OCIMAG 68 - MAQUETA
Transcripción
OCIMAG 68 - MAQUETA
68 Dirección: Rubén Vidal Dirección de arte y diseño gráfico: Ocimag Publicidad y márketing: Javier Morán, Sandra Montosa Redacción: Rosario Muñoz Contenidos moda: Rosario Muñoz Contenidos música: Sandra Montosa Contenidos diseño y arte: Tactelgraphics Colaboradores: Half Nelson, Vidal Romero, Agustín Velasco, Álex Braza, Chío Ruiz, Nadia Leal, Comunica Surf, Ana Miguel, Jacobo Sánchez, Luis Costa y Bruno Garca Portada y staff: fotografía Sebastián Troncoso, make up Patricia Mullen, estilismo Gigi D'Amico, modelo Ann Muursepp de Uno Models. Look portada: polo Fred Perry, falda G-Star. Look staff: sudadera Neff, gorra Brixton. Edición: José Miguel Torrente Web: Erika Gallo Distribución: Ocimag Publicidad: [email protected] Información: [email protected]. Tel.: +34 962 971 002 Edita: Rubén Vidal. Depósito legal: V-4859-2008 OCIMAG #68, edición trimestral de julio, agosto y septiembre de 2016. OCIMAG no se hace responsable de las opiniones o comentarios de sus colaboradores. Queda terminantemente prohibida la reproducción total o parcial de cualquier contenido escrito o gráfico aparecido en esta publicación o en su versión online sin la autorización expresa y por escrito del director www.ocimag.com Sumario MODA 6. Noticias moda. 8. Herb George / entrevista. 10. Thomas Martini / entrevista. 12. Rhythm SS16. 14. Shoop / entrevista. 38. I Know / editorial de moda por Sebastián Troncoso. MÚSICA 16. Noticias música. 18. Gnod / entrevista. 20. Contempopránea 2016. 22. Tim Paris & Ivan Smagghe / entrevista. 24. Belize / entrevista. 26. Convenanza 2016. 28. Death in Vegas / entrevista. 30. Dimitri Hegemann / entrevista. 32. Golden Bug / entrevista. 34. Sean Johnston / entrevista. 36. Nuevos lanzamientos. DISEÑO 46. Noticias diseño y proyectos. 48. Dear Human. 50. Mermelada Estudio / entrevista. ARTE 4 . No Land Tattoo. 52. Noticias arte. 54. Abierto Valencia 2016. 56. Earthworks en Sonar 2016. 58. Tim Biskup / entrevista. 60. Arte y expos. N O LAN D TAT TO O DESDE SIEMPRE, VALENCIA HA SIDO UNO DE LOS CENTROS CULTURALES MÁS INNOVADORES Y PROGRESISTAS DE LA PENÍNSULA CON UNA CULTURA UNDERGROUND MUY RICA, SALVANDO LOS AÑOS DE PAREDES GRISES Y PARÓN CULTURAL. ES AQUÍ DONDE ENCONTRAMOS UNA PRÓSPERA PARCELA DENTRO DE LA ESCENA DEL TATUAJE DE NUESTRO PAÍS, PESE AL COMPLICADO PRESENTE QUE ESTÁ VIVIENDO EL NEGOCIO. HABLAMOS DE LA RECIENTE INAUGURACIÓN DE NO LAND TATTOO PARLOUR, UN AMBICIOSO PROYECTO CREADO CON CARIÑO Y TESÓN POR SENTO, UNA DE LAS FIGURAS MÁS CONOCIDAS DE LA ESCENA. Texto: Rosario Muñoz. Foto: Miguel Comín No Land Tattoo Parlour es el estudio de tatuajes que el veterano tatuador valenciano Sento ha abierto en la capital del Turia. Este nuevo local, de cuya reforma se ha encargado el propio Sento, presenta una estética ecléctica que combina elementos inspirados en la cultura victoriana del siglo XIX con otros que parecen sacados de una película de David Lynch, reflejo de la particular imaginería de su propietario. Con un concepto diferente, al estilo de los tattoo parlours tradicionales, con los espacios de trabajo a la vista de todos, No Land Tattoo Parlour dispone de un área de dibujo y alberga una sala de exposiciones para la que se programarán muestras de ilustración y fotografía, un incentivo extra para planear una visita en el caso de que tu sed de tinta no sea lo suficientemente fuerte. Se trata de un punto de encuentro atípico que ha de convertirse muy pronto en un |4| referente a nivel nacional e internacional en la escena del tatuaje, por su concepto y por el equipo de artistas residentes e invitados. Para este nuevo proyecto Sento cuenta con tres generaciones de artistas especializados en neotradicional, realismo, japonés, new school y dot work, entre los que se encuentra el valenciano Xam, artista tatuador internacionalmente reconocido. El cartelista y diseñador Milk Baro ha sido el artífice de la imagen gráfica del estudio, fruto de la vinculación de Sento, y por extensión del No Land Tattoo, con el arte y la cultura del rock'n'roll. De ahí que el estudio sea el encargado de programar los conciertos matutinos de la sala Rockstar de Benidorm en la próxima edición del Funtastic Carnival Festival. No Land Tattoo Parlour se encuentra en la calle Lepanto, número 13, de Valencia. www.facebook.com/Nolandtattooparlour NOTICIAS MODA ELEMENT TRAVEL WELL F16 LEVI’S COMMUTER SS16 En Element saben que los amantes del skate gustan de ir ligeros de equipaje y por eso han desarrollado Travel Well, prendas ligeras y plegables, fáciles de llevar, que no ocupan nada y son prácticas. Cuando el estilo se fusiona con lo práctico da como resultado prendas básicas con actitud. Así es Element Travel Well, donde se conjugan multitud de detalles que hacen las chaquetas de la colección perfectas para superar cualquier imprevisto climático. Máxima protección contra aire, agua y frío, pero altamente transpirables y cómodas, que pueden llevarse fácilmente gracias a su condición de plegables. Con #ElementTravelWell "viaja bien, viaja ligero". www.elementbrand.com La colección de verano 2016 de Levi's Commuter está diseñada por ciclistas para ciclistas. El esfuerzo innovador realizado en el desarrollo de los tejidos se evidencia en detalles que van desde líneas reflectantes incorporadas entre el tejido hasta mejoras que incrementan la impermeabilidad y la transpiración. Tejidos más fuertes y más elásticos, y con mayor resistencia al agua, detalles que hacen innecesario reforzar las zonas de desgaste. Cinturilla elástica oculta, bolsillos magnéticos y novedosos materiales impermeables como el Rain Shell. Máxima comodidad y funcionalidad en una colección de prendas técnicas para chico y chica pensada para disfrutar pedaleando la ciudad. www.levis.com NIKE SB JANOSKI X SKATE MENTAL VOLCOM FALL 2016 A los skaters les encanta la pizza. Al menos es lo que viene a confirmar la nueva colaboración para las icónicas Janoski de Nike SB -el modelo creado en 2009 en homenaje al skater Stefan Janoski- con la firma Skate Mental. Las nuevas Nike SB Stefan Janoski Pepperoni Pizza x Skate Mental son un homenaje a un plato indispensable en la dieta de cualquier skater, y convierten la pizza de pepperoni en el print que recubre toda la zapatilla, tanto por el exterior como en las plantillas, contrastando el intenso rojo del diseño con el blanco de las clásicas suelas de goma vulcanizada que caracteriza este modelo. Nike SB presenta una nueva colaboración que vas a querer llevarte calentita. www.nike.com La familia de productos Stome Made cuentan una seña de identidad única: sus materiales de alta calidad. Volcom se centra de manera incomparable en los detalles más profundos del mercado de hoy en día, y presenta una nueva colección producida con fibras de mayor calidad. Para esta temporada Volcom ha creado una gama de jeans y chinos con un único objetivo: ofrecer un producto prémium para sobrevivir a la vida en la carretera, resultado del constante feedback con su reconocido team de skate. Una nueva colección en la que se ha estudiado al máximo cada detalle de durabilidad, funcionalidad y fabricación. Diseñado para el skateboarding, recomendado para la vida. www.volcom.es |6| NOTICIAS MODA FRED PERRY X BELLA FREUD SS16 ADIDAS ORIGINALS GAZELLE Fred Perry presenta la cuarta colaboración con Bella Freud, una colección cápsula que dibuja en el patrimonio de Fred Perry el estilo idiosincrático que Bella Freud se ha asegurado en el patrimonio británico. La colección primavera-verano 2016 ha sido influenciada por el archivo de Bella Freud y su amor por el vestir masculino, en una colección inspirada en la subcultura de los años ochenta, un estilo nacido de la música y centrado en los uniformes. La forma de vestir del 'chico inglés' es una recurrida referencia en el trabajo de Bella Freud, y la elegante versatilidad en cómo se puede llevar el uniforme de Fred Perry se celebra en una colección de personalidad muy marcada. www.fredperry.com Adidas Originals celebra el relanzamiento de su silueta Gazelle con la nueva campaña Remember the Future, una colaboración con el artista Doug Abraham y Kate Moss. Recuperando una fotografía icónica de 1993, Abraham abarca un nuevo medio creativo de reapropiación de la moda y la memoria colectiva de la cultura popular y reinventa un nuevo concepto visual. Con esta campaña y tomando como referencia la versión de Gazelle de los años noventa, Adidas Originals reproduce fielmente la zapatilla en su diseño original. Se trata del esperado regreso de un clásico inolvidable del calzado urbano, que reaparece para crear futuro. Lo que viene ahora depende de ti. www.adidas.com HERSCHEL STUDIO COLLECTION ETNIA BARCELONA X BASQUIAT Herschel Supply vuelve a hacer un ejercicio con el que revisa los límites del diseño contemporáneo aplicados a sus productos, y presenta Studio Collection Summer 2016, una línea de mochilas cuya base es una estética minimalista e industrial propiciada por el corte limpio y monocromático de sus siluetas. Las piezas que conforman esta línea son producto de una constante evolución, en la que se han refinado tanto acabados como prestaciones. La impronta minimalista de estos bolsos contrasta con el cuidado de los detalles, como cremalleras impermeables, tiradores de piel en curtido vegetal o serigrafías. La estética no ha de ir reñida con las máximas prestaciones. www.herschelsupply.com Etnia Barcelona, inspirada en los movimientos culturales, presenta su colaboración con el artista Jean Michel Basquiat. Etnia Barcelona, que ha creado su historia a través de colaboraciones con mitos del mundo del arte y la fotografía, se acerca con esta colección al mundo del grafiti y del street art en su máxima expresión, y toma también como referencias el jazz, el rap, el punk, la cultura popular o los cómics. Los traslada a una colección de sol exclusiva formada por tres modelos que contienen patterns construidos a partir de tres obras originales del artista, y que hacen que cada uno de los modelos que forman esta cápsula sean una pieza única. www.etniabarcelona.com |7| HERB GEORGE |8| DETRÁS DE CUALQUIER FIRMA DE STREETWEAR VINCULADA AL MUNDO DEL SKATE O EL SURF SIEMPRE HAY UNA INTENSA LABOR DE SEGMENTACIÓN DEL MERCADO, DONDE SE BUSCA AJUSTAR LO QUE LA FIRMA TIENE QUE OFRECER A LOS GUSTOS DE SU PÚBLICO OBJETIVO, QUE ES MUY ESPECÍFICO. PERO, POR OTRO LADO, LOS DISEÑADORES TIENEN UN COMPROMISO CON LA ORIGINALIDAD Y LA CREACIÓN DE SEÑAS DE IDENTIDAD PROPIAS PARA LA MARCA. HABLAMOS DE ELLO CON HERB GEORGE, DIRECTOR CREATIVO DE GLOBE BRAND, UNA DE LAS MARCAS DE MÁS TRASCENDENCIA DEL SECTOR EN ESTOS MOMENTOS GRACIAS A SU CONSTANTE ESFUERZO INNOVADOR. Entrevista: Agustín Velasco Define Globe. Globe es una marca de estilo de vida que tiene sus raíces en el skateboarding, el surf y el snowboard. Fundada en 1994 en Melbourne, Australia, por los hermanos Peter, Stephen y Matt Hill, la marca produce calzado, monopatines y ropa. Recientemente se ha celebrado el trigésimo aniversario de Globe International con el lanzamiento de un libro recopilatorio de la trayectoria de la firma titulado Unemployable. A menudo etiquetados como 'incontratables' por el mundo exterior, los hermanos Hill solo querían una vida adulta que conectara con los valores de sus vidas de adolescentes: optimista, innovadora y divertida. Hoy en día, Globe vive y apoya el espíritu unemployable al máximo. ¿Qué significa streetwear para ti? Para ser literales, es la ropa que ves a la gente por la calle. ¿Cuál es el principal reto de construir día a día una firma de lifestyle como Globe? El verdadero desafío es conseguir un crecimiento controlado. La autenticidad y el mantenernos fieles a nuestras raíces son lo que impulsa y guía la marca. Apoyamos el skateboarding, el surf y el snowboard siempre. Nuestros equipo de riders nos mantienen al día de lo que pasa, del momento que vivimos, y trabajamos estrechamente con ellos en el desarrollo de los productos. Somos cuidadosos a la hora de expandirnos con nuevas líneas de productos en tendencia si no tenemos una verdadera pasión por ellos. ¿Cómo ha sido el desarrollo de Globe desde su fundación? Es necesario un crecimiento orgánico, especialmente para una marca pequeña. Tratamos de pensar como lo haría una marca más pequeña y ser ágiles y creativos con nuestros gastos. ¡Hay tantas cosas que se pueden hacer hoy de forma gratuita que tienen un buen un impacto en el crecimiento! Desde la perspectiva del producto tratamos de sacar provecho de lo que funciona para nosotros y mantenerlo siempre fresco. ¿Es complicado mantener el espíritu de originalidad dentro de un panorama en que emergen nuevas marcas a diario? Tratamos de centrarnos en nosotros mismos. Siendo una marca fundada en 1994, hemos visto muchas marcas de streetwear que van y vienen, cosa que en realidad es estupenda. Estas marcas hacen que todo sea excitante. La originalidad para nosotros se deriva de ser auténtico. Nos encanta llevar las cosas más allá, pero siempre analizándolas y manteniendo la autenticidad. ¿Ser una firma que se fundó en Australia influye aún en el estilo de Globe? Australia siempre ha sido y será parte del ADN de la marca, siempre será parte de nuestra inspiración. Tenemos diseñadores tanto en Estados Unidos como en Australia, y no paran de viajar y coger influencias por todo el mundo. ¿Qué hace especiales vuestras tablas de skate? Las tablas de skate de Globe son especiales porque no tenemos miedo a probar cosas nuevas. Llevamos más de treinta años en la industria del monopatín. Obtenemos nuestra inspiración de fuera de la industria... Diseño de mobiliario, instrumentos musicales, el arte, etc. Esto, sumado a que tenemos nuestra propia fábrica, nos permite hacer cosas que otros no pueden. Estamos orgullosos de la calidad y el acabado de nuestros productos, y lo respaldamos con una garantía. Hacemos skateboards con pasión para todo tipo de skate. Siempre tratamos de mantener la mente abierta y esforzarnos para preguntarnos "¿qué es lo siguiente?". ¿Cómo de importante es la línea de calzado en el desarrollo de una firma de streetwear como la vuestra? Nosotros empezamos como una marca de calzado en 1994, y luego se añadieron las prendas de vestir y más tarde se introdujeron las tablas de skate, así que para nosotros el calzado era lo primero. La identidad de nuestro calzado es intensamente potenciada por nuestros equipo de riders y lo que desean llevar. Hacemos calzado en el que resuena nuestra personalidad como marca y se sincroniza con nuestra naturaleza de firma de lifestyle de skate, snow y surf. Iniciar una marca de calzado hoy en día es todo un reto. Los costes son mucho mayores que los de fabricar monopatines o ropa. Si eres una nueva marca, puedes permitírtelo y aportas algo nuevo al mercado, auténtico y, por supuesto, coherente con la identidad de tu firma, esto proporcionará un gran impacto. Las colaboraciones son un pilar básico de Globe. Hemos tenido la suerte de trabajar en grandes colaboraciones. Thrasher, The Clash, Desillusion, VB Beer, Misfit Shapes, Stab Magazine, Yes Snowboards, G-Shock, Monster Children, The Adventure Handbook y nuestras colaboraciones actuales con DrizaBone y China Heights, la galería de arte con base en Sídney. Las colaboraciones funcionan mejor cuando todas las partes obtienen algo positivo de ellas. Es un proceso de ida y vuelta repleto de comunicación positiva y creatividad, todo enfocado a lograr un objetivo. Nos esforzamos para conseguir colaboradores realmente creativos que acerquen nuestra marca a nuevos públicos. ¿Qué pueden esperar los fans de Globe en un futuro cercano? Tenemos algunas cosas interesantes en marcha. Actualmente estamos trabajando en nuestra película de surf con el director Joe G. Estamos a punto de lanzar nuestra colaboración cápsula realizada entre Globe y Monster Children, Van Dienman's Land. Y estamos trabajando intensamente para afinar el rendimiento de nuestras zapatillas de skate. |9| T H O M AS M A R T I N I AÚN CON LA RESACA DE LA ÚLTIMA EDICIÓN DE LA FERIA A FLOR DE PIEL, CHARLAMOS CON THOMAS MARTINI, UNO DE LOS COFUNDADORES, JUNTO A MARCO ASLIM, DE BRIGHT, LA FERIA EUROPEA DE STREETWEAR DE REFERENCIA INTERNACIONAL. UNA LARGA TRAYECTORIA PROFESIONAL EN EL SECTOR TRABAJANDO CON SU AGENCIA PARA GRANDES MARCAS COMO ASICS, LAKAI, DVS O QUIET LIFE LE PERMITIÓ DETECTAR EN EUROPA LA FALTA DE UN EVENTO CENTRADO EN EL SKATEBOARDING, EL STREETWEAR Y LAS SNEAKERS. ASÍ, CON LA IDEA DE CREAR UN ESPACIO SINGULAR, SUMANDO ADEMÁS ARTE Y MÚSICA, EN EL QUE PODER EXPONER NO SOLO LAS MARCAS DE SU AGENCIA DE REPRESENTACIÓN SINO TAMBIÉN TODAS LAS DEL MERCADO, NACIÓ BRIGHT, UN PROYECTO QUE COMENZÓ EN FRÁNKFORT HACE ONCE AÑOS CON APENAS CUARENTA PARTICIPANTES Y QUE HOY SE HA CONVERTIDO EN LA CITA INELUDIBLE DE LA ESCENA DEL STREETWEAR. AHORA CON SEDE EN BERLÍN, BRIGHT CONTINÚA CRECIENDO GRACIAS A LA COMUNIDAD DEL SKATEBOARD, UNA GRAN FAMILIA INTERNACIONAL QUE HA CONVERTIDO SU PASIÓN POR EL SKATE EN UN ESTILO DE VIDA BIEN RENTABLE, TANTO A NIVEL ECONÓMICO COMO A NIVEL AFECTIVO. COMO DICE THOMAS, AL FINAL ESTO ES UN NEGOCIO, PERO LA ESENCIA DE LA COMUNIDAD ES Y SERÁ SIEMPRE LA AMISTAD. Entrevista: Rosario Muñoz. Foto: Kyra Wilhelmseder ¿Cómo definirías Bright Trade Show? Podemos empezar con la nota de prensa habitual... En la última década, Bright se ha consolidado como la feria líder europea de streetwear, zapatillas, skateboarding y los deportes de tabla relacionados. Es el principal punto de encuentro para marcas, tiendas, compradores, medios de comunicación y líderes de opinión. Se trata de una original plataforma conocida por sus impresionantes localizaciones y un gran ambiente, el único lugar donde se conciben y presentan las tendencias en moda y lifestyle. Hoy Bright atrae a más de 15.000 visitantes de 54 países, pero el hecho más relevante es aquello que decían los Bad Brains: "I am a member of the B(right) Brigade". Bright tiene que ver mucho más con la hermandad, lo auténtico y el esfuerzo por mostrar la influencia cultural de la música, el arte y el skateboarding en la industria de la moda de hoy. ¿Cuando nació Bright? ¿Cuál ha sido su evolución desde sus primeras ediciones? Comenzamos en 2005 en una antigua estación de policía en el centro de Fráncfort con apenas 40 marcas y 500 visitantes. Después de cinco años cambiamos a la antigua sede del Servicio Secreto de la República Democrática Alemana en Berlín. Allí el primer evento atrajo el doble de visitantes que en todas las ediciones de Fráncfort. Después de dos años cambiamos a otros | 10 | dos lugares, hasta que finalmente nos mudamos a nuestra actual sede, el Arena, en Kreuzberg, que compartimos con nuestros socios de SEEK. ¿Cuál es el principal reto en la organización de una feria como Bright, ¿los BESA y todos los eventos extras, las fiestas y las colaboraciones como el Volcom Skate Happening o el Longest Ollie Competition? El principal desafío es mantener un montón de cosas en mente: incluso cuando piensas que muchas de ellas ya están hechas, no lo están... Bromas aparte, es realmente genial tener tantos desafíos, porque lo hacen todo más interesante y entretenido, aunque la presión, especialmente en las últimas semanas antes de la feria, es bastante fuerte. ¿Por qué es Berlín la ciudad perfecta para celebrar la feria? El contenido del Bright se ve a diario en las calles de Berlín. Esta ciudad es muy relevante para el estilo de vida cultural en el que se basa nuestra cartera de marcas. Sigue siendo un placer ver toda la creatividad que pasa por Berlín. Tanta gente de todas partes, tantas influencias y todavía existen muchos espacios para que pase casi todo. Todo esto hace de Berlín un lugar único. ¿Cuáles son las principales tendencias que se han visto en la vigesimotercera edición de Bright? Después de varias temporadas de navy, gris o blanco y negro, vuelve el color. Se ha visto mucho rosa, verde y azul. La cultura del skateboard es el eje del Bright. ¿Cómo afecta la moda a esta cultura hoy en día?, ¿cómo ha influido el skateboarding en el streetwear de hoy? Es realmente interesante ver la gran influencia que el skate tiene en el streetwear y en la moda de hoy, y también pasa justo al revés. Puedes encontrar un slip-on en casi todos los rangos de marcas y una gorra de Polo Lauren en el armario de la mayoría de skaters. Alex Olsen posa para Louis Vuitton, Emilio Pucci está haciendo tablas de skate y la revista Jenkem Magazine probó la capacidad de los mocasines Gucci para patinar. Creo que el skate es una gran inspiración para muchos creativos en muchos segmentos diferentes. Y la cultura del skateboard es lo suficientemente inteligente como para elegir lo mejor de todas partes. La cultura sneaker también ha entrado fuerte en la escena de la moda. ¿Cómo ves esta evolución de la tendencia en Bright? Uno de nuestros expositores de esta edición de verano es un buen ejemplo: ER Skates. Eugene Riconneau es un diseñador de calzado de alta moda para mujeres y comenzó una marca de calzado de skate. Os recomiendo que le echéis un vistazo en www.erskate.com. ¡Es increíble! ¿Cómo contribuyen las grandes marcas como Levi's o Nike a la moda en la actual escena skate? Nike está en todos lados. Contribuyen con muchas clases de calzado, como las siluetas del fútbol o el running, a la escena de moda skate. Los jeans por lo general no tienen una fuerte visibilidad: no es fácil adivinar qué marca llevas, pero por ejemplo el Odog de Dickies es un estilo que tiene hoy una fuerte visibilidad en la escena de la moda skate. Una de las cosas que nos encantan del BRIGHT es descubrir pequeñas marcas. Nos hacen pensar en lo entusiastas que son las personas involucradas en la cultura skate y lo global que es. ¿Recibís muchas solicitudes de participación de pequeñas marcas internacionales?, ¿cómo ayudáis a estas pequeñas empresas? Hay muchas microbrands con una fuerte identidad en el mercado, y muchas de ellas encajan en el ADN de Bright. Para crear una auténtica plataforma es muy importante presentar este tipo de marcas, y hacerlo de forma que sea asequible y cómodo para ellas dentro de lo posible. Siempre depende de la marca: algunas hacen producciones de vídeo o una obra de arte que podamos utilizar, otras organizan concursos a cambio de un stand, las hay que han puesto en marcha una competición, un patín para nosotros o para un medio colaborador... Hay muchas opciones para mantener un presupuesto asequible. ¿Cuáles son tus impresiones acerca de la escena una vez terminada la última edición? Es sorprendente ver lo importante que es el aspecto de amistad y trabajo con personas afines. No estoy seguro de si solo es tan especial en nuestra comunidad o si también es lo normal en otras industrias, pero siempre es un gran placer trabajar en una plataforma para una gran familia. ¿Cuáles son tus principales expectativas para el futuro de Bright? El objetivo principal es mantener el equilibrio entre la autenticidad y los negocios, el bagaje cultural y la industria impulsada por la feria. Al final del día cada uno tiene que hacer negocio en una feria, pero si perdemos el sentimiento de comunidad, perdemos aquello sobre lo que va todo esto: la amistad. www.brighttradeshow.com | 11 | RHYTHM SS16 AÚN QUEDA MUCHO VERANO POR DELANTE, Y QUEREMOS QUE LO DISFRUTES. SOL, MAR Y OLAS. NO NECESITAS MUCHO MÁS PARA ZAMBULLIRTE EN EL ESTADO DE PLACIDEZ QUE TE PROPONE RHYTHM CON SU FILOSOFÍA DE VIDA: HAZ LO QUE AMAS Y ALÉJATE DE LO QUE TE NO TE HACE BIEN. NOSOTROS AÑADIMOS: HAZLO, ADEMÁS, CON MUCHO ESTILO. POR ESO TE TRAEMOS SU COLECCIÓN DE VERANO, PARA QUE NO TENGAS EXCUSAS Y EMPIECES YA TU AVENTURA DE VERANO SIGUIENDO AL SOL. Texto: Rosario Muñoz | 12 | La filosofía slow life adquiere un valor añadido de pasión y aventura cuando hablamos de Rhythm. La marca australiana, surgida del surf y su estilo de vida, nos invita a vivir lejos del frenesí de la globalización escuchando el sonido del cambio, ese que comienza con el murmullo del agua del mar y acaba rugiendo como una gran ola, la que todos deberíamos coger para disfrutar de la vida según nuestras propias convicciones y principios. Es tan simple como hacer lo que uno ama y alejarse de aquello que no le hace bien. La simplicidad de esta tesis se aplica a las colecciones de Rhythm temporada tras temporada. Las propuestas de este verano vienen acompañadas de una nueva y sencilla sugerencia: Follow the Sun. El recorrido del astro rey nos marca la pauta en las aventuras que vamos a vivir este verano, desde que sale para acompañarnos durante el día hasta su puesta al atardecer, dando paso a largas y agradables noches con la mejor compañía. La colección de mujer viene cargada de diseños sencillos pero muy femeninos, buscando la armonía entre la comodidad y la estética cuidada a través de patrones favorecedores y tres estilos: estampados étnicos inspirados en la cultura persa, dibujos arabescos de cachemir y aplicaciones trenzadas, y estampados tropicales vintage. El mix de siluetas lo componen desde vesti- dos livianos y tops con cortes bien marcados hasta jerséis de punto y chaquetas con aplicaciones en detalle. Un amplio rango de formas construidas con algodones suaves, mezclas de algodón y gasas con una paleta de color inspirada en los tonos del amanecer y el azul índigo. La colección de hombre continúa con la premisa de la sencillez y el confort a través de prendas básicas con detalles rigurosos y finos estampados. Camisas, camisetas, pantalones, bermudas, jerséis y chaquetas conforman las propuestas masculinas a través de una paleta de color protagonizada por azules y tierras. Rhythm también tiene una línea de baño completa que se compone de diseños inspirados en la tendencia de los años dorados del surf en California para las propuestas de hombre y una gran variedad de diseños versátiles en bañadores y bikinis para mujer, con colores y detalles conectados con la inspiración de la colección, al igual que todos los accesorios. Rhythm continúa construyendo a su alrededor una comunidad de entusiastas de la vida que comulgan con la cultura del surf y su lifestyle, y sus colecciones están pensadas para proporcionarles a todos ellos la posibilidad de disfrutar de sus pasiones con prendas bonitas, sencillas y diferentes. www.rhythmlivin.com | 15 | SHOOP ESTA MARCA, MITAD ESPAÑOLA Y MITAD JAPONESA, FUE FUNDADA EN EL AÑO 2011 POR MIRIAM SANZ Y YOHEI OKI, QUE SON LAS MENTES CREATIVAS (Y ACTIVAS) DE ESTA INTERESANTE FIRMA. HA VESTIDO A RAPEROS COMO DRAKE, QUE INCLUSO CONTÓ CON ELLOS PARA REALIZAR EL VESTUARIO DEL FESTIVAL DE SU SELLO, OVO FEST. ADEMÁS DE LA MÚSICA, TAMBIÉN HA COLABORADO CON ARTISTAS DEL MUNDO DEL ARTE COMO MICHAEL WILLIS, QUE HA TRABAJADO PARA FIRMAS COMO NIKE, KENZO O WARP RECORDS. SI TODO ESTO OS PARECE POCO PARA PRESTAR ATENCIÓN A SHOOP, MTV STYLE GERMANY DIJO QUE ERA UNA DE LAS MEJORES MARCAS UNISEX DE ESTOS MOMENTOS. Texto: Nadia Leal. Foto: Adriana Roslin ¿De dónde viene el nombre de SHOOP? El nombre SHOOP viene de una canción de Salt-N-Pepa de los noventa. ¿Cómo os conocisteis? En Marula, viendo pinchar a un amigo común. ¿Cómo fundasteis la marca? Tras estudiar estilismo de indumentaria y diseño de moda y trabajar varios años en el mundo de la moda, Miriam decidió crear la marca. Yohei ayudaba en la parte gráfica desde el principio y finalmente se convirtieron en un equipo. ¿Cómo nació el concepto? La idea inicial era hacer colecciones unisex sin temporada. También desde el principio establecimos un vínculo entre la marca y la música, el cual mantenemos en la actualidad a través de colaboraciones con productores y Dj internacionales. Vuestra moda combina elementos futuristas con estética japonesa y anime. Lo de la estética japonesa y anime era la inspiración para la colección SS 16. En realidad solemos inspirarnos en las prendas tradicionales dando nuestro toque, que en algún caso puede ser futurista o no. ¿Cómo definiríais vuestro estilo? Moda alternativa contemporánea. ¿Cómo son de importantes las redes sociales en vuestra forma de entender la moda? Las redes sociales son fundamentales, ya que gracias a ellas nos dimos a conocer y hemos llegado a gente que no esperábamos, como Drake o Kiko Mizuhara. También nos parece una saturación de información y hace que se pierdan ciertos valores o que no nos fijemos en las cosas que son realmente importantes, al mirar solo lo superficial. ¿Y para comunicarla? La forma de comunicar es lo más importante en este momento, ya que la mayoría de las fuentes de información son a partir de las redes sociales. Nosotros estamos buscando alguna forma original de presentar y difundir la marca a tra- | 14 | vés de ellas. ¿En qué os habéis inspirado para esta colección? En la estética y la subcultura de la década de dos mil (hardcore, videojuegos, skate y prendas deportivas). ¿Cómo veis la moda de nuestro país? En los últimos años han surgido diseñadores y marcas que están pisando fuerte a nivel internacional, también gracias a Internet y las redes sociales. ¿Qué os gusta? La comunicación está mejorando y gracias a Internet la moda española está empezando a tener algo de presencia en el resto del mundo. ¿Y qué no? Suele quedarse en imagen y desfiles, pero no está enfocada para nada a la venta, que es el objetivo final. No hay buyers en los desfiles, como en el resto de los países, y las marcas que participan apenas tienen puntos de venta. ¿Qué cambiaríais? Hace falta una renovación y más apoyo a marcas jóvenes, como se hace en París, Londres, Tokio o Nueva York. Estos países dan subvenciones a las marcas para participar en ferias, showrooms o desfiles para exportar su propia cultura y productos. La moda es un gran negocio y forma parte del branding del país, por lo que el estado debería ser consciente de ello. ¿Cómo diseñáis? Hacemos todo entre los dos, desde la idea inicial hasta el resultado final. ¿Cuáles son vuestras mayores influencias artísticas? ¿Y estéticas? La cultura hip hop, ya que hemos crecido con ella; la moda japonesa (especialmente los abuelos de Japón), cultura street, viajes, ropa vintage, etc. ¿Vuestros planes a corto y largo plazo? Nuestro plan es expandir más la marca mundialmente consiguiendo más puntos de venta en muchos países y crear nuestra cultura. Aparte de moda nos gustaría hacer un sello de música, fiestas, exposiciones, etc., y también alguna instalación. NOTICIAS MÚSICA MONKEYWEEK 2016 BRUNCH IN THE PARK BARCELONA Los próximos 13, 14 y 15 de octubre se celebra en Sevilla la octava edición de Monkey Week. Si algo ha caracterizado a Monkey Week desde sus inicios es su apuesta firme por el talento emergente. Entre los objetivos del festival Monkey Week está ofrecer una radiografía tan ecléctica como acertada del panorama musical independiente más actual programando conciertos de hard punk, punk rock, psych rock, krautrock o folk pop, con actuaciones como las de Michael Rother “plays NEU!”, Harmonia & Solo Works, Niño de Elche + Los Voluble, White Bats, Melange, Perro o Juventud Juché, entre muchos otros, para conformar un line up de música de otro planeta. monkeyweek.org Llega a la Ciudad Condal un festival capaz de reinventarse, una cita que en verano tiene lugar 'In the Park' (Jardins de Joan Brossa, en Montjuïc), y en primavera y otoño 'In the City' (Poble Espanyol). Esta temporada, Brunch In the Park apuesta por una particular combinación de gastronomía, música, market y actividades, y presenta doce nuevas y refrescantes fechas de este perfecto crossover entre ocio y cultura, no solo para adultos, sino también para niños. Todos los domingos, hasta el 11 de septiembre, Montjuïc recibirá Dj internacionales como Claptone, Derrick Carter, Dubfire, Josh Wink, Hot Chip, Magda, La Mverte, Jennifer Cardini, Pete Tong, Tale of Us o Vitalic. barcelona.brunch-in.com MOOG BCN VERANO 2016 DCODE 2016 Desde Ocimag nos confesamos muy fans de la programación de Moog, el club más underground y ecléctico de Barcelona. La programación que ha diseñado para los meses más calurosos del año es de una calidad musical inmejorable. Nombres como Morgan Hamer, Scott Fraser y Timothy J Fairplay, David Lost, Alex Martin, Javi Redondo, Octave One o Ceephax Acid Crew, entre otros, acompañados por los residentes y másters Gus van Sound y Uroz, pasarán por el centro de Barcelona este verano para ofrecernos noches de calidad y verdadera electrónica underground. Entérate de todos los artistas que pasarán por Moog y toma nota. www.masimas.com El festival Dcode ha anunciado el cartel de su sexta edición, que se celebrará el 10 de septiembre en el campus de la Universidad Complutense de Madrid. A la banda californiana Eagles of Death Metal, primer nombre desvelado hace ya algunos meses, se han sumado una veintena de artistas como Mark Ronson, Zara Larsson, Kodaline, Jungle, Bunbury, Jimmy Eat World, Triángulo de Amor Bizarro, Love of Lesbian, Oh Wonder, Carla Morrison, Clean Cut Kid, Belako, Noise Nebula, Bear's Den, Nothing But Thieves, 2ManyDjs, Independence Djs o Delorean, entre otros, para dar forma a uno de los carteles más variados pero homogéneos del panorama nacional. dcodefest.com | 16 | NOTICIAS MÚSICA PIXIES HEAD CARRIER THE DIVINE COMEDY FOREVERLAND Pixies han anunciado la publicación de su segundo álbum 'postreunión', Head Carrier, el próximo 30 de septiembre, a través del sello Pixiesmusic. Doce canciones que responden fielmente a su característica mezcla de surrealismo, psicodelia, disonancia y surf rock, del que ya se escucha el single de adelanto, Um Chagga Lagga, en la web de Pixiesmusic. Con portada original del legendario Vaughan Oliver, el álbum estará disponible en diversos formatos y en una caja de lujo edición limitada. Además, también han anunciado la primera parte de su gira mundial 2016-2017 con una etapa que arranca en Viena el 15 de noviembre y recala en Barcelona el 20 del mismo mes. www.pixiesmusic.com Si hay una banda que sabe llegar a la gente con autenticidad y calidad es The Divine Comedy, que vuelven con nuevo disco el próximo 2 de septiembre, el undécimo álbum de la banda, publicado en su propio sello: Divine Comedy Records. Foreverland es como se titula este nuevo trabajo que contiene referencias a Catalina la Grande y la Legión Extranjera francesa y trata, en palabras de su líder Neil Hannon, "de encontrar tu alma gemela, y lo que viene después de ese encuentro". Después de pasar por el VIDA Festival este 2016, han anunciado una extensa gira que los traerá a finales de octubre al BIME de Bilbao y en febrero de 2017 a Sevilla, Madrid y Barcelona. www.thedivinecomedy.com BIME LIVE 2016 PRIMEROS NOMBRES FOEHN RECORDS CUMPLE 15 AÑOS BIME Live, el festival de otoño, regresa con Suede como primer cabeza de cartel confirmado con un espectáculo muy especial. Liderados por Brett Anderson, Suede llegan a Bizkaia con Night Thoughts, su primer LP en ocho años y al que Pitchfork o Rolling Stone han considerado uno de sus mejores trabajos. Junto a Suede, más nombres: PJ Harvey, Moderat, Toundra, The Divine Comedy, The Horrors, Kevin Garret, Beasts, James Vincent, Lambchop, McMorrow, Nacho Vegas y Richmond Fontaine son los primeros confirmados. La cuarta edición del festival se celebrará los días 28 y 29 de octubre, en el BEC! de Barakaldo, dentro de la oferta musical de este festival de otoño. www.bime.net Nacido en verano de 2001, con el objetivo de apostar por la vertiente menos tradicional del pop, el rock y la electrónica, y con más de ochenta referencias publicadas, Foehn Records cumple 15 años. Para la celebración de este decimoquinto aniversario, han preparado una serie de eventos, acciones y sorpresas para agradecer y celebrar. Para empezar, presentan un recopilatorio de los grupos que han pasado por Foehn, de descarga gratuita desde la web de la casa. Este sello catalán siempre ha apostado por las vertientes menos tradicionales del pop, el rock y la electrónica, desde un punto de vista underground y atemporal. Un sello a seguir de cerca. foehnrecords.bandcamp.com | 17 | S E L E C C I Ó N GNOD EN APENAS SEIS AÑOS, GNOD SE HA CONVERTIDO EN UNA DE LAS BANDAS MÁS VOLCÁNICAS E INCLASIFICABLES DENTRO DE LA ESCENA PSICODÉLICA INGLESA. UN COLECTIVO DE TAMAÑO Y NATURALEZA VARIABLE, CON ESPECIAL HABILIDAD PARA DAR FORMA A LARGAS Y EXTRAÑAS JAMS ESPACIALES, CARGADAS DE ENERGÍA OSCURA. SU ÚLTIMO DISCO, EL ESTUPENDO MIRROR (ROCKET, 2016), AÑADE A LA ECUACIÓN UN CIERTO ESPÍRITU PUNK, EN EL QUE TIENE MUCHO QUE VER SU ENFADO CON LAS POLÍTICAS NEOLIBERALES QUE, SEGÚN ELLOS, ESTÁN DESTRUYENDO INGLATERRA. PADDY SHINE, PORTAVOZ DE LA BANDA, HABLA DE TODO ESTO DESDE SUS CUARTELES EN LA ACADEMIA DE ARTE DE ISLINGTON MILL, A TIRO DE PIEDRA DE LA CIUDAD DE MÁNCHESTER. Entrevista: Vidal Romero La última vez que hablé con vosotros los nombres de los músicos eran un secreto, y afirmabais ser parte de un colectivo muy grande, con gente entrando y saliendo. Desde hace un par de años, sin embargo, ya es evidente que existe un núcleo de cuatro personas al que se añaden colaboradores ocasionales. ¿Qué es lo que ha cambiado? En realidad, se trata de una progresión natural. No nos gusta estar demasiado tiempo en un mismo sitio, y jugar con el anonimato era solo una de las muchas facetas que definen Gnod. Solo dos miembros hemos estado desde el principio, Chris Haslam y yo. Marlene Ribeiro lleva con nosotros ocho años, Alex Macarte cuatro, y luego tenemos a Andy, que ha sido nuestro técnico de sonido y de directo desde hace cuatro años. Para complicarlo todo, seguimos tocando de manera más o menos regular con David McLean, que se podría considerar un miembro en la sombra, y últimamente hemos reclutado a dos nuevos baterías, que ya aparecerán como parte de la banda en el próximo disco. Como ves, es bastante confuso intentar definir de una manera precisa qué o quiénes son Gnod. Ya han pasado más de cuarenta personas por nuestras filas. Desde mi punto de vista, ese repliegue hacia un núcleo compacto ha venido acompañado de discos aún más inspirados. El penúltimo, Infinity Machines (2015) era muy conceptual, cercano al ambient o a la música meditativa. También era un disco muy largo, que parecía querer mostrar todas las facetas que esconde Gnod en su interior. Cuando comenzamos a grabarlo teníamos un par de ideas, pero la mayoría de las canciones se escribieron en el estudio de grabación. En cuanto a los instrumentos utilizados, también los escogimos de una manera casual, pero terminaron por convertirse en auténticos protagonistas. Dentro de la habitación había un bajo con un amplificador, pero no guitarras. Teníamos una batería, una caja de ritmos, un MPC, sintetizadores modulares y digitales y un piano Rhodes. Nos pareció interesante trabajar de esa manera, intentar construir todo un universo a partir de ese puñado de instrumentos. El concepto todavía no se había desarrollado del todo, pero ya empezábamos a ver las cosas claras. Esa nueva manera de trabajar también se veía reflejada en la portada, con esos dibujos enigmáticos, que parecían sacados de algún test de Rorschach. Y también en los títulos de canciones, que resulta- ban mucho más luminosos de lo habitual. El concepto global surgió de algo que leí en un libro, que decía que el cerebro humano es una máquina infinita con infinitas posibilidades. Así que yuxtapusimos ese concepto con la idea de que en el mundo actual hay muchos adictos a máquinas malvadas, que destruyen la capacidad de pensar por nosotros mismos. Los títulos terminaron por definirse mientras estábamos mezclando los temas y, en este caso, sirvieron para reforzar ese concepto. Frente a esa criatura tan compleja, Mirror es una interpretación bastante personal de lo que debería ser un disco de punk rock. Uno que toma referencias de bandas de los ochenta, como Swans o Young Gods, y que también utiliza una estructura de canción más clásica. Después de la expansión brutal que supuso Infinity Machines, nos apetecía grabar algo mucho más básico y directo, reducirnos a un formato más cercano al de una banda clásica de punk. Y, además, teníamos almacenada mucha ira hacia la situación política en Inglaterra, que parecía más apropiado expresar con una combinación clásica de guitarra, bajo, batería y voces. Entrevista completa en www.ocimagazine.es CO N TE M PO P RÁN EA 2 0 1 6 EL FESTIVAL MÁS DESCARADAMENTE INDIE DE LA PENÍNSULA CUMPLE ESTE AÑO 21 EDICIONES, SIGUE MANTENIENDO SU DOBLE SEDE (BADAJOZ Y ALBURQUERQUE) Y APUESTA POR UN HOMENAJE A UN MOMENTO MÍTICO DE LA HISTORIA DEL INDIE BRITÁNICO: LA CINTA RECOPILATORIA C86 PUBLICADA EN 1986 POR EL SEMANARIO NEW MUSICAL EXPRESS CON CANCIONES DE BANDAS EMBLEMÁTICAS COMO PRIMAL SCREAM, THE PASTELS, MIGHTY MIGHTY, CLOSE LOBSTERS, THE WEDDING PRESENT, MCCARTHY, THE WOLFHOUNDS, THE BODINES O THE SOUP DRAGONS. Texto: Half Nelson | 20 | El festival extremeño Contempopránea, cuya segunda cita de este año tendrá lugar en Alburquerque el 29 y 30 de julio, toma este año como fuente de inspiración el aniversario de la mítica compilación en cinta publicada por el magacín semanal británico New Musical Express en 1986, uno de los hitos en la historia de la escena independiente en el Reino Unido. Lo que pretendía ser una compilación de veintidós nuevas bandas procedentes de sellos independientes como Creation, Probe Plus, Dreamworld Records (de Dan Treacy), Head, Pink, Subway o Ron Johnson significó un importante espaldarazo a la atomizada y desorganizada escena musical underground y el reconocimiento de una serie de señas de identidad que configuraron la etiqueta 'indie' para el gran público. El término C86 se convirtió en sinónimo de pop de guitarras enérgicas, pero esencialmente melódicas, aunque no era ese el espíritu de todas las bandas incluidas en el lote. Fue rampa de lanzamiento para grupos todavía en activo como Primal Scream (que entregaron la deliciosa Velocity Girl), los energéticos y guitarreros The Wedding Present de David Gedge, y los escoceses The Pastels, que estarán presentes en esta edición del Contempopránea. Prueba de su influencia han sido los sucesivos homenajes y reediciones de que ha sido objeto: la última el pasado 16 de abril con motivo del Record Store Day. A los treinta años de la publicación, Contempopránea se suma a esos homenajes tomando el grafismo de la cinta C86 como base para la imagen de esta edición, además de incorporar a los ya citados The Pastels a su cartel. También participarán algunas de las bandas herederas de ese espíritu indie como The Charlatans (que presentarán su nuevo trabajo Modern Nature), los barceloneses Dorian y Sidonie, y los gallegos Triángulo de Amor Bizarro, además de bandas nacionales como Belako, Tachenko, Linda Guilala, Papaya, Tigres Leones, Murciano Total, Detergente Líquido, el Dj set de Guille Milkyway, Hazte Lapón, Los Bonsáis, Capitán Sunrise, The Lawyers y Dj Patrullero. Un día antes, el jueves 28 de julio, la plaza de España de Alburquerque acogerá la fiesta de bienvenida del festival, con las actuaciones de Colorado y Retrovisor Dj. También habrá conciertos en el paraje natural de la piscina de Alburquerque. Al igual que en la pasada edición, está prevista la actuación de uno de los nombres importantes del cartel. El viernes 29, a las 17:00 h, actuarán Que Bailen los Demás, junto a las sesiones de Aftasico Dj. Contempopránea Alburquerque ofrece varias opciones de alojamiento para que se disfrute al máximo de la experiencia CPOP. En la web del festival se puede elegir entre zona de acampada gratuita o alojamientos en hoteles con autobús de ida y vuelta. www.contempopranea.com TIM PARIS & IVAN SMAGGHE AUNQUE EN LOS ÚLTIMOS AÑOS PARECÍA DORMIDO, DEDICADO POR ENTERO AL ARTE (QUE TAN BIEN SE LE DA) DE PINCHAR, IVAN SMAGGHE GUARDABA UN SECRETO BAJO LA MANGA. UN PROYECTO A MEDIAS CON OTRO ILUSTRE EXILIADO FRANCÉS, TIM PARIS, CON EL QUE DAR RIENDA SUELTA A TODAS LAS IDEAS LOCAS QUE TENÍA ALREDEDOR DE LA MÚSICA. UN PROYECTO BAÑADO EN PSICODELIA Y BUEN HUMOR, QUE SALTA SIN MIEDO ENTRE GÉNEROS MUSICALES Y CONSTRUYE CANCIONES QUE IGUAL SIRVEN PARA ANIMAR UNA PISTA DE BAILE QUE PARA PONER BANDA SONORA A UNA FIESTA EN LA PISCINA. EN AGOSTO SE PUBLICA SU DISCO DE DEBUT, EL HOMÓNIMO Y MUY DIVERTIDO IT'S A FINE LINE (KILL THE DJ, 2016). Entrevista: Vidal Romero En el año 2008 se publicó un primer tema firmado a medias por Tim Paris e Ivan Smagghe, que ya venía firmado como It's a Fine Line. ¿Cuándo empezasteis a trabajar juntos, y por qué ha tardado tanto tiempo en ver la luz este disco? Tras un par de años viviendo en Londres ambos sentíamos la necesidad de embarcarnos en otro proyecto, de empezar algo completamente nuevo en esta ciudad nueva. Ivan acababa de dejar Black Strobe y yo estaba cansado de trabajar solo. Los dos nos conocíamos de París y solíamos quedar de vez en cuando, así que la idea de hacer música juntos surgió de manera muy natural. En cuanto al disco, si ha tardado tanto se debe a que hacer música es un proceso largo: tienes que encontrar ideas que sobrevivan al paso del tiempo, así que hemos tenido que abandonar muchas canciones por el camino, hemos tenido que hacer y cambiar, que rehacer, volver a grabar, mezclar, cambiar los arreglos y volver a mezclar una y otra vez… Eso sí, nunca se nos ocurrió sentirnos presionados, no es ese tipo de proyecto. De hecho, It's a Fine Line, con el amplio espectro de géneros que toca y las diferentes instrumentaciones que maneja, suena más a una recopilación de temas que como un disco pensado de manera unitaria. ¿Se debe, tal vez, a que lo hayáis grabado intercambiando archivos desde vuestras casas? Siempre trabajamos juntos y en la misma habitación, así que tu percepción se debe a que el disco refleja nuestro amor por muchas músicas de diferentes géneros y de diferentes épocas. Por otro lado, los dos | 22 | pensamos que es muy aburrido escuchar un disco en el que se repite la misma fórmula una y otra vez, así que es lógico que ciertas discrepancias se hayan colado a lo largo del proceso, ayudando a que todo fuera más interesante. Sería muy sencillo escoger de antemano qué género asignaríamos a cada canción, así que decidimos trabajar de un modo más complicado. Imagino que ese es nuestro estilo. Esa variedad de géneros, que abarca desde el techno al house, el disco o incluso al rock'n'roll, ¿es un reflejo de vuestros gustos a la hora de pinchar? Se trata más bien de un reflejo de nuestros gustos musicales, que son bastante caprichosos. Pero lo cierto es que la música electrónica necesita alimentarse con otros estilos y tipos de sonidos, y ese es el auténtico concepto sobre el que gravita It's a Fine Line. La idea era trabajar con estéticas opuestas, con ritmos torcidos, mezclando estilos que nadie hubiera asociado con anterioridad. Por eso no es un disco para Dj. Quiero decir, nos encanta la música de baile, pero la música de baile suele presentarse en formas muy concretas, y nosotros no queríamos ponernos límites de ningún tipo. En realidad, el único elemento que creo que podría coser todas las canciones del disco es una cierta sensación desvaída de psicodelia. Es que esa es la característica que mejor ha definido It's a Fine Line desde el principio. Pero, como tú mismo dices, es un concepto desvaído, que igual puede referirse al rockabilly psicótico, a algo de tintes progresivos o a un tema minimalista-hipnótico. En ese sentido, el trabajo de Gareth McConnell es perfecto para ilustrar toda la imagen del proyecto. Las visuales y el video que ha creado para el disco constituyen una experiencia alucinatoria, que forma una pareja ideal con nuestra música. En el disco también colaboran algunos cantantes: Olivia de Lanzac, Alex Kapranos y C.A.R. ¿Por qué escogisteis trabajar con ellos y cuál ha sido su papel en las canciones? Todos ellos aparecieron cuando los cimientos de las canciones ya estaban construidos, pero al final terminaron por convertirse en procesos colaborativos, porque la presencia de una voz siempre añade perspectivas inesperadas. En cuanto a por qué ellos, los tres son personas muy cercanas a nosotros, aunque de manera diferente. Alex Kapranos es el vecino de Ivan, así que fue la casualidad quien lo trajo hasta nosotros. C.A.R. formó parte hace varios años de una banda de rock llamada Battant, con la que trabajamos como productores. Y el caso de Olivia es el más especial, porque la verdad es que nunca nos hemos conocido en persona. La buscamos porque es la cantante de un disco de Quad Throw Salchow que nos fascina desde hace varios años. Tanto, que incluso llamamos al productor para que nos contara qué tipo de efectos estaba utilizando para que la voz sonara de ese modo. Y nos confesó que no había hecho nada, que la voz sonaba así de manera natural. Es algo realmente prodigioso, es muy raro escuchar a alguien con un rango de voz tan amplio y que encima lo sepa manejar de esa manera. PIXIES "HEAD CARRIER" CD/LP/DL ----------------------------30/9/16 AGNES OBEL "CITIZEN OF GLASS" CD/LP/DL ----------------------------21/10/16 JONES "NEW SKIN" CD/LP/DL ----------------------------7/10/16 RÓISÍN MURPHY "TAKE HER UP TO MONTO" CD/2xLP/DL ----------------------------8/7/16 FACTORY FLOOR "25 25" CD/2xLP/DL ----------------------------19/8/16 THE PARROTS "LOS NIÑOS SIN MIEDO" CD/LP/DL ----------------------------26/8/16 B E L I Z E HAY QUIENES CANCIÓN A CANCIÓN CAVAN SU PROPIA TUMBA; Y TODO LO CONTRARIO, LOS QUE TEMA A TEMA LABRAN UN FUTURO (O PRESENTE) SENCILLAMENTE BRILLANTE. LOS PAMPLONICAS BELIZE, A PESAR DE SU RABIOSA JUVENTUD, HAN SABIDO CRECER Y CAMINAR EN MENOS DE CINCO AÑOS POR ESA DELICADA PARCELA QUE ES PASAR DE LA AUTOPRODUCCIÓN A UN SELLO IMPORTANTE: WARNER MUSIC. EN LA CAMINATA NO HAN PERDIDO NI UN ÁPICE DE FRESCURA POP. ÚNICA, ENTRE LO ACÚSTICO, LO EXÓTICO Y LO ELECTRÓNICO, SE CONSOLIDÓ EL AÑO PASADO EN UN DELICIOSO ÁLBUM DE DEBUT: BELIZE. DETALLISTAS, INTELIGENTES Y CON ASPIRACIONES MUY ALTAS. Texto: Bruno Garca. Foto: Ingrid Ribas Me consta que decís estar "muy agradecidos por tener la suerte de trabajar en lo que nos gusta y de sacar adelante un proyecto propio". Una realidad, una gran fuente de motivación donde "además, trabajamos con gente estupenda que respeta al máximo nuestros criterios artísticos y que nos ayuda muchísimo. Respecto al público, vemos que cada vez llegamos a más gente gracias al apoyo de los medios, que nos echan un cable muy gordo. En general, nuestra propuesta gusta, ¡así que no se puede pedir más!". Y ¿para qué hacerlo? Dejemos esa frescura con la que arrancasteis en 2012 fluir por sí sola. De hecho se palpan en vuestras composiciones mucha calidez, amor y luminosidad… La música que haces está muy conectada con la forma en la que vives. Si andas agobiado y amargado, es muy probable que tus canciones también transmitan esa negatividad. Por ello, intentamos trabajar desde nuestro estudio, una casa de campo a las afueras de Pamplona, aunque siempre que podemos hacemos un viaje por las Landas francesas: es un lugar muy inspirador. No obstante, si las canciones transmiten esa evasión y calidez que mencionas no es tanto por el proceso de creación, sino por necesidad. Buscamos llevar al oyente a un lugar donde nosotros también queramos estar. Por eso creamos atmósferas escapis- | 24 | tas: también nosotros queremos viajar a esos lugares, huir del ritmo frenético de la vida moderna. Un punto notable de vuestra música es la manera de intercalar letras en inglés y español. Para nosotros, cantar en varios idiomas es una apuesta estilística… La sonoridad, por ejemplo: cada lengua tiene su propia musicalidad y es fantástico añadir esos matices a las composiciones. ¿Qué me dices de la temática de las letras? Las canciones se desarrollan en clave de diálogo entre Ángel, la parte racional, y Ana, la emocional. Ambos conversan tal y como harían razón y sentimiento en nuestra conciencia. Los dos apenas se entienden porque hablan lenguajes distintos. Lo tengo que decir: os envidio, chicos, por vuestra juventud. Aun con eso no me queda muy claro si vivís al cien por cien de los discos y bolos. Por suerte o por desgracia, en los tiempos que corren la vida te obliga a ser multidisciplinar. Todos tenemos una profesión complementaria. En el grupo hay ingenieros, un arquitecto, una enfermera, una maestra y hasta un publicista. La parte positiva es que nos organizamos para poner todas esas habilidades y talentos al servicio de Belize. Otra de las virtudes a destacar de la banda es la pasmosa habilidad que tenéis de colorear vuestras canciones con trazos electrónicos, diligentes y muy bien perfilados. ¿Quiénes son de vo- sotros los que más se pirran en este tipo de recursos y referencias musicales? Serían Pablo y Vicente, sobre todo. Son muy fans de la música electrónica y la cacharrería sónica: sintetizadores, secuenciadores, samplers y demás. Se vuelven locos cuando la electrónica se aplica al género rock, pop y folk, desde los primeros Kraftwerk hasta cosas más modernas y melódicas como Phoenix, Passion Pit, Com Truise y Starfucker. Por su parte, Ángel [compositor del grupo] se responsabiliza de ser el amable culpable de regar los temas con arreglos más exóticos que el país centroamericano que les presta el nombre. El cual no hemos podido visitar todavía. Estamos esperando a ver si nos invitan a dar un concierto [risas]. Tenemos muchas ganas de embarcarnos en un viaje por el nuevo continente y descubrir esas influencias de primera mano. A todo esto, y para ir poniendo el broche, en el tema Egos decís: "Él va conmigo porque siempre me acompaña". ¿Quiénes son esas personas, animales o cosas que acompañan siempre a Belize, pero nunca dan la cara en una entrevista, sobre el escenario…? Egos habla del monstruo que todos llevamos dentro y que de vez en cuando sale para dar algún zarpazo aquí y allá. Hay más criaturas que nos acompañan: los pájaros, los hombres de las máscaras, las montañas y las flores. CONVENANZA 2016 CUANDO UN FESTIVAL CITA EN SU PÁGINA WEB LOS RESTAURANTES CON ESTRELLAS MICHELIN QUE TIENE A SU ALREDEDOR, SABES QUE HAS ALCANZADO UN NIVEL SUPERIOR. CUANDO APENAS HAY CUATRO CONCIERTOS O SESIONES CADA JORNADA, SABES QUE LA PRIORIDAD NO ES LA CANTIDAD DE GRUPOS O ESCENARIOS CON LOS QUE VAS A TENER QUE LIDIAR, SINO LA EXCELENCIA MUSICAL Y LA MÁXIMA COMODIDAD PARA EL ASISTENTE EN UN AMBIENTE RELAJADO Y AMIGABLE. CUANDO ADEMÁS SABES QUE DETRÁS DE TODO EL TINGLADO ESTÁ ANDREW WEATHERALL, SABES QUE SI EXISTE UN FESTIVAL MUSICAL GOURMAND, ES ESTE. Texto: Half Nelson Andrew Weatherall y sus compinches aterrizarán por tercer año consecutivo en la ciudadela medieval de Carcasona (sur de Francia) para 'perpetrar' uno de los eventos más especiales del año: el extravagante, por único, por diferenciado y por sibarita, Festival Convenanza. Del jueves 28 de septiembre al sábado 1 de octubre, podrás disfrutar de un cartel corto, pero realmente deslumbrante, que pretende apabullar más por la solidez y exquisitez de las propuestas y la comodidad y calidez del entorno que por la cantidad de grupos. Desde Silver Apples, con Simeon Oliver Coxe y su sintetizador The Simeon dando una clase de historia de la electrónica, hasta el portugués Alex Figueira y su heterodoxo proyecto Fumaça Preta, pasando por unos de los triunfadores de esta temporada: los israelíes Red Axes, que harán doblete actuando en directo y también como Dj. El cartel de esta edición promete grandes momentos, aunque sin ninguna duda el plato fuerte del festival es la | 26 | omnipresencia de Lord Sabre, Andrew (antes Andy) Weatherall. Muy pocas figuras en la escena electrónica actual aglutinan el reconocimiento y la unanimidad que Weatherall suscita desde hace ya muchos años. Hablar de él es plegarse a su carácter visionario desde el primer día que volvió a Inglaterra tras su famosa visita a Ibiza. Es maravillarse ante su continuo eclecticismo lleno de coherencia. Es reconocer su estricta ética ajena a cualquier atisbo de comercialismo o masificación. Otro día hablaremos de cuántas barbas han dejado de afeitarse por su culpa. A la enorme cantidad de proyectos en los que ha participado (como productor, remezclador, Dj, ideólogo, negro en la sombra y, ahora también, cantante…) hay que añadir su faceta como selector en Convenanza, donde, además, actuará hasta con tres proyectos distintos. Como Andrew Weatherall, presentando el estupendo LP Convenanza (Rotters Golf Club, 2016), una ecléctica mezcla de rock, dub y electrónica que supone tan solo su segundo lanzamiento bajo su propio nombre después de más de veinte años de carrera; como Dj dentro del exquisito proyecto A Love from Outer Space (junto a Sean Johnston), y también cerrando el festival en un B2B con los escoceses Optimo; y, por último, como parte del impagable proyecto Woodleigh Research Facility, junto a su fiel colaboradora Nina Walsh, con quien presentará el LP The Phoenix Suburb (and Other Stories) (Rotters Golf Club, 2015), en una línea de electro relajado y divagante. Además, el impresionante marco de la ciudadela medieval de Carcasona, el cuidado servicio de catering a cargo del chef Jérôme Ryon (responsable del restaurante La Barbacane en el Hôtel de la Cité) y los vinos de las bodegas de Gérard Bertrand servirán de complemento ideal a tres días de refinada actividad musical. En fin, sea por la excusa musical, por la mitomanía o simplemente por la comida y la bebida, convenanzafestival.com DEATH IN VEGAS DURANTE MÁS DE QUINCE AÑOS, RICHARD FEARLESS HA UTILIZADO DEATH IN VEGAS COMO UN VEHÍCULO CON EL QUE GRABAR DISCOS DE NATURALEZA COLECTIVA, DISCOS EN LOS QUE PARTICIPABAN MULTITUD DE MÚSICOS, PRODUCTORES E INGENIEROS, A LOS QUE ÉL IBA MANEJANDO CON LA SOLTURA DE UN DIRECTOR DE ORQUESTA, MIENTRAS PERSEGUÍA SU PROPIA VISIÓN DE ALGÚN GÉNERO MUSICAL: DEL ROCK ÁCIDO AL BIG BEAT, DE LA PSICODELIA AL KRAUTROCK, TODO ERA POSIBLE EN SU PARTICULAR LIBRO DE ESTILO. UN LIBRO DE ESTILO QUE PARECE HABERSE ROTO CON LA LLEGADA DE SU NUEVA CRIATURA, TRANSMISSION (DRONE, 2016), Y NO SOLO PORQUE A NIVEL FORMAL SE TRATA DE UN GIRO IMPORTANTE, DE UN ACERCAMIENTO AL TECHNO DE DETROIT MÁS PRIMITIVO Y A LA MÚSICA INDUSTRIAL DE LA PRIMERA OLA. TAMBIÉN PORQUE, POR PRIMERA VEZ EN SU CARRERA, HA GRABADO EL DISCO PRÁCTICAMENTE EN SOLITARIO, CON LA ÚNICA AYUDA DE UN INGENIERO DE SONIDO Y DE UNA VOCALISTA DE LUJO: LA ARTISTA Y ACTRIZ SASHA GREY. Entrevista: Vidal Romero "Es cierto que todos los discos que había publicado hasta ahora sonaban de manera diferente entre sí -concede Richard Fearless desde su estudio de Londres-, pero también es verdad que todos han salido de un mismo cerebro. Al final, se trataba de una suma de intenciones personales acerca de cómo de grandioso o de íntimo quería que fuera el sonido y de con quién me apetecía trabajar en cada momento". Fearless justifica así la decisión de publicar su nuevo disco como Death in Vegas, a pesar de que a nivel de sonido está mucho más conectado con el puñado de maxis que lanzó entre 2014 y 2015, y que vieron la luz bajo su nombre de pila. Maxis como Gamma Ray (2014) o Higher Electronic States (2014) en los que abandonaba su habitual rock electrónico, infusionado de psicodelia, para abrazar un techno musculoso, ácido y oscuro: "Decidí editar esos maxis como Richard Fearless porque quería potenciar mi faceta como Dj y necesitaba grabar música que reflejara el estilo que había desarrollado pinchando durante estos últimos años -prosigue-. Además, me parecía algo importante para ayudar el crecimiento de mi propio sello, Drone, porque pinchar de manera más continuada me permite conseguir el soporte financiero necesario para mantenerlo en activo". Una última cuestión influyó en la decisión, "entraron a robar en mi estudio, se llevaron un disco entero que había grabado como Richard Fearless y tuve que comenzar de nuevo. Estaba en California, poco después de que sucediera el robo, y tuve una epifanía: lo publicaría como Death in Vegas, pero lo grabaría de esa manera más inmediata con la que había estado trabajando en los últimos tiempos. Con todo el equipo conectado, con los secuenciadores y cajas de ritmos disparando los sintetizadores, utilizando el ordenador solo para grabar el resultado. O sea, que de algún modo se trataba de hacer borrón y cuenta nueva. Transmission es un reflejo al cien por cien de cómo me siento a nivel musical en este momento preciso, y la única manera de grabarlo sin comprometer mi visión pasaba por prescindir totalmente del pasado. Pero creo que ha sido para bien. Con el tiempo he comprobado que los mejores discos que he publicado, The Contino Sessions (1999), Satan's Circus (2004) y ahora Transmission, tienen en común que están hechos sin pensar en cómo se iban a vender o en cómo iba a trasla- | 28 | darlos después al directo, sin pensar en cómo lo recibirían los fans o la crítica. Los he grabado aparcando todas esas cosas, encerrándome en mí mismo y haciendo música que me saliera de las tripas, que me saliera del alma. Como tú mismo dices, la característica más reconocible en Transmission es el uso extensivo de equipo analógico. Me pregunto si es una decisión que se debe a esa vuelta a las cabinas de Dj de la que hablabas antes, si has escrito el disco pensando en la pista de baile. Todas las canciones del disco se grabaron en una sola toma, que es lo que añade esa sensación visceral y de directo a la música. Acercarme a la pista de baile no era la intención primera, pero es cierto que ha terminado funcionando de esa manera. Y lo más interesante es que se trata del mismo equipo que siempre he tenido en el estudio. Simplemente, nunca había decidido utilizarlo de esta manera. También es importante la paleta de sonidos escogida, que bascula entre el primer techno de Detroit y la música industrial de los ochenta. Por lo menos, eso es lo que sugieren los ritmos minimalistas y las melodías esqueléticas que lo salpican por todas partes. La conexión es lógica, porque muchos de los temas clásicos de Detroit que me han servido de inspiración a lo largo de los años se grabaron de esta misma manera. Recuerdo una entrevista con Derrick May en la que hablaba de cómo tenía todo su equipo conectado en el suelo de su apartamento, de cómo se pasaba semanas trabajando para que todo funcionara y solo cuando estaba convencido de lo que escuchaba se decidía a grabarlo en cinta. Pues bien, eso es prácticamente lo mismo que mi ingeniero Chris Blakey y yo hemos estado haciendo en los últimos meses. ¿Cómo afectó el robo en tu estudio a la producción de Transmission? Al principio estaba muy deprimido, sobre todo por la sensación de haber perdido el tiempo: durante nueve meses mi esposa se había dedicado a cuidar a nuestros dos hijos para que yo pudiera trabajar todas las noches. Y eso es lo que de verdad me mataba, ser consciente de la bendición que supone tener una compañera que me apoya de esa manera y que tiene esa confianza en mí como artista. Sin embargo, desde la distancia, el robo comenzó a verse como algo incluso positivo a cierto nivel, como una especie de limpieza purificadora. Me sentía purgado, listo para trabajar sobre un lienzo en blanco. Otro gran atractivo de Transmission es la presencia de Sasha Grey. Creo que es una elección estupenda para las pistas más cercanas a un rollo industrial. Algo bastante lógico, porque sus propios proyectos musicales apuntan en esa dirección. ¿Fue esa la clave para escogerla o fuiste derivando hacia ese tipo de sonidos precisamente porque la tenías a bordo del proyecto? Tenía muy claro que no quería un cantante tradicional, que necesitaba a alguien más cercano al mundo de la performance. Hace algunos años estuve trabajando como supervisor musical para el episodio piloto de una serie de televisión. El proyecto era una completa locura, pero el director era uno de mis mejores amigos. El caso es que la serie nunca llegó a realizarse, pero me fascinó la posibilidad de poder interactuar con los actores, de ayudarles a descubrir cómo tenían que enfrentarse a sus papeles. En aquella época también estaba trabajando como productor para algunas bandas, y mi papel no se limitaba al proceso de grabación, sino que también me encerraba con ellos en el local de ensayo, discutíamos acerca de cómo tenían que plantearse sus conciertos, y aquello servía para mejorar lo que hacíamos después en el estudio de grabación. Esas dos experiencias me hicieron pensar en que necesitaba a alguien que no solo pudiera cantar, sino que también me ayudara a diseñar un espectáculo con el que llevar el disco que grabásemos al directo. Y cuando descubrí que Sasha Grey era una fan de Throbbing Gristle y de Chris and Cosey, todo cobró sentido para mí. ¿Y cuál ha sido su nivel de implicación? Quiero decir, sé que las letras son suyas, pero no sé si las escribió a partir de canciones terminadas o si realizasteis algún tipo de trabajo conjunto. Sasha me envió varios de sus poemas y me dio completa libertad para arreglarlos, de manera que pudieran encajar en la música. Luego estuvimos ensayando durante algún tiempo en Los Ángeles, y finalmente nos lanzamos a grabar el disco. Has dicho antes que estáis trabajando en un espectáculo. ¿Qué puedes contarme al respecto? Sasha y yo estrenaremos el disco en directo en la próxima edición del festival Atonal de Berlín, con el acompañamiento de una película que se está grabando en este momento. Estamos trabajando en más fechas para una gira, pero ya serán para después del verano. Un último aspecto que me interesa mucho de Transmission es el cuidado que has puesto en los aspectos dinámicos. En un momento en el que todos los sellos y artistas parecen obsesionados por realizar grabaciones muy altas y compresiones agresivas, resulta refrescante encontrarse con un disco que da tanta importancia a la intensidad y al cuidado de los volúmenes, sobre todo en la versión de vinilo. La dinámica de este disco ha surgido de una manera totalmente natural, como una consecuencia del equipo que se ha utilizado. El producto final se siente, se ve y se huele de una manera perfecta para mí, y es una recompensa a todo el trabajo duro que hay volcado en su realización. En cuanto al formato, decidí sacarlo en triple vinilo para que fuera más fácil de pinchar en los clubes, pero creo que en este caso el CD tiene mucho más sentido porque permite escuchar el disco como una pieza de música continua. En los últimos tiempos estamos leyendo mucho acerca de los problemas que afectan a la escena de Londres, con clubes históricos cerrando sus puertas y una fuerte presión económica por culpa de la gentrificación, problemas que afectan también a otras ciudades como Madrid o Berlín. ¿Estamos en un punto sin retorno o crees que existe una cierta voluntad política para arreglarlo? Hay muchos factores que influyen, pero una parte importante del problema se debe a que existe un pequeño grupo de capullos escogidos que solo se preocupan por lo que tienen en sus bolsillos. Los concejos locales tienen que darse cuenta de que esta situación no puede continuar, y que es necesario apoyar las culturas juveniles y los clubes universitarios. Pero también habría que hablar del asunto de la seguridad. Hace poco estuve pinchando en Panorama Bar, pasé trece horas en Berghain y no vi a ningún portero en la sala, más allá de los que estaban en la entrada. Poco después fui a un club de Londres, a ver pinchar a un amigo, y ahí estaban esos capullos, apuntando con sus linternas a las caras de la gente. Es algo que destruye la atmósfera de manera inevitable: la gente va a consumir drogas te guste o no, así que intenta que el ambiente sea relajado y que cada uno tome sus propias decisiones. | 29 | Dimitri Hegemann DIMITRI HEGEMANN ES EL FUNDADOR DE TRESOR, EL MÍTICO CLUB Y SELLO BERLINÉS QUE CUMPLE VEINTICINCO AÑOS EN 2016. EN 1991, MIENTRAS LA CIUDAD DE BERLÍN APENAS DESPERTABA DE LA PESADILLA DE LA LARGA POSGUERRA EUROPEA, HEGEMANN Y SU EQUIPO ENCONTRARON EL LUGAR MÁS EXTRAÑO Y OSCURO DE LA CIUDAD Y DECIDIERON QUE ERA EL MEJOR SITIO PARA ESCUCHAR Y SENTIR EL TECHNO, AQUEL EXTRAÑO Y OSCURO SONIDO QUE PROVENÍA DE DETROIT. NO SOLO SE TRAJERON LOS DISCOS, SINO QUE FORMARON UNA SÓLIDA ALIANZA CON LOS PIONEROS DE LA MOTOR CITY (UNDERGROUND RESISTANCE, JEFF MILLS, ROBERT HOOD…) Y CAMBIARON LA HISTORIA DE LA MÚSICA PARA SIEMPRE. AHORA HEGEMANN SIGUE AL FRENTE DE TRESOR, PERO DELEGA LOS ASPECTOS MÁS PROSAICOS EN UN BATALLÓN DE COLABORADORES MIENTRAS SIGUE ENTREGADO A SU PASIÓN: DESCUBRIR LUGARES RUINOSOS DONDE LA MÚSICA Y LA VIDA PUEDAN VOLVER A FLORECER. Entrevista: Half Nelson. Foto: Marie Staggat Después de perseguirle por media Europa y descubrir que estaba primero en la Bienal de Venecia y después en la mismísima Detroit, conseguimos conversar telefónicamente con Dimitri Hegemann durante casi una hora… ¡¡desde Ibiza!! Muy pronto nos damos cuenta de que Hegemann tiene muchas cosas que contar, pero que es él el que acostumbra a hacer las preguntas y a exigir las respuestas. En diversas ocasiones pregunta al entrevistador por sus experiencias y sus opiniones y no evita dejar muy clara su postura profundamente contraria a los grandes eventos y a las grandes corporaciones. En el fondo, estamos ante el mismo jovencito hippie y soñador que abandonó su pequeño pueblo en el centro de Alemania para intentar cambiar el mundo con el arte. Estoy en Ibiza. La primera vez que estuve en Ibiza hace ya muchos años no era más que un joven hippie que quería vivir su sueño de libertad. Supimos que Bob Marley iba a dar un concierto y al final conseguimos colarnos. Era más una gran fiesta que un concierto en el que hubiera que pagar entrada… ¡¡Todo ha cambiado tanto!! ¿Cuál fue la primera edición de Sónar a la que acudiste? 1995, la segunda edición con Orbital y Ken Ishii… Entonces, Sónar es posterior a Tresor, nosotros abrimos en 1991. Estuve en esas primeras ediciones, invitado por la organización, pero después ya simplemente se convirtió en algo demasiado grande, casi rozando el mainstream. Nunca he pretendido gustar a todo el mundo. Sé que lo que hago se ha convertido en algo grande e influyente, pero nunca pretendí gustar a todo el mundo. Si piensas en vender a todo el mundo al final acabas haciendo cosas que no quieres realmente hacer. Es algo universal, que sucede en todo el mundo. El Love Parade en Berlín empezó como una simple manifestación de los diferentes clubes de la ciudad que queríamos que se nos conociera, pero llegó un momento en que la organización dejó de escucharnos y empezó a programar música que no tenía nada que ver | 30 | con la que sonaba en los clubes. En realidad a nadie le importaba la música: se vendieron a las televisiones, que solo querían sacar chicas desnudas bailando, y se convirtió en algo horrible. Cuando algo es tan grande no puedes atender a todos los detalles, que es lo que nosotros hacíamos en Tresor. No estaba yo solo: era un equipo de gente que se encargaba de la puerta, de la decoración, del sonido… todo para que pudieras estar todo el fin de semana de fiesta sin que tuvieras que preocuparte de nada. Esa era la idea primordial y el éxito de los clubes berlineses: tiene que haber una libertad de horario que permita a la gente entrar y salir en diferentes momentos, mezclarse y evitar las aglomeraciones y desórdenes que se producen si la gente tiene que hacer cola o si es desalojada al mismo tiempo. He estado hace muy poco en Detroit, invitado por su ayuntamiento junto a un grupo de expertos e inversores muy interesados en volver a levantar la ciudad. Todo el mundo quiere lo mejor para Detroit. Yo, personalmente, creo que le debo mucho. El ayuntamiento cree que la música, la cultura, puede ser un buen punto de partida para el renacimiento de la ciudad. Sin embargo, la música, la cultura, exigen libertad. Les dije muy claramente que tenían que eliminar las restricciones sobre la venta de alcohol y sobre los horarios de los clubes: a nadie le interesa una sesión de techno si sabe que a la una y media de la noche va a estar en la calle… y además en un sitio tan frío como Detroit. Eso generaría incidentes y altercados. Tienes que dejar libertad para que cada uno se vaya a dormir cuando realmente se sienta cansado y ya no tenga ganas de estar en la calle. Hay que sacar a los chavales de la calle. Si los metes en un club y después los echas de nuevo a la calle toda esa energía se volverá en tu contra. Háblame de Detroit-Berlin Connection… Es un proyecto en el que un grupo de personas estamos trabajando para ayudar a las autoridades de la ciudad de Detroit a volver a levantar la ciudad. Somos gente de diferentes países y diferentes campos, pero con interlocución directa con las autoridades. Mi ámbito, lógicamente, es el cultural, pero no tan solo el clubbing. Hay propuestas muy interesantes, pero todavía es demasiado pronto para ver los frutos. Estuve también en la Bienal de Venecia con Fernando Palazuelo, el propietario de la Packard Plant (Fisher Body Plant No. 21), en Detroit, y le expliqué mi proyecto de reconstrucción de la planta. No se trata solo de crear un club, sino de dar espacios gratuitos a los artistas locales para que se desarrollen y puedan exponer sus creaciones. Al mismo tiempo, habrá hoteles, salas de conciertos, galerías de arte, jardines, mercados, restaurantes… un polo de atracción para el público. En cambio, en la Michigan Central Station lo que me interesa es el vestíbulo: es un espacio muy interesante que puede convertirse en un club impresionante. ¿Es esa tu profesión ahora, localizador de espacios? (Risas) Algo así. Soy una especie de arqueólogo industrial. Busco viejas fábricas en ruinas que sean especiales no solo por la calidad del espacio, sino también por la simbología. La Packard Plant es un símbolo del viejo esplendor de Detroit, pero hasta que yo los convencí de lo contrario todos estaban de acuerdo en derribarla. Está claro que tienes buen ojo… Gracias. Aún recuerdo cuando encontramos el que sería el primer emplazamiento de Tresor en la Potsdamer Platz. El sitio estaba en un estado terrible, pero no había que ser ningún lince para darse cuenta del magnetismo que desprendía el lugar. Las cámaras acorazadas, los barrotes de acero… era un espacio increíble. Fue una desgracia para la ciudad que lo cerraran en 2005 para convertirlo en oficinas y centros comerciales. ¡¡La ciudad no necesitaba más centros comerciales!! Teníamos un plan, la Tresor Tower, para desarrollar todos los alrededores, pero no quisieron escucharnos. Sin embargo, el nuevo Tresor en la Köpenicker Strasse, el Kraftwerk, es aún más impresionante… Sí, es un espacio magnífico, pero quizás sea demasiado grande hasta para nosotros. Posiblemente solo estemos usando un 20% de su capacidad… Pero eso te da la posibilidad de cerrar el círculo y rescatar tu primer festival, el Atonal (creado en 1982), y programarlo dentro del Tresor… Efectivamente. Es un orgullo para mí poder relacionar las que han sido mis dos pasiones a lo largo de todos estos años y explicar a la gente el origen de todo: que no habría música electrónica de baile sin bandas experimentales como Einstürzende Neubaten o Malaria!; que la experimentación visual es tan importante como la musical… Fue en el quinto Atonal, en 1990, cuando actuaron los ingleses Clock DVA, a quienes ya había publicado discos en mi sello Interfisch, con sus Apple 2000, y los estadounidenses Final Cut con sus cajas de ritmos. A Final Cut los conocí en Chicago: estaba en la tienda Wax Trax y compré un maxi con solo un número de teléfono de Detroit. Llamé y acabé hablando con Jeff Mills. La violencia de sus ritmos industriales en aquella edición de 1990 me hizo comprender el poder del ritmo y cambió mi manera de apreciar la música para abrirme más al baile, sin dejar de lado la esencia experimental. De ahí a contratar a Underground Resistance, el siguiente colectivo de Mills junto a Mad Mike Banks y Robert Hood y publicar Sonic Destroyer, la primera referencia del sello Tresor, en 1991, no hay más que un par de pasos, pero eso también fue el final, momentáneo, de 1990 hasta 2013, de Atonal. El resto, como suele decirse, es historia. Y la guinda de estos 25 años es el festival que tendrá lugar del 21 al 24 de julio… Nuestra intención era llevar a cabo una celebración, pero también un reconocimiento a todos los artistas que nos han ayudado a convertir Tresor en lo que ahora significa. Estaba claro que el eje Berlín-Detroit tenía que estar representado y no se me ocurre nada mejor que el nuevo proyecto de Juan Atkins con Moritz von Oswald, Borderline… Además, Robert Hood, Daniel Bell, John Tejada, Gerald Donald (Arpanet) y Blake Baxter representan a Detroit, y Surgeon, Vainqueur, Regis James Ruskin y Sleeparchive a sus homólogos europeos en un line up impresionante. Resumen de una manera de entender la música electrónica. | 31 | GOLDEN BUG | 32 | OCHO AÑOS DAN PARA MUCHO. SON LOS QUE SEPARAN HOT ROBOT (GOMMA, 2008), EL PRIMER ÁLBUM DE GOLDEN BUG, DE SU NUEVO TRABAJO, V.I.C.T.O.R, QUE PRESENTÓ EL PASADO MES DE JUNIO EN SÓNAR BARCELONA, CON VISUALES DEL ESTUDIO DESILENCE. ANTOINE HARISPURU, EL DORADO PRODUCTOR FRANCÉS QUE HAY DETRÁS DE ESTE PROYECTO, ES UN TIPO TRANQUILO Y SOSEGADO, DE LOS QUE LES GUSTA HACER LAS COSAS DESPACIO. PERO NO SE DEJEN ENGAÑAR. EN REALIDAD NO PARA: DIRIGE SU PROPIA EMPRESA DE CONTENIDOS MUSICALES Y SU PROPIO SELLO DISCOGRÁFICO, LA BELLE RECORDS, DONDE EL PRÓXIMO MES DE SEPTIEMBRE SE PUBLICARÁ SU NUEVO ÁLBUM, PARA EL QUE ANTOINE HA ESCOGIDO UNA SELECTA LISTA DE COLABORADORES, ENTRE LOS QUE FIGURAN NOMBRES COMO FABRIZIO MAMMARELLA, JULIENNE DESSAGNE (SASCHIENNE), MOSCOMAN, YAN WAGNER O PÁJARO SUNRISE. NOMBRES QUE HABLAN DE CIERTA EVOLUCIÓN DE LA MÚSICA ELECTRÓNICA DE ESTOS ÚLTIMOS AÑOS QUE, DE ALGUNA MANERA, PODEMOS RASTREAR EN ESTE DISCO. Entrevista: Luis Costa Tu nuevo álbum, V.I.C.T.O.R, que pronto verá la luz, hace referencia ya desde el título y la portada a Víctor, un robot que te viene acompañando desde que creaste Golden Bug. Ya tu primer álbum de 2008 se titulaba Hot Robot… Todo esto nos remite a ese cine clásico de sci-fi, 2001: una odisea del espacio y su Hal 9000, THX 1138 y demás. ¿Qué hay de todo eso en tu mundo electrónico? Siendo de la generación que ha crecido con Mazinger Z, Capitán Harlock, San Kukai, etc., es una estética que forma parte de mi cultura. Además, mi madre tenía una tienda de juguetes en París llamada La Maison du Robot, especializada en juguetes de importación nipona y donde pasaba horas con mis hermanos. Más tarde me hice fan de las películas de terror que ponían en la tele: Maniac, Viernes 13, Jason, ReAnimator…, de series Z cutres con diálogos mortales, y de revistas como Mad Movies o Impact. Todos estos inputs me influenciaron a mí y a toda una generación. Cuando saqué mi primer LP en Gomma, quisimos hacer una biografía un poco diferente a la típica biografía de artista y decidimos escoger esta temática contando mi infancia rodeado de robots en la tienda de mi madre. Este trabajo viene precedido de un maravilloso EP para Les Disques de la Mort, el sello de Ivan Smagghe. Wild Boys se zambulle en cierta tendencia actual de la electrónica por adoptar vocales y patrones más orgánicos y más propios de la era post-punk. ¿Crees que una vuelta de la electrónica a sus raíces más orgánicas puede ser una salida a buena parte del actual escenario plano y repetitivo que venimos sufriendo? Hace ya tiempo que las barreras han saltado y que la gente ha perdido el miedo a la mezcla de estilos, y es lo divertido. En todos los géneros hay cosas geniales que te influyen y que ayudan a abrir puertas creativas, ya sean orgánicas o electrónicas, da igual. Estamos en una época en la cual es imposible vivir vendiendo discos, y es triste, pero, por otro lado, es un momento propicio para la creatividad. Si sabes que no vas a vivir de esto, no haces concesiones y sale música más personal y original. ¿Habrá nuevas entregas para LDDLM? A finales de año sacaré un nuevo EP en Les Disques de la Mort con tres temas y un remix. Son temas entre electrónica, dub y psicodelia que he hecho en paralelo a los temas de mi nuevo LP, V.I.C.TO.R. Cuéntanos un poco más sobre él. Hace ya dos años que empecé a trabajar en V.I.C.T.O.R. Hice muchos temas para quedarme al final con 12. Necesitaba tiempo para madurar ideas y que el LP sonara de una forma coherente. Me inspire en la música dub, la electrónica lo-fi con toques psicodélicos, el proto-funk y cosas más abstractas. Colaboré también con amigos que pusieron su grano de arena para crear el álbum: Fabrizio Mammarella, Yan Wagner, Moscoman, Julienne Dessagne (del grupo Saschienne), Pájaro Sunrise, etc. El pasado mes de junio presentaste en Sónar el directo de V.I.C.T.O.R junto al estudio Desilence, en un show audiovisual brutal. ¿En qué consiste exactamente V.I.C.T.O.R LIVE? ¿Cómo ha sido la experiencia de presen- tarlo en Sónar? ¿Próximas paradas de este directo? Hacía tiempo que quería colaborar con Soren y Tatiana, de Desilence, para crear un show audiovisual, y después de un largo año de trabajo nació V.I.C.T.O.R LIVE. El arquitecto Christian Leibenger diseño la estructura inspirándose en el famoso juego de los años ochenta, Rubik's Snake, que nos permite crear un dialogo homogéneo entre la música y lo visual. Lo inauguramos el pasado mes de octubre en el MACBA de Barcelona y fue un éxito. Después lo hicimos en París, Génova y Milán. Presentar V.I.C.T.O.R LIVE en el Sónar ha sido una gran experiencia y una gran recompensa a un largo año de trabajo. La gente de Sónar son grandes profesionales que nos ayudaron mucho en la parte técnica para poder enfocarnos al 100% en la parte artística. Ver al público disfrutar tanto de V.I.C.T.O.R LIVE nos confirmó que estamos en el buen camino creativo. Las próximas paradas con V.I.C.T.O.R son en el MuCem de Marsella el 3 de julio, en el Scopitone en Nantes el 23 de septiembre y en A Taste of Sonar+D en Barcelona el 20 de octubre. De tus últimas sesiones se desprende una tendencia a bajar el pitch y a optar por una selección de ritmos lentos y pausados. Cada vez me gustan más los tempos lentos y pausados. No quiere decir que no me gusten las sesiones pisteras, pero me cuesta hacer temas rápidos cuando estoy en el estudio. De todas formas, creo que se puede bailar igual de bien a 95 que a 130 BPM. No es una cuestión de tempo. Simplemente, de música. Sobre tus últimos logros como digger compulsivo, ¿qué discos has encontrado que te hayan vuelto loco? Me enamoré del tema Beeline de Casiotone for the Painfully Alone. También me encanta el nuevo Front de Cadeaux, que se llama Ouvre ta Bouche; el LP de Yula Kasp en Kill The Dj, producido por Pilooski; el LP de Nico Motte, Life Goes On If You Are Lucky del sello Antinote y espero con ganas el nuevo disco de Pájaro Sunrise, que saldrá en Love Monk. Hay mucha música buena. Háblanos de tu sello, La Belle Records. Tu álbum va a salir publicado en vinilo pero no es el formato más habitual. Monté La Belle Records con dos amigos para descubrir nuevos talentos, sacar la música de artistas que nos gustaban, buscar remixers, etc. Desde la creación de La Belle hemos tenido la suerte de sacar EP de Marc Piñol, In Flagranti, Herr Styler, Justin Robertson o FK CLUB, y de haber conseguido remixers como Red Axes, Fabrizio Mammarella, Rodion, Alejandro Paz, Moscoman, Mike Simonetti o Kasper Bjørke. El año 2016 está yendo muy bien: un nuevo EP del dúo inglés In Fields, el primer LP de Herr Styler y mi nuevo LP V.I.C.T.O.R, que saldrá en vinilo a finales de mayo y en digital más tarde con una portada diseñada por el estudio Lo Siento. ¿Tus sellos de referencia? Soy fan de sellos como ESP Institute, I'm a Cliché, Love Monk, Dirty, Antinote, Domestica Spain, Themes of Great Cities, BCore, Kill The Dj, Phantasy, Foehn, Les Disques de la Mort, Rotten City o Ghost Box. Son sellos que han creado una identidad musical y visual única. | 33 | SEAN JOHNSTON A PESAR DE QUE LLEVA PINCHANDO POR ESOS MUNDOS DE DIOS DESDE FINALES DE LOS OCHENTA, EL INGLÉS SEAN JOHNSTON SIGUE SIENDO UN PEQUEÑO DESCONOCIDO. LA RAZÓN, POSIBLEMENTE, SE DEBE A SU ESCASA ACTIVIDAD EN LOS ESTUDIOS: SU PROYECTO MÁS CONOCIDO, HARDWAY BROS, APENAS DISPONE DE MEDIA DOCENA DE REFERENCIAS, Y ANTES DE ESO SOLO EXISTIERON UN PUÑADO DE OSCUROS ALIAS, QUE RARAMENTE LLEGABAN A SUPERAR LOS MESES DE VIDA. SIN EMBARGO, SEAN JOHNSTON TAMBIÉN ES INTERESANTE PORQUE POSEE UN PROYECTO A MEDIAS CON ANDREW WEATHERALL, A LOVE FROM OUTER SPACE, CON EL QUE EXPLORAN LA HISTORIA DE LA MÚSICA DE BAILE DESDE UNA PERSPECTIVA DIFERENTE: AQUELLA QUE DEFIENDE QUE MIENTRAS MÁS RELAJADO SEA EL TEMPO DE LA CANCIÓN, MEJOR. UNA APUESTA POR LA MÚSICA MUSCULOSA Y COCINADA A CÁMARA LENTA QUE PODRÁN DISFRUTAR LOS ASISTENTES A LA PRÓXIMA EDICIÓN DEL CONVENANZA FESTIVAL. QUE POR CIERTO, ES TAMBIÉN EL FESTIVAL PREFERIDO DE JOHNSTON. Entrevista: Vidal Romero "Empecé a pinchar un poco por casualidad, porque tenía una buena colección de discos y me pagaban por utilizarla -bromea Sean Johnston desde su casa en Londres-. La primera vez que pinché fue en un bar, en 1986. Llevé una selección de música de todo tipo, desde soul o funk hasta synth pop. En aquel momento ser Dj era algo utilitario: se trataba de conseguir que la gente bailara, y no existían grandes preocupaciones acerca de la técnica o de la atmósfera. Un par de años después llegó el house y todo cambió. Decidí mudarme a Londres para vivir lo que parecía ser una revolución de primera mano". Johnston vivió aquella revolución y otras muchas que habrían de llegar. "A lo largo de mi carrera he pasado por muchas épocas. He pinchado house y pop electrónico, he tenido mi etapa de techno de Detroit, he pinchado breakbeat, drum'n'bass, dub y prácticamente cualquier género que se te pueda ocurrir". En paralelo a su carrera de Dj, Johnston ha ido probando suerte en el mundo de la producción. Durante la década de los noventa alumbró varios alias en colaboración con amigotes del calibre de Jake Davies o Rich Johnstone; proyectos como IPO Mob, United Fruitcake Outlet o The Flash Faction, que hoy están olvidados (y probablemente con razón). No fue hasta finales de la década pasada cuando, de nuevo con Jake Davies, dio forma al que se ha convertido en su proyecto más popular, Hardway Bros: "Al principio era una colaboración tradicional, con los dos produciendo música juntos en el estudio, pero de repente Jake se mudó a California, a trabajar con gente como Björk, William Orbit o Madonna, y todo empezó a complicarse. Intentamos que funcionara, nos enviábamos archivos por Internet y yo viajaba a Los Ángeles cuando podía, pero al final terminó por convertirse en un proyecto solo mío". Un proyecto que hunde sus raíces en el pasado, en el intelligent techno de los primeros noventa, en la EBM de los ochenta, en el pop psicodélico de los noventa, para facturar inspiradísimas pistas de house, capaces de poner boca abajo la pista de baile más reticente. Su único problema, en realidad, es lo escaso de su producción, que apenas alcanza a un maxi por temporada, y a veces ni eso: "Ya estamos otra vez con esa fama de vago que muchos quieren echarme encima -responde Johnston mientras se | 34 | ríe-. La verdad es que no es tan sencillo. Pincho todos los fines de semana, hago remezclas con una cierta regularidad, y además soy el padre de dos niños, así que no dispongo de todo el tiempo del que me gustaría. Pero, bueno, te puedo avanzar que tengo casi terminada la producción de un disco para la cantante francesa Sarah Krebs, y que estoy produciendo temas con idea de publicar un disco con Hardway Bros antes de que termine el año". ¿Cómo conociste a Andrew Weatherall? Debió de ser alrededor de 1998 o 1999. Nos presentó un amigo común en una fiesta y descubrimos que teníamos intereses comunes, que vivíamos en el mismo barrio de Londres y que encima nos gustaba la misma música. Estábamos condenados a hacernos amigos. ¿Y cuándo se os ocurrió la idea de montar A Love from Outer Space? Hace seis años, mientras estábamos hablando, descubrimos que a los dos nos gustaba mucho la música que iba despacio. Y empezamos a preguntarnos qué pasaría si bajáramos el pitch en general. Ya sabes, en los clubes normales se pincha a una velocidad de entre 120 y 125 BPM, y nosotros estábamos pensando en reducirla a entre 100 y 105 BPM. La ventaja, además, es que al bajar la velocidad podíamos empezar a pinchar un montón de temas de house, disco y techno que no suelen entrar en las maletas precisamente por eso: porque van muy despacio. ¿Y cómo se ha tomado el público este concepto? Pues al principio no muy bien. En los clubes suele haber sobre todo gente joven, que no termina de entender esta idea de que hay que dejarse llevar, de que hay que dejar que la música te transporte. Hemos visto casos de gente que se ponía muy nerviosa y nos llegaba a amenazar (risas). Pero, bueno, poco a poco se ha ido corriendo la voz y ahora la gente que viene a vernos sabe lo que se va a encontrar. ¿Cómo es una sesión de A Love from Outer Space? Pues nos gusta tocar durante mucho tiempo, hacer sesiones muy largas, para poder crear una atmósfera propicia, que es algo más complicado de lo normal porque el público no está acostumbrado a esta propuesta. Y no tenemos demasiados prejuicios: pinchamos música actual pero también temas muy antiguos. De hecho, nos gusta definir nuestras sesiones como "paseos por la historia de la música electrónica y de la música de baile". En septiembre estaréis pinchando en el Convenanza Festival. ¿Qué me puedes contar del festival? He estado en todas las ediciones, echando una mano en lo que podía, y la verdad es que se ha convertido en mi festival favorito. Tiene un concepto muy particular. Visto desde fuera, parece un campamento de verano que se ha montado Andrew Weatherall. La verdad es que es una buena definición (risas). Tiene algo de ese espíritu, el reencuentro con los amigos en un entorno que parece sacado de un sueño, varios días en los que se come y se bebe bien, y encima se puede oír buena música. Lo decía también porque Weatherall está directamente implicado en más de la mitad de los nombres que aparecen en el cartel, y parece que el resto son bandas o artistas a los que tiene ganas de ver. Siempre ha sido un poco de ese modo. Ya desde la primera edición, que se celebró en un club de la ciudad, existía esa sensación de camaradería. Es algo en lo que Andrew y su socio en el festival, Bernie Fabre, han puesto mucho cuidado. El entorno también parece muy importante. Lo es. El escenario del festival está montado en el patio del castillo de Carcasona. Es un escenario grande y con una iluminación cuidada, lo que ayuda a construir una atmósfera muy intensa. Como público es bastante impresionante, pero cuando estás encima y puedes ver toda la ciudad y el valle a lo lejos, la sensación ya es indescriptible. Esa atmósfera tan especial es también el talón de Aquiles del festival, ¿no crees? Lo digo porque el aforo tiene que ser muy limitado. Es cierto. En el castillo caben entre 1.000 y 1.200 personas. Es todo lo que da de sí el espacio, así que no hay manera de hacerlo más grande. Imagino que esa limitación es también una parte de su encanto: si pudiera ser más grande, posiblemente terminaría por hacerse mucho más comercial. De hecho, parece encajar en ese tipo nuevo de festival que ha surgido en los últimos años, y que en ciertos círculos se define como "boutique". Un festival para un público más maduro, que ya no tiene edad para ir a las citas más masificadas, pero sigue queriendo ir a festivales. Es una cuestión interesante. Y, de hecho, en la primera edición sucedió un poco esto que cuentas. Pero ya en las dos siguientes comenzó a aparecer un público más joven. Gente que venía de Barcelona o Montpellier, pero también de sitios mucho más lejanos, como Sudáfrica o Australia. Se está convirtiendo en una cita muy internacional. ¿Tenéis pensado en algo especial para la sesión que haréis con A Love from Outer Space? Llevo algún tiempo comprando muchos discos, tanto nuevos como antiguos, y recibiendo promos con mucha calidad. Creo que llevaré unas sesenta o setenta canciones que nunca he usado antes en nuestras sesiones, y me consta que en el caso de Andrew la cifra debe de ser parecida. Pero tampoco significa nada: nos gusta ser espontáneos y no llegar con un plan de acción preconcebido. Es mucho mejor subir al escenario y dejar que el entorno se apodere de ti. Pensar en cómo está la gente, en qué temperatura hace, en cómo de oscura está la noche o en el tipo de respuestas que ha demostrado el público en los conciertos anteriores. Es la suma de todas esas cosas la que convierte la sesión en algo interesante. | 35 | NUEVOS LANZAMIENTOS VARIOS / JACKMASTER DJ-K KICKS (!K7) TRENTEMØLLER FIXION (Hfn / In My Room) SWANS THE GLOWING MAN (Young God) BRUNA / WOOKY ARCHIVES (Lapsus) ZOMBIES IN MIAMI TURQUOISE EP (Bordello à Parigi) | 36 | Después de multitud de peripecias, que incluyen pinchar en un crucero sin cobertura y perder la maleta de discos en un taxi, el escocés Jack Revill consiguió entregar a tiempo la sesión prometida a la gente de la mítica serie DJ-Kicks. El de Glasgow aprovecha la ocasión para rescatar temas significativos y homenajear a la siempre bulliciosa escena de su ciudad y a las sucesivas fiestas en las que ha ido labrándose un nombre. Empieza relajado, hasta caribeño, pero a la altura de Massimiliano Pagliara y su I Am Running All My Drum Machines At Once and Dancing la cosa se pone electrosa y el mítico A Groove de Mike Dunn no hace más que rematar la jugada. La progresión de la sesión no se centra en los BPM, sino en los cambios de textura cada vez más sintéticos que acentúan el poder bailable de una sesión tan inteligente como eficaz. (Half Nelson) El productor danés Trentemøller continúa por el camino cada vez más alejado de la electrónica pura señalado por su anterior LP, Lost. En Fixion la estructura de las canciones es mucho más cercana al pop, pero corrige la dispersión de aquel LP reduciendo drásticamente el número de cantantes invitados. Jehnny Beth de Savages parece una Siousxie -especialmente en el primer single River in Me, redondo si no se hubiera optado por un estribillo tarareado-, y a su alrededor se tejen los temas cantados: baladas post-punk con sintes melancólicos, ambientación siniestra y líneas de bajo muy New Order (Never Fade, Redefine, Complicated). Todo el disco está imbuido por ese espíritu dark wave que le da coherencia, pero también un excesivo aroma a revival, que aburridos instrumentales como Sinus o Phoenicia no hacen más que aumentar. Para los adeptos al género, un disco estupendo. (Half Nelson) Seis años después de su glorioso retorno con My Father Will Guide Me Up a Rope to the Sky, Michael Gira y sus Swans cierran su particular tetralogía (quedan para la posteridad The Seer y To Be Kind) con este The Glowing Man antes de una nueva refundación que no sabemos lo que les deparará. Como si pretendieran clavar su recuerdo en lo más profundo de nuestras almas, The Glowing Man flirtea con la desmesura: doble CD (o triple LP) con tan solo ocho temas, de los que tres superan los veinte minutos al profundizar en la repetición como método compositivo. Pese a la contundencia de temas como The Glowing Man, donde un Gira absolutamente histriónico y una banda que vomita todo lo asimilado en estos seis años de giras interminables nos persiguen implacablemente, el conjunto del LP da una cierta sensación de estancamiento que va a ser corregido muy pronto. (Half Nelson) Los codirectores del sello (y festival) Lapsus lanzan este split (cara A para bRUNA y B para Wooky) que demuestra que sus respectivos acercamientos a la electrónica más ambiental son dispares, pero con abundantes puntos en común. bRUNA apuesta por una abstracción detallista, muy IDM, de breves cortinillas bañadas en sensaciones a través de texturas de sintetizador y tan abstractas que ni siquiera tienen nombre. Me desconcierta el ruidoso track 3 con speech con serio vocoder casi digno de la edición castellana de The Robots y me maravilla la épica contenida de la melodía del track 4. Pese a los títulos geográficos, Wooky también apuesta por la abstracción, pero más matizada por un cierto paisajismo. Me encantan los maravillosos seis minutos de viaje en tren ante un paisaje cambiante (Black Atlantic) y el gélido y casi religioso Primary Forest, con guiños muy Jean-Michel Jarre. (Half Nelson) Las curiosidades de la globalización: el dúo mexicano Zombies in Miami, formado por Canibal y Jenice, debuta en el sello holandés (con nombre italiano) Bordello à Parigi, dirigido por Otto Kraanen, tras cinco años de carrera discográfica y cinco maxis en diferentes sellos internacionales como La Dame Noir (Francia), Correspondant (el label francoalemán de Jennifer Cardini) o Love On the Rocks (Alemania). Los mexicanos abren las puertas del verano con dos temas bastante funcionales pero con cierta gracia. Turquoise es un número de electrohouse que se basa en la repetición de una melodía simple y una saltarina línea de bajo que al final cede protagonismo al sample de voz. Hipodromo tiene un toque más disco con la percusión en primer plano, la guitarra funkie y la melodía repetitiva de los violines simulados. Un maxi veraniego para momentos agitados. (Half Nelson) NUEVOS LANZAMIENTOS Golden Bug regresan, ya solo con el productor francés residente en Barcelona Antoine Harispuru a los mandos, con este EP de sonido oscuro y reflexivo en su propio sello La Belle. Aunque Accroché à moi es el titular, el protagonista es Un paradis artificiel con tres tomas diferentes: original, dub y la remezcla del escocés Mr. TC. Destaca la voz sugerente de Julienne Dessange (Saschienne) que recita sensualmente en francés sobre la cold wave de la excelente Accroché à moi (con un bajo rotundo a lo Vox Low) y también sobre la extensa y misteriosa Un paradis artificiel: si la original, llena de distante encanto, ya es retorcida entre psicodélica, cadenciosa, espacial, alucinada y levemente cinematográfica, la autorremezcla dub simplemente elimina la voz, mientras que la de Mr. TC apuesta por el electro esquemático y envolvente que redondea un maxi de gran altura. (Half Nelson) GOLDEN BUG FEATURING JULIENNE DESSANGER ACCROCHÉ À MOI EP (La Belle) Aunque todo el maxi esté a nombre de Metatron, en realidad se trata de un split junto a Traumprinz con dos temas por barba. Aunque también hay que decir que Metatron y Traumprinz son la misma persona, así que todo queda en casa. En todo caso, es sorprendente comprobar cómo con unos pocos elementos se puede redondear un fantástico maxi de house cercano, emotivo y ensoñador. En los dos largos temas a cargo de Traumprinz -2 The Sky (Metatron's What If There's No End And No Beginning Mix) y 2 Bad (Metatron's What If Madness Is Your Only Relief Mix)- una voz femenina sobrevuela una sencilla base y repite una y otra vez el leitmotiv del tema alejándonos del mundo conocido. Los temas de Metatron -As I Get Insane y The Journey- cautivan por envolventes y por samplear la voz de Jake Gyllenhaal hablando sobre Donnie Darko, respectivamente. (Half Nelson) DJ METATRON La productora y Dj británica Catherine Cassy Britton publica su LP de debut después de una extensa carrera como Dj residente en Panorama Bar (Berlín), Rex Club (París) y Trouw (Ámsterdam). Entre colaboraciones como cantante para Zombie Nation o Tiefschwarz y sus propias producciones ha publicado en sellos con tanto pedigrí como Perlon, Ostgut Ton, Uzuri, Beatstreet o Playhouse, además de mezclar el magnífico Fabric 71. Donna, producido junto a King Britt, resulta un agradable disco de deep house ambiental con desarrollos techno y flirteos ácidos, pero que decepciona por recrear una atmosfera excesivamente conservadora (cercana al acid jazz de los años noventa) y abusar de la repetición de las frases cantadas (All I Do). Hay que quedarse con sus muchos aciertos como This Is How We Know o la versión de Prince (Strange Relationship). (Half Nelson) CASSY Después de unos años de cierto impasse creativo (que no discográfico gracias a discos en directo y de versiones), Ben Bridwell y su Band of Horses vuelven con las pilas bien cargadas como demuestra la inicial Dull Times / The Moon que empieza amable, pastoral y tremendamente melódica y acaba en tempestad de guitarrazos. En el exquisito equilibrio entre estas dos tendencias reside la magia de este álbum que nos devuelve tanto a los Horses introspectivos que amamos (In a Drawer con coro glorioso de J. Mascis), como a los expansivos y tarareables que nos divierten (Solemn Oath). De hecho, es ese sagrado equilibrio el secreto del encanto de los de Seattle, que están tan finos que hasta cuando se ponen un poco demasiado filosóficos (Hag) parecen The Flaming Lips versionando a Band of Horses. El poder melódico de este disco es casi curativo. (Half Nelson) BAND OF HORSES A partir del proyecto audiovisual Conversations Sur Lettres Mortes (CSLM), el artista canadiense Jesse Osborne-Lanthier y el productor alemán Grischa Lichtenberger (Raster-Noton) publican este EP con seis temas propios y tres remezclas de Low Jack, Gábor Lázár y Rabit. La peculiaridad de su música, radicalmente experimental, es que está creada a partir de tubos catódicos y reproductores de VHS: una tecnología ya totalmente obsoleta que estos artistas reinterpretan. Por ello, los títulos (Good Morning America, Primetime) hacen referencia a edades pasadas (no tan lejanas, ni absolutamente superadas), cuando la televisión era el principal electrodoméstico y fuente de información. El tratamiento digital del sonido añade atractivo al desfile de zumbidos, silbidos y barridos de frecuencias ordenados como ritmos (CRT Creeper) o elementos melódicos en función de su crepitación. (Half Nelson) JESSE OSBORNE LANTHIER AND GRISCHA LICHTENBERGER 2 THE SKY EP (Giegling) DONNA (Aus Music) WHY ARE YOU OK (Interscope) CSLM (Cosmo Rhythmatic) | 37 | D a v i d L y n c h Fotografía: Sebastián Troncoso Estilismo: Gigi D'Amico Maquillaje: Patricia Mullen Asistente estilismo: Francesca Russo Asistente maquillaje: Nina Lases Modelo: Ann Muursepp - Uno Models | 38 | Polo FRED PERRY, falda G-STAR Auriculares SKULLCANDY, camiseta y chaqueta VANS, leggings ROXY, calcetines STANCE, zapatillas CONVERSE Sudadera NEFF, gorra BRIXTON Mono y zapatillas G-STAR, calcetines STANCE Gorra REEF, chaqueta, G-STAR, vestido VANS, calcetines AMERICAN APPAREL, zapatillas VANS Chaleco VOLCOM, pantalones VANS Cortavientos y pantalones CARHARTT, mochila HERSCHEL NOTICIAS DISEÑO Y PROYECTOS COS X HAY PROYECTOS EDITORIALES DE ESNE La marca de moda COS y la empresa de muebles Hay presentan por segundo año consecutivo su colección de muebles para jardín y artículos para el hogar, además de una línea de sillas de terraza y macetas. Esta segunda colaboración fue lanzada en marzo y debido a su éxito se extenderá su venta durante todo el verano. COS X HAY parte de tres ejes temáticos -la vida, el trabajo y las cenas- para desarrollar una cuidada edición de accesorios y muebles para la casa. Las dos firmas se ponen de acuerdo en el uso del metal como el material de partida para las sillas, y los diseños se mueven en torno a la estética del diseño escandinavo, combinando elegancia y funcionalidad. www.cosstores.com ¿Por qué crear revistas en un tiempo en el que no se leen? Esa es la pregunta que se han planteado los alumnos del grado oficial en Diseño Multimedia y Gráfico, de la Escuela Universitaria de Diseño, Innovación y Tecnología de Madrid, a la hora de desarrollar un proyecto editorial. El resultado obtenido es rotundo: una revista impresa es uno de los mejores soportes para investigar dentro del diseño, ya que es un formato que activa los cinco sentidos. Experimentando con tipografía, fotografía, formatos y materiales se establecen conexiones con otras disciplinas para crear un producto único que, por el avance del diseño y la creatividad, nunca debería desaparecer. www.esne.es TREND GENERATOR REUNIÓN MASIVA EN LA LUNA El diseño gráfico es algo complejo. Siendo conscientes de esto, la reconocida web de tendencias sobre el diseño gráfico contemporáneo trendlist.org ha creado una app a través de la cual podemos crear carteles de manera sencilla y rápida con diseños actuales y realmente sorprendentes para estar creados con una app. Trend Generator nos permite elegir entre tipografías variadas y actuales, colores y distintos recursos gráficos, y crear así carteles con el mínimo esfuerzo. Una aplicación muy intuitiva para cualquier diseñador, que permite crear composiciones potentes y actuales con muy buena línea de diseño. Además, podemos exportar en formato PDF. www.trendlist.org/generator Reunión masiva en la luna es el libro que ilustra las canciones del compositor Víctor Algora, una idea de la editorial The Klein Press. Un total de 53 creadores, como Alfonso Casas, Javier Rico, Alberto Cuenca, Emo Díaz, Carlos D'Orive, Chema Pop, José A. Roda, Juanma Carrillo, Oro Jondo, Yago Partal o Tactelgraphics, entre otros, han sido los encargados de convertir las letras y las melodías de Algora a imágenes. Se trata de una edición limitada de 350 ejemplares en los que se incluye un CD y un prólogo escrito por el artista. Reunión masiva en la luna es definido como un capricho editorial, una exposición colectiva y una visión del panorama gráfico en España. thekleinpress.bigcartel.com | 46 | NOTICIAS DISEÑO Y PROYECTOS THE LONDON DESIGN FESTIVAL 2016 COOKBOOK N.3 The London Design Festival es uno de los eventos más importantes de Europa en interiorismo y mobiliario, y se llevará a cabo del 17 al 25 del mes de septiembre de 2016. En esta muestra que se celebra desde el año 2003 el interiorismo y el mobiliario son los completos protagonistas. Durante la celebración de la feria se llevan a cabo actividades independientes en los design districts, los barrios que tienen un especial interés en el diseño, además de englobar eventos como el 100% Design, Design Junction, Decorex Internacional, Tent London y Super Brands. Londres celebra una cita indispensable para estudiantes y profesionales. www.londondesignfestival.com Cookbook, el magacín anual para auténticos gourmets del diseño -creado por el estudio madrileño Naranjo-Etxeberria-, ha lanzado su tercera edición. En cada número de esta publicación se elige a un artista del que se analizan sus referencias para desarrollar el contenido visual y el diseño de la revista basándose en ellas. En esta tercera entrega la chef estrella es la joven fotógrafa ucraniana Sasha Kurmaz, cuyo trabajo choca entre la sexualidad de sus autorretratos y la brutalidad de la arquitectura de su barrio postsoviético en Kiev. Cookbook es una interesante manera de conocer los ingredientes que han llevado a cada seleccionado a conseguir su obra. Una joya del diseño. cookbookmagazine.es PANTONE CAFÉ MEJOR DISEÑO DEL AÑO Pantone Café ha abierto sus puertas hasta el próximo 9 de septiembre de 2016. Se trata de una cafetería pop-up que Monaco Restaurant Group acaba de estrenar en el paseo del Grimaldi Forum de Mónaco. Cuenta, entre otras cosas, con un código de colores a través del cual se identifica cada producto y podemos, por supuesto, ver la correlación con su respectivo tono Pantone. Todo está inspirado en Pantone, desde la intensidad del sabor del café, los refrescos, el agua, las servilletas, las ensaladas o los menús. Pantone ha conseguido con intervenciones tan originales como esta pasar a convertirse en un verdadero icono de la cultura posmoderna. www.pantone-cafe.com Mejor diseño del año es la exposición que recoge las obras finalistas y ganadoras de los principales premios organizados por las asociaciones del FAD: los premios Laus, los premios ADI, los premios FAD de arquitectura e interiorismo, los premios Habitácola y los premios ModaFAD. Más de trescientas piezas que representan los mejores trabajos del año en las diferentes disciplinas del diseño (arquitectura e interiorismo, diseño industrial, diseño gráfico y comunicación visual, imagen y moda...). Una exposición imprescindible para hacerse una visión general y actual del diseño contemporáneo que podrá visitarse hasta el 30 de octubre en Disseny Hub Barcelona. ajuntament.barcelona.cat/dissenyhub | 47 | DEAR HUMAN CANADÁ ES UN PAÍS CON GRAN CULTURA DE DISEÑO, PERO EN EL QUE HISTÓRICAMENTE SUS CREATIVOS HAN QUEDADO ECLIPSADOS POR SUS VECINOS DEL SUR, LOS DISEÑADORES ESTADOUNIDENSES. AFORTUNADAMENTE, CADA VEZ SON MÁS LOS ESTUDIOS CREATIVOS QUE SE ABREN PASO EN EL COMPLICADO MAPA DEL DISEÑO CONTEMPORÁNEO, COMO DEAR HUMAN, QUE DEMUESTRAN QUE EL RECICLAJE TIENE CABIDA EN EL DISEÑO INDUSTRIAL Y LA DECORACIÓN. Texto: Agustín Velasco Jasna Sokolovic y Noel O'Connell son los talentosos diseñadores que se esconden tras el nombre de Dear Human, un estudio colaborativo de diseño fundado en Vancouver (Canadá). Su trabajo en común se asienta en la comunión de intereses y principios que pasan por la tradición artesana, la fabricación sostenible y el uso de materiales poco convencionales, sobre todo reutilizados. Jasna y Noel se conocieron mientras residían en Dinamarca y fue un flechazo creativo desde el momento en que comenzaron a colaborar hasta que en 2011 fundaron su estudio. Desde entonces han desarrollado un lenguaje propio y coherente que incluye el diseño de espacios públicos, productos y artes aplicadas. Este año han realizado una segunda entrega de sus lámparas Pulplites (2014): "Recientemente hemos tenido la oportunidad de revisitar nuestras Pulplites de hace un par de años para crear una segunda generación -explican los diseñadores-. Estamos orgullosos de presentar Pulplites Deus o, como nos gusta llamarlas, Amis de Lumiére". La nueva serie se presentó en la Toronto Design Week y se trata de lámparas donde se conjuga cerámica con pantallas realizadas con una pasta de papel reciclado, que es un claro ejemplo de | 48 | su interés por el reciclaje y la reutilización. En 2015 su producto estrella fueron los azulejos hexagonales de cerámica diseñados originalmente para la residencia BerdinCuddington, en colaboración con Measured Architecture. Más de treinta azulejos diferentes con distintos colores, diseños y texturas para crear combinaciones sorprendentes. Este producto tiene su antecedente en Wallpapering, lanzado el año anterior, unos azulejos que combinaban cerámica y pulpa de papel reciclado. Igualmente, con sus Stitch Tiles, azulejos comerciales blancos que ellos personalizan a base de cruces de colores, ofrecieron una interesante manera de jugar a crear murales y diseños como quien hace punto de cruz sobre las paredes. No dejan de explorar las posibilidades creativas de los azulejos, con los que crean ilusiones de ventanas y puertas en superficies en las que estas no existen. Como curiosidad, cabría señalar que en 2010 hicieron una incursión en la moda diseñando una corbata de seda y material reflectante, de forma que de día lucía como una corbata común pero de noche resultaba útil para hacerse visible. Estaba ideada para ciclistas, y con ella quedaron finalistas en la Seoul Cycle Design Competition. www.dearhuman.ca MERMELADA ESTUDIO LA ESCENA DEL DISEÑO ESPAÑOL ESTÁ CARGADA DE TALENTO, IMAGINACIÓN Y VISIÓN DE FUTURO. LAURA BLASCO, JUANMI JUÁREZ Y ALEX ESTÉVEZ FUNDARON EN 2012 EL ESTUDIO DE DISEÑO MERMELADA, Y DESDE ENTONCES SE HAN CONSOLIDADO COMO UNO DE LOS EQUIPOS CREATIVOS ESPAÑOLES CON MÁS PROYECCIÓN INTERNACIONAL, AL TRABAJAR CON FIRMAS DE LA TALLA DE MOROSO, KETTAL, BD BARCELONA DESIGN, KVADRAT, FERMOB O RS. Entrevista: Agustín Velasco ¿Cómo decidisteis fundar Mermelada? Nos conocimos trabajando en el estudio de diseño industrial de Gemma Bernal en Barcelona, con la que tenemos una buena amistad. Desde el primer momento hubo una conexión y con el tiempo nos fuimos marchando de forma progresiva del estudio por diferentes motivos, pero seguimos manteniendo contacto entre nosotros. Empezamos a colaborar en proyectos puntuales y concursos, y pasado un tiempo decidimos formalizar nuestra colaboración y fundar el estudio. Nos dimos cuenta de que la idea iba a funcionar cuando presentamos nuestra primera colección en Milán y tuvo una buena acogida. ¿Tenéis una percepción similar del diseño o cada uno tiene su propia idiosincrasia creativa? Lo interesante del estudio es que cada uno tiene percepciones del diseño diferentes, pero compartimos puntos en común. Esto se puede ver reflejado en nuestras piezas, que son el resultado de la mezcla de nuestras diferentes percepciones bajo un filtro común. ¿Cuál es el principal reto del diseño contemporáneo? Entender a la sociedad y la evolución de sus necesidades. El principal reto del diseño contemporáneo actual es que los productos no solo deben ser funcionales, también deben ser emocionales y no solo deben hacer más fácil la vida de quien los usa: también la deben hacer más especial y generar una conexión personal entre producto y usuario. ¿Cuál es el proyecto que mejor os representa y os define creativamente? Es difícil escoger solo uno, quizás nuestra nueva butaca para Moroso. Es un reflejo de nuestro momento actual, y es la primera pieza de nuestra etapa de madurez creativa. Sigue siendo un producto que mezcla humor, ingenio y poesía, que son las tres características que definen nuestro trabajo, pero de una forma más equilibrada. ¿Y el | 50 | más complicado? Todos tienen su complicación. Nosotros trabajamos en proyectos muy variados con empresas también muy diferentes. Cuando no es la presión de trabajar con una empresa de gran prestigio internacional como es Moroso, que se define por ser una de las empresas que marca el avantgarde de las tendencias de diseño internacional, tienes la presión de trabajar con una empresa pequeña, desconocida y local, en la que si quieres hacer algo que sorprenda y destaque debes esforzarte y ser igual de ingenioso que trabajando para uno de los grandes. ¿Cómo afrontáis el proceso creativo? Todos los conceptos surgen siempre de un dialogo entre los tres. Nuestra forma de diseñar está conectada con nuestra forma de entender el mundo y los objetos que nos rodean. Por ello es inevitable que de alguna forma las tendencias te influyan, aunque intentamos que sea lo menos posible. Buscamos lo excepcional en nuestra vida cotidiana y contar historias a través de nuestras piezas. Producimos diseños que sean funcionales, pero que tengan significado, con un lenguaje rico y detalles especiales que se descubren cuando los productos se miran con atención y se utilizan. Por otro lado, somos españoles y nuestro país ha sufrido una fuerte crisis económica, y esto de alguna forma también ha afectado a nuestra forma de trabajar y nos ha hecho ser más sensatos a la hora de usar materiales y procesos industriales. ¿Cómo es España en la escena de diseño internacional? España es el león cobarde de El mago de Oz. Somos un país con mucho talento, pero necesitamos quitarnos nuestro miedo escénico. Los españoles, sorprendentemente, somos muy tímidos y tenemos poca confianza en nuestro arte. Tenemos grandes fabricantes y diseñadores, pero tenemos que romper barreras, como son los idiomas, y de verdad creernos el potencial que tenemos. La prueba es que cuando esto pasa, los españoles nos situamos en el top del arte, el diseño… Buenos ejemplos son Jaume Plensa o Jaime Hayon. Cada uno en su profesión tienen un gran reconocimiento a nivel internacional. ¿Dónde marcáis los límites de la experimentación en vuestros diseños? Separamos nuestros proyectos en dos categorías: proyectos comerciales y personales que producimos en ediciones limitadas, incluso únicas, bajo el sello de Mermelada Editions. Depende del tipo de proyecto, los límites que marcamos son diferentes. Los proyectos comerciales siempre tienen nuestra esencia, pero son un diálogo entre nosotros y el fabricante, que es algo esencial y que nos encanta, pero inevitablemente el producto resultante suele ser más comedido y comercial. En nuestra otra vertiente de trabajo, también hay límites, pero son diferentes: es un diálogo entre nosotros y muchas veces la acotación es por presupuesto o tecnología. ¿Vuestro mayor sueño como diseñadores? Encontrar a alguien de aquí a cincuenta años utilizando y disfrutando de nuestros objetos. Eso, definitivamente, sería un sueño hecho realidad. ¿De qué estáis más orgullosos? De no perder la ilusión por la creatividad y por la vida en general: detrás de cada éxito hay muchos intentos fallidos y eso puede frustrar tus ánimos. Siempre hemos sido muy optimistas y nos apoyamos mucho entre nosotros. Cada crisis la hemos transformado en una nueva oportunidad. Creemos en el equipo y en nuestro potencial y nos sentimos orgullosos de tener el mismo sentimiento desde que fundamos el estudio. Hay una frase de Groucho Marx que dice: "Si no te gustan mis principios, tengo otros". Nosotros hacemos una variación: "Si no te gustan nuestras ideas, tenemos otras". | 51 | NOTICIAS ARTE MAUDE MARIS JENNY HOLZER EN IBIZA Maude Maris describe los temas de sus pinturas como "arquitecturas de la emoción". En su obra, Maris colecciona pequeños fragmentos de objetos encontrados e intenta reflejar las relaciones que estos objetos pueden tener entre sí. Los fragmentos de objetos, son agrupados por la artista en familias y fotografiados, para más tarde pintarlos en grandes bastidores para exquisitas composiciones oníricas. La artista explora en sus obras la estabilidad y la precariedad en un intento de analizar lo aparentemente caótico. Lo interesante en sus obras es que aunque sus pinturas sean bidimensionales, están claramente influenciadas por las propiedades formales de la escultura. maudemaris.com Ibiza es conocida por sus idílicas playas y por su intensa vida nocturna, pero este verano los amantes del arte tenemos otra razón para visitar la famosa isla balear. El coleccionista Guy Laliberte, que está detrás de las iniciativas de arte ibicencas Lune Rouge y Art Projects Ibiza, ha lanzado una ambiciosa iniciativa en colaboración con la galería londinense Sprüth Magers, para presentar trabajos de la artista conceptual Jenny Holzer, quien realiza un proyecto especialmente pensado para la isla. El resultado es la exposición Are You Alive?, la cual se podrá visitar hasta el 17 de diciembre de 2016, y consta de textos de la artista, sus truisms y trabajos realizados en rocas de la isla. artprojectsibiza.com WARD ROBERTS MANIFESTA 11 Ward Roberts, que actualmente vive en Nueva York, creció entre Australia y Hong Kong, y no para de viajar de un lado a otro del planeta, lo que queda bien reflejado en su trabajo, ya que sus obras nos muestran distintos lugares alrededor del mundo. La fotografía de Ward Roberts refleja espacios públicos en las ciudades, lugares donde mayoritariamente están presentes el cemento y el acero. De las explanadas urbanas destacan sus patrones y los colores pastel. Roberts convierte mediante la fotografía estos lugares en espacios mágicos. Se trata de lugares vacíos (sin personas) donde el protagonismo es para la arquitectura y el poder y las sensaciones. ward-roberts.com La undécima edición de la Bienal de Arte Contemporáneo itinerante Manifesta se celebra en Zúrich. Este año, la bienal gira en torno al título What People Do For Money, y cuenta con la participación de 130 artistas, entre los cuales podemos encontrar a españoles como Carles Congost, Fermín Jiménez Landa, Fernando Sánchez Castillo, Karmelo Bermejo y Santiago Sierra. Desde 1996, Manifesta se celebra con el objetivo de fomentar la producción de arte local en el lugar que acoge la muestra cada edición. Manifiesta 11 desemboca este año a orillas del Limago y se podrá visitar hasta el 18 de septiembre en su escenario clave: la plataforma flotante Pavillon of Reflections. manifesta.org | 52 | NOTICIAS ARTE THE SWITCH HOUSE JARDÍN INFINITO Seis años después de que la primera piedra fuese puesta, la nueva ala de la Tate Modern de Londres ha abierto sus puertas. La apertura de este nuevo edificio diseñado por Herzog & De Meuron amplía el tamaño del museo de arte contemporáneo en un 60 % y ofrece un enfoque aún más internacional. The Switch House (así es como se ha bautizado esta ampliación) ofrece diversas experiencias artísticas. Un lugar donde obras de maestros como Picasso, Mark Rothko o Matisse se mezclan con las adquisiciones más recientes, como fotografías del artista Lionel Wendt, de Sri Lanka, o la instalación del cineasta Apichatpong Weerasethakul, de Tailandia. www.tate.org.uk El Museo del Prado presenta Jardín infinito, un montaje original que ha sido concebido para la sala C del museo a partir de la obra maestra de El Bosco, El jardín de las delicias, y que podrá visitarse hasta el 2 de octubre de 2016. Se trata de una videoinstalación formada por una multiproyección de vídeo y audio distribuida en 18 canales de vídeo y 16 pistas de sonido con una duración aproximada de 75 minutos en la que imágenes de El jardín de las delicias son objeto de reinterpretación por parte de los autores: Álvaro Perdices y el cineasta Andrés Sanz. Esta videoinstalación crea un ambiente 'inmersivo' que nos adentra en el célebre tríptico desde un espacio perceptual increíble. www.museodelprado.es ESTAMPA COMTEMPORARY ART FAIR INÉDITOS 2016 Estampa 2016, la feria del coleccionismo y el galerismo español, se consolida en su vigésimo cuarta edición y da un gran paso para su internacionalización al incorporar dos programas destinados a estimular las relaciones internacionales y los procesos de intercambio y conocimiento de la creación artística y el galerismo contemporáneos, con coleccionistas, instituciones y comisarios de distintos países y procedencias. Matadero Madrid será de nuevo el escenario de la feria, que un año más dedica un espacio a Colecciona, el programa de impulso del coleccionismo de Estampa. Es la cita más importante del otoño para el mercado del arte. (Foto: obra de Natacha Lesueur). www.estampa.org Inéditos es una convocatoria organizada por La Casa Encendida que fomenta la inserción de los jóvenes comisarios en los circuitos profesionales de arte y facilita la posibilidad de producir su primera exposición y editar un catálogo. En esta nueva edición de Inéditos, los proyectos ganadores han sido Madrid activismos (1968-1982), comisariado por Alberto Berzosa; Viaja y no lo escribas, de la comisaria Carolina Jiménez, y Deshaciendo texto, comisariada por Irina Mutt. Cada uno de los proyectos nos aproxima a una realidad distinta de la creación contemporánea. La exposición tendrá lugar hasta el 18 de septiembre en La Casa Encendida de Madrid. www.lacasaencendida.es | 53 | ABIERTO VALENCIA 2016 ABIERTO VALENCIA CELEBRA SU CUARTA EDICIÓN. EL EVENTO ESTÁ ORGANIZADO POR LA VAC (ASOCIACIÓN DE GALERÍAS DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE LA COMUNIDAD VALENCIANA), Y LA CITA TENDRÁ LUGAR ENTRE EL VIERNES 30 DE SEPTIEMBRE Y EL SÁBADO 1 DE OCTUBRE. COMO YA ES TRADICIÓN, LAS GALERÍAS DE ARTE INAUGURAN TEMPORADA EXPOSITIVA, CON UN HORARIO ESPECIAL PARA QUE LOS VISITANTES PUEDAN ASISTIR CON MAYOR FLEXIBILIDAD. Texto: Rubén Vidal Abierto Valencia, el evento presentado por La Vac (Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de la Comunidad Valenciana), este 2016 celebra su cuarta edición inaugurando la temporada expositiva en las galerías de arte valencianas. Uno de los objetivos de esta convocatoria es implicar al público valenciano en el panorama artístico de su comunidad. Este año, la galería Rosa Santos inaugurará la temporada con el pintor Chema López, Espai Tactel con una instalación de Antonio Fernández Alvira, la galería Luis Adelantado con un Solo Project de Óscar Carrasco, Juan Olivares estará presente en Set Espai D'Art, la joven Victoria Iranzo realizará su primera individual en Area 72, la siempre transgresora Misterpink mostrará un proyecto de Vicente Talens... Y esto solo por citar algunas de las exposiciones, puesto que La Vac se compone de un total de 19 galerías: Luis Adelantado, Aural, Benlliure, Isabel Bilbao, Alba Cabrera, Cànem, Espaivisor, Misterpink, Galería del Palau, Paz y Comedias, Punto, Rosa Santos, Set Espai d'Art, Shiras Galería, Galería Thema, Galería9, Plastic Murs, Pepita Lumier y Espai Tactel. En palabras de Olga Adelantado, presidenta de la asociación e impulsora de Abierto Valencia, "queremos que Abierto Valencia se convierta en una cita ineludible para los amantes del mundo del arte contemporáneo generando nuevas sinergias con los museos e instituciones de la Comunidad Valenciana, tanto públicas como privadas. Por primera vez el evento va a contar con un programa VIP y la asistencia de invitados a nivel nacional e internacional". Una cita ineludible para los amantes del arte contemporáneo en Valencia. (Fotos, de arriba abajo: Óscar Carrasco, Galería Luis Adelantado. Fernández Alvira, Galería Espai Tactel. Victoria Iranzo, Galería Area 72). www.lavac.es | 54 | EARTHWORKS EN SONARPLANTA 2016 ESTE AÑO SÓNAR HA VUELTO A ACERCARSE A LOS AMANTES DEL ARTE CONTEMPORÁNEO CON LA PROPUESTA EARTHWORKS, UNA INMERSIVA INSTALACIÓN DE MÁS DE 25 METROS DESARROLLADA POR EL DÚO DE ARTISTAS BRITÁNICOS SEMICONDUCTOR. LA PIEZA TRATA DE LLAMAR LA ATENCIÓN DEL ESPECTADOR SOBRE LOS CAMBIOS REALIZADOS POR EL SER HUMANO DURANTE LA ERA GEOLÓGICA ACTUAL: EL ANTROPOCENO. DESDE UNA PERSPECTIVA FORMAL, LA INSTALACIÓN ES TODA UNA EXPERIENCIA AUDIOVISUAL QUE UNE POTENTES GRÁFICOS CON UN SONIDO ENVOLVENTE. FUE PRESENTADA DENTRO DEL MARCO DEL SONARPLANTA 2016, QUE TIENE COMO OBJETIVO CELEBRAR Y PROMOVER LA EXPERIMENTACIÓN DE LOS LENGUAJES CREATIVOS EN TORNO A LA TECNOLOGÍA Y EL ARTE NEW MEDIA. Texto: Tactelgraphics. Foto: Afioco | 56 | Otro año más, Barcelona se ha afianzado como una de las capitales de la electrónica con el festival Sónar, donde se da cabida a más de trescientas propuestas de lo electrónico y digital, desde conciertos, pasando por conferencias, hasta proyectos de innovación creativa. Este año cabe destacar la propuesta artística para el Sonarplanta 2016 (una iniciativa conjunta entre Sónar y la Fundación Sorigué), en la que se ha presentado una espectacular instalación new media de los artistas británicos Semiconductor -Ruth Jarman y Joe Gerhardt- titulada Earthworks. Semiconductor son un dúo de artistas, y a la vez exploradores del mundo digital y del mundo natural. Sus obras toman datos científicos de la naturaleza (movimientos sísmicos, actividad volcánica, movimientos astrales, etc.) y los convierten en piezas donde pueden verse estos datos de manera tangible y estética. Earthworks llama la atención con sus más de 25 metros de longitud que se extienden entre cinco pantallas de gran tamaño dispuestas en zig zag. Las pantallas representan el proceso de formación de la tierra y los cambios que se producen en su estructura y paisaje, desde los ocasionados por los fenómenos naturales, hasta el Antropoceno (la era actual, que se define por el impacto de la actividad humana en los ecosistemas terrestres). Esta potente instalación ha consistido en una compleja colaboración entre Semiconductor y expertos en geotecnología de la Facultad de Ciencias de la Tierra de la Universidad de Barcelona. Earthworks proyecta gráficos animados de alta definición que representan hasta el mas mínimo detalle el movimiento de los estratos de la tierra (capas que se funden y separan en un movimiento constante) impulsados por datos sismográficos extraídos de fenómenos como volcanes, terremotos, glaciares y convertidos por este dúo en un flujo envolvente de sonido. Los datos sísmicos, que se activan a partir de datos sismográficos que se convierten en sonidos extraídos de glaciares, volcanes y terremotos, han sido obtenidos del archivo público IRIS (Incorporated Research Institution of Seismology) y posteriormente utilizados por los dos artistas británicos para realizar gráficos animados inspirados en los estratos de la tierra del entorno de Planta (el complejo industrial del grupo Sorigué, en Balaguer, Lleida). TIM BISKUP EL CALIFORNIANO TIM BISKUP FUNDE EN SU TRABAJO LA ANARQUÍA DEL SKATE Y EL PUNK ROCK, LA ANIMACIÓN, EL CÓMIC UNDERGROUND, DISNEYLANDIA Y GODZILLA CON LA BELLEZA DE LA ILUSTRACIÓN JAZZY DE LOS AÑOS CUARENTA Y CINCUENTA DE CLÁSICOS COMO JIM FLORA O MARY BLAIR. SU INCREÍBLE DOMINIO DE COLOR Y ESTÉTICA SE REFLEJA NO SOLO EN SUS PINTURAS ORIGINALES, SINO TAMBIÉN EN PRODUCCIONES PARALELAS QUE HA DESARROLLADO DESDE LOS AÑOS OCHENTA: TOYS DE VINILO, LIBROS, SERIGRAFÍAS, ETC. HA COLABORADO CON ARTISTAS DE LA TALLA DE MARK RYDEN O GARY BASEMAN Y SU TRABAJO HA SIDO EXPUESTO EN PRESTIGIOSAS GALERÍAS DE LOS ÁNGELES, NUEVA YORK, SAN FRANCISCO, TOKIO, MELBOURNE, MILÁN O BARCELONA. Entrevista: Tactelgraphics ¿Podrías explicarnos tu proceso creativo? Me encanta experimentar, por lo que mi proceso está siempre cambiando. Tengo algunos materiales de base a los que sigo volviendo: grafito, vinilo, pintura acrílica, cinta adhesiva, papel y lienzo. Para las esculturas me gusta utilizar Casteline y arcillas industriales. Recientemente he estado concentrado en el dibujo con grafito. Durante varios años he estado usando el filo de los palillos de grafito grande para hacer dibujos abstractos en el papel. Es una técnica muy rápida y gestual. Debido a la velocidad de ese gesto, mis pensamientos apenas pueden mantenerse al ritmo de las marcas que voy haciendo. El proceso termina por sentirse más como meditación o baile. Exige mucha atención y apertura. Esa inmediatez significa que puedo derramar mucho del ruido mental que llena mi mente cuando estoy haciendo obras más complejas. Los dibujos resultantes son muy personales, como una representación visual de mi identidad. ¿Cuál fue tu primer contacto con el arte? La mayoría de lo que me ha inspirado en la vida no han sido cosas que puedan identificarse como arte. He visto un montón de dibujos animados, he ido a Disneyland, he hecho modelos de plástico de monstruos y hotrods (bólidos de carreras). Viví en Los Ángeles entre los vestigios de la era moderna de mediados de siglo: edificios modernos por todas partes, logos y señales que en aquel momento todavía estaban en uso. Estas imágenes han formado mi estética y continúan conmigo. La primera vez que recuerdo haber sido influenciado considerablemente por un artista específico fue en una visita al centro Georges Pompidou cuando era un adolescente. Giré una esquina y estaba cara a cara con un lienzo grande de Roberto Matta: sentí que estaba siendo absorbido por su mundo. Reconocí algo en su estética que me pareció la pieza que faltaba en mi comprensión del universo. Tus orígenes comienzan en el mundo de la ilustración, pero ahora estas introduciéndote en el mundo del arte contemporáneo. ¿Es así o estoy equivocado? Yo nunca quise realmente ser ilustrador. Quería pintar como Matta y DuBuffet. Estudié Bellas Artes en la escuela (OTIS College, Los Ángeles) pero yo no estaba interesado en el arte contemporáneo en aquel tiempo. Eran los años ochenta y la pintura (especialmente el tipo de trabajo que quería hacer) estaba muerta. Parecía que el minimalismo conceptual era lo que todo el mundo parece respetar, y debido a esta creencia popular estuve constantemente desalentado por la mayoría de mis maestros. Dejé la escuela sin muchas esperanzas de exponer alguna vez en una galería. Empecé a hacer portadas y diseños de camisetas para bandas, luego continué haciendo diseños para tablas de patín y luego seguí con la animación. Durante unos diez años trabajé en ello constantemente. Era el tipo de entrenamiento que estaba buscando en la escuela de arte. Aprendí a hacer cosas | 58 | bellas. He hecho la transición a la exposición en galerías organizando subastas de arte de estilo guerrillero en bares. Galeristas y coleccionistas vinieron a mis eventos y me ofrecieron exposiciones. Mi carrera siempre ha sido así. Voy haciendo lo que me parece que está bien y con el tiempo el trabajo llama la atención de las personas adecuadas. Con los años he aprendido a confiar más en mí y a encontrar mi propia manera de hacer las cosas. ¿Cuáles son tus mayores inspiraciones? Tengo una idea muy diplomática de la inspiración, así que es difícil apuntar a artistas específicos sin nombrar cientos de personas. Recientemente he estado buscando en un libro de cristal grabado que solo me da ganas de dibujar. Matta es todavía una gran influencia, Barry McGee, Jonathan Zawada, Kati Heck, Ryan Travis Christian, Allison Schulnik... Solo unos pocos. Tu trabajo es cada vez más abstracto. Ha sido un proceso largo pero no puedo decir que haya sido difícil porque ha sido muy agradable. Me ha tomado mucho tiempo para dejar ir la necesidad de crear una imagen representativa cuando trabajo. Y sigo jugando con ese impulso todo el tiempo. Mientras estoy trabajando veo cosas en mi mente que parecen el camino lógico a seguir. Como cuando una forma abstracta comienza a parecerse a algo. Mi impulso es convertirlo en esa cosa. A veces lo hago y a veces no. Últimamente me siento mucho más cómodo haciendo obra abstracta, y desafiar ese impulso es algo muy divertido para mí. Me encanta jugar a ese juego: es un diálogo interno muy personal. ¿Trabajas con una galería de arte contemporáneo? ¿Has estado en España? Solía trabajar con Iguapop en Barcelona. Hice unas cuantas exposiciones allí y amo a la gente y la ciudad. Desde entonces sigo encontrándome con más españoles que se relacionan con mi trabajo y lo apoyan. Conocí a Fer Frances el año pasado y nos hicimos amigos, y recientemente me presentó a la Galería Espai Tactel. Estamos organizando una expo individual en la feria Arte Santander este mes de julio. También estoy planeando una muestra individual con ellos en su espacio en Valencia. ¿Compras arte? ¿Qué tipo de arte? Compro arte de vez en cuando, pero sobre todo hago intercambios con otros artistas. Es una de mis tradiciones favoritas de la escena del arte: artistas que negocian entre sí. Sobre todo, me gustan los cuadros. Todd James, Mark Ryden, Kaws, James Jean, Josh Jefferson, Amanda Visell, Friends With You, Eric White... Negociar es complicado, porque los artistas somos todos diferentes, pero creo que realmente nos ayuda a relacionarnos entre nosotros. Cuando no hay dinero involucrado es solo el arte. Es refrescante. ¿Qué estás preparando ahora? Estoy trabajando en mas piezas para Arte Santander, dibujando y trabajando en un libro con Todd Oldham y AMMO Books. Estoy preparando algunos proyectos de música y cine, pero aún están en desarrollo. | 59 | ARTE Y EXPOS Rorro Berjano Luciana Novo Delimbo Gallery, Sevilla. delimbo.com Luis Adelantado, Valencia. www.luisadelantado.com Hasta el 10 de septiembre de 2016 Hasta el 23 de septiembre de 2016 SANTOS, DIFUNTOS POSSIBILITY OF LANDSCAPE El extremeño Rorro Berjano (Don Benito, 1979) regresa a la escena artística de la mano de Delimbo Gallery, con su nueva y esperada exposición individual titulada Santos, difuntos, dieux et fétiches. En esta primera comparecencia en solitario en la galería sevillana, el artista nos sumerge en su apócrifa y particular figuración: una que se nutre de las ideas sincréticas y simbólicas que ha ido tejiendo durante los últimos años, recorriendo un magma pictoricista que nos acerca a la cosmología antropológica afrocubana, la síntesis pública del grafiti como registro del tiempo -más allá del arte urbano-, la decadencia de la sociedad de consumo o el imaginario de los ídolos caídos. A modo de bitácora personal, el extremeño ahonda y explora en su propia idiosincrasia y en su agenda de intereses: música, filosofía e historia del arte. La exposición cuenta con cierta diversificación disciplinar objetual, para brindar un absoluto tributo a pintura, escultura y cerámica. De hecho, los trabajos realizados con barro y esmaltes tienen un amplio protagonismo discursivo y, junto al resto de apariciones fetichistas e idólatras, debaten de una manera muy precisa sobre las ambivalencias de nuestro estilo de vida actual, siempre desde la cultura de los objetos, la sátira e ironía, la representación y las imágenes. Luciana Novo es una artista multidisciplinar. Su práctica, muy cercana a la escultura y vinculada a la instalación, genera espacios que rozan lo fantástico, lo mágico. La exposición Possibility of Landscape es fruto de un proceso de trabajo que ha tenido lugar en el propio espacio de la galería, durante el cual la artista ha trasladado física y conceptualmente parte de su estudio a la sala, haciéndose con el espacio y generando una instalación concreta y única a través de lo vivencial. Sus piezas se reconocen entre lo inmutable de la naturaleza y lo fabril de los materiales de consumo, y generan un aura muy característica. Esta instalación ha sido generada expresamente para el espacio y está conformada por las mitologías personales de la artista. Se centra en su producción escultórica de corte acumulativo e instalativo. De este modo, se genera una recreación, una posibilidad de paisaje intuitivo, en la que el realismo asoma con frecuencia. La conjunción de los elementos de la naturaleza, siempre presente en la esencia de su trabajo, se alía con elementos propios de la sociedad de consumo. Se busca generar una experiencia sensorial que abarque todos los sentidos y nos transporte al universo de la artista. Con este fin, la artista colabora con Odo7, quien ha creado una serie de esencias para la exposición Possibility of Landscape. | 60 | ARTE Y EXPOS Colectiva El Bosco MACBA, Barcelona. www.macba.cat Museo Nacional del Prado, Madrid. www.museodelprado.es Hasta el 26 de septiembre de 2016 Hasta el 11 de septiembre de 2016 PUNK. SUS RASTROS EN EL ARTE EL BOSCO V CENTENARIO El MACBA presenta Punk. Sus rastros en el arte contemporáneo, un recorrido por la influencia del punk en el arte actual, y se hace eco de la importancia de su presencia como actitud y como referente entre muchos creadores. La exposición comprende instalaciones, rastros documentales, múltiples, fotografías, vídeos y pintura. Además, incluye una sección documental sobre los orígenes del punk y sus rastros hasta la actualidad. Algunas de las temáticas tratadas son el ruido, la negación, la violencia, el nihilismo o la sexualidad. La insatisfacción, el inconformismo, la pérdida de fe en el progreso o la crítica feroz a los iconos del sistema económico y social aparecen en la obra de estos creadores. El punk surgió en Londres y Nueva York entre 1976 y 1978 como una explosión de malestar y descontento ante una situación sin futuro que enseguida prendió y se extendió geográficamente. Una rabia que hoy todavía resuena. En esta exposición, el punk aparece como una referencia explícita en muchos artistas; en los usos de elementos como el ruido, la tipografía de recortes, el antidiseño y el feísmo; o con la inclusión de referencias musicales explícitas a grupos musicales. Pero también se muestra el rastro del punk como actitud: la negación, la oposición y la destrucción, el hazlo tú mismo, el nihilismo o la reivindicación de la libertad sexual. El Museo del Prado presenta El Bosco. La exposición del V centenario, una ocasión irrepetible para disfrutar del extraordinario grupo de las ocho pinturas de su mano que se conservan en España junto a excelentes obras procedentes de colecciones y museos de todo el mundo. A la colección del Museo del Prado, la más numerosa y mejor del mundo y que incluye obras maestras como El jardín de las delicias, El carro del heno o Adoración de los Magos, se suman préstamos reunidos por primera vez en esta exposición, como el tríptico de Las tentaciones de san Antonio Abad, del Museu Nacional de Arte Antiga de Lisboa; Cristo camino del Calvario, de Patrimonio Nacional; La coronación de espinas, de la National Gallery de Londres, y el dibujo del Hombreárbol, de la Albertina de Viena, una verdadera obra maestra. Se trata del repertorio más completo de El Bosco reunido hasta la fecha, uno de los artistas más enigmáticos e influyentes del Renacimiento, que invita al público a adentrarse en su personal visión del mundo a través de un montaje expositivo espectacular que presenta exentos sus trípticos más relevantes para que se puedan contemplar tanto el anverso como el reverso. Un montaje sorprendente y excepcional que reúne más de medio centenar de obras del imaginario del artista. | 61 | ARTE Y EXPOS Boltanski Colectiva IVAM, Valencia. www.ivam.es IVAM, Valencia. www.ivam.es Hasta el 6 de noviembre de 2016 Hasta el 2 de octubre de 2016 DÉPART - ARRIVÉE VLC. VALENCIA LÍNEA CLARA "Cuanta más edad tenemos, mayor es la impresión de caminar sobre un campo de minas. Los amigos saltan por los aires a nuestro alrededor y mañana, quizá, sea nuestro turno". Esta frase de Christian Boltanski (París, 1944) remite con claridad a los grandes temas que transitan por sus obras e instalaciones y que marcan toda su trayectoria artística. La memoria, la pérdida y la muerte son conceptos principales, casi obsesiones, en la obra de Boltanski, así como sus reversos en el olvido, la desmemoria, el azar y el rastro apenas inexistente que deja cualquier vida tras desaparecer. Aquello que en otras etapas de su trayectoria evocaba la desaparición de la infancia, el deceso de sus padres o la muerte colectiva, se centra ahora en su propio fin. Todos estos aspectos quedan reflejados y analizados en la exposición que presenta el IVAM, realizada con motivo de la concesión del Premio Internacional Julio González 2014, que cuenta con siete grandes instalaciones distribuidas por la galería 1. Cuando vemos una obra de Christian Boltanski no podemos evitar 'reaccionar', pues la experiencia común de la pérdida de un familiar o de una persona querida genera un hueco en nuestras vidas que en ocasiones es sustituido atropelladamente: "Me interesan las pequeñas historias de los individuos que no son célebres". Durante los años sesenta y setenta, Valencia vivió un espectacular momento creativo. Las vanguardias creativas explotaban a través de grupos como Equipo Crónica y Realidad, que influían decisivamente en los jóvenes que por aquel momento comenzaban a cursar sus estudios artísticos. Unos jóvenes creadores que, además, se habían formado en la cultura del tebeo, que tuvo en Valencia un centro neurálgico durante los años cuarenta y cincuenta. Los tebeos de la Editorial Valenciana, los Jaimito y Pumby, el TBO o las publicaciones de Bruguera, como Pulgarcito, generaron un bagaje visual que se amalgamó durante su etapa formativa con las nuevas tendencias artísticas que inundaban la ciudad y con las que llegaban del exterior: el cómic que durante su niñez los atrajo se convertía en Francia y en EE.UU. en un exponente de contraculturalidad y modernidad, en un mensaje de libertad e innovación que tuvo en Miguel Calatayud su primer gran exponente. La exposición del IVAM VLC. Valencia Línea Clara hace un repaso a ese momento de explosión creativa del cómic valenciano deteniéndose en la trayectoria de siete de sus principales autores y mostrando el complejo juego de influencias que dio lugar a ese estilo y, también, la profunda marca y relación que entabló con su ciudad de origen. | 62 | ARTE Y EXPOS Núria Güell Natacha Lesueur ADN, Barcelona. www.adngaleria.com Espai Tactel, Valencia. www.espaitactel.com Hasta el 9 de septiembre de 2016 Hasta el 5 de agosto de 2016 BUENAS INTENCIONES I AM A CLICHÉ En su segunda exposición individual en Barcelona, Núria Güell presenta en ADN Galería la muestra Buenas intenciones, un compendio de proyectos realizados a partir del año 2014 que cuestionan los límites de la institución del arte y utilizan su infraestructura en distintos niveles -que abarcan de lo legal o financiero a lo estrictamente humano- para plantear cuestiones acerca de las bases morales más arraigadas al statu quo. Una de las características principales de la exposición es que, en todas las obras seleccionadas, la artista asume un riesgo o implica a su persona íntegramente: a nivel afectivo, físico, emocional, legal o político. Los proyectos de Güell abren una puerta a lo impredecible, a aquello que escapa de su control. Las seis obras funcionan por un lado como historias autónomas, pero por otro lado también se articulan entre ellas, estableciendo un diálogo que oscila entre lo personal y lo colectivo. Además, Buenas intenciones no plantea únicamente cuál es el valor de las acciones, sino también sus consecuencias, que en muchos casos se miden por oposición: intención vs. efecto, ética vs. moral, acción vs. reacción, y discurso vs. práctica, entre otros. En conjunto, la composición de la exposición lanza una serie de dilemas y de problemáticas globales a través de narrativas particulares que implican al espectador. Espai Tactel presenta la obra de la artista Natacha Lesueur (París, 1971). Lesueur realizó su primera exposición individual en 1996, ganó el Premio Ricard en 2000 y, además, entre 2002 y 2003 ganó una residencia en la Villa Medicis, en Roma. Expuestas internacionalmente, sus obras han podido verse en las colecciones públicas y privadas más prestigiosas de Europa. I am a cliché es su primera exposición en una galería española, pero no es la primera vez que expone en Valencia, donde mostró su trabajo en el Institut Française en 2006. El trabajo de Natacha aborda cuestiones alrededor de la construcción social del estereotipo y denuncia el diseño cultural de los clichés de género. Sus fotografías subrayan una serie de usos, de huellas, de marcadores de la identidad femenina (gesto, maquillaje, vestuario, peinado) sobre los que interviene para señalar el artificio de la apariencia. A través de estas obras podemos entender cómo la fotografía se ha acercado mucho a la escultura en la (re)presentación de las cosas y, también, en el retrato del cuerpo como algo performativo. Sus fotografías son la evidencia crítica de una realidad, de un volumen (el cuerpo, las cosas) que se muestra bajo una apariencia y esgrimiendo unas actitudes determinadas, detenidas en la foto, que ponen en cuestión los arquetipos establecidos. | 63 | Element nace en el año 1992, fundada por el artista y skateboarder Johnny Schillereff. Con los años, la firma se ha convertido en una marca global que abarca una gran variedad de productos representados por los mejores patinadores del mundo. A través de su continuo programa de embajadores, Element ha creado una excelente tradición de colaboración con punteros y talentosos artistas, tales como Push, Thomas Campbell, Jeremy Fish, Timber o el fotógrafo Brian Gaberman, entre otros, y se ha convertido en una firma referencia de la cultura skate gracias a su buen hacer y al respeto de sus raíces más profundas: el skate y el estilo de vida que lo rodea. Esta edición de OCIMAG, los primeros en suscribirse se llevarán una prenda de la colección Element Perspective, la serie de camisetas que la firma lanza cada temporada con el trabajo de los artistas más destacados que documentan la escena del skateboarding y su lifestyle. (Producto a elegir sujeto a disponibilidad de stock). #ElementPerspective www.elementbrand.com Información y suscripción online: www.ocimag.com | 64 |