Dissabte 16 d`Octubre de 2010 - Festival Internacional de Cinema

Transcripción

Dissabte 16 d’Octubre de 2010 · Número 10
Pàg. 04
DETECTIVE DEE
Pàg.
Pàg. 07
06
metropolis
Pàg. 07
I Saw The Devil
Pàg. 09
MOTHER’S DAY
w w w. s i t g e s f i l m f e s t i v a l . c o m
2
DIARI DEL FESTIVAL
Dissabte 16 octubre 2010
INFO TICKET
ENTRADES (IVA inclòs)
VENDA ANTICIPADA
8€ Secció Oficial Fantàstic a Competició –
Sitges 43 / Secció Oficial Fantàstic Panorama
/ Secció Oficial Noves Visions / Secció Casa
Àsia / Secció Anima’t / Midnight X-Treme /
Secció Seven Chances / Sessions Especials
6€ Retrospectives i Homenatges
7€ Sessions de curts d’animació a
competició
10€ Programa doble / Maratons de 3 o més
pel·lícules / Focus 3D
12€ Gales d’Inauguració i Cloenda /
Maratons del dia 17 d’octubre
4€ Sitges Fòrum (Classes magistrals)
Online: www.telentrada.com (Cost de
distribució: 0,90€)
Telèfon: 902 101 212 (Cost de distribució:
1,5€)
Oficines de Caixa Catalunya. (Cost de
distribució: 2€)
ENTRADES ESPECIALS (IVA inclòs)
Abonament Matinée: 99€
Vàlid per accedir a les sessions de l’Auditori,
durant tot el Festival, en la franja de les
10h-12h-15h* (caps de setmana inclòs).
El pots comprar fins al 6 d’octubre només
a través de Tel-Entrada!
Butaca VIP: 295€
La manera més còmoda de no perdre’t cap
pel·lícula i sempre des de la teva butaca
preferent! Tindràs la teva pròpia acreditació
i podràs gaudir de totes les sessions de
l’Auditori durant tots els dies del Festival,
incloses la Inauguració, la Cloenda i la
Maratons de l’últim dia. La pots comprar fins
al 6 d’octubre només a través de Tel-Entrada!
Localitat Numerada (LN)
Algunes sessions de l’Auditori disposen d’un
nombre limitat de butaques numerades. Amb
aquesta entrada, per 2€ més, t’estalviaràs
de fer cua a les sessions més esperades
de l’Auditori (consulta a la programació les
sessions LN).
DESCOMPTES FANTÀSTICS**
Descompte 20: a partir de la compra de 20
entrades per a pel·lícules diferents s’aplicarà
un descompte del 20%.
Descompte 10: a partir de la compra de 10
entrades per a pel·lícules diferents s’aplicarà
un descompte del 10%.
INFO TRANSPORTS
El Festival no és responsable dels possibles
canvis d’horaris d’aquests serveis de transports.
Els possibles retards en les projeccions del festival
no afectaran a l’horari dels següents transports:
A – DES DE BARCELONA
TREN
BCN Sants – Sitges: Primer tren: 5:45h / Últim
tren 00:15h
Sitges – BCN Sants: Primer tren: 4:48h / Últim
tren: 22:26h
NOVETAT, TREN FANTÀSTIC! Únicament a la 1:30h
de la matinada, del 7 al 17 d’octubre (ambdós
inclosos), tren directe sense parades Sitges
Barcelona Sants.
Preu del bitllet: 3€ (aquest trajecte). Vàlids els
abonaments de RENFE i ATM.
El Tren Fantàstic sortirà puntualment a la 1:30h
sense excepcions.
Per a més informació: 902 41 00 41 /
www.rodaliesdecatalunya.cat
BUS DIÜRN I NOCTURN
BCN (R.Universitat) – Sitges (zona Oasis): Primer
bus: 7:20h / Últim bus: 01:55h
Sitges (zona Oasis) – Barcelona (Pl. Catalunya):
Primer bus: 5:55h / Últims busos: 23:45h, 1:10h,
3:02h
Consulteu tots els horaris, parades i preus a la
companyia Monbús 938 937 060 / www.monbus.cat
COTXE
Podeu circular per l’autopista C-32 en direcció
Sitges i agafar la sortida 31 (Sitges Nord), la
sortida 30 (Sitges Centre) o bé la sortida 29 (Sant
Pere de Ribes). Aquesta via ràpida travessa els
túnels del Garraf i comporta un peatge.
També podeu sortir de l’autopista C-32 per la
sortida Castelldefels Platja i circular per la C-31 o
carretera de les Costes en sentit Sitges fins a entrar
a la vila pel barri d’Aiguadolç. Aquesta possibilitat
també dóna accés a Les Botigues de Sitges i al
poble de Garraf i no comporta cap peatge.
A – DES DE VILANOVA I LA GELTRÚ
TREN
Sitges - Vilanova: Primer tren 06:21 / Últim tren
00:51
Vilanova – Sitges: Primer tren 04:42 / Últim tren
22:19
Per a més informació consulteu www.renfe.es
BUS DIÜRN I NOCTURN
Sortides des de l’estació de tren. Horaris i preus:
Autocars Plana: 977 354 445/ www.
autocarsplana.com
Monbús: 938 937 060 / www.monbus.cat
COTXE
Podeu circular per l’autopista C-32 i agafar la
sortida 29 (Sant Pere de Ribes) o bé la sortida 30
(Sitges Centre).
BUS URBÀ DE SITGES
Vallpineda, Terramar i Llevantina. Horaris i preus:
Sarfa 902 302 025 / www.sarfa.com
CARNETS AMB DESCOMPTE **
20% de descompte en la compra d’entrades
pels clients de Caixa Catalunya (només
aplicable a la venda anticipada). 20% de
descompte en la venda anticipada i a les
taquilles pels titulars de Carnet Biblioteques
CBB, Carnet Jove, Targeta Cinesa Card, Club
Casa Àsia, Club Fnac Oci i Cultura, Socis
Univers de la UPC, Targeta Amiga Desigual,
Majors de 65 anys, Club TR3SC, City Deluxe
Card, Club UOC i Racc Master.
Els descomptes no són acumulables. El titular
haurà de presentar a la taquilla el carnet de
soci i el DNI.
* excepte Sessions 3D i Maratons del dia 17
** no aplicables a Inauguració, Cloenda,
Maratons del dia 17, Abonament Matinée,
Butaca VIP i Localitat Numerada.
Les entrades adquirides a través de TelEntrada per a les projeccions de l’Auditori
s’hauran de recollir a la taquilla de l’Hotel
Melià ubicada a la Sala Tramuntana. Les
entrades adquirides a través de Tel-Entrada
per a les projeccions del Prado i el Retiro
s’hauran de recollir a la taquilla de l’edifici
Miramar.
L’Abonament Matinée només es podrà
imprimir als caixers de Caixa Catalunya.
Diàriament s’hauran de recollir les entrades
pel mateix dia presentant l’Abonament imprès.
L’acreditació de Butaca VIP només es podrà
imprimir als caixers de Caixa Catalunya i
s’haurà bescanviar per una acreditació vàlida
per a totes les sessions de l’Auditori a la
taquilla del Melià.
TAQUILLES DEL FESTIVAL
Es podran adquirir entrades per a tots els
cinemes i sessions a:
Taquilla Hotel Melià (Sala Tramuntana)
C/ de Ramon Dalmau, s/n
Del 7al 17 d’octubre
La taquilla obrirà una hora abans de l’inici de
la primera sessió de pagament de l’Auditori i
tancarà a l’inici de l’última sessió.
Taquilla Edifici Miramar
C/ Davallada, 12
Del 7al 17 d’octubre
La taquilla obrirà una hora abans de l’inici de
la primera sessió de pagament del Prado i del
Retiro i tancarà a l’inici de l’última sessió.
IMPORTANT
S’accepta pagament amb Visa.
Es donarà prioritat a la venda d’entrades per a
les sessions immediates.
Queda prohibit l’accés a la sala un cop
començada la sessió.
No s’admetran canvis ni devolucions excepte
en casos de canvi de programació o suspensió
de passi per part del Festival. Si és així, la
devolució de l’import o el bescanvi per una
altra entrada s’haurà d’efectuar a les mateixes
taquilles on ha estat realitzada la compra.
En el cas d’haver efectuat la compra per
Tel-Entrada la devolució de l’import s’haurà
de tramitar a qualsevol oficina de Caixa
Catalunya. Aquestes devolucions s’efectuaran
en els 10 dies posteriors a l’anul·lació de la
projecció.
3
DIARI DEL FESTIVAL
L’equip d’Herois al complet.
Matt Reeves i Kodi Smit-McPhee, director i actor de Le Me In.
Apichatpong Weerasethakul i Luis Miñarro, director i productor de Uncle Boonmee.
Presentació de Earthling, 5150 Rue des Ormes i Simon Werner a disparu...
Rodrigo Cortés i Chema García Ibarra, guanyadors del Méliès al millor llarg i curt, respectivament.
Gareth Edwards, director de Monsters.
4
DIARI DEL FESTIVAL
ENTREVISTA A APICHATPONG WEERASETHAKUL
es un sitio ideal para vivir, porque
hay mucha pobreza, y esta idea está presente en la película a nivel
de paisaje y también a través de mi
recuerdo, algo que se desprende
del filme.
¿Sabías que harías un largo
cuando realizaste el corto y la
vídeo-instalación?
Tenía un guión desde el principio,
pero a medida que fui haciendo el
corto y la instalación este fue cambiando. Creo que esas dos piezas
me sirvieron de preparación para,
más adelante, realizar un proyecto
más grande, el largo que ha acabado siendo Uncle Boonmee.
Uncle Boonmee Who Can Recall
His Past Lives juega con el imaginario y las ideas visuales de
viejos productos audiovisuales
tailandeses.
Sí, pero lo hace de manera indirecta. Quizá podría haber ido a los
archivos a investigar, pero quería
reaccionar en el propio set de rodaje o a la hora de escribir el guión,
prefería que todo surgiera de mis
recuerdo de todas aquellas imágenes que de la referencia directa. El
hecho de que todo fluya desde la
memoria, es lo que hace la película
tan especial, pues nace de la experiencia y del recuerdo.
Parecería que hay una fuerte
tradición en Tailandia de cine e
historias de fantasmas.
Tenemos muchas historias de fantasmas. Antes, eran muy especiales. En cambio, ahora, no es tan
específico y lo que abunda son las
películas coreanas o japonesas de
terror, que están hechas para chocar al público. Creo que siempre lo
importante es la mirada que tenemos hacia las cosas; en el caso de
Uncle Boonmee, la película es los
ojos del pasado.
Uncle Boonme nace de dos proyectos anteriores, una vídeoinstalación y un cortometraje,
¿tenías ya la idea de realizar un
largo?
Comenzó como un proyecto artístico, llamado Primitive, basado en
un libro que compré hace tiempo
sobre un hombre que vivía en la
misma región que yo, en el norte
de Tailandia, y que intentó conocer a sus parientes fallecidos. Fui
a visitar a sus hijos, pero no logré
sacar nada en claro, así que lo usé
más como una inspiración: me interesaba para poder abordar el recuerdo que tengo de mi región. No
En cierta manera, al tomar prestado el libro sobre aquel hombre, estás trabajando sobre el
recuerdo de otro, como sucedía
también en Syndromes and a
Century.
Para Uncle Boonmee me inventé muchas cosas. En el caso de
Syndromes and a Century, que estaba inspirada en mis padres, yo
conocía al referente; en cambio, al
hombre de Uncle Boonmee no lo
conocí, así que inventé la mayor
parte. Se podría decir que la película es en realidad “Uncle Apichatpong”, pues la mayoría de cosas
que hay son más cercanas a mí
que al libro en el que se inspira. La
última escena de la película aborda justamente este tema: uno de
los personajes, que no conoce al
hombre, dice que debería inventarse una historia.
En cierta manera, Uncle Boonmee se puede ver como una continuación de Tropical Malady.
Yo también lo veo así: para mí, ha-
cer películas es trabajar sobre el
tiempo. Cuando en Uncle Boonme
ves al chico que se convierte en
monje, puedes pensar que estás
viendo una película que va antes
de Tropical Malady. Se produce así
un juego en el tiempo, entre las
distintas películas.
Uncle Boonme viene marcada
por la Palma de Oro conseguida en Cannes y con la aureola
de que tú realizas un cine “de
autor”. Sin embargo, la película
también lidia con un cine muy
popular.
Me alegra mucho oír esto, la gente
se acerca a mí o vienen a ver la
película pensando en un cine de
autor o en el nivel de Cannes, y yo
intento decirles que no es sólo eso,
que el público puede reír, que hay
comicidad.
Con el mono-fantasma recuperas
un poco la idea de un cine fantástico artesanal, con figuras míticas. Pienso un poco en el cine
de los ochenta, en La guerra de
las Galaxias, por ejemplo.
Sí, ¡Chewbacca! Para mí, de la
película, y, en especial, de la secuencia de la cena, se tiene que
desprender el sentimiento de algo
anciano. Sin embargo, el público
tiene que saber que se trata de un
director actual. Quizá por eso, en
la secuencia de la cena y con la
aparición del mono, hay una fricción entre el hecho de que hay un
personaje caracterizado de manera barata, con un traje muy pobre,
y el realismo propio del ritmo de la
escena.
Sobre esta idea de realismo:
¿qué le atrae de la mezcla en-
tre este y el cine de género?
Quería reflejar el espíritu, el mundo de los sentimientos. Por eso,
la reacción que tienen los personajes cuando aparecen los fantasmas es de absoluta normalidad: es una proyección del deseo
que tiene la gente de hablar con
sus seres queridos.
Uncle Boonmee es una coproducción entre varios países:
¿es necesaria la coproducción
para la supervivencia de un
cierto cine asiático?
Eso es porque el presupuesto
es realmente muy pequeño y los
productores se interesan por este tipo de películas, por eso me
dan una libertad total. Al ser un
presupuesto no muy elevado, lo
que han tenido que invertir las
distintas partes es también pequeño y todos han ido ayudando
poco a poco.
Parecería que has abandonado
esa marca narrativa de partir
las películas por la mitad (Tropical Malady, Syndromes and a
Century). En esas dos películas
había dos esferas marcadas y
separadas; en Uncle Boonmee
estas dos esferas (los vivos y
los espectros) se mezclan.
Cada película te dice lo que necesita. Cuando pensé Tropical
Malady y Syndromes and a Century quería que se diferenciara la
luz de la oscuridad; el dolor, de
la felicidad. En Uncle Boonmee,
en cambio, quería hacer otra cosa. Es cierto que están ambas
esferas mezcladas. Además, no
quería que me encasillaran en la
misma fórmula.
5
DIARI DEL FESTIVAL
CASA ÀSIA
Auditori 14:15/01:15
Detective Dee and the
Mystery of Phantom Flame
NOVES VISIONS - NO FICCIÓ
Prado 14:30
Into Eternity
EL FUTUR
ASESINATO EN LA DINASTÍA ZHOU
Los detractores de Tsui Hark pueden acusarle de muchas cosas,
pero, desde luego, lo que no puede
negársele es un instinto comercial
a prueba de bombas. De ahí que,
en esta época en que el Sherlock
Holmes de Guy Ritchie (además
de acercamientos televisivos al
personaje como House, El mentalista, Psych, Monk o el Sherlock
de Stephen Moffat, entre otros) ha
puesto la creación más conocida
de Arthur Conan Doyle más de moda que nunca, el productor/director haya buscado un equivalente
dentro de la cultura china. Y lo ha
encontrado en Di Renjie, personaje
real que fue juez y consejero de
dos emperadores distintos, y que
dio pie, en el siglo XVIII, a la creación de la novela detectivesca Dee
Goong An (“Casos del Juez Dee”),
que contenía tres casos distintos
de asesinatos misteriosos.
Eso sí, Hark ha preferido crear una
historia nueva para Detective Dee
and the Mystery of Phantom Flame, escrita para la ocasión por el
guionista Chen Kuo-fu, y en la que
moderniza al personaje (además
de hacerle, claro está, experto en
artes marciales). La película está
ambientada durante el reinado de
la primera emperatriz de China, Wu
Zeitan (Carina Lau), cuando una
serie de dignatarios sufren combustiones espontáneas que nadie
sabe explicar. Ante la amenaza
que supone para las próximas celebraciones, Wu manda sacar de
la cárcel a Di Renjie (Andy Lau), al
que había mandado encerrar ocho
años atrás debido a un intento de
derrocarla. La emperatriz, esperando poder tenerle vigilado muy de
cerca, confía en su sirviente Shangguan Jing’er (Li Bingbing) para
que, además, le ayude a resolver el
misterio. Esto, sin embargo, resultará mucho más complicado de lo
que parecía al principio.
A la hora de llevar al personaje a
la gran pantalla, Tsui Hark ha recurrido a la mezcla de géneros
que ha marcado siempre su filmografía, uniendo wuxiapian, drama
histórico y thriller de investigación.
Gracias al equilibrio que le da a
ese cóctel de ingredientes, y por
supuesto a la carismática presencia de Andy Lau como protagonista principal, logra un producto
brillante, divertido y estimulante,
que no permite que el espectador
se aburra ni un solo segundo. Especialmente destacables son sus
secuencias de artes marciales,
coreografiadas con su habitual
maestría por Sammo Hung, y que
resultan una auténtica delicia en
su perfecta combinación de uso de
cables y efectos especiales digitales. El inicio perfecto para lo que,
con un poco de suerte, puede convertirse en una saga deliciosa.
Mentre nosaltres (mal)vivim el dia
a dia, capficats en problemes de
caràcter més aviat antièpic, a l’extrem més remot dels boscos de
Finlàndia hi ha un equip de científics construint Onkalo, una tomba
de residus nuclears que estarà enllestida cap al 2100 i que és previst
que pugui funcionar, com a mínim,
fins d’aquí a 100.000 anys. Això
és molt de temps. De fet, tenint en
compte que la nostra perspectiva
“només” arriba a dos mil·lennis, no
hi ha gaire diferència entre aquesta xifra i l’infinit.
Aquesta paradoxa és la base del
documental Into Eternity, segon
llargmetratge de Michael Madsen.
Film d’aparença asèptica, però
ple de qüestions tremendament
inquietants; que es basa en la rea
litat, però que es projecta cap al
territori de la ciència-ficció: “Quan
faig un documental –explica el director– m’agrada acostar-me a la
realitat com un concepte en construcció. No crec que la realitat sigui
quelcom inamovible, sinó que és
susceptible a la interpretació. En
altres paraules: estic interessat en
com pot ser interpretada”.
En unes altres mans, és probable
que Into Eternity hagués acabat
essent un simple documental de
conscienciació ecològica, però, per
a Madsen, Onkalo és una monumental càpsula del temps, l’únic
que quedarà de la nostra era. És,
en definitiva, l’enverinada herència
que deixarem a les civilitzacions
futures (humanes o no). Per això,
veure’l esdevé una caixa de res-
sonàncies que ens porta d’En las
montañas de la locura a El planeta
de los simios. Impossible esgarrifar-se quan escoltem un científic
que diu: “Com podem evitar que
algú obri Onkalo si bona part de la
nostra història passa per profanar
santuaris on, en teoria, no hauríem
d’haver entrat?”.
Into Eternity ens torba perquè parla de la incertesa, d’allò que s’escapa al nostre control. Ens deixa
clar que la nostra posició en l’univers és infinitesimal, però, alhora,
apel·la a una responsabilitat que
transcendeix més enllà de la nostra pròpia vida. La pregunta és si el
millor és recordar Onkalo, tenir-lo
sempre present com si fos la porta
a l’infern (al cap i a la fi, es tracta
d’això, no?), o deixar que caigui en
l’oblit, com una llegenda de temps
llunyans que difícilment podem
vincular amb nosaltres. En definitiva: serem capaços d’extingir un
foc que es va crear perquè cremés
durant tota l’eternitat?
6
DIARI DEL FESTIVAL
SESSIONS ESPECIALS
Auditori 16:30
Metropolis
LA RESURRECCIÓN DE UNA OBRA MAESTRA
Que los premios que concede el
Festival de Sitges tengan la forma
de Maria, el doble cyborg del personaje interpretado por Brigitte Helm,
es uno de los innumerables indicativos del privilegiado lugar que ocupa
Metrópolis en la historia del cine.
Pocas películas de ciencia-ficción
han generado tanta admiración y
tanta literatura, algo lógico teniendo en cuenta que Fritz Lang consiguió uno de los diseños de producción más influyentes jamás creados
(reflejo de los estudios en ingeniería
del director germano), sólo ensombrecido por el muy posterior de Blade Runner.
A la versión más conocida de la película (y no, no nos referimos a la que
Giorgio Moroder creó en los 80, con
música de Queen y Bonnie Tyler) le
falta, debido a los innumerables remontajes y recortes sufridos, más
de media hora de metraje. De ahí
que fuera una magnífica noticia el
descubrimiento, en el Museo de Cine Pablo Ducrós Hicken de Buenos
Aires, de una nueva copia en 16
mm que incluye unos 25 minutos
de película que se creían perdidos.
Aunque la calidad de imagen de la
misma resultaba demasiado baja
como para restaurarla, su importancia historiográfica llevo a la F.W.
Murnau Foundation a llevar a cabo un nuevo montaje que, tras dos
años de trabajo, se estrenó a principios de año, en el Festival de Berlín.
Esta es, precisamente, la copia que
se proyecta ahora en Sitges, y que
permite redescubrir una obra que
alcanza nuevas dimensiones gracias al metraje añadido. No sólo
matiza a personajes que, en los
montajes anteriores, apenas estaban esbozados (como el trabajador
11811, Josaphat o el Hombre Delgado), gracias a la recuperación de
subtramas completas hasta ahora
desaparecidas. También enriquece
la tirante relación de Fredersen y
Rotwang (dándole mucho más importancia a su rivalidad respecto
a la fallecida esposa del primero,
Hel), e incluso llega a transformar
radicalmente algunas de las secuencias más conocidas: atención a
las escenas de la inundación de
la ciudad subterránea, que ahora
resultan muchísimo más angustiosas y siniestras.
Lo que esta nueva versión deja
más claro que nunca es que, aunque siga acusándose al guión de
Thea von Harbou para Metrópolis
de superficial y de maniqueo (sigue
costándonos separar al artista de la
persona, y sobre todo de sus ideas
políticas), en realidad sobre dicha
valoración han pesado demasiado
los huecos narrativos de los anteriores montajes. Resulta, pues, una
oportunidad estupenda para recuperar una de las mejores obras
alemanas de Fritz Lang, y de paso
recolocarla dentro del panteón de
las grandes películas de la historia
del cine.
7
DIARI DEL FESTIVAL
S.O. FANTÀSTIC PANORAMA ESPECIALS
Retiro 10:00/Auditori 22:30/01:15
NOVES VISIONS – DISCOVERY
Prado 18:15
I Saw the Devil
Fin
LA CAZA DEL MONSTRUO
En las proyecciones que se llevaron
a cabo en el Festival de San Sebastián, I Saw the Devil cosechó
las deserciones más masificadas
de la Sección Oficial. Decenas de
espectadores dejaron la películas
a medias, incapaces de soportar
las dosis de gore que Kim Jeewoon ha incluido en su nuevo largometraje. El cineasta elegante y
refinado que hemos podido disfrutar en otras ediciones de Sitges,
gracias a películas como A Tale of
Two Sisters, A Bittersweet Life o
The Good, the Bad and the Weird,
ha optado en esta ocasión por dejarse de sutilezas y lanzarse a la
piscina del cine extremo. Todo para
conseguir, en sus propias palabras,
“una película enfocada en las emociones y acciones de dos hombres
torturándose el uno al otro en el
nombre de la venganza”, pudiendo
así “observar la energía primitiva
que surge del choque entre una furia desenfrenada, como un volcán
en erupción, y una locura glacial”.
Y es que la película se centra en
la confrontación entre Kyung-chul
(Choi Min-sik), un psicópata peligroso, y Soo-hyun (Lee Byung-hun),
un agente secreto. El primero, que
lleva un tiempo asesinando chicas
jóvenes sin que las autoridades
puedan ponerle la mano encima,
escoge como víctima a la que
resulta ser la hija de un jefe de
policía jubilado. Y el segundo resulta ser el prometido de la misma,
de ahí que cuando se descubre
su cuerpo descuartizado, prometa
que hará sentir a su asesino todo
el dolor que le inflingió. Así, con
la ayuda de su entrenamiento y
los medios que puede conseguir
como agente secreto, Soo-hyun se
dedica a perseguir al psicópata,
acechándole y torturándole a cada
paso que da, para convertirse en
su peor pesadilla.
Claro que los momentos sanguinolentos a los que da pie su trazado
argumental no deberían impedir
ver que, por encima de todo, lo
que Jee-woon ha logrado es un
thriller vibrante, imparable, en el
que las escenas gore no son más
que parte del engranaje que marca un ritmo narrativo constante,
que casi no deja descanso al espectador. Y de cuyas imágenes,
excepto aquellos con estómagos
más sensibles, es casi imposible
despegarse gracias a las magnéticas interpretaciones de Min-sik
(según el director, “ardiente como
una bola de fuego”) y Byung-hun
(que “no muestra límites al ofrecer
expresiones detalladas”), en un
combate actoral casi tan radical y
apasionante como el que enfrenta
a sus dos personajes.
LAST DAY
De hecho, la presencia del protagonista de Oldboy hace muy tentador
relacionar I Saw the Devil con la
trilogía de la venganza de otro habitual de Sitges, Park Chan-wook,
ya que al fin y al cabo también
“aborda la ética y cuestiona si es
correcto llevar a cabo una venganza sangrienta”. Sin embargo,
Jee-woon no pretende estilizar la
violencia ni realizar metáforas
poéticas: lo suyo es una brutal e
inteligente inversión de los roles
del slasher, convirtiendo en esta
ocasión al psicópata en el acosado, torturado y vejado.
Con la entrega de la Màquina del
Temps a Kim Jee-woon
¡Atención, atención! Se avista sorpresa. Presentada en la sección
más radical del festival de Berlín
y premiada en el certamen de
Málaga, Fin sigue la estela de cineastas como Gus Van Sant, y especialmente de la trilogía formada
por Gerry, Elephant y Last Days.
La trama sólo aparece al final del
filme, pues durante buena parte
del metraje hay mucho suspense.
Dos chicos y una chica se citan en
un punto de las afueras de Barcelona. A lo lejos se pueden ver las
luces de la ciudad y las tres chimeneas de Badalona. La tensión
no tarda en aflorar: entre ellos no
se conocen y el chico, que parece
ser quien lo ha organizado todo, se
enfada al ver que una de las chicas
es de origen árabe. Ellas se van
andando, él se va en coche. Durante un momento se distancian y el
espectador se pregunta qué ha pasado. Cuando se vuelven a juntar,
las preguntas siguen allí: ¿quiénes
son estos chicos y qué van a hacer? ¿Acaso planean deshacerse
de alguien? ¿Asaltar algún sitio?
Los diálogos alimentan el suspen-
se (en un momento mencionan la
policía) y las imágenes se adentra
en lo anímico.
El director, Luis Sampieri, filma
todo con una cámara digital que
sigue a sus personajes mientras
deambulan por el bosque. Los
elementos resultan mínimos, pero las sensaciones se reproducen: sólo tres protagonistas, poco
menos de una única localización
y muy poca trama. El paisaje termina por ser el cuarto personaje.
Los chicos pasean por un bosque
árido y se juntan en un frontón rocoso. Pese a la cámara en mano,
Fin traza su discurso a través de
planos como el que deja al fondo
la ciudad: así, deja claro a qué
mundo pertenecen sus personajes, marginados de la sociedad y
pertenecientes a una naturaleza
áspera y salvaje. Sampieri realiza una película incómoda, por lo
que tiene de propuesta narrativamente radical, y sutil, por su
discurso encubierto en torno a la
soledad de los adolescentes de
hoy en día.
8
DIARI DEL FESTIVAL
S.O. Fantàstic Panorama Competició
Retiro 18:45
NOVES VISIONS - FICCIÓ
Prado 16:15
Red Hill
Defendor
KILL OLD BILL
EL VIGILANT
hagués passat ara al cinema”.
Defendor podria ser descrita com
el revers tenebrós de Kick-Ass.
Totes dues comparteixen un personatge principal quixotesc (no
solament perquè combat el crim i
protegeix els més febles, sinó també perquè el seu deliri, les seves
ínfules de venjador emmascarat,
provenen d’una exposició continuada a la ficció popular, en aquest
cas els còmics de superherois) i
una violència explícita que té com
a víctima principal el protagonista.
A Kick-Ass, com a Defendor, a qui
estomaquen tota l’estona no és
pas el dolent, sinó el “superheroi”.
Si eres de los que creen que no hay
nada más incómodo que el primer
día en un trabajo nuevo, espera a ver
lo que le sucede al agente Shane Cooper en su primera jornada laboral
como policía en Red Hill, un pequeño
pueblo situado en las Highlands australianas. Olvidarse la pistola en casa
y verse obligado a montar a caballo
por primera vez en su vida será solo
el inicio de una odisea en la que se
enfrentará a un asesino fugado de la
prisión, a la patrulla armada dirigida
por el reaccionario sheriff del pueblo, Old Bill, así como a una salvaje
amenaza que ronda por la noche las
escarpadas montañas.
Con Red Hill, su primer largometraje,
el reconocido director de publicidad
australiano Patrick Hugues realiza
un esteticista ejercicio de estilo intergenérico que debe tanto al western,
vertiente crepuscular estilo Eastwood (aunque combinado con toques
pulp que recuerdan a la saga del
Hombre sin Nombre de Leone), como al policíaco de serie B, con Asalto a la comisaría del distrito 13 de
Carpenter como máximo referente.
Si en 1976, Carpenter lleva a cabo
un espectacular tour de force al convertir el Rio Bravo hawksiano en un
claustrofóbico thriller policíaco, Hugues efectúa el ejercicio inverso y
convierte lo que podría ser un thriller
modelo “caza del hombre” (como
Rambo) en un estilizado, y sangriento, western de venganza.
Desde su inicio mismo, la película
nos sitúa claramente en la iconografía típica del western: paisajes escarpados, montañas asediadas por la
niebla y un pueblo fantasma, prácticamente abandonado, por cuya calle principal llega un forastero, Shane
(¿tal vez un homenaje encubierto al
maravilloso western de George Stevens?). Hugues sigue fielmente la
tradición del western filmando las
Highlands australianas en un espectacular scope, convirtiendo el paisaje
en un espacio icónico en el que campan a sus anchas grupos de duros
cowboys, agentes de la ley corruptos
e indígenas en busca de venganza.
Como en Training Day, de Antoine
Fuqua, otra historia sobre el descenso a los infiernos de un policía novato en su primer día de trabajo, la
acción de Red Hill se desarrolla en
tan sólo 24 horas, lo cual divide el filme en dos partes, correspondientes
a los segmentos diurno y nocturno.
Si durante el día abundan los planos
de exteriores y los grandes paisajes,
la noche es el espacio en el que Jimmy, el asesino aborigen fugado de
prisión, lleva a cabo su sangrienta
venganza. La estilización de la violencia y el humor negro que destilan
las secuencias nocturnas aproximan
la película a la ficción pulp y a la
estética de los cómics, de un modo no muy diferente a como lo hace
la obra tarantiniana: los planos de
Jimmy, paseando amenazante por
la desértica calle principal de Red
Hill, vestido con una gabardina y un
sombrero que le tapa la cara, remite
tanto a Leone como a la saga del Teniente Blueberry de Jean “Moebius”
Giraud.
De hecho, algo de los personajes
que Eastwood interpretó para Leone o en El jinete pálido está presente en Jimmy, el indígena desfigurado de rostro impenetrable,
a medio camino entre Edward J.
Olmos y Machete. Como un ángel
de venganza de cualidades sobrenaturales, Jimmy se enfrentará a
su archienemigo, Old Bill, interpretado por Steve Bisley, mítico actor
australiano conocido por su participación en Mad Max. Completando el triángulo de esta historia
de venganza a tres bandas encontramos a Ryan “Shane” Kwanten,
el guapísimo (y promiscuo) hermano de Sookie Stackhouse en True
Blood.
La nova onada de pel·lícules de falsos superherois (Kick-Ass, Super i,
ara, Defendor) ha provocat que els
fans del gènere es preguntin, com
va fer dimarts un periodista en la
conferència de premsa de Super,
si aquesta tendència no ha sorgit
com una reacció a la sobredosi de
ficcions de superherois que han
envaït (i ho continuaran fent: Marvel té previst, per al 2011, les estrenes de Thor i The First Avenger:
Captain America) les pantalles de
cinema. James Gunn, el director
de Super, va respondre rotundament: “És evident que aquest
subgènere sorgit en els darrers
anys, el del fals venjador, és una
reacció a aquestes pel·lícules. És
com si la deconstrucció de l’arquetip en els còmics, iniciada per
Alan Moore en els anys vuitanta,
En el film basat en el còmic de
Millar i Romita Jr., el protagonista era un adolescent, la màxima
motivació del qual per a vestir-se
amb malla era deixar de ser invisible per a les noies i aconseguir
més amics que ningú a Myspace.
En canvi, a Defendor, Arthur Poppington és descrit com un malalt
mental que pateix un trastorn de
personalitat que el fa creure que
és un justicier que ha d’eliminar
el seu arxienemic, un dolent imaginari anomenat Captain Industry.
Defendor és, en definitiva, una tragicomèdia sobre un ésser humà
ordinari que creu que té poders
extraordinaris i els problemes que
això li comporta. Woody Harrelson, un habitual de Sitges (fa uns
anys va presentar-hi Transsiberian
i el 2009 el festival projectà Zombieland), dota de comicitat i humanitat un personatge complex, a
mig camí entre salvador visionari
i psicòpata cruel. Tot i el sentit de
l’humor que destil·len els atacs
maldestres de Defendor (les seves
principals armes són unes bales
de jugar i unes abelles emprenyades), és impossible no sentir una
certa inquietud quan afirma que el
criminal a qui acaba d’apallissar
“era un mal home i els seus ulls
em deien que volia ser castigat”.
RANKING CRÍTICO
1. ¿Cuál es tu película favorita
del Festival?
2. ¿Cuál ha sido para ti la
película revelación?
Javier Ludeña – Revista
Fantastique
1. Super
2. The Dead
Juan Manuel Freire –
Rockdelux
1. Let me in
2. Monsters
Beatriz Martínez – Cahiers du
cinéma España
1. The Ward
2. Dream Home
Toni Junyent – Contrapicado
1. Super
2. Sound of Noise
Roberto Alcover – Dirigido
por...
1. The Ward
2. Catfish
Julián García – El Periódico de
Catalunya
1. The Housemaid
2. Rare Exports: A Christmas Tale
Alfons Gorina – Catalunya
Ràdio
1.Black Death
2. Stake Land
Desirée de Fez – El Periódico
de Catalunya
1. Thirteen Assassins
2. Notre jour viendra / Stake
Land
Alejo Moreno – TVE Dias de Cine
1. Somos lo que hay
2. Somos lo que hay
Rubén Romero – Público
1. I Saw the Devil
2. Dream Home
Àlex Gorina – Catalunya Ràdio
1. Uncle Boonme / Monsters
2. La nit que va morir l’Elvis
Fausto Fernández –
Fotogramas
1. Insidious
2. La doppia hora
Todd Brown – Twitch
1. Secuestrados
2. Atrocious
9
DIARI DEL FESTIVAL
CLOENDA
Auditori 19:30/01:15
Mother’s Day
LA MEVA MARE EM MIMA
els secrets i les mentides que tots
ells oculten als qui els envolten.
Cap pel·lícula millor per a tancar
Sitges que un remake de El dia de la
madre, aquell entranyable slasher
de Lloyd Kaufman que va participar
ara fa just vint anys a la secció
competitiva del festival. És clar
que, allà on el màxim responsable
de la Troma apostava per un humor
sarcàstic i obertament paròdic que
intentava compensar l’evident
manca de mitjans del projecte,
la seva actualització opta per un
acostament molt més seriós i
circumspecte al material de partida.
I és que amb Mother’s Day Darren
Bousman (que aquí s’espolsa del
damunt, definitivament, el pes de
la saga Saw) ha capgirat l’original,
partint del concepte de “prendre
la idea d’aquells personatges i ferlos reals”, per a la qual cosa s’ha
basat “en un crim real en el qual
dos germans van irrompre en una
casa, van mantenir segrestada
una família durant tota una nit i, en
acabat, els van matar brutalment a
tots”.
Així, Bousman i el seu guionista,
Scott Milam, han elaborat una
pel·lícula d’assetjament domiciliari
que manté una atmosfera tensa i
asfixiant, malgrat que l’acció no
es limiti a les quatre parets on
transcorre bona part de la trama.
Aquesta parteix de la fugida de
tres germans, Ike (Patrick John
Flueger), Addley (Warren Kole)
i Johnny (Matt O’Leary), que,
després del robatori fallit a un
banc, corren a refugiar-se a casa
seva… i descobreixen que hi ha
uns nous llogaters, Daniel (Frank
Grillo) i Beth (Jaime King), que han
muntat una festa amb un grup
d’amics, els quals prenen com a
ostatges mentre arriben la mare
(Rebecca de Mornay) i la germana,
Lydia (Deborah Ann Woll). Entre
tots ells comença el joc del gat i el
ratolí que va revelant, a poc a poc,
SESSIONS ESPECIALS
Auditori 12:00
Els fans del Bousman més gore i
pop, el de Repo! The Genetic Opera,
potser se sentiran decebuts pel
plantejament de tensió psicològica
de Mother’s Day (la qual cosa no
vol dir pas que no hi hagi detalls
sagnants, i és clar que n’hi ha!).
Però si es desempalleguen dels
prejudicis i es deixen portar per
la narració, podran descobrir una
nova i estimulant faceta del director
nord-americà, que ha volgut fer
una pel·lícula que “faci sentir molt
incòmoda a la gent, no pas per la
violència o pel llenguatge emprats,
sinó que són les situacions les que
faran que la gent se senti així”.
Les seves referències han estat,
en aquest cas, “les pel·lícules de
terror de finals dels setanta i fins
a mitjans dels vuitanta”, és a dir,
slashers amb esperit de revenge
movies com ara La última casa a la
izquierda, Las colinas tienen ojos i
La violencia del sexo, i també el
vessant més paranoic del Polanski
de Repulsión, La semilla del diablo
i El quimérico inquilino.
això te la creus. Et creus les seves
picades d’ullet i els seus petits
gestos”. De fet, l’actitud maternal
que mostra envers els seus fills,
entre protectora i coercitiva,
permet al director desenvolupar
tota una lectura de fons sobre el
concepte de maternitat que resulta
d’allò més suculenta…
Amb l’entrega de la Màquina del
Temps a Rebecca de Mornay
Una de les grans cartes amb
què compta Bousman és la
interpretació de Rebecca de
Mornay, nova reivindicació (i van…)
de l’actriu de La mano que mece
la cuna, i en què ha potenciat al
màxim “la seva habilitat per a
interpretar d’una manera subtil i
intimidadora: no sobreactua, i per
RUEDA DE PRENSA de LET ME IN
Herois
EL BELLO VERANO
El final de Sitges es, para muchos,
una experiencia muy similar a los
últimos días de los veranos de
nuestra infancia. Nos embarga
una dulce tristeza al rememorar
esos diez días que son como una
vida entera, recordando las películas que nos han hecho vibrar (y
también las que nos han horripilado, porque sin ellas esto no sería
lo mismo), los buenos ratos que
hemos pasado con amigos a los
que, quizás, no vemos durante el
resto del año. Llega la hora de las
despedidas, y aunque querríamos
que esto no terminase nunca y vivir
siempre cobijados por la sombra
de King Kong, sabemos que el año
pasado volveremos aquí a principios de octubre a pasar miedo, a
sufrir (pero también, quizás, reír)
dentro de una sala oscura.
Por eso hemos creído que, tras una
semana y media de monstruos,
matarifes, fantasmas y extraterrestres; de apuñalamientos, tiros y escabechinas varias, era el momen-
to de contrarrestar tanto material
malsano con una película que nos
sirviera de bálsamo y nos devolviera a otros tiempos más inocentes,
cuando nuestro grial era un álbum
de cromos y todavía creíamos en
la aventura y en las cosas que son
más grandes que la vida.
Sala (Alex Brendemühl), el protagonista de Herois, ya no tiene
tiempo para creer en estas cosas.
Su ajetreada vida de publicista no
se lo permite. Lleva tanto tiempo
vendiendo sueños a los demás
que ya no recuerda los suyos propios. Pero, como decía la canción,
algo en él hará “click” cuando conozca a Cristina (Eva Santolaria),
una chica que lleva una existencia
completamente opuesta a la suya
y que le hará recordar los veranos
de su infancia y las aventuras con
su pandilla.
“Lo que daría por creer a ciegas
–explica su director, Pau Freixas-,
sin peros ni matices. Los niños lo
hacen, y los adultos… los adultos
tenemos que esforzarnos. La magia existe, de eso estoy seguro,
pero es necesario saber verla, querer que se cumpla, y recordar que
un día creímos y que ésos fueron
los mejores años de nuestras vidas. Esta película habla de esto”.
Freixas, buen amigo del festival
–su segundo filme, Cámara oscura, fue la encargada de inaugurar
la edición de 2003-, cita a Steven
Spielberg y a Robert Zemeckis como referentes más inmediatos a la
hora de plantear un filme que aboga por la épica de bocadillo y que
tras proyectarse en el festival de
Málaga –donde se llevó el premio
del público y el de mejor vestuarioya se ha ganado comparaciones
nada gratuitas con Los Goonies.
Buena parte del éxito de Herois se
debe a un guión con las dosis justas de humor y emoción, firmado al
alimón por el propio Freixas y por
Albert Espinosa, quien hace gala
de la personal sensibilidad que ha
demostrado en su brillante trayectoria como novelista, dramaturgo y
guionista: “Herois rememora una
época donde todo era posible –explica Espinosa-. Una época donde
los sueños se cumplían. Sin duda,
deseamos que la película conecte
tanto como sus precedentes y consiga que el público siga confiando
en que, si crees en los sueños, éstos se pueden crear”. Tú y yo podemos ser héroes. Aunque sólo sea
por un día.
Dos años después del exitoso paso por Sitges de Déjame entrar,
llega Let me in, una película que,
según su director, Matt Reeves,
“no es tanto un remake del filme
de Tomas Alfredson como una
nueva versión, ambientada en
Norteamérica, de la novela de
John Ajvide Lindqvist”. Reeves, el
responsable de Monstruoso y cocreador, junto a J.J. Abrams, de
Felicity, presentó Let me in junto
a Kodi Smith-McPhee, co-protagonista también de La carretera, el
filme de clausura de Sitges 2009.
Según Reeves, al principio rechazó dirigir la película porque pensaba que la adaptación que había
hecho Alfredson de la novela era
fantástica, pero luego, “al leer el
libro me di cuenta de que, en realidad, era un cuento iniciático, y
que Lindqvist estaba retratando
cómo era crecer en Suecia durante los 80. Me sentí profundamente identificado porque yo también sufrí, como lo hace Oskar, un
doloroso proceso de divorcio de
mis padres. Hablé mucho con
el autor y me di cuenta de que,
como a él, lo que me interesaba no era contar una historia de
vampiros, sino plasmar una visión terrorífica de la adolescencia”.
Como Oskar, el niño de Déjame
entrar, Owen es un niño solitario,
que no tiene absolutamente a
nadie: “Decidí que los padres de
Owen estuvieran prácticamente
ausentes. Quería crear ese universo melancólico y oscuro, sin
adultos, similar al de las tiras de
Charlie Brown. Abby es, en realidad, la única persona con la que
Owen conecta, por eso es tan
dramático cuando, en un momento determinado, ella decide que
ya no quiere estar con él”. El patio
central del bloque de pisos en el
que viven Owen y Abby es uno de
los espacios más importantes del
filme: “He intentado que todo se
narrara a través de los ojos del
niño protagonista. Ese niño solitario y perdido que, como James
Stewart en La ventana indiscreta,
espía lo que hacen sus vecinos
a través de ese patio central. Lo
he convertido en una especie de
voyeur.”
10
DIARI DEL FESTIVAL
ENTREVISTA A SRDJAN SPASOJEVIC,
DIRECTOR DE A SERBIAN FILM
TROBADA AMB IM SANG-SOO
todo en los que sienten curiosidad
por lo que está ocurriendo a día de
hoy en Serbia.
¿Cuáles han sido las referencias
cinematográficas empleadas para construir A Serbian Film?
Sobre todo las películas americanas de los años 70, como las de
William Friedkin, Sam Peckinpah,
David Cronenberg, John Carpenter,
Brian de Palma, Roman Polanski,
Walter Hill… Toda esa clase de directores que a mí, particularmente, me encantan. Igual que ellos,
lo que he querido es combinar mis
sentimientos con esa forma de narrar tan visceral, tan extrema, siempre desde una mirada moderna,
más o menos actualizada. Como si
William Friedkin se hubiera llevado
a Chuck Norris a rodar una película
a Serbia, vamos.
¿De dónde parte el concepto de
mezclar porno y snuff movies?
La idea básica era la de llevar a
cabo una metáfora de la existencia
humana. Me planteé la pornografía como una proyección de la vida
real, y cómo en cualquier trabajo
que consigues acabas siendo brutalmente explotado por tus jefes.
Así que el snuff viene a ser, respecto al porno, como aquello a lo que
nos arrastra una sociedad como
aquélla en la que vivimos.
La película puede verse como
una gran metáfora sobre la realidad serbia. ¿Ha sido algo intencionado?
En cierta manera, ésa era mi intención cuando hice A Serbian Film.
La rodé de forma muy instintiva y
honesta, siendo consciente de que
ésta era, para mí, la única forma
de poder hablar de nuestros problemas. Se trata de una metáfora
general, pero puede aplicarse fácilmente a Serbia porque es un país
en el que a la gente no le gusta
hablar de conflicto alguno, y cuando intentas sacarlos a la superficie, te encuentras con todo tipo de
problemas. Todo el mundo prefiere
vivir como si todo fuera de color
de rosa.
¿Alguna escena del filme resultó
demasiado fuerte a la hora de
rodarla?
No, todo lo que quería que apare-
ciera está en la versión final. De
todas formas, durante el rodaje
resulta muy difícil ser consciente
de lo que el espectador va a sentir ante el producto acabado, porque tienes que estar pendiente de
multitud de detalles técnicos y de
responder a todas las cuestiones
que te plantean. La verdad es que
la filmación fue muy normal, divertida… Como cualquier otra, vamos.
Por supuesto, yo tenía muy claro lo
que quería decir, pero tanto a los
actores como al equipo les resultaba difícil ser conscientes de lo que
la película después transmitiría.
¿Se ha estrenado ya en Serbia?
Sí, primero se proyectó en un festival cinematográfico, y hace un mes
que empezó a distribuirse comercialmente en cines.
¿Qué reacciones ha obtenido?
Muy diferentes. Hay gente a la que
le ha encantado, otros la han odiado… Pero ha provocado mucha polémica porque aborda problemas
muy pegados a la realidad serbia, y
hay muchos que no quieren que estos se expongan, y mucho menos
afrontarlos. Hay quien piensa que
el filme produce una mala imagen
del país, sobre todo los partidos
nacionalistas, porque incluye sexo,
violencia, mujeres desnudas y, claro, encima se llama A Serbian Film.
La verdad, el mejor recibimiento lo
ha tenido en el extranjero, sobre
¿Seguirás utilizando en tus próximos proyectos este tono tan polémico?
Mientras estaba rodando A Serbian Film, jamás me planteé hacer una película sólo para provocar controversia, para sorprender
o para romper récord alguno. Mi
intención, era, sencillamente, ser
honesto con mis propias ideas.
Así que, sí, en ese sentido, en mis
próximos proyectos utilizaré el mismo tipo de tono y la misma energía.
No se trata tanto de intentar seguir
el camino marcado, como de intentar ser coherente con mi concepto
de lo que es hacer cine.
Després del seu pas pel festival
de Canes, Im Sang-soo ha arribat a Sitges per presentar The
Housemaid, remake del film homònim de Kim Ki-young. El director coreà va fer la presentació
de la pel·lícula a la sala Tramuntana, on va començar recordant
els seus inicis en els festivals
internacionals i, amb molt sentit
de l’humor, explicà com abans
d’una de les primeres entrevistes que li van fer (al festival de
Berlín, on presentà, en la secció
Panorama, Tears) va pensar que,
com que era un director desconegut, no li farien gaires preguntes. Per a sorpresa seva, l’entrevista va acabar sent d’allò més
interessant.
Amb més experiència que aleshores, Im Sang-soo ha parlat a
Sitges sobre la The Housemaid
original, una pel·lícula que fins fa
poc era desconeguda a Occident
i també, tal com va explicar Im, a
Corea del Sud. Distanciat del film
original, Im Sang-soo va dir que
“aquest és un film dels anys seixanta, una època en què l’única
gent que feia cinema a Corea era
la màfia. Kim Ki-young era l’únic
intel·lectual i va sobreviure en
aquest món d’una manera mi-
raculosa. Ara l’estem descobrint
i, a mesura que el descobrim a
ell, veiem també que hi havia
un cinema d’autor a Corea”. Im
Sang-soo també va afirmar que
a ell personalment no li agradava
el cinema de Kim Ki-young, director admirat per altres directors
autòctons, com ara Park Chanwook o Bong Joon-ho; ara bé, sí
que assenyalà algunes similituds
entre ambdues pel·lícules: “L’original descriu la Corea dels anys
seixanta; la meva, la del 2010.
Aleshores no hi havia classe mitjana; en canvi, ara tothom creu
formar part de la classe mitjana i
ningú no s’adona que, en realitat,
estem controlats pels rics”.
Continuant amb les comparacions amb la cinta original, Im
Sang-soo va parlar del final de
la seva pel·lícula: “Odio que em
preguntin pel final; en el fons, jo
estava pensant en els kamicazes que se suïciden a l’Afganistan i l’Iraq”. I afegí: “En el film
del 1960, el pare intenta que
l’affaire que té amb la minyona
no destrueixi la seva família; en
la meva, tant se li’n dóna tot
i la família, si vol venjar-se’n,
tampoc no té els mitjans per a
fer-ho”.
COL·LOQUI CAHIERS DU CINÉMA: EL CINEMA
FANTÀSTIC, AUTORIA DEL SUBGÈNERE
Auspiciat per l’edició espanyola
de la prestigiosa revista francesa,
aquest col·loqui volia oferir una
certa reflexió sobre la figura de
l’autor dins del cinema fantàstic,
en general menyspreada pels cercles crítics no afins al gènere. Com
a representants de Cahiers hi van
participar José Enrique Monterde
i Roberto Cueto, a més d’Antonio
Trashorras i Jesús Palacios per
part de Fotogramas i el moderador, Antonio José Navarro, per Dirigido por. El debat va voler plantejar la major presència de formes
autorals en el fantàstic dels últims
anys, però en general la conclusió
a la qual es va arribar és que, en
realitat, el gènere sempre ha jugat
amb les figures narratives de moda, buscant sorprendre i subvertir
les expectatives de l’espectador.
11
DIARI DEL FESTIVAL
NOVES VISIONS-FICCIÓ
Prado 23:00
TAULA RODONA HAMMER REANIMATED: LES
PRODUCCIONS HAMMER PER AL NOU MIL·LENNI
Isolation
¿QUÉ ME PASA, DOCTOR?
Desde Náufragos, de Hitchcock,
hasta la muy reciente (y flamante
ganadora del Méliès d’Or de este
año) Buried, de Rodrigo Cortés,
los thrillers localizados en un único escenario aparecen de forma
recurrente en las pantallas de
cine. Sujetos a una premisa de
partida tan sugerente como inquietante, estos filmes suponen
para sus directores un auténtico
desafío narrativo, pero también
una posibilidad de desplegar todas sus habilidades técnicas y de
puesta en escena. Isolation, el
nuevo filme de Stephen T. Kay, responsable de Get Carter, en la que
participó Stallone, y Boogeyman,
pertenece a este tipo de películas
que parten de una idea brillante
y en las que lo realmente complicado es mantener el suspense a lo largo de todo el metraje.
Eva Amurri, vista en Californication y House, interpreta a Amy,
una joven que, un día, se despierta en una habitación de hospital.
No recuerda cómo ha llegado hasta allí y las únicas personas a las
que ve y con las que habla son un
enfermero y un médico que nunca
se quitan las mascarillas porque,
como le explican, ha contraído
una enfermedad altamente infecciosa. Aislada, sin contacto con el
mundo exterior y totalmente dependiente de esas dos personas
desconocidas, Amy pronto empezará a sospechar que algo raro
sucede en ese supuesto hospital.
Stephen T. Kay utiliza una narrativa fracturada, con continuos y
desordenados flashbacks que, a
modo de un rompecabezas, se
van colocando cada uno en su
lugar para, finalmente, revelar
la terrible verdad que subyace
bajo el secuestro encubierto de
la protagonista. A pesar de los
flashbacks, la mayor parte de
la película sucede en una sola
habitación, la desnuda estancia
(una cama, unas cortinas de plástico, un gotero...) en la que pasa
los días, medio sedada, Amy. Es
mérito del director mantener el
suspense hasta el final del filme,
con una sabia dosificación de la
información y una sucesión de
giros que llegan al paroxismo
con la terrorífica secuencia final.
El terror en Isolation es mucho
más psicológico que evidente:
Kay se aparta del gore (aunque
hay una brutal escena de degollación con un bisturí) para entrar en el terreno de la tortura
mental. El miedo y la claustrofobia que siente la protagonista
se reflejan en los movimientos
nerviosos de una cámara que no
deja de moverse y de acosarla
de un modo incesante. Si alguna
vez has pensado que los médicos, con esas batas y mascarillas
que les tapan media cara, son
unos seres absolutamente terroríficos, Isolation te dará razones
para tenerles aún más miedo.
Aprofitant l’estrena de Let Me In,
que suposa el retorn de Hammer
Films a les produccions fantàstiques, s’ha celebrat una taula
rodona entorn de la resurrecció
de la mítica productora britànica. A l’acte, moderat per Antonio
José Navarro i que també ha servit de presentació del llibre del
festival, Pesadillas en la oscuridad. El cine de terror gótico, hi
han estat presents dos experts
en l’època clàssica de la Hammer: David Pirie i Roberto Cueto,
a més de Matt Reeves, director
de l’esmentat remake. Reeves
ha valorat el seu nou treball com
un esforç de la productora per
modernitzar la figura del vampir
acostant-lo a la societat actual.
En aquest sentit, Pirie considera
que Let Me In és un molt bon
començament per a Hammer
Films i que l’increment de la dotació econòmica els assegura un
bon futur i permetrà el desenvolupament de projectes com ara
The Woman in Black, de James
Watkins; The Resident, d’Antti
Jokinen (amb Christopher Lee),
i The Way Back, de Peter Weir, i
també la recuperació, des d’una
perspectiva actual, del professor
Quatermass. De segur que el recentment desaparegut Roy Ward
Baker, que va dirigir (entre moltes d’altres dins de Hammer) la
tercera pel·lícula del personatge,
la mítica ¿Qué pasó entonces?,
n’estaria ben orgullós.
presentació Llits 3d
El 17 d’octubre, en el marc del
festival de Sitges, s’estrenarà
Llits 3D, la pel·lícula en 3D feta a
partir de l’espectacle “Llits” de
Lluís Danés. Compta amb banda sonora original de Lluís Llach
i Borja Penalba, coreografia de
Mar Gómez, lletres de Feliu Ventura, el moviment de circ d’Olivier
Roustan i les actuacions d’Albert
Pla, Lídia Pujol i 7 artistes de circ. Llits 3D és una experiència pionera al món que uneix un
espectacle teatral i circense amb la tecnologia 3D, i és
la primera producció en 3D
d’un espectacle a Espanya.
“Llits” va fusionar la música, el
circ i el teatre visual per narrar la
història d’un personatge a través
dels diversos llits que marquen
la nostra vida.
12
DIARI DEL FESTIVAL
SEVEN CHANCES
Prado 20:15
BURIED (ENTERRADO)
GUANYA EL PREMI MÉLIÈS D’OR
Raavan
LOCALISME I GLOBALITZACIÓ
nes de les personalitats cinematogràfiques del seu país més conegudes internacionalment, com ara
la parella (tant en la ficció com en
la vida real) d’actors formada per
Abhishek Bachchan i Aishwarya
Rai Bachchan o el compositor A. R.
Rachman (guanyador dels Oscar a
la millor banda sonora i a la millor
cançó per Slumdog Millionare).
La primera seqüència de Raavan
ja desmunta bona part dels tòpics
que molts associen amb el cinema facturat a Bollywood. Es tracta
d’una obertura trepidant que alterna diverses accions simultànies:
un home llançant-se a l’aigua des
d’un precipici; una baralla entre la
policia i un grup de bandits; una
noia que és segrestada... El veterà
director Mani Ratman (seves són,
per exemple, Nayakan, Agni Natchathiram, Gitanjali, Anjali, Dil Se...)
ha volgut donar el tret de sortida
al film situant l’espectador enmig
d’unes situacions límit de les quals
desconeix el context: Qui és l’heroi
i qui és el malvat? Quins motius
s’amaguen darrere el segrest?
Durant molts (massa) anys, ha
semblat que s’acceptava que les
pel·lícules fetes a Bollywood eren
impenetrables per als ulls occidentals, peces exòtiques que s’observaven amb més distància irònica que fascinació sincera. Una
entrada més, en definitiva, en el
diccionari de qualsevol persona
que vulgui presumir de multicultural. Raavan, en canvi, no entén de
fronteres: Ratman absorbeix codis
i estilemes propis de Hollywood i
dissenya escenes d’acció que no
tenen res a envejar als millors exponents del gènere, tant occidentals com orientals. Malgrat que el
film manté elements característics
de Bollywood, com ara les inevitables seqüències musicals, la
voluntat del director sembla clara:
crear una pel·lícula globalitzada
en el millor sentit de la paraula:
fidel als seus orígens, però oberta
a públics de qualsevol procedència. Podríem dir que el seu desig
d’alliberar-se de tòpics i rigideses
estilístiques converteix Raavan en
un film tan rebel com el seu protagonista, Beera, una mena de Robin Hood hindú que viu amagat al
bosc, en comunió amb la natura i
enfrontat a una autoritat corrupta.
La seva amplitud de mires és subratllada per la participació d’algu-
Com molt bé diu Mirito Torreiro
(padrí de la pel·lícula al festival),
“la inclusió d’un títol com ara Raavan en el si de Seven Chances denota una indubtable obertura cap
a terrenys del cinema globalitzat
poc explorats en aquesta mena de
propostes, més atentes al cinema
d’autor, i serveix, de passada, per
a encetar un debat sobre l’abast
que pel·lícules fetes amb voluntat
popular, però adreçades a una audiència culturalment diferent, poden tenir en contextos tan llunyans
com, en el fons, impensables”.
El film de Rodrigo Cortés, que
va deixar boníssimes sensacions al seu pas pels festivals
de Sundance i San Sebastián,
ha guanyat ara el premi Méliès
d’Or a la millor pel·lícula europea
de gènere fantàstic, guardó que
atorga l’European Fantastic Film
Festivals Federation (EFFFF) entre les guanyadores del Méliès
d’Argent del mateix any.
No n’hi ha per a menys, ja que
el director gallec ha construït
una autèntica peça d’orfebreria
cinematogràfica, on cada detall
encaixa perfectament dins la
construcció dramàtica en què
s’ha aprofitat al màxim el reduït
espai on transcorre tot el metratge (un taüt enterrat al bell
mig del desert de l’Iraq, d’on
la càmera no surt en cap moment). I és que Buried segueix
durant noranta minuts els esforços del camioner Paul Conroy
(Ryan Reynolds) per aconseguir
el rescat que li demanen els iraquians que el tenen segrestat,
amb l’única ajuda d’un telèfon
mòbil amb poca cobertura, una
llanterna i un encenedor. El tour
de force, tant de Cortés com de
Reynolds, suposa un pas més
enllà d’altres propostes claustrofòbiques com ara Náufragos,
La cabina i Última llamada.
En la gala de lliurament de
premis també es va concedir
el Méliès d’Or al Millor Curtmetratge, que va rebre El ataque
de los robots de Nebulosa-5. A
més, es van projectar una sèrie
de curtmetratges, i va tenir lloc
la première mundial de We Are
the Night.
Alguien tenía que publicarlo
¿Quién no recuerda aquella frase repetida una y mil veces en
la máquina de escribir? Hoy, por
fin, ese texto ve la luz. El festival
de cinema de Sitges y China, su
agencia de publicidad, rinden homenaje a El Resplandor con motivo de su 30º Aniversario. Qué
mejor manera de hacerlo que publicar unos pocos ejemplares de
la obra inédita de Jack Torrance.
Este ejemplar de No por mucho
madrugar amanece más temprano es para ti. Esperamos que te
guste. Seguro que a él le hubiera
encantado.
13
DIARI DEL FESTIVAL
SITGES CLÀSSICS - ELS ALTRES FANTÀSTICS
Prado 10:30
SITGES CLÀSSICS
Prado 12:15
NO ESTEM BOJOS
UNA VEZ TUVE UN SUEÑO…
Manicomio
En un món de xarxes en què els
arxius s’envien, es comparteixen
i es descarreguen amb una faci·
litat extraordinària, o per als més
mitòmans que col·leccionen el ca·
da vegada més arcaic DVD, o fins
i tot el prehistòric VHS, on tot es
pot trobar on line o bé enregistrat
en algun format, encara hi ha pel·
lícules que viuen ocultes als for·
mats domèstics. Un d’aquests
tresors introbables és Manicomio,
de Luis María Delgado i Fernando
Fernán-Gómez. Tota una raresa
cinematogràfica que el festival de
Sitges presenta quasi en exclusiva
per als fans del cinema fantàstic
i, sobretot, per als apassionats
per descobrir un cinema diferent.
Després que John Carpenter ens
endinsés en un manicomi amb The
Ward, l’opera prima de Fernán-Gó·
Dreams
mez, rodada l’any 1954, ens sub·
mergeix en un relat de caire sur·
realista, on el disbarat és la cosa
més normal. Complexa i incompre·
sa en el seu moment, Manicomio
parteix de la visita que un jove fa
a un psiquiàtric quan va a veure la
seva promesa. Els elements de lu·
cidesa i bogeria es barregen entre
doctors i pacients creant un clí·
max inquietant. Un apassionat de
la lectura, Fernán-Gómez es basa
en contes curts escrits per quatre
escriptors de fort caràcter literari;
així, reinterpreta “El sistema del
doctor Quitrà i el professor Plo·
ma”, d’Edgar Allan Poe; “La mona
de imitación”, de Ramón Gómez
de la Serna; ”Una equivocación”,
d’Alexander I. Kuprin, i “La idea”,
de Leonid Andréiev.
Una raresa deliciosa que ara te·
nim l’oportunitat de veure gràcies
al festival i que no trobarem per
altres vies alternatives que no si·
guin el cinema, i en la qual podem
gaudir, a més, d’una de les poques
aparicions cinematogràfiques d’un
jove Camilo José Cela. No cal dir
que la pel·lícula va ser un fracàs co·
mercial, incompresa pel públic i per
una crítica poc intel·lectualitzada
,que discrepava del cinema més
conceptual i de característiques
afrancesades.
Mar Canet
La casa del cine
www.lacasadelcine.es
Hay un elemento visual que se re·
pite sin excepción en las más de
treinta películas que Akira Kurosa·
wa dirigió a lo largo de su carrera:
la lluvia.
Mediante el uso recurrente de
este fenómeno meteorológico, el
cineasta japonés creó un leitmotiv
que cruzó toda su obra y que le
sirvió no sólo para elaborar una
estética, sino también una nar·
rativa propia con la que expresar
toda una serie de sentimientos y
emociones humanas, desde el do·
lor hasta el éxtasis, desde la vida
hasta la muerte.
Esta particularidad ha hecho
que Kurosawa sea conocido por
muchos como el cineasta de la
lluvia, un adjetivo que a pesar de
haber sido ganado a pulso, no da
cuenta de la verdadera dimensión
de su cine.
mo el bello resumen de toda una
vida, y una carrera dedicada a la
difícil tarea de buscar aquello ex·
traordinario que se esconde bajo
las simples apariencias.
Para entender de qué está hecho
realmente el trabajo de este direc·
tor sería bueno tener paciencia, es·
perar a que pare de llover y prestar
atención a uno de sus últimos títu·
los, la película Dreams, de 1990.
Es justo ahí, en el fantasma de
color que se esconde tras las go·
tas de agua, donde reside la au·
tentica esencia del cine de Akira
Kurosawa y es en ese lugar, mági·
co y real a la vez, donde siempre
permanecerá por muchos años
que pasen.
En “El sol brilla bajo la lluvia”, el
primer sueño que abre este filme,
un niño observa la lluvia caer sobre
el bosque que hay frente a su casa.
Al verlo, su madre le avisa de que
en días como estos, en que llueve y
hace sol, los zorros se emparejan.
Fascinado por esta noticia, el niño
corre al bosque y allí se convierte
en secreto espectador de este fan·
tástico ritual. Finalmente deja de
llover y el protagonista es descubi·
erto. Su madre le obliga entonces
a ir a disculparse ante los zorros
allá donde estos habitan, bajo el
arco iris.
A partir de aquí, como si de un
prisma se tratase, Dreams con·
sigue descomponer a lo largo de
sus siete relatos posteriores (el
numero no es casual) los diferen·
tes matices que configuraron la
mirada única de este cineasta;
desde la visión más amable del
mundo (El huerto de los melocotones) hasta la más apocalíptica
(El monte Fuji en rojo), las imáge·
nes de este filme se revelan co·
Sergio Morera
Joves alumnes de La casa del cine
www.lacasadelcine.es
EL DIARI
DEL FESTIVAL
Coordinació:
Ricardo Reparaz
Violeta Kovacsics
Redacció:
María Adell, Tonio L. Alarcón,
Gerard Casau, Covadonga
G. Lahera, Violeta Kovacsics
Disseny:
Estudio Fénix
(Juan Carlos Gómez
Marta Riera
Francisco Valenciano)
Fotògrafs:
Miguel Ángel Chazo
Jesús París
Corrector:
Xavier Vives
Voluntària:
Patricia Salvatierra
14
DIARI DEL FESTIVAL
PROGRAMACIÓ
AVUI - DISSABTE 16
10:00h. Retiro
S. O. Fantàstic Panorama Especials
I Saw the Devil
Kim Jee-woon. Corea del Sud, 2010.
Amb Lee Byung-hun, Choi Min-sik, Jeon
Guk-hwan. 143’.
14:15h. Auditori
Casa Asia
Detective Dee and the Mystery of
Phantom Flame
Tsui Hark. Xina, 2010. Amb Andy Lau,
Carina Lau, Tony Leung Ka-fai. 122’.
18:15h. Prado
Noves Visions - Discovery
Fin
Luis Sampieri. Espanya, 2010. Amb
Sergi Gibert, Ramia Chaoui, Irene Garres. 85’.
10:15h. Auditori
Focus 3D
Hybrid
Eric Valette. EUA, Alemanya, 2010. Amb
Oded Fehr, Shannon Beckner, Ryan
Kennedy. 98’.
Aquí teniu el vehicle assassí al qual
tant se li’n foten les multes, la ITV o
els punts del carnet. Amb l’esperit de
la millor sèrie B i un espectacular 3D,
Hybrid ens presenta la història d’una
parella de mecànics en la lluita per no
convertir-se en carburant d’un cotxe
que respira, corre i mata.
14:30h. Retiro
S.O. Fantàstic Competició
The Housemaid
Im Sang-soo. Corea del Sud, 2010. Amb
Jeon Do-youn, Lee Jung-jae, Youn Yuhjung. 106’.
18:45h. Retiro
S. O. Fantàstic Panorama Competició
Red Hill
Patrick Hughes. Austràlia, 2010. Amb
Ryan Kwanten, Steve Bisley, Tom E.
Lewis. 95’.
Amb uns paisatges impressionants i un
magnífic scope, ens arriba una autèntica història de venjança. L’agent Cooper
rep un avís: un violent assassí ha escapat de la presó. Sense armes ni cavalls,
Cooper s’enfrontarà a un furiós enemic
en un thriller brutal d’imatge exquisida.
14:30h. Prado
Noves Visions – No Ficció
Into Eternity
Michael Madsen. Dinamarca, 2010.
Amb Timo Äikäs, Timo Seppälä, Juhani
Vira. 75’.
En un poble de Finlàndia s’està
enterrant sota terra, perquè no torni
a veure la llum mai més, material
radioactiu de l’era nuclear. Un
documental necessari que, a través
de la poètica i el misteri de les seves
imatges, fa una reflexió profunda entorn
de les accions de l’home sobre el
planeta.
19:30h. Auditori
Gala Cloenda
Mother’s Day
Darren Bousman. EUA, 2010. Amb
Rebecca De Mornay, Jaime King, Patrick
Flueger. 90’.
10:30h. Prado
Sitges Clàssics - Els altres fantàstics 2
Manicomio
Luis M. Delgado i Fernando FernánGómez. Espanya, 1954. Amb Fernando
Fernán-Gómez, Susana Canales, Julio
Peña. 74’.
12:00h. Auditori
Sessions Especials
Herois (Héroes)
Pau Freixas. Espanya, 2009. Amb Eva
Santolaria, Alex Brendemühl, Emma
Suárez, Lluís Homar. 105’.
12:15h. Prado
Sitges Clàssics
Dreams
Akira Kurosawa. Japó, EUA, 1990. 119’.
12:45h. Retiro
The Perfect Host (El perfecto anfitrión)
Nick Tomnay. EUA, 2010. Amb David
Hyde Pierce, Clayne Crawford, Nathaniel
Parker. 93’.
Un ex-convicte veu com el robatori
que havia planejat minuciosament ha
acabat sent notícia de portada. Obligat
a buscar refugi, s’acaba infiltrant a la
casa d’un desconegut. Impredictible
thriller psicològic en el qual les aparences poden ser mortals.
16:15. Prado
Noves Visions – Dark Ficció
Defendor
Peter Stebbings. Canadà, 2009. Amb
Woody Harrelson, Elias Koteas, Michael
Kelly. 101’.
Heroi o amenaça? Aquesta pregunta val
per a tota mena de superherois, des de
Spiderman fins a Superman. Defendor
no escapa a aquest dubte i, malgrat
que no posseeix poders, sí que té
moltes ganes de repartir justícia. És un
ocell? És un avió? No, és un passarell
ple d’il·lusió!
20:15h. Prado
Seven Chances
Raavan
Mani Ratnam. Índia, 2010. Amb Abhishek Bachchan, Aishwarya Rai Bachchan,
Vikram. 136’.
20:45h. Retiro
S.O. Fantàstic Gales
Let me in (Déjame entrar)
Matt Reeves. EUA, Regne Unit, 2010.
Amb Kodi Smit-McPhee, Chloë Grace
Moretz, Richard Jenkins. 115’.
La història la coneixeu tots: un nen
solitari veu com una misteriosa nena es
trasllada al seu barri al mateix temps
que una sèrie d’assassinats es produeixen a la zona. Matt Reeves canvia la
Suècia dels vuitanta pels Estats Units
de la era Reagan en el remake americà
de la pel·lícula més important de 2008:
Let the right one in.
23:00h. Prado
Noves Visions - Ficció
Isolation
Stephen T. Kay. EUA, 2010. Amb Eva
Amurri, David Harbour, Joshua Close. 89’.
01:00h. Prado
Midnight X-Treme
I Spit on your Grave
Steven R. Monroe. EUA, 2010. Amb
Sarah Butler, Jeff Branson, Daniel Franzese. 107’.
The Violent Kind
The Butcher Brothers. EUA, 2010. Amb
Cory Knauf, Taylor Cole, Bret Roberts.
88’.
Norwegian Ninja
Thomas Cappelen Malling. Noruega,
2010. Amb Mads Ousdal, Jon Øigarden,
Trond-Viggo Torgersen. 77’.
Empusa
Jacinto Molina. Espanya, 2010. Amb
Paul Naschy, Antonio Mayans, María
Jesús Solina. 96’.
01:15h. Auditori
Marató Cloenda
Mother’s Day
Darren Lynn Bousman. EUA, 2010. Amb
Rebecca De Mornay, Jaime King, Patrick
Flueger. 90’.
I saw the Devil
Guk-hwan. 143’.
Detective Dee and The Mystery of
Phantom Flame
Tsui Hark. Xina, 2010. Amb Andy Lau,
Carina Lau, Tony Leung Ka-fai. 122’.
01:15h. Retiro
Merry Little Christmas (curt)
Red Nights (Nuits rouges du bourreau de jade)
Julien Carbon i Laurent Courtiaud. França, 2010. Amb Frédérique Bel, Carrie Ng,
Carole Brana. 97’.
The Pack (La Meute)
Franck Richard. França, Bèlgica, 2010.
Amb Yolande Moreau, Emilie Dequenne,
Benjamin Biolay. 85’.
After.Life
Agnieszka Wojtowicz-Vosloo. EUA, 2009.
Amb Christina Ricci, Liam Neeson, Justin
Long. 103’.
Frozen
Adam Green. EUA, 2010. Amb Kevin Zegers, Shawn Ashmore, Emma Bell. 93’.
SALA TRAMUNTANA
12:00
Trobada amb Srdjan Spasjevic i
Alexander Radivojevic, director i
productor de: A Serbian Film
16:30h. Auditori
Sessions Especials
Metropolis (Restored Original Cut)
Fritz Lang. Alemanya, 1927. Amb Alfred
Abel, Gustav Frölich, Brigitte Helm. 147’.
22:30h. Auditori
S. O. Fantàstic Panorama Especials
I saw the Devil
Guk-hwan. 143’.
16:30h. Retiro
Bedevilled
Jang Cheol-soo. Corea del Sud, 2010.
Amb Seo Yeong-heui, Ji Seong-weon,
Park Jeong-hak. 115’.
23:00h. Retiro
S. O. Fantàstic Panorama Competició
A Serbian Film
Srdjan Spasojevic. Sèrbia, 2010. Amb
Srdjan Todorovic, Sergej Trifunovic,
Jelena Gavrilovic. 104’.
BRIGADOON
DISSABTE
15:00 Estrena Brigadoon
Reflejos 2
EE.UU, 2010. Víctor García. 90’
16:45 Presentació
Eaters
Amb la presència dels directors
Marco Ristori i Luca Boni
17:45 Presentació
Seven. David Fincher. EE.UU, 1995.
127’.
Presentació i sorteig de l’edició de la
pel·lícula en BluRay i DVD
20:15 Estrena Documental
Alucardos – Retrato de un vampiro
Ulises Guzmán. México, 2010. 90’.
Amb la presència d’Ulises Guzmán
22:00 Cicle Sergio Martino
Lo strano vizio della signora
Wardh.
Italia, 1971. 96’. V.O.
23:50 Asian Trash Cinema
Superheroine Domination Hell:
Blast Force Rangers
Japón, 2010. Shaku Kan. 71’.
V.O.S.C.
DIUMENGE
From Within
Phendon Papamiachel. 2008,90’.
V.O.
13:40 Asian Trash Cinema
Tokyo Balistic War
Eiiji Kamikura, 2010. 69’. V.O.S.C.
15:00 CineAsia
Iodo / Io Island
Kim Ki-young, 1977. 110’. V.O.S.C.
17:00 Homenatge a Paul Naschy
Último Deseo
León Klimovsky, 1976. 93’
18:40 Ciclo Sergio Martino
Il tuo vizio é una stanza chiusa e
solo io ne ho la chiave
Sergio Martino, 1972. 96’. V.O.S.A.
Mega Piranha
Eric Forsberg, 2010. 90’. V.O.
22:00 Sessió sorpresa
15
DIARI DEL FESTIVAL
MARATONS DIUMENGE 17
AUDITORI 10:00
HYBRID 94’
THE SHOCK LABYRINTH: EXTREME 89’
AMPHIBIOUS 3D 86’
AUDITORI 16:00
FASE 7 96’
TUCKER & DALE VS EVIL 89’
THE LAST EXORCISM 87’
MONSTERS 93’
SECUESTRADOS 85’
RETIRO 14:00
INSIDIOUS 93’
SUPER 96’
RED NIGHTS 97’
DETECTIVE DEE AND THE MYSTERY OF PHANTOM FLAME 122’
MOTHER’S DAY 106’
PRADO 14:00
STAKE LAND 93’
14 BLADES 112’
I SAW THE DEVIL 141’
DREAM HOME 96’
CARNE DE NEÓN 113’

Dissabte 16 d`Octubre de 2010 - Festival Internacional de Cinema

Transcripción

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