summary - obradoiro de artesanía

This is a very special edition of the magazine “Obradoiro de Artesanía”, a
new issue in which, as usual, we try to disseminate the richness and quality of
our craft sector, in which traditional trades coexist with new ways of creating
handicrafts and with the implementation of design and new technologies.
Besides, it comprises professionals from different generations: from great
masters who have the experience and knowledge of a whole life devoted to
their trade to younger artisans who give the sector a new fresh and contemporary look.
Javier Guerra Fernández
Economics and Industry Regional Ministry
Conselleiro de Economía e Industria
We would like to remember in this magazine two great masters who passed
away this year, and who were very important for this sector for many years.
One of them was the silversmith Eloy Gesto, from Santiago de Compostela,
on whom an extensive article was published in the fourth issue of this magazine and whose pieces were displayed in the exhibition “Tesouros Privados”
in Santiago de Compostela and Vigo. The other one was the potter Indalecio
Lombao from Bonxe, one of the artisans thanks to whom this parish in the municipality of Outeiro de Rei (Lugo) is one of the four current traditional pottery
centres in Galicia, with Buño, Gundivós and Niñodaguia.
We also wanted to talk about the pottery from Bonxe in an extensive article
on the work of Pepa Lombao, Indalecio’s daughter, and on the recently opened Museo da Olería, which this craftswoman runs with the aim of creating
a space for the promotion and preservation of this tradition.
Regarding the rest of the contents, there is an article in this issue on Media
Lúa, leather artisans who have a brand new shop-workshop in Compostela, and another one on the textile artisans from Belategui
Regueiro. We also present the project “Interweaving, Handicraft at School,” an initiative which we started with the aim of introducing
children to handicraft. We also wanted to cover a trade which is unknown in Galicia, the craft of feather-making, with the prestigious
French artisan Nelly Saunier, who came to teach a course of the Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño at the end of
2010. And, finally, we also include in this new issue different proposals for incorporating handicrafts into fashion design, with the ideas
of the teacher Silvia García González and an article on a meeting between designers and bobbin lacemakers, which we organised
during the last Camariñas Lace Exhibition. It was directed by the Galician designer José Castro with the aim of opening new perspectives
for the creation of contemporary craft pieces, as well as boosting the collaboration of the craft sector with other disciplines.
Os presentamos una edición muy especial de la revista “Obradoiro de Artesanía”, un nuevo número en el que, como siempre, tratamos
de dar a conocer la riqueza y calidad que caracterizan a nuestro sector artesano, en el que conviven oficios tradicionales con nuevas
formas de hacer artesanía, la incorporación del diseño y las nuevas tecnologías, a la vez que conviven profesionales de generaciones
muy diversas: desde grandes maestros que cuentan con la experiencia y el saber de toda una vida de oficio hasta artesanos más jóvenes que dan al sector una nueva mirada fresca y contemporánea.
Y en un lugar muy destacado de este sector se han encontrado durante años dos grandes maestros que nos han dejado este año 2011 y
que nos gustaría recordar en esta revista: el orfebre compostelano Eloy Gesto, a quien ya se le dedicó un amplio reportaje en el número
4 de esta publicación y cuyas piezas expusimos en Santiago de Compostela y Vigo a través de la muestra Tesouros Privados, y el alfarero Indalecio Lombao de Bonxe, uno de los artesanos a los que debemos que hoy en día esta parroquia del ayuntamiento de Outeiro
de Rei (Lugo) sea uno de los cuatro centros alfareros tradicionales en activo de Galicia, junto con Buño, Gundivós y Niñodaguia.
Hemos querido acercarnos también a la alfarería de Bonxe a través de un amplio reportaje sobre el trabajo de Pepa Lombao, hija de
Indalecio, y el recientemente estrenado Museo da Olería, gestionado también por esta artesana con el objetivo de crear un espacio de
promoción y conservación de esta tradición alfarera.
En cuanto al resto de contenidos, contamos en este número con reportajes sobre el taller de cuero Media lúa, que estrena tienda taller
en Compostela, o los artesanos textiles de Belategui Regueiro, presentamos el proyecto Enredando, artesanía na Escola, una iniciativa que hemos puesto en marcha con el objetivo de acercar el sector de la artesanía a los más jóvenes. Nos hemos querido acercar
también a un oficio muy desconocido en Galicia, la plumería, a través de la reconocida artesana francesa Nelly Saunier, que vino a
impartir un curso de la Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño a finales del año pasado. Y, por último, incluimos también
en esta nueva edición varias propuestas de incorporación de la artesanía al diseño de moda, a través de las reflexiones de la profesora
Silvia García González así como un reportaje sobre el encuentro entre diseñadores y encajeras que organizamos durante la celebración de la Mostra do Encaixe de Camariñas, dirigido por el diseñador gallego José Castro con el objetivo de abrir nuevas perspectivas
en la creación de piezas de artesanía contemporánea, así como la colaboración de la artesanía con otras disciplinas.
summary - sumario
2
Greets You: Javier Guerra, Economics and Industry Regional Ministry /
Saluda: Javier Guerra Fernández, Conselleiro de Economía e Industria
4
Bonxe, Wisdom on Clay / Bonxe, la sabiduría del barro
14
The Music of Weaving / La música del tejido
22
New moon / Luna nueva
28
Nelly Saunier Master of Art, a Plumassière in Galicia /
Nelly Saunier maestra de arte. Una plumassière en Galicia
36
On&Off Spaces in the City of Culture / Espacios On&Off de la Cidade da Cultura
44
The Memory of Textures / La memoria de las texturas
52
Interweaving, Handicraft at School / Enredando, artesanía en la escuela
58
José Castro, Internationalising Lace / José Castro, internacionalizando el encaje
Published by
Xunta de Galicia
Consellería de Economía e Industria
Dirección Xeral de Comercio
Coordinated by
María Guerreiro
Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño
L25MN Área Central 15707 Santiago de Compostela
Tel.: 881 999 523 Fax 881 999 170
e-mail: [email protected]
www.artesaniadegalicia.org
Design and production
dardo
[email protected]
Editorial staff
María Guerreiro, Eliana Martins, (dardo)
Photography
Eduardo Armada, Miguel Calvo, Cenlitrosmetrocadrado,
Manuel G. Vicente e contribucións dos artesáns
D.L.: C-4788-2008
3
BONXE, WISDOM On clay
Bonxe, la sabiduría del barro
Pepa, or Pepita, like her neighbours call her, is
not the last potter in Bonxe, although it seems so.
According to her, she is the only potter for now
but she is confident that the trade will not die
with her. Besides, she had already heard other
people saying that they were the last potters, her
father among them; however, the work of Pepa
Lombao proves that pottery will be present for a
long time in this village in Lugo.
4
Pepa, o Pepita, como la llaman sus vecinos, no
es la última alfarera de Bonxe, aunque así lo parezca. De momento es la que está, como dice ella,
pero mantiene la confianza en que el oficio no
morirá con ella, y ya había oído muchas veces a
otros, entre ellos a su propio padre, asegurar que
eran los últimos alfareros, y Pepa Lombao es la
confirmación de que los cacharros de este pueblo
lucense aún tienen mucho recorrido.
Bonxe has always been a land of potters but its future is
now at risk. Pepa Lombao has the only traditional pottery workshop in this village in the municipality of Outeiro
de Rei (Lugo), a trade which she inherited from his father
and history. There are documents which prove that pottery
has been present in Bonxe for more than three hundred
years, registers where payments for the extraction of clay
in the area of San Lourenzo were recorded. It was used
to produce clayware for practical purposes, since it was
commonplace in daily housework. Most of the neighbours
of the area threw pottery for a living, an activity which
was combined with others, such as agriculture or stockbreeding.
“I can’t wait for people
“Music too, children were taught to sol-fa to play in the
bands,” Pepa says. And the Lombaos were one of those
families in Bonxe who passed on the trade which Pepa
took on thirty years ago. In the second half of the 20th century, new materials, such as plastic, started to being used
– this was the beginning
of the decline of pottery.
In Bonxe, only one neighbour, Manuel de María,
continued to turn the wheel,
and he fired once a year.
In 1973, after he retired,
Indalecio, Pepa’s father,
something personal to
Bonxe ha sido una tierra
de alfareros, aunque hoy
su futuro está más comprometido. Pepa Lombao mantiene el único taller de alfarería tradicional en este
pueblo situado en el ayuntamiento de Outeiro de Rei (Lugo), un oficio que le llegó
de manos de su padre y de la propia historia. Consta en
la documentación que la alfarería tiene una antigüedad
de más de trescientos años en Bonxe, gracias a registros
en los que se recogían los cobros por la extracción de barro en la zona de San Lourenzo. Con él se hacían unos cacharros que tenían una finalidad eminentemente práctica,
ya que eran utilizados en el día a día para los quehaceres
domésticos. Casi la totalidad de los vecinos de la zona se
dedicaba al torneado, actividad que compaginaban con
otras, como la agricultura y la ganadería.
“Y la música, también se preocupaban de enseñarle solfeo a los niños para tener músicos en sus bandas”, apunta
Pepa. Y entre las familias de Bonxe estaban los Lombao,
que fueron transmitiendo el oficio que hace treinta años
recogía Pepa. Con la llegada de nuevos materiales como
el plástico en la segunda mitad del siglo XX, la alfarería
empieza su declive, y en Bonxe únicamente un vecino,
Manuel de María, continuó dándole vueltas al torno,
to come and say that
they want to be potters
in Bonxe, people who
preserve the trade, who
steep themselves in
traditional pottery and
then create. I think that
it’s natural to want to add
your work.”
“Estoy deseando que
alguien llegue y diga que
quiere hacer alfarería en
Bonxe, que conserve el
oficio, que se empape de
la alfarería tradicional
y que a partir de ahí, él
cree, porque me parece
lógico que cada uno
quiera aportar algo
personal a su trabajo”
5
“I defend the trade,
making the pieces
individually, because that’s
what makes them special,
being unique.”
“Yo defiendo el oficio,
hacer pieza a pieza,
porque eso es lo que da
singularidad, la pieza
única”
continued with this trade, coinciding with a period when
people started to be interested in pottery again. In those
days Pepa came back to Bonxe at the age of 22, and she
found herself in a situation very similar to that one in her
childhood. “It was like reviving everything, and I got the
potter’s wheel bug because here women never threw pottery, it was only for men.” And she learnt from his father,
and she also specialised in pottery in the Arts and Crafts
School in Lugo.
“Little by little you start to get hooked on this job but you
also have to be responsible with what your ancestors left
you.” For this very reason she is willing to teach whoever
wants to learn this trade. In fact, she mentions that this
summer a girl from Bonxe is going to learn with her the
trade of pottery, so she thinks that it is not going to die
with her. “I can’t wait for people to come and say that
they want to be potters in Bonxe, people who preserve the
trade, who steep themselves in traditional pottery and then
create. I think that it’s natural to want to add something
personal to one’s work.” An evolution which, according to
Pepa, must be based on tradition.
cociendo una vez al año. En 1973, tras la jubilación,
Indalecio, el padre de Pepa, retomó la rueda, coincidiendo con una época en la que se empezaba a recuperar el
interés por la alfarería. En aquel momento, Pepa regresaba a Bonxe con veintidós años, y encontró esta situación
similar a la de cuando era pequeña. “Fue como volver a
encontrarme con todo, con el oficio, y me entró el gusanillo del torno, porque aquí las mujeres nunca torneaban,
eso era cosa de hombres”, y fue aprendiendo de su padre
además de cursar la especialidad de cerámica en la Escuela de Artes y Oficios de Lugo.
“Te vas enganchando a este trabajo, pero también es un
poco de responsabilidad con lo que han dejado tus antepasados”, por eso también se muestra plenamente dispuesta a transmitir ese oficio a quien lo quiera aprender.
De hecho, comenta que este verano una chica de Bonxe
va a aprovechar para conocer de las manos de la propia
Pepa el trabajo de la alfarería, así que no piensa que
con ella vaya a extinguirse este oficio. “Estoy deseando
que alguien llegue y diga que quiere hacer alfarería en
Bonxe, que conserve el oficio, que se empape de la alfarería tradicional y que a partir de ahí, él cree, porque me
parece lógico que cada uno quiera aportar algo personal
a su trabajo”, una evolución que para Pepa tiene las bases en el dominio de la tradición.
6
“I always say that it’s very important to evolve but that
evolution has to be noticeable; we can’t lose identity in
such a way that people can’t identify where a piece is
from. I would like that evolution to start from tradition.
This is the only way to preserve the different pottery styles,
otherwise they will end up being just work centres, and
they won’t have that pottery identity.” This does not mean
that one cannot be modern or create contemporary pieces but quite the opposite. For Pepa, pottery needs to be
useful, so she had to research on the uses which clayware
could have nowadays, and she came up with coffee sets,
bases for plasma televisions and corporate gifts. Being
handmade is a distinguishing factor which makes handicrafts more valuable. “We must learn to like what we do,
to like what we have. Once we learn that, we can proudly
present a pot, a butter churn or an evolved piece which
preserves the style, the quality of clay, the tonalities… I
defend the trade, making the pieces individually, because
that’s what makes them special, being unique.”
In fact, pieces have changed with the passage of time because when new materials went on the market potters had
to take more care over their products. Hence the decoration in pottery, which, according to Pepa, is quite recent.
In the past, production was so high that there was not
time to decorate or fix the bottom of the pieces. “When
the pieces began to be useless, potters realised that they
had to make them more attractive to be more successful.”
“Yo siempre digo que hay que evolucionar, pero que esa
evolución tiene que ser reconocible, no podemos perder
la identidad y que no se reconozca que la pieza es de un
sitio. Me gustaría una evolución partiendo de esas formas
tradicionales. Es la única manera de conservar las alfarerías, sino acaban siendo centros de trabajo, dejan de
tener esa identidad alfarera”. Esto no significa renunciar
a la modernidad, a la creación de artículos contemporáneos, sino todo lo contrario. Para Pepa, la alfarería está
unida a su utilidad, y como tal, tuvo que buscar cuáles
son esos usos que hoy puede tener la pieza de barro, y
así va desde los juegos de café hasta bases para pantallas de plasma, o los regalos de empresa. Parte del valor
de la pieza artesana está en el propio valor de lo hecho
a mano como factor diferencial, “tenemos que aprender
a querernos nosotros, a querer lo que tenemos; a partir
de ahí puedes ir con orgullo con una olla, una natera o
una pieza evolucionada, pero que conserva esa manera
de hacer, esa calidad del barro, esas tonalidades… Yo
defiendo el oficio, hacer pieza a pieza, porque eso es lo
que da singularidad, la pieza única”.
De hecho, las propias piezas han ido cambiando con el
tiempo, ya que una vez que los nuevos materiales fueron
entrando en el mercado, los alfareros tuvieron que cuidar
más sus productos. Así, Pepa señala que la decoración
de los cacharros es bastante reciente, porque antiguamente se realizaban tantos que no había tiempo para
decorar ni para arreglar las piezas por debajo. “A medida que fue dejando de ser tan útil, los alfareros se dieron
cuenta de que la pieza tenía que ser más atractiva para
que gustara más”.
Josefa Lombao
Bonxe 17, Outeiro de Rei
Tel.: +34 982 393 399
[email protected]
http://pepabonxe.blogspot.com
Craftsman card / Carta de artesana nº 307
Craft workshop / Taller artesano nº 359
7
“I would like that the
evolution started from
tradition. This is the only
way to preserve the
different pottery styles”
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SHOWING THE PROCESS
In the fairs which this craftswoman attends something
odd happens: people often say that her pieces are expensive. However, when she sells them in her workshop, people think totally the opposite. Pepa Lombao
can show everything there, the two kinds of clay which
she works with, the mixtures, the throwing, the firing…
“And they aren’t considered expensive anymore,” she
says. “One needs to show people the value of each
piece in a very didactic way.” For this reason she combines her work as artisan with the task of spreading
the trade – she is the one in charge of the Museo da
Olería in Bonxe, which opened on March and shares
the space with her workshop. A tour of pieces made by
different potters in different periods – some of them are
over 300 years old – with display panels which give
information about pottery and the traditional pieces.
Pieces which were used for specific purposes and help
us to have a better understanding of a period which is
not very distant in time but which has changed a lot.
Nowadays, we do not need a pot to measure 16 litres
of wine, churns to make butter or breast pumps for women to extract milk from their breasts. “I love it when
school trips visit my workshop because, when I explain
the uses of the pieces to them, they realise that their shape is important, that they were made that way because
it was necessary for their use. So we are transmitting
our way of living and our traditional culture.”
Enseñar el proceso
“Me gustaría una
evolución partiendo de
esas formas tradicionales.
Es la única manera de
conservar las alfarerías”
En las ferias a las que asiste esta artesana, se produce
una situación curiosa: a menudo, hay gente que opina
que las piezas son caras. Esta opinión se invierte en el
momento en el que la venta se produce en el taller. Allí,
Pepa Lombao puede enseñar todo lo que hay detrás, los
dos barros con los que trabaja, las mezclas, el torneado,
la cocción… “Y ya no es caro”, apunta, “hay que enseñar a la gente ese valor que tiene de una manera muy
didáctica”. Por eso combina la actividad productiva con
la de la divulgación, gestionando ella misma el Museo da
Olería de Bonxe, que comparte sede con el taller, y que
fue inaugurado en marzo de este año. Un recorrido en el
que se encuentran piezas de distintos alfareros y épocas,
algunas con más de tres siglos a cuestas, y con paneles
explicativos que ilustran acerca del oficio y las piezas tradicionales. Piezas que tenían usos muy específicos y que
sirven para conocer mejor una época no muy distante en
el tiempo, pero que ha cambiado mucho. Hoy en día, no
es necesario contar con una olla para medir los dieciséis
litros de vino, nateras para hacer mantequilla, o pezoneras con las que las mujeres extraían leche del pecho.
“Cuando vienen excursiones de niños me gusta mucho,
porque cuando les explicas la utilidad de las piezas se
dan cuenta de que las formas no son por capricho, de
que eran así porque era necesario para su utilidad. Y
así estamos transmitiendo nuestra forma de vivir y nuestra
cultura tradicional”.
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THE POTTERY FROM BONXE
TOOLS FOR EXTRACTING AND PREPARING
CLAY / HERRAMIENTAS PARA EXTRAER Y PREPARAR EL BARRO
1
2
3
4
5
6
1> STICK / ESPETO · 2> MALLET / MACICO
3> HAND HOE / EIXADA PEQUENA · 4> PICKAX / EIXAL
5> SHOVEL / PÁ · 6> BASKET /CESTA
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Pottery in this village in Lugo is over 300 years old,
and in almost every house somebody knew how to
throw. For this reason it has well-defined characteristics, like the kind of clay used. This is the result of
mixing two different quality clays, one from Bonxe
and the other a variation from the nearby parish of
San Lourenzo. Pepa Lombao extracts it every eight
years and she stores it in the open air. They are
mixed to get the appropriate texture – hence its special quality to store liquids.
The next step is throwing it on the potter’s wheel,
which, in this case has a high shaft. It consists of the
wheels, a shaft, a seat (sentadoiro) where potters
position themselves, and a tranqueiro, a wooden
crosspiece on which the right foot leans while the
left foot spins the lower wheel. The tools for throwing
are on the front board. These are: the canaveira (a
half-moon scraper with a straight part for decorating
and a curved side for shaping the neck), the wheel
isope (a brush for decorating), the cut-off wire (for
removing the piece from the wheel) and the cup or
cunca (a container for the water or the decorating
slip). It is in this stage when pieces are decorated
with white clay and motifs such as half-moons or
spots; some of them are glazed too.
Once the pieces are modelled they have to be fired.
Although gas kilns are very common now, the old
wood kiln is also used in this process. In fact, at the
end of May when the students of the course in the
Handicraft Centre in Lugo finished their training in
the workshop in Bonxe, they could fire their pieces
in this kiln, although Pepa had not used it for a long
time. The traditional kiln has the shape of a horseshoe and it has inside two arches which rise from a
part of the ground; the fire is under them. The pieces
are placed inside, the strongest ones in the lower
part and the most fragile pieces in the upper part.
It usually was the work of several weeks or even
months, hence the importance of a correct layout to
avoid the pieces breaking during the firing. Finally,
they are covered with flat pieces of broken ware so
as to keep the heat in and have a regular temperature inside the kiln. In this case, some neighbours
came to help, like in the past, and they brought their
own pieces to fire, which could be distinguished
thanks to the marks that potters made on them.
La alfarería de Bonxe
La alfarería de este pueblo lucense cuenta con más de
tres siglos de antigüedad, y prácticamente en cada casa
se sabía tornear. Por eso cuenta con unas características
bien definidas, empezando por el propio barro. Procede
de la mezcla de dos calidades diferentes, una de Bonxe y
otra variante que se obtiene en la parroquia cercana de
San Lourenzo. Pepa Lombao realiza extracciones cada
ocho años y lo almacena al aire libre. Después se van
mezclando, para que tenga la textura adecuada y de ahí
que tenga esa especial cualidad para guardar líquidos.
El paso siguiente es el modelado en el torno de eje alto.
Está constituido por las ruedas, el eje, el asiento o sentadoiro donde se sitúa el alfarero y el tranqueiro, una
traviesa de madera en la que apoya el pie derecho mientras que con el izquierdo impulsa la rueda baja. En el
tablero frontal se sitúan las herramientas que utilizan en el
torneado, que son la canaveira (en forma de media luna,
se empleaba la parte recta para decorar y la curva para
dar forma al cuello); el isope de la rueda (un pincel para
decorar), el alambre de raer (con el que se despegaba la
pieza del torno); y la taza o cunca (recipientes para contener el agua o el engobe para decorar). En este momento
también se decoran las piezas, con un barro blanco y
utilizando motivos como las medias lunas o las pintas, y
algunas también se vitrifican.
Una vez que las piezas están modeladas, toca cocerlas.
Aunque ahora ya se suele utilizar el horno de gas, en esta
ocasión también se emplea el antiguo horno de leña. De
hecho, los alumnos del curso del Centro de Artesanía de
Lugo pudieron realizar a finales de mayo una hornada
como cierre de la formación que obtuvieron en el taller
de Bonxe, aunque ya hacía varios años que Pepa no lo
empleaba. El horno tradicional tiene forma de herradura,
y en su interior cuenta con dos arcos que se elevan sobre
una parte del suelo, debajo de los cuales se sitúa el fuego.
Las piezas van cargándose en el interior, desde las más
resistentes en la parte inferior a las más delicadas en la
superior, y por lo general era la producción de varias
semanas e incluso meses, de ahí la importancia de una
correcta disposición para minimizar la rotura de piezas
en la cocción. Finalmente, se cubre con pedazos planos
de piezas rotas, para conservar el calor y que sea regular
en el interior del horno. En esta ocasión, varios vecinos
vinieron ayudar como se hacía antiguamente, y trajeron
piezas propias para cocer, que se distinguían gracias a
las marcas que cada alfarero imprimía en sus piezas.
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THE PIECES, A REFLECTION OF A Period
The vessels from Bonxe, like those from other traditional pottery styles in Galicia, were essentially made for
practical purposes. Each piece had a specific use, and knowing each of them makes possible to discover a period, a way of life which is quite recent but seems lost in time. Many of the pieces which were used in cooking
had three feet to be placed directly over the fire; otherwise they would need a stand. Regarding morphology,
they usually had the shape of an inverted pear: high and closed vessels with a narrow neck, wide shoulders,
and a quite narrow base. These are some of the shapes:
OLA: One of the most traditional pieces in Bonxe, a container
which usually had a capacity of 16 litres. It had a very wide centre and a very narrow base. It was used to store wine or water.
CHURN: Milk was shaken in this vessel to make butter. Its mouth
was covered with a clay lid with a hole through which a paddle
was inserted. This was turned manually to produce butter.
PORRÓN: A jar with a long spout for drinking from. In Bonxe
they were made with two handles, one on top of the other.
CACHELEIRA: This vessel was used to strain the boiled potatoes
(cachelos) and people helped themselves directly from it. It was
placed on top of the pan which had been used to boil the potatoes, so steam kept them hot.
ROASTING PAN: For oven roasting.
WATER JUG: It was bigger and slimmer than the wine jug and
it was used to hold water.
WINE JUG: Smaller and more bellied than the water jug; it was
used to serve wine.
HONEYPOT: This vessel was used to store honey. It was extracted through a spout near the base which was usually blocked
with a corncob. Water was placed in a part of the shoulder to
avoid ants in.
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PUCHEIRO: In different sizes, for storing water or milk. It was
also used in cow milking too.
PUCHEIRO ALMORCEIRO AND GORRETE: The first one is
bigger than the second one; they were used in summer to bring
to the fields the farmers’ food.
CASSEROLE: A quite low and round vessel for cooking.
OIL LAMP: It did not have a standard shape since it was produced for a specific use, not for sale.
CHOCOLATE POT: They usually had a handle in the shape of a
tail in the belly and they were used to make chocolate.
BUCKET: These pieces have different shapes and decorations
and they are similar to the wooden ones. They were used to
carry water, although in Bonxe the ola was more popular for this
purpose.
STRAW JUG: A jug for wine or orujo (liquor distilled from grape
remains) which owes its name to its long and prominent spout.
One could drink directly from it, as if it was a porrón. In fact, some
potters modelled this spout with animal shapes, such as dogs.
BARREÑÓN: This vessel was used to prepare the zorza (seasoned pig mince used in chorizos) during the pig slaughter. It is
one of the few pieces which could be decorated with a rim in the
neck and a cord which surrounded the surface and worked as
reinforcement.
Las piezas, reflejo de una época
Las vasijas de la alfarería de Bonxe, como las de otras tradicionales
de Galicia, tienen en su base un carácter eminentemente utilitario.
Cada pieza contaba con un uso específico y conocerlas permite descubrir una época, una forma de vida bastante reciente, pero que
parece perdida en el tiempo. Muchas de estas piezas que estaban
destinadas a la cocina ya contaban con tres pies para utilizarlas
directamente sobre el fuego, si no necesitaban un soporte. En lo relativo a la morfología, generalmente tenían forma de pera invertida:
las vasijas altas y cerradas tienen un cuello estrecho y unos hombros
anchos, con una base bastante estrecha. Recorremos algunas de estas formas:
Olla: Una de las más tradicionales de Bonxe, con una capacidad por lo general
de dieciséis litros, muy ancha en la parte central y con la base muy estrecha, para
guardar vino o agua.
Natera: En esta vasija se mazaba la leche y se obtenía manteca. Se cubría la boca
con un plato de barro con un orificio, por el que sobresalía la vara del mazo, que se
hacía girar con las manos para producir la manteca.
Porrón: Como característica diferenciada, el de Bonxe lleva dos asas superpuestas.
Cacheleira: En ella se ponían a escurrir los cachelos o patatas cocidas, y se iban
cogiendo para comer. Al situarla sobre la cazuela de agua en la que se habían cocido, el vapor mantenía las patatas calientes.
Asador: Se utilizaba para asar al horno.
Jarra: De mayor tamaño y más estilizada que el jarro, se utilizaba para contener
agua.
Jarro: Más pequeño y barrigón, se empleaba para servir el vino.
Mielero: En esta vasija se contenía la miel, y el pitorro cerca de la base por el que
se extraía solía taparse con un carozo de maíz. Tenía un canal en el hombro donde se
ponía agua para que no entrasen las hormigas.
Puchero: De varios tamaños, para guardar agua y leche, también se utilizaba para
ordeñar a las vacas.
Puchero almorceiro y gorrete: el primero de mayor tamaño que el segundo, se usaban en verano para llevar la comida a los agricultores al lugar del trabajo.
Cazuela: Tienen una forma bastante baja y barriguda, se utilizaban para cocinar.
Candil de aceite: No tenían una forma estándar, ya que no se pensaban para la
venta sino para el uso particular.
Chocolatera: Habitualmente tenían un asa en forma de rabo que salía de la
barriga, y servía para hacer chocolate.
Sella: Son piezas con formas y adornos muy variados, parecidas a las de madera.
Se empleaban para transportar agua, aunque en Bonxe era más popular la olla para
este uso.
Jarra de caña: Se empleaba para el vino o el orujo, y debe su nombre al pitorro,
de forma alargada y prominente, por el que se podía beber de ella directamente,
como si fuese un porrón. De hecho algunos alfareros modelaban formas animales,
como perros, en este pitorro.
Barreñón: En esta vasija se preparaba la zorza (preparado de carne de cerdo picada y adobada para hacer chorizos) durante la matanza del cerdo. Es de las pocas
piezas que podían ir decoradas con un borde en el cuello y un cordón que rodeaba
la superficie y que actuaban como refuerzo.
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The Music of Weaving
La música del tejido
A constant and rhythmical sound echoes in the Belategui Regueiro workshop. It is the sound of the
threads moving, guided by the loom shuttles, while
they form beautiful and original compositions. A music which was kept for years in the privacy of the homes of those women who wove cloths for household
use, and which is now intensifying with avant-garde
clothes and accessories which aim to be versatile
and elegant in order to satisfy the future customer
as much as possible. In fact, nowadays what matters the most to artisans is that their pieces are not
forgotten or kept in a wardrobe, and handicraft becomes a commonplace in our lives.
The shelves in the Belategui Regueiro workshop, in Cambre, are covered with thread reels, a symphony of colours
and materials which are combined in the looms to produce unique and different weaves. This is the identity of a
textile workshop which was founded seven years ago, a
place where Luísa Estévez and Óscar Montero work, two
people who love weaving and who look every day for
new compositions to create unique pieces.
Although it could be said that their workshop is new, this
trade has been always present in their lives, although it
was a hobby at first. After having taken some courses and
worked in other workshops, they decided to develop their
own project, and it was such a personal project that they
Un sonido constante y rítmico resuena en el taller
Belategui Regueiro. Es el sonido de los hilos que vienen y van guiados por las lanzaderas de los telares
mientras van dando lugar a hermosas y originales
composiciones. Una música que durante muchos
años estuvo guardada en la intimidad del hogar de
las mujeres que tejían los lienzos de la ropa del hogar, y que ahora cobra fuerza con prendas y complementos de vanguardia, que buscan la versatilidad
y la elegancia para satisfacer lo máximo posible al
futuro cliente. Y es que para el artesano hoy en día
lo más importante es que sus piezas no queden olvidadas y guardadas en un armario y que la artesanía
tome las calles como algo cotidiano.
Las bobinas de hilos recubren las estanterías del taller
Belategui Regueiro, en Cambre, una sinfonía de colores y
materias que van combinando en los telares para producir tejidos únicos y diferentes. Esta es la identidad de un
taller textil que nacía hace siete años y en el que trabajan Luísa Estévez y Óscar Montero, dos apasionados del
tejido que día a día buscan nuevas composiciones para
crear piezas únicas.
Aunque se podría decir que el taller es reciente, desde
siempre han estado vinculados al oficio, aunque empezó
como una afición. A través de cursos y trabajando en
otros talleres, decidieron dar el paso y formar un proyecto
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“You sit in front of the
loom and, since it’s not a
machine, you can change,
try… And some things are
the result of a mistake;
we end up with something
different but very good”
propio, tan propio que su marca son los segundos apellidos de las madres de cada uno de ellos. “Eso implica
que no puedes vender cualquier cosa, porque tu apellido
va por delante”, actuando como garantía de la calidad
del producto, indica Óscar. Un homenaje a sus madres
a través de un oficio fundamentalmente femenino, “como
sucede un poco en la cocina, las que cocinan son las
mujeres pero los grandes nombres son hombres”, apunta
al artesano.
Y fue Óscar el que más tiró por dar ese paso de lo amateur a lo profesional, insistiendo en que tenían habilidad y
buscando formación especializada. Algo que como reconoce Luísa, no es fácil, “para aprender necesitas un telar
para ti sola, no puedes llegar con dos agujas, o montar y
desmontar de cada vez”. Poco a poco, Belategui Regueiro
iba cobrando forma y fueron comprando los primeros telares hasta la actualidad, cuando han conseguido hacer
un espacio propio con unos productos únicos.
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combined the two second surnames of their mothers in
their brand name. “This means that our products must be
good because our surnames go with them,” so this guarantees the quality of the product, Óscar explains. They pay
homage to their mothers in a trade which has been always
carried out by women. “That’s more or less what happens
in cookery, women are usually the ones who cook but the
famous chefs are always men,” the craftsman says.
Óscar was the one who believed the most in becoming
professional weavers – he insisted on the fact that they
had the necessary skills and he looked for specialised training. Something which, as Luísa admits, is not easy. “To
learn you need one loom just for yourself; you can’t only
have two needles or assemble and dismantle a loom each
time you use it.” Little by little Belategui Regueiro began to
“Tú te sientas delante del
telar y, como no es una
máquina, puedes cambiar,
probar, y hay cosas
que son producto de la
equivocación y sale algo
diferente, pero que está
muy bien”
work and they bought their first looms, until today,
when they have managed to have their own space
with their unique products.
According to these artisans, their workshop is viable thanks to their distinctive pieces. “Here weaving
is identified with linen, burlap… However, we use
silk, alpaca; we mix materials that weren’t very
common or that were used in a different way,” Luísa
explains. In this way, they combine linen or alpaca
with silk to produce different fabrics, with new textures and hangs, which they use in shawls, scarves
and bags, and these are very successful with the public. They also want their garments to be versatile,
so they can be adapted to different ages and styles.
For example, a shawl which can be worn with an
elegant outfit or in a ceremony, and with a more
casual outfit too.
Corporate gifts is another of their lines of business,
although they admit that in this case there is less room
for improvisation because people usually ask for a
more classical style. The discovery of the Roman site
in the village of Cambre during some building works
in 1998 gave rise to an idea for an institutional gift.
With the technique of the traditional bedspreads, the
gorullo (using balls of linen or wool), they made linen
towels with the drawing of the octopus which was
found in that site, and it became one of their most
famous symbols. This is an idea for an institutional
gift which shows the possibilities that the local handicraft can offer, and their ability to create something
unique and special.
La viabilidad de este taller, de acuerdo con los artesanos que lo llevan, es gracias a que han logrado
crear unas piezas diferenciadas. ”Aquí se identifica
la tejeduría con el lino, la estopa…, y nosotros en
lo que nos hemos metido ha sido en la utilización
de la seda, la alpaca, en las mezclas de materiales
que no se utilizaban tanto o que se empleaban pero
de otra forma”, explica Luísa. Así, a través de combinaciones de lino con seda o de alpaca con seda
producen tejidos diferentes, dando lugar a nuevas
texturas y caídas que aplican a chales, bufandas y
bolsos, y que son muy bien acogidos entre el público. También intentan dar una mayor versatilidad
a las prendas que confeccionan, que se puedan
adaptar a diferentes edades y estilos, que un mismo
chal pueda combinar con un conjunto muy elegante
o para una ceremonia, y que se pueda llevar con un
estilo más casual sin ningún problema.
El regalo de empresa es otra de las vías de negocio, aunque en este caso reconocen que está menos
abierto a la improvisación, ya que suelen solicitar un
estilo más clásico. La aparición del yacimiento romano en el pueblo de Cambre durante unos trabajos en
el año 1998 dio lugar a una idea como regalo institucional. Mediante la técnica de las colchas tradicionales, el gorullo, elaboraron unas toallas en lino con
el dibujo del pulpo encontrado en estas ruinas y que
se convirtió en uno de sus símbolos más identificativos. Una propuesta como presente institucional para
demostrar las posibilidades que la artesanía local
puede ofrecer y crear algo único y especial.
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Innovation and tradition
On the floor of their workshop there are some prototypes
of rugs made of wool from La Maragatería and cotton;
they are testing them to see if these can be a new range
of products. They also have a wool lamp which was unsuccessful; it reminds them that they must try. “We have
it there as mockery,” Óscar jokes but he maintains that
they always try to innovate. They always look for different
weaves, “silk is cold and slippery, and alpaca is hairier
and rougher. When we combine them we obtain a very
fine weave because it’s very thin but incredibly warm, and
it has a gorgeous hang,” Luísa says. And they show a
shawl which alternates colours according to the golden
ratio – designs which are started in a way and end in a
different one. “You sit in front of the loom and, since it’s not
a machine, you can change, try… And some things are
the result of a mistake; we end up with something different
but very good. In this case we try it, we go for that product
although it may not be a success,” the craftsman explains.
They have also experimented with materials such as milk
protein or corn but they usually work with linen, alpaca
and silk.
What they value the most is that customers use their products. Luísa believes that there is nothing better than hearing that somebody uses a lot a garment made in their
Innovación y tradición
En el suelo del taller hay unos prototipos de alfombras en
lana maragata y algodón que están probando para ver si
pueden ser una nueva tipología de productos que ofrecer.
También queda colgada una lámpara en lana que fracasó
finalmente, pero que les recuerda que hay que intentarlo.
“La tenemos como escarnio”, bromea Óscar, pero asegura que en su trabajo siempre están intentando innovar.
Buscan tejidos diferentes, “la seda es fría y resbala, la alpaca tiene más pelo y es más rugosa, al combinarlas conseguimos un tejido finísimo, porque es muy delgadito pero
tiene una capacidad de abrigo impresionante y una caída preciosa”, apunta Luísa. Y enseñan un chal que alterna los colores tomando como base la proporción áurea,
unos diseños que comienzan de una forma y terminan de
otra. “Tú te sientas delante del telar y, como no es una
máquina, puedes cambiar, probar, y hay cosas que son
producto de la equivocación y sale algo diferente, pero
que está muy bien. En este caso pruebas, apuestas por
eso, aunque no vaya a llegar a mucha gente”, comenta el
artesano. También experimentaron con materiales como
la proteína de leche o el maíz, pero sobre todo trabajan
con el lino, la alpaca y la seda.
Lo más importante, en cualquier caso, es la satisfacción
por el uso de sus productos. Para Luísa no hay nada mejor
que el hecho de que alguien le comente que usa mucho
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workshop. “Although our work is based on tradition, we
have to make useful garments, not garments for being kept
in a wardrobe,” she says. Besides, they emphasise that
weaving is highly regarded in Galicia and, in general, in
the Cantabrian coast. “When we take the loom out of the
workshop and we give live demonstrations, we feel the
affection of the public; kids are amazed and they are the
ones who ask the best questions. Adults remember their
mothers or aunts having one but they associate it with
sheets or cloths for home.” Even so, Luísa admits that it is
a very complicated hobby because it demands training
and an important investment. There are people who are
interested in learning how to weave but, once they discover all the process behind, they see it is more work than
just pumping a treadle.
una prenda elaborada en su taller. «Aunque mantengas
una base en la tradición, tienes que hacer prendas útiles,
no para guardarlas en un armario», comenta. Pero en
todo caso, siempre destacan el aprecio por el tejido en
Galicia y en general en la cornisa cantábrica. “Cuando
llevamos el telar y hacemos exhibiciones, percibimos mucho el cariño de la gente, los niños alucinan y son los que
nos hacen las preguntas más acertadas. Las personas mayores lo recuerdan de casa, de una madre o una tía, pero
lo asocian a las sábanas o lienzos de la casa”; aun así
Luísa reconoce que como afición es complicado, ya que
requiere un aprendizaje y una inversión. Hay personas
que llegan interesadas en aprender a tejer, pero una vez
que descubren todo el proceso que hay detrás, ven que es
mucho más trabajo que el simple pedaleo.
For Óscar and Luísa, the ideal would be that handicraft
was valued. For this reason they are not interested in selling their products in the Internet because they consider
that people need to touch them and know the process behind to appreciate them, and this is not possible in the
Net. For them, the best way to reach their customers is
to sell their products in their workshop, in other shops or
in professional fairs. And this is working so far because
they do not want their workshop to grow much more. “I
wouldn’t like to grow to such an extent that I would have to
give up weaving and focus on running the business, that’s
what happens in many companies,” Luísa says. “What we
defend is to continue doing this, to be valued.”
Para Óscar y Luísa lo ideal sería la puesta en valor del
trabajo artesano. Por eso no están interesados en la venta de sus productos por internet, porque consideran que
para poder apreciarlos realmente es necesario tocarlos
y conocer el proceso que hay detrás, y para ellos la red
no le ofrece esa posibilidad. La venta en el taller, en otras
tiendas o en ferias profesionales son para ellos las mejores vías para llegar a su cliente. Y de momento funciona,
porque su intención no es que el taller crezca mucho más.
“No me gustaría crecer tanto que dejase de ser tejedora
para ser gestora, que es lo que pasa en muchas empresas”, comenta Luísa, “nosotros lo que defendemos es seguir haciendo esto, que te valoren”.
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“I wouldn’t like to grow to such an
extent that I would have to give up
weaving and focus on running the
business, that’s what happens in
many companies. What we defend is
to continue doing this, to be valued”
LOW-WARP weaving
In the Belategui Regueiro workshop products such as
shawls, scarves and bags are usually made in low-warp
looms. Unlike high-warp looms, in which the warp is suspended vertically, weaving is done horizontally. Before
starting to weave there is a lot of work to do, like deciding
the piece, the materials and the colours.
The selected threads are prepared in the warper, all with
the same distance and tension. Distances are calculated
by turning the warper. Once the threads are ready, the result is a plait which will be placed in the loom to make the
warp yarn, a process known as warping, and they pass
through a reed to be spaced evenly. They must be kept
in order to wind the warp. The position of the warp yarn
depends on the stitches which will be used: each stitch depends on how the threads are placed, and a thread which
has been placed in the wrong warp will cause a longitudinal defect. This is why this process is so important, a
mistake conditions the quality of the product. Finally, the
warps are connected to the treadles and the loom is ready
to start weaving.
Belategui Regueiro
Lugar de Outeiro 15, Cambre
Tel.: +34 981 674 557
[email protected]
www.belateguiregueiro.com
Craftsman card / Carta de artesana nº 2.502 (Luísa)
Craftsman card / Carta de artesano nº 2.499 (Óscar)
Craft workshop / Obradoiro artesán nº 586
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The kind of stitch depends on the movement combination
of the treadles. Tension and strength must be uniform. Sometimes one can try to obtain a controlled irregularity;
however, what is usually sought is a uniform result. Once
it is woven, the piece is cut and finished with the fringes.
“No me gustaría crecer tanto que
dejase de ser tejedora para ser
gestora, que es lo que pasa en
muchas empresas, nosotros lo que
defendemos es seguir haciendo
esto, que te valoren”
El tejido en bajo lizo
En el taller Belategui Regueiro se elaboran productos
como chales, bufandas o bolsos, principalmente en telares de bajo lizo. A diferencia del de alto lizo, que trabaja
con un bastidor en vertical, en este caso el tejido va haciéndose en horizontal. Antes de empezar a tejer hay un
amplio trabajo, que arranca con la decisión de la pieza,
los materiales y los colores a emplear.
En el urdidor se preparan los hilos que se van a utilizar,
todos con la misma distancia y tensión. Mediante las vueltas al urdidor se calculan las distancias. Una vez que se
tienen los hilos preparados, se consigue una trenza, que
es lo que se colocará en el telar. Los hilos se colocan en
el telar para formar la urdimbre, proceso conocido como
urdido, van distribuyéndose en un peine para que la colocación sea homogénea. Es necesario que se coloquen en
orden, sin cruzar, y se enhebran los lizos. La urdimbre se
traza según los puntos que se van a realizar: una determinada colocación de los hilos permite una serie de puntos;
mientras que un hilo no colocado en el lizo adecuado implica una tara longitudinal. Por eso es muy importante la
realización de este proceso, ya que un error condiciona
la calidad del producto. Finalmente, se conectan los lizos
a los pedales, y entonces es cuando se puede comenzar
a tejer.
Según la combinación del movimiento de los pedales, se
permite un tipo de punto u otro. Es necesario que la tensión sea homogénea, al igual que la fuerza con la que
se abatana el tejido. En algunos casos puede procurarse
una irregularidad controlada, pero lo habitual es buscar
un resultado uniforme. Una vez que está tejido, hace falta
cortar y terminar la pieza y hacer los flecos, para tener la
pieza finalizada.
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New Moon
Luna nueva
She feels as if she was wearing for the first time a
new pair of shoes. About six months ago Media Lúa
(Half Moon) moved to its new premises, after more
than twelve years working in the city, and the result
has been very positive. A wonderful space in the old
quarter, where pieces made by the artisans of this
shop-workshop and other craftspeople have a better
presentation and reach the public in all their splendour. Ana Serra, the artisan who founded Media Lúa,
knows that this is mostly due to the way in which she
tries to reach the customer, since a quality product as
hers deserves a special and careful presentation.
Handicrafts entail a special bond with the consumer. The
customer wants to know how a handmade piece is made,
its context. The intense relationship between the workshop
and the customer might be the key for the success of Media Lúa. This shop-workshop specialised in leather goods
was founded twelve years ago in Santiago de Compostela. Ana Serra, the artisan who is behind this brand, thinks
that this is the ideal recipe for reaching the customer in the
best possible way.
And she might be right because she opened a new and
bigger space in the current economic situation, and the
first results make her be optimistic. Ana and the two people who work with her had considered for a long time the
necessity of moving to a new place. Although she did it
out of obligation – the previous space she rented was put
on the market by the owner – it is obvious that Media Lúa
won with this change. In this new space, there is a specific area for the workshop, which can be seen through
a small window inside the shop, where the pieces have
more space for their exhibition.
“In my opinion, the workshop is the attraction of the shop,”
Ana Serra explains, and she thinks that one could not work
without the other. For this reason, she left a space in the
shop for a workbench, which the public can see, “so that
Como si estrenase zapatos nuevos. Hace casi seis meses que Media Lúa ha cambiado de local en Santiago
de Compostela, tras más de doce años trabajando
en la ciudad, y el balance no puede ser más positivo.
Un magnífico espacio en el casco histórico, donde las
piezas tanto de los artesanos que trabajan en esta
tienda-taller como de otros creadores, ganan en presencia y llegan al público en todo su esplendor. Ana
Serra, la artesana que fundó Media Lúa, sabe que
este resultado se debe en gran medida a la forma
en que busca llegar al cliente, ya que un producto de
calidad como el que ella elabora merece una presentación cuidada y especial.
El producto artesano exige un vínculo especial con el consumidor. El cliente quiere conocer cómo es su elaboración, el contexto de esa pieza hecha a mano. La intensa
relación entre el taller y el cliente puede que esté tras el
éxito de Media Lúa. Van doce años desde que nacía en
Santiago de Compostela esta tienda-taller especializada
en marroquinería. Ana Serra, la artesana que está tras
la marca, cree que esta es la fórmula ideal para que su
producto llegue lo mejor posible al cliente.
Y no debe de ir muy desencaminada, porque en medio
de una coyuntura económica como la actual, estrena espacio, mucho más amplio, y con unos primeros resultados
que empujan hacia el optimismo. Hacía tiempo que Ana
y las dos personas que trabajan con ella barajaban la
necesidad de cambiar de local, y aunque fuese por obligación –el anterior espacio en el que estaban fue puesto
a la venta por su propietaria– queda claro que Media Lúa
ha ganado con el cambio. En este nuevo espacio, una
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“There is a public
who wants a personal
gift, a tailored piece,
something different,
and we do that”
there is always life in the workshop.” These are two parts
of her business which complement and help each other
but which demand a greater effort. On the one hand, all
the duties of a workshop must be fulfilled, like dealing with
the suppliers, the design or the manufacturing; and on the
other, the commercialisation of the products, their display,
the packaging, the promotion…
“They are two different businesses,” Ana says. This is why
in her shop Media Lúa products coexist with other pieces
from other leather artisans, which are by no means the
competition. Actually, she knows for a fact that offering
a variety of pieces is more appealing to customers; she
chooses artisans with products very different to hers to
have a greater selection.
According to Ana, separating the workshop and the shop
is as complicated as running a shop-workshop. Nowadays, in her opinion, it is impossible to avoid marketing.
“The market is a jungle,” no matter the way you do it; and
nowadays this is one of the hardest challenges for artisans
as creators. Besides, she admits that running a shop is
a time-consuming job, so she has organised the work in
shifts; she alternates a week in the workshop with another
in the shop. The other shift is covered by Lola, another
artisan who has been working with Ana in Media Lúa for
more than ten years. “If I don’t do this, I can’t be in the
workshop,” where the third pillar of Media Lúa, Rober,
works.
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parte se encuentra dedicada al taller en exclusiva, visible a través de una pequeña ventana en el interior de la
tienda, donde las piezas cuentan con mucho más espacio
para la exposición.
“Para mí, el taller es el gancho que tiene la tienda”, explica Ana Serra, que no cree que una cosa funcionase
sin la otra. Es por eso que ha dejado un espacio de la
tienda para ubicar una mesa de trabajo, a la vista del
público, “para que el taller siempre esté vivo”. Son las
dos vertientes de su negocio, que se complementan, que
se aportan mutuamente, pero que también suponen una
mayor exigencia. Por una parte, atender a todas las necesidades que un taller implica, como la negociación con
los proveedores, el diseño o la fabricación; y por otra, la
puesta en el mercado de su producto, el modo de exponerlo, empaquetarlo, promocionarlo…
“Son dos negocios”, asegura Ana. Por eso en la tienda
no hay exclusivamente productos de Media Lúa, sino que
estos conviven con piezas de otros artesanos del cuero
que en absoluto son competencia. De hecho, tiene más
que comprobado que la variedad de piezas que ofrece
supone un mayor atractivo para los clientes, ya que selecciona a artesanos con productos muy diferentes a los
suyos propios, para poder ampliar su oferta.
Ana no considera que la fórmula de separar taller de artesanía y punto de venta sea menos compleja que la gestión
de la tienda-taller. Hoy en día, en su opinión, es imposible
no pensar en el marketing, “el mercado es una jungla”,
da lo mismo qué fórmula se emplee, y ese es uno de los
retos más duros que como creadores tienen los artesanos
en la actualidad. Aun así, reconoce que la gestión de una
tienda es absorbente, con lo que ha adoptado un sistema de turnos de trabajo y alterna una semana de taller
con otra de atención al público, tareas que comparte con
Lola, otra artesana que lleva más de diez años trabajando con Ana en Media Lúa. “De no ser así, no podría tocar
el taller”, una parte a la que se dedica casi íntegramente
la tercera pata de Media Lúa, Rober.
customer loyalty
Despite its location, Ana points out that tourists are not their main customers; it is the people from Santiago and its surroundings who
support this workshop. “My idea was to have
a stable workshop where people could order
things. So, in time, thanks to word of mouth,
you start to be known, and when people need
to do something they know where you are.
This worked for me,” this craftswoman says.
“I think it’s a cycle because of course there is
a public who like shopping centres; however,
other people don’t, they want a personal gift,
a tailored piece, something different, and we
do that.” The target customers of Media Lúa
want a unique and quality piece, and this
business has proudly fostered consumer loy-
“Hay un público que quiere un
regalo personalizado, poder
encargar algo a medida, cosas
diferentes, y ahí estamos
nosotros”
El cliente fiel
A pesar de su emplazamiento, Ana señala
que no tiene al turismo como uno de sus
principales públicos, sino que es la gente de
Santiago de Compostela y comarca la que
sostiene al taller. “Mi idea era tener un taller
estable en el que la gente pudiese encargar
cosas. Así, con el tiempo, con el boca a boca,
te van conociendo y cuando necesitan hacer
algo saben dónde estás; para mí eso ha
funcionado”, asegura la artesana. “Creo que
esto es algo cíclico, porque efectivamente,
sí que hay un público de centro comercial,
pero hay otro público que no quiere eso,
que quiere un regalo personalizado, poder
encargar algo a medida, cosas diferentes,
y ahí estamos nosotros”. Un consumidor
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“The great quality/price ratio of
handicrafts is a good reason to
buy”
alty with their great creations. Other customers are companies which want to give a special and distinctive gift or
restaurants which find in leather the ideal way of presenting their menus in an elegant and a unique style. “The
great quality/price ratio of handicrafts is a good reason to
buy.” However, Ana believes that the price of her pieces
should be higher because there is a lot of work behind.
“We sew our products by hand, so they last longer and
they are easier to repair,” in this way, high quality is guaranteed for many years.
Perhaps this guarantee of quality is the reason why,
after twelve years, Media Lúa is still working, with more
energy than ever. “In the last two or three years our
sales have fallen sharply. I usually wonder how we can
continue here but if we manage to survive with the current situation, it means that we can continue, that there
is still a public who values our work and makes possible
to carry on.” In addition, having a satisfying job is very
important for her, and, according to Ana, leather gets
you “hooked.” “I started when I was very young; it’s a
field that I always liked. I’ve been working in this trade
for twenty-five years and I still love it. I’m a privileged
person,” she says.
que quiere una pieza única y de calidad es el público
objetivo de Media Lúa, que con orgullo ha conseguido ir
fidelizando gracias al aval que suponen sus creaciones.
Pero también empresas que desean hacer un regalo
especial y diferenciado, o restaurantes que encuentran
en la piel el soporte ideal para presentar sus menús con
elegancia y un estilo único. “Solo por la relación calidadprecio, ya vale la pena comprar productos de artesanía”,
aunque para Ana el precio de sus piezas debería ser más
elevado, dado todo el trabajo que hay detrás. “La costura
que nosotros hacemos es manual, con lo cual es mucho
más duradera, y además es reparable”, garantizando de
este modo un producto de alta calidad durante muchos
años.
Puede que este aval de calidad sea lo que haga que doce
años después Media Lúa continúe con más fuerza que
nunca. “En los últimos dos o tres años, el bajón económico ha sido tremendo. Muchas veces, me asombro de
poder mantenernos en pie, pero si aguantamos ahora,
significa que nos podemos mantener, que queda un público que valora esto, por suerte, y que nos hace estar aquí”.
A esto hay que añadir el placer de trabajar en aquello
con lo que más disfruta, ya que para Ana, el cuero “engancha”. “Empecé muy joven, es una rama que siempre
me ha atraído. Llevo veinticinco años en este oficio y me
sigue encantando. Me siento una privilegiada”, concluye.
“Solo por la relación
calidad-precio, ya vale la pena
comprar productos de artesanía”
Media Lúa
Ana Serra García
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Rúa Algalia de Arriba, 27
15704 Santiago de Compostela
Tel.: 981 582 389
[email protected]
http://www.medialua.es
Craftsman card / Carta de artesana nº 220
Craft workshop / Taller artesano nº 241
A WINDOW FOR CUSTOMERS
Una ventana al cliente
Window dressing is, without any doubt, one of Media
Lúa strong points. Although the quality of their products is
their guarantee, they cannot neglect the way of reaching
the potential buyer. Actually, they have been given many
prizes for the creative layouts of their shop window. In
2007 they won the SCQ Shopping Award of the Santiago City Council, which stressed “the way they make
the most of their resources to organise their shop window
and create a harmonious and minimalist presentation of
their products.” In the spring award, the jury appreciated
their gastronomy-inspired layout, “a shop window which
evokes the delightful presence of cakes to attract the attention of the public to their handicrafts.” In Christmas 2009,
they won the SCQ Shopping Award again, in this case
with an original layout which made their shop window
an extension of the street – there were two figures of two
people who carried leather handbags and were looking
at the shop.
El escaparatismo es, sin duda, uno de los puntos fuertes
de Media Lúa. Si bien la calidad de sus productos es su
garantía, el medio para llegar al potencial comprador no
puede descuidarse. Así, ya han sido varias ocasiones en
las que han sido reconocidos por las creativas composiciones de sus escaparates. En 2007 el Concello de Santiago
los galardonó con el premio SCQ Shopping, destacando
“la economía de medios con la que organiza su escaparate, construyendo una armoniosa y minimalista presentación de sus productos”. En la edición de primavera significaron una composición de inspiración gastronómica, “un
expositor que evoca la deliciosa presencia de productos
pasteleros para llamar la atención sobre los productos
artesanales”, recogía el fallo del jurado. En la Navidad
de 2009, nuevamente recibieron el primer premio SCQ
Shopping, en esta ocasión con una original propuesta que
convertía al escaparate en una prolongación de la calle,
donde podía verse la réplica de dos personas con bolsos
de cuero, mirando hacia el interior de la tienda.
Gastronomy proved to be a good choice again because
Media Lúa also won the first prize of the Window Dressing Competition of the Gastronomic Forum 2010. The
jury stressed the aesthetic quality of the layout, the way in
which the theme of gastronomy was integrated, since the
leather products were offered as an appealing “menu;”
and finally the effectiveness of the advertising message,
since they included signs reminding that they had products
for the restaurant industry. According to Ana Serra, these
awards are very important because they mean a good
promotion and they encourage them to keep on innovating. These awards make a lot of people have an interest
in the shop, and each layout is an incentive to go and see
their next original proposal. An excellent mise-en-scène for
haute cuisine products which have to make a good impression first.
La gastronomía fue otro acierto en la convocatoria del
Concurso de Escaparatismo Fórum Gastronómico 2010,
donde de nuevo llevó un primer premio. El jurado resaltó
la calidad estética de la composición, la integración de
la temática gastronómica, ya que incluían sus productos
de cuero como atractivo “menú”; y finalmente la eficacia
del mensaje publicitario, dado que habían introducido
carteles en los que recordaban que confeccionan productos para la hostelería y la restauración. Para Ana Serra,
este tipo de reconocimientos son muy importantes, ya que
suponen una promoción muy intensa y al mismo tiempo
un impulso para seguir innovando. Así, muchas personas
se han interesado por la tienda a raíz del fallo de estos
premios, y cada nueva composición es un aliciente para
descubrir qué original propuesta será la próxima. Una excelente mise en scène para unos productos de alta cocina
que primero tienen que entrar por la vista.
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NELLY SAUNIER MASTER OF ART,
A PLUMASSIÈRE IN GALICIA
NELLY SAUNIER MAESTRA DE ARTE. UNA PLUMASSIÈRE EN GALICIA
Nelly Saunier was the teacher of the course “Trades
in Fashion. Feather-Making” which the Fundación
Centro Galego da Artesanía e do Deseño organised
between the 25th and 31st October 2010 in Gondomar. She describes in this text her experience during
this training activity with Galician artisans. Saunier
is a plumassière who enjoys great prestige in international catwalks for her real skill to use plumes in
fashion.
Nelly Saunier, docente del curso “Oficios de moda.
Plumería”, impartido en Gondomar entre el 25 y el
31 de octubre de 2010, relata en este texto sus experiencias durante esta actividad formativa con artesanos gallegos organizada por la Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño. Saunier es una artista
plumassière, una profesional de reconocido prestigio
en las pasarelas internacionales gracias a su maestría en la aplicación de la plumería a la moda.
The Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño
invited me for the first time to teach a handicraft course
which took place in Gondomar in October 2010, with
the aim of passing on my peculiar knowledge to a group
of fifteen people.
La Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño
me acogió por primera vez como docente de un curso de
formación artesanal celebrado en Gondomar en octubre
de 2010, con el fin de transmitir mis conocimientos tan
particulares a un grupo de quince personas.
In my first visit to Galicia I was warmly welcomed by a family of handicraft lovers. Albino Quinteiro, weaver and
coordinator of this training project, was among them,
and he had been in charge of selecting the participants.
En esta primera estancia en Galicia, fui calurosamente
acogida por una familia apasionada por los oficios del
arte, entre los cuales estaba Albino Quinteiro, tejedor y
coordinador de este proyecto de formación y quien, entre
tanto, había seleccionado a los participantes.
I was introduced to the group after a quick tour of the
region, which is delightfully located between the sea and
the mountain. They were people from different regions,
mostly women of very different ages and with different
careers. I met my students in the heart of the atelier whe-
El grupo, llegado de diferentes regiones y compuesto principalmente por mujeres, de edades y trayectorias muy diferentes, me fue presentado tras una rápida visita por la
región, deliciosamente ubicada entre el mar y la montaña.
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re we spent a week learning the basic feather-making
techniques, and I discovered a rich mix of passionate
amateurs, professionals and even students, like a girl
who came to learn the practice rather than the theory to
apply it in her training in fashion designing.
With the special collaboration of Aurea Di Carlo, who
was responsible for the translation between the group
and me during my stay, the first contact was very amiable, so I could go straight to the heart of the matter. As
soon as the first boxes of feathers where opened I could
feel the effect of the magic of this material, and this feeling did not disappear during the whole course. Step
by step, exercise after exercise, I could feel the growing
interest and desire of the group, the motivation and sensibility of each of them in their discovery of the peculiar
world of feather-making, and even their fascination for
their own creations.
Their way of listening and their attention also contributed
to the success of this project. The whole course was developed in richness, mixed with the simple pleasure of a
meeting of handicraft lovers.
During my stay, which was too short to fully understand
the importance of handicraft in this beautiful place, I
could grasp the real will of the group to learn and to
do it well. I truly thank my “one day students” for their
great courtesy, their respect for the beautiful work, their
attention, their capacity for adaptation and their will. I
also stress the manual skills of each of them and I will not
forget their gorgeous personalities.
Exchanging creates richness; the dynamism we shared
made possible to value such a prized and fragile art,
30
Así, en el corazón del taller donde pasamos una semana
recorriendo las técnicas básicas de la plumería, conocí
al alumnado y descubrí una rica mezcla de aficionados
apasionados, profesionales, e incluso estudiantes como
una chica que vino a buscar, en el marco de su formación
como estilista de moda, la práctica más que la teoría.
Con la preciada colaboración de Aurea Di Carlo, quien se
encargó de la traducción entre el grupo y yo misma a lo
largo de mi estancia, el primer contacto fue muy caluroso y
permitió rápidamente entrar en el meollo del tema. Apenas
se abrieron las primeras cajas de plumas, sentí inmediatamente actuar la magia del material y esa sensación no
desapareció durante todo del curso. Paso a paso, ejercicio
tras ejercicio, pude sentir el interés y el deseo creciente en
el conjunto del grupo, la motivación y seriedad de cada
uno en el descubrimiento de este mundo tan particular de la
pluma e incluso su fascinación ante sus propias creaciones.
La calidad de la escucha y de la atención que me prestaron contribuyó ampliamente al éxito de este proyecto.
Etapa tras etapa, el curso se desarrolló en la riqueza,
mezclada con el simple placer de un encuentro entre apasionados del “saber” hecho a mano.
Durante esta estancia, después de todo demasiado corta
para abarcar por completo la dimensión del lugar que
puede ocupar la artesanía en este bello lugar, pude aprehender muy positivamente la voluntad real del grupo para
aprender y hacerlo bien. Agradezco muy sinceramente a
mis “alumnos de un día” su gran cortesía, su respeto por
la hermosa labor, su atención, su capacidad de adaptación y su voluntad. Destaco también las calidades manuales de cada uno y guardo el recuerdo de sus hermosas
personalidades.
which goes far beyond our differences. A committed artisan protects values without borders.
I have lived an enriching and unexpected experience,
since my first motivation is to make this trade known,
a passion which I have been promoting for the last 25
years through creative collaborations and the transmission of my knowledge.
I would also like to thank the Fundación Centro Galego
da Artesanía e do Deseño and all the people involved in
this project, without whom this beautiful gathering would
not have been possible.
El intercambio crea la riqueza; nuestro dinamismo puesto
en común permite poner en valor un arte tan preciado
como frágil y que se inscribe mucho más allá de nuestras
diferencias. El artesano implicado protege valores que no
tienen fronteras.
He vivido una experiencia enriquecedora e inesperada
para la artista que soy, ya que mi motivación primera es
hacer reconocer este oficio, una pasión que no dejo de
promover a través de la colaboración creativa y de la
transmisión del conocimiento desde hace veinticinco años.
Agradezco igualmente a la Fundación Centro Galego da
Artesanía e do Deseño y a todos los actores implicados
en este proyecto sin los cuales este hermoso encuentro no
hubiese sido posible.
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NELLY SAUNIER, fashion and handicraft
Nelly Saunier, moda y artesanía
Jean Paul Gautier is one of the most important names
in fashion, and every time he shows his collections on
the catwalks he raises expectation and surprise, and
he captivates his audience with unique and spectacular
garments. And this was the case of that famous “parrot
bolero” which he created in 1991 and which is part
of the history of the haute couture. This garment, which
was entirely covered in plumes of eccentric colours, was
designed by this fashion enfant terrible and made by the
skilful hands of Nelly Saunier, an expert on the craft of
feather-making.
Jean Paul Gaultier es uno de los nombres indiscutibles de
la moda, que cada vez que sube sus colecciones a la
pasarela suscita expectación, sorpresa y embelesa a su
público con prendas únicas y espectaculares. Como aquel
inolvidable “bolero-loro”, una creación de 1991 y que
forma parte de la historia de la alta costura: una prenda
cubierta por fantásticas plumas de excéntricos colores diseñado por este enfant terrible de la moda y que contó
con unas manos muy habilidosas y conocedoras del oficio
de la plumería, Nelly Saunier.
Dior, Chanel, Paco Rabanne or Givenchy are other international haute couture houses which have entrusted
Saunier with some of their designs. This Parisian artist,
who is one of the “Masters of Art,” an exclusive title,
has continued on her own with an old craft, the feather
making, which is only practiced by four or five people
in France today. She has been doing this for more than
thirty years, and she still finds fascinating the material
– feathers – and the endless possibilities it offers. These
artists usually remain anonymous but they play a key role
in the fashion world, especially in haute couture, in this
case. They create unique and special ornaments which
make a dress stand out in a different way and become a
real work of art, full of beauty and aesthetic force.
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Dior, Chanel, Paco Rabanne o Givenchy son otras de las
casas internacionales de alta costura que se han puesto
en las manos de Saunier para dar forma a sus diseños.
Esta creadora parisina, del selecto club de los “maestros
del arte”, ha conservado en solitario un antiguo oficio,
el de la plumería, que en la actualidad ejercen apenas
cuatro o cinco artesanos en Francia. Un compromiso que
mantiene desde hace más de treinta años, fascinada por
el material, la pluma, y por sus inmensas posibilidades.
Son manos que habitualmente permanecen anónimas
pero que desarrollan un papel clave en el mundo de la
moda, y principalmente de la alta costura en este caso,
componiendo esos adornos únicos y especiales que hacen que un vestido brille de forma diferente y se convierta
en una verdadera obra de arte, cargada de belleza y de
fuerza estética.
The art of feather making is quite old, it dates from the
Middle Ages and especially the Early Modern History,
when monarchs threw parties and wanted to dazzle
with their costumes. To do so they used all the available
means, and feathers were obviously one of these. In the
13th century, plumassiers were known as the “peacock
hatters,” while in 1581 they were called “plumed plumassiers.” It was not until 1692 when they were included
in the list of trades and they became “master plumassiers,
florists and decorators.” At that time, their training lasted
six years and after that they had a four year period of
practice which was necessary to become a Master.
However, if we talk about plumassiers as the creators
of ornaments for subliming a garment, then the trade of
feather-making only dates back to over a century ago. In
the 18th century feathers started to be used as ornaments
in fashion – in a quite spectacular way – when Rose Bertin created huge hairstyles with plumes for Queen Marie
Antoinette. Nevertheless, the golden age of feathers in
France was between 1860 and 1870, and it reached its
apex at the beginning of the 20th century. In 1820 there were 51 plumassiers, while in 1929 they were more
than 400, a number which decreased to 68 after World
War II. Nowadays there are only five professional feather makers.
El origen del oficio de artista plumassière es relativamente antiguo, de cuando los monarcas de la Edad Media
y principalmente en la Edad Moderna ofrecían fiestas
en palacio y pretendían deslumbrar con sus vestidos, recurriendo para ello a cuantos lujos hubiese, entre ellos,
evidentemente, estaban las plumas. En el siglo XIII, el
plumassier era conocido como el “sombrerero del pavo
real”, mientras que en 1581 se le llamaba “plumassier
de penacho”. No fue hasta 1692 cuando fue finalmente
reconocido en la lista de oficios y se convirtió en “maestro
penachista, plumassier, florista y adornista”. La duración
del aprendizaje era en aquel entonces de seis años, a los
que seguía un período de cuatro años de práctica, necesario para alcanzar el estatus de Maestro.
Aun así, el oficio de plumassier no se remonta mucho más
de un siglo atrás, si nos referimos al creador de adornos
destinados a sublimar una prenda. Uno de los momentos en el que las plumas empiezan a introducirse como
adornos de moda, con cierta espectacularidad en su uso
como ornamento, es en el siglo XVIII, cuando Rose Bertin
confeccionaba peinados monumentales adornados con
penachos de plumas para la reina María Antonieta. En
todo caso, en Francia, la edad de oro de la pluma se
sitúa entre los años 1860 y 1870, y alcanza su apogeo
a principios del siglo XX. En 1820 se contaban cincuenta
y un plumassiers, llegando a superar los cuatrocientos en
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In 1858 the English designer Charles Frederick Worth
founded in Paris the first fashion house, where he offered
different and original made-to-measure fashion collections. He was soon patronised by the upper class, who
was interested in his garments as if they were works of
art. The key to his success lay in his collaboration with
craftsmen who applied their knowledge and their mastery of the technique and trade to his fashion creations,
to the luxury and creativity of the haute couture which
was emerging in those days. They were embroiderers,
braid makers, hatters, jewellers…, who immediately went
from only producing to creating and collaborating with
designers. They were responsible for the “ornamented
woman,” a popular trend during the belle époque. Great
designers, such as Coco Chanel, made these artisans
their key partners to make the most of their imagination
and creativity.
Nelly Saunier is a living example of these artisans who
worked in the glamorous world of fashion. She also teaches feather-making at the Octave Feuillet vocational
school in Paris, where she wants to pass on her knowledge to perpetuate this trade. Besides, as designer and
plastic artist too, she creates her own works and she
collaborates with other designers, couturiers and decorators.
THE TRADE
Nowadays the craft of feather making has fallen on hard
times compared to the number of plumassiers at the beginning of the 20th century. To know the origin of this
trade it is necessary to almost go back to the origin of the
human race, and it is not surprising since feathers were
one the easiest materials to get in nature. They remain as
little childhood treasures in our memory, treasures which
we found in our walks in nature, in the beach or even in
the city. It is one of the simplest forms in fauna, a natural
resource which invites us to discover it and keep it.
Feathers, the essential elements in the art of feather making, are a very symbolic material which has been used
as ornament by different civilizations. It has been a sign
of distinction for mankind because it was the easiest way
to show off the trophies. It implied a certain social status
and it made possible to show that situation or reinforce
personality. It has been a symbol of wealth, like the hunter who wore a feather in his hair when he had hunted
a bird. This was a way of distinguishing himself. This
simple origin has become consolidated in ornamentation
and it exists now in many different ways, with different
rituals throughout the world and history which share the
base of the ornament being a sign of status.
The key element of this craft, the feather, is a living matter and, in theory, there is plenty of it in nature. In fact,
as it has been mentioned before, they have always been
34
1929, para caer a sesenta y ocho tras la Segunda Guerra
Mundial. Hoy en día no superan los cinco profesionales
del arte de la plumería.
El inglés Charles Frederick Worth funda en 1858 en París
la primera casa de moda, en la que ofrece colecciones de
moda diferentes y originales, confeccionados a medida.
Enseguida atrae a un público de clase social alta que se
interesa por sus prendas como si se tratase de obras de
arte. Así, la clave del éxito de Worth está en su colaboración con artesanos que aplican su sabiduría y el dominio
de la técnica y el oficio a sus creaciones de moda, al lujo
y a la creatividad de la alta costura que nacía en aquel
momento. Son bordadores, pasamaneros, sombrereros,
joyeros…, que rápidamente dejan de ser meros ejecutores para asumir el papel de creadores y colaboradores
de los propios modistos. Ellos dan lugar a la “mujer ornamentada”, una tendencia popular en la belle époque.
Grandes diseñadores, como la mismísima Coco Chanel,
harán de estos artesanos los socios indispensables para
desarrollar al máximo su inventiva y creatividad.
Nelly Saunier es el vivo ejemplo de esos artesanos vinculados al glamuroso mundo de la moda, pero también es
profesora de plumería en el parisino instituto Octave Feuillet, donde pretende transmitir sus conocimientos y así perpetuar este oficio. Además, tanto como diseñadora como
también en su faceta de artista plástica, crea numerosas
obras propias y colabora con otros diseñadores, modistos
o decoradores.
El oficio
Hoy en día, el oficio de la plumería ha disminuido en comparación con la cantidad de artesanos que se dedicaban
a él a principios del siglo XX. Para hallar el origen de este
oficio es necesario remontarse casi al origen de la humanidad, y no debe sorprendernos, ya que la pluma es de
las materias más fácilmente asequibles en la naturaleza.
En nuestra memoria figura como un pequeño tesoro de
la infancia que aparecía en nuestros paseos por la naturaleza, en las jornadas de playa o incluso en la ciudad.
Se trata de una de las formas más sencillas que ofrece la
fauna, un recurso que ofrece la naturaleza y que invita a
descubrirlo y apropiarse de él.
La pluma, elemento central del arte de la plumería, es
una materia con una fuerte carga simbólica, que siempre
ha sido utilizado como ornamento en diferentes civilizaciones. Ha servido como material de distinción para el
ser humano, al ser utilizado como adorno, siendo esta
la forma más sencilla de exhibir los trofeos. Implicaba un
cierto estatus social, y permitía exteriorizar esa situación
o afirmar la personalidad. Ha sido un símbolo de riqueza,
como el cazador que lucía una pluma en su pelo una vez
que había capturado a algún ave. Era un reconocimiento
hacia sí mismo y también hacia los demás. Un origen
used as body ornaments, in fashion, or in warm clothes.
More or less exotic birds are the best providers of this
raw material but we must bear in mind that we need to
establish some limits in its use. In 1975 restrictions were
agreed in the Conventional on International Trade in Endangered Species of Wild Fauna and Flora. Nowadays
only feathers from birds which have been bred for meat
consumption can be used. For this reason, old feathers
are considered real treasures but, even so, nature offers
many possibilities with species such as the rooster, the
pheasant, the ostrich, the partridge, the guineafowl or
the turkey.
sencillo que se ha ido asentando en la ornamentación y
que llega hasta nuestros días de la forma más variada
posible, con rituales diferenciados a lo largo del planeta
y del tiempo, pero que comparten esa base del adorno
como un estatus precioso.
El material elemental de este oficio, la pluma, es una materia viva y en principio se encuentra de manera abundante
en la naturaleza. De hecho y como hemos visto, siempre
han sido utilizadas como ornamento del cuerpo, en la
moda y como abrigo, en ropa de hogar. Las aves, ya
sean más o menos exóticas, son los mejores proveedores
de materia prima, pero hay que tener en cuenta que es
necesario situar ciertos límites a la hora de su utilización.
Desde 1975 se ha impuesto una restricción debido a la
convención de Washington sobre el comercio internacional de especies de flora y fauna salvaje en peligro de
extinción. En la actualidad, solo pueden utilizarse plumas
que provengan de aves que hayan sido criadas y destinadas al consumo de carne. De ahí que las existencias de
plumas antiguas tengan la consideración de verdaderos
tesoros, pero aun así, la naturaleza ofrece amplias posibilidades, con especies como el gallo, el faisán, la avestruz,
la perdiz, la pintada o el pavo.
35
36
On-Off Spaces in the City of Culture
Espacios on&off de la cidadE da cultura
The City of Culture of Galicia takes its first steps, and
one of the attractions of this complex are two spaces
where handicraft and design merge, where avantgarde and tradition are combined, as it is expected
in such a place. These are the ON/OFF spaces, two
integrated recreation areas for the visitors. The
artisans Arturo Álvarez and Idoia Cuesta, as well
as the furniture retailer Martínez Otero, all of them
from Galicia, gave shape to this project of Martín
Azúa, one of the most prestigious Spanish designers
nowadays. A unique way of discovering the cultural
and design potential of handicrafts.
La Cidade da Cultura de Galicia da sus primeros pasos y uno de los atractivos con los que cuenta el complejo son dos espacios en los que artesanía y diseño se dan la mano, uniendo vanguardia y tradición,
como debe exigirse en un entorno de estas características. Se trata de los espacios ON/OFF, dos zonas
integradas concebidas para el esparcimiento de los
visitantes. Desde Galicia, los artesanos Arturo Álvarez e Idoia Cuesta, así como la empresa de mobiliario
Martínez Otero, han dado forma a este proyecto de
Martín Azúa, uno de los más prestigiosos diseñadores españoles en la actualidad. Una vía única para
descubrir el potencial tanto cultural como a nivel de
diseño del producto hecho a mano.
37
The City of Culture is meant to be the centre of cultural
creation in Galicia, and one of its first initiatives was
to combine design with handicraft. This is a project of
Martín Azúa, designer and teacher at the Elisava Design
School (Barcelona) who studied Fine Arts, specialising
in Design at the University of Barcelona, and who has
a postgraduate degree in Architecture and Ephemeral
Installations from the Polytechnic University of the same
city. He was commissioned to design in this complex in
the Mount Gaias two integrated spaces, one for activities
and the other one for resting. This is how the ON/OFF
spaces were created, two areas which are one of the
first attractions of the Mount Gaias – the first one for
recharging and the second one for relaxing.
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Está llamado a ser el polo de la creación cultural en Galicia, y una de las primeras iniciativas de la Cidade da
Cultura ha sido unir diseño y artesanía. Se trata de un
proyecto de Martín Azúa, diseñador y profesor en la Escuela Superior de Diseño Elisava (Barcelona). Este licenciado en Bellas Artes en la especialidad de Diseño por la
Universidad de Barcelona y posgraduado en Arquitectura
y Diseño de Montajes Efímeros por la Universidad Politécnica de la misma ciudad, recibió el encargo de idear
en el macrocomplejo del Gaiás dos espacios integrados,
uno con mayor carga de actividad y otro destinado al
descanso. Así nacieron los espacios ON/OFF, el primero
destinado a reponer energía y el segundo de estética relajada, que constituyen uno de los primeros atractivos del
Monte Gaiás.
Azúa stamped in these spaces his characteristic way of
understanding design as something useful and basic.
In fact, his creations won him the AD Designer of the
Year Award 2010, and he is one of the few national
artists whose work is part of the permanent collection
of MoMA in New York. In addition, he also has pieces
in the collections of Vitra Design Museum, Museum of
Decorative Arts in Barcelona and in La Panera Art Centre
in Lleida. Although he lives in Barcelona, he was born in
the Basque Country, a fact which, according to the artist
himself, conditions his works to be related to nature and
somehow connected to the country. He collaborates with
different companies, such as Nanimarquina, Cosmic,
Unión Suiza or Camper, and he has also developed more
experimental projects which were presented in solo and
group exhibitions in Barcelona, Milan, London, Berlin,
Paris, Vienna, New York, Tokyo or Beijing, among others.
Azúa imprimió en estos espacios su concepción del diseño
como algo útil y básico, que caracteriza sus creaciones.
De hecho, su obra le ha valido el premio AD “Mejor Diseñador 2010” y es uno de los pocos artistas nacionales con
obra fija en el MoMA de Nueva York. Además, también
tiene piezas en la colección del Vitra Design Museum, en
el Museo de Artes Decorativas de Barcelona y en el Centro
de Artes La Panera de Lleida. Aunque está asentado en
Barcelona, es natural del País Vasco, un hecho que condiciona, según él mismo, que sus trabajos se acerquen a la
naturaleza y mantengan un vínculo con lo rural. Mantiene
una colaboración con diferentes empresas, como Nanimarquina, Cosmic, Unión Suiza o Camper, además de
realizar proyectos de carácter más experimental que han
sido mostrados en exposiciones individuales y colectivas
en Barcelona, Milán, Londres, Berlín, París, Viena, Nueva
York, Tokio o Pekín, entre otras.
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In this project he collaborated with different Galician
artisans who represented the most innovative lines in
basketry and lightning. Their work is in the OFF space,
which was conceived as a relaxing and calm area, an
“island for rest” for the visitors, with subtle and organic
shapes. On the one hand, Idoia Cuesta proposed a
conceptual revision of poufs through traditional basketry
techniques, and she worked with a group of six basket
weavers. Cuesta and her team made eighteen poufs
in different materials, techniques and sizes. They used
natural species such as wicker, chestnut or purple willow
and different traditional basketry techniques from Galicia,
such as coiling, pairing, wailing, checker plaiting and the
simple and double French randing.
Idoia Cuesta made these poufs together with the basket
weavers Antonio Suárez Dávila, Rubén Berto Covelo,
Aurora Orge and Iago Pérez Lago from Vigo; Carliños
González Martínez from Lugo; and Enrique Táboas Padín
from Sanxenxo. It was a quite complex task, since some
of the seats measured more than one metre in diameter,
an unusual size in baskets. In consequence, they were
not very easy to work with, so they had to adapt their
techniques to those dimensions.
On the other hand, based on the design by Azúa, Arturo
Álvarez, one of the most famous creators of lightning
products worldwide, developed a project which feeds
directly on nature. It consists of three 2.20-2.40 metres
high sculptural lamps with organic shapes – slender and
amazing white flowers which are subtle and elegant
too. They are made of a material which has been very
successful at an international level with other models
which the firm sells – a silicone mesh. In white, this
40
En este proyecto han colaborado varios artesanos gallegos, representantes de las líneas más innovadoras en los
ámbitos de la cestería y de la iluminación. Están situados
en el espacio OFF, concebido como una zona de calma,
de relax, una “isla de descanso” para el visitante, con formas sutiles y orgánicas. Por un lado, Idoia Cuesta ha propuesto una revisión conceptual de los asientos tipo puf a
través de las técnicas de cestería tradicionales, que contó
para su realización con un grupo de seis artesanos cesteros. Cuesta y su equipo confeccionaron dieciocho pufs con
diferentes materiales, técnicas y tamaños. Así, el mimbre,
el castaño o el sauce púrpura son las especies naturales
que se han empleado, recurriendo a técnicas tradicionales
de la cestería gallega, como las “teladas”, el tejido o cordón doble y tejido triple, el tejido en damero y el remate
francés simple y doble.
En la confección, además de Idoia Cuesta trabajaron los
cesteros Antonio Suárez Dávila, Rubén Berto Covelo, Aurora Orge e Iago Pérez Lago de Vigo; Carliños González
Martínez de Lugo; y Enrique Táboas Padín de Sanxenxo.
Se trataba de una producción bastante compleja, dado
que algunos asientos superaban el metro en su diámetro,
un tamaño poco habitual en los cestos, por lo que resultaron poco manejables y tuvieron que adaptar las técnicas
a esas dimensiones.
También a partir del diseño de Azúa, Arturo Álvarez, uno
de los nombres más relevantes a nivel internacional en
la creación de productos de iluminación, realiza una propuesta que bebe directamente de la naturaleza. Se trata
de tres lámparas esculturales de entre 2,20 y 2,40 metros
de altitud, con formas orgánicas; unas esbeltas e impresionantes flores blancas, al tiempo que sutiles y elegantes.
material provides a soft and warming light that is diffused
by its weave, which plays with lights and shades in a
mysterious and evocative combination. Finally, in this
space there are birch tables with a natural finish and
white HPL plywood, which are placed on top of grey steel
bases. These were made by Martínez Otero, a furniture
retailer from A Estrada.
The ON space was planned as a more dynamic area for
activities, a space for recharging and connecting. The
tables and folding screens were made by the well-known
firm Martínez Otero, and the chairs were created by
Konstantin Grcic. There are also vending machines, and
a WiFi connection is available in this area. The folding
screens are made of birch and they combine a white matt
lacquer finish on one of their sides – this is the dominant
colour in both spaces – with the natural finish on the other
side and in the edges. These are the elements which
organise the space and give light and a sort of visual
rhythm to the room, as the designer Martín Azúa had
planned. The Information Point of the City is in this room,
a place where one can check the programme of events
and exhibitions, and where the guided tours start.
Están hechas en un material que le ha dado muy buenos
resultados y reconocimientos a nivel internacional en su
aplicación sobre otros modelos que comercializa la firma,
una malla de silicona. En color blanco, reproduce una luz
suave y acogedora, tamizada por el tejido empleado que
juega con las luces y las sombras en una combinación evocadora y misteriosa. Finalmente, a lo largo de la sala se
disponen varias mesas en madera de abedul en acabado
natural y terminadas en rechapado HPL en color blanco,
montadas sobre bases de acero gris, que son obra de la
fábrica de muebles estradense Martínez Otero.
La zona ON, por su parte, está pensada como una zona
de actividad y mayor dinamismo, para reponer energía y
como espacio para la conexión. Las mesas y los biombos
han sido realizados por la empresa Martínez Otero, y las
sillas son una creación de Konstantin Grcic. Cuenta con
máquinas expendedoras y da cobertura de internet WIFI.
El biombo está hecho en madera de abedul y combina el
lacado en blanco mate en una de sus caras -color dominante en ambos espacios- con el acabado natural en la
otra y en los cantos. Se trata del elemento que articula
el espacio, dando luz y una especie de ritmo visual a la
sala, de acuerdo con las intenciones del diseñador Martín
Azúa. En este espacio está situado el Punto de Información
de la Ciudad, donde se puede consultar la programación
de actos y exposiciones, y desde donde parten las visitas
guiadas.
41
In short, this is an excellent example of how
handicraft can play a key role in contemporary
fields as design and architecture by combining
tradition with the modernity which is expected
from this kind of projects. In addition, it is also
a great showcase for the expertise and the great
possibilities which handicraft offers today. New
uses for old techniques through which the trades
are reinvented, and an important sample of the
heritage of this community is displayed in the
City of Culture of Galicia.
Martín Azúa
www.martinazua.com
Idoia Cuesta
Cestería contemporánea
Hortas nº7, Cela. Outeiro de Rei
Tel.: +34 982 390 666
[email protected]
http://idoiacuesta.com
Craftsman card / Carta de artesana nº 1.164
Craft workshop / Taller artesano nº 525
Arturo Álvarez
San Miguel de Sarandón, 9, Vedra
Tel.: +34 981 814 600
[email protected]
www.arturo-alvarez.com
Craftsman card / Carta de artesano nº 196
Craft workshop / Obradoiro artesán nº 257
42
Se trata, en definitiva, de un excelente ejemplo
de cómo la artesanía puede tener un papel clave
en ámbitos tan contemporáneos como el diseño
y la arquitectura, combinando la tradición y la
modernidad que se exige en proyectos de este
perfil, y al mismo tiempo, un gran escaparate del
buen hacer y las amplias posibilidades que ofrece hoy en día el producto hecho a mano. Nuevos
usos para técnicas antiguas, con las que reinventar los oficios y llevar a la Cidade da Cultura de
Galicia una importante muestra del patrimonio
de la comunidad.
The ON/OFF spaces are in the City of Culture of Galicia,
in an area which is between the two first buildings which
were opened in January: the Archive and the Library.
They are part of a complex which was designed by the
American architect Peter Eisenman, who wanted to extend
the gentle curves of the Galician topography to the Mount
Gaias, and to place on top of it the layout of the old
quarter of Santiago de Compostela and the undulations
of the scallop shell, the symbol of the Way of St. James
par excellence. And these general lines were taken into
account by the team who created these two spaces
for visitors, where natural references, tradition and the
greatest exponent of avant-garde and contemporaneity
merge.
Los espacios ON/OFF se encuentran en el complejo de
la Cidade da Cultura de Galicia, en una zona intermedia
entre los dos primeros edificios ya inaugurados en enero
de este año: el Archivo y la Biblioteca.
Forman parte de un conjunto ideado por el arquitecto norteamericano Peter Eisenman, que quiso trasladar a la cumbre del Monte Gaiás una prolongación de la topografía
gallega, de líneas curvas suaves, a la vez que superponía
el trazado del casco antiguo de la capital compostelana
y las ondulaciones de la vieira, símbolo del Camino de
Santiago por excelencia. Estas líneas generales fueron
asumidas por el equipo que trabajó en la creación de estos dos espacios que acogen a los visitantes, en los que
se fusionan las referencias naturales, la tradición y la más
absoluta vanguardia y contemporaneidad.
43
Silvia García González, who teaches at the
University of Vigo, presents her observations
on the application of handicraft to the specific
case of fashion. She also reflects on the new
opportunities which appear for handicraft
thanks to the current trends in clothing
consumption. A new group of customers who
appreciate and want a different, quality and
handmade product is now emerging. A luxury
in which handicraft fits in perfectly, since it
provides an added value to fashion creations
and it makes each piece unique. Handicraft
makes possible to offer pieces with personality,
with a story and a style; handmade products
in quality materials which aim to last and be a
part of people’s lives.
44
La profesora de la Universidade de Vigo, Silvia
García González, nos presenta sus reflexiones
sobre la aplicación de la artesanía al caso concreto de la moda y las oportunidades que para el
producto artesano suponen las nuevas tendencias de consumo de moda, entre las que comienza a aparecer un grupo de clientes que buscan
y aprecian la diferencia, la calidad y lo hecho a
mano. Una forma de lujo en el que la artesanía
encaja a la perfección, aportando un valor añadido a los diseños de moda y convirtiendo cada
pieza en exclusiva. La artesanía permite ofrecer piezas con personalidad, historia y carácter,
productos elaborados a mano con materiales de
calidad que buscan perdurar y formar parte de
la vida de las personas.
THE MEMORY OF TEXTURES
La memoria de las texturas
Silvia García González
07
April
Abril
We remember smells, laughs, and fabrics too.
A soft summer dress, an itchy sweater, a pair of warm
socks.
Our memory feeds on our vast cultural background,
and on the senses of touch, smell or even taste. It isn’t
easy to explain the importance of all this information
in objects.
We know that we consume objects, images and slogans
at an amazing pace; so when we train designers we
want them to be aware of the configuration of objects,
of the long process which these entail. Handicraft is
now turning out to be an option for the future of those
who study design. It seems as if, tired of a market that
is saturated with low cost industrial products, some
consumers recover their critical ability when they buy
a product. So they choose for example a garment
which stands out for a careful manufacturing; they pay
attention to materials (people is increasingly taking into
account the policies of a company on sustainability
and the origin of materials) and textures, which are a
sign of the garment quality.
Elsa Diez
Conservamos la memoria de los olores, de las risas, y
también de los tejidos.
Un vestido suave de verano, un jersey que picaba,
unos calcetines abrigosos.
La memoria se nutre de nuestro inmenso bagaje visual,
y también del tacto, del olor y del sabor (incluso). No
es fácil trasmitir la importancia de toda esta información que acompaña a los objetos.
Sabemos que somos hoy en día veloces consumidores
de objetos, imágenes, eslóganes; por lo tanto tomar
conciencia de la configuración de los objetos, del largo proceso que ha llevado a su consecución forma
parte del horizonte que pretendemos crear a la hora
de formar diseñadores. Cada vez más la artesanía se
revela como una posibilidad también para el futuro de
los estudiantes de diseño, parece como si ante la saturación de productos industriales de bajo coste, algunos
consumidores recuperaran el espíritu crítico a la hora
de elegir un producto, escogiendo por ejemplo aquella
prenda que destaca por su factura cuidada, la selección de la materia prima (cada vez se tiene más en
cuenta la postura de la empresa ante la sostenibilidad
y el origen de los materiales) y la textura que visibiliza
la calidad de las prendas.
MERCEDES CASTRO
45
11
April
Abril
We can also think that handicraft involves recovering
the sense of touch. Organic and recycled things aren’t
rough anymore. In a way, recovering this sense makes
us like sophisticated products and appreciate the
“rough” texture of wool in a “handmade” garment (or
all the opposite, the delicacy of a lace or a fabric which
was made by an artisan in a loom). This is what we
look for. At the textile and fashion design studies at the
University of Vigo, we train the students in fashion and
we want them to do research into this field. However,
we also want them to be aware of how important the
“immaterial” heritage of artisans is for the general
knowledge of future designers. For this reason we trust
experiences that provide new ways of experimenting
on the space which links handicraft and design. A
more deliberate attitude in the analysis of the fashion
social phenomena, without being influenced (as far as
possible) by the rush of a market that consumes the
images before the collections get to the shops.
IDOIA CUESTA
46
Podemos pensar también que la artesanía plantea una
recuperación del tacto. Lo orgánico, lo reciclado, ya no
es tosco, pero en cierto modo la recuperación de este
sentido nos acerca a productos sofisticados en los que
apreciamos la textura “tosca” de la lana en una prenda
“hecha a mano” (o todo lo contrario, la delicadeza de
un encaje o un tejido que fue creado en un telar artesano). Eso buscamos. En los estudios de diseño textil y
moda de la Universidad de Vigo tratamos de vincular la
formación y la investigación en moda con la conciencia
de que el patrimonio “inmaterial” que atesoran los artesanos es de gran importancia para formar parte del bagaje intelectual que formará a los futuros diseñadores.
Por eso confiamos en experiencias que ofrezcan nuevas vías de experimentación en el espacio que conecta
la artesanía y el diseño. Una actitud más pausada a la
hora de analizar los fenómenos sociales implicados en
la moda, sin dejarse llevar (en la medida de lo posible)
por las prisas del mercado que consume las imágenes
antes de que las colecciones lleguen a las tiendas.
Workshops directed by artisans and designers will
take place in July at the Esdemga school and at the
Faculty of Fine Arts. Students from both degrees, as
well as artisans and other interested professionals, will
design products, objects, garments which increase our
critical ability, our ability to appreciate the potentials
of the objects that surround us, although these are just
a start, just attempts to think about new possibilities. It’s
worth trying. These workshops will be directed by the
designers American Pérez and the textile craftswoman
Anna Champeney, the artisan Carlos Fontales and the
designer Carlos Díez, the artisan Idoia Cuesta and
Nando Cornejo from Potipoti.
Training, tutoring, being present during their discovery
process, during their researches, which try to find the
existing connection between the wide range of forms
in our past and the creative proposals of the current
designers, always encouraging interdisciplinary
work…
18
April
Abril
We go through the works of the students with the
idea of organising an exhibition that shows their
experiments with knitwear, which is usually chosen by
a minority group but has unexpected results, especially
with the macrostructures of garments that work by
accumulation and seem to colonise the person who
wears these organic “sculptures.”
These experiments prove the great creativity that
can still be shown in a catwalk. Projects, exercises
which increase the formal repertoire and propose
new channels in the academic context, although we
are aware that the industrial context of these future
designers will restrict their experiments for the sake of
productive efficiency.
Actividades como los talleres conducidos por artesanos y diseñadores que en este mes de julio tendrán
lugar en las aulas de Esdemga y la Facultad de Bellas
Artes para que los estudiantes de ambas titulaciones
junto con artesanos y otros profesionales interesados
puedan proyectar productos, objetos, prendas que
amplíen nuestra capacidad crítica, la capacidad de
apreciar las posibilidades de construcción de los objetos que nos rodean, aunque sean ideas germinales,
intentos de pensar posibilidades, merece la pena intentarlo y para ello dirigirán los talleres los diseñadores American Pérez junto con la artesana textil Anna
Champeney, el artesano Carlos Fontales junto con el
diseñador Carlos Díez, y la artesana Idoia Cuesta junto con Nando Cornejo de Potipoti.
Formar, tutorizar, acompañar en el descubrimiento,
en investigaciones que tratan de buscar la conexión
existente en la actualidad entre el amplio repertorio de
formas de nuestro pasado y las propuestas creativas
de los diseñadores actuales, promoviendo el trabajo
interdisciplinar.
Revisamos el archivo con el trabajo de los alumnos,
pensando en una exposición que refleje la experimentación en punto, que suele ser una opción minoritaria
entre el alumnado pero que suele producir resultados
inesperados, sobre todo en el trabajo con macroestructuras de prendas que funcionan por acumulación
y parecen colonizar al portador de estas “esculturas”
orgánicas.
Son experimentos que muestran la enorme creatividad
que todavía es posible mostrar en la pasarela. Proyectos, ejercicios que amplían el repertorio formal y que
contextualizados en el ámbito académico proponen
vías, a sabiendas que el contexto industrial de estos
futuros diseñadores limitará los experimentos en aras
de la eficacia productiva.
PAULA MONTOTO
47
14
May
Mayo
16
May
Mayo
I’m on my way to Poland to try to sign academic
agreements, and I think about the commercial offer
in airports. I remember that you can find Marimekko
objects at Helsinki airport, and at Munich airport there
is an Italian shop specialised in Fabriano stationary.
Is it possible to offer something else than charms and
souvenirs made in China? Or perhaps finding design
at the airports depends on the number of travellers?
Voy camino de Polonia para intentar establecer acuerdos académicos y pienso en las ofertas comerciales
de los aeropuertos. Recuerdo que en el aeropuerto de
Helsinki puedes encontrar objetos de Marimekko, y en
el aeropuerto de Munich hay una tienda italiana especializada en objetos de papelería Fabriano. ¿Es posible ofrecer algo más que amuletos, o recuerdos made
in china? ¿o quizás depende del número de viajeros
el poder encontrar la cultura del diseño también en los
aeropuertos?
The Akademia in Lodz surprised me, it has very big
workshops, many (and huge) looms, jewellery workshops, shoemaking workshops, and fine arts classes,
such as painting, engraving, sculpture or multimedia,
as well as screen printing classes, all available for the
textile and fashion design students. They tell me about
their future; they want to collaborate with the engineering degrees, and they are trying to create a school to
connect training with the industry. They try to restore
their past because the most important textile industry
in Poland was in this city. We can see ourselves in that
future, creating a link among training, industry and
handicraft. Exploring new ways, looking for synergies.
La Akademia de Lodz me sorprende por sus inmensos
talleres, hay numerosos (y gigantescos) telares, talleres
de joyería, talleres de zapatos, y aulas más ligadas a
las bellas artes, aulas de pintura, grabado, escultura
o multimedia pero también talleres de serigrafía a disposición de los alumnos de diseño textil y moda. Me
cuentan el futuro porque quieren trabajar junto con las
ingenierías y están tratando de crear un instituto que
sea el nexo de unión entre la formación y la industria.
Tratan de recuperar su pasado porque Lodz fue la ciudad con la industria textil más importante de Polonia.
En ese futuro nos veo también reflejados, creando una
buena comunicación entre formación, industria y artesanía. Explorando vías, buscando sinergias.
MERCEDES CASTRO
22
May
Mayo
48
Everything tastes like old, or that’s what it seems to me.
In the catwalk Debut, where the ESDEMGA students
show their projects, we can see sometimes knitwear
with huge dimensions, scale and texture experiments,
“macroknots” which reveal the building process. Being aware of the possibilities of experimenting doesn’t
distance them from the industry, quite the opposite, the
industry needs the risk of new creators to increase its
offer, to keep on innovating.
PAULA MONTOTO
Todo sabe a antiguo, o eso me parece, en ocasiones
en la pasarela Debut en la que los estudiantes de ESDEMGA muestran sus proyectos, podemos apreciar
prendas en las que el punto alcanza proporciones gigantescas, exploración de la escala, las texturas, “macronudos” que desvelan el proceso de construcción.
Ser conscientes de las posibilidades de experimentación no los aleja de la industria, al contrario, la industria necesita del riesgo de los nuevos creadores para
ampliar su repertorio, para seguir innovando.
PAULA MONTOTO
25
May
Mayo
28
May
Mayo
Laura de las Heras
I look again at the pictures of Louise Borgeois’ installations and I think that to propose new objects we
need to recover the feel of some textures, as well as
commitment and honesty. I understand the Yamamoto’s
nostalgia in Wim Wenders’ documentary Notebook
on Cities and Clothes.
Veo de nuevo fotografías de las instalaciones de Louise
Bourgeois y creo que necesitamos recuperar el tacto
de ciertas texturas, la implicación y la honestidad para
proponer nuevos objetos. Entiendo la nostalgia que
mostraba Yamamoto en el documental que hizo Wim
Wenders “Notebook on Cities and Clothes”.
He talked about the clothes which Germans portrayed
by August Sander wore, like the coat which kept them
warm, the necessary heat for the body. He was nostalgic too when he talked about his mother, a dressmaker
who made clothes for people in her neighbourhood
after World War II. We need to value objects again;
perhaps we should have less, not only because we
have to think that the current consumption levels are
unsustainable but because it’s necessary to appreciate
the world around us with a more careful, respectful
and honest look.
En él hablaba de la ropa que vestían los alemanes
retratados por August Sander, el abrigo que cumplía
su función, que abrigaba, el abrigo necesario para
el cuerpo. Sentía nostalgia también al hablar de su
madre modista construyendo ropa para la gente de su
barrio tras la segunda guerra Mundial. Necesitamos
valorar de nuevo los objetos, quizás tener menos, no
sólo porque debemos pensar que el consumo actual es
insostenible, sino porque es necesario que apreciemos
el mundo que nos rodea con una mirada más atenta,
más respetuosa, más honesta.
A sector of the industry seems to be avoiding price
competition in their products, as if it was aware of
the limits that have been reached and that can’t be
crossed. A sector that tries to create unique (or limited) products which make the consumer understand
the idea of luxury, which isn’t just wearing a unique
product. The kind of luxury which is traditionally associated to brand loyalty is now beginning to restore
the idea of haute couture as top quality handicraft; a
tailored product that is exclusive for more reasons than
just its logo.
Parece que un sector de la industria evita competir
en el precio de sus productos consciente de que se
ha llegado a límites que ya no pueden traspasar, y
buscan crear productos únicos (o series limitadas) que
acerquen al consumidor a la idea de lujo, no a través
de la sensación de vestir un producto único. El lujo
tradicionalmente asociado a la fidelidad a una marca, empieza ahora a recuperar la idea de alta costura
como artesanía de altísima calidad, un producto hecho
a medida, mostrando exclusividad en el producto, no
sólo en el logo.
49
04
June
Junio
06
June
Junio
Sargadelos is an example of how the cultural industry contributes to show the economic possibilities of
restoring the past without being nostalgic, always
bearing in mind the future. When our kitchen is full
of plastic of different colours, we need to revive the
weight of a ceramics plate in our hands, the beautiful
texture of glaze which sometimes I found similar to
Japanese ceramics.
Tenemos en Sargadelos el ejemplo de como la industria cultural contribuye a hacer visible las posibilidades
económicas de la recuperación del pasado sin nostalgias y con la clara conciencia de la proyección al futuro. Después de llenar la cocina de plástico de colores
necesitamos otra vez recuperar el peso de un plato
de cerámica en nuestras manos la hermosa textura del
esmalte que a veces me parece emparentado con la
cerámica japonesa.
Sometimes it seems as if the efficient international industry separates us from objects. With fast consumption, products are created and introduced in our lives in
shorter and shorter cycles. Buying a garment is getting
cheaper and cheaper, so the decision is usually taken
lightly (I see teenagers who go to a shop where they
can buy a t-shirt for 8 euros, half the price of a book).
Despite this reality that bring us closer to the globalization of the textile industry, we can find limited products,
limited editions of an artist’s book, limited series of an
industrial object, a piece of furniture, a lamp, a screen
printed t-shirt by a graffiti artist from Vigo.
A veces parece que la eficiente industria a nivel global
nos distancia de los objetos. Con el consumo rápido los
productos se crean y se incorporan a nuestras vidas en
ciclos cada vez más cortos. Cada vez es más barato
comprar una pieza de ropa, por lo que la decisión se
toma muchas veces con ligereza (veo a las adolescentes
acudir a una tienda donde pueden comprar una camiseta por 8 euros, la mitad de lo que vale un libro). Frente
a esta realidad que nos acerca a la globalización de la
industria textil, nos encontramos con la recuperación de
las producciones limitadas, las series numeradas de un
libro de artista, ediciones también de un objeto industrial, un mueble, una lámpara, una camiseta con una
serigrafía de un grafitero hecha en Vigo.
PAULA MONTOTO
50
PAULA MONTOTO
ELSA DIEZ
08
June
Junio
Understanding the sense of the production of an object
means getting closer to reality. Participating in the difficulty of creating an object, sharing the process with the
spectators, helps to improve our critical ability, which,
as consumers, helps us to appreciate the use of good
materials, the origin of the product, our slowness in
our relationships with the environment (like the modern
movement of slow food).
Environmental awareness and recycling have to do
with understanding our responsibility as consumers.
Helping to relaunch the local commerce and to increase the number of producers, intermediaries and consumers will help to improve the economic situation of
those who surround us. Curiously, the real possibility of
buying any product produced anywhere in the world
coexists with the possibilities of being trained in a trade, finding a small workshop that restores the manufacturing, weaving or modelling techniques…
11
June
Junio
The magazines Wallpaper and Neo2 mention the retrospective exhibition in the ICA in Philadelphia of 100
works made by Sheila Hicks in the last 50 years. This
American artist used fibres and fabrics to create pieces
which are sculptures with textures, and they seem to be
part of an organic minimalism in which pieces speak
through the texture of a material that connects us with a
tradition that exists in all the cultures.
Works with textile materials are again in fashion trend
magazines. It might be a coincidence but it’s great to
think that the reality is very plural and that there are so
many possibilities…
ELSA DIEZ
Entender el sentido mismo de la construcción del objeto implica otro acercamiento a la realidad, participar
de la dificultad de crear un objeto, hacer partícipe
al espectador del proceso, ayuda a mejorar el espíritu crítico, aquel que hace que como consumidores
sepamos apreciar el uso de buenos materiales, la
procedencia del producto, la lentitud a la hora de
relacionarnos con nuestro entorno (como la moderna
práctica del slow food).
La conciencia ecológica y el reciclaje están relacionados con esta apreciación de nuestra responsabilidad
como consumidores, ayudar a reflotar el comercio local
y nutrir la red de productores, intermediarios y consumidores, a la vez que nos hace participar en la buena
marcha de la economía que tenemos a las puertas de
casa. Curiosamente, la posibilidad real de hacernos
con cualquier producto producido en cualquier lugar
del globo, coincide con la posibilidad de asistir a la
maestría en el oficio, ver en un pequeño taller la recuperación de los modos de construir, tejer, modelar…
Me encuentro en las revistas Wallpaper y Neo2 reseñas de la exposición retrospectiva en el Ica de Filadelfia dedicada a la americana Sheila Hicks en la que se
muestran 100 piezas de los últimos 50 años en los que
esta artista trabajó con fibras y textiles creando piezas
que son esculturas con texturas que nos acercan a una
idea de minimalismo orgánico donde las piezas hablan a través de la textura de un material que nos conecta con una tradición presente en todas las culturas.
De nuevo el trabajo con la materia textil en las revistas
de tendencias, podría ser casualidad pero es hermoso
que la realidad sea tan plural y tengamos por delante
tantas posibilidades…
51
Interweaving, Handicraft at School
Enredando, artesanía en la escuela
Achegarlle a artesanía aos máis pequenos é o obxectivo da iniciativa posta en funcionamento pola Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño. Co
título “Enredando, artesanía na escola”, este proxecto promove a integración dos nenos e das nenas no
sector artesán, para o que organiza diversas actividades tanto nos propios colexios como en obradoiros.
Unha medida que se inicia descubrindo o fascinante
mundo da seda pero que vén con vontade de futuro
para inculcar desde a nenez o valor do produto feito
á man. Un contacto directo coa artesanía que, quen
sabe, pode descubrir novos talentos e vocacións artesás.
52
Acercar la artesanía a los más pequeños es el objetivo de la iniciativa puesta en funcionamiento por la
Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño.
Con el título “Enredando, artesanía en la escuela”,
este proyecto promueve la integración de los niños y
niñas en el sector artesano, para lo que organiza diversas actividades tanto en los propios colegios como
en talleres. Una medida que se inicia descubriendo el
fascinante mundo de la seda pero que viene con voluntad de futuro para inculcar desde la niñez el valor
del producto hecho a mano. Un contacto directo con
la artesanía que, quien sabe, puede descubrir nuevos
talentos y vocaciones artesanas.
“Interweaving, Handicraft at School” is the project which
the Consellería de Economía e Industria, through the Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño, in collaboration with the Consellería de Educación e Ordenación
Universitaria, has set in motion this year with the aim of
introducing children to handicraft. This initiative was devised to popularise the craft trades among children, so they
could appreciate the value of handicrafts by discovering
all the work behind these pieces and the old techniques
which passed on from generation to generation until today.
The first unit of work was “The Trade of Silk,” which tries
to explain in a practical way the production process of this
fabric through some activities which require the participation of the children, who were pre-school, primary and
secondary school students.
Several classes received the material which the Fundación
Centro Galego da Artesanía e do Deseño prepared, and
thanks to these tools the students could reproduce the whole silk production process, from the raising and evolution
of silkworms to the extraction of silk for the thread and the
manufacturing of the fabric with looms. These activities
were supervised by an artisan who also showed them how
she works.
“Enredando, artesanía en la escuela” es el proyecto que
la Consellería de Economía e Industria, a través de la
Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño, en
colaboración con la Consellería de Educación e Ordenación Universitaria, acaba de poner en marcha este año
con la intención de aproximar la artesanía a los más pequeños. Una iniciativa con la que se pretende divulgar los
oficios artesanos entre los más jóvenes, y que así puedan
apreciar el valor que tienen los productos hechos a mano,
descubriendo todo el trabajo que hay detrás de estas piezas y conociendo técnicas antiguas que pasaron de generación en generación hasta nuestros días.
La primera unidad didáctica con la que se empezó a trabajar es “el gremio de la seda”, en la que se pretende
comunicar de manera práctica cómo es el proceso de obtención de este tejido, con una serie de actividades que
requieren la participación de los chicos, de edades comprendidas en educación infantil primaria y secundaria.
Son varias las aulas que han recibido los materiales que
elaboró la Fundación Centro Galego da Artesanía e do
Deseño, y gracias a estas herramientas el alumnado pudo
reproducir todo el proceso de producción de la seda, desde la cría y la evolución de los gusanos hasta la extracción para la confección del hilo y la elaboración de tejido
53
empleando los telares. En estas actividades contaron con
la colaboración de una artesana que actuaba como supervisora del proceso y que también realizaba demostraciones de su trabajo.
The aim of “Interweaving, Handicraft at School” is to show
the value of handicrafts to society, and to present some
professions which can be good options for their working
future. So, it is possible to solve a problem which affects
some of the most traditional crafts – the lack of a new generation to take over the trade – and contribute to a better
development of the Galician handicraft by training future
artisans. Finally, its main purpose is to show society the
added value of handicraft in creativity, as cultural heritage
and a tradition.
During this academic year which has just finished, twentyone schools from twenty different councils in the four provinces of Galicia took part in this pilot project: A Coruña,
Ferrol, Santiago de Compostela, Lugo, Barreiros, Cervo,
Sober, Ourense, Celanova, Maside, Verín, Gondomar,
Ponteareas, Tomiño, and Vigo. Therefore, 1,100 students
participated in this project, and they could see first-hand
how silk is produced. The Consellería intends to carry on
with this project in the future in order to pass on to the children other trades which are developed in Galicia today.
54
A través de “Enredando artesanía en la escuela”, se busca concienciar a la sociedad del valor del producto hecho
a mano, al tiempo que se presentan una serie de oficios
como una buena alternativa para su futuro laboral. De
esta manera, es posible solucionar un problema que atañe a cierto sectores de la artesanía más tradicional, como
es la falta de relevo generacional, mientras que también
puede colaborar en el mejor desarrollo de la artesanía
gallega, formando futuro artesanos creadores. Finalmente, lo que se intenta conseguir es demostrarle a nuestra
sociedad el valor añadido de la artesanía en lo relativo a
la creatividad, como patrimonio cultural y como tradición.
A lo largo de este curso que acaba de terminar, participaron en este proyecto piloto uno total de veintiún centros
educativos de veinte ayuntamientos gallegos repartidos
por las cuatro provincias: A Coruña, Ferrol, Santiago de
Compostela, Lugo, Barreiros, Cervo, Sober, Ourense, Celanova, Maside, Verín, Gondomar, Ponteareas, Tomiño y
Vigo. Así, llegó a un total de 1.100 chicos que entraron
en contacto con el proyecto y que pudieron comprobar de
primera mano como se produce la seda. La intención es
que este proyecto continúe desarrollándose en el futuro,
y así consiguiendo transmitirle a los más jóvenes otros
oficios artesanales que se están desarrollando en Galicia
en la actualidad.
AND THIS IS HOW IT all BEGINS…
María José Martínez Pérez, coordinator of this project.
“Silkworms”
And this is how it all begins… With a greyish seed in the
shape of a lentil. First, a very very tiny larva will be born
from it, and it will eat the remains of its egg; then you
will have to feed it. You must know that they have been
domesticated by the human being for so long that they
don’t know how to get food. Besides, they are defenceless
against any disease, insecticide or even any tiny ant that
seems inoffensive and could consider them an appetising
delicacy. Yes! Of course ants can eat them!
This and many other things is what I tell to children about
silkworms. And I do it with a “travelling suitcase” which is
sent to 20 schools all over Galicia, distributed in 40 units
of work.
I also tell them that silkworms only eat white mulberry leaves, which must be washed and dried, and that,
despite being so small when they are born, if they are
well nourished, they can become huge and very greedy
worms. Besides, when they measure about 8 centimetres,
they will look for a spot in the wooden box where they are
kept and build their house (generally, a small yellow oval),
and they do it very quickly thanks to the contact of their
saliva with air.
Y todo comienza así…
María José Martínez Pérez, coordinadora del proyecto
“Os vermes da seda”
Y todo comienza así… partiendo de una semillita grisácea en forma de lenteja. Primero saldrá una pequeña
larva que apenas se ve, y se alimentará de lo que ha
quedado de su huevo, y después seréis vosotros los que
os encargaréis de alimentarlos. Debemos saber que son
tantos los años que llevan domesticados por el ser humano, que ellos no solo no saben buscar su comida, sino que
están indefensos ante cualquier enfermedad, insecticida o
incluso ante cualquier hormiguita con aspecto inofensivo
que se presente por casualidad, y para la que podrían ser
un maravilloso manjar. ¡Sí! ¡Pues claro que las hormigas
se los pueden comer!
Esto y mucho más les cuento a los niños sobre los gusanos
de la seda. Todo esto por medio de una “maleta viajera”
que se está llevando a 20 colegios de toda Galicia repartidos en 40 unidades didácticas.
Que tan solo comen hojas de un árbol llamado morera,
bien lavadas y secas, y que a pesar de ser tan diminutos
cuando nacen, si se les alimenta bien, se convertirán en
enormes y glotones gusanos. Que cuando alcancen la
medida aproximada de 8 centrímetros, buscarán un rinconcito en la caja de madera donde los guardan y cons-
55
They shut themselves in their little house because something amazing and magic is going to happen to them…
For days, while they are hidden there, the so-called metamorphosis will take place… They will turn into a very different bug.
After some days the children and the teachers will witness with astonishment how a small hole is opened in the
cocoon and the worm, now an elegant butterfly, comes
out of it.
But this butterfly isn’t like those we know. This is ivorycoloured and… Oh!! It doesn’t know how to fly!!
No!!!!!!! Silk butterflies can’t fly. It will dance in a funny
way, flapping its wings very fast and moving around the
other butterflies to find a couple to mate. Once it does this,
it will lay the eggs, guaranteeing the continuity of the species, and then it will die.
This is the life cycle of this animal, first a worm and then
a butterfly. Teachers, students and I witnessed this cycle
truirán su casita (un pequeño óvalo de color amarillo en
la mayoría de los casos) que logran hacer en muy poco
tiempo por medio de su “baba” en contacto con el aire.
Se encierran dentro de su casita porque algo maravilloso
y mágico les va a suceder… durante días, allí escondiditos, se producirá la llamada metamorfosis… se convertirán en otro bichito muy diferente.
Transcurridos unos días los niños y profesores ven con
gran asombro cómo se abre un pequeño agujerito en el
capullo que deja paso al gusano, convertido ahora en
una elegante mariposa.
Pero la mariposa no es como las que ya conocemos. Esta
es de color marfil y… ¡¡Oh!! ¡¡Pero si no sabe volar!!
¡No!!!!!!! La mariposa de la seda no vuela. Hará una
graciosa danza moviendo sus alas a una tremenda velocidad y moviéndose constantemente alrededor de las
otras mariposas, con la intención de buscar pareja para
aparearse y, después de hecho esto, hará la puesta de
huevos, asegurando de esta forma la continuidad de su
especie, y se morirá.
Así es el ciclo vital de este animal, gusano primero y mariposa después. Un ciclo que dura apenas dos meses y
que hemos vivido juntos, profesores, alumnos y yo. Una
experiencia que puede parecer triste a simple vista pero,
56
which only took about two months. An experience which
might seem sad but it plays a key role in raising awareness of nature, and life too, which is inevitably linked to
death.
What has been described before gives rise to moments of
surprise and happiness but also to some moments of frustration for the children, when they not only see that the butterfly can’t fly but they realise that it has a sad end when
its time has come. However, this suitcase has a second
part which makes them think again that something magic
is taking place. It happens when they are shown how to
extract the silk from the cocoon, and when they are told
the story of a princess from China who discovered the silk
thread in a tea cup, or the story of a group of monks who
brought from the East some silk cocoons hidden in a walking stick, and how this meant the introduction of silkworms
in the West.
They also discover that each worm can produce a silk
thread from 500 to 1,500 metres long, and this thread
is used for a lot of purposes; for example, doctors can
stitch wounds with it or manufacturers use it in the textile
industry.
I know what the children experienced thanks to their exclamations of surprise or sadness, and thanks to their wonderful drawings too. And since this is the way I experienced
it with them, this is how I want to tell it.
desde luego, tiene una parte muy importante de sensibilización con la naturaleza, y con la propia vida que
irremediablemente va unida a la muerte.
Todo lo anteriormente descrito crea momentos de sorpresa
y felicidad, pero también algún momento de frustración en
los niños cuando no sólo ven que la mariposa no vuela,
sino que además tiene un triste final cuando le llega la
hora de sucumbir. Pero la maleta tiene una segunda parte
que les devuelve esa sensación de que algo mágico sucede. Esto se produce cuando se les hace la demostración de
la extracción de la seda del capullo, al mismo tiempo que
se les cuenta la historia de cómo una princesa de la China
descubre en su taza de té el hilo de seda, o de como unos
monjes trajeron escondidos dentro de un bastón, unos capullos de gusanos del lejano Oriente, introduciendo de
esta forma los gusanos de la seda en Occidente.
También descubren que cada gusano es capaz de elaborar entre 500 y 1.500 metros de hilo de seda en hilo
continuo, y que este hilo es utilizado para múltiples fines,
puesto que lo utilizan tanto los médicos para coser las
heridas, como los fabricantes de la industria textil.
Los niños me han hecho llegar todas estas cosas que han
vivido, no sólo por medio de sus exclamaciones de sorpresa o tristeza, sino también por medio de sus maravillosos
dibujos. Y como así lo vivo yo por medio de ellos también
así lo quiero contar.
57
Román Padín Otero
José Castro, Internationalising Lace
José Castro, INTERNACIONALIZANDO el encaje
The specialist in fashion and trends, Román Padín
Otero, talked to the Galician designer José Castro,
who was in charge of the workshop “The Art of Bobbins and Their Application: Handicraft, Creativity and
Innovation,” which was organised by the Fundación
Centro Galego da Artesanía e do Deseño to mix traditional lace and fashion design. This workshop took
place from 21st to 23rd April in Camariñas, on the
occasion of the Lace Exhibition 2011, and 16 people,
both designers and bobbin lacemakers, participated
in this event.
58
El especialista en moda y tendencias, Román Padín
Otero, conversa con el diseñador gallego José Castro,
encargado de dirigir el taller “El arte del bolillo y su
aplicación: artesanía creatividad e innovación”, impulsado por la Fundación Centro Galego da Artesanía
e do Deseño con el objetivo de poner en relación la artesanía tradicional del encaje con el diseño de moda.
El taller se celebró del 21 al 23 de abril en Camariñas,
en el marco de la edición 2011 de la Mostra do Encaixe, y en él participaron 16 personas entre las que
se encontraban tanto diseñadores como encajeras.
The fashion designer José Castro directed a workshop on
bobbin lacemaking in Camariñas in order to deal with
the new possibilities that this centenarian technique offers
in its dialogue with contemporaneity.
El diseñador de moda José Castro ha dirigido un workshop sobre encaje de bolillos en Camariñas para tratar los
nuevos aspectos que la centenaria técnica permite, en su
dialéctica con la contemporaneidad.
His work as fashion designer has been acclaimed in different international catwalks, such as in Madrid Fashion
Week. In that catwalk, he has presented several collections which were the result of his extreme care for materials and his creativity in inventing new silhouettes. This
designer is applauded for his ability to combine different
plastic techniques to develop a creative line which characterises his style.
El trabajo de José Castro como diseñador de moda ha sido
celebrado en diversas pasarelas internacionales, como la
Madrid Fashion Week. En ese catwalk, ha presentado colecciones donde el preciosismo en el tratamiento de los
materiales corría parejo a la creatividad en la invención
de nuevas siluetas. El diseñador es aplaudido por su capacidad de mímesis de diversos discursos plásticos para
desarrollar una línea creativa identificativa de su estilo.
In his designs for women, he explores the eternal feminine with silhouettes which oscillate between a sidereal
style and the sweetest romanticism. He is inspired by the
future and the past, and his creative intelligence achieves
surprising levels, where the continuity of his style prevails
over the evanescent futility of fashion.
En sus diseños de mujer, ahonda en lo eterno femenino,
con siluetas que oscilan entre el estilo sideral y el romanticismo más dulce. Inspirándose en el futuro o en el pasado, la inteligencia creativa del diseñador alcanza niveles
novedosos, donde consigue que la permanencia del estilo
vaya por delante de la propia futilidad evanescente de la
moda.
59
In addition, José Castro teaches master classes for professionals from sectors related to the world of manufacturing
and creativity, as well as classes for students who are learning any of different fields of the 21st century aesthetics.
Examples of this are his works for the leather sector in the
South of Spain or his collaboration with the school Esdemga in Galicia.
For all these professional reasons, and for his great kindheartedness and his talent for speaking and teaching, José
Castro seems the right person to do an analysis and to update the universe of the Camariñas lace. To do so, he was
invited to direct that workshop where traditional workers
of this craft shared the classroom with people of different
professional and training profiles who were interested in
learning more about lace and its possibilities.
During this workshop which took place on the occasion
of the Camariñas Lace Exhibition, the designer dealt with
different issues such as the new qualities of lace, the reality of boosting a quality manufacturing for the world of
luxury and excellence, the universalisation of the artistic
techniques, and relocation as an argument for creation
and marketing.
From a conversation with this designer one can get many
lucid perspectives and stances on the current reality of
handicraft.
Además José Castro desarrolla una labor docente, tanto
en clases magistrales dirigidas a profesionales de sectores relacionados con el universo de la manufactura y la
creatividad, como con estudiantes en vías de formarse en
algunos de los ámbitos de la estética del siglo XXI. Así
constan sus trabajos con el sector del cuero y la piel en el
sur de España o su colaboración con la escuela Esdemga
en Galicia.
Por todos estos motivos profesionales, y por su gran bonhomía y agudeza como contertulio y profesor, José Castro
parece la persona idónea para llevar a cabo un análisis
y puesta al día del universo del encaje de Camariñas. Y
para hacerlo fue invitado a dirigir este taller en el que las
trabajadoras tradicionales de este oficio artesano compartieron aulas con personas de diverso perfil profesional
y formativo, interesados en aprender más del encaje y sus
posibilidades.
Las nuevas cualidades del encaje, la realidad de la puesta en valor de la manufactura de calidad relacionada con
el universo del lujo y la excelencia, la universalización
de los discursos artísticos y la deslocalización como argumento de creación y marketing, fueron algunas de las
cuestiones que el diseñador trató en las mencionadas jornadas de taller o workshop que se celebraron con motivo
de la Mostra do Encaixe de Camariñas.
60
Methods such as hand
dyeing, hardening, the
application of weakeners,
spray, degrading or
printing are some of
the possibilities which
this designer thinks
that should be applied
in lace. And to turn the
beautiful bobbin lace
into an infinite novum, it
must be decontextualised,
deconstructed and
modified.
El teñido a mano, el
endurecimiento, la
aplicación de ácidos
debilitadores, el
His interest in updating lace is based on the idea of decontextualising the traditional work to make it seem new.
Therefore, if the old tradition of bobbin lacemaking – with
its geometrical patterns and its rigorous and syncopated
shapes – is used for new purposes, it can become a novum. So, for example, covering unexpected objects with
lace, using oversized threads or creating unusual objects
with it may give rise to new avant-garde possibilities in a
field which is in itself traditional.
Therefore, the idea of covering a bottle of a cola drink
with lace or an emblematic building in Camariñas with
big ropes made in the bobbin style, or creating tridimen-
sprayado, el degradado
o el estampado, son
sólo algunas de las
posibilidades que
aprecia el creador para
ser aplicadas al encaje
y descontextualizar,
deconstruir y modificar
hacia a un novum infinito
el muy hermoso encaje de
bolillos.
De la conversación con el creador se sacan muchas lúcidas perspectivas y posicionamientos sobre la realidad de
las manufacturas artesanas en la actualidad.
Su interés por la puesta al día del encaje pasa por la
idea del trabajo tradicional descontextualizado para que
resulte nuevo. Así, la centenaria forma de trabajar el bolillo, con sus dibujos geométricos y sus formas rigurosas
y sincopadas, puede resultar un novum, si es utilizado
para nuevas utilidades. Así el recubrimiento de objetos
inesperados con encaje o el uso de los hilos sobredimensionados de tamaño, o creando objetos inauditos con él,
pueden propiciar nuevas visiones de vanguardia de un
medio por sí tradicional.
61
sional objects like small cars or figures, may provide a
totally different view of this traditional system for making
handkerchiefs.
On the other hand, according to José Castro, the idea of
deconstructing or modifying the actual lace can be a good
way to make this traditional technique very contemporary.
By combining handicraft with the concept of applied arts,
one can deconstruct classical pieces of lace; for example,
by dyeing the classical off-white lace in new colours. In
addition, nowadays, another plastic possibility in lace is
to use different colour shades or tones to give the work a
more alternative look.
Even the application of hardening techniques – technologies which are known by basket weavers or hatters – can
give lace a new, tridimensional, unique and unprecedented look. So the option of reusing old pieces which had
fallen into oblivion or creating new pieces according to
the aesthetics of the 21st century is now explored.
José Castro mentions that an interesting way of exhibiting
these and other new lines of working with the Camariñas
lace would be to bring this craft to the field of international
Así, pensar en el recubrimiento de una botella de bebida
de cola con encaje o el recubrimiento de un edificio emblemático de Camariñas con grandes cuerdas tratadas con la
técnica del bolillo, o la creación tridimensional de objetos
como pequeños autos o figuritas, puede dar una visión
inaudita del tradicional sistema de invención de paños.
Por otro lado, comenta José Castro, la idea de deconstrucción o intervención sobre el propio encaje, puede ser
también una adecuada forma de llevar a la contemporaneidad más sobresaliente el tradicional medio. Conectando la artesanía con el concepto de artes aplicadas,
se pueden deconstruir clásicas piezas de encaje tiñendo
con colores nuevos el clásicamente blanco roto trabajo
artesanal. También las posibilidades de los degradados
o escaleras de tono en un color para otorgar un aspecto
más alternativo al trabajo, es otra posibilidad plástica del
encaje hoy.
O incluso en fin, la aplicación de técnicas de endurecimiento de materiales, tecnologías conocidas en cestería
o por los sombrereros, puede dar al encaje un aspecto
nuevo, tridimensional, único y nunca antes pensado. Así
se ahonda en la idea de reutilizar quizás viejas piezas
guardadas en el recuerdo, o en realizar nuevas piezas
con una calidad estética propia del siglo XXI.
62
art. This could be done through an international art exhibition to explore within a context of contemporary artistic
creation the new possibilities which art, applied arts and
the intervention or site specific may offer to the work with
bobbins.
Contemporaneity itself has relied on the culture of spectacle and, as José Castro explains, following this philosophical line, perhaps it would be interesting to carry out a deconstructive intervention in which, for example, the metal
fence of an estate was reproduced, with its style shaped
with the passage of time, that is, something “ruined” but
made with bobbins.
Or even a pop or mass show in which an emblematic building of the city was covered with huge bobbins in order to
break a Guinness record and take part in that mass culture
Expone José Castro que un modo interesante para exhibir estas y otras nuevas líneas de trabajo con el encaje
de Camariñas, podría ser llevando el trabajo artesanal
incluso al ámbito del arte internacional. Podría ser una
muestra de arte internacional, donde se miraran nuevas
potencialidades de arte, arte aplicado e intervención o
site specific, en el trabajo con bolillos dentro de un contexto de creación artística contemporánea.
La propia contemporaneidad se ha apoyado en la cultura
del espectáculo y, explica José Castro, que dentro de esta
línea filosófica, podría quizás ser interesante una intervención de naturaleza deconstructiva en la que, por ejemplo,
se reprodujese un cierre metálico de una finca, con el mismo estilo modelado por el paso del tiempo, es decir, algo
deshecho pero realizando la intervención con bolillos.
63
Thanks to José Castro’s analysis
and interpretations on bobbin
lace, new possibilities appear
in the twists and qualities of
a technique which is so easy
to disseminate and update.
These ideas of intertextual
connections and metamaterial
interpretations on the work
with lace make possible to open
a window to new business and
aesthetic possibilities for one
of the emblems of the Galician
handicraft.
64
of mass media which has several advantages for the artmanufacturing-market relationship.
Regarding the experiments on colour alteration, José Castro thinks that lace has many technological possibilities
which can give a new air to such a traditional technique.
Methods such as hand dyeing, hardening, the application
of weakeners, spray, degrading or printing are some of
the possibilities which this designer thinks that should be
applied in lace. And to turn the beautiful bobbin lace into
an infinite novum, it must be decontextualised, deconstructed and modified.
Thanks to José Castro’s analysis and interpretations on
bobbin lace, new possibilities appear in the twists and
qualities of a technique which is so easy to disseminate
and update. These ideas of intertextual connections and
metamaterial interpretations on the work with lace make
possible to open a window to new business and aesthetic
possibilities for one of the emblems of the Galician handicraft. And in this way, this tiny work which is carried
out with extraordinary expertise will make the “made in
Galicia” a tool to gain the status of country.
O incluso se podría hacer también espectáculo pop o de
masas al cubrir un edificio emblemático de la ciudad con
bolillos de tamaño hipertrofiado para acceder al libro
Guiness y participar de esa cultura masiva de medios de
comunicación, que produce no pocos beneficios para las
relaciones de arte-manufacturas-mercado.
En cuanto a las experiencias propias de alteración del color, en el encaje encuentra José Castro no pocas potencialidades tecnológicas para poner nuevos aires en la muy
tradicional técnica. El teñido a mano, el endurecimiento,
la aplicación de ácidos debilitadores, el sprayado, el degradado o el estampado, son sólo algunas de las posibilidades que aprecia el creador para ser aplicadas al
encaje y descontextualizar, deconstruir y modificar hacia
un novum infinito el muy hermoso encaje de bolillos.
Con los análisis e interpretaciones de José Castro sobre
el encaje de bolillos se llega a nuevas potencialidades en
las torsiones y cualidades de una técnica tan difundible
como actualizable. Esas ideas de conexiones intertexuales y lecturas metamatéricas del trabajo con encaje, permiten abrir una ventana a nuevas potencialidades tanto
comerciales como estéticas de una de las señas de identidad de la cultura artesanal gallega. Una forma de hacer
del made in Galicia un activo para alcanzar la excelencia
de país a través del trabajo menudo hecho con pericia
insuperable.
Con los análisis e
interpretaciones de José Castro
sobre el encaje de bolillos se
llega a nuevas potencialidades
en las torsiones y cualidades
de una técnica tan difundible
como actualizable. Esas ideas
de conexiones intertexuales
y lecturas metamatéricas
del trabajo con encaje,
permiten abrir una ventana a
nuevas potencialidades tanto
comerciales como estéticas de
una de las señas de identidad
de la cultura artesanal gallega.
65
Feira de Artesanía de Outeiro de Rei
Feira de Bóveda
Visits to workshops, Fernando Porto, A Estrada. Fundación Castrolandín, Cuntis / Visitas a talleres Fernando Porto, A Estrada. Fundación Castrolandín, Cuntis
Workshop of / Taller Pepa Lombao, Bonxe, Outeiro de Rei
Presentation of Interweaving at School. Module “Silkworms,” / Presentación Enredando na Escola. Módulo Os vermes da seda, Ponteareas
Comida da Fía, Baio
Inauguration of the Niñodaguia Museo Taller de Olería / Inauguración Museo Taller de Olería de Niñodaguia
Inauguration of the Camariñas Lace Exhibition / Inauguración Mostra de encaixe de Camariñas
Turexpogalicia, Silleda
66
Winners of / Gañadores Concurso Murales Suministros Lar, Cee
Inauguration of the 30th Feira do Viño de Amandi, Sober / Inauguración XXX Feira do Viño de Amandi, Sober
Visit to the workshop of Elena Ferro / Visita taller Elena Ferro, Merza
“Design a Jewel for Your Mother.” Official Association of Jewellers of Galicia
Inauguration of / Inauguración Tesouros Privados, Vigo
Rueiro de Consumo. Área Central, Santiago de Compostela
Actualidade
de Artesanía de Galicia
ACTUALIDAD
DE ARTESANÍA DE GALICIA
Maison&Objet Fair, Paris / Feria Maison&Objet, París
Feria Inhorgenta, Munich / Inhorgenta Fair, Munich
Xantar 2011, Ourense
Inauguration of the Encontro de Embarcacións Tradicionais, Carril, Vilagarcía de Arousa / Inauguración Encontro de Embarcacións Tradicionais, Carril, Vilagarcía de Arousa
67
Inauguration of the Feria de Artesanía, Ourense / Inauguración Feria de Artesanía, Ourense
Tesouros Privados ARRIVES TO Vigo
In April and May 2011, the Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño brought “Tesouros Privados. A xoiería en
Galicia” to Vigo, after the success of the first exhibition, which
took place in Santiago de Compostela at the end of last year.
Through 200 pieces made by 38 professionals, this exhibition
explores the contemporary Galician jewellery and its evolution, from traditional jewellery to the most innovative collections
which are characterised by the introduction of new materials
and the latest design techniques. It was opened to the public
from 13th April to 30th May in the Estación Marítima in Vigo
(the ferry terminal).
In order to show the diversity and richness of this sector, this
exhibition was divided in four different spaces: one for high
jewellery, another for traditional jewellery, a third one for contemporary pieces which are based on tradition, and the last one
for pieces made of new materials, such as ceramics, paper or
glass.
The Consellería de Economía e Industria considers this kind of
initiatives an efficient way of showing the added value of Galician handicrafts to society and boosting the commercialisation
of these pieces. The Galician professionals which participated
in this exhibition were Adonis, AI Joyas de autor, Aldo de Ma-
Tesouros Privados llega a Vigo
Entre los meses de abril y mayo de este año, la Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño llevó a Vigo la muestra
“Tesouros Privados. La joyería en Galicia”, tras el éxito de la
primera muestra, que tuvo lugar en Santiago de Compostela a
finales del pasado año. A través de 200 piezas elaboradas por
38 autores, la exposición aborda en profundidad la joyería gallega contemporánea y su evolución desde la joyería tradicional
hasta las colecciones más innovadoras caracterizadas por la
introducción de nuevos materiales y las últimas tendencias del
diseño. La muestra estuvo abierta al público entre el 13 de abril
y el 30 de mayo en la Estación Marítima de Vigo.
Con el objetivo de representar la diversidad y riqueza del sector, la muestra se dividía en cuatro espacios diferenciados: uno
dedicado a la alta joyería, otro a la joyería tradicional, otro
a las piezas de diseño contemporáneo que parten de lo tradicional y otro a las piezas elaboradas en nuevos materiales
aplicados a la joyería, como es el caso de la cerámica, el papel
o el vidrio.
La Consellería de Economía e Industria considera que este tipo
de iniciativas suponen un canal eficaz para transmitir a la sociedad el alto valor añadido del producto artesano gallego a la
vez que permite impulsar la comercialización de estas piezas.
Los profesionales gallegos que participaron en la muestra son
68
rinis, Ana Martínez, Ángel Porto, Ardentia, AreladeFe, Artesanía Pampín,
Atípika Galería de Joyas, Banjoy, Baraka, Candame, Clavo Metal Joyas,
Cristina T, Druída, Eduardo Iglesias Artesán, Eloy Gesto Orfebre, Fink Orfebres, Joyería Mayer, Marta Armada, Mayer Joyeros, Maysil, Obradoiro
Joyeros, Orfega, Óscar Rodríguez, Plata Nativa, Platería Alfonso Iglesias,
Ramón González Orfebres, Rosa Higuero, Rosa Méndez, Sánchez-Cano
Orfebres, Sargadelos Compostela, Silvereira, Soledad Mato, Sonia Ares,
Unión Joyera de Bergondo, Xabier de Sousa and Zimzelatum.
One of the aims of this exhibition is to link Galician jewellery and the Artesanía de Galicia brand, as well as to make society aware of the value of
Galician handicraft, and show the different options which Galician jewellery
offer, not only as pieces for exhibition but also as products for sale.
Adonis, AI Joyas de autor, Aldo de Marinis, Ana Martínez, Ángel Porto,
Ardentia, AreladeFe, Artesanía Pampín, Atípika Galería de Joyas, Banjoy,
Baraka, Candame, Clavo Metal Joyas, Cristina T, Druída, Eduardo Iglesias
Artesán, Eloy Gesto Orfebre, Fink Orfebres, Joyería Mayer, Marta Armada,
Mayer Joyeros, Maysil, Obradoiro Joyeros, Orfega, Óscar Rodríguez, Plata
Nativa, Platería Alfonso Iglesias, Ramón González Orfebres, Rosa Higuero,
Rosa Méndez, Sánchez-Cano Orfebres, Sargadelos Compostela, Silvereira,
Soledad Mato, Sonia Ares, Unión Joyera de Bergondo, Xabier de Sousa y
Zimzelatum.
Entre los objetivos de la exposición se encuentra la puesta en relación de
la joyería gallega con la marca Artesanía de Galicia, concienciar a la sociedad del valor artesanal de la joyería hecha en Galicia, así como dar a
conocer las diferentes opciones que ofrece la joyería gallega, no sólo como
piezas de exposición sino también con el objetivo de facilitar su comercialización.
69
70
ARTESANÍA DE GALICIA GETS INTO THE
MARKET OF GIFTS
Artesanía de Galicia se introduce en
el mercado del regalo
In order to boost the commercialisation of the Galician
handicrafts in different markets, the Consellería de
Economía e Industria has created a catalogue of craft
products for institutional and corporate gifts, all with the
Artesanía de Galicia brand name. This will contribute to
open new markets which artisans cannot always enter.
En su objetivo por impulsar la comercialización del producto artesano gallego en diferentes mercados, la Consellería
de Economía e Industria ha puesto en marcha un catálogo
de piezas artesanales, presentadas bajo el distintivo de la
marca Artesanía de Galicia y orientadas al regalo institucional o corporativo, que contribuirá a abrir nuevas líneas
de mercado no siempre accesibles para los artesanos.
This catalogue was developed by the Dirección Xeral de
Comercio and the Fundación Centro Galego da Artesanía
e do Deseño, and it consists of 65 pieces from different
trades, such as ceramics, jewellery, glass, pottery, wood,
textile, leather or bookbinding. These were made in 51
different workshops, and they will be presented in the
usual Artesanía de Galicia packaging. This is a selection
of products which will be increased in time, and it is open
to the requests and specific necessities of each entity, so
pieces which are not included in the catalogue can be
ordered to the artisans listed in it.
The field of corporate and institutional gifts means an
interesting opportunity for the development of the craft
sector, which is rich and heterogeneous, an obvious
advantage for the entities which decide to go for this
kind of pieces. This new initiative of the Consellería de
Economía e Industria means a step further in supporting
the commercialisation of the Galician handicrafts, and
it will contribute without any doubt to turn Artesanía
de Galicia into a prestigious brand and a reference for
quality in all the markets.
A través de la Dirección Xeral de Comercio y la Fundación
Centro Galego da Artesanía e do Deseño, se ha realizado
un catálogo compuesto por 65 propuestas relacionadas
con la cerámica, la joyería, el vidrio, la alfarería, la madera, el textil, el cuero o la encuadernación, elaboradas por
un total de 51 talleres, que se presentarán en el embalaje
propio de Artesanía de Galicia. Se trata de una selección de productos que se irá incrementando con el paso
del tiempo y que está también abierta a las peticiones y
necesidades específicas de cada entidad, de modo que
se puedan realizar pedidos a los artesanos incluidos en
el catálogo aunque no se trate de las piezas que en él se
recogen.
El ámbito del regalo institucional y corporativo supone una
interesante oportunidad de desarrollo para un sector como
el artesano, cuya heterogeneidad y riqueza suponen al
mismo tiempo una ventaja para las entidades que decidan
apostar por este tipo de piezas. Esta nueva iniciativa de la
Consellería de Economía e Industria supone un paso más
en el apoyo a la comercialización de la artesanía gallega
y contribuirá sin duda a convertir Artesanía de Galicia
en una marca de prestigio y un referente de calidad en
cualquier mercado.
71
SPECIALISED TRAINING
In 2011, the Fundación Centro Galego da Artesanía e
do Deseño carries on with its commitment to the specialised training of the Galician craft sector, one of the central
points of its work and one of the strategic lines of action
of the Consellería de Economía e Industria for handicraft.
This year, there is a programme of 26 training activities
which will be taught by prestigious professionals from different fields of handicraft. As usual, and depending on
the necessities of the sector and on the available budget,
the Fundación is determined again to support the specialized training of the Galician artisans, and it does it with
courses in different techniques which take place in different parts of Galicia during the year. This programme is
based on the suggestions of workshops and professional
artisans associations, so the Fundación offers a wide range of training activities in accordance with the real necessities of the sector.
So far this year, 250 vacancies were offered for these
training activities, and 266 applications have already
been received, just for the courses of the first eight months. Training activities on lace until June 2011 were: “Advanced Course in Modern Lace” and “Tonder Lace” in
Formación especializada
En este año 2011, la Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño continúa con su apuesta por la formación especializada del sector artesano gallego, uno de los
ejes fundamentales que rigen su trabajo y que constituye
también una de las líneas estratégicas de actuación de la
Consellería de Economía e Industria en materia de artesanía. A lo largo del año está previsto realizar un total de
26 acciones formativas impartidas por profesionales de
reconocido prestigio en los distintos ámbitos del sector artesanal. Como cada año, y en función de las necesidades
del sector y la disponibilidad presupuestaria, la Fundación
realiza una firme apuesta por la formación especializada
de los artesanos gallegos a través de cursos que abordan
en profundidad diversas técnicas y se realizan a lo largo
del año en diferentes localidades gallegas. Esta programación se diseña en base a las propuestas de los propios
talleres y asociaciones profesionales de artesanos, lo que
le permite a la Fundación ofrecer un calendario de formación ajustado a las necesidades reales del propio sector.
En lo que va de año, se han ofertado un total de 250
plazas en estas actividades de formación para las que
ya se han recibido 266 solicitudes de participación, sólo
para las actividades de los dos primeros cuatrimestres del
año. Las actividades de formación que se han realizado
hasta el mes de junio de 2011 relacionadas con el enca-
72
Ourense, and “Handicraft Training on Lace Making,”
“Lace Design and How to Join It to the Fabric” and
“Adapting Lace to Gifts,” in Muxía. Other textile courses were “Hat Making Techniques” and “Treating and
Preparing Feathers for Accessories and Fabrics,” in
Gondomar; “Textile Embroidery Techniques,” in Culleredo and “Cavandoli Macramé. Advanced Course,”
in Ourense.
In the field of wood, there was a course in “Wood
Turning” in Vilamateo and an “Introductory Course
on Wood Carving” in Sarria. There were also three
specialised activities in jewellery, one in Santiago de
Compostela, “3D Jewellery Design: Rhinogold” and
the other two in Bergondo, “Advanced Course in Microfusion and Opening Complex Moulds” and “Laser
Welding for Jewellery.” In Gondomar there was also a
ceramics course called “Introduction to Terra Sigillata,”
and in Neda a bookbinding training activity, “Transformation of Materials for Bookbinding: Paper and Leather.” Finally, a specialised course in engraving took
place in Vigo, “Advanced Course in Engraving and
Stamping Techniques.”
je fueron “Perfeccionamiento del encaje moderno” y
“Encaje de Tonder”, que se celebraron en Ourense,
os cursos “Formación artesanal del encaje”, “Diseño
y montaje del encaje en la tela” y “Elaboración del
encaje adaptado a artículos de regalo”, que se impartieron en Muxía. También relacionados con el textil se
realizaron en Gondomar “Técnicas de sombrerería” y
“Tratamiento y preparación de plumas para complementos y tejido”, en Culleredo “Técnicas de bordado
aplicado al textil” y, en Ourense, “Macramé Cavándoli. Perfeccionamiento”.
En cuanto a la madera, se celebró el curso de “Torneado de madera” en Vilamateo y “Talla en madera. Iniciación”, en Sarria, y para la especialización en joyería tuvo lugar en Santiago de Compostela la actividad
“Diseño de joyas en 3D: Rhinogold” y en Bergondo
los cursos “Perfeccionamiento de microfusión y apertura de moldes complejos” además de “Soldadura con
láser para su aplicación en joyería”. Relacionado con
la cerámica, se celebró “Iniciación a las Tierras Sigilatas”, en Gondomar, sobre encuadernación, “Transformación de materiales para encuadernación: papel
y piel”, en Neda, y especializado en grabado tuvo
lugar en Vigo el curso “Perfeccionamiento del grabado y técnicas de estampación”.
73
Artesanía de Galicia in new markets
One of the main lines of action of the Fundación Centro Galego da Artesanía e
do Deseño is to promote Galician handicrafts and the Artesanía de Galicia brand,
in our Autonomous Region and outside, with the aim of increasing the sales of this
sector and fostering its introduction in new markets.
For this purpose, the Fundación continues to support the presence of the brand in
renowned international fairs so as to provide the workshops of the General Register for Handicraft Activities of Galicia with the opportunity of knowing firsthand
the European markets, and opening new commercialisation channels for their products. This would be a risky task, and sometimes financially unfeasible, for small
craft businesses if they were not supported by the Fundación. In January 2011,
Artesanía de Galicia attended the Maison&Objet in Paris and it is going to take
part in it again on September, as well as in L’Artigiano in fiera in Milan, which is
considered the most important handicraft direct selling fair in Europe.
From 21st to 25th January 2011, the Fundación participated in the Maison&Objet
in the sector Craft. L’ Espace métiers d’ art, a space for the expertise of creators,
artisans and artists from all over the world. The Galician workshops which went to
Paris were Belategui Regueiro (textile), Cabuxa (leather), Idoia Cuesta (basketry
and textile), Fernando Porto (ceramics), La Böcöque (accessories), Marta Armada (ceramic jewellery), Maysil (jewellery), Regal (ceramics), Rosa Méndez (glass
jewellery) and Santín (leather).
For the second consecutive year, the Igape (the Galician Institute for Economic Promotion) and the Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño supported
Artesanía de Galicia en nuevos mercados
Una de las líneas de actuación básicas de la Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño es la promoción del producto artesano gallego y de la marca
Artesanía de Galicia tanto dentro como fuera de nuestra Comunidad Autónoma,
con el objetivo de incrementar la comercialización de la artesanía gallega y fomentar su introducción en nuevos mercados.
Para esto, la Fundación continúa impulsando la presencia de la marca en ferias
internacionales de reconocido prestigio para ofrecer a los talleres inscritos en el
Rexistro Xeral de Artesanía de Galicia conocer de primera mano los mercados europeos y abrir nuevos canales de comercialización para sus productos, una tarea
que sería arriesgada y muchas veces inviable desde el punto de vista económico
para las pequeñas empresas artesanas si no contasen con el apoyo de la Fundación. En este año 2011, Artesanía de Galicia ha participado en la edición de
enero de Maison&Objet de París y está previsto que asista también a su edición
de septiembre así como la L’Artigiano in fiera de Milán, que está considerada la
feria de venta directa de artesanía de mayor relevancia en Europa.
Del 21 al 25 de enero de este año, la Fundación participó en Maison&Objet
dentro del sector denominado Craft. L’ Espace métiers d’ art, un espacio dedicado
al saber hacer de creadores artesanos y artistas de todo el mundo. Los talleres
gallegos que estuvieron en París fueron Belategui Regueiro (textil), Cabuxa (cuero),
Idoia Cuesta (cestería y textil), Fernando Porto (cerámica), La Böcöque (complementos), Marta Armada (joyería cerámica), Maysil (joyas), Regal (cerámica), Rosa
Méndez (joyería en vidrio) y Santín (cuero).
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the participation of five Galician workshops in the fair Inhorgenta Europe, which
took place in Munich from 25th to 28th February, an event which is considered
one of the most important jewellery trade fairs in Europe. The workshops which
attended the 38th Inhorgenta Trade Fair were Ardentia (Bergondo), Fink Orfebres
(Santiago de Compostela), Maysil (A Estrada), Óscar Rodríguez Blanco Joyeros
(Viveiro) and Silvereira (Teo). These two institutions also supported the participation
of Galician jewellery in the JCK Fair in Las Vegas, held from 3rd to 6th June, which
Unión Joyera de Bergondo, Silvereira, Óscar Rodríguez Joyeros, Ardentia and
Fink Orfebres attended.
In addition, the Fundación also continues to boost the commercialisation of Galician handicraft by backing Galician direct selling fairs where the Artesanía de
Galicia brand is present as a symbol of quality and prestige for the consumer and
which are springboards for the commercialisation of Galician handicrafts. This
year, this brand has already participated in events such as Xantar 2011, Rueiro
do Consumo, Turexpo Galicia, Encontro de Palilleiras Concello de Cervo, XXX
Feira do Viño de Amandi (Sober), Camariñas Lace Exhibition, II Feira – Mostra
de Artesanía e Produtos da Zona de Triacastela, Xornadas de Moda do Barco
de Valdeorras, Feira de Artesanía de Ourense, VI Encontro de Palilleiras Cidade
de Pontevedra, V Feira da Industria, Comercio e Artesanía (Bergondo), Feira de
Artesanía do Couto (Ponteceso) – Festiletras, VI Feira da Empanada, Produtos Artesanais dos Ancares (As Nogais), the San Paio festival in A Estrada or the Encontro
de Embarcacións Tradicionais in Carril (Vilagarcía de Arousa).
Junto al Igape, la Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño impulsó por
segundo año consecutivo la participación de cinco talleres artesanos gallegos en
la feria Inhorgenta Europe, celebrada en Munich entre el 25 y el 28 de febrero, un
evento que está considerado como una de las ferias profesionales especializadas
en joyería más relevantes de Europa. Los talleres artesanos que participaron en
la 38 edición de Inhorgenta fueron Ardentia (Bergondo), Fink Orfebres (Santiago
de Compostela), Maysil (A Estrada), Óscar Rodríguez Blanco Joyeros (Viveiro) y
Silvereira (Teo). También con el Igape, la Fundación apoyó la participación de la
joyería gallega en la Feria JCK de Las Vegas, celebrada del 3 al 6 de junio y a
la que asistieron Unión Joyera de Bergondo, Silvereira, Óscar Rodríguez Joyeros,
Ardentia y Fink Orfebres.
Por otro lado, la Fundación continúa también con el fomento de la comercialización
de la artesanía gallega a través del apoyo a ferias de venta directa que se realicen
en diferentes localidades gallegas, que cuenten con la presencia de la marca Artesanía de Galicia como símbolo de calidad y prestigio de cara al consumidor, y
que constituyen plataformas de comercialización de la artesanía gallega. Hasta el
mes de junio de 2011 se ha participado en eventos como Xantar 2011, Rueiro do
Consumo, Turexpo Galicia, Encontro de Palilleiras Concello de Cervo, XXX Feira
do Viño de Amandi (Sober), Mostra do Encaixe de Camariñas, II Feira – Mostra
de Artesanía e Produtos da Zona de Triacastela, Xornadas de Moda de O Barco
de Valdeorras, Feira de Artesanía de Ourense, VI Encontro de Palilleiras Cidade
de Pontevedra, V Feira da Industria, Comercio e Artesanía (Bergondo), Feira de
Artesanía do Couto (Ponteceso) – Festiletras, la VI Feira da Empanada, Produtos
Artesanais dos Ancares (As Nogais), las fiestas de San Paio de A Estrada o el Encontro de Embarcacións Tradicionais celebrado en Carril (Vilagarcía de Arousa).
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FUNDACIÓN CENTRO GALEGO DA ARTESANÍA E DO DESEÑO, FINALIST
IN THE NATIONAL CRAFT AWARDS
The work of the Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño – under the
Consellería de Economía e Industria – has been recently recognised with its selection as finalist in the category “Promociona” of the 6th National Craft Awards.
Moreover, Galicia was the most represented autonomous region this year, with
five finalists in the different categories – there were 102 candidacies from all the
country.
Arturo Álvarez Calor Color S. L. will compete for the “National Award;” Elena
Ferro Lamela for the “Product Award;” Idoia Cuesta for the “Innova Award;” and
Regal Cerámica S. L. for the “Promociona Award for Private Entities.” In addition,
the Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño will compete for the
“Promociona Award for Public Entities.” The winners will be announced on 24th
November in the awards ceremony which will be held in the headquarters of the
Ministry of Industry, Tourism and Trade.
Some of the highlighted points of the candidacy of the Fundación are its important
support to training, promotion, commercialisation, innovation, design and popularisation. Besides, the results of the Artesanía de Galicia brand were recognised
as a key element in the introduction of handicrafts in new markets. The awards
committee stressed the efforts of this institution to promote and develop the Galician
craft sector, which is boosted by the Galician government.
La Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño,
finalista de los Premios Nacionales de Artesanía
La Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño, dependiente de la Consellería de Economía e Industria, acaba de obtener un reconocimiento a su labor,
ya que ha resultado finalista de la sexta edición de los Premios Nacionales de
Artesanía dentro de la categoría “Promociona”. Además, Galicia ha sido la comunidad autónoma más representada en esta edición, con cinco finalistas en las
diferentes categorías, a las que se habían presentado 102 candidaturas procedentes del conjunto del Estado.
Así, Arturo Álvarez Calor Color S. L. opta a la categoría “Premio Nacional”; Elena
Ferro Lamela a la de “Premio Producto”; Idoia Cuesta a la de “Premio Innova”;
y Regal Cerámica S. L. a la de “Premio Promociona para entidades privadas”;
finalistas a los que se une la Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño
en la categoría “Premio Promociona para entidades públicas”. El próximo 24 de
noviembre se conocerán los premiados, en el acto de entrega de los galardones
que se celebrará en la sede del Ministerio de Industria, Turismo y Comercio.
Entre los puntos destacados de la candidatura de la Fundación, figuran el importante apoyo a la formación, promoción, comercialización, innovación, diseño y
divulgación, además de reconocer los resultados de la marca Artesanía de Galicia como elemento clave para la introducción del producto artesano en nuevos
mercados. El Comité responsable señaló el trabajo que está realizando esta institución en favor del fomento y el desarrollo del sector artesano gallego, gracias al
impulso del gobierno de la Xunta en materia de artesanía.
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