Donostia-San Sebastián - Orquesta Sinfónica de Euskadi

2011-2012
Conciertos nº 2587-2588. kontzertuak
Euskadiko Orkestra Sinfonikoa
Orquesta Sinfónica de Euskadi
Bilbao
Donostia-San Sebastián
Vitoria-Gasteiz
Pamplona/Iruña
14-15
Ekainak
junio
20:00 h.
Eusko Jaurlaritzako herri-baltzua
Sociedad Pública del Gobierno Vasco
Gaurkeortua
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Euskadiko
Orkestra Sinfonikoa
Andrés Orozco-Estrada,
zuzendari titularra
Testuak / Textos:
Juan Manuel Viana
Argazkiak / Fotos:
Juantxo Egaña
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Tzigane
I.
Francisco Escudero (1912-2002)
El sueño de un bailarín (poema coreográfico)
[12’30’’]
Maurice Ravel (1875-1937)
Tzigane
[10’]
Camille Saint-Saëns (1835-1921)
Introduction et Rondo Capriccioso para violín y orquesta
en la menor, opus 28 [10’]*
Pablo Sarasate (1844-1908)
Fantasía sobre “Carmen” de Bizet, opus 25
II.
[12’]*
Leonard Bernstein (1918-1990)
West Side Story. Symphonic Dances
[22’]
Prologue
Semewhere
Scherzo
Mambo
Cha-Cha
Meeting Scene
Cool Fugue
Rumble
Finale
*Lehen aldiz interpretaturiko obra / Obra interpretada por primera vez
Lorenz Nasturica Herschcowici, kontzertinoa / concertino
Andrés Orozco-Estrada, zuzendaria / director
Leticia Moreno, biolina / violín
Euskadiko Orkestra
Orquesta de Euskadi
Babeslea / Patrocina:
Egitarauari
Oharrak
Notas al
Programa
I
El sueño de un bailarín
(poema coreográfico)
Francisco Escudero
Donostia-San Sebastián, 13 de agosto de 1912 – Donostia-San Sebastián,
7 de junio de 2002
Jaiotzaren mendeurrena / Centenario de su nacimiento
Luis de Castresanaren fantasia literariotik
inspirazioa hartuta, El sueño de un bailarín
koreografia-poema konposatu zuen 1944an
Francisco Escuderok; Enrique Jordá eta
Madrilgo Sinfonikoak 1944ko otsailaren 20an
Monumental Cineman estreinatu zuten el Vals
Noble (Scherzo) orkestra-obraren berrikuspena da. Egileraren katalogoan lehenbiziko
lanetakoa bada ere, El sueño de un bailarín
lanak erakusten digu orkestra-baliabideak
bikaintasunez erabiltzen dituela. Hori guztia
Madrilen eta Parisen, 1932tik 1936ra bitartean, Conrado del Campo, Dukas eta Le
Flemekin batera ikasitakoaren ondorio da.
Gainera, garai hartan genero hori indarrean
zegoenaren erakuslea da, hainbat egile espainiarrek landu baitzuten: Del Campo, Gerhard,
Rodolfo Halffter, Mompou eta Montsalvatge
egileek, esaterako. Gaixotutako dantzari batek, sukarraren eraginez, bizi dituen haluzinazio eta amesgaizto bitxiek erakusten digute,
batzuetan ekialdeko aire-zantzuez jantzitako
Escuderoren trataera tinbrikoarekin batera,
Dukasen aztarna berezia. Edertasun berezidun biolontxelo-solo gogoetatsuak amaierako sekuentziaren interesa nabarmentzen
du.
4.
Inspirado en una fantasía literaria de Luis de
Castresana, el poema coreográfico El sueño
de un bailarín fue compuesto por Francisco
Escudero en 1944 como revisión de una
obra orquestal, el Vals noble (Scherzo), que
Enrique Jordá y la Sinfónica de Madrid habían
estrenado en el Monumental Cinema el 20
de febrero de 1944. Pese a tratarse de una
obra temprana en el catálogo del autor, El
sueño de un bailarín confirma un excelente
manejo de los recursos orquestales, fruto de
sus años de aprendizaje junto a Conrado del
Campo, Dukas y Le Flem, con quienes Escudero se formó, entre 1932 y 1936, en Madrid
y París. También la vigencia de un género
que, en aquellos años, practicaron autores
españoles tan diversos como el citado Del
Campo, Gerhard, Rodolfo Halffter, Mompou o
Montsalvatge. Las grotescas alucinaciones y
pesadillas que, producto de la fiebre, acechan
a un bailarín enfermo revelan, en el hábil tratamiento tímbrico prodigado por Escudero, de
ocasionales tintes orientalizantes, la huella inconfundible de Dukas. Un meditativo solo de
violoncello, de rara belleza, subraya el interés
de la secuencia final.
Tzigane
Maurice Ravel
Ziburu, 7 de marzo de 1875 – París, 28 de diciembre de 1937
Tzigane, biolin eta orkestrarentzat egindako kontzertu-rapsodia Montfort-l’Amaury-n
konposatu zen 1924ko apirilean, nahiz eta
sortzearen ideia bi urte lehenagokoa izan;
1922ko ekainean Ravel Londresera joan zen
Robert eta Gaby Casadeus-ekin. Sonata para
violín y violonchelo obraren estreinaldi britainiarraren eraginez −Jeely d’Aranyi biolin-jole
hungariarrarekin−, Ravel hunkitu eta ijitoen
abestiak jotzeko eskatu zion. Paganiniren
Caprichos eta Liszt-en Rapsodias húngaras
obretan inspiratuta eta csárdás eskema
lento/azkarrari (lassú/friss) jarraiki, Tzigane
obrak biolin-jole ijito hungariarren baliabide
estilistikoak imitatzen ditu −harmonikoak,
trinoak, appoggiaturas, soka bikoitzak, glissandi, accelerendos− gezurretan inprobisatutako pastiche moduan, bakarlariari pirueta
pirotekniko mordoa pilatzen zaizkiolarik.
Tzigane obra kadentzia luzearekin hasten da
eta, unetik unera, parodia-zantzuak hartzen
doa. Harpa hasi eta orkestraren laguntza lanbrotsuak ematen dio hasiera saio biziagoari.
Bartokekin lotzen duen kutsu folklorikoak
rapsodia eran jositako atalei ematen die hasiera eta erritmoen azkartzea asaldura zoroan
amaitzen da, La Valse eta Bolero obretatik ez
oso urrun.
Jelly d’Arany eta Henry Gil-Marcheix joleek
estreinatu zuten biolin eta pianoarentzat
egindako bertsioa Londresko Aeolian Hallen 1924ko apirilaren 26an. Urte erdi beranduago, urriaren 15ean, Samuel Dushkin
eta Beveridge Webster izan ziren Parisko
Gaveau Aretoan jo zutenak, piano “luthéal”
instrumentuen bertsioan (zinbal hungariarraren soinuak imitatzen dituen instrumentu
iragankorra). Orkestrarako bertsioa 1924ko
uztailean osatu zuen Ravelek eta urte horretako azaroan estreinatu zen, D’Arany eta
Colonne Orkestrarekin, Gabriel Pierné-ren
gidaritzapean.
Tzigane, rapsodia de concierto para violín y orquesta, fue compuesta en Montfort-l’Amaury,
en abril de 1924, aunque la idea de su gestación se remonta dos años atrás, cuando a
finales de junio de 1922 Ravel marchó a Londres con Robert y Gaby Casadesus. El estreno
británico de su Sonata para violín y violoncello,
a cargo de la joven violinista húngara Jelly
d’Aranyi, motivó que Ravel le pidiera interpretar
algunas canciones gitanas que entusiasmaron
al compositor. Inspirada por los Caprichos de
Paganini y las Rapsodias húngaras de Liszt
y siguiendo el esquema lento/rápido (lassú/
friss) de las csárdás, Tzigane imita los recursos
estilísticos de los violinistas zíngaros húngaros
–armónicos, trinos, appoggiaturas, dobles
cuerdas, glissandi, accelerendos– a modo de
pastiche falsamente improvisatorio en el que
se acumulan incontables piruetas pirotécnicas
para el solista. Tzigane se inaugura con una
larga cadencia que alcanza, por momentos,
tintes paródicos. Introducido por el arpa, el
brumoso acompañamiento orquestal marca el
inicio de una sección más animada. Un motivo
folclorizante de filiación bartokiana inicia una
serie de episodios encadenados en forma
rapsódica cuya impetuosa aceleración rítmica
desemboca en un desenfrenado paroxismo
no muy lejano del que nutre a La Valse y al
Bolero.
Jelly d’Aranyi y Henri Gil-Marcheix estrenaron
la versión para violín y piano de Tzigane en el
Aeolian Hall de Londres el 26 de abril de 1924.
Medio año después, el 15 de octubre, Samuel
Dushkin y Beveridge Webster hicieron lo propio en la Sala Gaveau de París con la versión
para piano “luthéal” (instrumento efímero que
imitaba las sonoridades zíngaras del címbalo
húngaro). La versión orquestal, completada
por Ravel en julio de 1924, vería la luz el 30
de noviembre de ese año, con D’Aranyi y la
Orquesta Colonne dirigida por Gabriel Pierné.
5.
Introduction et Rondo Capriccioso para
violín y orquesta en la menor, opus 28
Camille Saint-Saëns
París, 9 de octubre de 1835 – Argel, 16 de diciembre de 1921
Hiru kontzertu eskaintzeaz gain −azkenak,
gainera, Frantziako kontzertuen artean ospe
handia eskuratu du− Saint-Saënsek biolinari
dimentsio murritzeko dozena erdi bat orrialde
eskaini zizkion; “suhartasunez” beteriko pieza
koloretsuak, ia beti biolin-jole bertutetsuaren
neurrira egindakoak, hura baitzen Paganini
eta Vieuxtemps egileen garaitik ase ezinda,
garaiko musikazale paristarrek eskatzen zuten
adierazkortasun eta bizitasuna bikaintasunez
erakusteko gai zena.
Además de tres conciertos, de los que el último
ha alcanzado justa fama como uno de los más
destacados de todo el repertorio francés, SaintSaëns dedicó al violín otra media docena de
páginas de dimensiones más reducidas; brillantes y coloristas piezas “de bravura” hechas casi
siempre a la medida del violinista virtuoso que
pudiera desplegar con éxito esa expresividad y
agilidad técnica que los melómanos parisienses
de la época solicitaban insaciablemente desde
los tiempos de Paganini y Vieuxtemps.
Saint-Saëns egileak Sarasate lagunari eskaini
zion 1863an sortu eta 1870ean berrikusitako
Introduction et Rondo capriccioso obra.
Sarasate izan zen instrumentuaren baliabide
teknikoak irakatsi zizkiona. Obra 1867ko
apirilaren 4an estreinatu zuen. Gallois-ek
gogoratzen duen moduan, “idazteko estiloak
Concierto en la mayor, op. 20 obra gogorarazten digu (hori ere biolin-jole espainiarrari
eskainitakoa)”. Lehenengo saioak, oso laburra,
barneranzko izaera lirikoa du eta bakarlariaren
kantu malenkoniatsua aditzen da soken babes
apalaren gainetik. Rondó-a −melodia sentsual
eta bizkortasun zitalen arteko lotura bikaina
lortzen du− indarrez sartzen da gero amaiera
apoteosikoan amaitu arte.
Saint-Saëns dedicó Introduction et Rondo Capriccioso, obra compuesta en 1863 y revisada
en 1870, a su amigo Sarasate, que le adiestró
en el conocimiento de los resortes técnicos del
instrumento y que estrenó la obra el 4 de abril
de 1867. Como recuerda Gallois, “el estilo de
escritura no deja de recordar al del Concierto en
la mayor, op. 20 (igualmente dedicado al gran
violinista español)”. La primera sección, muy
breve, posee un carácter lírico e introspectivo
dominado por el melancólico canto del solista
sobre un discreto apoyo de las cuerdas. El rondó
propiamente dicho –que discurrirá con perfecta
fluidez entre melodías sensuales e intrincados
pasajes de endiablada agilidad– irrumpe posteriormente con fuerza hasta desembocar en la
fulgurante apoteosis final.
Fantasía sobre “Carmen” de Bizet, opus 25
Pablo Sarasate
Pamplona, 10 de marzo de 1844 – Biarritz, 20 de septiembre de 1908
Joachim, Wieniawski eta Ysaÿe artistekin batera, Sarasate izan zen bere garaiko biolin-jole
ospetsuenetakoa. Afinazio bikaina eta arkuaren
tinkotasuna, interpretatzeko leuntasuna eta digitazioaren birtuosismoa; horien ondorioz, bere
garaiko musikagile askok −Saint-Saëns, Lalo,
Dvorák, Bruch, Wieniawski edo Mackenzie-k−
eskaini zizkioten beren obrak. Biolin eta piano6.
Junto a Joachim, Wieniawski e Ysaÿe, Sarasate
fue uno de los más eximios y aplaudidos violinistas de su tiempo. Su perfecta afinación y firmeza
del arco, su sutileza interpretativa y el virtuosismo
de su digitación propiciaron que muchos compositores de su tiempo –Saint-Saëns, Lalo, Dvorák,
Bruch, Wieniawski o Mackenzie– le dedicaran
obras. Autor de más de medio centenar de par-
rentzat (baita orkestrarentzat ere) berrogeita
hamar partituretatik gora egin ditu eta horietan
islatu du operen transkripzioengatik sentitzen
duen erakarpena (Fantasía de “La forza del
destino”, Homenaje a Rossini), baita sustrai
espainiarra duten erritmo herrikoiengatik eta,
batez ere, bere jaioterriko erritmoengatik duen
erakarpena (Malagueña y habanera, Romanza
andaluza y jota navarra, Capricho vasco, Zortziko de Iparraguirre). Horiez gain, gure mugetatik haratagoko erritmoak ere islatu ditu, Aires
escoceses edo Aires gitanos, esaterako. Azken
hori bada, biolin eta pianoarentzat egindako
pieza ospetsuena, Fantasía sobre “Carmen”
de Bizet obra da orkestraren laguntza behar
duen obretako bat.
Bost atal jarraituetan, Sarasatek Bizeten operako zati ezagunenak aurkezten ditu −ahozkoak eta instrumentuenak− sarrerako Aragonesa argitsua, bigarren zatiko Habanera ahula
(Moderato) eta Lento assai nagusiaren lirismoa,
Carmen obraren “Tra la la”-n oinarritutakoa,
Allegro moderatoaren Seguidilla zati alaieraino
eta handi amaierako Moderato-Animatoraino
garamatzan Danza bohemia zatiaren energia sutsuraino, bakarlariarentzat eskakizun
handiko artifiziozko su bizkorreraino. Ez da
harritzekoa −ikusleen zoramena ziurtatuta
dago− opera-fantasia askoren artean, berau
izatea Sarasatek gehien interpretatzen zuena.
II
tituras para violín y piano (u orquesta), Sarasate
tradujo en ellas su atracción por las transcripciones y arreglos de temas operísticos (Fantasía
de “La forza del destino”, Homenaje a Rossini)
y por los ritmos populares de raíces españolas
y, en concreto, de su tierra natal (Malagueña y
habanera, Romanza andaluza y jota navarra, Capricho vasco, Zortziko de Iparraguirre) además
de por otros más alejados de nuestras fronteras
como los Aires escoceses o los Aires gitanos. Si
esta última es, con justicia, su pieza más famosa
para violín y piano, la Fantasía sobre “Carmen”
de Bizet lo es entre la veintena que requieren un
acompañamiento orquestal.
En cinco episodios encadenados, Sarasate
presenta algunos de los motivos más célebres
–tanto vocales como instrumentales– de la
ópera bizetiana, desde la luminosa Aragonesa
introductoria, la lánguida Habanera de la segunda sección (Moderato) y el lirismo introspectivo
del Lento assai central, basado en el “Tra la
la” de Carmen, hasta la risueña Seguidilla del
Allegro moderato y la arrolladora energía de
la Danza bohemia que vertebra el ModeratoAnimato conclusivo, un trepidante fuego de
artificio de máxima exigencia para el solista. No
es de extrañar –pues el delirio del público estaba asegurado– que, de entre sus numerosas
fantasías operísticas, fuera esta la que Sarasate
interpretara con más frecuencia.
West Side Story. Symphonic Dances
Leonard Bernstein
Lawrence, Massachusetts, 25 de agosto de 1918-Nueva York, 14 de octubre de 1990
West Side Story obra 1949an sortu zen, Jerome Robbins eszenografo eta koreografoak
Bernstein egileari New York-eko auzo pobreetako Romeo eta Julieta obraren bertsioa egiteko proposatu zionean. Protagonistak jatorri
italiarrekiko mutila eta neska judutar bat izango
ziren. Egileak oso gustuko zuen eduki dramatikoko obra komedia musikal forman sortzea,
La gestación de West Side Story se remonta
a 1949, cuando el director de escena y coreógrafo Jerome Robbins propuso a Bernstein una
actualización de Romeo y Julieta ambientada
en los barrios bajos neoyorquinos, en la que
los protagonistas serían un católico de origen
italiano y una joven judía. La posibilidad de
crear una obra de gran contenido dramático en
7.
baina hainbat arazoren ondorioz, ez zuen
proiektua 1955era arte hasi, Steven Sondheim
kanta-idazle gisa gehitu zen arte. Bernsteinen ustez, “judutar eta katolikoen arteko
aurkakotasunaren ideia alde batera utzi genuen, zaharkituta baitzegoen, eta nerabetaldeak hartu genituen ardatz”. West Side
Story Broadway-ko Winter Garden Theater
aretoan estreinatu zen 1957ko irailaren 26an
eta arrakasta izugarria izan zen. Kritikari eta
ikusleentzat obra hau komedia musikal amerikarra heldutasunera heldu zenaren seinale
izan zen. Gainera, West Side Story obrak
ezkutuko mezua zuen, gaur egun indarra
galdu ez duen 50eko hamarkadako Amerikako hirietako bizitza: etnia ezberdinetako
taldeen arteko indarkeria-klima. Jatorrizko
produkzioa Broadway-en egon zen 772 emanaldi egin arte eta, ondoren, Estatu Batuetako
hiri nagusietan barna egin zuen bira. Azkenik,
Broadway-ra itzuli eta 253 emanaldi gehiago
egin zituzten. Robbins-en koreografia eta eszena-zuzendaritza, Arthur Laurents-en libretoa eta, batez ere, Bernstein-ek konposatutako musika zimelezinak −Sid Ramin eta Irwin
Kostalek bere gidaritzapean orkestratu zuten−
West Side Story obrak bere generoan irudikatzen duen lirismo, intriga eta energiaren
miraria lortu zuten.
1961eko otsailaren 13an, Lukas Foss eta New
Yorkeko Filarmonikak estreinatu zuten Carnegi Hall aretoan Dantza Sinfonikoak, 1960an
sortutako suite-a, melodia bikainenak biltzen
zituen bederatzi atalak. Sarrera biziaren ondoren −Sharks (Puerto Ricoko immigranteak)
eta Jets (Bronxen jaiotakoak) taldeen arteko
liskarrak−, Maria eta Tony-ren maitasunistorioa dator, Somewhere piezarekin. Scherzo argitsua, Copland-en estelan, institutuko
dantza-lehiaketaren Mambo zoroaren aurretik
datorkigu eta, jarraian, Cha-Cha; pizzicatiek
jarraitzen duen bikotearen topaketa. Meeting
Scene zati laburraren lirismo sutsuak iragartzen du Cool Fugue zatiaren tentsioa, jarraian
Rumble zati bortitzean amaituko dena, zati
horretan hiltzen baitira bi taldeotako buruak.
Finale katartikoaren leuntasunak Mariaren “I
Have a Love” abestiaren laguntza du. Tonyren omenez “Somewhere” zatiari egindako
aipuak ematen dio amaiera obrari.
8.
términos de pura comedia musical apasionó al
compositor pero diversos compromisos interrumpieron un trabajo que no se reanudó hasta
1955 con la incorporación de Steven Sondheim
como letrista. Según Bernstein, “abandonamos
la idea de la oposición judeocatólica, que había
quedado algo anticuada, por la de dos bandas
de adolescentes”. El estreno de West Side Story
en el Winter Garden Theater de Broadway, el
26 de septiembre de 1957, constituyó un éxito
clamoroso. Crítica y pública saludaron la obra
como la definitiva expresión de madurez de la
comedia musical americana. Además, West
Side Story encerraba un mensaje sobre la vida
urbana en la América de los años 50 que no ha
perdido vigencia: el clima de violencia entre bandas de distintas etnias. La producción original se
mantuvo en cartel durante 772 representaciones
antes de lanzarse, durante un año, a una gira
por las mayores ciudades norteamericanas y
regresar a Broadway para una nueva serie de
253 funciones. La coreografía y dirección escénica de Robbins, el libreto de Arthur Laurents y,
sobre todo, la inmarchitable música creada por
Bernstein –orquestada, bajo su supervisión, por
Sid Ramin e Irwin Kostal– lograron el milagro de
lirismo, intriga y energía magnética que West
Side Story representa en su género.
El 13 de febrero de 1961, Lukas Foss y la Filarmónica de Nueva York estrenaban en el Carnegie Hall las Danzas sinfónicas, suite elaborada
en 1960 que compendia en nueve secciones
sus melodías más sobresalientes. Al animado
Prólogo, evocador de la violencia que rodea la
confrontación entre las bandas rivales de los
Sharks (inmigrantes puertorriqueños) y los Jets
(nativos del Bronx), sucede la dulce ensoñación
de los enamorados Maria y Tony en Somewhere. El soleado Scherzo, en la estela de Copland,
precede al endiablado Mambo del concurso
de baile en el instituto y el inmediato Cha-Cha,
donde los pizzicati acompañan el encuentro de
la pareja. El encendido lirismo de la breve Meeting Scene preludia la tensión ascendente de la
Cool Fugue, que explota con furia en Rumble,
en cuyo transcurso mueren los jefes de ambas
bandas. La dulzura del catártico Finale se apoya
en la canción de Maria “I Have a Love”. Una
breve cita de “Somewhere” en recuerdo de Tony
concluye la obra.
Musika
argudio
La música
como
pretexto
“Erromantizismoa beharrezko kausatzat jotzen dut.
Considero al romanticismo como causa necesaria”.
F. Escudero
“Musikan eskola inpresionistakoa naizen galdetzen badidate, hitz hori ez dudala sekula
musikarekin lotu esan behar dut.
Si me preguntan si tenemos una escuela impresionista en música, debo decir que nunca he asociado
dicho término con la música.”
M. Ravel
“Ez naiz ni aldatu naizena, egoera da!
¡No soy yo quien ha cambiado, es la situación!”
C. Saint-Saëns
“Jenioa! Hogeita hamazazpi urtetan egunean hamalau
ordutan aritu naiz eta jenio deitzen didate orain!
¡Un genio! ¡He practicado catorce horas diarias durante
treinta y siete años y ahora me llaman genio!”
P. Sarasate
“Zergatik ez ziztu bizian eskilaratan gora joan eta
gershwindar doinu eder bat sortu?
¿Por qué no correr escaleras arriba y escribir una bonita
melodía gershwiniana?”
L. Bernstein
Gure
iradokizun
diskografikoa
Nuestra
sugerencia
discográfica
F.
Escudero: El sueño de un bailarín
Orquesta Sinfónica de Euskadi.
Zuz./Dir.: Arturo Tamayo.
Colección de Compositores Vascos, vol. 5. Claves, 2001.
M.
Ravel : Tzigane
Itzhak Perlman, biolina/violín
Orquesta de París.
Zuz./Dir.: Jean Martinon. EMI, 1975.
C.
Saint-Saëns: Introduction et Rondo Capriccioso
Renaud Capuçon, biolina/violín.
Deutsche Kammerphilharmonie Bremen.
Zuz./Dir.: Daniel Harding. Virgin, 2000.
P.
Sarasate: Fantasía sobre “Carmen” de Bizet
Anne-Sophie Mutter, biolina/violín.
Orquesta Filarmónica de Viena.
Zuz./Dir.: James Levine. DG, 1992.
L.
Bernstein: West Side Story. Symphonic Dances
Orquesta Filarmónica de Nueva York.
Zuz./Dir.: Leonard Bernstein. Sony, 1960.
9.
Andrés Orozco-Estrada
zuzendaria / director
Andrés Orozco-Estrada Euskadiko Orkestra Sinfonikoko zuzendari titularra da, Vienako Tonkünstler Orchestra Niederösterreich-en zuzendaritzarekin partekatzen duena. 15 urtetik gora daramatza
Vienan bizitzen eta orkestra handi ugari zuzendu
ditu, horien artean, Municheko Filarmonikoa,
Leipzigeko Gewandhaus, Viena, Bamberg eta
Berlingo Orkestra Sinfonikoak, Suediar Irratiko
Orkestra Sinfonikoa, Madrilgo Orkestra Sinfonikoa,
Frankfurteko Sinfonikoa eta abar. 2010eko udazkenean Vienako Orkestra Filarmonikoarekin egin
zuen debuta eta Esa-Pekka Salonen-en “ordezko
bikain” (“Wiener Zeitung”) eta “goi mailako talentu”
(“Die Presse”) gisa goraipatu zuten. New World
Symphonyrekin eta City of Birmingham Symphony
Orchestra-rekin debutatu du; denboraldi honetan
halaber, Erromako Santa Cecilia eta Orchestre
Philharmonique de Radio France orkestrekin debuta egingo du eta berriz zuzendu ditu Municheko
Orkestra Filarmonikoa eta Leipzigeko Gewandhaus. Etorkizunerako konpromezuen artean, halaber, London Philharmonic Orchestra, Herbeheretako Irratiko Orkestra eta Rotterdamgo Orkestra
Filarmonikoarekin debutak ditu.
biolina
violín
Leticia
Moreno
10.
Andrés Orozco-Estrada es director titular de la
Orquesta Sinfónica de Euskadi, responsabilidad
que compagina con la titularidad de la Tonkünstler
Orchestra Niederösterreich de Viena. Afincado
desde hace más de 15 años en Viena, ha dirigido
a muchas grandes orquestas, incluyendo la Filarmónica de Múnich, la Gewandhaus de Leipzig, las
Sinfónicas de Viena y de Bamberg, la Orquesta
Sinfónica de Berlín, la Orquesta Sinfónica de la
Radio Sueca, Orquesta Sinfónica de Madrid, Orquesta Sinfónica de Frankfurt, etc. En su debut con
la Filarmónica de Viena en otoño de 2010, OrozcoEstrada fue aclamado como “un brillante sustituto”
de Esa-Pekka Salonen (“Wiener Zeitung”) y reconocido como un “eminente talento” (“Die Presse”). Ha
debutado junto a la New World Symphony y la City
of Birmingham Symphony Orchestra; además, esta
temporada lo hará también con la Santa Cecilia de
Roma y Orchestre Philharmonique de Radio France y ha vuelto a dirigir a la Filarmónica de Múnich
y la Gewandhaus de Leipzig. Entre sus futuros
compromisos destacan también el debut con la
Filarmónica de Londres, Orquesta de la Radio de
los Países Bajos y la Filarmónica de Rotterdam.
Zakhar Bron-ekin ikasi ostean, Sofia Erregina Goi Mailako Musika Ikastegian
eta Koloniako Musikhochschule-n, Leticia Morenok lehenengo sari ezberdinak
irabazi zituen nazioarteko lehiaketa ospetsuetan: Pablo Sarasate, Fritz Kreisler,
Novosibirsk, Henryk Szeryng eta IBLA. 2010ean Rheingauko Jaialdian Lotto
Förderpreis saria merezi izan zuen. Londresko Guildhall School of Music and
Drama ezagunean ohorezko matrikula eskuratu zuen, David Takenoren ikasle
izan zelarik. Han Royal Philharmonic Society-k Emily Anderson saria eman zion.
New Yorkeko Carnegie Hall, Amsterdamgo Concertgebouw, Wiener Konzerthaus,
Londresko Wigmore Hall, San Petersburgoko Hermitage Antzokian eta Pragako
Rudolfinum delakoan aritu da, besteak beste. Halaber, Lockenhaus jaialdira gonbidatu dute eta Raviniakoan, Varsoviako Beethoven Jaialdian eta abarretan ere
izan da. 1762ko Nicola Gagliano biolin bat jotzen du.
Tras estudiar con Zakhar Bron en la Escuela Superior de Música Reina Sofía y la
Musikhochschule de Colonia, Leticia Moreno ganó diversos primeros premios en
concursos internacionales de prestigio: Pablo Sarasate, Fritz Kreisler, Novosibirsk,
Henryk Szeryng e IBLA. En 2010 se le concedió el Lotto Förderpreis del Festival de
Rheingau. Obtuvo matrícula de honor en la Guildhall School of Music and Drama de
Londres, donde estudió con David Takeno. Allí se le concedió el premio Emily Anderson de la Royal Philharmonic Society. Ha tocado en el Carnegie Hall de Nueva
York, Concertgebouw de Ámsterdam, Wiener Konzerthaus, Wigmore Hall de Londres, Teatro del Hermitage de San Petersburgo y Rudolfinum de Praga. Igualmente
ha sido invitada al Festival de Lockenhaus, participando también en el de Ravinia,
Festival Beethoven de Varsovia, etc. Toca un violín Nicola Gagliano de 1762.
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Orkestra goranzko bidean bultzatzen eta
adoretzen duzuen guztiekin partekatutako
ibilbide sinfonikoa. Oraindik entzungai dira
Orkestrak eszenatokian lagun izan dituen
guztien oihartzunak: biolinak, pianoak, musika
sinfoniko-koralak zein biolontxeloak orkestra
batek atril-kide ez ohikoak dituen literatura,
perkusioa eta txalapartarekin partekatu dute
beren espazioa. Eta hots guzti horiek gure
oroitzapenak betetzen dituzten bitartean,
Euskadiko Orkestrak MUSIKA IREKIA
proposatzen dizue 2012/2013 denboraldi
berrirako. Urritik aurrera izango da hori, eta
gurekin partekatu dezazuen nahi dugu.
Eskerrik asko!
Hoy termina una Temporada, un recorrido
sinfónico compartido con todos aquellos que con
vuestro apoyo sostenéis y alentáis la trayectoria
ascendente de la Orquesta de Euskadi. Aún
resuenan los ecos de todos aquellos que sobre
el escenario han acompañado a la Orquesta:
el violín, el piano, la música sinfónico-coral o
el violoncello han compartido su espacio con
literatura, percusión y txalaparta, infrecuentes
compañeros de atril de una orquesta. Y mientras
todos esos sonidos inundan nuestro recuerdo,
la Orquesta de Euskadi os propone una nueva
temporada 2012/2013 de MÚSICA ABIERTA.
Será a partir de octubre, y os esperamos.
¡Muchas gracias!
11.