3) Balletin 234c. pdf

Transcripción

Gran Milonga de Cierre el año pasado
Foto . Tadeo Jones | Festivales de Buenos Aires
gente en cuanto a la técnica porque tiene que ser perfecta. En tango
salón se permite que haya un poquito de cosas sucias que hacen
a lo personal de cada uno. De esta manera las parejas le dan sus
propios tonos y cadencias. Ya estamos medio cansados de ver gente correcta participando, queremos disfrutar de bailarines que se
conecten con el corazón y que no piensen tanto en el movimiento.
Consejo para una pareja que se presentará para
competir en tango escenario
Recomiendo una coreografía que tenga bastantes matices en
cuanto a la calidad de cambios de dinámica y al mismo tiempo
que no tenga mucho truco, no cargarla demasiado de movimientos. También les diría que armen una historia para que uno pueda llegar a entender, sino es una coreografía sin contenido. Lo
más lindo del tango es ver una pareja bailando porque se suele
ver mucho individualismo y esta danza es de a dos.
Y en tango salón ¿qué aconseja?
Te diría que es muy importante que estés conectada y atenta a la
música. Hay muy pocos bailarines que le prestan atención. Y lo
principal, es que bailes con el corazón.
Hay algunos movimientos que en tango de pista no se
permiten ¿Cuáles son?
Sí, hay un reglamento que prohíbe hacer saltos, ganchos y boleos
altos, pero hace un tiempo permiten hacer adornos, enrosques,
sacadas, cambios de movimiento y dinámicas. Antes los bailarines
estaban demasiado controlados y duritos. Solamente caminaban.
¿Se evalúa la vestimenta?
En tango escenario si y en salón no. En tango escenario se evalúa
todo, desde cómo entran hasta cómo se van.
¿La diferencia de edad entre las parejas influye en su
tarea como jurado?
Acá no está dividido por edades como en el Campeonato de la
Ciudad que existe la categoría, Tango adulto. A mí me encantaría
que existiera porque no se pueden evaluar igual. En las subsedes
de San Martin de los Andes y de Rosario había gente grande que
bailaba hermoso, pero es muy distinto el movimiento que hace
una pareja de 20 años con una de 60.
El año pasado y el anterior era la encargada de
seleccionar el jurado ¿En qué se basaba?
Trataba de elegir personalidades disímiles. Me interesaba que en
cada ronda de baile haya distintas miradas, por ende que tengan conceptos distintos para que no predomine uno. De todas
formas siempre que convocaba a los jurados o proponía nuevos
nombres estaba supervisado por Gustavo Mozzi.
¿Cuáles son sus futuros proyectos?
A mediados de agosto me voy a Brasil con mi compañía Sello de
Tango; continúo con mis festivales Lady ´s Tango en San Francisco, Estados Unidos y en Italia, y con Bailemos Tango a fin de
año acá en Buenos Aires. También estoy organizando la apertura
de una escuela de danza de tango en la Academia Nacional del
Tango pero por ahora es un proyecto. __BD
AGOSTO 2014 // BALLETIN DANCE / 39
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Datos que Bailan
Nuevos espacios para la danza y la tecnología
Por Laura Lifschitz
La compañía TeknéInteractiva se presentará durante
agosto y septiembre en el Museo de Arquitectura y
Diseño de la Sociedad Central de Arquitectos (MARQ).
Sus directoras, la bailarina y coreógrafa Analía Cannone
y la artista multimedial Gabriela Baldoni dialogaron
con Balletin Dance acerca de esta propuesta en la que
el vértigo de la virtualidad no colisiona con el mundo
material
TeknéInteractiva es un proyecto con dos pilares, el trabajo corporal a partir de las técnicas de contact improvisation, flying low y
release, y frente a ello, una respuesta multimedia (proyecciones
de imágenes) procesada por el programa Isadora creado para la
danza por Mark Conniglio, que censa el movimiento de los bailarines para traducirlo en tiempo real.
Los resultados del trabajo de la compañía ya fueron presentados en tres centros educativos y de investigación: la Universidad
Nacional de La Plata, el equipo de Investigación en Tecnología
Aplicada a la Danza (InTAD, del Departamento de Artes del Movimiento del Instituto Universitario Nacional del Arte, IUNA) y en
la Universidad Federal de Bahía (Brasil). La conjunción del movimiento con la creación tecnológica aparece como nueva forma
de entender el mundo.
Luego de Íntima Soledad -su anterior obra- TeknéInteractiva
ofrecerá durante dos meses la instalación performática Cuerpo
en Movimiento Como Diseñador del Espacio, disponible para la
interacción de los visitantes, en el Museo de Arquitectura y Diseño (Av. Del Libertador 999). La performance se presentará el 29
de agosto y el 5 de septiembre a las 19 hs.
¿Cómo articulan en esta instalación la idea de trabajar
con un soporte virtual para producir un hecho artístico
que da cuenta de la necesidad de los cuerpos?
Analía Cannone: Trabajamos con dos momentos. Lo más innovador es la construcción de la escenografía y el espacio a partir de un juego de pantallas opacas y translúcidas que generan
imágenes particulares, de acuerdo a los datos que recibe el programa con el movimiento de los cuerpos. Para la performance
Una instantánea parcial para captar la contemporaneidad del momento
Foto . Leandro Rodríguez
40 / BALLETIN DANCE // AGOSTO 2014
(trabajamos con música compuesta especialmente), esa interactividad tiene base en un trabajo coreográfico puntual, pero luego
la instalación seguirá funcionando para la experimentación de
cualquier usuario que visite el museo.
¿Fue la idea de materialidad la que coincide con las actividades del Museo?
AC: Claramente, porque el programa reacciona con el movimiento. Si no hay sujeto que se mueva, no hay respuesta de los censores. Eso para nosotros es una indagación filosófica: no hay
espacio sin cuerpo en movimiento. Nuestra propuesta encaja con
el programa artístico del MARQ, que está incluyendo el diseño y
el arte para referirse a la construcción del espacio urbano.
GB: Las imágenes no sólo se proyectan sobre las pantallas (en
paños que son maleables), sino que éstas refractan en el cuerpo
de los bailarines, todo lo cual resulta en un interesantísimo recurso expresivo y reflexivo acerca de esa materialidad.
¿Cuáles fueron las premisas tecnológicas y cómo se vincularon con la propuesta coreográfica?
GB: Lo interesante es cómo se somete la captura en tiempo real
a procedimientos que terminan generando imágenes abstractas,
de acuerdo a la posición, direccionalidad, velocidad y otros parámetros que se van manejando durante la performance.
¿Qué aporta la intervención de los performers respecto
de la instalación que permanecerá sin ellos?
AC: Las pautas de la coreografía se articulan con lo multimedial.
La danza no es puramente espontánea, así como tampoco las
proyecciones son decorativas. Ambas facetas son expresivas e
interdependientes. La presencia de los performers enriquece la
experiencia, pues la técnica del bailarín es dirigida a un efecto,
mientras que para el usuario general la instalación funcionará
de modo experimental y sorpresivo. Esto ya fue comprobado en
Íntima Soledad, donde los usuarios comenzaron a acompañar a
los performers naturalmente.
¿Por qué este proyecto ya tiene repercusión en la investigación de danza y tecnología?
AC: Porque es tan complejo y novedoso lo que se produce que
aún no tiene nombre. No es ni una obra de danza con escenografía virtual, ni es video danza, no es arte visual exclusivo.
No perdemos de vista que es una herramienta y que allí hay un
público. No pensamos en un work in progress. Pensamos en un
contenido, con determinada estética sostenida a través de diversas técnicas.
¿Cuáles son los próximos pasos de TeknéInteractiva?
AC: La idea es seguir indagando en la construcción del espacio
a través de diversas técnicas corporales y tecnológicas. Para ello
vamos a ir más allá con la interactividad: pensamos incluir no
sólo datos relacionados con el movimiento sino con el sonido,
tenemos muchísimo más para indagar. Lógicamente esto lleva
Íntima Soledad y los resultados de la indagación sobre los cuerpos a
partir de su procesamiento en imagen
Foto . Lucía Martínez
una infraestructura que requiere cada vez más, que las instituciones que regulan los subsidios pongan atención en estas nuevas formas artísticas, por ahora inclasificables. Fuimos parte del
Festival Pixels of Identity en Buenos Aires, de la organización International.artexpo. Nos invitaron a seguir participando en otros
países. Pero para poder viajar al exterior con nuestra propuesta,
es necesario contar con fondos y avales. __BD
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Por Margarita Pollini
Rodin de Boris Eifman: Forma y Contenido
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Una de las instancias más
interesantes y esperadas de la
actual temporada del Ballet Estable
del Teatro Colón será el estreno
local de Rodin, la obra de Boris
Eifman, con la presencia en el país
de este notable coreógrafo ruso.
Poco antes de su llegada Balletin
Dance dialogó con Olga Kalmykova
y Oleg Paradnik, sus asistentes en el
Eifman Ballet de San Petersburgo,
encargados de la reposición
Originalmente estrenada en noviembre de 2011, Rodin se presenta como una fantasía en torno a la pasión de Auguste Rodin
y su discípula, amante y musa Camille Claudel, una pasión legendaria que se extendió por una década y media y quedó plasmada
en las esculturas de ambos. Camille no pudo sobreponerse a la
ruptura y su salud mental resultó irremediablemente quebrantada. Rodin murió en 1917 a los 77 años; Claudel en 1943, a los 78.
Las funciones de Rodin en el Teatro Colón, se desarrollaron del
26 al 31 de julio (cuando esta revista ya había ingresado a imprenta). La música (obras de Maurice Ravel, Camille Saint-Saëns
y Jules Massenet) estuvo a cargo de la Orquesta Filarmónica de
Buenos Aires dirigida por Emmanuel Siffert. El vestuario es de
Olga Shaishmelashvili, la escenografía de Zinoviy Margolin y el
diseño de luces de Gleb Filshtinsky.
¿Cómo puede resumirse la trascendencia de Eifman como
creador en el panorama actual?
Oleg Paradnik: En primer lugar está su personalidad. Él lleva adelante su propio estilo como coreógrafo, y en todos estos años
estuvo muy atento a esta forma, conocida en todo el mundo.
Boris Eifman: un fanático de su trabajo
Foto . gentileza oficina de prensa Teatro Colón
Oleg Paradni: el quinto personaje es el cuerpo de baile, que también es
un protagonista
Foto . Maximo Parpagnoli
¿Qué elementos, puntualmente?
OK: Esta compañía baila con zapatillas de punta, pero en este
ballet no hay nada de puntas. Además toda la coreografía exige
brazos, piernas y cuerpos retorcidos, no como ellos aprendieron
a pararse y a moverse sino exactamente al revés. Son muchos
movimientos en períodos muy cortos: tienen tantos pasos en un
solo ballet como los que hay en tres ballets clásicos; la dificultad
también está en poder encadenarlos.
¿Cómo se desarrolló el trabajo con la compañía?
OP: Hubo mucho trabajo para hacer y el tiempo resultó muy corto. Los artistas se esfuerzan, hacen todo lo que pueden, les gusta,
cada uno con lo suyo, a algunos más y a otros menos.
¿Qué caracteriza este lenguaje?
Olga Kalmykova: Es fundamentalmente neoclásico.
OP: Aunque también tiene un fuerte componente gimnástico y
acrobático. Es una mezcla de estilos.
¿Qué dificultades plantea su estilo?
OP: Las de la persona que tiene que interpretar lo que él crea.
Debe ser un artista universal, que pueda plasmar esta diversidad.
¿De qué manera es abordada la vida y la obra de Rodin
en este ballet?
OP: Es un ballet argumental, que gira en torno a la vida de Rodin,
de su creación, de sus amores, de sus pasiones, de su sufrimiento, de su gran trabajo y su proceso creativo.
¿Cómo está estructurado?
OK: Como recuerdos de su vida, a través de diferentes escenas.
¿Qué particularidades interpretativas plantea Rodin?
OP: Muchas.
OK: Los bailarines del Teatro Colón no habían trabajado nunca
en su vida con objetos, como sucede en esta obra, en la que hay
que hacer actuar a esos objetos en escena, para que tengan vida
propia. Esta es una de las mayores dificultades.
OP: Muchas de las cuestiones técnicas en esta obra están relacionadas con los objetos que usan, y además, el lenguaje coreográfico es muy difícil, o al menos inusual.
Olga Kalmykova: una de las mayores dificultades de Rodin es
trabajar con los objetos
Foto . Maximo Parpagnoli
¿De qué manera están presentados los personajes?
OP: Los protagonistas son Rodin, su esposa Rose y Camille Claudel, su amante, y también está Claude, amante temporal de Camille. El quinto personaje es el cuerpo de baile, que también es
un protagonista, porque trabaja muchísimo.
¿Cuál es su función dentro de esta obra?
OP: Muestra la vida y la época que los rodea, y también muchas esculturas: constantemente durante la danza los bailarines
muestran poses de las esculturas de Rodin. Eifman tomó claramente muchas de ellas. Hay momentos en los que sobre el
escenario él está creando las esculturas, y los bailarines deben
plasmarlo. Eso es lo más importante de este ballet: las esculturas, el amor y el sufrimiento. Es importante que los espectadores
sepan que cuanto más sepan sobre la vida de Rodin más van
a comprender esta obra. El ballet es muy expresivo, y hay que
conocer para entender de qué se trata.
¿Cómo desarrollaron el estudio de este aspecto biográfico
de Rodin, Camille y Rose con los bailarines?
OP: Es una de las dificultades más grandes. Se puede aprender los
movimientos, pero captar ese sentimiento y poder expresarlo para
que el espectador entienda lo que los tres personajes principales
están viviendo lleva mucho trabajo. Hay un drama muy intenso detrás de la coreografía. Cuando estuvimos en París con nuestra compañía para hacer Rodin llevamos a los bailarines al Museo Rodin.
Volviendo a la personalidad de Eifman, ¿qué la
caracteriza?
OK: Arma un ballet por año y tiene una colección muy grande de
obras. Desde los 25 años es coreógrafo.
OP: Es tremendamente trabajador, es un fanático de su trabajo,
trabaja sin parar las 24 horas. Es un creador genial y vive para
eso de una manera muy intensa. __BD
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Juntos de Gira
La Exposición de Fotografías de
Danza por los 20 años de Balletin
Dance, parte de gira junto al Ballet
Metropolitano de Buenos Aires, que
está celebrando su primera década
EL ESPECTÁCULO
Luego de festejar su cumpleaños en el
Teatro Nacional Cervantes de Buenos Aires con una función especial que incluyó
a invitados de lujo, el Ballet Metropolitano de Buenos Aires que dirige Leonardo Reale, emprende una gira nacional.
De esta manera la tournée con la que
conmemorarán sus primeros diez años
los llevará al Teatro El Círculo de Rosario (Santa Fe, el 3 de septiembre), Teatro
Mitre de Jujuy (a través del Mozarteum,
el 10), San Martín de Tucumán (en el
marco del Septiembre Musical Tucumano, el 12), 25 de Mayo de Santiago del
Estero (el día 14), Teatro del Libertador
de Córdoba (17) y el Teatro Cooperativa
de Almafuerte (Córdoba, el 19).
El elenco integrado por Yanina Toneatto,
Victoria Mazari, Nina Zaera, Dominique
Crespo Lopes, Matías Gonzalez, Martín
Parrinello, Victor Robledo, Milagros Sonsogni, Rodrigo Villaverde y el propio Reale, tendrá a su cargo un espectáculo estructurado en dos actos, con coreografías
del propio director y de Margarita Fernández. En la primera parte se verá Suite
Clásica sobre música de Piotr Ilich Tchai-
Bastones Dorados
Foto . Christian Jamin
covsky, Pañuelos del Viento con partituras
de Nestor Garnica y Tangos del Plata con
composiciones de los reconocidos Astor
Piazzolla, Mariano Mores, Walter Oliverio
y Angel Villoldo. La segunda instancia estará integrada por Pampa Universal sobre
música de Walter Oliverio, Un Instante,
Dos Caminos (de Fernández) con partituras de Marcos Pochi Fernandez y el cierre
triunfal con Bastones Dorados que utiliza
composiciones de Vivaldi, Duke Ellington,
Benny Goodman y Handy.
En el Teatro El Círculo de Rosario se verá
Valses de Viena con música de Johann
Strauss en reemplazo de Bastones Dorados. __BD
Tangos del Plata
Foto . Carlos Villamayor
Esteban Schenone en La Bayadera
Franco Cadelago en Momentos
Foto . Guillermo Genitti
FOTOGRAFÍAS
La Exposición de Fotografías de Danza
por el 20º aniversario de Balletin Dance,
se inauguró en febrero de este año en el
Centro Cultural Borges con la asistencia
de cantidad de amigos, bailarines,
coreógrafos, productores y amantes del
arte de Terpsícore
Nadia Muzyca y Federico Fernández en
7º Sinfonía
Foto . Máximo Parpagnoli
Nadia Muzyca y Federico Fernández en
Margarita y Armando
Foto . Alicia Sanguinetti
Arte inseparable de la danza, la fotografía especializada se ha ocupado de perpetuar el efímero instante en que los bailarines despliegan
su danza sobre el escenario. Balletin Dance, ha
reunido en esta muestra a los cinco profesionales más destacados del país: Alicia Sanguinetti,
Antonio Fresco, Guillermo Genitti, Máximo Parpagnoli y Carlos Villamayor, con una selección
de obras que retratan a artistas argentinos.
En una tarea en conjunto con la Asociación
Arte y Cultura que lidera Juan Lavanga y con
la intensión de difundir la tarea artística nacional, a través de la lente de estos creadores,
la muestra podrá verse en cada teatro donde
actúe el Ballet Metropolitano de Buenos Aires,
en su gira nacional por su 10º aniversario.
Retratos, fotos de estudio, de función y ensayos, completan esta exposición, con integrantes del Ballet Estable del Teatro Colón, del
Argentino de La Plata, del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, del Ballet Folklórico
Nacional, y de compañías privadas de nuestro
país, que representan al ballet clásico, la danza
contemporánea y española, el baile de tango y
la danza jazz. __BD
Ludmila Pagliero y Hervé Moreau en Cantadagio
Foto . Antonio Fresco
-ballet
Gala Internacional
-infantil
Juanito
-contemporáneo
Lejos
Invitados extranjeros y el Ballet Estable
del Teatro Colón. Dirección: Lidia Segni.
Sábado 16, 20:30 hs. Teatro Colón (Cerrito 628, Tel: 4378-7100).
Una Aventura en Cohete. De Celeste
Antenucci. Dirección: Jimena López.
Coreografía: Paula Mesonero. Sábados
17 hs. Teatro La Mueca (Cabrera 4255,
Tel: 4867-2155).
Concepto, coreografía y dirección:
Marina Sarmiento. Actriz: Florencia
Bergallo. Jueves 21 hs. Teatro Beckett
(Guardia Vieja 3556, Tel: 4867-5185).
-musical
Kander & Ebb
Textos y adaptación de canciones: Miguel Ángel Ludueña. Dirección: Miriam
De Luca. Coreografía de Tap: Anita Gutiérrez. Actúan: Ludueña y Vanesa Turon. Domingos 19 hs. Teatro del Abasto
(Humahuaca 3549, Tel: 4865-0014).
-humor
Gran Carrusel
-contemporáneo
Inevitable / inagotable
De Valeria Pagola y Federico Joselevich
Puiggrós. Viernes 20:30 hs. Teatro Pan
y Arte (Boedo 876, Tel: 4957-6922).
-contemporáneo
Intimos
Dirección: Cristina Banegas. Dirección
Coreográfica: Sandro Nunziata. Actúan: Eladia Córdoba y José Garófalo.
Domingos de agosto y septiembre, 21
hs. El Excéntrico de la 18 (Lerma 420,
Tel: 4772-6092).
-infantil
La Cenicienta
-teatro
Mariana Pineda
Compañía Cuentos de Ballet de Liliana
Belfiore. 8º temporada. Con Samanta
Vibart, Jimena Saud, Jonathan Anchoverri, Marcos Herrera y cuerpo de baile.
Domingos 10 y 17, 16:30 hs. Centro
Cultural Borges (Viamonte 525, Tel:
5555-5359).
Al Aire La Libertad. De Federico García
Lorca. Dirección: Martha Garavano.
Elenco: Marta Villar, Alejandro Guaglianone, Juan Carlos Benz, Miguel E.
Finkielsztein, Julia Gana, Mirta García
y María Lo Coco. Leopoldo DeLorenzi
(guitarra), Juan Alonso (cante) y Magalí Canosa (baile). Sábados 17 hs. El
Tinglado Teatro (Mario Bravo 948, Tel:
4863-1188).
Cartelera
2/3
Ballet con Humor. Dirección: Adrián
Dellabora. Domingos 10,17 y 24 de
agosto, 7 y 14 de septiembre, 20 hs.
Centro Cultural Borges (Viamonte 525,
Tel: 5555-5359).
-teatro y danza
La Maquila
De Valeria Medina. Dirección: Raquel
Albéniz, Paula Etchebehere. Coreografía:
Marina Svartzman y Paula Etchebehere.
Bailarinas: Emi Ramos, Lucila Tolis y Camila Santillán. Sábados 22:30 hs. Teatro
El Popular (Chile 2080, Tel: 2051-8438).
MENCION / Obra: Alma / Buenos Aires. 2013
Fotógrafo: Gustavo Levy / Bailarín: Nicolás Scillama
2º Concurso de Fotografías de Danza
1º PREMIO
Obra: Fly / Buenos Aires. 2013 / Fotógrafa: Natalia
Benosilio / Bailarín: Gerardo Marturano
2º PREMIO
Desierto
3º PREMIO
Desierto
1º PREMIO / Obra: Fly / Buenos Aires. 2013
Fotógrafa: Natalia Benosilio / Bailarín: Gerardo Marturano
MENCION
Obra: El Vuelo
Buenos Aires. 2013
Fotógrafo: María
Soledad Quiroga
Bailarín: Benjamín
Parada
MENCION / Obra: Carmina Burana
Buenos Aires. 2011 / Fotógrafo:
Carlos Goldenberg / Bailarines:
Ballet Contemporáneo del
Teatro San Martín
El jurado presidido por Alicia Sanguinetti, e integrado
por Antonio Fresco, Guillermo Genitti, Máximo Parpagnoli y Carlos Villamayor, se reunió el lunes 3 de febrero
en el mítico estudio Heinrich-Sanguinetti de la ciudad
de Buenos Aires, para seleccionar a los ganadores del
Segundo Concurso de Fotografía especializada en danza organizado por Balletin Dance.
Las obras ganadoras serán publicadas cada mes en esta
revista, a la vez de pasar a formar parte de los canales
de difusión de Balletin Dance (impresos y digitales).
Luego de un exhaustivo análisis, de cada obra, y por
unanimidad, el jurado sentenció que en esta segunda
edición, la calidad de las fotos que se presentaron no
llegó a cubrir las expectativas previstas para la jerarquización de este concurso. Por ello se otorgó un 1º
premio, y cuatro menciones iguales, quedando desiertos el 2º premio y el 3º premio.
Las obras galardonas en el Segundo Concurso de Fotografía de Danza son:
MENCION / Obra: Bolero de Ravel DM
Buenos Aires. 2013 / Fotógrafo: Julián Aguirre
Bailarines: Naiké Ginesta y María Sol Lence
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La Escuela Soñada
Por Agustina Llumá
Los días 16 y 17 de julio los alumnos
del Taller de Danza Contemporánea
del Teatro San Martín, que dirige
Norma Binaghi, realizaron la Muestra
Coreográfica de Cierre del Primer
Cuatrimestre, en el Hall Central Carlos
Morel del Teatro San Martín
Se presentaron trabajos coreografiados por
los maestros de las diferentes cátedras, creaciones estudiantiles y fragmentos de repertorio contemporáneo, que permitieron obtener
una clara idea de la formación que reciben los
alumnos en el Taller Trienal de Perfeccionamiento en Danza Contemporánea.
Por aquellas incongruencias inexplicables, este
centro de formación gratuito, no posee sede
propia. Hace poco más de dos décadas, que
trabajan en las instalaciones donadas por Ana
Itelman para tal fin: un sótano dentro de una
galería comercial, bastante alejado del propio
teatro del que dependen. La paradoja es que
más allá de esta perpetua amargura taxativa por el desinterés y/o desconocimiento de
la tarea allí realizada, el Taller del San Martín
-como se lo conoce- sigue siendo la escuela
en la que todo joven bailarín desea estudiar.
Verdadera formación en las aulas del Taller
Foto . Irupe Tentorio
Así se demostró en la muestra de mitad de año de los nóveles artistas. Además
de proyectar las diferentes técnicas de la danza moderna, contemporánea y post
moderna que aprenden en la institución, la exposición reflejó una tarea coherente
del equipo docente encargado de la formación de los bailarines. Es decir, y valga la
redundancia, una tarea formativa. El espectáculo mostró un nivel homogeneizado,
con un sello propio, y con permisos para las individualidades, más allá de las diferencias de talentos de sus protagonistas. Técnica, rigor, disciplina, interpretación,
creación y desarrollo artístico para descubrir las voluntades de quienes siguen
amando bailar.__BD
Buenos Aires, 27 de junio de 1929
25 de junio de 2014
Por Carlos Manso
Sentido pesar ha causado en el ambiente musical el
fallecimiento de Juan Gelaf, fundador y director de la
Revista Música Hoy. Publicación que desde 1982 siempre tuvo para los jóvenes artistas de la música o de la
danza, un lugar propicio para hacerlos conocer y darles
su valor. Eso se debió a la genuina generosidad de su
fundador, un hombre luchador, sin fatigas, comprensivo por su humanismo de los desvelos que afrontaba,
que con su profunda fe, siempre salvaba.
Yo admiraba su entrega, su capacidad de trabajo y su
claridad de expresión. Hombre íntegro, tiene sentido
entonces que vuelva a clamar su voz, y tomo estas reflexiones de su Editorial que al celebrar los 30 años de
la revista, con valor y firmeza escribió: “(...) Permanecer 30 años consecutivos trabajando incansablemente
por Amor a la Música, más que una proeza, significa
en nuestro país, algo así como un milagro, que muy
pocos pueden celebrar.(...) Es oportuno expresar que
estamos fuertemente comprometidos con la libertad,
que además de su elevado rango humano, es el valor
vital generador de la atmósfera ideal para el desarrollo
de la actividad cultural. (...) Pensemos en nuestro país.
Para que la cultura en todas sus formas, despierte de
ese letargo en que ha sido sumergida por la incapacidad y el desinterés de funcionarios que la consideran
prescindible.” 1
Juan Gelaf, noble amigo, hasta dos horas antes de su
partida me dio indicaciones por la nota que ya estaba
diagramada y por la que me faltaba escribir.2 Siempre
en el trabajo, en nuevos proyectos, con la energía de
un joven -al cumplir 85 años- así se fue... Esa última
charla telefónica fue de despedida. Ahora, que descanses en paz. __BD
1
2
In Memoriam
Juan Gelaf
“Música Hoy”, N° 130 - Noviembre de 2012, p.5.
Nota: A los 90 pródigos años de Waldo Sciammarella, y el obituario de la pianista Inés Gómez Carrillo.
Por Román Ghilotti
Tres Aproximaciones Contemporáneas
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El Ballet Contemporáneo del Teatro
San Martín (BCTSM) estrenó
un nuevo programa integrado
por obras de Roxana Grinstein,
Ana María Stekelman y Yoshua
Cienfuegos (España)
Como es habitual, la oferta de la compañía que dirige Mauricio Wainrot, que
incluye En Cero (Grinstein), Bolero
(Stekelman) y Claustrofobia (Cienfuegos), se presentó en la Sala Martín
Coronado.
En Cero, dentro de un lineamiento
contemporáneo con algunos elementos académicos, resulta un breviario de
detalles en formas, secuencias y temples sobre una tónica romántica. Apoyada en una partitura de Martín Ferrés
(reelaboración y variación musical del
Trío para piano, violín y violonchelo en la menor, Op. 50, de Piotr Ilich
Tchaikovsky) que, en sí misma juega
también con entradas y construcciones
que apelan a lo romántico, la coreografía de Grinstein hace de sutilezas en las
construcciones gestuales de lo danzado
un recorrido que, por tramos, evoca la
expresividad romántica, sin sujetarse
a lo tradicional de ésta, y también por
tramos, pareciera instar a convocar el
contexto y el halo de ese romanticismo
para el baile. El ámbito se llena y vacía,
en fugaces derroteros de encuentros y
trabajos grupales que, utilizando un mínimo de recursos bien dosificados, hace
que el estar de los intérpretes con sus
evoluciones pase o roce lo pequeño en
Bolero, afiatada resolución
Fotos . Alicia Rojo
movimiento, casi ausente, casi un cero por lo íntimo que se sugiere, como también por la potencia pasional latente.
Stekelman se atreve, una vez más, a dar forma bailada a la obra
de Maurice Ravel, Bolero (estrenada en 2004 para Tangokinesis).
Quizá, esta música tan transitada y, además, ejemplo y ejercicio estilístico en lo que hace a textura y color de orquesta sobre ostinatos rítmico y melódico, “obliga” a “responder” a esa
concepción. Stekelman no escapa a este condicionamiento: la
preponderancia de lo formal, siguiendo o a veces contrastando
en parte a lo musical, funciona en su propuesta. Por otra parte,
fiel a su manera de abordar el movimiento, lo contemporáneo
de base que pone en juego se cruza con elementos de tango
y, esta vez, también con algunas pautas folklóricas. El resultado
es una afiatada manera de resolver la maquinaria del Bolero
con aciertos interesantes, algunos llamativos, como los zapateos
asociados a la repetitiva insistencia de redoblante, otros de riqueza constructiva, como el hecho de iniciar y terminar la pieza
con un breve solo.
El español Cienfuegos da en Claustrofobia una lectura particular del concepto y su alcance. Con el escenario completamente
Arriba: Claustrofobia, la angustia de lo temido
Derecha: En Cero, íntimo romanticismo
abierto, sin patas ni telón de fondo, en principio pareciera que no
hubiera razón de padecer encierro alguno. Los bailarines pueden
ir y venir ampliamente por ese espacio extendido. Pero en el desarrollo del trabajo lo que se ve es cómo van, a veces juntos, mayormente separados, desplegando esfuerzos que pareciera que
no terminan por conducir a nada. La idea que se va proponiendo
e imponiendo es que el encierro, lo claustrofóbico, está habitado
en cada intérprete, por extensión y analogía, en cada ser humano. Las “soluciones” en actos y movimientos bailados, que a la
vez que tratan de romper lo claustrofóbico lo denuncian, pasan
por repeticiones y abandonos de esta, como también, con cierto
tinte alegórico, se des-encierran de sí despojándose de algunas
de las prendas que visten, quedando en algo así como ropa interior, condición en la que persistiría lo temido. Igual ocurre con lo
bailado en donde lo inactivo también es acto: las pausas, las detenciones, las negaciones de los movimientos prosperan sin que,
eliminando estos, lo que angustia desaparezca por completo.
La muy buena respuesta a todos estos requerimientos del
BCTSM dio lugar a que estas tres aproximaciones expongan sus
diferencias y su común pertenencia a la llamada danza contemporánea. __BD
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Revelaciones Musicales
Por Agustina Llumá
Los domingos a las
18:30 hs, en el Teatro
del Abasto, Miguel Angel
Ludueña (actor) y Vanesa
Turon (pianista) presentan
Kander & Ebb en Concierto,
un
recorrido
musical
por algunos de los más
célebres musicales de
Broadway
Vanesa Turo y Miguel Ludueña
Foto . gentileza Kosen Rufu
Las canciones de la fructuosa dupla integrada por el compositor John Kander (1927) y el letrista Fred Ebb (1936-2004) son la base de este espectáculo, cuya inteligente antología recorre a
través de su obra sus propias vidas. Fueron socios y compañeros durante 42 años (desde 1962),
conformando una de las parejas creativas más prolíficas de la escena teatral estadounidense que animó al género de los musicales a elevar su nivel dramático y musical. A Flora, the Red
Menace (1964), le siguieron las famosísimas Cabaret, Chicago, The Happy Time, Zorba, 70, Girls,
70, The Act, La Mujer del Año, The Rink, El Beso de la Mujer Araña y Steel Pier, entre tantas otras.
A veces con ironía y cinismo, sus textos invitan a la reflexión, la emoción y por qué no, a la risa.
El propio Ludueña a cargo de la actuación-canto (con secuencia de tap incluida, de la película Stepping Out) seleccionó las canciones, las tradujo al español, las adaptó y agregó textos que permiten
conocer algunos aspectos de la escena (y fuera de ella) de los creadores. Los arreglos musicales
corrieron por cuenta de Turon, la coreografía de tap es de Anita Gutiérrez y la escenografía de
Maite Corona.
Particularmente interesantes resultaron para esta cronista en función de esta revista, Dolor un
tema compuesto especialmente para Chita Rivera (una de las protagonistas originales de Chicago,
junto a Gwen Verdon, quien también protagonizó El Beso de la Mujer Araña y La Visita), que dice
en un segmento: “Baryshnikov sigue en pie / sacale su malla y te juro lo verás / de arriba a abajo
moretoneado está / Inspirados por Margot Fonteyn: / mi cuerpo es un imperio del dolor”.
Y Showstoppers, cuya introducción menciona a tres grandes estrellas del musical de Broadway:
Mary Martin, Gertrude Lawrence y Ethel Merman. “Yo quiero ser un showstopper con un baile
inusual, / un gran genio con un talento especial ¿tengo que aclarar?”.
Secundado en todo momento por el piano y con pequeñas intervenciones de la pianista en el relato,
el show se desarrolla sin interrupciones (y sin declives), a través del incansable actor-bailaríncantante, que ofrece este personal homenaje desde lo más profundo de su honestidad. __BD
Mariela Bonilla - Nora Ivitz
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Ballet Nuestro
Por Agustina Llumá
El 14 de julio, la agrupación liderada por Federico
Fernández, Ballet en Gala, realizó una presentación en
el Teatro Astral de Buenos Aires, que conjugó a varias
generaciones, en un frenesí inspirador
Un extenso programa en tres actos, dio lugar al lucimiento de
algunos artistas consagrados, y espacio para jovencísimos bailarines, integrantes del Ballet Estable del Teatro Colón, del Argentino de La Plata y del Ballet del Sur de Bahía Blanca. La función
simbolizaba a su vez, un reconocimiento a Alejandro Parente,
que Federico Fernández reconoce como referente del ballet masculino en nuestro país, y suyo particularmente.
Se trató de un excelente espectáculo, con condimentos ideales
para los amantes del ballet (en un escenario apto para su lucimiento): romanticismo, clasicismo, acrobacia, destrezas técnicas
y brillo, en completos duos y solos, variados como para satisfacer
a todos los gustos.
Alejandro Parente, el homenajeado, con Daiana Ruiz
Alejandro Parente, el homenajeado, iba a bailar con Maricel De
Mitri que se vió impedida por una lesión leve. En su reemplazo
el bailarín mostró el solo Gopak con excesiva intensidad (con el
que conquistó a la platea) y el acertado A Buenos Aires de Gustavo Mollajoli (pieza que consuma en su breve duración, aquello
que la torna imperecedera) con excelente interpretación, junto a
Daiana Ruiz. Parente es un artista consumado que supo desposeerse de lo superfluo, marcando un penetrante contraste desde
el instante en que apareció en escena.
Carla Vincelli y Edgardo Trabalón tuvieron a su cargo El Talismán
y Llamas de París, dos pas de deux que exigen brío y que gracias a
la madurez artística y la experiencia escénica de ambos lograron
equilibrar con la energía justa su dominio corporal. Ella se destacó por la seguridad y la musicalidad que la caracteriza, mientras
que él atrajo con cambios de dinámicas y velocidades, y cuidada
ejecución con máximo esfuerzo. Cuestiones de tapete arrugado,
Julieta Paul y Federico
Fernández, hispánicos
Macarena Giménez y Maximiliano
Iglesias, nuestro futuro
obligaron a un inteligente y desapercibido cambio en los rond de
jambe fouettes que habían comenzado prometedores, con giros
simples y dobles y cambios en la direccionalidad de la cabeza.
Macarena Giménez, Federico Fernández y Maximiliano Iglesias
ofrecieron el maravilloso pas de trois de El Corsario: ella dulce y
simpática, Iglesias en búsqueda del felino personaje (que encontró por momentos y que asegura un triunfante futuro) Fernández más maduro, con ese porte que le otorga su estilizado físico.
La función cerró con el estreno en nuestro país de la españolísima Laurencia, con Julieta Paul y Fernández, secundados por
Paula Cassano y Daiana Ruiz. Los protagonistas se destacaron en
esta pieza con esa solidez propia de la pericia, el íntimo deseo por
bailarla y un muy buen clima hispano conquistado.
Paul junto a Bautista Parada mostraron el segundo acto de Giselle, con acertada exposición del estilo romántico en el que se lució ella fundamentalmente con una sólida interpretación. Dentro
de esa cualidad, Cassano encaró el complejo solo de La Muerte
del Cisne. También estuvieron presentes esa noche Estefanía Segovia y Gorky Flores con el intrincado pas de deux de La Fille Mal
Gardée de su director Ricardo Alfonso.
Emilia Peredo Aguirre y Emiliano Falcone tuvieron a su cargo el
Festival de las Flores de Genzano que realizaron con suma jovialidad destacando él sus baterías (Bournonville) y ella los gestos
faciales y movimientos de sus pies (excelentes dotes innatas).
Mientras que en El Cascanueces les faltó aún, llegar al estilo correcto, con gran esfuerzo por lograr la prolijidad (y la compleji58 / BALLETIN DANCE // AGOSTO 2014
Carla Vincelli y Edgardo Trabalón, equilibrio energético
dad) que exige este ballet y algunos problemas de colocación.
Harlequinade (dúo) estuvo a cargo de Daiana Ruiz y Jiva Velázquez, esta breve y ocurrente entrega permitió el lucimiento
masculino con elásticos pliés (que revelan una formación fuera
de nuestro país) y por ende buenos despegues para buenos saltos, y ávido ímpetu.
PRÓXIMAS ACTUACIONES
En cada una de las propuestas de Ballet en Gala, cambian los bailarines y cambia el repertorio. La próxima función está prevista
para el 14 de septiembre, en el Auditorium Montoya de Posadas,
Misiones, con dos parejas invitadas del Ballet del Centro del Conocimiento que dirige Laura de Aira.
Federico Fernández estará acompañado por Julieta Paul, y el
elenco integrado por Macarena Giménez, Ayelén Sánchez, Emilia
Peredo Aguirre, Emiliano Falcone, Jiva Velázquez y Maximiliano
Iglesias. El programa en dos actos, estará integrado por Festival
de las Flores en Genzano, Harlequinade, Aguas Primaverales, El
Corsario, El Cascanueces, Carnaval de Venecia, La Bayadera y
Don Quijote. __BD

3) Balletin 234c. pdf

Transcripción

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