///RAQUEL MARTÍNEZ//////// //////////////BORIS EIFMAN//// ///LES

Transcripción

// DICIEMBRE_08 // FEBRERO_09 // AÑO 5 // Nº 15 // 2 ¤ //
///RAQUEL MARTÍNEZ////////
//////////////BORIS EIFMAN////
///LES ENFANTS DU PARADIS
//EUROPA DANCE//////////////
/////////////FESTIVAL MOV-HI////
///PINA BAUSCH EN BARCELONA
///ROCÍO MOLINA//////////////////
///COMPAÑÍA MURCIANA
DE DANZA//////////////
Les enfants du Paradis, Isabel Ciaravola/Garance y Mathieu Ganio/ Baptiste.
Ballet de la Ópera Nacional de París. Fotografía: Anne Denniau
/////CLÁSICOS
EN DANZA////////
EDITORIAL
» Tiempo de Danza
diciembre_08 // febrero_09 // año 5 // nº 15
Tiempo de Danza es una publicación que tendrá,
para esta edición, una tirada de 1.000 ejemplares
» Edita y produce
Asociación Amigos de la Danza en colaboración con el
Vicerrectorado de Extensión Universitaria de la
Universidad de Murcia
Marinero Juan Vizcaíno, 7
2º A / 30007 / Murcia
Tel. 655 18 15 48
[email protected]
D.L.: MU-0044-2005
ISSN: 1699-2474
» Directora
Margarita Muñoz Zielinski
» Coordinadora
Georgina Cayuela Vera
» Redacción
Carlos Grávalos Muñoz, Sonia Cayuela Vera,
Margarita Muñoz Zielinski y Georgina Cayuela Vera
» Colaboradores
Miguel Ángel Serrano, Iratxe de Arantzibia, Pascual Vera,
Carolina de Pedro Pascual, Javier González Soler,
Fulgencio Martínez Lax y Javier Latorre
» Departamento de Publicidad
Carlos Grávalos
Tel. 617 973 614
[email protected]
» Diseño y maquetación
www.ikonovisual.com
» Foto portada
Les enfants du Paradis, Isabel Ciaravola/Garance
y Mathieu Ganio/ Baptiste.
Ballet de la Ópera Nacional de París.
Fotografía: Anne Denniau
Las colaboraciones son gratuitas
y responsabilidad de sus autores
Concejalía de Cultura
Consejería de Educación, Ciencia e Investigación
Dirección General de Ordenación Académica
Servicio de Enseñanzas de Régimen Especial
La exitosa presencia de nuestros artistas de la danza en muy diversos
escenarios demuestra la gran vitalidad de este arte en nuestro país.
La puesta en marcha de nuevas compañías con ballets de repertorio,
hasta ahora signo de identidad de instituciones de muy alta categoría,
demuestran que algo está cambiando en España. Este nuevo equilibrio
lo protagonizan, para orgullo nuestro, cotizados y premiados primeros/as
bailarines/as a título internacional que han sido formados en España,
lo que viene a demostrar que al igual que ocurre en otros aspectos
como el del deporte, aquí hay buenos formadores de artistas, buenos
maestros y buenas escuelas.
Desde los años 60-70 del pasado siglo, los que fueron grandes bailarines
se hicieron maestros, y la generación que formaron ya está siendo a
su vez de los nuevos formadores. Seguramente esta circunstancia es
única y especial dadas las características de la las etapas de la carrera
de danza, comenzando muy jóvenes y terminando muy jóvenes. Luego
viene la continuación, enseñar a los que empiezan. La cadena ininterrumpida. Alumnos que bailan, bailarines que enseñan. Y entre tanto,
la lucha por obtener, igual que en otras profesiones, el reconocimiento
de asegurar una profesión que necesita algo más que un “¡qué bonito
es el baile!”.
Todavía estamos a años luz del resto de Europa, del resto del mundo,
donde cualquier profesional de la danza, bailarines, maestros, investigadores, escenógrafos, coreógrafos, tienen igualdad de oportunidades
frente a otras carreras. Por aquí siempre estamos arrastrando el
inconveniente de no conocer muy bien lo que realmente es el trabajo
de la danza y lo que su difusión conlleva: educación, cultura, formación,
disciplina, entrenamiento, investigación, publicaciones, congresos,
todo ello resultados asombrosos que deben su éxito al esfuerzo personal
de maestros ignorados. La falta de becas, títulos que tardaron en
reconocerse y la todavía consideración de la danza solamente como
un hobby, algo para entretener, es solo parte de esa confusa imagen.
Sólo cabe esperar que las buenas intenciones por parte del INAEM
tras la celebración del I Foro Estatal de la Danza no se queden en agua
de borrajas. Somos testigos esperanzados del compromiso adquirido
hacia la precaria situación de la Danza, deseamos ver pronto los
resultados de éste pacto, un trabajo que solo conseguirá triunfar con
el trabajo conjunto de la administración y de nosotros mismos, los
profesionales.
Cuando asistan a espectáculos, cuando lean libros, o revistas, cuando
contemplen el trabajo de alumnos en Galas, cuando disfruten con la
danza, piensen lo que realmente significa y lo que hay detrás: un arte
muy sacrificado y una profesión poco reconocida.
En nombre de todo el equipo de Tiempo de Danza ¡FELIZ NAVIDAD!
MARGARITA MUÑOZ-ZIELINSKI // MURCIA
Consejería de Cultura, Juventud y Deportes
Dirección General de Promoción Cultural
Consejería de Cultura, Juventud y Deportes
Dirección General del Libro, Archivos y Bibliotecas
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// 2008
p_03
// marzo
2007
// BREVES Y RESEÑAS
BREVES Y RESEÑAS
TERESA SOUAN BERNAL
PREMIO SEMANA GRANDE DE LA
DANZA DE LAS TORRES DE
COTILLAS A SU TRAYECTORIA
PROFESIONAL
2008 con el que el Consejo Ejecutivo Regional de la AECC
de la Junta Provincial de Murcia de la Asociación Española
de la Lucha contra el Cáncer de Murcia pretende distinguir
a empresas y particulares que se han significado especialmente
en la colaboración en la lucha contra el cáncer, de manera
inmediata o en virtud de una larga trayectoria. En la tradicional
cena benéfica celebrada en los salones del Hotel Santos
Nelva, y junto a los otros premiados; Excmo. Sr. D Miguel
Ángel Cámara Botía, Alcalde de Murcia, las Juntas locales
de la Asociación Española de la Lucha contra el Cáncer de
Murcia y la Asociación Cultural “L´Ajuntaera”, con la presencia
del Presidente de la Comunidad Autónoma Ramón Luis Valcárcel,
fue entregada a la junta directiva, Georgina Cayuela, Sonia
Cayuela, Carlos Grávalos y Margarita Muñoz Zielinski, la placa
conmemorativa del nombramiento en agradecimiento por la
colaboración que en diversas ocasiones los Amigos de la
Danza siempre han estado dispuestos a ofrecer en actos de
danza y música.
Alcalde, Domingo Coronado, y finalistas del concurso: Las Torres de Cotillas, Ciudad de
la Danza.
La Semana Grande de la Danza “Ciudad de la Danza” de la
localidad de Torres de Cotillas (Murcia) en su pasada edición,
Agosto de 2008, otorgó el premio de reconocimiento a una
trayectoria profesional a Teresa Souan Bernal, directora del
Conservatorio Profesional de Danza de Murcia. Este XIII
Certamen Nacional de danza, que convocó igualmente el III
Concurso de Flamenco y Danza Contemporánea, presentó
dos espectáculos, Paso a dos, de Silvia Lozano, y Mujeres,
de Merche Esmeralda, Artista premiada anteriormente por
la Semana de la Danza y muy querida por todos los profesionales del flamenco murciano. Teresa Souan Bernal recogió
su premio, arropada por amigos y profesionales del mundo
de la danza, entre los que no podía faltar Tiempo de Danza.
En sus palabras de agradecimiento, hizo una revisión a su
vida profesional, desde sus comienzos en el histórico Conservatorio del Teatro Romea, su trayectoria como profesora
y las influencias artísticas recibidas en su entorno familiar.
AMIGOS DE LA DANZA DE MURCIA,
MIEMBROS DE HONOR 2008
EN LA ASOCIACIÓN
LUCHA CONTRA EL CÁNCER
La Asociación Amigos de la Danza de Murcia donde una de
cuyas actividades es la revista Tiempo de Danza, recibió el
pasado mes de octubre el galardón de Miembro de Honor
EL BALLET DE LEIPZIG
Dirigida desde 1991 por el coreógrafo Uwe Scholz, el Leipzig
Ballet ha conseguido situarse en la primera línea del panorama
dancístico europeo. 1991 significó un punto de inflexión en
la trayectoria de esta compañía alemana cuando Uwe Scholz
coge las riendas de esta compañía. La visión de Uwe Scholz
acerca de la interpretación ideal de la danza no se limita a
un simple logro de la perfección en términos de danza,
porque él está interesado más bien en la habilidad de los
bailarines para transmitir una idea a través del lenguaje
corporal. Scholz se ha entregado en cuerpo y alma a esta
idea, como Director Artístico y como Coreógrafo Jefe, y ha
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BREVES Y RESEÑAS \\
creado para su compañía un repertorio multiforme que
presenta de continuo nuevos retos para sus más de 50
bailarines. Con una pieza clásica como La Bella Durmiente,
una velada de ballet como Sinfonía Clásica o un trabajo The
Great Mass, Scholz ofrece tanto a su troupe como al público
un ballet teatro eternamente cambiante. Desde el punto de
vista estilístico se coloca con frecuencia a Scholz en la
categoría de neoclásico, aun cuando sus coreografías presentan
también continuamente elementos que varían desde la danza
clásica hasta la danza-teatro.
FESTIVAL OTRO 2008
INVIERNO, NUEVA PRODUCCIÓN
DE DANIEL ABREU
Subvencionado por la Comunidad de Madrid este trabajo se
centra aún más si cabe en el cuerpo. Aunque redundante,
la imagen del cuerpo es lo que me sigue atrayendo y lo que
da sentido a todo esto. La idea del tiempo con el que vemos
y vivimos las cosas, es el motivo y la consecuencia lógica de
este último trabajo.
Invierno trata de apresar la acción en los ritmos, a partir de
construcciones de gestos y movimientos, paliando su sentido
más semántico o figurativo. Se enmarca en el mundo de las
estaciones, de los cambios, de los impulsos que determinan
la acción y su forma.
Estreno: 29 de noviembre en el Centro Comarcal de Humanidades Sierra Norte (La Cabrera, Madrid).
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La Región de Murcia es una región que se caracteriza en la
actualidad por un extraordinario crecimiento, tanto en lo
económico como en lo social y, por ende, en lo cultural. Pero
ese crecimiento no es una circunstancia ajena a las características del entorno, distinguido, entre otros aspectos, por
el fenómeno de la migración. Murcia se ha convertido en
una de las zonas receptivas más importantes de España. Así
pues, la multiculturalidad va a ser una de las características
más destacadas de la Murcia de hoy, enriqueciendo la mirada
hacia el futuro de la cultura de nuestra región. Las comunidades que destacan son las procedentes del Este de Europa,
el norte de África con una importante presencia de la
población africana y la procedente de Latinoamérica.
Icono Teatro, sl, en su trayectoria como compañía de teatro,
no ha sido ajena a los fenómenos sociales que afectan y
caracterizan a la comunidad. Con el Festival Internacional
de Artes Escénicas de la Región de Murcia, Otro 2008,
hemos hecho un esfuerzo de gestión para traer a los escenarios
murcianos el trabajo de El Callejón del Agua, una de las
compañías de teatro ecuatorianas con más proyección
internacional, con su obra La noche de los tulipanes, de Jorge
Mateus. La bailarina Julie Dossavi, procedente de la República
de Benin, aunque afincada en Europa, nos trae su espectáculo
de danza, en el que mezcla el folclore africano con la danza
contemporánea. P.I. acompañada por su grupo de percusión.
// BREVES Y RESEÑAS
La compañía Albanta, procedente de Cádiz, representará la
obra del autor argentino exiliado en Quito Arístides Vargas,
Flores arrancadas a la niebla. De Camerún contamos con la
presencia del coreógrafo Jean-Claude Pambè Wayak, que
nos presentará dos coreografías: Mè Yemboo (solo) y A Sogol
(dúo), en las que junto a danzas originarias de su tierra,
aporta ritmos procedentes de danzas urbanas como el rap
o el hip hop. Finalmente, de Brasil, presentamos a la compañía
Oco Teatro con el espectáculo Branca, un trabajo muy
interesante en el que se ve claramente la influencia del Odin
Teatro por un lado, la cultura cubano-africana del director
Luis Alonso y el reducto de la conquista de occidente y la
inmersión cultural por otro.
La Consejería de Cultura, Juventud y Deportes de la Comunidad
Autónoma de la Región de Murcia, a través de su Dirección
General de Promoción Cultural, ha acogido este proyecto con
el interés y la sensibilidad necesaria para que su apoyo
favorezca la realidad de su ejecución, pero también con la
visión de futuro que toda política cultural ha de tener para
garantizar la obtención de unos objetivos claros y estables.
FULGENCIO M. LAX
Fe de erratas
Fotografía portada:
ENRIQUE CIDONCHA
Crítica de espectáculo:
MECANO
Vuelve un año más la Semana Grande de Cajamurcia y con
ella los grandes eventos del año. Música, teatro y eventos
culturales se producen en toda el área de influencia de la
caja. Uno de los platos fuertes de esta temporada en cuanto
a acontecimientos escénicos es el musical Hoy no me puedo
levantar basado en los populares temas del grupo Mecano.
El público que abarrotaba el Auditorio Víctor Villegas el
pasado jueves para la primera de las representaciones -todo
el papel estaba agotado hace bastante tiempo- parecía esperar
eufórico, pues ya desde los primeros acordes del tema que
da título al espectáculo empezaron las palmas agitadas y
acompasadas para acompañar durante toda la representación.
El musical de los éxitos de Mecano se estrenó en el Teatro
Rialto de Madrid el 7 de abril de 2005 y estuvo cuatro
temporadas ininterrumpidas en cartel, acumulando la impresionante cifra de más de 1.225.000 espectadores. Voy a
empezar por reconocer que en los cuatro años que el musical
ha estado en Madrid en los que tanta gente lo ha visto no
me llamó la más mínima atención, prefería aprovechar mis
visitas a la capital para asistir a otro tipo de propuestas,
porque esta me la recelaba un tanto “edulcorada” y comercial
en el mal sentido. Uno es consciente de que en los ochenta
no era de Mecano, más bien todo lo contrario y aunque con
el tiempo bajé la guardia su música no sonaba en el casette
de mi coche. Pero inevitablemente forma parte de la banda
sonora de mi vida, me ha acompañado en los bares, en la
tele, la oía desde el cuarto de mi hermana y en las largas
tardes de estudio con mi novia. ¿Cómo no voy a conocer de
memoria todos y cada uno de los temas de Mecano, si al
final hasta ocasionalmente suenan en mi coche –ahora en
formato MP3- en plan nostálgico y hasta los cantan mis hijos
que en los ochenta no eran ni un remoto proyecto? Ahora
llegan a Murcia, y uno se acerca al Víctor Villegas –que está
más cerca que Madrid- y de pronto encuentra una grata
sorpresa: resulta que el espectáculo es bueno de verdad, un
musical de gran formato al estilo de las grandes producciones
internacionales pero con sabor genuinamente Made in Spain.
El esquema no es del todo original pues es algo que ya ha
sucedía con otros musicales que se elaboraron partiendo de
las canciones de un reconocido grupo musical. Los ejemplos
más claros: Queen y el musical We Will Rock You y Abba con
Mamma Mia la propuesta española nos presenta a Mecano
y cuenta con la música y la letra de José María y Nacho
Cano. Pero no por no ser original es de peor calidad, es más,
me atrevería a decir que es mejor (y eso que musicalmente
prefiero a Queen). Presenta unos ochenta algo idealizados,
es cierto, porque un musical sin colorines es como un jardín
sin flores, pero sí es un reflejo fiel de parte una parte
importante de una época. Las referencias son continuas: El
23F, los programas de éxito, locales míticos de la época, el
reconocimiento explícito de la homosexualidad, la eclosión
de la heroína y el SIDA… El argumento sigue un esquema
sencillo y algo estándar: la evolución de unos personajes
jóvenes con sus ilusiones, desenfado y ganas de comerse el
mundo; el descubrimiento de las dificultades de la vida y
los distintos derroteros de cada uno de los personajes en
función de las trampas del camino; momento trágico seguido
de final feliz. El mérito de David Serrano en el libreto está
en que utiliza como hilo conductor las canciones de Mecano
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BREVES Y RESEÑAS \\
y son introducidas a lo largo de la historia sin resultar muy
forzadas. A algunas se les descubren nuevos significados en
este musical. Desde el principio asistimos a un continuo
homenaje al grupo: los protagonistas se llaman Mario y
María, el bar en el que trabajan es el 33, el primer nombre
del grupo es luna… y así todo y esto queda como un divertido
guiño. Digo que el esquema del argumento es sencillo, pero
está muy bien elaborado, los personajes son sólidos y no
quedan cabos sueltos.
La puesta en escena está muy elaborada, con continuos
números musicales de gran vistosidad. Alguna americanada
inevitable como concesión a la espectacularidad, como en
la canción Un año más donde todo el cuerpo de baile se
muestra como una reencarnación de los Village People con
un cura de otro tiempo por medio, que está fuera de la
realidad española pero queda muy vistoso. Las coreografías
son espectaculares y el tratamiento musical admirable. El
nivel de interpretación de los artistas que vimos en la función
del jueves es francamente alto. Los chicos cantan con buenas
voces, bailan con mucha soltura e interpretan con una
frescura que les hace tener al público todo el tiempo de su
parte. Y es que el ambiente que consigue crear este musical
es fundamentalmente festivo y hace participar al público
con sus palmas desde las butacas. Las casi cuatro horas de
duración del espectáculo no se hacen en absoluto pesadas,
porque cuando un espectáculo entretiene no cansa, sino
todo lo contrario.
Enhorabuena a la Fundación Cajamurcia por haberlo programado. Y eso que desconfiaba antes de ir y reconozco que
he de quitarme el sombrero porque estoy francamente
admirado.
JAVIER GONZÁLEZ SOLER
LA COMPAÑÍA
CARMEN Y MATILDE RUBIO,
BALLET ESPAÑOL DE MURCIA,
ESTRENA HIJAS DEL ALBA
Hijas del Alba es una coreografía inspirada en la obra de
Federico García Lorca La Casa de Bernarda Alba. Inspirada
y no basada, pues ni los personajes ni la historia se corresponden con el original. Inspirada, porque se trata de reflejar
el ambiente opresivo y represivo, el aire irrespirable que
envuelve una casa habitada por mujeres de luto, en una
época en la que impera una sociedad machista e hipócrita.
Cuatro mujeres, cuatro personalidades marcadas (Represión,
Rebeldía, Ingenuidad y Timidez) y con cuatro formas de
relación con el hombre, o mejor dicho, con la ausencia del
hombre. La presencia del hombre onírica e imaginaria, toma
forma en el rol del “Deseo”. Personaje que sólo habita en
el subconsciente de las mujeres y que desencadena todo
tipo de emociones en ellas, desde la lujuria hasta la violencia,
pasando por el miedo y la perplejidad.
Hijas del Alba se estrenó en 1989 y es la primera coreografía
argumental de Javier Latorre. Hoy se volverá a poner en
escena, actualizada técnica y estéticamente, en manos de
una compañía idónea por sus características técnicas e
interpretativas para ejecutarla a la perfección, y con el
convencimiento de que, los valores que envuelven la obra
y la crítica social conllevan deben seguir haciendo reflexionar
a una sociedad que, a pesar de haber evolucionado, sigue
conservando restos sin limpiar y tic odiosos más propios de
la época en la que enmarca nuestra historia.
JAVIER LATORRE
Ballet español de Murcia. Hijas del Alba
p_07 // 2008
RODOLFO Y
CERVANTES
FUNDADA EN 1959
Todo en Artículos para la Danza,
Comparsas, Carnaval, Disfraces,
Festivales Fin de Curso, Rítmica,
Español, Trajes de Sevillanas y
Complementos.
Disponemos de las
primeras marcas para Danza
Reppetto
Sansha
Danskin
Ball Pilmar
Castañuelas del Sur
Intermezzo
María Muñoz Sabater. Fotografía: Manuel Bernal
p_33 // marzo 2007
Platería, 1 // 30820 // MURCIA
T. 968 21 68 38 // F. 968 21 93 77
[email protected]
AGENDA \\
AGENDA
// AUDITORIO REGIONAL //
COMPAÑÍA MURCIANA DE DANZA
Homenaje a Puri López
Directora artística: Olivia Bella
Sinfonía Española
Coreografía: José Granero
Coreografía: Olivia Bella, Puri Lopez y Maribel
Ramos. 28 de enero a las 20:30 horas
BALLET DE LEIPZIG
Director artístico: Paul Chalmer
BACH BAILA
CONCERTO BAROCCO
Coreografía: George Balanchine
SUITE SUITE SUITE
Coreografía: Marco Goecke
SUITE DE DANZAS
Coreografía: Jerome Robbins
AIR!
Coreografía: Uwe Scholz
17 de febrero a las 20:30 horas
COMPAÑÍA “GEORGES MOMBOYE”
Director artístico: Georges Monboye
BOYAKODAH
Música tradicional africana
Coreografía: Georges Momboye
26 de marzo a las 20:30 horas
www.auditoriomurcia.org
///////////// ALICANTE ////////////
// TEATRO ARNICHES
CÍA. OTRA DANZA
Frágil. DeL 16 al 17 de enero
/////////// BARCELONA ///////////
// GRAN TEATRE DEL LICEU
NEDERLANDS DANS THEATER I
SILENT SCREEN
Música: Philip Glass
Coreografía: Paul Lightfoot y Sol León
TAR AND FEATHERS
Música: Wolfgang Amadeus Mozart
Coreografía: Jirí Kylián
Del 19 al 22 de marzo
BALLET ÁNGEL CORELLA CASTILLA-LEÓN
LA BAYADERE
Dirección Artística: Ángel Corella
Del 9 al 11 de julio
www.liceubarcelona.com/teatre_liceu.asp
// MERCAT DE LES FLORS
BILL T. JONES
Chapel / Chapter
Del 22 al 25 de enero
SÒNIA GÓMEZ
Experiencias con un desconocido Show
Del 05 al 08 de febrero
L'EXPLOSE DANZA & ARA MALIKIAN
La razón de las Ofelias
De 29 de enero al 01 de febrero
SALVA SANCHÍS
Objects in mirror are closer than they appear
Del 15 al 17 de enero
www.mercatflors.org
////////////// BILBAO //////////////
// TEATRO ARRIAGA
JUAN ANTONIO URBELTZ
Axeri boda
22 de febrero
BALÉ DA CIDADE
Dualidade@br/ Canela Fina/ A linha Curva
BALLET BASEL
El lago de los cisnes
COMPAÑÍA DAMIÁN MUÑÓZ Y VIRGINA
GARCÍA/La Inesperada y Pobres bestias
Del 08 al 09 de mayo
www.teatroarriaga.com
///////////// COSLADA ////////////
// TEATRO LA JARAMILLA
LARUMBE DANZA
Con permiso
22 de noviembre
Deseo suscribirme a la revista de actualidad “Tiempo de Danza”
Nombre:
Apellidos:
Domicilio:
////// LAGUNA DE DUERO /////
// CASA DE LAS ARTES
CORELLA BALLET CASTILLA Y LEÓN
Bruch Violín Concerto Nº 1/Clear/In The Upper
Room
Dirección artística: Ángel corella
25 de enero
//////////// GRANADA ////////////
// TEATRO ALHAMBRA DE GRANADA
ERRE QUE ERRE COMPAÑÍA DE DANZA
No pesa el corazón de los veloces
///////////// MADRID //////////////
// SALA TRIÁNGULO
EL DRAGÓN Y LA RATA (2ª parte de la trilogía
sobre GLORIA FUERTES)
Cía. Malucos Danza
Coreografía: Carlos Chamorro
Del 26 al 28 de diciembre
// TEATRO DE LA ZARZUELA
FUENSANTA LA MONETA BALLET FLAMENCO
De entre la Luna y los Hombres
COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA
Creación de Gentian Doda (2008)
Director: Nacho Duato
www.teatrodelazarzuela.mcu.es
// TEATRO MADRID
BALLET CLÁSICO DE S. PETERSBURGO
Carmen
EUROPA DANSE
Picasso y la danza
Director: Jean-Albert Cartier
ANTONIO CANALES
Bernarda Alba
Del 17 de diciembre al 6 de enero
www.teatromadrid.com
Suscripción:
Cuatro números: 8 ¤
Ocho números: 16 ¤
Incluye gastos de envío.
Localidad:
C.P.:
Provincia:
Telf.
E-mail:
C.I.F. / N.I.F.:
Ingreso en Cta. (Caixa): 2100-6065-31-0200018969
Firma:
p_09 // 2008
Remita este cupón o una fotocopia a:
Asociación Amigos de la Danza
C/ Marinero Juan Vizcaíno, 7- 2º A
30007 // Murcia
[email protected]
BOLETÍN DE SUSCRIPCIÓN
//////////// MURCIA //////////////
ESTUDIO DE DANZA “CAMARGO”
Centro Autorizado de Grado Elemental
por el Ministerio de Educación y Cultura
SUMARIO \\
SUMARIO
EDITORIAL ........................................................................ 3
BREVES Y RESEÑAS .............................................. 4, 5, 6 Y 7
AGENDA .................................................................................. 9
SUMARIO .............................................................................. 11
ENTRE NOSOTROS
RAQUEL MARTÍNEZ ............................................. 12, 13 Y 14
SONIA CAYUELA
HABLAMOS CON
BORIS EIFMAN ............................................. 16, 17, 18 Y 19
IRATXE DE ARATZIBIA
CRÓNICA
LES ENFANTS DU PARADIS ............................. 20, 21, 22 Y 23
MARGARITA MUÑOZ ZIELINSKI Y PASCUAL VERA
VISITA
EUROPA DANSE .................................................. 24, 25 Y 26
TdD
DE FESTIVALES
FESTIVAL MOV-HI, MOVIENDO HISTORIAS ............... 27, 28 Y 29
GEORGINA CAYUELA VERA
ARTÍCULO
PINA BAUSCH EN BARCELONA .................................... 30 Y 31
CAROLINA DE PEDRO PASCUAL
ENTREVISTA
ROCÍO MOLINA ......................................................... 32 Y 33
MIGUEL ÁNGEL SERRANO
COMPAÑÍAS
UN MERECIDO HOMENAJE ................................................. 34
MIGUEL ÁNGEL SERRANO
ARTÍCULO
CLÁSICOS EN DANZA ................................................. 35 Y 36
MARGARITA MUÑOZ ZIELINSKI
MISCELÁNEA
I FORO ESTATAL DE LA DANZA.
APORTACIONES Y CONCLUSIONES ............................... 37 Y 38
TdD
p_11 // 2008
// ENTRE NOSOTROS
raquel
martínez
Raquel Martínez es una joven bailarina
murciana que se encuentra en estos
momentos formando parte de la compañía Semperoper Ballet de Dresdem
(Alemania). Conseguimos robarle unos
minutos a su repleta agenda para que
nos contara un poquito de su trayectoria profesional.
Raquel. Vertigo Maze. Costin Radu
p_12 // 2008
ENTRE NOSOTROS \\
¿RAQUEL QUIENES FUERON TUS PRIMEROS MAESTROS?
Pues empecé bailando en Murcia con mi hermana, Mª Jose
Martínez Vicente, y más tarde continué mis estudios con
Jose Antonio, profesor del Conservatorio Profesional de
Murcia. Después de un tiempo decidí irme a Madrid a
estudiar. El apoyo de mi familia fue increíble, sin ellos no
podría haber hecho nada, y jamás podré agradecerles todo
lo que han hecho por mí. Una vez en Madrid estuve estudiando con varios maestros, Carmina Ocaña, Víctor Ullate,
Julia Estévez, y Carmen Roche.
Me decidí por Carmen Roche y allí empezó mi primera
experiencia profesional. Empecé a formar parte de la
compaña, Ballet Carmen Roche, en el 2001. Fue una
experiencia muy bonita para mí. A nivel profesional era
fantástico, tuve la posibilidad de trabajar con diferentes
coreógrafos muy interesantes como: Angel Rodríguez, Gustavo
Ramírez Sansano, Mario Zambrano, Tony Fabre, Pascal
Touzeau, Goyo Montero, etc. Pascal es un ex bailarín de la
Forsythe Company y creó para nosotros el ballet Romeo y
Julieta. Yo tuve la suerte de bailar el papel de Julieta, y fue
mi primera experiencia en ver todo el proceso de creación
de un ballet con historia. Mi segunda experiencia fue con
Goyo Montero que creó para nosotros Otelo, y esta vez baile
Desdemona. Recuerdo todo este tiempo con una gran
sonrisa, fueron momentos muy bellos para mí.
En Madrid me encontraba muy bien a muchos niveles, pero
había algo en mí que me impulsaba a experimentar nuevas
cosas. Decidí empezar a audicionar en Europa, pero no tuve
mucha suerte. De repente apareció una audición en Dresden
(Alemania) para la compañía Semperoper Ballet. Se estaba
produciendo un cambio en la dirección, y me pareció una
compañía muy interesante. Y así fue. Hice la audición, y
me ofrecieron un contrato. Empecé en esta compañía en
agosto de 2006 y no me lo creo, casi han pasado 3 años,
parece que fue ayer.
¿QUÉ REPERTORIO HAS TRABAJADO EN ESTA COMPAÑÍA?
Todo este tiempo ha sido muy intenso. El director se llama
Aaron Watkin, es canadiense y fue bailarín de Forsythe. La
compañía es genial, el repertorio es muy interesante y
variado, bailamos clásico y contemporáneo. Por ejemplo los
clásicos de la compañía son: El Lago de los cisnes, Cascanueces y el Sueño de una Noche de verano que son todas
coreografías de John Neumeier. La Bella Durmiente y Bayadera
de Aaron Watkin, que es nuestro director. Tema y Variaciones
de Balanchine, Pájaro de Fuego, Petrushka de Liepa/Fokine,
Chopiniana...
Los neoclasicos serían, Gisell,The Disappeared, Morning
Ground, la tres de David Dawson que es el coreógrafo de la
compañía. Tenemos también un repertorio más moderno
Enemy in the Figure, Second Detail, In the Middle, de Forsythe,
Petit Mort, Six Dances, Sinfonieta de Kylian, Vertigo Maze de
Celis, Empty House de Johan Inger, No Thumb de Pascal
Touzeau.
p_13 // 2008
Raquel. Gisell. Costin Radu.
PERO UNA VEZ MÁS TU INQUIETUD POR BUSCAR OTRAS COSAS
TE HACE EMPRENDER UN NUEVO VIAJE, ESTA VEZ MÁS ARRIESGADO
¿QUÉ ES LO QUE MÁS TE LLAMA LA ATENCIÓN DE LA COMPAÑÍA?
Lo más interesante de la compañía es la calidad de trabajo.
Los repetidores y profesores son muy buenos. Siempre que
trabajamos en una nueva pieza viene el coreógrafo, y si este
no puede venir, pues delega en alguien muy cercano a él,
pero normalmente siempre vienen. Esto nos da la posibilidad
de trabajar directamente con gente como Johan Inger que
es el director del Cullberg o con Forsythe. Es una pasada
poder trabajar con estas personas. Lo más emocionante es
que te pasan a ti directamente toda su información y
experiencia, es increíble. Cuando trabajas con ellos, lo ves
todo muy claro porque saben exactamente lo que quieren
o lo que buscan. Esta experiencia es muy interesante, y lo
mejor de todo es que aprendes muchísimo.
// ENTRE NOSOTROS
Normalmente solo bailamos aquí en Dresden. Esta es la
rutina en Alemania, cada compañía baila en su teatro. Pero
ahora, nuestro director, Aaron, se esta moviendo mucho y
quiere hacer que la a compañía se mueva, a nivel de giras,
estaría muy bien. Al principio de esta temporada estuvimos
bailando en Berlín y al público le encantó la compañía.
TU RELACIÓN CON LA COMPAÑÍA
Mis compañeros son encantadores. Esta es otra cosa que
me apasiona de aquí, el ambiente de trabajo entre nosotros
es fantástico. La gente es muy profesional y respetuosa.
También me gusta muchísimo que los bailarines sean muy
diferentes, hay una mezcla increíble, es gente de otras
culturas. A la hora de bailar se nota, los hay más clásicos
o más contemporáneos, vienen de diferentes escuelas y
compañías... Cada uno, como yo diría, es de su padre o de
su madre, pero esto enriquece a la compañía y la convierte
en mas interesante. No me gusta cuando todo el mundo
respira igual.
También me encantan las clases. Aaron siempre trae a
profesores invitados muy buenos, se quedan 3 ó 4 semanas
y después cambiamos. Ahora mismo tenemos a Gamal
Goud. Es increíble, cuando lo vi bailar en La Bella Durmiente
de Mats Ek, nunca me habría imaginado que algún día me
daría clases.
¿QUÉ ES LO QUE ESTÁIS TRABAJANDO AHORA?
La próxima pieza estamos trabajando ahora es Bayadere de
Aaron Watkin. Tenemos el estreno en menos de 15 días, el
30 de noviembre. Creo que va a ir bien aunque ahora mismo
la gente esta muy cansada y se respira estrés por el teatro.
Esto es normal antes de una première.
TUS PLANES DE FUTURO
De momento me encuentro bien aquí y todavía no se que
planes tengo para el futuro, ya iré viendo y descubriendo
que quiero hacer después. Toda esta experiencia esta siendo
genial, no solo por el hecho de estar bailando sino por lo
que estoy viviendo a nivel personal.
SONIA CAYUELA // MURCIA
Raquel. Enemy in the Figure. Costin Radu.
LAS GIRAS
p_14 // 2008
La rebelión frente al academicismo ruso y la voluntad férrea de independencia motivaron a Boris
Eifman a fundar su compañía en 1977. Tres décadas después, su estilo, con una fuerte raíz clásica,
pero con una clara apuesta por lo contemporáneo,
a la par que con un importante ingrediente teatral,
ha conseguido el favor del público y de la crítica,
que no duda en tildar al Eifman Ballet Theatre
como la mejor compañía rusa de la actualidad. El
éxito de Giselle Roja (1997), basado en la triste
vida de la última bailarina romántica, Olga Spessivtseva (1895-1991), le dio a la compañía la oportunidad de actuar en el Teatro Bolshoi de Moscú,
donde presentó además Tchaikovsky y Hamlet
ruso, inspirado en la vida del Zar Pablo I (17541801). La originalidad de los espectáculos y la
calidad de sus componentes han conseguido que
EE.UU. se rinda a los pies de esta compañía,
cuyas creaciones son presentadas en el New York
City Center. Recientemente, el Eifman Ballet Theatre
ha culminado una exitosa gira por España, en la
que presentó su obra Anna Karenina, con la que
este coreógrafo iconoclasta y empeñado en su
personal búsqueda de la perfección, obtuvo el
Premio Benois de la Danse 2006.
Anna Karenina
HABLAMOS CON \\
TdD // El Eifman Ballet Theatre acaba de finalizar en Murcia su
gira española con la obra Anna Karenina, ¿podría explicar este
espectáculo?
Boris Eifman // Anna Karenina es un psicodrama, en el que
los protagonistas experimentan las profundas emociones
humanas, debido a la situación extrema en la que coloco
a mis héroes. Esto se debe a la penetración en el subconsciente y a una búsqueda de respuestas sobre algunas
preguntas filosóficas muy importantes de la vida del ser
humano, y de la gente que vive en la actualidad. Yo no diría
que mi propuesta es únicamente estética, tampoco debería
serlo. Porque mi objetivo no es solamente crear danza para
la música. Mi objetivo es impresionar a los espectadores de
un modo profundo y emocional, a la vez que devolver el
baile al teatro.
TdD // Anna Karenina es un clásico de la literatura rusa, escrito
por León Tolstoi, ¿qué le atrajo a Ud. de esa novela?
B.E. // Quise crear un ballet clásico sobre el amor. Para mí,
lo más importante era el eterno y mítico tema del triángulo
amoroso. Cuando uno lee esta mítica historia, realiza su
propia interpretación. La primera vez que leí el libro era un
niño de escuela, y no me impresionó tanto, porque me perdí
en el laberinto filosófico de Tolstoi. Pero también debo decir
que nuestro espectáculo realiza una nueva lectura. Es cierto
que nuestro repertorio está relacionado con algunos personajes
históricos o con la literatura. Pero la palabra y el movimiento
son artes bastante diferentes. En mi ballet clásico, hice mi
propio psicoanálisis de esta historia y de sus protagonistas.
Traté de encontrar algo que pudiera emocionar e interesar
al espectador actual.
p_17 // 2008
// HABLAMOS CON
TdD // La protagonista de la historia es una dama de la alta
sociedad rusa llamada Anna Karenina; en su opinión, ¿cómo
es el personaje de Anna?
B.E. // Anna Karenina es una heroína trágica que no puede
encontrar el equilibrio entre la moralidad de la sociedad,
gustar a su niño y la pasión más absorbente. Su muerte es
el resultado, no de la lucha contra Karenin, Vronsky o la
sociedad, sino contra ella misma. Y esta lucha debía terminar
trágicamente. Para mí, Anna es como un hombre lobo o un
camaleón, porque, dentro de ella, viven dos personas
diferentes: por fuera, la mujer de mundo a la que conocen,
tanto Karenin, su hijo, como el entorno. En su faceta íntima,
Anna representa a una mujer sumergida en el mundo de
pasiones. Volví a la novela de Tolstoi, porque Anna es un
símbolo de la emancipación de la mujer y del derecho a
gustar libremente.
B.E. // No creo que debamos hablar exactamente de los
movimientos de la coreografía. Creo que debemos hablar
más de la impresión de los movimientos de alguien y de
cómo la coreografía llega a la audiencia. El espectáculo
Anna Karenina es una producción de muchas sinergias,
muy armoniosa, donde todo y todos, juntos o separadamente,
están a un nivel muy alto: coreografía, trajes, iluminación.
La producción entera posee una armonía de alta calidad.
Pienso que Anna Karenina es mi mejor producción en 30
años, es decir, casi en mi carrera entera.
TdD // Sus pas de deux son de gran complejidad y riqueza en
los portée, ¿cómo crea una coreografía?
B.E. // No tengo un sistema de creación ni quiero establecerlo;
puede ser que alguien lo haga algún día por mí. Trabajamos
mucho diariamente. Cuando alguien juega cada día con las
escalas, sus dedos comienzan, automáticamente, a controlar
sus pautas. Si el actor entiende y siente la coreografía, su
cuerpo gradualmente se adapta a una técnica cada vez más
difícil. Y además, como actor, es capaz de hacer una
interpretación dramática. Todos nuestros actores, no sólo
tienen una técnica brillante, sino también poseen un gran
talento dramático.
Anna Karenina
TdD // El triángulo amoroso se cierra con el marido, Karenin,
y el amante, Vronsky. ¿Cómo traza sus personalidades a través
de la coreografía?
con tantas personas; se trata de un trabajo serio, difícil y
diario en la creación de coreografías y su consecución nos
reporta altos resultados. Hacemos de esto una causa común
y cada uno se siente como parte de un todo. En la obra
Anna Karenina, el cuerpo de baile es realmente el cuarto
protagonista. Esto acarrea sus propios conflictos con los
protagonistas principales.
TdD // Con esta coreografía, obtuvo el Premio Benois de la
Danse 2006, ¿qué significó? ¿Da importancia a los galardones
cosechados durante su trayectoria profesional?
B.E. // Como artista, ante todo, me interesa la realización
de mis ideas creativas, intentando acercarme a la perfección.
De esta manera, los premios no son tan importantes para
TdD // Una de las dificultades de su coreografía son los cambios
entre las composiciones de pas de deux y las escenas corales.
¿Es difícil trabajar con tantos bailarines a la vez?
Anna Karenina
B.E. // Es una ilusión conseguir aparentar que hay muchos
artistas sobre el escenario a la vez. Por lo general, en escena,
no hay más que un máximo de 20 bailarines. Pero la
composición y la dinámica del espectáculo artístico crea
esos sentimientos e ilusiones. Requiere un cierto tiempo
convertir a un bailarín en alguien de mi compañía. En primer
lugar, si su técnica y su estética no están acordes a nuestra
compañía, no va a entrar en el Eifman Ballet Theatre.
Tenemos nuestros propios criterios para escoger a bailarines.
Esto es una competición. Mis ayudantes viajan por toda
Rusia, por todas las escuelas, para encontrar a bailarines
que puedan darnos juego. No es tan simple como trabajar
p_18 // 2008
ARTÍCULO \\
Anna Karenina
mí. Pero, como director de mi compañía, los premios son
de gran valor, porque significan el reconocimiento de nuestros
logros y son el símbolo del alto nivel de nuestro arte en el
ámbito de la coreografía mundial.
TdD // Fundó en 1977, su propia compañía, ansiando su libertad
como coreógrafo, ¿ha conseguido su objetivo?
B.E. // Para responder a ello, debo hablar de mis diez
primeros años con la compañía, durante el régimen soviético.
Desde luego, fue una lucha por la supervivencia. En mis
primeros años con la compañía, descubrí un nuevo camino,
una nueva dirección para la danza, pero fuera de las
tradiciones del ballet clásico soviético. Esto significó una
lucha por el derecho a ser un artista libre, en un país del
régimen soviético. Pero después de la Perestroika, fui capaz
de abrir nuevas posibilidades para mis creaciones. Esas
nuevas posibilidades me dieron la oportunidad de construir
mi propia compañía, con una calidad muy alta y un nivel
diferente, y me proporcionaron la opción de crear piezas
diferentes, en las que me sentí libre. Y, desde luego, esta
nueva etapa me dio la oportunidad de mostrar mis producciones en todo el mundo. Fue el principio de nueva vida
para mí y para mi compañía.
TdD // Muchas de sus coreografías tratan temas rusos como
Giselle Roja o Hamlet ruso, ¿es posible extraer una lectura
universal de estos temas propios de la cultura rusa?
B.E. // Mi objetivo no es contar historias. En cada uno de
mis ballets clásicos, hay una reflexión sobre problemas
eternos y sobre preguntas del ser humano. La naturaleza
humana es realmente universal; esto es la esencia, que no
es tan diferente en diversas épocas y espacios. Cada
espectador encuentra en nuestro espectáculo algo cercano
a su propio estado y humor de ese momento. Contamos
cosas que siempre emocionan a la gente. Lo que hacemos
p_19 // 2008
Anna Karenina
es un psicodrama y, al mismo tiempo, es un espectáculo
que tiene una influencia emocional e intelectual sobre los
espectadores; el cuerpo humano está abierto a muchas
emociones, a muchas pasiones internas, especialmente, a
algo que va directamente de un corazón a otro corazón. Y
ese cuerpo especial, musical, emocional expresa igual para
toda la gente de todo el mundo. Se percibe un cambio en
las emociones del público, tras el espectáculo.
TdD // Hoy día, el Eifman Ballet Theatre es considerada la
mejor compañía de danza de Rusia, ¿se siente orgulloso de
ello?
B.E. // Estoy orgulloso de que nuestro arte, que llevamos
trabajando durante más de 30 años, sea tan demandado
en Rusia y en el resto del mundo. Desde luego, estamos
muy felices por poder mostrar que, en Rusia, no sólo se
mantienen las obras maestras del pasado, sino que también
se crean nuevas y exitosas obras contemporáneas de ballet.
TdD // Su compañía posee una intensa agenda de actuaciones
por todo el mundo, ¿cuáles son sus planes futuros? ¿De qué
tratará su siguiente coreografía?
B.E. // Ahora, estoy trabajando en un nuevo ballet, basado
en el clásico de Alexander Pushkin Eugene Onegin, cuyo
estreno está previsto para principios de 2009. Se trata de
una nueva versión del texto clásico; la acción estará ambientada en nuestros días. Al mismo tiempo, mi nuevo ballet
clásico no es un intento de volver a comprender la novela,
sino más bien, adaptar la poesía y la filosofía de la novela
al punto de vista de contemporáneo. Creo que el propio
ballet contestará en sí mismo a las preguntas más específicas,
porque las soluciones artísticas vienen de improviso y es
imposible prever cómo resultará al final.
IRATXE DE ARANTZIBIA // GUIPUZKOA
// CRÓNICA
Les enfants du Paradise
del cine a la danza
Milagro en la Ópera
Ballet de la Ópera Nacional de París,
Les Enfants du Paradis.
Fotografías: Sébastien Mathé
Cuando el impresionante telón del palacio de la Ópera de
París levanta su descomunal y fascinante lienzo, uno espera
-al igual que el público que abarrota día tras día ese mítico
lugar desde hace más de dos semanas- asistir a una deslumbrante puesta en escena. Pero José Martínez se toma su
tiempo. Prefiere descubrir sus bazas poco a poco. Y vaya
si las descubre. Tras un comienzo pausado, con una figura
moviéndose parsimoniosa y melancólicamente –los movimientos y las miradas también pueden ser melancólicos–
entre objetos arrinconados y olvidados, asistimos a la mas
rutilante de las evocaciones del Callejón del Crimen, esa
parisina corte de los milagros rodeada de teatros y plagada
de gentes de la más diversa condición en la que, en la
primera mitad del siglo XIX, podían ocurrir los sucesos más
insospechados; donde podían reunirse los amantes más
apasionados y tener lugar los asesinatos más horrendos. Un
lugar en el que la animación, el ruido y la miseria se
mezclaban con el lujo y con la fiesta, y también con la
tragedia. Un sitio fascinante por el que deambulaban mimos,
malabaristas, prestidigitadores, funambulistas…, pero
también contrabandistas y vendedores de humo, miserables
y soñadores.
Ese es el lugar que eligió Marcel Carné para ambientar su
filme Les enfants du paradise (1943), considerado habitualmente por la crítica de su país como la mejor película
francesa de la historia. Algo no poco importante en el país
que inventó el cine, y que ha contado entre sus cultivadores
con una nómina absolutamente excepcional.
Este filme ha sido el elegido por José Martínez para realizar
una adaptación al mundo de la danza. El cartagenero,
bailarín estrella del Palacio de la Ópera de París desde hace
años, y ahora coreógrafo de lujo, se ha atrevido a realizar
una revisión no exenta de riesgos.
Nos enfrentamos en el empeño de este cartagenero que
rompe fronteras a un problema fundamental en las artes:
el de la dificultad de traslación de una obra de arte a otros
lenguajes, a otros ámbitos distintos del que fue concebida
por su creador. El hecho de trasladar una de las películas
fundamentales de la historia del cine, poseedora de un
lenguaje narrativo enormemente rico y complejo y con
grandes escenas de masas en las que los personajes campan
a sus anchas por un escenario que parece no tener fin; una
p_20 // 2008
CRÓNICA \\
película, en fin, en la que los pequeños gestos adquieren
un carácter absolutamente significativo, con frases que
cortan como cuchillos, parecía una empresa suicida.
Tan suicida como lo había sido el intento de Carné de
realizar una superproducción francesa en plena ocupación
alemana, interpretada por no pocos judíos que debían
ocultarse del ejército nazi para trabajar, y con varios planos
narrativos que unían el mundo del teatro con el espectador
de ese paraíso al que alude el título –el público de la parte
alta, el más humilde-, la vida con la impostura, el amor con
los celos, el crimen con la bondad, lo público con lo más
íntimo.
El filme de Marcel Carné, un impresionante fresco repleto
de personajes con auténtica encarnadura y poblado por
diálogos absolutamente ricos –obra de un Jacques Prevert
que durante años pareció estar en estado de gracia- era tan
desbordante en sus planteamientos que parecía condenado
a permanecer para siempre vedado a otras manifestaciones
artísticas. Pero los resultados obtenidos por José Martínez
en esta adaptación no pueden menos que considerarse
excepcionales. Nuestro paisano ha sabido encontrar y
potenciar los muchos valores coreográficos que atesoraba
la vieja película. Sus personajes hablan el rico idioma que
les confirió Prevert hace más de 60 años. Y lo hacen
exclusivamente con sus gestos, con sus movimientos
más hechizantes, con su ritmo y el de una sugerente
música compuesta por Marc-Olivier Dupin a la que
Pablo Heras-Casado saca el mejor de los partidos.
Carné nos introducía al juego entre vida y teatro
a través de un escenario que nos franqueaba el
paso a un abarrotado patio de butacas, cuyo
público contemplaba el escenario en el que se
reproducía otra acción. Se prolongaba así el
juego de pasión y celos que tenía lugar entra
bambalinas y en los propios asientos.
Siguiendo esta estela, José Martínez nos introduce en otro escenario de pasión y horror,
de belleza y escalofrío, en el mismísimo
templo de la danza, que sirve como
pórtico a un imaginativo juego de
espejos en los que el teatro
y la vida se reflejan mutuamente y se con-
p_21 // 2008
vierten igualmente en protagonistas. El coreógrafo cartagenero
nos permite vibrar con el compás de unos bailarines que
expresan con sus movimientos muchos de esos sentimientos
que plasmó Carné en la pantalla y que eran, en definitiva,
el juego entre la vida y el teatro. Y es aquí precisamente
donde se produce el milagro -uno de ellos, pues hay másque sintamos revolotear las palabras de Prevert en los
tempos y ritmos de una obra que carece de voz. José
Martínez convierte el mítico escenario en el que se desarrolla
la acción -como antes hizo Carné en su película- en auténtico
protagonista de la acción, incluyendo una insospechada
convocatoria de una obra teatral a través de octavillas que
caen directamente desde el paraíso del teatro, e incoporando
a artistas callejeros que deambulan por los pasillos del
edificio en el entreacto. Y permite que el público asista
entusiasmado, en las mismísimas escalinatas del Palacio
de la Ópera, a la muerte de Desdémona a manos de un
Otelo encarnado por Fréderic Lemaitre, intérprete principal
del espectáculo.
Público, artistas y teatro se imbrican con un halo vital e
indisoluble, tal y como pretendió realizar Carné en su
película. Algo que permite a los espectadores que quieran,
deseen, odien o teman con los actores,
con acertadas fórmulas por parte de
Martínez, que hacen de éste un espectáculo inolvidable y que, a buen
seguro, habría dejado satisfecho al
mismísimo director que lo ideó.
PASCUAL VERA
Crítico de Cine // MURCIA
// CRÓNICA
Les enfants du Paradise
EL GESTO
Y LA DANZA
Ballet de la Ópera Nacional de París,
Les Enfants du Paradis.
Fotografías: Sébastien Mathé
El aplauso continuado, acentuado rítmicamente, fuerte e
insistente obliga a la subida de telón tres, cuatro, cinco
veces, en el lírico final que acabamos de ver de Les Enfants
du Paradis, como premio a una magnífica coreografía de
José C. Martínez. Nuestro cartagenero bailarín estrella dejó
su Cartagena natal a los 14 años por la aventura de la danza.
En estos veinticinco años no sólo ha logrado una brillante
carrera en el templo de la danza, Ópera de París, sino que
el pasado mes de Noviembre revalidó su prueba de fuego
como coreógrafo, tras su anterior creación para la Escuela
de la Ópera Mi Favorita.
Viaje relámpago a París de Tiempo de Danza, compartiendo
tres días con los estupendos amigos y compañeros de vuelo,
alojamiento, lluvia, frío y sol, y mil divertidas anécdotas,
Pascual Vera y Ana, de Campus, revista de la Universidad
de Murcia, invitados por José Carlos y la Ópera de París. A
nuestra llegada al teatro, el mismo José nos saluda y recibe
atentamente, preocupado por la comodidad de nuestras
localidades. Son magníficas.
Partiendo de la afamada película Les Enfants du Paradis con
los personajes de Baptiste, inspirado en el célebre mimo
Baptiste Debureau, del actor Lemaître, y la incorporación
de otros como el dandy anarquista Lacenaire, se revive la
trágica y romántica historia de amores y desamores en el
escenario del bulevar du Crime, el Théâtre des Funambules
con el público que desde las gradas, les enfants du paradis,
aprueba o desaprueba obras y actores con sus gritos, aplausos
y peleas, el personaje femenino de Garance, inspirado en
una misteriosa aristócrata que nunca faltó a las representaciones de Debureau, junto a la enamorada Nathalie o el
Conde de Montray. La coreografía de José C. Martínez es
la reivindicación del arte de la pantomima aplicada a la
danza, defendida desde el siglo XVIII por Noverre. El gesto
y la danza. Y es el teatro dentro del teatro, como sería el
p_22 // 2008
CRÓNICA \\
cine dentro del cine (Cantando bajo la lluvia). Es una creación
en la que el magnífico vestuario de Agnes Letestu es
complemento directo del éxito total. Dos actos, el primero,
costumbrista, ambientado en el París callejero del XIX con
un lenguaje coreográfico muy cercano a la película en
movimiento cinematográfico convertido en danza. Un
compendio de estilos en los que se refleja claramente la
variedad de escuelas estudiadas y trabajadas por el bailarín
y coreógrafo. La ambientación nos atrapa. Nos invade.
Actores y espectadores somos “enfants du paradis”. Primera
parte más teatral, a cuyo término vuelan por sorpresa sobre
nuestras cabezas panfletos lanzados desde el “paraíso”
invitándonos a asistir en la imponente escalera de la Ópera
a la escena de celos de Otelo y muerte de Desdémona,
túnica roja, pies descalzos, bailada entre el publico. Volvemos
a las butacas encontrando otra sorpresa: José Carlos en los
ensayos, a telón alzado, de la brillante y académica coreografía al más puro estilo francés con la que empieza el
segundo acto en el que se suceden hermosos pasos a dos,
escenas de baile social con valses maravillosos y el último
encuentro de Baptiste y Garance, única noche de amor que
precede al impactante final: entre la marea de un multitudinario carnaval, blanco y negro, la etérea Garance avanza,
volando sobre los músicos de la orquesta, trasladada en
una magnífica “portée” hasta el pasillo central del patio
de butacas, desapareciendo de la vida de Baptiste.
Cuando, reclamado por un público rendido, entusiasmado
todo el aforo de la maravillosa Ópera, apareció en el escenario
José C. Martínez, su presencia y sencillo saludo de agradecimiento nos emocionó especialmente a la representación
murciana que habíamos asistido a su triunfo. Era el triunfo
no sólo como coreógrafo de un gran ballet sino como perfecta
representación del éxito de este profesional tan cercano,
en una carrera hecha a base de sacrificios, trabajo y talento.
Tiempo de Danza estuvo allí.
MARGARITA MUÑOZ ZIELINSKI // MURCIA
p_23 // 2008
// VISITA
Marsellés de nacimiento,
Jean Albert-Cartier ha sido
crítico de arte en numerosos periódicos y revistas
durante quince años. Ha
trabajado en varias instituciones culturales y de arte,
algunas de las cuales ha
fundado él mismo, entre las
que se encontrarían: el
Centre Choreographique
National de Amiens, el Ballet Theatre Francais de
Nancy, el Festival de Anjou,
y la escuela de verano,
Europe Danse en Grasse.
Dirigió el Teatro de Nancy,
el Teatro Musical de París.
Ha sido el director administrativo de la Ópera Nacional
de París, y director general
de la Ópera de Niza. En
1999 crea la compañía Europa Danse.
Europa Danse, Mercure. Fotografía: M. Logvinov.
p_24 // 2008
VISITA \\
NO ES LA PRIMERA VEZ QUE USTED DIRIGE UNA COMPAÑÍA
DE DANZA. ¿HAY QUE ESTAR UN POCO LOCO PARA DIRIGIR
UNO SU PROPIA COMPAÑÍA?
En efecto, es necesario estar lo suficientemente loco
como para dirigir una compañía, pero sobre todo es
necesario amar la danza y a los bailarines.
¿CUÁL ES EL ORIGEN DE EUROPA DANSE?
Yo creé Europa Danse en 1999 para jóvenes bailarines
justo en el momento en que han terminado sus estudios,
con el fin de ayudarles a entrar en la vida profesional. El
proyecto ha recibido el apoyo del Ministerio de Asuntos
Culturales y de la Región Centre. Nuestra sede está en
Chartres (80 km de París) durante el periodo de residencia.
EN SU OPINIÓN ¿CUÁL ES EL ELEMENTO PRIMORDIAL QUE
ASEGURA EL ÉXITO DE UNA COMPAÑÍA DE DANZA?
La prioridad es tener buenos bailarines y proponer al
público espectáculos que interesen asociando la creación
al patrimonio.
¿CUÁL ES LA EDAD MÍNIMA Y MÁXIMA DE PERMANENCIA
EN EUROPA DANCE Y QUÉ TIPO DE BAILARINES BUSCA
USTED?
Los bailarines tienen una formación clásica. Tienen entre
17 y 20 años y provienen de diversos países europeos.
Este año están representados seis países: España, Finlandia, Francia, Italia, Países Bajos y Eslovenia.
HÁBLENOS DE LA FILOSOFÍA O IDEOLOGÍA DE E.D.
Europa Danse es un eslabón, es el trámite obligado entre
el final de los estudios y la entrada en la vida profesional.
Los orígenes y culturas de los bailarines son muy diversos
y esto les enriquece mutuamente consiguiendo formar
rápidamente un grupo homogéneo. Con esta experiencia
se tienen que enfrentar a las reglas de la vida, a las de
una compañía, y a la mirada del público.
¿TIENE LA COMPAÑÍA UN COREÓGRAFO RESIDENTE?
Ningún coreógrafo está obligado con la compañía. El
interés de los bailarines es justamente el de trabajar
estilos diversos.
Europa Danse. Fotografía: M. Logvinov.
HÁBLENOS DEL REPERTORIO DE LA COMPAÑÍA
Desde el principio, hace diez años, el repertorio de la
compañía comenzó trabajando con coreografos neoclásicos,
Balanchine, Kylian, Mats Ek, Duato, Naharin, Bigonzetti
etc. y en esa línea seguimos.
¿PREFIERE USTED UN ESTILO DE DANZA O UN CREADOR EN
PARTICULAR?
No me limito a un estilo en particular pero en cada estilo
busco la excelencia.
Europa Danse, Parade. Fotografía: M. Logvinov.
p_25 // 2008
// VISITA
Europa Danse, Pulcinella. Fotografía: M. Logvinov.
LA COMPAÑÍA ESTÁ AHORA DE GIRA CON PICASSO Y LA
DANZA. ¿PORQUÉ HA ESCOGIDO ESTE EMBLEMÁTICO REPERTORIO?
Picasso es el gran creador de nuestra época. Se interesó
por la pintura, la escultura, el grabado, la cerámica, era
normal que abordara la danza en torno a 1917-1924.
Diaghilev fue quien consiguió cristalizar toda esta efervescencia artística. Conviene rendir homenaje a este
artista donde los decorados y vestidos han sido reproducidos con una gran exactitud a partir de las maquetas
originales.
Y AHORA ¿CUÁL ES SU PROYECTO MÁS INMEDIATO?
Responder a una invitación del Festival Diaghilev en S.
Petersburgo con motivo del centenario de los Ballets
Russos.
EN CUANTO A USTED SR. CARTIER, ¿PODEMOS CONSIDERARLE
UN MECENAS DE LA DANZA COMO LO FUE DIAGHILEV A
COMIENZOS DEL SIGLO XX?
No soy un mecenas de la danza, pero sí un director de
teatro que se ha pasado toda su vida con la danza.
TdD // MURCIA
Europa Danse, Cuadro Flamenco. Fotografía: M. Logvinov.
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DE FESTIVALES \\
Cía Damaged Goods, Meg Stuart, BLESSED. Foto: Chris Van der Burght
EN PRIMER LUGAR ENHORABUENA POR TU CARGO COMO
DIRECTORA ARTÍSTICA DE ESTE NUEVO FESTIVAL Y TAMBIÉN
POR TU RECIENTE MATERNIDAD. RECORDAREMOS QUE ISABEL
LAVELLA TIENE UNA LARGA TRAYECTORIA COMO INTÉRPRETE
Y COREÓGRAFA DE LAS TENDENCIAS MÁS ACTUALES DE LA
DANZA MUY CERCANAS A LOS GÉNEROS DE DANZA-TEATRO
Y DE LA PERFORMANCE. SUS ÚLTIMOS TRABAJOS HAN ESTADO
LIGADOS A LA CREACIÓN DE SU NUEVA COMPAÑÍA LAVELLADANZA CON CUARTETO A SOLAS, CARRUSEL Y QUI LO ÇA?
¿ISABEL LAVELLA, CUÁL ES LA GÉNESIS DE ESTE PROYECTO?
Este festival surge a partir de una propuesta del Centro
Párraga subvencionado por la Consejería de Cultura y
Turismo. Parte de una reflexión sobre el panorama actual
de la danza contemporánea en la Región de Murcia.
Hasta la fecha han aparecido festivales de danza muy
enriquecedores que antes no existían, y hoy por hoy
tenemos la satisfacción de disfrutar de ellos. Mov-Hi
irrumpe en la escena murciana con un perfil muy definido
y en el momento adecuado.
¿CUÁNDO TE PROPUSIERON PROGRAMAR Y DIRIGIR UN
FESTIVAL DE DANZA CONTEMPORÁNEA, QUÉ LÍNEA DECIDISTE
SEGUIR?
¿Un festival de Danza-Teatro? Nace motivado por el deseo
de potenciar el resultado artístico de puestas en escena
p_27 // 2008
MOVIENDO HISTORIAS
que tienen como base el trabajo corporal y navegan en
el universo de la Danza, sin limitar la utilización de
cualquier herramienta escénica o recurso “teatral” para
contar una historia a través de la corporalidad. Los artistas
invitados investigan a partir de los conceptos básicos de
la danza contemporánea y van más allá aportando una
evolución desde su propia visión y experiencia personal.
La finalidad de este festival es la presentación de trabajos
donde el discurso artístico sea el resultado de trabajos
de investigación. Serán propuestas elaboradas y originales,
obras donde el público se haga preguntas en lugar de
encontrar respuestas desde el otro lado.
CUÁNDO SURGE UNA IDEA DE ESTE TIPO ES PORQUE HAY
UNA DEMANDA, UN PÚBLICO PARA ELLO ¿VA A SER DIFERENTE EL PÚBLICO DE MOV-HI AL DE OTROS EVENTOS DE
// DE FESTIVALES
CARACTERÍSTICAS SIMILARES QUE SE ORGANIZAN EN LA
REGIÓN?
Cía Damaged Goods, Meg Stuart, BLESSED. Foto: Chris Van der Burght
El público en danza contemporánea suele ser un público
muy diverso y paradójicamente suele acercarse mucha
más gente de otros sectores del arte; actores, músicos,
pintores. Imagino que la danza contemporánea fuera
del ámbito de la pura técnica física es un arte que
inspira, que abre, que acerca a aquellos que también
se encuentran en la búsqueda más allá del puro medio
visible. La necesidad de crear y generar un ambiente
maduro y culto donde la visión de la danza pueda
empezar a crecer fuera de lo puramente convencional
y tradicional, es primordial. Los profesionales tenemos
que ofrecer espacios y propuestas donde el público se
desarrolle y crezca con los cambios, con la realidad
actual.
¿QUÉ COMPAÑÍAS HAN SIDO INVITADAS A MURCIA PARA
INAUGURAR LA PRIMERA EDICIÓN DE MOV-HI?
El festival se realizará durante una semana del 17 al
23 de nov. Habrá paralelamente un cursillo de 10:00
a 14:00 horas sobre análisis y práctica del movimiento.
La persona que dará el taller será Eva Karcag, coreógrafa,
bailarina y profesora. Trabajó con Trisha Brown y es una
de las creadoras de la técnica Release. En su faceta
como pedagoga se dedica a formar y actuar con otros
profesionales de diversas especialidades de todo el
mundo.
En total nos visitarán cinco compañías de diversas partes
de Europa; el 19 de noviembre contaremos con la cia
de Meg Stuart, Damaged Goods. Stuart funda su compañía
en el año 1994 y es una artista emblemática y pionera
de la nueva danza. Viene de New York y se establece
en Bruselas a partir de 1990. En sus creaciones combina
la danza, el teatro, las artes visuales y la fotografía. La
compañía presentará el espectáculo Bleesed, con el
sensible poder de la estética de la destrucción; nuestro
mundo de gagest artificiales, roles, modelos, apariencias,
es violado por lo más básicos fundamentos.
Juscka Weigel. Life is too short. Foto: Baltasar Patiño
El 21 de noviembre nos acompañará David Fernández,
bailarín, actor y violonchelista. David estudió danza
clásica con C. Rocher, y danza contemporánea con
Blanca Calvo, Olga Mesa, Win Vandekeibus etc. El
espectáculo que nos presenta lleva por título Los 7
suicicios de un gato.
El 22 de noviembre veremos a Aument cía. Esta agrupación nace en Mallorca, en ella se fusionan la Danza
Butoh con el teatro gestual y del silencio. La obra que
presenta es Tales of the body. El cuerpo se manifiesta
como un juguete mecánico, es un espectáculo neutro
dispuesto a aparecer y desaparecer, a transformarse,
nacer, estar, morir.0000
El 23 contaremos con dos solos: el primero de la alemana
Juschka Weigel, artista independiente que combina el
p_28 // 2008
DE FESTIVALES \\
SULTADOS EXCELENTES, ¿CUÁL ES EL PUNTO DE VISTA QUE
APORTA UN PROFESIONAL DE LA DANZA RESPECTO A UN
GESTOR U OTRO TIPO DE PROGRAMADOR?
Aporta criterios, especialización, realidad, coherencia y
cultura.
Aument Cía, Tales of the body.
LA POLÍTICA CULTURAL EN LA REGIÓN PARECE QUERER
DESPEGAR Y EL CAPÍTULO DE LA DANZA SE VA A VER MUY
BENEFICIADO POR ESTE GRAN IMPULSO: FESTIVALES, ESPACIOS ALTERNATIVOS, UN FUTURO CENTRO DE PRODUCCIÓN
DE LAS ARTES ESCÉNICAS, UN PÚBLICO MUY DIVERSO, UNA
CRECIENTE AFICIÓN POR LAS NUEVAS PROPUESTAS DE
DANZA CONTEMPORÁNEA ¿CÓMO LO PERCIBES TÚ? ¿PIENSAS
QUE FALTAN MÁS PROFESIONALES DE LA DANZA CONTEMPORÁNEA EN MURCIA?
Es un momento muy bueno por el avance tan positivo
que ha dado la región. En este aspecto se están empezando a crear unas vías muy ricas y beneficiosas para
las futuras generaciones. Cuantos más profesionales
seamos mejor. Una mayor aportación y variedad en las
propuestas siempre es más rico para todos.
POR ÚLTIMO, ¿CÓMO TE LAS ARREGLAS CON TU PRECIOSO
BEBÉ DE DOS MESES PARA DIRIGIR EL FESTIVAL?0000
El festival estaba programado antes del nacimiento de
mi hija, pero ahora falta llevarlo a cabo en los huecos
que encuentro. Intento organizarme pero también cuento
con la ayuda de los demás profesionales que se encargan
de llevar a término mis propuestas. Por suerte el equipo
que dirige el Centro Párraga es un organismo que funciona
bastante bien.
Juscka Weigel. Life is too short. Foto: Baltasar Patiño
¿EN EL ÁMBITO DE LA DANZA, QUÉ FUTURO QUISIERAS PARA
TU HIJA AQUÍ EN LA REGIÓN?
En el futuro deseo que el mundo de la danza haya crecido
lo suficiente para que puedan caber los más diversos
enfoques en su manifestaciones y podamos seguir creciendo juntos.
GEORGINA A. CAYUELA VERA // MURCIA
Butho y el release. Nos presentará su espectáculo The
life its too short to dance with un ugly man y por último a
Milan Tomasik. bailarín y corógrafo que trabaja con
diversas disciplinas de danza y artes en general. Nos
mostrará su solo Within.
ES DIFÍCIL ENCONTRAR PROGRAMADORES DE DANZA, EN
GENERAL, QUE SEAN INTÉRPRETES O BAILARINES. EN MURCIA
HASTA LA FECHA LOS FESTIVALES DE DANZA QUE HAY,
MUDANZAS Y EL DESPARECIDO D-DANZAS LO LIDERAN O
LIDERABAN PROFESIONALES DE LA DANZA CON UNOS RE-
p_29 // 2008
// ARTÍCULO
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se las lleve por deQueda claro que Bausch, posee la aptitud de
lante, no encuentre
transmitir su propia manera de ver el mundo, y sobre
obstáculos en su camino.
todo, de establecer un estilo propio dentro de los parámetros
Ambas mujeres interpretan una
del arte contemporáneo para proyectarlo.
coreografía parecida, se golpean, como castigándose, varias
veces contra una pared lateral y están con los ojos cerrados
Lánguida, alta y extremadamente delgada, dentro de una
todo el tiempo. Ambas, transmiten dolor y desprotecdelicada y fina túnica blanca como único abrigo, comienza
ción.0000
a bailar la música de Purcell que ha escogido para Cafe
Müller. Con los ojos cerrados y en medio de un salón vacío
Entre sus míticos bailarines se distingue, la que para mí es
de calor humano, pero con sillas esparcidas por toda la
absolutamente única e irreemplazable: Nazareth Panadero.
escena, su imagen es la viva presencia de un ser humano
Una excelente actriz y bailarina, es un producto cien por
solo, abandonado y desamparado. Bausch deja una triste
cien Bausch. Su actuación en Nefés del 2006 en Madrid
sensación de soledad, contagiando angustia y desgarro.
fue magnífica y ella es admirable por donde se la mire.
Café Müller es pura tristeza, cuarenta y cinco minutos de
La escenografía consta de muchas sillas vacías y esparcidas
pura melancolía. Los otros personajes son interpretados por
por todo el escenario y una puerta giratoria, en la que el
artistas de la Tanztheater Wuppertal: Aida Vainieri y Dominique
personaje principal, Pina Bausch, en cierto momento queda
Mercy. Realizan una magnífica puesta en escena en la que
atrapado, girando sin poder parar, como el dolor y la ausencia
recrean una pareja que transmite, en su frenética unión,
de satisfacción que expresa constantemente en su rostro
exasperación, desesperación, temor, el terrible temor de
y en sus movimientos.
sentirse solos, abandonados a sí mismos, a su frágil necesidad
de caricias y sobre todo de amor. Celebran su vínculo, a
Panadero hipnotiza en escena. Su cuerpo es el de una mujer
través de desesperados movimientos en cadena de repetición
madura, en donde se puede apreciar el peso de la danza
constante, conducidos al ritmo de su entrecortada y agitada
y de los años. Representa una figura que camina nerviosarespiración.
mente de un lado hacia otro, como perdida. Circula, sobre
unos tacones rosas y una peluca pelirroja, con un bonito
En la historia surge un caballero que los domina a ambos
vestido color celeste y un maquillaje llamativo. Al final,
y por momentos los separa, y otro que se dedica a mover
Los años setenta tuvieron que haber sido
de los más intensos y creativos para Pina
Bausch. Lo hemos visto anoche en el Liceu
con dos de sus clásicos: Cafe Müller y La
Consagración de la primavera.
p_30 // 2008
ARTÍCULO \\
manifiesta el gesto protector y compasivo que se ha de esperar de todo ser humano:
el despojarse de algo propio para proveer de ayuda al prójimo. Panadero se despoja
de su abrigo y su pelo rojo, y envuelve con ellos, a la depresiva mujer que deambula
descalza y desprotegida bajo la música de Henry Purcell.
De esta manera termina Cafe Müller. Pina Bausch sigue su camino, pero ahora su
imagen es aun más lacerantemente depresiva, con una peluca ajena y un abrigo
prestado. Todos estos componentes forman el clásico Müller creado en 1978.
El trato entre hombres y mujeres, y sus debilidades son un tema recurrente en las
obras de la coreógrafa alemana. Las relaciones emocionales se muestran crudamente,
sin tabúes, mediante la danza como canal de expresión y canalizador de sensaciones.
Cuando miramos Cafe Müller, nuestros juicios y sensaciones, positivas y negativas,
acerca de todo lo que esta sucediendo sobre las tablas, nos llegan cargadas de una
ingeniosidad inimitable. Queda claro que Bausch posee la aptitud de transmitir su
propia manera de ver el mundo, y sobre todo, de establecerla como propia, dentro de
los parámetros del arte contemporáneo.
Compensa tremendo encierro de desolación, la fuerza y la pulsión de La Consagración
de la Primavera (The Rite of Spring), el segundo clásico del programa, con coreografía
de Bausch creada en 1975, con la inigualable música de Ígor Stravinski compuesta
en 1913, quien para mí es el genio de la música.
Cubierto de tierra, el escenario del Liceu, es abordado por toda compañía, hombres
y mujeres que dan paso a un ritual de iniciación, quizá, el más conocido de la historia
de la música y de la danza.
Resumiendo, es tanta la fuerza, la entrega y la energía transmitida de esta Consagración
que el impacto es absolutamente emocionante. Trece hombres y trece mujeres inician
un sacrificio terriblemente visceral. El mensaje es claro: los hombres son depredadores
y mandan; las mujeres son víctimas temerosas subordinadas y el silencio y el miedo
un vínculo tácito.
Un paño color rojo -el único color en toda la obra - predomina no sólo por su significado
tan obvio y cruel, sino, porque es fácil de destacar en un escenario manchado y
embarrado por la mezcla de tierra y sudor que hacen de esta, a mi entender, absoluta
Consagración.
CAROLINA DE PEDRO // DANZABALLET-BARCELONA
Café Müller. Tanztheater Wuppertal - Foto Manu Lozano
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Consagración de la Primavera. Tanztheater Wuppertal - Foto Manu Lozano
// ENTREVISTA
rocío molina
La libertad para el baile
Alguien que levanta los teatros vaya donde vaya. Alguien
que transmite emociones diferentes y con identidad propia.
Alguien que desprende luz blanca cuando baila. Y alguien
que no demuestra más que una sencilla timidez al hablar
de su arte, es un diamante... Ahí tenemos a Rocío. Una
muchachita que se sonroja y encoge de hombros cuando
intentas envolverla entre “olés”. Una malagueña que empieza
a disfrutar del baile desde los ocho añitos estudiando en
escuelas privadas hasta que entra en el Conservatorio
Profesional de Danza de Málaga y allí, como toda bailarina,
es educada bajo las disciplinas de la danza clásica, española,
bolera, estilizada y flamenca. Pero Rocío es una niña inquieta
que vive el baile con grandes emociones y desde muy
pequeña, con solo diez años, está bailando en peñas y
festivales de cantes de Málaga haciendo números en los
finales, como con Gitanillo Vélez entre otros.
La inquietud y la valentía la empujan a desplazarse en
solitario a Madrid en plena adolescencia para acabar sus
estudios en el Conservatorio de Madrid. Así prueba suerte
y fortuna y pronto se encuentra obligada a acabar sus
estudios a distancia por el trabajo con la compañía de María
Pagés. Baila en esta compañía durante dos años y aprende
mucho del trabajo que desempeña una compañía, de las
giras y de sus compañeros. Pero ¡Que tiemble la tierra!
porque Rocío tiene muy claras las cosas. Desde muy temprana
edad empieza a componer proyectos propios porque ella
quiere bailar sola, y así, poquito a poco fue madurando su
baile para dominarlo y disfrutarlo cada día más.
Nos encontramos con una chica de veinticuatro años que
asegura no tener una maestra con quien identificarse. De
todos y cada uno de los maestros con los estudia coge
aquello que más le gusta. En su época malagueña toma
clases con La Trini y Pepe Ruiz mas los profesores que tiene
en el conservatorio. En Sevilla toma clases con Javier Galván,
en Granada con Mariquilla y en Madrid con Ciro. Pero este
diamante en bruto tiene demasiada personalidad como
parecerse a alguien bailando. Tal vez su forma de ver el
mundo, el gran corazón que demuestra y su madurez
adelantada le hagan ser única. En esta época de tanta
confusión entre lo que es flamenco y lo que no, lo que está
fusionado, lo que quiere ser contemporáneo o lo que se
declara purista hace pensar de Rocío. Ella es una bailaora
que quiere sorprendernos con su buen gusto, por la mezcla
de nuevos estilos dentro del flamenco. A esta cuestión
responde de esta manera:
No he hecho contemporáneo, solo lo que me correspondió en
el conservatorio y me encanta, pero no soy contemporánea,
ni tengo fusión, ni intento hacer mezcla porque no he mezclado
ninguna de mis disciplinas. Mi cuerpo tiene información de
clásico, de bolera, de flamenco y tiene información de lo que
ve en la calle. Tengo ese vocabulario. No puedo limitarme. Si
mi cuerpo me pide un movimiento y tengo la técnica para
hacerlo y me lo permite, lo hago. Dejarme llevar, libertad, hago
lo que mi cuerpo quiere, sin saber si es contemporáneo o no.
Hace tan solo un año que Rocío montó su escuela privada.
Un proyecto de dos para apoyarse un poco más en su
compañera Laura. Un lugar para ensayar y montar dejando
atrás la necesidad de tener que pedir más espacios:
Porque yo no quería que Laura dejara de bailar porque creo
que es estupenda. Además es muy buena profesora y tiene
algo muy especial con los niños, que hoy en día es muy
importante.
p_32 // 2008
ENTREVISTA \\
Hablamos de festivales y premios y responde…
Pocos. Los premios han ido viniendo después del
reconocimiento sin jurado. Aunque en el certamen de
coreografías me dieron un premio a bailarina sobresaliente.
Pero pocos premios más. Ni Córdoba, ni Murcia, ni nada.
Curioso porque un año después me llamaron para ser imagen
del festival a lo cual me niego porque legalmente no era
correcto.
La Compañía de Rocío Molina
Yo no monto compañía. Tengo un grupito desde hace ocho
años y ahora vamos por el sexto espectáculo. Ahora somos
cuatro bailarines pero me gusta que todo el mundo sea solista
y artista. De momento no tengo ganas de tener un elenco de
diez personas que vayan todas iguales…
Así es Rocío. Con veinticuatro años, como comenté unos
renglones más arriba, nos cuenta que tiene un “grupito”
que lleva funcionando ocho años. ¿No es para adorarla?
Y este “grupito” se estrenó en el 2003 con el espectáculo
Entre paredes que a nivel de producción no fue como lo
había imaginado por ser la primera prueba, pero nos asegura
tener los bailes más especiales que ha hecho hasta ahora.
El eterno retorno fue el segundo. Esta vez si gozó del nivel
técnico que esperaba. Un espectáculo basado en el mito
de Nieztche; el tiempo y la repetición. Invitó a Pasión Vega,
Lola Greco y Teresa Nieto.
Y Turquesa como el limón que es el espectáculo que mejor
ha salido y el que más se está vendiendo.
p_33 // 2008
Quería algo para laura, para presentarla como bailaora. Porque
creo mucho en ella.
Almarios se presenta con formato de monólogo, bailando
solamente Rocío con sus músicos. Ella entra al escenario
y se nos pega una hora y cuarto bailando. Para el espacio
de El Torcal de la Bienal de Sevilla le encargaron un
espectáculo que sólo se representaría una vez Por el decir
de la gente.
Ahora estamos preparando el estreno de Oro viejo para la
Bienal de Sevilla otra vez, contando con un elenco musical
lleno de solistas; Paco Cruz músico, guitarra solista Rafael
Rodríguez. Para ser más contrario a todo eso estan Jorge Pardo,
Moisés Navarro y Eduardo Guerrero, muy distintos entre ellos.
Y Laura (a la que cariñosamente llaman “La Macarrona”) y yo
porque aún somos más distintas y creo que hay una mezcla
que puede ser interesante. Quiero seguir bailando de la forma
que bailo, haciendo lo que me apetece, con mi cuerpo con mi
mente, con mi vida. Rodearme de buenas personas que respeten
nuestro arte y que quieran disfrutar… sin ningún tipo de otro
interés.
Pues ahí tenemos a Rocío Molina. Alguien capaz de
enternecer a quien se le acerque. Y dentro de su modestia
quiero hacer saber que cuentan aquellos que fueron público
en aquel Certamen de Coreografías que al darle el premio
como “Bailarina Sobresaliente”, la audiencia sintió miedo
porque el teatro se caía solamente del ruido de los aplausos.
MIGUEL ÁNGEL SERRANO // MURCIA
// COMPAÑÍAS
UN MERECIDO HOMENAJE
Después de seis años, la Compañía Murciana de Danza vuelve
a estrenar espectáculo. Sinfonía Española y un merecido Homenaje
a nuestra querida bailarina y codirectora de la Compañía Puri
López, serán las dos partes de las que podremos disfrutar sobre
el escenario del Auditorio y Centro de Congresos Víctor Villegas
el próximo día 28 de enero. Espectáculo incluido dentro de su
anual ciclo de danza.
Fue en el año 2005 cuando Puri y Olivia estaban gestando la
idea de recuperar la coreografía que el Maestro Granero creó
única y exclusivamente para el Ballet Región de Murcia. Por
desgracia, Puri ya no está entre nosotros, por ello, Olivia, en
mejores condiciones anímicas y con mucha energía positiva
para trabajar, decide ahora seguir el proyecto imaginado, y
rendir homenaje a una mujer que significa mucho para ella y
para toda la Compañía y a la que quieren mantener viva en el
espíritu de su arte.
Como dije antes, Sinfonía Española fue el ballet que José Granero,
uno de los grandes de la Danza Española, que coreografió única
y exclusivamente para Merche Esmeralda y el Ballet Región de
Murcia en el año 1990, y en el que participaron las directoras
de la Compañía Murciana junto con otros bailarines murcianos
que formaron parte del Ballet de la Región y estrellas de la
danza como la propia Merche, Oscar Jiménez o Manuel Reyes…
Diecinueve años después, la Compañía Murciana de Danza la
devuelve a los escenarios, contando con nuestro bailarín y
profesor José Luís Navarro como artista colaborador, antiguo
compañero de Puri y Olivia en aquellos años en los que Murcia
gozaba de un gran privilegio por aquel “Ballet”.
La Compañía Murciana intentará respetar al máximo todos los
detalles que el Maestro Granero decidió para Sinfonía, empezando
por la coreografía, la composición musical de Edouard Lalo y
el vestuario que un día confeccionara José Zurita “Pepón”.
Las directoras Puri y Olivia querían rescatar del olvido esta obra
porque ambas estuvieron en su creación junto al “Maestro”,
por considerarlo una humilde forma de rendir homenaje a uno
de los genios desaparecidos de nuestra danza, y por creer
firmemente en la Sinfonía como una conjunción perfecta entre
la escuela bolera, la danza estilizada y el flamenco, en una
época en la que Murcia Cultural S.A apostó por la danza en
nuestra Región y la convirtió en una de las capitales de la danza
española.
Olivia Bella, directora de la Compañía Murciana, se siente
orgullosa porque gente de Murcia pueda volver a bailar y disfrutar
de una coreografía tan especial, debido a las características
que la rodean, y defiende una vez más el deber que tenemos
de cultivar nuestro baile español en una época en la que “Los
Grandes” de la danza española están desapareciendo, siempre
sin menospreciar a la fusión de la danza actual, que también
nos enriquece.
El verdadero homenaje a nuestra admirada Puri López llegará
con la segunda parte, para la que se ha elegido el flamenco,
una de las disciplinas con la que Puri se sentía más identificada.
El espectáculo será instrumentado por Faustino Fernández y
su grupo y contará con un vestuario más moderno, pero sin
perder la línea, diseñado por Lola Almela.
Para este homenaje, Olivia ha querido recuperar coreografías
que Puri había creado en vida, y ha incluido montajes suyos,
haciendo, en definitiva, un resumen de lo que la danza ha
significado para ellas: de un lado la fuerza, el temperamento,
el alma... sin perder la sensibilidad, la musicalidad, el matiz...
Esta vez además se incluye una coreografía de Maribel Ramos
“La Zambra”, alguien ajeno a la Compañía, para cumplir con
la idea que siempre acompañó a Puri y a Olivia: aprender, mirar
hacia fuera y enriquecer nuestro trabajo todos los días.
Cerrando esta crónica, Olivia muestra su satisfacción por ser
la primera vez que participan tantos bailarines, porque todos
son nacidos en nuestra región y porque en su mayoría han sido
formados por ambas directoras, sintiendo especial orgullo por
el trabajo desarrollado en la danza masculina dentro de la
Compañía, única en la Región que cuenta con un elenco de
siete hombres. Y nos recuerda que, además de este esperado
homenaje, la Compañía siempre llevará el nombre de Puri en
cada uno de sus movimientos.
MIGUEL ÁNGEL SERRANO // MURCIA
p_34 // 2008
ARTÍCULO \\
Clásicos en Danza
Laura Hormigón y Óscar Torrado, ocupan los primeros puestos
del Ballet Nacional de Cuba. Laura Hormigón, primera figura
de esta institución desde 1995 y durante 10 años, miembro
del CID- UNESCO (Consejo Internacional de la Danza) y
directora Artística de Danzarte Ballet. Colaboradora de EL
CONCIERTAZO-TVE desde 2001, cursó sus estudios de
ballet en Madrid en La Real Escuela Profesional de Danza
y Licenciada Universitaria en Ballet Clásico. En 2000 crea
con Óscar Torrado Danzarte Ballet del que son directores
artísticos y con el que realizaron en 2003 y 2007 una
Campaña de Iniciación al Ballet Clásico con el espectáculo
¡¡Viva el Ballet Clásico!!. Óscar Torrado, junto a Laura es
primera figura del Ballet Nacional de Cuba durante 10 años
y Miembro del CID-UNESCO (Consejo Internacional de la
Danza), Director Artístico de Danzarte Ballet, Colaborador
de EL CONCIERTAZO-TVE desde 2001 Inicia su andadura
profesional en el Ballet del Teatro Lírico Nacional integrándose
en 1995 en el Ballet Nacional de Cuba en calidad de Bailarín
Invitado llegando a ser Primer Bailarín.
Eliana Figueroa inició sus estudios de Ballet en el Instituto
Superior de Arte del Teatro Colón, y como bailarina del Teatro
Colón ha compartido escenario con importantes personalidades
del mundo de la danza y ha recibido diversos Premios y
Distinciones. En el 2005 se incorpora al “Ballet Concierto”
de Iñaki Urlezaga, bajo la dirección de Lilian Giovine.
p_35 // 2008
Lucía Lacarra. Cisne Negro.
Lucía Lacarra y Cyril Pierre, protagonizaron en el 2007 aquel
fantástico Danubio Azul en el Concierto de Año Nuevo en
Viena. Sus carreras están jalonadas de éxitos. Lucía Lacarra,
bailarina principal, tras su paso por el Ballet de Víctor Ullate
(1990-94) ha sido estrella de las compañías de Roland
Petit, Ballet de San Francisco, Ópera de Munich y recibido
numerosos premios como el Nacional de Danza de España.
Fue la primera de las bailarinas españolas que bailó el
famoso Danubio Azul en el Concierto de Año Nuevo con la
Ópera de Viena. Su pareja y partenaire Cyril Pierre, bailarín
principal ha bailado para compañías como el Ballet de Roma,
Ballet Nacional de Marseille Roland Petit, Ballet de San
Francisco y desde el 2002 se une como bailarín principal
al Ballet de la Ópera de Munich (Bayerisches Staatsballett)
En enero del 2007 es invitado a bailar el Danubio Azul en
el mítico Concierto de Año Nuevo en Viena.
Eliana Figueroa e Iñaki Urlezaga, El Talisman.
La Gala Clásicos en Danza el pasado mes de Noviembre
reunió en el Auditorio Víctor Villegas de Murcia a una exquisita
selección de primeras figuras de la danza, algunos de los
cuales han ocupado en ocasiones anteriores las páginas de
Tiempo de Danza. Arena Teatro nos proporcionó amablemente,
con anterioridad a la actuación, una amplia información
sobre los participantes anunciados, cuya presencia en
Murcia fue todo un lujo y una oportunidad de ver a los
principales bailarines que actualmente son estrellas
internacionales de la danza.
// ARTÍCULO
Óscar Torrado.
Laura Hormigón.
Iñaki Urlezaga, en 1993 ingresó en el Teatro Colón de
Buenos Aires, asumiendo los roles de Primer Bailarín y en
1995 se une al Royal Ballet de Londres participando en
importantes Galas y Festivales Internacionales. En 2003,
paralelamente a su carrera como Principal Dancer ha
incursionado en la actividad coreográfica. Y en el 2006, es
la figura elegida para cerrar la temporada de danza en el
Teatro Colón de Buenos Aires.
Shrew de John Cranko; el Príncipe en El Lago de los Cisnes
de Paul Chalmer; Brighella en Pierrot Lunaire de Glen Tetley,
y los principales roles en Mozartiana de Balanchine, Elite
Syncopations de MacMillan, y en los ballets de Uwe Sholz
incluyendo Symphony Nr 2 (Schumann) y The Creation
(Hayden).
Oksana Kulchytska, nacida en Kiev. Sigue su formación a
la escuela de su ciudad natal y llega a ser Solista de la
Opera de Kiev. En 1995, se une al Ballet de Leipzig, y
es promovida solista en 1997 y a Bailarina Estrella en
2004. En Leipzig, baila los grandes roles del repertorio
de Uwe Scholz, tal como El Lago de los Cisnes, La Bella
Durmiente, Sinfonia Fantastica (Berlioz), Segunda Sinfonia
de Schuman, Septima Sinfonia (Beethoven), Die Schofung
(Haydn), Die Grosse Messe (Mozart), Klavier Knozert 3
(Rachmaninov), y Air (Bach).
Baila Sinfonia en C y Sinfonia en 3 movimientos de
Balanchine, Sinfonia en D de Kylian, Elite Syncopations
de MacMillan, La Sylphide de Schaufus. En 2008, ella
interpreta Odette/Odile en El Lago de los Cisnes, El Pajaro
de Fuego, y la Reina de los Dulces en Cascanueces de Paul
Chalmer.
Jean Seabastian Colau, bailarín principal que estudió en la
Escuela de la Ópera de París y luego integra la compañía.
En 2005 es solista del Ballet de Leipzig asumiendo roles
que incluyen Lucentio y Petrucchi, en The Taming of the
Filipa de Castro, nacida en Lisboa realizó sus estudios de
danza en la Escuela de Danza del Conservatorio Nacional
y en 1996 pasa a formar parte del elenco de la Companhia
Nacional de Bailado. Una de sus mejores experiencias fue
el trabajar con la coreógrafa belga Anne Teresa de Keersmaker.
En Agosto de 2001 ingresa al Ballet Real de Flancres y en
2003, Filipa decide regresar a CNB. Nijinsky, Balanchine,
Cranko, Van Manen o Nacho Duato forman parte de su
repertorio.
Carlos Pinillos, estudió con Víctor Ullate. Alain Baldini,
Lázaro Carreño, Aurora Bosch, Jose Parés o Menia Martínez
fueron nombres que hicieron parte de su formación en forma
significativa. Con el Ballet de Víctor Ullate en 1995, fue
promovido como bailarín principal en 2000. Un año después,
pasa a formar parte del elenco del CNB. En su repertorio
incluye los grandes clásicos y ha bailado ballets de
Balanchine, de Hans van Manen y también ballets de
coreógrafos como Micha van Hoeke, Niels Christie, Robert
North, Kevin O’Day, Mauro Bigonzetti, Jiri Kylian y Nacho
Duato.
MARGARITA MUÑOZ-ZIELINSKI // MURCIA
:::: ROYAL ACADEMY OF DANCE ::::
Nuestra Señora de los Buenos Libros // Edificio San Cosme, 1 - Bajo Derecha // 30008 - MURCIA
Teléfono: 968 23 01 62 // Móvil: 609 821 246 // www.balletbuitrago.com
p_36 // 2008
aportaciones y conclusiones
MISCELÁNEA \\
En el número anterior, recogíamos las favorables impresiones de Teresa
Souan, directora del Conservatorio Profesional de danza de la Región de
Murcia, acerca del I Foro Estatal de la Danza que se celebró en Tenerife
el pasado mes de julio a instancias del INAEM. Las conclusiones de este
encuentro nos han llegado desde la propia institución. Las propuestas han
sido muchas y los compromisos adquiridos también, nos quedaremos con
lo más representativo de éste encuentro que ha tenido todo el aspecto de
ser de lo más prolífico y fructífero.
Los grandes temas que se debatieron fueron siete, y el trabajo quedó
repartido en diferentes mesas sectoriales. Cada tema suscitó debates
interminables para lo que se planteó una disciplina de organización donde
se dejo constancia de las necesidades urgentes del sector a la vez que
se plantearon las propuestas.
El primero de los temas de estas jornadas giró entorno a las prioridades
para el fomento de la danza. En líneas generales se trazaron las necesidades
en torno a dos ámbitos concretos, el educativo y el profesional. Respecto
al primero, la prioridad se centró en otorgar a la danza el mismo nivel de
protagonismo que el resto de las disciplinas artísticas y la prioridad de incidir
en los aspectos educativos. Pero para que la danza aumente su presencia
en la sociedad se vio la necesidad de implicar directamente a la administración, no sólo para una mayor dotación presupuestaria en asuntos como
apoyo a las compañías, creación de centros de producción y recursos etc,
sino para revitalizar el plan de subvenciones, y crear comisiones interministeriales integradas por especialistas entre otras soluciones.00000
La renovación de los sistemas de ayudas y subvenciones públicas fue otro
de los grandes temas tratados proponiendo, en esta mesa, sustituir el
carácter de anualidad de las subvenciones actuales para tender a la
plurianualidad, agilizar los plazos de concesión de ayudas, establecer una
línea de créditos blandos y la concesión de ayudas reintegrables etc.
La tercera mesa de trabajo reflexionó acerca de tres temas: la educación
artística, acciones pedagógicas y la creación de nuevos públicos. Respecto
al primero de los temas se propuso establecer proyectos pedagógicos en
todos los grados de la educación. También se consideró necesario darles
a los profesores una formación específica, programar campañas escolares
y utilizar la danza como recurso para la integración etc. Sensibilizar a los
creadores y docentes para que realicen proyectos pedagógicos alternativos
y formar a los programadores en materia de danza, fueron otras cuestiones.
Por último se propuso realizar campañas de promoción en teatros, incentivar
p_37 // 2008
// MISCELÁNEA
el turismo cultural e incrementar la dedicación de
los medios de comunicación.
El tema de los medios de comunicación y danza
planteó el problema de la escasa incidencia de la danza
en los medios de comunicación y la desigual presencia
en páginas o espacios culturales. Se propusieron
encuentros entre profesionales de la danza y del cine
para fomentar la grabación de producciones coreográficas así como iniciar conversaciones y negociaciones del Ministerio de Cultura con cadenas públicas
de TV y radio para fomentar la emisión de programas
de información sobre la danza. De igual modo se
quiere favorecer a las revistas dedicadas a la danza
e incentivar las publicaciones de reflexión e investigación sobre el tema.
La siguiente mesa se concretó en el siguiente tema:
Nuevas vías de cooperación entre Administraciones
Públicas e iniciativas privadas. Se habló en este equipo
de trabajo de evitar que las Administraciones Públicas
absorban como propias las iniciativas privadas. Se
propone establecer y reforzar los códigos de buenas
prácticas en el sector, trabajar con claridad, transparencia y marcos referenciales objetivos.0000000
El penúltimo tema llevó por título: Propuestas para la
mejora de la situación laboral de los profesionales. Se
plantea como necesidad urgente la implicación directa
en la problemática de la situación laboral a los
profesionales de la danza por parte de los Ministerios
de Educación, Trabajo e Inmigración, Economía y
Hacienda e Igualdad. Se insiste en la modificación
de los requisitos planteados para la figura del maestro
especialista (Ministerio de Educación), fomentar el
acceso a la titulación oficial de Grado Superior
(Ministerio de Educación) y el reconocimiento del
sector profesional de la danza por parte del Ministerio
de Trabajo e Inmigración. Se propone contemplar la
jubilación anticipada (Secretaría de Estado de la
Seguridad Social), cobertura a enfermedades de los
profesionales (Secretaría de Estado de la Seguridad
Social). Se quiere también concretar la retención
aplicable en concepto de IRPF de un porcentaje
mínimo del 2% (Ministerio de Economía y Hacienda),
la promoción del empleo (Ministerio de Cultura) y la
exención del canon de derechos de propiedad intelectual (Ministerio de Cultura).
Por último se habló de la Dinamización de los circuitos
de promoción y distribución de la danza. Las insuficiencias que se detectaron fueron las siguientes: Escasa
presencia de la danza en programaciones nacionales,
endogamia en circuitos autonómicos y dificultad para
traspasar fronteras entre Comunidades. Escaso rendimiento en infraestructuras poco utilizadas, se propone
dejarlas al servicio de la danza. Necesidad de establecer unas cuotas mínimas de danza en la programación en general y en los principales teatros como
el Teatro Real, Teatro de La Maestranza, Gran Teatro
del Liceu o el Teatro Valle-Inclán. Las propuestas
para solucionar estas deficiencias se plantearon en
estos términos: trabajar en programas para la formación
de público y programadores, creación de Casas de la
Danza por todo el Estado con dotación presupuestaria
del INAEM, potenciación desde el INAEM de la
comunicación y transmisión de información entre las
redes de exhibición, fomento de las redes internacionales, realización de un estudio sobre públicos de
danza, impulsar la programación de danza, crear
bancos de recursos para la danza, fomentar las
coproducciones y mejorar la visibilidad de la danza
en la sociedad.
Esperemos que éste cúmulo de buenas intenciones
tenga, a corto plazo, un final feliz.
TdD // MURCIA
p_38 // 2008

///RAQUEL MARTÍNEZ//////// //////////////BORIS EIFMAN//// ///LES

Transcripción

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