius era: “encontrar una nueva actitud que despierte una
conciencia creadora, que lleve a una nueva posición ante la vida”. Sin embargo, contra su voluntad se
gestó “Estilo Bauhaus”, y se calcaron sus planes de estudio. Es importante destacar que con posterioridad
a la clausura de la Bauhaus en Berlín, algunos de los profesores de ésta, trataron de prolongar su espíritu,
en USA. Joseph Alberts en 1933, trabajó en Black Mountain College (Carolina del Norte) y posteriormente
enseñó en Harvard y Yale. En 1937 llegó Gropius a Harvard a dirigir la sección de Arquitectura, haciendo
de éste y el M:I:T: (Massachusetts Institute of Technology)UNA PROLONGACIÓN DE LA BAUHAUS
Pero tal vez la más legítima sucesora de la Bauhaus sea la “New Bauhaus” de Chicago fundada en 1931, a
la cabeza de la cual estuvo Moholy-Nagy por sugerencia del propio Gropius. La “New Bauhaus no alcanzó
a durar un año, pero todo el plantel de profesores fundó el “School of Design” que en 1944 se llamó
“Institute of Design” incorporándose al “Illinois Institute of Technology”, instalándose posteriormente
en el “Crown Hall”, proyectado por Mies Van Der Rohe”, donde el propio Mies ejerció como maestro.
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AMA La libertad creadora El servicio al hombre El oficio ODIA El dogmatismo El arte y el arte La improvisación
futurismo
QUÉ ES EL FUTURISMO
QUÉ ES EL FUTURISMO
El futurismo es un movimiento artístico – literario – musical, que tuvo también eco en la arquitectura, el diseño industrial, la tipografía y la
moda, que se desarrolló en Italia entre 1910 y los comienzos de la primera guerra mundial (14 – 18), cuya característica más relevante
fue la búsqueda del movimiento y la velocidad.
Esta idea está muy bien expresada por Marinetti: “Declaramos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una nueva belleza
de la velocidad, un automóvil de carrera, un automóvil rugiente que parece correr sobre una estela de metralla es más hermoso que la
victoria de Samotracia.
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DE DÓNDE VIENE EL FUTURISMO
Por una parte proviene de la filosofía de Nietzche y de algunas ideas de D’Annunzio, en las cuales se inspiró Marinetti para escribir sus
manifiestos.
Desde el punto de vista formal los pintores aplicaron en forma mecánica algunos de los descubrimientos plásticos de los puntillistas y
de los cubistas.
Por otra parte, el Futurismo debe considerarse como una reacción al estancamiento cultural en que se había sumido Italia durante el
siglo IXX.
A DÓNDE VA EL FUTURISMO
A ninguna parte, es una explosión que se consume en su propio juego.
Razones: Los manifiestos de Marinetti, aunque brillantes están hechos a priori, lo mismo cabía decir de los escritos de Boccioni y Russolo
más épicos que programáticos, más altisonantes que posibles.
Los manifiestos; es decir, los planteamientos tienen más vuelo que las realizaciones.
Los Futuristas de alguna manera se convierten en propagandistas de la guerra y muchos de sus conceptos sirven de publicidad al
facismo y trabajan luego en pro de la política de Mussolini. El mismo Marinetti es candidato junto con Mussolini en las elecciones de
1919 y publicó en 1924 “Futurismo y Facismo”.
EL FUTURISMO
ESTOS SON LOS FUTURISTAS
AMA
ODIA
Un teórico: Filippo Tommaso Marinetti (1876 – 1944)
El vértigo
La sociedad
3 pintores
burguesa
Giácomo Balla
(1871 – 1958)
Lo temerario
El desnudo
Carlo Carra
(1881 – 1966)
artístico
Gino Severini
(1881 – 1966)
Las grandes ciudades industriales
Lo estático
La guerra
Las mujeres
1 escultor (pintor y autor de manifiestos)
Umberto Boccioni (1881 – 1916)
1 arquitecto (1888 – 1916)
Antonio Saint’Elia (1888 – 1916)
(Obra teórica: Manifiesto de la Arquitectura Futurista)
1 músico y pintor
Luigi Russolo (1885 – 1947)
(Obra teórica: Manifiesto del ruido)
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cubismo
22
Nombre CUBISMO
Término empleado despectivamente por el crítico Louis Vauxelles en 1909 para referirse a unos cuadros de Braque.
QUÉ ES EL CUBISMO
El Cubismo es una tendencia artística, referida principalmente a la pintura, que se desarrolla en las dos primeras décadas del siglo XX
(fecha de nacimiento 1907, con “Las señoritas de Avignon de Picasso”). Resulta absolutamente imposible definir el Cubismo con una
sola frase. Se ha dicho que es la búsqueda de la 3º dimensión en pintura, o que el artista se mueve mientras el modelo permanece
inmóvil, esto no es exacto y no ayuda a la comprensión del Cubismo. Desde luego los artistas nunca dijeron lo que era el Cubismo, no
publicaron un manifiesto, ni se unieron en torno a un programa, el grupo es bastante heterogéneo y las explicaciones acerca de sus
propósitos vinieron del campo de la literatura, particularmente el poeta Guillaume Apollinane.
Para contribuir a la mayor desorientación del lector transcribimos la clasificación de las 4 tendencias que distingue Apollinane en el
Cubismo:
1.
Cubismo científico: “Es el arte de pintar conjuntos nuevos con elementos extraídos no de la realidad de la visión, sino de la realidad
del conocimiento”.
2.
Cubismo físico: “Es el arte de pintar conjuntos nuevos con elementos sacados en su mayoría de la realidad visual”.
3.
Cubismo Orfico: “Es el arte de pintar conjuntos nuevos con elementos extraídos no de la realidad visual, sino enteramente creados
por el artista y dotados por el de un poderoso realismo”.
4.
Cubismo Instintivo: “Es el arte de pintar conjuntos nuevos, sacados no de la realidad visual sino de aquella otra que sugiere al artista
el instinto y la intuición.
23
purismo
24
PURISMO
Por identificarse esta tendencia por la pureza, la claridad y el orden.
¿QUÉ ES?
El Purismo es una escuela pictórica nacida en 1918 con el encuentro de los artistas OZENFANT y JEANNERET, quienes se proponen
rescatar la pintura de su época, la que considera caótica y reducida a un orden geométrico. Textualmente manifiestan: “El Purismo no
expresa las variaciones, sino lo invariable”.
¿DE DÓNDE VIENE?
El Purismo es una consecuencia, un subproducto, una continuación del Cubismo, aún cuando nace un movimiento opuesto a las últimas
expresiones de esta tendencia; particularmente contra el Cubismo sintético y el Cubismo órfico. Los puristas se proponen retornar el
Cubismo hacia su orden original. La introducción de papeles regados (papiers collés) y otros materiales del período “sintético” (19131914) y la explosión cromática de los “orfistas” es considerada por ellos “impura” y plantean la vuelta a los principios básicos del Cubismo,
el abandono de la individualidad, la fantasía y el decorativismo.
El Purismo al igual que todos los “ismos” proviene de la necesidad de los pintores de marcar un destino al arte, su obra va acompañada de
manifiestos, ellos se proponen purificar la plástica conduciéndola por el camino de una belleza funcional similar a la de las máquinas.
¿QUÉ ODIA?
Odia la ambigüedad, la impureza formal y el trastorno o alienación de las cosas. Odia al Cubismo, principalmente sintético y al órfico.
¿QUIÉNES SON LOS SUYOS?
Amedée Ozenfant
Le Corbusier
25
pintura inge
titulos en mayuscula y negrita
26
enua
Nombre
Neoprimitivisno, Art Naive, Arte instintivo, Pintura de Domingo, Pintura Popular, Pintura espontánea, las causas de estos nombres se explican por si
solos.
¿Que es?
Denominamos con estos nombres los cuadros de los pintores que no tienen “cultura pictórica”, que pintan espontáneamente sin haber pasado por
escuelas o academias. Los cuadros se reconocen por la ausencia de conocimiento de las leyes de la perspectiva, y la insistencia en detalles que el ojo
“conoce” pero no capta, por la frescura infantil del tema y su tratamiento.
El arte ingenuo es un arte realizado por “ingenuos”, ingenuos en el mundo del arte, es decir, adultos que tienen un oficio ajeno al del arte y la cultura,
de extracción modesta, sin educación o autodidactas tardíos.
De donde viene
Los pintores ingenuos y su pintura ingenua han existido siempre. Lo nuevo es la valoración que se hizo de este arte hacho por aficionados. Recordemos lo ya dicho en la ficha de “Impresionismo”: La invención de la cámara fotográfica permitió a la pintura liberarse de su papel de testimonio.
Este es el origen de los ISMOS. La valoración de la pintura ingenua proviene principalmente de dos referentes.
a) Del Surrealismo y los poetas Surrealistas.
Los surrealistas valoraron las expresiones del instinto, la libertas y la mezcla de elementos de distintos mundos. El hecho de que Rousseau haya colocado una mujer desnuda en un sofá en medio de la selva es una confirmación de la frase de Lautreamont, tan venerada por Bretón: “Bello como el
encuentro fortuito de un paraguas y una máquina de coser en una mesa de disección”. Alfred Jarry y Guillaume Apollinaire fueron amigos y admiradores de Rousseau. Ambos fueron retratados por él.
b) De Picasso y los cubistas.
Picasso fue el “inventor” de Rousseau, lo difundió y lo promovió, lo presentó al mundo artístico en una fiesta que se hizo famosa en el taller que
tenía con Braque, “El barco lavador” Entonces fue cuando Rousseau le dijo:”nosotros somos los màs grandes pintores del momento, yo en el estilo
moderno y usted en el estilo egipcio”. Picasso y los cubistas se interesaban entonces por el arte negro y por las expresiones primitivas, muy opuestas
a la pintura intelectual que Picasso y sus seguidores profesaban en ese momento: el cubismo.
aA DONDE VA
zA ninguna parte, simplemente es una constante que se da en todos los países, con mayor o menor calidad. Es valorada por los intelectuales y despreciada en los medios no cultos.
Hay que reconocer también que la pintura ingenua puede constituir un “estilo” y ser practicada por artistas no tan ingenuos como sería de desear.
Representantes.
En todos los países hay pintores ingenuos, pero estos son los consagrados, todos franceses:
Henri Rousseau (1844-1910), Camille Bombois Seraphine (1811-1910), Louis Vivin (1861-1936)
27
expresionism
Nombre: EXPRESIONISMO
El término fue popularizado y divulgado por la revista
“DER STURM”, alrededor de 1910, el director de ésta,
HERWARTH WALDEN comenzó a utilizar las palabras
Expresión y Expresionismo.
28
mo
QUÉ ES EL EXPRESIONISMO
El Expresionismo es un espíritu que se desarrolló durante los años 1910 a 1925 en Europa particularmente en Alemania, en donde fue
aniquilado por el nacismo.
Los artistas expresionistas no desean copiar la realidad, sino proyectarse a través de su obra. Es “su” realidad interna lo que expresan.
Es la realidad “subjetiva” de las cosas la que retratan. Y las deformaciones que producen van dirigidas al “alma” y no a los ojos del
espectador.
DE DÓNDE VIENE EL EXPRESIONISMO
En pintura tiene dos puntos de apoyo: Van Gogh y Matisse de quienes toman el uso libre y arbitrario del color. De Van Gogh las formas
de pincelada y lo que es más importante el
Un punto de apoyo muy importante para la formación del movimiento Expresionismo fue la aparición, en 1908, de la obra de Worringer
“Abstracción y Empatía”.
A DÓNDE VA EL EXPRESIONISMO
El alejamiento del reflejo de la realidad visual por la valuación de la realidad interna, por lo psicológico, la búsqueda de lo puramente
expresivo, lleva a una valoración de lo “feo”, (o mejor dicho a un replanteo de la belleza) que a la larga no sólo influye en el arte y la
literatura, sino incluso en el vestuario y en “estilo” moda de los cuales el más extremado es el “Punk”.
En pintura, particularmente por el nombre con que fueron bautizados estos pintores no podemos dejar de considerar a los Expresionistas
Abstractos, como una evolución de el Expresionismo.
PINTORES EXPRESIONISTAS
EDUARD MUNCH
Noruego
(1863 – 1844)
JAMES ENSOR
Belga (1860 – 1939)
EMIL NOLDE
Alemán
(1867 – 1956)
CINE EXPRESIONISTA
Paul Ewgener
Robert Weine
Joseph Stemberg
Fritz Lang
El Golem
El gabinete del Doctor Caligari
El ángel azul
Metropolis
AMA
ODIA
Lo teatral
Lo racional
Lo psicológico
Lo clásico
Lo exasperante
Lo equilibrado
La distorsión
El espíritu expresionista está latente en Drácula y las películas de vampiros, en los trabajos de los enfermos mentales, de los alienados,
de los neuróticos, en las situaciones límites de dolor y angustia.
29
expresionism
30
mo abstracto
EXPRESIONISMO ABSTRACTO
¿QUÉ ES?
Expresionismo abstracto es el nombre genérico con que se designa al movimiento pictórico nacido en Nueva York en 1945, cuya
característica es su informalismo (pintura abstracta, no geométrica) y su fe en el “acto de crear”. Aquí el pintor debe entregarse a sus
instintos y a los movimientos que estos generan. Esto último hace que sus telas sean en general de grandes dimensiones.
¿DE DÓNDE VIENE?
Fundamentalmente se deriva de la idea de automatismo psíquico, planteada por Breton en su primer manifiesto surrealista, publicado
en 1924 (ver ficha cultural, surrealismo) y es una consecuencia natural de las tendencias abstractas iniciadas por el Cubismo, las que
van alejándose cada vez mas de la realidad exterior. Se dice que también que deriva lejanamente de la caligrafía china, en la cual el
movimiento del brazo y de la mano (gesto) tiene una gran importancia y se “congela” en una forma.
Es importante también destacar el momento de desorientación política que se vivía en Estados Unidos a consecuencia de una guerra
recién finalizada.
El camino de los pintores de entonces era: (1) el realismo social, una pintura de lucha y de denuncia; (2) la pintura racionalista,
testimonio y reflejo de la vida americana diaria; (3) la pintura no dice nada, la pintura abstracta que ya tenía mucho desarrollo en
Europa, que se conocía escasamente en Estados Unidos y que se difundió con violencia con la llegada de un grupo de artistas de
vanguardia de primera línea, figuras clave del arte moderno, exiliados de Europa a causa de la Guerra. Entre otros: Breton, Ernst,
Lipschitz, Mondrian, Masson, Matta.
¿A DÓNDE VA?
Al triunfo total de las posibilidades de la no-objetividad, modificando la cultura visual del mundo occidental. Lo que en arte fue
absolutamente escándalos en los años 20, pasa a ser rutinario a fines de los 40 y gastado y académico a fines de los 50.
Es importante destacar que a causa del expresionismo abstracto, por primera vez un grupo de pintores norteamericanos, hacen que
su país trascienda universalmente en el campo del arte, y hacen de Nueva York un centro de vanguardia, quitándole el cetro que París
había conservado por tantos años.
¿QUIÉNES SON LOS SUYOS?
Estas son las figuras más importantes del expresionismo abstracto en Norteamérica:
Jackson Pollock, 1912-1956
Mark Rothko, 1903-1970
Adoph Gottlieb,
1903-1974
William Baziotes, 1912-1963
31
neo plasticis
32
smo
33
suprematism
PONER FRASESDEL MANIFIESTO + NEGRO SOBRE BLANCO
34
mo
Nombre SUPREMATISMO
Supremacía absoluta de la sensibilidad plástica pura despojada de toda
descripción naturalista, y de objetiva ajeno al arte.
QUÉ ES EL SUPREMATISMO
El Suprematismo es un movimiento pictórico iniciado por Malevich en
1915 enla Exposición “0.10” presentada en la galería Dogichina de
Petrogrado. En donde expuso su cuadrado negro sobre fondo blanco
que para él representa el sentimiento de la no-objetividad, lo colgó en
una esquina, como un ícono religioso.
El Suprematismo se desarrolla hasta 1918 y finaliza con el cuadrado
blanco sobre fondo blanco.
DE DÓNDE VIENE EL SUPREMATISMO
El Suprematismo es el último peldaño del cubismo, que llega a la absoluta
no-objetividad, liberando completamente a la pintura de la naturaleza.
Muy importante destacar la relación de Malevich con los cultores del
ZAUM (trabajo en conjunto en el montaje de “Victoria sobre el sol”) estos
habían despojado el significado en el lenguaje en su poesía puramente
fonética.
Ama un mundo sin objetos.
A DÓNDE VA EL SUPREMATISMO
De alguna manera el Suprematismo toca fondo en el abstracción.
Todos los pintores posteriores a Malevich que realizan cuadros
monocromos o con intervenciones geométricas (Al Reindhart, Barnet
Newman), no hacen más que repetir el gesto realizado antes por
Malevich.
ESTOS SON LOS SUPREMATISTAS : KASIMIR MALEVICH 1878 –
1835.
Sus discípulos de Unovis ILIA CHASNICK 1902 – 1929
NIKOLAI
SUETIN1897 – 1954
NINA KOGAN 1887 - 1942
35
constructiv
36
vismo
¿QUÉ ES?
El Constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico
que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente
después de la Revolución de octubre.
¿DE DÓNDE PROVIENE?
De la influencia de las vanguardias artísticas de principio de siglo
de Europa occidental como fueron el Impresionismo, el Cubismo
o el Futurismo. La experimentación por parte de los artistas
rusos dio como resultado nuevos movimientos como el Cubo –
Futurismo , el Rayonismo, el Suprematismo y el Constructivismo
Ruso.
¿QUÉ AMA?
La industria, la revolución, la utopía de una nueva sociedad, la
igualdad, la geometría, el orden, los colores primarios, el trabajo
colectivo, las propiedades de lo material.
¿QUÉ ODIA?
El arte como producción de objetos ornamentales.
¿QUIÉNES SON LOS SUYOS?
Vladimir Tatlin, Iakov Chernijov, Alexander Rodchenko, Konstantin
Melnikov, Moisei Ginzburg, Moisei Klutsis, entre otros.
¿HACIA DÓNDE VA?
La vanguardia artística rusa comienza a ser perseguida bajo
el gobierno de Stalin, y se impone el Realismo Socialista como
única forma de expresión artística.
37
muralismo
38
mexicano
Nombre.
Su nombre proviene de que son pinturas o grabados hechos sobre muros y paredes, son de gran tamaño.
Aunque el muralismo tiene raíces milenarias no es sino a fines del s. XIX y principios del XX, específicamente entre 1910 y 1920 cuando toma auge
este movimiento pictórico también llamado “Pintura de realidad social”.
¿Que es?
El muralismo es el punto de partida del esfuerzo de Méjico en la pintura, viene a acabar con la falta de originalidad existente en el arte mejicano,
característica de la cultura colonial.
Es más que todo una de corte político social, donde se refleja la injusticia, la guerra, marchas de liberación, etc.
Como su auge vino después de las guerras revolucionarias, la mayoría de sus integrantes forman parte de ejércitos revolucionarios., lo que les permitió acumular y estudiar rostros desfigurados, cuerpos colgados de las ramas de los árboles, profusas escenas de muerte, destrucción y libertinaje, es
decir una serie de experiencias visuales que más tarde plasmarían en sus murales y cuadros.
También esta escuela recoge mitos aborígenes y horrores feudales de la colonia. Enalteció el arte, los oficios y las costumbres nativas.
De donde viene
Se puede decir que nace de la necesidad del hombre de decorar sus alrededores, paredes, su entorno.
Pero específicamente podríamos hablar del Méjico precolombino, entre el año 300 y 900, donde los Olmecas, un pueblo que aparte de su arquitectura de plataformas y pirámides, se destacaron en la pintura de murales de gran tamaño
Además de los Olmecas, en el sudoeste de la región Oaxaca los Mixtecas también hicieron murales, pero es con los Mayas que la pintura mural
alcanza un grado de excelencia.
La tradición pictórica continua aun bajo el dominio español.
AMA
Representar batallas de conquista, independencia, reforma, invasión francesa y de la revolución mejicana.
Arte monumental, por que el arte es propiedad de todos.
Nacionalismo
ODIA
Representar temas que no fueran mejicanos. Pintores de caballete y todo el arte aristocrático.
¿Quiénes son?
José Clemente Orozco, Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, Rufino Tamayo, Jean Charlot, Jorge Gonzales, José Luis Cuevas, José Chavez Morado, Alfredo Zalce, Miguel Covarrubias, Pablo O´Higgins, el doctor ATL, Julio Castellano, Carlos Merida, Ramón Alva de la Canal, Fernando Leal.
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MURALISMO NORTEAMERICANO
40
Thomas Hart Benton
41
Nombre DADÁ
DADA
La palabra nació el 8 de febrero de 1916 en el café Voltaire, al introducir un cortapapeles en un “petit La
designa a un caballito de balancín.
QUÉ ES EL DADAÍSMO
Dadá niega todos los valores, incluyendo el Dadaísmo. Dadá no crea un estilo. Más que la obra interes
Dadá fomenta el uso de materiales inusuales (desperdicios…)
DE DÓNDE VIENE EL DADAÍSMO
Su filosofía es el anarquismo. Bakunin dijo: “La destrucción también es creación”.
Dadá tiene su origen en el desencanto de toda una generación que sufrió la destrucción de la primera gu
Los dadás ascienden a obra de arte algunas técnicas infantiles, tales como el collage y el frottage, y t
(palabras en libertad) poemas fonéticos o música de ruidos.
DADÁ
ODIA
El sentido común
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Las leyes de la lógica
La belleza clásica
El orden establecido
arousse”. Allí se define Dadá como el primer balbuceo de un niño o como este
sa el gesto (poner bigotes a la Monalisa, declarar obra de arte a un urinario…)
uerra mundial.
toman en préstamo algunos recursos de los futuristas, tales como tipografías
43
surrealismo
TRABAJAR IDEA :
44
Nombre: SURREALISMO
El término quiere decir más allá de la realidad, fue utilizado por primera vez por Apollinaire, éste subtituló “Dramas Surrealista” a su obra
de teatro “Les Mamelles du Tirasais.
QUÉ ES EL SURREALISMO
En su primer manifiesto Bretón lo define así:
Puro automatismo psíquico por el que se intenta expresar, ya sea verbalmente o por escrito la función verdadera del pensamiento.
Pensamiento dictado en ausencia de todo control ejercido por la razón, y al margen de toda preocupación moral o estética.
Nosotros diremos que es una corriente artística surgida en los años 20, pero mejor se comprendería como una forma de sensibilidad,
como una ideología, a veces como una “religión”.
Ojalá que el estudiante capte, en estas líneas tan breves, la existencia de un “espíritu” surrealista que va más allá de los márgenes de
duración de esta escuela, que comprenda que trasciende mucho más allá de los límites del arte.
DE DÓNDE VIENE EL SURREALISMO
Sus parientes literarios más próximos en el tiempo son Nerval, Bardelaire, Lautremont, Rimbaud, Jarry, Apollinaire, su padre plástico
inmediato De Chirico, aunque entre sus antepasados cuentan con pintores tales como: Bosch (1940 – 1516); Archimboldo (1527 – 1593);
Francisco Goyos (1746 – 1817); Blake (1778 – 1827) y escritores como Lewis Carrol y el Marqués de Sade.
El movimiento surrealista nació directamente del Dadaísmo, sus iniciadores fueron jóvenes poetas que militaron en esas filas: Aragón,
Soupault, Desnos, Peret, Crevel y el principal Bretón, el teórico autor de los manifiestos, que se constituyó también en patrón y Papa del
Surrealismo incorporando o excomulgando a sus militantes.
IMPORTANTE: Si nos preguntamos de dónde viene, sería incompleta la respuesta si no mencionamos a Freud, con cuyas teorías se
familiarizó Bretón durante la 1º Guerra Mundial, en que siendo estudiante de medicina debió trabajar con soldados con alteraciones
mentales. Interesándose entonces por los sueños y los problemas del subconsciente.
A DÓNDE VA EL SURREALISMO
A influir en todas las expresiones humanas, la decoración, la ciencia, la pedagogía y hasta el humor se replantean bajo el espectro del
Surrealismo.
A crear no sólo una nueva literatura, sino también una nueva perspectiva para juzgar las obras literarias del pasado.
Sin el Surrealismo, no habrían podido surgir ni el Expresionismo Abstracto, ni el Pop, ni el Camp.
45
pop art
46
Nombre: POP
Abreviación de la palabra “popular” usado por primera vez por el crítico inglés Laurence Alloway en 1955, para referirse a un grupo que
exponía en el “Institute of Contemporany Arts” de Londres.
QUÉ ES EL POP
Una corriente artística, una moda, una forma de vida, una “filosofía” de un sector de la juventud norteamericana de la década de los años
60, una “toma de poder” imponiendo sus gustos.
El Pop es una expresión típica de país opulento; de sociedad de consumo, no tiene nada que ver con la cultura política, está ligado a la
Norteamérica de los Kennedy, como podría estar el realismo socialista a la Unión Soviética de Stalin.
DE DÓNDE VIENE EL POP
El Pop tiene antecedentes muy directos en el “Dadá” algunos críticos lo han llamado “Neodadaísmo”. Tienen el común denominador de
la espontaneidad, el humor y la irreverencia; pero ahora con otros signos, lo que asustó en los años 20, divierte en los 60
El Pop tiene contra antecedentes en el arte no objetivo que ha agotado al público con manchas y formas abstractas, reaccionando ante
esto el espectador quiere ver, tocar, reconocer.
PARA DÓNDE VA EL POP
Todavía no podemos verlo en perspectiva, su apogeo está muy cercano, lo que vemos si es que ha liberado y refrescado el Arte, por su
falta de temor en el empleo de los medios y las mezclas.
ESTOS SON LOS POPS
Los realizadores: Robert Rauschemberg (Texas
1925); Claes Oldemburg (Estocolmo 1929); Jim
Dive (Cincinatti 1935); Roy Lichtenstein (Nueva
York 1923); Rosenquist (Dakota 1923);Andy
Warhol (Filadelfia 1930); George Segal (Nueva
York 1926); Tom Wesselmann (Cincinatti
1931); Eduard Kienholz (Estado de Washington
1927).
EL
POP
ODIA
Los tontos graves
Lo opaco
La reverencia
Las obras clásicas
El cine-arte
Y en general todo lo “artístico”.
EL
POP
AMA
LA
VIDA
DE
TODOS LOS DÍAS
47
op art
48
49
hiperrealism
50
mo
51
minimalismo
¿Qué es el minimalismo?
en su ámbito más general, es referido a cualquier cosa que se haya desnudado
a lo esencial, despojada de elementos sobrantes, o que proporciona solo un
esbozo de su estructura. Es la tendencia a reducir a lo esencial.
¿De donde viene?
De la adjetivación que dio el Filósofo William Wolheim en 1965 a las pinturas
de Ad Reinhardt y los ready-mades de Marcel Duchamp.
De norteamérica (reacción al pop art)
De la post-guerra (pacifista)
Del Constructivismo (abstracción)
De la práctica del ascetismo (principalmente en doctrinas fisolófico-religiosas)
De la filosofía de Mies Van Der Rohe (less is more)
De la impersonalización del vínculo obra-artista de Lazlo Moholynagy (llegó a
dictar por teléfono las indicaciones para hacer sus obras)
De la estandarización
De la modulación
De la explotación del aburrimiento del espectador (video de 24 horas de la
parte superior del Empire Estate)
52
¿A dónde va?
A hacer del arte un deleite sólo para “inicicados” dispuestos a aburrirse artísticamente.
A conformar parte importante de la estética masiva contemporánea.
A resistirse a la muerte sobre el barco del mercado, llevando consigo los últimos referentes teóricos de la arquitectura moderna, con los últimos referentes del neoclásico. (¿paradoja pop art?)
Importancia
“…Constituir una estética de la limpieza, ejemplarizar los valores del aseo y la seguridad de la clase media” <<textual de Harold Rossemberg en su
ensayo “Timpo de Museo”>>.
A partir de 1965, Joseph Kosuth realiza sus primeras “pre-investigaciones”. Estas propuestas consisten en trabajos constituidos
Representantes Sol Lewit (N.
Series:
obra
fabricada en industria
segpun
instrucciones
del artista
por1923)
un objeto
y sus
representaciones:
la fotografía
y la
definición, sacada
de un diccionario, fotografiada y ampliada. Una y tres
Donald Judd, Dan Flayin (N.
1923):
Sin
título:
Tubos
de
neón
sobre
estructuras
regulares
sillas es una de sus piezas más conocidas. Con este tipo de obras, el artista conceptual pone de manifiesto que no es en absoluto
Joe Baer Darby Bannard .Thomas
Deyle
, Helen de
Frankenthaler(1),
representante
de la segunda
de la
de los campos
de color,
en- neutros
necesaria
la creación
determinados objetos,
pues resulta
suficientegeneración
la definición
depintura
tales objetos.
La elección
de objetos
marcada en la Abstracción postpictórica.
o cotidianos -sillas en este caso- se relaciona con la necesidad de desacralizar el objeto y alejarlo de cualquier connotación decoPeter Haley
rativa.
Donald Judd(2), conocido principalmente como escultor, también realizó cuadros minimalistas.
Ellsworth Kelly(4), que se distingue
por sus
cuadros
hard edge,
esto es,
borde duro oanalíticas.
de perfil limpio.
Como afirma
el propio
Kosuth,
“las obras
de pintura
arte sondeproposiciones
Es decir, si son vistas dentro de su contexto -como
Peter Laly
arte- no proporcionan ningún tipo de información sobre ningún hecho. Una obra de arte es una tautología por ser una presentación
Sol LeWitt, también escultor
de las intenciones del artista, es decir, el artista nos está diciendo que aquella obra concreta de arte es arte, lo cual significa que es
Morris Louis(3), representante
la segunda
deque
la pintura
campos
de color,
en la Abstracción
una de
definición
del generación
arte. Por eso,
es arte de
es los
ya una
verdad
a priorienmarcada
(que era precisamente
lo quepostpictórica.
Judd quería decir al constatar
Brice Marden
que “si alguien dice que es arte, lo es”)”. Reacciona contra el formalismo de las artes objetuales, estableciendo una separación
Agnès Martin, canadiense. completa entre estética y arte. Apoyada en una escisión previa entre percepción y concepto, conduciendo de este modo el objeto a
Robert Mangold
su máxima desmaterialización.
Robert Morris
Barnett Newman(5), miembro
de la
Escuela
Nueva aYork,
pionero de la colorfield
(pintura
de los de
campos
de color).
El arte
ante
todo, de
se dedica
crearyproposiciones:
“una obrapainting
de arte es
una especie
proposición,
presentada dentro del contexKenneth Nowland, representante
de lacomo
segunda
generación sobre
de la pintura
losconceptual,
campos de color,
enmarcada
envinculación
la Abstracción
postpictórica.
to del arte
un comentario
arte”. Eldearte
por tanto,
no posee
alguna
de tipo referencial con el
Jules Olitski
mundo y las cosas. Al arte no le interesan los resultados obtenidos, sino el operar en sí mismo. El arte sólo existe en el contexto
Hernández Pijuan
del arte, pues “el arte existe por su propia búsqueda”, es una función de sí mismo y de ninguna otra cosa.
Robert Ryman
Frank Stella, miembro de laBibliografía
Escuela de Nueva York; desarrolló el shaped canvas, esto es, el lienzo dado forma, traduciéndose la expresión, a veces,
como «tela modelada».
Larry Zox
Kosuth, J. (1974), Investigations
sur l’art et problématique depuis 1965. París. Musée d’Art Modserne de la Ville de París.
Odia
Ama
Marchán Fiz, s. (1994),
Del
arte
objetual
al arte de concepto. Madrid. Akal. 6ª ed. col. Akal/Arte y estética 4. 483. P
La espontaneidad
La Lógica
Milleyt, C. (1972), Textes
sur l’art conceptuel. París. Ed. De Templon
El sentimiento
El número
VV.AA. (1990), L’art
Laconceptuel,
expresión une perspective. Catálogo de la exposición. París. Musée d’Art Moderne de la Ville de París.
El método
La inteligencia
Percepciones | Historia del arte | Estética
53
ARTE CONCEPTUALSILLA:
(Del lat. sella).
54
1. f. Asiento con respaldo, por lo general con cuatro patas, y en
que solo
cabe una persona.2. f. silla de niño.3. f. Aparejo para montar a
caballo,
formado por una armazón de madera, cubierta generalmente de
cuero y rellena
de crin o pelote.4. f. sede (? asiento o trono de un prelado con
jurisdicción).5. f. Dignidad de Papa y otras eclesiásticas.
6. f. coloq. ano.~ bastarda.1. f. La usada en tiempos antiguos, y
que se
distinguía principalmente porque en ella se llevaban las piernas
menos
estiradas que cabalgando a la brida y más que cabalgando a la
jineta.
~ curul.1. f. La de marfil, en donde se sentaban los ediles romanos.
2. f. La que ocupa la persona que ejerce una elevada magistratura
o dignidad.
~ de caderas.1. f. ant. silla con respaldo y brazos para recostarse.
~ de extensión.1. f. Cuba y Ven. tumbona (? silla con largo respaldo).
~ de la reina.1. f. Asiento que forman entre dos personas con las
cuatro
manos, asiendo cada uno su muñeca y la del otro.~ de manos.
1. f. Vehículo con asiento para una persona, a manera de caja de
coche, y el
cual, sostenido en dos varas largas, es llevado por hombres.2. f.
Chile, Col.
y C. Rica. silla de la reina.~ de montar.1. f. silla (? aparejo para
montar a
caballo).~ de niño.1. f. silla baja sobre ruedas, que, empujada por
una
persona, permite transportar a un niño acostado o sentado.~ de
posta.
1. f. Carruaje, de dos o de cuatro ruedas, en que se corría la posta.
~ de ruedas.1. f. La que, con ruedas laterales grandes, permite
que se
desplace una persona imposibilitada.~ de tijera.1. f. La que tiene
el asiento
por lo general de tela y las patas cruzadas en aspa de manera que
puede
plegarse.~ eléctrica.1. f. silla dispuesta para electrocutar a los reos
de
muerte.~ gestatoria.1. f. silla portátil que usa el Papa en ciertos
actos de
gran ceremonia.~ jineta.1. f. La que solo se distingue de la común
en que los
borrenes son más altos y menos distantes, las aciones más cortas
Qué es?
Movimiento artístico iniciado a mediados de los sesenta en el que, en palabras del artista Sol LeWitt Kizae, prevalece la idea o el
concepto como la parte más importante del trabajo. Cuando un artista utiliza una forma conceptual de arte, significa que todo el planteamiento y las decisiones están hechos de antemano; la ejecución es un asunto superficial. La idea se convierte en una máquina que
hace el arte.
De dónde viene?
De la reacción al formalismo, con antecedentes en los ready mades de Marcel Duchamp y el dadaísmo en general. Se atribuyen
como representantes los artistas agrupados en torno al expositor norteamericano Seth Siegealub pero principalmente a la obra “una y
tres sillas” de Joseph Kosuth de 1965 (en la foto), donde muestra una silla, la foto de una silla y un texto con la definición de silla como
total de la obra.
A dónde va?
A dejar una impronta indeleble en la mayoría de los movimientos actualmente vigentes por su auténtica profundidad y su apertura de
campo representativo, pues admite prácticamente cualquier soporte comunicacional.
Qué ama?
•
•
•
•
•
•
Como su nombre lo dice, el concepto
La reflexiòn
La teoría del arte
La irreverencia
La comunicación cognitiva
La multiplicidad de soportes
Qué odia?
•
•
•
•
La expresión
El formalismo
Los dogmas
La objetualización de la obra
Quienes son los suyos?
Joseph Kosuth, Walter de María, Richard Long, Gilbert y George, el grupo Art y Lenguaje, Weiner. Del punto de vista teórico principalmente Sol LeWitt Kizae.
55
process art
56
Qué es?
Una modalidad artística surgida en la década de los 70, cuya preocupación está centrada en el proceso de la obra de arte y no el
resultado de ésta.
De dónde viene?
Tal vez su origen mas lejano está en los “métodos automáticos” impulsado por los surrealistas y aplicado posteriormente a los pintores de acción. Pero aquí el método no constituye una expresión. Pero aquí el método no constituye una expresión subconsciente, sino
que por el contrario es la elección de un sistema cuyo proceso se puede leer posteriormente.
A dónde va?
A transforma al artista en una máquina de hacer arte. Una vez que el artista elige una idea, se carga con ésta y se procesa para llevarla a cabo sistemática y maquinalente sin consideraciones estéticas del resultado.
Su importancia
La obra de arte, en general se ha juzgado por los resultados. El valorar sólo el proceso, crea un replanteo de los valores que incluso
puede tener vigencia en otros campos: Pedagogía, Ciencia… Es probable también que de alguna manera el process art sea el resultado o reflejo de los sistemas de computación.
El process art se interesa solamente por los medios. El process art prescinde de los resultados. El process art dramatiza el acto creativo.
Obras y Autores
(1)En una caja de madera que contiene una grabación de sonidos de su construcción. Su autor, Robert Morris, también representante
del arte ecológico.
(2)Plomo diluido diluido vertido en el ángulo que forman el muro y el suelo. Al fraguar, el plomo constituye una escultura. Autor: Richard
Serra
(3)Dos minutos de pintura tirada al suelo directamente en el pote de spray que la contiene. Obra de Lawrence Weiner.
(4)Un cuaderno que contien las copias Xerox sucesivas iniciadas con una copa en blanco y luego la copia de ésta y de las próximas que van aumentando gradualmente su textura. Nombre de la obra:”Xerox Box”. Autor: Ian Burn
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body ART
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Qué es?
Es aquel arte que utiliza el cuerpo, pero aclaremos, el cuerpo del artista como obra de arte.
Esta tendencia es reciente, nació a mediados de los sesenta, de tal modo que sus límites, como el “arte conceptual” no están bien
definidos, muchos autores lo incluyen dentro de este. Algunos autores también lo llaman Behaviour art, es decir, el arte del comportamiento.
De dónde Viene?
Viene muy directamente de los Happenings y por lo tanto desciende en línea directa del dadaísmo.
Al igual que todas las últimas tendencias el body art tiene una gran deuda con Duchamp: este, al fotografiarse con como Rhose Zhelavi, o con cuernos de jabón, o jugando ajedrez con una mujer desnuda, estaba en el mismo juego que a la vuelta de dos décadas
realizaran los artistas del body art.
Qué hacen los artistas del Body Art?
La modalidades del body art han sido clasificadas por Simón Marchant en su libro “Del arte objetual al arte del concepto 1960-1974”
(comunicación Serie B N| 17, Alberto Corazón editor) distingue 3 tipos de body art según se relacione con: a) la antropología, b) la
fenomenología, c) La cinésica.
Del dolor del drama del sadismo
Proviene del teatro del Gran Guiñol, de la obra del Márquez de Sade del cine cruel.
Vito Acconti (N1931) se aplasta escarabajos contra el pecho, muerde con furia su propio cuerpo.
Dennis Oppenheim, por medio de presiones de aire comprimido, produce deformaciones momentáneas en su cara y su cuerpo (Presiones de Aire 1974 ). O bien muestra su rostro aterrorizado, mientras que de lo alo le tiran piedras, tratando naturalmente de no dar
con el blanco (Circulo de Miedo 1970 ).
Pero sin dudas la mas cruel de las obras de arte en general y del body art en particular Rudolph Schwarzkuger, su obra consistió en
automutilarse el sexo centímetro a centímetro mientras un fotógrafo dejaba el testimonio para la posteridad y para la Expo Documenta
5 ( Kassel 1972 ), en donde se mostraron las fotos como un homenaje póstumo a este artista que murió victima de automutilaciones
posteriores.
Este primer grupo de artistas del Body Art que es mucho mas extenso de lo que aquí mostramos , dirige sus obras al instinto del espectador, los dos artistas que a continuación presentamos dirigen su trabajo a la inteligencia ( y por lo tanto son mas conceptuales ).
59
60
II
De la ironía, la idolatría y el narcisismo
Proviene de la literatura crítica, del teatro político y del arte del manifiesto. Sus representantes, dos ingleses, uno aparentemente de 30 y otro de 40 (
que ambos nacieron en 1942 ): Gilbert y George, quienes estudiaron escultura, resolvieron transformarse a si mismos en esculturas vivientes y parlantes haciendo de cada uno de sus actos una obra de arte.
Ellos son los elementos constantes de un “paisaje artístico” que fotografían y difunden a través de las revistas de arte. Sus conversaciones se graban y
sus momentos cotidianos se filman en video, Gilbert y George son ídolos de los jóvens ingleses; en retribución, estas “esculturas vivientes” ironizan y
critican las instituciones tradicionales de las cuales ellos son beneficiarios muy directos.
III
De la Investigación del Campo Visual
Este último grupo proviene de la gimnasia, la mímica y la pintura geométrica. Ellos andan en busca de las relaciones de su cuerpo con el plano, el
video – que es su medio de expresión- . Los muestra horizontales, verticales, acercándose o alejándose de un muro, entrando o saliendo a “escena”.
Uno de sus cultores, K. Rinke, refiriéndose a sus “Demostraciones Primarias” ( 1973 ) declara que en ellas se propone “ definir su cuerpo con relacion al espacio”.
¿Cuál es la importancia del Body Art?
Al igual que todas las expresiones del arte conceptual, se trata de un serio y sincero esfuerzo por liberar el arte del mercantilismo y de su sometimiento a la ley de la oferta y la demanda. En el hecho no a ocurrido así, aunque parezca paradojal, el arte conceptual y el body art han resultado también
un buen negocio para los comerciantes del arte.
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LAND ART
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Nombre
Una simple definición explica la razón del nombre: “Arte ecológico es arte que se realiza con tierra o en la tierra”.
¿Que es?
Diríamos que es una… tendencia artística -con objeto de no comprometernos con una definición que lo califique de escultura o pintura-, desarrollada
a fines de los años 60, cuyo campo de acción y materia prima es la naturaleza. Se caracteriza por ser no comercial o de difícil comercialización. En
EE.UU. Donde ha surgido, cuenta con el patrocinio de la EAT (Experiments in Art and Technology)
De donde viene
El arte ecológico ha sido practicado desde siempre por los agricultores: arando, sembrando, cosechando, cercando o arborizando han hecho dibujos
y esculturas con la naturaleza. Basta tomar un avión y observar el agro desde lo alto para aprender la perfección de estos diseños. Sin embargo, tal
vez por su falta de sofisticación, o por tener intereses extraartísticos, los campesinos inconsientemente han ignorado su calidad de artistas ecológicos.
Otros precursores de estos movimientos han sido los asistentes a los museos, que no conformes con consumir arte, consumen maní y otras golosinas,
cuyas cáscaras y envases tiran al suelo, creando sobre este una textura de desperdicios.
-Esta costumbre fue observada por Walter de María, quien como artista la llevó a lo que consideró su conclusión lógica: en 1968 depositó en una
galería de arte una tonelada y media de tierra, cubriendo totalmente el piso, iniciando de esta manera la era del “arte ecológico”
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