Nº11 MAY 2015 · Trilogía Mad Max · Quentin

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Nº11 MAY 2015 · Trilogía Mad Max · Quentin
Nº11
MAY
2015
PUBLICACIÓN GRATUITA
OPERACIÓN TRUENO
LICENCIA PARA MATAR
CASINO ROYALE
007 AL SERVICIO DE SU MAJESTAD
MOONRAKER
EL MUNDO NUNCA ES SUFICIENTE
ZOOLANDER
CICLO
QUENTIN
TARANTINO
KILL BILL
PULP FICTION
JACKIE BROWN
DJANGO DESENCADENADO
PLANET TERROR + DEATH PROOF
RESERVOIR DOGS
MALDITOS BASTARDOS
VUELVEN LAS BEER&PIZZA NIGHTS
CON LA SESIÓN MÁS CRAZY
EL REGRESO DEL GUERRERO DE LA CARRETERA
Conmemoramos el 120 aniversario de Gaumont con un ciclo A SU ALTURA
SUMARIO
EDITORIAL
03 CICLO JAMES BOND
Allá por septiembre de 1979, vi mi primera película de
Bond en pantalla grande; una especie de rebufo de
Star Wars que sus productores se sacaron de la manga
a toda prisa. Moonraker, que así se titulaba la nueva
entrega de 007, estaba protagonizada por Roger Moore,
alias “El Santo”, junto a un villano granguiñolesco
apodado “Tiburón”, el titánico Richard Kiel. Aunque años
después pude leer en revistas especializadas que esta
entrega se consideraba una payasada, a los ojos de un
chaval de 10 años fue toda una fiesta para los sentidos.
Y, desde luego, marcó mi fascinación por el personaje.
En aquellos años existía en Barcelona un montón de
cines que nos brindaban reestrenos en época estival.
Fue así como descubrí al genuino Bond, Sean Connery,
al que habían elevado al Olimpo en comparación con
ése al que consideraban un bufón. Sea como fuere, la
saga Bond inspiró muchos de mis sueños cinéfilos. Era
una cita bianual que provocaba largas cola en los cines
de todo el país. Este mes de mayo, y coincidiendo con
el aniversario del nacimiento de Ian Fleming, hemos
querido rendir homenaje a Bond, James Bond, ese
nombre ya mítico encarnado, hasta la fecha, por seis
actores muy diferentes entre sí. Así pues, os invitamos
a descubrir una parte fundamental en la historia del cine
contemporáneo, y de paso un recorrido por la cultura
popular de los últimos 50 años.
14 LAS 50 CARAS DE JAMES BOND
24 MAD MAX
34 CICLO QUENTIN TARANTINO
58 BEER & PIZZA NIGHT: ZOOLANDER
64 120 AÑOS DE GAUMONT
68 PROGRAMACIÓN
Director
Nacho Cerdà
Editora
Sandra S. Lopera
Redacción
Pablo Mérida, José Antonio Pérez Guevara, Carlos Murcia,
Jaume Miranda, Erika Tiburcio Moreno, Coral Ferrero,
Pablo García Márquez, Misael Sanroque, Javier J. Valencia,
Bartholomew Quint, La reina Margot, Faust de Winter
Diseño y maquetación:
Miki Edge
Nacho Cerdá
Director de Phenomena Experience
Contacto
[email protected]
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Por Bartholomew Quint (www.elcinedesdelacuna.com)
Celebramos el aniversario del escritor Ian Fleming dedicando un ciclo a su personaje más popular: James Bond. La programación
estará formada por films de cada uno de los actores que han dado vida al agente 007.
Sábado 2 18:30h OPERACIÓN TRUENO
Domingo 3 18:15h LICENCIA PARA MATAR
Sábado 9 18h CASINO ROYALE
Sábado 23 18:15h 007 AL SERVICIO DE SU MAJESTAD
Sábado 30 19:45h MOONRAKER
Domingo 31 18h EL MUNDO NUNCA ES SUFICIENTE
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Esta película, la cuarta de una saga en pleno éxito nada
esperado en su inicio, contó con el mayor presupuesto
hasta la fecha, ganó el Oscar a los mejores efectos visuales
y consiguió ser una de las más exitosas y rentables. Su
director, Terence Young, ya había moldeado a Connery en
las dos primeras películas, a imagen y semejanza del perfil
descrito por Fleming. El autor había muerto en 1964 pero
las lineas de la saga se habían definido: la organización
SPECTRE, el espía cínico y entregado a su patria y un sinfín
de gadgets y chicas para hacer la aventura ágil y dinámica.
Fleming escribió Operación Trueno en 1961 junto a Jack
Whittingham y Kevin McGlory, quien retuvo los derechos
de la novela originando una de las sonadas pugnas legales
que ha sufrido la saga, hasta 1983, insólito año en que el
Reino Unido produjo dos Bonds: Octopussy, de la saga
oficial con Roger Moore, y Nunca digas nunca jamás,
basada en Operación Trueno, con una vuelta extraoficial de
Connery dirigido por Irvin Kershner, quien gozaba de éxito
tras estrenar El imperio contraataca en 1980. El título venía
a propósito de la frase que dijo el propio actor cuando, en
1971, consiguió deshacerse del personaje tras Diamantes
para la eternidad.
OPERACIÓN TRUENO (1965)
Ian Fleming
VIVIENDO AMANECERES
Ian Fleming concebió a principios de los 50 el espía más famoso del mundo en su novela Casino Royale, y pronto se
visualizó como material para trasladar a la pantalla. La Guerra Fria era el campo de batalla para desarrollar las aventuras
del espía británico elegante, frío, cínico, atractivo e inteligente más definitivo. Albert R. Broccoli y Harry Saltzman, y su EON
Productions, lanzaron en cine a James Bond, el agente 007 del MI6 al servicio de Su Majestad, en la franquicia más rentable
y longeva del cine, que aportó seis rostros para ese mismo personaje.
Seis actores han perfilado a Bond dentro de la saga oficial de 24 películas en más de cinco décadas desde Agente 007 contra
el Dr. No (1962), a los que añadimos Barry Nelson y David Niven, quienes fueron Bond, respectivamente, en 1954 en TV y en
1967 en adaptaciones extraoficiales de Casino Royale. Ocho prototipos de un mismo héroe ficticio que ha generado estudios
especializados sobre el personaje y su mundo, por su destacada y dilatada incidencia en la cultura pop y el consumo de
masas. Podemos considerar que se nos ofrece un mismo personaje con un rostro para cada época y seguramente para cada
gusto. ¡Tomaos vuestras licencias y dejaos llevar por los seis tonos de voz oficiales de Bond, James Bond!
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Mr. Kiss-Kiss Bang-Bang: El Bond más cínico
El escocés Sean Connery estableció los cánones del
agente secreto en 1962. Con Operación Trueno (1965), el
actor consolidó el mito, otorgándole una considerable dosis
de cinismo, exhibido en escenas como la del baile mortal
en el club “Kiss-kiss Bang-bang”, cuyo nombre daba título
a un tema para los créditos iniciales de la película pensado
primero para Shirley Bassey, pero que fue grabado
finalmente por Dionne Warwick, y al final descartado.
Esta versión del tema inicial se incluyó en un recopilatorio
por razón del 30 aniversario de la saga. Los productores
cambiaron sus ideas sobre la canción principal y el tema
“Mr. Kiss-kiss Bang-bang” pasó a oirse sólo en versión
instrumental en algunas escenas, y fue Tom Jones quien
pasó a dar el do de pecho, hasta la extenuación, para los
títulos de crédito iniciales con el tema “Thunderball”.
Operación Trueno hizo gala de impactantes escenas
acuáticas y paisajes caribeños. Se había consolidado un
equipo técnico y de actores dedicado a la saga para la
continuidad como son Richard Maibum (guionista), John
Barry (compositor) o Ted Moore (fotografía) y los actores
Bernard Lee (M), Desmond Llewelyn (Q) y Lois Maxwell
(Moneypenny).
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007 AL SERVICIO SECRETO
DE SU MAJESTAD (1969)
Desde Australia con amor:
El Bond más romántico.
En 1967 Connery quiso desvincularse de 007 tras rodar Sólo
se vive dos veces, y los productores oficiales contrataron
a un desconocido modelo australiano que parecía dar la
talla. Entre los muchos candidatos ya sonó el nombre de
un demasiado joven Timothy Dalton, y Roger Moore, quien
estaba atado al contrato de la serie El Santo, pero fue
George Lazenby por quien se apostó para interpretar una
película que se ajustara más que ninguna hasta la fecha a
la novela elegida: Al servicio secreto de su Majestad.
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Lazenby compuso un Bond que no fue aceptado por una
parte del público y de la crítica por ser capaz de abandonar
su deber por el matrimonio. Pese a ello, la película fue
una de las más rentables de 1969, y posee pequeñas
cualidades que con el tiempo han sido mejor valoradas. El
film fue planteado como un reinicio de la saga, con inclusión
de escena-homenaje a todas las anteriores películas, cuyos
referentes quedan guardados simbólicamente en un cajón.
Con el mismo simbolismo, los títulos de crédito, compuestos
por el habitual Maurice Binder, aparecen en una singular
composición con todos los anteriores diseños en un
significativo reloj de arena. John Barry también repetiría
como compositor oficial de la saga por sexta vez, definiendo
el sonido Bond para toda la saga desde que Monty Norman
compusiera el tema principal para Agente 007 contra el Dr.
No. Junto a Desde Rusia con amor, esta película fue la
segunda de dos únicas películas que arrancaban con tema
instrumental en los créditos iniciales, pasando a escucharse
la canción principal a mitad del metraje. La partitura que
Barry compuso para esta aventura fue de las más valoradas
y reconocidas, y el propio Barry la homenajeó en Panorama
para Matar (1985). La canción principal que sonó durante la
película fue We’ve all the time in the world, interpretada por
Louis Armstrong, quien dio el tono romántico a la historia
entre Bond y Tracy, interpretada por Diana Rigg, famosa
entonces por la serie inglesa Los Vengadores, equilibrando
el desconocimiento popular existente sobre Lazenby. El
personaje de Tracy serviría de motivo en el arranque de
Solo para sus ojos (1981), cerrando la cuenta pendiente
con el villano Blofeld, jefe de SPECTRE, que desde los 70
eran nombres inpronunciables en la saga por otra de las
famosas pugnas legales, que parece haberse solucionado
para el próximo estreno de una película Bond en 2015.
El romanticismo de Lazenby en la saga dejó al final una
película singular más apreciada en su posteridad que en su
estreno, y es que esto no le ocurría al otro Bond...
En los créditos finales de La espía que me amó ya se
adelantaba, como solía hacerse, el siguiente film, Sólo para
sus ojos, pero el 77 fue el año de Star Wars y su impacto
lo cambió todo, decidiendo lanzar un Bond galáctico, en la
aventura más radical de la saga, trasladando el argumento
de La espía que me amó al espacio y aumentando el sentido
del humor, resultando de tal valiente combinación uno de
los éxitos de 1979. Otra apuesta para Moonraker fue volver
a incluir a Shirley Bassey, por última vez, para interpretar el
tema inicial, e incluir al recientemente desaparecido Richard
Kiel, como Tiburón, quien había sido un éxito sorprendente
en su antecesora de 1977. Kiel es uno de los esbirros más
recordados y famosos de la saga, el único repetidor, y
contribuyó a los indices de comicidad más elevados de toda
la franquicia, junto a Moore. El equipo estaba entregado
a la apuesta galáctica de Bond y todos participaron de la
diversión ofreciendo diversos cameos en el rodaje: Broccoli
aparece en una de las escenas de Venecia con su mujer,
el director Lewis Gilbert en una de las persecuciones, la
hija de Lois Maxwell, Moneypenny, como una de las chicas
del villano Drax, incluso el productor ejecutivo de la saga,
Michael G. Wilson, en tres ocasiones, y el director de
fotografía, Jean Tournier, pintando un cuadro en la plaza de
San Marcos.
MOONRAKER (1979)
La loca historia de las galaxias:
El Bond más cómico.
Después del exitazo de La espía que me amó (1977), tercera
incursión del inglés Roger Moore como Bond, el actor y el
productor Cubby Broccoli, ahora ya sin Harry Saltzman,
dieron un definitivo impulso a la saga en horas bajas. Moore
modeló un Bond de los 70 con grandes dosis autoparódicas
que la crítica valoró y el publicó aceptó. El actor aportó la
comicidad precisa en el momento necesario, incluyendo
nuevas generaciones y públicos a la saga. Posiblemente,
gracias a Moore hoy seguimos disfrutando del agente 007.
Si la aventura del 77, con una estupenda BSO de Marvin
Hamlisch, impactó por sus escenas de acción y su comicidad,
Moonraker fue más allá... ¡a las estrellas!
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EL MUNDO NUNCA ES
SUFICIENTE (1999)
LICENCIA PARA MATAR (1989)
Venganza personal. El Bond más serio.
Connery y Moore han sido las dos caras de Bond más
radicales durante más de dos décadas. Cinismo y humor
hicieron sobrevivir a Bond, y, en 1987, los arquetipos debían
revisarse. Un actor galés de buena formación, Timothy
Dalton, fue rescatado de la memoria de Cubby Broccoly
como mejor opción para interpretar a Bond. Se habían
barajado varios nombres (Sam Neill y Pierce Brosnan, este
último ligado por contrato a la serie Remington Steele) pero
fue Dalton quien dio su toque a 007 a finales de los 80.
Fue en dos ocasiones, aportando el lado más egocéntrico
y vengativo al personaje, según con lo establecido por
Ian Fleming, sobretodo en su segunda película, Licencia
para matar. Si su primera incursión en 007: Alta tensión
(1987) posee los elementos más clásicos de la saga, en
su segunda y última aparición, la aventura se aleja de todo
lo establecido hasta la fecha, incluso a lo que a su propio
look se refiere, mostrando un Bond oscuro, no siempre bien
entendido.
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Licencia para matar nos regala la segunda interpretación en
cine de un desconocido Benicio del Toro. Hay que destacar
las presencias de los actores repetidores en la saga: Pedro
Armendáriz, aquí como divertido presidente de una ficticia
república bananera, y en Desde Rusia con amor (1963)
como contacto del MI6 en Estambul, y también el actor
David Hedison, que repitió como habitual amigo de la CIA,
Felix Leiter, rol ya interpretado en la primera película de
Moore, Vive y deja morir (1973). En esta segunda y última
película de Dalton, no sólo él se despediría de la saga, sino
que también dejamos de disfrutar de grandes habituales
como el diseñador de títulos Maurice Binder, el guionista
Richard Maibum, o el actor Robert Brown com “M”, desde
1977. El compositor John Barry había dejado la franquicia
en la película anterior, con un trabajo por todo lo alto junto
al grupo A-ha. Tras Licencia para matar, los productores
entraron en uno de los conflictos más longevos por los
derechos con MGM/UA, provocando una sequía del mito
de seis años sin película.
La maquinaria de la productora oficial, EON Productions, se
puso en marcha con el quinto rostro de Bond con Goldeneye
(1995): Bond dejaba de fumar, las chicas pasaban a ser algo
más que un florero y su jefe, “M”, pasaba a ser una dama
de hierro, y en su primera intervención ante 007 hacía una
declaración de principios dejando claro que la misoginia y
egocentrismo del agente estaban tan caducos y superados
como la misma Guerra Fría. Después de aquello, Judi Dench
repitió su personaje en las siguientes seis películas, siendo
un valor seguro de éxito y calidad. En El mundo nunca es
suficiente, Dench obtiene uno de sus protagonismos más
prolongados de sus intervenciones bondianas. Al mismo
tiempo, es la última película de Desmond Llewelyn como
el mítico “Q”, el actor más longevo y activo de la saga
interpretando su personaje en 17 de las hasta entonces
19 películas. El actor se despide literalmente en la película
al presentar un relevo a su personaje interpretado por
John Cleese, que no repetiría su papel. Llewelyn murió en
accidente de tráfico tras el rodaje. Con el Bond de Brosnan,
la saga adoptó más sofisticación y calidad en el diseño de
producción, cuidando todos los detalles y su marketing,
mostrando al actor como un prototipo de hombre elegante
agasajado de marcas de ropa, relojes, gafas y conduciendo
coches y motos de alto prestigio. El mundo nunca es
suficiente arrancó con localizaciones en el Guggenheim de
Bilbao y con la Ertzaintza algo ridiculizada, y una de las
persecuciones más espectaculares por el Támesis, donde
los bobbies londinenses tampoco salían bien parados.
Salvando el mundo con estilo:
El Bond más elegante.
Si el Bond ochenteno de Dalton dejaba atrás la Guerra Fría
y abordaba otras cuestiones más actuales como el tráfico
de armas y los mercados de la droga, el Bond de los 90
seguiría esa linea actualizando nuevos enemigos como el
control de los mass media o del petróleo, y los argumentos
dejarían de basarse directamente en las novelas o relatos
cortos de Ian Fleming, y sólo El mundo nunca es suficiente
recogía en este título una referencia a Fleming, por ser ésta
una frase citada en el imaginario escudo de la familia Bond,
descrito en Al servicio secreto de su Majestad. El litigio
entre productoras y distribuidoras tras Licencia para matar
provocaron el espacio de tiempo más dilatado entre dos
películas y cuando pudo activarse la saga, Dalton ya no era
una opción. Se tanteó a Mel Gibson pero la balanza se inclinó
por el irlandés Pierce Brosnan quien tuvo una gran aceptación
por el público.
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La serie replanteó el personaje en 2006, abordando
su mundo más íntimo y vulnerable: orígenes, familia,
personalidad. Para el nuevo enfoque se eligió al británico
Daniel Craig, quien recibió una feroz oposición de los fans
del personaje, causando un destacado cambio de opinión
de los mismos tras el estreno de su película. Craig fue
nominado al BAFTA por Casino Royale, un lujo de reinvento
donde las persecuciones iniciales y la escena de la partida
en el casino provocaron el aplauso de fans y crítica. Para
tal lujoso relanzamiento se contó con el director Martin
Campbell, que ya había hecho lo mismo para lanzar a
Brosnan en Goldeneye. La BSO volvió a recaer en el
experimentado David Arnold, quien había recogido las
riendas para las nuevas partituras tras el abandono de
John Barry en 007: Alta tensión (1987). Arnold continuaría
el legado de Barry en los nuevos films de Brosnan y Craig
mezclando con habilidad los acordes clásicos de la serie
con otros actuales. Arnold había publicado un CD en los
90, con el título Shaken and Stirred: The David Arnold
James Bond Project, donde dio muestra de su valía para
los nuevos proyectos versionando temas instrumentales y
canciones de las películas clásicas de la saga con voces de
Chrissie Hynde o Iggy Pop, entre otras.
En la actualidad el director Sam Mendes, responsable de
los últimos proyectos con Craig como Bond, ha incluido a
su compositor predilecto, Thomas Newman.
CASINO ROYALE (2006)
Licencia registrada: El Bond más vulnerable.
Tras la celebración del 40 aniversario de la franquicia
con la vigésima película “oficial”, Muere otro día (2002),
en la que se homenajeaba toda la saga y Pierce Brosnan
abandonaba 007, un nuevo conflicto de derechos entre
productoras y distribuidoras nos dejaba cinco años sin
Bond. La productora oficial llegaría a un acuerdo con
Columbia Pictures junto a MGM/UA por los derechos de la
primera novela de Fleming, aún no realizada oficialmente.
Casino Royale fue un episodio de la serie de TV Climax en
1954, y una parodia en la película del mismo título en 1967,
con David Niven en el papel de Sir James Bond, y con una
magnifica canción principal, The look of love, interpretada
por Dusty Springfield. Con esta oportunidad, se eligió nuevo
protagonista y nuevo enfoque para la saga... ¡y a comenzar
de nuevo!
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Sin duda, las cuatro últimas películas de James Bond
parecen indagar, con la aportación del sexto actor de la
saga, en el mundo interior del protagonista de forma más
directa y profunda, removiendo sentimientos personales de
todo tipo y mezclando argumentos vinculados a ataques
informáticos y desclasificación de archivos con los secretos
más ocultos del espía más famoso del mundo.
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LAS 50 CARAS DE 007
Por Pablo Mérida
Resumimos la historia de los actores que han dado vida a James Bond y la de aquellos que se
quedaron a las puertas de hacerlo en 50 explosivas píldoras solo aptas para miembros del servicio
secreto debidamente entrenados y amantes del cine en general.
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01
Cuando Ian Fleming supo por primera vez que querían
llevar a su personaje del agente secreto James Bond al
cine, el escritor mostró sin ningún disimulo sus preferencias
por el actor que debía interpretarlo: Cary Grant.
07
De todos los actores que interpretarían a James Bond a lo
largo de los años, Connery fue el único que había servido
en la Royal Navy, al igual que 007. Eso sí, se diferenciaba
bastante de la creación de Ian Fleming en otros aspectos,
como en su insaciable apetito sexual.
02
La búsqueda del primer Bond cinematográfico fue
complicada. Entre los nombres que se barajaron a
comienzos de los años 60 para encarnar a 007 figuraron
los de Rod Taylor, Richard Burton, Stanley Baker, James
Mason, Rex Harrison, Trevor Howard, Laurence Harvey,
David Niven y… ¡el culturista Steve Reeves!
03
Mientras preparaba la primera adaptación de Bond al cine,
Agente 007 contra el doctor No (1962), el productor Albert
R. Broccoli descubrió al actor Sean Connery (25 de agosto
de 1930. Edimburgo, Escocia) en la película infantil Darby
O’Gill y el rey de los duendes (1959), que le sorprendió
por su fuerza en una secuencia en la que el actor se veía
involucrado en una pelea. Broccoli le pidió a su esposa
Dana que viera el film para que dijera si el actor le parecía
o no atractivo.
04
Sean Connery se convirtió en el primer James Bond oficial
del cine a pesar de sufrir problemas de alopecia. El actor
había comenzado a perder pelo a partir de los 21 años de
edad. En todas las películas de 007 tuvo que utilizar un
peluquín.
05
Para Connery, su película de James Bond favorita fue su
segunda intervención como agente secreto: Desde Rusia
con amor (1963). Su actuación como 007 ocupó el puesto
nº5 del ranking de las «100 Greatest Movie Characters of
All Time», publicado por la revista Premiere.
06
El gran éxito que obtuvo con James Bond contra Goldfinger
(1964), situó a Sean Connery como al actor más taquillero
de Estados Unidos, un honor que conseguía por primera
vez un actor británico.
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08
Todas las escenas ambientadas en Estados Unidos de
la película James Bond contra Goldfinger se rodaron en
los míticos estudios Pinewood, situados a las afueras de
Londres. Allí se rodó, por ejemplo, la pelea entre 007 y el
siniestro coreano Oddjob. Connery se dañó la espalda en la
escena, aunque hay malas lenguas que aseguran que fue
una treta que el actor utilizaría para mejorar las condiciones
de su contrato en las siguientes películas de Bond.
09
Al participar en Operación Trueno (1965), el actor fue
consciente de verdad de hasta qué punto su personaje se
estaba convirtiendo en un fenómeno de masas. El rodaje
en las Bahamas transcurrió con dificultades debido a la
enorme cantidad de reporteros, fotógrafos y curiosos que
se dieron cita allí para ser testigos de las nuevas hazañas
de 007.
El director de Operación Trueno, Terence Young, afirmó
que solo vio perder los nervios a Connery en una ocasión:
cuando rodaron las escenas submarinas de la película
con tiburones. En teoría, el actor estaba protegido detrás
de unas mamparas de plástico. Pero éstas no tenían
demasiada altura y un tiburón logró superarla sin dificultad,
a lo que Connery reaccionó con auténtico terror.
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Con el guión de 007 al servicio secreto de Su Majestad
(1969) listo, los productores Harry Saltzman y Albert R.
Broccoli le ofrecieron al actor un millón de dólares para que
protagonizara la película. El escocés rechazó la oferta y
los productores se vieron en la obligación de localizar a un
sustituto.
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En plenos intentos por salvar su matrimonio con Diane
Cilento, Sean Connery se embarcó en el rodaje de Sólo se
vive dos veces (1967), una historia ambientada en Japón.
El actor trató sin éxito de convertir el rodaje en una especie
de segunda luna de miel.
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La agobiante presencia de la prensa y los fans durante el
rodaje de Sólo se vive dos veces —hasta un empresario
fletaba autobuses para que le gente pudiera seguir la
filmación— y el progresivo protagonismo de los efectos
especiales sobre las actuaciones, provocaron que Connery
renegara de la saga y asegurara que no volvería a repetir el
papel de James Bond.
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Horrorizados por justificar el cambio de protagonista ante
el gran público, los productores ordenaron que la película
comenzara con Bond en un hospital sometiéndose a una
operación de estética. Al final, la idea fue rechazada.
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Durante 4 meses, se hicieron pruebas a unos 4.000
candidatos al papel de Bond. Algunos medios compararon
el proceso de selección con el de Scarlett O’Hara en Lo que
el viento se llevó.
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Broccoli le ofreció el papel de 007 a su amigo Adam West,
muy popular en aquellos días gracias a su paso por las
series de televisión El virginiano y, sobre todo, Batman. West
lo rechazó convencido de que a Bond debía interpretarlo un
actor británico.
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El papel principal de 007 al servicio secreto de Su Majestad
recayó finalmente sobre un perfecto desconocido: un modelo
de origen australiano que respondía al nombre de George
Lazenby (5 de septiembre de 1939. Goulburn, Australia).
El cambio de imagen de Bond resultó tan radical que hasta
en la película se atrevieron a mostrar al agente secreto
llorando, algo impensable en los tiempos de Connery.
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Aunque con el tiempo llegaría a ser una de las películas
favoritas de los seguidores de la saga Bond, en su estreno,
007 al servicio secreto de Su Majestad resultó un fracaso
más que considerable. A pesar de ello, los productores
le ofrecieron a Lazenby la oportunidad de protagonizar
Diamantes para la eternidad (1971). El actor no aceptó por
las restrictivas condiciones de su contrato.
Broccoli y Saltzman se temieron con horror que un nuevo
cambio de actor pudiera acabar de forma definitiva con
la serie Bond. A pesar de ello, intentaron reclutar a Burt
Reynolds, que tenía compromisos previos adquiridos,
y a John Gavin, que había protagonizado poco antes la
producción europea de espías No hay flores para O.S.S. 117.
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El mismo presidente de la United Artists, David Picker, tomó
cartas en el asunto y dijo que había que volver a contar con
Sean Connery a cualquier precio para conseguir garantizar
la continuidad de la saga.
Para que retomara el personaje de James Bond en
Diamantes para la eternidad, Connery recibió una oferta
económica inédita para aquellos tiempos: 1,25 millones de
dólares, lo que obligó a que la producción disminuyera de
forma considerable su presupuesto en efectos especiales. El
actor donó su salario a una organización de caridad escocesa.
La relación entre Connery y Albert R. Broccoli acabó tan
mal que, cuando años después, invitaron al actor a asistir al
funeral del célebre productor, éste se negó.
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Mientras se barajaba la posibilidad de contar con alguna
estrella consagrada, de la categoría de Robert Redford o
Paul Newman, el productor Albert R. Broccoli recordó a uno
de los actores en los que se pensó al iniciar la saga Bond:
Roger Moore (14 de octubre de 1927. Stockwell, Inglaterra),
quien se había dado a conocer como el inolvidable Simon
Templar de la serie televisiva El Santo.
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Lazenby no tenía ninguna experiencia como actor.
Sorprendido, se encontró ante la sorpresa que el director de
007 al servicio secreto de Su Majestad, Peter R. Hunt, no
le hablaba más que a través del ayudante de dirección. El
debutante trató de darlo todo e insistió en rodar sus propias
escenas de acción, hasta que se rompió un brazo y obligó a
cancelar el rodaje durante unas semanas.
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Otro seleccionado por los productores fue un casi
desconocido Timothy Dalton, que apenas había hecho
un papel menor en la producción El león en invierno. El
actor, que por entonces contaba con 22 años de edad, se
autodescartó al considerarse demasiado joven para el papel.
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A sus 29 años, se convirtió en el actor más joven que
interpretó a Bond. Sean Connery lo había hecho por primera
vez a los 31. Y, más tarde, lo harían respectivamente Roger
Moore con 45, Timothy Dalton con 40, Pierce Brosnan con
41 y Daniel Craig con 38.
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Pese a asegurar que nunca volvería a interpretar a 007,
en el año 1983 Sean Connery retomó al personaje en un
remake de Operación Trueno no oficial titulado Nunca digas
nunca jamás.
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La producción del «Bond no oficial» Nunca digas nunca
jamás, coincidió con la de la nueva entrega de la saga oficial,
Octopussy (1983), protagonizada de nuevo por Roger
Moore. El duelo en la taquilla entre los dos agentes 007,
se saldó con un pequeño triunfo para Moore. Octopussy
recaudó en todo el mundo 187 millones de dólares, mientras
Nunca digas nunca jamás solo alcanzó los 160 millones.
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Por su parte, Roger Moore comenzó a sentirse ya un poco
fatigado para seguir haciendo de intrépido agente secreto
a su edad. Aún así, aceptó interpretar a James Bond una
vez más en Panorama para matar (1985). A sus 57 años
de edad, se convirtió en el actor más viejo que encarnaba
a 007, puesto que Sean Connery había hecho Nunca digas
nunca jamás con 52 años.
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Antes que en Connery, en realidad el productor de Nunca
digas nunca jamás, Kevin McClory, había pensado en
recuperar a George Lazenby para el papel principal. Sin
embargo, éste desestimó la oferta con elegancia al conocer
que el actor escocés había mostrado interés por volver a
hacer de Bond.
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A pesar de contar ya con 45 años de edad, Moore aceptó
debutar como James Bond en Vive y deja morir (1973),
otorgando desde el primer momento un nuevo aire al agente
secreto mucho más próximo al descrito por Ian Fleming en
sus novelas.
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El cambio de Bond permitió que el personaje mostrara
nuevos hábitos, como prescindir de los sombreros, beber
whisky o fumar puros. El actor dibujó un nuevo perfil de
agente secreto, mucho más sofisticado, dotado de un sutil
sentido del humor y de una cuidada elegancia.
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Siguió mostrando este peculiar estilo en El hombre de la
pistola de oro (1974), la película que marcó el final de la
alianza entre los productores Harry Saltzman y Albert
R. Broccoli. En la separación de ambos socios, Moore
se mostró abiertamente cercano a Broccoli, con quien
estableció una gran amistad.
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Pese a que El hombre de la pistola de oro no funcionó bien
en taquilla, Broccoli confió plenamente en Moore como
James Bond para relanzar la saga. Y lo hizo con una serie
de películas en las que las tramas fueron haciéndose más
disparatadas para dar paso a sorprendentes escenas de
acción y a cada vez más llamativos efectos especiales,
como se pudo comprobar en La espía que me amó (1977),
Moonraker (1979) y Solo para sus ojos (1981).
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Durante el rodaje de Nunca digas nunca jamás, Sean
Connery aceptó recibir clases de artes marciales. Su
relación con el instructor no fue del todo buena. La tozudez
del protagonista provocó que, en una ocasión, el instructor
perdiera los nervios con él y le provocara una luxación en la
muñeca. El instructor se llamaba Steven Seagal.
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Con su socarrón estilo, Moore anunció durante el rodaje su
intención de no volver a tomar la licencia 007. ¿La razón? Él
mismo explicó que la decisión la había tomado al comprobar
que la madre de Tanya Roberts, su compañera de reparto,
era mucho más joven que él.
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Después de que el humor de Moore convirtiera a James
Bond prácticamente en una parodia de sí mismo, los
responsables de la saga optaron por devolver algo de
seriedad a las películas del agente secreto. El proyecto de
007: Alta tensión (1987) se puso en marcha con la idea de
tener a Pierce Brosnan como protagonista. Sin embargo, no
fue posible por los compromisos adquiridos por el actor con
la serie de televisión que le había hecho popular, Remington
Steele.
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Después de pensar en el actor Sam Neill como un posible
Bond, Broccoli volvió a echar mano de un candidato del
pasado: Timothy Dalton (21 de marzo de 1944. Colwyn Bay,
Gales). Con menos carisma que Roger Moore, le dio a la
saga un toque mucho más serio al componer a un agente
secreto más frío e implacable, que enseguida enganchó
con un nutrido grupo de seguidores.
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Finalmente, la saga volvió a ponerse en marcha con la
producción de Goldeneye (1995), y la elección de un
protagonista que, en principio, agradó a todos los seguidores
del famoso agente secreto: Pierce Brosnan (16 de mayo de
1953. Navan, Irlanda).
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Ese carácter más oscuro de 007 se potenció aún más en
la segunda intervención de Timothy Dalton como Bond:
Licencia para matar (1989), una película violenta en la
que el agente secreto se veía envuelto en una espiral de
venganza con sádicos narcotraficantes de por medio. Fue
la primera película de Bond que recibió la calificación PG13 en su exhibición en Estados Unidos.
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El mundo nunca es suficiente (1999), tercera aparición
de Pierce Brosnan como Bond, regresó a los estudios
Pinewood, a los que no había vuelto desde 007: Alta
tensión. Como en Goldeneye y El mañana nunca muere,
el actor recibió como complemento de su salario el coche
que lucía el agente secreto en la película, en este caso un
impresionante BMW Z8.
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Se suponía que Timothy Dalton iba a protagonizar en
Hong Kong un tercer largometraje de James Bond titulado
Property of a Lady, pero los malos resultados comerciales
de Licencia para matar dejaron el proyecto en suspenso.
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Pasó una larga temporada hasta que la saga de Bond
retomó el vuelo. En el entretanto, surgieron los ya habituales
rumores de actores que podían estar a punto de convertirse
en el nuevo rostro de 007. Entre ellos, Liam Neeson, Mel
Gibson, Hugh Grant y Lambert Wilson.
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Sin ser tan oscuro como el Bond de Timothy Dalton, Brosnan
debutó en el papel dejando claro que su licencia para matar
estaba más que activa. En Goldeneye, James Bond mata
a 47 personas, más que en ninguna otra película de Bond.
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En su segunda aparición como Bond, en El mañana nunca
muere (1997), Brosnan insistió en quedarse con un poco
de lo mejor de sus antecesores: la virilidad de Connery, la
elegancia de Moore, y esa frialdad letal que tan bien había
mostrado Dalton. En cualquier caso, el 007 de Brosnan casi
estaba más próximo al playboy que al despiadado asesino.
Muere otro día (2002) fue la cuarta y última aparición de
Pierce Brosnan como James Bond. Aunque se habló de
la posibilidad de hacer un quinto largometraje en 2004, el
proyecto no llegó a ver la luz. Según los sastres habituales
de las películas de Bond, Brosnan había pasado a ser del
más ligero al más pesado 007, iniciando su trayectoria en
Goldeneye con 74 kilos de peso y finalizándola en Muere
otro día con 95 kilos.
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En octubre de 2005, Eon Productions anunció el fichaje
de Daniel Craig (2 de marzo de 1968. Chester, Inglaterra)
como sexto actor encargado de dar vida al flamante agente
secreto James Bond en el rodaje de Casino Royale (2006).
La decisión despertó inmediata polémica, sobre todo porque
muchos fans consideraron que el actor no contaba con las
características físicas adecuadas para hacer de 007. Entre
otras cosas, le acusaban de bajito, al medir 1,78 m, cuando
sus antecesores tenían una media de 1,88 m de altura.
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Después de conseguir un éxito sin precedentes y ser
calificado por el perfecto James Bond del siglo XXI, Craig
volvió a bordar el personaje en Quantum of Solace (2008),
aportando un toque de seducción y realismo que nunca
antes se había visto en la saga.
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En su tercera intervención como 007, en la película Skyfall
(2012), Daniel Craig obtuvo unos ingresos próximos a los
17 millones de dólares, convirtiéndose en el actor mejor
pagado de la saga.
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Daniel Craig vuelve al papel de James Bond en la que será la
24ª película oficial de la saga, Spectre (2015). Antes incluso
de su estreno, por las redes sociales ya corren los rumores
sobre que será la última aparición del actor como 007. ¿Su
sucesor? Se mencionan los nombres de Tom Hardy, Idris
Elba, o lo televisivos Damien Lewis (Homeland), Andrew
Lincoln (The Walking Dead) y Jon Hamm (Mad Men).
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Sábado 9 21h · MARATÓN MAD MAX:
MAD MAX, SALVAJES DE AUTOPISTA + MAD MAX 2, EL GUERRERO DE LA CARRETERA
+ MAD MAX 3, MÁS ALLÁ DE LA CÚPULA DEL TRUENO
Jueves 14 20:30h · PROGRAMA DOBLE ESPECIAL MAD MAX:
MAD MAX, SALVAJES DE AUTOPISTA + MAD MAX 2, EL GUERRERO DE LA CARRETERA
Del 15 al 20 MAD MAX: FURIA EN LA CARRETERA
VOSE
Sábado 23 21h MAD MAX, SALVAJES DE AUTOPISTA
Por Javier J. Valencia
Domingo 24 21:30h MAD MAX 2, EL GUERRERO DE LA CARRETERA
El 15 de mayo se estrena Mad Max: Furia en la carretera, la nueva
entrega de una saga que cambió el género postapocalíptico con
aires de western. Aprovechamos su estreno para recuperar la
trilogía original, protagonizada por Mel Gibson, que se podrá ver
en una maratón especial el 9 de mayo y después en sesiones
individuales. Además, Phenomena proyectará Mad Max: Furia en
la carretera, en varios pases del 15 al 20 de mayo, en Dolby Atmos.
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Surgida en pleno auge de la ozplotation (cine de explotación
australiano) a finales de los 70, Mad Max se convirtió en
la película de mayor éxito y alcance internacional de este
fenómeno -aunque no terminó de funcionar en los Estados
Unidos, donde todavía tardarían algo más en hacerse con
el brutal carácter de este universo, concretamente hasta
la aparición de su secuela-, y en muchos sentidos en la
más representativa: aprovecha al máximo los desérticos
parajes locales, tiene un grado de violencia mucho mayor
que el acostumbrado por aquel entonces en el cine de
acción standard, y exprimir al máximo el carácter exiguo
de su presupuesto, tanto de puertas afuera (el acabado
de la cinta es formidable, sacando partido del polvo, el
calor y la suciedad del entorno para conseguir George
Miller parecer un pariente australiano-futurista de Sam
Peckinpah) como de puertas adentro (el propio Miller tuvo
que sacrificar su coche, las medidas de seguridad para el
equipo de rodaje dejaron bastante que desear… incluso
según el documental Not Quite Hollywood es casi un
milagro que nadie saliera herido durante la filmación). La
razón de este éxito probablemente sea a que, en realidad,
es un título con unos elementos totalmente reconocibles
para el espectador corriente, ya que su funcionamiento
se basa en los principios del western.
La película que marcó un
punto y aparte en lo que a
la concepción de un mundo
postapocalíptico se refiere
fue Mad Max 2: El guerrero
de la carretera
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El héroe, Max Rockatantsky, es el último hombre justo
en un mundo que está yéndose al cuerno: si bien no
se menciona el apocalipsis ni ningún término parecido
durante el metraje, sabemos que es así: algo terrible
debe estar pasando “ahí fuera”, más allá de las fronteras
aussies, para que enloquecidas bandas motorizadas
estén aterrorizando a los pobres ciudadanos locales
mostrando en ese futuro tan cercano una muy lustrosa
decadencia social. Por supuesto, más adelante las
secuelas nos informarían de la verdadera situación
coyuntural donde habita el personaje que dio el empujón
definitivo a la carrera de Mel Gibson hacia Hollywood,
y sabemos que, cronológicamente, Mad Max: salvajes
de autopista sucede al filo del abismo. Max representa
al principio del film los conceptos de moral y ética, con
reglas y leyes, del viejo orden, intentando aferrarse al
clavo ardiendo que representa la justicia del pasado
aunque sea para mantener protegida a su familia. Pero
cuando lo pierda todo –a su esposa, a su hijo, incluso a su
mejor amigo y aliado, estremecedor momento por cierto
en el cual visita a Ganso en el hospital que causó más
de un trauma a los niños de mi generación-, pasará de
ser último justo al primer vengador, como si mantuviera a
ese justiciero viviendo dentro de sí y deformándolo hasta
convertirse en el verdadero Road Warrior al que cita el
título de la secuela, a lomos de su montura (el Pursuit
Special, un Ford Falcon XB GT manipulado). En cierto
sentido, también marca el final de los viejos y anticuados
–en esa situación- conceptos de heroísmo y el nacimiento
de unos nuevos, necesarios para el mundo que está a
punto de llegar. Como si se tratara de El jinete pálido, solo
que en este caso la venganza no es de ultratumba literal
sino simbólica. Max Rockatantsky muere, pero su cuerpo
es ocupado por Mad Max, la versión enloquecidamente
extrema del anterior.
También la ambientación y el background emparentan a la
película con las historias del salvaje oeste. Por lo general,
las distopías prestan especial atención a todo aquello
que se diferencia (o que es satíricamente semejante) a
nuestro mundo. Sin embargo la concepción del de Mad
Max es precisamente un viaje marcha atrás, es la historia
de la sociedad de la cual solo vemos el viaje de retorno
de un bumerang (precisamente). La distopía de Mad Max
presta atención a elementos puramente mecánicos del
futuro pero centra el comportamiento de los hombres en
plena regresión al salvajismo. Es el salvaje oeste, sí, pero
mecanizado y en el corazón de Australia…
Pero, aunque Rockatantsky y su entorno conviertan
Mad Max en un western de corazón, volviendo al inicio
del artículo, la obra es totalmente representativa del
cine de explotación australiano, y como tal mezcla
géneros diversos sin ningún tipo de vergüenza saliendo
totalmente entera del asunto, como si realmente estuviera
predestinada a ser una mezcla entre el susodicho western
distópico, pero también es de persecuciones, un rape and
revenge, y obviamente una de acción particularmente
salvaje. Sí, es posible que un espectador acostumbrado
a ver como le revientan la cabeza a un personaje en su
serie de TV semanal de fantasía predilecta no le parezca
para tanto, pero contextualicen, por favor: Mad Max en su
momento era la más salvaje que se había visto en mucho
tiempo al menos a nivel popular.
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Sin embargo, la película que marcó un punto y aparte
–quizá por que, ahora si, conquistó al público norteamericano- en lo que a la concepción de un mundo
post-apocalíptico se refiere fue Mad Max 2: El guerrero
de la carretera. Aquí el tema de esta ya no es que la
ley esté perdiendo relevancia, es que ya ha dejado de
existir tal y como la conocimos. Abandona totalmente
esa ambigüedad que tenía la primera entrega de situarse
en un mundo futuro pero muy, muy cercano al nuestro
–que tenía muchas virtudes pero no hay que olvidar que
también era así por tener un presupuesto muy limitadoy abraza otro en el cual la ausencia de petróleo ha
llevado al mundo directamente a una Edad de piedra
motorizada en el cual solo los más fuertes sobreviven,
apoyado este vez por una mayor enjundia económica –
en su momento fue la producción australiana más cara
de la historia-. El viaje de regreso del bumerang había
terminado. Probablemente es mucho más icónica que
su predecesora, y tuvo una influencia abismal tanto en
el cine de explotación posterior de serie B (creando su
propio sub-género, mayoritariamente de producciones
italianas y australianas) como en el de la primera división
hollywoodiense (y si no que le pregunten a Kevin Costner
y sus intentos por mimetizar a Max en Waterworld o
Mensajero del futuro), por no hablar de otros medios
como el cómic o los videojuegos. Y tiene un elemento que
particularmente siempre adoro en la secuelas, que es el
presentarme una nueva historia y a poder ser nuevos
entornos, en vez de ser un mero remake de la original.
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En este caso, empero, las diferencias entre el mundo
de Max entre la primera y segunda parte son un tanto
excesivas, pero esperemos que la largamente esperada
Mad Max: Fury Road, de nuevo dirigida por Miller y
en la que Tom Hardy interpretará por primera vez al
protagonista, y que estará ubicada entre la primera y la
segunda entrega, nos aclare varios de estos excesos y a
su vez nos responda algunas dudas que conecten ambos
títulos, como por ejemplo… ¿Es Ganso quién se oculta
tras la máscara de Humungus?
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Sábado 2 · 23:30h KILL BILL Vol.1
Domingo 3 · 21h PULP FICTION
Miércoles 6 · 21h JACKIE BROWN
Domingo 10 · 21h DJANGO DESENCADENADO
Viernes 22 · 21h PLANET TERROR + DEATH PROOF
Miércoles 27 · 21h KILL BILL Vol.2
Viernes 29 · 23h RESERVOIR DOGS
Sábado 30 · 22:30h MALDITOS BASTARDOS
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Un infiltrado
en la Meca del Cine
Por Carlos Fernández Castro
(www.bandejadeplata.com)
Llegas a casa y enciendes la televisión; no sabes de qué
película se trata, pero tienes la certeza de que sus imágenes
y sus diálogos sólo pueden haber sido engendrados por la
mente retorcida de Quentin Tarantino. ¿Podrías identificar
el cine de otros directores con la misma facilidad? Quizás
el de Terrence Malick, el de Pedro Almodóvar, el de Paul
Thomas Anderson, el de Michael Haneke, y seamos
sinceros, el de pocos más.
Y es que Quentin Tarantino tenía las ideas muy claras
desde el principio; o al menos desde el momento en el que
su primera película se convirtió en un puñado de polvo.
Porque a pesar de lo que muchos piensan, Reservoir Dogs
fue la segunda oportunidad que todo debutante frustrado
hubiera deseado tener. Como por arte de magia, las llamas
borraron casi todas las huellas de su calamitoso debut (El
cumpleaños de mi mejor amigo) en un providencial incendio.
El destino parecía susurrar a su oído: “sólo triunfarás si
te mantienes fiel a las películas que te convirtieron en un
cinéfilo”. Y así fue.
Cuando preguntan a Quentin por sus películas favoritas,
la lista está siempre encabezada por los mismos títulos, lo
cual denota un gusto cinematográfico muy bien definido.
El cine es arte y entretenimiento, tanto para el Tarantino
espectador como para el Tarantino creador; y por eso
apreciamos en sus trabajos las influencias de Sergio Leone,
Howard Hawks, Martín Scorsese, o Mario Bava, artistas de
una personalidad muy marcada, y ante todo, cinéfilos de
pro que disfrutan con su trabajo.
Sin ir más lejos, El Bueno, el Feo y el Malo es una influencia
evidente en las secuencias de acción del director de
Tennessee. Porque al igual que Leone, Tarantino se recrea
en la violencia hasta el punto de hacerla parecer irreal a
los ojos del espectador (accidentalmente, Vic Vega vuela
la tapa de los sesos a un tipo en el interior de su coche, en
Pulp Fiction), e incluso de buscar cierta comicidad en su
exageración (Louis dispara a Melanie porque ésta le saca
de quicio, en Jackie Brown). De alguna manera, ambos
abogan por un cine en el que la forma es tan importante
como el fondo, la realidad es un eco distante, y el sentido
del humor tiene cabida en cualquier contexto.
Sin embargo, el cine de Quentin es tan ecléctico como
el Xanadú que Charles Foster Kane mandó construir en
la ópera prima de Orson Welles. Su veneración hacia el
parsimonioso estilo de Sergio Leone, contrasta con su
pasión por Howard Hawks, un director que se vanagloriaba
de dirigir el doble de rápido que cualquier otro cineasta de
la época. De hecho, Reservoir Dogs y Pulp Fiction exhiben
orgullosamente la influencia de las legendarias réplicas y
contrarréplicas de Luna Nueva (His Girl Friday). Si al estilo
dinámico de Hawks le añadimos el indiscutible talento de
Tarantino para escribir diálogos de culto, obtenemos un
producto irresistible.
Porque es precisamente lo que dicen, y no lo que hacen, lo
que define a los personajes del director de Death Proof. Al
igual que ocurriera en las películas de la Nouvelle Vague,
las conversaciones no tienen porqué ser especialmente
trascendentes mientras revelen diferentes aspectos de la
personalidad de sus interlocutores. Y en este menester,
pocos guionistas han demostrado tanta destreza como
el bueno de Quentin. Una vez escuchado, ¿quién puede
olvidar el diálogo con el que arranca Reservoir Dogs,
dedicado a interpretar el “verdadero significado” del ‘Like
a Virgin’ de Madonna, o la conversación final entre David
Carradine y Uma Thurman en Kill Bill Vol. 2?
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Porque otra de las peculiaridades del cine de Quentin
Tarantino es que sus películas contienen pequeños “videos
musicales” en los que existe una armonía perfecta entre la
imagen, el sonido, y el argumento de turno. Canciones como
‘Stuck in the Middle with You’ (el Sr Blanco corta la oreja
de un policía al son de esta canción en Reservoir Dogs) y
piezas musicales como ‘Twisted Nerve’ (el pegadizo silbido
que acompaña a Darryl Hannah en una secuencia de Kill
Bill Vol.1) dejan de pertenecer a sus autores (Steeler’s
Wheel y Bernard Herrman) para fundirse eternamente con
las imágenes concebidas por el director de la mandíbula
prominente.
Pero hay más. En sus primeros trabajos, se aprecia una especial inclinación por la construcción de estructuras narrativas
complejas, tan habituales en el cine de Jean-Luc Godard o Alain Resnais. También se observa una llamativa tendencia a la
mezcla de géneros en películas como Malditos Bastardos o Django Desencadenado, algo que el director siempre admiró de
Abbott y Costello contra los Fantasmas. En definitiva, la inabarcable cultura cinematográfica del director americano queda
patente a través de las innumerables referencias que esconde su cine; a veces evidentes, a veces ocultas bajo su marcada
personalidad.
Tarantino se atreve incluso a homenajear películas relativamente recientes. La secuencia de animación de Kill Bill Vol.1 en la
que una pueril O-Ren Ishii (Lucy Liu) dispara en la cabeza al asesino de sus padres, es un magnífico guiño a un pasaje de
Muerte entre las Flores en el que Leo (Albert Finney) hace lo propio con un par de sicarios que intentan matarle. Lo mismo
podríamos decir del mítico baile de Vic Vega en Pulp Fiction, que rememora la época en la que John Travolta era el rey de la pista.
¿Y qué decir de la afición del Sr. Rosa por recuperar antiguas estrellas venidas a menos? Laurence Tierney en Reservoir Dogs,
Pam Grier en Jackie Brown, David Carradine y Darryl Hannah en ambas entregas de Kill Bill, Kurt Russell en Death Proof, Don
Johnson en Django Desencadenado… Probablemente, el inmenso carisma de sus personajes y su excepcional dirección de
actores resucitaría la carrera de cualquier vieja gloria, al igual que resucitan, o alcanzan la fama, las canciones que conforman
sus exquisitas bandas sonoras.
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Algunos de sus trabajos podrían incluso dividirse en
pequeñas unidades independientes, como ocurre en
Reservoir Dogs y su llamada “commode story” (historia del
lavabo), o en Malditos Bastardos y su secuencia inicial,
un magnífico ejercicio de suspense que corona a uno de
los malvados cinematográficos más odiosos de los todos
los tiempos: Hans Landa (Christophe Waltz). En definitiva,
Tarantino hace lo que quiere y no rinde cuentas a nadie.
Quién no esté de acuerdo con esta afirmación, que nombre
un director actual al que le permitan rodar dos western
seguidos, teniendo en cuenta que el género está pasado
de moda. Porque no estamos hablando de un cualquiera,
sino de un tipo que realizó su mejor película cuando un
amplio sector de la crítica condenó a muerte a la fórmula de
Reservoir Dogs y Pulp Fiction, y por lo tanto, a su responsable
directo. Fue cuando Quentin decidió rodar la película más
clásica de toda su filmografía, demostrando que podía hacer
cine (relativamente) convencional cómo y cuándo quisiera, y
hacerlo mejor que el resto de directores “normales”.
Todas estas peculiaridades y este derroche de personalidad
bastarían para haber sido rechazado por un Hollywood que
fomenta la producción en serie e intenta evitar cualquier
rasgo de autoría en sus películas. Pero al igual que su gran
amigo Paul Thomas Anderson, Quentin Tarantino se las ha
apañado para convertirse en una anomalía unánimemente
tolerada. No cabe duda que su empleo de los géneros
clásicos ha contribuido a esta aceptación: una trilogía del
hampa (Reservoir Dogs, Pulp Fiction y Jackie Brown), un
díptico de acción y artes marciales (Kill Bill Vol. 1 y 2),
una película de terror (Death Proof), una película bélica
(Malditos Bastardos), y un díptico del western (Django
Desencadenado y The Hateful Eight). Pero el director no se
ha limitado a ejercerlos, sino que se ha adueñado de ellos,
transgediendo cada una de sus normas hasta hacerlos
parcialmente irreconocibles.
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El cine de los márgenes:
Quentin Tarantino
Por Misael Sanroque
Quentin Tarantino comparte con Alfred Hitchcock o Pedro
Almodóvar el extraño fenómeno de la incomprensión:
aunque sus películas sean taquilleras, celebradas por la
crítica y premiada por festivales y academias, sigue siendo
un autor incomprendido. Probablemente sea cosa del
propio Quentin, que juega al despiste. Una de los pecados
que más se le achacó fue que en una película titulada
Inglorious Basterds (Íd., 2009), los “bastardos” fueran
personajes secundarios de la trama. Absurdo, ¿verdad?
Pero así ha sucedido con el cine de Tarantino, el cine de
los márgenes (y los marginados). Él nos muestra A, pero la
gente entiende B. Y celebran la B, sí, pero...
Nacido en 1963 en Knoxville (Tennessee) pero criado en
un barrio marginal de Los Ángeles, vivía con su madre
adolescente, Connie, quien compartía piso con otras dos
chicas jóvenes. Lo que Tarantino llama “mi sitcom particular”1;
de hecho la televisión será su mejor amiga durante su infancia
y adolescencia y pronto dejará el instituto para ir de un lado
a otro (estudió interpretación, trabajó de acomodador en un
cine porno...) hasta encontrar su lugar en el mundo, detrás del
mostrador en el videoclub Video Archives.
“En realidad lo que a mí me gustaría sería unir la solidez narrativa y
profesional de un Howard Hawks y la capacidad inventiva de Godard”.
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Como el propio Tarantino confesó a Charlie Rose en
su programa, no fue en el videoclub donde adquirió su
cinefilia, sino que fue contratado, precisamente, gracias
a su vastísimo y puntilloso conocimiento del cine. Pero la
leyenda es la leyenda... Tras años de mentir en su currículum
actoral para acabar trabajando en Las chicas de oro y de
entrevistar a mucho de sus cineastas predilectos para el
falso proyecto de un libro de entrevistas à Bogdanovich,
Tarantino se comprometió a rodar su primera película My
Best Friend’s Birthday, inacabada y hoy repudiada por el
propio Quentin.
Tras escribir Reservoir Dogs intenta, en vano, mover el
guión. Finalmente el manuscrito (con hojas de diferentes
colores, faltas de ortografía y una pinza de tender la ropa
como única encuadernación) llega al director de culto
Monte Hellman (Two-Lane Blacktop, The Shooting), a quien
el texto entusiasma hasta el punto de querer dirigirlo. Pero
unas semanas después, Tarantino vende el guión de Amor
a quemarropa a Tony Scott y se siente con las agallas
suficientes para decirle a Montel Hellman que, si quiere,
produzca la película, pero que la dirigirá él. Y Hellman no
pudo hacer más que aceptar.
RESERVOIR DOGS (1992)
“Con Reservoir Dogs quería hacer una buena película de
gángsteres, una peli de crímenes, de duelos. Siempre me
ha encantado ese subgénero. No se había hecho nada en
esa línea desde hace mucho tiempo, y me parecía guay
hacerlo [...] De hecho, lo que yo quería al principio era esto:
que si alguien algún día se ponía a escribir un libro sobre el
género, tuviera que citar mi película. Eso es todo”.2
Con un objetivo tan poco modesto como el de entrar en
los anales de la historia del cine, o al menos en uno de
sus subgéneros, Tarantino rodó su ópera prima producida
por Monte Hellman y Lawrence Bender, entre otro, la
particular visión de Tarantino sobre el cine de robos dejaba
claro su punto de vista: jamás veríamos el robo. “Creí que
sería posible fraccionar la película a través de cada uno
de los personajes, pero no de acuerdo con la mecánica
del flashback, sino simplemente, como si fuesen capítulos
de una novela [...] se ven sólo seis personajes, pero en
realidad se habla y se discute sobre por lo menos otros seis
que tienen una considerable importancia pero a los cuales
nunca llegas a ver en persona, como el policía que ejerce
funciones de vigilancia o Alabama, la esposa de Mr. White”3.
El cine de los márgenes, en Reservoir Dogs la trastienda
es el foco principal de la acción. Asimilando el estilo
teatral, no es absurdo pensar en Esperando a Godot (En
attendant Godot, Samuel Beckett, 1948): los atracadores
con nombres de color se limitan a esperar al jefe, a discutir
sobre qué hacer a continuación o a pelearse entre sí hasta
que alguien hace saltar la alarma sobre que, quizá, hay un
policía infiltrado entre ellos. A partir de ahí, todo será un
juego de espejos y máscaras y discusiones para averiguar
quién es el topo. Y aunque las máscaras van cayendo
(y algunos van muriendo) la identidad del topo (que el
espectador conoce a mitad de película, obviando cualquier
atisbo de whodunit) sólo es revelada a los personajes al final.
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Así pues toda la película se construye en ese equilibrio en
la cuerda floja, en el paréntesis entre el atraco y el final.
Eso sí, todo plagado de escenas donde vemos el pasado
de algunos de los personajes (Mr. White, Mr. Blonde y
Mr. Orange). Como bien ha explicado Tarantino no son
flashbacks, sino capítulos que aparecen en ese orden
con fines dramáticos. “(Reservoir Dogs) estaría más bien
estructurada como una novela [...] En América todo tiene
que ser lineal: si se empieza una escena en una carrera, se
acabará al final de la carrera... Prefiero lo que hizo Sergio
Leone en Érase una vez en América: ‘Las respuestas
primero, las preguntas después’”4.
Esa alteración estructural para estirar el tiempo, como
Leone estira los silencios, y su cine en los márgenes del
cine convirtieron a Tarantino en un ídolo indie, arropado por
Sundance y por directores como Sam Fuller y Terry Gilliam;
sus diálogos kilométricos, que sirven, no para explicar la
trama, sino para explicar a los personajes, a su mundo,
su sociedad. La muy polémica conversación sobre las
propinas que abre la película nos deja claro que a Tarantino
el diálogo le sirve para algo más: para que su cine sea
puramente visual. Hay que recordar que los productores
arriesgaron tanto en la película que incluso se permitieron
tener a un director de fotografía novel, Andrzej Sekula,
que volvería a repetir con Tarantino en Pulp Fiction y que
consiguió darle a la película una textura entre John Woo y
Jean-Pierre Mélville que ha hecho de la película lo que es
hoy: un clásico.
Durante una sangrienta velada de boxeo manipulada por la mafia, el boxeador vencedor huye con el dinero de los gángsters
a los que ha estafado y tras haber asesinado a su contrincante. Pero en la película sólo vemos a Butch en el taxi que le lleva
al motel donde le espera su mujer. Tarantino nos introduce todos los elementos de las clásicas historias de boxeo y mafia, sin
mostrarnos más que a Butch y a su mujer en la intimidad de su dormitorio, literalmente en la cama con ellos. “Podríamos decir
que Reservoir Dogs es mi ‘película de gran golpe’, tal como Pulp Fiction sería mi película ‘de boxeo’, aunque ni en la primera se
ve prácticamente el atraco ni en la segunda contemplemos ningún combate”6.
Decidido a reinventar el thriller, Tarantino rueda una película donde asistimos a escenas con varios niveles. En el Jack Rabbit’s
Slim, el restaurante retro, contemplamos a John Travolta (Fiebre del sábado noche, Grease) interpretando a un gángster
heroinómano que sale a cenar con la mujer del jefe. En un momento dado, la acción se detiene para el concurso de baile, y ahí
tenemos a Travolta bailando una vez más junto a Uma Thurman en lo que es una de las elipsis más bellas de toda la película.
Ese baile extraño, absolutamente fuera de onda y que nos lleva a pensar en algo más que en un simple baile inocente... Es
su gran escena de amor; aún más: de amor imposible. Y el amor imposible es trágico y he ahí la escena del chute de caballo
y la jeringuilla de adrenalina. Adulterio, drogas y gángsteres, pero también tenemos al camello con una camiseta de Meteoro
comiendo cereales, o a su mujer adicta a los piercings.
PULP FICTION (1994)
Un thriller de aire pulp, trufado de música surf y referencias
televisivas. Más o menos así podríamos describir Pulp
Fiction, la cinta que consagró a Tarantino un lugar en el
cine. En 1994 la película se alzó con la Palma de Oro en
el Festival de Cannes, y Tarantino declaró “Nunca esperé
ganar nada en un festival donde un jurado tuviera que
decidir porque yo no hago películas para poner al público
de acuerdo, sino para enfrentarle”.
El argumento es fácil de sintetizar, tal y como expresa el
epígrafe en el guión original (que bien podría haber servido
de tagline) Pulp Fiction es “Three stories, about one story”5.
Inspirado por las novelas pulp como Black Mask y por Las
tres caras del miedo (Mario Bava, 1963), Tarantino y Roger
Avary se proponían rodar tres cortometrajes, tres historias
independientes. Finalmente, Tarantino compró a Avary su
historia (The Golden Watch) y decidió mezclarlas; aunque
cada historia sería independiente, estaría conectada con
las otras.
Pulp Fiction fue una revolución. Tarantino volvía a romper las
convenciones de tiempo y estructura. La película mostraba
una especie de bucle interrumpido; entre la primera
escena en el café y la última, se desarrolla el grueso de la
película. Otra vez en los márgenes: vemos a los gángsters
desayunar, discutir sobre teología o ir a cenar con la novia
del jefe. Aunque no se escatima en escenas violentas y de
acción (la recuperación del maletín de Marsellus Wallace o
la pelea entre Butch y Marsellus), Tarantino vuelve a poner
hincapié en “lo que pasa después”.
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“Siempre he considerado que tengo dos universos. Está el universo
Quentin normal, que para mí tiene toda la diversión de una película pero
de hecho es más real que la vida real. (...) Luego tengo otro universo que
es el de la película-película. No se trata de la vida real, es sólo acerca de
películas.”
Todo confluye en el mismo punto y de ahí lo brillante del
título. Una ficción pulp. Recordemos que aquellas revistas
amarillentas de papel rugoso solían incluir historias de
gángsters, de terror o de ciencia ficción. Si bien no hay
elementos de ciencia ficción en Pulp Fiction, sí que nos
manejamos en algún momento con los márgenes del terror,
en esa casa de empeños tétrica donde no falta un personaje
vestido de cuero que bien podría aparecer en una versión
nada lírica de una película de Darío Argento.
Pulp Fiction es una amalgama de géneros y estilos. La
película tiene la muy tarantiniana cámara estática, de
movimientos suaves y que se apoya en los primeros
planos de los personajes. Tarantino adora a sus actores y
la película está absolutamente dedicada a ellos, incluso en
los fueras de campo. Lo que ha quedado para algunos de la
película es música rock, gángsteres cool que hablan mucho
y pistolas. Pensándolo así, Pulp Fiction sea la película
menos “Pulp Fiction” que existe.
“Siempre he considerado que tengo dos universos. Está
el universo Quentin normal, que para mí tiene toda la
diversión de una película pero de hecho es más real que
la vida real. Es el mundo que aparece en Reservoir Dogs
y en Pulp Fiction, y en mi guión de Amor a quemarropa.
Luego tengo otro universo que es el de la película-película.
No se trata de la vida real, es sólo acerca de películas. En
realidad solo existen en la pantalla y en el proyector. Kill Bill
es el primer film que he realizado dentro de este universo,
pero mis guiones para Asesinos natos y Abierto hasta el
amanecer también están en ese mundo. La manera más
precisa de describir las diferencias entre los dos universos
es que cuando los personajes de Amor a quemarropa, o
de Reservoir Dogs o Pulp Fiction van al cine, esas son las
películas que van a ver”7.
Quentin Tarantino estaba a punto de madurar (Jackie
Brown se estrenaría unos cuantos años después) y antes
quiso descargar todo su mundo en una sola película sin
que la película fuera un escaparate barroco de obsesiones.
Cada elemento, cada personaje - cada cuál salido de su
propio género cinematográfico - tenía su lugar exacto en
la narración. Algo único que difícilmente podría llegar a
superarse.
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1 2 Declaraciones a Briex Férout para SO FILM (Noviembre 2013)
3 4 6 Entrevista con E. Riambau, M. Torreiro, C. Heredero y J. E. Monterde para DIRIGIDO POR (Enero 1995)
5 “Tres historias sobre una historia”.
7 Entrevista con Mark Olsen para SIGHT & SOUND (Octubre 2003)
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la palabra “nigger” en la película, hecho que fue defendido
por el propio Samuel L. Jackson. El guión también está
influenciado, y en parte es un homenaje, a las películas del
llamado blaxploitation, un género que emergió en la década
de los 70, ambientado en suburbios y que estaba destinado
a un público de color, aunque su éxito fue mucho mayor y
abarcó finalmente a todo tipo de seguidores.
Jackie Brown es un guiño a la carrera de Pam Grier, con
la que Tarantino ya estuvo a punto de trabajar en Pulp
Fiction, en la cual hizo la prueba para el personaje de Jody,
finalmente interpretado por Rosanna Arquette. Tarantino no
la olvidó y realizó los cambios oportunos para que pudiera
interpretar el papel protagonista. El póster de la película
imita los de Coffy (1973) y Foxy Brown (1974), y hasta la
tipografía es exactamente igual a la de esta última.
JACKIE BROWN (1997)
Por Faust de Winter (www.elcinedesdelacuna.com)
Jackie Brown (1997) viene marcada por ser la película
posterior a Pulp Fiction (1994), lo cual supuso que fuera
considerada una película menor dentro de la filmografía del
director, debido a las siempre odiosas comparaciones. La
realidad es que el paso del tiempo ha sentado muy bien
a esta película, que fue la primera y única vez, hasta hoy,
en la que Tarantino se basaba en material escrito por otro
autor.
Después de finalizar Pulp Fiction, Tarantino y Roger Avary
adquirieron los derechos cinematográficos de varias novelas
de Elmore Leonard, entre ellas Rum Punch. Tarantino tenía
muy claro que quería para el papel protagonista a Pam
Grier, y, al adaptarla para la gran pantalla, cambió la etnia
y el nombre del personaje y Jackie Burke pasó a llamarse
Jackie Brown, en homenaje a Foxy Brown, personaje
interpretado por Pam Grier en la película homónima de
1974. Tarantino no estaba muy seguro de que el novelista
aprobaría estos cambios, pero la realidad fue que éste se
mostró encantado y dijo que era la mejor adaptación que se
había hecho nunca de uno de sus libros.
El guión de Tarantino trata de ser fiel a la novela de
Leonard, pero incorpora elementos inconfundibles
de su cinematografía. Sin embargo, estamos ante la
película menos violenta del director, en la que solamente
escuchamos nueve disparos. La controversia vino de la
mano de Spike Lee, que criticó duramente el abusivo uso de
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Del propio Samuel L. Jackson fue la idea de incorporar
el pelo largo y la peculiar barba de chivo de su personaje
Ordell Robbie. El actor rodaba sus escenas los fines de
semana, ya que estaba trabajando también en Esfera, de
Barry Levinson (1998). Bridget Fonda interpreta a Melanie.
Su personaje siempre está tumbado en el sofá, drogándose
y viendo películas. Es curioso destacar que además de The
Mad Dog Killer (1997), con Helmut Berger, en otra escena
está viendo Dirty Mary Crazy Larry, interpretada por su
padre en la vida real, Peter Fonda. Y Chris Tucker interpreta
a Beaumont.
Uno de los puntos fuertes de la película es el magnífico
reparto. Robert de Niro quería el papel de Max Cherry.
Tarantino estaba encantado de trabajar con él, pero ya
había pensado en Robert Forster (que fue nominado al
Oscar al mejor actor secundario), por lo que le ofreció en su
lugar el papel de Louis.
Mientras Jackie Brown estaba en producción, Universal
Studios estaba preparando Un romance muy peligroso
(1998), dirigida por Steven Soderbergh, otra adaptación
de Leonard donde aparece Ray Nicolette, el personaje
interpretado por Michael Keaton en el film de Tarantino.
Aunque Miramax tenía los derechos del personaje, permitió
que Keaton realizara un pequeño cameo sin acreditar como
Ray Nicolette, aunque aquí trabajando para el FBI en lugar
de para el ATF.
La banda sonora cuenta con música de The Delfonics, Bill
Withers y The Grass Roots, entre otros. Hay varias canciones
extraídas de películas del blaxploitation, incluyendo Across
110th Street, de Bobby Womack, de la película del mismo
título (1972), que suena en la escena inicial, cuando Pam
Grier camina por el aeropuerto. En lugar de grabar una
nueva banda sonora, Tarantino incorporó la música funk de
Roy Ayers de la película Coffy para varias escenas, como
en la que Pam Grier sale de los probadores buscando a los
policías ocultos en la galería.
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MALDITOS BASTARDOS (2009)
Por Erika Tiburcio
Con esta idea, Quentin Tarantino bucea en la historia
para recordar a la audiencia una operación histórica: la
operación Greenup. Ésta consistía en un comando de
espionaje, formado exclusivamente por judíos, que tenían
por misión infiltrarse en las líneas alemanas, entre los que
se encontraban Frederick Mayer, Hans Wynberg y Franz
Weber. Una vez en Innsbruck (Austria), Mayer se hizo pasar
por oficial alemán durante tres meses, consiguiendo extraer
información al bando enemigo. Después decidió hacerse
pasar por un electricista francés, pero uno de sus contactos
le descubrió, siendo capturado por la Gestapo. En una sala
oscura, Mayer fue torturado durante días para sacarle una
información: Él jamás contó nada y siempre contestaba en
francés que no sabía nada. Tras toda la tortura, fue llevado
hasta el castillo donde vivía Franz Hofer, gobernador
del Tirol. Éste era consciente de que los nazis estaban
perdiendo la guerra, así que Mayer le ofreció la rendición y
la declaración de Innsbruck como ciudad abierta a cambio
de ser tratados como prisioneros de guerra. Finalmente, y
como Hofer no quería morir lo consiguió, pese a que esa
promesa había sido un farol de Mayer, ya que él no podía
garantizar estas condiciones.
Con Malditos bastardos, Tarantino se daba el gusto de
hacer su propia interpretación de la Segunda Guerra
Mundial. El género al que recurre para crear su historia es
al Spaguetti Western en un primer término, para después
dejar notar ciertos atisbos del cine bélico, habiendo
referencias en esta ocasión a películas como Salario para
matar (Sergio Corbucci, 1968) o Doce del patíbulo (Robert
Aldrich, 1967). Aunque obtuvo ocho nominaciones al Óscar,
entre las que estaban la de mejor película y mejor guion, la
única estatuilla que obtuvo la película fue al mejor actor de
reparto, gracias a la actuación de Christoph Waltz, actor de
origen austríaco, el cual, aunque gozaba de una larga carrera
en Alemania, no sería hasta esta producción cuando vería
reconocido su trabajo.
La historia detrás de Malditos Bastardos
Todos recordamos a Aldo Raine, interpretado por un Brad
Pitt glorioso, y el discurso que da a sus reclutas, todos de
origen judío, antes de llevar a cabo la misión que se les ha
encomendado: matar soldados alemanes. De esta manera
dice que “nuestro plan de batalla imitará la resistencia
apache. Seremos crueles con los alemanes. Seremos
conocidos por nuestra crueldad, y encontrarán pruebas
de esa crueldad en los desmembrados, destripados y
desfigurados cuerpos que dejemos atrás. Y los alemanes
no podrán borrar jamás las imágenes de crueldad a las que
los sometimos con nuestras manos, con nuestras botas, y
con nuestros cuchillos”.
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“Realmente no rompía con su personaje. Cuanto hablabas con él sobre
otras cosas, él hablaba con la voz de Aldo”
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Un largo proyecto que logró nacer
Malditos bastardos es un proyecto que comienza diez
años antes de su estreno, como bien afirma el productor
Lawrence Bender, que había tenido contacto con las
primeras ideas del guion. Eli Roth, que interpreta a Donny
Donnowitz afirmó que, en 2004, ya tenía constancia de
esta idea, tras una interpretación por parte de Tarantino del
discurso completo de Hitler. Diez años tuvieron que pasar
hasta que, por fin, el 2 de julio de 2008, Tarantino da por
finalizado el borrador de su nueva película. El título final,
Malditos bastardos (Inglouriuous Basterds) hace referencia
a una película de Enzo Castellari, The Inglouriuous Bastards
(1978), un director de numerosos Spaguetti Western, por el
que Tarantino ha mostrado en numerosas ocasiones una
devoción especial.
Las localizaciones de rodaje fueron fundamentalmente en
Europa, entre los que se encontraban el estudio Babelsberg
en Postdam, un lugar especial, ya que había sido el estudio
que había pertenecido a la UFA (Universum Film AG), en
donde se habían rodado grandes títulos alemanes como es
el caso de El Gabinete del Doctor Caligari (Robert Wiene,
1920). También rodó en otros lugares de Alemania como
Görlitz, Bad Schandau o Krampnitz, así como en París.
Para hacer más creíble la película, el director decidió no
ceñirse únicamente al inglés, su lengua natal, sino que
utilizó el francés y el alemán como lenguas fundamentales
de comunicación entre los distintos personajes, siendo
destacable el personaje de Christoph Waltz que habla
cuatro idiomas: inglés, alemán, francés e italiano.
El rodaje comenzaría el 9 de octubre de 2008 y, finalmente
la premiere se produjo en el festival de Cannes, el 20 de
mayo de 2009.
Tras conseguir finalizar ese primer borrador, quedaba aún
encontrar a los actores adecuados, las localizaciones y
formar un equipo de rodaje, un proceso que duró catorce
semanas. Como anécdota destaca la manera en que
Tarantino cuenta su encuentro con Brad Pitt. Voló hasta
París, uno de los lugares junto con Berlín y Los Ángeles
donde se hacían los castings, para conocer a Brad.
Enseguida quedó convencido ya que, además, como bien
afirma el director, este actor “realmente no rompía con su
personaje. Cuanto hablabas con él sobre otras cosas, él
hablaba con la voz de Aldo”.
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De nuevo, el realizador hace magia y todos los personajes
del guión vuelven a ser perfectos. El papel de Christoph
Waltz (que se retroalimenta del coronel Hans Landa de
Malditos bastardos) en la piel de un cazarecompensas,
mantiene enganchado al espectador con todos los giros
de los que es capaz Tarantino cuando escribe. Leonardo
Di Caprio resulta muy convincente en el papel de Calvin
Candie, que sorprende como la viva encarnación del
infierno disfrazado de esclavista. En una escena, el actor,
sumergido totalmente en el clímax, se cortó al aplastar una
copa de cristal del decorado y con la mano ensangrentada,
Leo aprovechó la veracidad del momento para culminar su
diálogo. Debido a la profundidad de la herida, tuvieron que
darle varios puntos de sutura.
Habiendo conseguido a todos sus actores, entre los que se
encontraban Christoph Waltz, que supuso la gran sorpresa
de la película, les reunió en una sala y les explicó lo que él
quería hacer. Para Tarantino, las películas de la Segunda
Guerra Mundial se dividían entre aquellas que mostraban las
guerras como una tragedia y entre aquellas que mostraban
a los hombres en movimiento y, obviamente, él quiso hacer
ésta última, bañada de tintes sangrientos y ultraviolentos.
Notas
www.imdb.com
Documental: “Los auténticos malditos bastardos”:
https://www.youtube.com/watch?v=1B_LtOYHnZw
Artículo: Influencia del Espaguetti-western en Malditos bastardos de
Quentin Tarantino en Área Abierta (n. 26) de Vanesa F. Guzmán Parra,
José Roberto Vila Oblitas (Universidad Complutense, 2010)
Nota de prensa de Ingloriuous Basterds:
http://www.festival-cannes.com/assets/Image/Direct/029846.pdf
DJANGO DESENCADENADO (2012)
Por La Reina Margot (www.elcinedesdelacuna.com)
El título de la película es un regreso a los spaghetti western
de Sergio Corbucci, Django (1966) y su secuela Django 2:
El retorno del héroe (1987), que eran violentos, breves y
absolutamente contundentes. La trama hace más de una
referencia a la infravalorada y magistral Mandingo (1975),
una película de Richard Fleischer que retrata con crudeza
la relación de deseo y dominación que se establece en
un sistema totalmente opresivo. Tarantino, fiel a su estilo,
hizo con Django Desencadenado una mezcla de spaghetti
western y cine de vaqueros clásico, mostrándonos los
sobrecogedores paisajes naturales de Wyoming y California,
además de realizar un homenaje a la obra maestra de John
Ford Centauros del desierto (1956).
La primera influencia y homenaje de Tarantino hacia esta
saga se encuentra en su renuncia a los títulos de crédito que
usa habitualmente, así como a sus personales elecciones
de las bandas sonoras en el comienzo de la película. Aquí,
a través de la intertextualidad, calca la tipografía y el tema
principal como homenaje a ese Django original (existen
más de 20 spin-off) que le da pie a desarrollar su particular
western.
Para el papel protagonista, el director quiso a Will Smith,
pero no llegaron a ponerse de acuerdo y barajó entonces
otras opciones: Idris Elba, Chris Tucker, Terrence Howard,
M.K. Williams y Tyrese Gibson siendo finalmente Jamie
Foxx el elegido.
Del resto del elenco cabe destacar los nombres de Samuel
L. Jackson como negro-negrero, Kerry Washington, Bruce
Dern y un excelente Don Johnson. Entrando en la mitomanía
de la película, tenemos el genial cameo de Franco Nero
(protagonista del Django de 1966 de Sergio Corbucci), el de
una una irreconocible Zoë Bell y a Tom Savini.
La banda sonora recoge desde pistas de Dos mulas y una
mujer (1970), compuesta por Ennio Morricone, hasta estilos
mucho más contemporáneos como el del rapero Rick Ross
o la pista que se atreve a remezclar Tupac con James
Brown.
Django Desencadenado no está exenta de polémica. Spike
Lee, que ya acusó a Tarantino de usar el término “nigger”
despectivamente en Jackie Brown, volvió a la carga en su
twitter haciendo la siguiente declaración: “La esclavitud
americana no fue un spaghetti western de Sergio Leone.
Fue un Holocausto. Mis ancestros son esclavos, robados
de África. Yo les honraré”. La polémica no va más allá, al
igual que la profundización en la estilización formal que el
director realiza de la violencia explícita, ya que sus películas
son una lección y un homenaje al cine de todos los tiempos,
y por lo tanto, su tema principal es el cine mismo.
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TRAS LA PISTA DE DJANGO DESENCADENADO Por Erika Tiburcio
“Django, you must face another day”...
Un encuentro con su banda sonora
Django Desencadenado se convirtió en la obra más taquillera de Tarantino. Con ella, se quedó a las puertas del Oscar como
mejor película, aunque su guión consiguió una estatuilla, un Globo de Oro y un premio BAFTA. Christoph Walz fue otro de los
más premiados con un Óscar al mejor actor de reparto, un Globo de Oro al mejor actor de reparto y un premio BAFTA al mejor
actor secundario.
Uno de los aspectos destacados de las películas de este
director son sus bandas sonoras, por lo ecléctico de las
mismas, como él mismo afirma. Django no decepciona
en este sentido, ya que, por un lado, recurrió a canciones
de películas viejas que aparecían en películas del género,
como es el caso del tema principal, del que ya hemos
hablado previamente, o con el caso de “Trinity (Titoly)”
de Le llamaban Trinidad (Enzo Barboni, 1970), o “I Got A
Name” de El último héroe americano (Lartmon Johnson,
1973), un drama centrado en el mundo deportivo. Por otro
lado, decidió recurrir a compositores actuales para crear
canciones nuevas como a John Legend, Jim Croce, Rick
Ross, y al análogo de la música del spaguetti western,
Ennio Morricone. Pese a que éste último había colaborado
en más trabajos con él, acabó en 2013, renegando de él y
afirmando que no deseaba trabajar con él nunca más por su
disconformidad ante la colocación de las canciones y por lo
sangriento de sus imágenes.
Boss Nigger
Que Tarantino siempre utiliza sus películas para hacer
homenajes a géneros populares es algo que venía
demostrando desde su ópera prima, Reservoir Dogs (1992),
con el cual hacía recordar al espectador el cine negro de
serie B. Django Desencadenado no es una excepción,
ya que, cualquiera que haya visto esta película se habrá
acordado de grandes clásicos del Spaguetti Western que
ponían en tela de juicio las premisas de La diligencia
(John Ford, 1939) o Río Bravo (Howard Hawks, 1959),
entre otros títulos. Mientras que estos títulos, situaban al
estadounidense frente a un ambiente hostil al cual dominar,
el Spaguetti Western, ponía el acento en los paisajes áridos
y la vida cotidiana convertida en un infierno por la extrema
violencia que rodeaba a estos habitantes. Pues bien,
Django Desencadenado centra su atención en un tema que
aún hoy en día sigue abriendo heridas: el esclavismo, con
un discurso centrado en unos amos que disfrutaban del
sufrimiento de sus esclavos de una manera sádica.
Una referencia directa es a la película, considerada de culto,
Django (Sergio Cobucci, 1966). En ella, Django (Franco
Nero) acabará en una lucha contra dos bandas rivales que
aspirar a dominar la región. No sólo el propio título, el cual,
ya deja claro su consideración, sino también la canción,
Django (Rocky Roberts & Luis Bacalov), que aparece en los
títulos de crédito, es el tema principal de la obra de Cobucci.
Igualmente tendremos el placer de ver otra vez a Franco
Nero haciendo un cameo en la historia de Tarantino como
Amerigo Vessepi, el dueño del mandingo que pierde contra
el que posee Calvin J. Candie (Leonardo DiCaprio). Pese
a que dejamos muchas referencias en el tintero, hay otra
que es digna de mención y es la trilogía de Blaxexploitation
Western, compuesta por The legend of Nigger Charley
(Fred Williamson, 1972), The Soul of Nigger Charley
(Larry Spangler, 1973) y Boss Nigger (Jack Arnold, 1975),
protagonizadas por Fred Williamson o “The Hammer”, las
cuales se centran en las aventuras de Charley.
El largo camino hacia Texas
Allá por el año 2007 Tarantino interpretaría en la obra de su
amigo Takashi Miike, Suriyaki Western Django, el papel de
Piringo, un anciano que fue el maestro de un personaje. En
2011, apareció una imagen de un guión de Tarantino con
el título del film y así empezaron los rumores sobre una
película que acabaría estrenándose un año más tarde.
El rodaje vio muchos cambios de reparto. El primero de ellos
fue el de Kevin Costner, quien abandonó el rodaje porque
se negó a interpretar a Ace Wood, un sádico esclavista a
las órdenes de Candie. El siguiente fue Joseph GordonLevitt, quien dejó el rodaje por problemas de calendario, ya que
coincidió con el rodaje su película Don Jon. Tarantino también
fue abandonado por Kurt Russell y Sacha Baron Cohen.
Notas
IMBD: www.imdb.com
Quentin Tarantino’s Django Unchained. The Continuation of Metacinema, de Oliver C. Speck (editor) (Bloomsbury, 2014).
“Kurt Russel y Sacha Baron Cohen abandona el rodaje”:
http://www.ecartelera.com/noticias/10741/kurt-russell-sacha-baron-cohen-abandonan-django-desencadenado-quentin-tarantino/
“El compositor Ennio Morricone rompe con Tarantino “coloca la música sin coherencia”:
http://www.20minutos.es/noticia/1761104/0/ennio-morricone/tarantino/banda-sonora/
Entrevista a Tarantino: https://www.youtube.com/watch?v=GrsJDy8VjZk
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películas, sobre todo en Abierto hasta el amanecer, en la
que, Tarantino como guionista/protagonista y Rodríguez
como director, realizaron algo parecido a un western con
vampiros diabólicos, herencia del cine de serie B que
tanto admiraban. Pero fue 2007 el año elegido por los dos
directores para realizar un homenaje directo y especial al
Grindhouse, titulando el proyecto con el mismo nombre.
Proyecto que constaría de la proyección de dos films, uno
de Tarantino y otro de Rodríguez, separados por varios
trailers. La proyección conjunta, remetía a los pases
dobles que se solían proyectar de este género particular;
aunque finalmente fue imposible estrenarlos como unidad
y acabaron apareciendo en cartelera por separado. Así
nacieron: Planet Terror y Death Proof.
El universo de Grindhouse va más allá de Tarantino y de
Rodríguez, dejando un pequeño espacio para aquellos
directores que también aman el cine de serie B. De esta
forma nacen 5 falsos trailers dirigidos por diferentes
personalidades. El dirigido por el propio Rodríguez
acabaría convirtiéndose en una de sus grandes películas/
sagas que continuarían en la misma línea de homenaje
al cine de serie B: Machete. Los otros cuatro trailers son:
Don’t, Thanksgiving, Werewolf Women of the SS, Hobo with
a Shotgun (también convertido en película). Dirigidos por
personajes como Rob Zombie, Edgar Wright o Eli Roth, son
una breve miniatura del Grindhouse pero también rinden
homenaje a los trailers de serie B, cuya calidad en muchas
ocasiones superaba a la propia película.
Cada película del particular Grindhouse de los polémicos
directores hacía referencia a un género o un estilo concreto
y característico dentro de las obras de Serie B. Planet
Terror es un homenaje al cine de zombis, y Death Proof al
subgénero del slasher. Ambas evidentemente enmarcadas
en el género del terror y con una clara voluntad humorística.
Pero más allá de ser grandes películas, con guiones
sorprendentemente sólidos e inteligentes y con un
mecanismo fílmico que claramente rinde homenaje al tipo
de cine del que beben; Death Proof y Planet Terror están
completamente impregnadas del estilo propio de cada
director. Robert Rodríguez nos enseña lo mucho que le
gusta crear héroes indestructibles que luchen contra una
gran cantidad de villanos, en este caso una stripper con
una pierna-ametralladora cuya principal actividad es matar
zombis. Quentin Tarantino tampoco se resiste a colocar dos
de sus constantes favoritas: la venganza y la femme fatal.
Ambos directores se mueven de maravilla dentro de este
terreno aportando sus propias singularidades repetidas a lo
largo de su carrera.
En definitiva, el proyecto Grindhouse, encabezado por
Tarantino y Rodríguez, es un sofisticado homenaje a un
género importantísimo y muchas veces menospreciado en
el mundo del cine. Pero lo más importante es que surge de
unos directores que, antes de serlo, eran fans de la serie B
y no hay nada más bonito que aquellos grandes proyectos
que surgen de la pura admiración.
PLANET TERROR Y DEATH PROOF:
EL MEJOR HOMENAJE
Por Carlos Murcia
Tanto Robert Rodríguez como Quentin Tarantino se han
criado bajo un entorno cinematográfico muy particular,
marcado por la visualización y admiración de las películas
gore, Grindhouse y de serie B/Z más populares de la década
de los 70 y los 80. ¿Pero realmente qué son este tipo de
obras? Son películas que viven al margen de los criterios
cualitativos; es decir, es evidente que existen películas de
Serie B mejores que otras, pero hay que tener en cuenta
que los aspectos comúnmente considerados negativos a
la hora de valorar obras cinematográficas, son positivos
dentro de aquellas que pertenecen a la serie B. Los vacíos
argumentales, el pastiche, la exageración de determinados
recursos estilísticos, la exhibición del artificio fílmico, la
casposidad de la obra… pueden aumentar, aunque no
siempre, la calidad o el interés que suscita una determinada
película. Son obras en las que la sangre, la violencia, los
asesinatos, los monstruos, las chicas guapas, los chistes y
las aventuras patéticas son más importantes que el dinero
invertido. Quizás lo más admirable de este tipo de cine
es la sorprendente capacidad que tienen de asombrar y
entretener al espectador.
En 2007, ya hacía muchos años que el cine Grindhouse
había perdido todo su poder y, aunque quedaban algunos
resquicios en alguna película, poco quedaba de él. Era un
buen momento para que Tarantino y Rodríguez se uniesen,
habiendo ya honrado este tipo de cine a través de sus
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melodía de la serie de televisión Ironside, tono utilizado por
Tarantino para el cruce de miradas entre la protagonista y
sus enemigos.
KILL BILL. VOL 1 Y 2
Pero si hay una influencia clara en Kill Bill es, desde luego,
el cine de artes marciales. Muestra de ello es la presencia
del veterano Sonny Chiba como Hattori Hanzo, fabricante
de espadas, o el entrenamiento de la protagonista que se
revela a través de un flashback en Kill Bill. Vol.2, sin olvidar
la fuerte presencia de la japonesa Lady Snowblood (1973),
uno de los referentes más claros de esta historia. Tarantino
se permitió otro fichaje a modo de guiño cinéfilo: Chiaki
Kuriyama, la joven actriz que interpreta a Gogo, la asesina
que protege a O-ren Ishii (una de las enemigas de la
Novia). El director la fichó tras descubrirla en la producción
japonesa Battle Royale, y quiso que su personaje luciera el
uniforme de colegiala como referencia a aquel título, en el
que unos alumnos eran llevados a una isla en la que debían
matarse unos a otros.
Referencias cinematográficas aparte, lo cierto es que
Tarantino hizo mucho más que una película moderna de
kung fú. El complejo desarrollo narrativo se atrevió con
todo. No sólo mezcló texturas, por no hablar de la famosa
secuencia en el restaurante, rodada en blanco y negro
para evitar que los litros de sangre empleados resultaran
excesivos para el espectador (o la censura), sino que
presentaba la historia sin miedo a los saltos cronológicos,
empezando el film por el segundo enfrentamiento (tras
un breve prólogo en blanco y negro) y dejando para más
adelante el flashback completo en el que se dará a conocer
el motivo de la sangrienta venganza. Kill Bill Vol.2 es quizá
más simple en ese sentido, ya que la ruptura narrativa no
es tan brusca y Tarantino se centró más en las tomas largas
que le permitieron hacer brillar sus magníficos diálogos,
marca de la casa, como la famosa conversación sobre
Superman que mantienen los personajes de la Novia (Uma
Thurman) y Bill (David Carradine).
Por Sandra S. Lopera
Mientras rodaban Pulp Fiction, Uma Thurman y Quentin
Tarantino aprovecharon las pausas para empezar a
trabajar en una idea que había surgido durante una de
sus conversaciones, en las que hablaban sobre qué tipo
de films les gustaría hacer y recordaban viejas películas de
kung fu. La premisa era simple: una novia que era dada
por muerta tras una masacre el día de su boda y que
volvía para vengarse. Sin pasado, sin identidad, incluso sin
nombre (cada vez que se pronuncia en la primera entrega
de Kill Bill suena un pitido y no es hasta el Volumen 2
cuando nos enteramos de cómo se llama la protagonista),
esta novia no se trataba de una mujer cualquiera, sino que
era en realidad una de las mejores asesinas a sueldo del
mundo. El director empezó a trabajar en el guión y se lo
regaló a la actriz en su cumpleaños. La primera versión
era ya para un largometraje extenso, pero fue tras rodar
Kill Bill cuando Tarantino empezó a recibir presiones de los
productores para que aligerara el metraje. Cuando éste se
negó a mutilar su obra, se tomó la decisión de dividirla en
dos entregas y estrenarlas con pocos meses de diferencia.
La cuarta película de Tarantino fue un verdadero festín
visual, capaz de combinar desde referencias del cine de
artes marciales y espadas samuráis hasta manga, western
o incluso pinceladas de slasher y del cine de Brian de
Palma. En ella, el cineasta evolucionaba hacia un tipo de
narración muy dinámica, con un magnífico montaje y, como
siempre, una banda sonora totalmente atípica en la que se
podía encontrar desde grupos de pop japoneses hasta la
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Extraordinario a todos los niveles, el díptico formado por
las dos entregas de Kill Bill no son solo un resumen de
las referencias cinéfilas de un director, sino una muestra
de pasión por el lenguaje cinematográfico. Tarantino fue
capaz de incorporar elementos del western (el ejemplo más
claro sería Por un puñado de dólares) y trasladarlos a una
historia en la que las pistolas se convierten en katanas para
llevar a cabo una venganza propia de un thriller clásico de
los años setenta vestido de artes marciales. Eso sin olvidar
los elementos prestados del cine japonés contemporáneo
y hasta de los videojuegos (esa Novia pasando de un rival
a otro en el restaurante como si fuera superando niveles
para llegar hasta su objetivo). Uno de los mejores trabajos
de su director y todo un ejemplo de como el cine puede
retroalimentarse y utilizar sus referentes para crear un film
(o dos) prácticamente perfecto.
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Por Coral Ferrero
Ben Stiller será el protagonista del Beer & Pizza Night de este
mes con su mejor comedia: Zoolander. Un descerebrado
de moda, una parodia sobre el mundo de la moda repleta de
cameos famosos. Jueves 28 de mayo.
Jueves 28 · 21h
BEER & PIZZA NIGHT: ZOOLANDER
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LA ABSURDA BRILLANTEZ
DE BEN STILLER
Derek Zoolander es el rey de las pasarelas. Todos los
hombres quieren ser como él y las mujeres estar con él.
Su mirada “acero azul” hace furor allá por donde pasa. No
en vano, ha ganado el premio a Mejor Modelo Masculino
durante tres años consecutivos. Pero en la gala de la entrega
del que podría suponer su cuarta victoria, Derek queda en
ridículo al haber creído escuchar su nombre como ganador.
En su lugar, el vencedor resulta ser Hansel McDonald, su
némesis y principal candidato a arrebatarle el trono.
Destrozado por la derrota, Derek decide retirarse. Sin
embargo, el malvado diseñador Jacobim Mugatu requerirá
los servicios del modelo con oscuros propósitos: tras lavarle
el cerebro utilizará a Derek para matar al primer ministro de
Malasia, que acaba de derogar la ley que permite el trabajo
infantil. Lo que esto implica es dejar libre a la los niños de
ese país, es decir, la mano de obra de los caros diseños de
Mugatu, circunstancia que quiere impedir a toda costa.
Esta es la disparatada premisa de Zoolander: un
descerebrado de moda (2001), película dirigida, coescrita
y protagonizada por Ben Stiller. En su tercer film como
director, Stiller se decanta por la comedia pura y dura que
ya pudimos saborear en la segunda película que dirigió,
Un loco a domicilio (1996), en lugar de la comedia suave
y realista que supuso su estreno como realizador, Bocados
de realidad (1994).
Para Zoolander, el actor recupera al arquetipo de personaje
exagerado y caricaturesco que apareció en Un loco a
domicilio, bajo la forma de Jim Carrey. Sin embargo, pese
a los muchos defectos que Derek demuestra tener –tan
absurdos como la incapacidad de girar su cuerpo hacia
la izquierda o inventarse cuatro miradas exactamente
iguales y exponerlas como si fueran diferentes-, se revela
como un personaje que genera simpatía, tanto dentro de la
historia como entre el público. Es muy probable que parte
del encanto de Derek Zoolander se contagie gracias al
incontable número de personajes famosos que aparecen
en la película y que declaran convencidos su genialidad,
haciendo creer a los espectadores que, en efecto, es la
estrella que todos dicen que es.
relegado a los cameos. Entre los personajes secundarios
podemos ver a un irreconocible David Duchovny
interpretando a un ex modelo de manos y antigua víctima
de Mugatu que intenta ayudar a Zoolander, a John Voight
y Vince Vaughn como padre y hermano del protagonista o
a David Bowie, que hace una espectacular aparición como
juez en un combate de modelaje. En su primer papel en
Hollywood encontramos también a un joven Alexander
Skarsgard, interpretando a uno de los compañeros de piso
de Derek y que coprotagoniza una de las escenas más
inesperadas de la película.
Zoolander salió al mercado con desventaja. Su estreno
en cines se produjo dos semanas después del 11 de
septiembre, por lo que el público norteamericano no se
encontraba de humor para ver una comedia de esta índole.
Más tarde, Stiller decidió excluir las escenas de la película
en las que aparecían las Torres Gemelas, con el fin de no
herir sensibilidades. Aunque no generó un gran impacto
en la taquilla, con los años ha llegado a convertirse en una
película de culto.
Cabe destacar el pequeño papel que interpreta Justin
Theroux, también irreconocible, como el dj del desfile de
Mugatu. Sería la primera vez que Stiller y Theroux aparecían
juntos en un film. Más tarde los dos idearían Tropic Thunder:
¡una guerra muy perra! (2008) que supondría la cuarta
película como director de Ben Stiller. En la ya anunciada
segunda parte de Zoolander será Theroux el encargado de
escribir el guión.
Con todo esto, queda claro que a Stiller le gusta rodearse
de amigos a la hora de dirigir una película. Su compañero
Owen Wilson encarna al rival de Derek, Hansel McDonald.
Tras aparecer juntos en Los Padres de Ella, Zoolander
marcaría el principio de numerosas colaboraciones entre ellos
dos, como Los Tenenbaums. Una familia de genios o Starsky
y Hutch. Además, tanto su mujer, Christine Taylor, como su
padre, Jerry Stiller, interpretan importantes papeles del film.
Para poder disfrutar de este film es conveniente que el
espectador sepa a qué atenerse. Zoolander no es ni de
cerca una película para tomarse en serio, pero es que no
pretende serlo. Aunque es obvio que hay ciertos momentos
dedicados exclusivamente a mofarse de la industria de la
moda y de toda la frivolidad que la envuelve, el principal
objetivo del film es el del simple entretenimiento, sin
moralejas, metáforas ni mensajes ocultos. Y esto, hoy en
día, resulta un soplo de aire fresco
Desde Cuba Gooding Jr hasta Donald Trump, pasando por
Natalie Portman o Winona Ryder, y sin olvidar la hilarante
aparición de Billy Zane, Zoolander acaba siendo un “quién
es quién” de actores, músicos y personajes del mundo de la
moda. Pero el sorprendente reparto no queda únicamente
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ZOOLANDER 2
Mediante una magistral lección de marketing, Ben Stiller
confirmó la segunda parte de Zoolander (cuyos rumores
indican que podría titularse Twolander) en la última edición de
la Semana de la Moda de París. Para tan esperado anuncio,
tanto Stiller como Owen Wilson se metieron en la piel de sus
personajes y recorrieron la pasarela del diseñador Valentino.
A partir de entonces, las noticias referentes a la secuela y
su producción han ido sucediéndose una detrás de otra. Lo
primero que se ha conocido es que gran parte del reparto
original volverá, retomando los papeles que interpretaron.
Además de a Zoolander y a Hansel, volveremos a ver a Matilda
(Christine Taylor) y a Mugatu (Will Ferrell). Pero a estas caras
conocidas se suman dos importantes fichajes nuevos: por un
lado el de la Kristen Wiig, veterana de Saturday Night Live y
curtida en el arte de hacer reír. Por otro lado, el de Penélope
Cruz en la que será su primera incursión en una comedia
norteamericana. Aunque habrá que esperar para saber qué
papeles interpretarán estas dos actrices, lo que sí se sabe es
que el joven Cyrus Arnold será Derek Jr, el hijo con sobrepeso
de Derek.
El rodaje ya ha empezado en Roma, donde se reemprenderá
la acción diez años después de la primera película. En la
secuela, Derek y Hansel deberán enfrentarse a una compañía
rival que intentará apartarles del mundo de la moda. Como ya
se ha mencionado, Justin Theroux ha escrito el guión del film,
mientras que Stiller dirige otra vez. El estreno de Zoolander 2
está previsto para el 12 de febrero de 2016.
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Conmemoramos el 120 aniversario de Gaumont con un ciclo que reúne
algunos de los títulos más significativos de esta casa, productora francesa
de grandes cineastas como Louis Malle o Max Ophüls. La programación
abarca desde comedias como La cena de los idiotas a verdaderas joyas
como Ascensor para el cadalso.
Por Jose Antonio Pérez Guevara
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ASCENSOR PARA EL CADALSO:
POEMA VELADO SOBRE EL
DESAMOR
Ciudadano Kane (1941, Orson Welles), Los amantes de la
noche (1947, Nicholas Ray), Pather Panchali (1955, Satyajit
Ray), Los 400 golpes (1959, François Truffaut), El espíritu
de la colmena (1973, Víctor Erice)… tienen en común el
significar el bautismo cinematográfico de sus autores.
Ascensor para el cadalso fue la primera vez para Louis
Malle, su ópera prima se alejó de sus coetáneos (que en un
par de años inaugurarían la revolucionaria Nouvelle Vague)
y se despachó con un film noir, un ejercicio de estilo que
emulaba a sus adorados maestros del Hollywood dorado:
Hawks, Wilder, Huston… Su experimento se saldó con un
estimable resultado, amén de dejar constancia de que, lejos
de la fábrica de sueños, también había lugar para obras
de cine negro, de contundente factura, tanto técnica como
artística. Alain Cavalier, director y amigo de Malle, le dio a
leer la novela de Noël Calef –en la que se basa la película- .
A Malle le gustó y propuso su financiación a un productor,
quién le contestó: “De acuerdo, si la haces con Jeanne
Moreau”.
La historia se articula a través de tres sucesos paralelos:
el asesino que se queda atrapado en el ascensor, su
amante que camina por las calles en su búsqueda, y dos
atolondrados que roban el coche del asesino y cometen el
más disparatado de los asesinatos, todos ellos envueltos
en la oscuridad de la noche parisina. Mínima expresión
de localizaciones, un ajustado reparto, amén de la
poderosa Moreau, Maurice Jornet y Lino Ventura, como
el inspector, para este angustioso y sobrio ejercicio de
suspense, despojado de artificios y dotado de una madurez
envidiable, con claras reminiscencias del cine del maestro y
admirado Henri-Georges Clouzot. Resultan conmovedoras
las imágenes en las que vemos a una solitaria Jeanne
Moreau vagando sin rumbo por las calles nocturnas de un
París teñido de blanco y negro, y envuelta en los acordes
y compases de la maravillosa y excelente partitura de Miles
Davis. La música irrumpe en la película de forma magistral
convirtiéndose en un elemento completamente estimulante
y brillante. La película ganó el premio a la mejor opera prima
“Louis Delluc”. Amén de dejarnos uno de los poemas más
desoladores sobre la imposibilidad de amar, de ser amado
y de nuestra incapacidad humana para ser felices.
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“Cuánto más vivo, menos me fio de las ideas y más de las emociones”
LOUIS MALLE
desde que el cine existe
Léon Gaumont (1864-1946), ingeniero de profesión se
transformó en inventor de aparatos fotográficos. El 22 de
marzo de 1895, después de asistir a una de las sesiones
que organizaba la Sociedad de Fomento de la Industria
Nacional, donde los hermanos Lumière presentan su
cinematógrafo, se queda fascinado por el nuevo invento
y adquiere la patente del cronofotógrafo de Demeny, e
inmediatamente después se lanza a construir aparatos
tomavistas y de proyección, y realiza pequeñas cintas,
en las que asumirá la dirección su secretaria Alice Guy,
convirtiéndose así en la primera directora de la historia
del cine, donde produce, escribe y dirige más de 600
películas para la compañía que tocaban todos los
géneros, cuentos de hadas, policíacos, comedias…En
1907, la compañía manufacturó su propio equipo y se
lanzó a producir películas en masa, contratando para tal
efecto a Louis Feuillade, donde se abordaron argumentos
muy ambiciosos dotándolos de grandes dosis de realismo
de manera poética, en títulos como Fantomas (1913), o
Judex (1916). La compañía crece de un modo asombroso
y ya en 1916 cuenta con 52 sucursales en Francia y su
marca (La margarita) es sinónimo de honradez y calidad.
En su extensísimo catálogo encontramos grandes
nombres, genios del cine como Jean Renoir, Jean-Luc
Godard, Louis Malle, y muchos más… en la actualidad
sigue siendo una compañía de calidad que sigue en la
brecha gozando del éxito del público en títulos como Los
visitantes, Salir del armario, The Artist o Intocable. Sus 120
años de historia no sólo la convierten en la compañía más
longeva de la historia del cine, sino en una de las empresas
que contribuyó de manera eficiente y ejemplar en afianzar el
nuevo arte y convertirlo en el arte del siglo XX.
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PROGRAMACIÓN
MAYO 2015
Ciclo James Bond
Ciclo Quentin Tarantino
VIERNES 1
16:30h · Ciclo Festival de Cannes
SEXO, MENTIRAS Y CINTAS DE VÍDEO
Sex, Lies, and Videotape
Steven Soderbergh, 1989. Int: James Spader, Andie
MacDowell, Peter Gallagher. USA · 100’ · 35mm · VOSE
El descubrimiento y consagración de Steven Soderbergh como uno de los
nuevos talentos del cine independiente, sobre todo tras ganar la Palma de
oro al Mejor director y el premio al Mejor actor para James Spader en el
festival de Cannes. Una ópera prima perfecta sobre infidelidades y deseos
ocultos.
18:30h · Ciclo Amores de hoy y de siempre
TITANIC Titanic
James Cameron, 1997. Int: Leonardo DiCaprio, Kate Winslet, Billy
Zane. USA · 194’ · 35mm · VOSE
James Cameron quiso recrear con todo detalle el hundimiento del famoso
barco, llegando a invertir en una cámara especial para rodar los verdaderos
restos del naufragio y reproduciento hasta la vajilla que usaban a bordo.
Una gigantesca producción ganadora de 11 Oscar.
21:00h
GOLPE EN LA PEQUEÑA CHINA Big Trouble in Little China
John Carpenter, 1986. Int: Kurt Russell, Kim Cattrall, Dennis Dun
USA · 99’ · 35 mm · VOSE
Carpenter recordó el cine de aventuras con el que había crecido y quiso
ir más allá con esta mezcla de acción y comedia gamberra en la que se
encuentran influencias que van desde el terror hasta las artes marciales.
Puro entretenimiento con un genial Kurt Russell.
23:30h
KILL BILL: VOLUMEN I
Kill Bill: Volume 1
Quentin Tarantino, 2003. Int: Uma Thurman, David Carradine, Daryl
Hannah. USA · 111’ · DCP · VOSE
Tarantino recogió en esta película no sólo el cine que ha marcado su
filmografía, sino también los géneros más diversos, jugando siempre con
la mirada del espectador. El director utiliza, para esta historia de venganza,
texturas visuales ochenteras, momentos en blanco y negro (como la
sangrienta lucha en el restaurante) y hasta secuencias de anime con una
narrativa impecable.
22:45h
BLADE RUNNER Blade Runner
Repetición el día 7
18:30h
OPERACIÓN TRUENO Thunderball
Terence Young, 1965. Int: Sean Connery, Claudine Auger
REINO UNIDO · 130’ · DCP 4K · VOSE
El primer Bond rodado en Panavision triplicó el presupuesto de sus
antecesoras para conseguir escenas tan espectaculares como la lucha bajo
el agua. Connery se enfrentó a la organización Spectra, que amenazaba con
destruir una ciudad.
DOMINGO 3
16:15h · Ciclo Charles Chaplin
LA QUIMERA DEL ORO The Gold Rush
Charles Chaplin, 1925. Int: Charles Chaplin, Mack Swain,
Tom Murray. USA · 95’ · 35mm · VOSE
El baile de los panecillos es uno de los momentos más inolvidables del cine
de Chaplin, que aquí volvió a interpretar a su personaje de vagabundo,
esta vez convertido en un explorador en Alaska. Tal era el éxito de esta
secuencia, que el público de las salas exigía que se volviera a proyectar una
y otra vez.
18:15h
LICENCIA PARA MATAR Licence to Kill
John Glen, 1989. Int: Timothy Dalton, Robert Davi, Carey Lowell
REINO UNIDO · 133’ · DCP 4K · VOSE
Timothy Dalton encarnó a uno de los Bond más realistas, sobre todo a
nivel de un tipo de acción más física que en films anteriores. Influenciada
por la moda de los thrillers, esta entrega apostó por una historia menos
tecnológica, con un Bond tratando de vengar el asesinato de un amigo a
manos de un narcotraficante.
21:00h
PULP FICTION Pulp Fiction
Quentin Tarantino, 1994. Int: John Travolta, Samuel L. Jackson,
Bruce Willis. USA · 154’ · DCP · VOSE
John Travolta resucitó del olvido gracias a este collage de historias donde
Quentin Tarantino dio rienda suelta a sus pasiones cinéfilas. Palma de oro al
director en el Festival de Cannes y Oscar y Globo de oro al Mejor guión.
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21:00h
BLADE RUNNER Blade Runner
18:00h
CASINO ROYALE Casino Royale
21:00h
DJANGO DESENCADENADO Django Unchained
Ridley Scott, 1982. Int: Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young
USA · 117’ · DCP · VOSE
Martin Campbell, 2006. Int: Daniel Craig, Eva Green, Judi Dench
REINO UNIDO/USA · 144’ · 35mm · VOSE
Quentin Tarantino, 2012. Int: Jamie Foxx, Christoph Waltz, Leonardo
DiCaprio. USA · 165’ · DCP · VOSE
Ver reseña del día 1
Primera aparición de Daniel Craig como agente 007. Basada en la primera
novela de James Bond escrita por Ian Fleming, y con algún elemento
prestado de Goldfinger, Casino Royale apostó por una trama glamurosa
que combinaba una tensa partida de póquer con secuencias de alto voltaje
como la persecución en el aeropuerto.
Apasionado de Sergio Leone y del spaguetti western, Tarantino dio una
vuelta de tuerca al género cambiando al héroe solitario por un esclavo
que se une a un cazarrecompensas para rescatar a su mujer. Espléndido
Leonardo DiCaprio como comerciante de esclavos y breve cameo del actor
Franco Nero, el Django original.
VIERNES 8
16:30h · Ciclo Festival de Cannes
EL TERCER HOMBRE The Third Man
Carol Reed, 1949. Int: Orson Welles, Joseph Cotten, Alida Valli
USA · 104’ · 35mm · VOSE
Versión filmada de la ópera de Merimee, interpretada por el tenor Plácido
Domingo y la soprano Julia Migenes. Su dirección artística utilizó como
punto de partida las ilustraciones realizadas por el pintor Gustave Doré en
1873 y el bailaor Antonio Gades preparó las coreografías.
La famosa huida de Orson Welles por las alcantarillas tiene hasta su propia
ruta turística en Viena, ciudad en la que se ambientaba la novela de
espionaje de Graham Greene. El director y productor Alexander Korda y el
propio Welles se encargaron de adaptar el relato. Magnífica fotografía del
oscarizado Robert Krasker.
19:00h · Ciclo 120 años de Gaumont
WEEK-END Le Week-end
18:30h
FASCINACIÓN Obsession
Jean-Luc Godard, 1967. Int: Mireille Darc, Jean Yanne, Jean- Pierre
Kalfon. FRANCIA · 105’ · DCP · VOSE
Brian de Palma, 1976. Int: Cliff Robertson, Geneviève Bujold, John
Lithgow. USA · 98’ · 35mm · VOSE
Godard retrata con ironía los pecados materialistas de la sociedad de consumo a través de un matrimonio que empieza a desquiciarse en un atasco de
tráfico, lo que dará paso a situaciones cada vez más descontroladas. Basado
en un relato de Julio Cortázar.
Considerada la obra perfecta de Brian de Palma. Fascinación es un sorprendente thriller en el que se intuye la huella de Vértigo, de Hitchcock, y que se
desmarca de los tópicos del género gracias al sólido guión de Paul Schrader
y del propio director.
21:00h
JACKIE BROWN Jackie Brown
21:00h · PROGRAMA DOBLE
JUEVES 7
SÁBADO 2
Las aventuras de Julio Verne saltaron a la gran pantalla de la mano de
Charles Brackett, guionista habitual de Billy Wilder, que escribió esta adaptación junto a su amigo Walter Reisch pocos años después de que ambos
compartieran el Oscar al Mejor guión por El hundimiento del Titanic.
Francesco Rosi, 1984. Int: Julia Migenes, Plácido Domingo, Ruggero
Raimondi. FRANCIA · 152’ · DCP · VOSE
Traficantes de armas y policías ven como se complican sus negocios en este
thriller con el que Tarantino aparcaba su violencia característica para rodar
con un estilo mucho más clásico y calmado. Además, se trata del único film
del director que adapta una novela: Rum Punch, de Elmore Leonard. Una
rareza dentro de su filmografía.
La obra maestra de Ridley Scott no es sólo un film de culto que revolucionó
la ciencia-ficción, sino también una película que invita al debate y a las
múltilpes interpretaciones gracias a un final lleno de incógnitas. Fascinante
diseño de producción y banda sonora de Vangelis.
Journey to the Center of the Earth
Henry Levin, 1959. Int: James Mason, Pat Boone, Arlene Dahl
USA · 132’ · 35mm · VE
16:15h · Ciclo 120 años de Gaumont
CARMEN DE BIZET Carmen
Quentin Tarantino, 1997. Int: Pam Grier, Samuel L. Jackson, Robert
Forster. USA · 154’ · 35mm · VOSE
Ridley Scott, 1982. Int: Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young
USA · 117’ · DCP · VOSE
16:00h
VIAJE AL CENTRO DE LA TIERRA
MIÉRCOLES 6
PROGRAMACIÓN MAYO 2015
16:30h · Ciclo Amores de hoy y de siempre
SOLO EL CIELO LO SABE All that Heaven Allows
ALGO PARA RECORDAR Sleepless in Seattle
Nora Ephron, 1993. Int: Tom Hanks, Meg Ryan, Ross Malinger
USA · 105’ · 35mm · VOSE
GHOST (MÁS ALLÁ DEL AMOR) Ghost
Jerry Zucker, 1990. Int: Patrick Swayze, Demi Moore, Whoopi
Goldberg. USA · 127’ · DCP · VOSE
Dos títulos esenciales del género romántico tan de moda en los años 90.
Abre la sesión toda una experta: Nora Ephron, que convirtió a Tom Hanks y
Meg Ryan en la pareja del momento. Jerry Zucker dio un giro a su carrera,
recordada por títulos como Aterriza como puedas, dirigiendo este drama
sobre un hombre, que tras morir, permanece junto a su mujer como un
fantasma.
21:00h · MARATÓN MAD MAX
MAD MAX, SALVAJES DE AUTOPISTA Mad Max
MIÉRCOLES 13
George Miller, 1979. Int: Mel Gibson, Joanne Samuel, Hugh
Keays-Byrne. AUSTRALIA · 88’ · DCP · VOSE
16:30h · Ciclo Amores de hoy y de siempre
TÚ Y YO An Affair to Remember
MAD MAX 2, EL GUERRERO DE LA CARRETERA
Leo McCarey, 1957. Int: Cary Grant, Deborah Kerr, Richard Denning
USA · 119’ · 35mm · VOSE
Mad Max 2
George Miller, 1981. Int: Mel Gibson, Bruce Spence, Michael
Preston. AUSTRALIA · 95’ · DCP · VOSE
MAD MAX 3, MÁS ALLÁ DE LA CÚPULA DEL TRUENO
Mad Max Beyond Thunderdome
George Miller, George Ogilvie, 1985. Int: Mel Gibson, Tina
Turner, Bruce Spence. AUSTRALIA · 107’ · 35mm · VOSE
Mel Gibson saltó a la fama gracias a este justiciero que vaga por un futuro
postapocalíptico en el que la gente se mata por conseguir gasolina.
Una trilogía rodada con influencias del cómic y de la acción setentera
norteamericana, que hizo de las persecuciones salvajes su marca personal.
Violenta y épica, la saga ha cobrado nueva vida con una cuarta entrega.
DOMINGO 10
16:00h
SOLO EN CASA Home Alone
Chris Columbus, 1990. Int: Macaulay Culkin, Joe Pesci, Daniel Stern
USA · 100’ · 35mm · VE
Chris Columbus convirtió a Macaulay Culkin en la estrella infantil mejor
pagada de la historia tras el gran éxito de esta comedia. La idea de unos
padres que se olvidan a su hijo en casa cuando se van de vacaciones se le
ocurrió al director mientras preparaba las maletas, y su amigo John Hugues
la plasmó en un guión.
Douglas Sirk, 1955. Int: Jane Wyman, Rock Hudson, Agnes
Moorehead. USA · 89’ · 35mm · VOSE
El esperado reencuentro de los protagonistas en lo alto del Empire State
Building sigue emocionando como el primer día gracias a las interpretaciones de Cary Grant y Deborah Kerr, que improvisaron buena parte de sus
frases para hacer sus escenas más realistas.
19:00h · Ciclo 120 años de Gaumont
ASCENSOR PARA EL CADALSO Ascenseur Pour l’échafaud
Louis Malle, 1958. Int: Jeanne Moreau, Maurice Ronet, Georges
Poujouly. FRANCIA · 88’ · DCP · VOSE
Una de las musas del cine francés, Jeanne Moreau, permitió que Louis Malle
la filmara en un continuo primer plano sin apenas maquillaje y utilizando
una luz natural que remarcaba el dramatismo de este thriller precursor de
la Nouvelle Vague.
21:00h
PASE PRIVADO MIEMBROS CLUB PHENOMENA
JUEVES 14
16:00h · Ciclo 120 años de Gaumont
MADAME DE… Madame de…
Max Ophüls, 1953. Int: Danielle Darrieux, Charles Boyer, Vittorio De
Sica. FRANCIA · 105’ · DCP · VOSE
Unos pendientes son el leit motiv con el que el gran Max Ophüls dibuja la
caída en desgracia de la protagonista. El director Vittorio de Sica admiraba
tanto a este cineasta que le pidió un papel y Ophüls escribió para él el
personaje del barón Donati.
Antes de convertirse en una popular villana de los culebrones televisivos,
Jane Wyman conmovió con sus interpretaciones en films como este melodrama en el que se enamora de un chico más joven que ella: Rock Hudson.
Su diferencia de edad y de clase social incomodará a su entorno.
18:00h · Ciclo Charles Chaplin
EL GRAN DICTADOR The Great Dictator
18:15h · Ciclo 120 años de Gaumont
ADIÓS MUCHACHOS Au revoir les enfants
Charles Chaplin, 1940. Int: Charles Chaplin, Paulette Goddard, Jack
Oakie. USA · 125’ · 35mm · VOSE
Louis Malle, 1987. Int: Gaspard Manesse, Raphael Fejtö, Francine
Racette. FRANCIA · 104’ · DCP · VOSE
El discurso en un idioma inventado, que doblaba los micrófonos con sus
gritos, y la imagen de Chaplin jugando con la bola del mundo son algunos
de los momentos míticos que hicieron de este título un gran clásico. Su
estreno fue prohibido en España hasta 1976, tras la dictadura.
Louis Malle se inspiró en un recuerdo de su propia infancia para rodar este
drama intimista, sencillo y desgarrador. El despertar a la madurez de los
alumnos de un internado que empiezan a ser conscientes del asedio nazi
que viven los judíos en Francia.
SÁBADO 9
16:00h · Ciclo Amores de hoy y de siempre
LA COLINA DEL ADIÓS
18:00h · ÓPERA EN DIFERIDO
LA TRAVIATA
Love is a Many-Splendored Thing
Henry King, 1955. Int: William Holden, Jennifer Jones, Torin
Thatcher. USA · 102’ · 35mm · VOSE
Conductor: Daniel Oren. Director: Benoit Jacquot
Interpretes: Diana Damrau (Violetta), Anna Pennisi (Flora), Cornelia
Oncioiu (Annina) y Francesco Demuro (Alfredo)
El prolífico Henry King consiguió algunos de los melodramas más emblemáticos del Hollywood dorado. Buena muestra de ello es este film, basado
en hechos reales, en el que William Holden y Jennifer Jones luchan por
mantener su romance en Hong Kong durante la revolución comunista.
La Ópera de París acoge la obra compuesta por Verdi a partir de La dama de
las camelias, de Alejandro Dumas. Benoit Jacquot dirige este montaje en
tres actos, protagonizado por Diana Damrau y Anna Pennisi.
Desde la Ópera de París
69
PROGRAMACIÓN MAYO 2015
20:30h · PROGRAMA DOBLE ESPECIAL MAD MAX
MAD MAX, SALVAJES DE AUTOPISTA Mad Max
George Miller, 1979. Int: Mel Gibson, Joanne Samuel, Hugh
Keays-Byrne. AUSTRALIA · 88’ · DCP · VOSE
MAD MAX 2, EL GUERRERO DE LA CARRETERA
Mad Max 2
George Miller, 1981. Int: Mel Gibson, Bruce Spence, Michael
Preston. AUSTRALIA · 95’ · DCP · VOSE
Programa doble dedicado al film clave en el nuevo género fantástico,
con el que Mel Gibson cambió el estereotipo de héroe. El árido paisaje
del desierto australiano se convierte en un futuro postapocalíptico cada
vez más salvaje, donde la gasolina es el bien más preciado. George Miller
demostró ser un director visionario a la hora de plasmar en pantalla la
verdadera lucha por la supervivencia.
VIERNES 22
16:30h · Ciclo Festival de Cannes
BLOW-UP Blow Up
Michelangelo Antonioni, 1966. Int: David Hemmings, Vanessa Redgrave, Sarah Miles. ITALIA/REINO UNIDO · 111’ · 35mm · VOSE
El primer film de Antonioni rodado en inglés fue este drama, con tintes de
thriller, que De Palma homenajeó en Impacto. Una foto tomada al azahar
esconde la clave de un crimen. El prestigioso fotógrafo John Cowan realizó
las fotos que se pueden ver en el estudio y el piso del protagonista.
18:30h · Ciclo 120 años de Gaumont
LA CENA DE LOS IDIOTAS Le dïner de cons
Francis Veber, 1998. Int: Thierry Lhermitte, Jacques Villeret, Francis
Huster. FRANCIA · 80’ · DCP · VOSE
Tras cinco años de éxito en los teatros, Francis Veber trasladó su obra a la
pantalla, encargando el papel principal al mismo actor, Jacques Villeret, que
llevaba más de 600 funciones interpretando al torpe François, que acepta
una invitación a cenar sin saber que se trata de una apuesta. Tanto Villeret
como su coprotagonista ganaron el premio César por su trabajo.
21:00h · PROGRAMA DOBLE
PLANET TERROR Planet Terror
Robert Rodríguez, 2007. Int: Rose McGowan, Freddy Rodríguez,
Josh Brolin. USA · 105’ · 35mm · VOSE
DEATH PROOF Death Proof
VIERNES 15 · GRAN ESTRENO
Quentin Tarantino, 2007. Int: Kurt Russell, Zoë Bell, Rosario
Dawson. USA · 113’ · 35mm · VOSE
MAD MAX: FURIA EN LA CARRETERA Mad Max: Fury Road
Los problemas de distribución hicieron que Tarantino y su amigo
Rodriguez tuvieran que estrenar por separado este proyecto, con el que
rendían homenaje a los programas dobles de serie B que veían en el cine
de pequeños.
George Miller, 2015. Int: Tom Hardy, Charlize Theron, Nicholas
Hoult. AUSTRALIA · 120’ · DCP · VOSE
En vez de conformarse con un remake, George Miller decidió retomar su
saga treinta años después de cerrar la trilogía original. Tom Hardy, actor
en alza tras su villano Bane de El caballero oscuro: La leyenda renace, es
el nuevo guerrero de la autopista. Para conseguir un mayor impacto
visual, se optó por rodar las secuencias de acción y las persecuciones
con especialistas, utilizando muy pocos efectos digitales.
SÁBADO 16
· VOSE
DOMINGO 17
LUNES 18
MAD MAX: FURIA EN LA CARRETERA Mad Max: Fury Road
16:00h / 18:30h / 21:00h
· VOSE
MARTES 19
MAD MAX: FURIA EN LA CARRETERA Mad Max: Fury Road
16:15h / 19:00h / 21:30h
· VOSE
MIÉRCOLES 20
MAD MAX: FURIA EN LA CARRETERA Mad Max: Fury Road
16:30h / 19:30h / 22:00h
· VOSE
70
23:00h
RESERVOIR DOGS Reservoir dogs
18:00h
EL MUNDO NUNCA ES SUFICIENTE
George Miller, 1979. Int: Mel Gibson, Joanne Samuel, Hugh
Keays-Byrne. AUSTRALIA · 88’ · DCP · VOSE
Quentin Tarantino, 2004. Int: Uma Thurman, David Carradine,
Michael Madsen. USA · 137’ · DCP · VOSE
Quentin Tarantino, 1992. Int:Harvey Keitel, Tim Roth, Michael
Madsen. USA · 99’ · 35mm · VOSE
Film clave en el nuevo género fantástico, con el que Mel Gibson cambió
el estereotipo de héroe. El actor se dio a conocer con este violento thriller
situado en un futuro postapocalíptico, donde interpreta a un agente de la
ley que lucha contra los criminales que controlan las autopistas.
Al no querer renunciar a buena parte de su metraje, Tarantino tuvo que
dividir en dos entregas esta producción en la que recogió muchas de sus
pasiones cinéfilas. Uma Thurman ultimará su venganza katana en mano y
un flashback permitirá recordar su duro entrenamiento.
Un título bastó para que Tarantino se convirtiera en director de culto. Su
ópera prima, sobre un atraco que sale mal, dejó muy clara su forma de
plasmar la violencia en la pantalla y los inconfundibles diálogos, marca de
la casa, que le dan a sus films una personalidad única.
The World Is Not Enough
Michael Apted, 1999. Int: Pierce Brosnan, Sophie Marceau, Robert
Carlyle. REINO UNIDO · 128’ · DCP 4K · VOSE
23:00h
LAS AVENTURAS DE PRISCILLA, REINA DEL DESIERTO
The Adventures of Priscilla, Queen of the Desert
Stephan Elliott, 1994. Int: Hugo Weaving, Guy Pearce, Terence
Stamp. AUSTRALIA · 104’ · DCP · VOSE
Después de interpretar a villanos durante años, Terence Stamp sorprendió
a todo el mundo al convertirse en Bernadette, una transexual que cruza el
desierto en su autocar tuneado con otras dos drag queens interpretadas por
Hugo Weaving (el agente Smith de Matrix) y Guy Pearce (el prota de Memento). Su impresionante y colorido vestuario fue justo ganador del Oscar.
DOMINGO 24
16:15h · PROGRAMA DOBLE
LA PRINCESA PROMETIDA The Princess Bride
Rob Reiner, 1987. Int: Robin Wright Penn, Cary Elwes, Mandy
Patinkin. USA · 98’ · 35mm · VOSE
LOS GOONIES The Goonies
Richard Donner, 1985. Int: Sean Astin, Josh Brolin, Corey
Feldman
USA · 114’ · DCP · VOSE
Íñigo Montoya vuelve a buscar venganza por la muerte de su padre en
este precioso cuento dirigido por Rob Reiner, con un inolvidable cameo
de Billy Cristal como curandero. Además, los Goonies volverán a meterse
en líos cuando se lancen a la aventuras para dar con el tesoro de Willy el
Tuerto.
Impactante secuela en la que el guerrero de la autopista se unirá a una
colonia de supervivientes para proteger su tanque de gasolina frente a un
grupo de violentos guerreros dispuestos a todo. El set de rodaje construido
en medio del desierto la convirtió en una de las producciones más caras del
cine australiano.
MAD MAX: FURIA EN LA CARRETERA Mad Max: Fury Road
16:00h / 18:30h / 21:00h / 23:30h
· VOSE
21:00h
KILL BILL: VOLUMEN II Kill Bill: Volume 2
Mad Max 2
George Miller, 1981. Int: Mel Gibson, Bruce Spence, Michael Preston
AUSTRALIA · 95’ · DCP · VOSE
· VOSE
MAD MAX: FURIA EN LA CARRETERA Mad Max: Fury Road
16:30h / 19:00h / 21:30h
21:00h
MAD MAX, SALVAJES DE AUTOPISTA Mad Max
21:30h
MAD MAX 2, EL GUERRERO DE LA CARRETERA
16:30h / 19:30h / 22:30h
SÁBADO 23
16:15h · Ciclo Amores de hoy y de siempre
BREVE ENCUENTRO Brief Encounter
David Lean, 1945. Int: Celia Johnson, Trevor Howard, Stanley
Holloway. REINO UNIDO · 86’ · 35mm · VOSE
David Lean tuvo que lidiar con una censura que no aprobaba esta historia de
unos amantes que se veían cada semana en el mismo café. Primera nominación al Oscar para Lean, que adaptó un texto de su amigo el dramaturgo
Noel Coward.
18:15h
007 AL SERVICIO SECRETO DE SU MAJESTAD
On Her Majesty’s Secret Service
Peter R. Hunt, 1969. Int: George Lazenby, Diana Rigg, Telly Savalas
REINO UNIDO · 142’ · 35mm · VOSE
El único Bond interpretado por George Lazenby fue el más romántico de la
saga, aunque tampoco faltaron secuencias de acción espectaculares como
la de la pista de esquí. Un momento que Christopher Nolan quiso recordar
en Origen.
PROGRAMACIÓN MAYO 2015
MIÉRCOLES 27
16:30h
LOS TRES MOSQUETEROS The Three Musketeers
George Sidney, 1948. Int: Lana Turner, Gene Kelly, June Allyson
USA · 125’ · 35mm · VOSE
Teniendo como protagonista a Gene Kelly, estaba claro que esta iba a ser
la versión más musical y colorida de la novela de Alejandro Dumas. El actor
dio vida a un D’Artagnan dispuesto a convertir los duelos de espadas en
verdaderos números de baile, dando un aspecto realmente original a la
producción. Una divertida adaptación en la que no faltan los villanos de
altura, como Vincent Price o Lana Turner.
19:00h · Ciclo Charles Chaplin
LUCES DE LA CIUDAD City Lights
Charles Chaplin, 1931. Int: Charles Chaplin, Virginia Cherrill, Florence Lee. USA · 87’ · 35mm · VOSE
Film admirado por Orson Welles, George Bernard Shaw y hasta por el
mismísimo Einstein. El entrañable vagabundo Charlot trata de conseguir
dinero para que una florista ciega recupere la vista. Preciosa banda sonora a
partir del tema La violetera, compuesta por Jose Padilla, que tan popular se
hizo con el film de Sara Montiel.
JUEVES 28
16:00h · Ciclo Amores de hoy y de siempre
HISTORIAS DE FILADELFIA The Philadelphia Story
George Cukor, 1940. Int: Cary Grant, Katharine Hepburn, James
Stewart. USA · 112’ · 35mm · VOSE
Phillip Barry Jr. escribió esta obra de teatro expresamente para Katharine
Hepburn, quien no sólo la interpretó durante meses, sino que se quedó los
derechos para adaptarla al cine. La actriz consiguió su tercera nominación al
Oscar, aunque fue James Stewart quien se llevó la estatuilla por su papel de
periodista que va a cubrir una boda de la alta sociedad.
18:15h · Ciclo Amores de hoy y de siempre
LA REINA DE AFRICA The African Queen
John Huston, 1951. Int: Humphrey Bogart, Katharine Hepburn,
Robert Morley. USA · 105’ · 35mm · VOSE
Justo cuando Katharine Hepburn fue calificada de veneno para la taquilla
y Humphrey Bogart se sentía infravalorado en Hollywood, John Huston
los reunió en una de sus obras maestras. Un título que le valdría al actor el
único Oscar de su carrera y que demostró que Hepburn todavía era capaz
de arrasar entre el público. La química que destilaron ambos, unida a las
peripecias del rodaje, la han convertido en todo un clásico.
21:00h · BEER & PIZZA NIGHT
ZOOLANDER (UN DESCEREBRADO DE MODA) Zoolander
Ben Stiller, 2001. Int: Ben Stiller, Owen Wilson, Christine Taylor
USA · 89’ · DCP · VOSE
Brillante comedia con la que Ben Stiller parodió el mundo de la moda y las
pasarelas. Cameos de lujo como David Bowie, Natalie Portman o el diseñador Tommy Hilfiger y un guión tan delirante como divertido, y con cierta
mala baba, la han hecho destacar como un film de culto a reivindicar.
SÁBADO 30
16:15h
HASTA QUE LLEGÓ SU HORA C’era una volta il West
Sergio Leone, 1968. Int: Henry Fonda, Charles Bronson, Claudia
Cardinale. ITALIA · 175’ · 35mm · VOSE
Dario Argento y Bernardo Bertolucci ayudaron a Sergio Leone en lo que fue
el inicio de una nueva saga tras la conocida Trilogía del dólar. El director
cambió a su actor habitual, Clint Eastwood, por un Henry Fonda que temía
estropear su imagen si interpretaba a un sádico pistolero. Eso sí, para la
música Leone contó de nuevo con Ennio Morricone.
19:45h
MOONRAKER Moonraker
Lewis Gilbert, 1979. Int: Roger Moore, Lois Chiles, Michael Lonsdale
REINO UNIDO · 126’ · DCP 4K · VOSE
Doble sesión de homenaje al universo Star Trek. Primero con una entrega
mítica de su saga gracias a la aparición del villano Khan, y después con
una comedia repleta de guiños a la serie a través de un grupo de actores
que acaban en una nave espacial para ayudar a unos extraterrestres.
PRECIOS
Quentin Tarantino, 2009. Int: Brad Pitt, Diane Kruger, Eli Roth
USA · 153’ · 35mm · VOSE
Tarantino descubrió en este film a dos actores que nos han dado enormes
alegrías en los últimos años: Michael Fassbender y Christoph Waltz. Una
combinación de cine bélico y spaguetti western, ambientado en la Francia
ocupada por los nazis y en la que un grupo de soldados, liderados por Brad
Pitt, planea matar a Hitler.
Abierto de miércoles a domingo y festivos. Taquilla abierta
de 16:00 a 23:30h.
Sesión individual 6€ / Sesión doble 9€ / Maratones 12€.
DESCUENTOS Y ABONOS
Mayores de 65 años y Menores de 12 años: Sesión
individual 5€ / Sesión doble 8€ / Maratones 10€.
Abono P-10: 50€: Tarjeta recargable, personal e
intransferible. Válido para 10 sesiones individuales. También
será válido para las sesiones dobles abonando 3€, y 5€ en el
caso de las maratones.
Socios del Club Phenomena: hasta un 50% de descuento
según sesión.
PHENOMENA
Holly Hunter se llevó prácticamente todos los premios del año por su papel
como pianista muda que llega a una isla de Nueva Zelanda, en el siglo
pasado, para conocer a su marido. El film supuso también el descubrimiento
de Anna Paquin, quien antes de ser la Pícara de los X-Men ganó un Oscar
con tan sólo once años.
C/ Sant Antoni Maria Claret, 168 · 08025 Barcelona
Tel. 93 252 77 43
[email protected]
METRO
L5 Sant Pau / Dos de Maig L2 Sagrada Familia
L4 Alfons X / Joanic
18:30h · Ciclo 120 años de Gaumont
SALIR DEL ARMARIO Le placard
Francis Veber, 2001 Int: Daniel Auteuil, Gérard Depardieu, Thierry
Lhermitte. FRANCIA · 84’ · DCP · VOSE
El arrollador estilo de sus videoclips hizo que el debut en el cine de Michel
Gondry fuera muy esperado, sin embargo, fue con su segunda película con
la que llamó poderosamente la atención. Una comedia romántica inusual,
cuyas rupturas narrativas reflejan una creatividad desbordante.
HÉROES FUERA DE ÓRBITA Galaxy Quest
Dean Parisot, 1999. Int: Tim Allen, Sigourney Weaver, Alan
Rickman. USA · 102’ · 35mm · VOSE
22:30h
MALDITOS BASTARDOS Inglorious Basterds
Jane Campion, 1993. Int: Holly Hunter, Harvey Keitel, Sam Neill
USA · 121’ · 35mm · VOSE
Michel Gondry, 2004. Int: Jim Carrey, Kate Winslet, Tom Wilkinson
USA · 108’ · 35mm · VOSE
STAR TREK II - LA IRA DE KHAN
Star Trek: The Wrath of Khan
Nicholas Meyer, 1982. Int: William Shatner, Leonard Nimoy,
DeForest Kelley, USA · 113’ · DCP · VOSE
HORARIO
16:15h · Ciclo Festival de Cannes
EL PIANO The Piano
20:15h · Ciclo Amores de hoy y de siempre
¡OLVÍDATE DE MI! Eternal Sunshine of the Spotless Mind
21:00h · PROGRAMA DOBLE STAR TREK
La saga Bond se adaptó a las nuevas modas y, viendo el éxito de producciones como Star Wars, trasladó las aventuras del agente 007 al espacio, lo
que hizo que su presupuesto fuera mayor al de todas sus antecesoras juntas.
Además, se quiso añadir más humor al personaje, interpretado por cuarta
vez por Roger Moore.
VIERNES 29
Después del sonado éxito de La cena de los idiotas, Francis Veber volvió a la
comedia, esta vez con un personaje que cree que podrá evitar su despido
si hace correr el rumor de que es gay. Destaca la presencia de secundarios
veteranos como Jean Rochefort y Michel Aumont.
Pierce Brosnan interpretó a un Bond sobrio, con una psicología profunda
y con cierta preferencia por las persecuciones. Buena parte del rodaje se
llevó a cabo en los estudios Pinewood, el hogar del agente 007, aunque fue
sonado su paso por Bilbao para rodar a Bond deslizándose por la fachada
del Museo Guggenheim.
AUTOBUSES
19 / 20 / 45 / 47 / 92 / H8 / V21 / N1
DOMINGO 31
16:15h · Ciclo Charles Chaplin
EL CHICO The Kid
Charles Chaplin, 1921. Int: Charles Chaplin, Edna Purviance, Jackie
Coogan. USA · 68’ · 35mm · VOSE
Aunque contaba ya con docenas de cortometrajes en su haber, fue esta película la que demostró que Chaplin era capaz de conmover al mundo entero.
Un film icónico que, tras su aparente sencillez, utilizó recursos dramáticos
realmente innovadores para la época.
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71
Nº11 MAYO 2015
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